Die Kunst ist ein kompliziertes Phänomen. - PAINT: online

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Schutzgebühr 2,– Euro
paint:
v o l . 0 3 / 2 0 1 1 w w w . p a i n t - o n l i n e . d e

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11. – 15. Mai 2011
Art Amsterdam
Stand Nr. 050
Paul Schwer
Neue Bilder
27.03.2011 – 12.06.2011
G A L E R I E E B B E R S
Siep 7 | D - 47559 Kranenburg
Tel. 0 2 8 2 6 - 8 0 2 5 2 1 | Fax 0 2 8 2 6 - 8 0 2 5 2 2
e-mail:info@galerie-ebbers.de
www.galerie-ebbers.de
Mi bis Fr 15 bis 19 Uhr,
Sa 11 bis 15 Uhr und nach Vereinbarung.
Woensdag tot vrijdag 15 tot 19 uur,
zaterdag 11 tot 15 uur en op afspraak.
Jörg Eberhard
Ulrich Erben
Stephan Fritsch
Florian Haller
Horst Keining
Viviane Klagsbrun
Matthias Köster
Kirsten Lampert
Martín Mele
Martin Noël
Hans-Willi Notthoff
Ronald Noorman
Norbert Prangenberg
Adrian Schiess
Klaus Schmitt
Richard Schur
Paul Schwer
Cornelius Völker
Jerry Zeniuk

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Editorial. Auf einer Reise, die ich zusammen mit Hans van der
Grinten, dem großen Sammler, gemacht habe, erzählte er mir von
einem Traum: Bei der Rückkehr – es war spät und dunkel – lag
eine bezaubernde Atmosphäre in der Luft seines Heimatortes.
Man konnte in die Zimmer der Häuser schauen. Die Tristesse der
Reproduktionen, der billigen Fabrikbilder mit Sonnenaufgängen
und dem unvermeidlichen Damwild waren verschwunden. Hans
van der Grinten entdeckte plötzlich Kunstwerke an den Wänden
der Häuser – erst in einem Haus, dann in einem zweiten und
schließlich in allen. Die Bewohner bewegten sich ganz selbstverständlich
zwischen diesen Bildern. Sie lebten mit der Kunst. Aber
das Wichtigste: Sie waren glücklich zwischen diesen Objekten
des Freidenkens. Wohl aus dem intensiven Bedürfnis, sein eigenes
Glück mitteilen und teilen zu wollen, haben seine Gedanken,
als sie frei waren, ihm dieses Traumbild gezeichnet. Diesem Bild
fühlen wir uns verbunden: Es ist der Antrieb unserer Arbeit als
Galeristen.
Auch in dieser Ausgabe von paint: wollen wir Farbe bekennen.
Hans-Willi Notthoff, bekannt durch seine ungegenständliche
Male rei, erforscht den malerisch kalkulierten Zufall im Sinne von
zufallen und geschenkt bekommen. Er spricht in dieser Ausgabe
über das Glück, die Kontrolle zu verlieren, und warum er wenigstens
einmal im Jahr für mehrere Wochen nach Holland oder
Italien reist, um den Baum, die Straßenbahn und den Rhein zu
malen.
Norbert Prangenberg, der Maler, Zeichner und Plastiker, erzählt,
wann die Zeit für kurze Hosen war, was Heimat für ihn bedeutet
und warum es gut ist, sie zu verlassen, wenn man neugierig
bleiben will.
In unserer Portraitreihe empfehlen wir Ihnen den Besuch des
Museums der Stiftung Honegger. Von den Architekten Gigon und
Guyer geplant, gehört es wegen der Kombination von Sammlung
und Gebäude zu den ganz besonderen Orten der Kunst in
Südfrankreich.
Empfehlen möchten wir auch unsere Partner, denen wir uns sehr
verbunden fühlen. Sie alle sind Profis in ihrem Metier.
Wir wünschen Ihnen mit unseren Empfehlungen und paint: viel
Erkenntnis und Vergnügen.
Ihre Sharon und Klaus Ebbers
Cover: Atelier Hans-Willi Notthoff, 2011
(Foto: Heiner Frost)
Impressum / colofon
Herausgeber / uitgever: Edition Ebbers
Siep 7, D-47559 Kranenburg
www.paint-online.de
Konzeption / concept: Klaus Ebbers
Layout / layout: Missmahl Grafik-Design AGD, Köln
Redaktion / redactie: Sharon Ebbers
Übersetzung / vertaling: Sharon Ebbers
Fotografie: Serge Demailly (Donation Albers-Honegger),
Sharon Ebbers (Arbeiten Prangenberg),
Heiner Frost (Coverfoto, Porträt Notthoff),
Christoph Heek (Editionen Prangenberg, Notthoff),
Helmut Winterfeld (Arbeiten Notthoff)
Druck / druk: B.O.S.S. Druck und Medien GmbH, Goch
© 2011 bei den Autoren, Fotografen und Künstlern.
Alle Rechte vorbehalten.
Sharon Ebbers Klaus Ebbers (Fotos: Gottfried Evers)
Redactioneel. Tijdens een reis, die ik maakte met de grote
ver zamelaar Hans van der Grinten, vertelde hij mij een droom die
hij had: bij terugkeer in zijn geboorteplaats – het was laat en
donker – lag er een betoverde sfeer over het stadje. Je kon in de
woonkamers van de huizen kijken. De tristesse van de reproducties,
de goedkope fabrieksschilderijen met zonsopgangen en het
onvermijdelijke hert waren verdwenen. Hans van der Grinten
ontdekte opeens kunst aan de wanden van de huizen – eerst in
één huis, dan in een tweede huis en tenslotte in alle huizen.
De bewoners bewogen vanzelfsprekend temidden van de schilderijen.
Ze leefden met de kunst. Maar het belangrijkste was: ze
waren gelukkig tussen deze werken van het vrije denken.
Dit droombeeld ontstond uit de intensieve behoefte zijn eigen
geluk te delen en mee te delen. Wij voelen ons met dit droombeeld
verbonden: het is onze drijfveer bij ons werk als galerist.
Ook in deze uitgave van paint: willen we kleur bekennen.
Hans-Willi Notthoff, bekend door zijn non-figuratieve schilderijen,
onderzoekt het schilderkunstig gecalculeerde toeval in de zin
van toevallen en cadeau krijgen. Hij spreekt in deze uitgave over
het geluk, de controle te verliezen en waarom hij tenminste één
keer per jaar voor enkele weken naar Nederland of Italië reist
om een boom, de tram en de Rijn te schilderen.
Norbert Prangenberg, de schilder, tekenaar en beeldhouwer vertelt,
wanneer het tijd was voor de korte broek, wat ‘Heimat’
voor hem betekent en waarom het goed is die te verlaten, als je
nieuwsgierig wilt blijven.
In onze reeks museumsportretten bevelen we een bezoek aan
het Museum van de Stichting Honegger aan. Gebouwd door
de architecten Gigon en Guyer hoort het, door de combinatie van
verzameling en gebouw, tot de heel bijzondere plekken voor
kunst in Zuidfrankrijk.
Ook onze partners bevelen we u van harte aan. Met hen zijn we
zeer verbonden. Zij allen zijn professionals op hun gebied.
We wensen u met onze aanbevelingen en met paint: veel nieuwe
ontdekkingen en plezier.
Sharon en Klaus Ebbers
paint: vol.03/2011

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Norbert Prangenberg zu treffen ist kein Problem. 86.000 Treffer.
Bei Google. Mag sein, dass es noch andere Prangenbergs gibt,
aber er liegt vorn. Er steht an eins. Wikipedia: „Norbert Prangen -
berg, geboren 1949 in Nettesheim bei Köln. Er lebt und arbeitet
in München und Niederarnbach (bei Ingolstadt).“ Ich treffe Pran -
gen berg in seiner Heimat. Es ist ein Samstagmorgen gegen halb
zwölf. Prangenberg sitzt in einem Straßencafé: Roki Caféstübchen.
Roki steht für Rommerskirchen. Auf der anderen Straßenseite:
Reisestudio Wlotzka. Rommerskirchen international. Hier könnten
die Coen-Brüder Filme drehen. Die Frage: Was ist Heimat? „Es gibt
natürlich eine geografische Heimat“, sagt Prangenberg. „Das wäre
hier.“ Prangenberg meint keinen Ort. Er spricht von einem Zu -
stand. Dem Wind. Dem Regen. Heimat – das ist manchmal ein
Fetzen Landschaft. Vom Früher ist wenig geblieben. Eine Ahnung.
Mehr nicht.
Rheinische Gene und rheinischer Dreiklang: Kirche, Kirmes, Kar ne -
val. Müsste Prangenberg ein rheinisches Wappen malen – Schwarz
und Rot kämen auf jeden Fall vor. In Prangenbergs Adern pulst
rheinisches Blut. Heimat ist ein Kindheitsrepertoire, denke ich.
Ein Wärmespeicher, der in Momenten zur Verfügung steht, wenn
Erinnerungen aufwachen. Heimat ist ein Ort in der eigenen Seele,
für den es nicht immer ein Visum gibt. Fotos of Ghosts.
Prangenbergs rheinische Erinnerungen setzen ein Augenflackern
frei. Die Jugend – ein Wechselbad: „Ab Ostern trugen wir kurze
Hosen. Im Herbst zogen wir lange Hosen an. Dann ging es zum
Einkaufen nach Köln.“ Ein einprägsamer Rhythmus. Zwischen der
Andacht und der Nachmittagsvorstellung im Kino: Fünfzehn Minu -
ten Zeit. Pendeln zwischen Kreuzweg und Fuzzy-Western oder
Piratenfilmen.
„Heimat – das sind vor allem auch die Menschen. Ich bin mir auch
selbst Heimat. Nur so hält man es in der Fremde aus.“ Ist Bayern
Heimat? „Nä!“ Heimat hat für Prangenberg zwei Instanzen: Rom -
merskirchen. Köln. „In Köln bin ich in die Lehre gegangen. Köln
war eine Art Fixpunkt.“ Niederarnbach in Bayern ist ein Ort. Der
Ort, an dem Prangenberg lebt. Arbeitet. Orte gibt es viele.
Heimat ist ein Unikat. Die deutsche Sprache hält keine Mehrzahl
bereit. „Früher sind wir in den Ferien nach Italien gefahren. In
Bayern fing der Urlaub an.“ Rommerskirchen ist Heimat. Heimat
fängt beim Sprachklang an. Erinnerungsrekonstruktionen. … und
meine Seele spannte weit ihre Flügel aus … Prangenbergs literarische
Heimat: Die Romantik. Novalis, Mörike, Eichendorff.
… flog durch die stillen Lande, als wollte sie nach Haus ... Prangen -
bergs musikalische Heimat: Ein früher Bob Dylan. Schuberts
Winter reise. Sie gehörte in den Hörkanon des Vaters. Fremd bin
ich eingezogen …
Was ist Heimat in der Kunst? „Malerei. Zeichnen.“ Angefangen hat
Prangenberg mit Zeichnen im Wohnzimmer. Er war drei. „Ich war
ein wildes Kind. Wenn ich gezeichnet habe, war ich ruhig. Das
gefiel meiner Mutter. Sie hat meine Lust am Zeichnen also früh
gefördert. Nicht ohne Eigennutz, wie ich heute denke. Natürlich
war das noch nicht Kunst. Das war eben kindliches Zeichnen.
Aber ich wurde gelobt. So habe ich weitergemacht.“ Es ging um
die Lust an der Darstellung. Das wilde Kind begann mit einer
Goldschmiedelehre. Prangenberg war gerade einmal dreizehn. Beim
Zeichnen von Schmuck trafen sich Dimensionen. Übersetzungen
vom Drei- ins Zweidimensionale.
„In der Berufsschule hatten wir Zeichenunterricht. Zweimal die
Woche. Damals habe ich angefangen, mich für Malerei zu interessieren.
Ein Gefühl zu entwickeln. Ich bin ins Museum gegangen,
habe mir Sachen angesehen. Ich habe gemerkt: Ich guck mir gern
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Bilder an.“ Es war als hätt der Himmel die Erde still geküsst …
„Mein Interesse reichte bis zum Expressionismus. Danach war
erst mal Feierabend. Gleichzeitig habe ich immer gezeichnet.
Nach der Lehre bin ich zur Werkkunstschule nach Düsseldorf
gegangen. Da gab es dann schon professionellen Zeichen unter -
richt. Ich habe ziemlich schnell mehr gezeichnet als mich ums
Goldschmieden zu kümmern. Trotzdem hatte ich noch nicht das
Bewusstsein von Künstlertum. Irgendwann – es war ein Sonntag -
nachmittag – ist mir erstmals ein gutes Bild gelungen. Ich hatte
das Gefühl: Das ist es jetzt. Da tauchte der Gedanke auf: Viel -
leicht kannst du so was ja auch beruflich machen. Ich habe nicht
gedacht ‚vielleicht kannst du mal Künstler werden‘ – es war einfach
dieser Gedanke: Davon kannst du vielleicht mal leben. Viel -
leicht führt das mal weiter.“ Schläft ein Lied in allen Dingen …
„Zu der Zeit habe ich schon als Glasdesigner gearbeitet. Ich habe
mir Ausstellungen angeschaut. Bin nach Köln gefahren. Nach
Düsseldorf. Da kam ein echtes Interesse an der Malerei auf. Ich
habe lange Inkubationszeiten. Ich habe bei meinen Eltern auf der
Terrasse gemalt. Oder im Keller. Wenn ich ein Hochformat hatte,
musste ich quer malen, dann auf die Terrasse gehen und gucken.
Anschließend habe ich das Bild wieder in den Keller getragen
und weiter gemalt. Ich spürte allmählich: Ich bewege mich auf
etwas Ernsthaftes zu.“
„Sechsundsiebzig habe ich mit meinem Designerjob aufgehört.
Da wusste ich: Ich will Maler werden. Ich habe aber immer noch
Rheinischer Dreiklang
freiberuflich als Glasdesigner weitergemacht. Es musste ja Geld
reinkommen. Ich war verheiratet. Wir hatten unser erstes Kind.
Ich habe mich mit riesigen Formaten beschäftigt und irgendwie
alles abgearbeitet, was ich bis dahin gesehen hatte. Achtund -
sieb zig gab es eine Zäsur. Ich habe mit den großen Bildern und
der Dispersionsfarbe aufgehört und mit kleinen Zeichnungen
angefangen. Ich habe mich für Arbeiten von Palermo, Beuys und
Rutenbeck interessiert. Die haben mir einen Weg eröffnet.
Palermo, Beuys und Rutenbeck – das waren Leute, an denen ich
was kapiert habe. Da ging es um das Einfache. Achtundsiebzig –
das war der Anfang meines bewussten Künstlertums. Wenn mich
danach jemand nach meinem Beruf gefragt hat, habe ich gesagt,
dass ich Künstler bin. Bis dahin war alles ein ambitioniertes Üben.“
„Als ich mit dem Zeichnen anfing, gab es nur Rot und Schwarz.
Rot und Schwarz haben die härtesten Kontraste. Rot hat die
größte Ausdehnung als Farbe und Schwarz den strengsten Kon -
trast. Rot und Schwarz – das war für mich die klarste Aussage.
Gelb ging zu sehr ins Weiß. Grün auch. Blau war zu romantisch.“
„Eigentlich bin ich kein klassischer Bildhauer. Ich kenne Bildhauer
und weiß, wie die denken, fühlen. Wie die arbeiten. Im Grunde
ist das was anderes. Für mich spielt bei der Bildhauerei die Farbe
immer eine große Rolle. Trotzdem habe ich mittlerweile ein großes
bildhauerisches Werk. Das besteht zu neunzig Prozent aus Kera -
mik. Die Tatsache, dass ich in München eine Professur für Keramik
habe, bedeutet, dass die Malerei für mich immer ein Freiraum
ge blieben ist. Ich musste nie Malerei unterrichten. Wenn du unter -
richtest, rücken die Dinge in einen anderen Fokus.“ Prangenberg
muss sein Malen nicht erklären. Sich nicht. Anderen nicht. Manch -
mal nagt Erklärung am Wunderbaren.
„Mein Arbeiten als Bildhauer hat mit Papier angefangen. Ich habe
einfach die Lust verspürt, noch etwas anderes zu machen. Zuerst
kam das Papier. Danach der Beton. Ich bin immer auf der Suche
nach einfachen Wegen. Der Umgang mit dem Material ist dabei
wichtig. Ich habe beispielsweise Formen in die Erde gegraben und
die dann ausgegossen. Farbe war dabei immer wichtig. Ich habe

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von Anfang an versucht, den Beton einzufärben. Beim Papier habe
ich das mit Pigmenten gemacht.“
„Dann habe ich im Haus Lange in Krefeld dieses Stipendium ge -
habt. In Krefeld gab es eine große Abteilung für Keramik an der
Fachhochschule. Da bin ich hin und habe gefragt, ob ich ein paar
Sachen probieren darf. Ich habe simpelste Erfahrungen mit dem
Material Ton gemacht. Mein Umgang mit diesem Material ist ja
bis heute einfach geblieben. Einfach und direkt. Ton ist gefügig.
Das kommt mir entgegen. Die Glasur gibt mir die Möglichkeit,
extrem farbig zu arbeiten. Das Anmalen einer Skulptur mit Farbe
hat mich immer gestört. Das habe ich auch letztlich nie gemacht.
Ich habe nie eine Skulptur mit Ölfarbe angemalt. Beton habe ich
eingefärbt, und die Papierarbeiten waren sozusagen mit Pigment
durchtränkt. Bei der Keramik wird die Farbe eins mit der Form.
Durch das Brennen entsteht eine untrennbare Verbindung.“
„In allen meinen Arbeiten geht es immer um Kontrapunkte. Es
geht um Paare. Form und Farbe ist eines dieser Paare. Bei der
Skulptur ist es ganz einfach: Du hast die Form, und dann ist da
die Farbe. Diese beiden Komponenten bauen die notwendige
Spannung auf.“
Am Ende des Gespräches zeigt Prangenberg die neuen Schnitte
zur Winterreise. „Winterreise ist auch ein Stück Heimat für mich“,
sagt er. „Mein Vater hat diese Musik gehört. Ich kenne das Stück
also seit meiner Kindheit. Die Winterreise spielte einfach eine
Rolle bei uns. Mein Vater war nicht unbedingt das, was man
Figur (2003), 18 x 38 x 26 cm
einen Kulturmensch nennt, aber er hatte ein paar Dinge, die ihm
wichtig waren. Die Winterreise gehörte dazu. Das Brahms
Violinkonzert in D-Dur. Die Winterreise hat mich immer begleitet.
Da gibt es einen Bezug.“
Dann öffnet Prangenberg die Mappe mit den Schnitten. Auf dem
Tisch liegt etwas, das Musik und Text ohne Töne zusammenfasst.
Rheinische Tränen. Bei Prangenberg wird das Leben zum Zeichen.
Wenn überhaupt einer Lebenslinien malt, dann er. Alle Zeit prallt
tonlos ab. Prangenbergs Visum für die Reise in die innere Heimat
… flog durch die stillen Lande, als flöge sie nach Haus …
Heiner Frost
Mondnacht – Joseph von Eichendorff
Es war, als hätt’ der Himmel
Die Erde still geküsst,
Dass sie im Blütenschimmer
Von ihm nun träumen müsst.
Die Luft ging durch die Felder,
Die Ähren wogten sacht,
Es rauschten leis’ die Wälder,
So sternklar war die Nacht.
Und meine Seele spannte
Weit ihre Flügel aus,
Flog durch die stillen Lande,
Als flöge sie nach Haus.
Ausstellungen
Norbert Prangenberg 2011
05.–27.05.
Timothy Taylor Gallery,
London
(Gruppenausstellung)
27.05–22.07.
Galerie Hollenbach,
Stuttgart
14.07. –03.09.
Barbara Gross Galerie,
München
paint: vol.03/2011

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Figur (2003), 18 x 38 x 26 cm Klingsors Haus,
Öl/Karton, 41 x 30 cm
Bild (2009), Öl/Leinwand, 40 x 30 cm
Kopf (2010), 35 x 40 cm
Figur (2008), 15 x 39 x 20 cm
paint: vol.03/2011

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Het is geen probleem, Norbert Prangenberg te vinden. 86.000
hits. Bij Google. Het kan zijn dat er nog andere Prangenbergs
zijn, maar hij staat bovenaan. Op de eerste plaats. Wikipedia:
“Norbert Prangenberg, geboren in Nettesheim bij Keulen in 1949.
Leeft en werkt in München en Niederarnbach (bij Ingolstadt).”
Ik tref Prangenberg in zijn Heimat. Het is zaterdagochtend, tegen
half twaalf. Prangenberg zit op een terras: Roki Caféstübchen.
Roki staat voor Rommerskirchen. Aan de overkant: reisstudio
Wlotzka. Rommerskirchen internationaal. Hier zouden de Coenbrothers
films kunnen opnemen. De vraag: wat is Heimat? “Je hebt
natuurlijk de geografische Heimat”, zegt Prangenberg. “Dat zou
dan hier zijn”. Prangenberg bedoelt geen plaats. Hij spreekt over
een toestand. De wind. De regen. Heimat – dat is soms een stuk
landschap. Van vroeger is er weinig overgebleven. Een vermoeden,
meer niet.
Rijnlandse genen en rijnlandse drieklank: kerk, kermis, karnaval.
Als Prangenberg een Rijnlands wapen zou moeten schilderen,
dan zouden de kleuren zwart en rood in ieder geval voorkomen.
In Prangenbergs aderen vloeit rijnlands bloed. Heimat is een
repertoire uit je kindertijd, denk ik. Een warmte-accumulator, die
er is als herinneringen opkomen. Heimat is een plek in je eigen
ziel, waarvoor je niet altijd een visum hebt. Fotos of ghosts.
Prangenbergs rijnlandse herinneringen laten zijn ogen oplichten.
Zijn jeugd – een wisselbad: ”vanaf Pasen droegen we een korte
broek. In de herfst trokken we de lange broek weer aan. Dan
gingen we kleren kopen in Keulen.” Een duidelijk ritme. Tussen
het lof en de matinée in de bioscoop: een kwartiertje tijd.
Reizen tussen de kruisweg en de wildwest- of de piratenfilm.
“Heimat – dat zijn vooral de mensen. Ik ben ook Heimat voor
mezelf. Dat is de enige manier waarop je het elders kunt uithouden.”
Is Beieren ook Heimat? “Nee!” Heimat heeft voor
Prangenberg twee vaste punten: Rommerskirchen. Keulen. “In
Keulen heb ik mijn beroepsopleiding gehad. Keulen is een vast
punt.” Niederarnbach in Beieren is een plek. De plek waar
Prangenberg woont. Werkt. Plekken heb je vele. Heimat is uniek.
In het Duits heeft het woord Heimat geen meervoud. “Vroeger
gingen we op vakantie naar Italië. In Beieren begon de vakantie.”
Rommerskirchen is Heimat. Heimat begint bij de klank van
de taal. Herinneringsreconstructies. ... mijn ziel, mijn ziel zij strekte
toen wijd haar vleugels uit ... Prangenbergs literaire Heimat: de
romantiek. Novalis, Mörike, Eichendorff. ... vloog door de stille
landen, alsof ze vloog naar huis ... Prangenbergs muzikale Heimat:
de vroege Bob Dylan. Schuberts Winterreise. Ze behoorden tot
de luistercanon van zijn vader. Fremd bin ich eingezogen ...
Wat is Heimat in de kunst? “Schilderkunst. Tekenen.” Prangen berg
is in de woonkamer met tekenen begonnen. Hij was toen drie.
“Ik was een wild kind. Als ik tekende, was ik rustig. Dat vond
mijn moeder goed. Ze heeft mijn tekenlust vroeg ondersteund.
Niet zonder eigenbelang, denk ik nu. Natuurlijk was het nog geen
kunst. Het was kinderlijk tekenen. Maar ik werd geprezen. Dus
ben ik er mee doorgegaan.” Het ging om het plezier aan de voor -
stelling. Het wilde kind begon met de opleiding tot edelsmid.
Prangenberg was net dertien. Bij het tekenen van sieraden kwamen
dimensies bij elkaar. Vertalingen van drie naar twee dimensies.
“Op school kregen we tekenles. Twee keer in de week. Toen
begon ik me voor schilderkunst te interesseren. Ik ontwikkelde
een gevoel. Ben naar het museum gegaan, heb dingen bekeken.
Ik merkte: ik kijk graag naar schilderijen.” Het was alsof de hemel
de aarde stil gekust ... “Mijn interesse ging tot aan het expressionisme.
Verder niet. Tegelijkertijd heb ik altijd getekend. Na mijn
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opleiding tot edelsmid ben ik naar de Werkkunstschule in Düssel -
dorf gegaan. Daar kreeg ik professionele tekenlessen. En toen
ben ik tamelijk snel meer gaan tekenen dan sieraden maken.
Toch had ik nog niet het bewustzijn, kunstenaar te zijn. Op een
gegeven ogenblik – het was op een zondagmiddag – heb ik voor
het eerst een goed schilderij gemaakt. Ik had het gevoel: dat
is het. En toen kwam de gedachte in me op: misschien kun je
zoiets ook als beroep uitoefenen. Ik dacht niet ‘misschien kan ik
kunstenaar worden’ – het was gewoon de gedachte: misschien
kun je daar ooit van leven. Misschien kun je op deze weg verder
gaan. Schläft ein Lied in allen Dingen ...
“In die tijd heb ik al als glasontwerper gewerkt. Ik heb veel tentoonstellingen
gezien. Ben naar Keulen gegaan. Naar Düsseldorf.
Er kwam een diepe interesse in schilderkunst in me op. Ik heb
een lange incubatietijd. Ik heb bij mijn ouders op het terras ge-
Rijnlandse drieklank
schilderd. Of in de kelder. Als ik een staand formaat had, moest
ik het overdwars schilderen, en het dan meenemen naar het terras
om te kijken. Daarna weer naar de kelder en verder schilderen.
Ik voelde langzamerhand: ik ben op weg naar iets serieus.”
“In 1976 ben ik gestopt met het ontwerpen. Toen wist ik: ik wil
schilder worden. Ik heb nog freelance als glasontwerper gewerkt.
Ik had een inkomen nodig. Ik was getrouwd. We hadden ons
eerste kind. Ik was met heel grote formaten bezig en heb alles
verwerkt, wat ik tot dan toe gezien had. In 1978 was er een breuk.
Ik ben gestopt met de grote formaten en begon kleine tekeningen
te maken. Ik interesseerde me voor het werk van Palermo, Beuys
en Ruthenbeck. Die hebben voor mij een weg geopend. Palermo,
Beuys en Ruthenbeck – die mensen, daar begreep ik iets van.
Daar ging het om het eenvoudige. 1978 – dat was het begin van
mijn bewuste kunstenaar-zijn. Vanaf die tijd heb ik gezegd, dat
ik kunstenaar ben, als iemand me naar mijn beroep vroeg. Daar -
voor was alles wat ik deed met ambitie oefenen.”
“Toen ik met tekenen begon, was er voor mij alleen rood en zwart.
Rood en zwart hebben het hardste contrast. Rood heeft als kleur
de grootste expansie, zwart het sterkste contrast. Rood en zwart
– dat was voor mij de duidelijkst mogelijke uitspraak. Geel ging te
veel in de richting van wit. Groen ook. Blauw was te romantisch.”
“Eigenlijk ben ik geen klassieke beeldhouwer. Ik ken beeldhouwers
en ik weet hoe die denken, voelen. Hoe ze werken. Dat is
iets anders. Voor mij speelt kleur altijd een grote rol.
Desondanks heb ik ondertussen een omvangrijk sculpturaal œuvre.
Het bestaat voor negentig procent uit keramiek. Doordat ik in
München professor voor keramiek ben, is de schilderkunst voor
mij altijd een ontplooiingsmogelijkheid gebleven. Ik heb nooit
lesgegeven in schilderkunst. Als je lesgeeft, komen de dingen in
een ander daglicht te staan.” Prangenberg hoeft zijn schilderkunst
niet uit te leggen. Niet aan zichzelf. Niet aan anderen.
Soms knaagt verklaring aan het wonderbaarlijke.
“Mijn sculpturale werk is begonnen met papier. Ik had gewoon
zin nog iets anders te maken. Eerst kwam papier. Toen beton. Ik
ben altijd op zoek naar eenvoudige manieren om iets te maken.
De omgang met het materiaal speelt daarbij een grote rol. Ik heb
bijvoorbeeld vormen in de grond uitgegraven en die dan met
beton volgegoten. Kleur was daarbij altijd belangrijk. Ik heb vanaf
het begin geprobeerd het beton te kleuren. Bij papier heb ik dat
met pigmenten gedaan.”
“Toen kreeg ik een stipendium in Haus Lange in Krefeld. In Krefeld
was er een grote keramiekwerkplaats aan de Hogeschool. Daar
ben ik naar toe gegaan en heb er gevraagd of ik een paar dingen
kon uitproberen. Ik heb er de eerste ervaringen met klei als

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materiaal opgedaan. Mijn omgang met klei is tot op heden eenvoudig
gebleven. Eenvoudig en direct. Klei is gewillig. Dat komt
mij gelegen. Glazuur biedt me de mogelijkheid zeer kleurig te
werken. Een sculptuur te beschilderen vond ik altijd storend. Dat
heb ik ook nooit gedaan. Ik heb een sculptuur nooit met olieverf
beschilderd. Beton heb ik gekleurd en de papieren werken waren
doordrenkt met pigment. Bij keramiek wordt de kleur één met
de vorm. Door het stoken ontstaat een onscheidbare verbinding.
“In mijn werk gaat het altijd om contrapunten. Het gaat om paren.
Vorm en kleur is één van die paren. Bij de sculpturen is het heel
simpel. Je hebt de vorm en je hebt de kleur. Die twee componenten
bouwen de nodige spanning op.”
Aan het eind van het gesprek laat Prangenberg de nieuwe houtsnedes
voor de Winterreise zien. “Winterreise is ook een stuk
Heimat voor mij”, zegt hij. “Mijn vader luisterde ernaar. Ik ken het
stuk al sinds mijn jeugd. De Winterreise was belangrijk bij ons.
Mijn vader was niet echt een culturele man, maar een paar dingen
waren belangrijk voor hem. Daar hoorde de Winterreise ook bij.
Brahms’ vioolconcert in D. De Winterreise heeft mij altijd begeleid.
Daar ben ik mee verbonden.”
Dan opent Prangenberg de map met houtsnedes. Op de tafel ligt
iets dat muziek en tekst zonder tonen samenbrengt. Rijnlandse
tranen. Bij Prangenberg wordt het leven tot een teken. Als er
iemand levenslijnen tekent, dan hij. Alle tijd ketst geluidloos af.
Prangenbergs visum voor de innerlijke Heimat ... vloog door de
stille landen, alsof ze vloog naar huis ...
Heiner Frost
Maannacht – Joseph von Eichendorff
Het was alsof de hemel
De aarde stil gekust,
En zij in bloesemglinster
Van hem nu dromen moest.
De wind ging door de velden,
De aren wiegden zacht,
De bossen ruisten stille,
Zo helder was de nacht.
Mijn ziel, mijn ziel zij strekte
Toen wijd haar vleugels uit,
Vloog door de stille landen,
Alsof ze vloog naar huis.
Tentoonstellingen
Norbert Prangenberg 2011
5 mei tot 27 mei
Timothy Taylor Gallery,
London
(groepstentoonstelling)
27 mei tot 22 juli
Galerie Hollenbach,
Stuttgart
14 juli tot 3 september
Barbara Gross Galerie,
München
Figur (2003),
34 x 29 x 28 cm
paint: vol.03/2011

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... außer Kontrolle
Heiner Frost interviewt Hans-Willi Notthoff
Ein Atelierbesuch ist immer etwas Besonderes: Die Visite beim
Unfertigen – eine Art von Ausflug in den Künstlerkopf. Gleich -
zeitig ist ein Atelier kein Ort des Heiligen. Es ist eine Werkstatt.
Eine Verdauungsmaschine. Nicht mehr. Nicht weniger.
Setz dich
Wo bei anderen Schraubenschlüssel liegen oder Sägeblätter, finden
sich hier Pinsel, Farben, meist eine Musikanlage, Werkzeuge
aller Art, Keilrahmen, Leinwände und – fast immer – eine Kaffee -
maschine. Hans Willi Notthoffs Atelier ist keine Ausnahme. Es ist
ein Protokoll seiner Arbeit. ‘Die Arbeit der Dinge’ heißt einer seiner
Ausstellungstitel. Notthoff als erster Zeuge beim Entstehen
seiner Kunst. »Setz dich«, sagt er. Auf dem Tisch stehen Wasser,
eine Schale mit Oliven – ein bisschen Fingerfood. „Wie nimmst
du deinen Kaffee?“, fragt Notthoff. „Schwarz.Ohne Zucker.“ Also:
Reden wir über Kunst ...
Streifen, Sterne, Kreise
„Eine Zeitlang habe ich diese Streifenbilder gemalt, die unter dem
Werkbegriff Cargo laufen. Die waren sehr kontrolliert. Da habe
ich mit einem sehr breiten Pinsel liegende Leinwand bearbeitet.
Bei dieser Art des Auftragens kontrollierst du natürlich die Para -
meter sehr genau. Was kommt wo hin? Wie viel trage ich auf?
Irgendwann entstand dann der Wunsch nach einer Arbeits metho -
de, die ich weniger kontrollieren kann. Ich weiß nicht mehr
genau, wie das passiert ist, aber ich habe dann angefangen mit
Tesa-Krepp-Streifen Linien auf Bilder zu kleben – zu übermalen
und die dann teilweise abzuziehen oder erst drauf zu lassen, denn
an der Stelle, wo diese Streifen waren, verändert sich natür lich
die Farbe, oder sie kommt von unten durch. Da entstehen zwangs -
läufig Schichten. Überlagerungen. Diese Technik habe ich eine
Zeitlang ausgearbeitet.
Nach den Tesa-Streifen habe ich zunächst mit Kreuzstreifen gearbeitet
(das passierte ungefähr zu der Zeit als Deutschland Papst
wurde) – danach wurden es Sterne. Wenn du beim Stern an -
kommst, bist du eigentlich schon fast beim Kreis. Ich habe mir
also große Rollen mit Klebefolie besorgt und Kreise ausgeschnitten.
Die habe ich auf die Leinwand geklebt und übermalt. Das
ist ja so eine Art Umkehrprozess des Malens. Wenn du nach dem
Übermalen die Form abziehst, ist darunter ja nicht die gemalte
Farbe, sondern der Untergrund. Wenn ein solcher Prozess aber in
vielen Schichten stattfindet, ist das eine ziemlich vielschichtige
Angelegenheit. Während der Entstehung sehe ich nie das ganze
Bild. Was ich sehe, ist eine Art von Zwischenzustand. Das erfordert
Vorstellungskraft. Du fragst dich natürlich während der Ent -
stehung, wie das am Ende aussieht. Die Kontrolle ist auf eine
andere Ebene verlagert. Wenn du die Farbe direkt auf eine Lein -
wand aufträgst, ist das eine wesentliche unmittelbarere Form des
Gestaltens.“
Das Bild zeigt sich
„Durch das Abkleben kommt ein zusätzliches Moment in den Ar -
beitsprozess. Das alles hebt aber die innere Logik des Arbeitens
nicht auf. Ich meine die Logik der Farben: Die Art und Weise, wie
sie aufeinander reagieren – miteinander kommunizieren. Ob sie
sich optisch mischen oder decken. Ich muss dann entscheiden:
Will ich eher einen Kontrast, oder geht es um einen chromatischen
Übergang. Ich kann all das bestimmen, aber es bleibt immer ein
Rest Unsicherheit, der durch das Verfahren vorgegeben und natür -
lich gewollt ist.
Schließlich ist dieser finale Augenblick erreicht – der ‘Jetztreichts
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moment’. Dann beginnt das Warten. Die Farbe muss ja erst
trock nen, bevor ich die Folien abziehen kann. Meist denke ich
dann: Jetzt müsste ich Leute einladen und ein Fest feiern. Eine
Performance daraus machen: Die Folie wird entfernt: Das Bild
zeigt sich. Manchmal ist die Spannung so groß, dass ich es
kaum aushalte und die Folie nass abziehe. In jedem Fall gibt es
für diesen Augenblick zwei Aggregatszustände. Der eine ist
„Wow!“ – der andere geht eher in Richtung Enttäuschung. Zum
Glück ist es meistens „Wow!“ Manchmal passiert es auch, dass
ich ein neues Bild am Abend enttäuscht verlasse. Am nächsten
Morgen lacht es mich an.
Diese Art zu arbeiten hat für Außenstehende vielleicht etwas mit
Kontrollverlust zu tun – für mich bedeutet es eher eine Art Ur ver -
trauen in die eigenen Fähigkeiten. Der Teil der Arbeit, der sich
der Kontrolle entzieht, schafft gleichzeitig den Raum für neue
Möglichkeiten. Das ist für jeden Künstler ein wichtiger Bestand -
teil der Arbeit: Das Öffnen neuer Räume. Wenn du ständig in den -
selben Bahnen unterwegs bist, tritt eine Art von Stillstand ein.“
Form oder Farbe
„Wenn ich mit einem Bild beginne, gibt es natürlich eine Idee, in
welche Richtung ich gehen möchte. Kann sein, dass ich das Bild
auf dem Grundklang Gelb aufbaue. Natürlich kannst du ein Bild
von verschiedenen Standpunkten aus denken. Aber in dem Au gen -
blick, in dem ich Kreise ausschneide, steht doch eines fest: Die
Farbe kann ich ändern. Ein Kreis bleibt immer rund. Es tritt also
ein von mir festgelegtes Regelwerk in Kraft. Dieses Regelwerk
heißt beispielsweise Kreis. Bei aller Aufgabe der Kontrolle ist da
noch immer sehr viel vorgegeben.
Wenn alle Regeln wegfallen, entsteht Beliebigkeit. Fest steht aber
doch: Ich bestimme das Format. Ich bestimme, wie groß die Kreise
sind. Ich bestimme das malerische Medium, also: Lein wand,
Acrylfarbe, Ölfarbe – das alles kontrolliere ich, durch bewusste
Auswahl. Die Beschränkung auf den Kreis ist ein Gewinn. Natür -
lich könnte ich andere Formen einsetzen – vielfältigere Struk tu ren
schaffen. Das würde allerdings etwas Narratives nach sich ziehen.
Vielleicht ist es genau das, was mich dann stören würde. In
meinen Bildern gibt es eine illusionistische Räumlichkeit. Es gibt
fliegende Apfelsinen. Aber am Ende nehmen sich die Bilder
immer wieder zurück – kehren heim zum Hauptthema von Farbe
und Farbraumwirkung.“
Über die Dörfer
„Im Grunde bin ich ein Junge vom Dorf. Früher habe ich draußen
gemalt. So habe ich mit dem Studium angefangen. Ich habe mich
dann völlig davon weg bewegt. Dann hatte ich den Punkt er reicht,
wo ich aus der Beobachtung von Landschaft, Architektur – also
von draußen gesehenen Dingen – Abstraktionen entwickelt habe.
Es entstanden Bilder, die sich sehr vom Vor-Bild lösten, aber
immer noch daran orientiert waren.
Plötzlich fand ich mich in einer Art Falle wieder. Einerseits wollte
ich mich noch immer an der Quelle des Gesehenen inspirieren –
andererseits ging es mir längst um etwas, das ich mal ‚autonomes
Bild‘ nennen möchte – ein Bild also, das auf nichts anderes
verweist als auf sich selbst. Mitte der Neunziger bin ich nicht
mehr weitergekommen. Ich bin dann dazu übergegangen, wieder
draußen zu malen … hab’ mich hingestellt und den Baum gemalt
– die Straßenbahn, den Blick auf den Rhein. So habe ich mir die
Freiheit geschaffen, all das anschließend im Atelier völlig außen
vor zu lassen. Da fand gewissermaßen die Konzentration auf

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Farbe und Fläche statt. Die abbildende Ebene – das Erzählerische
also – blieb quasi draußen, ohne dass ich darauf verzichten
musste. Diese Trennung hat mir geholfen. Sie hat ein verzichtsloses
Gleichgewicht hergestellt. Ich versuche heute noch, mindestens
einmal im Jahr einen solchen Arbeitsblock einzurichten, bin
dann draußen und beschäftige mich mit dem Erzählen. Es geht,
damit wir uns nicht falsch verstehen, nicht um die Unterschei dung
von draußen und drinnen. Es geht im Kern darum, einen Arbeits -
raum außerhalb der gewohnten Atmosphäre entstehen zu lassen.
Ich kann das im alltäglichen Leben nur schwer unterbringen. Ich
muss dann einfach weg. Muss eine Woche in Holland sein. In
Italien. Irgendwo.“
Regelmaß
„Ich muss jeden Tag ins Atelier. Das ist manchmal mehr, manchmal
weniger. Für mich ist das Regelmaß sehr wichtig. Es geht
darum, dass der Faden nicht reißt. Ich befasse mich täglich mit
meinen Bildern – knüpfe immer wieder an, mache immer wieder
weiter. Du malst eine Schicht. Dann wartest du. Warten ist kein
denk- und arbeitsfreier Zustand. Es geht immer um diesen
Spannungsbogen ...“
Abspann
Haben die Bilder gehört, was Notthoff über sie sagt? Vielleicht
sollten wir noch irgendwo was essen gehen. ‘Zurückkehr’ ins
Leben. Die Leinwände können ausruhen. Es bleibt die Frage nach
dem Eigentlichen. Findet es im Bild statt? „Wo gehen wir hin?“
„Vielleicht zum Chinesen.“ Ateliersituation 2008
Ausstellungen Hans-Willi Notthoff 2011
11.05.–15.05.
Galerie Ebbers, Art Amsterdam
7.05.–16.06.
Galerie Peter Tedden, Düsseldorf (Gruppenausstellung)
26.11.–23.12.
Galerie Peter Tedden, Düsseldorf
paint: vol.03/2011

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CARGO, 2008
240 x 225 cm, Acryl und Öl auf Leinwand
paint: vol.03/2011

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Een atelierbezoek is altijd iets bijzonders: een bezoek aan het
onvoltooide – een soort kijkje in het hoofd van de kunstenaar.
Tegelijkertijd is het atelier geen heilige plaats. Het is een werkplaats.
Een verwerkingsmachine. Niet meer. Niet minder.
Ga zitten
Waar bij anderen schroevendraaiers of zaagbladen liggen, liggen
hier penselen, verf, staat er meestal een stereo-installatie, er ligt
allerlei gereedschap, spieramen, doeken en – bijna altijd – een
koffiezetapparaat. Het atelier van Hans-Willi Notthoff is geen uitzondering.
Het is een verslag van zijn werk. De titel van één van
zijn tentoonstellingen is “het werk van de dingen”. Notthoff als
eerste getuige bij het ontstaan van zijn kunst. “Ga zitten” zegt
hij. Op tafel staat water, een schaaltje met olijven – een beetje
fingerfood. “Wat wil je in je koffie?” vraagt Notthoff. “Zwart, zonder
suiker”. Laten we over kunst spreken ...
Strepen, sterren, cirkels
“Ik heb een tijd lang schilderijen met strepen gemaakt, die de
titel Cargo hebben. Die waren heel gecontroleerd. Ik heb met een
heel breed penseel streken gemaakt op liggende doeken. Daar -
door kun je de parameters heel precies sturen. Wat komt op welke
plaats? Hoeveel verf breng ik aan?
Op een gegeven moment ontstond de wens naar een werkwijze,
die ik minder onder controle zou hebben. Ik weet niet meer
precies hoe het ging, maar ik ben met afplakband lijnen op de
doeken gaan plakken en daar overheen gaan schilderen. Daarna
heb ik ze er op sommige plaatsen weer afgehaald of er juist op
gelaten, want waar de plakbandstroken zijn, verandert het verfoppervlak
of loopt de verf onder het plakband. Er ontstaat een
gelaagdheid. Met deze techniek heb ik een tijd gewerkt.
Na de plakbandstroken heb ik eerst met gekruiste stroken ge -
werkt (dat was ongeveer rond de tijd dat Duitsland paus werd)
– daarna werden het sterren. Als je bij de stervorm komt, ben je
eigenlijk ook bij de cirkel. Dus heb ik grote rollen plakfolie
gekocht en cirkels uitgesneden en op doeken geplakt, en overschilderd.
Het is een soort omgekeerd schilderproces. Als je na het overschilderen
de folie eraf neemt, zit daar geen verf onder maar
grondering. Maar als zo’n proces in een grotere gelaagdheid
plaatsvindt is dat een behoorlijk complexe zaak. Gedurende het
ontstaan zie ik nooit het hele schilderij. Ik zie een soort tussentoestand.
Daar heb je voorstellingsvermogen voor nodig. Je vraagt
je natuurlijk af hoe het er uiteindelijk uit zal zien. De controle is
naar een ander niveau verschoven. Als je de verf direct op doek
aanbrengt, is dat een veel directere manier van scheppen.”
Het schilderij toont zich
“ Door het afplakken heb je een extra moment in het schilderproces.
Maar dat heft de innerlijke logica van het werken niet op.
Ik bedoel de logica van de kleuren: de manier waarop ze op
elkaar reageren – met elkaar communiceren. Of ze zich optisch
mengen of elkaar afdekken. Ik moet dan steeds weer beslissen
of ik een contrast wil, of een chromatische overgang. Ik kan dat
allemaal bepalen maar er is altijd een restonzekerheid, die ontstaat
door de werkwijze en die gewild is.
Uiteindelijk is het finale moment gekomen – het ‘nu-is-het-genoegmoment’.
Dan begint het wachten. De verf moet eerst drogen,
voordat je de folie eraf kunt halen. Vaak denk ik: nu zou je mensen
moeten uitnodigen en een feestje vieren. Er een performance
van maken: de folie wordt verwijderd: het schilderij toont zich.
Soms is de spanning zo groot, dat ik niet kan wachten en de folie
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eraf haal als de verf nog nat is. Iedere keer zijn er voor dit mo -
ment twee gemoedsstoestanden. De ene is: “wow!” – de andere
is eerder een uitroep van teleurstelling. Gelukkig is het meestal
“wow!”. Het gebeurt soms ook, dat ik ’s avonds teleurgesteld
een nieuw schilderij verlaat. En dat het me de volgende ochtend
toelacht.
Deze werkwijze heeft voor buitenstaanders misschien met het
ver liezen van grip te maken – voor mij betekent het eerder een
soort oervertrouwen in mijn eigen kunnen. Het deel van het proces,
dat zich aan mijn sturing onttrekt, biedt tegelijkertijd ruimte
voor nieuwe mogelijkheden. En dat is voor iedere kunstenaar een
belangrijk bestanddeel van zijn werk: het ontsluiten van nieuwe
gebieden. Als je steeds op de geijkte wegen onderweg bent, doet
stilstand zijn intrede.”
Vorm of kleur
“Als ik met een schilderij begin, heb ik natuurlijk een idee in welke
richting ik wil gaan. Het kan zijn dat ik een schilderij opbouw op
de grondtoon geel. Je kunt een schilderij natuurlijk vanuit verschillende
standpunten denken. Maar op het moment dat ik de
cirkels uitsnijd, staat vast: ik kan de kleur veranderen. Een cirkel
blijft altijd rond. Een door mij bepaald regelwerk treedt in werking.
Dit regelwerk heet bijvoorbeeld cirkel. Bij al het opgeven
van controle is toch nog veel van tevoren vastgelegd.
Als alle regels wegvallen ontstaat willekeur. Maar het staat wel
... geen controle meer
Heiner Frost interviewt Hans-Willi Notthoff
vast dat ik het formaat bepaal. Ik bepaal, hoe groot de cirkels
zijn. Ik bepaal waarmee ik schilder, dus: doek, acrylverf, olieverf
– dat bepaal ik allemaal, door middel van bewuste keuzes. Me te
beperken tot een cirkel is winst. Ik zou natuurlijk andere vormen
kunnen inzettten – afwisselendere structuren scheppen. Maar
daardoor zou een narratief karakter ontstaan. Misschien is dat
juist wat mij dan zou storen. Mijn schilderijen hebben een illusi -
o nistische ruimtelijkheid. Er zjin vliegende sinaasappels. Maar
uiteindelijk hernemen ze zichzelf weer en keren terug naar het
hoofdthema, kleur en de werking van kleurruimte.”
Over de dorpen
“Eigenlijk ben ik een dorpsjongen. Vroeger heb ik buiten geschilderd.
Zo ben ik aan mijn studie begonnen. Daar heb ik me langzamerhand
helemaal van losgemaakt. Ik had een punt bereikt,
waarbij ik uit de waarneming van landschap, architectuur – dus
dingen die ik buiten zag – abstracties heb ontwikkeld. Er ontstonden
schilderijen, die helemaal los kwamen van de voorbeelden,
maar er toch nog aan georiënteerd waren.
En opeens zat ik in een soort val. Enerzijds wilde ik me nog laten
inspireren door dat wat ik had gezien – anderzijds ging het me
al lang om iets heel anders, iets dat je ‘het autonome beeld’ zou
kunnen noemen – een schilderij dat naar niets anders verwijst
dan naar zichzelf. Midden negentiger jaren kwam ik niet meer
verder. Toen ben ik weer buiten gaan schilderen ... heb buiten
een boom geschilderd – de tram, het uitzicht op de Rijn. Zo heb
ik voor mezelf weer vrijheid gecrëeerd, al die dingen buiten het
atelier te kunnen laten. Daar was dan de concentratie op kleur en
vlak. Het afbeeldende niveau – het verhalende dus – bleef buiten,
zonder dat ik er afstand van moest doen. Deze scheiding heeft
me geholpen. Daardoor ontstond er een evenwicht zonder verlies.
Ik probeer ook nu nog tenminste één keer per jaar een tijdje
buiten te zijn en me met het verhalende bezig te houden. Het
gaat, geen misverstand, niet om het scheiden van buiten en binnen.
Het gaat er in de basis om een werkplek buiten de vertrouwde
werkplek te laten ontstaan. Ik kan dat in het dagelijks

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leven nauwelijks realiseren. Ik ga dan een week naar Nederland.
Of naar Italië. Ergens heen.
Regelmaat
“Ik moet iedere dag naar mijn atelier. Soms iets langer, soms iets
korter. Voor mij is regelmaat heel belangrijk. Het gaat erom dat
de lijn niet breekt. Ik houd me iedere dag met mijn schilderijen
bezig – knoop steeds weer aan, ga altijd door. Je schildert een
laag. Dan wacht je. Wachten is geen denk- en werkvrije toestand.
Het gaat altijd om die spanningsboog ...”
Aftiteling
Hebben de schilderijen gehoord wat Notthoff over ze zegt?
Misschien moeten we nog ergens iets gaan eten. ‘Terugkeer’ in
het leven. De doeken kunnen uitrusten. Blijft de vraag naar het
feitelijke. Vindt dat in de schilderijen plaats? “Waar gaan we
naar toe?” “Misschien naar de Chinees.”
Tentoonstellingen Hans-Willi Notthoff 2011
11 mei tot 15 mei
Galerie Ebbers, Art Amsterdam
7 mei tot 16 juni
Galerie Peter Tedden, Düsseldorf (groepstentoonstelling)
26 november tot 23 december
Galerie Peter Tedden, Düsseldorf
IMPORT/EXPORT,
FIH, Raketenstation, Stiftung Insel Hombroich, 2010
paint: vol.03/2011

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IMPORT/EXPORT,
FIH, Raketenstation, Stiftung Insel Hombroich, 2010
paint: vol.03/2011

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Hans-Willi Notthoff
„CARGO“ (2003)
Norbert Prangenberg
„Besuch in Urach“ (2006)
w

paint 3_paint03.2011 28.04.11 08:57 Seite 19
Unter www.paint-online.de finden Sie unsere Editionen und
Multiples. Wir bieten dort unter anderem die Mappe „CARGO“ (2003)
an, eine Serie von fünf Siebdrucken von Hans-Willi Notthoff.
Auch die Mappe mit fünf Linolschnitten von Norbert Prangenberg
(2006) zu dem Gedicht „Besuch in Urach“ von Eduard Mörike finden
Sie in unserem Online-Shop.
Onder www.paint-online.de vindt u onze edities en multiples.
We bieden u daar onder andere de map “Cargo” (2003) van
Hans-Willi Notthoff aan.
Ook de map met vijf linosnedes van Norbert Prangenberg (2006)
bij een gedicht van Eduard Mörike, “Besuch in Urach”, vindt u in
onze online-shop.
www.paint-online.de
paint: vol.03/2011

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Portrait: Die Donation
Albers-Honegger – der
Neubau von Gigon und
Guyer in Mouans-
Sartoux (Cote d’Azur)
Was entsteht wenn ein Sammlerpaar (sie: Sybil Albers-Barrier,
die Tochter des Malers Josef Albers, er: der Schweizer konkrete
Künst ler Gottfried Honegger), wenn also zwei künstlerisch denkende
und handelnde Sammler sich entschließen, ihre in einem
Leben aufgebaute Sammlung zu stiften?
Ein Traum soll in Erfüllung gehen: Es ist der Traum von einem
Haus, das künstlerischen Maßstäben genügen soll.
Ein Haus, das die Bedürfnisse der Kunstwerke respektiert – das
keine Strahler zur Illumination braucht, weil es Fenster in alle
Himmelsrichtungen hat.
Auch nach Süd-Westen, da, wo das sich ständig wechselnde Tages -
licht den Zauber von Malerei erst offenbart. Ein Haus, dessen
Innenräume sich an den Proportionen eines Wohnhauses orientieren.
Ein Haus, das in seiner Umgebung zu Schloss und Park
mit seinen Bäumen wie in gewachsener Synergie eingebettet
sein soll.
Man braucht Architekten, die sich längst eingelassen haben auf
eine Haltung, die Kunstwerke als Poesie begreift – die sich selbst
genügt, die nicht mit beschränkten Luxwerten dramaturgisiert
werden muss. Architekten, die die Autonomie der ausgestellten
Objekte als oberste Priorität für ihre planerischen Entschei dun gen
sehen, die darum weder dekorative Kunstgriffe brauchen, noch
eine Großskulptur über den Inhalt stülpen wollen.
Nach den Plänen der Schweizer Architekten Gigon und Guyer ist
ein Museum entstanden, das ebenso harmonisch wie artifiziell, in
Farbigkeit und skulpturaler Erscheinung dem Hang entwachsen
zu sein scheint. Ein Museum, das sein historisches Gegenüber
respektiert und seine ganze Größe erst im Inneren offenbart. Ein
Museum, das in seiner Einheit von Inhalt und Hülle einzigartig
ist – die Villa La Roche von Le Corbusier in Paris, vielleicht, aber
da ist der Inhalt auch vom Architekten der Hülle.
Gigon und Guyer durchdringen die architektonischen Probleme
ihrer Bauaufträge: Nutzung, Umgebung, Licht, Schatten, Ordnung,
Struktur des Raumprogramms, Akzeptanz, Identität und Materi ali -
tät. Die Summe der Einzelentscheidungen bestimmt die Qualität
der Architektur, alles darüber hinaus ist architektonische Evo lu -
tion oder Kunst. Das Museum von Gigon und Guyer in Mouans-
Sartoux ist Beides.
centre d’art contemporain
château de Mouans
06370 Mouans-Sartoux
T: +33 4 93 75 71 50
Zeitungsartikel zum eac:
www.nzz.ch/2004/06/30/fe/article9P204.html
20 | 21
www.espacedelartconcret.fr
www.drdp.ac-nice.fr/eac/
www.gigon-guyer.ch
Wat ontstaat er wanneer een verzamelaars-paar (zij: Sibyl Albers-
Barrier, de dochter van Josef Albers, hij: de Zwitserse concrete
kunstenaar Gottfried Honegger), wanneer dus twee artistiek denkende
en handelende verzamelaars besluiten hun verzameling te
schenken, in ruil voor een museum? Een droom moet in vervulling
gaan: de droom van een huis dat aan artistieke eisen moet
voldoen, voor een verzameling die gedurende een heel leven is
opgebouwd.
Een huis, dat de behoeftes van de kunstwerken respecteert,
waar geen spots nodig zijn om de werken te illumineren omdat
er ramen in alle hemelsrichtingen zijn.
Ook naar het zuid-westen, waar het steeds veranderende daglicht
de betovering van de schilderkunst openbaart. Een huis waar de
ruimtes geproportioneerd zijn als de kamers van een woonhuis.
Een huis, dat in haar omgeving met kasteel en het park met
bomen als in een gegroeide synergie ingebed moet zijn.
Daar zijn architecten voor nodig die een houding hebben, die
kunstwerken als poëzie verstaan – een poëzie die genoeg heeft
aan zichzelf en die niet met beperkte luxwaarden gedramaturgiseerd
hoeft te worden. Architecten, die de autonomie van de
tentoongestelde objecten als eerste prioriteit voor hun architectonische
beslissingen zien en daarom noch decoratieve kunst -
grepen nodig hebben, noch een megasculptuur over de inhoud
willen stulpen.
De architecten Gigon en Guyer hebben een museum geconcipieerd
dat harmonisch en artificieel uit de helling lijkt te groeien. Een
museum dat zijn historisch pendant respecteert en zijn ware
formaat pas openbaart in zijn binnenruimtes. Een museum dat
uniek is in zijn eenheid van inhoud en omhulsel – met uitzondering
van de Villa la Roche van Le Corbusier in Parijs misschien,
maar daar is de inhoud ook van de architect van het omhulsel.
Gigon en Guyer doordringen de architectonische problemen van
hun bouwopdrachten: functie, omgeving, licht, schaduw, ordening,
structuur en samenhang van de ruimtes, acceptatie, identiteit en
materialiteit. De som van de beslissingen bepaalt de kwaliteit
van de architectuur, alles wat daar bovenuit stijgt is architectonische
evolutie of kunst. Het museum van Gigon en Guyer in
Mouans-Sartoux is beide.
centre d’art contemporain
château de Mouans
06370 Mouans-Sartoux
T: +33 4 93 75 71 50
Krantenartikel over het EAC:
www.nzz.ch/2004/06/30/fe/article9P204.html
www.espacedelartconcret.fr
www.drdp.ac-nice.fr/eac/
www.gigon-guyer.ch
Gebouw van Gigon en Guyer in Nederland:
Woon-/Kantoorgebouw Almere (2002-2007)
De Diagonaal 187, 1315 XM Almere Stadshart, Niederlande
Portret: Stichting
Albers-Honegger – de
nieuwbouw van Gigon
en Guyer in Mouans-
Sartoux (Cote d’Azur)

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paint: vol.03/2011

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