THE FESTIVAL FOR IMPROVISED MUSIC ALTE ... - Ear We Are

THE FESTIVAL
FOR IMPROVISED MUSIC
ALTE JURAGARAGE
BIEL / BIENNE
07 / 08 / 09
02 – 2013

Ear wE arE
thE fEstival for
improvisEd music
altE juragaragE
biEl / biEnnE
07 / 08 / 09
02 – 2013
donnerstag / jeudi 07–02–2013
20 : 30 h the thing (nO / Se)
21 : 45 h rOScOe mitchell (uS)
23 : 00 h maja ratkje &
laSSe marhaug (nO)
freitag / vendredi 08–02–2013
20 : 30 h rüdiger carl &
Sven-Åke jOhanSSOn (de / Se)
21 : 45 h jacqueS demierre &
vincent barraS (ch)
22 : 30 h thOmaS peter (ch)
23 : 30 h Shabazz palaceS (uS)
saMstag / saMedi 09–02–2013
16 : 00 h Okkyung lee (kr / uS)
17 : 00 h rOman nOwka (ch)
–
21 : 00 h paScal auberSOn & chriStOphe
calpini & laurent pOget (ch)
22 : 15 h rudOlf eb.er (ch / jp)
23 : 00 h keith rOwe & jOhn tilbury (uk)
00 : 00 h marc ribOt’S ceramic dOg (uS)
instaLLation – Pendant tout Le festivaL
thOmaS peter (ch)
cOmbOSitiOn (ch)

EDITORIAL /
EDITO
Wo geht das Wort in Klang über, wo
der Klang ins Wort? Die Stimme und
das Wort, der Körper selbst als Klangraum
ist der inhaltliche Schwerpunkt
der achten Ausgabe des Ear
We Are – Festival for improvised
music. Wir freuen uns sehr, dass wir
jeden Abend eine besondere Position
zum Umgang mit der Sprache in
der Musik präsentieren können. Von
der experimentierfreudigen Sängerin
Maja Ratkje über Poésie sonore
(Demierre / Barras) und zeitgenössischen
Hip-Hop (Shabazz Palaces)
bis hin zu Pascal Auberson
mit seinem erweiterten Chanson-
Begriff – erleben Sie verschiedene
Zugriffe auf den Umgang mit Sprache
und Stimme. Auch sonst widmet
sich das Ear We Are 2013 der Erforschung
des Neuen und dem Neuentdecken
des scheinbar Bekannten:
das vielseitige und kontrastreiche
Programm vereint aktuelles Musikschaffen
aus den Stilrichtungen
Noise, Jazz, Freejazz und konzeptueller
Musik, elektronisch wie akus-
tisch. Es sind grosse MusikerInnen
aus der Geschichte der freien Musik
in Biel zu Gast, es sind hochkarätige
Positionen, Fragen und Experimente,
die Sie in der Juragarage erleben
können. Es sind aber auch unbekanntere
und jüngere MusikerInnen,
ungewohnte und neue Ansätze, die
zu entdecken sind. So steht eine intensive
Entdeckungsreise bevor, die
keine schwere Ausrüstung erfordert,
im Gegenteil: es ist nur die Leichtigkeit
und neugierige Offenheit vonnöten,
die Überraschungen ermöglicht
und zulässt. Wir freuen uns auf
drei dichte und vielseitige Abende,
an denen wir gemeinsam mit Ihnen
der zeitgenössischen freien Musik
einen Resonanzraum geben.
À partir de quelle frontière ténue le
mot se transforme-t-il en son, et inversement?
La voix et le verbe, le
corps en tant qu’espace sonore, tel
est le thème central de cette huitième
édition d’Ear We Are – Festival
for improvised music. Chaque soir,
une façon différente d’utiliser le langage
dans la musique sera mise en
lumière. Des expérimentations multiples
de la chanteuse Maja Ratkje à
Pascal Auberson avec son concept
élargi de la chanson, en passant par
la poésie sonore (Demierre / Barras)
et le hip hop contemporain (Shabazz
Palaces), la parole offre différentes
voies (ou voix) d’accès. Toujours en
quête de nouveauté, Ear We Are
2013 se consacre également à la redécouverte
de ce qui semble connu:
notre programme éclectique réunit
les créations musicales actuelles
des scènes noise, jazz, free-jazz
et conceptuelle, tant électroniques
qu’acoustiques. Bienne accueille
des artistes majeurs de l’histoire de
la musique libre, pour faire découvrir
des prises de position, des questionnements
et des expérimentations de
haut vol au Garage du Jura. Place
également à de jeunes talents moins
connus, à des approches inhabituelles
et inédites de la création musicale
d’aujourd’hui. Nous vous proposons
une exploration intense, qui
n’exige aucun bagage culturel volumineux,
bien au contraire: seule la
légèreté, la curiosité et l’ouverture
d’esprit s’imposent pour laisser libre
cours à l’étonnement et à l’émerveillement.
Pendant ces trois soirées
denses et riches, nous sommes impatients
de pouvoir offrir, à vos côtés,
une caisse de résonance à la
musique libre contemporaine.

Composé de Mats Gustafsson au
saxophone, d’Ingebrigt Håker Flaten
à la basse et de Paal Nilssen-Love
aux percussions, ce trio scandinave
associe avec une énergie percutante
les influences les plus éclectiques.
The Thing emprunte aussi
bien aux traditions européennes
et américaines de la musique libre
qu’au free-jazz, qui s’insinue dans
des sonorités rock plus récentes. Un
trio intemporel, à l’énergie terrienne.
(SE / NO)
DONNERSTAG
07–02–2013
20 : 30
The Thing ist eine der kraftvollsten
Bands des nordeuropäischen Jazzs.
Nicht verwunderlich, betrachtet man
die Musiker: Der Schwede Mats
Gustafsson ist eine zentrale Figur
in der freien Musikszene. Mit Bands
wie Gush oder in Peter Brötzmann`s
Chicago Tentet machte er sich in den
letzten zwei Jahrzehnten einen Namen
als energetischer Saxophonist.
Der Bassist Ingebrigt Håker Flaten
und der Schlagzeuger Paal Nilssen-
Love ihrerseits gelten als Norwegens
härteste Rythm-Section. Seit
1992 zusammen unterwegs, spielten
sie u.a. in der Band School Days mit
Ken Vandermark oder in der nordischen
Jazz-Band Atomic.
Die gemeinsame Arbeit als The
Thing starteten die drei im Jahr
2000. Ursprünglich setzte sich das
Trio vor allem mit Stücken von Don
Cherry auseinander, schnell mischten
sich aber andere Kompositionen
ins Repertoire: In der Zusammenarbeit
mit der Jazzgrösse Joe McPhee
spielte die Band Free Jazz Standards
von Musikern wie David Murray,
Frank Lowe oder Norman Howard
ein. Die Begeisterung des Trios
für Rockmusik vergrösserte die musikalische
Spannweite und so fanden
Kompositionen von PJ Harvey,
The White Stripes, The Sonics oder
der Yeah Yeah Yeahs ihren Weg ins
Repertoire von The Thing.
In dieser Art führte der Weg geradlinig
zu dem, was die Band heute ist,
ein zeitloses und erdiges Powertrio.
Die drei Musiker verbinden in lebendiger
Weise verschiedene Einflüsse:
Europäische und amerikanische
Traditionen der Freien Musik geben
sich die Hand, Freejazz mischt sich
mit Rock.

(US)
Avec le saxophoniste Roscoe Mitchell,
Ear We Are 2013 accueille un
invité de marque. Ce septuagénaire
charismatique, originaire de Chicago,
compte depuis les années 60 parmi
les pionniers du jazz. Son histoire
s’écrit tout d’abord dans le hard bop,
aux côtés d’Albert Ayler ou d’Henry
Threadgill. Toujours curieux, éternel
apprenti, il n’a de cesse de défricher
de nouvelles pistes d’improvisation,
hors des sentiers battus. En 1965,
il est l’un des membres fondateurs
de l’Association for the Advancement
of Creative Musicians. Son album
«Sounds», interprété avec Les-
ter Bowie et Malachi Favors, sort en
1966. En 1967, Joseph Jarman et Philip
Wilson rejoignent le trio: l’Art Ensemble
of Chicago, l’un des groupes
majeurs du jazz d’avant-garde, était
né. Dans cette formation qui, par
son jeu ludique et empreint d’une
énergie ardente, proclame haut et
fort son identité noire et ses racines
africaines, Roscoe Mitchell imprime
une marque profonde dans l’évolution
du jazz. Au fil des décennies, il
enregistre plus d’une centaine d’albums
avec l’Art Ensemble, à la tête
d’autres formations, ou aux côtés de
musiciens d’autres groupes et projets.
Compositeur, soliste, leader ou
encore accompagnateur, le musicien
a influencé de mille et une façons
des générations de musiciens
de toutes sensibilités, pas uniquement
jazz. Dans le cadre d’Ear We
Are, il se produit dans l’un de ses
(trop rares) concerts en solo.
JEUDI
07–02–2013
21 : 45
Mit dem über siebzigjährigen Saxophonisten
Roscoe Mitchell gastiert
einer der ganz Grossen des Jazz
beim Ear We Are 2013. Der Bläser
aus Chicago zählt seit den 60er-
Jahren zu den Pionieren des Jazz.
Seine Geschichte startet im Hardbop,
geht über die freie Improvisation
bis zum Art Ensemble of Chicago,
einer der einflussreichsten
Bands der Jazz-Avantgarde. Ob als
Komponist, Solist, Bandleader oder
Mitmusiker, Roscoe Mitchell prägte
mehrere Generationen von (nicht
nur Jazz-)MusikerInnen. Am Ear We
Are ist er in einem Solokonzert zu erleben.

DONNERSTAG
07–02–2013
23 : 00
(NO)
Après The Thing, la musique du Nord
déferle en force avec le duo norvégien
formé par Maja Ratkje et Lasse
Marhaug. Ces deux artistes débordent
eux aussi d’une énergie
puissante, qui plonge cette fois ses
racines dans des courants plus récents:
noise et musique électronique
constituent le socle de leurs improvisations,
toujours sur le fil du rasoir.
La voix de Maja Ratkje, chanteuse
et musicienne électronique, se fraie
un chemin dans un dédale de machines,
Lasse Marhaug répond par
des tirades envolées. À eux deux, ils
font apparaître un paysage noise à
la fois vibrant et lacéré.
Nach The Thing ist mit dem norwegischen
Duo Maja Ratkje und Lasse
Marhaug ein zweites Mal Musik
aus dem Norden Europas angesagt.
Auch bei diesen beiden Künstlern
geht es um Energie, diesmal aber
mit Wurzeln in neueren Tendenzen:
Noise, elektronische und zeitgenössische
Musik bilden den Unterbau
dieses improvisatorischen Grenzgangs.
Auf der einen Seite steht da die
Komponistin, Sängerin und elektronische
Musikerin Maja Ratkje. Sie
schrieb unter anderem Stücke für
das Klangforum Wien, die Oslo Sinfonietta
und das norwegische Radioorchester.
Sie ist aber ebenso aktiv
als Sängerin und elektronische Musikerin,
sei dies als Solistin, in Formationen
wie SPUNK oder in Arbeiten
mit MusikerInnen wie Joëlle
Léandre, Ikue Mori oder Stephen
O’Malley.
Auf der anderen Seite steht der Inbegriff
für norwegische Noise-Musik,
Lasse Marhaug, der sich in zahlreichen
Kollaborationen mit Improvisation,
Jazz und nicht zuletzt auch
mit Metal auseinandergesetzt hat.
Die Liste der Projekte und Zusammenarbeiten
von Lasse Marhaug ist
lang. Sie reicht von Jazkamer über
Nash Kontroll zu Origami Replika,
von Merzbow über Sunn O))) zu The
Skull Defekts.
Gemeinsam schaffen Maja Ratkje
und Lasse Marhaug ein faszinierendes
und dichtes Klanguniversum:
Sie lassen eine mal mitreissende,
mal zerrissene Noiselandschaft entstehen,
die von grossen Bögen geprägt
ist. Wer einen Vorgeschmack
auf dieses Duo haben möchte, dem
seien die bemerkenswerten Alben
Music for Faking, Music for Gardening,
Music for Loving und Music for
Shopping empfohlen.

(DE / SE)
Ces deux artistes ont profondément
marqué l’éclosion de la scène européenne
et de la musique libre dans
les années 70.
Rüdiger Carl, accordéoniste, clarinettiste,
chanteur, compositeur
et ancien saxophoniste ténor allemand,
occupe le devant de la scène
musicale libre depuis les années 60.
Membre du Globe Unity Orchestra,
il a longtemps travaillé avec Irène
Schweizer et participé à de nombreux
projets avec Louis Moholo,
Han Bennink, Hans Reichel, Joëlle
Léandre ou encore Carlos Zingaro.
Rüdiger Carl s’est toujours mû au
cœur de l’improvisation libre, avant
de se consacrer à des travaux et à
des expériences plus conceptuels,
avec une musique «mise en scène».
Né en Suède mais Allemand de
cœur, Sven-Åke Johansson est tour
à tour compositeur et musicien,
poète et artiste plasticien, auteur
et instigateur de nombreuses productions
musicales. Il figure parmi
les pionniers et les icônes de l’improvisation
musicale libre en Europe
et a travaillé au fil des années
avec d’innombrables musiciens tels
qu’Alexander von Schlippenbach,
Hans Reichel, Dietmar Diesner,
Axel Dörner, mais aussi des artistes
d’autres disciplines: Shelley Hirsch,
Andrea Neumann, Heiner Goebbels,
Blixa Bargeld…
Ensemble, Rüdiger Carl et Sven-
Åke Johansson invitent l’auditeur
à un univers sonore aussi poétique
que ludique, dans un concert teinté
d’humour et de clins d’œil ironiques,
ponctué de performances. Une musique
pleine de fraîcheur, de surprise
et de liberté.
VENDREDI
08–02–2013
20 : 30
Der deutsche Akkordeonist, Klarinettist,
Sänger und Komponist Rüdiger
Carl und der gebürtige Schwede
und Wahldeutsche, Komponist und
Musiker, Poet und bildender Künstler
Sven-Åke Johansson sind zwei
Musiker, die den Aufbruch der europäischen
Szene und die Blüte der
freien Musik in den 70er-Jahren entscheidend
mitgeprägt haben. Gemeinsam
laden die beiden Musiker
in eine ebenso poetische wie verspielte
Klangwelt, einem von Witz
geprägten Konzerterlebnis gespickt
mit performativen Elementen.

(CH)
Freitag
08–02–2013
21 : 45
Le pianiste genevois Jacques Demierre
travaille depuis longtemps
avec sa voix, en plus de son clavier.
Avec Vincent Barras, il s’est attelé à
la poésie sonore, un art qui se situe
aux confins des traditions littéraires
et musicales. L’instrument s’écarte
du chant, pour privilégier un matériau
sonore composé de syllabes, de
la sonorité et du rythme de la parole.
Elément après élément, cette
matière verbale est ensuite travaillée
en compositions surprenantes,
qui donnent vie à un univers unique
et atypique.
Die Arbeit des Duos Vincent Barras
& Jacques Demierre vertieft und be-
fragt seit mehreren Jahren das
klangliche und poetische Experimentieren
an der Schwelle der traditionellen
Kategorien Literatur und
Musik. Die Kompositionen der beiden
befassen sich mit der Materialität
des Klangs an der Grenze
zwischen Sprache und Musik. Sie
basieren auf Grundklängen der gesprochenen
Sprache, welche Demierre
und Barras in Raum und
Zeit gestalten. So entstehen anatomische,
organische Gedichte, die
durch die Körper der Performer in
Szene gesetzt werden. Die Sprecher
sind sowohl erklingende Instrumente
als auch Prinzip der semantischen
Organisation der Stücke.
Die drei jüngsten Kompositionen –
gad gad vazo gadati (2002), bh n (a)
(2006) und manarauieoo (2009) – bilden
einen Triptychon. Sie verfolgen
die experimentelle Forschung an der
Materie des Sprechens im Sinne des
Schweizer Sprachwissenschaftlers
Ferdinand de Saussure: «La Parole»
meint den konkreten Sprechakt,
also die individuelle Realisierung
der «Sprache» («langue») durch
den je einzelnen Sprecher. Zugleich
ist die «Parole» aber auch der Ort
der Hervorbringung neuen sprachlichen
Sinns, also der Ort der Genesis
und Veränderung der «Sprache».
Der Ansatz der Kompositionen spielt
mit poetischen Mitteln – Arbeit mit
der Syntax und der Phonetik – und
mit musikalischen Parametern wie
Zeitstruktur, Klangfarben und Wiederholungen.
Die Analyse von alten
und modernen Sprachen und deren
Re-Arrangement werden so zu
exakten Klangskulpturen, zu witzigen,
verspielten Musikstücken an
der Grenze bekannter Klanglichkeit.

VENDREDI
08–02–2013
22 : 30 &
PENDANT TOUT
LE FESTIVAL
(CH)
Der Zürcher Musiker und Komponist
Thomas Peter ist in verschiedenen
Bereichen tätig. Er arbeitet als Komponist
elektroakustischer Musik, als
Laptop-Performer, spielt improvisierte
Musik, erschafft Klanginstallationen
und Theatermusik. Am
Ear We Are 2013 ist er in doppelter
Funktion zu Gast: Zum einen mit einer
Klanginstallation, die den Aussenraum
der ehemaligen Tankstelle
belebt, zum anderen als elektronisch
agierender Solist.
Ear We Are accueille le musicien et
compositeur zurichois à double titre:
pour un bref liveset électronique improvisé
et, tout au long de ces trois
jours, pour une installation audio
qui dépasse les frontières du festival.
Les deux créations émanent du
même matériau: pendant le reste
de l’année, l’ancien Garage du Jura
sert en effet d’atelier. Chaque jour,
des artisans polissent, martèlent,
soudent du métal et scient du bois
– le garage sert de cadre à un ouvrage
manuel. Le matériau est touché,
manié; il est distendu, sa surface
remaniée, jusqu’à prendre une
nouvelle forme. Une transformation
tactile qui passionne le musicien,
par les bruits arrachés, l’exploration
de la structure même de la
matière et des sons: la rugosité des
différentes surfaces, la résonance
des matériaux, la résistance opposée
lorsque le métal ou le bois sont
frappés, grattés ou raclés, génèrent
une vaste palette de sonorités. Thomas
Peter recherche avant tout les
structures intérieures de ces bruits:
il s’agit de décomposer chaque son,
d’en extraire la substance et d’ouvrir
de nouvelles perspectives sonores.
Les bruits quasi imperceptibles sont
amplifiés et mis au premier plan. De
nouveaux échos sont mis au jour, de
nouveaux sons naissent, dotés d’une
identité musicale propre. Ce travail
des matériaux sonores dans le
cadre d’un protocole d’expérimentation
– un réseau de nombreux hautparleurs
– conduit sans cesse à de
nouvelles interprétations de la matière.

Originaire de Seattle, le crew Shabazz
Palaces compte parmi les plus
innovants du hip-hop actuel. Ishmael
Butler aka «Palaceer Lazaro»
et le multi-instrumentiste Tendai
«Baba» Maraire propulsent le hiphop
dans de nouvelles sphères. Loin
des voies toutes tracées du mainstream,
Shabazz Palaces envoûte
par ses sonorités à la pointe de la
musique électronique: des basses
sourdes, que l’on dirait issues du
dubstep, des beats aériens, entrecoupés
de sons parfois ouverts, parfois
sombres. Les cascades vocales
de Butler jaillissent dans un déferlement
qui entraîne tout sur son passage.
(US)
Das Duo Shabazz Palaces aus Seattle
kommt daher wie eine klassische
Hip-Hop-Combo und ist gleichzeitig
das komplette Gegenteil davon. Die
beiden Musiker Ishmael Butler aka
«Palaceer Lazaro» – bekannt aus
früheren Jahren als Butterfly des
Jazz-Rap-Trios Digable Planets –
und der Multiinstrumentalist Tendai
‹Baba› Maraire führen den Hip-Hop
in neue Sphären. Nach zwei selbst
herausgegebenen Minialben präsentierte
das Duo 2012 mit «Black
Up» ein ebenso faszinierendes wie
irritierendes Meisterwerk, erschienen
auf dem Rocklabel Sub Pop, auf
welchem in den 90er-Jahren Nirvana
und Soundgarden Grunge-Geschichte
schrieben. Abseits des Hip-
Hop-Mainstreams lockt Shabazz
Palaces mit Klängen auf der Höhe
aktueller elektronischer Musik: tiefe
Bässe wie aus einer Dub-Step-
Nummer, luftig treibende Beats und
mal offene, flüchtige mal düstere
Klangsphären. Über diese so festen
wie flexiblen Fundamente legen
sich mit grosser Sogwirkung Ishmael
Butlers Reimkaskaden.
Ishmael Butler und Tendai ‹Baba›
Maraire entfachen ein elektrisierendes
Spiel aus Ebenen und Schichten,
aus Raps und Rhythmen, aus
afrikanischen Chants, Mantras und
geheimnisvoll lauernden Basstönen.
Das Duo spürt den Pop dabei bei den
Urwurzeln auf und kreiert eine aktuelle,
von viel Flow getragene Form
von Hip-Hop. Im besten Sinn: Hip-
Hop des 21. Jahrhunderts.
Freitag
08–02–2013
23 : 30

(KR / US)
Okkyung Lee verkörpert eine jüngere
Generation in der Improvisationskunst.
Die Südkoreanerin lebt seit
geraumer Zeit in den USA, wo sie
Komposition und Cello studierte. Ihr
Talent und ihre energetische Spielweise
machten sie in den letzten
Jahren zu einer gefragten Musikerin.
Okkyung Lee besticht mit einer eigenständigen
Stimme, die auf zeitgenössischen
Cellotechniken und
grossen Erfahrungen in Improvisation
und Komposition aufbaut. Sie
lässt Jazz, traditionelle koreanische
Musik und Geräusche verschmelzen
und schafft ein einzigartiges Klanguniversum.
Okkyung Lee incarne une nouvelle
génération de l’art de l’improvisation.
Installée depuis longtemps aux
États-Unis, où elle a étudié la composition
et le violoncelle, la Sud-
Coréenne possède un timbre musi-
cal hors du commun, résultat d’une
parfaite maîtrise des techniques
contemporaines de son instrument,
acquise au fil d’une longue expérience
de l’improvisation et de la composition.
Imprégnée d’influences
classiques, jazz, de musique coréenne
traditionnelle et de sonorités
pop, elle a su créer un univers
unique. Son talent et son jeu énergique
ont captivé de nombreux musiciens
de la scène expérimentale et
d’expérimentation. Ces dix dernières
années, elle a travaillé avec Derek
Bailey, Fred Frith, Christian Marclay,
Laurie Anderson, Shelley Hirsch, Jim
O’Rourke, Zeena Parkins, John Ed-
SAMSTAG
09–02–2013
16 : 00
wards, Butch Morris ou encore John
Zorn. Au-delà de ses recherches purement
musicales, qui la poussent à
se produire sur scène ou en studio à
un rythme frénétique, Okkyung Lee,
infatigable, se jette à corps perdu
dans des projets multimédias: on ne
compte plus les artistes et les chorégraphes
avec lesquels elle a signé
des performances multidisciplinaires,
présentées entre autres dans
le cadre d’Issue Project Room, Roulette
ou The Kitchen à New York. Ear
We Are invite la violoncelliste pour
un concert en solo.

(CH)
Le guitariste Roman Nowka est
l’une des perles les mieux cachées
de la scène biennoise. Souvent dans
l’ombre de ses comparses, il s’est
fait connaître comme groover d’une
dextérité sinueuse et bassiste retors
dans des groupes comme Lucien
Dubuis Trio ou Reto Weber’s
Squeezeband. Œuvrant désormais
en solo, il convainc par ses propres
créations, aussi ludiques que nerveuses,
aussi brutes que personnelles.
Sans jamais se complaire
dans la virtuosité, toujours au bord
de la fêlure, ses pièces sont autant
de bijoux jazz que de nouvelles musicales
aux angles saillants.
SAMSTAG
09–02–2013
17 : 00
Der Gitarrist Roman Nowka ist wohl
einer der unterschätztesten Musi-
ker der Bieler Szene. Meist recht zurückhaltend
im Schatten seiner Mitmusiker
stehend, kennt man ihn als
vertrackten Groover und verqueren
(Bass-)Melodiker von Bands wie
Lucien Dubuis Trio und früher Reto
Weber's Squeezeband. Mit «Me, Myself
and I» legt er zum ersten Mal ein
Solo-Album vor. Und was für eines.
In acht kurzen Stücken entführt er
seine Zuhörer in eine ganz besondere
Welt: Verspielt und spastisch, humorvoll
und teilweise so krude, dass
man sich fragt, ob er sein Instrument
wirklich beherrscht. Doch genau auf
dieser Kippe werden seine Stücke
wunderbar poetisch und humorvoll.
Hier ist kein Gitarrist, der mit Virtuosität
protzt, sondern einer, der
ganz bescheiden seine Stücke am
äussersten Rand von Brüchigkeit
spielt, Stücke, die jazzige Kleinode
und musikalische Kurzgeschichten
voll Ecken und Kanten, voll Witz und
Überraschungen sind. Hier kündigt
sich eine äusserst erfrischende musikalische
Entdeckung an.

(CH)
pascal
auberson
&
christophe
calpini
&
laurent
poget
Er nennt sich Anartiste und ist einer
der ganz Grossen der Westschweizer
Szene, der Chansonnier, Pianist
und Künstler Pascal Auberson. Auf
seinem langen musikalischen Weg
hat der charismatische Kopf unzählige
Konzerte gespielt und mit zahlreichen
Alben die Szene geprägt.
Beim Ear We Are gastiert der Musiker
mit dem Gitarristen Laurent Poget
und dem eher aus Hip-Hop-Projekten
wie Stade bekannten Schlagzeuger
Christophe Calpini an den
E-Drums. Eine überraschende Mischung
aus zartem Pop, kraftvollem
Chanson und verspieltem Experiment.
Autoproclamé «anartiste», le chansonnier
et pianiste Pascal Auberson
est depuis longtemps un acteur majeur
de la scène suisse romande. Enchaînant
les tournées, cette figure
charismatique a largement influencé
la création musicale par ses nombreux
albums. Il prend la parole pour
présenter son concert à Ear We Are:
«En 2009, j’ai créé le spectacle
«Kelomès» avec le duo Stade. Nous
étions sept musiciens sur scène, une
grosse infrastructure, des éclairages
imposants, une mise en scène
complexe. […] À la demande de mon
tourneur, j’ai décidé de réduire la
voilure afin de pouvoir tourner dans
de plus petits lieux.
Christophe Calpini, excellent batteur,
arrangeur et mixeur de sons
magnifiques, m’a proposé de réorchestrer
des chansons et d’en faire
des nouvelles en simplifiant la formule.
Laurent Poget, guitariste de haut
vol, nous a rejoints en ajoutant des
grooves et des sonorités personnelles.
Quant à moi, je chante en
m’accompagnant parfois au piano
tout en travaillant des sons électropoétiques
sur un clavier sampler.
Le but de cette alchimie consiste
à raconter des histoires chantées/
parlées, précises, improvisées parfois
afin de laisser des vagues nous
submerger, au gré de notre inspiration.
Je suis depuis toujours un grand
amoureux des mots, des mots en
français qui est la langue de mon
enfance, ma langue de référence
politique, sociologique et philosophique.
Nous tentons de faire une alchimie
de nos différentes influences
qui vont de Schubert à Stravinsky,
de Brel à Ferré, de Bashung à Hendrix,
de A à Z, du yin jusqu’au yang,
sans toutefois oublier que seul sous
la douche le refrain est sacré!»
SAMEDI
09–02–2013
21 : 00

(CH / JP)
Rudolf Eb.er, aka Runzelstirn & Gurgelstock,
est l’un des fondateurs du
collectif d’action sonore «Schimpfluch»
(avec Joke Lanz, entre autres),
qui a influencé la noise dans les années
90. Souvent agressif, l’artiste
défie son public par des provocations
directes et physiques, tant visuelles
que sonores. Installé depuis
longtemps au Japon, Rudolf Eb.er
poursuit ses recherches psychoacoustiques,
ses performances actionnistes
et ses créations visuelles.
Rencontre avec un artiste à fleur de
peau, qui repousse les frontières en
s’aventurant toujours un peu loin
que ses contemporains.
Rudolf Eb.er aka «Runzelstirn &
Gurgelstock» hat 1987 das Klang-
und Aktionskollektiv «Schimpfluch»
(u.a. mit Joke Lanz) begründet, mit
welchem er in den neunziger Jahren
den Begriff Noise prägte. Frühe
Klangstudien untersuchten die
Wichtigkeit von Timing und die Kraft
der Stille. Sie führten zur Entwicklung
von irritierenden und radikalen
Schnitt-Kompositionen, von «auditiver
Alchemie», von dokumentier-
SAMSTAG
09–02–2013
22 : 15
ten Extremsituationen, von Psycho-
Field-Recordings und direktem Aktionismus.
Er entwarf einen Aktionismus
des Unerwarteten. Als «Art-
Brut-Shamane» beschäftigte sich
Rudolf Eb.er mit dem Unbewussten
und tierischen Instinkten. Abreagierende
Ausbrüche, arrangiert in der
hohen Kunst von Timing und Ausgerichtetheit
wie im Kung-Fu praktiziert
sind Markenzeichen seiner
Performances.
Ob als Rudolf Eb.er oder unter seinem
Pseudonym «Runzelstirn & Gurgelstock»,
der Künstler schuf sich
weltweit einen Namen. Oft aggressiv,
direkt und körperlich provozierte
und provoziert der Künstler sein
Publikum rund um den Globus visuell
und akustisch. Inzwischen lebt
der in der Schweiz aufgewachsene
Künstler seit Jahren in Japan, wo
er seine psycho-akustischen Stu-
dien, seine aktionistischen Performances
und sein verstörendes visuelles
Schaffen weiterführt. Eine
Begegnung mit einem kompromisslosen
Künstler, der die Grenzen immer
etwas weiter ausdehnt als seine
Zeitgenossen.

Mit den beiden Briten, dem Gitarristen
Keith Rowe und dem Pianisten
John Tilbury, gastieren zwei Pioniere
der experimentellen englischen
Musikszene beim Ear We Are
2013. Beide sind in der Improvisation
und zugleich in der zeitgenössischen
Neuen Musik zuhause. Sie
prägten als Einzelmusiker und in
gemeinsamen Werken die englische
und europäische Improvisationsszene.
Als Duo erschaffen sie äusserst
feine Klangskulpturen, minimal und
reichhaltig an Farben, präzise in der
räumlichen Gestaltung und abgründig
poetisch.
(UK)
SAMEDI
09–02–2013
23 : 00
Avec les Britanniques Keith Rowe à
la guitare et John Tilbury au piano,
l’édition 2013 d’Ear We Are accueille
deux pionniers de la scène expérimentale
outre-Manche. Depuis des
années, l’improvisation et la nouvelle
musique contemporaine n’ont
plus de secrets pour eux. Au-delà
de l’improvisation, John Tilbury a
calé son doigté précis sur les créations
de compositeurs comme Mor-
ton Feldman, John Cage, Christian
Wolf ou encore Cornelius Cardew.
Keith Rowe, peintre à l’origine,
s’est lui aussi beaucoup confronté
à la musique composée. Mais
c’est surtout par son jeu reconnaissable
entre tous que le guitariste a
influencé la nouvelle relève musicale:
guitare couchée à plat sur une
table, il applique des variations de
timbres, mais aussi des modifications
plastiques et, par l’adjonction
d’éléments exogènes, crée une palette
de tonalités qui enrichissent le
son de l’instrument d’une multitude
de couleurs et de nuances. Grâce à
leurs nombreuses collaborations et
enregistrements dans les contextes
les plus variés, les deux musiciens
comptent, au moins depuis les années
90, parmi les plus influents de
l’improvisation libre et de la musique
électroacoustique.
Avec leur groupe AMM, les deux Britanniques
ont inspiré plusieurs générations
de musiciens. Se produisant
en duo à Ear We Are, ils signent
des sculptures sonores ciselées,
aussi minimalistes que riches en
couleurs, aussi précises dans leur
utilisation de l’espace que fondamentalement
poétiques. Une rétrospective
avant-gardiste sur un chapitre
majeur de l’histoire de la musique
européenne.

(US)
Après avoir fait ses armes avec Tom
Waits et Solomon Burke, le guitariste
Marc Ribot donne libre cours
à ses pulsions créatives dans son
groupe Ceramic Dog, passant des
mélodies les plus douces aux explosions
sonores les plus brutales.
Sa musique atypique et inclassable
se situe entre punk, jazz, sons cubains
et apocalyptiques. Entouré
par Shahzad Ismaily à la basse
et Ches Smith aux percussions, ce
musicien d’exception concocte un
cocktail détonnant, plein de fougue
et d’énergie terrienne.
SAMSTAG
09–02–2013
00 : 00
Selbstbeschreibung:
1. Chien de Faïence: Ausdruck für:
erstarrt in Emotion, wie im absolut
stillen Moment vor dem Kampf.
2. Ein ultimatives Kitsch-Objekt.
3. Ein Free-Punk-Funk-Experimental-Psychedelic-Post-Electronica-
Kollektiv, mit Marc Ribot und zwei
der besten, jungen Musiker der New
Yorker und kalifornischen Untergrund-Improv-Experimental-Rock-
Szene, dem Bassisten Shahzad Ismaily
und dem Schlagzeuger Ches
Smith.
4. Kein «Projekt», sondern eine richtige
Band.
Der Gitarrist Marc Ribot hat sich
bei Tom Waits, Solomon Burke und
John Lurie die Sporen verdient. Später
prägte er mit seiner unverwech-
selbar verspielten und sperrigen Art
des Gitarrenspiels Werke von Grössen
wie John Zorn, Elvis Costello
oder Robert Plant. Am Ear We Are
wartet er mit seinem eigenen Trio
auf. Mit Ceramic Dog schwelgt er
in zuckersüssen Melodien, oder er
lässt es brachial krachen. Eigenständig
und schräg spielt er Musik,
die oft nur schwer zu verorten
ist und die um Punk, Jazz, kubanischen
Son und Apokalypse kreist.
Unterstützt vom Bassisten Shahzad
Ismaily und vom Drummer Ches
Smith – bekannt als Schlagzeuger
der Avantgarde Band Secret Chiefs
3 – mixt der Ausnahmemusiker seinen
Cocktail voll Feuer, Spielfreude
und erdiger Energie. Ein Feuerwerk
der Stile, ohne in selbstgefälligen
Eklektizismus zu verfallen, eine der
eigenständigsten und vielseitigsten
Stimme der New Yorker Szene. Marc
Ribot eben.

(CH)
PENDANT
TOUT
LE FESTIVAL
Die Bielerin Juliette Keller, der Berner
Thierry Kleiner und die Bernerin
Maria Prüssing sind «combosition
– Büro für Inszenierungen im
Raum». combosition inszeniert Themen,
Personen, Festivals, Messen,
Events. Die Truppe verwendet oft
alltägliche Materialien, setzt sie auf
überraschende Weise ein. Repetition
und Reduktion als künstlerische
Instrumente sind wiederkehrende
stilistische Elemente der Arbeit. Auf
diese Weise interveniert combosition
im Raum, komponiert mit Gewohntem
und markiert das Spezielle.
Genau richtig also für das Ear
We Are.
Juliette Keller, Thierry Kleiner et
Maria Prüssing forment combosition,
un bureau de mise en scène de
l’espace.
Originaire de Bienne, Juliette Keller
a été copropriétaire d’Essor32, galerie
biennoise de bijoux contemporains,
pendant 10 ans. Quant au
Bernois Thierry Kleiner, il a longtemps
été photographe, avant d’être
aujourd’hui membre du comité du
forum de photographie PasquArt,
à Bienne. Ensemble, ils ont fondé
«combosition» en 2010. Plus tard,
Maria Prüssing, elle aussi Bernoise,
a apporté au duo sa longue expérience
en logistique et en organisation.
«combosition» propose des idées de
mise en scène pour des hommes et
des femmes, des festivals, des salons,
des événements, etc. Le trio
travaille en combo; le noyau dur de
l’équipe conçoit et développe les
projets, avant de faire appel à des
spécialistes pour l’analyse et la réalisation.
L’appropriation du thème commence
après l’inventaire du lieu, car le travail
est sans cesse un aller-retour
entre espace et matière. Des matériaux
connus de tous sont agencés
de façon surprenante, pour
créer des installations qui marquent
longtemps les esprits. L’équipe travaille
à partir de photographies et
de plans de l’endroit. La répétition
et la réduction, utilisées comme instruments
artistiques, sont des effets
stylistiques récurrents. «combosition»
intervient dans l’espace, compose
avec les éléments du quotidien
et souligne l’extraordinaire.
Cette édition d’Ear We Are en dresse
un parfait exemple. Venez le découvrir!

ENTDECKUNGEN /
DÉCOUVERTES
Hinter dem Programm des Ear We
Are stehen vier markante Köpfe der
Bieler Musikszene: Gaudenz Badrutt,
Hans Koch, Christian Müller
und Martin Schütz. Das bewusste
Weglassen von Inseraten in diesem
Programmheft haben wir auch
diesmal wieder zum Anlass genommen,
noch etwas mehr über Musik zu
schreiben. Die Aufgabe: Jeder der
vier Musiker soll zwei Alben, Musikfilme
oder Musikbücher aus seiner
eigenen Sammlung vorstellen, von
denen er denkt, dass sie ausserordentlich
hörens-, sehens- oder lesenswert
sind. Was dabei herausgekommen
ist, ist im Folgenden zu
lesen und geniessen:
La programmation d’Ear We Are est
assurée par quatre musiciens clés
de la scène biennoise: Gaudenz Badrutt,
Hans Koch, Christian Müller et
Martin Schütz.
Dans ce programme, nous renonçons
à la publicité afin de disposer
de plus de place pour écrire sur la
musique: ci-après, nous vous présentons
des enregistrements de nos
propres collections que nous considérons
comme particulièrement importants
et intéressants.
TIPPS VON GAUDENZ BADRUTT:
Musik aus deM Nichts
– die Geschichte der elektroakustischeN
Musik iN der
schweiz
chronos Verlag,
herausgeber Bruno spoerri, 2010
Bruno spoerri, Pionier in elektronischer
Musik, gibt uns mit diesem
Buch eine schöne Übersicht der elektroakustischen
Musik in der schweiz
von den anfängen in den Fünfzigerjahren
bis zur heute aktiven szene.
und dies nicht nur im akademischen
Bereich, sondern weit darüber hinaus.
ein Portrait des im Jura lebenden
eisenplastikers und komponisten
oscar wiggli findet darin Platz,
aber auch eine umschau über elektronische
Musik in Pop und rock, in
der man schliesslich über Boris Blank
auf dJ tatana stösst. Man begegnet
in diesem Buch zahlreichen Musikerinnen,
welche uns vom ear we are
her bekannt sind. spannend und aufschlussreich.
Josef Anton Riedl
KlAngRegionen 1951 – 2007
edition RZ 2009 / Doppel-CD
Josef Anton Riedl (né en 1929) s’est
forgé une solide réputation de compositeur,
notamment dans l’électroacoustique.
Une étiquette en partie
imputée à tort: en témoigne la
pièce «Paper Music i», uniquement
composée à partir de froissements
et de manipulations de papier. le
résultat, saisissant, entrerait aujourd’hui
plutôt dans la catégorie
de la noise. ou encore «Zeichnen –
Klatschen»: le crissement du dessin
qui se trace est amplifié à l’extrême
à l’aide de microphones, et se
mêle aux applaudissements de trois
autres interprètes. Des procédés
certes fréquents aujourd’hui, mais
musicalement rafraîchissants. Un
résultat brut, inattendu, dadaïste et
d’une richesse insolente. en aucun
cas ringard.

Tipps von Hans KocH:
Jimmy Giuffre mit Paul Bley, Steve
Swallow
FuSion und TheSiS, VerVe,
unTer Jimmy GiuFFre 3, 1961
eCm, 1992, emphasis & Flight (1961),
hatoLoGy, 2003
Jimmy Giuffre war amerikanischer
Klarinettist, Saxophonist, Komponist
und Arrangeur.
Während seiner gesamten Karriere
schrieb er kreative und ungewöhnliche
Arrangements. immer mehr konzentrierte
er sich auf das Klarinettenspiel.
Seine musik entdeckte ich
damals, als ich mich mit Cool-Jazz
(Lee Konitz, Art Pepper, Gerry mulligan
etc.) beschäftigte. Jimmy Giuffre
ist mir auf den beiden Platten
(Jimmy Giuffre 3) mit Paul Bley und
Steve Swallow sofort aufgefallen. es
öffnete mir meinen musikalischen
horizont. So viel Stille und keine virtuosen
Klangkapriolen, es war einfach
magisch. dieses Trio löste zu-
erst nicht viel Beachtung bei den
Jazzfans aus, wurde später aber von
offenen Fans und Musikern als eine
der wichtigsten Jazzformationen der
Jazz-Geschichte betrachtet. Es war
nicht dieser laute Free Jazz, den damals
Albert Ayler oder Archie Shepp
spielten, die Musik dieses Trios kam
eher gedämpft daher, vergleichbar
mit Kammermusik. Sie ist noch heute
sehr frisch und klanglich modern
– sehr empfehlenswert.
Arthur Bispo do Rosário (Brasilien)
En novembre 2012, j’ai donné
quelques concerts au Brésil. Nous
étions à la Biennale de Sao Paulo,
et j’avais le temps d’en voir une partie.
Je n’avais jamais entendu parler
d’Arthur Bispo do Rosário, mais
ses œuvres m’ont conquis. Cet autodidacte,
découvert sur le tard, serait
né en 1911 à Japaratuba, dans
l’Etat du Sergipe, sur la côte est du
Brésil. Souffrant de schizophrénie,
il a créé à partir d’objets du quotidien
un charivari de cartes brodées,
de robes confectionnées à partir de
chiffons et d’interminables listes
cousues dans du carton, dans l’asile
psychiatrique où il a été interné plus
de 50 ans, près de Rio de Janeiro.
C’est là qu’il s’est consacré à l’art,
selon la mission divine qui lui aurait
été confiée. Se prenant pour Saint-
Joseph, auquel Jésus serait apparu
escorté d’anges auréolés de bleu,
il ne s’est jamais considéré comme
un artiste. Pourtant, de nombreux
concepts de l’art moderne se retrouvent
dans ses broderies et ses
assemblages, conçus à partir des
matériaux, forcément limités, qui se
trouvaient à sa disposition. Bispo do
Rosário avait trouvé son mode d’expression
à travers cette technique
artisanale. Un artiste à découvrir
d’urgence.
TippS vON ChriSTiaN Müller:
Oren Ambarchi
IN THE PENDULUM'S EMBRACE
Touch / Southern Lord
Cinq ans après sa sortie, l’album «In
the Pendulum’s Embrace» du multi-instrumentaliste
australien Oren
Ambarchi me fascine toujours autant.
En trois morceaux, quatre sur
la version vinyle, le guitariste m’entraîne
dans un univers sonore hors du
temps, qui, par une lenteur posée et
réfléchie, s’affranchit avec délicatesse
de la vitesse fulgurante imposée
par l’époque actuelle. Quelques
notes de guitare, détournées par
des pédales d’effets et rappelant
les ondes sinusoïdales d’un synthétiseur
analogique, posent le socle de
l’ensemble. Sur cette base évoluent
des accords isolés, des phrasés mélodiques,
des drones immobiles, des
effets Larsen finement modulés ou,
soudain, une voix sortie de nulle
part, jouée à l’envers, qui évoque
en fredonnant un lointain souvenir.
Une musique simple et intemporelle,
précise, anachronique et splendide.

Flexion RecoRds
www.flexionrecords.net
in der Zeit des zusammenbrechenden
cd-Markts und des oft nur an
Verzaufszahlen orientierenden Geschäfts
mit Musik prägen immer
mehr – oftmals von Musikern selber
geführte – Klein- und Kleinstlabels
die landschaft der unkommerziellen,
experimentellen Musik.
nicht auf der suche nach dem Geld,
sondern vielmehr mit leidenschaft,
stolz und liebe zur Musik sind es
gerade diese Versuche, welche mir
im heutigen Musikwelt sehr wertvoll
erscheinen. sie präsentieren ihrer
Hörerschaft Ungewohntes, sperriges
und spezielles, sie helfen mit,
dass die musikalische landschaft
vielfarbig bleibt. im Falle des labels
«Flexion Records» muss man dazu
nicht einmal weit gehen: Das Label
wird vom Bieler Musiker Jonas Kocher
geführt und präsentiert sorgfältig
ausgearbeitete Kleinauflagen
eigener Musik, von Bieler Musikern
wie von bekannteren und unbekannteren
Musikern aus seinem weitgespannten
Netzwerk. Reinhören in
greifbare Editionen lohnt sich, der
Download von vergriffenen Ausgaben
auch.
TippS vON MarTiN SChüTz:
John Frusciante
LETUR-LEFR & PBx FUNICULAR
INTAGLIO ZONE
Brillant et tempétueux, l’ancien guitariste
des Red Hot Chili Peppers
n’a cessé de sortir des disques originaux
et parfois très étranges,
même pendant ses années passées
au sein de ce groupe longtemps incontournable.
En 2012, John Frusciante
a sorti deux albums inclassables,
«Letur-Lefr» et «Pbx Funicular
Intaglio Zone», à la signature
très personnelle. Une musique réfractaire
qui s’érige, consciemment
ou non, contre l’hébétude dominante
du courant mainstream. Les créations
de John Frusciante témoignent
d’une liberté intérieure grisante,
malheureusement trop rare. Son art
s’engage en permanence contre la
rigidité de l’individu et de la société,
conditionnée par la peur. Une expérience
sonore libératrice, à aborder
vierge de tout préjugé.
Alex Ross
The ResT Is NoIse
Alex Ross, Musikjournalist des «New
Yorker» nimmt in seinem Buch «The
Rest Is Noise» (mit dem Untertitel
«Das 20. Jahrhundert hören» /
Deutsche Ausgabe im Piper Verlag)
den Leser mit auf eine Reise anhand
der Musik durch dieses Jahrhundert,
beginnend bei strauss, Mahler und
Wagner bis zum ende dieser ereignisreichen
100 Jahre. eine ausserordentlich
spannende Lektüre, die
die entwicklungen und verschiedenen
strömungen der Musik europas,
der sowjetunion und der UsA
so plastisch schildert und vor allem
verknüpft mit den gesellschaft-
lichen Veränderungen, kulturellen
strömungen und politischen Geschehnissen.
Ross schafft es, dieses
kakophonische Jahrhundert wie
einen Roman zu erzählen, dazu gibt
es eine Website mit Musikbeispielen:
therestisnoise.com

NEUCHATEL
< BERN
1
BAHNHOF/
GARE
Seevorstadt
Spitalstrasse
BahnhofBahnhofstrassestrasse WHERE WE ARE
Zentralstrasse
Alte Juragarage
Göuffistrasse 18
CH-2502 Biel / Bienne
RESERVATIONEN /
RÉSERVATIONS
reservation@earweare.ch
Nidaugasse
ALTSTADT/
VIEILLE VILLE
P
Neumarktstrasse
Mattenstrasse
Juraplatz
place du jura Jura
1
GöuffiGöuffistrasse P
1
Heilmannstrasse
Heilmannstrasse
rue heilmann Heilmann
General-Dufourstrasse
DELÉMONT >
SOLOTHURN >
ZÜRICH
Bus 1 ab Bahnhof SBB
Richtung Eisbahn /
Bus 1 de la gare CFF
direction Patinoire
EINTRITTSPREISE /
PRIx D'ENTRÉE
Festivalpass /Passeport-festival:
100.— Fr.
Donnerstag / Jeudi:
35.— Fr.
Freitag / Vendredi:
40.— Fr.
Samstag ganzer Tag /
Samedi, la journée:
55.— Fr.
Samstag Nachmittag /
Samedi après-midi:
30.— Fr.
Samstag Abend / Samedi soir:
45.— Fr.
Where to eat
Gute Küche in angenehmem Szene-
Ambiente ganz in der Nähe des Festivals
/ Bonne cuisine et atmosphère
chaleureuse, à cinq minutes du festival:
Restaurant St.Gervais, Untergasse 21
2502 Biel, 032 322 48 22
www.stgervais.ch
Ausgewählte Küche in gediegenem
Altstadtambiente direkt neben dem
Festival / Plats savoureux et cadre
soigné, à deux pas du festival:
Les Caves, Obergasse 24a
2502 Biel, 032 322 36 34
www.restolescaves.ch
Spanische Küche im angenehmen
Familienbetrieb mit viel Charme /
Cuisine espagnole et ambiance familiale
pleine de charme:
Restaurant Schöngrün
Madretschstrasse 102, 2503 Biel
032 365 21 31
www.schoengruen-biel-bienne.ch
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/ Pour déguster du poisson
au bord du lac:
Restaurant Räblus, Neuenburgstrasse
90, 2505 Biel-Vingelz
032 322 40 51, www.raeblus.ch
Japanisch in der Altstadt / Pour manger
japonais au cœur de la vieille ville:
Sushi Nori Ogura, Burggasse 2
2502 Biel, 032 323 04 70,
www.sushinoriogura.ch
Where to sleep
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Herrschaftshaus mit herrlichem
Garten / Petit hôtel soigné et
calme dans une ancienne maison de
maître entourée d’un très beau jardin:
Hotel-Bistrot Villa Lindenegg
Lindenegg 5, 2502 Biel, 032 322 94 66
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Mercure Hotel Plaza,
Neumarktstrasse 40, 2502 Biel
032 328 68 68,
www.accorhotels.com
Die einfache Art der Übernachtung
im Hostel / Pas cher et pas compliqué:
Lago Lodge, Uferweg 5, 2560 Nidau
032 331 37 32, www.lagolodge.ch

DANK
Ein freundlicher Dank für die finanzielle
Unterstützung des Festivals
geht an die Stadt Biel, den Kanton
Bern, die Schweizer Kulturstiftung
Pro Helvetia, die Fondation Suisa
und die Migros Aare.
Ein spezieller Dank geht an MS Bau
und Bauhaus GmbH für das Zuverfügungstellen
der Festivalörtlichkeiten,
an Groovesound GmbH für
die tatkräftige Mithilfe, an kong für
die kreative graphische Arbeit, an
Eclipse SA für die materielle Unterstützung
und an Radio SRF 2 Kultur
für die Zusammenarbeit.
iMpreSSUM
Herausgeber: Ear We Are,
Nelkenstrasse 51, 2502 Biel/Bienne
Texte & Redaktion: Christian Müller
Traductions: Astrid Steffan
Graphik: kong.ch
Ear We Are sind:
Gaudenz Badrutt, Hans Koch,
Helen Moser, Christian Müller,
Daniel Schneider, Martin Schütz,
Gabi Wäckerle