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inga ruMpfs
ein einladendes Studio mit roten Backsteinwänden, Trägerbalken und Boden
aus Holz, das Licht abgedimmt und warm. Links ein Steinway-Flügel und eine
Orgel, in der Mitte eine Gitarre und ein Barhocker, rechts ein Kontrabass, der
noch auf dem Boden liegt. Die Stimmung in dem ehemaligen Pferdestall, den der
Hamburger Pianist Joja Wendt zu einem exklusiven Event- und Tonstudio umgebaut
hat, ist erwartungsvoll. Vierzig geladene Gäste sind gekommen, um an diesem
Oktoberabend 2012 einer besonderen Aufnahme beizuwohnen. Gleich wird sich die
Sängerin Inga Rumpf mit ihrer Gitarre auf den Hocker setzen, Joe Dinkelbach wird
am Flügel Platz nehmen und Thomas Biller seinen Bass aufrichten. Die Sängerin und
ihre Begleiter lächeln in die Runde, warten auf ein Zeichen des Produzenten Dirk
Sommer, der während der Studio-Session hinter den Kulissen und damit für alle unsichtbar
bleibt. Der Regieraum ist abgetrennt vom Aufnahmeraum, die Anweisungen
kommen über Lautsprecher aus dem Off. Das Publikum wird um Ruhe gebeten, und
darf nur nach den Stücken applaudieren. Nichts soll nachträglich bearbeitet werden.
Inga Rumpf wird in diesem intimen Ambiente ein Album einspielen, das entgegen
den heutigen Gepflogenheiten nur auf zwei Spuren aufgenommen wird und am
Ende als Vinyl-Langspielplatte veröffentlicht werden soll. Die Künstlerin und ihre
Plattenfirma wollen einen authentischen, analogen Klang erzielen, der wärmer
und intensiver ist als der digitale. Das Studio mit seinen gebrochenen Oberflächen
aus Stein und Holz verleiht einer solchen Aufnahme eine wunderbare Atmosphäre.
Inga Rumpf und ihre beiden Begleiter an den Tasten und am Bass sind sich dessen
bewusst, dass ihre zwei Musik-Sets in den nächsten zweieinhalb Stunden durchgehend
mitgeschnitten werden. Alles, was sie singen und spielen – jeder Ton, jedes
Atmen – wird ohne technische Korrekturen als »First Take« auf Vinyl erscheinen.
Ohne Verstärkung, akustisch, unplugged.
Inga Rumpf, Joe Dinkelbach und Thomas Biller spielen in der Trio-Besetzung seit
mehr als 10 Jahren zusammen, sie sind so vertraut miteinander, dass ihnen die
Live-Aufnahme leicht von der Hand geht. Das Repertoire sitzt perfekt, die Aufnahme
läuft wie am Schnürchen. Aus den Songs von Inga Rumpf spricht der Blues,
seine Farbe zieht sich durch die gesamte Session: der verrauchte und der sehnsüchtige,
der leiderfahrene und der hoffnungsvolle, kurzum: der gelebte Blues. Geschrieben
und gesungen von einer Rock-Lady, die ab den 1970er Jahren mit ihren Bands
Frumpy und Atlantis die deutsche Musik-Szene aufhorchen ließ , die als weiblicher
»Rock’n’Roll Preacher« und als „Hungry Girl“ die Fans begeisterte und die ab den
1990er Jahren auch als Gospel- und Soul-Interpretin beeindruckte. Ihre tiefschwarze
Blues-Stimme scheint einem amerikanischem Road-Movie entsprungen, angesiedelt
irgendwo zwischen Memphis, Tennessee, und St. Louis, Missouri.
Inga Rumpf kann auf eine facettenreiche Karriere zurückblicken zum Bersten gefüllt
mit Erfahrungen. Sie ist eine Künstlerin, die jedes ihrer Stücke glaubhaft präsentiert.
Das, was sie singt, nimmt man ihr ab. »So many roads I walked, and so many
tunes I sang, but to tell you the truth, sometimes I didn’t know how to begin. But
if you love what you do and if you only trust your heart, nothing can stop you, no
way is too hard«, lautet ihr Statement in dem Song »First Things First«.
Einige Stücke sind Cover-Versionen, wie »Undercover Agent For The Blues« von Tony
Joe White oder »Angie« von den Rolling Stones. Alle anderen sind Inga Rumpf-
Klassiker und solche, die es noch werden können. »White Horses« ist ein zeitloses
Doppelalbum, das Inga Rumpf im Hier und Jetzt zeigt.
Blues- und Jazz-Anklänge kommen gerade an diesem Punkt von Inga Rumpfs
Karriere richtig zur Geltung, ihre Texte singt sie mit derselben Intensität wie vor 40
Jahren.
sommelier du son; Dirk sommer
foto: Lena semmelroggen
Foto: Benjamin Hüllenkremer
interview mit inga rumpf:
Warum war die Aufnahme des Vinyls in Joja Wendts Studio eine besondere
Sache?
Das war ein einmaliges Ereignis, aber eigentlich auch so, wie es schon vor
40 Jahren üblich war. Es war interessant zu sehen, ob und wie das noch
funktioniert. Die Atmosphäre war wie bei einem Konzert auf Tour. Das hat
mir sehr gut gefallen. Auch, dass Ohren- und Augenzeugen dabei waren ,
die bestätigen können, dass alles nur »One Takes« waren.
Hat Dich der Gedanke, dass das Album live mitgeschnitten wird und kein
nachträglicher Eingriff möglich ist, befangen gemacht?
Man ist äußerst konzentriert, genauso wie im Live-Konzert. Mir und
meinen Kollegen Joe und Thomas, mit denen ich schon seit vielen Jahren
zusammen Konzerte spiele, ist das komplett vertraut. Ja, das ist eine hohe
Konzentration, aber es ist auch wichtig, dass man nicht verkrampft, sondern
gelassen und bei sich bleibt.
War von Beginn an klar, dass die Aufnahmen als Doppel-Vinyl herauskommen
würden?
Wir hatten am Ende so viel gutes Material, dass wir nicht wussten, welche
Stücke wir nun nehmen sollen. Alle Songs waren gut und hörenswert gespielt,
deshalb haben wir entschieden, dass ein Doppelalbum daraus wird.
Wie kam es überhaupt zu der Idee, die Aufnahmen auf Vinyl herausbringen
zu wollen?
Dirk Sommer als Produzent der ganzen Aufnahme war an Edel herangetreten
auf der Suche nach einer Künstlerin oder einem Künstler, der genug
Erfahrung hat, live direkt ins Band zu spielen. Die meisten Musiker sind
heute an Synchronisationen und Overdubs gewöhnt, da wird so lange
probiert und gefeilt, bis es passt. Ich hatte schon länger den Wunsch, eine
Live-Platte zu machen mit neuen Songs und Titeln meines Programms
„Easy In My Soul“, direkt eingespielt, ohne studiotechnische Korrekturen,
eben live, wie wir auf der Bühne spielen. Die Anfrage der Plattenfirma kam
parallel dazu und war wie ein Geschenk für mich.
Habt Ihr für das Album nur bekannte Stücke von Dir aufgenommen
oder waren auch neue Stücke dabei?
Ein großer Teil der Stücke stammt von meiner letzten Studio-Einspielung
»Easy In My Soul«. In den vergangenen zwei, drei Jahren sind neue Songs
dazu gekommen, die hier erstmals auf Platte zu hören sind. »Lazy« zum
Beispiel erzählt ein bisschen über das Altern und ist auch eine Reflektion
über mein Leben. Es gibt noch andere neue Stücke in meinem Repertoire,
aber die eignen sich nicht für die Trio-Besetzung, die spiele ich mit meiner
Rhythm’n’Blues-Band, also mit Schlagzeug und E-Gitarre.
Was zeichnet die beiden Musiker Joe Dinkelbach und Thomas Biller
aus?
Das sind großartige Musiker und liebenswerte Menschen. Thomas Biller
begleitet mich schon seit fast zwanzig Jahren. Er spielt nicht nur Kontrabass,
sondern auch E-Bass. Ich stelle hohe Ansprüche und habe immer
mit erstklassigen Musikern gearbeitet. Das ist wie in einer Liebesbeziehung.
Große Emotionen und großes musikalisches Verständnis bringen
großartige Ergebnisse hervor. Eine glückliche Situation. So miteinander zu
spielen, ist auch eine Form gegenseitiger Anerkennung und Auszeichnung.
Was hat es mit dem Titel »White Horses« auf sich?
Ich war gerade in Mexiko und ging am Strand des Pazifischen Ozeans
spazieren. Auf dem Meer sah ich die Wellenkämme und da fiel mir sofort
der Begriff »White Horses« ein. »White Horses“ ist ein Idiom für die
Schaumkronen auf den Wellenkämmen. Und ich dachte, das passt. Also erst
einmal der Bezug zu Jojas ‚Pferdestall‘, wo wir das Album aufgenommen
haben, und dann der Bezug zu den »White Horses«: eine Schaumkrone
auf einem Wellenkamm ist ebenso einzigartig wie eine Live-Aufnahme, die
nicht wiederholbar ist. »White Horses« sind die Schaumkronen auf den
Wellen meines musikalischen Ozeans.
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