festivalzeitung ausgabe 4 vom 28. juni 2013 - 17. Internationale ...

zeitung zu den 17. internationalen schillertagen
massen
medium
04
28. juni 2013
mit freundlicher Unterstützung von

inhalt
03 eS KnacKt unD Knarzt, zWicKt unD KneiFt
waSili BarchatowS teeNie-tragödie „KaBale uNd lieBe“ auS St. peterSBurg
04 rumSpinnen unD iDeen Sammeln
eiN geSprÄch Mit BurKhard c. KoSMiNSKi
05 ein SchWeizer im platten lanD
rafael SaNcheZ’ Sci-fi-„wilhelM tell“
06 Wir SinD ein SpontaneS VolK eiN geSprÄch Mit ali Jalaly
ÜBer SeiNe „rÄuBer“ iN teheraN uNd SeiN leBeN ZwiScheN deN KultureN
07 arm SchWenKen, Dumm WerDen
JoNathaN MeeSe taNZt deN Schiller
08 thereSia WalSer eNtflaMMt
09 eine maKrele macht noch Keine reVolution!
ÜBer KolleKtive deS proteStS
10 in Der heimat arbeiten Zwei StipeNdiateN auS togo erZÄhleN
11 Kahler König eWigKeit
Zu ewald palMetShoferS „rÄuBer.SchuldeNgeNital“
impreSSum
Veranstalter Zeitung zu den 17. Internationalen
Schillertagen | Ein Projekt zur Förderung des
kulturjournalistischen Nachwuchses
herausGeber Nationaltheater Mannheim
intendant schauspiel und künstlerischer leiter
der 17. internatiOnalen schillertaGe
Burkhard C. Kosminski
GeschÄFtsFührender intendant natiOnaltheater MannheiM
Dr. Ralf Klöter
redaktiOn Carmen Bauer, Judith Engel, Lena Fiedler,
Carolin Meyer, Florian Naumann, Kristina Petzold,
Franziska Schurr, Laura Strack, Franziska Weber
redaktiOnsassistenZ Katharina Liedtke
12 anDerS, um DieSeS Wort muSS eS Sich Drehen
eiN geSprÄch Mit haNS KreMer, der aM haNdy durch „agoraphoBia“ fÜhrt
13 mitmachen erlaubt!
die filMreihe „SchMeiSS deiN ego weg!“ iM ciNeMa Quadrat
14 SchillerS magenmeDizin daS Schiller-hauS iN oggerSheiM
15 VerSchmelzungSVerSuch #04
16 programm, SpielStÄtteN, KarteN
editORiAl
redaktiOnsleitunG Jürgen Berger, Barbara Burckhardt
layOut Angela Aumann
prOjektleitunG Sandra Strahonja
GestaltunG formdusche, Berlin
FOtO Hans Jörg Michel, Christian Kleiner
bildnachWeis Titel Die Räuber, Schauspielhaus Teheran
© Ehsan Neghabat | S.3 © Daria Pichugina | S.4 ©
Lea Katharina Kroeger | S.5 © Philipp Ottendoerfer
| S.6 © Christian Kleiner | S.7 © Hans Jörg Michel |
S.8 © Christian Kleiner | S.9 © Lena Fiedler | S.10 ©
Franziska Weber | S.11 © Georg Soulek | S.12 © Lena
Fiedler | S.13 © navigator-film | S.14/15 © Christian
Kleiner
Fertig! Wir haben Meese überstanden, und Sie halten unsere letzte Nummer in der Hand.
Jetzt kann alles nur noch besser werden. Denn Intendant Burkhard Kosminski hat uns im
Gespräch erklärt, dass aus Erschöpfung kreativer Wahnsinn wird (siehe S. 4). So also werden
wir Mannheim verlassen, um in Bochum und Stuttgart, Essen, Hildesheim, München
und Berlin all das weiterzuspinnen, was wir hier gesehen, diskutiert, erfahren haben in
engen Theaterräumen und luftig auf Schiller-Rädern. Was wir zu Text verdichtet haben,
zu Kritiken, Reportagen, Interviews, von denen Sie in dieser Nummer noch drei weitere
lesen können: mit den togolesischen Stipendiaten Feïçal Bang’Na und Seyram Agbalekpor-Doudjih,
dem iranischen Regisseur Ali Jalaly und dem deutschen Schauspieler Hans
Kremer. Wir verabschieden uns, erschöpft aber inspiriert.
spOnsOrinG Morticia Zschiesche, Nina Bernges
druck & anZeiGen Mannheimer Morgen Großdruckerei
GmbH
herzlichen DanK !
die 17. internationalen Schillertage wurden ermöglicht und gefördert durch
förderer hauptsponsoren co-Sponsoren
Mediepartner festivalhotels Kooperationspartner
2 maSSenmeDium # 04/ 28. juni 2013

Es knackt und knarzt,
zwickt und kneift
Wasili Barchatows „Kabale und Liebe“,
eine Teenie-Tragödie des Sankt Petersburger Theater Prijut Komedianta
Sympathisch gründlich
In der Sankt Petersburger Inszenierung von „Kabale
und Liebe“ saß Oliver Stoltz (Lehrer) auf dem Platz,
den während der Proben der Regisseur einnimmt.
Was haben Sie gesehen?
Maximale Konzentration und Fokussierung.
Könnten Sie Ihre Eindrücke mit drei Adjektiven beschreiben?
Sympathisch, nicht aufregend, aber gründlich
Was hätten Sie anders gemacht?
Andere Musik gewählt! Die Leitmusik „Silence is
sexy“ von den Einstürzenden Neubauten hätte ich
beibehalten, Gainsbourgs „Je t’aime … moi non
plus“ war mir zu plakativ.
Notiert von Carmen Bauer und Kristina Petzold
Polina Tolstun
„Silence is sexy“ wird dem Publikum aus der Dunkelheit
sanft entgegengehaucht. Hinter einer Glaswand
steht der Sänger, der sich eben noch direkt vor dem
Mikro eine Zigarette angezündet hat und jetzt zwischen
den Tönen mit lautstarkem Knistern die Kippe
weginhaliert. Den Spruch könnte man als Zuschauer
zuallererst auf die Tatsache beziehen, dass die
russische Inszenierung von „Kabale und Liebe“ mit
deutschen Übertiteln das Geschehen auf der Bühne
verbal kaum voranbringen kann. Aber deshalb mit
Ohrstöpseln zuschauen?
Nach dem rätselhaften Prolog im Schatten lebt die
Bühne im Flowerpower-Stil auf. Mutter Miller mit
Sonnenbrille und Lederstiefeln im sexy Hippie-Look
verscheucht die Tristesse der schwarzen Guckkastenbühne
mit üppigen Blumensträußen. Aus dem
mattschwarzen Verhörraum mit venezianischem
Spiegel wird ein Tonstudio mit Retro-Charme. In
der vorderen Kastenhälfte sitzt Miller, Luises Vater
und bei Schiller ein Geiger aus der Unterschicht, im
John-Lennon-Look vor seinem Mischpult.
Luise (Polina Tolstun) stolpert in die Einraumwohnung
und wirkt rotzig, singt „Love you Babe“, spielt
Luftgitarre. Nachdem sie einmal über die Bühne gerockt
ist, hüpft sie auf den Schoß ihres Vaters. Seine
Prinzessin. Bis der schmale Ferdinand (Ilja Dell) die
Bühne und Luise bestürmt: grüne Haare, Lederjacke
und die obligatorische Gitarre. Hier zeigt sich,
welches Publikum der dreißigjährige russische Regisseur
Wasili Barchatow im Kopf hat. Es soll jung
und im Rebellionsalter sein. Sonst bleibt alles beim
Alten: deutsche – beziehungsweise russische – Romeo-und-Julia-Tragödie
inklusive Gesellschaftskritik.
Die Eltern sind natürlich problematisch und der
Selbstmord eine Flucht.
Weder die Millers noch Herr von Walter bieten den
Schutz oder die moralische Integrität, die sich die
Liebenden wünschen. Das zeigt eine Szene, in der die
beiden Väter aufeinandertreffen: Miller schlägt erst
hilflos zu und verkriecht sich dann im Kühlschrank,
während Ferdinands Vater sich heiser schreit. Die
Intrige beginnt mit einer SMS. Luise schreibt unter
Zwang an den angeblichen Liebhaber Wurm, um
Ferdinand in die Trennung zu treiben.
Mit der SMS springt das Stück aus den Siebzigern
mehr in die Gegenwart. Nach und nach verschwinden
die komischen Momente. Ferdinand versucht
schon im dritten Akt, sich zu erhängen, und Luise
klettert zwischendurch mal probeweise in den Gitarrenkoffer-Sarg.
Bevor die schwärmerische Teenagermelancholie
dominierend wird, macht das Stück
richtig Spaß, vorausgesetzt man mag Grunge, Nick
Cave, die Beatles und den Look der Siebziger.
Eine Unmenge Requisiten ermöglichen Slapstick-
Einlagen, Wutausbrüche und die Visualisierung von
Seelenzuständen. Das Licht schafft brillante atmosphärische
Räume. Das ist ideal für Zuschauer, denen
das Mitlesen irgendwann auf die Nerven geht.
Manchmal kippt die Bemühung um Eingängigkeit
der Schillerworte aber auch in Pantomime-Exzesse
oder skurrile Gebärdensprache.
Trägt Ferdinand seine Liebesschwüre mit spärlich
gesetzten E-Gitarrenriffs vor, zeigt sich, wie gut
Schillers Text auch als Grunge-Lyric funktioniert.
Auf dieser Ebene versteht man sofort: Das ist ein
Kunst- und Distanzierungsmittel zwischen den
Schillerworten und der Figur. Ansonsten aber kommen
sich in diesem Bühnendrama mit realistischem
Anspruch der Text und die Figuren zu nah. Es zwickt
und kneift, wenn zum Beispiel Ferdinand und Luise
im Kapuzenpulli als perfekte rebellische Ausreißer
inszeniert werden und Luise plötzlich sagt: „Deine
Zufriedenheit ist meine heiligste Pflicht.“
Es knackt und knarzt. Der Text bleibt der Szenerie
fremd, und das liegt weder an den 2000 Kilometern
Luftlinie zwischen St. Petersburg und Mannheim
noch an den überzeugenden Darstellern. Wasili Barchatow
hat sich und seiner Inszenierung einfach zu
wenig Raum gegeben, den Schillerstoff kritisch zu
erneuern. Oder hat es nicht gewagt. Die Übertragung
in die Siebziger der westlichen Welt ist ein Weichzeichner,
der die von Schiller so scharf konturierte
Kritik gegen die Intrigen der herrschenden Klasse
verwischt. Ein so potentiell politisches Stück explizit
aus der Gegenwart herauszunehmen, ist auch ein
Statement. Genau wie „silence is as sexy as death.“
Kristina Petzold
massenmedium # 04/ 28. Juni 2013
3

Rumspinnen
und Ideen sammeln
Schauspielintendant Burkhard C. Kosminski über sein Verständnis von
Theater, das Feuer der Schillertage und die Produktivkraft Erschöpfung
Warum braucht man eine unabhängige Zeitung bei den Schillertagen?
Für mich sind die Seminare ein Kernpunkt des Festivals.
Beziehungsweise diese sechzig Menschen, die
da in allen Bereichen eine Fortbildung machen. Die
aus dem Festival heraus als kreative Teams eigene
Dinge machen, die Theater infrage stellen, aber auch
Antworten geben oder uns einfach mal sagen, was
wir besser machen sollen.
Wie wichtig ist die Printausgabe in Zeiten des Internets?
Ich bin da sehr traditionell. Ich bin gelernter Buchhändler
und habe einfach gern Bücher und Zeitungen
in der Hand. Ich glaube aber auch, dass es für die
Stadt wichtig ist, dass ein Festivalheft ausliegt, mit
dem die Leute in den Liegestühlen liegen und lesen.
Die Diskussion wird es sicher geben, ob man irgendwann
auch noch einen Blog machen muss. Wir müssen
überlegen, wie wir das angehen. Aber indem ihr
Print macht, kriegt ihr echte Redaktionsarbeit mit,
bei der es ja nicht nur ums Schreiben geht, sondern
auch ums Layout und um pünktliche Abgabe. Ihr erlebt
den Druck, der da entsteht.
Man hört heraus, dass Ihnen die Nachwuchsförderung sehr
wichtig ist. Wichtiger als das Produkt?
Naja, es ist doch immer beides. Das eine ist der kreative
Weg, den ihr als Gruppe mit zwei betreuenden
Profis geht, und das andere ist, wie immer, wie auch
im Theater: das Endprodukt. Im Theater ist die Probenarbeit
eigentlich auch wichtiger. Natürlich freut
man sich über ein hochklassiges Endprodukt, aber
der Weg dahin ist ja vielleicht viel entscheidender.
Für Journalisten, für Künstler, für alle.
Wie ist Ihr Verhältnis zur Theaterkritik?
Ich lese sie, und manchmal bin ich verblüfft, weil die
was gesehen haben, worüber ich gar nicht nachgedacht
habe. Manchmal ärgert man sich. Manchmal
freut man sich. Ich finde Journalismus für die Arbeit
extrem wichtig, weil es ein Spiegel ist. Es ist nicht
entscheidend, ob es eine gute oder eine schlechte
Kritik ist, sondern dass es eine inhaltliche Kritik ist.
Wo ist sie, die kritische Masse?
Theater ist der älteste Ort, an dem sich Kunst und
Publikum treffen. Ohne Publikum gibt’s kein Theater.
Im besten Fall ist das Publikum eine kritische
Masse. Das bedeutet ja nicht nur den Wutbürger. Es
bedeutet, eine Meinung zu haben, die jubelnd, vernichtend,
gleichgültig oder verärgert sein kann. Wo
Meinung ist, beginnt die kritische Masse.
Wie kritisch oder politisch ist Theater denn heute?
Ich würde sagen: extrem. Zum Beispiel die „Räuber“
vom Gorki Theater, die wir jetzt gerade hier
gesehen haben. Das finde ich einen sehr politischen,
auch sehr mutigen Abend, der sehr viele Reaktionen
auslöst. Da war eine kritische Masse, die total zugestimmt
oder es abgelehnt und auf die Bühne hinunter
geschrien hat. Das geht nicht mit jedem Stoff,
aber wenn man Lust hat, am Zünder zu ziehen, kann
Theater oder Oper sehr viel.
Was würden Sie beim nächsten Mal anders machen?
Das kann ich noch gar nicht sagen, wir stecken ja
noch mittendrin. Man bereitet zwei Jahre was vor,
und es gibt Konzeptionen, die sich ändern. Ursprünglich
waren die Schillertage so geplant, dass
das ganze Festival nur auf öffentlichen Plätzen stattfindet.
Das war der Ausgangspunkt der „kritischen
Masse“. Dann stellt man aber fest, dass man eigentlich
gar nicht die Produktionen hat. Das heißt, man
hätte alles eigenproduzieren müssen. Das konnten
wir logistisch gar nicht leisten. Und dann fängt man
an: Was produzieren wir, was sind die Eigenanteile,
was ist uns wichtig? Welche Regisseure interessieren
uns? Wir wollen viele verschiedene Regiehandschriften
zeigen. Die Schillertage gibt es seit 78, und
alle bedeutenden Regisseure, die Schiller gemacht
haben, waren hier: Stemann, Castorf, Thalheimer,
jetzt Bachmann. Es gibt die Gastspiele und Eigenproduktionen,
wie Machina eX oder „Der Parasit“ oder
der Wengenroth-Abend. So fügt es sich langsam
zusammen, und dann kommt dazu, was im Ausland
passiert. Dann geht die Umsetzung los, und jetzt
machen wir jeden Abend eine andere Erfahrung.
Wie funktioniert die Übertragung nach Mannheim?
Von einer kleinen auf eine große Bühne wie bei den
„Räubern“ vom Maxim Gorki Theater? Man fiebert
mit, und am Ende des Festivals sind wir erschöpft.
Erst vier Wochen später sehen wir uns dann erstmals
in die Augen und fragen: Wie war’s denn? Unabhängig
davon, wie viele Zuschauer wir hatten oder wie
viele Einnahmen. Und dann beginnen wir, rumzuspinnen
und Ideen zu sammeln. Und so bahnen sich
dann in einer der letzten Leitungssitzungen vor der
Sommerpause schon die Schillertage 2015 an.
Welche Vorstellung haben Sie verpasst, obwohl Sie sie gerne
gesehen hätten?
Im Prinzip versuche ich, die ganze Strecke zu gehen.
Aber es ist einfach so, dass ich mir nur etwa
zwei Drittel ansehen kann. Wir teilen uns das im
Team auf, zu dem Christine Klotmann und Holger
Schulze gehören, die Fulminantes leisten. Die machen
die ganze Logistik, schauen, dass alles läuft.
Und natürlich die Dramaturgie. Das Verständnis
im Haus ist ja mittlerweile, dass wir nicht mehr ’ne
Generalintendanz haben, sondern ein Leitungsteam
sind. Mein Verständnis von Theater ist, dass man als
gleichberechtigtes Team arbeitet, und natürlich gibt
es viele Fälle, wo ein Einzelner eine Entscheidung
treffen muss, aber die meisten Entscheidungen fallen
in der Diskussion. Die Schillertage machen wir ja
neben unserem normalen Job. Das ist immer on top
und kostet sehr viel Zeit. Das ganze Haus arbeitet
Nachtschichten und lebt und bebt für das Festival.
Wir können nicht alle alles sehen, aber das ist ja auch
egal. Dann erzählt ihr uns, wie’s war.
Was machen Sie, wenn die Schillertage vorbei sind?
Am Dienstag fange ich mit Proben an. Felicitas Zeller
hat ein neues Stück geschrieben, dafür beginnen
am Dienstag die Vorproben. Das kann sehr produktiv
sein, in so einem Erschöpfungszustand zu arbeiten,
mit dieser leichten Müdigkeit. Da entsteht so eine
Anarchie, ein Wahnsinn, den man komplett ausgeruht
nicht hat. Diese Vorproben sind von daher ganz
wichtig. Wenn man dann zurück kommt und sich
anguckt, was man erarbeitet hat, dann wundert man
sich manchmal schon, aber auch im positiven Sinne:
Das ist ja echt geil, dass uns das eingefallen ist. Wie
kamen wir denn da drauf?
Das Gespräch führten Carolin Meyer, Kristina Petzold und
Franziska Weber
4 massenmedium # 04/ 28. Juni 2013

Ein Schweizer
im platten Land
Rafael Sanchez hat Jens Rachuts satirische Science-Fiction-Version
des „Wilhelm Tell“ inszeniert
Ein bisschen Stroh, ein bisschen Wasser, eine angedeutete
Almhütte und ein kleiner Edelstahlcontainer.
So sieht die Schweiz in Rafael Sanchez’ Züricher
„Wilhelm Tell“-Inszenierung aus. Sanchez erzählt
den eidgenössischen Gründungsmythos in der Bearbeitung
von Jens Rachut aus einer dystopischen
Science-Fiction-Perspektive. Im dreiundzwanzigsten
Jahrhundert ist Deutschland wieder einmal Europas
Großmacht und in das kleine Nachbarland eingefallen.
Die Schweizer sind verarmt, die Bienenvölker
ausgestorben, und die deutsche Großmacht der Fahrlehrer
donnert über die Alpen, um der Schweiz mit
einem Bienenrettungsprogramm zu helfen.
Jens Rachut selbst spielt den Deutschen Erwin
Rohmmel (mit h!), der den Verlust des Rollmopses,
dieses „Titans des Gourmethimmels“, nur schwer
verschmerzen kann. Zusammen mit der strengen
Lise-Lotte Hidler (mit d!, Tabea Bettin) bezieht er
die kuschelige Almhütte, während die Tells in ständiger
Angst vor der totalen Überwachung in dem viel
zu kleinen Container hausen. Die Deutschen bilden
eine Großmacht von besserwisserischen „Fahrlehrern“
(Merkel, ick hör Dir trapsen!), oder, um es mit
Stauffacher (Alexander Seibt) zu sagen: „Die Deutschen
haben alle Krisen überstanden, weil sie selber
keine hatten.“
Über Deutschland
darf gelacht werden
Hedwig Tell (Rahel Hubacher) wird im Gegensatz
zum schillerschen Original zur treibenden Figur im
Widerstandskampf. Wilhelm Tell (Jakob Leo Stark)
hat nur genug Mut, den Aufstand zu fordern, wenn
die bösen Fahrlehrer gerade nicht in der Nähe sind,
und Wilhelm Junior (Malte Sundermann) spricht am
liebsten über Impotenz und Onanie. Hedwigs Waffe
der Wahl ist eine selbstgebastelte Zeitmaschine, mit
Tabea Bettin, Rahel Hubacher und Jens Rachut
der sie ins Jahr 1307 reist, zum Ursprung des Tell-
Mythos. Auf ihrem Weg trifft sie nicht nur die Zeit
höchstpersönlich, sondern auch einen Indianer, der
per Anhalter durch die Jahrhunderte reist und der
zeitverwirrten Hedwig durch die Kunst des Spurenlesens
in das richtige Jahr verhilft. Ab und zu fängt
dann jemand an zu singen.
Das lose Potpourri musikalischer Genres aus Elektropop,
Musicalsong und melancholischem Chanson
wird mit Projektionen der finnischen Videokünstlerin
Heta Multanen ergänzt, die einer Art Tarantino-Ästhetik
folgen. Es überwiegen schwarzweiße
Bilder, in denen nur das Blut rot spritzt. Wie die
Gesangseinlagen wirken die Projektionen meist eher
unterbrechend als kommentierend. Die Geschichte
wird im Verlauf des Abends dadurch weder sinnvoller
noch lustiger.
Um den Tell-Mythos überhaupt Realität werden zu
lassen, drückt die zeitreisende Hedwig im Jahr 1307
schließlich den Stop-Button und korrigiert die Pfeilausrichtung
ihres unfähigen Tells, auf dass sein Pfeil
nicht so ins Leere schießt wie der Humor der Inszenierung.
Über Deutschland darf gelacht werden.
Gäbe es in all dem willkürlichen Trash bloß was zu
lachen.
Carolin Meyer
Das Zitat im Kopf erspart den Tell
Beim Schiffbruch hilft der Einzelne sich leichter. Das
schwere Herz wird nicht durch Worte leicht. Wer
Tränen ernten will, muss Liebe säen. Das Alte stürzt,
es ändert sich die Zeit, und neues Leben blüht aus
den Ruinen. Dem Friedlichen gewährt man gern den
Frieden. Was Hände bauten, können Hände stürzen.
Dem Mutigen hilft Gott. Der Starke ist am mächtigsten
allein. Dem Schwachen ist sein Stachel auch gegeben.
Der brave Mann denkt an sich selbst zuletzt.
Der kluge Mann baut vor. Der fremde Zauber reißt
die Jugend fort. Die Axt im Haus erspart den Zimmermann.
Die letzte Wahl steht auch dem Schwächsten
offen. Die Schlange sticht nicht ungereizt. Die
Unschuld hat im Himmel einen Freund. Durch diese
hohle Gasse muss er kommen. Ein jeder wird besteuert
nach Vermögen. Es kann der Frommste nicht in
Frieden leben, wenn es dem bösen Nachbarn nicht
gefällt. Früh übt sich, was ein Meister werden will.
Rache trägt keine Frucht. Redlichkeit gedeiht in jedem
Stande. Unbilliges erträgt kein edles Herz. Verbunden
werden auch die Schwachen mächtig. Wer
gar zu viel bedenkt, wird wenig leisten.
notiert von carmen bauer
massenmedium # 04/ 28. Juni 2013
5

Wir sind ein
spontanes Volk
Ali Jalaly inszeniert am Schauspiel Köln, aber auch im Iran. In Mannheim ist nun seine
„Räuber“-Inszenierung vom Schauspielhaus Teheran zu sehen
Sie leben hauptsächlich in Deutschland. Welches Verhältnis
haben Sie zu ihrer Heimat?
Wenn ich in Deutschland bin, vermisse ich den Iran,
werde aber immer wieder an meine Wurzeln erinnert.
Über mein Stück „Barfuß Nackt Herz in der
Hand“ schrieb eine Kritikerin, im Text würden sich
iranische Theaterformen mit deutschen mischen.
Ich war verwundert und habe sie gefragt, was das
Iranische dabei ist. Sie hat mir erklärt, sie habe ihre
Doktorarbeit über Tasir geschrieben, das traditionelle
Mysterienspiel. Ich erinnerte mich, dass ich Tasir-
Stücke als Kind gerne mochte, das sind meine Wurzeln.
Daraufhin bin ich nach achtzehn Jahren zum
ersten Mal wieder zurück in den Iran gefahren. Inzwischen
inszeniere ich ein bis zwei Stücke im Jahr
in Deutschland, dann wieder in Teheran.
Was fehlt Ihnen in Deutschland?
Die Geselligkeit. Wir Iraner sind ein spontanes Volk
der Großfamilien. Du bist fast nie allein. Ich habe
sechs Brüder und erinnere mich, dass wir zum Schlafen
alle sieben nebeneinander unter einer riesigen
großen Decke lagen. Toll ist, das immer jemand da
ist. Die Gefahr ist, dass die Frage nach der Identität
zu kurz kommt. In Deutschland lernen die Kinder
Selbstbewusstsein. Wenn man die Vorteile beider
Kulturen sammeln kann, ist das ein Reichtum.
Wo lebt ihre Familie heute?
Drei Brüder in Deutschland, einer in England, zwei
in Teheran. Ich bin der Einzige, der pendelt. Manchmal
denke ich, meine Heimat ist im Flugzeug zwischen
dem Iran und Deutschland. In der Luft.
Sie haben Schillers „Räuber“ in Teheran inszeniert. Ist das
Stück im Iran bekannt?
Schiller und Shakespeare sind Klassiker, meine
„Räuber“-Inszenierung war aber die iranische Erstaufführung.
Ich habe den Text neu ins Persische
übersetzt und bin wie ein Student rangegangen, sehr
experimentell, stark gekürzt und mit einer modernisierten
Sprache.
Gibt es Unterschiede in den Theatertraditionen?
Oh ja. In Deutschland habe ich eine sachliche Herangehensweise
beim Inszenieren gelernt. Im Iran ist
alles sehr poetisch. Übersetze ich zum Beispiel ins
Persische, ist der Text fast anderthalb Mal so lang
wie im Deutschen. Da muss man Sachlichkeit reinbringen.
Leider haben wir im Iran nicht so viel Möglichkeiten,
Theater zu zeigen. Es gibt wenig Räume.
Teheran ist ein Vierzehnmillionen-Stadt und hat weniger
Theaterräume als die Einmillionen-Stadt Köln.
6 massenmedium # 04/ 28. Juni 2013
Welche Theaterformen gibt es im Iran?
Zwei Kategorien. Zum einen für die Intellektuellen
und Superintellektuellen. Das verstehen viele nicht.
Oder das sehr einfache Theater, das das intellektuelle
Publikum nicht besucht. Theater für die Masse,
so wie hier in Deutschland, in Frankreich und England,
dafür brauchen wir noch Zeit. Stücke, die alle
Schichten ansprechen, gibt es zu wenige. Yasmina
Reza, deren „Gott des Gemetzels“ ich letztes Jahr
in Teheran inszeniert habe, wurde zum meist gesehenen
Stück. Das haben ungefähr 17.000 Zuschauer
gesehen. Solche Stücke gibt es aber selten. Vor kurzem
habe ich in der Kölner Oper Verdis „Rigoletto“
gesehen. Da saßen drei Generationen neben mir:
ein Großvater, ein Vater und eine etwa neunjährige
Tochter. Die haben sich drei Stunden „Rigoletto“
angesehen. So was fehlt im Iran. Es gibt aber auch
Überraschungen. Manchmal sitze ich in Teheran im
Theater und glaube, dass ich in New York bin. Dann
frag ich mich: Woher kommt das?
Und woher kommt es?
Es gibt junge ambitionierte Regisseure, die aber das
Problem haben, dass Regisseur im Iran kein Beruf
ist. Ich hatte Glück, in Deutschland Regie zu lernen,
und für mich ist es die Aufgabe meiner letzten Lebensphase,
das, was ich in Deutschland gelernt habe,
weiterzugeben. Und die Studenten im Iran sind sehr
dankbar. Denn es gibt dort keine Regieschulen, keine
Schauspielschulen. Wenn du Glück hast, kannst
du ein Mal im Jahr inszenieren. Es gibt sehr viele,
die aufgrund der räumlichen Situation lange warten.
Und die wundern sich dann, wenn ich in Teheran
inszeniere und nach der Premiere sofort abhaue. Im
Iran bleibt der Regisseur immer bei der Aufführung
und sieht sich alle fünfzig Vorstellungen an. „Du
musst hier bleiben“, sagen sie, und ich frage zurück:
„Wozu?“ Ich habe doch meine Arbeit bis zur Premiere
getan, danach muss ich zum nächsten Projekt.
Wenn ich beschreibe, wie das in Deutschland funktioniert,
dass man innerhalb einer Woche drei Stücke
zeigt, „Nora“, Abbau, dann „Macbeth“, Abbau, dann
Beckett, Abbau, und am nächsten Tag wieder „Nora“,
da wundern die sich. Repertoire gibt es bei uns nicht,
weil in Kultur nicht langfristig investiert wird. Wer
im Iran Theater macht ist ein Idealist, genau wie
Karl Moor.
War es einfach für Sie, mit ihrer „Räuber“- Inszenierung nach
Deutschland zu kommen?
Es war eher schwierig. Das Ensemble ist sehr jung,
und am Anfang habe ich gedacht, es sei unmöglich,
dass so viele junge Menschen ein Visum bekommen.
In letzter Sekunde hat aber doch alles geklappt,
gestern erst, und nun kommen sie und freuen sich.
Deutschland hat ja zwei Kennzeichen: Fußball und
Theater.
Mussten Sie an der Inszenierung etwas ändern?
Ich musste sie umbauen. Wir haben das Stück im
Schauspielhaus Teheran inszeniert, dort gab es ganz
andere Maße. Also hat mein Bühnenbildner ein
neues Bühnenbild entworfen, und ich habe mit den
Schauspielern noch einmal drei Wochen geprobt. Ich
bin sehr gespannt, wie das hier aussieht.
Können Sie die „Räuber“ in einem Wort zusammenfassen?
Würde man mich fragen, was Schiller will, würde
ich sagen: Protest. Den Karl habe ich mit sechs
Frauen besetzt. Das ist auch eine Form des Protests,
besonders in dem Land, aus dem ich komme. Die
iranischen Frauen stehen bei Demonstrationen und
anderen Protestformen fast immer in der ersten Reihe.
Frauen müssen viel ertragen in der iranischen
Gesellschaft und versuchen trotzdem, sich nicht zu
verstecken. Bei Schiller ist Karl ja wie Robin Hood,
während Spiegelberg und die anderen die Gelegenheit
nutzen, um auszurauben. Das findet man in
jeder Bewegung, in jedem Protest. Es gibt nicht nur
Idealisten, und ein bisschen Spiegelberg steckt auch
in Karl. Deshalb habe ich sechs Karls inszeniert,
sechs Teile von Karl. Ein Teil will ausrauben, einer
denkt an die Masse, einer ist Idealist, einer Opfer.
War es schwierig, „Die Räuber“ in Teheran zu inszenieren?
Wir haben ja vor der Präsidentschaftswahl begonnen,
und da war alles etwas lockerer. Ich hätte nie
gedacht, dass ich das Stück im Iran machen darf. Und
plötzlich habe ich zwei Stücke parallel inszeniert,
„Der Gott des Gemetzels“ und „Die Räuber“.
Das Gespräch führten Franziska Schurr
Aufführungen
27. und 28. Juni
ort
Alte Feuerwache

Arm schwenken,
dumm werden
Jonathan Meese ist so scheiSSlangweilig wie die Demokratie
Was willst du hören?
Der Stipendiat Tobias (um die 20) saß in Meeses
„Generaltanz“ auf dem Platz, den während der
Proben der Regisseur einnimmt. Was hat er erlebt?
Beschreibe deinen Eindruck in drei Adjektiven.
Gelangweilt, angeekelt und abgestoßen.
Was hättest du als Regisseur anders gemacht?
Alles. Was willst du hören? Es gab ja keinen
Regisseur.
Würdest du wiederkommen?
Nein, ich habe jetzt, glaube ich, ein Bild davon. Es
war gut, dass ich das gesehen habe, aber ich glaube,
da wird nicht viel Neues passieren.
Notiert von Lena Fiedler
Jonathan Meese als Einhorn
Ich habe die undankbare Aufgabe, eine Aufführung
zu kritisieren, die sich jeder Kritik entzieht, jeder
Kritik entziehen sollte. Das „sollen“ versteht sich
hier nicht als moralische Order, sondern als ideologische
Aussage. Ich müsste eine Entscheidung treffen,
sie für gut oder schlecht befinden, entziehe mich
aber der Entscheidung, verweigere mich der Wahl,
denn Meese ist „UNWÄHLBARKEIT“. Diesen und
anderen Unsinn verzapfte der Adidassi Jonathan
Meese am Mittwoch in öden zweidreiviertel Stunden
am Nationaltheater Mannheim.
Im Vorab kursierten ahnungslose Gerüchte in den
ehrwürdigen Mannheimer Hallen. Was wird Meese
machen? Wer ihn kennt, weiß, dass er dasselbe
machen wird wie immer. Nämlich nichts. Nichts von
Bedeutung oder Relevanz. Die Handlung des Abends
ist schnell zusammengefasst: Meese geht, läuft und
stolpert über eine Bühne voller Gerümpel, die sich
ausnimmt wie eine Mischung aus Kinderzimmer, Naturalienkabinett
und Freakshow-Asservatenkammer
(Reh, Alien, Würste und Wurstketten, diverse Masken
und Pickelhauben, rote Stühle, ein Rednerpult).
In ewiger Schleife tönt „You“ von der 80er Jahre
New-Wave-Band Boytronic, während Meese auf der
Bühne seine Runden dreht. Sein Tanz ist der Stechschritt
der Totalitarität.
Denkt er. Demokratie und Ideologie werden von
ihm verdammt. Dass seine Anti-Ideologie im gleichen
Atemzug zur Diktatur wird, ist künstlerisches
Konzept. Kunst wird zur höchsten und heiligsten
Befehlsstruktur, denn nur „die Würde der Kunst ist
unantastbar“. Schiller und Wagner sind die Coolsten
und irgendwie auch dasselbe, wenn auch Wagner ein
wenig cooler war, denn „erst kam Wagner, dann kam
Schiller und dann die Stumpfen“.
Die Stumpfen, das sind wir, die Zuschauer und Kulturpissnelken,
die „demokratisierten Klone“ eben.
Heavy Petting mit Jonathan Meese. Es ist ja nicht
so, als würde Meese nur nehmen. Nein, er befriedigt
den Alien und das Reich. Diesem aufblasbaren Plastik-Alien
wird kurzerhand Hitlerbart und Hakenkreuz
aufgemalt, dann wird er gefingert und geleckt,
von Meese und für die Kunst.
Meese kann uns mal
Warum interessiert uns dieser Rüpelkünstler aus
dem fernen Berlin überhaupt? Die Grenzen der
theatralen Bedeutungserzeugung waren schnell erreicht.
Er bot weder von kunsttheoretischer Seite
irgendetwas, dass uns überrascht hätte, noch boten
seine Darstellungen auf der Bühne eine Ablenkung
vom ewigen Trott der Gleichförmigkeit, den er als
Kunst verkauft. Es ist also nur natürlich, dass wir
ein paar Beweisfotos von ihm schießen, uns mit
gewichtiger Miene unserem Nachbarn zuwenden
oder eine SMS mit Inhalt à la „Ich war da dabei“ an
Freunde und Familie schicken. Nicht die Kunstfigur
Meese interessiert, sondern was die Medien aus
ihm machen.
Wir ergötzen uns an den skandalumwitterten Auftritten
dieses Enfant terrible. Meeses Wolfspelz hat
weiße Streifen und ist von Adidas. Und scheint ihm
in den vergangen Jahren zu eng geworden zu sein.
Er passt nämlich nicht mehr rein in diesen Pelz.
Vielleicht wird er noch einmal in Bayreuth ausgeführt,
wo Meese 2016 den „Parsifal“ inszeniert. Da
wird er dann vermutlich noch um einiges abgetragener
wirken.
Für die „Bild“ reicht es vielleicht noch. Ein Hitlergruß
ist ein Hitlergruß und keine Kritik an der „Ichverseuchten“
Gesellschaft. Arm schwenken, dumm
werden, ist seine Devise. Irgendwann stellt sich ein
Unmut ein, der nur durch eine widerspenstige Trotzhaltung
kompensiert werden kann. Wir harren hier
aus bis zum Schluss. Meese kann uns mal.
Meese. Manchmal sind Leute auch einfach notwendig,
die meilenweit über das Ziel hinausschießen
und klarstellen, dass Kunst mehr ist als ein schillerndes
Drama in fünf Akten. Aber in einem wachen
Augenblick sollte Meese sich mal die Frage stellen:
Braucht es mich? Wir haben jede Meinung verloren.
Er interessiert uns nicht. Wir halten es wie der Sänger
von „The Bianca Story“, der im anschließenden
Schill-out die passenden Worte fanden: Fuck you,
Jonathan.
Lena Fiedler und Kristina Petzold
massenmedium # 04/ 28. Juni 2013
7

Theresia Walser:
Entflammt
Die schillersche Sprache ist ein Zustand
Vor einigen Jahren saß ich einmal in einer Schultheateraufführung
von Schillers „Jungfrau“, mehr zufällig,
weil die Tochter einer Freundin mitspielte. Man
schreckt ja immer ein wenig zurück bei der Vorstellung,
wie sich Schüler mit der schillerschen Sprache
herumschlagen, wie sie auf einer Bühne stehen wie
in zu schweren Schuhen, in denen sie kaum laufen
können. Selbst von sogenannten professionellen
Theatern weiß man, wie schnell diese schillersche
Sprache kalenderspruchstarr daherdekliniert werden
kann, so dass diese Verse zum leblos-erbaulichen
Wunschkonzertkitsch verkommen.
Diese Schulaufführung war in allem etwa so, wie
man es wahrscheinlich von einer Schulaufführung
erwartet. Man war schon von vorneherein gerührt
über den Mut, dass sich diese 13-, 14-Jährigen einen
solchen schillerschen Brocken ausgesucht hatten.
Und trotzdem gab es etwas, was ich so noch nie in einer
Schilleraufführung gesehen habe: Diese Schauspieler
wurden beim Schillersprechen rot. Sicherlich
war das auch Lampenfieberröte. Immerhin standen
sie mit so einem Text zum ersten Mal vor Publikum,
einem Publikum, das aus nichts als Verwandten, Eltern
und Lehrern bestand.
Und trotzdem hatte man das Gefühl, so, wie diese
Jungen- und Mädchengesichter beim Schillersprechen
erröteten, hatte das mit Schillers Sprache selbst
zu tun, diesen so vollgepackten, sich in hin- und herwindenden
Gedanken und überschlagenden Schillersätzen,
die nur selten einmal mit Leichtigkeit
daherkommen, die getränkt sind mit Überforderungen,
denen immer ein Ringen, ja auch ein gewisses
Angestrengtsein innewohnt. Nie kann man sich bei
einem Schillersatz so zurücklehnen, wie man das
zum Beispiel bei einem Goethesatz kann. Schillers
Erhabenheit ist nicht umsonst zu haben.
Das konnte man diesen 13-, 14-Jährigen auf die
wunderbarste Weise ansehen. Wie gut es der schillerschen
Sprache steht, wenn man dabei so erröten
kann! Als entflamme diese Sprache die Gesichter der
Sprechenden. Diese schillersche Sprache ist ja immer
mehr als Sprache, sie ist ein Zustand, ein Zustand,
der sich nie zur Eindeutigkeit einebnen lässt. In
Schillers Sätzen spreizen sich oft mehrere Gefühle
gleichzeitig in verschiedene Richtungen.
Insgeheim freue ich mich bei jeder „Jungfrau“ immer
schon auf ihren frühen Abschiedsmonolog.
Er ist eine meiner Lieblingsarien. Ob ich will oder
nicht, komme ich dabei immer in so eine Art Wehmutswippen:
„Lebt wohl ihr Berge, ihr geliebten
Triften, ihr traulich stillen Täler ...“, diesem vor innigem
Trotz glühenden Text. Auf der Schulaulabühne
steht ein Mädchen und fängt mit einer Stimme an zu
sprechen, die so leise ist, dass sie uns alle im Saal von
jetzt auf gleich zwingt, den Atem anzuhalten, damit
wir sie überhaupt hören können: „Lebt wohl ihr Berge,
ihr geliebten Triften, ihr traulich stillen Täler,
lebet wohl ...“ Ihre Stimme zittert, dass ich fürchte,
sie werde im nächsten Moment stocken, stolpern
oder gleich ganz wegbleiben. Ich fürchte, sie schafft
es nicht bis zum Ende. Dabei beeilt sie sich nicht
einmal, durch den Text zu kommen, im Gegenteil,
sie spricht mit einer ungeheuren Langsamkeit, als
gäbe es eine Angst, die einen derart langsam macht,
dass man es schon wieder für eine große Ruhe hal-
Wie gut
es der schillerschen
Sprache
steht,
wenn man dabei so
erröten
kann
!
ten könnte. Ich habe das Gefühl, ich muss ihr helfen,
so ausgesetzt wie sie dasteht, andrerseits merke ich,
wie ich auf einmal, je länger dieses Mädchen auf
der Bühne ihr langsames Leisesein durchhält, Angst
vor mir selbst kriege, Angst, ich könnte jetzt gleich
in dieser Schulaula vor allen in ein irres Gelächter
ausbrechen, weil ich es kaum aushalte, wie schutzlos
die da vorne steht und sich nicht einmal beeilt,
nein, sie hält geradezu die Zeit an, mit ihrer die Stille
drangsalierenden Stimme, während mir gleichzeitig
zum Heulen ist, ein Heulen, das, wenn es herauskäme,
weit schlimmer wäre als das Gelächter, weil es
am Ende gar nicht mehr zu unterscheiden wäre, ob
Heulen oder Lachen, in jedem Fall bodenlos, so, als
wollte ich dieses Mädchen retten, indem ich die viel
schlimmere Katastrophe anrichte. In meinem Mund,
an der Innenseite meiner Backe, gibt es für solche
Momente eine Stelle. In meinem Leben habe ich
mich immer wieder in die Innenseite meiner Backe
verbeißen müssen, als Kind in der Kirche, bei Beerdigungen
etc. etc.
Am Ende dieser Aufführung komme ich wie nur
selten euphorisch, aufgekratzt vor lauter Erleichterung
aus dem Theater heraus, als hätte ich etwas
überstanden, was nicht alltäglich ist. Und je weiter
dieser Abend zurückliegt, desto mehr will mir scheinen,
dass ich kaum einmal einer Theaterfigur derart
schutzlos ausgesetzt gewesen bin wie diesem Schillermädchen
auf der Schulaulabühne.
Theresia Walser, 1967 in Friedrichshafen geboren, ist
ausgebildete Schauspielerin und schreibt seit 1997
Theaterstücke, von denen fünf in Mannheim uraufgeführt
wurden, zuletzt die Diktatorengattinnen-Talkshow
„Ich bin wie ihr, ich liebe Äpfel“. In der kommenden
Spielzeit ist sie Hausautorin am Nationaltheater
Mannheim.
8 massenmedium # 04/ 28. Juni 2013

eine maKrele macht
nOch keine reVolution!
ÜBer die temporÄre DaSeinSForm deS groSSStadtdeMoNStraNteN
„Wat woll’n die machen!?“, brüllte ich fragend in
den Bildschirm meines Laptops. Teile der East Side
Gallery, des längsten noch verbliebenen Stücks der
Berliner Mauer, sollten umgesetzt werden? Für eines
dieser unnützen Bauvorhaben? „So geht das
aber nicht!“ Ich folgte dem empörten Ruf, der laut
durch alle Social-Media-Kanäle hallte, und fand
mich plötzlich an der East Side Gallery wieder. Von
überall kamen unzählige Großstadtdemonstranten
im Strom des urbanen Mitbestimmungsbestrebens
herbeigeschwommen. Ich gesellte mich zu ihnen
und badete genussvoll in der kollektiven Entschlossenheit
innerhalb dieses wunderschönen, glitzernden
Schwarms.
Mit Flatterband von der Berliner Polizei zusammengehalten,
blickten wir auf die andere Seite der Straße,
wo sich ein Bauarbeiter unter der permanenten
Beobachtung der Anwesenden mit seinem schweren
Gerät abmühte. Aber warum standen wir hier
und nicht dort, wo das passierte, was uns so wütend
machte? Ein Blick nach links. Ein Blick nach rechts.
Ein Griff zum Flatterband. Und schon rannte ich mit
meinen Protest-Freunden an den verdutzten Polizeibeamten
vorbei über die stark befahrene Mühlenstraße.
„Für einen anderen Umgang Berlins mit
der eigenen Geschichte! Für mehr Beteiligungsmöglichkeiten
bei der Gestaltung der Stadt! Für mehr
Freiräume! Für gerechtere Mieten!“, so schallte es
durch den Schwarm. Ich genoss dieses Gefühl einer
diffusen Zusammengehörigkeit. Wir trillerten, wir
pfiffen, tanzend vertrieben wir uns die Zeit. Oh, ich
freudestrahlende Makrele im erfrischenden Ozean
urbaner Proteste!
Doch bei aller kollektiven Fröhlichkeit, die den
Schwarm umgab, es blieb ein fader Nachgeschmack.
Da gab es diese kleine Spießbürgerin in mir, die bei
jedem Regelbruch laut aufschrie. Über zweieinhalb
Jahrzehnte wurde ich gedrillt, so unauffällig wie
möglich zu sein und ein solches Verhalten zu vermeiden.
Ich haderte mit mir und meinem Dasein als
aufrührerische Großstadtmakrele. Was mache ich
hier eigentlich? Warum renne ich über eine befahrene
Straße, schreie Polizisten an und wedle wütend
mit der Faust? Das subversive Potential meines Handelns
erschien mir eher als Moment der Störung in
Bezug auf mein anerzogenes Verständnis von gesellschaftlichem
Miteinander und Regelkonformität.
Aber die Kraft der Vielen, die Macht des Schwarms
hatte mich irgendwie dazu verführt, meine Ängste
zu besiegen, Flatterbänder zu durchreißen und Gehwege
zu besetzen. Ein verheißungsvolles Versprechen
der Sicherheit und der Solidarität umhüllte das
protestierende Schwarmkollektiv im Moment des
zivilen Ungehorsams. Sanft wiegte ich in der Bewegung
des Schwarms hin und her und genoss im Kreis
der Vielen den Rausch der eigenen Courage.
Die FaSzination bleibt
Doch da war auch so ein dumpfes Gefühl, nicht
Frau der eigenen Entscheidungen gewesen zu sein.
Wer oder was bestimmte hier eigentlich? Dachte
ich überhaupt über die mögliche Tragweite meines
Tuns nach? Hatte sich nicht in der Vergangenheit
häufig gezeigt, was vom Denken befreite Menschen
in Schwärmen zu tun in der Lage sind? Würde ich
bereit sein, wesentlich gröbere Regelbrüche zu begehen?
Würde es einen Zeitpunkt geben, an dem sich
mein Verstand nicht mehr mahnend einmischte und
ich meine Entscheidungsfähigkeit komplett an den
Schwarm delegierte?
Noch bevor ich mir Klarheit über mein Dasein als
Protest-Makrele verschaffen konnte, verkündete die
„freundliche Berliner Polizei“ aus dem Wagen heraus,
dass die Bauarbeiten vorerst gestoppt seien. Auf
dieses Signal hin zerstoben meine neu gewonnenen
Freunde wieder in alle Himmelsrichtungen. Der
zeitgenössische Protest-Schwarm
zeichnet sich anscheinend
durch einen schnellen Zerfall
und ein hohes Maß an
Instabilität aus. In diesen
Augenblicken erscheint
die Verlockung des unverbindlichen
Zusammengehörigkeitsgefühls
und der
kollektiven Solidarität beinahe
als trügerische Fata
Morgana. Doch ungeachtet
aller Zweifel und der Erinnerung
an diese unheimliche,
geradezu gefährliche Kraft, die
den Schwarm zum Handeln bewegen
kann: Die Faszination für dieses temporäre Dasein
als Protest-Makrele, für den Schwarm, bleibt.
Doch eine Makrele macht noch keine Revolution.
Und so lohnt es sich, mit offenen Augen weiterzuschwimmen.
Denn es könnte, wenn wieder jene kritische
Masse erreicht ist, jeden Moment ein neuer
kraftvoller Schwarm entstehen, dessen Glitzerkraft
diese Welt zu einer besseren machen kann. Wenigstens
für einen kurzen Moment.
Carolin meyer
ich
GenOss dieses
geFÜhl
eineR
DiFFuSen
zusAMMenGehöRiGkeit.
maSSenmeDium # 04/ 28. juni 2013
9

in der Heimat arbeiten
Sie sind Schauspieler, Performer und Regisseure. Feïçal Bang’Na und Seyram
Agbalekpor-Doudjih kommen aus dem westafrikanischen Togo, studieren dort
Germanistik und nehmen am Stipendiatenprogramm der Schillertage teil
Seyram Agbalekpor-Doudjih und Feïçal Bang’Na
Kann man von der Kunst bzw. der Schauspielkunst leben?
FB: Von traditioneller togolesischer Kunst kann man
das ganz gut, aber Theaterleute müssen nebenher
Geld verdienen.
SD: Deshalb gehen auch so viele Künstler erst einmal
ins Ausland. Es gibt wenig Zuschüsse für das Theater.
Wenn man sich schon einen Namen gemacht hat, ist
es leichter, Sponsoren zu finden. Viele Unternehmer
nutzen so ein Theaterstück, um in eigener Sache Werbung
zu machen. Anfänger haben kaum eine Chance.
Wie steht es in der Republik Togo mit der Redefreiheit? Dürfte
ein „Wilhelm Tell“ zum Beispiel regierungskritisch sein?
FB: Heute auf jeden Fall. Togo ist eine demokratische
Republik, und man spricht auch über heikle Themen,
demonstriert. Vor zehn Jahren sah das anders aus. Da
war das tabu. Es stand unter Strafe, die Regierung zu
kritisieren.
SD: Das nennt sich dann Demokratur. Unser jetziger
Präsident, Faure Gnassingbé, hat sein Amt vom Vater
geerbt.
Das Gespräch führten Carmen Bauer und Franziska Weber
Togo stand nach dem ersten Weltkrieg unter französischem
Protektorat, Französisch ist auch heute noch Amtssprache.
Wie kommt man da auf die Idee, Germanistik zu studieren?
Feïçal Bang’Na: Ich habe bereits in der Schule
angefangen, Deutsch zu lernen. 2008 konnte ich
mit einem DAAD-Stipendium schon einmal nach
Deutschland kommen und habe vor allem sprachlich
profitiert. Nach dem Abitur hätte mein Vater sich gewünscht,
dass ich Jura studiere, aber mit meinen guten
Deutschkenntnissen konnte ich ihn von meinem
Wunschstudium Germanistik überzeugen. An der
Uni liegt mein Fokus allerdings auf Kulturwissenschaft.
Wir lesen natürlich auch ein bisschen Schiller,
ein bisschen Goethe, aber die tatsächliche Analyse ist
den Literaturwissenschaftlern vorbehalten. Außerdem
helfe ich manchmal im Goethe-Institut in Lomé
aus. Dort habe ich zufällig auch erfahren, dass es am
Mannheimer Nationaltheater die Schillertage gibt.
Was fasziniert euch an einem Klassiker wie Schiller?
FB: Ich interessiere mich vor allem für sein Leben,
seine Schriften. Seine Literatur ist so vielschichtig.
Mein Lieblingsstück ist „Die Räuber“. Bei den Schillertagen
habe ich nun das erste Mal die Gelegenheit,
es auf der Bühne zu sehen. Es würde mich reizen, das
Stück in Afrika zu inszenieren, obwohl die Sprachbarriere
ein Hindernis ist. Aber mit einer guten
Inszenierung könnte man Interesse wecken. Möglicherweise
müsste man sich einer französischen
Übersetzung bedienen und einheimische Tänze und
Lieder einbauen, es afrikanisieren.
Es ist heute euer zweiter Tag beim Schiller-Festival. Wie waren
eure Eindrücke? Was erhofft ihr euch von eurem Stipendium?
FB: Es ist sehr interessant. Allerdings sind die anderen
Teilnehmer in meinem Seminar alle Deutsche. Wenn
Dr. Setton in seinem Seminar „Politik der Imagination“
etwas erklärt, geht mir das noch zu schnell. Auf
jeden Fall ist es eine gute Gelegenheit, mein Deutsch
zu verbessern. Ich hoffe, in Zukunft in meiner Heimat
arbeiten zu können und dort die Theaterlandschaft
mit dem hier Gelernten auszubauen. Vielleicht
würde dann die Regierung Geld investieren, und das
Theater würde endlich vorankommen.
Wie sieht die Theaterlandschaft in Togo aus?
FB: Es gibt ein Nationaltheater. Allerdings ist es mit
nur fünfzig Mitarbeitern ziemlich klein. Die erste
Anlaufstelle für Theaterprojekte ist das Kultusministerium,
aber mehr als moralische Unterstützung
können sie dort oft nicht leisten. Erklärte Förderer
des Theaters sind vor allem das Goethe-Institut, das
Institut Français und viele kleinere private Förderer.
Meistens funktioniert Theater überhaupt nur durch
Mundpropaganda. Bevor ein Stück mehrmals aufgeführt
werden kann, braucht man die Unterstützung
der Masse. Aber dazu kann Seyram mehr sagen. Er
war mein Regisseur, als ich zum ersten Mal auf der
Bühne stand.
Seyram Agbalekpor-Doudjih: Ich arbeite eigentlich
als Schauspieler am Nationaltheater. Anders als hier
gibt es keine fest angestellten Autoren oder Dramaturgen.
Erst vor Kurzem brachten wir ein Stück von
Kevin Rittberger auf die Bühne. Für solche Produktionen
haben wir aber kein festes Schauspielhaus.
Wir hatten Glück und konnten es zweimal aufführen.
Wenn wir es finanzieren können, gehen wir auf
Tour durch Togo und ins angrenzende Benin.
zwei
Welten
Ich heiße Carmen. Das
kann man übersetzen mit:
Gedicht. Als Gedicht in
einer Familie von Kriegern
und Heiligen machte mich meine literarische
Neigung zu einer unberechenbaren Fremden. Als
ich aus der bunt schillernden Welt der Literatur
trat und umringt von schwarzen und weißen
Figuren ins grelle Licht der Realität blickte, begann
ich, in zwei Welten zu leben. Während ich Anna
Karenina zum Bahnhof begleitete oder mich auf die
Suche nach der verlorenen Zeit begab, schlüpfte ich
in der echten Welt in immer andere Rollen: die
Tochter, die Freundin, die Studentin, die Praktikantin,
die Zuschauerin. So gehörte ich immer einer
Gruppe an; je nach Rollenbeschreibung und Label
wurde ich entweder in diesen Club aufgenommen
oder ausgeschlossen. Wann hat man aufgehört, den
Menschen zu sehen, und begonnen, nur seine Rolle,
seine gesellschaftliche Funktion, seine Nützlichkeit
wichtig zu nehmen? Mein Fluchtort wurde das
Theater. Es hob die Grenzen von Realität und
Illusion für kurze Zeit auf und machte mich zum
Menschen.
Carmen Bauer
10 massenmedium # 04/ 28. Juni 2013

Kahler König Ewigkeit
Ewald Palmetshofers „räuber.schuldengenital“
Therese Affolter, Sarah Viktoria Frick und Philipp Hauß
Irgendwann hat die Sache einen Knacks gekriegt. Da
war plötzlich ein Sprung in der Schüssel, der Wurm
in der Frucht, das Haar in der Suppe, das Rad lief
nicht mehr rund. Ins gemütliche Leiern des Wirhatten-ja-nichts-es-gab-ja-nichts
und Ihr-habt-dochalle-Möglichkeiten
und Ihr-seid-in-Frieden-aufgewachsen
hat sich ganz unmerklich ein schleichendes
Kratzen eingeschrieben, ein Unbehagen; das war
erst ganz leise, man konnte es gar nicht verstehen.
Ich-kann-mich-nicht-entscheiden glaubte man zu
hören, ich-will-mich-nicht-entscheiden hat es wohl
gemurmelt, es-ist-egal-wofür-ich-mich-entscheide
wurde es laut und lauter, schließlich hat es WOHIN?
WOHIN? WOHIN? UND DANN? geschrien. Da hat
der Chor eingesetzt, ein riesiger, mächtiger, gewaltiger
Chor, ein Chor der lebenden Ahnen, der faltigen
Alten, der reichen Kranken, der Alzheimer-, Windel-,
Rollatorsoldaten, und gemurmelt haben die,
aber ihr Gemurmel war viel lauter als das Gezeter
nach der verlorenen Zukunft. Und die Jungen, die
nicht wussten, wohin mit sich und ihren Talenten,
die jeder hat, und ihren Möglichkeiten, die jeder hat,
und ihren Chancen, die keine mehr sind, sind einfach
untergegangen, sang- und klanglos abgetaucht
im schreienden Gemurmel des riesigen Chors, und
da sind sie nun und rödeln und schieben Rollstühle
und Nachttöpfe und wissen, dass sie eigentlich alles
haben und nichts mehr kriegen wollen können. Ganz
ohne Pauken und Trompeten haben sie sich verloren,
sind einfach durchsichtig und leer geworden, und ihre
Stimme ist verpufft, und sie wuseln jetzt da irgendwo
rum. Kein Stürmen und Drängen, kein Schwören und
Fluchen, keine Rebellion gegen die schlappen Kastraten
oder gegen Konvention und Gesetz, sondern einfach
nur verhallt, eingemeindet, zu Brei püriert.
Konturlose
Katastrophe
Was für ein Vorgang. Eine Tragödie. Ohne Intrige,
ohne Peripetie zwar, dafür umso schmerzlicher: konturlose
Katastrophe ohne Anfang, ohne Ende, ohne
Ziel, ohne Held. Ich kann nicht verstehen, warum einige
Kritiken zur Uraufführung von Ewald Palmetshofers
„räuber.schuldengenital“ am Wiener Burgtheater
bekunden, mit Schillers Räubern habe der
Text des österreichischen Dramatikers „allenfalls
auf abstrakter, fernster Ebene“ zu tun. Kameraden!
Was erzählen sie denn, diese räubernden Brüder, die
von ihren misstrauisch verbarrikadierten Erzeugern
„heut’ das Geld der Zukunft schon“ fordern, um das
man sie, wie um die Hoffnung und die Liebe („die is
schon lange tot, die blöde Sau“), gebracht hat? Was
heißt es denn, wenn Franz und Karl vor ihrem notgeilen
Thronhocker von Vater bekennen: „wir glauben
euren Zahlen, Resultaten, eurer Rechnung“ und
resigniert ihre Namen ins morsche Holz ritzen? Und
was geschieht da, wenn der ach so siegessichre Alte
in einem gespenstischen Monolog den „kahlen König
Ewigkeit“ beschwört, der „sitzt und sitzt und sitzt
und sitzt“? Kaum eine andere Sprache, mag sie noch
so archaisch, naiv und grob daherstolzieren, könnte
Schillers pathosgeladenem Versuch näherkommen,
das Drängen der Jugend, ihr Sehnen nach Achtung
und Liebe, ihr Aufbegehren gegen die Ordnung in
revolutionär zeitgemäße Diktion zu überführen.
Und kaum eine Erzählung könnte erschreckender
zeigen, wie merkwürdig dieses schillersche Drängen,
wie obsolet der selbstgerechte Idealismus, wie
fehl am Platz der aufopfernde Glaube an das Gute
heute wirken, in einer Zeit, deren „bestimmender
Imperativ lautet: Lebe ohne Idee!“ Diese Epochendiagnose
von Alain Badiou hat Palmetshofer seinem
Stück vorangestellt. Am Samstag ist die Wiener Uraufführung
von Stephan Kimmig im Mannheimer
Schauspielhaus zu Gast.
Laura Strack
Wenn ich das gewusst hätte
40 Minuten Selbstbetrachtung mit „WE“ vom Wiener Kollektiv nadaproductions
Erste Reihe ist meistens kacke. Ich hatte aber keine
Wahl. Jetzt sitze ich in der Performance „WE“ von
„nadaproductions“ (Amanda Piña und Daniel Zimmermann)
und starre auf mich selbst. Beziehungsweise
auf eine Leinwand, auf die ein Live-Bild des
etwa zwanzigköpfigen Publikums projiziert wird. Die
Leute, die hinten sitzen, sind klein, und man sieht nur
ihre Köpfe. Wir hier vorne sind mit unserem Abbild
in voller Lebensgröße konfrontiert. Das Bild ist verschwommen,
was die Sache aber nicht besser macht.
Ich sehe gar nicht aus wie ich, denke ich. Die Frau in
Rot schräg hinter mir hat dank schlechter Bildqualität
einen Schatten-Schnurrbart. Es ist unangenehm. Jetzt
schon. Halte ich das vierzig Minuten lang aus? Meine
Nase beginnt zu jucken. Kratzen? Lieber nicht. Bloß
nicht bewegen, bloß nicht auffallen. Verkrampft sitze
ich da und warte, was passiert.
Über einzelnen Köpfen tauchen vorgefertigte Denkblasen
auf. Von wegen spontane Interaktion. „Did I
turn off my phone?“ Oder: “Wenn ich das gewusst
hätte …” Manche Leute lachen. Ich verziehe einen
Mundwinkel. Über meinem Kopf steht: „I love it!“
Ich denke: Geht so.
Es gibt offenbar Engländer, Franzosen und Holländer
im Publikum – zumindest soll es so aussehen.
Schreibt man „difus“ nicht mit zwei f? Nach und
nach bekommt jeder Zuschauer Gedankenblasen zugeordnet.
Ein Bayer hat Hunger. Eine Frau fragt sich,
wann die Tänzer endlich auftreten. Ein junger Mann
steht auf und geht. Ich bin die, die alles geil findet.
Langsam entspanne ich mich. Die Idee an sich finde
ich gut. Mal mit sich selbst konfrontiert sein. Sich
nicht verstecken können. Kunst ist ja auch dazu da,
dass man sich aus der Komfortzone bewegt, oder?
Blaues Licht geht an. Wir werden zu unscharfen
Gestalten, die ein bisschen an Avatare erinnern und
sehr krank aussehen. Die Scheinwerfer strahlen
Hitze aus. Das Licht verschwindet wieder. Gott sei
Dank. Dafür gibt es jetzt Musik. Spanische Gute-
Laune-Melodien. Ich glaube, wir sollen tanzen. Ein
paar Leute wippen ungeschickt hin und her. Der
Herr neben mir stellt seltsame Dinge mit seinen Fingern
an und freut sich – in seinen Gedankenblasen
– über seine gelungene Darbietung.
Dann eine Pause. Ist das nicht inkonsequent? Ein junger
Mann taucht auf und versucht, Wodka und Popcorn
unter die Leute zu bringen. Was soll das jetzt?
Geht’s um die Kinoatmosphäre? Dass das hier kein
klassisches Theater ist, hatte ich schon vorher verstanden.
Irgendwie passt das alles nicht zusammen.
Und vor allem: Was sagt mir das alles über das Verhältnis
zwischen Individuum und Kollektiv? Wie
kann ich Teil eines „WE“ werden, wenn ich mir verarscht
vorkomme, weil ich nicht einmal weiß, ob
die Zuschauer neben mir nicht vielleicht Performer
sind? Ein Gemeinschaftsgefühl macht sich jedenfalls
nicht breit. Sicher: Wir sitzen in einem Raum. Wir
hören Musik. Wir werden angeleuchtet. Aber: Ich
sehe mich. Und ich bin genervt.
Franziska Weber
massenmedium # 04/ 28. Juni 2013
11

Anders, um dieses Wort muss es
sich drehen
Ein Gespräch mit Hans Kremer, der bei den Schillertagen König Philipp war
und in „Agoraphobia“ im Freien telefoniert
Hans Kremer steht seit mehr als einem Vierteljahrhundert
auf der Bühne. Während der Schillertage
ist der 59-Jährige in zwei sehr unterschiedlichen Produktionen
zu sehen: als König Philipp im Hamburger
„Don Carlos“ und in Lotte van den Bergs Produktion
„Agoraphobia“. Für die Performance tauscht der
Rollenschauspieler die Bühne gegen das Getümmel
innerstädtischer Plätze, trifft dort auf Passanten und
Zuschauer. Wer an diesem Stück teilnehmen will,
ruft eine Nummer an, hört dann die Stimme Kremers.
Für „Agoraphobia“ verlassen Sie den schützenden Rahmen der
Bühne. Wie empfinden Sie den Wechsel?
„Agoraphobia“ ist der Versuch, das Theater wieder
an einen öffentlichen Versammlungsort zurückzubringen,
der heute eher zum Zerstreuungsort geworden
ist. Da begegnet man Menschen, die erstmal
Ich bin ich, bin ich, bin
ich?
Ich bin ein Jedermann
und ein Überall, man kann
mich nicht erkennen. Ich habe irgendwann ein
Gesicht gewonnen. Mein Ich und mein Gesicht
beginnen langsam auszusehen. Man hat einen
Namen und ein Gesicht, das sich verbürgt für mein
Ich. Wer erst ein Gesicht hat, wird in die Pflicht
genommen. „Nehmen Sie eine Identität an.“
SOFORT, sagt Er zum Gesicht. Zu Ihrer eigenen
Sicherheit wird dieser Bahnhof videoüberwacht.
Anonymität ist die Maske von Tätern. Nein, ich bin
keine Person, ich bin ein Land, ein Volk, eine
Identität in vielen. In der Gemeinschaft beheimatet.
nichts davon wissen und auch gar nichts damit zu tun
haben wollen. Jemanden, den man nicht kennt, anzusprechen,
erfordert Mut. Das ging mir auch so. Es ist
nicht einfach, mit Ablehnung oder mit einer „Bleib
mir vom Leib“-Einstellung umzugehen. Auf der Bühne
ist die Herausforderung dagegen, zum Beispiel einen
großen Denkraum mit der Sprache von Schiller
so zu denken, dass der Zuschauer in seinem Kopf die
Verbindung für sich selber knüpfen kann.
„Agoraphobia“ ist schon sieben Mal in München aufgeführt
worden. Was für Reaktionen haben Sie konkret erlebt?
Es gibt Leute, die stehen bleiben und sich das anhören.
Da war auch einmal ein wunderbarer alter
Mann, der hat mir zugehört und genickt, da gab es
dann den Text: „Manchmal brauchst du jemanden,
der dich an das erinnert, was du schon wusstest.“
Der alte Mann nickte, und ich hab mich vor ihm verbeugt.
Das war mal eine Zustimmung!
Was sind die Vorteile der Perfomance auf öffentlichen Plätzen?
Auf den Plätzen treffe ich sicher Menschen, die nicht
mehr ins Theater gehen. Die begegnen dann jemandem,
der sie in ihrem normalen Leben anspricht. Da
wird der eine oder andere konfrontiert mit etwas,
das ihn vielleicht bewegt. Selbst, wenn es nur einer
ist, glaube ich auch im positiven Sinne: Der Flügelschlag
eines Schmetterlings kann einen Tsunami
hervorrufen. Jede Handlung, die du tust, jeder Gedanke,
den du denkst, ist verknüpft mit einem Willen.
Mit uns muss es beginnen. Was wir tun, was wir
denken und ob wir es im Einklang mit der Welt tun,
Ich und Wir und Du und Ich, Er kann mir nichts, ich
bin in der Überzahl. Mitten drin, mein Ich ohne
Anker, ohne Sinn. Kein Boden um zu stehen. Ich
vergebe meinen Kopf an die vielköpfige Hydra. Ich
stolperte durch den Bauch dieses Untiers, das mich
verschlang mit Haut und Haar, als ich Ausschau
nach mir hielt. Sie ist omnipräsent, aber unsichtbar.
Es ist da etwas, das durchdringt alles, und alles
durchdringt es, das unsterbliche Etwas, das jeden
Tag stirbt, das jeden Tag reift, nach allem greift,
dass mit jedem neuen Etwas alle anderen begreift.
So ist das in Gruppen, man beeinflusst sich.
Irgendwann weiß ich nicht mehr, ist das mein
Gesicht? „Es sind zu viele.“ Ich muss einhalten,
verschwinden, stehenbleiben. Wer stehenbleibt,
macht wie ein fester Punkt die Bewegungen der
anderen sichtbar. Anonymität ist die Maske von
Tätern.Siehst du in mein Gesicht, siehst du nur dein
Gesicht.
Lena Fiedler
kann etwas bewirken, das die Welt ändert.
Macht die Performance das klassische Theater überflüssig?
Das glaube ich auf keinen Fall! Theater muss nichts
leisten. Es ist immer Teil des Ganzen und der Gesellschaft.
Als Versammlungsort reflektiert es Strömungen
und Bewegungen, die in der Gesellschaft
passieren. Da gibt es eine Vielfalt von Möglichkeiten,
Geschichten zu erzählen; über Geschichte zu erzählen,
um unsere heutige Zeit durchschaubarer zu
machen. Geschichte besteht aus Schichten, die übereinander
liegen, wo sich die eine aus der anderen entwickelt
hat. Es gilt, in den Texten aus der Geschichte,
die aufgehoben sind, also dem, was Schiller oder
Büchner notiert haben, die Partitur oder Notatur zum
Klingen zu bringen. Sie ernst zu nehmen und daraus
im Austausch mit dem Publikum für das eigene Handeln
im Jetzt Erkenntnisse zu gewinnen. Um dann zu
sagen: Ich sehe, dass alles auch anders sein kann.
Gibt es etwas in ihrem Rollentext, mit dem sie sich besonders
identifizieren können?
Zunächst gehört es zu meinem Beruf, Figuren glaubhaft
zu machen, auch wenn ich mich nicht inhaltlich
hinter sie stellen kann. Aber es gibt eine Stelle in
„Agoraphobia“, da fängt der Protagonist an, Leute
anzusprechen. „Stimmt es, dass man Zorn immer
mit Zorn heimzahlt?“ Das ist etwas, wovon ich völlig
überzeugt bin: dass Aggression und Gewalt in jeglicher
Form nur Gegengewalt evozieren. So schaukelt
es sich hoch. Ich denke, die einzige Lösung in einem
Zeitalter des Materialismus, der mehr und mehr zu
einem Ende kommen muss und wird, ist, die Gewaltlosigkeit
in jeder Beziehung zu suchen. Ein zentraler
Satz im Stück ist auch: „Was wir brauchen, ist eine
Revolution, eine Revolution des Gefühls, eine geistige
Revolution. Eine Involution. Anders. Anders denken.
Anders, um dieses Wort muss es sich drehen.“
Am Montag sind Sie hier bei den Schillertagen in „Don Carlos“
als Karls Vater Philipp aufgetreten – vor langer Zeit waren sie
schon mal in Mannheim in dem Stück zu sehen, richtig?
Ja, lustigerweise bin ich hier schon mal gewesen, das
war im Januar 1985. Da gab es eine „Don Carlos“-Inszenierung
von Alexander Lang aus den Münchner
Kammerspielen, in der ich noch Carlos gespielt habe.
Das ist der Lauf der Zeit. Man durchläuft verschiedene
Phasen. Das entspricht dann den Erfahrungen
und dem Leben, das ich einbringen kann. Aber es
gibt immer wieder neue Erfahrungen, wie „Agoraphobia“.
Ich freue mich, dass ich geistig und körperlich
so offen sein kann, mich darauf einzulassen.
Und so soll es auch bleiben.
Das Gespräch führten Lena Fiedler und Florian Naumann.
12 massenmedium # 04/ 28. Juni 2013

Mitmachen
erlaubt!
Die Filmreihe „SchmeiSS dein Ego weg!“ im Cinema
Quadrat reflektiert die Idee des individuellen Lebensentwurfs
und die Gründung von Gegengesellschaften
Spielfeldrand
Sportunterricht. Völkerball.
Jede Mannschaft wählt ihre
Spieler, bis nur noch eine
Person übrig ist: Ich,
zwölfeinhalb, übergewichtig,
unkoordiniert, plump. Die Anderen, interessiert
am Mannschaftssieg. Kurz waren wir alle gemeinsam
auf dem Spielfeld, dann habe ich mich absichtlich
vor den Ball geworfen, was den Superlativ
meiner Sportlichkeit erforderte. Glücklicherweise
konnten die anderen ganz gut zielen. Den weiteren
Spielverlauf verfolgte ich vom Spielfeldrand und
stellte mir vor, wie es wäre, teilnehmen zu können.
Schnittig dem Ball ausweichen, im Ballbesitz die
Verantwortung für den Sieg der Mannschaft
aushalten und dann den Ball über Körpersprache
kommunizierend an einen anderen Mitspieler
abgeben. Sich seiner Position im Spielfeld und des
Bezugs zu den Anderen bewusst zu sein. Mitspielen
zu können. Paradoxerweise war ich gefühlt mehr
Teil des Teams, wenn ich völlig funktionslos am
Rand stand. Nur noch für mich selbst verantwortlich
und sehr darauf konzentriert, nicht durch einen
dummen Zufall wieder Teil des Spielgeschehens
und einer Mannschaft zu werden, die sich über
Eigenschaften definiert, die in meiner Person total
negiert werden. Zweimal in meiner gesamten Schulsportmisere
habe ich den Ball gefangen. Einmal
getroffen – den Kopf eines hoch qualifizierten
Mitspielers. Die Reaktion auf diesen Jackpot war,
dass mir das Recht auf menschliche Mitspieler
entzogen wurde und ich von da an alleine gegen die
Hallenwand spielen musste. Gewonnen habe ich
nie.
Judith Engel
Empire me
Eine Bohrinsel, unfruchtbares Land im Outback
Australiens, phantastische Schiffsburgen im Canale
Grande und ein anarchischer Kleinstaat am tristen
Stadtrand Kopenhagens. Settings für Sealand, Hutt
River, Damanhur, ZeGG, Christiania und Swimming
Cities. Fünf sehr verschiedene Mikronationen, eine
Idee. Was geschieht, wenn Menschen sich nicht
mehr bestehenden Systemen unterwerfen möchten,
sich selbst verwalten und einen Staat gründen?
Muscheln fischende Prinzen, Liebesjünger, antikapitalistische
Clowns und indirekt auch Schiller. Die
Frage nach dem besseren Staat und der Wunsch nach
Freiheit sind zentrale Themen seines Werks.
Was aber, wenn alle Wilhelm Tells die Armbrust
hinwerfen und die Bühne verlassen, genug davon haben,
das Nachdenken über Freiheit auf der Bühne zu
verhandeln? Was, wenn aus Spiel Realität wird? Die
Dokumentation „Empire me – der Staat bin ich“ von
Paul Poet ist der letzte Film in der Reihe „Schmeiß
dein Ego weg“, mit der das Cinema Quadrat die
Schillertage begleitet. „Empire me“ zeigt fünf der
zahlreichen Möglichkeiten, über einen optimalen
Staat nachzudenken. So unterschiedlich die Herangehensweisen
auch sind, sie teilen alle die Aura des
menschlichen Unvermögens, dieser gewaltigen Aufgabe
gerecht zu werden.
Es sind kurze Sequenzen, die einen immer tiefer in
den Kinosessel rutschen lassen. Verantwortlich ist
nicht zuletzt die musikalische Dramatik. Theatralisches
Orchesterbrausen, wenn der Prinz des Bohrinselfürstentums
auf Muschelfang alleine übers graue
Meer schaukelt und Freiheit plötzlich nach Einsamkeit
aussieht. Dumpfes Schwappen des Ozeans, das
wie eine akustische Analogie zum kalten Neonlicht
ins Innere des Kraftraums von Sealand dringt. Einem
heruntergekommenen Ort mit speckig glänzenden
Wänden und dem Geruch von Öl und Fisch. „Isn’t it
beautiful?“ fragt sich der Fürst des Drei-Mann-Staates
mehr selbst als den Zuschauer.
esoterisches
Disneyland
Marschmusik für den Präsidenten von Hutt River,
dessen einzige Utopie darin besteht, Monarchie mit
sich selbst als Gekröntem zu leben. Inklusive königlicher
Briefmarke und Nationalhymne. Pflanzengesänge
untermalen den Exkurs ins „esoterische Disneyland“
Damanhur, wie es von einer der tausend
Bewohnerinnen bezeichnet wird. Sie hat sich aus
der Wüste Nevadas hergependelt, ist Feuerzeichen
gefolgt und jetzt zufriedenes Mitglied der Klasse C.
An diesem Punkt schwindet die kunterbunte, selbstgetöpferte
Kulisse. In Damanhur wurden nicht die
Spielregeln, sondern nur die Kostüme geändert.
Man muss sich qualifizieren, um aufzusteigen. Bildungsprogramme
zur Einswerdung mit dem Kosmos
durchlaufen, und wenn einem das reaktionäre Prin-
zip von Kategorisierung aufstößt, eine Chakrenreinigung
durchführen lassen. Wem das nicht hilft, der
ist vielleicht in ZeGG, einem ehemaligen Stasistützpunkt,
an dem heute die Liebe regiert, besser aufgehoben.
Liebe im Sinne einer alles umschlingenden
Sexualität. Eine Liebe, die mit säuselnder Stimme
von der Ursuppe, der Sehnsucht nach der orgastischen
Auflösung des Selbst erzählt, während sich
die Mitglieder wie kringelnde Maden nackt und ölig
dem kollektiven Höhepunkt nähern.
Da sind aber nicht nur Makroaufnahmen nackter
Haut, die Masse stöhnender Körper, sondern auch
die Frage danach, was wirklich anders ist in dieser
utopischen Gesellschaft, in der das Diktat der Liebe
so abstoßend wirkt wie der kapitalistische Befehl zu
konsumieren. Zwang zur Funktion hat viele Gesichter.
In einer letzten Szene schwimmen futuristische
Floßburgen durchs nächtlich erleuchtete Venedig.
Es ist der Endpunkt der Reise von „Swimming Cities
of Seremissima“, die als Utopie auf Zeit konzipiert
waren. Die bunte Besatzung, Künstler und selbsternannte
Entdecker im Neuzeitpiratenlook, haben
ihre Ray-Ban- Brillen abgenommen und schauen ratlos
auf die vorbeiziehenden historischen Fassaden.
Kann man ablegen, was einen Jahrhunderte lang geprägt
hat? Morgen betreten sie wieder festen Boden.
Die Frage nach der Möglichkeit einer besseren Welt
bleibt unbeantwortet.
Judith Engel
massenmedium # 04/ 28. Juni 2013 13

schilleRs magenmeDizin
MaNNheiM iSt verdaMMt Stolz auf ihN. daS theater richtet ihM eiN feStival auS uNd BedrucKt
Zu SeiNeN ehreN ZahlloSe t-ShirtS Mit FragWÜrDigen Fragen. will MaN aBer die wahre
geSchichte ÜBer Schiller uNd MaNNheiM erfahreN, MuSS MaN weit geN weSteN fahreN
Nach, ja genau, Ludwigshafen. In den rheinfernen
Ortsteil Oggersheim, genauer gesagt. Eine gute
halbe Stunde Fahrt auf einem weiß auf schwarz
bedruckten Schillerrad. Auf dem brachialen Betonkonstrukt
der Konrad-Adenauer-Brücke über den
Mannheimer Hafen und den Rhein hinweg und
dann durch die Ludwigshafener Innenstadt. Über
aufgeplatzten Asphalt, vorbei an Schrottplätzen und
krautumwucherten Plattenbauten.
Bis in den Oggersheimer Ortskern. Dort steht ein
Schillerhaus, in dem Schiller wirklich gewohnt hat.
Was in Mannheim „Schillerhaus“ heißt, ist nämlich
nur ein ehemaliges Nachbarhaus. In Oggersheim
trägt den Namen ein zweistöckiges ehemaliges Gasthaus,
das heute auch die Bücherei beherbergt, die
„Bischerei“, wie die Einheimischen den Weg weisen.
Im kleinen Museum empfangen Senioren vom Heimatkundlichen
Arbeitskreis Oggersheim den Besucher.
„Sie kennen die Geschichte von Schiller, nehme
ich an?“, sagt Klaudia Göbel.
Dann legt sie doch los. Schiller, so in etwa lautet die
Geschichte, war 1782 auf der Flucht vor dem Herzog
von Württemberg und hoffte auf Geschäfte mit dem
Mannheimer Nationaltheater. Der vielgepriesene
Intendant Dalberg aber dachte gar nicht daran, den
verarmten Dichter generös zu unterstützen. Also
tauchte der enttäuschte Schiller zusammen mit seinem
Freund Streicher sieben Wochen im Oggersheimer
„Viehhof“ unter. Wirklich verbunden fühlte er
sich dem Schauspielhaus damals nicht: „Mannheim
ist schlechterdings keine Atmosphäre für mich“ und
„beim Theater Dienst zu nehmen ist nicht nur unter
meinem Plan, sondern auch wirklich schwer, weil es
sehr erschöpft ist, verarmt und sinkt“, schrieb Schiller
an einen Freund.
Schillers Stube im Viehhof gibt es heute noch zu sehen.
Knapp zwölf Quadratmeter, mittlerweile allerdings
mit Schaukästen und Neonlicht ausgestattet.
„Die originalen Möbel sind weggegeben worden,
aber das Zimmer ist das gleiche“, berichtet Göbel.
„In einem blauen Bett haben Schiller und Streicher
gemeinsam geschlafen. Wenn ich das erzähle, lachen
die Schulklassen. Aber so war das eben damals.“
Von FremDen leuten
nicht VergeSSen
Schiller hat Spuren in Oggersheim hinterlassen. An
„Fiesco“ und „Kabale und Liebe“ hat er hier gearbeitet.
Und das kleine Schillerhaus besitzt „mindestens
genauso viele Erstausgaben wie Marbach und Weimar“,
betont Göbels Kollege Manfred Wendel. Der
lokale Sammler Karl Schenkel habe sie 1949 erstanden.
Einen handgeschriebenen Brief Schillers gibt es
zu bestaunen, und, man höre und staune, ein Originalrezept
für die Magenmedizin des Dichters. Alles
fein säuberlich in Vitrinen verwahrt. Nach ein paar
Wochen reiste Schiller ins Thüringische Bauerbach
ab. Oggersheim behielt er in guter Erinnerung: „In
dem Wirtshaus, wo ich im vorigen Jahr 7 Wochen gewohnt
habe, bin ich auf eine Art empfangen worden,
die mich recht sehr gerührt hat. Es ist etwas freudiges
von fremden Leuten nicht vergessen zu werden“,
schreibt er 1783 an Henriette von Wolzogen.
Den Brief hat Bayerns König Ludwig I. in eine Gedenktafel
am Haus meißeln lassen. Eine andere
Straße zwischen Oggersheim und Mannheim ist
die Mannheimer Allee. „Das war schon damals eine
Allee, da ist Schiller im Schutz der Dunkelheit zum
Nationaltheater marschiert“, berichtet Göbel. Erfolg
habe ihm der Fußmarsch allerdings nicht gebracht:
„Die Schauspieler haben bei Schillers Präsentation
reihenweise den Saal verlassen. Und warum? Weil
er schwäbisch geschwätzt und ihn keiner verstanden
hat.“
Die Oggersheimer aber verstehen die Bedürfnisse
von Besuchern aus fernen Landesteilen. „Wenn Sie
eine Führung durch Oggersheim wollen, melden Sie
sich einfach“, sagt Wendel. „Und jetzt gehen Sie am
besten ein Bier trinken.“ Nebenan steht eine Brauerei.
Die habe es zwar zu Schillers Zeiten noch nicht
gegeben, braue aber gutes Bier.
florian naumann
Mein
beDÜrFniS
und stReben ist, Aus
weniGeM
Viel
zu machen
SCHILLER, „ÜBER DAS ERHABENE“
14 maSSenmeDium # 04/ 28. juni 2013

veRschMelzunGsVerSuch # 04
Die Suche nach anziehungSKrÄFten
ZwiScheN deN teilcheN
Wir sind neun Massepunkte, neun Menschen, die
sich unabhängig voneinander durch die Welt bewegen.
Normalerweise. Während der 17. Internationalen
Schillertage verschmelzen wir für die Leser der Festivalzeitung
zur kritischen Masse, zum Kollektiv, zur
Redaktion. Deshalb stellen wir uns in einem gemeinschaftlich
verfassten Prolog vor. Das ist ein Experiment
– genau wie die Formung eines „Wir“. Beginnen
wir mit der Suche nach Anziehungskräften zwischen
den Teilchen: das Theater, Friedrich Schiller, die Lust
am Schreiben. Für den Prolog haben wir uns Schlüsselworte
und Zitate von Friedrich Schiller ausgewählt,
um die wir unsere Gedanken kreisen lassen.
Die Frage, wer das „Selbst“ ist, das da gerade schreibt,
bleibt offen – irgendwo zwischen Ich und Wir.
...
Wer erinnert sich nicht manchmal an die herrliche
Unbeschwertheit der Kindertage, an ausgelassene
Fröhlichkeit? Wer sehnt sich nicht nach dieser unkomplizierten
Welt, die nach frisch gemähtem Gras
riecht und grenzenlose Freiheit bedeutet – zumindest
bis die Mutter zum Abendessen ruft?
Gerade in Zeiten, in denen Stress und Zukunftsängste
mich zu erdrücken scheinen, bin ich auf der
Suche nach Momenten, die mir diese Sorglosigkeit,
den Duft der Kindheit zurückbringen. Ich finde sie
im Theater, und zwar nicht nur, weil das Smartphone
dort mal ausgeschaltet bleibt.
„Ernst ist das Leben, heiter ist die Kunst“, schreibt
Schiller im Prolog des „Wallenstein“. Ich liebe es,
wenn ich auch mal herzhaft lachen kann, aber entscheidend
ist für mich etwas anderes: Im Theater
kann ich alles um mich herum vergessen. Die Sorgen
des Alltags, das Rascheln in der Reihe hinter mir. Ich
kann ganz da sein, das Jetzt erleben und alles andere
warten lassen.
Wenn ich mich dabei selbst im Stück wiedererkenne
oder Impulse bekomme, die über die Vorstellung hinauswirken,
umso besser. Schiller zeigt uns, wie man
„das düstre Bild der Wahrheit in das heitre Reich der
Kunst hinüberspielt“. Er behandelt wichtige politische
und gesellschaftliche Themen und verknüpft
dabei Spiel mit Ernst, Unterhaltung mit Bildung. Ich
hoffe, dass auch die Schillertage eine gute Mischung
aus beidem für uns bereithalten.
...
Ohne Zweifel, es werden diese schönen Momente
kommen, in denen ich mich in der vermeintlichen
Sorglosigkeit des Jetzt verlieren kann. Aber wenn
der sterbende Attinghausen im „Wilhelm Tell“ seine
letzten Worte spricht und prophezeit „Es hebt die
Freiheit siegend ihre Fahne“, dann beginnt in mir etwas
zu schwingen. Dann findet der Schiller den Weg
in mein heutiges Herz, und die unerfüllte Sehnsucht
nach dem ewigen Traum der Freiheit kriecht in mir
wieder empor. Was uns unterschiedliche Menschen,
so zumindest mein Eindruck, zu vereinen mag, ist
das beklemmende, immer stärker werdende Gefühl,
dass diese Welt aus den Fugen geraten ist. Es
scheint, dass eine obskure Maschinerie uns bewegt,
ohne dass wir einen Einfluss darauf haben können.
Es wäre vermessen, für andere oder gar (m)eine ganze
Generation sprechen zu wollen. Ich aber verspüre
den Drang nach Veränderung, den Wunsch, die verheißungsvolle
Fahne der Freiheit zu schwingen. Wo
anzufangen ist, wie dabei vorzugehen ist, was überhaupt
zu tun ist, ich weiß es nicht. Doch das Theater
kann in den eitrigen Wunden unserer Zeit wühlen.
Es kann, mit ein bisschen Mut, entlang der längst
ausgetretenen Pfade stolpern, um Zukunfts(t)räume
zu erproben. Es ist Zeit zu experimentieren.
In den Theatern. In den Köpfen. Auf den Straßen.
Lasst es uns wagen! Denn „verbunden werden auch
die Schwachen mächtig“. (Wilhelm Tell I,3) Und so
werde ich nicht aufhören zu hoffen. Auf einen Akt
der Solidarität. Auf ein widerständiges Wir. Auf
den (kommenden) Aufstand. Die Sehnsucht nach
Freiheit lodert in unseren Herzen. Doch die Realität
brennt in unseren Augen. Überall auf den Plätzen
dieser Welt.
ende
deR
Die
duldende MAsse
unteR seine
zWecKe
GewAltthätiG beuGt,
Muss sie hieR uM ihRe
beistiMMunG
Fragen.
SCHILLER,
„ÜBER DIE ÄSTHETISCHE ERZIEHUNG“
maSSenmeDium # 04/ 28. juni 2013
15

PROGRAMM
Freitag 28.06.
09.30 Schnawwl | € 12,– / € 6,–
Tahrir Tell (UA)*
National theater Mannheim, Schnawwl
11.00 – 12.30 Alte Feuerwache | € 14,– / € 8,50
Die RÄuber*
Schauspielhaus Teheran
18.00 – 19.00 Lobby Werkhaus | € 5,– / € 2,50 / Eintritt frei mit Vorstellungsbesuch und für
SWR2-Clubmitglieder
SWR2 Forum Sind autoritÄre Regime erfolgreicher?
18.00 – 19.00 Stadt | 30 min Ortsgespräch laut Tarif Ihres Telefonanbieters
Agoraphobia
OMSK/Lotte van den Berg
18.00 – 18.50 zeitraumexit | € 14,– / € 8,50
BLIND VARIATION #3 (UA)
machina eX
19.00 – 21.00 Schauspielhaus | Preise G
Wilhelm Tell*
Schauspielhaus ZÜrich
19.30 – 21.00 Alte Feuerwache | € 14,– / € 8,50
Die RÄuber*
Schauspielhaus Teheran
20.00 Premiere | Community art Center | € 8,50
Heimat-TrÄume? (UA)*
Community art Center
20.00 – 20.50 zeitraumexit | € 14,– / € 8,50
BLIND VARIATION #3 (UA)
machina eX
21.00 Premiere | Studio | € 14,– / € 8,50
The Earthaluja! Extinction Revival (UA)
Reverend Billy & the Stop Shopping choir
21.30 – 22.20 zeitraumexit | € 14,– / € 8,50
BLIND VARIATION #3 (UA)*
machina eX
22.30 Unteres Foyer / Theatercafé | Eintritt frei !
Schill-Out
mit I Heart Sharks | DJ Polymux
Spielstätten | Kartenerwerb
Opernhaus, Schauspielhaus, Unteres Foyer, Theatercafé Am Goetheplatz, Mannheim | Zentraler Vorverkauf | Abendkasse 1 h vor Veranstaltungsbeginn
Studio und Lobby Werkhaus Mozartstraße 9 – 11, Mannheim | Zentraler Vorverkauf | Abendkasse 1/2 h vor Veranstaltungsbeginn
PROBENZENTRUM NECKARAU Eisenbahnstraße 2, Mannheim | Shuttle vom Nationaltheater zum Veranstaltungsort Schnawwl – Theater für junges
Publikum am Nationaltheater Mannheim Am Alten Messplatz, Brückenstraße 2, Mannheim | Vorverkauf telefonisch unter + 49 (0)621 1680
302 | Mo, Mi, Do, Fr 9.00 bis 12.00 Uhr | Mo – Fr 14.00 bis 17.00 Uhr | Kasse 1 h vor Veranstaltungsbeginn UNTERER LUISENPARK Renzstraße, Mannheim
| Eintritt frei Theaterhaus TiG7 G7, 4b, Mannheim | Zentraler Vorverkauf | Abendkasse vor Ort | www.tig7.de zeitraumexit Hafenstraße 68,
Mannheim | Zentraler Vorverkauf | Abendkasse vor Ort | www.zeitraumexit.de Community art Center Mittelstraße 17, Mannheim | Zentraler Vorverkauf
| Abendkasse vor Ort Alte Feuerwache Am Alten Messplatz, Brückenstraße 2, Mannheim | Zentraler Vorverkauf | Abendkasse vor Ort |
www.altefeuerwache.com Cinema Quadrat Collini-Center / Foyer, Collinistr. 1, Mannheim | Vorverkauf telefonisch unter +49 (0)621 2 12 42 |
www.cinema-quadrat.de AGORAPHOBIA, OMSK / Lotte van den Berg Preis 30 min. Ortsgespräch laut Tarif Ihres Telefonanbieters | Registrierung
unter www.schillertage.de oder an der Theaterkasse | Ort wird nach der Registrierung per E-Mail oder an der Theaterkasse mitgeteilt
Samstag 29.06.
18.00 – 18.50 zeitraumexit | € 14,– / € 8,50
BLIND VARIATION #3 (UA)
machina eX
18.00 Schnawwl | € 12,– / € 6,–
Tahrir Tell (UA)*
National theater Mannheim, Schnawwl
19.30 – 21.10 Cinema Quadrat | € 7,– / € 6,– / Mitglieder € 5,–
Filmreihe Empire me – Der Staat bin ich!
20.00 – 22.00 Schauspielhaus | Preise G
RÄuber. schuldengenital*
Burgtheater Wien
20.00 Community art Center | € 8,50
Heimat-TrÄume? (UA)
Community art Center
20.00 – 20.50 zeitraumexit | € 14,– / € 8,50
BLIND VARIATION #3 (UA)
machina eX
21.00 Studio | € 14,– / € 8,50
The Earthaluja! Extinction Revival (UA)*
Reverend Billy & the Stop Shopping choir
21.30 – 22.20 zeitraumexit | € 14,– / € 8,50
BLIND VARIATION #3 (UA)
machina eX
22.30 Unteres Foyer / Theatercafé | Eintritt frei !
Schill-Out & La Nuit BohËme präsentieren:
Dirty Honkers | Costa Le Gitan feat. Patrrice
* Publikumsgespräch im Anschluss