(A) / KARL KARNER - Tanzquartier Wien

TANZQUARTIER WIEN / VERANSTALTUNGEN
Februar – April 2010
Februar 2010
Uraufführung
LINDA SAMARAWEEROVÁ (A) / KARL KARNER (A)
I THINK WE HAVE A GOOD TIME – chanson de geste
Do 11. Feb. – Sa 13. Feb. 20.30 h in TQW / Halle G
Österreichische Erstaufführung
ALEXANDRA BACHZETSIS (CH)
Dream Season
Fr 19. Feb. / Sa 20. Feb. 20.30 h in TQW / Halle G
Österreichische Erstaufführung
TANZTHEATER WUPPERTAL PINA BAUSCH (D)
KONTAKTHOF Mit Teenagern ab ’14’
Ein Stück von Pina Bausch.
Fr 26. Feb. 20.30 h / Sa 27. Feb. 19.30 h in TQW / Halle E
In Kooperation mit SZENE BUNTE WÄHNE Tanzfestival
März 2010
Uraufführung (der Bühnenversion)
Cie. WILLI DORNER (A)
above under inbetween / stage
Do 4. März – Sa. 6. März 20.30 h in TQW / Halle G
Internationale Gastspiele
DAVE ST-PIERRE (CAN)
La Pornographie des âmes (bare naked soules)
Di 9. März / Mi 10. März 20.30 h in TQW / Halle G
Un peu de Tendresse Bordel de Merde! (a little tenderness for crying out loud!)
Fr 12. März / Sa. 13. März 20.30 h in TQW / Halle G
Uraufführung
CESC GELABERT (E) tanzt ein Solo von GERHARD BOHNER (D, 1936-1992)
Schwarz Weiß Zeigen. Übungen für einen Choreografen.
Fr 19. März / Sa 20. März 20.30 h in TQW / Halle G
Österreichische Erstaufführung
LAURENT CHÉTOUANE (F/D)
Tanzstück #4: leben wollen ( zusammen )
Fr 26. März / Sa 27. März 20.30 h in TQW / Halle G
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Ausgewählte Programmpunkte im April 2010
Österreichische Erstaufführung
FABIAN BARBA (EC/BE) / BUSY ROCKS
A Mary Wigman Dance Evening
Fr 9. April / Sa 10. April 20.30 h in TQW / Halle G
SCORES#1: touché
Künstlerisch-theoretischer Parcours zu sichtbaren und unsichtbaren Berührungen in Tanz und
Performance von Mi 21. April – Sa 24. April im Tanzquartier Wien
Im Rahmen von SCORES#1: touché finden u.a. folgende Vorstellungen in TQW / Halle G statt:
Österreichische Erstaufführung
L’A. / RACHID OURAMDANE (F)
LOIN…
Mi 21. April 20.30 h in TQW / Halle G
Gastspiel
METTE INGVARTSEN (DK)
GIANT CITY
Fr 23. April 20.30 h in TQW / Halle G
Gastspiel
SUPERAMAS (A/F)
Empire (Art & Politics)
Do 29. April / Fr 30. April 20.30 h in TQW / Halle G
Weitere Infos zum Programm und zu den Veranstaltungen am Tanzquartier Wien unter www.tqw.at
Tickets und Info:
Tageskassa / TQW Studios Mo – Sa 9.00 – 20.00 h (feiertags geschlossen)
T: +43-1-581 35 91, Email: tanzquartier@tqw.at, abo@tqw.at, www.tqw.at
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Uraufführung
LINDA SAMARAWEEROVÀ (A) / KARL KARNER (A)
I THINK WE HAVE A GOOD TIME – chanson de geste
Do 11. Feb. – Sa 13. Feb. 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept: Karl Karner und Linda Samaraweerová Künstler: Karl Karner, Sabile Rasiti, Valentin
Ruhry, Linda Samaraweerová, Lena Wicke-Aengenheste Gäste: Emil Cavic, Jakob Dietrich,
Nicolas Eder, Julius Neuber Bühnenbildinstallation: Karl Karner Lichtdesign: Victor Duran
Dramaturgie: Laura Samaraweerová, Bruno Batinic Künstlerische Assistenz: Laura Samaraweerová
Bezugnehmend auf die mittelalterliche Tradition der Heldenlieder – der chansons de geste – deren
Merkmal das inhaltliche wie formale Spiel mit Originalität und Variation ist, erweitern Linda
Samaraweerová und Karl Karner in ihrer Produktion die dort angelegten Motive von Ereignis und
Wiederholung und weiten sie auf eine gegenwärtige (westliche) Gesellschaft und ihre Wahrnehmungs-
und Erzählmechanismen aus: vermeintlich individuelle Lebensentwürfe und global entworfene
Vorstellungen ebenso wie Strategien der Selbstbestimmung und der Manipulation werden durch
installative und performative Mittel der Gleichsetzung, Umkehrung und Übersetzung in ihren Vorzeichen
und ihrer Praxis thematisiert. In ihrer spezifischen künstlerischen Sprache, die von der bildenden wie der
darstellenden Kunst gleichermaßen geprägt ist, entwickelt das in Wien arbeitende Künstlerduo ein
heutiges Heldenlied – ambivalent und subversiv, gegenwartsunsicher und kritisch seiner eigenen, dichten
und zugleich lückenhaften Narration gegenüber.
Produktion: KASAL
Mit freundlicher Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien MA7 und bm:ukk.
Einführungen zu den Veranstaltungen
Do 11. Feb. – Sa 13. Feb. jeweils 19.45 h TQW / Studios (Eintritt frei)
KünstlerInnen-Gespräch mit Linda Samaraweerová und Karl Karner im Anschluss an die Vorstellung
am Fr 12. Feb. in TQW / Halle G (Eintritt frei)
Biografien
Linda Samaraweerová absolvierte 2002 die zeitgenössische Tanzausbildung in Brüssel bei P.A.R.T.S.
und arbeitet seitdem als Choreografin und Performerin in Österreich.
Karl Karner ist als Installationskünstler tätig und studiert derzeit an der Akademie der bildenden Künste
in Wien bei Heimo Zobernig.
Seit 2005 produzieren Karl Karner und Linda Samaraweerová mit den ebenfalls im Kunstbereich
verankerten Laura Samaraweerová (Fotokünstlerin) und Bruno Batinic (Filmkurator) an verschiedenen
Orten, in verschiedenen Kontexten und mit verschiedenen personellen Zusammensetzungen „performte
Choreografien“, die in ihrer Form eine Gratwanderung zwischen darstellender und bildender Kunst
vollziehen.
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Österreichische Erstaufführung
ALEXANDRA BACHZETSIS (CH)
Dream Season
Fr 19. Feb. / Sa 20. Feb. 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept und Choreografie: Alexandra Bachzetsis Mit: Alexandra Bachzetsis, Gabriel Schenker /
Garlos Garbin, Liz Kinoshita, Nic Lloyd, Martina Sofie Wildberger Dramaturgie: Nicole Borgeat
Bühnenbild: Sylvie Kleiber Musik: Lies Vanborm in Zusammenarbeit mit Emilie Nana Video in
Zusammenarbeit mit: Patriez van der Wens Licht: Tina Bleuler Kostüme: Tina Bleuler in
Zusammenarbeit mit Linda Dürst Grafik: Julia Born und Boyplaygirl in Zusammenarbeit mit Ptrz und
Adrian Rizell Produktion: All Exclusive Management: Marion Baumgartner Promotion und Diffusion:
Sarah de Ganck
Intrige, Lüge und die Liebe zum Trivialen sind der Stoff, aus dem Dream Season ist. Soap-Opera und
zugleich Studie derselben, spielt die Performance mit der schmalen Linie, die bittere Parodie und
Empathie, die analytischen Blick und sentimentale Identifikation voneinander trennen. Drei Frauen und
zwei Männer sind Protagonisten des potenziell romantischen Desasters, in dem sich Erzählstränge
überkreuzen, Alltägliches und Fiktives in Parallelmontage ineinander verwoben sind und verschiedene
Welten mit ihren je eigenen Archetypen aufeinander prallen. Wie werden Geschichten erzählt, von einer
Sprache – von Live-Kamera und Fernsehen auf die Bühne und zurück – übertragen und was sind die
Codes dieses real-medialen Wechselspiels, fragt Alexandra Bachzetsis in dieser Arbeit und stellt unser
Sehen – zwischen Fernseh-Träumen und eigener Wahrnehmung – auf den Prüfstand.
Das Gastspiel findet im Rahmen des kuratorischen Schwerpunkts Rochade: Schweiz statt, das sich in
der Spielzeit 2009 / 10 dem aktuellen Tanz- und Performanceschaffen in der Schweiz widmet.
Koproduktion: Theaterhaus Gessnerallee Zürich, Theater Chur, Dampfzentrale Bern, Arsenic Lausanne,
ADC Genève
Gefördert durch: Stadt Zürich Kultur, Fachstelle Kultur Kanton Zürich, Pro Helvetia Schweizer
Kulturstiftung, SIS Schweizerische Interpretenstiftung, Ernst Göhner Stiftung.
In Partnerschaft mit: Veranstalterfonds / Reso – Tanznetzwerk Schweiz
Einführungen zu den Veranstaltungen
Fr 19. Feb. / Sa 20. Feb. jeweils 19.45 h in TQW / Studios (Eintritt frei)
Im Rahmen des kuratorischen Schwerpunktes Rochade: Schweiz
Projekt Tanz: Präsentation des Projektes durch Andrew Holland (Pro Helvetia) am Sa 20. Feb 17.30 h
in TQW / Studios (Eintritt frei)
Diskussion zum Thema Komplizenschaften? Was sind adäquate Förderstrukturen für Produktion
und Austausch künstlerischer Arbeiten in Tanz und Performance mit u.a.: Jens Badura (SEAD
Salzburg), Andrew Holland (Pro Helvetia), Bettina Kogler (brut Wien/TIGA), Vertretern des bmukk und
der Stadt Wien (tbc), Roger Merguin (Dampfzentrale Bern) am Sa 20. Feb. 18.30 h in TQW / Studios
(Eintritt frei)
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Biografien
Alexandra Bachzetsis (geb. 1974), Choreografin und Künstlerin, lebt und arbeitet in Zürich.
Ausbildung: Performance Education Program, Stuk Kunstencentrum, Leuven (1997-1999) und
Nachdiplomstudium, Das Arts, Amsterdam (2004-2006). Sie tanzte u.a. in Produktionen von Sascha
Waltz & Guests, Berlin (1999), Les Ballets C. de la B., Gent (2000-2003).
Seit 2001 produzierte sie ihre eigene Arbeit in einer Doppelrolle als Choreografin und Performerin in
Stücken, die sie selbst inszeniert hat. Ihre Arbeit vereint eine Vielzahl von Genres der Hoch- und
Populärkultur des Tanzes und verbindet präzise schauspielerische Techniken mit Gesten und
Ausdrücken, die dem täglichen Leben entnommen sind.
In 2007 erhielt sie den Migros Kulturprozent Jubilee Award für Choreografie. In 2008 hatte sie für ihre
Einzelausstellung mit dem Titel SHOW an der Kunsthalle Basel eine Reihe miteinander verbundener
Live-Auftritte entwickelt.
Martina-Sofie Wildberger, geboren 1985 in Zürich, lebt und arbeitet in Genf. Sie studiert Performances
Studies an der Haute Ecole d’Art et de Design (HEAD) in Genf, wo sie sich auf sonore Poesie
spezialisiert. Mit ihren Text-Performences ist sie regelmässig an Poesie- und Performancefestivals zu
sehen, unter anderem am La poésie/ nuit in Lyon.
Liz Kinoshita was born and raised in Toronto, Canada where she studied dance at the Etobicoke
School of the Arts. In 2002 she moved to the Netherlands to train and work. Liz attended P.A.R.T.S. in
Brussels, Belgium from 2004 and graduated in June of 2008. During this period she had the opportunity
to perform "Be My Baby" with Albert Quesada, "Drink It Up" a solo created under the direction of Deborah
Hay, and "Nusch" a Rosas/TG Stan production with Frank Vercruyssen. She is presently performing with
Zoo/Thomas Hauert in the tour of "Accords".
Gabriel Schenker, born 1983 in Washington DC, USA, started his professional career in Brazil
working with the Deborah Colker Dance Company touring widely across Brazil, Europe, US, China and
New Zealand. In 2004 he came to Europe to follow a four year formation in P.A.R.T.S., the dance school
based in Brussels directed by Anne Teresa de Keersmacker. Together with four ex-class mates he
founded Busy Rocks, a collective based on artistic affinities and fluid formations producing many works
since 2008 and touring all across Europe. Outside the frame of Busy Rocks, Gabriel collaborates with
different choreographers such as Alexandra Bachzetsis, Doris Stelzer and Thomas Hauert/Zoo.
Nic Lloyd was born in England in 1977. Growing up between that country and New Zealand he
graduated from Middlesex University in London in 2002 with a BA in Philosophy. Having a background in
music he made the transition to theatre performance in 2005, working with Simone Aughterlony in her
group piece Bare Back Lying which premiered in Theaterhaus Gessneralle in Zurich. Since then he has
performed in two other Aughterlony productions: the more recent group piece The Best and the Worst of
Us and the duet Tonic, both of which also premiered at Gessnerallee in 2008 and 2007 respectively. In
the last year he has worked on pieces for two other Swiss based choreographers: Dream Season by
Alexandra Bachtzesis (premiering in Gessnerallee late 2008) and the interactive performance project Do
What You See...See What You Do by Laura Kalauz which premiered in Rotefabrik in Zurich earlier this
year. He is currently working on a new collaborative group production headed by Simone Aughterlony
and Isabelle Schad which will premiere at Gessnerallee in Zurich in December 2009.
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Österreichische Erstaufführung
TANZTHEATER WUPPERTAL PINA BAUSCH (D)
KONTAKTHOF Mit Teenagern ab ’14’
Ein Stück von Pina Bausch.
Fr 26. Feb. 20.30 h in TQW / Halle E
Sa 27. Feb. 19.30 h in TQW / Halle E
In Kooperation mit SZENE BUNTE WÄHNE Tanzfestival
Inszenierung und Choreographie: Pina Bausch Bühne und Kostüme: Rolf Borzik Mitarbeit: Rolf Borzik,
Marion Cito, Hans Pop Probenleitung und Einstudierung: Bénédicte Billiet, Josephine Ann Endicott
Kostüme nach dem Entwurf von Rolf Borzik: Marion Cito Kostümassistenz: Svea Kossak Musik:
Charlie Chaplin, Anton Karas, Juan Llossas, Nino Rota, Jean Sibelius u.a. Technische Leitung:
Manfred Marczewski Licht: Jo Verlei Ton: Karsten Fischer Technik: Martin Winterscheidt Verfolger:
Kerstin Hardt Garderobe: Marika Müller, Birgit Stössel, Harald Boll Maske: Roswitha Sewing
Inspizienz: Felicitas Willems
Kontakthof ist ein Ort, an dem man sich trifft,
um Kontakt zu suchen.
Sich zeigen, sich verwehren.
Mit Ängsten. Mit Sehnsüchten.
Enttäuschungen. Verzweiflung.
Erste Erfahrungen. Erste Versuche.
(Pina Bausch)
Kontakthof ist ein Ort der Begegnung, ein Ort elementarer menschlicher Gefühle. In dem von Rolf Borzik
entworfenen leeren Ballsaal beobachtet und erkundet Pina Bausch ihre Protagonisten und entfaltet ihre
poetische wie kraftvolle Bild- und Bewegungssprache. Diese machte sie zu einer der weltweit
prägendsten Choreografinnen des 20. Jahrhunderts und beeinflusste nicht nur das zeitgenössische
Tanzschaffen nachhaltig, sondern ist auch in der Arbeit verschiedener Theater- und Filmschaffender
deutlich zu spüren. Kontakthof wurde bereits 1978 vom Tanztheater Wuppertal uraufgeführt und hatte im
November 2008 in der Fassung Für Teenager ab ´14` Premiere, in der die 26 Jugendlichen ihre ganz
eigenen Erfahrungen einbringen und Geschichten von Annäherung und Zärtlichkeit, von Verletzlichkeit
und Zurückweisung erzählen. „Es ist ein Welttheater, das nicht belehrt oder besser weiß, sondern das
Erfahrungen herstellt: beglückende oder traurige, sanfte oder konfrontierende, aber immer auch
komische und skurrile.“ (Norbert Servos)
Mit Unterstützung von Wiener Linien und Austria Trend Hotels
Aufführungsrechte: L`Arche Editeur Paris
Uraufführung 1978
Version mit Teenagern 2008: Flutura Ajvazi, Kira Clemens, Anna Lena Dresia, Bastian Bastian, Maria
Färber, Marvin George, Luca Greco, Lisa Hymmen, Pia Jansen, Soeren Keup, Lisa Kleinschmidt, Jonas
Kosmoll, Lydia Kumi, Kim Lörken, Katja Manke, Ben Pfennig, Lennard Pfennig, Dawid Podkidacz, Jonas
Quatuor, Melissa Raucamp, Mona Remfort, Ramona Rexfort, Frederike Schmidt, Katharina Schüler,
Rosario Tavano, Andy Sichui, Moritz Winkelmann, Florian Wisnewski, Joy Wonnenberg.
In Zusammenarbeit mit Wuppertaler Schulen: Carl-Fuhlrott Gymnasium, Gesamtschule Barmen,
Gesamtschule Else-Lasker-Schüler, Gesamtschule Erich-Fried Ronsdorf, Gesamtschule Langerfeld,
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Gesamtschule Vohwinkel, Gymnasium Bayreuther Straße, Hauptschule Hügelstraße, Rudolf-Steiner-
Schule, St. Anna Gymnasium, Städtisches Reichenbach-Gymnasium Ennepetal, Berufskolleg Am Kothen
und Gesamtschule Köln-Holweide
Dank den LehrerInnen, die dieses Gastspiel begleiten: Cornelia Adlung, Claus Baermann, Dorothea
Block
Vortrag
FRANZ ANTON CRAMER (D/F)
tanzdenken: Glanz und Elend instabiler Diskurse
Fr 26. Feb. 18.30 h in TQW / Studios (Eintritt frei)
Einführungen zu den Veranstaltungen
Fr 26. Feb. 19.45 h / Sa 27. Feb. 18.45 h in TQW / Studios (Eintritt frei)
Gespräch mit Bénédicte Billiet und Josephine Ann Endicott (beide verantwortlich für die
Probenleitung) sowie mit DarstellerInnen der Produktion Kontakthof. Mit Teenagern ab ´14` am Sa 27.
Feb. 15.00 h in TQW / Studios (Eintritt frei)
TANZTHEATER WUPPERTAL PINA BAUSCH
Künstlerische Leitung: Dominique Mercy, Robert Sturm Geschäftsführung: Cornelia Albrecht
Bühnenbild: Peter Pabst, Rolf Borzik Kostüme: Marion Cito, Rolf Borzik Musikalische Mitarbeit: Matthias
Burkert, Andreas Eisenschneider Mitarbeit und Probenleitung: Bénédicte Billiet, Matthias Burkert, Marion
Cito, Josephine Ann Endicott, Barbara Kaufmann, Daphnis Kokkinos, Ed Kortlandt, Helena Pikon; a.G.:
Malou Airaudo, Hans Pop, Kenji Takagi
Trainingsleiter (a.G.): Malou Airaudo, Christine Biedermann, Ernesta Corvino, Andrey Klemm, Ed
Kortlandt, Christine Kono, Paul Melis, Agnes Pallai, Janet Panetta, Antony Rizzi Referentin der
Künstlerischen Leitung: Sabine Hesseling Assistentin der Geschäftsführung: Katharina Bauer
Organisation und Mitarbeit: Katharina Bauer, Grigori Chakhov, Claudia Irman, Peter Lütke, Ursula Popp
Disposition und Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Ursula Popp Gastspielorganisation: Claudia Irman
Tourmanagement: Felicitas Willems Inspizienz: Peter Lütke, Felicitas Willems, Thomas Kretzschmar
(a.G.) Pianist: Matthias Burkert Mitarbeit Foto: Ulli Weiss (a.G) Mitarbeit Video: Grigori Chakhov
Archivierung: Marc Wagenbach Mitarbeit Archivierung: Bénédicte Billiet, Barbara Kaufmann, Grigori
Chakhov Technische Leitung: Manfred Marczewski, Jörg Ramershoven Leiter der Beleuchtung:
Fernando Jacon Beleuchtungs- und Videotechnik: Jo Verlei, Kerstin Hardt (a.G.) Bühnentechnik: Dietrich
Röder, Martin Winterscheidt Ton: Andreas Eisenschneider, Karsten Fischer Requisite und
Merchandising: Jan Szito, Arnulf Eichholz Auszubildender Veranstaltungstechnik: Thies Müller
Garderobe: Harald Boll, Silvia Franco, Andreas Maier, Katrin Moos, Ulrike Schneider Shiatsu Therapeut:
Ludger Müller
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Wien-Gastspiele des TANZTHEATER WUPPERTAL PINA BAUSCH (D)
Mai / Juni 1977
Die Sieben Todsünden
Musik von Kurt Weill, Texte von Bertolt Brecht, Tanzabend von Pina Bausch
Wiener Festwochen / Internationales Ballettfestival, Theater an der Wien
Gastspiel Ballett der Bühnen Wuppertal (im Rahmen ihrer ersten Tournee)
Februar 1982
Café Müller / Das Frühlingsopfer
und
1980 – Ein Stück von Pina Bausch
Tanz ’82 Tanzbiennale, Theater an der Wien
Mai 1993
Nelken
Ein Stück von Pina Bausch
Wiener Festwochen, Volkstheater
Mai 1994
Ein Trauerspiel
Ein Stück von Pina Bausch
In Zusammenarbeit mit den Wiener Festwochen, Messehalle
Biografie
Pina Bausch (1940 – 2009)
Mit vierzehn Jahren Beginn des Studiums an der Folkwang Hochschule - Leitung: Prof. Kurt Jooss. 1958
Abschlussprüfung. Stipendium des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) für USA.
Special Student an der Juilliard School of Music/New York, gleichzeitig Mitglied der Dance Company Paul
Sanasardo und Donya Feuer - Engagement beim New American Ballet und an der Metropolitan Opera
New York. 1962 Rückkehr nach Deutschland. Tänzerin in dem von Kurt Jooss neugegründeten
Folkwang-Ballett. Seit 1968 eigene Choreographien im Repertoire des Folkwang-Balletts, dessen Leitung
sie ein Jahr später übernimmt. 1973 wird Pina Bausch Direktorin des neugegründeten Tanztheater
Wuppertal. 1982 übernimmt sie eine Rolle in Federico Fellinis Film „E la nave va“. 1990 „Die Klage der
Kaiserin“ Kinofilm von Pina Bausch. 1997 Neueinstudierung der Choreographie „Le Sacre du printemps“
mit dem Ballet de L’Opéra national de Paris. 2001 im Film von Pedro Almodóvar „Hable con ella“ mit
Ausschnitten aus „Café Müller“ und „Masurca Fogo“ von Pina Bausch. 2005 Neueinstudierung der
Choreographie „Orpheus und Eurydike“ mit dem Ballet de L’Opéra national de Paris. Für ihre
künstlerische Arbeit wurde Pina Bausch mehrfach ausgezeichnet.
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März 2010
Uraufführung (der Bühnenversion)
Cie. WILLI DORNER (A)
above under inbetween / stage
Do 4. März – Sa. 6. März 20.30 h in TQW / Halle G
Choreografie / Konzept: Willi Dorner Performance: Megan Bridge, Tomas Danielis, Sebastian Gec,
Michael O`Connor, Asa Odemark, Anna Reitbauer, Esther Steinkogler Musik-Konzept / Komposition:
Bernhard Lang Audio-Software-Development und Klangregie: Thomas Musil, IEM / KUG Bühnenbild:
Katharina Heistinger Bauten: Katharina Heistinger, Andreas Baumgartner Produktion: Elke Hesse
Fotos: Lisa Rastl
above under inbetween /stage basiert auf der Outdoor-Performance bodies in urban space, die das
Publikum in einer temporären Intervention durch unterschiedliche urbane Räume führte. Auch die neue
Arbeit von Willi Dorner lenkt in ungewöhnlicher Manier den Blick auf uns vertraute Architektur – diesmal
mit Fokus auf das Private, auf die Wohnung und ihre Gestaltungselemente. Der Titel des Stücks ist
Programm: oben, unten, dazwischen. Die PerformerInnen nutzen die einzelnen Wohnelemente und
Möbel auf widersprüchliche Weise und setzen die Körper und ihr Umfeld in unerwarteten Konstellationen
und Strukturen immer wieder neu zusammen. Das komplexe und faszinierende Spiel mit den Wohn-
Objekten eröffnet neue Perspektiven und Einblicke in unsere alltäglichen Bewegungsgewohnheiten und
die damit verbundenen Lebens- und Verhaltensmuster, führt sie ad absurdum und entwickelt sich zur
choreografischen Aufforderung, unsere (Alltags-)Welt neu zu erleben.
above under inbetween wurde in einer ersten Fassung im Rahmen von LINZ09 als Outdoor-Version
uraufgeführt. ‚Private’, innerhalb des Wohnbereichs angesiedelte Bewegungsabläufe wurden ‚öffentlich’
abgehandelt. above under inbetween / stage ist eine Weiterführung des Projektes und übersetzt die
Performance in den Bühnenraum.
Eine Cie. Willi Dorner Produktion. Koproduziert von LINZ09 Kulturhauptstadt Europas und Dance
Advance, einer künstlerischen Initiative des Philadelphia Center for Arts and Heritage. Die Cie. Willi
Dorner wird vom Kulturamt der Stadt Wien gefördert. Dank an Simon Dove und der Arizona State
University für deren Hilfe bei der Vorbereitung des Projektes im Rahmen einer Residency im Januar und
Februar 2009.
Einführungen zu den Vorstellungen
Do 4. März – Sa. 6. März jeweils 19.45 h in den TQW / Studios (Eintritt frei)
Künstlergespräch im Anschluss an die Vorstellung am Do 5. März mit Willi Dorner und der
Architektin und Urbanistin Gabu Heindl statt (Eintritt frei).
Biografien
Willi Dorner - born 1959 in Baden, Austria - studied dance, dance pedagogy and dance therapy at the
‘Austrian Society for Dance Therapy’ and is a certified Alexander technique teacher. From 1983 until
1986 he was a student at the Vienna Conservatory for Music and the Performing Arts. He studied at Erick
Hawkins Studio in New York and at the School for Body-Mind Centering in Developmental Movement.
Further work was with Andrew Harwood, Dani Lepkoff, Irene Hultman and Stephen Petronio. Dorner was
a member of Nina Martin’s company in New York and I.D.A. - Mark Tompkins Company in Paris.
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He started to choreograph his own productions in 1990: Alien (1990), and now (1992), intertwining
(1997), mazy (1999), back to return (2000), threeseconds (videoroom installation 2001), [...] (2003), the
not at all (2002), Hanging Gardens (interdisciplinary 2004), 404 (2005), Inbetween (2006), dance karaoke
(club project 2006-2008), bodies in urban spaces (2007), Dolly and me (2008)
Together with photo-artist Lisa Rastl, he created FEET, a photodisplay of the most important
contemporary choreographers’ feet.
Films: Treid (1999, director: Constantin Wulff), Mazy the films (2003, together with video artists Johannes
Hammel, Norbert Pfaffenbichler, Michaela Schwendter), body trail (2009 togehtehr with Michael Palm),
fleeting (2009 together with Hannelore Tiefenthaler)
Besides his international touring dance performances Willi Dorner is keen on creating events that give the
audience the opportunity for new experiences, insights and a different perception of every day’s life. Cie.
Willi Dorner’s stage performances and side specific works are presented in festivals and venues in
Europe, Africa, North and South America and China. He worked as guest choreographer for the Ballet of
the Vienna State- Opera, the Dance Theatre Ireland in Dublin, the Transitions Dance Company London
and the Scottish Dance Theatre.
Prizes: the Eurodans prize in 1998, the Tendances award in 1999, the Austrian Dance Production award
in 2000, Pearls07 for mazy the films (best editing)2007.
Bernhard Lang, born in Linz Austria, studied piano, jazz piano, arranging and classical piano, philosophy
and German philology, composition. He worked with various Jazz bands, holds a professorship in
composition at the University of Music and Dramatic Arts in Graz. His compositions are performed at
major festivals such as Salzburger Festspiele, Wien Modern, Resistance Fluctuation Los Angeles and
many others . His main interest since 1999 is Music Theater, derived from his interpretation of the ideas
of difference/repetition: 'Theater of Repetitions' 2003, 'I hate Mozart' 2006, 'The Old Man from the
Mountain' 2007. Since 2003 he collaborates with various choreographers like Xavier Le Roy and Willi
Dorner.
Michael O’Connor, BFA Univ. of Utah, started working with Cie. Willi Dorner in 2003. He was listed in
the 2008 BalletTanz magazine as the ‘dancer to watch’ in Vienna for his own choreography and
performance in his piece entitled ‘a waiting dog dies.’ He looks forward to continuing his body research in
future projects and performances. Mike has also worked with and done coaching projects with Deborah
Hay, Alain Buffard, Philipp Gehmacher, Andrew Harwood, Ko Murobushi and Superamas among others.
As of 2007, Mike has been living and working in Europe.
Anna Reitbauer was born in Steyr (Upper Austria), studied contemporary dance and dance-pedagogics
at IDA (Institute for Dance Arts) Anton Bruckner University Linz.
After her graduation she was member of postgraduate company x.IDA, where she danced in pieces of
international choreographers like Catherine Guerin, Johannes Randolf , Avi Kaiser, Georg Blaschke and
Filip van Huffel. She got scholarship at Tanzquartier Wien, moved to Vienna and since then she worked
with Oleg Soulimenko, Tanztheater Springschuh, Superamas, Compagnie Smafu, Compagnie Ex Nihilo,
Renaud Doucet, Susan Oswell and Cie.Willi Dorner.
Åsa Odemark, a native of Stockholm, Sweden, was a student of mathematics and music until, at the age
of twenty, she decided to become a dancer. Since finishing a three-year vocational dance program in
Munich, Germany in 2003, she has worked with a number of European choreographers and directors
including Michael Laub and Jens-Erwin Siemssen. As a professional performer, Åsa has not only danced,
acted and sung on stage, but she has also lived in a tent for a month without a hot shower or internet
access; played paintball in the ruins of a 19 th century fortress; and candidly shared with an audience
some of her most embarrassing moments. She first worked with Cie. Willi Dorner in 2008.
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Tomas Danielis, originally Slovakian dancer with MA from AMDA Bratislava and absolvent of
Conservatoire J.L.Bella is working with W.Dorner since 2009. He is winner of prices for dance and
choreography on competitions as Contest TanzRat, Festival of theatre arts in Poland and finalist of Beste
Deutsche Tanzsolo, Choreographic miniatures.
Tomas was dancing and cooperating with companies as ABC F.Faust, Cie.F.Ruckert, Cie. CeDeCe
Portugal, Cie. 13 - Rosa Mei, DiD L.King. He was guest for Sasha Waltz and guest as well as founding
member of Alfa Group of D.Toulon. As a versatile dancer he was leading soloist of Croatian National
Theatre I.pl Zajca and guest soloist for Ballet Graz. Tomas was also art director of Int.Bühnenwerkstatt
Dancetheater festival Graz in 2007 – 2009.
Esther Steinkogler studied in Salzburg at SEAD, where she worked on projects with Ted Stoffer, Ori
Flomin, Salva Sanchis and Anna Macrae among others. After her graduation in July'08 she worked on
her first project with Cie. Willi Dorner. Since then she lives as a freelance artist and has worked with D.ID.
Liz King, shown her own work and has joined Willi Dorner again for this project. She also won the
scholarship of Tanzquartier Wien. Esther is looking forward to researching more on her own and finding a
program for doing her master degree.
Asher O’Gorman erhielt ihren Bachelor of Arts in Choreografie am Dartington College of Arts in England
und absolvierte anschließend die Ausbildung in zeitgenössischem Tanz in Salzburg (SEAD). Sie wirkte
u.a. in Projekten von Anna MacRae, Matthew Smith und Jana Unmüssig mit. Seit Ende 2008 arbeitet sie
als freischaffende Performerin, Choreografin und Tänzerin in Wien.
Sebastijan Geč, born in Maribor, Slovenia in 1980 was trained at Plesna Izba Maribor and SEAD
Salzburg. His teachers where: Benoit Lachambre, Sri Louise, Martin Sonderkamp, David Hernandez,
Andrew de L. Harwood, Trisha Baumann, Josef Fruček, Joao de Silva, Linda Kapatenea, Ted Stofer,
Tono Lachty, Bruno Caverna, Sanna Myllylahti, Francesco Scavetta and others. He is producing and
showing his own work in and out of Austria and Slovenia.
Katharina Heistinger, born in Vienna, studied at the Sorbonne in Paris, the Koninklijke Academie voor
Schonen Kunsten in Antwerpen and made her diploma at the Academy of Fine Arts in Vienna.
She is working as an assistant for costume and stage design at the Burgtheater. Her art works are
presented at exhibitions all over Europe. above under inbetween is her second collaboration with Willi
Dorner.
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Internationale Gastspiele: DAVE ST-PIERRE (CAN)
Mit gleich zwei Arbeiten ist Dave St-Pierre, der als enfant terrible der zeitgenössischen kanadischen
Tanzszene gilt, im März am Tanzquartier Wien zu Gast. Die beiden Choreografien sind Teil einer
künstlerischen Trilogie über heutige Utopien, über „Menschlichkeit, Liebe, Leben und Tod.“ Dabei treibt er
die Körper und seine Themen ins Extreme, gibt dem Hier und Jetzt, der Unmittelbarkeit der Körper Raum
und beschreibt – zwischen Harmonie und Bühnenspektakel, mit Sehnsucht und dem Wissen um ihr
Scheitern - die Liebe als Utopie und die Zärtlichkeit in ihrer Unmöglichkeit.
La Pornographie des âmes (bare naked soules)
Di 9. März / Mi 10. März 20.30 h in TQW / Halle G
Un peu de Tendresse Bordel de Merde! (a little tenderness for crying out loud!)
Fr 12. März / Sa. 13. März 20.30 h in TQW / Halle G
Einführungen zu den Vorstellungen
Di 9. März / Mi 10. März sowie Fr 12. März / Sa. 13. März jeweils 19.45 h in den TQW / Studios (Eintritt
frei).
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Gastspiel
DAVE ST-PIERRE (CAN)
La Pornographie des âmes (bare naked soules)
Di 9. März / Mi 10. März 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept: Dave St-Pierre In Zusammenarbeit mit: Eugénie Beaudry, Enrica Boucher, Geneviève
Bélanger, Julie Carrier, Karina Champoux, Francis Ducharme, Sarah Lefebvre, Véronique
Lavallée, Camille Loiselle-D’Aragon, Ève Pressault-Chalifoux, Julie Perron, Marie-Ève Quilicot,
Emmanuel Schwartz, Patrick Simard Abwechselnd mit: Emmanuelle Beaudoin-Bourassa, Luc
Boissonneault, Alexis Lefebvre, Renaud Lacelle-Bourdon, Gaëtan Viau, Anne Thériault, Michael
Watts, Frédéric Tavernini, Katia Lévesque, Dany Desjardins Technische Leitung, Licht-Design:
Alexandre Pilon-Guay Stage manager, Tontechnik: Benoit Bisaillon Probenleitung: Daniel Villeneuve
Manager: George Skalkogiannis Administration: Suzanne Benoit
La Pornographie des âmes (2004) ist ein choreografischer Essay über Alltagsmenschen und ihre kleinen
Dramen, die uns - überdimensional vergrößert oder mikroskopisch klein untersucht – letztlich doch
berühren. Dave St-Pierre erzählt, voller Spontaneität und Selbst-Ironie, davon, was wir sind, und was die
Welt aus uns zu machen sucht. Seine Tänzer und Tänzerinnen sind nackt - Provokation und Irritation,
Zerbrechlichkeit und Berührung zugleich. In Resonanz auf eine Reihe von Texten überlagern sich
Gespieltes und Wahrheit, vermischen sich Natürlichkeit und Kunstbild, schieben sich statische und
extrem dynamische Bühnensituationen in echten und überhöhten Emotionen ineinander.
Mit Unterstützung von: Conseil des Arts du Canada, Conseil des Arts et des Lettres du Québec, L’Agora
de la danse, Tangente, Ministère de la Culture et des Communications du Québec und Ministère des
Relations Internationales.
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Gastspiel
DAVE ST-PIERRE (CAN)
Un peu de Tendresse Bordel de Merde! (a little tenderness for crying out loud!)
Fr 12. März / Sa. 13. März 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept: Dave St-Pierre In Zusammenarbeit mit: Enrica Boucher, Eugénie Beaudry, Camille
Loiselle-D’Aragon, Julie Carrier, Julie Perron, Karina Champoux, Sarah Lefebvre, Aude Rioland,
Emmanuelle Bourassa-Beaudoin, Eve Pressault-Chalifoux, Geneviève Bélanger, Silke Grabinger,
Sophie Dalès, Marie-Eve Quilicot, Alexis Lefebvre, Luc Boissonneault, Éric Robidoux, Renaud
Lacelle-Bourdon, Simon-Xavier Lefebvre, Francis Ducharme, Gabriel Lessard Abwechselnd mit:
Gaétan Viau, Anne Thériault, Micheal Watts, Frédéric Tavernini Musikal. Beratung, Sound-Design:
Emmanuel Schwartz Texte: Enrica Boucher Musik: Pierre Lapointe, Emmanuel Schwartz, Dave St-
Pierre, Cat Power, Arvö Part Kostüm: Eugénie Beaudry, Dave St-Pierre Technische Leitung, Licht-
Design: Alexandre Pilon-Guay Stage manager, Tontechnik: Benoit Bisaillon Probenleitung: Daniel
Villeneuve Manager: George Skalkogiannis Administration: Suzanne Benoit
Wild, herausfordernd und poetisch ist Dave St-Pierres Suche nach Beziehungen, Nähe und Zärtlichkeit.
In Un peu de tendresse, bordel de merde! (2006) arbeitet er, unverblümt und stilsicher, mit
Versatzstücken aus Tanz und Theater, mit Pathos und Klischee, und stellt fragil sensibel und ungestüm
kraftvolle Tanzsequenzen gegenüber. Grenzen und Rollenklischees werden ausgelotet und gesprengt in
diesem biografischen Tanztheaterstück über die Gesellschaft und ihre Defizite, über einen Körper, der
sich in seiner Verletzlichkeit dem Mensch-Sein öffnet. Ein dramaturgisch feingliedriges Tableau,
angesiedelt an der Schnittstelle von Tanz, Theater und Performance.
Mit Unterstützung von: Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, Julidans Amsterdam, Szene Salzburg,
DANCE Festival München, Théâtre Sévelin 36 Lausanne, L’Agora de la danse, Frontenac, Scéne
Quebec Scene, Centre National des Arts, Conseil des Arts du Canada, Conseil des Arts et des Lettres du
Québec und Foreign Affairs und International Trade Canada.
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Rekonstruktion / Uraufführung
CESC GELABERT (E) tanzt ein Solo von GERHARD BOHNER (D, 1936-1992)
Schwarz Weiß Zeigen. Übungen für einen Choreografen.
Fr 19. März / Sa 20. März 20.30 h in TQW / Halle G
Choreografie (1983, Premiere am 15. Mai in der Akademie der Künste Berlin): Gerhard Bohner
Rekonstruktion und Tanz (2010): Cesc Gelabert Musik: Georg Friedrich Händel, Glenn Branca
Technische Leitung: Norbert Stück Rekonstruktion des Kostüms: Lydia Azzopardi Produktion /
Recherche-Arbeit: Inge Zysk
„Ich erinnere mich, dass in der Arbeit mit Tänzern es mir stets gelang, mit dem, was ich vormachte, dem
Tänzer eine Idee zu vermitteln, die er dann als Tanz weitergeben konnte. In ‚Schwarz Weiß Zeigen’ zeige
ich dem Zuschauer, was ich normalerweise dem Tänzer zeige.“
(Gerhard Bohner, zit. nach Susanne Schlicher, 1987)
Schwarz Weiß Zeigen ist ein künstlerischer Versuch über das Wesen und die Grenzen der tänzerischen
Bewegung, ein systematisches Erforschen von Raum und Körper. In der Konfrontation mit einer von
geometrischen Gesetzen dominierten Umgebung entwarf Gerhard Bohner 1983 in seinen späteren
Lebens- und Schaffensjahren eine Choreografie, bei der die Bewegung vor allem angedeutet und
skizziert, der Dialog zwischen Choreograf und Tänzer durch Objekte abstrahiert wird. Die lebensgroße,
hölzerne Gliederpuppe, ursprünglich als Requisit gedacht, wird in der Arbeit zu einem eigenständigen
Partner, der auf die Abwesenheit des Tänzers verweist und die Reflexion des eigenen Tanzkörpers
erzwingt.
Nach Im (Goldenen) Schnitt I und II ist Schwarz Weiß Zeigen die dritte Rekonstruktion einer Arbeit
Gerhard Bohners durch den spanischen Choreografen und Tänzer Cesc Gelabert. Dabei greift er auf die
Originalrequisiten im Archiv der Akademie der Künste und eine Videodokumentation von 1990 zurück. Mit
eindrücklicher Präsenz und Genauigkeit spürt er Bohners einzigartiger Ästhetik nach, die den
Choreografen neben Johann Kresnik, Pina Bausch, Susanne Linke und Reinhild Hoffmann zu einer der
Schlüsselfiguren des Deutschen Tanztheaters und Schwarz Weiß Zeigen zu einem Lehrstück über
moderne Bühnenkunst machte.
Eine Auftragsproduktion von Tanzquartier Wien in Koproduktion mit Akademie der Künste Berlin-
Brandenburg, Tanzhaus NRW und dem Festival DANCE 2010 (München).
Einführungen zu den Vorstellungen
Fr 19. März / Sa 20. März jeweils 19.45 h in den TQW / Studios (Eintritt frei)
Im Anschluss an die Vorstellung in der Halle G ist die Film-Dokumentation (Autor: Florian
Zimmermann) zu Schwarz Weiß Zeigen von Gerhard Bohner in den TQW / Studios zu sehen (Eintritt
frei).
Weitere Infos zum Rahmenprogramm unter www.tqw.
Biografien
Cesc Gelabert (Barcelona, Cat. Spain) Both as choreographer and dancer, Gelabert is currently one of
the most influential figures in Spanish contemporary dance. A highly versatile artist, who has influenced
and made a notable contribution towards the creation of a dance culture in Spain.
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Gelabert does not belong to any specific dance tendency; creating a personal contemporary style, which
he has developed over the course of a long professional career, fired by his immense passion for dance.
Symbols and cross references serve as a starting-point for his choreographies, which are characterised
by a clear comprehensible language, in which each gesture is crafted with keen intention. Cesc Gelabert
was an architecture student, commencing his dance studies with Anna Maleras, joining her group in
1969. In 1972, he created his first choreography; followed by his first solo Accio 0, in collaboration with
F.Amat, later to be performed at Teatre Lliure, Barcelona.
1977 he formed his first dance group, whose début production was entitled Ver-estiu-altumne-ivern-1, a
work for seven performers. Between 1978 and 1980, he became an active member of the New York
dance community, performing his pieces at La Mama, The Kitchen and other venues.
1980 back in Barcelona, he began his collaboration with Lydia Azzopardi, forming Gelabert Azzopardi
Companyia de Dansa in 1985. Desfigurat was the first of more than twenty-five productions staged by
Gelabert Azzopardi touring internationally. The company became an associate of the Teatre Lliure, and
since 2003 is the resident company. During his lengthy career, he has choreographed, danced and
collaborated in opera, video, theatre, cinema and cabaret productions, in some of the major theatres of
Europe. In the early eighties until 2003 Gelabert Azzopardi was the co resident company of Hebbel
Theater, Berlin. Cesc Gelabert has created In a Landscape a solo for Mikhail Baryshnikov. Other
comissions have been for David Hughes, Balletto di Toscana, Tanztheater Komische Oper, Ballet
Gulbenkian and Larumbe Danza. He has also collaborated with stage celebrities and artists in many
productions, such as Núria Espert, Jorge Laveli, Montserrat Caballé, Milva, Gerardo Vera, Pilar Miró,
Lluis Pasqual, Emilio Sagi, Carles Santos, Frederic Amat Mario Gas, Julia Migenes Johnson among
others. AWARDS: Gelabert has been the winner of various prestigious awards the Gold Medal for the
Performing Arts and Spanish National Dance Award from the Spanish Government, as well as the
Catalan National Dance Award, the City of Barcelona Award (1987 and 2005) and MAX Awards for the
Performing Arts for best choreographer and dancer (2004 and 2005) The Herald 2004 Angel Award at
Edinburgh International Festival, amongst other prizes.
Gerhard Bohner wurde 1936 in Karlsruhe geboren, studierte dort Tanz und setzte seine Ausbildung am
Mary Wigman Studio in Berlin fort. Es folgten Engagements in Mannheim, Frankfurt und, von 1961 bis
1971 als Solist im Ballett der Deutschen Oper Berlin. Er begann 1964 zu choreographieren und leitete
von 1972 bis 1975 das Tanztheater in Darmstadt sowie von 1978 bis 1981 das Bremer Tanztheater,
gemeinsam mit Reinhild Hoffmann. Seit 1981 arbeitete er als freier Tänzer und Choreograph in Berlin. Zu
Gerhard Bohners erfolgreichsten Produktionen gehören „Die Folterungen der Beatrice Cenci“ (1971) die
Trilogie „Im (Goldenen) Schnitt I/II/III“ (1989) sowie die von Oskar Schlemmers „Triadischem Ballett“
(1977). Gerhard Bohner starb 1992 in Berlin. „SOS“, entstanden 1991 für Jutta Hell und Dieter Baumann
(Tanzcompagnie Rubato) und das Hebbel Theater, ist seine letzte Choreographie.
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Österreichische Erstaufführung
LAURENT CHÉTOUANE (F/D)
Tanzstück #4 : leben wollen ( zusammen )
Fr 25. März / Sa 26. März 20.30 h in TQW / Halle G
Choreografie: Laurent Chétouane Mit: Lisa Densem, Sigal Zouk, Jan Burkhardt, Matthieu Burner,
Joris Camelin Mitarbeit: Antje Velsinger Kostüm: Sophie Reble Videodesign: Anna Henckel-
Donnersmarck Lichtdesign: Andreas Juchheim
„Leben – Zusammen: vielleicht nur, um der Traurigkeit des Abends zusammen zu trotzen. Sich
gegenseitig fremd sein ist unausweichlich, notwendig, begehrenswert sogar, aber nicht, wenn der Abend
kommt.“
(Roland Barthes, in: Comment vivre ensemble, Cours au Collège de France, 1976-1977)
Wie kann man heute der Frage des ‚Leben-Zusammen’ nachgehen, ohne eine Antwort zu finden, die nur
wieder nach einem Programm, nach Repräsentation oder Spektakel aussieht – eine Antwort jenseits von
Verbindlichkeit und normativem Modell? Wie ist der unwiderrufliche Sieg des ‚Ichs’ und dieses
gleichzeitig wachsende Begehren nach einer Rekonstruktion des ‚Wir’ zusammen zu denken? Wie ein
‚Leben-Zusammen’ zu kreieren, ohne dabei zu verlieren, was das Besondere, das Eigentliche, an jedem
Einzelnen ist?
Tanzstück #4 macht sich auf dem Weg zu einem utopischen Bild eines Kollektivs der Zukunft. Als und in
der Gruppe, in und trotz Gemeinschaft agieren die fünf Tänzerinnen und Tänzer und entwerfen ein Stück
über Möglichkeiten: eine Untersuchung von Verhältnissen des Einzelnen zum Ganzen, der Bewegung zur
Choreografie, des Körpers als Ort der Abwesenheit zu seinen räumlichen und zeitlichen Präsenz(en).
Koproduktion: Tanzquartier Wien, Maison de la Culture d`Amiens, PACT Zollverein (Essen),
Sophiensaele (Berlin). Mit Unterstützung von Dock 11, Berlin. Gefördert von: Hauptstadtkulturfonds Berlin
Einführungen zu den Vorstellungen
Fr 25. März / Sa 26. März jeweils 19.45 h in den TQW / Studios (Eintritt frei)
Laurent Chétouane im Gespräch: Nicht alles zu uns heranholen
Fr 26. März 18.30 h in TQW / Studios
Biografie
Laurent Chétouane studierte Theaterwissenschaft in Paris und Theaterregie in Frankfurt am Main. Er
inszeniert hauptsächlich Texte von Büchner, Schiller, Hölderlin, Goethe, Heiner Müller, Sarah Kane. Seit
2006 realisiert er tänzerische Projekte - „Tanzstück #1: Bildbeschreibung von Heiner Müller“; „Tanzstück
#2: Antonin Artaud liest den 2. Akt von Goethes Faust 2 und“; „Tanzstück #3: Doppel / Solo / Ein Abend“;
„Tanzstück #4: leben wollen (zusammen)“. Er ist regelmäßig Gastdozent an verschiedenen Universitäten.
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Österreichische Erstaufführung
FABIAN BARBA (EC/BE) / BUSY ROCKS
A Mary Wigman Dance Evening
Fr 9. April / Sa 10. April 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept und Tanz: Fabian Barba / Busy Rocks Kostüm: Sarah-Christine Reuleke Musik für “Anruf”,
“Pastorale”, “Seraphisches Lied”, “Sturmlied” und “Sommerlicher Tanz” komponiert von Hanns Hasting
Musik für “Raumgestalt”, “Zeremonielle Gestalt” und “Drehmonotonie” komponiert Sascha Demand
In der Vorstellung A Mary Wigman Dance Evening ist Fabina Barba in einem „rekonstruierten“ Wigman-
Abend zu sehen, wie er vielleicht in den 30er Jahren hätte stattfinden können. Als Vorgabe dient im das
Programm von Wigmans erster USA-Tournee (1930-31), wo sie neun Solotänze aus verschiedenen ihrer
Tanz-Zyklen präsentierte.
Die deutsche Tänzerin und Choreografin Mary Wigman zählt zu den großen Protagonistinnen des
modernen Tanzes im 20. Jahrhundert. Sie hat mit ihrer Kunst den Tanz revolutioniert und Generationen
von TänzerInnen und ChoregrafInnen nachhaltig beeinflusst.
Fabian Barba, ein junger Tänzer aus Ecuador, hat sich dem Erbe Wigmans über „Rekonstruktionen“ ihrer
Tänze angenähert. Er sucht nach Bruchstellen und Verbindungen früher Tanzmoderne (Ausdruckstanz),
eigener Tanzkultur in Ecuador und dem westlich geprägten zeitgenössischen Tanz, nicht zuletzt um sich
selbst und das heutige Tanzverständnis vor dem Hintergrund der Geschichte zu hinterfragen und zu
verorten. Barbas Thema der „Rekonstruktion“ sind die unvermeindliche Modifikation des Originals und die
Einschreibung der Moderne in den Körper des Tänzers. Die Herausforderung sieht Barba vor allem in der
Spannung zwischen seiner Rekonstruktion und Wigmans Original.
Eine Produktion von: K3 – Zentrum für Choreographie | Tanzplan Hamburg.
Koproduktion: WP Zimmer Antwerp, Kaaitheater Brussels und fabrik Potsdam im Rahmen von Tanzplan
Potsdam: Artists-in-Residence.
Mit der Unterstützung von: PACT Zollverein Essen and Mary Wigman Gesellschaft.
Tour management: Caravan Production vzw.
Besonderer Dank an: Katharine Sehnnert, Irene Sieben, Susanne Linke, Stephan Dörschel, Timmy De
Laet. Vielen Dank auch an die vielen anderen Menschen, die bei den Proben dabei waren und sich die
Zeit genommen haben, ihre Meinungen und ihr Wissen mit mir zu teilen.
Biografie
Fabian Barba wurde 1982 in Quito geboren, wo er Tanz und Theater studierte und als professioneller
Performer arbeitete. 2004 ging er nach Brüssel, um bei den Performing Arts and Research Studios
(P.A.R.T.S.) seine Tanzausbildung fortzusetzen. Nach Beendigung seines Studiums wurde er Mitglied bei
Busy Rocks, einem Kollektiv, das auf gemeinsamen künstlerischen Interesse basiert und als
inspirierende Plattform für eine konstante Arbeitsweise funktioniert. Im Rahmen von Busy Rocks nahm er
an der Arbeit von Dominos and Butterflies und eben A Mary Wigman Dance Evening teil. Schon während
seines Studiums begann Barba mit Wigmans „Schwingende Landschaft“ zu arbeiten, einem Tanz-Zyklus
mit sieben Soli, die seit 1929 entstanden waren. Er rekonstruierte drei davon, indem er Wigmans eigenes
Filmmaterial verwendete. Für A Mary Wigman Dance Evening zitiert Barba aus einer reichen Auswahl an
Wigman-Arbeiten.
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SCORES#1: touché
Künstlerisch-theoretischer Parcours zu sichtbaren und unsichtbaren Berührungen
in Tanz und Performance
Mi 21. April - Sa 24. April 2010 im Tanzquartier Wien
Im Denken über den Körper zwingt der Körper das Denken immer weiter, immer zu weit: zu weit, als dass
es noch Denken ist, doch nie weit genug, dass es Körper wäre. Daher gibt es keinen Sinn, von Körper
und von Denken voneinander losgelöst zu sprechen, als ob sie jeder für sich irgendeinen Bestand haben
könnten: Sie sind nur ihr gegenseitiges Berühren, die Berührung ihres Einbruchs voneinander und
ineinander. Diese Berührung ist die Grenze, der Zwischenraum der Existenz.
(Jean-Luc Nancy, Corpus, 2003)
touché: berühren und berührt sein - getroffen, herausgefordert, in Resonanz versetzt, befragt. Das
Konzept der Berührung ruft im Kontext von Tanz und Performance verschiedenste Ebenen von
tanztechnischen und theoretischen Befragungen auf und lässt zum Beispiel bald an die Innerlichkeit und
Naturverbundenheit des Ausdruckstanzes oder die Untersuchung des Körpers als
Kommunikationsmedium in der Contact Improvisation denken – um beispielhaft nur zwei Körperpraktiken
zu nennen, die den Tanz im 20. Jahrhundert nachhaltig prägten. Über den physischen und
kinästhetischen Kontakt der Körper hinaus beschreibt die Berührung jedoch Markierungen, die sich im
Spannungsfeld von Kunst, Zivilgesellschaft und Publikum formulieren und die materielle und immaterielle,
mediale und unmittelbare, aktive und passive Begegnungen, Ansteckung und Kontamination sind.
In der konzentrierten Kuratierung SCORES#1: touché, die Teil einer intensiven Auseinandersetzung mit
dem Choreografischen am Tanzquartier Wien ist, beschäftigen sich KünstlerInnen und TheoretikerInnen
in ihren choreografischen Arbeiten, diskursiven Formaten und Skizzen mit den vielfältigen Schichten der
Berührung: Begegnungen von Nähe und Distanz, von Anerkennung und Verantwortung, von (eignen,
künstlerischen) Lebensgeschichten und Einflüssen, von Fiktivem und Dokumentarischem, von einem
persönlichen Ein- und Fortschreiben des Körpers in den Choreografien – und darüber hinaus.
Mit unter anderem: Philipp Gehmacher & Vladimir Miller (A), Alice Chauchat (F/D), Jefta Van Dinther
(NL/D), Mette Ingvartsen (DK), Rachid Ouramdane (F), Amanda Piña und Daniel Zimmermann (A ), Felix
Ruckert (D) und den Residenz-KünstlerInnen am Tanzquartier Wien Alexander Adriyashkin (RU), Filiz
Sizanli (TR), An Kaler (A), Willy Prager (BG), Patricia Apergi (GR) und Raimonda Gudaviciute (LT)
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Österreichische Erstaufführung
L’A. / RACHID OURAMDANE (F)
LOIN…
Mi 21. April 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept und Performance: Rachid Ouramdane Musik: Alexandre Meyer Video: Aldo Lee Licht: Pierre
Leblanc Kostüm, Make-up: La Bourette Set: Sylvain Giraudeau Projekt-Assistenz: Erell Melscoët
Stage Manager, Ton: Sylvain Giraudeau Video-Manager: Jenny Teng Licht-Manager: Stéphane
Graillot
“A journey is often the opportunity to revisit, the moment to take stock of one’s identity or rather one’s
identities. Those we have inherited, those we embody in the eyes of others and those we project to
ourselves, that we try to emancipate. Whether national, economic, ethnic, minority, cultural, sexual,
psychological or affective, a journey brings into question all of these layers of identity, which form new
configurations throughout our movements. The different faces we have often result
from a negotiation between the legacy of the past and the identity that is being constructed in the present.
It is during these movements that the feeling of being a FOREIGNER appears. Our assumed differences
and our poor understanding of elsewhere create a place where we can rethink our perceptions. This
crossroads of thought is the axis around which I have constructed this choreographic project.
During a recent journey to Vietnam and to Cambodgia, I discovered a new way to explore this feeling of
being a foreigner. In a discussion about the violence of the conflicts that have torn these countries apart, I
remembered the pages of my father’s military papers; my father, who was made to crush this Indochina of
earlier times. As the discussion progressed, because of my French nationality, I realized that I was
considered the son of a colonialist, even though what linked my father to Indochina was the legacy of
another colonisation, that to his country, Algeria. Once again during this conversation, it struck me that
the upheavals and the devastation caused by the violence of armed conflict should lead us to reflect upon
the image of the foreigner in many areas of th world.
In what way does the violence of armed conflict make us foreign? What sensitivity is born out of this
violence?
These are the questions addressed in this itinerant project; a project that will trace the steps of a journey
made more than 50 years ago.” (Rachid Ouramdane)
Produktion L’A.
Koproduktion: Théâtre de la Ville à Paris, Bonlieu, scène nationale d’Annecy, Biennale de la danse de
Lyon. Mit Hilfe von Le Fanal, scène nationale de Saint-Nazaire for the residency of création. Mit
Unterstützung durch Cultures France, Wonderful district à Hô-chi-minh – Vietnam, de L’Ambassade de
France au Vietnam – L’Espace, Centre culturel à Hanoï et le service de coopération et d’action culturelle
à Hô-Chi-Minh und Théâtre 2 Gennevilliers.
Besonderer Dank an: Fatima Ouramdane, Tuan Andrew Nguyen, Tam Vo Phi, Tiffany Chung, Anna
Tuyen Tran, Chong Dai Vo, Richard Streitmatter-Tran, Sandrine Llouquet, Tran Cong, Tran Luong, Dinh
Q. Lê, Zoé Butt, für die Erinnerungen, ihre Worte und Stille, Bertrand Peret für sein herzliches
Willkommen, Armando Menicacci, Jacques Hoepfner und Benjamin Furbacco für ihre wertvollen
Hinweise, und für ihre Hilfe, Sylvaine Van Den Esch und Vanina Sopsaisana für ihre Assistenz.
Biografie
Rachid Ouramdane
Prior to founding the L’A. association in 2007 – a site for artistic exploration of contemporary identity –
choreographer Rachid Ouramdane had collaborated with artists such as Emmanuelle Huynh, Odile
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Duboc, Hervé Robbe, Meg Stuart, Catherine Contour, Christian Rizzo, Jeremy Nelson, Alain Buffard, and
choreographer Julie Nioche, with whom he co-founded the Fin Novembre association in 1996. From the
start, Rachid Ouramdane’s projects have exemplified the conceptual upheaval taking place in the realm
of dance since the mid-90s. Following in Ouramdane’s footsteps, artists have been reassessing the
definitions of “performer” and “choreographer”, and questioning modes of producing and circulating
artwork. The nature of his work has led to collaboration with institutions that traditionally focus on the
visual arts (the FRAC Champagne/Ardennes in 2001 within the framework of his residency at the Manège
de Reims from 2000 to 2004), and to a residency from 2005 to 2007 at the Ménagerie de Verre in Paris, a
multidisciplinary space dedicated to contemporary artistic output. Very quickly, Rachid Ouramdane’s
shows integrated video as a springboard for thinking about body-memory. The key element of each show
is a unique encounter, resulting in an original artistic approach. Founding L’A in 2007 was a turning point
for his work, which now aims to blur the boundaries between dance and documentary. It was in this
period that he began his residency at the Théâtre de Gennevilliers, in parallel to his ongoing association
with the Bonlieu-Scène Nationale d’Annecy as of 2005.
Alongside his creative projects, Rachid Ouramdane is actively involved in dialogue and pedagogy. He is
regularly invited in France and abroad to lead artistic workshops and to moderate international
encounters with artists (Russia, Romania, Holland, Brazil, the U.S...).
Ouramdane’s Algerian born parents immigrated to France, and this “third identity” imbues his work and
has yielded the 2008 semi-autobiographical solo Loin... In his recent projects, Rachid Ouramdane has
been joining forces with documentary-makers, and radicalizing his examination of the boundaries
between dance and documentary.
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Gastspiel
METTE INGVARTSEN (DK)
GIANT CITY
Fr 23. April 20.30 h in TQW / Halle G
Konzept, Choreografie: Mette Ingvartsen Tanz: Sirah Foighel Brutmann, Dolores Hulan, Mette
Ingvartsen, Sidney Leoni, Guillem Mont De Palol, Chrysa Parkinson, Manon Santkin, Andros Zins-
Browne Licht-Design: Minna Tiikkainen Sound-Design, Dramaturgie: Gerald Kurdian
Produktionsleitung: Kerstin Schroth
GIANT CITY is a physical exploration of the mobility, change and transformation that contemporary
bodies are confronted with in giant cities today. Cities are never just made of immobile buildings. Rather
they are created by a flux of immaterial flows: flows of information, flows of people, flows of air, flows of
money, flows of desire. Immaterial architectures creating sceneries for people to move in, designing
stages for bodies to act on. Actions and interactions, all part of constructing space.
GIANT CITY is a speculation about the effects immaterial flows and virtual spaces have on our bodies
today.
The dancers perform a transformative sequence of rhythmic pulsations. While continuously moving, they
imagine urban spaces, environments and situations in order to discover what their bodies can become in
terms of sensation, intensity, speed and expression. They are not searching for a place to settle down but
rather for a way of moving that can sustain and integrate an unaccountable number of changes. They are
bodies in a constant state of transformation, adapting to the imaginary spaces that surround them. Can
what they imagine be detected from the outside or can the expressions only be fulfilled by the imagination
of the audience itself.
With GIANT CITY Mette Ingvartsen attempts to create an interface for the audience to participate in the
construction of space and the effects it can have on physical movements.
Koproduktion: steirischer herbst festival (Graz), Festival Baltoscandal (Rakvere), PACT Zollverein
(Essen), Hebbel am Ufer (Berlin), Kaaitheater (Brussels).
Unterstützt durch: Hauptstadtkulturfonds (Berlin, Germany) und Kunstrådet (Denmark)
Research unterstützt durch: Tanzquartier (Wien) and LE CENTQUARTRE (Paris)
Koproduziert von NXTSTP, mit der Unterstützung von Culture Programme of the European Union
A production of Mette Ingvartsen / Great Investment
Biografien
Mette Ingvartsen ist eine aus Dänemark stammende Choreografin und Tänzerin. Sie studierte in
Amsterdam und Brüssel und graduierte 2004 an der Performing Arts School P.A.R.T.S. Seit 2002
entstanden verschiedene Performances, unter anderen „Manual Focus“, „50/50“, „to come” und „Why We
Love Action“. Mette Ingvartsen schreibt, performt und dokumentiert ihre Projekte. Ihre letzten Arbeiten
sind „IT’S IN THE AIR“ (2008), eine Kollaboration mit Jefta van Dinther, und das YouTube-Projekt „Where
is my privacy“ (2008/09). „GIANT CITY“ und „evaporated landscapes“ werden beim diesjährigen
steirischen herbst uraufgeführt. Neben ihrer performativen Arbeit ist Ingvartsen auch in der Forschung
tätig, etwa zur Hinterfragung der Produktionsbedingungen in der darstellenden Kunst. 2008 nahm sie an
„6Months1Location“ teil, einem Projekt, das sich mit Ausbildung, Strukturen der Produktion und
Forschung in der Performance-Kunst auseinandersetzt. Seit 2005 arbeitet sie an „everybodys“, einem
andauernden kollaborativen Open Source-Projekt, das offene Produktionstools und Spiele bereitstellt, die
zur Entwicklung von Arbeiten benutzt werden können. Sie ist außerdem Teil des Kollektivs COCO’s, das
kürzlich die Arbeit „Breeding, Brains and Beauty“ präsentierte, und kollaborierte mit Jan Ritsema und
Bojana Cvejic für einige Theater-Performances. www.aisikl.net/mette
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Gastspiel
SUPERAMAS (A/F)
Empire (Art & Politics)
Do 29. April / Fr 30. April 20.30 h in TQW / Halle G
Mit: Roch Baumert, Alix Eynaudi, Davis Freeman, Magda Loitzenbauer, Ariane Loze, Jamal
Mataan, Anna Mendelssohn, Diederik Peeters, Faris-Endris Rahoma, Rachid Sayet und Superamas
The empire is a decentralised and deterritorialised governmental apparatus progressively taking over the
space of the entire world.
The globe as the tangible representation of a space to be occupied makes the process of globalisation
inexorable. The issue of movement, the free movement of goods, persons, ideas, images… is not and
has never been an ethical problem, only one of possibilities and interests. The earth – which we are all
familiar with, knowing all too well that we will not leave it alive – may be deceptive but it is also interesting.
Expecting everything from this body and the other bodies on this body: that's the wisdom of our era.
Much along the same lines, modern capital, alive and kicking, is developing through its five avatars:
goods, money, text, image and notoriety.
The problem our modern societies were faced with had to do with creating stable forms of relations
making sure that the adventures of industry, commerce, science, art would not depend so much on
external factors, the risks caused by bad luck, nature, negligence, barbarianism – or, in other words, from
the alien, violent and wild.
The idea of a world order came to nothing. It was inevitable.
How can we re-present ourselves as identical with our Javan neighbours – a problem which can only be
solved if we accept our similarity.
If our politicians dress like our businessmen, they seek to stress their similarity. Mao had his reason for
dressing a billion Chinese in the same blue suit he was wearing! And the entire planet is clad in jeans for
a reason, too.
Although empire and power each have several different meanings, they are synonyms when they denote
“intellectual or moral influence, impact”. This is where we can identify a project of an empire.
In May 1809 Emperor Napoleon’s troops crossed the Danube just outside Vienna to crush the army of
Archduke Charles. The battle of Aspern/Essling ensued. 40,000 died within two days. The first
hecatombe of modern warfare. Napoleon’s imperial project was imbued with the heritage of the French
Revolution, yet it was the Ausrian who sang the Marseillaise on the battlefield. The battle, in which both
sides claimed victory, unites all the contradictions of modernity. Napoleon’s empire clashed with the
patriotic feelings of the Austrians who confronted the occupier under the banner of Kakania! (Superamas)
Regie und Produktion: SUPERAMAS
Koproduktion/im Auftrag von: Parc de la Villette dans le cadre des Residences d’Artistes 2008 Paris,
Buda Kunstencentrum Kortrijk Belgien, Kaaitheater Brüssel, Linz 2009 Kulturhauptstadt Europas, und
Workspace Brüssel.
In Kooperation mit: Choreographic Center CCL Linz / Centre chorégraphique National de Montpellier,
programme hors-séries, CNEAI Paris, wp zimmer Antwerpen und Le Cru 100% CHAMPAGNE,
Österreich.
Mit Unterstützung von: Stadt Wien Kultur, bmukk, Direction Régionale des Affaires Culturelles d'Ile-de-
France und Ministère de la Culture et de la Communication, France.
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STÜCKWERK 2010
Do 10. Juni - Sa 12. Juni
Die Stückwerk-KünstlerInnen 2010 stehen fest! In der inzwischen fünften Runde des Projektes, das
Nachwuchs-ChoreografInnen die Möglichkeit bietet, neue Arbeiten zu entwickeln, konnten mit ihren
Konzepten und performativen Fähigkeiten überzeugen: Deborah Hazler (A), Jan Jakubal (CZ), Helene
Salomon (A) & Regina Picker (A), Kerstin Olivia Schellander (A) und Slava Seniugov (RU/A). Als
diesjähriger Coach wird der Choreograf und Performer Oleg Soulimenko (RU/A) die TeilnehmerInnen
über mehrere Monate begleiten. Die entstehenden Kurzstücke werden im Juni in den Tanzquartier /
Studios uraufgeführt werden.
Weitere Infos zu Stückwerk unter www.tqw.at
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THEORIE
Die Metaphern des Tanzes
Eine Vortragsreihe über gebrochenen Worte und Herzen und Beine
Vortrag von Franz Anton Cramer (D/F)
tanzdenken: Glanz und Elend instabiler Diskurse
Fr 26. Feb. 18.30 h in TQW / Studios
Von Tanz als Metapher des Denkens ist die Beschäftigung der Philosophie mit dem Phänomen Tanz
vorangeschritten zu einer Beschäftigung mit der Materialität von Tanz. Dabei zeigt sich, dass das
Philosophieren ebenso deutlich instabil werden muss, wie der Tanz sein Instabiles verdinglicht. Die
Sprache ist dabei das gemeinsame Gerüst. Ein Vortrag im Kontext der Choreografien von Pina Bausch.
Franz Anton Cramer ist Fellow am Collège international de philosophie in Paris und Projektkoordinator
Kulturerbe Tanz für Tanzplan Deutschland. Er lebt in Paris und Berlin.
Vortrag von Laurent Chétouane (F/D)
Nicht alles zu uns heranholen
Fr 26. März 18.30 h in TQW / Studios
Wie viel Metaphorik vertragen Tanz und Performance heute? Und wie viel Buchstäblichkeit? „Dichterisch
wohnet der Mensch“, schreibt Friedrich Hölderlin. Und entsteht auf der Bühne nicht unvermeidlich eine
Kluft zwischen dem Geschriebenen, dem Gesagten und dem Gesehenen, die auf ein Scheitern der
Performance verweist? Auf ein „dichterisches“ Scheitern? Auf eine „Wunde", hätte Heiner Müller gesagt.
Eine Wunde, eine Kluft, die uns nicht erlaubt, alles zu uns heranzuholen. Kann man dann in dieser
Wunde tanzen, und dabei eine Ethik des Performativen entwickeln, bzw. eine Ethik des Subjekts, in einer
Zeit, wo jegliche Position gegen die scheinbar unvermeidliche Realität nicht relevant scheint?
Im Kontext von Laurent Chétouans „Tanzstück #4 : leben wollen (zusammen)“ (siehe Seite 10)
Laurent Chétouane studierte Theaterwissenschaft in Paris und Theaterregie in Frankfurt am Main. Er
inszeniert hauptsächlich Texte von Büchner, Schiller, Hölderlin, Goethe, Heiner Müller, Sarah Kane. Seit
2006 realisiert er tänzerische Projekte - „Tanzstück #1: Bildbeschreibung von Heiner Müller“; „Tanzstück
#2: Antonin Artaud liest den 2. Akt von Goethes Faust 2 und“; „Tanzstück #3: Doppel / Solo / Ein Abend“;
„Tanzstück #4: leben wollen (zusammen)“. Er ist regelmäßig Gastdozent an verschiedenen Universitäten.
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ARTISTS-IN-RESIDENCE
ACCUMULATIONS
Accumulations – Residenzprogramm am Tanzquartier Wien
In Kooperation mit KulturKontakt Austria
Mit sechs eingeladenen KünstlerInnen – Alexander Adriyashkin (RU), Filiz Sizanli (TR), An Kaler (A),
Willy Prager (BG), Patricia Apergi (GR) und Raimonda Gudaviciute (LT) - startete Anfang Februar ein
dreimonatiges Residenzprogramm am Tanzquartier Wien. Ausgangspunkt des künstlerisch-diskursiven
Recherche- und Arbeitsprojektes ist das Konzept der Akkumulation. Als zentrales Motiv der
Bewegungskomposition ist mit ihm die Untersuchung von Prinzipien und Methoden im choreografischen
Prozess verbunden. Zugleich beschreibt die Perspektive der Akkumulation ein spezifisches Verständnis
von Material und Zusammenarbeit, das den individuellen wie künstlerischen Austausch in den
Vordergrund rückt. Anhand verschiedenster Strategien der Übertragung – von Wiederholung und Zitat,
von Fixierung und Refromulierung von Bewegungsmaterial – formulieren sich noch immer relevante
Fragen nach Autorschaft, Identität und Gemeinschaft ebenso wie nach den Voraussetzungen einer
historischen wie aktuellen (Tanz-)Geschichtssschreibung.
Während des Projektes und begleitet von der Choreografin Milli Bitterli (A) werden Begegnungen
zwischen den ResidentInnen und verschiedenen am Tanzquartier Wien arbeitenden KünstlerInnen
geschaffen, ein Austausch über choreografisches Denken initiiert und choreografische Materialien und
Instruktionen ausgetauscht. Nähere Informationen zu diesem zum Teil öffentlichen Prozess siehe:
www.tqw.at.
Kontext: Zum Motiv der Akkumulation
Das Motiv der Akkumulation begleitet die Entwicklung des Bühnentanzes und im Speziellen der
zeitgenössischen Kreation als ein zentrale Motiv und findet in emblematischen Werker der
Tanzgeschichte wie u.a. in Trisha Browns „Accumulation“ (1971) Ausdruck.
Über eine konkrete Auseinandersetzung mit tanztechnischen und kompositorischen Prinzipien und
Methoden im choreografischen Prozess beschreibt die Perspektive der Akkumulation ein spezifisches
Verständnis von Material und Zusammenarbeit, in dessen Mittelpunkt der künstlerische wie individuelle
Austausch steht. Strategien von Übertragung, der Übersetzung von Bewegung zu Text, von Vorgang zu
Beschreibung und umgekehrt, von Zitat und Wiederholung, von Über- und Umschreibung des
Bewegungsmaterials formulieren dabei nach wie vor virulente Fragen an Konzepte von Autorschaft,
Identität oder Gemeinschaft.
In der choreografischen Auseinandersetzung mit Akkumulation geht es demnach nicht um das Entdecken
oder das „Verschwinden-Machen“ von Gewesenem oder die Etablierung einer auf ästhetische Stilbildung
abzielende Genealogie von Bewegung. Vielmehr wird in der Aufnahme der Weiterbearbeitung von
Bewegungsmaterial die rhizomatische Textur von Choreografie freigelegt. In der Übertragung von
Tänzerin zu Tänzerin werden Inspiration, Impulse und Material ebenso wie diskursive Korrespondenzen
für das Publikum wie für die Künstler sichtbar. Im Nebeneinander ‚gleicher“ Bewegung öffnet sich nicht
nur ein Raum für Begegnung verschiedenster künstlerischer Ansätze, sondern mit den Körperlichkeiten
der Künstlerinnen auch der Blick für die innere Logik und die äußere Dynamik von Choreografie.
Das Projekt ist auch aus tanzhistorischer Perspektive interessant: Wo sich durch die Wende hin zum
Zeitgenössischen – vor allem auch im Tanz - ein Bruch mit einem linearen und oft euro-zentristischen
Begriff von Geschichtsschreibung formuliert, entwirft das Motiv der Akkumulation auf der Ebene der
Choreografie ein Konzept der Geschichtlichkeit, das den kunst- und zeitgeschichtlichen Umwälzungen
einer „Welt auf der Suche“ (J. Rancière) Rechnung trägt: Nicht linear organisiert und ausgerichtet,
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eschreibt es eine Öffnung hin zum Unartikulierten, die Grundlage sein kann für eine Vermittlungsarbeit,
die das Potential von zeitgenössischer Choreografie im Zentrum aktueller Entwicklungen positioniert und
vermittelt.
Umsetzung
Das Projekt ermöglich Tänzerinnen und Tänzern mit choreografischem Interesse einen dreimonatigen
Research-Aufenthalt in Wien, von Februar bis April 2010. Während dieser Zeit werden die regelmäßig im
Tanzquartier Wien gastierenden internationalen ebenso wie in Wien ansässigen Choreografinnen
eingeladen, in den Austausch mit den sechs Artists-in-Residence zu treten und im Bezug auf ihre
präsentierten Arbeiten einen choreografischen Arbeitsprozess zu initiieren. Ausgehend von der Idee der
Akkumulation übergeben die Choreografinnen an die Artists jeweils eine Minute ihres
Bewegungsmaterials oder liefern hierzu Anreize und Inspiration. Dieser Austausch kann – je nach
Choreografin – z.B. in Form einer geschriebenen Bewegungssequenz, einer Improvisationsaufgabe oder
einer tanz-technischen Vorgabe stattfinden und bietet den Artists somit einen ästhetisch ungewöhnlich
breiten und zugleich konzentrierten Ansatz an die Themenfelder Bewegungsforschung, Übersetzung und
Choreografie.
Accumulations findet in Kooperation und mit Unterstützung von KulturKontakt Austria statt.
In Zusammenarbeit mit der Botschaft der Republik Lithauen.
Biografien der ResidentInnen
Raimonda Gudaviciute (LT)
Wurde in Litauen geboren. Sie begann ihre Ausbildung im Alter von neun Jahren im AURA Dance Studio.
Nach ihrem Abschluss wurde sie Tänzerin in der AURA-Company, wo sie auch Soli tanzte und
choreografisch tätig war. Ihre Ausbildung erweiterte sie durch ein Tanz- und Schauspielstudium an der
Lithuanian Music and Theatre Academy, das sie mit dem Bachelor of Arts erfolgreich abschloss.
Zwischenzeitlich arbeitete sie am Conservatoire de Lyon. Raimonda Gudaviciute hat den
Masterabschluss in Zeitgenössischem Tanz und Choreografie der Theatre Academy Helsinki und ist
Mitglied der TaDaC´ 09 Company. Sie arbeitet auch als Tanzlehrerin in Litauen und Finnland und hat für
Frühjahr 2010 einen Lehrauftrag von K-3 Zentrum für Choreographie / Tanzplan Hamburg erhalten.
Patricia Apergi (GR)
Wurde in Athen geboren. Sie absolvierte ihre Ausbildung in den Sparten Tanz, Theater und Choreografie
an der Kapodistrian Universität in Athen, der Niki Kotaxaki Tanzschule, der Université de Nice Sophia-
Antipolis und der Middlesex University in London. Patricia Apergi nahm an zahlreichen Workshops für
Tanz und Theater teil und war als choreographische Assistenz für die Tanztheater-Company Quasi
Stellar tätig. Sie arbeitet als freischaffende Choreografin für verschiedene Theater in Griechenland. 2007
wurde ihr Stück Anorexia Socialis ausgewählt, um an der Forth Balkan Dance Platform präsentiert zu
werden. In dem Tanztheater-Stück Apolost arbeitete sie zusammen mit dem Sänger der dänischen Band
Mecano. Ihr letztes Stück DOPA (Dopamines of Post Athenians) wurde im Rahmen der 14th Biennale of
Young Artists from Europe and the Mediterranean in Skopje gezeigt.
Willy Prager (BG)
Studierte Synthetic Performing Arts an der Universität Plovdiv, Bulgarien. Darüber hinaus war er Mitglied
des Theater-Studios 4XC in Sofia. Er ist Stipendiat des danceWEB Europe Programms und als
freischaffender Künstler tätig. Willy Prager arbeitete mit RegisseurInnen und ChoreografInnen wie Galina
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Borissova, Nikolai Georgiev, David Zambrano und ACTO Portugal und ist in Projekte von Xavier Le Roy,
Thomas Lehmen und deufert+plischke involviert. Bei den Stücken Prager Straße, Watch Your Back,
Game-a-Porter und Simultanious übernahm er selbst die künstlerische Leitung. Überdies ist er als
Produzent tätig (NOMAD Dance Academy, Antistatic - Festival für zeitgenössischen Tanz und
Performance) und Mitbegründer des Brain Store Project in Sofia.
An Kaler (A)
Studierte von 2001 bis 2007 Transmediale Kunst an der Universität für Angewandte Kunst Wien. Über
Videoarbeiten entwickelte sich ihre künstlerische Praxis zunehmend entlang unterschiedlicher Kontexte
von Tanz/Performance und bildender Kunst. Von 2007 bis 2010 absolvierte sie den Pilotstudiengang
Zeitgenössischer Tanz, Kontext, Choreographie am hochschulübergreifenden Zentrum Tanz (HÜZ) an
der Universität der Künste Berlin. Als Performerin arbeitete An Kaler unter anderen mit Philipp
Gehmacher im Rahmen einer Videoproduktion. Ihre eigenen Videoarbeiten werden in unterschiedlichen
Kontexten national und international gezeigt. Die Soloperformance Save a Horse Ride a Cowboy wurde
bei den Tanztagen Berlin im Januar 2010 uraufgeführt.
Filiz Sizanli (TR)
Schloss 1997 ihr Architekturstudium an der Technischen Universität in Istanbul ab. Danach nahm sie an
verschiedenen Projekten des Theater Research Laboratory am Metropolitan Municipality Theater in
Istanbul teil. 2001 gewann Filiz ein Stipendium der French Culture Attaché für ein Trainingsprogramm im
Centre Chorégraphique National de Montpellier. Sie performte bereits in Stücken von Mustafa Kaplan,
Mathilde Monnier und Emmanuelle Huynh. 2001 kam in Kooperation mit Mustafa Kaplan und dem
Theater Spektakel in Zürich ihr Stück Üç Ayak auf die Bühne, gefolgt von dem Stück Sek Sek, das in
Zusammenarbeit mit Paris CND entstand. 2005 präsentierte sie ihr Solostück Solum in Koproduktion mit
dem Montpellier Dance Festival und Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine Saint Denis.
Sie ist Mitgründerin der Taldans Company und Çati-Studio Association.
Alexander Andriyashkin (RU)
Wurde 1980 in Novosibirsk geboren. Er begann seine Tanzausbildung im Art Center in Novosibirsk.
Später beschäftigte er sich im Rahmen von Kursen und Workshops mit Improvisation, Theater,
zeitgenössischem Tanz, Butoh und Ashtanga-Yoga. 2003 machte er am Sankt Petersburger Kulturinstitut
sein Diplom für zeitgenössische Choreografie.
Er arbeitet als Performer und Choreograf in Russland und in anderen europäischen Ländern. 2003 wurde
sein Video-Projekt 10 Exhalations von dem Sender BBC ausgestrahlt. Die Performance Human kam
2004 in Zusammenarbeit mit zwei anderen Tänzern in einem Käfig im Zoo Novosibirsk zur Aufführung.
Seit 2007 lebt er in Moskau wo er mit der TSEKH Dance Agency performt. Alexander Andriyashkin
unterrichtet zeitgenössischen Tanz in verschiedenen Hochschulen. Seine aktuellen Projekte sind die
Stücke Fingers und Touch und die Kooperation mit Künstlern aus Österreich, Schweden und Norwegen
im Rahmen des MOVE-Projekts in Wien.
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LABOR
On listening.
Künstlerischer Forschungsraum über das Hören
Listening as tracing moments of change – moments of otherness, of strangeness.
Listening as reaching out to the intangible.
Listening as politics of self-organization within a group process.
Listening as an active process of witnessing – of touching and being in touch with.
Hören. Zuhören. ÜBERTRAGUNG – Gesten und Gedanken, Dokumente und Fährten, Dokumentarisches
und Fiktives. KOMMUNIKATION – Wellen, Noten, Körper, Medien. Öffnung hin zum Unartikulierten.
Resonanz. Begegnungen zwischen Hören und Bewegung, zwischen Passivität und Ansteckung. Spuren
legen, vergessen, wiederentdecken und teilen. Aufforderung zum genauen Umgang mit dem eigenen
Material – an der Grenze zum Immateriellen.
In dem einwöchigen künstlerisch-theoretischen Forschungsraum am Tanzquartier Wien öffnen die
TeilnehmerInnen ihre individuelle Praxis und konfrontieren sie mit einer gemeinsamen `Arbeit am Hören´
und den daraus entstehenden räumlichen und zeitlichen Prozessen.
Konzept: Sabina Holzer (Performerin, Choreografin, Autorin, A) Mit: Lucia Glass (Choreografin, D),
Jack Hauser (Autor, Bildender Künstler, Filmemacher, A), Benoit Lachambre (Choreograf, Performer,
CA), Sandra Noeth (Dramaturgin Tanzquartier Wien, A), Jeroen Peeters (Autor, Dramaturg, Performer,
B), Martin Siewert (Musiker, Komponist, A)
Die beteiligten KünstlerInnen und TheoretikerInnen gestalten am Samstag, 13. März von 13.00 – 17.00
Uhr in die TQW / Studios eine Präsentation von und zum Austausch über Materialien, Gedanken und
Ergebnisse aus dem künstlerischen Forschungsprozess (Eintritt frei).
Im Zusammenhang mit diesem Forschungsprojekt findet zudem am Donnerstag, 11. März um 19.00h
eine öffentliche work-in-progress Präsentation der Performance It is not a Picture von Sabina Holzer,
Jack Hauser und Martin Siewert in den TQW / Studios statt (Eintritt frei).
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Förderer
Medienpartner
Kooperationspartner
Unterstützt von
unterstützt von
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Lageplan im MQ
Öffnungszeiten
TQW / Studios
Mo – Sa 9.00 – 20.00 h (feiertags geschlossen)
Theorie- und Medienzentrum (Bibliothek, Mediathek, Zeitschriften)
Mo – Fr 13.00 – 18.00 h
Impressum
Eigentümer: Herausgeber und Verleger
Tanzquartier Wien GmbH
1070 Wien, Museumsplatz 1
T.: +43-1-581 35 91, F.:+43-1-5813591-12
tanzquartier@tqw.at, abo@tqw.at, www.tqw.at
Das Tanzquartier Wien wird aus Mitteln der Kulturabteilung der Stadt Wien gefördert.
Künstlerische Intendanz: Walter Heun
Kaufmännische Direktion: Ulrike Heider-Lintschinger
Medienkontakt
Marlene Leberer
mleberer@tqw.at
T.: +43-1-581 35 91-61
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