Ahmad Alaa Eddin Siria Ana Banjac Bosnia Almalé & Bondía ...

“Rogo di luce” di Fernando Barredo, 2004
UN VERO PIACERE PER I SENSI di Ana M. Revilla
Non dico nulla di nuovo ne quando affermo che l’arte
e la creazione contemporanea vivono in una vertiginosa
voragine, ne quando dico che le teorie sull’arte
contemporanea progrediscono di continuo e che l’idea
di museo propria del XIX secolo è ormai obsoleta.
Oggi “l’arte non è solo realizzata dagli artisti in senso
proprio”, in primo luogo perchè viviamo in un’epoca
di relativismo artistico in cui non esiste un criterio
unico di distinzione tra cosa è e cosa non è arte - tutto
può essere arte – che porta allo sviluppo di diverse
teorie sia circa l’essenza della “artisticità” nel suo
“significato” sia circa il piacere estetico che essa
provoca - e in secondo luogo perché l’arte
contemporanea viene determinata da molti agenti e
fattori, creatori, artisti, curatori, musei, centri d’arte,
che cercano di trovare nuovi corsi e costruire un nuovo
discorso. Attraverso questo progetto possiamo
prendere parte alla costruzione di questo nuovo
discorso.
Il Museo di Arte Contemporanea di Casoria punta a
realizzare, oltre diverse sale espositive anche spazi
in cui gli artisti lavorino, laboratori d’arte, luoghi destinati
alla riflessione ed al dibattito sull’arte e le culture
contemporanee.
Come direttrice di un centro d’arte contemporanea
con caratteristiche ed obiettivi simili, apprezzo la
ricchezza di questo progetto e la sua capacità di
dialogare con gli agenti dell’arte contemporanea, con
il pubblico e con chiunque si mostri interessato a
conoscere ed a contribuire allo sviluppo delle nostre
manifestazioni artistiche, culturali ed estetiche.
“100 artisti per un Museo” raggruppa artisti provenienti
da diverse nazioni e che lavorano in diverse discipline.
Gli artisti spagnoli selezionati quest’anno mostrano
nelle loro creazioni, originalità, qualità e molteplici
possibilità di espressione e sfumature artistiche ed
estetiche.
Quando Javier Almalé e Jesús Bondía decisero di
iniziare a lavorare insieme, ognuno aveva già orientato
la propria pratica artistica verso la fotografia e la
creazione di video.
Il loro lavoro riflette una delle costanti artistiche degli
ultimi anni: smantellare la costruzione degli stereotipi
per la rappresentazione della realtà, rimetterla in
discussione e introdurre nuovi livelli di interpretazione.
Attraverso il loro lavoro essi cercano di provocare una
situazione estetica che sia intuitiva, costruire paesaggi
(o nozioni di paesaggi), inferni o paradisi mentali
contrassegnati dall’estasi estetica, l’amore, la
solitudine, il dolore. Descrivono un mondo singolare
in cui il naturale si trasforma in artificiale e quella
realtà in qualcosa di impossibile da interpretare
attraverso le sue proprie cose, è un paesaggio metafora
di un mondo in cui l’uomo non è la misura di tutte le
cose.
Le immagini del loro video sono uno shock sensoriale,
significanti di fronte a significati, una poetica che mette
in relazione amore e dolore. La presenza umana è
sparita.
Fernando Barredo, Loc, è un artista diverso, unico, e
il suo mondo artistico è definito da quella originalità,
da una visione speciale piena di ambiguità,
provocazione, di forza sensoriale, di potere mentale.
Nella sua opera, il punto di partenza si va trasformando
nella misura in cui l’artista lo elabora e lo lavora.
L’ambiguità fa sì che lo spettatore sia coinvolto, che
determini il contenuto dell’opera d’arte. Non ci sono
limiti nella scultura. L’opera d’arte si trasforma in una
moltiplicazione di processi di “incontro col reale”.
L’opera di Fernando Barredo è una sintesi tra la verità
accessibile e inaccessibile, tra la realtà e la magia.
Felix Anaut ha uno stile molto personale, attraverso
forme eccessive e opprimenti l’artista ridefinisce e
ripensa alle nozioni di soggetto ed essere umano.
Questo ricorso al teatrale rivela l’interesse dell’artista
per l’anatomia umana come via per investigare nell’arte
figurativa e nell’essere umano. Anaut sembra
rappresentare un postmodernismo conservatore:
promuove un ritorno alla figura, alla tradizione umanista
ed al soggetto. In definitiva, un ritorno al reale. Se
l’arte contemporanea si è allontanata dal mondo reale,
Anaut ci da’ una prospettiva del mondo molto
individuale basata sul ritorno del corpo.
Gloria Pereda ci offre un quadro di sottile poetica, di
colori soavi e contrastati e di forme piatte. Lo spettatore
ricerca un punto spaziale da cui dare inizio
all’interpretazione. Questo stimola l’interazione tra
l’opera d’arte e lo spettatore che si trova circondato
da un mondo estetico con un linguaggio unico pieno
di significati allegorici. Attraverso un’astrazione estetica
Iraida Cano, invece, ottiene un’opera d’arte che è
stata creata come una forma artificiale per integrarsi
col mondo reale E’ come se l’arte nascesse dalla
natura per tornare ad essa. E’ come se l’artista volesse
trasmetterci, attraverso la sua opera la felicità, la
bellezza o l’edonismo, ricorrendo all’imitazione di
forme della natura ma raggiungendo un grado
superiore: la stilizzazione. Si tratta di uno stato
avanzato di denaturalizzazione dell’oggetto
rappresentato. Osservando le sue sculture, esse ci
rivelano un senso concettuale e penetrante; oltre
l’imitazione, oltre la figurazione, oltre la semplice
rappresentazione della bellezza.
Joan Llácer pianta il seme dell’autodistruzione in ogni
suo lavoro. Fa della negazione l’istanza per la purezza
della sua lotta per eliminare ogni contaminazione di
bellezza estetica, ogni concessione all’ornamento o
alle forme superflue che seducono lo spazio e
rinnegano il tempo, che annunciano la loro
decomposizione epidermica per l’amore della
consacrazione dello scheletro. L’essenzialità strutturale
è il paradigma del Trascendente in un’arte senza
concessioni, in una scultura che eredita la semplicità
e la forza della ceramica, che esprime le verità del
fuoco e della terra. Llácer usa lo stato larvale come
un germe della creazione e elude lo splendore della
farfalla, l’illusione sensoriale, per saltare direttamente
alla piroetta concettuale dallo stato della crisalide ad
uno di fossile, con cui consacra forme e idee.
I dipinti dello spagnolo Manolo Messia sono
caleidoscopi che sovvertono la realtà attraverso la
finzione; con la precisione del chirurgo, commette il
“crimine perfetto”. Egli infatti con geometria ingannevole
colpisce ogni resto della natura. Si tratta di
composizioni pura in cui l’elemento narrativo non crea
discorsi estetici; piuttosto si rallegra di distruggere il
linguaggio fino ad arrivare al silenzio della luce che
attraversa il vetro.
Ana Ferriera compone, con l’argilla cotta, figure che
arrivano intrecciate al forno, crogiuoli di afflizioni e
sentimenti in cui gli aspetti umani incontrano ancora
il Dio del fuoco. Nell’idea di quest’ artista “del popolo”,
i corpi appaiono nella loro identità, le mani si toccano,
i visi sono interrogativi, c’è il rifiuto dell’IO in favore
del NOI con cui Ferreira si rivolge ai cori ancestrali,
alle danze di iniziazione e ai riti di fratellanza; i falò
collettivi dove il gesto, il contatto, il grido, mostrano
che la complicità umana non ha bisogno di parole,
“The shadow of the ring” di Metka Erzar, 2004
slogan, bandiere. L’uomo allo stato “puro”, nel paradiso
prima delle proibizioni, ci libera da scismi, pregiudizi
e frustrazioni; ci restituisce la nostra capacità di vivere
senza limiti.
La paraguaiana Marta Carolina Beckelmann González
eleva l’antropometria a categoria estetica, relaziona
la figura umana alla geometria mostrando che la
materia organica e inorganica, sopravvissuta ed estinta,
sono espressioni della medesima realtà pulsante. In
questa realtà, specchio dei momenti in cui la vita non
ha alcun senso senza testimonianze, le cose di ogni
giorno, anche gli aneddoti, possiedono significati onirici
Beckelmann obbliga all’importanza del pensare e
insiste di volta in volta nel percorso umano “dal” fango.
La sud coreana Jung Yeun Park abita un mondo in
cui la realtà è una primavera di sogni vissuti. In esso
i sogni sono riflessi, sfere scintillanti dai colori
impossibili che non inviano mai i loro raggi su linee
rette. Questa artista giunge all’astrazione dalla
riduzione dell’assurdo, dall’esaurimento dei parametri
figurativi in un universo plastico che tende a rimuovere
la corporeità. Il lavoro che ci presenta è etereo poiché
parla di chimere non assopite mentre lasciano i loro
stessi posti d’origine, trasformando la vita in strada e
la strada in movimento.
Il dipinto della bulgara MIlena Ouzounova ricava l’ocra
dalla terra e il blu dal cielo e dall’acqua. L’artista crea
il suo lavoro come il vento e la pioggia fanno con i
paesaggi. Lavora con le superfici pittoriche
impregnandole, lacerandole, inumidendole,
corrugandole, facendo di ogni composizione, con il
minimo utilizzo di colori e procedure, un’esperienza
unica. Usa solo due colori dello spettro visivo da cui
ottiene risultati eccellenti.
Senza alcun dubbio, questi artisti rispondono al tempo
in cui vivono, ed è in special modo interessante che
essi ci invitino alla riflessione e alla contemplazione
della bellezza, al godimento estetico e all’unione tra
il naturale e l’artificiale.
Un vero piacere per i sensi! Un progetto unico e ricco.
Un museo vivo.
CASORIA INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART MUSEUM
Via Duca D’Aosta, Casoria - Tel: +39 0818345656 - www.casoriacontemporaryartmuseum.com
Capone Ceramiche s.r.l.
Ceramiche e Termoidraulica
AFRAGOLA
Art Director
Antonio Manfredi
Progetto degli allestimenti
Mariateresa Pezzella
Organizzazione tecnica
Alfredo D’Aponte
Mimmo Mocerino
Giorgio Mormone
Fotografia
Emauela Esposito
Annalisa Pulcrano
Centro di documentazione
Michela Maiello
Web master
Claudio Castaldo
Ufficio stampa e pubbliche relazioni
Laura Vingiani
info@casoriacontemporaryartmuseum.com
Orari
Martedì - Giovedì - Sabato ore 17.30/20.30
Domenica ore 10.30/13.00