festivalzeitung nr. 07 / 26.06.2009 - 17. Internationale Schillertage

FESTIVALZEITUNG
NR. 07 / 26.06.2009
Informationen zu Programm, Aktionen und Vorverkauf unter www.schillertage.de
Mit freundlicher Unterstützung von

HERZLICHEN ästhetische Erziehung DANK! FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
DER MENSCH IST NUR DA GANZ MENSCH, WO ER SPIELT.
IMPRESSUM
Festivalzeitung der 15. Internationalen Schillertage
Ein Projekt des Nationaltheater Mannheim zur Förderung des
kulturjournalistischen Nachwuchses
Herausgeber Nationaltheater Mannheim
Generalintendantin Regula Gerber
REDAKTIONSLEITUNG Eva Behrendt, Jürgen Berger
REDAKTIONSASSISTENZ Jan Dammel
Redaktion Ulrike Barwanietz, Barbara Behrendt, Florian Fischer, Jan Fischer,
Nantke Garrelts, Anna Hahn, Judith Kärn, Jule D. Körber, Ida Luise Krenzlin,
Constanze Probst
ORGANISATION Michaela Nothelfer, Jan Dammel
SPONSORING Morticia Zschiesche
GESTALTUNG fathalischoen, Frankfurt LAYOUT Imke Krüger, Gerhard Fontagnier
Druck & ANZEIGEN Mannheimer Morgen Großdruckerei GmbH
FOTONACHWEIS TITEL Schwarzmarkt Nr. 10, Wien / Foto: Stefan Beer
Die Zeitung erscheint als Beilage im Mannheimer Morgen und wird unterstützt von John Deere
und der Dr. Haas GmbH
➽ Inhaltsverzeichnis
Nachts wach Editorial
Gut 1 + Gut 2 = Gut 3 Pollesch, Hegemann, Schiller
Unbemerkt verstorben „Harry L. – eine Auflösung“ / Spieltrieb
Einsam an der Spitze Stephan Kimmigs „Maria Stuart“
Träumchen wechsel Dich Bonaparte rockt / Pension Schiller
Kille, Kille, Killerspiel Plädoyer gegen virtuelle Gewalt
Seminarcheck II
Suche nach Brüchen und Rissen Ines Geipel, Schauspieldozentin
Spätzle vs Postmoderne SWR on air / Mein erstes Mal / Strippenzieher
Lass uns drüber reden Phänomenologie der Publikumsgespräche
Spielplan
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SERVICE
➽ Kartenvorverkauf
Theaterkasse am Goetheplatz
Mo & Sa 11.00 –13.00 Uhr
Di bis Fr 11.00 –18.00 Uhr
an allen Vorstellungstagen
außerdem von 18.00 –20.00 Uhr
Per E-Mail
nationaltheater.kasse@mannheim.de
HERZLICHEN DANK
Kartentelefon
Tel 0621 / 1680 150
Fax 0621 / 1680 258
Mo & Sa 9.00 –15.00 Uhr
Di bis Fr 9.00 –20.00 Uhr
Die 15. Internationalen Schillertage wurden gefördert durch:
Wir bedanken uns für die großzügige Unterstützung bei unseren
Hauptsponsoren:
Co-Sponsoren:
Medienpartner:
Partner:
Festivalhotels:
➽ Nachts wach
Vor ein paar Tagen kam es am
Rande des Schillerspielplatzes zu
einem Gespräch zwischen dem Puppenspieler
Florian Loycke und unserer
Redakteurin, die die Kritik über
Die Helmi- „Räuber“ geschrieben
hat. So eine Möglichkeit gibt es selten,
und man erhofft sich auf beiden
Seiten, etwas klären zu können. Oft
bleibt es aber bei Fronten wie „Darin
steckt jahrelange Arbeit und das seht
ihr einfach nicht.“ – „Ich kann doch
als Kritikerin nur die Aufführung,
also das Produkt der künstlerischen
Arbeit, beurteilen, genauso wie der
Zuschauer.“ Und: „Euch fehlt der
Respekt vor der künstlerischen Intention,
man muss sich erstmal darauf
einlassen können.“ – „Wenn sie sich
mir nicht erschließt, dann kann ich
das auch nicht ändern.“
Die Argumente auf der Seite des
Kritikers scheinen stärker, aber das
stimmt nicht. Nur seine Position ist
die eindeutig stärkere. Er schreibt
Bedeutungen fest, ordnet den Künstler
in Kategorien, die ihm eventuell
gar nicht entsprechen. Bieito: der
Skandalregisseur. Helmi: das Studententheater.
Oper: Nur noch Nackte.
Und dann sind die Texte des Kritikers
auch nicht so flüchtig wie Theater,
selbst wenn sie nur im Rahmen einer
Tageszeitung erscheinen. Kritiken
bleiben im Netz, in Archiven, im
Gespräch. Sie werden zur Grundlage
der Recherche für weitere Kritiken,
können eine Marschrichtung vorgegeben,
der andere folgen.
Und dann ist da auch noch die heimliche
Sehnsucht des Kritikers, immer
wieder etwas Besonderes schaffen zu
wollen, mit seiner Sprache zu beeindrucken.
Will man als Kritiker gerne
manchmal selbst der Künstler sein?
Klar, jeder träumt vom unvergesslichen
Text. Dagegen steht, dass die
Kunst des Schreibens nicht auf Kosten
der Künstler gehen sollte.
Ein Kritiker sollte frei urteilen können.
Und sicher natürlich auch. Und
so viel Wissen wie möglich sollte er
auf jeden Fall haben. Und immer offen
bleiben. Objektiv. Respektvoll.
Mutig. So vielen Forderungen zu genügen,
kann schnell in Überforderung
und Unsicherheit münden. Das
Dümmste, was in so einer Situation
passieren kann, ist, dass der Kritiker,
der eigenen Unsicherheit folgend,
eine zynische Haltung einnimmt.
Das Resultat kann ein machtvoller,
aber nicht fundierter Verriss sein, der
nur durch seine Emotionalität trägt.
Und dann gibt noch diese sonderbare
Haltung, die über unseren Köpfen
zu schweben scheint. Sie besagt:
Kritisiert man nicht, ist man nicht
glaubwürdig. Umso schwerer scheint
es, Aufführungen zu loben.
Ich selbst studiere künstlerische Fotografie
und fühle mich unter den
anderen Redaktionsmitgliedern, sobald
es um die Diskussion über das
Verhältnis von Künstler und Kritik
geht, wie ein Spion. Eine interessante
Zwischenposition. Ich hätte es
nicht für möglich gehalten, welche
Verantwortung und Zerrissenheit in
redaktioneller Arbeit steckt. Was es
bedeutet, eine Nacht lang wach zu
liegen, weil da scheinbar kein Weg
ist, einer Inszenierung mit meiner
Kritik gerecht zu werden. Das mit der
durchwachten Nacht kann übrigens
allen hier passieren.
✒ Ulrike Barwanietz

HERZLICHEN 15. INTERNATIONALE DANK! SCHILLERTAGE / NATIONALTHEATER MANNHEIM ästhetische Erziehung FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
➽ Gut 1 + Gut 2 = Gut 3
René Pollesch und Carl Hegemann spielen in Mannheim Pollesch und Hegemann, suchen den Triebquotienten, haben
in Berlin aber die Würfel vergessen
Hegemanns Tafelbild zu Schillers „Drittem fröhlichen Reich“ / Foto: Christian Kleiner
Mal sehen, ob man Pollesch mit
Schiller einfangen kann“, fragte
Pollesch-Dramaturg Carl Hegemann
noch während der viertägigen Proben.
Pollesch fängt aber ganz in Polleschmanier
Schiller ein und benutzt
ihn als Verwertungsmaschine, um alte
Sachen auf die Bühne zu bringen.
Vor allem ein bereits im Stern-Foyer
der Berliner Volksbühne aufgeführtes
Gesellschaftsspiel, „Du hast meine
Pfanne versaut, Du Spiegelei des Terrors“
und einen fertigen Text zu Kapitalismuskritik,
ZDF-Verfilmungen
und Antisemitismus. In Mannheim
haben Pollesch und Hegemann alles
noch einmal gemischt. Sie wollten
sehen, was passiert, wenn man nicht
spielt, sondern singt. Polleschs These
gibt dem Stück auch seinen Titel:
„Der Mensch ist nur da ganz Mensch,
wo er singt“.
Aber dann singt nur eine, nämlich
die Sopranistin Friederike Harmsen.
Sie sitzt zusammen mit Hegemann,
Pollesch, den Mannheimer Ensemblespielern
Silja von Kriegstein, Meridian
Winterberg, Tim Egloff und drei
Besucherinnen am Tisch, auf dem
sich Texte und Bücher stapeln – eine
Probensituation im Studio Werkhaus.
Hegemann ist für den theoretischen
Diskurs zuständig, Pollesch bleibt
der Spielleiter, die Berliner Sopranistin
singt, Arno Waschk begleitet
sie am Klavier.
Natürlich kommt auch Video zum
Einsatz. Quasi als abschreckendes
Beispiel zeigen Pollesch und Hegemann
„Der Hexer von Niedernhall“;
eine Dokumentation über einen Regisseur,
der an einer Stelle erklärt:
„Theater ist Diktatur.“ Davon kann
am kommunitaristischen Probentisch
natürlich keine Rede sein. Hier erklärt
erstmal der Chefintellektuelle
Hegemann sehr unterhaltsam Schillers
ästhetische Theorie auf einem
Tafelbild: Links steht der dionysische
Stofftrieb, „Gut 1“ genannt, rechts
der apollinische Formtrieb, „Gut
2“. Im künstlerischen Spiel treffen
sich beide zu „Gut 3“. Mit einem
Halbsatz über Nietzsche („hat die
Lebendigkeit im Genie gefunden“)
landet Hegemann in der philosophischen
Gegenwart und hält triumphierend
Christoph Menkes Essay über
„Kraft“ hoch. Sind die Nationaltheater-Schauspieler
jetzt voll auf dem
„Stofftripp“, wenn sie ohne Sinn
und Verstand durch ihre Textschnipsel
hetzen? Versprecher („sodomistisch“)
korrigiert der Regisseur dann
aber doch.
Strahlend lebendig sind die Kunstliedvorträge
von Friederike Harmsen.
Einmal tritt Pollesch mit ihr in einen
Dialog. Sie soll die Pollesch-These ja
eigentlich belegen und singen, „um
ganz Mensch zu sein“. Doch Pollesch,
der olle Zweifler, zweifelt auch
an seiner eigenen These. „Du singst
zwar von Seele, aber die Seele steht
nur auf Deinen Stimmbändern“.
Wieder eine voll auf dem Formtrip,
Hegemann versucht zu vermitteln,
die Sängerin findet sowieso: „Ich bin
doch Gut 3“.
Eine knappe Stunde dauert der
Abend, der schwer auf einen Nenner
zu bringen ist. Zeigen die beiden hier
einen Original-Probenausschnitt, ein
Experiment, einen Schillercrashkurs,
oder doch nur die schnell zusammen
gehauene Notlösung viel beschäftigter
Theatermacher? Auch das interaktive
Gesellschaftsspiel, das Pollesch
als „Passionsspiel oder Perversionsspiel“
vorstellt, verläppert sich. Pollesch
erklärt die Spielregeln, verteilt
Täter-, Opfer- und Objektkarten. Doch
gespielt wird nicht. Pollesch hat die
Würfel in Berlin vergessen.
✒ Ida Luise Krenzlin
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HERZLICHEN ästhetische Erziehung DANK! FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
DER MENSCH IST NUR DA GANZ MENSCH, WO ER SPIELT.
➽ Unbemerkt verstorben
René Arnold hat in Berlin Mülleimer durchforstet und bringt mit Zeitraumexit eine Lebensgeschichte auf die Bühne:
„Harry L. – eine Auflösung“
Harry L.? Wer ist Harry L.? Harry
Potter jedenfalls nicht. Denn in
seinem Leben kommen keine bösen
Voldemorts, keine großen Heldentaten
und erst recht keine Magie vor.
Denn Harry L. führte ein völlig abenteuerfreies,
alltägliches Leben als
Eisenbahnromantiker. Gefunden hat
René Arnold dieses Leben im Mülleimer
vor seinem Berliner Haus als
Nachlass des unbemerkt verstorbenen
Harry L., der für keinen sonst
mehr etwas bedeutete.
Ein Kinderballett in Tütüs, das hinter
bunten Luftballons herjagt, vor
einer idyllischen Familienbildwölkchenprojektion.
Dann stellt sich eine
Erzählerin (Susanne Plassmann) im
typischen Dienstleistungs-Look in die
Mitte der Bühne und erzählt von Harry
L.s Leben. Harry L. wiederum taucht
im ganzen Stück nicht als agierende
Person auf. Nur in den Worten der Erzählerin
und in den Nachlass-Bildern,
die immer im Dreierpack an die Wand
geworfen werden, lebt er. Dort sieht
man seine Spielzeugeisenbahnwelt
Kinder tanzen durch Harry L.s Leben / Foto: Peter Empl
und Gartenzwergsammlung, Harry
selbst im Jogginganzug mit nacktem
Bierbauch. Durchbrochen wird diese
Diavorstellung immer wieder von der
bunten tanzenden Kindertruppe und
von Piano-Intermezzi (Andrea Marie
Baiocchi). René Arnolds Stück lebt
von diesem Kontrast. Kinder als Metapher
für Entwicklung und offene
Zukunft auf der einen, Hundedressureinlage
und abgerichtete Kindertänzer
auf der anderen Seite. Harry L.s
dokumentiertes Leben: zwanghafte
rührende Eintönigkeit.
Nur eine Schallplatte befindet sich
in Harry L.s Nachlass. Jürgen von der
Lippes „Gute Morgen Liebe Sorgen“.
Die freundliche Erzählerin baut sich
vor einem Overheadprojektor auf und
vergleicht den Songtext mit Bachs
Goldbergvariationen. Ergebnis: In Lip -
pes Text steht die Sorge im Vordergrund,
bei Bach ist durch die Variation
Hoffnung gegeben. Eine (schul)
meisterliche Veranschaulichung der
Eintönigkeit von Harry Ls Leben, die
auf mehreren Ebenen Fragen aufwirft:
Was wäre, wenn Harrys Leben
anders verlaufen wäre? Hat René Arnold
das Leben von Harry L. wirklich
erfasst, oder spielt er buchstäblich
damit? Dient Harrys langweiliges
Dasein nur als „Kontrapunkt zu
Schillers Spieltheorie“, wie das Programmheft
behauptet? Tatsächlich
erzählt Arnold mit sparsamen Mitteln
eine bewegende Geschichte. In ihr
rückt der reale Harry L. zunehmend
in den Hintergrund und macht einer
grundsätzlichen und bewegenden
Frage Platz: Wie wollen wir leben?
✒ Judith Kärn
➽ Spieltrieb
Arthur und Benjamin Brux sind Experten für Sport- und Actionspiele auf der X-Box 360
Benjamin und Arthur Brux / Foto: Karola Prutek
Was spielt Ihr genau?
Arthur: Auf der X-Box 360, einer
Spielkonsole, spielen wir hauptsächlich
Tony Hawk (ein Skaterspiel),
FIFA Football und Kung Fu
Panda, ein Animé-Zeichentrick-
Spiel. Wir haben hauptsächlich
Spiele ausgewählt, die man auch
zu zweit spielen kann, hocken aber
nicht den ganzen Tag vor dem Computer.
Mein Bruder ist im Fußballverein,
und ich bin im Tennisverein.
Außerdem fahre ich Skateboard.
Das würde ich aber nicht mehr als
spielen bezeichnen, das ist dann
mehr ein richtiges Hobby.
Mögt Ihr elektronische Spiele lieber?
AB: Nein, lieber in der Realität, also
Sport.
Was sind Eure Lieblingsspiele auf
der X-Box?
BB: Meins ist FIFA, also das Fußballspiel.
AB: Meins ist GTA oder Tony Hawk.
Ist das manchmal frustrierend,
wenn ihr beim Spielen ein Ziel nicht
schafft?
AB: Bei der Konsole ist es nicht so.
Ich raste da nicht aus, wenn ich etwas
nicht schaffe. Ja, beim Skaten
ist es ab und zu so, beim Fußball,
denke ich, auch.
BB: Ja, beim Fußball ist es eigentlich
dasselbe wie beim Skaten.
Macht Euch das Spielen zu besseren
Menschen oder lasst Ihr eher Euren
Frust ab?
AB: Für mich ist Spielen nur Unterhaltung.
BB: Ja, Unterhaltung und ab und zu
vielleicht auch ein bisschen Frust.
Und was haltet Ihr vom Spielen im
Theater?
AB: Ich bin im Schnawwl in einem
Jugendkurs, und meine Eltern arbeiten
auch im Theater, insofern
interessiert es mich schon.
BB: Ich gehe schon ab und zu in
ein paar Stücke, aber selber spiele
ich nicht.
✒ Fragen: Nantke Garrelts

HERZLICHEN 15. INTERNATIONALE DANK! SCHILLERTAGE / NATIONALTHEATER MANNHEIM ästhetische Erziehung FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
➽ Einsam an der Spitze
Stephan Kimmig verlegt „Maria Stuart“ in die moderne, machtbesessene Chefetage und erschafft damit einen brisanten
Politthriller
Wir foltern nicht. Hier wird nicht
gefoltert.“ Nein, das ist nicht
Schiller, das ist Kimmig. Dem kaltschnäuzigen
Bürokraten Burleigh legt
der Regisseur die Worte in den Mund.
Der presst sie, mit gefrorener Miene,
in Maria Stuarts Gefängniszelle heraus.
Dann springt er der Stuart an
den Hals. Mit Kabelbindern gefesselt
sitzt sie auf einer Art elektrischem
Stuhl, Burleigh völlig ausgeliefert.
Anfang 2007 feierte Stephan Kimmigs
politisch brisante Inszenierung
von Schillers Historiendrama am
Hamburger Thalia Theater Premiere.
Das war nicht lange, nachdem Innenminister
Wolfgang Schäuble verkündet
hatte, im Kampf gegen den Terror
sei Folter tolerierbar. Kimmig inszeniert
ein Machtgefüge, das zunehmend
außer Kontrolle gerät – wie die
Zellen unterm Mikroskop, die man
noch vor dem ersten Akt als Videoclip
vorgeführt bekommt: Sie teilen
und vermehren sich immer schneller,
am Ende werden sie über den
Bildrand gewuchert sein. Ein Tumor?
Die Entstehung einer Epidemie? Oder
die Verlegung der Geschichte in eine
sezierbare Laborsituation? Jedenfalls
eine Vision, die einen in jene Paranoia
versetzen soll, die den Theaterabend
durchzieht.
Doch in Mannheim geht diese Rechnung
seltsamerweise nicht auf. Während
sich die Zellen auf dem Vorhang
des Opernhauses separieren, wird bei
Teilen des Publikums eine Stimmung
spürbar, die bei dieser Inszenierung
kaum nachvollziehbar ist. Husten,
Lachen, Unruhe übertönen schon hier
fast das musikalisch unterlegte Klacken,
das die Aufführung durchzieht,
Unwohlsein und Nervosität erzeugt.
Die Unkonzentriertheit der Zuschauer
scheint sich auf die Schauspieler zu
übertragen. Fehlerhafte Einsätze und
Textunsicherheiten machen das Spiel
an diesem Abend unpräzise und wenig
inspiriert. Hinzu kommt die Umbesetzung
der Elisabeth: Wegen der
Erkrankung von Paula Dombrowski
musste Victoria Trauttmansdorff in
die Bresche springen.
Der Stuttgarter Regisseur, der ab
kommender Spielzeit Intendant Ulrich
Khuon nach Berlin ans Deutsche
Susanne Wolff (Maria Stuart) / Foto: Arno Declair
Theater folgt, hat den Schiller-Klassiker
in die Welt der Spitzenpolitiker,
auf die Führungsetage verlegt. Die
Drehbühne gibt nacheinander kühle
Büroräume mit grellem Neonlicht
preis, Elisabeths Schlafkabine ist
fast so karg wie Marias Gefängniszelle,
in der Metall-Waschbecken,
Folter-Stuhl und Kabelbinder an
Bilder erinnern, die man aus dem
amerikanischen Gefangenenlager in
Guantánamo kennt. Für das Mannheimer
Opernhaus ist Katja Haß’ vielseitige
Herrschaftszentrale leider viel
zu klein; die Schauspieler müssen
in großem Abstand zum Publikum
agieren.
Mit dem Temperament einer Raubkatze
spielt Susanne Wolff die schottische
Königin. Immer an der Grenze
zwischen Zynismus, Verzweiflung und
aufbrausender Leidenschaft reagiert
sie auf Männerriege, die direkt aus der
Chefetage eines Großkonzerns oder
den Sitzungssälen des Kanzleramts
zu kommen scheint. Auch Elisabeth
trägt Hosenanzug. Im Ränkespiel der
Macht ist sie ihren korrupten Beratern
fast genau so ausgeliefert wie
Maria. Die Originalbesetzung Paula
Dombrowski macht aus ihr eine bis
zum Anschlag gespannte Person, mit
den panisch aufgerissenen Augen
eines ängstlichen Rehs und einem
Mund, so verkniffen, als bisse sie
konstant auf eine Zitrone. Bei Victoria
Trauttmansdorff wirkt Elisabeth
koketter, weicher, mit ausladender
Gestik und mehr weiblichem Charme.
Die körperliche Angst-Starre, ausgelöst
vom omnipotenten Machtgefüge,
geht ihr damit verloren.
Eine kühle, nüchterne Inszenierung
nennen Kritiker Kimmigs Maria Stuart
oft. Das trifft es insofern, als der
Blick des Regisseurs dem eines Forschers
auf die Partikel unter seinem
Mikroskop gleicht. Kimmig macht
eine Versuchsanordnung: Er untersucht
ein korruptes, hierarchisches
Machtgefüge, das eine Positionierung
zwischen zwei Chefinnen verlangt.
Ganz funktional wird hier über die
Zukunft von Menschen entschieden:
Zwei Bosse an der Spitze? Das
kann nicht funktionieren, einer muss
weg, der Kopf muss ab – so einfach
ist das. Zumindest Peter Jordans
Burleigh sieht das so und ist damit
Elisabeths einziger Berater, der die
Sicherheit und Ordnung des Staats
im Blick behält.
Man kann ihn fast riechen, den kalten
Angstschweiß, der auf der Stirn des
vor Panik psychopathisch wirkenden
Daniel Hoevels in seiner Rolle des
Mortimer glitzert. Werner Wölbern
hingegen lässt seinen feigen Leicester
auf die Größe eines Wurms schrumpfen,
während Christoph Banzer seinen
Paulet zu einem loyalen Diener
macht, der wie ein Relikt aus fernen
Zeiten wirkt, als ein Wort wie Loyalität
noch Bedeutung hatte. Verbündete
gibt es hier keine, Vertrauen wird zur
bloßen Floskel, Liebe eine leere Worthülse.
Die Herzensdinge der beiden
Könniginnen, der Kampf ihrer unterschiedlichen
Temperamente interessieren
Kimmig wenig. Unter seinem
Mikroskop kann es nicht um einzelne
Charakterstudien gehen, sondern
nur um die Entwicklung des Ganzen.
Der Mensch hat sich darin so wenig
unter Kontrolle wie das System, das
er versucht, zu beherrschen. Am Ende
steht Elisabeth von ihrem Beraterstab
verlassen, einsam und stocksteif vor
ihrem Kanzleramt. Die Luft an der
Spitze, sie ist verdammt dünn. Ob
das in Mannheim ankam?
✒ Barbara Behrendt

HERZLICHEN ästhetische Erziehung DANK! FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
DER MENSCH IST NUR DA GANZ MENSCH, WO ER SPIELT.
➽ Träumchen wechsel dich
Bonaparte formulieren einen Essay zum Postrock, wichtig ist aber etwas Anderes
Du hast nie gelebt, wenn du nicht
einmal Stagediver warst.
Nein, anders: Wir tanzten den einen
Sommer am Strand, irgendwann zwischen
1995 und 2007, vielleicht
war es in jedem Sommer, vielleicht
tanzten wir auch zwölf Jahre lang
ununterbrochen am Strand. Nein,
anders: Diese Kritik wurde geschrieben
mit dem Rücken an die Bassbox
gelehnt.
Nein, so. Kurz zusammengefasst:
erstes Lied. Alle sind kostümiert als
wären sie einem Manga entsprungen.
Schwerer Bass, brettharte Gitarre,
Rage against the machine abgeschaut.
Zweites Lied: Gitarre filigran
verzerrt, Gesang wie aus Londons Suburbia
und nicht Berlin, wo sie ja nun
eigentlich herkommen, das Schlagzeug
hält den Laden zusammen: Nun
ist es New New Wave mit ein paar
Anteilen Red Hot Chilli Peppers.
Drittes Lied: Ein Rabe in SM-Leder
betritt die Bühne. Die restlichen Lieder:
Die Band wechselt quer durch
die Rock-Genres und zieht sich um,
und weil sie die anderen Klamotten
Fast wie fliegen / Foto: Christian Kleiner
darunter trägt, zieht sie sich bis auf
die Unterwäsche aus. Einer, der kein
Instrument spielt, sondern nur tanzt,
trägt einen String und außerdem eine
Discokugel auf dem Kopf.
Gegen Ende kommt noch ein David-
Lynch-Hase vorbei und wird bei der
Zugabe selbst zum Stagediver. Das
Publikum dankt: Zuerst mit Herumstehen
und Gucken, was die da vorne
für eine eigenartige Aufführung abliefern.
Dann schwappt, ausgehend vom
Bühnenrand, die Tanzwelle durch
den Raum, und irgendwann bewegt
sich jeder zumindest ein bisschen.
Ab dem vierten Lied wird gestagedivt.
Es ist ja auch für jeden etwas
dabei: Bonaparte spielen reinen Zitatrock.
Mal sind sie in einem Genre,
mal im anderen, ständig zieht sich
jemand aus oder um: Die Bühne ist
eine Umkleidekabine für Musik und
Musiker.
Es ist ein einziges großes Anzitieren
von Musik und Figuren, und beides
bewegt sich nur ganz kurz vor der
Identifikationsgrenze, ganz kurz vor:
Ah, der Waldgeist da ist also aus
„Prinzessin Mononoke“, und der
Gesang ganz eindeutig Babyshambles.
So definitiv wird es nie. Trotzdem
ist jeder Kostümwechsel ein Kommentar,
jeder Musikgenrewechsel
ein Zitat. Das ist keine Musik mehr,
sondern ein Essay zur Geschichte
des Postrock. Aber eigentlich sind
Bonaparte viel mehr als das, mehr,
als jemals in die knappe Länge dieser
Kritik passen würde. So viel mehr,
dass Menschen zu Stagedivern werden
und Romantiker an durchtanzte
Nächte am Strand denken.
✒ Jan Fischer
➽ Hall und Rauch
In Folge 5 füttert Nina Ender die Spaßbad-Pension mit „Der Autor ist tot, es lebe der Autor“
„Practice makes perfect so be careful
what you practice“ erklärt eines
der Schilder an der Wand. Auf der
Seite gegenüber steht „Don´t be so
open minded your brain falls out“.
Bei beidem muss die „Pension
Schiller“ sich in Folge 5 „Der Autor
ist tot, es lebe der Autor“ keine
Sorge machen. Mit Nina Ender, der
Gewinnerin des Stückewettbewerbs
der Schaubühne 2008, hat man
sich eine Autorin geholt, die handwerklich
beeindruckend ihre eigene
Stimme schlüssig ins Format einordnet.
Die Inszenierung lässt anfangs
alle bisherigen Serien-Figuren
mit viel Rauch verschwinden – und
zwar im Kopf des Produzenten, wie
eine Stimme aus dem Off erklärt.
Dort nimmt Ender die gelegten
Handlungsstränge auf und zieht
sie ins Arztserien-Tatort-Genre.
Luise (Angelika Krautzberger) liegt
schwer verletzt röchelnd unter Goldfolie.
Sie wurde, wie es der Produzent
in der von Kai Ivo Baulitz geschriebenen
vierten Folge gefordert
hatte, versehentlich von Ferdinand
(Nika Wanderer) angefahren. Unter
Goldfolie liegt auch Ferdinand, der
nun ein Pathologie-Praktikant ist
und gleichzeitig der „ungeklärte
Lebensfall“ Schiller, den Docky
(Hans Fleischmann) und Choco
(Markus Heinicke) als paranoide
Cops zu klären versuchen. Warum
Schiller so lange überlebt hat, weiß
auch Wurm (Kristina Brons) nicht,
hier Professor für Pathologie.
Auch Luise, die wieder erwacht,
wehrt sich gegen die angebliche
Zeitlosigkeit Schillers und die ihr
vorgeschriebene Rolle. Dass die
Texte von den inzwischen sehr mitgenommenen
Schauspielern größtenteils
abgelesen werden und das
Gros des Textes hallend aus dem
Off kommt, ist ein Gewinn, ansonsten
wäre Nina Enders einprägsamer
Sprachbeat wohl verloren gegangen.
Und ein Schiller-like pathetisches
Ende kann Enders auch,
wenn sie Luise sagen lässt: „Hier
Wurm. Alle Organe kannste haben.
Nur den Willen, das Organ der Freiheit
nicht.“
✒ Jule D. Körber / Fotos: J. Fischer

HERZLICHEN 15. INTERNATIONALE DANK! SCHILLERTAGE / NATIONALTHEATER MANNHEIM ästhetische Erziehung FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
➽ Kille, Kille, Killerspiel
Der Mensch ist nicht immer ganz Mensch, wo er spielt: Ein Plädoyer gegen virtuelles Gewalttraining
Wenn pubertierende Jungs sich
allein in ihren Jugendzimmern
verbarrikadieren, tun sie das aus drei
Gründen: Musik hören, wichsen oder
Leute totschießen am Computer. Die
beiden ersten Dinge gehen die Welt
nichts an. Das dritte schon. Killerspiele
sind ein Problem, weil die virtuell
gelernte Gewalt immer öfter in
der realen Welt ausgelebt wird.
Man möchte vieles nicht sein, aber
ein pubertierender Junge ist so
ziemlich das Hinterletzte. Schüchtern
und linkisch drücken sie sich in
den Schulgängen herum. Einen Kopf
kleiner als ihre Klassenkameradinnen
werden sie von eben jenen durch
Missachtung gestraft. Ihre Versuche,
Aufmerksamkeit zu erregen, kann
man bestenfalls putzig finden. Ihre
ungelenken Versuche zu gefallen,
lösen eher Fremdscham aus. Kaum
verwunderlich also, dass pubertierende
Jungs sich stundenlang hinter
dem Computer verschanzen, um sich
auf dem elektronischen statt auf dem
zwischenmenschlichen Schlachtfeld
zu beweisen. Wie viel einfacher ist
das, als Sarah aus der Parallelklasse
zu beeindrucken?
In der Pubertät lernt man das andere
Geschlecht kennen. Man lernt zu
kommunizieren. Wie soll das klappen,
wenn man ab zwölf in virtuelle
Welten abtaucht? Killerspiele sind
purer Eskapismus. Der Unterschied
zu Realitätsflüchtlingen, die es ins
Fußballstadion, auf Konzerte oder
auf Goa-Parties treibt, ist, dass dort
soziales Verhalten eingeübt wird. Bei
Killerspieladepten dagegen liegt die
Kommunikation brach. Wer sich im
Kinderzimmer hinter seinem PC verbarrikadiert,
will mit seiner Umwelt
nichts zu tun haben. Das Argument,
mit zahlreichen anderen Spielern per
Internet vernetzt zu sein, zählt nicht.
Virtuelle Kommunikation bleibt virtuell
und ersetzt nie und nimmer die
reale.
Konsolenspieler sind selten Kommunikationskanonen.
Weder auf dem
Schulhof noch in der Familie. Warum
gibt es keine Mädchen, die gefallen
daran finden, Stunde um Stunde
Doom, Soldier of Fortune oder Resident
Evil zu spielen? Seit Urzeiten
sind Jungs darauf programmiert ihre
Counterstrike-Perspektiven / Fotos: flickr/Akoaraisin und flickr/woallance3
Probleme mit der Keule in der Hand
zu lösen. Die moderne Keule heißt
Joystick. Mangels realer Feinde werden
virtuelle Kampfgestalten ausgemacht,
anvisiert und erschossen. Je
effektiver, strategischer und schneller
desto besser. Gern auch in Gruppen.
Auch das ist ein Urprogramm. Schon
immer spielten Jungs Killerspiele. In
Horden jagten sie Feinde, den geschicktesten
Jäger wählten sie zum
Anführer. Vielleicht liegt es daran,
dass Mädchen heute mehr dürfen
und können, während Jungs auf der
Strecke bleiben. Jungs sollen keine
aggressiven Dumpfbacken sein, aber
bitte auch keine Weicheier. Ja bitte,
was denn dann? Die virtuellen Welten
setzen auf Testosteron pur: Hardcore-
Pornos im Netz, Rambotypen auf der
Mattscheibe, Counter-Strike auf dem
PC. Die Wirklichkeit sieht aber anders
aus.
Dopamin für Level 10
Warum sind Killerspiele so attraktiv
für pubertierende Jungs mit zigtausend
Fragen im Kopf? Weil Killerspiele
keine Fragen stellen und auch
keine Antworten verlangen. Was passiert
mit den pubertätsimmanenten
Gefühlen wie Scham, Unsicherheit,
Unbeholfenheit und Körperblödheit?
Das muss ja alles irgendwie ausgestanden
und bewältigt werden.
Pickel, Abfuhren, endlich einmal
Knutschen. Engtanzrunden mögen
verzichtbar sein – aber auf welcher
Tanzfläche probieren Computerjungs
sich heute aus? Vor dem PC sicher
nicht. Der Frust ob der Unerreichbarkeit
der Mädchen wird immer größer.
Feigheit macht wütend, aggressiv
und ohnmächtig. Mit dem Joystick
in der Hand hast du Macht, bist aber
der gleiche Hanswurst, der du immer
schon nicht sein wolltest, sobald
Parallelklassen-Sarah auf dem Gang
an dir vorbeiläuft.
Es sind nicht nur Jungen, die Killerspiele
spielen, es sind auch meist
Männer, die sich über Killerspiele
äußern. Heraus kommen Sätze wie
die des Medienwissenschaftlers Norbert
Bolz: „Das Killerspiel ist für die
männliche Aggressivität, was Pornografie
für die männliche Sexualität
ist“. Ein Ventil, eine vermeintlich
harmlose Kompensation also. Aggressionsforscher
wie Craig Anderson
halten dagegen, dass sich nach
hundertfach wiederholtem Abknallen
sehr wohl die kognitiven Strukturen
eines Gehirns veränderten. Denn jedwede
Erfahrung hinterlässt Spuren,
ob wir wollen oder nicht. Im Fall von
langfristigem Gewaltkonsum wird die
Umwelt feindseliger wahrgenommen,
alles und jeder wird zum Feind. Empathie
geht baden. Glückshormone
werden nur noch beim Erreichen
des nächsten Levels ausgeschüttet.
Viele Armeen, darunter Israel und
die USA, trainieren ihre Soldaten
mit Ego-Shooter-Spielen. Einerseits
werden sie zum Rekrutieren genutzt,
um Jugendliche da abzuholen, wo
sie sich befinden. Die Spiele trainieren
aber auch die Treffsicherheit
und werden gezielt dazu eingesetzt,
Hemmschwellen abzubauen.
US-Army-Jungs zogen mit dem Slogan
„This is my rifle. And this is my
gun. One is for killing and one is
for fun” in den Vietnamkrieg. Wenn
Männer ihre Sexualität so wahrnehmen,
ist und bleibt das zum Kotzen.
Und auch wenn für ein paar ganz
ausgebuffte Kerle Killerspiele nur
ein harmloser Thrill sind, die allermeisten
kleinen Jungs werden in den
endlos vorm Bildschirm verdaddelten
Stunden auch den Rest an Respekt
vor sich und der Welt verlieren.
✒ Ida Luise Krenzlin

HERZLICHEN ästhetische Erziehung DANK! FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
DER MENSCH IST NUR DA GANZ MENSCH, WO ER SPIELT.
➽ Seminarcheck II
Nächste Runde: Ein weiteres Mal sind unsere Qualitätsprüferinnen ausgeschwärmt und überprüfen
Seminareinheiten auf Hirn und Herz
Foto: Judith Kärn
➽ Seminartitel: Einführung ins
Puppenspiel im Helmi-Style oder
praktischer Unterricht in Theaterpiraterie,
Leitung: Florian Loycke,
Gründer des Puppentheaters „Das
Helmi“
➽ Spannungsfaktor: Cutter, Schere,
Heißklebestift ist für Seminaristen
nicht?!? Sehr auf praktisches
Arbeiten ausgerichtetes Seminar,
das Konzentration und eine ruhige
Hand verlangt. Wenn die Teilnehmer
zum Werkzeug greifen,
ist das Verletzungspotenzial eindeutig
höher als in Diskussionen
über Schillers Spielbegriff. Lustige
Ratschläge à la „Säge + Finger =
ungut“ mahnen zur Vorsicht.
➽ Spaßfaktor: Die Arbeitsatmosphäre
im kreativen Chaos zwischen
Schaumstoff, Federfusel
und Knopfauge macht sofort gute
Laune. Es wird viel gelacht, ausprobiert
und an witzigen Ideen gefeilt.
Der Seminarleiter entertaint
mit Anekdoten vom alten Rasta-
Mann, den er beim Puppenspiel-
Workshop in Brasilien getroffen
hat.
Lernfaktor: Hier müssen keine
schweren Theorien verdaut werden.
Loycke plaudert aus dem
Nähkästchen und gibt die Grundlagen
seines Handwerks verständlich
weiter. Schnipp-schnapp, zwei
Augen oben drauf und fertig ist der
Schaumstoffhase.
Zielgruppe: Passionierte Bastler,
die selbst vor der Verwurstung von
Omas alter Federboa nicht Halt
machen.
➽ Was hätte Schiller dazu gesagt?
„O der Einfall war kindisch, aber
göttlich schön.“
✒ AH
➽ Seminartitel: Das Ungeheure im
Spiel – zu Schillers Spielbegriff, Leitung:
Felix Ensslin, Dramaturg am
Nationaltheater Weimar
➽ Lernfaktor: Schon die Literaturliste
lässt ahnen: Hier steht eine Tour de
Force durch Philosophie und Psychoanalyse
bevor. Wer sich tatsächlich
durch Freud und Lacan geackert hat
und den Diskussionen über Schiller,
Kant und Hegel folgen kann, ist auf
dem Gebiet Spieltheorie auf jeden
Fall sattelfest. Auch auf verwirrte Gesichter
geht Ensslin mit Nachfragen
und Erklärungen ein.
➽ Spaßfaktor: Humoristischer Höhepunkt
ist Ensslins Seitenhieb auf das
gescheiterte Rollenspiel des „Don
Carlos“: „Das Ende sagt ja auch
einiges über die Umsetzbarkeit der
Spieltheorie aus.“ Die nachfolgende
Diskussion über das Allgemeine bei
Foto: Jan Fischer
Kant am Beispiel Iran war dann weniger
zum Lachen.
➽ Spannungsfaktor: Wurf- und Fangübungen
mit Schillers „Briefen“
versprechen zu Anfang etwas mehr
Action, als im Verlauf des Seminars
tatsächlich aufkommt. Aus der etwas
zähflüssigen Diskussion entwickelt
sich aber ein durchaus angeregtes
Gespräch, bei dem die Seminaristen
vor spontanen Einwürfen nicht zurückschrecken.
Ensslin schafft es,
auch im Monolog zu fesseln.
➽ Zielgruppe: Intellektuelle, die
gerne auf der Psychocouch über das
Allgemeine und das Ungeheure philosophieren.
➽ Was hätte Schiller gesagt? „Welch
Freude, dass man den Kant, den ich
so leidenschaftlich verschlungen,
nicht vergessen hat!“
✒ NG
➽ Seminartitel: Spieler und Spielräume.
Bühne als realer Raum und
die situative Gemeinschaft von
Spielern und Publikum, Leitung:
Foto: Judith Kärn
Florian Parbs, Bühnen- und Kostümbildner
➽ Spannungsfaktor: Florian Parbs
wirft Projektionen seiner Bühnenarbeiten
an verschiedenen Bühnen
und quer durch die Theatergenres
per Beamer an die Wand. Die Teilnehmer
werden mit visuellen Appetitmachern
gefüttert. Viel Input, der
sich aber noch nicht in eigenen praktischen
Versuchen entladen darf.
➽ Spaßfaktor: So lustig kann Sterben
auf der Bühne sein. Im Kurzvideo
zur Inszenierung von Peter
Turrinis „Der tollste Tag“ fließt das
Theaterblut in Strömen. Parbs verrät,
dass der Requisiteur mit Pumpe
unter dem Bett versteckt ist.
➽ Lernfaktor: Parbs kann auf langjährige
Erfahrungen zurückblicken,
die er in ruhiger Vortragsweise vermittelt.
Wie setzt man eine Bühne
unter Wasser? Wie lässt sich eine
meterhohe Kistenwand in Sekundenschnelle
von der Spielfläche
räumen? Außerdem gibt er einen
Einblick in den Entstehungsprozess
eines Bühnenbildes vom Grundriss
über die Bauprobe bis zur technischen
Einrichtung.
➽ Zielgruppe: Kreative Architekten,
die nicht nur Fantasie für die bildhafte
Übertragung eines Regiekonzeptes,
sondern auch das nötige
physikalische Grundverständnis mit -
bringen. Wer künftig Kulissen entwerfen
will, sollte auch für knallharte
Budgetverhandlungen gewappnet
sein.
➽ Was hätte Schiller dazu gesagt?
„Der kluge Mann baut vor.“
✒ AH
➽ Seminartitel: About the scaffolding
of one’s thinking, Leitung: Jan
Ritsema, Regisseur
➽ Lernfaktor: Was kann man lernen,
wenn man sich Ausschnitte aus
Lieblingsfilmen der Seminaristen
anguckt? Eine ganze Menge über
sich selbst und seine Mitmenschen.
Denn durch die kritischen Fragen
Ritsemas ist man gezwungen, den
eigenen Geschmack zu erforschen.
Was mag man an einem Film und
warum? Spiegelt man sich selbst
darin? Schöner Nebeneffekt: Man
lernt neue, meist recht unbekannte
Filme kennen.
➽ Spaßfaktor: Eine ordentliche
Portion Selbstironie ist nötig, um
Ritsemas Provokationen standzuhalten:
„I think you just like the film
because of its sentimentality.“ Oder:
„Wenn ihr Glück habt, seid ihr ein
paar Jahre mit Eurem Partner zusammen,
und dann war´s das“, so
sein schonungsloser Kommentar zu
einem Film über Speed-Dating.
➽ Spannungsfaktor: Durch die Herausforderung,
den Geschmack
eines anderen kritisieren bzw. seinen
eigenen verteidigen zu müssen,
bleibt die Diskussion lebhaft.
Da die gezeigten Filmausschnitte
sehr unterschiedlich sind, lässt die
Konzentration kaum nach. Auch der
Foto: Jan Fischer
furiose Wechsel zwischen Deutsch
und Englisch (teilweise auch französisch)
hält die Zuhörer auf Trab.
➽ Zielgruppe: Diskussionsfreudige
Cineasten, offen für Selbstanalyse
➽ Was hätte Schiller gesagt? „Einfach
großartig! Erforscht euren Geschmack,
dass Ihr dessen Beweggründe
erkennt und ihn so bilden
könnt.“
✒ NG

HERZLICHEN 15. INTERNATIONALE DANK! SCHILLERTAGE / NATIONALTHEATER MANNHEIM ästhetische Erziehung FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
➽ Suche nach Brüchen und Rissen
Die Schauspieldozentin, Autorin und Ex-Weltrekordlerin Ines Geipel über vergessene DDR-Literatur, Stasi-Sprache
und ihre Arbeit mit Schauspielschülern
Gedanken ganz klar zum Publikum transportieren. Mich interessiert, wo sind
die Studenten, was interessiert die, was brauchen die, wann brauchen sie
Ruhe, wo muss man noch mal nachfragen? Natürlich hat das auch sehr viel
mit dem Körper zu tun, so dass das mit meiner Sport-Vergangenheit auch
gar nicht so schlecht ist.
Wie gehen Sie in Ihrem Verssprache-Seminar vor?
➽ Ich gebe den Studenten das Gefühl, dass der Vers, die gebundene, rhythmisierte
Sprache, sie trägt. Warum das so ist, was sie damit machen können,
wie viel Raum ihnen der Vers gibt. Das ist etwas, das du nur über die Arbeit
entdecken kannst, wenn der Vers durch deinen Körper geht und Sprache
sich im Körper ablagert.
Wie haben Sie in den szenischen Lesungen die „vergessene Literatur“ und die
Texte aus den Stasi-Akten verschränkt?
➽ Anfangs dachte ich, das sei total schwer. Aber es kam anders. Interessanterweise
haben die Schauspielschüler mit Stasi-Texten am meisten
gespielt. Sie hatten die Stasi-Sprache am Wickel, weil die so was Kaltes,
Hyper-Sachliches hat. Im Grunde wird von Schauspielern immer Gefühl
verlangt, und ich glaube, dass sie sich gerade deshalb an so einer Sprache
festhalten.
Ines Geipel / Foto: Bernd Lammel
Sie ist Viele. Zum Beispiel die ehemalige Marathonläuferin, die neben der
Professorin für Deutsche Verssprache an der Berliner Ernst-Busch-Schauspielschule
steht. Die Mit-Initiatorin des „Archivs unterdrückter Literatur
in der DDR“, die von der Herausgeberin der „Verschwiegenen Bibliothek“
flankiert wird. Und die Schriftstellerin, die Bücher über Biografien, Doping,
den Amoklauf von Erfurt und Zensur in der DDR schreibt: keine reinen Sachbücher,
sondern immer auch Literatur. In ihrem neuesten Buch „Zensiert,
verschwiegen, vergessen. Autorinnen in Ostdeutschland 1945-1989“ spricht
sie im Vorwort von einer Initialzündung, die zur Arbeit am Archiv geführt hat:
„Mit den spröden Gedichten von Inge Müller fing es an, mit der Frage, wie
sie das gemacht hatte, das Atemknappe, die seltsame Spannung in ihren
Versen.“ Mittwochabend, Mitte Juni, liest Ines Geipel im Literaturhaus Berlin-
Charlottenburg aus ihrem neuen Buch aus dem Kapitel über die „Gruppe 47
Ost“. Einen Tag später im Café Einstein, Berlin-Mitte:
Sie haben bei der Lesung gestern bewusst das Gespräch gesucht. Warum?
➽ Ines Geipel: Ich selbst leide immer ein wenig in Lesungen und mag dieses
Gekünstelte nicht, dieses „Ich lese jetzt mal ’ne halbe Stunde, beantworte
aber keine Fragen“. Da denke ich immer: Na, danke! Ich dagegen will von
den Leuten hören, wer sie sind und was sie interessiert.
Sie erarbeiten jedes Jahr mit Ihren Schauspielstudenten szenische Lesungen,
dieses Jahr mit unveröffentlichten Texten aus der DDR, die Sie herausgeben.
Warum machen Sie das?
➽ Ich verstehe das als essentiellen Teil meiner Arbeit. Natürlich brauchen
die Studenten diesen Ort „Hochschule“, sie sollen aber auch raus. Daher
die szenischen Lesungen. Dann sagen sie plötzlich: Bei uns hat’s Klick gemacht.
Wir wissen nun, was wir mit unserem Beruf können und sollen: Einen
Welche Rolle spielen Sie dabei?
➽ Es ist ja eine Collage mit Texten von zwölf Autoren, also geht es darum, für
jede Stimme einen eigenen Charakter zu finden: Für die Stasi-Sprache, für
das Suffstück, für die Texte aus der Psychiatrie. Ich verlange den Schülern
ab, die Stimme nach Charakter, Stoff und Versform konkret zu machen. Und
ich höre, ob der Gedanke im Moment des Sprechens entsteht.
Was reizt Sie an der Arbeit mit Schauspielschülern?
➽ Wenn ich sie so ansehe, denke ich: Die sind so heil und ungebrochen,
weil die noch so jung sind. Wenn man dann näher hinschaut, sieht man,
dass sie doch nicht mehr so unversehrt sind. Dann sind sie mir gar nicht
mehr so fremd. Ich finde es interessant, wenn unsere biografischen Brüche
und Risse aufeinander treffen.
Was für ein Gesellschaftsbild haben Sie, wenn Sie sagen, derzeit gäbe es „kein
Klima für Aufklärung, für Hinschauen, für Geschichte“?
➽ Das Gestell der Gesellschaft hatte in den letzten Jahren eine bestimmte
Taktung des Wirtschaftswachstums, und es ist klar, dass das ausgedient hat.
Dieses Modell wird es in dieser Weise nicht mehr geben. Im Moment stellt
sich die spannende Frage, ob wir es wirklich wagen, Dinge neu zu denken.
Und ob das nicht im Theater geschehen könnte, dem Ort des Innehaltens
und Fragenstellens.
Auf dem Festivalpodium werden Sie wohl wieder als Sportlerin gefragt sein.
➽ Ja klar, man bleibt die ewige Sportlerin. Leute, die sonst nie zu Lesungen
oder Podiumsdiskussionen gehen, kommen dann sicher, um dieser Tante die
Sportfrage zu stellen.
Sie haben 2006 als einzige der vier Marathon-Weltrekordlerinnen ihren Rekord
streichen lassen. Ist Ihnen jemand gefolgt?
➽ Nein. Psychologisch verstehe ich das auch. Man war mal Weltrekordler,
und meistens passiert danach nicht mehr so viel. Also möchte man gerne
daran festhalten. Ich kann das nachvollziehen, billigen kann ich es nicht.
✒ Fragen: Jan Dammel

HERZLICHEN ästhetische Erziehung DANK! FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
DER MENSCH IST NUR DA GANZ MENSCH, WO ER SPIELT.
Mein erstes Mal
➽ Fahnenflucht
Foto: Jan Dammel
➽ Hinterbühne: Strippenzieher
Foto: Karola Prutek
Wie genau sieht ihre Arbeit im Theater
aus?
Wir planen die technischen und
zeitlichen Abläufe des Festivals. Im
Vorfeld der Schillertage haben wir
überlegt, wann eine wie große Podestfläche
von wem aufgebaut werden
muss, damit sie zu einem bestimmten
Zeitpunkt einem Künstler für ein
Projekt zur Verfügung steht und ob
das Ganze auch noch einen Scheinwerfer
oder Lautsprecher braucht. Im
Spielhaus, wo es mehrere Bühnen
nebeneinander gibt wie Schauspielhaus,
Opernhaus, Unteres, Oberes
Für einen Feiertag haben wir im
Kindergarten kleine Landesfahnen
aus Papier gebastelt. Die Kindergärtnerin
zeigte uns die richtige Reihenfolge
der Farben. Die fertigen Blätter
sollten wir an eine Schnur kleben, um
sie später an Häuserwände zu hängen.
Ich nahm einen Pinsel und malte mit
Wasserfarben Schwarz, Rot und Gelb
untereinander auf viele Blätter Papier,
ließ sie trocknen und klebte sie
aneinander, so dass man von beiden
Seiten sehen konnte, was darauf war.
Ich fädelte sie auf eine lange Schnur.
Ich kontrollierte jede Fahne einzeln,
ob ich die richtige Farbreihenfolge
beachtet und keinen Fehler gemacht
hatte. Ich war die Erste und hatte
sogar eine besonders lange Kette gebastelt.
Im Kindergarten bin ich immer
die Beste im Basteln gewesen.
Stolz ging ich damit zur Kindergärtnerin,
um sie ihr zu zeigen. Sie versuchte
mir zu erklären, was auf der
Fahne noch fehlte: Hammer, Zirkel
und Kranz. Das waren mir zu viele
Feinheiten, die ich gar nicht malen
wollte. Im Fernsehen hatte ich schon
Fahnen von anderen Ländern gesehen.
Die bestanden auch nur aus Farbstreifen.
Ich erklärte, dass die drei
Farben schon reichen würden, man
könnte doch erkennen, dass es sich
um Deutschland handelt.
Ich war überzeugt davon. Statt gelobt
zu werden wurde ich früher nach
Hause geschickt. Meine Eltern bekamen
an diesem Tag keinen Riesenärger,
was mich im Nachhinein wundert.
Vielleicht hat ihnen geholfen, dass
ich noch so klein war.
✒ Ulrike Barwanietz
28, lebt in Karlsruhe und ist Redakteurin
dieser Zeitung
Foyer und das Theatercafé muss man
die Abläufe auch noch so aufeinander
abstimmen, dass sich die einzelnen
Projekte nicht gegenseitig belästigen.
Sonst müssten wir uns nämlich auch
noch mit aufgebrachten Künstlern
und Bands auseinander setzen, wozu
uns das pädagogische Feingefühl
fehlt. Deshalb versuchen wir das zu
verhindern.
Was bewirkt ihre Arbeit?
Künstler und Bands verbringen hier
eine gute Zeit, sind glücklich, haben
sich furchtbar lieb und können
abends entspannt miteinander feiern.
Was kann Theater bewirken?
Luise Weidner & Holger Beckschebe
➽ Spätzle vs Postmoderne
„Schiller on Air“ diskutiert Lösungen für Wirtschafts- und
Identitätskrisen. Eine Konferenzschaltung
Ralf Caspary, Barbara Vinken, Jochen Hörisch / Foto: Karola Prutek
Wie sieht Ihr Konzept für Spaß
in der Dusche aus?“ fragt Moderator
Eggert Blum während des
Podiums „Arbeit, Spaß und Spiel –
Wie Unternehmen Kreativität organisieren“
den Vorstandsvorsitzenden
Siegfried Gänßlen. Wir sind in der
Diskussion der Wirschaftsexperten.
Hansgrohe produziert unter anderem
Duschköpfe, also liefert Gänßlen Anekdoten
über Spätzle im Abwasser
des Tübinger Studentenwohnheims
und Internettests, mit denen jeder
seinen „Duschtyp“ ermitteln kann.
Männer, so Gänßlen, seien Powerduscher,
Frauen dagegen Aqua-Genießer,
die gerne lange im Regen der
Tropendusche stehen.
Dass es Unterschiede zwischen den
Geschlechtern gibt, wird auch beim
dritten SWR-Forum der Geisterwissenschaftler
über „Die vielen Möglichkeiten,
Ich zu sein“ klar. Die
Romanistin Barbara Vinken etwa bezeichnet
sich selbst als „Verfechterin
des passiven Erleidens“. Aus ihrer
Sicht definiert jedes „Ich“ sich nur
in Bezug auf einen Anderen, der dem
„Ich“ etwas zufügt. Da ist der Neurobiologe
Werner Siefer ganz d´accord
und ergänzt, das „Ich“ sei lediglich
eine willkürliche Verknüpfung von
Hirnströmen, die auf Umwelteinflüsse
reagieren. Der Literatur- und Medienwissenschaftler
Jochen Hörisch hält
dagegen, der Mensch reagiere nicht
nur, sondern wähle bewusst Rollen.
Schließlich wisse heute jedes achtjährige
Kind, wie man in verschiedene
Rollen schlüpft.
Bei den Wirtschaftsexperten sucht
man derweil nach den Ursachen
mangelnder Kreativität. Während die
Kreativitätstrainerin Daniela Puzzovio
ziemlich abstrakt bleibt, „Das Ganze
ist der kreative Prozess“, fordert
der Betriebswirtschaftler Karl-Heinz
Brodbeck Durchhaltevermögen. „Mozart
ging ja auch nicht in den Wald,
hörte die Vöglein zwitschern und
fertig war die Sinfonie!“, stichelt
er in die Richtung der „Kreativen“.
Schulen und Universitäten seien „institutionalisierte
Kreativitätskiller“,
so der Professor. Da müssten die
Unternehmen in Sachen Kreativität
selbst „viel nachbessern“, stimmt
auch Gänßlen ein.
Mit dem Nachbessern haderte auch
Hörisch bei den Geisteswissenschaflern:
„Wir sind nicht mehr Leser,
sondern Autoren des Buchs der
Schöpfung“, bringt er das Problem
auf den Punkt. Vinken hält dagegen,
die Zwänge seien keineswegs weniger
geworden: „Sie lesen ja keine Frauenzeitschriften!“
Moderator Ralf Caspary
überlässt Hörisch die Schlussthese:
nicht nur Schönheits-OPs,
auch Medientechnologie, aktuell das
Web 2.0, ermögliche eine zunehmende
Ich-Pluralität. Wir sind also keine
Kirsche mit hartem Kern, sondern
vielmehr eine Zwiebel, die immer
wieder gehäutet werden kann.
Erstaunliche Erkenntnis: Während
die Betriebswirtschaftler den gemeinen
Manager auf die Spielwiese schicken
wollen, sind die Vertreter der
geisteswissenschaftlichen Fraktion
so gar nicht verspielt und sehnen sich
nach einem eindeutigen, wahren Ich.
✒ Nantke Garrelts

HERZLICHEN 15. INTERNATIONALE DANK! SCHILLERTAGE / NATIONALTHEATER MANNHEIM ästhetische Erziehung FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
➽ Lass uns drüber reden
Publikumsgespräche sind ein seltsames Genre: Der Regisseur sitzt auf dem Podium und erklärt seine Inszenierung.
Muss das sein? Manchmal allerdings findet Theater im PuG seinen Höhepunkt
So spannend kann’s sein: Beim Publikumsgespräch zu Ulf Amindes „Softskill“ diskutieren sich der Künstler, die Mitwirkenden und die Zuschauer die Köpfe heiß / Fotos: B. Behrendt
Das typische Publikumsgespräch
geht leider so: Die Künstler sitzen
auf dem Podium, ein Moderator
stellt brave Fragen, das Publikum
schweigt oder will höchstens wissen,
warum sich der Ferdinand-Darsteller
nackt ausziehen musste. So ähnlich
verläuft auch das „PuG“ mit der
dänischen Regisseurin Katrine Wiedemann,
deren „Maria Stuart“ das
Publikum, nun ja, polarisiert hat: Auf
den Bänken sitzen nur Zuschauer,
die alles „ganz faszinierend“ fanden.
Kritische Stimmen sind gar nicht
erst im Ballettsaal aufgetaucht – sie
stehen draußen bei einem Bier und
sind fassungslos angesichts dieser
biederen Inszenierung.
Natürlich stellt Moderatorin Stefanie
Gottfried, Dramaturgin am koproduzierenden
Nationaltheater, keine kritischen
Fragen, auch wenn Wiedemann
selbst Zweifel an ihrer Arbeit einräumt.
Was aber bringen Publikumsgespräche,
wenn sie nur als Beweihräucherungsplattform
genutzt werden? Sind
sie der verlängerte Arm der PR-Abteilung?
Bedienen sie den Zoo-Effekt,
wenn sie die Künstler noch mal privat
und unverkleidet – sozusagen zum
Anfassen vorführen? Oder dürfen die
Regisseure hier endlich erklären, was
sie vorhatten – und was dann leider
auf der Bühne nicht rüberkam?
Naturgemäß spielt beim „PuG“ das
Publikum eine wichtige Rolle. Gegenüber
der Figurentheatergruppe „Das
Helmi“ etwa zeigen die Mannheimer
sich von ihrer herrlich konfrontativen
Seite und brauchen die Moderation
von Dramaturg Jan-Philipp Possmann
nur für die Begrüßung. Mit ihrer Konzeptlosigkeit
kokettierend sitzt die
ganze Helmi-Truppe auf der Studio-
Bühne und provoziert das Publikum
bis zur Ratlosigkeit. Aber die Mannheimer
wollen es wissen: „Sie wirken
noch so frisch und unverbraucht –
machen Sie das überhaupt professionell?“
Ob die Helmis eine Ausbildung
haben, fragen sie misstrauisch und
vor allem: Was soll dieses Stück?
Kann man es ernst nehmen, ist es
eine Art Medienkritik?
Hier klingt an, was ein Publikumsgespräch
im Idealfall leisten kann: Den
Raum des Theaters für einen kritischen,
manchmal sozial-politischen,
manchmal ästhetischen Austausch
zu öffnen – und zwar aufgrund einer
gemeinsamen (Seh-)Erfahrung.
Wäre das nicht auch nach dem gemeinsamen
Besuch einer Kunstgalerie
möglich? Nein, denn Theater ist
ein flüchtiges, von Menschen produziertes
und performtes Gebilde:
Es ist verletzlich, verändert seinen
Ausdruck, variiert jeden Abend um
Nuancen und reagiert ganz direkt
auf die interessierte oder ignorante,
wohlwollende oder feindselige Stimmung
des Publikums.
Das Publikumsgespräch nach Ulf
Amindes Jobcenter-Performance mit
Erwerbslosen ist ein beeindruckendes
Beispiel dafür, wie extrem eine
theatrale Erfahrung sein kann und
wie sehr ein Gespräch im Anschluss
Räume für Diskussionen auf allen
Ebenen öffnen kann. Die Wellen
schlugen beim Gespräch so hoch,
dass noch nach einer Stunde diskutiert
wurde und der Moderator (auch
hier Jan-Philipp Possmann) abbrechen
musste, um den Raum für die
nächste Besprechung frei zu machen.
Die meisten der etwa 30 Menschen
im Raum waren am Projekt beteiligt;
entweder als Mitwirkende oder als Organisatoren.
Man geht nicht gerade zimperlich
miteinander um. Dass die Hartz-
IV-Empfänger für die vierwöchige
Mitarbeit kein Geld bekommen haben,
spaltet die Zuhörer. „Sie üben
Kritik am Staat – aber im Grunde
genommen machen Sie doch genau
das Gleiche!“ wird dem Künstler
vorgeworfen. Und: „Es ist doch
nur gerecht, die Beteiligten für die
Arbeit, die sie geleistet haben, zu
bezahlen. Geld ist auch eine Form
der Anerkennung.“ Die mitwirkenden
Erwerbslosen („Arbeitslose“ ist ein
diskriminierender Begriff, lernt man
im Publikumsgespräch) sehen das
ganz anders: „Das hat sich gelohnt.
Wir haben das gern gemacht.“
Auf die wütende Wortmeldung eines
Organisators vom Jobcenter,
der Künstler habe die Erwerbslosen
nicht gut behandelt, erhebt sich heftiger
Protest. Eine junge Frau hält
ein flammendes Plädoyer: „Die Arbeit
mit Ulf war ein Geschenk für
uns! Das ist nicht wie bei Aldi an
der Kasse zu sitzen. Er hat uns unsere
Würde zurückgegeben.“ Andere
Mitwirkende klatschen, bevor sich
auch ein junger Mann von seinem
Platz erhebt. „Danke, Ulf, für das,
was du uns gegeben hast. Bei dir
hatten wir das Gefühl, seit langem
einmal ernst genommen zu werden.“
Doch der Künstler wird weiter in die
Mangel genommen: Ob es nicht eine
Ausrede sei, zu argumentieren, man
zitiere die bedenklichen Mittel des
Staats, um sie sichtbar zu machen?
Ulf Aminde kontert, man sei sich in
seinem Projekt immerhin begegnet
– das wäre doch schon mal besser
als ein unbezahltes Praktikum oder
einen unbefriedigender 1-Euro-Job.
Wieder hagelt es Proteste.
Hier stößt eine theatrale Produktion
innere Prozesse an, die in der anschließenden
Diskussion zwischen
Produzenten, Mitwirkenden und Zuschauern
ihren Höhepunkt findet.
Und das Schönste: Nach dem offiziellen
Gespräch reden die Menschen
weiter miteinander, nachdem sie sich
im Ballettsaal fast die Köpfe eingeschlagen
hätten. Kann Theater etwas
Besseres leisten?
✒ Barbara Behrendt

HERZLICHEN ästhetische Erziehung DANK! FESTIVALZEITUNG 26.06.2009
DER MENSCH IST NUR DA GANZ MENSCH, WO ER SPIELT.
SPIELPLAN FreiTAG 26.06.09
AB 17.00 AB 18.00 AB 19.00
AB 22.00
AB 22.30
17:00 OBERES FOYER
Schiller On Air, SWR2
Forum
e 5,-/2,50 / frei in Verbindung
mit Vorstellungsbesuch
und für SWR2 Club-
Mitglieder
SPIELSTÄTTEN …
Ab 18:00 unteres foyer
Schwarzmarkt für
nützliches Wissen und
Nicht-Wissen
Check-In / Buchen Sie Ihr
Expertengespräch
OPERNHAUS/SCHAUSPIELHAUS/OBERES & UNTERES FOYER/
THEATERCAFE Am Goetheplatz, Ma
STUDIO WERKHAUS Mozartstr. 9, Ma
PROBENZENTRUM NECKARAU Eisenbahnstr. 2, Ma
PENSION SCHILLER Kurpfalztherme im Collini-Center, Ma
JOBCENTER Ifflandstr. 2-6, Ma
CINEMA QUADRAT Collini-Center, Collinistr. 5, Ma
ALTE FEUERWACHE Am Alten Messplatz, Brückenstr. 2, Ma
ENGELHORN Haupteingang O5, Ma
SCHILLERPLATZ B3, Ma
ZEITRAUMEXIT Hafenstr. 68-72, Ma/Jungbusch
THEATERHAUS TIG7 G7, 4b, Ma
THEATER OLIV Alter Messplatz 7, Ma
THEATER FELINA-AREAL Holzbauerstr. 6-8,
Ma/Neckarstadt Ost
HERZ-JESU-KIRCHE Pestalozzistr. 19,
Ma/Neckarstadt West
19:00-23:00 Schauspielhaus
Schwarzmarkt für
nützliches Wissen und
Nicht-Wissen
Eintritt frei / Expertengespräch
e 1,-
19:00 Probenzentrum
Neckarau
Johannen (UA)
Doris Uhlich
e 13,-/8,-
19:00 ZEITRAUMEXIT
Schwindelfrei
Harry L. – Eine Auflösung
René Arnold &
Zeitraumexit
e 13,-/8,-
21:00 Theater feilinaareal
Schwindelfrei (Premiere)
Schillers Rausch &
Nachtmahr
Sascha Koal
e 13,-/8,-
22:00 KURPFALZTHERME IM
COLLINI-CENTER Folge 7
Pension Schiller II (UA)
Drama Köln
e 13,-/8,-
22:00 collini-center
Schwindelfrei
Was Sie schon immer
über SPD-Landtagsabgeordnete
Helen Heberer
wissen wollten…
Theater Oliv
e 13,-/8,-
22:45 UNTERES FOYER /
THEATERCAFé
Schill-Out
mit Ray Collins’ Hot Club
und DJ SPY
Eintritt frei!
DJ SPY
Doris Uhlichs Johannen-Ensemble / Foto: Karola Prutek