Miguel Ângelo - Jaba

Índice
Miguel Ângelo
A agonia de um filho e o sofrimento
silencioso de uma mãe
Adriaen Brouwer
Momentos vívidos e fugazes do desagrado físico
na vida quotidiana
Géricault
Um grupo de homens à deriva que reflectem os
infinitos males da dor
Mathis Grünewald
Cena bíblica clássica onde o sofrimento adquire
um tom hiper-realista
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© Europa Press Ltda.
Direitos reservados em tudo o mundo
Editor:
Edmundo Tapia
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Desenho Editorial:
Erika Ruz e Rodrigo Barrera

A Piedade de
Miguel Ângelo
A agonia de um filho e o sofrimento
silencioso de uma mãe
A dor escondida
Logo após a morte do seu principal mecenas,
Lourenço o Magnífico, Miguel Ângelo deixou
a sua terra natal, Florença, para se estabelecer
em Roma onde recebeu uma encomenda
feita por Jean Bilhères de Lagraulas de um
importante trabalho: uma escultura em
mármore da Virgem Maria segurando o
seu filho Jesus morto nos braços.
Aos 23 anos, com um talento artístico
amplamente demonstrado na refinada
corte dos Médicis, e um extremo sentido
de autocrítica, começou a trabalhar
na escultura de 1.80 metros de altura
destinada a embelezar a Basílica de
São Pedro. O resultado final do seu
trabalho marcou um dos pontos
culminantes da arte renascentista,
sendo também a única obra em que
aparece a assinatura do autor.
Admirada através dos tempos pelo seu
comovedor realismo, Piedade mostra uma
virgem que, contendo a intensa dor que
a oprime, conserva ainda assim uma
expressão de serenidade enquanto
segura nos braços o corpo do seu
filho morto. Apesar de parecer resignada
ao penoso desígnio divino, o seu rosto
transparece a mais profunda das tristezas.
Sobre o colo de sua mãe e embalado por seus
braços, o corpo lânguido de Jesus com o
aspecto de um herói clássico, apresenta sinais
mínimos da tortura e crucificação que sofreu.
“As mãos da morte são
eternas e sinto que já me
puxam pelo manto”
Miguel Ângelo
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Sofrimento sem tragédia
A Virgem mostra uma
expressão serena,
que restringe
a terrível dor
interna que a
oprime.
Mesmo trabalhando com todo o vigor
e ousadia da juventude, o génio
renascentista demorou dois anos a terminar
a escultura. Sendo profundamente cristão,
teve o cuidado de que Maria brilhasse
eternamente jovem e cândida para destacar
a sua “virgindade e pureza perpétuas”.
Ao contrário de representações anteriores,
em que Jesus Cristo parece oprimir
ligeiramente o corpo de sua mãe, A Piedade
de Michel Ângelo, mostra um equilíbrio
perfeito entre as duas figuras, embutido
numa estrutura piramidal definida pelo
corpo e pelas dobras do manto de Maria.
O objectivo do artista era reforçar o
envolvimento psicológico do espectador com
uma cena emocionante, mas não trágica.
Com os olhos semicerrados, a Virgem desvia
o olhar do corpo prostrado de seu filho para
orientá-lo para si mesma mostrando assim,
aos olhos do observador, os seus sentimentos
de compaixão de mãe que humildemente se
submete à vontade de Deus.
Em carne e osso
O espírito renascentista do escultor
manifesta-se na forma como mostra duas
pessoas reais, de carne e osso, próximas
e tangíveis. Na busca do volume ideal,
Miguel Ângelo deu rédea solta à atitude
interior que os críticos chamaram de “La
terribilitá” do artista: uma expressão
avassaladora de sentimentos.
Dono de um génio temperamental, poucos
dias depois de A Piedade ter sido colocada
num local público, o artista ouviu um
peregrino comentar que a obra havia
sido criada por um certo Cristoforo Solari
de Lombardia. A sua ira foi tão grande
que, nessa mesma noite ele esculpiu
com o cinzel nas vestes da Virgem, uma
expressão latina que dissiparia para
sempre qualquer dúvida: “Michelangelo
Buonarroti, de Florença, fez isto”.
Colocava essa mesma paixão na sua obra,
exigindo-lhe perfeição e vitalidade. Queria
com cada golpe titânico do cinzel e do
martelo fazer emergir “o ser escultórico”
oculto entre as veias do mármore.
Procurava um resultado perfeito com uma
energia que às vezes derivava em fúria, não
tendo qualquer receio de destruí-lo. Não
suportava os trabalhos medíocres que não
expressassem com absoluta veracidade o
seu estado de ânimo. Na obra A Piedade,
criada num período de calma e estabilidade
na vida do artista, o dramatismo da cena
é contrastado pela atitude controlada e
serena de Maria.

Da anatomia à perfeição
Através da perfeição física, o artista dotou
as suas obras de grande espiritualidade.
Esculturas como Moisés, Baco e David,
transmitem poderosos sentimentos e paixões
humanas. Miguel Ângelo sacrificou a harmonia
do classicismo a favor de um expressionismo
pessoal com um selo único de estilo. Tanto a
sua forma de esculpir, como o produto final do
seu trabalho, reflectiam o seu temperamento
incontrolável, e não a influência de uma escola
formal ou teoria erudita.
Esta característica autodidacta, marca da sua
obra, levou-o a mergulhar no terreno das
emoções através da anatomia. Com o seu vasto
conhecimento do movimento dos músculos,
da estrutura óssea e da pele, conseguiu
representar fielmente as mais variadas e subtis
emoções nas suas estátuas sacras e profanas.
A Piedade, uma amostra emblemática dessa
característica, reflecte o sofrimento interno de
uma mãe, sintetizado na expressão do rosto,
cabisbaixo mas estóico da Virgem Maria.
A Piedade inacabada
Criada no período final da trajectória
artística de Miguel Ângelo, e também no
final da sua vida, A Piedade Rondanini
evoca sentimentos opostos ao seu primeiro
trabalho sobre o mesmo tema. Esta obra
inacabada reflecte o pessimismo e a revolta
contra o mundo e contra si mesmo que
invadiram o artista na velhice, somada
a uma sensação de fracasso por não ter
conseguido alcançar a perfeição suprema
que ansiava. Realizado à luz das velas
durante várias noites de inquietação
e insónia, deixa a descoberto a sua
inconstância emocional e intelectual no
processo de criação.
A figura de Cristo, praticamente fundida
com a de sua mãe numa imponente massa
pétrea, parece querer libertar-se de toda
a concepção estética, e inclusivamente,
da realidade objectiva. A protagonista
da obra é a dor, agora evidente, da mãe
que com escassas forças tenta suster
o cadáver do seu filho que abraça por
trás para evitar que caia, utilizandoo
no entanto, no seu desespero e
debilidade, como suporte físico e
moral. Inacabadas, com a expressão dos
seus rostos amorfos e o movimento
dos seus corpos, ambas as figuras
transmitem desolação, impotência
e desamparo, sentimentos com os quais o
artista se identificava plenamente.

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Adriaen Brouwer
e O Sabor Amargo
Momentos vívidos e fugazes do desagrado físico
na vida quotidiana
Problemas do quotidiano dos
camponeses
Herdeiro da tradição pictórica de Jerónimo
Bosch e Pieter Bruegel, Brouwer registou
os costumes, dicas e sabores quotidianos
dos camponeses e do povo holandês de
classe baixa. O Sabor Amargo faz parte de
uma série intitulada “Os Cinco Sentidos”.
Pintada sobre uma mesa de carvalho,
capta o momento em que um camponês
toma uma amarga mistura medicinal. O
seu rosto, deformado por uma expressão
de repugnância, reflecte o desagrado físico
pelo sabor do medicamento que segura na
mão. Os lábios semiabertos insinuam um
grito surdo ou, pelo menos, uma expressão
de protesto. Correspondente à última fase
pictórica do artista, o quadro é composto
por pinceladas enérgicas e desenvoltas,
numa clara influência estilística do seu
compatriota Peter Paul Rubens e emblema
do barroco flamengo.

Desagrado pelo paladar
Atento observador do comportamento
das pessoas ao seu redor, Brouwer foi
reconhecido no seu tempo como um
maestro da emoção, inigualável na
sua capacidade de imprimir nas suas
personagens expressões faciais e corporais
realistas e convincentes. Sem desperdiçar
recursos, nem tinta, captou o amplo
espectro de percepções sensoriais em cada
Verdade difícil de engolir
Considerado pelos seus contemporâneos
como um artista genial, a sua obra foi
venerada por Rubens e Rembrandt,
que disputaram a posse dos seus
quadros. No entanto, a sua inclinação
para cenas vulgares não deixou os seus
contemporâneos mais refinados indiferentes,
que não partilharam o entusiasmo de
Brouwer pelas personagens populares nem
o seu profundo conhecimento das verdades
momento da vida, revelando através das
sensações físicas a essência da condição
humana. Sem dificuldade, transitou entre
o prazer alegre, a calma, o desagrado e a
dor, centrando a atenção do espectador
em gestos e atitudes reveladoras. O Sabor
Amargo é um exemplo magistral deste
talento do artista: cada um dos músculos
do rosto da personagem principal faz
parte do desgosto que acaba de sofrer
com o paladar.
Registou os costumes, dicas
e sabores quotidianos dos
camponeses e do povo
holandês de classe baixa.
humanas ocultas em tabernas sombrias e
em sujeitos desgrenhados, de indumentária
simples e reputação duvidosa. Esse foi o
caso do protagonista de O Sabor Amargo.
Retratado sem sentimentalismos, de nariz
largo e grosso, cabelo desalinhado, barba por
fazer e poucos dentes, que não reprime um
gesto grotesco depois de cuspir a mistura
que esteve a ponto de engolir. Despojada de
todo o romantismo, a cena é convincente e
atractiva para qualquer pessoa que a olhe
por um prisma meramente humano.

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Foi reconhecido pelos seus
contemporâneos como um maestro
inigualável na sua capacidade para
imprimir às suas personagens expressões
faciais e corporais realistas e convincentes.
Cirurgia dolorosa
Na mesma linha estética e temática de O Sabor Amargo,
enquadra-se a sua pintura O Doutor do Povo. Valendose
dos acentuados contrastes de luzes e sombras, bem
como da nitidez do rosto do paciente que contrasta
com as feições pouco nítidas do cirurgião e da sua
ajudante, Brouwer delimitou diferentes planos
espaciais e de acção. Mais uma vez, a expressão
do rosto e a posição do corpo do protagonista
reflectem com vivacidade e realismo um transe
doloroso, ainda que se trate apenas de uma
pequena cirurgia. O cirurgião, de aspecto tão
tosco quanto as suas ferramentas, concentrase
em fazer bem o seu trabalho e causar os
menores danos possíveis ao paciente. O frasco
que a mulher ao seu lado segura sugere que
foi administrado álcool previamente à
operação, o anestésico mais popular e
mais usado nessa época.

Géricault
e A Balsa da Medusa
Um grupo de homens à deriva que reflectem os
infinitos males da dor
Sobreviventes no mar
Líder dos pintores românticos do século XIX,
influenciado pela paleta de Miguel Ângelo e
Rubens, Géricault destacou-se dos artistas
neoclássicos franceses ao modelar no linho cenas
de acção, com desenhos atrevidos e tonalidades
dramáticas. O poder emotivo da sua obra
alcançou o ponto culminante em A Balsa
da Medusa, uma tela de grandes dimensões e
de expressão esmagadora. O quadro retrata o
naufrágio do navio francês Medusa em 1816,
provocado por uma tempestade da qual só foram
resgatados alguns tripulantes a bordo de uma
balsa improvisada. No quadro, o artista retrata o
momento mais emocionante do episódio, quando
os navegadores desesperados avistam o barco de
resgate, depois de dias à deriva no mar. Rodeados
de cadáveres moribundos, os sobreviventes
abraçam-se na proa da balsa, agitando as suas
roupas no ar para chamar a atenção da fragata que
apareceu no horizonte.
“ Os obstáculos e dificuldades que os homens medíocres repelem,
nutrem os génios; fazem-nos amadurecer e elevam-nos.”
Théodore Géricault
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Uma cena comovente
A existência do pintor, tão intensa como
a sua obra, terminou precocemente aos
33 anos, devido a um acidente equestre.
Fruto da sua complexa personalidade e da
sua apaixonada busca pela justiça, bem
como do seu sentido humanitário, a sua
arte combinou o realismo e o romantismo
com um resultado monumental. O
naufrágio do navio francês, provocado
pela negligência, ignorância e cobardia
dos oficiais, que preferiram salvar as suas
vidas antes que a do resto dos tripulantes
e passageiros, tornou-se uma verdadeira
obsessão para o pintor. Dia após dia seguiu
os acontecimentos através dos jornais e
manteve-se informado até aos mais ínfimos
detalhes. Para reproduzir a tragédia
do Medusa com absoluta veracidade,
interrogou os sobreviventes, construiu na
sua oficina uma cópia da balsa em tamanho
real e inclusivamente examinou cadáveres
na morgue para evitar erros anatómicos.
Com essa sólida documentação, elaborou
uma cena sombria e esmagadora que seria
a sua forma de protesto artístico contra a
crueldade humana.
Entre a esperança e o desalento
A descrição detalhada que o artista faz
do estado dos cadáveres e da agonia dos
sobreviventes, é forçada por uma paleta de
tons escuros e uma composição baseada em
duas pirâmides que se tocam. A pirâmide da
esquerda é formada pela vela ao vento, pelos
moribundos e pelos que perderam toda a
esperança de viver, como o homem que
tem o rosto apoiado sobre uma mão e olha
em sentido contrário à restante tripulação,
enquanto com a outra segura um cadáver. A
pirâmide da direita, coroada por um homem
de pele escura que agita um pano vermelho
ao vento para chamar a atenção da fragata
salvadora, é integrada por todos os que
ainda acreditam na salvação e se balançam
sobre a proa desesperados, ansiosos e,
ao mesmo tempo, aterrorizados com a
possibilidade de que o barco que se avista
no horizonte os perca de vista.

O pintor da loucura
Nos últimos anos da sua vida, especialmente depois de voltar de Inglaterra, o pintor
seguiu uma temática mais introspectiva, trabalhando uma série de litografias, desenhos
e esboços acerca de doenças mentais. Tal como a maioria dos artistas românticos,
estava obcecado com as perturbações da psique, especialmente a neurose e a psicose,
transtornos que em momentos críticos atribuía a si mesmo. A intensidade emocional
e a exacerbada paixão que empreendia nos seus afazeres fizeram-nos duvidar da sua
sensatez e procurar ajuda psiquiátrica. Assim conheceu directamente o angustiante
e obscuro mundo da loucura. Através das suas pinturas, quis redimir a esses homens
e mulheres rejeitados pelos suas famílias, condenados a uma vida de dor e solidão
nos asilos mentais do século XIX. Com máximo respeito, e sem jamais abdicar da
objectividade que caracteriza a sua arte, produziu retratos eloquentes como o intituladose
simplesmente A Louca.
A morte está presente
A luta do homem pela sobrevivência num
meio adverso, um tema recorrente em
Géricault, é possível de ser apreciado em
cada detalhe do quadro. O sujeito que
está no ponto mais alto da proa, agitando
freneticamente a sua simples roupa
representa a esperança da salvação, ainda
que no meio da tormenta e na presença da
morte. A sua energia parece animar o resto
dos náufragos, que estendem as suas mãos
para o horizonte, claro e luminoso que
contrasta com a escuridão das nuvens da
tormenta que ainda paira sobre a balsa. Mais
concentrado na realidade que no ideal, sem
no entanto descurar o poder emotivo da
arte, o quadro transmite inúmeras emoções
vinculadas com a dor, a morte, o medo e
o desamparo, inevitáveis companheiros
da existência humana e elementos
fundamentais na obra do artista.
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Mathis Grünewald
e A Crucificação
Cena bíblica clássica onde o sofrimento
adquire um tom hiper-realista
Entre o humano e o divino
A crucificação, o painel central do retábulo
de Isenheim, denuncia o tormento na
cruz com um realismo sem precedentes. O
corpo retorcido de Jesus Cristo, a expressão
do seu rosto e das suas mãos crispadas,
desproporcionadamente grandes em
relação ao seu corpo, evidenciam um transe
doloroso e violento. O sangue que visível
nas suas costas e o que corre por debaixo
dos seus pés contrasta com o tom mordaz do
seu corpo moribundo. No seu flanco direito,
Maria Madalena levanta as mãos em sinal de
oração, enquanto a Virgem Maria, pálida e
prestes a desfalecer é apoiada pelo Apóstolo
João. À sua esquerda, João Baptista e o
cordeiro de Deus fazem frente ao drama
humano da cena, ressalvando a natureza
divina do crucificado. A sua serenidade
alenta a esperança da salvação da alma e
segue a doutrina da igreja, representada
pelas palavras do Evangelho de São João:
“Ele deve crescer, mas eu devo diminuir”.

Cristo leproso
Ainda que o seu verdadeiro nome fosse
Mathis Gothart Niethart, o artista passou
para a história como Grünewald. Da sua
vida não se sabe muito, excepto que foi
colaborador directo do bispo de Mainz e
pintor da corte do Príncipe Albrecht de
Brandenburgo. A sua especialidade, pela
qual ficou especialmente conhecido nos
círculos da nobreza e da alta burguesia,
foram os retratos e especialmente os
retábulos religiosos. O retábulo de
Isenheim, considerado a sua obra-prima
que demorou cerca de quatro anos a
terminar, foi pintado para ornamentar o
hospital do mosteiro de Santo António,
em Alsácia. O seu propósito era confortar
os doentes de lepra que ocupavam o
estabelecimento, pressagiando uma cura
milagrosa. Dos onze corpos que compõem
o retábulo, A crucificação é o mais cru,
realista e, por vezes, o que mais identifica
os pacientes com Jesus. O Crucificado de
Grünewald não só está a padecer de uma
cruel e prolongada agonia, como também
sofre de lepra: a evidência médica está nas
pústulas verdes que cobrem toda a sua pele.
Demonstração de dor
Ainda que a sua arte tenha nascido em
pleno Renascimento alemão, ao mesmo
tempo que Alberto Durero e Lucas
Cranach, entre a sua obra e a dos seus
contemporâneos há uma diferença
abismal. Alheio à visão antropocêntrica
e idealista do Renascimento, bem
como à sua paleta luminosa e aos seus
rostos plácidos, optou por uma arte
que demonstra dor física e espiritual.
Fervorosamente religioso, Grünewald
viu na arte um meio para evangelizar
e proclamar as verdades da Igreja,
muitos mais do que uma forma de busca
dos segredos ocultos da beleza. A sua
identificação com os estilos da arte
medieval, especialmente o gótico, reflectese
claramente na obra A Crucificação. O
fundo escuro em contraste com as cores
fortes do primeiro plano, assim como o
tamanho exagerado da figura de Jesus
em comparação com as personagens à sua
volta dão um tom angustiante à cena e
sugerem que o mundo é um imenso espaço
de dor e desolação, onde não existe outro
consolo para além da fé.
A sua obra sugere que o mundo
é um imenso espaço de dor e
desolação, onde não existe outro
consolo para além da fé.
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