TIMON ALTWEGG

GMCD 7391
2013 Guild GmbH
© 2013 Guild GmbH
TIMON ALTWEGG
Guild GmbH
Switzerland

1
2
3
4
5
6
7
JEAN RIVIER (1896-1987)
Concerto Brève for piano and string orchestra
I. Leggiero e burlesco 3:24
II. Lento nostalgico 3:15
III. Allegro violento 3:22
ROBERT CASADESUS (1899-1972)
Capriccio Op. 49 for piano and string orchestra
I. Allegro con fuoco 5:01
II. Vivace scherzando 6:33
III. Adagio 2:21
IV. Allegro molto 4:52
A GUILD DIGITAL RECORDING
• Producer and Engineer: Patrick Faubert
• Recorded: Studio Elixir, Toulouse, France, 29-31 May, 2012
• Final master preparation: Reynolds Mastering, Colchester, England
• Front cover picture: Tower by Sergey Grinevich (1960), © Humanbios GmbH
• Design: Paul Brooks, Design & Print, Oxford
• Art direction: Guild GmbH
• Executive co-ordination: Guild GmbH
• This CD is dedictated to Hubert Mahler (1929-2008) and Alan Rowlands (1929-2012)
8
9
10
JEAN WIENER (1896-1982)
Concerto No. 1 “Franco Americain” for piano and string orchestra
I. Très sonore et très marque 4:01
II. Très lent 5:38
III. Alla brève 4:52
11
12
13
14
JACQUES CASTÉRÈDE (b. 1926)
Concerto for piano and string orchestra
I. Pastorale 5:13
II. Scherzo 4:00
III. Nocturne 10:09
IV. Rondo 5:28
Timon Altwegg piano
Orchestre de Chambre de Toulouse
Gilles Colliard conductor
■
■
■
GUILD specialises in supreme recordings of the Great British Cathedral Choirs, Orchestral
Works and exclusive Chamber Music.
Guild GmbH, Moskau 314b, 8262 Ramsen, Switzerland
Tel: +41 (0) 52 742 85 00 Fax: +41 (0) 52 742 85 09 (Head Office)
Guild GmbH., PO Box 5092, Colchester, Essex CO1 1FN, Great Britain
e-mail: info@guildmusic.com World WideWeb-Site: http://www.guildmusic.com
WARNING: Copyright subsists in all recordings under this label. Any unauthorised broadcasting, public
performance, copying or re-recording thereof in any manner whatsoever will constitute an infringement of such
copyright. In the United Kingdom licences for the use of recordings for public performance may be obtained from
Phonographic Performances Ltd., 1 Upper James Street, London W1F 9EE.

GMCD 7371
In the history of European concert music, one occasionally encounters works of a similar nature which
are associated with composers from a particular country or region. The relationship between France and
Germany in the nineteenth-century was frequently at odds, exemplified by the Congress of Vienna in 1815
and the Franco-Prussian War of 1870-71. It ought not to be surprising that French art in the nineteenth-century
considered itself as vastly different from that of (broadly speaking) German dominated Europe.
The Austro-Germanic legacy of the sonata, as exemplified above all by the music of Beethoven, Schubert and
Brahms, whilst naturally attracting the attention of every genuinely musical student, meant little in the way of
natural expression for many French-speaking composers, who looked elsewhere for models – to the theatre, with
the French evolution of ballet, prior to the breakthrough of Impressionism in the 1870s and 1880s, which was to
embrace all arts; whatever the impetus, we find at that period a move away by many French composers from the
Austro-Germanic concepts of symphony and full-scale concerto.
This is not to say that there were no such works written by French composers in the last quarter of the
nineteenth-century – but there were relatively few – and an aspect of French music of the time is the emergence
of concertante-style works, often rejecting the by-then standard three-movement concerto structure, itself a
product of what may be termed the Austro-Germanic heritage. We can trace a systemic line, post-1870, which
includes such compositions as Fauré’s Ballade (1879), Saint-Saëns’s Rhapsodie d‘Auvergne and César Franck’s
Les djins (both 1884), Franck’s Variations symphoniques and Saint-Saëns’s Wedding Cake caprice (both 1885),
Vincent d’Indy’s Symphony on a French Mountain Air (1886), Saint-Saëns’s Africa Rhapsody (1891) and Faurë’s
late Fantasie (1919) – all for piano and orchestra, and all at one time gaining a place in the repertoire, which as a
totality encouraged a genre which is – and remains – essentially Gallic in inspiration.
This is not to say that there were no such works prior to 1870 – examples by Liszt, Mendelssohn and Weber,
amongst others, give the lie to that – but there would appear to have been something definitive, ‘in the air’ so to
speak, during that virtual half-century which led to a more lasting establishment of such a school in France.
Nor did the movement end in 1919. By then, Darius Milhaud – a major figure in French music for over
fifty years - had composed the first of his (eventually) eleven works for piano and orchestra, the Poème sur un
cantiaue de Camargue, and in 1920 was to follow that with two more: Ballade and Five Studies. The friendship
and influence of Milhaud may be found threaded through the careers of three of the composers in this collection;
he was a member of Les Six, a group of (naturally) six composers allied after World War 1 – the others were
Germaine Tailleferre, whose Ballade for piano and orchestra appeared in 1923, and Arthur Honegger, who in
1924 composed his Concertino for piano and orchestra. A fourth member was Francis Poulenc, whose Aubade (a
‘concerto choreographique’ for piano and orchestra) dates from 1930.
3

But by this time, the post-First World War influence of American jazz upon European art music had come to be
felt. Before the impact made by Gershwin’s Rhapsody in Blue (1924), Milhaud and his (pre-war) fellow-student at
the Paris Conservatoire, Jean Weiner, had taken jazz seriously: Milhaud did so in his ballets La création du monde
and Le boeuf sur le toit (which latter work gave its name to a famous Parisian night-club – at which Weiner became
resident pianist), and Weiner in his Concerto No. 1 ‘Franco Americain’ for piano and string orchestra of 1923.
Weiner had been born in 1896, and went on to make his name as a composer mainly of film music and as
a member of the popular Weiner-Doucet two-piano team. His early piano concerto is very much a work of its
period – exuding that Gallic sense of well-being, exemplified through an attractive thematicism such as presages
the famous Concerto in G of Maurice Ravel composed in 1931. There is a lightness of touch in Weiner’s Franco
Americain Concerto in the first movement, and a relatively languid melodic simplicity in the Très lent second
movement which likewise looks forward to Ravel’s later Concerto; the finale of Weiner’s Concerto is based upon
a simple streetwise theme, recalling Milhaud’s almost child-like boulevarderie melodiousness, and repeated with
increasing insouciance.
The three remaining French concertos for piano and string orchestra in our collection appeared within
two years – 1952-54. Chronologically, the Capriccio Opus 49 by Robert Casadesus was the first. It is one of
no fewer than seven works for piano (or for two or three pianos) and orchestra composed by a musician who
enjoyed an international reputation. Alongside Alfred Cortot, Robert Casadesus was widely regarded as one of
the greatest French pianists, a magnificent stylist who excelled in the music of Mozart, Beethoven, Debussy and
Ravel especially, as his very many recordings for American Columbia (during the era 1935-70) attest. His wife,
Gaby, was also a much admired pianist, and their son Jean was also building a significant international career as a
pianist before he was tragically killed in an automobile accident in 1972. Robert died a few months later.
As a member of a highly musical family, Robert Casadesus’ fame as a concert artist tended to overshadow
his compositions, which include no fewer than seven Symphonies (the Seventh a choral work) and ten concertos
(three for piano, one for two pianos and one for three pianos - which latter work he, Gaby and Jean recorded for
Columbia), including one each for violin, cello and flute. Among the family’s recordings are several two-piano
works by Milhaud, who was a life-long friend.
The Capriccio by Casadesus is effectively a four-movement concerto with string orchestra, and, as one might
expect, the piano writing is exceptionally brilliant and effective. Structurally, it is a beautifully balanced work,
which, like all of the music on this record is clearly designed to give pleasure to the listener.
Jean Rivier was born in 1896, the same year as Jean Weiner and four years after Milhaud. During World
War II, Milhaud and his family managed to escape Vichy France and arrived in the United States, but at
Von 1996 bis 2004 spielte er auf Bitte von Christophe Coin mit ihm gemeinsam als Sologeiger mehrere
Tourneen. Dies war für Colliard die Gelegenheit, sich auf den weltweit größten Bühnen als Solist und
Kammermusiker zu präsentieren. Er spielte die erste Geige im Streichquartett Ravel, war künstlerischer Leiter
der Musikabteilung für Alte Musik des CRR Toulouse, war Geigenlehrer in selbigem Institut und am CESMD
Toulouse. Seit 2004 ist Gilles Colliard Chefdirigent des Kammerorchesters Toulouse [Orchestre de Chambre de
Toulouse].
Neben regelmäßigen Auftritten bei den Festspielen in Casals, Montreux, Berlin, Santander, etc. tritt Colliard
in Paris (Châtelet), Tokio (Kyoi Hall), London (Queen Elisabeth Hall), Moskau (Tschaikowski-Konservatorium),
Berlin (Kleine Philharmonie) und Genf (Victoria Hall) auf.
Gilles Colliard ist in sämtlichen Repertoires zu Hause. Zusammen mit Orchestern wie dem London Soloist
Chamber, dem Orchestre de la Suisse Romande, dem Concentus Hungaricus Budapest, dem Orchester aus North
Carolina und der Böhmischen Philharmonie spielt er Konzertstücke von Brahms, Beethoven, Bartok, Tschaikowski,
Paganini, etc.
Als Chefdirigent bevorzugt Gilles Colliard neben dem symphonischen Repertoire (Beethoven, Brahms,
Schumann, etc.), das u. a. mit dem Sinfonieorchester Biel und dem Orchestre des Concerts Lamoureux vorgetragen
wird, die Präsentation von Werke für Chor und Orchester. Anlässlich des 300. Todestages des Komponisten
dirigierte Colliard das Requiem von Jean Gilles in der Kathedrale Saint Etienne in Toulouse, „L‘Orfeo“ von
Monteverdi, „La rappresentazione di anima e di corpo“ von Cavalieri, die „Sieben letzten Worte Christi von Haydn,
den „Bürger als Edelmann“ von Lully sowie mehrere kontemporäre Stücke.
Seine Leidenschaft für das Komponieren und das Bedürfnis, seine eigenen musikalischen Vorstellungen
auszudrücken, treiben Gilles Colliard schon seit seinem 15. Lebensjahr an, seine ersten Stücke zu schreiben. Das
Kanton und die Stadt Genf finanzierte eine CD mit seinen eigenen Kompositionen.
Das „Centre Européen de Recherche“ gab bei ihm eine Oper in Auftrag, die 2002 im „Grand Théâtre de Limoges“
vorgetragen wurde. Seither wurde Gilles Colliard mit mehreren Kompositionen beauftragt. 2010 stellte Régis Pasquier
sein „Concerto pour Violon“ fertig.
Seine bedeutende Diskografie umfasst mehr als dreißig Aufnahmen (dazu gehören Konzertstücke von Haydn,
Mozart, Bach, Stücke für Violine solo und viele andere Werke), von denen mehrere ausgezeichnet wurden (ƒƒƒƒ
Télérama, Goldene Stimmgabel, Monde de la Musique…). Er spielt eine Violine von Guarnerius aus dem Jahre
1665.
4 13

This was an opportunity for Colliard to appear on the world’s greatest stages as both soloist and chamber musician.
Colliard played first violin in the Ravel String Quartet, was the artistic director of the department for old music of
the CRR in Toulouse, and taught violin at the same institution and at the CESMD in Toulouse. Since 2004 Gilles
Colliard has been chief conductor of the Toulouse Chamber Orchestra.
Besides appearing regularly at various festivals (Casals, Montreux, Berlin, Santander etc.), Colliard has also
performed in Paris (Le Châtelet), Tokyo (Kyoi Hall), London (Queen Elizabeth Hall), Moscow (Tchaikovsky
Conservatory), Berlin (Kleine Philharmonie) and Geneva (Victoria Hall).
Gilles Colliard is interested in all the repertoire. Together with orchestras such as the London Soloists
Chamber Orchestra, the Orchestre de la Suisse Romande, the Concentus Hungaricus of Budapest, the North
Carolina Orchestra and the Bohemian Philharmonic he has played the concertos of Brahms, Beethoven, Bartók,
Tchaikovsky, Paganini etc.
As a conductor, besides the symphonic repertoire (Beethoven, Brahms, Schumann etc.), which he has
performed with the Orchestre Symphonique Bienne, the Orchestre des Concerts Lamoureux and others, Gilles
Colliard also enjoys performing works for choir and orchestra. On the occasion of the 300th anniversary of the
composer’s death, Colliard conducted the Requiem of Jean Gilles in the Cathedral of St Stephen in Toulouse. He
has also conducted Monteverdi’s Orfeo, Cavalieri’s La rappresentazione di anima e di corpo, the Seven Last Words of
Christ by Haydn, Lully’s Bourgeois gentilhomme and several contemporary works.
Colliard’s passion for composition and his need to express his own musical ideas led him to write his first
works at the age of 15. The Canton and City of Geneva have together financed a CD of his compositions.
The Centre Européen de Recherche commissioned an opera from him that was performed at the Grand Théâtre in
Geneva in 2002. Since then, Gilles Colliard has received several commissions. In 2010, Régis Pasquier performed
his Concerto for Violin.
Colliard’s extensive discography comprises more than thirty recordings (including concertos by Haydn,
Mozart and Bach, pieces for violin solo and numerous premières) of which several have been given awards (ƒƒƒƒ
Télérama, Goldene Stimmgabel, Monde de la Musique…). He plays on a violin by Guarnerius from 1665.
Als Solist, Orchesterdirigent, Komponist und Pädagoge ist Gilles Colliard ein facettenreicher Musiker. In der
Schweiz geboren, besuchte Gilles Colliard zusammen mit Jean-Pierre Wallez das Musikkonservatorium Genf
[Conservatoire de Musique de Genève], wo er mit dem Premier Prix de Virtuosité ausgezeichnet wurde. Er
studierte bei Tibor Varga und spezialisierte sich nebenbei auf die Interpretation des Repertoires des Barock mit
zeitgenössischen Instrumenten.
12
the end of the War they returned to Paris. From 1948, Milhaud was a Professor of Composition at the Paris
Conservatoire, a position he and Rivier shared until 1962, each teaching for two years in turn, until Milhaud left
the Conservatoire. Rivier remained as Professor until he too retired in 1966. Rivier’s music lies more within the
neo-classical school, with influence from Stravinsky and Prokofiev, than does Milhaud’s, as we may hear in his
beguiling Concerto Breve. This is his Second Concerto for Piano, one of the prolific composer’s eleven concertos
for various instruments (Rivier also wrote eight symphonies and many other works, in total amounting to about
220 individual compositions – Milhaud, however, reached Opus 443). Rivier was President of the contemporary
music organisation Triton, but his own music could never be regarded as avant- garde, and although he had been
badly disabled with mustard gas in August 1918, he lived to celebrate his 91 st birthday, four months before his
death in 1987.
The youngest of our composers is Jacques Castérède (born in Paris in 1926). He entered the Paris
Conservatoire at the time of the Libération in 1944, where he attracted much attention. He won the Grand Prix du
Rome in 1953, and naturally stayed in the Italian capital at the legendary Villa Medici (a condition of the Prize).
Castérède composed his First Concerto for piano and string orchestra in 1954, the year he took up residence in
Rome.
Like the Capriccio of Casadesus, the Concerto of Castérède is in four movements. The first, Pastorale, looks
back also to neo-classicism, but inhabits a particularly Gallic air of a relatively simple melodic cast, not at all unlike
Milhaud’s similarly-entitled La fantasie pastorale for piano and orchestra of 1938; nothing, it seems, disturbs
Castérède’s rural atmosphere in this music, for all the world a lyrical descendent of Fauré’s melodiousness.
The scherzo-like second movement is virtually a moto perpetuo performing a similar function to that in
Prokofiev’s Second Piano Concerto, no less hectic in impetus, if a shade less blustery and intense. The third
movement contains the emotional heart of the work, the orchestra playing a more significant role in terms of
expression, the extended intensity of the music as it almost bids farewell to neo-classical precepts, coming as
something quite remarkable in the work. Neo-classicism returns in the perky Rondo finale, which formally – after
the intensity of the slow movement – reasserts the scale and scope of the composition as it proceeds naturally to
its urbane and delightful conclusion.
© Robert Matthew-Walker, 2013
5

In der Geschichte der europäischen Konzertmusik begegnet man gelegentlich Werken, die einander ähneln
und mit Komponisten eines bestimmten Landes oder der gleichen Region in Zusammenhang gebracht
werden. Im neunzehnten Jahrhundert waren die Beziehungen zwischen Frankreich und Deutschland oftmals
gespannt, was sich zum Beispiel am Wiener Kongress von 1815 und dem Deutsch-Französischen Krieg von 1870-
71 erkennen lässt. Von daher sollte es also nicht überraschen, dass sich die französische Kunst des neunzehnten
Jahrhunderts sehr von dem von Deutschland (im weitesten Sinne) dominierten Europa distanzierte.
Das deutsch-österreichische Erbe der Sonate, wie es besonders in der Musik von Beethoven, Schubert und
Brahms zum Vorschein kommt, verlangt zwar die Aufmerksamkeit jedes ernsthaften Musikstudenten, war aber
für viele französischsprachige Komponisten im Hinblick auf eine natürliche Ausdrucksform von eher geringer
Bedeutung. Stattdessen sahen sie sich anderweitig nach Vorbildern um - beispielsweise beim Theater und der
französischen Entwicklung des Balletts (vor dem Durchbruch des Impressionismus’ in den 1870er und 1880er
Jahren). Auch wenn uns die genauen Gründe nicht bekannt sind, so sehen wir doch zu jener Zeit eine Abkehr
vieler französischer Komponisten von den deutsch-österreichischen Konzepten der Sinfonie und der großen
Konzerte.
Das bedeutet nun nicht, dass keine solchen Werke von französischen Komponisten im letzten Viertel des
neunzehnten Jahrhunderts geschrieben wurden. Aber es sind nur wenige, und ein Aspekt der französischen Musik
jener Zeit ist das Aufkommen von Werken im konzertanten Stil, die häufig den damals üblichen dreisätzigen
Aufbau eines Konzerts verwarfen, der ebenfalls als Produkt des deutsch-österreichischen Vermächtnisses
betrachtet werden kann. Nach 1870 können wir eine Entwicklungslinie erkennen, in der Kompositionen wie
Faurés Ballade (1879), Saint-Saëns’ Rhapsodie d’Auvergne und César Francks Les djins (beide 1884), Francks
Variations symphoniques und Saint-Saëns’ Caprice Wedding Cake (beide 1885), Vincent d’Indys Symphonie sur un
chant montagnard français (1886), Saint-Saëns’ Africa (1891) und Faurés späte Fantaisie (1919) stehen. All diese
Werke sind für Klavier und Orchester, und alle gehörten einmal zum Repertoire, das in seiner Gesamtheit ein
Genre inspirierte, das von Grund auf als „gallisch“ bezeichnet werden kann.
Das soll nicht heißen, dass es Werke dieser Art nicht schon vor 1870 gegeben hätte. Beispiele von – unter
anderen – Liszt, Mendelssohn und Weber machen dies deutlich. Doch es lag anscheinend „etwas in der Luft“
in der zweiten Hälfte jenes Jahrhunderts, etwas, das zu einer dauerhafteren Etablierung einer solchen Schule in
Frankreich führte.
Diese Bewegung endete auch 1919 nicht. Damals hatte Darius Milhaud, der mehr als 50 Jahre eine
Hauptrolle in der französischen Musik spielen sollte, das erste seiner insgesamt elf Werke für Klavier und
Orchester komponiert: Poème sur un cantique de Camargue. 1920 folgten zwei weitere: Ballade und 5 Études.
Royal College of Music“ zugesprochen.
Heute ist er ein gefragter Solist und Kammermusiker, und wurde bereits in die USA, Süd- und Mittelamerika,
den nahen Osten, und ganz Europa eingeladen.
Als Solist widmet er sich, neben dem Standardrepertoire, vor allem selten gespielter, und zu Unrecht
vernachlässigter Komponisten. So hat er sich vor allem als Interpret Spanischer und Lateinamerikanischer
Komponisten einen Namen gemacht. Aufgrund seines grossen Engagements für englische Komponisten ist er
zum Musical Advisor des Swain-Alexander Trusts in London berufen worden.
Timon Altweggs immense Repertoirekenntnisse, vor allem auch in zeitgenössischer Musik, bewog die
Internetplattform www.musicaneo.com ihn als musikalischen Berater zu engagieren. www.musicaneo.com gilt
mittlerweile als eine der weltweit wichtigsten Internetseiten für klassische Musik.
Konzerte mit Altwegg wurden im ungarischen Rundfunk und Fernsehen, im österreichischen Fernsehen
(ORF), sowie im Zuge seiner Südamerikatournee 2007 live in Ecuador gesendet.
Im Mai 2004 trat Timon Altwegg, als erster ausländischer Solist seit 1990, zusammen mit dem Iraqi National
Symphony Orchestra in Bagdad auf. Dieses historischen Konzert wurde von 1200 Zuhörern bejubelt und war, wie
der anschliessende Meisterkurs an der Musikhochschule in Bagdad, unter der Schirmherrschaft der Schweizer
Botschaft, dem Schweizer Aussenministerium und dem Kulturministerium des Iraks.
Diese Konzertreise wurde auch von dem im Jahr 2005 erschienenen Werk “Shrapnels – En marge de Bagdad”
der Schriftstellerin Elisabeth Horem gewürdigt.
Timon Altweggs ausgezeichnete Technik wird von vielen zeitgenössischen Komponisten geschätzt, welche
ihm ihre Werke zu Uraufführung anvertrauen. So widmeten ihm der in den USA lebende Schweizer Komponist
Frank Levy seine beiden Klaviersonaten, sowie sein 2. Klavierkonzert, und der Amerikaner Hugh Levick sein
pianistisches Hauptwerk „Decline & Fall“.
Timon Altwegg ist Dozent an der Pädagogischen Hochschule Thurgau, sowie an der Pädagogischen
Maturitätsschule Kreuzlingen.
GILLES COLLIARD
Gilles Colliard is a multi-facetted musician, active as a soloist, orchestral conductor, composer and teacher. He
was born in Switzerland and studied with Jean-Pierre Wallez at the Geneva Conservatory where he was awarded
the Premier Prix de Virtuosité. He the studied with Tibor Varga and specialized also in the interpretation of the
Baroque repertoire on period instruments.
From 1996 to 2004 he often performed on tour as solo violinist with Christophe Coin at the latter’s invitation.
6 11

TIMON ALTWEGG
After studying in his native Switzerland, the concert pianist Timon Altwegg spent two years in London studying
further with Alan Rowlands at the Royal College of Music, completing his studies in 1992 with Performing
Diploma (ARCM).
Today he is in demand as a soloist and chamber musician and has already been invited to perform in the USA,
South and Central America, the Middle East and across all of Europe.
As a soloist he plays the standard repertoire but also devotes himself to rarely played composers who have
been unjustly neglected. Thus he has made a name for himself above all as a performer of Spanish and Latin
American composers. His great commitment to the work of English composers led to him being appointed a
musical advisor to the Swain Alexander Trust in London.
Timon Altwegg’s immense knowledge of the repertoire, especially in contemporary music, prompted
the internet platform www.musicaneo.com to engage him as a musical advisor. www.musicaneo.com today is
regarded as one of the most important sites worldwide for classical music.
Altwegg’s concerts have been broadcast on radio and TV in Hungary, on ORF TV in Austria, and also live in
Ecuador during his 2007 tour of South America.
In May 2004, Timon Altwegg performed with the Iraqi National Symphony Orchestra – their first foreign
soloist since 1990. This historic concert was greeted enthusiastically by an audience of 1200 people and took place
under the auspices of the Swiss Embassy, the Swiss Foreign Ministry and the Iraqi Culture Ministry, as did the
master class that Altwegg subsequently gave at the Baghdad Music Academy.
This concert tour was also mentioned in Shrapnels – En marge de Bagdad by Elisabeth Horem, published in
2005.
Timon Altwegg’s masterful technique is respected by the many contemporary composers who have entrusted
him with the world premières of their works. Thus the Swiss composer and US resident Frank Levy dedicated to him
his two piano sonatas and his Second Piano Concerto, while the American composer Hugh Levick dedicated to him
his most important work for piano, Decline & Fall.
Timon Altwegg is a lecturer at the Pädagogischen hochschule Thurgau, and at the Pädagogischen
Maturitätsschule Kreuzlingen.
Nach seiner Ausbildung der Schweiz lebte in der Schweizer Konzertpianist Timon Altwegg zwei Jahre in London,
wo er bei Alan Rowlands am Royal College of Music weiterstudierte. 1992 beendete er seinen Aufenthalt in
England mit dem Piano Performing Diploma (Konzertdiplom) und erhielt daraufhin den Titel „Associate of the
10
In der Werkgeschichte dreier auf dieser CD vertretenen Komponisten lassen sich Freundschaft und Einfluss
Milhauds nachweisen. Er war ein Mitglied der „Les Six“, einer Gruppe von (natürlich) sechs Komponisten, die
sich nach dem Ersten Weltkrieg zusammentaten. Zu den anderen gehörten Germaine Tailleferre, deren Ballade
für Klavier und Orchester 1923 erschien, und Arthur Honegger, der 1924 sein Concertino pour piano et orchestre
komponierte. Ein viertes Mitglied war Francis Poulenc, dessen Aubade (ein „Concerto choreographique“ für
Klavier und Orchester) 1930 herauskam.
Zu jener Zeit jedoch wurde der Nachkriegseinfluss des amerikanischen Jazz’ auf die europäische Kunstmusik
spürbar. Bevor Gershwins Rhapsody in Blue (1924) ihren Eindruck hinterließ, hatten Milhaud und Jean Wiener,
sein (Vorkriegs-)Kommilitone am Pariser Konservatorium, den Jazz sehr ernst genommen: Wiener in seinem
Concerto Nr. 1 Franco-Americain für Klavier und Streichorchester von 1923 und Milhaud in seinen Balletten
La création du monde und Le boeuf sur le toit. Letzteres gab einem berühmten Pariser Nachtclub seinen Namen,
dessen Hauspianist Wiener wurde.
Der 1896 geborene Wiener machte sich später hauptsächlich als Komponist für Filmmusik und Mitglied des
beliebten Wiener-Doucet Ensembles für zwei Klaviere einen Namen. Wieners frühes Klavierkonzert ist sehr stark
seiner Zeit verhaftet. Es strahlt jenes gallische Wohlgefühl aus, das besonders in einer attraktiven Thematisierung
deutlich wird, die bereits Maurice Ravels berühmtes Klavierkonzert in G-Dur von 1931 andeutet. Es liegt eine
gewisse Leichtigkeit im ersten Satz des Konzerts Franco-Americain und eine melodische Einfachheit im zweiten
Satz, Très lent, die ebenfalls Ravels späteres Konzert vorausahnen lassen. Das Finale des Konzerts basiert auf
einem einfachen selbstbewussten Thema, das an Milhauds fast schon kindlichen, boulevardesk-melodiösen
Wohlklang erinnert und mit immer stärker werdender Unbekümmertheit wiederholt wird.
Die drei weiteren in dieser Zusammenstellung enthaltenen französischen Konzerte für Klavier und
Streichorchester erschienen innerhalb von zwei Jahren (1952 bis 1954). Chronologisch gesehen kam das
Capriccio, Opus 49, von Robert Casadesus zuerst. Es ist eines von nicht weniger als sieben Werken für Klavier
(bzw. zwei oder drei Klaviere) und Orchester, die von diesem weltweit berühmten Musiker komponiert wurden.
Robert Casadesus galt neben Alfred Cortot als einer der größten französischen Pianisten. Er war ein meisterhafter
Stilist, der sich besonders mit der Musik Mozarts, Beethovens, Debussys und Ravels einen Namen machte, wie
auch seine vielen Aufnahmen für das amerikanische Label Columbia (in der Zeit von 1935 bis 1970) beweisen.
Seine Frau Gaby war ebenfalls eine viel bewunderte Pianistin, und auch ihr Sohn Jean schuf sich eine bedeutende
internationale Karriere als Pianist, bevor er 1972 bei einem tragischen Autounfall ums Leben kam. Robert starb
nur wenige Monate später.
Robert Casadesus war also Mitglied einer äußerst musikalischen Familie, und sein Ruf als Konzertpianist
7

neigte immer dazu, seine Kompositionen zu überstrahlen, zu denen nicht weniger als sieben Sinfonien (die siebte
ist ein Chorwerk) und zehn Konzerte gehören, darunter je eines für Violine, Cello und Flöte, drei für Klavier,
eines für zwei Klaviere und eines für drei Klaviere. Das letztere Werk nahm er gemeinsam mit Gaby und Jean für
Columbia auf. Zu den Familienaufnahmen gehören auch einige Werke für zwei Klaviere von Milhaud, mit dem
Casadesus ein Leben lang befreundet war.
Casadesus’ Capriccio ist im Grunde ein viersätziges Konzert mit Streichorchester. Wie nicht anders zu
erwarten, ist die Klavierstimme von ausgesprochener Brillanz und Eindruckskraft. Vom Aufbau her ist das Werk
wunderbar ausbalanciert und – wie sämtliche auf dieser CD enthaltene Musik – eindeutig dazu gedacht, den
Zuhörer zu erfreuen.
Jean Rivier wurde im gleichen Jahr wie Wiener (1896) geboren, nur vier Jahre nach Milhaud. Während
des Zweiten Weltkrieges konnten Milhaud und seine Familie aus dem Vichy-Frankreich in die Vereinigten
Staaten fliehen. Nach Kriegsende kehrten sie jedoch nach Paris zurück. Von 1948 an war Milhaud Professor
für Komposition am Pariser Konservatorium. Diese Stellung teilte er sich mit Rivier (jeder lehrte für jeweils
zwei Jahre im Wechsel), bis er 1962 das Konservatorium verließ. Rivier blieb Professor, bis auch er 1966 in
den Ruhestand ging. Riviers Musik gehört mehr als die von Milhaud der neo-klassischen Schule an und zeigt
Einflüsse von Strawinski und Prokofjew. Das ist in Riviers faszinierenden Concerto Breve deutlich zu hören,
seinem zweitem Konzert für Klavier und eines der insgesamt elf Konzerte dieses produktiven Komponisten für
verschiedene Instrumente. Rivier schrieb insgesamt 220 Werke (im Vergleich zu Milhauds 443), darunter acht
Sinfonien. Er war Präsident der Organisation für zeitgenössische Musik „Triton“, auch wenn seine eigene Musik
kaum als Avantgarde bezeichnet werden kann. Obwohl er im August 1918 schwere Verletzungen durch Senfgas
erlitt, konnte er noch seinen 91. Geburtstag feiern – vier Monate vor seinem Tod im Jahr 1987.
Der jüngste unserer Komponisten ist Jacques Castérède (geboren 1926 in Paris). Er ging 1944, zur Zeit der
Libération, an das Pariser Konservatorium, wo er große Aufmerksamkeit erregte. 1953 gewann er den Grand Prix
du Rome und blieb natürlich in der italienischen Hauptstadt in der legendären Villa Medici (was eine an den Preis
geknüpfte Bedingung war). 1954, als seine Zeit in Rom begann, komponierte Castérède auch sein Erstes Konzert
für Klavier und Streichorchester.
Castérèdes Konzert ist – ebenso wie das Capriccio von Casadesus – in vier Sätzen gehalten. Der erste,
Pastorale, ist ein Rückblick auf den Neo-Klassizismus, besitzt aber auch jenen ausgesprochen gallischen Zug
einer relativ einfachen melodischen Form. Darin gleicht er durchaus Milhauds ganz ähnlich benanntem Werk
La Fantaisie pastorale für Klavier und Orchester von 1938. Es hat den Anschein, als könnte Castérèdes ländliche
Atmosphäre in dieser Musik durch nichts gestört werden; damit steht das Werk ganz eindeutig in der lyrischen
Tradition von Faurés melodischem Wohlklang.
Der einem Scherzo ähnelnde zweite Satz ist quasi ein moto perpetuo, das die gleiche Funktion hat wie jenes in
Prokofjews zweitem Klavierkonzert. Es ist von nicht weniger hektischer Kraft, wenn auch nicht ganz so stürmisch
und von etwas geringerer Intensität.
Der dritte Satz trägt das emotionale Herz des Werkes. Hier übernimmt das Orchester eine wichtigere Rolle
im Hinblick auf den Ausdruck. Die erhöhte Intensität der Musik, die sich hier fast schon loslöst von den neoklassischen
Prinzipien, ist für das Werk ausgesprochen bemerkenswert. Im munteren Rondo-Finale kehrt der
Neo-Klassizismus zurück und bekräftigt damit noch einmal formal – nach der Intensität des langsamen Satzes
– den Rahmen und Umfang der Komposition, die so ihrem kultivierten und entzückenden Abschluss entgegen
strebt.
© Robert Matthew-Walker, 2013
Übersetzung: Peter Kathe
8 9