CLASSaktuell - CLASS - Association of Classical Independents in ...

CLASS
AKTUELL
2009/1
Noch Fragen?
Beethoven und Mendelssohn
mit dem Beethoven Quartett
CLASS aktuell
Association of Classical Independents in Germany
Prinz Louis Ferdinand
von Preußen
Der Abschluss einer Erfolgsserie
Musik aus der Heide
Mittelalterliches aus den
Klöstern der Lüneburger Heide
So jung im Herzen …
Sir Roger Norrington feiert
seinen 75. Geburtstag
Historische Orgel
in neuer Schönheit
Ullrich Böhme spielt Sauer-Orgel
der Leipziger Thomaskirche
Happy Birthday, Chandos
Das britische Erfolgslabel
wird 30 Jahre alt
Joseph Haydn
Baumeister einer Epoche
Interview mit
FRIEDRICH KLEINHAPL

appassionato
“musical emotion, exquisite interpretation,
an ingenious
recording idea...“
MDG 906 1547-6 (Hybrid-SACD)
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im Fachhandel erhältlich!
DG
CLASSICAL REFERENCES
...16 klassische audiophile Hörbeispiele
Leidenschaftlich!
Pasticcio, Intermezzo, Furioso,
New Dimension, Inspirations –
die audiophilen Klangsammlungen
von MDG haben absoluten
Sammlerwert unter den
Audiophilen und genießen
Referenzcharakter bei den
klassischen Soundingenieuren.
Nun steht appassionato bereit,
um mit feinsten, natürlich aufgenommenen
Klangbeispielen
jede Audio-Kette musikalisch
auf den Prüfstand zu schicken
oder einfach musikalisch zu
erfreuen.
Überwältigend!
„Die Botschaft ist klar:
Dabringhaus und Grimm steht
für exquisite Interpretation und
geniales Klangkonzept. Seit
1978 entdecken die Tonmeister
und Produzenten Werner
Dabringhaus und Reimund
Grimm klassisches Repertoire
vom Allerfeinsten. Die Tonmeister
von MDG haben in
ihrer langen und erfolgreichen
Zeit klanglich Überwältigendes
eingespielt. Einige der Perlen
haben sie nun zusammengefasst…“
(Stereoplay)
Philosophisch!
„Die Produktionsphilosophie
dieser kleinen, aber feinen
Firma ist kurz umrissen: so
wenig Gerät wie möglich für
soviel natürlichen Klang wie
möglich. ‚Verschlimmbesserer’
wie Filter, Nachhallgerät,
Regelverstärker u.a. sind tabu,
aufgenommen wird mit sowenig
Mikrofonen wie möglich in
einem jeweils geeigneten
Raum.“ (Tonmeisterinformation)
Musikproduktion
Dabringhaus und Grimm
Tel. 05231-93890
Vertrieb: Codaex Deutschland GmbH
Tel. 089-82000233 - Fax 089-82000093
Gramola Wien: klassik@gramola.at
MusiKontakt Zürich: info@musikontakt.ch

CLASS aktuell
Associat ion of Classical Independents in Germany
Im Vorwort eines Klassikmagazins rechnet der Leser mit Namen wie Karajan und Callas,
Paganini und Pavarotti, Villazón und Villa-Lobos. Ich möchte zur Abwechslung mal einen
ganz anderen Namen ins Spiel bringen: Freddy Breck. Der hat so Schnulzen gesungen
wie „Bianca“ und „Rote Rosen“ – und ich sehe schon, wie sich Leser und Leserin mit
Grausen abwenden. Selbst wenn ich hinzufüge, dass viele von Freddy Brecks Schlagererfolgen
auf klassischen Melodien beruhen, will das Naserümpfen auf des Lesers
Riechorgan nicht weichen. Freddy Breck und die Klassik: Das ist wie Bierbrauwasser,
beworben mit Edvard Griegs „Morgenstimmung“. In jeder Hinsicht geschmacklos.
Micky Maus und Kaffeelikör
Nun muss ich Sie aber bitten zu bedenken: Nicht jeder Mensch genießt das Glück, einen
Konzertmeister zum Vater zu haben. Nicht jedes Kindergartenkind wird vom Babyschnuller
direkt an die Blockflöte umgewöhnt. Nicht jeder Teenie wird am Wochenende von einer
bildungsbeflissenen Erbtante ins Sinfoniekonzert verschleppt. Mit anderen Worten: Es gibt
Menschen, für deren musikalische Erleuchtung erst ein Freddy Breck daherkommen
musste – so wie einst Johannes der Täufer den Messias ankündigte. Warum sonst sollte
jemand auf die Idee verfallen, ein Stück mit dem todlangweiligen Titel „Capriccio Italien“
auszuchecken, wenn nicht, um darin die „Bianca“-Melodie zu suchen?
Überhaupt Tschaikowsky: Kann einem jungen Menschen irgendetwas spießiger, uncooler,
prätentiöser erscheinen als Tschaikowsky? Nie hätte ich als Rockmusik-begeisterter
Teenager den Spaß an Tschaikowsky entdeckt ohne Dieter Hildebrandts Kabarettsendung
„Notizen aus der Provinz“ (1. Klavierkonzert, Kopfsatz), ohne Emerson Lake & Palmers
Konzertzugabe „Nutrocker“ (Marsch aus der Nussknacker-Suite), ohne Walt Disneys Film
„Fantasia“ (mit fast der kompletten Nussknacker-Suite) oder Deep Purples rockende
„Exposition“ (mit einem Thema aus „Romeo und Julia“). Nicht unterschlagen darf ich
Vicky Leandros’ Schmachtschlager von den wilden Schwänen („Tanz der Schwäne“ aus
Schwanensee) und eben Freddy Brecks „Bianca“: Ich habe sie wahrscheinlich gehasst,
aber man konnte ihnen nicht entkommen. So wenig wie der Brauwasserwerbung.
Viele Wege führen zur klassischen Musik. Und dass man auf verschlungenen Pfaden oft
interessantere Entdeckungen macht als auf viel befahrenen Autobahnen, das weiß jeder.
Wie hätte ich dem wilden Ginastera jemals begegnen sollen ohne den Eklektizisten Keith
Emerson? Die Bekanntschaft mit Dukas’ Impressionismus verdanke ich dem Zauberlehrling
Micky Maus. Borodins russischen Charme vermittelten mir die Broadway-Autoren
Wright und Forrest, die aus Borodins Melodien Musicalsongs machten, an denen selbst
Jazzmusiker nicht vorbeikamen. Und für die Entdeckung von Khatchaturians Ballett-
Melancholie stehe ich ganz in der Schuld des Filmregisseurs Stanley Kubrick sowie eines
beliebten Kaffeelikörs. Übrigens: Freddy Breck ist kurz vor Weihnachten gestorben. Ich
werde ihn nicht vergessen und wünsche auch Ihnen viele Entdeckungen am Wegesrand.
Ihr
Hans-Jürgen Schaal
AUSGABE 2009/1 3
CLASS aktuell 1/2009
Inhalt
4 Schwingung direkt ins Herz
Interview mit dem Cellisten
Friedrich Kleinhapl
6 Musik aus der Heide
Die Klostermusik der Lüneburger Heide
7 Prinz Louis Ferdinand
von Preußen
Der Abschluss einer Erfolgsserie
8 Die Dimension des Göttlichen
Das Trio Cantraiano erweckt uralte
Sonnengesänge zu neuem Leben
9 Bravourstück
Hardy Rittner spielt Brahms
im Originalklang
10 Mitten wir im Leben sind
Siebenbürgische Passionsmusik
11 Leichtes Spiel
Stefan Irmer präsentiert
Sigismund Thalberg
12 Joseph Haydn
Baumeister einer Epoche
19 High End 2009
Leistungsschau der Edel-Elektronik
20 So jung im Herzen …
Sir Roger Norrington feiert seinen
75. Geburtstag
21 Historische Orgel in
neuer Schönheit
Ullrich Böhme spielt restaurierte
Sauer-Orgel der Leipziger Thomaskirche
22 Noch Fragen?
Beethoven und Mendelssohn im Dialog
mit dem Beethoven Quartett
23 Happy Birthday, Chandos Records
Das britische Erfolgslabel wird
30 Jahre alt
24 Blickpunkte
Neuveröffentlichungen vorgestellt
von CLASS
32 CLASS - Katalog Service
Die neuen Klassik-Kataloge sind da
Auflage: 137.500
Titelfoto: © Christian Jungwirth · www.bigshot.at
Grafik: Ottilie Gaigl
CLASS
Association of Classical Independents in Germany e.V.
Bachstraße 35, 32756 Detmold
www.class-germany.de · class@class-germany.de

FRIEDRICH KLEINHAPL
Schwingung direkt ins Herz
Friedrich Kleinhapl war im Frühjahr 2009
zu Gast im Musiksalon der Tageszeitung
Die Presse im Wiener Musikverein. Im
Gespräch mit Musikkritiker Dr. Wilhelm
Sinkovicz entstand dabei ein aufschlussreiches
Porträt des Musikers, das in der Folge auszugsweise
wiedergegeben wird.
Sinkovicz: Herr Kleinhapl, Sie gelten als
besonders ausdrucksstarker Cellist.
Was bedeutet das Violoncello für Sie?
Kleinhapl: Es ist mein Leben. Das Cello hat
mich vom ersten Moment an fasziniert. Seine
Nähe zur menschlichen Stimme, der intensive
Kontakt zum Körper des Cellisten – kein anderes
Instrument wird beim Spielen so umarmt
wie das Cello. Physisch wie psychisch überträgt
Friedrich Kleinhapl mit
Andreas Woyke
Photos: © Christian Jungwirth
sich seine Schwingung direkt ins Herz. Außerdem
liegt es im idealen Frequenzbereich des
menschlichen Ohrs, ist mit seinen klanglichen
Möglichkeiten unglaublich farbenreich, vielschichtig
und ausdrucksstark.
Wie sind Sie zum Cello gekommen? Sie
stammen ja nicht wie viele andere Musiker
aus einer Musikerfamilie.
Im Haus meiner Eltern spielte ständig klassische
Musik. Dabei hatte es mir als dreijähriges
Kind ein altes großes Radiogerät besonders angetan.
Wenn ich mich daneben ins Regal zwängte,
konnte ich mein Ohr ganz nah an das Radio legen
und die Schwingungen spüren. So wurde ich
zur musikalischen Früherziehung gebracht. Mit 4
oder 5 Jahren hatte ich dann den Wunsch, Dirigent
zu werden, wofür ich ein
Streichinstrument erlernen
wollte. Meine Lehrer empfahlen
mir das Cello. Dabei
bin ich geblieben, fasziniert
von seinem Klang
und seiner Wirkung.
Wie ging es dann weiter?
Zuerst Konservatorium,
mit 14 Jahren Wechsel
an die Musikhochschule
Graz. Dabei hatte
ich das Glück, in den Jahren
vor meinem Diplom
regelmäßig Unterricht bei
dem renommierten Professor
Phillippe Muller in
Paris zu erhalten. Nach
Ende meines Studiums zog
ich schließlich mit einem
Stipendium für zwei Jahre
ganz nach Paris, um bei
Muller meine Ausbildung
zu beenden.
4 AUSGABE 2009/1
Er hat Sie also als Cellist maßgeblich geprägt?
Ich verdanke ihm, wie Chronopoulos und
einigen anderen Lehrern, sehr viel. Außerdem
hat mich Muller inspiriert, meine Technik noch
einmal völlig zu verändern und meinen eigenen,
persönlichen Weg zu suchen. Darüber hinaus
hatte ich aber auch das Glück, vielen anderen
großen Musikerpersönlichkeiten zu begegnen wie
Yehudi Menuhin, Claudio Abbado, Tibor Varga.
Allen voran aber dem berühmten Cellisten Paul
Tortelier, der mich enthusiastisch ermutigte,
den solistischen Weg einzuschlagen.
Für jeden Solisten spielt Klang eine große
Rolle. Doch bei Ihnen hat man den Eindruck,
dass Klang so etwas wie ein Leitthema darstellt.
Das geht aus den Booklet-Texten Ihrer
CDs ebenso hervor wie aus Ihrer Webseite.
Schon sehr früh hat sich so etwas wie eine
Klangvision in meinem Kopf festgesetzt, die ich
dann durch viele Jahre wie besessen zu realisieren
versuchte. Endlos habe ich dabei an meiner
Bogentechnik, meinem Vibrato gearbeitet.
Ebenso intensiv war aber auch die klangliche
Optimierung meines Instruments. Jetzt habe ich
das Gefühl, diesen Klang gefunden zu haben.
Worauf führen Sie es zurück, dass Sie
diese Klangvision, wie Sie es nennen, jetzt
erreicht haben?
Das hängt mit dem jetzigen Instrument
zusammen. Ich habe das Glück, seit 1998 auf
Celli aus der Sammlung der Österreichischen
Nationalbank zu spielen. Seit Juni letzten Jahres
spiele ich ein Instrument, das für mich fast wie
aus einer anderen Welt ist: ein Cello von
Giovanni Battista Guadagnini, Piacenza 1743.
Dieses Instrument war für mich von Anfang an
mehr als ein Violoncello – fast wie ein Wesen
mit einer ungeheuren Persönlichkeit und Kraft.

CLASS aktuell
Wie setzt sich Ihr Repertoire zusammen?
Wie entwickelt es sich?
Ich konzentriere mich auf das Konzertrepertoire,
die Cello solo Literatur und auf das
Duo Cello-Klavier. Ich bin zutiefst Romantiker.
In dieser Stilepoche ist mein Herz immer schon
aufgegangen. Nach schweren gesundheitlichen
Krisen in meinem zweiten Lebensjahrzehnt fand
eine Öffnung zur zeitgenössischen Musik statt,
danach zu Bachs Solosuiten. Im Augenblick entdecke
ich die Klassik, die für mich als expressiven
Musiker sicherlich zum Schwierigsten gehört,
gleichzeitig aber auch zum Spannendsten.
An Ihrem Repertoire fällt aber auch auf,
dass Sie auch unbekanntere Literatur und
Uraufführungen spielen.
Das stimmt. Ich habe viele Konzerte uraufgeführt,
wurde daher schon als Uraufführungs-Spezialist
bezeichnet. Mich interessieren aber auch selten
gespielte Konzerte wie beispielsweise die von Rozsa,
Rota, Honegger, Korngold oder Friedrich Gulda.
Sie sind also prinzipiell offen für Neues?
Solange ich es emotional verstehe, ja. Schwierig
wird es, wenn ich nur einen rationalen Zugang
finde. Außerdem verkümmere ich emotional,
wenn es keine Möglichkeiten gibt, das Cello klingen
zu lassen. Etwas mehr Neugierde würde ich
mir auch von Veranstaltern wünschen. Viele große
Werke weniger bekannter Komponisten werden oft
nur selten gespielt. Interessante Stil übergreifende
Experimente werden oft pauschal und vorschnell
in die Cross-Over Ecke abgeschoben.
Ihrer umfassenden Diskografie ist zu entnehmen,
dass das Duo Cello-Klavier für Sie
eine bedeutende Rolle spielt.
Diese Literatur war mir immer schon sehr
wichtig. Dabei lag mein Wunsch seit je her in
einem festen Duo. Seit 2003 spiele ich fix mit
dem deutschen Pianisten Andreas Woyke.
Die neue Einspielung:
Ludwig van Beethoven
Sonaten op. 5 Nr. 1, 2 und op. 69
Ars 38 035 (HybridSACD)
AUSGABE 2009/1 5
Und wie versteht man sich nach sechs Jahren
intensiver Zusammenarbeit, wenn man in
Europa, den USA, China reist und konzertiert?
Daneben haben Sie bereits Ihre fünfte
gemeinsame SACD veröffentlicht.
Wunderbar! Musikalisch sind Andreas Woyke
und ich wesensverwandt in unserem expressiven
und emotionalen Spiel. Da hat sich so etwas wie
blindes Verständnis und Vertrauen entwickelt.
Das heißt, Sie finden leicht zu gemeinsamen
Interpretationen?
Zumindest gibt es nur wenige Diskussionen
und Erörterungen bei der Erarbeitung neuer
Literatur. Nach der anfänglich analytischen Auseinandersetzung
kann sich eine Interpretation
so meist aus sich selbst heraus weiterentwickeln
und vor allem in jedem Konzert ‚neu entstehen’.
Das grenzt manchmal schon an ein Mysterium
des gegenseitigen Verstehens im Augenblick.
Und was war Ihr bisher schönstes
Konzerterlebnis?
Konzerte wie in der Londoner Wigmore Hall
oder im Wiener Musikverein waren sehr
beglückend. Herausragend war dabei sicherlich
meine Begegnung mit Valery Gergiev und dem
Mariinsky Orchester, mit denen ich im letzten
Jahr Antonin Dvoraks Cellokonzert gespielt
habe. Gergievs begeisterte Reaktion nach dem
Konzert hat dazu natürlich auch beigetragen.
Diskographie:
Schubert, Schnittke: Sonaten und Lieder
Ars 38 028 (HybridSACD)
Franck, Rachmaninow: Sonaten
Ars 38 025 (HybridSACD)
J.S. Bach: Solosuiten Nr. 1, 3 und 5
Ars 38 018 (HybridSACD)
Johannes Brahms: Sonaten und Lieder
Ars 38 015 (HybridSACD)
Dmitri Schostakowitsch: Sonaten
Ars 38 003 (HybridSACD)
Gulda, Neumeister: Cellokonzerte
Ars 368 403 (CD)
weitere Informationen unter:
www.kleinhapl.com / www.ars-produktion.de
Felix Mendelssohn Bartholdy
Gesamtwerk für Orgel Vol. I
Martin Schmeding
Kuhn-Orgel der Philharmonie Essen
ARS 38046 (Hybrid-SACD)
Exklusiv-Vertrieb für Deutschland:
Joseph Haydn
Die sieben letzten
Worte unseres
Erlösers am Kreuze
Anja Schiffel
Cappella Coloniensis
Bruno Weil
ARS 38044
(2 Hybrid-SACD)
Olivier Messiaen
Le Banquet Céleste
La Nativité du Seigneur
Wolfgang Sieber,
Kuhn-Orgel der
Philharmonie Essen
ARS 38037
(Hybrid-SACD)
Note 1 Musikvertrieb GmbH
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Einspielungen
auf Cantate:
God sy gelovet
Kloster Lüne
Loff unde ere
Kloster Medingen
Wy wullen alle vrolick syn
Kloster Ebstorf
Vorlehn uns freden gnediglich
Kloster Walsrode
Herre unser Herrscher
Kloster Isenhagen
Danck unde Loff
Kloster Wienhausen
C 58032
�
C 58037 C 58036
C 58035
C 58034
C 58033
���
Musik aus der Heide
Mittelalterliche Musik aus den Klöstern Walsrode, Wienhausen,
Medingen, Isenhagen, Lüne und Ebstorf in Ersteinspielung mit dem
Ensemble devotio moderna unter der Leitung von Ulrike Volkhardt
Im weitläufigen Gebiet der Lüneburger
Heide gab und gibt es bis heute eine Reihe
von Frauenklöstern, die nach der Reformation
als evangelische Einrichtungen weitergeführt
wurden. In den Archiven der sechs Lüneburger
Klöster (bzw. in externen Bibliotheken)
befinden sich zahlreiche bislang unbekannte
Musikhandschriften des Mittelalters, die in ihrer
Einzigartigkeit von nicht zu unterschätzender
Bedeutung für die Geschichte der Klöster in der
Lüneburger Heide sind. Im Verlauf des 20. Jahrhunderts
hatten immer wieder Musikwissenschaftler
einzelne, offensichtlich besonders interessante
Manuskripte beschrieben. Hierbei wurden
allerdings z.B. in Unkenntnis der zeitgenössischen
Notationspraxis scheinbar unnotierte Lieder mit
„Neuschöpfungen“ des Editors versehen.
Die Hannoveraner Musikerin Prof. Ulrike
Volkhardt und die Musikwissenschaftlerin Dr.
Ulrike Hascher-Burger haben nun, auf der Basis
inzwischen erheblich erweiterter Kenntnisse der
mittelalterlichen Musikhandschriften und ihrer
Tradierung eine erste systematische Sichtung
des musikalischen Materials in allen
Lüneburger Klöstern vorgenommen,
bei der erstaunliche Funde, vor allem
an „versteckten“ Orten wie auf und
in Einbänden von Rechnungs- und
anderen Büchern (wiederverwertete,
nicht mehr im Gebrauch befindliche
Pergamente, teils aus karolingischer
Zeit), gemacht wurden. Die beiden Forscherinnen
haben die Musik neu transkribiert
und instrumentiert.
Fundierte Wissenschaft, künstlerische Praxis
und Erfahrung in der Vermittlung von Inhalten
beider Aspekte wirkten bei diesem Projekt in
einzigartiger Weise zusammen. So wurde für die
Aufnahmen der „übersetzten“ Musik sogar eigens
mittelalterliches Instrumentarium rekonstruiert.
6 AUSGABE 2009/1
Dies war möglich, weil erstmalig auch die Ikonographie
der Musikausübung systematisch erfasst
wurde – die Schreiber der meist prachtvoll ausgestatteten
mittelalterlichen Handschriften haben
immer wieder Musiker in Aktion abgebildet –
was insofern von enormer Bedeutung ist, als es
im Mittelalter kaum schriftliche Hinweise zu
Instrumenten und musikalischer Praxis gibt.
Ausgewählte Beispiele dieser ganz
besonderen musikalischen Welt werden
nun, eingespielt vom Ensemble
devotio moderna, auf dem Label CAN-
TATE erstmals der Öffentlichkeit
zugänglich gemacht, wobei jede CD
unter einem eigenen Thema steht.
Neben klösterlichen Tagesabläufen
wird auch musikalisch jeweils eine besondere
liturgische Feier zum Schwerpunkt gemacht.
Die CDs sind mit ausführlichen, illustrierten
Booklets ausgestattet, die in allen Aspekten über
diese einzigartige Musikkultur unterrichten.
Diese Reihe bietet eine einzigartige Möglichkeit,
in eine uns ferne (und, bezüglich z.B. der teils
heute noch gesungenen Choräle) zugleich doch
so nahe Musikkultur einzutauchen. A. Rainer

CLASS aktuell
Prinz Louis Ferdinand von Preußen
Zum Abschluss der Serie: Trio Parnassus mit Folge 3
Im Herbst 2008 erhielt das Trio Parnassus
den „ECHO Klassik” für seine fulminante
Einspielung des Klaviertrios op. 1 und der
Suite op. 23 von Erich Wolfgang Korngold,
und bei den derzeit laufenden Verhandlungen um
den BBC-Award gehören die drei Musiker ebenfalls
zu den heißesten Anwärtern, weil ihre Auseinandersetzung
mit der Kammermusik von Peteris
Vasks nicht nur den lettischen Komponisten selbst
über die Maßen entzückte.
Was dabei ganz generell überrascht, ist das
Fingerspitzengefühl, mit dem das Ensemble von
Wolfgang Amadeus Mozart bis zur aktuellen
Gegenwart den jeweiligen Puls der Werke ertastet
und selbst solche Raritäten wie die Trio-Kompositionen
von Woldemar Bargiel oder jetzt wieder
Louis Ferdinand von Preußen gerade deshalb
„entdeckt”, weil man nie nach unsinnigem Bedeutungsdunst
strebt, sondern die Partituren ganz einfach
beim Worte nimmt. So löst sich unversehens
Clara Wiecks Halbbruder aus der Schulmeisterlichkeit,
die ihm oberflächliche Enzyklopäden
angeheftet haben, und so wird aus dem Neffen des
„Alten Fritz” tatsächlich jener „Romantiker der
klassischen Periode”, den der oft so treffsichere
Robert Schumann in ihm erkannte.
Auf zwei CDs hat das Trio Parnassus im Verbund
mit einigen musikalischen Freunden die delikaten
Kreationen des Hohenzollern-Prinzen bislang dargeboten.
Jetzt beendet eine dritte Produktion die
Serie, in der wir einen Künstler vor uns sehen, der
sowohl als Schaffender wie auch als Pianist in
Fachkreisen hohe Wertschätzung erfuhr und
durchaus hätte stilbildend wirken können, wenn
er nicht ob seines soldatischen Wagemutes im falschen
Moment am falschen Ort gewesen und am
10. Oktober 1806 bei der Schlacht von Saalfeld
umgekommen wäre: „In hohem Grade geistreich,
von feiner Lebensbildung, voll Witz, Belesenheit
und Talenten mancher Art, unter anderem für die
Musik, denn er konnte auf dem Klavier für reinen
Virtuosen gelten”, beschrieb General Carl von
Clausewitz, der berühmte Militärstratege, den Kameraden,
der da mit eben mal 34 Jahren auf dem
zweifelhaften Felde der Ehre seinen schöpferischen
Geist ausgehaucht hatte.
Louis Ferdinand muss geahnt haben, dass er
ein Opfer seines aristokratischen Berufs werden
würde, denn noch wenige Monate vor seinem
Tode publizierte er eine ganze Reihe durchweg
hörenswerter, zumeist für kleinere Formationen
geschriebene Kammermusiken, über deren eloquente
Eigenständigkeit wir nur staunen können.
Dazu gehören auch die drei auf der abschließen-
den dritten CD des Trio Parnassus veröffentlichten
Stücke, zu deren Einspielung Yamei Yu, Michael
Groß und Chia Chou ihre Kollegen Thomas Selditz
und Stanislau Anishchanka eingeladen haben.
Und wir fragen uns unwillkürlich, was denn wohl
aus diesem Prinzen geworden wäre, der irgendwo
zwischen Haydn und Danzi begonnen, vor Carl
Maria von Weber wie Carl Maria von Weber komponiert
und gegen Ende seines kurzen Lebens
expressive Regionen des Ausdrucks erreicht hat,
die namentlich in dem beinahe ETA-Hoffmannesken
„Kreisleriana” des Opus 11 erahnen lässt, was
unter den Händen von Frédéric Chopin und Robert
Schumann klingende Realität werden sollte.
Eckhardt van den Hoogen
AUSGABE 2009/1 7
Foto: Wilfried Hösl
Prinz Louis Ferdinand von Preußen
Andante mit Variationen op. 4,
Quartett op. 5 und Larghetto op. 11
Trio Parnassus; Thomas Selditz, Viola
Stanislau Anishchanka, Kontrabass
MDG 303 1549 2
Prinz Louis Ferdinand von Preußen
Sämtliche Klaviertrios Vol. 1
Trios opp. 2 + 10
MDG 303 1347-2
Sämtliche Klaviertrios Vol. 2
Trio op. 3, Klavierquartett op. 6
Trio Parnassus, Thomas Selditz, Viola
MDG 303 1361-2
Erich Wolfgang Korngold
Trio op. 1 / Suite op. 23 für
2 Violinen, Violoncello und Klavier
Trio Parnassus; Matthias Wollong, Violine
MDG 303 1463-2
Pēteris Vasks
Klaviertrio / Klavierquartett
Trio Parnassus; Avri Levitan, Viola
MDG 303 1513-2 (CD)
MDG 903 1513-6 (SACD)
Woldemar Bargiel
Sämtliche Klaviertrios Vol.1
Trio op. 20 & op. 37
MDG 303 0805-2
Sämtliche Klaviertrios Vol.2
Trio op. 6 / Adagio op. 38
Sonate op. 10
MDG 303 0806-2
Aktuelle Konzerte:
Trio Parnassus
09. 04. 2009 Darmstadt
25. 04. 2009 Münsingen
26. 04. 2009 Stuttgart
27. 04. 2009 Nagold
30. 04. 2009 Madlitz
03. 05. 2009 Warwick
05. 05. 2009 Southampton
09. 05. 2009 Nottingham
10. 05. 2009 London
12. 07. 2009 Stuttgart
21. 08. 2009 Santa Maria de
Vilabertran, Spanien
23. 08. 2009 Graus, Spanien
05. 09. 2009 Brüssel, Flandernfestival
06. 09. 2009 Brüssel, Flandernfestival
04. 10. 2009 Usedom Festival
18. 10. 2009 Stuttgart
26. 11. 2009 Ingolstadt
Weitere Informationen:
www.trioparnassus.com

Felix Mendelssohn
Felix Mendelssohn
Sämtliche Streichquartette
Oktett op. 20
Orchesterwerke arr. für
Violine, Violoncello und
Klavier zu 4 Händen:
Die Hebriden op. 26
Sinfonie Nr. 1 op. 11
Sinfonie Nr. 5 op. 107
Ruy Blas op. 95
Leipziger Streichquartett
5 CDs
MDG 307 1571-2
Limitierte Auflage
UVP 39,95 EUR
"exzellentes Niveau"
(Fono Forum)
"längst überfällig" (Ensemble)
"schieres musikalisches Feuer"
(NMZ)
"sehr überzeugend und klangprächtig,
sie sind in dieser
Hinsicht sicher mit das Beste,
was derzeit zu haben und
zu erleben ist."
(Crescendo)
Musikproduktion
Dabringhaus und Grimm
Vertrieb: Codaex Deutschland GmbH
Tel. 089-82000233 - Fax 089-82000093
Gramola Wien: klassik@gramola.at
MusiKontakt Zürich: info@musikontakt.ch
Sonnengesänge
Werke von Frank Michael,
Michael Töpel, Jörg Duda,
Thomas D. Schlee,
Thomas Buchholz, Walter Steffens
und Bernhard Schneyer
Trio Cantraiano
Brigitte Krey, Sopran, Ele Grau, Flöte
Albert Kaul, Klavier
Audiomax 703 1545-2
Die Dimension des Göttlichen
klingt wunderbar
„Trio Cantraiano“ lässt uralte Sonnengesänge und -gedichte
lebendig werden
Monatelang soll der bewusst
in Armut lebende
und 1228 heilig
gesprochene Franz von Assisi in
gesuchter Einsamkeit in einer
finsteren Hütte verbracht haben,
als er – völlig lichtblind und
der Verzweiflung nahe – den
„Sonnengesang“ dichtete. Drei
Musiker setzen auf die Kraft der Sonne: Das Trio
Cantraiano interpretiert uralte Sonnengesänge
und -gedichte, die von Komponisten des 21. Jahrhunderts
eigens für das Trio vertont wurden.
Brigitte Krey (Sopran), Ele Grau (Flöte, Altflöte)
und Albert Kaul (Klavier) verbinden dabei
antike Kulturen und lebendige Gegenwart und
bringen die Dimension des Göttlichen, die allen
literarischen Vorlagen immanent ist, klangvoll
zum Strahlen.
Walter Steffens hat Franz von Assisis „Dank
an Gott für alle seine Kreaturen“ in Annäherung
an alte kirchenmusikalische Kompositionstechniken
als Bicinium für Sopran und Altflöte
gesetzt. Der „Sonnen.Lieder.Zyklus“ von
Thomas Buchholz entstand nach Texten von
Louize Labé, Friedrich Hölderlin und Georg Heym
und reflektiert die späten Sonnen
der Liebe. Jörg Duda legt seiner
Komposition zwei Gedichte zugrunde.
Der erste Gesang (nach
Eduard Mörike) beschreibt den
statischen Zustand samtweicher
Stille zwischen Traum und Wachen
vor Tagesanbruch. Das zweite
Lied (nach Theodor Körner)
Trio Cantraiano
www.trio-cantraiano.de
8 AUSGABE 2009/1
schildert das Auflodern der Empfindungen beim
Anblick der aufsteigenden Sonne.
Frank Michael vertont in „Sonnengesänge,
verwehend“ Poesie von Nikolaus Cybinski, deren
Knappheit und Melancholie den Komponisten
von jeher fasziniert. Der Österreicher Thomas
Daniel Schlee interpretiert mit seiner Komposition
ein 1946 entstandenes Gedicht des Lyrikers
Reinhold Schneider. Durch die Kombination von
Sopran und Altflöte kostet er die speziellen Farben
der klanglichen Grenzbereiche des tiefen
Instrumentes aus und nutzt das komplette Spektrum
der Flöte. Zwei auf zeitgenössischen Texten
basierende Werke von Bernhard Schneyer und
Michael Töpel runden eine exklusive Aufnahme
ab, die im wahrsten Sinne unerhörte Klänge
dokumentiert. Thomas Trappmann
„Es war die Nachtigall und
nicht die Lerche ...“
Liebes-Lyrik und -Musik aus
fünf Jahrhunderten
Trio Cantraiano
Brigitte Krey, Sopran
Ele Grau, Flöte
Gunther Friedrich, Klavier
Audiomax 703 1284-2

CLASS aktuell
Hardy Rittner
Bravourstück
Brahms im Originalklang,
kraftvoll, expressiv
und mit emotionaler Tiefe
Mit Brahms Vol. 1 gelang Hardy Rittner
ein Paukenschlag, der in der Musikwelt
äußerst positiven Widerhall fand.
Nun legt der hochbegabte junge deutsche Pianist
seine zweite Aufnahme mit den frühen
Klaviersonaten Nr. 1 und 3 vor – auf einem
bisher nicht dokumentierten, hervorragend
Johannes Brahms
Frühe Klavierwerke Vol. 2 / Sonaten op. 1 + 5
Hardy Rittner, Ignaz Bösendorfer-Flügel 1849/1850
aus der Sammlung von Gert Hecher, Wien
SACD: MDG 904 1538-6
Johannes Brahms
Frühe Klavierwerke Vol. 1 / Sonate Nr. 2 op. 2
Variationen op. 9, Balladen op. 10
Hardy Rittner, Flügel von Johann Baptist Streicher
1851 aus der Sammlung von Gert Hecher, Wien
CD: MDG 604 1494-2 / SACD: MDG 904 1494-6
Ignaz Bösendorfer-
Flügel 1849/50
AUSGABE 2009/1 9
restaurierten Bösendorfer-Flügel aus dem Jahr
1849/50, den der in Wien lebende Sammler
Gert Hecher zur Verfügung stellte.
„Ein Programm stelle ich nicht gerne fest,
ohne den Saal – und hauptsächlich den Flügel
zu kennen“, äußert sich Brahms in einem Brief.
Dass er den zwei Jahre vorher entstandenen
235 cm Flügel des Wiener Klavierbauers Ignaz
Bösendorfer mit seinem unvergleichlich erdigen,
dunklen Klang sehr schätzte, ist genau so
gewiss. So ist es im Sinne des 19. Jahrhunderts
absolut logisch, Flügel zu verwenden, die die
jeweiligen Stücke klanglich unterstützen.
Unzählige Lieder, Klavierstücke und Streichquartette
hatte Brahms schon komponiert, verworfen
und umgehend vernichtet, bis er sich
mit op. 1 erstmals öffentlich positionierte. Ganz
bewusst schafft er Bezüge zu Beethoven: Hier
ein Hinweis auf die „Hammerklavier-Sonate“, da
werden Verbindungen zur „Waldsteinsonate“
erkennbar… Mit der f-Moll-Sonate op. 5 entwickelt
Brahms die fünfsätzige symmetrische
Sonatenform, die sich Bélá Bartók später mit
seiner „Brückenform“ zueigen machte. Kurz vor
Schluss erklingt erstmals das Motto f-a-e (Frei
Aber Einsam), das für Brahms sein Leben lang von
Bedeutung blieb. Und Anklänge des „Deutschlandliedes“
mögen als Signal der Hoffnung auf
ein geeintes demokratisches Vaterland gelten.
Hardy Rittner präsentiert auch auf seiner
zweiten SACD in aufregend authentischem Klanggewand
einen stürmischen Brahms, der sich
immer im Grenzbereich des klanglich gerade
noch Darstellbaren bewegt. Wie scheinbar mühelos
der Pianist die spieltechnischen Widrigkeiten
der Wiener Prellmechanik mit feinstem Klangsinn
und ungebremster Musizierlust zu verbinden
weiß, ist beeindruckend. Und bei jedem Wiederhören
tun sich neue Aspekte auf: Bravo!
Lisa Eranos
WERGO
Neu bei WERGO
Helmut Lachenmann
Dal niente … Kammermusik
WER 66822
Das Ensemble Phorminx zeigt zentrale
Stationen aus dem Schaffen Helmut
Lachenmanns auf: ausgehend von dem
Cellosolo „Pression“ aus dem Jahre
1969 über Werke wie „Dal niente“ für
Klarinette, „Toccatina“ für Violine oder
„temA“ für Flöte, Singstimme und Cello
bis hin zum Trio „Allegro sostenuto“
von 1986–88.
Es sind Stationen, die sich in die Kontinuität
seiner wichtigsten kompositorischen
Frage- und Problemstellungen
einreihen lassen, die aber ebenso nachdrücklich
einen stets voranschreitenden
Entwicklungsgang dokumentieren, der
nirgendwo zum Stillstand kommt oder
sich gar zu einem „Stil“ beruhigt.
„Dal niente … Kammermusik“ präsentiert
das Ergebnis einer engen Zusammenarbeit
von Ensemble und Komponist.
„Empfehlung – musikalisch wie aufnahmetechnisch
auf hohem und höchstem
Niveau“ (Neue Zeitschrift für Musik)
„Virtuos … ein Feuerwerk der Techniken
des 20. Jahrhunderts“ (Fono Forum)
Vertriebe
Deutschland: Note 1, 06221/720351 · info@note-1.de
Österreich: Lotus Records, 06272/73175 · office@lotusrecords.at
Schweiz: Tudor, 044/4052646 · info@tudor.ch
WERGO
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Mitten wir im Leben sind
Alte kirchenmusikalische Traditionen
leben in einer Ersteinspielung zeitgenössischer
Musik wieder auf: Hans
Peter Türk hat eine Karfreitags-Passionsmusik
für Soli, Chor und Orgel komponiert,
die seit ihrer Uraufführung vor zwei Jahren
nicht nur in den protestantischen Kirchen
seiner Heimat Siebenbürgen oft zu hören ist.
Anklänge an 1000 Jahre Musikgeschichte ordnen
sich in dem dreiteiligen Werk den Texten
aus einem alten Gesangbuch unter, die aus
Teilen des Matthäus-Evangeliums, Chorälen und
Psalmen bestehen.
Siebenbürgen ist eine alte Kulturlandschaft,
deren deutsche Siedlungsgeschichte in die Zeit
des Nibelungenliedes zurückreicht. Es ist ein
Gebiet, in dem sich die Einflüsse mehrerer Kulturen
überschneiden, und eine geistliche Landschaft,
die in ihren deutschsprachigen Teilen
vom Protestantismus und authentischen Musiktraditionen
geprägt ist. In diesem Umfeld wuchs
Hans Peter Türk auf, der früh seinen eigenen
Vater verlor und sich stattdessen von einem
Kirchenmusiker prägen und ausbilden ließ.
Seinem großen Talent und der Fürsorge seines
Mäzens verdankt es Türk, dass er trotz Rumäniens
Diktatur ohne Parteimitgliedschaft
promovieren
und eine Stelle als Lektor für
Tonsatz annehmen durfte. Erst
1990 reiste er zu Verwandten
nach Deutschland, kehrte aber
immer ins siebenbürgische
Klausenburg zurück, wo der
68-Jährige heute als Komponist
und Musikwissenschaftler lebt.
Der Ursprung von Türks
Passionsmusik liegt in den
Dorf- und Wehrkirchen seiner
Heimat, in denen traditionell
Passionsmusiken aufgeführt werden. Und dennoch
ist sein Werk alles andere als schlicht. Im
Gegenteil: Er lässt die frühe mittelalterliche
Mehrstimmigkeit anklingen, nutzt und erweitert
die Formen- und Figurensprache des Barock,
setzt starke Dissonanzen ein und hebt kunstvoll
die Grenze zwischen Sprache und Musik auf.
Große Bedeutung kommt dabei der Orgel zu.
Siebenbürgische Passionsmusik
Die Farben ihrer Register ergänzen die musikalischen
Konturen von Jesus, Judas oder Pilatus,
die Gewalt ihrer Klangfülle überwältigt nach
nüchtern gesprochenen Textstellen und sie
vermag zugleich Erinnerungen an die Flöte spielenden
Hirten in den siebenbürgischen Bergen
zu wecken.
Die tragenden Säulen dieser Ersteinspielung,
die Meißner Kantorei 1961, unter der
Die Meißner Kantorei 1961 unter
der Leitung von Christfried Brödel
Hans Peter Türk (Abb. links)
Leitung von Christfried
Brödel, und die Organistin
Ursula Philippi, haben
auch die Uraufführung
an der historischen Sauer-
Orgel in Hermannstadt /
Siebenbürgen und die
deutsche Erstaufführung im März 2008 in der
Dresdner Kreuzkirche mitgestaltet. Den Klangeindruck
der Uraufführung gibt bei dieser Aufnahme
die hervorragend klingende Sauer-Orgel
(1904) in der Stadtkirche Burgstädt mit ihrer
romantischen Vielfalt exzellent wieder. Eine
ebenso willkommene wie faszinierende Entdeckung!
Thomas Trappmann
10 AUSGABE 2009/1
Hans Peter Türk (*1940)
Siebenbürgische Passionsmusik für Karfreitag
Solisten / Meißner Kantorei 1961
Ursula Philippi, Orgel
Christfried Brödel, Ltg.
MDG 902 1554-6 (SACD)
Aktuelle Konzerte:
Aufführungen der Passionsmusik:
04. 04. 2009 Burgstädt, Stadtkirche
05. 04. 2009 Leipzig, Michaeliskirche
09. 04. 2009 Sendung der Passionsmusik
im Mitteldeutschen Rundfunk
a-cappella-Programm:
13. 08. 2009 Leisnig, St. Matthäi-Kirche
14. 08. 2009 Rochlitz, Kunigundenkirche
15. 08. 2009 Leipzig, Nikolaikirche
Das Notenmaterial wird auf Anforderung
von der Meißner Kantorei 1961
kostenlos als pdf-Datei geliefert und
kann frei kopiert werden.
www.meissner-kantorei.de

CLASS aktuell
Stefan Irmer liebt das Besondere und wurde
als herausragender Interpret unbekannter
und selten gespielter Werke der Klavierliteratur
bekannt. Für seine Einspielung der
späten Sonaten von Clementi bei MDG
erhielt er den französischen Schallplattenpreis
„CHOC“. Die Aufnahme sämtlicher
Klavierwerke von Rossini verhalf ihm zum
internationalen Durchbruch und wurde für die
beste editorische Leistung des Jahres
mit dem „Echo Klassik 2008“ ausgezeichnet.
Leichtes Spiel
Stefan Irmer präsentiert Sigismund Thalberg, einen der
bedeutendsten Pianisten des 19. Jahrhunderts
Für Sigismund Thalberg war Gioacchino
Rossini ein musikalischer Held. Ihm widmete
der deutsche Tastenvirtuose und Komponist
nicht nur zahlreiche seinerzeit kaum
nachspielbare Opernphantasien, er vermochte auch
dessen meisterhaften Gesangsstil wie kein anderer
aufs Klavier zu übertragen. Wen wundert es, dass
sich Stefan Irmer von diesem italienischen Einfluss
in Thalbergs Musik inspirieren lässt, um den
erfolgreichen Aufnahmen sämtlicher Klavierwerke
Rossinis nun eine furiose Ersteinspielung der
Etüden von Sigismund Thalberg folgen zu lassen.
An Thalberg kam Mitte des 19. Jahrhunderts
in der adeligen Musikwelt Europas kaum jemand
vorbei. Es war die Zeit der reisenden Virtuosen
und des künstlerischen Wettstreits. Für Heinrich
Backkatalog / Diskografie
Gioacchino Rossini:
„Péchés de Vieillesse“
Vol. 1: MDG 618 0654-2 Vol. 2: MDG 618 0918-2
Vol. 3: MDG 618 1108-2 Vol. 4: MDG 618 1260-2
Vol. 5: MDG 618 1353-2 Vol. 6: MDG 618 1386-2
Vol. 7: MDG 618 1426-2 Vol. 8: MDG 618 1448-2
Muzio Clementi:
Klavierwerke
Vol. 1: 3 Sonaten op. 40 MDG 618 0651-2
Vol. 2: 3 Sonaten op. 50 MDG 618 0652-2
Vol. 3: Sonate op. 25, 4-6; 33, 1+2
MDG 618 0653-2
George Onslow:
Grand Septuour op.79, Nonett op. 77
Stefan Irmer, Klavier,
Consortium Classicum MDG 301 1480-2
Heine war er „der“ Gentleman-Pianist. Der deutsche
Dichter stellte den in Genf geborenen Sohn
einer Baronin und eines Fürsten auf eine Stufe mit
Chopin und Liszt. In Sachen Etikette und Ausstrahlung
zog er den virtuosen deutschen Romantiker
sogar dem großen Konkurrenten Liszt vor.
Auch Clara Schumann lobte das Spiel des in der
Öffentlichkeit ausschließlich mit eigenen Werken
auftretenden Pianisten in den höchsten Tönen:
„Ihm missglückt kein Ton, seine Läufe kann man
mit Perlenreihen vergleichen, seine Oktaven sind
die schönsten, die ich je gehört.“
Nach seinem phänomenalen Debut in Paris
1835 bereiste Thalberg als Konzertpianist die
ganze Welt. 1863 – welche Parallele zu Rossini
– zog er sich völlig aus dem Musikleben zurück,
Sigismund Thalberg (1812-1871)
12 Études op. 26
Fantaisie op. 33 + 40
Stefan Irmer, Klavier
MDG 618 1551-2
AUSGABE 2009/1 11
Aktuelle Konzerte:
Stefan Irmer
11. 03. 2009 Luxemburg, Nationaltheater
03. 04. 2009 Zwickau, Schumannhaus
09. 05. 2009 München, Prinzregententheater
Weitere Informationen: www.stefan-irmer.de
um sich bis zu seinem Tode 1871 erfolgreich
dem Weinbau zu widmen.
Die zwölf Etüden op. 26 stellen ein komplettes
Kompendium von Thalbergs legendärem
Klavierstil dar, dem man die „magische dritte
Hand“ unterstellte, und der bis heute für jeden
Virtuosen schon allein handwerklich eine Herausforderung
darstellt. Sie wurden in zwei Heften
a 6 veröffentlicht und widmen sich jeweils
einer ganz speziellen klavieristischen Thematik.
Die Fantasie über Themen aus der Rossini-Oper
Moses aus dem Jahr 1837 ist Thalbergs bekannteste
Komposition. Zwar liegt die Inspiration in
Rossinis Opermelodien, es sind allerdings nur
wenige Originalzitate, die der Komponist als
Inspirationsquelle für eigene Erfindungen nutzt.
Und natürlich steigert er seinen ebenso orchestralen
wie klanglich differenzierten Klaviersatz
letztlich zu einem unfassbaren Klangrausch.
Noch intensiver und mit selbstverständlich
höchster Brillanz verarbeitet er die Rossini-Vorlage
La Donna del Lago in seiner Fantasie op.40.
All dieses geht in Stefan Irmers unaufdringlicher
Virtuosität und seinem klangsinnigen Spiel eine
hervorragende klangliche Symbiose mit dem
Steinway-Konzertflügel von 1901 ein, den MDG
mit gewohnt perfekter Klangbalance auslotet.
Lisa Eranos

Joseph Haydn (1732-1809) im Porträt von Thomas Hardy (1791)
Undank ist der Welt Lohn, wie wir alle
aus leidvoller Erfahrung wissen. Auch
in der (europäischen) Musikgeschichte
stoßen wir immer wieder auf Persönlichkeiten,
die zu Lebzeiten hoch geschätzt,
vielleicht auch dekoriert wurden, dann aber in
Vergessenheit gerieten oder der Geringschätzung
anheim fielen. Dieses Schicksal erlitt, zumindest
Teile seines Schaffens betreffend, auch Joseph
Haydn, dessen Todestag sich in diesem Jahr zum
200. Mal jährt. Der Komponist, der europaweit
das Publikum zu „standing ovations“ hinriss,
wurde späterhin eher milde als „Papa Haydn“
belächelt – ein zwar liebenswerter, aber doch
ein bisschen verstaubter Meister aus vergangener
Zeit. Mozart, ja, und Beethoven – was für
große Geister! Aber Haydn? Na ja, die Sinfonie
Joseph Haydn
Baumeister einer Epoche
mit dem Paukenschlag, oder die Abschiedssinfonie
– ein lustiger Vogel ist er ja wohl gewesen,
der gute Papa Haydn. Was für drollige Einfälle!
Und dann natürlich die „Schöpfung“. Das ist
schon was. Und die „Sonnenquartette“. Aber die
ganz großen Meisterwerke, die haben in dieser
Epoche eben doch Mozart oder Beethoven
geschrieben. Der Haydn ist eher was zum
Anwärmen, im Konzert sozusagen die Vorgruppe
für den Starauftritt. Wer so denkt, tut einem
Künstler bitter unrecht, ohne den die nicht in
Frage stehende Meisterschaft eines Mozart oder
eines Beethoven nicht denkbar gewesen wäre.
Haydn wurde 1732 in Rohrau, Niederösterreich,
geboren, als Bach, Händel und Telemann
noch auf der Höhe ihres Schaffens standen, und
starb 1809, als Beethoven bereits ein Name war.
12 AUSGABE 2009/1
Mit anderen Worten: Wie kaum ein anderer
stand Haydn mit einem Bein noch im Hochoder
Spätbarock, mit dem anderen aber schon
in der Überwindung der Wiener Klassik durch
die Romantik. Und er schaffte es, die verschiedenen
Stile, den sich um die Mitte des 18. Jahrhunderts
in der so genannten „Mannheimer
Schule“ anbahnenden Stilwandel, fortgeführt in
der Zeit des „Sturm und Drang“, als ein gewisser
Carl Philipp Emanuel Bach mit seinen
Orchesterwerken das Publikum zum Weinen
brachte, all dies zu kanalisieren und eine neue,
gültige Formensprache zu finden, die das Stilempfinden
einer ganzen Musikepoche prägen
sollte: die Zeit der „Wiener Klassik“. Die Instrumentalmusik
dieser Zeit gründet auf zwei Gattungen:
Sinfonie und Streichquartett. Und für
beide fand Haydn die gültige Form, ohne dies
überhaupt beabsichtigt zu haben, denn der langjährige
Kapellmeister in Diensten des Fürstenhauses
Esterhazy war alles andere als ein Theoretiker.
Und doch folgte er, der offenbar nie
einen wirklich planmäßigen Unterricht in Komposition
genossen hatte, der von allen „großen“
Komponisten wohl am meisten Autodidakt war,
einem systematischen musikalischen Denken,
das ihn die klassischen Formen finden ließ. Dies
ist umso erstaunlicher, als er sein Leben vorwiegend
als Kapellmeister in der Abgeschiedenheit
eines Landsitzes zubrachte. Er sagt selbst: „Ich
war von der Welt abgesondert, niemand in meiner
Nähe konnte mich an mir selbst irremachen und
quälen, und so musste ich original werden.“
Die Sinfonien
Im Alter von 29 Jahren wurde Haydn auf
Schloss Esterhazy angestellt, und hier entwickelte
er sich über die nächsten dreißig Jahre zu
einem hauptsächlich sinfonischen Komponisten.
Davor war er Kapellmeister bei Baron Fürnberg
in der Nähe von Melk; dort begann er, Streichquartette
zu schreiben, danach wurde er Musikdirektor
im böhmischen Lukavec bei Graf Morzin.
Obwohl präzise Daten fehlen, so muss es doch
in dieser Zeit, von 1757 an, gewesen sein, als er
seine ersten Sinfonien schrieb. Stilistisch sind
sie als Werke anzusehen, die italienische und
österreichische, leichte und ernsthafte, traditionelle
und moderne Elemente verbinden und überwiegend
dreisätzig sind. Strukturell gesehen
besteht jeder Satz aus zwei Teilen, die jeweils
wiederholt werden. Sie wurden für die ursprüngliche
Besetzung Streicher, 2 Oboen, 2 Hörner
und eine Bassgruppe geschrieben, die aus

CLASS aktuell
Haydns Haus in der
Vorstadt Windmühle,
unbezeichnete
Lithographie (1840)
Nikolaus I., „der
Prachtliebende“, Graf
und später Fürst
Esterházy de Galantha
(1714 - 1790)
Cello, Kontrabass, Fagott und Cembalo bestand.
In den langsamen Sätzen spielten nur die Streicher.
Schon in seinen ersten Versuchen im Bereich
der Sinfonik (nicht weniger als 104 Werke
in dieser Gattung sollte er schreiben) finden
sich Versuche, eine ausgewogene, „symmetrische“
Form zu finden, wie dies die auf Musicaphon
(M 56886) erschienene Einspielung der „Sinfonien
A und B“ durch das Ensemble il capriccio
unter Leitung von Friedemann Wezel sehr deutlich
nachvollziehen lässt.
Direkt daran anschließend, ebenfalls in historischer
Aufführungspraxis, ist die Haydn-Aufnahme
der Sinfonien 1 bis 5 von Hyperion mit
Roy Goodman und der Hanover Band – ein großartiges
Hörvergnügen (CDH 55111). Mit seinem
lebendigen und kraftvollen Spiel und der Klarheit
im Ausdruck gelingt es dem Orchester sehr überzeugend,
das ganz besondere Flair dieser Musik
einzufangen. Diese einfallsreichen Interpretationen
gehören zu den besten Aufnahmen der Haydn-
Sinfonien auf historischen Instrumenten.
Wie Haydn seinen kompositorischen Ansatz
weiterentwickelte, schließlich zu einem an Ebenmaß
nicht mehr zu übertreffenden Ganzen fand,
lässt sich wunderbar an Spätwerken studieren:
den „Londoner Sinfonien“. Wie war es überhaupt
zu diesen Werken gekommen?
1790 starb Fürst Nikolaus von Esterhazy; sein
Nachfolger war völlig unmusikalisch, entließ die
gesamte Hofmusik und schickte Haydn in Pension.
Dieser akzeptierte darauf ein lukratives Angebot
des Konzertunternehmers und Musikers Johann
Peter Salomon, 1791–1792 und nochmals
1794–1795 nach England zu gehen und dort
seine Werke aufzuführen. Das Publikum stürmte
die Konzerte, und Haydn erwarb schnell Ruhm
und Vermögen. Und „nebenbei“ entstanden so
einige seiner bekanntesten Werke, darunter die
AUSGABE 2009/1 13
„Sinfonie mit dem Paukenschlag“, die „Militärsinfonie“,
die „Londoner Sinfonie“…
Es ist der Haydn Philharmonie unter Leitung
von Adam Fischer zu verdanken, dass wir nicht
nur eine ältere Gesamtaufnahme, sondern jetzt
frisch auf SACD für das Label MDG eingespielt
auch eine absolut spannende Neuaufnahme
eben dieser Londoner Sinfonien vorliegen haben.
Der bis heute unveränderte Haydn-Saal des Esterhazy-Schlosses
bildet bei diesen Aufnahmen die
historische Klangkulisse, ein barocker Ballsaal,
dessen wunderbar kostbaren Marmorboden
Joseph Haydn einst gegen schlichte Holzdielen
austauschen wollte: Der Fürst gehorchte – und
das alles nur der bemerkenswerten Akustik wegen,
welche sich den vorliegenden Aufnahmen wohltuend
mitteilt.
Vermutlich die erste Sinfonie, die Haydn in
London präsentierte, war die Sinfonie Nr. 92 –
er dirigierte sie ein zweites Mal in Oxford, als
man ihn dort zum Doktor der Musik machte.
Aufgrund dieser Aufführung hat sich für die
Sinfonie der Beiname „Oxford“ eingebürgert.
Eigentlich müsste man sie eher „Paris“ nennen,
denn Haydn hatte sie ursprünglich für die „Loge
Olympique", eine freimaurerische Pariser Konzertgesellschaft,
geschrieben.
In London traf Haydn zweifellos auf ausgesprochen
aufmerksame und mitdenkende Zuhörer
– doch zugleich scheute er sich nicht, seine
Uraufführungen mit Überraschungseffekten zu
garnieren. Der berühmteste davon findet sich im
langsamen Satz der Sinfonie Nr. 94, die Haydn
am 23. März 1792 in seiner zweiten Londoner
Konzertsaison uraufführte. Dass Haydn mit dem
Paukenschlag aus heiterem Himmel die in seinem
Konzert eingeschlafenen Engländer zu wecken
gedachte, dementierte er später heftig. Die schier
atemberaubende audiophile Variante des Paukenschlags
bei Adam Fischer (MDG 901 1325-6)
hätte den Meister noch mehr begeistert...
Haydns Augenzwinkern übertrug sich auch auf
die Musikanten, was man auf MDG 901 1441-6
überprüfen kann: Inmitten einer Aufführung der
Sinfonien
Sinfonie A & B + W.A. Mozart
Fagottkonzert B-Dur / Violinkonzert Nr. 1
Ensemble il capriccio
Musicaphon M56886
Sinfonien 1 – 5
The Hanover Band / Roy Goodman, Dirigent
Hyperion CDH 55111
Sinfonien Nr. 60 und Nr. 61 / Ouvertüre D-Dur
Heidelberger Sinfoniker / Thomas Fey, Ltg.
hänssler CLASSIC 98.522
Sinfonien Nr. 88 + 101
Ouvertüre „L’isola disabitata“
MDG 901 1441-6 (SACD)
Sinfonien Nr. 92 + 94
Ouvertüre „La fedeltà premiata“
Haydn-Philharmonie / Adam Fischer, Leitung
MDG 901 1325-6 (SACD)

Sinfonien
Sinfonien Nr. 97 + 102
Ouvertüre „L’anima del filosofo“
Haydn-Philharmonie
Adam Fischer, Dirigent
MDG 901 1452-6 (SACD)
Londoner Sinfonien Vol.2
Sinfonien 94, 101, 102
Collegium Musicum 90
Richard Hickox, Dirigent
Chandos CHAN 0662
Sinfonien 95,103,104
Collegium Musicum 90
Richard Hickox, Dirigent
Chandos CHAN 0655
Sinfonie 100 / Sinfonia Concertante
L’isola disabitata
Netherland Chamber Orchestra
Gordan Nikoliç, Violine und Dirigent
Pentatone PTC 5186300
Ouvertüre zur Oper „La fedeltà premiata“ verschwanden
die Hornisten von der Bühne, um im
geeigneten Moment an anderer Stelle des Konzertsaales
erneut ins Spiel einzugreifen – eine
Überraschung nicht nur für den Dirigenten
und das Publikum, sondern auch für den Hörer
dieser Mehrkanalproduktion.
Noch mehr Verwirrung stiftete der österreichische
Komponist in London, als er dort die
Aufführung seiner Sinfonien bei den „Salomon’s
Concerts“ höchstpersönlich leitete. Eigentlich wäre
diese Aufgabe dem Konzertmeister Johann Peter
Salomon zugefallen. Doch selbst die britische
Presse räumte ein, dass Haydns Dirigat einen
Großteil des Erfolgs der Konzertreihe ausgemacht
hatte. Seinen Freund Salomon „ehrte“ er ausdrücklich
am Ende des Trios mit dem Hinweis „Salomon
solo“, einer winzigen, absolut belanglosen Passage,
die der gefeierte Solist eine Oktave höher zu
spielen hat – „ma piano“, wie der Komponist
augenzwinkernd anmerkt (MDG 901 1452-6).
Einen anderen interpretatorischen Ansatz
verfolgt das Niederländische Kammerorchester,
bei dem der musikalische Leiter und Konzertmeister
Gordan Nikoliç vom ersten Pult aus das
Orchester leitet. Dies folgt dem historischen Vorbild,
denn noch bis in Haydns Zeit hinein gab es
den Dirigenten, wie wir ihn kennen, nur in absoluten
Ausnahmefällen – wenn die Besetzung und
Komplexität eines Werkes eine Leitung vom ersten
Pult (oder durch den Cembalisten) nicht zuließ.
Auf Pentatone (PTC 5186300) ist eine SACD
erschienen, die Haydns „Sinfonia concertante“
und die Sinfonie Nr. 100 vorstellt. Die Sinfonia
Concertante wurde am 9. März 1792 aus der
Taufe gehoben, und Publikum und Presse
reagierten außergewöhnlich enthusiastisch auf
das Werk. Am 31. März 1794 stellte Haydn dem
Publikum seine Sinfonie Nr. 100 vor, die „Militärische“,
die in späteren Ausgaben auch unter
dem Titel „Türkische Sinfonie“ erschienen ist.
In jüngster Zeit wird das Stück öfters als antimilitaristische
und Anti-Kriegs-Sinfonie interpretiert.
Es ist aber durchaus fraglich, ob das
der Intention Haydns gerecht wird.
Dass Haydn in seinen Londoner Sinfonien
neben der üblichen Streicherbesetzung je zwei
Flöten, Oboen, Klarinetten und Fagotte verwendet,
zeigt zwar die Partitur an – aber so gut wie
in den auf Chandos erschienenen Aufnahmen
(0662, 0655) mit dem Collegium Musicum 90
14 AUSGABE 2009/1
Haydn-Saal des Esterházy-Schlosses
unter der Leitung von Richard Hickox konnte
man es bislang kaum hören! Hickox grundiert
die Musik nicht nur, er formt einen räumlichen,
reliefartigen Körper, hier satt, dort elegant, hier
durchscheinend, dort wie aus dem Innersten
des Klangs. Hickox' „barocker“ Sound erreicht
klassische Schwerelosigkeit, gerade indem man
ihre intensive Erdung spürt.
Sinfonien aus früherer Zeit (Nr. 60 und 61)
haben, zusammen mit der Ouvertüre Hob. Ia:7,
vol. 10, die Heidelberger Sinfoniker unter der
Leitung von Thomas Frey auf Hänssler (98.522)
veröffentlicht. Der Einführung in dieses Programm
durch Eckardt van den Hoogen sind
viele interessante Bemerkungen über Haydns
Kompositionsweise zu entnehmen, weshalb hier
auszugsweise zitiert sei:
„Verloren gingen in der Nacht vom 18. November
1779, als das gesamte Theater von Schloss
Esterhazy abbrannte, auch viele Partituren Haydns.
So dürfte die Musik zu mehreren Marionettenopern
endgültig dahin sein, bis auf einige Fragmente,
die sich durch Übernahme in andere
Stücke erhielten wie die Ouvertüre D-Dur Hob.
Ia:7. Ursprünglich endete daher das Presto auch
nicht mit dem heutigen Konzertschluss: Den ergänzte
Haydn erst, als er den Satz für die zweite
Fassung seiner Sinfonie Nr. 53 benutzte.
Überhaupt: Haydn und das Presto! Nehmen
wir nur das Finale der Sinfonie Nr. 61 D-Dur von
1776: Ob ‚programmatisch’ oder nicht – nur
ein unheilbarer Melancholiker wird hier gleichgültig
bleiben angesichts der raffinierten Andeutungen
einer kleinen ‚Chasse’. Wer könnte es
sich leisten, im Kopfsatz ein zweites ‚Thema’ zu
verwenden, das aus nichts als der Grundkadenz
besteht, wer die Luftlöcher komponieren, die
dem Flötensolo vorangehen, das dann doch eine
Art Thema wird? Haydn tut es, und alles wirkt
selbstverständlich und unbeschwert.
Klar ist bei der 60. Sinfonie der Ursprung
des Werks, in dem sich alle Erztugenden Joseph
Haydns wie Perlen aufreihen. Was 1774 die
Musik zu der Komödie ‚Le Distrait’ von Jean-
François Regnard war, das fügte Haydn zu einem
Konzertwerk aus sechs Sätzen, das er einfach
‚Sinfonie’ nannte! Er präsentiert uns eine Ouvertüre
nebst mehreren Entr’actes, die ein wenig
unorthodox verlaufen: Im Andante sollen die
Streicher in eine, die Bläser aber in eine ganz
andere Stimmungsrichtung; im Trio des Menuetts
kippt, was tragisch anhebt, durch die falschen
Vorzeichen der Oboe und ersten Violine ins
Lächerliche; das Presto hätte die eine oder

CLASS aktuell
Association of Classical Independents in Germany
Eigenhändige Partitur der Einlagearie
„Chi vive amante“ von Joseph Haydn für die
Partie der Erissena in der Oper „Alessandro
nell’Indie“ von Francesco Bianchi
andere formale Korrektur nötig. Nun aber, wo
wir glauben könnten, eine etwas ‚unmögliche’
Sinfonie sei zu Ende, folgt das eigentliche Adagio:
Léandre, der ‚Zerstreute’, hat nicht vergessen –
im Gegensatz zu dem Kapellmeister und den
ersten Geigen, die vor dem Anfang des kurzen
Nachspiels auf jeden Fall hätten nachstimmen
sollen. So prescht man Prestissimo los und bemerkt
erst nach einigen Takten den Fehler.“
Oper
Nicht weniger als dreimal ist Haydn in seinem
Leben durch Feuer zu Schaden gekommen.
Man kann nur darüber spekulieren, wie viele
Werke des Meisters auf diese Weise unwiederbringlich
verloren gingen. Bei dem erwähnten
Brand im Theater, wen wundert es, sind natürlich
vor allem Bühnenwerke verbrannt. Ohnehin
wird Haydn heute vor allem als Komponist von
Sinfonien, Streichquartetten und Klaviersonaten
wahrgenommen – dabei ist sein Schaffen im
Bereich der Vokalmusik nicht weniger umfangreich,
aber abseits der späten Oratorien
(„Schöpfung“, „Jahreszeiten“) kaum bekannt.
Sein frühester Versuch im Bereich der Oper war
„Acide“, ein „Festa teatrale“, geschrieben für
die Hochzeit von Fürst Anton Esterhazy und
Gräfin Maria Theresia Erdödy am 11.1.1763 in
Eisenstadt. Dieses Frühwerk ist jetzt auf BIS
als SACD erschienen; es musiziert die Haydn
Sinfonietta Wien unter der Leitung von Manfred
Huss (BIS-SACD-1812). Vier Arien und die
meisten Rezitative dieser Urfassung sind verlo-
AUSGABE 2009/1 15
ren, doch konnte Manfred Huss für diese Einspielung
auf spätere Ergänzungen Haydns zurückgreifen,
die der für eine zweite, nicht mehr
realisierte Produktion 1773 geschaffen hatte.
Messen
Mit seinen zwölf „Londoner Sinfonien“ hatte
Joseph Haydn den Gipfel der Kunst erobert. Die
Jahre, in denen er als Pionier, Experimentator,
Wegbereiter und Visionär dieser Gattung der
Instrumentalmusik ungeahnte Perspektiven
erschlossen hatte, fanden in der unvergleichlichen
Werkreihe ihre Vollendung und ihr Ziel.
Es war undenkbar, dass Haydn nach seinen
triumphalen Gastspielen in London, nach seiner
Rückkehr in den Dienst der Esterhazys, noch
einmal Sinfonien schriebe – zumal unter der
Herrschaft des neuen Fürsten, eines arroganten
Lebemannes von konservativem musikalischem
Geschmack. Doch ihm, Nikolaus II., stand nach
derlei ohnehin nicht der Sinn. Obwohl dieser
Aristokrat eine alles andere als fromme Gesinnung
an den Tag legte und das Vermögen seiner
Vorväter bei luxuriösen Vergnügungen und
ungezählten Affären verprasste, hegte er eine an
Bigotterie grenzende Vorliebe für die Kirchenmusik.
Und so wurde dem aus England heimgekehrten
Esterhazy’schen Kapellmeister Haydn
die Pflicht auferlegt, „aus billiger Anordnung“
seines Regenten „alljährlich eine neue Mess zu
komponieren“, die am oder zum Namenstag der
Fürstin Maria Josepha Hermenegild in Eisenstadt
aufgeführt werden sollte: Jahr um Jahr an
den Festen Mariae Geburt oder Mariae Namen
im September. Diesem Anlass und Auftrag verdanken
wir fünf jener sechs Messen, die der
Oper
Acide / Festa teatrale
Haydn Sinfonietta
Manfred Huss, Dirigent
BIS-SACD-1812
Messen
Harmoniemesse
Solisten, Gächinger Kantorei Stuttgart
Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR
Heiligmesse
Solisten, Oregon Bach Festival
Chorus und Orchestra
Helmuth Rilling, Dirigent
hänssler CLASSIC 98.538
Sämtliche Messen
Collegium Musicum 90
Richard Hickox, Dirigent
Chandos CHAN 0734
Große Orgelmesse / Missa Celensis
Collegium Musicum 90
Richard Hickox, Dirigent
Chandos CHAN 0674

Klavierwerke
Klaviersonaten
23, 24, 32, 37, 40, 41, 43, 46, 50, 52
Marc-André Hamelin
Hyperion CDA 67554 (2 CDs)
Klavierkonzerte D-Dur, F-Dur, D-Dur, G-Dur
Ronald Brautigam,
Concerto Copenhagen / Lars Ulrik Mortensen
BIS-CD-1318
Klaviersonaten 20, 39, 40, 43, 50
Malcom Bilson
CLAVES CLA 50-2501
Klavierwerke
Capriccio G-Dur, Sonaten e-Moll, c-Moll, Es-Dur,
Variationen f-Moll, Fantasie C-Dur
András Schiff
Hungaroton HDVD32441 (DVD)
Joseph Haydn um ca.1770
Porträt von Ludwig Guttenbrunn
Komponist an der Wende zum 19. Jahrhundert
schuf, bewegende Zeugnisse einer tiefen, reflektierten
Religiosität und eines musikalisch
überreichen Spätwerks. Ludwig van Beethoven
sprach ehrfürchtig von den „unnachahmlichen
Meisterstücken des großen Haydn“. Zwei dieser
Meisterwerke sind nun auf Hänssler erschienen
(98.538): Die „Harmoniemesse“ (mit der Gächinger
Kantorei) und die „Heiligmesse“ (mit dem
Oregon Bach Festival Choir). Die Leitung der
Aufnahme hat Helmuth Rilling.
Eine der wenigen Aufnahmen von Haydns
„Mariazeller Messe“, die auf CD erhältlich ist,
ist auf Chandos 0674 erschienen – zusammen
mit der „großen Orgelmesse“. Und wer sich
sämtliche Messen Haydns anhören will, dem sei
Chandos 0734 empfohlen: Richard Hickox' mit
Lob überhäufte Edition (mit dem Collegium
Musicum 90) ist nun endlich auch gesammelt in
einer Box erhältlich. Auf historischen Instrumenten
interpretiert, kommen die teilweise nahezu
unbekannten Werke hier besonders zur Geltung.
Sonstige Orchesterwerke
und Konzerte,
Kammermusik
Vor seiner langen und erfolgreichen Zeit als
musikalischer Direktor am Schloss Esterhazy war
Haydn als junger Komponist Musikdirektor des
Grafen Karl von Morzin auf Schloss Lukavec bei
Pilsen. Im 18. Jahrhundert gab es an diesen
Höfen eine so genannte „Harmoniemusik", eine
Orchesterbesetzung aus Holz- und Blechbläsern,
die ungefähr um 1770 entstand und besonders
für Freiluftkonzerte oder Tafelmusiken eingesetzt
wurde. Die für eine auf Campanella unter
Best.nr. C130069 erschienene CD von Hansjörg
Schellenberger und dem Haydn Ensemble eingespielten
8 Divertimenti schrieb Haydn für die
Harmoniemusik des Grafen Morzin.
Divertimenti hatte der Hofkapellmeister zur
abendlichen Unterhaltung der Herrschaften
natürlich auch in kleinerer Besetzung zu
schreiben. Das Belvedere-Trio Wien hat zehn
der Baryton-Trios (Lieblingsinstrument des
Fürsten Esterhazy) für die moderne Besetzung
Violine, Viola und Cello adaptiert, eine Bearbeitung,
die übrigens auch Haydn selbst bei
vielen dieser Trios vornahm – wohl, um ihre
Verbreitung zu fördern. Das Baryton war eben
ein zu exotisches Instrument.
16 AUSGABE 2009/1
Überhaupt hat Haydn ja nicht nur Sinfonien
komponiert. Zum Haydn-Jahr 2009 hat BIS eine
Zusammenarbeit mit der Haydn Sinfonietta
Wien begonnen, die vor allem auf die Einspielung
wenig bekannter Werke des Meisters
abzielt, incl. Bühnenmusiken, Konzertarien und
Orchesterwerke. BIS-CD-1796 bringt mit den
Werken für Baryton, hier allerdings in Originalinstrumentierung,
und den acht Notturni für
den König von Neapel, entstanden 1790, sowie
den sechs Scherzandi von 1761 Kompositionen,
die einen weiten Zeitraum abdecken und weithin
unbekannt sind.
Die meisten Konzerte Haydns für Tasteninstrumente
und Orchester scheinen eigentlich
für die Orgel gedacht gewesen zu sein. Allesamt
entstanden sie vor 1784, zu einer Zeit, als
Mozart seine ersten Meisterwerke in diesem
Genre vorlegte. Ob Haydn die Komposition von
Klavierkonzerten aufgab, nachdem er Mozart
gehört und festgestellt hatte, dass er auf diesem
Gebiet mit dem jungen Kollegen nicht konkurrieren
konnte? Auf einer mehrfach ausgezeichneten
Einspielung hat sich Ronald Brautigam
als Spezialist für historische Aufführungspraxis
dieses Genres angenommen. Er musiziert am
Fortepiano auf BIS-CD-1318 zusammen mit
dem Concerto Copenhagen unter der Leitung
von Lars Ulrik Mortensen.
Um 1781 war eine enge Freundschaft zwischen
Haydn und Mozart entstanden, dessen
Werk er schon über Jahre hinweg beeinflusst
hatte. Die zwei Komponisten genossen es, in
Streichquartetten zusammen zu spielen. Haydn
war sehr von Mozarts Werk beeindruckt. Es
ist augenfällig, dass Haydn zu dieser Zeit
großenteils aufhörte, Opern und Konzerte zu
schreiben – zwei der Gattungen, in denen Mozart
am stärksten war. Mozart dagegen arbeitete

CLASS aktuell
Association of Classical Independents in Germany
Joseph Haydns eigenhändiges
„Verzeichnis der Operntextbüchern“
hart daran, sechs Streichquartette zu schreiben,
die mit dem Niveau mithalten konnten, das
Haydn mit seiner kurz davor vollendeten Reihe
op. 33 erreicht hatte; als Mozart damit fertig
war, widmete er die Quartette seinem Freund.
Drei dieser herausragenden Streichquartette
Haydns aus op. 33 hat vor einiger Zeit
das Quatuor Terpsychorde auf historischen
Instrumenten (Darmsaiten) bei Claves eingespielt
(CLA50-2608). Mit diesen Werken schuf
Haydn einen grundlegenden Wandel in Form
und Stil des Streichquartetts. So tritt das
Scherzo an die Stelle des Menuetts, und zwar
meist im zweiten Satz, die Rhythmik ist von
subtilen Kontrasten geprägt, und die breit angelegte
Melodik verhilft einer tiefen Emotionalität
zum Durchbruch. Die thematische Arbeit
ist von bemerkenswerter Intensität; hier kommt
der seit Johann Sebastian Bach verloren geglaubte
„Klangraum“ wieder in seiner ganzen
Fülle zum Tragen.
Später entstandene Quartette aus op. 77
und 103 legt das Edding Quartet auf EtCetera
KTC 1379 vor. Die leidenschaftliche und farbenreiche
Darbietung in historischer Aufführungspraxis
lässt uns fast glauben, dass diese Quartette
Haydns gerade erst komponiert wurden.
Im Jahr 2007 gründeten die beiden Musiker
Paul De Clerck und Ageet Zweistra das Edding
AUSGABE 2009/1 17
Quartet in der Vorstellung, das „klassische
Streichquartett – Repertoire“ auf historisch
korrekten Instrumenten und mit dem den Musikern
ganz eigenen Verständnis von Interpretation
vorzutragen.
Eine Sonderstellung im Schaffen nehmen
„Die Sieben letzten Worte unseres Erlösers am
Kreuze“, eine Passionsmusik für Orchester aus
dem Jahr 1786, die Haydn im Auftrag eines Priesters
für die traditionelle Karfreitagszeremonie
in der kleinen Kapelle Santa Cueva im südspanischen
Càdiz komponiert hatte, bevor er sie
später selbst fürs Streichquartett bearbeitete.
Die Vorgaben für den Hofkapellmeister in
Schloss Esterhazy waren präzise: Sieben Instrumentalsätze
in getragenem Tempo sollten im
Wechsel mit der Lesung und der Deutung der
Christusworte als Meditationsmusik vorgetragen
werden, um den Gläubigen Gelegenheit zur
Andacht zu geben. Für belebende Dynamikwechsel
und andere Kunstgriffe des Komponistenhandwerks
blieb da kein Spielraum.
Zuerst bittet Jesus um Vergebung für seine
Peiniger, dann wendet er sich an die Mitgekreuzigten,
schließlich steht Maria im Mittelpunkt…
Einem Erdbeben gleich, schildert
Haydn im letzten Satz den Tod des Gekreuzigten:
Synkopen, Akzente auf leichten Taktzeichen,
rhythmische Figuren, die sich nicht mehr in
den Dreiertakt einfügen – der Boden gerät ins
Wanken, die Schwerkraft wird aufgehoben, die
Klavierwerke
Klaviertrio 12, 25, 27, 29
Wiener Klaviertrio
MDG 342 1556-2
Die Londoner Sonaten No 60-62
Ludger Rémy / Broadwood Hammerflügel von 1794
Audiomax 704 0251-2
Kammermusik
Streichquartette op. 77 Nr. 1 + 2 / op. 103
Edding Quartet
KTC 1379
Divertimenti für Holzbläser
Haydn Ensemble Berlin
Campanella C 130060
Streichquartette op.33 Nr.1,2,5
Quatuor Terpsycordes
Claves CLA50-2608

Kammermusik
Musik für Fürst Esterházy u. d. König v. Neapel
Haydn Sinfonietta / Manfred Huss, Dirigent
BIS-CD-1796 (6 CDs)
Die sieben letzten Worte des Erlösers am Kreuz
Leipziger Streichquartett
MDG 907 1550-6 (SACD)
Divertimenti Hob. IV: 6-11
Paul Meisen, Flöte / Ernö Sebestyen, Violine
Martin Ostertag, Violoncello
MDG 302 0363-2
Konzerte
Joseph Haydn, Trompetenkonzert Es-Dur,
Sinfonie Nr. 83 „La Poule“
Michael Haydn, Trompeten-Concerti, Serenade
Wolfgang Bauer, Trompete
Württembergisches Kammerorchester Heilbronn,
Ruben Gazarian, Dirigent
MDG 601 1395-2 (CD)
MDG 901 1395-6 (SACD)
Katastrophe ist da. Wie sich das anhört, erfahren
wir auf der brandaktuellen SACD-Einspielung
mit dem wie immer hervorragenden
Leipziger Streichquartett (MDG 907 1550-6)
Das Wiener Publikum sehnte sich nach
hochwertigen Alternativen zum Streichquartett.
Mit seinem e-Moll-Trio (Hob. XV:12) erfüllte
Haydn 1789 noch vor seinen England-Reisen
die Erwartungen voll und ganz. Kaum fertig
gestellt, wurde es ihm von seinen Verlegern
schon förmlich aus den Händen gerissen. Was
kaum einer bemerkte: Den unterhaltsamen
Gesellschaftston früherer Jahre hatte der Komponist
längst hinter sich gelassen. Er schuf ein
außergewöhnlich kontrastreiches und leidenschaftliches
Werk, das deutlich den Einfluss
seiner Sinfonien zeigt.
Angespornt durch die Erfolge seiner Werke
sowie die Erwartungen von Publikum und Verleger,
ließ sich Haydn während der zweiten
England-Reise in den Jahren 1794/95 zusätzlich
von der Pianistin Therese Jansen-Bartolozzi zu
seinen bedeutendsten Trios inspirieren. Die
Tochter eines Aachener Tanzlehrers war für
Haydn damals eine der begabtesten Pianistinnen
überhaupt, hielt er in seinem Londoner Notizbuch
fest. Haydn widmete ihr die beiden Trios
C-Dur und Es-Dur (Hob. XV:27 und 29) und
stand ihr außerdem bei der Hochzeit mit einem
Kunsthändler als Trauzeuge zur Seite.
Das Wiener Klaviertrio lässt mit seiner
exquisiten Aufnahme von vier Klaviertrios aus
der mittleren und späten Schaffensphase aufhorchen,
darunter das äußerst populäre
„Zigeunertrio“ (MDG 342 1556-2) Keine Frage:
Hier finden Wiener Charme und sprichwörtlicher
Haydnscher Witz zu einer zwingenden
und absolut elektrisierenden Wiedergabe.
Klavierwerke
Haydns besonderes Verdienst ist es, zur
Entwicklung der Sonatenform von einem einfachen,
von der „Sonata bipartita“ herkommenden
Formschema zu einer subtilen und
flexiblen musikalischen Ausdrucksform beigetragen
zu haben. Die meisten seiner Werke sind
in dieser so genannten „Sonatenhauptsatzform“
gehalten. Er erfand auch die Sonatenrondoform,
die Variationsform mit zwei Themen, und er war
der erste bedeutende Komponist, der Fuge und
kontrapunktische Elemente in die klassische
Form einbrachte.
Ein zentrales Charakteristikum von Haydns
Musik ist die Entwicklung von größeren Struk-
18 AUSGABE 2009/1
turen aus sehr kleinen und einfachen musikalischen
Motiven heraus. Die Musik ist formal oft
recht konzentriert, und die wichtigen musikalischen
Ereignisse eines Satzes können sich rasch
entfalten.
All dies ist natürlich auch in seinen Klavierwerken
zu beobachten, sehr schön in einer
Interpretation von zehn Klaviersonaten durch
Marc-André Hamelin auf Hyperion (CDA67554).
Hamelin spielt klar und präzise, entwickelt
sehr behutsam und mit kultiviertem Pedal einen
feinen Klang, kehrt ungewöhnliche Harmoniewechsel
mit Genuss hervor und sorgt durch
subtile Phrasierung für hübsche Überraschungen.
Seit Alfred Brendel hat das wohl niemand
besser gemacht.
Wer sich mehr für historische Aufführungspraxis
begeistern kann, der mag sich für zwei
Einspielungen mit den Spezialisten Malcolm
Bilson und Ronald Brautigam interessieren.
Bilson hat für Claves (CLA50-2501) fünf Klaviersonaten
an einem historischen Schanz-Fortepiano
aufgenommen, die ihm ganz besonders
am Herzen liegen. Und Ronald Brautigam, der
„König des historischen Ungeheuers namens
Fortepiano“ (The Times), hat zwischen 1999
und 2004 für BIS das gesamte Werk Haydns für
Klavier solo aufgenommen: die 55 Sonaten, Tänze
und Variationen, Die sieben letzten Worte...
Diese Leistung wurde 2004 mit dem Cannes
Classical Award belohnt. Diese Aufnahmen sind
jetzt als Gesamtausgabe erhältlich (BIS-CD-1731).
Eingespielt wurde auf einem 1992 von Paul
McNulty in Amsterdam fertig gestellten Nachbau
eines Flügels von A. G. Walter (ca. 1795).
Eine ganz andere interpretatorische Welt
betreten wir mit der bei Hungaroton unter
Nr. HDVD 32441 auf DVD Video erschienenen
Liveaufnahme von unterschiedlichen Klavierwerken
durch András Schiff, der in seiner
unnachahmlichen Art auch in die Werke einführt.
Und diese Aufnahme steht auch deshalb
am Ende dieses kleinen Rundgangs durch Neuerscheinungen
mit Werken des Jubilars, weil sie
zusätzlich einen einführenden Film enthält:
„Joseph Haydn und die Familie Esterhazy“.
Es bleibt zu hoffen, dass in diesem Jubiläumsjahr
noch so manche Entdeckung auf
den CD-Markt kommen wird – bei vielleicht
keinem der großen Komponisten der „Wiener
Klassik“ gibt es noch so viel zu entdecken wie
bei Joseph Haydn. A. Rainer

CLASS aktuell
Die HIGH END als Leistungsschau
der Edel-Elektronik für
den besten Ton und das beste Bild
Zum 28. Mal in Folge haben Liebhaber hochwertiger Unterhaltungselektronik
die Gelegenheit, sich auf der HIGH END Messe von den neuesten
Entwicklungen der Branche begeistern zu lassen. Die HIGH END ist
Europas Dreh- und Angelpunkt für Liebhaber des guten Tons und des
perfekten Bildes. Die weltweit führenden Anbieter für hochwertige Unterhaltungselektronik
zeigen auf der HIGH END wieder einmal, was im
Ton- und Bildbereich heutzutage alles möglich ist und in der Regel
durchaus auch erschwinglich bleibt. Freunde feinster Klangqualität und
eines echten Heimkino-Erlebnisses finden auf mehr als 18.000 qm
Ausstellungsfläche das neueste Angebot der Unterhaltungselektronik.
Die HIGH END präsentiert Technik
und Genuss für Auge und Ohr
Auch dieses Jahr werden wieder alle wichtigen Hersteller und Importeure
der hochwertigen Unterhaltungselektronik auf der HIGH END vertreten
sein. Das Themenspektrum reicht vom Analog-Plattenspieler über
HDTV bis zum AV-Receiver mit mobilem MP3-Player-Anschluss. Die HIGH
END kombiniert klassische HiFi-Wiedergabe und moderne Multimediasysteme
miteinander. Neben dem Trend zu hoch auflösenden Bildern wird
das moderne Wohnzimmer immer mehr zum Knotenpunkt für die multimediale
Vernetzung des gesamten Haushalts. Musikserver erobern zwischenzeitlich
das Wohnzimmer der Kunden und dennoch stehen traditionelle
und zukunftsweisende Technologien gleichberechtigt nebeneinander.
Interessierte Besucher können auf der HIGH END die komplette
Bandbreite der Unterhaltungselektronik mit allen Sinnen erfahren: Von
der bewährten Zweikanaltechnologie über Verstärker, Plattenspieler und
High-Tech-Lautsprecher bis zu Festplattenservern, drahtlosen Mulitroom-
Audiosystemen und LCD und Plasmascreens. Eben genau so, wie der
Untertitel es auch schon verspricht: „Der Beste Ton – Das Beste Bild“.
AUSGABE 2009/1 19
HIGH END 2009:
Der Beste Ton – Das Beste Bild
M.O.C. München – Lilienthalallee 40
80939 München-Freimann
Termin: 21. – 24. Mai 2009
Täglich von 10 bis 18 Uhr
Fachbesucher: Do, 21. Mai 2009
Eintritt: Tageskarte 10 Euro
www.highendsociety.de
Umfangreiches Rahmenprogramm
mit Live-Musik
Klangerlebnisse der besonderen Art garantierten nicht nur hochwertige
technische Pretiosen, sondern auch die verschiedenen Live Musik
Darbietungen während der Messe. Ein umfassendes Programm aus
Workshops, Vorträgen, Vorführungen und Livemusik rundet das Messeerlebnis
ab. Auch dieses Jahr bietet die HIGH END dem Messebesucher
wieder ein facettenreiches musikalisches Unterhaltungsprogramm mit
zahlreichen Live-Konzerten.
Audiophile Schätze im „Tonträgerdorf“
Audiophile Schätze fristen in der Musikbranche ein Nischendasein. Bei
der HIGH END können Fans erlesener Tonträger eine große Vielfalt musikalischer
Schätze entdecken und kaufen. Im „Tonträgerdorf“ auf der HIGH
END sind die Hersteller und Importeure erlesener Software positioniert.
Hier gibt es exemplarische Aufnahmen, musikalische Raritäten, Sammlerstücke
und Klangperlen von ca. 130 Labels auf CD, SACD, DVD und Vinyl.

Joseph Haydn
Sinfonien Nr. 1, 96 und 101
und Porträt Roger Norrington
„Dirigent zwischen
Stuttgart und Berkshire“
SWR music /
hänssler CLASSIC
Best.-Nr. 93.904 (DVD)
Er hat sich inzwischen als Markenzeichen
etabliert, der „Stuttgart Sound“. Seit
Roger Norrington im Jahr 1998 das Amt
des Chefdirigenten des Radio Sinfonieorchesters
Stuttgart des SWR übernahm, hat er
beharrlich ein Ziel verfolgt: die Übertragung der
Informationen aus der historischen Aufführungspraxis
auf einen modernen Sinfonieorchesterapparat.
Neben all jenen Anforderungen, die das
Musizieren mit historischen Instrumenten in Bezug
auf Orchesterbesetzung, Sitzordnung, Artikulation,
Bogenführung, Notenlängen, Phrasierung
oder Zeitmaß stellt, steht vor allem die Aneignung
des „Klangs früherer Zeiten“ im Zentrum
von Norringtons Klangideal: jener „reine Ton“,
welcher „der normale Klang eines jeden Orchesters
von Bachs bis hin zu Mahlers Zeiten war“
(Norrington) und auf den im 20. Jahrhundert
das üblich gewordene Dauervibrato folgte.
In der Rückschau scheint Norringtons Weg
hin zum „Stuttgart Sound“ geradezu vorgezeichnet.
Nach dem Studium am Royal College of Music in
London gründete er zunächst mehrere Ensembles,
die sich der historischen Aufführungspraxis verpflichtet
fühlten: 1962 den Schütz Choir und 1968
die London Baroque Players, mit denen er überwiegend
Repertoire des 17. und 18. Jahrhunderts
aufführte. 1978 folgten die London Classical Players,
mit denen er die Aufführungspraxis mit Originalinstrumenten
in der Zeit von 1750 bis 1900 erforschte.
Mit spektakulärem Ergebnis: Auf die vielfach
ausgezeichnete Einspielung mit Beethovens
Sinfonien folgten aufregende Aufnahmen mit Wer-
So jung im Herzen ...
Sir Roger Norrington feiert seinen 75. Geburtstag
ken von Haydn, Mozart, Mendelssohn, Schubert,
Schumann, Brahms, Wagner und Bruckner.
Angesichts dieses Repertoires überrascht es
nicht, dass Norrington seit den 1980er Jahren
(bis heute) auch bei den großen Sinfonieorchestern
in Berlin, Leipzig, Wien, Amsterdam,
Paris, New York, Cleveland, Boston, San Francisco,
Los Angeles, Chicago und vor allem London als
Gastdirigent gefragt ist.
Ab Ende der 1990er Jahre schließlich sollte
es Norrington aber nicht etwa mit einem Klangkörper
aus den Musikmetropolen Europas, sondern
mit dem RSO Stuttgart gelingen, seine Vision
einer historisch informierten Aufführungspraxis
mit einem modernen Sinfonieorchester zu verwirklichen.
Den schlanken, vibratolosen und
farbigen Klang, den Norrington erzielte und der
wegen seiner Einzigartigkeit als „Stuttgart Sound“
bekannt wurde, hat das Label SWR music /
hänssler CLASSIC von Beginn an dokumentiert.
So sind bis heute rund 40 mit viel Kritikerlob
bedachte CD- und DVD-Aufnahmen entstanden,
in deren Zentrum das klassisch-romantische Orchesterrepertoire
steht: von Beethoven, Berlioz,
Schubert, Mendelssohn, Schumann über Brahms,
Bruckner und Tschaikowsky bis hin zu Mahler.
Die „Süddeutsche Zeitung“ hat kürzlich an
den Jubilar, der am 16. März seinen 75. Geburtstag
feiert, einen besonderen musikalischen Wunsch
gerichtet: „Würde Roger Norrington einmal in
Bayreuth antreten, so würden die Wagnerianer
eine kolossale Überraschung erleben.“ Ein Versuch
wäre es allemal wert! Michael Sawall
20 AUSGABE 2009/1
Aktuelle Konzerte:
12. 03. 09 Stuttgart, Liederhalle, Beethovensaal
13. 03. 09 Stuttgart, Liederhalle, Beethovensaal
15. 03. 09 Luxemburg, Philharmonie
16. 03. 09 London, Southbank Centre,
Royal Festival Hall
17. 03. 09 Wien, Konzerthaus, Großer Saal
19. 03. 09 Thessaloniki, Megaron
20. 03. 09 Athen, Megaron
21. 03. 09 Berlin, Philharmonie
09. 05. 09 Schwetzinger Festspiele, Schloss,
Rokokotheater
W. A. Mozart – Essential Symphonies I-VI
SWR music / hänssler CLASSIC
Best.-Nr. 93.230 (6 CDs)
P. I. Tschaikowsky
Sinfonie Nr. 5 in e-Moll op. 64
Suite „Der Nussknacker“ op. 71a
SWR music / hänssler CLASSIC
Best.-Nr. 93.254 (CD)

CLASS aktuell
ich von der Schönheit der einzelnen
Stimmen sprechen, so würde der Bericht
‚‚Wollte
Bände füllen“, schreibt Thomasorganist
Karl Straube 1908 im Abnahmegutachten für die
erweiterte Sauer-Orgel. Die Orgel der Leipziger
Thomaskirche, an dem Straube zahlreiche
Werke Max Regers erstmals spielte, darf als ein
Meisterstück Wilhelm Sauers gelten. Der
renommierte Meister des Orgelbaus hatte das
Instrument 1908 zu einer der größten und bedeutendsten
Orgeln des Landes erweitert – mit
der Berliner Domorgel
auf einem Niveau, von
den klanglichen Möglichkeiten
im Raum der
Thomaskirche gleichwohl
noch begünstigt.
Seit ihrer Einweihung
im Jahr 1889 hatte die
Orgel der Thomaskirche
Fotos: Matthias Knoch Historische
ein bewegtes Schicksal.
Ursprünglich mit 63 Registern
und mechanischer
Traktur erbaut,
wurde sie schon 13 Jahre
später auf das pneumatische
System umgestellt.
1908 erfolgte auf Veranlassung
von Thomasorganist
Karl Straube die
Erweiterung auf ihre
heutige Größe von 88
Stimmen. Nach mehreren
Umbauten unterschiedlicher
Konsequenz ist es
dem heutigen Thomasorganisten
Ullrich Böhme
zu verdanken, dass die
Orgel jetzt wieder im
originalen Zustand von
1908 erklingt. Bereits
1987 entwickelte er den
Wunsch, das historische
Die Sauer-Orgel der Thomaskirche zu Leipzig
Werke von Marcel Dupré, César Franck,
Eugène Gigout, Franz Liszt und Max Reger
Thomasorganist Ullrich Böhme
ROP6017 / Super-Audio-CD
Orgel in
neuer Schönheit
Thomasorganist Ullrich Böhme spielt restaurierte
Sauer-Orgel der Leipziger Thomaskirche
Auch im Detail liebevoll restauriert:
die Register und freie Kombinationen
Zum ersten Mal auf CD: Die Sauer-Orgel
erklingt wieder in der originalen
Klangpracht wie vor 100 Jahren.
AUSGABE 2009/1 21
Instrument denkmalgerecht zu restaurieren und
in ihren originalen Zustand zurückzuführen.
Damals absolutes Neuland: Nie zuvor war ein
großes spätromantisches Orgelwerk mit pneumatischer
Traktur restauriert worden. Die aufwändigen
Arbeiten durch die Orgelwerkstatt
Christian Scheffler aus Sieversdorf sollten erst
2005 beendet sein. Zahlreiche Restaurierungen
in Deutschland orientieren sich seit 1988 an
dem Leipziger Konzept, darunter die der
Sauer-Orgeln des Berliner und des Bremer
Doms, der Erlöserkirche
Bad Homburg oder der
Mühlhausener Marienkirche.
Für seine Vorstellung
der detailgenau rekonstruierten
Sauer-Orgel hat
Böhme drei Werke von
Marcel Dupré, César
Franck und Eugène
Gigout ausgewählt, die
die dezent französischen
Anflüge des Instruments
charakteristisch zur Wirkung
bringen. Mit Max
Regers Fantasie und Fuge
d-Moll op. 135 b erklingt
ein Werk, das aufs Engste
mit der Orgel der
Thomaskirche und ihrem
Organisten Karl Straube
verbunden ist. Auch Franz
Liszts großes Variationswerk
in f-Moll über Weinen,
Klagen, Sorgen, Zagen
hat eine besondere
Beziehung zur Thomaskirche:
Es setzt sich mit
einer Kantate auseinander,
die Johann Sebastian
Bach hier aufgeführt hat.
Teres Feiertag

Noch Fragen?
Beethoven und Mendelssohn im Dialog mit Peter Gülke
und dem Beethoven Quartett
finden Sie alles, was Sie über die
Kunst der Fuge wissen, hören und
sehen wollten und nicht zu fragen
‚‚Hier
wagten.“ Diese Aussage könnte über
der Debut-Einspielung des Beethoven Quartetts
gestanden haben, das mit einer klug disponierten
Zusammenstellung zum B-A-C-H-Motiv mit
Werken von Bach, Beethoven und Krenek aufhorchen
ließ. Das 2006 von Mitgliedern des ehemaligen
Sonare Quartetts gegründete Beethoven
Quartett hat sich zum Ziel gesetzt, Konzertzyklen
zu präsentieren, die Musikgeschichte erfahrbar
machen. Die Konzeption umfasst nicht nur die
Foto: © Ute Schendel
Beethoven Quartett mit Jacek Klimkiewicz, Angela
Schwartz, Hideko Kobayashi und Laurentius Bonitz
programmatische Gestaltung der Zyklen, sondern
bezieht auf raffinierte Weise auch das Medium
Film in einer DVD mit ein, die auf außergewöhnliche
Weise mit der filmischen Umsetzung
durch den Regisseur Jan Schmidt-Garre
(„Bruckners Entscheidung“, „Celibidache“) zur
Erläuterung des Konzeptes beiträgt.
Doch was verbindet op. 132 mit dem frühen
Mendelssohn op. 13? Beethovens Quartett a-Moll
op. 132 trägt die Umstände seiner Entstehung in
den Satzbezeichnungen: Im Zentrum des Werkes
steht der „Heilige Dankgesang eines Genesenden
an die Gottheit“ überschriebene langsame Satz.
In der Tat war Beethoven während der Komposition
1825 ernsthaft erkrankt, konnte dann
aber die angefangene Arbeit vollenden. Trotz
des Titels und des Gebrauchs von Choralsatz
und Kirchentonart ist das Quartett keine Programmmusik
im engeren Sinne sondern absolute
Musik. Und schon der Beginn markiert ein
leicht als Ableitung von B-A-C-H zu erkennendes
Motiv, das dann in immer neuen Umschreibungen
nicht nur als Motto und Keimzelle des gesamten
Quartetts gesehen werden kann.
Mendelssohn schrieb sein jugendliches
Meisterwerk 1827 im Alter von nur 18 Jahren
nach dem Studium dieser gerade im Druck erschienenen
späten Streichquartette Beethovens.
Beethovens Werke
als Gipfel der bislang
erreichten Kunst des
Streichquartetts beeindruckten
den jungen
Mendelssohn, forderten
ihn aber gleichzeitig
zur eigenen
schöpferischen Auseinandersetzung
mit
der Gattung heraus.
Noch im Todesjahr
Aktuelle Konzerte:
Beethoven Quartett
29. 04. 2009 Zürich
30. 04. 2009 Hasliberg-Goldern
02. 05. 2009 Schloss Heiligenberg
03. 05. 2009 Köln
05. 05. 2009 Duisburg
10. 05. 2009 Bonn
27. 05. 2009 Frankfurt/Main
11. 06. 2009 Basel
Weitere Informationen:
www.beethovenquartett.de
Beethovens gelang Mendelssohn mit op. 13 ein
Werk voller Anspielungen, das nicht nur in der
Bauart der Sätze, sondern auch an einzelnen
Stellen überdeutlich Bezug auf Beethovens
op. 132 nimmt, wenn etwa am Ende des Adagios
in der hohen Lage die Beethovensche „Heilige
Danksagung“ anklingt.
22 AUSGABE 2009/1
Auf der Basis des großen Vorbilds Beethoven
vollbringt Mendelssohn gleichzeitig einen wahren
Geniestreich: Nicht mehr bis in einzelne Bestandteile
quasi atomisierte Motive Beethovens
bestimmen sein Quartett: Es ist – ganz im Sinne
der Romantik – ein „Gefühl“, das in Form des
schlichten Klavierliedes „Ist es wahr?“ das ganze
Werk durchzieht und es gleichsam umklammert:
„Du wirst es im ersten und letzten Stücke mit
seinen Noten, in allen vier Stücken mit seiner
Empfindung sprechen hören.“
Mit dem Lied als Inspiration und Grundlage
wird das Quartett op. 13 somit zu einem großen
„Lied ohne Worte“, zu einem Experiment auf
dem Weg hin zu Mendelssohns ganz eigener
lyrischer Form, die die Grenzen von absoluter
und programmatischer Musik verwischt.
Die Aufnahme ist im exzellenten 222- SACD-
Mehrkanalformat erschienen, und das Beethoven
Quartett vermag technisch und musikalisch zu
überzeugen. Und wer es genau wissen will, findet
in Peter Gülkes ebenso klug wie eloquent vorgetragenen
Anmerkungen und passenden Klangbeispielen
auf der beiliegenden DVD Antworten
auch auf alle Fragen, die man sich nie zu fragen
traute. Es bleibt die Empfehlung: Ansehen und
Anhören. Unbedingt! Cordelia Berggötz
Ab 15. 04. 09 erhältlich:
Ludwig v. Beethoven:
Streichquartett op. 132
Felix Mendelssohn Bartholdy:
Streichquartett op. 13
BeethovenQuartett
audiomax 946 1573-6 / Hybrid-SACD + DVD
J. S. Bach: Contrapunctus XVIII
Ludwig v. Beethoven: Streichquartett op. 131
Ernst Krenek: Streichquartett No 1 op. 6
BeethovenQuartett
audiomax 946 1517-6 / Hybrid-SACD + DVD

CLASS aktuell
Happy Birthday, Chandos Records –
alles Gute zum 30. Geburtstag!
Brian Couzens war, als er sich im Mai
1979 mit seiner eigenen Schallplattenfirma
selbständig machte, in der
Branche schon ein alter Hase. Er
hatte für EMI und RCA als Produzent und Toningenieur
gearbeitet und kannte sich sogar mit
der künstlerischen Seite des Geschäfts aus: Er
hatte als Arrangeur mit dem Komponisten Ron
Goodwin zusammengearbeitet („Die tollkühnen
Männer in ihren fliegenden Kisten“ und „Agenten
sterben einsam“ gehören zu den mehr als 30
Filmmusiken, an denen er beteiligt war) und
hatte auch selbst komponiert.
Das junge Unternehmen Chandos hatte einen
guten Start – bald schon brauchte Brian Couzens
Unterstützung und erhielt sie von
seinem Sohn Ralph. Gemeinsam
lenkten sie den Familienbetrieb zu
den neuen Horizonten der 80er
Jahre: Chandos gehörte zu den
Pionieren von CD und Digitaltechnik.
Von Anfang an setzte die
Firma auf seltenes, bisher vernachlässigtes
Repertoire und traf
damit den Nerv des Publikums.
So schlug beispielsweise die Aufnahme
von zwei Klavierkonzerten des Beethoven-
Zeitgenossen Johann Nepomuk Hummel mit dem
Pianisten Stephen Hough in Deutschland ein wie
eine Bombe: Nach einer hymnischen Besprechung
in der FAZ war die Nachfrage kaum zu
befriedigen. Mit einer 30 CDs umfassenden Jubiläumsbox
feiert Chandos jetzt seine 30-jährige
Erfolgsgeschichte in der ganzen Breite des seither
aufgenommenen Programms: Künstler wie
der kürzlich verstorbene Richard Hickox, Neeme
Järvi, Bryden Thomson, Mathias Bamert und viele
andere haben Musik englischer Komponisten wie
Walton und Bax, von Mozart-Zeitgenossen wie
Vanhal oder Werke von Schostakowitsch und
Respighi (um nur wenige Beispiele zu nennen) in
die Sammlungen der Musikliebhaber gebracht.
„Wenn ich die letzten dreißig Jahre zurückblicke,
erinnere ich mich an die harte Arbeit,
besonders in den frühen Tagen, als Ralph und ich
alles machten. Ich hatte die Gelegenheit mit wunderbaren
Künstlern zu arbeiten und ich denke,
”serious about classical music“ – dieses Motto ist Teil des Firmenlogos auf dem
Briefpapier von Chandos Records. Und ernst mit der Musik meinte die Firma es
von Anfang an, ist sie doch 1979 gegründet worden, kurz bevor der neue Tonträger
CD die Klassikbranche aus einer ihrer vielen Umsatzkrisen erlöste. Brian Couzens,
der Gründervater von Chandos, setzt bis heute auf die Musikliebhaber als treue
Kunden und auf stabile Partnerschaften zwischen sich und seinen Künstlern.
wir haben einige gute Einspielungen gemacht.
Meine Philosophie war immer, schöne Aufnahmen
zu produzieren, die die Leute hören wollten.
Ich habe den Fortschritt von der LP und MC zur
CD und DAT und weiter zum Musikdownload
gesehen und es ist heute schon eine ganz andere
Welt verglichen mit damals, als ich anfing Schallplatten
zu machen. Ich bin stolz auf Chandos und
alles, was wir in diesen dreißig Jahren erreicht
haben: die Preise, die Kritiken, die Verkäufe, doch
vor allem auf die Aufnahmen selbst. Ich hoffe,
Ralph wird diese Flamme noch viele Jahre weiter
tragen.“ So lautet das Resümee von Brian Couzens,
dem Gründer von Chandos Records.
Heute leitet Ralph Couzens das Unternehmen
als Managing Director. „Wenn man ganz von
unten beginnt wie ich, dann lernt man eine Menge
über die Industrie und wie es da läuft. Ich habe
acht Jahre lang Aufnahmegeräte hin- und hergeschleppt,
beobachtet und den Künstlern und dem
Klang zugehört. So ist, angefangen bei meinem
AUSGABE 2009/1 23
Firmeninhaber Brian und Ralph Couzens am Mischpult
und im Gespräch mit dem Dirigenten Charles Mackerras
Vater, der „Chandos-Sound“, wie er manchmal
genannt wird, entstanden. Und bis heute, dreißig
Jahre lang, hat dieser Sound allen Anforderungen
der Zeit standgehalten und wird nach wie vor
respektiert. Wir brauchen natürlich gute Künstler
für diesen Sound; alles, was wir tun, ist, ihn so
natürlich wie möglich einzufangen. Wir haben
großes Glück mit den Künstlern gehabt, die wir
davon überzeugen konnten, mit uns aufzunehmen.
Ich möchte ihnen allen heute für ihre Treue
und Hilfe über all diese Jahre danken.
In dreißig Jahren ist manches sehr anders
geworden – aber eins hat sich erfreulicherweise
nicht verändert: Es gibt immer noch ein Publikum
für die Klassik mit Appetit auf neues Repertoire
und Qualitätsaufnahmen. Und da wir die Klassikliebhaber
immer noch haben, werden wir weiterhin
gute Originaleinspielungen von gelegentlich
vernachlässigtem Repertoire machen und dabei
immer die Qualität im Auge behalten. Die Flamme
strahlt so hell wie eh und je!“ Detmar Huchting

Im Blickpunkt
Kammermusik
Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Kantaten und Triosonaten
Sonaten HWV 386a, 388, 390a
Pensieri notturni di Filli HWV 134
Agrippina condotta a morire
HWV 110
Johanna Koslowsky, Sopran
Musica Alta Ripa
MDG 309 0399-2
Mit einem erfrischenden Programm
erweist „Musica Alta Ripa“ dem großen
Georg Friedrich Händel seine Reverenz
zum 250. Todestag. Johanna Koslowsky
vermag ihre Stimme höchst elegant und
biegsam zu führen. Mit einem glasklaren
Timbre tritt sie in engen Dialog mit dem
auf historischen Instrumenten musizierenden
Ensemble, das einst mit dieser
Aufnahme sein Debut bei MDG feierte.
Für den jungen Händel boten die vier
Jahre in Italien eine einmalige Inspiration:
Auf Einladung der Medici besuchte er
zuerst Florenz, dann reiste er nach Rom.
Hier lernte er die Scarlattis kennen, hier
traf er sich mit Corelli, und hier durfte er
seine Kompositionen den literarisch-musikalischen
Zirkeln der Stadt präsentieren.
Für dieses Umfeld sind die beiden Kantaten
dieser Aufnahme entstanden. Sie
spiegeln einerseits die Mystik der schlafenden
Phyllis wider und erweisen andererseits
der antiken Historie Roms eine
gelungene Reverenz.
Rollenspiel
Der Blockflöte kommt bei dieser Einspielung
eine bedeutsame Rolle zu: In der
c-Moll-Sonate (HWV 386a) übernimmt
dieses heute oftmals gering geschätzte
Instrument die erste Stimme und tritt in
der Kantate „Pensieri notturni di Filli: Nel
dolce del’oblio“ in ein reizvolles Duett
mit der Sopranstimme.
Musica Alta Ripa pflegt seit 25 Jahren
ein ausgefeiltes Barockmusik-Repertoire.
Erstklassige Instrumentalisten, intelligent
und musikalisch in jeder Beziehung, präsentieren
sie die Werke mit lebendigen
Tempi und faszinierender Spiellaune.
Decacorde
Pekka Jalkanen:
Präludi, Fantasia, Nokturni
John Dowland:
Lacrimae Pavan, A Fancy
J. S. Bach: 3. Lautensuite
Mari Mäntylä, zehnsaitige Gitarre
ABCD 261 / Alba
6417513102611
Die Decacorde ist eine Kreuzung
zwischen Laute und moderner Gitarre –
sowohl den Klang wie auch die Geschichte
des Instruments betreffend. Die
Bezeichnung „Decacorde“ geht auf den
französischen Hofmusiker Louis-Gabriel
Besson zurück. Ein ganz besonderer
Experte für dieses Instrument war der italienische
Gitarrist und Komponist Ferdinando
Carulli. Die moderne Decadorde
wurde in den 1960er Jahren von dem
berühmten Gitarristen Narcisco Yepes
und dem Gitarrenbauer Ramirez zu ihrer
jetzigen Form entwickelt.
Von besonderem
klanglichem Reiz
Mit ihrem dunklen, lautenartigen und
kräftigen Ton ist die Decacorde oft besser
zur Wiedergabe von Renaissance- und
Barockmusik geeignet als die moderne
Gitarre, vor allem deshalb, weil die Bassnoten
tatsächlich so gespielt werden können,
wie sie notiert sind. Wobei Mari
Mäntylä auf ihrer Einspielung beweist,
dass durchaus auch zeitgenössische
Musik sich sehr reizvoll mit dem Sound
der Decacorde verbinden kann. Eigentlich
schade, dass nicht viel mehr Gitarristen
auf dieses schöne Instrument
zurückgreifen.
24 AUSGABE 2009/1
Franz Schubert
Forellenquintett
Variationen auf Trockne Blumen
Klaviertrios in Es-Dur
Martin Helmchen, Christian Tetzlaff,
Antoine Tamestit, Marie-Elisabeth
Hecker, Alois Posch, Aldo Baerten
PTC 5186334 / Pentatone
An Pianistennachwuchs gibt es keinen
Mangel. Es vergeht kaum ein Jahr, in dem
nicht eines der führenden Plattenlabels
einen neuen Jungstar aus dem Hut zaubert.
Ihr Haltbarkeitswert ist gleichwohl unterschiedlich:
Da sind jene, die mit viel Marketingaufwand
gepusht, bereits nach ein
oder zwei Aufnahmen wieder im Nichts
verschwinden. Andere hingegen kommen
auf eher leisen Sohlen daher und haben
das Zeug zu einer länger währenden Karriere.
Zu letzteren zählt ohne Zweifel der
junge Berliner Pianist Martin Helmchen.
Mit seinem hochvirtuosen und zugleich
unprätentiösen Stil hat sich Helmchen in
wenigen Jahren in der internationalen
Musikszene einen hervorragenden Ruf
erarbeiten können. Ein schöner Beleg
dafür ist eine Konzertreihe in seiner Heimatstadt:
Das Konzerthaus Berlin ernannte
den gerademal 26-Jährigen in der
Spielzeit 2008/2009 zum „Artist in Residence“
und übertrug ihm die Gestaltung
einer eigenen Reihe mit insgesamt elf
Konzerten: mit dem Konzerthausorchester
unter Lothar Zagrosek, mit Kammermusikern
des Orchesters und als Solist.
Seit 2007 ist Martin Helmchen Exklusiv-Künstler
von PentaTone. Nach hoch
gelobten Aufnahmen mit Klavierkonzerten
Mozarts und Solo-Werken von Schubert
präsentiert er sich auf seiner neuesten CD
als Kammermusiker und interpretiert in
verschiedensten Besetzungen Werke von
Schubert. Trotz seiner jungen Jahre kann
Helmchen bereits auf reichlich Erfahrung
als Kammermusikpartner zurückblicken:
Er spielte auf allen namhaften Festivals für
Kammermusik, mit Partnern wie Boris
Pergamentschikow, Tabea Zimmermann,
Christian Tetzlaff und vielen anderen.
Agostino Steffani (1654-1728)
Sonate da Camera
Quartetto Erasmus
Isidoro Taccagni, Cembalo
CON 2038 / Concerto
8012665203827 / Ersteinspielung
Steffanis Kammersonaten wurden
Anfang des 18. Jahrhunderts in Holland
von Estienne Roger veröffentlicht. Obwohl
die Werke gattungstechnisch gesehen
„Instrumentalmusik“ darstellen, enthalten
sie doch vokal gedachte Elemente.
Dies ist nicht verwunderlich, denn alle
sechs Sonaten beziehen sich auf Opern
aus Steffanis Feder. Viele Sätze sind sogar
direkt den Opern entnommen, andere
entstammen Balletten, die zwar bei Aufführungen
der Opern gespielt wurden,
aber von Steffani nicht notiert wurden.
Große
Musik für kleine
Besetzung
Gattungstechnisch handelt es sich um
typische barocke Triosonaten für zwei
Violinen, Viola und Basso continuo
(d.h. Cello und Cembalo). Doch gibt
der Komponist häufig Hinweise auf die
Verwendung von Blasinstrumenten wie
Oboe und Fagott; im Barock war eine
spezifische Zuweisung von Musik zu
einem Instrument eher untypisch. Wie
kein anderer hat Steffani, lange Zeit
Kapellmeister in Stuttgart, sich um die
Verbreitung des venezianischen Geschmacks
in Europa verdient gemacht.
Ohne jede Frage war er einer der ganz
bedeutenden italienischen Komponisten
des 17. und 18. Jahrhunderts. Großen
Einfluss hatte er auf einen der Jubilare
dieses Jahres, Georg Friedrich Händel.
Dieser hatte von ihm 1710 den Posten
des Chor- und Musikdirektors am Hannoveraner
Hof übernommen.

CLASS aktuell
Kammermusik
Ottorino Respighi
Sämtliche Werke
für Violine und Klavier;
Vol. 3: Bearbeitungen barocker,
italienischer Violinsonaten
Ilona Then-Bergh, Violine
Michael Schäfer, Klavier
GEN 89116 / GENUIN
Reihe Un!erhört
Aller guten Dinge sind drei – Then-
Bergh und Schäfer vollenden Respighi-
Zyklus bei GENUIN
Höchstpunktzahl für den Repertoirewert
verdient nicht nur diese neue CD mit
Werken von Ottorino Respighi für Violine
und Klavier, sondern die komplette Reihe,
die hier einen Abschluss findet. Mit den
drei Tonträgern haben die Geigerin Ilona
Then-Bergh und der Pianist Michael
Schäfer eine geradezu unerhörte Repertoirelücke
geschlossen: Nun liegt (endlich)
das Gesamtwerk des großen italienischen
Komponisten für diese Besetzung
vor. In der Öffentlichkeit ist Respighi
hauptsächlich für seine Mittelmeerluft
atmenden, explosiven und hochemotionalen
symphonischen Dichtungen bekannt,
mit denen er seine Zuhörer in seine Heimat
entführt: Die Pinien von Rom, Römische
Feste, Römische Brunnen...
Der Kammermusikliebhaber kann sich
nun auf die großen Gefühle Respighis im
kammermusikalischen Format freuen, auf
französischen Grand Salon – made in
Italy – und auf vollblütige Novecento-
Adaptionen alter italienischer Meister.
In den beiden Münchner Künstlern hat
das aufstrebende Leipziger Label GENUIN
berufene Anwälte für die ungemein farbige
und anspruchsvolle Musik Respighis
gefunden, die mit Detailgenauigkeit und
Weitblick zu Werke gehen. Es bleibt
jedem Hörer selbst überlassen, ob er den
großen, spätromantischen Sonaten oder
den liebevollen Barock-Bearbeitungen
Respighis den Vorzug gibt. Hörenswert
sind sie alle!
Théodore Dubois (1837-1924)
Remember – Werke
für Violine und Klavier
Stépanie-Marie Degand, Violine
Laurent Martin, Klavier
LID 030219709 / Ligia Digital
3487549901970
Dubois? Noch vor 15 Jahren galten als
Vertreter der französischen Romantik
nahezu ausschließlich Berlioz, Gounod
und Massenet. Erst allmählich gerieten
andere Komponisten wieder ins Rampenlicht,
wie Guiraud, Rabaud, Pierné und
eben Dubois. Théodore Dubois studierte
am Pariser Conservatoire bei Antoine
François Marmontel, François Bazin,
François Benoist und Ambroise Thomas.
Er war 1861 Rompreisträger, ab 1855
Organist des Invalidendomes und wurde
1859 Chordirigent an Sainte-Clotilde,
während dort César Franck die große
Orgel spielte. 1877 bis 1896 wirkte er als
Organist an der Madeleine. Seit 1871 war
er Harmonielehrer, seit 1896 Direktor
des Conservatoire. Dubois schuf großartige
Werke im romantischen Sinn, die
dabei doch erstaunlich modern wirken.
Spätromantik
entdeckt Moderne
Seine Neigung zu Dissonanzen und
Betonung des Rhythmischen teilt er mit
seinem deutschen Kollegen Max Bruch in
diesen hier vorgestellten Werken, die um
1915 entstanden. Eine wichtige Wiederentdeckung
französischer Spätromantik.
Franz Schubert
Quintett A-Dur „Die Forelle”
D 667 op. 114
Robert Schumann
Klavierquintett Es-Dur op. 44
Carmina Quartett
Kyoko Tabe – Petru Iuga
SM 133 / Solo Musica
Diese Einspielung konnte in 2008
bereits den „Record Academy Award of
Japan”, vergleichbar mit dem amerikanischen
Grammy, in der Kategorie Kammermusik
gewinnen.
Das Jahr 1842 gilt als das „kammermusikalische
Jahr“ Schumanns. Gemeinsam
mit seiner Frau Clara studiert Schumann
Streichquartett-Partituren von
Mozart und Haydn am Klavier. Er fühlte
sich aber damals noch nicht fähig, durch
eigene Werke Ebenbürtiges zu schreiben.
Einmal begonnen, arbeitete Schumann
unermüdlich und vollendete zwischen
dem 2. Juni und dem 22. Juli die drei
Streichquartette op. 41. Die daraus
gewonnene Erfahrung im Umgang mit den
Streichinstrumenten, bewog ihn dazu im
September dem Streichquartett sein ihm
so vertrautes Instrument, das Klavier, an
die Seite zu stellen. Damit begab er sich
auf kompositorisches Neuland. Kein
bedeutender Komponist zuvor hatte sich
an dieser Kombination versucht. Bei dem
zweiten Werk dieser Einspielung, Schuberts
Forellenquintett, steht das Melodische
ganz im Zentrum. Weit weniger aufgewühlt
als die beiden anderen, mit Liedkompositionen
Schuberts verbundenen
Werke, die „Wanderer-Phantasie“ C-Dur
für Klavier und das d-Moll-Streichquartett
„Der Tod und das Mädchen“, widerspiegelt
es eine der heitersten Zeitspannen
Franz Schuberts. Es ist voll von wunderbarer
Musizierlust und Heiterkeit, ohne je
an Ernsthaftigkeit zu verlieren.
Die „Financial Times“ reihte die Formation
als eine der führenden Streichquartette
dieser Zeit ein. Das Quartett
erhielt viele renommierten Auszeichnungen
für seine CD-Einspielungen.
AUSGABE 2009/1 25
Joseph Wölfl (1773-1812)
Streichquartett in C-Dur
(Op. 30 Nr. 2)
Streichquartett in D-Dur
(Op. 30 Nr. 3)
Streichquartett in Es-Dur
(Op. 30 Nr. 1)
Pratum Integrum Orchestra Soloists
CM 0032006 / Caro Mitis
(SACD hybrid) / 4607062130308
Wölfl, einst populärer Komponist und
Pianist, stammte aus Salzburg. In seiner
Vaterstadt wurde er von Leopold Mozart
und Michael Haydn ausgebildet. Mit
Beethoven lieferte er sich in Wien zur
Freude des Publikums lebhafte Zweikämpfe
als Pianist, als Komponist beherrschte
er meisterhaft alle Genres und
tat sich durch die Vielfalt seiner Stilistik
hervor. Eine Europatournee führte ihn
1801 nach Paris, wo er gleich mehrere
Jahre lang als gefeierter Pianist blieb (er
wurde als „aufregendster Pianist Europas“
bezeichnet).
Werke eines Überfliegers
Nach nicht näher geklärten „Unregelmäßigkeiten“
musste er 1805 Paris überstürzt
verlassen; sein weiterer Lebensweg
bleibt im Dunkeln. Schließlich landete er
in London, wo seine Karriere allerdings
nicht mehr sehr erfolgreich verlief. Er
starb unerwartet mit nur 39 Jahren im
denkwürdigen Jahr 1812, das die Alte
Welt erschütterte und als Scheidepunkt
der Epochen angesehen wird – als ob er
es vorgezogen hätte, im 18. Jahrhundert
zu bleiben. Von seinen 18 Streichquartetten
wurden für diese SACD drei frische,
originelle Werke aus dem Jahr 1805 ausgewählt.

Im Blickpunkt
Kammermusik
Conlon Nancarrow (1912-1997)
Ausgewählte Studien arrangiert für
Bläserquintett von Raaf Hekkema
Calefax Reed Quintet
Ivo Janssen, Klavier
MDG 619 1548-2
Das Player Piano lebt! Diesmal in einem
Arrangement für Bläserquintett und Klavier:
Conlon Nancarrow komponierte Mitte des
20. Jahrhunderts fast immer für die Rolle,
weil er glaubte, kein Mensch könne seine
Musik je live spielen. Das niederländische
Ensemble Calefax belehrt den US-Amerikaner
mit einer Aufnahme von 14 seiner
„Studies“ postum eines Besseren: Niemals
zuvor haben die musikalischen Experimente
Nancarrows so geklungen wie in
dieser Version des Saxophonisten Raaf
Hekkema. Versprochen!
Rollentausch
Conlon Nancarrow stanzte seine Werke
eigenhändig ins Papier. Ein Notenblatt
haben seine Studies nie gesehen, bevor sie
erstmals auf dem Pianola erklangen. Die
aktuelle Calefax-Einspielung haben wir dem
niederländischen Hornisten und Musikmanager
Jan Wolff zu verdanken, einem
glühenden Verehrer von Nancarrows Musik.
Nach erfolgreicher Premiere im Beisein
des Komponisten war der Damm gebrochen
und Calefax arrangierte in der
Folge ein gutes Dutzend Player-Piano-Werke
von Nancarrow für Bläserquintett und
Klavier, die erst vor kurzem bei Wolffs Abschiedsfeier
als Muziekgebouw-Direktor
in Amsterdam (ur)aufgeführt wurden.
Das Rohrblatt-Quintett Calefax ist auf
allen Bühnen dieser Welt zu Hause. In
mehr als 600 Konzerten haben die Musiker
mit viel Humor und Erfolg ihr breites
und garantiert immer spezielles Repertoire
präsentiert, wobei sie sich auf keine
etablierte Rolle festlegen: Man präsentiert
Alte Musik bis zu den Klassikern ebenso
ungebremst, wie Jazz und zeitgenössische
Kompositionen in Original und bisweilen
aberwitzigsten Arrangements. Hochvirtuos
und immer feinst geblasen …
Streichinstrumente
Elgar, Ravel, Sibelius,
Vaughan Williams u.a.
Homage
Ehrung von 12 Meisterexemplaren
der Geigenbaukunst
James Ehnes, Eduard Laurel
ONYX 4038
Auf seiner neuesten CD „Homage“ erweist
der Geiger James Ehnes, Grammyund
Gramophone Award Gewinner im Jahr
2008, den berühmtesten Geigenbauern der
Welt seine Referenz. Im Mittelpunkt dieses
außergewöhnlichen Projektes stehen insgesamt
12 der bedeutendsten jemals hergestellten
Violinen und Violas. Die wertvollen
Exemplare von Stradivari, Guarneri,
da Salò und Guadagnini stammen ohne Ausnahme
aus der Fulton Collection, der wichtigsten
Privatsammlung der Welt. So konnte
man beispielsweise noch nie Stradivaris
La Pucelle bisher in einer Aufnahme
hören und Guarneris Lord Wilton war das
letze Instrument von Yehudi Menuhin.
James Ehnes präsentiert eine sorgfältig
zusammen gestellte Auswahl von 21 Musikstücken
und zeigt an ihnen die Charakteristika
und Vorzüge des jeweils verwendeten
Instruments. Abgerundet wird das
Programm durch zwei Bonus-Tracks, auf
denen jedes Instrument mit dem gleichen
Ausschnitt aus einem Stück zu hören ist.
Eine wunderbare Gelegenheit, die klanglichen
Qualitäten der einzelnen Instrumente
miteinander zu vergleichen.
Die beigefügte DVD beinhaltet die
vollständige Aufführung der Werke sowie
Interviews, in denen mehr über die
Instrumente selbst, die Wichtigkeit des
Bogens, Ehnes’ Beziehung zur Fulton
Collection und über die Vorbereitungen
zur Aufnahme zu erfahren ist. Von der
DVD sagt Ehnes selber, dass sie für jeden
Liebhaber großartiger Instrumente
sehens- und natürlich auch hörenswert
ist. David Fulton berichtet über seine Leidenschaft
diese Seltenheiten zu sammeln
und warum er seine Kostbarkeiten James
Ehnes anvertraut und dass er ihn mit
David Oistrach vergleicht.
26 AUSGABE 2009/1
Johann Sebastian Bach
6 Sonaten & Partiten
Viktoria Mullova
ONYX 4040
Als „Eiskönigin“ wurde sie schon bezeichnet
– die russische Geigerin Viktoria
Mullova, deren Spiel so gar nicht russisch
anmutet. Seit einigen Jahren beschäftigt sie
sich intensiv mit Barockmusik, hat zuletzt
mit Ottavio Dantone Bach-Sonaten und
mit Il Giardino Armonico unter Giovanni
Antonini Vivaldi-Konzerte eingespielt.
Viktoria Mullova ist es hier auf beeindruckende
Weise gelungen, ihre ausgereifte
Technik, die sie auf der modernen
Geige besitzt, auf ihr barockes Spiel zu
übertragen. Wie selbstverständlich spielt sie
ihre mit Darmsaiten bespannte Guadagnini
(1750) mit einem barocken Bogen.
Barockmusik ganz ohne Vibrato zu
spielen, lehnt Mullova dagegen strikt ab:
Sie setzt das Vibrato sehr gezielt ein, differenziert
es in seiner Art, in seiner Schnelligkeit
und Weite. Der Kritik entgegnet sie
selbstbewusst: „Man kann so viele unterschiedliche
Sachen machen mit verschiedenen
Vibratos. Und es gab eine Zeit, da
hat man jede Note mit viel Vibrato
gespielt, dann gab es eine Phase, wo man
Vibrato nur als Farbe nutzte. Es stimmt
einfach nicht, dass man Barockmusik
ohne Vibrato womöglich schief spielt. Das
war immer das, was die modernen Musiker
über authentisches Spiel gesagt haben.“
Nach ihrer Aufnahme von drei Partiten
Anfang der 1990er Jahre auf einer
modernen Geige für Philips präsentiert
Viktoria Mullova nun für Onyx eine Gesamtaufnahme
sämtlicher Sonaten und
Partiten Bachs auf zwei CDs. Mullovas
Spiel überzeugt einmal mehr durch einen
schlanken Klang mit sparsamem, klug
eingesetztem Vibrato und einen differenzierten,
beweglichen Ton ohne jede
Schwere.
Ligeti, Bloch, Britten
Solosonaten
Walton Cello Konzert
Pieter Wispelwey
Jeffrey Tate, Sydney Symphony
ONYX 4042
Neben der außergewöhnlichen technischen
Meisterschaft seines Cellospiels ist
es vor allem sein persönlicher und unverkennbarer
Interpretationsansatz, der ihn
auszeichnet. Darüber hinaus ist Wispelwey
einer der ganz wenigen Cellisten seiner
Generation, der sich sowohl der historischen
Aufführungspraxis als auch der
Interpretation der jüngsten Celloliteratur
widmet. So reicht denn sein Repertoire
dementsprechend auch von Johann
Sebastian Bach bis hin zu Elliott Carter.
Knapp 20 CDs hat Wispelwey seit
Anfang der 1990er Jahre für das holländische
Label Channel aufgenommen und
dafür viel Kritikerlob und höchste Auszeichnungen
(Diapason d’or, Gramophones
Editor’s Choice usw.) geerntet. Die
vorliegende Aufnahme nun markiert den
Beginn einer längerfristig angelegten
Zusammenarbeit von Wispelwey mit dem
Label Onyx. Im Mittelpunkt steht das Cellokonzert
von William Walton, das Wispelwey
auf seinem Guadagnini-Cello
(1760) spielt. Werke für Cello solo von
Bloch, Britten und Ligeti, für die Wispelwey
auf ein Stradivarius-Cello (1698)
zurückgreift, runden das Programm ab.

CLASS aktuell
Tasteninstrumente
Wolfgang Amadeus Mozart
Sämtliche Clavierwerke Vol. 9
Siegbert Rampe
Cembalo und Hammerklavier
MDG 341 1309-2
Rampes historisch informierter Ansatz,
seine im Stil der Zeit ergänzten Verzierungen
und quasi improvisierte Ausschmückungen
bei Wiederholungen machen
neben dem Gebrauch der Instrumente
der Mozart-Zeit den besonderen
Reiz dieser auch klanglich überzeugenden
Einspielung aus.
Überflieger
Siegbert Rampe und das Aufnahmeteam
von MDG mussten bis nach
Tempe/Arizona reisen, um den klaren
Klang des Hammerclaviers einzufangen,
das 1992 in der Werkstatt von Barbara und
Thomas Wolf in Washington D.C. nach
einem Vorbild des Wiener Clavierbaumeisters
Johann Schantz entstanden ist.
Auf dem mit Jalousieschweller (!) und
einem „Machine Stop“-Pedal zum Umregistrieren
während des Spiels ausgestatteten
Shudi-Cembalo präsentiert Rampe
eine klanglich extrem spannende Version
der zwölf Variationen KV 265 (300e) über
„Morgen kommt der Weihnachtsmann“.
Wer am historischen Klangbild von
Mozarts Werken für Tasteninstrumente
interessiert ist, wird an Siegbert Rampes
stets klugen, stilsicheren und oft mitreißenden
Interpretationen nicht vorbeikommen.
AUSGABE 2009/1 27
Player Piano 8
Michael Denhoff (*1955)
12 Inventionen op. 88
Candenabbiaer Glockenbuch op. 78a
Bösendorfer Grand Piano und
Fischer Grand Piano mit
Ampico Selbstspiel-Mechanik
MDG 645 1408-2
Noch nie hat ein Komponist nach Nancarrow
so umfangreich zeitgenössische Kompositionen
fürs Selbstspielklavier ersonnen und zur Aufführung
gebracht. Der heute in Bonn lebende
Michael Denhoff hat zwei Dutzend Inventionen
und Etüden geschrieben und auf den liebevoll
restaurierten Original-Instrumenten von Jürgen
Hocker als Vol. 8 der Player-Piano-Reihe bei
MDG eingespielt.
Die enormen technischen Möglichkeiten
der Ampico-Selbstspielmechanik werden von
Komponisten seit 90 Jahren genutzt. Zuerst überschritten
Strawinsky, Hindemith, Casella u. a. die
Grenzen der manuellen Spielbarkeit. Dann sorgte
Nancarrow mit seinen extravaganten auf Lochstreifen
gestanzten Studies für Furore: Wir erinnern
uns an vielstimmige Triller und unwirkliche
Klangorkane mit 100 Anschlägen pro
Sekunde… Die Wiedergabe kompliziertester
Metren und Rhythmen in absoluter Präzision
sowie eine stufenlose Dynamik von pp bis ff
sind weitere Vorteile des um 1920 hervorragend
ausgereiften Ampico-Systems, das in dieser
ambitionierten MDG-Reihe ein lebendiges Denkmal
erhält.
In bewusster Anlehnung an J.S. Bach gab
Denhoff seinen Werken den Titel „Inventionen“,
weil sie dessen kontrapunktische Techniken
nutzen und erweitern. Der Gesamtzyklus umfasst
zwölf Stücke für zwei Player Pianos. Jede „Invention“
hat dabei ihr eigenes, unverwechselbares
Gesicht – von der Ein- bis zur Zwölfstimmigkeit.
Ein Aufenthalt am Comer See verhalf Michael
Denhoff zu einer weiteren Idee: Die seit Ewigkeiten
ungleich gestimmten Glocken zweier entfernt
stehender Kirchen faszinierten ihn so sehr,
dass daraus die 13 Etüden seines Cadenabbiaer
Glockenbuchs entstanden, die er dann zu einer
speziellen Fassung für zwei Selbstspielklaviere
umarbeitete.
2 SACDs
Leonard Bernstein
MASS
R. Scarlata, Kristjan Järvi,
Tölzer Knabenchor,
Tonkünstler-Orchester,
Absolute Ensemble,
Chorus sine nomine,
Company of Music
Codaex Deutschland GmbH
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Im Blickpunkt
Orgel
Olivier Messiaen (1908-1992)
Sämtliche Orgelwerke
Hans-Ola Ericsson
BIS-CD-1770
7318591770725
Olivier Messiaens Bedeutung für die
Orgelmusik des 20. Jahrhunderts beschreiben
zu wollen, hieße Eulen nach
Athen tragen. Der eigenwillige Organist
und Komponist hat Musik geschrieben,
die sich jeder Kategorisierung entzieht.
Modale Tonarten des Mittelalters treffen
bei ihm auf indische Rhythmen, dazwischen
rufen die Vögel, deren Gesang
Messiaen zeitlebens faszinierte... Zwischen
1989 und 1992 hatte Hans-Ola
Ericsson sich diesem einzigartigen Schaffen
bereits gewidmet. Damals spielte er
die großen, bekannten Werke an der Grönlund-Orgel
in der Kathedrale von Lulea in
Schweden ein. Die mehrfach prämierten
Aufnahmen entstanden nach ausgiebigster
Absprache mit dem Komponisten und
können daher als autorisiert gelten.
Denkmal für einen
Eigenwilligen
Die Box enthält darüber hinaus Ersteinspielungen
dreier posthum zugänglich
gewordener Werke aus den 1920er Jahren
(Monodie, Offrande au Saint Sacrement
und Prélude), die Ericsson an der
2006 von Gerald Woehl in der Katharinenkirche
von Oppenheim erbauten Orgel
vornahm. Ein 232seitiges Booklet informiert
ausführlich über alle Aspekte der
Werke und das Leben des Komponisten.
Darüber hinaus gibt es noch Aufnahmen
der Vogelrufe, wie sie in Messiaens Orgelmanuskripten
aufgezeichnet sind.
Klavier
Morton Feldman (1926-1987)
Späte Klavierwerke Vol. 2
For Bunita Marcus
Steffen Schleiermacher, Klavier
MDG 613 1522-2
Die Serie mit den späten Klavierwerken
von Morton Feldman gewinnt an Kontur.
Das Werk der 2. Folge ist Bunita Marcus,
Feldmans Schülerin und über viele Jahre
engste Vertraute, gewidmet.
Opulent wirken die Kompositionen von
Morton Feldman eigentlich nie. Minutenlang
operiert der Künstler mit wenigen
Einzeltönen, die er immer wieder in ihrer
Reihenfolge, ihrem Rhythmus und auch
in ihren Oktavlagen austauscht. Wirkliche
Akkorde tauchen in diesem gut 70 Minuten
langen Werk erst spät auf. Dafür überraschen
vereinzelte winzige Störmomente
die Zuhörer: Wie ein Schatten huscht hin
und wieder ein schnelles Motiv vorüber,
das die vermeintlich strahlende „Idylle“
stets als gefährdet und instabil entlarvt.
Lichtgestalt
Feldman lässt Motive und Klänge
seiner Musik immer wieder in anderem
Licht erscheinen. Seine Nähe zur Malerei
ist hierbei offenkundig: Mondrian,
Rothko und Pollock liefern ihm Ideen
und Claude Monet ist für Feldman der
erste Maler, „der ins Licht geschaut hat
… bei den Klängen ist es genauso – sie
überlagern sich.“
Steffen Schleiermacher arbeitet seit
1988 als freischaffender Komponist und
international gefeierter Pianist. Er hat
sich ausschließlich auf die Musik des
20. und 21. Jahrhunderts spezialisiert
und gilt als einer der wichtigsten Neue-
Musik-Interpreten unserer Zeit. Seine
klug disponierte Gesamtdiskographie –
auch als Leiter des Ensemble Avantgarde
– zeichnet exemplarisch ein faszinierendes
Bild der aktuellen Musikströmungen.
28 AUSGABE 2009/1
Frédéric Chopin
Klaviersonaten Nr 2 & 3,
2 Nocturnes, Berceuse u.a.
Marc-André Hamelin
CDA 67706 / Hyperion
Seine ungeheuren technischen Fähigkeiten
verbunden mit originärer Musikalität
und überquellender interpretatorischer
Phantasie haben den franko-kanadischen
Pianisten Marc-André Hamelin in
den letzten Jahren in die Riege der führenden
internationalen Klaviervirtuosen
aufsteigen lassen. Neben exotischer, vergessener
oder kaum spielbarer Klavierliteratur
widmet er sich auch immer wieder
dem gängigem Klavierrepertoire,
zuletzt Haydn, Brahms oder Schumann.
Auf seiner neuesten Aufnahme interpretiert
Hamelin erstmals jenen Komponisten,
dessen Name untrennbar mit der
Entwicklung des modernen Klavierspiels
verbunden ist: Frédéric Chopin (1810-
1849). Im Zentrum stehen die Klaviersonaten
Nr. 2 und 3, Klassiker der romantischen
Klaviermusik, abgerundet wird
das Programm durch einige von Chopins
schönsten Miniaturen. Hamelins pianistischen
Fähigkeiten kommen bei Chopin
einmal mehr eindrucksvoll zur Geltung:
Die kraftvollen Passagen gestaltet er impulsiv
und energiegeladen, wunderbar
warmherzig und einfühlsam dagegen die
lyrischen Momente, und die technisch
anspruchsvollen Passagen meistert er
mit einer unvergleichlichen Brillanz und
Leichtigkeit.
In einem Interview erklärte er sein Verständnis
von Virtuosität, als die erhöhte
Form des Gebrauches aller Mittel, die einem
Künstler zur Verfügung stehen, um eine
Konzeption umzusetzten. Leider bedeute
es für die meisten nur Geschwindigkeit.
Angesprochen auf die Auswahlkriterien
seines Repertoires erzählt er von seiner
Leidenschaft, Musik zu sammeln, von
seinem riesigen Fundus aus Bibliotheken,
von Musikliebhabern, genug, um zehn
Leben damit zu verbringen alles durchzuhören,
zu spielen.
Theodor Leschetizky (1830-1915)
Klavierkonzert, Klavierwerke
Hubert Rutkowski, Klavier
Rzeszów Philharmonic Orchestra,
Tomasz Chmiel
AP 0191 / Acte Prealable
5902634751912
Leschetizky war Ende des 19. Jahrhunderts
einer der bedeutendsten europäischen
Musiker. Insbesondere als
Pädagoge wurde er berühmt; er hat beinahe
2000 Pianisten ausgebildet. Zu seinen
Schülern gehörten u.a. Artur Schnabel,
Ignacy Jan Paderewski, Henryk Melcer,
Ingacy Friedman, Miecyslaw Horszowski,
Benno Moiseiwitsch, Elly Ney, Paul
Wittgenstein... die Reihe ließe sich endlos
fortsetzen. Und auch die führenden Pianisten
des 20. Jahrhunderts sind letztlich
Nachfolger der Leschetizky-Schule, darunter
Sviatoslav Richter, Vladimir Horowitz,
Sergei Prokofiev, Alexander Scriabin,
Van Cliburn wie auch John Cage.
Der Übervater des
Klaviers
1862 hatte Leschetizky zusammen mit
Anton Rubinstein ein Musikkonservatorium
in St. Petersburg gegründet. 1878 ließ
er sich in Wien nieder und widmete sich
privatem Unterrichten und Komponieren.
Das letzte Mal trat er konzertierend 1887
in Frankfurt am Main auf. Er starb 1915
in Dresden. Sein künstlerisches Erbe
umfasst über 50 Werke, darunter Klavierwerke,
das hier eingespielte Klavierkonzert
und zwei Opern. Paderewski und
Essipoff hatten viele seiner Kompositionen
im Repertoire. Seine Werke erfreuten
sich generell großer Beliebtheit und wurden
weltweit aufgeführt, gerieten dann
aber in Vergessenheit. Hier sind echte
Entdeckungen zu machen.

CLASS aktuell
Klavier mit Orchester
Ludwig van Beethoven
Klavierkonzerte Nr. 1 & 2
Kent Nagano
Mari Kodama
Deutsches Symphonie-Orchester
Berlin
AN 2 9955 / Analekta
Mari Kodama zählt Dank ihrer großen
Musikalität und ausdrucksvollen Virtuosität
zu den interessantesten Pianistinnen
ihrer Generation. Ihre Fähigkeit, dem
Klavier scheinbar anstrengungslos eine beeindruckende
Klangfülle zu entlocken und
einen ebenso warmen wie lyrischen Ton zu
erzeugen, sowie ihre begeisternde technische
Brillanz gehören zu den herausragenden
Eigenschaften ihres Musizierens.
In Osaka geboren, lebt Mari Kodama
seit ihrer Jugend in Europa. Sie studierte
Klavier am Pariser Musikkonservatorium
und setzte später ihre Ausbildung bei renommierten
Pianisten wie Murray Perahia,
Andras Schiff und Tatiana Nikolaeva fort.
Heute ist Mari Kodama regelmäßig Gast
der großen Orchester in Japan, Europa
und den USA und tritt in den wichtigsten
Konzertsälen der Welt und bei führenden
Festivals auf.
Für das Label PentaTone spielt sie
gerade eine Gesamtaufnahme der Klaviersonaten
Beethovens ein. Die ersten Folgen
wurden von der Presse begeistert aufgenommen,
ein Rezensent etwa schrieb, ihre
„Appassionata“ sei „noch feuriger als die
Pollinis“. Beethoven – hier nun die ersten
beiden Klavierkonzerte – steht auch im
Mittelpunkt des vorliegenden Programms.
Begleitet wird sie von ihrem Mann
Kent Nagano am Pult des Deutschen Symphonie-Orchesters
Berlin. Die Aufnahme,
entstanden im Juni 2006, bildet zugleich
den Abschluss einer äußerst erfolgreichen
Zusammenarbeit: Nagano hatte
von 2000 bis 2006 als Chefdirigent und
künstlerischer Leiter dem Orchester
voran gestanden und war – als Ausdruck
der Verbundenheit – von den Musikern
zum Ehrendirigenten ernannt worden.
Orchester
Märsche von Jakob Pazeller
Blasorchester der ungarischen Armee
Tibor Kovács, János Pontok, Zsolt
Csizmadia
HCD 16887 / Hungaroton
5991811688721 / Ersteinspielung
Pazeller (1869-1957) wirkte zunächst
in Wien als Konzertmeister im Orchester
von Friedrich Strauss; mit 26 Jahren war
er bereits Dirigent am Carl-Theater. 1896
trat er in die k.u.k. Armee ein und wurde
so Militärkapellmeister der Österreich-
Ungarischen Donaumonarchie.
Aus Kaisers
Zeiten
In den Sommermonaten gehörte es
zu seinen Aufgaben, im namhaften Kurort
Herkulesbad (südliche Grenzregion
Siebenbürgens) die Kurgäste zu unterhalten.
Hier schrieb er 1903 den Walzer
„Souvenir de Herkulesbad“, der ihm
innerhalb kürzester Zeit Weltruhm eintrug.
In Anerkennung seiner Erfolge
wurde er nach Budapest versetzt, wo
er, wirtschaftlich längst gesichert, eine
Familie gründete. Nach 1945 entzogen
ihm die Kommunisten seine Pension,
und der Deportation entging er nur
wegen seines schlechten Gesundheitszustandes.
Doch Pazeller komponierte
unverdrossen; er hinterließ eine Oper,
zwei Operetten, ein Ballett, drei Ouvertüren,
fünf Fantasien, zahlreiche Walzer,
Interludien, Lieder und Märsche: mehr
als 200 Kompositionen.
AUSGABE 2009/1 29
Josef Bohuslav Foerster
(1859-1951)
Sämtliche Sinfonien Vol. 2
Sinfonie Nr. 3 + 4
Sinfonieorchester Osnabrück
Hermann Bäumer, Ltg.
MDG 632 1492-2
In der Mitte seines Lebens gelang Josef
Bohuslav Foerster sein Meisterstück: Die
vierte Sinfonie des böhmischen Komponisten
ist sicher sein ambitioniertestes
Werk. Und seine dritte Sinfonie rundet
eine eindrucksvolle Aufnahme mit dem
Sinfonieorchester Osnabrück unter der
Leitung von Hermann Bäumer ab.
Das Meisterwerk
Zu Beginn seiner Hamburger Zeit
komponierte Foerster seine 3. Sinfonie
mit dem Titel „Das Leben“. Hier zeigt sich
ein hochtalentierter, von den unterschiedlichsten
musikalischen Einflüssen inspirierter
Komponist. Mal glaubt man Anklänge
an Wagner zu hören, dann wieder
von Dvorák, schließlich von Bruckner
oder doch von Mahler. Foersters Botschaften
sind subtil. Wie individuell und
mit viel Feingefühl er seine dritte Sinfonie
gestaltet hat, erfahren aufmerksame Zuhörer
dennoch – und sind umso mehr
verzaubert von slawischer Terzenseligkeit
und natürlich einem böhmisch klingenden
Scherzo.
Am Karfreitag 1904 begann Foerster
die Komposition der „Osternacht“. Eine
reine Meditation sollte es nicht werden,
im Gegenteil: Den ersten Satz widmet er
den Ostertagen, wie der Erwachsene sie
erlebt, im zweiten Satz schildert er die
Feiertage mit den Augen eines Kindes.
Dann ein Gebet und schließlich das
Finale zur Feier des auferstandenen
Heilands… Was für ein liebenswertes
Sujet, dem sich Dirigent und Orchester
mit Hingabe widmen.
Dedications
Nordgren: Solemnity-Euphony
for 19 strings
Vasks: Musica appassionata
per orchestra d‘archi
Eliasson: Sinfonia per archi
Ostrobothnian Chamber Orchestra,
Juha Kangas
ABCD 245 / Alba (SACD hybrid)
6417513102451 / Ersteinspielungen
Es beginnt mit einer Vision, und es
mündet in eine Tradition. Das ist der
Traum vieler Kreativer, und manche entfalten
die Kraft und Intelligenz, ihre Vision
schließlich auch zu verwirklichen. Ein
solcher Visionär ist der finnische Dirigent
Juha Kangas. Von Herkunft Volksmusikant,
sozusagen ein fiedelnder Spielmann
mit klassischer Ausbildung, machte er
bald eine steile Karriere als international
gefragter Dirigent.
Ein Visionär macht
Musikgeschichte
Am Konservatorium in Kokkola, einem
35.000 Einwohner zählenden finnischen
Provinznest, gründete er ein Streichorchester
mit Kindern, das schließlich semiprofessionell
und heute voll professionell
arbeitet: Das Ostrobothnian Chamber
Orchestra, derzeit eines der weltbesten
Streichorchester. Und Kangas setzt sich
stets für zeitgenössische Musik ein, insbesondere
für das Werk seiner Freunde
Pehr Henrik Nordgren, Anders Eliasson
und Peteris Vasks. Diese SACD legt davon
Zeugnis ab.

Im Blickpunkt
Lied
Lieder von Clara Schumann,
Alma Mahler-Werfel und
Lili Boulanger
Maria Riccarda Wesseling, Mezzosopran
Nathalie Dang, Klavier
CLA 50-2904 / Claves
7619931290423
Dies ist bereits Wesselings drittes
Album für Claves und kommt zu einem
Zeitpunkt heraus, da sie auf den Wogen
des Erfolgs schwimmt. Die Wesseling
singt, seit sie sich erinnern kann. Schließlich
entschied sie sich, es beruflich zu
tun. Besonders intensiv beschäftigte sie
sich mit den Opern Händels, wovon diverse
Einspielungen Zeugnis ablegen. Die
Interpretation zeitgenössischer Komponisten
sieht sie aber auch als wichtige
Aufgabe; sie hat bereits in Opern von
Saariaho, Reimann, Eötvös und Sciarrino
gesungen. Bei der Weltpremiere von
Henzes Oper „Phaedra“ an der Berliner
Staatsoper Unter den Linden sang sie die
Titelpartie. Derzeit fällt sie an der Pariser
Oper mit brillanten Aufführungen auf.
Und doch vermag sie sich immer wieder
in die kleine Form des Kunstliedes zu
versenken. Die Intimität dieser hier eingespielten
Lieder kommt ihr besonders
entgegen, um eben auch eine ganz andere
Seite ihres künstlerischen Vermögens
zeigen zu können.
Romantische
Bekenntnisse
Fast alle für diese CD ausgewählten
Lieder haben die Komponistinnen in
ihrer Jugendzeit, teils in frühester Jugend
geschrieben – wobei man sagen muss,
dass Lili Boulanger, die ja schon mit
25 Jahren starb, auch kein anderer
Lebensabschnitt beschieden war. Wunderbar
zarte Lieder, die von Liebe und
Sehnsucht handeln, verbindet die Sängerin
zu einem großartigen romantischen
Stimmungsbild.
Scottish and other Songs
von Joseph Haydn und
Ludwig van Beethoven sowie
Trio d-Moll von Haydn
Daniely Bechly, Sopran
Trio Kairos
M 56880 / Musicaphon
4012476568805 / (SACD hybrid)
Das Zeitalter der Aufklärung wollte
das gesamte Wissen und Können der
Menschheit gegen den Widerstand weltlicher
und geistlicher Machthaber für
jeden Bürger zugänglich machen. Der
Zeitraum von 1730 bis 1800 brachte eine
bürgerliche Emanzipation hervor, der
eine konzentrierte Sammlung von Wissen,
Denken, Fühlen und Handeln zu verdanken
ist. Dieser Sammlungs-Leistung
haben wir auch auf musikalischem Gebiet
viel zu verdanken, was sonst verloren
wäre. Auch in Schottland trachtete man
nach einer umfangreichen Sammlung des
Volksliedgutes der Insel.
Thomson,
der Liedsammler
Mehrere Verleger und Herausgeber
konkurrierten in der Zeit des Scottish
Enlightenment mit Sammelbänden schottischer,
irischer und walisischer Lieder.
Besondere Bedeutung erlangte George
Thomson (1757-1851) aus Edinburgh,
der „fleißigste“ auf diesem Gebiet, der 50
Jahre lang der Hauptinitiator für die
Volksliedsammlungen in Schottland sein
sollte. Ihm gelang es, auch Joseph Haydn
und später Ludwig van Beethoven für die
musikalische Auf- und Ausarbeitung des
gesammelten Materials zu verpflichten.
Einige der Ergebnisse werden hier vorgetragen
von Daniela Bechly, gebürtige
Hamburgerin, aber seit 1993 in England
ansässig (1987 bis 1993 an der Deutschen
Oper Berlin tätig), und dem Trio
Kairos, das auf Musicaphon bereits ein
sehr erfolgreiches Debut mit den „Klaviertrios
der 20er Jahre“ hatte (Musicaphon
M 56872).
30 AUSGABE 2009/1
Vokalmusik
Abbey Road a cappella
Atrium Ensemble
M 56893 / Musicaphon
4012476568935
Die letzte Zusammenarbeit der
Beatles, eines ihrer berühmtesten Alben,
gesungen von vier Männern (hoher und
mittlerer Tenor, Bariton und Bass) ohne
Instrumentalbegleitung – geht das überhaupt?
Es geht, und wie! Die behutsamen
Transkriptionen Frank Schwemmers
erfassen durchweg hervorragend die
Stimmung der Songs, und die wesentlichen
Elemente werden mit wirklich
unglaublicher Virtuosität von den vier
Sängern umgesetzt, so dass man sich
manches Mal an die Ohren fasst und
fragt, ob da wirklich nur vier Sänger und
nicht ein ganzes Ensemble am Werk sind.
Beatles
mal klassisch
Und so wirken die Songs trotz des fehlenden
Instrumentariums keineswegs
unvollständig, aber klanglich halt anders
und neu. Nach zwei Aufnahmen mit
romantischem Liedgut (M 56848 und
M 56876) ist dies die dritte Veröffentlichung
dieses Ausnahme-Ensembles bei
Musicaphon – ein Vergnügen nicht nur
für Beatles-Fans, die mit dem Original
vertraut sind.
Die Kunst der Emma Kirkby
Geistliche und weltliche Werke
von Händel, Bach, Böddecker, Couperin,
de Lalande, Scarlatti, Ariosti, Amodei
sowie Lautenlieder von Dowland,
Johnson, Blow, Schütz, d‘India, Boesset.
Emma Kirkby, Sopran
Jakob Lindberg, Laute
London Baroque,
Theatre of Early Music u.a.
BIS-CD-1734
7318591734352
Pünktlich zum 60. Geburtstag der
Künstlerin am 26.2.2009 brachte BIS auf
vier CDs die Highlights der bisherigen Zusammenarbeit
mit der Ausnahmesopranistin
heraus, die 2007 vom BBC Magazine
auf Platz 10 unter die „20 größten Sopranistinnen
aller Zeiten“ eingereiht wurde
und sich seit ihren Anfängen in den 70er
Jahren des vorigen Jahrhunderts unschätzbare
Verdienste um die Wiederentdeckung
und -belebung der Alten Musik erworben
hat. Dabei hatte sie ursprünglich gar nicht
die Absicht, das Singen zu ihrem Beruf zu
machen. Als Studentin der klassischen
Philologie in Oxford und dann als Schullehrerin
sang sie aus reinem Vergnügen in
Chören und kleinen Ensembles, wobei sie
sich in der Musik der Renaissance und
des Barock am meisten zu Hause fühlte.
1971 stieß sie zum Taverner Choir; 1973
begann ihre langjährige Zugehörigkeit
zum Consort of Musicke. Es folgten langfristige
Beziehungen mit London Baroque,
dem Freiburger Barockorchester, L’Orfeo
und dem Orchestra of the Age of Enlightenment.
Von ihr liegen derzeit weit
über 100 Einspielungen vor.
Happy Birthday,
Emma!
Als Geburtstagsgeschenk nicht an sie,
sondern an ihre Fans erschien nun also
die Box vorwiegend mit Kantaten und
Arien des Barock und Lautenliedern der
englischen Renaissance. Als besonderes
Highlight bietet die Box die Ersteinspielung
einer Solokantate von Christoph
Graupner „Ach Gott und Herr“.

CLASS aktuell
Michael Haydn (1737-1806)
Responsorien zur Heiligen Woche
Purcell Chor
Orfeo Orchestra, György Vashegyi
HCD 32596 / Hungaroton
5991813259622 / Ersteinspielung
Die Kompositionen für die Karwoche
des Jahres 1778 sind grandiose Beispiele
für Chorkompositionen im stilo antico.
Das Responsorium – ein Wechselgesang
von Solist und Gemeinde – ist in der
katholischen Liturgie einer der üblichen
Gesangstypen der heiligen Messe und des
Stundengebets. Die Form geht auf den
Synagogalgesang zurück und gilt somit
als eine der ältesten Gesangsformen der
christlichen Kirche. Mit seinen homophonen,
isorhythmischen Sätzen, die
nach einem vollkommenen, innigen Ausdruck
der Bibelverse streben – als ob
sich ihr Komponist, allen äußerlichen
Prunk ausschließend, ausschließlich auf
die „innere Stimme konzentrieren würde
– folgte Michael Haydn den Spuren solch
großer Meister der Kirchenmusik wie
Victoria und Ingegneri gegen Ende des
16. Jahrhunderts oder Jomelli und Zelenka
um die Mitte des 18. Jh.
Salzburger
Meisterwerke
Er schrieb die Stücke in drei Versionen
(a cappella, Chor mit Orgel, Chor mit
Orgel und Violone). Bei der Premiere am
15.4.1778 im Salzburger Dom wirkte
auch der mit der Familie Mozart befreundete
Kastrat Francesco Ceccarelli mit.
Oper
Emilio Arrieta (1823-1894)
La conquista di Granata
Cantarero, Ibarra, Bros, Odena,
Rubiera, Miles
Sinfonischer Chor
und Orchester Madrid,
Jesús Lopez Cobos
CDS 618 / Dynamic
8007144606183 / Ersteinspielung
Seit über 150 Jahren schlummerte
diese Oper in den Archiven. Der Komponist,
aus Navarra gebürtig, begann nach
einer Ausbildung am Mailänder Konservatorium
in Harmonielehre und Komposition
eine Karriere als Sänger in Mailand,
begann parallel aber Opern zu schreiben.
Aus Spaniens
Blütezeit
Er gewann später die Gunst der jungen
spanischen Königin Isabella II., die ihn
am Madrider Hof zum „Maestro de canto“
und Hofkomponisten machte. Er durfte
sein eigenes Theater bauen und hatte weitgehende
künstlerische Freiheiten. „La
Conquista di Granata“ hatte ihre erfolgreiche
Erstaufführung in Madrid im Oktober
1850. Das Auftragswerk sollte einen
ruhmreichen Moment der spanischen Geschichte
feiern, nämlich die Einnahme von
Granada 1492 durch die katholischen Könige
Ferdinand von Aragon und Isabella
von Kastilien. Es wurde ein Libretto von
Temistocle Solera gewählt, der vor allem
als Textdichter für Verdis „Nabucco“ in
die Geschichte einging. Trotz der Begeisterung
des Publikums geriet die Oper
merkwürdigerweise in Vergessenheit, bis
sie 2006 in einer Produktion des Teatro
Real in Madrid wiedererstand. Hierbei
folgte man der kritischen Ausgabe des
Werkes von Ramón Sobrino und Maria
Encina Cortizo. Diese Wiederentdeckung
ist eine wichtige Bereicherung des italienischen
Opernrepertoires des 19. Jahrhunderts,
zugleich eine Wiedergutmachung
an einem Komponisten von
europäischer Statur. Die Aufführung
erfolgte konzertant.
AUSGABE 2009/1 31
Baldassare Galuppi (1706-1785)
L‘Olimpiade
Tucker, Rosique, Invernizzi, Basso,
Gottwald
Venice Baroque Orchestra,
Andrea Marcon
Regie: Dominique Zito
CDS 33545 / Dynamic (DVD Video)
8007144335458 / Ersteinspielung
„L’Olimpiade“ schrieb Galuppi für die
Eröffnung der Karnevalssaison am Mailänder
Teatro Ducale im Dezember 1747
auf ein Libretto des berühmten Metastasio.
Es war dies einer der Titel, die Metastasio
selbst als zu den in Europa meistgespielten
und wieder aufgenommenen zählte
(„L’Olympiade“ wurde nicht weniger als
hundert Mal vertont), auch wenn er nicht
in der Lage war, die „beste der Musiken,
die ihn vertont haben“ anzugeben – da
er sich nie von Wien weg bewegte, um
die diversen Aufführungen zu verfolgen.
Galuppis Vertonung erfolgte 14 Jahre
nach der ersten Inszenierung mit Musik
von A. Caldara und erfuhr über 30 Jahre
hinweg eine Reihe von Wiederaufnahmen
und Neuinszenierungen in ganz Europa.
Detektivische
Meisterleistung
Die einzige Partitur wurde in Mailand
aufbewahrt, war aber unvollständig. Das
mag erklären, warum das Werk später
nicht mehr aufgeführt wurde, obwohl
das Werk so lange Zeit überaus erfolgreich
gewesen war. Der Dirigent Andrea
Marcon nahm sich in Zusammenarbeit
mit der Musikwissenschaftlerin Claire
Genewein der Rekonstruktion des Werkes
an. Schließlich fanden sie die eröffnende
Sinfonia in einer Bibliothek in Regensburg
und das Finale in London, so dass die buffo-
Oper auf ein Libretto von Pietro Metastasio
endlich 2006 in Venedig wieder auf die
Bühne gebracht werden konnte.
Vicente Martín y Soler (1754-1806)
Il burbero di bon cuore
De la Merced, Chausson, Gens,
Pirgu, Diaz
Orquesta Titular del Teatro Real
Orquesta Sinfónica de Madrid,
Christophe Rousset
Regie: Irina Brook
CDS 33580 / Dynamic (DVD Video)
8007144335809 / Ersteinspielung
Das Lustspiel in zwei Akten basiert auf
einer der bekanntesten und amüsantesten
französischen Komödien von Carlo Goldoni,
Le bourru bienfaisant. Mit triumphalem
Erfolg hatte die Oper am 4.1.1786 am
Wiener Burgtheater Premiere. Mozart gefiel
das Werk so gut, dass er zwei „Ersatzarien“
für dieses Werk komponierte, die
beide auch Eingang in diese Produktion
des Teatro Real de Madrid fanden. Aus
Valencia war der Komponist gebürtig, der
damals unter dem italianisierten Namen
Vincenzo Martini eine der absoluten
Größen im europäischen Musikleben war.
Den entscheidenden Durchbruch hatten
ihm drei Opern gebracht, die er auf
Libretti von Lorenzo da Ponte zwischen
1786 und 1787 in Wien herausbrachte,
darunter eben „Il burbero di buon coure“.
Sehr rasch wurde das Werk in ganz Europa
populär. Und dies sicher nicht nur dank
der heiteren Handlung, sondern vor allem
wegen der raffiniert einfachen, anmutig
und mit großem Farbenreichtum orchestrierten
Musik. Die Handlung wird von
ihr perfekt gelenkt, ohne unnötige Längen,
so dass die Szenen mit drängendem Rhythmus
aufeinander folgen und der Geschichte
ein Gefühl frischer Natürlichkeit
verleihen. Die Regisseurin Irina Brook,
Tochter des bekannten englischen Regisseurs
Peter Brook, hatte mit dieser Inszenierung
ihr Debut am Teatro Real. Sie versetzte
die Handlung in unsere Zeit, wobei
sie mehrere Stile und Epochen mixt, was
neben der leichten, heiteren Musik Solers
das Werk zu einer wirklich amüsanten
Abendunterhaltung macht.

CLASS Katalog Service
Pan Classics Seit einem radikalen Neuanfang
2005 präsentiert sich das schweizerische
Label Pan Classics als Plattform für Ensembles
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Adam Fischer, Roman Kofman, Consortium
Classicum, Ma'alot Bläserquintett, Hardy Rittner,
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liegt hier allerdings nicht nur auf seltenem,
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herausragender Musiker wie Helmuth
Rilling, Michael Gielen, Sylvain Cambreling,
Roger Norrington, Vokalensemble Stuttgart,
Johannes Moser, Gerhard Oppitz, Thomas Fey u.a.
www.haenssler-classic.de
Genuin Fast 150 Titel im Katalog 2009 - das Leipziger
Klassik-Label GENUIN stellt ein umfangreiches Programm,
darunter zwei neue Editionen, mit Musik des 17.-21. Jahrhunderts
vor, die bereits begehrenswerte Auszeichnungen
wie den Diapason d'Or oder Nominierungen für
den Midem Classical Award erhalten haben.
www.genuin.de