Gambiólogos 3.0: Maquinações

ARTISTAS, MÁQUINAS E A INVENÇÃO DO COTIDIANO

MINISTÉRIO DA CIDADANIA, OI FUTURO, SESC, SESC EM MINAS, CEMIG E GAMBIOLOGIA
APRESENTAM
ARTISTAS, MÁQUINAS E A INVENÇÃO DO COTIDIANO
CURADORIA FRED PAULINO

MACHINATIONS
ARTISTS, MACHINES AND THE INVENTION OF EVERYDAY
RIO DE JANEIRO • RJ
Centro Cultural Oi Futuro
05/06 a 05/08/2018
BELO HORIZONTE • MG
Sesc Palladium
10/10 a 02/12/2018
SÃO PAULO • SP
Sesc Carmo
22/11/2018 a 15/02/2019
PIRACICABA • SP
Sesc Piracicaba
07/09 a 08/12/2019

ARTISTAS, MÁQUINAS E
A INVENÇÃO DO COTIDIANO
Até meados dos anos 1980, a criação em arte eletrônica era baseada em trabalhos
que operavam sobre plataformas analógicas – desde os televisores, antenas e suas
transmissões até as mídias analógicas de gravação, como as fitas cassete ou Betamax.
A partir da década de 1990, essa produção passa a operar majoritariamente sobre o
ambiente digital. A digitalização do audiovisual, junto à universalização dos computadores
e do acesso à internet, fazem migrar essa produção quase integralmente para
o mundo binário e, mais recentemente, para o ambiente da computação móvel.
No entanto, em pleno 2018, após o boom da internet e em meio ao caos das redes
sociais, há artistas que, mesmo incorporando a tecnologia em seus trabalhos, têm
demonstrado um interesse cada vez maior no uso de soluções analógicas, mecânicas,
improvisadas e de baixo custo. São criadores que desenvolvem obras tecnológicas
em ambiente offline, não algorítmico, “desvirtual”. Não abrem mão de atuar sobre os
aparatos técnicos (e jogar com os mesmos), mas propõem novas possibilidades sobre
o seu uso, muitas vezes subvertendo a própria função dos componentes originais.
De certa maneira, eles apostam na interação, e não na interatividade, e, com isso,
sugerem uma lida mais humana com a tecnologia.
Esses “inventistas” atuam na interseção entre arte, ciência, tecnologia e vida. Transformam
seus ateliês em oficinas, suas oficinas em laboratórios, seus laboratórios em
extensão do seu viver. A partir da (des)construção de engenhocas, sistemas inexatos,
traquitanas com ou sem utilidade, eles estimulam a simbiose humana com a técnica
e apresentam uma arte sem manual de instruções. Propõem maquinações peculiares
sobre o meio artístico e o universo tecnológico. Relacionam a sua prática criativa com
o lúdico, com a educação, com o social, com a invenção, com as mãos na massa e
os pés no chão. Atuam sobre as máquinas para transformar as máquinas em ações.
FRED PAULINO
CURADOR

ARTISTAS E OBRAS
Abraham Palatnik ······································································· 16
Armatost · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · · 20
Azucena Losana ·········································································22
Daniel Herthel ··········································································· 24
Maquinar • André Mintz ·································································26
Ganso - Paulo Henrique Pessoa ·························································30
Guto Lacaz ············································································· 36
Lina Lopes & Giovanna Casimiro ························································38
Maurizio Zelada ·········································································40
Milton Marques ·········································································· 44
Motta & Lima ············································································ 48
Paulo Nenflídio ··········································································50
Máquinas do Brincar • Nina Gazire ······················································ 56
Peter Fischli & David Weiss ······························································60
Sara Lana ···············································································62
Xande Perocco ··········································································66
Zaven Paré ··············································································68
O Homem e a Máquina • Fernando Velazquez ··········································· 72
PERFORMANCES
Juliana Porfírio & Neville D'Almeida ······················································ 82
Azucena Losana ········································································· 84
Kallpp ··················································································· 85
Expografia ··············································································86
Mostra de filmes Ganso ································································· 88
Artistas - biografias ···································································· 90
English version ·········································································· 93
Ficha técnica ··········································································· 111
CAPA:
"Máquinas de Antônimos 2.0" - Sara Lana
(pg. 62)
CONTRACAPA:
"Oráculo" - Maurizio Zelada
(pg. 40)
FOTÓGRAFO:
Cristiano Ferrari

A Coleção Arte & Tecnologia chega à marca dos 123 livros com a publicação referente
à exposição “Maquinações”, que aconteceu entre 04 de junho a 05 de agosto de 2018,
no Oi Futuro, itinerando, em seguida, para Belo Horizonte, São Paulo e Piracicaba, em
parceria com outros centros culturais. A mostra, pautada pelo conceito da Gambiologia,
desenvolvido pelo teórico, artista e curador Fred Paulino, contou com a participação de
19 artistas e alguns coletivos do Brasil e do exterior, operando a partir da ideia de que
remodelações low-tech podem gerar novos parâmetros científicos no mundo de hoje.
As obras e instalações gravitavam das pequenas soluções cotidianas e populares aos
robôs criados por artistas dedicados a este segmento. Todas materializando, de forma
diversa, o conceito da “ciência da gambiarra”.
Agora, tudo ressurge nesses registros fotográficos e textos teóricos. Com mais esse
livro, o Oi Futuro acredita estar contribuindo para disseminação de novas discussões,
estudos e pesquisas no âmbito da arte contemporânea.
Boa leitura.
ROBERTO GUIMARÃES
GERENTE- EXECUTIVO DE CULTURA
OI FUTURO

A combinação entre arte e tecnologia permite experiências intensas. Os avanços
tecnológicos e uma recente capacidade de registrar e arquivar informações digitais não
conhecem limites de tempo ou espaço e vêm transformando não apenas o cotidiano da
humanidade, mas especialmente a experiência artística em suas inúmeras possibilidades
de fruição, produção, criação, mediação e consumo.
Essa nova relação entre observador e obra e toda sorte de reflexões por ela suscitadas
chega como o elemento norteador do eixo curatorial Arte e Tecnologia, que o Sesc
Palladium traz a público neste segundo semestre de 2018. Reunindo artistas locais,
nacionais e internacionais, o centro cultural focaliza a experiência artística e cultural
mediada pela tecnologia em uma programação intensa e diversa, traduzida transversalmente
por todas as artes e também por seminários e experimentações laboratoriais que
prometem inquietar o público.
Nesse sentido, parece no mínimo controverso que Maquinações, exposição coletiva com
curadoria de Fred Paulino, assuma protagonismo nessa programação especial, uma vez
que promove uma (des)construção tecnológica e valoriza a interação à interatividade, e
aponta para soluções analógicas, desenvolvidas por “inventistas” em “ambiente offline,
não algoritmo, desvirtual”.
A razão para essa assumida controvérsia está na exaltação da afetividade encontrada na
experiência analógica que, mesmo quando convertida para o ambiente digital, traz para
o espectador os sentimentos de identificação e pertencimento, tão distintos daqueles
encontrados nos sistemas binários, muitas vezes assépticos e estranhos ao observador.
Maquinações é a terceira edição da coletiva internacional “Gambiólogos”, com participação
de artistas que atuam na interseção entre arte e invenção. Suas obras baseiam-se
no uso de aparatos tecnológicos e objetos ordinários a partir de uma sutil observação do
cotidiano. Ao desenvolverem engenhocas, esses “inventistas” propõem novas possibilidades
sobre o uso de materiais, frequentemente subvertedo sua função original.
Com esta exposição - culminância importante do eixo Arte e Tecnologia -, o Sesc
convida a todos a uma experiência viva e dinâmica, de deslocamentos num tempo em
que passado e futuro se confundem, num processo de constante reflexão sobre o agora
e suas infinitas oportunidades.
SESC EM MINAS

MÁQUINAS EM AÇÃO
A expressão que dá título a estas linhas representa um dos principais emblemas da
modernidade, tendo em vista as revoluções tecnológicas e industriais instauradas
nos últimos séculos. Através delas, as civilizações ocidentais passaram a intervir crescentemente
nos ambientes e processos naturais, moldando-os em prol daquilo que
supostamente seriam nossas necessidades e anseios. Hoje, é sabido que tal projeto
de desenvolvimento produz consequências dramáticas para a vida no planeta.
Entre os efeitos colaterais gerados pela onipresença da máquina em nosso cotidiano,
destaca-se um desdobramento tão inesperado quanto absurdo: se, a princípio, os
aparatos técnicos são criados e disseminados para que deles façamos uso, em contrapartida,
é comum que se dê justamente o contrário, uma vez que não raro nos
vemos submetidos aos desígnios desses aparelhos. Nesse caso, são as máquinas
que nos utilizam em função de seus programas.
Enfrentar esse contrassenso passa por concebermos formas de humanização da
tecnologia, o que envolve jogar com suas finalidades, deslocando-as por vezes das
aplicações prescritas. Ao apresentar experimentos de artistas dedicados a apropriações
inusuais de equipamentos mecânicos e eletrônicos, a exposição Maquinações
coloca em cena máquinas que “atuam” em registros impensados. As ações dessas
máquinas são aqui delineadas de acordo com propósitos poéticos, decididamente
alheios à vocação instrumental das mesmas.
O trabalho socioeducativo do Sesc tem nos Espaços de Tecnologias e Artes uma
plataforma favorável à abordagem ao mesmo tempo crítica e inventiva de problemáticas
como essa. No presente caso, trata-se da oportunidade de observarmos o
universo dos construtos tecnológicos por outro ângulo, mediante combinações e
visadas capazes de colocar em suspenso a naturalidade com que incorporamos as
máquinas à nossa interação com o mundo.
SESC SÃO PAULO

ABRAHAM
PALATNIK
BRASIL (RN/RJ)
16

OBJETO CINÉTICO C-5
Escultura eletromecânica emoldurada •
70 x 100 x 20 cm • 1968
Os “Objetos cinéticos”, junto aos “Aparelhos
cinecromáticos” e aos “Objetos lúdicos”, compõem
o mais célebre período criativo do artista,
um dos pioneiros da arte cinética brasileira e
mundial. Por meio de cartelas cromáticas minimalistas,
composições sofisticadas e sistemas
mecânicos intencionalmente expostos, Palatnik
propõe uma tridimensionalização da pintura
abstrata em movimento, com delicadeza e
grande apelo visual. Sua vigorosa produção
artística integrou, durante décadas, escultura,
desenho, tecnologia, física e design.
17

OBJETO CINÉTICO K-07
Escultura eletromecânica •
50 x 150 x 50 cm • 1968
CORTESIA: Acervo Sesc de Artes
18

CADERNOS DE ANOTAÇÕES
Desenhos sobre papel • Medidas variáveis • s/d
Rara coletânea de documentos originais do artista, composta
por desenhos técnicos e ilustrações de patentes realizados
por Palatnik em Israel e no Brasil, nas décadas de 1940 e 1950.
Completam a coleção esboços de “Objetos cinéticos”, alguns
deles expostos nas edições de “Maquinações”.
19

ARMATOST
COLÔMBIA
20

PONTAPÉ (LA PATADITA)
Escultura mecânica •
100 x 150 x 200 cm • 2018
Escultura interativa criada a partir da reapropriação de objetos industriais mecânicos,
no estilo “gambiológico” a la colombiana. A peça é um robô humanoide disfuncional
feito de sucatas, que se presta a oferecer tão somente um pontapé, voltado ao próprio
espectador-interagente. O brusco golpe mecânico em selfie denota, de forma irreverente,
a necessidade de termos outros modos de existência – e resistência – no cotidiano.
21

AZUCENA
LOSANA*
MÉXICO / ARGENTINA
GIF: GERADOR DE INTERFERÊNCIAS
Instalação de animação analógica •
Medidas variáveis • 2016/2018
*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México
22

Uma emulação analógica de um GIF. Instalação composta por projetores de slides
analógicos e alto-falante, construídos com papelão e objetos vintage. Reconstrói uma
imagem de televisão com o emprego de um dispositivo precário, que converte quadros
em animação. A operação de desconstruir e reconstruir a imagem e o discurso de Silvio
Santos (na versão brasileira) evidencia o engano da percepção, em tensão constante.
23

DANIEL
HERTHEL
BRASIL (MG)
TÁBULA RASA
OFICINA COM JANELA
MÁQUINA DE BOAS NOVAS
Quadros de marchetaria com lâminas
naturais de madeira e goma laca sobre
compensado naval • 48 x 48 cm / cada • 2018
24

A marchetaria, técnica antiga e tradicional de se compor desenhos com diferentes
recortes de madeira, é revisitada no trabalho de Daniel, dialogando com seu ambiente
criativo das invenções mecânicas, do desenho e com sua constante pesquisa no ofício
da madeira. A dimensão do tempo é muito presente, assim como questões metafísicas,
da noção de valores, de reconhecimento de um espaço e modos de trabalho.
25

por André Mintz
Máquinas podem ser definidas como mecanismos que adquirem certo grau de
independência com relação a quem os criou 1 . São objetos técnicos tipicamente
caracterizados pela capacidade produtiva e pelo funcionamento autônomo que lhes
permitiria substituir certas competências humanas. Talvez por isso, do mecanismo de
Antikythera, na Grécia antiga, passando pelos autômatos da primeira renascença da
Mesopotâmia 2 , às máquinas analíticas de Babbage, Lovelace e Turing, elas também
parecem ter sido criadas para lidar com enigmas fundantes da nossa experiência:
medir e domar o tempo, recriar a vida e o movimento dos corpos, externar o
pensamento. Encerrariam, parece, a estranha alteridade de seres técnicos, como se,
ainda que criadas por nós, pudessem fundar uma realidade que nos é estranha
1 BROECKMANN, Andreas. Machine art
in the twentieth century. Cambridge,
MA: MIT Press, 2016.
2 ZIELINSKI, Siegfried; WEIBEL, Peter.
Allah’s automata: artifacts of the
Arab Islamic renaissance (800–1200).
Berlim; Estugarda: Hatje Cantz, 2016.
Catálogo de exposição, 31 out. 2015
a 4 set. 2016. ZKM Center for Art and
Media Karlsruhe.
3 BEIGUELMAN, Giselle. Tecnofagias
emergentes na artemídia.br. Revista
Marginalia+Lab, Belo Horizonte, v. 1, p.
6-15, 2010.
Diante do imaginário que circunda as máquinas computacionais contemporâneas —
de “robôs” e de “algoritmos” — , pareceria o presente ser, antes de tudo, maquínico.
Não parece ser assim, contudo, que o tema chega à exposição “Maquinações”. A
curadoria de Fred Paulino realiza um gesto distinto deste aprofundamento da cisão
entre humanos e máquinas, fissurando o imaginário da autonomia. Dando novos
passos na investigação iniciada em 2010, com a exposição “Gambiólogos”, o interesse
do curador recai sobre uma arte que se vale crítica ou ironicamente das tecnologias,
no contratempo do discurso da inovação — abordagem na linha de outras que Giselle
Beiguelman, àquela época, descreveu como “tecnofágicas” 3 . Tal enfoque, hoje,
desdobra-se em um interesse mais específico pelo gesto inventivo dos artistas na
construção de máquinas cotidianas, “ao rés do chão”. As obras de “Maquinações”
apontam, assim, para um modo de conviver com a contradição — apenas aparente
— de máquinas simultaneamente autônomas e dependentes; estranhas, mas, ainda
assim, à nossa semelhança.
1.
“Metacircuito” (2015), de Paulo Nenflídio, elabora, em um primeiro momento, a autoafirmação
de uma alteridade maquínica que se endereça a nós como diferença:
“veja como falo”, “veja como penso”, a máquina nos diz. Contudo, ela se expõe pelo
avesso. A caixa aberta, com fios e circuitos à mostra, parece se contrapor à denominação
cibernética da “caixa-preta” — a metáfora de um invólucro opaco pelo
qual se ocultariam as operações internas, definindo-se apenas segundo aquilo que
toma como input e que oferece como output. Na obra, essas dimensões se confundem
em uma máquina que expõe o próprio interior como um construto material
de fios e circuitos, ao mesmo passo em que, por textos e sons, reivindica a sua
diferença e a sua autonomia.
26

4 MENOTTI, Gabriel. A gambiarra e a
perspectiva da prototipagem. Vazantes.
Fortaleza, v. 1, n. 1, p. 202-205, 2017.
5 SIMONDON, Gilbert. El modo de existencia
de los objetos técnicos. Trad.
Margarita Martínez e Pablo Rodríguez.
Buenos Aires: Prometeo Libros, 2007.
6 BRUNO, Fernanda. Objetos técnicos
sem pudor: gambiarra e tecnicidade.
Revista ECO-Pós, v. 20, n. 1, p. 136–149,
2017.
7 STEYERL, Hito. Too much world:
is the internet dead? e-flux Journal,
n. 49, nov. 2013. Disponível em:
<http://www.e-flux.com/journal/49/60004/too-much-worldis-the-internet-dead/>.
A exposição da constituição material dos objetos é um aspecto emblemático do tema
da gambiologia — proposição estética encampada pelo curador em 2008. Visando ao
oposto das superfícies lisas das traquitanas digitais, a gambiologia se inspira na prática
cotidiana e inventiva das gambiarras, criando objetos que se revelam enquanto
emaranhados de fios e excesso técnico e simbólico de partes incrustadas. Enquanto
a autonomização da máquina tecnológica pressuporia a integração orgânica de suas
partes, a gambiarra — segundo propôs Gabriel Menotti 4 , inspirado em Simondon 5 —
se situaria a meio caminho, com o todo e suas partes desempenhando igual proeminência.
Em uma perspectiva similar, Fernanda Bruno 6 descreve as gambiarras por
seu caráter “despudorado”, que revela as entranhas e multiplica as apropriações e
combinações que as compõem.
Em “GIF: Gerador de InterFerências” (2016), de Azucena Losana, esse gesto surge tanto
como estratégia de construção da máquina quanto de decomposição de imagens
animadas da internet. A animação GIF é recriada pela artista com uma máquina de
projeção artesanal, em que cada frame é exibido em separado por projetores alinhados
de modo imperfeito e acionados em sequência por um circuito eletrônico.
Na versão da obra trazida à exposição, a imagem é um excerto de um programa de
televisão em que Michel Temer entrega dinheiro a Silvio Santos, como se em um
gracejo. A precariedade do aparato de projeção exacerba a artificialidade desse curto
loop, fissurando a imagem e a economia política da circulação de GIF’s na internet 7 .
O som dos cliques do circuito eletrônico marca a emergência de cada frame, individualizados
em sua sordidez — decomposição de máquina, imagem e gesto figurado.
2.
Na obra do veterano Abraham Palatnik, não se trata apenas de expor um mecanismo
subjacente à máquina, embora todo ele esteja à mostra em uma caixa transparente.
Com um equilíbrio refinado entre a unidade e a fragmentação, em “Cinético C-5”
(1968), a totalidade apenas se encontraria na dança das partes, nenhuma delas
secundária em relação ao conjunto. Sem outra finalidade, a máquina não realiza mais
que a tradução do movimento giratório de um motor a múltiplos movimentos suaves
de seus componentes, arranjados em um mecanismo artesanal. Deslocando a
máquina da demanda de produtividade que em geral visa atender, a obra de Palatnik
lhe confere outra coreografia e velocidade, distantes daquelas que seriam características
da aplicação da máquina na indústria.
27

Situado à entrada da galeria, o “Cinético” também parece pontuar que as máquinas
não vêm à exposição demonstrar eficiência, e não caberia avaliá-las segundo
parâmetros próprios da técnica — como por vezes ocorre à arte tecnológica. De outro
modo, talvez seja mais adequado compreender a operação da obra em uma aproximação
do conceito de performance, cuja definição, por Richard Schechner 8 , faz-se
justamente em contraposição a desempenho. No sentido proposto pelo autor,
a performance seria compreendida fundamentalmente como ação realizada, na
condição de exibição de si mesma. Tomada como performance, a operação de uma
obra maquínica se expressaria por uma disfunção da máquina tecnológica, que, num
extremo, se esgotaria no próprio movimento e, deslocada de qualquer função utilitária
pelo gesto inventivo dos artistas, se abriria a outros modos de apreensão.
8 SCHECHNER, Richard. O que é performance?
O percevejo. Rio de Janeiro, v.
11, n. 12, p. 25-50, 2003.
9 SUCHMAN, Lucy. Human-machine reconfigurations:
Plans and Situated Actions.
2ª edição. Cambridge; New York:
Cambridge University Press, 2006.
10 “[A] máquina sempre parece ser algo
‘com que somos confrontados.’ […] mas
[a] máquina sempre tem o sujeito humano
como acompanhante e ela põe
em destaque a relação que sujeitos
humanos têm com a tecnologia”.
BROECKMANN, Andreas. Machine
art… p. 22. Tradução nossa.
Em “Máquina de antônimos” (2018), de Sara Lana, essa questão parece estar implicada
no papel constituinte da falha na experiência. Inicialmente, a obra pareceria
propor uma máquina lisa e autônoma, na voz sintética que responde, acertadamente,
com o antônimo do que lhe dizemos. Contudo, essa percepção provisória
logo se desfaz nas respostas incongruentes que inevitavelmente emergem na
interação — se não pelo acaso, pelo teste dos limites da máquina, o qual parecemos
seduzidos a realizar, como forma de atestar nossa superioridade diante dela.
O fracasso, contudo, não é ignorado na elaboração da obra, que não se compromete
integralmente com o bom funcionamento. Impensado da técnica, as falhas assombram
a tecnologia de ponta com a perspectiva de irrupção iminente. Nas máquinas
cotidianas, contudo, elas não chegam a ser totalmente expurgadas. Elas nos lembram
de que a suposta autonomia maquínica é produto transitório e performativo 9
de constantes ajustes e adaptações que realizam aproximações de uma condição
idealizada mas nunca plenamente atual.
3.
Da performance da máquina à performance do corpo, “Pequenas grandes ações”
(2003), de Guto Lacaz, apresenta-se como inventário dos pequenos gestos elaborados
nos acoplamentos históricos entre corpos e objetos industriais. A série de
gravuras traz pictogramas similares aos de manuais de instrução que ilustram ações
cotidianas, como riscar um fósforo ou rebobinar uma fita cassete com um lápis. Esses
pequenos movimentos irrefletidos, tornados “automáticos” pela repetição, transformam-se
em vernacular gestual das sociedades pós-industriais. Colocado em evidência
por Lacaz, esse repertório é desnaturalizado e tomado reflexivamente, abrindo a
objetualidade industrial à organicidade de corpos humanos tornados, em certa medida,
componentes da processualidade e da padronização desses produtos.
Em extensa revisão do tema da máquina na arte do século XX, Andreas Broeckmann
ressalta certa qualidade autopoiética como definidora dos entes maquínicos 10 .
Haveria, ele sugere, algo de inquietante no modo com que nos confrontamos com
as máquinas, encontros que ele descreve como antagônicos, mas também eróticos.
28

André Mintz é artista e professor de arte e tecnologia da Escola de Belas Artes da
UFMG. Doutor em Comunicação Social pela UFMG, mestre em Comunicação Social
pela mesma instituição e em Media Arts Cultures pela Aalborg University, Danube
University Krems e Lodz University.
11 SUCHMAN, Lucy. Human-machine reconfigurations…
12 WISNIK, José Miguel. Maquinação do
mundo: Drummond e a mineração.
São Paulo: Companhia das Letras,
2018.
13 WISNIK, José Miguel. Maquinação
do mundo…
Nesse sentido, ainda que tipicamente compreendidas pela autonomia e pelo encerramento,
as máquinas são abordadas por Broeckmann com ênfase na aproximação
ou no distanciamento do humano. Aprofundando esse aspecto em uma perspectiva
antropológica, Lucy Suchman 11 , antes de Broeckmann, elaborou que o movimento
de autonomização das máquinas não se realiza em isolamento de transformações
do humano. Especialmente na proposição da inteligência artificial e dos robôs
humanoides, o desenvolvimento das máquinas vincula-se, mutuamente, a constantes
reformulações quanto ao que definiria a inteligência e o humano. Mais que nos
indagarmos sobre o modo de existência próprio às máquinas, portanto, talvez fosse
o caso de refletirmos sobre como elas transformariam o nosso próprio modo de ser,
os nossos gestos e práticas cotidianas.
4.
Levando-nos ao último movimento deste texto, “Credo” (2018), de Paulo Henrique
Pessoa, o Ganso, erige-se sobre o mundo da produção industrial e, justamente, sobre
as maquinações cotidianas desse artista na transformação das paisagens do mundo.
Trabalhando no escoadouro dessa “Grande Máquina” 12 social, o grão-mestre gambiólogo
se apropria de refugos de toda sorte e os ressitua na memória cultural da sociedade
de consumo. Os estranhos “objetos-valise” de Ganso sincretizam os ícones descartáveis
do capital em um pequeno museu do excedente e do acúmulo. Partes de
engrenagens, brinquedos e manequins compõem a instalação, que devolve à escala
humana e ao alcance das mãos os frutos impessoais da indústria. Parecendo apenas
circundar o tema que vimos tratando, o seu trabalho não se dedica a nenhuma
máquina em específico. Contudo, ele se trama, taticamente, no território próprio às
máquinas, que, longe de existirem em isolamento, arranjam-se em grandes cadeias
produtivas, formando uma grande máquina que o artista põe-se a profanar.
‘Maquinar’, em sentido literal, seria sinônimo de ‘tramar’, ‘planejar’. O jogo de palavras
embutido no título da exposição sugere, de outro modo, a ‘maquinação’ como ação da
máquina, ou ação maquínica. Se nos propusermos a tomar a palavra em um sentido
não literal — ou, ainda, no sentido que antecedeu o uso moderno que se faz dela —,
a máquina tecnológica talvez possa servir de metáfora para outros processos e desencadeamentos
formados por partes integradas que ganham autonomia e, assim,
operam como máquina. Em um sentido inverso ao imaginário da autonomia das máquinas,
a maquinação talvez possa, então, ser pensada como processo de tornar-se
máquina ou de “ser como” máquina; “maquinização”. Talvez nesse sentido, o trabalho
de Ganso, junto às maquinações dos demais artistas, possa ser compreendido como
instância de ruptura com o suposto encerramento e com a autonomia das máquinas
tecnológicas e, também, com o caráter totalizante da maquinação do mundo 13 , abrindo
brechas ou margens reflexivas a tais processos. Superando a oposição antagonística,
esses trabalhos expressam a mutualidade constitutiva dos termos implicados.
São expressões de modos — especulativos — de maquinar-se contra e também, de
certo modo, ao encontro das máquinas e das maquinações.
MAQUINAR
29

CREDO
Instalação site specific de colecionismo psicodélico • Medidas variáveis • 2018
O inquieto e irreverente Ganso foi personagem referencial na arte e na noite belo-horizontina
desde os anos 1970, participando de diversas cenas artísticas experimentais
nas áreas de cenografia, moda, ilustração, design gráfico e direção de arte para cinema
e TV. Foi um colecionador compulsivo de objetos e imagens. Em seus últimos anos de
vida, teve reconhecimento especial como um dos fundadores do Coletivo Gambiologia
e, principalmente, como designer de produtos e artista da iluminação, tendo concebido o
30

GANSO
PAULO HENRIQUE PESSOA
BRASIL (SP/MG)
COLABORAÇÃO: Laura Potter Pessoa / Birimbica Potter / Giba Macruz / Fred Paulino
espaço-conceito “Bar do Ganso”, em Inhotim, que ali permanece. “Credo” é uma instalação
seminal de “colecionismo psicodélico” (conforme cunhado pelo próprio artista) inaugurada
como um work-in-progress na primeira edição de “Maquinações”, no Rio de Janeiro,
em junho de 2018, poucos dias antes do falecimento de Ganso. A instalação original foi
reproduzida de maneiras distintas nas edições posteriores de “Maquinações”, sempre sob
a batuta de Laura Potter, filha do artista.
31

32

33

GUTO LACAZ
BRASIL (SP)
PEQUENAS GRANDES AÇÕES:
FITA CASSETE
SUPER BONDER
MAGIPACK
NÍVEL
POLAROID
FÓSFORO
Serigrafias sobre papel •
100 x 70 cm / cada • 2003
CORTESIA: Acervo pessoal do artista / Acervo Sesc de Artes
36

Conjunto de gravuras, parte de uma extensa série do artista.
As ilustrações sugerem “manuais de instruções” de singelas
ações cotidianas de extrema utilidade. Uma sátira gráfica
sobre a rotina e a complexidade dos aparatos técnicos,
explorando o limite em que a ação do homem, na lida com
os objetos industriais ao seu redor, dilui-se em pura intuição.

LINA LOPES &
GIOVANNA CASIMIRO
BRASIL (SP)
38

BALANÇOS INTERAFETIVOS
Madeira, corda e eletrônicos •
Medidas variáveis • 2016
Mobiliário urbano interativo que se acende ao toque.
Aparato tecnológico lúdico, composto por materiais
reutilizados, que estimula, ao mesmo tempo, trocas
sensoriais entre passantes e uma interação ativa da
cidade com seus habitantes.
39

MAURIZIO
ZELADA
ORÁCULO
Escultura de aço, eletrônicos, laser
e fumaça • Medidas variáveis • 2019
BRASIL (SP)
40

Escultura eletrônica formada por luz, som e
ar. A obra é uma máquina composta por cinco
módulos inter-relacionados, que produzem
e consomem informação traduzida em sons.
No “Oráculo”, um laser verde atravessa uma
coluna intermitente e caótica de fumaça. A luz
gerada ativa sensores, cuja variação contínua
alimenta processadores que, em tempo real,
sintetizam um fluxo sonoro único.
41

DISCORSI
Conjunto de esculturas eletromecânicas
Medidas variáveis • 2018
“I discorsi li porta via il vento”. Se as conversas são descartadas
pelo vento, por outro lado, elas são vento.
Esta instalação utiliza fluxos de ar em movimento para
ativar sensores eletrônicos e mecânicos, simulando a
maneira como os tímpanos são estimulados com o som.
A obra é formada por máquinas modulares que conversam
como gente: fazem chegar ondas de ar até as membranas
das outras máquinas, que, por sua vez, processam
e emitem mais ondas de ar que sensibilizam outras
membranas, e assim por diante, em uma cadeia cíclica.
O conteúdo das conversas não nos é acessível.

MILTON
MARQUES
BRASIL (DF)
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SEM TÍTULO
Instalação audiovisual com sistema giratório de motor DC
de impressora, câmera DV, projeção e ossada animal
Medidas variáveis • 2018
45

As máquinas poéticas de projeção de Milton Marques são aparatos criados
a partir de tecnologias simples refuncionalizadas: sistemas ópticos e
mecânicos de baixa tecnologia e alto impacto sensorial. Sua obra forma-se
a partir de desconstruções que evidenciam dinâmicas sociais e uma política
da imagem técnica. Nos trabalhos apresentados em “Maquinações”,
o artista desenvolve sistemas de loop mecânicos: em um deles, capta em
vídeo o detalhe de um crânio animal giratório que, projetado, abstrai-se em
meio à areia; no outro, desenvolve um projetor precário que amplia pelos
humanos sobre sentenças insólitas – ressignificadas a partir de uma embalagem
de shampoo –, numa composição que lembra a bandeira brasileira.

SEM TÍTULO
Escultura eletromecânica, máquina de projeção customizada com
sistema de foco em movimento, lentes e LEDs • 15 x 15 x 25 cm • 2012
47

MOTTA & LIMA
BRASIL (SP)
BEIJA-FLOR
Instalação com projetor DLP chip único,
tripés, DC motor, hélices e player •
Medidas variáveis • 2013
48

Dois tripés sustentam um projetor e um
motor que rotaciona hélices de formatos
irregulares. Sobre elas, é projetada a animação
de um beija-flor. As hélices fragmentam
a projeção em várias cores, como num disco de
Newton às avessas. Vê-se a imagem de um pássaro
que se forma numa superfície transparente, como
uma holografia. As asas se confundem com as hélices,
e a cor do beija-flor percorre todas as cores do espectro
em movimento, pois a velocidade das hélices é superior à
frequência do projetor.
49

PAULO
NENFLÍDIO
BRASIL (SP)
50

METACIRCUITO
Objeto sonoro • 25 x 18 x 22 cm • 2015
51

52

METACIRCUITO N2
Objeto sonoro • 42 x 28 x 18 cm • 2018
Aparatos eletrônicos gambiológicos construídos em valises
que exibem mensagens alternadas em um display de
7-dígitos. Simultaneamente, o circuito produz sinais digitais
em pinos elétricos que, quando amplificados, resultam em
uma composição polifônica de ruídos. A obra é metalinguística:
as frases geradas pelo objeto explicam o funcionamento
do próprio circuito, em um incômodo processo
de humanização da máquina.
53

54

INSTRUMENTOS PARA MEDIR O HORIZONTE
Esculturas em madeira e vidro •
12 x 90 x 3 cm / cada • 2018
Ferramentas mecânicas artesanais de medição. Construídos
em madeiras de lei, com grande precisão e extremo refinamento
formal, esses objetos são o oposto radical da lógica
de produção desenfreada de aparatos técnicos descartáveis.

por Nina Gazire
Em 1928, o filosofo alemão Walter Benjamin escreveu dois pequenos artigos após
desbastar intelectualmente a “história da arte”, exortando os caminhos para os quais
os artistas deveriam se voltar nas próximas eras. O século XX, o das máquinas de
trabalho, estaria embrutecendo a civilização, e, então, generosamente, Benjamin nos
aconselha: “Pois é a brincadeira, e nada mais, que está na origem dos hábitos. Comer,
dormir, vestir-se, lavar-se devem ser inculcados no pequeno ser através de brincadeiras,
acompanhadas por ritmos e canções” 1 . Todo artista, desse século em diante,
deveria buscar, no cotidiano, o estranhamento, o jogo, o movimento, o ludus perdido.
Ao visitar a exposição “Maquinações” no Sesc Palladium, em Belo Horizonte, o primeiro
movimento com o qual nos deparamos está exatamente nessa chamada
benjaminiana. Na entrada, nos vemos diante da instalação “Credo”, uma homenagem
póstuma a Paulo Henrique Pessoa, o Ganso, na qual a viúva, Birimbica Potter,
e a filha Laura Pessoa trabalharam, ao lado do curador, Fred Paulino, na mimese
de uma “garagem hermética”, uma oficina de brincadeiras do recém-falecido
artista. Ganso era uma perfeita encarnação da “ludologia” pregada por Benjamin.
Na garagem, vemos objetos espiritualistas, brinquedos e traquitanas que se
somam ao credo que ele expressava: “não sou compulsivo, sou acumulativo, acumulação
criativa” 2 . Pois há ato mais repetitivo que a brincadeira (que nunca se repete)?
Uma mesma brincadeira ganha diferentes versões e, assim como o processo
artístico, perde-se no labirinto do movimento.
Atualmente, encaixotamos as brincadeiras. O movimento está separado em caixas
que seguem um grande sistema ufanado, que se apropria desse gesto roubado do
significado original (se é que isso existiu) e nos faz apontar os nossos celulares para
todos os lados, com filtros de gatinhos, cachorrinhos, o filtro infantilizado, porém surrupiado
nas vendas prostíbulas de nossos corpos e olhares. Entendemos que isso é
tecnologia, mas por que, ubiquamente, essa tal tecnologia se torna cada vez mais
infantilizada? Por que alguns apontam para a tecnologia de maneira irônica, com
seus beiços cheios de “capitalismo fofinho” 3 ? A arte nasceu levando-se muito a sério.
Assim como o conceito de tecnologia. O capitalismo está realmente fofinho, hashtag
#sóquenão. A brincadeira também é origem da violência 4 ?
Tratando-se da arte como brincadeira e da arte como movimento (não como movimentos
históricos ou vanguardas) dos gestuais criadores — os das maquinações —,
o que vimos nas obras expostas na mostra é um recorte muito atento de artistas com
olhares brincalhões para o excesso, que ignoramos e descartamos com facilidade
vulgar. Todo excesso é também repetitivo, o gesto da arte como deslocadora dos
signos do capital tecnológico. Consideramos, o tempo todo, principalmente nos dias
1 BENJAMIN, Walter. Brinquedo e brincadeira:
Observações sobre uma obra
monumental. IN: Obras escolhidas: Magia
e técnica, arte e política. Pág. 253.
1928.
2 Disponível em https://www.youtube.
com/watch?v=C7lJUEX_kS0 – Acesso
em 30 de novembro de 2018. Feirinha
Troca-Troca – vídeo produzido pelo coletivo
Gambiologia. 2013.
3 Conforme o termo cunhado por Giselle
Beiguelman.
4 No ensaio “Brinquedo e brincadeira:
Observações sobre uma obra monumental”,
Benjamin retoma brevemente
a teoria freudiana. “... ao contrário dos
pesadelos traumáticos e das neuroses
de guerra, que constituem o plano
maior do ensaio freudiano, em que o
retornar compulsivo às cenas de perigo
são sintomas patológicos da sujeição
dos indivíduos àquilo que não
conseguem elaborar e que, por isso
mesmo, retorna sem consentimento,
a brincadeira repetitiva das crianças
é orquestrada por elas mesmas e se
torna fonte de prazer. Freud observa
que elas gostam de ouvir as mesmas
histórias, sempre do mesmo jeito, para
reviver aquela primeira sensação de
leitura. Já quando os adultos escutam
a mesma piada uma segunda
vez, a graça se perde. A novidade é,
para eles, condição indispensável da
fruição e do deleite. Assim sendo, ao
deixar-se para trás a infância, perde-se
também a capacidade de encontrar o
novo pela repetição”. (BINES, Rosana
Kohl. Assombrações da infância com
Boltanski e Benjamin. IN: Alea vol.17
no.2. Rio de Janeiro,
56

atuais, o digital como sinônimo de tecnologia. No entanto, o analógico pode ser dado
a crianças, que o estranharão e o transformarão em outro tipo de brinquedo: restolho
tecnológico ou novo hábito, livre de atavismos? Sem julgamento, somos vítimas escravizadas
das telas de consumo. Numa utopia, cabe aos artistas apanhar esse excesso e
o transformar em novas brincadeiras. A propósito, vi crianças fascinadas ao visitarem a
exposição, repleta de gambiarras analógicas, e isso parecia responder a minha dúvida
sobre as novas e velhas tecnologias colocadas diante de novas gerações.
Nesse cenário, invoco a etimologia da palavra ‘tecnologia’, que no antigo grego chama-se
Techne e que também significa ARTE. Apesar da “coagulação” do termo, tanto
para a técnica quanto para a arte, na noção original de arte grega sempre imperou a
crise entre duas representações: ser realista ou não 5 . Essa oposição, que nos perseguiu
durante séculos e, na construção da história da arte, principalmente, alijou-nos
de uma simbiose que pôde ser resgatada apenas no século XX, é agora entranhada
no cotidiano, invisivelmente, de maneira perversa. Inclusive, na própria arte, ela nos
escapa, mesmo sofrendo de uma revisão historicista que a livra de uma perspectiva
ocidental e colonialista.
Brincamos o tempo todo com fogo (e sem saber?), como parece propor a obra
registrada em vídeo, em 1987, pela dupla suíça Fischli & Weiss, em que pensam a
ideia de entropia por meio de uma rede de armadilhas movimentadas por uma força
pirotécnica. “Por meio de pura determinação e horas de tentativa e erro, a dupla
compôs sequências cinéticas nas quais objetos se encontram uns com os outros,
queimam-se infinitamente numa reação em cadeia” 6 : assim está descrita a obra
“The way things go” (Do jeito que as coisas andam) no arquivo do Guggenheim 7 .
Se pensarmos na obra como metáfora para a realidade, percebemos a flecha infinita
do tempo no qual estamos envoltos, sendo incapazes de parar, ou estamos vivendo
em um sistema entrópico, negando-o desde os tempos pós-socráticos? Dar-se
conta do real é iluminador ou piromaníaco. A obra não responde, mas escancara a
verdade de que tudo é movimento.
5 VENTURI, Lionello. História da crítica
de arte. 1960 – página 107.
6 Tradução livre. Original: “Through
sheer determination and hours of trial
and error, they composed cinematic
sequences in which objects careen
into one another, light each other on
fire, and fly from place to place in an
endlessly unraveling chain reaction.”.
7 Disponível em: https://www.guggenheim.org/artwork/32552.
Acesso em
30 de novembro de 2018.
Guto Lacaz, um dos mais renomados artistas brasileiros do binômio arte e tecnologia,
no trabalho “Pequenas grandes ações” (2003), não lança mão de nenhum artifício,
digamos, maquínico, para falar de movimentos perpétuos e repetitivos que fazemos
no dia a dia. Na série, o artista registra em serigrafia (uma técnica analógica) movimentos
repetitivos que fazemos com aparatos técnicos: rebobinar uma fita cassete
com lápis; acender um fósforo. Somos eternas crianças que imitam o movimento dos
adultos, ou adultos que repetem os movimentos aprendidos quando crianças. “O movimento
é estático! O movimento é estático porque ele é a única coisa imutável. (...)
57

A única certeza é que o movimento, a mudança e a metamorfose existem. (...) Acredite
em mudanças. Não se agarre a nada, tudo a respeito de nós é movimento, tudo em
torno de nós muda” 8 , afirmou certa vez Jean Tinguely, conhecido por criar máquinas
abstratas. Nas gravuras de Lacaz, esses pequenos movimentos em torno de objetos
analógicos nos mudam quando os acessamos, apesar de estarem paralisados; eles
nos perguntam se, hoje, os acessamos mais pela memória que pelo gesto do corpo.
Em 1955, o pintor e escultor húngaro Vitor Vasarely (1908–1997) publicou o “Manifesto
Amarelo”, na ocasião de sua participação, junto a outros artistas, como Marcel
Duchamp, Alexander Calder, Jesús Soto e o próprio Tinguely, na exposição “Le
Mouvement”, realizada em Paris, enfatizando que a arte tem a necessidade de ser
movimento. O manifesto, inspirado pela investigação dos Construtivistas da Bauhaus,
postulava que a cinética visual — como propõe a obra do cânone da arte cinética brasileira
Abraham Palatnik, presente em “Maquinações” — deveria basear-se sempre
na visão do espectador 9 . Em “Cinético C-5”, de 1968, Palatnik faz o contrário à via de
Guto Lacaz e parece, aos olhos viciados de estudantes de arte, animar a concepção
“maquínico-pictórica” de Vasarely e Tinguely. Mais uma brincadeira experimental do
artista que, em 1951, teve sua obra “Aparelho Cinecromático” – uma caixa com luzes
coloridas em movimento – quase fora da Bienal de São Paulo, pois os organizadores
não sabiam como categorizá-la.
A arte não pode ser um hábito, como também afirmou Benjamin. E poderíamos
dizer, até certo ponto, que, sobre essa afirmação, há um “tarde demais”. Se a premissa
fosse totalmente contrária, não teríamos o misterioso Banksy autodestruindo a sua
milionária obra leiloada 10 . Só nos restou a ironia? Damos graças a tais “tricksters” da
arte, para que a brincadeira permaneça.
Atualmente, cercados por máquinas, vemos essas terem surtos subjetivos: algoritmos
que desobedecem, assim como artistas que resistem. Ou, simplesmente,
imitam-nos em nosso sistema ufanista, eliminando dele as subjetividades. O algoritmo
da grande máquina improvisa (?) da pior maneira possível. Ficou famoso, no
ano de 2018, o caso do algoritmo racista da Google 11 . Há quem diga que a próxima
revolução política será para controlar algoritmos 12 . Ou já foi? Está sendo? Os algoritmos
da grande máquina não brincam. Mas os da arte, sim. Sara Lana embola o “fio de
Ariadne” 13 linguístico com a instalação “Máquina de antônimos”, criada especialmente
para a exposição, obra na qual “um microfone grava frases faladas, e um sistema
troca cada uma das palavras enunciadas por seu antônimo.” 14 . Paulo Nenflídio, no
“Metacircuito”, cria uma máquina viva, cujo algoritmo nunca se completa, transformando
sons em perguntas sem sentido. Milton Marques, na obra “Sem título”, mostra
o movimento perpétuo de uma paisagem artificial, criada em um recipiente de vidro
8 TINGUELY, Jean. Untitled Statement
(1961). IN: STILES, Kristine; SELZ, Peter.
Theories and documents of contemporary
Art: a sourcebook of artist’s writing.
1996.
9 OLIVEIRA, Thais Pereira de Franco;
SILVEIRA, Edgar. Arte cinética e ciberarte:
propostas de interatividade. IN:
VENTURELLI, Suete (org.). 9º Encontro
Internacional de Tecnologia: sistemas
complexos, naturais, artificiais e mistos.
2010. Disponível em: https://art.
medialab.ufg.br/up/779/o/nono_art.
pdf. Acesso em 30 de novembro de
2018.
10 Disponível em: https://www.nytimes.
com/2018/10/06/arts/design/uk-
-banksy-painting-sothebys.html.
Acesso em 30 de novembro de 2018.
REYBURN, Scott. Banksy painting
self-destructs after fetching $1.4
million at Sotheby’s, escrito em 6 de
outubro de 2018.
11 Disponível em: https://brasil.elpais.
com/brasil/2016/06/10/tecnologia/1465577075_876238.html.
PE-
REDA, F. Cristina. O Google é racista?;
matéria publicada no jornal “El País”
em 10 de junho de 2016.
12 O’NEIL, Cathy. Weapons of math destruction.
2016. Este livro, publicado
em 2016, avalia que a próxima revolução
política será sobre o controle
dos algoritmos, setor da inteligência
artificial que se tornou uma das peças
decisivas na eleição de Donald
Trump, nos Estados Unidos, e agora,
no Brasil, na eleição de Jair Bolsonaro,
que utilizou o WhatsApp para
realizar disparo de mensagens em
esquema de “pirâmide”.
13 O Fio de Ariadne, assim chamado
devido ao mito de Ariadne, é o termo
usado para descrever a resolução
de um problema que se pode proceder
de diversas maneiras óbvias
(como exemplo: um labirinto físico,
um quebra-cabeça de lógica ou
um dilema ético), a partir de uma
aplicação exaustiva da lógica por
todos os meios disponíveis. É um
método singular que permite se
seguir completamente os vestígios
das pistas ou assimilar gradativa e
seguidamente uma série de verdades
encontradas em um evento
inesperado, ordenando a pesquisa
até que se atinja um ponto de vista
final desejado. Fonte: Solving Sudoku.
Disponível em: http://www.
sudoku.org.uk/PDF/Solving_Sudoku.pdf.
Acesso em 30 de novembro
de 2018.
14 Site da artista. Disponível em: https://touca.ninja/antonimos/.
Acesso
em 30 de novembro de 2018.
58

Nina Gazire é jornalista e mestre em Comunicação pela PUC-SP. Lecionou Produção
Cultural na FAAP-SP e Comunicação no Centro Universitário UNA. Participou de
diversas curadorias e escreveu para revistas especializadas em artes visuais.
que contém um crânio animal, filmando a única coisa certa da vida: o movimento
constante em direção ao fim.
Em “Maquinações”, temos esses organismos artificiais, obras em que o movimento
nos pede, o tempo todo, o fim de um utilitarismo para a arte e para os nossos corpos.
Há um espaço de imersão no improviso da brincadeira, porém sem deixar de lado
que, constantemente, estamos ameaçados por gerações anteriores de máquinas
com as quais nos confrontamos diariamente, sem ao menos perceber. Seremos para
sempre funcionários do olhar e de superfícies programadas? Se aprendemos brincando,
por que paramos de brincar para apenas fazer?
Descobrimos as artimanhas do Eterno (louvado seja Seu nome), roubamos suas
receitas de cozinha e agora cozinhamos inclusive melhor do que Ele. Será que estamos
realmente em uma nova história? Como era mesmo o conto de Prometeu
e o fogo roubado? Quem sabe não acreditamos estar simplesmente sentados
diante do computador, quando na realidade estamos encarcerados no Cáucaso?
E talvez alguns pássaros já estejam lá afiando o bico, preparando-se para nos
comer o fígado. (FLUSSER; 2007; pág. 79) 15
Temos, com a mostra, um respiro de alívio, pois não vemos a brincadeira em oposição
à arte, o gesto em oposição ao olhar. Na abertura da exposição, o interdisciplinar
Neville D’Almeida e a artista Juliana Porfírio promoveram, junto a uma bailarina, a
performance “Corpo utópico”, intervenção realizada a partir de uma vestimenta
eletrônica dotada de uma câmera e um monitor que filma e reproduz pessoas e situações
ao redor. Nessa ação, que desloca o olhar de sua função, passando-o ao corpo
por meio de câmeras, os criadores nos perguntam até que ponto estamos realmente
no controle. E, para além disso, fazem-nos questionar: estivemos no controle algum
dia? Quem esteve brincando conosco durante todo esse tempo?
15 FLUSSER, Vilém. O Mundo codificado:
Por uma filosofia do design e da
comunicação. São Paulo: Cosacnaify,
2007.
Não pretendo responder a essa pergunta. Nunca conseguirei e, se alguém lhe trouxer
a resposta, desconfie. A exposição é essa máquina que monumentaliza perguntas —
missão da arte, para alguns. Para mim, trouxe lembranças do brincar, do aprender
fazendo. É certo que, em um contexto no qual máquinas decidem cenários políticos,
precisamos, cada vez mais, deixar de pensar a tecnologia e, principalmente, a arte,
como algo afastado de nós. E deixar de pensá-las como instâncias separadas em
propósitos e servidões. Pelo contrário: ter o espírito do Ganso, presente em pequenos
retratos espalhados de maneira brilhante pelo espaço expositivo, a gracejar por
meio de objetos que tendemos a ver apenas como excesso e repetição, e não ato de
criação, ato de vida.
MÁQUINAS DO BRINCAR
59

PETER FISCHLI
& DAVID WEISS
SUÍÇA
THE WAY THINGS GO
Vídeo • Cor • 30’’ • Som estéreo • 1987
Considerado um clássico da videoarte, apresenta 30 minutos de documentação
de uma “Rube Goldberg Machine” construída a partir de objetos e estruturas
precárias, ativados sequencialmente, em um galpão vazio. Além das inúmeras
interações mecânicas entre os componentes dessa microcidade instalativa, reações
químicas e pirotecnia são também usadas como gatilhos. A partir de pura
determinação e horas de tentativa e erro, os artistas compuseram sequências
cinematográficas nas quais os materiais se entrelaçam, acendem-se em chamas
e voam de um lugar para outro, numa reação em cadeia finitamente desvendada.
Os objetos, em colapso iminente, parecem se mover por vontade própria, livres
das funções habituais e deleitando-se com o prazer de seu mau comportamento.
60

SARA LANA
BRASIL (MG)
MÁQUINA DE ANTÔNIMOS 2.0
Instalação audiovisual interativa •
Medidas variáveis • 2018
Colaboração: Pedro Cambraia
Instalação interativa que utiliza eletrônica, programação
e objetos reutilizados para responder à fala de maneira
inusitada. A máquina “escuta” frases ditas pelo público
em um microfone e, utilizando-se de bibliotecas de
tradução disponíveis online e voz computacional, gera
frases contrárias. A inexatidão do sistema, para além da
ludicidade, evidencia as constantes falhas dos sistemas
tecnológicos, mesmo os mais complexos. Na versão 2.0
da obra, monitores de TV de tubo hackeados emitem
sinais luminosos em sincronia com a resposta sonora.
62

63

MÁQUINA DE ANTÔNIMOS
Instalação de áudio interativa •
Medidas variáveis • 2018
Colaboração: Thiago Hersan
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XANDE
PEROCCO
BRASIL (MG)

MAQUINISMO
Mural de tipografia experimental • aprox. 30 m 2 • 2018
Projeto parede - Sesc Palladium (Belo Horizonte - MG)
MAQUINISMO II
Mural de tipografia experimental • aprox. 35 m 2 • 2019
Hall de entrada - Sesc Piracicaba (SP)
Tipografia experimental desenvolvida para o projeto gráfico
de “Maquinações” que, ampliada e fragmentada, transformou-se
em murais site-specific de grandes dimensões. Sua
representação gráfica simula o conjunto de peças de um
mecanismo que emprega funções aos contornos e formas
de preenchimento do espaço, delimitando com precisão as
fronteiras entre os caracteres e o vazio ao redor.
Assistentes: Laura Potter, Mariana Zani e Thiago KID!
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ZAVEN PARÉ
FRANÇA / BRASIL (RJ)
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OCUPAÇÃO ZP 1.0 / 2.0 / 3.0
Instalação site-specific • Colecionismo, esculturas e
objeto eletromecânico • Medidas variáveis • 2018/2019
Instalação composta de quatro partes: um conjunto de assemblages
de materiais colecionados de diferentes origens, os quais são fontes
de inspiração para o artista; uma vitrine de relíquias; uma prateleira
de figuras totêmicas para memória; e uma escultura in situ que se
refere a “Locus Solus”, obra de Raymond Roussel.
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HOMENAGEM AOS REPARADORES DOS
MOEDORES DE CHOCOLATE
Escultura cinética • 180 x 180 x 180 cm • 2017

Escultura cinética composta de 180 antebraços em suave
movimento giratório, como raios de uma estrela negra.
Cada uma das mãos segura uma engrenagem, perdida
na corrida do tempo. As 720 conexões elétricas dessa
montagem mecânica silenciosa formam o núcleo do projeto
de corpo celeste. A obra é uma alegoria dedicada à
pronossupinação, movimento que consiste na rotação
do antebraço e que foi o estudo de biomecanismo mais
completo da obra de Leonardo da Vinci, presente nas
anotações dele sobre morfologia e no gesto indicador
dos personagens de suas pinturas. O título do trabalho
faz referência a “Broyeuse de chocolat” (1914), de Marcel
Duchamp, uma máquina replicada também em sua grande
obra “La Mariée mise à nu par ses célibataires, même”
(1915-1923). “Homenagem aos reparadores dos moedores
de chocolate” evoca o trabalho de manutenção desse tipo
de máquina, pelo maior prazer dos mecânicos e mesmo
dos celibatários, dentre outros. Além dos apreciadores de
chocolate, principalmente.
71

por Fernando Velázquez
“[…] novidade passa,
e o que resta é frustração”.
Lucas Bambozzi 1
Introdução
Houve um dia em que o primeiro ser humano (talvez fossem dois ou três) friccionou
pedaços de madeira com a intenção de fazer fogo. Antes disso, grupos de Sapiens
trabalharam a pedra e construíram armadilhas 2 . E, enquanto isso, a primeira experiência
cinematográfica pode ter acontecido em alguma caverna ainda desconhecida,
por volta de 30 mil anos atrás.
Máquina, do latim machina, é um aparelho, uma estrutura ou um engenho que potencializa
as capacidades e habilidades humanas e tem a genealogia entrelaçada à
história da humanidade.
Na nuvem semântica que orbita a palavra “máquina”, encontramos outras derivações,
como: mecanismo, aparato, artefato, dispositivo, engenhoca, invenção, ferramenta
e instrumento. Essas palavras estruturam o campo simbólico da “máquina” e
funcionam como extensões territoriais que contaminam e expandem seus domínios.
Derivada de “máquina”, a palavra “maquinar”, que dá título a esta exposição, significa
tramar, urdir, trair, conspirar, causar intriga. Apesar de que comumente a máquina é
associada a uma “moral do bem”, a sua genética nos lembra de que mantemos uma
relação traumática com esses artefatos e dispositivos.
Já na Antiguidade, egípcios, gregos, chineses e outros povos desenvolveram uma
série de invenções, principalmente mecânicas e hidráulicas, utilizando alavancas, pesos
e mecanismos multipeças mais ou menos complexos 3 . O teatro de marionetes chinês,
com seus autômatos, e o órgão de Ctesibius (Bautista Paz et al., 2010, pág. 42 e 49) são
alguns exemplos de que a arte esteve, desde sempre, relacionada à tecnologia.
Dando um grande pulo na linha do tempo da história e driblando o grande inventor
de máquinas que foi Leonardo da Vinci, a verdadeira revolução das máquinas virá na
era industrial. A velocidade e a magnitude das mudanças no cotidiano e o impacto
no meio ambiente tornaram-se definitivos. Os legados: a alienação a respeito dos
processos produtivos e a aceleração da percepção do tempo.
Outra revolução tecnológica consolida-se ao longo do século XX, com o progressivo
controle da eletricidade. Surgem os eletrônicos e, a partir deles, as máquinas de
realidades virtual e aumentada, que transformaram radicalmente a nossa vida.
1 Diverso – Gambiologia (2012). Disponível
em: https://www.youtube.com/
watch?v=z4Fm6kaF-1I. Consultado em:
09/2019.
2 Sobre as máquinas do Homem Primitivo.
Bautista Paz et al., 2010, pág. 7-12.
3 A invenção mais complexa da antiguidade
é “máquina de Anticítera”, um
instrumento astronômico considerado
o primeiro computador analógico
(Bautista Paz et al., 2010, pág. 7).
72

Em definitivo, onde há humanos, há máquinas, tramas, intrigas e conspirações que
fazem o mundo girar.
Os gregos, por exemplo, pensaram o universo como um mecanismo de corpos
celestes. Mais tarde, com o surgimento da ciência moderna, a natureza 4 e o corpo
humano passaram a ser compreendidos como uma máquina (composta de partes
com funções específicas, “ensembladas” de maneira a trabalhar em sincronia, obedecendo
a relações previsíveis de causalidade).
A perspectiva mecanicista permitiu estudar o universo e a vida reduzindo os fenômenos
a suas partes constitutivas. Mas, à medida que os avanços técnicos e tecnológicos
permitiram novas aferições do universo físico, tal estratégia se mostrou
insuficiente para dar conta da real densidade das coisas do mundo. Surgiram novas
máquinas e, consequentemente, novos enunciados, e vice-versa.
A ideia de que “o todo é mais do que a soma das partes” remonta a Platão e Aristóteles
e atravessa a história da filosofia 5 , de Marx, a teoria dos sistemas e da complexidade.
O pensamento holístico, dialético, sistêmico e complexo ofereceu alternativas ao
determinismo mecanicista, sobretudo a partir da segunda metade do século XIX.
Reduzir um fenômeno a suas partes constitutivas pode ser útil em certa medida,
mas, para nos acercarmos de fato do objeto de estudo, precisamos conectar as partes
a uma entidade complexa, indeterminada, emergente 6 .
Pausa. Quando os mais variados círculos do conhecimento começam a abraçar o
pensamento complexo, as máquinas de última geração e seus algoritmos de inteligência
artificial conturbam novamente o panorama.
4 A natureza resolveu continuamente
problemas mecânicos para construir
e manter a vida e demonstrou engenhosidade
brilhante e criatividade no
design de mecanismos altamente
eficientes… A biologia pode nos oferecer
exemplos de desenho mecânico,
como a perna de um artrópode ou
vertebrado. Bautista et al., 2007. Pág. 2.
5 http://www.filosofia.org/enc/ros/
par10.htm. Consultado em 10/2019.
6 A esse respeito, ver Johnson, 2003.
7 h t t p s : / / w w w . n y t i m e s .
com/2019/10/21/science/quantum-
-computer-physics-qubits.html. Consultado
em 10/2009.
Pesquisas recentes da neurociência constataram que as nossas escolhas poderiam
não resultar do suposto livre arbítrio, e sim da capacidade particular de reconhecer
padrões (HARARI, 2018). Supercomputadores analisando grandes bases de dados
(big data) vêm fornecendo evidências, se não definitivas, reveladoras a esse respeito.
O escândalo da Cambridge Analytica é um bom exemplo de como se pode manipular
remotamente o comportamento de grandes grupos humanos com base nas
ideologias dos mesmos. O alcance dessa tecnologia social (por chamá-la de alguma
maneira), em que supercomputadores orientam ou manipulam a vida das pessoas,
ainda é restrito a alguns aspectos da vida humana. Não seria imprudente pensar que,
à medida que novos e potentes computadores 7 entrarem em circulação e grandes
volumes de dados se tornarem disponíveis — do comportamento humano aos fenômenos
climáticos —, entraremos na era do tecnodeterminismo.
Embora o recorte da exposição “Maquinações” seja específico, achei oportuno trazer
esse sucinto, incompleto, parcial e esquizofrênico raconto introdutório, a fim de lembrar
a conturbada relação de interdependência do homem com a máquina. Acredito
que, de uma maneira ou de outra, os tópicos apresentados tangenciam os enunciados
da exposição.
73

Máquinas e arte
Se por um lado “Maquinações” está inserida no macrocontexto da relação homem-
-máquina, por outro insere-se num nicho particular da história da arte, aquele que
envolve a produção simbólica com máquinas, cuja história certamente não cabe
neste breve texto 8 . Gostaria de lembrar que, para além das inúmeras possíveis associações
entre máquinas e arte 9 , não será até o século XX que esse entorno ganhará
novo status. Para além do viés instrumental, a máquina passa a ser gradualmente
considerada obra de arte 10 . Das traquitanas autodestrutivas de Tinguely aos autômatos
de Theo Jansen, das máquinas que simulam o sistema digestivo de Wim Delvoye
às animações algorítmicas de inteligência artificial de Refik Anadol, estamos frente
a um campo epistemológico, lógico, ético e estético particular, a meu ver, resumido
exemplarmente por Peter Weibel com base na ideia de “virada performativa” 11 :
“Classical art was about the behaviour of form, even the form of things, and today it’s
about the form of behaviour. […] it’s not about the creation of things anymore, it’s about
the creation of relations, what we do with things” 12 .
Outro assunto a se levar em conta é o fato de a arte e a cultura serem, de modo geral,
constantemente atravessadas pelo embate entre progresso e tradição, no qual, sem
lugar a dúvidas, a máquina tem um papel central. O flaneur de Baudelaire revolta-se
perante a velocidade da cidade luz. O movimento “Arts and Crafts” busca se contrapor
ao desenho industrial. É nesse terreno pantanoso, posicionando-se criticamente
diante do positivismo status quo, que a exposição “Maquinações” finca os pilares.
Sobretudo pelo fato de seu curador, Fred Paulino, junto a Paulo Henrique Pessoa,
o “Ganso”, e Lucas Mafra, ser um dos fundadores da Gambiologia, movimento de
resistência a certa ideia de progresso aplanador que apaga o passado, desperdiça
recursos, espalha falsas promessas, exclui as margens e programa a obsolescência.
Um fato que chama a atenção e pode ser considerado um statement é que, à exceção
do trabalho de Sara Lana, não há obras interativas em “Maquinações”.
E é justamente a “Máquina de antônimos” de Sara que revela a tendência tecnoassistencialista
do nosso tempo, em que até o uso de papel higiênico é assistido por
sensores e motores. A obra é composta por um amontoado de aparelhos de TV de
tubo, em cujas telas vemos oscilantes desenhos de ondas e variações de estática.
Há ainda um microfone que, acionado pelo visitante, dispara um sistema de tradução
que analisa a fala e devolve uma frase de sentido contrário àquilo que por ela
foi ouvido. Em plena era das máquinas superinteligentes e dos espertos algoritmos
de inteligência artificial, o ruído persiste em mediar a relação homem-máquina. Sara
explora, de maneira extremamente poética, o que se perde no processo: os resíduos,
o caráter inexato da linguagem, a imprecisão da máquina, a diferença de repertórios.
Nessa direção, “Homenagem aos reparadores dos moedores de chocolate”, de
Zaven Paré, na qual 180 antebraços de plástico giram em torno do próprio eixo,
representa, a meu ver, um contraponto à “ode ao clique” em que tem se transformado
a sociedade contemporânea. Apesar de o artista ter se inspirado nos estudos
biomecânicos de Leonardo da Vinci e nas enigmáticas máquinas de Duchamp, no
8 A esse respeito, consultar BESSETE,
2017, MEDOSH, 2016, BROECKMANN,
2016, TAYLOR, 2014.
9 Elenco caprichosamente algumas
de muitas: a descoberta do vidro e o
desenvolvimento das lentes, a câmera
obscura, o pomo de tinta a óleo, as
maquinarias e invenções que levam
à sistematização da fotografia, do cinema
e a captação e reprodução de
áudio, etc.
10 Machine Art. Catálogo da exposição.
MoMa: Nova Iorque, 1934. Disponível
em https://www.moma.
org/documents/moma_catalogue_1784_300061872.pdf.
Consultado
em 10/2019.
11 https://en.wikipedia.org/wiki/Performative_turn.
Consultado em 10/2019.
12 “A arte clássica diz respeito ao comportamento
da forma, mesmo a forma
das coisas, a arte hoje é sobre a
forma dos comportamentos… não
mais se trata da criação de coisas, é
sobre a criação de relações, o que fazemos
com as coisas”. (ASCOTT et al.,
2009, pág. 17).
74

contexto atual, a obra ganha novas leituras. Há um esforço sendo feito, de maneira
cíclica e repetitiva, que poderia disparar uma experiência contemplativa, meditativa,
ou zen, mas que me passa uma dupla angústia. Por um lado, me faz pensar na
sociedade de consumo e suas agressivas técnicas de marketing: é como se esses 180
antebraços buscassem me convencer a fazer parte do sistema, provavelmente me
mostrar algum incrível produto sem o qual eu não poderia viver. Por outro lado, sinto
angústia em perceber que eles não saem do lugar. A multidão “da era do motor”, refém
das tramas do capitalismo cognitivo, como na cegueira das bolhas de redes sociais.
Arquivo e memória
Paulo Henrique Pessoa, o “Ganso”, tinha um gabinete particular de curiosidades, e
é com este que ele está generosamente representado na exposição. “Credo” é uma
instalação site-specific de colecionismo psicodélico. Ganso era um colecionador
compulsivo de imagens e de todo tipo de objetos, preferencialmente aqueles que
poderiam ser reaproveitados de maneira inusitada. Dentre os itens expostos, está o
capacete projetado junto a Paulino e Mafra para o extinto festival Arte.mov (Festival
Internacional de Arte em Mídias Móveis), em Belo Horizonte. O nascimento desse
objeto/engenhoca analógico num entorno tão particular, um festival dedicado às
tecnologias mais avant-garde, tem um valor simbólico e afetivo extra, pois levou à
fundação da Gambiologia.
Recentemente tive a oportunidade de visitar a Fundação Casa Grande — Memorial
do Homem Kariri 13 , em Nova Olinda, Ceará. Entre diversas atividades sociais, educacionais
e de resguardo do patrimônio promovidas pela instituição, me chamou particularmente
a atenção o projeto dos Museus Orgânicos. Pensados por Alemberg
Quindins e sua equipe, são museus que buscam resgatar os mestres da cultura popular
local ainda em vida e são projetados nas próprias casas dos homenageados. A
instalação de Ganso me fez pensar sobre essa memória coletiva não oficial que se
esconde em cada casa e em cada garagem e que, muita vezes, nos custa descobrir
e valorizar.
13 https://blogfundacaocasagrande.
wordpress.com/
A participação de Guto Lacaz na exposição aponta para outro tipo de memória, aquela
relacionada ao corpo. A sequência de imagens expostas sugere instruções para
execução de atividades cotidianas, como acender um fósforo, abrir uma embalagem
de cola Super Bonder, desenrolar um rolo de Magipack, extrair um print de uma máquina
Polaroid, utilizar um nível e rebobinar uma fita cassete. De fato, nenhuma dessas
ações precisaria de instruções para as gerações nascidas nas décadas de 1970 e
1980. O comentário irônico de Lacaz, agudo cronista gráfico de nossa época, está
endereçado a revelar, por um lado, a condição cíclica do tempo, e por outro, o quanto
o nosso corpo pode ser moldado pelas tecnologias. Hoje, quando a fita cassete e a
Polaroid voltam à cena e consertar um equipamento pode ser mais caro que adquirir
um novo, as imagens de Lacaz ganham novo sentido. No senso comum, o tempo
seria representado por uma linha contínua em que o passado estaria à esquerda, o
futuro à direita e o presente em algum lugar entre. A história é bem mais caprichosa.
Como o tempo, é ilusão, acelera, desacelera e loopea no momento mais inesperado.
O HOMEM E A MÁQUINA 75

Nesse núcleo, também cabe falar novamente de Zaven Paré, outro compulsivo colecionador
de objetos e imagens. Ele apresenta a instalação site-specific “Ocupação ZP
3.0”, composta de quatro partes. Na primeira, traz uma série de assemblages que me
remeteram ao imaginário afro-brasileiro, segundo o artista: “pura coincidência”. A segunda
parte é uma parede composta de objetos circulares dispostos aleatoriamente,
que parece a transposição do ateliê do artista para a sala expositiva. Completam a
obra uma vitrine de relíquias e uma máquina esdrúxula (ou surrealista?) que mantém
uma bolinha de pingue-pongue flutuando no ar, instalação que se refere a “Locus
Solus”, obra do escritor e poeta Francês Raymond Russel.
Assim como na obra de Ganso, há um olhar disruptivo para o cotidiano, para a
cronologia do tempo, para a essência das coisas. Uma tentativa de reorganizar o
mundo em arranjos que resgatem a subjetividade e a escala humana, a beleza e a
poesia ocultas nas coisas banais.
Abstração e movimento
Abraham Palatnik participa da mostra com “Objeto cinético C-5” e uma coleção de
cadernos e anotações. Sua produção se insere no âmbito do abstracionismo, do
concretismo e do neoconcretismo brasileiros e variações latino-americanas exemplificadas
nas obras de Jesus Rafael Soto, Carlos Cruz Diez e Julio Le Parc. A obra
de Palatnik já foi estudada e resenhada à exaustão 14 e é conhecida por introduzir
tridimensionalidade no objeto pictórico, pela exploração física do fenômeno lumínico
e pela inserção de movimento. O destaque em “Maquinações” fica por conta da
inclusão de cadernos e anotações de Palatnik que, no contexto da exposição,
explicitam as formas do fazer artístico que emergem quando este vai ao encontro
das tecnologias do tempo presente da obra. O croqui e os rabiscos dão lugar aos planos,
aos cálculos, ao projeto. Não que isso seja uma novidade no campo da arte, mas,
no século XX, a diluição das fronteiras entre disciplinas se consolida e a formação de
equipes transdisciplinares vira uma necessidade. Ao mergulhar em outros campos, o
artista adere a novas técnicas e a formas de pensar, documentar e projetar próximas
da engenharia e da ciência.
A obra de Daniel Herthel atualiza e desloca um ofício praticamente em extinção,
a marchetaria, técnica oriunda da marcenaria e da ourivesaria, utilizada tradicionalmente
na confecção de mobiliário, adereços e enfeites. Por estarem dispostos na
parede, é inevitável pensar na relação que os quadros mantêm com a pintura. Seja
pela característica da técnica, um tanto limitada na expressão do detalhe, seja pela
temática escolhida pelo autor — um sintetizador, por exemplo —, elas causam certo
estranhamento. O anacronismo materializado da memória de um tempo passado.
O mural de Xande Perocco, feito com base na tipografia por ele criada como marca
da exposição, inspira uma viagem no tempo. Quando aplicada num impresso, ou na
tela do computador, a tipologia remete instantaneamente à estética do design gráfico
contemporâneo assistido por computador. Mas, quando transformada em mural,
14 Em 2009 o Instituto Itaú Cultural se
debruçou sobre a sua obra, numa
ocupação curada por Aracy Amaral.
Ver: https://www.itaucultural.org.br/
ocupacao/abraham-palatnik/
76

remete à origem do design e da propaganda no construtivismo russo. É nessa ambivalência
comunicacional que a obra se expande no contexto da exposição, criando
um hiato entre a ideia de progresso e tradição.
Traquitanas e engenhocas
A produção de Paulo Nenflídio se instaura na fronteira entre arte e vida. Ele é um
artesão da máquina, um artista inventor, um cientista poeta. Em suas obras, explora
os mais diversos materiais e fenômenos, de modo a construir o que chama de invenções,
objetos inusitados, lúdicos e interativos, na maioria das vezes, sonoros.
Os “Instrumentos para medir o horizonte”, que ele designa como esculturas, são na
verdade três níveis completamente funcionais. Um deles apresenta uma inovação
técnica: um mecanismo de redução, que permite maior precisão nas medições.
Movido pela generosidade e pela vontade de confundir as fronteiras da arte,
Nenflídio presenteou um operário que trabalhava na reforma de sua casa com uma
dessas esculturas.
“Metacircuito n2”, também de sua autoria, é um objeto sonoro, uma máquina/instrumento
com as vísceras expostas que, ante a presença do visitante, pronuncia um
monólogo sobre sua própria natureza maquínica. As obras de Nenflídio inicialmente
nos seduzem pela excentricidade e pelo exotismo da sua fatura. Mas, numa segunda
instância, nos surpreendem pelo fato de deixar desnudada a própria essência,
mediando a experiência do sensível de forma sutil e prazerosa.
O que queria nos dizer Azucena Losana com suas sequências de imagens analógicas
produzidas por precários projetores de slides feitos de papelão e componentes
descartados? Nunca como hoje tivemos disponíveis tantos dispositivos de produção
e projeção de imagem e nunca produzimos tantas imagens num único dia. Temos à
disposição equipamentos que podem ultrapassar os 50 megapixels de resolução e
filmar até em 8k e telescópios que enxergam os confins do universo. A partir de uma
perspectiva positivista, poderíamos pensar que toda essa parafernália estaria a serviço
de um modelo de comunicação em que a informação flui como as águas de um
rio e a humanidade vai de vento em popa. O efeito parece ser exatamente o contrário.
A exposição descontrolada a tais tecnologias vem deixando evidentes as nossas
carências e debilidades enquanto indivíduos e coletivo. É nesse intervalo que a artista
nos convoca a refletir sobre a urgente necessidade de repensar a nossa relação
com os dispositivos tecnológicos — os da imagem em particular — para pensarmos
estratégias que nos permitam driblar o encantamento do admirável mundo novo.
Só assim poderemos criar identidade e pertencimento num sistema que explora as
nossas debilidades.
O “Oráculo”, de Mauricio Zelada, é uma verdadeira engenhoca. Misto de escultura,
instrumento musical e luminária, lembra uma nave espacial prestes a decolar. O som
resultante do maquinar dos seus componentes é um drone que pode apontar tanto
O HOMEM E A MÁQUINA 77

a radiação de fundo do universo quanto o impertinente ronco de motores produzindo
24/7. A sua esbelta figura, embora estática, incorpora a tensão e a potência de uma
possível decolagem, extraordinária alegoria dos conflitos contemporâneos.
Poéticas da estranheza
A poética de Milton Marques sempre me pareceu perturbadora. Não pelo fato de ser
perversa ou incômoda, e sim por ser inclassificável. Com a sua metodologia particular
de subverter o original, seja um motor, seja uma câmera, seja uma impressora, ele
cria sistemas cujo significado escapa à nossa experiência imediata.
Ao enxergar possibilidades inusitadas em conjuntos projetados com elementos
cotidianos, Marques consegue criar visualidades, sonoridades e atmosferas para as
quais não temos referente imediato. Assim como nas obras de Nenflídio, na busca
pela lógica que ilumine o sentido das suas proposições, não raramente nos vemos
suspensos por alguns instantes num limbo simbólico ambíguo e desestabilizador,
porém extremamente poético e sugestivo.
As máquinas de Marques produzem boucles e recorrências, mas a engenhosidade
do artista no desenho das mesmas faz com que nenhum loop seja igual ao outro.
Isso inevitavelmente nos leva a pensar no tempo e em suas armadilhas. Assim é o
caso da obra exposta “sem título”, em que vemos uma ossada animal se revirando
entre grãos de areia. O efêmero tempo da vida contrastado com o geológico tempo
do mineral. Uma potente metáfora dos ciclos da natureza. Mas, nesse caso, a força
geradora de tal rotina é um motor elétrico de impressora, colocando o ser humano
no papel do criador.
Na outra obra de autoria desse artista, também sem título, vemos uma traquitana
audiovisual cuja lente oscila entre dois pontos focais. Nos extremos do loop, podem-se
ler as frases “ponto crítico em que ele já não responde” e “nos dias mais difíceis”.
Um emaranhado de pelos complementa ambas as imagens. Apesar das décadas de
história da arte com máquinas, a obra de Milton aponta para as fronteiras inexploradas
de equipamentos considerados obsoletos.
O homem e a máquina, utopia ou distopia?
A inclusão do vídeo “The way things go” (Do jeito que as coisas andam), de Fischli e
Weiss, introduz, se não uma perspectiva distópica, um componente desestabilizador
no percurso. Nessa obra-prima da dupla suíça, vemos uma engenhoca torpe e
desengonçada, em que acontecimentos esdrúxulos e improváveis se sucedem num
plano-sequência que não é o tal (as imagens foram captadas ao longo de dois anos).
No fim, não há moral da história. A energia despendida se esfumaça no ar quando
um punhado de gelo seco despenca numa bacia com água. A meu ver, eis a mais
bela paródia da relação do homem com a máquina. Sem otimismo ou pessimismo,
apresenta as coisas como elas são. Acertos, erros, dúvida, ingenuidade, malícia,
maldade, tudo claro e evidente, causal. Ética, cada um tem a sua.
78

Fernando Velázquez é artista e curador. Investiga as relações entre Natureza e Cultura
no contexto dos dispositivos técnicos. É Mestre em Moda, Arte e Cultura pelo Senac.
Conspirando
Deixei o trabalho da dupla Motta & Lima para o final, pois ele materializa o potencial
expansivo e libertador que pode emergir do encontro do homem com a máquina.
A imagem de um beija-flor em voo, projetada nas aspas de um ventilador, evidencia
um fenômeno óptico que revela a natureza da luz. Para além dos domínios estéticos
da arte, poderíamos pensar que estamos frente a um dispositivo de conhecimento
que apresenta elementos-chave que nos permitem decodificar a realidade e ordenar
o mundo ao redor (GRAU e VEIGL, 2011, pág. 5).
Duas escolhas certeiras da curadoria fortalecem a exposição: a inclusão da
performance audiovisual “Pareidolia”, do grupo Kallpp, e a museografia. Os artistas
do Kallpp criam e improvisam com sintetizadores de manufatura própria. Durante a
performance, abrem os aparelhos, explicitando os sensores, mecanismos e fluxos,
desmistificando a “caixa-preta”. No campo simbólico, nos provocam a dar sentido
a sons nada habituais e, como outras obras da exposição, exploram a poesia do
cotidiano. A museografia é simples, mas direta. Um labirinto feito de paredes de malha
de arame que remete ao ambiente de oficina, fábrica ou ainda de loja de suprimentos.
Para finalizar, reforçando a ideia de que este texto, mais que dar conta de assuntos
tão densos, pretende ser um disparador de ideias e consciente de ter utilizado a
palavra máquina mais de 40 vezes, gostaria de tecer uma última reflexão.
Diante da constante virtualização do mundo, “Maquinações” é um manifesto em favor
do ofício, da materialidade das coisas, da economia de recursos, da criatividade individual
e coletiva, do atuar consciente e da arte do encontro. É também a recordação
de como é bom perder-se, para se descobrir renovado no processo. “Maquinações”
é um alerta que nos convoca a manter vivas maneiras de estar no mundo que
correm perigo de extinção. Afinal, nem tudo o que brilha é ouro, “novidade passa,
e o que resta é frustração”.
BIBLIOGRAFIA
ASCOTT, Roy; BAST, Gerald; FIEL, Wolfgang; JAHRMANN, Margarete; SCHENLL,
Ruth. New Realities: Being Syncretic. Springer-Verlag: Viena, 2009.
BAUTISTAS, E., CECCARELLI M., ECHÁVARRI J., MUÑOZ J. Brief Illustrated History of
Machines and Mechanisms. Springer: Londres, 2007.
BESSETTE, Juliete. The Machine as Art (in the 20th Century): An Introduction. (2017).
Disponível em https://www.mdpi.com/2076-0752/7/1/4. Consultado em
10/2019.
BROECKMANN, Andreas. Machine Art in the Twentieth Century. The MIT Press:
Cambridge-MA, 2016.
GRANT, D. Taylor. When the Machine Made Art: The Troubled History of Computer
Art. Bloomsbury Academic: Nova Iorque, 2014.
G R AU, Oliver; VEIG L, Thomas . Imaginery in the 21st century. The MIT Press: C ambridge
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JOHNSON, Steven. Emergência: a vida integrada de formigas, cérebros, cidades e
softwares. Jorge Zahar: Rio de Janeiro, 2003.
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https://www.moma.org/documents/moma_catalogue_1784_300061872.pdf.
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MEDOSH, Armin. New Tendencies. Art at the Threshold of the Information Revolution
(1961 - 1978). The MIT Press: Cambridge-MA, 2016.
NUNEZ, GERMAN ALFONSO. O beijo da morte e o seu contexto cultural e social:
uma introdução à emergência da arte tecnológica ou digital. In Revista Ars, nº.
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The Machine as Seen at the End of the Mechanical Age. MoMa: Nova Iorque, 1968.
Disponível em: https://www.moma.org/documents/moma_catalogue_2776_
300292931.pdf
HARARI, Yuval Noah. 21 lições para o século XXI. Companhia das Letras: São
Paulo, 2018.
O HOMEM E A MÁQUINA 79

Foto: DANIELA PAOLIELLO
CORPO UTÓPICO (2018)
Oi Futuro Flamengo (Rio) - 04/06/2018
Sesc Palladium (BH) - 09/10/2018
Sesc Carmo (São Paulo) - 22/11/2018
Intervenção espacial que envolve performance, música e projeção,
a partir de uma vestimenta eletrônica, dotada de câmera e monitor,
que filma e reproduz as pessoas em volta e também é usada como
tela para projeção a laser.
82
Concepção: Juliana Porfírio & Neville D’Almeida
Atrizes: Patricia Niedermeier (Rio) e Rosa Antuña (BH/SP)
Iluminação e projeção a laser: Lucas de Jesus
Sistemas eletrônicos: Eduardo Pessoa

JULIANA PORFÍRIO &
NEVILLE D’ALMEIDA
BRASIL (MG/RJ)
83

AZUCENA
LOSANA
MÉXICO / ARGENTINA
MACRO_MICRO_NARIAS (2018)
Oi Futuro Flamengo (Rio) - 04/06/2018
Projeção e intervenções em tempo real sobre
um filme de 16 mm que documenta a inauguração
de uma fábrica de café na Costa Rica,
no início dos anos 1980.
Colaboração: Manuel Trujillo “Morris”
84

PAREIDOLIA (2019)
Arte sonora / performance audiovisual
Sesc Piracicaba (SP) - 06/09/2019
Suporte técnico: Wanderson Maciel
KALLPP
MARCELO KRAISER
RAFAEL CARNEIRO
FREDERICO MELO
BRASIL (MG)
Espetáculo composto por composições improvisacionais
envolvendo quatro planos distintos que reverberam e interagem
entre si: corpo, som, luz e pensamento. Cada um leva
a desdobramentos em processos que retroalimentam ações
e conceitos, como paisagens visuais, sonoras e do corpo em
movimento. Devido à ausência de hierarquias, temos capturas
que admitem o erro, o acaso e seus riscos equilibrados e em
desequilíbrio, ressoando imagens-neblina, imagens-poeirentas,
sons atmosféricos, ruídos. Misturas fugazes de corpos
que se cristalizam e se desfazem em matérias que tremem,
esforçam, esticam, comprimem, dilatam, respiram, iluminam
e se encontram com sons eletrônicos e eletroacústicos.
85

RIO DE JANEIRO - RJ
OI FUTURO FLAMENGO
BELO HORIZONTE - MG
SESC PALLADIUM
PAULO WAISBERG E CLARISSA NEVES
86

SÃO PAULO - SP
SESC CARMO
MACH ARQUITETOS
PIRACICABA - SP
SESC PIRACICABA
87

IMAGEM DE DIVULGAÇÃO - ILUSTRAÇÃO ORIGINAL POR PHP GANSO, A PARTIR DE STILL DO FILME O ELIXIR
MOSTRA
DE FILMES
Como programação adicional à exposição "Maquinações" em Belo Horizonte, foi realizada uma mostra de
filmes em homenagem ao artista e um dos fundadores do Coletivo Gambiologia, Paulo Henrique Pessoa,
o Ganso. A mostra apresentou curtas, longas e filmes experimentais realizados entre os anos 1970 e 2000,
nos quais Ganso foi retratado ou atuou como diretor, cenógrafo, figurinista e diretor de arte. Todas as sessões
foram gratuitas e abertas ao público.
DATAS: 23, 24 E 25/11/2018
LOCAL: CINEMA DO SESC PALLADIUM - BELO HORIZONTE, MG
88

LONGAS / MÉDIA METRAGEM
Encomenda ao Ganso
2002 • DV • 30 min.
Documentário experimental realizado
em 2002, parceria entre Pablo Lobato e
Paulo Pessoa, o Ganso. Disparado por uma
encomenda feita pelo próprio diretor, o filme
acompanha Ganso na intimidade de seu
ateliê, em processos de fundição e tornearia
na periferia de Belo Horizonte e numa
performance derradeira em seu quintal, com a
participação de O Grivo, duo de músicos.
Direção: Pablo Lobato
Uma Onda no Ar
2002 • 35 mm • 90 min.
Jorge, Brau, Roque e Zequiel são quatro
jovens amigos que vivem em uma favela
de Belo Horizonte e sonham em criar uma
rádio que seja a voz do local onde vivem.
Eles conseguem transformar seu sonho em
realidade ao criar a Rádio Favela, que logo
conquista os moradores locais por dar voz aos
excluídos, mesmo operando na ilegalidade. O
sucesso da rádio comunitária repercute fora
da favela, trazendo também inimigos para o
grupo, que acaba enfrentando a repressão
policial para a extinção da rádio.
Direção: Helvécio Ratton
Figurino: Ganso (assistente: Marney Heitmann)
ESTEVAM AVELLAR
O Aleijadinho:
Paixão, Glória e Suplício
2003 • 35 mm • 100 min.
Século XVIII. Antônio Francisco Lisboa, o
Aleijadinho, tomou-se artista famoso com
suas esculturas dos profetas e igrejas inteiras
de Ouro Preto e outras cidades brasileiras.
Até que uma doença misteriosa destruiu seus
dedos, mãos, braços e tirou sua vida. Um
professor e historiador procura pela nora viva
de Aleijadinho, falecido em 1814.
Direção: Geraldo Santos Pereira
Direção de arte: Ganso
Idolatrada
1983 • 35 mm • 90 min.
Após 50 anos de casado, Luís resolve
contar para sua esposa um segredo do seu
passado que modificou toda a sua vida.
Direção: Paulo Augusto Gomes
Direção de arte: Ganso
Produção: Grupo Novo de Cinema e TV
CURTAS
Os Contratadores
2012 • DV • 20 min.
Direção: Evandro Rogers e Marcus Nascimento
Elenco: Sérgio Penna, Chico Aníbal, Rodrigo
Signoretti (Caju) e Ganso
O Ego Filho da Égua
1978 • Super 8 • 17 min
Direção: Paulo Laborne
Eliminacha
1977 • Super 8 • 10 min.
Direção coletiva (Turma do murinho)
O Elixir
1979 • Super 8 • 9 min.
Direção: Cláudio Versiani (Pits), Ganso
e Luiz Philippe Carneiro de Mendonça
O Pintassilgo
1978 • 16 mm • 9 min.
Direção: Paulo Laborne
Exibição com trilha sonora executada ao vivo
por Ligalingha
(Fabiano Fonseca e Henrique Roscoe)
O Pirotécnico Zacarias
1979 • 16 mm • 11 min.
Direção: Paulo Laborne
89

ARTISTAS PARTICIPANTES
ABRAHAM PALATNIK
Nasceu em Natal - RN (1928), viveu e trabalhou no
Rio de Janeiro, onde faleceu em 2020. Foi pioneiro e
a figura mais seminal da arte cinética, óptica e tecnológica
no Brasil. Participou de diversas exposições no
Brasil e exterior, como oito edições da Bienal de São
Paulo (1951–1969) e a 32ª La Biennale di Venezia, na
Itália (1964). Possui obras em importantes coleções
institucionais, como: Museu de Arte Moderna do Rio
de Janeiro (MAM-RJ); Museu de Arte Moderna de
São Paulo (MAM-SP); Royal Museums of Fine Arts of
Belgium; e The Museum of Modern Art (MoMA), em
Nova Iorque - EUA.
ARMATOST
Coletivo colombiano formado por Julián Conde
“Kilelé” (artista visual e músico) e Julie Mart (jornalista
e cenógrafa). Seu trabalho se desenvolve a partir de
objetos cotidianos, reaproveitamento de materiais e
gambiologia, sob a premissa de “arqueologia urbana”
da cultura material. Realizaram exposições individuais
como “Cacharraçoes” no MAT, Colombia (2018) e
integraram coletivas como “Maquinações” no Sesc
Palladium, em Belo Horizonte (2018). Foram premiados
com múltiplas bolsas de criação na Colômbia.
Trabalham atualmente no projeto UN-FIXED, uma
performance que incorpora escultura, instalação e
desenho de vestuário.
AZUCENA LOSANA
Nasceu na Cidade do México (1977), vive e trabalha
em Buenos Aires. Seu trabalho abrange cinema experimental,
instalações e vídeo. Em parceria com
Carolina Andreetti, realiza o projeto TAPP (Taller de
Proyectores Precarios). Recebeu as seguintes bolsas
e prêmios: terceiro lugar no Premio Mamba Telefonica
a las Nuevas Tecnologías (2009); bolsa de intercâmbio
da Universidade de São Paulo - USP (2015);
menção honrosa no Salón Nacional de las Artes de
Argentina (2016); e a bolsa de criação individual do
Fondo Nacional de las Artes de Argentina e do Sistema
Nacional de Creadores FONCA México (2017).
DANIEL HERTHEL
Formado em Escultura pela Escola de Belas Artes da
UFMG, vive e trabalha em Belo Horizonte. Influenciado
pelos artistas cinéticos, iniciou a trajetória no Giramundo
Teatro de Bonecos, onde conheceu o ofício
da madeira e o cinema de animação. Em 2007, participou
da residência artística Artist Links, do British
Council, em Londres. Em 2008, foi selecionado para
a Bolsa Pampulha, do Museu de Arte da Pampulha
(Belo Horizonte) e, mais tarde, para o programa
Rumos, do Itaú Cultural Artes Visuais. Além de exposições,
fez criações em cenografia, cinema, experimentação
sonora e design de objetos, produzindo
também oficinas e workshops que convidam o público
a exercitar o trabalho criativo e manual.
GANSO - PAULO HENRIQUE PESSOA
Natural de Martinópolis - SP (1955), viveu em Belo
Horizonte - MG, onde faleceu, em 2018, poucos dias
após a abertura da primeira edição de “Maquinações”,
no Rio de Janeiro. Com formação em desenho industrial,
atuou nas áreas de: artes gráficas, moda, cenografia,
design, ilustração, direção de arte e figurino.
Teve seu trabalho especialmente reconhecido
como designer de luminárias a partir de antiguidades
e materiais reutilizados. Concebeu e produziu o
espaço-conceito “Bar do Ganso”, no Instituto Inhotim
(Brumadinho - MG), em exposição permanente. Foi
um dos fundadores do Coletivo Gambiologia.
GIOVANNA CASIMIRO
Pesquisadora de arte e tecnologia, curadora e artista
multimídia. Realiza projetos no campo das tecnologias
de realidade virtual e aumentada, frequentemente
no espaço urbano. Colabora com diferentes equipes
pelo mundo, incluindo o aplicativo ARTIVIVE,
ZOAN Studio, SaskInteractive, New Dance Horizons,
OVNI Studio, LILO.Zone, Boston Cyberarts e Associação
Digaaí, dentre outros. Cursa doutorado na
Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (USP), é mestre
em Artes Visuais (PPGART/UFSM) e bacharel em
Desenho e Plástico (UFSM).
90

GUTO LACAZ
Natural de São Paulo (1948). É arquiteto e artista
plástico. Explora as possibilidades tecnológicas na
arte e no consumo, com humor e surpresa. Como
designer, cria logos, projetos de livros, revistas e
catálogos, cartazes, ilustrações e exposições. Recebeu
os seguintes prêmios: Objeto Inusitado, Bolsa
Guggenheim, APCA Obra Gráfica, APCA Fronteiras da
Arquitetura, Prêmio Abril de Jornalismo e Excelência
Gráfica. Publicou os livros “Desculpe a letra”, “Gráfica”,
“omemhobjeto” e “80 desenhos”, dentre outros
JULIANA PORFÍRIO
Vive e trabalha em Belo Horizonte. Com formação
interdisciplinar em artes visuais, moda e jornalismo,
atua como artista independente e comunicadora. Sua
investigação abrange as inter-relações corpo, moda
e sociedade. Colabora com o projeto Gambiologia
como artista e educadora e com a plataforma de
conteúdo da Conspiração Filmes, Hysteria, redigindo
e ilustrando artigos sobre questões relacionadas
à mulher.
KALLPP
Trio de arte sonora formado por Marcelo Kraiser,
Rafael Carneiro e Frederico Melo. O trabalho dos três
artistas transita entre a música ambiente e a noise
art, entre sons melódicos e atonalismo aleatório,
além do uso da voz com ênfase na improvisação.
O trio pesquisa aspectos teóricos e técnicos do som
e da interação deste com o espaço, a performance
e a imagem, utilizando especialmente instrumentos
eletrônicos e eletroacústicos.
LINA LOPES
Consultora, empreendedora e artista. Formada em
Cinema pela USP e mestre em Design pela Faculdade
Anhembi-Morumbi, possui background interdisciplinar
que abrange também teatro, engenharia e
computação. Possui ampla experiência em projetos
de design paramétrico e generativo, vídeo mapping,
interatividade, programação com Arduino, wearables,
internet das coisas, biomateriais, dentre outros. É palestrante
sobre inovação e mentora de bootcamps.
Dirige o LILO.ZONE, em São Paulo, espaço voltado
ao uso criativo de tecnologia. É entusiasta da experimentação,
da colaboração e da improvisação.
MAURIZIO ZELADA
Nasceu em São Paulo (1963), onde vive e trabalha.
Interessa-se por mecanismos e eletrônica desde a
infância. Estudou arquitetura, mas acabou trocando a
prancheta e o escritório pela bancada e pela oficina.
Utiliza desde os mais primários mecanismos até sofisticados
microprocessadores e sensores, para propor
obras que respondem a estímulos, com um comportamento
nem sempre previsível. A interação com o
público e a autonomia da obra são fortes presenças
em seus trabalhos. Além da produção própria, desenvolve
e realiza soluções técnicas para outros artistas.
MILTON MARQUES
Natural de Brasília (1971), onde vive e trabalha. Sua
obra tem como ponto de partida o uso de máquinas
e aparatos tecnológicos inutilizados, destituídos da
função original e deslocados do uso cotidiano.
Assim, ressurgem como parte de mecanismos singulares
de construção de imagens em movimento.
MOTTA & LIMA
A parceria de Gisela Motta e Leandro Lima, paulistanos
nascidos em 1976, inicia-se no final dos anos 1990.
Desde então, eles utilizam diversas linguagens, como
vídeo, objeto e gambiarras, empregando padrões, medidas,
estruturas e suas variações, para criar situações
altamente construídas. Nelas, elementos naturais,
matemáticos e artificiais emulam o comportamento
orgânico, sintetizam fenômenos naturais e criam certa
ambiguidade, apesar da aparente objetividade. A dupla
explora justamente a região ambivalente entre o
sintético do natural e o natural do sintético.
NEVILLE D’ALMEIDA
Nasceu em Belo Horizonte - MG. Estudou Teatro no
TUMG (Teatro Universitário de Minas Gerais), participou
do Centro de Estudos Cinematográficos (CEC–BH) e
foi um dos fundadores do CEMIC (Centro Mineiro de
Cinema). Estudou Cinema na NYU (New York, USA).
Realizou 15 longas-metragens, mais de 120 curtas/
média-metragens e mais de 30 filmes de arte. Está
presente no acervo do Instituto Inhotim (Brumadinho -
MG) com o Pavilhão Cosmococa. Recebeu mais de 20
prêmios nacionais e internacionais, tendo participado de
49 exposições em vários países. É artista multimídia, escritor,
roteirista e fotógrafo. Vive e trabalha no Rio de Janeiro.
91

PAULO NENFLÍDIO
Formado em Artes Plásticas pela ECA - USP e em
Eletrônica pela ETE Lauro Gomes. Suas obras são
esculturas, instalações, objetos, instrumentos e desenhos.
Som, eletrônica, movimento, construção,
invenção, aleatoriedade, física, controle, automação
e gambiarra são frequentes nos seus trabalhos, que
se parecem com bichos, instrumentos musicais ou
máquinas de ficção científica. Recebeu, em 2011, o
Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça Artes Plásticas
e, em 2013, o Prêmio Funarte Marcantonio Vilaça.
Em 2017, participou da BienalSur.
PETER FISCHLI & DAVID WEISS
Fischli (1952) e Weiss (1942) são naturais de Zurique
(Suíça). Iniciaram sua colaboração em 1979. Resistentes
a algum estilo, mídia ou materiais específicos,
sua obra inclui fotografia, video, projeções de slide,
filmes, livros, esculturas e instalações multimídia.
Sua produção explora a poética da banalidade – a
sublimidade dos objetos e eventos que constituem
o cotidiano. Contaram com exposições individuais no
Centre Georges Pompidou em Paris (1992) e na Tate
Modern, Londres (2006/07), entre outros. Representaram
a Suíça na Bienal de Veneza (1995/2003),
sendo agraciados com o Prêmio Leon d’Oro. Seus
trabalhos foram também exibidos na Documental
de Kassel (Alemanha, 1987/97) e no Guggenheim
Museum (2002/03/04). Weiss faleceu em 2012 em
Zurich, onde Fischli ainda vive e trabalha.
SARA LANA
Teve o caminho acadêmico traçado em escolas de
matemática e engenharia e, desde 2007, desenvolve
projetos permeados por arte e tecnologia. Em geral,
seu trabalho é orientado para a pesquisa e criação de
parafernálias tecnológicas, experimentando diferentes
aproximações a interfaces digitais e dispositivos
analógicos. Participou de várias residências e seus
trabalhos já foram apresentados em Brasil, Chile,
México, Espanha e França.
XANDE PEROCCO
Designer, artista e ilustrador. Vive e trabalha em Belo
Horizonte. Desde os anos 2000, tem integrado iniciativas
em intervenções urbanas e artes gráficas. Foi um
dos fundadores do Coletivo Azucrina. É diretor de arte
de projetos de destaque na cena cultural brasileira,
como CURA (Circuito Urbano de Arte) e Gambiologia.
ZAVEN PARÉ
Artista e pesquisador de robótica, é considerado um
dos pioneiros da arte eletrônica. Foi bolsista do French
American Fund of Performing Arts no California Institute
of the Arts (1999/2001), da RioArte em Arte
e Tecnologia (2002), da Villa Kujoyama, em Kyoto
(2009), da Japan Society for Promotion of Sciences -
JSPS, no Intelligent Robotics Laboratory, do professor
Hiroshi Ishiguro (2010), ocasião em que participou
da criação do Robot Actors Project, na Universidade
de Osaka. Recebeu o Prêmio Sergio Motta de Arte e
Tecnologia (2011).
92

The Art & Technology Collection scores its 123
titles with the publication referring to the exhibition
“Maquinações”, which took place from
June 4th to August 5th, 2018, at Oi Futuro,
flying to Belo Horizonte, São Paulo and
Piracicaba soon after, in partnership with other
cultural centers. The exhibition, based on the
concept of Gambiologia, developed by theoretician,
artist and curator Fred Paulino, presented
13 artists and some collectives from
Brazil and abroad, operating from the idea
that low-tech remodeling can generate new
scientific parameters in today's world.
The artworks and installations gravitated
from small, popular and everyday solutions to
robots created by artists dedicated to this
segment. All materializing, in diverse ways,
the concept of the “science of makeshifts”.
Now everything resurfaces in these photographic
records and theoretical texts. With this
book, we believe that Oi Futuro is contributing
to the dissemination of new issues, studies and
researches in the field of contemporary art.
Enjoy the reading.
Roberto Guimarães
CULTURAL EXECUTIVE MANAGER
OI FUTURO
The combination of art and technology allows
for intense experiences. Technological development
and recent means to record and
archive digital information seem not to be
aware of time or space limits, and have been
transforming not only humanity´s daily life, but
specially, artistic experience in its countless
possibilities of enjoyment, production, creation,
mediation and consumption.
This new relationship of the observer and the
work, and all sorts of thoughts raised by it, are
the guiding element of the curatorial axis Art
and Technology, which Sesc Palladium presents
to the public in the second half of 2018.
Bringing together local, national and international
artists, the cultural center focuses on
the artistic and cultural experiences mediated
by technology, in an intense and diverse program,
crosswise translated across all artistic
languages and also through seminars and lab
experiments that promise to agitate the public.
In this sense, it seems at least controversial
that Maquinações, a collective exhibition
curated by Fred Paulino, takes center stage in
this special program, since it promotes a technological
(de)construction and values ​interaction
over interactivity, pointing to analog solutions
developed by “inventists” in “an offline,
non-algorithmic, non-virtual environment”.
The reason for this assumed controversy lies in
the exaltation of affectivity found in the analog
experience, which, even when it is converted
to the digital environment, brings to viewers
feelings of identification and belonging, so
different from those found in binary systems,
often aseptic and foreign to the observer.
Maquinações is the third edition of the international
collective "Gambiologists", which
presents artists whose work is at the intersection
between art and invention. Their production
is based on the use of technological
devices and ordinary objects, arisen from a
subtle observation of everyday life. In developing
these gadgets, these “inventists” propose
new possibilities for the use of materials,
often subverting their original function.
With this exhibition - an important culmination
of the Art and Technology axis -, Sesc invites
everyone to a lively and dynamic experience,
of displacements, in a time when past and future
are mixed, in a process of constant reflection
on the now and its infinite opportunities.
SESC EM MINAS
MACHINES IN ACTION
The expression that gives the title to these
lines represents one of the main emblems of
modernity, in view of the technological and
industrial revolutions established in the last
centuries. Through them, Western civilizations
began to increasingly intervene in the environment
and natural processes, shaping them
for the sake of what was supposed to be our
needs and longings. Today, it is well known
that such a development project produces
dramatic consequences for life on the planet.
Among the side effects generated by the omnipresence
of the machine in our daily life, we
highlight an unexpected as well as an absurd
development: if, at first, technical apparatuses
are created and disseminated so that we can
use them, on the other hand, it is quite common
that the opposite happens, since we are
often subject to the designs of such devices.
In this case, it is the machines that use us in
function of their programs.
Facing this paradox involves conceiving
forms of humanization of technology, which
involves playing with their purposes, sometimes
displacing them from the prescribed
applications. In presenting experiments by
artists dedicated to unusual appropriations
of mechanical and electronic equipment, the
Maquinações exhibition puts on the scene
machines that “act” on unthinking records. The
actions of these machines are here delineated
according to poetic purposes, definitely unrelated
to their instrumental vocation.
The socio-educational work of Sesc has in the
“Spaces of Technologies and Arts” a favorable
platform to approach both criticaly and
inventively problems like this. In this case, it’s
the opportunity to observe the universe of
technological constructs from another angle,
through combinations capable of suspending
the naturalness with which we incorporate the
machines to our interaction with the world.
SESC SÃO PAULO
94

ARTISTS, MACHINES AND
THE INVENTION OF EVERYDAY
Until the mid-1980s, electronic artworks were based on analog platforms - from televisions,
antennas and their transmissions to analogue recording media such as cassette
or Betamax. From the 1990s, this production started to operate mostly on the
digital environment. The conversion of the audiovisual to digital media, besides the
universalization of computers and Internet migrated this production almost entirely to
the binary world and, more recently, to mobile computing.
However, even after the Internet boom and amid the chaos of social networks, there
are artists who use digital technology but also manifest an increasing interest in the
use of analog, mechanical, improvised and low cost solutions. They are creators who
develop technological works in an offline, non-algorithmic, non-virtual environment.
They do not give up using technical devices (and playing with them), but propose new
possibilities about their use, often subverting the original function of the components
themselves. In a sense, they focus on interaction rather than on interactivity, and in
doing so, they propose a more humane approach to technology.
These “inventartists” act at the intersection between art, science, technology and life.
They transform their studios in workshops, their workshops in labs, their labs in extension
of their lives. From the (de)construction of contraptions, inaccurate systems,
inventions with or without utility, they stimulate human symbiosis with technique and
present an art without an instruction manual. They propose peculiar machinations
about the artistic medium and the technological universe. They relate their creative
practice to play, to education, to social, to invention, with their hands-on while feet on
the ground. They act on the machines to turn machines into actions.
FRED PAULINO
CURATOR

André Mintz
Machines can be defined as mechanisms that acquire
a degree of independence from those who have created
them 2 . They are technical objects typically characterized
by their productive capacity and autonomous
functioning, which would allow them to replace
certain human competences. Perhaps this is why,
from the Antikythera mechanism in ancient Greece,
through the automatons of Mesopotamia´s first renaissance
3 , to Babbage, Lovelace and Turing analytical
machines, they seem to have been created to deal
with the founding puzzles of our experience: measuring
and taming time, recreating life and the movement
of bodies, externalizing thought. They would wind up,
it seems, the weird alterity of technical beings, as if,
even having being created by us, they could establish
a reality that is foreign to us.
Facing the imaginary which surrounds contemporary
computational machines - ‘bots’ and ‘algorithms’ – the
present seems to be, before anything else, machinic. It
doesn´t seem this way, however, that this theme comes
to the exhibition Maquinações (“Machinations”). Fred
Paulino’s curatorship makes a different gesture than of
this deepening of the split between humans and machines,
thus fissuring the imaginary of autonomy. Taking
new steps into his curatorial research started in 2010,
with the exhibition Gambiólogos, his interest lies in an
art that is critically or ironically using technologies, in the
setback of the discourse of innovation - an approach
in line with others that have been described as ‘technophagics’
by Giselle Beiguelman at that time 4 . Today,
such a view unfolds into a more specific interest in the
artists’ inventive gesture in the construction of everyday
machines ‘on the ground floor‘. The works in “Machinations”
thus point to a way of living with the contradiction
- only apparent - of simultaneously autonomous and
dependent machines; weird but still as how we are.
96
1.
“Metacircuit” (2015) by Paulo Nenflídio elaborates, at
first, the self-affirmation of a machinic alterity that addresses
us as a difference: “see how I speak”, “see how
I think”, the machine tells us. Yet, it exposes itself inside
out. The open box with wires and circuits on display
seems to contradict the cybernetic denomination of the
“black box” - the metaphor of an opaque enclosure in
which internal operations are concealed, defining itself
only by what it takes as input and offers as output. In
this artwork these aspects are confused in a machine
with its interior exposed, as a construct of wires and circuits,
while at the same time, through texts and sounds,
it claims its difference and autonomy.
The exposure of the objects constitution is an emblematic
aspect of gambiologia theme – an aesthetic proposition
taken up by the curator in 2008. Aiming at the
opposite of the smooth surfaces of digital gadgets,
gambiologia is inspired by inventive practices of makeshifts,
creating objects revealed as tangled threads of
technical and symbolic excesses of inlaid parts. While
the becoming autonomous of the technological machine
presupposed an organic integration of its parts,
makeshifts - as proposed by Gabriel Menotti 5 , inspired
by Simondon 6 - is situated halfway, with the whole and
its parts playing equal prominence. In a similar perspective,
Fernanda Bruno 7 describes makeshifts by their
“shameless” character, which reveals their guts and
multiplies the appropriations and combinations that
compose themselves.
In Azucena Losana’s “GIF: Generator of InterFerence”
(2016), this gesture emerges both as a machine building
strategy and a decomposition of animated images from
the internet. The GIF animation is recreated by the art-

ist with a handcrafted projection machine, where each
frame is displayed separately by imperfectly aligned
projectors and sequenced by an electronic circuit. In the
version of the piece presented in the exhibition, the image
is an excerpt from a television show in which Michel
Temer (former Brazil’s President) hands Silvio Santos
(TV show presenter) money, as if in jest. The precariousness
of the projection apparatus exacerbates the
artificiality of this short loop, cracking the image and
the political economy of GIF circulation on the internet 8 .
The click sounds in the circuit mark the emergence of
each frame, individualized in its sordidness - machine
decomposition, image and figurative gesture.
2.
In veteran Abraham Palatnik’s artwork it is not just about
exposing an underlying mechanism to the machine, although
it is all displayed in a transparent box. With a refined
balance between unity and fragmentation, in “Kinetic
C-5” (1968) the totality would only be found in the
dance of its parts, none of them secondary to the whole.
Without any other purpose, the machine only translates
the rotary motion of an engine into multiple smooth
motions of its components, arranged in a handcrafted
mechanism. Displacing the machine from the usual demand
for productivity, Palatnik’s artwork gives it another
choreography and speed, far from those characteristics
of machine’s application in the industry.
Located at the entrance of the gallery, the piece also
seems to point out that machines don´t come to the exhibition
to demonstrate their efficiency and it wouldn´t
be appropriate to evaluate them according to technical
parameters - as sometimes it happens in tech art. Otherwise,
it may be more appropriate to understand machines’
operation in an approximation of the concept of
performance, whose definition, by Richard Schechner 9 ,
is precisely in opposition to fulfillment. In the meaning
proposed by this author, performance would be understood
fundamentally as an action performed as an
exhibition of itself. Taken as performance, the operation
of a machinic work would be expressed by a dysfunction
of the technological machine, which, at one extreme,
would be exhausted in its own movement and,
displaced from any utilitarian function by the inventive
gesture of the artists, would open itself to other modes
of apprehension.
In “Antonyms machine” (2018) by Sara Lana, this subject
seems to be implicated in the constituent role of failure
in experience. Initially, the piece may seem to propose a
plain and autonomous machine, with its synthetic voice
responding, accurately, with the antonym of what we
say. This tentative perception soon fades, however, due
to the incongruous responses that inevitably emerge
in the interaction — if not by chance, by the testing of
its limits that we seem seduced to do as a way of attesting
our superiority to the machine. Failure, though,
is not ignored in the elaboration of this artwork, which
is not fully committed to proper functioning. Unthought
of technique, failures haunt state-of-the-art technology
with the prospect of imminent outburst. In everyday machines,
however, they are not fully purged. They remind
us that the supposed machinic autonomy is a transitory
and performative 10 product of constant adjustments
and adaptations making approximations to an idealized
condition that is never fully up to date.
3.
From the performance of the machine to the performance
of the body, “Little great actions” (2003) by Guto
Lacaz presents itself as an inventory of small gestures
elaborated in the historical couplings between bodies
and industrial objects. The series of prints features
pictograms similar to instruction manuals that illustrate
everyday actions such as striking a match or rewinding
a cassette tape with a pencil. These small thoughtless
movements, made “automatic” by repetition, become
vernacular gestures of postindustrial societies. As evidenced
by Lacaz, this repertoire is denaturalized and reflexively
taken, opening the industrial materiality to the
organicity of human bodies, which are transformed, to
some extent, to components of the use and standardization
of these products.
In his extensive review of the theme of the machine in
twentieth-century art, Andreas Broeckmann emphasizes
a certain autopoietic quality as a defining trace of
machinic beings 11 . There would be, he suggests, something
unsettling about the way we confront machines,
encounters he describes as antagonistic but also erotic.
In this sense, although typically understood by their autonomy
and closure, machines are approached by Broeckmann
with emphasis on their approximation or distance
from the human. Deepening this aspect, from an
anthropological perspective, Lucy Suchman 12 , before
Broeckmann, elaborated that the autonomous movement
of machines doesn’t happen in isolation from
transformations of the human. Especially in the proposition
of artificial intelligence and humanoid robots, the
development of machines is mutually linked to constant
reformulations, as to what would define intelligence
and the human. More than asking ourselves about machine’s
proper mode of existence, perhaps it is the case
to reflect upon how they would transform our own way
of being, our daily gestures and practices.
97

4.
Taking us to the last movement of this text, “Creed”
(2018) by Paulo Henrique ‘The Goose” Pessoa stands
on the world of industrial production and, precisely, on
its daily machinations in order to transform the world’s
landscapes. Working in the outflow of this “great social
machine” 13 , the gambiological grand master appropriates
from wastes of all sorts and resituates them in the
cultural memory of the consumer society. His weird
“valise objects” epitomize the capital’s disposable icons
in a tiny museum of surplus and accumulation. Parts
of gears, toys and dummies compose the installation,
which returns the impersonal results of the industry to
human scale and within reach. Seeming only to surround
the subject we have been dealing with, his work
is not devoted to any particular machine. However, it
tactically weaves itself into the proper territory of machines
that, far from exist in isolation, are arranged in
large productive chains, forming a great machine the
artist desecrates.
“To machine”, in its literal sense, would be synonymous
with ‘plotting’, ‘planning’. The playing with words embedded
in the exhibition title otherwise suggests ‘machining’
as machine action, or machinic action. If we propose
to take the word in a non-literal sense – or even in the
sense that preceded its modern use – the technological
machine may perhaps serve as a metaphor for other
processes and triggers formed by integrated parts that
have gained autonomy and thus operate as a machine.
In a sense contrary to the imagery of machine autonomy,
machination may then be thought as a process of
becoming machine or of being like machine; ‘machining’.
Perhaps in this sense, the work of The Goose, along with
the machinations of the other artists, can be understood
as instances of rupture with the supposed closure and
autonomy of technological machines, and also of the
totalizing character of the “machination of the world” 14 ,
opening gaps or reflexive margins to such processes.
Overcoming antagonistic opposition, they express the
constitutive mutuality of the implied terms. They are expressions
of - speculative - ways of machining against
and also, in a way, toward machines and machinations.
1 NT: The original title in Portuguese is “Maquinar”, suggesting a verb: to machine.
2 BROECKMANN, Andreas. Machine art in the twentieth century. Cambridge, MA: MIT
Press, 2016.
3 ZIELINSKI, Siegfried; WEIBEL, Peter. Allah’s automata: artifacts of the Arab Islamic
renaissance (800-1200). Berlim; Estugarda: Hatje Cantz, 2016. Exhibition catalogue,
31 oct 2015 to 4 sep 2016. ZKM Center for Art and Media Karlsruhe.
4 BEIGUELMAN, Giselle. Tecnofagias emergentes na artemídia.br. Revista Marginalia
+Lab, Belo Horizonte, v. 1, pp. 6-15, 2010.
5 MENOTTI, Gabriel. A gambiarra e a perspectiva da prototipagem. Vazantes. Fortaleza,
v. 1, n. 1, pp. 202-205, 2017.
6 SIMONDON, Gilbert. El modo de existencia de los objetos técnicos. Translation by
Margarita Martínez and Pablo Rodríguez. Buenos Aires: Prometeo Libros, 2007.
7 BRUNO, Fernanda. Objetos técnicos sem pudor: gambiarra e tecnicidade. Revista
ECO-Pós, v. 20, n. 1, pp. 136–149, 2017.
8 STEYERL, Hito. Too much world: is the internet dead? e-flux Journal, n. 49, nov. 2013.
Available at: <http://www.e-flux.com/journal/49/60004/too-much-world-is-the-internet-dead/>.
9 SCHECHNER, Richard. O que é performance? O percevejo. Rio de Janeiro, v. 11, n. 12,
pp. 25-50, 2003.
10 SUCHMAN, Lucy. Human-machine reconfigurations: Plans and Situated Actions.
2nd edition. Cambridge; New York: Cambridge University Press, 2006.
11 “The machine always seems to be something that ‘we are confronted with.’... but the
machine always has the human subject as a companion, and highlights the relation
that human subjects have toward technology”. BROECKMANN, Andreas. Machine art
… p. 22.
12 SUCHMAN, Lucy. Human-Machine Reconfigurations…
13 WISNIK, José Miguel. Maquinação do mundo: Drummond e a mineração. São Paulo:
Companhia das Letras, 2018.
14 WISNIK, José Miguel. Maquinação do mundo…
André Mintz is an artist and professor of Art and Technology at the School of Fine Arts - UFMG. Doctor in Communications
from UFMG, Master in Communications from the same institution and in Media Arts Cultures from Aalborg
University, Danube University Krems and Lodz University.
Nina Gazire
In 1928, the German philosopher Walter Benjamin wrote
two short articles after he had intellectually thinned out
“art history”, exhorting the ways artists should turn their
attention to in the following ages. The twentieth century,
the one of working machines, was brutalizing civilization
and then, generously, Benjamin advises us: “For play
and nothing else is the mother of every habit. Eating,
sleeping, getting dressed, washing have to be instilled
into the struggling little brat in a playful way, following
the rhythm of nursery rhymes” 1 . Every artist from this
century onwards should seek, in daily life, strangeness,
gaming, movement, the lost ludus.
When visiting the exhibition “Machinations” at Sesc
Palladium in Belo Horizonte, the first movement we
98
encounter is exactly in this Benjaminian call. At the entrance,
we find ourselves facing the installation “Creed”,
a posthumous tribute to Paulo Henrique “The Goose”
Pessoa, where the widow Birimbica Potter and his
daughter Laura Pessoa, alongside with curator Fred
Paulino, worked in the mimesis of a “hermetic garage”,
a playing workshop by the recently deceased artist. The
Goose had been the perfect embodiment of the “ludology”
preached by Benjamin. In his garage we see spiritualistic
objects, toys and gadgets of all kinds that add
to his belief that “I am not compulsive, I am cumulative,
creative accumulation 2 ”. For is there a more repetitive
act than playing (which never repeats)? The same play
gains different versions and, likewise the artistic process,
gets lost in the maze of movement.

We are currently boxing our playing. Movement is separated
into boxes which follow a large, praised system,
which appropriates of gesture, this stolen from its original
meaning (if this ever existed) and makes us point our
phones everywhere, with kittens, puppies and infantilized
filters, but sneaked in brothel sales of our bodies
and glances. We understand this as technology, but
why, ubiquitously, does such technology become increasingly
childish? Why some do point to technology in
an ironic way, with their lips full of “cuddly capitalism” 3 ?
Art was born taking itself very seriously. The concept
of technology alike. Capitalism is indeed cute, hashtag
#butnottoday. Is playing also a source of violence? 4
When it comes to art as play and art as movement (not
as historical or avant-garde) of creative gestures – those
of machinations – what we saw in the works exhibited
was a very attentive selection of artists with a playful
glance into excess, which we ignore and dismiss with
ordinary ease. All excess is also repetitive, the gesture
of art as a displacer of the technological capital’ signs.
We ever consider, especially today, the digital as a synonym
for technology. However, the analog can be given
to children, who will find it weird and transform it into
another kind of toy: technological surplus or new habit,
free of atavisms? Without judgment, we are enslaved
victims of consumer screens. In an utopia, it is up to artists
to take hold of this excess and turn them into new
plays. By the way, I witnessed fascinated children visiting
the exhibition, full of analogical makeshifts, and this
experience seemed to answer my question about new
and old technologies set before new generations.
In this scenario I invoke the etymology of the word
‘technology’, which in ancient Greek is named Techne
and which also means ART. Despite the term’s coagulation
both for technique and art, in the notion of ancient
Greek art the crisis among two representations
has ever ruled: being realistic or not 5 . This opposition,
which has haunted us for centuries and, in the construction
of art history in particular, has driven us away
from a symbiosis that could only be rescued in the
twentieth century, is now ingrained in everyday life,
invisibly, wickedly. Even in art itself it escapes us, yet
suffering from a historicist revision that frees it from a
western and colonialist perspective.
We play with fire at all times (and unknowingly?), as
the video recorded in 1987 by the Swiss duo Fischli
& Weiss seems to propose, in which they think of the
idea of entropy through a network of traps moved by
a pyrotechnic force. “Through sheer determination
and hours of trial and error, they composed cinematic
sequences in which objects careen into one another,
light each other on fire, and fly from place to
place in an endlessly unraveling chain reaction 6 : this
is how the video “The Way Things Go” is described in
the Guggenheim archive 7 . If we think of the work as a
metaphor for reality, do we perceive the infinite arrow
of time in which we are wrapped, unable to stop, or
are we living in an entropic system, denying it since
post-Socratic times? Realizing reality is illuminating
or pyromaniac. The work doesn’t give answers, but it
opens wide the truth that everything is movement.
Guto Lacaz, one of the most renowned Brazilian artists
in the art and tech field, in his work “Little Great
Actions” (2003) does not use any “machinic” artifice
to talk about perpetual and repetitive movements
that we make in everyday life. In the series, using silkscreen
(an analog technique), the artist screenprints
repetitive movements that we make with technical
apparatuses: rewinding a cassette tape with a pencil;
striking a match. We are eternal children who imitate
the movement of adults, or adults who repeat the
movements learned as children. “Movement is static!
Movement is static because it is the only immutable
thing. (...) The only certainty is that movement, change
and metamorphosis exist. (…) Believe in change. Do not
pin-point anything! Everything about us is movement.
Everything around us changes” 8 , said Jean Tinguely,
well known for creating abstract machines. In Lacaz’s
prints, these small movements around analog objects
change us when we access them, although they being
paralyzed; they ask us if nowadays we access them
more by memory than by body gesture.
In 1955, Hungarian painter and sculptor Vitor Vasarely
(1908-1997) published the “Yellow Manifesto” on the occasion
of his participation, along with other artists such
as Marcel Duchamp, Alexander Calder, Jesús Soto and
Tinguely himself, from the Le Mouvement exhibition
in Paris, emphasizing that art needs to be movement.
The manifesto, inspired by the Bauhaus Constructivists,
postulated that visual kinetics, as proposed by the canon
of Brazilian kinetic art Abraham Palatnik, present in
Machinations, should always be based on the viewer’s
side 9 . In 1968’s “Kinetic C-5”, Palatnik does the opposite
of Guto Lacaz and seems, by the addicted eyes of art
students, to animate the machinic-pictorial conception
of Vasarely and Tinguely. One more experimental play
by the artist who, in 1951, had his “Kinechromatic Apparatus”
- a lightbox with moving colored bulbs - almost
banned of São Paulo Biennial, because the organizers
did not know how to categorize it.
Art cannot be an habit, as Benjamin also claimed. And
we could say to some extent that about this statement
there is a “too late”. If the premise was totally the opposite,
we would not have the mysterious Banksy self-de-
99

structing his millionaire auctioned work 10 . Was it only
irony what was left to us? We give thanks to such art
tricksters, so that the game remains.
Today, surrounded by machines, we watch them having
their subjective surges: disobeying algorithms, like resisting
artists. Or they simply imitate us in our haughty
system, eliminating subjectivities from it. The big machine
algorithm improvises (does it?) in the worst possible
way. In 2018, the story of Google’s racist algorithm
became famous 11 . Some say the next political revolution
will be to control algorithms 12 . Or is it already? Is
it being? The algorithms of the big machine don’t play.
But those of art, yes they do. Sara Lana wraps Ariadne’s
thread 13 with her commissioned installation “Antonyms
Machine”, where “a microphone records spoken sentences
and a system exchanges each of the words
spoken by its antonym.” 14 . Paulo Nenflídio creates, in
“Metacircuit”, a living machine whose algorithm is never
complete, turning sounds into meaningless questions.
Milton Marques, in his Untitled work, shows the perpetual
movement of an artificial landscape, created in a
glass container with an animal skull, filming the one certain
thing in life: the constant movement toward the end.
In “Machinations” we have these artificial organisms, artworks
where the movement asks us all the time to end
utilitarianism in art and in our bodies. There is a space for
immersion within the improvisation of playing, but never
forgetting that, constantly, we are threatened by previous
generations of machines that we face daily, without
even realizing. Are we forever employees of the glance
and of coded surfaces? If we learn by playing, why do
we stop playing for only to make?
We discovered the tricks of the Eternal (praise His
name), we stole his cooking recipes, and now we
cook even better than Him. Are we really in a new
story? How was the short story of Prometheus and
the stolen fire? Perhaps we believe that we are simply
sitting in front of the computer, while we are actually
confined in the Caucasus? And maybe some
birds are already there sharpening their beaks,
preparing to eat our liver. (FLUSSER; 2007; p. 79) 15
We have, with the exhibition, a breath of relief, because we
do not see play as opposed to art, the gesture as opposed
to the glance. At the opening, the interdisciplinary Neville
DÁlmeida and the artist Juliana Porfírio promoted, in collaboration
with a ballet dancer, the performance “Utopic
Body”, an intervention based on a wearable electronic
containing a camera and a display, which shoot and play
people and situations around. In this action, which shifts
the gaze from its function to the body through cameras,
the artists ask us to what extent we are really in control.
And besides, they remind us: have we ever been in control?
Who’s been kidding us all this time?
I do not mean to answer that question. I will never succeed,
and if anyone brings the answer, be suspicious.
The exhibition is this machine that boost questions – an
art mission for some. For me it brought memories of
playing, learning by making. I am sure that, in a context
where machines decide political scenarios, we increasingly
need to stop thinking of technology, and especially
art, as something apart from us. And stop thinking of
them as separate instances in purposes and servitudes.
On the opposite: to have the spirit of The Goose, present
in small portraits brilliantly scattered throughout the
exhibition space, joking through objects that we tend to
see only as excess and repetition, not as an act of creation,
an act of life.
1 BENJAMIN, Walter. Toys and play: marginal notes on a monumental work. IN: Selected
writings. p. 120. 1928.
2 Available at: https://www.youtube.com/watch?v=C7lJUEX_kS0 – Accessed in
November 30th 2018. Feirinha Troca-Troca – video produced by Gambiologia
Collective in 2013.
3 According to Giselle Beiguelman´s term.
4 In the essay Toys and play: marginal notes on a monumental work, Benjamin briefly
brings back the Freudian theory. “... unlike traumatic nightmares and war neuroses,
which constitute the major realm of the Freudian essay, where compulsive return to
the scenes of danger are pathological symptoms of the subjection of individuals to
what they cannot elaborate and which, therefore, returns without consent, children’s
repetitive play is orchestrated by themselves and becomes a source of pleasure.
Freud notes that they like to hear the same stories, always the same way, to relive that
first reading sensation. But the fun is lost when adults hear the same joke a second
time. Novelty is for them an indispensable condition of enjoyment and delight. Therefore,
leaving childhood behind also means losing the ability to find novelty through
repetition”. (BINES, Rosana Kohl. Childhood ghosts with Boltanski and Benjamin.
IN: Alea vol.17 no.2. Rio de Janeiro, 2015)
5 VENTURI, Lionello. História da Crítica de Arte. 1960 – p. 107
6 Available at: https://www.guggenheim.org/artwork/32552. Accessed in November
30th, 2018.
7 Available at: https://www.guggenheim.org/artwork/32552. Accessed in November
30th, 2018.
8 TINGUELY, Jean. Untitled Statement (1961) IN:STILES, Kristine; SELZ, Peter. Theories
and Documents of Contemporary Art: a sourcebook of artist’s writing. 1996.
9 OLIVEIRA, Thais Pereira de Franco; SILVEIRA, Edgar. Arte Cinética e Ciberarte: propostas
de interatividade. IN: VENTURELLI, Suete (org.). 9º Encontro Internacional de Tecnologia:
Sistemas Complexos, Naturais, Artificiais e Mistos. 2010. Available at: https://
art.medialab.ufg.br/up/779/o/nono_art.pdf. Accessed in November 3oth, 2018.
10 Available at: https://www.nytimes.com/2018/10/06/arts/design/uk-banksypainting-sothebys.html.
Accessed in November 30th, 2018. REYBURN, Scott.
Banksy Painting Self-Destructs After Fetching $1.4 Million at Sotheby’s, written in
October 6th, 2018.
11 Available at: https://brasil.elpais.com/brasil/2016/06/10/tecnologia/1465577075_
876238.html . PEREDA, F. Cristina. O Google é racista? published in El País newspaper
in June 10th, 2016.
12 O’NEIL, Cathy. Weapons of Math Destruction, 2016. Book published in 2016 which
evaluates that the next political revolution will be about controlling algorithms,
the artificial inteligence sector which became a decisive piece in Donald Trump’s
election in the United States and now in Brazil in the election of Jair Bolsonaro, who
spread messages in WhatsApp using a pyramid-like strategy.
13 The thread of Ariadne, called that way because of Ariadne´s legend, is a term used
to describe the resolution of a problem which can be solved by various obvious
ways (as for example: a physical labyrinth, a logic puzzle, an ethical dilemma)
through exhaustive application of logic by all means. It is a singular method that
allows to completely follow the tips or to gradually assimilate a series of truths
found in an unexpected event, ordering the research until it reaches a desirable and
final point of view. Source: Solving Sudoku. Available at: http://www.sudoku.org.uk/
PDF/Solving_Sudoku.pdf . Accessed in November 30th, 2018.
14 Artist website. Available at: https://touca.ninja/antonimos/. Accessed in November
30th, 2018.
15 FLUSSER, Vilém. O Mundo Codificado: Por uma filosofia do design e da comunicação.
São Paulo: Cosacnaify, 2007.
Nina Gazire is a journalist and Master in Communication from PUC-SP. She taught Cultural Production at FAAP
and Communications at Centro Universitário UNA. She took part of several curatorships and wrote for magazines
specialized in visual arts.
100

Fernando Velázquez
Introduction
“[…] Novelty passes,
and what remains is frustration.“
Lucas Bambozzi 1
There was a day when the first human being (maybe
two or three) rubbed pieces of wood with the intention
of making fire. Prior to this, groups of Sapiens worked
the stone and built traps 2 . And meanwhile, the first cinematic
experience may have taken place in some unknown
cave some 30,000 years ago.
Machine, from Latin machina, is a device, a structure or an
assembly that enhances human capabilities and abilities
and has its genealogy intertwined with human history.
In the semantic cloud orbiting the word “machine” we
find other derivations, such as: mechanism, apparatus,
artifact, device, gadget, invention, tool, and instrument.
These words structure the symbolic realm of the “machine”
and work as territorial extensions contaminating
and expanding its domains.
Derived from “machine”, the verb “to machine”, which
names this exhibition, means to plot, warp, betray, conspire,
cause intrigue. Although the machine is commonly
associated with a “good morality,” its genetics reminds
us that we maintain a traumatic relationship with these
artifacts and devices.
Already in ancient times, Egyptians, Greeks, Chinese
and other peoples developed a series of inventions,
mainly mechanical and hydraulic, using levers,
weights and more or less complex multipart mechanisms
3 . The Chinese puppet theater, with its automata,
and Ctesibius’s organ (Bautista Paz et al., 2010, p. 42
and 49) are some examples that art has always been
related to technology.
Taking a big leap in history’s timeline and dribbling the
great inventor of machines Leonardo da Vinci was, the
true revolution of machines will come in the industrial
age. The speed and magnitude of changes in daily life
and the impact on the environment have become definitive.
The legacies: alienation about productive processes
and acceleration of the perception of time.
Another technological revolution is consolidated
throughout the twentieth century, with the progressive
control of electricity. Electronics emerge, and from
them, the augmented and virtual reality machines that
radically transformed our lives. Definitely, where there
are humans, there are machines, plots, intrigues and
conspirations making the world go around.
The Greeks, for example, thought of the universe as a
mechanism of celestial bodies. Later, with the emergence
of modern science, nature 4 and the human body
came to be understood as a machine (composed of
parts with specific functions, “assembled” in order to
work in sync, obeying predictable causal relations).
This mechanistic perspective allowed us to study
the universe and life by reducing phenomena to their
constituent parts. But as technical and technological
advances allowed new measurements of the physical
universe, such a strategy proved insufficient to account
for the true density of things in the world. New
machines emerged and, consequently, new statements,
and vice versa.
The idea that ‘the whole is more than the sum of its
parts’ goes back to Plato and Aristotle and permeates
the history of philosophy 5 , from Marx to systems and
complexity theories. Holistic, dialectical, systemic and
complex thinking offered alternatives to mechanistic
determinism, especially from the second half of the
nineteenth century on. Reducing a phenomenon to its
constituent parts may be useful to some extent, but in
order to really approach the object of study we need
to connect the parts to a complex, undetermined,
emerging entity 6 .
Pause. As various circles of knowledge begin to embrace
complex thinking, state-of-the-art machines and
their artificial intelligence algorithms cloud the landscape
once again.
Recent neuroscience research has verified that our choices
might not be the result of supposed free will, but rather
of a particular ability to recognize patterns (HARARI, 2018).
Supercomputers analyzing big data have been providing
revealing, if not definitive, evidences in this regard. The
Cambridge Analytica scandal is a good example of how
one can remotely manipulate the behavior of large hu-
101

man groups based on their ideologies. The scope of this
social technology (only to name it somehow), in which
supercomputers guide or manipulate people’s lives, is
still restricted to some aspects of human life. It wouldn’t
be unwise to wonder that, as powerful new computers 7
come into circulation and larger volumes of data become
available - from human behavior to climate phenomena -,
we will enter the age of techno-determinism.
Although the curatorial project of the exhibition “Machinations”
is specific, I thought it would be appropriate
to bring this succinct, incomplete, partial and schizophrenic
introductory report, in order to recall human’s
troubled interdependence relationship with machines. I
believe that in one way or another, the topics presented
are tangent to the statements of this show.
Machines and art
While “Machinations” is located within in the macro context
of human-machine relationship, on the other side
it fits into a particular niche in art history, that which involves
the symbolic production with machines, whose
history certainly doesn´t fit into this brief text 8 . Let’s be
reminded that beyond the countless possible associations
between machines and art 9 , it won´t be until the
twentieth century this realm would gain new status.
Beyond instrumental bias, machines are gradually considered
works of art 10 . From Tinguely’s self-destructive
contraptions to Theo Jansen’s automata, from Wim Delvoye’s
machines simulating digestive system to Refik
Anadol’s algorithmic artificial intelligence animations,
we are faced with a particular epistemological, logical,
ethical and aesthetic field, which had been exemplarily
summarized by Peter Weibel based on the idea of
“performative turning” 11 : “Classical art was about the
behaviour of form, even the form of things, and today
it’s about the form of behaviour. […] it’s not about the creation
of things anymore, it’s about the creation of relations,
what we do with things”. 12
Another issue to bear in mind is that art and culture are,
in general, constantly crossed by the clash between
progress and tradition, in which, without a doubt, the machine
plays a central role. Baudelaire’s flaneur revolts at
the speed of the city of light. The “Arts and Crafts” movement
seeks to counteract industrial design. “Machinations”
puts its pillars down in this swampy terrain, standing
critically against status quo positivism. This mainly
because its curator’s Fred Paulino (alongside with Paulo
Henrique Pessoa - the “Goose”, and Lucas Mafra) is one
of the founders of Gambiologia, a movement of resistance
to a certain idea of flattening progress that erases
the past, wastes resources, spreads false promises, excludes
margins and programs obsolescence. One fact
102
catching the eye and that can be considered a statement
is that, with the exception of Sara Lana’s piece,
there are no interactive artworks in “Machinations.”
And it is precisely Sara´s “Antonyms machine” that reveals
the techno-assistentialist tendency of our time, in
which even the use of toilet paper is assisted by sensors
and motors. This artwork is composed by a jumble
of tube TV sets, on whose screens we see oscillating
wave designs and static electricity variations. There is
also a microphone that triggered by visitors initiates a
translation system, which analyzes the speech and answer
with a contrary sentence than of that heard by it. In
the age of superintelligent machines and clever artificial
intelligence algorithms, noise persists in mediating the
human-machine relationship. Sara explores, in an extremely
poetic way, what is lost in the process: the residues,
the inaccurate character of the language, the imprecision
of the machine, the difference in repertoires.
In this sense, Zaven Paré’s “Tribute to Chocolate Grinder
Repairers,” in which 180 plastic forearms revolve around
its own axis, represents, in my point of view, a counterpoint
to the “ode to click” in which contemporary society
has become. Although the artist had been inspired
by Leonardo da Vinci’s biomechanical studies and Duchamp’s
enigmatic machines, in our current context
this artwork have new readings. There is an effort being
made, cyclically and repetitively, that could cause me a
contemplative, meditative, or Zen experience, but that
gives me a double anguish. On the one hand, it makes
me think of consumer society and its aggressive marketing
techniques: It’s as if these 180 forearms were trying
to convince me to be part of the system, probably
showing me some amazing product that I couldn’t live
without. On the other hand, I feel anguish to realize they
don´t leave their places. The “motor age” crowd, hostage
to the cognitive capitalism plots, as in the blindness of
social networks bubbles.
File and memory
Paulo Henrique Pessoa, the “Goose”, had a private cabinet
of curiosities and it is with it he is generously represented
in the exhibition. “Creed” is a site-specific installation
of psychedelic collecting. Goose was a compulsive
collector of images and all sorts of objects, preferably
those able to be unusually reused. Among displayed
items is the helmet designed in partnership with Paulino
and Mafra for the former Arte.mov (International Festival
for Mobile Media Art) in Belo Horizonte. The birth of this
analogic object/gadget in such a particular setting - a
festival dedicated to the most avant-garde technologies,
bears an extra symbolic and affective value, since
it had led to the founding of Gambiologia.

I recently had the opportunity to visit the Fundação Casa
Grande — Memorial do Homem Kariri 13 , in Nova Olinda,
Ceará. Among various social, educational and heritage
protection activities promoted by the institution, the
project of Organic Museums particularly caught my attention.
Designed by Alemberg Quindins and his team,
they are museums that seek to rescue masters of local
culture when they are still alive and they are set up in the
honorees’ houses. Goose´s installation made me think
about this unofficial collective memory hidden in every
house and every garage, and which is often hard for us
to discover and value.
Guto Lacaz’s participation in the exhibition points to another
type of memory, which is related to the body. The
sequence of images suggests instructions for performing
everyday activities, such as lighting a match, opening
a package of super glue, unrolling a plastic food
wrap, extracting a print from a Polaroid camera, using
a level tool, and rewinding a cassette tape. In fact, none
of these actions would need instruction for generations
born in the 1970s and 1980s. Lacaz’s ironic commentary,
being him an acute graphic chronicler of our time, is
meant to reveal, on the one hand, the cyclical condition
of time, and on the other how much our body can be
shaped by technology. Today, when cassettes and Polaroids
are back on the scene and repairing equipment
can be more expensive than buying a new one, Lacaz’s
images take on new meaning. In common sense, time
would be represented by a continuous line where the
past would be on the left, the future on the right, and
the present somewhere in between. The story is much
more capricious. Like time, it is illusion, it accelerates,
slows and loops at the most unexpected moment.
In this nucleus, it is also worth talking again about Zaven
Paré, another compulsive collector of objects and images.
He presents the four-part site-specific installation
“ZP Occupation 3.0”. In the first, he brings a series of assemblages
that took me to the Afro-Brazilian imaginary:
“pure coincidence”, according to the artist. The second
part is a wall composed of randomly arranged circular
objects, which looks like the transposition of the artist’s
studio into the exhibition room. Completing the work is
a showcase of relics and a weird (or surrealistic?) machine
that keeps a ping-pong ball floating in the air, an
installation referring to “Locus Solus”, the work of French
writer and poet Raymond Russel.
As in Goose’s work, there is a disruptive look at everyday
life, the chronology of time, the essence of things. An
attempt to reorganize the world into arrangements that
seem to rescue subjectivity and human scale, beauty
and poetry hidden in banal things.
Abstraction and movement
Abraham Palatnik takes part in the exhibition with “Kinetic
Object C-5” and a collection of sketches and notebooks.
His production falls within the scope of Brazilian abstractionism,
concretism and neo-concretism and their Latin
American variations exemplified in the works of Jesus
Rafael Soto, Carlos Cruz Diez and Julio Le Parc. Palatnik’s
work has already been studied and reviewed in exhaustion
14 and is well known for introducing three-dimensionality
into the pictorial object, for the physical exploration
of the light phenomenon and for the insertion of movement.
The highlight in “Machinations” is the inclusion of
Palatnik’s sketches and annotations that, in the context
of the exhibition, explain the forms of artistic making that
emerge when it meets the artworks’ technologies of
present time. Sketching and scribbling give way to plans,
calculations, project. Not that this is new in the field of
art, but the blurring of boundaries between disciplines is
consolidated in the twentieth century, and the formation
of transdisciplinary teams becomes a necessity. By diving
into other fields, the artist adheres to new techniques
and ways of thinking, documenting and designing close
to engineering and science.
Daniel Herthel’s work updates and shifts an almost endangered
craft, marquetry, a technique derived from woodwork
and goldsmithing, traditionally used in the manufacture
of furniture, props and ornaments. Because the
pieces are installed on the wall, it is inevitable to think of
them in their relationship with painting. Whether due to the
characteristic of the technique, somewhat limited in the
expression of detail, or the themes chosen by the author
- a synthesizer, for example -, they cause some strangeness.
Materialized anachronism of a past time memory.
Xande Perocco’s mural, based on the typography created
by him as the logo of the exhibition, inspires a journey
through time. When applied to a print or computer
screen, the typology instantly refers to the aesthetics
of contemporary computer-aided graphic design. But
when transformed into a mural, it refers to the origin of
design and propaganda in Russian constructivism. It is
in this communicational ambivalence that the work expands
itself in the context of the exhibition, creating a
gap between the idea of progress and tradition.
Contraptions and makeshifts
Paulo Nenflídio’s production is established on the border
between art and life. He is a machine craftsman, an
inventor artist, a scientist poet. In his works, he explores
the most diverse materials and phenomena, in order to
build what he calls inventions, unusual, playful and interactive
objects, most of the time, with sound.
103

The “Instruments to calculate horizon” series, which
he calls sculptures, are actually three fully functional
levels. One of them features a technical innovation: a
reduction mechanism that allows greater accuracy in
measurements. Moved by generosity and the desire to
confuse the boundaries of art, Nenflídio presented a
worker who worked on the renovation of his house with
one of these sculptures.
“Metacircuit n2”, also of his own, is a sound object, a
machine/instrument with its viscera exposed that, before
the presence of the visitor, pronounces a monologue
about its own machinic nature. Nenflidio’s works
initially seduce us by the eccentricity and exoticism of
his assemblies, but in a second instance, we are surprised
by the fact that it leaves bare its very essence,
mediating the experience of the sensitive in a subtle
and pleasant way.
What did Azucena Losana want to tell us with her analog
image sequences produced by precarious slide
projectors made out of cardboard and discarded components?
Never before so many imaging and projection
devices have been available as today, and we have never
produced so many images in a single day. We have
equipment that can exceed 50 megapixels of resolution
and shoot up to 8k, and telescopes that can see the
ends of the universe. From a positivist perspective, we
might think that all this paraphernalia would be available
to a communication model in which information
flows like the waters of a river and mankind sails in “fair
winds and following seas“. But the effect seems to be
just the opposite. The uncontrolled exposure to such
technologies has made evident our deficiencies and
weaknesses as individuals and as a collective. It is in this
gap that the artist calls us to reflect on the urgent need
to rethink our relationship with technological devices –
especially those of image production – in order to think
of strategies that allow us to circumvent the enchantment
of the brave new world. Only in this way can we
create identity and belonging in a system that exploits
our weaknesses.
Mauricio Zelada’s “Oracle” is a real contraption. Mixed
sculpture, musical instrument and lamp, it resembles a
spaceship about to take off. The resulting sound from
the machining of its components is a drone that can
point both to the background radiation of the universe
as to the impertinent roar of engines producing 24/7. Its
slender figure, while static, embodies the tension and
power of a possible takeoff, an extraordinary allegory of
contemporary conflicts.
Poetics of Strangeness
Milton Marques’ poetics always seemed disturbing to
me. Not because it’s perverse or uncomfortable, but
because it’s unclassifiable. With his particular methodology
of subverting the original, being it a motor, a camera,
or a printer, he creates systems whose meaning escapes
our immediate experience.
By seeing unusual possibilities in sets designed with everyday
elements, Marques is able to create visualities,
sounds and atmospheres to which we have no immediate
reference. As in Nenflídio’s works, in the search for
logic that illuminates the meaning of his propositions, we
are seldom suspended for a moment in an ambiguous
and destabilizing symbolic limbo though it’s extremely
poetic and suggestive.
Marques’ machines produce boucles and recurrences,
but the artist’s know-how in their design makes neither
loop equal to the other. This inevitably leads us to think
about time and its pitfalls. Such is the case with the
“Untitled” work in which we see an animal skull turning
among grains of sand. The ephemeral time of life contrasted
with the geological time of the mineral. A potent
metaphor of nature’s cycles. But in this case, the driving
force of such a routine is a printer motor, placing the human
being in the role of the creator.
In the other piece by this artist, also untitled, we see an
audiovisual contraption whose lens oscillates between
two focal points. At the end of the loop, you can read
the phrases “critical point where it no longer responds”
and “on the hardest days.” A tangle of hair complements
both images. Despite decades of machine art history,
Milton’s work points to the untapped frontiers of the so
called obsolete equipment.
The man and the machine, utopia or dystopia?
The inclusion of the video “The Way Things Go” by Fischli
and Weiss introduces, if not a dystopian perspective, a destabilizing
component in our course. In this masterpiece
of the Swiss duo, we see a clumsy contraption in which
weird and unlikely events follow one another in a long
take which isn’t it (the images were shot during two years).
In the end, there is no moral of the story. The energy expended
fades into the air when a handful of dry ice falls
into a basin of water. In my view, this is the most beautiful
parody of man’s relationship with the machine. Without
optimism or pessimism, it presents things as they really
are. Hits, mistakes, doubt, naivete, malice, all clear and
obvious, causal. Each has its own ethics.
104

Plotting
I left the work of Motta & Lima to the end, as it materializes
the expansive and liberating potential that can
emerge from man’s encounter with the machine.
The image of a hummingbird in flight, projected on
the blades of a fan, shows an optical phenomenon
that reveals the nature of light. Beyond the aesthetic
domains of art, we might think that we are facing
a knowledge device containing key elements that allow
us to decode reality and to order the world around
(GRAU and VEIGL, 2011, p. 5).
Two accurate curatorship choices strengthen the exhibition:
the inclusion of the Kallpp group’s audiovisual
performance “Pareidolia” and the museography. Kallpp
artists create and improvise with their own synthesizers.
During the performance, they open the devices, making
the sensors, mechanisms and flows explicit so demystifying
the “black box”. In the symbolic field, they provoke
us to make sense of unusual sounds and, like other
works in the exhibition, explore the poetry of everyday
life. The museography is simple but straightforward. A
maze made of wire mesh walls resembling a workshop,
factory or supply store environment.
Finally, reinforcing the idea that this text, rather than
explaining such dense issues, is intended to be a trigger
of ideas, and conscious of having used the word
machine more than 40 times, I would like to make one
last reflection.
Faced with the constant virtualization of the world,
“Machinations” is a manifesto in favor of craft, materiality
of things, economy of resources, individual and collective
creativity, conscious acting and the art of encounter.
It is also a reminder of how good it is to get lost in order
to find yourself renewed in the process. “Machinations”
is a warning that calls us to keep ways of being alive in
the world that are in danger of extinction. After all, not
everything that shines is gold, “novelty passes, and what
remains is frustration.”
1 Diverso – Gambiologia (2012). Available at: https://www.youtube.com/watch?v=
z4Fm6kaF-1I. Consultado em: 09/2019.
2 On the machines of primitive man. Bautista Paz et al., 2010, pp. 7-12.
3 The most complex invention of antiquity is the “Antikythera machine”, an astronomical
instrument considered the first analog computer (Bautista Paz et al., 2010, p. 7).
4 Nature has continuously solved mechanical problems to build and maintain life and
has demonstrated brilliant ingenuity and creativity in the design of highly efficient
mechanisms ... Biology can offer us examples of mechanical design, such as the leg
of an arthropod or vertebrate. (Bautista et al., 2007, p. 2).
5 http://www.filosofia.org/enc/ros/par10.htm. Accessed in 10/2019.
6 About this, read Johnson, 2003.
7 https://www.nytimes.com/2019/10/21/science/quantum-computer-physicsqubits.html.
Accessed in 10/2009.
8 About this, check BESSETE, 2017, MEDOSH, 2016, BROECKMANN, 2016, TAYLOR,
2014.
9 I capriciously cast some of many: the discovery of glass and the development of lenses,
the camera obscura, the snitch of oil paint, the machinery and inventions that lead
to the systematization of photography, cinema and the capture and reproduction of
audio, etc.
10 Machine Art. Exhibition catalogue. MoMa: New York, 1934. Available at https://
www.moma.org/documents/moma_catalogue_1784_300061872.pdf. Accessed in
10/2019.
11 https://en.wikipedia.org/wiki/Performative_turn. Accessed in 10/2019.
12 “Classical art is about the behavior of form, even the form of things, art today is about
the form of behaviors ... it is no longer about creating things, it is about creating relationships,
what we do with things”. (ASCOTT et al., 2009, p. 17).
13 https://blogfundacaocasagrande.wordpress.com/
14 In 2009, Instituto Itaú Cultural focused on his work in an occupation curated by Aracy
Amaral. Access: https://www.itaucultural.org.br/ocupacao/abraham-palatnik/
BIBLIOGRAPHY
ASCOTT, Roy; BAST, Gerald; FIEL, Wolfgang; JAHRMANN, Margarete; SCHENLL, Ruth.
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BAUTISTAS, E., CECCARELLI M., ECHÁVARRI J., MUÑOZ J. Brief Illustrated History of
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BESSETTE, Juliet. The Machine as Art (in the 20th Century): An Introduction. (2017).
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BROECKMANN, Andreas. Machine Art in the Twentieth Century. The MIT Press: Cambridge-MA,
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Bloomsbury Academic: New York, 2014.
GRAU, Oliver; VEIGL, Thomas. Imaginery in the 21st century. The MIT Press: Cambridge-MA,
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HARARI, Yuval Noah. 21 lessons for the 21st century. Company of Letters: São Paulo, 2018.
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MEDOSH, Armin. New trends. Art at the Threshold of the Information Revolution (1961 -
1978). The MIT Press: Cambridge-MA, 2016.
NEVER, GERMAN ALPHONSO. The kiss of death and its cultural and social context: an
introduction to the emergence of technological or digital art. In Ars Magazine, no. 35,
USP - University of Sao Paulo, 2019.
The Machine as Seen at the End of the Mechanical Age. MoMa: New York, 1968. Available
at: https://www.moma.org/documents/moma_catalogue_2776_300292931.pdf
Fernando Velázquez is an artist and curator. He investigates the relationship between Nature and Culture in the
context of technical devices. He holds a MA in Fashion, Art and Culture.
105

ARTISTS / ARTWORKS / PERFORMANCES
ABRAHAM PALATNIK
He was born in Natal (Brazil) in 1928. He lived and
worked mostly in Rio, where he passed away in 2020.
He was a pioneer and the most seminal figure of
Brazilian kinetic, optical and tech art. His work has
been shown in several exhibitions internationally, including
eight editions of the São Paulo Biennial, Brazil
(1951-1969) and the 32nd La Biennale di Venezia, Italy
(1964). His work is part of important institutional collections,
such as: Rio de Janeiro Museum of Modern Art
(MAM-Rio); São Paulo Museum of Modern Art (MAM-
SP); Royal Museums of Fine Arts of Belgium; and The
Museum of Modern Art (MoMA), New York, USA.
Kinetic Object C-5
Framed electromechanical sculpture. 70 x 100 x 20cm. 1968
Kinetic Object K-07
Electromechanical sculpture. 50 x 150 x 50 cm. 1968
COURTESY: Sesc Art Collection
Kinetic Objects, together with Kinechromatic Apparatus
and Ludic Objects series, integrate the most renowned creative
period of the artist, one of the pioneers of Brazilian and
world kinetic art. Through minimalist color charts, sophisticated
compositions and intentionally exposed mechanical
systems, Palatnik proposes a three-dimensionalization of
abstract painting in motion, with delicacy and great visual
appeal. His vigorous artistic production has for decades integrated
sculpture, drawing, technology, physics and design.
Notebooks
Sketches on paper. Variable dimensions. n.d.
Rare collection of Palatnik original documents, consisting
of technical drawings and patent illustrations made by him
in Israel and Brazil in the 1940s and 1950s. The set includes
sketches of Kinetic Objects, some of which are exhibited in
the editions of “Machinations.”
ARMATOST
Colombian collective formed by Julián Conde “Kilelé”
(visual artist and musician) and Julie Mart (journalist
and set designer). Their work is developed from
everyday objects, reuse of materials and gambiologia,
under the premise of “urban archeology” in material
culture. They held individual exhibitions such as
“Cacharraçoes” at MAT, Colombia (2018) and joined
collective exhibitions such as “Maquinations” at Sesc
Palladium, in Belo Horizonte, Brazil (2018). They
were awarded multiple grants in Colombia. They are
currently working on the UN-FIXED project, a performance
that incorporates sculpture, installation
and fashion.
Kick (La Patadita)
Mechanical sculpture. 100 x 150 x 200 cm. 2018
Interactive sculpture created from the reuse of mechanical
industrial objects, in a Colombian “gambiological” style. The
piece is a dysfunctional humanoid robot made using scrap,
which lends itself to offering only a kick aimed at the interacting-spectator
himself. The sudden mechanical “selfie”
kick irreverently denotes the need for other modes of existence
- and resistance - in everyday life.
AZUCENA LOSANA*
She was born in Mexico City (1977). She lives and
works in Buenos Aires. Her work comprises experimental
cinema, installations and video. She conducts
TAPP project (“Precarious Projectors Workshop”) in
partnership with Carolina Andreetti. Some prizes
she got include 3rd place in the Mamba Telefonica
New Technologies Award (2009), exchange scholarship
from the University of São Paulo / UNA (2015),
honorable mention at the Salón Nacional de las Artes
de Argentina (2016) and the individual creation grant
from the Fondo Nacional de las Artes of Argentina and
the National System of Creators FONCA Mexico (2017).
GIF: Generator of InterFerence
Installation with analog animation. Variable dimensions.
2016/2018
An analog emulation of a GIF. Installation consisting of analog
slide projectors and speaker, built with cardboard and
vintage objects. It rebuilds a television image through a precarious
device that converts frames into animation. The operation
of deconstructing and reconstructing the image and
speech of Silvio Santos (in the Brazilian version) highlights
the mistake of perception, in constant tension.
MACRO_MICRO_NARIAS
Audiovisual performance. 2018
Real-time projection and interventions on a 16mm film documenting
the opening of a coffee factory in Costa Rica in the
early 1980s.
Collaboration: Manuel Trujillo “Morris”
*Member of the National System of Art Creators of Mexico
DANIEL HERTHEL
He’s got a BA in sculpture from the School of Fine Arts
of UFMG. He lives and works in Belo Horizonte, Brazil.
Influenced by the kinetic artists, he started his career
in the Giramundo Puppet Theater where he knew the
craft of wood and animation. In 2007 he joined the
106

Artist Links residence of the British Council in London.
In 2008 he was selected for the Pampulha Scholarship
of the Pampulha Art Museum (Brazil) and later
for the Rumos program of Itaú Cultural Visual Arts.
Beyond his artistic production, he works with set design,
cinema, sound art and product design also leading
workshops that invite participants to practice creative
and manual work.
Tabula Rasa /
Workshop with Window /
Good News Machine
Marquetry made with natural wood veneers and shellac
over naval plywood. 48 x 48 cm / each. 2018
Marquetry, an old and traditional technique of composing
drawings with different wood cut-outs veneers, is revisited
in Daniel ‘s work in dialogue with his creative universe of mechanical
inventions, drawing and his constant research on
woodwork. The dimension of time is very present as well as
metaphysical issues, the notion of values and the recognition
of a space and his way of working.
GANSO - PAULO HENRIQUE PESSOA
He was born in Martinópolis, Brazil (1955) and lived
most of his life in Belo Horizonte, where he passed
away in 2018, shortly after the opening of the first edition
of “Maquinações” in Rio de Janeiro. With a background
in industrial design, during his life he worked
with design in print, fashion, TV and cinema. He was
especially recognized for his work in lighting design
using antiques and reused materials. He conceived
and produced the concept space “Bar do Ganso”,
at Instituto Inhotim (Brazil), in permanent exhibition.
He was one of the founders of Gambiologia Collective.
Creed
Site specific installation of psychedelic collecting.
Variable dimensions. 2018
The restless and irreverent Goose has been a reference character
in art and in the night of Belo Horizonte since the 1970s, participating
in several experimental art scenes in the areas of scenography,
fashion, illustration, graphic design and art direction
for film and TV. He was a compulsive collector of objects and images.
In his later years, he received special recognition as one of
the founders of the Gambiologia project and, mainly, as a product
designer and lighting artist, having conceived the “Bar do Ganso”
concept space in Inhotim, which remains there. “Creed” is a
seminal installation of “psychedelic collecting” (as coined by the
artist himself) launched as a work-in-progress at the first edition
of “Machinations” in Rio de Janeiro in June 2018, a few days before
the artist passed away. The original installation was reproduced
in different ways in later editions of “Machinations,” always
under the coordination of his daughter Laura Potter.
GUTO LACAZ
He was born in São Paulo (1948). He is an architect and
visual artist. He explores the technological possibilities
in art and consumption with humor and surprise.
As a graphic designer, he creates logos, books, magazines,
catalogs, posters, illustrations and exhibitions.
He received the awards: Unusual Object, Guggenheim
Scholarship, APCA Graphic Work, APCA Borders of
Architecture, April Journalism and Graphic Excellence
Award. He has published the books “Desculpe a letra”,
“Gráfica”, “omemhobjeto” e “80 desenhos”, among others.
Little great actions: Cassette Tape / Super Bonder /
Magipack / Level / Polaroid / Match
Screen printing on paper. • 100 x 70 cm / each. 2003
This set of prints is part of an extensive series by the artist.
The illustrations suggest “instruction manuals” of simple
everyday actions of extreme utility. A graphic satire about
the routine and complexity of technical apparatus, exploring
the extent to which man’s action in dealing with industrial objects
around melts into pure intuition.
COURTESY: Artist’s private collection / Sesc Art Collection
KALLPP
Sound art trio formed by Marcelo Kraiser, Rafael
Carneiro and Frederico Melo. Their work wander between
ambient music and noise art, between melodic
sounds and random atonality, as well as the use of voice
with emphasis on improvisation. The trio researches
theoretical and technical aspects of sound and their
interaction with space, performance and image, using
especially electronic and electroacoustic instruments.
Pareidolia
Sound performance. 2019
It is an improvised performance made up of four distinct
planes that reverberate and interact with each other: body,
sound, light and thought. Each leads to developments in
processes that feedback actions and concepts such as visual,
sound and moving body landscapes. Due to the absence
of hierarchies, we have captures that admit error, chance,
and their balanced and unbalanced risks, resonating with fog
images, dusty images, atmospheric sounds, noise. Fleeting
mixtures of bodies that crystallize and dissolve into materials
that quiver, strain, stretch, compress, dilate, breathe, illuminate
and meet electronic and electroacoustic sounds.
Conception and performance: KALLP
(Marcelo Kraiser, Rafael Carneiro and Frederico Melo)
Technical support: Wanderson Maciel
Collaboration: Laura Potter Pessoa / Birimbica Potter /
Giba Macruz / Fred Paulino
107

JULIANA PORFÍRIO & NEVILLE D’ALMEIDA
Juliana lives and works in Belo Horizonte, Brazil.
With an interdisciplinary background in visual arts,
fashion and journalism, she works as an independent
artist and communicator. His research covers the
interrelationships between body, fashion and society.
She collaborates to Gambiologia project as artist
and educator and to Hysteria (Conspiração Filmes
content platform), writing and illustrating articles on
women’s issues.
Neville was born in Belo Horizonte, Brazil, as son of
a Protestant family. He studied theater at TUMG
(University Theater of Minas Gerais), joined the
Center for Cinematographic Studies (CEC - BH) and
was one of the founders of CEMIC (Centro Mineiro de
Cinema). He studied cinema at NYU (New York, USA).
He has directed 15 feature films, over 120 short /
medium-length films and over 30 art films. His work
is part of the Instituto Inhotim’s collection with the
Cosmococa Pavilion. He has been honored with more
than 20 national and international awards, having
participated in 49 international exhibitions. He is a multimedia
artist, writer, screenwriter and photographer.
He lives and works in Rio de Janeiro.
Utopic Body
Audiovisual performance. 2018
Spatial intervention involving performance, music and
projection, using a wearable electronic with camera and
monitor, which shoots and screens images of people around.
Mirrors attached to the coat are also used as a screen for
laser projection.
Conception: Juliana Porfírio & Neville D'Almeida
Actresses: Patricia Niedermeier (Rio), Rosa Antuña (BH/SP)
Laser projection and lighting: Lucas de Jesus
Electronic systems: Eduardo Pessoa
LINA LOPES & GIOVANNA CASIMIRO
Lina is a consultant, entrepreneur and artist. She’s got
a BA in Cinema from USP and a MA in design from
Faculdade Anhembi-Morumbi and has an interdisciplinary
background that also covers theater, engineering
and computing. She has extensive knowledge
in parametric and generative design projects, video
mapping, interactivity, coding with Arduino, wearables,
internet of things, biomaterials, among others. She is
a She on innovation and a mentor of bootcamps. She
conducts LILO.ZONE, a space dedicated to the creative
use of technology. She is enthusiastic about experimentation,
collaboration and improvisation.
Giovanna is an art and technology researcher, curator
and multimedia artist. She conducts projects in the
field of AI and VR, often in urban space. She collaborates
with different teams worldwide, including the
ARTIVIVE app, ZOAN Studio, SaskInteractive, New
Dance Horizons, UFO Studio, LILO.Zone, Boston Cyberarts,
and Dizaí Association, among others. She’s got MA
in Visual Arts (PPGART / UFSM) and BA in Design and
Plastics (UFSM). She is currently in the research for a
PhD at USP (São Paulo University).
InterAffective Swings
Wood, rope and electronics. Variable dimensions. 2016
Interactive urban furniture that lights up to the touch.
Playful technological apparatus, composed of reused
materials, which stimulates, at the same time, sensory exchanges
between passersby and an active interaction of
the city with its inhabitants
MAURIZIO ZELADA
He was born in São Paulo (1963), where he lives and
works. He’s been interested in mechanisms and electronics
since childhood. He studied architecture, but
eventually replaced the drawing board and office for
the workbench and the workshop. He uses both earliest
mechanisms as well as sophisticated microprocessors
and sensors to propose artworks that respond to stimuli,
with behavior not always predictable. The interaction
with the public and the autonomy of the work are strong
presences in his works. In addition to his own production,
he develops and implement technical solutions for
other artists.
Oracle
Steel sculpture, electronics, laser and smoke.
Variable dimensions. 2019
Electronic sculpture formed by light, sound and air. The work
is a machine composed of five interrelated modules, which
produce and consume information translated into sounds.
In the Oracle, a green laser goes through an intermittent
and chaotic column of smoke. The generated light activates
sensors whose continuous variation feeds processors that
synthesize a sound flow in real time.
Discorsi
Set of electromechanical sculptures.
Variable dimensions. 2018
“I discorsi li porta via il vento”. If conversations are discarded
by wind, on the other hand, they are wind. This installation
uses moving airflows to activate electronic and mechanical
sensors, just as eardrums are stimulated with sound. The
work consists of modular machines that talk like people:
they bring air waves to the membranes of the other machines,
which in turn process and emit more air waves that
sensitize other membranes, and so on, in a cyclic chain. The
content of conversations is not accessible to us.
108

MILTON MARQUES
He was born in Brasilia (1971), where he lives and works.
His work has as its starting point the use of unused
machines and technological devices, devoid of their
original function and displaced from everyday use.
So they resurface as part of singular mechanisms of
construction of moving images.
Untitled
Audiovisual installation with printer DC motor system,
DV camera, projector and animal skull.
Variable dimensions. 2018
Untitled
Electromechanical sculpture. Custom projection
machine with moving focus system, lens and LEDs.
15 x 15 x 25 cm. 2012
Milton Marques’ poetic projection machines are gadgets created
from re-functionalized simple technologies: low-tech
optical and mechanical systems with high sensorial impact.
His work is formed from deconstructions that evidence
social dynamics and a policy of technical image. In the pieces
presented in “Machinations”, the artist develops mechanical
loop systems: in one of them, the camera focus in pointed
to a rotating animal skull that, when projected, is abstracted
in sand; in the other, he develops a precarious projector that
zoom human hair over written sentences, in a composition
that makes us remember the Brazilian national flag.
MOTTA & LIMA
The partnership of Gisela Motta and Leandro Lima, both
born in São Paulo in 1976, began in the late 1990s. Since
then, they have used various languages such as video,
object creation and makeshifts, employing standards,
measures, structures and their variations in order to create
highly constructed situations. In these environments,
natural, mathematical and artificial elements emulate
organic behavior, synthesize natural phenomena,
and create certain ambiguity, despite their apparent
objectivity. They precisely explore the ambivalent region
between the synthetic of the natural and the natural of
the synthetic.
Hummingbird
Video installation with single chip DLP projector, tripods,
DC motor and propellers. Variable dimensions. 2013
Two tripods support a projector and a motor that rotates
propellers of irregular shapes, on which is projected the
animation of a hummingbird. The propellers fragment the
projection in several colors, as on a Newton disc in reverse.
One sees the image of a bird the wings are confused with
the propellers; their color travels through all the colors of the
moving spectrum, once the propeller speed is higher than
the projector’s frequency.
PAULO NENFLÍDIO
He’s got a BA from ECA - USP and a degree in electronics
from ETE Lauro Gomes. His production is composed
by sculptures, installations, objects, instruments and
drawings. Sound, electronics, movement, construction,
invention, randomness, physics, control, automation
and makeshifts are also frequent in his works, which
look like animals, musical instruments or science fiction
machines. In 2011, he received the CNI SESI Marcantonio
Vilaça Visual Arts Award and, in 2013, the Funarte Marcantonio
Vilaça Award. In 2017, he exhibited in BienalSur.
Metacircuit
Sound object. 25 x 18 x 22 cm. 2015
Metacircuit n2
Sound object. 42 x 28 x 18 cm. 2018
Gambiological electronic gadgets assembled into valises,
which display alternate messages on a 7-digit display. Simultaneously,
the circuit produces digital signals on electrical
pins that, when amplified, result in a polyphonic noise composition.
The work is metalinguistic: the phrases generated
by the object explain the operation of the circuit itself, in an
uncomfortable process of humanization of the machine.
Instruments to Calculate Horizon
Wood and glass sculptures. 12 x 90 x 3 cm / each. 2018
Handmade mechanical measuring tools. Built of hardwood,
they offer great precision and are assembled with extreme
formal refinement. These objects are the radical opposite of
the logic of rampant production of disposable technical itens.
PETER FISCHLI & DAVID WEISS
Fischli was born in 1952 and Weiss was born in 1946,
both in Zurich. They began to collaborate in 1979.
Resisting any specific style, medium, or material, their
work include photographs, videos, slide projections,
films, books, sculptures and multimedia installations.
Their production explores the poetics of banality — the
sublimity of the objects and events constituting everyday
life. They had solo exhibitions at Center Georges
Pompidou, Paris (1992) and Tate Modern, London
(2006–07), among others. In 1995 and 2003, they represented
Switzerland in the Venice Biennale, receiving
the Leone d’Oro award. Their work also appeared in
Documenta, Kassel, Germany (1987, 1997), and at the
Guggenheim Museum (2002–03-04). Weiss died in
2012 in Zurich, where Fischli continues to live and work.
The Way Things Go
Video. Color, 30’’, Stereo. 1987
Already a classic in video art, it features 30 minutes of documentation
of a “Rube Goldberg Machine” built from precarious
objects and structures which are sequentially activated, in
109

an empty warehouse. In addition to the numerous mechanical
interactions between the components of this micro-city installation,
chemical reactions and pyrotechnics are also used
as triggers. Through sheer determination and hours of trial and
error, the artists have created film sequences in which materials
intertwine, ignite in flames and fly from place to place in a
finite unraveled chain reaction. Objects, imminently collapsing,
seem to move on their own accord, free from their usual
functions and reveling in the pleasure of their misbehavior.
SARA LANA
She has had her academic career traced in mathematics,
coding and engineering schools. Since 2007 she
develops projects permeated by sound, art and technology.
In general, her work is oriented to the research
and development of technological paraphernalia,
experimenting with different approaches to digital
interfaces and analog devices. She has participated in
several residences and her works have been presented
in Brazil, Chile, Mexico, Spain and France.
Antonyms machine
Interactive audio installation. Variable dimensions. 2018
Collaboration: Thiago Hersan
Antonyms machine 2.0
Interactive audiovisual installation.
Variable dimensions. 2018
Collaboration: Pedro Cambraia
Interactive installation that uses electronics, coding and
reused objects to respond to speech in an unusual way.
The machine “listens” to sentences spoken by the public in a
microphone and, using open source translation libraries and
computational voice, generates counter phrases. The inaccuracy
of the system, in addition to its playfulness, highlights
the constant failures of even the most complex technological
systems. In version 2.0, hacked tube TVs emit light signals
in sync with the sound response.
XANDE PEROCCO
Designer, artist and illustrator. He lives and works in Belo
Horizonte, Brazil. Since the 2000s, he has been integrating
initiatives in street art and print. He was one of the
founders of Azucrina Collective. He is the art director of
prominent projects in the Brazilian cultural scene, such
as Cura (Urban Art Circuit) and Gambiologia.
Machinery
Experimental typographic mural. Approx. 30 m2. 2018
Machinery 2.0
Experimental typographic mural. Approx. 35 m2. 2019
Experimental typography developed for the graphic design
of “Machinations” which, enlarged and fragmented, became
large site-specific murals. Its graphical representation simulates
the set of parts of a mechanism, which employs functions
to contours and forms of space filling, precisely delimiting the
boundaries between characters and the void around them.
ZAVEN PARÉ
Robotic artist and researcher, he is considered one of the
pioneers in electronic arts. He was a fellow of the French
American Fund of Performing Arts at California Institute
of the Arts (1999/2001), RioArte in Art and Technology
(2002), Villa Kujoyama in Kyoto (2009), Japan Society
for Promotion of Sciences - JSPS at Intelligent Robotics
Professor Hiroshi Ishiguro’s Laboratory (2010), where he
participated in the creation of the Robot Actors Project
at Osaka University. He received the Sergio Motta Art
and Technology Award in 2011.
ZP Occupation 1.0 / 2.0 / 3.0
Site-specified installation. Collecting, sculptures and electromechanical
object. Variable dimensions. 2018/2019
Installation composed of four parts: a set of assemblages of
materials collected from different origins, which are sources
of inspiration for the artist; a showcase of relics; a shelf of
totemic figures for memory; and an in situ sculpture that
refers to “Locus Solus”, by Raymond Roussel.
Tribute to chocolate grinder repairers
Kinetic sculpture. 180 x 180 x 180 cm. 2017
Kinetic sculpture composed of 180 forearms in a smooth
rotating motion, like rays of a black star. Each hand holds a
gear, lost in the race of time. The 720 electrical connections
of the silent mechanical assembly form the nucleus of this
project of celestial body. The work is an allegory dedicated
to pronossupination, a movement that consists of the rotation
of the forearm and was the most complete study of biomechanism
in Leonardo da Vinci’s work, present in his notes
on morphology and in the pointing finger of his paintings’
characters. The title of the work refers to Marcel Duchamp’s
“Broyeuse de chocolat” (1914), a machine also replicated
in his great work “La Mariée mise à nu par ses celibataires,
même” (1915-1923). “Tribute to chocolate grinder repairers”
evokes the maintenance work of this type of machine, for the
greater pleasure of mechanics and even celibates, among
others. Besides the chocolate lovers, specially.
110

EQUIPE • MAQUINAÇÕES
IDEALIZAÇÃO E CURADORIA CURATORSHIP
PRODUÇÃO EXECUTIVA EXECUTIVE PRODUCTION
PROJETO EXPOGRÁFICO EXPOGRAPHY
PROJETO GRÁFICO GRAPHIC DESIGN
ILUSTRAÇÃO E TIPOGRAFIA TYPE AND ILLUSTRATIONS
MONTAGEM CENOGRÁFICA E ILUMINAÇÃO SCENOGRAPHY AND LIGHTING
CENOTÉCNICO CENOTECHNICAL
ASSESSORIA FINANCEIRA FINANCIAL ASSISTANT
REVISÃO DE TEXTOS TEXT REVIEW
TRADUÇÃO ENGLISH VERSION
Fred Paulino
Sara Moreno
Clarissa Neves e Paulo Waisberg (Rio, BH e SP)
MACh Arquitetos (Piracicaba)
Xande Perocco
Fred Paulino
Xande Perocco
Marcos Lustosa
Richard Carvalho
Fernando Libânio
Sílvia Batista e Ângelo Batista (Proart Minas)
Cláudia Rezende (Bontexto)
Luciana Tanure

EQUIPE • ITINERÂNCIAS
RIO DE JANEIRO
COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO
PRODUÇÃO LOCAL
REGISTRO FOTOGRÁFICO
PRODUÇÃO AUDIOVISUAL
ASSESSORIA DE IMPRENSA E MÍDIAS SOCIAIS
ASSESSORIA JURÍDICA
ASSISTENTES DE MONTAGEM DE OBRAS
ESTRUTURA “BALANÇOS INTERAFETIVOS”
OFICINAS
MONITORES
BELO HORIZONTE
COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO
ASSISTENTES DE PRODUÇÃO
REGISTRO FOTOGRÁFICO
ASSESSORIA DE IMPRENSA E MÍDIAS SOCIAIS
ASSISTENTES DE MONTAGEM DE OBRAS (GANSO)
(XANDE PEROCCO)
(SARA LANA)
(ZAVEN PARÉ)
MONITORES
Sara Moreno
Fabiana Gomes
Victor Domingues Venâncio
Adriano Rodrigues
Alexandre Baxter (Alicate)
Luciana Bento (Pauta Positiva)
Laura Gomes Castanheira
Arthur Bittar
Laura Potter Pessoa
Nickolas Borba
Marimba
Azucena Losana
Lina Lopes
Ana Julia Ferreira
Pedro Lira
Gabriela Carvalho (Casa Camelo)
Eloá Mata e Luiz Lemos
Henrique Chendes
Tarcísio de Paula
Val Prochnow
Clara Guimarães
Birimbica Potter, Laura Pessoa e Gilberto Macruz
Mariana Zani e Kid Azucrina
Thiago Hersan
Trotta
Priscila Portugal
Bruno Gomes
SÃO PAULO
COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO
PRODUÇÃO LOCAL
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO
ILUMINAÇÃO
REGISTRO FOTOGRÁFICO
SUPORTE TÉCNICO E MANUTENÇÃO
Gabriela Carvalho (Casa Camelo)
Eloá Mata
Marina Jovanelo
Esther Azevedo
MMV Montagem e Vídeo
Nidin Sanches
Maurício Jabur
PIRACICABA
COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO
PRODUÇÃO LOCAL
CENOTÉCNICO
REGISTRO FOTOGRÁFICO
SUPORTE TÉCNICO E MANUTENÇÃO
Luiz Lemos (Casa Camelo)
Eloá Mata
Adriana Conceição Rasera
Antônio Donizete Mendes
Antônio Fernando Conceição
Cristiano Ferrari
Maurício Jabur
AGRADECIMENTOS
Birimbica Potter e Thais Mol. Carlos Teixeira (Vazio S/A), pela concepção original dos painéis cenográficos.
Alan Charles (Astergraf), Alberto Saraiva, Alexandre Telles, Aline X, Angelina Camelo, Angellys Silva, Anita Schwartz,
Beatriz Leite, Beny Palatnik, Bernardo Brant (Oficina de Imagens), Café Pingado Filmes, Carlos Ribeiro (FAZ Makerspace),
Clara Valente, Danusa Carvalho, Equipe de Manutenção Sesc Palladium, Fabiana Gomes, Fabiano Fonseca, Fernando
Rabelo, Flávio Renegado, Flora Mol, Geraldo Paulino, Giselle Beiguelman, Guta Carvalho, Helder Quiroga, Helvécio Ratton,
João Perdigão, Keyla Pitanga e Vinícius Rezende (Jacinta), Laura Santos, Leandro Aragão (Trem Chic), Leoni Paganotti,
Lídia Mendes dos Santos, Loló Paulino, Lucas Bambozzi, Luciana Dias Salles, Luiz Navarro, Luiz Phillipe Mendonça,
Lu Tanure, Macau Amaral, Marcus Bastos, Marcus Nascimento, Mariana Yazbeck, Matthew Marks Gallery, Nidin
Sanches, Pablo Lobato, Paulo Laborne, Pedro David, Pil Ambrosio, Roberto Medeiros (Invert), Sérgio Ricardo Pereira,
Sophia Potter Pessoa, Tarcísio Vidigal (Grupo Novo de Cinema e TV), Valéria Leite Braga, Vera Paulino e Vitor Santana.

SESC EM MINAS
PRESIDENTE DO SISTEMA FECOMÉRCIO MG, SESC, SENAC E SINDICATOS
DIRETOR REGIONAL
GERENTE GERAL DE CULTURA
EXECUÇÃO TÉCNICA EQUIPE
PROJETO DE COMUNICAÇÃO E PRODUÇÃO EDITORIAL
Lúcio Emílio de Faria Júnior
Luciano de Assis Fagundes
Eliane Parreiras
Sesc Palladium
Assessoria de Comunicação Sesc em Minas Gerais
SESC - SERVIÇO SOCIAL DO COMÉRCIO
ADMINISTRAÇÃO REGIONAL NO ESTADO DE SÃO PAULO
PRESIDENTE DO CONSELHO REGIONAL
DIRETOR DO DEPARTAMENTO REGIONAL
Abram Szajman
Danilo Santos de Miranda
SUPERINTENDENTES
TÉCNICO-SOCIAL
COMUNICAÇÃO SOCIAL
ADMINISTRAÇÃO
ASSESSORIA TÉCNICA E DE PLANEJAMENTO
Joel Naimayer Padula
Ivan Giannini
Luiz Deoclécio Massaro Galina
Sérgio José Battistelli
GERENTES
ARTES VISUAIS E TECNOLOGIA
ESTUDOS E DESENVOLVIMENTO
ARTES GRÁFICAS
SESC CARMO
SESC PIRACICABA
EQUIPE SESC
OI FUTURO
CONSELHO GESTOR / MANAGING COUNCIL
PRESIDENTE / PRESIDENT
CONSELHEIROS / BOARD MEMBERS
DIRETORIA EXECUTIVA / EXECUTIVE BOARD
DIRETORA PRESIDENTE / PRESIDENT DIRECTOR
DIRETOR / DIRECTOR
Juliana Braga de Mattos
Marta Raquel Colabone
Hélcio Magalhães
Simone Engbruch Avancini Silva
Fábio José Rodrigues Lopes
Carolina Barmell, Demétrio de Almeida Leite, Dóris Larizzatti,
Fabiana Delboni, Francisco Galvão de Franca, Iã Paulo Ribeiro,
Jefferson Alvares Aranda, Karina Musumeci, Kelly Teixeira,
Leonardo Borges, Luciane Tosin Garcia Motta, Luis Cláudio Vieira
Bento, Margarete Regina Chiarella, Nilva Luz, Rafael Munduruca,
Ricardo Scardoelli, Sandra Leibovici e Vanessa Rosado.
Rodrigo Abreu
Bernardo Scudiere
Carlos Eduardo Monteiro de Morais Medeiros
Suzana Gomes Santos
Suzana Gomes Santos
Bernardo Scudiere
Sara Crosman
CULTURA / CULTURE
GERÊNCIA EXECUTIVA DE CULTURA / CULTURE EXECUTIVE MANAGEMENT
GERÊNCIA DE CULTURA / CULTURE MANAGEMENT
PRODUÇÃO DE ARTES CÊNICAS E VISUAIS
PRODUÇÃO LABSONICA / LABSONICA PRODUCTION
PATROCÍNIOS CULTURAIS / CULTURAL SPONSORSHIPS
MUSEOLOGIA / MUSEOLOGY
PRODUÇÃO MUSEOLOGIA / MUSEOLOGY PRODUCTION
EQUIPE CULTURA / CULTURE TEAM
ESTAGIARIO/ INTERN
ASSESSORIA DE IMPRENSA / PRESS OFFICE
Roberto Guimarães
Victor D’Almeida
Zelia Peixoto
Yuri Chamusca
Luciana Adão
Joseph Andrade
Bruna Cruz
Leyanne Azevedo
Sandro Rosa
Jairo Vargas
João André Macena
Juliana Moreira
Raphael Fernandes
Gabriel Brum
Carla Meneghini

COLEÇÃO ARTE & TECNOLOGIA OI FUTURO
OI FUTURO ART AND TECHNOLOGY COLECTION • Coordenação | Coordination Roberto Guimarães
1. Corpos Virtuais
Ivana Bentes [org.], 2005
2. Estado de Atividade Funcional: E.A.F. Tina Velho
Alberto Saraiva [org.], 2005
3. Ciclo Paradigma Digital: FotoRio 2005
Milton Guran [org.], 2005
4. Geração Eletrônica
Tom Leão [org.], 2006
5. FILE RIO 2006: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Paula Perissinotto e Ricardo Barreto [org.], 2006
6. Pintura em Distensão
Zalinda Cartaxo, 2006
7. Wilton Montenegro: Notas do Observatório,
Arte Contemporânea Brasileira
Glória Ferreira [org.], 2006
8. Nam June Paik: videos 1961–2000
Nelson Hoineff [org.], 2006
9. Vicente de Mello, Áspera Imagem
Alberto Saraiva [org.],
Coedição Aeroplano, 2006
10. Dança em Foco: Dança e Tecnologia
Paulo Caldas e Leonel Brum [org.], 2006
24. Hüzün. Carlos Vergara
Luiz Camillo Osório,
Coedição Contra Capa, 2008
25. Marcos Chaves
Alberto Saraiva,
Coedição Aeroplano, 2008
26. Performance Presente Futuro
Daniela Labra [org.],
Coedição Contra Capa, 2008
27. Arte da Antártida
Alfons Hug,
Coedição Aeroplano, 2009
28. FILE RIO 2009: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Ricardo Barreto e Paula Perissinotto [org.], 2009
29. Meias Verdades
Ligia Canongia, 2009
30. Dança em Foco: A Dança na Tela
Paulo Caldas, Eduardo Bonito e Regina Levy
[org.],
Coedição Contra Capa, 2009
31. Gary Hill: O Lugar Sem o Tempo.
Taking Time From Place
Marcello Dantas [org.],
Coedição Contra Capa, 2009
45. Multiplicidade 2010
Batman Zavareze [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
46. FAD - Festival de Arte Digital 2010
FAD - Festival de Arte Digital [org.]
Coedição ICC Instituto cidades criativas, 2010
47. Arte e novas espacialidades:
relações contemporâneas
Eduardo de Jesus [org.]
Coedição F10, 2011
48. RELIVRO: Lenora de Barros
Lenora de Barros, Alberto Saraiva [org.]
Coedição Automática Edições, 2011
49. Performance Presente Futuro Vol. III
Daniela Labra [org.]
Coedição Automática Edições, 2011
50. Projetor: Tony Oursler
Paulo Venancio Filho [org.]
Coedição Automática Edições, 2011
51. Geração Eletrônica 2011
Bruno Katzer, Rossine A. Freitas, Tom Leão [org.]
Edição Oi Futuro, 2011
52. FILE Games Rio 2011: Eu quero jogar
Ricardo Barreto e Paula Perissinotto [org.]
Coedição F10, 2011
11. Câmaras de Luz
Ligia Canongia [org.], 2006
12. Multiplicidade: Imagem_som_inusitados
Batman Zavareze [org.], 2006
13. FILE RIO 2007: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Ricardo Barreto e Paula Perissinotto [org.], 2007
14. Filmes de Artista: Brasil 1965–80
Fernando Cocchiarale [org.],
Coedição Contra Capa, 2007
15. Dança em Foco: Videodança
Paulo Caldas e Leonel Brum [org.], 2007
16. Atlas Américas
Paulo Herkenhoff [org.],
Coedição Contra Capa, 2007
17. Fotografia e Novas Mídias: FotoRio 2007
Antonio Fatorelli [org.],
Coedição Contra Capa, 2007
18. Babilaques: alguns cristais clivados
Waly Salomão e outros,
Coedição Contra Capa, 2007
19. Relíquias e Ruínas
Alfons Hug [org.],
Coedição Contra Capa, 2007
20. FILE RIO 2008: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Paula Perissinotto e Ricardo Barreto [org.], 2008
21. Poiesis
André Vallias, Friedrich W. Bloch,
Adolfo Montejo Navas [orgs.], 2008
22. Ivens Machado: Encontro / Desencontro
Alberto Saraiva [org.],
Coedição Contra Capa, 2008
23. Dança em Foco: Entre Imagem e Movimento
Paulo Caldas, Eduardo Bonito e Regina Levy
[orgs],
Coedição Contra Capa, 2008.
32. Entre Temps: Uma década de videoarte
francesa na coleção do Musée d’Art moderne
de la Ville de Paris/ARC Angeline Scherf,
Odile Burluraux, Jean-Max Colard, 2009
33. Performance Presente Futuro. Vol. II
Daniela Labra [org.],
Coedição Aeroplano, 2009
34. Entreouvidos: Sobre Rádio e Arte
Lilian Zaremba [org.],
Coedição SOARMEC Editora, 2009
35. Pierre et Gilles: A Apoteose do Sublime
Marcus de Lontra Costa,
Coedição Aeroplano, 2009
36. FILE 8 BIT GAME PEOPLE: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Paula Perissinotto e Ricardo Barreto [org.], 2009
37. Frederico Dalton: Fotomecanismos
Coedição Contra Capa, 2007
38. Multiplicidade: Imagem_som_inusitados
Batman Zavareze [org.], 2007
39. Multiplicidade 2008
Batman Zavareze [org.]
Coedição Aeroplano, 2009
40. Multiplicidade 2009
Batman Zavareze [org.]
Coedição Aeroplano, 2010
41. A Carta da Jamaica
Alfons Hug [org.]
Coedição Aeroplano, 2010
42. SONIA ANDRADE: VIDEOS
André Lenz [org.]
Coedição Aeroplano, 2010
43. Livro de Sombras: Pintura, Cinema, Poesia
de Luciano Figueiredo
Katia Maciel e André Parente [org.]
Coedição +2 Produções, 2010
44. WLADEMIR DIAS-PINO
Wlademir Dias-Pino [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
53. Trans - Adriana Varella
Alberto Saraiva [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
54. Power Pixels
Miguel Chevalier
Coedição Aeroplano, 2011
55. Warhol TV
Judith Benhamou-Huet [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
56. Além Cinema
Neville D&#39;Almeida
Coedição Nova Fronteira, 2011
57. Luciferinas, Simone Michelin
Simone Michelin [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
58. Pulso Iraniano
Marc Pottier [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
59. Era uma vez...
Aída Marques e Elianne Ivo [org.]
Coedição Aeroplano, 2011
60. Letícia Parente
André Parente e Katia Maciel [org.]
Coedição +2 Editora, 2011
61. Gabriele Basilico
Nina Dias e Paola Chieregato [org.]
Coedição Francisco Alves, 2011
62. Brígida Baltar: O que é preciso para voar
Brígida Baltar e Marcelo Campos
Coedição Aeroplano, 2012
63. Multiplicidade 2011
Batman Zavareze [org.]
Coedição Aeroplano, 2012
64. High-Tech/Low-Tech – Formas de Produção
Alfons Hug [org.]
Coedição Aeroplano, 2012
65. AdF.11 - Atos de Fala
Felipe Ribeiro [org.]
Coedição Rizoma, 2011

66. Sebastião Barbosa, fotógrafo
Felippe Schultz Mussel [org.]
Coedição Letra e Imagem, 2012
67. FILE RIO 2012: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Paula Perissinotto e Ricardo Barreto [org.]
Coedição Aeroplano, 2012
68. Iluminando o futuro –
50 anos de Jorginho de Carvalho.
EPA!, Miguel Colker [org.]
Coedição Aeroplano, 2012
69. I Seminário Oi Futuro Mediação em Museus:
Arte e Tecnologia - Reflexões e Experiências
Adriana Fontes e Rita Gama [org.]
Coedição Livre Expressão, 2012
70. Predicament – Situações Difíceis
Yann Lorvo e Stéphanie Suffren
Coedição Apicuri, 2012
71. Xico Chaves
Alberto Saraiva [org.]
Coedição F10, 2012
72. Multiplicidade 2012
Batman Zavareze [org.]
Coedição Aeroplano, 2013
73. Poesia Visual
Alberto Saraiva [org.]
Coedição F10, 2013
74. Transperformance
Lilian Amaral [org.]
Coedição F10, 2013
75. Regina Vater: Quatro Ecologias
Paula Alzugaray [org.]
Coedição F10, 2013
76. EXPO(R) GODARD
Aída Marques, Anne Marquez e Dominique Païni
[org.]
Coedição 7 Letras, 2013
77. MACHINARIUM
Marisa Flórido e Monica Mansur [org.]
Coedição Binóculo Editora, 2013
78. Ana Vitória Mussi
Marisa Flórido [org.]
Coedição Apicuri e F10, 2013
79. Bill Lundberg
Alberto Saraiva [org.]
Coedição F10, 2013
80. Paulo Climachauska
Alberto Saraiva
Coedição Coletiva Projetos Culturais, 2013
81. FILE GAMES RIO 2014: Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica
Paula Perissinotto e Ricardo Barreto [org.]
Coedição FILE, 2014
82. Nenhuma Ilha - Elisa de Magalhães
Marcelo Campos [org.]
Coedição Letra&;Imagem, 2014
83. Anatomia da Luz
Martha Pagy [org]
Albano Afonso, 2014
84. BRICS
Alfons Hug [org.]
Coedição Editora Atlântica, 2014
85. Foto + vídeo + arte contemporânea: FotoRio
2009
Milton Guran [org.],
Coedição Aeroplano, 2010
86. FILE RIO 2010: Perspectivas da arte digital
Paula Perissinotto e Ricardo Barreto [org.], 2010
87. Videofotopoesia - Tadeu Jungle
Alberto Saraiva [org.]
Coedição F10, 2014
88. Paisagens Cromáticas
Isabel Portella
Coedição Apicuri, 2013
89. Apichatpong Weerasethakul
Daniella Azzi e Francesca Azzi [org.]
Coedição Iluminuras, 2014
90. Marulhar – artistas portugueses contemporâneos
Delfim Sardo
Coedição Nau das Letras Editora de Livros Ltda,
2014
91. O Papagaio de Humbold
Alfons Hug [org.]
Coedição Nau das Letras Editora de Livros Ltda,
2015
92. Niura Bellavinha: Em torno da luz
Alberto Saraiva
Coedição Nau Editora, 2014
93. Poesia Visual 2
Alberto Saraiva [org.]
Coedição F10, 2015
94. Transperformance 2
Marisa Flórido [org.]
Coedição F10, 2015
95. Desenlace – Miguel Angel Rios & Teresa
Serrano
Luiza Interlenghi [org.]
Coedição Memória Visual, 2015
96. AdF.14 - Atos de Fala
Felipe Ribeiro [org.]
Coedição Rizoma, 2014
97. Daniel Senise
Alberto Saraiva, Flavia Corpas e Paulo Miyada
Coedição Cosac Naify, 2015
98. Somos Iguais – Nazareno
Nazareno e Tainá Azeredo [org.]
Edição ADUPLA, 2015
99. Área 91 - Thales Leite
Marisa Flórido Cesar [org.]
Coedição F10, 2016
100. Poesia Visual 3
Alberto Saraiva [org.]
Coedição F10, 2016
101. Transperformance 3
Gabriel Bogossian, Luísa Duarte [orgs.].
Coedição F10, 2016
102. Amor
Denise Carvalho e Monika Szewczyk.
Coedição Barléu Edições, 2016.
103. Gambiólogos 2.0
A Gambiarra nos Tempos do Digital
Fred Paulino [org.]
Coedição Fogão de Lenda, 2016
104. AdF. 16 - Atos de Fala
Felipe Ribeiro [org.]
Coedição Rizoma, 2016
105. Multiplicidade 2014
Batman Zavareze [org.]
Coedição Aeroplano, 2015
106. Espírito de Tudo
Rosângela Rennó [org.]
Coedição Cobogó, 2017
107. Multiplicidade 2025
Batman Zavareze [org.]
Coedição Cobogó, 2017
108. Códigos Primordiais
Caroline Menezes e Fabrizio Poltronieri [orgs.]
Coedição Caosmos Editora, 2017
109. Máquina Devir – Maria Lynch
Bernardo Mosqueira, André Abu-Merhy Barroso e
Alberto Saraiva
Coedição R&L Produtores Associados, 2017
110. Nam June Paik
Marco Pierini
Coedição Base 7 Projetos Culturais, 2017
111. Poesia Visual 4
Alberto Saraiva [org.]
Coedição Fioretti, 2016
112. Outras Ideias – Daniel Arsham + Azuma
Makoto
Marcello Dantas
Edição Oi Futuro, 2017
113. Denise Cathilina – Fotografia Expandida
Alberto Saraiva
Edição Oi Futuro, 2018
114. Poesia Visual 5
Alberto Saraiva e Terri Witek [org.]
Coedição Oi Futuro/Fioretti/Confraria do Vento,
2018
115. Katia Maciel
Katia Maciel [org.]
Coedição Cobogó, 2018
116. Celacanto Odir Almeida
Maria Arlete Gonçalves [org.]
Coedição Coletiva 2018
117. Existência Numérica
Doris Kosminsky, Barbara Castro e Luiz Ludwig
[org.]
Coedição Rio Books, 2019
118. Mais Performance
Caroline Menezes [org.]
Coedição Caosmos Editora, 2019
119. Multiplicidade 2017/2018
Batman Zavareze [org.]
Coedição Editora Circuito, 2019
120. Bug narrativas interativas e imersivas
André Paz &; Sandra Gaudenzi [org.]
Coedição Automatica Edições; Letra e Imagem,
2019
121. Chantal Akerman - Tempo Expandido |
Expanded Time
Evangelina Seiler [org.]
Coedição BEĨ Editora, 2019
122. Chico Cunha: Narrativas
Alberto Saraiva [org.]
Coedição Gryphus, 2019
123. Maquinações: artistas, máquinas e
a invenção do cotidiano
Fred Paulino [org.]
Coedição Fogão de Lenda / Quixote+Do, 2020

Catalogação na Publicação (CIP)
M297
Maquinações : artistas, máquinas e a invenção do cotidiano / Fred Paulino
(curadoria). 1. ed. - Belo Horizonte : Fogão de Lenda ; Rio de Janeiro : Oi
Futuro, 2019.
115 p. il. color. ; 19,5 x 25,5 cm (Oi Futuro Arte & Tecnologia ; 123)
Catálogo da exposição coletiva de arte e tecnologia realizada no Centro
Cultural Oi Futuro Flamengo (Rio de Janeiro, 2018), Sesc Palladium (Belo
Horizonte, 2018), Sesc Carmo (São Paulo, 2018) e Sesc Piracicaba
(Piracicaba, 2019).
Inclui bibliografia e índice.
Texto em português e inglês.
ISBN 978-85-68657-11-9
1. Arte moderna - Séc. XXI - Brasil - Exposições. 2. Arte e tecnologia. 3.
Criatividade. 4. Cultura. 5. Arte e sociedade. I. Paulino, Fred. II. Título.
CDD: 709.81
Bibliotecária responsável: Fernanda Gomes de Souza CRB-6/2472
Editores: Alencar Perdigão, Cláudia Masini, Luciana Tanure
Assistência editorial: Sofia Rossi
Comunicação institucional: Sandra Nascimento
Quixote+Do Editoras Associadas
www.quixote-do.com.br
Rua Fernandes Tourinho, 274
Belo Horizonte, MG, Brasil
(31) 3227.3077
ORGANIZAÇÃO
PARCERIA
PATROCÍNIO
REALIZAÇÃO
VII.
Marca do Governo Federal em escala de cinza
A versão em escala de cinza deve ser utilizada
na cor preta, e será aplicada nas situações em
que as limitações de reprodução impeçam outra
opção.
Positiva
Admite-se, excepcionalmente, a utilização de
outra cor, se essa for a única no processo de
impressão.
Negativa

Esta publicação é dedicada a TUPI, GANSO e PALATNIK.

Este livro foi composto em "Raleway" e "Maquina Color®".
Capa em papel Cartão Supremo 250g/m².
Miolo nos papéis Offset 90g/m² e Reciclato 90g/m².
Impresso em Belo Horizonte pela Rona Editora, em Junho de 2020.