PDF Katalog - Koller Auktionen

Moderne Kunst
Lot 3201- 3254
Auktion: Freitag, 22. Juni 2012, 16.30 Uhr
Vorbesichtigung: 9. bis 17. Juni 2012
Bearbeitung: Barbara Guarnieri, Fabio Sidler, Sandra Sykora, Geraldine Ramphal, Silke Stahlschmidt
English translation of our catalogue available on our homepage www.kollerauctions.com

Moderne Kunst
Die Zustände der Werke sind im Katalog nur zum Teil und in Einzelfällen angegeben.
Gerne senden wir Ihnen einen ausführlichen Zustandsberichte zu.
The condition of the works are only partly and in particular cases noted in the catalogue.
Please do not hesitate to contact us for a detailed condition report.
| 2

3201
3201
3201
D’ESPAGNAT, GEORGES
(1870 Paris 1950)
Frau im Garten. Um 1900.
Öl auf Leinwand. Unten rechts monogrammiert:
gdE.
38,5 x 46 cm.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
CHF 10 000.- / 15 000.-
(€ 8 330.- / 12 500.-)
| 3

Moderne Kunst
3202
3202
VAN DE VELDE, HENRY
(Antwerpen 1863 - 1957 Zürich)
Bäuerin auf dem Felde. Um 1884.
Öl auf Leinwand.
60 x 88 cm.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung: 1958 Zürich: Henry van de Velde
1863 - 1957 Persönlichkeit und Werk.
Gedächtnis-Ausstellung Kunstgewerbemuseum
Zürich. 6. Juni - 3. August 1958, Nr. 3.
CHF 6 000.- / 9 000.-
(€ 5 000.- / 7 500.-)
| 4
3203
PISSARRO, CAMILLE
(Charlotte Amalie 1830 - 1903 Paris)
La porteuse de bois.
Gouache auf Papier.
Unten rechts signiert: C. Pissarro.
20,5 x 15,5 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von
Claude Bonin-Pissarro und John Rewald bestätigt,
23. August 1990 und 30. August 1990.
Provenienz: Privatsammlung.
Literatur: vgl. Pissarro, L.R. Venturi, L. Camille
Pissarro, Son Art - Son Oeuvre, Catalogue
Raisonnée, Paris 1939, Kat.Nr. 1634.
CHF 200 000.- / 300 000.-
(€ 166 670.- / 250 000.-)

3203
| 5

Moderne Kunst
3204*
HERBIN, AUGUSTE
(Quiévy 1882 - 1960 Paris)
Vase de Fleurs. 1906.
Öl auf Leinwand, auf Holz aufgelegt. Oben
rechts signiert: Herbin.
61 x 36 cm.
Provenienz:
- Sammlung Nieuwenhuizen Segaar, La Haye,
Frankreich.
- Sammlung Holland.
Literatur: Claisse, Geneviève. Herbin:
Catalogue Raisonné de l’oeuvre peint.
Lausanne: Les Edition du Grand-Pont, 1993,
Kat.Nr. 103 (mit Abb.).
CHF 25 000.- / 35 000.-
(€ 20 830.- / 29 170.-)
3205*
RYSSELBERGHE, THEO VAN
(Gand 1862 - 1926 Saint-Clair-en-Provence)
Porträt Margareta von Kühlmann-Stumm. 1913.
Öl auf Leinwand. Unten links ligiert monogrammiert
und datiert: 19 TVR 13.
107 x 89 cm.
Provenienz:
- Atelier des Künstlers.
- Sammlung Familie Kühlmann-Stumm, direkt
vom Künstler erhalten.
Literatur:
- Colin, P. La peinture belge depuis 1830,
Edition des Cahiers de Belgique, Bruxelles,
1930, S. 323.
- Feltkamp, Ronald. Théo van Rysselberghe
1862-1926. Brüssel 2003, S. 408, Kat.Nr.
1914-009 (mit Abb., fälschlicherweise im
WVZ unter 1914 aufgeführt).
- Feltkamp, Ronald. Théo van Rysselberghe
1862-1926, Supplément du Catalogue
Raisonné, Internet, Nr. 19013.027.
CHF 60 000.- / 80 000.-
(€ 50 000.- / 66 670.-)
| 6
3204

3205
| 7

Moderne Kunst
3206
SIGNAC, PAUL
(1863 Paris 1935)
Bateaux au mouillage à Locmalo. 1922.
Öl auf Leinwand. Unten links signiert: P.
Signac.
46 x 55 cm.
Provenienz:
- Charles Vildrac, Paris (1926).
- Gaston Lévy (1927).
- B. Pollak (1928).
- Marcel und Liliane Pollak.
Ausstellungen:
- 1923 Paris: Bernheim-Jeune , Nr. 14.
- 1923 Brüssel: Galerie Giroux, Nr. 190.
- 1926 Tokyo: Exposition d’art français.
- 1927 Berlin und Frankfurt: Galerie
Goldschmidt.
- 1930 Paris: Bernheim-Jeune, Nr. 37.
Literatur:
- Cachin, Françoise. Signac - Catalogue Raison
né de l’oeuvre peint, Gallimard, Paris 2000,
Nr. 552, S. 318 (mit Abb.).
Am gegenüberliegenden Ufer stehend schaut
der Betrachter auf den sich im Hintergrund
erhebenden Leuchtturm von Locmalo. Ein
Schiff mit gesetzten und aufgeblähten Segeln
fährt von rechts kommend in den Kanal hinein.
Es wirft seinen Schatten auf das leicht aufgewühlte
Wasser. Im Hintergrund sehen wir zahlreiche
Segelschiffe vor Anker liegen. Weit im
Hintergrund sind einige Häuser zu erkennen.
Die kräftigen blau, gelb und violett Töne verleihen
dem Werk eine einzigartige Atmosphäre.
Der 1863 in Paris geborene Paul Signac liebt das
Wasser und das Segeln. Aus zahlreichen
Berichten seiner Zeitgenossen und auch von
Gemälden, wie z.B. Bonnards „Signac sur son
bateau“ von 1924/25, wissen wir, dass er viel
Zeit an der Seine, aber auch am Meer verbracht
| 8
hat. Reisen nach Italien, Südfrankreich und in
die Bretagne beeinflussen sowohl seine
Bildthemen als auch seine malerische
Entwicklung. 1922, dem Entstehungsjahr des
vorliegenden Gemäldes, verbringt Signac einige
Zeit in Saint-Paul in der Bretagne, ca. 1 Stunde
vom Locmalo entfernt. Auf all diesen Reisen
sucht er immer wieder die Nähe zum Meer und
so wundert es nicht, dass das Motiv des
Segelschiffs sich durch sein gesamtes Oeuvre
zieht und mit den Landschaftsdarstellungen den
höchsten Stellenwert einnimmt. Das auch seine
Zeitgenossen, und Signac ist schon zu
Lebzeiten berühmt, diese Vorliebe erkennen
und wertschätzen, beweist 1915 die Ernennung
zum Peintre Officiel de la Marine.
Das vorliegende Werk Signacs ist ein herausragendes
Beispiel für die Kunst des Post-
Impressionismus. 1884 treffen Paul Signac und
Georges Seurat zusammen und entwickeln
gemeinsam den divisionistischen Malstil, der als
Post-Impressionismus oder Pointillimus in die
Kunstgeschichte eingeht. Durch Seurats frühen
Tod im Jahr 1891 wird Signac zum Wortführer
dieser Kunstrichtung. Seine Farbtheorie legt er
1899 in dem Standardwerk „D’Eugène
Delacroix au Néo-Impressionisme“ fest; untermauert
wird dieses Traktat durch den Kritiker
Felix Fénéon und den Naturwissenschaftler
Charles Henry. Signac hält sich konsequent an
seine Theorie und setzt sie auch in unserem
Gemälde eindrücklich um. Anders als sein grosses
Vorbild Claude Monet mischt er die Farben
nicht mehr auf seiner Palette, sondern nutzt die
neu aufgekommene Farbenlehre und setzt die
Pigmente auf den Gemälden nebeneinander.
Auf diese Weise bleiben die verwendeten
Farben rein, kräftig und strahlend und das Auge
des Betrachters übernimmt selbst die
„Vermischung der Farben. Erst direkt vor dem
Bild erkennen wir, dass es sich um einzelne,
aneinander gesetzte Farbpunkte handelt; von
Weitem erschliesst sich dem Betrachter ein einheitliches
Gemälde. Dieser revolutionäre
Einsatz von Farben macht es notwendig, den
Werken eine klare Komposition zu Grunde zu
legen, damit diese einzigartige Wirkung in Kraft
tritt. Signac führt aber mit dem Pointillismus
nicht nur eine neue Kunstgattung im ausgehenden
19. Jahrhundert ein, sondern die „formal
abstrahierenden pointillistische Technik“ legt
den Grundstein für die „gegenstands – und
raumauflösenden Tendenzen des 20.
Jahrhunderts“ (zit.: art Directory).
CHF 1 200 000.- / 1 800 000.-
(€ 833 330.- / 1 250 000.-)

3206
Ausklapper
| 9

Moderne Kunst
3208
THAULOW, FRITS
(Kristiania b. Oslo 1847 - 1906 Volendam/
Noord-Holland)
Herbsttag in Norwegen, Blick vom Fluss Vallar
in die Landschaft von Telemark. 1890.
Pastell auf feiner Leinwand. Unten links signiert
und datiert: Frits Thaulow 1890.
62 x 97 cm.
Das vorliegende Gemälde ist ein bisher undokumentiertes
Werk, das vor dem Hintergrund von
Thaulows Aufenthalt in Telemark, seiner
Beteiligung an der Pariser Weltausstellung und
dem damit erlangten Ruhm verstanden werden
muss.
Thaulow hat 1890 viel Zeit in Telemark verbracht
und im Weiler Seljord gelebt. Im Jahr
zuvor, während der Pariser Weltausstellung von
1889 wird seine Kunst sowohl von Kritikern als
auch vom Kunstpublikum sehr geschätzt.
Ebenfalls Bekanntheit erlangt er als
Gründungsmitglied des neuen Pariser „Salon“
der „Société Nationale des Beaux-Arts“ im Jahr
nach der Weltausstellung und wird darauf von
führenden Kunsthändlern in Berlin (Fritz
Gurlitt) und Paris (Georges Petit) kontaktiert,
die Ausstellungen mit seinen Werken im Herbst
| 10
1891 organisieren will. Diese Ausstellungen sollen
nicht stattfinden, dennoch findet Thaulow,
dass er neue Motive in verschiedenen Versionen
malen soll, im Falle, dass sie benötigt werden.
Ebenso ist die Nachfrage für seine Kunst in
München, der damaligen „Kunstmetropole“
Deutschlands, in Entwicklung begriffen.
Fünf Versionen des Motivs, das hier angeboten
wird, sind dokumentiert. Alle Versionen sind in
etwa von der gleichen Grösse. Drei Werke sind
„1890“ oder „90“ datiert, eines undatiert und
eines datiert „94“. Die am besten bekannte
Version dieses Motivs war auf der „Münchner
Jahresausstellung“ von 1891 mit dem Titel
„Herbsttag in Norwegen“ ausgestellt. Es wird
vom Prinzregenten Luitpold erworben.
(Kunstchronik NF, 3, Leipzig 1892). Das Werk
fand Eingang im weitverbreiteten Buch von
Richard Muther „Geschichte der Malerei des
XIX Jahrhundert“, München 1894, Band 3, S.
315.
Die Version datiert „94“ ist in Amerika aufgetaucht.
Eine undatierte Version gehört zur
Sammlung des Eremitage Museums in St.
Petersburg, die 1926, wohl von einer russischen
Sammlung in das Museum gelangt.
Wir danken Herrn Vidar Poulsson, Mag.art. für
Bestätigung der Authentizität des vorliegenden
Werks aufgrund einer Fotografie und für seine
Unterstützung bei der Katalogisierung.
CHF 30 000.- / 50 000.-
(€ 25 000.- / 41 670.-)

3208
| 11

Moderne Kunst
3209
3209*
PAILLER, HENRI
(Poitiers 1876 - 1954 Triel-sur-Seine)
Le Moulin de Bourdeilles.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Henri
Pailler.
50 x 65 cm.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
| 12

3210
3210
UTRILLO, MAURICE
(Paris 1883 - 1955 Dax)
Rue Norvins et place du Tertre, Montmartre.
1938-40.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
Maurice Utrillo, V.
46 x 55 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Jean
Fabris und Cédric Pailler, Pierrefitte-sur-Seine,
14. März 2012, bestätigt.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
Literatur: Pétridès, Paul. L’oeuvre complet de
Maurice Utrillo, Bd. III, Nr. 1659 (mit Abb.).
(Bei Petrides um 1936 datiert).
CHF 30 000.- / 50 000.-
(€ 25 000.- / 41 670.-)
| 13

Moderne Kunst
3211
LEVY, RUDOLF
(Stettin 1875 - 1944 Italien)
Bildnis eines Herrn in roter Weste. Um 1930.
Öl auf Leinwand.
92,5 x 73,5 cm.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
Ausstellungen:
- 1954-56 München: Gedächtnisausstellung
(Wanderausstellung durch deutsche Städte)
München 1954-56, Kat.Nr. 35.
- 1977 Hamburg-Frankfurt : Ausstellung Galerie
Levy und Kunstkabinett Hanna Bekker vom
Rath, Hamburg-Frankfurt 1977.
Literatur:
- Thesing, Susanne. Der Maler Rudolf Levy
(1875-1944). Monographie und
Werkverzeichnis, Phil. Diss. München 1979,
S. 83 ff.
- Thesing, Susanne. Rudolf Levy, Leben und
Werk, Nürnberg 1990, S. 146, 171, Kat. Nr.
144 (mit Abb.).
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
3212*
VUILLARD, EDOUARD
(Cuiseaux 1868 - 1940 La Baule)
Afternoon Tea. 1905-1907.
Öl auf Karton. Unten rechts mit der
Stempelsignatur.
37,5 x 27,5 cm.
Provenienz:
- Nachlass des Künstlers.
- Hanover Gallery, London (1955) (verso mit
Etikett).
- Terence Rattigan, London.
- Galerie Beyeler, Basel (verso mit Etikett).
- World House Galleries, New York.
- Privatbesitz Schweiz.
Ausstellungen:
- 1955 London: „French Paintings“ Hanover
Gallery, London, 1955, Kat.Nr. 19.
- 1959 Caracas: „La Evolucion de la Pinture
Moderna“, Fundacion Eugenio Mendoza,
Caracas 1959, Kat.Nr. 56.
Literatur: Salamon, A.; Cogeval, G. Vuillard,
Catalogue of Paintings and Pastels 1899-1914,
Paris 2003, Vol. II, Kat.Nr. VIII -143, S. 897
(mit Abb.).
CHF 48 000.- / 58 000.-
(€ 40 000.- / 48 330.-)
| 14
3211

3212
| 15

Moderne Kunst
3213
RENOIR, PIERRE-AUGUSTE
(Limoges 1841-1919 Cagnes-sur-mer)
Nu dans la verdure. 1887.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: renoir.
41 x 33 cm.
Provenienz:
- Ambroise Vollard, Paris.
- Paul Vallotton S. A., Lausanne.
- Galerie Paul Pétridès, Paris.
- Drout-Montaigne, Paris 18. November 1989,
Los 58.
- Christie’s New York , 15. Mai 1990, Los 11.
Literatur:
- Vollard, Ambroise. Tableaux, pastels et des
sins de Pierre-Auguste Renoir, Paris 1918,
Bd.II, S. 32, Nr. 524 (mit Abb.).
- Dauberville, Guy-Patrice und Michel. Renoir,
Catalogue Raisonné des tableaux, pastels,
dessins et aquarelles 1882-1894, Bd.II, S. 384,
Kat.Nr. 1302 (mit Abb.).
Es ist nicht die Jagdgöttin Diana nach dem
Bade, umtänzelt von ihren Nymphen. Nicht die
von zwei Alten beobachtete Susanna. Es ist
eine junge Frau, die die Frische des vorbeiziehenden
Bachs geniesst. Pierre-Auguste Renoir
hat sie entkleidet von allen biblischen und
mythologischen Verbrämungen, die über
Jahrhunderte in der akademischen Malerei als
Vorwand und Rechtfertigung dienten, den
weiblichen Körper nackt darzustellen. Dessen
zeitlose Schönheit zu huldigen, ihn ganz in das
Zentrum seiner Malerei zu stellen und sich
damit als Maler in eine grosse europäische
Tradition einzureihen, das war Renoirs künstlerischer
Antrieb ab den späten 1880er Jahren.
Als einer der ganz Grossen des Impressionismus
wird Renoir verehrt, als einer, der zusammen
mit seinen Künstlerfreunden Claude Monet und
Alfred Sisley die französische Malerei revolutionierte
und „Ikonen“ wie den „Tanz im Moulin
de la Galette“ („Bal du moulin de la Galette“,
1876, Musée d’Orsay, Paris) schuf. Seine zweite
Schaffensphase nach einer tiefen Krise Anfang
der 1880er Jahre gerät hingegen lange in den
| 16
Hintergrund. Renoir hat auf einer Italienreise
vor allem Raffael und Tizian für sich entdeckt
und den tiefen Eindruck, den die weiblichen
Formen in Raffaels Werken auf ihn gemacht
hat, 1887 in der „Grossen Badenden“
(Philadelphia Museum of Art) zum Ausdruck
gebracht.
Dieses Werk wurde zum wichtigen Impuls für
seine zweite Schaffensphase, die heute breite
Anerkennung findet. Deren Einfluss auf
Künstler der Moderne wie Picasso und Matisse
wird neuerdings aufgearbeitet und erschlossen
(siehe dazu etwa die fulminante Ausstellung
„Renoir in the 20th century“, Los Angeles
County Museum of Art, 2009/2010).
Distinguierte Sammler wie der als Pharmazeut
reich gewordene amerikanische Arzt Albert C.
Barnes bauen bereits in den ersten Jahrzehnten
des 20. Jahrhunderts umfangreiche Sammlungen
mit Renoirs Werken der Reife- und Spätzeit auf
– Barnes alleine besass 180.
Die zahlreichen Vorarbeiten zu den „Grossen
Badenden“ wurden also prägend für Renoirs
kommende Jahrzehnte, entdeckt er dabei doch
eine Jungendliebe ganz neu: seine Verehrung für
die Malerei des französischen Rokoko. Bereits
kurz nach Abschluss seiner Porzellanmalerlehre
hat Renoir zwischen 1860 und 1864 die
Erlaubnis erhalten im Louvre Gemälde kopieren
zu dürfen und sich dabei intensiv mit Antoine
Watteau, Jean-Honoré Fragonard und François
Boucher beschäftigt. Deren mit üppigem Grün
gestalteten Szenerien als ideale Kulisse für den
menschlichen Körper greift Renoir nun, mehr
als zwanzig Jahre später, für die „Grossen
Badenden“ auf. Die Ausstellung des von ihm so
sorgfältig erarbeiteten Gemäldes mit seinen
klassizistisch anmutenden Frauenfiguren in der
Galerie Georges Petit 1887 wurde vom damaligen
Publikum nicht goutiert.
Dennoch wendet er sich noch im selben Jahr
der Darstellung von einzelnen Akten in der von
ihm neu erschlossenen Landschaft zu, diese entstehen
im Studio. Dabei nimmt er von einer zu
scharf umrissenen Zeichnung der Umrisslinie
Abstand. Unsere noch im selben Jahr geschaffene
„Nu dans la verdure“ muss zu den allerersten
Exemplaren dieser wichtigen Werkgruppe
gehören, die sich durch weiche Konturen der
Figur auszeichnet. Wichtiger als die Form wird
für Renoir die sensible farbliche Gestaltung des
Inkarnats. Renoir bettet sein Modell mit den
kokett aufgesteckten Haaren in eine perfekt
abgestimmte Landschaft ein, die ihre Schönheit
und Jugendlichkeit schützend umgibt und hervorhebt.
Das Bild wird zur Feier der
Weiblichkeit.
CHF 1 200 000.- / 1 600 000.-
(€ 1 000 000.- / 1 333 330.-)

3213
| 17

Moderne Kunst
3214*
ROSSO, MEDARDO
(Turin 1858 - 1928 Mailand)
El Locch. 1881-82.
Bronze mit schwarzgrüner Patina, auf originalem
Marmorsockel.
38 x 28 x 34,5 cm (ohne Sockel).
Mit Zertifikat von Luciano Caramel, Mailand,
5. Oktober 2004.
Provenienz: Privatsammlung Frankreich.
Literatur:
- Mola, Paola; Vittuci, Fabio. Medardo Rosso.
Catalogo Ragionato della scultura, Milano
2009, III.3., S. 351.
- Ausst.Kat.: „Medardo Rosso“, Dieter Schwarz,
Birgit Brunk et. al., Kunstmuseum
Winterthur, 6. September bis 23. November
2003, Winterthur 2003, Kat.Nr. 1, S. 70/199
(mit Abb.).
- Fagioli, Marco. Medardo Rosso. Catalogo
delle sculture, Florenz 1993, Kat.Nr. 2.
- Vgl. Scolari Barr, Margaret. Medardo Rosso,
New York 1963, S. 12 (mit Abb.).
- Vgl. Caramel, Luciano. Medardo Rosso:
Impressions in wax and bronze, 1882-1906,
New York 1988, S. 17 (mit Abb.).
Ausstellung: 2003 Winterthur: „Medardo
Rosso“, Dieter Schwarz, Birgit Brunk et. al.,
Kunstmuseum Winterthur, 6. September bis 23.
November 2003, Winterthur 2003, S. 70 (mit
Abb.).
Der hier angebotene Kopf gilt als eine der frühesten
bekannten Plastiken in Rossos Oeuvre,
entstanden 1881-1882.
Rosso hat neue Impulse in die Skulptur eingeführt
und zählt neben Auguste Rodin und
Aristide Maillol zu den grossen Neuerern.
Typisch für die Künstler des Impressionismus
hat er seine Motive im alltäglichen Leben
gefunden. In der jährlichen Akademie-
| 18
Abb. Atelier Medardo Rosso.
Ausstellung im September 1882 war diese
Skulptur in Terrakotta mit bronzeartiger
Fassung zusammen mit zwei anderen Plastiken
Rossos vertreten (Brunk, Kunstmuseum
Winterthur 2003, S. 13). Medardo Rosso wird
1858 in Turin geboren. 1870 zieht seine Familie
nach Mailand. Nach Beendigung des
Militärdiensts 1881 bezieht Rosso ein eigenes
Atelier. 1882 immatrikuliert er sich in der
Accademia di Brera und belegt Kurse im
Zeichnen (Brunk, Kunstmuseum Winterthur
2003, S. 205).
Der Kopf stellt einen jungen Mann dar, ruhig
fast gleichgültig dreinblickend, seine
Hutkrempe leicht über sein linkes Auge gezogen.
Die Stofffalten der Jacke und des Hemds
sind vollplastisch modelliert. Es gelingt ihm die
Stimmung einzufangen und durch die unterschiedliche
Gestaltung der Oberfläche eine
Momentaufnahme plastisch umzusetzen.
Dass Rosso Personen aus dem Alltag und Fokus
auf das Zeitmoment setzt, zeigt, wie er
Innovationen in der Skulptur einführt. Im Jahr
1901 nennt Edmond Claris Rosso und Auguste
Rodin in einem Atemzug als Wegbereiter, welche
die impressionistische Auffassung in der
Skulptur bemerkbar machen „De
l’Impressionisme en Sculpture: Auguste Rodin
et Medardo Rosso“. Später hat Umberto
Boccioni Rossos Werk in seinem Manifest von
1912 als entscheidend für die Kunst des
Futurismus identifiziert (Luciano Caramel, S.
9-11).
Rosso ist bekannt dafür, dass er für seine Werke
je nach Kontext andere Titel verwendet. So
sind auch für unseren Kopf Titel wie El Looch
oder A Zonzo (ein Schlenderer) bekannt.
Ebenfalls kennt man den Titel Il fumatore oder
Impression d’un fumateur. Letztere Titel weisen
auf ein interessantes Detail hin. In einer
Atelierphotographie von 1883 tragen zwei El
Locch-Köpfe kleine Ton- oder
Meerschaumpfeifen im Mund (siehe
Abbildung). Offenbar war eine Pfeife auch
Bestandteil des Exemplars, das wohl der Maler
Mihály Munkáscy 1889 auf der Weltausstellung
in Paris erwarb (Brunk, Kunstmuseum
Winterthur 2003, S. 14). Brunk meint, „da sich
bei weiteren Motiven Ähnliches beobachten
lässt, kann man schliessen, dass Rosso solche
Details reduzieren und sich von der verspielterzählerischen
Darstellung der frühen Jahre distanzieren
wollte. Auf der posthumen
Ausstellung von 1931 in Rom fehlte die Pfeife.“
In unserem Kopf war wohl im linken
Mundwinkel ursprünglich eine Pfeife angebracht,
was durch einen einen noch sichtbaren
Stiftansatz an dieser Stelle des Mundes erkennbar
ist.
Im Werkverzeichnis sind drei Fassungen in
Bronze und eine Fassung in Gips dokumentiert.
Letztere ist zerstört, eine Fassung aus Bronze ist
verschollen und eine befindet sich heute in Rom
in der Galleria Nazionale d’Arte
(Inventarnummer 9068). Das vierte bekannte
Exemplar ist der hier angebotene Kopf, der in
der Medardo Rosso Ausstellung in Winterthur
im Jahr 2003 ausgestellt war.
CHF 125 000.- / 155 000.-
(€ 104 170.- / 129 170.-)

| 19

Moderne Kunst
3215
VLAMINCK, MAURICE DE
(Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière)
Bouquet de Fleurs.
Öl auf Leinwand. Unten links signiert:
Vlaminck.
65 x 51 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde vom
Wildenstein Institut, Paris, 15. März 2012,
bestätigt. Das Gemälde wird in den in
Vorbereitung befindlichen Catalogue Critique
de l’Oeuvre de Maurice de Vlaminck aufgenommen.
Provenienz:
- Modern Art Centre, Max Bollag, Zürich.
- Privatsammlung Schweiz.
CHF 40 000.- / 60 000.-
(€ 33 330.- / 50 000.-)
3216*
ROSSO, MEDARDO
(Turin 1858 - 1928 Mailand)
Gavroche. 1882.
Bronze mit schwazer Patina, auf originalem
Marmorsockel.
Mit der eingeritzen Signatur auf der linken
Schulter: M.Rosso.
31 x 30 x 21,5 cm (ohne Sockel).
Mit Zertifikat von Luciano Caramel, Mailand,
1. Oktober 1994.
Provenienz: Privatsammlung Frankreich.
Literatur:
- Mola, Paola; Vittuci, Fabio. Medardo Rosso.
Catalogo Ragionato della scultura, Milano
2009, III.2.c., S. 350.
- Ausst.Kat.: „Medardo Rosso“, Dieter Schwarz,
Birgit Brunk et. al., Kunstmuseum
Winterthur, 6. September bis 23. November
2003, Winterthur 2003, Kat.Nr. 7, S. 77/199
(mit Abb.).
- Fagioli, Marco. Medardo Rosso. Catalogo
delle sculture, Florenz 1993, Kat.Nr. 6.
Ausstellung: 2003 Winterthur: „Medardo
Rosso“, Dieter Schwarz, Birgit Brunk et. al.,
Kunstmuseum Winterthur, 6. September bis 23.
November 2003, Winterthur 2003, S. 77 (mit
Abb.).
Wie Los 3214 gehört dieser Kopf ebenfalls zum
Frühwerk von Medardo Rosso und ist Teil der
Dreiergruppe von Plastiken, die Rosso in seiner
Jahresausstellung der Akademie 1882 präsentiert.
Neben dem Titel Gavroche sind unter
anderem Dopo una scappata und Il Birichino
dokumentierte Bezeichnungen für diesen Kopf.
CHF 55 000.- / 65 000.-
(€ 45 830.- / 54 170.-)
| 20
3215

| 21

Moderne Kunst
| 22
3217
3217*
CHAGALL, MARC
(Witebsk 1887 - 1985 Saint-Paul-de-Vence)
Nu debout. 1908.
Bleistift auf Papier. Unten rechts signiert: Marc
Chagall.
33,7 x 22,5 cm.
Mit Zertifikat von David McNeill, Succession
Marc Chagall, Paris, 10. Juli 1987.
Provenienz: Privatsammlung England.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
3218
KLIMT, GUSTAV
(1862 Wien 1918)
Brustbild eines Mädchens im Profil nach links.
Bleistift auf Papier, weiss gehöht. Unten rechts
mit dem Nachlassstempel: GUSTAV KLIMT
NACHLASS.
45 x 32 cm.
Studie für das Mädchen im Vordergrund des
Gemäldes „Mädchen mit Oleander“ 1890-92
(Abb. Bd. I, S. 88, Novotny-Dobai Nr. 59).
Literatur: Strobl, Alice. Gustav Klimt, Die
Zeichnungen 1878-1918, Nachtrag, Bd. IV, Nr.
3291b, S. 46 (mit Abb).
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)

3218
| 23

Moderne Kunst
3219
ARCHIPENKO, ALEXANDER
(Kiew 1887 - 1964 New York)
Seated Black Concave. 1915.
Bronze, mit schwarzgrüner Patina. Unten an
Hinterseite geritzt signiert, datiert und nummeriert:
Archipenko 1915 5/6. Exemplar 5/6.
Lebzeitguss.
Höhe: 50 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von
Frances Archipenko Gray, Archipenko
Foundation bestätigt, Bearsville, New York, 8.
März 2012. Das Werk ist in der Archipenko
Foundation registriert.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung: 1962/63 St. Gallen: Alexander
Archipenko, Galerie Im Erker, St. Gallen, 17.
November 1962-10. Januar 1963, Kat.Nr. 15.
Seated Black Concave gehört zu einer sehr
bedeutenden Gruppe von Archipenkos
Skulpturen, die das Konkave als mögliche, für
den Künstler sehr typische Aussparung innerhalb
der Skulptur erkundet.
Sie verkörpert die Theorien der „new concave“,
die Archipenko 1912 formuliert. Zu dieser Zeit
entwickelt er eine neue Weise der Darstellung
| 24
des Menschen, indem er positive und negative
Formen in einer Figur zusammen kombiniert.
Die vorliegende Skulptur verkörpert diese einzigartige
Meisterhaftigkeit Archipenkos sehr
gut: Während die Beine als positive Form dargestellt
die Sitzende sehr klar evozieren, wird
der Oberkörper nur noch durch einzelne
Andeutungen als Leerraum angedeutet.
Rücken, rechte Brust und rechter über den
Kopf stützender Arm sind so geformt, dass sie
zugleich auch den ausgesparten Raum als
Körper mit darstellen. Der Übergang von
Unter- zu Oberkörper, von Positiv- zu
Negativformen ist dabei aber so harmonisch
gestaltet, dass dem Betrachter dies gar nicht
auffällt, sondern die Skulptur sofort die sitzende
Frau evoziert.
Die „sitzende Konkave“ nimmt Bezug auf Henri
Bergsons Ideen, dass die Leerstellen als Symbol
der abwesenden Form gesehen werden können.
Es kann nichts Konvexes ohne das Konkave
geben, das Positive und das Negative sind einander
gegenseitig gleichbedeutende Kräfte.
Es sind heute zwölf Bronzen dieser Version
bekannt, wovon acht zu Lebzeiten des
Künstlers gegossen wurden.
CHF 80 000.- / 120 000.-
(€ 66 670.- / 100 000.-)

| 25

Moderne Kunst
3220
KLEE, PAUL
(Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto)
Häuser Treppe. 1923.
Öl (und Wasserfarben) auf Papier mit gespachteltem
Ölgrund, auf Karton aufgelegt. Unten
links signiert: Klee. Unten mittig mit Randleiste
bezeichnet: 1923 23 Häuser Treppe.
34 x 25,6 cm.
Provenienz:
- Herwarth Walden (Der Sturm), Berlin (ab
1923).
- Galerie Ferdinand Möller, Berlin (ab 1930).
- Curt Valentin (Buchholz Gallery; Valentin
Gallery), Berlin/New York.
- Larry Aldrich, New York (1959-1963).
- Hans Neumann, Caracas.
- Nachlass Hans Neumann, Caracas (bis 1990).
- Privatbesitz Spanien.
Ausstellungen:
- Berlin 1930: Vision und Formgesetz, Galerie
Ferdinand Möller, Berlin, September 1930,
Nr. 7.
- New York 1938: Paul Klee, Buchholz Gallery
Curt Valentin, New York, 28.3. - 30.4.1938,
Nr. 16.
- Providence 1947: 20th Century Abstract
Painting and Sculpture, Providence, Rhode
Island School of Design, 1947.
Literatur:
- Paul Klee Stiftung (Hrsg.). Catalogue
Raisonné Paul Klee. Bern 1991, Bd. 4, S. 44,
Nr. 3116 (mit Abb.).
- Frey, Stefan. „Blaue Vier? In Deutschland
kannte man sie bisher kaum“ - Zur „Blaue
Vier“-Ausstellung, Galerie Ferdinand Möller,
Berlin, Oktober 1929, in: Ausstellungskatalog
Bern/Düsseldorf 1997/19998, S. 261.
Im November des Jahres 1920 erhält Paul Klee
von Walter Gropius die Einladung am Bauhaus
in Weimar zu unterrichten. Zunächst übernimmt
er die Buchbinderei, 1922 dann die
| 26
Gold-, Silber- und Kupferschmiede sowie die
Glasmalerei und später noch die Weberei.
Weimar hat viele Vorzüge für Paul Klee, hier
erhält er ein regelmässiges Gehalt, ein grosses
Atelier und wird Teil einer künstlerischen
Gesellschaft, mit der er Ideen diskutieren und
finden kann. Obwohl er anfänglich nur wenige
Stunden unterrichtet, zwingt ihn diese
Lehrtätigkeit dennoch dazu, seine Idee vom
Gebrauch der malerischen Elemente in einer
leicht verständlichen Theorie niederzuschreiben.
In den zehn Jahren am Bauhaus erreicht Paul
Klee nicht nur seinen künstlerischen Zenith,
sondern schafft auch Kunstwerke, die in einem
direkten Dialog mit seinen an der
Bauhausschule gelehrten Theorien stehen:
„Intuition trifft auf Vernunft, Analyse wird
Inspiration und Ideen entwickeln neue Formen“
(vgl.: The Klee Univers, Ausst.Kat. Neue
Nationalgalerie, Berlin 2008, S. 254).
Das Bauhaus stärkt bei Klee auch die Kräfte des
Konstruktiven, aber auch jene der architektonischen
Formen. Schon seit den Anfängen seiner
künstlerischen Karriere ist er von den architektonischen
Formen und den Rhythmen begeistert.
Auch in dem vorliegenden Werk „Häuser
Treppen“ kommt diese Vorliebe zu architektonischen
und konstruktiven Formen zum tragen.
Die kubischen Formen der Häuser, aus denen
Klee Treppen entwirft, entsprechen den aktuel-
len Entwürfen der Bauhausarchitekten. Klar
und funktional erscheinen die Häuser der
Treppe auf den ersten Blick, doch auf den zweiten
Blick erkennt der Betrachter, dass der
Künstler hier reale Formen verwendet, um sie
mit erfundenen und symbolhaften Elementen zu
verändern und der Realität zu entheben.
Ergebnis ist eine fantastische Stadt, mit mystisch
fast märchenhaftem Charakter. Neben
dem Einfluss der Architektur liegt den Werken
Klees auch immer noch seine Liebe zu Theater
und Oper zugrunde. Klee übernimmt die
Elemente von Musik und Theater und übersetzt
diese in seine visuellen Bilder.
Die phantastische „Häuser Treppe“ bekommt
durch die kindlich, flüchtig skizzierten Figurini,
die sich an das Puppentheater anlehnen, eine
märchenhafte Ebene. Klee versucht Gefühle
und Sensibilität in seinen Werken auszudrücken
„Das Bild hat immerhin den Zweck, uns glücklich
zu machen“ (W. Grohmann, Paul Klee,
Stuttgart 1954, S. 199).
CHF 500 000.- / 800 000.-
(€ 420 000.- / 666 700.-)

3220
| 27

Moderne Kunst
3221*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Ohne Titel. [Scheune, Neppermin]. 1910.
Kreide auf Papier. Oben rechts datiert: SAT.
Sep. 3.10.
21 x 24,1 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt. Das Werk ist im Archiv des Lyonel
Feininger Project, New York - Berlin, mit der
Nummer 1122-03-02-12 registriert.
CHF 7 000.- / 9 000.-
(€ 5 830.- / 7 500.-)
3222*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Ohne Titel. [Woman in the Village of
Neppermin]. 1910.
Kreide auf Papier. Unten rechts datiert: SAT
Sep. 3 10.
21 x 24 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt. Das Werk ist im Archiv des Lyonel
Feininger Project, New York - Berlin, mit der
Nummer 1123-03-02-12 registriert.
Das kleine Fischerdorf Neppermin mit seinen
reetgedeckten Häusern und Scheunen, direkt
am Achterwasser auf der Insel Usedom gelegen,
hat bis heute nichts von dem Charme verloren,
der Lyonel Feininger (1871-1956) schon vor über
100 Jahren angezogen hat. Im Herbst 1910 hält
er sich dort für einige Wochen auf und am 3.
September entstehen diese beiden Studien, in
denen er mit sicherem Strich die Atmosphäre
der Ostseeinsel Usedom einfängt. Die
Fachwerkhäuser, eingetaucht in die Farben des
ausklingenden Sommers, und der in kräftigen
Linien festgehaltene Dreikanthof zeigen dabei
die ganze zeichnerische Meisterschaft
Feiningers. Einen Tag bevor er diese
Naturnotizen, wie Feininger seine vor der Natur
entstandenen Skizzen nennt, festhält, schreibt
er an seine Frau Julia: „Ich habe vor an der
Studie zu arbeiten bis ich sie dahin bekomme,
wo ich sie haben will. Es ist merkwürdig wie gut
und stark meine Zeichnungen nach der Natur
sind, verglichen zu den Bildern (...).“
CHF 7 000.- / 9 000.-
(€ 5 830.- / 7 500.-)
| 28
3221
3222

3223
3223*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Kirche. 1907.
Öl auf Karton. Verso beschriftet: Juli 1907
Günterstal b. Freiburg. (Hess 11).
13,7 x 17,8 cm.
Das Gemälde wird in den ersten Band des von
Achim Moeller herausgegebenen
Werkverzeichnisses der Gemälde von Lyonel
Feininger aufgenommen.
Provenienz:
- Alois J. Schardt, Halle, Berlin, Los Alamos
(Geschenk des Künstlers).
- Durch Erbschaft lang in Familienbesitz.
- Moeller Fine Art, New York - Berlin.
Ausstellungen: 2006 Wuppertal: Von der
Heydt-Museum, „Feininger: Frühe Werke und
Freunde“, Wuppertal, 17. September - 19
November 2006, S. 59 (Abb.).
Literatur: Hess, Hans. Lyonel Feininger.
Stuttgart, 1959, Nr. 11, S. 249 (Abb.).
Nach einer erfolgreichen Karriere als einer der
in Deutschland bekanntesten Karikaturisten,
beginnt Lyonel Feininger (1871-1956) im April
1907 im Alter von fast 36 Jahren als „vergnügter
Greis“, wie er selbst sagt, damit zu malen. Kurz
nachdem er seine ersten Gemälde in Paris fertigstellt,
reist er mit seiner späteren Frau Julia
Berg (geb. Lilienfeld) nach Süddeutschland, um
dort vor der Natur zu malen. Im Juli sind sie am
Schluchsee und in Günterstal in der Nähe von
Freiburg. Dort entsteht direkt vor der Natur
dieses Gemälde, welches die Liebfrauenkirche
des ehemaligen Zisterzienserklosters zeigt. Die
Kirche selbst entstand im Jahr 1834 nach Plänen
von Gottlieb Lumpp im Stil des romantischen
Historismus, nachdem der aus dem 18.
Jahrhundert stammende Vorgängerbau ein Jahr
zuvor abgebrannt war. Das Gemälde zeigt, wie
stark Feininger am Anfang seiner Karriere als
freischaffender Künstler von den französischen
Impressionisten geprägt ist und stellt ein einmaliges
Dokument von Feiningers Stilfindung dar.
CHF 35 000.- / 45 000.-
(€ 29 170.- / 37 500.-)
| 29

Moderne Kunst
3224
3224
PECHSTEIN, MAX
(Eckersbach 1881 - 1955 Berlin)
Pommersche Fischerkaten. 1927.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und
datiert: HM Pechstein 1927. Verso bezeichnet:
HMPechstein / Berlin W. 62. / Kurfürstenstr.
126 / Pommersche Fischerkaten-.
51 x 71,5 cm.
Provenienz:
- Sotheby’s London, 23. Juni 1993, Los 279.
- Privatsammlung Schweiz, seit 1993.
Ausstellung: 1927 Zwickau: Ausstellung,
Zwickau 1927 (laut Leihgabenliste Pechsteins).
Literatur: Soika, Aya. Max Pechstein, Das
Werkverzeichnis der Ölgemälde, Bonn 2011,
Bd. 2, S. 371, Kat.Nr. 1927/19 (mit Abb.).
„... aber was ist das gegen meine Arbeitswut im
geliebten Pommern, ich komme nicht darüber
hinweg, das unverfälschte Leben in unverfälschter
Natur fehlt mir. Ich zapple hin und wieder
sehr, und sehne mich unentwegt danach, und
hoffe doch es noch einmal zu erleben, einmal
wieder hinauffahren zu können...“ (zit. Zeit für
Kultur und Geschichte, Heft 4/2007, S. 30).
Schon als Mitglied der „Brücke“ nutzt Max
Pechstein die Gelegenheit in abgeschiedenen
Orten in der Natur zu arbeiten; gemeinsam mit
seinen „Brücke-Kollegen“ an den Moritzburger
| 30
Seen bei Dresden oder in Nidden, dem damaligen
Ostpreussen. Seit 1921 reist er regelmässig
nach Pommern, um dort einige Monate fernab
der hektischen Grossstadt Berlin zu verbringen.
Gleich im ersten Jahr lernt er in Leba seine
zweite Frau Marta Möller kennen. Bis 1927 hält
er sich, vornehmlich in den Sommermonaten,
regelmässig in Leba auf, erkundet aber auch die
Umgebung: „Ich lernte diese Küste nicht nur
schätzen, sondern auch lieben. Sei es nun, dass
ich auf meinen Streifzügen weiter ins Land hinein,
ins ‚blaue Ländchen’ kam, in herrliche
Wälder, zwischen denen verborgene Seen aufblitzten
und sprudelnde Flüsse und Bäche sich
durch die Landschaft schlängelten.“ (zit. Soika,
Max Pechstein. Das Werkverzeichnis der
Ölgemälde, München 2011, S. 76.). Auf diesen
Wanderungen stösst er dann 1927 auf das
Fischerdorf Rowe, das nur durch eine Düne von
der Ostsee getrennt ist, aber durch seine Lage
am Garder See schwer zu erreichen ist. Die
kommenden Jahre verbringt er seine
Aufenthalte in Pommern überwiegend dort.
Aber wie schon zuvor in Leba zieht er sich
gegen 1933 auch aus Rowe zurück, da die naturbelassene
Idylle durch den zunehmenden
Tourismus zerstört wird.
Typisch für das kleine Fischerdorf Rowe sind
die zahlreichen alten, mit Schilf bedeckten
Fischerkaten, die auch in dem vorliegenden
Werk dargestellt sind. Rechts und links von
einem kleinen Weg stehen die Fischerkaten mit
weissen Fassaden und den grün-bräunlichen
Schilfdächern. Weisse Wolken ziehen über sie
hinweg, lassen aber die Sonne doch durchscheinen.
Eindrücklich spielt Pechstein hier mit
Licht und Schatten. Etwas verloren, im
Vordergrund des Bildes, kommt ein kleiner
Junge den Weg entlang gelaufen.
Die Auseinandersetzung mit dem „Primitiven“
hat immer eine besondere Rolle für die
Expressionisten gespielt. Dabei wenden sie
ihren Blick aber nicht nur auf fremde Kulturen,
sondern auch auf die raue, noch sehr ursprüngliche
Lebensweise auf dem Land, fernab der
Grossstadt. Anders als noch im 19. Jahrhundert
suchen die Expressionisten das natürliche und
idyllische Leben und finden es in den
„Primitiven“. Natürlich stellen diese Motive zu
Beginn des 20. Jahrhunderts einen Affront dar,
denn die Darstellung vom oftmals sehr einfachen
und ärmlichen Leben auf dem Land ist bis
dato nicht Gegenstand der anerkannten
Bildenden Kunst gewesen. Pechstein selbst
nimmt Teil an diesem Leben und scheint grosse
Inspiration aus dem einfachen Leben zu ziehen.
CHF 90 000.- / 150 000.-
(€ 75 000.- / 125 000.-)

| 31

Moderne Kunst
| 32
3225
3225*
HECKEL, ERICH
(Döbeln 1883 - 1970 Radolfzell)
Belgische Landschaft. 1916.
Aquarell und Bleistift auf Papier. Unten rechts
mit Bleistift signiert, betitelt und datiert:
EHeckel Belgische Landschaft / 16.
38 x 45 cm.
Mit Expertise von Hans Geissler, Nachlass
Erich Heckel, Hemmenhofen, 23. Februar 2012.
Verso mit der Nummer: H41 / B1356.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)

3226
3226
ROHLFS, CHRISTIAN
(Gross Niendorf 1849 - 1938 Hagen)
Berglandschaft mit Hütte. 1909.
Öl auf Leinwand. Unten rechts monogrammiert
und datiert: CR 9.
46 x 67 cm.
Provenienz:
- A. Flechtheim, Berlin.
- Privatbesitz Berlin.
- Städtisches Museum, Mönchengladbach.
- Galerie Nierendorf, Berlin.
- Hutton Galleries, New York 1972/73 (verso
mit dem Aufkleber).
- Privatbesitz USA.
- Christie’s London, 1. Februar 1987, Los 193.
- Privatsammlung Schweiz, in obiger Auktion
erworben.
Ausstellung: 1972/73 New York: German
Expressionists, Hutton Galleries New York,
1972-1973, Kat.Nr. 64.
Literatur: Vogt, Paul (Hrsg.). Christian Rohlfs.
Oeuvre-Katalog der Gemälde. Recklinghausen
1978, Kat.Nr. 446 (mit Abb.).
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
| 33

Moderne Kunst
3228
3228
VLAMINCK, MAURICE DE
(Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière)
Le panier de raisins. 1920.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
Vlaminck.
65 x 80 cm.
Provenienz:
- Lilienfeld Galleries, New York.
- Privatbesitz Genf.
Ausstellung: 1939/40 San Francisco: Golden
Gate International Exposition, San Francisco
18. Februar 1939 - 29. September 1940.
Literatur: Jean Selz, Vlaminck, S. 29 (mit
Abb.).
CHF 40 000.- / 60 000.-
(€ 33 330.- / 50 000.-)
| 34
3229*
SEREBRYAKOVA, ZINAIDA
EVGENIEVNA
(Lanceray 1884 - 1967 Paris)
Frühstück. Stillleben mit Samowar und
Tulpenvase. 1914.
Öl auf Karton. Verso auf dem Karton kyrillisch
signiert und datiert: Z. Serebriakova 1914.
71,5 x 62 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von der
Tretjakov-Galerie Moskau, Z.M. Zukova und
I.E. Lomise, bestätigt, Moskau 15. Juli 2003.
Provenienz:
- Privatsammlung Deutschland.
- Christie’s London, 26. November 2006, Los
400.
- Privatsammlung Deutschland.
CHF 60 000.- / 80 000.-
(€ 50 000.- / 66 670.-)

3229
| 35

Moderne Kunst
3230
| 36

3231
3230*
FOUJTA, TSUGUHARU
(Edogama/Tokyo 1886 - 1968 Zurich)
La Fille avec l’oiseau. 1929.
Aquarellierte Federzeichnung auf feinem
Japanpapier. Rechts mittig signiert und datiert:
Foujita 1929, zudem japanisch signiert. Verso
mit dem Stempel der Sammlung Stinnes.
35,5 x 27 cm.
CHF 25 000.- / 35 000.-
(€ 20 830.- / 20 830.-)
3231
FOUJTA, TSUGOUHARU
(Edogawa/ Tokyo 1886 - 1968 Paris)
Kreuzabnahme.
Öl auf groben Leinen. Unten links signiert:
Foujita, zudem japanisch signiert.
41 x 33 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Schweiz, direkt vom Künstler
erhalten.
CHF 25 000.- / 35 000.-
(€ 20 830.- / 29 170.-)
| 37

Moderne Kunst
3232
SCHAD, CHRISTIAN
(Miesbach 1894 - 1982 Stuttgart)
Napoli. 1951.
Öl auf Hartfaserplatte. Unten rechts signiert:
SCHAD. Zudem verso eigenhändig mit Bleistift
bezeichnet: „Christian Schad, Napoli, 1951.“
62 x 53,5 cm.
Provenienz:
- Atelier des Künstlers bis 1979.
- Kunstkabinett G. A. Richter Stuttgart-
Rottach-Egern.
- Galerie Neher, Essen.
- Privatbesitz Schweiz.
Ausstellungen:
- 1955 Aschaffenburg: „Christian Schad. Bilder,
Graphik“. Museum der Stadt Aschaffenburg
im Schlossmuseum, 1955.
- 1979 Stuttgart: „Christian Schad. Vom
Expressionismus zum Magischen Realismus“.
Werke aus sieben Jahrzehnten. Kunstkabinett
G. A. Richter Stuttgart, 1979.
- 1986 London: „German Expressionism“,
Galerie Neher, London 1986.
- 1994/1995 Aschaffenburg: „Christian Schad.
Die späten Jahre 1942 - 1982“, Jesuitenkirche,
Galerie der Stadt Aschaffenburg, 18.9. -
13.11.1994 und Museum Moderner Kunst,
Stiftung Wörlen, Passau, 18.11.1994-
26.2.1995, und Kunsthalle Wilhelmshaven,
9.3. - 23.4.1995, S. 111 (mit Abb.).
Literatur:
- Ratzka, Thomas. Christian Schad 1894-1982:
Werkverzeichnis, hrsg. von der Christian-
Schad-Stiftung Aschaffenburg.
Werkverzeichnis Malerei, Köln Wienland
2008, Bd. 1 , Kat.Nr. 175 (mit Abb.).
- Richter, Günter A. (Hrsg.). Christian Schad:
Texte, Materialien, Dokumente, Rottach-
Egern 2004, S. 41 (mit Abb.).
| 38
Im Mittelpunkt des Gemäldes stellt Schad eine
Frau in gelber Bluse mit blondem Haar dar, sie
blickt den Betrachter an. Porträtiert ist Bettina
Mittelstädt, die zweite Frau des Malers. Zwei
weitere, uns unbekannte Frauen, flankieren
Bettina. Eine- die, vom rechten Bildrand angeschnitten
ist - umfasst Bettina an der Schulter.
Eine dritte ist im Kopfprofil wiedergegeben. Im
Hintergrund links sind Wohnbauten platziert
und italienische Reklameaufschriften geben
über die Läden im Erdgeschoss Auskunft.
Entstanden ist das Gemälde in Aschaffenburg,
jedoch bildet es sowohl thematisch wie motivisch
einen Rückgriff auf Schads Zeit in
Neapel, eine Stadt die er 1920 zum ersten Mal
besucht und anschliessend auch einige Jahre
dort lebt. Überwältigt spricht er von der Stadt
und „alle Vorstellungen und Erfahrungen [wurden]
über den Haufen geworfen.“ (Richter, S.
92). Die Eindrücke in Neapel bewegen ihn dazu
sich einer realistischen Malweise zuzuwenden
und so entstehen Werke, für die er später als
Exponent der Neuen Sachlichkeit gefeiert wird.
Das vorliegende Gemälde malt Schad - wie
erwähnt - erst 1951, doch es hat die Klarheit
und die Leuchtkraft seiner früheren Werke. Es
gelingt ihm einen intensiven Augenkontakt zwischen
dem Betrachter und der dargestellten
Person herzustellen, der Betrachter wird durch
Bettinas Blick förmlich in das Bild hineingezogen.
Die Komposition des hier angebotenen
Werkes ist wie eine Momentaufnahme angelegt.
Zwei Frauen sind angeschnitten wiedergegeben
und die städtischen Wohnhäuser verorten das
Bild, wie der Titel evoziert in Neapel.
Ursprünglich war das Gemälde als Porträt von
Bettina angelegt worden. Dann gefiel es Schad
nicht mehr, und er wandelte es in vorliegende
dreifigurige Komposition mit der Reminiszenz
an Neapel um (Ratzka 2008).
So beschreibt Günter A. Richter (Richter 2004)
treffend: „Neapel als Kulisse der Häuser mit den
schlankhohen Fenstern, dem tiefen, dunkelblauen
Himmel. Bettina in der Mitte des Bildes. Es
geht nicht um Bettina.... Drei Frauen aus dem
Schmelztiegel der Stadt. Das Rohe, das
Ungeschliffene, Vulgäre. Die Schminke, die
Frisuren: die billige Tünche, die nur Bewegung
und Lärm ins Kolorit tauchen.“
„Napoli“ ist das ausdruckstärkste Werk des
Künstlers aus dieser Schaffensperiode, meisterhaft
in seiner Komposition und Malweise.
CHF 90 000.- / 180 000.-
(€ 75 000.- / 150 000.-)

3232
| 39

Moderne Kunst
| 40
3233
3233*
MAILLOL, ARISTIDE
(1861 Banyuls-sur-Mer 1944)
Femme nue debout en face, un bras levé.
Rötel auf Papier. Unten rechts mit dem
Atelierstempel: M.
30,7 x 23 cm.
Mit Zertifikat von Olivier Lorquin, Musée
Maillol, Paris, 9. März 2010. Expertise Nr. 2775.
CHF 8 000.- / 10 000.-
(€ 6 670.- / 8 330.-)
3234*
MUELLER, OTTO
(Liebau 1874 - 1930 Breslau)
Stehender Akt. Um 1928.
Kohle und Farbstift auf Papier. Unten rechts signiert: Otto Mueller.
49,5 x 38 cm.
Provenienz:
- Bernhard A. Böhmer, Güstrow.
- Privatsammlung Deutschland.
Literatur: Lüttichau, Mario-Andreas von; Pirsig, Tanja. Otto Müller,
Werkverzeichnis der Gemälde und Zeichnungen, München 2003,
Kat.Nr. 818 (mit Abb.).
CHF 18 000.- / 28 000.-
(€ 15 000.- / 23 330.-)

3234
| 41

Moderne Kunst
© Miserachs/Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2012. Image Rights of
Salvador Dalí reserved. Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2012.
3235
DALÍ, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Venus und Amoretten (Venus y cupidillos).
1925.
Öl auf Holz. Unten links signiert und datiert:
Salvador Dali 1925.
23 x 23,5 cm.
Provenienz:
- Mercè Ros, Barcelona.
- Privatsammlung Deutschland.
Literatur:
- Folch i torres, J. El pintor Salvador Dalí. In:
Gaseta de les Arts (Nr. 60, 3 Jg.), Barcelona,
1. November 1926 , S. 2 (mit Abb.).
- Gaya Nuno, Juan Antonio. Salvador Dalí.
Imprenta Clarasó:Barcelona 1950. Abb. T. 3.
- Descharnes, R.; Néret, G. Salvador Dalí,
l’oeuvre peint 1904-1946, Köln 1994, Bd. I, S.
97, Nr. 212 (mit Abb.).
- Fundació Gala-Salvador Dalí, Salvador Dalí,
Catalogue Raisonné of Paintings, Nr. 161,
www.salvador-dali.org.
- Descharnes, Robert. Die Eroberung des
Irrationalen, DALI, sein Leben - sein Werk,
Köln 1984, S. 50 (mit Abb.).
„Die schönen Formen sind gerade Flächen mit
Rundungen. Formen sind dann schön, wenn sie
| 42
Festigkeit und Fülle haben, wenn die Details
jedoch nicht den Gesamtaspekt der grossen
Körpermasse beeinträchtigen.“ Mit diesem Zitat
von Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-
1867) kommentiert Salvador Dalí 1925 den
Katalog zu seiner ersten Ausstellung in der
Galerie Dalmau in Barcelona. Der junge Dalí
befindet sich gerade in einer Periode seines
Schaffens, die man als Ingres-Phase bezeichnen
könnte, und die Verehrung für den klassizistischen
Maler wird in „Venus und Amoretten“ aus
demselben Jahr sichtbar. Der Rückenakt seiner
Venus mit ihrem elegant geschwungenen
Rückgrat, dem ausladenden Gesäss und der
leichten Drehung zur rechten Seite sind deutliche
Zitate von Ingres´ berühmten Akten wie
„Die Badende von Valpincon“ („La Baigneuse“
von 1808) oder dessen Spätwerk „Das türkische
Bad“ („Le Bain turc“ von 1862), die sich heute
beide im Pariser Louvre befinden. Zeitgleich
beschäftigt sich übrigens ein weiterer Surrealist,
der vor allem für seine Fotografien bekannt
gewordene Man Ray, in Paris mit Ingres. Sein
Werk „Le Violon d’Ingres“ (1924), das den
nackten, in Manier der Ingresschen Rückenakte
fotografierten Ansicht seiner Geliebten und
Muse Kiki de Montparnasse mit zwei aufgemalten
Öffnungen eines Cellos zeigt, gehört zu dessen
bekanntesten Werken.
1924/25 malt Dalí einige weitere
Rückenansichten und -akte, für die meist seine
jüngere Schwester Ana María und seine
Cousine Montserrat Modell stehen. Auch auf
dem Plakat der bereits erwähnten
Einzelausstellung in der Galerie Dalmau ist ein
„Junges Mädchen mit entblösstem Rücken aus
Esquena“ (oder „Sitzendes Mädchen von hinten“,
Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía, Madrid) abgebildet. Realistische weibliche
Akte und Hinterteile bilden ab dieser Zeit
einen wichtigen Teil des Dalíschen
Motivrepertoires.

| 43

Moderne Kunst
Sein eigentliches surrealistisches Schaffen wird
um 1929 angesetzt. Doch die kühle Farbpalette
aus Blau- Grau- und Brauntönen unseres Bildes
und die drei gesichtslosen Amoretten auf der
linken Bildseite - insbesondere der schwebende
Putto mit dem rosa Stoffband - vermitteln eine
traumähnliche, unwirkliche Atmosphäre. Rechts
oben eröffnet ein eigentümliches Wolkengebilde
eine Art zweite Welt, eine doppelte Realität.
Dort türmt sich hinter den dichten, diagonal
verlaufenden Schleierwolken ein grauer Berg,
als wachse dort ein Gebirge aus der Luft. Venus
und ihre Amoretten sitzen auf flachen grauen
Steinen, die vor einer Steilküste mit schroffen
Felsen aus dem Meer ragen. Es sind die von den
Elementen wild zerklüfteten Felsen an der katalanischen
Küste nahe Cadaqués, die Dalí über
alles liebt und die nur wenige Jahre später die
Szenerie für Dalís berühmtesten surrealistischen
Bilder bilden wird - man denke nur an die
Uhren, die in „La persistence de la mémoire“
(1931, The Museum of Modern Art, New York)
vor dem Hintergrund einer Küste mit rechts
aufragenden Felsen zerfliessen.
Dass Dalí sich intensiv mit den wichtigsten
künstlerischen Strömungen seiner Zeit - dem
Impressionismus, Kubismus, Neo-Klassizismus -
auseinandergesetzt hat, ist umfangreich dokumentiert.
Aber es ist der vielleicht gewagte
Vergleich mit der wohl berühmtesten Venus-
Darstellung der Kunstgeschichte, Botticellis
„Geburt der Venus“ (um 1484-85, Uffizien,
Florenz), der wichtige Ansätze für die
Entschlüsselung unseres Bildes ergibt. Dieses
Gemälde stellt eigentlich nicht die Geburt, sondern
die Ankunft der auf einer Jakobsmuschel
gleitenden Schaumgeborenen am Strand von
| 44
Sandro Botticelli. Die Geburt der Venus. Ca. 1484-85. Tempera auf Leinwand. 172,5 x 278,5 cm.
©Uffizien, Florenz.
Zypern dar. Links treibt sie der Westwind
Zephyr an die lieblichen Gestade; er hält wohl
die Nymphe Chloris im Arm, die sich erst
durch seine Umschlingung in Flora, die Göttin
der Frühlingsblüte, verwandelt. Am Strand wird
Venus von einer der Horen, der Göttinnen der
Jahreszeiten, mit einem rötlichen, blumengeschmückten
Mantel empfangen.
Dalís „Venus und Amoretten“ zeigt bemerkenswerte
kompositorische Parallelen zu dieser
Ikone der Renaissance. Er hat allerdings die
Darstellung um 180 ° gedreht, sodass wir den
Rücken der auf den Felsen sitzenden Venus zu
sehen bekommen, während sich das hier als
schroffes, abweisendes Terrain gestaltete Ufer
nun links befindet. Selbst der links in weiter
Ferne liegende flache Strand wirkt kahl und
uneinladend. Kein Paradiesgarten für Venus!
Zephyr und Chloris - hier als zwei Knaben dargestellt
- kümmern sich nicht um die gestrandete
Liebesgöttin und lassen sie auf dem kahlen,
kalten Felsen sitzen, während sie sich selbst
nicht der mystischen Vereinigung, sondern einer
ungehemmten Umarmung hingeben. Man
beachte den Putto, der beim Akt mit seiner linken
Hand eine Halsfalte des zurückgelehnten
Partners kneift. Der wiederum hält achtlos in
seiner Rechten das Zeichen der Venus, die
Jakobsmuschel, aus der Wasser ins Meer rinnt.
Aus dem schützenden, prachtvoll geschmückten
rötlichen Mantel ist ein schmales Bändchen
geworden, mit dem sich der ziemlich ineffektiv
links oben schwebende Putto beschäftigt. Nur
ein kleiner Putto rechts neben Venus richtet
seine Aufmerksamkeit auf sie und zeigt ihr eine
Spitzschnecke.
Das Gesicht der recht korpulenten Schönheit ist
dunkel verschattet und nur im Profil zu sehen.
Während die nackte Venus bei Botticelli ihre
Blösse mit den langen Haaren verdeckt, hat
Dalís Liebesgöttin vorne ein weisses Tuch über
die Scham gelegt. Doch untergräbt der Maler
ihre Sittlichkeit mit dem wohl ersten seiner
berühmten Vexierbilder: Betrachtet man genau
den unteren Rücken und das Gesäss, so kann
man eine Frau erkennen, die sich zurücklehnt
und ihre gespreizten Beine angezogen hat und
so ihre offene Vulva darbietet, die durch die
Pofalte der Venus gebildet wird. Dalís „Venus
und Amoretten“ kann also als moderne, ironisierende
Interpretation des berühmten Gemäldes
von Botticelli gelesen werden, in der sich malerisches
Können mit seinen wichtigsten
Motivsträngen zu einem „prä-surrealistsichen“
Meisterwerk verdichten.
CHF 1 500 000.- / 2 200 000.-
(€ 1 250 000.- / 1 833 330.-)

3235
| 45

Moderne Kunst
| 46
3236
3236*
DALÍ, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Étude de mobilier. Um 1934.
Tusche auf Papier. Unten rechts signiert: S.
Dali. Zudem verso signiert unten links: Dali.
31,6 x 23,6 cm.
Die Authentizität der Zeichnung wurde von
Nicolas und Robert Decharnes bestätigt. Das
Werk ist im Archiv Descharnes unter der
Nummer d5025 registriert.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 10 000.- / 15 000.-
(€ 8 330.- / 12 500.-)

3237
3237
ROY, PIERRE
(Nantes 1880 - 1950 Mailand)
Querelle d’Hiver. 1940.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: P. Roy.
59 x 80 cm.
Provenienz:
- Galerie André François Petit, Paris (verso mit
Etikett).
- Dalzell Hatfield Galleries, Los Angeles (verso
mit Etikett).
- Privatbesitz Schweiz.
Ausstellung: 1967 Paris: Pierre Roy. 1880 - 1950.
Galerie André François Petit, Paris (mit Abb.).
Pierre Roy versteht seine Malerei ähnlich wie
David Lynch seine Filme. Die Werke entstünden
ohne jegliche symbolistische Intention, er
habe, wie er selbst über sich schreibt beim
Malen überhaupt keine Philosophie. Die tieferen
Zusammenhänge erschliessen sich erst auch
für ihn als Maler im Nachhinein; dies mache
den Surrealismus ja gerade aus.
Der inzwischen leider zu unrecht etwas in
Vergessenheit geratene Surrealist Pierre Roy
schreibt in einem Antworteschreiben auf eine
Anfrage des Museum of Modern Art New York
über dieses Gemälde: „Après avoir peint une
table de faux marbre, avec deux bûches dressées
dessus, sur un ciel d’hiver tourmenté je compris
que c’était l’histoire d’une liaison dont j’avais été
mis au courrant. La bûche de gauche, plus ou
moins phallique, c’était l’homme. Celle de droite,
la femme peut être enceinte ou dotée d’une
grosse poitrine. L’une et l’autre affrontées, et
séparées par une canne (pouvant aussi bien servir
à la marche qu’à battre quelqu’un) des feuilles
mortes (évoquant déclin et tristesse) des oignons
(évoquant des pleurs). J’appelai cette peinture
: « Querelle d’Hiver ». Ce qui est intéressant,
c’est que j’ai fait cette œuvre sans la
moindre idée préconçue et sans intention volontaire.
Je suppose que c’est ce qu’on appelle
Surréalisme, qui a existé depuis que le monde
est le monde.“ (Zit. nach Ausstellungskatalog
1967, Pierre Roy, Galerie André François Petit).
CHF 15 000.- / 18 000.-
(€ 12 500.- / 15 000.-)
| 47

Moderne Kunst
3238
3238*
DE CHIRICO, GIORGIO
(Volos 1888 - 1978 Rom)
Cavallo in riva al mare. Um 1935.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: G. de
Chirico.
24 x 41 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von der
Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, Rom,
bestätigt. Es ist dort unter der Nummer 101/80
registriert.
Provenienz:
- Sammlung Pallini.
- Galleria del Milione, Rom, 1973.
- Il Ridotto Galleria d’ Arte Moderna, Turin.
- Pier Maria Bardi, Sao Paolo.
- Privatsammlung Italien.
- Wohl Privatsammlung Deutschland.
- Privatsammlung Schweiz.
Giorgio de Chirico, 1880 als Sohn italienischer
Eltern auf Volos in Griechenland geboren,
beschäftigt sich bereits vor dem Ersten
Weltkrieg mit der Frage, wie der
Impressionismus als Malerei des schönen
Scheins überwunden und zum eigentlichen
Kern der Dinge vorgedrungen werden kann und
formuliert die Ästhetik der „pittura metafisica“,
der Darstellung von „metaphysischen“ Räumen
von grosser Einsamkeit und Leere und ebenso
grosser Verrätselung. Dafür greift de Chirico auf
die Meister der italienischen Frührenaissance -
Uccello, Masaccio, Piero della Francesca -
zurück, zu ihrer präzisen Wiedergabe von
| 48
Figuren und Dingen sowie ihrer ebenso sorgfältig
kalkulierten wie irritierenden Perspektive. Im
formalen Bildaufbau folgt er den Theorien der
italienischen Frühklassik und übernimmt als
„Handlungsorte“ für seine Werke deren
Schauplätze, und studiert die Farbgebung der
grossen Koloristen bis hin zu Renoir. In die auf
Leinwand projizierten menschenleeren Plätze
treten in der Folge die „manichini“
(Schaufensterpuppen), Phantome aus Holz und
Leder, und Gegenstände ohne Bezug untereinander.
De Chiricos Erschaffen einer traumhaften
Wirklichkeit, in dieser paradoxen
Verbindung des Widersprüchlichen, wird später
von den Surrealisten zur Grundlage ihrer
Ästhetik genommen. Unbeeindruckt von
Impressionismus, Fauvismus oder Futurismus
findet de Chirico zu seiner ganz persönlichen
Ausdrucksform. Das hier angebotene Werk,
entstanden um 1935, versteht sich vor dem
Hintergrund des reifen Werkes de Chiricos als
wunderbares Beispiel für die Qualität des
Frühwerks des Künstlers.
CHF 50 000.- / 70 000.-
(€ 41 670.- / 58 330.-)

3239
3239
DE CHIRICO, GIORGIO
(Volos 1888 - 1978 Rom)
Landschaft mit Tempel (bei Mefistofele).
Anfang 1950er Jahre.
Öl auf Leinwand, fest auf Holzplatte aufgelegt.
Unten rechts signiert: G. de chirico.
39,8 x 50 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von der
Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, Rom,
bestätigt. Es ist dort unter der Nummer
0015/03/10 OT registriert.
Provenienz: Direkt beim Künstler erworben,
seither in Schweizer Privatsammlung.
CHF 75 000.- / 95 000.-
(€ 62 500.- / 79 170.-)
| 49

Moderne Kunst
3240*
DALÍ, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Benvenuto Cellini und Jupiter. 1945.
Aquarell, Bleistift und Tinte auf feinem Karton.
Unten links signiert und datiert: Dalí 1945.
Zudem am unteren Rand, ausserhalb der
Darstellung von Gala bezeichnet: volume 2ieme
page 42 „j’allumai m’a torche et comme elle se
trouvait un peu au dessus de la tête du Jupiter,
... produisaient un effet merveilleux.“
18,8 x 10,8 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von
Nicolas Descharnes bestätigt, Mai 2012, das
Zertifikat ist von Robert, Nicolas und Oliver
Descharnes unterschrieben.
Provenienz:
- Galerie du Dragon, Paris.
- Christie’s London, 5. Dezember 1978, Los
170 (mit Abb).
Als im Jahre 1936 in Spanien der Bürgerkrieg
ausbricht, verlassen Salvador Dalí und seine
Frau Gala das Land und reisen einige Zeit ohne
festes Ziel durch Europa. Sie stranden in Italien
und verbringen hier einige Monate. Die Werke
der Italienischen Meister der Renaissance beeindrucken
Dalí sehr und er wird Zeit seines
Lebens immer auf diese Erfahrung zurückgreifen.
Über London reist das Paar weiter in die
USA, dort wird Salvador Dalí ein triumphaler
Empfang bereitet und er wird als „Mister
Surrealism“ gefeiert, sein Foto, gemacht von
Man Ray, ziert im Dezember 1936 sogar die
Titelseite des Time Magazine. Im Januar 1939
kehren Gala und Salvador nach Südfrankreich
zurück und leben dort in Arcachon, wo sich
auch Marcel Duchamp, Coco Chanel und
Leonor Fini zurückgezogen haben. Die deutschen
Truppen besetzen 1940 Frankreich und
die Dalís verlassen Europa erneut in Richtung
der Vereinigten Staaten von Amerika. Sie
| 50
leben bei Freunden in Kalifornien und New
York. Erst 1948 verlassen die Dalís die USA
und reisen zurück in ihr Haus in Portlligat an
der spanischen Mittelmeerküste.
Im November 1941 eröffnet das Museum of
Modern Art in New York eine Retrospektive
der spanischen Surrealisten Miró und Dalí.
Diese Ausstellung zieht als Wanderausstellung
durch acht Städte der USA, beide Künstler sind
nun in aller Munde. Dalí trifft in diesem
Zusammenhang den Schweizer Surrealisten und
Schriftsteller Maurice-Yves Sandoz, der in diesen
Jahren ebenfalls in New York lebt. Sandoz
bittet Salvador Dalí seine Bücher zu illustrieren.
Diese feinen und sehr lusxuriösen Bücher fallen
dem New Yorker Verlag Doubleday auf, der
Dalí für die Illustrationen von drei bedeutenden
Werken gewinnt So entstehen zwischen 1945-
47 die Buchillustrationen für die
„Autobiographie von Benvenuto Cellini“, für die
„Essays von Michel de Montaigne“ und für
„Don Quixote de la Mancha“. In der
Autobiographie von Benvenuto Cellini, übersetzt
von J.A. Symonds, Doubleday New York,
1946 werden einundvierzig Zeichnungen von
Dalí abgedruckt, die die bewegenden Momente
im Leben Cellinis illustrieren. Die grösste
Anzahl dieser Originalzeichnungen für die
„Autobiographie von Benvenuto Cellinis“ befinden
sich heute in der Sammlung der „Gala-
Salvador Dalí Foundation“ in Fuigeras. Unsere
Zeichnung ist ebenfalls ein Entwurf, und zwar
für die Illustration auf S. 309 und befand sich
seit Jahrzehnten in Privatbesitz. Sie zeigt einen
künstlerisch bedeutenden Moment im Leben
des populären italienischen Bildhauers. Mit
einer Fackel leuchtet Cellini auf die Statue von
Jupiter und durch das sich bündelnde Licht der
Fackel, erscheint die Skulptur in einem neuen
Licht und begeistert den Bildhauer erneut.
Meisterhaft gibt Dalí hier diesen erhellenden
Moment wieder. Mit gekonnter Hand setzt er
die Pinselstriche und die Linien der Feder, so
dass er das Momenthafte der Situation ebenso
wie das Geniale des italienischen Bildhauers in
dieser kleinformatigen Zeichnung einfängt.
CHF 150 000.- / 180 000.-
(€ 125 000.- / 150 000.-)

3240
| 51

Moderne Kunst
| 52
3241
3241*
KLEE, PAUL
(Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto)
Überfall durch ein Tier. 1940.
Schwarze Kleisterfarbe auf Papier, auf Karton.
Unten links auf dem Blatt und dem Karton signiert,
datiert und bezeichnet: Klee 1940 K1,
zudem unten rechts betitelt.
21 x 29,5 cm (Blattmass Zeichnung), 33 x 41 cm
(Unterlagekarton).
Provenienz:
- Lily Klee, Bern (ab 1940).
- Werner Allenbach, Bern (bis 1956).
- Berggruen & Cie, Paris (1956).
- Moderne Galerie Otto Stangl, München (ab
1956).
- Sammlung Dr. Hans Hülsberg, Hagen (ab
1960).
- Privatsammlung Deutschland (ab 1976).
Ausstellung: 1940 Zürich, Paul Klee, Kat.Nr.
155.
Literatur: Paul Klee Stiftung (Hrsg.). Catalogue
Raisonné Paul Klee. Bern 1991, Bd. 9, S. 179,
Nr. 9300 (mit Abb.).
CHF 15 000.- / 25 000.-
(€ 12 500.- / 20 830.-)

3242
3242*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Scuttling Away. 1947.
Tuschfeder und Aquarell auf Papier. Unten links
signiert: Feininger. Unten rechts datiert: 23.
IX.47. Verso mit Tuschfederskizze und dem
Titel in Bleistift: SCUTTLING AWAY.
23,3 x 30,9 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt. Das Werk ist im Archiv des Lyonel
Feininger Project, New York - Berlin, mit der
Nummer 277-11-18-09 registriert.
Ein kristallblaues Meer mit einem einsamen
Segelschiff, in dessen Hintergrund Eisschollen
in das zart lila-blaue Firmament mit dem hochstehenden
Halbmond empor ragen. Im
Vordergrund eine Gruppe angedeuteter
Menschen auf einem schmalen Küstenstreifen.
„Scuttling Away“ -“davoneilen“ hat Lyonel
Feininger dieses Aquarell aus dem Jahr 1947
betitelt. Doch die changierenden Farben und
die sorgfältig gesetzten Linien laden eher zum
Verweilen ein. Zum Eintauchen in eine Welt, in
der vieles nur angedeutet ist und sich nur erahnen
lässt, wohin die Menschen zu so später
Stunde gehen.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
| 53

Moderne Kunst
3243*
KIRCHNER, ERNST LUDWIG
(Aschaffenburg 1880 - 1938 Davos)
Sängerin am Klavier. Um 1935.
Aquarell und Tusche auf Papier. Unten links
mit Bleistift signiert: ELKirchner.
49,3 x 34,7 cm.
Dieses Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner
Archiv Wichtrach/Bern dokumentiert.
Literatur: Vgl. Ketter, Roman Norbert (Hrsg.).
Ernst Ludwig Kirchner, Zeichnungen und
Pastelle, Stuttgart und Zürich 1979.
Mit schwungvollen Strichen umreisst Kirchner
die Kontur der Sängerin, welche im Seitenprofil
wiedergegeben ist. Flügel und Pianist sind im
Gegensatz zur Sängerin klein dargestellt. Die
Körper sind ausgespart und setzen sich vom
lavierten Hintergrund ab. Das Lavis ist in verschiedenen
Hell-Dunkel Abstufungen angebracht,
unterstreicht die Präsenz des Klaviers
und die elegante Rückenlinie der Sängerin. Das
Stilmittel des „Negativeffekts“, bewirkt durch
die ausgesparten Körper gegen den dunklen
Hintergrund, wendet Kirchner auch in der
Tuschfederzeichnung betitelt „Tänzerin“ von
1931 an (Ketterer, 1979, Katalog 93). Das Motiv
und die körperliche Haltung des Seitenprofils
nach links und die erhobenen Arme der
Hauptfigur ist ebenfalls vergleichbar zum vorliegenden
Blatt.
| 54
Die meisterhafte Perfektion der Linienführung
zeigt den grossen Zeichner Ernst Ludwig
Kirchner auch in diesem Werk. Es stellt nicht
nur eine Sängerin und ein Klavier dar, sondern
mit dem gekonnten Einsatz der Linien und
Farbflächen versetzt Kirchner das Blatt in
Vibration, so dass der Betrachter nicht nur
sehen, sondern das Werk auch hören kann. Die
Musik scheint förmlich aus dem Bild heraus zu
strömen. Meisterhaft verbindet Kirchner in diesem
Aquarell die Bewegung mit dem Stillstand.
CHF 40 000.- / 60 000.-
(€ 33 330.- / 50 000.-)

3243
| 55

Moderne Kunst
| 56
3244

3245
3244
SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL
(Rottluff 1884 - 1976 Berlin)
Stillleben mit Flasche und Blumen.
1940er Jahre.
Farbkreide über Tusche auf Papier. Unten links
signiert: SRottluff.
40 x 25 cm.
Wir danken Prof. Gerlinger für seine wissenschaftliche
Unterstützung.
Provenienz:
- Galerie Kornfeld, Bern 1995.
- Privatsammlung Schweiz.
CHF 18 000.- / 28 000.-
(€ 15 000.- / 23 330.-)
3245
DIX, OTTO
(Untermhaus b. Gera 1891 - 1969 Singen/
Hohentwiel)
Dorf im Schnee. 1955.
Aquarell auf Papier. Unten rechts signiert und
datiert: Dix 1955.
39 x 52 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Rainer
Pfefferkorn bestätigt. Das Werk wird in das in
Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der
Aquarelle von Otto Dix aufgenommen.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
CHF 10 000.- / 15 000.-
(€ 8 330.- / 12 500.-)
| 57

Moderne Kunst
3246*
DIX, OTTO
(Untermhaus b. Gera 1891 - 1969 Singen/
Hohentwiel)
Landschaft mit Blaukraut. 1947.
Öl auf Hartfaserplatte. Unten rechts datiert und
mit Ligatur: 4 DIX 7.
85 x 79,5 cm.
Literatur: Löffler, Fritz. Otto Dix 1891 - 1969:
Oeuvre der Gemälde, Recklinghausen 1981, S.
251, Nr. 1947/15 (mit Abb.).
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
Nach einigen Reisen in die Schweiz lässt Otto
Dix sich 1936 in Hemmenhofen am Bodensee
nieder. Während der Kriegsjahre hält er sich in
Dresden, der Schweiz und in Böhmen auf, entscheidet
sich jedoch 1946 nach Hemmenhofen
zurückzukehren. Trotz der sehr schwierigen
Situation in der Nachkriegszeit, sind diese Jahre
unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg in seinem
Oeuvre sehr produktive Jahre. Schon während
des Krieges, um schnell und somit viel
malen zu können, wendet er sich von der
Lasurmalerei ab hin zur alla prima Malerei.
| 58
Im Vordergrund rechts unseres Werkes fällt
sofort das titelgebende Blaukraut ins Auge. Im
Kontrast dazu erheben sich dahinter und seitlich
goldgelbe Ähren, die sich bis zum Horizont ziehen.
Dort scheint sich mit bedrohlichen, dunklen
Wolken ein Sturm zusammenzubrauen. Im
rechten Bildhintergrund steht geschützt unter
Bäumen ein kleines Haus, das durch seine weisse
Fassade heraussticht. Der schnelle und
dynamische Pinselstrich unterstreicht die
Dramatik des Bildes.
Die Landschaftsdarstellungen in der zweiten
Hälfte der 1940er Jahre entstehen in der
Umgebung von Hemmenhofen, wie wohl auch
das vorliegende Werk. In nur wenigen Jahren
vollzieht sich in seiner Malerei die Hinwendung
zum Expressiven Realismus. Während die
Landschaftsdarstellungen aus dem Jahr 1946 mit
ihrer Genauigkeit und Detailliertheit an die
Arbeiten der frühen 1940er Jahre erinnern, werden
die Werke ab 1947 expressiver, grosszügiger
in den Motiven und letztendlich abstrakter. Das
vorliegende Werk von 1947 zeigt eindrucksvoll
diese Entwicklung. Während der pastose
Farbauftrag und die Dynamik schon für den
Expressiven Realismus sprechen, so bleibt doch
die Darstellung präzise und detailliert.
CHF 60 000.- / 80 000.-
(€ 50 000.- / 66 670.-)

3246
| 59

Moderne Kunst
| 60
3247
3247
KOKOSCHKA, OSAKR
(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)
Malven. 1961.
Aquarell auf Papier. Unten rechts signiert und
datiert: OKokoschka 61.
66 x 48 cm.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
CHF 25 000.- / 35 000.-
(€ 20 830.- / 29 170.-)

3248
3248*
MASSON, ANDRÉ
(Balagny-sur-Thérain 1896 - 1987 Paris)
Les rochers à Belle Ile. 1947.
Tusche und Pastell auf Papier, auf Leinwand aufgelegt.
69 x 47 cm.
Mit einem Gutachten vom Comité André Masson, Diego
Masson, Paris 16. April 2010. Das Werk ist im Archiv des
Comité André Masson unter der Nummer C.A.M. 1815
registriert.
Provenienz: Privatsammlung Italien.
CHF 18 000.- / 28 000.-
(€ 15 000.- / 23 330.-)
| 61

Moderne Kunst
3249
3249
CHAGALL, MARC
(Witebsk 1887 - 1985 Saint-Paul-de-Vence)
Paniers de fruits, légumes et fleurs. 1950.
Tusche und Aquarell auf Papier. Unten rechts
signiert und datiert: Marc Chagall 1950.
50 x 65,2 cm.
Das Comité Chagall bestätigt die Authentizität
des Werkes, Paris, April 2012.
Provenienz:
- Galerie Maeght, Paris.
- Privatbesitz, La-Chaux-de-Fonds.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
Für dieses 1950 entstandene Stillleben arrangiert
Chagall zwei Körbe und einen Blumenstock. Es
ist nur sehr abstrakt ein Tisch angedeutet und
der Hintergrund ist in einem kräftigen Blau
gehalten. Der linke Korb ist wohl nach vorn
| 62
überkippend an etwas angelehnt worden, so
dass man einen besseren Blick auf das darin enthaltene
Gemüse hat, wohl beispielsweise eine
Aubergine, einen Blumenkohl und Tomaten.
Der rechte Korb scheint hauptsächlich Trauben
zu beeinhalten, steht aber so auf dem Tisch,
dass er seitlich gesehen wird. Hinter ihm ist der
Blumenstock. Es könnte sich um Azaleen handeln,
Blumen, welche Chagall sehr gerne in dieser
Zeit darstellt. Sie dienen ihm wohl als
Symbol der Lebenskraft und mit ihren intensiven
Farben als zusätzliches Element der
Farbenprächtigkeit, die wenn man dieses
Arrangement mit einigen Stillleben aus just derselben
Zeit vergleicht, fällt einem auf, dass hier
oft dieselben Gegenstände unterschiedlich
zusammengestellt wurden.
Dieses Werk ist ein sehr schönes Beispiel der
um diese Zeit Chagalls einsetzenden noch
zusätzlich intensiveren Leuchtkraft seiner
Farben.
CHF 250 000.- / 350 000.-
(€ 208 330.- / 291 670.-)

| 63

Moderne Kunst
3250
CHAGALL, MARC
(Witebsk 1887 - 1985 Saint-Paul-de-Vence)
Soleil au dessus de Vence. Um 1964.
Öl auf Karton und Leinwand. Unten rechts mit
dem Nachlass-Signaturstempel: Marc Chagall.
51 x 41cm.
Mit Zertifikat von Jean-Louis Prat, Fondation
Chagall, Paris, 15. April 1996.
Provenienz:
- Nachlass des Künstlers.
- Privatsammlung Schweiz.
Die endgültige Rückkehr Marc Chagalls nach
Frankreich 1948 bedeutet eine grundlegende
Neuerung in seiner Kunst. Mit seiner jüngeren
Ehefrau Virginia Haggard, deren Tochter
Virginia aus erster Ehe und dem gemeinsamen
Sohn David, lässt sich Chagall erst in Paris nieder
bevor er 1950 den Landsitz „Les Collines“ in
Vence kauft, wo der Maler auch sein Atelier
einrichtet. Chagall legt in den Jahren von Vence
eine unglaubliche Vitalität und schöpferische
Kraft an den Tag. Hier beendet er denn auch
zahlreiche Werke, die er bereits zu einem früheren
Zeitpunkt begonnen hat. Die wesentliche
Leistung, die in diese Zeit fällt, sind die grossen
Kompositionen wie beispielsweise „Der blaue
Zirkus“ von 1950. Das Erlebnis der spektakulären
Natur und des Lichtes des Mittelmeeres, im
Besonderen von Griechenland und der Côte
d’Azur, und in welche Stimmung es die
Landschaft tauchen kann, üben auf Chagall
eine nachhaltige Wirkung aus. In dieser magischen
Umgebung webt Chagall Motiv, Farbe
und Form zu wunderbaren, farbintensiven und
leuchtenden Traumwelten zusammen.
| 64
Soleil au dessus de Vence ist ein wunderbares
Beispiel für dieses lodernde Farbenspiel und die
Ausdruckskraft der Werke aus den Jahren in
Südfrankreich. Eine Patina der Fröhlichkeit
dominiert das Gemälde: kräftiges Rot, Grün,
Blau und Gelb strukturieren die Anordnung der
einzelnen Bildelemente, unter ihr erstreckt sich
die mittelalterliche Stadt in starken Farben.
Links im Bild balanciert ein Bauer einen grossen
Korb mit Früchten auf seinem Haupt. Von der
linken Bildseite her reckt sich eine Mutter mit
einem Kleinkind in den Armen gegen die
Bildmitte hin, Blumen in den Händen haltend.
Unterhalb von ihr blickt eine Ziege den
Betrachter aus dem Bild heraus direkt an.
Der untere Bildrand ist in hellem Blau gehalten
und führt den Betrachterblick zur rechten unteren
Bildecke, in der eine männliche Figur die
Hand zum Gruss erhebt. Ein dünnes Bäumchen
ragt in den Himmel, über ihm schwebt im goldenen
Abendhimmel ein grosses Huhn. Dieses
sind Chagalls typische Bildfiguren, die er immer
wieder dem dörflichen Motivkreis entnimmt:
der Bauer, die Ziege, das Huhn. Indem er das
Städtchen ins Zentrum des Bildes rückt, betont
er dessen Bedeutung für ihn als Künstler. In der
Literatur wird der Blick aus dem Atelier
Chagalls in Vence als zauberhaft beschrieben:
die Sicht aus dem Fenster fällt unweigerlich auf
das Städtchen mit Mauerring und der mittelal-
terlichen Kathedrale, welche bereits Henri
Matisse begeistert hat.
In manchen Gemälden im Reifewerk Chagalls
sind das Städtchen und die es umgebende
Landschaft die zentralen Motive. Diese verbinden
sich mit den Farben, die Chagall bisweilen
zu einem heftigen Expressionismus führt, zu
einem wunderbar angelegten Stimmungsbild
jener glücklichen Lebensphase und der Kraft
seines reifen Werkes. Die prächtige Fülle der
Natur und das magische Licht des Südens
erhalten in dem vorliegenden Gemälde Soleil au
dessus de Vence ihren tiefgreifenden Ausdruck.
CHF 500 000.- / 700 000.-
(€ 416 670.- / 583 330.-)

3250
| 65

Moderne Kunst
3251
DOMERGUE, JEAN GABRIEL
(Bordeaux 1889 - 1962 Paris)
Elegante au Corset.
Öl auf Holz. Unten rechts signiert: Jean Gabriel
Domergue.
32 x 23,5 cm.
CHF 8 000.- / 12 000.-
(€ 6 670.- / 10 000.-)
3252
DOMERGUE, JEAN GABRIEL
(Bordeaux 1889 - 1962 Paris)
Solitude.
Öl auf Holz. Unten links signiert: Domergue.
33 x 24 cm.
CHF 3 000.- / 5 000.-
(€ 2 500.- / 4 170.-)
3253
DIULGHEROFF, NICOLA
(Kjustendil 1901 - 1982 Turin)
Tänzerinnen. 1928.
Tempera auf dünnem Karton. Je unten links
signiert: DIULGHEROFF.
Je 49 x 34 cm.
Provenienz:
- Sammlung Gianni Versace.
- Privatbesitz Schweiz.
CHF 10 000.- / 15 000.-
(€ 8 330.- / 12 500.-)
3254
ANDREENKO-NECHITALYIO, MIKHAIL
FEDOROVICH
(Cherson 1894 - 1982 Paris)
Abstrakte Komposition. 1966.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und
datiert: Andreenko 66.
38 x 61 cm.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
| 66
3251
3252

3253
3254
| 67

Die folgenden drei Objekte von Diego Giacometti werden in der Auktion
Schweizer Kunst am 22. Juni 2012, ab 14.00 Uhr in Zürich versteigert.
The following three objects by Diego Giacometti will be offered in the Swiss Art auction,
taking place 22 June 2012, from 2pm.
3075
GIACOMETTI, DIEGO
(Stampa 1902 - 1985 Paris)
Konsole „La Promenade des amis“.
Entwurf um 1976.
Bronze patiniert. Auf der hinteren Verstrebung
signiert und monogrammiert: DIEGO. DG.
90,7 x 35,9 x 122,5 cm. (Glasplatte später
ergänzt).
Provenienz:
Privatbesitz Schweiz. Von den Eltern des heutigen
Besitzers direkt bei Diego Giacometti in
Paris gekauft.
Der Name des heutigen Besitzers, der hier nicht
erwähnt werden möchte, wird dem Käufer
bekannt gegeben.
CHF 300 000.- / 500 000.-
(€ 250 000.- / 416 670.-)
| 68
3076*
GIACOMETTI, DIEGO
(Stampa 1902 - 1985 Paris)
Lampes au chien et faucon. Um 1965.
Bronze, grüne und braune Patina. Höhe 34 cm.
(Lampenschirme ergänzt).
Gutachten: Denis Vincenot, 28. Januar 2010.
Provenienz:
Privatbesitz New York.
CHF 70 000.- / 100 000.-
(€ 58 330.- / 83 330.-)
3077
GIACOMETTI, DIEGO
(Stampa 1902 - 1985 Paris)
Ein paar Fauteuil „à têtes de lionnes“. 1970er
Jahre (zweite Version).
Bronze, schwarz und grün patiniert.
Höhe 81 cm. (Bezüge wohl später).
Provenienz:
Privatbesitz Schweiz. Von den Eltern des heutigen
Besitzers direkt bei Diego Giacometti in
Paris gekauft.
Der Name des heutigen Besitzers, der hier nicht
erwähnt werden möchte, wird dem Käufer
bekannt gegeben.
CHF 100 000.- / 150 000.-
(€ 83 330.- / 125 000.-)

| 69