Programm - Gaia Festival

E S S E N T I A L S 

2 0 1 2 

K a m m e r 

m u s i k 

f e s t i v a l 

T h u n 

Programm 

2 4 . – 2 7 . M a i

Herzlich 

willkommen 

bei GAIA Essentials 2012 – 

wir freuen uns darauf, 

Sie bei uns zu haben und 

jeden Augenblick 

mit Ihnen zu teilen! 

Inhalt 

4 Zum Geleit 

8 Konzerte 

30 Portraits Mitwirkende 

46 Mitwirkende 

seit der Gründung von GAIA 2006 

48 Uraufführungen und 

Schweizer Erstaufführungen 

beim GAIA Kammermusikfestival Thun 

50 Impressum 

Wir haben uns bewusst dafür entschieden, 

im Jahr 2012 den ursprünglichen Traum des 

Festivals wieder aufleben zu lassen und zu 

dem zurückzukehren, woraus es entstanden 

ist – der Vision, grossartige Musik zu 

präsentieren, die von einer kleinen Gruppe 

herausragender Musiker an atemberaubenden 

Orten für ein warmherziges Publikum 

dargeboten wird; ein Publikum, das neugierig 

auf inspirierende Begegnungen ist. Alle, 

die bei GAIA mitwirken, lieben die Musik 

und das, was sie uns zu enthüllen vermag. 

Die Planung dieses Festivals beschwingt uns 

jedes Jahr aufs Neue: ein Fest voller Kunst, 

Sinnenfreude, Austausch, Emotionen und 

Freundschaft. Diese Wechselbeziehung ist 

nur ein kleiner Teil unseres Spektrums ... 

Die Welt ist schön – voller Magie und 

Wunder, erfüllt durch ihre eigene Existenz 

und in sich vollkommen. Die Menschheit 

baut auf diese Wahrheit, und je mehr wir versuchen, 

die Essenz des Lebens zu ergründen, 

desto stärker wächst in uns wieder das Verlangen 

nach Erfahrungen, die uns in Erstaunen 

versetzen können – der Wahrhaftigkeit 

eines Augenblicks, einem ungekünstelten 

Gedanken, der Natur in ihrer reinsten Form. 

Wir hoffen, Sie geniessen Ihre Zeit bei 

uns und lassen sich von Ihrem GAIA-Erlebnis 

bewegen. Wenn Sie in unsere Mailingliste 

aufgenommen oder Teil der GAIA Community 

werden möchten, besuchen Sie bitte 

unsere Internetseite www.gaia-festival.com. 

Mit Ihrer kontinuierlichen Unterstützung 

werden wir beim GAIA Kammermusikfestival 

2013 ein unvergessliches 5. Jubiläum 

feiern können! 

Gwendolyn Masin, Christoph Ott, 

Florian Schalit und das Team, 

das GAIA Leben einhaucht 

Welcome to GAIA 

Essentials 2012 – 

we look forward to being with you 

and sharing every moment! 

In 2012, we have consciously decided to recover 

this Festival’s first dream and to revisit 

that of which it was born – a vision to offer 

sublime music, performed by a small group 

of outstanding musicians in breathtaking venues 

to an open-hearted audience curious to 

experience more. We at GAIA love music and 

all that it can reveal. We are fulfilled each 

year anew when we conceive this Festival: 

a celebration of art, senses, exchange, emotions, 

and friendship. This interrelationship 

is just a small piece of our spectrum… 

The world is a beautiful place – full of 

magic and wonder, fulfilled by its own existence, 

complete within itself. Mankind builds 

on this truth, and the more we strive to find 

the essence of life, the more we return to a 

desire for experiences in their most elusive 

state – the realness of a moment, an uncontrived 

idea, or nature in its purest form. 

We hope that you enjoy your time with us 

and are moved by your experience at GAIA. 

If you would like to join our mailing list or 

become part of the GAIA Community, please 

visit our website: www.gaia-festival.com. 

With your continued support, we will be able 

to make the GAIA Chamber Music Festival 

2013 an unforgettable 5 th anniversary 

celebration! 

Gwendolyn Masin, Christoph Ott, 

Florian Schalit and the Team 

who breathe life into GAIA

Zum Geleit 

«Nichts liebe ich mehr als Kammermusik.» 

Nichts liebe ich mehr als Kammermusik. 

Mein ganzes Leben lang hat mich diese 

Musikform nicht losgelassen. Von meiner 

aktiven Teilnahme als dreizehnjähriger 

Violinist an der High School of Music and 

Arts in New York bis zu den Engagements, 

die ich in jüngerer Zeit als Lehrer von Kammermusikensembles 

hatte. In meinem Leben 

habe ich nichts mehr genossen, als mit guten 

Freunden einen Abend lang zu musizieren 

– egal, ob als Quartett, Trio oder Sextett – 

Hauptsache, wir konnten zusammen spielen. 

Kürzlich hörte ich von GAIA und seinem 

Erfolg. In der Welt der Musik machen Neuigkeiten 

schnell die Runde und ich erkannte 

sofort, dass dieses Festival Aufmerksamkeit 

verdiente: junge Künstler, die auf hohem 

Niveau musizieren, interessante und aufregende 

Programme und, wie Sie als Zuhörer 

wissen, ein perfektes Ambiente. 

Dass mir die Schirmherrschaft angetragen 

wurde, hat mich sehr geehrt, und ich 

möchte Ihnen ans Herz legen, dieses Festival 

aktiv zu unterstützen. In diesen weltweit 

schwierigen Zeiten ist es sehr wichtig, 

einen Ort und eine Zeit zu finden, wo man 

gemeinsam die Magie der Musik und die Art, 

wie sie jeden von uns, ob Darbietender oder 

Zuhörer, berührt, geniessen kann. GAIA ist 

dieser Ort. Bewahren Sie ihn. 

David Zinman 

Chefdirigent des Tonhalle-Orchesters Zürich 

und Schirmherr des GAIA Festivals 

There is nothing I love more than Chamber 

Music. My whole life has been connected to 

this medium. From my own participation as 

a violinist at the High School of Music and 

Art in NYC at thirteen years of age, to the 

more recent opportunities of coaching chamber 

groups. 

Throughout my life there is nothing I 

have enjoyed more than getting together with 

good friends for a night of sharing music, 

quartets, trios, sextets, it did not matter as 

long as we could play together. 

I recently heard of GAIA and the success 

it was having. Word spreads quickly in the 

music world and it was very clear to me that 

this was a Festival worthy of attention, young 

artists performing at a high level, interesting 

and exciting programs, and as you the audience 

know, a perfect setting. 

I feel very honored to have been asked to 

be a Patron, and I encourage you to strongly 

support this Festival. In these difficult times 

throughout the world, it is so important to 

have a place and time to share in the magic 

of music and the connection it makes with 

each one of us, performer and listener. GAIA 

is this place. Treasure it. 

David Zinman 

Chief conductor of Zurich’s Tonhalle 

Orchestra, and Patron of GAIA 

4 5

KONZERTE

8 

KONZERT 1 

Reconstructions 

1 

Donnerstag, 24. Mai, 19 Uhr 

Kirche Blumenstein 

Violine: 

Gwendolyn Masin 

Lena Neudauer 

Tatiana Samouil 

Jan Talich 

Viola: 

Guy Ben-Ziony 

Ilya Hoffman 

Natalia Tchitch 

Violoncello: 

Dongkyun An 

Louise Hopkins 

Quirine Viersen 

Ludwig van Beethoven (1779 – 1827) 

Violinsonate Nr. 9 A-Dur op. 47 («Kreutzer-Sonate») 

Adagio sostenuto 

Presto 

Andante con Variazioni I–IV 

Finale. Presto 

In einer Bearbeitung für Streichquintett 

mit zwei Violoncelli von Ferdinand Ries 

Ausführende: 

Jan Talich, Tatiana Samouil, Guy Ben-Ziony, 

Louise Hopkins, Quirine Viersen 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) 

Sinfonia concertante Es-Dur KV 364 (320d) 

Allegro maestoso 

Andante 

Presto 

In einer anonymen Bearbeitung für Streichsextett 

(«Grande Sestetto Concertante») 

Ausführende: 

Lena Neudauer, Gwendolyn Masin, Natalia Tchitch, 

Ilya Hoffman, Dongkyun An, Quirine Viersen 

Pause 

Johannes Brahms (1833 – 1897) 

Klavierquintett f-Moll op. 34 

Allegro non troppo 

Andante un poco Adagio 

Scherzo. Allegro – Trio 

Finale. Poco sostenuto – Allegro non troppo 

In einer Rekonstruktion von Anssi Karttunen 

für Streichquintett mit zwei Violoncelli 

Ausführende: 

Jan Talich, Gwendolyn Masin, Guy Ben-Ziony, 

Quirine Viersen, Louise Hopkins 

9

KONZERT 1 

Ein neuer Blick 

Re-con-struere – lateinisch für wieder-zusammen-schichten, 

wieder-zusammen-bauen: Unter 

diesem Motto stehen die Werke dieses Konzertes. 

Alle drei sind «Rekonstruktionen» insofern, als 

das musikalische Material der ursprünglichen 

Kompositionen für andere Instrumente als die ursprünglich 

vorgesehenen «wieder neu zusammen 

gebaut» wurde. Unweigerlich verändert sich ein 

Werk durch solch eine neue Zusammensetzung in 

Klang und Charakter. Das nutzten die Komponisten 

oft selbst, um ein einmal gefundenes Material 

in neuer Form hörbar zu machen oder aber, um 

überhaupt erst die passende Form dafür zu finden 

– gerade Brahms verfuhr bei einer Reihe von 

Werken so, wie auch im Fall des Klavierquintett 

f-Moll zu sehen sein wird. Ist nicht der Komponist 

selbst der Arrangeur, bleibt der Verfertiger solcher 

Rekonstruktionen meist im Hintergrund oder gar 

anonym – schliesslich geht es um das Musikstück 

selbst. Dennoch hinterlässt der Bearbeiter seine 

Spuren, seine Sicht auf das Werk wird hörbar, 

sein eigener musikalischer Hintergrund und nicht 

zuletzt der Musikgeschmack seiner Zeit. In das 

Spannungsfeld Komponist – Interpret – Zuhörer 

tritt mit ihm so ein weiterer Akteur hinzu. Das 

ist, gerade wenn es sich um so bekannte Musikstücke 

handelt wie die, die im heutigen Konzert 

erklingen, von besonderem Reiz, ermöglicht einen 

neuen Blick auf das musikalische Material, zeigt 

neue Facetten des Originals auf und erzählt davon, 

wie diese Musik in einer anderen Zeit oder 

einem anderen Kontext wahrgenommen wurde. 

Ludwig van Beethovens «Kreutzer-Sonate» 

(1802) gehört wohl zu den bekanntesten – und 

berüchtigsten – Werken europäischer Instrumentalmusik. 

An ihr entzündeten sich nicht nur die 

herausragendsten Violinvirtuosen ihrer Zeit samt 

ihrem Publikum, sondern auch Künstler verschiedener 

Gattungen, allen voran der Literatur, Autoren 

wie Tolstoi, Dürrenmatt oder jüngst Margriet 

de Moor nehmen dieses Werk in den Fokus ihres 

Angela Beuerle 

Erzählens. Janáček schrieb, inspiriert von Beethoven 

und Tolstoi, ein Streichquartett dieses Titels. 

Beinahe emblematisch steht Beethovens Sonate 

dabei für die äussersten Formen von Liebe und 

Eifersucht, für eine auch durch Verstand und Erziehung 

nicht mehr zu bändigende Leidenschaft. 

Dass diese Musik in ihrer Ausdrucksintensität bis 

an die unmittelbaren Grenzen ihrer Gattung geht, 

wurde schon von Zeitgenossen wahrgenommen. 

Man müsse «von einer Art des aesthetischen oder 

artistischen Terrorismus befangen sein», wenn 

man Beethovens Werk nicht als ungeheuerlich 

empfinde, schreibt ein Rezensent 1805 anlässlich 

des Erscheinens der Noten. Und der französische 

Violinist Rodolphe Kreutzer, dem Beethoven die 

Sonate schliesslich widmete, spielte das Werk nie 

öffentlich, da er es als unspielbar und eine Tortur 

für das Instrument ansah. Uraufgeführt wurde 

das Werk allerdings schon zuvor von dem afroeuropäischen 

Violinvirtuosen George Bridgetower 

mit Beethoven am Klavier. Beethoven, heisst es, 

war so begeistert von Bridgetowers Spiel, dass er 

ihm daraufhin die Widmung «Sonata mulattica 

composta per il Mulatto Brischdauer, gran pazzo 

e conpositore mulattico» auf sein Manuskript 

schrieb. Dass er die Widmung diesem «gran pazzo» 

(völlig Verrückten) bald darauf wieder entzog 

und auf Kreutzer übertrug, soll auf einen auf 

die Uraufführung folgenden Streit zwischen den 

beiden Männern wegen eines «Mädchens» zurückgehen 

... 

Hier ist dieses Werk nun in einer zeitgenössisch 

entstandenen Fassung für Streichquintett 

mit zwei Celli zu hören, vermutlich aus der Feder 

des Beethoven-Schülers Ferdinand Ries. 

1779 komponierte Wolfgang Amadeus Mozart 

seine «Sinfonia Concertante für Violine, Viola 

und Orchester». Kurz zuvor war er von einer 

längeren Reise durch Europa zurückgekehrt, die 

ihn u.a. durch Paris und Mannheim geführt hatte. 

Nicht nur, dass sich der erhoffte Erfolg dieser 

Reise – eine Anstellung, die ihm einen dauerhaften 

Abschied von dem ihm inzwischen verhassten 

Salzburg bringen konnte – nicht eingestellt 

hatte, in Paris war zudem noch Mozarts Mutter 

gestorben, die ihn diesmal begleitet hatte. Ob 

und inwieweit Mozarts Sehnsucht, Trauer und 

Frustration in diese Komposition miteingeflossen 

sind, wird eine musikalische Analyse nicht 

herausfinden können. Deutlich wird jedoch, wie 

sein Aufenthalt in der Musikmetropole Paris und 

besonders in Mannheim, wo er mit der Mannheimer 

Hofkapelle einem der führendsten und 

fortschrittlichsten europäischen Orchester der 

Zeit begegnen konnte, seine Orchesterbehandlung 

differenziert und bereichert hatte. Auch die 

musikalische Gattung der «Sinfonia concertante», 

einer Mischform aus Solokonzert, Concerto 

Grosso, Divertimento, Serenade und Sinfonie, war 

damals neu, ein Reflex auf ein sich veränderndes 

Konzertleben, das sich allmählich aus dem Bereich 

der Höfe herausentwickelte und mit technischen 

Weiterentwicklungen der Instrumente und 

immer mehr hochvirtuosen Instrumentalisten 

ganze neue Möglichkeiten des instrumentalen 

Musizierens erschloss. Die in diesem Konzert 

erklingende Bearbeitung der Sinfonia Concertante 

für sechs Streicher wurde 1808 erstmals 

veröffentlicht. Während die knapp dreissig Jahre, 

die zwischen Mozarts Komposition und diesem 

sog. «Grande Sestetto Concertante» liegen, 

einen neuen, etwas romantischeren Blick auf das 

Werk eröffnen, besteht der grösste Unterschied 

zur originalen Version darin, dass wir es nun mit 

einem kammermusikalischen Werk zu tun haben. 

Sicherlich spielt hierbei, mit der viel leichteren 

Aufführbarkeit durch die kleine Besetzung, auch 

der Aspekt der «Gebrauchsmusik» eine Rolle (vgl. 

dazu den Text zum Konzert 03). Alle sechs Mitwirkenden 

nehmen nun einen gleichberechtigten 

Part ein, die enge Verzahnung von Soli und Tutti, 

die schon in Mozarts Komposition auffällt, wird 

hier somit bis in letzte Konsequenz weitergeführt. 

Eine Rekonstruktion auch im engsten Sinne 

des Wortes ist mit der Streichquintett-Version von 

Johannes Brahms’ «Klavierquintett f-Moll» (1864) 

zu hören. Denn 1862, dem Jahr, in dem Brahms seiner 

Heimatstadt Hamburg endgültig den Rücken 

kehrte und nach Wien übersiedelte, arbeitete er 

an einem eben solchen Streichquintett mit zwei 

Violoncelli. Clara Schumann, der Brahms die Partitur 

gezeigt hatte, schrieb am 3. September 1862: 

«Ich weiss nicht recht, wie ich’s anfangen soll, Dir 

mit ruhigen Worten zu sagen, welche Wonne ich 

an Deinem Quintett habe! Ich habe es viele Male 

[am Klavier] gespielt, und mir ist das Herz ganz 

voll davon! Das wird ja immer schöner, herrlicher!» 

Auch der mit Brahms befreundete Geiger 

Joseph Joachim zeigte sich bei seiner ersten Ansicht 

der Partitur begeistert, äusserte sich jedoch 

wenig später, nachdem er das Werk mit anderen 

Musikern geprobt hatte, bedenklich: «So wie das 

Werk jetzt ist, möchte ich es nicht öffentlich produzieren 

[...]». 1863 schrieb Brahms das Quintett 

daraufhin um in eine Sonate für zwei Klaviere, 

deren Uraufführung im Frühjahr 1864 allerdings 

kein Erfolg wurde. Auch Clara Schumann, weiterhin 

begeistert von dem musikalischen Material, 

bat Brahms, zusammen mit dem Dirigenten 

Hermann Levi, um eine weitere Bearbeitung. So 

entstand im Sommer 1864 die heute endgültige 

Fassung für Klavierquintett, ein Werk symphonischen 

Ausmasses, das auch für ein Orchester 

vorstellbar wäre, wie Clara Schumann anmerkte. 

Die Streichquintettfassung des Werkes ist uns 

nicht überliefert, vermutlich hat Brahms sie nach 

Joachims Kritik vernichtet. Vor einigen Jahren hat 

der finnische Cellist Anssi Karttunen es unternommen, 

das Klavierquintett für Streichquintett 

zu bearbeiten und somit die erste Fassung des 

Werkes zu rekonstruieren. «Es lässt sich unmöglich 

behaupten, dass ich mit dieser Transkription 

genau das Original re-konstruiert [sic!] habe, 

so vielfältig sind die Möglichkeiten für jeden 

Takt. Ich habe versucht, so viel wie möglich von 

Brahms’ Schreibweise für Streicher zu verstehen 

und von den Herausforderungen, vor die er sich 

gestellt sah, als er für dieselbe Besetzung schrieb 

wie Schuberts C-Dur Quintett, sein offensichtliches 

Vorbild.» 

In der immer wieder neuen Spannung zwischen 

diesen unendlichen Möglichkeiten in der 

Realisierung jedes einzelnen Taktes und dem 

möglichst genauen Sich-Einfühlen in die musikalische 

Denk- und Schreibweise liegt die Besonderheit 

einer jeden solcher «Re-konstruktionen», 

die Sie im heutigen Konzert erleben können! 

10 11

12 

KONZERT 2 

Pianists – 

Composers – 

Giants 

2 

Freitag, 25. Mai, 19 Uhr 

Rittersaal, Schloss Thun 

Violine: 


Lena Neudauer 

Jan Talich 

Violoncello: 

Dongkyun An 

Pavel Gomziakov 


Gavriel Lipkind 


Klavier: 

Aleksandar Madzar 

Roman Zaslavsky 

Sergei Rachmaninoff (1873 – 1943) 

Trio élegiaque Nr. 1 g-Moll (einsätzig) 

Ausführende: 

Gwendolyn Masin, Gavriel Lipkind, Roman Zaslavsky 

Ferruccio Busoni (1866 – 1924) 

Andante mit Variationen und Scherzo op. 18a 

Ausführende: 

Jan Talich, Louise Hopkins, Aleksandar Madzar 

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) 

Klaviertrio D-Dur op. 70 Nr. 1 («Geistertrio») 

Allegro vivace e con brio 

Largo assai ed espressivo 

Presto 

Ausführende: 

Lena Neudauer, Quirine Viersen, Roman Zaslavsky 

Pause 

Franz Liszt (1811 – 1886) 

La lugubre gondola – Romance oubliée 

Ausführende: 

Pavel Gomziakov, Aleksandar Madzar 

Robert Schumann (1810 – 1856) 

«Bilder aus Osten» (Sechs Impromptus op. 66) 

Lebhaft – Nicht schnell und sehr gesangvoll zu spielen – 

Im Volkston – Nicht schnell – Lebhaft – Reuig andächtig 

Ausführende: 

Aleksandar Madzar, Roman Zaslavsky 

Franz Liszt (1811 – 1886) 

Ungarische Rhapsodie Nr. 9 «Pester Karneval» 

Transkription für Streichtrio vom Komponisten 

Ausführende: 

Lena Neudauer, Dongkyun An, Roman Zaslavsky 

13

KONZERT 2 

Riesen am Klavier 

Wenn man die Komponisten des vorangegangenen 

Konzertes betrachtet – Mozart, Beethoven, 

Brahms –, fällt auf, dass sie als grosse Tonsetzer 

den «Pool» der kollektiven Erinnerungen bereichern, 

aber kaum als praktische Musiker, die 

sie doch auch waren: Mozarts Status als «Wunderkind» 

gründete mindestens ebenso auf seine 

Fähigkeiten am Klavier wie auf seine frühe 

Kompositionskunst, und seine Anstellungen als 

Hofkapellmeister oder Organist erlangte er auf 

Grund seines Instrumentalspiels. In Brahms’ 

Klavierspiel entdeckte der Geiger Joseph Joachim 

«intensives Feuer», in Wien reüssierte der 

so Gelobte als Pianist und Chorleiter. Allenfalls 

Beethoven macht auch als ausübender Musiker 

gleichsam bis in die Gegenwart hinein Schlagzeilen: 

Seine wilde, streckenweise groteske Art, 

das Klavier zu traktieren oder ein Orchester zu 

dirigieren, wird zur Verdeutlichung seiner Ausserordentlichkeit 

gerne aus historischen Dokumenten 

zitiert. 

Eben deshalb, wegen seiner Bedeutung als 

Pianist, erscheint Ludwig van Beethoven auch 

in diesem Konzert. Dennoch sind die «Riesen» 

(Giants) dieses Programms, also die zu ihrer Zeit 

als Virtuosen am Klavier berühmten «Auch-Komponisten», 

unbestreitbar Sergei Rachmaninow, 

Ferruccio Busoni und Franz Liszt. Allerdings auf 

unterschiedliche Weise: Beispielsweise blieb 

Frédéric Chopin auch als Komponist ein Mann 

des Klaviers, Liszt erfand jedoch «nebenbei» mit 

der Sinfonischen Dichtung eine neue Musikgattung. 

Auch Busoni, zunächst als Wunderkind à la 

Mozart vorgezeigt, strebte mit seinem «Entwurf 

einer neuen Ästhetik der Tonkunst» als Tonsetzer 

zu neuen Ufern. Für Rachmaninow hingegen, als 

Komponist nicht selten belächelt, öffnete seine 

virtuose Kunst am Klavier den Weg zu internationalem 

Ruhm. Er kehrte von Gastspielen als Pianist 

in Skandinavien nicht in die Sowjetunion 

zurück und liess sich 1918 in den USA nieder, wo 

er rastlos eine Konzerttournee nach der anderen 

Jürgen Hartmann 

absolvierte. Dass dies auf Kosten seiner Kreativität 

als Komponist ging, verwundert nicht. Robert 

Schumann, der das Programm komplettiert, hatte 

eine Pianistenkarriere angepeilt, vereitelte diese 

aber selbst, indem er in unreflektiertem Streben 

nach Perfektionierung die Beweglichkeit seiner 

Finger ruinierte. Als Dirigent machte Schumann 

eine bestenfalls durchschnittliche Karriere – all 

dies ist sozusagen die Kehrseite einer Virtuosenkarriere, 

im Schatten eines zwar geliebten, aber 

auch eifersüchtig belauerten (weiblichen) «Riesen» 

– der berühmten Pianistin Clara Schumann. 

Das Programm beginnt mit zwei Werken aus 

jungen Jahren: Rachmaninow war noch Student, 

als er 1891/92 sein Trio elégiaque komponierte, 

Busoni begann gar als Vierzehnjähriger mit dem 

Scherzo und fügt wenige Jahre später anlässlich 

einer Überarbeitung das Andante mit Variationen 

hinzu. Rachmaninow schrieb ein Klaviertrio, 

das dem verehrten Lehrer Tschaikowsky 

huldigte, teils in der Klangsprache, teils in der 

Bezeichung «elégiaque» oder auch der Tempovorschrift 

«lugubre», die Tschaikowsky andernorts 

verwendet hatte. Ein gutes Jahr später liess der 

junge Komponist nach dem Tod des Älteren ein 

zweites Werk in dieser Besetzung folgen. Natürlich 

spielte Rachmaninow bei der Uraufführung 

seines frühen Trios selbst den Klavierpart. Das 

einsätzige Werk, das das «elegische» Hauptthema 

nacheinander den drei Instrumenten zuteilt 

und in einem Trauermarsch intensiviert, ist ein 

eindrucksvoller Beweis für die Vielfalt an Klangfarben, 

die Rachmaninow insbesondere dem 

Klavier zu entlocken wusste. Im Gegensatz zu 

dem russischen Komponisten blieb bei Busoni 

das Klaviertrio mit dem Andante mit Variationen 

und Scherzo ein Einzelstück in dieser Besetzung. 

sein op. 1 ist ein kleiner Zyklus von Klaviertrios, 

und op. 70 ist ein «Doppelpack» der mittleren Lebensphase 

(gleich nach der «Pastorale» und in der 

lyrischen Stimmung dieser durchaus verwandt). 

Das erste Werk führt den Beinamen «Geistertrio». 

Wie so oft, ist dies wohl eher einem Zufall zu verdanken: 

In einer Skizze zu dieser Komposition 

findet sich ein Verweis auf Shakespeares «Macbeth» 

(ein wahres «Geisterdrama») – es ist aber 

nicht klar, ob Beethoven sich mit diesem Stück 

befassen wollte und erst recht nicht, ob das so 

genannte «Geistertrio» von «Macbeth» inspiriert 

ist. (Immerhin verdanken wir dem seltsamen 

Beinamen ein gleichnamiges Fernsehspiel von 

Samuel Beckett.) 

Während Beethoven sich in Wien anfangs als 

Instrumentalist einen Namen machte und bald 

als «Riese unter den Klavierspielern» galt (so Konrad 

Huscher in seinem Buch «Beethoven als Pianist 

und Dirigent»), fügt sich Robert Schumanns 

Tätigkeit als Dirigent in den Rahmen seines im 

Grossen und Ganzen unglücklichen Lebens ein. 

In Düsseldorf, wo er als Leiter der Rheinischen 

Musikfeste 1850 optimistisch angetreten war, 

kritisierten ihn schon bald die Presse, die Mitwirkenden, 

das Publikum. Von kurzer Dauer war 

besagter Optimismus, Clara Schumann kündigte 

schon 1852 an: «Die erste Gelegenheit, die sich 

uns bietet, und wir verlassen Düsseldorf.» Dazu 

sollte es nicht mehr kommen, 1854 wurde ihr 

Mann in eine Heilanstalt verbracht, wo er zwei 

Jahre später starb. Der sechsteilige Zyklus von 

Impromptus «Bilder aus Osten» scheint einige 

Jahre zuvor, 1848, in einem glücklichen Moment 

entstanden zu sein, und Robert Schumann wollte 

laut eigener Aussage mit dem vierhändigen Spiel 

bewusst «Herzensduette» schaffen. In diesem Fall 

ist der Beiname «Bilder aus Osten» sinnvoll und 

wurde vom Komponisten belegt: Schumann hatte 

bei Freunden ein Buch von Friedrich Rückert gelesen, 

eine Übersetzung aus dem Arabischen, und 

liess sich von dessen «kunstvoll verschlungenem 

Sprachausdruck» inspirieren. 

Frédéric Chopin und Franz Liszt sind als 

Pianisten gewiss «Riesen» des 19. Jahrhunderts 

– in unterschiedlicher Ausprägung: Chopin stellt 

man sich in den Pariser Salons vor, Liszt in grossen 

Konzertsälen. Was die Scheu vor dem gros- 

sen Publikum bei Chopin verhinderte, konnte 

aber auch ein Vorteil sein, wie ausgerechnet 

Franz Liszt meinte: «Nur selten und in grossen 

Abständen hat sich Chopin öffentlich hören 

lassen. Was aber für jeden anderen der sichere 

Weg zum Vergessenwerden und zu einem unbedeutenden 

Dasein gewesen wäre, verschaffte 

ihm im Gegenteil ein über allen Launen und 

Moden erhabenes Ansehen, und wurde ihm eine 

Schutzeinrichtung gegen Neid, Eifersucht und 

Ungerechtigkeit. Indem sich Chopin von dem 

rastlosen Treiben fern hielt, das seit einigen 

Jahren die Virtuosen des gesamten Erdkreises 

durcheinander und gegeneinander drängt, ist 

er doch beständig von treuen Anhängern umgeben 

geblieben.» Liszt hatte zwar ebenfalls nicht 

wenige Anhänger, aber auch viele Gegner, wofür 

sein – diplomatisch ausgedrückt – bewegtes Privatleben 

noch zusätzlichen Anlass bot. 

Auch experimentierte Franz Liszt gern: 

Während er mit «Romance oubliée» für Viola 

und Klavier eines der schönsten Duos der 

romantischen Musik schuf und damit auch 

für die immer gerne vernachlässigte Bratsche 

Ehre einlegte, arbeitete er «La lugubre gondola» 

mehrmals um. Womöglich als Vorahnung 

von Richard Wagners Tod Ende 1882 in Venedig 

entstanden, gibt es das Werk in Versionen 

für Klavier solo und in einer Fassung von 1885 

auch für ein Streichinstrument und Klavier. 

Diese spätere Version hat Liszt ganz sicher im 

Gedenken an Wagner verfasst. Auch die «Ungarischen 

Rhapsodien» sind gewissermaßen ein 

Experiment – einerseits mit der Folklore, mit Zigeunermelodien, 

die allerdings der Kunstmusik 

durchaus nahe stehen und deren «Originalität» 

zweifelhaft ist; andererseits mit Besetzungen. 

Dass Liszt aus den zwischen 1839 und 1847 geschriebenen 

«Rhapsodien» einige später orchestrieren 

liess und eine – die neunte mit dem Beinamen 

«Pester Karneval» – schon bald darauf, 

1848, selbst zum Klaviertrio umgestaltete, belegt 

auch einen verblüffend offenen Werkbegriff, der 

sich an Aufführungsbedingungen und «gute Gelegenheiten» 

geschmeidig anpasst. Die heutzutage 

so bindend erscheinende «Werktreue» ist 

ein Begriff des späten 20. Jahrhunderts – und 

womöglich, kaum wagt man es aufzuschreiben, 

ein grosses Missverständnis. 

14 

Ludwig van Beethoven hingegen pflegte diese 

Gattung der Kammermusik ausgiebig und sein 

ganzes schöpferisches Leben hindurch – schon 

15

16 

KONZERT 3 

My GAIA 

Wunschkonzert: 

Vom GAIA-Publikum ausgewählte Werke 

3 

Samstag, 26. Mai, 19 Uhr 


Violine: 

Lena Neudauer 


Jan Talich 

Viola: 

Ilya Hoffman 


Violoncello: 




Klavier: 


Anton Webern (1883 – 1945) 

Langsamer Satz für Streichquartett, 1905 

Ausführende: 

Tatiana Samouil, Lena Neudauer, 

Natalia Tchitch, Pavel Gomziakov 

Ernst Krenek (1900 – 1991) 

Parvula Corona Musicalis. 

Ad honorem B.A.C.H. op. 122 für Streichtrio 

I. Argumentum 

II. Symphonia 

III. Invocationes 

IV. Contrapuncti varii 

V. «Corona» 

VI. Clausula 

Ausführende: 

Tatiana Samouil, Natalia Tchitch, Pavel Gomziakov 

Johannes Brahms (1833 – 1897) 

Klarinettentrio a-Moll op. 114 

Allegro 

Adagio 

Andante grazioso – Trio 

Allegro 

Ausführende: 

Ilya Hoffman, Gavriel Lipkind, Roman Zaslavsky 

Pause 

Anton Bruckner (1824 – 1896) 

Streichquintett F-Dur WAB 112 

Gemässigt 

Scherzo. Schnell – Langsamer – Schnell 

Adagio 

Finale. Lebhaft bewegt – Langsamer 

Ausführende: 

Jan Talich, Lena Neudauer, Ilya Hoffman, 

Natalia Tchitch, Quirine Viersen 

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KONZERT 3 Angela Beuerle 

Komponistenbilder 

Mit jedem bekannten Komponistennamen verbinden 

wir ein akustisches Bild, durch das wir 

ihn einordnen, das ihn uns wiedererkennbar 

macht und unsere Hörerwartung prägt. Dieses 

Bild formt sich meist aus den grössten oder bekanntesten 

Werken dieses Komponisten, durch 

besondere Errungenschaften und Neuerungen 

seines Komponierens, durch das, was ihn 

von anderen Komponisten unterscheidet. Die 

Werke dieses Konzertes «My GAIA» – mit seinen 

vielen verwandten Werken gewissermassen 

eine «Weitererzählung» des Konzertes «GAIA 

Vintage – a Mahler Collection», das letztes Jahr 

hier im Festival zu erleben war – treffen dieses 

Bild meist nicht. Sie fügen ihm vielmehr andere, 

oft neue Aspekte hinzu und erzählen etwas 

über den Komponisten jenseits seines allgemein 

bekannten Hauptwerkes. 

So etwa Anton Weberns «Langsamer Satz» 

für Streichquartett. Komponiert 1905 gehört es 

zu seinen frühen Werken und ist, mehr noch 

als sein Klavierquintett von 1907 und ähnlich 

wie Schönbergs 1899 entstandenes Streichsextett 

«Verklärte Nacht» – beide Werke waren 

im letzten Jahr bei GAIA zu hören – noch 

ganz der Spätromantik verhaftet. In traditioneller 

Sonatenform geschrieben bezieht sich 

der «Lang same Satz» in freier Tonalität auf die 

Tonart C-Dur – bis Webern sich der Zwölftonmusik 

zuwandte, sollte es noch knapp zwanzig 

Jahre dauern. Die Tatsache, dass dieses Werk 

nicht in das Bild des zwölftönig oder zumindest 

expressionistisch-atonal komponierenden 

Anton Webern passte, zeigt sich auch daran, 

dass es erst 1962, über 50 Jahre nach seiner 

Entstehung und 17 Jahre nach Weberns Tod 

uraufgeführt wurde. Es ist mit gut 13 Minuten 

Spieldauer im Übrigen das längste Stück, das 

Webern komponiert hat. Entstanden ist es im 

Sommer, während einer Wandertour durch Niederösterreich, 

die Webern mit seiner Cousine 

Wilhelmine Mörtl, seiner späteren Frau, unternahm. 

Und es ist wohl nicht abwegig, wenn man 

vermeint, etwas von der Stimmung dieser Tage, 

die Webern selbst emphatisch beschrieben hat 

– seine junge Liebe zu Wilhelmine, die Freiheit 

in der Natur, die Schönheit des Sommers – in 

diesem «Langsamen Satz» erspüren zu können. 

Ein eindeutiges Bild vom Kompositionsstil 

Ernst Kreneks (1900 – 1991) zu haben, ist 

wiederum kaum möglich – zeichnet sich sein 

Schaffen doch gerade durch seine enorme Vielseitigkeit 

und Experimentierfreude aus, die mit 

einer immer wieder neuen Wandlung seines 

Stils einherging. Während in Europa dieser 

Stilwandel gerade von puristischen Vertretern 

der Neuen Musik eher kritisch angesehen wurde, 

bezeichnete man Krenek in den USA, wo 

er seit seiner Emigration 1938 nach dem «Anschluss» 

Österreichs an das nationalsozialistische 

Deutschland lebte, auch bewundernd als 

«one-man history of twentieth-century music». 

Sein Streichtrio «Parvula corona musicalis ad 

honorem B.A.C.H.» – Kleine musikalische Krone 

zu Ehren Bachs – entstand im September 1950. 

Ausgehend von dem aus vier übereinander gelagerten 

Halbtönen bestehenden B-A-C-H-Motiv 

entfaltet Krenek hier eine impressionistisch anmutende 

Studie über das Intervall der kleinen 

und grossen Sekunde. Die zwischen weniger als 

einer Minute und ca. zweieinhalb Minuten dauernden 

fünf Sätze des Werkes sind überschrieben 

mit den lateinischen Bezeichnungen I. Argumentum, 

II. Symphonia, III. Invocationes, IV. 

Contrapuncti varii, V. «Corona», VI. Clausula, 

ein Spiel mit Begriffen aus dem Bereich der Philosophie, 

Theologie und/oder Musiktheorie, die 

immer mehrere, sich teilweise überkreuzende 

Deutungskontexte eröffnen. 

«Ich hatte in der letzten Zeit Verschiedenes 

angefangen, auch Symphonien und anderes, 

aber nichts wollte recht werden; da dachte ich, 

ich wäre schon zu alt, und beschloss energisch, 

nichts mehr zu schreiben. Ich überlegte bei mir, 

ich sei doch mein Lebtag fleissig genug gewesen, 

hätte genug erreicht, hätte ein sorgenloses Alter 

und könne es nun ruhig geniessen. Und das 

machte mich so froh, so zufrieden, so vergnügt, 

dass es auf einmal wieder ging.» – so schrieb der 

58-jährige Brahms 1891 an einen Freund, den 

Musikwissenschaftler Eusebius Mandyczewski, 

nach einer längeren Schaffenspause. Das 

erste, was dann «wieder ging», war zunächst 

sein «Trio a-moll op. 114 für Klavier, Klarinette 

und Violoncello». Inspiriert hatte Brahms eine 

Reise nach Meiningen, wo er Richard Mühlfeld, 

den Solo-Klarinettisten der Meininger Hofkapelle, 

hörte. Begeistert vom Spiel von «Fräulein 

Klarinette», wie Brahms den später europaweit 

bekannten Solisten scherzhaft nannte, liess er 

sich zu mehreren Kompositionen für Klarinette 

hinreissen, die erste unter ihnen war das «Trio 

op. 114 a-moll». «Es ist, als liebten sich die Instrumente», 

schrieb Eusebius Mandyczewski 

über dieses Trio. Das verändert sich nicht in der 

hier nun zu hörenden Version mit Viola statt 

Klarinette, die Brahms bei der Veröffentlichung 

des Werkes noch hinzugefügt hat. Das andere 

Timbre der Bratsche trägt höchstens dazu bei, 

dass das Trio noch kammermusikalischer wirkt, 

da der Klang der Instrumente noch stärker verschmilzt. 

Beiden Versionen anzuhören ist die 

Leichtigkeit und Gelassenheit, mit der Brahms 

am Ende seines Leben, als er beschlossen hatte, 

dass es doch eigentlich gar nicht mehr nötig sei, 

das Komponieren wieder aufnahm. 

Was das «Bild» des Komponisten Brahms 

angeht, reicht dieses Trio seines Spätwerkes in 

seiner Verdichtung und Verknappung des musikalischen 

Ausdrucks sowie des thematischen 

Materials über seine früheren, bekannteren 

Kompositionen um einiges hinaus und lässt einmal 

mehr verstehen, warum Schönberg ihn in 

seinem berühmten Aufsatz als «Brahms the progressive» 

(Brahms, der Fortschrittliche) bezeichnet 

hat. Zugleich wird einem jedoch gerade beim 

Hören dieses Stückes deutlich, was der Dirigent 

und Musikwissenschaftler Peter Gülke meinte, 

wenn er feststellte, dass «der späte Brahms als 

Fluchtpunkt seines Schaffens da [steht], […] nah 

bei dem, was der alte Fontane, auch sich selbst 

meinend, über seinen Vater schrieb: ‹Wie er zuletzt 

war, so war er eigentlich.›» 

Bruckner und Kammermusik, würde man 

meinen, passt nicht zusammen. Nur insgesamt 

fünf kammermusikalische Werke sind 

uns von Bruckner überliefert. Die ersten zwei, 

Kompositionen für Streichquartett, entstanden 

zu reinen Studienzwecken, das dritte ist ein 

kleines Gelegenheitswerk für Violine und Klavier. 

Das einzige grössere, auch von Bruckner 

selbst für gültig erachtete Werk dieser Gattung 

ist das zwischen Dezember 1878 und Juli 1879 

komponierte «Streichquintett F-Dur» für zwei 

Violinen, zwei Bratschen und Violoncello. Zur 

Zeit der Komposition des Streichquintetts hatte 

Bruckner seine fünfte Sinfonie vollendet, er 

lebte in Wien, unterrichtete am Konservatorium 

und hielt gut besuchte Vorlesungen als Lektor 

für Musiktheorie an der Universität. Grössere 

Erfolge als Komponist waren ihm zu diesem 

Zeitpunkt jedoch noch nicht beschieden. Die 

Anregung für die Komposition des Quintetts 

kam von Joseph Hellmesberger, Direktor des 

Konservatoriums und erster Geiger der berühmten 

nach ihm benannten Quartettformation. 

Jedoch war Hellmesberger mit dem Quintett 

zunächst nicht einverstanden und Bruckner 

komponierte noch ein Intermezzo in d-moll, 

um damit das von Hellmesberger besonders 

bemängelte Scherzo zu ersetzen – seine fünfte 

und letzte kammermusikalische Komposition, 

die bereits beim letztjährigen GAIA-Festival zu 

hören war. Als das Quintett im Januar 1885, übrigens 

in seiner ursprünglichen Form mit dem 

Scherzo, endlich zur Uraufführung kam, wurde 

dies zu einem der ersten grossen Erfolge des 

Komponisten in Wien. «Wir möchten Bruckners 

Quintett nicht mit irgendeinem anderen 

Werke der Gegenwart vergleichen: es steht für 

sich und einzig da», schrieb der Kritiker Ludwig 

Speidel. Und tatsächlich verbindet sich in 

dieser Komposition auf ganz besondere Art 

die subtile Feinheit des kammermusikalischen 

Musizierens mit dem grossen Formdenken eines 

Sinfonikers, das dialogische Prinzip der 

Kammermusik mit dem subjektiven Gestus 

einer Sinfonie. In einzigartiger Weise gibt uns 

dieses Werk so die Möglichkeit, neue Farben 

und Aspekte im Bild des grossen Sinfonikers 

Bruckner zu entdecken. 

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KONZERT 4 

The Sunday 

Morning Coffee 

Concert 

Reflections on Bach 

4 

Sonntag, 27. Mai, 11 Uhr 

Schloss Oberhofen 

Violine: 


Viola: 


Violoncello: 

Dongkyun An 






Sechs dreistimmige Präludien und Fugen nach J. S. Bach KV 404a 

Nr. 6: Präludium (Adagio) von Wolfgang Amadeus Mozart 

Fuge: Bearbeitung Mozarts nach Wilhelm Friedemann Bach, 

Fuga f-Moll Falk Nr. 31/8 

Ausführende: Tatiana Samouil, Natalia Tchitch, Pavel Gomziakov 

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) 

Ciaccona aus der Partita II d-Moll BWV 1004 für Violine solo 

Arrangement für vier Violoncelli von Laszlo Varga 

Ausführende: Gavriel Lipkind, Pavel Gomziakov, 

Louise Hopkins, Dongkyun An 

Pause 




Fuge: Bearbeitung Mozarts nach Johann Sebastian Bach, 

Das Wohltemperirte Clavier II, Fuga 13 Fis-Dur BWV 882 



Präludium und Fuge es-Moll BWV 853 aus 

Das Wohltemperirte Clavier I 

Arrangement nach Bach für vier Violoncelli von Laszlo Varga 

Ausführende: Quirine Viersen, Gavriel Lipkind, 

Louise Hopkins, Dongkyun An 




Fuge: Bearbeitung Mozarts nach Johann Sebastian Bach, 

Das Wohltemperirte Clavier II, Fuga 14 fis-Moll BWV 883 



Suite V c-Moll BWV 1011 für Violoncello solo 

Arrangement für zwei Violoncelli von Laszlo Varga 

Prelude – Allemande – Courante – Sarabande –Gavotte I, II – Gigue 

Ausführende: Gavriel Lipkind, Dongkyun An 

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KONZERT 4 

«Reflections on Bach» 

oder Anpassungen 

an gute Gelegenheiten 

Das Arrangieren ist eine undankbare Sache. 

Gefällt das Ergebnis, wird das dem Komponisten 

zugerechnet; gefällt es nicht, trägt der 

Arrangeur die Schuld. Und doch gibt es zahllose 

Bearbeitungen von musikalischen Werken, 

manch ein Verlagskatalog weist mehr solche 

Einrichtungen als Originalwerke auf, viele Stücke 

liegen sogar in mehreren Bearbeitungen 

vor. Um die historische Bedeutung von Arrangements 

zu ermessen, muss man sich klar 

machen, dass es Jahrhunderte lang für die Verbreitung 

von Musikstücken unabdingbar war, 

sie für einen möglichst grossen Personenkreis 

spielbar zu machen – sei es als Hausmusik, sei 

es öffentlich. Viele Werke hätten den Weg in 

eine breitere Öffentlichkeit kaum gefunden, 

hätte es von ihnen nicht Einrichtungen beispielsweise 

für zwei Klaviere oder für die so 

genannte «Harmoniemusik», eine mittelgrosse 

Bläserbesetzung, gegeben. Kaum hätte man 

Melodien aus Mozart-Opern auf der Strasse 

gepfiffen, wäre deren Kenntnis auf die Theaterbesucher 

beschränkt geblieben. 

Musikalische Arrangements sind aber seit 

der Erfindung von Rundfunk und Schallplatte 

nicht überflüssig geworden – in manchen Fällen, 

weil es für bestimmte Besetzungen wenig 

originales Repertoire gibt, in anderen Fällen, 

weil sich – wie beim GAIA-Festival – Musiker 

zusammenfinden und ein Werk spielen wollen, 

das ihnen in der Originalbesetzung nicht 

zugänglich ist. Es braucht also Arrangeure, 

Angela Beuerle / Jürgen Hartmann 

die sich der noblen Aufgabe stellen und nach 

harter Arbeit den Ruhm eben doch den Komponisten 

überlassen müssen. Der ungarischamerikanische 

Musiker Laszlo Varga, ehemals 

Solocellist der New Yorker Philharmoniker, bevor 

er sich dem Solospiel, der Kammermusik 

und dem Unterrichten widmete, ist einer von 

ihnen. Die Liste seiner Arrangements scheint 

unendlich, im Mittelpunkt steht sein eigenes 

Instrument in mannigfaltigen Kombinationen. 

Eine der apartesten ist sicherlich ein Quartett 

aus vier Celli, für das Varga vor allem Werke 

von Johann Sebastian Bach arrangiert hat. 

Natürlich ist die kontrapunktische Dichte von 

Bachs Werken für diese Mehrstimmigkeit eine 

«Steilvorlage» – selbst wenn die Stücke, wie 

die im Konzert erklingende Chaconne aus der 

zweiten Violinpartita oder die fünfte Cellosuite, 

original nur für ein einziges Instrument 

geschrieben sind. Manche Werke Bachs sind 

als «spekulativ» bezeichnet worden, darunter 

auch das «Wohltemperirte Clavier», das aus 

einem schematischen Tonartenplan einen 

musikalischen Kosmos formt. Wir dürfen also 

spekulieren, mit welchen Besetzungen Bach 

womöglich sogar experimentiert hat (viele 

seiner Werke sind verloren), so wie er mit vorhandener 

Musik experimentierte, indem er 

sie neuen Gesangstexten anpasste. Sind nicht 

auch Bearbeitungen und Arrangements solche 

Anpassungen, Anpassungen an eine (gute) Gelegenheit? 

JH 

Sicher, eben auch an die Gelegenheit, Musik 

«von innen» heraus kennen zu lernen. Insofern 

lässt sich durchaus die Frage aufwerfen, inwieweit 

die Möglichkeit, durch Radio und CD Musik 

in Originalbesetzung jederzeit und ohne Weiteres 

im eigenen Wohnzimmer spielen zu können, 

nicht auch den Nachteil mit sich bringt, nun 

nicht mehr gezwungen zu sein, sich selbst, in 

welch unprofessioneller Weise auch immer, 

durch eigenes Spiel den Werken früherer Komponisten 

anzunähern. 

Ganz und gar nicht unprofessionell ging es 

zu im Salon des niederländischen Diplomaten 

Gottfried van Swieten (1733–1803), seinerzeit 

Präfekt der kaiserlichen Hofbibliothek in Wien. 

Van Swietens Hauptinteresse galt der Musik, 

er komponierte selbst, wobei Joseph Haydn 

befand, seine Sinfonien seien «so steif wie er 

selbst». Vor allem aber förderte van Swieten 

Musiker und Komponisten und er begeisterte 

sich für die Musik des Barock, besonders Bachs 

und Händels. Deren Werke hatte er in Berlin, 

wo er 1770–1777 als Botschafter weilte, in den 

musikalischen Salons der Prinzessin Anna 

Amalia von Preußen, der komponierenden 

jüngsten Schwester von Friedrich dem Großen, 

kennengelernt. Van Swieten folgte damit 

durchaus nicht dem allgemeinen Musikgeschmack 

seiner Zeit: Händels und vor allen 

Dingen Bachs Musik war wenig bekannt und 

galt, wenn, als trocken, unmelodisch, unverständlich, 

nicht aufführbar. 

Die Musiker und Komponisten jedoch, die 

bei van Swieten ein- und ausgingen, teilten seine 

Begeisterung. Neben Haydn und später Beethoven 

war darunter auch Mozart, der ihm seine 

Bekanntschaft mit Händel und Bach verdankte: 

«ich gehe alle Sonntag um 12 uhr zum Baron von 

Suiten – und da wird nichts gespiellt als Händl 

und Bach. – ich mach mir eben eine Collection 

von den bachischen fugen», schreibt Mozart 

am 10. April 1782 an seinen Vater. Bach wurde 

auf diese Weise ein Lehrmeister für Mozart, das 

«Wohltemperirte Clavier» – so berichtet Mozarts 

Schüler, der englische Komponist Thomas 

Attwood –, lag von da ab immer aufgeschlagen 

auf seinem Pianoforte. Auch von einem Aufenthalt 

Mozarts in Leipzig im Frühjahr 1789 wissen 

wir, dort spielte er an der Orgel der Thomaskirche 

und studierte mit Begeisterung Autographe 

von Bachs Motetten, «die Stimmen um sich 

herum, in beide Hände, auf die Knie, auf die 

nächsten Stühle verteilt.» Und in seinem Werk 

bis hin zum letzten, dem Requiem, finden sich 

deutliche Spuren des Eindrucks, den die Kompositionen 

Bachs auf ihn hinterlassen haben. 

Vermutlich auf Anregung van Swietens 

hin bearbeitete Mozart 1782 fünf dreistimmige 

Fugen Bachs, drei aus dem «Wohltemperirten 

Clavier», eine aus der «Kunst der Fuge», eine 

aus der «Orgelsonate Nr. 2» sowie eine Fuge von 

Wilhelm Friedemann Bach für Streichtrio. Als 

Präludien stellte er ihnen eigene Kompositionen 

im Stil der nachfolgenden Fugen voran. Auffällig 

ist dabei, dass Mozarts Transkriptionen den 

Bach’schen Fugen nicht in allem genau folgen, 

was natürlich auf Ungenauigkeiten seiner Vorlage 

zurückzuführen sein kann. Wahrscheinlicher 

ist jedoch, dass der Komponist Mozart 

den Komponisten Bach hier gewissermassen 

kommentiert, den Werken in Details Nuancen 

seiner eigenen Schaffensphantasie hinzufügt. 

Die Präludien und Fugen KV 404a sind somit 

Arrangements, die ein ganz besonderes, zeitenübergreifendes 

Lehrer-Schüler-Verhältnis 

zweier ganz Grosser unserer Musikgeschichte 

dokumentieren. Ein Lehrer-Schüler-Verhältnis 

in Form eines Dialogs, den Mozart, beginnend 

mit seinen einleitenden Präludien, mit dem 

Leipziger Thomaskantor Bach führt. AB 

23

24 

KONZERT 5 

GAIA 

en français 

5 

Sonntag, 27. Mai, 19 Uhr 


Violine: 


Jan Talich 

Viola: 

Guy Ben-Ziony 

Violoncello: 




Klavier: 



César Franck (1822 – 1890) 

Sonate für Violoncello und Klavier 

Bearbeitung von Jules Delsart nach der Sonate für Violine 

und Klavier A-Dur 

Allegretto ben moderato 

Allegro 

Recitativo – Fantasia. Ben moderato – 

Largamente con fantasia 

Allegretto poco mosso 

Ausführende: 

Pavel Gomziakov, Roman Zaslavsky 

Maurice Ravel (1875 – 1937) 

Klaviertrio a-Moll 

Modéré 

Pantoum: Assez vif 

Passacaille: Très large 

Final: Animé 

Ausführende: 

Gwendolyn Masin, Gavriel Lipkind, 


Pause 

César Franck (1822 – 1890) 

Klavierquintett f-Moll op. 14 

Molto moderato quasi lento – Allegro 

Lento, con molto sentimento 

Allegro non troppo, ma con fuoco 

Ausführende: 

Gwendolyn Masin, Jan Talich, Guy Ben-Ziony, 

Louise Hopkins, Aleksandar Madzar 

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KONZERT 5 Jürgen Hartmann 

Spielerische Eleganz 

und klarer Geist 

Franck stammt aus einer flämisch-deutschen 

Familie, wurde im belgischen Lüttich (Liège) 

geboren und ging schon als Jugendlicher nach 

Paris, wo er auch als Organist tätig war. 

Bei der Uraufführung des 1878/79 entstandenen 

Klavierquintetts wirkte am Klavier 

Francks Gegenspieler Camille Saint-Saëns mit, 

der die beabsichtigte Widmung des Werks jedoch 

brüsk zurückgewiesen haben soll. Vielleicht 

standen die für Paris nicht eben untypischen 

Rivalitäten innerhalb des Musiklebens zu 

sehr zwischen den beiden. Der mehr als zehn 

Jahre jüngere Saint-Saëns galt im Grunde als der 

«Altmodischere». In Francks Klavierquintett 

findet sich mit den thematischen Verbindungen 

zwischen den einzelnen Sätzen eine kompositorische 

Technik, die seinerzeit als durchaus kühn 

galt. Melodik und Harmonik weisen in ihrer Delikatesse 

auf die Werke Faurés oder gar des Impressionismus 

voraus. Das Klavierquintett – als 

erweitertes Streichquartett – kam dem Streben 

der Romantik nach Opulenz und dunkler Grundierung 

im Klang entgegen. Womöglich aber 

hatte die Diversifizierung von Besetzungen – 

ebenso wie Umarbeitungen und Arrangements 

– auch damit zu tun, dass die Kammermusik 

immer auch Anlass zum Zusammenspiel von 

Freunden war. Schuberts «Forellenquintett» ist 

ein frühes Beispiel: Die Besetzung mit einem 

Kontrabass auf Kosten der zweiten Violine hatte 

den Grund, dass ein Freund und Förderer des 

Komponisten eben dieses Instrument spielte. 

Auch für die Entstehung von César Francks 

Sonate für Violine und Klavier A-Dur (dem musikalischen 

«Urbild» der Bearbeitung für Violoncello 

und Klavier) gibt es einen charmanten 

Grund: Das Werk war 1886 ein Hochzeitsgeschenk 

für den Geiger (und Komponisten) 

Eugène Isaÿe, einen Landsmann Francks, der 

ebenfalls aus Lüttich stammte und dem noch 

viele Komponisten bedeutende Werke zueignen 

sollten. Erstmals erklang das Werk auf eben 

dieser Hochzeit, die öffentliche Uraufführung 

in einem Brüsseler Museum soll nach einem 

Bericht des anwesenden Komponisten Vincent 

d’Indy in völliger Dunkelheit stattgefunden 

haben, die die Ausführenden zum Auswändigspielen 

zwang: Die Verantwortlichen wollten 

trotz Überlänge des nachmittags begonnenen 

Konzertprogramms das Licht nicht einschalten. 

In der Sonate knüpft Franck an die bereits 

erwähnte Technik an, die einzelnen Sätze 

durch thematische Elemente miteinander zu 

verknüpfen, die hier gleich zu Beginn, beim ersten 

Einsatz des Streichin struments nach einem 

kurzen Klaviervorspiel, vorgestellt werden. Das 

Werk beeindruckt darüber hinaus durch seine 

perfekten Proportionen sowohl innerhalb der 

Einzelsätze als auch durch deren Wechsel im 

musikalischen Charakter. Die Fassung für Violoncello 

und Klavier von Jules Delsart ist die 

einzige, die von César Franck selbst autorisiert 

worden ist. 

Maurice Ravel komponierte sein Klaviertrio 

1914, unmittelbar vor seinem Eintritt in den 

Kriegsdienst. Auch in diesem Werk liess er sich 

von seiner Herkunft aus dem französischen 

Baskenland beeinflussen, wo er naturgemäss 

mit wesentlich «südlicheren» Rhythmen in Berührung 

kam als der Belgier Franck. In seinem 

Klaviertrio ging er über diese gleichsam heimatliche 

Exotik noch hinaus und verarbeitete auch 

Eindrücke, die er von der malaiischen Versform 

des «Pantun» empfangen hatte, die im Westen 

als «Pantoum» in die Dichtkunst eingegangen 

ist. Diese weit ausgreifenden Ideen hat Ravel 

gleichwohl stark verdichtet und mit dem einerseits 

vielfältigen, andererseits formstrengen 

Klaviertrio ein Werk hinterlassen, das er 

selbst als «fast zu klassisch» empfand. 

Kammermusik in Frankreich – damit hat es ten gespielt wird, während der frankophone 

eine ganz eigene Bewandtnis. Um die Mitte Sprachraum durchlässig ist und es Komponisten 

des 19. Jahrhunderts fanden sich Komponisten wie dem Belgier César Franck oder dem Schwei- 

und Musikfreunde zusammen, die das kleine, zer Arthur Honegger ermöglichte, im grossen 

aber intensive musikalische Format stärker ins Frankreich zu reüssieren. Jedenfalls trug die be- 

Bewusstsein rücken wollten. Der Komponist sagte Bewegung für die Kammermusik zwar bei 

Éduard Lalo war dabei ein wichtiger Impuls- den bekanntesten französischen Komponisten 

geber und steuerte mit zwei Klaviertrios um im frühen 20. Jahrhundert, Claude Debussy und 

die Mitte der 1850er Jahre und einem Streich- Maurice Ravel, Früchte in Gestalt je eines exemquartett 

1859 wichtige Werke bei. Er gründete plarischen Streichquartetts – die beiden Werke 

darüber hinaus das Armingaud-Quartett und werden in Konzert oder Aufnahmestudio gern 

wirkte selbst als Geiger mit. Ausdrücklich woll- zusammengespannt und in einer Weise «beworte 

man Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann ben», als habe man die französische Kammer- 

Es gibt zwei Begriffe, die für viele Menschen 

und Mendelssohn und ihre Kammermusik musik damit bereits ausgeschöpft. Von beiden 

die französische Geisteshaltung und deren 

bekannter machen. Aber es dauerte lange, bis Komponisten gibt es selbstverständlich mehr 

künstlerischen Ausdruck umreissen: clarté und 

eine Infrastruktur der Kammermusik entstand kammermusikalische Werke, aber es gibt wei- 

esprit. Klarheit und Geist? Die Wörterbücher 

– also passende Konzertsäle, Konzertreihen und tere ebenso verdienstvolle Meister der franzö- 

helfen uns, die Bedeutung aufzufächern. Clarté 

speziell programmierte Festivals, und vielleicht sischen Musik – wie den auch als Pädagogen ge- 

wäre danach nicht nur Klarheit und die damit 

noch länger, bis im Rahmen dieser Infrastrukwichtigen César Franck im 19. Jahrhundert. Mit 

verwandte Helligkeit, sondern auch Deutlichtur 

bewusst auch die Schätze der französi- dem «Intermezzo» durch Maurice Ravel rahmt 

keit sowie Anschaulichkeit. Esprit hingegen beschen 

Kammermusik selbst gehoben wurden. Franck ein Konzertprogramm, das Schlaglichter 

deutet nicht nur Geist, sondern auch Witz. Dass 

Manchmal bewegt sich die Musikgeschichte, auf die Geschichte der Kammermusik in Frank- 

der «esprit allemand» das dem französischen 

das praktische Konzertleben ausdrücklich einreich wirft. 

«Geist» doch recht entgegen gesetzte «Deutschgeschlossen, 

eben nur in Zeitlupe. 

Bei César Franck droht seine Bedeutung als 

tum» meint, entbehrt nicht der Ironie. Aber 

Lehrer unter anderem von Fauré, d’Indy, Dup- 

hat das in Zeiten, in denen ein Kammermusik- 

Es ist auch verwunderlich, dass in den arc, Chausson oder Dukas stets seine eigenen 

festival in der deutschsprachigen Schweiz von 

deutschsprachigen Ländern selbst die vorhan- Kompositionen zu überlagern, von denen nur 

Musikern aus aller Welt gestaltet wird, über- 

26 dene Kammermusik aus Frankreich eher sel- wenige wirklich zu Repertoirestücken wurden. 

haupt noch Bedeutung? 

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PORTRAITS

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Dongkyun An 

VIOLONCELLO 

Der in Korea geborene kanadische Cellist 

Dongkyun An begann seine musikalische 

Ausbildung im Alter von 13 Jahren bei 

Chun-Ja Choi in Korea. 

Nach dem Umzug nach Edmonton, Kanada, 

setzte er seinen Unterricht bei Tanya 

Prochazka, Colin Ryan und David Tutt fort. 

Derzeit studiert An an der Hochschule 

der Künste in Zürich bei dem weltbekannten 

britischen Cellisten Raphael Wallfisch 

und lernt Barockcello bei Martin Zeller. 

Neben seiner Ausbildung in Europa 

erhielt er unter anderem Cellounterricht 

von Pieter Wiespelwey, Gary Hoffman, 

Shauna Rolston, Andres Diaz, Hans Jensen, 

Gavriel Lipkind, Matt Haimovitz und 

Anner Bylsma. 

Dongkyun An war als Solist mit dem 

Edmonton Youth Orchestra, dem Edmonton 

Symphony Orchestra und kürzlich mit 

dem Karlsbader Sinfonieorchester in der 

Tschechischen Republik zu hören. Ausserdem 

tritt er mit Soloabenden und in Kam- 

mermusikkonzerten in verschiedenen europäischen 

Ländern und Nordamerika auf. 

Zusätzlich zu Studium und Konzerten 

nahm er 2010 an der Montreal Symphony 

Orchestra Competition teil, wo er den 

ersten Preis errang. Überdies erhielt er 

beim GAIA Kammermusikfestival 2011 im 

schweizerischen Thun den GAIA Masters 

Award. Mit dieser Ehrung sind Auftritte 

als Gastmusiker beim GAIA Kammermusikfestival 

2012 verbunden. 

Kürzlich gewann er den 2. Preis beim 

18. Internationalen Johannes-Brahms- 

Wettbewerb in Pörtschach, Österreich. 

Seine musikalische Ausbildung wird 

grosszügig von der Alberta Foundation for 

the Arts, der Anne Burrows Music Foundation, 

dem Winspear Fund in Edmonton 

und der Sylva Gelber Music Foundation in 

Ottawa unterstützt. 

Guy Ben-Ziony 

VIOLA 

Guy Ben-Ziony wurde in Israel geboren. Im 

Alter von neun Jahren begann er mit dem 

Violinspiel und wechselte mit dreizehn zur 

Viola. Er studierte in Israel bei Professor 

Chaim Taub, in Frankfurt bei Professor Tabea 

Zimmermann und in Leipzig bei Professor 

Tatjana Masurenko. 

Seit 2006 ist er Professor für Viola an der 

Hochschule für Musik «Felix Mendelssohn 

Bartholdy» in Leipzig. Er gab Meisterkurse 

in Schweden, Israel, England, Österreich, 

Ungarn und der Türkei. Ben-Ziony war regelmässig 

als Solobratschist bei der Camerata 

Salzburg zu Gast und wurde von Orchestern 

wie der Deutschen Kammerphilharmonie 

Bremen, der Kremerata Baltica und der Camerata 

Nordica (Schweden) häufig als Gastsolist 

eingeladen. 

Er spielt als Solist mit vielen israelischen 

und europäischen Orchestern, darunter das 

Israelische Kammerorchester, die Tel Aviv Soloists 

und das I.D.F. Chamber Orchestra (unter 

der Schirmherrschaft von Isaac Stern). Sein 

Debüt mit dem Bartók-Konzert gab er in Leipzig 

unter Daniel Harding. 

1998/99 war Ben-Ziony Mitglied des 

Zapolski-Quartetts Kopenhagen, mit dem 

er Aufnahmen für die Labels Chandos und 

Classico machte. Auftritte mit anderen Kammermusikensembles 

führten Ben-Ziony 

auch in Konzertsäle wie die Carnegie Hall 

(New York), die Wigmore Hall (London) und 

das Berliner Konzerthaus. 

Als gefragter Kammermusiker nahm Ben- 

Ziony an einigen der weltweit bedeutendsten 

Kammermusikfestivals teil, unter anderem 

in Lockenhaus, Davos, Kronberg, Dubrovnik, 

Zagreb, Ravinia, Jerusalem, Moritzburg, 

Heimbach und Prussia-Cove. Zu seinen Kammermusikpartnern 

zählen unter anderem Gidon 

Kremer, Lisa Batiashvili, Antje Weithaas, 

Tabea Zimmermann, Tatjana Masurenko, Vladimir 

Mendelssohn, Boris Pergamenschikow 

und Alexander Lonquich. 

Er ist zusammen mit Gerhard Schulz, 

Noam Greenberg und Lilia Schulz-Bayrova 

Mitglied des Waldstein Ensembles. In der 

Saison 2010/11 Saison konzertierte das Ensemble 

im Haus des Wiener Musikvereins, 

im Amsterdam Concertgebouw, in der Londoner 

Wigmore Hall sowie auf Tourneen 

in Israel, Spanien und anderen Ländern. 

Ausserdem spielt Ben-Ziony beim «Israeli 

Chamber Project»-Ensemble (ICP). 

31


VIOLONCELLO 

Pavel Gomziakov wurde 1975 in der russischen 

Stadt Tschaikowski in der Uralregion 

geboren. Mit neun Jahren begann er das 

Cellospiel. Als Vierzehnjähriger zog er nach 

Moskau, wo er zunächst an der Gnessin- 

Schule und später an der staatlichen Musikhochschule 

von Professor Dmitri Miller 

unterrichtet wurde. Im Jahr 2000 setzte er 

seine Studien bei Professor Natalia Schakhovskaya 

an der Escuela Superior de Música 

Reina Sofia in Madrid fort. Danach schloss er 

den «Cycle de Perfectionnement» am Pariser 

Konservatorium in der Klasse von Philippe 

Muller ab. 

Als Solist und Kammermusiker tritt Pavel 

Gomziakov auf der ganzen Welt auf. Er arbeitete 

unter anderem mit Künstlern wie Zakhar 

Bron, Asencio Jesus Lopez Cobos, Augustin 

Dumay, Louis Lortie, Jose-Luis Garcia, Eldar 

Nebolsin, Trevor Pinnock, Anthony Ros- 

Marba und Christopher Warren-Green. Im 

Juli 2007 musizierte Gomziakov mit Maria 

João Pires beim Escorial Festival in Spanien. 

Daraus ergab sich eine Zusammenarbeit, die 

beide durch Europa, den Fernen Osten und 

Südamerika führte, wo sie an Konzertorten 

wie dem Théâtre Champs Élysées (Paris), der 

Victoria Hall (Genf), dem Teatro Real (Madrid), 

der Philharmonie Köln, dem Wiener 

Konzerthaus, dem CCB (Lissabon) und der 

Sumida Triphony Hall (Tokio) musizierten. 

Im Mai 2009 brachte die Deutsche Grammophon 

eine Aufnahme von Chopins Cellosonate 

heraus, die von Pavel Gomziakov und 

Maria João Pires eingespielt wurde und eine 

Grammy-Nominierung erhielt. 

In den beiden vergangenen Jahren 

konzertierte Gomziakov mit dem New Japan 

Philharmonic, dem London Chamber 

Orchestra und dem Orchestre National de 

Montpellier. Im November 2008 nahm er 

für Arte Schumanns Cellokonzert mit dem 

Orchestre de Chambre de Wallonie unter der 

Leitung von Augustin Dumay auf. Das Konzert 

wurde im belgischen, französischen und 

deutschen Fernsehen gesendet. 

Im April 2010 gab Gomziakov unter dem 

Lob der Kritiker sein US-Debüt mit dem Chicago 

Symphony Orchestra unter dem Dirigat 

von Trevor Pinnock. Der Cellist wird im 

Juni 2012 erneut mit diesem Orchester zu 

hören sein, wenn er Beethovens Tripelkonzert 

spielt. 2011 war Gomziakov bereits zum 

zweiten Mal mit dem Kansai-Orchester auf 

Japantournee. Im April 2012 wurde seine 

Aufnahme des Cellokonzerts von Saint- 

Saëns mit Augustin Dumay und dem Kansai- 

Orchester bei Onyx veröffentlicht. 

Im Juli 2012 spielt Pavel Gomziakov erstmals 

beim White Nights Festival von Valery 

Gergiev in Russland. 

Ilya Hoffman 

VIOLA 

Geboren 1977 in Moskau begann Ilya Hoffman 

seine Ausbildung an der Gnessin-Musikschule 

in der Klasse von Elena Ozol. Später 

wurde er in die Klasse von Yuri Bashmet 

am Staatlichen Tschaikovsky-Konservatorium 

in Moskau aufgenommen. Ilya Hoffman 

beendete seine Ausbildung am Konservatorium 

mit einem Aufbaustudium. 

Sowohl als Instrumentalist als auch als 

Komponist nahm Ilya Hoffman unter anderem 

an Festivals wie dem World Viola Festival 

im deutschen Kronberg, Music at Plush in 

Grossbritannien, Italiens Mozartiana in der 

Emilia Romagna, Estlands Eesti Barokkmuusika 

in Tallinn, dem Automne Musical in 

Nîmes, Frankreich, und dem Banff Music in 

Kanada teil. 

Er arbeitete und spielte mit herausragenden 

Musikern wie Alexei Lubimov, Natalia 

Gutman, Kolya Blaher, Edward Brunner, 

Charles Neidich, Mikhail Muntian, Alexander 

Trostiansky, Alexander Rudin, Alexei 

Utkin und Adrian Brendel. Neben seiner 

umfangreichen Tätigkeit als Solist, Dirigent 

und Komponist ist er auch als Kammermusiker 

äusserst gefragt. 

Häufig spielt Ilya Hoffman Uraufführungen. 

Zu den bedeutenden Werken, die er 

erstmals aufgeführt hat, zählen Sofia Gubaidulinas 

«Zwei Wege» für zwei Bratschen und 

Symphonieorchester (Russische Erstaufführung), 

Valentin Silvestrovs Lachrymose für 

Solobratsche (Uraufführung), Sergey Berinskys 

Symphonie für Solobratsche, Klavier und 

Symphonieorchester (Uraufführung), und 

Alban Berg / Leonid Hoffmans Sonate op. 1 

für Bratsche und Streichorchester (Uraufführung). 

Ilya Hoffman ist: 

– Gewinner des Solti Foundation Award 

(Grossbritannien, 2005) 

– Preisträger der Vienna International Music 

Competition (Österreich, 2005) 

– Preisträger der Gaetano Zinetti International 

Chamber Music Competition (Italien, 

2004) 

– Preisträger der Yuri Bashmet International 

Viola Competition (Russland, 2000) 

32 33


VIOLONCELLO 

Louise Hopkins studierte an der Guildhall 

School of Music and Drama bei Steven Isserlis 

und Raphael Wallfisch. Schon früh 

besuchte sie die International Musicians’ 

Seminars von Prussia Cove und studierte – 

neben Cello-Meisterkursen bei Isserlis und 

Ralph Kirshbaum – Kammermusik bei András 

Schiff und György Kurtág. 

Hopkins gab ihr Debüt in der Barbican 

Hall, wo sie das Cellokonzert von Witold Lutosławski 

unter dem Dirigat des Komponisten 

spielte. The Times schrieb über dieses Konzert: 

«Musiker mit einer solchen Persönlich - 

keit, Geschicklichkeit und Kraft sind selten», 

und The Independent berichtete: «Binnen 

Minuten hatte Hopkins den Geist von Mstislaw 

Rostropowitsch heraufbeschworen.» Zur 

selben Zeit erhielt sie mehrere Preise für junge 

Künstler und gab in der Folge zahlreiche 

Konzerte in Grossbritannien. Hopkins gewann 

unter anderem den Frank Britton Award, woraufhin 

sie im Alter von 19 Jahren ihren ersten 

Soloauftritt in der Wigmore Hall hatte, an den 

sich in den Folgejahren Konzerte am gleichen 

Ort anschlossen, die vom Tillet Trust und vom 

Kirkman Trust unterstützt wurden. 

Als Gast der grossen Festivals war Hopkins 

mehrfach in Aldeburgh, wo sie an Kammermusik- 

und Solokonzerten teilnahm, darunter 

auch eine live von der BBC übertragene Aufführung 

von Benjamin Brittens Cello-Sinfonie 

anlässlich des 37. Jahrestags der Uraufführung 

des Werks mit dem BBCSymphony Orchestra 

unter Leitung von Leonard Slatkin. Darüber 

hinaus wirkte sie unter anderem bei den Festivals 

in Cheltenham, Bath, Brighton, Harrogate, 

Dijon, beim Vertavo Quartet Festival in Elverum 

(Norwegen), beim Belgrade Cello Festival, 

beim Salon de Provence, beim Sommerfestival 

2007 des Irish Chamber Orchestra und bei der 

Amsterdam Cello Biennale mit. 

Seit über 20 Jahren besucht Louise Hopkins 

das Open Chamber Music Festival in 

Prussia Cove. Ihre Konzerte waren häufig im 

Rundfunk zu hören, unter anderem bei der 

BBC, bei RTÉ, ABC, Radio Suisse Romande, 

New Zealand Radio und Radio France. 

Als Kammermusikerin trat Hopkins in international 

renommierten Häusern von der 

Wigmore Hall bis zum dem Sydney Opera 

House auf. Sie war mehrmals Gast des Takács 

Quartets und von Thomas Adès, mit dem 

sie sein Klavierquartett «CATCH» bei EMI 

aufnahm. Zu ihren musikalischen Partnern 

zählten ausserdem unter anderem Emmanuel 

Pahud, András Keller, Anthony Marwood, 

Ferenc Rados, Dénes Várjon, Aleksandar 

Madzar, Alexander Melnikov, Piers Lane 

und Steven Kovacevich. Louise Hopkins tritt 

regelmässig mit dem Pianisten Aleksandar 

Madzar auf, mit dem sie bei INTIM MUSIK 

eine CD mit Sonaten von Schnittke, Carter 

und Rachmaninow herausbrachte. 

Im Alter von 25 Jahren war Hopkins eine 

der jüngsten Professorinnen an der Guildhall 

School of Music and Drama. Zusätzlich unterrichtete 

sie bis 2006 an der Yehudi Menuhin 

School. Louise Hopkins wurde 2010 zur 

Leiterin der Streicherabteilung der Guildhall 

berufen. Sie gibt Meisterkurse in Frankreich, 

Deutschland, der Schweiz, Serbien, Singapur, 

Australien und dem Vereinigten Königreich. Im 

September 2007 nahm sie ihre Celloprofessur 

an der Hochschule in Bern auf. 


CELLO 

Der Cellist Gavriel Lipkind, 1977 in Tel Aviv 

geboren, erlebte bereits in jungen Jahren 

einen kometenhaften Aufstieg. Dann beschloss 

er jedoch, den vorgezeichneten Lebensweg 

zu überdenken und zu unterbrechen. 

Er nahm eine dreijährige Auszeit von 

der Bühne, während der er sich intensiver 

Weiterbildung und Tonaufnahmen widmete. 

«[...] ein erheblicher Teil 

der Zuhörer verliess den Saal 

unter Tränen.» 

The Strad Magazine 

Lipkind trat in einigen der namhaftesten 

Konzertsälen weltweit auf, etwa im Concertgebouw, 

der Suntory Hall, dem Kennedy Center 

und der Berliner Philharmonie. Er war dort 

mit Soloprogrammen und berühmten Orchestern 

zu hören, unter anderem mit dem Israel 

Philharmonic, den Münchner Philharmonikern 

und dem Baltimore Symphony Orchestra. 

Bereits früh stand er mit herausragenden 

Musikern wie Zubin Mehta, Philippe Entremont, 

Giuseppe Sinopoli, Yehudi Menuhin, 

Pinchas Zukerman, Mstislav Rostropovitch, 

Yuri Bashmet und Gidon Kremer auf der 

Bühne. 

Heute verbindet Lipkind seine musikalischen 

Engagements mit einem grösseren 

Plan, das zugrunde liegende Repertoire aufzunehmen. 

Daher bestimmen und bedingen 

diese Produktionen alle übrigen Aspekte seiner 

Karriere. 

«[...] Lipkind ist einmalig [...] 

er spielt wie besessen [...]. 

Ein Konzert auf der Stuhlkante, 

voller Dramatik [...].» 

The Independent (fünf Sterne) 

Mit seinem tiefen Verlangen, einzigartige 

Aufnahmen zu machen und diese mit seiner 

Konzert- und Lehrtätigkeit in Verbindung 

zu bringen, schafft Lipkind sich eine eigene 

Nische. Beständig hinterfragt er die gängigen 

Einschränkungen im Leben eines Solisten, 

wodurch sein Musikerdasein zu einer ganzheitlichen 

Mission wird. 

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KLAVIER 

Aleksandar Madzar wurde 1968 in Belgrad 

geboren. Er begann mit dem Klavierspiel als 

Schüler von Gordana Malinovic und wurde 

später von Arbo Valdma, Elisso Virsaladze 

und Daniel Blumenthal in Novi Sad, Belgrad, 

Moskau und Brüssel ausgebildet. Er gewann 

Preise in Genf und Leeds, siegte beim Busoni- 

und beim Umberto-Micheli-Wettbewerb 

und debütierte 1990 mit den Berliner Philharmonikern 

unter Ivan Fischer. Seitdem 

tritt er regelmässig in ganz Europa auf und 

unternimmt gelegentlich Konzerttourneen 

in Nord- und Südamerika, Südafrika und im 

Fernen Osten. Die Bandbreite seiner Auftritte 

umfasst Soloprogramme, Konzerte und 

Kammermusik. Aleksandar Madzar unterrichtet 

am Koninklijk Conservatorium in 

Brüssel. 


VIOLINE 

Einer Einladung folgend gründete Gwendolyn 

Masin 2006 ein facettenreiches Kammermusikfestival, 

das sie «GAIA» nannte. Es wurde 

zum Synonym einer Heimstatt, nicht nur für 

seine künstlerische Leiterin, sondern auch 

für die über sechzig Musiker und bildenden 

Künstler, die bislang an diesem Festival mitgewirkt 

haben. 

Die Virtuosität der als «Naturbegabung 

mit einer Autorität, um die sie die meisten 

Violinisten beneiden müssten» (The Irish 

Times) beschriebenen Violinistin ist kein 

Zufall: Gwendolyn Masin entstammt einer 

traditionsreichen Musikerfamilie aus Mittel- 

und Osteuropa. Im Alter von fünf Jahren gab 

sie ihr Debüt an der Franz-Liszt-Akademie in 

Budapest. Seitdem erhielt sie bei ihren zahlreichen 

Auftritten als Konzertviolinistin mit 

hochkarätigen Orchestern, bei Konzertvorträgen 

und als Solistin viel Beifall – und bei jedem 

Auftritt ist ihre Liebe zur Bühne förmlich greifbar. 

Kammermusik gehörte zu ihren frühsten 

musikalischen Erfahrungen, und wann immer 

es ihr möglich ist, kehrt sie zu dieser zurück. 

«Sie umgeht die Fallstricke des Wunderkind-Status 

und entwickelt sich dabei so 

rasch, dass ihr Konzerte gewidmet werden» 

schrieb The Sunday Business Post, als Gwendolyn 

Masin noch ein Teenager war. Werke 

von John Buckley, Thorsten Encke, Urs Peter 

Schneider und anderen wurden von der Förderin 

zeitgenössischer Musik uraufgeführt und 

eingespielt. 

Die als charismatische Musikerin und Rednerin 

geltende Persönlichkeit wird regelmässig 

zu Fernseh- und Radiosendungen in ganz 

Europa, in Russland und Südafrika eingeladen 

und erhielt höchste internationale Auszeichnungen, 

Preise und Abschlüsse. 

Die berufliche Neugier spiegelt sich in 

Masins gesamter musikalischer Entwicklung 

wider. Mit einundzwanzig verfasste sie ihre 

eigene Lehrmethode und wurde damit unwissentlich 

die jüngste Frau, der dies gelungen 

war. Eingebettet in das preisgekrönte Werk 

«Michaela’s Music House» wurde die Methode 

2009 bei Müller & Schade veröffentlicht. Das 

von Musikpädagogen aus aller Welt empfohlene 

Buch erntete viel Lob von der internationalen 

Presse. Die deutsche Übersetzung wird 

2012 erscheinen. 

Gwendolyn Masin erteilt Violin- und Kammermusik-Meisterkurse 

in Instituten und bei 

Festivals in ganz Europa und Nordamerika und 

gibt dort auch Gesprächskonzerte. Auch ihre 

Promotion am Trinity College stand ganz im 

Zeichen der Leidenschaft für das Unterrichten. 

Gwendolyn Masin leistet ihren Beitrag zu 

neuartigen Projekten, die die Bedeutung der 

klassischen Musik in unserer Zeit unterstreichen 

und sie einem breiteren Publikum zugänglich 

machen. Sie produziert die interdisziplinäre 

Reihe «In Search of Lost Time» und 

war Kuratorin des Carrick Music Festivals, wo 

sie nicht nur Klassik, sondern auch Jazz und 

Weltmusik auf das Programm setzte. GAIA 

wurde auch in dem Bestreben geschaffen, diese 

Ziele an einem einzigen Ort zu verwirklichen 

und ein umfassendes Kollektiv an Künstlern 

aufzubauen, so dass nicht nur die Mitglieder, 

sondern auch die Zuhörer sich über die jährliche 

Wiederkehr freuen. 

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Lena Neudauer 

VIOLINE 

Lena Neudauer, 1984 in München geboren, 

begann im Alter von drei Jahren mit dem 

Geigenspiel und gab bereits mit zehn Jahren 

ihr erstes Konzert mit Orchester. Mit elf 

Jahren kam Lena Neudauer in die Klasse von 

Helmut Zehetmair an das Mozarteum Salzburg, 

um später bei Thomas Zehetmair und 

zuletzt bei Christoph Poppen zu studieren. 

Schon früh errang Lena Neudauer internationale 

Aufmerksamkeit, als sie 1999 den 

Leopold-Mozart-Wettbewerb in Augsburg 

nicht nur gewann, sondern als vierfache 

Preisträgerin ausgezeichnet wurde (1. Preis, 

Mozart-Preis, Richard-Strauss-Preis für die 

beste Interpretation des Violinkonzertes 

von Richard Strauss und Publikumspreis). 

Seither musizierte Lena Neudauer mit 

Orchestern wie dem MDR-Sinfonieorchester, 

der Deutschen Radiophilharmonie 

Saarbrücken Kaiserslautern, dem Orchestre 

National de Belgique, dem Tampere Philharmonic 

Orchestra und dem Münchener Kammerorchester 

unter Dirigenten wie Dennis 

Russell Davies, Pietari Inkinen, Mariss Jansons, 

Hannu Lintu, Christoph Poppen und 

Bruno Weil. 

In ihrer künstlerischen Tätigkeit nimmt 

die Kammermusik eine wichtige Rolle ein, 

was sie als Gast zu diversen Festivals wie 

Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, 

Schleswig-Holstein Musik Festival, Kammermusik 

Festival Hohenstaufen, GAIA 

Kammermusikfestival Thun (Schweiz) oder 

Musikfestival Schloss Cappenberg führt. 

Als Solistin trat sie u.a. bei Braunschweig 

Classix, den Thüringer Bachwochen, der 

Mozartwoche Salzburg und dem Flandern 

Festival auf. 

Im Jahr 2010 erhielt Lena Neudauer eine 

Professur für Violine an der Hochschule für 

Musik Saar in Saarbrücken und ist nun eine 

der jüngsten Professoren Deutschlands. 

Ihre Debüt-CD mit Schumanns Gesamtwerk 

für Violine und Orchester, erschienen 

bei dem deutschen Label Hänssler CLASSIC 

mit der Deutschen Radiophilharmonie Saarbrücken 

Kaiserslautern unter der Leitung 

von Pablo Gonzalez, erhielt den International 

Classical Music Award (ICMA) für die 

beste Konzerteinspielung des Jahres. 


VIOLINE 

Tatiana Samouil entstammt einer musikalischen 

Familie aus Sankt Petersburg. Ihre 

wichtigsten Lehrer in Russland waren Sergej 

Fatkulin (Musikakademie Moskau) und Maja 

Glezarowa, die Samouil zum Solistendiplom 

des Moskauer Tschaikowski-Konservatoriums 

führte. Tatiana Samouil lebt in Belgien, 

seit Igor Oistrach sie 1997 als seine Studentin 

an die Musikhochschule in Brüssel holte. In 

den folgenden Jahren begann ihr beruflicher 

Aufstieg, nachdem sie Preisträgerin von sieben 

internationalen Wettbewerben (darunter 

der Königin Elisabeth-, der Tschaikowski- 

und der Sibelius-Wettbewerb) wurde. 

Sie trat unter anderem mit dem Russischen 

Nationalorchester, dem Belgischen Nationalorchester, 

dem Türkischen Präsidialorchester, 

der Klassischen Philharmonie 

Bonn, der Holland Symfonia, dem Orquestra 

Metropolitana de Lisboa, dem Orchestre 

National de Chambre de Toulouse und dem 

Orquesta Filarmónica des Teátro Colón von 

Buenos Aires auf. 

Zu ihren diesjährigen Projekten zählen 

das Yurii-Bashmet-Festival in Khabarovsk, 

Konzerte in Brüssel, Paris, Rom und Lissabon, 

ein Debüt in Hongkong, Konzerte mit 

dem Orchestre Philharmonique de Liège, 

den Sinfonieorchestern von Samara und 

Chabarowsk, dem Symphony Orchestra of 

Odessa Opera and Ballet Theatre sowie die 

Veröffentlichung sämtlicher Kammermusikwerke 

von César Franck (mit David Lively 

und dem Malibran String Quartet). 

Die aktuellsten CDs von Tatiana Samouil 

enthalten unter anderem Stücke von Prokofjew 

mit Plamena Mangova und die Kammermusikwerke 

von George Enescu mit Claudia 

Bara, Gérard Caussé und Justus Grimm. 

Die Geigerin hat seit 2005 einen Lehrauftrag 

zusammen mit Augustin Dumay bei der 

Chapelle Musicale Reine Elisabeth inne und 

ist auch als Violinprofessorin an der Artesis- 

Hochschule in Antwerpen tätig. Beruflich 

teilt sie sich zwischen Solo- und Kammermusikengagements, 

ihrer Lehrtätigkeit und 

ihrer Position als Konzertmeisterin des Sinfonieorchesters 

La Monnaie in Brüssel auf. 

Dank eines anonymen Mäzens spielt 

Tatiana eine Violine von Antonio Stradivari 

von 1714, die einst dem legendären Fritz 

Kreisler gehörte. 

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Jan Talich 

VIOLINE 

Jan Talich erhielt seine Ausbildung an der 

Musikhochschule Prag bei Václav Snítil. Der 

Violinist gewann Stipendien zur Intensivierung 

seiner Ausbildung bei Shmuel Ashkenasi 

in den USA sowie bei Yfrah Neaman in 

der Guildhall School of Music in England. 

Mit dem Gewinn des internationalen 

Václav-Huml-Violinwettbewerb in Zagreb 

1989 begann er seine internationale Solistenkarriere 

und ist seitdem regelmässig auf 

europäischen Konzertpodien zu Gast (Paris, 

Birmingham, London und Brüssel). 

Talich nahm mehrere Solo-CDs mit 

tschechischer Musik mit Klavier sowie 

Beethoven- und Mozartkonzerte, Schostakowitsch-Sonaten 

und eine CD mit Zigeunermusik 

mit Cimbalom auf. Er gibt regelmässig 

Meisterkurse in der Tschechischen 

Republik, in Frankreich (einschliesslich 

Prades und dem Conservatoire Superieur in 

Paris), Belgien, USA, Grossbritannien und 

Israel. 1992 gründete er das Talich Chamber 

Orchestra, dessen Solist und künstlerischer 

Leiter er ist. Ausserdem war er Gründungsmitglied 

des «Kubelík Trio», welches sämtliche 

Dvořák-Trios sowie Werke von Smetana, 

Fibich, Suk und Novák einspielte. Er verliess 

das Trio 1997, als er Erster Geiger beim Talich 

Quartet wurde, einem der weltweit 

führenden Ensembles dieser Art. Die CD- 

Produktionen des Ensembles sind zahlreich 

und umfassen die berühmten tschechischen 

Quartette sowie alle Mendelssohn-Quartette 

und das vollständige Kammermusikwerk 

von Schostakowitsch für Streicher mit Klavier. 

In den letzten Jahren konzentrierte er 

sich stärker auf seine Laufbahn als Dirigent. 

2008 wurde er leitender Dirigent des 

South Bohemian Chamber Philharmonic 

Orchestra. Jan Talich spielt eine Geige von 

Antonio Stradivari aus dem Jahr 1729 sowie 

ein Instrument von Gennaro Gagliano aus 

dem Jahr 1780. In dieser Saison führen ihn 

seine Konzerttourneen sowohl als Dirigent 

als auch als Geiger in zahlreiche Länder, darunter 

Italien, Frankreich, Grossbritannien, 

Deutschland und die USA. 


VIOLA 

Die im russischen Maikop geborene Natalia 

Tchitch erhielt ihren ersten Violinunterricht 

mit fünf Jahren. Sie studierte zunächst Violine 

und Viola an der Central Music School 

und am Tschaikowski-Konservatorium in 

Moskau bei Mikhail Waiman, Natalia Bezrodnaya, 

Maria Sitkovskaya und Fiodor Drouzhinin, 

und führte dann ihre Viola-Ausbildung 

an der Musikhochschule Reina Sofia in Madrid 

bei Professor Gérard Caussé fort. 

Ab 1998 spielte Natalia Tchitch in zahlreichen 

Orchestern, zu Beginn mit dem 

Orquesta Sinfonica de Galicia (La Coruña) 

und der Opera de Paris, später als Gast-Solobratschistin 

am Brüssler Opernhaus La 

Monnaie und beim Orquesta Nacional de 

España (Madrid). 

Derzeit ist sie Mitglied des Kammerorchesters 

«Band Art» unter der Leitung von 

Gordan Nicolic und des «Ensemble Dissonances» 

des Geigers David Grimal, wo sie 

mit Freunden und festen Kammermusikpartnern 

auftritt. 

2006 wurde sie Mitglied des «Schostakowitsch-Ensembles», 

einer sehr regen Formation, 

die regelmässig Konzerte in Spanien 

und Portugal gibt und der auch der Pianist 

Felipe Pinto-Ribeiro, die Violinistin Tatiana 

Samouil und der Cellist Pavel Gomziakov 

angehören. 

Die Lehrtätigkeit nimmt einen grossen 

Raum in Natalia Tchitchs beruflichem Leben 

ein. 2003 wurde sie zur Assistentin in 

Professor Gérard Caussés Violaklasse am 

Konservatorium Paris ernannt. 2007 übernahm 

sie eine Stelle als Pädagogin an der 

Akademie Musikene in San Sebastian (Baskenland). 

Natalia Tchitch ist regelmässig als 

Kammermusikerin bei zahlreichen internationalen 

Festivals zu Gast, wo sie mit Musikern 

wie Augustin Dumay, Alain Meunier, 

Katia und Marielle Labeque, Natalia Shakhovskaya, 

David Grimal, Justus Grimm, Kirill 

Troussov, Maria João Pires, Gérard Caussé 

und Isabella Faust auf der Bühne steht. 

Natalia Tchitch spielt eine Viola von Jacques 

Fustier (Lyon) aus dem Jahr 1985. 

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VIOLONCELLO 

Die niederländische Cellistin Quirine Viersen 

gehört zu den international führenden 

musikalischen Persönlichkeiten der jüngeren 

Generation. Mit ihrem kraftvollen, intensiven 

und virtuosen Spiel hat sie sowohl das Publikum 

als auch die Fachpresse und ihre Kollegen 

von ihrer besonderen Musikalität und ihrem 

umfassenden Einblick in das Repertoire der 

klassischen Musik überzeugt. 

Quirine Viersen siegte bei nationalen und 

internationalen Wettbewerben wie dem Concours 

Rostropovich 1990 in Paris, der International 

Cello Competition in Helsinki 1991 und 

dem Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau 

1994. Im gleichen Jahr erhielt sie auch den 

Niederländischen Musikpreis. 2000 gewann 

sie den Credit Suisse Young Artist Award, einen 

wichtigen Preis zur Förderung junger Musiktalente. 

Ihre ersten Cellostunden nahm Quirine 

Viersen bei ihrem Vater, Yke Viersen, Cellist im 

Koninklijk Concertgebouworkest. An der Musikhochschule 

erhielt sie Unterricht von Jean 

Decroos und Dmitri Ferschtman. Sie schloss 

ihr Studium 1997 am Mozarteum Salzburg als 

Schülerin von Heinrich Schiff ab. 

Seitdem trat Viersen mit Orchestern wie 

dem Combattimento Consort Amsterdam, dem 

hr-Sinfonieorchester, dem Israel Philharmonic 

Orchestra, dem Malmö Symphony Orchestra, 

dem Orquesta Sinfonica do Estado de Sao Pao- 

lo, dem Koninklijk Concertgebouworkest unter 

Herbert Blomstedt, Ingo Metzmacher und 

Bernard Haitink, dem Royal Flemish Orchestra, 

der Sinfonietta Cracovia, dem St. Petersburg 

Philharmonic Orchestra unter Valery Gergiev, 

dem Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra 

mit Jean Fournet, dem Ulster Orchestra, dem 

Wiener KammerOrchester und den Wiener 

Philharmonikern unter Zubin Mehta auf. 

Auch als Kammermusikerin ist sie sehr gefragt. 

Sie ist regelmässig bei Festivals wie dem 

Delft Chamber Music Festival, dem Stavanger 

Festival, den Musiktagen Mondsee, den Luzerner 

Festwochen, den Salzburger Festspielen 

und dem Risör Festival in Norwegen zu Gast. 

Sie gab zahlreiche Klavierquartett-Konzerte 

mit Silke Avenhaus, Benjamin Schmid und 

Hanna Weinmeister und wurde von Leonidas 

Kavakos zu einem Sextettprogramm ins Concertgebouw 

Amsterdam eingeladen. 

Viersen brachte mit der Pianistin Silke 

Avenhaus, ihrer Duopartnerin seit 1996, fünf 

CDs mit Werken romantischer und zeitgenössischer 

Komponisten heraus. Darüber hinaus 

nahm Quirine Viersen das Cellokonzert 

von Glière mit dem Royal Flemish Orchestra 

unter Marc Soustrot und beide Haydn-Cellokonzerte 

mit dem Combattimento Consort 

Amsterdam auf. 

Für die Zukunft sind Auftritte mit der Wiener 

Kammerphilharmonie, dem Nederlands 

Philharmonisch Orkest, der Darlana Sinfonietta, 

der Pori Sinfonietta, dem Staatsorchester 

Rheinische Philharmonie und dem Radio Filharmonisch 

Orkest geplant. Quirine Viersen 

wird mit Antje Weithaas und Silke Avenhaus 

auf Kammermusiktournee gehen und darüber 

hinaus alle Bach-Suiten spielen. 

Quirine Viersen spielt ein Cello von Giuseppe 

Guarneri filius Andreae aus dem Jahr 

1715, das ihr freundlicherweise vom Nationalen 

Musikinstrumentenfonds der Niederlande 

zur Verfügung gestellt wird. 


KLAVIER 

Roman Zaslavskys aussergewöhnliche musikalische 

Begabung wurde schon in seinen 

frühen Jahren deutlich – zahlreiche Preise 

begleiten den Werdegang des jungen Pianisten. 

Bereits mit 18 Jahren gewann er den 1. 

Preis beim Nationalen Klavierwettbewerb 

der Russischen Republik. 

Darüber hinaus war Roman Zaslavsky 

Preisträger renommierter Klavier- und 

Kammermusik-Wettbewerbe. 1998 erhielt er 

den 2. Preis bei der «Hamamatsu Academy 

International Piano Competition» (Japan), 

den 3. Preis der «Trio di Trieste International 

Chamber Music Competition» (Italien) und 

den 3. Preis des Kammermusikwettbewerbes 

«Vittorio Gui» in Florenz. Seinen grössten 

Erfolg konnte Roman Zaslavsky jedoch im 

Jahr 2000 verbuchen: Er wurde als 1. Preisträger 

beim «Vendome Prize» International 

Piano Competition in Köln ausgezeichnet 

und gewann den begehrten «Primer Grand 

Premio» bei der «Jose Iturbi» International 

Piano Competition in Valencia. 

Highlights der letzten Saisons waren 

Aufführungen mit Mikhail Jurowksi im Teatro 

Carlo Felice in Genua und mit dem Budapest 

Radio Symphony Orchestra unter der 

Leitung von Laszlo Kovacs beim berühmten 

Festival «Ediecigiornate di Brescia» in Brescia, 

Italien, in Saarbrücken mit dem Saarländischen 

Staatsorchester und Konzerte 

mit dem Brussels Philharmonic. 

Er gastierte bei den Zeister Musiktagen 

in den Niederlanden, mit Soloabenden in 

den Niederlanden und Israel und in Duokonzerten 

mit dem Cellisten Gavriel Lipkind in 

der Laeiszhalle Hamburg, beim Hessischen 

Rundfunk in Frankfurt sowie in Japan. 

Seine Solokonzerte führten ihn auch 

nach Lateinamerika: Er spielte beim 16. Internationalen 

Piano Festival in Monterrey 

und beim 60. Internationalen Klavierfestival 

«Teatro Isauro Martinez» in Torreón, Mexico, 

anlässlich der XVIII Semana Musical in Llao 

Lao, Argentinien und in Kolumbien sowie in 

der berühmten Sala Sao Paulo in Brasilien, 

wo er mit Beethovens Klavierkonzert Nr. 5 

op. 73 mit dem Orchestra Sinfónica do Estado 

de Sao Paulo unter der Leitung von Ligia 

Amadio auftrat. 

Im März 2012 erschien bei EuroArts 

Music International Roman Zaslavskys 

«Ingenious Opposites Vol.1» mit Werken 

von Robert Schumann und Franz Liszt, die 

die Gegensätzlichkeit dieser Komponisten 

darstellen. Das Programm «Ingenious Opposites» 

ist wie massgeschneidert für die 

zurzeit qualitativ beste Musikproduktion 

mit digitaler Mikrofontechnologie und der 

Möglichkeit von 24/96khz Audio-Qualität 

auf Blu-Ray Audio. Diese Aufnahme erscheint 

als CD und als Blu-ray Audio mit der 

höchstmöglichen Auflösung. 

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GAIA PER SE

GAIA PER SE 

Mitwirkende 

seit der Gründung 

von GAIA 2006 

Komponisten 

Hendrik Andriessen 

Anton Arensky 

Kurt Atterberg 

Johann Sebastian Bach 

Samuel Barber 

Béla Bartók 

Ludwig von Beethoven 

Alban Berg 

H. Ignaz Franz Biber 

Ernest Bloch 

Jorge A. Bosso 

Johannes Brahms 

Max Bruch 

Anton Bruckner 

Ferruccio Busoni 

Claude Debussy 

Antonín Dvořák 

George Enescu 

Gabriel Fauré 

César Franck 

Edvard Grieg 

Johann Halvorsen 

Georg Friedrich Händel 

Joseph Haydn 

Robert Kahn 

Zoltán Kodály 

Ernst Krenek 

Don Li 

György Ligeti 

Franz Liszt 

Gustav Mahler 

Alessandro Marcello 

Felix Mendelssohn Bartholdy 

Wolfgang Amadeus Mozart 

Sergei Prokofjew 

Sergei Rachmaninow 

Maurice Ravel 

Camille Saint-Saëns 

Arnold Schönberg 

Dmitri Schostakowitsch 

Franz Schubert 

Robert Schumann 

Richard Strauss 

Georg Philipp Telemann 

Pjotr Iljitsch Tschaikowski 

César Viana 

Antonio Vivaldi 

Anton Webern 

Léo Weiner 

Eugène Ysaÿe 

Interpreten 

Violine 

Gabriel Adorján 

Shmuel Ashkenasi 

Florian Bachofer 

Hovhannes Baghdasaryan 

Sandrine Cantoreggi 

Yun-Jin Cho 

Anke Dill 

Daniel Garlitsky 

Philippe Graffin 

Barbara Gruszczynska 

Wonji Kim 


Lena Neudauer 

Laura Oomens 

Igor Ozim 

Ioana Petcu-Colan 

Emi Ohi Resnick 

Rahel Maria Rilling 


Alexander Sitkovetsky 

Jan Talich 

Sono Tokuda 

Viola 

Guy Ben-Ziony 

Gérard Caussé 

Isabel Charisius 

Jan Grüning 

Ilya Hoffman 

Vladimir Mendelssohn 

Sara Maria Rilling 

Aline Saniter 


Mikhail Zemtsov 

Violoncello 

Dávid Adorján 

Dongkyun An 

Antoaneta Emanuilova 

Christopher Franzius 


Frans Helmerson 


Christopher Jepson 

Guy Johnston 


Philippe Muller 

Timora Rosler 

Martti Rousi 

Torleif Thedéen 


Kontrabass 

Holger Michalski 

Klarinette 

Don Li 

Yevgeny Yehudin 

Fagott 

Martin Kuuskmann 

Klavier 

Julia Bartha 

Robert Kulek 



Harfe 

Sarah Christ 

Xala 

Ania Losinger 

Perkussion 

Matthias Eser 

Ensembles 

Grazioso Kammerorchester 

der Ungarischen 

Nationalphilharmonie 

The Lipkind Quartet 

Tonus String Quartet 

Dirigent 

Gergely Madaras 

46 

47

GAIA PER SE 

Uraufführungen 

und Schweizer 

Erstaufführungen 

beim GAIA Kammermusikfestival Thun 

2011 

Kurt Atterberg (1887–1974) 

Doppelkonzert C-Dur für Violine, 

Violoncello und Streicher op. 57 

Schweizer Erstaufführung 

Alban Berg (1885–1935) 

Klaviersonate op. 1 

Bearbeitung für Viola und Streichorchester 

von Leonid Hoffman 


Ernest Bloch (1880–1959) 

Gebet (T’Fila) 

orchestriert von Jorge Bosso 


César Viana (*1963) 

«Sermaf» für Violine und Viola 


2010 

Johann Sebastian Bach (1685–1750) 

Concerto d-Moll für Oboe, 

Violine, Streicher und Basso 

continuo BWV 1060R 

Uraufführung der Transkription 

in c-Moll für Viola und Fagott von 

Ilya Hoffman und Martin Kuuskmann 

Jorge Bosso (*1966) 

(Moshe) für Violoncello solo 

und 17 Streicher 

Uraufführung 

Max Bruch (1838–1920) 

«Kol Nidrei» 

Adagio d-Moll nach hebräischen 

Melodien für Violoncello 

und Orchester op. 47 

Schweizer Erstaufführung der 

Transkription für Violoncello und 

Streichorchester von Gavriel Lipkind 

in Zusammenarbeit mit dem Brussels 

Chamber Orchestra 

Johan Halvorsen (1864–1935) 

Sarabande g-Moll mit Variationen 

nach Georg Friedrich Händel 

für Violine und Viola 


der GAIA-Transkription für Violine 

und Violoncello 

Robert Schumann (1810–1856) 

Fantasiestücke op. 73 


Transkription für Fagott und Klavier 

von Martin Kuuskmann nach dem 

Original für Klarinette (Violoncello 

ad lib.) und Klavier 


Klavierquartett c-Moll 

(Fragment, Anhang E 1) 


(Ergänzung der fehlenden Klavierstimme 

durch Roman Zaslavsky) 


«Concertstuck» a-Moll für 

Violoncello und Orchester op. 129 



Streichorchester von Gavriel Lipkind 

in Zusammenarbeit mit dem Brussels 

Chamber Orchestra 

Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840–1893) 

Variationen über ein Rokoko-Thema 

für Violoncello und Orchester op. 33 



Streichorchester von Ann Kuppens 

2009 

Don Li (*1971) 

Part 87 / «Thirty Combinable Lines» 

Uraufführung 

48 49

GAIA PER SE 

Impressum 

Programmheft 

Einführungstexte 

Angela Beuerle 

Jürgen Hartmann 

(Originalbeiträge, 

© bei den Autoren) 

Gestaltung 

Neidhart Grafik 

Hubert Neidhart 

www.neidhart-grafik.ch 

Fotos 

Balázs Böröcz/ 

Pilvax Studio 

Marco Borggreve 

Felix Broede 

Caroline Doutre 

Nirto Karsten Fischer 

Tessa Posthuma de Boer 

Aktuelle Informationen, 

erweiterte Biografien, 

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mehr finden Sie auf 

www.gaia-festival.com 

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Assistenz 

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50 51

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