Haste Töne - Rondo

Das 

Klassik 

& Jazz 

Magazin 

InHaLT 

Lorbeer und Zitronen Rondoplus 2 

CD-Rezensionen Klassik Rondoplus 5 

Klassik-Olymp Rondoplus 5 

Haste Töne¿ Rondoplus 7 

DIe ROnDO-CD #43 

www.rondomagazin.de 

1|11 · 20. Jahrgang 

Rondoplus 

1 PLáCIDO DOMIngO – The album 

Collection 

»Sein robuster, unverwechselbar timbrierter 

Tenor war und ist weich im ansatz und dennoch von hel- 

discher ausdauer, Schallkraft und Durchschlagsenergie.« 

(Robert Fraunholzer) 

2 THOMaS HaMPSOn – Mahler: Des Knaben 

Wunderhorn 

»In Mahlers Liedern ist die Welt mit all ihren ab- 

gründen, aber auch Schönheiten, sozusagen in Töne einge- 

fangen – auf geradezu existenzielle und existenzialistisch- 

philosophische Weise.« (Thomas Hampson) 

3 Ray CHen, nOReen POLeRa – Virtuoso 

»Funkelnd und leicht schwingen sich die Linien 

in Bachs berühmter »Chaconne« auf seiner Debüt-CD 

von einem Kontrapunkt zum nächsten.« (Robert 

Fraunholzer) 

Die Extraseiten für Abonnenten 

Retro-Diskothek Rondoplus 9 

DVD-Rezensionen Rondoplus 10 

Musik der Welt Rondoplus 12 

CD-Rezensionen Jazz Rondoplus 14 

4 Hagen QuaRTeTT – Hagen Quartett 30 

»auch nach drei Jahrzehnten auf dem Podium 

gibt es bei den vier Musikern von Routine keine 

Spur.« (Jörg Königsdorf) 

5 neManJa RaDuLOVIC – Sonatas for vio- 

lin and piano 

auf seiner neuesten CD hat sich der Shootingstar 

des geigen-nachwuchses an die anspruchsvollen Violinso- 

naten von Beethoven gewagt – mit beeindruckender Tech- 

nik und musikalischer Reife. 

6 DIVeRSe, ORCHeSTRa OF THe ROyaL 

OPeRa HOuSe, gIuLInI – Verdi: Don Carlo 

»einer der seltenen glücksfälle einer einspie - 

lung, bei der einfach alles stimmt, ist Carlo Maria giu- 

linis fünfaktiger »Don Carlo« aus dem Jahr 1970.« (Michael 

Blümke) 

7 JuLIane BanSe – Per amore 

ausgewählte Opern-arien von Mozart bis 

Tschaikowsky, von der vielseitigen Sopranis tin 

mit gewohnter musikalischer ernsthaftigkeit interpretiert. 

8 HILaRy HaHn – Higdon & Tschaikowsky 

»Wenn ich Higdon spiele und mich danach mit 

Tschaikowsky beschäftige, habe ich eine ganz 

andere Perspektive auf seine Musik. Diese Form der ausei- 

nandersetzung macht meinen Beruf für mich erst interes- 

sant.« (Hilary Hahn) 

9 DOROTHee OBeRLIngeR, enSeMBLe 

1700 – French Baroque 

Sie gilt als Flötenstar der alten Musik-Szene. Zu 

Recht, wie diese mitreißende einspielung von französischer 

Kammermusik des Barock zeigt. 

Meilensteine des Jazz Rondoplus 14 

neue Bücher Rondoplus 15 

10 nILS MönKeMeyeR, KaMMeRaKaDe- 

MIe POTSDaM – Folia 

»Bereits seine vierte Platte innerhalb von zwei 

Jahren legt nils Mönkemeyer mit »Folia« vor und beweist 

damit einmal mehr, dass die Bratsche immer weiter aus ih- 

rem Schattendasein tritt.« (Christoph Braun) 

11 SIMOne DInneRSTeIn – a strange beauty 

»eine höchst individuelle Stimme im Dickicht 

der Bach-Interpretationen.« (New York Times) 

12 RIaS KaMMeRCHOR, RaDeMann – 

J. L. Bach: Trauermusik 

»Die Trauermusik ist ein Meisterwerk. Wie das 

zwischen großer einfachheit volkstümlichen Charakters und 

extremer Moderne hin- und hergeht, ist zum Teil sehr wagemutig.« 

(Hans-Christoph Rademann) 

13 THe eRIC WHITaCRe SIngeRS – Light 

& gold 

»Die Partygesänge für a-cappella-Chor sind die 

unbeschwerteste, dabei funktionsfähigste Moderne seit langem.« 

(Robert Fraunholzer) 

14 DaVe BRuBeCK QuaRTeT – gone with 

the wind 

»ein unprätentiöses Programm aus Standards 

und Traditionals, das die Musiker in einer Sternstunde locker, 

leicht, unbeschwert und mit viel einfallsreichtum aus 

dem Ärmel schüttelten.« (Marcus Woelfle) 

15 COLIn VaLLOn TRIO – Rruga 

»Mit Mut zum Klangexperiment, großer Ruhe 

und gleichzeitig inwendig brodelnder Intensität 

baut sich das Trio aus vorgefundenen elementen seine 

eigene Musik zusammen.« (Josef Engels)

lorbeer und 

Zitronen 

Was ROnDO-Kritikern im Jahr 2010 gefallen und missfallen hat 

KLaSSIK 

Platte des Jahres 

MiCHAEl 

BlüMKE 

Zweimal Mozart: René Jacobs, dem auch mit 

seiner »Zauberflöte« erneut eine Referenzein- 

spielung gelungen ist, und David Fray, der 

nach einem Bach für die einsame Insel und 

einem eher enttäuschenden Schubert mit 

den Mozart-Klavierkonzerten nr. 22 & 25 

wieder einen Volltreffer gelandet hat. 

Künstler des Jahres 

Simone Kermes, keine präsentiert das hochvirtuose 

Barock-Repertoire mit so viel Schmackes. 

(Kann auch keine sonst.) und der 

Counter aller Counter Philippe Jaroussky. 

überraschung des Jahres 

nicholas angelich, für mich bisher immer 

ein schrecklicher Langweiler, legt eine hinreißende 

aufnahme von Brahms‹ zweitem 

Klavierkonzert vor. 

Muss das sein? 

nachdem wir schon auf CD gefühlte 500 

komplette Beethoven-, Brahms- und Bruckner-Zyklen 

über uns ergehen lassen mussten, 

bläst die Industrie jetzt via DVD auch 

noch verstärkt zum angriff auf unsere armen 

augen. als ob abgenudeltes Repertoire 

aufregender würde, wenn man den Dirigenten 

dabei schwitzen sieht. 

überbewertet 

eine kleine auswahl in streng alphabetischer 

Reihenfolge: Daniel Barenboim, annette 

Dasch, Julia Fischer, edita gruberová, Lang 

Lang, Marc Minkowski, Christian Thielemann 

– und ein nur knapp die 100%-Marke verfehlender 

Prozentsatz der ohne unterlass aus 

dem Reagenzglas gezauberten geigen- und 

Klavieryoungsters jedweden geschlechts. 

Unterbewertet 

Joseph Haydn – daran hat auch das gedenkjahr 

2009 kaum etwas geändert. 

und die arbeit/energie/Leidenschaft/Hinga be 

der vielen in dieser Branche Tätigen, die nicht 

im Dauerrampenlicht der Medien stehen. 

Merkwürdigkeit des Jahres 

Viele Referenzaufnahmen, die wir gerne in 

den »Klassik-Olymp« heben würden, sind aus 

2 Rondoplus 1/2011 

dem Katalog gestrichen und nicht mehr erhältlich. 

Meine heimliche liebe 

nach wie vor und immer wieder: der italienische 

Liedermacher gianmaria Testa. und natürlich 

Joseph Haydn, nach wie vor und immer 

wieder. (Die schönste Haydn-CD 2010: seine 

Orgelkonzerte, gespielt von Ton Koopman.) 

CHRisToPH 

BRAUN 


Der Beethoven des artemis-Quartetts / die 

»Missa solemnis« mit guttenberg-Vater, gar 

nicht gelgeglättet. und Jonathan notts »auferstehungssinfonie« 

– ein überwältigender 

Mahler, in jeder Hinsicht. 


John eliot gardiner und René Jacobs. Was 

die zwei ›alten‹ anpacken (Brahms-Sinfonien 

bzw. »Zauberflöte«), wird nach wie vor 

zu Marksteinen. 


earl Wilds verjazzte gershwin-arrangements 

mit Xiayin Wang, der wahrlich wilden 

Schönen aus Shanghai. / Cameron Carpenters 

Orgelspiel: Das lüftet kräftig die 

Talare der letzten 1.000 Jahre. 


gottschalk jetzt auch noch in der »echo«- 

Marketingmaschine / die allgegenwärtigen 

arrangements (fehlt nur noch die »Matthäus-Passion« 

für acht Saxophone und 

Schlagzeug) / der rotgewandete Blickfang 

(alice Sara Ott) verdrängt den ›Hörfang‹ 

(Thomas Hengelbrock): wenn Marketing 

wichtiger ist als Qualität (bei Tschaikowskys 

b-Moll-Schlachtross). 

überbewertet 

Mindestens jede zweite Chopin-Platte dieses 

Jahres. Larmoyante Langeweile für senti- 

mentale Bildungsbürger. 

Unterbewertet 

norringtons Mahler-neunte: offenbar (noch) 

zu ungewohnt-unsentimental, dabei in der 

Tradition Bruno Walters, also Mahlers selbst. 


Thielemanns Beethoven aus Wien: ein affront 

sondergleichen gegen ›seine‹ Münchener 

Philharmoniker. und der Münchener 

Kaiser applaudiert auch noch. Ob Thielemanns 

künftige Dresdner wissen, was auf 

sie zukommt? 


Singer Purs »Letztes glück«. Labsal für jede 

Sangesseele, nicht nur deutsche. 

olivER 

BUslAU 


Mahlers Zweite unter Paavo Järvi mit dem 

Frankfurter Radio-Sinfonieorchester. eine 

klanglich sehr brillante Weiterführung der 

einst von eliahu Inbal maßgeblich gesetzten 

Mahler-Tradition dieses Orchesters. 


Ich schwanke zwischen Christina Pluhar 

und gabriela Montero. Beide Damen bringen 

mit wirklichem Können und weniger 

mit Marketingstrategien Schwung in die 

Klassik. 


Dass sich jemand so unangepasstes wie 

Wolfgang Joop nach eigener aussage früher 

von der zur Schau gestellten abendgardero be 

davon abhalten ließ, die Oper zu mögen 

(s. ROnDO 6/2010) – jetzt aber doch dazu 

findet. 


Wir haben jetzt für die nächsten 300 Jahre 

genug aufnahmen mit Kastratenarien im 

Schrank. Mir ist es egal, ob die ausführenden 

des Soloparts rote, blonde oder schwarze 

Haare haben. Oder ob sie netzstrümpfe oder 

Socken tragen. 

überbewertet 

Der gedanke, als verpoppter ›Crossover‹ verkleidete 

Klassik (die ich durchaus gerne 

höre) könne Menschen zu dem genre insgesamt 

hinführen. Das sind einfach zwei 

Paar Schuhe. 

Unterbewertet 

Trotz einer gewissen Wiederentdeckungswelle: 

Romantische Bach-Bearbeitungen, 

etwa von Busoni. 


Ich hätte nicht gedacht, dass der Tod von 

anne liese Rothenberger im Mai 2010 einen 

so geringen anlass für Wiederveröffent- 

lichungen bieten würde. 


Bachs »goldberg-Variationen« mit andreas 

Staier: Wunderbar artikuliert, mit großem 

Cembaloklang. 

GUiDo 

FisCHER 


Isabelle Fausts einspielung von Bachs Sonaten 

und Partiten – auf ihrer »Dornröschen«-Stradivari 

schließt sie den hellwach 

arbei tenden Kopf mit ihrem empfindsam 

pulsierenden Herzen kurz. 


Pierre Boulez – mit seinen 85 Jahren ist er 

nicht nur ein unermüdlich arbeitender Botschafter 

der Moderne. er ist noch so jung, 

um für sich etwa den Polen Karol Szymanowski 

zu entdecken. 


Die junge rumänische Cembalistin alina Rota- 

ru. Ob streng Kontrapunktisches, ob Volks- 

liedhaftes – Rotaru inszeniert auf »Fortune 

my Foe« einfach prachtvoll die Tastenkunst 

des niederländers Jan Pieterszoon Sweelinck. 


Die Klavierkonzert-evergreens von Tschaikowsky 

und Rachmaninoff kann man eigentlich 

nicht mehr hören. nikolai Tokarev 

und Leif Ove andsnes sorgen jedoch für sensationell 

hintergründige Wechselbäder aus 

Melancholie und ekstase. 

überbewertet 

Das akkordeon in der Klassik? Teodoro anzellotti 

zeigt, dass man an der Quetschkommode 

selbst die komplexe Mehrstimmigkeit 

in Bachs »goldberg-Variationen« unter 

Hochspannung setzen kann. 

Unterbewertet 

Der österreichische Komponist Thomas Lar-

cher, der bestehende musikalische Konfliktpotentiale 

in subkutan hochdramatische 

und disparate Klangwelten verwandelt. Wie 

in seinem, an Mozart angelehnten Klavierkonzert 

»Böse Zellen«. 


Obwohl landauf, landab Schumanns 200. 

geburtstag gefeiert wurde – auf CD bot nur 

Pianist Tzimon Barto mit Christoph eschenbach 

und dem nDR-Sinfonieorchester neue 

einblicke ins Spätwerk Schumanns. 


Die Mezzosopranistin Magdalena Kožená 

mit der betörend schönen Barockleidens arie 

»Torna il sereno zefiro« von Sigismondo 

D’India. 

RoBERT 

FRAUNHolZER 


Schostakowitschs »Präludien und Fugen op. 

87«, bahnbrechend neu aufgeschlüsselt von 

alexander Melnikov. 


Simone Kermes, die schärfste Sopran-Rivalin 

von Cecilia Bartoli. Wo Bartoli virtuoser 

gluckert, kann Kermes besser fauchen (»Colori 

d’amore«). 


Cameron Carpenter, der wohl beste Organist, 

der jemals im Fummel aufgetreten ist. Die 

Prinzessin an der Königin der Instrumente. 


Die tragischen Comeback-Versuche von Rolando 

Villazón. So leid es mir tut: unbelehrbar 

hat er den eigenen Sturz riskiert. einmal 

übersungen, immer übersungen. 

überbewertet 

Der »echo« Klassik mitsamt der schrecklichen 

gala, mit der sich die Branche ruiniert. 

Unterbewertet 

Martin grubinger. Chance des ersten albums 

leider verschenkt. Wieder versuchen! 


Dass viele der in diesem Jahr verstorbenen 

Musiker nicht einmal mehr eine Meldung 

wert waren, z. B. Maureen Forrester, yvonne 

Loriod, Blanche Thebom, Shirley Verrett, 

Hugues Cuenod, Benno Kusche und giuseppe 

Taddei. 


Sämtliche elefantenherden, die je von Hans 

Knappertsbusch in Trab gesetzt wurden. 

Bes tes Beispiel: die gesammelten alten auf- 

nahmen mit den Berliner Philharmoni- 

kern. 

JöRG 

KöNiGsDoRF 


René Jacobs’ »Zauberflöte« ist Märchenhörspiel, 

Freimaurerweihespiel und große Oper 

in einem. und der aufregendste Mozart seit 

langem. 


John eliot gardiner. Ob Brahms, Bach oder 

Bizet – wenn Sir John zum Taktstock greift, 

herrscht keinen Takt lang Routine. auch 

nach über dreißig Jahren nicht. 


Das erscheinen von Vittorio grigolo auf der 

internationalen Opernszene. Dabei hatten 

wir schon geglaubt, der italienische Tenor 

sei eine ausgestorbene art. 


Immer wieder dieses gequake um die vermeintlichen 

exzesse des Regietheaters. Sollen 

die Leute sich doch lieber über schlechte 

Dirigenten und langweiliges Rumstehtheater 

aufregen. 

überbewertet 

Der technische Fortschritt. Oder warum 

klingen viele LPs aus den Fünfzigern so viel 

besser als brandneue Studioproduktionen? 

Unterbewertet 

Immer wieder: das deutsche Stadttheater. 


Die Juryentscheidungen bei großen Wettbewerben 

– zuletzt beim Warschauer Chopin- 

Wettbewerb. Warum ist es nur so schwierig, 

die Besten zu finden? 


gustav Leonhardt. Der große Philosoph des 

Cembalospiels – und mit über achtzig besser 

denn je. 

CARsTEN 

NiEMANN 


Kristian Bezuidenhout: Mozart Sonatas 

Vol. 1 – gut für Mozart und fantastisch für 

das Image des Hammerklaviers. 


Stellvertretend für all die herrlichen Musiker, 

die bei kleinen Labeln ihr Ding machen: Der 

Lautenspieler und gitarrist Rosario Conte mit 

seinem besonnenen album »une larme«. 


Die Wiederentdeckung der Barockopern 

»Die lybische Talestris« von Heinichen in Bad 

Lauchstädt und von graupners »Dido« beim 

Zeitfenster-Festival in Berlin. auf CD mit 

diesen geistreichen Meisterwerken! 


natasa Mirkovic-De Ro und der Drehleierspieler 

Matthias Loibner nehmen Schubert 

allzu wörtlich und machen aus der »Winterreise« 

einen Zyklus wahrhaft schauerlicher 

Lieder. 

überbewertet 

Die alte Musik. Von mir! aber es passiert 

gerade so unheimlich viel ... 

Unterbewertet 

Die europäische Kammeropernszene, wie 

die erste ausgabe des OpenOp-Festivals für 

anderes Musiktheater in Berlin sehr eindringlich 

zeigte. 


albrecht Mayers Oberlippenbärtchen. 


Die Oboistin Pauline Oostenrijk, die meine 

sorgsam gepflegte Vivaldi-allergie leider kuriert 

hat. 

JüRGEN 

oTTEN 


Das artemis Quartett mit Beethovens 

Streichquartetten op. 18/1 und op. 127. 


Ingo Metzmacher für seine bewundernswert 

klaren Dirigate zeitgenössischer Musikwerke 

von nono bis Rihm. 


andreas Homokis leichthändig-meisterliche 

»Meistersinger«-Inszenierung an der Komischen 

Oper Berlin. 


Müssen kleine Opernkompagnien wie beispielsweise 

die Berliner Kammeroper wegen 

schlapper 200.000 euro an nunmehr fehlender 

Basisförderung zerstört werden? 

nein. Müssen sie nicht. Werden sie aber. 

überbewertet 

Das kühl-uninspirierte Spiel der geigerin Julia 

Fischer, und natürlich die PR-Pianisten 

Lang Lang, Helène grimaud und Martin 

Stadtfeld. 

Unterbewertet 

Das deutsche Stadttheater, das nach wie vor 

Wesentliches für das Blühen einer Kulturlandschaft 

beiträgt. 


Dass die öffentlich-rechtlichen Sender am sel- 

ben Tag zur selben Zeit ein Silvester konzert 

übertragen, hier Dresden und dort Berlin. 


Ist und bleibt stets und immerdar die glei- 

che: Martha argerich. 

MiCHAEl 

WERsiN 


Wirklich tief beeindruckt hat mich Rinaldo 

alessandrinis aufnahme geistlicher Vokalwerke 

von alessandro Melani: auch nach 

langjähriger erfahrung mit großen Mengen 

von Repertoire aus dieser Zeit habe ich in 

diesen Stücken ganz neue Varianten des barocken 

textlich-musikalischen ausdrucksrepertoires 

entdeckt. 


In memoriam: am 3. Dezember verstarb 108jährig 

der Tenor Hugues Cuénod, den ich vor 

einigen Jahren noch für ROnDO interviewen 

konnte. Cuénods Wirken, das erstaunlich 

lange währte (er sang, bis er weit über 80 

war), umfasste buchstäblich ein ganzes Jahrhundert. 

Schon ende der 20er Jahre ging er 

mit noël Coward auf amerika-Tournee. 


Mit ihrer neuen CD »Il canto delle dame« hat 

María Cristina Kiehr ende 2010 überzeugend 

bewiesen, dass sie wieder richtig gut singen 

kann – eine große Freude, zumal Sänger erfahrungsgemäß 

nur selten solche massiven 

Krisen überwinden. 


Man mache sich nichts vor: Viele Indizien 

sprechen dafür, dass das Interesse der Bevölkerung 

an klassischer Musik weiter schrumpft. 

Wir schreiben tapfer dagegen an, aber ohne 

tatkräftige unterstützung z. B. durch das erziehungspersonal 

in Schulen und Kindergärten 

haben wir nur sehr begrenzte Chancen. 

Wann wird in puncto Kulturbewusstsein 

endlich umgedacht? 

überbewertet 

Der Rummel um einige große namen – und 

in einigen Fällen war wirklich nichts mehr 

außer dem namen noch groß – verstellte 

auch letztes Jahr immer wieder den Blick auf 

eine Vielzahl von großartigen Künstlern, bei 

denen Können, Wollen und auch Wissen 

über die tiefere Dimension ihres Tuns sich 

tatsächlich im Lot befinden. 


Die Stadt augsburg hat ernsthaft erwogen, 

aus Kostengründen ihre Stadtbibliothek zu 

schließen. unmengen bedeutender historischer 

Dokumente (darunter auch noten-autographe) 

hätten die Stadt verlassen müssen. 


Schuberts späte Klaviersonaten, differenziert, 

umsichtig und wahrhaft liebevoll in4 

1/2011 Rondoplus 3

terpretiert von Radu Lupu: Hier ist das Prädikat 

›kongenial‹ wirklich am Platze. 

JaZZ & WeLTMuSIK 

JosEF 

ENGEls 


[em]: Live. Die Leidenschaft, Finesse und gewitztheit, 

mit dem das Trio um Pianist Michael 

Wollny bei diesem Konzertmitschnitt 

brilliert, lässt sich eigentlich nur noch mit 

der Spielfreude der deutschen Mannschaft 

in Südafrika vergleichen. 


Vijay Iyer hätte diesen Titel schon viel früher 

verdient gehabt. Über den ungemein 

klugen, scharfsinnig den Stand des aktuellen 

Jazz sezierenden uS-Pianist redet man jetzt 

auch in europa. Besser spät als nie. 


Die hiesige Plattenindustrie hat den Jazz als 

Hoffnungsträger entdeckt und richtet ihm 

zu ehren zum ersten Mal eine eigene »echo«- 

Verleihung aus. Vielleicht, weil Jazz-Fans die 

letzten aufrechten sind, die sich keine Musik 

illegal aus dem netz besorgen? 


Da schreibt Wynton Marsalis in seinem neu en 

Buch so amüsant, anrührend persönlich und 

für jeden verständlich über Jazz – und macht 

sich mit seinen vernichtenden urteilen über 

Miles Davis, e-Bässe und europa wieder al- 

les kaputt. Der Thilo Sarrazin des Jazz. 

überbewertet 

Wäre wirklich schön, wenn der Jazz in der 

allgemeinen Wahrnehmung mal überwertet 

werden würde. Daran ändert auch »X Factor« 

nichts. 

Unterbewertet 

Die gefahr, dass der Sparzwang der Kommunen 

die deutsche Jazzfestival-Landschaft 

veröden lässt. JazzBaltica und Moers, die sich 

dennoch tapfer halten, können einen Blues 

davon singen. 


Pat Methenys Orchestrion-Konzert in der 

Berliner Philharmonie. eine hübsch bizarre 

Mischung aus Jahrmarktsattraktion, Frankfurter 

Musikmesse, Marcel-Duchamp-ausstellung, 

nerd-Oper und Rockkonzert. 



Prince: 20Ten. Schlimm! So langsam fange ich 

an, mich mit den 80er Jahren zu versöhnen. 

THoMAs 

FiTTERliNG 


Kaum einer hat kontinuierlich eine bessere 

›working band‹ als Charles Lloyd, und die aktuelle 

ausgabe seines Quartetts ist eine der 

besten. auf »Mirrors« lässt er mit einer tiefen 

Verbeugung vor der Tradition und Thelonious 

Monk, dem Lehrer seines großen 

Vorbilds Coltrane, die blaue Blume sonnendurchfluteter 

mystischer Spiritualität zu tief 

berührender Pracht erblühen. 


Bei aller euphorie über die hiesigen enormen 

Klavierbegabungen bleibt doch die kluge 

Musik feiner Herzensbildung, wie sie Vijay 

Iyer etwa auf seinem Solo-album auf act gestaltet, 

eine Klasse für sich und rückt die 

Maßstäbe zurecht. 


Die Sängerin Maria Markesini ist ein naturereignis. 

authentisch verbindet sich in ihrer Musik 

wissende erfahrung und scheue neugier. 

Was sonst die Schar der Sängerinnen spaltet, 

der gegensatz von Singen und Säuseln, ist 

bei ihr in frischer natürlichkeit aufgehoben. 


Da gibt es schon einmal einen »echo« Jazz, 

und dann findet die Fernsehübertragung 

doch reichlich zurechtgestutzt versteckt im 

Dritten Programm statt. 

überbewertet 

noch immer verführen säuselnd die nordischen 

Sirenen – und Cassandra Wilson 

fällt blass von ihrem »Silver Pony«. 

Unterbewertet 

Wie kann ein derart begnadeter Pianist vom 

breiten Publikum so nachhaltig vernachlässigt 

werden wie der 72-jährige amerikaner 

Steve Kuhn, der zur urbesetzung des klassischen 

John-Coltrane-Quartetts gehörte? 


Da begeht der vielleicht größte lebende Jazzmusiker 

seinen 80. geburtstag mit einem 

Konzert mit illustren gästen, darunter der 

nicht minder bedeutende, 2010 ebenfalls seinen 

80. geburtstag feiernde Ornette Coleman, 

und es gibt keine zumindest keine 

zeitnahe Fernsehdokumentation dieses ereignisses. 


Wie der Trompeter und Flügelhornist Thomas 

Siffling im Duo mit dem Pianisten Daniel 

Prandl deutsches Liedgut als Schatz tiefgründigen 

thematischen Materials entdeckt und 

es eindringlichen melodisch-harmonischen 

explorationen in bester Balladentradition 

unterzieht, ist berührend und meisterlich. 

WERNER 

sTiEFElE 


Hubert nuss: »The Book of Colours«, weil 

das Trio mit wunderbar schwebenden Stimmungen 

arbeitet. 


Der Posaunist nils Wogram, weil er einerseits 

gerne neuland betritt und andererseits 

fest in der Tradition verwurzelt ist. 


Die junge Stuttgarter Band Risikogesellschaft 

präsentiert auf dem gleichnamigen 

Debütalbum eine ansonsten nur in new 

york vermutete Mixtur aus feinen Tongeweben 

und brachialen Momenten. 


Die permanente Verwässerung des Begriffs 

Jazz, indem Singer/Songwriter oder Weltmusiker 

zu Jazzmusikern gepolt werden, 

weil sie Kontrabass und/oder Saxophon in 

der Band haben. 

überbewertet 

Herbie Hancock hat mit »The Imagine Project« 

ein ordentliches all-Star-Pop-album 

vorgelegt. alles makellos – aber alben wie 

dieses gibt es zu Hunderten. Der Hype war 

übertrieben. 

Unterbewertet 

Der Pianist und arrangeur Kenny Werner. 

Mit der abschiedsplatte »no Beginning no 

end« für seine verstorbene Tochter schuf er 

ein ungewöhnliches Orchesterwerk. 


Dass es so still um Steve Coleman wurde. 

aber glücklicherweise hat sich der Meister 

der vertrackten Rhythmen und arrangements 

mit »Harvesting Semblances and affinities« 

auf einem Winzlabel zurückgemeldet. 


Die spielerisch leichten Bearbeitungen von 

Michael-Jackson-Hits auf »Songs from neverland« 

durch Joo Kraus und das Tales In 

Tones Trio. 

MARCUs A. 

WoElFlE 


Sol Sajn – Jiddische Musik in Deutschland 

und ihre einflüsse (1953–2009). umfassen- 

der, kenntnisreicher und liebevoller kann man 

so eine Dokumentation kaum gestalten. 


Mein letzter gruß geht an den am 28. Dezember 

89-jährig verstorbenen Dr. Billy Taylor, 

der nicht nur ein großer Pianist aus einer 

längst vergangenen Ära, sondern auch als 

Pädagoge, Rundfunkmoderator und Fernsehpersönlichkeit 

ein liebenswürdiger, unermüdlicher 

Diener, Ritter und anwalt des 

Jazz war. 


Wie frisch und neuartig, so ganz und gar unverstaubt 

traditionellen Jazz zeigen die vier ausgeschlafenen 

jungen Könner der gruppe 

echoes of Swing auf »Message from Mars«. Daneben 

klingt manch Zeitgeistiges vorgestrig. 


Dass Leser glauben, die meistbeworbenen 

alben seien die besten. Dass Käufer sich an 

Charts orientieren. 

Wenn verdiente Musiker sterben, die nicht 

bei einem großen Label veröffentlichten 

oder die altersbedingt inaktiv waren, dann 

spiegelt die Kürze bzw. eher das nichtvorhandensein 

von nachrufen wider, was in einer 

Medienlandschaft, die nur auf das setzt, 

was ihr als ›letzter Schrei‹ aufs auge gedrückt 

wird, unpromotete künstlerische Leistungen 

Wert sind: nichts. 

überbewertet 

Vielleicht unsere Meinungen hier? Keinem 

Rezensenten ist physisch, psychisch, organisatorisch 

möglich, auch nur ein Viertel aller 

neuheiten zu hören, die in sein Fach 

schlagen. Wenn wir die Hälfte allein jener 

alben hören können, die uns zugeschickt 

werden, sind wir ein ausbund an Fleiß. 

Merkwürdig ist nur, daß sich jeder von uns 

trotzdem guten gewissens alljährlich an solchen 

umfragen beteiligt. 

Unterbewertet 

Das Können von amateuren, ›local musicians‹ 

(die z. B. aus privaten gründen nur in 

der Provinz aktiv sind), aber auch von Pädagogen, 

die selbst nicht im Scheinwerferlicht 

stehen und keine alben (mehr) einspielen, 

wird prinzipiell unterschätzt. 


Dass sich bislang auch noch meine älteren 

CDs noch abspielen lassen. Sicherheitshalber 

horte ich weiterhin LPs. 


unverfälschte Tonaufnahmen aus der Schellack-Ära 

- echte Schnappschüsse aus dem 

Leben, an denen im nachhinein nicht an jedem 

Ton manipuliert wurde.

Klassik CDs 

Mahler 

SInFOnIe nR. 2 

Merbeth, Fink, Niederländischer 

Rundfunkchor, Royal Concertgebouw 

orkest Amsterdam, 

Jansons 

(2 sACDs, 87 Min., & DvD-Mitschnitt, 

aufgen. 12/2009) 

RCo live/Codaex RCo 10002 

Mahler 

SInFOnIe nR. 2 

schwanewilms, Braun, 

Bamberger symphoniker & 

Chor, Nott 

(2 sACDs, 84 Min., aufgen. 2010) 

Tudor/Naxos TUD 7158 

Man möchte sie eigentlich nicht mitei- 

nander vergleichen, diese beiden außer- 

gewöhnlichen ereignisse des zu ende ge- 

gangenen Mahler-Jubeljahres. Wenn zwei 

ausgewiesene Mahler-experten am Werk 

sind, die sich ebenso akribisch wie hinge- 

bungsvoll, ja bedingungslos auf den extre- 

men ausdruckskosmos des einzigartigen 

Fin-de-siècle-genies einlassen; wenn di- 

ese jeweils wunderbar kompakte, souve- 

räne Orchester und Chöre leiten und man 

allenfalls darüber streiten mag, ob im »ur- 

licht« Bernarda Fink im Vergleich zu Li- 

oba Braun doch etwas zu viel Vibrato- 

ausdrucksschwere auflegt: Dann sollte 

man sich getrost beide aufnahmen in den 

Schrank stellen. 

Meisterwerk 

sehr gut 

gut 

passabel 

dürftig 

Sowohl Mariss Jansons amsterda- 

mer wie auch Jonathan notts Bamber- 

ger »auferstehungs«-Sinfonie zählen 

jedenfalls zu den überwältigendsten 

– und den bisherigen Referenzen von 

Stokowski, Solti und Klemperer tontechnisch 

weit überlegenen – Vergegenwärtigungen 

dieses gigantischen chorsinfonischen 

Werkes. Mit ihm knüpfte 

Mahler bekanntlich nicht nur an Bee- 

thovens neunte, sondern auch an seine 

eigene erste an: Deren jugendlich-unge- 

stümen »Titan«-Helden trägt er in der er- 

sten abteilung (»Totenfeier«) zu grabe 

und vermenschlicht ihn sozusagen im 

Folgenden – mit der existentiellsten al- 

ler Fragen: »Warum hast du gelebt? Wa- 

rum hast du gelitten? Ist das alles nur ein 

großer, furchtbarer Spaß?« Im Finalsatz, 

seinem größten überhaupt, gibt Mahler 

mit Klopstocks auferstehungs-Ode und 

eigenen Versen eine der erschütterndsten 

antworten der Musikgeschichte. 

Hierbei setzt Jansons (noch) mehr als 

nott auf das Hymnisch-getragene. auch 

das Lyrische hat beim Letten (noch) mehr 

entfaltungsraum als beim engländer (betörend 

in amsterdam vor allem, wie das 

von Mahler »in ruhig fließender Bewegung« 

vorgegebene Scherzo singen und 

atmen darf). nott wiederum ›punktet‹ mit 

einer Vehemenz, die in der Mahler-Diskographie 

allenfalls noch von Solti an den 

Tag gelegt wurde. Immer wieder hämmert 

er dem Hörer Mahlers Todesfurcht, 

die das ganze Opus durchzieht, brachial 

ins Bewusstsein: so wild (und präzise!) 

hat – pars pro toto – noch keiner zu Beginn 

die rollenden und grollenden Bässe 

auffahren lassen. und die Pauken don- 

nern, dass man glaubt, neben ihnen zu 

sitzen – auch, wie gesagt, dank einer fa- 

belhaften Tontechnik. So wird Mahler 

auch zu Hause zum nachhaltigen erleb- 

nis. Christoph Braun 

Jansons 

nott 

Chopin 

13 MaZuRKaS, SCHeRZO 

OP. 20 u. a. 

Tiberghien 

harmonia mundi HMC 902073 

(70 Min., aufgen. 1/2010) 

Jeweils ein kleines Mazurken-Bündel im 

Wechsel mit einem Scherzo, einem nocturne 

oder mit der großen »Polonaise- 

Fantaisie op. 61« – und schon hat man 

einen ordentlichen einblick in Chopins 

›Traumreich der Poesie‹ (Heine) bekommen. 

Jedes Stück ist natürlich bereits tau- 

Giuseppe verdi 

DOn CaRLO 

sendfach gespielt worden. und von jedem 

Stück gibt es dementsprechend mindestens 

ein halbes Dutzend Referenzaufnahmen. 

Wenn aber nun der 35-jährige 

Franzose Cédric Tiberghien sich dennoch 

nicht von so einem evergreen-album abhalten 

ließ, dann nur aus einem einzigen 

grund: er wollte, ja, er musste Chopin 

spielen. genau so und nichts anderes. Das 

hat Tiberghien aber nirgendwo in einem 

Marketing-Info oder im Booklet seiner 

Chopin-CD behauptet. Diese unbedingte 

Hin- und Zuwendung ist in jeder Minute 

seiner aufnahme dokumentiert. 

Selbstverständlich hält sich Tiberghien 

an alle Basistugenden, die Chopin so fordert. 

arabeske Leichtigkeit und konzentrierter 

ernst nebst einer Prise Schwerblütigkeit 

hier und lieblich Salonhaftem dort. 

Doch das ist eben nur die grundausstattung, 

mit der Tiberghien wie kein Zweiter 

seiner generation umzugehen weiß. Mit 

einer schon fast unheimlich wirkenden 

Subtilität macht er die Dreidimensionalität 

dieser Stücke durch und durch überdeutlich, 

ohne sich jemals kopflastig wie 

etwa ein Mikhail Pletnev oder apollinisch 

ritterlich wie Maurizio Pollini zu geben. 

und auf einmal erkennt und spürt man, 

dass Chopin nie etwas mit assoziativen 

Charakterstücken am Hut hatte, sondern 

Montserrat Caballé, shirley verrett, Plácido Domingo, sherrill Milnes, Ruggero Raimondi, 

Ambrosian opera Chorus, orchestra of the Royal opera House, Carlo Maria Giulini 

EMi 966 8502 (209 Min., aufgen. 8/1970) 

es gibt wohl nur wenige aufnahmen, die nicht nur in der allgemeinen Wahrnehmung, sondern 

auch von den beteiligten Künstlern noch Jahrzehnte danach als mustergültig eingeschätzt wer- 

den. einer dieser seltenen glücksfälle einer einspielung, bei der einfach alles stimmt, ist Carlo Ma- 

ria giulinis fünfaktiger »Don Carlo« aus dem Jahr 1970. Der Maestro, der sich zu diesem Zeitpunkt 

bereits mehr oder weniger aus dem Operngeschäft zurückgezogen hatte, weil er der dort üblichen 

Intrigen überdrüssig war, scharte eine gruppe von jungen Sängern – alle in ihren Dreißigern – um 

sich, die er zu einem (man kann es nicht anders sagen) exquisiten ensemble verschmolz. Montserrat 

Caballé hält das endergebnis denn auch nicht wegen ihrer eigenen Leistung, sondern wegen des ausgezeichneten gesamtstandards 

für außergewöhnlich. Ähnlich äußert sich auch Plácido Domingo. Das ist umso bemerkenswerter, als alle 

fünf Hauptdarsteller hier in der Form ihres Lebens singen, für jeden ist es, wenn nicht die beste aufnahme, so zumindest 

eine aus dem Top-Trio. 

Die Caballé verbindet die Schönheit ihrer Stimme mit einer bei ihr keinesfalls selbstverständlichen gestalterischen Prägnanz 

und Intensität. Shirley Verrett ist eine vor Sinnlichkeit bebende, energiegeladene eboli mit fulminanter Höhe. Sherrill 

Milnes, der sonst gerne auch mal den kraftmeiernden Vokalcowboy gibt, ist nirgends differenzierter und betörender zu hören 

als hier. Ruggero Raimondi, wiewohl Jüngster im ensemble, lässt es als Filippo nicht an vokaler und interpretatorischer 

autorität mangeln. und auch Domingo in der Titelpartie sorgt für pure Wonne beim Hörer. Kurzum: fünf durchweg phantastische 

Sänger, die sich zu einem phänomenalen, wirklich einmaligen ensemble steigern. Michael Blümke 

sie finden einen Ausschnitt auf der beiliegenden 

RoNDo CD #43 Titel xx 

Klassik-Olymp #70 


Klassik CDs 

›absolute‹ Musik schreiben wollte. Dass er 

dabei Schuberts Innigkeit (im »Molto più 

lento« des »Scherzo op. 20«) genauso zu 

Rate zog wie Schumanns Innehalten (im 

»nocturne op. 48 nr. 1«) oder Beethoven 

als urheber metaphyischer Trillerketten 

– das macht Tiberghien tiefenentspannt 

und zugleich tief versunken weniger hörbar 

als vielmehr erlebbar. Diese Chopin- 

Werke meinte man zu kennen. Was für 

ein Irrtum! Guido Fischer 

Paganini 

24 CaPRICen 

Fischer 

Decca/Universal 478 2274 

(80 Min., aufgen. 9/2008 & 

4/2009) 

Im Booklettext zur ihrer aufnahme von 

Paganinis »24 Capricen« erinnert sich Ju- 

lia Fischer an die erste Begegnung mit 

diesem spieltechnischen Teufelszeug. 

acht Jahre war sie gerade mal alt, als sie 

Thomas Zehetmair damit hörte – und 

staunte. Zwanzig Jahre später nun ist Fischers 

Staunen dem Mut gewichen, sich 

endlich selber dieses Hochamts der geigerischen 

Äquilibristik anzunehmen. aus 

der Zehetmair-Verehrerin ist somit eine 

Kollegin geworden. Wobei sie im Vergleich 

zu der 2009 veröffentlichten gesamteinspielung 

des österreichers dann 

doch einen anderen Weg eingeschlagen 

hat. Hatte Zehetmair die 24 Stücke 

zu einem existenziell unter die Haut gehenden 

Zyklus verschweißt, kommt Fischers 

Konzept und Spiel eher sachlicher 

daher. Was diesem arg geschundenen Katalog 

an fingerbrechenden Höchstschwierigkeiten 

durchaus gut tut. 

Ihre stupende Technik, ihre Souveränität 

im Fulminanten wie im Luziden 

ist selbstverständlich kaum zu toppen. 

und auch Paganinis unerreichte Kunst, 

auf knappstem Raum die transzendentale 

Virtuosität aus dem Fluss der Musik 

zu entwickeln, macht Fischer schon aufreizend 

lässig begreiflich. In den gefährlichen 

Drahtseilhöhen scheint sie sich so 

einfach tiefenentspannt wohl zu fühlen. 

und auf dem irdischen Boden hat sie sich 

erst recht vom dämonischen Hexenmei- 


ster Paganini emanzipiert, als den ihn ja 

schon ein Heine erlebte. Ihr objektivierter 

Zugriff im Sinne eines Versuchs, die Ca- 

pricen aus dem romantischen Reich der 

Magie zu führen und fast als ›absolute Mu- 

sik‹ zu rehabilitieren, ist daher ein wohl- 

tuender gegenentwurf zu all den Blend- 

werk-artisten. aber bei aller Modernität 

dieser gesamteinspielung lechzt es einen 

zwischendurch trotzdem nach dem, was 

zum musikalische Leben eben auch ge- 

hört: der nervenkitzel. Guido Fischer 

Brio 

SOL y Luna 

Dorian/Naxos Dsl-92118 

(52 Min., aufgen. 3/2010) 

eigentlich wollte ich nur kurz in diese 

CD reinhören, um zu wissen, wo sie sti- 

listisch einzuordnen ist. ein Countertenor 

wird da auf der Rückseite genannt, Block- 

flöte, gitarre und Viola da gamba sind be- 

teiligt, aber auch Rebec und Percussion, 

mehr verrät das Äußere nicht. So legte 

ich »Sol y luna« ein – und war schon nach 

zehn Sekunden gefangen. gefangen von 

einer Stimme, der man einfach verfallen 

muss: warm und sinnlich, sehnend und 

überbordend lebensfroh zugleich, von berührender 

Reinheit und Schönheit, ungeheuer 

farben- und stimmungsreich. 

Kurzum, eine durch und durch charismatische 

Stimme, wie man sie in dieser Qualität 

nur ganz selten zu hören bekommt. 

José Lemos heißt ihr Besitzer, und er ist 

eines der Mitglieder des ensembles Brio, 

das sich einer zeitgemäßen Vermittlung 

sephardischer Musik verschrieben hat. 

Sehr raffinierte, abwechslungsreiche und 

unmittelbar ansprechende arrangements 

(man kann durchaus von Rattenfänger- 

Qualitäten sprechen) erwarten den Hörer. 

und davon wünsche ich diesem album 

sehr sehr viele. es handelt sich hier 

keineswegs um eine CD mit ›klassischer‹ 

Musik, darauf sei explizit hingewiesen. 

aber ich bin sicher, dass jeder Liebhaber 

schöner und ausdrucksstarker Stimmen 

von José Lemos hingerissen sein wird, unabhängig 

von der eigenen musikalischen 

ausrichtung. Michael Blümke 

Wolf 

ITaLIenISCHeS LIeDeR- 

BuCH 

Prégardien, Kleiter, Dumno 

Challenge Classics/sunnyMoon 

CC 72378 

(75 Min., aufgen. 7/2009) 

Hugo Wolfs »Italienisches Liederbuch« 

nach Texten von Paul Heyse – eine He- 

rausforderung für jeden Sänger, stellen 

doch diese komplexen, kompakten Lied- 

miniaturen als Kaleidoskop unterschied- 

lichster Stimmungsnuancen höchste an- 

forderungen an gestaltungskraft und 

stimmtechnische Souveränität. Chri- 

stoph Prégardien ist ein Routinier auf die- 

sem gebiet, er hat in seiner langen Kar- 

riere weite Teile des Kunstliedrepertoires 

sowohl selbst interpretierend wie auch 

unterrichtend gründlichst durchdrun- 

gen. und doch wird der Liedgesang bei 

ihm niemals zur Routine im negativen 

Sinn: Irgendwie gelingt es ihm stets aufs 

neue, sich im besten Sinne ›naiv‹ den Lie- 

dern zu nähern, sie so darzubieten, als 

seien sie ihm zum ersten Mal begegnet 

und riefen in ihm die unverstellte Freude 

des neuentdeckens wach. Solchermaßen 

führt er den Hörer durch die melodischen 

und harmonischen Labyrinthe Hugo 

Wolfs, nimmt ihn quasi mit zu einer 

entdeckungsreise durch dessen verwinkelte 

Partituren. Dass dabei sein deklamatorischer 

eifer gelegentlich ein wenig 

übers Ziel hinausschießt, wenn er in Fischer-Dieskau-Manier 

manche nebensilben 

mit akzenten überfrachtet oder 

über kurze Strecken ein wenig ins überdeutliche 

›Dozieren‹ gleitet, verzeiht man 

ihm; denn immer wieder schließen sich 

lyrische Passagen an, in denen er seiner 

Stimme wieder freieren Lauf lässt. 

Prégardiens begabte nichte Julia Kleiter 

ist ihm eine gute Partnerin in diesem 

Zyklus: auch ihr stehen genügend Farben 

zu gebote, um das weite Spektrum 

von der groteske (»Wie lange schon war 

immer mein Verlangen«) bis zum zartlyrischen 

Zauber (»auch kleine Dinge können 

uns entzücken«) überzeugend auszugestalten, 

ohne dabei jemals im Ringen 

um ausdruck übertreiben zu müssen. 

Mit anderen Worten: Die junge Sängerin 

agiert aus einer in sich stimmigen, ge- 

schlossenen interpretatorischen Haltung 

heraus, sie erweist sich als reife, wand- 

lungsfähige Künstlerpersönlichkeit. So- 

mit kann dieses »Italienische Liederbuch« 

neben den älteren und ›klassischen‹ ein- 

spielungen dieses Zyklus’ ohne Weiteres 

bestehen. Michael Wersin 

Pergolesi 

STaBaT MaTeR, 

SaLVe RegIna C-MOLL 

Prohaska, Fink, Akademie für 

Alte Musik Berlin, Forck 

harmonia mundi HMC 902072 

(60 Min., aufgen. 12/2009) 

Wer zum Pergolesi-Jahr ausgerech- 

net mit einer aufnahme des »Stabat 

Mater« aufmerksamkeit erregen will, 

muss sich seine Sache schon sehr genau 

überlegen. und das haben die Interpreten 

dieser einspielung denn auch getan: 

Zum einen ist das Werk nicht bloß mit 

dem üblichen »Salve Regina« in c-moll 

kombiniert, sondern auch mit einem 

Instrumentalstück, welches das Werk 

wirkungsvoll in einen größeren, nicht 

nur geistlichen Zusammenhang komponierter 

Frauenklagen stellt: es handelt 

sich um Locatellis Konzert »Il pianto 

d‹arianna«, das auf ein beliebtes Opernsujet 

der Zeit zurückgeht. Mit seinen instrumentalen 

Rezitativen, und den von 

der akademie für alte Musik äußerst 

farbenreich und präzise herausgearbeiteten 

Stimmungsumschwüngen wirkt 

das Konzert wie ein Spiegel der Oper, 

ohne selbst Oper zu sein – und genau 

dies lässt sich auch von der Interpretation 

des »Stabat Mater« sagen. es ist zum 

einen die Kunst der plastischen einzelwortausdeutung, 

die auch vor kontrolliertem 

Vibratoeinsatz (etwa für das 

Wort ›tremens‹) nicht zurückschreckt, 

mit der anna Prohaska und Bernarda 

Fink die Brücke vom Schöpfer der »Serva 

padrona« zum Kirchenkomponisten Pergolesi 

schlagen. Zugleich halten sie das 

ganze Stück eine dramatische Spannung 

durch, die nicht nur das Mitleiden mit 

der lebhaft imaginierten gottesmutter 

betrifft, sondern sogar aus Fugeneinsätzen 

ein Frage- und antwortspiel macht.

Haste Töne¿ 

Raoul Mörchen stellt neuerscheinungen mit 

zeitgenössischer Musik vor. 

Schon wieder fangen diese Spalten an mit einem, 

der eigentlich nicht hierher gehört, weil seine Musik 

nicht neu ist. auch diese ist es nicht. und war 

es nie. Dmitri schostakowitsch schrieb seine »24 

Präludien und Fugen« 1950, zwei Jahre nachdem 

er von Stalins Handlangern fast kaltgestellt worden 

war. an ästhetische Innovation war da nicht 

zu denken. Sie war auch gar nicht nötig angesichts 

der aufgabenstellung. Denn natürlich ist dieser Zyklus eine Hommage 

ans »Wohltemperierte Klavier«. Bach bot Schostakowitsch Halt in 

dieser Zeit. Vor allem in den Fugen konnte er sich an handwerklichen 

Problemen abarbeiten, ohne wieder als Formalist abgestraft zu werden. 

Bach, der war auch unter Stalin wohlgelitten. aufnahmen von Schostakowitschs 

Werk gibt es einige mittlerweile, diese hier aus dem Sommer 

1975 verdient besondere aufmerksamkeit: Der australische Pianist Roger 

Woodward ist eines der großen Klaviergenies unserer Zeit – ein klar und 

frei formulierender Künstler mit einem phänomenalen Sinn für die jeweils 

eigenen gesetze, die in jedem Werk walten. Morton Feldman nannte Roger 

Woodward schlicht seinen Lieblingspianisten, Schostakowitsch hätte 

sich seinem urteil nach dieser aufnahme vielleicht angeschlossenen. eine 

tolle Wiederveröffentlichung. (Celestial Harmonies/naxos 143022) 

unerhört ist auch die Musik von saed Haddad 

nicht: Sie klingt exotisch und doch nicht fremd. 

Haddad ist ein grenzgänger: In Jordanien als 

Christ geboren, dort wie auch in Israel und england 

ausgebildet, seit einigen Jahren in Deutschland 

beheimatet, sagt Haddad von sich selbst, er 

sei immer ein anderer. Die Musik des 38-Jährigen 

ist ein wohlüberlegter Balanceakt zwischen 

arabischer Tradition und europäischer Moderne, zumindest war sie es einmal. 

Frühe arbeiten zeigen arabisches Timbre in der Melodik mit eingesprengten 

fremdartigen Tonhöhen, einen fast improvisatorischen Fluss, 

dann wiederum Brechungen, Stauchungen, schmerzhafte Reibungen – 

gespielt auf europäischen Instrumenten. east meets West – ein schöner 

gedanke. gleichzeitig ein schönes Klischee. Saed Haddad wollte es offenbar 

nicht dazu kommen lassen, als politisch korrekter ›Mittler‹ zweier 

Welten Karriere zu machen. Durch das kleine Porträt, das der Deutsche 

Musikrat von Haddad veröffentlicht, geht ein Riss: Seit 2007 hat Haddad 

seine Verbindung zur arabischen Kultur radikal gekappt. Die seitdem 

komponierten Werke stehen klanglich fest auf dem Boden der westeuropäischen 

avantgarde. Doch ob mit Blick auf den nahen Osten oder nicht 

– Haddads Musik hat Hand und Fuß, anfang und ende, ist voller abwechslung 

und gleichwohl einsichtig in dem, was sie tut. Wie weit Haddad mit 

dieser Musik kommt, ist schwer zu sagen. Man sollte ihr jetzt erst mal zuhören, 

das hat sie allemal verdient. (Wergo/note 1 WeR 65782) 

Während Saed Haddad also das Projekt einer 

musikalischen Ost-West-achse aufgegeben hat, 

trägt es seine Kollegin Konstantia Gourzi in 

Regionen, die sich dem nähern, was man gemeinhin 

Weltmusik nennt. Jazz-Klavier, europäische 

avantgarde, Instrumente und Melo- 

dien des osma nischen Reiches, byzantinischer 

Psalmgesang – gourzi vermischt, was ihr gefällt. 

Was sie serviert, ist dann allerdings eher ein Salat als ein Longdrink: 

Die Zutaten bleiben unterscheidbar und bewahren viel von ihrer 

ursprünglichen Identität. »aus allem eins und aus einem alles« zitiert 

die in München lehrende Komponistin, Pianistin und Dirigentin ihren 

weisen Landsmann Heraklit und komponiert dementsprechend. Zu - 

mindest die vorliegende auswahl von Vokal- und Instrumentalwerken 

der letzten Jahre ist tief durchdrungen von einer Sehnsucht nach harmonischer 

Reinhaltigkeit und einer Überwindung kultureller Differen- 

zen. Dieser ansatz und seine technische ausführung mögen dem einen 

oder anderen skeptischen Zeitgenossen vielleicht arg naiv vorkommen. 

gourzis mediterranes gruppenbild aber ist zu sonnig und freundlich, 

als dass man allzu streng darüber urteilen möchte. (neos/Codaex 

neOS 11035) 

Zum Schluss dann doch noch was für ganz 

Harte. Selten spitzt sich die Musikgeschichte 

so zu wie in den frühen 1950er Jahren. getrieben 

vom Wunsch nach einer Musik ohne Beigeschmack 

und erinnerung, entwirft Pierre Boulez 

in Frankreich die Idee einer lückenlos durchorganisierten 

Partitur, während sein Brieffreund 

John Cage in new york ein sehr ähnliches Ziel 

ansteuert, indem er das glatte gegenteil tut. Die unterschiedlichen ansätze 

führen zum Bruch der Freundschaft, obwohl die ergebnisse klanglich 

sehr nah beieinander liegen. Pi-Hsien Chen, pianistische Wunderwaffe 

der neuen Musik seit vier Jahrzehnten, versöhnt beide Seiten wieder. Verstärkt 

durch den Kollegen Ian Pace verzahnt sie die zwei Teile der kaltglitzernden 

»Structures« von Boulez mit »Music for Piano« von Cage. 

Radikal auch das aufnahmeverfahren der Cage-Stücke: Beide Pianisten 

spielten Passagen daraus getrennt voneinander ein, der Tonmeister legte 

sie anschließend nach eigenen Kriterien übereinander. Traditionalisten 

schütteln darüber vermutlich heute den Kopf wie damals. Dabei schreiben 

beide, Boulez wie Cage, die geschichte nicht um, sondern fort: Sie 

führt von Beethovens Motivvariationen über Brahms’ ›entwickelnde Variationen‹ 

und Schönbergs Zwölftontechnik zu Verfahren, die alles Variation 

werden lassen. Die alte Trennung von Thema und Veränderung ist 

endgültig überwunden. Wer Ohren und nerven hat, der höre. (hat hut/ 

harmonia mundi HaT CD 175) 


Klassik CDs 

Kongenial im ausdruck und noch fokus- 

sierter in der Tongebung ist die akade- 

mie für alte Musik, der sogar das Kunst- 

stück gelingt, Pergolesis archaisierende 

Vorhaltfiguren wie eine Vorahnung von 

glucks Ouvertüren klingen zu lassen. 

Melani 

MOTeTTen 


Carsten Niemann 

Concerto italiano, 

Alessandrini 

naïve/indigo 950742 

(67 Min., aufgen. 10/2006) 

er gehört zu den weitgehend Verges- 

senen: alessandro Melani (1639-1703) 

spielte in der zweiten Hälfte des 17. Jahr- 

hunderts in Rom als Kapellmeister an 

Santa Maria Maggiore und San Luigi dei 

Francesi eine nicht unbedeutende Rolle. 

auch als Komponist von Opern und 

weltlichen Kantaten trat er gelegentlich 

in erscheinung. Die Zahl seiner überlieferten 

Werke ist vergleichsweise klein, 

vieles davon schlummerte zudem bis 

vor Kurzem in archiven, war also nicht 

für die Wiederaufführung erschlossen. 

Dies galt auch für die hier präsentierten 

Motetten: erst durch das Zusammenwirken 

von Musikwissenschaftlern und 

Musikern wurde das Repertoire wieder 

zum Leben erweckt, und das ist wirklich 

dankenswert, wie der Hörer dieser 

CD schnell bemerkt. 

er taucht nämlich ein in ein warmes, 

äußerst intensiv seine Wirkung entfaltendes 

Klangbad, zu dessen Hauptmerkmalen 

eine Vielzahl von ungemein kraftvollen 

Vorhaltsdissonanz-Bildungen 

gehört: Ketten von Quart-, Septim- und 

nonvorhalten, oftmals übereinandergeschichtet 

und mittels Durchgangsbewegungen 

in ihrem Spannungsgehalt noch 

maßgeblich verstärkt, präsentieren sich 

als ein wahres Kaleidoskop barocker 

satztechnischer Möglichkeiten der musikalischen 

umsetzung unterschiedlicher 

affekte des Textes. Kein Zweifel: Hier war 

ein Meister am Werk. 

Rinaldo alessandrini wählte für 

seine einspielung zudem keineswegs 

stimmliche Leichtgewichte; seine soli- 

stische Sängerbesetzung profiliert sich 

im gegenteil dadurch, dass hier wirk- 

lich aus dem Vollen geschöpft wird. 

ein gestandener Bassist wie Sergio Fo- 

resti liefert ein wahrhaft scharf kontu- 

riertes, klangsattes Fundament, und auf 

dieser Basis geben sich die Kolleginnen 

und Kollegen bis in die Diskantlage hinauf 

ähnlich volltönend und emotionsgeladen. 

Dass dieser ansatz nicht immer 

vor Hypertrophien bewahrt und 

im Falle schnellerer notenwerte auch 

einmal die stimmliche Flexibilität ein 

wenig in den Hintergrund drängt, sei 

nebenher vermerkt. großartig ist jedoch 

das Miteinander dieser außergewöhnlichen 

Kompositionen und einer 

ihnen absolut angemessenen Darbie - 

tung, in der sich wiederum beachtliches 

Können und rückhaltloses engagement 

zu einer mitreißenden gesamtleistung 

vereinen. Michael Wersin 

Bach 

a STRange BeauTy 

Dinnerstein, 

Kammerorchester 

staatskapelle Berlin 

sony 88697 727282 

(62 Min., aufgen. 6/2010) 

Selbsterfahrungstrip mit Bach: die vor- 

mals unbekannte amerikanische Piani- 

stin Simone Dinnerstein, Schülerin u. a. 

von Peter Serkin, hat mit einer ganz persönlichen, 

von tiefem spirituellen erleben 

geprägten Interpretation der »goldberg- 

Variationen« die Herzen des Publikums 

im Sturm genommen und wurde über 

nacht zu einer Berühmtheit. So etwas, 

möchte man sofort dazwischenrufen, 

geht vermutlich nur in amerika, wo die 

gründliche Selbstoffenbarung im künstlerischen 

Tun, highly emotional bis zur 

Tränenseligkeit, nicht selten mehr zählt 

als objektive Kriterien, z. B. stilistische. 

Daher gilt ja vermutlich auch die Kanadierin 

angela Hewitt in den Staaten als 

Bach-Spezialistin. Simone Dinnerstein 

geht mit ihrer Bach-Performance allerdings 

deutlich weiter (in rückwärtiger 

Richtung) als Hewitt: Sie interpretiert 

Bach-Choralbearbeitungen in Transkrip- 

tionen von Busoni, Kempff und Hess, 

die ja für sich genommen schon Doku- 

mente eines weitgehend versunkenen 

Bach-Bildes sind, tendenziell noch sub- 

jektivistischer, als sie vermutlich gedacht 

waren. Pedal-nebelschwaden, manieri- 

stisch verwaschener anschlagshabitus 

und hypertrophe dynamische effekte ge- 

nerieren einen emotional aufgemotzten 

Betroffenheits-Bach der schwersterträg- 

lichen Sorte. In den beiden Klavierkon- 

zerten des Programms gibt sich Dinner- 

stein immerhin deutlich nüchterner. und 

dennoch: Vergleicht man etwa beim Fi- 

nalsatz des d-Moll-Konzerts die vorlie- 

gende Darbietung mit derjenigen von 

andrás Schiff und den Berliner Philhar- 

monikern (zu sehen auf youTube), dann 

fällt unmittelbar auf, wie klebrig Dinner- 

stein über weite Strecken agiert, wie oft 

es unnötigerweise mulmt und grum- 

melt, wo eigentlich Spritzigkeit und Klar- 

heit möglich wären. Inwieweit hierfür 

auch technische Probleme verantwort- 

lich sein könnten, sei an dieser Stelle 

nur als Frage formuliert. Fazit: Selbstver- 

ständlich kann Frau Dinnerstein ihren 

Bach spielen, wie sie mag. Wenn sie aber 

zusätzlich im Beiheft-Interview gemein- 

sam mit einem willigen Stichwortgeber 

vom Londoner guardian proklamiert, 

Bach aus den fetischartigen Fängen ei- 

ner historisch orientierten Interpretati- 

onsweise retten und ihm dadurch seine 

eigentliche expressivität zurückgeben zu 

können, dann sind doch ein paar dicke 

Fragezeichen anzubringen. 

Michael Wersin 

sie finden einen Ausschnitt 

auf der beiliegenden 

RoNDo CD #43 Titel 11 

Beethoven 

SInFOnIen nR. 4 & 6 

Budapest Festival orchestra, 

Fischer 

Channel Classics/harmonia 

mundi CCs 30710 

(sACD, 78 Min., aufgen. 2/2010) 

nicht, dass der Plattenmarkt unbedingt 

auf diese einspielungen von Beethoven- 

Sinfonien gewartet hätte. auch die (be- 

gründete) Hoffnung auf spektakulär 

neues, die man bei bestimmten namen 

wie norrington, Hengelbrock oder Daus- 

gaard quasi automatisch hegt, konnte 

man bislang Iván Fischer nicht unbedingt 

zusprechen. Warum seine (neueren) 

aufnahmen bei Channel Classics, 

und insbesondere diese Vierte und Sechste 

Beethovens, dennoch lohnen, liegt 

an der außergewöhnlichen Sorgfalt, mit 

der sich der bald 61-jährige ungar in bestem 

einvernehmen mit seinem von ihm 

1983 gegründeten Budapester Festival-Orchester 

um die Partituren kümmert. Das 

gestisch-Sprechende kommt da, wie beispielhaft 

am gewitzt-übermütigen Finale 

der Vierten zu hören ist, auf natürliche 

art zum Vorschein. 

Wie filigran hier Haupt- und nebenstimmen 

miteinander kommunizieren, 

wie luzide Mittel- und außenstimmen 

hervortreten, das hält den Hörer wach. 

und zwar ohne bemüht ›neue‹ ausrufungszeichen. 

Da genießt man auch die 

langsamen Tempi der »Pastorale«, offenbaren 

sie doch (natur-)Stimmungen und 

Farben, die sonst oft verschenkt werden. 

natürlich profitieren auch die Budapester 

Musiker inzwischen von der historischen 

aufführungspraxis und der entsprechenden 

Schulung ihres Leiters (u. a. 

bei Harnoncourt): In der Vierten musizieren 

sie mit naturhörnern und -trompeten, 

in der Sechsten in gemischter Sitzordnung 

mit Bläsersolisten inmitten der 

Streicher, wobei der Schlusssatz sogar 

mit einer Solovioline anhebt. ein wunderbar 

duftiges, filigranes Klangbild resultiert 

daraus, das in der Tat jenen ruhevollen 

»Dank an die gottheit ... nach dem 

Sturm« vermittelt, den Beethoven nicht 

nur als naturschauspiel verstanden wissen 

wollte. eine im besten Sinne traditionelle, 

unaufgeregte, denkbar feinfühlige 

Klassiker-exegese. 

Christoph Braun 

Diverse 

IL CanTO DeLLe DaMe 

Kiehr, Concerto soave, 

Aymes 

Ambronay/harmonia mundi 

AMY 025 

(64 Min., aufgen. 5/2010) 

entspannt wie schon lange nicht mehr 

hören wir die aus argentinien stammende 

Sopranistin María Cristina Kiehr 

auf dieser auch in puncto Repertoire 

sehr reizvollen CD: So gründlich abwesend 

sind die in einigen aufnahmen der 

letzten Jahre mehr oder weniger stark

Die Retro-Diskothek 

»Das neue ist selten das gute«, meinte Schopenhauer, »weil das gute nur kurze Zeit 

das neue ist.« aus der Fülle der Wieder veröffentlichungen auf CD stellt Michael Wersin 

in seiner »Retro-Diskothek« die besten der guten alten Scheiben vor. 

Die Retro-Rubrik beginnt 

das neue Jahr mit 

einigen grüßen zurück 

in das soeben zu ende 

gegangene: Robert 

Schumanns 200. geburtstag 

wurde da u. a. 

gefeiert, und Sir adrian 

Boults grandiose einspielung von Schumanns 

vier Sinfonien darf in diesem Zusammenhang 

nicht unerwähnt bleiben. Sie entstand im Schumann-Jubiläumsjahr 

1956; Sir adrian dirigierte 

das London Symphony Orchestra. Der 1889 geborene 

blickte zu diesem Zeitpunkt nicht nur 

zurück auf eine bereits über 40 Jahre währende 

Karriere als Orchesterleiter, sondern profitierte 

speziell in Sachen Schumann auch noch vom 

direkten austausch mit einigen wichtigen Persönlichkeiten 

des Schülerkreises von Clara Schumann, 

die er als junger Mann in London getroffen 

hatte. adrian Boults klangvoller, edler, schlichtweg 

souveräner Schumann wird ergänzt durch 

einen bunten Strauß von acht quirligen Berlioz- 

Ouvertüren, die dem faszinierend inspirierten Dirigenten 

nicht weniger gut glückten. 

london Philharmonic orchestra/sir Adrian Boult – 

The 1956 Nixa-Westminster stereo Recordings vol. 2. 

First Hand Records/harmonia mundi FRH 07 

ein anderer großer englischer 

Pultstar erfuhr 

ende 2010 eine klingende 

ehrung durch 

sein langjähriges 

Schallplattenlabel eMI: 

Sir John Barbirollis vierzigster 

Todestag fiel auf 

den 29. Juli 2010. Der von italienischen einwanderern 

abstammende Barbirolli war zunächst Cellist 

in verschiedenen englischen Orchestern und 

Kammermusikformationen, begann dann aber 

eine steile Karriere als Dirigent, die ihn u. a. nach 

Covent garden und zum new york Philharmonic 

Symphony Orchestra führte. ab 1943 widmete er 

sich dem damals in Dekadenz befindlichen Hallé 

Orchestra und formte es zu einem der führenden 

englischen Klangkörper; mit ihm und den anderen 

großen britischen Orchestern produzierte er 

zahllose Schallplatten, von denen viele bis heute 

den Rang von Referenzeinspielungen haben. einige 

davon, wie beispielsweise elgars Cellokonzert 

mit Jacqueline du Pré oder Berlioz‘ »nuits 

d’été« mit Janet Baker, finden sich in der vorliegenden 

10-CD-Jubiläumsbox. 

sir John Barbirolli – The Great EMi Recordings. EMi 

457 767-2 

ein eher trauriger anlass 

war am 9. September 

das gedenken 

an den Tod Jussi Björlings 

im Jahre 1960: 

Der schwer alkoholabhängige 

schwedische 

Tenor wurde nur 49 

Jahre alt. Seine tragische Suchtkrankheit breitet 

einen melancholischen Schleier über die vielen 

Impressionen aus seinem einzigartig aufregenden, 

erfolgreichen Leben, die uns Biographen 

und Zeitzeugen vermittelt haben. Zwischen 1945 

und 1959 war Björling ensemblemitglied der new 

yorker Met, und in dieser Zeit konnte man ihn oft 

in den damals so beliebten Rundfunksendungen 

mit Live-Musik hören. »Voice of Firestone«, »Ford 

Sunday evening Hour« oder »Bell Telephone 

Broadcast« hießen diese Radio-events, für die sich 

große Stars in den Studios einfanden und einen 

bunten Mix aus ›echten‹ klassischen Titeln und 

leichtgewichtigeren nummern (»Jeanie with the 

Light Brown Hair« etc.) in den Äther schickten. 

Björlings ungemein phonogene Stimme war stets 

gern gehört, und wenn wir heute diese herzerwärmenden 

Dokumente genießen, dann verstehen 

wir sofort wieder, warum. ein Muss für alle 

Björling-Fans! 

Jussi Björling – Broadcast Concerts 1937-1960. West 

Hill Radio Archives/Note 1 WHRA 6036 

Fast genau 30 Jahre 

nach Jussi Björling, am 

19. Oktober 1990, verstarb 

in new york der 

Komponist und Dirigent 

Leonard Bernstein, 

eine der wichtigsten 

musikalischen 

Identifikations- und Integrationsfiguren für das 

amerika des 20. Jahrhunderts: neben seinen 

Leistungen auf dem rein klassischen Sektor war er 

nämlich erfolgreicher und ambitionierter grenzgänger 

in Richtung unterhaltungsmusik. auf Basis 

des Broadway-Show-Repertoires der frühen 

Jahrzehnte des vergangenen Jahrhunderts schuf 

er ein neues, ganz und gar amerikanisches Musiktheater, 

das sowohl bei den Mitwirkenden als 

auch beim Publikum ein sehr breites Spektrum an 

Kräften zusammenzuführen vermochte. Die fünf 

in dieser Box vereinigten Werke, darunter »West 

Side Story«, »Candide« und »On the Town«, jeweils 

vertreten durch erstklassige Belegaufnahmen, demonstrieren 

dies in eindrucksvoller Weise. Wir 

hören Kiri Te Kanawa und José Carreras als Tony 

und Maria, wir erleben den unvergessenen Jerry 

Hadley als Candide neben nicolai gedda und 

Christa Ludwig, wir erinnern uns an die großartige 

Federica von Stade in der Rolle der Claire 

(»On the Town«). am Pult stand zumeist Leonard 

Bernstein selbst; für »On the Town« und »a White 

House Cantata«, produziert erst nach des Komponisten 

Tod, fanden sich mit Michael Tilson Thomas 

und Kent nagano würdige nachfolger. 

leonard Bernstein – Theatre Works. Deutsche Grammophon/Universal 

477 8853 


Klassik CDs 

vorhandenen technischen Mängel (Fe- 

stigkeit der Zunge, ›Knödel‹), dass man 

dem vorliegenden Programm beinahe 

den Stellenwert eines Comebacks ge- 

ben möchte. 

Kiehr und ihr langjähriger musika- 

lischer Partner Jean-Marc aymes ha- 

ben eine Folge frühbarocker Monodien 

(aufgeteilt in Kirchen- und Kammer- 

Concerti) zusammengestellt, die fast 

ausschließlich von Frauen komponiert 

wurden; und es ist nicht nur die mittlerweile 

recht bekannte Barbara Strozzi 

repräsentiert, sondern auch Francesca 

Caccini (die Tochter giulio Caccinis) 

sowie die beiden nonnen Caterina assandra 

und Isabella Leonarda. Rein instrumentale 

Stücke ergänzen das Programm; 

auch zu einigen gesungenen 

Stücken treten ein oder zwei Violinen 

als konzertierende Partner der Vokalpartie 

hinzu. 

»Konzentration und Versenkung« 

könnte als Motto über diesen ungemein 

ruhigen, fast friedvollen Darbietungen 

stehen. ausdruck wird kaum jemals 

durch exaltation, größere dynamische 

effekte oder Vibrato erzeugt – hierin 

liegt ein fundamentaler unterschied zu 

Magdalena Koženás etwa zeitgleich erschienenem 

Frühbarock-Rezital –, sondern 

durch verinnerlichte bzw. ins Innere 

zielende Intensität. Kiehr führt ihre 

Stimme stets sehr gerade, und sie achtet 

minutiös auf eine korrekte bzw. sinnvoll 

abgestufte gewichtung von betonten 

und unbetonten Silben – Tugenden, die 

eigentlich mit der historisierenden aufführungspraxis 

seit deren anfängen untrennbar 

verbunden zu sein scheinen, die 

aber in den letzten Jahren zugunsten einer 

erweiterung der ausdruckspalette 

etwas in Vergessenheit gerieten. Vor 

diesem Hintergrund ist María Cristina 

Kiehrs gesang nicht etwa puristisch, 

aber doch sehr rein im positiven Sinne. 

er gibt dadurch den Blick frei auf die Musik 

als solche, auf ihre melodischen und 

harmonischen Wendungen. Der Hörer 

wird durchaus gefesselt, aber nicht gebeutelt: 

eine legitime und vor allem überzeugende 

art, diese Musik umzusetzen. 

Wie es wirklich war, können wir niemals 

genau wissen. Michael Wersin 


Enescu 

KLaVIeRSOnaTe nR. 1, 

SuITe nR. 2 

varga 

Naxos 8.572120 

(66 Min., aufgen. 9/2008) 

Klaviermusik von george enescu?! Da 

fällt es nicht schwer, die Repertoire- 

lücke einzugestehen (Luiza Borac, die 

bislang einzige CD-Interpretin, möge 

das verzeihen). umso begrüßenswerter 

(einmal mehr) die Veröffentlichungspolitik 

von naxos. Offenbart sie doch, 

dass der 1881 geborene, vorwiegend in 

Paris arbeitende, dort 1955 verstorbene 

Rumäne mehr zu bieten hatte als ›nur‹ 

seine Weltkarriere als geiger, den aufbau 

des heimatlichen Konzertlebens und 

seine relativ bekannten, weil volkstümlich 

grundierten Orchesterrhapsodien 

und Violinsonaten. In seiner einspielung 

der ersten Klaviersonate von 1924, 

der zweiten Suite von 1903 und zwei der 

sieben »Pièces impromptus« aus den Jahren 

1913-16 erschließt uns der 30-jährige 

Matei Varga eine ganz eigene Klangwelt. 

auch wenn die pentatonisch-impressionistischen 

andante-Passagen der ersten 

Sonate anleihen an Debussy und 

Ravel aufweisen, die rhythmischen Presto-Widerborstigkeiten 

an Bartók erinnern 

und die atonalen Themenvorgaben 

von Schönberg inspiriert scheinen: Den 

Versuch, enescu in Schubladen zu stecken, 

sollte man lassen – sein Personalstil 

ist wirklich einer. Jedenfalls seit den 

reifen Jahren des Mittdreißigers, der in 

den beiden hier eingespielten Impromptus, 

einem Choral und einem »Carillon 

nocturne«, den fernen Klang eben dieser 

nächtlichen glocken so atmosphärisch 

dicht und eigenwillig einfängt. (und man 

denkt unwillkürlich: Messiaen muss das 

gekannt haben ...). Die zweite Klaviersuite 

des 22-Jährigen kommt äußerlich als 

(tonale) Retrospektive barocker Tanzsätze 

zwar traditioneller daher, entfaltet 

jedoch auch eine ganz eigene Klangmagie 

zwischen extrovertierter Brillanz und 

subtiler Innenschau. Zumindest wenn sie 

so poetisch durchdacht präsentiert wird 

wie von enescus Landsmann Varga. 

Christoph Braun 

DVDs 

Puccini 

TOSCa 

verrett, Pavarotti, MacNeil, 

The Metropolitan opera 

orchestra and Chorus, 

Conlon, Gobbi 

Decca/Universal 074 3410 

(DvD, 127 Min. oper + 

27 Min. Bonusmaterial, 

aufgen. 12/1978) 

Puccini 

TOSCa 

Cedolins, Álvarez, Raimondi, 

orchestra e Coro dell’Arena 

di verona, oren, Ana 

Arthaus/Naxos 107 195 

(DvD, 119 Min., aufgen. 2006) 

Puccini 

TOSCa 

Mattila, Álvarez, Gagnidze, 

The Metropolitan opera 

orchestra and Chorus, 

Colaneri, Bondy 

virgin/EMi 50999 6419739 5 

(DvD, 137 Min., aufgen. 

10/2009) 

gleich drei »Tosca«-Produktionen auf 

DVD sind in den letzten Wochen erschie- 

nen. und verdeutlichen einmal mehr, 

dass gerade bei den Mitschnitten von 

Opernaufführungen oft ohne Sinn und 

Verstand veröffentlicht wird. Der Markt 

wird mit neuheiten überschwemmt, 

ohne dass es eine künstlerische Rechtfertigung 

dafür gäbe. Die liegt im Fall 

der ältesten der drei Produktionen vom 

Dezember 1978 einzig und allein bei Luciano 

Pavarotti at his very best. Der Tenor 

singt hier zum niederknien schön, 

aber das könnte man eigentlich auch auf 

einer CD genießen, da sein Spiel wie üblich 

nicht über arme-ausbreiten-undwieder-zurück-zum-Körper-Führenhinausgeht. 

Seine Partnerin in dieser durch 

und durch traditionellen MeT-aufführung 

ist Shirley Verrett, die im ständigen 

Kampf mit der Partie steht, und diesen 

nur selten gewinnt. Warum diese phantastische 

Mezzosopranistin an einem bestimmten 

Punkt ihrer Karriere meinte, 

unbedingt auch Sopranpartien in angriff 

nehmen zu müssen, bleibt ihr geheimnis. 

einen gefallen hat sie sich und ihrem 

Publikum damit nicht getan. natürlich 

verfügte sie immer über eine gute und sichere 

Höhe, aber es ist ein unterschied, 

ob sie damit als Mezzo fulminante Spitzentöne 

setzen kann oder als Sopran 

in einer auf Dauer unbequemen Tessitura 

singen muss und sich dazu noch 

ihres sinnlichen Timbres beraubt. Cornell 

Macneil ist ein durchaus beeindruckender 

Scarpia, auch wenn seine beste 

Zeit hier schon hinter ihm liegt. Die Bildqualität 

der DVD ist miserabel, und auch 

der Ton lässt zu wünschen übrig. 

aus der arena di Verona stammt der 

nächste Mitschnitt, Puccinis Oper gehört 

dort zu den meistgespielten Werken, 

obwohl die räumlichen gegebenheiten 

nicht gerade ideal sind für ein 

Kammerspiel wie »Tosca«. auch hier ist 

es wieder der Tenor, der rundherum beglückt. 

Marcelo álvarez war im Sommer 

2006 in berückender vokaler Verfassung: 

Die Stimme verfügt über Schmelz, heldische 

Kraft, lyrische geschmeidigkeit, 

sauberes Piano und sichere Höhe. als 

Floria Tosca steht ihm Fiorenza Cedolins 

zur Seite, mit großem Vibrato und 

eher uninteressanter allerweltsstimme 

kommt sie zwar mit der Partie weitgehend 

zurecht, doch eine fesselnde Titelheldin 

hört sich anders an. Zumal Signora 

Cedolins sich gelegentlich sehr in 

der Rolle eines ordinären Fischweibs zu 

gefallen scheint. Für Ruggero Raimondi 

gilt Ähnliches wie für seinen Kollegen an 

der MeT, die Stimme ist nicht mehr die, 

die sie einmal war, dafür punktet er mit 

darstellerischer Präsenz. etwas ungünstig 

eingefangen sind die gesangsstimmen, 

die Mikrophone standen wohl am 

oberen ende des Orchestergrabens, wodurch 

sich eine gewisse klangliche Distanz 

ergibt. Dafür ist das Bild gestochen 

scharf. 

Womit wir wieder zurück zur MeT 

kommen, dort hatte die inzwischen auch 

in München gelandete Koproduktion im 

Herbst 2009 Premiere. Hier erlebt man 

die einzige der drei Versionen, die einen 

auch als Drama packt und mitreißt, was 

der exzellenten Personenregie von Luc 

Bondy zu verdanken ist. und einer Interpretin 

der Titelrolle, die sie wirklich – 

wie es sich gehört – in den Mittelpunkt 

des geschehens und Interesses rückt. 

Karita Mattila ist die mit abstand souveränste 

der drei Sopranistinnen (wenn 

auch nicht über alle Kritik erhaben): Wie 

sie Stimme und Spiel zu einer wahrlich 

aufregenden Interpretation zusammen-

fügt, ist schon sehens- und hörenswert. 

Ich frage mich allerdings, welcher Frauen- 

hasser ihr die schwarze Perücke und das 

schlechte Makeup verpasst hat. 

an Marcelo álvarez‹ Stimme sind die 

drei Jahre zwischen Verona und new 

york leider nicht spurlos vorüber gegangen. 

Zwar ist die gesamtleistung immer 

noch mehr als respektabel, aber der argentinier 

muss jetzt viel mehr Kraft aufwenden, 

wodurch es an geschmeidigkeit 

und eleganz fehlt, und den Piano-Bereich 

weitgehend ausklammern, nur vom Mezzoforte 

an spricht die Stimme sicher an, 

ein untrügliches Zeichen für vokale Blessuren. 

george gagnidze als Scarpia 

schließlich kann als einziger der drei Baritone 

stimmlich aus dem Vollen schöpfen, 

was er hier und da auch ein wenig exzessiv 

tut, und trägt seinen Teil dazu bei, 

dass man hier einen spannenden Opernabend 

mit einem hochkarätigen Hauptdarsteller-Terzett 

in sehr guter Bild- und 

Tonqualität genießen kann. 

Michael Blümke 

Verrett/Decca 

Cedolins/arthaus 

Mattila/Virgin 

strauss 

eLeKTRa 

Watson, Uhl, Henschel, u. a., 

Münchner Philharmoniker, 

Thielemann, Wernicke 

(DvD, 111 Min. + 15 Min. 

Making-of, aufgen. 1-2/2010) 

opus Arte/Naxos oA 1046 D 

eigentlich hatte sie ihr Debüt in der Titel- 

rolle erst 2012 in Wien geplant, doch dann 

ist Linda Watson kurzfristig in die aus 

München entliehene »elektra«-Produktion 

von Herbert Wernicke in Baden-Baden 

eingesprungen. und man kann nicht 

anders, als der Sängerin größten Respekt 

zu zollen: Sie ist eine wirklich beeindruckende 

und durchweg überzeugende Interpretin, 

die diese Mörderpartie souverän 

meistert. Die Stimme ist groß und 

bis zum ende durchschlagskräftig, wird 

aber stets dynamisch gut abgestuft; nur an 

der Textverständlichkeit sollte Linda Watson 

noch arbeiten. Ihre Landsmännin Jane 

Henschel bietet als Klytämnestra den rich- 

tigen gegenpol zu ihr, um die auseinan- 

dersetzung zwischen Mutter und Toch- 

ter packend über die fast leere Bühne zu 

bringen. Da hat es Manuela uhl als Chrysothemis 

trotz sehr guter vokaler Leistung 

darstellerisch schwer, neben diesen beiden 

Larger-than-life-Partnerinnen zu bestehen. 

albert Dohmen ist ein stimmlich 

zwar sicherer, aber fast zu reifer, nicht 

ausreichend geschmeidiger Orest, für 

die Minipartie des aegisth wurde René 

Kollo verpflichtet. am Pult der hervorragend 

spielenden Münchner Philharmoniker 

sorgt Christian Thielemann für 

eine exzellente, immer auch auf die Sänger 

Rücksicht nehmende umsetzung 

der Partitur. Hätten die Tontechniker die 

gesangsstimmen gleichmäßiger eingefangen 

– das Opernglück wäre perfekt. 

Michael Blümke 

Arnold schönberg 

guRReLIeDeR 

Deborah voigt, Mihoko Fujimura, 

stig Andersen, NDR Chor, 

MDR Rundfunkchor, Chor des 

BR, symphonieorchester 

des Bayerischen Rundfunks, 

Mariss Jansons 

BR Klassik/Naxos 900110 

(117 Min., aufgen. 10/2009) 

Sie fordern schon einen gewaltigen perso- 

nellen aufwand, diese gurrelieder: Drei 

Rundfunkchöre ließ Mariss Jansons im 

Münchner gasteig zusammenkommen, 

um von ihnen ganz am ende des zwei- 

stündigen Werkes für knapp sechs Minu- 

ten in ekstatischem Tutti die Sonne be- 

singen zu lassen – und dann hat ihm die 

Tontechnik das ganze so eingefangen und 

abgemischt, dass der gewaltige Schlussef- 

fekt auf der DVD gar nicht so tiefenscharf 

und majestätisch herüberkommt, wie 

man es eigentlich erwarten würde (und 

als Konzertbesucher im Saal zweifellos 

auch erlebt hat). Der acht Jahre zuvor am 

selben Ort entstandene Live-Mitschnitt 

der »gurrelieder« unter James Levine hat 

da deutlich mehr zu bieten – obwohl Le- 

vine sich mit dem Philharmonischen 

Chor München als vokalem Klangkörper 

begnügte. 

Der Vergleich der beiden »gurrelieder«- 

Versionen aus München fällt auch in an- 

deren Punkten ungünstig für den vorlie- 

genden Mitschnitt aus: Levine hatte z. B. 

mit Ben Heppner einen deutlich mitrei- 

ßenderen Tenorsolisten. Sein Legato, sei- 

nen lyrischen Schmelz bei aller Dramatik, 

sein körperhaft gerundetes Timbre kann 

Stig andersen nicht erreichen. und selbst 

Deborah Voigt, in beiden Versionen die 

Sopransolistin, kommt unter Levine we- 

niger spitz herüber als bei Jansons. Wie 

gesagt, die Tontechnik hat das nicht allzu 

beglückende endergebnis sicher mitzu- 

verantworten, aber was hilft‹s? allein 

die schönen Bilder, entstanden unter der 

kompetenten Regie von Brian Large, vermögen 

den gesamteindruck nicht maßgeblich 

zu verbessern: Obwohl Mariss 

Jansons seinem BR-Symphonieorchester, 

zu dessen 60. geburtstag dieses ereignis 

stattfand, ein beachtlich differenziertes 

Farbenspiel bei großer Präzision zu entlocken 

verstand, wird man Levines Version 

vorziehen – wenn man nicht gleich 

zu Riccardo Chaillys Studioproduktion 

von 1985 greift: Susan Dunn und Siegfried 

Jerusalem, beide damals auf dem Höhepunkt 

ihres Könnens, sind als Hauptprotagonisten 

des ersten Teils nicht zu übertreffen. 


Brahms 

eIn DeuTSCHeS ReQuIeM 

schäfer, Gerhaher, Chor des 

Bayerischen Rundfunks, Münchner 

Philharmoniker, Thielemann 

C-Major/Naxos 703308 

(DvD, 83 Min., aufgen. 4/2007) 

an langsame Tempi sind die Münchner 

Philharmoniker gewöhnt: Sie zelebrierten 

unter dem späten Celibidache wichtige 

Teile des sinfonischen Repertoires teilweise 

im Zeitlupen-Feeling. Celi mochte 

zu Lebzeiten keine Mitschnitte seiner 

Konzerte zur Veröffentlichung genehmigen; 

das Wissen um die Schwierigkeit des 

authentischen Konservierens seines speziellen 

Zeitgefühls beim Musizieren könnte 

ein wichtiger grund dafür gewesen sein. 

Vor diesem Hintergrund möchte der Rezensent 

nicht ausschließen, dass das live 

mitgeschnittene Brahms-Requiem auf dieser 

DVD in der Münchner Philharmonie 

an jenem abend im april 2007 eine großartige 

Wirkung entfaltet hat. Im nacherleben 

mittels eines Ton- und Bildträgers jedoch 

steht es streckenweise förmlich auf 

der Stelle. De facto fand der Rezensent unter 

den zehn einspielungen des Werks in 

seinen CD-Regalen keine einzige, in der 

der vierte Satz (»Wie lieblich sind deine 

Wohnungen«) die Sechs-Minuten-grenze 

überschreitet; Thielemann musiziert das 

kurze Stück in 6:39. ergebnis ist, das jene 

Sehnsucht nach den Wohnungen des 

Herrn Zebaoth, von denen im Psalmtext 

die Rede ist, fast den Beigeschmack der 

agonie erhält. und im anschließenden 

Sopransolo »Ihr habt nun Traurigkeit«, 

das nur Rudolf Kempe 1955 mit elisabeth 

grümmer annähernd so langsam musizierte, 

muss Thielemanns Solistin Christine 

Schäfer unverhältnismäßig oft, teilweise 

nach einzelnen Worten, nachatmen. 

Sie meistert das atemproblem souverän, 

behält bei frontal auf sie gerichteter Kamera 

einen kühlen Kopf – aber die Musik 

rührt sich nicht vom Fleck. Ist es verwerflich, 

etwa bei »Sehet mich an …« ein wenig 

anzuziehen, wie das viele Dirigenten 

tun, und damit den gestus der an dieser 

Stelle noch intensivierten anrede zu unterstreichen? 

Diesen grundsätzlichen Kritikpunkten 

steht die Perfektion der Darbietung 

gegenüber; freilich musizieren Chor 

und Orchester unter Thielemanns minutiös 

genauer Leitung höchst vollkommen. 

aber wie mühsam ist das Zuhören, 

wenn selbst hochdramatische Passagen 

(»Tod, wo ist dein Stachel, Hölle, wo ist 

dein Sieg«) seltsam buchstabiert daherkommen, 

wenn sich selbst in den finalen 

Fugen (»Die erlöseten des Herrn …«) 

die Spannung niemals über ein gelösteres 

Tempo entlädt? Thielemann formt und 

gestaltet unablässig auf Detailebene, teils 

mit weit aufgerissenen augen zwingt er 

das riesige ensemble zu einer mitunter 

lähmenden Langsamkeit, die den vielen 

aufblühenden, aufjubelnden oder aufbegehrenden 

Passagen nicht gerecht wird. 


Weitere Rezensionen finden sie auf 

www.rondomagazin.de 


Musik der Welt 

spaniens wilde Ecke 

+ Keltisches aus Spaniens nordwesten + Dudelsackmusik kommt 

nicht immer aus Schottland + Die Drehleier als Symbol politischer 

Opposition + Das Land der Träume + Der Jakobsweg macht galicien 

populär + Der griff nach den Sternen 

niemand würde großbritannien auf schottische 

Dudelsackmusik reduzieren oder Deutschland 

auf bayerische Blaskapellen. Wenn aber von spanischer 

Musik die Rede ist, wird von Flamenco, 

gitarren und Kastagnetten gesprochen. Dabei 

fügt sich ein großteil iberischer Klänge nicht 

in das Klischee, stammen sie nun von den bläserlastigen 

katalanischen Sardana-Orchestern 

oder asturischen ›Pipe-and-Drum-Bands‹, den 

›bandas‹, die jeder Hörer ohne mit der Wimper 

zu zucken in Schottland ansiedeln würde. 

In der nordwestlichsten ecke, nördlich von 

Portugal, durch hohe gebirge vom Rest Spaniens 

getrennt, liegt des Landes grünes Tor zum 

atlantischen Ozean: galicien. erinnert schon 

die liebliche, doch viel Regen und Wind ausgesetzte 

Landschaft klimatisch und landschaftlich 

etwas an Irland oder die Bretagne, so finden sich 

entsprechende Parallelen auch in der galicischen 

Musik, in deren Instrumentarium seit dem Mittelalter 

Dudelsack, Harfe, Drehleier und Perkussionsinstrumente 

auffallen. Die Ähnlichkeiten 

werden auf die gemeinsamen keltischen Wurzeln 

zurückgeführt; sicherlich haben aber auch 

spätere einflüsse und damit zusammenhängende 

anbindung an eine boomende Celtic Folk-Szene 

die ursprüngliche galicische Musik nachhaltig zu 

einer größeren stilistischen nähe zu Irland und 

Schottland verändert. nord- und südeuropäische 

elemente erscheinen in der Musik dieses Landstriches 

in heiterer Balance. 


Das Revival der galicischen Musik in den 70er 

Jahren, am sichtbarsten durch die starke Besinnung 

auf die Dudelsack-Tradition und die Wiederbelebung 

der fast schon ausgestorbenen Drehleier, 

ging einher mit politischer Opposition. Der 

1975 verstorbene Diktator Franco, wiewohl galicier, 

hatte die Verwendung der dem Portugiesischen 

nahestehenden galicischen Sprache verbieten 

lassen, weil dies seiner Vorstellung eines 

zentralistischen nationalstaates entgegenstand. 

erst seit 1982 ist galicisch wieder amtssprache. 

Das Recht auf eine eigene kulturelle Identität 

war also keine Selbstverständlichkeit, als Fuxan 

os Ventos 1972 ursprünglich als Schülerchor gegründet 

wurde. Die gruppe, deren name etwa 

soviel bedeutet wie »Lass die Winde vorüberzie- 

Santiago de Compostela ist mit seinen knapp 

100.000 Einwohnern die Hauptstadt Galiciens 

hen«, hatte maßgeblichen anteil an der emanzipation 

des Volkes. Bis ende der 80er Jahre allgegenwärtig, 

war sie fast zwei Jahrzehnte praktisch 

von den Bühnen verschwunden, bis es 2008 mit 

zwei Konzerten in Santiago zu einem lange ersehnten 

Comeback kam, deren Zusammenschnitt 

beim Label Boa unter dem Titel »Terra 

de Soños« (Boa 10002038) auf einem Doppelalbum 

aus einer CD und einer DVD erschien. Obwohl 

die CD mit 20 Musiknummern schon lang 

ist, bereitet die aus 28 Stücken bestehende DVD 

den größeren genuss, zumal es im vielfältigen 

Programm keine Spannungsbrüche gibt. 

Die tiefen emotionen aller Beteiligten (auch 

des Publikums) unterstreichen so auch optisch 

die Bedeutung des ereignisses, das über das rein 

Musikalische hinausgeht. Das im Programmtitel 

angesprochene »Land der Träume« ist ja kein 

Märchenland, es ist ein gewissermaßen auch 

ersungenes Traumland, das von der Diktatur befreite 

Land. »ein Volk, das singt, lebt« und »ein 

Volk mit eigenen Liedern hat eine Zukunft« lauten 

die Botschaften der Musiker auch in den Interviews 

des beigefügten Making of-Videos. Leider 

gibt es keine untertitel in einer gängigeren 

Sprache und auch das opulente 75-seitige Booklet 

scheint nur für galicier gedacht zu sein. 

andererseits: auch ohne Verständnis der Texte 

berührt das Konzert der insgesamt 27 Künstler, 

von denen neun das aus gesangssolisten bestehende 

Vokalensemble bilden, die sich in immer 

wieder neuen Konstellationen mit zahlreichen 

gaststars (Xabier Diaz, uxía, guadi galego und 

Mercedes Peon) sowie einem abwechslungsreich 

eingesetzten Instrumentalapparat mit Streichquartett, 

Holzbläsern, akkordeon und den genannten 

nationalinstrumenten Dudelsack, Harfe, 

Perkussion und Drehleier zusammenfinden. Das 

zwischen galicischer Folklore und neuem Folk 

vermittelnde Repertoire – darunter Stücke wie 

Nach fast 20 Jahren landeten Fuxan os Ventos (r.) ein äußerst erfolgreiches Comeback, die Sängerin Uxia 

(l.) ist mit ihrer gewaltigen Stimme schon lange eine Ikone der galicischen Musik 

»a Carolina« und »Sementeira«, die in ihrer Heimat 

längst schon zu Hymnen geworden sind – erklingt 

in (allein schon wegen des Klangcharakters 

der Instrumente oft pastoralen) arrangements 

von Xosé Lois Romero, in denen ebenso für jaz-

zige ausflüge des Oboisten Platz ist wie für innigen 

Chorgesang oder Tanzeinlagen. 

galicien würde von uns Deutschen meist 

heute noch mit dem polnisch-ukrainischen 

galizien verwechselt, wäre nicht der Jakobsweg 

zur Hauptstadt Santiago de 

Compostela in den letzten Jahren 

zum Synonym für Pilgerfahrt 

schlechthin geworden. 2010 hat 

sich die Zahl der Pilger gegenüber 

2009 fast verdoppelt, gegenüber 

1970 verviertausendfacht. 

aus anlass des Heiligen Compostelanischen 

Jahres 2010 ver- 

öffentlichte Boa unter dem Titel 

»Cantigas do Camiño« (Boa 

10002042) auch eine thematisch 

auf den Jakobsweg zugeschnittene anthologie, 

die die stilistische Spannweite heutigen galicischen 

Singens und Musizieren vor augen führt. 

13 der berühmtesten Formationen sind mit von 

der Partie, bieten gregorianisches ebenso wie keltischen 

Folkrock, darunter Milladoiro, die heute 

noch aktive Pionierband der 70er Jahre, die Sän- 

Bestenliste 1/2011 

ORCHESTERMUSIK 

• gustav Mahler, Sinfonie nr. 9, 

WDR Sinfonieorchester Köln, 

Jukka-Pekka Saraste, Hänssler Profil 

PH 100358 (naxos) 

• Peter Tschaikowsky, Sinfonie nr. 6, 

Romeo & Julia, CBSO, andris nelsons, 

Orfeo C832101a 

KONZERTE 

• Sergej Rachmaninoff, Klavierkonzerte 

nr. 3 & 4, Leif Ove andsnes, 

London Symphony Orchestra, 

antonio Pappano, eMI 6405162 

KAMMERMUSIK 

• Leoš Janáček, Streichquartette, 

Mandelring-Quartett, audite 92545 

(edel) 

• Jean Sibelius & arnold Schönberg, 

Streichquartette op. 56 & op. 7, 

Tetzlaff Quartett, avi Music 

8553202 (harmonia mundi) 

KLAVIERMUSIK 

• Johann Sebastian Bach, Original 

works and transcriptions, evgeni 

Koroliov & Ljupka Hadzigeorgieva, 

The Koroliov Series Vol. XII, 

TaCeT 192 

• Marc-andré Hamelin, 12 Études in 

all the minor keys, Marc-andré 

Hamelin, Hyperion 67789 (Codaex) 

ORGEL- UND CEMBALOMUSIK 

• Thierry escaich, Live-Improvisations, 

aeolus ae-10691 (note 1) 

gerin uxia, diesmal im brasilianischen Stil, und 

das 40-köpfige, aus Harfen, Drehleiern, Dudelsäcken, 

Fiedeln, Flöten und Perkussion bestehende 

SonDeSeu, sozusagen das ins gigantische erhobene 

Typische. 

Die Gruppe Berrogüetto (l.) mit ihrem Sänger Xabier Diaz (r.) verbindet traditionelle 

Folkmusik höchst erfolgreich mit aktuellen Strömungen 

Immer wieder im gesamtklang der siebenköpfigen 

Weltmusikformation Berrogüetto präsente 

traditionelle Instrumente wie Drehleier, Harfe, 

gaita (Dudelsack), geige oder akkordeon erzeugen 

einen so ur-galicischen Sound, dass die 

im übrigen mit Keyboards, Schlagzeug und Saxophon 

bestückte Formation es sich erlauben 

• Johann Jacob Froberger, Capriccio, 

Bob van asperen, arp Schnitger, 

Froberger edition Vol. 7, aeolus 

ae-10701 (note 1) 

OPER 

• antonio Vivaldi, ercole sul Termodonte, 

europa galante, Fabio 

Biondi, 2 CDs Virgin Classics, 

6945450 (eMI) 

• Wolfgang amadeus Mozart, Die 

Zauberflöte, Marlis Petersen, Daniel 

Behle u. a., RIaS Kammerchor, 

akademie für alte Musik Berlin, 

René Jacobs, 3 CDs harmonia mundi 

HMC 902068.70 

CHORWERKE (MIT UND OHNE 

ORCHESTER) 

• Puer natus est, Stile antico, harmonia 

mundi HMu 807517 

ALTE MUSIK (VOKAL/ INSTRU- 

MENTAL) 

• Johann Sebastian Bach, Cellosuiten 

BWV 1007-1012, Dmitry Badiarov, 

2 CDs Ramée RaM1003 (note 1) 

• Claudio Monteverdi & Marco Marazzoli, 

Combattimenti, Le Poème 

Harmonique, Vincent Dumstre, 

alpha 172 (note 1) 

KLASSISCHES LIED UND VOKAL- 

RECITAL 

• Caldara in Vienna, Philippe Jaroussky, 

Concerto Köln, emmanuelle 

Haim, Virgin 192727 (eMI) 

• Colori d’amore, Simone Kermes, 

Le Musiche nove, Claudio Osele, 

Sony 88697723192 

HISTORISCHE AUFNAHMEN 

KLASSIK 

• genie und Rebell – Friedrich gulda 

spielt Mozart/Beethoven/Chopin/ 

Debussy/Strauss, Friedrich gulda, 

10 CDs Membran Music 233021 

ZEITGENÖSSISCHE MUSIK 

• georg Katzer: Streichquartette nr. 1, 

3 & 4, Sonar Quartett, neOS 11020 

(Codaex) 

• Pierluigi Billone: Mani. Percussion 

Solos, adam Weissmann, ein 

klang_records 044, 

www.einklangrecords.com 

FILMMUSIK 

• Harry Potter and the Deathly 

Hallows, Part 1, alexandre Desplat, 

London Symphony, Watertower 

88697794712 (Sony) 

• angelo Badalamenti: Music for Film 

and Television, Dirk Brossé, Brussels 

Philharmonic, Varèse Sarabande 

/ Colosseum (alive) 

WORT UND KABARETT 

• Marcel Proust, auf der Suche nach 

der verlorenen Zeit (Teil 1-7), Sprecher: 

Peter Matic, 17 CDs Der Hörverlag 

9 783867 176828 

FOLK UND FOLKLORE 

• alborada do Brasil, Carlos nunez, 

Sony Music 886975676828 

• Lost Causes, Daniel Kahn & The 

Painted Bird, Oriente, RIenCD 77 

ETHNISCHE TRADITIONELLE 

MUSIK 

• Mali Timbuktu, Benkadi fòli serie I., 

Traditionelle Musik Vol. 5, 

www.brandes-kraatz.de 

• The art of the Koto. Complete 

edition, nanae yoshimura, 4 CDs 

Celestial Harmonies 19918-2, 

013711991826 

JAZZ 

• Message from Mars, echoes of 

Swing, Bernd Lhotzky, Oliver 

Mewes, Colin T. Dawson, Chris 

Hopkins, echoes of Swing Productions, 

eOSP 4506 2 

kann, sich weit von ihren Wurzeln zu entfernen, 

ohne dass dies groß auffiele. Die östliche Bouzouki 

und die nordische nyckelharpa, eine schon 

mal rockig gestrichene Bratsche fügen sich nahtlos 

ein. In ihrem auf Discmedi vorgelegten »Kosmogoniás« 

(Discmedi BM 002), wie die 

Vorgänger ein Konzeptalbum (allerdings 

mit Sänger Xabier Diaz an Stelle 

der früheren Frontfrau guadi galego) 

führt die Reise gar in die Höhen des Firmaments, 

wie die DVD mit ihren experimentalfilmen 

zeigt. Wer davon nichts 

weiß und die Sprache nicht versteht, 

merkt es der durchaus bodenständigen 

Musik nicht an, dass hier (von philosophischen 

und wissenschaftlichen Betrachtungen 

angeregt) dem Verhältnis 

von Mensch und Kosmos nachgespürt und 

nach den Sternen gegriffen wird. In diesem Kosmos 

trüben nur selten Dissonanzen den satten 

Wohlklang; in eher ausgeglichener als ausgelassener 

Heiterkeit spinnen sich schwebende Melodien 

tänzelnd fort: die Harmonie der Sphären, 

aus galicischer Warte. Marcus A. Woelfle 

• Continuum, Jazz ’n’ Spirit , Dirk Piezunka, 

Martin Flindt, Jens Piezunka, 

audiomax 9121662-6 (Codaex) 

• apex, Rudresh Mahanthappa and 

Bunky green, PI35, aLIVe/ Ratta 

• For the Love of Ornette, Jamaaladeen 

Tacuma, Jazzwerkstatt JW 090 

BLUES UND 

BLUESVERWANDTES 

• Passport to the Blues, Duke Robillard, 

Dixie Frog, DFgCD 8694 

(Fenn Music) 

KINDER UND JUGEND 

• nuzum Hundewinter, gelesen von 

Sascha Icks, Silberfisch 978-3-86742- 

054-9 

• Mikael engström, Ihr kriegt mich 

nicht!, Jona Mues, Sascha Icks u. v. a, 

Der audio Verlag 978-3-86231-004-3 

GRENZGÄNGE 

• Ballads & Barricades, Das Kapital 

Plays Hanns eisler, Wizmar WIZ 

9025 

DVD-VIDEO PRODUKTIONEN 

• Ludwig van Beethoven, The Symphonies 

& The Beethoven Project 

Music Documentary, Die Deutsche 

Kammerphilharmonie Bremen, 

Paavo Järvi, 4 DVDs Sony Classical 

88697787579 

• a Surprise in Texas, directed by 

Peter Rosen, euroarts 2058168 

(naxos) 

• Dauner forever! – Wolfgang 

Dauner, Jazzmusiker und Komponist, 

Wolfgang Dauner, Flo Dauner 

u. a., Jean Christophe Blavier, 

Moving angel Film Production 

0013964080506 

• ny export: Opus Jazz, Jerome 

Robbins/Robert Prince, Belair 

BaC 060 (harmonia mundi) 


Jazz CDs 

state of Monc 

PHanTOM SPeaKeR 

our Distribution/soulfood 

sToMo 045 

(68 Min. & DvD, aufgen. 

12/2008) 

nach dem ganzen Rechtsruck-gedöns 

ist es jetzt auch endlich mal wieder Zeit 

für gute nachrichten aus den niederlanden. 

Dort haben sich verschiedene Bands 


– darunter die an dieser Stelle schon einmal 

hochgelobte Truppe Monsieur Dubois 

– zum so genannten »Dutch nu Jazz 

Movement« zusammengeschlossen. Was 

eigentlich etwas verwirrend ist, weil der 

Begriff »nu Jazz«, nun ja, nicht mehr 

wirklich den besten Klang hat. 

aber was soll’s. Wenn man so leidenschaftlich 

und intelligent zwischen 

dem Jazz der frühen 70er und der DJ- 

Kultur der späten 90er vermittelt, wie 

es das Septett State of Monc tut, ist es 

letztendlich egal, wie man diese Mischung 

nennt. Das von Trompeter artur 

Flink und dem Laptop-Spezialisten 

Hielke Praagman angeführte Kollektiv, 

dem zusätzlich zwei Saxophonisten, ein 

Keyboarder, ein e-Bassist und ein Drummer 

angehören, liefert eine höchst unter- 

Meilensteine des Jazz #67 

Dave Brubeck Quartet 

gOne WITH THe WInD & JaZZ IMPReSSIOnS OF euRaSIa 

Poll Winners Records/harmonia mundi PWR 27216 

(79 Min., aufgen. 8/1958 & 4/1959) 

haltsame Zusammenfassung des handgemachten 

Club-Jazz der vergangenen 

Jahre. Man gewahrt anleihen an TripHop 

und Dub, hört die nordische Melancholie 

eines nils Petter Molvaer (»Camelz«) 

und das Crossover-Drängen eines 

erik Truffaz’ (»Running«) – sowie die ekstase 

des Raves. 

In der zweiten Hälfte der aufnahme 

zeigt State of Monc nämlich, dass man 

mehr kann, als durchaus reizvolle, dunkel 

vibrierende Soundgewebe zu entwerfen. 

»The Hitman« lässt Hardbop-gebläse 

und Intellektuellen-Techno aufeinanderprallen, 

»Soyuz One« nimmt sich aus wie 

ein Fatboy-Slim-Remix von »We Want 

Miles«, »Bean’s Shadows« schließlich 

klingt wie Weather Report fürs 21. Jahrhundert. 

und die beiliegende DVD be- 

Die kommerzielle Breitenwirkung seines Meilensteins »Time out« hat auch ihre Kehrseite. Das mit 

Hits gespickte album hat etliche weitere alben Dave Brubecks jener Zeit aus dem Bewusstsein 

vieler Musikfreunde verdrängt. »gone with the Wind«, kaum drei Monate zuvor, ebenfalls mit 

Paul Desmond (as), gene Wright (b) und Joe Morello (d), eingespielt und seinerzeit vom Down 

Beat mit den begehrten fünf Sternen ausgezeichnet, ist ein Juwel. Das Konzeptalbum versammelt 

Stücke, die man mit dem uS-amerikanischen Süden assoziiert und nicht zum gewöhnlichen Re- 

pertoire gehörten. Sie wurden vom Quartett erstmals im Studio gespielt – ein unprätentiöses Pro- 

gramm aus Standards und Traditionals, das die Musiker in einer Sternstunde locker, leicht, unbe- 

schwert und mit viel einfallsreichtum aus dem Ärmel schüttelten. Paul Desmond gelingt in »georgia« ein ätherisches Solo von 

fast jenseitiger Schönheit; nach den ersten 16 Takten seines Chorus macht er eine bedächtige Pause und setzt nach einer etwa 

siebensekündigen(!) Pause mit einem ganz schlichten Motiv so behutsam und zärtlich ein, dass man feuchte augen bekommt. 

(Suchen Sie mal in heutigen Jazz-Veröffentlichungen nach Improvisatoren, die so lange ›sprechende Pausen‹ setzen können!). 

In Desmonds erstem Solo in »The Lonesome Road« folgt jeder Ton dem anderen in so frappierender Schlüssigkeit und das in 

einer solch anrührenden Innigkeit des ausdrucks, dass allein dieser geniale augenblick den Kauf des albums lohnt. 

ambitionierter als »gone with the Wind« ist das als Bonus-album beigegebene »Jazz Impressions of eurasia«. es entstand 

im Jahr 1958, in dem eine Tournee das Quartett durch 14 Länder führte. Die unterschiedlichen Tourneestationen animierten 

die Brubecksche Feder zu einer abwechslungsreichen Kollektion kompositorischer Kleinodien, die von der Verbeugung vor 

Bach in »Brandenburg gate« zum Wüstentrip im Ohrwurm »nomad« reicht. Dave Brubeck hat hier in seinen ansprechenden 

(wenn auch nicht von echter Folklore inspirierten) Kompositionen vielleicht die stärkeren solistischen Momente. »nomad« ist 

ein hochmelodischer Ohrwurm. Da kann er sich erlauben, ein ›melodiefreies‹ Solo einzig aus einer Folge rhythmisch gegen 

den Strich gebürsteter dissonanter akkorde zu bauen. Solche augenblicke haben Kollegen mit allzu konventioneller Messlatte 

dazu verführt, Brubeck zu unterstellen, er swinge nicht. gerade der ehrgeiz, der hinter diesem album steckt, scheint 

mir allerdings daran schuld, dass bestimmte Höhen, die nur durch eine entspannte Drauflos-Haltung wie bei »gone with the 

Wind« entstehen, gelegentlich verfehlt werden. So hat Desmonds geniale ›Stehgreifkomposition‹ in »The Lonesome Road« 

mehr vom geiste Bachs als »Brandenburg gate«, wo es ›gezwungenermaßen‹ etwas neobarock zugehen muss. Stellenweise 

klingt es denn auch wie ein ableger von »all the Things you are«, wobei Desmond schon mal eine orientalisierende Wendung 

einfällt, weil es gerade in der Luft liegt. gerade das exotische Flair mehrerer Stücke fordert die vier Herren heraus: Während 

Paul Desmond in »The golden Horn« klingt wie die Cool-Jazz-ausgabe eines Schlangenbeschwörers, wird im meditativen 

»Calcutta Blues« modal improvisiert. Wie so vieles, was Brubeck als einer der ersten ausprobierte, war das damals noch 

keineswegs Musikeralltag. Marcus A. Woelfle 

sie finden einen Ausschnitt auf der beiliegenden 

RoNDo CD #43 Titel 14 

weist, dass das wirklich alles live aufge- 

nommen wurde. Respekt. Josef Engels 

Bob Degen 

JaKe ReMeMBeReD 

Enja/Edel 1095672 EJM 

(55 Min., aufgen. 1/2010) 

Selten ist ein derart begnadeter Pianist 

vom breiten Publikum so nachhaltig ver- 

nachlässigt worden wie der bald 67-jäh- 

rige amerikaner Bob Degen. Dabei ist 

dieser ›musicians‹ musician‹ ein Pionier 

der neuen Innerlichkeit. Seine abgründige 

Lakonik formulierte er bereits, als Marc 

Copland noch Saxophon spielte und Brad 

Mehldau noch mit seinen etüden-Haus- 

aufgaben beschäftigt war. 

Bob Degen gilt als Meister feinsinniger 

Interplays; vier der dreizehn Titel, die bis 

auf eine Kollektivkomposition alle aus der 

Feder Degens stammen, sind denn auch 

reine Duette. Die restlichen Titel erklingen 

im klassischen Klaviertrio, bei vieren 

ist es zum Quartett erweitert. Trotz 

der unterschiedlichen Besetzungen und 

der variierenden Stilistik vom Blues bis 

zur freien Improvisation entsteht nie der 

eindruck eines demohaften Musterkatalogs, 

vielmehr gehorcht alles dem ausdruck 

eines übergreifenden Formwillens 

– und das paradoxerweise bei einem interaktiven 

ansatz größter Offenheit. Degens 

besonderes Harmonieverständnis erweist 

sich da als integrative Kraft; mag in seinen 

akkorden auch immer wieder Bill evans 

aufscheinen, seine Fortschreitungen sind 

nicht eindimensional zwingend, sondern 

haben etwas magisch Schwebendes, erscheinen 

in der Richtung offen, suggerieren 

in Verbindung mit tiefgründig 

lakonischer Melodik eine warmherzig 

weise unaufgeregtheit. Schieferdecker 

und Perfido erweisen sich als kongeniale 

Partner, und der Trompeter Valentin 

garvie – sonst im ensemble Modern 

der neuen Musik verpflichtet – ist eine 

wahre entdeckung; mit der Taschentrompete 

formuliert er ein quasi sprechendes, 

lineares Pendant zu Degens mehrdimensionalem 

ansatz. Dieses album ist ein 

Meisterwerk. Thomas Fitterling

Thibault Falk Quartet 

SuR Le FIL 

Unit Records/Alive 1479273 

(74 Min., aufgen. 3/2010) 

Treffen sich ein Franzose, ein ameri- 

kaner, ein Däne und ein Pole in Berlin. 

Klingt wie der anfang eines Witzes, ist 

aber eine sehr seriöse angelegenheit – ob- 

wohl man natürlich trotzdem etwas zu la- 

chen hat bei dem multinationalen Quar- 

tett um Pianist Thibault Falk. 

es passt, dass die Band von sich sagt, 

dass ihre gemeinsame Verständigungs- 

grundlage Deutsch mit verschiedenen 

akzenten sei. Denn auch ihre Musik, die 

man oberflächlich betrachtet freundlich- 

gewitzten zeitgenössischen Jazz nennen 

kann, zeichnet sich durch einen ganz eigenen 

Zungenschlag aus. Ohnehin muss 

man es ja mittlerweile fast schon mu- 

Bücher 

tig finden, wenn ein Pianist ausnahmsweise 

mal nicht im modischen Trioformat 

agiert, sondern freiwillig ein anderes 

Format wählt. 

Lustigerweise klingt Thibault Falks 

Quartett mit Josh yellon an Tenor- und 

Sopransax, andreas Lang am Bass und 

Marcin Lonak am Schlagzeug kompakter, 

leichter und kammermusikalischer als so 

manches Power-Piano-Trio. Mit einer gewissen 

eleganz und noblesse durchwandelt 

die gruppe verschiedene stilistische 

Terrains – mal hört man lateinamerikanische 

anklänge (»Moi aussi«), mal trifft 

französischer Revolutionsmarsch auf 

new Orleanser Karneval (»Mon petit napoléon«), 

mal wird man mit einer Bebopetüde 

konfrontiert (»Cri de notes«). 

gemeinsam ist den Stücken die Liebe 

zum subtilen rhythmischen Vexierspiel, 

was besonders deutlich in der nummer 

»Crooked River« wird. und bei »ufo an 

der Spree« schließlich verbeugt sich das 

Quartett nicht nur im Titel vor dem typisch 

humoristischen Berliner Jazz- 

Sound der gegenwart. aber, wie gesagt 

– mit einem eigenen akzent. 

Josef Engels 

Neuerscheinungen 

Hans Heinz stuckenschmidt 

DeR DeuTSCHe IM KOnZeRTSaaL 

Jeder großkritiker hat so seine kleine eigenart. 

So weigerte sich H. H. Stuckenschmidt bis zu 

seinem Tod 1988 stets, unter seinem vollen namen 

Hans Heinz Stuckenschmidt zu publizieren. 

Doch dies blieb die einzige Marotte. In seinen 

zahllosen artikeln u. 

a. für die FaZ setzte 

er auf eine sprachliche 

Klarheit und 

Verständlichkeit, um 

dem Leser ein musikalisches 

Phänomen 

so nahe wie möglich 

zu bringen. Fachchinesisch 

und gedankenschwereTiefensinnigkeit 

– das war 

ihm zuwider. Dennoch gehörten zu seinen engen 

gesprächspartnern nicht nur schon früh 

Schönberg und Busoni, sondern auch adorno. 

Stuckenschmidts Korrespondenz mit ihnen fin- 

Renaud García-Fons 

MÉDITeRRanÉeS 

Enja/Edel 1095632 EJM 

(65 Min., aufgen. 2010?) 

Was den amerikanern der Blues ist, sind 

die verschiedenen regionalen Volksmu- 

siken für eine gruppe europäischer Mu- 

sikerinnen und Musiker: ausgangspunkt 

für Kompositionen und Improvisati- 

onen. In den 1980ern erfanden sie eine 

›imaginäre Folklore‹, die nicht real vorhandene 

Volkslieder als ausgangsbasis 

hat, sondern mit regional typischen Instrumenten 

eine in Haltung und grundgedanken 

dem Jazz verwandte Musik aus 

neu erfundenen Themen schafft. genau 

so arbeitet auch der Kontrabassist Renaud 

garcía-Fons, wobei er, basierend auf 

der iberisch-andalusischen Tradition, diese 

um einflüsse des Jazz und gedan- 

det sich nun ebenfalls in der höchst lesenswerten 

Materialsammlung, die ein ereignis- wie ertragreiches 

Journalistenleben dokumentiert (allein 

die Liste mit all seinen Veröffentlichungen zwischen 

1919 und 1988 umfasst im anhang 70(!) 

Seiten). anhand von Briefen, Vorträgen und Verteidigungsreden 

von Komponisten, die ins Fadenkreuz 

der nazis geraten waren, lernt man so 

einen einzigartigen wie sympathischen Jahrhundertohrenzeugen 

kennen. gf 

Wolke, 288 s. 27,00 € 

Anthony Baines 

LeXIKOn DeR 

MuSIKInSTRuMenTe 

Wer weiß schon, was ein Trummscheit ist, oder 

eine Cister, oder die Ondes Martenot? Sie möchten 

sich über japanische gagaku-Musik, über das 

indonesische gamelan-Orchester oder einfach 

nur über die geschichte, die hinter ihrem häuslichen 

Klavier steht, informieren? nichts leichter 

als das: Das »Lexikon der Musikinstrumente« 

ken aus der neuen Musik ergänzt. Sein 

album »Méditerranées« kreist um elemente 

aus dem gesamten Mittelmeerraum; 

sie bringt unter anderem in »aljamiado« 

marokkanische Rhythmen und 

Flamenco zusammen, und »Fortaleza« 

ist ein massiv stampfender Flamenco für 

Kontrabass-Playback und Percussion. In 

»Las Ramblas« begegnen sich spanische 

und türkische elemente, und »Romsarom« 

versetzt in italienische Trattorias. 

Mit dem von der Bouzouki geprägten 

»Iraklio« geht es nach griechenland, und 

das Kontrabass-Solo »Bosphore« lässt 

orientalisches Flair aufkommen, wobei 

garcía-Fons hier den Klang des Oud imitiert. 

auf dieser Klangreise setzt er neben 

Kontrabass, gitarre, Laute, akkordeon, 

Flöten und Klarinette auch Zither, Bouzouki 

und arabische Percussionsinstrumente 

ein. es ist ein Vergnügen, sich mit 

diesen – fast so impulsstark wie ein Popalbum 

abgemischten – aufnahmen auf 

eine Reise in die heiße, flirrende Sommerluft 

von Spanien über die Türkei, 

griechenland, den arabischen Ländern 

und nordafrika zu begeben. 

Werner stiefele 

bietet ebenso instruktive wie allgemein verständliche 

und unterhaltsame artikel zu diesen Themen 

und vielen mehr. In alphabetischer anordnung 

erfährt man alles 

Wissenswerte über die 

gesamte Breite und Vielfalt 

der europäischen wie 

außereuropäischen Musikinstrumente 

und ihre 

geschichte. Obendrein 

ist das Werk reich bebildert 

und bietet zahlreiche 

notenbeispiele. 

1992 als »Oxford Companion 

to Musical Instruments« bei der renommierten 

Oxford university Press veröffentlicht, 

erschien das »Lexikon der Musikinstrumente« 

1995 erstmalig auf Deutsch in der bearbeiteten 

Übersetzung von Dr. Martin elste. autor und 

Übersetzer/Bearbeiter sind schon von ihren 

beruflichen Voraussetzungen ein ideales Paar: 

Baines war jahrelang Leiter der Bates Collection, 

der Instrumentensammlung der universität Ox- 


ford, elste ist neben vielfältigen musikschriftstellerischen 

aktivitäten seit 1982 wissenschaftlicher 

Mitarbeiter des Berliner Musikinstrumenten- 

Museums. Für die gegenwärtige Sonderausgabe 

ist das Werk einer gründlichen Revision unterzogen 

worden – es präsentiert also den neuesten 

Stand des Wissens über Musikinstrumente 

von den anfängen der Menschheit bis zum heutigen 

Tag. dh 

Metzler, 412 s., 19,95 € 

Tim Blanning 

TRIuMPH DeR MuSIK. VOn BaCH 

BIS BOnO 

Von Bach, Händel, Haydn, Mozart und Beethoven 

zieht der renommierte britische Historiker 

Tim Blanning eine Entwicklungslinie 

bis hin zu Brian May mit der E-Gitarre auf 

dem Dach des Buckingham Palastes. Dieses 

multimedial vermarktete Konzert zu Ehren 

der Queen und ihres 

Goldenen Thronjubiläums 

2002 ist für 

Blanning »der Höhepunkt 

von dreihundert 

Jahren Entwicklung« 

der Musik, ob 

man diese Musik nun 

mag oder nicht. Musik, 

so stellt er nüchtern 

fest, ist heute 

demokratische Massenmusik. 

Und er 

macht deutlich, wie die Musik sich eine zentrale 

Stellung im gesellschaftlichen Gefüge 

menschlichen Lebens und Erlebens eroberte: 

Die Entwicklung der Öffentlichkeit und die 

Transformation der Räume, die Säkularisierung 

der Musik, die Romantikrevolution, die 

Technikentwicklung und der Aufbruch der Jugendkultur 

im zwanzigsten Jahrhundert, all 

das hat die Musik in ihre heutige Position gerückt. 

Faszinierend, wie es Blanning in seinem 

Parforceritt durch alle Gattungen und Genres 

von Musik gelingt, darzustellen, dass die Musik 

»dazu beigetragen hat, diese Welt zu verwandeln.« 

dds 

Bertelsmann, Edition Elke Heidenreich, 445 s., 

24,95 € 

Carsten Jung 

HISTORISCHe THeaTeR 

Schatzkästlein sind sie alle, das Münchner Cuvilliés-Theater, 

das Markgräfliche Opernhaus 

in Bayreuth und das Potsdamer Schlosstheater. 

Aber wer kennt das Passauer Fürstbischöfliche 

Opernhaus, das Hanau-Wilhelmsbader 

Comoedienhaus oder das Theater in Putbus? 

Carsten Jung, Generalsekretär der Gesellschaft 

für Historische Theater, porträtiert die vielfältige 

Landschaft der historischen Theater des 


Barock, des Biedermeier, des Klassizismus wie 

des Art Déco auf nur 160 Seiten beispielhaft 

als Kunst- und Gesellschaftsgeschichte Europas. 

30 von 250 Theatern in Deutschland, Österreich 

und der Schweiz werden ausführlich 

beleuchtet, die gesamte europäische Theatervielfalt 

würde den 

Rahmen des kleinen 

Kunstführers sprengen. 

Man erfährt viel 

Wissenswertes (beispielsweise, 

dass 

nur zwei Theater in 

Deutschland noch 

eine originale Bühnentechnik 

aus dem 

18. Jahrhundert besitzen, 

die Häuser in 

Gotha und in Ludwigsburg nämlich) und blättert 

mit Vergnügen in diesem schönen Buch, 

denn hervorragende Photographien zeigen die 

Erbauer und ihre Theater in prächtigen Innen- 

wie Außenaufnahmen. Kluge Texte informieren 

über Entstehungsgeschichte, Zweck und 

Zustand der Häuser sowie Adressen und Öffnungszeiten. 

dds 

Deutscher Kunstverlag. 160 s., 12,80 € 

Christian Broecking 

SOnny ROLLInS, IMPROVISaTIOn 

unD PROTeST – InTeRVIeWS 

Nicht erst in seinem Interview-Buch zu dem 

80-jährigen Ornette Coleman hat sich Christian 

Broecking als einfühlsamer Interviewer 

ausgewiesen, der sich besonders für sozioökonomische 

Bedingtheiten in der afro-amerikanischen 

Jazz-Community interessiert. 

Darin hatte er das Verfahren der quasi konzentrischen 

Interviews mit dem eigentlichen 

Musiker im Fokus und seinen wichtigen Wegbegleitern 

verfeinert. Sein neuer Band wendet 

dieses Verfahren auf Sonny Rollins an, den 

Tenorsaxophonisten, 

der von der Kritik immer 

wieder als der 

größte lebende Vertreter 

seines Instruments 

apostrophiert 

wird. Bei der Lektüre 

der Rollins-Interviews 

wird deutlich, 

wie sehr sich die Sozialisation 

von Rollins 

von der Colemans unterscheidet, 

und doch 

wurden beide von der noch lange anhaltenden 

Rassentrennung bzw. Segregation geprägt. Sie 

ist zentrales Thema des Bandes. Er beleuchtet 

Rollins Vorreiterrolle bei der Politisierung des 

Jazz, wie sie dann radikaler von Charlie Mingus 

und Max Roach betrieben wurde. Roach 

kommt ausführlich zu Wort und macht die 

Aufhebung(!) der Segregation für den Niedergang 

der schwarzen Community und die 

Entfremdung der Schwarzen von ihrer Kultur 

verantwortlich. Weitere Interviewpartner 

sind die Musiker Jim Hall, Abbey Lincoln, 

Roy Haynes, David S. Ware, Roy Hargrove 

und schließlich der einflussreiche, weiße Kritiker 

Gary Giddins, der das aktuelle Jazzbusiness 

kritisch analysiert. Beeindruckend ist, wie 

sorgsam, ehrlich und auch ausführlich Rollins 

in den fünf Gesprächen auf die gestellten Fragen 

eingeht. Primär Musikalisches kommt in 

dem Band nur am Rande vor; manches – wie 

die Drogenproblematik im Jazz – wurde sicher 

bewusst ausgeklammert. Wie immer 

bei Broecking sind die Äußerungen in ein geschliffenes, 

jargonfremdes Deutsch übertragen 

worden. tf 

Broecking, 140 s., 19,90 € 

Wolfgang schorlau 

DaS BRennenDe KLaVIeR 

Der Musiker Wolfgang Dauner 

Als Krimiautor machte sich Wolfgang Schorlau 

einen Namen. Dass er mit Sprache umgehen 

kann, merkt man der ersten Hälfte der Biographie 

des Musikers Wolfgang Dauner an: 

Sie liest sich weitaus flüssiger als die meisten 

Werke über Musiker. Mit genau dem richtigen 

Maß an Details schildert Schorlau die Jugend 

des Stuttgarters, der im Dritten Reich aufwuchs 

und im Wirtschaftswunder-Deutschland 

nach einer Lehre als Maschinenschlosser 

Profi-Musiker wurde – allesamt Informationen, 

die auf intensiven Gesprächen mit Dauner 

fußen. Hippie-Jahre, musikalische Experimente, 

Happenings: 

Auch hier herrscht 

der angenehme, informative 

Plauderton vor. 

Eine erste Schwäche ist 

das seitenlange Wortprotokoll 

eines Gesprächs 

am Tisch des 

deutschen Botschafters 

in Singapur – es wäre 

ebenso wie das später 

folgende Libretto zu 

Dauners wichtigem 

Werk »Der Urschrei des Musikers« von 1976, 

Besetzungslisten, das Libretto der Oper »Die 

verwachsene Froschhaut« und anderes besser 

in einem Anhang zum Buch aufgehoben gewesen. 

Andererseits wäre es interessant gewesen, 

wie Dauner den Spagat zwischen Jazz und 

kommerziellen Filmmusiken angeht und seine 

schwindende Präsenz im Jazzbereich sieht. So 

wurde die Chance vergeben, einen der wichtigsten 

deutschen Jazzmusiker, der am 30. Dezember 

2010 seinen 75. Geburtstag feierte, umfassend 

zu würdigen. ws 

Edition Nautilus, 224 s., 19,90 €

Haste Töne - Rondo

Sie wollen auch ein ePaper? Erhöhen Sie die Reichweite Ihrer Titel.

Template löschen?

Als Template speichern?