Gaston Ugalde - INFO

PRÓLOGO
DIRECTORES
Jeff Plaza
DIRECTOR COMERCIAL
Marco A. Castro
EDITORA
Catalina Ugalde
CONTENIDO
Nicole Gott
Catalina Ugalde
TRADUCCION
Zadie Oleksiw
IMPRESION
Weinberg
Esta publicación es un homenaje
al artista boliviano Gastón Ugalde,
conocido como el Warhol Andino.
Hemos hecho una selección de textos
e imágenes de su trabajo reciente que
habla de su inherente pasión por su país
la cual es reflejada en todo su trabajo
desde los años sesenta.
Igualmente cómodo en todas las técnicas,
Gastón es conocido por su trabajo en
pintura, escultura, video-arte, serigrafía,
fotografía, instalación, land-art y está
constantemente saltando de una a la otra
o combinandolas como en su trabajo
fotográfico el cual juega entre los límites
del performance y la instalación.
This publication is an homage to Bolivian
artist Gastón Ugalde who is referred as
the Andean Warhol. We have a collected
a selection of texts and images of recent
works that speak of his inherent passion
for his country which has been evidenced
in all his work staring in the sixties.
Equally comfortable in all mediums,
Gaston is best known for his practice
in painting, sculpture, video art, printmaking,
photography installation and
Land-art and is constantly jumping from
one to the other or combining them such
as the case of his work in Photography
which plays at the edges of performance
and installation.
DIRECCION
Ave. Ecuador 2534
Sopocachi
La Paz | Bolivia
info@salart.org
T. +591 655 71749
T. +591 70616326
www.salart.org
Los textos seleccionados para esta
publicación fueron escritos por
curadores, historiadores y críticos de
arte quienes conocen la obra de Gastón
a profundidad y que darán al lector un
resumen sobre este versátil artista y su
viaje a través del tiempo.
Recién cuando uno está expuesto a su
trabajo puede tener una idea del alcance
y la magnitud de su práctica artística.
Los invito cordialmente a descubrir a
este gran artista en esta travesía visual a
través de sus ojos.
The texts selected for this publication
were written by curators, historians
and art critics who have an in-depth
knowledge about Gaston’s ouvre and
will give you an overview of this versatile
artist and his journey through time.
It is not until you are exposed to his work
that you can see the scope and range of
his artistic practice. I cordially invite you
to discover this great artist and go on a
visual journey through his eyes.
PUBLICACIONES SALART. Prohibida
la reproducción total o parcial del
material publicado en esta edición.
Jeff Plaza
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GASTON UGALDE
Reposicionando Rituales
por Claire Breukel
Curadora en Jefe MARTE
Repositioning Rituals
By Claire Breukel
Chief Curator MARTE
Gastón Ugalde es el artista contemporáneo
más conocido de Bolivia. Nacido en la
ciudad de La Paz, Ugalde es conocido, a
pesar de sus décadas de larga trayectoria,
como el “enfant terrible” del mundo del
arte local por la naturaleza subversiva,
tanto conceptual como material de su
obra.
Su naturaleza provocativa está fundamentada
en una educación amplia y ecléctica,
que incluye un título en arquitectura de
la Universidad Mayor de San Andrés en
La Paz, así como un título en Ciencias
Económicas y Políticas de la Universidad
Simon Fraser en British Columbia,
Canadá. A lo largo de la extensa carrera de
Ugalde, sus obras abarcan una diversidad
de medios, incluyendo pintura, fotografía,
collage, instalación y performance.
Ha tenido más de 58 exposiciones
individuales y recientemente recibió
dos grandes honores. Fue ganador del
Premio Konex Mercosur 2002, junto con
el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer y
el artista visual uruguayo Luis Camnitzer.
Fue seleccionado para representar a su
país en “Mundus Novus/New Worlds”:
Arte Contemporáneo de América Latina”
en la 53ª exposición internacional de arte
celebrada en el pabellón Latinoamericano
de la 2009 Bienal de Venecia. A pesar del
carácter franco y controvertido de Ugalde,
estos prestigiosos elogios han ayudado a
establecerlo como uno de los líderes de
artes visuales de Latinoamérica.
Gastón Ugalde is Bolivia’s best-known
contemporary artist. Born in the city
of La Paz, Ugalde is known, despite
his decades long career, as the “enfant
terrible” of the local art world for the
subversive nature, both conceptually
and materially, of his artwork.
His provocative nature is grounded by
an extensive and eclectic education,
which includes a degree in Architecture
from the Universidad Mayor de San
Andrés in La Paz as well as a degree
in Economics and Political Science
from Simon Fraser University in
British Columbia, Canada. Throughout
Ugalde’s extensive career, his works span
a diversity of media, including painting,
photography, collage, installation and
performance.
He has had over 58 solo exhibitions and
recently received two major honors.
He was a winner of the 2002 Mercosur
Konex Award, along with Brazilian
architect, Oscar Niemeyer, and
Uruguayan visual artist Luis Camnitzer.
He was selected to represen this country
in “Mundus Novus/New Worlds:
Contemporary Art of Latin America”
in the 53rd International Art Exhibition
held at the Latin American Pavilion
for the 2009 Venice Biennale. Despite
Ugalde’s outspoken and controversial
nature, these prestigious accolades have
helped to establish him as the one of
Latin America’s visual arts leaders.
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6 7

Uno de los elementos imperantes de las
obras de Ugalde es su profunda afinidad
con su lugar de nacimiento. Él explica,
“es imposible ignorar la fuerte dinámica
socio antropológica de cada día de la
forma de vida política boliviana en las
últimas seis décadas y esto se refleja en
el trabajo que he producido durante el
último cuarto de siglo.”
Para dar algún contexto, Bolivia es el
hogar de 10 millones personas y abarca
una multitud de etnias con más de 35
idiomas oficiales. En respuesta a esta
diversidad, el enfoque de Ugalde para
hacer el trabajo es que no tiene miedo en
su intento de representar la intangibilidad
de la cultura nacional. Desde sus trabajos
de collage elaborados a partir de hojas de
coca, hasta sus instalaciones de textiles
andinos, Ugalde es capaz de capturar y
transformar temas de orientación local,
que a menudo son provocativos en la
naturaleza, en un lenguaje universal
que impulsa la envolvente creación
artística. Específicamente, Ugalde
integra referencias a rituales espirituales
inherentes a la cultura boliviana en su
discurso. “He llegado a entender que toda
mi creatividad fluye veinticuatro horas al
día y en círculos, y está profundamente
influenciada por el mundo espiritual
amazónico y andino (particularmente
rituales culturales con la planta de coca).”
A continuación, “desarrollo estas ideas
en diferentes medios”, dice Ugalde.
Como artista, también responde a su
entorno a través de la apropiación de
los significantes culturales locales en su
obra; como a través de materiales, que se
esfuerzan por encapsular las tradiciones
bolivianas. Debido a esto, su uso de estos
materiales también, a veces, ha sido visto
como polémico.
One of the pervading elements of
Ugalde’s works is his deep affinity to his
birthplace. He explains, “It is impossible
to ignore the every day strong dynamic
of socio-anthropological, political
Bolivian way of life over the last six
decades and this is reflected in the work
I have produced over the last quarter
century.”
To give some context, Bolivia is
home to ten million people and spans
a multitude of ethnicities with over
35 official languages. In response to
this diversity, Ugalde’s approach to
making work is one that is fearless in
its attempt to depict the intangibility
of one national culture. From his
collage works made from coca leaves,
to his installation of Andean textiles,
Ugalde is able to capture and transform
locally-oriented themes, that are often
provocative in nature, into a universal
language that pushes the envelope of art
making. Specifically, Ugalde integrates
references to spiritual rituals inherent to
Bolivia’s culture into his discourse. ”I
have come to understand that all my
creativity flows twenty-four hours a day
and in circles, and is deeply influenced
by the Amazonian and Andean spiritual
world (particularly cultural rituals with
the Coca plant).”
“I then develop these ideas in different
mediums,” says Ugalde. As an artist, he
also responds to his environment through
the appropriation of local cultural
signifiers in his work; such as through
materials, which strive to encapsulate
Bolivian traditions. Because of this, his
use of these materials has also, at times,
been viewed as controversial.
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COCA-COCA-COCA-COCA-COCA-COCA
”I have come to understand that all my creativity flows twenty-four hours a day and
in circles, and is deeply influenced by the Amazonian and Andean spiritual world
(particularly cultural rituals with the Coca plant).”
A lo largo de la historia de la cultura
andina, la hoja de coca ha jugado
un papel significativo en reunir a las
personas, típicamente al ser masticadas
o elaboradas en el té. Inspirado en
esta tradición, Ugalde comenzó a
experimentar con la planta de coca en su
trabajo en la década de 1970. En 1992,
usando las partes oscuras y la luz de las
hojas de coca, Ugalde comenzó a hacer
una serie de retratos que representan a
los líderes políticos de América Latina.
Esto es particularmente pertinente, ya
que la hoja de coca también pasa a ser
la materia prima de la que se deriva la
cocaína y cuyo uso, desde 1961, ha sido
prohibido excepto para fines médicos o
científicos (aunque el cultivo, la venta y la
posesión de la hoja de coca no procesada
sigue siendo legal en Bolivia hasta el día
de hoy). Usando esta asociación política
fuerte al material, Ugalde creó una serie
de trabajos que representaban el dólar
americano, el logo de Coca Cola, así
como el mapa de los Estados Unidos de
América. Estas obras son profundamente
irónicas, ya que el lienzo, la hoja de
coca, es de Bolivia, un país en colapso
económico que prospera en una industria
narcótica financiada en gran parte por su
mayor consumidor, los Estados Unidos
de América. El dólar estadounidense
se convierte así en un símbolo de una
clase social en Bolivia, y en América
Latina, que prospera en la producción
y venta de cocaína. Ugalde exploró aún
más esta noción en un mapa de la hoja
de Coca de Sudamérica, lo que significa
un continente en medio de la crisis
financiera, unificada por su capacidad de
prosperar en el mercado global a través
de su lucrativo comercio de drogas.
Throughout the history of Andean culture,
the coca leaf has played a significant role
in bringing people together, typically
by being chewed or brewed into tea.
Inspired by this tradition, Ugalde began
experimenting with the coca plant in his
work in the 1970’s. In 1992, using the
dark tops and light undersides of coca
leaves, Ugalde began making a portrait
series depicting Latin America’s political
leaders.
This is particularly pertinent, as the coca
leaf also happens to be the raw material
from which the drug cocaine is derived
and whose usage, since 1961, has been
prohibited except for medical or scientific
purposes (though the cultivation, sale,
and possession of unprocessed coca leaf
remains legal in Bolivia to this day).
Using this strong political association
to the material, Ugalde created a series
of works depicting the U.S. dollar, the
Coca Cola logo, as well as the map of the
United States of America.
These works are deeply ironic as the
canvas, the coca leaf, is from Bolivia, a
country in economic collapse that thrives
on a narcotics industry largely funded by
its biggest consumer, the United States of
America. The U.S. dollar thus becomes
a symbol of a social class in Bolivia, and
in Latin America, that thrives off the
production and sale of cocaine.
Ugalde further explored this notion in a
coca leaf map of South America, signifying
a continent in the midst of financial
crisis, unified by its ability to thrive on
the global market through its lucrative
10 11

Mediante la integración de los materiales
que sugieren aspectos del mundo en
desarrollo con símbolos que representan
el mundo desarrollado, como los logos
transnacionales de las empresas, la
geografía y la moneda, Ugalde construye
una yuxtaposición que cuestiona la
ética de un sistema capitalista que a
menudo está vinculado con el comercio
de estupefacientes. Estas construcciones
políticas abiertas, su elección de
materiales, y los matices de las obras de
Ugalde han ganado accesibilidad al Pop-
Art y notoriedad internacional.
Ugalde afirma: “es importante para
mi cubrir territorios geográficos...
transformando el paisaje con un uso
mínimo de materiales”. Inspirado en la
geografía y visuales únicos de las mesetas
bolivianas, así como en sus asociaciones
socio-políticas, la serie fotográfica del
Salar de Uyuni de Ugalde se pondera en
el contexto social y político. Bolivia es
el hogar de una parte de la Cordillera de
los Andes, que tiene en su cresta al salar
mas grande del mundo. Este salar es uno
de muchos lagos prehistóricos que, sobre
millares de años, se ha cubierto encima
con la sal ahora que abarca mas de 10,000
kilómetros cuadrados. Como resultado,
el salar es excepcionalmente plano y es
una ruta de transporte ideal a través de
la meseta boliviana. Este desierto de sal
es el escenario en el que Ugalde inserta
personas y objetos para intervenir con las
actividades de viaje y excavación.
drug trade. By integrating materials that
suggest aspects of the developing world
with symbols representing the developed
world, such as transnational company
logos, geography, and currency, Ugalde
constructs a juxtaposition that questions
the ethics of a capitalist system that is
often tied to narcotic commerce. These
overt political constructs, his choice
of materials, and the works’ accessible
Pop-art overtones has gained Ugalde
international notoriety.
Ugalde states, “It is important for
me to cover geographic territories…
transforming the landscape with minimal
use of materials.” Inspired by the unique
geography and visuals of the Bolivian
plateaus, as well as their socio-political
associations, Ugalde’s photographic
series of the Salar de Uyuni salt pan is
weighted in social and political context.
Bolivia is home to part of the Andes
mountain range, that has at its crest
the world’s largest salt pan. This salt
pan is one of many prehistoric lakes
that, over thousands of years, has been
crusted over with salt now spanning over
10,000 square kilometers. As a result,
the pan is exceptionally flat and is an
ideal transport route across the Bolivian
plateau. This salt pan is the backdrop into
which Ugalde inserts people and objects
to intervene with the activities of travel
and excavation.
“It is important for me to cover geographic territories…transforming
the landscape with minimal use of materials.”
Un tren minero abandonado está envuelto
en colorido tejido andino, atribuyendo
a estas escenas desoladoras aspectos
fugaces de la humanidad. Las escenas
se vuelven más dramáticas sin embargo
cuando Ugalde inserta a las personas en
el paisaje, desnudas, atadas y colgadas
en posturas que hacen eco del sacrificio
humano. Basándose en la iconografía
cristiana, en una escena un hombre está
atado de pies primero a una cruz de
madera como un crucifijo al revés, y en
otro, un cuerpo es crujido en una posición
fetal, atado y colocado sobre una hoja de
vidrio como si este fuese un cordero de
sacrificio que se le ofrece a los dioses.
An abandoned mining train is wrapped
in colorful Andean fabric, attributing
to these desolate scenes fleeting aspects
of humanity. The scenes become more
dramatic however when Ugalde inserts
people into the landscape, stripped
naked, bound and strung up in postures
that echo human sacrifice. Drawing on
Christian iconography, in one scene
a man is bound feet first to a wooden
cross like an upside down crucifix, and
in another, a body is crunched in a fetal
position, bound and laid down on a sheet
of glass as if a sacrificial lamb being
offered to the Gods.
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Debajo de la capa de sal hay una
sustancia salmuera que contiene más
de la mitad de las reservas de litio
del mundo. Esto ha sido significativo
para Bolivia ya que estas reservas son
inmensamente valiosas, y han estado
durante muchos años en el proceso de
ser extraídas. El Presidente Evo Morales,
sin embargo, fue resistente a la presión
de los países industrializados para
extraer este litio, afirmando: “No vamos
a repetir la experiencia histórica desde
el siglo XV: materias primas exportadas
para la industrialización del Occidente
que nos dejó pobres.” El gobierno
boliviano procuraba proteger la sal de
los daños ambientales a largo plazo, al
mismo tiempo que defendió el inminente
colapso económico que situaría a los
bolivianos en la pobreza. Ugalde activa
este territorio social y políticamente
cargado a través de estas interjecciones
humanas. Al insertar instalaciones
humanas en estos paisajes inhóspitos y
estériles, representando a sus súbditos
como dominados, desamparados e
indefensos, Ugalde crea un sorprendente
contraste que es un ferviente comentario
sobre el valor de la naturaleza y la vida
humana en el contexto de comercio. La
impresionante estética del salar es, por
un lado, sobrenatural y trascendental,
por otro su futuro está plagado de
incertidumbre.
Beneath the salt layer is a brine substance
that holds more than half of the world’s
lithium reserves. This has been significant
for Bolivia as these reserves are hugely
valuable, and have been for many years in
the process of being extracted. President
Evo Morales, however, was resistant to
the pressure of industrialized countries
to extract this lithium, stating: “We
will not repeat the historical experience
since the 15th century: raw materials
exported for the industrialization of the
West that has left us poor.” The Bolivian
government attempted to protect the
salt pan from long-term environmental
damage, while simultaneously fending
off impending economic collapse that
would place Bolivian people further in to
poverty. Ugalde activates this socially and
politically loaded territory through these
human interjections. By inserting human
installations into these stark and barren
landscapes, depicting his subjects as
dominated, disempowered and helpless,
Ugalde creates a striking contrast that
is a fervent commentary on the value
of nature and human life against the
backdrop of commerce. The awe-inspiring
aesthetic of the salt pan is on the one hand
otherworldly and transcendental, on the
other its future is rife with uncertainty.
14 15

El 2009, Ugalde creó Marcha por la
vida/March for Life, una instalación
que se presentó en el pabellón
latinoamericano como parte de la 53ª
bienal de Venecia. Expandiendo su uso
de los símbolos culturales bolivianos,
marcha por la vida es un mosaico de
mantas tradicionales incas y aymaras que
Ugalde había comprado y recolectado
a lo largo de los años. Se inspira en el
ritual del tejido-como un acto manual
que crea un material práctico para la
protección y el calor, así como un acto
espiritual que hace referencia a las
prácticas religiosas y rituales a lo largo
de la historia. La instalación de Ugalde
comprende esta gran manta conectada
situada centralmente en el espacio,
ponderada con la historia de todos sus
antiguos propietarios. Entonces, para
transformar este objeto Ugalde ata la
manta en un nudo, específicamente un
nudo Armazi. A través de esta acción
de interferencia deliberada, Ugalde
detiene la capacidad de las mantas para
dar cobijo y proteger. Si estas mantas
conectadas representan nuestro tejido
social compartido, entonces el atar del
nudo lo hace mudo. Un ciclo de la vida
ha terminado y la manta se convierte en
un sudario que almacena dentro de ella
sólo recuerdos. Este nudo ha detenido el
tiempo, tal vez implicando la muerte y tal
vez la posibilidad de renacimiento.
En su obra, Ugalde compromete al
paisaje boliviano, así como las plantas y
tejidos inherentes a las tradiciones dentro
de la cultura andina, y las transforma en
collages contemporáneos, fotografías e
instalaciones que hablan de comercio,
política y (des)conexión espiritual. Al
combinar la historia y la geografía de
su país con la intervención creativa y
la yuxtaposición, es capaz de plantear
preguntas universales a su público acerca
de su conexión con la humanidad.
In 2009, Ugalde created Marcha Por La
Vida/ March for Life, an installation
featured at the Latin American Pavilion
as part of the 53rd Venice Biennale.
Expanding on his use of Bolivian
cultural symbols, Marcha Por La Vida
is a patchwork of traditional Inca and
Aymara blankets that Ugalde had bought
and collected over the years. It draws
inspiration from the ritual of weaving-as
both a manual act that creates a practical
material for protection and warmth, as well
as a spiritual act that references religious
and ritualistic practices throughout
history. Ugalde’s installation comprises
this large connected blanket placed
centrally in the space, weighted with the
history of all its previous owners. Then,
to transform this object Ugalde ties the
blanket in a knot, specifically an Armazi
knot. Through this deliberate interfering
action, Ugalde halts the blankets ability
to give shelter and to protect. If these
connected blankets represent our shared
social fabric, then the tying of the knot
makes it mute. A cycle of life has ended
and the blanket becomes a shroud that
stores within it only memories. This knot
has stopped time, perhaps implying death
and perhaps the possibility of rebirth.
In his work, Ugalde engages the Bolivian
landscape, as well as plants and fabrics
inherent to traditions within Andean
culture, and transforms them into
contemporary collages, photographs and
installations that speak of commerce,
politics and spiritual (dis)connectedness.
By combining the history and geography
of his country with creative intervention
and juxtaposition, he is able to pose
universal questions to his audience about
their connection to humanity.
16 17

18 Gastón Ugalde I Marcha por la vida 2009 I Mixed media Installation I Dimensions variable 19

20 21

Gastón Ugalde. Apodado el “Warhol
andino”, Ugalde es conocido por sus
trabajos provocativos que presenta
frecuentemente en hojas de coca, billetes
de banco obsoletos y los paisajes de
ensueño del Salar de Uyuni, las salinas
más grandes del mundo, que se pueden
visitar en un viaje de un día en avión.
“He vivido a través de 40 presidentes
bolivianos”, reflexiona el artista, y cuando
le pregunto si preferiría vivir junto al mar,
lanza una fuerte carcajada. “Nosotros
los paceños somos cóndores”, dice con
orgullo. “No son los pelícanos”. Extracto
Financial Times, 29 de junio de 2018.
Gastón Ugalde. Dubbed the “Andean
Warhol”, Ugalde is known for
provocative works that frequently feature
coca leaves, obsolete bank notes and the
dreamy landscapes of Salar de Uyuni,
the world’s largest salt flats, which can
be visited on a day trip by air. “I’ve
lived through 40 Bolivian presidents,”
the artist reflects — and when I ask if
he’d prefer to live by the sea, there is a
hearty laugh. “We Paceños are condors,”
he says proudly. “Not pelicans.” Excerpt
Financial Times June 29, 2018.
Gastón Ugalde I ARUSKIPT’ASIPXAÑANAKASAKIPUNIRAKISPAWA 1992 I Mixed media on canvas I 200 x 200 cm
The longest word in any language that consists of 36 letters 14 syllables, 13 suffixes that
morphemically, in each of its forms, has its meaning. The translation and interpretation
into English of the word ARUSKIPT’ASIPXAÑANAKASAKIPUNIRAKISPA-
WA means: we are obliged to communicate, despite all the conflicts with which human
beings act, which we also face and solve through communication.
22 23

Gastón Ugalde y el Arte Boliviano
por Roberto Valcárcel
Artista
Gastón Ugalde and Bolivian Art
By Roberto Valcárcel
Artist
En el arte boliviano, la segunda mitad de
los años setenta continúa marcada por
aquella dicotomía típica de los sesentas
descrita por la historiografía nacional,
dicotomía entre el costumbrismo y la
pintura social por un lado y la pintura
abstracta y no figurativa por otro. Las
vertientes de costumbrismo y la pintura
social fueron sin duda el indigenismo, el
muralismo mexicano y otras corrientes
latinoamericanas, cada cual con sus
correspondientes cánones y paradigmas,
mientras que la pintura abstracta hacía
obviamente referencia al expresionismo
abstracto europeo y norteamericano de
los años cincuenta. Dicha dicotomía
alcanzó la forma de un impasse, callejón
sin salida, punto muerto, estancamiento,
atascamiento, en el sentido que ninguna
de las dos alternativas proponía en la
práctica, en los hechos, un plan, un futuro,
un desarrollo ulterior del arte. Ambas
posibilidades pregonaban ser vanguardia,
pero en el fondo la rigidez de sus reglas y
conceptos les impedía no solo superar a la
otra, sino también superarse a sí misma.
Las dos corrientes fueron, a mi entender,
profundamente conservadoras al plantear
cada cual unos rígidos y bien definidos
paradigmas de los cuales no pudieron
nunca liberarse. Es en ese momento en
que irrumpe la figura de Gastón Ugalde
en la escena artística boliviana como una
verdadera fuerza revitalizadora. A tiempo
de ser sinceramente indiferente a estas
dos posibilidades que se evidenciaban
en el arte boliviano, Ugalde plantea,
propone (y no a nivel teórico sino a nivel
de acción, a través de su obra), un tipo
de arte que literalmente abre las puertas
del arte boliviano al arte postmoderno, al
arte contemporáneo y al arte del siglo 21.
A continuación, tratando de ser lo más
breve posible, enumeraré algunos rasgos
del arte de Gastón Ugalde que fueron
substanciales para lograr empujar (o jalar,
si se prefiere) el arte boliviano más allá de
la dicotomía figurativo - social - nacional/
abstracto-internacional. (Debo, en honor a
la verdad, indicar que por supuesto hubo
algunos otros artistas, pocos, aislados, que
aportaron de manera individual a este
proceso, tal el caso de Inés Córdoba, por
ejemplo; pero dado que este texto se refiere
al aporte de Ugalde, voy a centrarme y
concentrarme en él).
In Bolivian art, the second half of the
seventies is still marked by that typical
dichotomy of the sixties described by
the national historiography, dichotomy
between the costumbrismo – that is, the
literary or pictorial interpretation of
local everyday life – and social painting
on the one hand, and abstract and nonfigurative
painting on the other. The trend
of costumbrismo and social painting
was undoubtedly indigenism, Mexican
muralism and other Latin American
currents, each with its corresponding
canons and paradigms, while abstract
painting made reference to European
Abstract Expressionism and American
of the fifties. This dichotomy reached the
form of an impasse, dead end, stalemate,
stagnation, in the sense that neither of
the two alternatives proposed a plan, a
future, or a further development of art.
Both possibilities preached to be avantgarde,
but in the end the rigidity of its
rules and concepts prevented them not
only from overcoming the other, but
also from overcoming itself. The two
currents were, in my opinion, profoundly
conservative in raising each of the rigid
and well-defined paradigms from which
they could never be freed.
It is at this time that Gaston Ugalde in
the Bolivian art scene emerged as a true
revitalizing force. Ugalde proposed (and
not in theory, but with action through his
work), a type of art that literally opens
the doors of Bolivian art to Postmodern
Art, Contemporary Art and 21st century
art. I will list some features of the art of
Gastón Ugalde that pushed (or pulled,
if you will) Bolivian art beyond the
Figurative-social-national dichotomy and
Abstract-international. (I must, in honor
of the truth, indicate that there were, of
course, a few other isolated artists who
contributed individually to this process,
such as Inés Córdoba, for example; but
since this text refers to the contributions
of Ugalde, l will focus on him).
24 25

M A T E R I A L I D A D
Ugalde no es un artista descriptivo, ni un artista ilustrador.
Él prescinde, como buen artista contemporáneo, de la
representación o de la “figurita”. Lo que nos lleva a
preguntarnos en qué consiste la “bolivianidad” de la obra
de Ugalde, y la respuesta es sorprendente y evidente: Los
materiales. Este artista ha producido y sigue produciendo
trabajos con barro, adobe, piedra y pedrones, metales,
tejidos andinos, sal en bloques, sal en polvo, arena, hojas
de coca en cantidad considerable... todos estos materiales
no son pasajeros ni casuales, son una constante en su
trabajo y operan no en un sentido narrativo sino en un
sentido connotativo a partir de sus texturas, olores y
colores, materiales (al menos en nuestro imaginario)
bolivianos por excelencia. Aún cuando Ugalde recurre
a sofisticadas técnicas de última generación como
hologramas o fotografía digital en altísima resolución, lo
fotografiado incluye de manera recurrente los materiales
ya mencionados. Ugalde es sumamente boliviano a partir
de la materialidad en su obra.
M A T E R I A L I T Y
Ugalde is not a descriptive artist, nor an illustrative
artist. He disregards, like a good contemporary artist, the
representation or the “figurine.” This leads us to wonder
what is “Bolivian” in Ugalde’s work, and the answer is
surprising and obvious: the materials. This artist has
produced and continues to produce works with mud,
adobe, stone and rocks, metals, Andean fabrics, Salt
in blocks, salt powder, sand, and coca leaves. All these
materials are not passing or casual. They are a constant
in his work and operate not in a narrative sense but rather,
evocative through textures, smells and colors, materials
(at least in our imagination) are Bolivian par excellence.
Even when Ugalde resorts to sophisticated contemporary
techniques such as holograms or digital photography
in high resolution, the subject itself includes these
materials. Ugalde is highly Bolivian from the materiality
in his work.
26 27

28 29

G L O C A L I D A D
G L O C A L I T Y
Lo que diferenciaba a los artistas del
impasse de los setenta era que los unos
se consideraban locales y los otros
internacionales.
What differentiates the artists from the
impasse of the seventies are that some
considered themselves local while others
considered themselves international.
Los unos miraban con su obra “para
adentro” mientras que los otros miraban
“hacia afuera”. La obra de Gastón Ugalde
resuelve el aparente dilema de manera
contundente y evidente. Nunca dejó de
ser “boliviano” o inclusive “andino” y
nunca dejó de usar un lenguaje visual
que opere perfectamente en un contexto
internacional, no como arte exóticoétnico
originario sino como un arte
genuinamente contemporáneo.
Some looked “inward” at their work,
while the others looked “outward.”
The work of Gastón Ugalde solves the
apparent dilemma in a forceful and
evident way. He never ceased to be
“Bolivian” or even “Andean” and never
stopped using a visual language that
operates perfectly in an international
context, not as exotic-ethnic-native art,
but rather as genuine contemporary art.
E X P E R I M E N T A C I Ó N
E X P E R I M E N T A T I O N
A mi mejor entender, Gastón Ugalde fue el
primer artista boliviano en usar la palabra
investigar no en un sentido académico,
científico, detectivesco o teórico sino en
un sentido estrictamente artístico. Ya
hacia 1978 algún periodista le preguntó
“Y qué está usted haciendo actualmente
en el arte, con su arte?” A lo cual Ugalde
responde: “Estoy investigando... etc.
etc.” Lo cual ubica a nuestro artista en
el ámbito de un arte que no hace algo
que ya hay, no hace algo que ya se hizo,
sino que mediante su obra, a través de la
manipulación de los materiales, investiga
las posibilidades del arte como tal. No
busca innovar. No busca renovar. Busca
crear. Esa viene a ser por antonomasia
la definición de “arte contemporáneo”.
El arte indaga las posibilidades del arte.
Ugalde es sumamente contemporáneo
a partir del carácter investigativo de su
obra. Investigativo en el sentido de no
dogmático, no obsesivo, no paradigmático,
no definido.
E Q U I L I B R I O
Ugalde investiga mediante la experimentación
en obra. Ese carácter investigativo
le lleva a una renovación permanente.
Paradójicamente, Ugalde es un
artista que, sin dejar de ser él mismo, nos
sorprende constantemente. Su obra logra
ser constante, cambiando. El delicado
equilibrio entre lo conocido y por conocerse,
presente en toda su obra, es lo que
nos permite identificarnos con cada pieza
suya aún cuando no logremos “entenderla”
en su totalidad.
Toda obra de Ugalde encierra un misterio.
E Q U I L I B R I U M
Ugalde researches through experimentation
on site. This investigative nature leads
to permanent renovation. Paradoxically,
Ugalde is an artist who, without failing
to be himself, surprises us constantly. His
work manages to be constant, yet changing.
The delicate balance between the known
and knowing, present in all his work, is
what allows us to identify with each piece,
even if we do not “understand” in its entirety.
Every work of Ugalde encloses a mystery.
To my best understanding, Gastón
Ugalde was the first Bolivian artist to use
the word investigate not in an academic,
scientific, detective or theoretical sense,
but in a strictly artistic sense. As early
as 1978, an interviewer asked Ugalde:
“what are you currently doing in art,
with your art?” To which he replied:
“I am investigating... etc. etc.” Which
places our artist in the realm of an
art that does not do something that is
already there, or something that has
already been done. Instead, through his
work and through the manipulation of
materials, he investigates the possibilities
of art. He’s not looking to innovate. He’s
not looking to renew. He seeks to create.
This is the quintessential definition
of “contemporary art.” Art explores
the possibilities of art. Ugalde is very
contemporary from the investigative
nature of his work. Investigative in
a non-dogmatic, non-obsessive, nonparadigmatic
and undefined sense.
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32 33

P O L I S E M I A
Los trabajos de este artista tienen un marco
semántico muy bien definido, pero dentro
de este marco, los significados no quedan
predeterminados. En otras palabras:
Cada obra de Ugalde no es un cuentito
ni una descripción ni una representación.
No tiene un mensaje único que pueda
ser descifrado. Pero al mismo tiempo,
la obra no es una adivinanza: Nos lleva
a pensar y a sentir ciertas cosas, cierto
tipo de cosas que reconocemos, a pesar
de que no acabamos de entender el
misterio. Precisamente, la materialidad
de la obra es la que nos permite asociarla
con experiencias conocidas, mientras
que la disposición de los elementos y las
relaciones entre ellos, la composición
(sintaxis) de la obra son parte del
mencionado proceso de investigación.
No quiero concluir este texto sin
mencionar el hecho de que Gastón, a
pesar de la aparente seguridad que irradia
y a pasar de su imponente presencia
física, muestra a través de su obra una
característica humana que parece que se
está perdiendo: la sensibilidad. Creo que
ese factor es el que redondea o completa
su perfil de artista en el más noble sentido
de la palabra.
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P O L Y S E M Y
The works of this artist have a very welldefined
semantic framework, but within
this framework, the meanings are not
predetermined. In other words: each of
Ugalde’s works is not a short story, nor
a description, nor a representation. It
doesn’t have a unique message that can be
deciphered. But at the same time, the work
is not a riddle: it leads us to think and feel
certain things that we recognize, even though
we do not just understand the mystery. The
materiality of the work is what allows us to
associate it with known experiences, while the
disposition of the elements and the relations
between them – the composition (syntax) of
the work – are part of the aforementioned
research process. I do not want to conclude
this text without mentioning the fact that
Gastón, despite the apparent confidence
that he radiates, and notwithstanding his
strong physical presence, shows through his
work a human characteristic that seems to
be disappearing: sensibility. I think that is
the factor that rounds or completes his artist
profile in the most noble sense of the word.
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“Against despair, heartbreak and bewilderment, the artist,
the tumayco, the pilgrim, the wayfarer, has returned.
Walking brings back the light. Like his work.”
– Pablo Cingolani
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El Salar y Gastón: Una canción de redención
por Pablo Cingolani
Escritor
“Gastón Ugalde soñó que era una piedra
y no sabía al despertar si era un hombre
que había soñado ser una piedra o una
piedra que ahora soñaba ser un hombre”.
Si hay dos realidades que se parecen y se
reflejan entre sí, que se complementan
entre sí, que se conjugan; si hay dos
sueños que se amalgaman, se funden,
se vuelven uno solo: eso son el Salar
de Uyuni y Gastón Ugalde. El Salar y
Gastón son, casi-casi, una sola cosa.
Gastón se enamoró del Salar no sólo a
primera vista sino para siempre. Y volvió
su espacio inabarcable, su propio taller
artístico, su propio hogar existencial, su
amparo cósmico. Durante varias décadas,
arropado sólo por la sal y el viento que
baja de los cerros, experimentó e hizo
de todo: instalaciones, performances,
pinturas, esculturas de sal, esculturas con
sal, videos, land art, body art, fotografía,
todo, como dije; todo.
Su devoción por el Salar floreció en pacto
creativo. Mama Tunupa —la diosa tutelar
del infinito blanco— lo hizo su hijo y el
viene y va por el mar de sal, y yendo y
viniendo por esas inmensidades albas que
tal vez no tengan nada comparable en el
orbe que conocemos, encontró su huella y
su lugar en el mundo, y nos legó un tesoro
que, encontrarlo o soñarlo es lo mismo, ya
que está hecho de la tremenda sensación
de belleza y bienestar que irradia el salar
y que Gastón supo captar como ningún
otro ser humano que habita este planeta.
Si hay algo que agradecerle al arte es su
atrapante capacidad de evocarlo todo. Si
hay algo que agradecerle a los verdaderos
artistas es el convertirse en el medio
para que eso suceda. Si hay algo que
agradecerle a un artista como Gastón
Ugalde es que eso que te conecta, eso que
te sucede adentro y que lo evoca todo, te
sacude todo, te inspira todo y que se llama
arte, él lo haya logrado vivir y transmitir
desde la pakarina, el centro de origen, la
Madre de Toda la Sal de la Tierra y por lo
mismo La Madre de Toda la Belleza: el
inigualable e inolvidable espacio sagrado
que conocemos como el Salar de Uyuni.
Gastón es su chamán. Gastón es su
guardián, es su espejo más intimo, su
espejo de vida y obra, un espejo donde
—si nos animamos— también podemos
mirarnos.
Es el espejo más hermoso y sereno que
la Madre Naturaleza ha regalado a la
Humanidad para sentir que siempre,
siempre podemos redimirnos. Eso: una
canción de redención. Eso es el salar. Y
Gastón Ugalde lo sabe mejor que nadie.
Por eso, lo comparte aquí con todos
nosotros. A celebrar el hallazgo.
Gastón Ugalde es un artista, en el
significado más puro de la palabra. Tiene
una conexión simbiótica con el salar,
y cada partícula que lo compone, y las
piedras y los volcanes que lo rodean, y
el cielo que lo espejea y el cosmos que lo
abraza y le concede su grandeza sin igual.
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The Salt Desert and Gastón: A Song of Redemption
By Pablo Cingolani
Writer
“Gaston Ugalde dreamt he was a stone
and when he woke up, did not know if
he was a man who had dreamed of being
a stone or a stone that now dreamt of
being a man.”
If there are two realities that resemble and
reflect each other, which complement
each other and which are conjugated; If
there are two dreams that amalgamate,
melt, and become a single one: that is the
Salar of Uyuni and Gastón Ugalde. The
Salar and Gaston are almost the same
thing.
Gaston fell in love with the Salar at first
sight. He converted his unfillable space,
his own artistic workshop, his own
existential home, his cosmic protection.
For several decades, wrapped only by
the salt and wind that falls from the hills,
he experimented and did everything:
installations, performances, paintings,
salt sculptures, video-art, land art, body
art, photography. Everything.
His devotion to the Salar flourished in
a creative pact. Mama Tunupa — The
Guardian goddess of the white infinity
— made it her son who comes and goes
through the sea of salt, and coming and
going though those immense albas that
may not have anything comparable in
the orb we know, found his footprint and
place in the world. She bequeathed to us
a treasure that, to find or to dream it is the
same, because it is made of the tremendous
sensation of beauty and well-being that
radiates the Salar – and that Gaston knew
how to capture like no other.
If there is anything to thank art for, it is its
compelling ability to evoke everything.
If there is anything to thank the real
artists for, is to become the means for
that to happen. If there is anything to
thank an artist like Gastón Ugalde for,
is that which connects you, that happens
inside of you and that evokes everything,
shakes everything, inspires everything.
He has managed to live and transmit
from the Pakarina, the center of origin,
the mother of all the salt of the earth
and therefore the mother of all beauty:
the unparalleled and unforgettable
sacred space that we know as the Salar
de Uyuni.
Gaston is his Shaman. Gaston is his
guardian, his most intimate mirror, his
mirror of life and work, a mirror where
— if we dare to — we can also look at
ourselves.
It is the most beautiful and serene
mirror that Mother Nature has given
to humanity to feel that we can always
redeem ourselves. That: A Song of
Redemption. That’s the Salar. and
Gastón Ugalde knows better than
anyone. That’s why he shares it here
with all of us. To celebrate the find.
Gastón Ugalde is an artist in the purest
meaning of the word. He has a symbiotic
connection with the Salar, and every
particle that makes it, and the stones
and volcanoes that surround it, and the
sky that mirrors it, and the cosmos that
embraces it and grants it its unsurpassed
grandeur.
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“Gaston Ugalde dreamt he was a stone and when he woke up, did not
know if he was a man who had dreamed of being a stone or a stone
that now dreamt of being a man”.
44 45

El Salar, quien puede dudarlo, es un
espacio ritual, ritualizado y ritualizante.
Cuando lo conoces y lo ves por primera
vez, quedas paralizado: el flujo energético
del Salar y sus propios ritos empiezan a
penetrarte y a envolverte y allí es donde
regresas al sentido, pero ya eres distinto,
ya el Salar te ha transfigurado.
Gastón Ugalde o El Artista: Gastón, es,
quien puede dudarlo, El-Artista-Boliviano-por-Excelencia.
Multidisciplinario,
multipremiado, itinerante, nómade expresivo
y nómade existencial, creativo
sin cura, amante-poeta y guerrero como
a él mismo le gustaba definirse, ha ido
encontrando en su lúcido peregrinar por
el camino del arte hecho en Bolivia, los
rostros de la tierra, las hojas de coca, las
marchas campesinas e indígenas, la piedra,
el aguayo, como la materia prima
fundacional de toda su creación.
Pero si algo, algo que funde espacio,
tiempo, materia, misterio y cosmos en un
sola dimensión, algo marcó a Ugalde en
su derrotero, ese algo fundamental y que
trasciende, eso es el Salar de Uyuni.
Para Gastón, el Salar es madre y padre a la
vez. Su indudable desmesura de espíritu
para casi todo encuentra en el Salar –
un santuario del vacío por excelencia-,
una indudable correspondencia anímica
y vivencial. Allí todo sucede, allí todo
puede suceder, allí todo fue sucediendo
aunque para los profanos sólo se trate
de sal, de piedras, de viento, de cactus,
de cielo. Gastón, apelando al arma
fundamental que todo artista genuino
atesora, supo hacer de esta ámbito
extremo, de estos desiertos gélidos y
que a la vez te calcinan, un mundo
nuevo, un mundo artístico, un mundo
donde el único límite posible era el de la
creatividad humana. Un mundo donde
la creación del ser se entramó, se anudó,
se fundió, con la más maravillosa de las
obras jamás concebidas: la naturaleza.
Me piden mil caracteres sobre Gastón
Ugalde. Sólo diré, porque se angosta.
Gastón es el más creativo, no sólo de
todos los artistas bolivianos vivos, sino
de todos los bolivianos. Gastón tiene un
fuego, un empuje, un arte, que yo siento,
que admiro. El ha sido capaz de sintetizar
a Cecilio, a Marina, al Chueco, a Túpac
Katari, a todos, y lanzarlos al infinito,
desde el presente hacia el futuro, como
es la hechura y la promesa que encierra
todo arte, si es vivido, si es genuino.
La obra de Gastón, la obra del Ugalde,
tiene un mérito, tiene un mérito
indudable: carga una marca. Es de
Bolivia. Es, simplemente, suya, propia.
Es única. Es boliviana. Y por síntesis de
lo boliviano, es universal.
Es Ugalde. Es de Tembladerani, La
Paz. Es del Salar de Uyuni, Potosí. Es
suya su marca, pero también es de todos
los que la sientan así. Es nuestra. Es de
todos. Es inolvidable. Es arte. Lo de
Gastón Ugalde, más allá de todas las
clasificaciones, es una sola cosa: es su
vida. Es su arte. Es arte.
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The salar is a ritual space. When you meet
him, and see it for the first time, you are
paralyzed: the energetic flow of salt and
its own rites begin to penetrate and wrap
you and that is where you return to the
meaning, but you are already different,
and the Salar has transfigured you.
Gastón Ugalde, the Bolivian artist: multidisciplinary,
multi-awarded, itinerant,
nomadic expressive and nomadic existential,
creative without a cure, lover-poet
and warrior as he himself liked to define
himself. In his pilgrimage he’s made the
art of Bolivia – the faces of the land, coca
leaves, peasant and indigenous marches,
stone, Aguayo – the raw material of all
his creations.
But if the Salar de Uyuni melts space,
time, matter, mystery and cosmos in a
single dimension, it also marked Gastón
in its course.
For Gastón, the Salar is mother and
father at the same time. His undoubted
inordinateness of spirit for almost
everything is found in the Salar – a
sanctuary of emptiness par excellence –
an undoubted psychic and experiential
correspondence. There, everything
happens, can happen, was happening –
even though it is only salt, stones, wind,
cactus, sky. Gastón, appealing to the
fundamental weapon that every genuine
artist treasures, knew how to make this
extreme area, of these icy deserts and that
at the same time burn you, a new world,
an artistic world, a world where the only
possible limit was that of the human
creativity. A world where the creation of
the self was envisioned, knotted, fused,
with the most wonderful of the works
ever conceived: Nature.
I was once asked to write a thousand
characters on Gastón Ugalde. I will just
say: Gaston is the most creative, not only
of all Bolivian artists alive, but of all
Bolivians.
Gastón has a fire, a thrust, an art, which
I feel and admire. He has been able to
synthesize Cecilio, Marina, Chueco,
Túpac Katari, and throw them into
infinity, from the present to the future –
just like the making and the promise that
encompasses all art, if it is lived and if it
is genuine.
The work of Gastón, the work of the
Ugalde, has an undoubted merit: it carries
a brand. He’s from Bolivia. It’s simply his
own. It’s Unique. It is Bolivian. And by
synthesis of the Bolivian, it is universal.
It’s Ugalde. It’s Tembladerani, La Paz.
It’s from the Salar de Uyuni, Potosí. It is
his brand, but it is also of all those who
feel it. It is ours. It is everybody’s. It’s
Unforgettable. It’s art.
That of Gastón Ugalde, beyond all of its
classifications, is only one thing: it is his
life. It is his art. It is art.
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Gastón Ugalde: Viaje y Paisaje
por: Gerardo Zavarce
Curador e Investigador
Gastón Ugalde (La Paz, Bolivia,1944)
llega al Salar de Uyuni, la salina
más grande del mundo (10.582
mts 2 de extensión, ubicada entre los
departamentos de Potosí y Oruro,
Bolivia) a través de un viaje que
emprende desde la ciudad de la Paz al
interior de Bolivia en 1970. No se trata
de una expedición científica, como
el viaje a la América equinoccial que
emprendiera Alexander von Humboldt
entre 1799 y 1804. Por el contrario, lo
que mueve a Gastón Ugalde gira sobre
el escenario de la experimentación
visual, eje central de su devenir estético
desde la década del setenta.
En este sentido, las imágenes realizadas
por Gastón Ugalde, que incorporan
la geografía del Salar (Bolivia) como
escenario para producir una experiencia
creativa del lugar, se inscriben como
campo de confluencias de una diversidad
de prácticas y visiones sobre la creación.
Por una parte, Ugalde opera como
heredero incómodo de la tradición del
paisaje humboldtiano cultivado a lo
largo del siglo XIX, cuya influencia ha
logrado remontar los intersticios del
tiempo, persistir hasta nuestros días
y contribuir a tejer de forma compleja
nuestras estrategias para comprender y
mirar los discursos sobre el paisaje.
Por tanto, a través de la series de
fotografías del Salar encontramos
inscrita una visión del territorio
como contexto construido para la
interpretación de una naturaleza que
es imaginada, tal como lo hicieron
Alexander von Humboldt y sus
seguidores a través de sus vista sobre
la América equinoccial, como imagen
inhóspita y monumental, donde: las
nieves perpetuas, las zonas temperadas
y montañosas y las extensas llanuras,
conforman la morfología del paisaje,
su abecedario discursivo. Sobre
este impulso se erige una impronta
profundamente romántica sobre el
territorio, se trata de la mirada sensible
del viajero que pretende explorar no sin
tensiones, nuevos espacios y horizontes.
No obstante, Ugalde que asume la
experiencia del viaje, del tránsito,
como eje de sus procesos creativos, es
también un disidente comprometido
con la imagen. Entonces, mediante
la expedición al territorio del Salar
construye un tránsito ritual que tiene
como propósito la experiencia del
paisaje como catálisis de la creación y la
activación del lugar como proposición
sensible, procesos elaborados sobre
una lectura animista del entorno. De
esta manera, el color comienza a jugar
un rol fundamental en la construcción
de significativas puestas en escena que
emergen como visiones alternativas
para articular nuevos significados y
construir un imaginario conceptual
y performático del lugar desde las
posibilidades experimentales y
creadoras de la imagen visual.
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Gastón Ugalde: Travel and Landscape
By: Gerardo Zavarce
Curator & Researcher
Gaston Ugalde (La Paz, Bolivia, b.
1944) arrives to the Salar de Uyuni, the
world’s largest salt flat (4,086 square
miles, located in the Potosi and Oruro
departments in Southwest, Bolivia)
through a journey from the city of La
Paz to the core of Bolivia in 1970. This
is not a scientific expedition, as the one
Alexander von Humboldt’s undertook to
the equinoctial America, between 1799
and 1804. On the contrary, what moves
Gastón Ugalde revolves around visual
experimentation becoming central to his
aesthetic progression since the seventies.
Consequently, the images composed by
Gaston Ugalde which incorporate the
Salar’s geography as a stage to produce
a creative experience of the site, inscribe
themselves as a junction field of a
diversity of practices and views about
creation. One the one hand, Ugalde
serves as an uncomfortable heir of the
Humboldtian tradition of the cultivated
Humboldtian landscape along the XIX
century, whose influence has managed
to trace the interstices of time, persisting
to this day and contributing to weave
in a complex manner our strategies to
the understanding and looking at the
discourse about landscape.
where: the perpetual snow, temperate
zones, mountainous areas and vast plains,
make up the landscape’s morphologhy
its discursive alphabet. On this drive
stands a romantic deep imprint about the
territory, it is about the sensible view of
the traveler who seeks -not free of strainsnew
opportunities and horizons.
Notwithstanding, Ugalde who assumes
the experience of travel, of transit as a
focus of his creative process, is also a
disident committed to the image. Then,
through expeditions to the territory of
the Salar constructs a ritual transit that
aims to experience the landscape as a
catalyst of the creation and activation of
the site as sensible proposition, processes
elaborated around an animist reading of
the surrounding. Accordingly, the color
begins to play a fundamental role in the
construction of significant staging that
emerges as alternative visions to articulate
new meanings and build a conceptual
imaginaery and performative from the
place wtihin experimental possibilities
and creators of the visual image.
As a result, through a series of
photographs of the Salar we find
inscribed a vision of the territory as a
built context for interpreting a nature
that is imagined, such as Alexander von
Humboldt and his followers did through
his view of equinoctial America as an
inhospitable and monumental image,
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