Transforming Cities

Transforming 

Cities 

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01 

Urbane 

Landschaften 

01 

05 

Wider die 

Verherrlichung 

der Arbeit 

07 1417 

05 05 05 

Pasta 

Sauna 

Pkeila 

Cool Walks & 

Cooltails 

28 

05 

Food for 

Thought 

4 

Lied der 

Täuschungen 

0511220217 

How to 

start a 

revolution 

MYCEL PROTEST S/GHT In.visible 

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2 

3

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01 

FOOD 

SOUND 

UNDERGROUND 

„Transforming Cities“ 

im MaximiliansForum 

Elisabeth Hartung 

Foto: Yves Krier 

Der Klang der Städte, der 

Geschmack des Neuen und des 

Fremden, der Rhythmus der 

Veränderungen im Untergrund. 

Die Reihe „Transforming Cities“ 

vermittelte 2014 Aspekte des 

städtischen Lebens, in denen 

sich sinnlich wahrnehmbar 

die Veränderungen im Gebilde 

Stadt manifestieren. Das 

MaximiliansForum selbst hatte 

in den letzten Jahren ein neues 

Profil bekommen, andere Menschen 

angezogen und neue Fragen 

erschlossen. Schon lange 

im Leben der Bildenden Kunst 

der Stadt verankert, öffnete es 

sich in den fünf Jahren seit 2010 

wichtigen neuen Protagonisten 

der Szene und internationalen 

Partnern. 

Mit ihren Projekten stellten die 

DesignerInnen, MusikerInnen 

und PerformerInnen im MaximiliansForum 

unter Beweis, dass 

Kultur aus München am Puls der 

Zeit ist: lebendig, mutig, visionär. Es 

wurden Partnerschaften geknüpft, 

überraschende Welten geschaffen 

und neue Wege bahnten sich an. 

Respekt und Danke, persönlich von 

mir all jenen, die mit ihren Projekten 

und Interventionen die Idee MaximiliansForum 

weitergetragen haben 

und diese Fußgängerunterführung, 

diesen geliebten und gehassten 

Ort unter der Maximilianstraße mit 

ihren Projekten und Interventionen 

permanent transformierten. 

Kalt lässt dieser Ort keinen. Gerade 

nicht in München, wo sonst 

alles glatt und besucherfreundlich 

ist. Das MaximiliansForum ist ein 

sonderbarer Raum, abweisend, 

kühl, verloren mitten in der Stadt 

– aber es ist auch einer der letzten 

Freiräume in dieser Stadt, die von 

den Kreativen, den Organisatoren 

und den BesucherInnen fordert, sich 

unbedingt darauf einzulassen. Wenn 

man das wagt, zeigt es sich von 

seiner wandelbaren und großzügigen 

Seite. Mitten in der Stadt, in der 

jeder Quadratmeter Verwertungszwängen 

unterworfen ist, eröffnen 

sich hier hunderte von Quadratmetern 

ungeahnte Möglichkeiten. Im 

Untergrund der Stadt erleben wir 

buchstäblich und konzentriert in 

den wechselnden Installationen und 

Aktionen das verändernde Potential, 

das unser Leben, die Gesellschaft 

und die Stadt prägt und wir bekommen 

eine Ahnung von den Möglichkeiten 

der Stadtentwicklung. 

Dieser urbane Ort repräsentiert als 

Zwischenraum und als Relikt eines 

städtebaulichen Konzepts der 

1970er Jahre selbst den Wandel der 

Stadt und des städtischen Lebens. 

Ein Relikt ist er, weil die großen 

Utopien von der autofreundlichen 

Stadt schon im Bauprozess durch 

Bürgerproteste unterbrochen wurden. 

Deshalb wurde eine überdimensionierte 

Straßenunterführung 

zu einer Fußgängerunterführung 

und dann zu einem Kulturraum mitten 

in der Stadt. Dieser Geschichte 

verpflichtet, jedoch mit dem Blick 

nach vorn in die Zukunft, hatten wir 

das Programm des Jahres 2014 den 

Veränderungen in der Stadt gewidmet. 

Die visionären und kulturellen 

Dimensionen der angewandten 

Künste haben hier im Jahr 2013 

erstmals ein freies Forum in München 

gefunden. Neue Formen des 

Designs und seiner Transformationen 

als 'Design Thinking' sind hier 

eingezogen. Denn es geht uns um 

die Gestaltung unseres Lebens im 

wahrsten und übertragenen Sinne 

des Wortes. Es geht uns auch um 

Partizipation. Genau deshalb richtete 

sich unser Blick bei der Konzeption 

des Sommerprogramms 

2014 nicht auf große Stadtbauprojekte, 

sondern auf die sinnlich 

erlebbaren Aspekte des alltäglichen 

Stadtlebens und die Kraft, die im 

Zusammenschluss vom Untergrund 

ausgehen kann. Buchstäblich. FOOD 

SOUND UNDERGROUND – Hören 

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4 5

Sie den Klang? 

„Wie wollen wir in der Stadt leben?“ 

- Die Frage nach dem guten 

Leben ist in allen Veranstaltungen 

mitgeschwungen und wurde im 

gemeinsamen Erleben und in der 

Kommunikation an diesem speziellen 

Ort fokussiert – nicht über 

trockene Theorien. Mitten im Winter 

transformierte daher als Auftakt der 

tschechische Medienkünstler Jakub 

Nepras das türkisfarbig gekachelte 

MaximiliansForum in eine urbane 

Landschaft, in der er nahezu apokalyptische 

Bilder des großstädtischen 

Lebens mit Situationen archaischer 

Naturräume vermengte. Die einzelnen 

Teile der Installation konnten als 

Metaorganismen gelesen werden, 

die den heutigen Lebensentwürfen 

und den fundamentalen Wandlungen 

in Kommunikation, Technologie 

und Gesellschaft beeindruckende 

neue Formen verleihen. 

„Wider die Verherrlichung der Arbeit“ 

war der Titel eines Musikprojekts 

von SALEWSKI am 1. Mai, dem 

Tag der Arbeit. Der Musikschaffende 

setzte sich hier einem existentiellen 

Experiment aus: Ununterbrochen 

zwölf Stunden lang Musik machen, 

alle zwei Stunden kommt ein Musikerkollege 

dazu. Ist 'Musik machen' 

Arbeit? Was sind denn eigentlich die 

gängigen Vorstellungen und Definitionen 

von Arbeit? 


Kein Leben und keine Arbeit ohne 

Essen. Die „Pasta Sauna“ der niederländischen 

'Eating-Designerin' 

Marije Vogelzang provozierte die 

Frage nach der richtigen Ernährungsweise 

und bot während aller 

Veranstaltungen im Mai Pasta 

für die Besucher an. Immigration 

und Esskultur prägen das Erleben 

der Städte nachhaltiger als neue 

Gebäude. Der jüdisch-tunesische 

Künstler und Essensexperte Rafram 

Chaddad erzählte eine Geschichte 

über die Herkunft und Tradition vom 

Essen im südlichen Mittelmeerraum 

und lud die Gäste zur „Pkeila“ ein. 

Unser Essen ist wesentlicher Teil 

kultureller Traditionen. Aber was 

wir jeweils essen und trinken in 

unserer Wohlstandsgesellschaft ist 

ebenso dem Zeitgeist und diversen 

Modeerscheinungen unterworfen. 

Wodurch wird aber ein Drink oder 

auch eine Geste oder eine Location 

'cool'? Diesen Fragen widmete sich 

eine interdisziplinäre künstlerische 

Feldforschung der Klasse Res 

Ingold und inszenierte dazu einen 

Abend mit Performances, Essen 

und Drinks. Zahllose Vietnam- 

Lokale und Döner-Buden vermitteln 

schon oberflächlich betrachtet einen 

Eindruck von den Veränderungen 

der Esskultur im Alltag der Städte 

Fotos: Alescha Birkenholz 

und zeigen, wie sehr sich die Gesellschaft 

im globalen Wandel befindet. 

„Food for Thought“ brachte eine 

Expertenrunde an den Tisch und 

setzte sich mit den Einflüssen des 

Internets auf unsere Formen der 

Nahrungsaufnahme auseinander, 

erläuterte, wie einem im Restaurant 

die Entscheidung für die Mahlzeit 

abgenommen wird und wie die 

Esskultur als Medium für politischen 

Aktivismus fungiert. 

Damit wären wir wieder beim 'Underground'. 

Carl Oesterhelt, der in 

seinen Kompositionen häufig an die 

Tradition der Musik und Texte der 

1920er Jahre anknüpft, um musikalisch 

das revolutionäre Potential 

der Musik zu evozieren, stimmte im 

MaximiliansForum mit einer Neukomposition 

„Das Lied der Täuschungen“ 

an. Auch Anna McCarthy 

wendet einerseits den Blick zu 

vergangenen Protestbewegungen 

– ebenfalls nicht um sie zu verklären, 

sondern um deren Romantizismen 

zu entlarven und einen neuen 

Zugang und andere Formen des 

künstlerischen Protests zuzulassen. 

Frech und augenzwinkernd stellte 

sie erneut die Frage „How to Start a 

Revolution?“ in den Raum, diesmal 

im MaximiliansForum in Form eines 

opulenten Musicals. 

Im Sommer wurde das MaximiliansForum 

zu einem modellhaften 

Forum für innovative Lebens- und 

Arbeitsmodelle und Begegnungen 

nicht nur zwischen den Kreativen, 

sondern auch zwischen verschiedensten 

Menschen und Szenen der 

Stadt. Es wurde zu einem experimentellen 

Musikproduktionsort 

für ein großes Netzwerk Münchner 

Musikschaffender und Medienkünstler. 

Über einen Monat lang wurde 

im Untergrund nahezu durchgängig 

gearbeitet. 

Dass Protest das einzige Mittel ist, 

um in totalitären Staaten und den 

Krisengebieten der Welt auf unwürdige 

Zustände und Verletzungen des 

Rechts auf freie Meinungsäußerung 

Ausdruck zu verleihen, evozierte die 

Installation, welche die Münchner 

Künstlerin Monika Huber dem MaximiliansForum 

einschrieb. Leitmotiv 

und Ausgangspunkt ihrer Arbeit 

sind medial verbreitete Bilder aus 

den Protesten rund um den Taksim- 

Platz. 

Gänzlich verändert wurde das MaximiliansForum 

schließlich als Popup-Shop, 

in dem innerhalb eines 

Panoramas Labels aus München, 

Wien, Berlin, Kopenhagen, Budapest, 

Hongkong und Madrid Mode 

präsentierten und die Besucher zu 

Akteuren einer temporären Bühne 

machten und die Funktionen des 

öffentlichen und privaten Raumes 

ins Spiel brachten. 

Zum Abschluss der Reihe „Transforming 

Cities“ transformierte die 

koreanische Künstlerin Jeongmoon 

Choi das MaximiliansForum selbst 

mit einer interaktiven Rauminstallation. 

Die Besucher konnten innerhalb 

einer aus tausenden Schnüren 

entwickelten minimalistischen 

Rauminstallation unzählige Möglichkeiten 

neuer Raumdefinitionen 

erfahren. Die gewohnte Realität 

löste sich buchstäblich auf und 

brachte innerhalb des bestehenden 

Raumkontinuums neue Dimensionen 

zum Vorschein. 

The end is the beginning. 

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01 

Urbane 

Landschaften 

Multimediale Installation 

Die Ausstellung des tschechischen 

Medienkünstlers Jakub Nepraš im 

MaximiliansForum war als Reflexion 

auf den aktuellen fundamentalen gesellschaftlichen 

und technologischen 

Wandel konzipiert. Wie generell in 

seinen komplexen und multimedialen 

Installationen eröffneten sich 

maschinenartige urbane Landschaften, 

die sich symbiosenhaft in die 

Untergrundwelt des MaximiliansForums 

einfügten. Bilder von der Entfremdung 

und Bedrohung der Natur 

und des Menschen vermittelt Jakub 

Nepraš durch sogenannte „video 

paintings“. So entstehen in seinen 

Installationen Metaorganismen, in 

denen er den heutigen Lebensentwürfen 

neue angemessene natürliche 

Formen verleiht. 

Ansicht auf „Spirit of the place“ und „Mouth“ von Jakub Nepraš 

Foto: Jakub Nepraš 

8 9

„Transmitter” von Jakub Nepraš 

Foto: Jakub Nepraš 

Besucher der Installation Fuzmalu von GOMMA 

Foto: Alescha Birkenholz 

TEXT FEHLT 

10 11


01 

05 

Wider die 

Verherrlichung 

der Arbeit 

Konzert von Salewski mit den Musikern 

Carl Oesterhelt, Sachiko Harz, 

Zoro Babel 

Raumgestaltung: 

Naomi Steuer-v.Westphalen 

Am Tag der Arbeit spielte der 

Münchner Musikschaffende Salewski 

zusammen mit den Gastmusikern 

Sachiko Hara (Pianistin), Zoro 

Babel (Metall), Manuela Rzytki 

(Parasite Woman), Anton Kaun 

(Rumpeln) und Carl Oesterhelt ein 

zwölf Stunden langes Konzert „Wider 

die Verherrlichung der Arbeit“. 

Als besonderes Element wurde das 

Geräusch der Straßenbahn, die 

über dem MaximiliansForum fährt, 

akustisch abgenommen und musikalisch 

verarbeitet. 

12 13


Ein Interview mit Salewski von 

Marcus Graßl im Auftrag der 

PLATFORM 

MG: Wie leben Sie in der Stadt? 

Salewksi: Ich lebe kurioserweise 

so, wie ich es mir schon als Kind 

gewünscht habe. Ich habe eine 

schöne Wohnung und dazu viel Zeit. 

Ich bin in meinen Entscheidungen 

sehr frei. Alle meine Beschwerden 

finden auf höchstem Niveau statt. 

Es ist eher die Frage, wo es hin 

geht? Manchmal wäre es mir lieber, 

ich könnte für eine andere Perspektive 

ein Stück von dem Überfluss, 

in dem wir leben, abgeben. Leider 

empfinde ich die Stadt nicht mehr 

als stabile Basis. Die Freiheit, die 

ich mir nehme, sehe ich als nicht 

akzeptiert an. Auch in einem multikulturellen 

Umfeld nicht mehr. Als 

Freigeist wird man immer weniger 

akzeptiert. Ich bin Jahrgang 1963 

und in Schwabing aufgewachsen. 

Ich kenne München noch aus Zeiten, 

in denen dieses Rumsanteln akzeptiert 

und Teil des Münchner Stadtbildes 

war. Das gibt es leider nicht 

mehr. Klar ändern sich die Dinge 

und das ist auch gut so. Aber es entwickelt 

sich definitiv weg von meiner 

Vorstellung vom Leben in dieser 

Stadt. So war die Geschichte mit 

„Wider die Verherrlichung der Arbeit“ 

natürlich ein Thema für mich, 

da heutzutage alles an der Arbeit 

und der Effektivität gemessen wird. 

Ich bin Schlagzeuglehrer und habe 

regen Kontakt mit jungen Schülern, 

die mir von ihrem Leben erzählen. 

Unvorstellbar für jemanden meiner 

Generation, wie heutzutage am 

Schulhof über die Zukunft geredet 

wird. Für einen 20-jährigen ist es 

ein sehr wichtiges Thema, wie der 

Lebensstandard der Eltern aufrecht 

erhalten werden kann. Für mich 

war es überhaupt kein Thema, den 

Lebensstandard meiner Eltern zu 

erhalten. Selbst die Talentierten, die 

Musiker werden könnten, scheuen 

sich davor Musiker zu werden, weil 

sie Angst vor der Unsicherheit haben. 

Wenn heute jemand sagt, dass 

er Musiker werden möchte, ist das 

sozusagen eine Option. Werde ich 

jetzt Musiker oder mache ich dann 

doch diesen sicheren Studiengang? 

Das ist für mich sehr gewöhnungsbedürftig. 

MG: Wie wollen Sie denn selbst 

arbeiten? 

Salewksi: Was das Thema Arbeit 

angeht, ist mein Leben wirklich 

komplett gelungen. Ich gehe sehr 

gern zum Unterrichten. Ansonsten 

arbeite ich am Theater, das ich als 

sehr spannend und befriedigend 

empfinde. Dazu kann ich mit Bands 

zusammen arbeiten und Solo-Platten 

machen. Im Grunde genommen 

kann ich mir gar nicht vorstellen, 

noch mehr Freiheit zu haben. Da bin 

ich wirklich gesegnet. 

MG: Wie verstehen Sie Musik? 

Salewksi: Musik ist für mich das 

Wichtigste. Musik hat mir schon 

mehrmals das Leben gerettet, da 

ich oft sonst nicht gewusst hätte, 

wohin mit mir. Da sind immer 

wieder Situationen, in denen ich mir 

die Frage stelle, was ich jetzt ohne 

Musik wäre? Dann müsste ich mich 

mit Problembereichen befassen, mit 

denen ich mich eigentlich gar nicht 

beschäftigen will. Ich bin durchaus 

eskapistisch veranlagt. Und die 

Musik hilft mir dabei. (Anm. d. Red.: 

Salewski benutzt weder Internet 

noch besitzt er ein Handy) 

MG: Widerspricht sich die Verweigerung 

von neuen Kommunikationsmitteln 

nicht mit dem Interesse für 

neue elektronische Musik? 

Salewksi: Für mich nicht. Schon gar 

nicht deswegen, weil ich bereits in 

den 70ern angefangen habe, mich 

für elektronische Musik zu interessieren. 

Ich war von der ersten 

Sekunde an wahnsinnig fasziniert 

davon. Das waren damals Bands, 

die man heute dem Krautrock 

zurechnet. Tangerine Dream, Ash 

Ra Temple und natürlich Kraftwerk. 

Das liegt vielleicht auch an meinen 


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eskapistischen Zügen. Ich kann mich 

erinnern, als Jugendlicher Tolkien 

gelesen und dazu Tangerine Dream 

gehört zu haben. Mehr Eskapismus 

ging nicht. Seitdem habe ich diesen 

Hang zum Artifiziellen und auch zu 

Science Fiction, die elektronische 

Musik ja auch mit sich bringt. 

MG: Ist die künstliche Welt des Internets 

dann nicht doch sehr interessant 

für Sie? 

Salewksi: Überhaupt nicht. Das ist 

mir zu vulgär. Wie die Menschen im 

Internet ihr Innerstes präsentieren, 

ist mir fremd. Fremder kann mir 

etwas gar nicht sein. Twitter zum 

Beispiel. Da hört mein Gehirn auf zu 

denken. Mir fehlt die Verbindung zu 

verstehen, warum man das macht. 

Ich will das niemandem nehmen, 

aber ich kann das nicht verstehen 

und habe da auch absolut kein Interesse 

daran. Ein Freund von mir hat 

bereits in den 80er Jahren mit seinem 

C64 Computer Musik gemacht. 

Für mich war das absurd sich dafür 

zu interessieren. Ich konnte damals 

nur müde lächeln. Ich habe immer 

schon gerne Dance Music, also Funk 

und Disco, gehört. Allerdings kam 

der Sound aus dem C64 nie an die 

analogen Synthesizer ran. 

MG: Was war das Konzept der Performance 

„Wider der Verherrlichung 

der Arbeit“? 

Salewski beim Stimmen der E-Gitarre, Foto: Yves Krier 

Salewksi: Vieles wird im Leben 

immer über den Arbeitsplatz definiert 

und der Kapitalismus immer 

mehr zur eigenen Definition. Als 

der 1. Mai zum Termin der Performance 

vorgeschlagen wurde, war 

das natürlich genial. Man sitzt dort 

unten im MaximiliansForum und 

spielt. Immer wieder kommen Passanten 

vorbei, die vielleicht auf der 

Mai-Kundgebung am Marienplatz 

waren. Ich habe diesen Feiertag 

nie verstanden. Tag der Arbeit, und 

dann hat man frei? Das versteh ich 

bis heute nicht. Ich weiß ja nicht, 

wer den Tag der Arbeit erfunden hat. 

Aber ich glaube, das ist noch ein 

Relikt aus der Nazi-Zeit. Und jetzt 

sitzen linke Jugendliche mit Dreadlocks 

auf dem Marienplatz und 

hören schlechte Ska-Bands? Das ist 

sehr grotesk für mich. Da fand ich 

es natürlich spitze, nicht weit davon 

in einer Unterführung zu sitzen und 

eskapistische Klänge zu erzeugen. 

Für mich war der Name der Veranstaltung, 

gekoppelt mit dem Datum, 

eine wunderbare Geschichte. Wenn 

man Arbeitsverweigerung betreibt, 

dann macht es keinen Sinn nichts 

zu machen. Man muss ja auch dafür 

kämpfen, um das zu erreichen, was 

man sich vorstellt. Also dachte ich 

mir, drehen wir das ganze einfach 

um und machen einen Marathon 

daraus. Es ist natürlich schon eine 

Kritik an der Verherrlichung der 

Arbeit als solches. Ich arbeite ja 

gern, so ist es ja nicht. Es geht mir 

um die Freiwilligkeit. Ich mache 

freiwillig zwölf Stunden Musik, weil 

ich das vorher noch nie gemacht 

habe. Das Leben ist nicht allein 

gelungen, wenn man ein erfolgreiches 

Arbeitsleben hat. Das halte ich 

für einen Irrsinn. Natürlich braucht 

man eine Aufgabe. Ich habe mich 

immer gefragt, warum Arbeitslose 

immer gleich zusammenbrechen? 

Das Leben besteht doch nicht nur 

aus Arbeit? 

MG: Verstehen Sie Musik als Arbeit? 

Salewksi: Musik machen ist natürlich 

keine Arbeit. Arbeit daran ist 

die Organisation außen rum. In den 

heutigen Zeiten der Selbstoptimierung, 

in denen Freizeit und Arbeit 

ineinanderfließen, muss man natürlich 

aufpassen. Wenn es beispielsweise 

um Preisverhandlungen mit 

Veranstaltern der Konzerte oder Performances 

geht. Ich wollte in diesen 

zwölf Stunden erfahren, ob es mir 

so lange Spaß macht, oder es eben 

zur Arbeit wird? Die Musik ist zwölf 

Stunden lang tatsächlich nicht eine 

Sekunde zur Arbeit geworden. Da 

ist der Gedanke von Arbeit gar nicht 

erst aufgekommen. Ich war zwar 

eine Woche danach körperlich ziemlich 

im Eimer, habe aber während 

der Performance keine Anstrengung 

gespürt. 

MG: Wie haben diese zwölf Stunden 

konkret funktioniert? 

Salewksi: Die ersten drei Stunden 

habe ich zunächst alleine gespielt. 

Ambient und atmosphärische 

Klangexperimente. Der Raum klingt 

sehr schön und die Straßenbahn, 

die oben drüber fährt, haben wir 

in den Sound mit eingebaut. Dann 

kamen allmählich die anderen Musiker 

dazu. Es war ganz wunderbar, 

ein Riesenvergnüngen. Nach sechs 

Stunden kam man so richtig rein 

in die Musik. Nach acht Stunden 

erreichten wir einen Höhepunkt. 

Und irgendwann ging es dann natürlich 

mal bergab. Länger als zwölf 

Stunden wäre schwierig geworden. 

Ich habe gehofft, dass man eventuell 

in eine Art Trance verfällt. Dies 

war wiederum nicht der Fall. Man 

muss sich konzentrieren und kommt 

daher nicht in diesen Zustand. 

MG: Wie kam es zur Auswahl der 

Musiker? (Anton Kaun, Carl 

Oesterhelt, Sachiko Hara, Zoro 

Babel, Manuela Rzytki) 

Salewksi: Das sind alles Freunde, 

mit denen ich sonst auch Musik 

mache. Bis auf gewisse Absprachen 

war nicht viel ausgemacht. 

Das größte Experiment war mit der 

Sachiko, weil sie klassische Pianistin 

ist und wenig improvisierte Musik 

spielt. Trotzdem war es mit ihr einer 

der Höhepunkte. Mit Anton habe ich 

zu zweit noch nie Musik gemacht. 

Das war für mich eine spektakuläre 

Geschichte. Mit Carl und Manuela 

mache ich seit Jahrzehnten Musik. 

Sie waren daher die ersten Kandidaten, 

die mir eingefallen sind. 

Teilweise ist das alles natürlich sehr 

avantgardistisch ausgefallen. 

MG: Wie kam es zur Idee, die 

Straßenbahn über dem MaximiliansForum 

als Sound in die Musik 

aufzunehmen? 

Salewksi: Als ich mit Carl Oesterhelt 

und der PLATFORM zum ersten Mal 

im komplett leeren Max-Forum saß, 

hörten wir immer wieder das herrliche 

Geräusch der Straßenbahn. 

Da kam die Idee, den Klang dieser 

Straßenbahn mit in die Musik aufzunehmen. 

Ich habe den Musiker Zoro 

Babel darum gebeten mir mit dieser 

Idee zu helfen. Zoro war mit seiner 

experimentellen Musik auch mit im 

Boot an diesem Tag. Er ist ein sehr 

guter Tontechniker und macht viel 

im neutonischen Bereich. 

MG: Wie empfinden Sie den Raum 

des MaximiliansForums? 

Salewksi: Ich liebe diesen Raum. Es 

war gar nicht schlimm, sich in diesem 

Raum zwölf Stunden lang zu 

verbarrikadieren. Zudem klingt der 

Raum sehr gut. Man kann hier wirklich 

viel machen. Das Max-Forum 

klingt viel wärmer, als man denkt. 

Es hat zwar einen unglaublichen 

Hall, den man miteinbeziehen und 

als Bestandteil der Musik akzeptieren 

muss. Durch den tollen Klang 

und die Atmosphäre hat es jedoch 

etwas sehr unwirkliches, artifizielles 

an sich...eskapistisch eben. 

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Foto: Yves Krier

07 

05 

Pasta 

Sauna 


Installation mit Essensaktion und 

Vortrag „Eating by Design“ 

von Marjie Vogelsang 

Die „Eating Designerin“ Marije 

Vogelzang gestaltet nicht Essen, 

sondern den Prozess des Essens. 

Im MaximiliansForum realisierte sie 

zum ersten Mal ein Projekt in München: 

„Pasta Sauna“. Innerhalb eines 

abgeschlossenen Raums kochte die 

niederländische Designerin frische 

Pasta und erzeugte durch die Wasserdämpfe 

eine Atmosphäre wie 

in einer Sauna. Die experimentelle 

Installation spielt mit den Sinnen – 

der Duft, die Temperatur, die Musik 

und der Geschmack vereinen alle 

Zutaten zur „Pasta Sauna“. Mit der 

„Pasta Sauna“ visualisiert Marije 

Vogelzang bekannte Phänomene: 

das lähmende Völlegefühl nach dem 

Verzehr einer großen Portion Pasta 

und die Trägheit eines Saunabesuchs. 

Die Installation verweist auf 

das Kochbuch „La Cucina Futurista“ 

aus dem Jahr 1932 von Filippo 

Tommaso Emilio Marinetti, Gründer 

des Futurismus. Hier kritisiert er das 

Verspeisen von Pasta, da dies ungesund 

sei und die Menschheit unbeweglich 

und faul mache. Für Marinetti 

hängt die Transformation des 

Menschen und des Lebens zu einem 

besseren mit der Transformation der 

Essgewohnheiten zusammen. Trotzdem 

bietet Marije Vogelzang jedem 

Besucher ein Pastagericht an, denn 

gleichzeitig macht eine leckere, frische 

Portion Pasta auch glücklich! 

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Marije Vogelzang im Gespräch, Foto: Yves Krier 

„Essen nach Design” 

Marije Vogelzang 

Alle Menschen müssen essen. Das 

verbindet uns alle miteinander. 

Jeder muss essen, um zu überleben. 

Essen ist unsere Nahrung und 

unser Heilmittel. Darüber hinaus 

stellt Essen auch unsere innere 

Nahrung dar. Essen ist sozialer Kitt, 

Spiegel unserer Identität, der uns 

Trost spenden und Erinnerungen 

an vergessene Zeiten und versteckte 

Orte wecken kann. Essen kann 

Freude, Traurigkeit, Fröhlichkeit und 

das Gefühl von Verbundenheit mit 

sich bringen. Essen ist so viel mehr 

als nur Kalorien. Die Welt ist voller 

Menschen, die sich alle ernähren 

müssen. Aber die Art und Weise, 

wie wir Essen zu uns nehmen, was 

wir essen und die Rituale und Umgangsformen 

sind von Ort zu Ort 

sehr verschieden. 

Die Art wie wir mit Lebensmittelabfällen 

umgehen, wie wir Essen 

zubereiten und zu uns nehmen, wie 

wir Essen miteinander teilen: Die 

meisten dieser Arten und Weisen 

sind historisch gewachsen. Manche 

begründen sich auf uralten Traditionen 

und werden deswegen nicht 

angezweifelt. Aber auch Traditionen 

wurden irgendwann einmal erfunden. 

Mit dem Feuer zu kochen ist 

eine erfundene Zubereitungsmethode. 

Landwirtschaft ist eine vom 

Menschen gestaltete Anbaumethode. 

Die Suppe mit dem Löffel 

zu essen ist eine Wahl, die man 

getroffen hat und die heutzutage 

als die richtige Art, Suppe zu sich zu 

nehmen, betrachtet wird. Aber all 

diese Dinge, Löffel, Teller, Besteck 

und Essstäbchen, wurden irgendwann 

einmal von irgendjemandem 

erfunden und entworfen. 

Traditionen können alt sein, aber 

es ist nicht so, als wären sie immer 

dagewesen. Nachdem Essen so 

viel mehr bedeutet als einfach nur 

Ernährung, können wir Essen (oder 

den Akt des Essens) nehmen und 

„Design-Denken“ darauf anwenden. 

Wir können in Frage stellen, warum 

wir Dinge so tun, wie wir sie tun, 

zum Beispiel warum wir Feuer zum 

Kochen benutzen. Warum benutzen 

manche Kulturen Tische? Die Welt 

verändert sich ständig, deshalb 

sollten wir auch unsere Einstellungen 

zum Essen in Frage stellen 

und gegebenenfalls ändern. Unser 

Sozialleben ändert sich ständig, 

die Art und Weise, in der wir Arbeit 

und Freizeit voneinander trennen, 

wie Familien zusammenleben, all 

das spiegelt sich in der Art wie wir 

essen. Vielleicht brauchen wir neue 

Werkzeuge, Regeln und Traditionen. 

Die Globalisierung bringt uns 

verschiedene Arten von Essen und 

andere Esskulturen näher und technische 

Prozesse verändern sich. Essen 

war noch nie so leicht zugänglich; 

gleichzeitig ist uns unser Essen 

durch die industrielle Verarbeitung 

von Lebensmitteln ferner denn 

je. Es passiert viel im Bereich der 

Lebensmittelverarbeitung. Darunter 

auch Besorgnis erregende Dinge: 

Lebensmittelverschwendung, der 

Mangel an biologischer Vielfalt, Lebensmittelallergien 

und Fettleibigkeit, 

um nur einige der Probleme zu 

nennen, die den Menschen langsam 

bewusst werden. 

Wir können in Frage stellen, ob wir 

die Dinge weiterhin so handhaben 

müssen, wie wir es gewohnt sind. 

Können wir neue Wege und Rituale 

finden, und brauchen wir diese 

überhaupt? Meine Mutter hat mir 

immer gesagt, nicht mit dem Essen 

zu spielen, aber ich glaube sie meinte, 

ich solle das Essen respektieren, 

und heute weiß ich, dass sie Recht 

hatte. Wir müssen Essen heutzutage 

noch mehr respektieren als 

bisher, weil Essen scheinbar an Wert 

verliert. Gleichzeitig sollten wir den 

Wert des Essens schätzen und zelebrieren! 

Als Designstudentin habe 

ich vor 15 Jahren angefangen mit 

Essen zu arbeiten. Damals erschien 

mir Essen und Design als unvereinbar. 

Das ist seltsam, da Designer 

ja Dinge für Menschen gestalten 

– Autos, in denen Menschen herumfahren 

können, Kleidung, die Menschen 

tragen – aber das Wichtigste, 

das Menschen überhaupt brauchen, 

ist Essen. Dieses lebensnotwendige 

Thema wurde lange Jahre vernachlässigt. 

Heute, nach 15 Jahren 

Erfahrung mit diesem Thema, kann 

ich einen enormen und beständigen 

Wandel in beiden Bereichen, Essen 

und Design, feststellen. Es scheint 

mir, als ob die beiden sich langsam 

annähern und das Beste aus beiden 

Welten miteinander vereinen. Nachdem 

wir immer mehr Probleme mit 

Lebensmitteln feststellen, die es zu 

lösen gilt und nachdem sich unser 

Leben und unsere Einstellungen 

ständig verändern, beginnen immer 

mehr kreative Köpfe sich wertvolle 

Gedanken über diese Problematiken 

zu machen. Es macht mich glücklich 

zu sehen, dass Designer anfangen, 

mit Essen zu arbeiten und es als 

das betrachten, was es ist: Ernst zu 

nehmendes Material! Ich sehe mich 

selbst nicht als „Essens-Designer”, 

da ich Essen als bereits von der Natur 

als perfekt gestaltetes Material 

betrachte. Ich arbeite gerne mit dem 

Verb „essen” und fühle mich davon 

inspiriert. Die Arbeit mit Themen 

wie Herkunft, Kultur und sozialen 

und psychologischen Einflüssen 

gibt mir die Möglichkeit, die Welt als 

eine sehr einfache und mir emotional 

am Herzen liegend zu betrachten. 

Die Wirkungsmacht dieses neuen 

Bereichs des Essens ist für das 

Design enorm. Wenn ich auf meine 

Projekte zurückblicke, sehe ich sieben 

verschiedene Interessensfelder, 

die auch andere Designer inspirieren 

könnten, ebenfalls mit Essen 

zu arbeiten. Denn Essen ist unsere 

Nahrung und unsere Zukunft. 

20 21

SINNE 

Man möchte meinen, wer sich mit 

Essen beschäftigt, ist sich der Sinne 

bewusst. Aber hast Du schon mal 

über den Klang Deines Essens 

nachgedacht? Unsere Sinne sind 

die schnellste und wirkmächtigste 

Art, Emotionen im Gehirn und im 

Herzen zu berühren. 

WISSENSCHAFT 

Die Ernährungswissenschaft ist 

immer noch ein großes Geheimnis. 

Aber sie kann auch eine große 

Inspirationsquelle darstellen! Wie 

viele Köche sind sich der Auswirkung 

des Essens auf den Körper 

ihrer Gäste bewusst? Wissenschaft 

und Essen können viele Probleme 

dieser Welt lösen, wenn sie vernünftig 

angegangen werden. 

KULTUR 

Wenn man bedenkt, wie die Menschen 

auf der Welt leben und wie 

sie ihr Essen zu sich nehmen, indem 

sie unterschiedliche Werkzeuge und 

Zutaten benutzen und dabei unterschiedliche 

Gewohnheiten und Rituale 

verfolgen, stellt man fest, dass 

es noch viel zu entdecken gibt. All 

diese kulturellen Überlieferungen 

und Geschichten stellen eine Inspirationsquelle 

dar, die nur darauf 

wartet, von uns entdeckt zu werden. 

NATUR 

Manchmal scheinen wir zu vergessen, 

dass Essen aus der Natur 

stammt. Designer können sich 

dazu inspiriert fühlen Kindern (und 

Erwachsenen) beizubringen, wo das 

Essen herkommt und wie es entsteht. 

Es wirkt so, als ob wir zunehmend 

weniger in Verbindung mit 

unserem Essen stünden, was uns 

daran hindert, den wahren Wert des 

Essens zu schätzen. 


PSYCHOLOGIE 

Es scheint, als ob uns nicht bewusst 

ist, wie bedeutend die Rolle der 

Psychologie ist, wenn es um Essen 

geht. Essen findet mehr im Kopf als 

im Bauch statt. Wir essen oft, wenn 

wir eigentlich gar keinen Hunger 

haben. Ein Bissen reicht, um vergessen 

geglaubte Erinnerungen in 

unserem Gehirn zu entschlüsseln. 

Essen und Liebe sind die ersten 

Dinge, die eine Mutter ihrem Kind 

gibt. Deswegen werden diese 

beiden Werte im Gehirn für immer 

verankert. 

GESELLSCHAFT 

Wir essen (mindestens) dreimal pro 

Tag. Weil wir alle (alle Menschen 

auf dieser Erde) essen, was uns 

die Natur bietet, liegt es in unserer 

Hand, wie unser Planet in Zukunft 

aussehen wird. Problematische 

Situationen mit Lebensmitteln und 

die immer wachsende Bevölkerung 

gehen uns alle an. Wir sollten uns 

dazu inspiriert fühlen, kreative Lösungsansätze 

zu finden, um Lebensmittel 

sinnvoller zu produzieren, 

besser zu transportieren und ihnen 

mehr Wertschätzung entgegen zu 

bringen. 

MATERIAL 

Als Designerin kann man Essen einfach 

als ein weiteres Material ansehen, 

an dem man unterschiedliche 

Techniken ausprobieren kann. Als 

solches ist es interessant zu sehen, 

dass die Projekte nie von Dauer 

sind. Wenn man sich für Essen als 

Material entscheidet, entscheidet 

man sich für vergängliches Design 

– man könnte sagen, ich designe 

Fäkalien! 

Marije Vogelzang in einem „Pasta Sauna“-Overall, Foto: Yves Krier 

22 23

Zubereitung der „Pkeila“ 


14 

Pkeila 

Vortrag und Performance von 

Rafram Chaddad 

Der Künstler und Gründer der Slow- 

Food-Bewegung in Israel, Rafram 

Chaddad, kam auf Einladung der 

PLATFORM nach München. Er ist 

ein Grenzgänger. In Tunesien wurde 

er als Kind jüdischer Eltern geboren, 

immigrierte aber schon bald 

nach Israel. Dennoch beschreibt er 

seine Identität auch als arabisch und 

ist mittlerweile in beiden Welten 

zuhause und auch viel in der übrigen 

Welt unterwegs. Politik und 

Genuss spielen eine große Rolle 

in seiner Arbeit. Im Maximilians- 

Forum hielt er einen Vortrag über 

den Zusammenhang von Migration 

und Esskultur und präsentierte eine 

Installation, deren Titel Pkeila dem 

gleichnamigen jüdisch-tunesischen 

Gericht entlehnt ist. Die Installation 

bestand aus Glas und Spinat und 

ist ein Teil des Boaz, eines gemeinsam 

mit dem Künstler Dor Guez 

entwickelten Projekts über „slow 

works“. 

Shakshuka - Eine Geschichte über 

die Herkunft und Tradition von 

Essen 

Rafram Chaddad, Künstler und 

Essensexperte 

24 25

„Spinat-Installation“ von Rafram Chaddad, Foto: Rafram Chaddad 

Pkeila 

Sollten Sie jemals die Städte Jenin 

oder Nablus, beide in Palästina 

gelegen, besuchen, wird Ihnen 

vielleicht das Gericht „Shakshuka” 

auf den Speisekarten der ortsansässigen 

Restaurants auffallen. Das 

wundert Sie vielleicht, sofern Sie 

die Herkunft des Gerichtes kennen, 

doch es besteht tatsächlich 

eine enge Verbindung zur Politik in 

Israel. „Shakshuka“ ist ein einfaches 

Gericht, das ursprünglich von 

Juden aus Südtunesien stammt. 

Es besteht aus Kartoffeln, Auberginen 

oder Tomaten und Paprika, 

die langsam in einer Pfanne mit 

pochierten Eiern darin gebraten 

werden. Es fand seinen Weg nach 

Israel durch tunesische Einwanderer 

in den 1950er und 1960er Jahren 

und von dort aus gelangte es weiter 

nach Palästina. Es ist interessant, 

den Weg des Essens über seine 

nationalen Einflüsse nachzuverfolgen, 

doch meist sind es die sozialen 

Strukturen, die die Herkunft eines 

Gerichtes hauptsächlich bestimmen. 

„Shakshuka“ kam nach Palästina, 

weil es nicht zur elitären Küche der 

europäischen Juden Israels gehörte. 

Die Küche kam mit den europäischen 

Juden und wurde nicht als 

„jüdisch” angesehen, sondern wollte 

westeuropäisch wirken. Glaubt 

man kulturellen Anekdoten des neu 

entstandenen Staates Israel, wurde 

das Essen, das sie von ihren Familien 

kannten, „jüdisches Essen” 

genannt. Damals konnte man in 

Israel nur osteuropäisches jüdisches 

Essen finden. Von daher war 

es viel einfacher, die lokalen Speisekarten 

in Palästina zu integrieren. 

Viele der jüdisch-tunesischen 

Gerichte sind verloren gegangen. 

Zwei hauptsächliche Gründe dafür 

sind der Umzug nach Israel und 

die Einführung moderner Kochmethoden. 

Beispielsweise muss man, 

um eine rote Sauce zuzubereiten, 

Zwiebeln mit Paprika, Olivenöl und 

Salz eine Stunde lang langsam 

köcheln lassen. Heute benutzen 

die meisten Menschen statt dessen 

Tomatenmark. So verschwindet 

auch „Pkeila“, das Vorzeigegericht 

der jüdischen Küche Tunesiens, zunehmend 

von der Speisekarte. Ein 

wichtiger Aspekt der Zubereitung 

von „Pkeila“ ist die langwierige 

Arbeit des Spinatblatt-Zupfens, des 

Säuberns und Trocknens der Blätter 

auf einem Stofftuch in der Mitte des 

Raumes, und das spätere Kochen 

derer in Öl (5-6 Stunden), bis sie 

zu einer schwarzen Paste werden. 

Pkeila wird meist mit Schwarzbohnenaugen 

(Lubia), Rindfleisch und 

Kartoffeln gegessen. 

Als visueller Künstler tendiere ich 

dazu, persönliche Aspekte in meine 

Arbeit einfließen zu lassen und die 

Ästhetik und Gewohnheiten des 

Alltags zu untersuchen. In einer Arbeit, 

die ich im letzten Jahr zwei Mal 

zeigte, demonstrierte ich vor allem 

den handwerklichen Aspekt des Kochens, 

den die Zubereitung dieses 

Gerichts mit sich bringt: Die sisyphusartige 

Arbeit der Vorbereitung 

und des Kochens selbst. Die zuvor 

beschriebenen Gerichte sind auf 

Grund moderner Kochmethoden, 

hohem Zeitaufwand und auf Grund 

der Einflüsse von Einwanderung 

fast verschwunden. Die meisten der 

tunesischen Juden kamen nach Israel 

und ihre Ernährung änderte sich 

dort sofort. Olivenöl wurde durch 

Soja und Maisöl ersetzt und alle Fische 

(und mit ihnen die Fischgerichte) 

verschwanden vom Speiseplan. 

Anfang des 20. Jahrhunderts aßen 

Moslems in Südtunesien keinen 

Fisch, weil sie glaubten, Fisch stünde 

in Verbindung mit dem „bösen 

Auge.” Das Fischsymbol, das das 

„böse Auge” repräsentiert, existierte 

zwar auch bei den Juden, hielt 

diese aber nicht davon ab, Fisch 

zu essen. Juden haben auf Grund 

ihrer koscheren Essenstradition 

immer schon Fisch gegessen. An 

die Außenseite jedes Hauses, das 

im jüdischen Viertel auf der Insel 

Djerba erbaut wurde, wurde eine 

Hand mit fünf Fingern gezeichnet, 

die fünf Fische an einer Schnur 

zeigt, die ebenso wie die Verkäufer 

auf dem großen Fischmarkt die 

Fische festhält. Sie symbolisieren 

Hamsa, die „Hand der Fatima“ und 

das Symbol für „Fünf“. In den letzten 

Jahren wurde ich von Mitgliedern 

der jüdischen Gemeinde des Öfteren 

damit beauftragt, solche Fische 

an ihre Häuser zu malen. Nach einigen 

Jahren habe ich dieses Motiv 

in europäische Galerien gebracht. 

Als Gegenleistung für den „Schutz”, 

den ich ihnen durch die Fischmalerei 

bot, bat ich die Kuratoren, Fisch 

für mich zuzubereiten. Ich nahm 

also „echte” Arbeit und wandelte 

sie in Kunst um. Dadurch wurde die 

Arbeit halb Kunstwerk, halb mythologisches 

Werk. Die Gewohnheit der 

Moslems, keinen Fisch zu essen, 

änderte sich in den 1950er Jahren 

mit der Zunahme des Tourismus. 

Allerdings stammen die ältesten Rezepte 

für Fischgerichte von Juden: 

Fisch mit Sharmula (Sauce) aus 

getrockneten Rosen und Harissa aus 

Bizerte und natürlich das berühmte 

Fisch-Couscous. Das Originalrezept 

besteht aus Gerstengrieß und ist 

dunkelbraun. Dieses Rezept gelangte 

nach Sizilien, in die Gegend um 

Trapani, in die viele Tunesier auswanderten. 

Der dunkle Couscous veränderte 

sich über die Jahre ebenfalls. Mein 

Großvater verkaufte in Tunis, der 

Hauptstadt Tunesiens, Getreide. 

Langsam brachte er immer weniger 

Gerstengrieß mit nach Hause. Die 

reichen Leute verlangten weißen, 

industriell verarbeiteten Grieß aus 

Rafram Chaddad verteilt die „Pkeila“, Foto: Yves Krier 

26 27

Weizen, und so wurde Gerstengrieß 

zur Klassenfrage. Seine Frau, meine 

Großmutter, war für die Hausarbeit 

zuständig und stellte Gerstenbrot 

her, das nur niedriges Ansehen 

genoss. Heute wäre es sogar für die 

niedrigeren Gesellschaftsschichten 

schwierig, alte Rezepte nachzukochen, 

selbst wenn sie sich dies zum 

Ziel setzten. Die Zeit verging und 

der Preis für Gerstengrieß ist heute 

in etwa zehnmal so hoch wie der 

für Weizengrieß. Der Weizengrieß 

enthält mehr Zucker und ist Ursache 

für moderne Krankheiten von 

Menschen, die nicht mehr an die 

ursprüngliche Art der Ernährung 

gewöhnt sind. 

Vor einem Jahr fing ich damit an, 

Gerste in einer Galerie in Leipzig 

anzubauen. Ich nannte die Arbeit 

„Schwarzer Schwan”, um auf die Revolution 

der Schwarzen gegenüber 

den Weißen hinzuweisen; jedoch 

blieben die Machtstrukturen zwischen 

Reich und Arm weiter erhalten. 

Ich schreibe über die Moderne 

als sich verändernde Rezepte und 

Zubereitungsarten. Mit dem Einzug 

der Moderne gingen auch nationale 

Bewegungen einher, darunter auch 

die in Israel. Mit den Einwanderungswellen 

nach Israel gingen viele 

Gerichte verloren oder gerieten in 

Vergessenheit. Es gab keine marokkanischen, 

syrischen oder irakischen 

Restaurants, nur „orientalische 

Restaurants.” Niemand wollte mit 

der Kultur, der sie entstammten, 

in Verbindung gebracht werden; 

der Kultur, die von der etablierten 

israelischen Kultur zum Feind erklärt 

wurde. Das Wort „orientalisch” galt 

als neutral und die Gerichte wurden 

langsam miteinander vermischt. 

Orientalische Restaurants begannen 

Kuba-Suppe von irakisch-kurdischen 

Juden zu servieren, Haraime aus 

Tripoli in Libyen und Magadara aus 

dem Libanon. Die Herkunft dieser 

Gerichte verschwand langsam. Als 

ich Tripoli in Libyen besuchte, ging 

ich in das Restaurant Oubaiaa, ein 

Fischlokal im Zentrum der Altstadt. 

Auf der Speisekarte wurde hauptsächlich 

hochwertiger Fisch aus der 

berühmten Biban-Bucht angeboten 

und ein gekochtes Gericht: Haraime. 

Daneben stand geschrieben: „altes, 

jüdisches Gericht”. Haraime kam als 

Fischgericht in würziger, roter Sauce 

nach Israel. Auch ein anderer Fisch 

kam auf dem gleichen Weg nach 

Israel, er wurde „marokkanischer 

Fisch” genannt. Der Fisch sprach 

zwar kein Marokkanisch und kam 

auch gar nicht von dort. Niemand in 

der jüdischen Gemeinde Marokkos 

hat jemals davon gehört. Letzten 

März traf ich in Marrakesch einen 

Israeli, dessen Vater aus Libyen 

stammt und dessen Mutter Marokkanerin 

ist. Er fragte mich, wo man 

in der Stadt Haraime essen könne. 

Ich schickte ihn zurück nach Ostlibyen. 

Es fällt mir schwer zu begreifen, 

dass sich selbst Libyer nicht über 

die Herkunft ihrer eigenen Gerichte 

bewusst sind. Israel, ein Staat der 

hauptsächlich von osteuropäischen 

Juden aufgebaut wurde, hatte nie 

eine große Fischtradition. Sie sitzen 

an den Küsten des Mittelmeeres 

und träumen von Europa. Die Sehnsucht 

nach Olivenöl und Fisch, die 

gerade erst in Israel entstanden ist, 

steht eher in Verbindung mit dem 

italienischen Trend, der momentan 

in New York vorherrscht, als dass er 

mit der lokalen palästinensischen 

Küche in Verbindung gebracht werden 

könnte. 

Frischer Spinat vom Markt, Foto: Rafram Chaddad 

28 29

17 

05 

Cool Walks & 

Cooltails 

Ein Abend der Klasse Ingold mit 

Performances. 


30 31

Was macht das Coole aus? Wodurch 

werden etwa ein Drink, ein Modeaccessoire 

oder eine Geste cool? Und 

weshalb werden sie plötzlich wieder 

uncool? Gelten in München andere 

Dinge und Verhaltensweisen als angesagt 

als in Istanbul, in Tokyo oder 

in der oberbayerischen Kleinstadt 

Pfaffenhofen? 

Im MaximiliansForum wurden 

die Resultate und offenen Fragen 

der künstlerischen Feldforschung 

einer interdisziplinären Gruppe der 

Akademie der Bildenden Künste 

München spielerisch auf die Bühne 

gebracht. Performative Interventionen 

im Publikum verwischten die 

Grenze zwischen Zuschauer und 

Darsteller. An der Bar gab es Drinks, 

agiert wurde im Lounge Raum und 

auf dem Catwalk wurden Stücke 

frech inszeniert. 

Mit Michaela Andrae, Uli Ball, 

Constantin von Canal, Elena Carr, 

Babylonia Constantinides, Katharina 

Deml, Daniel Door, Alexis Dworsky, 

Nora Endrich, Leo Heinik,Teresa 

Hörl, Res Ingold, Melanie Kahlke, 

Katharina Knaus, Lorenz Mayr, 

Sebastian Mayrhofer, Agnes Sowa, 

Raphael Weilguni, Lea Wilsdorf, 

Franziska Wirtensohn, Michael Wittmann, 

Frauke Zabel und Christine 

Zehntner. 

„Cool Walks & Cooltails“ ist das 

zweite Kapitel der dreiteiligen Reihe 

„Call it Cool“ im Rahmen des von 

der DFG (Deutsche Forschungsgemeinschaft) 

geförderten Forschungsrojekts 

„From Oriental to 

the Cool City - Changing Imaginations 

of Istanbul“ an der LMU. 


32 33

28 

Food for 

Thought 

Tischgespräch rund um 

Essen und Kultur 

Wir brachten Experten an einen 

Tisch, um die verschiedenen Aspekte 

und Rollen des Essens zu diskutieren: 

Der Fokus lag auf Menschen, 

die Essen machen (Nico Zeilinger), 

über Essen schreiben (Patrik Stäbler 

und Sebastian Dickhaut) und die 

gesellschaftliche Rolle des Essens 

erforschen (Asli Duru). Gerade an 

den Veränderungen der Esskultur, 

die sich meist zuerst im Essverhalten 

in den Städten manifestiert, 

zeigt wie sehr sich die Gesellschaft 

im globalen Wandel befindet. Im 

von der Journalistin Evelyn Pschak 

moderierten Tischgespräch im Hinblick 

auf das Essen in den „Transforming 

Cities“ waren folgende Fragen 

virulent: Welchen Einfluss hat das 

Internet auf die Esskultur einer 

Gesellschaft? Wie nimmt ein Restaurant 

dem Besucher die Entscheidung 

über eine Mahlzeit ab? Wie 

kann die Esskultur als Medium für 

politischen Aktivismus fungieren? 


34 35

oben: Patrik Stäbler, Kochbuchautor und Blogger 

unten: Evelyn Pschak, Kunsthistorikerin und Journalistin 


Sebastian Dickhaut, Kochbuchautor und Mitbegründer der 

Reihe „Basic Cooking“ 


Gedanken zum Tischgespräch im 

MaximiliansForum 

Evelyn Pschak 

Allein zu essen ist für einen philosophierenden 

Gelehrten ungesund, 

glaubt man Kant und seiner 

„Anthropologie in pragmatischer 

Hinsicht“. Allein zu philosophieren 

für den gelehrten Esser aber auch. 

Das kann und sollte man nur in 

Gemeinschaft tun. Und zwar am 

Allerbesten in einer Runde von so 

profund in allen Fragen des Kulinarischen 

Unterwiesenen wie beim 

Dinner Chat im MaximiliansForum: 

Die Wissenschaftlerin Asli Duru 

hat über Märkte, Nahrungsversorgung 

und Food „Activism“ in 

Istanbul promoviert und erläuterte 

auf dem Podium ihre Definition 

von Essen als „Medium politischen 

und künstlerischen Ausdrucks im 

urbanen Kampf“. Neben ihr erzählte 

der Journalist Patrik Stäbler von 

seiner Reise per Autostopp durch 

die deutsche Provinz, immer auf 

der Suche nach außergewöhnlichen 

Regionalgerichten und den Hütern 

der Rezepte. Wie sehr Essen unsere 

Identität prägt, hat Stäbler letztes 

Jahr im Buch „Speisende soll man 

nicht aufhalten“ festgehalten. Mittig 

sitzend durfte ich den Dinner Chat 

im MaximiliansForum moderieren, 

links neben mir warb Sebastian 

Dickhaut – Fernsehkoch, Foodfilmer, 

Mitgründer der Zeitschrift DelikatEssen 

und Autor von Kochbüchern in 

Millionenauflage – für die richtige 

Nahrungsaufnahme in der Mittagspause 

mit seiner Losung „Mittagessen 

ist Luxus. Abends essen 

kann jeder“. Und als Gastronom 

mit bayerisch-vietnamesischem 

Lokal im Glockenbachviertel – Dim 

Sum mit Schweinebratenfüllung 

steht im „Fei scho“ auf der Speisekarte 

– bereicherte Nico Zeilinger 

das kulinarische Quartett. Essen 

touchiert alles, so ließen sich die 

großen Themen nur im Kleinen 

streifen: Menschheitsgeschichte, Sozialwesen, 

Ethik, Wirtschaft, Kultur, 

Biotechnologie, Medizin, Religion. 

Dazu jüngste Entwicklungen und 

Trends wie Foodie-ismus. Hier sei 

eine kleine Quizfrage erlaubt: Wer 

weiß, was der Lokavore isst? Nun, 

im Gegensatz zum Veganer auch 

Fleisch oder Ei, gesetztenfalls, das 

Lebensmittel stammt aus lokaler 

oder regionaler Produktion und verspricht 

so eine gute Ökobilanz. Im 

Gespräch wurde diskutiert, wie Essen 

das Stadtbild beeinflusst. Oder 

warum jeder bayerische Spezialitäten 

kennt, aber keiner ein Gericht 

aus Mecklenburg-Vorpommern. 

Was das über Identität aussagt. Ob 

in der Konsequenz „fusion food“ 

eigentlich nur „confusion“ anrichtet, 

metaphorisch und auf dem Teller. 

Und ob Essen tatsächlich Menschen 

näher zusammen bringt. Oder ob 

regionale, beziehungsweise internationale 

Unterschiede der Küche 

nicht eher betonen, wie wenig man 

den anderen kennt und versteht. Es 

wurde auch angedacht, Raupen aufs 

„Fei Scho“-Menü zu bringen, allein 

schon wegen ihres hohen Proteinund 

Eisengehalts sowie die Tatsache, 

dass essbare Insekten ohne 

der Umwelt zu schaden gezüchtet 

werden könnten (Nico Zeilinger 

lehnte diesen Vorschlag allerdings 

rundweg ab). Dabei gehörten doch 

schon vor vier Millionen Jahren 

Insekten, Eier, Früchte, Kräuter und 

Samen zu den ersten Nahrungsmitteln 

des Vormenschen in Afrika. Erst 

vor zwei Millionen Jahren reicherte 

der Australopithecus – als erster 

geschickter, Werkzeuge meisternder 

Mensch – den Speiseplan um 

Mitte: Asli Duru, wissenschaftliche Mitarbeiterin der LMU 

mit den Forschungsschwerpunkten u.a.: Esskultur und 

Urbanistik 

Unten: Nico Zeillinger, Gastronom und Leiter des 

bayrisch-vietnamesischen Restaurants 

„Fei Scho“ in München 


Eidechsen, Flusspferde und Stachelschweine 

an. Die ersten Erdöfen vor 

27 000 Jahren, die Gärten Hinterindiens 

mit Feldern von Gurken, Erbsen 

oder Reis vor 20 000 Jahren, die 

erste kultivierte Gerste in Ägypten um 

15 000 vor Christus. Der erste Angler, 

3000 Jahre später in Südafrika. 

Und der erste Kochtopf um 10 000 

vor Christus. Um 4000 vor Christus 

werden auf Sumerischen Tafeln die 

ersten Köche erwähnt. Und im Lex 

Almanorum, dem Alemannenrecht 

aus dem frühen 7. Jahrhundert, 

wurde der Preis für ein verlorenes 

kulinarisches Leben festgemacht: 

„Wenn ein Koch, der einen Jungen 

oder Gehilfen hat, oder ein Bäcker 

getötet wird, so büßt der Täter den 

selben mit 40 Sol.“ Von hier bis zum 

à-la-carte Menu Escoffiers um 1900 

oder zur molekularen Gastronomie 

Ende des 2. Jahrtausends – nur 

ein Katzensprung. Wo wohl alles 

hinführt? Lieber Herr Zeilinger, 

bestimmt zu den Insekten! Es wäre 

schließlich nicht das erste Mal, dass 

Geschichte sich wiederholt. 

36 37

https://www.facebook.com/pages/Antikapitalist-Müslümanlar/280005652143475 

Politische und ethische 

„foodscapes“ in Istanbul 

Asli Duru 

Essen ist Teil der Infrastruktur und 

der öffentlichen Ressourcen einer 

Stadt und kulinarische Schauplätze 

können als politisch besetzte Orte 

im Stadtbild gesehen werden. 

Raumgestaltung, formale Vorschriften 

und kulturelle Konventionen 

prägen die Art und Weise wie 

Lebensmittel und Essen einzelne Ernährungszyklen 

mit Bauformen und 

der politischen Ökonomie in den 

Städten in Verbindung bringen. 

Der Zugang zu Essen in der Stadt 

kann im Allgemeinen als die Verfügbarkeit 

und Erschwinglichkeit von 

bestimmten Produkten, bestimmten 

Orten und bestimmten Methoden 

des Austauschs des Essens, dessen 

Anbau, den Einkauf und die 

Verteilung von Lebensmitteln auf 

individuelle oder kollektive Weise 

beschrieben werden. 

Ein solcher Ansatz der koexistierenden, 

kulinarischen Esskulturen 

einer Stadt erfordert ein kritisches 

Verständnis der politischen Konsequenzen, 

die durch den symbolischen 

und materiellen Kreislauf 

von Lebensmitteln im Stadtraum 

entstehen. 

Die „Erde Iftar“ oder die kommunalen, 

fastenbrechenden Mahlzeiten, 

die in Istanbul in den letzten zwei 

Jahren seit dem Aufstand von 2013 

stattfanden, stellen einen solchen 

Kontext dar, in dem sie die vielfältigen 

und oft widersprüchlichen sozialen, 

emotionalen, materiellen und 

ethischen Faktoren, die die Essensund 

Ernährungsgewohnheiten mit 

der Vorstellung, der Ausübung und 

der Rückeroberung einer andersartigen 

und integrativen Stadtpolitik 

miteinander in Einklang bringen. 

Essen zirkuliert im Verdauungssystem, 

in Supermärkten, auf den 

Esstischen, in Schulkantinen, auf 

Festen, in Ritualen und im Fernsehen 

bei der Entstehung unseres körperlichen 

und sozialen, politischen, 

und unseres wandelbaren Selbst. 

Als Stadtbewohner ist unsere Erfahrung 

von Essen stark ortsabhängig 

und das Stadtbild wird durch unsere 

alltäglichen und lebenslangen Praktiken 

des Essens und der Ernährung 

gestaltet und umgestaltet. Ein individuelles 

Essensumfeld bezieht sich 

auf alle bestehenden, vergangenen 

und imaginären Orte, in denen unsere 

regelmäßigen, gelegentlichen, 

kollektiven und/oder individuellen 

Praktiken und Rituale des Essens 

und der Ernährung stattfinden. Die 

Stadt spielt eine Schlüsselrolle in 

der Entstehung von individuellen, 

kulinarischen Umgebungen und im 

Gegenzug sind Essgewohnheiten 

Teil des Verständnisses und der 

Praxis von uns selbst als politische 

Einheiten. 

Individuelle kulinarische Umgebungen 

entstehen, wo kulturelle 

und soziale Codes und Normen mit 

hochindividualisierten, körperlichen, 

emotionalen und spirituellen Verbindungen 

mit Essen und Ernährung 

vernetzt sind und kontinuierlich 

nachjustiert werden. Fasten während 

des islamischen Fastenmonats 

Ramadan stellt eine spezifische, 

ethische Praxis des (Nicht-)Essens 

dar. Während des Ramadan kommt 

die selbstgewählte Abstinenz von 

Essen und Trinken während des 

Tages mit dem „Iftar“, wie das 

fastenbrechende Essen nach Sonnenuntergang 

genannt wird, zu 

einem Ende. Fasten kann im Allgemeinen 

als körperlicher Ausdruck 

des Selbst verstanden werden, das 

auf die körperliche Abhängigkeit 

von Nahrung als überlebenswichtig 

abzielt. Der fastende Körper stellt 

in diesem Fall das Medium dar, das 

auf (spirituelle) Nahrung in Form 

von Kalorienaufnahme verzichtet 

und das Verfahren stellt gleichzeitig 

die symbolische, performative und 

transformative Beziehung zwischen 

Nahrung und (Körper-)Raum dar. 

Trotz der ethischen und rituellen 

Isolierung des fastenden Körpers 

während des Tages ist die fastenbrechende 

Mahlzeit auch eine Zeit der 

Re-Sozialisierung und signalisiert 

den Beginn des kollektiven Teils des 

Fastenrituals. 

In vielen islamischen Kontexten 

wird das „Iftar” zu einem Medium, 

das den Gemeinschaftssinn 

unterstreicht: in Form von „Iftar”- 

Versammlungen in privaten sowie 

öffentlichen Einrichtungen. Seit 

Mitte der 1990er Jahre stellen die 

„Iftars” ein gängiges Beispiel für 

öffentliche fastenbrechende Mahlzeiten 

in Istanbul und vielen anderen 

türkischen Städten dar. Während 

des Ramadan stellen die Gemeinden 

Zelte auf oder organisieren 

Open-Air-Tafeln, um kostenlose 

„Iftars” in den zentral gelegenen 

Gebieten rund um Istanbul anzubieten. 

Trotz der zunehmenden Anzahl 

und Popularität der kostenlos angebotenen 

und leicht zugänglichen 

fastenbrechenden Mahlzeiten, die 

nur von durchschnittlicher Qualität 

sind, hat sich das Konzept der 

kommunalen „Iftars” vor allem 

in den Wohnvierteln der unteren 

Mittelschicht mehr in Richtung 

interkommunalen Wettbewerb 

und politischen Populismus entwickelt, 

besonders wenn sogenannte 

„After-Iftar“-Zusatzveranstaltungen 

angeboten werden, die der politischen 

Unterhaltung dienen, wie 

zum Beispiel Shows und Vorträge. 

Obwohl es sich um ein innovatives, 

kommunales Design handelt, das 

den Weg zu einer hybriden städtischen 

Esskultur geebnet hat, ist das 

„Iftar“-Zelt ein hoch politisierter Ort, 

an dem religiöse, klassenbasierte 

und Geschlechterhierarchien deutlich 

werden und weiter wiedergegeben 

werden. Ein sichtbarer Aspekt 

dessen ist, dass das Zelt einen 

männlich dominierten öffentlichen 

Raum darstellt. Unabhängig von der 

islamischen und/oder traditionellen, 

geschlechterspezifischen Sitzordnung 

in manchen „Iftar”-Zelten, gibt 

es für Frauen und Kinder deutlich 

weniger Sitzmöglichkeiten, Tische 

und Gelegenheiten sich anzustellen. 

Das kommunale „Iftar” ist auch ein 

hierarchischer Ort innerhalb der 

Stadt, an dem der sunnitisch-islamische 

Glaube und dessen Praxis eine 

bestimmte (Sunniten-)Beziehung zu 

Essen, Ernährung, Moral und Spiritualität 

verbreitet. 

Die „Erde Iftar” ist eine gemeinschaftliche, 

alternative, aktivistische, 

fastenbrechende Veranstaltung, die 

viel öffentliche Aufmerksamkeit, 

Unterstützung und Beteiligung vor 

allem während des Jahres 2013, 

dem Jahr der Demonstrationen, 

und in der Zeit nach der Gezi Park- 

Besetzung, erzielt hat. „Erde Iftars” 

wurde zuerst von einer antikapitalistischen, 

muslimischen Aktivistengruppe 

initiiert und bezieht sich im 

einfachsten Sinne auf Menschen, 

die sich an den Straßen entlang zu 

einer „Bring-your-own“ / Bringeund-Teile-Deine-Iftar-Mahlzeit- 

Aktion 

zusammenfinden. Aktivistische 

„Straßeniftars” wurden auch schon 

vor 2013 initiiert, waren aber kleiner 

und waren die Gegenreaktion 

auf die populistischen, hierarchischen 

Abendessenveranstaltungen, 

sogenannte „Ramadan-Spektakel“ 

der islamischen Elite, die offiziellen, 

halboffiziellen, geschlossenen 

und offenen und quasi-politischen 

Dinner-Parties, die während des 

Ramadan veranstaltet wurden. Die 

„Erde Iftar” kann im Großen und 

Ganzen als Graswurzelbewegung 

mit islamischen und nicht-islamischen 

Motiven beschrieben werden, 

die für Einbeziehung, Geselligkeit 

und Solidarität stehen und sich 

gegen politische Korruption, Gewalt 

und Hierarchien richten. Die 

Veranstaltung war sowohl letztes 

als auch in diesem Jahr mehrere 

hundert Meter lang und fand in der 

Fußgängerzone von Istanbul statt. 

Sie wurde an jedem Tag des Ramadan 

in einer anderen Nachbarschaft 

organisiert. Die Rückeroberung 

des Fastenbrechen-Rituals durch 

die „Erde Iftar” hat zu einer neuen 

kulinarischen Umgebung innerhalb 

des Stadtraumes geführt, wo eine 

stark politisierte und multi-ethische 

Esskultur stattfindet, um Widerstand 

zu leisten. Dabei werden die Hierarchien, 

wer die Tische deckt, wo 

sie gedeckt werden und für wen sie 

gedeckt werden, umkehrt. 

38 39

Carl Oesterhelt mit Peter Brombacher 

(Stimme), Sachiko Hara 

(Piano), Mathis Mayr (Violoncello), 

Stefan Schreiber (Bassklarinette), 

Anton Kaun (Noise) und Carl 

Oesterhelt (Metallophon, Indisches 

Harmonium) 

Carl Osterhelt stimmte das Lied 

der Täuschungen an, ein für das 

MaximiliansForum und die Reihe 

Transforming Cities komponiertes 

Konzert zwischen Neurasthenie, Romantik, 

Depression, Aggression und 

Verzweiflung, verstärkt durch Texte 

von Emil M. Cioran und Noisemusik 

von Anton Kaun. 

4 

Lied der 

Täuschungen 

Peter Brombacher, Sachiko Hara, Mathis Mayr, 

Carl Oesterhelt, Stefan Schreiber, Anton Kaun (v.l.n.r.) 


40 41

Carl Oesterhelt 


Dirk Wagner 

über Carl Oesterhelt 

„Mehr als vierhundert Interessierte 

hat meine Musik eh nie 

erreicht“, begründet der Münchner 

Komponist und Musiker 

Carl Oesterhelt den Verzicht auf 

einen Vertrieb für sein eigenes 

Label „The Society Of Dilettanti“, 

das neben anderen auch jene 

Kompositionen von Oesterhelt 

veröffentlicht, die der Autodidakt 

mit dem Münchner Rundfunkorchester 

eingespielt hat. 

Dass der Mann, der mit seiner 

Musik angeblich nie mehr als 

vierhundert Interessierte erreicht, 

unter anderem auch den 

Hörspielpreis der Kriegsblinden 

für eine Zusammenarbeit mit 

Michaela Melián erhielt, verschweigt 

er nicht etwa aus Bescheidenheit. 

Vielmehr geraten 

solche Wertschätzungen seines 

Œuvres leicht aus seinem 

Blickfeld, das zu sehr vorwärts 

gerichtet ist, um sich mit der 

Archivierung seiner bisherigen 

Errungenschaften aufzuhalten. Es 

wundert darum geradezu, wenn 

eine Publikation auf „The Society 

Of Dilettanti“ dann ausgerechnet 

den doch rückwärts gewandten 

Titel „Retrospektive“ trägt. Neben 

besagten Kompositionen für das 

Rundfunkorchester sind in jener 

Retrospektive auch Arbeiten zu 

hören, die Oesterhelt mit Unterstützung 

der Münchner Kammerspiele 

entwickelte. „Das war ein großes 

Glück für mich, weil deren Intendant 

Johan Simons der einzige ist, 

der mir erlaubt, mit einem riesen 

Ensemble zu arbeiten,“ resümiert 

Oesterhelt seine Arbeit als Musiker 

und Komponist in den Kammerspielen, 

die aus einer Zusammenarbeit 

mit Schorsch Kamerun hervorging, 

jenem Sänger der Goldenen Zitronen 

also, dessen kreatives Schaffen 

sich über die Jahre auch immer 

mehr auf die Theaterarbeit verlagert 

hatte. „Carl ist ja großartig für so 

eine Art Zwanziger Jahre-Kunstlied, 

das dann vielleicht noch in Form 

von Terry Riley oder Philipp Glass 

in den Sechzigern wieder aufkam.“, 

schwärmt Schorsch Kamerun. 

Allerdings muss sich solches „Art 

Zwanziger Jahre-Kunstlied“ dann 

auch die Frage gefallen lassen, ob 

es ein knappes Jahrhundert später 

immer noch dessen einstige Provokanz 

besitzt, mit der es vorwärts 

gerichtet verkrustete Strukturen 

aufbrechen wollte, oder ob solche 

Neuauflage von Berg, Webern oder 

Strauss am Ende nicht die einstige 

Avantgarde zur heutigen Nostalgie 

verklärt. Kitzelt die Spitze am Ende 

nur noch, wo sie einst so forsch zu 

stechen wusste? Ist sie am Ende 

auch nur, was Hermann Hesse der 

Musik von Richard Strauss vorwarf: 

„virtuos, raffiniert, voll handwerklicher 

Schönheit, aber ohne Zentrum, 

nur Selbstzweck“? Das wäre wohl 

das Unverschämteste, was man 

Oesterhelts Kompositionen nachsagen 

kann, die ja eben nicht handwerklich 

schön sein wollen. Mit der 

Meidung jedweder Harmoniesucht 

positioniert Oesterhelt sich vielmehr 

in einer Gesellschaft, in der sogar 

Sozialdemokraten jedes Klassenbewusstsein 

abschaffen wollten: „Es 

gibt keine Schichten,“ sagte etwa 

Müntefering von der SPD 2006 und 


42 43

schuf mit solcher Negierung von 

Schichten erfolgreich die Unterschicht 

ab. Also sprachlich, nicht 

politisch, wohlgemerkt. Zusammen 

mit Schorsch Kamerun antwortete 

Oesterhelt 2009 mit einem „Konzert 

zur Revolution“ und erinnert 

mit Texten von Oskar Maria Graf, 

Ernst Toller, Erich Mühsam, Kurt 

Tucholsky und weiteren Zeitzeugen 

und Visionären an Möglichkeiten, 

die seit 1927 ungenutzt blieben, die 

Oesterhelt aber nun wenigstens 

wieder musikalisch aufgreift. Nicht 

der Nostalgie wegen, sondern um 

wieder Visionen zu schaffen. Denn 

wirklich aufbegehrend empfindet 

Oesterhelt, der als Schlagzeuger 

auch in Pop- und Rockformationen 

wie The Merricks, MS John Soda 

oder Freiwillige Selbstkontrolle 

mitspielte und mitspielt, einen 

vermeintlich zeitgemäßeren Punkrock 

auch nicht: „Mir ist nicht klar, 

warum die Punkrocker alle nicht 

aufhören wollen,“ lästert er über 

eine gealterte Jugendkultur, die so 

tut, als sei der Rollator, auf dem 

sie sich mittlerweile stützt, auch 

nichts anderes als ein Skateboard, 

auf dem sie forever young durchs 

Nachtleben brettert. Dieses Nachtleben 

hat Oesterhelt wahrscheinlich 

nie wirklich interessiert. Stattdessen 

fuhr er schon früher mit einem 

Aufnahmegerät zu verschiedenen 

Musikern, die er unabhängig voneinander 

Teile seiner Kompositionen 

auf ihren Instrumenten einspielen 

ließ. Am Computer mischte Oesterhelt 

dann alle Aufnahmen zu einer 

Musik, die er als Carlo Fashion 

veröffentlichte, weil er sie gleich 

einem Modeschöpfer mehr kreierte 

und zuschnitt. Nachdem die letzte 

Veröffentlichung als Carlo Fashion 

„Requiem“ hieß, würde es nur noch 

einen weiteren Nachtrag geben, an 

dem er bereits arbeitet, verrät Carl 

Oesterhelt: „Staub“. Die Möglichkeit 

einer Wiederauferstehung ignoriert 

der weltliche Komponist, der Akzente 

in die Vergänglichkeit setzt, 

statt Wegweiser für die Ewigkeit 

zu schaffen. Der Ewigkeit gehören 

ohnehin mehr die Grabsteine 

als die Wegweiser. Entsprechend 

verschwinden Oesterhelts Kompositionen 

häufig nach einer einzigen 

Aufführung. Bestenfalls auf Tonträgern 

mag man sie zumindest 

ausschnittsweise noch dokumentieren. 

Das Augenmerk des Kreativen 

richtet sich derweil schon auf neue 

Projekte: auf die Einladung der 

Krautrock-Legende Hans Joachim 

Irmler von der Band Faust in dessen 

Klangbadstudio zum Beispiel, oder 

auf die Zusammenarbeit mit dem in 

München wohnenden Krachkünstler 

Anton Kaun für das MaximiliansForum. 

Nicht selten probt Oesterhelt 

mit einem Ensemble wochenlang 

für eine einzige Aufführung: „Ich liebe 

es, nur einmal aufzuführen.“ Weil 

zumindest die auf seinem eigenen 

Label veröffentlichten Dokumente 

aber nicht über einen Vertrieb erhältlich 

sind, muss man sie übrigens 

auf Konzerten von Carl Oesterhelt 

kaufen, oder im befreundeten 

Schallplattenladen Optimal in der 

Kolosseumstraße 6, 80469 München 

(Tel.: 089 268185), mit dem Oesterhelt 

ein leider aus der Mode gekommenes 

Klassenbewusstsein eint. 

Carl Oesterhelt und Anton Kaun (v.l.n.r.) 


44 45

Anna McCarthy und Manuela Rzytki (v.l.n.r.) 


05 

How to 

start a 

revolution 

Anna McCarthy 

Mit Tom Wu (Schlagzeug, Percussion), 

Antenne Danger (Fake Flügel), 

Tagar (Gitarre, Störgeräusche), 

Manuela Rzytki (Gesang, Tanz), Joe 

Masi (Sound), Anton Kaun (Licht), 

und in virtueller Realität: Die Bored 

Rebels 

Ausgehend von ihrem facettenreichen, 

augenzwinkernden Langzeitprojekt 

„How to Start a Revolution“, 

das sich mit der Romantisierung 

und den synästhetischen Manipulationstaktiken 

von Revolution, Rebellion 

und zeitgenössischer Geschichte 

befasst, schafft Anna McCarthy 

eine Musical-Adaption ihres Mikro- 

Kosmos. Es verschmelzen Fakt und 

Fiktion, unterschiedliche Ebenen 

tun sich auf, endlose Übertragungen 

finden statt, um Szenarien zu 

schaffen, die den Betrachter und 

seine Wahrnehmung von Wirklichkeit 

zunehmend verwirren. „How to 

Start a Revolution“ hat sich bislang 

in Festnahmen, Archiven, Filmen, 

Fotos und Liedern manifestiert; jetzt 

ist die Zeit reif für die ultimative, romantische 

Geste: Das How to Start 

a Revolution-Musical. Tanz, Gesang, 

Geschrei und Gelächter angesichts 

der Frage: Wie spät ist es? Es ist 

eine Prophezeiung, ein poetisches 

Pop-Spektakel. 

46 47

“As Coroner I must aver, 

I thoroughly examined 

her. And she’s not only 

merely dead, she’s really 

most sincerely dead.” 

“What ever happened to 

The gang that I once knew? 

The gang who said it’d be 

true 

Oh, what happened to 

The light I gave to you 

What will I do with it now?” 

“Well, that really is very 

interesting, 

and in colour too. 

But you wouldn’t believe it 

if I didn’t know better... 

That that wasn’t all!” 

“He was a daddy long legs... 

“Whatever you do, 

do not mix the colors” 

“Come all ye young rebels, 

and list while I sing. 

For the love of one’s country 

is a terrible thing.” 

“Gold is on the rise, 

the markets are white not black 

Fresh meat from fat farmers 

for fresh faced youngsters. 

Their look unto the world is a rose-tinted one 

The wars going on on TV 

and the Internet are entertaining, 

at most a burden. 

Trips with a troll on cheap airlines 

are taken from time to time 

Only to realise that home is the only place 

where cheeks are rosy 

like your mama’s tea cosy” 

I got a book daddy, 

I’m gonna kill you daddy, 

if you don’t stop daddy...” 

“M: Could this be heaven daddy ? 

A: I think you better 

watch out little one. 

It looks like there’s a storm a 

brewing out yonder. 

It’s coming our way. 

Look at dem doves fly. 

You better grab your little doggy 

and bring em inside, ya hear ?” 

Oben: Tom Wu, Tagar, Anna McCarthy, Manuela Rzytki, 

Anette Danger (v.l.n.r.) 

Unten: unten: Tagar, Anna McCarthy, Manuela Rzytki (v.l.n.r.) 

Fotos: Yves Krier 

“Believing that you are bad, you 

make everybody sad, 

but you are a silly lad, you dog 

gone hooligan... 

Hooligan stay in your bed, hooligan, 

one onze a let, 

hooligan we’ll make your skin quill.” 

48 49

"Cos I just love your brain (...) " 

“I got me a gun 

and I don’t know 

how to use it 

hold my hand, 

close your eyes, 

I will abuse it.” 

“...Remember, 

walking in the sand. Remember, 

walking hand in hand...” 

“I’m the leader of the gang 

I am...” 

Anna McCarthy 


“They were glorious years 

upon which I can look back at 

“A brief overview of these 

three past generations, 

starting with the 

IRA, going on to Dylanesque 

hippie critiquey and 

ricochet back atcha to the 

with wonder, respect and awe 

and tell my children and future 

grandchildren about. 

Rest Sweet Rest.” 

present day aka NOW all 

packed into one jammy 

folk song! 

Ready ?....Ready!” 

Tagar, Anna McCarthy, Manuela 

Rzytki (v.l.n.r.) 


“REBELS, CHEAP AS W/ CHIPS ...” 

“Sorry, these rebels are 

no longer available in 

Tagar an der E-Gitarre 


your country.” 

50 51

Setting „Mycel“ im MaximiliansForum 


Musikperformance in vier Akten 

11 

Konzept: Benedikt Brachtel 

Komponisten: Gabriel Hahn, 

Lukas Rabe und Benedikt Brachtel 

Ausstattung: Claudia Irro, 

Stefan Britze. 

Mitwirkende: Gabriel Hahn, 

Lukas Rabe, Maximilian Lange, 

Daniel Hermann-Collini, Konrad 

Wehrmeister, Lukas Biehler, Tilman 

Porschütz, David Goldberg u.a. 

MYCEL 

52 53



Das MaximiliansForum wurde im 

Juli zu einem experimentellen 

Musikproduktionsort für ein großes 

Netzwerk Münchner Musiker, 

Medienkünstler und Musikschaffender. 

„MYCEL“ ist eine Multikanal- 

Musikperformance in vier Akten. Für 

vier Abende im Juli wurden gezielt 

Stücke und Spielanweisungen geschrieben 

und live von Performern 

im MaximiliansForum aufgeführt. 

Die Live-Performances wurden 

aufgezeichnet und bis zum nächsten 

Akt bzw. Abend in der Installation 

zwei Mal täglich ausgestrahlt. 

Der Begriff Mycel ist der Botanik 

entlehnt. Im allgemeinen Sprachgebrauch 

werden als Pilze nur die 

sichtbaren Fruchtkörper bezeichnet. 

Der eigentliche Pilz ist jedoch das 

feine, meist unsichtbare Geflecht 

im Boden. Dieses Geflecht finden 

wir nahezu überall, z.B. Mycel der 

Informationen, der Menschen, der 

Musik. 

„MYCEL“ bewegte sich auf all diesen 

Ebenen, schaffte vertikale und 

horizontale Verbindungen, kausale 

Abhängigkeiten, die die künstlerische 

Auseinandersetzung mit den 

Themenkomplexen evozieren. An 

vier Abenden wurden stichpunktartig 

musikevolutionäre Zustände der 

Historie aufgegriffen und kreativ 

verarbeitet. Die Musiker kommunizierten 

über ein Netzwerk, welches 

durch das jeweils veränderte 

akustische Setting, durch verschiedene 

Spielweisen der Kompositionen 

sowie in der mobilen Raumund 

Bühnengestaltung dargestellt 

wurde. 

Welcher Prozess steht hinter einem 

fertigen Produkt, wie etwa 

einem musikalischen Werk, welche 

Rolle spielt die Musik heute in der 

Gesellschaft und welchen Standpunkt 

nimmt dabei der Rezipient 

ein? Basierend auf dem szenisch/ 

dramaturgischen Konzept „MYCEL“ 

schrieben Gabriel Hahn, Lukas 

Rabe und Benedikt Brachtel (GTA 

Hoffmann) die Musik der ersten drei 

Abende für jeweils acht Performer. 

Am vierten Abend (26.7.) wurden 

die vorangegangenen Aufnahmen 

von Maxim Wolzyn und Musikern 

des SVS Kollektivs re-organisiert, 

collagiert, geremixed. 

Foto: Elisabeth Hartung 

54 55

Niklas Barth über „Mycel“ 

„Mycel“ ist eine Musikperformance 

in vier Akten über das Wuchern der 

Musik. Vom 11.-26. Juli 2014 verwandelten 

die Musiker und Komponisten 

des Künstlerkollektivs SVS 

– Selbstversorgersound das MaximiliansForum 

in ein serielles Echtzeit-Experiment, 

das Elemente des 

Konzerts, des Theatralen, sowie der 

Installation miteinander verketteten. 

Die vier Live-Performance-Abende 

führten dabei historisch-evolutionäre 

Konfigurationen von Gesellschaft 

und Musik vor und machten sie in 

einer interaktiven Rauminstallation 

direkt erfahrbar. Das Mycel ist dabei 

nicht schlicht eine Generalmetapher, 

sondern der Akt des Vernetzens 

selbst. Es ist die Logik des szenischdramaturgischen 

Konzepts, für das 

sich Benedikt Brachtel sowie Claudia 

Irro und Stefan Britze verantwortlich 

zeigen. Als botanischer Begriff bezeichnet 

es das unsichtbare und fein 

verästelte Pilzgeflecht im Boden. 

Hier ist jeder Punkt rhizomatisch mit 

allen anderen vernetzt, bleibt aber 

dennoch heterogen für sich bestehen. 

Als philosophischer Begriff ist 

das Rhizom zwar längst zum Gassenhauer 

verkommen, seine Pointe 

hat man jedoch oft verkannt: Man 

kann es nur „machen“. 

Gabriel Hahn, Lukas Rabe und 

Benedikt Brachtel haben die Musik 

für die ersten drei Akte komponiert. 

Bei diesen szenischen Abenden 

kommunizierten je acht Performer 

in einem Raum-Netzwerk, das sich 

durch ein variables akustisches 

Setting (24-Kanal Spatialisierung 

konfiguriert durch Paul Oomen, 

4DSOUND), die Kompositionen 

sowie die transformative Bühnengestaltung 

selbst immer wieder 

neu anordnete. Das Publikum floss 

durch dieses Netzwerk hindurch und 

knüpfte sich über den ihm eigenen 

Hörwinkel seine individuelle Soundstruktur. 

Die vier Abende variierten 

dabei stets ihr Thema der Konstellation 

von musikalischer Produktion 

und deren Rezeption. Im ersten Akt 

ertönen die Sphärenklänge von 

Planetenumlaufbahnfrequenzen. 

Non-intentional music: Über experimentell-akustische 

Instrumente 

und I-Ging-Synthesizer rauscht eine 

natürlich-mystische Struktur durch 

die Performer hindurch. Im Spiel 

von Kosmos und Kontingenz wird 

klangliche Natur mimetisch abgebildet. 

Aus dem Klang als Ereignis 

formen sich tonale Spannungsfelder, 

aus dem Rhythmus dieser 

klingenden Sphären entsteht das 

Ritual einer sich selbst bewusst werdenden 

mythischen Gemeinschaft. 

Der zweite Akt verortet die Musik 

im klassischen Spannungsfeld 

von wirtschaftlicher Abhängigkeit, 

sozialer Funktion und künstlerischer 

Autonomie. Die natürlich-rauschenden 

tonalen Formen verdichten sich 

in kulturellen Orten. Sie werden 

gleichzeitig ästhetisch autark sowie 

Träger gesellschaftlicher Selbststellungsversuche. 

Die Musik wird konzertant 

und zum theatralen Ereignis. 

Im choreographierten Spiel von 

Bühne und Publikum, von tonalen 

und sozialen Spannungsverhältnissen 

eröffnet sich ein Raum, in dem 

die Musik als reine Emotion frei 

flottiert. Über Vokalpolyphonie und 

Kammermusik im digitalen Processing 

empfängt das Publikum nun 

ihre Stimmungen. Ihr Sinn ist der 

Sinn einer Aufführung, ihr Zweck 

ihre soziale Wirkung. Der dritte 

Akt schreibt diese Kristallisationsprozesse 

fort. Die tonale Ur-Masse 

erstarrt zu einem monolithischen 

Installationsklumpen im Zentrum 

des Mycels. Dabei entledigt sie sich 

ihrer Funktionalität. Die Moderne 

erreicht ihren Gipfel der Selbstbezüglichkeit 

und schwingt sich auf in 

die Höhen der Abstraktion, wenn sie 

die Tonalität des Tons selbst feiert. In 

einer Midi-Suite für acht monophone 

Synthesizer erkauft sie sich die 

Gleichberechtigung aller Töne durch 

den metaphorischen Ausschluss des 

Publikums. 

Der vierte und letzte Akt spielt nun 

in unserer breiten Gegenwart, die 

durch die Gleichzeitigkeit alles Abwesenden 

geprägt ist. Wir sind aus 

der Zeit der allgemein geltenden 

Formen heraus. Gerade deshalb ist 

unsere Zeit aber auch die der Intensitäten 

und Präsenzen, der temporären 

Assoziationen, der geloopten 

Rhythmen und der nur flüchtigen 

Geräusche. An diesem Abend 

werden die vorausgegangenen 

Aufnahmen von Maxim Wolzyn und 

Musikern des SVS-Kollektivs reorganisiert, 

collagiert und geremixed. 

Im Tanz verschaltet sich Wissen und 

Ekstase. Die starre lineare Form 

multipliziert sich zu einem Raum im 

Raum: das MaximiliansForum wird 

zum Club. Multikanal-Techno von 

Null auf Hundert in drei Stunden. 

Oben: 

Eine Tänzerin von„Mycel“ 

Unten: 

Besucher während einer der 

vier Akte von „Mycel“ 


56 57

Foto: Vivi D‘Angelo 

Eine Ausstellung von Monika Huber, 

ein Vortrag von Heinz Schütz und 

ein Gespräch zwischen 

Ulrich Wilmes und der Künstlerin 

Die Münchner Künstlerin Monika 

Huber präsentierte im Kontext der 

Reihe „Transforming Cities“ ihre 

jüngste Videoarbeit „Protest“, deren 

Leitmotiv die kritische Auseinandersetzung 

mit der Bildberichterstattung 

über gewalttätige Konflikte 

in den Fernsehnachrichten ist. Im 

Zentrum stehen Bilder des urbanen 

und suburbanen Widerstandes und 

damit verbundene Fragen nach den 

Möglichkeiten der Malerei in der 

Gegenwart sowie der Authentizität, 

Austauschbarkeit und Rezeption 

massenmedial transportierter 

Bilder. Als Grundlage ihrer malerischen 

Bearbeitung dienten Videoclips 

aus dem Jahr 2013, die Szenen 

von den ersten gewaltsamen 

Ausschreitungen auf dem Istanbuler 

Taksim-Platz gegen das autoritäre 

Erdogan-Regime in der Türkei zeigen. 

In bewusster Anlehnung an die 

Ikonographie der amerikanischen 

Pop Art geht es Monika Huber nicht 

mehr vorrangig um die Abbildung 

unserer neuen Wirklichkeit, sondern 

auch um die Reflexion der Mechanismen 

unserer Wahrnehmung, der 

Funktion von Bildern, von Medien 

und dem aktuellen Spannungsfeld 

zwischen virtuellem und realem 

Geschehen. 

22 

PROTEST 

Wolfger Pöhlmann 

58 59

Ausschnitt der malerisch bearbeiteten Videoprojektion von Monika Huber, Foto: Vivi D‘Angelo 

Foto: Monika Huber 

Nachrichten: Der Aufstand im Bild 

Gekürzte Fassung eines Vortrags zu 

Monika Hubers Installation 

„Protest“ im MaximiliansForum 

Heinz Schütz 

Unser politisches Weltbild wird ganz 

entscheidend durch die Nachrichten 

in den Medien geprägt. In ihrer 

Summe formen sie eine Art Paralleluniversum, 

das die politische 

Wirklichkeit medial gefiltert konstruiert 

und dabei selbst zum Politikum 

mutiert. Sein eigenständiger Charakter 

zeigt sich besonders deutlich 

in seiner Tendenz zur medialen 

Selbsterregung: Journalistische 

Gleichschaltung und monatelange 

Dauerberichterstattung (re)produzieren 

singuläre Ereignisse als einen 

von Tageszeitungen, Talkshows und 

sozialen Netzwerken befeuerten 

Medienhype. Die mediale Selbsterregung, 

die eine Art von kollektiver 

Gehirnwäsche bewirkt, generiert 

eine emotionale Atmosphäre, die 

sich mit Vorliebe moralisierend 

auflädt und dabei im Hintergrund 

unausgesprochen politische Einstellungen 

transportiert. In der medialen 

Selbsterregung verbinden sich 

markttechnische Gesetze – eingeführte 

Nachrichtenthemen funktionieren 

wie eingeführte Marken 

– und eine Ästhetik des Spektakels, 

die mit ihrer Vorliebe für Personen 

– Guttenberg, Wulff, Steinbrück, 

Tebartz-van Elst, Gurlitt – zur Soap- 

Opera mit Enthüllungscharakter 

neigt. Die mediale Exekution einzelner 

Personen fördert kompensatorisch-unterhaltsam 

die moralische 

Empörung. Unter geht dabei die 

auf analytische Abstraktion angewiesene 

Darstellung politischer 

Zusammenhänge und die Kritik der 

bestehenden systemischen Verwerfungen. 

Sie lassen sich so gut 

wie nicht in die Form „fortgesetztes 

Nachrichtenepos mit singulären 

Protagonisten“ gießen. 

Die mediale Selbsterregung stellt 

sich auch dann ein, wenn die 

Erregung, die von Demonstrationen, 

Protesten und kriegsartigen 

Revolten ausgeht, vom Medium 

gleichsam absorbiert wird. Wenn die 

Revolte endet und das Spektakuläre 

des Aufstands in Alltagspolitik 

übergeht, endet gewöhnlich die 

Berichterstattung. Das Spektakuläre 

der Demonstration und die 

Spektakelsehnsucht der Medien 

überlagern sich, geht es in Demonstrationen 

doch darum, über den 

öffentlichen, und das heißt letztlich 

immer auch den medialen Auftritt 

auf den politischen Diskurs einzuwirken. 

Aufstände hingegen greifen 

offen zur Gewalt. Ihre Absicht ist es, 

die politische Realität unmittelbar 

zu verändern und das Personal, das 

den Status quo aufrechterhält, aus 

den Machtpositionen zu katapultieren. 

Ihr Spektakuläres ist letztlich 

die Gewalt, über die dann berichtet 

und die in Bildern demonstriert 

wird. Dabei kommt dem eingesetzten 

Bildmaterial bei Nachrichten 

über Demonstrationen und Revolten 

eine besondere, keineswegs nur 

informative, sondern durchaus eigenwertige 

Bedeutung zu. Nicht zuletzt 

davon handelt Monika Hubers 

Installation „Protest“. Die von Huber 

eingesetzten Bilder entstammen ihrem 

Archiv, das sie mit Bildern von 

Aufständen aus den Fernsehnachrichten 

angelegt hat. Es reicht von 

den Demonstrationen und Platzbesetzungen 

in Nordafrika – sie wurden 

einst euphorisch „arabischer 

Frühling“ genannt – über Taksim- 

Platz und Maidan-Platz bis hinein in 

die jüngste Gegenwart. Die in der 

MaximiliansForum-Installation verwendeten 

Bilder verweisen auf die 

von der türkischen Regierung Erdogan 

gewaltsam niedergeschlagene, 

vom Gezi-Park ausgehende Revolte 

im Frühjahr 2013, ein Verweis, der 

zwangsläufig nur für diejenigen 

erkenntlich ist, die das Abgebildete 

wiedererkennen. Dies entspricht 

dem Defizit, das allen dokumentarischen 

Bildern eignet: Sie bedürfen, 

wenn das Abgebildete nicht ohnehin 

bekannt ist, des identifizierenden 

Textes. In den Nachrichten wird 

er gewöhnlich von den SprecherInnen 

geliefert, wobei die Texte nicht 

nur die Bilder verorten, sondern sie 

auch selbstreferentiell und illustrativ 

in Dienst nehmen. So werden 

etwa bei Berichten über die Pharmaindustrie 

einfach Pillenabfüllanlagen 

oder Weißbekittelte im Labor 

eingeblendet, bei Kriegen fahrende 

Panzer und fliegende Bomber, bei 

Aufständen Steinewerfer, Polizeikohorten 

und Scharfschützen. Das Bild 

verdoppelt hier einfach tautologisch 

das Gesagte und funktioniert wie 

ein Lexem aus einem Bildwörterbuch. 

Als „Lexem“ kann ein und 

derselbe dokumentarische Bildbeitrag 

unterschiedliche Nachrichtentexte 

illustrieren. Dabei löst sich das 

Bild vom fotografierten, konkreten 

Ereignis. Es versprachlicht sich und 

funktioniert wie ein Begriff, gleichzeitig 

wirkt das freigesetzte Bild 

einfach als Bild. Neben seiner Bedeutung 

wie „dies ist ein Aufstand“ 

appelliert es über das Sichtbare an 

die Emotionen. Dieser Appell, der 

nun durchaus auch als Appell zum 

politischen Handeln verstanden 

werden könnte, verpufft aufgrund 

der Nachrichtenflut und der Distanz 

zum Wahrgenommenen. Die Bilder, 

die von Frühstückstischen und 

Wohnzimmercouchen aus betrachtet 

werden, bleiben trotz ihrer 

Nähe weit weg. Der paralysierende 

Schwall von Nachrichten produziert 

zum einen das Gefühl ohnmächtiger 

Überforderung, zum anderen die 

Genugtuung an Infotainment und 

Medienhpye zu partizipieren. Mit 

ihrem Video „Protest“, das auf eine 

Seite der Untergrundpassage des 

MaximilansForums projiziert wurde, 

verringert Monika Huber die Distanz 

zu den Nachrichten und eignet sich 

Aufnahmen der Istanbuler Revolte 

als Malerin an. Mit raschen Gesten 

übermalte sie während des Abspielens 

die aufgenommenen Nachrichtenbilder, 

die nun im Videoloop 

unter den Pinselspuren und Farbschlieren 

verschwinden, auftauchen 

und wieder verschwinden. Isolierte, 

gestische Details der Revolte treten 

eindringlich in den Vordergrund, 

andere, kurz aufscheinende Bilder 

erscheinen wie immer schon bekannte 

Ikonen des Aufstands. Hinter 

dem Farbnebel wirken die einstigen 

Nachrichten wie im Unterbewussten 

sedimentierte Eindrücke, wie eine 

Art Traumsprache des Aufstands, 

die sich an der Oberfläche artiku- 

liert und wieder absinkt, wobei die 

Insistenz dieses Vorgangs mit der 

Insistenz der Revoltierenden koinzidiert. 

Auf der anderen Seite der Passage 

brachte Huber die bewegten Bilder 

– nun in Farbe, aber ebenfalls 

pinselgestisch kommentiert – zum 

Stillstand. Hier nun werden die 

einstigen Nachrichten zum Monument 

der Revolte. Es setzt sich aus 

„archetypischen“ Einzelmomenten 

zusammen, die vom Tumult auf der 

Straße, über den behelmten Polizisten 

mit Gewehr im Anschlag, bis zum 

hingestreckten Opfer reichen. Die 

einzelnen Szenen werden wie auf 

einer Bühne von hinten beleuchtet 

und lassen auch an eindringliche 

Filmbilder denken. Unter Münchens 

Maximilianstraße formen sie ein 

Erinnerungszeichen. An einem Ort, 

der fern aller Aufstände als luxurierende 

Insel erscheint, weist es nicht 

nur auf die zurückliegende Revolte, 

es lässt sich auch als Vorschein 

möglicher kommender Aufstände 

betrachten. 

60 61

Künstlergespräch zwischen Monika 

Huber und Ulrich Wilmes zur 

Ausstellung „PROTEST – Monika 

Huber“ am 22.09.2014 im MaximiliansForum 

Ulrich Wilmes: Was war für dich der 

Auslöser, dich mit diesen Bildern zu 

beschäftigen als eine gegenstandslose 

Malerin? 

Monika Huber: Das Jahr 2011 war 

für mich ein großer Einschnitt gewesen. 

Ich hatte eine Ausstellung im 

Goethe-Institut in Athen, das in der 

Nähe des Syntagma-Platzes liegt, 

den ich täglich mehrmals überquerte. 

Die Atmosphäre in der Stadt 

war durch die täglichen Demonstrationen 

sehr aufgeladen. Zurück 

in München, begann ich, die Fernsehnachrichten 

von Protesten fotografisch 

zu dokumentieren. Ich war 

sehr irritiert von der Direktheit der 

Bilder; die Technologie der Smartphones 

machte es möglich, direkt 

aus den Demonstrationen heraus, 

fast ungefiltert und mit ungewöhnlichen 

Perspektiven zu berichten. Wir 

bekamen Bilder zu sehen, die uns 

mitten ins Geschehen der Proteste 

katapultierten. 

UW: Du zeigst Bilder, die nicht 

identifizierbar sind, die an einem 

bestimmten Tag aus dem Fernseher 

aufgenommen worden sind, das 

steht fest. Aber für den Betrachter 

sind weder Ort noch Zeit nachvollziehbar 

und dadurch bekommen die 

Bilder eine Zeitlosigkeit oder eine 

Allgemeingültigkeit, die über das 

jeweilige Ereignis hinaus weist. Ist 

das für dich dann auch als Malerin 

der Ansatz gewesen, diese Werkreihe 

umzusetzen, gibt es einen speziellen 

malerischen Zugang zu diesen 

Bildern oder ist es mehr doch ein 

politisches Engagement, welches 

dich treibt? 

MH: 2011/12 überschlugen sich die 

politischen Ereignisse des sogenannten 

„arabischen Frühlings“. Ich 

stellte fest, dass viele dieser Nachrichtenbilder 

aus den verschiedensten 

Konfliktländern sich ähnelten 

und austauschbar erschienen. Auch 

die zeitliche Einordnung war nicht 

mehr möglich, sobald das Bild aus 

dem Nachrichtenkontext herausgelöst 

war. Natürlich kann man die 

Nachrichtenbilder durch gewisse 

Attribute, Kleidung etc. verifizieren 

und damit an bestimmte Orte knüpfen. 

Aber in bürgerkriegsähnlichen 

Situationen heben sich die Unterscheidungskriterien 

fast auf. Durch 

diese Unbestimmtheit von Ort und 

Zeit bekommen diese Bilder etwas 

Universelles und man hat den Eindruck 

als würden sich die Ereignisse 

permanent wiederholen. 

UW: Du fotografierst den Bildschirm, 

die Bilder auf dem Fernseher, 

ab. Dadurch ist natürlich schon 

mal gegeben, dass es eben keine 

hohe Auflösung, keine große Qualität 

haben kann in dem Sinne, dass 

es gestochen scharfe Abbilder sind. 

Und dann verfremdest du die Bilder. 

Sie werden bewusst unscharf abgezogen. 

Dann bearbeitest du diese 

mit Farbe und schlussendlich, was 

Foto: Vivi D‘Angelo 

ein ziemlich komplizierter Prozess 

ist, wird das Bild reproduziert und 

das ist dann im Grunde genommen 

die Arbeit. Aber vielleicht kannst du 

nochmal genau sagen, wie dieser 

Bearbeitungsprozess und wie dieser 

Verfremdungsprozess funktionieren. 

MH: Meine Bilder, die ich von den 

täglichen Nachrichten abfotografiere, 

werden mit einer hochauflösenden 

Kamera aufgenommen, jedoch 

sind die gesendeten Handyvideos 

meist unscharf. Oft sieht man nur 

rudimentäre Formen und Strukturen 

von Menschen, von Orten und 

Ereignissen. Aus dem fotografierten 

Fernsehbild schneide ich anschließend 

ein Hochformat heraus und 

bearbeite das Bild malerisch, meist 

mit schwarzer und weißer Farbe. 

Dadurch versuche ich nochmals 

einen intensiveren Fokus auf das 

Geschehen zu legen und kritische 

Situationen herauszuschälen, die im 

Moment der Bewegung der Filmaufnahme 

nicht erkennbar sind. Dieser 

Prozess der malerischen Bearbeitung 

wird zu einem permanenten 

Sichtbar-Unsichtbar-Werden der 

Ereignisse. Zuletzt fotografiere ich 

die übermalte Fotografie und ziehe 

sie als Print ab. 

UW: Um es mit einem Schlagwort 

zu benennen, geht es dir dabei um 

eine Auslöschung oder um diese 

Dialektik von Auslöschung und Hervorhebung, 

was ist da für dich dann 

das Entscheidende? 

MH: Durch die tägliche Konfrontation 

mit diesen Nachrichtenbildern, 

tauche ich natürlich intensiver in die 

politischen Ereignisse ein. Jetzt haben 

wir die letzten Jahre täglich so 

viele Demonstrationen, Bürgerkriege 

und Kriege in den nordafrikanischen 

Ländern und im Nahen Osten 

in den Nachrichten mitverfolgt, die 

politische Lage hat sich dort keineswegs 

entspannt, sondern vieles 

hat sich verschlechtert und aktuell 

sehen wir die brutale Vorgehensweise 

der IS. Ich frage mich hier schon, 

wie manipulativ diese Nachrichtenbilder 

eingesetzt werden und aus 

welchem politischen Blickwinkel 

heraus ein Ereignis gezeigt wird. 

UW: Mir ist aufgefallen, dass bestimmte 

Filmsequenzen in verschiedenen 

Zusammenhängen immer 

wieder gezeigt werden und man 

den Eindruck hat: Aha, es ging heute 

nichts über die Agenturen, was 

interessant ist, also nehmen wir das 

Bild von gestern, vorgestern oder 

von letzter Woche. Aber die wirkliche 

Manipulation, die besteht ja in 

der Berichterstattung selbst. 

MH: Wenn man die gesendeten 

Bildnachrichten der verschiedenen 

Sendeanstalten vergleicht, bemerkt 

man, dass diese nahezu identisch 

sind. 

UW: Auch darin sehe ich ein Muster. 

MH: Und genau hier wird es spannend, 

weil politische Haltungen zu 

Tage treten und deutlich wird, dass 

es verschiedene politische und 

wirtschaftliche Interessen und Verflechtungen 

gibt, die die Berichterstattung 

beeinflussen. Mich interessierte 

zu Beginn der Arbeit an dem 

Fotografieprojekt „Einsdreißig“ 

warum so viele Menschen plötzlich 

auf die Straße gehen? Warum jetzt 

und nicht schon früher? Nehmen 

wir z.B. Jemen - es ist ein Land, in 

dem 70 Prozent der Bevölkerung 

jung und online ist und ihr tägliches 

Problem die mangelnde Versorgung 

mit Energie ist, um miteinander 

kommunizieren zu können. Soziale 

Medien sind zu einem wesentlichen 

Element der Kommunikation geworden. 

Eine weitere Frage drängt sich 

mir auf: Von welchen Konflikten gibt 

es überhaupt Bilder? Wird Krieg erst 

Realität, wenn er fotografisch dokumentiert 

ist, oder was geschieht, 

wenn es keine Bilder vom Krieg und 

sonstigen gewalttätigen Exzessen 

mehr gibt. 

UW: Die Abwesenheit von Bildern 

spielt natürlich ebenfalls eine ganz 

große Rolle. Wo keine Bilder sind, 

existieren trotzdem Konflikte, bloß 

wir erfahren nichts davon. 

MH: Ja, die Konflikte, die nicht bebildert 

werden können, verschwinden 

einfach aus den Fernsehnachrichten. 

Wir haben meist nur einen 

oder zwei Konflikte im Fokus der 

Nachrichtensendungen und das ist 

im Moment hauptsächlich die Ukraine 

und der Irak; aktuell durch die 

Gewalt der IS auch wieder Syrien. 

Zu viele Konfliktsituationen werden 

in den Nachrichtensendungen nicht 

gleichzeitig angesprochen, da man 

damit die Zuschauer überfordern 

würde. In meiner Archiv-Arbeit 

bemühe ich mich, alle globalen Konflikte 

festzuhalten. 

UW: Wir haben ja vorhin auch schon 

von gewissen Mustern gesprochen, 

einmal, wie diese ganzen Konflikte 

sich in Nordafrika und dann im 

Nahen Osten entwickelt und weiterentwickelt 

haben. Die Weltgemeinschaft 

sieht zu via Nachrichten. Die 

Diplomatie ist mehr oder weniger 

hilflos bzw. man gewinnt zunehmend 

den Eindruck, von Interessen 

gesteuert zu werden, die nicht unbedingt 

unsere Interessen sind. Und 

dann eskaliert eine Situation dermaßen, 

dass sich die Politik dann 

zum Handeln gezwungen sieht und 

Handeln heißt dann immer Gewalt. 

Und man fragt sich: Wie sind denn 

solche Konflikte überhaupt lösbar? 

UW: Wenn die Kunst tatsächlich 

etwas anders machen kann als 

Nachrichtenbilder, dann ist es eben 

der Versuch, diese Propaganda 

auszublenden und bestimmte Bilder 

und Inhalte in einem Kontext zu diskutieren, 

der ein größeres Problemfeld 

zieht als das, was uns tagtäglich 

vorgesetzt wird. 

MH: Ich denke, einen Künstler sollte 

es interessieren, wie sich unsere 

Bilderwelt verändert. Mit meiner 

Arbeit versuche ich ein Bewusstsein 

für diesen neuen Bildtypus 

der Medienbilder zu schaffen. Es 

geht um die veränderte Form von 

Wahrnehmung. Nach fast vier 

Jahren des täglichen Archivierens 

dieser Nachrichtenbilder sehe ich, 

dass diese Bilder nicht einfach auf 

uns zukommen, nein, sie sind das 

Ergebnis des politischen Handelns 

oder Nichthandelns der internationalen 

Gemeinschaft. 

UW: Und eine Künstlerin wie du 

belegt ihre Bilder mit einer ganz 

anderen Funktion als ein Pressefotograf 

oder ein Fernsehjournalist. 

Sie kann natürlich mit ihren Bildern 

die Wahrnehmung, die bestimmte 

Bilder in uns auslösen, oder die 

Wahrnehmung, mit denen wir den 

Bildern tagtäglich begegnen, viel 

weiter spannen. Deine Bilder machen 

dabei auch ganz deutlich, dass 

es dir um alles geht, aber bloß nicht 

darum, Gewalt in irgendeiner Weise 

als ein ästhetisches Objekt auszuschlachten. 

MH: Eine künstlerische Arbeit ist 

niemals nur eine rein ästhetische 

Auseinandersetzung. Als Künstlerin 

habe ich ebenso eine Verantwortung 

für die gewählten Inhalte, als auch 

für deren gestalterische Umsetzung. 

Meine Bilder wollen nicht nur etwas 

wiedergeben, was wir bereits sehen 

und das Gesehene bestätigen. Sie 

sollen vielmehr eine neue Wahrnehmungsebene 

aufmachen, ebenso 

vergleichbar meiner Arbeit an den 

ungegenständlichen Bildern. Bilder 

sind Impulse, Katalysatoren. Sie 

zeigen Veränderungsprozesse und 

stoßen neue Gedanken an. Natürlich 

kann ich die Welt damit nicht 

verändern, aber ein politisches Bewusstsein 

schaffen. Politisch verantwortlich 

handeln muss jeder selbst. 

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POP UP Store mit internationalen 

Designern in einer Installation von 

Peter Baur 

Auf Einladung des Maximilians- 

Forums in München verlässt der 

„SIGHT STORE“ die gewohnte 

Umgebung in Wien, um als Teil des 

Jahresprogramms „Transforming 

Cities“ in der Passage zeitgenössische 

Mode zu präsentieren. Eingebettet 

in eine Installation des 

Künstlers und Bühnenbildners Peter 

Baur wurden im Rahmen eines 

viertägigen Pop Up Shops über 20 

verschiedene Modelabels aus Wien, 

München, Berlin, Kopenhagen, 

Budapest, Hongkong und Madrid 

gezeigt. Peter Baur projiziert in die 

Passage ein Panorama aus urbanen 

Bildsequenzen, die mit Fragen eines 

Raum- und Öffentlichkeitsbegriffs 

spielen. Die Videoinstallation bildet 

gemeinsam mit der Mode eine 

temporäre Bühne, in der die BesucherInnen 

zu AkteurInnen werden. 

Zur Eröffnung am 2. Oktober sprach 

Andreas Spiegl (Akademie der bildenden 

Künste Wien). 

BesucherInnen konnten die Mode 

auch erwerben. 

Die beteiligten Modelabels waren: 

Akjumii, Ansoho, Awareness & 

Consiousness, Base Range, Brandmair, 

Diarte, Dörte Kaufmann, Essl, 

Fixxed, Gon, Henrik Vibskov, Hilda. 

Henri, Idamari, J’ai mal à la tête, 

Katharina Schmid, Mangelware, 

Meshit, Mija T. Rosa, Nanushka, 

Reality Studio, Rosa Mosa, Sight, 

Werkprunk 

02 

S/GHT 

Im „POP UP Sight Store“, Foto: Yves Krier 

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Außenansicht des „POP UP Sight Store“ im MaximiliansForum, Foto: Yves Krier 

Andreas Spiegl über S/GHT 

Die städtische Lage des MaximiliansForums 

in einer Passage im 

Zentrum Münchens bildete den 

Ausgangspunkt für das Projekt von 

S/GHT. Die Tatsache, dass Walter 

Benjamin seine Gedanken über die 

Veränderungen der Städte im 19. 

und 20. Jahrhundert im so genannten 

»Passagen-Werk« versammelte, 

bestätigt nur die Bedeutung der 

Passagen für das Entstehen moderner 

Stadtvorstellungen. Passagen 

sind hybride Figuren des Urbanen: 

als überdachte Durchgänge formulieren 

sie einen urbanen Innenraum 

und erfüllen zugleich die Koordinaten 

eines Außenraums, den Charme 

einer Straße, die Fußgängerinnen 

und Fußgängern vorbehalten ist. 

Eine Passage ist ein Zwischenraum, 

ein Verbindungsstück, das die Verbindung 

selbst zum Raum erhebt. 

Die Menschen, die sie verwenden, 

charakterisiert sie buchstäblich als 

Passantinnen und Passanten – als 

Bewohner eines Übergangs: und sei 

es der Übergang von einer Stadtvorstellung 

zur nächsten, ein unterirdischer 

Übergang ins subkulturelle 

Milieu städtischer Veränderung – ein 

Ort als Indikator für „Transforming 

Cities“. 

Mit ihren Schaufenstern und Läden 

waren sie dem Flanieren gewidmet, 

dem „Window-Shopping“ als einer 

Form des Konsums mit den Augen, 

einer Ökonomie des Blicks. Was 

sich dem Blick zeigt, ist das Mögliche, 

die Vorstellung anders sein zu 

können, ein anderes Leben führen 

zu können und die schicksalhafte 

Identität zu wechseln, ein Spiel mit 

imaginären Identitäten und die Ökonomie 

vom Tausch. 

Für S/GHT, einen Multi-Label-Store 

aus Wien, lieferten all diese Punkte 

die idealen Bedingungen, um Mode 

von 25 Labels aus verschiedensten 

Ländern der Welt in der Passage 

vorzustellen. In Zusammenarbeit 

mit dem Künstler und Bühnenbildner 

Peter Baur wurde ein Display 

entwickelt, das die kulturelle Geschichte 

der Passagen reflektierte 

und zugleich die Infrastruktur für 

die Präsentation der Mode zur 

Verfügung stellte. In Anlehnung an 

die Panoramen im 19. Jahrhundert, 

die oft in den Passagen zu finden 

waren und die Möglichkeit imaginärer 

Reisen in andere Räume und 

Zeiten boten, gestaltete Peter Baur 

eine Videoinstallation, die entlang 

der Wände des MaximiliansForums 

zirkulierte und eine panoramatische 

Szenerie als Folie für die Modepräsentation 

bildete. Als zentrales 

Motiv für das Video diente ihm das 

Licht, ein historisches Spektrum des 

Lichts vom Feuer, von Sonnenuntergängen 

und Straßenbeleuchtungen 

bis hin zu Autoscheinwerfern und 

dem Sternenhimmel, eine kleine 

Kosmologie des Lichts im Herzen 

der Stadt, die helfen sollte, die 

Kleidung und die Passantinnen und 

Passanten ins rechte Licht zu rücken, 

in die Passage zwischen möglichen 

Identitäten. Die Kleidungsstücke 

schienen schwerelos im Raum zu 

schweben – wie Charaktere und 

Rollen für ein imaginäres Stück. Wer 

den Raum betrat, betrat auch den 

Lichtkegel der Videoprojektionen, 

um damit selbst als Schattenfigur 

eine Rolle in der Kosmologie des 

Lichts und der Möglichkeiten zu 

spielen. Auf diese Weise verwandelte 

sich der Ausstellungsraum zur 

Bühne für ein Stück, das sich aus 

dem Dialog zwischen Passantinnen 

und Passanten sowie Kleidungsstücken 

entwickelte, ein Libretto 

für die Vorstellung einer anderen 

Identität, ein Spiel mit Sehnsüchten 

und möglichen Selbstbildern. 

Zugleich wurde die Trennung von 

„Kunst und Mode“ in verschiedene 

Genres reflektiert, zur Diskussion 

gestellt wie ein Übergang zwischen 

diesen Disziplinen aussehen kann, 

wie die Passage in eine interdisziplinäre 

Wahrnehmung von Kunst und 

Mode vermittelt werden kann. Die 

Aufteilung in freie und angewandte 

Kunst scheint brüchig zu werden, 

fransig genug, um eine Verknüpfung 

der beiden wagen zu können. Das 

Projekt von S/GHT zielte auf eine 

transdisziplinäre Praxis, die sich 

als Paradigma für einen zeitgenössischen 

Kulturbegriff abzeichnet, 

als Nahtstelle für die Säumnisse 

einer arbeitsteiligen Gesellschaft, 

deren Spezialisierungen mehr zu 

trennen als zu verbinden scheinen. 

Die Städte verwandeln sich radikal, 

verwandeln sich im Zuge einer 

mobil gewordenen Gesellschaft 

mit heterogenen Kulturvorstellungen. 

Die Geschichte von Ein- und 

Ausschlussmechanismen scheint 

so weit bekannt, dass sie keine 

Antworten mehr bietet, um auf die 

gegenwärtigen Anforderungen an 

das Urbane zu reagieren. Die Städte 

ändern sich stetig und charakterisieren 

die Bewohnerinnen und Bewohner 

selbst als Passantinnen und 

Passanten ihrer eigenen Stadt. Die 

zeitgenössische Stadt ist selbst zur 

Passage geworden. In diesem Sinne 

betrachtete S/GHT die Passage 

des MaximiliansForums als kleine 

Stadt in der Stadt, als Mikrostadt 

und Modell für die Makroebene 

gegenwärtiger Stadtentwicklungen. 

So versteht sich auch die Rolle der 

Besucherinnen und Besucher, die in 

unserem Ambiente zu Akteurinnen 

und Akteuren wurden, sich emanzipierten 

vom bloßen Betrachten, 

um selbst die Rollen einzunehmen, 

die das Bild der Stadt nachhaltig 

verändern. 

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Installation von Jeongmoon Choi 

Die Berliner Künstlerin Jeongmoon 

Choi bildete mit ihrer Installation im 

MaximiliansForum den Abschluss 

der Reihe „Transforming Cities“. Die 

sich verändernde Stadt mit ihren 

verschiedenen Perspektiven auf 

urbane Lebensweisen vermittelte 

sie durch eine interaktive Rauminstallation, 

in der der Betrachter die 

ihm unzähligen Möglichkeiten der 

Raumdefinition entdecken konnte. 

Mit erstaunlicher Phantasie und besonderer 

Ästhetik schuf „in.visible“ 

ein Konstrukt von Grenzziehungen 

und grenzenlos schwebendem Kontinuum. 

Was unsichtbar wird, ist die 

gewohnte Realität, was sichtbar gemacht 

wird, ist eine neue, auf klare 

Strukturen reduzierte Dimension. 

17 

In.visible 

Rauminstallation mit Neonfäden von 

Jeongmoon Choi im MaximiliansForum 


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Im Kontext der Reihe „Transforming 

Cities“ präsentierte Jeongmoon 

Choi ihre erste Ausstellung in 

München. Die ortsspezifisch entwickelte 

UV-Rauminstallation folgt der 

Werkserie „Drawing in Space“, mit 

der die koreanische Künstlerin ein 

neues Ausdrucksmedium erschlossen 

hat – zwischen Bild und Objekt, 

Abbildung und Abstraktion. Mit 

Licht, Strich und Faden begibt sich 

„in.visible“ auf die Spur des konkreten 

Raums, macht ihn in seiner Beiläufigkeit 

und Wesentlichkeit, seiner 

Materialisierung und Dematerialisierung 

erfahrbar und stellt dabei 

Standpunkte, Blickwinkel und die 

gewohnte Wahrnehmung infrage. 

Was zunächst wie eine dreidimensionale 

Zeichnung aus geometrischen 

Formen oder eine Computer-Animation 

anmutet, ist ein 

komplexes System aus fein gesponnenen 

einzelnen Fäden, die von 

Hand durch Wände, Boden und Decke 

des Ausstellungsraums gewebt 

werden und für das Auge nur durch 

ultraviolettes Licht wahrnehmbar 

sind. Im Wechselspiel von Flächen 

und Linien sowie der Kontrastbeziehung 

verschiedener Perspektiven 

entstand eine besondere Raum- und 

Tiefenwirkung am Übergang von 

der Zwei- in die Dreidimensionalität, 

von der Wirklichkeit in die Illusion. 

Fluoreszierende Fadenzeichnungen 

lösen die gegebenen räumlichen 

Koordinaten heraus, übertragen sie 

vom Raum in die Fläche und von 

der Fläche zurück in den Raum, um 

neue, auf klare Strukturen reduzierte 

Realitäten entstehen zu lassen. 

Verdichtungen, Verzerrungen und 

Spiegelungen der Linienführung 

schaffen unerwartete Sichtweisen, 

räumliche Bezüge und Seitenverhältnisse. 

Fadengitter und -raster 

durchziehen den Raum, transzendieren 

tradierte Raumgrenzen und 

forderten den Betrachter in einem 

ständigen Wechsel von Innen und 

Außen dazu auf, seine Position im 

Raum zu überprüfen. „in.visible“ ist 

ein physisch erfahrbares Spiel mit 

visueller Raumwahrnehmung und 

räumlicher Orientierung, ist digitale 

Ästhetik mit analogen Gestaltungsverfahren, 

zwischen Anwesenheit 

und Verschwinden. 

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Transforming 

Cities – 

die Akteure 

17.01.14- 09.02.14 - Jakub Nepraš 

Jakub Nepraš 

Der tschechische Medienkünstler 

Jakub Nepraš ist 1981 in Prag 

geboren. Nach seinem Abschluss 

2006 an der Academy of Fine Arts 

in Prag schloss er sich dem kreativen 

Kollektiv Studio Trafaˇ cka 

an. 

Jakub Nepraš arbeitet mit Video-, 

Sound- und Licht-Installationen in 

Kombination mit klassischen Kunstmaterialien. 

www.jakubnepras.com 

01.05.14 - Wider die Verherrlichung 

der Arbeit 

Salewski 

Der Musikschaffende und Popmusiker 

Salewski ist 1963 in München 

geboren. Er hat ein klassisches Musikstudium 

(Klavier/Schlagzeug) in 

München absolviert und unterrichtet 

heute Musik. Salewski musiziert in 

folgenden Bands und Projekten: 

Musica Povera, Koschka Valerianka 

Phantom Band, River. Mit Schorsch 

Kamerun macht er Theatermusik. 

07.05.14 - 

Pasta Sauna 

Marije Vogelzang 

Die 1978 geborene, niederländische 

Künstlerin Marije Vogelzang 

bezeichnet sich selbst als „Eating 

Designer“. Nach ihrem Studium an 

der Design Academy Eindhoven 

arbeitet sie seit 2000 im Bereich 

„Food Design“ mit renommierten 

Partnern zusammen wie Droog 

design, Turnover, Ilse Crawford, 

Edelkoort und Marlies Dekkers. 

2004 eröffnete sie das Restaurant 

und Designatelier „Proef“in Rotterdam, 

2006 eine Zweigstelle in 

Amsterdam. Vogelzang hält Vorträge, 

veranstaltet sogenannte „Food 

Events“ und entwickelt Projekte und 

Installationen für Museen, Galerien 

und Kulturinstitutionen. 

www.marijevogelzang.nl 

14.05.14 - Pkeila 

Rafram Chaddad 

Der israelisch-tunesische Künstler 

und Buchautor Rafram Chaddad ist 

1976 in Djerba, Tunesien geboren. Er 

hat Kunst an der Musrara School of 

Photography and New Media in Jerusalem 

studiert und ist Slow-Food- 

Repräsentant in Israel. Zum Thema 

Essen arbeitet er seit 2005 und hält 

weltweit Vorträge zu „Slow Food“, so 

etwa 2012 auf dem internationalen 

Slow Food Kongress in Turin. Als 

Gastkünstler der Halle 14 in Leipzig 

hat er einen Beitrag für die Ausstellung 

„The Politics and Pleasures of 

Food“ realisiert. Im Herbst 2014 ist 

er Gastkünstler im Künstlerhaus 

Bethanien in Berlin. 

www.rafram.com 

17.05.14 - Cool Walks & Cooltails 

Klasse Ingold der Akademie der 

Bildenden Künste, München 

Seit 1995 ist der Schweizer Künstler 

Res Ingold, Jahrgang 1954, 

Professor für Kunstpädagogik und 

interdisziplinäre Projekte an der 

Akademie der Bildenden Künste in 

München. Sein zentrales Werk ist 

die Fluggesellschaft Ingold Airlines. 

Das Studium in seiner Klasse ist interdisziplinär 

und projektorientiert. 

www.i-crew.org // 

www.ingolduniversal.com 

28.05.14 - Food for Thought 

Sebastian Dickhaut 

Sebastian Dickhaut ist 1963 geborener 

Hesse und lebt aktuell in München 

als kulinarischer Autor und 

Journalist, Foodfilmer und Wunderwürzer. 

Als gelernter Koch arbeitete 

er in exklusiven Restaurants, bevor 

er zur Tageszeitung wechselte, den 

Restaurantführer DelikatEssen und 

die Reihe Basic Cooking mitbegründete 

und 1998 als Food-Korrespondent 

nach Australien ging. Nach seiner 

Rückkehr eröffnet er den Laden 

HUKODI in München. Hier schreibt 

er für Kochbuchverlage, Magazine, 

Food-Portale und seine Blogs und 

hält Kochkurse. 

www.sebastian-dickhaut.de 

Asli Duru 

Die türkische Forscherin hat 2012 

in Geographie an der Carleton 

University in Kanada promoviert. 

Ihre Forschungsschwerpunkte sind 

Esskultur, Urbanistik, Feminismus 

und Umweltschutzbewegung. 

Aktuell ist sie Mitarbeiterin der 

Ludwig-Maximilians-Universität 

München und erarbeitet das Projekt 

„From Oriental to the Cool City: 

Changing Imaginations of Istanbul“ 

des Emmy-Noether-Programms der 

Deutschen Forschungsgemeinschaft 

(DFG). 

Evelyn Pschak 

Evelyn Pschak hat in Aix-en-Provence, 

Straßburg, Ludwigsburg und 

Korpilahti studiert. Die in München 

lebende Kunsthistorikerin arbeitet 

als Journalistin für die Ressorts Kultur, 

Reise und Kulinarisches. Manchmal 

- immer häufiger - gerät dieses 

Dreierlei zum großen Ganzen. Dann 

ist Evelyn Pschak glücklich. Sehr. 

Patrik Stäbler 

Patrik Stäbler, geboren 1980, hat in 

München und Detroit Kommunikationswissenschaften 

studiert. Nach 

einer Reise um die Welt und einem 

Volontariat in der Provinz kehrte er 

zurück in die seiner Meinung nach 

„provinziellste aller Weltstädte“ – 

nach München. Dort lebt Stäbler 

heute als Journalist und Autor von 

Büchern wie „Speisende soll man 

nicht aufhalten“. 

www.deutschland-isst.info/ 

patrik-staebler 

Nico Zeilinger 

Nico Zeilinger wurde 1979 in Stuttgart 

geboren und im Alter von zehn 

Jahren nach München gekommen. 

Schon während seines Geographie- 

Studiums hat er in der Gastronomie 

gearbeitet und dann 2009 erste 

Läden in München selbst geführt: 

die Eisdiele Jessas und die Event- 

Location Josef, beide im Münchner 

Glockenbachviertel. Seit 2011 leitet er 

zusammen mit der Vietnamesin Luu 

Alzingers das Fei Scho Restaurant 

in der Kolosseumstraße in München 

und plant aktuell eine Suppenküche 

in der Pestalozzistraße zu eröffnen. 

www.fei-scho.de 

04.06.14 - Lied der Täuschungen 

Carl Oesterhelt 

Carl Friedrich Oesterhelt wurde 

1968 in München geboren. Als 

Komponist und international tätiger 

Musiker spielt er in den „strangepop“-Bands 

FSK und Merricks und 

komponierte u.a. die Musik von 

Schorsch Kameruns Inszenierung 

„Peter Pan, Konzert zur Revolution“ 

und „München Komplett“ an 

den Münchner Kammerspielen. 

Unter seinem Label „The Society of 

Dilettanti“ veröffentlicht er 2013 die 

Alben „Konzert zur Revolution“ und 

„Retrospektive“. 

www.the-society-of-dilettanti.com 

05.06.14 - How to Start a 

Revolution: The Musical 

Anna McCarthy 

Anna McCarthy, 1981 in München 

geboren, hat an der Akademie der 

Bildenden Künste München und der 

Glasgow School of Art studiert. Ihre 

künstlerischen Ideen bringt sie mit 

den Mitteln der Malerei, Zeichnung, 

Installation, Performance und Film 

zum Ausdruck. Zudem ist sie Bassistin 

und singt bei der Münchner 

„Damenkapelle“. Zuletzt widmeten ihr 

die Galerien Esther Donatz, München, 

Glasmoog, Köln und Niklas Schechinger 

Fine Arts, Hamburg, Einzelausstellungen. 

www.annamccarthy.de 

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11./16./19./26.06. - MYCEL 

Benedikt Brachtel 

Benedikt Brachtel ist 1985 in München 

geboren und international tätiger 

Komponist, Produzent, Musiker 

und DJ. Als Kind von Musikern kam 

er schon früh mit Jazz in Berührung 

und spielt mehrere Instrumente. 

Er hat ein Studium der Jazzgitarre 

und Jazzkomposition an der Anton 

Bruckner Universität in Linz u. a. bei 

Peter O‘Mara und Christoph Cech. 

Seine große Leidenschaft gilt jedoch 

der elektronischen Musik. Als 

Komponist und Produzent arbeitet 

Brachtel mit Pollyester, Columbus 

und GTA Hoffmann und ist bei Labels 

wie Universal und Mayolove Music 

vertreten. Seit 2007 kooperiert er mit 

den Münchner Kammerspielen und 

komponiert u.a. die Musik für die 

Inszenierungen „Das war auf einer 

Lichtung da sie zum ersten Mal Geld 

dafür nahm“ und „Jiggy Porsche 

taucht ab“. www.benibrachtel.com 

Lukas Rabe hat an der Hochschule 

für Musik und Theater in Leipzig sowie 

am Pariser Konservatorium Jazz 

und Arrangement studiert. Am Klavier, 

am Synthesizer, auf der Bühne, 

im Studio - Lukas Rabe ist in vielen 

Bereichen tätig. Dabei ist er neben 

der akustischen auch der visuellen 

Ebene verbunden: als Jongleur 

und als Komponist für Videos und 

Kunstprojekte. Er komponiert u.a. 

für den MDR Rundfunkchor und ist 

als Bühnenmusiker am Stadttheater 

Heilbronn, am Thalia Theater Halle 

und am Theater Rudolstadt engagiert. 

www.lukasrabe.com 

22.-28.09.2014 – Protest 

Monika Huber 

Monika Huber wurde 1959 in 

Dingolfing geboren. Die in München 

lebende Künstlerin arbeitet mit den 

Medien Fotografie, Malerei und 

Film. Bis 1985 studiert sie freie Malerei 

an der Akademie der Bildenden 

Künste München und widmete 

sich der abstrakten Malerei. Mit den 

Neuerungen des digitalen Zeitalters 

überdachte sie jedoch ihren künstlerischen 

Ansatz: angesichts realer 

Fotos von Nachrichtenbeiträgen, 

die über Handyvideos für jeden frei 

zur Verfügung stehen, fand sie eine 

neue Bildsprache. 2012 zeigte sie 

im Haus der Kunst in München ihre 

Fotografie-Reihe „Einsdreißig“, die 

erstmals Gegenständlichkeit in ihr 

Werk brachte. Im Sommer 2013 entschloss 

sich Huber zum ersten Mal 

mit dem Medium Video zu arbeiten. 

www.monikahuber.com 

Heinz Schütz 

Der Kunst- und Theaterkritiker Heinz 

Schütz ist 1953 in Memmingen 

geboren und studierte in München 

und Wien. 1985-1987 war er Kunstund 

Theaterkritiker für die Süddeutsche 

Zeitung, seit 1987 ständiger 

Korrespondent der Zeitschrift 

„Kunstforum international“. Er 

doziert an verschiedenen Hochschulen 

und veröffentlicht zahlreiche 

Publikationen zur zeitgenössischen 

Kunst. Zu seiner kuratorischen Tätigkeit 

gehörte u.a. die Ausstellung 

„Performing the City“ in der Halle 

der Lothringer 13 in München. 

Ulrich Wilmes (geb. 1953 in Essen) 

studierte Kunstgeschichte und 

Germanistik an der Ruhr-Universität 

Bochum und promovierte mit einer 

Dissertation über „Rosso Fiorentino 

und der Manierismus“. Nach Stationen 

am Westfälischen Landesmuseum 

für Kunst- und Kulturgeschichte 

und für Skulptur Projekte Münster 

arbeitete er von 1988-1991 als Kurator 

am Portikus, Frankfurt am Main. 

Von 1991 bis 2000 war er Sammlungsleiter 

für Gegenwartskunst an 

der Städtischen Galerie im Lenbachhaus 

München und ab 1995 stellvertretender 

Direktor. 2000 wechselte 

er als stellvertretender Direktor an 

das Museum Ludwig in Köln. Seit 

April 2008 ist Ulrich Wilmes Hauptkurator 

am Haus der Kunst in München. 

Er verantwortete zahlreiche 

Ausstellungen und Publikationen 

zur internationalen zeitgenössischen 

Kunst, u.a. Dan Graham, Jörg 

Immendorff, On Kawara, Ellsworth 

Kelly, Per Kirkeby, Matt Mullican, 

Gerhard Richter, Ulrich Rückriem, Ed 

Ruscha, Lawrence Weiner. 

02.10.14 – 

05.10.14 - Sight 

S/GHT steht für die Verbindungsstellen 

zwischen Kunst und Mode. 

Ausgangsbasis dafür ist der gleichnamige 

Multi-Label-Store in Wien, 

der seit 2013 ein Projekt realisiert, 

das die Arbeiten von jungen Designern 

mit der Praxis von Künstlern 

verknüpft. Für die sogenannten 

S/GHT POP UPs werden Displays 

entwickelt, die sowohl den künstlerischen 

Zugriff auf Fragen einer 

Identitäts- und Körperpolitik im 

Bezug auf Mode als auch Fragen der 

Raum- und Öffentlichkeitsbegriffe 

reflektieren. www.sight.at 

Peter Baur wurde 1983 in Mühlacker 

bei Stuttgart geboren. Er ist mit der 

Inszenierung von Räumen genauso 

vertraut wie mit der Analyse dieser. 

Im MaximiliansForum verband 

Baur die Passage mit dem Thema 

des Panoramas, zwei historisch 

verwandter Figuren. Er lebt und 

arbeitet als bildender Künstler und 

Bühnenbildner in Wien. 

Andreas Spiegl 

Geboren 1964, studierte Andreas 

Spiegl Kunstgeschichte an der 

Universität Wien und unterrichtet 

seit 1990 am Institut für Kunst- und 

Kulturwissenschaften an der Akademie 

der bildenden Künste Wien, an 

der er auch seit 2003 das Amt des 

Vizerektors für Lehre und Forschung 

innehat. Seine Arbeitsschwerpunkte 

verknüpfen raumtheoretische Fragen 

mit Subjekt- und Medientheorien. 

Er arbeitet zudem als freier 

Kurator und Kunstkritiker. 

17.10.14- 

14.11.14 - In.visible 

Jeongmoon Choi 

Jeongmoon Choi wurde 1966 in 

Seoul geboren und absolvierte 1990 

ihren Master in freier Kunst an der 

Sungshin University. 1995 zog die 

Künstlerin nach Deutschland und 

studierte bis 2001 Freie Kunst an der 

Hochschule für Bildende Kunst in 

Kassel. Seit Ende der 1990er Jahre 

setzt sie sich intensiv mit den Themen 

Behausung und Natur auseinander. 

So hat sie sich zunächst mit 

dem Inneren von Räumen beschäftigt, 

um nun mehr und mehr in den 

öffentlichen Raum zu gehen und 

Lebensräume von außen zu betrachten. 

www.jeongmoon.de 

Maxim Wolzyn 

Der junge Berliner Komponist, DJ 

und Produzent hat 2014 sein Debütalbum 

auf SVS Records veröffentlicht. 

Das „Intercity Express“ Album 

entstand über einen Zeitraum von 

drei Jahren, meist während Wolzyns 

Reisen durch ganz Deutschland mit 

dem Zug als Teil des Günther Lause 

Duos. Hier werden in Reminiszenz 

an die Berliner Dub-Techno-Tradition 

die komplexen Netzwerke von 

Eisenbahnstrecken und Tunnelsystemen 

neu musikalisch interpretiert. 

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Impressum 

Diese Publikation zum Programm 

„Transforming Cities“ 

im MaximiliansForum erscheint im 

Rahmen der Kooperation zwischen 

PLATFORM und dem 

Kulturreferat der Stadt München im 

November 2014 

Programmverantwortung: 


Kuratorische Assistenz: 

Erinn Carstens, Sasha Gora, 

Mirko Kahl 

Projektorganisation Kulturreferat: 

Lisa Hörstmann 

Herausgeberin: 


Redaktion: 

Erinn Carstens 

Schlusskorrektur: 

Felix Gantner, Nina Holm, Moritz 

Schmalhorst 

Texte: 

Niklas Barth, Rafram Chaddad, 

Asli Duru, Marcus Graßl, Elisabeth 

Hartung, Monika Huber, Mirko Kahl, 

Evelyn Pschak, Heinz Schütz, 

Andreas Spiegl, Marije Vogelzang, 

Dirk Wagner, Ulrich Wilmes 

Grafische Gestaltung: 

Kollektiv X (Xuyen Dam, Daria Malek) 

© 2014, die AutorInnen und 

FotografInnen 

PLATFORM 

Kistlerhofstr. 70, Haus 60 

81379 München 

www.platform-muenchen.de 

Team PLATFORM: 


Projektleitung 

Nina Holm 

Projektassistenz 

Natalie Cada, Erinn Carstens, Sasha 

Gora, Mirko Kahl, Frédéric Singer 

VolontärInnen 2013/2014 

Träger: 

Münchner Arbeit gGmbH 

Geschäftsführung: 

Gerhard Scherbaum, Johann Stelzer 

Vorsitzender des Aufsichtsrates: 

Josef Schmid 

Registergericht München, HRB 98967 

ISBN 978-3-9816807-1-3 

Urheberschaft und Bildrechte sind 

durch die PLATFORM so weit wie 

möglich geklärt. Bei Unklarheiten 

kontaktieren Sie bitte 

contact@platform-muenchen.de 

Foto: Elisabeth Hartung 

Foto Umschlag: Alescha Birkenholz 

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Transforming Cities

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