Markus Brüderlin (Hg.): ArchiSkulptur. Dialoge ... - Sehepunkte

Markus Brüderlin (Hg.): ArchiSkulptur. Dialoge zwischen
Architektur und Plastik vom 18. Jahrhundert bis heute (= Katalog
zur Ausstellung in der Fondation Beyeler, Riehen/Basel,
3.10.2004 - 30.1.2005), Ostfildern: Hatje Cantz 2004, 224 S., 221
Farb-, 149 s/w-Abb., ISBN 3-7757-1490-1, EUR 49,80
Rezensiert von:
Stefanie Lieb
Institut für Kunstgeschichte, Universität zu Köln
Versuche, Wechselbeziehungen zwischen Gestaltungsprinzipien moderner
Skulptur und Architektur freizulegen und zu kategorisieren, sind in den
letzten zehn Jahren in der Kunstwissenschaft vermehrt aufgetreten. [1]
Das mag damit zusammenhängen, dass man im Rückblick des 21.
Jahrhunderts auf die "Moderne" verbindliche Raum- und Körperbilder zu
rekonstruieren anstrebt, die, jede Gattungshürde überspringend, wirksam
gewesen sein sollen.
Dieser post-moderne Ansatz ist jedoch nicht ganz neu: Bereits ab den
1950er-Jahren prognostizierte man für Architektur und Skulptur ein
"Plastisches Zeitalter" [2], und Albert Erich Brinkmann beschäftigte sich
schon 1922 mit dem Thema "Plastik und Raum als Grundformen
künstlerischer Gestaltung". [3] Es geht, um es ganz vereinfacht auf den
Punkt zu bringen, um die beiden inzwischen wieder aktuell hoch im
kulturwissenschaftlichen Diskurs stehenden Komplementärgeneralia
"Körper" und "Raum" und ihre Umsetzung sowie Kommentierung durch
skulpturale bzw. architektonische Konzepte.
Der vorliegende Ausstellungskatalog der Fondation Beyeler beschränkt
sich in der Dokumentation einer Dialoggeschichte zwischen Architektur
und Skulptur auf die Zeitspanne von der Moderne bis heute. Das im Titel
angekündigte 18. Jahrhundert bezieht sich lediglich auf die utopischen
Entwürfe Louis Etienne Boullées und Claude-Nicolas Ledoux', deren
Kaufmannsche Deutung als Vorboten einer autonomen Moderne à la
Corbusier inzwischen durch die Forschungen zur Revolutionsarchitektur
relativiert worden sind. Im Übrigen hat man das 19. Jahrhundert fast
vollständig ausgeblendet, obwohl gerade in dieser Zeitphase
wirtschaftlicher und kultureller Revolutionen die Grundlagen neuartiger
Körper-Raum-Bilder gelegt worden sind.
So ist die Gliederung denn auch als eine lückenhafte chronologische
Entwicklungsgeschichte einer langen Beziehung zwischen Architektur und
Skulptur in zehn Kapiteln konzipiert: von der Vorgeschichte des Newton-
Kenotaphs über Brancusis tektonische Ansätze, den konstruktivistischen
und expressionistischen Raumentwürfen der 1920er-Jahre, dem

"beseelten" Raum eines Rudolf Steiner und Ludwig Wittgenstein, den
Körperfantasien der Architektur und den Raumexperimenten der Skulptur
in den 1950er und 60er-Jahren, den Stadtutopien und ihrer Nähe zur
informellen Megaplastik, der Minimal Art und Architecture bis schließlich
hin zu zeitgenössischen Blob- und Box-Modellen und Morphemen des
programmierten Raums.
Vorangestellt ist erstens ein Kapitel, in dem spannende Einzelaspekte der
Form- und Raumgestaltung wie z. B. der Shifter-Effekt oder das
Atmosphärische von Archiskulpturen behandelt werden. Zweitens folgt
eine virtuelle Gesprächsrunde mit Praktikern und Theoretikern beider
Disziplinen, die trotz der verfehlten Fragestellung "Will Architektur
Skulptur werden?" aktuelle und überraschende Diskursergebnisse
aufzeigt. Illustriert ist das Buch mit zahlreichen aussagekräftigen
Abbildungen, die die ausgestellten Skulpturen und Architekturmodelle
zeigen. Wünschenswert wäre eine Bildunterschrift direkt unter der
jeweiligen Abbildung gewesen, da das betrachtende Leserauge so oft allzu
sehr mit Zuordnungen beschäftigt ist.
Kommen wir noch einmal zur zentralen Fragestellung des Herausgebers
Markus Brüderlin zurück, der den beiden Kunstgattungen eine allzu starke
Annäherung unterstellt, sodass Werke von Per Kirkeby eher als
Architektur und Bauten von Frank O. Gehry eher als Skulptur zu
bezeichnen wären (15). Die davon ausgehenden Diskussionsthesen, ob
man die Architekturgeschichte der Moderne nicht eher skulptural und
umgekehrt die Geschichte der autonomen Plastik unter dem Vorzeichen
des Architektonischen zu deuten habe (48), greifen nicht ganz den Kern
der eigentlichen Thematik. Die wesentliche Frage formuliert Brüderlin in
der Einleitung - eher am Rande in Verbindung mit August Schmarsows
Kategorien der Skulptur als Körper- und der Architektur als
Raumbildnerin [4]: "Wie wird Körper Raum, und wie verkörpert sich
umgekehrt Raum?" (19). Wäre diese Überlegung stärker Leitmotiv in der
Gesprächsrunde und auch in den zehn Themenkapiteln gewesen, hätten
sich vielleicht grundlegendere Prinzipien einer Unterscheidbarkeit sowie
einer Verbindlichkeit von Architektur und Skulptur herausarbeiten lassen.
Aber dies war wahrscheinlich nicht in erster Linie die Ambition des
Ausstellungsprojekts. Vielmehr sollte die Vielfalt der Bezüge präsentiert
und die Möglichkeit des assoziativen Vergleichs geboten werden. Dies ist
auf jeden Fall gelungen; die dabei auftretenden Wiederholungen und
Indifferenzen nahm man dafür wohl in Kauf.
Die Beteiligten der Gesprächsrunde legen dann Grundsätzliches offen: Für
Mario Botta ist das Hauptunterscheidungskriterium zwischen Architektur
und Skulptur der Ortsbezug, d. h., dass das Ziel der Architektur in den
räumlichen Bezügen zwischen Bau und Umgebung liegt (49). Vittorio
Magnago Lampugnani verweist auf die vitruvianischen Qualitätsmerkmale
von Architektur und darauf, dass sie vor allem gut benutzbar und gut
gebaut sein muss (49). Einen neuartigen Ansatz liefern Stanislaus von
Moos und Andreas Ruby, indem sie für die aktuelle Annäherung der
Architektur an skulpturale Effekte als eine Neutralisierung der Kunst die

Design- und Lifestyle-Szene und allgemein die Welt des allgegenwärtigen
Konsums verantwortlich machen (50). Die "Signature Buildings" der
zeitgenössischen Architektur werden zu Logos oder Markenartikeln, mit
denen sich jede Stadt und Gemeinde gerne schmückt, um ihren
Marktwert zu erhöhen. Die gesellschaftliche Dimension von Architektur
ginge in diesem Kontext allerdings verloren (53).
Auf die zehn Themenkapitel, die von unterschiedlichen Autoren und
Autorinnen erstellt wurden, soll hier nicht im Einzelnen eingegangen
werden. Es sei jedoch auf die hervorragenden historischen und die extra
für die Ausstellung neu angefertigten Architekturmodelle verwiesen, die
das jeweilige Baukörper- und Raumkonzept sehr gut veranschaulichen.
So z. B. Boullées Kugelbau des Newton-Kenotaphs aus der Sammlung
von Oswald Mathias Ungers, das Modell von Le Corbusiers
Wallfahrtskirche in Ronchamp, 2004 hergestellt in der Werkstatt der
Bauhaus Universität Weimar oder Walter Jonas' Modell einer Trichterstadt
"Intrapolis" aus den 1960er-Jahren, heute im Besitz des Deutschen
Architekturmuseums in Frankfurt am Main. Der Ausblick auf die aktuelle
Architekturszene konfrontiert mit den kontrahierenden Prinzipien "Box"
und "Blob", für die auch teilweise digitale Modelle zur Verfügung gestellt
wurden. "Box" steht für ein Raumschema, das der Geometrie und
Rechtwinkligkeit sowie der Übereinstimmung von Innen und Außen
verpflichtet ist. "Blob" ist eine Abkürzung für "Binary Large Objects" und
bezeichnet in der Architektur digital konzipierte Körper- und
Raumentwürfe, die biomorphe Strukturen aufweisen. Exemplarisch
werden hier Jean Nouvels "Monolith" im Murtener See auf der Schweizer
expo 02 und Greg Lynns "Embryological House" gegenüber gestellt
(192/193).
Am Schluss des Ausstellungskatalogs stehen zwei Raumprojekte von
Architekten, die diese speziell für die Fragestellung der Ausstellung
konzipiert haben. Jean Nouvel inszeniert seinen inzwischen in Murten
wieder abgebauten "Monolithen" (ein großer rostiger Stahlwürfel) mithilfe
eines Lichtkastens, der den ehemaligen genius loci in der Murtener
Landschaft demonstriert und erläutert dazu: "Die Szenerie stellt den Sinn
der realen Architektur wieder her: das Erleben einer mysteriösen
Raumerfahrung, in einer vergänglichen Arbeit, im Herzen einer
einmaligen Landschaft" (205). Herzog & de Meurons "Jinhua-Structure II-
Pavillon", der als begehbare Holzskulptur im Park der Fondation Beyeler
aufgestellt wurde, entstand als digital konzipierte, dreidimensionale
Umsetzung eines zweidimensionalen urbanen Masterplans. Die Idee war
hier die Umstülpung eines geometrischen Musters in den Raum (208).
Wenn auch bei diesem letzten Beispiel die vermeintliche Nähe zur
Skulptur wieder gegeben sein mag, wird gleichzeitig deutlich, dass die
zeitgenössischen Raumentwürfe sich bereits längst von der veralteten
kunstwissenschaftlichen Diskussionsplattform verabschiedet haben.
Immerhin vermag der Katalog sich diesen Ausblick auch einzugestehen.
Anmerkungen:

[1] Vgl. Markus Stegmann: Architektonische Skulptur im 20. Jahrhundert:
historische Aspekte und Werkstrukturen, Tübingen 1995; Ute Müller:
Zwischen Skulptur und Architektur, eine Untersuchung zur
architektonischen Skulptur im 20. Jahrhundert, Aachen 1998; Klaus Jan
Philipp: ArchitekturSkulptur: die Geschichte einer fruchtbaren Beziehung,
Stuttgart 2002; Werner Sewing: Architecture. Sculpture, München 2004.
[2] Carola Giedion-Welcker: Plastik des XX. Jahrhunderts. Volumen- und
Raumgestaltung, Stuttgart 1955; Siegfried Giedion: Raum, Zeit,
Architektur. Die Entstehung einer neuen Tradition, 1964, 6.
unveränderter Nachdruck Basel 2000; Ule Lammert: Architektur und
Plastik - ein Beitrag zu ihrer Synthese, Berlin 1962.
[3] Albert Erich Brinkmann: Plastik und Raum als Grundformen
künstlerischer Gestaltung, München 1922.
[4] August Schmarsow: Das Wesen der architektonischen Schöpfung.
Leipzig 1894.
Redaktionelle Betreuung: Stephan Hoppe
Empfohlene Zitierweise:
Stefanie Lieb: Rezension von: Markus Brüderlin (Hg.): ArchiSkulptur. Dialoge
zwischen Architektur und Plastik vom 18. Jahrhundert bis heute, Ostfildern: Hatje
Cantz 2004, in: sehepunkte 6 (2006), Nr. 4 [15.04.2006], URL:
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Diese Rezension erscheint auch in KUNSTFORM.