Josef Winkler Der große Unbekannte - Werkschau 2015

Josef Winkler Werkschau 2015
Zwischen Form und Nichtform
© Foto: Steffen Jagenburg
„Die Form, die das Leben zur Voraussetzung hat – die Form, die das Leben
enthält –, ist ‚formlos‘ und doch Form“, sagte Emil Schumacher, einer der
Hauptvertreter des Informel im deutschsprachigen Raum. So wie den anderen
Verfechtern dieser Variante der gegenstandslosen Malerei ging es ihm grundsätzlich
um die Auflösung des bis dahin in der Kunst noch gültigen Form- und
Kompositionsprinzips zugunsten einer offenen und prozessualen Bildform.
Mit den Worten von Karl Otto Götz, einem weiteren Informellen: „Keine
festumrissenen Formen malen, sondern die jeweilige Malmaterie so bearbeiten,
dass es nur noch Passagen, Strukturen, Texturen, Farbflüsse oder Verflechtungen
von Mal- und Zeichenspuren gibt.“ Diese in den Nachkriegsjahren
zuerst in Frankreich und den USA entstandene Auffassung hatte zwar gemäß
ihrer kunsthistorischen Ein- und Zuordnung in den 1950er- und 60er-Jahren
Hochkonjunktur, blieb aber keine zeitlich begrenzte Kunstströmung, kein
„Ismus“ mit Ablaufdatum, sondern sollte sich als künstlerische Haltung rasant
und mit Nachhaltigkeit bis heute weltweit verbreiten und zugleich variationsreich
ausdifferenzieren.
So ist auch die österreichische Kunst seit der Mitte des 20. Jahrhunderts
geprägt vom Informel mit seinen verschiedenen Schattierungen zwischen
gestischer Malerei, Schüttung und Materialmalerei – die Namenspalette
ihrer (zumindest zeitweisen) Vertreter reicht von Oberhuber, Prachensky,
Hollegha, Rainer, Mikl, Staudacher, Bischoffshausen über Brus, Mühl, Nitsch
und Schilling zu den Neuen Wilden der 1980er Jahre wie Scheibl, Bohatsch,
Brandl oder Zitko – um nur einige zu nennen. Und auch die jüngere Künstlergeneration
greift immer wieder zurück auf dieses seither so mannigfaltig
deklinierte „Prinzip der Formlosigkeit […] im Spannungsfeld von Formauflösung
und Formwerdung.“ (Rolf Wedewer, 2007).
Dieses Spannungsfeld, das Emil Schumacher in seiner eingangs zitierten
Aussage anspricht, stellt eine Herausforderung dar, die seit 25 Jahren auch
Josef Winkler in ihren Bann zieht. Wenn er, wie er sagt, um 1990 „das Glück
hatte, kurze Zeit wie ein Kind zu malen, unbeschwert mit breiten Pinseln,
Farbbahnen ziehend, eruptiv“, war dies sein erster Schritt der Befreiung
aus lange anhaltenden Fesseln, die ihn nach seinen Studien an der Wiener
Akademie und der Art School in Guildford/UK daran gehindert hatten, den
Weg des freien Künstlers einzuschlagen. Der „kurzen Zeit“ des unbeschwerten
Malens Anfang der 1990er Jahre folgte eine äußerst intensive Arbeit
an und mit jener „Kunst der Nichtform“, die Winkler damals als die seinem
Kunstwollen adäquate künstlerische Sprache erkannt und erfahren hatte und
die er bis heute meisterhaft fortentwickelt. Im Rückblick auf sein 25jähriges
Œuvre bestätigt sich nicht nur die, auf der Qualität seines Schaffens beruhende
Wertschätzung, sondern desgleichen die erst in der jüngsten Kunstgeschichtsschreibung
vorgenommene Revidierung einer einseitigen Sicht auf
informelle Kunst. Bis vor Kurzem war diese Sicht geprägt von der Vorstellung
einer Kunstform, die mit dem Betrachter nur auf assoziativ-emotionaler
Ebene durch Farbe, offene Formgestaltung und Materialität kommuniziert.
Jeder Ansatz von gegenständlichen oder auch nur symbolischen Andeutungen
im Bild selbst wurde dabei ausgeblendet. Wenn Christine Baus im Jahr
2008 in ihrer Dissertation „Das Formelle in der informellen Malerei“ schreibt:
„Das Informel ist eine inhomogene, stark von der Individualität des Künstlers
bestimmte künstlerische Haltung, die die Farbe und den Farbauftrag in den
Mittelpunkt ihrer Beschäftigung stellt und dabei festgefügte Formen weitgehend
auflöst. […] Dabei können sowohl die im Bild verwendeten offenen
Formen und Farben als auch der Bildtitel auf eine außerbildliche Wirklichkeit
verweisen“, trifft diese Definition geradezu haarscharf auf Josef Winklers
persönliche Sprache des Informel zu.
„Komposition“ entsteht bei ihm nicht aufgrund einer vorgedachten oder
gar skizzierten Bildidee, sondern sie entwickelt sich vielmehr im Prozess des
Bildgenerierens, oder, wie Winkler selbst sagt, „im Dialog zwischen Maler und
Werk“. Dieser kompositorische Aspekt ist daher auch nicht vordergründig
sichtbar, sehr wohl aber spürbar und wesentlich für den Moment, an dem der
Maler weiß, wann er aufhören muss, wann nämlich das Bild jenen Punkt der
„Stimmigkeit“ erreicht hat, an dem es einerseits für sich schlüssig „sitzt und
steht“, andererseits aber auch das Potenzial der Öffnung und der Fortsetzbarkeit
vermittelt.
Desgleichen finden sich in Winklers Bildern immer wieder Verweise auf
eine „außerbildliche Wirklichkeit“. Schriftzeichen, oft nur angedeutet, lenken
unsere Aufmerksamkeit auf wesentliche Aspekte des Lebens und Seins, die
sich bei längerer Beschäftigung mit dem Bild immer auch knapp unter seiner
Oberfläche, seiner „Haut“ zu erkennen geben. Und dann und wann taucht
etwas Gestalthaftes auf, etwas, das wir beispielsweise mit einem Kopf,
einem Schädel, einer Symbolisierung des Todes assoziieren können. Des
Todes, der sich hier offenkundig als Bestandteil des Lebens präsentiert, indem
er innerhalb eines von Vitalität und Eros dominierten Bildwesens auftaucht.
So ist das Malen selbst für Josef Winkler, wie er sagt, „eine lebendige
Geschichte wie eine Vereinigung zwischen Mann und Frau, weil auch das
Erotische eine große Rolle spielt und für mich thematisch sehr wesentlich ist.
Das ist vielleicht das Credo meiner Malerei, wenn man von der rein farblichen
Auseinandersetzung und Sensation, die sich auf einem Bild abspielt, zu dem
geht, was unter der Bildfläche ist und immer wieder zum Durchbruch kommt.“
Lucas Gehrmann, Kurator und Kunstpublizist
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