Medieninformation NOV. – DEZ. 2012 - Tanzquartier Wien

TANZQUARTIER WIEN 

OKTOBER 

PHACE (A) / ARTURO FUENTES (MEX/A) / 

LIQUID LOFT / CHRIS HARING (A) / 

GÜNTER BRUS (A) 

grace note (Uraufführung) 

MI 31. OKT. – SA 3. NOV. 

20.30 h in TQW / Halle G 

1984 entwarf der italienische Schriftsteller Italo Calvino Sechs Vorschläge für das neue Jahrtausend. In den fünf 

Essays bilden Leichtigkeit, Schnelligkeit, Genauigkeit, Anschaulichkeit und Vielschichtigkeit eine Poetik, die in 

sämtlichen Kunstsparten anwendbar und auch auf Gesellschaft und Politik übertragbar sein soll. Sie sind 

auch thematische Grundlage für diese Produktion, in der das Ensemble für zeitgenössische Musik Phace 

mit einer Gruppe international renommierter Künstler zusammenarbeitet: dem mexikanischen 

Komponisten Arturo Fuentes, dem österreichischen Choreografen Chris Haring sowie Günter Brus, 

einem der radikalsten Vertreter des Wiener Aktionismus. 

In dem spartenübergreifenden Projekt, das als Koproduktion von Phace mit Tanzquartier Wien und Wien 

Modern und in Zusammenarbeit mit dem ICST Zürich und Liquid Loft entsteht, durchdringen einander 

Visuelles – Performance und Video – und Auditives – akustische Instrumente und Elektronik – zu einer 

dynamischen Struktur von Reaktion und Interaktion, von Klang und Bewegung. 

- 

PRODUKTION UND ENSEMBLE: Phace 

IDEE UND KOMPONIST: Arturo Fuentes 

CHOREOGRAFISCHES KONZEPT & CHOREOGRAFIE: Chris Haring / Liquid Loft 

BÜHNENBILD: Günter Brus 

MUSIK: Lars Mlekusch (Saxofon), Berndt Thurner (Percussion), Roland Schueler (Cello), Maximilian Ölz 

(Kontrabass) 

TANZ, CHOREOGRAFIE: Luke Baio, Stephanie Cumming, Ian Garside 

LICHTDESIGN: Thomas Jelinek 

KLANGREGIE: Alfred Reiter 

DRAMATURGIE, PRODUKTION Phace: Reinhard Fuchs 

PRODUKTION Liquid Loft: Marlies Pucher 

EINE PRODUKTION von Phace 

IN KOOPERATION mit Tanzquartier Wien und Wien Modern 

IN ZUSAMMENARBEIT mit dem Institute for Computer Music and Sound Technology Zürich und 

Liquid Loft 

MIT UNTERSTÜTZUNG der Kulturabteilung der Stadt Wien.


OKTOBER 

Biografien 

PHACE | contemporary music ist seit vielen Jahren in der zeitgenössischen Musikszene sehr 

erfolgreich aktiv und zählt zu den innovativsten & vielfältigsten österreichischen Ensembles für 

zeitgenössische Musik. Neben dem Schwerpunkt der klassischen, zeitgenössischen Kammermusik 

inkludiert das künstlerische Spektrum Musiktheaterproduktionen und spartenübergreifende Projekte mit 

Tanz, Theater, Performance, Elektronik, Video, DJs, Turntablisten, Installationen u.v.m. 

Mehr als 200 Werke wurden bisher in Auftrag gegeben und uraufgeführt. 2010 wurde die Reihe PHACE 

gestartet, die sich mit inszenierten „MUSIK-theatralischen“ Räumen beschäftigt, in denen die Grenzen 

zwischen zeitgenössischer Musik, Performance, Elektronik, Klang- und Video(installation) 

verschwimmen. Der aktive Kern des Ensembles (10 MusikerInnen) wird regelmäßig mit MusikerInnen 

und Gästen aus den verschiedensten Kunstdisziplinen erweitert. 

Seit Mitte der 90er Jahre ist das Ensemble mit Auftritten an den wichtigsten Konzerthäusern und bei 

renommierten Festivals, sowohl in Österreich als auch im Ausland, präsent (wie z.B. Wien Moden, 

Klangspuren Schwaz, Salzburger Festspiele, Generator, Wiener Konzerthaus, Transart Bozen, Berliner 

Festspiele, Ultraschall Berlin, Salihara Festival Indonesien, SONEMUS Festival, Bludenzer Tage 

zeitgemäßer Musik, u.v.m.). 

Mit Saison 2012/13 wird PHACE in Zusammenarbeit mit dem Wiener Konzerthaus einen eigenen 

neuen Konzertzyklus im Wiener Konzerthaus anbieten. 

Arturo Fuentes Arturo Fuentes (geboren 1975 in Mexiko Stadt, lebt derzeit in Österreich). Er studierte 

bei 

Franco Donatoni in Mailand und bei Horacio Vaggione in Paris, während seines 

Doktoratsstudiums begann er mit dessen Unterstützung mit elektronischen Medien zu 

komponieren. Er arbeitete am IRCAM (Paris), im Experimentalstudio des SWR (Freiburg) 

und am Zentrum für Kunst und Medien (ZKM, Karlsruhe) an Projekten, die instrumentale 

Kompositionen und live electronics mit Literatur, visuellen und szenischen Elementen 

verbinden. 

Einige aktuellen Werke wurden für den Staubach Preis des Internationalen Musikinstutes 

(Darmstadt), den Música Viva Preis von Portugal, die European Competition for Live 

Electronic Music Projects und den Prix Ars Electronica (Linz) nominiert. Er arbeitet derzeit 

an neuen Musiktheater-Projekten, die Interatktion von Tanz und elektronischen Medien 

einbeziehen. Eines davon ist Line of oblivion (2010), das von der Belgischen Tanzkompanie JoJi inc 

produziert wurde und mit Aufnahmen der Stimme des mexikanischen Schriftstellers Carlos Fuentes 

arbeitet. 

In seinen neuesten Werken ist der akustische Raum in einem konstanten Veränderungs-zustand, der – wie 

er selber bemerkt – einen “klanglichen Regen” erzeugt, durch den sich harmonische Figuren ineinander 

auflösen, wie in Space factory III (ensemble recherche 2011), Liquid Crystals (Quatuor Diotima 2011), 

Superfluidity II (Phace | contemporary music 2011), Broken Mirrors (Arditti Quartet 2009), Rincontri 

(Divertimento ensemble 2011) und Carlota (MDR Chor, Leipzig 2012).


OKTOBER 

Chris Haring 

arbeitete mit ChoreografInnen und Gruppen wie DV8 Physical Theatre (London), Nikolais/ Luis Dance 

Cie. (USA), man act (GB), Nigel Charnock (GB), pilottanzt (A), Willi Dorner (A) u.a. Mit dem Medien- 

Künstler und Komponisten Klaus Obermaier entwickelte er die Video-Tanz-Performances D.A.V.E. und 

VIVISECTOR, die in Europa, Asien und Australien gezeigt wurden. Eine der wichtigsten 

Inspirationsquellen für seine Stücke, wie zb in Fremdkörper (Beste Performance bei der Biennale de la 

Dance Lyon, 2004), ist Science Fiction und die Betrachtung des Körpers als kybernetische Landschaft. 

Als künstlerischer Leiter von Liquid Loft choreografierte er die Performances Kind of Heroes 

(Burgtheater Wien, 2005), My Private Bodyshop (Tanzquartier Wien, 2005) und Running Sushi. 

(ImPulsTanz, 2006). 2007 entstand die Posing Project Serie mit Posing Project A - The Art of Wow 

(Tanzquartier Wien) und Posing Project B - The Art of Seduction (Biennale di Venezia, Goldener Löwe 

für die Beste Performance). Die Installation The Art of Garfunkel komplettierte bei Impulstanz 2008 die 

Trilogie. Für die EXPO Zaragoza 2008 bespielte er mit Liquid Loft den Österreichischen Pavillion. Chris 

Haring choreographierte für internationale Gruppen wie das Jin Xing Dance Theatre (Das China Projekt 

/ Lovely Liquid Lounge, 2009) und Les Ballets de Monte-Carlo (Sacre: The Rite Thing, 2010). Zuletzt 

entstand die Arbeit Talking Head (Tanzquartier Wien 2010), die sich mit der Identifikation und der 

Selbstdarstellung in der gegenwärtigen online-social media Kultur beschäftigt. 

Günter Brus 

Günter Brus zählt zu den radikalsten Vertretern des Wiener Aktionismus. 1970 wegen „Herabwürdigung 

der österreichischen Staatssymbole“ zu sechs Monaten verschärften Arrests verurteilt (kurz vor 

Abschaffung dieser Strafform), lebte er längere Zeit in West-Berlin im Exil, um der Haftstrafe zu 

entgehen. Während er in den 1960er Jahren vor allem mit seinen Aktionen Aufsehen erregte, hat er sich 

seit Beginn der 1970er Jahre wieder der Malerei zugewandt. Brus hatte schon sein gesamtes aktionistisches 

Werk mit Zeichnungen und Malereien begleitet. Ab 1970, beginnend mit der Mappe Irrwisch, entwickelt 

er daraus neue Möglichkeiten einer Kombination von Literatur und bildender Kunst. Es entstehen 

Arbeiten, die er Bild-Dichtungen nennt und einen neuen Abschnitt in Brus' Schaffen eröffnen, deren 

Frucht das reiche zeichnerische und literarische Werk der 70er und 80er Jahre ist. Günter Brus war 

Teilnehmer der Documenta 5 in Kassel im Jahr 1972 in der Abteilung Individuelle Mythologien und auf der 

Documenta 6 (1977) und der Documenta 7 im Jahr 1982 als Künstler vertreten. 

Für sein Lebenswerk erhielt er 1996 den Großen Österreichischen Staatspreis. 

2011 wurde innerhalb der Neuen Galerie Graz das Bruseum eröffnet, das sich seinem Werk widmet.


NOVEMBER 

KARL KARNER (A) / LINDA SAMARAWEEROVÁ (A) & CHRISTIAN EISENBERGER (A) 

grünwachs ein (Uraufführung) 

FR 9. NOV. + SA 10. NOV. 


Zwischen Installation, Skulptur, Performance und Choreografie besetzen die sinnbildreichen und 

brüchigen Arbeiten des Künstlerduos Karner/ Samaraweerová Räume und Wahrnehmungstraditionen 

verschiedener Disziplinen und Genres. Ihr neues Performanceprojekt setzt in der Begegnung mit dem 

bildenden Künstler Christian Eisenberger an, dessen Werke für ihr unmittelbares und direktes Eingreifen 

in den performativgesellschaftlichen Raum bekannt sind. 

Ausgangspunkt von grünwachs ein ist die Frage nach der Unmöglichkeit und zugleich Unabdingbarkeit von 

Narration und damit verbundenen Prozessen der Objektivierung; gemeinsame Strategie die Aneignung 

bzw. die Vergegenwärtigung des Raumes. Handlungen und Formen werden aus einem zeitlich-logischen 

Ablauf herausgelöst, Zeit und Raum so verändert, dass ein linearer Zusammenhang nicht mehr vorrangig ist. 

In der Interaktion der Performer mit den Objekten entsteht eine manipulative räumliche Intervention: 

Materialien, für sicher gehaltene Rollenzuordnungen und Objektverständnisse werden verrückt, ergänzt, 

abgewogen und in den geteilten, theatralen ›Spielraum‹ hinausgetragen, der letztlich den Dialog mit dem 

Publikum sucht. 

PERFORMANCE: Christian Eisenberger, Karl Karner, Linda Samaraweerová und Gäste 

DRAMATURGIE: Laura Samaraweerová und Bruno Batinic 

LICHT: Victor Duran 

GEFÖRDERT von Kultur Land Steiermark



RESEARCH WORKSHOP 

Deserts and Deserted Spaces (at the Intersection of Nomadic Cultures) 

MO 5. - SA 10. NOV. 

Lecture Performance / Open Space 

SA 10. NOV. 

18.00 in TQW / Studios 

Eintritt frei 

In Zusammenarbeit mit dem Netzwerk Urban Nomads, das den Wandel nomadischer Kulturen aus 

transdisziplinärer Perspektive untersucht, hat das Tanzquartier Wien eine Gruppe von 

WissenschaftlerInnen, KuratorInnen, TänzerInnen und ChoreografInnen zu einem Research Workshop 

eingeladen. 

Die Teilnehmenden setzen sich mit angstbesetzten Gebieten in westlichen Großstädten auseinander, 

befragen anhand der (Tanz-)Geschichte der Roma Choreografie als soziales Paradigma, untersuchen 

performativ die öffentliche Aufmerksamkeit für Outcasts und Obdachlose wie auch die Frage, welche 

Formate vermeintlich Randständiges, Bedrohliches, Vorübergehendes sichtbar machen können. Die 

Diversität der Hintergründe ist gewollt, um so das Nomadische als kulturübergreifende Kategorie zu 

reflektieren und zugleich die Vielfalt nomadischer Kulturen in den Blick zu bekommen. Leitmotiv wird 

dabei die komplexe Genealogie des zeitgenössischen Nomadentums sein und die Frage, inwiefern die 

Nomaden in Ulan Bator, New York, Bukarest und Wien etwas gemeinsam haben. 

Mit u.a. 

LOTTE VAN DEN BERG (NL) 

MANUEL PELMUS (RO) 

ODBAYAR CHIMEDDAMBA (MN) 

MUNGUNCHIMENG BATMUNKH (MN/A) 

RICKARD BORGSTRÖM (NO) 

MIKLOS ERHARDT (HUN/A) 

CLAUDIA HEU (A) 

JEREMY XIDO (USA/A) 

Urban Nomads steht für Projekte von Bayarmaa Munkhbayar, Corinna Bethge (Künstlerische Leitung) und Berit Schuck 

(Kuratorin). 

http://urbanenomaden.blogspot.co.at/p/projekt.html



DAVE ST-PIERRE (CAN) 

New Creation 2012 

DO 15. NOV. – SA 17. NOV. 


The worst thing about this inevitable meeting between two beings is to experience the sudden violence of a lightning bolt and 

fall fatally and hopelessly in love…and to be consumes with desire to the point of wanting to die (Dave St.-Pierre) 

Der kanadische Choreograf Dave St-Pierre gilt als einer, der vom Körper besessen ist. Als geschickter 

Provokateur schafft er Bewegungsbilder, die sein Publikum irritieren aber auch berühren – sensibel und 

wild, unterhaltsam und schonungslos. 

Mit dieser neuen Kreation ist auch der letzte Teil seiner gefeierten Trilogie über menschliche Utopien am 

Tanzquartier Wien zu sehen. In einem streng reduzierten Bühnenbild und mit wenigen Requisiten 

zeichnet das ‚enfant terrible‘ der gegenwärtigen Tanzszene ein emotionales Spiel der Gegensätze: einen 

Entwurf über die Gesellschaft, ihre Oberflächlichkeit und ihre Defizite; ein Stück über den Menschen 

selbst. Indem er seine 25 TänzerInnen, meist in Nacktheit, und seine Themen bis über die Schmerzgrenze 

ins Extreme treibt, werden die Unmittelbarkeit der Körper und ihre Materialität aus Schweiß, Fleisch und 

Tränen in praller Wucht erlebbar. 

VON: Dave St-Pierre 

IN ZUSAMMENARBEIT mit Karina Champoux, Marie-Ève Carrière, Marie-Ève Quilicot, Joannie 

Douville, , Sarah Lefebvre, Nadine Gerspacher, Natacha Filiatrault, Susan Paulson, Aude Rioland, Francis 

La Haye, Anne Thériault, Alanna Kraaijeveld, Éric Robidoux, Simon Fournier, Christian Garmatter, 

Frédéric Tavernini, Luc Bouchard-Boissonneault, Alexis Lefebvre, Marc-André Goulet, Milan Panet- 

Gigon, Michael Watts, Renaud Lacelle-Bourdon, Julien Lemire, Vincent Morelle, Philippe Boutin. 

PROBENLEITUNG: Marie-Ève Carrière 

DRAMATURGIE: Geneviève Bélanger 

KOMPOSITON: Stéphane Boucher, Tomas Furey 

ADMINISTRATION: Suzanne Benoit 

SOUND TECHNIK: Benoit Bisaillon 

TECHNISCHE LEITUNG: Jérémy Morelle 

LIGHT-DESIGN: Ludovic D. Schneider 

TEXTE: Éric Robidoux / Alexis Lefebvre 

MIT DANK an Simon-Xavier Lefebvre, Gaëtan Viau, Dany Desjardins, Julie Perron, Eugénie Beaudry, 

Brigitte Poupart, Marc Hernandez, Bernhard Schmidhuber. 

KOPRODUKTION: Access to Dance 2011 München, La Biennale de Lyon, Fast Terni, 

Julidans/Stadsschouwburg Amsterdam, Le Maillon-Théâtre de Strasbourg, Maison de la culture 

Frontenac, Szene Salzburg, Tanzhaus nrw, Tanzquartier Wien, Théâtre Lachapelle 

MIT UNTERSTÜTZUNG von Conseil des arts et des lettres Québec, Conseil des Arts & Canada 

Council for Arts, Relations internationals Québec



Biografie 

Dave St-Pierre began his dance career at the age of five, and he then danced tap for seven years. In 1984 

he did various acts for the television series “101 ouest, avenue des Pins” for Radio-Canada. In 1990, he 

entered college for Literature and Film and became part of the Mia Maure Danse company, under the 

direction of Marie-Stéphane Ledoux and Jacques Brochu. In 1992, he received a scholarship from Ateliers 

de danse moderne de Montréal, and quit school in 1993 to work with Brouhaha Danse. He 

collaborated with this company for six more years. He then danced under the tutelage of choreographers 

such as Harold Rhéaume, Daniel Léveillé, Jean-Pierre Perrault, Estelle Clareton, Pierre-Paul 

Savoie, Alain Francoeur et Frédéric Gravel, while touring Canada, the US, and Europe. After that, he 

participated in two Cinéquanon Film productions, where he played the principal role of Mozart in 

L’enfant de la musique. 

He had created much choreography by then, but it is La pornographie des âmes that helped Dave made 

his mark in the dance world. In 2004, he presented La pornographie des âmes in Tangente, at l’Usine C 

and at l’Agora de la danse. Fuelled by an overwhelmingly positive reception, he undertook a European 

tour which included stops in Munich, Frankfurt, Berlin, Wolfsburg, Salzbourg and Amsterdam, returning 

full force at Montreal for the Festival du Théâtre des Amériques, only a year after the creation of the 

piece. La pornographie des âmes won Best Show Award of 2004 at Frankfurt, and Dave was named 

Best Personality of 2004-2005 by Radio-Canada, le Mirror, The Gazette, le ICI, la Presse, le Devoir and 

the German magazine BALLETANZ. He was also named “Personality of the Week” by La Presse in May 

2007. He created Un peu de tendresse bordel de merde! in 2006, and had its debut at Dance Munich. 

He was also awarded Best Emerging Choreographer of 2009 by MovingPoints in Wolfsburg, 

Germany. 

Dave’s work as a choreographer has been viewed in many shows across Montreal, one of them being Le 

traitement, directed by Claude Poissant at l’Espace Go in 2005. Brigitte Poupart approached him to 

work on her show Cérémonials, and Le Théâtre du Nouveau Monde called on him to act as 

choreographer for the Shakespeare classic The Tempest, which was directed by Victor Pilon and Michel 

Lemieux. 

In 2010, he created and performed the solo Bibelot, which was presented at Tangente. In that same year, 

he created Libido for André Gingras. 

Dave St-Pierre is currently in the process of creating a new master-piece entitled Vices et vertus du coup 

de foudre, which will be the third part of a trilogy called Sociologie et autres utopies contemporaines.



LAILA SOLIMAN (EG) 

No Time For Art 1 & 3 & 0 

(Österreichische Erstaufführung) 

FR 23. NOV. + SA 24. NOV. 

20.30 h in TQW / Studios 

„Der Kopf ist gefallen, aber der Körper ist noch da und genest auf geschwinde Art und Weise.“ 

(Laila Soliman anlässlich der Verleihung des Willy-Brandt-Preises für besonderen politischen Mut) 

Als im Januar 2011 die Aufstände in Kairo begannen, war die Theatermacherin Laila Soliman unter den 

Millionen Menschen auf dem Tahrir-Platz. Die anschließenden Erlebnisse sind Ausgangspunkt für die 

Entwicklung von No Time For Art, einer fortlaufenden Reihe dokumentarischer Performances, in der sich 

Stimmen und Handlungsstränge von Aktivisten, Künstlern, Gefangenen und Mitgliedern des Militärs zu 

einem ganz eigenen Prozess verdichten. 

Ohnmacht und Widerstand, Schock und Wut liegen nahe beieinander, wenn Laila Soliman aus 

persönlichen Notizen, Zeugnissen und Berichten Arbeiten von einer nüchternen Dichte baut, die 

gleichermaßen überfordern und berühren: eine persönliche Antwort auf die offizielle Berichterstattung 

über die Polizei- und Militärgewalt in Ägypten vor und nach der Revolution und eine Praxis alternativer 

Geschichtsschreibung. 

Arabisch mit englischen Übertiteln. 

KONZEPT & REGIE: Laila Soliman 

MIT: Sherin Hegazy, Zainab Magdy, Mina El Naggar, Ahmed El Gendy & Mustafa Said 

BASIEREND AUF AUSSAGEN von Aly Sobhy, Sherif Hegazy, Mustafa Said, Ahmed El Gendy & 

Habiba Hegazy 

PRODUKTION, LICHT & VIDEO: Ruud Gielens 

DEUTSCHE ÜBERTITELvon Ebtihal Shedid & Andreas Buenger 

MIT DANK an Nedjma Hadj & Rana Elnemr 

& anschließendem Konzert von MUSTAFA SAID (EG) 

„O Ägypten, es sind nur noch ein paar Tage / 

Vom Regime sind nur noch ein paar Schlagstöcke übrig / 

Wenn du’s nicht glaubst, komm raus zum Platz und schau’s dir an!“ 

Der Oud-Spieler Mustafa Said aus Kairo kombiniert ein klassisches arabisches Musikrepertoire mit neuen 

Formen und Klängen.



JACK HAUSER (A)/ SATU HERRALA (FIN)/ SABINA HOLZER (A) / JEROEN PEETERS (BE) 

Die Unbändigen 

Choreographie einer Band als unwahrscheinliche Gemeinschaft (Uraufführung) 

FR 30. NOV. + SA 1. DEZ. 


Wie ist diese Welt organisiert? Was ist unsere Verantwortung darin, und wie können wir diese 

beantworten? Wie können wir etwas gemeinsam tun? Entlang dieser Fragen treffen sich Die Unbändigen 

mit ihren jeweiligen künstlerischen, medialen und diskursiven Praktiken und Hintergründen. 

Wie in einer Art mobilem Labor sammeln, untersuchen und kartografieren sie in dem Performanceprojekt 

unterschiedlichste Materialien, um von dort aus einen Blick auf die Welt zu werfen: Bilder, Bewegungen, 

Klänge, Geschichten, Tänze und Gesänge. Mitten in einer Zeit der Krise und des Zweifels sind es die 

Spuren ihrer kollektiven Erinnerung, die das Kollektiv verbinden. Aufzeichnungen auf A6-Karteikarten, 

aus denen ein gemeinsames Songbook und neue performative Partituren entstehen; soziale Experimente, 

bei denen kulturelle codes neue Konfigurationen finden und sich unerwartete Räume für unsere 

Vorstellungskraft und unsere Sehnsucht auftun. 

KONZEPT, ORGANISATION, PERFORMANCE: Jack Hauser, Satu Herrala, Sabina Holzer, Jeroen 

Peeters 

und einer dramaturgischen Begegnung mit Jennifer Lacey 

BILDER: Jeroen Peeters 

PRODUKTION: cattravelsnotalone / www.cattravelsnotalone.at 

MIT FREUNDLICHER UNTERSTÜTZUNG der Kulturabteilung der Stadt Wien, Tanzquartier Vienna, 

Im_flieger, ImPulsTanz Vienna, Bains connective, Sarma, WorkSpaceBrussels, Mumbling Fish, d.id dance 

identity / Liz King



Biografien 

Jack Hauser 

wurde 1958 in Horn/NÖ geboren. Von 1983-86 Studium der elektroakustischen Musik. 1994 

Gründungsmitglied von Lux Flux. Er gestaltet performative bildnerische Interventionen und 

experimentelle Arbeiten mit diversen Medien, die seit 1999 als „Wohnung Miryam van Doren“ betrieben 

und betreut werden. 2010 wurde während der Triennale 1.0 im Lentos Kunstmuseum Linz gemeinsam 

mit M1+1 die mobile Version der Wohnung ausgestellt. In den letzten Jahren künstlerische Projekte mit 

Daniel Aschwanden, David Ender, Karlheinz Essl, Philipp Gehmacher, Anne Juren, Krõõt Juurak, 

Barbara Kraus, Elke Krystufek, Machfeld, Jeroen Peeters, Markus Schinwald, Oleg Soulimenko, Myriam 

Van Imschoot, Simon Wachsmuth u.a. 2003 beginnt die Zusammenarbeit mit Milli Bitterli und ab 2005 

zahlreiche gemeinsame Projekte mit Sabina Holzer. Er ist Redaktionsmitglied bei www.corpusweb.net 

Satu Herrala arbeitet als Performerin, Choreografin und Kuratorin hauptsächlich in Finnland. Sie macht 

eigene und kollaborative Arbeiten, wie zum Beispiel Performances, Installationen, Kuratierungen. Seid 

2011 macht sie ein MA Studium in Choreografie an der Theatre Academy in Helsinki. Sie kuratierte das 

Programm von DO TANK bei dem Festival Spielart 2011 in München und bei Baltic Circle 2012 in 

Helsinki. 

www.satuherrala.com 

Sabina Holzer ist Performerin, Choreografin und Autorin und lebt in Wien. Sie setzt sich stark in dem 

Feld von künstlerischen Research in der Verbindung von Theorie und Praxis ein und unterrichtet 

Movement Exploration & Composition in unterschiedlichen Institutionen und Veranstaltungen. Sie ist 

Redaktionsmitglied von www.corpusweb.net, einem Internetmagazin für Tanz, Choreografie und 

Performance. Sabina arbeite in Projekten von Vera Mantero / o rumo do fumo (P) ; Fabian Chyle (D), 

Daniel Aschwanden / Bilderwerfer (A); Yossi Wanunu / Toxic Dreams (A); Philipp Gehmacher / 

mumbling fish; Milli Bitterli / artificial horizon; u.a. In den letzten Jahren entwickelt sie ihre Arbeiten in 

kollaborativen, transmedialen Settings mit Machfeld, Lux Flux, Martin Siewert, Karlheinz Essl und Jeroen 

Peeters. Seit 2005 ist sie in einer engen künstlerischen Zusammenarbeit mit dem experimentellen 

Filmemacher und bildenden Künstler Jack Hauser und Partnerin in seinen performativen und installativen 

Arbeiten, die in Theatern, Museen und an unterschiedlichen öffentlichen Orten in Erscheinung treten; 

rezent bei der dOCUMENTA (13) und im Hidden Museum. Ihre letzten Stücke waren „it is not the 

picture" in der Auseinandersetzung mit der Musik von Morton Feldman (2010/11) und „apporaching 

myself as a stranger", einer performativen Lesung (2011/12). www.cattravelsnotalone.at 

Jeroen Peeters ist Essayist, Dramaturg, Performer und Musiker und lebt in Brüssel. Er publiziert über 

Tanz, Performance und Kunsttheorie in unterschiedlichen Fachmedien, wie corpus, Dance Theatre 

Journal und Etcetera. Sein Buch in Zusammenarbeit mit Meg Stuart, Are we here yet? kam 2010 bei Les Presses 

du réel heraus. Seit 2002 leitet Peeters zusammen mit Myriam Van Imschoot Sarma, ein diskursives Labor 

für Tanzkritik, Forschung und Dramaturgie (www.sarma.be). Künstlerische Zusammenarbeit u.a. mit 

Eleanor Bauer, Julien Bruneau, Deufert&Plischke, Jack Hauser, Sabina Holzer, Martin Nachbar, Colette 

Sadler, Meg Stuart und Superamas.


DEZEMBER 

THE FORSYTHE COMPANY (D) 

Sider (Österreichische Erstaufführung) 

FR 7. DEZ. + SA 8. DEZ. 

20.30 h in TQW / Halle E 

Zwischen Avantgarde und Virtuosität, zwischen Tanzlust und Bewegungsrecherche haben die 

choreografischen Arbeiten William Forsythes in den letzten beiden Jahrzehnten nicht nur die Codes und 

Möglichkeiten des klassischen Balletts erneuert. Vielmehr hat sein künstlerisches Schaffen in seiner ganz 

eigenen Kombination aus Bewegung, Sprache, Architektur, Musik und Technologie weit darüber hinaus 

Spuren im Feld der zeitgenössischen Kunst hinterlassen. 

Mit Sider zeigen der Ausnahmechoreograf und seine herausragende Kompanie, die durch ihre 

Bewegungstechnik und -improvisation besticht, eine ihrer neuesten Arbeiten am Tanzquartier Wien. Der 

rhythmische Tonfall des elisabethanischen Theaters hat wie der des klassischen Tanzes über mehr als 

vierhundert Jahre hinweg eine eigene Tradition der Übermittlung von Darsteller zu Darsteller kultiviert. In 

Sider werden diese komplexen Sprachmuster über den Soundtrack der gefilmten Version einer Tragödie 

aus dem späten 16. Jahrhundert an die DarstellerInnen übertragen. Die Haftung der Aktionen der 

DarstellerInnen an diese Vokalpartitur verursacht beunruhigende Konfigurationen von abwegiger 

Musikalität, die die Themen von Analogie und Undurchsichtigkeit dieses Dramas unterstreichen. 

EINFÜHRUNGEN ZU DEN VERANSTALTUNGEN 

mit dem Choreografen William Forsythe und dem Tanzquartier Wien-Intendanten Walter Heun 

FR 7. DEZ. + SA 8. DEZ. 


EINE ARBEIT von William Forsythe und der Forsythe Company 

MUSIK: Thom Willems 

LICHTOBJEKT: Spencer Finch 

BELEUCHTUNG: Ulf Naumann, Tanja Rühl 

KOSTÜME: Dorothee Merg 

SOUNDDESIGN: Dietrich Krüger, Jennifer Weeger 

MEDIA ASSISTENT: David Morrow 

DRAMATURGIE- UND PRODUKTIONSASSISTENZ: Billy Bultheel, Dr. Freya Vass-Rhee, Elizabeth 

Waterhouse 

TÄNZERINNEN: Yoko Ando, Cyril Baldy, Dana Caspersen, Katja Cheraneva, Brigel Gjoka, Amancio 

Gonzalez, Josh Johnson, David Kern, Fabrice Mazliah, Roberta Mosca, Jone San Martin, Parvaneh 

Scharafali*, Yasutake Shimaji, Riley Watts, Ander Zabala 

The Forsythe Company wird GEFÖRDERT durch die Landeshauptstadt Dresden und den 

FreistaatSachsen sowie die Stadt Frankfurt am Main und das Land Hessen. Sie ist Company-in-Residence 

in HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste in Dresden und im Bockenheimer Depot in 

Frankfurt am Main. 

MIT BESONDEREM DANK an Frau Susanne Klatten für die Unterstützung der Forsythe Company.



Biografien 

William Forsythe 

gilt als einer der führenden Choreografen weltweit. Seine Werke sind dafür bekannt, die Praxis des Balletts 

aus der Identifikation mit dem klassischen Repertoire gelöst und zu einer dynamischen Kunstform des 21. 

Jahrhunderts transformiert zu haben. Forsythes tiefgreifendes Interesse an organisatorischen 

Grundprinzipien hat ihn dazu geführt, ein breites Spektrum von Projekten in den Bereichen Installation, 

Film und internetbasierte Wissensentwicklung zu realisieren. 

Yoko Ando 

Yoko Ando wurde in Yokohama (Japan) geboren. Sie studierte Theater am Bunka Gakuin College und 

Tanz bei Kuniko Kisanki. Sie arbeitete mit der japanischen Choreografin Kota Yamazaki und mit 

TheaterdirektorInnen, u.a. Hideki Noda, Robert Lepage, Masahiko Shimada und Antony Rizzi. 2001 

wurde sie Mitglied des Ballett Frankfurt und 2005 der Forsythe Company. 

Cyril Baldy 

Cyril Baldy wurde in Woippy (Frankreich) geboren. Er studierte in Paris am Conservatoire National 

Supérieur. Er arbeitete mit Le Jeune Ballet de France, Nederlands Dans Theater (NDT) II und NDT I. 

2002 wurde Cyril Baldy Mitglied des Ballett Frankfurt und 2005 der Forsythe Company. 

www.cyrilbaldy.com 

Dana Caspersen 

Dana Caspersen wurde in Minneapolis (Minnesota) geboren. Sie studierte u.a. bei Maggie Black und Erik 

Hawkins und tanzte drei Jahre am North Carolina Dance Theater. Von 1988 – 2004 war sie Mitglied des 

Ballett Frankfurt und seit 2005 der Forsythe Company. 

Katja Cheraneva 

Geboren in Moskau, Russland. Sie studierte an der Nikolai Ogryzskov’s Contemporary Dance School, 

Moscow und an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Frankfurt am Main. 2010 wurde sie 

Mitglied der Forsythe Company. 

Brigel Gjoka 

wurde in Albanien geboren. Seine Ausbildung zum Tänzer absolvierte er an der Tirana Ballet School. 

Danach war er zwei Jahre Mitglied des Cannes Jeune Ballet. Währenddessen arbeitete er auch mit Mattia 

Gandini in Legestrutture. Anschließend (2006-2009) wurde er Ensemblemitglied am Ballet du Rhin, 

Straßburg. 2008 kreierte er Ballettstücke für das Ballet du Rhin, Leggestrutture und 2009 für das Cannes 

Jeune Ballet. 2009 tanzte er beim ballettmainz und 2010 beim Nederlands Danse Theater. Seit 2011 ist er 

Mitglied der Forsythe Company. 

Amancio Gonzalez 

wurde in Spanien geboren. Er studierte am Estudio de danza bei Ion Beitia und am Centre International 

de danse bei Rosella Hightower. Er tanzte beim Scottish Ballet, NAPAC Dance Company, De 

Rotterdamse Dansgroep, Reflex Dance Company und dem Scapino Ballet Rotterdam. 1999 wurde 

Amancio Gonzales Mitglied des Ballett Frankfurt und 2005 der Forsythe Company. 

Josh Johnson 

Wurde in Mission Hills, Californien, USA geboren. Seine Ausbildung erhielt er bei Eartha Robinson und 

Otis Sallid und besuchte die Hollywood high school unter der Leitung von Keny Long. Er studierte an der 

Marat Daukayev school of ballet in Los Angeles bei Karen Mcdonald. Er tanzte mit Ailey II, beim Alvin



Ailey American Dance Theater und mit The Francesca Harper Project. 2010 wurde er Mitglied der 

Forsythe Company. 

David Kern 

David Kern wurde in New Orleans geboren. 1981 wurde er Mitglied des San Francisco Ballet, wo er u.a. 

in Stücken von Balanchine und Michael Smuin tanzte. 1987 arbeitete er beim Ballett Frankfurt. 1994–2004 

war er selbstständiger Tänzer und Choreograf in Paris. Seit 2005 ist David Kern Mitglied der Forsythe 

Company. 

www.nutbitsresearch.com 

Fabrice Mazliah 

Fabrice Mazliah wurde in Genf geboren. Er studierte in Genf, an der Nationalkademie in Athen und am 

Rudra Béjart Atelier in Lausanne Tanz. Er war Mitglied der Mandafounis Cie., des Nederlands Dans 

Theater, des Ballett Frankfurt und seit 2005 Mitglied der Forsythe Company. Darüberhinaus 

choreografiert Fabrice Mazliah eigene Stücke. 

Roberta Mosca 

Roberta Mosca studierte in Biella bei Paola Olivero, in Mailand an der Scuola del Teatro alla Scala und an 

der John Cranko Schule in Stuttgart. Sie arbeitete beim Stuttgarter Ballett, dem Wiener Staatsopernballett, 

dem Teatro Comunale di Firenze, dem Staatsopernballett in Leipzig, dem Aterballetto in Reggio Emilia 

und dem Ballett Frankfurt. Seit 2002 ist sie freiberufliche Tänzerin und seit 2005 Mitglied der Forsythe 

Company. 

Jone San Martin 

Jone San Martin wurde in San Sebastian (Spanien) geboren. Sie studierte bei Mentxu Medel und war 

Mitglied des Ballet Nacional de España, des Ulmer Theaters und des Ballet Royal de Wallonie in Belgien. 

1992 wurde sie Mitglied des Ballett Frankfurt und seit 2005 der Forsythe Company. 

Yasutake Shimaji 

wurde in Japan geboren. Er begann Modern Dance unter der Leitung von Miyako Kato zu studieren und 

arbeitete 2004 – 2006 als Mitglied von Noism. Seit 2006 ist er Mitglied der Forsythe Company. 

Riley Watts 

Wurde in Bangor, Maine, USA geboren. Er studierte an der Thomas School of Dance, der Walnut Hill 

School for the Arts und an der Juilliard School. Er tanzte beim Cedar Lake Contemporary Ballet, dem 

Bern:Ballett und dem Netherlands Dance Theater II. 2006 war er Preisträger des Princess Grace Award 

for Modern Dance. 2010 wurde er Mitglied der Forsythe Company. 

Ander Zabala 

wurde in Bilbao (Spanien) geboren. 1983 begann er bei Ion Beitia sein Tanzstudium, das er an der Béjart's 

Mudra Schule, der John Neumeier Ballettschule in Hamburg und am Rosella Hightowers Centre de Dance 

International in Cannes fortsetzte. Er tanzte am Centre Chorégraphique National de Tours beim Ballet de 

Monte Carlo unter der Leitung von Jean Christophe Maillot und beim Ballett Frankfurt sowie 1997–1999 

beim Birmingham Royal Ballet unter der Leitung von David Bintley. 2005 wurde er Mitglied der Forsythe 

Company.



Adventumgang 2012 

THE DUDES: 

LUKE BAIO (UK/A) / DOMINIK GRÜNBÜHEL (A) 

Fuck Christmas. Lasst Euch von den Dudes berauschen. 

MO 10. DEZ. 


Eintritt frei / Admission free 

Das Christkind kann einpacken, denn The Dudes sorgen nun für Weihnachtsflair! Lasst euch von ihnen in 

aller Besinnlichkeit in die Adventzeit davontragen, wenn sich die beiden Choreografen und Performer mit 

ihren Ukulelen abmühen, andächtige Festlichkeit zu verbreiten. Was kann dabei schon passieren? Eine 

Bescherung für all jene, denen es noch um literweise Glühwein, weiße Weihnacht, prächtige Christbäume 

und offen ausgetragene Konflikte geht. 

Eine Performance im Rahmen des ADVENTUMGANG. 

Alles Gute. Ein Umgang 2012 

Wie schon in den letzten Jahren findet auch heuer der bereits zur Tradition gewordene Adventrundgang 

durch die Gassen des 7. Bezirks statt. Kurzprogramme aus Literatur, Musik, Tanz, Theater rund um den 

Advent stimmen das Publikum in einer gemütlichen Weise auf das nahende Weihnachtsfest ein.



BARBARA KRAUS (A) 

about coming home (Uraufführung) 

DO 13. DEZ. + FR 14. DEZ. 


“Ho fatto tutta a piedi - da Vienna fin qua. Camino fino a Nizza. Sono partita cinque mesi, sola." "Brava!!!" 

about coming home ist die Erzählung einer Reise, die die Künstlerin Barbara Kraus zwischen April und 

September 2012 zu Fuß über die Alpen von Wien nach Nizza führte. Nach ihrer Rückkehr erklärt sie nun 

das Tanzquartier Wien zu ihrem temporären Zuhause und gibt dem Publikum Einblick in ihre innere und 

äußere Reise. Mitbringsel und Fundstücke markieren die einzelnen Etappen des zurückgelegten Weges; in 

Form eines Reisetagebuches festgehaltene Begegnungen mit WeggefährtInnen bilden den inhaltlichen und 

formalen Ausgangspunkt der performativen Veröffentlichung. Eine Performance über einen Weg – ein 

Weg als Performance. 

about coming home ist der dritte Teil des Projekts dream and walk about, in dem Barbara Kraus künstlerische 

Visionen einer nachhaltigen Welt zwischen nomadisierenden und sesshaften Lebensentwürfen skizziert. In 

der Ambivalenz des Wunsches zu bleiben und der Sehnsucht weiterzuziehen, offenbaren sich zwei 

wesentliche, widersprüchliche Bedürfnisse des Menschen; einerseits die Sehnsucht nach Freiheit und 

Autonomie und andererseits der Wunsch nach Zugehörigkeit und Geborgenheit. 

about coming home wird unterstützt und ermöglicht von BMUKK, Tanzquartier Wien und vielen 

Privatpersonen. 

Barbara Kraus DANKT all ihren WeggefährtInnen, FeundInnen und ganz besonders ihrer Familie für die 

großzügige Unterstützung und Anteilnahme an ihrer Reise! 

Die privaten UnterstützerInnen: Arno Böhler, Susanne Granzer, Barbara Guttmann, Margarete 

Distelberger, Markus Distelberger, Teresa Distelberger, Susanne Deimel-Heiderer, Ingeborg Palacz, 

Lieselotte Baier, Thomas und Martina Honsig, Barbara Salcher, Elena Koster, Christa Polster, Marion Alt, 

Lisbeth Löffler, Luise Reitstätter, Kai Merkert, Hans Grünberger, Paula Rossi, Marion Plunger, Nicole 

Lieger, Marta Enriquez, Maria Kriwanek-Schober, Christina Kraus, Martina Süss, Michaela Kirch und 

Sunny Bergsport Sillian



NOMAD LABfactory / THOMAS JELINEK (A/S) 

RADIO REVOLUTION. Die Revolution ist jetzt 

(Uraufführung) 

SA 15. DEZ 


Eine Klopapierrolle, Kupferlackdraht, zehn Meter Kabel. Zwei Meter Draht, eine Diode, Gummibänder, 

Sandpapier, Klebeband und Kopfhörer. Mit dem Radio wurde ein Medium erfunden, das es erlaubt, mit 

wenig Aufwand viele Menschen zu erreichen. Als einfaches Instrument, das ohne kontrollierte 

Netzwerktechnologie auskommen kann, ist es bis heute immer auch Symbol freier Meinungsäußerung 

geblieben, das die Herstellung von Gegenöffentlichkeiten und die Verbreitung unautorisierter 

Informationen ermöglicht. Gemeinsam mit dem Publikum und einer Reihe von Gästen macht Thomas 

Jelinek ein Radioprogramm, um in die Welt zu senden. Der Diskurs ist Programm, die Aufzeichnung der 

Radiosendung ist Performance – zwischen Emanzipation und Manipulation von Körpern durch das 

körperlose Medium der Kurzwelle. 

Radio Revolution stellt zum gegenwärtigen Zeitpunkt, an dem der globale Systemzusammenbruch 

unaufhaltbar erscheint und sich die Umwälzung ankündigt, die Wirklichkeit zur Verhandlung. Durch den 

Akt der Kooperation werden die einzelnen kreativen Momente des Erhebens der Stimme und der Aktion 

zwischen allen Anwesenden zum politisch schöpferischen Prozess, in dem über die Wirklichkeit und ihre 

Veränderbarkeit entschieden wird. Sechs Tage vor dem angekündigten Weltuntergang lädt NOMAD ein 

zur Formulierung der letzten Revolution, der persönlichen Meinungen und Utopien – zum ultimativen 

Abendmahl und offenen Tischgespräch.


JANUAR 

SUPERAMAS (A/F/B) 

»Theatre« (Österreichische Erstaufführung) 

FR 11. JAN. + SA 12. JAN. 2013 


Das Zusammenspiel von Wirklichkeit und Fiktion, von Theater und Politik, steht im Fokus dieses neuen 

Performance-Projektes. Den zeitlichen Rahmen dafür bildet die Geburtsstunde der Zentralperspektive in 

der Malerei des 15. Jahrhunderts und – am anderen Ende der Zeitachse – die Frage »Was lässt sich heute 

über die Weltsicht sagen, die uns von einem digitalen Bilderstrom, so wie er täglich über uns hereinbricht, 

vermittelt wird?« In »Theatre« geht es dem internationalen Künstlerkollektiv darum, hinter der Illusion des 

Politischen, die Wirklichkeit der Komödie oder des Dramas wiederzufinden, wobei verschiedene 

Techniken der erweiterten Wirklichkeit zum Einsatz kommen: Reale Personen, fiktive Gestalten und 

Avatare treffen auf der Bühne aufeinander. 

PRODUZIERT VON: Superamas 

DREHBUCH UND REGIE: Superamas 

PERFORMANCE: Lucie Eidenbenz, Karen Lambaek, Lieve de Pourcq, Faris Endris Rahoma, Bahar 

Temiz und Superamas. 

SET-DESIGN: Superamas 

LICHT-DESIGN: Henri-Emmanuel Doublier 

SOUND: Superamas 

MOTION CAPTURE CONCEPT & PROGRAMM: Pierre Gufflet 

3D IMAGES DESIGN: Superamas in Zusammenarbeit mit TechnocITé Mons, CCCP und Howest 

Kortrijk, Kevin Marien. 

REAL-TIME 3D ENGINE: Pierre Gufflet, Superamas und CCCP 

COMPUTERED 3D ANIMATION: CCCP, Howest Kortrijk, Kevin Marien und Superamas 

TECHNISCHER LEITER: Pierre Gufflet 

KOSTÜME: Sofie Durnez 

VIDEO: Superamas 

BÜHNENLEITUNG: Martin Schwab 

KOPRODUKTION: Art Center Vooruit, Maribor European Cultural Capital 2012, Künstlerhaus 

Mousonturm (im Rahmen von Frankfurter Positionen 2013), MC Amiens, Szene Salzburg, Tanzquartier 

Wien, CECN Manège Mons, EN-KNAP Ljubljana,Stereolux Nantes. 

IN ZUSAMMENARBEIT MIT: Buda Art Center Kortrijk, Impulstanz Festival, La Gaîté Lyrique Paris, 

TechnocITé Mons, Howest Kortrijk, mokum, l'Avant-Seine, Théâtre de Colombes. 

MIT UNTERSTÜTZUNG VON: MA 7 - Kulturabteilung der Stadt Wien, Bundeministerium für 

Unterricht, Kunst und Kultur, Direction Régionale des Affaires Culturelles d'Ile-de- France, Ministère de 

la Culture et de la Communication, DICRéAM, Centre National du cinéma et de l’image animée, l'Institut 

Français, Ministère des Affaires étrangères et européennes, the Flemish Community/Belgien, 

Agglomération Maubeuge-Val de Sambre, Gare Numérique de Jeumont, apap net/EU, Austrian Cultural 

Forum in Brüssel und Ljubljana, Pôle Images Nord-Pas de Calais (avec le soutien du Conseil Régional 

Nord-Pas de Calais, de Lille Métropole Communauté Urbaine et du Centre Régional de Ressources 

Audiovisuelles Nord-Pas de Calais) 

DANK AN: Figurentheaterfestival Erlangen/Germany.


THEORIE – REDEREIHE 

REDEREIHE: DER WIDERSTAND GEGEN DIE THEORIE 

Eine Redereihe 

„Nichts kann den Widerstand gegen die Theorie überwinden, 

da sie selbst dieser Widerstand ist.“ 

Paul de Man 

Was ist an der Theorie so gefährlich, dass sie seit je – und heute besonders in einem kultur- und 

universitätspolitischen Kontext – starke Widerstände auslöst? Wohnen diese Widerstände der Theorie 

selbst inne? Und machen ihre Schwäche für die Praxis aus? 

Es geht um eine Theorie, die aufweicht, was harte Lehre wäre, da sie wörtlich nicht zu halten vermag, was 

sie figurativ (weil sprachlich) verheißt. Performativ wendet sie also, was sie verspricht, nie ins Aktuelle und 

wendet sich so – dem Potentiellen verschrieben – gegen jede Stabilisierung als ideologische Setzung, gegen 

jede Repräsentation als Machtmanifestation. 

Wohnt heute solcher Widerstand gegen die Konsistenz von Aktualisierung, Produktivität, Darstellung 

auch Tanz und Performance inne, so wird ihre Theorie zum Isotop* ihrer Praxis. Dieser packenden 

Isotopie gemäß, treten im Rahmen der Reihe KünstlerInnen und TheoretikerInnen am gleichen Ort auf, 

im Doppelpack. 

*Die Isotope eines und desselben Elements haben verschiedene Massenzahlen, verhalten sich aber chemisch 

weitgehend identisch und stehen im Periodensystem am gleichen Ort.



MARCUS STEINWEG (D) 

Praxis versus Theorie 

& 

MARCELLVS L. (BR) 

Inkonsistenzen 

FR 2. NOV. 

18.00 h in TQW /Studios 

Eintritt frei 

MARCUS STEINWEG (D) 

Praxis versus Theorie 

Vielleicht verbindet Kunst mit Philosophie, dass sie ein Denken ist, das Praxis sein will, nicht nur Theorie. 

Vielleicht ist Philosophie die Komplizierung dieses allzu einfachen Gegensatzes Praxis versus Theorie. Nicht 

nur, weil Theorie ein Handeln impliziert, sondern auch weil jedem Handeln – implizit, explizit – eine 

Theorie entspricht. Der Widerstand gegen die Theorie muss doppelter Widerstand sein: Widerstand gegen 

einen Theoriebegriff ohne performative Dimension einerseits. Widerstand gegen einen Begriff von Praxis 

oder Performativität, der seine theoretischen Implikationen ignoriert, andererseits. Kunst und Philosophie 

verbindet, diesen zwiefachen Widerstand zu artikulieren, indem sie sich den inkonsistenten Anteilen der 

konstituierten Realität (unserer „Welt“) zukehren, um das etablierte Realitätsmodell einer ebenso 

praktischen wie theoretischen Destabilisierung zu unterziehen. 

Marcus Steinweg ist ein in Berlin lebender Philosoph. 

Autor u. a. von: 

Bataille Maschine, Berlin: Merve Verlag 2003 

Subjektsingularitäten, Berlin: Merve Verlag 2004 

Behauptungsphilosophie, Berlin: Merve Verlag 2006 

Duras (mit Rosemarie Trockel), Berlin: Merve Verlag 2008 

Politik des Subjekts, Zürich-Berlin: Diaphanes Verlag 2009 

Aporien der Liebe, Berlin: Merve Verlag 2010 

Kunst und Philosophie / Art and Philosophy, Köln: Verlag der Buchhandlung Walther König 2012 

Philosophie der Überstürzung, Berlin: Merve Verlag 2013 (in Vorbereitung) 

Sex (mit Rosemarie Trockel), Berlin: Merve Verlag 2013 (in Vorbereitung)



& 

MARCELLVS L. (BR) 

Inkonsistenzen 

Kunst bewegt sich an der Trennlinie zwischen Präsenz und Absenz, Konsistenz und Inkonsistenz von 

Realität. Sie indiziert den Unentscheidbarkeitsraum zwischen 0 und 1, oder, philosophisch gewendet, 

zwischen Nichts und Realität. Offenkundig geht es darum, dem etablierten Realitätsmodell sein Vertrauen 

zu entziehen. Realität ist vielleicht nichts als Theorie: eine Fiktion mit Wahrheitswert. Wie bei jedem 

Konstrukt handelt es sich auch bei ihr um eine über dem Abgrund ontologischer Inkonsistenz – dem 

Chaos, wie Deleuze & Guattari sagen, – schwebende Architektur. 

Marcellvs L. ist Video- und Soundkünstlers, lebt in Berlin. 

Ausstellungen (Auswahl): 

Einzelausstellungen: 

2011 12 x 12, Berlinische Galerie, Berlin 

2011 COMMA 34, Bloomberg Space, London, UK 

2011 0667 0778 3196 1716, The Living Art Museum, Reykjavik, Iceland 

2010 Infinitesimal, carlier | gebauer, Berlin, Germany 

2010 VideoRhizome, Kunsthalle Wien project space, Vienna, Austria 

2009 5230'50.13" N 1322'42.05" E, Galerie Natalie Seroussi, Paris, (Berlin-Paris gallery exchange) 

2008 GASAG Kunstpreis, Berlinische Galerie, Berlin 

2008 5230'50.13" N 1322'42.05" E, carlier | gebauer, Berlin, Germany 

2008 0778 y spree, Matadero Madrid - PhotoEspana2008, Madrid, Spain 

2008 0667, Fundacin Antonio Prez - PhotoEspana2008, Cuenca, Spain 

2007/2008 Marcellvs L., Galeria Luisa Strina, So Paulo, Brazil 

2007 Wer mich lenkt ist das Meer, carlier | gebauer, Berlin, Germany 

2007 Bolsa Pampulha: Marcellvs L., Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, Brazil 

2005 Temporada de Projetos 2005/2006 Pao das Artes, Pao das Artes, So Paulo, Brazil 

2003 Mostra Portflio Itu Cultural, Museu Histrico Ablio Barreto, Belo Horizonte, Brazil 

VdeoRizoma, Instituto Felix Guattari, Belo Horizonte, Brazil 

Gruppenausstellungen: 

2012 Made in Germany, Sprengel Museum / kestnergsellschaft / Kunstverein Hannover, Germany 

2011 17th International Contemporary Art Festival SESC_Videobrasil, So Paulo, Brazil 

2011 Kunst und Philosophie, NBK-Neuer Berliner Kunstverein 

2011 Landschaft als Weltsicht, Museum Wiesbaden, Wiesbaden, Germany 

2011 Universo Vido. Historias fugaces, LABoral, Gijn, Spain 

2011 Sismgrafo, Palcio des Artes, Belo Horizonte, Brazil 

2011 Terre Vulnerabili - a growing exhibition, Hangar Bicocca, Milan, Italy 

2011 Weltsichten: Landschaft in der Kunst vom 17. bis zum 21. Jahrhundert, Kunsthalle zu Kiel, Kiel, 

Germany



JOCHEN HÖRISCH (D) 

Theater, Theologie, Theorie – Was gibt's denn da zu schauen? 

& 

PHILIPP GEHMACHER (A) 

Dem Denken Form geben 

FR 14. DEZ. 


Eintritt frei 

JOCHEN HÖRISCH (D) 

Theater, Theologie, Theorie – Was gibt's denn da zu schauen? 

Die Worte Theater, Theos und Theorie gehen mitsamt und gleichermaßen direkt auf das griechische θεωρεiν; 

theorein bzw. θεάοµαι; theaomai (beobachten, betrachten, [an]schauen) zurück. Théatron (θέατρον) meint den 

Schauplatz, der durch die klare Unterscheidung zwischen Zuschauern und Bühne etwas zu beobachten 

erlaubt. Theós (θεός) meint den Gott, der andere Götter und Nicht-Götter aus olympischer Ferne 

beobachten und durchaus einmal die Grenze zwischen seiner Proszeniumsloge und der Weltbühne 

abenteuerlich überschreiten kann. Theoría (θεωρία) meint vor allem die Beobachtung über größte Distanzen 

hinweg, also die „Schau des Göttlichen“, des Theos. Gerade weil sie dasselbe Kerngeschäft (Beobachtung) 

betreiben, beäugen sich das Theater, die Theorie und die Theologie misstrauisch und erklären die jeweils 

andere Beobachterperspektive als heikel, frivol oder irreführend. Auf dieses Spannungsverhältnis und auf 

die Frage, ob es einen Letztbeobachter aller Beobachtungen geben kann, will der Vortrag eingehen. 

Jochen Hörisch ist Ordinarius für Neuere Germanistik und Medienanalyse an der Universität Mannheim. 

Veröffentlichungen u. a.: Die fröhliche Wissenschaft der Poesie (über frühromantische Poetologie). Ffm 

(Suhrkamp) 1976; Materialien zur Sprachlosigkeit des Kaspar Hauser. Ffm (Suhrkamp) 1979; Gott, Geld 

und Glück (über Bildungsromane). Ffm (Suhrkamp) 1983; Das Tier, das es nicht gibt (über Einhörner). 

Nördlingen (Greno) 1986; Die Wut des Verstehens - Zur Kritik der Hermeneutik. Ffm (Suhrkamp) 1988; 

Die andere Goethezeit. München (Fink) 1992; Brot und Wein - Die Poesie des Abendmahls. Ffm 

(Suhrkamp) 1992; Kopf oder Zahl - Die Poesie des Geldes. Ffm (Suhrkamp) 1996; Das Ende der 

Vorstellung – Die Poesie der Medien. Ffm (Suhrkamp) 1999; Der Sinn und die Sinne - Eine Geschichte 

der Medien. Ffm (Eichborn, Andere Bibliothek) 2001; Es gibt (k)ein richtiges Leben im falschen. Ffm 

(Suhrkamp) 2003; Gott, Geld, Medien. Ffm (Suhrkamp) 2004; Theorie-Apotheke – Eine Handreichung zu 

den humanwissenschaftlichen Theorien der letzten fünfzig Jahre, einschließlich ihrer Risiken und 

Nebenwirkungen. Ffm (Eichborn, Andere Bibliothek) 2004; Die ungeliebte Universität – Rettet die Alma 

mater. München (Hanser) 2006; Das Wissen der Literatur. München (Fink) 2007; Vorletzte Fragen. 

Stuttgart (Omega Verlag) 2007. Bedeutsamkeit – Über den Zusammenhang von Sinn, Zeit und Medien. 

München (Hanser) 2009; Der Takt der Neuzeit – Die Schwellenjahre der Geschichte. Stuttgart (Omega 

Verlag) 2009; Tauschen, Sprechen, Begehren – Eine Kritik der unreinen Vernunft. München (Hanser) 

2011. Rundfunk- und Fernsehsendungen zu kultur- und medienanalytischen Themen.



& 

PHILIPP GEHMACHER (A) 

Dem Denken Form geben 

Künstlerische Arbeit ist immer Materialisierung eines Denkens, somit eine Praxis, die realisiert und 

temporäre, wenn nicht permanente Wirklichkeiten zu schaffen versucht. Ich denke, Tanz und 

Performance haben diesen Anspruch noch nicht aufgegeben und bilden Wirklichkeiten, die erlebbar und 

teilbar sind. Die Äußerungsformen des Denkens gehen dabei über den Körper hinaus. Der Theaterraum 

erscheint als Ort der Betrachtung, er stellt mich aus und führt mich vor. Und darin liegt genau die 

Schwierigkeit, die Verantwortung und die Aufregung, Äußerungsformen für dieses Denken zu finden und 

diese in der Betrachtung Ereignis werden zu lassen. Das Denken ist dann Theorie und Praxis, und 

spricht/tanzt nicht mehr nur für sich allein. 

Philipp Gehmacher ist Choreograf und Tänzer, lebt in Wien. 

2012 solo with jack 

2011 grauraum with Egon Schiele 

2011 walk & talk Brussels. Curated series 

2010 in their name 

2010 at arm’s length 

2010 the fault lines 

2009 dead reckoning 

2008-2012 walk & talk Lecture-Performances No. 2-12 

2008 Walk & talk Vienna. Curated series 

2008 STILL MOVING 

2007 Walk & talk. a lecture performance about movement. Thoughts 

2007 MAYBE FOREVER 

2007 like there’s no tomorrow 

2006 das überkreuzen beyder hände 

2004 incubator 

2003 mountains are mountains 

2001 good enough 

2000 Holes and Bodies 

2000 embroyder 

1999 in the absence 

1997 the mumbling fish


THEORIE – RINGVORLESUNG 

RINGVORLESUNG 

Do we know what a body can do? 

Wissen wir, was ein Körper kann? 

Wintersemester 2012/13 

Die Ringvorlesung findet statt im Rahmen des FWF-Projekts Generating Bodies (TRP12-G21) als 

Kooperation des Instituts für Philosophie, des Instituts für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der 

Universität Wien und des Tanzquartier Wien. 

Die eingeladenen Vorträge werden uns auf einen Korpus verstörender Fragen stoßen: Sind Körper nicht 

gerade dann hellwach und tätig, wenn unser Wissen von ihnen im Schlafmodus verharrt? Weiß ein Körper 

also, was er tut, während er etwas tut? Was heißt hier Wissen? Was heißt hier Körper? Was heißt hier Tun? 

Was heißt hier Können? Können wir überhaupt ein Wissen vom Körper haben, ohne schon auf einen 

Körper zurückzugreifen? Kurz: Wie lässt sich eine ›subjektlose Tätigkeit‹ denken? Geschehnisse, die uns 

überkommen, weit eher, als dass sie von uns selbst getätigt, gewusst, gekonnt würden? 

Rührt der religiöse Konflikt der phänomenalen Endlichkeit der Körper und ihrer immer wieder 

aufkeimenden Tendenz, ein unendliches Begehren nach Unsterblichkeit zu entwickeln, nicht gerade von 

solchen anonymen Körpererfahrungen her? Müsste eine interkulturelle Philosophie daher nicht gerade bei 

der Analyse solcher Phänomene beginnen? 

Die Ringvorlesung findet an der Universität Wien und im Tanzquartier Wien statt. Alle Termine finden 

Sie unter: 

http://homepage.univie.ac.at/arno.boehler/php/?p=4153



GEORG STENGER (D/A) 

Vom Aufstand der Körper – Interkulturelle Bildperformanzen 

& 

RACHID BOUTAYEB (MAR/D) 

Sexualität im Islam 

FR 26. OKT. 

17.00 h – 20.00 h 

in TQW / Halle G 

Eintritt frei 

GEORG STENGER (D/A) 

Vom Aufstand der Körper – Interkulturelle Bildperformanzen 

Warum stehen »Körper« auf oder vermögen aufzustehen,wo sie doch einem weit verbreiteten klassischen 

Verständnis gemäß unter die Sinnlichkeit als bloßes »unteres Erkenntnisvermögen« fallen? Wohnt ihnen 

doch so etwas wie eine eigene »Sprachlichkeit« inne, die sich der mit dem gewöhnlichen Sprachverständnis 

einhergehenden Distanzstellung entzieht? »Sprechen« Körper nicht immer schon, nicht allein, aber doch 

signifikant, in Bildern, durch Bilder, über Bilder, seien diese reale, virtuelle oder imaginierte Bilder, und 

wohnt ihnen nicht gerade darin eine vorpropositionale Dimension inne, die auf Bewegung und 

Prozessualität als vorgängiges »Grund-geben-« und »Grundfinden- Können« zuläuft? Und in welcher 

Intensität und Extensität zugleich tut dies der Körper? »Am Grund der Bilder« schreit der Körper auf, der 

Körper hinter dem Körper, der Körper im Körper. Die Sprache der Körper als »Bildsprache « ereignet sich 

medialperformativ, indem die Sprache des Körpers Räume ausschreitet, öffnet und zugleich transformiert. 

Was geschieht mit den Körpern, wenn sie ihre Bildperformanzen interkulturell erproben und aufs Spiel 

setzen? 

Georg Steiner ist emeritierter Professor für vergleichende Literaturwissenschaft, Schiftsteller, Philosoph und 

Kulturkritiker. 

RACHID BOUTAYEB (MAR/D) 

Sexualität im Islam 

Für Abdelkébir Kathibi ist der Körper das Unterdrückte der Religion des Islam. Stets wird der Körper als 

bloßes Werkzeug des Spirituellen und nicht als Ausdruck desselben gedacht. In dieser reduktionistischen 

Auffassung geht es, wie Farid Zahi, ein Schüler Khatibis, schreibt, immer nur um »den Körper im Dienste 

des Sakralen«. Der Körper besitzt kein eigenständiges Handlungsrecht, und schon gar nicht ist es ihm 

erlaubt, seinen Launen oder Gelüsten unzensuriert nachzugeben. Man hat es hier also mit einem 

»entkörperlichten« Körper zu tun. Die religiösen Vorschriften bestimmen das Leben, den Tod und sogar 

die sexuellen Beziehungen dieses Körpers. »Ein Krieg gegen die Sinne« nennt Farid Zahi eine solche 

Gottesvorstellung! Trotz der exotischen arabischen Schriften über Sexualität kann man daher behaupten, 

dass die Sexualität das Vergessene, wenn nicht sogar das Andere des islamischen Denkens überhaupt darstellt.



ROLF ELBERFELD (D) 

Der Körper im japanischen Nō-Theater 

& 

MARC RÖLLI (CH) 

„Mit dem Knie denken“ 

Oder warum man den Körper nicht ausblenden kann 

FR 23. NOV. 

17.00 h – 20.00 h in TQW / Halle G 

Eintritt frei 

ROLF ELBERFELD (D) 

Der Körper im japanischen Nō-Theater 

Zeami (1364-1443), der das japanische Nō-Theater im 15. Jahrhundert zu einer eigenständigen Kunstform 

ausbaute, hat nicht nur viele Nō-Stücke verfasst, sondern auch eine theoretisch ausgefeilte Ästhetik des 

Nō-Theaters entwickelt. Im Vortrag soll auf der Grundlage seines Textes Kakyo (Blütenspiegel) die 

Bedeutung des Körpers im Nō-Spiel entwickelt werden. Dabei wird deutlich, dass eine ausgefaltete 

Körperwahrnehmung zugleich die Entwicklung einer spirituellen Dimension bedeutet. Im Nō-Schauspiel 

geht es darum, hierfür ein Gemeingefühl (kan) zwischen Schauspieler, Musikern und Zuschauern zu 

erzeugen, wobei die atmende Atmosphäre (ki) eine besondere Rolle spielt. 

Rolf Elberfeld ist Professor für Kulturphilosophie an der Universität Hildesheim. 

& 

MARC RÖLLI (CH) 

„Mit dem Knie denken“ 

Oder warum man den Körper nicht ausblenden kann 

Die Geringschätzung des Körpers hat in der Geschichte der Philosophie lange Tradition. Wahre 

Erkenntnis ist Sache des reinen, d. h. körperlosen Denkens, das auf niemals müde Geister oder auch 

unsterbliche Seelen verweist. Das Körperliche erscheint als empirisches Hindernis, das mit der richtigen 

Methode zur Seite geräumt werden kann und soll. Lässt sich aber das körperlich Dunkle, falls es das gibt, 

geistig erhellen und aufklären? Oder kann man den Spieß auch umdrehen und mit Leibniz einen Körper 

deduzieren, indem man seine Notwendigkeit aus den Ideen ableitet, die 

niemals klar und deutlich sind? 

Marc Rölli, Prof. Dr. phil., lehrt Philosophie an der Fatih University in Istanbul.



PETER HERTZ-OHMES (USA/D) 

Deleuzian Empiricism and the Potential of Chaotic Choreographies 

& 

FAWZI BOUBIA (MAR) 

Es körpert ! Es outet ! Es scheint ! 

West-östliche Herausforderungen an die Seele, die Innerlichkeit und das Sein 

SA 24. NOV. 

17.00 h – 20.00 h in TQW / Halle G 

Eintritt frei 

PETER HERTZ-OHMES (USA/D) 

Deleuzian Empiricism and the Potential of Chaotic Choreographies 

Let us reread Deleuze and Guattari’s enigmatic Anti-Oedipus as an affirmative introduction to poststructuralist 

dance theory, that is, as the philosophical development of chaotic logic out of syntheses of 

sensation. Conscious determination and predictability of motion and emotion, imposed by authorities like 

the Oedipus complex that force inflexible (neurotic) ego structures and mind sets or ban mutational 

(psychotic) impulses and ‘schizzes,’ are thrown off track and out of lock-step by preconscious (virtual) 

attractors. Dance is exemplary when actualized performatively as activities of desiring machines or bodieswithout-organs: 

intensities, becomings, and transitions that undermine the (Kierkegaardian/Nietzschean) 

‘sickness unto death.’ 

Peter Hertz-Ohmes, PhD Stanford, is professor emeritus of German and Humanities at the State University 

of New York’s Oswego campus. 

& 

FAWZI BOUBIA (MAR) 

Es körpert ! Es outet ! Es scheint ! 

West-östliche Herausforderungen an die Seele, die Innerlichkeit und das Sein 

Nach dem gängigen islamischen Klischee hat sich der Westen der Schamlosigkeit und Dekadenz 

verschrieben. Egal wohin man seinen Blick richtet, trifft man auf Sex, Gewalt, Alkohol, Drogen, 

Nacktheit, Ausschweifung. Der schiere Materialismus benebelt Köpfe und Herzen – Es körpert überall. In 

der islamischen Welt, die alles eifersüchtig verbirgt, ihre Frauen, ihre Häuser, selbst ihre Gotteshäuser, 

kommt diese westlich inszenierte Zur-Schau-Stellung einer Umwertung aller islamischen Werte gleich. Im 

Vortrag werden die islamischen Kategorien „Körper“ und „Seele“ erörtert und in Hinblick auf die 

Moderne kritisch hinterfragt. Es wird ein Konzept von Körperlichkeit vorgestellt, in dem die Seele und 

das Sein sich regelrecht entfalten, wenn diese wild „körpern“, sich „ungewohnt outen“ und kunterbunt 

erscheinen. 

Fawzi Boubia ist als Professor für deutsche Literatur- und Kulturgeschichte an den Universitäten Caen 

(Frankreich) und Rabat (Marokko) tätig und arbeitet auch als Schriftsteller, Dramendichter und 

Übersetzer.


TRAINING & WORKSHOP 


Der Trainings- und Workshopbereich ist ein hoch frequentierter Ort zur Weiterbildung für professionelle 

zeitgenössische TänzerInnen, PerformerInnen und ChoreografInnen ebenso wie für KünstlerInnen aus 

anderen Sparten. 

Das tägliche Training ist für professionelle TänzerInnen konzipiert und bildet das Fundament des 

Bereichs. Zweimal täglich stehen verschiedene Kurse auf dem Programm: zentral ist das zeitgenössische 

Tanztraining, aber auch andere Körperarbeitsmethoden und –techniken, die die Fähigkeiten der 

TänzerInnen unterstützen und fördern, werden angeboten. 

Eine zweite wichtige Schiene sind die künstlerischen Workshop. Sie offerieren einen kreativen Raum, der 

sich unterschiedlichen Themenschwerpunkten widmet zwischen künstlerischer Recherche, 

Körperforschung und produktionsbezogenem Fachwissen. Die Workshops sind offen für KünstlerInnen 

aus unterschiedlichen Sparten und bieten neben dem inhaltlichen Input auch die Möglichkeit auf 

spartenübergreifende Vernetzung. 

Der Bereich Training & Workshop umfasst weiterhin die Förderung des künstlerischen Nachwuchses. 

Einerseits stellt das Tanzquartier Wien jedes Jahr zwei Trainings-Stipendien bereit, andererseits initiiert es 

einmal pro Spielzeit das gecoachte Jung-ChoreografInnen-Projekt Werkstück. Eine Projektwoche für 

StudentInnen aus den Bereichen Tanz, Performance und bildender Kunst gibt Einblicke in die 

Arbeitsweisen, Standpunkte und Zusammenhänge im zeitgenössischen Tanz und der Performancekunst. 

Den Bogen zur Theorie wird mit der sogenannten Trainings-Lecture geschlagen. In Form von Vorträgen 

geben erfahrene DozentInnen einem breiteren Publikum Einblicke in ihr Wissen über den Körper und 

seine kontextuellen Bezüge.



TRAININGSPROGRAMM VON SEPT. – DEZ. 2012 

Zum Auftakt der Trainingssaison 2012/13 unterrichtet Francesco Scavetta ein stark physisch 

ausgerichtetes zeitgenössisches Training. Sabine Parzer konzentriert sich in ihrer Klasse auf das 

Körperzentrum, dem sie sich als fließenden und zugleich definierten Kern nähert, um in ein ganzheitliches 

Tanzen zu kommen. Im Zentrum von Malcolm Mannings Unterricht steht eine Feldenkrais-Einheit 

sowie andere erfahrungsorientierte Körperarbeitsmethoden. Paz Rojos Training basiert auf 

Körperpraktiken, die darauf ausgerichtet sind, die Identifikation mit erlernten Stilen aufzulösen und den 

Körper als Ort der Erfahrung wieder neu zu begreifen. 

Die aus Kolumbien stammende und in Wien ansässige Tänzerin Adriana Cubides arbeitet in ihrem 

zeitgenössischen Training mit der Intelligenz des Körpers und seiner Fähigkeit sich in seiner „Ganzheit“ 

zu bewegen. Milan Kozáneks beliebter Unterricht ist eine Synthese aus Elementen wie sie in Limón, 

Release, Contact Improvisation, Axis Syllabus oder Tai Chi Chuan praktiziert werden. In Àkos Hargitays 

Training verbinden sich verschiedene Bewegungsansätze aus dem zeitgenössischen Tanz, 

Kontaktimprovisation und Capoeira, aber auch jüngere Sportarten wie Tricking, Parkour und 

Freerunning. 

In den 60-75 minütigen Einheiten des Morgentrainings stehen bis Weihnachten Yoga, Ballett, 

Gyrokinesis und Pilates auf dem Programm. 

Das einmal im Monat stattfindende Improvisationsformat Sharing the Dance steht allen 

Tanzbegeisterten offen. Das von Kerstin Kussmaul und Christian Apschner geleitete und kuratierte 

Projekt setzt dabei thematisch jedes Mal andere Schwerpunkte.



WORKSHOPPROGRAMM VON SEPT. – DEZ. 2012 

Francesco Scavetta setzt sich in seinen Workshop mit Prinzipien der Bewegungsforschung auseinander. 

Der Workshop von Ernestine Halbwidl bietet eine optimale Vorbereitung für den Einsatz der Stimme 

in der Performance und fördert die Verbesserung der eigenen Bühnenpräsenz. Als kreative Quelle für 

Malcolm Mannings Workshop dient die individuelle körperlich erfahrbare Geschichte der 

TeilnehmerInnen. Der Bewegungstherapeut Dieter Rehberg fokussiert in seinem Anatomie-Workshop 

die Mittelachse des Körpers, um einerseits die Effizienz des Körpers zu erhöhen und anderseits die 

spielerische Bewegungsqualität anzuregen. 

Field Day 

Der Workshop in der Field-Methode ist für KünstlerInnen aller Kunstsparten gedacht, die daran 

interessiert sind, Arbeitsschritte und -materialien zu teilen und in ein offenes, kritisches Sprechen zu 

kommen. Innerhalb einer kleinen Gruppe werden die eigenen Arbeiten – unabhängig vom 

Entwicklungsstadium – präsentiert, um Feedback von anderen TeilnehmerInnen zu erhalten und sich 

darin zu üben, Feedback an andere zu artikulieren. 

TRAININGS-LECTURE 

Die spanische Künstlerin Paz Rojo setzt die Reihe der Trainings-Lectures fort und gibt in Form von 

einem Vortrag Einblicke in ihre Sichtweise auf zeitgenössisches Tanztraining. Sie sieht ihr Training als 

eine Möglichkeit, sich dem Körper jenseits seines Einsatzes in einer kapitalistisch geprägten Arbeitswelt, 

jenseits möglicher Erschöpfungszustände und psychologischer Leiden zu erfassen. Sich also einem Körper 

anzunähern, der weniger auf Erkenntnis ausgerichtet ist sondern das Erfahrbar-Machen in den 

Mittelpunkt stellt. In ihrer Trainings-Lecture gibt sie Einblicke in die künstlerisch-praktische Arbeit der 

spanischen Performerin und den Akt des Sensibilisierens des Körpers in seinem politischen Potential 

deutlich. 

STUDENTEN – PROJEKTWOCHE 

Vom 29.10. – 2.11.2012 führt das Tanzquartier Wien bereits zum dritten Mal seine Kooperation mit den 

österreichischen Tanzausbildungsinstituten SEAD, dem Konservatorium Wien Privatuniversität sowie 

Studierenden der Akademie der Bildenden Künste fort. Paz Rojo wird die Projektwoche begleiten und 

dabei von ihrem Forschungsprojekts C O R E O G R A F X S ausgehen. Sie setzt an verschiedenen 

choreografischen Bewegungen aus dem Umfeld des New York der 1970er Jahre an und hinterfragt sie im 

Kontext heutiger Demokratien sowie in Bezug auf Konzepte wie Marke / Körper / Arbeit.



WERKSTÜCK 2013 – Ausschreibung 

Auch in dieser Spielzeit findet das Nachwuchs-ChoreografInnen-Projekt Werkstück wieder am 

Tanzquartier Wien statt. Der belgische Kurator und Dramaturg Guy Cools begleitet dabei als Coach den 

Kreations- und Produktionsprozess der KünstlerInnen. 

Werkstück ist ein Format, das entwickelt wurde um angehende ChoreografInnen bei der Entstehung von 

Kurzstücken zu unterstützen. Drei TeilnehmerInnen werden ausgewählt, ihre Arbeiten im Juni 2013 in 

den Studios des Tanzquartier Wien zu präsentieren. 

TRAININGS-STIPENDIEN 

Das Tanzquartier Wien vergibt pro Spielzeit zwei Stipendien, um den tänzerischen Nachwuchs in 

Österreich zu fördern und angehenden TänzerInnen den oftmals schwierigen Einstieg ins Berufsleben 

und in die Tanzszene zu erleichtern. 

Die TrainingsstipendiatInnen für die kommende Spielzeit 2012/13 sind Sophia Papanikandrou und Yi 

Yi Wang. Sophia ist Absolventin des Ausbildungsinstitut SEAD; Yi Yi hat sein Studium zum 

Bühnentänzer am Konservatorium Wien Privatuniversität absolviert. Beide konnten in den Bereichen 

Tanztechnik, Improvisation und dem Zeigen eines eigenen Solos die Jury (Lance Gries, Bettina Kogler, 

Sabine Parzer und Katrin Roschangar) von ihren Qualitäten überzeugen.


INTPA 

INTPA 

Im Rahmen der vom Tanzquartier Wien gemeinsam mit den Ministerien BMeiA und BMuKK in diesem 

Jahr als Pilotprojekt entwickelten Gastspielförderung INTPA – Internationales Netz für Tanz und 

Performance Austria – ist die verstärkte Präsentation österreichischer KünstlerInnen und Kompanien in 

Europa möglich. 

Im November 2012 beginnt am HAU – Hebbel am Ufer in Berlin eine im Rahmen der INTPA- 

Schwerpunktförderung lancierte Reihe mit Produktionen, die in Österreich entstanden sind. Das 

Rahmenprogramm setzt sich u. a. aus Vorträgen und einführenden Lectures im Kontext der gezeigten 

Stücke zusammen. 

Zum Auftakt wird der Choreograf und Tänzer Philipp Gehmacher am 16. und 17. November mit in their 

name zu sehen sein, und Krassimira Kruschkova, Leiterin des Theorie-Bereichs am Tanzquartier Wien, 

spricht über das Werk des Künstlers. 

— 

Nähere Informationen zum Schwerpunktprogramm entnehmen Sie bitte www.hebbel-am-ufer.de 

Mehr Informationen zu INTPA finden Sie unter www.tqw.at


modul-dance 

MODUL-DANCE 

Das Projekt ‚modul-dance‘ begleitet das TQW bis Ende 2014. 

Laufzeit: Juni 2010 bis Dezember 2014 

Budget: € 4,35 Mio 

www.modul-dance.eu 

19 Partner aus 15 verschiedenen europäischen Ländern kollaborieren bei diesem Projekt, neben 3 

Partnerorganisationen mit dem Status von assoziierten Partnern ohne finanzielle Verpflichtungen. 

Modul-dance ist das größte (nach Anzahl der Partner gemessen) derzeit laufende Projekt im Rahmen des 

EU Culture Programs. Die verantwortliche Projektleitung hat Mercat de les Flors in Barcelona 

übernommen. 

Projektpartner: 

Art Stations foundation Poznan PL – CDC Toulouse FR – CND Paris FR – Dance Gate Lefkosia CY – 

Dance Ireland IE – Dansenhus Stockholm SE – Dansescenen Copenhagen DK – DeVIR/CAPa Faro PT 

– DDRC Athens GR – Hellerau Europäisches Zentrum der Künste Dresden D – Kino Siska Ljubljana SI 

– Maison de la Danse Lyon FR – Mercat de les Flors Barelona ES – Plesna Izba Maribor SI – Station 

Zuid Tilburg NL (bis Ende 2012) – Commune Bassano del Grappa I – (seit Juni 2012) – Tanzhaus nrw 

Düsseldorf D – Tanzquartier Wien A – The Place London UK – ADC Geneva CH 

Ziel 

modul-dance ist ein Projekt zur Förderung der Kreativität und der Bekanntheit von 

KünstlerInnen im europäischen Kontext. 

Mittels eines neuartigen Kooperationssystems erhalten die KünstlerInnen die Möglichkeit, über vier 

verschiedene Module (Research – Residency – Production – Presentation) an den unterschiedlichsten 

Orten (=Tanzhäusern) in Europa ihre künstlerische/inhaltliche Arbeit zu entwickeln. Die KünstlerInnen 

erhalten damit nicht nur die Möglichkeit, europaweit neue Erfahrungen zu machen, sondern erarbeiten 

sich auch einen direkten Kontakt zu allen am Projekt beteiligten Tanzhäusern; ihr Bekanntheitsgrad im 

europäischen Kontext steigt nachhaltig. 

Im Rahmen von modul-dance finden auch jährlich Konferenzen statt, es werden an verschiedensten 

Orten in Europa think tanks zu aktuellen künstlerischen Fragestellungen abgehalten, und in einer eigenen 

Schiene „Carte Blanche“ erhalten junge Künstler die Möglichkeit, eine Woche ein ausgewähltes 

Partnertanzhäusern zu besuchen und dort am Trainings- und Workshop-Programm teilzunehmen. 

Insgesamt werden mehr als 50 ChoreografInnen über modul-dance gefördert werden – also ca. 200 – 400 

Tänzerinnen und andere an den Produktionen beteiligte KünstlerInnen.


PARTNER & SPONSOREN 

FÖRDERER & PARTNER 

FÖRDERER 

MEDIENPARTNER 

UNTERSTÜTZT VON 

KOOPERATIONSPARTNER 

TQW IST PARTNER IM PROJEKT MODUL-DANCE 

TQW IS MEMBER OF 

www.edn-network.eu 

INTPA – Ein Projekt von Tanzquartier Wien mit BMeiA und BMUKK

Medieninformation NOV. – DEZ. 2012 - Tanzquartier Wien

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