Carl Schuch und die zeitgenössische Stilllebenfotografie - Herforder ...

Still
leben
Carl Schuch und die zeitgenössische Stilllebenfotografie
1

Vorwort
Stillleben faszinieren seit Jahrhunderten Betrachter und Künstler gleichermaßen. Das empfanden auch die Käufer der Gemälde,
die zu Beginn des 17. Jh. auf den Markt kamen. Stillleben als Gattungsbegriff entstand sowohl im Deutschen wie stil leven im
Niederländischen und gleichermaßen im Englischen still life: Bilder von sorgfältig arrangierten stillen Gegenständen in Gestalt
üppiger Blumenarrangements, exotischer Früchte, Jagdwild, Tellern, Karaffen oder Musikinstrumenten.
In den Niederlanden des Goldenen Zeitalters erreichte die Stilllebenmalerei ihre höchste Blüte. Im Verlauf des 19.Jahrhunderts
wird das Stillleben zum bevorzugten Motiv der Künstler und zu einem wichtigen Träger künstlerischer Innovationen. Der außergewöhnliche
Reiz der Darstellungen – dies gilt für das Stillleben als Gattungsbegriff allgemein – liegt nicht allein nur in ihrer
eigentümlichen Rätselhaftigkeit und verborgenen Symbolik, sondern auch in ihrer Bedeutung für das Verhältnis von Raum und
Fläche, von Form und Farbe.
Die Ausstellung stellt einer Auswahl von Stilllebenmalerei mit Blumen-, Essens- und Vanitasmotiven von Carl Schuch
aktuelle Stilllebenfotografie gegenüber. Schuch, Mitglied des Kreises um Wilhelm Leibl, war zu Lebzeiten wegen materieller
Unabhängigkeit nur einem engen Freundeskreis bekannt. Nach seinem Tod wurde sein Werk in den Kunsthandel gebracht
und über ganz Mitteleuropa verstreut. Die ihm gegenübergestellte Fotografie interpretiert den traditionell aus der Malerei
abgeleiteten Begriff vom Stillleben neu und gibt damit dieser Gattung einen anderen Stellenwert und eine neue Sichtweise
auf das Genre selbst.
Oftmals ist es die Suche nach dem Authentischen und Wahren, die in der Darstellung vom Alltag und seiner profanen Ästhetik
anschaulich wird. Diese Nähe zum Alltäglichen rückt die aktuelle Fotografie hier in die Nähe einer privaten und intimen Welt.
Die fotografischen Korrelationen zu den Gemälden von Carl Schuch stammen von Rolf Appelbaum, Jessica Backhaus, Werner
Barfus, Adam Bartos, Johannes Brus, Claus Goedicke, Manfred Hamm, Arno Jansen, Laura Letinsky, Christopher Muller,
Hartmut Neumann, Dieter Nuhr, Manfred Paul, Marcus Schwier, Anett Stuth und Ingolf Timpner.
Unser Dank gilt zuallererst allen an der Ausstellung beteiligten Künstlerinnen und Künstlern für das Zustandekommen des
Projekts, die gelungene Zusammenarbeit und schließlich die Bereitschaft, ihre Werke für die Dauer dieser Ausstellung zur
Verfügung zu stellen.
Die Ausstellung hätte nicht ohne die weiteren generösen Leihgaben verwirklicht werden können. Unser herzlicher Dank gilt
hier insbesondere Eva und Franz Armin Morat vom Morat-Institut für Kunst und Kunstwissenschaft in Freiburg im Breisgau für
die Großzügigkeit und das uns entgegengebrachte Vertrauen, die Gemälde von Carl Schuch für annähernd ein Jahr ausstellen
zu dürfen. Des Weiteren sei Robert Morat von der gleichnamigen Galerie in Hamburg für die Ausleihe der Arbeiten von Jessica
Backhaus und Adam Bartos , Rolf Hengesbach von der Galerie Hengesbach in Berlin für die Ausleihe der Arbeiten von
Christopher Muller, Udo Bugdahn von der Galerie Bugdahn und Kaimer in Düsseldorf für die Ausleihe der Arbeiten von Ingolf
Timpner, Susanne Breidenbach von der Galerie m in Bochum für das Ausleihen der Arbeiten von Claus Goedicke und Laura
Letinsky und schließlich Dieter und Christian Löhrl von der gleichnamigen Galerie in Mönchengladbach für die Ausleihe der
Arbeiten von Anett Stuth gedankt.
Auch soll an dieser Stelle die Unterstützung großzügiger Förderer - insbesondere des Ministeriums für Familie, Kinder, Jugend,
Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen und des Kultursekretariats NRW Gütersloh – nicht unerwähnt bleiben.
Unser Dankeschön geht weiterhin an Simone Reusch und Andreas Wünkhaus für die kongeniale Gestaltung des Kataloges.
Dem Kerber-Verlag in Bielefeld danken wir für die ansprechende Katalogproduktion – und schließlich den vielen an
der Umsetzung der Ausstellung beteiligten Kolleginnen und Kollegen aus der Verwaltung und Technik der einzelnen
Ausstellungsinstitute. Ohne sie hätte das Projekt so nicht realisiert werden können.
Theodor Helmert-Corvey. Herforder Kunstverein im Daniel-Pöppelmann-Haus e.V. | Herford
Alexandra König und Klaus Thelen. Museum Ratingen | Ratingen
Ursula Blanchebarbe. Siegerlandmuseum im Oberen Schloss | Siegen
Gundula Caspary. Stadtmuseum Siegburg | Siegburg
Elisabeth Friese. Städtisches Kramer-Museum Kempen | Kempen
Petra Lewey. Kunstsammlungen Zwickau | Zwickau
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Zur Entstehung der Schuch-Sammlung des Morat-Instituts für Kunst und Kunstwissenschaft in Freiburg im Breisgau
Nachdrücklich angeregt von Gottfried Boehm und Raimer Jochims begann ich in den frühen
siebziger Jahren des vorigen Jahrhunderts meine Beschäftigung mit Giorgio Morandi und Carl
Schuch. Damals studierte ich noch Philosophie, Kunstgeschichte und Musikwissenschaft, zunächst
an der Universität meiner Heimatstadt Freiburg im Breisgau und später in Bern, Heidelberg,
Bochum und Gießen.
Beide Maler, Morandi und Schuch, wurden damals noch als Geheimtipp gehandelt, zumindest
in weitesten Kreisen des kunstinteressierten Publikums - nicht so bei Malerkollegen: Sowohl
der 1890 in Bologna geborene Giorgio Morandi wie der 1846 in Wien geborene Carl Schuch
waren painter‘s painter. 1 Nach vergleichsweise wenigen Jahren konnte ich Ausstellungsprojekte
realisieren, die in der Rezeptionsgeschichte beider Künstler einen erheblichen Stellenwert
erreichten: Morandi 1981 im Haus der Kunst in München (anschließend bis Mai 1982 drei
Stationen in Nordamerika) und Schuch 1986 in der Kunsthalle Mannheim (anschließend in der
Städtischen Galerie im Lenbachhaus in München). 2
Zu diesem Zeitpunkt umfasste die Schuch-Sammlung des Morat-Instituts, das 1983 gegründet
wurde und seit 1987 in der Ausstellungshalle an der Lörracher Straße in Freiburg beheimatet ist,
etwa die Hälfte des heutigen Bestandes. 3
Der Berliner Kunsthistoriker Claus Korte (1938-1994) hat nach jahrzehntelanger Arbeit am
Werkverzeichnis für Carl Schuch sein gesamtes Archiv testamentarisch unserer Stiftung vererbt, ebenso wie die schöne
Olevano-Landschaft mit dem Titel Bergrücken von 1874.
Der Kunsthistoriker Roland Dorn, der den Katalogteil zur Mannheimer Schuch-Ausstellungspublikation - in Diskussion
mit Claus Korte - bearbeitet hatte, hat nunmehr seine Forschungen weitgehend abgeschlossen, sodass das Carl-Schuch-
Werkverzeichnis der Gemälde in den nächsten Jahren erscheinen kann. In Absprache mit Roland Dorn habe ich die Schuch-
Werke meiner Sammlung, die in der Regel nicht vom Künstler selbst betitelt wurden, dem heutigen wissenschaftlichen
Stand angeglichen, sodass die Werktitel der vorliegenden Publikation von den bislang erschienen Veröffentlichungen leicht
abweichen werden. 4
Kurt Kocherscheidt
Skizze nach Schuchs Werk Melone,
Pfirsiche und Weintrauben
(Kürbisschnitte), 23.9.1988
Kohle/Papier
Die mit dieser Publikation dokumentierte Carl-Schuch-Sammlung umfasst eine erfreulich große Anzahl von Bildern
obersten Ranges; daneben beinhaltet sie aber auch - quasi als Lehr- oder Arbeitssammlung - einige Werke, bei denen
der dokumentarische Stellenwert überwiegt oder die Besonderheiten der Authentizitätsfrage im Vordergrund stehen.
Im vergleichenden Sehen sind Schuchs Errungenschaften womöglich noch schärfer erkennbar und für den Betrachter
nachvollziehbar, als wenn die überragenden Hauptwerke Schuchs unter sich blieben.
Franz Armin Morat
1
Ein gutes Beispiel für eine direkte Bezugnahme auf ein Werk Schuchs stellt die hier reproduzierte Kohlezeichnung von Kurt Kocherscheidt (1943-1992)
dar. Im Herbst 1988, auf dem Weg zu Kocherscheidt ins Südburgenland, erwarb ich in München Schuchs Leinwand Melone, Pfirsiche und Weintrauben
(Kürbisschnitte) von 1884. Ihrer ansichtig werdend, skizzierte Kocherscheidt in einer Art Spontangeste den formalen Aufbau des Bildes.
2
Giorgio Morandi. Ölbilder, Aquarelle, Zeichnungen , Radierungen, hrsg.: Haus der Kunst München, Ausst. Kat. Haus der Kunst München, München 1981.
Autoren des Ausstellungskatalogs sind u. a. Franz Armin Morat, Gottfried Boehm und Raimer Jochims. Carl Schuch 1846-1903, hrsg.: Gottfried Boehm,
im Lenbachhaus München, Obrigheim/Neckar 1986.
3
1983 gründeten Franz Morat, Charlotte Morat und Franz Armin Morat das Morat-Institut für Kunst und Kunstwissenschaft, eine Stiftung des bürgerlichen
Rechts. Die Sammlung des Morat-Instituts besitzt u. a. Arbeiten von Carl Schuch, Gerhard Hoehme, Ernst Hermanns, Karl Prantl, Kurt Kocherscheidt,
Ian McKeever, Franz Bernhard, Artur Stoll, Herbert Maier, Per Kirkeby, Jaroslav Kovár, Giorgio Morandi, Max Beckmann, James Ensor, Francisco
Goya, Albrecht Dürer, Martin Schongauer sowie Masken und Skulpturen aus Burkina Faso und Renaissance-Medaillen. Die Stiftung unterhält des
Weiteren eine Fach-Bibliothek von ca. 50.000 Bänden.
4
Vgl. Fußnote 2 ; vgl. Cézanne Manet Schuch, Drei Wege zur autonomen Kunst, hrsg.: Brigitte Buberl, Ausst. Kat. Museum für Kunst und Kulturge-
schichte der Stadt Dortmund, München 2000.
4 5

Carl Schuch - Stillleben
Carl Schuch (1846-1903) malt im Ringen um eine adäquate Wiedergabe der Natur in einer Zeit, in der das neue Medium
der Fotografie eine scheinbar objektive Abbildung der dinglichen Welt verspricht. Das Interesse von Schuch und anderen
Malern seiner Zeit verlagert sich gleichzeitig in eine Richtung, die eine bis heute nachwirkende Zäsur in der Malerei einleitet,
indem sie auf das rein Abbildende verzichten. „Wollen die Leute blos den plausiblen Schein der Natur malen, so
sehe ich den Zweck ihres Malens nicht ein“, schreibt Schuch an einen Freund. „Ich begreife nicht, warum ich mir dann
lieber nicht die Natur selbst ansehe (...). Nein, hier handelt es sich um etwas Anderes: um das Begreifen der Natur und
das Wiedergeben ihrer geistigen Wahrheiten, um das Warum der Erscheinung, das Hervorheben ihrer Gesetzlichkeit (...).“ 1
Schuch will diesen „Wahrheiten“ auf den Grund gehen. Als geeignetes Mittel scheint ihm die Stilllebenmalerei, erlaubt
sie es doch, seine malerischen Untersuchungen in gesteuerten Lichtverhältnissen und an ausgewählten Objekten - quasi
unter Laborbedingungen - durchzuführen. In Paris, wo er von 1882 bis 1894 vorwiegend lebt, wird es sein Hauptinteresse.
Ganz in der Tradition der Gattung des Stilllebens arrangiert er Obst und Geflügel, Karaffen, erlegtes Wild und Geschirr. Er
wählt etwa einen aufgeschnittenen Kürbis auf einem Zinnteller (Abb. S.5), wie ihn auch schon ein Maler des 17. Jahrhunderts
ins Bild gesetzt haben könnte, 2 daneben grüne und blaue Trauben, einige weitere Früchte, ein weißes Tuch, das Ganze
angerichtet auf einem Holztisch. Carl Schuch bietet uns ein klassisches Stillleben. Der Aufbau der Utensilien bot schon den
alten Niederländern die Möglichkeit, Form- und Farbkompositionen zu erproben und ihre Kunst und Kennerschaft, nicht
zuletzt dank symbolischer Bezüge, unter Beweis zu stellen. Ausgangspunkt für die Beschäftigung mit dem Stillleben war
seit jeher das Naturstudium, die genaue Beobachtung der dinglichen Welt. Für Schuch war es darüber hinaus das Mittel,
die Malerei selbst zu studieren. Davon zeugen nicht nur die unterschiedlichen Versionen an Ölgemälden, die er von ein und
demselben Motiv anfertigte. Wildenten variierte er vielfach oder eine Schale mit Äpfeln und Tuch - auch der Kürbis mit seiner
Begleitung ist in einer weiteren Fassung erhalten. 3 Schuch bereitete darüber hinaus seine Gemälde in Skizzen vor, die er in
sein Notizbuch eintrug. Aus seiner Pariser Zeit sind zwei solcher Notizbücher erhalten. Die Einträge des früheren stammen
wohl zum größten Teil aus dem Jahr 1884. 4 Das Heft enthält eine ganze Sammlung von „Stilllebenmotiven“, basierend
auf Gemälden, die Schuch auf seinen Reisen in Museen und Galerien studierte. 5 Bereits 1882 kündigte er seinem Freund
Hagemeister an, ein Heft zu führen, in dem er seine Beobachtungen zu Werken von ihm geschätzter Maler notiert, die Bilder
beschreibt und analysiert nach „Beleuchtung, Palettensatz und dergleichen.“ 6 In dem sog. „Pariser Notizbuch“ von 1884, das
heute in der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe verwahrt wird, finden sich neben der skizzenhaften Wiedergabe von Gemälden
anderer Maler, auch Ideen für eigene Entwürfe. Ein Blatt (Abb. S. 7) zeigt unter zwei kleineren Skizzen mit Arrangements auf
einer bildparallelen Tischplatte eine größere und stärker ausgearbeitete Bildnotiz, darunter die Worte „Kürbis aufgeschnitten,
orange / auf Blau Teller/ (grünliche) Trauben & Pfirsiche“. Die Skizze selbst ist ebenfalls beschriftet. Die helle Fläche, die
das Innere der großen Frucht markiert, ist mit „orange“ bezeichnet, das äußere mit „grau / grün“, auf dem Tellerrand steht
das Wort „blau“. Der Katalog der Mannheimer Ausstellung von 1986 stellt der Skizze das Gemälde aus Wien gegenüber,
bemerkt allerdings, das es in einigen Punkten gegenüber dem Entwurf verändert ist. 7 Auch das Stillleben mit Kürbis aus
der Sammlung des Morat-Instituts weist deutliche Unterschiede zu der Skizze auf. So sind die Pfirsiche auf dem Entwurf
zahlreicher und das weiße Tuch des Gemäldes zunächst nicht vorgesehen. In einer weiteren Zeichnung fügt er diese Elemente
ein. Der bildparallele Tisch ist aber bereits von der Skizze in das Gemälde übernommen worden, ebenso wie die Perspektive
auf die Früchte und die angegebene Farbigkeit, Elemente, die wiederum im Wiener Stillleben deutlich abweichen. Schuch
hat den ersten, zeichnerisch und beschreibend festgehaltenen Gedanken malerisch erprobt und variiert, ein Verfahren, das
er oft und ausgiebig anwandte und für das gerade die Stilllebenmalerei mit der Duldsamkeit ihrer „Modelle“ das geeignete
Arbeitsfeld bot.
Durch die Abweichungen und Modifikationen in seinen verschiedenen Ausführungen erhält der Betrachter einen Einblick
in Schuchs jeweilige Problemstellung. Auf der Skizze zu dem Stillleben mit Kürbis gibt Schuch zwei Farben deutlich an.
Entschieden schreibt er die Bezeichnungen „blau“ und „orange“ an die entsprechende Stelle der Zeichnung. Es sind die
komplementär kontrastierenden Farben, die er auf der rechten Bildseite gegeneinandersetzt. Der Farbkontrast ist ihm so
wichtig, dass er ihn auch noch mal in der Schriftzeile unter der Skizze herausstellt. Für die linke Bildseite hingegen bleiben
die Farbbezeichnungen wie die gewählten Töne zurückhaltender. Ein „grünlich“ für die Trauben, „grau grün“ die Schale
des Kürbisses und ein „dunkelgelblicher“ Grund. Die Bezeichnungen entsprechen der zurückhaltenden Palette des Gemäldes.
Denn anders als die klare und knappe Bezeichnung der Farben in der
Skizze suggeriert, interessiert Schuch in dem Gemälde wie in seinem
gesamten Schaffen nicht das Gegeneinander plakativer Primärfarben,
sondern die differenzierte Tonigkeit, das Mitschwingen von Farbwerten
im Licht. Anders als die Impressionisten, mit denen er sich kritisch
auseinandersetzt und bei denen er „die arge Helligkeit auch in den
Schatten, da sie überall Licht sehen (...)“ 8 als ein gemeinsames Prinzip
ausmacht, versucht er gerade in einer dunklen Palette die Farbwerte
auszuloten. Neben den Lokalfarben der Gegenstände berücksichtigt er
deren Brechung in der Atmosphäre. Die Wiedergabe der Gegenstände
ordnet sich damit den Farbwerten unter. Im Dunkel des ohne erkennbare
Lichtquelle dargestellten Arrangements mit dem Kürbis erreicht das
abgetönte Orange des Fruchtfleischs seine Leuchtkraft durch die Blauwerte
im Grau des Zinntellers und der Trauben, deren blaue Lokalfarbe
wiederum durch Violett, Grau und Schwarz eine differenzierte Tonigkeit
erhalten. Zu der Leuchtkraft der Farben, die aus den komplementär
kontrastierenden Tonwerten erreicht wird, setzt Schuch einen deutlichen
Hell/Dunkel-Kontrast, indem er den dunklen Grund mit der Helligkeit des
Tuchs konfrontiert und zwischen beide Bereiche die Früchte platziert.
Schuch verschränkt den Farbkontrast mit dem Kontrast der Lichtwerte zur
Steigerung der Wirkung der Farben, ohne diese im Ton zu intensivieren.
Es ist das Resultat einer Versuchsreihe, die mit der Skizze im Notizbuch begann. Die Gattung des Stilllebens bietet ihm den
Spielraum, seinen Bildern den Stellenwert „als Experimente innerhalb eines Erkenntnisprozesses“ 9 einzuräumen und
diese Auseinandersetzung ermöglicht es dem Maler Carl Schuch, den Weg in die Moderne zu beschreiten.
Alexandra König
1 Carl Schuch, undatierter Brief an Hagemeister, erstmals von diesem veröffentlicht in: Hagemeister, Karl, Karl
Schuch. Kunst und Künstler 6 1908, S. 152-159, hier S. 155, zit. nach G. Boehm/R. Dorn/F. A. Morat (Hgg.), Schuch
1846-1903, Freiburg i. B. 1986, S. 100.
2 Vgl. etwa das „ Stillleben mit Früchten und Kristallvase“, 1652 von Willem van Aelst (1627-1683).
3 Das Gemälde „Kürbis, Pfirsiche und Weintrauben“, um 1884, in Wien, Österreichische Galerie Belvedere, Inv. Nr. 1348.
4 Ein Faksimile des Notizhefts ist als Beigabe des Katalogs zur Ausstellung im Belvedere, Wien, Carl Schuch. Ein
europäischer Maler. 26. Juni-14. Okt. 2012, Katalog hg. v. Agnes Husslein-Arco/Stephan Koja, Wien 2012 erschienen.
5 Die Sommermonate 1884 und 1885 verbringt er in Holland, er besucht u.a. die Museen in Rotterdam und Den Haag.
6 Brief an Hagemeister von Dezember 1882, zit. n. G. Boehm/R. Dorn/F. A. Morat (Hgg.), Schuch 1846-1903,
Freiburg i. B. 1986, S. 122.
7 Carl Schuch 1846-1903. Städtische Kunsthalle Mannheim, 8. März-19. Mai 1986. Katalog: G. Boehm/R. Dorn/
F. A. Morat (Hgg.), Schuch 1846-1903, Freiburg i. B. 1986, S. 264f.
8 Schuch in einem Brief an Hagemeister, Hintersee 31. Mai 1883, zit. n. G. Boehm/R. Dorn/F. A. Morat (Hgg.), Schuch
1846-1903, Freiburg i. B., 1986, S. 97.
9 Gottfried Boehm, Der Fall Schuch. Einleitende Bemerkungen zu seinem Verständnis. In: G. Boehm/R. Dorn/F. A.
Morat (Hgg.), Schuch 1846-1903, Freiburg i. B. 1986, S. 9-12, hier S. 11.
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Das Auge macht das Bild, nicht die Kamera.
Gisèle Freund (1908-2000)
Den Stoff sieht jedermann vor sich, den Gehalt findet nur der, der etwas dazuzutun
hat, und die Form ist ein Geheimnis den meisten.
Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832)
Unbewegt. Das Stillleben in der zeitgenössischen Fotografie
Die Fotografie genießt seit vielen Jahren eine große Aufmerksamkeit als wichtiges Ausdrucks- und
Kommunikationsmittel im Bereich der Realitätsabbildung. Der Bedarf und die Sehnsucht nach immer mehr
Bildinformationen, sei es in Form von Druckmedien und Büchern oder auch Abbildungen in Plakatgröße, macht
einmal mehr deutlich, dass wir uns alltäglich miteinander mehr über fotografische Bilder verständigen, als wir
bemerken. So ist die Fotografie heute neben der fotografischen Praxis ein elementarer Teil unserer Bildkultur.
War der Kunstcharakter der Fotografie über lange Zeit umstritten, so ist die Fotokunst als eigenständiges, die
Breite umfassendes Ausdrucksmittel seit den sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts allgemein anerkannt. Nach
einer ersten kreativ-schöpferischen Phase in den 1920er und 1930er Jahren wurde die Entwicklung der modernen
Fotografie zunächst durch die dokumentarische Fotografie der Nationalsozialisten und nach dem Ende des Krieges
durch den „Bildjournalismus als Erkundigungsmedium einer Generation“ 1 und zur gleichen Zeit durch eine Neu- und
Weiterentwicklung der künstlerischen Fotografie ersetzt. Ausstellungsprogramme, Kunstmessen und fotografische
Sammlungen belegen seither einmal mehr den ausgewiesenen Stellenwert der Fotografie innerhalb der Kunst.
Nicht das handwerkliche Können und die Möglichkeit des Festhaltens von Wirklichkeit machte die Fotografie zur
Kunst, sondern erst über den „Prozess der Lektüre“ 2 , der Benennung, Beschreibung und Wahrnehmung, über das
Erlernen von fotografischem Sehen, fand die Fotografie und mit ihr die Stilllebenfotografie Eingang in die Kunst.
Fotografische Stillleben – meist mit ihrem englischen Namen still-life photography bezeichnet – haben ihren
Ursprung aus dem traditionell aus der Kunstgeschichte abgeleiteten Begriff Stillleben. Betrachtet man diesen
Bereich der Fotografie der letzten 50 Jahre, so zeigt sich, dass viele Arbeiten inhaltlich Bezug nehmen auf diese
kunsthistorische Tradition und sich „so ganz der Ikonografie ihrer Bedeutung verschreiben, andere lediglich mit
einigen Symbolen auf dessen Tradition verweisen“ 3 . Es ist die Vielschichtigkeit, das Wechselspiel zwischen der
traditionell kunsthistorisch orientierten Stillleben-Fotografie einerseits und der neuen Sichtweise auf das Genre
selbst andererseits, was dem Gattungsbegriff Stillleben für die Fotografie eine neue Bedeutung gibt.
Klaus Thelen
1 Ute Eskildsen, Fotografieren, auch eine Frage der Mentalität. Ein Gespräch mit Heinz-Norbert Jocks, in: Kunstforum, 2004, Bd. 172, S. 209 ff. (213)
2 Rüdiger Wischenbart, Schauen fotografieren beschreiben, in: Kunstforum, 1981, Bd. 43, S. 107 ff.
3 Elke Seeger, Essens-Bilder. Über die Bedeutung des Essens in der Fotografie, in: Essener Unikate, 2007, 30, S. 95 ff. (101)
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Rolf Appelbaum
„Das Unsichtbare sichtbar machen“, 4 ist ein zentrales Motiv der bildtechnischen
Arbeit des Düsseldorfer Fotografen Rolf Appelbaum. Bereits seit 2002 hat der
Künstler hierzu auf das im Internet zugängliche Werbe- und Demonstrationsmaterial
nationaler wie internationaler Unternehmen für Sicherheitstechnologie
zurückgegriffen.
Als Ausgangsmaterial für seine Bildserie Bomb wählte er Produkt-Inspektionssysteme,
die alle Fremdkörper erkennen, die die Röntgenstrahlung aufgrund ihrer
Dichte, ihrer chemischen Zusammensetzung oder ihrer mechanischen Abmessung
besser oder schlechter aufnehmen als das sie umgebende Produkt. Nach dem Suchen
und Sammeln werden die aus dem Netz herunter geladenen Bilder digital bearbeitet,
aus ihrem jeweiligen technologischen Demonstrationskontext entnommen und in
eine neue serielle Struktur überführt.
Durch den Prozess des Herunterbrechens und Reduzierens der Bilddaten aus dem
Internet und das anschließende Bearbeiten und Manipulieren – so durch Ergänzung
von Farbe, Weglassen oder Hinzufügen von Bildteilen oder Umkehrung – entstehen
Bilder ganz eigener Art: Bilder, die das Wesentliche sichtbar machen, aber dennoch
kalt, fremd und geheimnisvoll erscheinen.
Dies macht die Qualität der Arbeiten von Ralf Appelbaum aus.
4 Rolf Appelbaum, Gespräch mit Klaus Thelen am 14.08.2012
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Jessica Backhaus
Betrachtet man die Arbeiten von Jessica Backhaus, so sieht man viel Bekanntes: weggeworfene
Alltagsgegenstände, Bruchstücke, vergessene oder liegengebliebene Gegenstände.
Es ist das scheinbar Alltägliche und Banale, das der Betrachter zu kennen und
zu erkennen glaubt und das in ihren Fotografien abgebildet und sichtbar wird. Sie zeigt
Dinge, die sie nicht sucht und die eigentlich für niemanden von Interesse sein müssten wie
verwelkte Alpenveilchen, vertrocknete Kürbisse auf einem Glasregal oder eine Papierrolle
auf einer Fensterbank. Ihre Bilder sind „lyrisch, mal düster und mal fröhlich“ 5 , von einem
Einfühlungsvermögen und einer Poesie, die den Blick auf die Seele der Dinge freilegen.
„Jessica Backhaus hat einen ordnenden Blick für das Zufällige, für das Herumliegende und
- stehende. Sie denkt in Farben. Sie schafft Klangräume.“ 6 Mit der ihr eigenen Art des
Sehens hat Jessica Backhaus eine fotografische Sprache gefunden, die den jeweiligen
Betrachter gleichsam zwingt, in ihre Fotografien einzutauchen, länger als gewöhnlich zu
verweilen und so dem scheinbar Banalen und Geheimnisvollen auf die Spur zu kommen.
5 Elisabeth Biondi, in: Jessica Backhaus. Once, Still and forever, 2012, S. 2
6 Jean-Christophe Ammann, in: Jessica Backhaus. Once, still and forever, 2012, S. 4
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Werner Barfus
Der Österreicher Werner Barfus hat sich nach langjähriger Arbeit mit Malerei und plastischen
Objekten seit 2009 wieder verstärkt der Fotografie zugewandt. „Bilder suchen,
entdecken, herstellen, wiedergeben, zeigen: Das ist seine Leidenschaft.“ 7
Waren es anfänglich seine ausschließlich schwarz-weiß gehaltenen Phantomlandschaften
– Landschaften, die in der Wirklichkeit nicht existierten und nur in der Phantasie
der Betrachter als solche gedeutet werden –, so wendet er sich nun wiederholt der
realen Welt, seiner von ihm konkret erlebten Umwelt, zu. Sein Interesse gilt dabei der
themenbezogenen Arbeit im Innen- und Außenraum.
Betrachtet man die Schwarz-Weiß-Fotografien aus seiner aktuellen Serie Pension Paula,
so blickt man in eine Welt, die sich scheinbar bewusst verschließt und nicht alles offenlegt,
nicht offen legen will. Seine stillen Bilder – präzise und aus unmittelbarer Nähe
fotografiert – zeigen Alltägliches in einer Klarheit, die Rätsel aufgeben und dennoch
ihr verborgenes Wesen sichtbar machen wollen. Es sind Gegenstände, Situationen
und Szenarien, die dem Betrachter ständig begegnen, gleichwohl aber verwirrend und
geheimnisvoll bleiben.
7 Sabine Tünkers , Alles Landschaft. Fotoarbeiten von Werner Barfus, 2011
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Adam Bartos
Der amerikanische Fotograf Adam Bartos – hierzulande bekannt geworden durch seine
Aufnahmen von Straßen und Stadtlandschaften aus Paris und Los Angeles – spazierte
in den Jahren von 2005 bis 2007 über Flohmärkte und suchte private Garagenverkäufe
amerikanischer Vorstädte auf. Bei seinen Streifzügen entdeckte er Arrangements von
Gegenständen, Wohlstandsmüll, der an den Straßen stand und zum Verkauf angeboten
wurde.
Adam Bartos nutzte diese vorgefundene Alltagswirklichkeit wachsam und mit schneller
Auffassungsgabe für Studien über Proportionen, Farbe, Licht und Schatten. „Gleichzeitig
sind die in diesen Stillleben dokumentierten Gegenstände mit Erinnerungen und Assoziationen
aufgeladene Objekte von großer narrativer Kraft, denn sie erzählen immer auch
die Geschichte ihrer Vorbesitzer und zugleich auch die Geschichte der amerikanischen
Alltagskultur der vergangenen 30 Jahre.“ 8
8 Adam Bartos. Yard Sale, in: Galerie Robert Morat, Hamburg. Text zur Ausstellung, Mai 2011
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Johannes Brus
„Dem Profi stehen die Haare zu Berge“ 9 , so beschreibt Johannes Brus selbst seine fotografische
Arbeitsweise und seinen Umgang mit der Fotografie, die nicht den Normen der
konventionellen Fotografie entsprechen. Seine Bilder entstehen im experimentellen Umgang
mit den vielfältigen komplizierten chemischen und physikalischen Prozessen der
Montage, der Überblendung, der Projektion, der Entwicklung und der Umkehrung.
„Brus ist ein Künstler, der mit der Fotografie wie ein Maler verfährt. Ein Maler (….) muss
ein Gemälde erst ermalen, während das fotografische Bild stets a priori vorhanden ist: sei
es als potentiell fotografierbares Erscheinungsbild, sei es als sein fixiertes Abbild.“ 10 Das
Vorläufige, das nicht Eindeutige und Prozesshafte steht im Mittelpunkt seiner künstlerischen
Arbeit und lässt Bilder entstehen, die zugleich begeistern und verstören.
Seine Stillleben geben Rätsel auf. Gewollt unscharf und surreal, vielfach auch ironisch und
humorvoll fordern sie den Betrachter zu einem anderen und neuen Sehen auf. Was seine
Fotografie so faszinierend macht, ist ihr Geheimnis: Es sind düstere, experimentelle, oft
getonte Bilder, Bearbeitungen gefundener, alter Fotografien von einer sehr unmittelbaren
Ausstrahlung.
9 Johannes Brus, Dem Profi stehen die Haare zu Berge, in: Kunstmagazin, 1980, 20 Jg., H. 1, S. 37ff.
10 Klaus Honnef, Ein Abenteurer im Reiche des Sichtbaren. Zu den fotografischen Bildern von Johannes Brus, in:
Johannes Brus. Fotoarbeiten, Ausstellungskatalog Städtische Galerie Erlangen, 1990, S. 103
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Claus Goedicke
Die Hauptakteure in den Bildern von Claus Goedicke, Absolvent der Kunstakademie
Düsseldorf und Schüler von Bernd und Hilla Becher, sind Alltagsgegenstände, die
wortlos sind und für ihn zum Gegenstand einer Untersuchung werden. Für ihn gilt es,
nicht nur das Wesen dieser einzelnen Dinge, das Verhältnis der Dinge zueinander und
ihre Erscheinung zu ergründen, sondern auch unsere jeweilige Beziehung und unser
Verständnis zu ihnen zu klären.
Bunte Plastikflaschen und Gefäße, die über Jahre gesammelt wurden, und schließlich Obst
und Gemüse waren Ware Dinge 11 , die anfangs zum Gegenstand seiner Arbeit wurden und
in den „Fotografien einheitlich, mit einem neutralen Licht und in einem monochromen,
den Objekten entsprechenden Umfeld präsentiert werden“ 12 . Seine jüngste Werkgruppe
Some things sind Dinge des täglichen Lebens wie z.B. Grundnahrungsmittel, Werkzeuge
oder medizinische Hilfsmittel, auf die nicht verzichtet werden kann, aber mit denen doch
häufig auch gedankenlos umgegangen wird: eine Scheibe Brot, eine Kartoffel, ein Hammer
oder ein Pflaster.
Die Darstellungsweise der Objekte, die Konzentration auf ein einzelnes Alltagsobjekt,
entspricht denen der Werbefotografie wie auch der Malerei. Claus Goedicke verfolgt hier
das Ziel, die Dinge unserer Alltagswelt in Bezug auf den Gegenstand und Untergrund so
abzubilden, dass diese ihrer Funktion am besten gerecht werden und dem Betrachter die
Möglichkeit eröffnen, in die Geschichte des Gegenstands einzutauchen.
11 Ausstellungstitel der Städtischen Galerie Wolfsburg, August 2010
12 Still. Claus Goedicke, Laura Letinsky und Evelyn Hofer, in: Galerie m, Bochum. Text zur Ausstellung, August 2010
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Manfred Hamm
„Ich bewahre Verluste“, so hat Manfred Hamm, Altmeister der Architektur- und Industriefotografie,
einmal seine Arbeit auf den Punkt gebracht. Der Berliner Fotograf kümmert
sich seit jeher um das, was nicht sichtbar ist oder nicht mehr sichtbar sein wird.
„Die Sichtbarmachung einer direkten Umwelt, in der sich Menschen aufhalten, die von
Menschen geprägt und auch zerstört worden ist und weiterhin wird“ 13 , aber auf denen
keine Personen zu sehen sind, sind kennzeichnend für seine Bilder.
In seinen zwischen 1995 bis 2002 entstandenen Fotografien aus dem Innenleben einzelner
Berliner Museen lässt er die Öffentlichkeit teilhaben an den für sie nicht sichtbaren und
nicht zugänglichen wie verschlossenen Sammlungsmagazine und Konvolute. Er macht
sensibel und öffnet den Blick, bewusst oder unbewusst, auf die zentrale Aufgabe der
Museen, das Sammeln und Bewahren – den Erhalt des kulturellen Erbes – und gibt so
zugleich auch Einblicke in die Hinterlassenschaften von Generationen und die komplexer
Kulturen.
Seine Bilder sind eine Schule des Sehens, in denen Manfred Hamm gleichsam – wie er
selbst sagt –, „die Zeit eingefroren hat“ 14 .
13 Hans Eberhard Hess, Klangräume, in: Photo international, 2012, Heft 5, S. 41 ff. (51)
14 Manfred Hamm, Gespräch mit Klaus Thelen vom 12.07.2012
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Arno Jansen
„Meine Fotografien sind meine Reflexionen“ 15 , so beschreibt Arno Jansen seine
bildnerische Arbeit selbst. Der experimentelle Umgang mit der Fotografie steht im
Mittelpunkt der künstlerischen Arbeit des Schülers von Otto Steinert. Als Vertreter der
subjektiven Fotografie setzt er diese Fotografie bis in die Gegenwart fort und verknüpft sie
mit dem Surrealismus.
Arno Jansen geht es in der ihm eigenen Form seiner fotografischen Stillleben weniger um
den formalen Aufbau und die Bildkomposition, sondern vielmehr um das Aufspüren
der „Wechselbeziehung zwischen Objekt und Subjekt, die Frage nach innerer und
äußerer Identität und die Entdeckung neuer Sinnzusammenhänge“ 16 . Als Sammler von
Fundstücken zeigen seine Fotografien triviale Alltäglichkeiten, die nicht nur von den Spuren
des Verfalls und des Vergehens, sondern auch von „dumpfer Melancholie und von einer fast
heiter-makabren Absurdität“ 17 gekennzeichnet sind.
Seine Bilder sind ein Memento mori für die Vergänglichkeit der Zeit.
15 Arno Jansen, Gespräch mit Klaus Thelen vom 14.09.2012
16 Rüdiger Müller, Chiffren einer rätselhaften Identität – Arno Jansen und das Da-sein der Dinge, in: Kölner Skizzen,
5. Jg., 1983, Heft 2, S. 3 ff. (3)
17 Zitiert nach Monika Jühlen, in: Rüdiger Müller, a.a.O., S. 3 ff. (5)
46 47

48 49

50 51

Laura Letinsky
Betrachtet man Fotografien von Laura Letinsky, so hat man den Eindruck, das Dinner
unter Freunden ist beendet, die Gäste sind gegangen. Was bleibt, sind schmutzige Teller,
gebrauchtes Besteck, Essensreste, Rotweinflecken, Kirschkerne auf verrutschten Tischdecken
und vieles mehr. Die kanadische Fotografin inszeniert detaillierte Stillleben, die sich
in ihrer Ikonografie an den holländischen Stillleben des 16. und 17. Jahrhunderts orientieren
und von einer hohen malerischen Qualität sind.
Zeit und Vergänglichkeit, die gängigen wie anerkannten Motive des Genres, spielen in
ihren konstruierten und arrangierten, „auf eine formale Ästhetik in der Anordnung der
abgebildeten Gegenstände und ihrer Darstellungsweise in Licht, Farbigkeit und Stofflichkeit“
18 ausgerichteten Bildern eine zentrale Rolle. Laura Letinsky gestaltet ihre Bilder
vielfach so, dass der Eindruck bei dem Betrachter entsteht, Gegenstände schweben im
Raum, fallen über Tischkanten oder verweigern jeden räumlichen Bezug, und sorgt so für
Irritationen.
Ihre Bilder bewegen sich „zwischen Poesie, Skurrilität und tieferem Sinn und sind Bilder des
angehaltenen Moments, die das Genre Stillleben in die Gegenwart übertragen“ 19 .
18 Elke Seeger, a.a.O., S. 95 ff. (103)
19 Still. Claus Goedicke, Laura Letinsky und Evelyn Hofer, a.a.O.
52 53

54 55

Christopher Muller
Im Mittelpunkt der künstlerischen Arbeit des Bildermachers Christopher Muller – so nennt
er sich gelegentlich selbst – steht nicht der isolierte Gegenstand, sondern „die Kombination
und Konfrontation vertrauter, alltäglicher Objekte und Situationsfragmente“ 20 . Dieses
Beziehungsgeflecht, die bildliche Anordnung der einzelnen Gegenstände, ganz im Stile der
malerischen Tradition eines Giorgio Morandi, verdichtet sich in „seinen Arrangements zu
symbolhaft aufgeladenen, oftmals jedoch ironisch gebrochenen Allegorien“ 21 .
Nicht die Verfremdung, sondern die alltägliche Erfahrung mit den nach und nach
gesammelten und zusammengetragenen Dingen, umgeordnet und neu zusammengefügt,
interessiert Christopher Muller. „Er fügt Gegenstände zusammen, deren Funktion und
Gebrauch sowohl persönlich als auch kulturell konnotiert sind, und fügt sie in Bilder,
deren Lesart ebenfalls kulturell kodiert ist.“ 22 Anders als bei seinen frühen, arrangierten
Arbeiten – hier stand allein das Bild im Focus – steht nun die Handlung, das tatsächlich
Vorgefundene, im Zentrum seiner künstlerischen Arbeit.
Das Gezeigte ist das Gemeinte und eröffnet immer wieder neue, überraschend vielfältige
Sichtweisen mit dem für ihn typischen Humor und Tiefsinn.
20 Thomas Appel, Im, am, um und vor dem Bild, in: Forum für Fotografie, Köln. Text zur Ausstellung, Juni 2011
21 Magdalena Kröner, Das Bild lesen, in: Christopher Muller. Looking pictures, Ausstellungskatalog der Galerie
Rolf Hengesbach, Berlin, Februar 2011, S. 7 ff. (8)
22 Magdalena Kröner, a.a.O., S. 7 ff. (9)
56 57

Hartmut Neumann
Hartmut Neumann, Maler, Zeichner und Fotograf, hat sich in seinem Werk seit jeher
mit Themenkreisen zwischen Flora und Fauna, Licht und Natur sowie der Natur und
Künstlichkeit auseinander gesetzt. Bei seinen Fotoarbeiten – hier greift er gerne auf
Tierfiguren aus Spielzeugläden oder Zoohandlungen zurück – gilt sein künstlerisches
Interesse der Ästhetik der alltäglichen Warenwelt allgemein und im Besonderen der
Künstlichkeit der Dinge sowie der Nachbildung von Natur.
Bei seinen Fotoserien, für die er räumliche Stillleben wählt, „ist immer der Blick des Malers
zu spüren, vor allem in der Focussierung auf die spezifische Stofflichkeit von Kordeln,
Stricken und Ketten, und in der Ausleuchtung der Szenen. Das Licht dient einer
Dramatisierung des (Bild)raumes, vergleichbar mit der Lichtführung in der (Landschafts)-
Malerei“ 23 . Es sind die Arrangements der Stilllebenszenarien, die Hartmut Neumann zu
immer neuen, verblüffenden Bildlösungen führt.
23 Jürgen Raap, Hartmut Neumann. Schwarze Wolke, in: Kunstforum international, 2012, Bd.214, S. 158ff. (160)
58 59

60 61

Dieter Nuhr
Dieter Nuhr – eher bekannt als Kabarettist – hat ursprünglich Kunst an der Folkwangschule
in Essen studiert. Mit seiner bildkünstlerischen Arbeit, vornehmlich der Fotografie, hat er
jedoch nie aufgehört. „Nebenher“, sagt Dieter Nuhr selbst, „mache ich humorlose Bilder.“! 24
Seine fotografischen Arbeiten – auf Reisen in alle Kontinente entstanden – sind dokumentarisch,
sachlich und von einer, wie er sagt, „melancholischen Heiterkeit“ 25 . Sie weisen nicht
kritisch und mahnend auf mögliche Missstände hin, sondern geben Eindrücke der Lebens-
und des Alltagswirklichkeit der von ihm bereisten Länder und Kulturen wieder. Neben
Landschaften sind es immer wieder auch Stillleben, die von ihm als Orte der Erinnerung
fotografiert werden.
„Das Foto zeigt nur ein Standbild. In einer Welt, die längst der Logik des bewegten Bildes
verfallen ist, ist jedes festgefrorene Bild ein Haltepunkt. Hier wird gezeigt, was in der Realität
niemals zu sehen ist: die unbewegte Welt. Es gibt sie nicht, und doch ist sie da. Wir können
sie eine Zeit lang festhalten – was für eine Freude.“ 26
24 Dieter Nuhr. Nuhr unterwegs, in: Galerie Robert Morat, Hamburg. Text zur Ausstellung, März 2008
25 Dieter Nuhr, Der Künstler, in: Nuhr fotografiert! Fotokunst von Dieter Nuhr, Ausstellungskatalog
Museum Ratingen, 2010, S. 7 ff. (10)
26 Dieter Nuhr, Der Künstler, a.a.O.
62 63

64 65

Manfred Paul
„Sehen, Erkennen und Verbildlichung als werkgerechtes Gestalten“ 27 sind für Manfred
Paul zentrale Voraussetzungen seiner künstlerischen Arbeit. Es ist eine schlichte, klare,
nicht überzeichnete Abbildung von Wirklichkeit, die Tulpe am Fenster, der weiße Teller
mit Kirschen oder das Sieb im Ausguss, die in seinen Schwarz-Weiß-Fotografien sichtbar
werden.
Die Stillleben von Manfred Paul zeichnen sich durch eine bewusste Askese aus, in der allein
nur der Gegenstand in seiner Umgebung zählt und bedeutsam ist. „Die Gestaltung meiner
Bilder wurde beeinflusst vom sinnlichen Formenreiz“ 28 , so Manfred Paul. Seine Bilder –
dies gilt sowohl für seine frühen, 1984 entstandenen wie auch späteren Fotografien – sind
nicht Ausdruck eines Landes in Zeiten von materieller Entbehrung, sondern ein „Gegenbild
zu dem alles beherrschenden Materialismus, der jedes Geheimnis von sich wies und die
Rätsel der Dinge nicht mehr sehen wollte (...)“ 29 .
Dies darf gleichsam als Botschaft von Manfred Paul gelten.
27 Volker Frank, Manfred Paul – Fotografien, in: Manfred Paul. Fotografien, Ausstellungskatalog des
Kunstmuseums Cottbus, Cottbus, 1985, S. 8ff. (8)
28 Volker Frank, a.a.O.
29 Eugen Blume, Für was für Dinge bist du Gesicht?, in: Manfred Paul. Fotografie, Ausstellungskatalog
Kunstallianz 1, Berlin, 2011, S. 4ff. (9)
66 67

68 69

70 71

Marcus Schwier
Marcus Schwier, Architekt und Absolvent der Kunstakademie Düsseldorf, hat nicht
zuletzt aufgrund dieser Kombination ein besonderes Gefühl für Räume. In allen seinen
fotografischen Arbeiten wird seine Faszination für Reihungen und Strukturen, für die
Geometrie gebauter und gewachsener Formen erkennbar. Es ist nicht nur die Architektur
auf seinen Bildern, die einen Bezug zum Architektonischen schafft. Die Bilder selbst werden
zur Architektur. „Seine Szenarien wirken wie Drehorte ohne Darsteller.“ 30
In seiner Bildserie Intérieurs, die er in Schlössern in Deutschland, Österreich und der
Schweiz im Jahre 2011 aufgenommen hat, spielt er variantenreich mit dem Motiv der
Innenräume. Er zeigt Bekanntes und Aufgeräumtes wie barocke Schlosskapellen,
historische Repräsentationsräume und überladene Prunkgemächer, öffnet zugleich
aber auch den Blick auf das Unbekannte und Private hinter den Schlossmauern in seinen
Bildern von Arbeits-, Wohn- und Spielzimmern. „Die Perspektive, der kompositorische
Blick, formt Vorgefundenes zum Tableau“ 31 und gibt den Blick frei auf die Alltags- und
Lebenswirklichkeit in diesen adeligen Häusern.
30 Marcus Schwier. Nightshots, in: Galerie Robert Morat, Hamburg. Text zur Ausstellung, Juni 2007
31 Stefan Feucht, Marcus Schwier: intérieurs – der Blick in den Raum, in: Marcus Schwier. Intérieurs. Innenräume
von Schlössern in Deutschland, Österreich und der Schweiz, Bielefeld 2011, S. 4
72 73

74 75

Anett Stuth
Die an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig studierte
Anett Stuth, Schülerin von Arno Fischer und Timm Rautert, bewegt
sich in ihren Arbeiten zwischen Vergangenheit und Zukunft. In ihren
kleineren, unterschiedlichen großen Arbeiten unter dem Titel Heute
ist Vergangenheit fügt die Fotokünstlerin Fotografien verschiedener
Orte und Räume aus unterschiedlichen Zeiten zu sinnlichen Stillleben
zusammen.
Gezeigt werden neben Blumen und Lebensmitteln wie Broiler,
Knoblauchknollen oder Bonbons auch andere Gegenstände des
täglichen Bedarfs wie Gläser, Malkastenfarben oder Geldstücke. Die
einzelnen Arbeiten, jede ein Stillleben für sich, sind häufig ironisch
und doppeldeutig. Sie ergeben in ihrer Lesart zusammengefügt ein
eigenes großes Stillleben. Vergangenheit und Gegenwart werden
hier gleichsam sichtbar, finden sich zusammen und verdichten sich in
ihrer Deutung hin zu den klassischen Motiven des Genres, Zeit und
Vergänglichkeit.
Vom anderen Stern
Heiliges Kanonenrohr
Es gab Fisch
Kleider machen keine Würstchen
76 Vom Leben frei bekommen
77
Klischee
o.T.

Ingolf Timpner
Ingolf Timpner ist ein Meister der inszenierten Schwarz-Weiß-Fotografie. Die Todesthematik
vergangener Zeiten ist Teil seiner fotografischen Arbeit. Mit seinen geheimnisvollen
Stilllebenarrangements zitiert er die niederländische Kunstgeschichte des 17.
Jahrhunderts mit ihrer Vanitas-Symbolik und deren Inhalte wie Blumenbouquets, edle
Metallgefäße, Früchte oder Federvieh. „Seine Aufnahmen sind meditativ, auf das eine
Symbol von Zeit und Ewigkeit gerichtet.“ 32
Perfekt in der Lichtführung mit verschwommenem Neon- und Tageslicht komponiert
er mit dem nötigen Respekt und behutsam seine Stillleben, die er kontrastreich und mit
der ihm eigenen Formensprache ausdrucksstark in Szene setzt. Die Fotografien von
Ingolf Timpner „bieten einen kontemplativen Bildraum an, einen Gedächtnisspeicher der
Imaginationen und Empfindungen, der den Betrachter sogartig anzieht, nebensächliche
Randerscheinungen ausblendet, ihm seine eigene Raum- und Zeitgebundenheit bewusst
macht“ 33 .
Es sind Bilder, die Geschichten erzählen.
32 Helga Meister, Ingolf Timpner. Nocturnes, in: Kunstforum international, 1999, Bd. 145, S. 356
33 Jessica Mueller, La Soupe de Daguerre, in: Lautlose Gegenwart. Das Stillleben in der zeitgenössischen
Fotografie, Baden-Baden 1999, S. 10 ff. (28)
78 79

80 81

Carl Schuch
1846 in Wien geboren, früh Vollwaise.
Lebte durch das Vermögen der Eltern in
materieller Unabhängigkeit
1865 Besuch der Akademie der Künste, Wien
1869 Nach dem Tod der Schwester Beginn
einer 25jährigen ruhelosen Wanderschaft
durch Europa
Schwerpunkte in Italien, Frankreich und
Niederlande
Mitglied im Kreis um Wilhelm Leibl und
Wilhelm Trübner
1876 Nach Landschaftsmalerei verlagert sich
der künstlerische Schwerpunkt auf
Stillleben. Trennung von Trübner, um
künstlerisch unabhängig zu sein.
1894 schleichende schwere Erkrankung
(Symptome von Größenwahn) mit
zahlreichen Kuraufenthalten
1903 Nach dem Tod Schuchs Vermarktung des
Werkes durch die Witwe
Hängende Wildente, um 1882?
Öl/Leinwand
Zwei Wildenten mit Emailtopf, 1880/1882?
Öl/Leinwand
Chiantiflasche, Fruchtschale und Obstteller,
1882/1883? | Öl/Leinwand
Melone, Pfirsich und Weintrauben (Kürbisschnitte),
um 1884 | Öl/Leinwand
* Alle ausgestellten Arbeiten von Carl Schuch sind
Leihgaben aus der Sammlung des Morat-Instituts für
Kunst und Kunstwissenschaft in Freiburg im Breisgau. Hängender Hase, nach 1885?
Öl/Leinwand
Ente mit Blechdose, um 1882
Öl/Leinwand (verso auf Karton aufgezogen)
Käseglocke und Fruchtschale mit Trauben und Äpfeln,
1882/1884? | Öl/Leinwand
Äpfel auf Weiß: mit Käseglocke und Zinnschüssel,
1884/1885? | Öl/Leinwand
Äpfel mit Serviette, um 1882
Öl/Leinwand
Gladiolen und Pfingstrosen, 1890/93
Öl/Leinwand
Fasan und Krammetsvogel, 1884/1888?
Öl/Leinwand
82 83

Bomb, Nr. 2-10, 2006
Prints, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Rolf Appelbaum
Leihgaben des Künstlers
Rolf Appelbaum
1951 in Düsseldorf geboren
1971-76 Philosophie- und Germanistik-Studium an der
Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf
seit 1980 freischaffender Fotograf sowie freie künstlerische Arbeiten
und Projekte
Lebt und arbeitet in Düsseldorf
Jessica Backhaus
Glasses, 2008
C-Print, gerahmt
Sometimes, 2010
C-Print, gerahmt
Spoons, 2011
C-Print, gerahmt
1970 in Cuxhaven geboren
1986-95 Studium der Fotografie und visuellen
Kommunikation in Paris, u.a. bei ihrer Mentorin
Gisèle Freund
1995 Aufenthalt in New York, dort Assistentin für verschiedene
Fotografen und Arbeit an eigenen Projekten
2009 Rückkehr nach Berlin
Lebt und arbeitet in Berlin, pendelt seitdem immer wieder zwischen Europa und den USA
Before and then, 2009
C-Print, gerahmt
Shades of time, 2011
C-Print, gerahmt
Hopefully, 2012
C-Print, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Jessica Backhaus
courtesy Robert Morat Galerie, Hamburg
84 85

o. T., 2012
Aus der Serie Pension Paula
Print, gerahmt
o. T., 2012
Aus der Serie Pension Paula
Print, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Werner Barfus
Leihgaben des Künstlers
Werner Barfus
1945 in Schladming/Österreich
geboren
1967 Übersiedlung nach Düsseldorf
1968-83 Tätigkeit als Heizungsbauer
und Kundendienstbetreuer im
Energiewesen
Erste künstlerische Arbeiten im
Bereich Fotografie, danach
plastische Objekte und Malerei
seit 1984 freischaffender Künstler sowie
freie künstlerische Arbeiten
und Projekte
seit 2009 freie künstlerische Arbeit mit
dem Schwerpunkt Fotografie
Lebt und arbeitet in Ratingen
Camera, 2007
C-Print, gerahmt
Skatebords, 2006
C-Print, gerahmt
Fishing rods, 2006
C-Print, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Adam Bartos
courtesy Robert Morat Galerie, Hamburg
Adam Bartos
1953 in New York geboren
seit 1975 Ausbildung zum Kameramann an der New York
Universität, Abt. Film Schule
seit 1985 erste künstlerische Arbeiten und Ausstellungen im
Bereich der Fotografie
seit 1988 Fotoausstellungen in nationalen und internationalen
Museen, erste Buchpublikationen
Lebt und arbeitet in New York
Bolt box, 2006
C-Print, gerahmt
Vacuum, 2006
C-Print, gerahmt
Pink glasses, 2008
C-Print, gerahmt
Johannes Brus
1942 in Gelsenkirchen geboren
1964-71 Studium an der Staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf
1976 Arbeitsstipendium des Kulturkreises im Bundesverband der
Deutschen Industrie e.V.
1976-79 Lehraufträge und Gastprofessur an der Kunstakademie Münster
1979 Kunstpreis der Villa Romana, Florenz
1981 Arbeitsstipendium des Kunstfonds e.V. , Bonn
1983 Defet-Preis des Deutschen Künstlerbundes
1986-2007 Professur an der Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig
Lebt und arbeitet in Essen-Kettwig
Stillleben, 1996
Schwarzweißabzug auf Barytpapier, farbig getont
Stillleben, 1996
Schwarzweißabzug auf Barytpapier, farbig getont
* Alle ausgestellten Arbeiten von Johannes Brus
Leihgaben des Künstlers
Stillleben, 1996
Schwarzweißabzug auf Barytpapier, farbig getont
Stillleben, 1996
Schwarzweißabzug auf Barytpapier, farbig getont
86 87

Brot, 2008
C-Print, gerahmt
Spiegel, 2010
C-print, gerahmt
Hammer, 2009
C-Print, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Claus Goedicke
aus der Serie Some things
courtesy Galerie m, Bochum
Claus Goedicke
1966 in Köln geboren
1989 Kunstakademie Düsseldorf
1994 Reisestipendium der Kunstakademie Düsseldorf
1995 Meisterschüler bei Bernd Becher
1999 Förderung des Landes Nordrhein-Westfalen für junge Künstler
1999-2001 Weiterführendes Studium an der Kunsthochschule für Medien, Köln
Lebt und arbeitet in Berlin
Tabletten, 2008
C-Print, gerahmt
Leichenhemd, 2012
C-Print, gerahmt
Pflaster, 2008
C-Print, gerahmt
Nadel und Faden, 2011
C-Print, gerahmt
Telefon, 2011
C-Print, gerahmt
Kartoffel, 2008
C-Print, gerahmt
Figuren, 1995
Georg Kolbe Museum, Berlin
Abteilung Ostasien, 1996
Ethnologisches Museum, Berlin
Porträts aus der Antikensammlung, 1997
Pergamonmuseum, Berlin
* Alle ausgestellten Arbeiten von Manfred Hamm
(Ilfobrom Galerie SB 3 Papier, gerahmt)
Leihgaben des Künstlers.
Manfred Hamm
1944 geboren in Zwickau
1961-63 Ausbildung als Fotograf in Ulm und München, Werbe- und Theaterfotografie
1965-67 Weltreise mit längeren Aufenthalten in Australien und der Südsee
1967-70 Mitarbeit in der Galerie S, Ben Wargin, Berlin
seit 1970 Tätigkeit als Pressefotograf in Berlin
seit 1976 Buchpublikationen und Fotoausstellungen zur Architektur- und Industriegeschichte
seit 1984 Berufenes Mitglied der Deutschen Gesellschaft für Photographie e.V. (DGPh)
Lebt und arbeitet in Berlin
Ornitologische Sammlung, 1995
Museum für Naturkunde, Berlin-Mitte
Puppen aus der Inszenierung des Berliner Ensembles von
Hans Eislers Johann Faustus, 1996
Theatersammlung des Stadtmuseums, Berlin-Tempelhof
Schwanenmantel und Schuhsammlung im Depot des
Filmmuseums Berlin-Deutsche Kinemathek, 2000
Sammlung Marlene Dietrich Collection, Berlin
Figuren aus der Puppenallee, 1996
Berlinische Galerie im Lapidarium, Berlin
Depot des AEG-Archivs, 1999
Deutsches Technikmuseum, Berlin
In der Zootomie, 2002
Depot der Zootomie, Berlin-Mitte
88 89

o.T., 1976
Gelatine-Silberprint, gerahmt
Tentakeln, 1979
Gelatine-Silberprint, gerahmt
o.T., 1982
Gelatine-Silberprint, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Arno Jansen
Leihgaben des Künstlers
Arno Jansen
1938 in Aachen geboren
1956-59 Grafikstudium in Düsseldorf und an der
Folkwangschule in Essen
1959-63 Studium der Fotografie an der Folkwangschule in
Essen bei Otto Steinert. Abschluss als Bildjournalist
1964-65 Fotograf und Grafiker in Braunschweig und
Lehrauftrag für Fotografie an der Hochschule für
Bildende Künste, Braunschweig
1965-73 Berufung an die Kölner Werkschulen als Leiter für
den Lehrbereich Fotografie
1973-93 Professur für künstlerische Fotografie an der
Fachhochschule in Köln
Lebt in Köln
Erinnerung an La Malmaison, 1978
Gelatine-Silberprint, gerahmt
Verbotenes Spiel, 1982
Gelatine-Silberprint, gerahmt
Die Erwartung, 1982
Gelatine-Silberprint, gerahmt
Untitled #24 (The Dog & The Wolf), 2009
Archival Pigment Print
Untitled #1 (The Fall), 2008
Archival Pigment Print, Hahnemühle Papier
* Alle ausgestellten Arbeiten von Laura Letinsky
courtesy Galerie m, Bochum
Laura Letinsky
1962 in Winnipeg/Kanada geboren
1986 University of Manitoba Winnipeg, MB,
B.F.A. Honors, Photography
1991 Yale University School of Art, New Haven, CT,
M.F.A. Photography
seit 1992 Gastprofessuren u.a. an der Yale University
School of Art, University of Washington und
University of Houston
seit 1994 Professur an der University of Chicago
Lebt und arbeitet in Chicago
Morgendämmerung, 2011
C-Print, gerahmt
2009, 2011
C-Print, gerahmt
A Good 12 Inches, 1991/97
C-Print hinter Acrylglas
* Alle ausgestellten Arbeiten von Christopher Muller
courtesy Hengesbach Galerie, Berlin
Christopher Muller
1966 in Stade geboren
1984-89 Studium an der Camberwell School of Arts and Crafts,
London und der Slade School of Fine Art, London
1996 Arbeitsstipendium des Kunstfonds e.V., Bonn
2000 Kunstpreis der Stadt Nordhorn
2004 Stipendium der Alfred Krupp von Bohlen und Halbach-
Stiftung für Zeitgenössische Deutsche Fotografie
2005 Lehrauftrag für Fotografie an der Staatlichen
Hochschule für Gestaltung, Karlsruhe
2007-09 Professur für künstlerische Fotografie an der
Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig
seit 2009 Professur für künstlerische Fotografie an der
Folkwang Universität der Künste, Essen
Lebt und arbeitet in Düsseldorf
Vogelsäule (Handtücher), 2009
C-Print, gerahmt
Vogelsäule (Glaskugel), 2009
C-Print, gerahmt
Vogelsäule (Lampenschirm), 2009
C-Print, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Hartmut Neumann
Leihgaben des Künstlers
Hartmut Neumann
1954 in Delmenhorst geboren
1976-80 Studium an der Hochschule für Kunst in
Bremen (Prof. Rolf Thiele)
1981 Preisträger Forum junger Kunst
1983 Kunstpreis Junger Westen, Recklinghausen
und Stipendium Cité des Arts, Paris
1985/86 Villa Massimo, Rom
1988 Kunstpreis des Deutschen Künstlerbundes
2003 Willi Oltmanns-Preis
seit 1992 Professur an der Hochschule für Bildende
Künste, Braunschweig
Lebt und arbeitet in Köln
Vogelsäule (blau), 2009
C-Print, gerahmt
Vogelsäule (Hocker), 2009
C-Print, gerahmt
90 91

Baustelle 01, 2006
C-Print auf Stoff
Bali Stillleben 01, 2008
C-Print auf Stoff
Bali Stillleben 02, 2008
C-Print auf Stoff
* Alle ausgestellten Arbeiten von Dieter Nuhr
Leihgaben des Künstlers
Dieter Nuhr
1960 in Wesel geboren
1981-88 Studium der Kunstpädagogik und Geschichte an
der Universität-Gesamtschule Essen, ehemals
Folkwangschule Essen
seit 1994 Kabarettist und Moderator sowie erste
künstlerische Arbeiten im Bereich der Malerei,
danach in der Fotografie
Lebt und arbeitet in Ratingen
Bestecke, 1983
Baryt-Abzug, gerahmt
Tassen und Flasche, 1986
Baryt-Abzug, gerahmt
Zwei Fische auf weißem Teller, 2007
Baryt-Abzug, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Manfred Paul
Leihgaben des Künstlers
Manfred Paul
1942 in Schraplau/Sachsen-Anhalt geboren
1974-94 Tätigkeit als Steinbruch- und Gleisbauarbeiter
Ausbildung zum Fotolaboranten, Bühnenarbeiter, Theaterfotograf und freischaffender Bildjournalist
Studium der Fotografie an der HGB Leipzig
Kamerastudium an der Hochschule für Film und Fernsehen Potsdam-Babelsberg
Dozent für Fotografie an der FWG Berlin
1974-2006 Lehraufträge an der FWG Berlin, FHTW Berlin, der HGB Leipzig und HFBK Dresden
1995-2007 Professur für Fotografie und Audiovisuelle Medien an der FHTW Berlin
Lebt und arbeitet in Berlin
Milchflasche im Fenster, 1984
Baryt-Abzug, gerahmt
Tasse auf Papier, 1987
Baryt-Abzug, gerahmt
Weißer Teller mit Kirschen, 2008
Baryt-Abzug, gerahmt
Sieb im Ausguss, 1984
Baryt-Abzug, gerahmt
Weintraube auf weißem Teller, 1994
Baryt-Abzug, gerahmt
92 93

Intérieur, 2011
C-Print, Diasec
Intérieur, 2011
C-Print, Diasec
* Alle ausgestellten Arbeiten von Marcus Schwier
Sammlung Museum Ratingen
Marcus Schwier
1964 in Düsseldorf geboren
1985-92 Studium an der Fachhochschule Düsseldorf,
Diplom Architektur
1993-98 Studium an der Kunstakademie Düsseldorf
(Prof. Ernst Kasper, Prof. Walter Nikkels,
Prof. Nan Hoover / Fotografie)
seit 1998 freier Fotograf mit internationalen Fotoprojekten
seit 2007 Mitglied der Deutschen Gesellschaft für
Photographie e.V. (DGPh)
Lebt und arbeitet in Düsseldorf
* Alle ausgestellten Arbeiten von Anett Stuth
(C-Print, Aludibond, gerahmt)
Leihgaben der Künstlerin
94 95
Anett Stuth
1965 in Leipzig geboren
1991-92 Studium der Fotografie an der
Hochschule für Grafik und Buchkunst
Leipzig (Prof. Arno Fischer)
1993-96 Studium der Fotografie an der
Hochschule für Grafik und Buchkunst
Leipzig (Prof. Timm Rautert)
1996-98 Meisterschülerin bei Prof. Timm
Rautert
Lebt und arbeitet in Berlin und Meisenthal
(Frankreich)
Ohne Titel - A 24, 1998
Gelatine Silberprint, gerahmt
Ohne Titel - A 39, 1999
Gelatine Silberprint, gerahmt
* Alle ausgestellten Arbeiten von Ingolf Timpner
courtesy Galerie Bugdahn und Kaimer, Düsseldorf
Ingolf Timpner
1963 in Mönchengladbach geboren
1989-91 Arbeitsaufenthalt in Paris
Lebt und arbeitet in Düsseldorf

96
Impressum
Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung Stillleben. Carl Schuch und die zeitgenössische Stilllebenfotografie im
Herforder Kunstverein im Daniel-Pöppelmann-Haus e. V. | Deichtorwall 2 | 32052 Herford
T. +49 (0) 5221. 189689 (Ausstellung) | T. +49 (0) 5261. 16054 (Vorstand) | F. +49 (0) 5261. 4810
info@herforder-kunstverein.de | www.herforder-kunstverein.de
01.12.2012 – 03.02.2013
Museum Ratingen | Grabenstr. 21 | 40878 Ratingen | T. +49 (0) 2102. 550-4181
F. +49 (0) 2102. 550-9418 | museum@ratingen.de | www.museum-ratingen.de
24.02. – 21.04.2013
Siegerlandmuseum im Oberen Schloss | Burgstraße | 57072 Siegen | T. +49 (0) 271. 230 410
F. +49 (0) 271. 23041-20 | siegerlandmuseum@siegen.de | www.siegerlandmuseum.de
05.05. – 30.06.2013
Stadtmuseum Siegburg | Markt 46 | 53721 Siegburg | T. +49 (0) 2241. 55733
stadtmuseum@siegburg.de | www.siegburg.de.
14.07. – 08.09.2013
Städtisches Kramer-Museum | Burgstraße 19 | 47906 Kempen | T. +49 (0) 2152. 917 271
F. +49 (0) 2152. 917 384 | museum@kempen.de | www.kempen.de
22.09. - 24.11.2013
Kunstsammlungen Zwickau | Lessingstraße 1 | 08058 Zwickau | T. +49 (0) 375. 834-510
F. +49 (0) 375. 834-545 | kunstsammlungen@zwickau.de | www.kunstsammlungen-zwickau.de
06.12. 2013 – 16.02.2014
Herausgeber: Museum Ratingen, Ratingen und Siegerlandmuseum im Oberen Schloss, Siegen
Konzeption l Projektleitung l Organisation: Klaus Thelen, Ratingen und Ursula Blanchebarbe, Siegen
Texte: Franz Armin Morat, Freiburg/Breisgau (Sammlung Schuch) | Alexandra König, Ratingen (Carl Schuch)
Klaus Thelen, Ratingen (Stillleben Fotografie) und Ursula Blanchebarbe, Siegen (Vorwort)
Redaktion: Ursula Blanchebarbe, Siegen | Klaus Thelen, Ratingen
Gestaltung l Corporate Design l Satz: Simone Reusch, Andreas Wünkhaus, Düsseldorf
Fotografie: Bernhard Strauss, Freiburg im Breisgau für die Reproduktionen von Carl Schuch und Kurt Kocherscheidt,
Mick Vinzenz für die Reproduktionen von Johannes Brus
Die Deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliografie; detaillierte
bibliografische Daten sind im Internet über http://dnb.d-nb.de abrufbar.
Gesamtherstellung und Vertrieb: Kerber Verlag, Bielefeld | Windelsbleicher Str. 166–170 | 33659 Bielefeld | Germany
Tel. +49 (0) 5 21. 9 50 08-10 | Fax +49 (0) 5 21. 9 50 08-88 | info@kerberverlag.com
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Teil dieses Werkes darf in irgendeiner Form ohne schriftliche Genehmigung des Verlages reproduziert oder unter
Verwendung elektronischer Systeme verarbeitet, vervielfältigt oder verbreitet werden.
Copyright © 2012 Museum Ratingen, Ratingen | Siegerlandmuseum im Oberen Schloss, Siegen | Kerber Verlag, Bielefeld/Berlin,
Künstler, Autoren und für die Fotografien bei den Fotografen und den Rechtsnachfolgern | VG Bild-Kunst, Bonn,
für Johannes Brus, Hartmut Neumann und Marcus Schwier.
ISBN 978-3-86678-694-3 | www.kerberverlag.com
Printed in Germany
Ausstellung und Katalog wurden gefördert vom Ministerium für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes
Nordrhein-Westfalen und dem Kultursekretariat NRW Gütersloh.
Kultursekretariat NRW
Gütersloh