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UN PROGETTO PER IL MUSEO DELLA CITTÀ
di Vitaliano Corbi
La convinzione che il turismo rappresenti per il nostro paese
un’importante risorsa economica ha indotto spesso gli
amministratori pubblici, e i loro amministrati, a riporre grande
fiducia in tutte quelle iniziative che, in un modo o in un altro,
dovrebbero avere la capacità di promuoverlo. Oggi quasi
non c’è iniziativa pubblica, nel campo dell’arte contemporanea,
che non venga proposta nell’ottica del cosiddetto “turismo
culturale”. Una mostra acquista interesse quando le viene
riconosciuto il ruolo di “attrattore”, quando, indipendentemente
dal suo valore culturale, si ritiene che possa contribuire ad
orientare il flusso turistico verso la località che la ospita. In
realtà , affinché il turismo d’arte diventi davvero un fattore
importante di sviluppo economico sono necessarie una serie
di condizioni (che vanno da una politica adeguata di tutela
e di valorizzazione dell’ambiente e del patrimonio storicopaesaggistico
all’efficienza dei servizi e delle strutture
d’ospitalità, alla capacità di programmazione e di
coordinamento) che, tutte insieme, fanno di una mostra o
di un concerto in piazza qualcosa di più di un episodio isolato,
di un momento di “festa” nel tessuto di una grigia e degradata
quotidianità . Quando mancano questi presupposti, il “grande
evento”, come da qualche tempo viene enfaticamente definita
qualsiasi pretenziosa manifestazione artistica, non produce
altro effetto che una modesta risonanza sui media locali e
qualche marginale incremento di consenso: l’obiettivo di
intercettare il flusso turistico rimane fuori portata, diventa
anzi un miraggio irraggiungibile per il quale si sacrifica ogni
altro traguardo e si rinuncia all’elaborazione di linee di politica
culturale più coraggiose, in grado di incidere positivamente
nella formazione dell’opinione pubblica e, oserei dire, nella
coscienza civile nella cittadinanza.
Questa breve premessa era necessaria per richiamare
l’attenzione su un aspetto fondamentale del progetto Una
Città per l’Arte, affidato dal Comune di Casoria alla cura di
Antonio Manfredi e dell’International Contemporary Art
Center. Il progetto ha già prodotto alcuni risultati rilevanti,
come il Simposio internazionale svoltosi nello scorso ottobre
e la realizzazione del Parco delle Sculture. Ora, con questa
mostra che vede la partecipazione di circa cento artisti
provenienti da ogni parte del mondo, si affronta un passaggio
decisivo, che porterà all’istituzione del Museo d’Arte
Contemporanea della Città di Casoria.
A me, che seguo la generosa impresa di Manfredi e dei
suoi collaboratori con ammirazione e grande interesse, ma
solo dall’esterno, non tocca certamente il compito di illustrare
i contenuti e gli obiettivi del progetto. Penso, però, che sia
doveroso da parte di chi da molti decenni partecipa alle
vicende della vita artistica non solo napoletana con un ruolo
che è, se non altro, di testimone pubblico, sottolineare il
caso niente affatto frequente di un’amministrazione cittadina
che, rinunciando alle solite iniziative che inseguono la
speranza di qualche vantaggio promozionale, in chiave
turistica o elettorale, s’impegna invece su una linea progettuale
a lungo termine, centrata su obiettivi di crescita culturale e
civile della cittadinanza. Chi ha avuto modo di seguire le
diverse fasi del Simposio Internazionale di Scultura, che ha
messo a contatto diretto gli organizzatori della manifestazione,
gli artisti e la popolazione di Casoria, con la partecipazione
attiva di una folta rappresentanza studentesca, sa che queste
nostre considerazioni non si riferiscono solo alle motivazioni
che hanno ispirato il progetto Una Città per l’Arte, ma toccano
il piano della concreta operatività cui esso ha già dato
corso.
Un tratto caratterizzante del progetto sta sicuramente nel
modo in cui esso ha affrontato l’obiettivo del coinvolgimento
dei giovani, mettendo direttamente in contatto gli alunni con
le opere e con gli artisti. È evidente che questo proposito
“Regina” di Klitsa Antoniou, 2004
si fonda sulla convinzione che l’attività artistica non sia
riducibile a un’esigenza espressiva ingenua e preriflessiva,
ma contiene in sé un elemento di consapevolezza critica e
che questa dimensione autoriflessiva è strettamente collegata
alla concretezza del fare arte. In realtà , autoriflessività e
apertura pragmatica al mondo sono polarità costitutive
dell’esperienza artistica e non a caso esse sono presenti
ed esplicitamente tematizzate nell’arte contemporanea, a
partire dalle avanguardie storiche dell’inizio del Novecento.
Va inoltre osservato che l’importanza della dimensione
educativa non è semplicemente una conseguenza dell’aver
individuato nella scuola un terreno propizio a un’iniziativa di
promozione e di conoscenza dell’arte contemporanea.
Quella dimensione è già implicita nel carattere aperto e
costitutivamente problematico dell’arte e può essere avvertita
pienamente quando, rivolgendo l’attenzione sulla
processualità della ricerca artistica, se ne colga la
connessione con ogni altro momento esperienziale e
l’incidenza sullo sviluppo e sulla crescita dell’individuo. Non
a caso tra i primi ad aver posto l’accento su quello slancio
immaginativo che proietta la ricerca artistica oltre il traguardo
dell’esistente, c’è John Dewey, che aveva visto
nell’immaginazione “lo strumento essenziale dell’educazione”.
Il ruolo insostituibile dell’immaginazione artistica sta da una
parte nella sua capacità di aderire alla realtà dell’esperienza,
ai suoni, ai colori, alle qualità sensibili delle cose del mondo,
e, dall’altra, nell’esigenza di totalità che in essa si esprime.
Attraverso l’arte noi avvertiamo che gli oggetti che l'intelletto
ci consente di raggiungere sono frammenti di quella possibile
totalità di esperienza che l'immaginazione ci dischiude.
Sappiamo bene, dopo Kant, che all’idea della totalità del
mondo interno e del mondo esterno non corrisponde nessun
particolare contenuto conoscitivo e che perciò essa non può
rivestire il carattere di effettiva conoscenza. Ma tale ideale
di totalità, che può aspirare solo a presentarsi come un
modello regolativo, si rispecchia nel carattere di organicità
dell’esperienza artistica, nell'immanenza del tutto nelle parti,
del fine nei mezzi che questa, pur nella sua finitezza, sembra
in grado di realizzare. Nelle opere d’arte convivono frammenti
di storie individuali, stili linguistici diversi e dissonanti accenti
espressivi, tracce cognitive destinate “normalmente” a
rimanere separate. Ma la loro convivenza non è solo un
dato di fatto. È il risultato della condivisione di un progetto
riconoscibile come elemento unitario che attraversa e tiene
insieme quella molteplicità di differenze. Il valore estetico
non è un sigillo di totalità impresso una volta per sempre,
ma piuttosto un’aspirazione, la traccia visibile di un processo
che nell’opera raggiunge il momento del suo compimento
e insieme del suo rinnovarsi. La consapevolezza di questa
tensione processuale è alla base dell’idea di un museo che
sia non solo luogo di conservazione e di esposizione dell’opera
d’arte, ma campo di ricerca e di sperimentazione, spazio
d’incontro e di dialogo formativo o, come giustamente dice
Manfredi, “museo-laboratorio”.
L’impostazione data al progetto Una Città per l’Arte,
chiaramente segnata negli obiettivi che sono stati già
realizzati, ci autorizza ad avanzare un’ulteriore considerazione.
La giusta attenzione verso i problemi dell’organizzazione
della cultura e il riconoscimento dell’importanza dell'attività
svolta dalle gallerie private nel campo della distribuzione
e della vendita dei prodotti artistici non giustificano la
trasfigurazione del mercato in protagonista della storia
dell’arte, con il conseguente scarso interesse dei media e
delle stesse istituzioni pubbliche verso i problemi specifici
della formazione e della produzione artistica, verso il mondo
degli studi e dei laboratori degli artisti, le istituzioni scolastiche,
le accademie e le università , verso il contesto, cioè, delle
condizioni e dei fattori - non riducibile al solo circuito del
mercato - che concorrono direttamente allo svolgimento
della vita artistica. È con questa realtà che deve rapportarsi
un museo d’arte contemporanea e non solo con l’attività
delle gallerie private. Certo, il mercato è una realtà che
condiziona in maniera determinante, nel bene e nel male,
lo svolgimento della vita artistica e un’amministrazione
democratica non può ignorarlo. Ma dal progetto Una Città
per l’Arte viene la preziosa indicazione che è necessario
rapportarsi con questa realtà sulla base di un proprio progetto
di sviluppo culturale e che in tal modo si può evitare di fare
da cassa di risonanza a quanto le mode e il mercato hanno
già portato al successo.
Infine, merita un cenno il richiamo esplicito e costante, da
parte del curatore del progetto e dei rappresentanti delle
istituzioni in esso impegnati, all’arte come strumento di
solidarietà tra i popoli e alla necessità che l’attuale impetuoso
processo di globalizzazione dell’economia e della
comunicazione sia indirizzato non già verso l’eliminazione
delle differenze, ma verso la loro comprensione, in quanto
elemento di forza nella costruzione di un'etica mondiale,
fondata sul senso della comune appartenenza umana.
L’orizzonte marcatamente internazionale in cui s’inseriscono
tutti i momenti del progetto – e in particolare questa mostra
– sta a testimoniare che anche l’arte può assumersi quest’
impegno etico e dare il proprio contributo alla comprensione
reciproca tra i popoli e ad una pacifica, costruttiva convivenza,
nel cui ambito le differenti tradizioni possono trovare una
giustificazione etico-filosofica ed esplicarsi in un clima di
fratellanza. La mondializzazione degli scambi, che accelera
la competizione economica e tende ad imporre standard
omologanti, potrà allora essere vissuta come impegno
affinché essa si trasformi in opportunità di apertura agli altri
e di dialogo tra tutti gli uomini, in modo che anche il campo
dell’arte e della creazione diventi davvero territorio
di libertà e di valorizzazione delle differenze.
VIATICO-FLASH
“Untitled” di Kim Tae-Jun, 2004
XII Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo, Castel Sant’Elmo,
19-28 settembre, Napoli. Il 22 settembre a Torino inaugurazine congiunta di 6
gallerie: Carbone.To presenta la personale di Elisabeth Aro, a cura di F. Pasini;
alla Galleria Maze “I don’t always agree” ovvero opere di Lise Harley, testo di C.
Corbetta; negli spazi della galleria Alberto Peola mostra di Marguerite Kahrl dal
titolo “Noble Savage”; Andrea Massaioli con “Un bacio e dieci conchiglie” alla 41
artecontemporanea, testo di G. Curto; Guido Costa Projects apre la stagione
espositiva con “Il segreto di collo” ultima produzione artistica di Cuoghi Corsello;
per finire Nils-Udo con “Rwcent Works” negli spazi di Photo & Contemporary.
Presentata il 22 settembre negli spazi della Triennale di Milano la guida definitiva
del Torino Tour, “Visual design per una città invisibile”, tra gli altri inerventi del
direttore artistico E.Biffi Gentili, di R. Bedrone e Pininfarina. Inaugurata il 24 settembre
“Unexpected”, l’ultima personale italiana di Robert Barry, Galleria Massimo Minini,
Brescia. “The Strange Museum” di Ilya e Emilia Kabakov negli spazi milanesi della
Galleria Lia Rumma, a partire dal 4 ottobre. Nuova prestigiosa location per lo Studio
d’arte Raffaelli, trasferitosi a Palazzo Wolkenstein, via Marchetti, 17 – Trento. Dal
7 ottobre al 23 dicembre, mostra antologica dedicata a Ketty La Rocca “Works
1964-1976”, Galleria Emi Fontana, Milano. Fine settembre, doppia personale di
Umberto Manzo negli spazi napoletani e romani dello Studio Trisorio.
Dopo la pausa estiva, partenza “aggressiva” del Changing Role-Move Over Gallery:
sino al 4 novembre “Post-Photography” nel Mail Space, la performance “Stark Rot”
di Rosy Rox il 28 settembre con omonima mostra fino al 15 ottobre nei locali della
Rosario Farina Haute Couture di Palazzo Cellamare, per finire con la personale
di Massimo Mastronardi dal titolo “Inside” nei nuovissimi spazi della Home Gallery.
Chiusa il 20 settembre nella splendida cornice di Castel dell’Ovo la mosta “Invenit”
a cura dell’Istituto di Tecniche dell’Incisione dell’Accademia di Belle Arti di Napoli.
S.N.O.W. ovvero “Sculpture in Non-Objective Way”, indagine sulla ricerca plastica
non oggettuale e astratta curata da A. Bellini, in mostra opere di G. Caravaggio,
P. Piscitelli, C. Shawcross, R. Rhode, B. Dahlem e F. Gennari; Galleria Tucci
Russo, Torre Pellice, a partire dall’8 ottobre 2005. Inaugurata il 15 settembre la
personale di Givanni Anselmo negli storici spazi napoletani della Galleria Alfonso
Artico. Fino al 29 ottobre presso Antonio Colombo Arte Contemporanea ultima
attesissima personale di Andrea Salvino dal titolo “Antagonista”, testo a cura di C.
Perrella. Mostra “Mail Art allo specchio” a cura di Ruggero Maggi, dal 24 settembre
al 18 ottobre presso la On the road Art Gallery di Gallarate. Intrigante mail art
project dal titolo significatico “Emigration” a cura dell’artista napoletano Roberto
Scala, 140 artisti da 28 nazioni nel chiostro del convento di S.Maria della Lobra in
Massa Lubrense. Presentato il 13 settembre alla Feltrinelli di Napoli l’ultimo romanzo
di Franco Borgo Taviani dal titolo “Il tesoro”, inerventi critici di Valerio Caprara e
Titti Marrone.