Ein Musik Tanz Theater Projekt Daniel Hellmann / 3art3 & Quan Bui ...

K.
Ein Musik Tanz Theater Projekt
Daniel Hellmann / 3art3
& Quan Bui Ngoc / les ballets C de la B
Eine Produktion von 3art3 in Koproduktion mit dem Tanzhaus Zürich
und Südpol Luzern
Jeune homme
Tu es joyeux ta mémoire est ensanglantée
Ton âme est rouge aussi
De joie
Tu as absorbé la vie de ceux qui sont morts près de toi
(Bleuet, Apollinaire)
Daniel Hellmann
Brüggliäcker 60
CH – 8050 Zürich
+41- 76 463 39 13
info@daniel-hellmann.com
www.daniel-hellmann.com
Februar 2012

Eindrücke aus dem Research-Wochenende (September 2011)

Inhalt
1. Team S. 1
2. Zeitplan / Aufführungen und Tour S. 1
3. Thema S. 2
4. Motivation S. 2
5. Künstlerischer Ansatz S. 2
6. Struktur S. 3
7. Bühnenraum S. 4
8. Musik S. 4
9. Tanz S. 5
10. Texte S. 5
11. Licht S. 6
12. Zielpublikum S. 6
13. Nachhaltige Ziele S. 7
14. Biographien S. 7
15. Budget S.12
16. Anhang:
- Spielstättenbestätigung Tanzhaus Zürich
- Spielstättenbestätigung Südpol Luzern
- Spielstättenbestätigung Dampfzentrale Bern
- Interesse-Bescheinigung Théâtre Sévelin 36 Lausanne
- Programmheft / Presse Michelangelo Rezital (2010)
- Künstler-Stipendium der Ernst Göhner Stiftung
- Empfehlungsschreiben von Heinz Spoerli / Zürcher Ballett
- Empfehlungsschreiben von Noëmi Nadelmann
- Empfehlungsschreiben von Hervé Klopfenstein / HEMU
- Vereinsstatuten 3art3
- DVD (Arbeiten von Daniel Hellmann und Quan Bui Ngoc)

1. Team
Ko-Leitung / Konzept / Musik Daniel Hellmann / 3art3
Ko-Leitung / Choreographie Quan Bui Ngoc / les ballets C de la B
Ausstattung Theres Indermaur
Licht Yvan Guacoin
Dramaturgie Jana Burbach
Produktionsleitung Alessandro Iannelli
Sänger Daniel Hellmann
Klavier Samuel Fried
Perkussion Sébastien Aegerter
5 Tänzer Emilia Giudicelli, Tobias M. Draeger,
Mathieu Desseigne Ravel, Gil Ho
Yang, N.N
Dauer: 60 – 75 Minuten
2. Zeitplan
Proben: 9. – 13. Juli 2012 Tanzhaus Zürich
14. – 29. Juli 2012 Südpol Luzern
30. Juli – 6. September 2012 Tanzhaus Zürich
Vorstellungen: 7./8./9. September 2012 3x Tanzhaus Zürich
20./21. September 2012 2x Südpol Luzern
27./28. September 2012 2x Dampfzentrale Bern
5.-9. Dezember 2012 1x Tanzhaus Zürich
11./12. April 2013 2x Theater Chur
14. Mai 2013 1x Operadagen
Rotterdam*
Im Frühling 2013 planen wir eine grössere Tournee in der Schweiz sowie im
Ausland. Mehrere Theater und Festivals haben ihr Interesse an K.
angemeldet. Gespräche mit Veranstaltern in der Schweiz wie auch im Ausland
(Festspielhaus Hellerau – Dresden, Théâtre de la Place – Liège, CNC Le
Pacifique – Grenoble, La Filature – Scène Nationale de Mulhouse, Les
Hivernales d’Avignon, u.a.) sind im Gang.
Im September 2012 ist auch ein Showing für Produzenten und Veranstalter
aus dem Netzwerk von les ballets C de la B geplant.
* Die Durchführung der Operadagen Rotterdam 2013 hängt im Moment noch
von der Zusage der holländischen Subventionsstellen ab.
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3. Thema
K. untersucht den Mythos von Kameradschaft zwischen Soldaten im Krieg.
Das Zusammenkommen von Intimität und Gemeinschaftsgefühl in einer von
Tod und Gewalt heimgesuchten Umgebung rückt die Komplexität der
menschlichen Beziehungen in ein faszinierendes Licht und konfrontiert uns mit
im Menschen steckenden Widersprüchen und Spannungsverhältnissen.
In K. wird der Mythos und das idealisierte Verständnis von Kameradschaft als
Ausdruck von tiefster Freundschaft, blindem Vertrauen und treuer Fürsorge
neben eine realistischere Sichtweise gestellt, zu der auch Gruppendruck,
Verrohung und Komplizenschaft im Kriegsverbrechen dazugehören.
In der Extremsituation des Krieges verdichten sich die menschlichen Gefühle –
Frustration, Angst, sexuelles Verlangen, Leere und ausschweifende Gewalt.
Die Allgegenwärtigkeit des Todes verstärkt das Bedürfnis nach Liebe und
Schutz, während sich Zärtlichkeit und Gewalt zu einem undurchsichtigen
Ganzen verbinden.
Die Spannungen zwischen Individuum und Kollektiv, Menschlichkeit und
Bestialität sowie die Konfrontation mit dem Unbekannten bilden für das
Projekt K. ein starkes Ausgangsmaterial.
4. Motivation
Für Daniel Hellmann war er immer schwierig, seine Vielseitigkeit auf und
hinter der Bühne zeigen zu können. Während er als Sänger nicht genug
eigenkreativ sein konnte, fehlten ihm in den zeitgenössischen Scenic Arts die
Möglichkeiten, seine stimmlichen Fähigkeiten sinnvoll entfalten zu können.
Das reichhaltige Repertoire an Liedern, welche das Soldatenleben und die
Kameradschaft zum Teil verklärend besingen, bringt ihn auf die Idee, diesen
Stoff in einem eigenen Projekt als Musik-Tanz-Theater auf die Bühne zu
bringen.
Im Juli 2011 besucht er den von Quan Bui Ngoc geleiteten Workshop von les
ballets C de la B in Gent. Die Begegnung ist sehr fruchtbar und die beiden
Künstler beschliessen, dieses Projekt gemeinsam zu realisieren. Daniel
Hellmann übernimmt die inhaltliche und organisatorische Vorarbeit sowie die
musikalische Leitung, Quan Bui Ngoc die Probenarbeit und choreographische
Leitung. Für K. stellen sie ein Team von Künstlern zusammen, das zum einen
aus jungen Talenten aus der Schweiz besteht, zum anderen aus international
gestandenen Künstlern aus dem Netzwerk von les ballets C de la B.
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5. Künstlerischer Ansatz
K. versteht sich als transdisziplinäres Bühnenkunstwerk, in welchem
musikalische, choreographische und theatralische Elemente als gleichberechtigte
Partner zusammenfinden. In der Stückentwicklung werden die
verschiedenen Elemente von Beginn an mit einander verflochten. Die
Darsteller (ein Opernsänger, ein Pianist, ein Perkussionist und fünf Tänzer),
werden dazu geführt, aus ihrer ursprünglichen Disziplin herauszuwachsen, um
andere Formen künstlerischen Ausdrucks zu erkunden. So werden die Tänzer
nicht nur tanzen, sondern auch singen oder Trommel spielen. Die Musiker
kriechen am Boden und sprechen, während sich der Sänger ans Klavier setzt.
Tänzer, Sänger und Musiker sind gleichermassen auf der Bühne präsent: in
einem Bild antwortet ein Tänzer auf das rhythmische Spiel des Schlagzeugers
mit Body Percussion, in einem anderen tanzt der Sänger zu seiner Arie einen
Pas de deux mit dem Pianisten. Mit demselben Gedanken stehen die
Instrumente am Anfang des Stücks in der Ecke, ohne dass man weiss,
welcher der tanzenden Männer diese bespielen wird. Wie Soldaten gehören
die Darsteller zusammen. Sie entfalten ihre individuellen Talente in den ihnen
zugewiesenen Aufgaben, aber finden immer wieder zur Gruppe zurück.
Der Tragik und Grausamkeit der behandelten Themen wird in K. bewusst eine
hohe künstlerische Virtuosität in Musik, Tanz und Gesang entgegengesetzt.
Die Ästhetisierung von Krieg und Kameradschaft bildet ein kontrastreiches
Spannungsfeld, das dem Zuschauer ein ausgefallenes und intensives,
zeitweise auch verstörendes Theatererlebnis ermöglichen soll.
Der Stückentwicklungsprozess basiert auf der bewährten Arbeitsmethode von
Les ballets C de la B, welchen der Choreograph Quan Bui Ngoc seit fast zehn
Jahren angehört. Um die Interaktion zwischen der musikalischen Ebene und
den anderen Künsten zu verstärken, werden die Musiker für K. von Beginn an
in den Probeprozess integriert.
6. Struktur
Das deutsche Volkslied „Ich hatte einen Kameraden“ dient dem Stück als eine
Art Leitmotiv. Es beschreibt in kaltem Ton die Kameradschaft zwischen den
Soldaten, die Verwundung im Krieg und die Erfahrung des Todes. Die drei
Strophen des Liedes bilden die Grundstruktur für K.
Der erste Teil des Stücks zeigt die Lebenskraft, Energie und Abenteuerlust der
jungen Soldaten. Die Besonderheiten dieser von Abhängigkeit, Rivalitäten und
Hierarchie gekennzeichneten Männer-Gemeinschaft werden auf der Bühne
sichtbar. Der Krieg stellt als entfernte, abstrakte Idee keine unmittelbare
Bedrohung dar, sondern dient als spielerischer Vorwand, um im täglichen Drill
über die eigenen Grenzen hinauszuwachsen. Trotz der intensiven
Vorbereitung durch Training und dem Aufbau von Feindbildern machen sich
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Langeweile und Ungeduld breit. Die Soldaten versuchen durch Spiel und
Spass, Ablenkung zu finden, und so der nagenden Belastung der Untätigkeit
zu entgehen. Dieser erste Teil wird aus dramaturgischen Gründen bewusst
ausgedehnt, bis sich das Gefühl von abwartender Erwartung aufs Publikum
überträgt.
Der zweite Teil bringt mit einem Schlag und ohne Übergang die Katastrophe
und Verheerung des Krieges. Dieser wird nicht als solcher dargestellt, sondern
durch die Emotionen, welche er bei den Soldaten auslöst, suggeriert.
Überwältigt von Angst, Schmerz und Fassungslosigkeit, berauscht von Blut
und Zerstörungskraft, kämpfen die Männer gegen den Zerfall ihrer
körperlichen und seelischen Welt und um den Zusammenhalt der Gruppe.
Der dritte Teil zeigt, wie die erledigten Soldaten versuchen, mit dem Erlebten
zurechtzukommen. Konfrontiert mit Trauer, Leere und Verlust, suchen sie
individuell und im Kollektiv nach Wegen, um nach dem Trauma
weiterzuleben.
7. Bühnenraum
Als Bühne ist ein modulierbarer Raum geplant, dessen Materialien dem
militärischen Kontext entnommen sind. Gitter, Zäune und Plastikplachen
ermöglichen, den Raum aufzuteilen, zu isolieren, zu schützen und zu
verwandeln. Nach oben geklappte Plachen ermöglichen Einblicke in kleine
intime Innenräume, zueinander geschobene Zäune sperren die Männer auf
kleinster Fläche zusammen.
Die Tomate ist für K. das zentrale szenische Element, das dank seiner
Zerbrechlichkeit, der Intensität seiner Farbe, seiner geschossartigen Form und
der Ähnlichkeit mit menschlichem Fleisch (im zerdrückten Zustand), vielseitig
bespielt werden kann. In grosser Zahl eingesetzt ermöglichen die in Formen
ausgelegten Tomaten auch, den Raum zu strukturieren.
Verschiedene Gebrauchsweisen werden also exploriert. Als Nahrungsmittel
symbolisiert die Tomate Leben und Unversehrtheit, zerdrückt verweist sie auf
die verschwenderische Zerstörungskraft des Krieges. Fruchtfleischfetzen und
Saft erinnern an Innereien und Blut, während die Form der Tomate zum
Ballspiel einlädt. Hin- und herkippend zwischen Spiel und Exzess werden die
Früchte massenhaft zerquetscht, geworfen und gegessen und hinterlassen
durch die Doppelbedeutung als Nahrungsmittel und Menschenfleisch einen
ekligen, leichenhaften Nachgeschmack.
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8. Musik
Die gesamte Musik von K. wird live auf der Bühne gespielt und besteht aus
einer Auswahl von klassischen, romantischen oder zeitgenössischen Werken,
sowie von den Musikern eigens für das Projekt komponierter Musik. Drei
musikalische Ebenen sind präsent: die Stimmen des Sängers und der anderen
Darsteller, das Klavier und die Perkussionsinstrumente, teilweise elektronisch
verstärkt.
Das Lied „Ich hatte einen Kameraden“ wird zuerst in einer Version für
mehrstimmigen Männerchor gesungen, dann im Laufe des Stücks verfremdet
und weiterentwickelt. Auch Lieder, welche vom Soldatenleben, dem Tod oder
der Verzweiflung handeln („Bleuet“ von Francis Poulenc, „Ceux qui parmi les
mort d’amour“ von Guy Ropartz, u.a.), werden eine zentrale Rolle spielen. Die
Lieder werden gleichzeitig gesungen und getanzt, wobei Veränderungen der
Singstimme durch die Bewegung bewusst eingesetzt werden.
Die eher intime und lyrische Stimmung des Klaviers wird von härteren und
rauen Klängen des Perkussionisten (« Naglfar » von Casey Cangelosi)
kontrastiert. Rhythmus treibt das Stück als konstantes Grundelement voran.
Die Bandbreite der gespielten Instrumente (Singstimme, Chor, Klavier,
Schlagzeug, Trommel, Glocken, Marimba, etc.) ermöglicht, die vielen
emotionalen und physischen Zustände der Soldaten mit bunten Klangfarben
zu gestalten.
9. Tanz
In der Tradition von les ballets C de la B wird die Bewegungssprache von K.
in einem ausgedehnten Recherche-Prozess erarbeitet. Dabei werden die
verschiedenen künstlerischen Hintergründe der Darsteller durchleuchtet:
klassisches Ballet und zeitgenössischer Tanz, Elemente von Akrobatik oder
Folklore. Die visuelle Dimension des Spiels von Perkussionsinstrumenten wird
in die Choreographie mit einbezogen und als Bewegungsmaterial benutzt. Die
energievollen und rhythmisch intensiven Bewegungen erfordern von den
Darstellern ein hohes Mass an körperlichem und emotionalem Einsatz.
K. spielt mit Kontrast und Gegensätzen: synchrone Bewegungen und
ritualisierte Wiederholungen zeigen die Gleichschaltung des Individuums
sowie die tägliche Routine, während in den Solos die private und persönliche
Seite ausgedrückt wird. Die Präsenz einer weiblichen Darstellerin erlaubt, die
Idee von Männlichkeit mit erweitertem Spielraum zu erforschen.
Für K. werden Bewegungen gesucht, welche die zwischenmenschlichen
Beziehungen innerhalb des militärischen Umfelds in eine abstrahierte Form
bringen. Der Krieg wird nicht als tatsächlicher Kampf repräsentiert, vielmehr
wird untersucht, wie sich die Zustände von gesteigerter Angst, gesteigerter
Aufregung oder Schmerz körperlich darstellen lassen.
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10. Texte
Alle Texte werden während der Proben erarbeitet. Grundlage dafür bilden
authentische Zeugnisse von Soldaten (Dokumentarfilme, Kriegsberichte,
Briefe an Angehörige, Interviews, etc.). Die gewählten Ausschnitte bilden
einen grossen Kontrast zur verklärten Darstellung des Themas durch die
Musik und den Tanz. Dadurch soll der Zuschauer bewusst immer wieder vom
Kunstprodukt in die reale Tragweite des Inhalts zurückgeführt werden.
Im folgenden Beispiel aus dem Dokumentarfilm „Armadillo“ diskutieren zwei
junge dänische Soldaten in Afghanistan über ihre Erlebnisse:
„Warum man so einen Entschluss fasst?“
„Ich glaube, es ist schwer für die Menschen zu
Hause zu verstehen, warum man so einen...“
„Ja, warum man glücklich sein kann, wenn man
das Leben eines anderen Menschen auslöscht.“
„Ich glaub, man muss das hier unten selbst erleben, um das verstehen zu
können.“
11. Licht
Die Bühne ist ein offener schwarzer Raum, strukturiert von den Gittern,
Zäunen und Plastikplachen, vom intensiven Rot der Tomaten und den
schimmernden Bewegungen der Haut der Tänzer. Die Lichtgestaltung
ermöglicht, mit verschiedenen Ebenen zu spielen. Die Verwendung von
Frontlicht rückt den Akzent auf die individuelle und menschliche Seite der
jungen Männer, während Seiten- und Rücklicht ihre Position innerhalb des
Kollektivs beleuchten.
Die Gitter und Plastikplachen können auch als Licht-Filter verwendet werden,
welche Schattenrisse auf die Bühne werfen, einzelne Räume verbergen und
andere hervorheben.
12. Zielpublikum
K. richtet sich dank seinem innovativen künstlerischen Ansatz an ein breites
Publikum in der internationalen Tanz-Theater-Szene. Die in K. behandelten
Themen und verwendeten Ausdrucksmittel sprechen eine universale Sprache.
Wenn auch die evozierten Erinnerungen und Gefühle in jeder Kultur und
Generation verschieden sind, so berührt K. eine allen Menschen inhärente,
gemeinsame Erfahrung.
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13. Nachhaltige Ziele
K. möchte für den Zuschauer zu einem bedeutenden Thema ein sinnliches
Theater-Erlebnis schaffen, welches berührt und anregt. K. möchte als Musik-
Tanz-Theater-Stück einen Beitrag leisten für neue Kunstformen, in welchen
die verschiedenen künstlerischen Ausdrucksmittel und –möglichkeiten der
Darsteller ausgeschöpft werden.
14. Biographien
Daniel Hellmann (Leitung/Konzept/Sänger)
Daniel Hellmann, Sänger, Schauspieler und Performer, geb. 1985 in Zürich,
beginnt seine Karriere als Knabensopran-Solist der Zürcher Sängerknaben. Er
studiert Gesang an der Hochschule für Musik Lausanne (MA of Interpretation,
2011) und Theater / Performative Künste an der Hochschule der Künste Bern
(MA in Theatre). Er ist im klassischen Musikbetrieb sowie in der
zeitgenössischen Theater- und Performance-Szene zu Hause.
Als Sänger nimmt der junge Bass-Bariton an Meisterkursen mit Christa
Ludwig, Edda Moser, Dale Duesing, sowie am renommierten Aspen Music
Festival 2009 teil. Auf der Opernbühne singt er unter anderem Demetrius,
Guglielmo, Masetto, Créon und Papageno. Regelmässig tritt Daniel Hellmann
als Solist in Konzerten in der Schweiz wie im Ausland auf, sowie in T’es pas
tout seul (2011), einem Tribut für Jacques Brel.
Der Stipendiat der Binding- und der Ernst Göhner Stiftung arbeitet mit
verschiedenen künstlerischen Persönlichkeiten und Institutionen zusammen:,
dem Zürcher und Lausanner Kammerorchester, der Opéra de Lausanne,
Dirigenten wie Nikolaus Harnoncourt, Franz Welser-Möst, Jesùs Lopez-Cobòs,
Howard Griffiths oder Wilson Hermanto, Regisseuren wie Lukas Bangerter,
Edward Berkeley, Gérard Demierre oder Elsa Rooke, Choreographen wie
Constanza Macras und Cisco Aznar, mit Filmregisseur Rosa von Praunheim,
oder Performern wie Ivo Dimchev. Für seine eigenen transdisziplinären
künstlerischen Arbeiten wie das szenische Rezital Michelangelo (2010) oder
den Musik-Tanz-Kurzfilm Prometheus (2009) hat Daniel Hellmann den Verein
3art3 gegründet.
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Quan Bui Ngoc (Leitung/Choreograph)
Quan Bui Ngoc, geboren 1976 in Hanoi, Vietnam, beginnt seine
Tanzausbildung als Kind in der Nationalen Ballettakademie Vietnam. Ab 1996
tanzt er im Ballett der Hanoi Opera und wird 1997 von Bernadette Tripier
nach Frankreich eingeladen. Er bleibt für anderthalb Jahre in der Tanzschule
Istres, wo er zeitgenössischen Tanz entdeckt und studiert. Regelmässig kehrt
er zurück nach Vietnam, um mit der Oper zusammenzuarbeiten und eigene
Projekte zu starten.
2002 trifft er Alain Platel und beginnt die Zusammenarbeit mit ihm und les
Ballets C de la B mit Wolf. Diese wird weitergeführt mit vsprs (2006), pitié!
(2008), Out of context – for Pina (2010) und C(h)oeurs (2012). 2009 arbeitet
er mit Lisi Estaras als Tänzer in Bolero und als Co-Direktor in I know a place.
Quan kreiert auch das Stück Jump or fall (2009) mit Juliana Neves und
Samuel Lefeuvre. Er arbeitet regelmässig mit der Schauspielklasse am
Conservatorium Gent. Dort entwickelt er das Stück Picnic mit den
Studierenden. In der Schweiz tritt Quan regelmässig mit les ballets C de la B
auf, sowie mit Violetta Spataro und der Zürcher Compagnie sans filtre für
Bonjour Demain (Fabriktheater Rote Fabrik, 2005). Quan gibt auch
regelmässige Workshops in der Schweiz (Festival La Bâtie), Schweden,
Belgien, Frankreich, Ungarn, Deutschland und Brasilien.
Theres Indermaur (Ausstattung)
Theres Indermaur (geboren 1984 in Zürich) absolvierte an der Zürcher
Hochschule der Künste den Bachelor of Design in Scenographical Design und
den Master of Arts in Theater, Vertiefung Bühnenbild.
Seither ist sie als freischaffende Bühnen- und Kostümbildnerin tätig. Unter
anderem war sie für die Ausstattung von Eusi chlii Stadt von Thomas
Wollenberger im Theater Hechtplatz (2009), für die Ausstattung von The
fantastic four Stimmen, dem neuen Abendprogramm der Theater/A-capella
Formation Urstimmen (2011) und die Kostüme von XYZ im Theater der
Künste (2009) verantwortlich. Als Szenographin arbeitete sie für die Lethargy
(2007+2008) in der Roten Fabrik und für den Zürcher Presseball
(2006+2007). Ebenfalls konzipierte sie die Ausstellung Aussichten (2008) für
den Studiengang Scenographical Design an der Zürcher Hochschule der
Künste. Aktuell ist sie als Bühnen- und Kostümbildnerin am Theater am Gleis
Winterthur tätig, für die Produktion Lebensgefährlich vom Theater Ariane mit
Andrea Zogg, Regie: Jordi Vilardaga.
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Jana Burbach (Dramaturgie)
Jana Burbach (geboren 1985 in München) arbeitet als Autorin, Regisseurin,
Dramaturgin und Performerin.
Zwischen 2009 und 2011 studiert sie an der Hochschule der Künste Bern
Scenic Arts Practice (MA) und zuvor Classics and English an der Universität
Oxford (BA). Sie hat in Oxford verschiedene Stücke inszeniert. 2009 schreibt
und inszeniert sie wwwelten in Berlin (Jugendkulturzentrum Pumpe). 2011
entwickelt sie Back to the Jungle mit dem Kollektiv butterbrot u. spiele
(Schlachthaus Theater Bern).
Von 2007 bis 2010 arbeitet sie als Regieassistentin und Dramaturgin in Berlin
für Constanza Macras, Nurkan Erpulat und Lola Arias. 2010 wirkt sie in La
Cérémonie von 400asa als Dramaturgin und Performerin mit (Gessnerallee
Zürich, Peng Hao theatre Beijing, Theaterspektakel Zurich).
Im Herbst 2011 wird sie als Performerin und Dramaturgin im Projekt Das
Gastmahl der Archivaren. Herzvariationen von Regine Fritschi (Klosterberg,
Theater Basel) mitarbeiten.
Samuel Fried (Klavier/Komposition)
Samuel Fried ist solistisch und kammermusikalisch als Konzertpianist tätig. Er
tritt in der Schweiz, in Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich,
Grossbritannien und Japan auf, was ihn in Konzertsäle wie die Tonhalle in
Zürich, das Kultur-Casino in Bern, das Kultur und Kongresshaus in Aarau und
den Ehrbar-Saal in Wien geführt hat. Er spielte an Festivals wie Murten
Classics und Biennale Bern. Einige seiner Konzerte wurden von den
Radiosendern DRS 2 und Espace 2 übertragen.
Er ist Gründungsmitglied des ensemble proton bern, das sich ganz auf
zeitgenössische Musik spezialisiert hat. Mit der Pianistin Yuka Munehisa spielt
er im Duo Arte Animi und mit der Barockgeigerin Sabine Stoffer spielt er auf
historischen Instrumenten.
Samuel Fried studierte Klavier bei Tomasz Herbut und Brigitte Meyer an den
Musikhoschschulen von Bern und Lausanne und erhielt 2010 den Master of
Arts mit Auszeichnung. Samuel Fried ist Erstpreisträger von zahlreichen
Wettbewerben im In- und Ausland und erhielt mehrere Stipendien
(Dienemann-Stiftung, Award der Uttwiler Meisterkurse). Mit dem Duo Arte
Animi gewann er mehrere erste Preise, u.a. beim Europäischen
Mendelssohnwettbewerb in Italien, oder beim internationalen Wettbewerb
„Euterpe“. Seine künstlerische Leistung wurde von der Kulturstiftung Pro
Argovia mit dem Titel Pro Argovia Artist 2011/2012 und von der Suisa-
Stiftung mit dem Prix Suisse ausgezeichnet.
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Sébastien Aegerter (Perkussion/Komposition)
Sébastien Aegerter (geb. 1983 in Lausanne) beginnt seine musikalische
Ausbildung (Perkussion, Schlagzeug) sehr jung in der Musikschule Crissier,
und später an der Musikhochschule Lausanne, wo er bei Stéphane Borel den
Master in Musikpädagogik sowie in Performance abschliesst.
Seit 2004 widmet sich Sébastien ausschliesslich der Musik, wobei er ein sehr
breites Repertoire pflegt, das ihn von seiner Progressive Rock Gruppe (Mout)
zum Symphonieorchester (Ensemble Symphonique de Neuchâtel, la
Sinfonietta de Lausanne, Animato Orchestra) führt. Er hat verschiedene
Künstler und Ensembles begleitet, darunter die Tanzschule Rudra-Béjart, das
Aélia trio, das Tchiki Duo, Glen of Guinness oder Convulsif Big Band.
Sébastien Aegerter komponiert auch eigene Stücke (u.a. Calc’air, La
disparition), und arbeitet mit Westschweizer Komponisten wie Jean Balissat,
Jean-François Zbinden und Thierry Besançon. 2008 gewinnt er mit dem
Marimba den 2. Preis im Nationalen Musikwettbewerb. Zu seinen
padägogischen Aktivitäten zählen auch die Musikprojekte, welche er in
Zusammenarbeit mit der Sozialbehörde der Stadt Lausanne leitet.
Nach einem Studienjahr an der Royal Danish Academy of Music in
Kopenhagen in der Klasse von Gert Mortensen, Johan Bridger und Morten
Friis (Safri Duo), setzt Sébastien seine Ausbildung mit Pedro Carneiro fort.
Emilia Giudicelli (Tanz)
Emilia Giudicelli, wurde 1985 in Frankreich geboren und erhielt ihre
Tanzausbildung am Konservatorium in Lyon, an der Ècole-Atelier Rudra Béjart
in Lausanne und am Königlichen Konservatorium für Bühnentanz in Madrid.
Schon während ihrer Ausbildungszeit mit Stipendien des Spanischen
Kulturministeriums sowie des Monaco Dance Forums ausgezeichnet, war sie
anschließend 2005-2006 als Tänzerin am Ballett Dortmund, 2006-2007 am
Staatstheater Braunschweig, 2007-2008 am Theaterhaus Stuttgart – Gauthier
Dance und 2008-2010 als Solistin am Hessischen Staatstheater Wiesbaden bei
Stephan Thoss engagiert. 2011 arbeitete Emilia Giudicelli als Gast mit Helge
Letonja in Bremen und mit Jean Renshaw am Theater Fürth. In der Spielzeit
2011-2012 ist sie am Scottish Dance Theater bei Janet Smith engagiert.
Ab 2009 bildete sich Emilia Giudicelli u. a. in Masterclasses bei Daniel Larrieu,
Norberto Llopis, Miguel Gutierrez, Forsythe Company sowie der Hofesh
Shechter Company fort und nahm 2010 am International Sommer Lab –
Tanzlabor 21 in Frankfurt mit Les Ballets C de la B teil. Seit 2007
choreografierte sie mehrere eigene Stücke, die in Braunschweig und Stuttgart
präsentiert wurden.
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Tobias M. Draeger (Tanz/Schauspiel)
Geboren 1981 in Deutschland. Physical Theatre Ausbildung in München, Wien
und Zürich. Zeitgenössischer Tanz am Konservatorium Wien sowie SEAD
Salzburg. Seit 2001 Auftritte in diversen Theater- und Filmproduktionen. Seit
2008 eigene choreografische Arbeiten mit dem DUO Gensheimer (CH)/
Draeger (D), u.a. Linz09, Theater Phönix Linz, WUK Kiosk59, Spielfestival,
Tanztendenz München, 12 MIN.MAX im Tanzhaus Zürich. Diverse Commercial
and Music Produktionen für das Fernsehen und Kino (inter alia Milka, Smart,
Axpo Superleague, Swiss Post, Lindt, COOP).
Diverse Theater & Tanzassistenzen u.a. Wim Vandekeybus. 2010 gewann er
den Nachwuchspreis des Szene Bunte Wähne Festivals sowie das Stipendium
des interdisziplinären Sommerlabors Mousonturm (Frankfurt) mit Ballets C de
la B, seitdem verstärkte Zusammenarbeit mit Quan Bui Qnoc (u.a. in Köln und
Budapest). 2011 arbeitete er mit Cornelia Lüthi (CH) und war Preisträger des
„Stückwerk“ Nachwuchs Choreographie Preis/Tanzquartier Wien.
Seit Ende des Jahres tourt er als Compagniemitglied von Helena Waldmann
mit dem“ Glückstück“. Tour 2012 u.a. Tanzhaus Düsseldorf, Impulstanz
Festival Wien sowie STEPS Festival Migros.
Gil-Ho Yang (Tanz)
Gil Ho Yang, geboren 1980, studiert in Korea Schauspiel und traditionellen
Tanz und gewinnt bereits während seines Studiums zahlreiche Preise.
Er arbeitet in seiner Heimat mit verschiedenen Kompagnien, u.a. mit der
National Dance Company Korea und On Mom Physical Theatre Company.
Seit 2005, Workshops mit Philipp Glass Ensemble, Physical Theatre Derevo,
Cie Gilles Jobin, Tadashi Endo (Butho), Cie Emmanuel Grivet, Cie. Colette
Sadler und les ballets C de la B.
Gil Ho Yang ist an verschiedenen Tanz-, Theater- und Performance-Festivals
aufgetreten, u.a. am Samsung Dance Festival, wo er für sein Stück „blood
line“ ausgezeichnet wird, am Seoul Art Festival mit „green artie“ oder am
Korea Modern Dance Festival mit „final exit“. Als Choreograph und Tänzer tritt
er mit „le deux“ seit 2009 vermehrt auch in Europa auf (Mix Art Myrys,
Toulouse / Le Filet, Marseille / Antic Teatre, Barcelona). Seither arbeitet er
mit Serial Dreamer Company in Brüssel, SETanztheater in Nürnberg, Philip
Bergmann Dance Company (Biarritz, München), Dance Theater 4P (München)
und aktuell mit les ballets C de la B und Koen Augustijnen für „Au-delà“.
K. Ein Musik Tanz Theater Projekt von Daniel Hellmann 15. Februar 2012 11

15. Budget
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