CLASSaktuell - CLASS - Association of Classical Independents in ...

CLASS aktuell
Association of Classical Independents in Germany
Klaus Heymann
Klassik von NAXOS
2012/Nr.2
Hardy Rittner
Chopin-Etüden auf
historischem Terrain
Lisa Larsson und
das Musikkollegium
Winterthur
Neue Strauss-Facette
Vom Volksmärchen zur
musikalischen Vorlage
200 Jahre Märchen
der Gebrüder Grimm
Florian Uhlig
Brennt für Schumann

NeuheiteN
SAINT-SAENS/LOEVENDIE/
RAVEL
Klaviertrios
Van Baerle Trio
ETCETERA • KTC 1438
GIOVANNI BOTTESINI
Capriccio di bravura/Grand Duo
Concertant/u.a.
Rick Stotijn / Christiane Stotijn
Candida Thompson / Amsterdam
Sinfonietta / u.a.
CHANNEL CLASSICS • CCS 32612
GEORG FRIEDRICH HÄNDEL
Esther
Robin Blaze / Susan Hamilton
Nicholas Mulroy / John Butt
Dunedin Consort & Players
LINN • CKD 397 2 SACDs
SONDeRANGeBOt
C O D A e x D e u t S C h L A N D
Landsberger Strasse 492, 81241 München
+49 (0) 89 82 00 02 34
http://blog.codaex.de
www.facebook.com/codaex.deutschland
JAN LADISLAV DUSSEK
SOPHIA DUSSEK-CORRI
Madame et Monsieur Dussek
Masumi Nagasawa
ETCETERA • KTC 1439 2 CDs
RUTTER/MOZART/SCHUBERT/
BRAHMS/ELGAR/MC KIE/+
This Is The Day: Musik zu
königlichen Festlichkeiten
John Rutter
The Cambridge Singers
COLLEGIUM • COLCD 136
PETER EÖTVOS
CLAUS H. HENNEBERG
Three Sisters - Die drei
Schwestern (Oper GA)
Peter Eötvos / Kent Nagano
Orchestre de l’Opera de Lyon u.a.
BMC • BMC 0190 2 CDs
CLAUDE DEBUSSY
The Debussy Edition
Pascal Rogé
ONYX
ONYX 4095
5 CDS
HERBERT HOWELLS
Requiem/Gloucester Service
St Paul’s Service/ u.a.
Stephen Layton / Trinity College
Choir Cambridge
HYPERION • CDA 67914
CHRISTOPH GRAUPNER
Die sieben Worte Jesu am
Kreuz
Genevieve Soly
Les Idées Heureuses
ANALEKTA • AN 29122 2 CDs
MICHAEL NYMAN
Sangam - Michael Nyman
meets Indian Masters
Michael Nyman / Michael Nyman
Band / Shrinivas / Misra / u.a.
MN RECORDS • MNRCD 119
RAVI SHANKAR
Symphony
Anoushka Shankar
David Murphy / LPO
LPO • LPO 0060
hYPeRiON CD OF the MONth
HENRY VIEUXTEMPS
Violinkonzerte Nr.1 E-Dur & Nr.2 in fis-Moll
Chloë Hanslip /Martyn Brabbins / Royal Flemish Philharmonic
HYPERION • CDA 67878
GLYNDeBOuRNe
GEORG FRIEDRICH HÄNDEL
Theodora
Lorraine Hunt / David Daniels / Dawn Upshaw / William Christie
The Orchestra of the Age of Enlightenment
GLYNDEBOURNE • GFO 01496 3 CDs
ORANGe MOuNtAiN MuSiC
PHILIP GLASS
Sinfonie Nr.9
Dennis Russell Davies / Bruckner Orchester Linz
ORANGE MOUNTAIN MUSIC • OMM 0081

CLASS aktuell
In diesem Sommer feiern wir den 150. Geburtstag des Vaters der Weltmusik.
Ich meine natürlich Claude Debussy, der als erster europäischer Komponist ganz gezielt
außereuropäische Tonskalen in seine Musik einbrachte und die herkömmliche Harmonik
damit auf den Kopf stellte. Das heißt: Eigentlich stellte er die Harmonik nicht auf den
Kopf, sondern brachte sie zum Schweben – schwirrender, flirrender Impressionismus.
Für die musikalischen Sittenwächter war das ein Skandal. Denn wenn die Harmonik ihren
Schwerpunkt verliert, herrscht doch keine Ordnung mehr! Die reine Anarchie!
Der Teufel im Detail
Schlimmer noch: Debussy hat Höllengeister freigesetzt. Sehen wir uns doch einmal so
eine balinesische Ganztonskala an. Ein Tonschritt: die große Sekunde. Zwei Tonschritte:
die große Terz. Drei Tonschritte: die übermäßige Quart oder halbe Oktave, auch
Tritonus genannt. Aber was ist dieser Tritonus? Er ist schlimmer als der Tinnitus, er ist ganz,
ganz schlimm! Die musikalischen Sittenwächter nennen ihn den Teufel in der Musik.
In der guten, ordentlichen Zeit vor Debussy stand dieser „Teufelsintervall“ allenfalls
für das Böse, für Schmerz und Leid, für Aussatz, Fluch, Verdammung und Hexerei.
Ansonsten hatten die Tonsetzer ihn gefälligst zu vermeiden und aufzulösen, denn er
galt als „Querstand“ und „harter Gang“. Weil er auch im Dominantseptakkord steckt,
bekam Beethoven einige Rüffel zu hören – wenn er sie denn hörte. Beethoven stellte
sich bekanntlich taub.
Auch der amerikanische Blues galt einmal als „the devil’s music“. Das könnte an seinen
„blue notes“ liegen, denn auch sie stehen für den Ausdruck von Leid und Schmerz.
Die bekannteste „blue note“ ist die „flatted fifth“, die verminderte Quinte, was eben
nichts anderes ist als eine übermäßige Quart, also der Tritonus. Allerdings kommt
die „flatted fifth“ des Blues schon in der traditionellen Musik Westafrikas vor, die ja nun
bekanntermaßen gar keine gleichmäßig temperierten halben Oktaven kennt.
Genau genommen ist die afroamerikanische „flatted fifth“ auch gar keine verminderte
Quinte, sondern eine noch ein wenig mehr verminderte Quinte – ein Ton knapp
über der Quart, der sich direkt aus der Obertonreihe ergibt. Alphorn- und Jagdhornbläser
kennen ihn als elften Naturton. Da steckt der Teufel also mal wieder echt im Detail!
Aber das soll jetzt nicht unser Problem sein, es gibt Wichtigeres: Bon anniversaire,
Monsieur Debussy!
Einen schönen Sommer wünscht
Hans-Jürgen Schaal
AUSGABE 2012/2 3
CLASS aktuell 2/2012
Inhalt
4 Weltmarktführer familiär
Klaus Heymann und sein Label Naxos
6 Unabhängigkeiterklärung
Rudolf Innig spielt Orgelwerke
von Horatio Parker
7 „Ich brenne für Schumann“
Florian Uhligs Schumann-Edition
8 Glücklich miteinander
und mit Vivaldi
Rachel Podger bei Channel Classics
9 Karibisches Feuer und starke Glut
Thomas Gabrisch dirigiert Clerch
12 Klassik aus dem Stecker
Theo Wubbolts auf der High End
16 Neue Facette
Lisa Larsson mit Strauss und dem
Musikkollegium Winterthur
17 Ivan Zenaty über Franz Benda
18 Up de eensame Hallig
Sophie Harmsen und Alexander
Vasilliev entdecken Rudi Stephan
19 Stürmer, Genießer, Poet
Hardy Rittner mit Chopin-Etüden auf
historischem Terrain
20 Es war einmal...
Vom Volksmärchen zur
musikalischen Vorlage
24 Katalog-Service mit Umfrage
25 CLASS-Blickpunkte
Neuheiten vorgestellt von
CLASS aktuell
Impressum
Herausgeber/Verlag:
CLASS e.V.
Association of Classical Independents in Germany
Bachstraße 35, 32756 Detmold
Tel. 05231-938 922
class@class-germany.de
Redakteur (v.i.S.d.P): Manfred Görgen
Anzeigen: Gabriele Niederreiter
Grafische Gestaltung: Ottilie Gaigl
Druck: Westermann Druck, Braunschweig
Auflage: 125.100
Titelfoto: Zhang Jiangshe
Alle Tonträger dieser Ausgabe finden Sie auch
unter www.bielekat.de
und www.klassikrecherche.de

CLASS aktuell
Der familiäre Weltmarktführer
Von Klaus Heymann und seinem Naxos-Label, das er vor 25 Jahren gründete
In der „Szene“ ist er bekannt wie ein bunter Hund doch die meisten seiner Endkunden haben noch nie etwas
von ihm gehört. Dabei besitzt fast jeder, der sich für Musik interessiert, mindestens eines seiner Produkte.
Die Rede ist von Klaus Heymann, seines Zeichens Gründer und Chairman der Firma Naxos.
Er ist so etwas wie die „graue Eminenz“ der Klassik-Branche.
Über 7.000 CDs sind unter dem einprägsamen Naxos-Emblem
seit 1987 erschienen, monatlich kommen rund 25 neue hinzu.
Die Palette reicht von mittelalterlicher Musik bis hin zur
E-Musik des 21. Jahrhunderts. Orchester aus Nowosibirsk und
Island sind im Naxos-Katalog ebenso vertreten, wie das London Symphony
Orchestra oder die Staatskapelle Weimar. Herausragende CDs des Labels
haben sich hunderttausendfach verkauft, andere vielzehntausendfach.
Wer ist der Mann, der hinter diesem erstaunlichen Erfolg steht und
es binnen 25 Jahren geschafft hat, die Klassik-Szene umzukrempeln?
Klaus Heymann wurde 1936 bei Frankfurt am Main geboren. Er
studierte u. a. in Frankfurt, London und Lissabon, brach aber 1961 sein
Studium ab, weil es ihm schlicht zulange dauerte.
Über eine Anstellung als Werbeleiter bei einer Zeitschrift kam
Heymann 1967 nach Hongkong. Mit spartanischen Mitteln gründete er
einen Versandhandel für Kameras, der sofort erfolgreich war: „Innerhalb
4 AUSGABE 2012 /2
eines Jahres war ich Dollarmillionär“, so Heymann – und das mit 33 Jahren!
Er begann nun auch HiFi-Geräte zu vertreiben.
1975 heiratete er die Violinvirtuosin Takako Nishizaki. Spätestens nun
war der junge Unternehmer von Kopf bis Fuß auf Musik gepolt. Er vertrieb
jetzt Schallplatten, gründete bereits 1977 ein erstes eigenes LP-Label.
Doch erst mit der Einführung eines neuen Mediums – der CD –
begann die große Erfolgsstory. 1982 gründete Heymann „Marco Polo“,
das „Entdeckerlabel“.
1987 folgte die Firma Naxos mit einem für damalige Zeiten wegweisenden
Konzept: Jede CD sollte eine qualitativ hochwertige Neuproduktion
sein, jedoch nicht über 10 DM kosten. Diese einfache Idee
erwies sich als marktumstürzende Revolution!
Selbst Menschen, die sich vorher nie für klassische Musik interessiert
hatten, griffen nun im großen Stil zu. Und aufgrund der guten
Qualität der Aufnahmen und einer binnen kurzer Zeit entwickelten
immensen Repertoirebandbreite mit vielen Weltersteinspielungen, konnte

man von Beginn an auch die eingefleischten Kenner für sich gewinnen.
So wurde aus Naxos schon bald der Weltmarktführer für klassische
Musik auf CD und konnte bis heute schon 19 Grammy-Auszeichnungen –
den „Oscar“ der Musikwelt – verbuchen.
Doch sind CDs nicht inzwischen passé? Hört nicht zumindest der
Klassik-Nachwuchs heutzutage lieber online – per Download oder
Stream? Klaus Heymann erkannte auch diesen Megatrend früher als
viele andere. Mit der voll digitalen „Naxos Music Library“ (NML) setzte
der weitsichtige Geschäftsmann bereits in den 1990er-Jahren massiv auf
das Internet als Verbreitungsmedium
für klassische Musik. In einer Zeit, in
der die meisten nicht einmal wussten,
was ein mp3-Stream überhaupt ist,
bot Naxos solche Dienste im Rahmen
der NML bereits an.
Zunächst gab es den Service für
Bildungsinstitute, wie Schulen und Universitäten. Später kamen auch
Angebote für Musiker, Journalisten und Privatleute hinzu. Heute übertrifft
die NML alle vergleichbaren Angebote. Sie ist mit über einer Million
verfügbaren Musikstücken weit mehr als nur ein „Musikhörportal“:
Sie ist eine gigantische Datenbank, die neben Musik auch Musiker- und
Komponistenbiografien, Werkeinführungen, Lernmaterialien und selbst
Noten zum Partiturstudium beinhaltet: Eine musikalische Schatzkiste, die
man zum Preis einer Monats- oder Jahresflatrate buchen kann. Und wer
die Musik auf dem mp3-Player braucht, landet bei classicsonline.com,
dem weltgrößten Downloadportal für klassische Musik. Wer steckt
dahinter? Klaus Heymann natürlich!
Obwohl dieser inzwischen Mitte 70 ist, leitet er noch immer die
Naxos bietet Geschäftspartnern
ein Konzept an, bei dem es
fast alle Medien-Dienstleistungen
aus einer Hand gibt.
AUSGABE 2012 /2 5
Geschäfte des Unternehmens, das in Hongkong als „HNH international“
gelistet ist. Wofür das Kürzel steht? Heymann, Nishizaki, Heymann! Der
Musikvermarktungskoloss Naxos ist im Kern sympathisch familiär geblieben!
Dazu hat auch Heymanns Frau Takako Nishizaki entscheidend
beigetragen. Die mit ihr als Solistin eingespielten Aufnahmen gehören
zu den erfolgreichsten und beliebtesten in der Labelgeschichte.
Angesichts der digitalen Neuerungen betrachtet Heymann das CD-
Label nach eigener Aussage inzwischen eher als eine Art Hobby. „Das
Geschäft ist heute die Vertriebs- und Marketinggruppe“, erzählt er und
meint damit, dass Naxos als Vertriebs-
partner für andere Medienunternehmen
gar nicht mehr wegzudenken ist.
Doch auch hier setzt er noch einen
drauf: Vom Vertrieb über die digitale
Vermarktung bis hin zur CD-Pressung:
Naxos bietet Geschäftspartnern ein Konzept
an, bei dem es fast alle Medien-Dienstleistungen aus einer Hand gibt.
Hierbei spielt der Standort Deutschland eine zentrale Rolle: Im beschaulichen
Örtchen Kirchheim bei München befindet sich eine der essenziellen
Schaltzentralen des Unternehmens: die Firmensparte „Naxos Global
Logistics“. Sie ist als Logistikpartner nicht nur der NAXOS-Vertriebe,
sondern auch als Dienstleister für andere Firmen von Bedeutung. In
enger Verzahnung mit Naxos Deutschland, der hiesigen Vertretung von
Heymanns Firma, hat sich die heimische Unternehmenstochter zu einem
der größten und wichtigsten deutschen Medienvertriebe entwickelt.
Er beliefert von Kirchheim aus buchstäblich den Rest der Welt mit
klassischer Musik – wenn alles so weiter geht, wohl auch noch die
nächsten 25 Jahre! Rainer Aschemeier

Fotos: © MDG
CLASS aktuell
Unabhängigkeitserklärung
Rudolf Innig präsentiert Orgelwerke von Horatio Parker
Auch über hundert Jahre nach der Unabhängigkeit
orientierten sich nordamerikanische
Komponisten nach wie
vor an den großen europäischen Vorbildern.
Erst gegen Ende des 19. Jahrhunderts
begann sich eine eigene amerikanische Musiksprache
herauszubilden. Einen Grundstein legte
Horatio Parker, der seine Schüler, darunter
Charles Ives, Schritt für Schritt von Europa
emanzipierte. Parkers Stellung „zwischen den
Welten“ macht Rudolf Innig mit dieser hochwillkommenen
Aufnahme deutlich.
Horatio Parker wurde 1863 in Massachusetts
geboren – und war kein Wunderkind. Erst mit
14 Jahren erkannte seine Mutter – Organistin an
der vom Vater (als Architekt) gebauten Stadtkirche
von Auburndale – seine enorme musikalische
Begabung. 1882 kam Parker nach
München zu Josef Rheinberger in
die Lehre. Der 19jährige überragte
seine Mitschüler sehr bald als
Komponist und Virtuose: nicht
ohne Grund wird Rheinberger dem
Hochbegabten die Uraufführung
seines Orgelkonzerts anvertraut
haben. Zurückgekehrt nach Amerika,
sammelte Parker an der
berühmten Yale Universität talentierte
junge Komponisten um sich,
während seine eigenen Kompositionen
das Publikum weltweit begeisterten:
als erster Amerikaner
wurde er in Cambridge mit der
Ehrendoktorwürde ausgezeichnet.
In einer Zeit, in der in Europa
die Abkehr von der Tonalität voranschreitet,
geht Parker unbeirrt
einen eigenen Weg – und seine
Werke erreichen überwältigende
Ausdrucksdimensionen. Seine Orgelsonate
weist in ihrer Anlage weit
über Rheinbergers Vorbild hinaus.
Hochexpressive Dramatik wird mit
schalkhaftem Witz kontrapunktiert;
gleichzeitig zeugen motivische Zusammenhänge
von grandioser kompositorischen
Meisterschaft.
Rudolf Innig hat ein Faible für
hoch- und spätromantische Orgel-
musik auch abseits des breiten Mainstream und
eröffnet mit dieser Entdeckung erneut großartige
Aussichten auf ein kaum bekanntes Feld.
Seine Einspielungen sämtlicher Orgelwerke von
Josef Rheinberger und Felix Nowowiejski sind
Meilensteine der Interpretationsgeschichte. Mit
der Kuhn-Orgel im Dom zu Osnabrück steht
ihm ein ausgezeichnetes modernes Instrument
in bester Akustik zur Verfügung, das, aufgeteilt
in Hauptwerk und drei schwellbaren Werken
einschließlich einiger Hochdruckregister im
Turmwerk bei perfekter Spielbarkeit, Parkers
Klangvorstellung in idealer Weise entspricht.
Das Booklet listet taktgenau die Registerfarben
auf, so dass selbst für Organologen keine weiteren
Fragen offen bleiben. Chapeau!
Klaus Friedrich
6 AUSGABE 2012/2
www.rudolf-innig.de
Horatio Parker
Sonate es-Moll op. 65
Orgelwerke op. 66 und 68
Rudolf Innig
Kuhn-Orgel, Dom Osnabrück
MDG 317 1741-2
Weitere Einspielungen:
Felix Nowowiejski
Konzerte für Orgel solo Vol. 1
Konzerte op. 56, 1 + 2
Orgelstücke op. 9
Einzug in den Dom op. 8, 3
Rudolf Innig, Sauer-Orgel, Bremer Dom
MDG 317 1591-2
Josef Rheinberger
Sämtliche Orgelwerke Vol. 12
Sonate Nr. 19 op. 193
Sonate Nr. 20 op. 196
Singmesse etc.
Rudolf Innig, Kuhn-Orgel
Stadtkirche St. Anton, Zürich
MDG 317 0902-2
Franz Lachner
Sämtliche Orgelwerke
Sonaten op. 175-177,
Präludien und Fugen
Rudolf Innig, Walcker-Orgel Ilmenau
MDG 317 1487-2

Foto: Friedrun Reinhold
CLASS aktuell
„Ich brenne für Schumann“
Florian Uhligs Schumann-Edition bei hänssler CLASSIC
Angepasstes Auftreten war nie Florian Uhligs Ding. Der
1974 in Düsseldorf geborene Pianist hat immer ein
Augenzwinkern für Denkschablonen übrig, liebt das
Exzentrische und hört nicht auf Traditionelles gegen
den Strich zu bürsten. Seinen ersten Klavierabend gab er bereits
mit zwölf Jahren, studiert hat er in London am Royal College und
an der Royal Academy u.a. bei Peter Feuchtwanger, einem Schüler
von Edwin Fischer und Walter Gieseking. Die stärkste Inspiration
nennt Florian Uhlig die Begegnung mit dem legendären Bariton
Hermann Prey, dessen letzter Klavierbegleiter er gewesen war.
Vor zwei Jahren kündigte der junge Musiker den Beginn eines
ambitionierten Projektes an: Die erste Gesamtaufnahme der Klavierwerke
zu zwei Händen von Robert Schumann. Florian Uhlig bezeichnet
sich als „Schumannomane“, „ich brenne für Schumann,
er liegt mir immens am Herzen“ sagte er in einem Interview. Mit
Schumanns Œuvre ist er sehr vertraut, denn seit einigen Jahren
arbeitet Uhlig eng mit dem renommierten Schumann-Forscher
Dr. Joachim Draheim zusammen. Letzterer hat einige der Werke
entdeckt und /oder ediert, seine detailreichen Booklettexte erhellen
biografische und musikgeschichtliche Hintergründe der
jeweiligen Werkgruppe.
Immer wieder sind Versuche unternommen worden, Robert
Schumanns Klavierwerk auf Tonträgern festzuhalten. Bisher gibt es
keine komplette Einspielung des Gesamtwerks, auch wenn die
wenigen vorhandenen diesen Titel tragen. Die auf 15 CDs angelegte
Gesamtaufnahme durch Florian Uhlig versucht erstmals, mit thematisch
sinnvoll konzipierten CDs – z.B. „Schumann und die Sonate“,
„Der junge Virtuose“, „Schumann in Wien“ – alle originalen Klavierwerke
zwischen 1830 („Abegg-Variationen“ op. 1) und 1854 („Geister-Variationen“)
zu präsentieren. Mehrere CDs werden auch neue
bzw. vorher noch nie auf LP oder CD veröffentlichte Stücke vorstellen.
Einbezogen werden Zweitfassungen bzw. „Neue Ausgaben“
(um 1850) mit teils substantiellen Abweichungen ebenso wie unveröffentlichte
Stücke sowie ergänzte Fragmente. Die erste CD der Reihe
stellt die Sonate f-Moll op. 14 vor, die ursprünglich 5 Sätze hatte, von
denen jedoch zwei Scherzi von Schumann vor der Drucklegung entfernt
wurden. Unter dem Namen „Concert sans orchestre“ wurde das
Stück dann veröffentlicht. Schumann hat jedoch verschiedene fertige
Teile hinterlassen, die für die Sonate f-Moll vorgesehen waren, darunter
das „Prestissimo possibile“, als erste Version des Finales der
ursprünglichen Fassung und die Romanze in f-Moll, die erst 2009
aufgefunden wurden und hier zum ersten Mal auf CD erklingen.
Die Besonderheit der zweiten CD, die den Titel „Schumann –
Der junge Virtuose“ trägt, ist die Erstaufnahme der Frühfassung
der Toccata op. 7, eines der schwierigsten Klavierstücke überhaupt.
Die CD-Reihe ist nun bei Folge 3 angelangt. Vorgestellt werden
Schumanns „Charakterstücke“, die er zumeist Anfang der
1830er Jahre komponierte. Einige der nie zum Druck gelangten
Werke werden hier als Ersteinspielungen präsentiert. Mit einer
Weltersteinspielung überrascht Florian Uhlig auch auf seiner CD mit
AUSGABE 2012/2 7
Schumanns Gesamtwerk für Klavier und Orchester.
Eingespielt mit der Deutschen Radio
Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern
unter der Leitung von Christoph Poppen
erklingen hier u.a. die Abegg-Variationen,
Schumanns op. 1, ein Stück, das der Komponist
auch für Klavier und Orchester eingerichtet
hat, etwa in demselben Stil, wie es Chopin
bei den Variationen über „La ci darem la
mano“ gemacht hat.
Diese Schumann-Edition bleibt spannend,
wie ein Krimi. So viel sei jetzt schon verraten:
Im Oktober erscheint die nächste Aufnahme
und diesmal dreht sich alles um „Schumann
in Wien“. Claudia Schmidt
Florian Uhlig
Robert Schumann (1810-1856)
Sämtliche Werke für Klavier solo,
Vol. 3, Charakterstücke I
hänssler CLASSIC 98.646
Robert Schumann (1810-1856)
Sämtliche Werke für Klavier solo,
Vol. 2, Der junge Virtuose
hänssler CLASSIC 98.632
Robert Schumann (1810-1856)
Sämtliche Werke für Klavier solo,
Vol. 1, Schumann und die Sonate
hänssler CLASSIC 98.603
Robert Schumann (1810-1856)
Sämtliche Werke f. Klavier u. Orchester
Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken
Kaiserslautern, Dirigent: Christoph Poppen
SWRmusic / hänssler CLASSIC 93.264

CLASS aktuell
Rachel Podger und Channel Classics:
Glücklich miteinander und mit Vivaldi
In der Waalse Kerk (Wallonische Kirche) an
einer der Amsterdamer Grachten sind an
einem schönen Wintertag die englische
Barockviolistin Rachel Podger und die
Holland Baroque Society gelandet. Sie spielen
dort den Zyklus von Violinkonzerten ein, dem
Vivaldi den Titel „La Cetra“ gab und der mit dieser
Aufführung quasi nach Hause zurückkehrt.
Denn schließlich veröffentlichte der Amsterdamer
Notendrucker Charles Le Cène 1727 die
Sammlung der zwölf Konzerte. In dieser Stadt
gab es damals die besten Notenverlage. Viele
Komponisten wandten sich deshalb dorthin.
Channel Classics nahm die ersten sechs
Konzerte von „La Cetra“ bereits im vergangen
Jahr auf. Für die übrigen sechs wurden drei
Tage geplant. Das ist recht knapp, gibt Rachel
Podger zu. Wenngleich Vivaldi kein Komponist
ist, der die Psyche übermäßig erschöpft, so
besteht ein jedes dieser sechs Konzerte doch
aus drei Sätzen, und zu jedem dieser Sätze muss
der Musiker doch wieder umschalten.
Antonio Vivaldi
La Cetra, op.9 (12 Violinkonzerte)
Rachel Podger; Holland Baroque Society
CCS 33412 (2 SACDs)
Foto: Jonas Sacks
Die Waalse Kerk ist bei den Produzenten sehr
beliebt. Jared Sacks entschlüpft daher auch ein
Seufzer der Erleichterung, wenn er sie für ein paar
Tage belegen kann. Er lobt die angenehme Akustik:
“Ich brauche hier niemals Schall hinzuzufügen”,
sagt er. „Alles ist schon da.“ Rachel Podger
stimmt zu: „Man hat hier wirklich das Gefühl, in
der Akustik zu spielen. Kurze Noten werden nicht
gleich abgehackt. Gerade für Barockmusik mit
ihrer scharfen Artikulation ist das ideal.“
Die zwölf Violinkonzerte von „La Cetra“ sind
das letzte Hauptwerk des venezianischen Komponisten,
der Konzerte so schrieb, wie ein anderer
sein Tagebuch füllt. Seine Kompositionen aber
tragen nichtsdestoweniger die Frische einer ununterbrochenen
Inspiration. Unter diesen zwölf
8 AUSGABE 2012/2
Stücken gibt es ein herausragendes
Doppelkonzert, in dem die
bekannte englische Geigerin mit
Konzertmeisterin der Holland
Baroque Society Judith Steenbrink
zusammen spielt.
Rachel Podger ist glücklich
mit Channel Classics. Die Zusammenarbeit
mit Jared Sacks sei
so hervorragend, sagt sie, dass
es keine Pläne zu einem anderen
Label gäbe. Zu ihren ersten Projekten
gehörte ein anderer Vivaldi:
der Zyklus „La Stravaganza“ mit
dem Ensemble Arte dei Suonatori,
aufgenommen in einer kleinen
polnischen Barockkirche.
Während der Aufnahme bekommt
die Musik die nicht erbetene
Mitwirkung eines Glockenspiels
aus der Nähe, so dass dem italienischen
Barockkomponisten mitten
im Rausch von Sechzehntelnoten
ein „Halt“ zugerufen wird. Die
Musiker machen eine Pause, lassen
das muntere Glockenspiel des
Kirchturmes zu Ende spielen und gehen dann
wieder an die Arbeit. Podger schwingt ihren
Bogen mit neuer Energie zur Holland Baroque
Society hinüber, und der Schwung ist wieder da.
Gleich darauf merken wir, dass eine Vivaldi-
Solopartie, so selbstverständlich sie auch klingen
mag, gefährlich sein kann, selbst bei einer der
besten Barockgeigerinnen unserer Zeit. Dann
verzieht Rachel Podger den Mund, ihr rechtes
Bein macht etwas, was wie Stampfen wirkt, und
ihre zarte Gestalt nimmt die Haltung eines Skispringers
an, der in Startstellung geht. Optisch
scheinbar ein Gewaltakt, doch musikalisch geht
nichts verloren, Rachel Podger ist in ihrem
Element und zieht die Holland Baroque Society
mühelos mit. Aad van der Ven
Fotos: Wouter Jansen

CLASS aktuell
Karibisches Feuer – Starke Glut
Das kubanische Kammerorchester mit Thomas Gabrisch veröffentlicht seine
erste SACD mit zwei Ersteinspielungen von Joaquín Clerch
Emotionale Extreme, mitreißende Rhythmen,
atemberaubende Virtuosität: Seine
karibische Heimat funkelt aus allen
Takten der Musik von Joaquín Clerch.
Dass der kubanische Gitarrist, der von den Senioren
des berühmten Buena Vista Social Club
respektvoll mit „Maestro“ angeredet wurde,
seine kompositorischen Vorbilder in Bach,
Beethoven und Brahms sieht, lässt ihn diese
Herkunft keineswegs verleugnen. Selten finden
kulturelle Gegensätze eine so überzeugende
Symbiose wie im „Concierto de Cáceres“ und
„Concierto de Otoño“. Das sind zwei Werke, die
das virtuose Repertoire für Flöte und Gitarre mit
Orchester aufs Klangschönste erweitern.
Mit „El dolór“, „Der Schmerz“, ist der erste
Satz des Gitarrenkonzerts überschrieben. Hochexpressive
Harmonien wechseln mit packenden
Rhythmen, großes Pathos im Orchester beantwortet
die einsame Klage der Gitarre. Zum
Weinen schön, wie am Ende des zweiten Satzes
die Sologeige in die Gitarrenkadenz einsteigt,
www.joaquinclerch.com
bevor das Konzert mit der
„Verkündigung der Freude“,
einem fulminanten
Kehraus, in ausgelassenem
Jahrmarktsjubel ausklingt!
Clerch, der als Gitarrist
alle großen Wettbewerbe
gewonnen hat, hat sich
den vertrackten Solopart
natürlich selbst auf die
Finger geschrieben…
Für seine langjährige
Duopartnerin Anette Maiburg
hat Clerch ein Flötenkonzert
maßgeschneidert.
Weit ausschwingende Bögen,
perlende Läufe, extreme Lagen: Der Komponist
weiß um die unübertroffene Meisterschaft
seiner Solistin, die mit Bravour und opulentem
Ton den anspruchsvollen Flötenpart meistert.
Überraschende Anklänge an Afrika machen aus
dem „Concierto de Otoño“ ein Meisterwerk, das
„Clerchs Musik mit dem Orquesta de Cámara de La Habana aufzunehmen war eine aufregende
und intensive Erfahrung. Mit diesem hoch motivierten und fähigen jungen
Orchester, das technisches Können ebenso wie unverwechselbares kubanisches Temperament
einbrachte, war es eine Freude, diese beiden erstklassigen Solisten mit dem
raffiniert instrumentierten Orchesterpart zu begleiten.“ Thomas Gabrisch
AUSGABE 2012/2 9
www.thomasgabrisch.com www.anettemaiburg.de
kulturelle Grenzen mit spielerischer Leichtigkeit
überwindet.
Das Orquesta de Cámera de La Habana hat
den Rhythmus im Blut. Unter der einfühlsamen
Leitung von Thomas Gabrisch umschmeicheln
die jungen Kubaner die Flötistin, setzen pointierte
Akzente der Gitarre entgegen und finden im funkelnden
Klang der dreidimensionalen 2+2+2
Aufnahme dieser SACD doch immer wieder mit
den Solisten zu einem ebenso feurigen wie glutvollen
Miteinander. Stark. Lisa Eranos
Joaquín Clerch: Konzert für Flöte und Orchester
Konzert für Gitarre und Orchester
Anette Maiburg, Flöte
Joaquín Clerch, Gitarre
Orquesta de Cámara de la Habana
Thomas Gabrisch, Dirigent
MDG 903 1742-6
Foto: © FotoSchiko

Berühmte Oper
10 CD | 8.501054
Königliches Ballett
10 CD | 8.501055
Virtuose Klavierkonzerte
10 CD | 8.501056
NAXOS – Eine Erfolgsge
Die NAXOS Jubiläums-Edition
Zum 25. Jubiläum präsentiert NAXOS eine Sonder-
edition mit neun Themen-Boxen. Auf jeweils zehn
CDs findet der Hörer sorgfältig zusammengestellte
Aufnahmen der berühmtesten und populärsten
Kompositionen des NAXOS-Repertoires – künst-
lerisch erstklassig interpretiert und technisch
hochwertig produziert. Ob Oper, Sinfonie, Konzert,
Ballett oder Chormusik – kein Bereich der
vielfältigen Klassiklandschaft wird ausgelassen.
Jede Box enthält ein Booklet mit detaillierten
Informationen über das jeweilige Genre, ausführliche
Werkbeschreibungen und aufschlussreiche Erläu-
terungen über die Komponisten und ihre Musik.
Romantische Sinfonien
10 CD | 8.501057
Brillante Violinkonzerte
10 CD | 8.501058
NAXOS Deutschland Musik & Video Vertriebs-GmbH | Hürderstr. 4 | D-85551 Kirchheim b. München

schichte in der Klassischen Musik
Der NAXOS Jubiläums-Sampler
18 Tracks aus den
millionenfach verkauften
Bestsellern 1987-2012,
von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“
bis Coplands „Fanfare
for the Common Man“
1 CD | 8.578217
Ein attraktives Layout der Hardcover-Box mit
ansprechender Cover-Gestaltung rundet die
Jubiläums-Edition ab. Ein Muss für jeden Klassik-
liebhaber! Weitere Informationen finden Sie unter
www.naxos.de/Jubilaeumsboxen.html.
Russische Sinfonien
10 CD | 8.501059
Klassische Sinfonien
10 CD | 8.501060
Den NAXOS-
Jubiläums-Sampler
erhalten Sie zum
dauerhaften
Jubiläums-Preis:
UVP 3,99 €
Geistliche Musik
10 CD | 8.501062
Barocke Meisterwerke
10 CD | 8.501061
NAXOS.DE | CLASSICSONLINE.COM | NAXOSMUSICLIBRARY.COM | NAXOSLICENSING.COM

Fotos: Theo Wubbolts
CLASS aktuell
Klassik aus dem Stecker…
Theo Wubbolts berichtet von der High-End
Als großer Klassik-Musikliebhaber und
regelmäßiger Konzertbesucher bin ich
überzeugt, dass es nie zuvor solche
Möglichkeiten für hochqualitative
Wiedergabe zu Hause gab wie heute. Auf der
High-End-Ausstellung in München, Anfang Mai
diesen Jahres, habe ich als Fachbesucher feststellen
können, dass es in vielen Hörräumen fast
konzertartige Vorführungen gab, wie man sie
sich auch zu Hause wünscht.
Plattenfirmen stellen das Beste derzeit an
Aufnahmequalität existierende Material zur Verfügung.
Dazu entwickeln die Gerätehersteller benutzerfreundliche
Bedienungsmöglichkeiten –
so einfach wie ein Kinderspiel. Ob mit traditioneller
CD-Scheibe, der mehrkanalfähigen Super-
Audio-CD oder modernsten Dateibeständen. Von
Stereo bis Surround mit bis zu acht Kanälen, die
Theo Wubbolts Chef-Redakteur
Hifi Video Test, „das führende
Niederländische Magazin – erst
40 Jahre jung!...“ und neben
einer gehörigen Portion Humor auch
absolut von Klassik begeistert.
auch die dritte Dimension real erfahrbar werden
lassen. Alles in hochauflösenden Formaten
mit feinsten Details, wobei nur das Hüsteln des
Publikums fehlt…
Gehören Sie auch zu denjenigen, die einfach
gute Musik gut hören wollen? Möchten Sie trotzdem
genauer wissen, was ich mit dem bisher
Gesagten meine? – Bitte, folgen Sie mir bei einem
Blick ins digitale Zeitalter, das ja schon längst
begonnen hat. Wie schon bekannt, war die
Compact Disc, – übrigens eine Entwicklung
schon aus dem vorigen Jahrhundert (genauer
1982) – ein richtig digitales Format. Aufnahmen
wurden analog – vom Mikrophon ins Mischpult
geleitet und dann umgewandelt in ein digitales
Dateiformat und im sogenannten PCM (Pulse
Code Modulation) gespeichert. Technisch gesehen
können 78:30 Minuten Musik (16-Bit und
INGO SCHMIDT-LUCAS: ist Diplom-Toningenieur und hat neben seinem Klassiklabel
Cybele Records das Downloadportal „HD-Klassik“ gegründet: „Ich finde es sehr spannend:
Mittlerweile verfügen die neuesten HiFi-Verstärker alle über einen Eingang für
USB-Stick und können neben 24bit-FLAC-Dateien sogar hochauflösende DSD-Dateien
(1bit 2.8224MHz) in Stereo abspielen. Genau da setzen wir mit unserem Portal an. Als
Beispiel möchte ich nur den Pioneer N-50 nennen, den man nicht nur als Netzwerk-Player
mit NAS-Festplatte betreiben kann, sondern alternativ auch an seinem Mac oder PC. Somit
ist er eine hochwertige Schnittstelle zur HiFi-Anlage und steht schon zur Verfügung.
Ich bin sehr gespannt, wie viele Hardware-Hersteller auf der diesjährigen IFA in Berlin
mit weiteren mehrkanalfähigenAbspielgeräten
aufwarten werden.“
Pioneer Network
Audio Player N-50 S
Stimmungsbild mit Laptop
12 AUSGABE 2012 /2
44,1 kHz) auf den 12 Zentimeter großen Scheiben
gespeichert werden. Im CD-Spieler wird es
mit bestimmter Genauigkeit wieder in ein analoges
Signal umgewandelt und dem Verstärker angeboten.
In sofern nicht viel Neues unter der Sonne.
Längst gibt es neue Scheiben: Der CD folgte
die DVD-Audio und die SA-CD: Beide können
nicht nur Stereo, sondern bis zu sechs Tonkanäle
in weitaus besserer Qualität (24-Bit und
96kHz) speichern und zu Hause wiedergeben.
Dass man hierbei nicht bei der 5.1 – Filmtonwiedergabe
stehen bleiben muss, zeigte MDG mit
der Entwicklung des 2+2+2 Recording, bei dem
2 Höhenkanäle tatsächlich die dritte Dimension
ins Spiel bringen. Und wie praktisch: Die SA-CD
in ihrer Hybrid-Form kann dabei weiterhin wie
eine CD benutzt werden. Heute steht die Blu-ray
zur Verfügung, die nicht nur hervorragend feinst
strukturierte Bilder, sondern auch Mehrkanal-
Ton mit bis zu 8 Kanälen wiedergeben kann.
Aber wovon reden die ‘Digitalos’ heutzutage?
FLAC? DSD? Und was ist überhaupt ‘Streaming’?
Und wofür brauche ich einen Rechner und ein
Netzwerk? Lassen Sie es mich einfach erklären.

WERNER DABRINGHAUS: Werner Dabringhaus ist Diplom-
Tonmeister und Miteigentümer des Labels MDG. Er hat das 2+2+2
Recording entwickelt, bei dem 2 nach oben gesetzte Frontlautsprecher
aus der flächigen 2D Stereo- und Surroundperspektive
eine reale 3D-Wiedergabe erzeugen.
„Seit der ersten Einführung der DVD-Audio bzw. der SA-CD haben
wir über 100 Aufnahmen im 2+2+2 Recording veröffentlicht. Das
war problemlos möglich, da alle 2+2+2 Aufnahmen auch in 5.1,
5.0., Quadro und Stereo abspielbar sind. Für uns ist HD-Klassik
eine grandiose Chance nun unsere Aufnahmen sogar im 2222+
Format anzubieten.“
Mit dem Internet öffnet sich eine richtige
Fundgrube an Musik welche wir nie zuvor für
möglich gehalten haben. Selbstverständlich
können CDs, SA-CDs und Blu-rays bei einem
Versandhändler wie in traditioneller Art und
Weise im Warenkorb bestellt werden. Das kann
ganz praktisch sein.
Aber, jetzt kommt ein neuer Begriff ins
Spiel: digital download. Hinter einem Portal (zu
deutsch: Tür) stecken riesige Kataloge von Verlegern
klassischer Musik, die durch einfaches
Klicken auf die eigene Computerfestplatte geladen
werden können. Das existiert schon von
verschiedenen Klassikanbietern. Dazu brauchen
Sie eine Festplatte, sei es im Mac oder PC-
Format, oder eingebunden im Netzwerk, NAS
genannt. Mit einem einzigen USB-Kabel geht’s
dann zum Verstärker.
HD-Klassik-Stick
AUSGABE 2012 /2 13
Was aber wirklich
neu ist: Mit HD-Klassik ist
ein professionell aufgestelltes
neues Portal auf
der High-End vorgestellt
worden, auf dem High-End-
Aufnahmen erstmals in
einer Qualität von bis zu
8 Wiedergabekanälen angeboten
werden. Ich habe
hier schon erste Aufnahmen
von Cantate, Cybele
Records, Divox, Kairos, MDG, Musicaphon und
Wergo gefunden. Alle in Mehrkanalversion
angeboten. Und noch eine Novität: Hier können
Sie selber ihr Programm zusammenstellen und
auf einen USB-Stick laden lassen. Dieser USB-
Stick kann heutzutage in einem dazu vorbereiteten
Verstärker, Fernseher oder Blu-ray-
Spieler gesteckt werden, und die Musik läßt
sich abhören, so wie, wo und wann Sie wollen.
Das Grandiose: In beiden Fälle erhalten Sie
das originale Format, quasi direkt vom Mischpult,
also in einer Qualität, die bisher nur den
Tonmeistern selbst vorbehalten war (in PCM
24-Bit – zu Gunsten bester Dynamik – und in
96kHz zur Gunsten größter Präzision). Die
Daten werden in sogenannten FLAC (Free Lossless
Audio Codec) angeboten – was für Sie
soviel bedeutet wie: ohne jeden Klangverlust.
Auch DSD-Liebhaber kommen hier ins
Blickfeld. Dieses Format – von Sony/Philips
speziell für die SA-CD entwickelt – stand noch
nicht für Endverbraucher zum download zur
Verfügung. Falls eine Aufnahme ursprünglich in
diesem Format gemacht wurde, ist es natürlich
von Vorteil, wenn sie ohne Umrechnung auf ein
anderes Format zu Hause benutzt werden kann.
Hiermit komme ich zurück zum Anfang
dieses Artikel. Ob ‘Traurigkeit oder Herzeleid’
über das vertraute Format CD oder SACD, die
es beide noch sehr lange geben wird. Aber die
Entwicklung ist nicht zu stoppen. Immer mehr
Hersteller werden immer mehr Geräte auf den
Markt bringen, die diese hohe Qualität nicht nur
in Stereo abspielen, sondern auch mehrkanalige
Aufnahmen zu Gehör bringen können: 5.0-kanalig,
5.1-kanalig, 7.1-kanalig oder in realen 3D-
Formaten wie 2+2+2-RECORDING.
Ich wünsche Ihnen viel Spaß beim
Genießen Ihrer Lieblingsmusik. Vielleicht in
Zukunft noch bequemer, noch reizvoller und
noch genauer als je zuvor – und vielleicht aus
dem Stecker… Theo Wubbolts
Profil
NEUHEITEN
FERDINAND LEITNER . Zum 100. Geburtstag
Anniversary Edition
JOHANNES BRAHMS - Variationen für Orchester op. 56
ERMANNO WOLF-FERRARI - Der Schmuck der Madonna
JOSEPH HAYDN - Symphonien Nr. 6, 7, 8
WOLFGANG AMADEUS MOZART - Symphonie C Dur KV 200/KV 189k,
Symphonie D Dur KV 385 „Haffner“, Der Schauspieldirektor KV 486
Violinkonzert Nr. 5 KV 219,
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 23 in A Dur KV 488
MAX BRUCH - Violinkonzert Nr. 1
LUDWIG VAN BEETHOVEN - Romancen Nr. 1 & 2
PETER CORNELIUS - Der Barbier von Bagdad
RICHARD WAGNER - Parsifal, GEORG FRIEDRICH HÄNDEL - Tamerlano
Marth Mödl, Wolfgang Windgassen, Helen Donath, Wolfgang Schneiderhan,
Monique Haas, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks,
Württembergisches Staatsorchester Stuttgart,
Berliner Philharmoniker, Wiener Symphoniker, Bamberger Symphoniker,
WDR Rundfunkchor Köln, WDR Sinfonieorchester Köln,
Chor der Württembergischen Staatsoper Stuttgart,
Orchestre de l´Opéra de Paris, Cappella Coloniensis
12 CD: PH12019
PETER TSCHAIKOWSKY
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 1 op. 23
MODEST MUSSORGSKY
Bilder einer Ausstellung (Maurice Ravel)
NDR Sinfonieorchester, Jorge Bolet - Klavier, Günter Wand
CD: PH09029
CARL MARIA VON WEBER . Der Freischütz
Semperoper Edition Vol. 5 (Komplette Aufnahme aus dem Jahr 1951)
Karl Paul, Werner Faulhaber, Elfride Trötschel, Irma Beilke,
Kurt Böhme, Bernd Aldenhoff, Chor der Staatsoper Dresden,
Staatskapelle Dresden, Rudolf Kempe
3 CD: PH10032
Erhältlich im Fachhandel!
Profil
Edition
Günter
Hänssler
Edition
Günter
Hänssler
Profil Medien GmbH . Edition Günter Hänssler
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NEU
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Vertrieb: NAXOS DEUTSCHLAND GmbH . www.naxos.de

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www.preiserrecords.at

www.arthaus-musik.com
Klaus Heymann hatte 1987 die Vision,
mit NAXOS möglichst vielen interessierten
Menschen ein möglichst großes Spektrum
an klassischer Musik zu erschwinglichen Preisen
verfügbar zu machen.
Wir gratulieren zu 25 Jahren eindrücklicher,
flexibler Umsetzung der Ausgangsvision und
freuen uns, dass NAXOS unsere Vertriebsheimat ist.
Wir danken dem NAXOS-Gründer Klaus Heymann
und seinem hervorragenden Team für die
vertrauensvolle, erfolgreiche Zusammenarbeit und
wünschen für die Zukunft weiterhin viel
Neugier im Entdecken und Einspielen klassischer
Werke aller Art und in junger Frische.
www.Allegrofilms.com
www.divox.com
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www.dacapo-records.dk
www.lipkind.info

CLASS aktuell
www.lisalarsson.info
Foto: Andrea Diglas
Das Musikkollegium Winterthur hat in
den letzten Jahren bei MDG eine beeindruckende
Edition mit sorgfältig
im 2+2+2-Mehrkanalklang produzierten
Aufnahmen herausgegeben. Unter der Leitung
von Douglas Boyd wird die Diskographie jetzt um
eine neue Facette bereichert, mit Richard Strauss´
Orchestersuite „Der Bürger als Edelmann“ und
den „Vier letzten Liedern“ – ein feines Programm
und eine Traumpartie für Lisa Larsson.
Lisa Larsson begann ihre Karriere als Flötistin,
bevor sie in Basel Gesang studierte. Kein Wunder,
dass sie mit ihrer wendigen und pointierten
Stimme eine hervorragende Karriere gerade im
Neue Facette
Das Musikkollegium Winterthur mit einer neuen Strauss-Einspielung
Bereich Barockmusik und Klassik starten konnte,
die sie auf internationale Festivals ebenso führte,
wie an die großen Opernhäuser.
Wenn sie sich jetzt an Strauss Vier letzte Lieder
„wagt“, dann dürfen wir bestimmt eine gänzlich
andere, als die gewohnte Sichtweise erwarten.
Und tatsächlich legt Strauss den etablierten
schwülstig-üppig vibrierenden Wagner-Sound
ab, und die Strausssche Sinnlichkeit wird aus
einer völlig anderen – etwas schlichteren Perspektive
neu erfahrbar. Man höre nur mal „Im
Abendrot“ auf einen Text von Eichendorff: Hier
transzendiert Strauss die Stimmung des Sonnenuntergangs
zu einer grandiosen Metapher auf das
16 AUSGABE 2012/2
Lebensende. Am Ende scheint die Musik stillzustehen;
voller Zuversicht auf Erlösung öffnet sich
dann das Paradies – das ist ergreifend gelungen.
Die Schauspielmusik zu Molières „Der Bürger
als Edelmann“ ist Strauss´ erste Zusammenarbeit
mit Hugo von Hofmannsthal, der das barocke
französische Lustspiel bearbeitete. Die Komödie
um den reichen Emporkömmling, der die adligen
Vorbilder auf täppische Weise zu imitieren versucht,
illustriert Strauss mit Schalk und Witz. Der
Tonfall der Musik lässt immer wieder barocke
Stilelemente aufblitzen und schlägt damit eine
Brücke von der Zeit Molières zum Fin de Siècle.
Das Werk existiert in vier gänzlich verschiedenen
Versionen, die Strauss alle unter derselben Opuszahl
60 veröffentlichte. Die genial in geradezu
kammermusikalischer Besetzung instrumentierte
Suite op. 60(!) ist dem Schweizer Traditionsorchester
wie auf den Leib geschrieben.
Kein Wunder, denn mit Winterthur verband
Richard Strauss eine lebenslange Freundschaft.
Der Komponist besuchte immer wieder die
Stadt und führte selbst seine Werke mit dem
Musikkollegium auf, darunter die „Alpensinfonie“
und „Don Quixote“ – noch heute werden
Originalmanuskripte in Winterthur verwahrt
und – wie hier hörbar – mit lebendiger Tradition
fortgeführt. Lisa Eranos
Richard Strauss
Der Bürger als Edelmann op. 60
Vier letzte Lieder; Wiegenlied op. 41,1
Zueignung op. 10,1; Morgen! op. 27, 4
Lisa Larsson, Sopran
Musikkollegium Winterthur
Douglas Boyd, Leitung
MDG 901 1738-6 (Hybrid-SACD)

Foto: Tomáˇs Lébr
Franz Benda: Violinkonzerte
Ivan ˇZenat ´y, Prague Phlharmonia
Supraphon SU 4064
In Prag haben Sie mit den Musikern der Prager
Kammerphilharmonie Violinkonzerte von
Franz Benda eingespielt. Warum haben Sie sich
gerade diesem Komponisten zugewendet?
Das Projekt wurde von der Firma Supraphon
in Auftrag gegeben, die tschechische Titel
bevorzugt. Mich hat aber nicht interessiert,
ohne Rücksicht auf die Qualität einfach
etwas einzuspielen, nur weil es tschechisch
ist. Paradoxerweise habe ich gerade in diesem
Augenblick in der Landesbibliothek Dresden
die Partituren zu vier Konzerten von Franz
Benda gefunden, die vermutlich in der neuzeitlichen
Geschichte noch niemand bearbeitet
und gespielt hat. Als ich mich durch
die nicht spartierte Musik kämpfte, konnte
ich feststellen, wie bemerkenswert diese ist
und dass sie sich in einen starken Kontrast
zu den postromantischen Interpretationen
der böhmischen Tradition des 18. Jahrhunderts
stellen lässt.
Mussten Sie im Prozess der Vorbereitung
auch musikwissenschaftlich tätig sein?
Diesen Ehrgeiz hatte und habe ich nicht.
Natürlich musste ich einen Weg zu Bendas
Kompositionen finden. Zum Glück hatte ich
in zwei meiner Dresdner Kollegen hervorragende
Konsultanten: in John Holloway, der
Ivan ˇZenat´y – Benda ist
interessanter als Vivaldi
Der Violinist Ivan ˇZenat ´y hat für
Supraphon vier Konzerte von Franz Benda
eingespielt, die jetzt erschienen sind
AUSGABE 2012/2 17
einer der größten Kenner der barocken Violinliteratur
ist, und dem Cembalisten Ludger
Rémy, der von Bendas Musik begeistert war
und mir wertvolle Ratschläge im Hinblick
auf Ornamentik und Artikulation gab.
Worin ist Bendas Musik bemerkenswert?
Sie erinnerte mich an die besten Passagen bei
Antonio Vivaldi. In technischer Hinsicht gibt
es dort Dinge, die die schwierigsten Stellen in
den Quattro Stagioni noch übertreffen und
sich wirklich mit jeder Technik dieser Zeit
messen können. Die Konzerte haben wir in
der kleinsten möglichen Besetzung eingespielt,
d. h. mit einem Instrument pro Stimme,
und einen großen Anteil am Gesamtklang
kommt dem Cembalo zu, dessen Part sehr
wichtig ist. Jeder spielte für sich selbst und
die Kollegen trugen auch ihre Anregungen vor.
Zur Konzertform gehört auch die Kadenz.
Wie sieht es damit bei Benda aus?
Mit Prof. Rémy habe ich natürlich auch dieses
Thema diskutiert, weil ich mir die Kadenzen
schreiben oder zumindest einen Plan
entwickeln musste, wie diese zu improvisieren
sind. Er sagte mir, dass die Kadenz zwei
oder drei Phrasen nicht überschreiten und
harmonisch bis extravagant gestaltet sein
sollte, was sowohl der Zeit als auch dem
Komponisten entspricht.
Wie sieht das weitere Schicksal von Bendas
Violinkonzerten aus?
Was mich betrifft, so habe ich beschlossen, es
nicht bei der Einspielung zu belassen, sondern
sie auch öffentlich anzubieten und zu
spielen – hoffentlich bereits 2013.
Autor des Interviews: Luboˇs Stehlík
Foto © Felix Broede
WERGO
Pēteris Vasks:
Vox Amoris
WER 67502 (CD)
Solovioline und Streichorchester – Pēteris Vasks
Lieblingsbesetzung steht im Mittelpunkt der
Stücke dieser CD. Seine Musik führt hier durch
sehr gegensätzliche emotionale Zustände:
Klänge der Zerrissenheit und Expressivität folgen
auf Passagen schwelgerischer Schönheit. Alle
hier versammelten Werke bezeugen laut Vasks
diese Polarität zwischen optimistischer Hoffnung
auf eine bessere Zukunft und Sorge um die moderne
Welt.
„Von Alina Pogostkina kann man ohnehin nur
schwärmen: So jung, so glänzend, so musikalisch,
perfekt und zugleich natürlich.“
(Süddeutsche Zeitung)
Vox Amoris
Werke für Violine
und Streichorchester
Alina Pogostkina: Violine / Sinfonietta Riga /
Juha Kangas: Dirigent
Vertriebe:
Deutschland: note 1 music gmbh, 06221/720351,
info@note1-music.com
Österreich: Lotus Records, 06272/73175,
office@lotusrecords.at
Schweiz: Tudor, 044/4052646, info@tudor.ch
Fordern Sie bitte unseren Katalog an!
WERGO, Weihergarten 5, 55116 Mainz, Germany
service@wergo.de, www.wergo.de

Foto: © Stadtarchiv Worms
CLASS aktuell
Alexander Vassiliev
Up de eensame Hallig
Sophie Harmsen und Alexander Vassiliev entdecken das Liedwerk von Rudi Stephan
Rudi Stephan
Rudi Stephan:
„Memento vivere“
Sämtliche Lieder mit Epigraph und Epilog
Sophie Harmsen, Mezzosopran
Alexander Vassiliev, Bass
Miri Yampolsky, Klavier
Ryoko Morooka, Harmonium
MDG 603 1748-2
Sophie Harmsen
Im Alter von 28 Jahren fiel Rudi Stephan
im 1. Weltkrieg. Der junge Mann hatte
sich bereits einen Namen als Komponist
gemacht, und wie der Krieg auf grausame
Art das Fin de Siècle beendet, so entrümpeln
Stephans Kompositionen die Musik der Jahrhundertwende
radikal. Sophie Harmsen und
Alexander Vassiliev entdecken, begleitet von Miri
Yampolsky am Konzertflügel und Ryoko Morooka
am Harmonium, einen bislang völlig unbekannten
Kosmos tief bewegender Liedkompositionen.
Stephan war eigentlich Autodidakt, wird
aber durchaus an Richard Strauss und Hans
Pfitzner gemessen. Er komponierte sehr selbständig,
und schon die Titel lassen aufmerken:
18 AUSGABE 2012/2
Anstelle überkommener Gattungsbegriffe („Sinfonie“
oder „Sonate“) oder assoziativer Namen
heißen seine Instrumentalwerke einfach „Musik
für...“. Dass es dabei keineswegs asketisch zugeht,
belegen seine Lieder eindrucksvoll.
Durchaus zeittypisch sind Tod und Vergänglichkeit
vorherrschende Themen, die mit sparsamen
Mitteln und dennoch hochexpressiv und bisweilen
schaurig schön umgesetzt werden. Tatsächlich
lässt „Up de eensame Hallig“ dem Zuhörer kalte
Schauer den Rücken herunter laufen!
Durchaus hintergründig erinnert „Memento
vivere“ zunächst an die Vergänglichkeit, erhält aber
eine lebensbejahende Pointe; das „Pantherlied“
extrovertiert die extremen Seelenzustände der
Liebenden, während Richard Dehmels „Sonntag“
in nur wenigen Takten die schier unglaubliche
Wandlung vom heiter idyllischen Sonntagsspaziergang
zum Lebensende schafft. „Mitternacht“
erzeugt durch die Begleitung mit Harmonium
eine ganz besondere aparte Atmosphäre.
Fast der gesamte Nachlass ist im 2. Weltkrieg
verbrannt, lediglich diese 20 Lieder sind
erhalten geblieben und bilden einen wichtigen
Teil des Gesamtschaffens. Der hervorragende
Steinway-Flügel Baujahr 1901 und das historische
Konzertharmonium legen ein Fundament,
auf dem die beiden Sänger eine enorme Palette
an Ausdrucksmöglichkeiten entfalten können.
Was für eine besondere Klangwelt! Was für eine
Entdeckung! Lisa Eranos
Foto links: Kay Blaschke; rechts: Günter Komnick

Foto: Stephan Reising
CLASS aktuell
Stürmer, Genießer, Poet
Hardy Rittner mit Chopin Etüden auf historischem Terrain
Sie gelten als Gipfelpunkt pianistischer
Virtuosität. Welche zupackende Dramatik
und welcher poetische Zauber jenseits
aller Fingerfertigkeit in Frédéric
Chopins Etüden steckt, belegt Hardy Rittner
eindrucksvoll in seiner neuesten Einspielung.
Technisch souverän und mit untrüglichem Gespür
für feinste Nuancen verwandelt er das gefürchtete
Virtuosenfutter in eine Sammlung berührender
und mitreißender Charakterstücke.
Und das sogar im Super-Audio-Klangkolorit
eines original erhaltenen Conrad-Graf-Flügels.
Wann ist das jemals gewagt worden?
Die Spanne ist groß: Von der extrovertierten
Dramatik der berühmten „Revolutionsetüde“
über die spielerische Leichtigkeit
von op. 10/8 zur
groß angestimmten Klage in
op. 25/7 reicht Chopins Ausdruckspalette.
Besonders beeindruckend
und mit fantastisch
perlender Leichtigkeit
gemeistert: die gefürchteten
Terzenkaskaden in op. 25/6.
Hochwillkommen auch die
nachgelassenen „Trois Nouvelles
Etudes“, die mit ihren
vertrackten rhythmischen und
modulatorischen Abgründen
neben ihren ungleich berühmteren
Schwestern hier
eine längst überfällige Ehrenrettung
erfahren.
„Am besten geht´s mir,
wenn ich mich auf dem wundervollen
Graf´schen Piano
sattgespielt habe“, schreibt
Chopin an seine Familie.
Der mit 2,44 m beeindruckende
Flügel aus der
Sammlung Edwin Beunk ist
um 1835 in der Werkstatt
Conrad Graf entstanden.
Seine dynamische Bandbreite
ist schier unglaublich:
Man höre nur einmal die
geheimnisvolle Farbe durch
Einsatz des Doppelmoderatorpedals
in op. 25/2 und
www.hardyrittner.de
im Gegensatz dazu die gewaltigen Oktavkaskaden
in op. 25/10. Und wer das Instrument
wirklich mit geöffnetem Deckel wahrnehmen
möchte, dem sei unbedingt die 2+2+2-Wiedergabe
empfohlen!
Ein Glücksfall: Hardy Rittner ist auf historischem
Instrumentarium ebenso selbstverständlich
zu Hause wie auf jedem modernen
Konzertflügel. Der mehrfache Echo-Preisträger
sorgt immer wieder mit seinen Interpretationen
für Furore, sei es mit seiner Brahms-Edition
oder seiner Schönberg-Einspielung auf historischen
Instrumenten oder zuletzt mit dem d-Moll-
Klavierkonzert von Johannes Brahms auf einem
Erard-Flügel. Klaus Friedrich
AUSGABE 2012/2 19
Frédéric Chopin
Etüden op. 10 und op. 25
Trois Nouvelles Études
Hardy Rittner
Conrad Graf Flügel (ca.1835)
MDG 904 1747-6 (Hybrid-SACD)
Weitere Einspielungen:
Johannes Brahms:
Klavierwerke
Volume 1:
op. 2, 9, 10 (Streicher 1851)
MDG 904 1494-6 (Hybrid-SACD)
Volume 2:
op. 1 und 5 (Bösendorfer 1850)
MDG 904 1538-6 (Hybrid-SACD)
Volume 3:
op. 116-119 (Schweighofer 1877)
MDG 904 1680-6 (Hybrid-SACD)
Johannes Brahms:
Klavierkonzert op. 15
l’arte del mondo
Werner Ehrhardt (Erard 1854)
MDG 904 1699-6
(Hybrid-SACD)
Arnold Schönberg:
Klavierwerke
(Streicher 1870,
Steinway 1901)
MDG 904 1593-6
(Hybrid-SACD)

Die Gebrüder Grimm
Engelbert Humperdinck
Hänsel und Gretel
Solisten; Orchester des Züricher
Opernhaus, Franz Welser-Möst
Arthaus 101536 (DVD Video)
Engelbert Humperdinck
Hänsel und Gretel
A. Kirchschlager, D. Damrau, Th. Allen
Orchestra of the Royal Opera House
Sir Colin Davis
Opus Arte OA1011D (DVD Video)
Engelbert Humperdinck
Hänsel und Gretel
I. Springer, G. Schröter, P. Schreier, Th. Adam
Dresdner Staatskapelle, Otmar Suitner
Berlin Classics 0092932BC
CLASS aktuell
Sicherlich ahnten die Gebrüder Grimm nicht,
welchen Siegeszug ihre „Kinder und Hausmärchen“
antreten würden, als sie vor 200 Jahren,
am 20. Dezember 1812, den ersten Teil
ihrer Märchensammlung veröffentlichten. Um 1803
trafen Jacob und Wilhelm Grimm auf die Romantiker
Clemens von Brentano und Achim von Armin,
die in ihnen das Interesse für alte Hausmärchen
weckten. Daraufhin begannen sie im Raum Kassel, in
ihrem bürgerlich-hugenottisch
geprägten Umfeld, die
bislang nur mündlich überlieferten
Erzählungen zusammen
zu tragen. Maßgeblichen
Anteil an dieser
langwierigen Aufgabe hatte
Dorothea Viehmann, eine
ortsansässige Märchenerzählerin.
Eine weitere Inspiration
war der Franzose
Charles Perrault, der schon
die Märchen von Giovanni
Francesco Straparola und
vor allem Giambattista Basile
zusammengetragen hatte.
Es war einmal…
Vom Volksmärchen zur musikalischen Vorlage.
Die Erfolgsgeschichte der Märchen der Gebrüder Grimm.
Dorothea Viehmann
20 AUSGABE 2012/2
Ein anderer Teil der Grimm-Märchen entsprang der
eigenen Fantasie der Brüder. Drei Jahre später erschien
1815 der zweite Band der Märchensammlung, doch
beide Bände verkauften sich nur sehr schleppend,
was zu Unstimmigkeiten mit dem Verleger Reimer
führte. Erst mit der überarbeiteten Neuauflage von
1819 begann der unaufhaltsame Erfolgskurs der
Grimm-Märchen, was wohl Jahre später Adelheid
Wette, Engelbert Humperdincks Schwester, zu einem
Märchenspiel für den häuslichen
Gebrauch inspiriert
haben mag. Sie bat ihren
Bruder um die Vertonung
einiger Textpassagen aus
dem Märchen „Hänsel und
Gretel“. Nach dem diese in
der Familie großen Anklang
gefunden hatte, entschloss
sich Humperdinck daraus
ein Singspiel, im weiteren
Verlauf sogar eine Oper zu
machen. Schon die Uraufführung
des Werkes wurde
ein großer Erfolg und noch
heute ist „Hänsel und Gretel“

eine der am häufigsten aufgeführten Opern. Mit Fug
und Recht lässt sich behaupten, dass es sich um die
bekannteste Märchenoper handelt.
Eine weitere bekannte Vorlage entstammt ursprünglich
Giambattista Basile, ist aber, wenn auch in inhaltlich
abgewandelter Form, in der Märchensammlung
der Gebrüder Grimm zu finden und gelangte durch
sie zur endgültigen Berühmtheit. Gioacchino Rossini
schuf nach dem Vorbild Aschenputtels, wohl eine
seiner berühmtesten Bühnenwerke: „La Cenerentola“.
Am 25. Januar 1817 wurde das Werk – eine Opera
buffa – mit großem Erfolg erstmalig uraufgeführt und
eroberte daraufhin im Sturm die Opernbühnen. Doch
nicht nur Rossini war von dem Stoff um das arme
Aschenputtel angetan. Einige Jahrzehnte später, im
Engelbert Humperdinck
Jules Massenet
AUSGABE 2012/2 21
Jahre 1899, kreierte Massenet seine Oper „Cendrillon“
anhand derselben literarischen Vorlage. Noch heute
ist die Oper in Frankreich ein Renner. In Deutschland
konnte sich das Werk, hier erstmalig 1967 in Darmstadt
aufgeführt, nicht durchsetzen. Eine modernere
Variante lieferte Sergej Prokofieff mit seinem Ballett
„Soluscha“ oder auch „Cinderella“ genannt, das am
21. November 1954 im Bolschoi-Theater uraufgeführt
wurde. Das Ballett folgt im Gegensatz zu den
anderen Vertonungen der moderneren Version der
Gebrüder Grimm und nicht der ursprünglichen Vorlage
Giambattista Basiles. Zusammen mit „Romeo und
Julia“ gehört das Ballett zu Prokofieffs wichtigsten
Ballettkompositionen und folgt in seinem Aufbau dem
klassischen Handlungsballett.
Gioachino Rossini
Gioacchino Rossini
La Cenerentola
J.M. Lo Monaco, M. Mironov
R. de Candia, E. Pidò, N. Ulivieri
Dynamic CDS33662 (DVD Video)
Jules Massenet
Cendrillon
Hong Kong Philharmonic Orchestra
Kenneth Jean
Naxos 8555986
Sergej Prokofieff
Cinderella
Margot Fonteyn
Sadler’s Wells Royal Ballett
VAI 4296 (DVD Video)
Sergej Prokofieff
Cinderella-Suiten 1-3
Ukrainian State Symphony Orchestra
Theodore Kuchar
Naxos 855096869

Johann Strauss (Sohn)
Aschenbrödel
E. Petters, M. Halász, G. Hatala
Euroarts 2055928 (DVD Video)
Peter Tschaikowsky
Dornröschen
Royal Philharmonic Orchestra
Barry Wordsworth
RPO RPOSP030 (2 CDs)
Peter Tschaikowsky
Dornröschen
Rudolf Nureyev, Opera National De Paris
Arthaus 107021 (DVD Video)
Ottorino Resphigi
La Bella Dormente Nel Bosco
Solisten, Adriano, Rozehnal
The Slovak Radio Symphony Orchestra
Marco Polo 8223742
CLASS aktuell
Peter Iljitsch Tschaikowsky
Auch Johann Strauß Sohn hatte sich schon vorher
in Form einer Ballettvertonung an demselben Stoff
versucht. Bis zu seinem Tode arbeitete er an dem
Ballett, hinterließ sein „Aschenputtel“ jedoch unvollendet.
Josef Bayer ergänzte das Werk auf Grund
der von Strauß hinterlassenen Fragmente und brachte
das Ballett zur Bühnenreife. Am 2. Mai 1901 fand
die Uraufführung im Königlichen Opernhaus in Anwesenheit
von Kaiser Wilhelm II. statt, Berühmtheit
erlangte es jedoch nicht. Zu Weltruhm gelangte jedoch
Tschaikowskys Ballettvertonung „Dornröschen“.
Ähnlich wie bei Aschenputtel basiert das Märchen
zum großen Teil auf Charles Perraults Erzählversion
„La belle au bois dormant“ von 1696. Tschaikowsky
erschuf das Ballett in enger Zusammenarbeit mit dem
Philip Glass & Robert Moran
The Juniper Tree
R. Pittmann
The Juniper Tree Opera Orchestra
Orange Mountain Music OMM 0057
22 AUSGABE 2012/2
Choreographen Marius Petipa und brachte es im
Januar 1890 in St. Peterburg zur Premiere. Seit dem
bezaubert das Werk sein Publikum in aller Welt. Eine
Dornröschen-Vertonung der anderen Art erschuf
Ottorino Respighi. In der Zeit von 1921 bis 1933
komponierte er „La bella dormente nel bosco“, eine
Märchenoper in drei Akten. Er adressierte sein
Werk ausdrücklich an die kleinen Zuschauer, in dem
er es mit einem Puppenensemble besetzte. Auch
Engelbert Humperdinck erschuf eine Vertonung des
Märchenklassikers. Allerdings wurde das Stück nach
dessen Uraufführung im Jahre 1902 nicht positiv von
den Kritikern aufgenommen und als „Virtuosenstück
für den Dekorationsmaler und Theatertechniker“
bezeichnet. Genauso wie „Der Wolf und die sieben
Geißlein“ und auch „Schneewittchen“, zwei weiteren
Märchenvertonungen Humperdincks, fand das Werk
bis heute nur wenig Beachtung. Auch anderen Komponisten
ereilte dasselbe Schicksal. Zu erwähnen
seien hierbei Siegfried Wagners „Der Bärenhäuter“,
Rheinbergers „Die sieben Raben“, „Rotkäppchen“
von Boieldieu und auch Dittersdorf, sowie Xavier
Montsalvatges und Cesare Cuis „Gestiefelter Kater“,
um nur einige Beispiele zu nennen. Besser erging
es da dem Märchen „Von dem Machandelboom (Vom
Wacholderbaum)“ – einer in Plattdeutsch verfassten
Erzählung mit Gänsehaut- und Gruselgarantie – in der
ein Vater unwissentlich, den von der Stiefmutter ermordeten
und zur Suppe verkochten, Sohn verspeist.
Philip Glass hatte sich im Jahre 1984 zusammen
mit Robert Moran des Stoffes angenommen und die
zweiaktige, minimalistische Oper „The Juniper Tree“
für Kammerorchester, kleinen Chor und Solisten
erschaffen. Anders als es der düstere Inhalt erwarten
lässt, ist die Musik klangvoll und melodisch, auch
im Hinblick auf das – gottlob – glückliche Ende am
Schluss. Auch Rolf Riehm verarbeitete den Stoff
in seinem Hörstück „Machandelboom“. Im Gegensatz
Rolf Riehm
Machandelboom
Ch. Anders, K. Franke, H. Goebbels
A. Harth, K. Riehm, R. Riehm
Cybele SACD 960501 (SACD Hybrid)
Jacques Offenbach
Ritter Blaubart
K.F. Voigtmann, H. Nocker, A. Schlemm
Arthaus 101293 (DVD Video)

zu Philip Glass setzte er in seinem Werk auf Motive
im Volkston, Freejazz, Zwölftonmusik und Zitaten
aus der Pop-Musik, die sich beim Zuhörer zu einem
surrealen Mosaik zusammensetzen.
Ein weiteres schauriges Märchen, das es zu musikalischem
Weltruhm schaffte, ist „Blaubart“. Das
Werk war Bestandteil der Erstausgabe der Grimmschen
Märchensammlung. In den späteren Ausgaben
der „Kinder und Hausmärchen“ taucht es allerdings
nicht mehr auf, da es von den Gebrüdern selber wieder
entfernt wurde. Später nahm Ludwig Bechstein
das Thema um den frauenmordenden Ritter in seinem
Märchenbuch von 1945 auf, daneben existieren noch
heute viele weitere Varianten der Erzählung. Gleich
mehrere Komponisten nahmen sich des Stoffs an, zu
Bekanntheit gelangten Bela Bartoks „Ritter Blaubarts
Burg“ und „Arianne et Bart-Bleue“ von Paul Dukas.
Eine komische Annäherung an das Märchen wagte
Jacques Offenbach mit seiner Operette „Blaubart“.
Im Gegensatz zu seinen anderen Operetten erlangte
das Werk jedoch nie die große Bekanntheit. Auch
Carl Orff fand in der Märchensammlung der Gebrüder
Grimm die Vorlage für zwei seiner Werke. „Der Mond“
entstand zwischen 1936 und 1938 und wurde zu
Orffs Bühneneinstieg. Basierend auf dem gleichnamigen
Märchen übernahm Orff große Teile der literarischen
Vorlage und erweiterte sie mit eigenen
Zudichtungen und Umgewichtungen, ohne dabei die
AUSGABE 2012/2 23
ursprüngliche Substanz des Märchens zu verändern.
Basierend auf dem Märchen „Die kluge Bauerntochter“
schrieb Carl Orff nicht nur die Musik, sondern
auch das Libretto und gab seinem Märchenspiel
den Namen „Die Kluge“. Er ergänzte Sprichwörter, die
er Karl Simrocks „Deutsche Sprichwörter“ von 1846
entlehnte und welche dem Werk seinen einzigarten
Sprachstil verleihen. Von seiner ursprünglichen Idee,
das Werk mit „Der Mond“ zu verbinden, kam er allerdings
wieder ab. Neben „Carmina Burana“ gehört
„Die Kluge“ auch zum Hauptwerk Carl Orffs.
Heute, nach 200 Jahren, sind die Märchen der
Gebrüder nicht mehr aus unserem geistigen Schatz
wegzudenken. Zusammen mit Luthers Bibel gehören
sie zu den weltweit verbreitetsten Büchern unserer
Kultur. Zu Recht sind die noch heute erhaltenen
Kasseler Handexemplare im Jahre 2005 von der
Unesco zum Weltdokumenterbe erklärt worden und
werden im Kasseler Grimm Museum verwahrt. Auch
die Musikgeschichte wäre ärmer ohne die berühmte
Märchensammlung und hätte auf einige wichtige
Werke verzichten müssen. Bleibt zu hoffen, dass noch
viele Komponisten der Gegenwart und Zukunft sie
als Inspirationsquelle zu nutzen wissen.
Hans i. Glück
Bela Bartok
Herzog Blaubarts Burg
Budapest Festival Orchestra
Ivan Fischer
Channel Classics CCS 90311
(SACD Hybrid)
Paul Dukas
Arianne et Bart-Bleue
Marilyn Schmiege, Roderick Kennedy
Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester
Gary Bertini
Capriccio C7112 (2 CDs)
Carl Orff: Der Mond
Reiner Süß, Eberhard Büchner
Rundfunk Sinfonie Orchester Leipzig
Herbert Kegel
Berlin Classics 0094312BC
Carl Orff: Die Kluge
Reiner Süß, Eberhard Büchner
Rundfunk Sinfonie Orchester Leipzig
Herbert Kegel
Berlin Classics 0094322BC

CLASS aktuell
CLASS Katalog Service
MDG – Musikproduktion Dabringhaus und Grimm – veröffentlicht
seit 34 Jahren seltenes Repertoire in außergewöhnlicher Interpretation
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24 AUSGABE 2012 /2
CATALOGUE 2012
CELEBRATING
25 YEARS
OF CLASSICAL MUSIC
Photo courtesy of Allegro Films

CLASS aktuell
Orchester und Konzert
Johannes Brahms
Sinfonien Nr. 2 + 3
sinfonieorchester Aachen
Marcus Bosch, Leitung
Coviello Classics COV 31206
„Noch nichts Weltschmerzlicheres“
als seine zweite Sinfonie habe man bisher
gehört, schrieb Johannes Brahms
gleich in mehreren Briefen im Sommer
1877, kurz nach ihrer Vollendung –
heute wirkt das erstaunlich, gilt die
Zweite doch als die heiter-pastorale
unter seinen vier Werken dieser im 19.
Jahrhundert so bedeutungsschweren
Gattung. Brahms wollte offenbar verhindern,
dass die Sinfonie auf das Klischee
der beschaulichen Idylle reduziert werden
könnte, indem er den dramatischen
Aspekt betonte. Doch auch wenn der
Komponist es selbst nicht hören mochte,
bleibt die heitere Gelassenheit als
Wesenszug dieses Werks unverkennbar.
Heiterkeit,
Melancholie und
Konzentration
Offensichtlich ist dagegen der melancholische
Grundton in der dritten Sinfonie,
in der Brahms nochmals eine Verdichtung
seiner hochkonzentrierten
Musiksprache erreicht. Aber auch hier
ist nichts simpel und eindimensional: so
wenig wie die Zweite nur harmlose
Pastorale ist, ist die Dritte nur schwermütige
Trauermusik. Bei Brahms lohnt
es sich eben – auch wenn seine Sinfonien
sattsam bekannt scheinen – immer
wieder genau hinzuhören. Marcus
Bosch und „sein“ sinfonieorchester
Aachen bieten in ihrer Neueinspielung
die ganze Palette der Emotionen und
setzen einmal mehr Akzente gegen
ideenlose Interpretations-Routine.
Richard Strauss: Konzert für Oboe
und Orchester; Nikos Skalkottas:
Concertino für Oboe und Orchester;
Kalevi Aho: Inventions and Postlude
Yeon-Hee Kwak, Oboe
David Pia, Violoncello
Münchner Rundfunkorchester
Johannes Goritzki, Dirigent
MDG 903 1598-6 (Hybrid-SACD)
Schon einmal präsentierte die in München
lebende Ausnahmeoboistin mit den
Konzerten von Martinu und Dorati eine
Katalograrität. Nun folgt ein weiteres
Album, mit dem Yeon-Hee Kwak drei
Komponisten des 20. Jahrhunderts ihre
Referenz erweist. Zusammen mit dem
Orchester des Bayerischen Rundfunks
unter Johannes Goritzki spielt sie in einer
taufrischen Neuaufnahme das Strauss-
Oboenkonzert, ein lichtes Werk voller
Luftigkeit und Witz, dem die düsteren und
ungewissen Umstände des Jahres 1945
nicht anzumerken sind.
Burlesker Witz
Eine Entdeckung ist die Ersteinspielung
der Orchesterfassung des Concertino für
Oboe und Orchester von Nikos Skalkottas.
Erst allmählich wird die außergewöhnliche
Qualität eines außergewöhnlichen
Komponisten bekannt, den die pure Not
1933 aus Berlin zurück in seine griechische
Heimat Athen vertrieb. Ausglassene
Spielfreude und burlesken Witz verbindet
der Schönberg-Schüler in seinem
Concertino mit folkloristischer Rhythmik,
atemberaubende Kaskaden folgen auf
innige Stimmungen – ein fesselndes Erlebnis,
und ein Paradestück für die Solistin,
die einmal mehr ihre außerordentlichen
Fähigkeiten präsentieren kann.
Ein wahres Juwel hat Yeon-Hee Kwak
mit den Inventionen von Kalevi Aho aufgespürt:
Gemeinsam mit ihrem Cello-Partner
David Pia macht sie sich auf die Reise
durch einen gewaltigen Kosmos. In feinster
SACD-Technik produziert und dem
MDG-typischen 2+2+2 Recording aufgenommen,
eröffnen sich dem Zuhörer
Klangwelten von berückender Intensität –
ein audiophiles Ereignis der Extraklasse.
AUSGABE 2012/2 25
Im Blickpunkt
Édouard Lalo (1823-1892)
Concerto russe für
Violine und Orchester, op. 29
Romance-Sérénade für
Violine und Orchester
Fantaisie-ballet für
Violine und Orchester
Guitare für Violine und
Orchester, op. 28
Klavierkonzert
Jean-Jacques Kantorow, Violine
Pierre-Alain Volondat, Klavier
Tapiola Sinfonietta, Kees Bakels
BIS-SACD-1890
Zwei der hier eingespielten Werke
sind dem großen Violinvirtuosen Pablo de
Sarasate gewidmet: Das kurze Fantaisieballet
und das umfangreiche Concerto
russe. Das letztgenannte viersätzige
Werk basiert auf Themen aus zwei
Hochzeitsliedern, die Rimsky-Korsakow
in seiner Sammlung „100 russische
Volkslieder“ veröffentlicht hatte. Das
beschließende Klavierkonzert war Lalos
letzte größere Arbeit, 1888 entstanden.
Mit zweierlei Maß
Anders als in den Violinkonzerten
wird das Soloinstrument hier in den
Orchestersatz verwoben. So bietet sich
dem Solisten nur wenig Raum, zu brillieren
(das Werk enthält nicht einmal
eine Kadenz). Das mag der Grund sein,
warum sich das Konzert auf Programmzetteln
kaum einmal findet und auch
diese Einspielung eine Rarität darstellt.
Dabei hatte Laolo noch 1879 an Sarasate
geschrieben: „Wenn man einen Solisten
auf eine Bühne stellt, muss man ihm die
Hauptrolle geben und ihn nicht als
bloßes Orchesterinstrument behandeln.
Wenn die Gattung Solokonzert einem
Komponisten nicht zusagt, soll er Symphonien
oder irgendetwas anders für
Orchester allein schreiben.“

CLASS aktuell
Orchester und Konzert
Sergei Rachmaninow (1873-1943)
Klavierkonzert Nr. 1 fis-Moll op. 1
Klavierkonzert Nr. 4 g-Moll op. 40
Rhapsodie auf ein Thema von
Paganini op. 43
Noriko Ogawa, Klavier
Malmö Symphonieorchester
Owain Arwel Hughes
BIS-CD-975
Die einzigartige Kombination russischer
Melancholie, gepaart mit urbaner
Eleganz, eingängiger Melodik und reicher
Harmonik in seinem 2. und 3. Klavierkonzert
machten Rachmaninow
sowohl als Pianist wie als Komponist
berühmt. Weniger bekannt sind dagegen
die zwei Klavierkonzerte, die diese berühmten
einrahmen. Das erste Konzert
schrieb Rachmaninow noch als Student
am Moskauer Konservatorium. Erst nach
umfangreichen Revisionen 1917, kurz
bevor der Komponist als Folge der
Oktoberrevolution ins Exil ging, gelangte
es zu einiger Wertschätzung.
1926 veröffentlichte er das umfangreiche
4. Klavierkonzert. Das Publikum
erwartete natürlich ein Werk, das den
beiden vorangegangenen entsprach. Das
war nicht der Fall, und so wurde die
Uraufführung kein Erfolg. 1941 brachte
Rachmaninow eine gründlich überarbeitete
Version, die weit besser aufgenommen
wurde. Die 1934 entstandene,
umfangreiche Paganini-Rhapsodie gehört
dagegen von der Uraufführung an zu den
äußerst erfolgreichen Werken.
Schlußspurt mit
Feuerwerk
Und das ist kein Wunder, denn was
Rachmaninow in seinen 24 Variationen
dem berühmten a-moll-Thema des
Capriccio op. 1 Nr. 24 aus der Feder des
„Teufelsgeigers“ Niccolò Paganini entlockt,
ist schlechterdings ein atemberaubendes
Feuerwerk.
Carlo Tessarini (1690-1767)
12 Violinkonzerte op. 1
Marco Pedrona, Violine
Ensemble Guidantus
Indésens CAL1207 (Ersteinspielung)
Das italienische Solokonzert für
Violine und Streicher erfreute sich in
der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts enormer
Popularität in ganz Europa, nicht
zuletzt dank der weiten Verbreitung der
Werke Vivaldis. Einer seiner talentiertesten
Zeitgenossen war Carlo Tessarini,
dessen inspirierte und inspirierende
Violinkonzerte op. 1 hier erstmals vorgestellt
werden. Tessarini wurde 1720
als Geiger der Cappella an San Marco
in Venedig engagiert. 1723 wurde er
Konzertmeister am Ospedale dei Poveri
Derelitti, eine ganz ähnliche Position,
wie Vivaldi sie innehatte.
Inspirierender
Kollege
International bekannt wurde er
durch den damals berühmten deutschen
Geiger Pisendel, der Tessarinis Konzerte
für sich entdeckte und Kopien mit nach
Dresden nahm. Vom Dresdner Hof aus
traten die Werke dann ihren Siegeszug
durch Europa an. Schon bald wurde die
Sammlung op. 1 in Amsterdam
gedruckt, und Walsh übernahm diese
Edition nach London. 1731 wechselte
Tessarini an die Kathedrale in Urbino. Er
unternahm ausgedehnte internationale
Konzertreisen. Später übersiedelte er in
die Niederlande, wo er 1767 auch starb.
26 AUSGABE 2012/2
Dmitri Schostakowitsch (1906-1975)
Symphonien 1-3:
Symphonie Nr. 1 f-Moll op. 10
Symphonie Nr. 2 B-Dur op. 14
Symphonie Nr. 3 Es-Dur op. 20
Netherlands Radio Choir
Netherlands Radio Philharmonic
Orchestra, Mark Wigglesworth
BIS-SACD-1603
Alle drei Symphonien entstanden
noch vor dem 23. Geburtstag des Komponisten.
Die 1. Symphonie war sogar
das Prüfungsstück, das er zum Abschluss
seines Studiums am Leningrader
Konservatorium einreichte. Das Werk
wurde sofort ein großer Erfolg und dank
Aufführungen durch Walter, Toscanini
und Klemperer weltweit bekannt. Die
Sowjetunion hatte ihren ersten internationalen
Star gefunden, und die Kehrseite
der Medaille war, dass ab sofort ein
immenser öffentlich-politischer Druck
auf Schostakowitsch lastete.
Politische Musik?
Man merkt dies den beiden folgenden
Symphonien denn auch an; schon
die Kompositionsanlässe waren politischer
Natur: die 2. Smyphonie entstand
zur Feier des 10. Jahrestags der Oktoberrevolution,
und die 3. mit dem Untertitel
„Der 1. Mai“ wurde für den
Arbeiterfeiertag geschrieben. Beide
enden mit einem Chorfinale mit entsprechenden
politischen Texten. Und doch
galten die Partituren den politischen
Autoritäten als zu experimentell und
trugen wenig zur Reputation des Komponisten
bei. Ein langer und schwieriger
Weg hatte für Dmitri Schostakowitsch
seinen Anfang genommen.
Im Blickpunkt
Franz Schubert (1797-1828)
Opernouvertüren:
Der Teufel als Hydraulicus
Der Spiegelritter
Des Teufels Lustschloss
Der vierjährige Posten
Cladine von Villa Bella
Die Freunde von Salamanka
Die Zwillingsbrüder
Alfonso und Estrella
Die Verschworenen
Fierabras
Haydn Sinfonietta Wien
Manfred Huss
BIS-CD-1862
Obwohl sich Schuberts Lieder, seine
Symphonien und seine Kammermusik
auf CDs geradezu stapeln und in Konzerthäusern
zum stehenden Repertoire
gehören, sind seine Bühnenmusiken so
gut wie unbekannt geblieben. Dabei
begann er schon im zarten Alter von
13 Jahren für die Bühne zu schreiben,
ermutigt von Antonio Salieri. Und mit
dem Singspiel „Die Zwillingsbrüder“
hatte er auch gleich einen beachtlichen
Erfolg. Später hatte er mit seinen Bühnenwerken
allerdings weniger Glück; die
meisten erlebten ihre Uraufführung erst
lange nach dem Tod ihres Schöpfers und
sind bis heute Raritäten auf den Spielplänen
geblieben. Das mag allerdings
auch an den oft doch sehr zeitbezogenen
Darstellungen der Sujets dieser Opern
liegen, die sich nur schwer in die Erkenntniswelt
unserer Tage übertragen lassen.
Schubert mal
anders
Die Aufnahme durch die Haydn Sinfonietta
macht sehr schön deutlich, wie
sehr sich Schuberts Tonsprache in den
Ouvertüren zu seinen Opern von seiner
bekannten und geliebten symphonischen
Schreibweise unterscheidet.

CLASS aktuell
Kammermusik
Johann Christian Bach
Carl Friedrich Abel
Sonaten für Viola da Gamba
Thomas Fritzsch, Viola da Gamba
Shalev Ad-El, Pianoforte/Cembalo
Coviello Classics COV 21205
Sie waren ein glamouröses Künstlerduo
im London des 18. Jahrhunderts:
Carl Friedrich Abel und sein Freund und
Geschäftspartner Johann Christian Bach,
jüngster Sohn Johann Sebastians, sorgten
über 20 Jahre lang für Aufsehen in
der schon damals verwöhnten Hauptstadt
des British Empire. Bach und Abel
veranstalteten Konzerte als selbständige
Unternehmer und waren damit sehr
erfolgreich: sie verkehrten in den besten
Kreisen und setzten erhebliche Summen
um; am Ende besaßen sie sogar einen
eigenen Konzertsaal. Um den regelmäßig
zu bespielen, musste natürlich
musikalische Top-Qualität geboten werden,
und die konnten Bach und Abel
zum Glück selbst produzieren: trotz
ihres aufreibenden Konzertmanager-
Lebens waren sie kompositorisch absolut
auf der Höhe der Zeit. Abels Lieblingsinstrument
war die Viola da gamba,
die er virtuos wie kein Zweiter beherrschte
– für dieses Instrument haben
beide zahlreiche Werke geschrieben.
Welt-Ersteinspielung
verschollener
Schätze
Thomas Fritzsch, als Cello- und Gambenspezialist
mit der Musikpraxis des
18. Jahrhunderts bestens vertraut, und
sein Klavierpartner Shalev Ad-El präsentieren
einen authentischen Einblick in
das Repertoire der damaligen Londoner
Konzerte, zu dem auch die Ersteinspielung
zweier jahrhundertelang verschollener
Bach-Sonaten gehört.
Fagott & Klavier: Werke von Bozza,
Bitsch, Boutry, Dubois, Françaix, Bernaud,
Saint-Saëns & Tansman
Rodion Tolmachev, Fagott
Midori Kitagawa, Klavier
MDG 603 1728-2
Sein nasal-kantabler Ton, sein sonorer Klang und die
oftmals koboldige Raffinesse machen das Fagott offenbar
zum Lieblingsinstrument der französischen Komponisten.
Im 19. und 20. Jahrhundert entwickelt sich die Technik
des Instruments rasant; zusätzliche Klappen erlauben eine
Vergrösserung des Tonumfangs und erleichterten das
chromatische Spiel. Nie gehörte Ausdruckswelten eröffnen
sich, und die Komponisten machen davon regen Gebrauch
– nicht zuletzt deswegen gehören die hier von
Rodion Tolmachev eingespielten Werke heute in jedes
Wettbewerbsprogramm.
AUSGABE 2012/2 27
Raffinesse
Im Blickpunkt
Aberwitzige Läufe, dazu packende Rhythmen prägen
„Nocturne - Danse“ von Eugène Bozza; „Hallucinations“
von Alain Bernaud deuten bereits im Titel die extremen
Ausdrucksbereiche an, die uns erwarten und Pièrre-Max
Dubois erlaubt uns mit seiner „Sonatine-Tango“ einen Ausflug
ins Schwül-Dekadente. Jean Françaix´ „Pétit Divertissement
Militaire“ paart intelligenten Spielwitz mit einer gehörigen
Prise Groteske, und die „Interférences“ von Roger
Boutry fordern die gesamte Palette der instrumentalen
Klappentechnik. Die Sonaten von Camille Saint-Saëns und
Alexandre Tansman sind heute Klassiker des Genres, und
im berühmten Concertino von Marcel Bitch finden wir eine
wahre Perle französischer Kammermusik – zum Träumen.
„Ritardando ist meine einzige Ausdrucksmöglichkeit“,
klagte einst ein berühmter Kollege. Dass es auch anders
geht, beweist Rodion Tolmachev, der bereits mit 22 Jahren
Solofagottist am berühmten Mariinsky-Theater in
St. Petersburg wurde, auf seiner Debüt-CD. Expressive Tongebung
und atemberaubende Virtuosität kennzeichnen sein
Spiel, dabei mit Geschmack und Raffinesse am Konzertflügel
unterstützt von Midori Kitagawa.

CLASS aktuell
Kammermusik
Josef Merk (1795-1852)
20 Etüden für Violoncello solo, op. 11
(hrsg. von Martin Rummel)
Martin Rummel, Violoncello
Musicaphon M56887
Der Wiener Cellist Merk ist einer
jener Musiker, die mit großen Ereignissen,
Komponisten oder Werken der
Musikgeschichte assoziiert sind, ohne
dass die Nachwelt davon Notiz genommen
hätte. Nach seiner Ausbildung wurde
Merk 1821 Professor am Wiener Konservatorium;
eine Stelle, die er bis 1848
innehatte. 1836 wurde er „kaiserlicher
Kammervirtuos“ und bereiste neben all
diesen Tätigkeiten ganz Europa.
Josef Merk war zu jener Zeit ein
Liebling des Publikums und sogar des
scharfzüngigen Eduard Hanslick: „ […]
fleißiger Concertgeber unermüdlich und
stets von der Sympathie des Publikums
getragen.“ 1829 widmete Frédéric Chopin
Josef Merk anlässlich seines Wien-
Besuchs seine Introduction et Polonaise
brillante op. 3. Die 20 Etüden op. 11
stammen vermutlich aus den 1820er
Jahren und sind mit der Widmung „à son
ami François Schubert“ überschrieben.
Später um sechs Etüden (op. 20)
erweitert, geriet das hier eingespielte
op. 11 außerhalb Wiens relativ rasch in
Vergessenheit, obwohl darin die klassische
Logik des Violoncellospiels nach
Jean Louis Duport dokumentiert ist.
Wiederentdeckter
Standard
Merk ist neben den Studienwerken
als Komponist nur gelegentlich in
Erscheinung getreten. Nach dem
Erscheinen von Lichtgestalten wie David
Popper und zahlreichen anderen Starcellisten
des endenden 19. Jahrhunderts
ist Josef Merk – zu Unrecht – zunehmend
in Vergessenheit geraten. Besonders
diese 20 Etüden verdienen einen
Standardplatz in der Ausbildung eines
jeden Cellisten.
Jean Françaix (1912-1997)
Musik für Holzbläser:
Quintett Nr. 1 (1948)
Quintett Nr. 2 (1987)
Quartett (1933)
Divertissement (1947)
Bergen Woodwind Quintet
BIS-SACD-2008
Eine Aufnahme zur Feier des 100. Geburtstags
von Jean Françaix und zur
Feier seiner Musik, von ihm stets
geschrieben mit dem Vorsatz „Vergnügen
zu bereiten“. Er war ein staunenswertes
Talent, gepriesen von Ravel für
seine Musikalität und seine Neugier,
Nadia Boulanger überraschend mit seiner
Kunstfertigkeit. Das erste wichtige
Werk seiner Laufbahn war das Concertino
für Klavier, das er mit 20 Jahren
komponierte, und dies wurde gleich ein
großer Erfolg. Sein erstes Kammermusikwerk
schrieb er 1933, ein Jahr später,
nämlich das Quartett für Holzbläser.
Gute Unterhaltung!
Von diesem Werk bis zum über 50
Jahre später vollendeten Quintett Nr. 2
zeigt sich immer wieder sein Witz, seine
Leichtigkeit und Transparenz der Tonsprache,
das Rhythmusgefühl, die stets
überschaubare, schlichte Harmonik und
die Konversation zwischen den beteiligten
Instrumenten. Es ist daher nicht
erstaunlich, dass seine Werke bis heute
Lieblinge nicht nur des Publikums, sondern
auch der Musiker sind.
28 AUSGABE 2012/2
Joseph Haydn
Streichquartette Vol. 5
Quartette op. 64 Nr. 3, 4 & 5
Leipziger Streichquartett
MDG 307 1723-2
Mit der 5. Folge erreicht die Spurenlese
des Leipziger Streichquartetts bei
Haydn einen weiteren Höhepunkt: Drei
Quartette aus op. 64 stehen auf dem Programm,
darunter das berühmte „Lerchen-
Quartett“, das zu den populärsten Werken
der Gattung zählt. Komponiert auf dem
Höhepunkt seiner Meisterschaft, eröffnet
Haydn mit diesen Stücken den Reigen
der bedeutenden Spätwerke.
Spaßmacher
Nach 30 Jahren im Dienste des Fürsten
Nikolaus von Esterházy war Haydn
nach dessen Tod plötzlich unabhängig –
er siedelte bei gesicherter Pension um
nach Wien. In dieser überaus komfortablen
Lage entstanden Werke eines
Meisters, der niemandem etwas zu beweisen
hat. Und doch sorgt Haydn
immer wieder für Überraschungen: Was
sich im „Lerchen-Quartett“ eindeutig wie
das Hauptthema anhört, entpuppt sich
bald „nur“ als Begleitfigur des eigentlichen
Themas. Ein genialer Schachzug,
der Nikolaus sicher gefallen hätte. Die
gesangliche Führung dieses Themas in
der ersten Violine hat dem Werk den
populären Beinamen eingetragen.
Längst zählen die Einspielungen des
Leipziger Streichquartetts zur Referenzklasse.
Historisch informiert, dazu mit
der ganzen Bandbreite moderner Ausdrucksmöglichkeiten,
gelingt es dem
Ensemble immer wieder neue Aspekte
im allzu Bekannten zu entdecken.
Alte Musik
Im Blickpunkt
London Calling!
Händel: Auszüge aus “Amadigi di
Gaula”, “Hercules” und “Theodora”
Corelli: Concerto grosso D-Dur op. 6,4
Veracini: Sonate A-Dur op. 2,9
Geminiani: Concerto grosso d-Moll
(La Follia)
Tuva Semmingsen, Mezzosopran
Barokksolistene, Bjarte Eike
BIS-SACD-1997
Um 1710 war London ein Tummelplatz
für italienische (Opern-)Komponisten
geworden und so auch ein ideales
Umfeld für den jungen Georg Friedrich
Händel, der gerade erst seine Studienjahre
in Italien hinter sich gebracht
hatte. Diese Aufnahme ist ein Porträt des
Chamäleons Händel, wie er sich anpasst
und wandelt vom frühen italienisch gestylten
„Amadigi“, dann englische Reife
erreicht in „Hercules“ und schließlich
in „Theodora“, seinem letzten Oratorium,
zeitbezogene Stilistik kaum noch bemerkbar
anwendet. Die Vokalabschnitte
werden voneinander getrennt durch
bekannte und geschätzte Werke seiner
italienischen Zeitgenossen, dargeboten
in höchst farbenreichen und dynamischen
Interpretationen durch die norwegischen
Barokksolistene.
Besser geht’s nicht
Star der Einspielung ist aber ohne
jede Frage die Mezzosopranistin Tuva
Semmingsen, die eine geradezu unglaubliche
Fähigkeit zur Stimmfärbung
besitzt. Neben souveräner Technik in
den teils äußerst diffizilen Koloraturen
verblüfft sie mit Klangfarben, die vom
schlanken Altus bis zum voluminösen
Opernsopran reichen.

CLASS aktuell
Klavier
Franz Liszt
Les Années de Pelèrinage,
Livres I et II
Craig Sheppard, Klavier
Roméo Records ROM7289
Wieder eine herausragende Interpretation
großer Musik durch Sheppard,
der sich mit seiner pianistischen Leidenschaft,
seiner technischen Brillanz, seiner
Ehrfurcht vor dem Werk und der
daraus resultierenden interpretatorischen
Sorgfalt weltweit einen Namen
gemacht hat. Sheppards Interpretation
ist alles andere als Selbstdarstellung;
stets sieht er sich als Diener, als Vermittler
des Komponisten.
Im Dienst des
Werkes
Der 1947 in Philadelphia geborene
Künstler, Preisträger renommierter
Wettbewerbe, debütierte 1972 in New
York. Er konzertierte mit Serkin und
Casals; 1973 übersiedelte er für 20
Jahre nach London. In England unterrichtete
er an verschiedenen Konservatorien
und Universitäten. 1993 kehrte er
in die USA zurück und widmet sich seitdem
vor allem seinen Konzerten und
CD-Aufnahmen, darunter eine hoch
gelobte Aufnahme sämtlicher Klaviersonaten
Beethovens.
Sinfonie
AUSGABE 2012/2 29
Im Blickpunkt
Robert Schumann
Sinfonie Nr. 2 C-Dur op. 61
Sinfonie Nr. 4 d-Moll op. 120
Orchestre de Chambre de Lausanne
Christian Zacharias, Leitung
MDG 940 1745-6 (Hybrid-SACD)
Es muss eine Befreiung gewesen sein, denn zu lange
dauerte die symphonische Schockstarre nach Beethovens
Tod. Hier die Antwort, wenngleich mit einiger Verspätung:
Robert Schumann komponierte jahrelang Lieder und
Klavierwerke, bis er sich 1841 in einem wahren Schaffensrausch
innerhalb kürzester Zeit der Gattung Sinfonie
stellte. Und er wies neue Wege und ließ Publikum wie
Kritik auf ein goldenes sinfonisches Zeitalter hoffen.
„Wer wollte noch an Schumanns Genius zweifeln?“
Bereits die Zeitgenossen erkannten, dass zu der romantischen,
bisweilen überschäumenden Erfindungsgabe des
jungen Komponisten nun eine klassisch geschulte Meisterschaft
der Komposition hinzutrat, die den fantastischen
Einfällen überzeugende Form und orchestralen Klang zu
geben vermochte.
Geniestreich
Christian Zacharias hat bereits mit seiner herausragenden
Interpretation der Klavierkonzerte von Robert
Schumann vehement neue Türen aufgestoßen. In der
schlanken Besetzung und der dramatischen Frische
„seines“ Orchestre de Chambre de Lausanne wird die
Verwandtschaft des Symphonikers Schumann mit den
Klassikern besonders eindrucksvoll erlebbar. Unterstützt
durch den Einsatz von Natur- und Ventilhörnern vereint
sich klassische Transparenz mit romantischer Sinnlichkeit
– ein im Raum füllenden 2+2+2-Recording präsentiertes
audiophiles Ereignis der Extraklasse!
Das Label ACOUSENCE classics präsentiert inzwischen
eine ganze Reihe bemerkenswerter
Einspielungen mit den Duisburger Philharmonikern
unter Jonathan Darlington.
NEU mit Anna Malikova, Klavier:
Ein traumhaft schönes musikalisches Kleinod!
Anna Malikova
Duisburger Philharmoniker
Jonathan Darlington
Die verkörpert
dabei in besonderer Art und Weise
den Grundgedanken der Label-Philosophie von
ACOUSENCE. Diese Musikaufnahmen überzeugen
neben der musikalischen Güte und der
audiophilen Klangqualität vor allem durch die
emotionale Kraft und Intensität der Darbietung.
Die Spontaneität und die Natürlichkeit einer
Live-Aufführung lassen Sie Ihr persönliches
„Konzerterlebnis“ erfahren.
Eine weitere Auswahl:
Johannes Brahms
Konzert für Klavier
undOrchesterNr.2
Symphonie Nr. 5
JONATHAN
DARLINGTON
Duisburger
Philharmoniker
DEBUSSY La Mer
STRAVINSKY Le Sacre
du Printemps
SUSANNA YOKO
HENKEL
DUISBURGER PHILHARMONIKER
JONATHAN DARLINGTON
TSCHAIKOWSKY
KONZERT FÜR VIOLINE
UND ORCHESTER
VAUGHAN WILLIAMS
FANTASIE ÜBER EIN THEMA
VONTHOMASTALLIS
ACO-CD 21912
ACO-CD 21811
ACO-CD 21710
ACO-CD 21510
Auch erhältlich in hochauflösenden Formaten auf
Tonträger (DVD+FLAC192) und per Download.
www.acousence.de

QUARTETTE!
Die junge Weltklasse
Art.Nr. 98.645
Mendelssohn
Streichquartette op. 12 & 13
Minetti Quartett
Art.Nr. 98.644
Schostakowitsch
Streichquartette Nr. 3, 4 & 7
Meta 4
NEU
25 Jahre Leidenschaft für
Klassik! Wir gratulieren
unserem Partner Naxos
und freuen uns auf
weitere erfolgreiche
Zusammenarbeit!
Vertrieb Deutschland:
NAXOS DEUTSCHLAND GmbH
www.naxos.de
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im SCM-Verlag GmbH & Co. KG
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classic@haenssler.de
CLASS aktuell
Oper
Francesco Cavalli (1602-1676)
Il Giasone
Dumaux, Bradic, Johannsen, Wagner, Adami
d’Or, Noldus, Ashwin, Pons
Symfonisch Orkest van de Vlaamse Opera
Federico Maria Sardelli
Regie: Mariame Clément
Dynamic CDS33663
Erstveröffentlichung auf DVD
Auch auf CD und Blu-ray erhältlich
Cavalli, im Hauptberuf zweiter, später erster Organist,
schließlich Maestro di cappella an San Marco in Venedig,
war der erfolgreichste Opernkomponist Mitte des 17. Jahrhunderts.
In der Nachfolge Monteverdis erlebte das noch
junge Genre „Oper“ seinen ersten großen Boom und verbreitete
sich sehr schnell über ganz Europa. Dies ganz
einfach deshalb, weil die europäische Upper Class sich
oft genug in Venedig zum Karneval traf – und dort die
Oper kennenlernte. Der dreiaktige „Giasone“ (Libretto
frei nach der antiken Geschichte von Jason und dem
goldenen Vlies von Giacinto Andrea Cicognini) zeigt sehr
schön Cavallis Sinn fürs Drama, musikalische Leichtigkeit
wie auch einen grotesken Humor, der für die italienische
Barockoper ohnehin typisch ist. Cavalli gelang es, aus der
Oper eine populäre Unterhaltung zu machen; dies oft in
Zusammenarbeit mit seinem Librettisten Giovanni Fausti.
Platz 1 der Charts
Und sein „Giasone“ (dessen Libretto allerdings von
Giacinto Andrea Cicognini stammt) wurde sogar zu einer
der erfolgreichsten Opern des 17. Jahrhunderts überhaupt.
Diese Neuproduktion wurde eingerichtet vom
international renommierten Barockspezialisten Federico
Maria Sardelli.
30 AUSGABE 2012/2
Arien Rezital
Im Blickpunkt
„Vivaldi ma non solo“
Antonio Vivaldi: Stabat Mater und Arien
aus Orlando Furiosound Farnace
sowie Arien von Händel und Bertoni
Marita Paparizou, Mezzosopran
I Solisti Veneti; Claudio Scimone, Ltg.
MDG 609 1744-2
Liebe, Rache, Trauer, Zorn – schon immer
sind es die großen Gefühle, die auf der
Bühne das Publikum begeistern. Marita
Paparizou, die griechische Mezzosopranistin
mit wunderbar ausgeprägtem Talent
zur Koloratur, überzeugt in großen Rollen
auf den Bühnen weltweit. Mit den I Solisti
Veneti stehen ihr für ihr Arienalbum ausgewiesene
Experten der Barockoper zur Seite.
Pyrotechnik und
Passion
Besonders opulent geht es in der
Barockzeit zu, extrovertierte Koloraturen
treffen auf intim besungenen Schmerz,
zwischen Kirche und Oper machten die
Komponisten ohnehin keinen Unterschied:
beides ist große Leidenschaft.
Antonio Vivaldis „Stabat Mater“ ist eine
schmerzerfüllte Trauerarie, was für ein
Kontrast die temperamentvolle Sturmszene
in „Sorge l’irato nembo“ aus
„Orlando Furioso“. Noch heute fasziniert
es ungemein, wie Händel seine
Medea in „Moriró, ma vendicata“ vom
herzzerreißenden Todesschmerz zur
ungebändigten Rachelust führt.
Ferdinando Bertoni war lange Zeit
allenfalls der Musikwissenschaft ein
Begriff – dabei hat der Venezianer nicht
weniger als 70 Opern komponiert. Er war
so populär, dass sogar Aufführungen seiner
Werke durch Haydn überliefert sind
und seine Arie „Addio miei sospiri“ sogar
in Glucks Opern unverzichtbar war. „Lebe
wohl, mein Seufzen“ – auch er umkleidet
diese starken Worte mit halsbrecherischen
Koloraturen, die buchstäblich das
staunende Publikum in Atemnot bringt
und lässt im selben Moment das Blut,
eben noch wild in Wallung, in den Adern
gefrieren… Marita Paparizous neues
Album zeigt die ganze Bandbreite existenzieller
Emotionen – und fasziniert.

CLASS aktuell
Lied
Ein Sommertag
32 schwedische romantische Lieder
von
Erik Gustaf Geijer, Franz Berwald,
Adolf Fredrik Lindblad und
August Söderman
Anne Sofie von Otter, Mezzosopran
Bengt Forsberg, Klavier
BIS-SACD-1867
Über ein Jahrhundert spannt sich der
Bogen dieser Liedauswahl, vom 1783
geborenen Erik Gustaf Geijer bis zum
1878 gestorbenen Adolf Fredrik Lindblad,
der auch „schwedischer Schubert“
genannt wurde. In dieser Zeit wurde der
Boden bereitet für die großen schwedischen
Liedkomponisten der nächsten
Generation wie Stenhammar, Peterson-
Berger und Rangström. Die 32 Lieder,
die von Otter und ihr langjähriger Klavierpartner
Forsberg hier ausgesucht
haben, bieten ein eindrückliches und
umfangreiches Bild der Anfänge des
romantischen schwedischen Liedes.
Diese Lieder entstanden in einer Zeit, in
der das häusliche gesellige Musizieren
ein Grundpfeiler des schwedischen
Musiklebens war.
Häusliches Idyll
Für die Klientel des Bildungsbürgertums,
für deren Musikbedarf sind
denn auch viele der Lieder insbesondere
Geijers und Lindblads ganz gezielt
komponiert worden. Mit ihrer unnachahmlichen
Gabe der Charakterisierung
bringt Anne Sofie von Otter diese lange
Zeit vergessenen Miniaturen zu reizvollem
Leben.
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Klarinettentrios:
Trio B-Dur op. 11
Trio Es-Dur op. 38
Trio Ecco(!):
Karl Leister, Klarinette
Matthias Moosdorf, Cello
Olga Gollej, Klavier
Musicaphon M56940
AUSGABE 2012/2 31
Im Blickpunkt
Nach Vorstellung der Werke von „Beethovens vergessenen
Zeigenossen“ Eberl, Ries und Kreutzer (Musicaphon
M56927) widmet sich das Trio Ecco(!) nun also den
Stücken des Meisters selbst. Die musikalische Verbindung
von je einem Tasten-, Blas- und Streichinstrument war
ganz offensichtlich seit der Veröffentlichung von Mozarts
Kegelstatt-Trio eine Aufgabe, welcher sich die Komponisten
in der Folgezeit immer wieder stellen wollten. Hatte
Mozart die Begegnung mit dem Klarinettisten Anton
Stadler inspiriert, sich der Klarinette in einigen Werken
zu widmen, war es bei Beethoven wohl auch eine
Musiker-Begegnung. Joseph Beer, Klarinettist der Fürstlich
Liechtensteinschen Hofkapelle, gilt als die Person, der
wir sein Interesse verdanken. Sein erstes Trio für diese
Besetzung, op. 11, hat er später aus praktischen – heute
würde man sie kommerziell nennen – Gründen auch noch
für herkömmliches Klaviertrio bearbeitet. Die Violine
tritt dann an die Stelle der Klarinette. Anders herum ist
die Bearbeitung op. 38 für Klarinetten-Trio auf sein
gemischtes Septett op. 20 zurückzuführen. Beide Werke
sind Zeugnisse wahrer Meisterschaft. Man weiß nicht, was
man mehr bewundern soll: die genialen melodischen
Einfälle oder ihre Verarbeitung.
Fulminanter Abschied
Die Aufnahme ist auch von besonderem Interesse,
als dies die letzte Einspielung von Karl Leister ist, dem
jahrzentelang gefeierten Soloklarinettisten der Berliner
Philharmoniker. Leister wird zwar weiter konzertieren,
aber keine Tonträgeraufnahmen mehr machen.
ambitusbarock
Gottfried Heinrich Stölzel
Sonaten für zwei Violinen und B.c.
NeoBarock, amb 96 949
il violoncello cantabile e virtuoso
Sonaten für Violoncello und B.c.
Alborea, Gabrielli, Vivaldi, Geminiani
Ricercare von Gabrielli und Platti
Juris Teichmanis, amb 96 938
G. Ph. Telemann
Neuentdeckte Geistliche Arien
Tanya Aspelmeier, Sopran
Ensemble Schirokko, amb 96 947
...so dient das Clarinet auf angenehme
weiss...
Viviani, Händel, Telemann, Corette
C. Leitherer, Clarinette / Chalumeau
amb 96 872
www.ambitus.de
Vertrieb:
KLASSIK CENTER KASSEL

CLASS aktuell
Orgel
Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621)
Orgelwerke Vol. 1; Fantasia à 4 (a1/b-a-c-h)
Erbarm dich mein o Herre Gott; Toccatas
Allemanda etc. + Registervorführungen
Harald Vogel, Schwalbennestorgel St. Marien
MDG 914 1690-6 (Hybrid-SACD)
Johann Sebastian Bach
Frühe Orgelwerke
Harald Vogel
Arp-Schnitger-Orgel, Cappel
MDG 914 1743-6 (Hybrid-SACD)
Alte Meister in authentischer Wiedergabe
MDG veröffentlich eine Serie erstrangiger Orgeldokumente auf SACD
Der Niederländer Jan Pieterszoon Sweelinck hat wie kein anderer
Musiker den nordeuropäischen Orgelstil des 17. Jahrhunderts
geprägt. Seine besondere Klangwelt ist jetzt wieder erlebbar: In
der Marienkirche in Lemgo hat eine 400-jährige Schwalbennest-
Orgel aus der Renaissance-Zeit überlebt, deren wenige fehlende Pfeifen
exakt nach den historischen Vorlagen rekonstruiert wurden. Harald Vogel
präsentiert dieses einzigartige Instrument mit einer farbigen Folge von
Sweelinck-Werken, die zum Teil erstmals eingespielt wurden.
Das Booklet verzeichnet akribisch die jeweilige Registrierung. Vor allem
aber überrascht die akustisch hervorragende Mehrkanal-Produktion mit
einer kurzweiligen Orgelführung als Bonus. Harald Vogel stellt die einzelnen
Register und deren Zusammenklang in kurzen Improvisationen vor.
Auch die Pieterskerk im niederländischen Leiden beherbergt eine
Kostbarkeit von europäischem Rang: Die van Hagerbeer-Orgel gehört zu
den ältesten Instrumenten überhaupt, und aus ihrer Entstehungszeit in der
ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts sind tatsächlich die meisten Pfeifen original
erhalten. Aufs Liebevollste restauriert, lässt sie unter den Händen
und Füßen von Leo van Doeselaar die Orgelwerke Heinrich Scheidemanns
im prachtvollen Glanz der Renaissance erstrahlen.
Bei Sweelinck ausgebildet, war Scheidemann Zeit seines Lebens Organist
an der Katharinenkirche in Hamburg. Mit der Choralfantasie erfindet
Scheidemann eine völlig neue Gattung. Hier kann sich die klangliche Pracht
der Orgel ebenso voll entfalten wie der überquellende Erfindungsreichtum
des Komponisten. Werke von nie gehörter Farbigkeit entstehen, die neben
so intimen Stücken wie der Bearbeitung von Dowlands berühmten „Flow my
Tears“ ein großartiges Panorama der Orgelmusik Scheidemanns ausbreiten.
Leo van Doeselaar, Titularius an der Pieterskerk, führt auf einem angefügten
Bonustrack seine Zuhörer – mit hörbarem Stolz – kenntnisreich durch
das historische Instrument und lässt die einzigartigen Registerfarben dieser
Orgel erlebbar werden. Und wer die Möglichkeit hat, diese SACD im 2+2+2-
Recording wiederzugeben, wird fasziniert sein von der präzisen Ortung und
Höhenstaffelung der Registerfarben im dreidimensional erfahrbaren Raum.
Helmut Walchas legendäre Bachaufnahme aus den 50er Jahren für die
Archiv-Produktion machte die Cappeler Orgel weltberühmt. Die Aufnahmeleitung
hatte Erich Thienhaus, der das Studium des musikalisch und technisch
versierten Tonmeisters in Detmold begründete. Nach langer aufnahmetechnischer
Enthaltsamkeit – der Einbau einer Heizung führte zu tech-
32 AUSGABE 2012/2
Heinrich Scheidemann
Orgelwerke
Leo van Doeselaar
van Hagerbeer-Orgel
Pieterskerk, Leiden (NL)
MDG 906 1746-6 (Hybrid-SACD)
Im Blickpunkt
Alte Meister: Orgelwerke von
Bach, Buxtehude, Kerll, Muffat, Pachelbel
Strungk und Walther (bearb. v. Karl Straube)
Andreas Sieling
Sauer-Orgel Berliner Dom
MDG 946 1740-6 (Hybrid-SACD)
nischen Problemen – ist die berühmte Schnitger-Orgel heute im Bestzustand.
Harald Vogel und das MDG-Team nutzen die Chance, das Instrument nun in
modernster, feinst austarierter 2+2+2 Aufnahmetechnik auf einer Super
Audio CD mit den frühen Bachwerken zu präsentieren. Ein Höhepunkt: das
wohl berühmteste Orgelwerk aller Zeiten, die d-Moll- Toccata.
Bachs frühe Orgelwerke sind genial. Der Einfluss durch Vorbilder ist in
vielen Stücken zu ahnen. Besonders Georg Böhm, bei dem Bach als 15jähriger
für zwei Jahre in die Lehre ging, hat seine Spuren hinterlassen, und Anklänge an
Pachelbel, Buxtehude und Butstett belegen, wie aufmerksam der Studiosus die
Traditionen und Entwicklungen seiner Zeit verfolgte, aufsog und für sich umsetzte.
Kaum zu glauben: Die „Fantasia ex Gb duobis subjectis“, sozusagen das „Gesellenstück“
zum Abschluss der Lehrzeit bei Böhm, ist hier erstmals auf CD zu hören!
Und was ist das? Voll und warm tönt das Mezzoforte, ein sanftes Crescendo,
nur wenig anschwellend, bevor sich der Klang in ein säuselndes Pianissimo
zurückzieht. Changierende Farben entwickeln sich vollkommen bruchlos, und
in schier endlosem Spannungsbogen schwingt sich die Königin der Instrumente
zum prachtvollen Fortissimo in - Georg Muffats Passacaglia: Andreas Sieling
präsentiert die Sammlung „Alte Meister“ in der romantischen Ausgabe von
Karl Straube an der historischen Sauer-Orgel im Berliner Dom.
Eine Sensation: Im Jahre 1904 veröffentlicht Karl Straube – gerade zum
Thomaskantor berufen - seine Notenausgabe mit Musik von Bach, Walther,
Pachelbel, Buxtehude und anderen, sämtlich veralteten Komponisten, die man
allenfalls noch aus dem Theorieunterricht kannte. Sie waren jetzt den modernen
Möglichkeiten der Orgel gemäß so eingerichtet, dass sie absolut den Zeitgeschmack
treffen mussten. Detaillierte Spiel- und Registeranweisungen,
selbstverständlich der Einsatz der „Walze“, die durch stetiges Hinzufügen
neuer Register gewaltige Crescendowirkungen ermöglicht, neuartige Registerfarben
und raffinierte Tempowechsel sorgen für eine bis dahin ungeahnte
und unerhört spannungsvolle orchestrale Wirkung der barocken Meister.
Mit über hundert Register, verteilt auf 4 Manuale plus Rückpositiv und Pedal
bietet das Instrument einen schier unendlichen Klangreichtum. Als die Orgel
1905 von der berühmten Werkstatt Wilhelm Sauer aufgestellt wurde, war es die
größte Orgel in Deutschland. Glücklicherweise ist sie bis heute in der ursprünglichen
Gestalt erhalten, so dass diese im raumfüllenden 2+2+2 Mehrkanalklang
produzierte Aufnahme einen authentischen Blick in die Interpretationsgeschichte
barocker Orgelmusik zu Beginn des 20. Jahrhunderts ermöglicht.
F. Wilhelm