Medieninformation FEB - APRIL - Tanzquartier Wien

TANZQUARTIER WIEN 

KABINETT AD CO. / PAUL WENNINGER (A) & CLAUDIA BOSSE (D/A) 

Schichten (Uraufführung) 

FR 15. FEB. + SA 16. FEB. 

20.30 h in TQW / Halle G 

Der Körper, den die beiden Choreografen Claudia Bosse und Paul Wenninger in ihrer Zusammenarbeit 

ausstellen, ist einer, der sich aus unterschiedlichen medialen Flächen zusammensetzt, einer, der selbst 

Medienfläche ist. Konditioniert durch den Raum, der Bewegungen und Handlungen einfasst, sie informiert 

und in Zusammenhänge bringt und verbunden mit der Sprache, die den Körper als Schall verlässt und in 

einen Austausch mit dem Ton-Feld der elektroakustischen Musik tritt: Der Körper ist Generator und 

zugleich Träger verschiedener, simultan sich ereignender Informationsebenen und Prozesse ebenso wie 

ritualisierter Interaktionen, durch die wir die Welt erfassen und gestalten. 

Gleich einer Membran, regulativ und durchlässig, ist der Körper dem Raum ausgesetzt und definiert 

diesen. Durch das Verflechten der zu verhandelnden Medien – dem Text des Lyrikers Michael Donhauser 

und der Musik des Komponisten Thomas Lehn – werden die Körper in ihrer Konstitution und 

Disposition sichtbar und stellen das in Frage, was wir als vermeintlich Eigenes beschreiben und was sich 

im Verhältnis zu- und miteinander relativiert. 

PERFORMANCE: Claudia Bosse, Paul Wenninger 

TEXT: Michael Donhauser 

KOMPOSITION, LIVE-MUSIK: Thomas Lehn 

RAUM: Paul Wenninger 

SCHALLTRICHTER: Walter Krenmayr 

LICHT: N.N. 

PRODUKTIONSLEITUNG: Teresita Traun 

PRODUKTION: Kabinett ad Co. 

KOPRODUKTION: Tanzquartier Wien und Theatercombinat 

Kabinett ad Co. wird SUBVENTIONIERT durch die Kulturabteilung der Stadt Wien


CHRISTINE DE SMEDT (BE) / les ballets C de la B 

Untitled 4. 4 choreographic portraits. (Österreichische Erstaufführung) 

FR 22. FEB. + SA 23. FEB. 


The son of a priest. 

‘I would leave a signature’. 

Self-reliance. 

A woman with a diamond. 

Bislang hat die Choreografin Christine De Smedt darauf verzichtet, ihre eigene Biografie als 

Inspirationsquelle zu nutzen. In Untitled 4 hingegen macht sie nun das Persönliche an sich zum Thema der 

Performance. Was ist das Persönliche? Wie wird aus biografischen, teilweise banalen Versatzstücken eine 

interessante und kohärente Geschichte? Und welche Relevanz hat diese für eine künstlerische Arbeit? 

Basierend auf Interviews mit den ChoreografInnen Jonathan Burrows, Alain Platel, Xavier Le Roy und 

Eszter Salamon über Ihr jeweiliges Verhältnis zwischen Leben und Arbeit zeichnet sie vier 

choreografische Portraits dieser Künstler, die den gegenwärtigen zeitgenössischen Tanz bis heute 

maßgeblich mitprägten. Wenn sie ihre Worten, Gesten und Geschichten übernimmt, austauscht, kopiert, 

imitiert, sich aneignet, ihnen empathisch zuhört oder sie direkt oder indirekt zitiert, lässt Christine de 

Smedt beunruhigende (Selbst-)Bilder entstehen:eine Performance über künstlerische Identität und die 

Sehnsucht nach Autorschaft, die sie in der radikalen Aneignung eines Anderen gleichzeitig aufgibt. 

Performance in Englisch 

KONZEPT, PERFORMANCE: Christine De Smedt 

KÜNSTLERISCHE UNTERSTÜTZUNG, MITARBEIT: Kristien van den Brande, Bojana Cvejic, 

Vladimir Miller, Ana Vujanovic 

STIMMTRAINING, BERATUNG MUSIKAUSWAHL: Eurudike De Beul 

VIDEO: Nele Keukelier 

TECHNIK: Wim Piqueur, Bennert Van Cotten 

ASSISTENZ TECHNIK: Mattijs Otté 

PRODUKTION: les ballets C de la B 

KOPRODUKTION: Musée de la danse / Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne, 

Kunstencentrum BUDA (Kortrijk), PACT Zollverein (Essen), Next Festival – Espace Pasolini, Théâtre 

International (Valenciennes) 

UNTERSTÜTZT von Flemish Authorities, City of Ghent, Province of East-Flanders


SHONEN (F) 

lil’dragon (Österreichische Erstaufführung) 

FR 1. MÄRZ 20.30 h in TQW / Halle G 

SA 2. MÄRZ 18.00 h in TQW / Halle G 

In lil’dragon treffen unterschiedlichste künstlerische Sprachen aufeinander: klassischer kambodschanischer 

Khmer-Tanz, zeitgenössische Bewegungsformen, Urban Dance, Bildende Kunst und neue Technologien. 

Auf der Bühne begegnen sich eine ehemalige Star-Tänzerin des Royal Ballet of Cambodia und eine HipHop 

Tänzerin, um ihre Erfahrungen über ihre eigene Kultur und Generation hinaus durch den Tanz an eine 

Gruppe von Wiener Kindern weiterzugeben. Wie können wir Veränderungen und Umbrüche in unserem 

Leben anderen vermitteln? Und wie verändert sich unsere Erinnerung dabei? 

In lil’dragon lässt der Choreograf und Grafik-Designer Eric Minh Cuong Castaing ein Kaleidoskop aus 

Licht, Bildern, Farben und Körpern entstehen. Indem er das Geschehen auf der Bühne mit Hilfe von 

Videoprojektionen manipuliert, setzt er Raum und Zeit in unerwartete und faszinierende Beziehungen und 

fordert unsere Wahrnehmung heraus. Die Figur des Drachen begleitet diese Wandlungsprozesse, indem 

sie uns an die Poetik und die Kraft erinnert, die im Aufeinanderprallen von Realität und Fantasie liegen. 

Für Erwachsene sowie Kinder und Jugendliche ab 13 Jahren. 

- 

EINE KOOPERATION von Tanzquartier Wien und SZENE BUNTE WÄHNE. 

— 

KÜNSTLERISCHE LEITUNG, CHOREOGRAFIE: Eric Minh Cuong Castaing 

CHOREOGRAFIE IN ENGER ZUSAMMENARBEIT MIT: Gaétan Brun Picard, Ingrid Estarque, 

Meah Savay 

INTERPRETATION: Ingrid Estarque, Meah Savay gemeinsam mit einer Gruppe von Kindern 

DRAMATURGIE: Céleste Germe 

CHOREOGRAFISCHE ASSISTENZ: Gaétan Brun Picard 

VIDEO: Pierre Gufflet 

KOMPOSITION: Naun & Alexandre Bouvier 

LICHT: Sébastien Lefevre 

LICHT-REGIE: Grégoire Faucheux 

TON-REGIE, VIDEO-ASSISTENZ: Alexandre Bouvier 

KOSTÜME: Luce Noyer 

ANIMATION: Matthieu Gaillard, Cyril Drouin 

KURZFILM: Jean-Francois Julian 

MASKE: Emilie Bak 

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PRODUKTION: Aurélien Guillois (Bureau FormART) 

MIT UNTERSTÜTZUNG VON Modul-Dance 

Diese Veranstaltung ist Teil des neuen TQW ABONNEMENT für Frühling 2013


CIE. NACERA BELAZA (DZ/F) 

Le Trait. Pièce en trois temps (Österreichische Erstaufführung) 

FR 8. MÄRZ + SA 9. MÄRZ 


Die algerisch-französische Choreografin Nacera Belaza ist bekannt für ihre schöpferische Kraft und ihre 

künstlerische Kompromisslosigkeit. Für das Triptychon Le Trait arbeitet sie mit ihrer Schwester sowie mit 

zwei jüngeren Tänzern zusammen. 

In den beiden Soli und einem Duo – drei choreografischen Gesten, drei tief sinnlichen Erfahrungen – 

untersucht sie die Beziehungen zwischen bestimmten Formen des klassischen Tanzes ihres Heimatlandes 

Algerien, heiligen Ritualen und ihrer eigenen choreografischen Schrift, die durch ihre Intensität, 

Innerlichkeit und Detailgenauigkeit besticht. Entlang feiner Nuancen bewegen sich die Körper in ihrem 

Streben nach Selbstbestimmung durch ein Spiel von Licht und Schatten, von Trance und scheinbarer 

Bewegungslosigkeit. 

Nacera Belazas Tanz ist dabei immer ein Tanz der Aufmerksamkeit: Widersprüchlich und fesselnd, nimmt 

sie uns mit auf ihre Suche »nach einem Raum, in dem Zeit keine Rolle mehr spielt, einem Raum, in dem 

wir das Unendliche berühren und endlich etwas teilen können«. 

- 

CHOREOGRAFIE, KONZEPT: Nacera Belaza 

LICHT: Éric Soyer 

SOUND- UND LICHT: Christophe Renaud, Frédéric Boileau 

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Le Coeur et l'Oubli (solo) 

CHOREOGRAFIE: Dalila Belaza 

PERFORMER: Dalila Belaza 

SOUND- UND LICHTKONZEPT: Dalila Belaza 

— 

La Nuit (solo) 

CHOREOGRAFIE: Nacera Belaza 

PERFORMER: Nacera Belaza 

SOUND- UND LICHTKONZEPT: Nacera Belaza 

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Le Cercle (duo) 

CHOREOGRAFIE: Nacera Belaza 

PERFORMER: Mohamed Ali Djermane, Lotfi Mohand Arab 

SOUND- UND LICHTKONZEPT: Nacera Belaza 

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KOPRODUKTION: Festival d'Avignon, Le Parc de la Villette (Artist-in-Residence), Bonlieu Scène 

nationale d'Annecy, Mécènes du Sud, Moussem (.eu), Fabbrica Europa (Florenz). 

RESIDENZDEN: Le Prisme, Scène nationale de Cavaillon, La Faïencerie (Creil), Le Forum Scène 

conventionnée de Blanc-Mesnil, Teatro Era (Pontedera) 

MIT UNTERSTÜTZUNG von: DRAC Ile-de-France / Ministère de la culture et de la communication, 

Région Ile-de-France, Ambassade de France en Algérie, Union européenne, Institut français, Fondation 

Nuovi Mecenati, Institut français Deutschland-Bureau du Théâtre et de la Danse / Ministère de la Culture 

et de la Communication/DGCA


Ein Projekt im Rahmen von Passagen Passagiere im Museumsquartier Wien 

MILLI BITTERLI (A) 

Was bleibt? 

DO 7. MÄRZ + DO 14. MÄRZ + DO 21. MÄRZ 

19.00 h – 22.00 h in der Durchfahrt (Eingang Tanzquartier Wien Studios) 

»Ich möchte mir vorstellen, ich kann durch mein Leben tanzen. Dass es für jeden Moment im Leben eine Bewegung gibt …« 

Milli Bitterli 

Was bleibt von einer Kunstform, die sich Tanz nennt? Die sich nicht festhalten lässt, sondern nur im Tun 

zu finden ist. Im Rahmen ihres Langzeitprojektes Was bleibt? tanzt Milli Bitterli, begleitet von dem 

Kameramann Jack Hauser, seit 2004 immer wieder dieselbe Bewegungschoreografie. 

Durch ihr Bewegungsmaterial betritt Milli Bitterli immer neue unbekannte private und öffentliche Orte, 

während der zugleich auf Film gebannte Tanz einen Raum öffnet, der dem Wunsch nach grenzenloser 

Dauer der Bewegung und abstrakter, aber zugleich emotionaler Darstellung Ausdruck verleiht. Im 

Rahmen von Passagen Passagiere haben sich die beiden Künstler die Frage gestellt, was Tanz an einem 

gesellschaftlich tabuisierten Ort, wie einem Hospiz, an Möglichkeiten schaffen kann. 

Die Begegnungen mit den Menschen im Hospiz Mödling haben die selbstverständliche, ununterbrochene 

Bewegungschoreografie eingebremst und zur Frage Was bleibt? die Frage Was ist? hinzugefügt. 

Ein Projekt im Rahmen von Passagen 

Passagiere im MuseumsQuartier Wien 

— 

TANZ, VIDEOSCHNITT: Milli Bitterli 

KAMERA: Jack Hauser 

PROJEKTBEGLEITUNG: Frans Poelstra 

REALISATION: ermöglicht durch den Verein Hospiz Mödling (Regina Reindl) und die Hospizabteilung 

des Landespflegeheims Mödling (Christine Beyer).


Performance / Installation 

CLAUDIA HEU / Cabula6 (A) & LISA HINTERREITHNER (A) / ROLAND SCHMIDT (A) / 

IGOR DOBRICIC (RS/NL) 

COURAGE (Uraufführung) 

DI 12. MÄRZ 

16.00 h – 23.00 h 

MI 13. MÄRZ + 

DO 14. MÄRZ 

13.00 h – 21.00 h 

DO 28. MÄRZ 

16.00 h – 23.00 h 

FR 29. MÄRZ + SA 30. 

MÄRZ 13.00 h – 21.00 h 

jeweils in TQW / Halle G 

COURAGE ist eine Übung im Hinhören, im Zuhören und im Miteinander-Sprechen. Ausgangsmaterial 

des Projektes sind Gespräche, die Claudia Heu seit April 2012 mit verschiedenen Menschen führte: Was 

sind ihre persönlichen Erfahrungen mit Umbrüchen? Mit Gelingen und mit Scheitern, damit, sich dem 

Wandel anzuvertrauen oder sich dem Unausweichlichen zu widersetzen? Die Künstlerin sprach mit ihren 

Interviewpartnern über die Freiheiten und Unfreiheiten, die Veränderungen mit sich bringen, über das 

Jetzt und Morgen. COURAGE ist ein Zusammenschnitt von Stimmen und Erfahrungen, ein Chor von 

Stimmen, eine performative Installation über das, was entsteht, wenn das Alte nicht mehr hält und das 

Neue noch nicht greifbar ist. 

- 

KÜNSTLERISCHE LEITUNG: Claudia Heu 

PROJEKTENTWICKLUNG: Lisa Hinterreithner, Roland Schmidt 

COURAGE IM WIENER U-BAHNNETZ: Claudia Heu, Roland Schmidt 

PUBLIKATION: Igor Dobricic, Studio Zijspan 

PRODUKTION: Anna Feldbein, Claudia Heu 

INTERVIEWPARTNER: LY, Michael Pinsky, Rico, Ingrid Strobl, Maria, Salpa, Anneliese Schneider, 

Nicolas Vareli DANK an Jeremy Xido und Markus Schleinzer sowie an Manuel Hartmann, Klaus Huhle, 

Georg Krewenker, Geri Trübswasser 

— 

MIT FREUNDLICHER UNTERSTÜTZUNG der MA 7 – Kulturabteilung der Stadt Wien und des 

bm:ukk 

Die Veranstaltung findet bei freiem Eintritt statt. 

— 

Begrenzte Teilnehmerzahl, 

bitte um Anmeldung an: courage@cabula6.com, 

Tel. 0680 / 306 59 27 (Mo – Fr 11.00 h – 15.00 h) 

Treffpunkt: Halle G (Kassenbereich)


SABURO TESHIGAWARA / KARAS (J) 

DAH-DAH-SKO-DAH-DAH 

FR 15. MÄRZ + SA 16. MÄRZ 

20.30 h in TQW / Halle E 

Es ist vor allem die einzigartige Mischung von Bewegung, Text, Licht und Bühne, mit der sich Saburo 

Teshigawara, eine der herausragenden Persönlichkeiten der internationalen Tanzszene, seit den 1980er 

Jahren einen Namen gemacht hat. Das Stück, das 1991 uraufgeführt wurde und zu den zentralen Werken 

des japanischen Choreografen zählt, ist am Tanzquartier Wien erstmals in einer neuen Fassung in Europa 

zu sehen. 

Der Titel DAH-DAH-SKO-DAH-DAH greift lautmalerisch den Klang der jahrhundertealten Tradition 

der Kenbai-Taiko-Trommeln auf – das Pochen des Herzens und die Geräusche des Windes. 

Beeindruckend sensibel und voller Kraft verbindet sich dabei die musikalische Poetik des japanischen 

Dichters Kenji Miyazawa (1896 – 1935), die die Arbeit inspiriert hat, mit modernen, westlichen 

Einflüssen. Wenn Körper und Raum sich verbinden und der Klang in seiner physischen Dimension 

erfahrbar wird, öffnet sich der Tanz Saburo Teshigawaras in seiner Einzigartigkeit hin zu einer 

weltumgreifenden künstlerischen Sprache. 

- 

CHOREOGRAFIE, KONZEPTION BÜHNE, LICHT UND KOSTÜM: 

Saburo Teshigawara 

TANZ: Saburo Teshigawara, Rihoko Sato, Eri Wanikawa, Kafumi Takagi, Rika Kato Jeef, Seitaro Hayashi 

TECHNISCHE KOORDINATION: Sergio Pessanha 

LICHT: Hiroki Shimizu (HALO) 

TECHNISCHE LEITUNG: Markus Both 

— 

PRODUKTIONKARAS, Festival/Tokyo 

ADMINISTRATION: KARAS 

PRODUKTION, TOURING: Epidemic (Richard Castelli) 

Diese Veranstaltung ist Teil des neuen TQW ABONNEMENT für Frühling 2013 

EINFÜHRUNGEN ZU DEN 

VERANSTALTUNGEN 

FR 15. MÄRZ 

19.45 h in TQW / Studios 

& 

EINFÜHRENDER VORTRAG von 

der Tanz- und Theaterwissenschafterin Sabine Huschka 

SA 16. MÄRZ 


Eintritt frei


OLGA DE SOTO 

Debords. Reflections on The Green Table. 

An analytical dance work that takes Kurt Jooss’ piece The Green Table as its starting point. 

FR 22. + SA 23. MÄRZ 


Ausgangspunkt für Débords ist Der Grüne Tisch – eine 1932 in Paris uraufgeführte Choreografie von Kurt 

Jooss, die aufgrund ihres pazifistischen Inhalts und des Engagements der Beteiligten gegen den Aufstieg 

des Nationalsozialismus zu einem festen Teil der internationalen Tanzgeschichtsschreibung geworden ist. 

Im Rahmen ihres langfristigen angelegten Recherche-Projektes sammelte die Choreografin Olga de Soto 

Spuren, die das Werk im Gedächtnis jener zurückgelassen hat, die es gesehen, getanzt und an neue 

Generationen weitergegeben haben: Wörter, Körper und Blicken als Material für eine analytische und 

performative Annäherung an die Themen der Wahrnehmung, Interpretation, Erinnerung und Weitergabe 

im Tanz. Gemeinsam mit einer Gruppe von sechs TänzerInnen entstand eine Performance, die die 

wechselnden Lesearten von Der Grüne Tisch verinnerlicht und zugleich etwas Eigenes und Persönliches 

erschafft. Einen Dialog zwischen dem Hier und Jetzt, ein lebendiges Dokument Tanzgeschichte und eine 

Anklage gegen den Krieg und seine Verbrechen. 

- 

KONZEPT, CHOREOGRAFIE, DOKUMENTATION, KAMERA UND SOUND: Olga de Soto 

MIT: Fabian Barba, Alessandro Bernardeschi, Edith Christoph, Hanna Hedman, Mauro Paccagnella, 

Enora Rivière. 

VIDEOREGIE: Olga de Soto 

VIDEOMONTAGE: Julien Contreau, Olga de Soto 

MUSIK: Frederic Rzewski The People united will never be defeated Variation nr. 1, John Cage Sonate nr. 1 pour 

piano préparé und Sonate nr. 5 pour piano préparé 

LICHT: Philippe Gladieux 

SOUND: Mathieu Farnarier 

VIDEOTECHNIK: Bram Moriau & Olga de Soto 

SZENOGRAFIE-KONZEPT: Olga de Soto & Shizuka Hariu 

SZENOGRAFIE: Shizuka Hariu / SHSH 

KOSTÜME: Dorothée Catry 

TECHNISCHE KOORDINATION: Daniel Huard 

AUFBAU: Yann Stroobant 

ÜBERSETZUNG: Christiane Gleis, Doris Beckmann, Klaus Ludwig 

UNTERTITEL: Tongues Untied 

ASSISTENZ MATERIALRECHERCHE: Karin Verbruggen 

– 

Ein Tanzfonds Erbe Projekt 

– 

MIT ZEUGENAUSSAGEN VON: Marina Grut, Ann Hutchinson Guest, Christian Holder, Joan Turner 

Jara, Nora Salvo, Jeanne Brabants, Michèle Nadal, Hanns Stein, Andras Uthoff, Edith del Campo, Philip 

Lansdale, Juan Allende-Blin, Toer van Schayk, Fernando García, Bruno Jacquin, Jacqueline Challet-Haas, 

Gerd Zacher, Jeanette Vondersaar, Françoise Dupuy. 

– 

PRODUKTION: Niels & Caravan Production 

KOPRODUKTION: Joint Adventures/Tanzwerkstatt Europa (Munich), Les Halles (Brussels), Culturgest


(Lisbon), Festival d’Automne à Paris, Les Spectacles vivants – Centre Pompidou (Paris), Tanzquartier 

Wien, Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Roussillon (CCNM) in the frame of 

Jardin d'Europe - with the support of the European Union, Open Latitudes (Les Halles-Brussels, 

Latitudes Contemporaines-Lille, Le Manège de Mons / Maison Folie-Mons, Cialo Umysl Foundation- 

Warsaw, Teatro delle Moire-Milan, Sin Arts and Culture Centre-Budapest, Le phénix, scène nationale de 

Valenciennes, l’Arsenic-Lausanne) 

MIT UNTERSTÜTZUNG von der Europäischen Union. 

FINANZIERT VON: TANZFONDS ERBE, eine Initiative der Deutschen Kulturstiftung des Bundes 

MIT UNTERSTÜTZUNG VON: the Federation Wallonia-Brussels, Wallonie-Bruxelles International, 

(WBI), Archives Jooss (Köln/Amsterdam), Deutsches Tanzarchiv Köln. 

MIT ZUSÄTZLICHER UNTERSTÜTZUNG VON: Centre de développement chorégraphique d’Uzès 

and Théâtre de la Place de Liège. 

– 

Dieses Projekt hat Forschungsstipendien vom Französischen Ministerium für Kultur und 

Kommunikation und von der Föderation Wallonie-Brüssel für die Entwicklung der Dokumentation 

erhalten. 

– 

DANK AN: Juan Allende Blin, Heidi Almi, Michèle Bargues, Fernando Beltramí, Sylvain Boruel, Jeanne 

Brabants, Jean Cébron, Jacqueline Challet-Haas, Lucie Conrad, Edith del Campo, Thierry De Mey, 

Dominique Dupuy, Françoise Dupuy, Petrus Folkegard, Fernando García, Alin Gheorghiu, Marina Grut, 

Tal Harari, Thomas Hartmann, Ann Hutchinson Guest, Bruno Jacquin, Jooss-Archiv (Köln/Amsterdam), 

Hartmut Klug, Cindy Koopman, Philip Lansdale, Anna Markard, Hermann Markard, Eri Misaki, Michelle 

Nadal, Klaus Dieter Pett, Renate Pook, Ursula Popp, Ariane Rindle, Filipa Rola, Nora Salvo, Francis 

Sinceretti, Hanns Stein, Joan Turner Jara, Ann Vachon, Ramona van der Wulp, Myriam van Imschoot, 

Jeanette Vondersaar, Andras Uthoff, Michael Uthoff, Toer van Schayk, Claire Verlet, Guus Wijnoogst, 

Gerd Zacher und Hans Zullig. 

BESONDERER DANK AN: Anne Bachy-Berthin, Anne Bautz, Marc Bouteiller, Christian Holder, 

Laurence Louppe, Manuela Gutiérrez, Anna Markard, Daniela Müller, Thomas Thoraush, Fabienne 

Verstraeten, Laurent Vinauger, Antón and Gabriel. 

– 

Olga de Soto ist gefördert von der Föderation Wallonie-Brüssel. Sie ist Artist in Residence bei Les Halles 

(Brüssel) und in administrativer Residenz bei La Raffinerie – Charleroi/Danses, Centre Chorégraphique 

de la Féderation Wallonie-Bruxelles. 

– 

Das Projekt wurde gefördert mit Unterstützung der Europäischen Kommissio


GUNILLA HEILBORN 

This is not a love story (Österreichische Erstaufführung) 

FR 5. + SA 6. APRIL 


If you start with having a relationship with something dead, like a stone. 

Then you can move on to trees and flowers and some animals. 

And finally, you can try with people. 

Kowalski und Vera: In immer neuen Rollen begegnen sich die beiden zurückhaltenden Helden auf der 

Bühne. Eine Frau und ein Mann, die sprechen, tanzen und sich unaufhörlich Fragen stellen: Wer hat hier 

was gemacht? Wann? Wo? Und warum? Vor allem aber erzählen sie sich Geschichten von einer Reise 

vom Nordkap bis nach Lissabon… 

In This is not a love story rückt Gunilla Heilborn das Augenmerk auf diejenigen Zusammenhänge und 

Beziehungen, die unserer Aufmerksamkeit sonst vielleicht entgleiten - auf eine Reise, deren Ziel in all den 

gestellten und ungestellten Fragen in den Hintergrund rückt. In Tanz-Miniaturen, wunderbar unterkühlten 

Dialogen, mit Humor und spürbarer Leichtigkeit erzählt die schwedische Choreografin einen 

choreografischen Road-Movie: eine Geschichte vom stetigen Suchen. 

- 

CHOREOGRAFIE: Gunilla Heilborn in Zusammenarbeit mit den Performern 

PERFORMER: Kristiina Viiala, Johan Thelander 

MUSIK: Kim Hiorthøy 

LIGHTDESIGN: Miriam Helleday 

BÜHNEN- UND KOSTÜMDESIGN: Katarina Wiklund 

PRODUKTION: Loco Motion/ Åsa Edgren, Magnus Nordberg 

KOPRODUKTION : NorrlandsOperan and Göteborgs Dans- och Teaterfestival 

MIT UNTERSTÜTZUNG VON: Culture Programme of the European Union im Rahmen von 

NXTSTP. 

Diese Veranstaltung ist Teil des neuen TQW ABONNEMENT für Frühling 2013


Art equals Politics, fasst Hooman Sharifi den Ausgangspunkt seiner Arbeit zusammen: Kunst, die dort 

Politik trifft, wo es um die Kommunikation, Kommentierung und Befragung unserer Gesellschaft und die 

Herausbildung eines kritischen Bewusstseins geht. Am Tanzquartier Wien sind nun zwei neue Arbeiten 

des im Iran geborenen, norwegischen Choreografen zu sehen, die mit seiner Kompanie Impure Company 

und in Zusammenarbeit mit herausragenden KünstlerInnen anderer Sparten entstanden. 

IMPURE COMPANY / HOOMAN SHARIFI (NO) & DEEP DOWN DOPEIZM (NO) 

Now The Field is Open (Österreichische Erstaufführung) 

DO 11. APRIL 


In Now The Field is Open treffen Hip Hop, zeitgenössischer Tanz und live gespielte, traditionelle persische 

Musik mit ihrer je eigenen künstlerischen Geschichte, Kultur und ihren spezifischen Ausdrucksformen in 

einem choreografischen Gesellschaftsporträt aufeinander und teilen sich die Bühne. Aus einer 

multikulturellen Perspektive erfinden die KünstlerInnen jeden Abend von Neuem eine Serie von 

Begegnungen. Einen performativen Dialog, in dem sie untersuchen, wie ein Zusammenspiel der 

verschiedener Sprachen und Voraussetzungen möglich sein kann ohne ihnen ihre Identität, ihre Signatur 

zu nehmen: ein nuancierter Cultural Clash, innovativ und unvorhersehbar. 

- 

CHOREOGRAFIE, LICHT: Hooman Sharifi 

VON UND MIT: Anne Goldberg Stavn, Camilla Tellefsen, Marlene Skoglund, Mathias Jin Budtz, 

Richard „Maxim“ Retterasen, Ida Gudbrandsen, Matthew William Smith, Hooman Sharifi, Rikke Baewert, 

Loan Ha 

MUSIK: Javid Afsari Rad, Habib Meftah Boushehri, Reza Samani 

KOORDINATION: Valérie Lanciaux 

TITEL: Slavoj Zizek 

ILLUSTRATION: David Stenmarck 

BILDER: Arash A. Nejad 

EINE PRODUKTION VON: IMPURE COMPANY und DEEP DOWN DOPEIZM 

IMPURE COMPANY / HOOMAN SHARIFI (NO) 

Then Love was found and set the World on Fire (Österreichische Erstaufführung) 

FR 12. APRIL+ SA 13. APRIL 


Meine Erinnerungen an die iranische Revolution von 1979 sind ein scharfer Geruch nach verbrannten Reifen, herum 

rennende Menschen, Gewehrgeräusche, Schreien, die Melodie von gesungenen Slogans... Ich war sechs Jahre alt. Vor drei 

Jahren, beim Betrachten des Aufstandes im Iran mit seinen machtvollen Bildern, kamen die Gerüche und Geräusche aus 

meiner Kindheit zurück. (Hooman Sharifi) 

Then love was found and set the world on fire behandelt die Revolution von 1979 und erzählt über die politischen 

Ereignisse und den Aufstand, der im Iran entstand. Es geht es um das Schreien, das Rennen, das Singen, 

das Weinen und den Geruch nach verbrannten Reifen und Haaren, um das Entstehen vieler und das 

plötzliche Verschwinden aller. Es geht um die Leere, nachdem jemand gestorben ist, um die Stille, bevor 

man rennt, um den Klang des Atems, wenn man sich versteckt. Zwischen Choreografie und einer in 

Echtzeit entstehenden Grafik- und Bilderwelt zeigt das Stück die Entschlossenheit in den Gesichtern und 

Körpern derjenigen, die nichts zu verlieren haben. 

-


CHOREOGRAFIE, REGIE, LICHT: Hooman Sharifif 

VON UND MIT: Rikke Baewert, Ida Gudbrandsen, Loan Ha, Hooman Sharifi, Matthew William Smith 

BILDENDE KUNST: Elika Hedayat, Sima Khatami 

PRODUKTION: Valérie Lanciaux 

EINE PRODUKTION VON: IMPURE COMPANY 

KOPRODUKTION: Tanzquartier Wien, Montpellier Danse 2012, Centre de Développement 

Choregraphique Toulouse, Parc et Grande Halle de la Villette Paris, Hellerau – Europäisches Zentrum der 

Künste Dresden, Mercat de les Flors Barcelona / El Graner 

MIT UNTERSTÜTZUNG VON Modul-Dance 

Impure Company wird unterstützt von: Norwegian Council for Cultural Affairs; Ministry for Foreign 

Affairs Norway 

Diese Veranstaltungen sind Teil des neuen TQW ABONNEMENT für Frühling 2013


STEFANIE WILHELM 

Lumen – Raum sehen II 

FR 19. APRIL + SA 20. APRIL 

19.00 h + 20.30 h 


18.00 h + 19.00 h in TQW / Studios 

Die Grenzenlosigkeit des Gesichtsraums ist am klarsten, wenn wir nichts sehen. Bei vollständiger Dunkelheit. 

(Ludwig Wittgenstein) 

Choreografie als Raumkunst: Was, wenn der Körper in unsere auf das Sehen, auf Erkennbarkeit und 

Orientierung ausgerichtete Wahrnehmung eintritt? Wenn sich unsere kinästhetischen, akustischen, 

visuellen Eindrücke, Impulse und Erfahrungen miteinander verschalten und Raum wieder neu 

konstruieren? 

Lumen – Raum sehen II ist Teil einer Serie performativer Installationen, bei denen sich die Bühnenbildnerin 

Stefanie Wilhelm mit den Parametern und Bedingungen unserer Wahrnehmung auseinandersetzt und 

diese radikal verändert. In der Choreografie aus Bewegung, Licht und Dunkelheit, die sie seit 2012 u.a. mit 

den TänzerInnen und ChoreografInnen Charlotta Ruth und Luke Baio entwickelte, verbinden sich Linien 

und Flächen dynamisch miteinander. Im Fokus der neuen Fassung von Lumen – Raum sehen steht dabei das 

performative Entstehen des Raumes: der Prozess, das, was man sieht, mit dem, was man weiß, in Einklang 

zu bringen – und als BetrachterIn im Akt des Sehens den Raum selbst zum Tanzen zu bringen. 

- 

KÜNSTLERISCHE LEITUNG, LICHT UND RAUM: Stefanie Wilhelm 

SOUND: Sebastian Bauer


FEEDBACK [2nd edition] 


Ein Ausschnitt aktueller Tanz- und Performancekunst aus Österreich 

im Blick von Tanzquartier Wien 

MI 24. APRIL – SA 28. APRIL 

in Tanzquartier Wien Halle G und Studios, Dschungel Wien, Zollamtskantine und Josephskapelle 

Vier Tage Tanz und Performance aus Österreich. Vier Tage, an denen Sie konzentriert erfahren können, 

mit welcher Inspirationskraft KünstlerInnen hierzulande die Möglichkeiten des Choreografischen lustvoll 

und klug expandieren. 

Vier Tage frische Ideen, berührende Momente, politisches Engagement, überraschende Raumerlebnisse, 

eingehende Blicke auf die Gesellschaft, das Menschliche, auf das, was wir glauben und wovon wir andere 

überzeugen wollen. 

Vier Tage künstlerisches Feedback zum aktuellen Geschehen und Feedback für die KünstlerInnen. Vier 

Tage wird Wien zum Zentrum des internationalen Interesses der Fachwelt. VeranstalterInnen, 

FestivaldirektorInnen und MultiplikatorInnen kommen in die Stadt, um hier Inspiration für ihre 

Programmplanung zu finden. Vier Tage, an denen Sie nachmittags mit uns denken, abends Tanzkunst 

erleben, spätabends feiern und noch nachts in Träumen tanzen können. Vier Tage, an denen Sie sich 

Urlaub nehmen und bei uns sein sollten! 

Kalender 

MI 24. APRIL 

19.30 h in der Josephskapelle/Hofburg 

CHRISTINE GAIGG / 2nd nature 

DeSacre! 



DOMINIK GRÜNBÜHEL / LUKE BAIO 

ohne nix 

18.00 h + 19.00 h 

in TQW / Studios 




ROLAND RAUSCHMEIER & MILLI BITTERLI / PHILIPP GEHMACHER / ANNE 

JUREN / PAUL WENNINGER 

MASH UP – a readymade performance 

FR 26. APRIL 

13.30 h – 16.00 h 


FEEDBACK Excursus



17.00 h in Dschungel Wien 

ELISABETH B. TAMBWE 

Golden Baby 


ALEX DEUTINGER / MARTA NAVARIDAS 

Your Majesties 

20.30 h in der ehemaligen 

Zollamtskantine 

CLAUDIA BOSSE / theatercombinat 

designed desires 

SA 27. APRIL 

13.30 h – 16.00 h 


FEEDBACK Excursus 


AN KALER 

On Orientations | Untimely Encounters (working title) 

20.30 h in der ehemaligen Zollamtskantine 


Designed Desires 


THE LOOSE COLLECTIVE 

The Old Testament. According to the Loose Collective 


Film-Screenings /sixpackfilm 

MICHAEL PALM / WILLI DORNER 

body trail (AT, 2009) 

JAN MACHACEK 

in the mix (AT, 2008), 

show ghost (AT, 2013) 

PAUL WENNINGER 

trespass (AT, 2012) 

MARA MATTUSCHKA / CHRIS HARING 

Burning Palace (AT, 2009) 


VICTORIA DE MILQ 

Glitschig 

& anschließende FEEDBACK [2nd edition]-Abschlussparty



CHRISTINE GAIGG / 2nd nature (A) 

DeSacre! (Uraufführung) 

MI 24. APRIL 

19.30 h in der Josephskapelle/Hofburg 

Geschlossene Veranstaltung auf Einladung von Bundespräsident Dr. Heinz Fischer 

Die Komplexität einer Kunstaktion ist hoch, auch oder gerade wenn die Aktion nur 40 Sekunden lang 

dauert. Wenn die Komplexität die Möglichkeiten einer Gesellschaft übersteigt, ist wahrscheinlich ein 

wunder Punkt getroffen worden. Der wunde Punkt der russischen Gesellschaft ist im Fall von Pussy Riot 

augenscheinlich, das Ergebnis bekannt. 

In DeSacre! verschränkt die Choreografin Christine Gaigg das Re-Enactment der Pussy- Riot-Aktion in der 

Moskauer Christ-Erlöser-Kathedrale vom 21. Februar 2012 mit Szenen aus Le Sacre du Printemps, das 1913 

von Igor Strawinsky und Vaclav Nijinsky in Paris uraufgeführt wurde. Dabei treffen in einer Art 

liturgischen Abfolge Szenen der Original-Choreografie mit Überschriften wie »Rivalisierende Stämme«, 

»Prozession des alten Weisen«, »Kuss der Erde«, »Anrufung der Ahnen« und »Opfer« mit der Aktion von 

Pussy Riot und Textzitaten und Kommentaren zum Fall aufeinander. 

In der Architektur der Josephskapelle, die 1772 über mehrere Stockwerke der Wiener Hofburg und der 

heutigen Präsidentschaftskanzlei erbaut wurde, adressieren die aufgeworfenen Aspekte auch Fragen an 

unsere Gesellschaft: Was ist Entweihung? Weist die Aktion, wenn man die gespaltenen Reaktionen in 

Russland und die internationale Unterstützung miteinbezieht, über die reine Provokation hinaus? Und ist 

mit dem Argument des Sakrosankten schon alles erklärt? 

- 

KONZEPT, REGIE: Christine Gaigg 

PERFORMAMCE: Maria Schaller, Veronika Zott 

RAUM: Philipp Harnoncourt 

LICHT: JAN WAGNER 

TEXTDRAMATURGIE: Erich Klein 

MUSIKALISCHE EINRICHTUNG: Florian Bogner 

MUSIK: Igor Strawinsky Le sacre du Printemps 

CHOREOGRAFISCHE ELEMENTE: Vaclav Nijinsky, Pussy Riot 

KOSTÜME: Dorothea Nicolai 

ASSISTENZ: Iris Raffetseder 

— 

EINE KOPRODUKTION von Tanzquartier Wien und 2nd nature 

2nd nature wird GEFÖRDERT von MA 7 – Kulturabteilung der Stadt Wien



DOMINIK GRÜNBÜHEL / LUKE BAIO 

ohne nix (Uraufführung) 



Luke Baio und Dominik Grünbühel sind vor allem eines: experimentierfreudig, voller Spiellust und immer 

mit einer Prise Selbstironie ausgestattet. 

Ihre neue Arbeit ohne nix entsteht sprichwörtlich in Ultraleichtbauweise. Wie in einem Reisezirkus, 

jederzeit zum Aufbruch bereit und unabhängig von räumlichen Bedingungen, tragen sie ihr Material quasi 

in der Hosentasche, um es pompös – stets mit der Möglichkeit eines eleganten Scheiterns in der 

Hinterhand – wieder auf die Bühne zu bringen. 

Das Material, aus dem die beiden Tänzer-Choreografen ihre kompakt-kompatible Performance basteln, 

greift auf ihre eigenen Biografien und Erfahrungen im zeitgenössischem Tanzgeschäft zurück: 

erfolgversprechende Rezepte, nackte Haut als Projektionsfläche für allerlei Fantasien und viel erprobte 

Anleihen aus dem Sprechtheater, um eine Choreografie zu entwickeln, die sich über die Grenzen 

künstlerischer Disziplinen und ihrer Ausdrucksformen hinweg spannt. 

- 

VON und MIT: Luke Baio, Dominik Grünbühel und Gäste 

PRODUKTION: Julian Vogel 

MUSIK: tba 




18.00 h + 19.00 h in TQW / Studios 

siehe Seite 11



ROLAND RAUSCHMEIER & MILLI BITTERLI / PHILIPP GEHMACHER / ANNE 

JUREN / PAUL WENNINGER 

MASH UP – a readymade performance (Uraufführung) 



Mash Up überträgt die in der bildenden Kunst entwickelten Prinzipien des Ready-Mades und des Objet trouvé 

in die Performancekunst. Dabei sind es nicht gefundene Objekte oder zufällig Aufgetauchtes, sondern 

bereits existierende choreografische Arbeiten, die in einem einzigen, neuen Stück verwendet und 

miteinander zeitlich und räumlich verschränkt werden. Im Dialog miteinander haben Milli Bitterli, Philipp 

Gehmacher, Anne Juren und Paul Wenninger – vier der international renommiertesten Vertreter der 

österreichischen Tanzszene – jeweils eines ihrer früheren Stücke für das Gesamtkonzept ausgewählt. 

Mash Up ist ein künstlerisches Experiment und ein performatives Dokument jüngerer 

Tanzgeschichtsschreibung, das auch Fragen an die Kunstform selbst und ihre Produktionsbedingungen 

stellt. Was heißt »multiple Autorschaft«? Wie steht es mit der Integrität der einzelnen künstlerischen 

Arbeiten? Anhand welcher Kriterien qualifiziert und quantifiziert sich »das Neue« einer künstlerischen 

Arbeit – und ist sie mehr als ihre Teile? 

KONZEPT: Roland Rauschmeier 

PERFORMER: Milli Bitterli, Philipp Gehmacher, Anne Juren, Paul Wenninger 

LICHT: Bruno Pocheron 

PRODUKTION: Wiener Tanz- und Kunstbewegung 

KOPRODUKTION: Tanzquartier Wien



FEEDBACK Excursus 

FR 26. APRIL + SA 27 APRIL 

13.30 h – 16.00 h in TQW / Studios 

Im Rahmen von Feedback [2nd Edition] diskutieren KünstlerInnen, VeranstalerInnen und DramaturgInnen 

ästhetische und gesellschaftskritische Positionen und Perspektiven des zeitgenössischen Tanz- und 

Performancegeschehens. 

Problematisiert werden Interferenzen von Singularität und Gemeinschaft, Kunst und Demokratie, 

Unsichtbarkeit und Evidenz, Theaterillusion und sexuellen Fantasien, Autorschaft und Readymade- 

Symptomatik, Simultaneität und Timing, Mimesis und Empathie, von Körperlandschaften als »scene and 

screen«, von szenischer und politischer Rhetorik und Gestik. 

Diskussionsrunden mit: Luke Baio, Milli Bitterli, Claudia Bosse, Alexander Deutinger, Kerstin Evert, Silvia 

Fanti, Christine Gaigg, Philipp Gehmacher, Dominik Grünbühel, Anne Juren, Florian Malzacher, Marta 

Navaridas, Marietta Piekenbrock, Roland Rauschmeier, Paul Wenninger, Stefanie Wilhelm u.a.



ELISABETH B. TAMBWE 

Golden Baby 


17.00 h in Dschungel Wien 

Eine junge Frau betritt energiegeladen den Raum. In weißem Kleid und roten High Heels durchquert sie 

die Bühne mit schnellen Schritten, das Publikum dabei immer im Blick behaltend – fesselnd. Doch das 

Show-Set-up bricht ab, wenn die Performerin Adriana Cubides ihren Blick langsam ins Körperinnere 

richtet, dieses scheinbar nach außen stülpt. Ihre Bewegungen werden brüchiger, fordernder und 

verletzbarer, während sie sich durch die Installation aus ausgestopften Objekten und Körperprothesen 

bewegt und ihre Verwandlung beginnt… 

In Golden Baby initiiert die aus Kinshasa stammende und in Wien lebende Choreografin Elisabeth B. 

Tambwe ein Wechselspiel aus Intimität, Entfremdung und Monstrosität. Mit den Materialien und Körpern 

und in Anlehnung an die Tradition der deformierten Puppen von Hans Bellmer oder die Arbeiten von 

Eva Hesse, die oft an Innenansichten menschlicher Anatomie erinnern, wirft sie Fragen nach unseren 

Konzepten von Schönheit auf, nach Begrenzungen, Normierungen und stereotypen Bildern: eine 

Installation der Gegensätzlichkeiten, eine Performance über das Begehren. 

- 

KONZEPT, INSTALLATION: Elisabeth B. Tambwe 

PERFORMANCE: Adriana Cubides 

DRAMATURGISCHE MITARBEIT: Raul Maia, Johannes Maile 

PRODUKTION: Dig-Up Production 

KOPRODUKTION: WUK Werkstätten- und Kulturhaus 

MIT UNTERSTÜTZUNG von MA7



ALEX DEUTINGER / MARTA NAVARIDAS 

Your Majesties 



In Your Majesties überträgt die Choreografin und Übersetzerin Marta Navaridas die Nobel Lecture des US- 

Präsidenten Barack Obama, die er am 9. Oktober 2009 anlässlich der Verleihung des Friedensnobelpreises 

in Oslo hielt, in eine Choreografie. Ähnlich einer gestikulierenden Teleprompterin steht sie dem Tänzer 

und Performer Alexander Deutinger gegenüber, während er die Originalrede Obamas hält und dabei die 

politischen Gebärden immer weiter in persönliche Gesten übergehen lässt. 

Mit seinen Bewegungen, die zunächst die Emotionalität des Textes stützen, um dann zunehmend 

kontrapunktisch mit dem gesprochenen Wort in Dialog zu treten, belebt er die Ansprache des 

amerikanischen Präsidenten neu und aktualisiert so ein Stück Weltgeschichte. Auf subtile Weise werden 

dabei die Techniken und die Rhetorik der politischen Rede offengelegt und zugleich Fragen nach dem 

Wesen des Krieges und den Herausforderungen des Friedens verhandelt. 

- 

KONZEPT, CHOREOGRAFIE: Marta Navaridas und Alexander Deutinger 

PERFORMANCE: Alexander Deutinger und Marta Navaridas 

— 

TEXT: Barack Obama und Jon Favreau




designed desires 

FR 26. APRIL + SA 27. APRIL 

20.30 h in der ehemaligen Zollamtskantine 

designed desires ist eine Choreografie von Claudia Bosse über Begehren und Gemeinschaften, Pornografie 

und politische Theorien für ein Ensemble von Körpern zwischen 25 und 76 Jahren. Inspiriert von 

Edward Bernays’ Text Propaganda entsteht ein intimer Dialog zwischen Tanzenden, Darstellenden und 

Zuschauenden, der den Körper als biografische Landschaft, beschriebene Oberfläche und zugleich 

Ressource von Handlungsfähigkeit in unseren westlichen Demokratien erkundet. designed desires ist ein 

kompositorisches Netzwerk von Räumen, Körpern und Sounds, von unterschiedlichen Sprachen und 

Stimmen, Sprechen und Gesang. Eine Choreografie von Übergängen, Präsenzen und Begegnungen. 

In 20 simultan bespielten Räumen der ehemaligen Zollamtskantine entfalten sich begehbare 

Körperlandschaften, Schauplätze (un)möglicher Gemeinschaften, Spuren politischer Selbstverständnisse, 

Glücksversprechen spätkapitalistischer Gesellschaften. Die Arbeit ist der dritte Teil der Serie politische 

Hybride, eine Zusammenarbeit von Claudia Bosse mit dem Soundkünstler Günther Auer. 

VON / MIT: Véronique Alain (F), Caroline Daish (AUS/B), Yoshie Maruoka (AT/J), Tara Silverthorn (GB), 

Alexandra Sommerfeld (AT), Florian Tröbinger (AT) sowie Peter-Christian Dworzak (AT), Bozena Kunstek 

(AT/PL), Susanna Peterka (AT), Eva Maria Schmid (AT), Ilse Urbanek (AT), Christa Zuna-Kratky (AT) 

KONZEPT / CHOREOGRAFIE / RAUM: Claudia Bosse 

SOUND: Günther Auer 

DRAMATURGIE: Tobias Gerber 

TECHNISCHE LEITUNG / UMSETZUNG LICHTOBJEKTE UND BAUTEN: Marco Tölzer 

BEKLEIDUNG: Vladimir Miller mit Lila John 

DRAMATURGISCHE BEGLEITUNG: Christine Standfest 

REGIEASSISTENZ: Marijeta Karlovic 

PRODUKTIONSASSISTENZ: Anna Etteldorf 

PRODUKTIONSLEITUNG: Serena Laker 

PRODUKTION: theatercombinat 

KOPRODUKTION: FFT Düsseldorf 

GEFÖRDERT VON: MA 7 – Kulturabteilung der Stadt Wien 

MIT UNTERSTÜTZUNG VON: ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival



AN KALER 

On Orientations | Untimely Encounters (working title) 



On Orientations ist Teil einer kreativen und physischen Praxisreihe, die An Kaler in Zusammenarbeit mit 

unterschiedlichen KünstlerInnen in und durch verschiedene Medien entwickelt und die unterschiedliche 

Bedeutungen von »Orientierung« untersucht. 

Anschließend an vorherige Arbeitsphasen entwickelt die ChoreografIn und bildende KünstlerIn in 

Untimely Encounters ihre Solo-Praxis durch die Begegnung mit zwei weiteren PerformerInnen im Stück 

weiter. Der Begriff der Orientierung öffnet sich dabei hin zur Berührung: hin zu einer Berührung, die 

ohne physischen Kontakt entsteht, die eine Intention oder Grundhaltung untersucht, bevor es zur 

tatsächlichen Berührung kommt. Eine zweite Annäherung konzentriert sich auf die Idee von 

Parallelpräsenzen oder gegenläufigen Präsenzen innerhalb des Stücks. 

PERFORMANCE: An Kaler & Guests 

MUSIC / SOUND: Brendan Doughtery 

PRODUKTION: das schaufenster 

DRAMATURGISCHE BERATUNG: Heike Albrecht



THE LOOSE COLLECTIVE 

The Old Testament. According to the Loose Collective 



accursed thing, and have also stolen, and dissembled also, and they have put it even among their own stuff. Joshua 7:11 

Das Loose Collective hat in jüngster Zeit durch die Eigenwilligkeit und Frische seiner Produktionen und 

durch seine Spielfreude auf sich aufmerksam gemacht. In The Old Testament widmet sich die in Österreich 

ansässige internationale Gruppe von TänzerInnen, ChoreografInnen und MusikerInnen den Texten des 

Alten Testaments. 

Mit den Mitteln der zeitgenössischen Performance – von Cut-up-Techniken und barocken Chorsätzen zu 

Beat-Boxing und Diaspora-Postpunk – schlagen sie eine körperliche und musikalische Montage aus 

Elementen dieses gewaltigen Textkorpus vor, der auch heute noch Ausdruck von Kreativität, Utopie und 

vom Scheitern menschlicher Ambition ist. 

KONZEPT, PERFORMANCE: Alex Deutinger, Alexander Gottfarb, Radek Hewelt, Marta Navaridas, 

Anna Maria Nowak 

MUSIK, KOMPOSITION: Guenther Berger und Stephan Sperlich – 78plus 

KOSTÜME: Hanna Hollmann 

LICHT: Peter Thalhamer 

SOUND: Stefan Ehgartner 

DRAMATURGISCHE BERATUNG: Jacob Banigan 

EINE KOPRODUKTION von Tanzquartier Wien, Kunstverein Archipelago Wien und 

Performanceinitiative 22 Graz 

IN ZUSAMMENARBEIT mit D.ID / Dance Identity Burgenland, dem EU-Kulturprogramm: Modul- 

Dance, DanceIreland Dublin, Dansenshus Stockholm, Dansescenen Copenhagen und Co-Festival, Kino 

Šiška Ljubljana 

MIT UNTERSTÜTZUNG von MA 7 – Kulturabteilung der Stadt Wien, Stadt Graz Kultur, Kultur Land 

Steiermark und bm:ukk



Film-Screenings /sixpackfilm 



MICHAEL PALM / WILLI DORNER 

body trail (AT, 2009) 

JAN MACHACEK 

in the mix (AT, 2008), 

show ghost (AT, 2013) 

PAUL WENNINGER 

trespass (AT, 2012) 

MARA MATTUSCHKA / CHRIS HARING 

Burning Palace (AT, 2009) 

Im Rahmen von Feedback [2nd edition] und in Kooperation mit sixpackfilm zeigt das Tanzquartier Wien ein 

Kurzfilmprogramm mit Videos von österreichischen Tanz- und PerformancekünstlerInnen. 

Die eigene künstlerische Praxis in ein anderes, eigenständiges Medium fortsetzend – etwa als 

Überarbeitung bestehender Choreografien in Zusammenarbeit mit Filmemachern, mit filmischen Mitteln 

vor der Perfektionierung der Special Effects oder als Realanimation –, haben die einzelnen KünstlerInnen 

filmische Choreografien geschaffen, welche die Grenzen zwischen Objekten und Körpern, Kamera und 

Zuschauer wie auch zwischen den verschiedenen Medien überschreiten. 

EINE KOOPERATION mit sixpackfilm im Rahmen von Der geteilte Himmel/sixpackfilm on location.



VICTORIA DE MILQ 

Glitschig (Uraufführung) 

& anschließende FEEDBACK [2nd edition]-Abschlussparty 



Das kompositorische Prinzip des neu gegründeten und in Wien ansässigen Kollektivs ist Imperfektion. 

Wenn die fünf KünstlerInnen ihre eigenen Hintergründe und Ausdrucksformen zusammenbringen, lassen 

sie aus den verschiedenen Quellen, sich verändernden Beats, Tempi, Kostümen, aus Raum, Zeit, Körpern 

und Atmosphären eine ganz eigene choreografische Sprache entstehen, die sich die jeweilige Situation zu 

eigen macht: gleich einer Infektion, einer Verteilung von Energie, einem ansteckenden Feuer, das sich 

über die Bühne hin zum Publikum verteilt und sich in den Live-Mix-Sounds und Visuals wiederfindet. 

Glitschig ist Teil einer länger angelegten Performance- und Recherche-Serie, in der sich Performance und 

Choreografie mit urbanen Kulturen, popkulturellen Sprachen und Improvisation vermischen. 

VON UND MIT: 

Victoria de Milq, Tomate Van Monte (Multimedia-Künstler), Milan Loviska (Performer, Choreograf), 

Otto Krause aka OOK (Kostüm- und Bühnenbildner), Sebastijan Gec (Performer, Choreograf), Irene 

Deros aka Discós (Performerin)


THEORIE 

Im Rahmen der Doppelredereihe: Der Widerstand gegen die Theorie 

DIEDRICH DIEDERICHSEN (D) 

Sexualität und Folter – Hubert Fichtes politische Heuristik 

in der „Geschichte der Empfindlichkeit“ 

In den Romanen, die am Anfang von Hubert Fichtes großem Roman-fleuve-Projekt Die Geschichte der 

Empfindlichkeit stehen (Hotel Garni, Eine glückliche Liebe, Der kleine Hauptbahnhof oder Lob des Strichs), werden 

Methoden einer besonderen Forschung durchgespielt: Einer in jeder Hinsicht beteiligten Forschung, die 

unbekannten, aber den Forscher anziehenden sozialen Konstellationen gegenübertritt. 

Sexualität oszilliert hier zwischen Methode und Gegenstand, wobei Folter und Gefängnisse mehr zur 

politischen Bewertung der ermittelten Verhältnisse beitragen als die ebenfalls in reicher Fülle vorgelegten 

wirtschaftlichen Details. Dies hat Fichte zu Lebzeiten den Vorwurf eingebracht, »bürgerliche Freiheiten« 

wichtiger zu finden als Klassenverhältnisse. 

Zu untersuchen ist, wie Fichtes Theorie zu einer Theorie steht, die mit dieser Alternative arbeitet, und 

welche Rolle spielt dabei der Umstand, dass es zwischen den wissenschaftlichen und den literarischen 

Beiträgen der Geschichte der Empfindlichkeit wenigstens keine rhetorische Differenz gibt. 

Diedrich Diederichsen, Professor für Theorie, Praxis und Vermittlung von Gegenwartskunst an der Akademie 

der bildenden Künste Wien. 

& 

CHRISTINE GAIGG (A) 

Auf der Mauer auf der Lauer 

FR 22. MÄRZ 


Wenn es eine Praxis gibt, die sich auf den ersten Blick jeder Theorie zu verweigern scheint, dann ist das 

die Improvisation. Auf den ersten Blick, denn genau das Gegenteil ist der Fall. Die Improvisation – hier: 

die tänzerische – ist der Theorie am nächsten, geht es doch um den Überblick über ein Ganzes, um eine 

gleichzeitige Betrachtung von innen und von außen, um eine Bewusstheit von Prinzipien, Kategorien und 

Zusammenhängen in jedem Moment und um den Widerstand gegen Sentimentalisierung und 

Verlorensein. 

In Christine Gaiggs choreografischer Arbeit gibt es einerseits Stücke, die auf detailliert ausgearbeiteten 

Partituren beruhen, und andere, deren Konzept die freie Improvisation ist. Was diese beiden Pole 

theoretisch verbindet und was sie jeweils für Verantwortung und Freiheit des Performers bedeuten, wird 

sie an zwei Beispielen erläutern. 

Christine Gaigg, Choreografin, Regisseurin, Autorin lebt und arbeitet in Wien.


Im Rahmen der Doppelredereihe: Der Widerstand gegen die Theorie 

MARTINA RUHSAM (A) 

Über die Bedeutung des Insignifikanten 

Der Körper kann nicht auf einen Produzenten von semiotischen Zusammenhängen reduziert werden. Das 

Ereignis seiner Mitteilung entzieht sich der Einsperrung in Begriffe. Dennoch können wir nicht damit 

aufhören, mit Begrifflichkeiten zu operieren und zu spielen, diese zu biegen und zu modellieren, um uns 

dem, was nicht sprachlich ist, anzunähern und es im Zuge dieser Annäherung zu transformieren – gewollt 

oder ungewollt. Es wird in der Theorie immer darum gehen müssen, die Ränder der eigenen Konstrukte 

zu berühren. Wie aber das Außerhalb des Denkens denken? 

Dieser Vortrag über den 31. Aphorismus Friedrich Nietzsches in Menschliches, Allzumenschliches (»Das 

Unlogische notwendig«) begibt sich bewusst auf Um- und Abwege, denn die Philosophie wird vom 

Namenlosen heimgesucht, von einer Zone totaler Ambiguität, die aller Referenzen entleert ist und keine 

Unterscheidung in Subjekte und Objekte kennt, einer Zone, in der nichts sich in definitive Formen und 

Figuren kristallisiert. 

Martina Ruhsam ist Performerin, Choreografin und Autorin. 

& 

PETER STAMER (D) 

Draußen bleiben 



Der Widerstand gegen die Theorie ist (auch) der Widerstand gegen eine Sprache, die über Sprache spricht. 

Ein Selbst-Widerstand, weil Sprache das, was sie in einem Satz auszudrücken sucht, in diesem nicht 

aussagt. Der Sinn jedes Satzes, um Deleuze zu paraphrasieren, wird erst im folgenden gesagt, in einem 

unaufhörlichen Aufschub von Sinn, einer Verschiebung auf ein Nächstes, das im Moment des Sagens 

noch nicht Sinn entwickelt. Diese Suspension distanziert die Sprache von sich selbst, weil sie sich entfernt 

von dem Sinn, den sie zu sagen verspricht. 

In dieser Doppelfigur eines Versagens des Versprechens eines Sinns, die gleichermaßen als Versprechen 

dieses Versagens die Negativitätsästhetik des Kunstdiskurses befeuert, liegt die Chance von Sprache, 

Aussagen über Kunst zu treffen. 

Denn nicht die Kunst gibt in ihrer enigmatischen Stummheit ein diskursives Rätsel auf, es ist die Sprache, 

die in ihren Versuchen der Übersetzung von Kunst in den Diskurs mit sich selbst spricht. 

Peter Stamer arbeitet als Regisseur, Dramaturg und Mentor im Bereich von zeitgenössischem Tanz und 

Performance.


TRAINING & WORKSHOP 

SABINA HOLZER greift in ihrem Training Elemente aus Authentic Movement und Capoeira auf, beides 

Bewegungspraktiken, die ihre künstlerische Arbeit jahrelang begleitet haben. In ihrem Workshop geht es 

um eine dialogische Auseinandersetzung mit Sprache und Bewegung. Die Tänzerin ALIX EYNAUDI 

vermittelt in ihrem Unterricht eine solide und funktionale technische Basis, wobei der postmoderne Tanz 

und die damit verbundenen Körperstudien als Bezugsrahmen herangezogen werden. Die von JOZEF 

FRUCEK & LINDA KAPETANEA entwickelte Methode Fighting Monkey konzentriert sich auf das 

Potenzial mentaler und physischer Stärke, wobei Hindernisse und Gefahren dazu dienen, Kraft und 

Anpassungsfähigkeit zu generieren. Neben seinem Release- basierten Unterricht gibt LUIS LARA 

MALVACIAS einen Workshop, bei dem die Erkundung des Körpers als Instrument der 

Bewegungskreation im Zentrum steht. Der Axis-Syllabus-Dozent BARIS MIHCI geht in seinem Training 

in einen Dialog mit der Schwerkraft und nutzt diese als interagierenden Gegenspieler. 

Um tiefer in die Komplexität von Tai Ki Kung/San Feng einzutauchen, unterrichtet PAUL 

WENNINGER einen Einführungsworkshop, der eine gute Grundlage für sein weiterführendes 

Morgentraining bietet. Ebenfalls stehen Yoga, Ballett und BMC im Morgentraining auf dem Programm. 

Sharing the Dance ist ein offenes Format für alle Tanz- und Improvisationsbegeisterten. 

Weitere Infos: www.tqw.at

Medieninformation FEB - APRIL - Tanzquartier Wien

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