Vida e morte da dança - Fonoteca Municipal de Lisboa

Sexta-feira
21 Agosto 2009
www.ipsilon.pt
Vida e morte da dança
Manuel MozosCharlie KaufmanLee FieldsSizoGolden Silvers
CHARLES E. ROTKIN/CORBIS ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 7066 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE

Flash
Sumário
Dança 4
Questões de herança e
transmissão, no “day-after”
das mortes de Pina Bausch e
Merce Cunningham
Manuel Mozos 11
Filma uma família que o
amor liga, mesmo quando
separa, em “Quatro Copas”
Charlie Kaufman 14
Dentro da cabeça mais
peculiar de Hollywood,
a propósito do novo
“Sinédoque, Nova Iorque”
Lee Fields 16
Como é que este homem
não tem dezenas de discos
gravados?
Sizo 18
Ao terceiro EP, já são um caso
sério do ano português
Golden Silvers 20
Fizeram o single deste Verão,
e mais?
Ficha Técnica
Director José Manuel Fernandes
Editor Vasco Câmara, Inês Nadais
(adjunta)
Conselho editorial Isabel
Coutinho, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter, Simon
Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho, Carla
Noronha, Mariana Soares
Editor de fotografia Miguel
Madeira
E-mail: ipsilon@publico.pt
2 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
John Landis vem
dormir ao MOTELx
É a mais recente novidade da
programação do MOTELx – a
terceira edição do Festival
Internacional de Cinema de
Terror de Lisboa traz a Lisboa
John Landis, o autor de “Um
Lobisomem Americano em
Londres” e “Não Há Pescoço
que Aguente” (mas também de
“Os Ricos e os Pobres”, “A
República dos Cucos” ou “Pela
Noite Dentro”). Um dos
cineastas-chave do cinema
americano da década de 1980,
“especialista” na conjugação do
humor e do horror, Landis tem
passado a última década activo
maioritariamente na televisão,
para a qual realizou episódios
das séries “Masters of Horror” e
“Fear Itself” e dois
documentários aclamadíssimos
(“Slasher”, sobre os vendedores
de automóveis, e “Mr.
Warmth”, sobre o comediante
Don Rickles). Aproveitando a
presença do realizador, o
MOTELx, que decorre entre 2 e
6 de Setembro no cinema São
Jorge, homenageia-o com a
projecção do seminal “Um
Lobisomem Americano em
Londres”. O festival, que traz
igualmente a Lisboa outro
veterano do cinema de género,
Stuart Gordon, fechou
entretanto a programação da
sua secção principal, com a
entrada de um dos mais
recentes filmes do imparável
nipónico Takashi Miike,
“Detective Story”.
Mais informações
em www.
motelx.org.
John Landis é o coelho
na cartola do festival
Os diários de Byrne
em bicicleta
O músico e realizador David
Byrne, um dos fundadores dos
Talking Heads (e também artista
plástico: faz fotografia e
instalações), acaba de publicar
no Reino Unido o seu sexto
livro, “Bicycle Diaries”. Desde
os anos 80 que o meio de
transporte preferido de David
Byrne (57 anos) em Nova Iorque
é a bicicleta. “Quando fiz a
Bergman
e as
mulheres
deram
um livro
Que o cinema de Ingmar
Bergman é uma fonte
inesgotável de fascínio e
admiração não é novidade
nenhuma, e que a relação
entre a sua arte e a sua
conturbada vida privada
era bem maior do que
pareceria à primeira vista
ainda menos. Mas o crítico
britânico Geoffrey Macnab,
colaborador regular do
jornal “The Guardian” e da
revista “Sight & Sound”,
mergulha até ao fundo
dessas “ligações perigosas”
no novo estudo biográfico
“The Life and Films of the
Last Great European
Director” (acabado de
publicar em Inglaterra pela
I. B. Tauris). Nele, Macnab
cruza as vidas pessoal e
profissional do realizador
para desvendar exactamente
quanto de pessoal
era visível nos seus filmes, e
dedica especial atenção às
suas complexas relações
emocionais e profissionais
com as actrizes que dirigiu,
muitas das quais citadas no
livro através de entrevistas
inéditas – e com três das
quais teve casos mais ou
menos longos (Harriet
Andersson, Bibi Andersson
e Liv Ullmann)
O crítico pinta um retrato
de Bergman como um
cineasta intenso, obcecado,
quase tirânico (mais com os
técnicos, mas também com
os actores), que, nas
palavras da sua assistente
Katinka Farago, “dava tudo
de si em cada cena de cada
filme e queria que todos à
sua volta fizessem o mesmo”.
Bibi Andersson queixou-se,
uma vez, que Bergman
não gostava que as
suas actrizes entrassem no
Intenso, obcecado, quase tirânico:
o novo retrato a corpo inteiro de Bergman
“plateau” sem ideias próprias
sobre as personagens,
mas que era capaz de discussões
terríveis quando essas
ideias não coincidiam com as
suas. E Harriet Andersson
aponta que o realizador
parecia atribuir-lhe papéis
consoante se estivessem a
dar melhor ou pior na altura.
Mas, apesar de tudo, todas
elas não trocariam por nada
a experiência de serem
dirigidas por Bergman -
mesmo a falecida Ingrid
Bergman, que o esbofeteou
nas rodagens de “Sonata de
Outono”, ou Lena Olin, que
incorreu no desagrado do
realizador por ter engravidado
durante os ensaios de
uma peça de Strindberg.
Macnab aponta que nenhum
outro realizador europeu
seu contemporâneo terá
Com Liv Ullmann,
de quem teve uma filha

estado tão atento e sido tão
compre-ensivo com a vida
emocio-nal do sexo
feminino e, a propósito, Liv
Ullmann, mãe de Linn, a
mais jovem das nove filhas
e filhos de Bergman, fez
esta confis-são: “Pela
primeira vez en-contrei um
realizador que me deixou
expressar emo-ções e ideias
que mais nin-guém tinha
visto em mim.”
Jorge Mourinha
David Byrne
não larga a bicicleta
AFP
minha primeira tentativa, sentime
liberto e com imensa
energia. Foi estimulante circular
pelas ruas sujas. No final dos
anos 80 descobri as bicicletas
desmontáveis, e quando ou o
meu trabalho ou a minha
curiosidade me levam para
outras partes do mundo
costumo levar uma bicicleta
comigo”, escreve ele.
No novo livro, Byrne conta
como foram as suas viagens em
bicicleta em oito cidades:
Londres, Berlim, Istambul,
Buenos Aires, Manila, Sydney,
São Francisco e Nova Iorque. E
também por outros sítios da
América. O jornal britânico
“The Guardian”, que já leu o
livro, acredita que este tem
muito em comum com “What I
Talk About When I Talk About
Running”, do romancista
japonês Haruki Murakami (que
vai ser publicado em Portugal
pela Casa das Letras). Ambos os
livros reflectem o que os autores
vão meditando e pensando
enquanto atravessam as cidades
(um de bicicleta e outro a pé).
Escreve também o crítico do
“The Guardian” que este não é
um livro onde se aprende a
mudar um pneu ou a tapar um
furo. Não é um guia daqueles
em que nos dizem que tipo de
bicicleta comprar, apesar de no
final do livro existir um capítulo
com algumas dicas. A
determinada altura David Byrne
está a falar dos ciclistas novaiorquinos
e escreve: “Talvez
seja irrealista mas acho que se
os ciclistas querem ser mais
bem tratados pelos motoristas e
pelos peões têm que obedecer
às regras de trânsito tal como
eles esperam que os carros o
façam.” Um aviso sensato.
Novas edições
no centenário
da morte de Euclides
da Cunha
O centenário da morte de
Euclides da Cunha, autor de “Os
Sertões” (obra de ciência e
literatura), está a ser assinalado
no Brasil de várias maneiras.
Jornalista, escritor, poeta,
historiador, engenheiro,
Euclides da Cunha morreu no
dia 15 de Agosto de 1909 numa
troca de tiros no subúrbio
carioca de Piedade. Tinha 43
anos e foi morto por
Dilermando de Assis, em quem
tinha atirado primeiro, quando
confirmou que este era amante
da sua mulher, Ana Ribeiro.
Além das exposições “Euclides
da Cunha, uma poética do
espaço brasileiro” na Biblioteca
Nacional e “Euclides, um
Euclides da Cunha
está a ser redescoberto
brasileiro” na Academia
Brasileira de Letras, vão ser
publicados vários livros. Em
Setembro, divulgou o
suplemento “Prosa & Verso” do
jornal “O Globo” desta semana,
vai ser editada na editora Ateliê
Editorial a biografia
“Euclides da Cunha: Uma
Odisseia nos Trópicos”,
escrita pelo professor de
literatura norte-americano
Frederic Amory, que morreu
em Fevereiro. Também nos
próximos meses vai para as
livrarias brasileiras “Euclides
da Cunha: Poesia Reunida”,
uma antologia organizada pelos
professores Francisco Foot
Hardman e Leopoldo M.
Bernucci e editada pela Unesp.
É uma edição comentada que
junta num só volume a
produção poética de Euclides,
que estava dispersa, bem como
algum material inédito. São 133
poemas (inéditos, dispersos e
variantes de alguns poemas).
Estes professores universitários
demoraram dez anos a concluir
este projecto: ao “Prosa &
Verso”, Foot Hardman explicou
que “a letra dele é dificílima, o
estado do material não é
excelente, o trabalho de
transcrição dos manuscritos
não foi fácil.” Por fim, a editora
brasileira Nova Aguilar vai
reeditar a “Obra Completa”,
com organização do professor
Paulo Roberto Pereira.
Mike Nichols
leva mais um
romance
de Highsmith
ao cinema
“Águas Profundas”,
o romance que
Patricia Highsmith
publicou em 1957,
vai ser adaptado ao
cinema por Mike
Nichols numa
produção da Fox
2000. Quem o diz é a
revista “Variety”, que
sabe ainda que a adaptação
do romance caberá ao
argumentista Joe Penhall, que
recentemente também escreveu
o argumento que adapta ao
cinema “A Estrada”, de Cormac
McCarthy. O romance escrito
pela autora de “O Talentoso Mr.
Ripley” (também já adaptado ao
cinema) conta a história de um
casal norte-americano, Victor
Van Allen e Melinda, que
parecia ter um casamento
perfeito. Mas Melinda tem
amantes e tudo se complica
quando estes começam a
morrer.
“Bleach” inclui um segundo
CD com um registo inédito de 1990
Depois do labirinto
de “Closer”, o labirinto
de “Águas Profundas”
Primeiro álbum
dos Nirvana em
reedição de luxo
Há mais um álbum mítico a fazer 20
anos em 2009 (há umas semanas
estávamos aqui a falar de
“Doolittle”, dos Pixies) e a ter direito
a uma reedição de luxo. “Bleach”, a
primeira coisa que os Nirvana
fizeram juntos, vai voltar a sair no
Outono (a data certa é 3 de Novembro),
agora em versão revista e
aumentada, com o selo da Sub Pop,
a editora original da banda de Kurt
Cobain. O novo “Bleach” vai ser um
CD duplo que inclui, além das 13
canções do disco, o registo inédito
de uma actuação dos Nirvana no
Pine Street Theatre de Portland, a 9
de Fevereiro de 1990 (“featuring”,
por exemplo, “About a girl” e uma
“cover” de “Molly’s Lips”, dos
Vaselines) e um livrinho de 16
páginas com fotografias que nunca
foram mostradas. Tal como o álbum
original, o duplo LP também vai
estar disponível em vinil branco.
Jack Endino, que em 1989 gravou
“Bleach” em apenas 30 horas, foi o
produtor chamado para remasterizar
a reedição. Já não tem grandes
memórias das sessões de gravação
mas tem memória de ter passado a
ser reconhecido por isso, disse à
“Rolling Stone”: “Quando conheci o
Iggy Pop, ele disse-me: ‘Ah sim, tu
fizeste aquele grande álbum dos
Nirvana’. Estava efusivo, completamente
pasmado, e não parava de
dizer que adorava aquilo”.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 3
MARK SELIGER/CORBIS OUTLINE

TIMOTHY A. CLARY/ AFP
E para onde vai a
dança quando não
estamos a olhar?
É imaginar pinturas a serem retiradas das paredes dos museus ou livros
a sair das lojas e bibliotecas no dia da morte dos seus autores. É imaginar
um poema a não voltar a ser dito. Na dança, é assim – com a morte,
as luzes de cena começam lentamente a apagar-se. Nos últimos meses
perdemos Pina Bausch e Merce Cunningham, dois gigantes. Alguém sabe
o que vai acontecer às obras com que mudaram o mundo? Vanessa Rato
4 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon

“É preciso amar a dança para continuar
a dançar. Não nos devolve nada,
nenhuns manuscritos para guardar,
nenhumas pinturas para pendurar nos
museus, nenhuns poemas para serem
impressos e vendidos, nada a não ser
aquele momento fugaz em que nos sentimos
vivos. Não é para almas instáveis.”
Merce Cunningham
Primeiro foi a surpresa, o choque,
depois veio o pânico, com a mesma
pergunta a passar pela cabeça de toda
a gente: e agora?
Afinal, a quem pertence e como se
preserva um tipo de legado que, por
definição, é imaterial, um património
como a dança, que existe apenas no
momento em que o corpo de alguém
a recebe? A dança é uma questão de
apropriação e, por isso mesmo, de
constante contaminação e transformação.
Uma dinâmica de vida. O contrário
de morte. E, contudo...
26 de Julho de 2009: Merce Cunningham,
um dos génios maiores da
transformação da dança numa forma
de arte moderna, morre em casa, em
Nova Iorque, aos 90 anos.
30 de Junho de 2009: Pina Bausch,
a voz mais transformadora e influente
da dança europeia das últimas três
décadas, morre inesperadamente em
Wuppertal, na Alemanha, aos 68 anos,
apenas cinco dias depois de se saber
doente com um cancro.
21 de Novembro de 2007: Maurice
Béjart, o último grande coreógrafo
dos revolucionários Ballets Russes e
ele próprio um dos mais influentes
autores da Europa das décadas de
1960 e 1970, morre em Lausanne, na
Suíça, aos 80 anos, depois de um mês
de tratamentos cardíacos e renais intensivos.
Capa
Todos eles. E antes deles tantos outros.
Martha Graham, José Limón, Alvin
Ailey, Kurt Joos, Dominique Bagouet...
É a nossa memória a desaparecer
aos poucos, e tentar travar esse
processo tem sido como tentar segurar
um punhado de areia demasiado
volumoso para a nossa mão. Tudo a
escapar-se-nos por entre os dedos.
“A tragédia da dança é que 99 por
cento das peças produzidas desaparecem
passados cinco anos”, dizia-nos
a historiadora de dança norte-americana
Lynn Garafola há apenas três
meses, por altura do centenário do
nascimento do Ballets Russes, a companhia-revolução
criada por Sergei
Diaghilev na Paris de 1909. “Quantas
peças sobrevivem a uma temporada?
Como se passam reportórios quando
as instituições estão permanentemente
a colapsar?”, perguntava-se. Foi
depois que começaram as mortes.
Merce foi previdente e taxativo.
Com cada vez menos energia, confinado
a uma cadeira de rodas devido
à artrite que tinha há décadas e longe
da figura alta e esguia de longo pescoço
cuja invulgar graciosidade foi
em tempos comparada à de Nijinsky,
sabia que o fim estava próximo. Organizou
tudo.
Dois meses antes da sua morte
anunciou uma estratégia de preservação
patrimonial sem precedentes. Um
Living Legacy Plan segundo o qual
deverão ser angariados junto de mecenas
oito milhões de dólares a aplicar
em acções metodicamente delineadas:
a elaboração de um centro de
documentação do seu percurso dos
anos 1940 à actualidade; a remontagem
de trabalhos seminais; uma última
digressão mundial da Merce Cunningham
Dance Company ao longo
dos próximos dois anos; o encerramento
da companhia no regresso a
casa, com um plano de reconversão
de carreiras; e, por fim, a transferência
de todos os bens para o Merce Cunningham
Trust, que fica com a gestão
do legado do coreógrafo.
“O Living Legacy Plan é abrangente,
multifacetado e – como o próprio Merce
– pioneiro. Oferece um novo modelo
para companhias de dança e outras
organizações dirigidas por artistas
em trânsito para uma existência pósfundador”,
dizia em Abril Trevor Carlson,
director executivo da Cunningham
Dance Foundation.
Agora, sem Merce, há quem diga
que vai ser difícil conseguir fundos
para um projecto a três anos. Mas,
com 3,5 milhões de dólares reunidos,
os directamente envolvidos mostramse
optimistas. “A companhia já tem
perspectivas e está confiante de que
vai conseguir os fundos necessários”,
dizia-nos há três semanas Leah Sandals,
assessora de imprensa da fundação.
Segundo Leah, os 14 bailarinos neste
momento no activo estudaram
com Merce e estão preparados para
continuar a ensinar a sua técnica,
dando continuidade a uma linguagem
de excelência extrema, enraizada numa
ideia de movimento puro, seco
de qualquer teatralidade ou pesquisa
psicológica. É a estes bailarinos que
caberá também assegurar a digressão
já em curso e que em Novembro chega
à Europa, incluindo a apresentação
de peças como “Suite for Five”
(1956-1958), a mais antiga do reportório
da companhia e com figurinos
de Robert Rauschenberg (Mónaco,
dias 14 e 15 de Abril) e “Squaregame”,
(1976), uma obra muito raramente
vista, estando por remontar quase
desde a data da sua criação (Charleroi,
Bélgica, 12 a 14 de Novembro).
Foi o plano de Merce, o visionário
que deixou tudo o que pôde – textos,
registos videográficos de espectáculos,
aulas, ensaios e até uma série
documental a ser difundida via Internet
em que as suas motivações e técnicas
são explicadas quer em testemunho
directo quer pela voz de especialistas.
Palavras dele: “É de facto um problema
preservar os elementos de
uma forma de arte que é realmente
evanescente, que é realmente como
a água.”
Como a água, pois: perante as sucessivas
mortes, a conhecida crítica
de dança Judith Mackrell encontrou
palavras particularmente clarividentes
para expressar essa espécie de
evaporação sistemática da dança: “É
imaginar a situação em que as pinturas
de Rauschenberg ou Bacon fossem
descidas das paredes no momento
“A tragédia da dança
é que 99 por cento
das peças produzidas
desaparecem
passados cinco anos.
Quantas peças
sobrevivem a uma
temporada?”
Lynn Garafola
Martha
Graham, um
dos casos
mais
controversos
de
transmissão
do reportório
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 5

6 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Martha Graham
Um precedente
jurídico
Com uma influência artística
comparável à de Picasso,
Stravinsky ou James Joyce,
Martha Graham foi a grande
pioneira da dança moderna
nos Estado Unidos, autora
da primeira alternativa ao
vocabulário clássico a tornarse
numa técnica usada por
companhias de todo o mundo.
Tinha 96 anos quando morreu
em sua casa, em Manhattan,
a 1 de Abril de 1991, com uma
paragem cardíaca, depois de
meses de tratamento hospitalar
a uma pneumonia contraída
durante uma digressão recente
com a sua companhia pela
Europa de Leste. Professora
de futuros bailarinos de
coreógrafos de renome como
Alvin Ailey, Twyla Tharp, Paul
Taylor, Merce Cunningham e
Mark Morris – mas também de
actores como Gregory Peck e
Bette Davis... –, Graham escolheu
em testamento um herdeiro
universal: Ron Protas, seu
companheiro há 30 anos.
Graham e Protas conheceramse
em 1967. Ele era um estudante
de direito e fotógrafo amador
de cerca de 20 anos. Ela tinha
70 e problemas de depressão e
alcoolismo ligados à retirada
dos palcos.
Segundo alguns relatos,
apesar de não ser uma figura
estimada pelos restantes
colaboradores de Graham,
Protas terá sido o responsável
pela recuperação da coreógrafa
e, com a sua morte, acabaria
por se tornar director-geral do
Centro de Dança Contemporânea
Martha Graham, lugar que
deixaria em ruptura em 2000,
quando se lançou numa batalha
legal multimilionária pelos
direitos das peças assinadas
pela sua companheira.
Um primeiro tribunal, um
tribunal de recurso e o Supremo:
todos chegaram à conclusão de
que Graham não podia deixar
a Protas o que não era dela,
todos chegaram à conclusão
de que, como assalariada,
Graham trabalhava para a
sua companhia, sendo esta
a legítima proprietária de
quaisquer direitos de autor.
Para os responsáveis do centro
e da companhia foi um alívio: a
decisão permitiu-lhes continuar
a levar à cena os espectáculos
de sempre. Já Protas, que
recebeu os direitos de apenas
duas das cerca de 180 peças
assinadas por Graham e acabou
responsabilizado pelos prejuízos
causados ao centro pela acção
legal, viu o caso como um
aviso aos artistas: “Espero que
percebam que estão em risco. Ela
acreditava que os seus ‘ballets’
lhe pertenciam”, explicou na
altura. Sublinhando: “Estou
zangado com o que está a ser
feito supostamente em nome de
Martha e dos seus desejos. Com
toda a humildade, eu fui a pessoa
mais próxima dela nos últimos
30 anos da sua vida. É absurdo
pensar que ela tenha morrido a
considerar-se uma assalariada.”
Janet Eilbert, actual directora
artística da companhia,
reconhece que, para além do
Graham deixou
todos os direitos
das suas peças
a Ron Protas, o seu
companheiro; os
tribunais anularam
a decisão
testamento, Graham não deixou
qualquer declaração expressa
sobre o que pretendia que
acontecesse ao seu legado, mas
fala de “declarações implícitas”:
“Martha Graham criou o
centro precisamente para que
este protegesse o seu legado.
Era assalariada do centro e
demonstrou ao longo dos anos
que queria ver o seu legado
vivo, renovado: documentava
o seu trabalho em filme,
ensinava a sua técnica – as suas
acções demonstravam as suas
intenções para o futuro.”
A Protas foram atribuídos
direitos sobre “Seraphic
Dialogue”, uma obra de 1955
baseada na história de Joana
D’Arc, e “Acrobats of God”, datada
de 1960 (“acrobatas de Deus”
era o que Graham chamava aos
bailarinos) – os direitos sobre as
coreografias, porque os direitos
sobre os cenários e figurinos
das mesmas peças ficaram com
o centro. Quando perguntamos
a Janet se imagina ceder esses
materiais a Protas para que
pelo menos as peças possam
continuar a ser feitas, ainda
que por outras companhias, ela
responde: “Não imagino deixá-lo
ficar com eles. Esperamos que
um dia ele nos deixe a nós dançar
essas peças.” V.R.
Vaslav
Nijinsky
da morte desses artistas; é imaginar
a situação em que os romances
de Saul Bellow fossem retirados das
estantes ou a música de Stravinsky
fosse silenciada. Nenhuma outra forma
de arte aceitaria por um segundo
que a morte [de um autor] implicasse
a possível morte da sua obra.”
Da criação ao reportório
Poderá parecer um exagero falar em
silêncio perante um plano como o
deixado por Merce, mas parece bem
menos um exagero perante a incerteza
que paira sobre o Tanztheater Wuppertal
desde a morte de Pina. “A
única coisa que sabemos é que vamos
manter as datas agendadas”, dizia-nos
há dias Ursula Popp, porta-voz da
companhia, explicando que “nada do
resto está decidido”.
Depois de semanas em que a companhia
teve a sua página na Internet
suspensa, nesta vê-se agora um plano
de espectáculos até Julho de 2010. Segundo
Popp, Pina não deixou qualquer
testamento ou vontade escrita
no que toca ao seu legado: “É difícil
dizer. Ela sempre quis que [a companhia]
continuasse, mas não havia qualquer
indicação específica.”
Entre os bailarinos, o francês Dominique
Mercy e a espanhola Nazareth
Panadero são os mais velhos,
estando em Wuppertal praticamente
desde a fundação da companhia, em
1973; conhecedores profundos das
metodologias e motivações da coreógrafa,
seriam sucessores possíveis.
Mas à frente de quê? De uma companhia
de autor feita de reportório?
Para esse cenário, há o exemplo do
Béjart Ballet Lausanne onde nos últimos
dois anos tem assumido as rédeas
o bailarino francês Gil Roman,
que esteve ao lado do seu mestre desde
os anos 1960 até ao fim.
“As novas peças serão assinadas por
ele, como já aconteceu em Dezembro
de 2008, e o reportório será uma mistura
entre herança e novas produções”,
diz-nos uma porta-voz da companhia.
No site, contudo, há datas
marcadas apenas até Outubro deste
ano – o que resta da companhia de um
autor que nos últimos tempos era visto
como pouco mais do que “kitsch”
mas que assinou obras de referência
como “Sinfonia para um Homem Só”
(1955), o primeiro “ballet” de sempre
a utilizar música concreta.
José Sasportes, historiador de dança
próximo de Wuppertal, traça um
quadro igualmente negro para a companhia
de Pina: considera “bastante
provável” que não resista à falta de
novas produções, base primeira da
sua subsistência. “Durante um ano,
dois, é natural que o interesse do público
se mantenha, até como homenagem;
depois, quando não houver
‘tournées’ [com novas produções], a
companhia acaba.”
Optimismo zero: na opinião de Sasportes,
encerrada a companhia, das
cerca de 40 obras assinadas por Bausch
ao longo dos últimos 36 anos o
mais expectável é que apenas três
subsistam – “Orfeu e Eurídice” e “A
Sagração da Primavera”, ambas de
1975 e ambas oferecidas à Ópera de
Paris, cuja companhia Pina instruiu
pessoalmente e que em qualquer altura
as poderá ter em cena, e “Kontakthof”,
uma peça de 1978 que a
coreógrafa foi montando com diferentes
grupos de intérpretes.
Quase quatro dezenas de peças
votadas ao desaparecimento, incluindo
verdadeiros marcos da contem-

“Durante um ano,
dois, é natural que
o interesse do público
se mantenha, até
como homenagem;
depois, quando
não houver novas
produções,
a companhia acaba”
José Sasportes
poraneidade como “Café Müller”, de
1978 e a única peça em que vimos
Pina dançar, ou “Palermo, Palermo”,
de 1989, a primeira da longa série de
peças sobre cidades que acabaria por
incluir Lisboa, com “Mazurca Fogo”,
em 1998. Chocante? É o que tem vindo
a acontecer desde sempre. Afinal,
quantas peças de Marius Petipa chegaram
até nós?
À frente do Teatro Mariinsky, o “ballet”
imperial de São Petersburgo, entre
1871 e 1903, onde ensinou e dirigiu bailarinos
míticos como Nijinsky e Anna
Pavlova, Petipa assinou mais de 50
produções, trabalhos financiados com
milhões de rublos pela corte russa, à
época a mais rica da Europa. Se o “ballet”
é hoje entendido como uma forma
de arte russa é, precisamente, devido
a Petipa, que resgatou da decadência
a tradição francesa e italiana, elevando-a
ao nível de excelência e de fausto
que hoje identificamos como o apogeu
do clássico. E, contudo, para além de
versões de “Giselle”, “Coppélia” e “O
Lago dos Cisnes”, remontagens de
obras pré-existentes, dos trabalhos de
Petipa o público de hoje identificará
pouco mais do que “A Bela Adormecida”,
de 1890, “O Quebra-Nozes”, de
1892, e “Raimunda”, de 1898.
Mais: apenas uma excepção entre
autores do século XIX – a constituída
por August Bournonville, à frente do
Royal Danish Ballet entre 1828 e 1879
onde coreografou cerca de 50 peças,
das quais à volta de 12 continuam hoje
a ser interpretadas pela companhia,
uma das mais antigas do mundo.
É ainda José Sasportes quem alerta:
“A história da dança sempre se
construiu sobre o efémero, sempre
se deitou fora o que se fazia. Até ao
fim do século XIX o que interessava
era o novo. Mas os coreógrafos tinham
discípulos, mantinha-se o modo
de fazer.”
Começar do zero
Discípulos, uma tradição passada de
geração em geração: era a lógica anterior
à hoje omnipresente estratégia
das companhias centradas num autor
e seus produtores que, para conter
custos, contratam intérpretes apenas
no momento das novas criações; é a
lógica que começou a morrer com as
grandes companhias de reportório,
uma figura hoje em extinção perante
a carência de apoios. O tipo de carência
que levou, entre outras, à dissolução
do Frankfurt Ballet, fundado em
1984 por William Forsythe, talvez o
mais brilhante dos coreógrafos que
continuam a trabalhar e reinventar o
vocabulário clássico.
Depois de 20 anos à frente do
Frankfurt Ballet, Forsythe entendeu
que os cortes de financiamentos estatais
com que se confrontava com-
PAULO PIMENTA
Pina Bausch
em “Café
Muller”
(1978), a única
peça em que a
vimos dançar
e que ainda
em 2008 repôs
em Lisboa
prometiam irremediavelmente a qualidade
do seu projecto artístico. Optou
por abandonar a companhia,
criando outra, a Forsythe Company,
com apenas 18 bailarinos, contra os
42 com que o Ballet de Frankfurt começou
e os 34 a que estava reduzido
na altura da dissolução.
“O que lamento é a falta de continuidade
numa estrutura que estava
tão bem organizada”, disse à época
o coreógrafo. Explicando: “Ao longo
dos últimos 20 anos, passaram pela
companhia 130 bailarinos. O conhecimento
foi passado. A quebra disso
é devastadora.”
Vera Mantero, uma das mais consideradas
autoras da chamada Nova
Dança Portuguesa, menciona uma
das consequências mais desconcertantes
da falta de passagem de conhecimento
na sua área: a permanente
sensação de se estar a começar do
zero (perspectiva dos criadores); isso
ou o sentimento cíclico de estar a viver
um “déjà vu” tendencialmente
mais pobre do que a experiência original,
acrescentaríamos nós (perspectiva
do público).
Uma simples biblioteca: “Quando
fui para Nova Iorque [nos anos 1980],
no fim, quando já nem estava a fazer
aulas de dança, passava a vida na biblioteca
de artes performativas do
Lincoln Center, a ver todas aquelas
peças fantásticas dos arquivos de vídeo.
Não há transmissão de conhecimento,
não há ensino sem este tipo
de ferramenta. Desaparece tudo o que
foi feito sem que as coisas novas fiquem
também registadas.”
Em Nova Iorque há o Licoln Center
e a Public Library, em Paris o arquivo
do Centre National de La Danse, com
fundos que vão do espólio de Lisa
MUSEU DO ORIENTE
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 7

“Comer o
Coração”, de
Vera Mantero
e Rui Chafes
Ullman, colaboradora de Kurt Jooss
e Rudolf Laban, a material de coreógrafos
de hoje como Jérôme Bel, o
Fundo Rodolf Noureyev e o Arquivo
Isabelle Ginot, sobre Dominique Bagouet.
Em Portugal, o Fórum Dança
tem tentado manter um pequeno arquivo
videográfico de novas produções,
mas que nem sempre consegue
actualizar, sobretudo em termos internacionais.
De resto, o registo de
algumas obras importantes da história
da dança contemporânea portuguesa
pode estar definitivamente
perdido. Como acontece com “Gust”,
de Francisco Camacho.
Estreada em 1997 e considerada
uma das melhores produções de sempre
da dança portuguesa independente,
“Gust” acabou por ficar registada
apenas num plano geral de qualidade
fraca, imagem de “régie” sem pormenores
individuais e a ideia de uma
reposição, ainda que apenas para filmagens,
é complexa. Para além dos
custos, há que ter em conta os 12 anos
entretanto decorridos: com a morte
da bailarina Paula Castro, há dois anos
e meio, dos restantes 13 intérpretes
originais – os que mais facilmente retomariam
o espírito da produção –,
dois, os mais velhos, estão retirados,
e, das duas bailarinas mais jovens,
uma não deu continuidade à carreira
que estava então a começar.
Um problema de memória
“Quando fazemos as coisas nunca
pensamos que elas vão se vão tornar
história”, diz João Fiadeiro. A Re.Al,
produtora deste coreógrafo, revela
algumas das marcas da história de
precariedade da dança, em geral, e
da dança portuguesa, em particular.
Em caixas fechadas há anos, Fiadeiro
8 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
“Parades and Changes”
Como fazer do presente futuro
Anna Halprin ficou
surpreendida quando a
coreógrafa Anne Collod a
contactou recentemente
pedindo autorização para
remontar “Parades and
Changes”, um dos seus
trabalhos de 1965 (esteve em
Janeiro na Culturgest e na
Fundação de Serralves). Parece
ridículo à luz do século XXI e
da quantidade de corpos nus
que vemos desfilar pelos palcos
de todo o mundo, mas foi a
peça que levou a que, em plena
época do amor livre, Halprin,
hoje com 89 anos, recebesse
voz de prisão. Por isso mesmo:
a nudez dos intérpretes. Mais
de 40 anos volvidos e diluídas
“Mantenho todas
as cassetes de ensaios.
É impensável apagar,
gravar por cima”
Vera Mantero
tem cerca de duas mil cassetes – sobretudo
VHS e Hi8 – de ensaios,
“workshops”, conferências-demonstração
e peças, só que muito desse
material, correspondente a cinco ou
seis anos de actividade até 1998, pode
estar (talvez irremediavelmente) corrompido:
ficou submerso quando o
Tejo inundou o Espaço Ginjal, onde
a companhia teve sede, e continua
guardado desde então. Da mesma
forma, ao longo do tempo “desapareceu
quase tudo” no que toca a figurinos
e cenários, nomeadamente com
o encerramento do Espaço A Capital,
no Bairro Alto, onde a 29 de Agosto
de 2002 a polícia entrou e deu ordem
de encerramento imediato alegando
falta de condições de segurança do
velho edifício onde uma série de estruturas
tentaram criar um centro
DANIEL ROCHA
A remontagem de Anne Collod
evitou uma reconstituição
arqueológica
Em 1965 , a nudez
de “Parades and
Changes” resultou
na prisão de Anne
Halprin; a coreógrafa
quis que esse fosse
um dos aspectos
“revistos” na
remontagem actual
artístico multidisciplinar. Nesse dia,
os responsáveis pelo colectivo teatral
Artistas Unidos abriram a bagageira
de um Honda Civic e enfiaram lá dentro
o essencial – dossiers, computadores
e impressoras. No fim entraram
eles e arrancaram. A Eira, a Re.Al e
os outros fizeram o mesmo.
“Se não preservarmos as coisas
agora, de facto, tudo se perde. É o
problema da não inscrição da história,
um problema de memória. Eu
acho que as minhas peças têm uma
autoria, são do João Fiadeiro, mas
pertencem também à comunidade.
É um património colectivo. Não pensei
muito no que acontece ao meu
trabalho quando eu morrer; mais do
que o que lhe vai acontecer quando
morrer, interessa-me o que lhe acontece
enquanto estou vivo. Porque
mesmo que eu não morra, esqueçome.
É um património que acho que
compete também às escolas, à universidade,
manter, preservar. De preferência
enquanto estamos vivos.”
Em Maio, Francisco Camacho deu
um passo nesse sentido, quando teve
oportunidade de dirigir uma reposição
de uma das suas peças iniciais
com alunos do Fórum Dança – “O Rei
no Exílio”, feito para a Europália, em
1992. Tal como com outras peças, havia
elementos de cenário e figurinos
já perdidos. “Eu próprio tive que a
aprender a peça de novo, porque já
não me lembrava”, explica o coreógrafo,
dizendo ser um trabalho quenão
faz sentido retomar como intérprete:
“Já não tenho idade, não tenho
a energia nem o perfil.”
É outro problema que se levanta: a
relação umbilical entre a linguagem
dos coreógrafos e bailarinos contemporâneos
e o seu próprio corpo ou a
as normas contras as quais à
época trabalhava, foi um dos
vários aspectos que Halprin
quis ver revistos na sua peça,
interdita durante 20 anos nos
Estados Unidos e um marco da
contemporaneidade. Assim,
em vez de uma reconstituição
“arqueológica”, Halprin,
Collod e os intérpretes, entre
os quais a portuguesa Vera
Mantero, dedicaram-se a
recuperar os trilhos originais,
para os percorrer à luz de hoje.
Porventura, precisamente o
que fará mais sentido numa
peça construída a partir de
uma partitura de tarefas (vestir,
despir, caminhar até à boca de
cena…) ou em qualquer trabalho
em que a improvisação tenha
cumprido um papel importante.
“Não há uma maneira específica
de cumprir a partitura”,
diz Vera Mantero, “trata-se
de experimentar, inventar
maneiras. Vimos filmes, lemos
livros, textos que se escreveram
sobre a peça, mas a ideia não
foi imitar. O que ela nos disse
foi: ‘É preciso ver o que fazia
sentido na altura e já não faz
hoje.’” A nova versão acabou
por desembocar, contudo,
essencialmente no mesmo lugar
que a original. “Se calhar não
estamos a cumprir os desígnios
da peça ao fazê-la tal e qual, mas
cumprimos as partituras…”. V.R.
fisicalidade e bagagem referencial dos
seus cúmplices. Ao contrário do que
acontece com o clássico, com vocábulos
específicos que podem ser treinados
todos os dias, passados 100
anos sobre o nascimento da dança
moderna a maioria dos autores de
hoje usa nas suas criações um cruzamento
multifacetado e idiossincrático
de linguagens, um universo que acaba
por ter mais a ver com uma posição
na arte e no mundo do que com
uma tradição propriamente dita.
Martha Graham, Cunningham e
Limón desenvolveram técnicas de
movimento. Já não é o caso de Pina,
a quem devemos esse extraordinário
facto de os bailarinos terem ganho
voz. Não é também o caso da maioria
dos autores portugueses. José Sasportes
compara, aliás, Vera Mantero
a Isadora Duncan, de tal forma a sua
linguagem é pessoal: “A Vera é ela,
aqui. É um caso de destruição natural.”
É também, contudo, um caso raro
de preservação de material: “Mantenho
todas as cassetes de ensaios, dos
processos de trabalho. É impensável
apagar, gravar por cima. Tenho a noção
de que vai ser preciso perceber
como se chegou ali. Cadernos, notas...
Guardo tu do. Até diários de
adolescência: têm coisas que são já
a formação de ideias para o que queria
fazer.”
Tudo ali. E, contudo, será material
morto se ninguém o retomar. Martha
Graham costumava dizer: “Nenhum
artista está à frente do seu tempo.
Ele é o seu tempo; são os outros que
estão atrasados.” No caso da dança
é fundamental que não nos deixemos
atrasar demais. Ela não fica à espera.
Foi.
João Fiadeiro tem cerca de
duas mil cassetes de ensaios,
“workshops” e peças; muito desse
material pode ter-se perdido
nas inundações do Espaço Ginjal

SARA MATOS
“O Pássaro de
Fogo” na
montagem
mítica de
Maurice
Béjart
Millicent Hodson
Como manter o
passado presente
Hodson e o marido reconstruiram o reportório de Vaslav Nijinsky,
incluindo esta “Sagração da Primavera”
É uma das obras mais
importantes do século XX: em
1913, “Sagração da Primavera”
foi a segunda coreografia
do bailarino russo Vaslav
Nijinsky para os Ballets
Russes, porventura a mais
célebre das peças célebres da
primeira grande companhia
de bailado independente do
mundo. Depois da polémica
provocada no ano anterior
com “Prelúdio à Tarde de um
Fauno”, um trabalho em que
Desde
os anos
1970,
Millicent
Hodson
e o marido
recolheram
dezenas de
testemunhos
directos
de forma
a conseguir
aproximar-se
do que terão sido
as produções
originais dos
Ballets Russes
Nijinsky – o fauno – simulava
masturbar-se com um lenço (um
choque para o público médio
da época, com a peça a acabar
acusada de obscenidade),
“Sagração da Primavera”
redobraria a provocação sexual
dos ambientes primitivistas
– redobraria também, claro, o
escândalo, acabando com um
motim em que a polícia teve que
intervir.
Inspirada em antigos
rituais de fertilidade e com
movimentos tão inesperados e
crus quanto a partitura musical
de Igor Stravinsky, cheia de
dissonâncias e assimetrias,
nenhuma da fluidez comum à
época, “Sagração da Primavera”
acabaria por passar décadas
perdida depois do fim dos
Ballets Russes em 1929,
recuperada apenas em 1987 pela
companhia norte-americana de
Robert Joffrey em colaboração
com a coreógrafa e historiadora
Millicent Hodson e o marido
desta, o também historiador
Kenneth Archer. Juntos, Hodson
e Archer têm vindo a investigar
o período dos Ballets Russes,
reconstruindo o seu reportório
para grandes companhias
internacionais. Desde os anos
1970 recolheram dezenas de
testemunhos directos de forma a
conseguir aproximar-se o mais
possível do que terão sido as
produções iniciais. Numa breve
entrevista por telefone, Hodson
conta o caso emblemático da
entrevista feita a uma antiga
bailarina que, enquanto criança,
entrara num dos espectáculos
da companhia e se lembrava de,
antes de entrar em cena, estar
apoiada numa trave de madeira,
à espera – a trave de madeira
era o dado que faltava a Hodson
e Archer para perceber como
montar o cenário. A maior parte
dos figurinos originais, feitos
de lã e com pesados apliques
de metal e osso, estão hoje no
Victoria and Albert Museum, em
Londres. V.R.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 9

Sacanas Sem Lei
“E de repente, bum!,
um filme sobre a II Guerra
Mundial transforma-se numa
carta de amor ao cinema”
Quentin Tarantino
www.ipsilon.pt
Em Londres com Quentin Tarantino
e os actores Diane Kruger e Christoph Waltz
(prémio de interpretação em Cannes)
Não perca a edição de 28/08/09

Cinema
“4 Copas” é a quarta longa-metragem
de ficção de Manuel Mozos (n. 1959),
história de um trio de personagens
que depois passa a quarteto unido e
desunido pelas circunstâncias afectivas,
numa Lisboa sempre reconhecível
mesmo quando não é identificável.
É um momento feliz na obra de Mozos,
desde sempre assolada por percalços
variados: “4 Copas” estreia-se
comercialmente, “Ruínas” (ainda não
estreado) tem ganho alguns prémios
importantes. Em conversa com o Ípsilon,
Manuel Mozos falou de “4 Copas”
e dos caminhos difíceis percorridos
pelos jovens cineastas portugueses
que se iniciaram nos anos 80.
Mozos foi um deles, e aprendeu que
“nunca se ganha e nunca se perde”.
A sua carreira vive em 2009 um
momento particularmente feliz.
“Ruínas” tem dado nas vistas
[foi premiado no IndieLisboa
e no FID-Marselha], “4 Copas”
estreia-se comercialmente... E
apresentou ainda “Aldina Duarte
- Princesa Prometida”. Numa
obra que tem sofrido com tantas
irregularidades, tem alguma
explicação para esta conjuntura
afortunada?
É uma coincidência, que até é devida
a essas irregularidades. A rodagem
do “4 Copas” foi em 2005, está pronto
praticamente desde há dois anos,
e há um ano e meio que estava à espera
da estreia. O “Ruínas” também
foi um processo prolongado, ficou
pronto agora. Assim como o da Aldina.
É uma coincidência, mas acho que
há uma coerência [risos] na relação
com as irregularidades. O caso extremo
é o “Xavier”, que ficou muitos
anos à espera de ser estreado, mas há
uma aura de invisibilidade em torno
de tantas coisas que fiz...
P- “4 Copas” é a sua quarta
ficção. Como é que a relaciona
com as outras três [“Um Passo,
Outro Passo, e Depois”, 1989,
“Xavier”, 1992, e “...Quando
Troveja”, 1999]?
Por um lado, ambientam-se todos em
Lisboa, e, por outro, [há] uma proximidade
nos traços das personagens.
Personagens em queda, que acabam
por ter uma espécie de redenção, e
se movem no quotidiano. No “4 Copas”
isso sente-se de maneira diferente,
porque seguimos quatro personagens
e não uma, mas isso para mim
até é um pouco uma súmula, permiteme
apanhar quatro personagens de
gerações diferentes.
A Lisboa de “4 Copas” é um
pouco mais tortuosa. Gira
entre o corriqueiro do centro
comercial e a clandestinidade da
casa de jogo. É uma Lisboa dada
mais por ambientes do que pela
rua.
Concordo. Não é o aspecto realista da
cidade que me interessa. Antes usar
a geografia como “décor”, procurar
o que nela há de “papelão”, usá-la
como uma paleta. Neste filme há mais
interiores, de facto. A ideia de ter personagens
a moverem-se numa aparência
de subterrâneo já me tinha
interessado no “...Quando Troveja”,
mesmo se aí acabei por não a explorar
como queria. Em todo o caso não
Margarida
Marinho em
“4 Copas”
Nunca se ganha
e nunca se perde
A quarta longa-metragem de ficção de Manuel Mozos, “4 Copas”, é um momento feliz numa obra
assolada por percalços que continua, como diz o próprio, parcialmente “invisível” - mas que
corresponde a um dos percursos mais originais do cinema português. Luís Miguel Oliveira
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 11
NUNO FERREIRA SANTOS

é o realismo estrito que me motiva.
O casino clandestino, por exemplo,
tem um lado postiço, é sobretudo
uma ideia, um ambiente...
Se há uma coisa que define
os seus filmes é a maneira
de trabalhar as personagens
e de se relacionar com elas.
É única e inconfundível no
cinema português. Em termos
de construção, diria que é a
narrativa que as decide, ou
que são elas que decidem a
narrativa? É que fica a sensação
de que, a partir de certa altura, o
seu amor pelas personagens, por
todas elas, se sobrepõe a tudo.
Este filme tem uma nuance. Ao contrário
das minhas outras ficções, que
partiam de ideias minhas ainda que
depois as desenvolvesse com outras
pessoas, o argumento do “4 Copas”
nasceu de um trabalho conjunto com
a Cláudia Sampaio e o Octávio Rosado.
Julgo que para eles o mais interessante
até era o trabalho sobre a história.
Mas eu envolvi-me especialmente no
desenvolvimento das personagens, de
maneira a que nalgumas partes se poderia
até dizer que a história ficou fragilizada.
Na montagem ainda reforcei
mais isso. Tentei tirar partido do que
havia de mais forte no trabalho dos
actores. Digo “fragilizada” no sentido
em que a certa altura me preocupei
menos com a “coerência” da história
do que com o que fazia com que se
pudesse acreditar nas personagens.
Uma história alternativa
do cinema português
Tendo formação e experiência
de montador, com inúmeros
trabalhos para outros
realizadores, consegue criar
uma distância face ao material
filmado por si?
É complicado. Nos meus filmes trabalho
sempre com outros montadores.
E gosto de lhes deixar algum espaço
para eles fazerem a sua leitura. A sua
leitura e a sua escrita. Mas por força
das circunstâncias acabei, neste filme
assim como no “Xavier”, por estar
muito directamente ligado à montagem.
Houve uma primeira versão,
montada pelo Pedro Marques, com a
qual estávamos bastante satisfeitos,
mas era uma versão decidida na relação
com uma série de trechos musicais
de que não pudemos comprar os
direitos, que eram uma exorbitância.
Como ele depois não estava disponí-
“[Há] uma
proximidade
nas personagens
[dos meus filmes].
Personagens em
queda, que acabam
por ter uma (...)
redenção, e se movem
no quotidiano”
12 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
“Ruínas” foi
premiado na
última edição
do
IndieLisboa
e no FID-
Marselha
NUNO FERREIRA SANTOS

“Xavier” (1992), um filme que ficou anos à espera de ser mostrado
vel, fiquei eu, um bocado a contragosto,
a trabalhar na remontagem.
Percalços e interrupções... A
sua carreira parece atraí-los: o
“Xavier” foi o que foi, o “Passo”
é um dos poucos “missing films”
dos anos 90...
Há mais, há mais... [risos]
A pergunta é: num meio
já de si tão complicado e
frequentemente adverso como
é o do cinema português, como
é que se lida com toda esta
adversidade adicional?
Já me angustiei mais com isso. Hoje
acho que não vale a pena perder muito
tempo a pensar nessas contrariedades.
Prefiro estar contente com a
vida do que viver amargurado por
causa de alguns azares. Também já
não tenho as pretensões e as ambições
que tinha há vinte ou mesmo há
dez anos. Há uma certa resignação,
se calhar um pouco estúpida. O caso
do “Passo” ainda me faz sofrer um
bocadinho, embora tenha esperança
que algum dia venha a ser encontrado
[o filme só é visível actualmente em
transcrições vídeo]. Mas em Portugal
há tanta coisa que se perde, que fica
para trás... Também não me angustio
com o futuro. Se fizer outro filme, farei.
Já não tenho muita paciência para
as minhas próprias angústias. Fiz
um número razoável de filmes, mesmo
que não sejam vistos. Mas eu sei
que os fiz. Para mim isto já é uma satisfação.
É claro que me posso perguntar
se as coisas como me estão a
correr hoje...
...tivessem corrido assim desde o
princípio...
...mas nem vale a pena. Tenho-me
divertido...
Deve ser das pessoas com um
interesse mais intenso, e quase
enciclopédico, no cinema
português e nos seus recantos
mais obscuros. É capaz de falar
com profunda estima de um
filme falhadíssimo dos anos 50,
ou de uma produção amadora
feita sabe-se lá onde... Para dizer
que são maus, mas sem que isso
impeça uma espécie de apreço.
De onde é que isto vem? O que
é que o interessa tanto nesta
história alternativa do cinema
português como falhanço?
Não é só no cinema...
Eu sei, mas circunscrevendo...
Por um lado, e genericamente, tenho
tendência a comover-me com a “décalage”
entre uma intenção e o resultado
dela. Por outro, no cinema português
há, ou havia, algumas pessoas
que mesmo sem talento ou condições
se entregavam ao que estavam a fazer
com total convicção. O resultado podia
ser péssimo mas era a vida daquelas
pessoas. Para além disso, e por
maus que sejam, podem-se sempre
encontrar coisas interessantes nesses
filmes. Pormenores de arquitectura,
a maneira como as pessoas se vestiam.
O esforço inglório de alguns actores,
a darem o melhor de si e depois o filme
não presta para nada... Às vezes
“Não me angustio
com o futuro. Se fizer
outro filme, farei.
Já não tenho muita
paciência para as
minhas angústias. Fiz
um número razoável
de filmes, mesmo que
não sejam vistos.
Mas eu sei que os fiz”
há momentos fantásticos. Claro que
é um bocadinho enfadonho estar a
ver uma hora e meia para aproveitar
trinta segundos. Mas pronto.
Matar o pai
A sua geração, por discutível
que seja o conceito de “geração”
mas aceitemo-lo para definir o
conjunto de pessoas que chegou
ao cinema nos anos 80, teve
imensas baixas e desaparecidos
em combate. Quase se lhe pode
chamar, a si, um “sobrevivente”.
O que é que esta geração
encontrou de tão especialmente
difícil? Tem alguma explicação?
Havia um problema geral, que sempre
houve: falta de espaço. As próprias
condições de produção o ditam.
Nunca houve um investimento sério
para criar, não uma grande indústria,
que seria impossível, mas algum tipo
de abertura. Da geração dos anos 80
muitos ficaram pelo caminho, de fac-
to. Começava logo nos concursos do
Instituto [Português de Cinema, então],
onde só havia lugar para uma
ou duas primeiras-obras. Havia aquelas
pessoas ainda muita próximas,
etariamente, da geração do Cinema
Novo - o João Botelho, o Luis Filipe
Rocha, o José Alvaro Morais, o Jorge
Silva Melo -, e a vida também não foi
fácil para eles. Mas dos que vieram a
seguir, durante os anos 80, muitos
ficaram bloqueados, praticamente só
o Pedro Costa, o Joaquim Leitão e a
Teresa Villaverde é que conseguiram
singrar. Pessoas como o Vitor Gonçalves,
ou o Daniel Del Negro, fizeram
filmes que como era habitual na época
tiveram dificuldades em estrear
mas foram muito projectados num
círculo restrito, e isto também pode
ser um bocado intimidatório por causa
das expectativas que se criam. E
muitos tiveram infortúnios de todo o
tipo. Se quisesse ir por uma teoria da
conspiração diria que esta conjuntura
até podia ter sido gerida por pessoas
ligadas às decisões sobre o cinema
português, que optaram por estrangular
em vez de abrir. E então
pronto, tinha que haver vítimas e
quem se aguentasse aguentava. Muitos
dos filmes, mesmo cheios de fragilidades,
não mereciam ter levado a
pancada que levaram. Os primeiros
filmes do João Canijo, por exemplo,
aquilo foi complicado. Depois há o
“Nós apanhámos
a geração do Cinema
Novo ainda ligada
a todos os lugares
importantes (...)
e [isso] criou (...)
constrangimento.
É um sentimento de
dívida que os tipos
de agora, que já não
os apanharam nos
lugares decisivos,
não têm. Não lhes
devem nada”
caso do [Edgar] Pêra, que é um caso
de resistência. Em resumo, não consigo
dizer: foi por isto ou foi por aquilo.
Houve um conjunto de factores
que atirou muita gente para fora da
pista. E quando finalmente podiam
estar em condições de recuperar o
tempo perdido aparece uma nova
geração. Voltar 15 ou 20 anos depois
é sempre muito complicado.
Pensando nalguns casos dessa
nova geração, o Joaquim
Sapinho, o João Pedro
Rodrigues, mesmo o Miguel
Gomes, dá a impressão de que
encontraram uma conjuntura
menos agreste. Por outro lado, a
vossa geração era uma geração
de “filhos”, e estes já não são
bem “filhos”. Até que ponto isto
pode ser importante?
Acho que isso é realmente importante.
Quer dizer, eu não sei se o Pedro
Costa ou a Teresa Villaverde...
...se consideram “filhos”...
...pois, mas isto é um facto: nós ainda
conhecemos os “pais”. Até pelos filmes
isso se nota. Havia algumas referências
em comum, até numa linha
de continuidade com o cinema português.
Querendo ou não, ainda estávamos
muito ligados ao Paulo Rocha,
ao António Reis, ao Fernando
Lopes, ao João Bénard da Costa, ao
Seixas Santos ou ao César Monteiro.
Até mesmo, de maneira diferente, ao
João Mário Grilo. Havia uma herança
que era veiculada pela Escola de Cinema.
Julgo que nestes, no Sapinho,
no João Pedro, no Sandro Aguilar, no
Miguel Gomes, há um despojamento
maior. Outra abertura ao mundo.
Ao mesmo tempo, e não
querendo transformar isto em
psicanálise barata, nos vossos
filmes sente-se a noção, ainda
que inconsciente, de estarem a
filmar dentro da “família”, sob o
olhar do “pai”.
Nós apanhámos a geração do Cinema
Novo ainda ligada a todos os lugares
importantes, no IPC, na RTP... Eu por
exemplo devo o meu primeiro filme
ao Fernando Lopes, foi ele quem me
convidou para os “Corações Periféricos”
[a série onde se integrava “Um
Passo, Outro Passo e Depois”]. E acho
que este tipo de relacionamento criou
uma espécie de constrangimento nos
mais novos, que aliás era incentivado
pelos mais velhos. Estou a dizer isto
mas não implica que não tenha admiração,
respeito e amizade por muitos
desses cineastas. Mas é um sentimento
de dívida que os tipos de agora, que
já não os apanharam nos lugares decisivos,
não têm. Não lhes devem nada.
Quando “Xavier” teve uma
sessão de antestreia na
Cinemateca, incluiu na folha
de sala um poema de Jaime
Gil de Biedma [“Príncipe da
Aquitania, En su Torre Abolida”]
que começa assim: “Una clara
consciência de lo que ha perdido
/ es lo que le consuela”. É tão
fácil adivinhar que se identifica
com este verso...
Ah, sim, sim. Isto pode fazer confusão
a algumas pessoas, mas serve-me para
avançar. OK, perdi certas coisas
mas... é como na canção do [John]
Cale, “never win and never lose”
[“nunca se ganha e nunca se perde”]...
...ou na do Dylan, “there’s
no success like failure but
failure’s no success at all” [“não
há triunfo como o falhanço,
mas o falhanço não é triunfo
nenhum”]...
As coisas equilibram-se. Mesmo quando
perdemos muito ganhamos alguma
coisa. E isto é importante.
Ver crítica de filmes na pág. 33 e segs.

Queres ser
Charlie Kaufman?
Dez anos depois de Spike Jonze ter rodado “Queres Ser John
Malkovich?”, Charlie Kaufman estreia-se na realização com “Sinédo
que, Nova Iorque”, filme que é síntese e desconstrução da voz
autoral de um dos mais peculiares argumentistas dos
últimos anos. Jorge Mourinha
Há um velho adágio que diz que
Hollywood paga bem aos seus argumentistas
mas depois compensa tratando-os
abaixo de cão.
Charlie Kaufman é a excepção que
confirma a regra. Sobretudo porque
o guião que fez o seu nome andou
anos aos tombos por Hollywood, com
toda a gente a dizer-lhe que era espantoso
mas infilmável. Um Oscar (e duas
nomeações) depois, Kaufman é um
dos guionistas mais intocáveis, mais
influentes e mais raros do cinema
americano. Intocável porque ninguém
consegue escrever como ele,
influente porque ninguém desiste de
o tentar, raro porque em dez anos
apenas produziu seis guiões.
Seis guiões que cristalizaram uma
voz autoral com uma identidade narrativa
tão forte que nem mesmo uma
mudança de realizador (quatro, até
agora) a consegue apagar ou diluir.
Seis pontos de vista diferentes que
concentram em si a essência do seu
tema central: a identidade. Ou a vida.
Ou a morte. Ou a perda. Ou, apenas,
a mente de Charlie Kaufman.
Num filme-Kaufman, o verdadeiro
autor (coisa rara no cinema contemporâneo,
venha ela dos EUA ou de
outros sítios) é o argumentista, e o
que varia de filme para filme é o modo
como cada realizador se entrosa,
ou não, com o seu peculiar modo de
olhar o mundo, com uma das escritas
mais originais que o cinema americano
revelou em muito tempo.
Tão original que não percebemos
exactamente de onde ela vem, como
é que chegou aqui e como é que a formatação
de Hollywood ainda não deu
cabo dela.
Questões de identidade
Em “Confissões de uma Mente Perigosa”
(2002), George Clooney, no papel
de um agente da CIA, diz à vedeta
televisiva interpretada por Sam Rockwell:
“Jesus Cristo morreu e ressuscitou
aos 33 anos. Você tem 32 e ainda
não fez nada que se visse. É melhor
despachar-se”.
Charlie Kaufman estudou cinema
em Nova Iorque, mas chegou aos trintas
a trabalhar no departamento de
14 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
assinaturas de um jornal de Minneapolis
com a sensação de que a vida
lhe estava a passar ao lado. Foi para
Los Angeles trabalhar como argumentista,
passou anos em séries televisivas
que nunca foram a lado nenhum,
e expressou a sua frustração no tal
guião espantoso mas infilmável, “Queres
Ser John Malkovich?”, história de
um marionetista frustrado que, forçado
a trabalhar para ganhar a vida,
descobre um portal que permite passar
quinze minutos dentro da cabeça
do actor John Malkovich — e o preço
de se querer ser quem não se é.
Filmado em 1999 por Spike Jonze,
“Queres Ser John Malkovich?” transformou-se
num fenómeno, integrando
Kaufman numa nova geração de
criativos capitaneada por Jonze e pela
(sua então esposa) Sofia Coppola
que parecia prestes a redefinir o cinema
americano.
No espaço de dois anos, depois de
ter passado anos a batalhar em vão,
Kaufman viu três guiões colocados em
produção — o melhor dos três, ironicamente,
a “encomenda” feita por um
estúdio (a Columbia). “Inadaptado”
(2002), de novo dirigido por Jonze,
distorcia o caderno de encargos (a
adaptação do “best-seller” não-ficcional
de Susan Orlean) para se tornar
num fervilhante laboratório formal
meta-narrativo, encenando, em vez
da narrativa do livro, o processo da
sua própria adaptação ao cinema: um
filme sobre a criação do próprio filme,
com Nicolas Cage a dar corpo a uma
personagem chamada “Charlie Kauf-
Charlie Kaufman
é uma voz autoral
com uma identidade
tão forte que nem
mesmo uma mudança
de realizador (quatro,
até agora) a consegue
apagar ou diluir
Cinema
“Queres Ser John Malkovich?” 1999
“Confissões de uma Mente Perigosa” 2002
“Human Nature” 2001
“Inadaptado” 2002

RUNE HELLESTAD/CORBIS
“O Despertar da Mente” 2004
A escrita de
Kaufman
é tão original
que não
percebemos
de onde ela
vem, como
é que chegou
aqui e como
é que a
formatação
de Hollywood
ainda não
deu cabo dela
“Sinédoque, Nova Iorque” 2009
man” e ao seu irmão gémeo “Donald”,
aliás creditado como co-autor do argumento.
E se a tentação de ver autobiografia
nisto é grande (como é,
aliás, em todos os seus filmes, tal é a
componente emocional que Kaufman
consegue injectar no que à partida
são conceitos demasiado secos e teóricos),
considerem o seguinte: Donald
Kaufman não existe.
“Inadaptado”, filme sobre um artista
que procura compreender o seu
lugar no mundo, ressoa directamente
em “Sinédoque, Nova Iorque” (2008),
a sua estreia na realização, ontem chegada
às salas portuguesas depois de
ter estado a concurso em Cannes
2008, também sobre um artista à procura
do seu lugar (embora de modo
muito mais elíptico). Mas encontramos
também ecos seus em “Human
Nature” (2001), espécie de “negativo”
do “Menino Selvagem” de Truffaut,
e no vaivém entre a verdade e a
mentira de “Confissões de uma
Mente Perigosa” (2002), adaptação
da “autobiografia” do
apresentador televisivo Chuck
Barris, que se apregoava
uma suposta vida secreta
como assassino contratado
da CIA.
Com a questão da identidade
— quem somos; como
chegámos a sê-lo; pode
alguem ser quem não é?
— como chave de leitura comum,
“Inadaptado” destacava-se
pela sintonia entre
realizador e argumentista:
nem Michel Gondry nem George
Clooney, ambos em tempo de
estreia na realização, souberam fazer
inteira justiça às explosões criativas
de Kaufman, tombando em armadilhas
clássicas de primeiro filme.
A lição de “Human Nature” foi
aprendida por Gondry, que partilhava
com Jonze um passado de inovador
no campo do teledisco e que deu carta
branca a Kaufman para trabalhar
uma ideia que desenvolvera com um
amigo. A colaboração entre ambos,
cristalizando a meditação do argumentista
sobre a identidade através
de um artesanal desvio Gondryano
pelos mecanismos da memória, deu
origem a um dos mais notáveis filmes
da década, o sublime “O Despertar
da Mente” (2004), valendo a Kaufman
o Oscar do argumento (depois de duas
nomeações não concretizadas por
“Malkovich” e “Inadaptado”).
Esta história de amor que literalmente
se recusa a ser esquecida (porque
esquecer implicaria apagar a verdade
das emoções e da identidade,
perder a humanidade de quem somos)
é ao mesmo tempo a sequela
perfeita aos filmes anteriores e a introdução
ideal a “Sinédoque, Nova
Iorque”, desenvolvido inicialmente
como (pasme-se) um filme de terror
para Spike Jonze dirigir.
Universos paralelos
Concebido como um filme de género,
“Sinédoque, Nova Iorque” transformou-se
numa meditação claustrofóbica
sobre a identidade, a arte e a vida
que a Columbia não quis financiar,
que Jonze (retido na produção conturbada
de “O Sítio das Coisas Selvagens”)
não pôde realizar, e que Kaufman
acabou por dirigir sozinho na sua
Não há ninguém que
consiga aproximar-se
de Kaufman na
construção de
universos paralelos.
“Sinédoque” é um
labirinto em
constante mutação,
onde é tão fácil perder
o pé que o próprio
autor se terá perdido
pelo meio
estreia atrás da câmara. Confirmando
ao mesmo tempo duas coisas.
Primeira: Kaufman é mais argumentista
(teórico de ideias) do que
realizador (praticante de imagens), e
a sua inexperiência confirma que é
preciso uma invulgar conjugação de
talentos para levar a bom porto um
filme seu — “Sinédoque” é muito mais
filme de argumentista do que primeira
obra de realizador estreante.
Segunda: não há ninguém que consiga
sequer aproximar-se de Kaufman
no que diz respeito à construção de
universos paralelos. “Sinédoque” é
um labirinto em constante mutação,
onde é tão fácil perder o pé entre os
vários níveis de referencialidade que,
alegadamente, o próprio autor se terá
perdido pelo meio.
A história de um encenador de teatro
preso numa espiral obsessiva
afina, refina e pormenoriza a invenção
de uma realidade paralela que
reencontramos em todos os filmes
escritos por Kaufman, a meta-narrativa
que navega entre a arte a vida, a
incapacidade de esquecer o passado
que fez de nós quem somos, a necessidade
de tentar fazer sentido do
mundo que nos rodeia (mesmo que
esse mundo seja um casulo puramente
interno...). É uma espécie de “Kaufman
redux”, só que sem a escapatória
de um final mais ou menos feliz
ou de um regresso à realidade: “Sinédoque”
é uma toca de coelho que se
esboroa atrás de nós em direcção a
um final abrupto mas inescapável.
“Só existe um único final para qualquer
história. A vida humana acaba
com a morte. Até lá chegarmos, a vida
vai andando, vai ficando mais complicada.
Tudo implica perda.”
As palavras são do próprio Kaufman,
à revista “Wired”, aquando da
estreia americana de “Sinédoque”. E
se elas sugerem que a estreia na realização
do argumentista é um filme
deprimido/depressivo, pensemos
apenas no seguinte: para quem imaginou
a reencarnação no corpo de
John Malkovich, o sacrifício de um
irmão gémeo que nunca existiu ou
uma memória que se recusa a ser apagada,
admitir que daqui ninguém sai
vivo é um triunfo de pragmatismo.
A não ser, claro, que tudo isto apenas
exista na cabeça de Charlie Kaufman.
Ver crítica de filmes na pág. 33 e segs.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 15

ANDREW ZAEH
Música
Lee Fields pode não ser uma estrela
e pode nunca vir a ser uma estrela,
mas está há tempo de mais no circuito
para não se divertir com o que lhe
está a acontecer.
Ao fim e ao cabo, este é o tipo que
esteve mais de dez anos à espera até
gravar o primeiro disco e 13 até ao
segundo, que se deu com as gentes
da Stax mas nunca capitalizou no sucesso
da editora, que foi considerado
um émulo de James Brown, que deu
dicas em discos de hip-hop, que sobreviveu
fazendo segundas vozes,
sem que por um segundo o nome dele
fosse conhecido para lá de um circuito
mínimo de entendidos.
Não é a primeira vez que isto acontece:
Bettye LaVette e Sharon Jones
são exemplos de divas que andaram
séculos perdidas antes de serem redescobertas
por miúdos com idade
para serem filhos delas, e que as fizeram
gravar discos com as canções e
condições necessárias.
E agora é a vez de Fields ser entronado
neste revivalismo da soul. Fields
há-de ter tremendas histórias para
contar. Mas há coisas que ele não conta
– e diverte-se com isso.
A dada altura, em conversa telefónica
para sua casa, fazemos-lhe uma
pergunta, uma simples pergunta. A
resposta, que não estávamos de todo
à espera, vem num tom roufenho,
entre o divertido e o muito sério.
“Má pergunta”, diz, e não sabemos
se o homem está zangado ou não.
“Essa é uma má pergunta”, repete
e aqui começa a rir-se, indicando que
não há zanga da sua parte.
Que assunto será esse que o senhor
Fields quer guardar a sete chaves?
Um passado de arrombador de cofres?
Os anos passados como “drag queen”
num botequim no Harlem?
Um fetiche zoófilo?
Não, nada disso. A resposta é: a
idade.
No que toca à idade Lee Fields é
pior do que algumas senhoras e alguns
futebolistas que retiram anos ao
BI. Ele nem sequer diz em que ano
nasceu.
Mas porquê? Porque raio há-de um
homem que passou quase toda a sua
vida na semi-obscuridade esconder
16 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
a sua data de nascimento logo agora
que começam a olhar para ele?
Muito simples: “Neste momento
há muita curiosidade a meu respeito
e não me apetece que a curiosidade
acabe. Deixa-os continuar a perguntar.”
E depois, para que não restem
dúvidas de que há humor da sua parte,
acrescenta a rir: “Desculpe, mas
é assim que as coisas são”.
É assim que as coisas são, mas não
foi sempre assim que as coisas foram.
O sucesso, por exemplo, é uma coisa
que (parece que) Fields nunca teve. E
agora (parece que) está a ter. Tudo por
causa de um disco acabado de editar,
feito de linhas de baixo dirigidas à espinha,
guitarras que fazem cócegas
nos pés, órgãos saídos de uma igreja
sulista, cordas com arrependimento
e metais cheios de pecado.
Chama-se “My Life”, é soul à antiga
e parece que é apenas o sétimo disco
em nome próprio que Fields gravou.
Dizemos “parece” porque o próprio
Fields não está muito certo da sua
discografia.
“Sabe quantas canções gravei em
meu nome? Umas sessenta, não mais
que isso”.
“My Life” é um disco de outro mundo,
refinadamente arranjado, soberbamente
interpretado. Fields espalha
classe em cada canção. Tem o seu
número James Brown, o seu número
Marvin Gaye, o seu número Smokey
Robinson, o seu número Eddie
Floyd.
Ouve-se o disco e pensa-se: como
é que este homem não tem dezenas
de discos gravados?
“Deixei-me explicar-lhe uma coisa,
jovem: não gravei mais porque eu não
queria gravar o que a indústria me
mandava gravar. Eu queria gravar o
que eu quisesse gravar. Não estou a
dizer que o que fiz era o que tinha
mesmo de ser feito, eu só fiz o que eu
queria fazer. E foi por isso que gravei
poucos discos”.
A soul nunca foi negra
Fields fala como se estivesse cheio de
vida na boca: começa por responder
a uma pergunta e depois, à maneira
dos pregadores de igreja, não para.
Um assunto leva a outro, por tudo e
por nada diz que está cheio de amor
Lee Fields pôs
“tudo o que
tinha” em “My
World”
por toda a gente, ri-se, volta atrás, faz
confissões, jura amor pela mulher,
oferece definições para a soul, diz
que a “black music” há-de ser
“everybody’s music”, diz que a soul
acabou com a segregação porque “é
música soul, não é música da soul dos
pretos”. É tão conversador que a dada
altura resolve explicar a génese da
música soul. “Primeiro chamaramlhe
blues. E o blues era sobre os altos
e baixos da vida das pessoas normais.
Quando chegou a soul o canto aproximou-se
do gospel. Cantava-se como
se se estivesse na igreja. É r’n’b na
forma de igreja. E o r’n’b de hoje reflecte
o mesmo, é uma canção sobre
os altos e baixos do homem comum”,
diz, embora seja uma tese difícil de
aceitar.
Fields não é bem um teórico, é antes
um génio do improviso, sacando
teorias do bolso à medida que lhe
aparecem. Uma das suas melhores
teorias é que a soul nunca foi negra.
“Havia brancos na Stax. Havia
brancos na audiência. Havia brancos
entre os músicos. Eu sei o que estou
a dizer: eu estava lá”.
E porque é que a soul nunca foi tão
“mainstream” quanto poderia ter sido,
se havia tantos brancos a apreciála?
Simples: “O ‘mainstream’ é o que
a grande indústria quiser que seja. É
o que está na agenda deles. Pode-se
pôr um porco na TV e se o deixarmos
tempo suficiente as pessoas acham
que é bom.”
Com toda a sua proficuidade verbal,
com todo o seu humor, Fields está,
nitidamente, a divertir-se com o seu
“suposto” sucesso. E diz suposto porque,
apesar de “My World” andar a
ser citado por todo o lado, ele não faz
ideia “do que os mais novos acham
deste disco” mas sabe que “fazia mais
dinheiro a ser músico de sessão”.
Para Lee Fields, haja ou não sucesso,
seja ou não “My World” um disco
de retro-soul, as coisas são simples:
“Isto é apenas soul, isto é a mesma
coisa que sempre fiz”.
Então raios partam a indústria que
deixa passar incógnito um talento
destes.
“Little James Brown”
O que é que sabemos ao certo de Lee
“Não gravei mais
porque não queria
gravar o que a
indústria me
mandava gravar.
Queria gravar o que
eu quisesse gravar”
Lee Fields
Fields? Nasceu em Wilson, uma pequena
terra da Carolina do Norte,
informação que ele confirma, bem
como a de que tem mais três irmãos.
Não conta como aconteceu, mas “já
fazia discos em 1969”.
Tendo em conta que a sua alcunha
era “Little JB”, por causa das semelhanças
faciais com James Brown, é
possível que tenha começado cedo.
Ele define essa época como “a altura
em que a soul tal como a conhecíamos
estava a morrer”. O rock e o funk
psicadélico, “como o Sly Stone”, diz,
“estavam a pegar”. “Mas eu nunca
fui cool”, acrescenta, e o seu amor
era só um: a soul.
Fields, apesar de imensamente conversador
(note-se: nunca ouvimos
ninguém falar tanto) não é muito prolixo
em relação às suas actividades no
circuito. Diz que gravou umas canções,
o que quer dizer, em termos antigos,
singles. É curioso que ele ainda
fala nesses termos, como se nunca
tivesse havido LP, CD, EP, mp3.
Era, admitidamente, um James
Brown em ponto pequeno. “Eu adoro
o James Brown, meu. Ele era um
Deus no meu coração e continuo a
respeitá-lo. Um dos grandes ‘entertainers’
que viveram até hoje, ele e o
Michael Jackson”.
As comparações com o homem
mais trabalhador do negócio mantiveram-se
o tempo suficiente para a
dada altura ele ter sentido que estava
na hora “de deixar de ser o pequeno
JB”. “Lá pelos meus vintes comecei
a achar que não era apreciado pelo
que era. E ainda por cima era parecido
com ele. Sempre desviei a conversa
quando se falava disso. Dizia ‘Ouve
Lee Fields
finalmente
é a hora dele
Não se sabe que idade tem Lee Fields mas anda nisto há muito.
Com “My World” já ganhou o ano. Como é que este homem
não tem dezenas de discos gravados? João Bonifácio

o meu disco’. Mas não me importava
porque estava a divertir-me”.
É difícil dizer o que Fields andou a
fazer desde então. “Estive sempre a
trabalhar”, diz, de forma incisiva. Fez
“muitos coros, muitas segundas vozes”,
incluindo para os Kool and The
Gang; cantou “linhas em discos do
Jay-Z”. Resumindo: “Sempre estive
no circuito”.
Há um momento muito engraçado,
em que, referindo-se a questões monetárias,
Fields diz: “Não preciso de
champanhe caro, não é o meu chá”.
Tendo em conta o peso que o champanhe
tem no imaginário e na vida
de Jay-Z, parece haver aqui um certo
gozo ao rei do hip-hop.
Um disco imprevisto
O dinheiro, note-se, é uma questão
importante para Fields. Ele faz questão
que fique bem claro que apesar de
“nunca ter tido um êxito” também
nunca teve problemas. “Nunca fui rico,
mas sempre tive dinheiro para viver
bem”, afirma enfaticamente. “Se vier
a minha casa verá que não vivo como
um rei mas vivo muito bem. Sempre
vivi. Sempre viajei para onde quis e os
carros que quis ter pude tê-los”.
Claro que um discurso destes tem
sempre pequenas falhas e contradições.
A certo momento Fields afirma:
“Já não tenho um período em baixo
desde os anos 80”. Nessa altura fazia
faixas disco para sobreviver. “Não
estou a lutar contra nada, também
tenho de pôr pão na mesa”, faz questão
de dizer.
Mas a sorte do pequeno JB deu-se
quando Jeff Silverman and Leon Michels
montaram a Truth & Soul records
em 2004 e definiram como
prioridade fazer um grande disco para
Lee. Montaram um banda, os Expressions,
com malta dos Dap Kings,
dos Antibalas, mas esqueceram-se de
lhe dizer que estavam a fazer um disco
para ele.
Para nossa surpresa, Lee diz a dada
altura: “Não sabia que estava a gravar
‘My World’. Não sabia”. Compreendese:
o disco foi gravado ao longo de
quatro anos. “Chamavam-me para
gravar uma canção e eu ia, mas entre
cada telefonema passava tanto tempo
que nunca me ocorreu que estivéssemos
a fazer um disco. Pensei que
estivéssemos a gravar uma canção ou
outra para um disco dos Expressions,
não o meu disco. Talvez eles me tenham
dito, mas eu falo com dez pessoas
por dia e estou sempre a viajar
de um lado para o outro, por isso não
decoro tudo o que dizem”.
Apesar de estar a gravar sem saber
o quê, Fields pôs “tudo o que tinha
naquele disco”. Que, para ele, “é um
regresso à ‘sweet soul music’ e é lindo”.
Penúltimas famosas palavras de
Lee Fields, homem de idade incerta
e que tornou a soul doce outra vez:
“Não tenho arrependimentos. O que
me interessava era divertir-me – e diverti-me
o mais que pude. Não mudaria
a minha vida.”
E como bom homem soul acaba a
dizer “Diga aí em Portugal que o Lee
Fields ama toda a gente”.
Ver crítica de discos na pág. 22 e segs.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 17

Música
Poucas coisas nos Sizo são como costumam
ser as coisas no rock’n’roll.
Afirmam-se como um “power trio”
com quatro membros, dislate que tem
a sua correspondência na prática; fazem
“singles” memoráveis que mandam
para as urtigas as sacrossantas
regras da canção pop; não têm o objectivo
supremo de lançar um álbum.
Editaram recentemente “Got To Love
People Who Set Themselves Up for
Disaster”, o seu terceiro registo (os
20 minutos que tem encaixam-no oficialmente
na categoria EP, mas a banda
prefere não pensar nisso) e um dos
mais promissores discos do ano português.
Em 2005, André Cruz e João Guedes
andavam na Escola Superior de
Arte e Design, em Matosinhos. “Tínhamos
interesses musicais em comum
- ainda temos - e outros. Começámos
a falar. Eu já tinha tido bandas,
se é que lhes posso chamar bandas.
Fizemos umas experiências em salas
de ensaios com uns amigos”, recorda
André, em conversa com o Ípsilon
numa confeitaria no centro do Porto,
num calmo final de tarde de Agosto.
Nessa altura, a banda do Porto era
“uma formação clássica de
rock’n’roll”: baixo, guitarra, bateria
e voz, a que se juntou, mais tarde,
Eurico Amorim no sintetizador e nos
teclados. Até que o baixista rumou a
Barcelona e, em vez de procurarem
um substituto, deram a Eurico um
papel de maior destaque. “Com uma
restrição acabámos por encontrar um
som. Quando tens um problema acabas
por encontrar uma solução. Resolver
um problema através de outro
problema tem bastante a ver connosco”,
diz João Guedes.
O que resultou da estratégia foi uma
banda que suga a energia de várias
formas de rock (desde o garage ao
pós-punk) e a aplica em canções simples,
concisas, sem ornamentos. E
com espaço para surpresas. “She nods”,
por exemplo, sintomaticamente
o “single”, tem algo que se parece
com um refrão mas… não o repete.
18 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Na cabeça hiper
A banda do Porto tem um novo EP, formato que assenta b
“Got To Love People Who Set Themselves Up for Disaster” mostra como r
Uma banda de pop-rock (sim, os Sizo
cabem nessa imensa gaveta) desconstrutivista?
Eles dizem que não. “A ‘She
nods’ apareceu estava eu sentado na
bateria – e não sei tocar bateria -, o
baterista no teclado - o Eurico tinha
talvez ido à casa de banho Foi assim
que apareceu a base. É a isso que acho
piada: de repente temos um ‘single’,
mas só porque apareceu”, revela André.
E, apesar de tudo, “a estrutura
pop está lá”.
Trata-se, afinal, de reduzir tudo “ao
essencial”, prossegue Eurico. “Nunca
fazemos coisas arriscadas a nível de
produção. Procuramos não disfarçar
nada, queremos que o disco soe como
um ensaio ou um concerto. As músicas
são reduzidas às partes mais simples,
são quase todas muito pequeninas,
com poucas partes. Nasceram
assim”. Agora percebe-se o que queriam
dizer com a misteriosa afirma-
“Nos anos 70 houve
um revisitar do rock
pelos Suicide, que têm
muito de garage rock,
apesar de não terem
guitarras. Isso
reflecte um pouco
o que são os Sizo: tens
a história do rock,
com um lado
electrónico mais
contemporâneo
e a guitarra e bateria
clássicas do
rock’n’roll...”
André Cruz
O abismo é um lugar bonito
Há uma famosa “gaffe” atribuída a um jogador de futebol que reza assim: “Estivemos à beira do abismo,
mas soubemos dar um passo em frente”. Os Sizo gostam de pessoas que a levam à letra. Enquanto
preparavam “Got To Love People Who Set Themselves Up for Disaster”, fizeram uma extensa lista com
esses nomes. Eis algumas dessas pessoas que “têm uma atitude rock’n’roll para com a vida”.
Charles Bukowski
Escritor (1920-1994)
Atrai-lhes a “desmistificação
dos ídolos”. “A maior parte
das pessoas tem esse lado
dos mitos, de olhar para
uma estrela de rock ou um
jogador de futebol como um
mito e, se calhar, são uns idiotas
de todo o tamanho”, diz André.
Bukowski “era genuíno, um gajo
puro que curtia beber uns copos
e escrever umas histórias. Era
criativo muito por isso, por ser
genuíno. Sentia aquela urgência
de escrever e também escrevia
sobre pessoas como ele”.
Hunter S. Thompson
Jornalista e escritor (1937-2005)
Há um lado melómano na

activa dos Sizo
bem à imediatez que se transformou na sua imagem de marca.
reduzir as coisas ao essencial é, muitas vezes, o melhor remédio. Pedro Rios
admiração por Thompson, o
pai do “Gonzo Journalism”,
que punha o repórter como
parte integrante da
história, rejeitando o
mito da objectividade.
“Escreveu para a ‘Rolling
Stone’ artigos importantes
da história da música”,
diz João. Mas há mais
em Thompson de
que os Sizo gostam:
“refugiou-se num
rancho” e tem um “lado
de perigo, rock, drogas, de
‘faço aquilo que quero e quem
quiser gosta, quem não quiser
não gosta’”.
PAULO RICCA
André Cruz,
André
Holanda, João
Guedes (atrás)
e Eurico
Amorim (à
frente): os Sizo
vão no
terceiro EP e
não pensam
no álbum. Por
eles faziam
um EP de meio
em meio ano e
deixavam as
coisas assim,
à Radiohead
Bill Hicks
Comediante (1961-1994)
“Ele fala bastante do
Jimi Hendrix. Dizia que a música
da altura dele – isto no fim dos
anos 80 – não o entusiasmava,
que faltava
rock cá de dentro, atitude [os
alvos eram, por exemplo,
os New Kids On The Block].
O gajo, querendo ser um
músico, coisa que nunca foi,
dizia as coisas com humor.
Há uma frase dele que é ‘Play
from your fucking heart”.
Ele sempre batalhou por ser
genuíno, por fazer o que queria”,
refere João.
VALERY HACHE/ AFP
ção que puseram num comunicado
de imprensa: “’power trio’ mas com
quatro elementos”.
O espírito do rock’n’roll
A haver canção que define o que os
Sizo querem ela é “Strychnine”, a versão
dos Sonics, um dos nomes fundamentais
do garage rock dos anos 60.
Como num “mashup”, os Sizo colocaram
a linha de sintetizador de
“Ghost rider”, dos Suicide (duo que
no seu disco de 1977 foi pioneiro de
mil aventuras electrónicas que se seguiriam).
“Foi um bocado premeditado.
É uma reflexão sobre a história
do rock desde 1965, que é a data da
‘Strychnine’. Depois, nos anos 70,
houve um revisitar do rock pelos Suicide,
que têm muito de garage rock,
apesar de não terem guitarras. Isso
reflecte um pouco o que são os Sizo:
tens a história do rock, com um lado
electrónico mais contemporâneo e a
guitarra e bateria clássicas do
rock’n’roll... Daí uma vontade quase
intuitiva de misturar os Suicide e os
Sonics como um elogio ao
rock’n’roll”.
A conversa adquire contornos de
melomania exacerbada. André elogia
os Sonics e outras “bandas de garage
dos Estados Unidos”, “os primeiros
punks”, que “furavam os amplificadores
com picadores de gelo para terem
distorção, porque não havia pedais,
e com um microfone gravavam
um disco inteiro com a banda toda a
tocar”. “É isso que nos interessa”, explica.
A atitude punk “está presente nos
Sizo de uma forma bastante evidente”,
continua o guitarrista, que aos
nove anos ficou “fascinado” com os
Toy Dolls, banda punk inglesa: “No
lado imediato de fazer as músicas, de
não pensar muito como é que vai soar,
o que é que as pessoas vão achar.
A forma como gravamos também tem
um lado punk”. As canções de “Got
To Love People Who Set Themselves
Up for Disaster” não foram gravadas
com a banda toda a tocar ao mesmo
Maradona
Futebolista (1960- )
“Para nós não foi só um jogador
de futebol”, diz André. “Na
altura em que jogou, o que
representava para os adeptos
do Nápoles ou da Argentina
não era apenas o melhor
jogador do mundo: era
tempo (o anterior, “Nice To Miss You”,
disco bónus do novo trabalho, foi resultado
de uma sessão ininterrupta
de dez horas de gravação), mas a imediatez
mantém-se.
Não estranha, por isso, que a banda
tenha, até ao momento, três EP e nem
acalente o tradicional sonho do álbum.
“Não passam de três registos
“A ‘She nods’ apareceu
estava eu sentado
na bateria – e não sei
tocar bateria -, o
baterista no teclado.
É a isso que acho
piada: de repente
temos um ‘single’, mas
só porque apareceu”
André Cruz
que fizemos em condições técnicas e
logísticas distintas, em alturas distintas
e com músicas distintas”, resume
André. Eurico acrescenta: “Estamos
sempre em produção. Por nós, até
fazíamos um EP de meio em meio
ano”.
Apontamos o exemplo dos Radiohead,
que recentemente anunciaram
que vão apostar em edições mais curtas
em vez de álbuns, e eles riem-se.
“Eles seguem-nos muito”, diz André,
com ironia e ares de quem conta uma
piada privada da banda – uma suposta
conspiração em que os Radiohead
espiam os Sizo. “Lançámos o primeiro
EP na Net antes dos Radiohead e
passado uns meses também fizeram
isso [com o álbum ‘In Rainbows’].
Agora temos esta lógica e os Radiohead
também têm. Não vou dizer mais
nada [risos]”.
Ver crítica de discos na pág. 22 e segs.
o símbolo de uma libertação
política, pessoal e social que
nos interessa e que nos cativa”.
“Era um rock’n’roller, um Jimi
Hendrix do futebol: saía à noite,
não dormia e ia jogar
futebol como ninguém.
A droga na altura devia
ser melhor”. P.R.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 19

Um sonho pop
chamado Golden Silvers
“True Romance” é a canção-fetiche deste Verão. Definiram-na como
“Prince liderando os Spandau Ballet” (nós preferimos o Prince da equação).
Os Golden Silvers não são tão bons quanto o tema título do álbum
de estreia, mas podem vir a sê-lo. Mário Lopes
20 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Neste preciso momento, os Golden
Silvers, trio com inegável apreço por
metais preciosos e o exuberante púrpura
psicadélico, são inescapáveis. A
culpa, como quase sempre nestas coisas
da pop, é de um single. Já o viram
certamente – se não o viram, corram
ao MySpace ou ao You Tube e procurem
por “True Romance”. Um cenário
de programa alemão dos anos 1980,
(mal) armado em Top Of The Pops, e
muitas raparigas dançando pelo cenário,
com um feiticeiro de barrete
bizarro e um B-boy pouco gracioso a
destoarem e uma “go-go dancer” dourada
a compor o enquadramento. E
depois eles os três, o baterista de afro
imponente, Alexis Martinez, o baixista
de bigode e patilha bem definidos,
Ben Moorhouse, homem do groove
funk e das segundas vozes, e Gwilym
Gold, o vocalista e teclista com pose
de aristocrata pop que considera ves-

O baterista
de afro
imponente,
o baixista
de bigode e
patilha bem
definidos e o
vocalista e
teclista com
pose de
aristocrata
pop
tir-se de forma elegante uma demonstração
de respeito – camisa púrpura,
claro, fio de prata a cair sobre ela e os
braços movendo-se descoordenados
quando não se atiram ao pequeno teclado
que têm à frente.
“True Romance” é a canção-fetiche
deste Verão. Já a definiram como
“Prince, produzido por Niles Rogers,
liderando os Spandau Ballet”, e não
está nada mal – mas nós preferimos
trocar os Spandau Ballet pelos Duran
Duran; ou melhor, o que preferimos
mesmo é o Prince da equação, aquele
quase rap de Gwilym nos versos e o
ataque das teclas num refrão que demonstra
a superioridade de uma verdadeira
pose cool neste mundo da
pop.
Os Golden Silvers não são tão bons
quanto “True Romance”, a canção
que dá título ao seu álbum de estreia.
Mas, ouvindo esse primeiro longa duração,
fica a sensação que podem vir
a sê-lo. A sua música, iminentemente
britânica, vagueia entre uma tradição
de contadores de histórias ao piano
(curtas fantasias de subtexto invariavelmente
romântico e trágico), e um
jogo pop que ora deixa que as harmonias
vocais se imponham, ora investe
pela dança com o funk no horizonte
“Quando há tanta
ilusória criação de
fenómenos por parte
dos media, o melhor
mesmo é construir a
nossa própria cena,
ou irão fazê-lo por
nós. Hoje em dia é
muito fácil as bandas
reunirem-se nos
termos por elas
definidos, ocuparem
um espaço e
crescerem sem se
sentirem intimidadas
pela indústria”
Gwylim Gold
(a inevitável “True romance”) ou de
caipirinha na mão em “resort” imaginário
(a deliciosa chungaria “high
class” de “Arrows of eros”). Para além
disso, os Golden Silvers, os contraditórios
Golden Silvers (já lá vamos), são
tipos ambiciosos e a contra-corrente
do que é, actualmente, a norma na
pop britânica.
A pop como fantasia
Gwilym Gold, que o Ípsilon entrevistou
a meio da maratona de festivais
que o trio cumpre actualmente, queixa-se
de haver demasiada gente a
anunciar a sua música como “incrivelmente
nova e refrescante” quando
“é demasiado óbvio que não o é”. Cavalheiro
ou politicamente correcto,
recusa-se a concretizar: “Não quero
deitar abaixo o trabalho dos outros”,
declara. Fala então da sua própria
banda. Presenteia-nos com um par de
banalidades, as habituais - quer “escancarar
as portas a algo “fresco e
exuberante”, “que sobreviva ao teste
do tempo” – antes de chegar a algo
mais interessante.
Nas entrevistas que deles lemos, há
uma linha que Gwilym raramente atravessa,
aquela que separa a vida pública,
a do músico em palco, da privada.
Num contexto mediático que, no universo
da pop, vive obcecado com os
bastidores, isto, não sendo inédito, é
decerto pouco comum. É-o ainda mais
quando percebemos que essa “protecção”
não surge por reacção a uma
cultura tablóide: é, antes, essencial à
forma como o vocalista quer projectar
a música dos Golden Silvers.
Gwilym queixa-se do excesso de
“mundanidade” nas letras que ouve
– prefere as figuras com algo de negro,
com o sentido trágico do velho blues,
“poéticas sem se esforçarem por sêlo”.
Exactamente o contrário do que
vê hoje, quando “todos querem exibir
as suas vidas perante todos os outros
no Facebook”. Os Golden Silvers recusam-se
a fazê-lo: “Existimos na banda.
O resto das nossas vidas é supérfluo”.
Fica assim enquadrada a forma
que escolhe para elogiar David Bowie,
uma das suas maiores referências, a
par dos Beach Boys ou de Sly & The
Family Stone. Aprecia-o pela “capacidade
de dar um passo em frente” e de
“transformar-se realmente, convictamente,
naquilo que idealizou”. Aprecia
David Bowie, entenda-se, pela
forma como inventou corpo e música
para Ziggy ou Thin White Duke. Ou
seja, Gwilym, ele que se define, antes
de tudo o resto, como um “compositor
de canções”, acredita na força de
Música
uma ideia pop e no imaginário de fantasia
para onde ela nos transporta –
uma fantasia, entenda-se, sem dragões
ou bolas de sabão, antes construída
sobre aquelas que a fértil história da
pop foi construindo ao longo dos tempos.
É precisamente neste ponto que
cai sobre a mesa a contradição a que
nos referimos acima. Porque, se ouvimos
hoje falar dos Golden Silvers,
se em pouco menos de um ano passaram
de obscura banda londrina a
estrelas em ascensão, isso deve-se a
algo que, na escala pop, corresponde
ao grau zero de “coolness”.
Em 2008, estiveram em Glastonbury,
actuaram em Glastonbury. No
palco principal? No secundário? Num
camião estacionado à entrada? Nada
disso, subiram a palco para, perante
um painel de júris, actuar no concurso
“novos talentos” do festival. Ainda
por cima ganharam-no, o que pode
ser a machadada final na credibilidade
de uma banda – a magia da pop não
se dá bem com concursos e ninguém
respeita o vencedor de um deles.
Gwylim, que tem perfeita consciência
disso mesmo, desvaloriza o “incidente”.
Explica que o manager os inscreveu
sem avisar e confessa que sim, “foi
estranho actuar perante júris”. Isto
para concluir que, “apesar de tudo ter
acontecido muito rápido a partir do
concurso”, viram-no apenas como
mais um concerto. Os Golden Silvers
já existiam há algum tempo e toda
aquela trupe colorida que vemos no
vídeo de “True romance” já os seguia.
O concurso, dizem-nos, foi um pormenor
de percurso.
Quando a banda nasceu, começou
por fazer o circuito habitual londrino,
trabalhando com os promotores habituais
nas salas habituais. Fartaramse
rapidamente: “Os concertos não
eram propriamente inspiradores, a
promoção era medíocre, nada acon-
tecia”. A solução? “Fazer tudo por nós
próprios”. Garantiram uma residência
no MacBeth, um clube de Hoxton, no
Noroeste de Londres, e começaram a
organizar o Bronze Club. Tocavam
eles, tocavam bandas de que gostavam,
promoviam os seus próprios DJ
sets e convidavam DJs para os fazerem.
O primeiro concerto de Micachu
com os Shapes, por exemplo, teve ali
lugar. Gwylim, cuja música é tão obviamente
diferente da da autora de
“Jewellery”, faz questão de acentuar
que aquilo que os une é “uma vontade
de reinvenção” – entretanto ela assinou
uma remistura para os Golden
Silvers e ele foi co-autor de uma canção
de Micachu, “Train for a brain”.
Gwylim Gold: “Quando há tanta ilusória
criação de fenómenos por parte
dos media, o melhor mesmo é construir
a nossa própria cena, ou irão
fazê-lo por nós. Hoje em dia é muito
fácil fazê-lo, é fácil as bandas reunirem-se
nos termos por elas definidos,
ocuparem um espaço e crescerem
sem se sentirem intimidadas por toda
a merda da indústria”.
Resumindo, os Golden Silvers utilizam
as possibilidades de hoje para
regressar a um mundo de fantasias
pop que, desgraçadamente, acreditam
ter desaparecido. Cantam sobre
miúdas que querem ser estrelas, mas
nunca chegarão a sê-lo, cantam um
par que ambiciona morrer de um coração
destroçado. Depois, saltam para
a pista de dança e oferecem-nos
híbridos funk e psicadelismos transviados.
Não serão consensuais e imaginamos
que haverá quem os veja como
“um Mika que resultou bem” – uma
dica para os detractores. Seja. Nós
achamos que o seu romantismo e fantasia
são bem-vindos a 2009 - e elegemos
“True romance” canção do
ano.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 21
silva!designers

Discos
22 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Pop
Um “soul
man” de
encantar
“My World”, um dos raros
álbuns do raro Lee Fields,
tem uma produção cheia de
cetim, mas acima de tudo
tem canções extraordinárias,
arranjos imaculados e uma
voz tremenda.
João Bonifácio
Lee Fields
My World
Truth & Soul; distri. Flur
mmmmn
Por mais que
queiram, não é
verdade que “My
World” seja um
disco
exclusivamente
retro, com
aquele som sujo e repleto de
suor da soul muito
antiga. “My World” é
quase, quase,
quase um disco
retro, mas
limado com
uma
precisão
cirúrgica de modo a encantar não
apenas duas dezenas de velhinhos
melómanos rabugentos (como nós)
mas também as jovenzinhas que
apreciam Duffy. (Não por acaso,
Fields é fã de Duffy.). Mais que
aproximar-se do funk que o senhor
Fields tanto preza, “My World” é um
exemplo de melodia e arranjo, de
“sweet soul music”. (Curiosidade
soul: o grande Arthur Conley tem
um tema chamado “Sweet soul
music”. A sua melhor canção, no
entanto, é “A night is all I need”, um
dos melhores temas soul de sempre.
Está na hora do revivalismo de
Conley.) Tem os metais cheios de
mel, os coros devotos, os órgãos
cool, as cordas delicadas que
povoaram os discos da Stax e de
milhentas subsidiárias e editoras
minúsculas dos anos 60, mas nunca
se explode: antes se pega no ouvinte
pela mãozinha e, quando ele repara,
está viciado nos órgãos, na
batidazinha ligeira, nos metais de
sopro de Verão. E na voz, a voz de
“soul man” de Lee Fields. “My
World” tem uma produção cheia de
cetim (Al Green ia adorar cantar
num disco assim), mas acima de
tudo tem canções. Logo à cabeça o
tema-título, cujos órgãos e cordas
recordam o
Marvin
Gaye
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
de “What’s Going On”, é um
supremo single, recheado de
detalhes: os metais em contra-ponto
a um pizzicato de (parece ser)
xilofone, a linha de guitarra, etc. As
cordas de “Ladies” vêm com unhas
pintadas, a guitarra wah-wah rebola
as ancas, aqueles metais são uma
homenagem aos decotes
pronunciados. E devia inventar-se
um prémio para os coros de “My
world is empty without you”: a linha
melódica é definida por sinos,
cordas volteiam torno da guitarra, a
voz é plena de um qualquer
sofrimento que só vale a pena em
canção. Do princípio ao fim é assim:
canções extraordinárias, arranjos
imaculados, uma voz tremenda. Isto
não é retro. Isto é grande música.
Sizo
Got To Love People Who Set
Themselves Up for Disaster
Wash, distri. Locomotive
mmmnn
O terceiro EP dos
Sizo começa com
uma bateria
locomotiva, a que
se juntam, poucos
segundos depois,
guitarras à Sonic
Youth, uma voz áspera. É uma
espécie de ladainha eléctrica,
simples, sem manhas, nem
rodriguinhos e que define ao que
vem a banda do Porto.
Esta é, coisa rara, uma banda rock
com “singles” radiofónicos mas sem
medo de berrar e de armar uma
chinfrineira. Têm a dose certa de
perigosidade, que aplicam com
sapiência em canções memoráveis,
curtas e eficazes. Ouça-se “She
nods”: abre com uma linha
fantasmagórica de sintetizador,
entram depois guitarras devedoras
do pós-punk e João Guedes, o
Com “My World”,
Lee Fields deixou de
ser um segredo
Sizo, uma banda rock
com singles radiofónicos
mas sem medo de armar
uma chinfrineira
vocalista, em registo quase “spoken
word”, e ouvimos algo que teria
tudo para ser um refrão, mas que o
grupo decide não repetir, num
saudável desrespeito pelas regras
das rádios.
“Obsession/Reaction” faz-se em
torno de um “riff” de guitarra
circular, os teclados a fazer as vezes
de baixo e gritos escondidos por
uma nuvem de “reverb”.
“Strychnine”, o melhor momento do
EP, acelera o original dos Sonics,
casa a métrica da guitarra com a
dolente linha clássica de sintetizador
de “Ghost rider” dos Suicide, e a
fusão tem tanto de interessante
como de simbólico, colocando os
Sizo algures entre duas formas de
ver o rock, afinal tão próximas.
“Tour de force” é outro atestado de
força percussiva, com um solo de
guitarra que lembra “East Bay ray”
dos Dead Kennedys.
“Got To Love People Who Set
Themselves Up for Disaster” vem
acompanhado do EP “Nice to Miss
You” e é notória a evolução da
banda: no EP anterior havia boas
ideias (como o “single” “Big three”),
cuja força era contida pela gravação
mais roufenha. Postos lado a lado,
percebe-se que os Sizo têm uma
ampla margem de progressão. Para
já, os sinais são muito animadores.
Pedro Rios
Golden Silvers
True Romance
XL Recordings; distri. Popstock
mmmnn
Existe esta música
e esta música
apenas: “True
romance”, três
minutos e meio de
inexcedível
perfeição pop. Um
homem, que canta como vocalista
cool a arriscar o rap dos beatnicks e
dos MCs, a alinhar frases como “be a
fabulous weekend wonder, and a
miracle worker in the week / you are

a genius everyday, but don’t lose your
common touch / Join a gang, learn
rhyming slang, learn greek, learn
double dutch”. Já estamos
entusiasmados e ainda nem
chegámos ao “cowbell” unido à linha
de baixo, àquele “true romance” que
o coro entoa em tom vaporoso e ao
teclado que nos põe a dançar como
se Prince tivesse descido de novo à
Terra e fosse três tipo ingleses a tocar
PAULO RICCA
o funk retro-futurista mais funky de
2009.
A estreia dos Golden Silvers tem o
seu tema título e só ele vale o disco
todo. O resto? O resto é um conjunto
de canções pop repletas de um
romantismo que ilude a ingenuidade
com desencanto – sonhadores que
antevêem a queda antes do sonho
concretizado -, canções onde as
guitarras estão ausentes – tudo
secção rítmica, pianos e
sintetizadores – e podem ser doo-wop
marado em canção de Randy
Newman (“Please Venus”), a visão de
Morrissey com os Duran Duran no
Tropicana Club (“Arrows of Eros”)
ou, nos antípodas de tamanha
efervescência, o negrume romântico
da alma folk que atravessa as
tragédias de “Magic touch”.
Álbum desequilibrado, tem coisas
entusiasmantes, como o
psicadelismo neurótico de “Shakes”
(perturbados, dancemos!), lado a
lado com a sensaboria para piano e
harmonias vocais à Queen de “Queen
of the 21st century”.
É apenas o primeiro disco e os
Golden Silvers lá saberão por onde
quererão ir no futuro. Por agora,
como nos ofereceram “True
romance”, perdoamos-lhes
tudo. Mário Lopes
Golden Silvers: tudo por “True romance”, a canção do ano
Espaço
Público
Jazz
A canção
da Broadway
Uma improvável parceria
entre dois músicos dá
origem a uma das obras mais
fascinantes da história do
jazz vocal masculino.
Rodrigo Amado
Tony Bennett / Bill Evans
The Complete Recordings
Fantasy, distri. Universal
mmmmn
Da Madragoa ao Bairro
Alto, por Alfama ao
Castelo, paramos na
Mouraria, porque “na
Mouraria só falam do
namorico, que a Bia
namora o Chico”. Curiosos,
caminhamos pelo ventre
das vielas, travessas e
pátios, onde choram as
guitarras carpideiras
e Carminho recua no
Tony Bennett foi,
juntamente com
Frank Sinatra, um
dos cantores cuja
música cresceu
comigo, mais
concretamente
através do seu primeiro registo em
duo com o pianista Bill Evans, o
qual ouvia em casa dos meus pais,
ainda miúdo. Por diversas vezes
procurei a música de Bennett
noutros contextos, longe da
colaboração com o pianista, mas
fiquei sistematicamente
desapontado, descobrindo que a
sua música perdia a
intemporalidade que ali se sentia.
Esse é, para mim, o grande mistério
destas gravações – como pode um
músico como Bennett, que noutros
contextos soa banal e até mesmo
brejeiro, realizar uma música de
tamanha perfeição, simplicidade e
magnetismo. Este último adjectivo é
talvez o mais indicado para
descrever a sensação provocada
pela familiaridade com a música
incluída nesta edição, algo que
acontece pela forma como Bennett
articula as palavras, com uma
intenção e uma força raras num
vocalista cuja frontalidade crua é
tornada poesia pelas notas do piano
de Evans. Gravadas em 1975 e
1976 sob o signo da Broadway
e do Great American
Songbook,
A dupla Bill Evans e Tony Bennett
marcadas por uma forte nostalgia,
estas canções surgiram
originalmente em dois diferentes
registos, “The Tony Bennett / Bill
Evans Album” e “Together Again”,
estando o segundo uns furos abaixo
do primeiro. A canções clássicas
como “Young and foolish”, “The
touch of your lips”, “My foolish
heart” ou “You don’t know what
love is”, junta-se nesta edição um
punhado de “takes” alternativos
que pouco acrescentam ao
resultado final. Introvertido e
vulnerável, Evans constituía a figura
oposta à de Bennett, confiante e
espirituoso, formando ambos uma
improvável parceria musical.
Funky!
cantar, às histórias do
fatum lusitano, de olhos
fechados por tanto as
saber entoar. Carminho
não faz parte do “povo
que lava no rio”, sofrido
e amargurado. A sua voz
veste um vestido colorido
de “chita às pintinhas”,
uma “nova roupagem”,
pelo que o seu cantar não
é um sufoco mas um alívio
Infame por diversas razões,
a fusão do jazz com os
ritmos do funk e do rock deu
origem a algumas obras que
nos intrigam e fascinam.
Rodrigo Amado
Nathan Davis
“If”
Universal Sound,
distri. Multidisc
mmmmn
Alphonse
Mouzon
“Virtue”
MPS, distri.
Compact Records
mmmmn
Jan Hammer
Trio
“Maliny, Maliny”
MPS, distri.
Compact Records
mmmmn
Editado originalmente na sua
própria editora com uma prensagem
de apenas mil exemplares, “If”,
do saxofonista Nathan
Davis, conquistou ao
longo dos anos um
estatuto lendário
no meio do jazz de
fusão, estatuto
reforçado pela sua
longa indisponibilidade
no mercado. Agora
reeditado pela Universal
Sound – após uma
anterior
reedição
japonesa –,
“If”
do coração, de um amor
que o vento teima em
lembrar: “porque quando
se agita, agita-se o meu
tormento, quero esquecerte,
acredita, mas cada vez
há mais vento”. A sua voz
resulta de uma mistura de
um tempo que foi, mas não
esquecido!
Ana Gil, estudante de
arquitectura, 22 anos
Alphonse Mouzon
mostra ter resistido particularmente
bem à passagem do tempo, soando
nos seus melhores momentos como
uma derivação das correntes
eléctricas trabalhadas nos anos 70
por Miles Davis ou Herbie Hancock.
Nathan Davis, que toca aqui
saxofones tenor, alto, soprano e
flauta, chegou a ir em “tournée”
com os grupos de Art Blakey e Ray
Charles, tendo-se posteriormente
dedicado ao ensino. Gravado em 76,
“If” é o mais funky dos seus álbuns,
bem distante dos registos bop
editados na MPS ou do excelente
projecto Roots, partilhado com
Arthur Blythe, Sam Rivers e Chico
Freeman.
De todos os músicos de fusão,
Alphonse Mouzon é dos mais
infames. Amado por muitos,
repudiado por muitos outros,
pratica uma mistura explosiva de
ritmos funk, rock abrasador,
ambiente disco, muitos
sintetizadores e produção excessiva.
Tendo tido os seus melhores
momentos ao lado dos Weather
Report, Albert Mangelsdorf ou
McCoy Tyner, neste “Virtue”
Mouzon evoca alguns desses
momentos rodeando-se de um
super-grupo de músicos: o
saxofonista Gary Bartz (em grande
forma), o baixista Welton Gite e Stu
Goldberg, o reputado teclista da
Mahavishnu Orchestra. Gravado
para a germânica MPS, “Virtue”
permanece como um dos melhores
exemplos da sua música.
Jan Hammer é outro dos músicos
de fusão que não parece ter muitos
amigos. Criticado essencialmente
pelo trabalho horripilante que
realizou para a série Miami Vice,
Hammer tem no entanto uma legião
de seguidores devido à música que
gravou para diversas editoras, ainda
na Checoslováquia, seu país de
origem, ou posteriormente com a
Mahavishnu Orchestra. Gravado ao
vivo em 1968, este é o mais
“acústico” destes três registos,
afastando-se um pouco do
conceito puro e duro de fusão.
Tavez por isso, é também o que
melhor resistiu à passagem do
tempo. Hammer toca orgão e
piano, subtilmente acompanhado
por George Mraz, no contrabaixo e
baixo eléctrico, e Cees See na
bateria.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 23

Discos
Clássica
A luz que
emerge
das trevas
Magnífica interpretação
das “Leçons de Ténèbres”
de Couperin pelas
Demoiselles de Saint-Cyr, um
agrupamento que reaparece
em grande forma após dez
anos de silêncio.
Cristina Fernandes
François Couperin
“Ténèbres du Premier Jour”
Les Demoiselles de Saint-Cyr
Emmanuel Mandrin (órgão e
direcção)
Ambronay
mmmmm
Espaço
Público
Fundado em 1991
pelo organista
Emmanuel
Mandrin, o
agrupamento Les
Demoiselles de
Saint-Cyr,
especializado em música barroca
para vozes femininas, esteve uma
dezena de anos sem gravar. O seu
reaparecimento no Festival de
Ambronay de 2008 com um
magnífico programa consagrado às
“Leçons de Ténèbres” de Couperin,
complementado por dois Responsórios
de Charpentier e um “Miserere”
inédito de Michel Lambert, foi
triunfal como se pode constatar
24 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
O melhor da britpop vem
da escócia e chama-se
Camera Obscura. “My
Maudlin Career”, o
novo álbum, é mais um
excelente passo na sua
invejável carreira. Feito
tanto mais assinalável se
pensarmos que se trata
do seu quarto álbum
de originais e que se
movimentam nesta área
através desta belíssima gravação,
editada pelo próprio festival.
As Demoiselles e o seu director
musical encontram-se em óptima
forma e oferecem-nos uma
interpretação mágica, plena de
espiritualidade, mas também de
sensualidade. As vozes solistas de
Dorothée Leclair, Eugénie Warnier e
Juliette Perret espraiam-se com
convicção e brilho nos sinuosos
melismas das letras hebraicas que
pontuam o texto das Lamentações de
Jeremias e mostram-nos uma imensa
paleta de cores, grande flexibilidade
vocal e uma expressividade pungente
na declamação do restante texto. O
grupo funciona igualmente bem em
conjunto, mostrando uma
sonoridade esplendorosa nos
Responsórios de Charpentier (“In
Monte Oliveti” e “Tristis est anima
mea”) e uma sobriedade mais
contemplativa no “Miserere”, de
Lambert.
O alinhamento procura
reconstituir o quadro litúrgico do
Ofício de Trevas durante as Matinas
da Semana Santa (cerimónia de forte
carga simbólica celebrada depois do
pôr-do-sol, onde as 15 velas de um
candelabro triangular eram
apagadas uma a uma), incluindo
como introdução a antífona “Zelus
domus tuae”, o Salmo 68 e o
versículo “Avertantur retrorsum”
executados em cantochão ou em
“fauxbourdon” [sobreposição de
vozes paralelas à melodia principal à
distância de um intervalo de quarta
e outro de sexta]. O som imponente
do grande órgão de Saint-Antoine
l’Abbaye (de 1748) apoia as vozes
etéreas das intérpretes que cantam a
partir da tribuna. A sensação de
espaço e a reberveração da igreja é
transmitida pelo registo fonográfico
que transporta assim o ouvinte para
o contexto da execução.
tão movediça e efémera do
universo pop. Seguindo
as premissas estéticas
dos antecessores, o
novo álbum apresenta,
ainda assim, novos
motivos de gáudio. O
mais significativo serão
os arranjos de cordas,
aqui mais expressivos e
elaborados do que nunca.
Exemplo incontornável
A reverberação da igreja transparece no registo fonográfico das Demoiselles de Saint-Cyr
Diz-me com
quem tocas
Uma surpresa agradável na
escolha improvável de dois
solistas tão diferentes numa
mesma obra. Rui Pereira
Brahms
Concerto para violino e Duplo
concerto
Vadim Repin (violino), Truls Mork
(violoncelo), Ricardo Chailly
(direcção)
Gewandhausorchester
DG 477 7470
mmmmn
Se
dissessem
que
Vadim
Repin
tinha
gravado
o Duplo Concerto para
violino e violoncelo de Brahms
na companhia de Truls Mork não
acreditávamos. É que o violinista é
um daqueles músicos com o coração
à flor da pele e Mork é um
violoncelista extremamente sóbrio
nas suas interpretações. No entanto,
isso aconteceu e o resultado é
soberbo, mantendo intacta a distinta
personalidade dos dois músicos que
dialogam numa dramaturgia
cativante que Riccardo Chailly dirige
fluentemente.
Ao nível do virtuosismo, ambos
ultrapassam todos os desafios
técnicos com igual facilidade. Se o
violino pode manifestar uma outra
exuberância, até pelo seu próprio
timbre mais penetrante, os dois
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
será o tema “Careless
love”, provavelmente, o
melhor de um trabalho
recheado de pérolas.
Poucos nos têm habituado
tão mal como estes
escoceses. Imperdível.
António Freitas,
Radialista, 37 anos
solistas estão em perfeita sintonia.
Mas o cartão de visita do disco é a
gravação de Repin do Concerto para
violino e orquestra de Brahms, a
primeira que o violinista russo lança
no mercado. As longas introduções
orquestrais do primeiro e do
segundo andamento são feitas com
grande dramatismo e criam a
atmosfera adequada para o tipo de
interpretação apaixonada e
impetuosa de Repin, que atinge os
seus momentos mais belos nos
comoventes timbres do registo
agudo. Este é mesmo um “som de
marca” do aclamado violinista que
encontra poucos
rivais na
actualidade.
Vadim Repin,
um violinista
com o coração
na boca

O exercício
da Fantasia
Henry Purcell
The Complete Fantasias
Fretwork; distri. Harmonia Mundi
mmmmn
Herdeiras da rica
tradição inglesa
dos século XVI e
XVII no domínio
da música para
“consort” de
violas da gamba, as Fantasias de
Purcell são obras-primas de mestria
contrapontística, reveladoras de
uma grande profundidade musical.
Reunidas num volume autógrafo
pertencente ao British Museum,
permaneceram na forma manuscrita
até ao século XX, época em que
voltaram a ser devidamente
valorizadas. Purcell demonstra um
perfeito domínio das antigas
técnicas contrapontísticas como a
imitação, a aumentação, a
diminuição ou a inversão, ao mesmo
tempo que recorre a alguns
engenhosos efeitos harmónicos do
estilo “moderno”. A colecção inclui
três Fantasias a três partes, nove a
quatro partes (compostas entre
Julho e Agosto de 1680), uma
Fantasia a cinco partes “sobre uma
nota” (um curioso desafio de
composição onde as várias vozes
tecem uma elaborada teia
contrapontística, enquanto a quinta
voz se mantém do princípio ao fim
Os Fretwork propõem uma releitura
sedutora das Fantasias de Purcell
na nota Dó) e dois “In Nomine” a
seis e sete partes. O “In nomine” é
uma forma de fantasia instrumental
inglesa construída sobre excertos
melódicos correspondentes às
palavras “in nomini Domini” do
Benedictus da Missa “gloria tibi
trinitas” de John Taverner.
O agrupamento Fretwork, que já
tinha gravado estas obras em 1995 na
etiqueta Virgin, propõe agora uma
nova leitura muito sedutora, que se
distingue por uma exemplar sintonia
entre os vários instrumentistas, pela
clareza da polifonia, pela atenção às
nuances expressivas (várias delas
anotadas pelo próprio Purcell) e pela
tentativa de mostrar o carácter
distintivo de cada peça. Um
repertório que facilmente pode soar
demasiado uniforme numa audição
superficial ganha assim relevo e
diversidade. C.F.
Lamentos barrocos
“Il Pianto di Maria
– The Virgin’s Lament”
Bernarda Fink (meio-soprano)
Il Giardino Armonico
Giovanni Antonini (direcção)
Decca – L’Oiseau-Lyre
mmmnn
Durante muito
tempo pensou-se
que a cantata “Il
Pianto di Maria”,
de Giovanni
Ferrandini (c.
1710-1791), compositor italiano activo
em Munique, era da autoria de
Handel, mas o equívoco foi desfeito
por um conjunto de musicólogos em
1993. Devolvida ao seu autor
original, esta extensa peça marcada
por uma expressividade dolorosa e
destinada a ser interpretada perante
o Santo Sepulcro na Semana Santa,
serve de núcleo central ao programa
proposto por Bernarda Fink e por Il
Giardino Armonico. Os temas da
Paixão de Cristo, do martírio e da
dor da Virgem Maria são evocados
através de obras vocais como “Il
pianto della Madonna” de
Monteverdi (“contrafactum” sacro
do famoso “Lamento d’ Arianna”) e
a primeira gravação mundial de uma
ária de “Il Martirio di San Lorenzo”,
de Francesco Conti (1881/82-1732), e
complementados por páginas
instrumentais de Vivaldi (Sonata RV
130 e Sinfonia RV 169 “Al Sancto
Sepolcro” e Concerto
“Madrigalesco”), Biaggio Marini
(“Passacaglia”) e Johann Pisendel
(Sonata para dois oboés, cordas e
A interpretação de Bernarda Fink carece de suficiente “pathos”
baixo contínuo). Este reportório de
tom sombrio é objecto de uma
interpretação cuidada ao nível da
técnica e do estilo, mas carece por
vezes de suficiente “pathos”. Em
recitativos como “Ah! Me infelice!” e
“Si disse la gran Madre”, da cantata
de Ferrandini, a meio-soprano
acentua a carga dramática de forma
veemente, mas o tom geral é o da
introspecção contemplativa. Esta
dimensão casa bem com a
personalidade da cantora, mas
parece reprimir a exuberância
natural dos instrumentistas de Il
Giardino Armonico. C.F.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 25

Concertos
26 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Além dos Etran Finatawa, o programa de música africana do CCB
traz também a Lisboa os portugueses Terrakota e o nigeriano Seun Kuti, filho de Fela
Pop
Os encantadores
do Níger
Os Etran Finatawa trazem
a sua música xamânica,
parente do “blues do
deserto” dos Tinariwen, ao
Centro Cultural de Belém.
Mário Lopes
Etran Finatawa
Lisboa. Centro Cultural de Belém. Praça do Império.
Amanhã, dia 22, às 22h. Tel.: 213612400. Entrada
gratuita.
CCB Fora de Si.
São do Níger e são formados por três
tuaregues e três Wodaabe, dois dos
povos que habitam esse país que é
ponte entre a África árabe e a África
negra. Chamam-se Etran Finatawa
(“as estrelas da tradição”) e são, eles
próprios, uma ponte – neste caso,
cultural e musical. Nascidos em
2004, reúnem a música dos
Wodaabe, essencialmente vocal e
rítmica, à dos tuaregues, feita de
percussões e guitarras hipnóticas
que criam o “blues do deserto” que
tão bem conhecemos dos Tinariwen.
Ao Centro Cultural de Belém,
onde actuam este sábado,
integrados no programa dedicado à
música africana que decorre
actualmente (domingo há Terrakota;
dia 29 de Agosto chega Seun Kuti,
filho de Fela), trazem “Desert
Crossroads”, o seu último álbum,
editado em 2008. Mais importante
do que isso, e como saberão aqueles
que os viram há dois anos no
Músicas do Mundo de Sines, trazem
esta música de cantos guturais
“xamanísticos” e falsetes
encantatórios, estas canções em que
as guitarras eléctricas serpenteiam
entre as polirritmias dos
percussionistas, qual rock’n’roll que
já se tinha descoberto enquanto tal
muito antes de um DJ americano,
nos anos 1950, se lembrar de
arranjar nome para aquela música
“infernal”.
Os Etran Finatawa são música
moderna, pela electrificação das
canções Wodaabe, pelo cruzamento
destas com os sons tuaregues – a
banda chamou-lhe “blues nómada” -
, mas música que se mantém
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
umbilicalmente ligada à terra e aos
povos onde primeiro se fez ouvir.
Para nós que a recebemos vinda de
longe, será contudo uma outra coisa.
Muito resumidamente: uma forma
de encantamento.
Wraygunn e Sean
Riley a rockar
Guimarães
Barco Rock Fest’09
Barco (Guimarães). Praia Fluvial de Barco. Hoje e
amanhã, às 22h00. Tel.: Informações: 936412637 e
916687449. 10€ (dia) a 16€ (passe).
Dia 21: Sean Riley & The Slowriders
+ Born a Lion + d3ö + If Lucy Fell
+ Cratera + Insert Coin
+ PharmaciaPainKiller
Dia 22: Wraygunn + Abandon Mute
+ Smix Smox Smux + doismileoito
+ Let The Jam Roll + Les Dirty Two
O Barco Rock Fest, na Praia Fluvial
de Barco, em Guimarães, já dura há
dois dias, com projecções de filmes e
DJ “sets” para o povo dançar, mas é
esta noite que a festa começa a sério
– e o rock do título assenta-lhe bem.
Entre hoje e amanhã, um festim com
algumas das mais recomendáveis
bandas portuguesas da actualidade.
Lá estarão os sempre
incendiários Wraygunn de Paulo
Furtado, provocadores com o
diabo e a soul no corpo, a berrar
“gotta love that woman” para nosso
prazer (cabe-lhes, amanhã, encerrar
o festival). Com eles, estarão os
eclécticos doismileoito, pessoal de
pop bem encenada e descargas
sónicas catárticas, os Smix Smox
Smux que põem ironia corrosiva em
canções que denunciam audições
atentas de Pavement, os angloportugueses
Abandon Mute,
sedeados em Londres, e as “jams”
de uns vimaranenses que não
escondem ao que vêm (chamam-se,
precisamente, Let The Jam Roll).
Isso, contudo, está reservado para
sábado.
Hoje, depois dos Cratera (gente da
terra, banda afilhada do grunge),
chegam os histriónicos If Lucy Fell,
de punk dilacerante e frenesim nonstop,
liderados por um vocalista
incontrolável, Makoto. Seguem-se os
conimbricenses d3ö, igualmente
incontroláveis, trio de rock’n’roll
garageiro que é uma das melhores
bandas portuguesas ao vivo e que
acaba de editar o recomendadíssimo
“Exposed”. A noite encerrará com
os Born A Lion, que em “Bluezebu”,
o seu último álbum, encarceram
Johnny Cash num pentagrama dos
Black Sabbath – o espírito de Cash,
aparentemente, não se queixou -, e
com Sean Riley & The Slowriders,
cultores das planícies da canção
americana que se revelaram
definitivamente em “Only time will
tell”. Recentemente, abriram o
Festival de Paredes de Coura com
um concerto magnífico e, em
Guimarães, não se espera nada
menos do que a repetição desse
momento. M.L.
Jazz
Matéria
Prima
no Porto
No encerramento das noites
Porto Blue Jazz, Carlos Bica
regressa à cidade com um
dos seus projectos mais
desafiantes.
Rodrigo Amado
Carlos Bica Matéria Prima
Com Matthias Schriefl, João Paulo,
Mário Delgado e João Lobo
Porto. Jardins do Palácio de Cristal. Rua D. Manuel
II. Amanhã, dia 22, às 22h. Tel.: 226057080.
Entrada gratuita.
Porto BlueJazz 09
A encerrar um ciclo de concertos
que apresentou projectos como o
duo Chick Corea e Gary Burton, o

Bernardo
Sassetti Trio,
ou o espectáculo
“Cumplicidades” de Vânia
Fernandes e Júlio Resende,
apresentam-se os Matéria Prima,
quinteto que representa uma das
facetas mais exploratórias e
desafiantes do trabalho de Carlos
Bica. Contrabaixista consagrado no
meio jazzístico nacional, há muito
com residência partilhada entre
Lisboa e Berlim, Bica recrutou três
dos mais versáteis músicos nacionais
– o pianista João Paulo, o guitarrista
Mário Delgado e o baterista João
Lobo – aos quais juntou um jovem
talento alemão, o trompetista
Matthias Shriefl. Projecto que
procura explorar as características
intrínsecas do jazz feito por músicos
portugueses, os Matéria Prima
apostam forte na componente da
improvisação, tornando cada
espectáculo um evento único, não
repetível. Numa fase de grande
actividade, Bica assume-se cada vez
mais como dinamizador da cena jazz
nacional, compositor e improvisador
de excepção, aguardando-se com
alguma expectativa o sucessor do
excelente “Believer”, o mais recente
registo com o seu projecto Azul.
Carlos Bica encerra amanhã
no Palácio de Cristal as noites
Porto BlueJazz
Agenda
Sexta 21
Mão Morta
Os Wraygunn em mais um festival de Verão
Camané
Esposende. Largo dos Bombeiros, às 22h.
Tel.: 253960100. Entrada gratuita.
Sons de Verão 09.
Rui Veloso
Bragança. Parque do Eixo Atlântico. Av. Abade
Baçal / Av. Professor António Gonçalves Rodrigues,
às 22h. Tel.: 253203150. Entrada gratuita.
Festas da Cidade 09.
Ana van Zeller e Carlos Gomes
Com Ana van Zeller (flauta
transversal), Carlos Gomes (piano).
Lisboa. Miradouro de São Pedro de Alcântara.
Jardim São Pedro de Alcântara, às 19h. Tel.:
213236200. Entrada gratuita.
Clássicos na Rua. Obras de
Febonio, Bach, Danzi, Villa-Lobos.
Nancy Vieira
Barreiro. Palco das Marés. R. Bento de Jesus
Caraça, às 22h. Tel.: 212068203. Entrada gratuita.
Festas do Barreiro.
Afonso Pais Trio
Sines. Centro de Artes de Sines - Auditório.
R. Cândido dos Reis, às 22h. Tel.: 269860080.
5€ (dois concertos).
Sines em Jazz.
Acácio Salero
Sines. Centro de Artes de Sines - Auditório.
R. Cândido dos Reis, às 23h15. Tel.: 269860080.
5€ (dois concertos).
Sines em Jazz.
Raquel Peters + Afonso Dias
Lagos. Centro Cultural de Lagos. R. Lançarote de
Freitas, 7, às 22h00. Tel.: 282770450. 10€.
Yuri Daniel Quartet
Com Yuri Daniel, João Paulo Esteves
da Silva, José Salgueiro, Johannes
Kriger.
Figueira da Foz. Centro de Artes e Espectáculos -
Auditório Exterior. R. Abade Pedro, às 22h00.
Tel.: 233407200. 7,5€.
Rocio Marquez
Barcarena. Fábrica da Pólvora de Barcarena.
Estrada das Fontaínhas, às 22h. Tel.: 214387460.
Entrada gratuita.
Festival Sete Sóis Sete Luas 2009
Mão Morta + Os Pontos Negros
+ Fato Feto
Vale de Milhaços. Quinta da Marialva. Corroios,
às 22h00. Tel.: 212535814. Entrada gratuita.
Festas Populares de Corroios.
Da Weasel + La Resinance
+ Stone Slaves + Nokin
Alcácer do Sal. Margem Sul do Sado, a partir
das 22h. Tel.: 265610040. Entrada gratuita.
Festival de Verão à Beira Sado.
DJ Patife
Aveiro. Centro Cultural e de Congressos de Aveiro.
R. Cais da Fonte Nova - Apartado 1520, às 22h00.
Tel.: 234406481. 10€.
Mercado Negro + Souls of Fire
+ Original Electro Groove
+ Jula Jah Soundsystem
Quarteira. Calçadão de Quarteira, às 21h00. Tel.:
289400660. 10€.
Festival Surfóreggae
Raquel Tavares
Com Eurico Machado (guitarra
portuguesa), Marco Oliveira
(viola), Nando
Araújo
(baixo).
Lisboa. Parque
Mayer.
Os Pontos Negros
ENRIC VIVES-RUBIO
Travessa do Salitre - Parque Mayer, às 21h30.
Tel.: 966917499. 5€.
Lisboa ao Parque.
The Portugals
Lousã. Parque Carlos Reis - Anfiteatro, às 22h00.
Tel.: 239990370. Entrada gratuita.
Sábado 22
Da Weasel
Barreiro. Palco das Marés. R. Bento de Jesus Caraça,
às 22h00. Tel.: 212068203. Entrada gratuita.
Festas do Barreiro.
Sidv Sissokho + Dubravko
Lapaine + Wild Marmelade
Ameixial. Loulé, às 20h30. Tel.: 967252145.
5€ (dia) a 15€ (passe).
VIII Festival de Didgeridoo.
Setsax Quarteto
Com Pedro Rego (saxofone soprano),
Ricardo Branco (saxofone alto),
Daniel Costa (saxofone tenor), André
Cabica (saxofone barítono).
Lisboa. Miradouro de São Pedro de Alcântara. Jardim
São Pedro de Alcântara, às 19h00. Tel.: 213236200.
Entrada gratuita.
Clássicos na Rua. Obras de Piazzolla,
Pierné, Gershwin e Florenzo.
Jacinta Canta Songs Of Freedom
Com Jacinta (voz), Paulo Gravato
(saxofone), Pedro Costa (piano), João
Gustavo (arranjos).
Estoril. Centro de Congressos do Estoril. Av. Amaral,
às 21h30. Tel.: 214647575. 15€.
Estoril Summer Fun’09.
Nasko Hristov
Com Nasko Hristov (acordeão), Ivo
Hristov (clarinete), Krastayo Metodiev
(percussão).
Monte de Caparica. Convento dos Capuchos.
Rç Lourenço Pires de Távora, 42, às 21h30.
Tel.: 212919342. 5€.
Ciclo 3 Culturas
Xutos & Pontapés
Esposende. Largo dos Bombeiros, às 22h.
Tel.: 253960100. Entrada gratuita.
Sons de Verão 09.
Concerto de Encerramento
Com Carmelo Corrado Caruso
(barítono), Marco Alves dos Santos
(tenor), Bárbara Barradas (soprano),
Maria Luísa de Freitas (mezzo).
Direcção musical de Osvaldo Ferreira.
Óbidos. Castelo, às 21h30.
Tel.: 262959231. 25€.
Obras de Rossini, Verdi, Bizet,
Mascagni, Gounod e Strauss.
António Pinho Vargas
Vila Nova de Cerveira. Auditório Municipal de Vila
Nova de Cerveira. Praça do Município, às 22h00.
Tel.: 251708020. 5€.
Cerveira ao Piano.
V3SKA
Vila Real. Teatro de Vila Real - Auditório Exterior.
Alameda de Grasse, às 22h30. Tel.: 259320000.
Entrada gratuita.
Festival de Músicas do Mundo.
David Fonseca
Cascais. Baía de Cascais, às 22h00.
Tel.: 214815810. Entrada gratuita.
Festas do Mar.
Blasted
Mechanism
NELSON GARRIDO
Blasted Mechanism nas
festas de Pinhel e de Corroios
Pinhel. Largo dos Combatentes, às 23h30.
Tel.: 271410000. Entrada gratuita.
Festas da Cidade.
Jori Hulkkonen + Junior Boys
+ Underworld + Mike Mind
+ Thomas von Party + Jesper
Dahlbäck + Zombie Nation
+ Riton + Proxy + Tiga + Seth
Troxler
Vilamoura. Hipódromo de Vilamoura, às 21h.
213933770. 25€.
Creamfields 09.
El Fad
Com José Peixoto (guitarra),
Carlos Zíngaro (violino), Yuri Daniel
(contrabaixo), José Salgueiro
(percussão).
Sines. Centro de Artes de Sines - Auditório.
R. Cândido dos Reis, às 22h00. Tel.: 269860080.
5€ (dois concertos).
Sines em Jazz.
Low Budget Research Kitchen
Sines. Centro de Artes de Sines - Auditório. R.
Cândido dos Reis, às 23h15. Tel.: 269860080.
5€ (dois concertos).
Sines em Jazz.
Linda Martini + Blasfemea
+ Sociedade Filarmónica
Progresso Matos Galamba
+ Sequela Brothers
Alcácer do Sal. Margem Sul do Sado, a partir
das 22h. Tel.: 265610040. Entrada gratuita.
Festival de Verão à Beira Sado.
Rita Guerra
Lisboa. Parque Mayer. Travessa do Salitre,
às 21h30. Tel.: 966917499. 5€.
Lisboa ao Parque.
Domingo 23
Junior Boys
no Creamfields, em
Vilamoura
Pedro Abrunhosa
Barreiro. Palco das Marés. R. Bento de Jesus Caraça,
às 22h00. Tel.: 212068203. Entrada gratuita.
Festas do Barreiro.
Orquestra do Norte
Direcção Musical de Manuel Teixeira.
Agrelos. Igreja de São Miguel de Gândara, paroquial
de Cabeça Santa. Estrada Nacional 106, às 16h30.
Tel.: 255410470. Entrada gratuita.
Obras de Haydn e Verdi.
Terrakota
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Praça do Museu.
Praça do Império, às 22h00. Tel.: 213612400.
Entrada gratuita.
CCB Fora de Si.
Ana Moura
Vale de Milhaços. Quinta da Marialva. Corroios,
às 22h00. Tel.: 212535814. Entrada gratuita.
Festas Populares de Corroios.
Paula Oliveira
Com Paula Oliveira (voz),
Lo Tardin (piano).
Sines. Centro de Artes de Sines - Auditório.
R. Cândido dos Reis, às 22h00. Tel.: 269860080.
5€ (dois concertos).
Sines em Jazz.
Quarteto de Vasco Agostinho
Com Vasco Agostinho (guitarra),
Jeff Davis (vibrafone), Filipe teixeira
(contrabaixo), Bruno Pedroso
(bateria).
Sines. Centro de Artes de Sines - Auditório.
R. Cândido dos Reis, às 23h15. Tel.: 269860080.
5€ (dois concertos).
Sines em Jazz.
Entrada gratuita.
Feira Internacional do Fundão.
Xutos & Pontapés
Fundão. Pavilhão
Multiusos, às 22h00.
Tel.: 275771829.
Xutos & Pontapés no Norte
(Esposende) e no Centro (Fundão)
Alcácer do Sal e Barreiro
na agenda dos Da Weasel
Reviver Mozart
Lisboa. Parque Mayer. Travessa do Salitre
- Parque Mayer, às 21h00. Tel.: 966917499. 5€.
Lisboa ao Parque.
Terça 25
O’queStrada
Com Marta Miranda (voz), João Lima
(guitarra portuguesa), Zeto (guitarra
e voz), Pablo (contrabaixo),
Donatello (acordeão).
Pinhel. Largo dos Combatentes, às 23h30.
Tel.: 271410000. Entrada gratuita.
Festas da Cidade.
Quarta 26
Mafalda Veiga
Vila Praia de Âncora. Praça da República,
às 22h00. Tel.: 218508060. Entrada gratuita.
WOK - Ritmo Avassalador
Grândola. Parque de Feiras e Exposições,
às 22h00. Tel.: 269750260. Entrada gratuita.
Joana Amendoeira
Cascais. Baía de Cascais, às 22h00.
Tel.: 214815810. Entrada gratuita.
Festas do Mar.
Ana Moura
Óbidos. Castelo, às 22h00. Tel.: 262959231. 15€
Quinta 27
Susana Félix + Classificados
Grândola. Parque de Feiras e Exposições,
às 22h00. Tel.: 269750260. Entrada gratuita.
Mafalda Veiga
Viseu. Expovis - Feira de São Mateus. Campo
de Viriato, às 22h00. Tel.: 232422018. Entrada
gratuita.
Kussondulola
Sesimbra. Cine-Teatro Municipal João Mota.
Av. Liberdade, 46, às 22h. Tel.: 212288715. 3€.
Blasted Mechanism
Vale de Milhaços. Quinta da Marialva. Corroios,
às 22h00. Tel.: 212535814. Entrada gratuita.
Festas Populares de Corroios.
Rita Redshoes
Cascais. Baía de Cascais, às 22h00. Tel.: 214815810.
Entrada gratuita.
Festas do Mar.
Gonçalo Prazeres Quarteto
Com Gonçalo Prazeres (saxofone
alto), Nuno Costa (guitarra),
Bernardo Moreira (contrabaixo),
Luís Candeias (bateria).
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Cafetaria
Quadrante. Praça do Império, às 22h00.
Tel.: 213612400. Entrada gratuita.
Jazz às 5.ªs. CCB Fora de Si.
Raquel Tavares
Com Eurico Machado
(guitarra
portuguesa), Marco
Oliveira (viola),
Nando Araújo
(baixo).
Mogadouro. Praça
Central, às 22h30.
Entrada gratuita.
Ana Moura
no Castelo
de Óbidos
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 27
AUGUSTO BRAZIO

- PARA SEMPRE

Livros
Ficção
A música
mais triste
do mundo
Kazuo Ishiguro é um escritor
peculiar que, como já tem
demonstrado no total da
sua obra, se obstina em
desmontar estruturas
literárias tradicionais.
Helena Vasconcelos
Nocturnos
Kazuo Ishiguro
(Tradução de Rui Pires Cabral)
Gradiva
mmmmm
Em “Crooner”,
numa Veneza
invadida por
turistas, um
jovem polaco que
ganha a vida a
tocar nos cafés da
piazza é desafiado
por um famoso e
decadente cantor
romântico a acompanhá-lo numa
serenata à sua jovem mulher. Mas o
que começa como uma manifestação
de dedicação e amor conhece uma
reviravolta surpreendente, tal como
acontece em “Faça Chuva ou Faça
Sol”. Neste segundo conto um
desenraizado professor de Inglês no
estrangeiro que regressa a Londres é
convidado a ficar em casa de antigos
amigos da faculdade. Numa
tentativa para recuperar o
ambiente da juventude, quando
todos viviam uma existência de
hippies despreocupados, o
professor vê-se envolvido nos
psicodramas do casal, a braços com
mal-entendidos e falsos passos, o
que dá origem a situações bizarras e
trágico-cómicas.
Em “Malvern Hills”, um
compositor e tocador de viola
acústica deixa para trás Londres e
uma série de insucessos para visitar
a irmã e o cunhado, donos de um
café no campo. Aí, conhece um casal
de suíços que o obrigam a
questionar a sua vida e ambições.
Em “Nocturno”, um saxofonista a
recuperar de um operação plástica
que, supostamente, lhe irá corrigir a
fealdade, melhorando, desse modo,
a sua carreira, é arrastado para
delirantes aventuras pela sua vizinha
de quarto, uma rica americana que
não é senão a ex-mulher do
“crooner” da primeira história.
Em “Os Violoncelistas”, o cenário
volta a ser Veneza e o autor recupera
as personagens do primeiro conto,
focando a atenção, desta vez, no
violoncelista húngaro Tibor. Este,
seduzido por uma suposta diva que
lhe exacerba a vaidade, é levado a
acreditar que é bem mais genial do
que supõe.
Neste volume de contos cujo título
completo é “Nocturnos: Cinco
Histórias sobre Música e o Cair da
Noite” Kazuo Ishiguro reflecte a
intenção de explorar a natureza do
acto criativo, compondo algo
semelhante a uma partitura com
ênfase na decadência e na
melancolia, uma vez que o
entardecer não é só referente ao
ciclo dos dias mas também ao
ocaso da vida. Uma leitura mais
atenta pode revelar a ligação
entre cada conto a um tipo
particular de música, uma vez
que as menções casuais a
compositores e intérpretes
famosos estabelecem vínculos
com figuras como os românticos
e crepusculares Chopin e Gabriel
Fauré, Janácek e a sua obra,
influenciada pela música “folk“ do
seu país, Elgar e a sua ligação à
Natureza (satiricamente tratado em
“Malvern Hills) ou, ainda, as
canções íntimas e
simultaneamente
cínicas de
Cole
Porter, o
ritmo de
Irving
Berlin
ou a
Antes de se tornar escritor, Ishiguro quis ser músico
de rock e essa vocação perdida atravessa a sua obra
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
sensualidade evocativa de Sarah
Vaughan.
Sabe-se que Ishiguro, antes de se
decidir pela escrita, desejou ser
músico (de rock) e essa vocação temse
revelado em toda a sua obra. Ao
longo destes contos é possível
detectar traços de anteriores
romances, como é o caso de “ Os
Inconsolados” -
onde um
pianista
famoso
é
MIKE SEGAR/ REUTERS
assombrado por um mundo
estranho e cheio de sinais que ele
não consegue apreender -, de
“Nunca Me Deixes”, em que a
melodia tocada numa cassete é
repetidamente dançada por Kathy, e
mesmo de uma peça que Ishiguro
escreveu para o teatro, “The Saddest
Music in the World”, uma comédia
negra onde uma mulher patrocina
um concurso para encontrar a “
música mais triste do mundo”.
Ishiguro é um escritor peculiar
que, como já tem demonstrado no
total da sua obra, se obstina em
desmontar estruturas literárias
tradicionais, mantendo, no entanto,
um tom de aparente e perversa
“normalidade”, num universo em
que indivíduos mais ou menos
disfuncionais são influenciados por
sinais que os arrastam para situações
bizarras, dramáticas e, como é o
caso em pelo menos duas histórias
deste volume, cómicas e com um
toque de “slapstick”. A tristeza, a
impaciência e o despeito
atormentam as personagens,
pessoas desenraizadas, vivendo
longe das suas pátrias, em
situações precárias e, por
vezes humilhantes, mas
que desenvolvem
estranhos afectos e
cumplicidades fortuitas.
Não é por acaso que o
autor coloca em
confronto jovens
artistas com mentores
muito mais velhos,
enfatizando dessa forma
o contraste entre a
esperança e o
conformismo, entre a
expectativa e o cinismo.
Apesar da óbvia referência
ao romantismo, Ishiguro está
muito mais próximo de Swift e
de Austen, no que diz respeito à
desadequação das personagens
à realidade e à sua preocupação
em seguir certas regras
impostas por uma sociedade
que dita comportamentos
absurdos. Mas o mais
interessante é a forma como
Ishiguro questiona a
essência da arte e reflecte
sobre o narcisismo dos
criadores e o dilema entre
a “pureza” da criação e a
atracção pela fama e pelo
sucesso. Este autor
inglês que nasceu em
Nagasáqui, no rescaldo
da bomba atómica,
carrega consigo e
transmite nos seus
livros o sentimento
de que somos
todos órfãos,
arrastados pelas
correntes da
história e do
acaso, vítimas da
incomunicabilidade
e da
incerteza.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 29

Livros
Isabel
Coutinho
Chico Buarque gostou
muito do livro. Aquele,
disse, só podia ser um
livro escrito por um
autor de “quadrinhos”
Lourenço Mutarelli
http://www.
mutarelli.com.
br/mutarelli/
O filme
http://www.
ocheirodoralo.
com.br/
Diário em BD na
revista Piauí
http://www.
revistapiaui.com.
br/edicao_35/artigo_1104/Rotina_em_nanquim.
aspx
Ciberescritas
30 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Ai que bom é
“O Cheiro do Ralo”
Finalmente li “O Cheiro do Ralo” do brasileiro
Lourenço Mutarelli. E, como já esperava, valeu
bem a pena. Quem primeiro me falou deste
escritor, autor de banda-desenhada e actor foi
Marçal Aquino quando esteve em Matosinhos a
participar no 4º Encontro Internacional Literatura em
Viagem. O autor de “Cabeça a Prémio” é também
argumentista e foi graças a ele que esta obra foi adaptada
ao cinema no Brasil.
Em 2002, Lourenço Mutarelli (São Paulo, 1964) depois
de ter publicado nove livros de banda-desenhada e de
ser um dos autores de BD mais premiados no Brasil,
publicou o seu primeiro romance. Escreveu-o de
rajada, durante cinco dias, num Carnaval em que estava
sozinho.
Chico Buarque, durante a conversa que teve com
Milton Hatoum e Samuel Titan Jr. na Festa Literária de
Paraty, em Julho, disse que “a literatura hoje em dia
não precisa de se alimentar somente de literatura”.
Contou que há uns cinco, seis anos, tinha lido “O Cheiro
do Ralo” de Mutarelli e que o romance “era muito
bom”. Gostou muito do livro e percebeu que era “muito
novo” porque Lourenço Mutarelli é um autor de BD.
Aquele só podia ser um livro escrito por um autor de
“quadrinhos”. “[No romance] Há um sujeito atrás de um
balcão naquela loja maluca e aparece um tipo, aparece
um outro, e é muito bom que
ele tenha trazido isso para a
literatura. Isso é bom para a
literatura”, afirmou.
“O Cheiro do Ralo” tem 140
páginas que se lêem tal como
foi escrito, num repente.
Risos, surpresa, indignação,
excitação, pena, todos estes
sentimentos surgem durante
a leitura. Estamos a ler um
romance e parece que estamos a ler poesia. O narrador
do livro nunca é identificado. Passa parte da sua vida
atrás do balcão numa loja de penhores e, quando os
clientes atravessam a porta, já ele está a pensar como os
vai tramar. Na sua loja há um problema, um cheiro surge
da fossa da casa de banho, do ralo entupido. Um cheiro
tão insuportável que atravessa os diálogos do livro do
princípio ao fim. O narrador tem também uma obsessão
por uma determinada “bunda”, o rabinho perfeito de
uma empregada de um restaurante onde ele costuma ir
almoçar só para espreitar “a dona bunda”.
“‘O Cheiro do Ralo’, em síntese, é a história da busca.
Fazendo justiça ao título, os caminhos trilhados pelo
protagonista só serão percorridos se o leitor tiver a
capacidade de suportar o odor”, lê-se no site oficial de
Lourenço Mutarelli, onde podem ser visualizadas quatro
páginas do livro em PDF.
Enquanto se espera que algum editor português
resolva editar por cá esta obra de Mutarelli, podemos
ver no site da revista brasileira “Piauí” o diário ilustrado
que o escritor fez durante um mês a pedido dos editores
da revista: “Acordei irritado. Os gatos parecem cinco
macacos. Tenho que ir ao banco pagar uma dúzia de
contas.” São coisas assim.
E quem quiser saber mais sobre o trabalho de
Mutarelli pode ir assistir a “Corpo Estranho” no projecto
na Internet de Renata Jesion a partir do texto original do
autor. A actriz faz peças de teatro na sua sala de estar,
que são filmadas e transmitidas na Internet.
Corpo Estranho
http://www.teatroparaalguem.
com.br/ isabel.coutinho@publico.pt
(Ciberescritas já é um blogue http://blogs.publico.pt/ciberescritas)
Era uma vez
na Noruega
Karin Fossum faz um
admirável retrato de uma
aldeia adormecida em que
todos os habitantes parecem
ter algo a esconder.
José Riço Direitinho
A Noiva Indiana
Karin Fossum
(Tradução de José Mendonça
da Cruz)
Oceanos
mmmmn
A norueguesa
Karin Fossum (n.
1954) é uma das
autoras mais
reconhecidas
deste recente
“boom” de
policiais nórdicos
que há já alguns
anos se instalou
nos catálogos das editoras europeias
(mais recentemente também no das
norte-americanas), e que um pouco a
medo parece estar agora a chegar a
Portugal – se não ainda em termos de
sucesso junto dos leitores, pelo
menos em número de autores
traduzidos. Karin Fossum, que
curiosamente começou a sua carreira
literária publicando poesia (tendo
sido bastante elogiada pela crítica),
só a meio da década de 90 é que se
converteu à escrita de romances
policiais, tendo iniciado então a
“série do Inspector Konrad Sejer”, da
qual foram publicados até agora, na
Noruega, nove volumes. “A
Noiva Indiana” (o quinto
da série) – distinguido
em 2007 com o “Best
European Crime
Novel”, e
considerado, em
2008, pelo “Los
Angeles Times”
como o melhor
romance policial
publicado nos EUA – é
o terceiro livro de Karin
Fossum por cá
traduzido: a Presença
publicara antes “A Ilusão
de Eva” (2002) e “O
Olhar de um
Desconhecido”
(2005).
Um
pouco na
linha de
outras
norueguesa Anne Holt ou a sueca
Liza Marklund – para referir apenas
escritoras traduzidas para português
– Karin Fossum parece querer
remeter a resolução do puzzle do
crime para um segundo plano,
preferindo centrar-se nas causas e
nos efeitos do acto violento no tecido
social. Para isso, criou personagens
bastante vívidas, convincentes, e
aprofundou-as emocionalmente
realçando as suas inseguranças.
Gunder Jomann é um recatado
vendedor de maquinaria agrícola,
sem problemas monetários, 51 anos
de idade, e que ainda não perdeu a
esperança de um dia se casar. Vive
em Elvestad, uma aldeia com 2347
habitantes. Um dia, ao folhear um
livro que lhe fora oferecido pela
irmã, Povos de Todas as Nações,
apaixona-se pela beleza das
mulheres indianas. Daí até viajar
para a Índia, para Mumbai (a antiga
Bombaim), com a intenção de por lá
encontrar uma companheira,
decorre pouco tempo. “Havia outras
opções. Mas ele não tinha coragem
para embarcar com outros, com
estranhos, num autocarro com
destino à Polónia. E não queria
saltar para um avião rumo à
Tailândia. Havia tantos boatos sobre
o que por lá se passava…”
Para espanto da irmã, quando
Gunder regressa à Noruega, passadas
as duas semanas de férias, é já um
homem casado. A sua mulher, Poona
Bai, não o pode acompanhar mas em
breve se lhe virá juntar. Mas no dia
aprazado para Gunder a ir esperar ao
aeroporto, Marie, a irmã, tem um
violento acidente de viação e é
internada no hospital com
traumatismos graves e em estado de
coma. Ele pede então ao único taxista
da aldeia que vá ao aeroporto buscar
Poona Bai. Mas este regressa
sozinho. No dia seguinte, o
corpo de uma mulher é
encontrado na
borda de um
prado, junto a um
bosque. É uma
mulher
pequena, de
pele escura e
vestida com
roupas exóticas.
Tem o rosto
irreconhecível,
esmagado. É então
que é chamado
o calmo
autoras
Karin Fossum é uma das mais reconhecidas
nórdicas,
representantes do policial nórdico
como a
islandesa Yrsa
Sigurdardóttir,
a também
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Inspector Konrad Sejer – um dos mais
civilizados da constelação do
romance policial – que frente ao
corpo nota que se tratou de “um
ataque de uma violência muito rara
na história criminal da Noruega.”
Ninguém na adormecida aldeia de
Elvestad consegue acreditar que um
dos seus cometeu aquele horrendo e
brutal crime. Mas para Konrad Sejer e
para o seu assistente Jacob Skane
todos são suspeitos. E alguns
parecem ter algo a esconder, quando
não sobre o crime, pelo menos sobre
as suas vidas. “Há uma via de acesso
a todo o ser humano. É isso que
procuro, pensou Sejer.”
Neste romance lento e pungente,
Fossum faz um retrato talentoso da
vida numa aldeia quase isolada.
Desde o ostracismo a que é remetida
uma testemunha casual, até às
conversas de café em que vários se
vão acusando em jeito de
“brincadeira”, passando pela
enunciação dos pecadilhos venais de
cada um, que toda a gente conhece
mas que finge não saber. Como
convém num romance que se
pretende subtil, a ambiguidade final
dá-lhe um certo toque de delicadeza.
Ensaio
E Alice
com isso?
Carroll é uma fasquia muito
alta para a prosa amanuense
deste argentino “déraciné.”
Eduardo Pitta
No Bosque do Espelho
Alberto Manguel
(Tradução de Margarida Santiago)
Dom Quixote
mmmnn
Foi em 1996, com
“Uma História da
Leitura”, que
Alberto Manguel
(n. 1948) chamou
a atenção de toda
a gente. Nessa
época já ele era
um autor
canadiano. Na
vasta bibliografia, só o livro
inaugural foi escrito na língua
materna: “Dicionário de Lugares
Imaginários” (1980), obra de que é
co-autor com Gianni Guadalupi. A
partir daí escreveu sempre em
inglês. Manguel nasceu em Buenos
Aires, mas passou a infância e parte
da adolescência em Israel, onde o
pai era embaixador. Voltou à
Argentina para completar o ensino
secundário, tornou-se íntimo de
Jorge Luís Borges, viajou por todo o
mundo antes de fixar-se no Canadá
nos anos 1980, mas, não obstante a

cidadania canadiana, vive
actualmente em França. Manguel
goza de uma fama notoriamente
excessiva (a lista de prémios
internacionais é impressionante).
Embora tenha escrito romances e
contos, alguns de natureza gay, e
organizado antologias de diversa
índole, é como ensaísta que se
destaca. Os anos em que lia para
Borges, já então cego, foram um
bom tirocínio.
“No Bosque do Espelho” toma
como ponto de partida a obra-prima
de Lewis Carroll, adoptando como
divisa o “mot” de Heraclito: “Nunca
mergulhas no mesmo livro duas
vezes”. Trata-se de uma colectânea
de ensaios de muito diversa
proveniência: artigos
encomendados, textos para cursos
de jornalismo das artes,
conferências, recensões críticas,
antologias gay, introduções e
posfácios. Manguel estabece um fio
condutor entre textos de Borges,
Cortázar, Chesterton, Melville,
Cynthia Ozick, Santo Agostinho e
outros. Do ponto de vista da
erudição e do “ofício”, tem a
perfeição do amanuense culto. Mas
raramente nos surpreende com um
golpe de asa.
Uma das excepções é a sanha com
que “desmonta” Bret Easton Ellis a
Espaço
Público
Este espaço vai ser seu.
Que filme, peça de teatro,
livro, exposição, disco,
álbum, canção, concerto,
DVD viu e gostou tanto
que lhe apeteceu escrever
sobre ele, concordando ou
Alberto Manguel: Lewis Carroll é uma fasquia
demasiado grande para este argentino
partir de “Psicopata Americano”
(1991). A parte do anedotário é
conhecida: depois de ter pago um
adiantamento avultado a Ellis, e ter
o livro impresso, a Simon & Schuster
desistiu de o pôr à venda por causa
da violência do conteúdo; saiu,
como é sabido, sob chancela da
“Vintage Contemporaries” da
Random House. Mas Manguel
aproveita para aliviar o fígado: “A
primeira linha do livro é o lema de
Dante para as portas do Inferno [...].
De facto, tudo está montado de
modo a levar o leitor a crer que a
história que se segue é, de facto, de
natureza literária: contemporâneo e
irónico [...], moderno [...], sério e
filosófico. As 128 páginas que se
seguem (a primeira cena brutal
começa na página 129) são
agonizantes para qualquer pessoa
que não esteja habituada a ler
publicidade de moda. [...] Não é
escrita; é um desfile de palavras com
o propósito de fazer um catálogo.” E
não poupa nos adjectivos: os relatos
são “grotescos”, a prosa
“desajeitada”, o estilo “débil” e o
vocabulário “magro”. Tudo por
contraponto com Ovídio, Dante,
Novalis, Sade, Kafka e Dostoievsky.
Convenhamos na desproporção.
O ensaio dedicado a Cynthia Ozick
é dos mais estimulantes. A partir das
PHILIPPE MATSAS/ OPALE
leituras que Ozick fez de Primo Levi,
Manguel reflecte sobre a condição
judaica, ameaçada pela “galáxia
canibal da cultura cristã”. Faz isso
com argúcia e desenvoltura,
sobretudo quando contrapõe os
conceitos de raiva e misericórdia
que, na perspectiva de Ozick, Levi
relacionava com autodestruição.
A afirmação de que, “até à década
de 1960, o Canadá mal reconhecia a
existência da literatura canadiana” é
completamente inesperada.
Creditando esse reconhecimento à
teimosia e perseverança de alguns
editores, bem como à projecção da
obra de Margaret Atwood — que
classifica com paternalismo —,
Manguel reserva os elogios para
Richard Outram (1930-2005), “um
dos melhores poetas em língua
inglesa”.
Tudo visto, parece-me fútil, para
não lhe chamar pedante, ter
alinhado os textos sob o enigmático
patrocíno de “Alice no País das
Maravilhas”. Mesmo nos ensaios
sobre Borges, porventura aqueles
em que está mais à-vontade, Carroll
é uma fasquia muito alta para este
argentino “déraciné”.
Uma
metamorfose
exasperada
Um atento estudo de
literatura comparada:
o poema em prosa em
Baudelaire e Herberto.
Pedro Mexia
O Espaço sem Volta
Marco Alexandre Rebelo
Vendaval
mmmnn
não concordando com o
que escrevemos? Envienos
uma nota até 500
caracteres para ipsilon@
publico.pt. E nós depois
publicamos.
Cem anos
medeiam o
aparecimento, em
1862, dos
primeiros textos
que constituiriam
“O Spleen de
Paris” e a
publicação de “Os
Passos em Volta”,
em 1963. No breve ensaio “O Espaço
sem Volta”, Marco Alexandre Rebelo
tenta perceber o percurso do poema
em prosa ao longo desse século,
tomando como ponto de partida as
colectâneas de Baudelaire e
Herberto Helder. E “poema em
prosa” surge aqui quase como
sinónimo de “modernidade”.
Quando Baudelaire começou a
escrever os seus “petits poèmes en
prose”, tomou como modelo o
“Gaspard de la Nuit” (1842), de
Aloysius Bertrand, adaptando-o à
“descrição da vida moderna”. O
novo poema em prosa era
“pequeno” e não épico, e usava uma
prosa musical e maleável que
marcava o ritmo de um tempo novo.
Esse tempo novo tinha também um
novo espaço: Paris, centro do
mundo civilizado, cidade já com dois
milhões de habitantes e que, com o
plano do Barão Haussmann,
duplicou o número de bairros e
ergueu uma infinidade de ruas,
praças, avenidas. A grande cidade
tinha nascido da demolição da
cidade antiga, e por isso era um
espaço de multidões, anonimato e
tédio: “No mundo estreito desta
Paris moderna e industrial, a
linguagem e a forma empregues
pelos clássicos ao cantar o
quotidiano deixam de fazer sentido.
O ritmo de vida mudou, a
linguagem, onde o ritmo poético é
criado, deve adaptar-se a essa
mudança, não com o fim de
reproduzir o real, mas sim para o
transformar” (pág. 15).
A cidade inumana gera uma nova
subjectividade, uma subjectividade
que vive entre o idealismo e a
trivialidade: “O pequeno poema em
prosa adapta-se ao ritmo quotidiano
do poeta do poeta flâneur e dandy,
um ritmo que oscila entre o viver de
um acontecimento pitoresco, o
pensar-sonhar-viajar de um outro
mundo, os sobressaltos críticos da
consciência e o simples sentir do
spleen” (pág. 16). É uma
poesia de instantâneos,
uma “musa citadina”
feita de acasos,
melancolias, do
elogio do feio e do
artificial. O novo
paradigma
civilizacional cria um
novo paradigma
poético, uma poesia
com a linguagem e a
liberdade formal da
prosa mas com
mecanismos transpostos
da versificação, como a
aliteração ou a assonância.
O poema em prosa não foi
inventado por Baudelaire, mas
ele reinventou-o como
linguagem de um novo
espaço e de um novo
tempo.
Passados cem
anos (e depois
das teses
revolucionárias de Einstein), espaço
e tempo estavam ainda mais
associados, ao ponto de serem
indistinguíveis. Mas agora o mundo
já não tinha centro, o spleen tinha
sido substituído pela velocidade, e a
viagem era uma experiência banal.
“Os Passos em Volta” é um
acontecimento fulgurante na
literatura portuguesa, em parte,
escreve Rebelo, porque actualiza
essa questão do espaço e do tempo
para 1963.
Embora a primeira edição do livro
trouxesse a indicação “contos”
(abandonada nas reedições), é à
tradição do poema em prosa que
Herberto vai beber. Aqueles textos
são ficções, mas também narrativas
de viagem e monólogos dramáticos,
com ecos autobiográficos e uma
grande inventividade de escrita. O
sujeito não está preso a uma cidade
mas deambula por várias cidades
europeias, num espaço em expansão
que gera também um tempo
expansivo. E esse tempo exige uma
escrita circular, “em volta”, uma
escrita que implica uma ruptura
com a linguagem comum. É uma
espécie de poesia primitiva, uma
poesia dionisíaca e alucinada que
tem também outro mestre:
Lautréamont e a sua “metamorfose
exasperada”.
Publicado numa pequena e
exigente editora de teoria e
crítica, “O Espaço
sem Volta” é um
atento estudo
de literatura
comparada.
Baudelaire reinventou o poema em prosa como linguagem
de um novo espaço, a grande cidade haussmaniana
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 31

Teatro/Dança
32 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Espaço
Público
Bem vindos
à Euráfrica
No programa que o CCB
dedica a África, a francesa
Julie Dossavi apresenta-se
como um ser compósito de
referências tanto ancestrais
como contemporâneas,
tanto europeias quanto
africanas. Vanessa Rato
P.I. (Pays)
De e com Julie Dossavi.
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Praça do Museu.
Praça do Império. Dia 21/08. 6ª às 22h. Tel.:
213612400. Entrada gratuita.
CCB Fora de Si.
Walid Raad, o artista plástico por
detrás do conhecido projecto The
Atlas Group, defende uma teoria
interessante: segundo ele, que
nasceu no Líbano e viu o seu país ser
literalmente arrasado, um evento
traumático como a guerra destrói
qualquer possibilidade de retomar o
fio de certas tradições artísticas;
qualquer autor que o tente, diz ele,
acabará mergulhado no submundo
da “falsa cultura”, criador de nada
mais do que duplos, cópias.
É o reverso da medalha das teorias
pós-colonialistas. Mas, claro, Walid é
um artista plástico e Julie Dossavi
uma bailarina. Aqui, o corpo é a
questão. Porque o corpo tem uma
memória própria.
Nascida em Toulon em 1968,
Dossavi, hoje com 41 anos, cresceu
em Brest, na Bretanha, e mudou-se
para Paris apenas no final do liceu.
Foi primeiro atleta, depois
patinadora e só depois bailarina,
Agenda
Teatro
Estreiam
Este espaço vai ser
seu. Que filme, peça de
teatro, livro, exposição,
disco, álbum, canção,
concerto, DVD viu e
gostou tanto que lhe
apeteceu escrever
A Idade do Ouro
Encenação de Filipe Crawford. Com
Ana Peres, Carla Mendes, Fernando
Cunha, Hugo Gama, Luís
Nascimento, Mariana Schou, Marta
Pacheco, Rui Ferreira, Vasco Lavado,
Pedro Luzindro.
Lisboa. Castelo de São Jorge. De 27/08 a 29/08. 5ª a
Sáb. às 21h30. Tel.: 218800620. 5€ a 10€.
Drákula
Encenação de John Mowat. Pela
Companhia de Teatro do Chapitô.
Com Jorge Cruz, José Carlos Garcia,
Tiago Viegas.
Fundão. Espaço Gardunha Viva. Dia 21/08. 6ª às
22h. 3€ a 10€.
Festival TeatroAgosto.
Tulius Claunus
De Nuno Pino Custódio e Sérgio
Fernandes. Encenação de Nuno Pino
Custódio. Pela Este. Com Sérgio
Fernandes e Pedro Rufino.
sobre ele, concordando
ou não concordando
com o que escrevemos?
Envie-nos uma nota até
500 caracteres para
ipsilon@publico.pt. E
nós depois publicamos.
Julie Dossavi, uma franco-africana à procura das origens
Fundão. Espaço Gardunha Viva. Dia 22/08. Sáb. às
22h. 3€ a 10€.
Festival TeatroAgosto.
Hedda Gabler
De Henrik
Ibsen.
Encenação
de Celso Cleto.
Com Sofia
Alves, Ana
Rocha, Elisa
Lisboa,
Guilherme
Filipe,
Maria Dulce,
Paulo Rocha, Vítor de Sousa.
Caldas da Rainha. Centro Cultural e Congressos das
Caldas da Rainha. Rua Doutor Leonel Sotto Mayor.
De 21/08 a 22/08. 5ª e 6ª às 21h30. Tel.: 262889650.
7,5€ a 15€.
Presos por uma Corrente de Ar
De Helen Ainsworth e Graeme
Pulleyn. Encenação de Graeme
Pulleyn. Pelo Teatro Regional da Serra
de Montemuro.
Arouca. Espaço da Feira. Dia 22/08. Sáb. às 21h30.
Entrada gratuita.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Continuam
TINK
A partir de Herman Melville.
Pela Cão Solteiro. Com Paula Sá
Nogueira, Paulo Lages, Miguel
Manso, Mariana Sá Nogueira, entre
outros.
Lisboa. Cão Solteiro. R. Poço dos Negros, 120. Até
30/08. 3ª a Dom. às 22h00. 5€ a 10€.
Piaf
Encenação de Filipe La Féria. Com
Sónia Lisboa e Wanda Stuart, entre
outros.
Lisboa. Teatro Politeama. R. Portas de
Santo Antão, 109. Até 31/12. 3ª a 6ª às 21h30.
Sáb. às 17h00 e 21h30. Dom. às 17h00. Tel.:
213245500.
A Gaiola das Loucas
De Jean Poirte. Encenação: Filipe La
Féria. Com José Raposo, Carlos
Quintas, Rita Ribeiro, Joel Branco,
Hugo Rendas.
Porto. Rivoli Teatro Municipal - Grande Auditório.
Pç. D. João I. Até 31/12. 3ª, 4ª, 5ª e 6ª às 21h30. Sáb.
às 17h00 e 21h30. Dom. e Feriados às 17h00. Tel.:
223392200.
trabalhando com nomes conhecidos
da cena francesa como Philippe
Decouflé e Joseph Nadj. Mas África
foi uma presença constante na sua
família originária do Benim: “É o
que tenho em mim desde sempre e
eu acho que as pessoas não podem
esquecer as suas raízes, de onde
vêm”, diz-nos numa breve conversa
telefónica a partir de Paris. O
pretexto: “P.I. (Pays)”, aquele que
ela própria descreve como “o mais
africano, o mais colorido” dos cinco
espectáculos que tem em reportório.
Datada de 2003, “P.I. (Pays)”
evolui ao longo de um dia e da
viagem ritual de uma mulher (“uma
mulher do mundo”, como diz
Dossavi) que atravessa diferentes
paisagens íntimas tingidas com a
influência da música e da dança do
Benim, do Mali, do Burkina Faso e,
claro, de França.
Rituais ancestrais, sim, mas
também contemporâneos, ligados às
grandes zonas urbanas, como na
música “tecno” e o “hip hop”: está
tudo lá, a emergir estilizadamente
através de Dossavi numa série de
solos e duetos em que
percussionistas africanos e
sobretudo um cantor maliano
surgem como alter-egos da
coreógrafa e bailarina.
Não vale a pena tentar ir muito
mais longe do que isto: “Realmente
eu não faço parte da dança chamada
conceptual. Eu estou na dança pura,
na troca, na transmissão do
sentimento. Gosto quando as
pessoas vêem o meu trabalho e
sentem. Porque para mim a dança é
realmente um estado: vivo a dança
da cabeça aos pés.”
É um clássico de quem vai à
procura das suas origens: “Acho que
me sinto mais africana do que os
africanos. Às vezes não podemos
explicar tudo.”
O Teatro de Montemuro
em Arouca

Cinema
As estrelas do público
Estreiam
Gostar de
personagens
O filme de Miguel Mozos
tem a capacidade de se
confundir, a cada momento,
com um infinito amor
pelo seu conjunto de
personagens, que é de resto
a principal razão da sua
existência.
Luís Miguel Oliveira
4 Copas
De Manuel Mozos,
com Nuno Bernardo, Diana Costa e
Silva, Margarida Marinho, João
Lagarto. M/12
MMMnn
Lisboa: CinemaCity Campo Pequeno Praça de
Touros: Sala 8: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h40, 19h,
21h50, 00h10 Sábado Domingo 12h, 14h20, 16h40,
19h, 21h50, 00h10; UCI Cinemas - El Corte Inglés:
Sala 3: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h50,
19h25, 21h50, 00h25 Domingo 11h30, 14h15, 16h50,
19h25, 21h50, 00h25; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h10, 15h50, 18h10, 21h05, 23h30; ZON Lusomundo
Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50,
15h20, 18h10, 21h15, 23h50; ZON Lusomundo
Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h15, 15h50, 18h20, 21h05, 23h40
Jorge
Mourinha
Porto: Arrábida 20: Sala 17: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h05, 16h40, 19h15, 21h45, 00h20 3ª
4ª 16h40, 19h15, 21h45, 00h20; ZON Lusomundo
Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
14h, 16h30, 19h, 21h30, 24h; ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h, 15h50, 19h, 21h50, 00h35
Nem todos os filmes, e na verdade
não é assim uma coisa tão comum,
estão interessados em gostar das suas
personagens. E muito poucos
querem, e sabem, mostrar a cada
plano o amor que têm pelas suas
personagens. A reduzirem-se - tarefa
ingrata - as virtudes de “4 Copas” a
uma só, essencial, fique-se com essa:
a capacidade que o filme tem para se
confundir, a cada momento, com um
infinito amor pelo seu conjunto de
personagens, como se fosse ele a
guiá-lo, e declará-lo a principal razão
da sua existência. Doce mesmo
quando é implacável (o plano em que
João Lagarto adormece antes de a
mulher, Margarida Marinho, se
deitar, e assim com um pacífico
ressonar se mostra um casamento em
falência técnica), terno mesmo
quando é severo (a bofetada de
Lagarto na filha, Rita Martins), “4
Copas” é um filme que parece feito
para ele próprio, o filme, ficar a ver
as suas personagens, ver o que elas
fazem e como elas sentem, às vezes
envergonhado com as suas falhas de
carácter (os planos com Marinho,
viciada no jogo, a rebaixar-se para
conseguir algum dinheiro
emprestado), outras orgulhoso das
Luís M.
Oliveira
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
4 Copas nnnnn mmmnn nnnnn mmmnn
Blood: O Último Vampiro a nnnnn nnnnn nnnnn
Duplo Amor mmmnn mmmmn nnnnn mmnnn
G.I. Joe: O Ataque dos Cobra mnnnn nnnnn nnnnn nnnnn
Inimigos Públicos mmmnn mmmmn nnnnn mmmmn
Os Limites do Controlo mmmmn mmmmn mmnnn mnnnn
Nunca é Tarde Demais nnnnn mnnnn nnnnn nnnnn
As Praias de Agnès mmmnn mmmmn mmmmn mmmnn
Sinédoque, Nova Iorque mmmnn nnnnn nnnnn mnnnn
Up-Altamente mmmmn mmmnn nnnnn mmmnn
Os actores certos nas personagens certas, em “4 Copas”
suas virtudes (a cabeça erguida, o
peito cheio de ar, de João Lagarto na
cena a seguir ao divórcio), mas
sempre devotado. A verdade é que,
como ensinou um velho cineasta
francês, todos têm as suas razões, e é
isso que torna a escolha difícil. Ou
impossível: mesmo quando as
personagens estão já todas zangadas
umas com as outras (as três citadas
mais a de Filipe Duarte), e não há um
plano que possa conter duas delas ao
mesmo tempo, o filme - e é talvez a
sequência mais bonita - entra num
vai e vem a saltar de umas para as
outras, planos curtos sobre planos
curtos, quase sem “avançar” coisa
nenhuma, como se fosse só para
conseguir estar com todas em
simultâneo (e também para se
descansar, e confirmar que elas são
fortes, e se aguentaram durante o
tempo em que a câmara as
abandonou).
Isto é uma questão de olhar, na
verdadeira acepção da palavra, e
juntamente com este tipo de
dramaturgia sussurrada, num tom
menor (como todo o tom menor,
uma questão de estilo, e de estilo
clássico) que reflecte o esbatimento
de uma inquietação numa resignação
(redentora ou não), a marca distintiva
do cinema de ficção de Manuel
Mozos (embora fosse interessante
defender que também se encontram
estas exactas características num
filme como “Ruínas”). “4 Copas”
conta uma história “comum” como
em “Xavier” ou no malfadado “Um
Passo, Outro Passo e Depois...”.
Talvez não fosse tão “comum” a de
“...Quando Troveja” mesmo se “4
Copas” conserva dele alguns ecos
muito directos - Diana (Rita Martins),
a miúda com nome de deusa da caça
que para remendar o casamento do
pai se põe a seduzir o homem que lhe
seduziu a mulher, é um pouco como
os “duendes” que nesse filme
cuidavam da vida amorosa de Miguel
Guilherme. Tornando-se a força
motriz da história (espécie de
pequena “metteuse en scène”), é
também a personagem mais
enigmática - nela coexistem a
candura e a perversidade, mas as
doses de uma e de outra coisa são
cuidadosamente camufladas.
Gostar das personagens também
implica respeitar-lhes o mistério. E,
inevitavelmente, gostar dos actores.
Dos secundários (a florista de
Cristina Alfaiate, o “espanhol” de
Vítor Correia) ao quarteto de
“copas”: a adolescente de Rita
Martins é impecável, Filipe Duarte
dá ao seu segurança de centro
comercial o tom devidamente
“sacudido” (ora por uma mulher ora
por outra), João Lagarto empresta à
sua personagem uma irrepreensível
dignidade apardalada, e Margarida
Marinho tem os modos cansados e
vagamente assustados da Eleonora
Rossi Drago dos filmes de Zurlini.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 33

Cinema
Caden Cotard, um papel à medida
do enorme Philip Seymour Hoffman
Os limites
do controlo
A estreia da realização
do argumentista de “O
Despertar da Mente” e
“Queres Ser John Malkovich”
é um filme desequilibrado
mas perturbante sobre o
terror do quotidiano.
Jorge Mourinha
Sinédoque, Nova Iorque
Synecdoche, New York
De Charlie Kaufman,
com Philip Seymour Hoffman,
Catherine Keener, Sadie Goldstein.
M/12
MMMnn
Lisboa: Medeia Monumental: Sala 1: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h, 19h30, 22h, 00h30;
UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 12: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 14h05, 16h40, 19h15, 21h50,
00h25 Domingo 11h30, 14h05, 16h40, 19h15, 21h50,
00h25
A história do cinema está cheia de
argumentistas que se decidiram a
passar à realização, com resultados
bastante variáveis. Charlie Kaufman,
um dos mais inventivos e originais
argumentistas americanos
contemporâneos, não é excepção a
essa regra, embora no seu caso a
coisa tenha sido um pouco mais
acidental: “Sinédoque, Nova Iorque”
começou vida como um projecto de
filme de terror para a Columbia que
deveria ser realizado por Spike
Jonze, o realizador-alma gémea que
filmara “Queres Ser John
Malkovich?” e “Inadaptado.” Mas o
34 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Espaço
Público
Disse, à mesa do jantar,
com uma “coragem”
inusitada
- Sabem que filme fui
ver?... “Brüno”...
- Ah!...
- É quase como “Os
Malucos do Riso”, tem
piadas bem conseguidas,
outras menos bem
conseguidas. Não me ri de
tudo...
Aliás (isto não disse), no
lugar do riso até tive medo
porque a consciência
atirava-me, de vez em
que era suposto ser um filme de
género transformou-se durante a
escrita noutra coisa, muito mais
“kaufmaniana” mas também muito
mais inclassificável. E Jonze, retido
na produção conturbada de “O Sítio
das Coisas Selvagens”, sugeriu ao
amigo que fosse ele próprio a
realizar o que, sem ser um filme de
terror, é um filme sobre o terror -
sobre o terror de morrer, sobre o
terror de passar pela vida sem deixar
marca, sobre o terror da irrelevância
e do fracasso e da sensação de
termos desperdiçado o nosso tempo
neste mundo.
É esse terror que persegue
quotidianamente o encenador
teatral Caden Cotard (papel à
medida do enorme Philip Seymour
Hoffman), neurótico, inseguro,
hipocondríaco, aprisionado num
corpo em lenta decomposição mas
também num casamento que se
desintegra em lume brando, que
recebe do nada uma bolsa de
mecenato cultural e decide investi-la
na criação da peça teatral para
acabar com todas as peças teatrais.
Um simulacro que se desenrole em
tempo real, tal como a vida, num
enorme armazém abandonado que
se transforma numa cidade dentro
da cidade à medida que a obra
monumental de Caden vai ganhando
corpo e estrutura - mas que, ao fim
de 17 anos, continua em ensaios e
ainda não foi mostrada ao público, e
que se transforma progressivamente
num espelho da própria vida
amargurada do encenador que tanto
quis ser alguém que se resumiu
progressivamente ao anonimato.
Desde a compactação de 25 anos
de narrativa numa espécie de único
longo dia onde Caden vai
envelhecendo e rejuvenescendo
consoante as necessidades da
história até ao vertiginoso e
infindável jogo de espelhos entre a
vida e a arte, passando pela casa que
está permanentemente em fogo ou
pela capacidade de tornar o surreal
estranhamente credível, percebe-se
rapidamente que nenhum outro
autor contemporâneo poderia
ter escrito “Sinédoque,
Nova Iorque”. Mas ser um
argumentista de
excepção não implica ser
um grande realizador, e
o que sobra em talento
de escrita a Kaufman
falta-lhe em capacidade de
visualização. Kaufman não
tem o talento de Spike Jonze
e Michel Gondry para construir
um universo visual em imagens e
limita-se a ilustrar aplicada e
fielmente as palavras que
escreveu, deixando
“Sinédoque, Nova Iorque”
tombar numa espiral
claustrofóbica que
nenhum rasgo visual vem
aligeirar. Esse lado de
“teatro filmado” não deixa
de ser adequado a um
filme que vai muito
lentamente
contaminando uma
realidade reconhecível
com uma série de
“non-sequiturs”
tão absurdos
quanto
arrepiantes,
mas não
impede de
sentirmos
que faz
aqui
falta
uma
quando, da sala do
cinema lá para fora... e os
preconceitos mantêm-se.
Voltando ao jantar (ou
seja, à realidade), disse:
- O que o filme pretende é
desmontar o estereótipo
do “gay” de tanto o
montar/mostrar... O filme
quer mostrar que nem
todos os gays são assim...
Mas fui interrompido pelo
A.:
- Mas são.
Este “mas são” foi forte,
foi taxativo, fez-me dizer
espécie de válvula de escape - como
se Kaufman tivesse, ele próprio,
deixado contagiar-se pela espiral
neurótica de Caden e se mostrasse
incapaz de lhe escapar, como se a
sua necessidade de controlar cada
um dos elementos desta metanarrativa
desdobrada esbarrasse na
sua impossibilidade de o fazer
constantemente. Querer ser
demiurgo tem destas coisas.
Blood: O Último Vampiro
Blood: The Last Vampire
De Chris Nahon,
com Allison Miller, Liam
Cunningham, Jun Gianna. M/12
a
“alguns”... e voltar ao
silêncio ... às vezes não me
apetece armar discussões
(ao contrário de Pasolini,
que odiava a pacificação,
ou de Brüno que também a
odeia), sobretudo quando
o jantar está a correr
bem...
- Mas são. Mas são.
A ignorância é sempre
taxativa, é atrevida. E o
filme tornou-se real... O
que havemos de fazer?...
Nelson Bandeira,
desempregado, Porto
Lisboa: CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 5: 5ª 6ª
2ª 3ª 4ª 13h40, 15h35, 17h45, 19h40, 21h45, 23h55
Sábado Domingo 11h50, 13h40, 15h35, 17h45,
19h40, 21h45, 23h55; UCI Dolce Vita Tejo: Sala 1: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h55, 15h55, 17h55,
19h55, 21h55, 00h05; ZON Lusomundo Alvaláxia:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h,
18h30, 21h50, 24h; ZON Lusomundo Almada
Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50,
15h10, 17h30, 21h40, 00h05
Porto: Arrábida 20: Sala 18: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 13h45, 15h55, 18h05, 20h15, 22h25,
00h35 3ª 4ª 15h55, 18h05, 20h15, 22h25, 00h35
Nominalmente, “Blood: O Último
Vampiro” é um “remake” de imagem
real da animação de culto que
Hiroyuki Kitakubo
dirigiu em
2000 a
partir
O “remake” da animação de culto
de Hiroyuki Kitakubo é indescritivelmente mau
de um conceito de Mamoru “Ghost
in the Shell” Oshii, sobre uma
samurai teenager imortal caçadora
de demónios por conta de uma
agência super-secreta. Não foi, à
altura, outro “Akira”, mas bastou
para que, quase dez anos depois, o
francês Chris Nahon (“O Beijo Mortal
do Dragão”) se abalance a esta
adaptação malfadada a meio
caminho entre o filme de terror e a
aventura de artes marciais. E
malfadada porque vale tudo ? desde
alguns bons combates de kung-fu
coreografados por Cory Yuen a
alguns dos piores efeitos especiais
que já vimos, passando por um
inspiradíssimo design visual (parte
“Blade Runner”-retro-”trash”, parte
exotismo de pechisbeque BD), por
alguns dos mais inexplicavelmente
frenéticos movimentos de câmara
desde as gruas loucas de “Amália” e
pela completa ausência de lógica
narrativa ou mesmo de simples
história. “Blood” é
indescritivelmente mau ? e não
dentro da estética tão-mau-que-ébom.
J.M.
Continuam
Up - Altamente
+ Parcialmente Nublado
Up
De Pete Docter,
com Edward Asner (Voz),
Christopher Plummer (Voz),
Jordan Nagai (Voz). M/4
MMMMn
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 5: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h10, 17h20, 19h30,
21h40 (V.Port.) 6ª Sábado 13h, 15h10, 17h20,
19h30, 21h40, 23h50 (V.Port.); Castello Lopes -
Londres: Sala 1: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h30, 19h, 21h45 (V.Port.) 6ª Sábado 14h,
16h30, 19h, 21h45, 24h (V.Port.); Castello
Lopes - Loures Shopping: Sala 5: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h45, 14h50,
17h, 19h10, 21h20, 23h30 (V.Port./3D);
CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 11h30, 13h45,
16h, 18h15, 21h30, 23h45 (V.Port.); CinemaCity
Beloura Shopping: Sala 2: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 11h35, 13h55, 16h10, 18h35,
21h35, 23h50 (V.Port./3D); CinemaCity Campo
Pequeno Praça de Touros: Sala 3: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 11h30, 13h50, 16h15, 18h40,
21h35, 23h55 (V.Port./3D); Medeia Fonte Nova:
Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
14h10, 16h30, 19h, 21h30 (V.Port.); Medeia
Saldanha Residence: Sala 5: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h05, 17h10, 19h15,
21h20, 23h30 (V.Port./3D); Medeia Saldanha
Residence: Sala 6: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 15h45,
17h50, 19h55, 22h, 24h; UCI
Cinemas - El Corte
Inglés:
Sala 5: 5ª
6ª Sábado 2ª
3ª 4ª 14h10, 16h45,
19h05, 22h, 00h15 Domingo
11h30, 14h10, 16h45, 19h05, 22h,
00h15; UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 6: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª
4ª 14h15, 16h30, 18h50, 21h15, 23h30 (V.
Port./3D) Domingo 11h30, 14h15, 16h30, 18h50,
21h15, 23h30 (V.Port./3D); UCI Dolce Vita Tejo:
Sala 3: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h, 16h20,
18h55, 21h35, 23h55 (V.Port.) Domingo 11h30,
14h, 16h20, 18h55, 21h35, 23h55 (V.Port.); ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h10, 16h30, 18h45, 21h20, 23h40;
ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª
13h25, 15h45, 18h10, 21h, 23h15 (V.Port./3D)

“Up - Altamente”, um dos grandes filmes do ano
Sábado Domingo 11h, 13h25, 15h45, 18h10, 21h,
23h15 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª
6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h20, 21h20,
23h40 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h, 15h30, 18h20,
21h20, 23h40 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20,
16h, 18h30, 21h30, 23h50 (V.Port.) Domingo 11h,
13h20, 16h, 18h30, 21h30, 23h50 (V.Port.); ZON
Lusomundo Colombo: 5ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h05,
15h30, 17h55, 21h45, 00h10 (V.Port./3D) 6ª 13h05,
15h30, 00h10 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h05,
15h30, 17h55, 21h45, 00h10 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h15, 15h40, 18h15, 21h20, 23h45 (V.Port.);
ZON Lusomundo Dolce Vita Miraflores: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 15h10, 17h30, 19h40, 21h50, 24h
(V.Port.) Domingo 11h, 15h10, 17h30, 19h40, 21h50,
24h (V.Port.); ZON Lusomundo Odivelas Parque:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h20, 17h50,
21h10, 23h30 (V.Port.) Domingo 11h, 13h10,
15h20, 17h50, 21h10, 23h30 (V.Port.);
ZON Lusomundo Oeiras Parque:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h,
15h20, 18h, 21h, 23h40
(V.Port.) Domingo
10h40, 13h, 15h20, 18h,
21h, 23h40 (V.Port.); ZON
Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª Sábado
2ª 3ª 4ª 13h30, 15h50,
18h20, 21h15, 23h40 (V.
Port./3D) Domingo 11h, 13h30,
15h50, 18h20, 21h15, 23h40 (V.Port./3D);
ZON Lusomundo Vasco da Gama: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h05, 15h15, 17h30, 19h40,
21h50, 23h55 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h05,
15h15, 17h30, 19h40, 21h50, 23h55 (V.Port./3D);
Auditório Charlot: Sala 1: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 21h30 (V.
Port.) Sábado Domingo 16h, 21h30 (V.Port.);
Castello Lopes - C. C. Jumbo: Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª
15h10, 17h20, 19h30, 21h40 6ª 15h10, 17h20, 19h30,
21h40, 23h50 Sábado 13h, 15h10, 17h20, 19h30,
21h40, 23h50 Domingo 13h, 15h10, 17h20, 19h30,
21h40; Castello Lopes - Fórum Barreiro: Sala 1: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h10, 19h30,
21h40 (V.Port./3D) 6ª Sábado 12h50, 15h10, 17h10,
19h30, 21h40, 23h50 (V.Port./3D); Castello Lopes -
Rio Sul Shopping: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h15, 19h20, 21h25, 23h40
(V.Port./3D); UCI Freeport: Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª
15h45, 18h30, 21h10 (V.Port.) 6ª 15h45, 18h30, 21h10,
23h30 (V.Port.) Sábado 13h30, 15h45, 18h30, 21h10,
23h30 (V.Port.) Domingo 13h30, 15h45, 18h30, 21h10
(V.Port.); ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h35, 18h, 21h30, 23h55 (V.
Port./3D) Domingo 10h50, 13h10, 15h35, 18h, 21h30,
23h55 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Almada
Fórum: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h, 18h25,
21h, 23h30 (V.Port.) Domingo 11h, 13h20, 16h, 18h25,
21h, 23h30 (V.Port.); ZON Lusomundo Fórum
Montijo: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h35, 16h15,
18h45, 21h15, 23h50 (V.Port./3D) Domingo 11h,
13h35, 16h15, 18h45, 21h15, 23h50 (V.Port./3D)
Porto: Arrábida 20: Sala 1: 5ª Sábado Domingo 2ª
13h35, 15h45, 17h55, 20h05, 22h15, 00h30 (V.
Port./3D) 6ª 13h35, 15h45, 17h55, 20h05, 00h30 (V.
Port./3D) 3ª 4ª 15h45, 17h55, 20h05, 22h15, 00h30
(V.Port./3D); Arrábida 20: Sala 12: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h10, 16h35, 19h, 21h30, 00h05 3ª 4ª
16h35, 19h, 21h30, 00h05; Cinemax - Cinema da
Praça : Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h30, 21h45 (V.Port.)
6ª 15h30, 21h45, 23h55 (V.Port.) Sábado 15h, 17h30,
21h45, 23h55 (V.Port.) Domingo 15h, 17h30, 21h45
(V.Port.); Cinemax - Penafiel: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª
15h30, 21h50 (V.Port.) 6ª 15h30, 21h50, 23h55 (V.
Port.) Sábado 15h, 17h30, 21h50, 23h55 (V.Port.)
Domingo 15h, 17h30, 21h50 (V.Port.); Medeia Cidade
do Porto: Sala 2: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h40, 15h40, 17h40, 19h45, 21h50 (V.Port.); ZON
Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h45, 20h10,
22h35 (V.Port.); ZON Lusomundo Dolce Vita Porto:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h, 18h40, 21h20,
23h50 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h40, 16h, 18h40,
21h20, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Ferrara
Plaza: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h, 17h15, 19h30, 21h40 (V.
Port./3D) 6ª Sábado 15h, 17h15, 19h30, 21h40, 24h
(V.Port./3D) Domingo 11h10, 15h, 17h15, 19h30,
21h40 (V.Port./3D); ZON Lusomundo GaiaShopping:
5ª 2ª 3ª 4ª 13h, 15h20, 18h, 21h30 (V.Port./3D) 6ª
13h, 15h20, 18h, 21h30, 23h50 (V.Port./3D) Sábado
10h50, 13h, 15h20, 18h, 21h30, 23h50 (V.Port./3D)
Domingo 10h50, 13h, 15h20, 18h, 21h30 (V.Port./3D);
ZON Lusomundo MaiaShopping: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h15, 16h, 18h45, 21h20 (V.Port./3D) 6ª Sábado
13h15, 16h, 18h45, 21h20, 23h30 (V.Port./3D)
Domingo 10h50, 13h15, 16h, 18h45, 21h20 (V.
Port./3D); ZON Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h40, 18h, 21h20, 23h50
(V.Port./3D) Domingo 10h50, 13h20, 15h40, 18h,
21h20, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h40, 15h, 17h20, 19h40, 22h10, 00h40 (V.
Port./3D) 6ª 13h30, 16h10, 19h40, 23h (V.Port./3D);
ZON Lusomundo NorteShopping: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h10, 18h40, 21h10, 23h50 (V.Port.) 6ª
12h50, 15h20, 18h, 21h10, 23h50 (V.Port.) Sábado
Domingo 11h, 13h40, 16h10, 18h40, 21h10, 23h50
(V.Port.); ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h40, 18h10, 20h40,
23h10 (V.Port.) Domingo 10h50, 13h10, 15h40,
18h10, 20h40, 23h10 (V.Port.); ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h35, 16h10,
18h50, 21h35, 00h10 (V.Port.) Sábado Domingo 11h,
13h35, 16h10, 18h50, 21h35, 00h10 (V.Port.); Castello
Lopes - 8ª Avenida: Sala 2: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h10,
17h20, 19h30, 21h40, 23h50 (V.Port./3D) Sábado
Domingo 13h, 15h10, 17h20, 19h30, 21h40, 23h50
(V.Port./3D); ZON Lusomundo Fórum Aveiro: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h05, 18h50, 21h35,
00h25 (V.Port.) Domingo 10h40, 13h20, 16h05,
18h50, 21h35, 00h25 (V.Port.); ZON Lusomundo
Glicínias: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h25,
19h10, 21h55, 00h40 (V.Port./3D) Domingo 10h50,
13h40, 16h25, 19h10, 21h55, 00h40 (V.Port./3D);
Comecemos por eliminar a variável
3-D, porque reduzir a décima longa
da Pixar ao “truque” visual é passar
ao lado da essência da produção do
estúdio de John Lasseter: a sua
atenção quase maníaca à narrativa
e à emoção. É isso que explica
porque é que “Altamente” confirma
o “desvio” encetado em 2006 por
“Carros”, em direcção a um
horizonte onde estamos a falar de
cinema, em abstracto e absoluto, e
não de animação: o “herói” de
“Altamente” é um viúvo rezingão e
misantropo que se vê empurrado
pelo destino a entrar na aventura da
sua vida. Só que, para lá chegar,
Pete Docter (parte do quadro
fundador do estúdio e realizador de
“Monstros & Cª”) segue um dos
caminhos mais enviesados que
vimos nos últimos anos, arrancando
como melodrama clássico sobre um
homem que já nada espera da vida
para alternar em seguida uma
aventura exótica saída dos “serials”
e das séries B dos anos 30 com um
lado de humor absurdo e alienígena
muito próximo da estética dos
Looney Tunes. As amplitudes
térmicas são demasiado
abrangentes para conseguirem ser
negociadas sem o tropeção
ocasional, mas não impedem que
“Altamente” seja um dos grandes
filmes do ano. J.M.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Inimigos Públicos
Public Enemies
De Michael Mann,
com Johnny Depp, Billy Crudup,
Marion Cotillard, Christian Bale.
M/16
MMMnn
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 3: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h45, 18h40, 21h30 6ª
Sábado 12h50, 15h45, 18h40, 21h30, 00h20; Castello
Lopes - Londres: Sala 2: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
13h15, 16h, 18h45, 21h30 6ª Sábado 13h15, 16h,
18h45, 21h30, 00h15; Castello Lopes - Loures
Shopping: Sala 2: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 12h40, 15h20, 18h40, 21h30, 00h10; CinemaCity
Alegro Alfragide: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 18h45, 21h35, 00h25; CinemaCity Beloura
Shopping: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h30, 16h35, 21h30, 00h20; CinemaCity
Campo Pequeno Praça de Touros: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h30, 21h30,
00h20; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 4: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h35, 21h30 6ª Sábado
13h45, 16h35, 21h30, 00h20; Medeia Fonte
Nova: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 14h30, 18h15, 22h; Medeia
Monumental: Sala 4 - Cine Teatro: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h30, 19h10, 21h50,
00h20; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 13: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 15h, 18h10, 21h30, 00h20
Domingo 11h30, 15h, 18h10, 21h30, 00h20; UCI
Dolce Vita Tejo: Sala 10: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h55, 18h, 21h35, 00h25; ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h35, 16h40, 21h15, 00h15; ZON
Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 17h, 21h,
24h; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 17h, 21h,
24h; ZON Lusomundo Colombo: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h50, 21h10, 00h20; ZON
Lusomundo Odivelas Parque: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 16h30, 21h, 24h; ZON
Lusomundo Oeiras Parque:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 12h35, 15h30, 18h25,
21h20, 00h15; ZON
Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª
Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h50,
17h40, 21h, 00h05; ZON Lusomundo Vasco da
Gama: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15,
16h15, 21h10, 00h05; Castello Lopes - Rio Sul
Shopping: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 12h45, 15h40, 18h35, 21h20, 00h15; UCI Freeport:
Sala 3: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h15, 18h10, 21h15 6ª
Sábado 15h15, 18h10, 21h15, 00h10; ZON Lusomundo
Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
15h, 18h05, 21h10, 00h20; ZON Lusomundo Fórum
Montijo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20,
17h, 21h10, 00h05
Porto: Medeia Cidade do Porto: Sala 1: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h40, 19h20,
22h; ZON Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 16h20, 21h10,
00h15; ZON Lusomundo GaiaShopping: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 18h10, 21h10 6ª Sábado
14h30, 18h10, 21h10, 00h25; ZON Lusomundo
MaiaShopping: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50,
17h10, 21h10 6ª Sábado 13h50, 17h10, 21h10, 00h30;
ZON Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h10, 17h40, 21h10, 00h20;
ZON Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h50, 21h20, 00h30;
ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 17h10, 21h10, 00h20;
Castello Lopes - 8ª Avenida: Sala 3: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª
15h30, 18h20, 21h10, 24h Sábado Domingo 12h40,
15h30, 18h20, 21h10, 24h; ZON Lusomundo Fórum
Aveiro: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h50, 21h05
6ª Sábado 14h30, 17h50, 21h05, 00h35; ZON
Lusomundo Glicínias: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 14h30, 17h50, 21h10, 00h25
Michael Mann, mestre do noir
contemporâneo, poeta do
existencialismo de género como só
Melville soube ser no seu tempo,
reincide nos seus épicos miniaturais
de polícias e ladrões com este olhar
realista sobre a Chicago dos anos
1930, período áureo do cinema de
“gangsters”, e sobre o breve reinado
de John Dillinger. aqui retratado por
um Johnny Depp que raramente
teremos visto tão sóbrio. “Inimigos
Públicos” é um filme
inteligentíssimo (nem outra coisa
seria de esperar), que propõe uma
leitura intrigante do criminoso como
anti-herói e explica que a obsessão
mediática com a celebridade, afinal,
já vem de trás. O mais notável,
contudo, é mesmo o modo como
“Inimigos Públicos” é uma espécie
de “meta- narrativa” que faz
um filme de acção
sobre uma vida
real que se
imaginava
como uma
vida
de
cinema.
J.M.
Raramente teremos visto Johnny Depp
tão sóbrio como em “Inimigos Públicos”
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 35

“Up - Altamente”, um dos grandes filmes do ano
Sábado Domingo 11h, 13h25, 15h45, 18h10, 21h,
23h15 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª
6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h20, 21h20,
23h40 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h, 15h30, 18h20,
21h20, 23h40 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20,
16h, 18h30, 21h30, 23h50 (V.Port.) Domingo 11h,
13h20, 16h, 18h30, 21h30, 23h50 (V.Port.); ZON
Lusomundo Colombo: 5ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h05,
15h30, 17h55, 21h45, 00h10 (V.Port./3D) 6ª 13h05,
15h30, 00h10 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h05,
15h30, 17h55, 21h45, 00h10 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h15, 15h40, 18h15, 21h20, 23h45 (V.Port.);
ZON Lusomundo Dolce Vita Miraflores: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 15h10, 17h30, 19h40, 21h50, 24h
(V.Port.) Domingo 11h, 15h10, 17h30, 19h40, 21h50,
24h (V.Port.); ZON Lusomundo Odivelas Parque:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h20, 17h50,
21h10, 23h30 (V.Port.) Domingo 11h, 13h10,
15h20, 17h50, 21h10, 23h30 (V.Port.);
ZON Lusomundo Oeiras Parque:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h,
15h20, 18h, 21h, 23h40
(V.Port.) Domingo
10h40, 13h, 15h20, 18h,
21h, 23h40 (V.Port.); ZON
Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª Sábado
2ª 3ª 4ª 13h30, 15h50,
18h20, 21h15, 23h40 (V.
Port./3D) Domingo 11h, 13h30,
15h50, 18h20, 21h15, 23h40 (V.Port./3D);
ZON Lusomundo Vasco da Gama: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h05, 15h15, 17h30, 19h40,
21h50, 23h55 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h05,
15h15, 17h30, 19h40, 21h50, 23h55 (V.Port./3D);
Auditório Charlot: Sala 1: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 21h30 (V.
Port.) Sábado Domingo 16h, 21h30 (V.Port.);
Castello Lopes - C. C. Jumbo: Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª
15h10, 17h20, 19h30, 21h40 6ª 15h10, 17h20, 19h30,
21h40, 23h50 Sábado 13h, 15h10, 17h20, 19h30,
21h40, 23h50 Domingo 13h, 15h10, 17h20, 19h30,
21h40; Castello Lopes - Fórum Barreiro: Sala 1: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h10, 19h30,
21h40 (V.Port./3D) 6ª Sábado 12h50, 15h10, 17h10,
19h30, 21h40, 23h50 (V.Port./3D); Castello Lopes -
Rio Sul Shopping: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h15, 19h20, 21h25, 23h40
(V.Port./3D); UCI Freeport: Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª
15h45, 18h30, 21h10 (V.Port.) 6ª 15h45, 18h30, 21h10,
23h30 (V.Port.) Sábado 13h30, 15h45, 18h30, 21h10,
23h30 (V.Port.) Domingo 13h30, 15h45, 18h30, 21h10
(V.Port.); ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h35, 18h, 21h30, 23h55 (V.
Port./3D) Domingo 10h50, 13h10, 15h35, 18h, 21h30,
23h55 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Almada
Fórum: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h, 18h25,
21h, 23h30 (V.Port.) Domingo 11h, 13h20, 16h, 18h25,
21h, 23h30 (V.Port.); ZON Lusomundo Fórum
Montijo: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h35, 16h15,
18h45, 21h15, 23h50 (V.Port./3D) Domingo 11h,
13h35, 16h15, 18h45, 21h15, 23h50 (V.Port./3D)
Porto: Arrábida 20: Sala 1: 5ª Sábado Domingo 2ª
13h35, 15h45, 17h55, 20h05, 22h15, 00h30 (V.
Port./3D) 6ª 13h35, 15h45, 17h55, 20h05, 00h30 (V.
Port./3D) 3ª 4ª 15h45, 17h55, 20h05, 22h15, 00h30
(V.Port./3D); Arrábida 20: Sala 12: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h10, 16h35, 19h, 21h30, 00h05 3ª 4ª
16h35, 19h, 21h30, 00h05; Cinemax - Cinema da
Praça : Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h30, 21h45 (V.Port.)
6ª 15h30, 21h45, 23h55 (V.Port.) Sábado 15h, 17h30,
21h45, 23h55 (V.Port.) Domingo 15h, 17h30, 21h45
(V.Port.); Cinemax - Penafiel: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª
15h30, 21h50 (V.Port.) 6ª 15h30, 21h50, 23h55 (V.
Port.) Sábado 15h, 17h30, 21h50, 23h55 (V.Port.)
Domingo 15h, 17h30, 21h50 (V.Port.); Medeia Cidade
do Porto: Sala 2: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h40, 15h40, 17h40, 19h45, 21h50 (V.Port.); ZON
Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10, 17h45, 20h10,
22h35 (V.Port.); ZON Lusomundo Dolce Vita Porto:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h, 18h40, 21h20,
23h50 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h40, 16h, 18h40,
21h20, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Ferrara
Plaza: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h, 17h15, 19h30, 21h40 (V.
Port./3D) 6ª Sábado 15h, 17h15, 19h30, 21h40, 24h
(V.Port./3D) Domingo 11h10, 15h, 17h15, 19h30,
21h40 (V.Port./3D); ZON Lusomundo GaiaShopping:
5ª 2ª 3ª 4ª 13h, 15h20, 18h, 21h30 (V.Port./3D) 6ª
13h, 15h20, 18h, 21h30, 23h50 (V.Port./3D) Sábado
10h50, 13h, 15h20, 18h, 21h30, 23h50 (V.Port./3D)
Domingo 10h50, 13h, 15h20, 18h, 21h30 (V.Port./3D);
ZON Lusomundo MaiaShopping: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h15, 16h, 18h45, 21h20 (V.Port./3D) 6ª Sábado
13h15, 16h, 18h45, 21h20, 23h30 (V.Port./3D)
Domingo 10h50, 13h15, 16h, 18h45, 21h20 (V.
Port./3D); ZON Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h40, 18h, 21h20, 23h50
(V.Port./3D) Domingo 10h50, 13h20, 15h40, 18h,
21h20, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h40, 15h, 17h20, 19h40, 22h10, 00h40 (V.
Port./3D) 6ª 13h30, 16h10, 19h40, 23h (V.Port./3D);
ZON Lusomundo NorteShopping: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h10, 18h40, 21h10, 23h50 (V.Port.) 6ª
12h50, 15h20, 18h, 21h10, 23h50 (V.Port.) Sábado
Domingo 11h, 13h40, 16h10, 18h40, 21h10, 23h50
(V.Port.); ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h40, 18h10, 20h40,
23h10 (V.Port.) Domingo 10h50, 13h10, 15h40,
18h10, 20h40, 23h10 (V.Port.); ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h35, 16h10,
18h50, 21h35, 00h10 (V.Port.) Sábado Domingo 11h,
13h35, 16h10, 18h50, 21h35, 00h10 (V.Port.); Castello
Lopes - 8ª Avenida: Sala 2: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h10,
17h20, 19h30, 21h40, 23h50 (V.Port./3D) Sábado
Domingo 13h, 15h10, 17h20, 19h30, 21h40, 23h50
(V.Port./3D); ZON Lusomundo Fórum Aveiro: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h05, 18h50, 21h35,
00h25 (V.Port.) Domingo 10h40, 13h20, 16h05,
18h50, 21h35, 00h25 (V.Port.); ZON Lusomundo
Glicínias: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h25,
19h10, 21h55, 00h40 (V.Port./3D) Domingo 10h50,
13h40, 16h25, 19h10, 21h55, 00h40 (V.Port./3D);
Comecemos por eliminar a variável
3-D, porque reduzir a décima longa
da Pixar ao “truque” visual é passar
ao lado da essência da produção do
estúdio de John Lasseter: a sua
atenção quase maníaca à narrativa
e à emoção. É isso que explica
porque é que “Altamente” confirma
o “desvio” encetado em 2006 por
“Carros”, em direcção a um
horizonte onde estamos a falar de
cinema, em abstracto e absoluto, e
não de animação: o “herói” de
“Altamente” é um viúvo rezingão e
misantropo que se vê empurrado
pelo destino a entrar na aventura da
sua vida. Só que, para lá chegar,
Pete Docter (parte do quadro
fundador do estúdio e realizador de
“Monstros & Cª”) segue um dos
caminhos mais enviesados que
vimos nos últimos anos, arrancando
como melodrama clássico sobre um
homem que já nada espera da vida
para alternar em seguida uma
aventura exótica saída dos “serials”
e das séries B dos anos 30 com um
lado de humor absurdo e alienígena
muito próximo da estética dos
Looney Tunes. As amplitudes
térmicas são demasiado
abrangentes para conseguirem ser
negociadas sem o tropeção
ocasional, mas não impedem que
“Altamente” seja um dos grandes
filmes do ano. J.M.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Inimigos Públicos
Public Enemies
De Michael Mann,
com Johnny Depp, Billy Crudup,
Marion Cotillard, Christian Bale.
M/16
MMMnn
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 3: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h45, 18h40, 21h30 6ª
Sábado 12h50, 15h45, 18h40, 21h30, 00h20; Castello
Lopes - Londres: Sala 2: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
13h15, 16h, 18h45, 21h30 6ª Sábado 13h15, 16h,
18h45, 21h30, 00h15; Castello Lopes - Loures
Shopping: Sala 2: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 12h40, 15h20, 18h40, 21h30, 00h10; CinemaCity
Alegro Alfragide: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 18h45, 21h35, 00h25; CinemaCity Beloura
Shopping: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h30, 16h35, 21h30, 00h20; CinemaCity
Campo Pequeno Praça de Touros: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h30, 21h30,
00h20; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 4: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h35, 21h30 6ª Sábado
13h45, 16h35, 21h30, 00h20; Medeia Fonte
Nova: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 14h30, 18h15, 22h; Medeia
Monumental: Sala 4 - Cine Teatro: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h30, 19h10, 21h50,
00h20; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 13: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 15h, 18h10, 21h30, 00h20
Domingo 11h30, 15h, 18h10, 21h30, 00h20; UCI
Dolce Vita Tejo: Sala 10: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h55, 18h, 21h35, 00h25; ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h35, 16h40, 21h15, 00h15; ZON
Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 17h, 21h,
24h; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 17h, 21h,
24h; ZON Lusomundo Colombo: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h50, 21h10, 00h20; ZON
Lusomundo Odivelas Parque: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 16h30, 21h, 24h; ZON
Lusomundo Oeiras Parque:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 12h35, 15h30, 18h25,
21h20, 00h15; ZON
Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª
Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h50,
17h40, 21h, 00h05; ZON Lusomundo Vasco da
Gama: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15,
16h15, 21h10, 00h05; Castello Lopes - Rio Sul
Shopping: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 12h45, 15h40, 18h35, 21h20, 00h15; UCI Freeport:
Sala 3: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h15, 18h10, 21h15 6ª
Sábado 15h15, 18h10, 21h15, 00h10; ZON Lusomundo
Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
15h, 18h05, 21h10, 00h20; ZON Lusomundo Fórum
Montijo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20,
17h, 21h10, 00h05
Porto: Medeia Cidade do Porto: Sala 1: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h40, 19h20,
22h; ZON Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 16h20, 21h10,
00h15; ZON Lusomundo GaiaShopping: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 18h10, 21h10 6ª Sábado
14h30, 18h10, 21h10, 00h25; ZON Lusomundo
MaiaShopping: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50,
17h10, 21h10 6ª Sábado 13h50, 17h10, 21h10, 00h30;
ZON Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h10, 17h40, 21h10, 00h20;
ZON Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h50, 21h20, 00h30;
ZON Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 17h10, 21h10, 00h20;
Castello Lopes - 8ª Avenida: Sala 3: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª
15h30, 18h20, 21h10, 24h Sábado Domingo 12h40,
15h30, 18h20, 21h10, 24h; ZON Lusomundo Fórum
Aveiro: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h50, 21h05
6ª Sábado 14h30, 17h50, 21h05, 00h35; ZON
Lusomundo Glicínias: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 14h30, 17h50, 21h10, 00h25
Michael Mann, mestre do noir
contemporâneo, poeta do
existencialismo de género como só
Melville soube ser no seu tempo,
reincide nos seus épicos miniaturais
de polícias e ladrões com este olhar
realista sobre a Chicago dos anos
1930, período áureo do cinema de
“gangsters”, e sobre o breve reinado
de John Dillinger. aqui retratado por
um Johnny Depp que raramente
teremos visto tão sóbrio. “Inimigos
Públicos” é um filme
inteligentíssimo (nem outra coisa
seria de esperar), que propõe uma
leitura intrigante do criminoso como
anti-herói e explica que a obsessão
mediática com a celebridade, afinal,
já vem de trás. O mais notável,
contudo, é mesmo o modo como
“Inimigos Públicos” é uma espécie
de “meta- narrativa” que faz
um filme de acção
sobre uma vida
real que se
imaginava
como uma
vida
de
cinema.
J.M.
Raramente teremos visto Johnny Depp
tão sóbrio como em “Inimigos Públicos”
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 35

DVD
Espaço
Público
Cinema
O filme
é melhor
que a música
A banda sonora dos British
Sea Power parece querer
impor-se às imagens
admiráveis do documentário
de Robert Flaherty, e isso
acaba por enfraquecê-la.
Mário Lopes
Man Of Aran
De Robert Flaherty
BSO British Sea Power
Rough Trade; distri. Popstock
mmmnn
Este espaço vai ser
seu. Que filme, peça de
teatro, livro, exposição,
disco, álbum, canção,
concerto, DVD viu e
gostou tanto que lhe
apeteceu escrever
“O Homem de
Aran”, de Robert
Flaherty, pai do
documentário
cinematográfico,
é um filme
imponente. O
tema é o de sempre: a nobre
sobrevivência do homem isolado
perante a natureza, luta constante
com tanto de inevitável quanto de
arduamente heróico. Filmado nas
inóspitas ilhas de Aran, na zona mais
ocidental da costa irlandesa, foca o
olhar numa família (o Homem de
Aran, a sua mulher, Maggie, e o filho
Michael), para contar o mesmo que
“Nanook”, o primeiro e mais
emblemático filme de Flaherty.
Em Aran, o gelo é substituído por
um mar inclemente e incontrolável –
são admiráveis as ondas gigantescas
sobre ele, concordando
ou não concordando
com o que escrevemos?
Envie-nos uma nota até
500 caracteres para
ipsilon@publico.pt. E
nós depois publicamos.
fustigando a costa -, a caça pela
pesca, em barcos minúsculos, de
tubarões gigantescos, e as roupas de
peles e os iglus dos esquimós pelas
longas e pretas saias católicas de
Maggie e pelas boinas e camisas de
pescador dos homens. Filme de um
romântico dramatismo – como
habitual em Robert Flaherty, é,
precisamente, um documentário
dramatizado -, encena a nobreza
desencantada da vida em Aran com
momentos de extraordinária beleza
(o pequeno Michael caminhando
campo fora e o céu surgindo vivo
como em pintura de William
Turner), com sequências de uma
épica intensidade, como a longa
caçada ao tubarão frade. Tudo isso
está lá, nas imagens. E tudo isso,
naturalmente, pode ser potenciado
com a banda sonora adequada. Foi
isso que tentaram os British Sea
Power, banda britânica filiada no
negrume pós-punk, autora de álbuns
como “Open Season”, repletos de
referências literatas e boas ideias a
um passo de se transformarem em
algo realmente interessante. Na
banda sonora elaborada para “O
Homem de Aran”, agora editada em
CD e DVD, assim se mantiveram.
Adaptando temas do cancioneiro
folk irlandês e criando instrumentais,
ora tétricos de guitarras uivando, ora
drones insistentes, ora cadenciados
em rock a meio caminho entre os
Velvet Underground e as explosões
sónicas do pós-rock, os British Sea
Power incorrem num erro que se
revela fatal para a longevidade desta
união à obra de Flaherty. Muitas
vezes, a música parece querer imporse
às imagens, mais do que
complementá-las, e isso acaba por
enfraquecê-la – digamos que,
basicamente, o filme é melhor que a
música e deveria falar mais alto. A
cadência mecânica e eléctrica da
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Os instrumentais dos British Sea Power
não chegam a transformar-se em algo realmente interessante
música, ruidosamente moderna,
contraposta à ideia de ancestralidade
que atravessa o filme, até resulta em
exercício interessante. No final,
contudo, concordamos que “O
Homem de Aran” é um filme
magnífico e que a banda sonora que
os British Sea Power lhe fizeram, caso
houvesse voz nestas canções, poderia
ser o seu melhor álbum (mas seria,
ainda assim, pior que o filme).
O factor
humano
Emmanuelle Cuau equilibra
a leveza do seu nonsense
kafkiano com a seriedade do
olhar sobre uma sociedade
menos atenta às pessoas,
mas trai a loucura do
argumento com um final
certinho. Jorge Mourinha
Muito Bem, Obrigado
Très bien, merci
De Emmanuelle Cuau
Edição Atalanta Filmes
mmnnn
Sem extras
Passou pelas salas
portuguesas há
dois anos sem
grande
repercussão,
ressurge agora
num DVD básico
sem extras,
condenado à
mesma indiferença que o recebeu na
altura. Não se pode dizer, é certo,
que a segunda longa da francesa
Emmanuelle Cuau seja um grande
filme — não é, falta a “Muito Bem,
Obrigado” um pouco mais de
tarimba e personalidade para se
elevar acima da imensa produção de
“classe média” gaulesa a meio
caminho entre o filme de autor e o
filme comercial. Mas Cuau (que
trabalhou como argumentista com
Jacques Rivette, por exemplo) acerta
desde o princípio no tom ideal para
a sua comédia kafkiana sobre um
contabilista insatisfeito que dá por si
prisioneiro do labirinto burocrático
dos serviços públicos franceses.
Apanhado a fumar no átrio de saída
de uma estação de metro, Alex
decide-se a fazer valer os seus
direitos de cidadão e o seu pequeno
ataque de civismo despoleta um
“efeito borboleta” que leva o pobre
contabilista ao hospital psiquiátrico,
sem que a sua esposa consiga
desfazer os absurdos resultantes da
aplicação estrita e cega das leis.
Cuau sublinha o absurdo das
situações através da seriedade mais
seca e sisuda, resultando num filme
que joga constantemente com esse
distanciamento quase em câmara
lenta para criar o humor — que é,
obviamente, seco e absurdo mas
também de um peculiar burlesco
desconstruído, quase atomizado. É
uma opção tanto mais difícil quanto
seria muito fácil cair ora na farsa
histérica ora na angústia depressiva
— e Cuau, muito ajudada pelos
actores (Gilbert Melki e Sandrine
Kiberlain excelentes no papel do
casal), consegue a proeza de
caminhar elegantemente na corda
bamba, equilibrando a leveza do seu
nonsense kafkiano com a seriedade
certeira do olhar desencantado para
uma sociedade progressivamente
menos atenta ao factor humano. O
que falha, depois, é a resolução do
argumento, cujo final “certinho” trai
de alguma maneira a loucura que o
antecedeu e parece ter sido uma
solução de recurso para se livrar do
beco sem saída para onde a história
se dirige. E não conseguimos evitar a
sensação de que Cuau não tem
“unhas” de cineasta para fazer
inteira justiça à “guitarra” que
decidiu tocar — é um filme
visualmente anónimo e com alguns
problemas de ritmo. Mas isso não
invalida que “Muito Bem, Obrigado”
seja fita suficientemente interessante
para merecer uma visão
descomplexada.
Sandrine Kiberlain
e Gilbert Melki
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 37

Expos
As superfícies
com padrões
são um
elemento-chave
na pintura de Daan
van Golden
38 • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • Ípsilon
Devolver
o real
Um exercício de meditação:
Daan van Golden na
Culturgest. Óscar Faria
Vermelho ou Azul/Red or Blue
De Daan van Golden.
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD. Tel.: 217905155. Até 06/09. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das
11h às 19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às 19h30).
Pintura, Fotografia.
mmmmn
Em Quioto, no Japão, encontra-se o
templo de Ryoanji, que faz parte de
um complexo de edifícios mantido
pela escola Myoshinji, a mais
importante de um dos ramos do
budismo zen, o rinzai. Aquela
arquitectura religiosa é sobretudo
conhecida pelo “karesansui” –
paisagem seca –, um jardim de pedras
construído no final do século XV, que
tem vindo a inspirar uma série de
artistas, como é o caso de John Cage.
Nesse espaço de meditação os
estudantes procuram reflectir não só
no “koan” que lhes foi destinado por
um mestre, mas também nas relações
entre a gravilha, o musgo e os quinze
pedregulhos ali colocados, dos quais,
de qualquer ângulo, apenas se
conseguem observar
simultaneamente 14 – só depois de
alguém ter atingido a “iluminação”,
nota a tradição, é que consegue
visualizar a totalidade das pedras.
Uma das histórias favoritas de
Daan van Golden (1936, Roterdão)
está relacionada com uma
encomenda de um mural feita por
um imperador a dois grupos de
artistas, um chinês e outro grego.
Durante a realização dos trabalhos,
uma barreira separava as obras, de
modo a que ninguém pudesse ver
aquilo que se passava do outro lado.
Os chineses foram os primeiros a
acabar, tendo revelado o resultado ao
imperador. Umas semanas depois, foi
a vez de os gregos terminarem o seu
mural: tinham polido tanto a parede
que esta reflectia a pintura dos seus
concorrentes.
Não é por acaso que o artista
holandês mudou radicalmente a sua
obra – antes os seus trabalhos
denotavam a influência do
expressionismo abstracto – no Japão,
onde viveu entre 1963 e 1965. Nesse
período, van Golden começa a
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
transmutar em pintura uma série de
padrões apropriados de papéis de
embrulho ou de parede, de lenços de
assoar ou de toalhas de mesa,
espelhando assim a beleza que
encontrava no quotidiano, sobretudo
nos mais banais dos objectos. Essa
colagem ao real, uma estratégia
assumidamente pop, esvaziava-se,
porém, dos sentidos críticos
vislumbrados em algumas variantes
do movimento, sobretudo o realismo
capitalista alemão, protragonizado
por Sigmar Polke, Konrad Lueg e
Gerhard Richter. É igualmente na fase
japonesa que van Golden toma
contacto, através de uma discussão
num jornal local de língua inglesa,
com o conceito “ma”, podendo este
ser traduzido como “intervalo” – de
notar a sua proximidade com “mu”,
uma noção fundamental do budismo
zen, que inspira a instalação de Pedro
Morais patente na sala de exposições
temporárias do CAM da Fundação
Gulbenkian.
Em ensaio publicado no catálogo
da exposição agora visível na
Culturgest – “O virgem e o
modificado: a apropriação vazia de
Daan van Golden” –, Luke Smythe
nota que o interesse do pintor pelas
imagens por si reproduzidas é mais
de natureza visual ou afectiva do que
de ordem conceptual ou crítica,
acrescentando ainda o facto de o
artista procurar emprestar aos seus
trabalhos a capacidade de
produzirem “uma atmosfera de
calma introspecção, induzida pela
simplicidade sedutora das suas
superfícies com padrões.” O ensaísta
nota ainda que a influência dos
conceitos de “ma” e de vazio em van
Golden permite compreender
melhor o facto de ter baseado as
suas pinturas realizadas no Japão a
partir de motivos encontrados em
embalagens e em têxteis: “Não só os
seus desenhos simples e repetitivos
podem ser reproduzidos de maneira
descontraída porém concentrada, e
portanto meditativa, mas também o
seu estatuto de objectos decorativos
sem importância permite solicitar ao
espectador uma recepção da mesma
natureza.”
É este tipo de relações – entre o
cheio e o vazio, entre o intervalo e a
acção, muitas vezes na fronteira
entre o reconhecível e o camuflado –
, que van Golden irá trabalhar
lentamente ao longo dos últimos
trinta anos, encarando a sua
actividade de pintor como um
exercício de meditação. Nesse
trajecto, onde também surgem
imagens fotográficas – a série “Youth
is an art”, cerca de 100 fotografias da
sua filha Diana, desde o nascimento
até aos 18 anos – e uma instalação
num jardim – em 1987, cobre os
caminhos do Hortus Botanicus, em
Amesterdão, com gravilha azul –,
irão surgir as obras compostas por
silhuetas motivadas por trabalhos de
outros artistas, como Giacometti,
Matisse e Pollock. É contudo Klein o
nome mais próximo das intenções
de van Golden, uma aproximação
passível de se realizar tendo como
pontos de partida quer a mostra do
francês na galeria Iris Clert, em 1958,
conhecida como “a exposição do
vazio” – o título correcto é “La
spécialisation de la sensibilité à l’état
matière première en sensibilité
picturale stabilisée, Le Vide” –, quer
os famosos monocromos azuis, os
IKB.
A exposição patente na Culturgest
procura dar conta do percurso de
Daan van golden desde os anos 1960
até à actualidade. Com uma
montagem menos conseguida do
que, por exemplo, numa das
anteriores paragens da mostra, no
Camden Arts Centre, em Londres –
ali, os trabalhos respiravam mais e
as séries surgiam melhor
diferenciadas, permitindo assim
uma leitura mais clara das diferentes
fases desenvolvidas pelo artista –, a
retrospectiva é contudo enriquecida
em Lisboa por um das obras
seminais do artista, esta apresentada
como ditam as regras, numa única
linha, em contínuo: “Golden Years”,
título inspirado por uma canção de
David Bowie. Nesta peça de teor
conceptual, o pintor, com recurso a
recortes de jornal, escolhe uma
imagem legendada por cada ano da
sua vida, desde que nasceu até fazer
70 anos, criando assim uma história
singular: do desporto à guerra,
passando pelas artes (música,
pintura, cinema), é-nos assim
devolvido o real, o mundo, através
deste improvável espelho, que ecoa
a estratégia dos pintores gregos
quando colocados perante o desafio
de criar um mural. Esta reunião de
acontecimentos pode também ser
vista como uma espécie de jardim de
pedras, que não se consegue abarcar
com um só olhar. Apenas quem
tanto viveu pode afirmar: “Discurso
é silêncio, prata é ouro” (“Speech is
silence, silver is gold”).
A identidade
angolana
Sem preconceitos,
Yonamime serve-se
da pintura para interrogar
a sua identidade.
Luísa Soares Oliveira
Control Z
De Yonamine
Lisboa. Cristina Guerra Contemporary Art. R. de
Santo António à Estrela, 33. De 3ª a 6ª, das 11h às
20h. Sábados, das 12h às 20h. Até 19 de Setembro.
Vídeo, Instalação, Outros
mmmmn
“Control Z” é a primeira exposição
de Yonamine (n. Luanda, 1975) no

Yonamine reflecte sobre a identidade de uma Angola
em que a tradição se apaga cada vez mais perante o dólar
e a areia da praia se transforma em “beach sand”
espaço da galeria Cristina Guerra.
O público lisboeta já terá
eventualmente visto o seu trabalho
em iniciativas da galeria 3+1 (uma
exposição individual em 2008,
“Tuga Suave”, e participação na
colectiva “Sara e André”, no
mesmo lugar) e, sobretudo, nos
toldos de artistas do programa
“Distância e Proximidade”
(Fundação Calouste Gulbenkian,
Verão de 2008). Yonamine exibe
também um currículo já notável
em termos de apresentações
internacionais, incluindo o
Pavilhão Africano da Bienal de
Veneza de 2007 e “Réplica e
Rebeldia”, uma grande colectiva
que circulou em cidades lusófonas
em 2006, mas que Portugal não
recebeu.
Esta individual insere-se na linha
de trabalho que algumas destas
mostras indicavam já. Obras
bidimensionais, sobretudo, que
evocam ou se constroem com base
na pintura, e em geral uma
abundância de imagens próprias
ou apropriadas que evocam a
tradição da Pop Art – facto que,
aliás, é assinalado num texto de
sala que apresenta a exposição.
Depois há uma instalação montada
nos degraus que conduzem ao piso
da cave: um amontoado de sacos
de plástico cheios de areia – “beach
sand”, como nos é indicado em
marcas impressas – com os quais o
visitante pode interagir (mexer,
deslocar, ler os slogans e as
imagens que o artista neles fez
imprimir).
Muitos destes slogans indicam a
proibição através de alterações
mínimas de sinais universalmente
adoptados em códigos de
mobilidade: o círculo atravessado
por uma diagonal do código da
estrada, por exemplo, indica não a
proibição de estacionar, mas a de
usar sapatos de saltos altos.
Noutros casos, são imagens e
símbolos de outra origem que
Yonamine usa e repete de suporte
para suporte: o cifrão do dólar,
utilizado uma e outra vez à
maneira de um carimbo, ou
fotografias de jornais ou revistas
que tenham por assunto
acontecimentos ou
individualidades de relevo no
continente africano. Em todas
estas imagens, que são utilizadas
na pintura segundo um processo
que recorda processos e efeitos dos
“graffiti” das culturas urbanas
marginais, a repetição é a tónica. E
essa repetição gera, por sua vez,
um excesso de imagens que se
conjugam com alguma violência,
independentemente da sua origem
geográfica e política.
Esta violência acaba por se
metaforizar como a própria marca
da identidade do artista. Nascido
em Angola, capta no seu trabalho a
miscigenação de elementos
ocidentais e africanos que
caracterizam hoje a vida no seu
país de origem. Aliás, se se
mergulhar mais fundo na própria
natureza desta obra – que junta na
pintura, uma disciplina carregada
de sentido no ocidente judaicocristão,
a combinação de
referências sociais e políticas à
história e à actualidade do seu país
-, é ela própria que se afirma como
uma reflexão sobre essa
identidade, onde a tradição se
apaga cada vez mais perante o
dólar, onde a areia da praia se
transforma em “beach sand”.
“Control Z”, o comando que
permite desfazer um erro
informático e voltar à origem, é
aqui mais do que o nome da
exposição: é um desejo que já não
é possível realizar.
A peça central da mostra, um
painel colorido onde as pegadas
(do artista?) se assumem como
motivo decorativo principal, acaba
por resumir e condensar esta linha
de pensamento: sobre a pintura
ocidental, Yonamine imprime a
marca do seu corpo angolano. Não
a destrói, nem esse é o seu
propósito. Mas também não a
deixa intacta.
“A Experiência da
Forma” na Casa das Mudas
Agenda
Inauguram
Hanoi, Ha Long, Hoi An, Hue -
Quatro Paragens no Vietname
O Vietname
no Museu do Oriente
De Ricardo França.
Lisboa. Museu do Oriente. Av. Brasília - Edifício
Pedro Álvares Cabral - Doca de Alcântara Norte.
Tel.: 213585200. Até 20/09. 6ª das 10h às 22h. 2ª,
4ª, 5ª, Sáb. e Dom. das 10h às 18h. Inaugura 21/8 às
21h.
Fotografia.
Capas e Narrativas
De Carlos Barão.
São Lourenço. Centro Cultural São Lourenço. R.
Igreja. Tel.: 289395475. Até 01/10. 3ª, 4ª, 5ª, 6ª,
Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 19h. Inaugura 22/8
às 19h.
Pintura.
Continuam
Arriscar o Real
De vários autores.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Praça do Império
- Centro Cultural de Belém. Tel.: 213612878. Até
30/08. 6ª das 10h às 22h (última admissão às
21h30). 2ª a 5ª, Sáb. e Dom. das 10h às 19h (última
admissão às 18h30).
Pintura, Outros.
A Experiência da Forma
De Joaquim Rodrigo, Artur Rosa,
Helena Almeida, António Areal,
Lourdes Castro, Jorge Martins, Pedro
Calapez, Pedro Proença, Rui
Sanches, Joana Vasconcelos, Sofia
Areal, entre outros.
Calheta, Vale dos Amores. Estrela à Baixo, Centro
das Artes - Casa das Mudas. Tel.: 291822808 Até
15/11. 3ª a Dom das 10h às 13h e das 14h às 18h.
Pintura, Outros.
Henri Fantin-Latour (1836-1904)
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. Tel.: 217823700. Até 06/09.
3ª a. e Dom. das 10h às 18h.
Pintura, Desenho.
Teoria da Fala
De Pedro Barateiro.
Porto. Museu de Serralves. Rua Dom João de Castro,
210. Tel.: 226156500. Até 29/09. 3ª a 6ª das 10h às
17h. Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 19h. Na Casa
de Serralves.
Vídeo, Outros.
Jacques-Émile Ruhlmann
Porto. Museu de Serralves. Rua Dom João de Castro,
210. Tel.: 226156500. Até 27/09. 3ª a 6ª das 10h às
17h. Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 19h. Na Casa
de Serralves.
Objectos.
Encompassing The Globe.
Portugal e o Mundo nos Séculos
XVI E XVII
De vários autores.
Lisboa. Museu Nacional de Arte Antiga. Rua das
Janelas Verdes - Palácio do Alvor. Tel.: 213912800.
Até 11/10. 3ª das 14h às 18h. 4ª a Dom. das 10h às
18h.
Pintura, Escultura, Ourivesaria,
Desenho, Outros.
Emissores Reunidos - Episódio 1:
O Amanhã de Ontem Não é Hoje
De Isabel Carvalho, Nicolás Robbio.
Porto. Radiodifusão Portuguesa (Antiga RDP). R.
Cândido dos Reis, 74. Até 20/09. 6ª e Sáb. das 15h às
23h. 3ª, 4ª, 5ª e Dom. das 15h às 20h.
Vídeo, Outros.
Serralves 2009: A Colecção -
Filmes e Vídeos
Porto. Radiodifusão Portuguesa (Antiga RDP). R.
Cândido dos Reis, 74. Até 20/09. 6ª e Sáb. das 15h às
23h. 3ª, 4ª, 5ª e Dom. das 15h às 20h.
Vídeo, Outros.
Feijoeiro
De João Pedro Vale.
Lisboa. MNAC - Museu do Chiado. Rua Serpa Pinto,
4. Tel.: 213432148. Até 30/10. 3ª a Dom. das 10h às
18h. No Piso 1.
Escultura.
Aspectos da Colecção
De António Areal, Manuel Cargaleiro,
Armando Basto, Fernando Calhau,
Michael Biberstein, Cristino da Silva,
Pepe Diniz.
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 30/08. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Pintura, Desenho, Outros.
A Colecção do CAM por Heimo
Zobernig
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 30/08. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Instalação, Pintura, Outros.
Mu. Lua em Chão de Terra Batida
De Pedro Morais.
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 30/08. 3ª a Dom. das 10h às 18h..
Instalação.
Dan Flavin na Colecção Panza
De Dan Flavin.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Praça do Império -
Centro Cultural de Belém. Tel.: 213612878. Até 30/08.
6ª das 10h às 22h (última admissão às 21h30). 2ª a
5ª, Sáb. e Dom. das 10h às 19h (última admissão às
18h30).
Instalação, Outros.
Serralves 2009 - a Colecção
De vários autores.
Porto. Museu de Serralves. Rua Dom João de Castro,
210. Tel.: 226156500. Até 27/09. 3ª a 6ª das 10h às
17h. Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 20h.
Pintura, Escultura, Outros.
Daniel Buren
Porto. Museu de Serralves. Rua Dom João de Castro,
210. Tel.: 226156500. Até 30/08. 2ª a Sáb. das 10h às
19h. Na Biblioteca.
Objectos, Publicações.
Ombro a Ombro: Retratos
Políticos
Lisboa. MUDE - Museu do Design e da Moda. Rua
Augusta 24. Tel.: 218886117. Até 13/09. 6ª e Sáb. das
10h às 22h. 3ª a 5ª e Dom. das 10h às 20h.
Design, Outros.
Colecção #1 - Ana Jotta
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD. Tel.: 217905155. Até 06/09. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das
11h às 19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às 19h30).
Fotografia, Pintura, Desenho,
Escultura, Outros.
Colecção #2 - Francisco Tropa
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD. Tel.: 217905155. Até 06/09. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das
11h às 19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às 19h30).
Escultura, Vídeo.
Erwin Olaf
Montemor-o-Novo. Convento da Saudação. Dentro
das muralhas do Castelo. Tel.: 266899857. Até 31/08.
2ª a 6ª das 18h às 00h. Sáb. e Dom. das 16h às 00h.
Fotografia.
André & Sara
Lisboa. Pavilhão 28. Av. do Brasil, 53. Tel.:
Erwin Olaf em Montemor-o-Novo
217917000. Até 27/08. 2ª a 6ª das 10h às 17h.
Vídeo.
Quartos/Chambres/Rooms/
Zimmers
De Ana Cintra, Diana Policarpo,
Joana Paraíso, Magali Marinho,
Mariana Gomes, Teresa Cortez,
Pedro Ferreira.
Lisboa. Pavilhão 28. Av. do Brasil, 53. Tel.:
217917000. Até 27/08. 2ª a Dom. das 10h às 18h.
Desenho, Instalação, Vídeo, Outros.
Bruno Pacheco
Porto. Culturgest. Avenida dos Aliados, 104 -
Edifício da CGD. Tel.: 222098116. Até 26/09. 2ª, 4ª,
5ª e 6ª das 11h às 19h (última admissão às 18h30).
Sáb., Dom. e Feriados das 14h às 20h (última
admissão às 19h30).
Pintura, Outros.
Notas Sobre um Problema de
Método
De Pedro Calapez.
Coimbra. Centro de Artes Visuais - CAV. Pátio da
Inquisição, 10. Tel.: 239826178. Até 06/09. 3ª a
Dom. das 14h às 19h.
Pintura.
The Night Walker e Outras
Obras
De Ra di Martino.
Coimbra. Centro de Artes Visuais - CAV. Pátio da
Inquisição, 10. Tel.: 239826178. Até 06/09. 3ªa
Dom. das 14h às 19h.
Vídeo, Instalação.
Paisagem
Com Edgar Martins. De João Luís
Carrilho da Graça, Augusto Brázio,
Frédéric Bellay.
Coimbra. Centro de Artes Visuais - CAV. Pátio da
Inquisição, 10. Tel.: 239826178. Até 06/09. 3ª a
Dom. das 14h às 19h.
Arquitectura, Fotografia.
De Amadeo a Paula Rego, 50
Anos de Arte Portuguesa (1910-
1960)
De vários autores.
Lisboa. MNAC - Museu do Chiado. Rua Serpa Pinto,
4. Tel.: 213432148. Até 30/10. 3ª a Dom. das 10h às
18h.
Pintura, Outros.
Paisagens Oblíquas
De Lothar Baumgarten, Pedro
Calapez, Alberto Carneiro, Tacita
Dean, Caetano Dias, Alexandre Joly,
Robert Frank, Hamish Fulton,
Laurent Grasso, Andreas Gursky,
David Hockney, Richard Long, Eric
Poitevin, Yvan Salomone, Ida Tursic,
Wilfried Mille.
Faro. Museu Municipal de Faro. Largo Afonso III,
14. Tel.: 289897400. 3ª a 6ª das 10h às 19h. Sáb. e
Dom. das 11h às 18h (De 1/7 a 31/8 encerra às 22h30,
de 1/7 a 31/8 das 10h30 às 17h).
Faro. Núcleo Museológico do Brinquedo. Galeria
Municipal Arco. Tel.: 289897400. Até 27/09. 3ª a
Dom. das 10h30 às 17h. Allgarve 09.
Instalação, Outros.
Estranhas Formas de Vida
De Francesco Vezzoli, Luís Palma,
Patrícia Almeida.
Loulé. Convento de Santo António dos Capuchos. R.
Nossa Senhora da Piedade - Campo do Olival. Tel.:
289400957. Até 27/09. Sáb. das 10h às 23h. 3ª a 6ª e
Dom. das 15h às 23h. Allgarve 09.
Fotografia, Outros.
Dialogue Boxes on Street
Windows
De Ana Vidigal, Costa Pinheiro,
Manuel Baptista, Susanne Themlitz,
entre outros.
Faro. Na Baixa de Faro. Percurso: Rua de Santo
António, Rua Manuel Belmarço, Rua do Albergue
até a entrada da Vila-a-dentro. Allgarve 09.
Outros.
Ípsilon • Sexta-feira 21 Agosto 2009 • 39