Buehne Sachsen

BÜHNE 

SACHSEN 

Roman Knižka 

Ein Spaziergang durch seine 

Dresdner Heimat 

Christian Thielemann 

Ein Gespräch über leichte Musen 

und schwere Musik 

Evelyn Herlitzius 

Eine Begegnung jenseits der 

großen Bühne

DER RING DES NIBELUNGEN 

Bühnenfestspiel von Richard Wagner 

Die Werke Richard Wagners waren 

stets ein wichtiger Schwerpunkt in 

der Chemnitzer Operntradition und 

brachten der Stadt den ehrenvollen 

Beinamen Sächsisches Bayreuth 

ein. Erneut will die Oper Chemnitz 

die Wagnerianer mit einem 

Leuchtturm-Projekt begeistern: 

2018, im Jahr des 875. Stadtjubiläums, 

vereint sich die internationale 

Wagner-Elite, um alle 

vier Teile des Bühnenfestspiels 

Der Ring des Nibelungen als Neuproduktion 

auf die Bühne zu 

bringen. Im Zentrum der Auseinandersetzung 

steht der für den 

Zyklus entscheidende Impuls: die 

Frau. Frauen nehmen in Wagners 

Ring zentrale Rollen ein, sind die tonangebenden 

Figuren – mit höchst unterschiedlichen 

Zielen. Folgerichtig werden vier 

Regisseurinnen die Tetralogie auf die Bühne 

bringen: Verena Stoiber, Monique Wagemakers, 

Sabine Hartmannshenn und Elisabeth Stöppler. 

DAS RHEINGOLD – DIE WALKÜRE – SIEGFRIED – GÖTTERDÄMMERUNG 

DAS RHEINGOLD 

Premiere: 03.02.2018 

Musikalische Leitung: Guillermo García Calvo 

Inszenierung: Verena Stoiber 

Bühne und Kostüme: Sophia Schneider 

DIE WALKÜRE 

Premiere 24.03.2018 

Musikalische Leitung: Felix Bender 

Inszenierung: Monique Wagemakers 

Bühne: Claudia Weinhart 

Kostüme: Erika Landertinger 

SIEGFRIED 


Musikalische Leitung: Felix Bender 

Inszenierung: Sabine Hartmannshenn 

Bühne: Lukas Kretschmer 

Kostüme: Susana Mendoza 

GÖTTERDÄMMERUNG 


Musikalische Leitung: Guillermo García Calvo 

Inszenierung: Elisabeth Stöppler 

Bühne: Annika Haller 

Kostüme: Gesine Völlm 

DAS RHEINGOLD 

03.02. | 03.03. | 31.03. | 14.04. | 28.04.2018 

02.03.2019 

RING-ZYKLEN 

18.04. | 19.04. | 20.04. | 22.04.2019 

30.05. | 01.06. | 08.06. | 10.06.2019 

DIE WALKÜRE 

24.03. | 02.04. | 22.04. | 01.05. | 27.05.2018 

SIEGFRIED 

29.09. | 21.10. | 11.11.2018 

GÖTTERDÄMMERUNG 

01.12. | 16.12.2018 

TANNHÄUSER 

04.03. | 01.04.2018 

PARSIFAL 

30.03. | 29.04.2018 

TICKETS +49 371 4000-430 | THEATER-CHEMNITZ.DE

3 

EDITORIAL 

Titel: Nikolaus Brade. Illustration: Anja Stiehler-Patschan/Jutta Fricke Illustrators 

Kunst ist Energie 

Man muss gönnen können. Das dachte 

sich Theodor Fontane, Preuße aus Prinzip 

und Leidenschaft, als er in seiner 

Lebenserinnerung zu einer „Sachsenhymne“ 

anhob, die ihn fast erschreckte: 

Die Sachsen, schrieb Fontane am Ende 

des 19. Jahrhunderts, seien entgegen der 

allgemeinen Wahrnehmung nicht gemütlich, 

sondern energisch. Ihre Energie 

charakterisiere sie. Darum seien sie 

„noch lange nicht in der Art überholt, 

wie man sich’s hierzulande so vielfach 

einbildet“. Gepaart mit einem hohen 

Sinn für Bildung und Kultur, seien 

deshalb „Anachronismen innerhalb der 

gesamten Anschauungswelt, Rückschraubungen, 

in Sachsen unmöglich“. 

Das war Lob aus überraschendem 

Mund, ist doch die Rivalität zwischen 

Sachsen und Preußen legendär. Ganz 

im Sinn Fontanes haben wir uns für Sie, 

liebe Leserin, lieber Leser, aufgemacht 

in den Freistaat und die Probe aufs 

Exempel gewagt: Wo gibt es energische 

Bühnenkünstler, die sich aller „Rückschraubung“ 

enthalten und kraftvoll 

nach vorn schauen? Wir wurden fündig, 

und wir hätten mit den Funden ein 

zweites „Bühne Sachsen“-Magazin 

füllen können. Sachsen hat viele Tanzund 

Puppen- und Kinder- und Musikund 

Sprechtheater, über die es sich 

nicht nur „hierzulande“ zu reden lohnt. 

Christian Thielemann, Chefdirigent 

der Sächsischen Staatskapelle, greift den 

preußisch-sächsischen Gegensatz auf 

und versteht im exklusiven Interview 

das Sächsische als die Kunst, „die Sachen 

auch mal laufen zu lassen“. Womit er 

eine Bestimmung der Kunst an sich liefert: 

Kunst ist Bewegung, Kunst setzt 

in Bewegung. Wir trafen Künstlerinnen, 

Alexander Kissler, 

Ressortleiter Kultur beim 

Monatsmagazin Cicero 

denen die Bewegung die authentische 

Ausdrucksform des Menschlichen ist. 

Die Choreografin Heike Hennig verwandelt 

die Gegenwart in mitreißende 

Tanzstücke. Die gebürtige Leipzigerin 

setzte sich auch persönlich in Bewegung, 

wurde im Sommer 1989 „Republikflüchtling“ 

gen Ungarn, kam später 

mit ihrer Arbeit bis in die Vereinigten 

Staaten, nach Brasilien, Portugal. Die 

Sächsin lässt das Reisen nicht? 

Auch der in Bautzen geborene 

Schauspieler Roman Knižka floh im 

denk würdigen Jahr nach Ungarn. Ob er 

auf Heike Hennig traf? Das wissen wir 

nicht. Wohl aber erzählt einer der 

meistbeschäftigten Charakterköpfe des 

deutschen Fernsehens von 

seinen Anfängen als Theatertischler 

an der Dresdner 

Oper. Und von einem 

regimekritischen Flashmob 

zu DDR-Zeiten, Codename: 

gelber Koffer. Pst. 

Manchmal setzt die 

Kunst ganze Städte in 

Bewegung. Görlitz wird 

Bühne, wenn das drittgrößte 

Straßentheaterfestival 

Deutschlands die Perle an der Neiße ins 

Licht der Gaukler taucht. Freiberg 

wiederum beherbergt das älteste Stadttheater 

der Welt und ist mit dem bis 

heute quicklebendigen Musentempel 

und dessen internationalem Ensemble 

fest verschmolzen. Kluge Stadtväter 

wussten 1790, was Fontane später zum 

Lob des „hohen Bildungsmaßes“ veranlasste: 

„Durch die Schauspiele“ gewinne 

„der Nahrungsstand der Bürgerschaft“. 

Mit der Freiberger Theatergründung 

wurde der Traum der großen Theaterreformerin 

Friederike Caroline Neuber 

wahr. Die 1760 gestorbene „Neuberin“ 

kämpfte für ein bürgerliches Theater. 

Sie fände heute Gefallen am Formenreichtum 

von „Floor on Fire“ im Festspielhaus 

Hellerau, wo die Tanzstile 

sich treffen. 

„Bühne Sachsen“ will eine Einladung 

sein: Lassen Sie sich gedanklich in Bewegung 

bringen, blättern Sie, schauen, 

lesen, lachen, lernen Sie von Seite zu 

Seite – und dann an den Orten des Geschehens 

in Dresden, Leipzig, Radebeul, 

Gohrisch, dem übrigen Sachsen. Vielleicht 

stimmen Sie dann Fontane zu: 

Überholt ist hier noch lange nichts. • 

Covermotiv: 

Unser Titelfoto zeigt den 

Schauspieler Roman 

Knižka in den Werkstätten 

der Semperoper. In 

Händen hält er die 

Abschlussarbeit zu seiner 

Gesellenprüfung als 

Theatertischler aus dem 

Jahr 1989 

BÜHNE SACHSEN

4 

INHALT 

Wieder daheim 

Mit Schauspieler Roman Knižka 

auf Stadtspaziergang in Dresden 

Seite 20 

Sprechprobe 

Das Deutsch-Sorbische Volkstheater in 

Bautzen lädt zum Vokabeltest 

Seite 45 

Taktgeber 

Christian Thielemann erklärt die 

Vorzüge der leichten Muse 

Seite 24 

Let’s Twist Again 

Bei „Floor on Fire“ ringt der klassische 

Tanz mit Hip-Hop und Breakdance 

Seite 46 

Datensammlung 

Sachsens Musik- und Theaterlandschaft 

als komplexes Zahlenspiel 

Seite 28 

Logbuch 2017/18 

Die Höhepunkte aus der aktuellen 

Theatersaison in Sachsen 

Seite 48 

Evelyn Herlitzius in „Lady Macbeth von Mzensk“ 

Figurenfundus 

Eine Auswahl der schönsten Theaterpuppen 

des tjg in Dresden 

Seite 6 

Schöner schauspielen 

Leipzigs Intendant Enrico Lübbe erklärt, 

wie man Spitzenleistungen erzielt 

Seite 12 

Als wir Cowboys waren 

Ein Besuch bei Old Shatterhand auf 

der Felsenbühne in Rathen 

Seite 14 

Dresden, meine Perle 

Sängerin Evelyn Herlitzius erklärt die 

Schönheit von Elbmetropolen 

Seite 18 

Bürgerbühne 

Ein Rundgang durch das älteste 

Stadttheater der Welt in Freiberg 

Seite 30 

Mehr als eine Komödiantin 

Ein Porträt der großen Theater- 

Reformerin Friederike Caroline Neuber 

Seite 33 

Kleines Welttheater 

Unterwegs auf dem Straßentheaterfestival 

„Via Thea“ in Görlitz 

Seite 34 

Bewegungszeiten 

Porträt der Leipziger Choreografin 

Heike Hennig 

Seite 38 

Klassische Landpartie 

In Gohrisch spielt man Schostakowitsch 

in einer Scheune 

Seite 40 

Sachsen, meine Bühne 

Sophie Dannenberg ist vom 

sächsischen Lachen verzaubert 

Seite 50 

Karl May auf der Felsenbühne in Rathen 

IMPRESSUM 

Herausgeber Freistaat Sachsen 

Archivstr. 1, 01097 Dresden 

Verlag Res Publica Verlags GmbH, 

Schöneberger Str. 15, 10963 Berlin 

Geschäftsführung Christoph Schwennicke, 

Alexander Marguier 

Verlagsleitung Jörn Christiansen 

Redaktion Dr. Alexander Kissler (V.i.S.d.P.), 

Ralf Hanselle (fr.) 

Art-Direktion StudioKrimm (fr.) 

Chefin vom Dienst Kerstin Schröer 

Bildredaktion Tanja Raeck 

Korrektorat Ulrike Mattern (fr.) 

Redaktionsmarketing Janne Schumacher 

Herstellung/Vertrieb Erwin Böck 

Druck/Litho Neef+Stumme premium printing 

GmbH & Co. KG, Schillerstr. 2, 

29378 Wittingen 

Leserservice Cicero Leserservice, 

20080 Hamburg, Tel.: +49 (0)30 346 465 656 

E-Mail: abo@cicero.de 

Verlag Tel.: +49 (0)30 981 941–100, Fax –199 

Diese Drucksache wird auf der Grundlage des 

von den Abgeordneten des Sächsischen 

Landtags beschlossenen Haushaltes zur 

Verfügung gestellt. 

Fotos: POP-EYE/Sinissey, Jana Kühle 

BÜHNE SACHSEN

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Abrechnung erfolgen durch DPV Deutscher Pressevertrieb GmbH als leistenden Unternehmer.

Sindbad 

Diese Tischpuppe der 

Puppenbauerin Ulrike Langen 

hat viele Abenteuer bestanden. 

Als Sindbad der 

Seefahrer hat sie eine Insel 

entdeckt, die eigentlich 

ein riesiger Fisch war, sie ist 

in ein Tal voller Schlangen 

und in unvorstellbare 

Stürme hineingeraten. In der 

Inszenierung von Ania 

Michaelis hat der Puppenspieler 

Uwe Steinbach 

den beliebten Seefahrer 

aus „Tausendundeiner 

Nacht“ zum Leben erweckt 

und ihn von seinen Reisen 

erzählen lassen.

BILDERBOGEN 

7 

Die Zuckerpuppe aus 

der Schauspieltruppe 

Das Dresdner tjg verfügt über eine der 

größten Puppenbühnen Europas. Von der 

Handpuppe bis zur Stabfigur werden hier 

ständig neue Figuren erdacht und gebaut 

FOTO S Stills & Strokes 

Frau Grubach 

In einer Puppenversion 

von Franz Kafkas Klassiker 

„Der Process“, inszeniert 

von Ania Michaelis, wurden 

viele der Protagonisten mit 

Masken dargestellt. So etwa 

auch Frau Grubach, die 

neugierige Vermieterin des 

Antihelden Josef K. Der ist 

ein eigentlich unbescholtener 

Bürger, der sich aufgrund 

merkwürdiger Ereignisse in 

Unannehmlichkeiten bringt. 

Entwickelt wurde die Maske 

2015 von Studierenden 

der Dresdner Hochschule 

für Bildende Künste. 

BÜHNE SACHSEN

Tina 

Tina ist ein bezauberndes 

Wesen von einem anderen 

Stern. So zumindest wird sie 

im Textbuch zu dem 

Puppentheaterstück „The 

Season“ von Joe Cobden 

und Josh Dolgin beschrieben. 

Und wie von einem anderen 

Stern ist auch das Kostüm, 

das Klemens Kühn 2016 für 

die Puppenspielerin Anna 

Tkatsch entworfen hat. Mit 

viel Tüll und Tutu übernimmt 

Tkatsch in dieser musikalischen 

Fabel die Rolle einer 

Außerirdischen, die unverhofft 

in eine Idylle einbricht. 

Name der Puppe 

Beispiel 

Alitiis aut esse simoluptios 

mint pe ad quodigent aceata 

voluption pa cus. Odipsap 

ellenderum quatati ncipsum 

Alitiis aut esse simoluptios 

mint pe ad ellenderum quatati 

ncipsum Alitiis aut esse 

simoluptios mint pe ad 

quodigent aceata voluption 

pa oluptios mint pe ad 

quodigent aceata voluption 

pa cus. Odipsap eceata 

voluption pn pa cus. Odipsap 

ellenderum quatati cus. 

Odipsap ellenderum.a cus. 

Odipsap ellenderum.

Name Bunsen der van Puppe 

der Beispiel Dunkel 

Alitiis Es braucht aut esse schon simoluptios viel 

Fantasie, mint pe ad um quodigent sich vorzustellen, aceata 

voluption dass der Mondmann pa cus. Odipsap eines 

Tages ellenderum zur Erde quatati herabsteigt ncipsum 

Alitiis und sich aut dort esse im simoluptios 

Haus eines 

mint durch pe geknallten ad ellenderum Professors quatati 

ncipsum namens Bunsen Alitiis aut van esse der 

Dunkel simoluptios versteckt. mint pe Tomi ad 

Ungerer quodigent hat aceata diese voluption 

Fantasie. 

Und pa oluptios Nils Zapfe mint hat pe aus ad ihr 

ein quodigent Puppenstück aceata gezaubert. 

voluption 

Für pa cus. „Der Odipsap Mondmann“ eceata nach 

Tomi voluption Ungerer pn pa haben cus. Odipsap Ramona 

ellenderum Rauchbach quatati und Uwe cus. 

Odipsap Steinbach ellenderum.a diesen Bunsen cus. 

Odipsap van der Dunkel ellenderum entworfen.

Der Mondmann 

Der Mondmann hatte einen 

großen Traum: Er wollte 

einmal im Leben seine 

Bahnen verlassen und hinab 

zu den Menschen steigen. 

Tomi Ungerer hat ihm diesen 

Wunsch erfüllt. In seinem 

Kinderbuchklassiker „Der 

Mondmann“ hat er die blasse 

Gestalt vom Himmel geholt. 

Ramona Rauchbach und 

Roland Teichmann haben 

es ihm 2014 für das tjg 

gleichgetan. Ihre Mondmann- 

Tischpuppe ist eine blasse 

Mixtur aus Eierkopf und 

Michelin-Männchen geworden.

Hohnsteiner 

Kasper 

Er ist der Klassiker des 

sächsischen Puppentheaters: 

der Hohnsteiner Kasper. 

In den 20er-Jahren von dem 

Hohnsteiner Puppenspieler 

Max Jacob entworfen, hat 

die abenteuerlustige Figur 

in den zurückliegenden 

Jahrzehnten zahlreiche 

Kostüm- und Formveränderungen 

erlebt. Die Handpuppe 

rechts stammt von 

Rainer Schicktanz und 

Roland Teichmann und 

wurde für die Inszenierung 

„Genoveva“ entworfen.

12 INTERVIEW 

„Man fängt immer 

wieder bei null an!“ 

In der Champions League: Der inszenierende 

Intendant Enrico Lübbe hat das Schauspiel Leipzig 

erstklassig gemacht. Begegnung mit 

einem glücklichen Theatermann 

INTERVIEW Irene Bazinger 

FOTO Christoph Busse 

BÜHNE SACHSEN: Herr Lübbe, im Juni 

2016 hat die Stadt Leipzig Ihren 2013 

abgeschlossenen Intendantenvertrag 

vorfristig verlängert – gerade läuft alles 

ziemlich gut, oder? 

ENRICO LÜBBE: Man kann ja nichts anderes 

als seine Arbeit machen und hoffen, 

dass sie sich dem Publikum und der 

Stadt überzeugend vermittelt. Das ist, 

um Marivaux zu zitieren, immer auch 

ein „Spiel von Liebe und Zufall“. Die 

letzte Saison ist besonders glücklich verlaufen, 

mit „Kruso“ in der Regie von 

Armin Petras und „89/90“, inszeniert 

von Claudia Bauer und eingeladen zum 

Berliner Theatertreffen. Selbst ein Familienstück 

wie „Der schlaue Urfin und 

seine Holzsoldaten“ wurde in der Regie 

von Stephan Beer eine Punktlandung, 

weil man da durchaus Parallelen zum 

jetzigen US-amerikanischen Präsidenten 

und zum Thema Populismus erkennen 

konnte. Die Premiere und der überraschende 

US-Wahlausgang fielen fast zusammen. 

So etwas lässt sich natürlich 

nicht planen! Mal sehen, wie es weitergeht. 

Denn bei jedem Probenbeginn 

fangen ja alle wieder bei null an. 

Welche Eigenschaft ist für den Beruf 

eines Intendanten besonders wichtig? 

Meines Erachtens ist es die größte 

Herausforderung, viele Dinge in diesem 

Beruf einfach aushalten zu können 

– und dabei nicht abzustumpfen oder 

eine Wagenburg-Mentalität zu entwickeln. 

Es scheint mir ganz wichtig 

zu sein, auch bei Gegenwind seitens 

des Publikums, der Medien oder der 

Politik immer die Ruhe zu bewahren, 

alle Schäfchen im Haus bei Laune zu 

halten, für vernünftige Arbeitsbedingungen 

zu sorgen und weiterzumachen. 

An das zu glauben, was man zusammen 

mit allen anderen tut, das ist für 

mich eine entscheidende Tugend. 

„Der künstlerische 

wie wirtschaftliche 

Erfolg schweißt 

ein Schauspielhaus 

zusammen“ 

Hat es Ihnen in Ihrer jetzigen Chefposition 

geholfen, dass Sie zwei Jahre 

Assistent beim Leipziger Intendanten 

Wolfgang Engel waren und von 2000 

bis 2004 sein Hausregisseur? 

Das spielte, als ich zehn Jahre später 

sein Nachfolger wurde, keine Rolle 

mehr. Von 2008 bis 2013 war ich ja 

Schauspieldirektor in Chemnitz, zuvor 

Gastregisseur in Stuttgart, München, 

Wien und Berlin. Letztlich ist es der 

Erfolg in künstlerischer wie in wirtschaftlicher 

Hinsicht, der ein Haus zusammenschweißt 

und trägt. 

Wenn Sie mit Ihren Mitarbeitern den 

neuen Spielplan für eine Saison erarbeiten, 

wie verteilen sich da die Überlegungen 

hinsichtlich der künstlerischen 

und der ökonomischen Aspekte? 

In Leipzig sind entsprechende Abwägungen 

weder in die eine noch in die 

andere Richtung wirklich möglich. 

Denn das Publikum in dieser Stadt ist 

vielfältig und lässt sich nicht ausrechnen! 

Es gibt uns mit seiner Offenheit 

und Neugier die Möglichkeit, einen 

Spielplan aufzustellen, der weit über die 

üblichen Stadttheaterprogramme 

hinausgeht. 

Das kulturelle Angebot in Leipzig ist 

groß. Wie holen Sie das Publikum in 

Ihr Haus? 

In der Fläche ist die Stadt kulturell 

sehr breit aufgestellt – mit dem Gewandhaus, 

der Oper, dem Theater der 

jungen Welt, einem ganz tollen Zoo, 

zahlreichen Museen, gefühlt jeden Monat 

einem Festival wie der euro-scene, 

dem Dokfilm-Festival oder dem Bach- 

Fest. Außerdem gibt es mittlerweile 

einen Fußballclub auf Champions- 

League-Niveau. Ich gehe auch gern mal 

zu einem Spiel von RB Leipzig, und 

da sitzen dann bis zu 50 000 Leute, obwohl 

die Karten nicht billig sind. Was 

kann sich ein durchschnittlicher Haushalt 

an Freizeitausgaben sonst noch 

BÜHNE SACHSEN

leisten? Auf all das muss man reagieren, 

damit das Schauspiel in der öffentlichen 

Wahrnehmung präsent bleibt. 2016 

haben wir eine Besucherumfrage gemacht. 

Dabei kam heraus, dass unser 

Publikum sehr jung ist, und zwar 

im Durchschnitt 38,5 Jahre. Und dass 

es von uns Dinge erwartet, die es nirgendwo 

sonst – weder im Internet noch 

im Kino oder bei Konzerten – findet; 

also nicht all tägliche Stoffe, besondere 

Zugriffe und spezielle Ästhetiken. 

Von Heiner Müller gibt es den bösen 

Satz: „Theater ist ja für die meisten 

Zuschauer eine Unterbrechung des 

Fernsehprogramms.“ 

Es gibt hier eine große Studentenszene, 

und die Generation, die zu uns 

kommt, verfolgt Fernsehen höchstens 

noch im Internet; die hat ein ganz 

anderes Freizeitverhalten. Diese Menschen 

wissen ganz genau, was sie sich 

angucken wollen. Sie verlangen ästhetisch 

besondere Angebote, über die 

sie nachdenken können und müssen, 

und sie möchten sich von dem beeindrucken 

lassen, was live alles möglich 

ist. Wenn das Theater wirklich herausragende 

Erlebnisse auf Basis seiner 

ureigenen Kunst bieten kann, saugt es 

die Zuschauer an. Letztlich geht es 

um Emotionen und darum, das Publikum 

zu berühren – in welcher Form 

auch immer. Beim Fernsehen schalte 

ich weg, wenn mich etwas überfordert 

oder ärgert, im Theater setze ich mich 

aus. Das ist unsere große Chance. 

Wie machen Sie Ihr Publikum, das 

vielleicht eine Laufkundschaft ist, zu 

Stammgästen? 

Das gelingt nur durch den kon tinuier 

lichen Aufbau von Vertrauen in 

unsere inhaltliche und ästhetische 

Arbeit. Ich habe von meinem Vorgänger 

nahezu keine Abonnenten übernommen 

und kann kaum neue gewinnen. 

Wer in einer Altersgruppe von unter 

40 Jahren hat heute noch ein Abo? 

Diese urbanen, aufgeschlossenen Menschen 

sind sehr flexibel und kommen, 

wenn sie eine Aufführung interessiert, 

kurzfristig an die Abendkasse – und 

zwar gezielt! Wenn wir zum Beispiel 

wegen Krankheit eine Vorstellung 

absagen müssen, fragen sie nicht: „Was 

spielen Sie stattdessen?“ Sie gehen 

weg und sagen: „Kein Bedarf, denn 

ich wollte genau dieses Stück sehen.“ 

Sie sind Intendant, haben eine Frau 

und zwei Kinder, kommen Sie noch 

selbst zum Inszenieren? 

Man muss das gut organisieren, aber 

es geht. Ich bin ja gern Regisseur und 

mache weiterhin zwei Inszenierungen 

pro Spielzeit. Auswärts arbeite ich allerdings 

weniger, das ist wirklich zu aufwendig. 

Als mir die Oper Erfurt jedoch 

letztens Alban Bergs „Wozzeck“ angeboten 

hat, konnte ich diese Herausforderung 

nicht ablehnen. 

Sind die Headhunter schon hinter 

Ihnen her und wollen Sie an ein 

anderes Theater locken, das Sie auf 

Vordermann bringen sollen? 

Nicht dass ich wüsste, was vielleicht 

auch daran liegt, dass ich hier glücklich 

bin. Die Arbeitsbedingungen in Leipzig 

sind fantastisch. Von politischer Seite 

erfahren wir große Unterstützung, wir 

haben eine sichere Finanzierung bis 

2020 mit den Tariferhöhungen. Warum 

sollte ich da weggehen wollen? • 

Enrico Lübbe wurde 1975 in 

Schwerin geboren. Seit 1999 

Regiearbeiten an zahlreichen 

deutschen Bühnen. Danach 

Schauspieldirektor in 

Chemnitz. Seit 2013 Intendant 

am Schauspiel Leipzig 

BÜHNE SACHSEN

Wild ist der 

Westen, schwer 

ist der Beruf 

Ein Cowboy, der 

einst Indianer war: 

Jürgen Haase 

als Old Shatterhand

Auf dem langen Weg zur 

Blutsbrüderschaft: 

Winnetou in der Gewalt 

weißer Männer 

Fotos: Jana Kühle 

In Rathen gibt es eine 

Naturbühne, auf der 

seit über 80 Jahren 

Karl May gespielt wird. 

Eine Ortserkundung 

TEXT Ralf Hanselle 

An manchem Sommertag wartet 

der Kriegspfad. Der Mann, den 

alle Kinder nur Shatterhand 

nennen, besteigt den 38er-Bus von 

Cossebaude nach Dresden und dort die 

S-Bahn zu den ersten Anhöhen in der 

Sächsischen Schweiz. Er fährt vorbei an 

dem alten Schienenstrang, der von 

Prag nach Berlin führt, und entlang der 

feuchten Mischwälder am Rande der 

alten Tafelberge. Am Oberlauf der Elbe 

schließlich, dort wo sich seit Jahrtausenden 

das geheimnisumwitterte graue 

Steinriff der Bastei-Felsen aus der Landschaft 

erhebt, macht der Mann halt. 

Er geht einen schmalen Weg hinauf 

bis zu einer Gabelung und sucht dort 

den Himmel nach Regenwolken ab. 

Dann, wenn er sich seinen schokofarbenen 

Fransenrock angezogen und den 

berüchtigten Bärentöter unter den Arm 

geklemmt haben wird, wird er sich 

hinter einen provisorischen Bretterverschlag 

verschanzen und auf ein zuvor 

verabredetes Zeichen warten: „Herr 

Haase, bitte zur Bühne!“ 

Es ist ein immer wiederkehrendes 

Ritual. An zahlreichen Sommertagen 

wiederholt es sich. Hier, im großen Kessel 

am Amselgrund, werden sie aufeinandertreffen: 

der edelmütige Cowboy, 

den alle nur Shatterhand nennen, und 

der messianische Wilde mit dem merkwürdigen 

Namen „Brennendes Wasser“ 

– was auf Indianisch Winnetou heißt. 

Während sich weit über ihnen ein paar 

wage mutige Kletterer mit Seilen an 

den Bastei-Felsen herablassen, werden 

sie unten einen alten Western-Stoff 

des Radebeuler Schriftstellers Karl May 

auf die Bühne bringen: „Winnetou I“ 

– einen sächsischen Abenteuerklassiker 

um einen freiheitsliebenden Apachen- 

Häuptling und dessen Freundschaft zu 

dem Gentleman-Gaucho Old Shatterhand. 

Über zwei Stunden hinweg 

wird es dabei um große Gefühle gehen: 

um Hass, Ehre, Freundschaft und 

Liebe. Gespielt wird auf einer riesigen 

Freilichtbühne oberhalb des sächsischen 

Kurorts Rathen. Es ist ein 1936 eingeweihtes 

Felsentheater, das zunächst als 

Laienspielstätte für Thingspiele diente 

Im Kurort Rathen 

fügen sich Natur 

und Theater mühelos 

ineinander 

und seit den 50er-Jahren von den Landesbühnen 

Sachsen als Sommerbühne 

genutzt wird. Zwischen Anfang Mai 

und Ende August verbringen hier die 

ansonsten in Radebeul beheimateten 

Schauspieler ihre Sommer. In oft 

glühender Hitze bringen sie „Momo“, 

„Wilhelm Tell“ oder den „Freischütz“ 

auf die Bühne. Und ab und an im 

Dämmerlicht singt ein wetterfester 

Papageno ein Tirili gegen die harte 

Felswand an. Um die Mittagszeit aber, 

wenn die Sonne über der großen 

Naturbühne im Zenit steht, spielt man 

seit Jahrzehnten ein Stück aus dem 

Reise- und Wild-West-Repertoire von 

Karl May. 

Für Jürgen Haase, den Mann, den 

sie dann Old Shatterhand nennen, geht 

das nun schon 30 Jahre so. An zahlreichen 

Sommertagen fährt der Schauspieler 

auf den immer gleichen Kriegspfad 

hinaus: zunächst in den 38er-Bus, dann 

in die S-Bahn. Am Anfang war es noch 

wie Urlaub. Es ging ums Reiten auf 

echten Pferden und ums Schießen mit 

realistischen Colts. Jeden Sommer, sagt 

er, konnte er auf der mit Tannen und 

Gräsern bewachsenen Bühne einen 

Kindertraum leben: „Wir spielten Cowboy 

und Indianer.“ Doch über all die 

Träume hat er graue Haare bekommen, 

BÜHNE SACHSEN

16 HINTERBÜHNE 

1938 

Historisches Plakat der allerersten 

Karl-May-Spiele auf der zwei 

Jahre zuvor eröffneten Felsenbühne 

in Rathen 

1939 

Eröffnung der Karl-May-Festspiele 

auf der Felsenbühne im Elbsandsteingebirge, 

Spielszene: Kriegsrat 

der Indianer 

1984 

Wiedergeburt in der DDR: Jürgen 

Haase als Winnetou in „Der Schatz 

im Silbersee“. Old Shatterhand 

wurde in dieser Inszenierung von 

Herbert Graedtke gespielt 

raue Haut und tiefe Falten. Lange, 

sagt er, könne er den Job wohl nicht 

mehr machen. In der kommenden 

Saison sei für ihn Schluss. „Bei Karl 

May ist Old Shatterhand Anfang 20. 

Ich aber werde im nächstes Jahr 60. 

Dann werde ich den Bärentöter an den 

Nagel hängen.“ 

Haase tupft sich kleine Schweißperlen 

von der Stirn. Zwölf Uhr mittags. 

Der Auftritt in der prallen Sonne geht 

auch dem gut trainierten Greenhorn 

allmählich an die Substanz. Mit verschmitzten 

Augen blinzelt er gegen das 

gleißende Sonnenlicht an. Er nimmt 

einen kräftigen Schluck Wasser aus 

einer Flasche und sitzt für Momente 

einfach nur da. Vielleicht haben es 

Cowboys mit jedem Jahr ein bisschen 

schwerer. Die Zeiten, meint jedenfalls 

Haase, änderten sich. Heute reden 

alle über postheroische Männerbilder 

und manch einer gar über das Ende 

jenes Westens, der nicht nur bei Karl 

May einst der „Wilde“ war. Da ist 

wenig Platz für Typen vom Schlage 

eines Cowboys wie Shatterhand. 

Wie anders aber war das 1984, als 

Haase das erste Mal auf der Rathener 

Bühne auftrat. Damals war der Cowboy 

noch Indianer. Er spielte Winnetou 

auf der berüchtigten Suche nach dem 

Schatz im Silbersee. Ein Leuchten 

springt in Haases Augen: „Damals bin 

ich auf dem Pferd in die Felsenschlucht 

geritten, und es gab einen schier unendlichen 

Applaus.“ 2 200 Leute sollen 

sich an jenem Sommertag im Schatten 

der geheimnisvollen Felsformation über 

dem nördlichen Elbufer versammelt 

haben – die meisten gequetscht auf langen 

Bänken oder vereinzelt auf 

Steinen und Felsvorsprüngen sitzend. 

Heute sind es im Durchschnitt noch 

800. Kleine Jungs, die bei Bockwurst 

und unter Sonnen-Caps von Feuerwasser 

und Freundschaft träumen. Auch 

Jürgen Haase war einst so ein Junge. 

Einer, der mit anderen Jungen durchs 

Unterholz gepirscht ist und sich mit 

den Indianern nach der niemals erlöschenden 

Friedenspfeife gesehnt hat. 

„In meiner Kindheit habe ich Karl Mays 

Romane mit kleinen Gummifiguren 

nachgespielt.“ Und manchmal, an den 

ganz besonderen Kindertagen, habe 

er im West-Fernsehen Pierre Brice und 

Lex Barker gucken dürfen. 

Die historische 

Felsenbühne am 

Elbufer ist wie 

ein Grüner Hügel 

für kleine Jungs 

Es war eine Blutsbruderliebe, die unterm 

Küchentisch blühte. Offiziell war 

Winnetou im Osten verboten. Die roten 

Apparatschiks und der Apache – bei 

aller Indianerliebe, sie passten nicht. Als 

Lieblingsautor von Adolf Hitler war 

Karl May verpönt. Bis in die 80er-Jahre 

standen seine grün eingefassten Romane 

in der DDR auf dem Index. Erst 

1983 wurden sie zum Druck freigegeben. 

„Da zog man Altbestände aus 

der hintersten Regalecke einfach wieder 

nach vorn“, erinnert sich Haase, der 

kurz darauf den ersten Winnetou auf 

einer DDR-Bühne spielen durfte. 

Heute vergleicht er die Skepsis gegenüber 

dem umstrittenen Schriftsteller 

aus Radebeul gern mit den vielen Vorbehalten 

gegenüber dem legendären 

Opernkomponisten aus Leipzig: May 

und Richard Wagner – zwei Sachsen, 

deren Werke es im geteilten Nachkriegsdeutschland 

nicht gerade einfach 

hatten. Den einen waren sie Symbol 

von widerborstigem Freiheitsdrang, 

den anderen waren sie nach 1933 unters 

Rad der Geschichte gekommen. 

Auch die Felsenbühne in Rathen 

zeugt mit ihrer langen Tradition von 

den Abgründen in der May-Rezeption. 

Fotos: Dietmar Katz/bpk, INTERFOTO/Austrian National Library/Weltbild, Wolfgang Müller 

BÜHNE SACHSEN

HINTERBÜHNE 

17 

Fotos: Archiv Felsenbühne Rathen/Landesbühne Rathen (2), Jana Kühle (2) 

Es war im Jahr 1938, als der damalige 

sächsische Gemeindekulturverband 

den Abenteuerstoff erstmals im Schatten 

der mysteriösen Sandsteinfelsen inszenierte. 

Weit vor Bad Segeberg oder dem 

sauerländischen Elspe veranstaltete 

man hier an der Elbe Karl-May-Spiele. 

Doch das, was es damals zu sehen 

gab, das war ein Nazi-Winnetou mit 

braungefärbten Apachen und einem 

Shatterhand als Edelmenschen. 

Mit im Publikum saß damals bei der 

Premiere auch Klara May. Die Witwe 

des 1912 verstorbenen Abenteuerschriftstellers 

war zu jenem Zeitpunkt 

bereits eine glühende Verehrerin Adolf 

Hitlers gewesen. Immer wieder hatte 

sie in ihren Briefen, die sie aus ihrer 

Radebeuler „Villa Shatterhand“ heraus 

schrieb, von der „innigen Liebe und 

Verehrung“ für „ihren Führer“ fabuliert. 

Gelegentlich auch hatte das bekennende 

NSDAP-Mitglied die Geschichten des 

Abenteuerschriftstellers umzuschreiben 

und zu arisieren versucht. 

Es ist dies die dunkle Seite der lichten 

Bühne. Jürgen Haase kennt auch 

diese genau – die Freundschaft zwischen 

Klara May und Hitlers Halbschwester 

Angela Raubal; die Verehrung Hitlers 

für die May’schen Helden. Angeblich, 

so hat es sein Biograf Joachim Fest 

später behauptet, hätten sie Hitler 

„die Augen für die Welt geöffnet“. Ein 

Hauch von Manitudämmerung legt 

sich da auf die grünen Jagdgründe am 

Elbufer nieder. Als wäre die Geschichte 

der „Villa Shatterhand“ an manchen 

Stellen ähnlich verworren wie die der 

„Villa Wahnfried“ in Bayreuth. Für 

einen Moment jedenfalls erscheint die 

große Naturbühne im Schatten der 

geheimnisumwitterten Sandsteine wie 

ein Grüner Hügel für kleine Jungs. 

Denen aber sind die ewigen Verstrickungen 

von The Good, the Bad 

and the Ugly ziemlich egal. Im großen 

Am 6. Mai 2018 startet die Felsenbühne in die neue Saison 

Rund vor der Bühne wollen sie den 

Sieg ungebrochener Helden über wild 

um sich schießende Halunken sehen. 

Jürgen Haase ist in diesem Spiel nicht 

irgendein Mann in braunen Hosen. 

Für die kreischenden Kinder, die sich 

an den spannendsten Stellen mit 

dem Mut der Verzweiflung an Lehrer 

und Trinkflaschen klammern, ist Haase 

wirklich Old Shatterhand. Dass er 

in der DDR auch schon mal Winnetou 

war und dass er ansonsten auch mal 

den Valentin in Goethes „Faust“ oder 

den Doktor in Büchners „Woyzeck“ 

gegeben hat? Geschenkt. Mal ist man 

Cowboy und mal Indianer. Letztlich 

ist das wie im richtigen Leben. Was 

un-veränderlich bleibt, ist ein Gefühl. 

Jürgen Haase formuliert es so: „Wenn 

man abends nach Hause fährt, ist man 

ziemlich geschafft.“ • 

Ein Heldenjob in 

glühender Hitze: Beim 

Cowboy- und Indianer- 

Spiel fließt viel Schweiß 

1991 

Wiedervereinigt: das Titelbild des 

Programmhefts von 1991. Damals 

gab es „Old Surehand“ mit Otto 

Strecker und Matthias Henkel in 

den Hauptrollen 

2015 

„Winnetou I“: Premiere am 4. Juli 

2015 mit Michael Berndt-Cananá, 

Julia Vincze und Jürgen Haase 

BÜHNE SACHSEN

TEXT Irene Bazinger 

FOTO Jasmin Zwick 

Jenseits des 

Rampenlichts

PORTRÄT 

19 

Kammersängerin Evelyn Herlitzius zog 

der Semperoper wegen von Hamburg nach 

Dresden – und ist geblieben 

Ihr Schicksal ist auf direktem Wege 

mit der Elbe verbunden, dabei ist 

Evelyn Herlitzius weder Binnenschifferin 

noch in der Bootsbranche tätig. 

Es sind jedoch zwei Städte an diesem 

Fluss, die für sie entscheidend waren. 

In Hamburg nämlich studierte sie an 

der Hochschule für Musik und Theater 

Gesang, ehe sie knapp 500 Kilometer 

flussaufwärts als Gast an die Semperoper 

Dresden engagiert wurde. 

Das gleiche Gewässer, ein anderes 

Theater, dachte sie sich damals, war vor 

Ort aber dann nicht so begeistert. 1995 

lag hier einiges im Argen, die Innenstadt 

erschien ihr marode, die Atmosphäre 

düster, die Mentalität unvertraut. 

Nach den Auftritten kehrte die aufstrebende 

Sängerin nach Hamburg zurück, 

wo sie sich als alleinerziehende Mutter 

um ihre beiden Söhne kümmerte. In 

Dresden kam Evelyn Herlitzius freilich 

beim Publikum, beim Ensemble und 

der Intendanz richtig gut an. Man 

wollte sie deswegen längerfristig ans 

Haus binden. Evelyn Herlitzius freute 

sich zwar über das Folgeengagement, 

war indes nicht begeistert von der Aussicht 

auf einen Umzug. 

Ein Kollege, der ihren Zwiespalt 

bemerkte, sorgte spontan für die maßgeblichen 

Impulse zum Umdenken. Er 

zeigte ihr die schönen Ecken von Stadt 

und Umland, die man nicht schnell auf 

der Durchreise entdeckt, und brachte 

sie auf den Geschmack. Und nun ist sie 

seit rund 20 Jahren leidenschaftliche 

Dresdnerin und immer glücklich, wenn 

sie hierherkommt: „Endlich daheim!“ 

Allzu oft ist das zu ihrem Bedauern 

nicht der Fall. Die gefragte Hochdramatische 

ist häufig unterwegs, gibt mal in 

Rom Giacomo Puccinis Turandot, mal 

in Wien Richard Strauss’ Elektra. Schon 

an diesem Spektrum wird deutlich, wie 

schwer der Beruf ist und wie hoch man 

zu investieren bereit sein muss. 

Das Privatleben wird der Arbeit 

unter geordnet und das meiste von 

dem, was Evelyn Herlitzius sonst noch 

lockt – Freunde, Filme, Ausstellungen 

–, wird hintangestellt. „Man kann nicht 

alles haben. Das Singen braucht wahnsinnig 

viel Zeit und Energie. Es geht 

nur ganz oder gar nicht.“ Sie ist überdies 

die klassische Singschauspielerin, 

die nicht bloß den Noten folgt, sondern 

auch darstellerisch die starken und 

un gezügelten Emotionen ihrer Figuren 

ausdrücken will. Derlei intensive 

Ein lassungen auf den obsessiven Gefühlshaushalt 

antiker Heroinen oder 

germanischer Windsbräute verlangen 

ihr allerdings alles ab. 

Es dauert rund zwei Tage, bis sich 

der in einer Aufführung angestaute 

Adrenalinspiegel wieder auf Normalmaß 

herabgesenkt hat. Zum Ausgleich hat 

sie die Herausforderungen ihres Berufs 

stets mit einem möglichst normalen 

Alltagsleben zu kompensieren versucht. 

Sie wühlt gern in ihrem Garten und 

passt auf, dass es den geliebten Hortensien 

an nichts mangelt. Sie läuft durch 

den Wald und sammelt Pilze. Gesungen 

wird weder dabei noch unter der Dusche, 

das tut sie lediglich im professionellen 

Rahmen: „Wenn ich Rad fahre, 

fahre ich Rad. Punkt!“ Einzig mit ihren 

Söhnen hat sie privat gesungen, bis zum 

Schlafengehen, „ich die Kinderlieder, 

sie die Opernpartien“. 

Dass Evelyn Herlitzius ursprünglich 

Tänzerin werden wollte, hilft ihr bis 

heute auf der Bühne. Singen ist für sie 

einerseits eine beseligende Auseinandersetzung 

mit der Musik, andererseits – 

„ich bin ein physischer Typ“ – ein „sehr 

angenehmer körperlicher Vorgang. Es 

fühlt sich einfach gut an.“ 

Deshalb entwickelt sie für jede Rolle 

ein anderes Bewegungsprofil und eine 

gestische Sprache. Ästhetisch so unterschiedliche 

Regisseure wie Hans Neuenfels, 

Christof Loy, Claus Guth oder 

Christoph Schlingensief wussten das zu 

schätzen. Doch all der Ruhm und 

die Bravos haben die Kammersängerin 

nie abheben lassen. Kritisch befragt sie 

sich regelmäßig, welchen Einsatz ihr 

der Erfolg wert ist. Natürlich kämpft sie 

um ihn und ist froh, wenn sie ihn hat. 

Es gibt klare Regeln: 

Beim Radfahren 

sowie unter der 

Dusche wird nicht 

gesungen! 

Trotzdem hat sie nicht vergessen, 

dass es andere Freuden gibt, wahre, tiefe, 

gleichwohl jenseits von Rampenlicht 

und Applaus. Angesichts ihrer heutigen 

Gagen erinnert sie sich an ihre Studienzeit 

und dass man im Grunde wesentlich 

weniger benötigt, als man gemeinhin 

denkt: „Als Studentin war ich super 

darin, von Kartoffeln, Spiegeleiern, 

Brot und Äpfeln zu leben. Und wissen 

Sie was? Es war wunderbar.“ Das klingt 

bei ihr nicht wie das Loblied auf den 

Konsumverzicht, sondern wie die 

Erkenntnis eines Menschen, der einiges 

hinter sich und viel erfahren hat. Bei 

Evelyn Herlitzius kann man das nicht 

nur sehen, man kann es auch hören 

– zum Beispiel in der Semperoper. • 

BÜHNE SACHSEN

20 STADTRUNDGANG 

Heimliche 

Heimkehr 

Mit Roman Knižka in Dresden – 

der Stadt, in der der Schauspieler einst 

seine Liebe zum Theater entdeckt hat 

Roman Knižka kommt durch den 

Hintereingang. Er drückt sich 

an der unbesetzten Pforte vorbei, 

schleicht das schmale Treppenhaus hinauf, 

bis er schließlich im dritten Stock 

des Dresdner Schauspielhauses vor einer 

schweren Eisentür steht. „Bühne. Kein 

Durchgang“ ist dort in schwarzen Lettern 

auf einem Schild zu lesen. Knižka 

überlegt. Dann aber lässt er sich von der 

schroffen Order nicht weiter abhalten. 

Er drückt die Klinke herunter, zieht die 


FOTO S Nikolaus Brade 

Roman Knižka erzählt 

im Schauspielhaus von 

seiner Zeit als 

Theatertischler 

Tür zu sich hin und steht unverhofft 

in einem riesigen Raum. „Wow!“, entfährt 

es ihm, während er mit einem 

entschlossenen Schritt über die Türschwelle 

tritt. „Das ist ja irre!“ Über 

Roman Knižka baumeln Schnürböden 

und Bühnenwände, vor ihm im 

Dunkeln öffnet sich eine große Leere. 

Roman Knižka, einer der gefragtesten 

deutschen TV-Darsteller, der in den 

letzten Jahren in unzähligen Rollen 

überzeugen konnte – vom Krimi-Bösewicht 

im Frankfurter „Tatort“ bis zu 

einem geistig Behinderten in „Mein Bruder, 

der Vampir“ – ist zurück in seiner 

alten Heimat. Er steht auf der großen 

Bühne des vor 100 Jahren eingeweihten 

Dresdner Schauspielhauses und schaut 

gebannt auf die goldgelben Sitzreihen 

ihm gegenüber. Direkt vor ihm ragen 

Seilzuganlagen und Scheinwerfertürme 

BÜHNE SACHSEN

Zurück beim alten 

Arbeitgeber: Roman 

Knižka in den 

Theaterwerkstätten 

in die Höhe, um ihn herum stehen die 

letzten Requisiten aus Ibsens „Volksfeind“: 

eine kleines Glashaus, ein langer 

Tisch. Knižka atmet ein, dann wieder 

aus. Theaterluft. Dieses Fluidum, das 

„Die Arbeit in den 

Werkstätten der 

Semperoper hat mich 

irgendwie mit Stolz 

erfüllt“ 

nicht nur ihn wie magisch anzieht. 

„Ich wollte immer schon auf die große 

Bühne“, erzählt er und knöpft sich 

langsam die Ärmel seines Hemdes auf. 

Dann springt er auf ein großes rechteckiges 

Podium und schaut lange über 

die Rampe hinweg auf die leeren Sitze. 

Er steht hier nicht zum ersten 

Mal. Doch diesmal steht er frei und 

selbst bewusst: Bluejeans. Sonnenbrille. 

Ein Siegerlächeln. Er muss nichts 

mehr beweisen. Demnächst spielt 

Knižka Martin Luther in dem ZDF- 

Dokudrama „Das Luther-Tribunal“, ab 

November steht er auf der Bühne der 

Komödie am Kurfürstendamm. Damals 

aber, vor fast 30 Jahren, war das anders. 

Es war 1987, als Roman Knižka in 

den Werkstätten von Semperoper und 

Schauspielhaus eine Ausbildung zum 

Theatertischler begonnen hatte. Im nur 

wenige hundert Meter entfernten 

Malersaal lernte er Bretter sägen und 

Tapeten kleben. „Das, was wir in den 

Werkstätten zusammengebaut haben, 

stand später auf der Bühne und wurde 

vom Publikum bewundert. Das war 

ein erhebendes Gefühl. Irgendwie hat es 

einen mit Stolz erfüllt.“ Bald fertigte 

Knižka Ausstattungen für „Elektra“ und 

Bühnenbilder für den „Rosenkavalier“ 

an. Doch heimlich träumte der 17-Jährige 

einen größeren Traum. Er wollte 

selbst auf der Bühne stehen: „Ich wollte 

immer ans Theater. Doch ich war zu 

jung und hab mich damals noch nicht 

nach vorn gewagt. Also habe ich erst 

einmal geschaut, wie man hinter dem 

Vorhang arbeitet.“ 

Die Welt davor, die kannte er 

schon. Knižkas Vater, ein Choreograf 

beim Sorbischen National-Ensemble 

in Bautzen, wo der Sohn 1970 zur Welt 

gekommen war, hatte ihn als Kind 

oft an seinen Arbeitsplatz mitgenommen. 

Auch die Mutter, eine Sängerin, 

gab dem Jungen früh Bühnenluft 

BÜHNE SACHSEN

In der Tischlerei 

macht sich Knižka 

auf die Suche nach 

der Vergangenheit 

zu schnuppern. Ein solches Umfeld, 

sagt Knižka, wirke prägend. Durch all 

die Künstler um ihn herum habe er 

gelernt, dass es selbst in einem Land wie 

der DDR Räume zum Andersdenken 

gab. Für einen Nonkonformisten eine 

Befreiung. Andererseits sei er durch 

seine Erziehung häufig auch angeeckt. 

Oft sei er das schwarze Schaf gewesen. 

„Ich bin meistens irritierend anderer 

Meinung gewesen. Das hätte durchaus 

gefährlich werden können. Wenn ich 

nicht vorsichtig gewesen wäre, wäre ich 

vielleicht im Knast gelandet.“ 

Dass Knižka jetzt hier steht – hier, 

wo er schon als Jugendlicher immer 

hingewollt hat, das verdankt er seinem 

Mut. Im Sommer 1989 nämlich, einige 

Monate vor dem Fall der Mauer, ist 

der junge Theatertischler abgehauen. 

Über Ungarn ging es zusammen mit 

zwei Freunden nach Österreich und von 

der Alpenrepublik weiter ins benachbarte 

Westdeutschland. „Unsere Flucht 

hat vier Tage und Nächte gedauert. 

Besonders in der fremden Dunkelheit 

haben wir vor Angst gezittert. Einer hat 

in Panik nach seiner Mutter geschrien.“ 

Wenn der Schauspieler von diesem 

Sommer des Jahres 1989 erzählt, dann 

wird die bedrückende Atmosphäre 

noch einmal lebendig: die Enge und 

die Todesängste. Vieles habe er längst 

vergessen. Hier aber, am Genius Loci, 

wartet nicht immer nur die freie Jugend; 

auch die Spukgespenster sind wieder 

da. Heute kann Roman Knižka über 

den letzten Sommer der DDR weitestgehend 

lachen. Damals aber habe er 

die Wut im Bauch gehabt: auf Lehrer 

und Ausbilder, auf die Erziehung zum 

Wegducken und Verschweigen. Nur 

die Schauspieler, die seien anders 

gewesen. Die hätten Privilegien gehabt 

– auf, aber auch hinter der Bühne. 

Wo der Westen am 

tiefsten war, unternahm 

Roman Knižka 

erste Schritte auf 

der Bühne 

Er aber war Theatertischler. Erst 

nach seiner Flucht habe auch ihn 

der endgültige Mut zur Schauspielerei 

gepackt. Im fernen Bochum, da, wo 

der Westen damals angeblich am tiefsten 

war, unternahm er erste Schritte 

auf der Bühne. So ist er heimlich raus 

aus Dresden, und heimlich ist er 

nun zurück. „Wir dürfen hier ja eigentlich 

gar nicht sein“, bemerkt Knižka, 

der sich durch den Seiteneingang eingeschlichen 

hat. Noch einmal schaut er 

auf jene Bühne zurück, die er damals 

nur als Theatertischler hatte betreten 

dürfen. Dann löscht er das Licht. 

„Kommen Sie“, sagt er. „Jetzt gehen wir 

in die Werkstätten hinter der Oper.“ 

Am Zwinger vorbei geht es zum Theaterplatz. 

Während Roman Knižka neugierig 

auf das Reiterstandbild von König 

Johann blickt, sprudelt es mehr und 

mehr aus ihm heraus. Die Orte von damals 

beflügeln seine Erinnerung. „Gestern 

noch hätte ich gar nicht gewusst, 

was ich über meine Dresdner Jahre so 

erzählen könnte. Jetzt schießen mir 

hier lauter Gedanken und Erinnerungen 

durch den Kopf.“ Also lässt er ihnen 

freien Lauf. Er redet und redet: von seinen 

Opern-Freikarten, die er in Hotellobbys 

an West-Touristen verkauft habe; 

von dem Vorgesetzten, demgegenüber 

er sich nach geglückter Flucht aus einer 

Wiener Telefonzelle heraus endlich Luft 

gemacht habe. Ab und an bleibt er 

stehen. Er blickt über die in der Mittagssonne 

liegende Augustusbrücke oder 

schaut Passanten hinterher: „Ist das 

nicht …?“ Knižka stockt. Dann winkt er 

ab und geht weiter. Er müsse immer 

mal schauen, ob er nicht irgendjemanden 

von früher erkenne. 

Doch früher, das ist zu lange her. 

Das war die Zeit, in der er einmal 

im Monat mit einem leeren Koffer an 

BÜHNE SACHSEN

STADTRUNDGANG 

23 

einen Platz hinter der Frauenkirche 

gegangen sei, um im Chor der Ausreisewilligen 

ein kleines, geheimes Zeichen 

zu setzen. Es sei eine konspirative Demonstration 

gewesen. Niemand habe 

etwas gesagt. Alle hätten nur dagestanden 

und für einen Moment in der 

Stille verharrt. „Du bist nicht allein“, 

sollte das heißen. Und: „Der Andersdenkenden 

sind mehr, als du denkst.“ 

Auch der Bühnentischler Knižka war so 

ein Andersdenkender. „Ich hatte einen 

gelben Samsonite-Koffer aus den 70er- 

Jahren. ‚Ich denke wie du!‘, habe ich 

mit diesem kleinen Gepäckstück gesagt.“ 

Den gelben Koffer habe er heute noch. 

Das Schweigen aber habe er gegen 

Worte getauscht. „Das Schöne an der 

Demokratie ist doch auch, dass man 

frei heraus sagen kann, was man denkt.“ 

Frei heraus reden – man kann sich 

den Schauspieler ohne diese offenen 

Worte gar nicht mehr vorstellen. Zuweilen 

erklingen sie während des Stadtspaziergangs 

sogar auf Sächsisch. Und 

vor den Theaterwerkstätten auf dem 

ehemaligen Marstallgelände tönen sie 

manchmal gar ehrfurchtsvoll. Hier, 

erklärt er, habe manch große Karriere 

begonnen: die von Jan Josef Liefers 

oder die des großen Charakterdarstellers 

Gert Fröbe. Lange bevor der als „Goldfinger“ 

den britischen Geheimdienst 

in Atem ge halten habe, sei Fröbe Theatermaler 

in Dresden gewesen. 

Wenn man Knižka derart über seine 

einstige Ausbildungsstätte reden hört, 

bekommt man den Eindruck, die Kaderschmiede 

des deutschen Spielfilms 

läge nicht in Babelsberg oder München, 

vielmehr sei sie in einem sanierten Pferdestall 

hinter der Semperoper zu Hause. 

70 Beschäftigte arbeiten hier: Maler, 

Tapezierer, Tischler. Ab und an hört man 

eine Kreissäge aufheulen. „Das, was 

hier entsteht“, schwärmt der heimliche 

Heimkehrer, „ist etwas Besonderes. 

Es wird später auf der Bühne installiert 

und Teil einer Illusion.“ Manchmal 

gingen die Werkstücke auch auf Reisen. 

So wie 1989: Teile von Knižkas Requisiten 

wurden zu einem Gastspiel nach 

Hamburg gefahren. Als der Lkw die 

Zonengrenze passiert hatte und wenige 

Tage später verplombt zurückkam, hätten 

sich die Kollegen darum gestritten, 

wer die Ladetür öffnen dürfe. Warum? 

Knižka lacht: „Westluft!“, sagt er. Der 

Duft der Freiheit. Heute kann er diesen 

an jeder Straßenecke atmen, vor allem 

aber vor der Kamera und im Theater. 

Allein dafür habe sich der Weg gelohnt. 

Der Weg von Bautzen über Dresden bis 

ins gesamtdeutsche Fernsehprogramm. • 

Blick auf den Zwinger 

(oben) und auf den 

Theaterplatz vor der 

Semperoper (unten) 

BÜHNE SACHSEN

INTERVIEW 

25 

„Operette ist 

wie Cola“ 

Christian Thielemann, Chefdirigent 

der Sächsischen Staatskapelle, spricht im Interview 

über Heimat, Hotels und die Lust 

an der leichten Muse 

INTERVIEW Michael Stallknecht 

FOTO S Matthias Creutziger 

BÜHNE SACHSEN: Herr Thielemann, 

Sie sind nun seit fünf Jahren Chef der 

Sächsischen Staatskapelle. Um gleich 

mal indiskret zu werden: Wohnen Sie 

eigentlich auch in Dresden? 

CHRISTIAN THIELEMANN: Nein, ich 

wohne dort im Hotel. Was bisher so 

an Wohnungsangeboten kam, war 

nicht zufriedenstellend. Und ehrlich 

gesagt habe ich auch keine Zeit, mich 

abends noch um eine Wohnung zu 

kümmern, wenn ich von den Proben 

heimkomme. Ich fühle mich trotzdem 

in Dresden zu Hause und bin Teil 

der Stadt geworden. Deshalb muss ich 

nicht drei Toaster besitzen und meine 

Bücher quer über verschiedene Wohnungen 

verstreuen. Das kenne ich schon, 

das brauche ich nicht. 

Sie gelten als bekennender Preuße. 

Fühlen Sie sich da überhaupt wohl in 

Sachsen? Das Verhältnis zwischen 

den beiden Ländern war ja historisch 

nicht immer gerade friedlich. 

Ich bin selbst halber Sachse und 

ein halber Pommer, aber geboren 

in Berlin. Die ganze Familie meines 

Vaters kommt aus Sachsen und hat vor 

200 Jahren noch in Dresden und Riesa 

gewohnt. Eigentlich bin ich also nur 

ein „Beutepreuße“. Ich habe Familienforschung 

betrieben. 

„Den einen deutschen 

Klang gibt es nicht. 

Es gibt verschiedene 

Stile innerhalb dieses 

Klangs“ 

Bevor oder nachdem Sie zur Staatskapelle 

kamen? 

Ich wollte das schon immer machen, 

hatte auch schon in die Familienbücher 

geschaut. Als ich nach Dresden kam, 

habe ich dann eine Anfrage ans Sächsische 

Hauptstaatsarchiv gestellt. Ich 

hatte schon immer einen Hang zum 

Osten, genau kann ich das nicht begründen. 

Vielleicht ist es die Weite der 

östlichen Landschaften. Aber ich probiere, 

das Preußische und das Sächsische 

zusammenzubringen. In Dresden 

ist das nicht immer ganz leicht. Dort 

spricht man von Friedrich dem Großen 

ja immer noch mit leicht zusammengebissenen 

Zähnen. Bei mir gibt es sicher 

einerseits einen Hang zu einer gewissen 

Pedanterie, die Sie preußisch nennen 

können, wenn Sie wollen, andererseits 

versuche ich, die Sachen auch mal laufen 

zu lassen. Wenn ich dem Orchester 

alles vorschreibe und alles Mögliche in 

die Noten eintrage, bin das auch nicht 

mehr ich. Ich bin ein Improvisator. 

Und das ist für Sie sächsisch? 

Ja. Andererseits: Bitte nicht die alten 

Vorurteile über Preußen. Es ist dort 

auch eine der schönsten Formen des 

Rokoko entstanden. Und der Klassizismus 

hat Formen von einer Eleganz 

hervorgebracht, das können Sie gar 

nicht fassen – die Schönheit dieser 

Möbel oder die Berliner Vedutenmalerei 

zwischen 1820 bis 1860. Noch Mies 

van der Rohe hat sich ja von Schinkels 

Architektur anregen lassen. 

Man sagt Ihnen nach, dass Sie nicht 

gern reisen. 

Ich mache auch mit den Wiener 

Philharmonikern viel, da kann man 

von Berlin aus hervorragend hinfliegen. 

Aber Dresden ist mein Hauptstandort 

geworden. Dann schaue ich noch jedes 

Jahr auf ein oder zwei Konzerte bei den 

BÜHNE SACHSEN

26 INTERVIEW 

Berliner Philharmonikern vorbei, 

mache im Sommer Bayreuth und das 

war’s. Ich gehe nicht mehr nach New 

York oder London zu Gastdirigaten. 

Das habe ich alles gemacht, aber irgendwann 

herausgefunden, dass ich meine 

Kraft fokussieren muss. Wenn ich in 

Dresden dirigiere, zahle ich sozusagen 

auf mein eigenes Konto ein, weil das 

Orchester und ich sich dann gemeinsam 

weiterentwickeln. 

Christian Thielemann 

dirigiert die Staatskapelle 

„Wenn ich in Dresden 

Richard Strauss 

dirigiere, habe ich 

das Gefühl, er kommt 

gleich zur Tür herein“ 

dirigiere, habe ich immer das Gefühl, 

er kommt gleich zur Tür herein. 

Wir passen irgendwie zusammen. Ich 

mag diesen Klang, der rund und nie 

zu dick ist, dunkel, aber eigentlich gar 

nicht mal extrem, sondern auch mit 

Helligkeit gemischt. Vor allem aber 

nie kantig. Das kommt mir persönlich 

sehr entgegen. 

Was Sie da beschreiben, nennt man 

manchmal auch den „deutschen 

Klang“. Ist das ein Begriff, der für Sie 

eine Rolle spielt? 

Den einen deutschen Klang gibt es 

nicht. Schon die Wiener Klassik fächert 

sich auf, ein früher Beethoven sollte 

anders klingen als ein später. Schumann 

und Mendelssohn klingen wieder anders 

als Brahms. Wagner? Nun, er schillert. 

Bei ihm gibt es die Leichtigkeit, 

die nach Mendelssohn klingt, aber dann 

auch das Schwere. Und wenn man 

Strauss zu schwer nimmt, klingt er platt 

und dumpf. Es gibt verschiedene Stile 

innerhalb des sogenannten deutschen 

Klangs. Der Klang der Sächsischen 

Staatskapelle wird oft als Synonym für 

diesen Klang betrachtet, weil sich das 

Orchester immer besonders zwischen 

diesen Stilen bewegt hat. Auf dieser 

Basis spielen sie dann aber auch französische 

Musik oder Schostakowitsch. 

Die Staatskapelle ist ein sehr traditionsreiches 

Orchester, mit 450 Jahren 

Geschichte im Rücken. Wer, würden 

Sie sagen, hat in den letzten Jahren 

wen mehr beeinflusst, Sie die Staatskapelle 

oder die Staatskapelle Sie? 

Das ist eine Symbiose. Die Kapelle 

hat mich durch ihre Kompetenz auf 

den Gebieten beeinflusst, auf denen 

auch ich selbst viel Erfahrung mitbringe. 

Wenn ich in Dresden Richard Strauss

INTERVIEW 

27 

Ihr eigenes Repertoire scheint sich 

aber oft auf einen Kanon in der deutschen 

Romantik zu begrenzen. 

Das stimmt so nicht. Natürlich habe 

ich mit vielen Stücken unglaublich viel 

Erfahrung, weil ich sie so oft gemacht 

habe. Aber ich beschränke mich nicht, 

ich bin neugierig. Mir bleibt immer 

relativ wenig Zeit für Neues, weil die 

Staatskapelle eben bei ihren Tourneen 

im Ausland genau für dieses Repertoire 

gebucht wird, von dem Sie sprechen. 

Aber in Dresden nehme ich in die Programme 

auch relativ ungewöhnliche 

Stücke auf. Insofern versuche ich, beides 

zu machen. Man denkt immer, ich 

dirigiere jedes Jahr den ganzen Wagner, 

aber das ist Unsinn. 

Es gibt die Kritik, dass Sie in der 

Semperoper bei zu wenigen Opernvorstellungen 

selbst am Pult stünden. 

Können Sie die nachvollziehen? 

Ich mache, was vertraglich vereinbart 

ist – und ich probe viel. Das ist schließlich 

auch Dirigieren. Jetzt nehmen wir 

Wagners „Ring des Nibelungen“ wieder 

auf, da fallen allein schon über ein Dutzend 

Proben an. Ich könnte stattdessen 

auch 20-mal den „Rigoletto“ öffentlich 

dirigieren, aber dann entwickelt sich 

das Orchester nicht weiter. Ich brauche 

auch Zeit, um die Stücke zu studieren, 

die ich noch nicht dirigiert habe. Dazwischen 

einfach mal schnell noch eine 

Vorstellung runterreißen, war nie meine 

Sache. Das wird dann auch nicht so 

gut, wie die Kritiker das von mir erwarten. 

Was wir machen, muss sitzen. 

Ungewöhnlich sind auf jeden Fall Ihre 

Silvesterprogramme, die das ZDF 

überträgt: Christian Thielemann als 

Operettendirigent … 

Für dieses Jahr haben wir sogar 

UFA-Filmmusik aufs Programm gesetzt 

und dazu Stücke des Salonorchesters 

von Marek Weber, der 1933 emigriert 

ist. Ich bin ein großer Operettenfreund. 

Insgesamt würde ich gern noch mehr 

machen, aber ich brauche auch freie 

Zeit zum Atemholen. Auf ein total ein- 

geschränktes Privatleben habe ich 

keine Lust und neben der Musik noch 

einige sehr starke Interessen, denen 

ich auch nachgehen will. Ich will auch 

nicht mein ganzes Leben im Hotel 

verbringen. Jeden Abend ein Orchester 

zu dirigieren, auch wenn es zu den 

besten der Welt gehört, ist, wie wenn 

man jeden Abend eine Flasche Dom 

Pérignon aufmacht: Irgendwann kriegen 

Sie Lust auf Cola. 

„Bei Klassik fange 

ich an, schlecht Auto 

zu fahren, weil ich 

bei Klassik immer zu 

genau hinhöre“ 

Und die Operette ist Cola? 

In gewisser Weise schon, aber eine 

ziemlich edle Cola. Ich mag an der 

Operette diese Variabilität in den Tempi. 

Bei Wagner, Strauss und Beethoven 

kommt mir das dann zugute. Als 

Opernorchester muss die Staatskapelle 

ja sowieso die ganze Bandbreite abdecken. 

Den Musikern macht das auch 

Spaß. Kurz vor Weihnachten sehe ich 

bei den Proben immer, wie die Leute 

amüsiert rausgehen. Operette wird erst 

richtig gut, wenn sie auf einem hohen 

Niveau musiziert wird. Sie ist ja für 

die großen Sängerstars ihrer Zeit komponiert 

worden. Das merkt man erst 

richtig, wenn man die „Csárdásfürstin“ 

mit einer Netrebko macht. 

Ist die Operette erotischer als Wagner? 

Wagner wird durch die Operette 

erotisch. 

Wo steckt denn die Operette bei 

Wagner? 

Na, überall, in jeder Tempoverzögerung, 

in allem, was man nicht einfach 

geradeaus dirigieren kann. In der Operette 

kann man die Kunst der leichten, 

geschmackvollen Temporückungen lernen. 

Bei Wagner müssen Sie manchmal 

auch den Holzhammer nehmen. Aber 

danach geht es auch wieder um subtilste 

Abschattierungen, und die kann man 

beim Dirigieren von Operetten lernen. 

Wenn man da übertreibt, wird es sofort 

geschmacklos und flach. Operette 

schult die Geschmackssicherheit. 

Sie haben mal gesagt, Sie könnten sich 

vorstellen, zum Silvesterkonzert auch 

Helene Fischer einzuladen. 

Warum denn nicht? Ich habe keine 

Berührungsängste. Wenn die Staatskapelle 

einen Schlager spielt, ist das 

schon an sich ein Ereignis. Karajan hat 

ja gesagt, die Staatskapelle klinge „wie 

altes Gold“. Das dann in einem alten 

Schlager – was will man mehr? 

Hören Sie privat auch nichtklassische 

Musik? 

Im Auto höre ich immer alles Mögliche, 

weil ich dort nicht gern Klassik 

höre. Bei Klassik fange ich an, schlecht 

Auto zu fahren, weil ich zu genau hinhöre. 

Aber auf einer Autofahrt von 

Berlin nach Bayreuth kann man sich 

auf verschiedenen Kanälen gut informieren, 

was gerade so los ist. Die 

Berufe von Musikern sind nicht so 

unterschiedlich. Ein Schlagersänger 

muss auf Knopfdruck diese gute Laune 

herstellen können, auch wenn er vorher 

im Hotel zimmer sitzt und gerade 

eigentlich überhaupt keine Lust hat. 

Ich gebe zu: Ein Dirigent kann auch 

mal „Die lustigen Weiber von Windsor“ 

leiten, wenn er gerade nicht so gut 

gelaunt ist. Aber auf Knopfdruck funktionieren 

muss er auch. • 

Christian Thielemann wurde 

1959 in Berlin geboren. Seine 

Karriere begann er 1978 als 

Assistent von Herbert von 

Karajan. Seit 2012 ist er 

Chefdirigent der Sächsischen 

Staatskapelle Dresden 

BÜHNE SACHSEN

28 STATISTIK 

SACHSENS BÜHNEN 

IN ZAHLEN 

Theater muss man sinnlich erleben. 

Man kann es aber auch mathematisch 

errechnen. Eine Datenerhebung 

BÜHNE SACHSEN

29 

BÜHNE SACHSEN 

ILLUSTRATION Monja Gentschow

30 

Eine Bühne 

für die Bürger 

Im mittelsächsischen Freiberg steht 

das älteste Stadttheater der Welt – 

ein Haus mit langer Tradition und 

ganz besonderem Charme 

TEXT Barbara Wenz 

Wenn Freiberg nicht gerade 

sein Bergstadtfest, das größte 

Volksfest Mittelsachsens, 

ausrichtet, geht es beschaulich zu in 

dem Städtchen mit dem sorgfältig 

sanierten historischen Zentrum mitten 

in der sächsischen Provinz. Dabei 

besitzt Freiberg zwei Institutionen der 

Superlative: zum einen die Technische 

Universität, an der seit 1765 die 

Gewinnung und Wiederverarbeitung 

von Rohstoffen gelehrt wird. 

Zum anderen das traditionsreiche 

Stadttheater mit seinem Ensemble, 

welches Künstler aus mindestens zehn 

Nationen umfasst und nicht nur als das 

älteste Stadttheater Deutschlands, sondern 

der ganzen Welt gilt. Zunächst in 

privatem Besitz von Johann Gotthelf 

Engler, der ein Wohnhaus am Buttermarkt 

zum Theater umbaute, eröffnete 

die Freiberger Bühne zu Ostern 1790 

die erste Saison mit einem Auftritt der 

renommierten Secondaschen Schauspieltruppe. 

Bereits 1791 wollte Engler 

sein Theater wieder loswerden und bot 

es deshalb der Kommune zum Kauf 

an. Zu diesem Zeitpunkt war Freiberg 

eine wohlhabende Stadt, deren Reichtum 

schon seit dem Mittelalter auf dem 

Silberbergbau beruhte. Dieser Umstand 

beeinflusste die Entscheidung zum Erwerb 

der Engler’schen Bühne, wie man 

den historischen Unterlagen des Stadtrates 

entnehmen kann: „… da eines 

Teiles Geld müßig in Kassen liegt …, 

anderen Teiles aber … für besser erachtet 

wird, wenn dieses Haus in den 

Händen der Obrigkeit sich befindet … 

und durch die Erfahrung sich bestätigt, 

dass überhaupt durch die Schauspiele 

der Nahrungsstand der Bürgerschaft 

gewinne“. 

Aus dem einfachen Haus ist im 

Laufe von über 200 Jahren ein verschachtelter 

Gebäudekomplex tief im 

Herzen der historischen Altstadt 

geworden. 175 Personen umfasst derzeit 

das Ensemble, zusammen führen 

sie pro Jahr rund 600 Darbietungen 

nicht nur in der Stadt, sondern im 

Fotos: Jörg Metzner

ORTSTERMIN 

31 

Oben und Mitte: Theater 

Freiberg außen und innen 

Links: „Anatevka“ in der 

Inszenierung von Arila Siegert 

Eine Spielstätte 

wie das Stadttheater 

Freiberg braucht 

Menschen voller 

Leidenschaft 

zwischen 10 und 19 Jahren zu tun. 

Einmal in der Woche trifft man sich 

hier zum Proben. „Die meisten Mitspieler 

kommen aus Freiberg und Umgebung, 

wir haben aber auch immer 

noch Austauschschüler dabei, die gern 

mit wirken“, sagte Anselm Hühnel, 

der Leiter des Jugendensembles. 

Hühnel ist 22 Jahre jung, aber 

bereits ein alter Theater-Hase. „Ich habe 

schon im Alter von sieben Jahren auf 

der Freiberger Bühne gestanden“, verrät 

er. Als Zweitklässler sang er sein erstes 

Intendant 

Ralf-Peter Schulze 

ganzen Landkreis auf – vom Trauerspiel 

bis zur Komödie, vom Kammerkonzert 

bis zum Musical, vom Puppentheater 

zur Lesung. 

Große Karrieren wie die von Inge 

Keller, der späteren Schauspielgröße 

am Deutschen Theater Ost-Berlin, oder 

die von Hans-Joachim Ketelsen, Bariton 

auf den Bühnen von Bayreuth oder 

Mailand, nahmen am Stadttheater 

Freiberg ihren Anfang. 

Heute arbeiten dort nicht nur 

Künstler aus Deutschland, sondern auch 

aus Kroatien, Tschechien, Brasilien, 

Argentinien, Korea, Bulgarien, Österreich, 

Polen, Rumänien, Ungarn und 

den USA. 

Dass das alte Freiberger Stadttheater 

bis heute so erfolgreich arbeiten kann, 

hat viele Gründe. Einer hat mit dem 

hervorragenden Jugendtheater mit seinen 

fast 80 Mitgliedern im Alter 

Solo als Knabensopran. Doch die Liebe 

zu den darstellenden Künsten hat ihn 

bereits in früher Kindheit erfasst – 

zu seinen Hobbys gehörte damals das 

Schreiben und Inszenieren kleiner 

Stücke im Kreise der Familie. Dieses 

Hobby hat er nun zur Profession gemacht. 

Hühnel gibt Jugendlichen die 

Möglichkeit, sich selbst auf der Bühne 

auszuprobieren. „Wir haben jetzt 

mit einer Kafka-Umsetzung ein eindringliches 

Stück im Programm, 

mit Goldonis ‚Lügner‘ aber auch eine 

Komödie gespielt“, erläutert Hühnel. 

In der Tat ist die Umsetzung des 

Stückes auf der Studiobühne des Freiberger 

Theaters packend und suggestiv. 

Die 15 Darsteller liefern teils prägnante, 

parolenhafte Monologe. Ihr dynamisches 

Agieren ist ausdrucksstark und 

BÜHNE SACHSEN

32 ORTSTERMIN 

Oben: Dorothy Maddison, Leiterin 

der „German Opera Experience“ 

Unten: Szenenfoto aus 

„Brundibár“ 

Im Freiberger 

Stadttheater werden 

Erlebnisse geschaffen, 

verarbeitet und 

miteinander geteilt 

perfekt synchronisiert. Kafkas Groteske 

wird durch die aktuellen Bezüge, 

welche die Jugendlichen herausgearbeitet 

haben, zu einer großen Frage: 

Wer bin ich? Einer – oder viele? 

Eine Spielstätte wie das Stadttheater 

Freiberg braucht also vor allem Menschen 

voller Leidenschaft. Zu ihnen 

zählt Dorothy Maddison, Professor of 

Voice aus den USA. In den 90er-Jahren 

war sie als Sängerin in Döbeln engagiert. 

Maddison spricht ein wunderbares 

Deutsch mit typischem amerikanischen 

Akzent. Sie brennt für eine Aufgabe, 

der sie nach eigenen Worten ihr Leben 

gewidmet hat: Im Rahmen einer 

„German Opera Experience“ organisiert 

Dorothy Maddison Aufenthalte von 

US-amerikanischen Musik- und Schauspielstudenten 

in Freiberg. Die jungen 

Leute erhalten im Laufe von sechs 

Wochen nicht nur Deutschunterricht 

und lernen nebenbei das Land kennen, 

sie erhalten insbesondere die Gelegenheit, 

an Aufführungen des Freiberger 

Stadttheaters mitzuwirken, um so 

wesentliche Er fahrungen für ihre berufliche 

Laufbahn zu sammeln. 

Wir treffen Maddison nach der Vorpremiere 

der Kinderoper „Brundibár“, 

deren Inszenierung durch den ge bürtigen 

Kroaten Sergio Raonic Lukovic 

sie für eine besonders gute Idee hält 

– nicht nur, weil „Brundibár“ als 

schönste Kinderoper des 20. Jahrhunderts 

gilt, sondern vor allem wegen 

des erschütternden Hintergrunds der 

Oper: „Brundibár“, komponiert vom 

jüdischstämmigen Tschechen Hans 

Krása, wurde im Durchgangslager 

Theresienstadt (Terezín) mehr als 50 

Mal auf geführt. Fast alle Darsteller 

wurden später nach Auschwitz deportiert 

und ermordet. Für Regisseur 

Lukovic, der in Freiberg normalerweise 

als Solosänger auf der Bühne steht, 

diesmal jedoch hinter den Kulissen 

agierte, war die Oper eine Entdeckung: 

„Für mich war das eine totale Neuigkeit. 

Ich hatte davon vorher noch nie 

etwas gehört.“ Es habe ihn verstört, 

dass Menschen, die unmittelbar mit 

der Nähe des Todes konfrontiert waren, 

ausgerechnet Oper und Musik machen 

wollten. Doch in „Brundibár“ stecke 

noch viel mehr. Es habe auch eine 

aktuelle Botschaft. Tatsächlich gehe es 

in dem Stück um den Sieg des Guten 

über das Böse und um gemeinsame 

Solidarität. In seiner kurzen Ansprache 

vor Beginn der Schülervorstellung 

stellt Lukovic seinem Publikum die 

Frage, was der Einzelne tun kann, 

um diese Gesellschaft zu einer besseren 

zu machen. Er ruft es auf, sich eine 

Meinung zu bilden und klar hinter 

dieser Meinung zu stehen. „Auf euch 

werden wir Erwachsene uns verlassen 

müssen!“, ruft er den Kindern zu, 

bevor er ihnen gute Unterhaltung mit 

„Brundibár“ wünscht. 

Zu Hause sein in Freiberg, in Mittelsachsen, 

inmitten einer sich verändernden 

digitalisierten und globalisierten 

Welt, das ist für Intendant Ralf-Peter 

Schulze das Spannungsfeld, in dem ein 

lebendiges Theater existieren und sich 

entwickeln kann. Denn Theater sei 

noch immer ein Ort der gemeinsamen 

Erlebnisse. Und hier in Freiberg werden 

solche Erlebnisse nicht nur geschaffen; 

sie werden auch verarbeitet und miteinander 

geteilt. Schulzes Anspruch sei 

es letztlich, für die Stadt, den Landkreis, 

die ganze Region und deren Gäste 

einzig artiges, wahrhaftiges, besonderes 

und beachtenswertes Theater wie 

Musiktheater zu machen. 

Dass dies in der besonderen, ebenso 

traditionsreichen wie vitalen Atmosphäre 

in und rund um das Freiberger 

Stadtheater gelingt, davon können 

sich Ansässige wie Touristen auch in 

der kommenden Saison wieder selbst 

überzeugen. • 

Fotos: privat, Alexander Schwarz 

BÜHNE SACHSEN

33 

Foto: Ullstein Bild 

VIEL MEHR 

ALS EINE 

KOMÖDIANTIN 

Friederike 

Caroline 

Neuber 

reformierte 

das Theater, 

stritt für 

Zärtlichkeit, Natur 

und Kunst und half 

Lessing auf die Bühne. 

Was für ein Leben! 

TEXT Alexander Kissler 

Wie viel Anspruch verträgt das 

deutsche Publikum, wie viel 

Geist, Raffinesse, Bildung? 

Vor dieser Frage stehen sämtliche 

Theater, Museen, Verlage, Rundfunkund 

Fernsehanstalten, und es war die 

Lebensfrage einer der bemerkenswertesten, 

tapfersten Frauen der Schauspielgeschichte, 

der Friederike Caroline 

Neuber aus dem sächsischen Reichenbach. 

Am Ende empfand sie sich als gescheitert, 

abgeprallt an der Gier des Auditoriums 

nach Spaß und Tölpelei ohne 

tiefere Bedeutung, doch ihr Verdienst 

ist bleibend. Ohne „die Neuberin“ gäbe 

es vielleicht keine Programmhefte – sie 

machte als Erste aus der Besetzungsliste 

einen Theaterzettel mit Stückbeschreibungen 

–, und ohne sie hätte das schauspielernde 

Handwerk sich nicht so rasch 

vom Ruch des Halbseidenen befreit. 

Und dennoch dieser Ausbruch, diese 

Enttäuschungssuada, diese Publikumsbeschimpfung 

zu Hamburg im Januar 

1740. Da war sie 42 Jahre alt und kurz 

davor, auf den Ruf der Zarin Anna hin 

mit ihrer Truppe nach St. Petersburg 

überzusiedeln. Den Hamburgern klangen 

die Ohren: „Hier hält mich wenig 

Gunst und kein Verdienst zurück, / darum 

gönnet wenigstens Euch und mir 

dies Glück, / dass Ihr uns nicht mehr 

seht. / Denn von der Schauspielkunst 

habt ihr sehr wenig Licht, / weil’s Euch 

an Zärtlichkeit, Natur und Kunst gebricht.“ 

Ein Auftrittsverbot durch den 

Hamburger Magistrat war die Quittung 

für weiblichen Bekennermut. 

St. Petersburg wurde Episode. Die 

Zarin starb Ende Oktober 1740 und 

mit ihr alle Gunst. In absolutistischen 

Zeiten konnte es nicht anders sein. 

Zuvor hatte der Tod Augusts des Starken 

1733 zu einer Krise geführt, war 

doch damit das Privileg erloschen, kraft 

dessen das Ehepaar Neuber zu Hofkomödianten 

ernannt worden war. Kein 

festes Haus hatte ihr der Kurfürst verliehen, 

aber das Recht, als fahrendes 

Ensemble aufzutreten. Das Leipziger 

Debüt zur Ostermesse führte die 

Neuberin 1727 mit 

Johann Christoph Gottsched 

zusammen. Eine 

fruchtbare Zusammenarbeit 

beginnt. Beide 

wollen das Schauspiel 

in deutschen Landen 

auf europäisches 

Niveau heben. Die 

Franzosen sind Vorbild. 

Die Neuberin macht 

sich um deutsche Aufführungen 

der Stücke von 

Corneille, Racine, Marivaux, 

Molière verdient. 

Gottsched, der die Neuberin 

in ihrer Paradedisziplin kennenlernte, 

der vierfachen Hosenrolle junger 

männlicher Studenten in der Komödie 

„Gespräche im Reiche der Toten“, ist 

bekümmert nach dem Hamburger 

Fiasko: „So verlieren wir in Deutschland 

wiederum ein Mittel, den guten Geschmack 

zu fördern.“ Leider frage man 

„in Sachsen nach solchen Sachen nichts, 

die von Auswärtigen mit sehr großen 

Kosten gesuchet werden“. Sachsen aber 

nimmt seine verlorene Tochter nach der 

Rückkehr aus Russland in Ehren auf. 

„Mein allerliebstes vernünftiges Leipzig“ 

– so die Neuberin an Gottsched – 

wird Schauplatz der Uraufführung einer 

Komödie des blutjungen Gotthold 

Ephraim Lessing aus dem sächsischen 

Kamenz. Die Neuberin bringt 1748 

den „Jungen Gelehrten“ auf die Bühne. 

Die große Frau, die sich „nichts als 

eine Komödiantin“ nannte, stirbt in den 

Wirren des Siebenjährigen Krieges am 

29. November 1760 in Laubegast. Goethe 

setzt ihr ein Denkmal in „Wilhelm 

Meisters Lehrjahren“ – und Petra Oelker 

in historischen Krimis um die Komödiantin 

Rosina. Alles Weitere findet sich, 

anschaulich verdichtet, im Neuberin- 

Museum in Reichenbach/Vogtland. Das 

Wort, das Friederike Caroline auf einen 

Theaterzettel drucken ließ, gilt noch: 

„Das Übrige wird angenehmer zu sehen, 

als hier zu lesen sein.“ • 

BÜHNE SACHSEN

Das Lied 

der Straße 

BÜHNE SACHSEN

REPORTAGE 

35 

Einmal im Jahr verwandelt sich 

die Europastadt Görlitz in eine 

Bühne für Gaukler, Artisten 

und Schauspieler. Ein Rundgang 

über das Straßentheaterfestival 

„Via Thea“ 


Links: Strange Fruit 

aus Australien mit dem 

Stück „The Field“ 

auf dem Obermarkt 

Görlitz an einem Sommertag. 

Am Himmel über der östlichsten 

Stadt Deutschlands stapeln 

sich Cumuluswolken zu bedrohlichen 

Türmen. Ein Geruch von Gewitter 

liegt in der Luft – von nassem Staub 

auf benetztem Asphalt. Noch harren 

die Passanten trotzig in den Straßencafés 

am Untermarkt aus, und vor dem 

Gerhart-Hauptmann-Theater am 

Demianiplatz dreht ein Kinderballett 

seine Pirouetten unbeeindruckt in den 

Abend hinein. Es ist das erste Wochenende 

im Juli. Im größten Flächendenkmal 

Deutschlands trotzen die Bewohner 

dem Regen – dem Aufzug des 

Windes und der zuweilen trockenen 

Luft, die aus den letzten Altbauruinen 

BÜHNE SACHSEN

36 REPORTAGE 

herüberweht. Nur wer genau hinschaut, 

erahnt schon das Schauspiel – das 

kleine Welttheater am Ufer der Neiße, 

das hier in wenigen Momenten zur 

Aufführung kommen wird. 

„Gleich geht es los!“ Ein verschwitzter 

Junge mit roten Haaren tanzt aufgeregt 

mit einem im Wind fliegenden Zeitungspapier. 

„Es bleibt nur die Straße“ 

verkündet eine Überschrift in dicken 

Lettern. Die Straße – wo wüsste man 

um die Kraft dieses Ortes besser als in 

Görlitz, der historischen Kreisstadt an 

der Lausitzer Neiße. Bereits im 12. Jahrhundert 

verlief über deren Brücken und 

Plätze die alte Fernstraße „Via Regia“ 

bis hinüber ins schlesische Breslau und 

in umgekehrter Richtung zurück an 

den Rhein. Noch heute erzählen die 

prächtigen Fassaden von dem Reichtum, 

den man damals am Rande der alten 

Königsstraße erlangen konnte. 

Vielleicht ist sie immer schon ein 

Ort für Weltenstücke gewesen. Mal ereigneten 

sich hier große Dramen, mal 

Die „Via Thea“ zeigt 

eine bunte Mischung 

aus Straßentheater, 

Clownerie und Artistik 

unbedeutende Liebeleien. Mal diente 

das Pflaster der Pilgerfahrt, mal der 

Prozession oder dem Wanderschauspiel. 

Einer war hier dem anderen Mime. Nur 

ins Bewusstsein drang das die meiste 

Zeit über nicht. Unbekannt blieben 

die Titel der Stücke, fremd die Dramaturgen 

und Regisseure. Nur einmal 

im Jahr – in der Regel im Juli oder im 

Görlitz war immer 

schon ein Ort für 

Weltenstücke – für 

große Dramen und 

Liebeleien 

frühen August – lüftet man in Görlitz 

den großen Vorhang. Dann verwandelt 

sich die Straße vor den Augen 

Tausender Schaulustiger zu einer gewaltigen 

Bühne, und die alte Europastadt 

an der Grenze zu Polen wird über drei 

Tage hinweg zum Austragungsort für 

das drittgrößte Straßentheaterfestival 

Deutschlands. 

Der Name des Festivals ist der alten 

Heeres- und Handelsstraße entlehnt: 

„Via Thea“. Ein Theaterereignis, das bereits 

seit 23 Jahren international einen 

Cie du Mirador – ein 

Balanceakt zwischen 

Poesie, Musik und Spaß 

guten Ruf genießt. Straßentheaterfestivals 

gibt es in Deutschland eine ganze 

Menge, von Berlin über Detmold bis 

ins hessische Heppenheim. Kaum 

eines aber zieht derart viele Menschen 

in seinen Bann wie die „Via Thea“ in 

Görlitz. Denn, so meint Klaus Arauner, 

der als Generalintendant des Görlitzer 

Gerhart-Hauptmann-Theaters Mitveranstalter 

des Festivals ist: „An diesem 

Wochenende feiert sich die Europastadt 

Görlitz immer auch selbst.“ 

Es feiern sich Fassaden aus Barock, 

Renaissance und Gründerzeit; es rühmt 

sich das Ornament und das Dekor. 

Fast ist es, als fände das einzigartige 

Panorama während dieser Tage ganz 

Fotos: Nikolai Schmidt/D-foto (S. 34–S. 35), Tom Neumeier, Eventpress Hoensch, Philipp Haufe

Foto: Tom Neumeier 

Die „Via Thea“ ist 

international. Hopla 

Circus etwa ist eine 

Gruppe aus Brüssel 

zu sich selbst. Görlitz, ein Theatrum 

mundi. Hier braucht es keine Requisiten 

und Bühnenbilder. Die Stadt 

selbst wird sich Kulisse. Und neben 

den 23 Profi-Gruppen aus elf Ländern, 

die allein bei der letzten Ausgabe der 

„Via Thea“ mit dabei waren, wird auch 

jeder Passant für einige Momente 

Schauspieler und Mit-Akteur. 

„Jetzt kommen sie!“, ruft etwa 

der rothaarige Kleine und zeigt mit dem 

Finger auf weißkostümierte Stelzengänger, 

die mit angenähten Vogelflügeln 

wie die unheimlichen Fabelwesen 

in den Bilderwelten von Hieronymus 

Bosch erscheinen. Ein paar Gäste stellen 

eilig ihre mitgebrachten Klappstühle 

aufs Pflaster, und die große Uhr am 

„Dicken Turm“ schlägt mit Inbrunst die 

volle Stunde. An diesem Abend, so will 

es scheinen, ist sie nicht mehr Zeitansage; 

sie ist ein donnernder Theatergong. 

Alles hat eben seinen Platz in dieser 

geheimnisvollen Choreografie. 

Bühne werden – es scheint, als 

hätte Görlitz mit dieser großen Aufgabe 

seine wahre Bestimmung gefunden. 

Wie oft schon haben in der Vergangenheit 

namhafte Filmregisseure aus Berlin 

oder Hollywood die kleine Stadt in 

eine Traumkulisse verwandelt. 2008 

etwa drehte Quentin Tarantino auf dem 

Bühne werden – 

Görlitz scheint mit 

dieser Aufgabe seine 

wahre Bestimmung 

gefunden zu haben 

historischen Untermarkt Szenen 

zu seinen „Inglourious Basterds“, und 

2012 ließ Wes Anderson im leerstehenden 

Jugendstil-Warenhaus von Carl 

Schmanns sein „Grand Budapest Hotel“ 

Wirklichkeit werden. Im Vergleich zu 

den ganz großen Settings nehmen sich 

die provisorischen Bühnen auf der „Via 

Thea“ fast fragil und unscheinbar aus. 

Manchmal stehen die Besucher vor goldenen 

Vorhangstoffen, manchmal auch 

nur vor der selbst mitgebrachten Fantasie. 

Vieles auf der „Via Thea“ ist vergänglich, 

so wie die ungezählten Seifenblasen, 

die während der Festivalabende 

über die Köpfe der Zuschauer hinweggepustet 

werden. Es gibt Theatergruppen, 

die ihre Stücke vor teuren Bühnenbauten 

inszenieren. Viele andere spielen 

„auf Hut“. Es gibt Modern Clowning 

oder Antigone in Kurzversion; Installationen, 

Walk Acts oder halsbrecherische 

Artistik. Unten am Fluss träumt eine 

holländische Freilichttruppe vom Sommerglück 

im Caravan, während um 

dieselbe Zeit oben am Rathausturm ein 

Sarg auf Rädern um die Ecke flitzt. 

Mit jedem Moment wird es surrealer, 

mit jeder Vorstellung ein Stück mehr 

fantastisch. Ob dies hier noch das 

Leben ist oder nicht längst schon ein 

Gesamtkunstwerk? Auf der „Via Thea“ 

bleibt das über drei Tage und Nächte 

hinweg ein gut gehütetes Geheimnis. • 

Mehr Infos unter: 

www.viathea.de 

BÜHNE SACHSEN

PORTRÄT 

Tanzender Freigeist: 

Heike Hennig zieht 

ihre Ideen aus ihrem 

direkten Umfeld 

Beweglicher 

Geist 

Bloß keine Grenzen: Heike Hennig 

vereint in ihren Stücken Tanz, Sprache, 

Musik, Artistik und Humor 

TEXT Irene Bazinger 

FOTO S Christoph Busse 

Es war bei einem Elternabend in 

einem Leipziger Gymnasium, 

und da hieß es nicht, „Frau Müller 

muss weg“ (wie in der Komödie von 

Lutz Hübner), sondern „Crystal Meth 

muss weg“. Heike Hennig, Tänzerin, 

Choreografin, Regisseurin und außerdem 

Mutter dreier Söhne, wovon einer 

besagte Schule besuchte, notierte sich 

den Namen der in der Stadt gerade kursierenden 

Modedroge auf einem Notizzettel. 

Und dann gleich noch einmal 

und noch einmal, weil die anwesenden 

Eltern ihre Sorgen fast panisch wiederholten. 

Am Ende der Sitzung war das 

Blatt voll mit diesem Begriff, und sie 

wusste: Darum wird sich mein nächstes 

Projekt drehen! 

„Ja, die Themen fliegen mir meist 

einfach zu“, beschreibt Heike Hennig 

ihre Methode, die Welt künstlerisch 

auszu loten. Und so kam „Crystal“ als 

Sprech- und Tanz-Theaterstück 2014 

auf die Bühne des Theaters der Jungen 

Welt Leipzig, dessen Programm sich vor 

allem an Kinder und Jugendliche richtet. 

Als exemplarische Produktion für genreübergreifendes 

Theater erhielt es 2015 

den mit 80000 Euro dotierten Theaterpreis 

des Bundes, ein Jahr später den 

Preis des Sächsischen Theatertreffens. 

Offen für die Zeit und die Menschen 

sowie für Einflüsse jeder Art entwickelt 

Heike Hennig ihre Stücke und überlegt 

von Fall zu Fall, wie sie diese am besten 

umsetzen kann. Grenzüberschreitungen 

scheinen ihr im Blut zu liegen, seit 

sie mit ihrem damaligen Ehemann 1989 

aus der DDR über Ungarn in die Bundesrepublik 

flüchtete. Er wollte nicht 

zur Armee, und sie wollte „endlich 

Pistazien riechen“, denn sie war damals 

Stammgast in der Stadtbibliothek und 

las, was ihr dort in die Finger geriet. Die 

Romane von Gabriel García Márquez 

etwa zauberten ihr die Gerüche Südamerikas 

in die Nase und ins Gehirn. 

Diese Fantasien wollte sie irgendwann 

real werden lassen. Also entschloss 

sich das junge Paar zu einem neuen 

BÜHNE SACHSEN

Leben im Westen. Hennig studierte in 

Köln Germanistik, modernen Tanz und 

Choreografie, ehe sie nach San Francisco 

zog, wo das Fach Performing Arts 

folgte. Sie reiste – „endlich!“ – durch die 

Welt, arbeitete in Brasilien und Portugal. 

Den Kontakt nach Leipzig, wo sie 

1966 geboren wurde, ließ sie nie abreißen. 

1998 kehrte sie in ihre geliebte 

Heimatstadt zurück und gründete 

das Forum Zeitgenössischer Tanz und 

Musik, in dem sie, zusammen mit 

Künstlern aus anderen Bereichen, Bühnenwerke 

und interdisziplinäre Kunstprojekte 

kreierte, die dann andernorts 

aufgeführt wurden. „Tanz allein ist mir 

zu wenig“, hatte sie schon früh erkannt, 

„ich bin ein Freigeist und brauche viele 

verschiedene Anregungen, Impulse und 

Ausdrucksmöglichkeiten.“ 

In ihren Stücken robben die Musiker 

schon mal bäuchlings auf die Bühne, 

weil es in „Kriech“ (2017) um Krieg 

geht – und dem kann sich eben keiner 

entziehen. Angeregt durch den Roman 

„Der Gott der kleinen Dinge“ von 

Arundhati Roy schuf sie 2004 das 

„Estha“-Ballett für vier Tänzer, das den 

Codes der Macht und der Architektonik 

von Hierarchien nachspürte. 

Dafür recherchierte sie eine Woche lang 

in der Leipziger IBM-Niederlassung 

und beobachtete die Arbeiter, wie sie 

ihren Büroalltag bewältigten. 

In „Zeit – tanzen seit 1927“ konn te 

sie 2006 vier zwischen 1927 und 1943 

geborene ehemalige Tänzer der Oper 

Leipzig aus dem Ruhestand locken und 

motivieren, sich trotz Alter und mangelnder 

Übung erneut in ihrem Beruf 

zu betätigen. Betagte Körper mit eingeschränktem 

Aktionsradius sieht man 

sonst nicht im Tanztheater, doch 

der Mut der Akteure lohnte sich. Das 

Publikum war begeistert, und Arte 

dreht einen Film über die Aufführung. 

Was ist das Wichtigste bei derartigen 

Produktionen? „Unbedingt und vor 

allem bewegliche Geister“, so Hennig, 

und die sucht sie sich überall zusammen, 

steckt sie mit ihrer Leidenschaft an. Bei 

den Proben wird nicht nur Yoga zum 

Aufwärmen gemacht, sondern stets viel 

gelacht. Obwohl ihr die Weltlage mitunter 

auf die Laune schlägt, will sie sich 

nicht unterkriegen lassen: „Wir können 

nicht alle trüb werden, gerade jetzt 

nicht! Wir müssen aufstehen und etwas 

tun!“ Dabei schlägt sie auf den Tisch 

und hat schon wieder dieses Funkeln 

in den Augen, das sie begleitet, wenn 

sie von ihrer Arbeit spricht – dem kommenden 

Stück „Angela, Ursula, Monika“ 

zum Beispiel, in dem sie drei Politikerinnen 

in den Mittelpunkt rücken wird. 

Was soll’s denn werden, ein Dokudrama, 

eine Staatsanalyse, eine Frauenlegende? 

„Eine Mischung aus all dem 

wahrscheinlich“, das kann sie bereits 

verraten, obgleich das Konzept noch 

nicht fertig ist. Wie bezeichnet sie selbst 

eigentlich das, was sie veranstaltet? 

Da rutscht die Sächsin sprachlich kokett 

ein bisschen ins Sächsische hinüber, 

das auch der Leipziger Richard Wagner 

nie ganz abgelegt haben soll, und 

sagt unbescheiden humorvoll: „Gesamtkunstwerke, 

was sonst.“ • 

BÜHNE SACHSEN

40 DORFMUSIK 

Eine Scheune für 

Schostakowitsch 

In der Gemeinde Gohrisch schuf der 

russische Komponist sein 8. Streichquartett. 

Heute erinnert ein Festival an den Geniestreich 

TEXT Michael Stallknecht 

Nierenförmig ist der kleine Teich, 

von Steinen eingefasst, eine 

große Buche lässt tief ihre Äste 

darüber hängen – ein tristes, ängstlich 

umrandetes Stückchen Natur vor einem 

deutlich renovierungsbedürftigen Gebäudekomplex 

im sächsischen Gohrisch. 

Hier soll laut Augenzeugenberichten 

zwischen dem 12. und dem 14. Juli 

1960 der Komponist Dmitri Schostakowitsch 

gesessen und sein 8. Streichquartett 

komponiert haben, ein ziemlich 

verzweifeltes Stück Musik. Es ist sein 

heute wahrscheinlich meistgespieltes 

Streichquartett – und das einzige, das 

außerhalb der Sowjetunion entstand. 

Zur Erinnerung daran finden seit 

2010 in Gohrisch die Internationalen 

Schostakowitsch-Tage statt. Für drei 

Tage im Jahr beherbergt der 800-Seelen- 

Ort unmittelbar an der tschechischen 

Grenze das weltweit einzige regelmäßige 

Festival für den 1975 gestorbenen russischen 

Komponisten. Enger Kooperationspartner 

ist die Sächsische Staatskapelle 

Dresden, deren Konzertdramaturg 

Tobias Niederschlag die Schostakowitsch-Tage 

als Intendant leitet. Das 

Eröffnungskonzert mit der Staatskapelle 

findet in der Semperoper statt. Danach 

geht es 40 Kilometer die Elbe hinauf 

aufs Land, in die auf einer malerischen 

Statt eines imposanten 

Konzerthauses empfängt 

hier eine Scheune die 

Besucher 

Anhöhe gelegene Gohrischer Konzertscheune. 

Über das Jahr dient das Gebäude 

bis heute als Scheune. Ein Foto 

von den ersten Schostakowitsch-Tagen 

vor acht Jahren zeigt Isang Enders, den 

damaligen Solocellisten der Staatskapelle, 

bei der Akustikprobe zwischen 

mannshohen Strohballen. Es hängt in 

der zentralen Bushaltestelle des Ortes, 

daneben hat man eine Büste Schostakowitschs 

aufgestellt und einen Brief 

aufgehängt, in dem er dem Freund 

Isaak Glikman die Komposition des 

8. Streichquartetts meldet. „Unerhört 

schön“ nennt Schostakowitsch die 

Gegend in dem Brief und fügt in dem 

für ihn charakteristischen ironischen, 

von einer tiefen Skepsis gegenüber 

dem Leben unterfütterten Ton hinzu: 

„Übrigens gehört sich das für sie auch 

so: Die Gegend nennt sich ‚Sächsische 

Schweiz‘.“ 

Unerhört schön ist das Elbtal 

mit seinen charakteristisch bewaldeten 

Tafelbergen bis heute. Die Schostakowitsch-Tage 

verfügen frei Haus über 

die Mischung, von der nicht wenige erfolgreiche 

sommerliche Klassikfestivals 

leben: Der Rückzug in die reizvolle 

Natur ermöglicht eine Konzentration 

auf die Musik, wie sie im hektischen 

Fotos: Oliver Killig 

BÜHNE SACHSEN

In der Scheune: 

musizieren, wo sonst 

Stroh gelagert wird 

In einem Brief hat 

Schostakowitsch 

die Gegend einst 

als „unerhört schön“ 

bezeichnet 

Großstadtbetrieb kaum möglich ist. 

Hinzu kommt dann oft der Charme 

des Improvisierten, sogar in Bayreuth 

wird das Festspielhaus, das Richard 

Wagner als Provisorium in die Provinz 

stellte, bis heute gern liebevoll die 

„Scheune“ genannt. 

Bereits im 19. Jahrhundert hatte 

ein Musiker der Sächsischen Staatskapelle 

Gohrisch als, wie man damals 

sagte, Sommerfrische für sich und 

seine Familie entdeckt, andere Künstler 

folgten. Die junge DDR schätzte den 

Charme der ländlichen Idylle ebenfalls 

und erbaute dort ein sogenanntes Intelligenzheim 

für ihre politisch konformen 

Intellektuellen. Weil die Parteioberen 

bald neidisch wurden, kaperte der Ministerrat 

der DDR den Gebäudekomplex 

als Gästehaus für sich und seine 

Staatsgäste. Nach der Wende wurde das 

Ensemble von der Treuhand verkauft, 

im besterhaltenen Teil versucht derzeit 

eine Berliner Hotelkette ihr Glück. Vor 

der Wende hatte das Gästehaus vielen 

Gohrischern ihr Auskommen gesichert, 

die Führungen für die Konzertbesucher 

der Schostakowitsch-Tage übernimmt 

bis heute ein ehemals für die DDR- 

Gästehäuser zuständiger Regierungsmitarbeiter. 

Er zeigt auch den damals sicher 

sehr modischen Tanzpavillon mit eingebauter 

Fußbodenbeleuchtung, auf 

dessen Empore Schostakowitsch jeden 

Morgen den Konzertflügel traktiert 

haben soll. 

Der Komponist wohnte hier im Jahr 

1960, als er die Musik für den Film 

„Fünf Tage – fünf Nächte“ schrieb. Die 

erste filmische Koproduktion zwischen 

der DDR und der Sowjetunion erzählt 

in idealisierender Verklärung, wie die 

Rote Armee nach dem Ende des Zweiten 

Weltkriegs die ausgelagerten Kunstschätze 

der Dresdner Gemäldegalerie 

Alte Meister aufspürt. Zur Inspiration 

für seine Filmmusik wollte sich Schostakowitsch 

vor Ort ein Bild von dem 

noch immer völlig zerstörten Dresden 

machen und wurde dafür von der DDR 

im Gohrischer Gästehaus beherbergt. 

Doch auch in der unerhört schönen 

Gegend vergaß Schostakowitsch die 

Zerstörungen nicht, die der real existierende 

Kommunismus in seiner Seele 

BÜHNE SACHSEN

hinterlassen hatte. In seinem 8. Streichquartett 

zitiert er all die Werke, die 

unter Stalin verboten worden waren 

und ihn an den Rand des Arbeitslagers 

oder der heimlichen Exekution gebracht 

hatten. Die panische Nervosität und 

die bodenlose Trauer der Musik geben 

einen erschütternden Eindruck davon, 

wie es in einem aussieht, der einen ständigen 

Spagat hinlegte zwischen dem 

eigenen Gewissen und seiner offiziellen 

Stellung als führender Komponist der 

Sowjetunion. 

In seinem Roman „Der Lärm der 

Zeit“ hat der britische Schriftsteller 

Julian Barnes jüngst noch einmal beeindruckend 

das Porträt eines Komponisten 

gezeichnet, der sich auch unter 

der milderen Repression von Stalins 

Nachfolger Nikita Chruschtschow nie 

sicher fühlen konnte. Von Haus aus 

ein eher ängstlicher Charakter, verflucht 

sich Schostakowitsch darin für die vollzogenen 

Anpassungen an das System, 

handelt aber im Einzelfall immer wieder 

mutig und unterläuft in seiner Musik 

häufig die verordnete Ästhetik des Sozialistischen 

Realismus. Auch sein 

8. Streichquartett widmete er offiziell 

mit staatstragender Systemkonformität 

„den Opfern von Krieg und Faschismus“. 

Im Brief an Glikman aus Gohrisch 

Die Konzertbesucher 

kommen zum Teil aus 

der ganzen Welt nach 

Gohrisch 

nennt er es dagegen sarkastisch ein „niemandem 

nützendes und ideologisch 

verwerfliches Quartett“. Er habe es zum 

Gedenken an sich selbst komponiert, 

während er beim Komponieren so viele 

Tränen vergossen habe „wie Urin nach 

einem halb Dutzend Biere“, da nach 

seinem Tod seiner ja doch niemand gedenken 

werde. 

Damit hat er nicht recht behalten, 

wie gerade die letzten Jahre gezeigt 

haben. Die Kompositionen Schostakowitschs 

erfreuen sich inzwischen auch 

in westlichen Konzertsälen einer 

Mitten in Natur und 

ländlicher Stille kann 

man avantgardistische 

Klänge hören 

Beliebtheit, die nicht vielen Komponisten 

des 20. Jahrhunderts zuteil geworden 

ist. Doch in Gohrisch ist man 

näher dran an den politischen Hintergründen 

ihrer Entstehung, weshalb 

Intendant Tobias Niederschlag in einem 

Festival an diesem Ort auch „eine 

Relevanz in der Aufarbeitung der eigenen 

Geschichte der letzten 50 Jahre“ 

sieht. In den Programmen kombiniert 

er das Werk Schostakowitschs häufig 

mit dem von Zeitgenossen, „die auch 

ähnliche Schicksale haben“ und bei 

denen die „Entwicklungslinien aus dem 

Fotos: Oliver Killig 

BÜHNE SACHSEN

DORFMUSIK 

43 

Kalten Krieg noch spürbar sind“, wie er 

im Gespräch sagt. 

Es sind Komponisten wie Sofia 

Gubaidulina oder Mieczysław Weinberg, 

deren Kompositionen beim Festival 

im vergangenen Juni neben denen 

Schostakowitschs zu hören waren. Der 

1996 verstorbene Weinberg war ein 

enger Freund Schostakowitschs, den 

dieser noch unter Stalin einmal mit 

einem ziemlich mutigen Brief aus dem 

Gefängnis zu holen versuchte. Von den 

ständigen Repressionen eingeschränkt, 

komponierte Weinberg vieles für die 

Schublade, was erst in den vergangenen 

Jahren im Rahmen einer regelrechten 

Weinberg-Renaissance auf westlichen 

Spielplänen aufgetaucht ist. Die Komponistin 

Sofia Gubaidulina hatte 

Schostakowitsch dagegen noch als junge 

Studentin ermutigt, „ganz sie selbst 

Gohrischer 

Bürger servieren 

ehrenamtlich 

Würstchen und 

Kartoffelsalat 

zu sein“, wie die heute 85-Jährige beim 

Publikumsgespräch erzählte. Leicht 

war das auch für die gläubige Christin, 

die in ihren Werken bis heute häufig 

religiöse Sujets wählt, in der Sowjetunion 

nicht. 

Die Mittel für die Präsentation ihrer 

Werke sind dabei bislang alles andere als 

üppig in Gohrisch. Eine Gage bekommen 

die Musiker nicht, größere Kammermusikwerke 

und kleinere Orchesterwerke 

sind überhaupt nur durch das 

Engagement der Sächsischen Staatskapelle 

möglich. Auch viele Gohrischer 

arbeiten unentgeltlich mit, servieren im 

Festivalzelt Würstchen und Kartoffel- 

Die Schostakowitsch-Tage 

stehen urbanen Musikfestivals 

in nichts nach 

salat. Bei der Agrargenossenschaft muss 

Tobias Niederschlag jährlich um die 

Scheune kämpfen, weshalb man sich 

auf Dauer auch einen beständigeren 

Ort wünschen würde. Doch die Akustik 

ist erstaunlich brillant, binnen Sekunden 

stellt sie die volle Konzentration auf 

die Musik her. 

In der intimen Atmosphäre mit 

ihrem engen Beieinander von Publikum 

und Künstlern trifft man bis heute auf 

Weggefährten Schostakowitschs wie den 

russischen Dirigenten Gennadi Roschdestwenski, 

den polnischen Komponisten 

Krzysztof Meyer, der eine überaus 

lesenswerte Biografie über Schostakowitsch 

geschrieben hat, oder den Dirigenten 

Thomas Sanderling. Sein Vater 

Kurt Sanderling, ebenfalls ein bekannter 

Dirigent, hatte Schostakowitsch bei 

seinem zweiten Aufenthalt in Gohrisch 

besucht, als der 1972 noch einmal für 

einen Urlaub in die „unerhört schöne“ 

Gegend zurückkehrte. Seinem Sohn 

Thomas hatte Schostakowitsch noch als 

sehr jungem Dirigenten die deutsche 

Erstaufführung seiner 13. und 14. Symphonie 

anvertraut. Bei den Schostakowitsch-Tagen 

in diesem Jahr fiel ihm die 

Ehre zu, eine veritable Uraufführung 

aus dem eigentlich gut aufgearbeiteten 

BÜHNE SACHSEN

44 DORFMUSIK 

Werkbestand Schostakowitschs zu präsentieren. 

Die drei Stücke aus der Oper 

„Die Nase“ sind erst vor Kurzem im 

Nachlass des Komponisten entdeckt 

worden. Für die Schostakowitsch-Tage 

bedeutete ihre Uraufführung einen 

Durchbruch auch in der überregionalen 

Aufmerksamkeit. 

Bei allem Gedenken an den Namensgeber 

ist das Festival denn auch nicht 

nur auf Rückschau ausgelegt. „An dem 

Ort, wo etwas Neues entstanden ist, 

muss auch Neues präsentiert werden“, 

lautet die Überzeugung des Intendanten 

Tobias Niederschlag. Auf dem Programm 

steht hier fast ausschließlich 

Musik des 20. und 21. Jahrhunderts. 

Andere Festivals mit diesem klaren 

Schwerpunkt werden oft nur von einem 

Spezialpublikum besucht, in Gohrisch 

sieht das anders aus. Die Auslastung 

liegt bei 90 Prozent, aus dem nahen 

Dresden kommen viele Konzertbesucher 

für das verlängerte Wochenende 

nach Gohrisch. 

Funktionieren dürfte das auch deshalb, 

weil die in Gohrisch stark vertretenen 

Komponisten aus dem ehemaligen 

Ostblock nie einem derart hermetischen 

Avantgardebegriff gefolgt sind wie manche 

ihrer Kollegen im Westen. Ihre 

An einem Ort, 

wo etwas Neues 

entstanden ist, 

muss auch Neues 

präsentiert werden 

Kompositionen streben bei aller künstlerischen 

Eigenständigkeit häufig nach 

unmittelbarer Verständlichkeit, auch 

nach einem intensiven Ausdruck von 

Emotionen. Nicht nur Schostakowitschs 

Musik ist deshalb im Westen 

mittlerweile Teil des Kanons geworden, 

Wenn das Orchester 

schweigt, kann 

man sich der 

Sommerfrische 

hingeben 

Tobias Niederschlag, Intendant des 

Festivals, Dirigent und Schostakowitsch- 

Weggefährte Gennadi Roschdestwenski 

und die Pianistin Viktoria Postnikova 

auch andere Komponisten aus der ehemaligen 

Sowjetunion werden seit dem 

Fall des Eisernen Vorhangs mit wachsender 

Aufmerksamkeit rezipiert. Nicht 

zufällig wohl ist das Interesse an ihrer 

Musik in dem Maß gestiegen, in dem 

man im Westen der eigenen, einst ziemlich 

strengen Avantgarde etwas müde 

geworden ist. Gohrisch kann sich so 

nicht nur als Reflex der sozialistischen 

Vergangenheit begreifen, sondern auch 

als Schnittstelle zwischen West und 

Ost in der Gegenwart. Groß reden 

muss man über die darin liegenden 

politischen und ästhetischen Implikationen 

nicht. Man lässt die Musik für 

sich sprechen, die schließlich nicht nur 

bei einem Komponisten wie Schostakowitsch 

oft mehr und Komplexeres 

ausspricht, als Worte erklären könnten. 

Der kleine Teich, an dem einst ein 

ziemlich verzweifeltes Streichquartett 

entstand, schlägt seine Wellen. • 


www.schostakowitsch-tage.de 

Fotos: Harald Schluttig, Oliver Killig (2) 

BÜHNE SACHSEN

VORSPRECHEN 

45 

Foto: Miroslaw Nowotny 

SORBISCH 

FÜR 

ANFÄNGER 

Zehn Vokabeln, 

mit denen man das 

Deutsch-Sorbische 

Volkstheater in Bautzen 

besser verstehen lernt 

Gut 20000 Menschen zwischen 

der Märkischen Heide in Brandenburg 

und dem sächsischen 

Städtchen Bautzen sprechen heute aktiv 

die sorbische Sprache – davon sind geschätzt 

13000 im obersorbischen und 

7000 in dem akut vom Aussterben bedrohten 

niedersorbischen Dialekt zu 

Hause. Neben den Schulen und Kindergärten 

in der Region sind es vor allem 

die Schauspieler des Deutsch-Sorbischen 

Volkstheaters, die sich um die 

Bewahrung dieser einzigartigen westslawischen 

Sprache bemühen. Denn das 

1948 gegründete Bautzener Theater ist 

das einzige Schauspielhaus in Deutschland, 

in dem drei Sprachen gesprochen 

werden. Damit das auch funktioniert, 

braucht es neben guter Schauspieler vor 

allem erstklassige Übersetzer. Torsten 

Schlosser ist einer davon. Als Schauspieler 

und Simultanübersetzer arbeitet er 

seit der Spielzeit 1994/95 in Bautzen. 

Er weiß genau, was es mit all den Buchstaben, 

Strichen und Häkchen auf sich 

hat, die für Nicht-Sorben zuweilen einfach 

nur kurios erscheinen. Im Folgenden 

erklärt Schlosser, welche Vokabeln 

Sie unbedingt lernen sollten, um bei 

der nächsten Premierenfeier in Bautzen 

auch mitreden zu können. 

AKTIENGESELLSCHAFT, DIE: akcijowa 

towaršnosć ~e, Femininum 1796 

wurde das Bautzener Stadttheater, 

ein Vorgängertheater des heutigen 

Deutsch-Sorbischen Volkstheaters, 

als Aktiengesellschaft in einer Bastion 

der inneren Stadtmauer gegründet. 

FIGURENGIEBEL, DER: rietschelowe swisl|e 

~ow, Neutrum Im Jahr 1905 bekommt 

das Bautzener Stadt theater von der 

Stadt Dresden einen von Ernst Rietschel 

geschaffenen Figurengiebel 

geschenkt. 2003 werden die Figuren in 

den Neubau des Theaters integriert. 

GASTHOF, DER: hosćenc ~a, Maskulinum 

[s. auch Dorfsaal, der: wjesna žurl|a ~e, 

Femininum] Als im Jahr 1948 das 

erste Sorbische Volkstheater gegründet 

wurde, verfügte das Ensemble über 

kein eigenes Haus. Gespielt wurde in 

Gasthöfen – eine Tradition, die noch 

heute mit den sogenannten Frühjahrsund 

Herbst abstechern weiterlebt. 

KINDERGARTEN, DER: pěstowarnj|a ~e, 

Femininum Das Deutsch-Sorbische 

Volkstheater ist ein Ort der sprachlichen 

Früherziehung. Jährlich spielt 

das Puppentheater und das Schauspiel 

vor sorbischen oder Sorbisch 

lernenden Kindern und prägt somit 

Fantasie und Sprachgefühl. 

KOPFHÖRER, DER: słuchatk|o ~a, Neutrum 

Das Deutsch-Sorbische Volkstheater 

ist das einzige Theater in Deutschland, 

in dem drei Sprachen auf einer Bühne 

gesprochen werden – deutsch, 

nieder- und obersorbisch. Die drei 

sorbischen Inszenierungen pro 

Spielzeit werden per Kopfhörer ins 

Deutsche übersetzt. 

NEUE BURG, DIE: Dźiwadło na hród 

hroda || hrodu, Maskulinum Im 

Jahr 2003 eröffnete das Sorbische 

Volkstheater mit der Neuen 

Burg eine zweite Spielstätte. Im 

neuen Haus im Innenhof der Ortenburg 

finden seither vor allem das Puppentheater 

sowie das Kinder- und Jugendtheater 

Platz. 

PREMIERE, DIE: premjer|a ~y, Femininum 

Das Theater in Bautzen feiert in jeder 

Spielzeit 25 Premieren im Schauspielund 

im Puppentheaterrepertoire. 

ROLLE, DIE: ról|a ~e, Femininum [s. auch: 

„Wir treten aus unseren Rollen 

heraus“: wustupimy z našich rólow] 

Im Wendejahr 1989/90 wurde das 

Deutsch-Sorbische Volkstheater zum 

Ort der friedlichen Revolution. Am 

8. Oktober 1989 traten die Schauspieler 

geschlossen auf die Bühne und 

verlasen unter der Überschrift „Wir 

treten aus unseren Rollen heraus“ ihre 

politischen Forderungen. 

SCHULE, DIE: šul|a ~e, Femininum 2004 

entstand am Deutsch-Sorbischen 

Volkstheater der Wunsch, aktiv gegen 

Rechtsextremismus vorzugehen. In 

den Schulen der Region inszenierte 

man eine Bühnenversion von Morton 

Rhues Jugendbuchklassiker „Die Welle“ 

und feierte damit große Erfolge. 

VOLKSTHEATER, DAS: ludowe dźiwadł|o ~a, 

Neutrum Das Sorbische Volkstheater 

ist das einzige bilinguale Theater 

in Deutschland. Jährlich zieht es mit 

seinen über 1000 Veranstaltungen 

mehr als 140 000 Besucher an. 

Torsten Schlosser wurde 

1966 in Bautzen geboren. 

Nach einem Schauspielstudium 

in Berlin leitete 

er lange Jahre das 

Sorbische Jugendtheater 

und das Sorbische 

Schauspielstudio. Als 

Simultanübersetzer 

übersetzt er Vorstellungen 

aus dem Oberund 

Niedersorbischen 

BÜHNE SACHSEN

46 

TANZEINLAGE 

Hellerauer 

Hüftgeschüttel 

Breakdance trifft Ballett: Das Format 

„Floor on Fire“ beschert der Dresdner 

Tanzszene energiegeladene Abende 

TEXT Rafael Barth 

FOTOS Stephan Floss 

Es ist ein Feuerwerk. Man weiß 

nicht, wo man zuerst hinschauen 

soll. So schnell, so viel saust 

an diesem Abend über die Bühne, hier 

kommt zusammen, was sonst nicht 

zusammengehört. Ein Tänzer dreht 

sich springend auf einem Bein, legt 

die Arme auf den Rücken und flattert 

mit den Händen. Ein Viererteam 

hebt einen Solisten in die Höhe, der 

von oben Küsse in die Luft pustet. 

Ein Breakdancer hüpft auf einer 

Hand. Überall Moves, Bewegung, wie 

ein einziger Rausch. Aus den Boxen 

erklingt eine Mischung von Hip-Hop 

bis Barock. Das Publikum klatscht 

rhythmisch mit. 

Das ist sie also, „the real total craziness“, 

die sich der Moderator zum 

Finale gewünscht hat. Da wirkt es für 

einen Moment wie ein Programmfehler, 

dass die Show nun vorbei sein soll. 

Mehr als zwei Stunden haben 500 Leute 

mitgefiebert, mitgejubelt, mitgeklatscht. 

Jetzt applaudieren sie ein letztes Mal 

für jene Tänzer, die auf dem Siegerpodest 

zum Posen antreten. Glitzerschnipsel 

flittern hinunter, während der DJ 

schnell in den Partymodus überblendet: 

„Let’s Twist Again“. Männer, Frauen, 

Kinder: Die Tanzfläche gehört euch! 

Tanz gibt es das ganze Jahr über im 

Festspielhaus Hellerau, dem europäischen 

Zentrum der Künste. Aber kein 

anderes Format euphorisiert die Zuschauer 

dermaßen wie „Floor on Fire“ 

seit 2015. Bei kaum einem anderen 

Programm sieht das Publikum eine derartige 

Bandbreite an professionellem 

Tanz. An drei, vier Abenden in der Saison 

begegnen sich Breakdancer und 

Ballerinas im Wettbewerb, messen sich 

Hip-Hopper mit zeitgenössischen 

Tänzern. Vor allem für letztere kennt 

man das Festspielhaus auch jenseits 

der Stadtgrenzen. 

Bei „Floor on Fire“ sind die Karten 

jedes Mal binnen Stunden weg. „Es 

ist die einzige Veranstaltung, für die 

wir keine Werbung machen müssen“, 

sagt Anna Bründl, künstlerische Mitarbeiterin 

der Intendanz. Sie hat das 

Format zusammen mit Breakern von 

„The Saxonz“ mitentwickelt, mit dem 

das Festspielhaus schon in Prag und 

Paris gastierte. Der Ursprung liegt im 

Breakdance, den Battles der B-Boys, 

die sich gegenseitig beweisen, wer am 

meisten draufhat. „Floor on Fire“ belässt 

es nicht dabei. „Es geht darum,“ 

sagt Bründl, „sich selbst, sein Ego 

und seinen Stil zurückzunehmen. Im 

Idealfall vergessen die Leute ihren 

eigenen Background, wachsen über 

ihre Grenzen hinaus und im Team 

kann etwas ganz Neues entstehen.“ 

16 Tänzer und Tänzerinnen sind an 

diesem Abend am Start. Drei Stunden 

vor dem Start trudeln sie im Nebenraum 

der Bühne ein. Manche begegnen 

sich dort zum ersten Mal. Sie kommen 

vom Ballett der Dresdner Semperoper, 

ein Teil tanzt zeitgenössisch in der freien 

Szene, andere gehören zu „The Saxonz“, 

jener Breakdance-Company aus Sachsen, 

die zweimal deutscher Meister war. 

Dehnen, springen, Übungen mit Partnern, 

erster Schweiß läuft über Rücken 

und Stirn. Vom Organisationsteam 

kommt jemand mit einem Basecap, in 

dem 16 Zettel liegen. 

BÜHNE SACHSEN

Schongang geht 

anders: Dalier 

Burchanow tanzt 

in Hellerau 

Bei keinem anderen 

Programm sieht 

das Publikum eine 

solche Bandbreite an 

professionellem Tanz 

Für die erste Runde werden Paare 

ausgelost. Die Vorgabe lautet, dass sich 

die Tanzstile mischen müssen. Im Laufe 

des Abends siebt eine Jury immer weiter 

aus, wobei klar ist, dass witzige Schnuten 

und sexy Hüftschüttelei mehr punkten 

als Innerlichkeit. Gewinner einer 

Runde dürfen sich einzelne Tänzer aus 

dem Verliererteam in die eigene Gruppe 

holen. Durch das ausgeklügelte System 

wachsen die Teams und kriegen ständig 

neues Blut. „Es ist wie Lotterie“, sagt 

Dalier Burchanow, der mit drei Kollegen 

vom Ballett des Theaters Halle für 

diesen Abend nach Dresden gekommen 

ist. „Man kann sich nicht vorbereiten.“ 

Dieser Umstand macht es besonders 

Balletttänzern wie ihm schwer. Tag für 

Tag führen sie aus, was ein Choreograf 

sehen will, heute müssen sie improvisieren. 

Erschwerend kommt hinzu, 

dass der DJ wie immer bei „Floor on 

Fire“ einen unvorhersehbaren Stilmix 

auflegt, Salsa, Pop, Dance, Klassik – 

alles ist dabei. Da ist es umso bemerkenswerter, 

was Dalier, 28, schwarzes 

Haar, schwarze Jogginghose und rot 

gemustertes Laufshirt, mit seinem 

Körper anstellt. Überschläge mit einer 

Hand zu „Forever Young“, Drehungen 

mit wechselndem Sprungbein zu 

einem Rocksong der Red Hot Chili 

Peppers. Schongang geht anders. 

Alexander Kelox Miller von den 

„Saxonz“, bei „Floor on Fire“ von Anfang 

an dabei, beschreibt es so: „Man 

kann sich nicht vorbereiten, du weißt 

nicht, was passiert. Du springst über 

deinen eigenen Schatten und dann 

kannst du einfach nur du selbst sein.“ 

Daliers Team hat sich inzwischen zu 

wenig aufeinander eingestellt, die Gegner 

waren einfach besser. Scheinwerfer 

strahlen auf die fünf Jurymitglieder, die 

mit ausgestreckten Armen abstimmen. 

Die Sieger entscheiden sich, die beiden 

Mittänzer von Dalier bei sich aufzunehmen. 

In diesem Moment könnte die 

Nebelschwade über der Bühne eine 

Zorneswolke sein. Das Publikum, verteilt 

auf zwei gegenüberliegenden Tribünen, 

schreit, buht, klatscht, klatscht 

weiter, als ließe sich so die Entscheidung 

noch einmal rückgängig machen. Vergebens. 

Dalier fällt im Halbfinale raus. 

Abgekämpft wird er sich nach der Show 

unter die Zuschauermenge mischen. 

Eine Frau, die seine Mutter sein könnte, 

wird ihm anerkennend auf die Brust 

klopfen und sagen, dass er, Dalier, für 

sie der eigentliche Gewinner des 

Abends ist. • 


www.hellerau.org 

BÜHNE SACHSEN

48 LOGBUCH 

Spielplan 

Sachsen 

Premieren, Festivals und Uraufführungen: 

Höhepunkte aus der aktuellen 

Theatersaison 2017/18 

STADTTHEATER FREIBERG 

Premiere 

„Reinecke Fuchs“ 

Nach dem Versepos von 

Johann Wolfgang von Goethe 

16. Dezember 2017, 19.30 Uhr 

EDUARD-VON-WINTERSTEIN-THEATER 

ANNABERG-BUCHHOLZ 

Premiere 

„Gräfin Mariza“ 

Operette in drei Akten 

von Julius Brammer und 

Alfred Grünwald 

29. Oktober 2017, 19 Uhr 

STAATSSCHAUSPIEL DRESDEN 

Festival 

Fast Forward 

Europäisches Festival für Junge Regie 

Kuratiert von Barbara Engelhardt 

2.–5. November 2017 

SCHAUSPIEL LEIPZIG 

Uraufführung 

„Mein Hohlraum“ 

Auftragswerk des Schauspiels Leipzig 

von Sascha Hargesheimer 

25. November 2017, 20 Uhr 

OPER LEIPZIG 

Premiere 

„Rusalka“ 

Lyrisches Märchen in drei Akten 

von Antonin Dvořák 

Text: Jaroslav Kvapil 

3. Dezember 2017, 18 Uhr 

Oper Leipzig 

SEMPEROPER DRESDEN 

„Der Ring des Nibelungen“ 

„Das Rheingold“ 

Premiere 

Oper von Richard Wagner 

Dirigent: Christian Thielemann 

13. Januar 2018, 18 Uhr 

DIE THEATER CHEMNITZ 

Premiere 

„Der dressierte Mann“ 

Komödie von John von Düffel 

nach Ester Vilar 

27. Januar 2018, 19.30 Uhr 

Schauspielhaus Chemnitz 

Semperoper Dresden 

Fotos: XXXXXX XXXXX 

BÜHNE SACHSEN

LOGBUCH 

49 

THEATER DER JUNGEN WELT LEIPZIG 

Uraufführung 

„Dolores (Schmerz)“ 

Ein Borderline-Tanzprojekt von 

Hong Nguyen Thai 

12. April 2018, 19.30 Uhr 

GEWINNSPIEL 

Preisfrage: In welchem Jahr 

wurde auf der Felsenbühne 

Rathen erstmals ein Romanstoff 

von Karl May inszeniert? 

Fotos: Kirsten Nijhof, Klaus Gigga, Dieter Wuschanski, Oliver Killig, Jens Gerber. (Architekt: Eberhard Göschel, © VG Bild-Kunst, Bonn 2017) 

tjg Dresden im Kraftwerk Mitte 

BURGTHEATER BAUTZEN 

Uraufführung 

„Die Wahrheit über 

die Farm der Tiere“ 

Nach Motiven aus dem Roman 

„Die Farm der Tiere“ von George Orwell 

Puppentheater für Jugendliche und 

Erwachsene 

16. Februar 2018, 19.30 Uhr 

GEWANDHAUS LEIPZIG 

Festwochen zur Amtseinführung 

von Andris Nelsons 

Werke von Steffen Schleiermacher, 

Alban Berg, Felix Mendelssohn 

Bartholdy 

Dirigent: Andris Nelsons 

22. Februar 2018, 20 Uhr 

LANDESBÜHNEN SACHSEN RADEBEUL 

Premiere 

„Ein Sommernachtstraum“ 

Komödie von William Shakespeare 

Empfohlen für junges Publikum 

10. März 2018, 19 Uhr 

THEATER ZWICKAU, MALSAAL 

Premiere 

„Die Räuber“ 

Schauspiel von Friedrich Schiller 

23. März 2018, 19.30 Uhr 

THEATER JUNGE GENERATION 

DRESDEN 

Premiere 

„Einige fühlen den Regen, 

andere werden nass“ 

Jugendtheater von Johannes Deimling 

13. April 2018, 19.30 Uhr 

GERHART-HAUPTMANN-THEATER ZITTAU 

Premiere 

„House at the Crossroads“ 

Trinationales Projekt 

des Theaterjugendclubs 

23. Mai 2018, 19.30 Uhr 

Gewandhaus Leipzig 

SCHAUSPIEL CHEMNITZ 

Premiere 

„Maria Stuart“ 

Ballett nach Reiner Feistel 

8. Juni 2018, 19.30 Uhr 

STAATSOPERETTE DRESDEN 

Premiere 

„Die Csárdásfürstin“ 

Operette von Emmerich Kálmán 

30. Juni 2018, 19.30 Uhr 

a) 1938 

b) 1949 

c) 1986 

Unter den richtigen Einsendungen 

verlosen wir: 

einen Gutschein 

im Wert von 70 EUR 

für die Felsenbühne Rathen 

1 x 2 Eintrittskarten 

im Gesamtwert von 150 EUR 

für den Ball d’Amour – 

den Bühnenball der 

Landesbühnen Sachsen – 

am 10. Februar 2018 

in Radebeul 

Schreiben Sie die Lösung auf eine 

frankierte Postkarte und schicken 

Sie diese an: 

Redaktion „Bühne Sachsen“ 

c/o Ketchum Pleon 

Käthe-Kollwitz-Ufer 79 

01309 Dresden 

Oder senden Sie eine E-Mail an: 

gewinnen@so-geht-saechsisch.de 

Viel Glück! 

Teilnehmen darf jede natürliche Person außer 

Mitarbeiter der sächsischen Staatsregierung 

sowie deren Angehörige. Personenbezogene 

Daten werden nicht an Dritte weitergegeben, 

ausschließlich für den genannten Zweck genutzt 

und anschließend gelöscht. Einsendeschluss: 

31.12.2017. Die Gewinner werden schriftlich 

benachrichtigt. Eine Barauszahlung der 

Gewinne ist nicht möglich. Der Rechtsweg ist 

ausgeschlossen. 

BÜHNE SACHSEN

50 LETZTER AKT 

SACHSEN, 

MEINE BÜHNE 

Sophie Dannenberg 

ist vom sächsischen Lachen 

verzaubert 

TEXT Sophie Dannenberg 

Es war wohl 1986, im Jahr, in dem 

Tschnernobyl in die Luft ging 

und Jörg Haider FPÖ-Vorsitzender 

wurde, als wir nach Dresden auf 

Klassenfahrt fuhren. Wir hatten uns 

wochenlang vorbereitet und wussten 

alles über die DDR: Antifaschismus, 

Wirtschaft, Wahlen. Und über Dresden: 

Bombardierung, Frauenkirche, Semperoper. 

Nur, dass die DDR ein totalitärer 

Staat war, hatten wir nicht auf 

dem Schirm, denn die Reise diente der 

Völkerverständigung. 

Den Einreiseantrag nahm ich darum 

nicht ernst. Ich hatte verschusselt, 

meinen Personalausweis zu beantragen, 

und als die Lehrerin die Anträge einsammelte, 

kritzelte ich eine fantasierte 

Zahlenfolge in das Feld für die Ausweisnummer. 

Dann vergaß ich das Ganze. 

Es fiel mir erst wieder ein, als der 

Reisebus an der Grenze stand. Mir 

wurde ganz anders, denn zwar hatte 

ich inzwischen meinen Ausweis, aber 

die Nummer war natürlich falsch. 

Die Lehrerin verschwand beunruhigend 

lange im Kabuff mit den Grenzern. 

Hinzu kam, dass ein paar der Jungs 

im Bus den „Wachturm“ dabei hatten, 

den ihnen ein Zeuge Jehovas an der 

letzten Raststätte angedreht hatte. 

Unser Lehrer befürchtete, man würde 

uns wegen Zeitschriftenschmuggels 

nicht 

in die DDR lassen. Mir wurde auf 

einmal klar, dass das alles nicht komisch 

war. Der Lehrer versteckte den „Wachturm“, 

wir kamen durch. 

Dresden lag im Elbtalkessel wie in 

einer zerbrochenen Schneekugel. Wir 

durften die Brücken nicht fotografieren, 

die sich matt über das Wasser beugten. 

Nicht nur die Stadt war grau, ihre Aura 

war es auch, ein feiner, wehmütiger 

Dunst, der sich erst in der Ferne verlor. 

Die Leute auf der Straße sahen erschöpft 

aus, wir verstanden ihren Dialekt 

nicht, und überall schnauzten uns 

die Kellner an. Die FDJ-Funktionärin, 

die dazu verdonnert worden war, uns 

während eines „Begegnungsabends“ die 

Vorzüge des Sozialismus zu vermitteln, 

erzählte uns stattdessen, wie schlimm 

die DDR sei. Sie hatte müde blondiertes 

Haar und trug einen Synthetikpullover 

mit Puscheln. Beim Stadtrundgang 

starrten wir in ein Schaufenster, in dem 

nichts außer einem Rasierpinsel lag. 

In der Oper lernten wir ein anderes 

Dresden kennen. Es gab eine Operette, 

die Sänger rannten in barocken Kostümen 

hin und her und verschwanden 

ständig hinter wippenden Theatertüren. 

Aber, anders als wir, lachte das einheimische 

Publikum nicht nur über die 

Handlung. Die Sänger versahen ihre 

Dialoge mit Anspielungen, 

die offenbar politisch 

waren und die wir nicht 

decodieren konnten. Das 

Lachen der Dresdner klang 

anders als unser lautes Lachen, mehrschichtig, 

stiller, voller Kadenzen, die 

wohl eine Antwort auf den doppelten 

Boden des Schauspiels formten. 

Auf der Heimfahrt entdeckte ein 

Grenzer den „Wachturm“ in unserem 

Reisebus und enttarnte ihn als antisozialistisches 

Propagandamaterial. Unsere 

Lehrer hatten alle Mühe zu erklären, 

wo das herkam, und mir fiel mein 

gefälschter Antrag wieder ein. Ich fantasierte 

meine Verhaftung, Verhöre, internationale 

Verwicklungen und merkte 

kaum, dass wir längst wieder fuhren, 

auf einer perfekten glatten Straße ohne 

die Querfugen der Plattenautobahn. 

Wenn ich heute nach Dresden 

komme, sehe ich die vollen Schaufenster 

und die restaurierten Gebäude, 

die Touristen und die Werbeschilder. 

Dann denke ich noch immer an den 

wehmütigen Dunst und die Kadenzen 

im Lachen. • 

Sophie Dannenberg kam 

1971 in Gießen zur Welt. Ihr 

Debüt „Das bleiche Herz der 

Revolution“ löste heftige 

Debatten aus. 2012 erschien 

Dannenbergs viel gelobter 

Roman „Teufelsberg“ 

Illustration: Anja Stiehler-Patschan/Jutta Fricke Illustrators 

BÜHNE SACHSEN

Spannung.Energie.Widerstand. 

tjg.theater junge generation und Staatsoperette Dresden spielen im Kraftwerk Mitte 

Fotos: XXXXXX XXXXX 

tjg-dresden.de 

kraftwerk-mitte-dresden.de 

staatsoperette.de

MUTTER. VATER. KUNST. 

SACHSEN WERDEN MIT KUNST UND KULTUR GROSS. Von Raffaels 

„Sixtinischer Madonna“ bis zur zeitgenössischen Leipziger Kunstszene, 

vom ergreifenden Konzerterlebnis in Semperoper oder Gewandhaus bis 

zur Vogtländer Instrumentenmanufaktur, vom größten Streetart-Festival 

bis zu den lebendigen Theatern – die Kunst inspiriert Einheimische, Gäste 

und Kunstfreunde von morgen. Sachsen ist ein optimaler Nährboden 

für Kunst, Kreativität und Innovation. Hier findet jeder seine Bühne. 

Erleben Sie es selbst. Vor Ort oder unter: 

www.so-geht-sächsisch.de

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