Old Master Paintings – Part 1

KATALOG II 

GEMÄLDE ALTE MEISTER TEIL 1 

CATALOGUE II 

OLD MASTER PAINTINGS PART 1 

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

Bernardo Bellotto 

genannt Canaletto 

1721 - 1780 

Dresden mit der Frauenkirche 

AUKTIONEN / AUCTIONS: 

DONNERSTAG, 24. & FREITAG, 25. SEPTEMBER 2020 

Besichtigung: Samstag, 19. September – Mittwoch, 23. September 

THURSDAY, 24 & FRIDAY, 25 SEPTEMBER 2020 

Exhibition: Saturday, 19 September – Wednesday, 23 September 

KATALOG 

CATALOGUE 

II 

DONNERSTAG 

THURSDAY

OLD MASTER 

PAINTINGS 

PART I

136 

ITALIENISCHER MEISTER DES AUSGEHENDEN 

14. JAHRHUNDERTS, 

FRANCESCO D‘ANTONIO 

(UM 1393 FLORENZ – NACH 1433), ZUG. 

MADONNA MIT DEM KIND, VIER HEILIGEN UND 

ZWEI MUSIZIERENDEN ENGELN 

Öl/ Tempera und Goldgrund auf Holz. Parkettiert. 

Sichtmaß: 91 x 50,5 cm. 

In schlichter moderner Naturholzrahmenfassung. 

Das Tafelbild schlank hochformatig, nach oben hin im 

gotischen Spitzbogen geschlossen. Maria in dunklem 

Mantel, erhöht thronend vor Goldgrund, in ihren Armen 

das Jesuskind in langem hellroten Kleid, das sich mit 

den Händchen an Schulter und Brust der Mutter festhält 

und den Blick der Mutter entgegenrichtet. Seitlich 

je zwei Heiligengestalten, von denen attributiv lediglich 

die Heilige Katharina links oben sowie der Heilige Antonius 

rechts unten zu identifizieren sind. Für die links 

unten stehende Gestalt, mit rotem Mantel und einem 

Schwert, gäbe es mehrere Deutungsmöglichkeiten. 

Besondere Aufmerksamkeit verdienen die beiden Engel 

in der unteren Mitte in hell- und dunkelrotem Kleid, 

jeweils mit dunkel gefärbten Flügeln, mit Flöte sowie 

Laute. Die Nimben sämtlich goldgrundig und ornamental, 

überwiegend mit Rosetten punziert. Das Jesuskind 

mit Kreuznimbus, der Nimbus der Maria mit 

gotischen Majuskeln beschriftet. Trotz des hohen Alters 

in guter Erhaltung. (1241072) (2) (11) 

ITALIAN SCHOOL, 

LATE 14TH CENTURY, 

FRANCESCO D’ANTONIO 

(CA. 1393 FLORENCE – AFTER 1433), ATTRIBUTED 

MADONNA WITH CHILD, FOUR SAINTS AND TWO 

ANGELS MAKING MUSIC 

Oil/ tempera on gold-ground on panel. Parquetted. 

Visible size: 91 x 50.5 cm. 

In simple, modern, natural wooden frame. 

In good condition despite its old age. 

Literatur: 

Compare M. Salmi, Francesco d‘Antonio fiorentino, 

in: Rivista d‘arte, XI, 1929, p. 1–24. 

Compare G. Gronau, Appunti d‘archivio: Francesco 

d‘Antonio pittore fiorentino, in: Rivista d‘Arte, XIV, 

1932, p. 382 –385. Compare. L Berti, A. Paolucci 

(ed.), L‘età di Masaccio: il primo Quattrocento, Milan 

1990. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

vgl. M. Salmi, Francesco d‘Antonio fiorentino, in: 

Rivista d‘arte, XI, 1929, S. 1–24. 

Vgl. G. Gronau, Appunti d‘archivio: Francesco 

d‘Antonio pittore fiorentino, in: Rivista d‘Arte, XIV, 

1932, S. 382 –385. Vgl. L Berti, A. Paolucci (Hrsg.), 

L‘età di Masaccio: il primo Quattrocento, Mailand 

1990. 

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15

137 

TOMMASO DI CREDI, 

15. – 16. JAHRHUNDERT, ZUG. 

MADONNA IN ANBETUNG DES KINDES, MIT DEM 

JOHANNESKNABEN UND DEM HEILIGEN JOSEF 

Öl auf Holz. Verso eine vertiefte Querleiste. 

Durchmesser: 85 cm. 

In vergoldetem Rahmen. 

Der Künstlers ist im ausgehenden 15. und frühen 16. 

Jahrhundert in Florenz nachweisbar. Er war ein Schüler 

des Lorenzo di Credi (1459-1537) und wirkte in 

dessen Werkstatt. Nachdem Lorenzo seine Aufträge 

immer mehr seinen Schülern überließ, setzten diese 

auch den Stil und vor allem die Bildgattung des Madonnenbildes 

fort, in der Folge zunehmend in Form 

von Gemäldetondi. So ist dieser Bild typus des Tondo 

für Tommaso geradezu zu einem Merkmal seines 

Schaffens geworden. Die Beliebtheit dieser Madonnen- 

Tondi hat den Maler letztlich dazu gebracht, äußerst 

durchdachte Variationen zu entwickeln. Dabei tritt die 

Dreiheit – Maria, Kind und Johannesknabe – am häufigsten 

auf. Seltener, wie hier im vorliegenden Gemälde, 

finden wir eine oder mehrere weitere Figuren, 

zumeist anbetende Engel. 

Das Rundbild zeigt die Marienfigur in blauem Mantel 

im Darstellungszentrum kniend, mit gefalteten Händen 

und nach unten geneigtem Haupt, dem am Boden liegenden 

Kind entgegenblickend. In geschickter Weise 

hat der Maler die Körperform des Kindes der unteren 

Rundung des Bildrandes angeglichen. In kompositioneller 

Fortsetzung dazu folgt auch der Johannesknabe 

formal dem Bildrand. Die dritte Figur im Bild, der Heilige 

Josef, erscheint rechts außerhalb der Maueröffnung 

weiter hinten, vor einem mitgeführten Esel. 

Unter den vergleichbaren Werken vom Maler ist hier 

vor allem der Tondo im Los Angeles County Museum 

of Art heranzuziehen „Virgin adoring the Christ Child 

with St. John the Baptist and two Angels“ (Dm. 55 

cm.), der in die Jahre 1500 bis 1520 datiert wird. Die 

Ähnlichkeit ist ganz offensichtlich. Hier wie dort ein 

der Maria hinterlegtes Mauerstück, auch die Lage des 

Kindes lässt sich vergleichen. Allerdings ist das uns 

vorliegende Bild von weit größerem Format, was noch 

auf die Tradition der Lorenzo-Werkstatt verweist. 

Dass die Anregung zu dem Tondo-Bildaufbau auch bei 

Tommaso di Credi in jedem Falle auf Lorenzo zurückgeht, 

lehrt uns etwa dessen „Anbetungs“-Tondo in 

Venedig, Fondazione Querini Stampalia. 

Das Gemälde in sehr guter Erhaltung. A.R. 

(1241073) (2) (11) 

TOMMASO DI CREDI, 

15TH – 16TH CENTURY, ATTRIBUTED 

THE VIRGIN MARY IN ADORATION OF THE CHRIST 

CHILD WITH SAINT JOHN THE BAPTIST AND SAINT 

JOSEPH 

Oil on panel. Recessed horizontal slat on the back. 

Diameter: 85 cm. 

In gilt frame. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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17

138 

PIETRO DI DOMENICO, 

1457 SIENA – UM 1501 – 1533 

MADONNA MIT KIND UND ZWEI ENGELN 

Tempera auf Goldgrund. Auf Holz. 

59,3 x 39 cm. 

Bedeutendes museales Werk der Sieneser Renaissance 

– ehemals als Leihgabe im Metropolitan Museum 

New York, aus der Sammlung George und Florence 

Blumenthal. 

Das hochformatige Tafelbild gehört zu den bedeutendsten 

Werken des Pietro di Domenico. Die Figuren 

zeigt der Meister dicht gedrängt, vor punziertem Goldgrund. 

Thematisch liegt hier der Bildtypus der „Maria 

lactans“ vor. Die Madonna, die dem Kind die Brust 

reicht, beherrscht in Dreiviertelfigur das Bildzentrum. 

In rotem Kleid und noch gut erkennbar dunkelgrünem 

Mantel sehen wir sie leicht nach links gewandt, sie 

betrachtet ihr Kind, das wiederum mit der Mutter 

Blickkontakt hält. Beide Händchen des Knäbleins umfassen 

das Handgelenk der Mutter, während diese 

das aufrecht sitzende Kind am Rücken hält. Blickgesten, 

Körper- und Handhaltungen lassen daher eine 

abrundende Geschlossenheit von Mutter und Kind erkennen, 

eine für diese Zeit und auch für das Werk des 

Malers reife Bildkomposition. So werden die beiden 

Engel im Hintergrund umso augenfälliger in Distanz 

zu dem intimen Geschehen gehalten, lediglich das 

Gesicht des Engels links im Bild blickt aufmerksam 

über die Schulter Mariens auf das Kind, während sein 

Gegenüber den leicht verlorenen Blick nach außen 

richtet, damit auch dem Bildbetrachter entgegen, als 

eine einladende Geste zur Anbetung. Dies ist ganz im 

Sinne des Gemäldes als Andachtsbild zu verstehen. 

Bezeichnenderweise halten beide Engel ihre betenden 

Hände so zusammen, dass sie jeweils nur die Fingerspitzen 

berühren und damit eine Art Schutzdach andeuten, 

die die feine Intimität der Bildszene betont. 

Dass diese Bildmotive in den weiteren gleichthematischen 

Werken des Meisters nicht wieder zu finden 

sind, lässt das vorliegende Bild weit eher in dessen 

reifere Periode einordnen (siehe unten, Lit.: 2011). 

Über die hier genannten Einzelheiten hinaus sind noch 

weitere Details zu beobachten, die sowohl stilistisch 

über die Malweise des Meisters, als auch über die 

hohe Qualität des Bildes sprechen. 

Entgegen einem weiteren bekannten Werk des Di Domenico, 

ebenfalls vom Typ „Maria lactans“, ist hier der 

Mund des Kindes nicht direkt an die Brust geführt. 

Dabei bleibt offen, ob der Vorgang des Stillens hier 

erst ansetzt oder bereits beendet ist, was zu unterschiedlichen 

Interpretationen Anlass böte. Aber auch 

Elemente der Detailausführung verdienen gewürdigt 

zu werden: ganz bewusst ist der Goldgrund als „Himmel“ 

im Hintergrund der Figuren glatt angelegt, durch 

die Punzierungen der Nimben und der oberen Randbordüre 

unterbrochen, während die weitaus feinere 

Punzierung des Marienkleides bereits eine textile 

Struktur aufweist, durchsetzt von Dekormotiven eines 

prächtigen Brokatstoffes, und dies zudem in exzellenter 

Erhaltung und Wirkung. Auch das Brokatkissen mit 

offener Schnürung, auf dem das Kind sitzt, ist ähnlich 

gearbeitet. 

Während die Nimben der jugendlichen Engel mit 

Strahlengravur wiedergegeben sind, lassen sich im 

Nimbus der Madonna die Majuskeln „AVE...CELO...“ 

lesen. Diese Buchstaben sind zu ergänzen zu „AVE 

REGINA CAELORUM.“ (Ave Himmelskönigin). Es ist 

dies der Anfang des Gesangstextes, der u.a. nach der 

Vesperandacht gesungen und fortgesetzt wird mit 

„Ave Herrscherin der Engel“. In diesem Kontext sind 

also auch die beiden Engel zu verstehen. 

Die nächstverwandte Bilddarstellung von der Hand 

des Meisters ist die „Madonna und Kind mit den Heiligen 

Petrus und Paulus“ (Privatbesitz, ehem. Coudert 

Brothers, 1888). Im Gegensatz zu unserem Gemälde 

ist das Kind hier an der Brust gezeigt. Auch nimmt die 

Darstellung des Kindes einen wesentlich kleineren 

Bild raum ein, ganz in der bisherigen Tradition, während 

bei dem vorliegenden Andachtsbild auch eine 

Betonung auf das Jesuskind zu erkennen ist, was 

wiederum auf einen etwas weitergeschrittenen Werkzeitraum 

verweist. Damit ist ein Höhepunkt im Schaffen 

di Domenicos erreicht. 

Von Pietro di Domenico sind zwei signierte Werke bekannt 

geworden – eine „Krippe mit den Heiligen Martin 

und Galganus“ (Pinakoteca Nazionale, Siena) sowie 

die „Madonna mit Kind und den Heiligen Hieronymus 

und Johannes d. T.“ (City Art Gallery York). Auch unter 

den wenigen bekannten Werken des Meisters nimmt 

das vorliegende Bild einen hohen Rang ein. 

Zu Biographie, Ausbildung und Werdegang des Künstlers 

sind uns nur wenige Details bekannt. So ist etwa 

das genaue Sterbedatum umstritten, es wird der Zeitrahmen 

zwischen 1501 und 1533 diskutiert. Am wahrscheinlichsten 

ist das Jahr 1501 anzunehmen, da ein 

„Pietro di Domenico Dipintore“ 1497 in die Confraternità 

die San Girolamo eintrat, 1501 als verstorben gemeldet. 

Man nimmt allgemein an, dass der vorliegende 

Meister seine erste Ausbildung in Siena bei Benvenuto 

di Giovanni (1436- um 1518) erhielt. Darüber hinaus 

zeigt unser Gemälde erstmals auch die Einflüsse der 

Maler Francesco di Giorgio und Matteo di Giovanni. 

Das Tafelbild in altersentsprechend sehr guter Erhaltung. 

Lediglich das obere Malrändchen von wenigen 

Millimetern wurde bereits zu einem sehr frühen Zeitpunkt 

angeschnitten, einige schmale Risse an der 

Rückseite sind sichtbar, an der Vorderseite durch Restaurierung 

nicht sichtbar. Die Holztafel wurde zu einem 

früheren Zeitpunkt gegen Wölbung beschliffen und 

durch zwei Quer- und umlaufende Randleisten gefestigt. 

Rest. (†) 

Provenienz: 

1905 bis mindestens 1909 Sammlung Conte Giulio 

Sterbini, Rom. 

Danach wohl Sangiorgi, Rom. 

Bis 1911: George und Florence Blumenthal, New York. 

1911 wurde das Gemälde dem Metropolitan Museum 

of Art, New York als Leihgabe übergeben (Inv. Nr. 

41.190.22). 

2015 wurde das Gemälde von Sotheby‘s New York 

angeboten und versteigert. 

Dann Privatsammlung Schweiz. 

Dokumentation und Nennung des Werkes in der 

Literatur: Zu vorliegendem Werk existiert – auch aufgrund 

der prominenten Provenienz – eine umfangreiche 

Dokumentation. 

Abgebildet in folgenden Publikationen: 

S. Rubinstein-Bloch, Gemälde – Frühe Schulen, in: 

Katalog der Sammlung von George und Florence 

Blumenthal, Vol. I, Paris 1926, Abb. Tafel XXXIII. 

Aldo Lusini und Pietro Misciattelli, La donna senese 

del Rinascimento, Anno II., Fasc. IV, in: LA DIANA, 2, 

Nr. 4, 1927. Mit Abbildung S. 233. Dort Besitzangabe: 

New York – Raccolta Blumenthal. 

F. Zeri und E.E. Gardner, Italienische Malerei, Ein 

Katalog der Sammlung des Metropolitan Museum of 

Art. Sienesische und Mittelitalienische Schulen, New 

York 1980, S. 65, ganzseitige Tafelabbildung, Tafel 73. 

K. Baetjer, Europäische Gemälde im Metropolitan 

Museum of Art, New York 1995, A Summary Catalogue, 

Vol. I, mit Abbildung S. 65. 

Weitere Dokumentationen und Literaturvergleiche: 

B.B. Fredericksen und F. Zeri, Volkszählung italienischer 

Gemälde aus dem 19. Jahrhundert in den öffentlichen 

Sammlungen Nordamerikas, Cambridge, Mass. 1972, 

S. 165, 347, 608. 


Museum of Art, New York 1980, Vol. I, S. 142. 

Keith Christiansen , Laurence B. Kanter, Carl Brandon- 

Strehkle, Gemälde in der Renaissance Siena 1420- 

1500, Ausst.-Kat. New York 1988, S. 345. 

M. S. Frinta. Punched Decoration on Late Medieval 

Panel and Miniature Painting, (Gestanzte Dekoration 

auf spätmittelaterlicher Tafel- und Miniaturmalerei), 1998, 

Teil 1, S. 473. Mit Abb. der Pun zie rung. 

Alexander Rauch, Malerei der Frührenaissance (Florenz 

und Siena), in: Renaissance, Kunst und Architektur des 

15. und 16. Jahrhunderts in Europa, Parragon-Vlg. 2011. 

A.R. (1212111) (11) 



21

PIETRO DI DOMENICO 

1457 SIENA – CA. 1501/ 1533 

MADONNA AND CHILD WITH TWO ANGELS 

Tempera on panel, gold ground. 

59.3 x 39 cm. 

Important Sienese Renaissance work of museum 

quality - formerly Metropolitan Museum New York on 

loan, from the collection of George and Florence 

Blumenthal. 

The portrait format panel painting is one of most important 

works by Pietro di Domenico. The master depicts 

densely crowded figures against a tooled gold 

ground. The painting shows the iconography of The 

Nursing Madonna. The Virgin, who is offering her 

breast to the Child, dominates the centre of the painting 

and is depicted in three-quarter length portrait. The 

Virgin is wearing a red dress and a still easily recognizable 

dark green cloak. She is turned slightly to the left 

looking at her Child, which is in turn holding his mother’s 

gaze. Both hands of the boy are folded around his 

mother’s wrist while she is supporting the seated 

Child in an upright position. The figures’ gaze and their 

body and hand postures suggest their close bond, a 

mature composition for this artist and also for its time. 

The two angels in the background are deliberately 

kept at a distance to this intimate scene: only the angel 

on the left attentively glances over the shoulder of 

the Virgin towards the Child, while the gaze of angel 

on the opposite side is slightly lost and outwards, towards 

the viewer as an inviting gesture for adoration. 

This emphasises the painting’s purpose as a devotional 

picture. Characteristically both angels are also holding 

their hands in a gesture of prayer with only their 

fingertips touching, indicating a type of protective 

shield that enhances the intimate feel of the scene. 

These motifs are absent from other works by the 

master with the same subject, which suggests that 

the painting on offer for sale here is one of his late 

works (see below, Lit.: 2011). 

There are other stylistic features in addition to these 

details, which also indicate the master’s painting technique 

and demonstrate the painting’s high quality. 

Unlike another work by Di Domenico also depicting 

the iconography of The Nursing Madonna, the Child’s 

mouth is not latched onto the Virgin’s breast. This 

leaves room for speculation whether the act of breastfeeding 

is about to start or has been concluded, which 

would give rise to various interpretations. Other elements 

in the detailing also deserve to be appreciated: 

the gold ground in the background of the figures is 

very deliberately painted smoothly as a “sky”, only interrupted 

by the tooled marks of the halos and the 

border along the top edge, while the tooled marks of 

the Virgin’s dress are executed much more finely and 

already suggests a textile structure featuring decorative 

motifs on a magnificent brocade fabric and are, 

besides, in excellent condition and executed to great 

effect. The brocade cushion with open lacing that the 

Child is seated on, is similarly executed. 

While the halos of the youthful angels are engraved 

with rays, the Virgin’s halo is inscribed with capital letters 

“AVE...CELO...”. These letters can be completed to 

read: “AVE REGINA CAELORUM” (Hail, Queen of Heaven). 

This is the first line of the lyrics that are, among 

others, sung after the evening prayer and continue 

“Hail, Queen of the Angels”. This explains the presence 

of the two angels in this context. 

The most closely related painting from the master is 

his The Virgin and Christ Child with Saint Peter and 

Paul (Private collection, formerly Coudert Brothers, 

1888). Unlike the painting on offer for sale in this lot 

the Child is depicted on the Virgin’s breast in that version. 

Furthermore the depiction of the Child takes up 

a much smaller space, which is in line with previous 

tradition, while “our” devotional picture also emphasizes 

the Christ Child, which in turn suggests a more 

mature period of creation at the height of di Domenicos 

creative work. 

There are two known signed works by Pietro di Domenico, 

The Manger with Saint Martin and Saint Galgano 

(Pinakoteca Nazionale, Siena), and Madonna with 

Christ Child with Saint Jerome and Saint John the 

Baptist (City Art Gallery, York). The painting on offer for 

sale in this lot also ranks highly among the few known 

works by the master. 

Only few facts are known regarding the artist’s biography, 

training and career. His date of death, for instance, 

is debated and estimated in a period between 

1501 and 1533. 1501 is the most probable date as a 

“Pietro di Domenico Dipintore” was accepted into the 

“Confraternità di San Girolamo” in 1497 and is listed 

as deceased in 1501. It is generally assumed that our 

master initially trained in Siena with Benvenuto di Giovanni 

(1436-ca. 1518). Furthermore the painting on offer 

for sale here also shows influences by Francesco di 

Giorgio and Matteo di Giovanni for the first time. 

The panel painting is in very good condition consistent 

with age. Only a few millimetres of the top edge were 

cut at a very early age, several narrow cracks only visible 

on the reverse, and unnoticeable at the front due 

to restoration. The panel has been sanded at an early 

date to avoid warping and two transverse parquetting 

slats and bordering slats are attached. Restored. (†) 

Provenance: 

Between 1905 to at least 1909 Collection of Conte 

Giulio Sterbini, Rome. 

Then probably Sangiorgi, Rome. 

Until 1911: George and Florence Blumenthal, New 

York. 

In 1911 the painting was given on loan to the Metropolitan 

Museum of Art, New York (inv. no. 41.190.22). 

In 2015 the painting was sold at Sotheby’s, New York. 

Then private collection, Switzerland. 

Documentation and bibliographical references: 

The painting on offer for sale in this lot features 

extensive documentation due to its prominent provenance. 

Illustrated in the following publications: 

S. Rubinstein-Bloch, Gemälde – Frühe Schulen, 

catalogue of the collection of George and Florence 

Blumenthal, vol. I, Paris 1926, ill. plate XXXIII. 

A. Lusini und P. Misciattelli, La donna senese del 

Rinascimento, Anno II., Fasc. IV, in: LA DIANA, 2, 

no. 4, 1927. With ill. p. 233. There owner reference: 

New York – Raccolta Blumenthal. 

F. Zeri and E.E. Gardner, Italienische Malerei, Ein 

Katalog der Sammlung des Metropolitan Museum 

of Art. Sienesische und Mittelitalienische Schulen, 

New York 1980, p. 65, full-page illustration, plate 73. 


Museum of Art, New York 1995, A Summary Catalogue, 

vol. I, with ill. p. 65. 

Further documentation and comparative literature: 

B.B. Fredericksen and F. Zeri, Volkszählung italienischer 

Gemälde aus dem 19. Jahrhundert in den öffentlichen 

Sammlungen Nordamerikas, Cambridge, Mass. 1972, 

pp. 165, 347, 608. 


Museum of Art, New York 1980, vol. I, p. 142. 

K. Christiansen , L. B. Kanter, C. Brandon-Strehkle, 

Gemälde in der Renaissance Siena 1420-1500, exhibition 

catalogue, New York 1988, p. 345. 

M. S. Frinta. Punched Decoration on Late Medieval 

Panel and Miniature Painting, 1998, part 1, p. 473, 

with ill. of the tooling. 

A. Rauch, “Malerei der Frührenaissance (Florence 

and Siena)”, in: Renaissance, Kunst und Architektur 

des 15. und 16. Jahrhunderts in Europa, Parragon 

publisher 2011. 

€ 80.000 - € 120.000 

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25

139 

OBERRHEINISCHER MEISTER 

VON GEBWEILER/ GUEBWILLER, 

TÄTIG UM 1490 

JESUS AM ÖLBERG 

Öl/ Tempera auf Holz. 

39,1 x 28,2 cm. 

In grünem Rahmen mit goldfarbenem Innenrand. 

Beigegeben sind Gutachten von Prof. Otto Fischer, 

Kunstmuseum Basel, 7. 12. 1936 sowie vom Archiv 

Ludwig Meyer, München, 2012 und René Miller, Paris 

2019. 

Die Szene illustriert eine Station des Leidensweges 

Christi, nach dem Evangelium des Lukas (22,39-46). 

Jesus ist hier im Gebet kniend nach rechts dargestellt, 

vor einem Felsen, über dem eine Engelsgestalt erscheint, 

die ihm einen Kelch reicht. Dieses Detail bezieht 

sich auf den Text, demgemäß Jesus spricht „Lass 

den Kelch an mir vorübergehen“. Die Jesusgestalt ist 

im Bild erhöht gezeigt, nicht nur im Sinne einer Bedeutungsbetonung, 

sondern auch, um die schlafenden 

Jünger dem Betrachter näher zu bringen. Am 

rechten Bildrand erscheinen aus dem Hintergrund bereits 

die Häscher, angeführt von Judas. 

Wie häufig in der Tafelmalerei der Zeit, hat sich auch 

dieser Meister an einem damals im Kupferstich verbreitetem 

Motiv orientiert. Es findet sich im Stichwerk 

des Martin Schon gauer (Colmar 1445/50-1491 Breisach 

am Rhein) mit demselben Titel. Das von 

Schongauer gemalte Tafelbild war dem Meister des 

vorliegenden Werkes sicher noch nicht bekannt, weswegen 

er sich nach einem Stich bei der Farbwahl auf 

sich selbst stellen musste. Für das Kleid Jesu hat er 

ein Violett-Braun gewählt, bei den Jüngern dominieren 

die Farben Rot und Grün, allerdings hat er diese 

Kleiderfarben dem liegenden Petrus gegeben, anstatt 

dem mit einem Buch sitzenden Evangelisten Johannes. 

Auch die Detailformen, vor allem die Gesichter 

unterscheiden sich von der Stichvorlage erheblich. Die 

liegende Petrusgestalt hält kein Schwert, die Gesichter 

sind weit rundlicher gezeigt, wie ebenso die Felsen 

weniger gratige Kanten aufweisen, was dem Gemälde 

einen einheitlichen, für eine Künstlerhandschrift 

typischen Ausdruck verleiht. So präsentiert sich das 

Tafelbild als typisches Werk der Elsässer Kunst des 

ausgehenden 15. Jahrhunderts. Gemälde des genannten 

oberrheinischen Meisters, der vermutlich bei dem 

„Meister der Passion von Karlsruhe“ gelernt hat, sind 

äußerst selten. Der Einfluss dieses Straßburger Meisters, 

der um 1430/ 50 tätig war, ist jedenfalls spürbar. 

Gegenüber der Stichvorlage von Schongauer zeigt 

sich das Tafelbild bereits in modernerer Erscheinung. 

A.R. (†) 

MASTER OF THE GEBWEILER ALTAR WINGS 

FROM THE UPPER RHINE REGION, 

ACTIVE CA. 1490 

CHRIST ON THE MOUNT OF OLIVES 

Oil/tempera on panel. 

39.1 x 28.2 cm. 

In green frame with gilt inner edge. 

Accompanied by expert’s reports by Professor Otto 

Fischer, Kunstmuseum Basel, 7.12.1936 as well as 

by Archiv Ludwig Meyer, Munich, 2012 and by René 

Miller, Paris 2019. 

This scene illustrates one of the stations of the Passion 

of Christ after the Gospel according to Luke 

(22:39-46). Christ is depicted kneeling in prayer to the 

right, in front of a rock surmounted by an angel handing 

him a chalice. This is a typical example of late 15th 

century Alsatian art. Paintings by the above mentioned 

master from the Upper Rhine region are very rare. He 

was a student of the “Master of the Karlsruhe Passion”, 

a master painter from Strasbourg, active ca. 

1430/50 and his influence is noticeable here. In comparison 

with the engraving template by Schongauer, 

the panel painting already shows a more modern 

appearance. (†) 

Provenance: 

Fritz Stöcklin collection, art trade. Basel 1936-1946. 

Dr Georg Heinrich Thommen collection, Bern. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

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Provenienz: 

Sammlung Fritz Stöcklin, Kunsthandel, Basel 1936-1946. 

Sammlung Dr. Georg Heinrich Thommen, Bern. 

(1241749) (18) 



27

140 

WILLEM BENSON, 

1521/22 BRÜGGE – UM 1574 MIDDELBURG 

MARIA LACTANS 

Öl auf Eichenholz. Parkettiert. 

66 x 49,5 cm. 

Ungerahmt. 

Beiliegend eine Expertise von Dr. Jaco Rutgers vom 

24. Juni 2019 in Kopie, die die herausragende Qualität 

des Gemäldes hervorhebt. 

Dendrochronologische Untersuchung von Prof. Dr. 

Peter Klein vom 12. Juli 2018; Bestätigung der hier zu 

veranschlagenden Entstehungszeit um 1555. 

Über das Gesamtœuvre des Meisters ist bisher noch 

wenig bekannt. Als Sohn des Ambrosius Benson (um 

1495-1550) und aufgrund der 1957 erschienenen Monographie 

des Vaters durch Georges Marlier wurde 

auch Einsicht in das Œuvre des Sohnes Wilhelm gewonnen. 

Für die Zuordnung zum Werk des Meisters 

wäre ein Gemälde heranzuziehen, das sich in der 

Royal Collection im Hampton Court Palace in London 

befindet („Geburt Christi“, 1574, Öl auf Holz, 

35,8 x 28,9 cm, Inventarnummer „RON405785“), dort 

mit „GB“ monogrammiert (Guglielmo Benson). Das 

Gemälde wurde 1989 im Memling Museum in Brügge 

ausgestellt. Ein weiteres Gemälde „Maria mit dem 

Kind“, das 2014 bei Sotheby‘s verauktioniert wurde, 

steht tatsächlich mit dem uns vorliegendem Gemälde 

in engster Beziehung, was die Zuweisung erheblich 

bestätigt. 

WILLEM BENSON, 

1521/22 BRUGES – CA. 1574 MIDDELBURG 

MARIA LACTANS 

Oil on oak panel. Parquetted. 

66 x 49.5 cm. 

Unframed. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Jaco Rutgers, 

dated 24 June 2019, in copy, highlighting the painting’s 

outstanding quality. 

Dendrochronological report by Professor Dr Peter Klein 

dated 12 July 2018, confirming of the time of creation 

around 1555. 

Executed in fine painting, bringing out the painting’s 

elegance and aesthetics. 

€ 80.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Ausgeführt in betonter Feinmalerei, die Eleganz und 

Ästhetik der Darstellung zur Geltung bringend. Maria 

im Halbbildnis nach links wiedergegeben, vor ihr, auf 

einem Tuch, das halbaufrecht sitzende Jesuskind, dem 

die Brust gereicht wird, das jedoch seinerseits einen 

Apfel mit der rechten Hand hält, in abdeckender Geste. 

Dieser Bildinhalt muss als theologische Aussage verstanden 

werden: Die Frucht des Paradiesbaums als 

Zeichen der Erbsünde wird durch Jesus überwunden. 

Die Zartfarbigkeit des Inkarnats, das etwa im zarten 

Seidenkleid des Kindes durchscheint, ist hier in eine 

bewusst kräftige Kontrastierung der beiden Komplementärfarben 

Rot und Grün gegeben, wodurch Maria 

und Kind als Einheit vor dem dunklen grünen Hintergrund 

zusammengefasst werden. Mit noch allseitig 

erhaltenem Malrändchen, das die Unversehrtheit der 

Platte beweist. (1201841) (1) (11) 


141 

GIULIO CESARE PROCACCINI, 

1574 BOLOGNA – 1625 MAILAND, ZUG. 

Der Maler war Sohn des ebenfalls im Stil des Manierismus 

arbeitenden Ercole Procaccini d.Ä. (1515-1595) 

und Bruder des Camillo Procaccini (1561-1629) sowie 

des Carlantonio Porcaccini (um 1555-um 1605). Sein 

Stil zeigt sowohl den Manierismus Bolognas als auch 

den Kolorismus der Venezianischen Schule am Beginn 

der Barock-Epoche. 

MARIA MIT DEM KIND UND DEM HEILIGEN 

ANTONIUS 

Öl auf Leinwand. 

93,5 x 78,5 cm. 

GIULIO CESARE PROCACCINI, 

1574 BOLOGNA – 1625 MILAN, ATTRIBUTED 

THE VIRGIN AND CHILD WITH SAINT ANTHONY 

Oil on canvas. 

93.5 x 78.5 cm. 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Das Gemälde, wohl als Andachtsbild oder Altarblatt 

geschaffen, zeigt die drei Figuren nahezu in Lebensgröße. 

Der Bedeutung gemäß nimmt das Jesuskind 

die Mitte der Komposition ein, mit einem Knie auf dem 

Schoß der jugendlich wiedergegebenen Maria, in aufrechter 

Haltung, der linke Fuß nach unten abgewinkelt. 

Das Kind wird von beiden Händen der Mutter gehalten, 

während es mit dem linken Händchen an den Gewandsaum 

Mariens greift, gleichzeitig mit lächelnden 

Augen nach rechts außen blickend. Maria hat sich in 

leicht vorgeneigter Haltung dem Kind zugewandt, die 

halbgeschlossenen Augenlider verraten den jedoch 

nachdenklichen Blick. Von rechts ist der jugendliche 

Heilige Antonius herangetreten im Klosterhabit, das 

hier farbkompositionsgemäß jedoch leicht ins Türkis- 

Grün changiert. In der linken Hand hält er ein Buch, als 

besonderes Merkmal ist der Haarwirbel oberhalb der 

Stirn zu sehen. Die Hauptfarben des Bildes werden 

durch die Bekleidung der Maria bestimmt, aufleuchtend 

das nahezu in sich durchscheinende helle Rot 

des Kleides, ein typisches Merkmal des Manierismus 

ebenso wie das leuchtende Blau im Umhang. Diesen 

Farben gegenüber sind die Inkarnattöne ebenso weich 

modelliert, wie die Konturen, die hier in einem feinen 

Sfumato wiedergegeben sind, was als typisches stilistisches 

Merkmal für den Maler gilt. Insgesamt herrscht 

eine erkennbare Weichheit in der Gesamtgestaltung 

der Figuren vor; als manieristisches Element darf hier 

auch die leicht gedrehte Haltung des Kindes zu nennen 

sein sowie die schräge Wiedergabe des Oberkörpers 

des Heiligen Antonius aus dem Hintergrund. Im Werk 

des Künstlers verbindet sich der venezianische Kolorismus 

mit dem Manierismus Bolognas, was auch im 

vorliegenden Gemälde in höchster Qualität zum Ausdruck 

kommt. (1240243) (3) (11) 



31

142 

MALER DER TOSKANISCHEN SCHULE 

DES 16. JAHRHUNDERTS 

MADONNA MIT DEM JESUSKNABEN 

UND JOHANNES DEM TÄUFER 

Öl auf Holz. 

72 x 50 cm. 

Vor dunklem Hintergrund das Halbbildnis der Maria in 

rotem Gewand und blauem Mantelüberwurf, fein frisiertem 

Haar mit durchsichtigem Schleier und einem 

Nimbus um ihr Haupt. Sie hält in einem weißen Laken 

den aufrecht sitzenden, blondgelockten Jesusknaben, 

der seinen rechten Arm erhoben hat und mit seiner 

linken Hand den schmalen Kreuzstab des Johannes 

umfasst, der am linken Bildrand steht, gekleidet in ein 

Fellgewand. Jesus strahlt mit seinen hellblauen Augen 

den Johannes an, der seinen Blick erwidert. Auch die 

Gottesmutter hat ihren Kopf leicht gesenkt und betrachtet 

die beiden. Im Hintergrund rechts ist Josef mit 

faltigem Gesicht und Vollbart zu erkennen. Malerei mit 

feiner weicher Physiognomie der Gesichter bei starkem 

Hell-Dunkel- Kontrast. Wenige kleine Retuschen. 

(1240333) (3) (18) 

TUSCAN SCHOOL, 

16TH CENTURY 

MADONNA WITH CHRIST CHILD 

AND SAINT JOHN THE BAPTIST 

Oil on panel. 

72 x 50 cm. 

€ 18.000 - € 22.000 

Sistrix 

INFO | BID 


143 

FRANÇOIS CLOUET, 

1522 – 1572, KREIS DES 

AMME, EIN NEUGEBORENES 

(ALEXANDRE DE VENDÔME?) NÄHREND 

Öl auf Pergament oder Papier. Montiert auf Karton. 

40,5 x 30 cm. 

Rückwärtig bezeichnet „Grand prieur de Vendôme 2e 

F de Gabrielle d‘Estrées“. 

In vergoldetem profilierten Rahmen mit Tondozwickeln 

und polychromen vegetabilen Ornamentranken. 

Als Hüftstück vor dunklem Hintergrund wird uns, hell 

erleuchtet, eine junge Frau vorgeführt, welche im Begriff 

ist, den Inhalt ihrer prall gefüllten Brust an das Neugeborene 

in ihren Händen zu geben. Eine Mutter oder 

eine Amme? Der Vergleich mit Clouets Gemälde „La 

Dame au bain“ in der National Gallery in Washingten, 

welches auf ca. 1571 datiert wird, hilft bei der Aufschlüsselung 

der Szene, denn dort ist die Amme eingebettet 

in den Hintergrund (1961.9.13, Samuel H. 

Kress Collection). Was die Zuordnung des Washingtoner 

Bildes angeht, ist sich die Forschung uneins, ob 

es sich um eine Venusdarstellung in zeitgenössischem 

Umfeld oder gar um eine Mätresse vom königlichen 

Hofe gehandelt haben könnte (etwa Gabrielle 

d‘Estrées, Mätresse von Henri IV), welche hier im Bade 

dargestellt wird, oder eine Kombination von beidem. (†) 

FRANÇOIS CLOUET, 

1522 – 1572, CIRCLE OF 

WET NURSE FEEDING A NEWBORN 

(ALEXANDRE DE VENDÔME?) 

Oil on parchment or paper, laid on card. 

40.5 x 30 cm. 

Inscribed on the reverse “Grand prieur de Vendôme, 

2e F de Gabrielle d’Estrées”. 

In gilt profiled frame with tondo pendentives and polychrome 

ornamental vines. 

A comparison with Clouets painting A Lady in her 

Bath in the National Gallery in Washington, which 

dates to ca. 1571, helps deciphering the scene as the 

wet nurse is embedded in the background there 

(1961.9.13, Samuel H. Kress Collection). (†) 

Provenance: 

Auction, Versailles, Hôtel Rameau, 08. June 1867, 

Madame Blanche, lot 211, ill., as school of François 

Clouet. 

Riechers collection, Neuilly-sur-Seine. 

€ 70.000 - € 100.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Auktion, Versailles, Hôtel Rameau, 08. Juni 1867, 

Madame Blache, Lot 211, Abb., als Schule des 

François Clouet. 

Sammlung Riechers, Neuilly-sur-Seine. 

(1241747) (13) 



35

144 

OTTO VAN VEEN, 

1556 LEIDEN – 1629 BRÜSSEL, ZUG. 

MUSEALER HAUSALTAR VON 1602 

Öl auf Eichenholz, ebonisiert, beschnitzt 

und teilvergoldet. Verso Festigungsleisten. 

Höhe: 107 cm. 

Breite geschlossen: 86 cm. 

Breite geöffnet: 159 cm. 

Mitteltafel: 74 x 54 cm. 

Seitentafeln: je 65 x 25 cm. 

Der Hausaltar mit nahezu quadratischer Mitteltafel 

und zwei Seitenflügeln ist allein schon aufgrund der 

original Erhaltung der Altarrahmungen von musealer 

Bedeutung, ganz abgesehen von der Malqualität der 

fünf Tafeln. Die Zuweisung an Otto van Veen überzeugt 

aufgrund sowohl der Stilistik als auch im Hinblick 

auf Farbgebung und figürlicher Komposition. Der 

Altar ist der mariologischen Thematik gewidmet und 

weist zwei doppelseitig bemalte Seitenflügel auf. 

In geschlossenem Zustand zeigen die beiden Seitenflügel 

das Verkündigungsthema; links der in Wolken 

erscheinende, stehende Verkündigungsengel. Er hält 

einen Lilienstängel und weist mit dem Zeigefinger 

nach oben, über ihm in einer goldfarbenen Wolkenlichtung 

die Taube. Rechts Maria in ihrem Schlafgemach, 

am Betpult kniend, beide Handflächen geöffnet als 

Geste der Empfängnis. 

Das Mittelbild thematisiert die Krönung Mariens. Demgemäß 

nimmt die Maria – in rotem Kleid mit blauem 

Mantel – die Bildmitte ein, das Knie in demütig leicht 

beugender Haltung. Dies erlaubt, sie in der Bedeutung 

unter Gottvater und Christus zu stellen. Die Krone der 

Himmelskönigin wird von den seitlichen Figuren über 

ihrem Haupt gehalten. Gottvater mit dreistufiger Papsttiara, 

in der Hand der Himmels globus mit Kreuz; 

Christus links ist mit entblößtem Oberkörper gezeigt, 



37

um die Seitenwunde kenntlich zu machen, in seiner 

Rechten das Zepter. Die Figuren trias über einer Wolkenbank 

mit geflügelten Engelsköpfen. Im oberen 

Bildbereich eine sich lichtvoll öffnende Wolke, darin 

die Heiliggeisttaube, umgeben von schwebenden Putten. 

Damit ist das Thema der Trinität zusätzlich ins Bild 

eingeführt. Als eine interessante Zutat ist die Darstellungsweise 

des weit über den Körper der Maria herabwallenden 

Haares zu sehen, dessen Glanzlichter nahezu 

einer goldenen Gloriole gleichen. 

Die linke Flügelinnenseite zeigt die Heilige Helena, 

legendengemäß Mutter Konstantins des Großen, 

jene Königin, die das Kreuz Christi aufgefunden haben 

soll. Hier langgewandet, mit Königskrone, die formal 

mit der Krone Frankreichs in Beziehung steht. 

Im rechten Flügel die Standfigur der Heiligen Barbara. 

Als Attribute die Märtyrerpalme sowie der im Hintergrund 

mächtig hochziehende Turm mit bossiertem 

Rundbogentor, als Verweis darauf, dass sie von ihrem 

Vater vor ihrer Enthauptung in einem Turm eingeschlossen 

worden war. Im rechten Arm hält sie ein 

Buch, ihr goldbraunes Haar mit einem Diadem geschmückt. 

Minimal rest. 

Die Thematik des Altares zeigt, dass es sich um ein 

Werk für einen katholischen Auftraggeber handelt. 

Der o.g. Verweis auf die französische Königskrone in 

der Barbara-Darstellung bestätigt die Annahme des 

Auftrags aus dem franko-flämischem Raum der katholischen 

südlichen Niederlande. 

Van Veen, selbst Spross einer katholischen Adelsfamilie, 

die den spanischen König Philipp II unterstützt hatte, 

wurde nach seiner Rückreise aus Italien in die Niederlande 

Hofmaler des Statthalters in Brüssel, Herzog 

Alessandro Farnese. Der Malstil zeigt sich schon allein 

farblich ganz in einem aus Italien importierten Manierismus. 

Besonders das Rot in den Kleidern erhält hier 

eine ganz neuartige Wirkung, nahezu wie aus sich 

selbst leuchtend, ein Stilmerkmal, das in Italien bereits 

von den Florentiner Manieristen eingesetzt wurde. 

Hier dürfen wir es als ein Ergebnis der Einflüsse 

sehen, die van Veen aus seinem Italienaufenthalt 1576 

mitgenommen hat, auf dem er mit Federico Zuccaro 

(um 1543-1609) und Antonio Tempesta (1555-1630) 

zusammentraf. Dieser Einfluss hat seine ein stige 

Schulung durch Dominicus Lampsonius, einem Schüler 

des Lambert Lombard (1505-1566) völlig überdeckt. 

Dennoch weist das Hausaltarwerk in wenigen 

Partien auch noch Reminiszenzen der gotischen Tradition 

auf, verständlicherweise gerade im Prunkgewand 

Gottvaters. Hier entspricht die Detailgenauigkeit, 

etwa des Brokatstoffes, vergleichsweise der Technik, 

die wir in van Veens Bildnis Albrechts VII von Österreich 

(um 1596) finden. Dieser Auftrag verschaffte ihm 

zudem auch den Rang eines Hofmalers dieses Erzherzogs, 

der Statthalter und Regent und Generalgouverneur 

der Spanischen Niederlande war. 

Diesen Hintergrund muss man verstehen, um sich 

über den einstigen Auftrag und Bestimmungsort des 

kleinen Altares klar zu werden. Die Datierung „1602“ 

hat sich glücklicherweise im Aufsatzgesims der original 

Rahmung erhalten. Dies zeigt, dass der Altar noch 

zwei Jahre nach der Niederlage des Katholiken Albrecht 

von Habsburg gegen Moritz von Oranien, und 

sieben Jahre vor dem Waffenstillstand von 1609, geschaffen 

wurde. Möglicherweise hat eine Entfernung 

und damit Sicherung den Altar während der Wirren 

der Religionskriege bewahrt. 

Dieser Stilperiode entsprechend sehen wir hier eine 

Reduktion auf die Farben Schwarz, für die Rahmungen 

selbst, und Gold für die Profile, vor allem aber für 

die Dekorreliefs in den seitlichen Lisenen, mit Hängeblüten 

und Früchten, ganz in der ebenfalls aus Italien 

übernommenen Frührenaissance. Der Früchtedekor 

im Aufsatz sowie die Rollwerkkartusche mit Datierung 

zeigen bereits den beginnenden Frühbrock. 

In dieser original Geschlossenheit und gänzlich guten 

Erhaltung kann der Altar, wohl ehemals Ausstattung 

einer höfischen Hauskapelle, als wertvolles museales 

Dokument seiner Zeit gesehen werden, ganz unabhängig 

davon, inwieweit hier eine Werkstattbeteiligung 

zu konstatieren ist. A.R. (12414111) (11) 

OTTO VAN VEEN, 

1556 LEIDEN – 1629 BRUSSELS, ATTRIBUTED 

HOUSE ALTAR DATED 1602 OF MUSEUM-QUALITY 

Oil on oak panel, ebonized, carved and parcel-gilt. 

Verso parquetting slats. 

Height: 107 cm. 

Width closed: 86 cm. 

Width open: 159 cm. 

Central panel: 74 x 54 cm. 

Side panels: 65 x 25 cm each. 

The altar’s date “1602” has fortunately been preserved 

within the moulding of the original frame. This 

shows that it was created two years after the defeat 

of the catholic King Albert I of Habsburg against Maurice, 

Prince of Orange and seven years prior to the 

ceasefire of 1609. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 



145 

FRANCESCO ZUGNO, 

1709 VENEDIG – 1787 

MARIA MIT DEM AUF STROH LIEGENDEN KIND 


67 x 53 cm. 

Der venezianische Malstil sowie der Einfluss Giovanni 

Battista Tiepolos (1696-1770) ist dem Gemälde augenblicklich 

anzumerken. Dies nicht von ungefähr, denn 

Zugno, Nachfolger einer alten venezianischen Künstlerfamilie, 

war in den Jahren 1730-1737 Schüler Tiepolos 

und in dessen Werkstatt auch Mitarbeiter etwa an 

den Fresken des Palazzo Labia in Venedig. Letztlich 

wurde er auch Mitbegründer der Accademia der Lagunenstadt. 

Dennoch konnte er sich von einer kopistischen 

Stilistik nach Tiepolo frei halten. Die meisten 

seiner Werke sind farbkräftiger als die seines Lehrers, 

was auch in dem vorliegenden Bild zum Ausdruck 

kommt. Maria ist im Halbbild gezeigt, in schräger Haltung 

hat sie sich über das Kind nach vorne gebeugt, 

die linke Handfläche achtsam offen gehalten. Die Beleuchtung 

zielt ganz auf das im Arm der Mutter halbaufrecht 

liegende Kind, das die linke Hand erhoben 

hält und in unbestimmte Ferne nach rechts blickt. Unter 

dem Leinentuch des Kindes und der Hand Mariens 

ist die Strohlage der Krippe zu sehen, was auf das 

Geburtsthema in Bethlehem verweist. Dahinter ragt 

eine Rundsäule auf, in der Barock-Malerei ganz allgemein 

als Symbol der künftigen Weltherrschaft 

Christi zu deuten. Im Gegensatz zum Kind ist die Beleuchtung 

der Maria bewusst zurückgenommen, das 

Gesicht gerahmt vom helleren Tuch unter blauem 

Mantel, der über das Rot des Kleides gelegt ist. 

Kompositionell sind hier Mutter und Kind zu einer gestalterischen 

Einheit verschmolzen, was dem Gemälde 

eine harmonische Abrundung verleiht und auch bei 

weiteren Werken Zugnos zu beobachten ist. Nicht selten 

wurden Werke Zugnos seinem Lehrer Tiepolo zugewiesen. 

Das Gemälde dürfte in den Jahren um 1740 

entstanden sein. 

Literatur: 

Eric, Humbert-Zugno, La ricerca di Francesco Zugno 

(1709-1787), pittore della cerchia di Tiepolo, Istituto 

di Storia dell'Arte, Universität Strasburg, 1998. 

(1241792) (11) 

€ 5.500 - € 7.000 

Sistrix 

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41

146 

ANTONIO ALLEGRI CORREGGIO, 

UM 1484 – 1534, ZUG. 

JOHANNES FLIEHT VOR DER VERHAFTUNG 

CHRISTI AM ÖLBERG 

Öl auf Holz. 

60,5 x 46,4 cm. 

In dekorativem Rahmen. 

Das Gemälde zeigt eine ungewöhnliche Darstellung 

aus dem Leben Christi: Nicht die sonst übliche Szene 

am Ölberg mit dem Verrat des Judas durch einen Kuss 

wird in den Mittelpunkt gestellt, vielmehr ist diese im 

rechten Hintergrund zu erkennen. Im Zentrum eine 

Darstellung nach der Erzählung des Evangelisten Markus: 

Dieser gemäß folgte Christus ein junger Mann, 

der über seinem nackten Körper nur ein Leinentuch 

trug; als die Soldaten ihn festhalten wollten, ließ er 

das Leinentuch los und floh nackt vor ihnen. Der Fliehende 

wird als Johannes der Evangelist identifiziert. 

Das Bild zeigt vor nächtlichem Himmel am Ölberg den 

jungen nackten Körper des Flüchtenden in feinem Inkarnat, 

der ein langes rotes Tuch hinter seinem Rücken 

hält, das er bereit ist, jeden Moment loszulassen; dieses 

Tuch ist bereits von einem behelmten Soldaten 

mit Harnisch in bewegtem Gestus und entschlossenem 

Gesichtsausdruck ergriffen worden. Holzplatte 

leicht gewölbt, Retuschen, rest. und konserviert. 

Provenienz: 

David S. Rothschild, Manchester, England (listed 

as Correggio). 

Baron Alexander von Frey, Paris 1926 (listed as 

Correggio). 

Sammlung Dr. Hugo-Daniel und Elisabeth Andriesse, 

Brüssel/ Amsterdam 1936 (jüdische Fabrikanten). 

Leihgabe an die Königliche Gemäldegalerie, Brüssel 

1937. 

Konfisziert vom ERR Rosenberg 1938, für das von 

Hitler geplante Museum in Linz. 

Restituiert an die Familie Elisabeth Andriesse, 1948, 

nach USA, New York. 

Versteigert im Auftrag von Elisabeth Andriesse bei 

Sotheby‘s New York, 24. Februar 1949, Lot 65, Abb. 

S. 35 (listed as Correggio: The Fleeing Youth (La 

Cattura di Christo)); mit Expertisen von Dr. Georg 

Gronau und Dr. Herman Voss. 

Ersteigert von Frederick W. Schuhmacher, Columbus, 

Ohio (Besitzer eines Pharma-Konzerns und Goldminen). 

Leihgabe und Schenkung an das Kunstmuseum 

Columbus, Ohio. 

Verkauft durch das Museum, von Angehörigem 

des jetzigen Besitzers erworben. 

Anmerkung: 

Ein vergleichbares Gemälde „Johannes flieht vor der 

Verhaftung Christi“, Öl auf Leinwand, aus der Zeit um 

1522, befindet sich in der Galleria nazionale di Parma 

und ist eine Kopie, wahrscheinlich eines emilianischen 

Künstlers, eines verlorenen Originals von Correggio. 

Literatur: 

William R. Valentiner mit Unterstützung von Paul 

Wescher, The Frederick W. Schumacher Collection, 

Columbus, Ohio 1955, S. 126-128 inkl. Abb., als 

Antonio Allegri genannt Correggio, The Fleeing Youth 

on the Mount of Olives. 

Roger Phillips, The Frederick W. Schumacher Collection, 

Columbus Gallery of fine Arts Columbus, 

Ohio 1976, S. 144-147 inkl. Abb., als Correggio (zug.), 

Saint John Fleeing from the Capture of Christ, ca. 

1520-25, Oil on wood panel (59,7 x 46,4 cm). 

Cecil Gould, The paintings of Correggio, London 

1977, S. 286-287. 

Ausstellungen: 

Parma, Italy, Palazzo della Pilotta, Mostra del Correggio, 

21 April - 28 October, 1935, Katalognr. 48. 

Ohio, Columbus Museum of Art, the Renaissance of 

Man and the World, 27 October - 27 November 1961, 

Katalognr. 13 (als Leihgabe). (1240212) (18) 

Ohio, Columbus Museum of Art, 1961, Leihgabe/ 

on loan. 


In der Literatur abgebildet und beschrieben. 

ANTONIO ALLEGRI CORREGGIO, 

CA. 1484 – 1534, ATTRIBUTED 

THE FLEEING YOUTH ON THE MOUNT OF OLIVES 

Oil on panel. 

60.5 x 46.4 cm. 

In decorative frame. 

Provenance: 

David S. Rothschild, Manchester, England (listed 

as Correggio). 

Baron Alexander von Frey, Paris 1926 (listed as 

Correggio). 

Dr Hugo-Daniel and Elisabeth Andriesse collection, 

Brussels/ Amsterdam 1936 (Jewish industrialist 

family). 

Loan to Royal Museums of Fine Arts of Belgium, 

Brussels 1937. 

Confiscated by ERR Rosenberg 1938 for a museum 

planned by Hitler in Linz. 

Restored to the family of Elisabeth Andriesse in 1948 

to the USA, New York. 

Sold at auction on behalf Elisabeth Andriesse at 

Sotheby’s New York, 24. February 1949, lot 65, ill. p.35 

(listed as Correggio: The Fleeing Youth (La Cattura di 

Christo)); with expert’s reports by Dr Georg Gronau 

and Dr Herman Voss. 

Bought at auction by Frederick W. Schuhmacher, 

Columbus, Ohio (owner of a pharmaceutical company 

and gold mines). 

On loan and gifted to the Columbus Museum of 

Art, Ohio. 

Sold by the Museum, and purchased from there 

by the current owners. 

Literature: 

The Frederick W. Schumacher Collection, catalogued 

by William R. Valentiner with the assistance of Paul 

Wescher, Columbus , Ohio 1955. pp. 126-128 incl. 

ill., as Antonio Allegri called Correggio, The Fleeing 

Youth on the Mount of Olives. 

Roger Phillips, The Frederick W. Schumacher Collection, 

the Columbus Gallery of fine Arts, Columbus, 

Ohio 1976, pp. 144-147 incl. ill., as Correggio (attributed), 

Saint John Fleeing from the Capture of Christ, 

ca. 1520-25. Oil on wood panel (59.7 x 46.4 cm). 

C. Gould, The paintings of Correggio, London 1977, 

pp. 286 - 287. 

Exhibitions: 

Parma, Italy, Palazzo della Pilotta, Mostra del Correggio, 

21 April - 28 October, 1935, cat. no. 48. 

Ohio, Columbus Museum of Art, the Renaissance 

of Man and the World, 27 October - 27 November 

1961, cat. no. 13 (on loan). 

€ 30.000 - € 60.000 

Sistrix 

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147 

FRANCESCO DEL CAIRO, 

1607 MAILAND – 1665, ZUG. 

Der Maler, ein Schüler des Kreises von Pier Francesco 

Morazzone (1571/73-1626), wurde als Mitarbeiter der 

Ausgestaltung der Certosa di Pavia bekannt und bereits 

1633 Hofmaler in Turin unter Vittorio Amadeo von 

Savoyen (1587-1637). In Rom begegnete er den Werken 

von Pietro da Cortona (1596-1669), Guido Reni 

(1575-1642) und den Caravaggisten, welche seinen 

Malstil wesentlich prägten. 

RUHE AUF DER FLUCHT NACH ÄGYPTEN 

Öl auf Leinwand. Doubliert. 

180 x 119 cm. 

In vergoldetem, stuckiertem und geschnitztem 

Rahmen. 

Eine alternative Zuschreibung an Stefano Magnasco 

(um 1635-1674) mit einem Entstehungszeitraum von 

1650-1670 ist ebenfalls möglich. 

Darstellung der auf einem Kissen sitzenden Maria mit 

blauem Umhang, ihre Rechte hält die Hand des Jesuskindes, 

welches unter ihrem Gesicht gleichsam Schutz 

sucht und mit seiner linken Hand das Gesicht der Maria 

berührt. Umliegende Vegetation mit Janusgesichtsstatue 

und sie überfangenden Amoretten. 

FRANCESCO DEL CAIRO, 

1607 MILAN – 1665, ATTRIBUTED 

REST ON THE FLIGHT INTO EGYPT 

Oil on canvas. Relined. 

180 x 119 cm. 

In gilt, stuccoed and carved frame. 

An alternative attribution to Stefano Magnasco (ca. 

1635 -1674) with creation date 1650-1670 is also 

possible. 

Notes: 

A smaller painting measuring 48.5 x 38 cm was 

offered for sale at Sotheby’s in 1990 and is listed 

with no. “60157” at the Fototeca Zeri, Auction 12 

December 1990, Sotheby’s, London, lot 64. 

Provenance: 

Private collection, Genoa. 

€ 60.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Ein kleineres Gemälde mit den Maßen 48,5 x 38 cm 

wurde 1990 bei Sotheby‘s angeboten und wird unter 

der Nummer „60157“ bei der Fototeca Zeri geführt, 

Auktion 12. Dezember 1990, Sotheby‘s, London, Lot 

64. 

Provenienz: 

Privatsammlung Genua. (1241222) (2) (13) 


45


148 

LORENZO DE CARO, 

UM 1700 NEAPEL – UM 1765 

In Neapel zwischen 1740 und 1761 nachweisbar tätig. 

Werke seiner Hand in mehreren Kirchen Neapels. 

DIE HEILIGE ANNA MIT DEM JESUSKIND 


129 x 181 cm. 

Rechts unten signiert „DCaro“. 


Das figurenreiche Gemälde bei abendlichem dunkelblauem 

Himmel zeigt im Mittelpunkt die sitzende alte 

Anna, die Mutter Mariens, in blauem Gewand und beiger 

Kopfbedeckung, den auf ihrem Schoß auf einem 

weißen Laken sitzenden nackten Jesusknaben mit 

ihrer linken Hand haltend. Sie hat graue Haare, ein 

faltiges Gesicht, dessen linke Seite verschattet ist und 

blickt freudig erzählend auf das sie ebenfalls anblickende 

Kind; dabei hat sie ihre rechte Hand nach unten 

ausgestreckt und weist Jesus auf seinen Großvater 

Joachim hin, der in seinen Händen ein Lamm hält. Alle 

drei sind mit einem Nimbus umgeben. Links von Anna 

ist Josef zu erkennen, der seinen rechten Arm auf ein 

Podest gestützt hat und mit seinem Kopf auf seiner 

Hand ruht. Hinter ihm eine Wand und in der Ferne ein 

Gebäude mit Galerie und Figuren. Rechts von Anna 

steht die junge Maria, die eine Hand auf ihre Brust 

gelegt hat, während die andere Hand auf dem vor ihr 

stehenden Johannesknaben mit Fellgewand, rotem 

Umhand und Kreuzstab mit Rotulus ruht. Dieser schaut 

als Einziger der Dargestellten mit geröteten Wangen 

verschmitzt aus dem Bild hinaus. Im oberen rechten 

Hintergrund vor gelblichem Lichtschein mehrere geflügelte 

Puttiköpfe. Qualitätvolle Malerei, die hier das 

Familienleben Jesu mit den Eltern Mariens in den Vordergrund 

stellt. Retuschen. (1240083) (18) 

LORENZO DE CARO, 

CA. 1700 NAPLES – CA. 1765 

Active in Naples between 1740 and 1761. His works 

can be found in several churches of Naples. 

SAINT ANNE AND THE CHRIST CHILD 


129 x 181 cm. 

Signed “DCaro” lower right. 


With retouching. 

€ 28.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BID 


149 

JUSEPE DE RIBERA, 

GENANNT „LO SPAGNOLETTO“, 

1588/91 JÀTIVA/ VALENCIA – 1652 NEAPEL 

Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco 

Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er 

sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und 

Agostinos (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560- 

1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen 

von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später 

stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo 

Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner 

Bilder erhob ihn zum Hofmaler des Herzogs von Osuna 

wie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde er 

zum Ritter des Christusordens durch den Papst. 1630 

war er bereits Mitglied der Accademia di San Luca in 

Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste 

Natu ralist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung 

des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens 

ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, 

asketisch knochig schlanken Gestalten wie Einsiedlern 

oder Philosophen. 

DIE BÜSSENDE MARIA MAGDALENA 

IN DER WÜSTE 


200 x 150 cm. 

In vergoldetem Profilrahmen. 


ALSO KNOWN AS “LO SPAGNOLETTO”, 

1588/91 JÀTIVA/ VALENCIA – 1652 NAPLES 

THE PENITENT MARY MAGDALENE 

IN THE DESERT 


200 x 150 cm. 

In profiled gilt frame. 

An expert’s report by Nicola Spinosa, Naples, 24 January 

2020, is enclosed. 

Literature: 

Compare Nicola Spinosa, Ribera. La obra completa, 

Fundación Arte Hispanico, Madrid 2008, p. 450, A301 

and 302. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Beigegeben eine Expertise von Nicola Spinosa, Neapel, 

24. Januar 2020. 

Die nach links an einem Felsen kniende Maria Magdalena 

mit kupferfarbenem Haar, welches sich zusammen 

mit der silbernen, eng anliegenden Gewandung 

und dem hellen Inkarnat von dem Dunkel der hinten 

abschließenden Landschaft kontrastiert. Vor ihr ein 

menschlicher Schädel, an welchem ein geöffnetes 

Buch lehnt. Zu ihren Knien ein gläsernes Salbgefäß. 

Bei dem vorliegenden großformatigen Werk handelt 

es sich um ein Gemälde, welches der hispanostämmige 

Ribera in seiner Reifephase anfertigte, nämlich 

ca. um 1640. Bereits als junger Mann war er 1608- 

1609 in Rom tätig, wo er vor allem unter dem Einfluss 

Caravaggios stand, bevor er sich 1616 endgültig in 

Neapel niederließ. Die vorliegende Magdalena ist besonders 

gut vergleichbar mit Riberas „Heiliger Agnes“ 

in Dresden und der „Maria im Gebet und Meditation“, 

welche sich bei Caylus in Madrid befand. Bei beiden 

Gemälden und auch bei dem hier angebotenen, scheint 

Ribera das gleiche weibliche Modell genutzt zu haben; 

jung, mit kupferfarbenem Haar. Manche habe diese 

als Tochter Riberas identifiziert. Für alle drei Gemälde 

gilt auch, dass sie unter dem Einfluss der großen Unbefleckten 

Empfängnis für den Hauptaltar der unbeschuhten 

Karmelitinnen in Salamanca entstanden sind. 

Literatur: 

Vgl. Nicola Spinosa, Ribera. La obra completa, Fundación 

Arte Hispanico, Madrid 2008, S. 450, A301 und 

302. (1240593) (13) 


150 

FRANCISCO DE ZURBARAN, 

1598 FUENTE DE CANTOS – 1664 MADRID, ZUG. 

ANBETUNG DER HIRTEN 


103,5 x 123 cm. 

In teilvergoldetem Barockrahmen (besch.). 

Obwohl er nicht die von der Malerzunft Sevillas geforderte 

Prüfung abgelegt hatte, ließ sich Zurbarán 1617 

als Maler geistlicher Motive in Llerena, einer bedeutenden 

Stadt in der Extramadura, nieder. Im Alter von 

19 Jahren heiratete er dort im selben Jahr María Páez 

Jiménez, die neun Jahre älter war. Die Zurbarán-Biografin 

María Caturla hatte den sozialen Status der Familie 

der Ehefrau als niedrig eingestuft, während neuere 

Forschung deren angesehene soziale Stellung in 

Llerena belegt. Zudem gehörte María Páez Jiménez 

zur Familie des Kardinals von Toledo, Juan Martínez 

Silíceo. Aus dieser Ehe gingen drei Kinder hervor: 

María, Juan und Isabel Paula. Die älteste Tochter wurde 

am 30. Januar 1620 gefirmt, am 19. Juli desselben Jahres 

der Sohn getauft. Die Taufe von Zurbaráns zweiter 

Tochter fand am 13. Juli 1623 in der Kirche San Santiago 

in Llerena statt. In diesem Jahr verstarb seine Ehefrau, 

deren Beerdigung am 7. September stattfand. Am 15. 

April 1624 wurde Júan de Zurbarán gefirmt. 

Während über die familiären Verhältnisse Zurbaráns 

relativ viel bekannt ist, gibt es nur wenige Informationen 

über das künstlerische Schaffen in den frühen 

Jahren. Neben dem Entwurf für einen Brunnen für den 

Hauptplatz Llerenas im Auftrag der Stadtverwaltung 

aus dem Jahr 1618 sind in den Dokumenten nur mittlerweile 

als verschollen geltende Werke überliefert. 

So malte er im folgenden Jahr ein Gemälde für das 

Portal der dortigen Kirche Nuestra Señora de Villagarcia. 

Am 17. August 1622 erhielt er den Auftrag für ein 

Retabel in der Kirche Nuestra Señora del Rosario in 

seiner Geburtsstadt Fuente de Cantos, das die 15 Rosenkranzgeheimnisse 

zeigen sollte. Dieses Retabel 

sollte sowohl Gemälde als auch Skulpturen und Vergoldungen 

umfassen. Mit den bildhauerischen Aufgaben 

beauftragte Zurbarán einen Künstler aus Mérida, 

mit dem er sich die Summe von 2250 Reales teilte. 

Für die Stadt Fuente de Cantos fertigte Zurbarán zudem 

Aufbauten für eine Prozession in der Karwoche 

an. Am 10. August 1624 erhielt Zurbarán den Auftrag, 

die Skulptur des Gekreuzigten für das Kloster Nuestra 

Señora de la Merced in Azuaga, Badajoz zu fertigen. 

Obwohl das Frühwerk unbekannt ist, gilt als sicher, 

dass Zurbarán zu dieser Zeit bereits eine bedeutende 

Werkstatt unterhielt und in der Region hohes Ansehen 

genossen haben muss. Drei Lehrlinge oder Gehilfen 

sind für die Zeit in Llerena in den Quellen nachweisbar: 

Bei Manuel Rodríguez handelte es sich um 

einen örtlichen Maler, während Juan Gerrera, ein Verwandter 

Zurbaráns, und Diego Muñoz Naranjo, der 

die gesamte Karriere Zurbaráns begleitete, jung in die 

Werkstatt eintraten und dem Meister 1626 nach Sevilla 

folgen sollten. Zurbarán heiratete 1625 zum zweiten 

Mal, die ältere Witwe Beatriz de Morales. Sie stammte 

aus einer wohlhabenden Familie, die Verwandte in 

den Kolonien hatte. Im Dezember dieses Jahres ließ 

sich Zurbarán im Haus seiner Ehefrau an der Plaza 

Mayor in Llerena nieder. Die schnelle Heirat war geboten, 

da sowohl die Versorgung der Kinder als auch der 

Gehilfen und Lehrlinge in der Malerwerkstatt zu den 

Aufgaben der Frau des Meisters gehörten. Die einzige 

Tochter, die aus dieser Ehe hervorgehen sollte, verstarb 

im Kindesalter. 

Im Jahr 1626 verlagerte sich Zurbaráns Karriere nach 

Sevilla, auch wenn er Bürger von Llerena blieb. Dies 

wurde unter anderem dadurch begünstigt, dass Lorenzo 

de Cárdenas, IX. Graf von Puebla del Maestre, 

der aus einer der vornehmsten Familien Llerenas 

stammte, das Amt des „asistente“ von Sevilla, das etwa 

der Rolle eines Oberbürgermeisters entsprach, bekleidete. 

Zurbarán unterhielt über seine gesamte Karriere 

hinweg Kontakte zu dieser Familie. Am 17. Januar 1626 

schloss Zurbarán mit Diego de Bordas, dem Prior des 

Dominikanerklosters San Pablo el Real in Sevilla, einen 

Vertrag über 21 Gemälde ab: 14 sollten Szenen aus 

dem Leben des heiligen Dominikus zeigen, vier die 

Kirchenlehrer und die letzten drei den heiligen Bonaventura, 

den heiligen Thomas von Aquin und den heiligen 

Dominikus zeigen sollten. Diese Serie schuf der 

Künstler innerhalb von acht Monaten für eine Vergütung 

von 4000 Reales. Sie markierte Zurbaráns endgültigen 

Durchbruch, da die Gemälde außerordentlich 

positiv aufgenommen wurden und ihn in der Folge 

fast alle Klöster der Stadt mit Aufträgen bedachten. 

1627 malte Zurbarán ebenfalls für dieses Kloster den 

Gekreuzigten, der in der Sakristei aufgehängt wurde. 

Es handelt sich um das erste bekannte signierte und 

datierte Werk des Künstlers.[6] Am 29. August 1628 

erhielt Zurbarán anlässlich der Heiligsprechung von 

Petrus Nolascus vom Prior des Klosters Nuestra 

Señora de la Merced Calzada in Sevilla, Juan de Herrera, 

den Auftrag, 22 Gemälde mit Episoden aus dem 

Leben des Ordensgründers zu malen. Der Vertrag lief 

über ein Jahr und enthielt ein Honorar von 16.500 Reales. 

Dies bedeutete eine signifikante Steigerung zur 

vorherigen Bilderserie und Einkünfte, wie sie zu dieser 

Zeit etwa auch Francisco de Herrera der Ältere 

erhielt. Da Zurbarán immer noch in der Extramadura 

ansässig war, wo er eine bedeutende Werkstatt unterhielt, 

ließen er und seine Gehilfen sich für diesen Auftrag 

im Kloster nieder. Wahrscheinlich stellte er die 

bestellte Serie nicht vollständig fertig, kompensierte 

dies jedoch mit einem Heiligen Serapion für die Sala 

de Profundis, in der die Toten aufgebahrt wurden, und 

Gelehrtenporträts für die Bibliothek des Klosters. In 

dieser Zeit entstanden auch vier Gemälde für die Kirche 

des Fransikanerklosters San Buenaventura, die 

einen bei Herrera d. Ä. in Auftrag gegebenen Buenaventura-Zyklus 

vervollständigen sollten. Es waren mehr 

Bilder vorgesehen, die Gründe, warum es letztendlich 

nur vier wurden, sind nicht bekannt. 

Aufgrund seiner Erfolge in Sevilla und eventuell auch 

auf Anregung von Gaspar de Guzmán, Conde de Olivares 

wurde Zurbarán im Jahr 1634 an den Madrider 

Hof geladen. Dort erhielt er den Auftrag für eine Bilderserie 

für den Saal der Königreiche (Salón de Reinos) 

im Palacio Buen Retiro, die sich mittlerweile – abgesehen 

von einem Verlust – in der Sammlung des Museo 

del Prado befindet. Zu dieser Serie gehören zehn Gemälde, 

welche die Heldentaten des Herakles zeigen. 

Es handelt sich um die einzigen bekannten Gemälde 

mit mythologischen Motiven im Schaffen Zurbaráns. 

Der königliche Auftrag wurde mit 1100 Dukaten entlohnt. 

Nach Abschluss der Arbeiten an diesen Gemälden 

kehrte Zurbarán schnell nach Sevilla zurück. 

Dennoch hatte der Aufenthalt am Hofe Philipps IV. 

Auswirkungen auf das Schaffen Zurbaráns, da dieser 

sowohl die italienische Sammlung des Königs studieren 

konnte als auch mit bedeutenden Malern seiner 

Epoche wie Diego Velázquez, Vicente Carducho, Juan 

Bautista del Maíno, Angelo Nardi, Eugenio Cajés und 

Antonio de Pereda in Kontakt kam. Diese Einflüsse 

bewirkten eine deutlich hellere Palette des Künstlers 

nach seiner Rückkehr, auch wenn er seine Formgebung 

weitestgehend beibehielt. 

Provenienz: 

Die spanische Galerie, London (1926). 

Privatsammlung, Sevilla. 

Privatsammlung, Barcelona. 

Anmerkung1: 

Eine größere Version unseres Gemäldes, jedoch von 

minderer Qualität und lediglich aus dem Umkreis 

Zurbarans, befindet sich im Museo de Arte de Ponce, 

Ponce, Puerto Rico, 158 x 202 cm, Luis A. Ferré 

Foundation. 

Anmerkung 2: 

Das Gemälde gilt als Teil des spanischen Kulturerbes 

und wurde mit Genehmigung des spanischen Kulturministeriums 

ausgeführt. 

Die Genehmigung wird dem Käufer ebenfalls ausgehändigt. 

Anmerkung 3: 

Eine weitere Anbetungsszene, welche mit unserem 

Bild gut vergleichbar, wenn auch hochformatig ausgerichtet 

ist, befindet sich im Musée de Grenoble. 

Literatur: 

J. Gállego und J. Gudiol, Zurbarán 1598-1644, 

Barcelona 1978, S. 82 und 158, Kat. Nr. 31, Abb. 43 

(dort ganzseitig als eigenhändig abgebildet und in 

die Schaffensperiode 1625-1630 datiert). (1241481) 

(13) 


FRANCISCO DE ZURBARAN, 

1598 FUENTE DE CANTOS – 1664 MADRID, 

ATTRIBUTED 

THE ADORATION OF THE MAGI 


103.5 x 123 cm. 

In parcel-gilt Baroque frame (damaged). 

Provenance: 

The Spanish Gallery, London (1926). 

Private collection, Seville. 

Private collection, Barcelona. 

Note 1: 

A larger version of our painting, however of less 

quality and described as “circle of Zurbaran”, is held 

at the Museo de Arte de Ponce, Ponce, Puerto Rico, 

158 x 202 cm, Luis A. Ferré Foundation. 

Note 2: 

The painting is considered as Spanish cultural heritage 

and was exported with a permit by the Spanish 

ministry of education and cultural affairs. 

The purchaser of this lot will also receive this permit. 

Note 3: 

Another Adoration painting comparable to the 

painting on offer for sale here, although in portrait 

format, is held at the Musée de Grenoble. 

Literature: 

J. Gállego and J. Gudiol, Zurbarán 1598 – 1644, 

Barcelona 1987, p. 82 and 158, cat. no. 31, ill. 43 

(with full page illustration, as by his own hand, 

dated 1625-1630). 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

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53

151 

IPPOLITO SCARSELLA, 

GENANNT „SCARSELLINO“, 

1551 FERRARA – 1620 EBENDA 

MADONNA MIT DEM KIND, DEM ERZENGEL 

MICHAEL UND DEM HEILIGEN ROCHUS 


190 x 132 cm. 

Ungerahmt. 

Das großformatige Altarblatt zeigt Maria mit dem Kind 

in Wolken über einer Landschaft erhoben, die beiden 

genannten Assistenzfiguren in Anbetung, jedoch in 

einer Art visionärer Betrachtung. Die oberen beiden 

Ecken von Malerei freigelassen, aufgrund ehemaliger 

Altarrahmung. Die Ikonographie ist insofern von Seltenheit, 

als dass hier der Heilige Rochus einem Erzengel 

gleichgestellt wird. Dies lässt sich dadurch erklären, 

dass das Gemälde als Altarblatt für eine diesen 

beiden Heiligen geweihten Kirche geschaffen wurde, 

während üblicherweise Adoranten stets dem irdischen 

Bereich zugehören, wie es in Vergleichsbildern 

Scarsellinos zu sehen ist. Die beiden unteren Figuren 

weit auseinander positioniert, weniger der Landschaft 

wegen, als vielmehr um der Marienfigur einen umso 

deutlicheren Abstand von aller Erdbezogenheit zu verschaffen. 

Dagegen ist Maria von einer himmlischen 

Licht atmosphäre umgeben. Michael wie üblich mit 

Flügeln in Rüstung gezeigt, mit einer Lanze, gegen 

den am Boden liegenden Satan gerichtet. Rochus tritt 

von rechts heran, in Begleitung eines Hundes als dessen 

Attribut, mit einem Stab. Seine Pestwunde durch 

seine Kleidung verdeckt, ein Wesenszug der italienischen 

Malerei, die seit jeher im Gegensatz zur Kunst 

im Norden, weitgehend die Darstellung von abstoßenden 

Details zu meiden gesucht hat. 

Scarsellino zählt zu den bedeutendsten Vertretern der 

Ferrareser Schule seines Jahrhunderts. Dabei hat er 

insbesondere in seinen Landschaften den Malstil der 

späteren Generation vorweggenommen, was er auch 

in dem vorliegenden Bild deutlich zur Anschauung gebracht 

hat. Sowohl seine Schulung in Bologna, die er 

bereits 17-jährig begann, als auch die Einflüsse der 

Werkstatt des Veronese, die er in Venedig besuchte, 

haben sein Werk geprägt. Gemeinsam mit den Brüdern 

Carracci arbeitete er im Renaissance-Palazzo dei 

Diamanti in Ferrara. Zu seinen letzten Arbeiten gehören 

die Gemälde, die er für den Kardinal Alessandro dÉste 

in Tivoli schuf. Im vorliegenden Gemälde ist bereits der 

Einfluss Veroneses deutlich spürbar. 

Zahlreiche Werke seiner Hand finden sich in bedeutenden 

Sammlungen und öffentlichen Museen, wie etwa 

Metropolitan Museum of Art New York, Museum of 

Fine Arts Boston, Kapitolinische Museen Rom, Pinacoteca 

Nazionale Ferrrara, Vatikanische Museen Rom 

oder in den Uffizien Florenz. A.R. 

IPPOLITO SCARSELLA, 

ALSO KNOWN AS “SCARSELLINO”, 

1551 FERRARA – 1620 IBID. 

THE VIRGIN WITH CHRIST CHILD, THE ARCHANGEL 

MICHAEL AND SAINT ROCH 


190 x 132 cm. 

Unframed. 

Scarsellino is one of the most important exponents of 

the School of Ferrara of his century. His landscape 

paintings in particular pre-empted the painting style of 

future generations, as is also obvious in the painting 

on offer for sale in this lot. His œuvre was influenced 

by his early schooling in Bologna – aged only 17 – and 

the workshop of Veronese, whom he visited in Venice. 

He worked at the Renaissance Diamanti Palace in Ferrara 

together with the Carracci brothers, One of his 

final works are the paintings commissioned by Cardinal 

Alessandro dÉste in Tivoli. Veronese´s influence is 

clearly palpable in the work on offer for sale in this lot. 

Many of his works are held in important collections and 

public museums such as the Metropolitan Museum 

of Art in New York, the Museum of Fine Arts in Boston, 

the Capitoline and Vatican Museums in Rome, the National 

Gallery of Art in Ferrara and the Uffizi Galleries 

in Florence. 

Literature: 

V. Lapierre: SCARSELLA, Ippolito, detto lo Scarsellino., 

in: R. Romanelli (ed.), Dizionario Biografico degli Italiani 

(DBI), vol. 91: Savoia-Semeria. Istituto della Enciclopedia 

Italiana, Rome 2018. 

The painting is published and illustrated in: 

M.-A. Novelli, Scarsellino, Scira, 2008, cat. no. 262, 

with ill. p. 266. 

With provenance references: 

Since 1957: Sotheby´s, London. 

1978 Sotheby´s, New York. 

1981 Sotheby´s, New York. 

1988 Christie´s, London. 

Etc. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

Valentina Lapierre, SCARSELLA, Ippolito, detto lo 

Scarsellino, in: Raffaele Romanelli (Hrsg.), Dizionario 

Biografico degli Italiani (DBI). Bd. 91: Savoia-Semeria, 

Istituto della Enciclopedia Italiana, Rom 2018. 

Das Gemälde ist publiziert und abgebildet in: 

Maria-Angela Novelli, Scarsellino, Scira, 2008, Katalognr. 

262, mit Abb. S. 266. 

Mit Provenienzangaben: 

seit 1957: Sotheby´s London. 

1978 Sotheby´s New York. 

1981 ebd. 

1988 Christie´s London. 

Etc. (1241851) (11) 


152 


GENANNT „LO SPAGNOLETTO“, 

1588/91 JÀTIVA/ VALENCIA – 1652 NEAPEL 

Bevor Ribera nach Neapel ging, studierte er bei Francisco 

Ribalta (1565-1628) in Valencia. In Rom setzte er 

sich mit den Werken Raffaelo Santis (1483-1520) und 

Agostinos (1557-1602) und Annibale Carraccis (1560- 

1609) auseinander, in Parma und Modena mit denen 

von Antonio Allegri Correggio (um 1489-1534). Später 

stand er stark unter dem Einfluss von Michelangelo 

Merisi il Caravaggio (1570/71-1610). Die Qualität seiner 

Bilder erhob ihn zum Hofmaler des Herzogs von 

Osuna wie des Königs von Neapel. Im Jahr 1644 wurde 

er zum Ritter des Christusordens durch den Papst. 

1630 war er bereits Mitglied der Accademia di San 

Luca in Rom. Neben Caravaggio ist er der bedeutendste 

Naturalist der Neapolitanischen Malerei mit Betonung 

des Chiaroscuro. Ein Hauptmerkmal seines Wirkens 

ist die bewusste Wahl der Darstellung von meist alten, 

asketisch knochig schlanken Gestalten wie Einsiedlern 

oder Philosophen. 

DER PHILOSOPH DIOGENES 


96 x 72 cm. 


ALSO KNOWN AS “LO SPAGNOLETTO”, 

1588/91 JÀTIVA/ VALENCIA – 1652 NAPLES 

THE PHILOSOPHER DIOGENES 


96 x 72 cm. 

Literature: 

Publication by Prof. Nicola Spinosa in the book 

“RIBERA LA OBRA COMPLETA”, p. 485, No. B2. 

Diógenes. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Das Gemälde größerformatig angelegt und, wie bei 

Ribera und dessen Hell-Dunklem-Malstil üblich, in caravaggesker 

Malweise mit dunklem Hintergrund, vor 

dem der hier alt und graubärtig wiedergegebene 

Philosoph in hellem Licht erscheint. Der aus Sinope 

stammende griechische Denker (um 412-323 v. Chr.) 

wird hier, wie üblich, mit einer Laterne dargestellt. 

Der Sinn dieses attributiven Gegenstandes geht aus 

der Legende hervor, wonach Diognenes bei der Befragung, 

warum er bei Tageslicht eine Laterne hält, geantwortet 

haben soll „Ich suche einen Menschen“. 

Dieser Skeptizismus ist auch der Inhalt der Lehre der 

damaligen griechischen Philosophie geworden. Hier in 

Dreiviertelansicht in Lebensgröße wiedergegeben, hat 

der Maler ihn leicht nach rechts gebeugt gezeigt, mit 

nachdenklichem Blick, die Laterne in der Linken, ein 

großes Buch in der Rechten haltend. Als Kleidung 

dient ihm lediglich ein bescheidener brauner Kittel mit 

weißem darunterliegenden Hemd, wobei jedoch die 

gesamte rechte Brust- und Schulterpartie freigelassen 

wird. Das weithin bekannte Gemälde von Ribera, das 

ebenfalls den Philosophen zeigt, befindet sich in der 

Gemäldegalerie Dresden, stellt aber den Philosophen 

in noch jüngerem Alter vor, in noch stolzer aufrechter 

Haltung und mit nahezu vorwurfsvollem Blick, wodurch 

sein Satz nach der Suche des wahren Menschen noch 

herausfordernder thematisiert ist. Im vorliegenden 

Gemälde jedoch erscheint der gealterte Philosoph bereits 

in einer Resignation dargestellt. Ribera, bekannt 

für mehrere seiner Philosophendarstellungen, hat speziell 

diesen Diogenes mehrfach in unterschiedlichen 

Bildauffassungen geschaffen, wobei das vorliegende 

Gemälde wohl zu den ausdrucksvollsten aus dieser 

Serie zu zählen wäre. 

Literatur: 

Publikation von Prof. Nicola Spinosa in dem Buch 

„RIBERA. LA OBRA COMPLETA“, S.485, Nr. B2. 

Diógenes. (1241111) (2) (11) 


153 

GIOVANNI BATTISTA VANNI, 

1599 – 1660 FLORENZ 

DIE MYSTISCHE VERMÄHLUNG DER HEILIGEN 

KATHARINA 


83 x 109 cm. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Alessandro Delpriori, 

Universität Florenz, mit weiterführender Literatur 

und Werkvergleichen. 

Das Bildthema ist im Gemälde bereits durch die prominente 

Aufschrift links oben genannt „SPONSABO 

TE MICHI IN FEDE“ („Ich vermähle mich mit dir im 

Glauben“). Diese theologische Vorstellung, die auf Augustinus 

zurückgeht, wird in der Kunst vor allem bei 

Darstellungen der Heilige Katharina deutlich. Die Heilige 

wird hier gezeigt, wie sie in idealisierender Weise 

mit Jesus vermählt wird, indem das Kind ihr einen 

Ring überreicht. Vermittlerfigur ist die Heilige Maria, 

die hier das Kind auf dem Schoß hält. Die Komposition 

zeigt einen deutlichen Dreiecksaufbau, überhöht 

durch die Nimbusscheibe der Maria. Katharina von Alexandria 

hier mit einer Krone, da sie der Legende nach 

Tochter des heidnischen Königs Costus gewesen sein 

soll, die sich als „ewige Jungfrau“ weihen ließ. Der 

Maler hat es verstanden, dem Gesicht des Kindes einen 

bereits reifen Ausdruck zu verleihen. Der Blick des 

Jesuskindes gilt der Perle des Ringes, Symbol der 

Unberührtheit und Reinheit. Demgemäß trägt Katharina 

auch Perlen im Schmuck. Dieselbe Reinheitssymbolik 

wird auch durch die weiße Blüte in der Kinderhand 

ausgedrückt. 

Auf die Darstellung der Schmuckelemente hat der 

Maler besonderen Wert gelegt. Die Hell-Dunkel-Stilistik 

des Gemäldes geht auf den Einfluss Caravaggios 

zurück, die Farbigkeit, besonders in der Wiedergabe 

des rosaroten Marienmantels in der abgeschwächten 

Farbtrias Rot-Blau-Weiß zeigt den reifen Stil des Manierismus, 

was auf seinen Lehrer Alessandro Allori 

(1535-1607) zurückzuführen ist. Die Einflüsse, die auf 

ihn in Rom in den Jahren 1624-1632 wirkten, verarbeitete 

er nach seiner Rückkehr über Venedig wieder in 

Florenz. Linker Bildrand entsprechend der fehlenden 

Anfangsbuchstaben der Aufschrift angeschnitten. 

A.R. (12417516) (11) 

GIOVANNI BATTISTA VANNI, 

1599 – 1660 FLORENCE 

THE MYSTICAL MARRIAGE OF SAINT 

CATHERINE 


83 x 109 cm. 

Accompanied by an expert‘s report by Dr Alessandro 

Delpriori, University of Florence, with reference literature 

and examples of comparison. The subject is 

stated thanks to a prominent inscription top left: 

„SPONSABO TE MICHI IN FEDE“ [I will marry thee in 

faith]. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BID 


154 

LUCIO MASSARI, 

1569 BOLOGNA – 1633 EBENDA, ZUG. 

DER TRIUMPH DAVIDS 


73 x 93 cm. 

In vergoldetem Prunkrahmen. 

Ein Gemälde des Künstlers mit dem gleichen Motiv 

ist abgebildet und veröffentlicht in der Fototeca Zeri, 

unter der Nummer 55284, datiert 1609-1612; als Größe 

wird jedoch 350 x 460 cm angegeben. 

Darstellung aus der biblischen Geschichte des Kampfes 

von David gegen den Riesen Goliath. Im Zentrum der 

junge David mit leuchtend rotem Mantel, unter dem 

ein großes Schwert an der Hüftseite hängt, der mit 

seiner linken Hand den übergroßen Kopf des Riesen 

nach oben hält, auf dessen Stirn ein roter Blutfleck 

sichtbar ist. Diesen hatte er mit einer Steinschleuder 

an der Stirn getroffen und ihm mit seinem Schwert 

das Haupt abgeschlagen. Rechts von ihm musizierende 

und tanzende Frauengestalten mit Triangel, Tamburin 

und Flöten, die seinen Triumph feiern, vor den 

Mauern der Stadt, auf denen ihm weitere Figuren zujubeln. 

Links von David steht sein Auftraggeber Saul, 

der König von Israel, mit goldener Krone und blickt auf 

die Trophäe. Hinter Saul steht sein Hofstaat mit Soldaten 

in Rüstung und ein Schimmel, der von einem Mann 

gehalten wird. Vielfigurige heroische Darstellung unter 

hohem wolkigen Himmel mit geschickter Lichtführung 

und teils leuchtend weißer, gelber und roter 

Farbgebung. (1230323) (18) 

LUCIO MASSARI, 

1569 BOLOGNA – 1633 IBID., ATTRIBUTED 

THE TRIUMPH OF DAVID 


73 x 93 cm. 

In magnificent gilt frame. 

A painting by the artist with the same motif is illustrated 

and published at the Fototeca Zeri, no. 55284, dated 

1609-1612; however, the dimensions are noted as 

350 x 460 cm. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 


155 

ITALIENISCHER MEISTER DES 18. JAHRHUNDERTS 

IN DER NACHFOLGE DES GIOVANNI PAOLO 

PANINI (1691 – 1765) 

RÖMISCHES RUINENCAPRICCIO MIT 

DARSTELLUNG DES TODES DES SENECA 


122 x 164 cm. 

Das Gemälde betont großformatig, im Sinne einer 

Wandpartie füllenden Raumausstattung, in dem neben 

dem Eindruck antiker Ruinenarchitektur zudem eine 

narrative belehrende Szenerie eingebunden ist. Mehrere 

Personen in Andeutung antiker Kleidung haben 

sich auf Stufen und Steinbrocken vor einer Architekturkulisse 

versammelt, um dem Ableben des Philosophen 

Seneca beizuwohnen. Dieser wurde auf Anweisung 

Neros gezwungen, Suizid zu begehen. Die 

Architekturkulisse zu dieser Szenerie zeigt einen 

mächtigen Säulenaufbau mit Architrav, einen doppelten 

Steinbogen im Hintergrund, mit Ausblick in die 

bergige Landschaft, ganz der Überlieferung gemäß, 

nach der sich das Geschehen außerhalb Roms ereignet 

haben soll. Diese Zusammenschau von Ruinencapriccio 

und Historie findet sich im Werk Paninis 

mehrfach, wie etwa in der Darstellung der „Predigt 

eines Apostels“ (WVZ 350) oder mit der „Predigt 

einer Sibylle“ (WVZ 422 f.) in ähnlichem, jedoch seitenverkehrtem 

Aufbau. So ist der Einfluss bzw. die 

Werkstattnachfolge Paninis unverkennbar, der wie hier 

bereits in die frühe Ruinenromantik eingewirkt hat. 

(1240561) (11) 

ITALIAN SCHOOL, 18TH CENTURY IN THE 

FOLLOWING OF GIOVANNI PAOLO PANINI 

(1691 – 1765) 

ROMAN RUIN CAPRICCIO WITH DEPICTION 

OF THE DEATH OF SENECA 


122 x 164 cm. 

Panini often combined ruin capriccios with historic 

subjects in his œuvre, for example The Sermon of an 

Apostle (CR 350) or Sermon of a Sibyl (CR 422 f.) in 

similar, but inverted composition. The influence of 

Panini and his workshop is obvious, who already influenced 

early ruin romanticism. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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156 

GASPARE DIZIANI, 

1689 BELLUNO – 1767 VENEDIG, ZUG. 

Diziani wird längst als der wichtigste Nachfolger seines 

Lehrers Sebastiano Ricci (1659-1734) angesehen. 

Ab 1717 hielt er sich in Dresden auf, von August III 

berufen. Zwischenzeitlich entstanden 1718 vier Supraporten 

in der Residenz München, später wirkte er in 

Rom und Venedig. Dizianis beiden Söhne Antonio 

(1737-1797) und Giuseppe (1744-1821) arbeiteten mit 

ihm bei seinen umfangreichen Aufträgen zusammen. 

Gemäldepaar 

VENUS IN DER SCHMIEDE DES VULKAN 

sowie 

VENUS UND NEPTUN 


Je 90,5 x 101 cm. 

In einheitlichen Rahmen. 

Die beiden zusammengehörigen Gemälde, in denen 

die Elemente Feuer und Wasser allegorisch thematisiert 

werden, standen ehemals wohl in einem Dekorationszyklus, 

komplettiert durch die weiteren Motive 

Luft und Erde. Der Größe entsprechend, dürften die 

Bilder als Supraporten in sehr hohen Prunkräumen 

oder dem Hauptsaal eines italienischen Palazzo eingebunden 

gewesen sein. 

Stilistisch lassen sich die Darstellungen auf den Lehrer 

des Diziani, Sebastiano Ricci zurückführen, von 

dem auch Stichvorlagen bekannt waren. Themenentsprechend 

und traditionsgemäß wird hier Venus auf 

einem Delfin in Uferwellen gezeigt, mit respektvollem 

Blick dem Meeresgott gegenüber, der in einer Muschel 

steht und sich ihr huldvoll beschwichtigend 

zuneigt. Das Velum der Liebesgöttin wird von einem 

Putto hoch gehalten. Im Gegenstück erscheint Venus 

außerhalb der Schmiede-Höhle in Wolken, während 

sie ein Bronzegefäß hält, wohl von Vulkan gefertigt. 

Auch hier tritt als Vermittlerfigur ein Amorettenknäblein 

auf, das einen Helm in Händen hält. Sinngemäß 

zeigen beide Gemälde also den Gestus der Beschwichtigung 

der Naturgewalten durch Venus, die in 

letzterem Bild das schöne Kannenobjekt dem Kriegshelm 

bevorzugt. 

Die beiden Gemälde in diesem Sinne von hoher, einem 

höfischen Ausstattungsanspruch entsprechender Qualität, 

die auch im Hinblick auf die einstige hohe Raumhängung 

zu verstehen ist. A.R. (12218011) (3) (11) 

GASPARE DIZIANI, 

1689 BELLUNO – 1767 VENICE, ATTRIBUTED 

A pair of paintings 

VENUS IN VULCAN’S FORGE 

and 

VENUS AND NEPTUNE 


90.5 x 101 cm each. 

In matching frames. 

The counterpart paintings make an allegorical subject 

of the elements of fire and water. They were previously 

part of a cycle of decorations, complemented by 

the motifs of air and earth. The style of the paintings 

suggest Diziani’s teacher Sebastiano Ricci, of whom 

templates for engravings are known. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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63



65

157 

ABRAHAM BRUEGHEL (1631 – 1697) 

UND ANTONIO AMOROSI (1660 – 1738) 

GROSSES FRÜCHTESTILLLEBEN IN LANDSCHAFT 

MIT MAGD UND ZWEI KNABEN 


107 x 161 cm. 

Bereits als Sprössling begann Abraham, Sohn und 

Schüler des Malers Jan Brueghel d.J. (1601-1678), Stillleben 

zu malen. Schon in jungen Jahren konnte sein 

Vater 1646 den Verkauf eines Blumenstilllebens vermerken, 

welches von Abraham gefertigt wurde. Die 

meiste Zeit seines Lebens verbrachte Brueghel jedoch 

in Italien, nämlich in Rom und Neapel. Zwar ist 

das genaue Ankunftsdatum in Rom nicht bekannt, 

jedoch gibt es zahlreiche Informationen, welche sich 

aus der Korrespondenz zwischen dem Künstler und 

Antonio Ruffo Prinz von Kalabrien (1665-1671) ergeben. 

So scheint er sich 1663 in Messina bei dem Prinzen 

aufgehalten zu haben, welcher als großer Bewunderer 

mehrere Gemälde des Künstlers besaß. Sein Aufenthalt 

in Rom ist zum ersten Mal 1659 bezeugt, dann 

1671 und zwischen 1670 und 1674. Zwei Jahre später 

siedelte er nach Neapel über, wo er bis zu seinem 

Lebensende blieb. Sein in Rom erreichter Ruhm wird 

vor allem durch zahlreiche Archiveinträge reflektiert, 

welche in zahlreichen wichtigen Familien zu finden 

sind – etwa die der Chigi, Pamphilii, Orsini, Colonna 

und der Borghese. Der neapolitanische Biograf Bernardo 

De Dominici unterstrich auf geradezu enthusiastische 

Weise die Wichtigkeit, mit welcher die innovativen 

Aspekte des Flamen zu nennen seien – so 

habe er die barocke Bildsprache in die Neapolitanische 

Stilllebenmalerei eingeführt. Oft arbeitete er 

mit Jacques Courtois (1621-1676), Giacinto Brandi 

(1623-1691), il Baciccio (1639-1709) und Carlo Maratta 

(1625-1713) zusammen, welche für die Figurenstaffage 

sorgten; eine Zusammenarbeit mit Luca Giordano 

(1632/34-1705) in Neapel ist ebenso bezeugt. Wie 

bei den kombinierten Stillleben in Stockholm (Statens 

Konstmuseer) und in Paris (Musée du Louvre) 

wird auch die hier vorliegende Figurenstaffage Antonio 

Amorosi zugeordnet. 

Literatur: 

Didier Bodart, Abraham Brueghel et la nature morte 

romaine du XVIIIème siècle, in: Colloqui del sodalizio. 

Sodalizio tra Studiosi dell‘Arte, 1973-1974, S. 139-142. 

Laura Laureati, in: La natura morta in Italia, Francesco 

Porzio (Hrsg.), Fondazione Zeri, Mailand 1989, 

S. 788-796, Katalognr. 7. 

Claudio Maggini, Antonio Mercurio Amorosi pittore 

(1660-1738), Werkverzeichnis, Rimini 1996. 

(1240597) (13) 

ABRAHAM BRUEGHEL (1631 – 1697) 

AND ANTONIO AMOROSI (1660 – 1738) 

LARGE FRUIT STILL LIFE IN LANDSCAPE WITH 

MAID AND TWO BOYS 


107 x 161 cm. 

Literature: 

D. Bodart, Abraham Brueghel et la nature morte 

romaine du XVIIIème siècle, in: Colloqui del sodalizio. 

Sodalizio tra Studiosi dell’Arte, 1973-1974, pp. 139-142. 

L. Laureati, in: La natura morta in Italia, F. Porzio 

(ed.), Fondazione Zeri, Milan 1989, p. 788-796, 

cat. no. 7. 

C. Maggini, Antonio Mercurio Amorosi pittore (1660- 

1738), catalogue raisonné, Rimini 1996. 

€ 90.000 - € 150.000 

Sistrix 

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158 

JAN VAN KESSEL D.J., 

1654 ANTWERPEN – 1708 MADRID, ZUG. 

STILLLEBEN MIT FRÜCHTEN, EICHHÖRNCHEN 

UND PAPAGEI 

Öl auf Kupfer. 

16,5 x 22 cm. 

Die fein gemalten Gegenstände in lockerer Verteilung 

auf einer Tischplatte, die sich nicht merklich vom dunkelbraunen 

Hintergrund abhebt. Auffallende Gewichtung 

haben eine angeschnittene Melone unten sowie 

eine mit roten Walderdbeeren gefüllte chinesische 

Porzellanschale oben, beide leicht verschoben positioniert, 

aber als Gegengewichte zu verstehen. Dazwischen 

grüne Trauben, wie zufällig verteilt in Nähe der 

ebenso grünen Melone. Oben Kirschen an einem 

Zweig mit Blättern, ebenso mit den roten Beeren in 

Bezug gesetzt. Dazwischen weitere Früchte, wie Zitrone, 

Aprikosen oder Haselnüsse. In dieser wohl überlegten, 

nahezu x-förmigen Komposition sind natürlich 

auch die beiden Tiere in bewusster Platzierung ins Bild 

gesetzt: das Hörnchen nahe der Nüsse, der Papagei 

bei den Trauben, auf einem Weinrankenzweig sitzend. 

Die räumliche Distanz der Tierchen wird dadurch überbrückt, 

dass Papagei und Eichhörnchen einander zugewandt 

sind. 

Dieser äußerst durchdachte Bildaufbau zeigt eine beachtliche 

Weiterführung der Kunst des älteren Jan van 

Kessel. Insgesamt ist bereits eine hellere Auffassung 

und Leichtigkeit zu bemerken, die schon in die Malerei 

des 18. Jahrhunderts weist. 

Literatur: 

Vgl. Klaus Ertz und Christa Nitze-Ertz, Die Maler Jan 

van Kessel: Jan van Kessel der Ältere 1626-1679: 

Jan van Kessel der Jüngere 1654-1708: Jan van Kessel 

der „Andere“ ca. 1620-ca. 1661: Kritische Kataloge 

der Gemälde und Zeichnungen, Lingen: Luca 2012, 

S. 432, Nr. 123, 124. (1240334) (3) (11) 

JAN VAN KESSEL THE YOUNGER, 

1654 ANTWERP – 1708 MADRID, ATTRIBUTED 

STILL LIFE WITH FRUIT, SQUIRREL AND PARROT 

Oil on copper. 

16.5 x 22 cm. 

Literature: 

Compare K. Ertz and C. Nitze-Ertz, Die Maler Jan 

van Kessel: Jan van Kessel der Ältere 1626-1679: 

Jan van Kessel der Jüngere 1654-1708: Jan van Kessel 

der “Andere” ca. 1620-ca. 1661: Kritische Kataloge 

der Gemälde und Zeichnungen, Lingen: Luca 2012, 

p.432, no. 123, 124. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

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Detailabbildung Lot 158 


159 

GIUSEPPE PESCI, 

1679 – 1759, ZUG. 

PAAR STILLLEBEN MIT TRAUBEN, MELONEN 

UND FEIGEN 


73 x 60 cm. 

Geschnitzter und vergoldeter Rahmen. 

Als Pendants entstandene hoch dekorative Gemälde, 

die Früchte des Genusses feiernd. Erdnahe Früchte, 

wie die Melonen, liegen neben Früchten der Höhe 

wie dem Granatapfel, welche die Schwerkraft oder der 

Mensch auf den Boden geholt hat. Über ihnen dicke 

Weintrauben zwischen ihrem plastsich ausgeformten, 

in unterschiedlichem Kolorit wiedergegebem Laub. 

Neben dem Menschen, deren Anblick der Früchte das 

Gemäldepaar erfreuen soll, interessieren sich auch 

Kleintiere für die Pflanzen, wie eine Spitzmaus hier 

beweist. Giuseppe Pesci war für seine Stillleben bekannt, 

gern mit dekorativ gestalteten Blumenarrangements 

oder wie hier mit Früchten. (1220354) (2) (13) 

GIUSEPPE PESCI, 

1679 – 1759, ATTRIBUTED 

A PAIR OF STILL LIFES WITH GRAPES, MELONS, 

AND FIGS 


73 x 60 cm. 

Carved and gilt frame. 

Highly decorative pendant paintings celebrating these 

indulgent types of fruit. 

€ 45.000 - € 55.000 

Sistrix 

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69

160 

ABRAHAM BRUEGHEL, 

1631 – 1690 

FRÜCHTESTILLLEBEN MIT BLUMEN 

UND FONTAINE 


62,5 x 75 cm. 

In profiliertem, plastisch reliefiertem Barock-Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen, 

25. Juli 2020 im Original. 

Für Abraham Brueghel, der 1649 18-jährig nach Italien 

auswanderte, typische Komposition von Melonen, 

Pfirsichen, Trauben und anderen Früchten, welche sich 

zusammen mit dem dahinter befindlichen Blumenstrauß 

– er hatte in Antwerpen als Blumenmaler als 

Schüler seines Vaters Jan Brueghel d.J. begonnen – 

vor dem dunklen Hintergrund abhebt, welcher durch 

das Reflexionsspiel des Springbrunnens belebt wird. 

Linkes oberes Viertel mit professionellen Retuschen. 

(1240082) (13) 

ABRAHAM BRUEGHEL, 


FRUIT STILL LIFE WITH FLOWERS 

AND FOUNTAIN 


62.5 x 75 cm. 

In profiled Barock-style frame. 

Enclosed an original expert’s report by Dr Klaus Ertz, 

Lingen, 25 July 2020. 

€ 28.000 - € 35.000 

Sistrix 

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161 

OTTMAR ELLIGER D. Ä., 


FRUCHTGIRLANDE UM NISCHE MIT RÖMER 

UND ZITRONE 


68 x 77,5 cm. 

In vegetabil geschnitztem und vergoldeten Rahmen. 

Die Zuschreibung erfolgte 1998 durch Fred Meijer, das 

Gemälde ist beim RKD in Den Haag unter Nr. 64338 

registriert. 

Nach einem kurzen Aufenthalt in Frankfurt und Kopenhagen, 

wo er am Hofe von Frederick III arbeitete, heiratete 

er 1660 in Amsterdam, zog 1665 nach Hamburg 

und 1669 schließlich nach Berlin, wo er Hofmaler bei 

Friedrich Wilhelm von Brandenburg wurde. Viele seiner 

Blumen- und Fruchtgirlanden lassen den Einfluss 

von Daniel Seghers spüren. Statt einer aus gemeißeltem 

Stein gebildeten Kartusche erdachte sich Elliger 

in unserem Bild jedoch eine rechteckige Holznische, 

welche das Fensterbrett eines einfachen Hauses illusionistisch 

dargestellt. 

Provenienz: 

Winkel & Magnussen, Kopenhagen, 8.11.1949, lot 22. 

Galerie Fischer, Luzern, 19. - 22. Mai 1999, Lotnr. 

2040, Zuschlagspreis 22000 CHF. 

Dorotheum, Wien, 30. März 2000, Lot 254. 

Phillips Auctioneers, London, 10. Juli 2001, lot 309. 

Christie‘s, Amsterdam, 26.2.2008, lot 16, als Ottomar 

Elliger, Nachfolger. (1240594) (13) 

OTTMAR ELLIGER THE ELDER, 


FRUIT GARLAND SURROUNDING NICHE WITH 

ROEMER GLAS AND LEMON 


68 x 77.5 cm. 

In gilt frame with vegetal carved décor. 

Attribution by Fred Meijer in 1998, noting that the 

painting is listed at the RKD in The Hague with no. 

64338. 

Provenance: 

Winkel & Magnussen, Copenhagen, 8.11.1949, lot 22. 

Galerie Fischer, Lucerne, 19 - 22 May 1999, lot no. 

2040, hammer price 22000 CHF. 

Dorotheum, Vienna, 30 March 2000, lot 254. 

Phillips Auctioneers, London, 10 July 2001, lot 309. 

Christie’s, Amsterdam, 26.2.2008, lot 16, as follower 

of Ottomar Elliger. 

€ 70.000 - € 100.000 

Sistrix 

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162 

FRANCESCO DELLA QUESTA, 

UM 1639 – 1724 NEAPEL 

Der Lebens- und Wirkungsweg des Künstlers ist noch 

nicht gänzlich erforscht, jedenfalls darf seine Lehre bei 

Giovan Battista Ruoppolo (1629-1693) zwingend angenommen 

werden, ebenso sein Einfluss von Abraham 

Brueghel (1631-1697) sowie Giuseppe Recco (1634- 

1695). Bekannt geworden ist er vor allem seiner Zeit 

durch seine dekorativen Malereien für den Auftraggeber 

Marchese del Carpio sowie sein Corpus Christi 

von 1684. 

Gemäldepaar 

BLUMENSTILLLEBEN IN OVALEN VASEN 


Je 76,5 x 50 cm. 

Die als Gegenstücke gemalten Stillleben zeigen jeweils 

eine ovale, auf einer Marmorplatte stehende Vase, gefüllt 

mit hochgesteckten Blüten in den dominierenden 

Farben Rot und Weiß. Das Zentrum der Blumensträuße 

gebauscht, nach oben hin ziehen einzelne 

Blütenstengel hervor, mit großer strahlenförmiger 

Blüte bzw. einer roten Nelke. Die Farbigkeit elegant 

zurückhal tend, der Hintergrund linksseitig jeweils stärker 

verschattet, wovor sich die helleren Blüten abheben, 

nach rechts hin heller beleuchtet, wobei hier die 

Rottöne der Blüten zur Wirkung kommen. In beiden 

Stillleben drei schwingende hellblaue Königswinden, 

um die Farbtrias von Rot, Weiß zu Blau komplettieren. 

FRANCESCO DELLA QUESTA, 

CA. 1639 – 1724 NAPLES 


FLORAL STILL LIFES IN OVAL VASES 


76.5 x 50 cm each. 

Literature: 

The pair of paintings are illustrated and discussed 

in the catalogue by Prof. N. Spinosa (ed.), Ritorno 

al Barocco, Da Caravaggio a Vanvitelli, pp. 424-425 

with text by Roberto Middione. 

Also published in: V. Pacelli, Inediti di pittura napoletana 

del Settecento, pp. 240-241, illustrated. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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Literatur: 

Das Gemäldepaar abgebildet und besprochen in der 

Katalogpublikation, bearbeitet von Prof. N. Spinosa, 

Ritorno al Barocco, Da Caravaggio a Vanvitelli, Edition 

Arte-m, S. 424-425 mit Text von Roberto Middione. 

Ferner publiziert in: Vincenzo Pacelli, Inediti di pittura 

napoletana del Settecento, Ediart, S. 240-241, hier 

ebenfalls abgebildet. (1240257) (11) 


77

163 

GIOVANNI STANCHI, 


GROSSE BLUMENGIRLANDE VOR DUNKLEM 

HINTERGRUND 


116 x 87,5 cm. 

Das Gemälde großformatig angelegt. Die aufleuchtenden 

Blüten wechseln zwischen großen Knospen und 

kleinen Streublüten ab, darunter weiße Iris, Tulpen, 

Anemonen, Kornblumen, blaue Königswinden und 

Narzissen. Betonung im Oval, durch oben und unten 

eingesetzte größere Blüten sowie seitlich farblich betonte 

Gebinde. Ins dunkle Zentrum hereinziehendes 

Blattwerk mit Efeublättern. (1240331) (3) (11) 

GIOVANNI STANCHI, 


LARGE FLORAL GARLAND ON DARK 

BACKGROUND 


116 x 87.5 cm. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

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Detailabbildungen 


164 

JAN VAN KESSEL D.J., 

1654 ANTWERPEN – 1708 MADRID 

BLUMENSTILLLEBEN MIT TAZZA, KORB, KRANZ 

UND PAPAGEI 

Öl auf Kupfer, auf parkettiertem Eichenholz aufgelegt. 

25 x 31 cm. 

In partiell goldstaffiertem Holzrahmen. 

Beigegeben im Original eine Expertise von Dr. Klaus 

Ertz, Lingen, 26. Juli 2020. 

Der überwiegende Teil des Werkes des Sohnes von 

Jan van Kessel d.Ä. besteht aus Früchte-, Blumen- und 

Tierstillleben. Da das Werk dem des Vaters ähnelt, ist 

die Händescheidung wichtig, welche Dr. Ertz in seinem 

Werkverzeichnis über die Familie vollzogen hat. Besonders 

die klare Nebeneinanderstellung der dargestellten 

Gegenstände sieht Ertz als Nachweis für die Autorschaft 

Jan van Kessels d.J. an. Hier ist es ein Flechtkorb 

auf einer Tischplatte neben einer Vermeiltazza 

und einem Blumenkranz, welcher in seinem Kolorit 

mit den Farben des neben ihm kauernden Papageis 

korrespondiert. (1240081) (13) 

JAN VAN KESSEL THE YOUNGER, 

1654 ANTWERP – 1708 MADRID 

FLOWER STILL LIFE WITH TAZZA, BASKET, 

WREATH AND PARROT 

Oil on copper, laid on parquetted oak panel. 

25 x 31 cm. 

In partially gilt wooden frame. 

Enclosed an original expert’s report by Dr Klaus Ertz, 

Lingen, 26 July 2020. 

€ 28.000 - € 32.000 

Sistrix 

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165 

GASPAR PIETER VERBRUGGEN D. J., 

1664 ANTWERPEN – 1730 LILLE 

PRÄCHTIGES GROSSES BLUMENSTILLLEBEN 


97 x 79 cm. 

Eine Expertise von Philippe d‘Aicy, Lyon von 2017 liegt 

vor (in Kopie). 

In einem dunklen Innenraum mit einem oben nach 

links gerafften Vorhang, von dem oben rechts ein Reststück 

und eine herabhängende Quaste zu sehen sind, 

die prachtvollen Blumen. Auf einem flachen grauen 

Marmorsockel ein größerer sandfarbener Sockel mit 

Seitenvoluten, vor dem ein erstes Blumengebinde 

steht aus Schneeball, gelben Narzissen, Tagetes, Rosen 

und Tulpen. Auf diesem Sockel ein weiteres Bouquet, 

in dem zudem Primeln und Vergissmeinnicht zu erkennen 

sind; links- und rechtsseitig davon weitere Blüten 

und Efeu. Qualitätvolle Malerei, die Blumen dabei in 

kräftigen leuchtenden Farben, die sich vor dem dunkleren 

Hintergrund besonders gut abheben. Rest., verso 

eine horizontale Unterlegung, Retuschen. (1240364) 

(1) (18) 

GASPAR PIETER VERBRUGGEN THE YOUNGER, 

1664 ANTWERP – 1730 LILLE 

MAGNIFICENT LARGE FLORAL STILL LIFE 


97 x 79 cm. 

A copy of the an expert’s report by Philippe d’Aicy, 

Lyon from 2017 is enclosed. 

Restored, horizontal strip of relining on the reverse. 


€ 28.000 - € 35.000 

Sistrix 

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83



85

166 

ROELOF KOETS D.Ä., 

UM 1592 – 1655 

STILLLEBEN MIT TRAUBEN UND PFIRSICHEN 

Öl auf Holz. 

69 x 97 cm. 

Links mittig signiert „Koets AN (ligiert) 1640“. 

In ebonisiertem Wellenleistenrahmen. 

Auf einer Steinplatte in warmem Licht mehrere, dicht 

übereinanderliegende Weintrauben mit grünen und roten 

Beeren, deren Weinlaub das dichte Fruchtensemble 

rahmt und zum hellen Hintergrund vermittelt und gleichsam 

kontrastiert. Wenige textile Hinterlegungen. 

Anmerkung: 

Die Pfirsiche, welche vor den Trauben lagern, bieten 

neue koloristische Nuancen, wie wir es auch bei 

einem Gemälde von Koets kennen, welches, allerdings 

mit Tischdecke, am 16. Dezember 2004 bei 

Sotheby‘s Paris unter Lot 49 angeboten worden war. 

(1241422) (13) 

ROELOF KOETS THE ELDER, 

CA. 1592 – 1655 

STILL LIFE WITH GRAPES AND PEACHES 

Oil on panel. 

69 x 97 cm. 

Signed “Koets AN (in ligature) 1640” at centre left. 

In ebonized ripple moulding frame. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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167 

JAKOB SEISENEGGER, 

1505 – 1567 LINZ, ZUG. 

BILDNIS KAISER KARL V 

Öl auf Holz. 

52,5 x 39 cm. 

Das Gemälde ist insofern von nicht unerheblichem Interesse, 

als dass uns die Biographie des Malers von 

einem verschollenen Portrait Kaiser Karls V berichtet, 

das Seisenegger 1530 geschaffen hat. Als er während 

des Reichstags zu Augsburg mit einem Portrait Erzherzog 

Ferdinand I beauftragt wurde, schuf er daneben 

auch erstmals ein Bildnis von dessen Bruder Karl 

V. Erst zwei Jahre später, 1632, entstand sein großformatiges 

Gemälde „Kaiser Karl V mit Hund“ (Kunsthistorisches 

Museum Wien), das anschließend auch für 

Tiziano Vecellio (1485/89-1576) als Vorlage dienen sollte 

(Alte Pinakothek München). Portraits des Kaisers 

wurden daneben auch von Barthel Beham (1502-1540) 

oder Lucas Cranach gefertigt, jedoch in völlig anderem 

Charakter. 

Ungeachtet dessen, ob es sich bei dem vorliegenden, 

noch nicht eingehend genug untersuchten Gemälde 

um ein Original Seiseneggers handeln kann, ist hier 

selbst im Falle eines Nachfolgewerkes anzunehmen, 

dass wir es mit einer authentischen Überlieferung an 

das verschollene Bild zu tun haben. 

Das Halbbildnis zeigt den Habsburger Herrscher vor 

dunkelgrünem Hintergrund nach rechts gewandt, mit 

schwarzem Barett, kurzer, weißer Halskrause über 

schwarzem Seidenwams, darüber ein breiter Luchspelzkragen. 

Am Zeigefinder der linken Hand ein kleiner 

Ring mit Edelstein, in der rechten ein Juchtenleder-Handschuh. 

Die Malweise in feiner Ausführung, 

das Inkarnat zeigt eine sehr differenzierte Behandlung 

der Hautoberflächen, die an den Malstil des Rubens 

erinnert, insofern nicht ohne Interesse, als auch Rubens 

eine Kopie nach Tiziano Vecellio schuf, das Portrait 

des Herrschers im Doppelbildnis mit Kaiserin Isabella 

von Portugal (Liria-Palast Madrid). Seisenegger 

selbst wurde geadelt und wirkte an verschiedenen 

Höfen, bis er sich nach seinem Wohnsitz in Wien 

schließlich in Linz zur Ruhe setzte. 

A.R. 

Literatur: 

Vgl. Ernst Birk, Jakob Seisenegger, in: Mitteilungen 

der K.K. Central-Commission zu Erforschung und 

Erhaltung der Baudenkmale, 1856. 

Vgl. Kurt Löcher, Jakob Seisenegger, Deutscher 

Kunstverlag, München 1962. 

Vgl. Sylvia Ferino-Pagden und Andreas Beyer (Hrsg.), 

Tizian versus Seisenegger. Die Portraits Karls V. mit 

Hund. Ein Holbeinstreit, Brepols 2005. 

Vgl. Alfred Kohler, Karl V., 1500-1558, Eine Biograhie, 

C.H. Beck Verlag, 1999. (1241425) (11) 

JAKOB SEISENEGGER, 

1505 – 1567 LINZ, ATTRIBUTED 

PORTRAIT OF CHARLES V, HOLY ROMAN EMPEROR 

Oil on panel. 

52.5 x 39 cm. 

The painting is of considerable interest as Seisenegger’s 

biography mentions a lost portrait of Charles V, 

Holy Roman Emperor created in 1530. At the Diet of 

Augsburg he was commissioned to create a portrait 

of Ferdinand I, Holy Roman Emperor and he also created 

a first portrait of his brother Charles V. Two years 

later, in 1632, he created the large format painting 

“Emperor Charles V with a Dog” (Kunsthistorisches 

Museum, Vienna), which was then used as a reference 

for Titian’s portrait of the Emperor (Alte Pinakothek, 

Munich). 

Literature: 

Compare E. Birk, Jakob Seisenegger, in: Mitteilungen 

der K.K. Central-Commission zu Erforschung und 

Erhaltung der Baudenkmale, 1856. 

Compare K. Löcher, Jakob Seisenegger, Deutscher 

Kunstverlag, Munich 1962. 

Compare S. Ferino-Pagden and A. Beyer (eds.), Tizian 

versus Seisenegger. Die Portraits Karls V. mit Hund. 

Ein Holbeinstreit. Brepols, 2005. 

Compare A. Kohler, Karl V. 1500-1558. Eine Biograhie, 

C.H. Beck Verlag, 1999. 

€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 


168 

PIETER CLAESZ, 

1596 BERCHEM, ANTWERPEN – 1660/61 HAARLEM, 

ZUG. 

GROSSES STILLLEBEN MIT ZINNKANNE, 

WEINGLÄSERN, KREBS UND FRÜCHTEN 

Öl auf Eichenholz. Verso schmale Parkettierleiste 

sowie Schwalbenschwanz-Befestigungseinlagen. 

60,5 x 84 cm. 

Die Gegenstände auf einem Tisch abgestellt, der nur 

teilweise mit einem weißen Tuch bedeckt ist. Darauf 

im Hintergrund eine glanzpolierte Zinnkanne mit geöffnetem 

Deckel, auf der Tülle ein Römerglas, ein weiteres 

auf einem Zinnteller, mit hellem Wein gefüllt. 

Rechts eine schräggestellte Chinoiserieplatte mit 

Beerenfrüchten, dazwischen ein Teller mit einem 

Krebs. Wie in vielen Bildern des Meisters im Vordergrund 

ein Messer mit fein gearbeitetem Griff sowie 

ein Brotstück und Früchte. Insgesamt goldbraune 

Farb wirkung, wobei im Hintergrund links ein Schatten 

schräg ins Bild zieht. Einige feine Schwundrisse in der 

Platte. (1241419) (11) 

PIETER CLAESZ, 

1596 BERCHEM, ANTWERP – 1660/61 HAARLEM, 

ATTRIBUTED 

LARGE STILL LIFE WITH PEWTER JUG, 

WINE GLASSES, CRAB AND FRUIT 

Oil on oak panel. Narrow parquetting slat on the 

reverse and dovetail mounting inserts. 

60.5 x 84 cm. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

88 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.000 additional images. 

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169 

JAN BRUEGHEL D. J. (1601 – 1678) 

UND EIN MALER DER FRANCKEN-FAMILIE 

(ABB. RECHTS) 

BLUMEN UM EIN MEDAILLON MIT 

CHRISTUS ALS KÖNIG 


23,6 x 18,3 cm. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz vom 

2. Juli 2020, das Gemälde den genannten Künstlern 

zuschreibend und auf Beginn der 1640er- Jahre 

datierend. 

Im Zentrum des Gemäldes, im Hochoval, Christus als 

König mit Brustpanzer, darüber der bestickte rote 

Mantel, der am Kragen mit weißem Pelz versehen ist, 

ebenso wie am Mantelsaum. Er trägt auf dem Haupt 

eine goldene Krone, hält in seiner Rechten ein Zepter 

und in seiner Linken drei Nägel und die Dornenkrone, 

als Verweis auf seinen späteren Kreuzestod. Umgeben 

wird er mehrfach von Blumengebinden mit den 

für christliche Themen obligatorischen Blüten: Rosen 

und Tulpen, insbesondere in allen vier Bildecken; diese 

sind durch kleinere Blüten, Blätter und Stiele miteinander 

verbunden. Die Blumen und Blüten in frischen 

leuchtenden Weiß-, Gelb- und Rot tönen, vereinzelt kleinere 

blaue Blüten. Die Blumen sind in den für Jan 

Brueghel d.J. typischen Farben pas tos aufgetragen, 

und sprechen für eine Zeit ab den späten 1630er- 

Jahren. 

Nach Klaus Ertz bediente sich Brueghel in solchen 

Bildern mit Blumen und einer christlichen Figur fast 

immer der Hilfe befreundeter Figurenmaler, so ist hier 

bevorzugt an ein Mitglied der Francken-Familie zu 

denken. Retuschen. (12417518) (18) 

€ 5.000 - € 7.000 

Sistrix 

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170 

JACOB VAN TOORENVLIET, 

1635/41 LEIDEN – 1719 OEGSTGEEST 

Der Maler war Schüler seines Vaters, weitergebildet 

in Rom, später in Wien und Leiden tätig. Er wurde 

bekannt durch seine vorzugsweise halb bildnisartigen, 

halb sittenbildlichen Personendarstellungen höherer 

Stände; zahlreiche Werke seiner Hand in öffentlichen 

Sammlungen wie Berlin, Bordeaux, Budapest, Graz, 

Innsbruck, Karlsruhe, Lüttich, Venedig, Warschau, Dresden 

oder Weimar. 

BÄRTIGER MANN MIT SCHTREIMELMÜTZE UND 

WEINGLAS 

Öl auf Kupfer mit verso erkennbarem Hammerschlag. 

13,8 x 11,3 cm. 

Das Bild ist am Oberrand links monogrammiert und 

datiert „JT 1667“ 

Ungerahmt. 

Als Sohn eines Glasmalers und Zeichenlehrers wurde 

Toorenvliet schon früh in die Lehre von Gerard Dou 

gegeben, einem Schwager des Vaters. 1659, nach Beendigung 

seiner Ausbildung, datiert auch das erste 

von ihm bekannt gewordene Gemälde. Auf Reisen 

nach Wien und Rom, dann 1670 erneut in Rom, nahm 

er weniger Stileinflüsse auf, als vor allem Eindrücke, 

die sein Wirken in der Genremalerei prägen sollten. In 

Venedig verheiratet, zog er mit Familie 1673 erneut 

nach Wien, wo er bis 1679 blieb. Die Datierung des 

vorliegenden Bildes lässt durch die Datierung 1667 

die bisherige Meinung korrigieren, dass die kleinformatigen 

Werke erst in den Jahren ab 1579 entstanden 

wären. Die Betrachtung seines Lebensweges nach 

Entstehung des Porträts kann hier also außer Acht gelassen 

werden. Wichtiger jedoch ist, dass Toorenvliet 

in den Jahren der Entstehung des vorliegenden Bildes 

sich auch der Thematik des jüdischen Lebens gewidmet 

hat, die als bemerkenswert und einzigartig gilt. So 

liegt nahe, dass es sich bei dem Bildchen möglicherweise 

um einen graubärtigen jüdischen Mann handelt, 

der soeben ein Weinglas im Ritus des Weinsegnens 

in der linken Hand hält. Die Ruhe im Bild, ganz im Gegensatz 

zu den weiteren seiner Trinkerdarstellungen, 

der für diese Zeit typische, mit Zobelpelz besetzte 

Schtreimelmütze, aber auch die Art des Halskragens 

über grünlich-schwarzem Kittel unterstützen diese Annahme. 

Wie alle seiner kleinformatigen Bildnisse ist 

auch diese porträthafte Darstellung äußerst feinpinselig 

angelegt. Die Lichtführung von links vermittelt eine 

warme Farbgebung. A.R. (1241865) (1) 

JACOB VAN TOORENVLIET, 

1635/41 LEIDEN – 1719 OEGSTGEEST 

BEARDED MAN WITH CAP AND WINE GLASS 


Hammer strokes visible on the reverse. 

13.8 x 11.3 cm. 

Monogrammed and dated “JT 1667” top margin. 

Unframed. 

The date “1667” on the present painting helps to adjust 

previous assumptions that these small format 

paintings were created only after 1579. A review of 

his œuvre after the creation of the portrait can therefore 

be disregarded here. It is important to bear in 

mind that during the period of the creation of the 

present painting, Toorenvliet focused on subjects of 

Jewish life, which are considered remarkable and 

unique. It is therefore conceivable that the man with 

the grey beard in the picture is possibly of Jewish heritage. 

Like all of his small format portraits, the present painting 

is also executed in fine painting. 

The direction of light from the left conveys a warm 

colouration. 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

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89

171 

HANS ROTTENHAMMER D.Ä. (1564/5 – 1625) 

UND JAN BRUEGHEL D.Ä. (1568 – 1625) 

VORBEREITUNG ZUR HOCHZEIT VON AMPHITRITE 

UND POSEIDON 


140 x 190 cm. 

Ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz vom 20. Juli 2013 

liegt vor. Er bewundert in seinem Schlusssatz die 

Konsequenz, mit der das komplizierte Bildthema von 

zwei unterschiedlichen Künstlern, welche noch dazu 

verschiedener Nationalität waren, verknüpft werden 

konnte. In seinem Fazit kommt er zu dem Ergebnis, 

dass die Zuschreibung „eigenhändige Arbeit von Hans 

Rottenhammer (Figuren) und Jan Brueghel d.Ä. (Landschaft) 

entstanden um 1595 in Italien“ zu lauten hat. 

Poseidon war in Liebe entbrannt für die schöne Amphitrite, 

doch diese fürchtete sich und nutzte die Tiefen 

des Ozeans als Deckung. Schließlich war es ein von 

Poseidon entsandter Delfin, welcher Amphitrite aufspürte 

und für den Gott gewann. Das vorliegende Gemälde 

zeigt den bewegenden Moment, in welchem 

Amphitrite zurückkehrt, um Poseidons Antrag anzunehmen. 

Wie die meisten Gemälde, welche in Zusammenarbeit 

der beiden genannten Künstler entstanden, wurde 

wohl auch dieses Gemälde um 1595 gefertigt. Ertz betont 

die große Könnerschaft Brueghels, welche dieser 

jedoch als begrenzt ansah, kam die Aufgabe auf Frauenakte. 

Hier holte er sich gern Hilfe von bekannten 

Künstlern, welche diese Aufgabe gern und mit Bravour 

meisterten; der wohl bekannteste und beliebteste war 

Hans Rottenhammer. 

Provenienz: 

Sammlung Verber, Sevilla, dort seit ca. 80-100 Jahren. 

Anmerkung: 

Stilistische Verwandschaft zeigt das vorliegende 

Gemälde mit folgenden Werken: 

Andromeda und Perseus, Wien, Galerie Sankt Lucas, 

2008 (Ertz/ Nitze-Ertz, 2008-10, Bd. II, Kat. 336 mit 

Farbtafel, Fotokopie 1). 

Circe und Ulysses. Toronto, Art Gallery of Ontario 

(Ertz/ Nitze-Ertz 2008 - 2010, Bd. I, Kat. 347 mit Abb. 

Das Urteil des Midas. Cambridge, The Fitzwilliam 

Museum, Inv. Nr. PD 23-1981 (Ertz/ Nitze-Ertz 2008 

- 2010, Bd. II, Kat. 375 mit Abb.). 

Göttermahl am Meer. St. Petersburg, Eremitage, 

Inv. Nr. 688. (Ertz/ Nitze-Ertz 2008-2010, Bd. II, Kat. 412 

mit Abb.). 

Kinderreigen. München, Alte Pinakothek, Inv. Nr. 753 

(Ertz/ Nitze-Ertz 2008-2010, Bd. II, Kat. 419 mit Abb.). 

(1240596) (13) 

HANS ROTTENHAMMER THE ELDER (1564/5 – 1625) 

AND JAN BRUEGHEL THE ELDER (1568 – 1625) 

PREPARATION FOR THE WEDDING OF AMPHITRITE 

AND POSEIDON 


140 x 190 cm. 

An expert’s report by Dr Klaus Ertz dated 20 July 2013 

is enclosed. In his conclusion Dr Ertz admires the 

consistency with which these two diverse artists of 

different nationality connected to create this complicated 

pictorial subject. He concludes that “the painting 

was created by Hans Rottenhammer (figures) and 

Jan Brueghel the Elder (landscape) own hands in Italy 

ca. 1595”. 

Provenance: 

Verber collection, Seville, held there for ca. 80-100 

years. 

Notes: 

The painting shows stylistic similarities with the 

following works: 

Andromeda and Perseus, Vienna, Galerie Sankt Lucas, 

2008 (Ertz/ Nitze-Ertz, 2008-10, vol. II, cat. 336 with 

colour plate, photocopy 1). 

Circe and Ulysses, Toronto, Art Gallery of Ontario 

(Ertz/ Nitze-Ertz 2008-2010, vol. I, cat. 347 with ill. 

The Judgement of Midas, Cambridge, The Fitzwilliam 

Museum, inv. no. PD 23-1981 (Ertz/ Nitze-Ertz 

2008-2010, vol. II, cat. 375 with ill. 

The Feast of the Gods, Saint Petersburg, Hermitage 

Museum, inv. no. 688. (Ertz/ Nitze-Ertz 2008-2010, 

vol. II, cat. 412 with ill.). 

The Children's Dance, Munich, Alte Pinakothek, inv. 

no. 753 (Ertz/ Nitze-Ertz 2008-2010, vol. II, cat. 419 

with ill.). 

€ 150.000 - € 250.000 

Sistrix 

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91

172 

FLÄMISCHER MALER 

DES 17./ 18. JAHRHUNDERTS 

BERGIGE LANDSCHAFT MIT DER GÖTTIN DIANA 

BEI DER JAGD 

Öl auf Holz. 

29 x 41 cm. 

In dekorativem, teils mit Gold bemaltem Rahmen. 

Unter abendlichem Himmel die von rechts kommende 

Jagdgruppe, im Zentrum die Göttin Diana mit Monddiadem, 

Lanze in ihrer rechten Hand haltend und 

einem zu ihr hochspringenden schmalen Jagdhund. 

Sie ist bekleidet mit weißem Untergewand, darüber 

roter Chiton, dabei die rechte Brust freilassend. Eine 

jugendliche Hornbläserin, die in ihrer rechten Hand 

einen Bogen hält und um die Hüften einen Köcher mit 

Pfeilen befestigt hat, eilt ihr voraus. Drei weibliche 

Jagdgehilfinnen folgen Diana, ebenfalls Lanzen haltend, 

in Begleitung mehrerer Jagdhunde. Harmonische 

Malerei in teils kräftiger Farbgebung. (1241884) (18) 

FLEMISH SCHOOL, 

17TH/ 18TH CENTURY 

MOUNTAINOUS LANDSCAPE WITH THE HUNTING 

GODDESS DIANA 

Oil on panel. 

29 x 41 cm. 

In decorative frame, partially painted in gold. 

€ 15.000 - € 25.000 

Sistrix 

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173 

OSIAS BEERT D. Ä., 

UM 1580 ANTWERPEN – 1623/24 EBENDA, ZUG. 

STILLLEBEN MIT PRUNKPOKAL, GLÄSERN UND 

FRUCHTSCHALEN 


49 x 65 cm. 

Die Kupferplatte trägt auf der Rückseite den Hersteller-Prägestempel 

von Peter Stax, Antwerpen, 

datiert „1608“. 

Schon der erste Eindruck, den das Gemälde hinterlässt, 

führt uns zu einer neuen Bildauffassung dieser 

Zeit, nämlich des „autonomen Stilllebens“. Das heißt, 

die dargestellten Gegenstände sollen einzig für sich 

sprechen, ohne Bildverweise, etwa auf Bibelthemen, 

ohne agierende Figuren oder ähnliches Beiwerk. Osias 

Beert war damit einer der bekanntesten Stilllebenmaler 

des beginnenden 17. Jahrhunderts und auf diesem 

Gebiet einer der ersten, die sich ganz auf die 

Präsentation vor allem hochwertiger Gefäße, seltener 

Chinaporzellanschalen, vor allem aber einer eleganten 

Anordnung verlockender Früchte und Speisen konzentriert 

hat. Dieser Aspekt ist auch in dem vorliegenden 

Stillleben zu erkennen. 

So konkurrieren die einzelnen Gegenstände in ihrer 

jeweils anziehenden Wirkung. Dennoch zeigt sich ein 

klar gegliederter Aufbau: Das Zentrum beherrscht ein 

goldener Deckelpokal, sowohl in seiner leuchtenden 

Farbigkeit als auch in der Dominanz durch seine Höhe. 

Nahezu in einem Waagschalen-Gleichgewicht flankieren 

zwei zart gestaltete Gläser, eines in Schalenform 

mit Weißwein, das Rechte fasst den Rotwein bis hinunter 

in den Stiel – beide Gläser in filigraner Glastechnik 

mit angesetzten Henkeln gestaltet. Dieser horizontalen 

Gliederung und der Strenge gegenüber erscheinen 

die drei Früchteplatten scheinbar willkürlich gelegt. 

Dennoch liegt auch hierin reife Überlegung. Die zuvorderst 

am Tischrand liegende Platte zeigt sich als wertvolles 

Chinaporzellan, gefüllt mit gemischten Baumfrüchten 

und geöffneter Walnussschale. Ein Messer 

mit kostbarem Elfenbeingriff liegt davor an der Tischkante, 

für den Betrachter „zum Greifen nah“ und ihn 

einladend zum Genießen mit den Augen. Dem Wein 

geschmacklich zugeordnet sind die entsprechenden 

Füllungen der Zinnteller: Helle und dunkle Trauben 

beim weißen Wein, mit Kräuterblättern überstreute 

grüne Oliven neben dem Roten. Dabei wurden auch 

jeweils die Komplementärfarben Rot und Grün in Zusammenstellung 

gebracht. Ein Stück Weißbrot fungiert 

hier nicht nur kompositionell, sondern auch im 

Sinne der Genussabrundung. 

Fast unmerklich hat sich auch Leben in dieses „nature 

mort“- Thema eingefunden, in Gestalt zweier Schmetterlinge, 

ein Motiv, das in der Folge der späteren 

Stilllebenmalerei mit Insekten und Kleintieren noch 

wesentlich weiter kultiviert werden sollte. 

Stilistisch steht Osias Beert d. Ä. den anderen frühen 

Meistern auf diesem Gebiet nahe, wie Clara Peeters 

(um 1585-um 1655), Jacob van Hulsdonck (1582-1647) 

oder Jan Brueghel d. Ä. (1568-1625), aber auch Georg 

Flegel (1566-1638). Jedoch ist, auch in diesem Bild, 

sein feinerer eleganter Geschmack erkennbar, eine 

wohl nur ihm eigene Charakteristik. Als Schüler des 

Andries van Baseroo wurde er 1602 Meister der Antwerpener 

Lukasgilde. Neben seinem Sohn, Osias Beert 

d. J. (1622-1678), sind uns auch etliche seiner Schüler 

bekannt geworden, wie vor allem Fans Ykens (um 1601- 

um 1693) oder Jan Willemsen u.a. 

Nur zwölf von insgesamt nahezu 100 Gemälden hat 

der Meister signiert. Eine Datierung finden wir auf keinem 

einzigen seiner Bilder. Allerdings wissen wir, 

dass Osias Beert d. Ä. bei seinen Stillleben neben 

Eichenholz vor allem Kupferplatten verwendet hat, 

was auch hier der Fall ist. A.R. (1231152) (11) 

OSIAS BEERT THE ELDER, 

CA. 1580 ANTWERP – 1623/24 IBID., ATTRIBUTED 

STILL LIFE WITH MAGNIFICENT TROPHY CUP, 

GLASSES AND FRUIT BOWLS 


49 x 65 cm. 

The copper plate with embossed manufacturer 

stamp by Peter Stax, Antwerp, dated “1608” on 

the reverse. 

The first impression of the painting already suggests 

a new image concept of the time, namely the autonomous 

still life. 

Osias Beert was one of the most famous still life 

painters of the early 17th century and one of the first 

in this genre concentrating entirely on the depiction of 

high-quality vessels, rare Chinese porcelain bowls but 

especially his elegant depiction of tantalizing fruit and 

food. 

Osias Beert the Elder’s style is similar to that of other 

early masters in this genre such as Clara Peeters (ca. 

1585-ca. 1655), Jacob van Hulsdonck (1582-1647) or 

Jan Brueghel the Elder (1568-1625), but also Georg 

Flegel (1566-1638). As in the painting on offer for sale 

here, however, his more refined and elegant taste is 

obvious – probably a unique characteristic feature of 

his work. As a student of Andries van Baseroo he became 

a master at the Guild of Saint Luke in Antwerp 

in 1602. Apart from his son Osias Beert the Younger 

(1622-1678) numerous of his students are known, especially 

Fans Ykens (ca. 1601-ca. 1693) or Jan Willemsen 

among others. 

The master only signed twelve of overall almost 100 

paintings and none of his paintings are dated. It is, 

however, well established that Osias Beert the Elder 

used oak panels and especially copper plates for his 

still lifes, which is also the case on this occasion. 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

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97

174 

LUCAS VAN VALCKENBORCH, 


HÖFISCHES FRÜHLINGSFEST VOR EINEM 

SCHLOSS MIT SCHLOSSGARTEN UND 

STALLGEBÄUDEN 

Öl auf Holz. 

65 x 92,5 cm. 

Beigegeben Gutachten von Dr. Ursula Härting, 

30.6.2020. 

Das Bildformat ist bewusst breit gewählt, um einen 

nahezu panoramahaften Blick über eine nach hinten 

sich weit hinziehende Landschaft zu erlauben; seitlich 

begrenzt durch einen höfisch angelegten Garten links, 

sowie dem Schlossgebäude am rechten Bildrand. Der 

Blick über die Landschaft aus der Kavaliersperspektive 

dominiert die im Vordergrund nebeneinander gereiht 

stehenden, höfisch gekleideten Personen. Sie sind als 

vier Paare gezeigt. Dies und die Pflanzarbeit im regelmäßig 

gegliederten Garten mit Weinspalieren, lassen 

das Thema als festlichen Austritt in den Frühling erkennen. 

Der Herr des in der Mitte stehenden Paares 

spielt auf einer Laute, was den festlichen Charakter 

betonen soll. Weitere Paare im Mittelgrund, davon 

eines unter einem Baum liegend, sowie die spielenden 

Hündchen links in der unteren Ecke, aber auch die 

ins Freie gebrachten Stalltiere verweisen ebenfalls 

auf den Frühlingscharakter der Darstellung. 

Besonderen Wert hat der Maler auf die Ausstattung 

der Kleidungen gelegt, mit Seidenglanz in den roten 

Röcken oder Goldbordüren, die auf schwarzem Tuch 

aufleuchten. Ein Hofzwerg mit Federhut, unpassend 

großem Degen und Jagdhund, beschließt die Personengruppe 

am rechten Bildrand. Bäume und die Landschaft, 

die sich nach hinten zu einer Bucht hinzieht, in 

blauer und weißer Luftperspektive. A.R. (1231153) 

(11) 

LUCAS VAN VALCKENBORCH, 


SPRING FESTIVAL AT COURT IN FRONT 

OF A PALACE WITH GARDENS AND 

STABLES 

Oil on panel. 

65 x 92.5 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Ursula 

Härting, dated 30.6.2020. 

The format is deliberately broad to give an almost 

panoramic view of a vast and deep landscape reaching 

far to the horizon. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 



99

175 

FRANZ WERNER VON TAMM, 

1658 HAMBURG – 1724 WIEN 

STILLLEBEN MIT JUNGEM HUND UND 

JAGDTROPHÄEN 


93,5 x 131 cm. 

Rechts unten signiert und datiert. 

In dekorativem Rahmen. 

In bergiger Landschaft sitzt auf der linken Seite vor 

dem Grün eines Baumes am Boden ein junger schwarzweißer 

Collie, der seinen Kopf gewendet hat und nach 

links aufmerksam aus dem Bild schaut. Daneben hängt 

an einer langen Stange ein großer Auerhahn nach unten 

mit prachtvollem Gefieder. Weitere kleine erlegte 

Vögel liegen am Boden. Auf der rechten Bildseite ist 

zudem eine große Ackerwinde zu erkennen mit ihren 

blauen Blüten, die teils bis zum Boden herabhängen. 

Im Hintergrund eine bläuliche Berglandschaft unter 

hohem Himmel. Harmonische, farblich ausgeglichene 

Malerei mit gekonnter Hell-Dunkel-Akzentuierung. 

Ins besondere am linken Rand eine Retusche. 

(1240231) (1) (18) 

FRANZ WERNER VON TAMM, 

1658 HAMBURG – 1724 VIENNA 

STILL LIFE WITH YOUNG DOG AND 

HUNTING TROPHIES 


93.5 x 131 cm. 

Signed and dated lower right. 


€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

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176 

MICHELANGELO CERQUOZZI, 

1602 ROM – 1660, ZUG. 

Bekannter Vertreter der Bambocciatemalerei. 

FRÜCHTESTILLLEBEN 


121,5 x 95 cm. 

In geschnitztem und vergoldetem Rahmen. 

Auf einem zweistufigen Aufbau arrangierte Früchte 

wie Melonen, Trauben, Feigen, Äpfel und Granatäpfel 

sowie eine Schnecke, welche sich über die Trauben 

hermacht. Die Feigen in einer vergoldeten Metalltazza 

gelagert. Rückwärtige Auktionsnummerierungen. 

(1240254) (13) 

MICHELANGELO CERQUOZZI, 

1602 ROME – 1660, ATTRIBUTED 

FRUIT STILL LIFE 


121.5 x 95 cm. 

In carved and gilt frame. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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177 

BERNARDO BELLOTTO, 

GENANNT „CANALETTO“, 

1721 VENEDIG – 1780 WARSCHAU 

DER NEUMARKT IN DRESDEN MIT BLICK 

AUF DIE FRAUENKIRCHE 


62 x 96 cm. 

Dem Gemälde ist eine ausführlich dokumentierte 

Expertise beigegeben, von Dario Succi, Gorizia, mit 

Vergleichs- und weiteren Literaturangaben. 

Der Betrachterstandpunkt ist aus einem erhobenen 

Geschoss eines Gebäudes am Jüdenhof, einem intimen 

Nebenplatz des Neumarktes anzunehmen. Hauptmerkmal 

ist dabei die mit hoher Kuppel aufragende 

Frauenkirche, 1726-43 von George Bähr errichtet, 

kriegszerstört und erst in den letzten Jahren wieder 

aufgebaut. Ihr kurzer Seitenarm ragt zwischen den 

Kaufmannsgebäuden hervor. Rechts davon riegelt die 

Alte Hauptwache den Platz ab, ein niedriger, längsziehender 

Bau, ehemals, „Corps de Garde“ oder Altstädter 

Wache, mit Laubengang, 1715 errichtet, allerdings 

bereits nach Schäden des Siebenjährigen 

Krieges dann 1766 abgerissen. Mehrere Gemälde Belottos, 

darunter das hier vorliegende, haben dieses 

Gebäude vor Vergessenheit bewahrt, als Erinnerung 

an ein untergegangenes Baudenkmal der Stadt. 

Es sind nicht zuletzt die hier genannten Bauten, die 

eine Datierung des Gemälde präzisieren lassen, also 

ab 1745 und vor 1749, als der Stich erschienen ist. 

Von den bekannt gewordenen Versionen der Dresdener 

Neumarktvedute darf wohl jene Ausführung als 

erste gesehen werden, die den Platz mit dem Einzug 

König Augusts III, in seiner goldenen, achtspännig gezogenen 

Kutsche mit entsprechendem Gefolge zeigt. 

Diese Version dürfte auch im Auftrag des Herrschers 

erfolgt sein, der als Sohn Augusts des Starken nach 

seiner Thronbesteigung 1733 Dresden eigentlich erst 

zum höchsten Glanzpunkt geführt hat, durch seine berühmten 

Gemäldesammlungen, Förderung der Oper 

von Weltruhm und Bereicherung der Stadt durch 

Prachtgebäude. Die vorliegende Variante zeigt den 

Platz nun mit reicher Figurenstaffage, als Wiedergabe 

des alltäglichen Lebens in der Barockstadt. Dadurch 

wird das Schauinteresse weit mehr auf die Platzarchitektur 

gelenkt. So nimmt auch das links im Sonnenlicht 

stehende „Johanneum“ einen prominenten 

Stellenwert ein, ein Bau von Paul Buchner, 1747 als 

Gemäldegalerie errichtet, der die berühmten Bildersammlungen 

Augusts enthielt, die dann erst 1855 in 

einen Semperbau transferiert wurden. Die vorgelegte 

Treppe war für das Erreichen des Obergeschosses zu 

Pferde gedacht. 

Von der bekannteren, auch im Stich verbreiteten 

Version nimmt die Forschung an, dass Bellotto zum 

Zweck der würdigen Präsentation des prunkvollen 

Kutscheneinzuges des Auftraggebers den Platzraum 

größer dargestellt hat, als er wirklich ist. Diese Vorgehensweise 

einer künstlerischen Freiheit findet sich im 

18. Jahrhundert nicht selten. Jüngere kunsthistorische 

Forschung durch Stefan Herzig hat den Sachverhalt 

geklärt (siehe Montage): Bellotto hat das 

Gebäude rechts im Bild, den Giebelbau des alten 

„Gewandhauses“, weiter nach rechts gerückt, sodass 

die nach hinten aus dem Platz ziehende Pirnaische 

Gasse sichtbar wird, was perspektivisch eigentlich 

nicht möglich wäre, dies jedoch, um dem Kutschengespann 

weiteren Raum zu geben. Doch damit ist 

auch im vorliegenden Bild eine gesamtheitliche Vedute 

ermöglicht worden. 

Auch das das alte zweigiebelige Gewandhaus rechts 

ging im Zuge des Abrisses der Wache 1766 verlustig, 

später nicht wieder aufgebaut und erst in neuester 

Zeit durch einen Hotelbau ersetzt. 

Das Gemälde ist eines der wesentlichen und bedeutenden 

Dokumente des barocken Dresden. Neben 

der Wiedergabe der alten Stadtbaustruktur sind hier 

auch die zahlreichen Personen auf dem Platz, einzeln 

oder in Gruppen gezeigt, lebendige Erinnerungen an 

die städtische Gesellschaft der Rokokozeit. Szenen, in 

denen sich Handwerker mit ihren Geräten ebenso 

finden wie Höflinge, Kinder oder spielende Hunde, 

immer bietet die Darstellung dem Auge eine lebendige 

Sicht auf das Dresden des 18. Jahrhunderts. Die 

Feinheit der Pinselführung gibt zudem auch die architektonischen 

Details in akribischer Genauigkeit wieder. 

Bellotto, der neben Dresden auch die Städte Warschau 

und Wien verewigt hat, war der Neffe des seinerzeit 

schon berühmten Vedutenmalers Giovanni Antonio 

Canal, genannt Canaletto (1697-1768). Dieser hatte 

sein Talent schon früh entdeckt und ihn in seine Werkstatt 

aufgenommen. 1738 wurde er Zunftmitglied in 

Venedig. Die Pinselhandschrift von Onkel und Neffe 

ist oft schwer zu unterscheiden. Laut Kowalczyk lässt 

sich bei Bernardo eine härtere, kontrastreichere Auffassung 

in den Architekturdetails feststellen, was 

auch auf unser vorliegendes Werk zutrifft. In Dresden 

von August III gerufen und vom Ersten Minister Graf 

Heinrich von Brühl unterstützt, wurde er alsbald Dresdener 

Hofmaler, mit einem nicht unerheblichen Jahresgehalt. 

Dazu übernahm das Königspaar auch die 

Patenschaft für die Kinder des Malers. 

Der Hauptzyklus von 14 Dresdener Veduten befindet 

sich in der dortigen Gemäldegalerie, die Bilder entstanden 

bis 1754. Davon wurden 13 im Auftrag des 

Grafen Brühl in gleicher Größe nochmals wiederholt, 

sodass Bellotto erst ab 1753 sich der Veduten der 

Nachbarstadt Pirna annehmen konnte. Erst nachdem 

ab 1760 die Aufträge nachließen, begab er sich nach 

Warschau an den Hof des neuen polnischen Königs 

Stanislaw II. Auch dort schuf er Veduten, in denen die 

zeitgemäße Figurenstaffage nun einen wichtigen Platz 

in der Bildauffassung einnehmen sollte, von denen 

viele sich sogar als identifizierbar erwiesen haben. Inwieweit 

solches auch bei vorliegendem Dresdenbild 

zutrifft, wurde bislang noch nicht geklärt. 

A.R. 

Literatur: 

Andreas Henning, Sebastian Oesinghaus, Sabine 

Bendfeldt, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 

Gemäldegalerie Alte Meister (Hrsg.): Bernardo Bellotto: 

Der Canaletto-Blick. Sandstein Verlag, Dresden 

2011. 

Angelo Walther, Bernardo Bellotto genannt Canaletto: 

ein Venezianer malte Dresden, Pirna und den Königstein. 

Verlag der Kunst, Dresden 2006. 

Stefan Kozakiewicz, Bellotto, Bernardo, in: Alberto 

M. Ghisalberti (Hrsg.): Dizionario Biografico degli 

Italiani (DBI). Bd 7: Bartolucci-Bellotto. Istituto della 

Enciclopedia Italiana, Rom 1965. Und 1972; dort 

Bd. II, Nr. 297, 301.). 

Alberto Rizzi, Bernardo Bellotto, Dresda, Vienna, 

Monaco, 1996, S. 143. (1240595) (11) 

BERNARDO BELLOTTO, 

ALSO KNOWN AS “CANALETTO”, 

1721 VENICE – 1780 WARSAW 

THE NEW MARKET SQUARE IN DRESDEN WITH 

VIEW OF THE CHURCH OF OUR LADY 


62 x 96 cm. 

A detailed expert’s report by Dario Succi, Gorizia, with 

examples of comparison and further bibliographical 

references is enclosed. 

The supposed viewpoint for this vista is from an upper 

story of a building at Jüdenhof, an intimate square 

besides the New Market in Dresden. The key aspect 

of the depiction is the towering dome of the Church 

of our Lady [Frauenkirche] built by George Bähr 1726- 

43, destroyed during the Second World War and rebuilt 

in recent years. The building of the old Main 

Guard [Alte Hauptwache] is closing the square off to 

the right; built in 1715 it was already in 1766 demolished 

after the damage caused by the Seven Years’ 

War. Several paintings by Bellotto including the one on 

offer for sale in this lot have preserved this forgotten 

historic building as a memory. It is not just the aforementioned 

buildings that allow a narrowing down of 

the painting’s creation date, i.e. between 1745 and 

before 1749, when the engraving was published. 

Of the known versions of the Dresden New Market 

Square vedutas, a version depicting King Augustus III 

in his gold state coach pulled by eight horses marching 

onto the square with his respective entourage can 

probably be considered the first. This version is likely 

to have been a commission by the sovereign who 

came to the throne in 1733, following the death of his 

father Augustus II the Strong and it was under his rule 

that Dresden reached its heyday due to his famous 

collection of paintings, his promotion of the opera to 

world fame and by enhancing the cityscape with magnificent 

buildings. The version on offer for sale here 

shows the square with rich figural staffage, a rendition 

of everyday life of this Baroque city. This also directs 

the viewer’s interest to the architecture surrounding 

the square. The so-called “Johanneum” can 

be seen on the left, bathed in sunlight and assuming 

a prominent position. It was designed by Paul Buchner 

in 1747 as a picture gallery to hold Augustus’ famous 

collection before it was transferred to the Semper 

Gallery in 1855. The staircase on the front of the 

building was originally intended to reach the upper 

floor on horseback. Researchers believe that Bellotto 

depicted the square bigger than in real life in order to 

accommodate the magnificent carriage parade of the 

patron of this painting with regards to the more 

known version, which was also published as an engraving. 

This type of artistic licence is not uncommon 

during the 18th century. More recent art historical research 

carried out by Stefan Herzig helped to clarify 

the facts (see photomontage): 

Bellotto has moved the building on the right, the old 

gabled “Gewandhauses” [cloth house], so that an alley 

at the back of the square, the so called “Pirnaische 

Gasse” shows, a perspective that would normally not 

be possible but gives the horse-drawn carriage a wider 

space. This also allowed for an overall veduta in the 

painting on offer for sale here. The “Gewandhaus” 

with the two gables on the right was also lost when 

the old Main Guard was demolished in 1766 and not 

rebuilt until recently, when it was replaced by a hotel 

building. The painting is a significant and important 

document of Dresden during the Baroque era. Apart 

from the depiction of the old building structure of the 

city, the figural staffage depicted as individuals or in 


groups gives a lively impression of the urban society 

during the rococo period. Various scenes such as 

craftsmen with their tools, courtiers, children or dogs 

playing catch the eye and give a lively impression of 

18th century life in Dresden. 

The fineness of the brushwork also conveys the architectural 

detail with meticulous precision. Bellotto, 

who, besides Dresden, also immortalized the cities of 

Warsaw and Vienna was the nephew of the famous 

contemporary veduta painter Giovanni Antonio Canal, 

also known as Canaletto (1697–1768). His uncle discovered 

his talent early and took him into his workshop. 

He became a member of the painter’s guild of 

Venice in 1738. It is often hard to distinguish between 

the brushwork of uncle and nephew. According to 

Kowalczyk, Bellotto’s œuvre features a harsher, more 

contrasting style with regards to architectural details, 

which is also the case in the painting on offer for sale 

in this lot. He was called to Dresden by Augustus III 

and, with the assistance of first minister Count 

Heinrich von Brühl, he was soon appointed Dresden 

court painter receiving a significant annual salary. The 

royal couple also became the godparents of the artist’s 

children. 

The main cycle of 14 Dresden vedutas created until 

1754 is held at the Gemäldegalerie Alte Meister in 

Dresden. Out of these, Count von Brühl commissioned 

13 reproductions of the same size, so that 

Bellotto was only able to focus on vedutas of the 

neighbouring city of Pirna from 1753 onwards. When 

commissions decreased after 1760, he was able to 

relocate to Warsaw to the court of the new Polish 

King Stanislaw II, where he also created vedutas. The 

contemporary figural staffage in those Warsaw paintings 

took a much more prominent part in the composition 

and many of the painted figures are recognizable 

contemporaries. To what extent this may also be 

true for the Dresden painting on offer for sale here, 

has not yet been clarified. 

Literature: 

A. Henning, S. Oesinghaus, S. Bendfeldt, Staatliche 

Kunstsammlungen Dresden, Gemäldegalerie Alte 

Meister (ed.): Bernardo Bellotto: Der Canaletto-Blick, 

Dresden 2011. 

A. Walther, Bernardo Bellotto genannt Canaletto: ein 

Venezianer malte Dresden, Pirna und den Königstein, 

Dresden 2006. 

S. Kozakiewicz, Bellotto, Bernardo, in: Alberto M. 

Ghisalberti (ed.): Dizionario Biografico degli Italiani 

(DBI), vol. 7: Bartolucci-Bellotto. Istituto della Enciclopedia 

Italiana, Rome 1965. And 1972; vol. II, no. 297, 

301. 

A. Rizzi, Bernardo Bellotto, Dresden, Vienna, Monaco 

1996, p. 143. 

€ 500.000 - € 700.000 

Sistrix 

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105

178 

GIOVANNI ANTONIO CANAL, 

GENANNT „CANALETTO“‘, 

1697 – 1768 VENEDIG 

RUINENCAPRICCIO MIT RÖMISCH-ANTIKEN 

FIGUREN UND DENKMÄLERN SOWIE DER 

VEDUTE DER STADT PADUA 


70 x 90,7 cm. 

In bronziertem Rahmen. 

Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Dario Succi, 

5. Juni 1995. Ebenfalls in Kopie ein Bestätigungsschreiben 

von Prof. Ugo Ruggeri, Venedig, sowie von F. 

Pedrocco, 13. März 2002 und Prof. Giuseppe Maria 

Pilo, 12.3.2000. 

Vor dem Betrachter breitet sich ein prächtiger Ausblick 

über die Stadt Padua aus mit einem Ruinencapriccio 

im Vordergrund und der Porta Ponte Corvo im Zentrum 

des Gemäldes mit dem links im Vordergrund 

sichtbaren Canale Piovego und darüber der Palazzo 

della Ragione mit seinen wundervollen Arkadengängen 

sowie die Kuppel und der Campanile der Santa 

Giustina. Rechts im Vordergrund jedoch ein architektonisches 

Versatzstück mit welchem Canaletto sein in 

Lichtregie typisches Werk von rechts her einführt: 

eine gotische Bogenhalle mit gotischem Aufbau. Die 

ruinösen Arkaden sind typisch für Canaletto und können 

als Hauptaugenmerk im Zentrum des Geschehens 

stehen, wie in dem Gemälde von 1756, welches sich 

im Museo Poldi Pezzoli in Mailand befindet, oder bei 

uns eine einleitende Funktion haben, wenn das Hauptaugenmerk 

auf dem Mittel- und Hintergrund liegen 

soll. Der geschichtliche Aspekt, den die Ruinen vermitteln 

sollen und welcher historischen Skulpturen – wie 

hier der Löwe oder der rechts am Bildrand befindliche 

Sarkophag – innewohnt, wird nachdrücklich durch die 

Staffagefiguren vermittelt, welche zwar einerseits ihren 

Alltagsgewohnheiten nachgehen, andererseits aber 

(vielleicht Reisende) den historischen Monumenten 

Aufmerksamkeit schenken. Häufig sehen wir den müden 

Blick von Staffagefiguren, wie bei der sitzenden 

Figur ganz rechts am Rand. Dario Succi schlägt für 

unser Werk eine Datierung von 1742-1745 vor, während 

alle anderen von einer reiferen Schaffensperiode 

um 1756 ausgehen, also nach seiner Rückkehr nach 

Venedig von seiner ausgedehnten London Reise. Von 

diesem natürlich sehr beliebten Thema mit der schönen 

Ansicht Paduas gibt es mehrere Fassungen, wobei 

die ursprüngliche Fassung bis heute noch nicht sicher 

bestimmt ist. Am nächsten kommt unserem Gemälde 

die Version in der Kunsthalle Hamburg (Constable-Links, 

Bd. I, Nr. 496, Bd. II, Nr. 496). Dario Succi 

bescheinigt dem Gemälde „una qualitá pittorica eccelente, 

come dimostrano le bellissime „macchiette“ 

(figure) toccate con maestria e connotate dalla tipica 

disinvolta e fluente grafia canalettiana“. 

Provenienz: 

Privatsammlung. 

Literatur: 

Vittorio Moschini (Hrsg.), Canaletto, Athenäum, Bonn 

1955. 

W. G. Constable und J. G. Links, Canaletto. Giovanni 

Antonio Canal 1697-1798, Oxford 1989, Bd. I N. 496 

und Bd. II, Nr. 496. 

Vergleiche: 

Ein gleiches Bild aus Canalettos Hand und seiner 

Werkstatt befindet sich in der Galleria dell‘Accademia 

in Venedig und zeigt nur wenige Unterschiede, etwa 

in einer etwas kühleren Farbigkeit. 

Eine ähnliche Darstellung Canalettos war ausgestellt 

in: Canaletto e i vedutisti. L‘incanto dell‘acqua, Palazzo 

Penotti Ubertini, 2011. (1240591) (13) 

GIOVANNI ANTONIO CANAL, 

ALSO KNOWN AS “CANALETTO”, 

1697 – 1768 VENICE 

RUIN CAPRICCIO WITH ANCIENT ROMAN FIG- 

URES AND MONUMENTS AS WELL AS VEDUTA OF 

PADUA 


70 x 90.7 cm. 

In burnished frame. 

Accompanied by a copy of the expert’s report by Dario 

Succi, 5 June 1995 and a copy of the confirmation 

letter by Professor Ugo Ruggeri, Venice, by F. Pedrocco, 

13 March 2002 and Professor Giuseppe Maria Pilo, 

12.3.2000. 

Magnificent view of Padua city with a ruin capriccio in 

the foreground and the Porta Pontecorvo at centre, 

the Piovego Canal in the foreground to the left surmounted 

by the Ragione Palace with its beautiful arcades 

and cupola and the campanile of Basilica di Santa 

Giustina. Several versions of this highly popular 

subject with the beautiful vista of Padua are known, 

however, to date it is not entirely clear, which of them 

is the original version. A version held at Kunsthalle 

Hamburg (Constable-Links, vol. I, no. 496, vol. II, no. 

496) appears to be closest to the painting on offer for 

sale in this lot. Dario Succi describes the painting on 

offer for sale here as “una qualitá pittorica eccelente, 

come dimostrano le bellissime ‘macchiette’ (figure) toccate 

con maestria e connotate dalla tipica disinvolta e 

fluente grafia canalettiana.” 

Provenance: 

Private collection. 

Literature: 

V. Moschini (ed.), Canaletto, Athenäum, Bonn 1955. 

W. G. Constable and J. G. Links, Canaletto. Giovanni 

Antonio Canal 1697 - 1798, Oxford 1989, vol. I N. 496 

and vol. II, no. 496. 

Examples of comparison: 

The same depiction by Canaletto and his workshop 

is held at Galleria dell’Accademia in Venice with only 

few differences, for example a slightly cooler colour 

palette. 

A similar depiction by him was exhibited at: Canaletto 

e i vedutisti. L’incanto dell’acqua, Palazzo Penotti 

Ubertini, 2011. 

€ 550.000 - € 700.000 

Sistrix 

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Detailabbildungen 



109

179 

MICHELE GIOVANNI MARIESCHI, 

1710 – 1743 VENEDIG 

DER CANAL GRANDE AM ZUSAMMENFLUSS 

MIT DEM CANNAREGIO 


62 x 97 cm. 

In vergoldetem Ornamentrahmen. 

An der Stelle, an welcher der Cannaregio in den Canal 

Grande übergeht, steht die Kirche San Geremia. Eine 

erste Kirche wurde im 11. Jahrhundert von Mauro 

Tosello und seinem Sohn gegründet, welche einen 

Arm des Heiligen Bartholomäus darin aufbewahrten, 

welchen sie 1043 aus Apulien mitbrachten. Das Bauwerk, 

welches wir heute vom Canal Grande aus sehen 

ist jedoch jüngeren Datums, nämlich von 1753 – ein 

Entwurf von Carlo Corbellini. Und die Fassade, welche 

wir heute vom Cannaregio aus sehen, wurde erst 

1861 fertig gestellt. Also lange nachdem das hier angebotene 

Gemälde geschaffen wurde. Der Campanile 

hingegen ist einer der Ältesten in Venedig und ist ein 

Relikt des ursprünglichen Gebäudekomplexes aus dem 

12. Jahrhundert, welcher auf unserem Gemälde zu 

sehen ist, wenngleich der achteckige Aufsatz unbedeutend 

jünger ist – jedenfalls ist auch dieser vor 1500 

zu datieren. Am Canal Grande, sind wie bei vielen seiner 

Gemälde eigenhändige Figuren zu sehen, deren 

Kleidung die Farben der Umgebung wiederholen und 

deren Duktus stark plastisch zu bewerten ist. 

Provenienz: 

Englische Privatsammlung. 

Auktion Sotheby‘s, 10. Dezember 1986. 

Englische Privatsammlung. (1240592) (13) 

MICHELE GIOVANNI MARIESCHI, 

1710 – 1743 VENICE 

THE GRAND CANAL AT THE CONFLUENCE 

WITH THE CANNAREGIO 


62 x 97 cm. 

In gilt ornamental frame. 

Provenance: 

Private collection, England. 

Auction Sotheby’s, 10 December 1986. 

Private collection, England. 

Literature: 

This painting is illustrated in: R. Toledano, Michele 

Marieschi – L’opera completa, 1988, p. 105, no. V.28.5. 

Toledano places the painting in a private collection in 

England and lists the following provenance: Auction 

Sotheby’s, London, 10 December 1986. He describes 

the painting as typical for Michele Marieschi, stating 

that he also painted the figures in the style of Gian 

Antonio Guardi. 


F. Montecuccoli degli Erri, F. Pedrocco, Michele 

Marieschi. La vita, l’ambiente, l’opera, Milan, 1999, 

p. 181, cat. 21, 185, p. 485. 

€ 380.000 - € 500.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

Dieses Gemälde abgebildet in: Ralph Toledano, 

Michele Marieschi – L‘opera completa, 1988, S. 105, 

Nr. V.28.5. Das Gemälde wird dort von Toledano in 

eine englische Privatsammlung lokalisiert und folgende 

Provenienz genannt: Auktion Sotheby‘s, London, 

10. Dezember 1986. Toledano beschreibt bei der 

Besprechung das Gemälde als typisch für Michele 

Marieschi und auch die Figuren seien von ihm selbst 

im Stil von Gian Antonio Guardi gemalt. 

Vergleiche: 

F. Montecuccoli degli Erri, F. Pedrocco, Michele 

Marieschi. La vita, l‘ambiente, l‘opera, Mailand, 1999, 

S. 181, Kat. 21, 185, S. 485. 



113

Detailabbildung Gondoliere 

180 

FRANCESCO GUARDI (1712 – 1793) 

UND GIACOMO GUARDI (1764 – 1835) 

VENEDIG, BLICK AUF DIE BASILIKA ST. MARIA 

DELLA SALUTE MIT DEM ZOLLGEBÄUDE 

Federzeichnung auf Bütten, grau aquarelliert und 

laviert. 

35,5 x 50 cm. 

Im Passepartout, verglast und gerahmt. 

Beigegeben Expertisen von Dr. Federica Spadotto, o. J., 

und Prof. Giancarlo Sestieri, Roma, 30.12.2019. 

Das in künstlerisch höchster Meisterschaft gearbeitete 

Werk besticht allein schon durch die Größe des Blattes. 

Von feinen Außenlinien in Tusche umzogen, eröffnet 

sich der Blick vom Canal Grande auf die dominierende 

Architekturgruppe der berühmten Kuppelkirche Santa 

Maria della Salute mit ihren markanten Voluten, der 

Vierungskuppel und dem nebenstehenden schlanken 

Turm. Nach links vorne ziehen die Gebäude der Dogana 

mit ihrer figuralen Turmbekrönung. Während die nach 

rechts gerichtete, hochziehende Hauptfassade im 

Schat ten liegt, erscheint der gesamte Architekturkomplex 

von vorne beleuchtet, die seitlich weitergeführten 

Gebäude und Türme der Vedute liegen in 

flirrendem Licht. An der Mole liegen zahlreiche Segelschiffe 

nebeneinander, daneben die Gondeln. Die 

Wasserfläche zeigt reges Treiben von Lastschiffen und 

Gondeln – vor allem in der linken Bildhälfte dicht zusammengedrängt. 

Die Staffagefiguren – in den Gondeln, 

den Segelschiffen und an den Ufertreppen – beleben 

die Vedutendarstellung im Sinne einer All tagsszenerie. 

Dunklere und hellere Verschattungen neben den sonnenbeschienenen 

Partien bilden äußerst geschickt die 

wirkungsvollsten Effekte. 

Wie aus den beigegebenen Expertisen hervorgeht, ist 

das Blatt in Zusammenarbeit der beiden Guardi – Vater 

und Sohn – entstanden, wobei die Hauptleistung, was 

Gesamtentwurf und Pointierung der einzelnen Motive 

betrifft, dem Vater Giacomo zugewiesen wird. Es zeigt 

sich die nämliche Bilddarstellung in einem weiteren 

graphischen Werk des Giacomo Guardi, 1952 in Paris 

ausgestellt und publiziert von Morassi in seinem Band 

der Zeichnungen und graphischen Werke des Meisters 

(s. Lit.). Zudem stehen beide Blätter in unmittelbarer 

Nähe zu dem Ölbild desselben Themas, das sich in 

der National Gallery London befindet. 

Der Vergleich der beiden graphischen Blätter mit diesem 

Ölgemälde zeigt, dass das hier vorliegende Werk 

insofern dem Ölbild nähersteht. Als das markanteste 

Detail wäre zu nennen: das am linken Bildrand hochziehende 

Segel, das mit dem Gemälde nahezu identisch 

ist, in dem bei Morassi abgebildeten graphischen 

Blatt jedoch eine Biegung nach rechts aufweist. 

In jedem Falle wird durch beide Expertisen die hohe 

Qualität, die Seltenheit und Eigenhändigkeit des Blattes 

bestätigt. 

Oben rechts alte Knickfalte, am Oberrand links zwei 

kleine alte Wurmfraßlöcher. Sonst in tadelloser farbkräftiger 

Erhaltung. A.R. 

Literatur: 

Antonio Morassi, L‘Opera completa di Antonio e 

Francesco Guardi (Vol 2, ed. Alfieri), Venezia 1973; 

ferner: 1984 und 1993. 

Antonio Morassi, Guardi. Tutti i disegni, Venezia 1975. 

Zum Ölbild: Rizzoli (1974, Tafel XXV, Kat. L. Rossi 

Bortolatto, Nr. 628). 

Federica Spadotto, Giacomo Guardi. Dipinti, disegni, 

gouaches. Soncino (Cr.) 2019. (1240262) (11) 

FRANCESCO GUARDI (1712 – 1793) 

AND GIACOMO GUARDI (1764 – 1835) 

VENICE: VIEW OF THE BASILICA SANTA MARIA 

DELLA SALUTE AND CUSTOMS HOUSE 

Pen drawing on laid paper, in grey watercolour wash. 

35.5 x 50 cm. 

Mounted and framed with glass. 

Expert’s reports by Dr Federica Spadotto, no date, and 

Professor Giancarlo Sestieri, Rome, 30.12.2019, are 

enclosed. 

According to them the drawing is collaboration of 

both Guardis, father and son, whereby the majority of 

the work with regards to overall design and emphasis 

of individual motifs is attributed to Girolamo, the father. 

The problem of discerning the hands of both artists 

was already discussed at length during the 1960s 

(catalogue: Disegni Veneti del Settecento nel Museo 

Correr di Venezia, Neri Pozza Ed. 1964). The same design 

can also be found in a graphic work by Giacomo 

Guardi, exhibited in Paris in 1952 and published by 

Morassi in his volume on drawings and graphic 

works by the master (see literature). Furthermore 

both drawings are closely linked to an oil painting with 

the same subject, held at the National Gallery in London. 

Old crease top right, two minor points of old 

worm damage to upper left edge. Otherwise in perfect, 

colourful condition. 

Literature: 

A. Morassi, L’Opera completa di Antonio e Francesco 

Guardi (vol. 2, ed. Alfieri), Venice 1973; also: 1984 

and 1993. 

A. Morassi, Guardi. Tutti i disegni, Venice 1975. 

Regarding the oil painting: Rizzoli (1974, plate XXV, 

cat. L. Rossi Bortolatto, no. 628). 

F. Spadotto, Giacomo Guardi. Dipinti, disegni, 

gouaches. Soncino (Cr.) 2019. 

€ 50.000 - € 60.000 

Sistrix 

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117

Gesamtansicht Francesco & Giacomo Guardi 

181 

DEUTSCHER MALER DES 16. JAHRHUNDERTS 

PORTRAIT EINES MANNES 

Öl auf Holz. 

90 x 63 cm. 

In wurzelholzfurniertem Rahmen. 

Dreiviertelportrait eines älteren Herrn mit dem Betrachter 

zugewandtem Blick. Eine Hand auf einer vor ihm 

liegenden Tischplatte, die andere auf ihn selbst hinweisend. 

Der schwarze Mantel pelzverbrämt, eine 

schwarze Kappe sein Haupt überfangend. Zu seiner 

Linken in Grün „Anno Domini 1583“, zu seiner Rechten 

„Aetatis sue 69“. Das Portrait erinnert sowohl in 

Bezug auf die Kleidung als auch auf das Gesicht und 

die Barttracht an Gerhard Mercator (1512-1594), welcher 

im Jahr 1583 jedoch bereits 72 war und nicht 

69. Die Anzahl bekannter Männer, deren Geburtsjahr 

1514 war und welche im Jahr 1583 noch lebten, ist 

jedoch übersichtlich, sodass eine Identifizierung nicht 

unmöglich ist. Rest. (1241041) (13) 

GERMAN SCHOOL, 16TH CENTURY 

PORTRAIT OF A MAN 

Oil on wood. 

90 x 63 cm. 

In burr veneer frame. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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182 

MALER UM 1700 

NACH FLÄMISCHEN VORBILDERN 

BILDNIS DES RICHARD OCKOLD UND SEINER 

KLEINEN TOCHTER PRISCILLA OCKOLD 


126 x 95 cm. 

Im original vergoldeten Barock-Rahmen. 

Die beiden Dargestellten leicht in Unterlebensgröße, 

der Herr auf einer Steinbank sitzend vor bräunlichrotem 

Velum und einer kannelierten Säule links hinten. 

Neben ihm rechts beugt sich die Tochter über 

seine Knie und hält mit ihm gemeinsam einen Zweig 

mit Blättern und roten Blüten, wobei das Mädchen 

mit dem Zeigefinger auf eine stilllebenartige Wiedergabe 

eines Traubentellers mit Blättern und Baumfrüchten 

hinweist. Der Herr zeitgemäß in brauner Allongefrisur, 

weißem Spitzentuch über heller Weste 

und braunem Gehrock mit reicher Brokatstickerei an 

den Ärmeln. Das Haar des Mädchens auffallend zu 

hübschen Locken gedreht. Zu beiden Figuren seitlich 

das jeweils zugehörige Adelswappen, ferner an den 

Rändern mehrzeilige Aufschriften mit Nennung der 

Familienzugehörigkeiten und den jeweiligen Herrschaftsgebieten, 

darunter Gloucester sowie die Nennung 

von Oxford, ferner die Erwähnung „King Charles“ mit 

Jahreszahl „1648“. Die letzten Zeilen nennen den Dargestellten 

als Enkel von Henry Ockold of Upton. Bei 

beiden Aufschriften sind die Lebensdaten nicht vollkommen 

erfasst. (12207442) (11) 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

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183 

VENEZIANISCHER MALER 

DES AUSGEHENDEN 17. JAHRHUNDERTS 

ARCHITEKTURCAPRICCIO MIT RUINEN 


72 x 88 cm. 


Blick auf eine weite Flusslandschaft, unter hohem 

hellblauen Himmel mit zahlreichen antiken Ruinen. Im 

Zentrum die Reste eines grauen Palastes mit hohen 

Rundbögen und vorgestellter Säulenreihe mit dorischen 

Kapellen. Zu diesem Bauwerk führt eine breite 

Treppe, auf der ein Mann und oberhalb mehrere interessierte 

Figuren zu sehen sind. Im Vordergrund 

rechts die Ruine eines Tempels mit beige-braunen hohen 

kannelierten korinthischen Säulen, deren Architrave 

von Pflanzen und Sträuchern fast überwuchert 

sind. Davor ein antiker Brunnen mit fließendem Wassern, 

an dem eine Frau in Rückenansicht in rotem Gewand 

steht, um Wasser zu holen, und eine weitere 

Person. Im sonnenbeschienenen Hintergrund links 

eine alte hohe Anlage mit einer Reihe von Zypressen, 

die in den Himmel ragen. Im vorderen verschatteten 

und im linken Bereich sind weitere am Boden liegende 

antike Bruchstücke zu sehen, sowie eine hoher 

Obelisk, und auf der linken Seite ein hohes Gebäude 

mit eingestellter Skulptur und davor ein breiteres 

Brunnenbecken. Zwei Männer betrachten voller Interesse 

dieses Bauwerk. Diverse Figuren sind auch im 

Hintergrund, teils am Flussufer entlang zu erkennen. 

Malerei in zurückhaltender Farbgebung, bei gekonnter 

Licht- und Schattensetzung. Das Gemälde gibt auch 

das wiederentdeckte Interesse an der Antike wieder. 

Retuschen. (1241771) (3) (18) 

VENETIAN SCHOOL, LATE 17TH CENTURY 

ARCHITECTURE CAPRICCIO WITH RUINS 


72 x 88 cm. 


€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

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121

184 

GIACOMO GUARDI, 

1764 VENEDIG – 1835 

GEMÄLDEPAAR MIT ANSICHTEN VON VENEDIG 


23 x 27,7 cm und 25 x 30,3 cm. 

In dekorativem vergoldeten Rahmen. 

Beigegeben zwei Expertisen von Dario Succi, Gorizia 

(im Original vorliegend). 

Das erste Gemälde mit malerischen Blick auf den mit 

Gondeln befahrenen Canale Grande mit der berühmten 

Rialtobrücke von Süden. Nach rechts das von vielen 

Figuren gesäumte Ufer vor den im Sonnenlicht strahlenden 

Gebäuden der Stadt, nach links das Ufer mit 

größeren ankernden Booten vor verschatteten Häusern. 

Das zweite Gemälde zeigt von der Wasserstraße aus 

die Basilika Santa Maria della Salute mit ihrer großen 

weißen Kuppel und einem Teil des Magazins der Dogana. 

Zahlreiche Figuren bevölkern den Vorplatz zum 

Eingang der Basilika. Auf dem ruhigen Canale Grande 

lassen sich zwei Gondeln und am linken Rand ein Segelschiff 

erkennen; beide Stadtansichten unter hohem 

blauen Himmel mit wenig Wolken. Stimmungsvolle 

Malerei mit gekonnter Licht- und Schattensetzung. 

(1241641) (2) (18) 

GIACOMO GUARDI, 

1764 VENICE – 1835 

A PAIR OF PAINTINGS WITH VIEWS OF VENICE 


23 x 27.7 cm and 25 x 30.3 cm. 

In decorative gilt frame. 

Accompanied by two original expert’s reports by Dario 

Succi, Gorizia. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

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123


185 

GIOVANNI PAOLO PANINI, 

1691 PIACENZA – 1765 ROM 

FORUM IN ROM MIT KOLOSSEUM, KONSTANTINS 

BOGEN UND DEM „BORGHESISCHEN FECHTER“ 


74 x 98,5 cm. 

Signiert „I. P. Panini Romae 1742“. 

Beigegeben eine Freigabe durch Ministerio dei Beni 

i delle Attivitá culturali e del Turismo, Prot. Nr. Rd. 351 

22. Oktober 2013; Erneuerung möglich. 

Das Gemälde in beachtlichem, leicht betontem Querformat, 

bietet den Blick über antike Steinfragmente 

hinweg auf zwei der bedeutendsten römischen Bauwerke 

der Antike. Während das gewaltige Bauwerk 

des Kolosseums von links ins Bild hereinzieht, in seiner 

Biegung, Beleuchtung und Durchlichtung der Bögen 

dramatisiert, erhebt sich der leicht verschattete Konstantinsbogen 

aus dem mit Gras bewachsenen Gelände, 

das noch im 18. Jahrhundert Campo Vaccino, Kuhweide 

genannt wurde. Dazwischen zieht der Blick in 

die westliche Fortsetzung des Forums. 

Das Kolosseum wurde um 72 nach dem Jüdischen 

Krieg durch Kaiser Vespasian errichtet, finanziert aus der 

Beute des Jerusalemer Tempelschatzes. Der Bogen 

rechts dokumentierte, als Triumphbogen, den Sieg Kaiser 

Konstantins, nach der Schlacht gegen Maxentius 

312 bei der Milvischen Brücke. 

Der Betrachterstandpunkt liegt unweit nördlich der antiken 

Via dei Verbiti. Die Gesamtdarstellung wird an 

den Bildrändern seitlich abgeschlossen, links in Form 

einer Baumkrone, rechts durch ein antikes Mauerwerk, 

darunter eine schräg angelehnte Steinplatte mit figürlichem 

Relief. Dieser künstlerisch freien, willkürlichen 

Zutat entspricht auch die Steinfigur des sogenannten 

„Borghesischen Fechters“, der nicht aus dem Forum 

selbst stammt, sondern erst um 1610 aus den Überresten 

der Villa Nero bei Porto d‘Anzio ausgegraben 

wurde. Von Camillo Borghese 1807 an Napoleon verkauft, 

befindet er sich heute im Louvre, und war schon 

im 18. Jahrhundert eine der am meisten kopierten 

und bewunderten Bildwerke der Antike. Dies ist hier 

insofern von Interesse, als dass Panini diese Figur 

noch im Palazzo Borghese in Rom selbst bewundern 

und skizzieren konnte. Kompositorisch fungiert die 

Statue im Bild mit ausladendem Arm nun als eine ins 

Zentrum weisende Geste, aber auch als Pendant zum 

Relief rechts, das eine Mänade zeigt, die vor einem 

bärtigen Alten ebenfalls nach rechts flieht. Das bedeutet 

auch, dass Panini diese bewegten figürlichen Motive 

– im Gegensatz zu den statischen Bauwerken bewusst 

als Kontrast eingesetzt hat. 

Belebt wird die Forum-Landschaft überdies durch mehrere 

Staffagefiguren, wie eine im Vordergrund auf 

Steinbrocken sitzende Frau mit Kind, und die noch im 

fernen Hintergrund durch die Bogenöffnung sichtbaren 

Wanderer. Von Interesse sind die beiden Figuren 

links. Ein junger Mann betrachtet aufmerksam die 

Steinfigur, der rechts daneben Sitzende teilt dessen 

Interesse. Dies ist ein Motiv, das wir in der Folge bei 

Gemälden dieses Genres immer wieder finden. Die 

Betrachtung von Objekten der Antike wurde alsbald 

zum eigenständigen Bildthema. 

Zu den wichtigen Qualitätsmerkmalen dieses Gemäldes 

zählt die Beleuchtung des Bildganzen. Wie üblich, 

hat Panini sie äußerst differenziert eingesetzt. Ein hoher 

Wolkenhimmel zieht über die Architekturen hin, 

die hellsten Wolkenpartien liegen hinter den Mauern 

des Kolosseums und lichten die Bögen auf, wodurch 

das gewaltige Bauwerk fast zu leicht scheint, zudem 

links etwas schief gestellt, wie leicht eingesunken, 

was auch dem aus dem Bodengrund auftauchenden 

Konstantinsbogen gedanklich entspricht. Letztlich sollte 

hier die „versunkene“ antike Vergangenheit zum Sprechen 

gebracht werden. Das Motiv „versunkener“ 

Bauwerke des Forums hat Panini in weiteren Bildern 

noch exzessiver vorgeführt. 

Das Gemälde kann als eine der bedeutenden Leistungen 

Paninis gesehen werden, der für seine Vedutenmalerei 

bekannt wurde. Als Schüler des Bühnengestalters 

Francesco Galli Bibiena (1659-1739), auf den 

wohl auch Paninis Sinn für die Theatralik in seinen Antikenlandschaften 

zurückgeht, zog er 1711 nach Rom, 

wo er auch mit Canaletto (1697-1768) in Berührung 

kam. Als Leiter der Dekorationsarbeiten für etliche 

Römische Paläste schuf er nebenbei auch Gemälde, 

die römische Plätze und Festlichkeiten verewigen sollten, 

wie etwa das Fest auf der Piazza Navona (Louvre 

usw). Er wurde alsbald Dozent an die Accademia di 

San Luca und die Académie de France in Rom berufen. 

Hier kam auch Jean-Honoré Fragonard unter seinen 

Einfluss. 1718 wurde er Mitglied der Congregazione 

dei Virtuosi al Pantheon. In seiner Werkstatt arbeiteten 

auch Hubert Robert (1733-1808) sowie sein Sohn 

Francesco Panini (1745-1812). Besonderen Ruhm brachten 

ihm seine Festausstattungen für bedeutende 

Staatsereignisse ein, wie etwa zur Geburtsfeier des 

französischen Thronfolgers oder 1745 für die Hochzeit 

des Dauphins. Für Papst Innozenz XIII. schuf er Ausmalungen 

im Quirinalspalast. 

Das vorliegende, im Werkverzeichnis abgebildete Gemälde 

weist inhaltliche Bezüge zu weiteren Werken 

Paninis auf, wie etwa einem Bild gleichen Themas in 

Dublin, Nat.-Gallery of Ireland, n. 725., WVZ Nr. 285 

oder mit WVZ 375, dort jedoch mit einer Vase anstelle 

des „Fechters“ (Neapel Nationalgalerie), ferner WVZ 

426 (British Mus. London). 

In gutem Zustand. A.R. 

Provenienz 

Privatsammlung, Italien. 

Nie im Kunsthandel angeboten. 

Publiziert und abgebildet in: 

Ferdinando Arisi, Gian Paolo Panini e i fasti della Roma 

del ´700, Editore Ugo Bozzi, Rom 1986. Abb. S. 389, 

Tafel Nr. 316. (1241112) (2) (11) 

GIOVANNI PAOLO PANINI, 

1691 PIACENZA – 1765 ROME 

FORUM ROMANUM WITH COLOSSEUM, ARCH 

OF CONSTANTINE AND BORGHESE GLADIATOR 


74 x 98.5 cm. 

Signed „I. P. Panini Romae 1742“. 

Accompanied by a clearance by Ministerio dei Beni i 

delle Attivitá culturali e del Turismo, protocol no. Rd. 

351, 22 October 2013; renewal possible. 

The content of the present painting illustrated in the 

catalogue raisonné (CR) shows references to other 

paintings by the artist such as a painting with the 

same subject held at the National Gallery of Ireland, 

Dublin, no. 725, CR no. 285 or CR no. 375, however, 

there with a vase instead of the Gladiator (National 

Gallery, Naples) and CR no. 426 (British Museum, 

London). In good condition. 

Provenance: 

Private collection, Italy. 

Not previously sold on the open art market. 

Published and illustrated in: 

F. Arisi, Gian Paolo Panini e i fasti della Roma del 

´700, Editore Ugo Bozzi, Rome 1986, ill. p. 389, 

panel no. 316. 

€ 150.000 - € 200.000 

Sistrix 

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125


186 

ITALIENISCHER VEDUTENMALER 

DES AUSGEHENDEN 18. JAHRHUNDERTS 

ANSICHT DES PONTE ROTTO IN ROM 


103 x 114 cm. 

Blick vom linken Ufer des Tibers auf die drei damals 

noch erhaltenen Steinbögen der Brücke, deren Ursprünge 

bereits auf das Jahr 142 v. Chr. zurückgehen. 

Im heiligen Jahr 1575 wurde sie im Auftrag Papst Gregors 

XIII durch den Baumeister Matteo di Castello 

wiederhergestellt, jedoch alsbald bei erneutem Hochwasser 

wieder beschädigt. Die Brücke, von der heute 

nur noch ein Bogen erhalten ist, ist im Bild noch im 

Zustand gezeigt, bevor 1853 mit Reparaturen und 

letztlich mit dem Abriss zweier Bögen begonnen 

wurde. Insofern bildet das Gemälde eine wertvolle 

Quelle der römischen Denkmalpflege. Die Vedute 

angereichert durch Figurenstaffage und Schiffe, im 

Vordergrund in romantischer Absicht gemalte Steinfragmente. 

(12207441) (11) 

ITALIAN VEDUTA PAINTER, 

LATE 18TH CENTURY 

VIEWS OF THE PONTE ROTTO IN ROME 


103 x 114 cm. 

View of the left riverbank of the River Tiber onto the 

then still intact stone arches of Rome’s oldest stone 

bridge dating back to 142 BC. Pope Gregory XIII commissioned 

builder Matteo di Castello to restore the 

bridge in 1575 but another flood damaged it soon after. 

The bridge, of which only one arch remains today, 

is shown in its pre-1853 condition before repairs were 

carried out and two of the arches were demolished. 

The painting therefore offers a valuable source for historic 

preservation in Rome. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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129

187 

HIERONYMUS FRANCKEN I, 


ALLEGORIE DER LUST 


105,3 x 139 cm. 

Links unten auf dem Fuß des linken Kruges monogrammiert 

„HF“. 

In ebonisiertem und teilbronzierten Rahmen. 

Hieronymus Francken schuf mehrere solcher Innenansichten 

mit tanzenden bzw. musizierenden Paaren. Im 

Vordergrund dargestellt ein Cembalo, welches rechts 

diagonal in den Raum hineinführt und die Musizierende 

in verlorenem Profil zusammen mit einem Lautenspieler 

und einem Sänger gezeigt. Während die dargestellten 

Personen noch tanzen, sind ihre Gesten 

– man sehe sich nur den Finger in der Hand der Dame 

im Mittelgrund an – bereits auf den folgenden Geschlechtsakt 

konzentriert. Darauf deuten auch die 

Austern im Vordergrund hin, das Gemälde mit Jupiter, 

welcher als Goldregen in Danae eindringt über dem 

Kamin und ein hinter einem Vorhang außerhalb des 

Raumes rechts sich vollziehender Koitus. Ein Hund als 

Zeichen der Treue hat bereits aufgegeben und wendet 

sich vom Geschehen ab, dem Betrachter zu, in der Hoffnung, 

dass er das Gemälde als warnende moralische 

Instanz verstanden haben möge. (1240724) (1) (13) 

HIERONYMUS FRANCKEN I, 


ALLEGORY OF LUST 


105.3 x 139 cm. 

Monogrammed lower left, on foot of the left jug “HF”. 

In ebonized and partially burnished frame. 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

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188 

ANTWERPENER MALER DES 18. JAHRHUNDERTS 

DARSTELLUNG AUS DER COMMEDIA DELL‘ ARTE 


67,2 x 73,4 cm. 

Rechts unten mit unidentifizierter Signatur. 

In plastisch geschnitztem und bronziertem Rahmen. 

In einer kulissenartigen Architektur, deren loggienartiges 

Wesen durch einen Kamin in das Innere zu verorten ist, 

jedoch nach links hin in eine antikisierende Landschaft 

verweist, eine dichte Ansammlung von Menschen bei 

einem Maskenfest. Unter ihnen Figuren, welche der 

Commedia dell‘ Arte entstammen, und ein Quacksalber, 

welcher zentral wiedergegeben ist und im Begriff ist, 

seine Waren anzupreisen; zweifelhafte Zertifikate hängen 

über seinem Bauchladen und sollen seine Glaubwürdigkeit 

unterstreichen. (1240728) (1) (13) 

€ 9.000 - € 12.000 

Sistrix 

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Detailabbildung 



133

189 

SEBASTIAN VRANCX, 

1573 ANTWERPEN – 1647, ZUG. 

DIE SCHLACHT VON LECKERBEETJE 

Öl auf Holz, teilparkettiert. 

65 x 121 cm. 

In dekorativem Rahmen mit Schildpatt. 

Die entscheidende Schlacht fand am 5. Februar 1600 

zwischen flämischen Söldnern unter dem Kommando 

des Generals Leckerbeetje und französischen Soldaten 

statt. Die bäuerlichen Flamen, deren Kommandeur 

in der Schlacht fiel, besiegten die ritterlich-aristokratischen 

Franzosen. Die untere Bildhälfte zeigt den 

Kampf zwischen den berittenen Kämpfern in teils glänzenden 

Rüstungen mit Helm. Zwei Männer sind bereits 

zu Boden gegangen. Jeweils am mittigen Rand 

der linken und rechten Seite auf einer Anhöhe zwei 

berittene Herolde mit Fanfaren in roter bzw. blauer 

Uniform. In der Ferne zahlreiche Figuren in hügeliger, 

fast grauer Landschaft mit einer Windmühle rechts. 

Am Horizont schließlich die Silhouette einer Stadt mit 

Kirchtürmen unter grauem, nach links sich gelblich 

aufhellendem Himmel. Einige Retuschen. 

Anmerkung: 

Das Sujet der „Schlacht von Leckerbeetje“ war so 

beliebt und populär, dass es von Sebastian Vrancx 

mehrfach dargestellt wurde. (12401115) (18) 

SEBASTIAN VRANCX 

1573 ANTWERP – 1647, ATTRIBUTED 

THE BATTLE OF LECKERBEETJE 

Oil on panel, partially parquetted. 

65 x 121 cm. 

In decorative frame with tortoiseshell. 

Notes: 

The subject of the Battle of Leckerbeetje was so 

popular that Sebastian Vrancx painted it several 

times. 

Export restrictions outside the EU (frame). 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

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190 

SIMON RENARD DE SAINT-ANDRÉ, 

1613 PARIS – 1677 EBENDA, ZUG. 

VANITASSTILLLEBEN MIT SCHÄDEL 

UND TASCHENUHR 


50 x 40 cm. 


In einem Innenraum auf einer grünen Platte die präsentierten 

Vanitas-Objekte: ein Totenschädel mit restlichen 

Zähnen, auf dessen mit Glanzlicht versehener Kopfdecke 

eine kleine Spinne krabbelt, daneben ein Teil 

des Gebisses, eine mit Bast umwickelte Weinflasche, 

in deren Halsöffnung ein Stück Papier steckt, ein Buch 

sowie eine goldene Taschenuhr an einem blauen Band. 

Im Hintergrund fliegt ein kleiner weißer Falter. Feine 

Malerei mit gekonnter Hell-Dunkel-Akzentuierung. 

Retuschen. (12401322) (18) 

SIMON RENARD DE SAINT-ANDRÉ, 

1613 PARIS – 1677 IBID., ATTRIBUTED 

VANITAS STILL LIFE WITH SKULL AND POCKET 

WATCH 


50 x 40 cm. 


€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

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191 

GILLIS VAN TILBORGH D.J., 

1615/35 – UM 1678 

RAST VOR EINER SCHENKE 

Öl auf Eichenholz. 

43 x 68 cm. 

Beigegeben in Kopie ein Gutachten von René Millet 

vom 24. Januar 2019 vor, welcher das vorliegende 

Werk eindeutig Gillis van Tilborgh zuweist. 

Von Sonnenlicht beschienene Gesellschaft vor einem 

Gasthof, in dessen naheliegendem Kanal eine Frau 

Kleidung wäscht, welche den Ausgangspunkt zur starken 

Diagonalen bietet, die sich bis hoch zum Dachgiebel 

des Gasthauses erstreckt. Hierdurch wird der 

figürlich ausgefüllte rechte Vorderraum von dem landschaftlichen 

Hintergrund getrennt. Innerhalb dieser 

Diagonalen finden sich die Figuren ausschließlich in 

einer Dreieckskomposition wieder, welche dicht bevölkert 

und in den für Tilborgh typischen Farben staffiert 

ist. Eine nicht unähnliche Komposition wird in der Eremitage 

in Russland aufbewahrt. (†) (12417410) (13) 

GILLIS VAN TILBORGH THE YOUNGER, 

1615/35 – CA. 1678 

MEAL OUTSIDE AN INN 

Oil on oak panel. 

43 x 68 cm. 

A copy of the expert’s report by René Millet dated 24 

January 2019 is enclosed, clearly attributing the painting 

to Gillis van Tilborgh. (†) 

€ 70.000 - € 100.000 

Sistrix 

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192 

BARTHOLOMEUS GRONDONCK, 

UM 1580 ANTWERPEN – UM 1630 EBENDA 

EIN FEST AUF EINER WALDLICHTUNG 

VOR EINEM WASSERSCHLOSS 

Öl auf Holz. Parkettiert. 

46 x 65 cm. 

In ebonisiertem Wellenleistenrahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Jaco Rutgers, 

Tilburg, 11. April 2020. 

Eine schöne, in flämischen Grün- und Blautönen, feinblättrige 

Waldlandschaft, durch welche sich im rechten 

Bilddrittel ein schmaler Fluss zieht, welcher sich in ein 

größeres Gewässer ergießt. In diesem ein befestigtes 

Schloss, von welchem eine Brücke zum waldbestandenen 

Ufer führt. Das Ufer mit in feinster Polychromie 

gestalteten Personen in bereits damals wohl etwas 

historisierender höfischer Kleidung. Die Personen teils 

tanzend, teils auf dem Boden an einem Tuch essend, 

eine Cembalistin und ein Flötist sowie zwei Sänger 

tragen zur Unterhaltung bei. Grondonck bezieht sich 

bei seiner Darstellung auf einen Kupferstich von Nicolaes 

de Bruyn von 1601, der sich wiederum auf eine 

Zeichnung von David Vinckboons bezieht. Grondonck 

war für seine Arbeiten nach Kupferstichen bekannt, 

wie etwa auch die „Kermesse at Oudena arde“, welches 

auch um 1617 entstanden sein dürfte und sich in 

einer Privatsammlung befindet. Charakteristisch ist 

bei dem Gemälde das Laubwerk, wobei sich immer 

mehrere Punkte zu einem Eichenlaubblatt zusammenfügen. 

(1241862) (1) (13) 

BARTHOLOMEUS GRONDONCK, 

CA. 1580 ANTWERP – CA. 1630 IBID. 

FEAST IN A FOREST CLEARING OUTSIDE A WATER 

PALACE 

Oil on panel. Parquetted. 

46 x 65 cm. 

In ebonized ripple moulding frame. 


Tilburg, 11 April 2020. 

Grondonck has based his painting here on a copper 

engraving by Nicolaes de Bruyn from 1601, which, in 

turn, is based on a drawing by David Vinckboons. 

Grondonck was famous for his works after engravings 

such as Kermesse at Oudenaarde, created ca. 1617 

and held in a private collection. The foliage is characteristic 

in this painting, while it is always several 

points that merge into an oak leaf. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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Detailabbildungen Lot 192 


193 

ERASMUS QUELLINUS D. J., 

1607 ANTWERPEN – 1678, ZUG. 

BILDNIS EINER JUNGEN DAME / VENUS 


38 x 46,5 cm. 

Das Bildnis weist schon beim ersten Eindruck auf die 

Malauffassung des Peter Paul Rubens hin, mit dem 

Erasmus Quellinus ab 1634 zusammengearbeitet hat. 

Damit wäre auch eine zeitliche Einordung des Bildes 

denkbar, da sich der Rubens‘sche Charakter noch sehr 

ausgeprägt zeigt, während der Maler in seinen späteren 

Jahren zu einer eigenen, weniger rubenesken 

Sprache fand. Die hohe Malqualität des vorliegenden 

Bildes lässt auch noch das enge Zusammenwirken 

mit Rubens erkennen. Gezeigt ist das verknappte 

Halbbildnis mit Wiedergabe des Kopfes, der nach 

rechts gerichtet ist, mit leicht lächelndem Blick nach 

unten. Der Oberkörper nur bis unterhalb der nackten 

Schulter wiedergegeben, wobei über die rechte Schulter 

ein weißes Tuch zieht. Die dunklen Augen, die geröteten 

Lippen, aber auch die Brauenbögen kontrastieren 

zum hellen Inkarnat. Die leichte Rötung der 

Wangen korrespondiert zum zinnoberroten Velum im 

rechten Hintergrund. Das durch eine Perlenkette hochgebundene, 

goldblonde Haar weist in den Schattenpartien 

auf das Grün in der linken Partie des Hintergrundes, 

und setzt sich im Schmuck des Perlenohrringes, 

sowie in der lose herabhängenden Haarlocke fort, 

während der dunkle, fast schwarze Senkrechtstreifen 

am linken Bildrand dem Bildganzen Festigung gibt. 

Der dem Bild hier zugewiesene Maler, Sohn eines 

Bildhauers, erhielt eine umfangreiche Ausbildung in 

Wissenschaften und Sprachen, war Magister Artium, 

und wurde 1633 in die Antwerpener Lukasgilde aufgenommen. 

Nach dem Tod seines Lehrers Rubens 

wurde er zum offiziellen Stadtmaler Antwerpens ernannt. 

Die näheren möglichen Zusammenhänge mit 

der Entstehung des Bildes sind bislang noch nicht eruiert 

worden. Daher auch nicht, ob es sich möglicherweise 

um eine Studie im Auftrag Rubens handelt, 

oder wieweit hier ein Porträtgedanke zugrunde liegt. 

Selbst das Bildthema lässt unterschiedliche Ansichten 

zu. Die Deutung als Venus hätte hier wohl Vorrang. 

Eine Verwandtschaft mit „Das Pelzchen“ von Rubens 

(Wien) oder der Frauenfigur in dessen „Charitas Romana“ 

(Rijksmuseum Amsterdam) sowie eine Ähnlichkeit 

mit Rubens‘ Frau lässt sich nicht übersehen. A.R. 

(1241863) (1) 

ERASMUS QUELLINUS THE YOUNGER, 

1607 ANTWERP – 1678, ATTRIBUTED 

PORTRAIT OF A YOUNG LADY / VENUS 


38 x 46.5 

Even at first glance, the portrait is reminiscent of the 

painting style of P.P. Rubens, with whom Erasmus 

Quellinus worked since 1634. This could assist in establishing 

a date of creation of this painting, as the 

Rubens influence is still quite pronounced. In his later 

career Quellinus found his own style, which was less 

dependent on Rubens. The context of the painting’s 

creation has, to date, not yet been fully determined. It 

has not been established if the present painting might 

have been a study on behalf of Rubens or was intended 

as a portrait. The subject of the painting also allows 

for various interpretations, with the most likely suggestion 

being that this is a depiction of Venus. There 

is an affinity with the Rubens painting The Fur (Kunsthistorisches 

Museum, Vienna) or the female figure of 

his Caritas Romana (Rijksmuseum, Amsterdam) and a 

resemblance with Rubens’ wife is also unmistakable. 

€ 12.000 - € 16.000 

Sistrix 

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141

194 

JORIS VAN SON, 

1623 ANTWERPEN – 1667 EBENDA 


36 x 40,5 cm. 

In profiliertem teilebonisierten Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Jaco Rutgers, 

Tilburg, 15. Mai 2020. In seinem Gutachten vergleicht 

Rutgers die Darstellung mit zwei in Privatbesitz befindlichen 

Gemälden, welche 1654 und 1659 datiert 

sind. Vor allem die Austern seien gut vergleichbar. 

Auf einer Steinplatte ein in tiefen Tönen erstrahlendes 

Fruchtstillleben vor mächtigem Blattwerk und knappen 

Landschaftsausschnitt auf der rechten Seite. Gezeigt 

werden nebst Orangen, Trauben, Feigen, Granatapfel 

und Beeren auch zwei Austern. Joris van Son, der Zeit 

seines Lebens in Antwerpen wohnte und arbeitete 

wurde von Jan Davidsz de Heem, Daniel Seghers und 

Frans Snijders stark beeinflusst. Er war seinerseits 

Lehrer von Frans van Everbroeck, Jan Pauwel Gillemans 

d.J., Cornelis van Huynen und Norbert Montalie. 

(1241861) (1) (13) 

JORIS VAN SON, 

1623 ANTWERP – 1667 IBID. 


36 x 40.5 cm. 

In profiled partially ebonized frame. 


Tilburg, 15 May 2020. The report compares the 

present painting with two paintings held in a private 

collection dating to 1654 and 1659 respectively. He 

points out that the oysters, in particular, easily compare. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 


195 

JAN BRUEGHEL D. J., 


UND NACHFOLGE DES HENDRICK VAN BALEN 

D.Ä., 1575 ANTWERPEN – 1632 EBENDA 

DIE HEILIGE FAMILIE MIT DEM JOHANNES 

KNABEN IN BLUMENKARTUSCHE 


45 x 45 cm. 

Signiert „I.Brueghel“. 

In profiliertem Nussbaumrahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, 

Lingen, der das vorliegende Gemälde als eine 

Zusammenarbeit aus den 1640er Jahren zwischen 

Jan Brueghel d.J. und einem Nachfolger von 

Hendrick van Balen d.Ä. identifiziert. 

Quadratisches Bildfeld mit zentraler rechteckiger liegender 

Profilkartusche. Darin in eine Landschaft eingebettet, 

zentral vor einem Baum sitzend die Figur der Heiligen 

Mutter Gottes in ihren typischen Farben gewandet. Am 

linken Rand Joseph sitzend und auf das Jesuskind 

blickend, welches über die Wiege hinweg an den Johannesknaben 

hält. Am rechten Kartuschenrand das Lamm 

Gottes. Die zentrale Kartusche umrandet durch eine 

Trompe l‘œil Kartusche oben mit Cherubim abschließend. 

Umlaufender polychromer Blütendekor mit geflammten 

Tulpen, gefüllten Rosen, Lilien und kleineren Füllblumen. 

(1241864) (1) (13) 

JAN BRUEGHEL THE YOUNGER, 

1601 ANTWERP – 1678 IBID. AND FOLLOWER 

OF HENDRICK VAN BALEN THE ELDER, 

1575 ANTWERPEN – 1632 IBID. 

THE HOLY FAMILY WITH YOUNG SAINT JOHN THE 

BAPTIST SURROUNDED BY A FLORAL CARTOUCHE 


45 x 45 cm. 

Signed “I.Brueghel”. 

In profiled walnut frame. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz, 

Lingen, who has identified the painting as INFO a collaboration 

between Jan Brueghel Sistrix the Younger and a follower 

| BID 

of Hendrick van Balen the Elder from the 1640s. 

€ 30.000 - € 60.000 



145

196 

THEOBALD MICHAU, 

1676 TOURNAI – 1765 ANTWERPEN, ZUG. 

Der Maler war eine der erfolgreichsten Künstler des 

18. Jahrhunderts, die im Stil der Brueghel-Dynastie 

arbeiteten. Seine detailreichen und farbenprächtigen 

Werke erfüllten eine hohe Nachfrage zeitgenössischer, 

insbesondere französischer Sammler. Seine oft mit lebhaftem 

Pinselduktus eingefangenen Figuren verraten 

den Einfluss von Teniers. 

Gemäldepaar 

FLUSSLANDSCHAFT MIT ZAHLREICHEN FIGUREN 

Öl auf Holz. Doubliert. 

Je 33 x 51,5 cm. 

In vergoldeten Rahmen mit Palmettenfries. 

Das erste Gemälde zeigt eine bergige Landschaft mit 

einer kleinen Stadt im Hintergrund und einem größeren 

Gehöft auf der rechten Seite sowie einen breiten 

Fluss auf der linken Bildhälfte, an dessen belebten 

Ufer zwei Segelboote angelegt haben. Zu sehen sind 

unter anderem zwei Männer beim Beladen eines Pferdefuhrwerks, 

ein Mann, der am Boden kniend Fische 

den Umstehenden zum Kauf anbietet, eine Hirtin mit 

ihren Tieren, hinter der ein Pferdewagen zieht sowie 

im linken Vordergrund mehrere Figuren, die sich auf 

der Wiese niedergelassen haben und einige sitzende 

Schafe. 

Auch auf dem zweiten Gemälde ist ein Fluss in bergiger 

Landschaft zu erkennen, der von verschiedenen 

Häusern und einer kleinen Dorfkirche flankiert wird. 

Im Vordergrund dieser belebten Darstellung wiederum 

zahlreiche Figuren, die zum einen auf einem Steg 

am Flussufer sitzen, zudem ein Hirtenpaar mit Kühen 

und Schafen, das am Wegesrand lagert, einige Tiere 

im Wasser am seichten Flussufer sowie mehrere 

Händler, teils mit Pferden, die ihre Waren anbieten. Im 

Vordergrund wiederum einige sitzende Schafe und 

Ziegen mit einer jüngeren Frau. Lebendige Darstellung 

an einem sommerlichen Tag mit hohem wolkigen Himmel 

in warmer Farbgebung, in der typischen Manier 

des Künstlers. Randretuschen. 

Anmerkung: 

Die beiden dem Künstler zugeschriebenen Werke sind 

abgebildet im RKD unter der Illustrationsnummer 

1001231886 und 1001231887. (12414118) (18) 


THEOBALD MICHAU, 

1676 TOURNAI – 1765 ANTWERP, ATTRIBUTED 


RIVERSCAPES WITH NUMEROUS FIGURES 

Oil on panel. Relined. 

33 x 51.5 cm each. 

In gilt frame with palmette frieze. 

Notes: 

Both paintings attributed to the artist are illustrated 

at the RKD with ill. no. 1001231886 and 1001231887. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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147

197 

PEETER BOUT, 

1658 BRÜSSEL – 1719 EBENDA 

SÜDLICHE LANDSCHAFT MIT REITERGESELL- 

SCHAFT AN EINEM BRUNNEN 

Öl auf Holz. 

91 x 153 cm. 

Links unten signiert. 


Vor bewaldeter Gebirgskulisse hat an einem klassischen, 

steinernen großen Brunnen mit Skulpturen eine 

vornehme Gesellschaft mit Pferden und zahlreichen 

Hunden Rast gemacht, um die Tiere zu tränken. Einige 

bleiben auf ihren Pferden sitzen, darunter eine Dame, 

andere ruhen am Boden und drei kümmern sich um 

die Hunde. Sie tragen teils Gewehre bei sich, so dass 

sich auch an eine Jagdgesellschaft mit Hunden denken 

läßt. Links des Brunnens läßt sich eine Hirtenfamilie 

mit ihren Tieren erkennen. Im Hintergrund führt ein 

Weg am Gebirgsrand entlang, auf dem sich weitere 

Reisende befinden. Die Blätter der Bäume sind schon 

zum Teil verfärbt und weisen auf den nahenden Herbst 

hin. Qualitätvolle feine Malerei mit hohem blauem 

Himmel, in dem einige Vogelschwärme zu erkennen 

sind, und großen weißen Wolken. Nach rechts hat die 

untergehende Sonne den Himmel bereits rötlich verfärbt. 

Rest., Retuschen. (12401122) (18) 

€ 8.000 - € 10.000 

Sistrix 

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198 

JOSEPH WERNER, D. J., 

1637 BERN – 1710, WERKSTATT DES 

CUPIDO ÜBERREICHT DER PRINZESSIN VON 

SAVOYEN EINEN LIEBESBRIEF 

Gouache auf Karton, auf Eichenholz aufgezogen. 

Sichtmaß: 23 x 30,5 cm. 

Verso zweizweilig alt beschriftet „Madame [...] la 

Duchesse de Bourgogne [...]“. Ferner ältere Auktionskatalognummern. 

Hinter Glas gerahmt. Die beschriftete Rückseite mit 

Glas abgedeckt. 

Laut umseitigen, alt beschrifteten Aufkleber, handelt 

es sich um Maria Adelaide von Savoyen (1685-1712), 

die Mutter des König Ludwig XV. Wiewohl stilgemäß 

keine physiologische Ähnlichkeit festgestellt werden 

kann, dürfte das kleine Gemälde im Zusammenhang 

der Verehrung des später vielgeliebten König Louis XV 

gesehen werden. Die Prinzessin auf einem Kissenlager 

mit aufgestütztem Arm und Blick dem Betrachter entgegengerichtet, 

unter einem Baldachintuch an kannelierter 

Säule. Links im Hintergrund Blick in einen Park 

mit Brunnen sowie weiteren geflügelten Amoretten. 

Die französisch-bourbonischen Farben Blau, Weiß und 

Rot werden im Bild in Kleidung und Lakentuch besonders 

hervorgehoben. (1240135) (11) 

€ 9.000 - € 10.000 

Sistrix 

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199 

MALER DER ERSTEN HÄLFTE 


DIE GEBURT CHRISTI 

Öl auf Holz. 

84 x 63,5 cm. 

Ungerahmt. 

Die nächtliche Darstellung der Geburt Christi in eine 

palastartige Architekur verlegt, mit diversen Ausbli cken 

durch Rundbögen. Im Vordergrund die Rückenfigur 

eines Mannes in rotem Gewand, der eine lodernde 

Fackel hält und mit seiner ausgestreckten linken Hand 

auf Maria und das neugeborene Jesuskind in der linken 

Bildhälfte hinweist. Der nackte Neugeborene auf 

Tüchern liegend und seine vor ihm stehende Mutter in 

rötlichem Gewand liebevoll zugewandt. Links neben 

beiden zwei kniende Männer, eine Frau, sowie der 

stehende Josef auf der linken Bildseite. In der Bildmitte 

zwei Frauen, von denen eine einen Hahn trägt und 

mit ihrer ausgestrecken rechten Hand ebenfalls auf 

die Geburt hinweist. Durch einen Torbogen sind weitere 

Figuren zu erkennen. Auf der rechten Bildseite 

zwei großfigurige Frauen in langen farbigen Kleidern, 

die der Geburt beiwohnen. Im Vordergrund links sind 

zwei Kinder zu erkennen, davon eines in türkis-grünem 

Gewand und ein großer schlanker Hund. Im Hintergrund 

rechts fällt der Blick durch einen Torbogen in 

eine weite bergige Landschaft mit Figuren und auf 

den blauen Himmel, in dem einige Engel schweben. 

Im oberen Bereich der Architektur sind vier geflügelte 

Putti zu erkennen, die teils mit Rotolus die Geburt 

Christi loben. Frühmanieristische Malerei mit gekonnt 

gesetzten Licht- und Schattenpartien. Eher ungewöhnlich 

die nächtliche Darstellung der Geburt Christi. Retuschen, 

teils kleine Farbabsplitterungen und berieben. 

(12308911) (3) (18) 

PAINTER OF THE FIRST HALF OF THE 

16TH CENTURY 

THE NATIVITY 

Oil on panel. 

84 x 63.5 cm. 

Unframed. 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

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200 

GEORGIUS JACOBUS JOHANNES VAN OS, 

1782 DEN HAAG – 1861 PARIS, ZUG. 

Der Maler steht in der Tradition seiner Künstlerfamilie, 

war Sohn des Jan van Os (1744-1808), der sich bereits 

als Stilllebenmaler mit Werken des Jan von Huysum 

(1682-1749) auseinandergesetzt hatte, sein Bruder 

war der Tiermaler Pieter Gerardus van Os (1776- 

1839). 1809 wurde er mit dem Preis der Gesellschaft 

Felix Meritis in Amsterdam ausgezeichnet, ließ sich 

anschließend dort nieder und wandte sich nun gänzlich 

der Ölmalerei zu. Sein Erfolg ließ ihn als einen 

würdigen Nachfolger des Jan van Huysum erkennen. 

1812 arbeitete er in Paris in der Manufaktur Sèvres, 

spezialisiert auf Blumen- und Früchtemalerei. Alsbald 

wurde er in Frankreich der Rubens der Blumenmalerei 

genannt. 

Gemäldepaar 

GROSSFORMATIGE BLUMENSTILLLEBEN; 

GEBINDE IN KLASSIZISTISCHEN VASEN, JEWEILS 

AUF EINEM KONSOLTISCH MIT OBST 


73,2 x 59,5 cm. 

In Goldrahmen. 

Die beiden Gemälde, zusammengehörig, weisen 

einheitlichen grünlichen Hintergrund auf. Die gemeinsame 

Hängung sieht vor, dass in die Darstellung mit 

brünierter klassizistischer Vase und einem toten weißen 

Vogel links, das Gegenstück rechts zu hängen sei, 

dadurch werden die auf den Konsoltischplatten abgelegten 

Früchte zusammengeführt. Die Lichtführung in 

beiden Bildern von links oben lässt die in duftiger Farbigkeit 

wiedergegebenen Blüten zart aufleuchten. Die 

Gebinde jeweils im Zentrum hellerfarbig, wie etwa 

durch weiße und rot-weiß gesprenkelte Rosen, umgeben 

von zurückhaltender Farbigkeit der übrigen Blüten, 

wie Mohn, Flieder oder Tulpen sowie zartfarbige Irisblüten. 

Eine fliegende Libelle in einem der Gemälde links 

oben belebt den Bildgegenstand. Die unterschiedliche 

Gestaltung der klassizistischen Vasen ist bewusst gewählt, 

sodass die, der gewollten Hängung entsprechend, 

dem Raumlicht näherstehende dunkel brüniert 

erscheint, die Vase rechts jedoch vergoldet und mit 

einem figürlichen Hochrelief versehen. Die beiden 

Gemälde in gutem Zustand. (1240476) (11) 

GEORGIUS JACOBUS JOHANNES VAN OS, 

1782 THE HAGUE - 1861 PARIS, ATTRIBUTED 


LARGE FORMAT FLORAL STILL LIFES; BOUQUETS 

IN CLASSICAL VASES EACH ON CONSOLE TABLE 

WITH FRUIT 


73.2 x 59.5 cm. 


Created as pendant paintings. 

€ 24.000 - € 30.000 

Sistrix 

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153

201 

GABRIEL FRANÇOIS DOYEN, 

1726 PARIS – 1806 ST. PETERSBURG 

LA LECTURE 


74 x 58,2 cm im Oval. 

Links unten signiert und datiert „Doyen / 1761“. 

In vergoldetem, ornamental verziertem Profilrahmen 

mit ovalem Ausschnitt. 

Beigegeben in Kopie eine Expertise von René Millet 

vom 16. April 2019, welcher die Autorschaft Gabriel 

François Doyens zweifelsohne anerkennt. 

Doyen zeigt eine junge Frau, welche reich gewandet 

und mit Perlschmuck im Haar und um den Hals dekoriert 

ist, beim Lesen eines Buches. Der Buchrücken 

liegt auf dem Rücken ihres Hundes, welcher ihrem 

Schoß aufliegt und der dem Betrachter mehr Beachtung 

schenkt als sie, die sichtlich in ihre Lektüre versunken 

ist, welche ihr offensichtlich ein Schmunzeln 

abverlangt. Die Intimität der Darstellung wird noch 

durch das Ovalformat unterstrichen. Das Gemälde 

entstand sechs Jahre nach seiner Rückkehr aus Italien, 

wo er sich ab 1748 in Rom ausbilden ließ und die 

Werke von Carracci, Michelangelo (1475-1564) und 

Pietro da Cortona (1596-1669) studierte. 

Getrost können wir das hier angebotene Gemälde 

als museal bezeichnen, hing es doch zusammen mit 

„Venus und Diomedes“ – heute in der Eremitage in 

Sankt Petersburg – sowie vier weiteren Gemälden 

Gabriel-François Doyens im Pariser Salon von 1761. 

Zwar ist nicht eindeutig überliefert, ob Ange-Laurent 

de la Live de Jully (1725-1779) das hier angebotene 

Gemälde direkt im Salon erwarb, doch wissen wir, 

dass es sich bald darauf in dessen wertvoller Sammlung 

(er hatte ein ordentliches Vermögen von seinem 

Vater geerbt) befand. Man hatte ihn sogar aufgrund 

seiner Bedeutung als Sammler zum Mitglied der Akademie 

gewählt. Im Jahre 1764 wurde ein Führer herausgegeben, 

in welchem er seine Sammlung mit Hilfe 

von Pierre-Jean Mariette (1694-1774) beschrieb, das 

vorliegende Gemälde ist auf Seite 58 im „première 

pièce sur jardin“ zu finden. Neben Doyen kaufte La 

Live de Jully auch direkt bei anderen Künstlern. Bei 

Jean-Bapiste Greuze (1725-1805), Jean-Bapiste Siméon 

Chardin (1699-1779) und Nicolas Desportes (1718- 

1787) ebenso wie bei Jacques Charles Oudry (1720- 

1778) und Nicolas de Largillière (1656-1746). Neben 

zeitgenössichen Malern sammelte er auch Holländer 

und Flamen. So gehörte ihm auch das „Portrait der 

Helène Foument“ von Peter Paul Rubens, welches 

heute die Wände des Musée du Louvre ziert. (†) 

Provenienz: 

Auktion Ange Laurent de la Live de July, 

Paris 02.-14. Mai 1770, Lot 118. 

Auktion Madame Ingres, Me Duchesne, 

Paris 10. April 1894, Lot 34. 

Auktion Sotheby‘s, Monaco 19. Juni 1994, Lot 505 

mit Abb. 

Auktion Lagerfeld, Christie‘s, New York 23. Mai 2000, 

Lot 137 mit Abb. 

Literatur: 

L‘Observateur littéraire, 1761, Bd. 4, Lettre VII, S. 161. 

L‘Année litteraire, 1761, Bd. 6, Lettre I, S. 16. 

Mercure de France, October 1761, Bd. 2, S. 113. 

Pierre-Jean Mariette, Catalogue historique du cabinet 

de peintures et de sculpures de M. de La Live, 1764, 

S. 58. 

Émile Bellier de la Chavignerie-L. Auvray, Dictionnaire 

Général des Artistes de l‘École Française, Paris 1882, 

Wiederauflage 1997, Bd. 1, S. 445. 

Marc Sandoz, Gabriel-François Doyen: 1726-1806, 

Paris 1975, S. 34, Nr. 21 (mit unbekanntem Standort). 

Colin B. Bailey, Ange-Laurent de La Live de Jully, 

New York 1988, S. 58. 

Eine Zeichnung des hier angebotenen Gemäldes findet 

sich im Livre du Salon des Gabriel de Saint Aubin 

von 1761: E. Dacier, Catalogues de ventes et livrets 

de Salon illustrés illustrés par Gabriel de Saint-Aubin, 

Paris 1909, reprinted 1993, VI, Nr. 92. 

Ausstellung: 

Paris, Salon, 1761, Nummer 92. (12417411) (13) 

GABRIEL FRANÇOIS DOYEN, 

1726 PARIS – 1806 ST. PETERSBURG 

LA LECTURE 


74 x 58.2 cm in oval. 

Signed and dated “Doyen / 1761” lower left. 

In gilt, ornamental profile frame with oval cutout. 

Accompanied by a copy of the expert’s report by René 

Millet dated 16 April 2019, who clearly acknowledges 

Gabriel François Doyens as the painting’s creator.(†) 

Provenance: 

Auction Ange Laurent de la Live de July, 

Paris 02 - 14 May 1770, lot 118. 

Auction Madame Ingres, Me Duchesne, 

Paris 10 April 1894, lot 34. 

Auction Sotheby’s, Monaco 19 June 1994, lot 505 

with ill. 

Auction Lagerfeld, Christie’s, New York 23 May 2000, 

lot 137 with ill. 

Literature: 

L’Observateur littéraire, 1761, vol. 4, lettre VII, p. 161. 

L’Année litteraire, 1761, vol. 6, lettre I, p. 16. 

Mercure de France, October 1761, vol. 2, p. 113. 

P.-J. Mariette, Catalogue historique du cabinet de 

peintures et de sculptures de M. de La Live, 1764, 

p. 58. 

E. Bellier de la Chavignerie-L. Auvray, Dictionnaire 

Général des Artistes de l’École Française, Paris 1882, 

reissue 1997, vol. 1, p. 445. 

M. Sandoz, Gabriel-François Doyen 1726-1806, 

Paris 1975, p. 34, no. 21 (with unknown location). 

C. B. Bailey, Ange-Laurent de La Live de Jully, New 

York 1988, p. 58. 

A drawing of the painting on offer for sale in this lot 

can be found at the Livre du Salon des Gabriel de 

Saint Aubin dated 1761: E. Dacier, Catalogues de 

ventes et livrets de Salon illustrés illustrés par Gabriel 

de Saint-Aubin, Paris 1909, reprinted 1993, VI, no. 92. 

Exhibition: 

Paris, Salon, 1761, no. 92. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

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157

202 

FRANCESCO TREVISANI, 


Der in der jenseitigen Adria-Uferstadt Campodistria 

geborene Maler war Sohn des Architekten Antonio 

Trevisani, von dem er den ersten Unterricht im Zeichnen 

erhielt. Die Malerei studierte er bei Antonio Zanchi 

(1631-1722) in Venedig, wonach er 1678 nach Rom 

ging. Ein Portraitbildnis des Kardinals Pietro Ottoboni 

begründete seinen Erfolg, der dazu führte, dass er 

auch von Kardinal Chigi an Papst Clemens XI empfohlen 

wurde. In Rom wirkten die Einflüsse des Guido 

Reni (1575-1642) und Carlo Maratti (1625-1713) auf die 

Malweise Trevisanis weiterführend ein. Als erfolgreicher 

Maler erhielt er zahlreiche Aufträge für mehrere 

Kirchen und Höfe europweit. 1712 wurde er Mitglied 

der Accademia dell‘ Arcadia. 1719 schuf er eines seiner 

Hauptwerke, die „Stigmatisation des Heiligen Franz“, 

ein bedeutendes Spätwerk ist das 1733 entstandene 

„Wunder des Heiligen Antonius“ in der venezianischen 

Kirche San Rocco. 

DIE HEILIGE FAMILIE MIT DEM JOHANNESKNABEN 


100 x 93 cm. 

Das größerformatige, wohl als Altarbild geschaffene 

Gemälde zeigt einen deutlichen kompositorischen 

Dreiecksaufbau. Dabei nimmt die Madonna mit dem 

Kind das Zentrum des Bildes ein, wobei eine deutliche, 

auch durch unterschiedliche Beleuchtung erkennbare 

Diagonale von links unten nach rechts oben, entlang 

der Schulter des Kindes, das dunklere Bildfeld links 

oben ausgrenzt. In diesem taucht, in bewusster Verschattung, 

der Heilige Josef auf, bärtig, den Blick auf 

das Kind gerichtet, die Hände umfassen ein Buch. In 

diagonaler Gegenbewegung tritt unten rechts der 

Oberkörper des Johannesknabens hervor, nur mit einem 

Fell bekleidet. Der Kreutzstab folgt wieder der 

Hauptdiagonale der Gesamtkomposition, mit herabhängendem 

schmalen Rotolus, mit der üblichen Aufschrift 

„Agnus Dei“. Die Beleuchtung ist ganz auf Mutter 

und Kind konzentriert, wobei die Mutter mit beiden 

Händen das Kind umfängt, das schlafend zurückgelehnt 

den Kopf auf die Schulter der Mutter gelegt hat, 

bedeckt vom Schleiertuch Mariens. Die ikonographischen 

Farben der Maria, Rot und Blau, sind hier stilgemäß 

abgemildert zu einem hellen Rosa sowie einem 

nur zart leuchtenden Taubenblau. Wie immer in den 

Bildern Trevisanis wird auch hier die Konturenführung 

weich gezeichnet durch Sfumatomalerei, die vor allem 

im Profil der Maria zur Geltung kommen sollte. 

Provenienz: 

Das in hoher Qualität ausgeführte Gemälde wurde 

bereits vor etwa einem Jahrzehnt, als ein Werk des 

Francesco Trevisani, in einer Auktion in New York 

versteigert, damals mit dem Provenienzverweis auf 

Abbey Art Gallerys in Pittsburgh. Ein entsprechender 

Galerieaufkleber findet sich verso auf dem Keilrahmen. 

Darüber hinaus ist das Bildthema in ähnlicher Darstellung 

auch in einer Auktion bei Hampel aufgetaucht, 

dort variierte die weit kleinere Darstellung insofern, 

als dass sich das Köpfchen des Kindes der Mutter 

zuneigt. (1240474) (11) 

FRANCESCO TREVISANI, 


THE HOLY FAMILY WITH SAINT JOHN THE BAPTIST 


100 x 93 cm. 

The larger format painting, probably created as an 

altarpiece, features a marked triangular composition 

with the Virgin and Child positioned at centre. 

Provenance: 

The high quality painting was sold at auction in New 

York over a decade ago as “by Francesco Trevisani”, 

then with provenance reference to Abbey Art Galleries 

in Pittsburgh. Stretcher with corresponding gallery 

label. Furthermore a similar depiction of this subject 

was also offered for sale at Hampel, however, in a 

much smaller format and with the Christ Child’s head 

leaning towards his mother. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

INFO | BID 


203 

FLÄMISCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 

CHRISTUS UND DIE EHEBRECHERIN 


117,5 x 164 cm 

In ebonisiertem Holzrahmen. 

Wie im Johannesevangelium in den Versen 7,53-8,11 

beschrieben, zeigt der Maler den Konflikt zwischen 

Jesus und den Schriftgelehrten und Pharisäern: „Dies 

aber sagten sie, ihn zu versuchen, damit sie etwas 

hätten, um ihn anzuklagen. Jesus aber bückte sich 

nieder und schrieb mit dem Finger auf die Erde. 7 Als 

sie aber fortfuhren, ihn zu fragen, richtete er sich auf 

und sprach zu ihnen: Wer von euch ohne Sünde ist, 

werfe als Erster einen Stein auf sie. 8 Und wieder 

bückte er sich nieder und schrieb auf die Erde. 9 Als 

sie aber dies hörten, gingen sie, einer nach dem anderen, 

hinaus, angefangen von den Älteren; und er wurde 

allein gelassen mit der Frau, die in der Mitte stand. 

10 Jesus aber richtete sich auf und sprach zu ihr: Frau, 

wo sind sie? Hat niemand dich verurteilt? 11 Sie aber 

sprach: Niemand, Herr. Jesus aber sprach zu ihr: Auch 

ich verurteile dich nicht. Geh hin und sündige von jetzt 

an nicht mehr!“ Das Thema wurde im 17. Jahrhundert 

vielfach in der Malerei umgesetzt, etwa von Pieter 

Brueghel d.Ä. in der Alten Pinakothek in München. 

Rahmen besch. (12405310) (1) (13) 

FLEMISH SCHOOL, 17TH CENTURY 

CHRIST AND THE ADULTERESS 


117.5 x 164 cm. 

In ebonized wooden frame. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BID 


159

204 

FRANCESCO GUARDI, 

1712 VENEDIG – 1793 EBENDA, ZUG. 

HAFENMOLE MIT TURM UND STAFFAGEFIGUREN 

UNTER DUNKLEM WOLKENHIMMEL 


44,5 x 56 cm. 

Die Szenerie dramatisch wiedergegeben: Im Zentrum 

nach links gebogene schlanke Bäume, rechts daneben 

ein dunkel verschatteter Rundturm, der zwischen 

Giebelhäusern hochzieht mit vorkragendem Aufzugsbalken. 

Am Ufer, in hellerem Licht, zwei Gestalten mit 

Angelrute, weiter hinten, am gegenüberliegenden Ufer, 

gewittrig beleuchtete Gebäude mit Staffagefiguren. 

(1241074) (2) (11) 


1712 VENICE – 1793 IBID., ATTRIBUTED 

HARBOUR MOLE WITH TOWER AND STAFFAGE 

FIGURES AGAINST DARK CLOUDY SKY 


44.5 x 56 cm. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

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205 


1712 VENEDIG – 1793 EBENDA, WERKSTATT 

Gemäldepaar 

ANSICHTEN VON VENEDIG 

Jeweils Öl auf Holz. Parkettiert. 

Je 35 x 28 cm. 

In dekorativen Rahmen. 

Das erste Gemälde zeigt eine kleine hölzerne Brücke 

über dem Kanal mit dem dahinterliegenden Eingang 

zum Arsenal. Am Ufer des Vordergrundes einige Figuren 

in rot-grüner Gewandung mit Kopfbedeckung und 

ein Hund. Im Hintergrund der prachtvolle, am Wasser 

liegende Bau des Arsenals, unter hohem blauen Himmel 

mit wenigen weißen Wolken. Das zweite Gemälde 

zeigt die Punta della Dogana an der Spitze der Insel 

Dorsoduro mit dem berühmten Turm, auf dem zwei 

Atlasfiguren eine vergoldete Erdkugel mit der Göttin 

Fortuna stemmen. Dahinter die prachtvolle Kirche Santa 

Maria della Salute mit der großen Kuppel. Einige 

Segelboote und Gondeln haben am Ufer dieser Insel 

angelegt, ein weiteres Boot mit Figuren ist rechts 

im Vordergrund zu erkennen. Malerei in überwiegend 

beige-brauner Farbigkeit, mit hohem hellblauen Himmel 

und weißen Wolken. Beide Gemälde rest., Retuschen. 


1712 VENICE – 1793 IBID., WORKSHOP 


VISTAS OF VENICE 

Both oil on panel. Parquetted. 

35 x 28 cm each. 


Both paintings restored. 

Provenance: 

Private collection, Europe. 

Notes: 

Both panels with old paper labels of the Hutaff Collection, 

New York on the back. Further old paper label 

with handwritten reference to the Algarotti-Corniani 

collection. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Europäische Privatsammlung. 

Anmerkung: 

Verso beide Tafeln jeweils mit altem Papieretikett der 

Sammlung Hutaff in New York. Eines zusätzlich mit 

altem Papieretikett mit beschriftetem Hinweis auf 

die Kollektion Algarotti-Corniani. (1241491) (18) 


161



163

206 

FRANCESCO GRANACCI, 

1469 FLORENZ – 1543 

PREDELLA: DER HEILIGE ANTONIUS. 

DIE VERKÜNDIGUNG. 

DER HEILIGE JOHANNES DER TÄUFER 

Tempera auf Holz. 

16,5 x 191 cm. 

In vergoldetem und gekehltem Rahmen. 

Stark horizontal ausgerichtete Predella gehörte vermutlich 

einst zum Altar, welchen Francesco Granacci 

für die Kirche Santa Maria bei Cintoia schuf. Darauf 

deutet das Wappen hin, welches links am Rand einleitet 

und der Familie Vernaccia gehört, welche die Patrone 

dieser Kirche waren, den Bau und die Einrichtung 

unterstützten. Die zu dieser Predella gehörige Pala 

(Altarretabel) wird heute im Museo d‘Arte Sacra di San 

Francesco a Greve in Chianti aufbewahrt. Holst und 

alle folgenden Wissenschaftler datieren das Werk auf 

ungefähr 1498. Rest. 

Provenienz: 

Santa Maria, Cintoia, Toskana, Italien. 

Vergleiche: 

C. van Holst, Francesco Granacci, München 1974, 

S. 23, 136 - 137. 

Ausstellung: IL giardino di San Marco. Maestri e 

compagni del giovane Michelangelo, Mailand 1992, 

S. 52. 

Ausstellung: Maestri e botteghe. Pittura a Firenze 

alla fine del Quattrocento, Mailand 1992, S. 75. 

Ausstellung: Museo di Arte Sacra di San Francesco 

a Greve in Chianti. Guida alla visita del museo e alla 

scoperta del territorio Florenz 2005, S. 32-33. 

(1241071) (2) (13) 

FRANCESCO GRANACCI, 

1469 FLORENCE – 1543 

PREDELLA: SAINT ANTHONY. 

THE ANNUNCIATION. 

SAINT JOHN THE BAPTIST 

Tempera on panel. 

16.5 x 191 cm. 

In grooved gilt frame. 

Provenance: 

Santa Maria, Cintoia, Tuscany, Italy. 


C. van Holst, Francesco Granacci, Munich 1974, pp. 23, 

136-137. 

Exhibition: IL giardino di San Marco. Maestri e compagni 

del giovane Michelangelo, Milan 1992, p. 52. 

Exhibition: Maestri e botteghe. Pittura a Firenze alla 

fine del Quattrocento, Milan 1992, p. 75. 

Exhibition: Museo di Arte Sacra di San Francesco a 

Greve in Chianti. Guida alla visita del museo and alla 

scoperta del territorio Florence 2005, pp. 32-33. 

€ 20.000 - € 40.000 

Sistrix 

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207 

JACQUES-ANTOINE VOLAIRE, 

1729 TOULON – UM 1802 NEAPEL 

LE NAUFRAGE – DER SCHIFFBRUCH 


52 x 72 cm. 

Im vergoldeten klassizistischen Rahmen. 

Die dramatische Küstenszene zeigt ein an den Felsenklippen 

in aufschäumenden Wellen zerschelltes 

Segelschiff. Die Uferfelsen ziehen links hoch, rechts in 

der Ferne ein weiterer großer Segler in Seenot in gefährlicher 

Nähe zu einer Hafenfestung. Im Vordergrund 

Staffagefiguren, die dabei sind, Schiffbrüchige zu retten. 

Einer zentralen Figurengruppe, zwei Männer, die 

eine nackte Frau tragen, ist besondere Aufmerksamkeit 

in narrativem Vortrag gewidmet, besonders durch 

die Feinmalerei des Frauenaktes. Das sturmdurchtobte 

Firmament zeigt dunkle Regenwolken neben einer 

Aufhellung links oben. Insgesamt ist die Darstellung 

von ausgesprochener Theatralik getragen, ganz im 

Sinne einer Vorromantik, wie sie bereits mit den Darstellungen 

der Vesuvausbrüche eingesetzt hatte, ein 

Thema dem sich auch der Maler Volaire besonders 

gewidmet hat. 

Bereits sein Großvater, sowie auch sein Vater, waren 

Maler gewesen. Die Begegnung mit Claude Joseph 

Vernet (1714-1789) führte 1754 zu einer Zusammenarbeit, 

bei der beide, im Auftrag Louis XV, die Häfen 

Frankreichs in Gemälden zu dokumentieren hatten. 

1762 in Rom und Mitglied der Accademia di San Luca, 

wandte er sich wiederholt der Landschaft und dem 

Seestück zu. Aber der Vesuvausbruch am 14. Mai 

1771, den Volaire in zahlreichen Bildern dokumentieren 

konnte, machte ihn europaweit bekannt. 

Das Gemälde hat Aufnahme in die Publikation über 

den Maler gefunden. A.R. 

Literatur: 

Èmile Beck Saiello, Pierre Jacques Volaire 1729-1799, 

dit le Chevalier Volaire, Vorwort von Maria Theresa 

Caracciolo, Université de Lille, Arthena, Paris 2010, 

Kat. Nr. P 26, S. 210, mit Abb. (1240256) (11) 

JACQUES-ANTOINE VOLAIRE, 

1729 TOULON – CA. 1802 NAPLES 

LE NAUFRAGE – THE SHIPWRECK 


52 x 72 cm. 

In classical gilt frame. 

The dramatic coastal scene shows a sailing boat being 

smashed onto rocks in raging seas. The narration’s 

focus rests on a central figural group of two men, carrying 

a naked female, especially highlighted by the 

fine painting of the female nude. The volcanic eruption 

of Mount Vesuvius on 14 May 1771, which Volaire documented 

in numerous paintings, made him renowned 

throughout Europe. The painting is included in a publication 

about the artist. 

Literature: 

É. Beck Saiello, Pierre Jacques Volaire 1729-1799, 

dit le Chevalier Volaire, preface by Maria Theresa 

Caracciolo, Université de Lille, Paris 2010, cat. no. 

P 26, p. 210, with ill. 

€ 60.000 - € 80.000 


Sistrix 

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165

208 

AMSTERDAMER MEISTER DES 17. JAHRHUNDERT 

BILDNIS EINER DAME MIT HALSKRAUSE UND 

HANDSCHUHEN 


75 x 63 cm. 

Die Dargestellte mittleren Alters im Halbbildnis; das 

schwarze Seidenkleid schimmert in der feinen Musterung 

auf, wird jedoch vom ebenso schwarzen Hintergrund 

eingebunden. Dieser farbliche Effekt dient ganz 

der Hervorhebung des Gesichtes, das wiederum durch 

den weiten Mühlsteinkragen und die etwas nach hinten 

geschobene weiße Haube gerahmt erscheint. 

Über der hohen Stirn glatt unter die Haube gekämmtes, 

mittelbraunes Haar. Der Blick ist auf den Betrachter 

gerichtet, lebensnah und mit leicht fragendem 

Ausdruck. Die Wangen leicht gerötet, das Inkarnat in 

feinen Abstufungen, die Beleuchtung von links oben. 

Der rechte Arm angewinkelt, ein heller Handschuh mit 

Stickereien setzt sich in der Spitzenbordüre des Kleides 

fort, der zweite Handschuh in der Hand gehalten, 

wobei die leuchtend roten Bänder eine Betonung als 

farbliches Gegengewicht zum Inkarnat herstellen. 

Das Gemälde in erkennbar sehr hoher Qualität, die 

durchaus den Werken eines Cornelis van der Voort 

(1576-1624) entspricht, vergleicht man dazu dessen 

Damenbildnisse, wie etwa das Porträt der „Brechtje 

Overrijn van Schoterbosch“ (Rijksmuseum) oder der 

„Margaretha Reijers“ (Bad Homburg), das anlässlich 

der Ausstellung „Rembrandt y el retrato en Amsterdam, 

1590-1670“ im Thyssen-Bornemisza Museum in 

Madrid gezeigt wurde. A.R. (1241364) (11) 

AMSTERDAM SCHOOL, 17TH CENTURY 

PORTRAIT OF A LADY WITH RUFF COLLAR 

AND GLOVES 


75 x 63 cm. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

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Detailabbildung 


209 

PIETER POST, 


SOLDATEN PLÜNDERN EIN DORF 


70 x 110 cm. 

In mit Wellenleistenprofilen dekoriertem Holzrahmen. 

Das Gemälde wird beim RKD Den Haag unter der Nummer 

227198 geführt und Pieter Post zugeschrieben. 

Provenienz: 

Lissley Hart, vor 1963. 

Sotheby‘s London, 26. März 1965. 

Sotheby‘s London, 06. Dezember 1972, Lot 92, als 

Esaias van de Velde (1587/91-um 1630). 

Paul Getty Museum, Malibu als Esaias van de Velde. 

Sotheby‘s Amsterdam, 03. Mai 2007, Lot 55, als zug. 

an Pieter Post. 

Sotheby‘s Amsterdam, Mai 2007, Lot 256, als Pieter 

Post, zug. 

Literatur: 

George S. Keyes, Esaias van den Velde, 1587-1630, 

Doornspijk 1984, S. 293, Nr. 61, als Pieter Post. 

David Jaffé, Catalogue of European Paintings, Paul 

Getty Museum, Los Angles 1997, S. 98. (1241429) 

(13) 

PIETER POST, 


SOLDIERS PLUNDERING A VILLAGE 


70 x 110 cm. 

In ripple moulding frame. 

The painting is listed at the RKD, The Hague with no. 

227198 as Pieter Post. 

Provenance: 

Lissley Hart, before 1963. 

Sotheby’s London, 26 March 1965. 

Sotheby’s London, 6 December 1972, lot 92, as Esaias 

van de Velde (1587/91-ca. 1630). 

Paul Getty Museum, Malibu as Esaias van de Velde. 

Sotheby’s Amsterdam, 3 May 2007, lot 55, as Pieter 

Post, attributed. 

Sotheby’s Amsterdam, May 2007, lot 256, as Pieter 

Post, attributed. 

Literature: 

G. S. Keyes, Esaias van den Velde, 1587-1630, 

Doornspijk 1984, p. 293, no. 61, as Pieter Post. 

D. Jaffé, Catalogue of European Paintings, Paul Getty 

Museum, Los Angles 1997, p. 98. 

€ 25.000 - € 28.000 

Sistrix 

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210 

JEAN-BAPTISTE LALLEMAND, 

1716 DIJON – UM 1803 PARIS 

PARKLANDSCHAFT MIT SCHLOSS UND BLUMEN 

ÜBERBRINGENDEM JUNGEN MANN 


107,5 x 138,5 cm. 

Links unten auf Steinsockel Signatur. 


In einer großen Parkanlage mit einem barocken 

Schloß, vor dem sich ein rechteckiger Brunnen mit einer 

großen Wasserfontäne befindet, zwei elegante 

Damen in langen feinen Gewändern. Sie sitzen vor 

bewaldetem Hintergrund unterhalb eines Steinsockels, 

auf dem eine große, beschädigte Kratervase 

mit Relief steht. Ein junger Gärtner mit einem Spaten 

in der linken Hand bietet ihnen in einem geflochtenen 

Korb frisch geschnittene, zartrosafarbene Rosenblüten 

an, nach denen eine der Damen greift. Auf dem 

Boden vor ihnen ein Kind, mit einem Hund spielend, 

während links hinter ihnen eine Frau weitere Rosen 

schneidet. Am Brunnen zudem eine Gärtnerin, die 

zwei Kannen mit Wasser befüllt. Im Vordergrund rechts 

steht eine glänzende Kanne neben einem antiken 

Säulenstück. Harmonische Malerei mit hohem blauen 

Horizont und teils leicht rosa verfärbten Wolken. Retuschen. 

(1240362) (1) (18) 

JEAN-BAPTISTE LALLEMAND, 

1716 DIJON – 1803 PARIS 

PARK LANDSCAPE WITH CASTLE AND YOUNG 

MAN DELIVERING FLOWERS 


107.5 x 138.5 cm. 

Signed on stone base lower left. 


€ 28.000 - € 35.000 

Sistrix 

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211 

JEAN-BAPTISTE FRANÇOIS PATER, 

1695 VALENCIENNES – 1736 PARIS 

GALANTERIESZENE IN EINEM PARK, UM 1725 

Öl auf Holz. 

37 x 42 cm. 

Beigegeben ein Zertifikat von Eric Turquin, Juni 2005. 

Das vorliegende Gemälde zeigt eine Zusammenkunft 

von Aristokraten im Freien, die genau so gut in einem 

Salon vorstellbar wäre. Sie widmen sich der galanten 

Unterhaltung und dem Musizieren auf improvisiertem 

Mobiliar und stehen damit fast im Widerspruch zur sie 

umgebenden ländlichen Szenerie. Der Herr am linken 

Bildrand scheint den Ton anzugeben, da sich sämtliche 

anderen Damen ihm zuwenden. Er seinerseits widmet 

seine ganze Aufmerksamkeit der hell gewandeten 

Dame im Zentrum der Komposition. Die beiden 

spiegeln dabei ihre Köperhaltung, auch wenn sie doch 

eher zögerlich auf seine Avancen reagiert. Die sie umgebenden 

Figuren beobachten das Spiel, hören zu 

oder spielen Musik. Ein Kind rechts der Dame scheint 

sich in diese Erwachsenenwelt verirrt zu haben. Die 

Dame im Fokus der Szene trägt ein weiß-roséfarbenes 

Seidenkleid. Die Leuchtkraft ihrer Kleidung wird 

durch die eher gedeckten Töne der Gewänder der übrigen 

Personen um sie herum noch deutlich gesteigert. 

Die junge Fiedelspielerin rechts zu ihren Füßen 

bildet in ihrem bunten Kleid ein Gegenstück zu ihrem 

elegant unifarbenen. Die Szene trägt sich am Rand 

eines Waldes zu. Links gibt ein Durchbruch den Blick 

auf die ländliche Landschaft frei. Rechts am Waldrand 

steht eine Skulpturengruppe mit lasziven Putti in Andeutung 

der noch künftigen Liebesspiele. Die Szene 

versetzt uns in die libertine aristokratische Gesellschaft 

der Régence-Periode. Bukolische Dekore bilden den 

Hintergrund galanter Gespräche. Die Palette ist lieblich 

und verläuft in subtilen Nuancen. Der Künstler kreiert 

ein schönens Spiel der Lichtreflexe, und seine 

Meisterschaft zeigt sich insbesondere im Spiel von 

Licht und Schatten der changierenden Stoffe. 

Jean-Baptiste Pater war ein französischer Rokoko-Maler, 

der seine Ausbildung bei Jean-Antoine Watteau 

(1684-1721) genossen hatte und Zeit seines Lebens 

hinsichtlich Stil und Themenwahl dessen Einfluss unterlag. 

1725 wurde er von der Pariser Akademie als 

Meister der Fêtes Galantes angenommen. Nach dem 

Tod seines großen Vorbildes vervollständigte er noch 

seine Aufträge. Aus dem Jahr der Aufnahme in die 

Akademie stammt das vorliegende Gemälde, auf dem 

Watteaus Einfluss deutlich spürbar ist. (†) 

(1241748) (10) 

JEAN-BAPTISTE FRANÇOIS PATER, 

1695 VALENCIENNES – 1736 PARIS 

GALANT SCENE IN A PARK, CA. 1725 

Oil on panel. 

37 x 42 cm. 

Accompanied by a certificate of authenticity by Eric 

Turquin, June 2005. 

The present painting shows an aristocratic gathering 

for an outdoor party that could equally be imagined 

inside a salon. The scene transports viewers into the 

libertine aristocratic society of the Régence period. 

The colour palette is soft and with subtle nuances. The 

artist creates a beautiful optical illusion of light reflexes 

and his mastery is especially apparent in the play 

of light and shadow of the iridescent fabrics. 

Jean-Baptiste Pater was a French Rococo painter that 

trained with Jean-Antoine Watteau (1684 - 1721) and 

for the rest of his career his œuvre remained under 

his influence regarding style and choice of subjects. 

He was accepted as a master painter of “Fêtes Galantes” 

by the Academy of Paris in 1725. After the death 

of his great role model Watteau, he completed his 

commissions. The present painting dates to the year 

that Pater was accepted by the Academy and Watteau’s 

influence is still clearly palpable. (†) 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

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212 

FRANZÖSISCHER KÜNSTLER 


PORTRAIT DER MADAME DE POMPADOUR 

Pastell auf Karton, auf Leinwand aufgezogen. 

178 x 129 cm. 

Hinter Glas gerahmt. 

Das Ganzkörperportrait der Madame de Pompadour 

(1721-1764), der Mätresse des Königs Ludwig XV, 

entstand offensichtlich nach einem seitenrichtigen 

Kupferstich nach dem Gemälde von Maurice Quentin 

de La Tour von 1755 (Musée du Louvre, Paris). Das 

Pariser Gemälde entstand ein Jahr bevor sie von der 

Königin zur Herzogin von Menars ernannt wurde. Das 

vorliegende Pastell ist in leicht vereinfachter Form 

wiedergegeben und die Farbwahl der Details variiert, 

sodass wir davon ausgehen können, dass es nach einer 

graphischen Vorlage entstanden ist. Während in 

dem Pariser Gemälde noch Rosé-Töne vorwiegend 

sind, liegt das Hauptaugenmerk bei unserem Gemälde 

auf einem zarten Blau, welches den Zeitgeschmack 

ebenso gut trifft. Alterstypische Randbeschädigungen. 

(1241581) (3) (13) 

FRENCH SCHOOL, 

18TH CENTURY 

PORTRAIT OF MADAME DE POMPADOUR 

Pastel on card, laid on canvas. 

178 x 129 cm. 

Framed behind glass. 

This full figure portrait of Madame de Pompadour 

(1721-1764), mistress of King Louis XV, is probably 

based on a non-reversed copper engraving created 

after a painting by Maurice Quentin de La Tour dating 

1755 (Louvre, Paris). 

€ 20.000 - € 40.000 

Sistrix 

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173

213 

JEAN MARC NATTIER, 

1685 PARIS – 1766 

PORTRAIT DER MARIE-ANNE DE CHÂTEAUNEUF, 

GENANNT MADEMOISELLE DUCLOS 

(1670 – 1748) 


35 x 25 cm. 

In vergoldetem Louis-XV Rahmen. 

Kontrastreich vor dunklem Prospekt das Brustportrait 

der Mademoiselle Duclos (eigentlich Marie-Anne de 

Chateauneuf), welche an der Comédie Francaise studierte, 

wo sie am 27. Oktober 1693 zum ersten Mal 

in der Rolle der Justine dans Géta, einer Tragödie in 

fünf Akten von Nicolas de Péchantré, auftrat. Erst 

1733 verließ sie die Bühne und starb 1748. Von Nicolas 

de Largilliere ist uns ein Portrait der Sängerin überliefert, 

welches sie in der Rolle der Ariane zeigt, während 

das vorliegende Portrait die Sängerin als jüngere 

Frau ohne Berufsbezug zeigt. (†) 

Voltaire schrieb 1715 in einem Gedicht: 

„Belle Duclos, 

Vous charmez toute la nature ! 

Belle Duclos, 

Vous avez les dieux pour rivaux ; 

Et Mars tenterait l‘aventure 

S‘il ne craignait le dieu Mercure, 

Belle Duclos“ 

Provenienz: 

Sammlung Gustave Mühlbacher: Rückwärtiges 

Etikett verweist auf die Auktion Daru, Alexandre 

Dumas, Mühlbacher. 

Miami, Florida, USA, Antique show, 2. Februar 1996. 

Privatsammlung Chicago, Illinois, USA. 

Literatur: 

Das hier angebotene Gemälde wird in folgenden 

Publikationen behandelt: 

Jouin, M. Henry. Exposition Universelle de 1878, à 

Paris. Notice Historique et Analytique des Peintures, 

Sculptures, Tapisseries, Miniatures, Émaux, Dessins, 

etc. Exposés dans les Galeries des Portraits Nationaux 

au Palais du Trocadéro, Paris 1879, S. 150. 

Mühlbacher, Gustave, Catalogue des Tableaux Dessins, 

Aquarelles, Gouaches, Miniatures et Marbres 

du XVIII Siécle composant la collection de Mr. Gve. 

Mühlbacher, Paris 1899, S. 35. 

Anmerkung: 

Exposition Universelle, Paris, 1878 (siehe auch rückwärtiges 

Etikett). (12417415) (13) 

JEAN MARC NATTIER, 

1685 PARIS – 1766 

PORTRAIT OF MARIE-ANNE DE CHÂTEAUNEUF, 

ALSO KNOWN AS MADEMOISELLE DUCLOS 

(1670 – 1748) 


35 x 25 cm. 

In gilt Louis-XV frame. 

Provenance: 

Gustave Mühlbacher collection; label with auction 

reference Daru, Alexandre Dumas, Mühlbacher on 

the reverse. 

Miami, Florida, USA, Antique show, 2 February 1996. 

Private collection, Chicago, Illinois, USA. 

Literature: 

The painting on offer for sale is discussed in the following 

publications: 

Jouin, M. Henry. Exposition Universelle de 1878, à 

Paris. Notice Historique et Analytique des Peintures, 

Sculptures, Tapisseries, Miniatures, Émaux, Dessins, 

etc. exposés dans les Galeries Des Portraits Nationaux 

au Palais du Trocadéro, Paris 1879, p. 150. 

G. Mühlbacher, Catalogue des Tableaux Dessins, 

Aquarelles, Gouaches, Miniatures et Marbres du 

XVIII Siécle composant la collection de Mr. Gve. 

Mühlbacher, Paris 1899, p. 35. 

Exhibited: 

Exposition Universelle, Paris, 1878 (also see label on 

reverse). 

€ 50.000 - € 90.000 

Sistrix 

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214 

ANDREA SACCHI, 

1599 NETTUNO – 1661 ROM, ZUG. 

ALLEGORIE DES TRAUMES 


122 x 155,5 cm. 

In diesem seltenen, auf den ersten Blick nicht leicht zu 

deutenden allegorischen Bildthema hat sich der Maler 

bei der Darstellung auf nur zwei Gestalten beschränkt. 

Gezeigt ist ein nach rechts liegender kräftiger Mann mit 

schon ergrautem Bart, dessen Augen noch geschlossen 

sind. Träumerisch greift er nach einem weiblichen 

Wesen, das in schwebender Haltung nach links entweicht, 

während es ihm eine zarte Blütengirlande zurücklässt. 

Das Bild ist voller allegorischer weiterer Anspielungen. 

So ist das Schlaflager des Mannes steinig 

wiedergegeben, der Hintergrund zeigt das beginnende 

Morgenrot, das darauf hinweist, dass der Maler hier 

das Ende eines erotischen Traumes andeuten möchte, 

der mit dem Erwachen endet. 

Stilistisch steht das Gemälde ganz in der Malweise 

des genannten Künstlers. Augenfällig ist hier die besondere 

Charakteristik im Werk des Andrea Sacchi, der 

sich – ganz entgegen dem Stil seiner Konkurrenten – 

in einem barock-klassizistischen Sinne zur Einfachheit 

der Darstellungen durch nur wenige Figuren entschieden 

hatte. Diese Stilauffassung wurde auch durch seinen 

Schüler Carlo Maratti weitergeführt und gewann 

schließlich die Oberhand der italienischen Malerschulen 

der nachfolgenden Zeit. A.R. 

Literatur: 

Antonio d'Avosssa, Antonio Sacchi, Ed. Kappa, Rom 

1985. 

Hans Posse, Der römische Maler Andrea Sacchi. Ein 

Beitrag zur Geschichte der klassizistischen Bewegung 

im Barock. Seemann, Leipzig 1925. 

Roberta Rinaldi Hrsg., Antonio Sacchi, De Luca, Rom 

1999. (1240241) (3) (11) 

ANDREA SACCHI, 

1599 NETTUNO – 1661 ROME, ATTRIBUTED 

ALLEGORY OF DREAMS 


122 x 155.5 cm. 

Literature: 

A. dÁvosssa, Antonio Sacchi, Ed. Kappa, Rome 1985. 

H. Posse, Der römische Maler Andrea Sacchi. Ein Beitrag 

zur Geschichte der klassizistischen Bewegung im 

Barock, Seemann, Leipzig 1925. 

R. Rinaldi (ed.), Antonio Sacchi, De Luca, Rome 

1999. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

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175

215 

JAKOB FERDINAND VOET, 

UM 1639 ANTWERPEN – UM 1700 PARIS, ZUG. 

Paar Halbbildnisse: 

DES JUNGEN VICTOR AMADEUS II VON SAVOYEN 

IM HARNISCH MIT ANNUNZIATEN-ORDEN 

sowie 

JUNGE ADELIGE DAME 


Je 82 x 61 cm 

Vergoldete Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Prof. Giancarlo Sestieri, 

Rom, 18. Dezember 2019 (mit Zuschreibung an Antonio 

Franchi). Ein Gutachten von Prof. Giancarlo Sestieri 

hat beide Bilder Antonio Franchi (1638- 1709) in der 

Nachfolge des Sustermans zugeschrieben, im Hinblick 

auf vermutete Hofmalerbeziehung zum Hause Medici. 

Jedoch zeigt der im Schreiben nicht erwähnte Orden, 

dass es sich bei dem Auftrag um den Hof von Savoyen 

handeln muss. 

Beide Portraits im Oval gemalt, jeweils vor dunklem 

Hintergrund. Die Dame in schulterfreiem roten Kleid 

mit weißem Spitzeneinsatz, darüber ein Mantel mit 

Brokatbordüre, an den Ärmeln ebenfalls Spitzen. Das 

dunkle Haar hochgebunden mit eingeflochtenem 

Band, das zum Rot des Kleides korrespondiert, eine 

Haarlocke zieht über die Schulter. Der sprechende 

Blick auf den Betrachter gerichtet, Perlenohrringe und 

schwarze Schönheitspunkte ziehen die Aufmerksamkeit 

auf sich. Die junge Dame trägt außer Perlohrringen 

keinen Schmuck, wirbt mit ihrer natürlichen Erscheinung 

sowie mit einem blauen Band am Mieder, 

das sie als unverheiratet erkennen lässt. Somit wäre 

das Gemälde auch als Brautwerbebild zu sehen. 

So lässt sich der Dargestellte identifizieren als Victor 

Amadeus II (1666-1732), König von Sizilien und Sardinien. 

Er war Sohn des Karl Emanuel II und dessen 

Gemahlin Maria Johanna von Savoyen. Nach dem Tod 

des Vaters 1675, kam er bereits neunjährig als Herzog 

von Savoyen auf den Thron und regierte bis 1730. Nach 

Beteiligung am Spanischen Erbfolgekrieg wurde er 

1713 König von Sizilien, jedoch gezwungen, diese Herrschaft 

mit der von Sardinien zu tauschen. 

Der Hofmaler Jacob Ferdinand Voet porträtierte ihn 

nachweislich bereits in jungen Jahren mindestens dreimal. 

Die bekannt gewordenen Exemplare unterscheiden 

sich jeweils in Details, was auch für das vorliegende Bild 

gegen die Annahme einer Kopie spricht. 

Das Gegenstück zeigt den Portraitierten als Jüngling. 

Sein hoher Fürstenrang erkennbar durch den höchst 

wertvollen, geschwärzten Harnisch mit vergoldeter 

Bänderung, darüber der sogenannte goldene Annunziaten-Orden 

unterhalb des Spitzentuches. Der Orden, 

1362 von Amadeus VI, Graf von Savoyen gestiftet, 

zeigt im Relief die Verkündigung Mariens in einer verschlungenen 

Einfassung. Er wurde ausschließlich an 

Mitglieder des Hochadels verliehen, eine dynastische 

Auszeichnung des ehemaligen italienischen Königshauses 

Savoyen, dann bis 1951 der höchste Verdienstorden 

Italiens. 

Bei dem zweiten Bild spricht einiges dafür, dass es 

sich im um die Gemahlin von Victor Amadeus handeln 

könnte: Anne Marie d‘Orléans (1669 Saint-Cloud-1728 

Turin). Bezeichnenderweise wurde sie stets mit Perlenschmuck 

portraitiert. Vergleiche mit weiteren Bildnissen 

und Stichen sprechen nicht gegen diese Annahme. 

Die Karriere des Antwerpener Malers Vouet führte ihn 

über Frankreich auch nach Italien, wo er sich in Rom 

längere Zeit aufhielt. Zwischen 1672 und 1678 schuf 

er die bekannt gewordene Serie der 37 Portraits der 

schönsten Frauen Roms. Sein Werk lässt vermuten, 

dass er von den in Rom wirkenden Portraitisten Pierre 

Mignard und Carlo Maratta inspiriert wurde. Die beiden 

Gemälde in sehr guter Erhaltung, in einheitlichen 

vergoldeten Rahmen. A.R. (1241791) (11) 


JAKOB FERDINAND VOET, 

CA. 1639 ANTWERP – CA. 1700 PARIS, 

ATTRIBUTED 

A pair of half portraits 

YOUNG VICTOR AMADEUS II, DUKE OF SAVOY 

IN HARNESS WITH THE SUPREME ORDER OF 

THE MOST HOLY ANNUNCIATION 

and 

A YOUNG ARISTOCRATIC LADY 


82 x 61 cm each. 


Accompanied by an expert’s report by Professor 

Giancarlo Sestieri, Rome, 18 December 2019 with 

attribution to Antonio Franchi. 

€ 11.000 - € 15.000 

Sistrix 

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177

216 

DAVID VINCKBOONS, 

1576 MECHELEN – 1629 AMSTERDAM, ZUG. 

ÜBERFALL IM WALDE 


40,7 x 64 cm. 

In vergoldetem Prunkrahmen. 

Beigegeben eine dendrochronologische Untersuchung 

der Gemäldetafel durch die Universität Hamburg vom 

8. Juni 2006. 

In einer dichten Waldlandschaft mit hohen knorrigen, 

weit verzweigten alten Bäumen wird gerade eine Gruppe 

von Bauern und einem Kind überfallen. Zwei Räuber 

schießen gerade auf einen fliehenden Mann, während 

ein anderer zwei Männer und ein Kind in Schach hält. 

Auf der linken Bildseite zieht ein Fluss vom Vordergrund 

in die Tiefe und führt zu einer bewaldeten Anhöhe, auf 

der diverse Gebäude und eine Stadt mit Kirchturm silhouettenhaft 

zu erkennen sind. Malerei in vielen differenzierten 

Grüntönen, bei der besonders die roten 

Kleidungsstücke der Figuren herausstecken und das 

Bild beleben. Für den bekannten Künstler häufige Darstellung 

mit Waldlandschaft. Rest. (12414114) (18) 

DAVID VINCKBOONS, 

1576 MECHELEN – 1629 AMSTERDAM, ATTRIBUTED 

AMBUSH IN THE FOREST 


40.7 x 64 cm. 

In magnificent gilt frame. 

Accompanied by a dendrochronological report of the 

wooden panel from University of Hamburg, dated 8 

June 2006. 

217 

GASPAR PEETER VERBRUGGEN D.Ä., 


Die Bevorzugung des Malers für das Blumenstillleben 

generell mag wohl seiner Herkunft als Sohn eines 

Gärtners zu verdanken sein. In der Liste der Antwerpener 

Malergilde wird er als Schüler des Malers Cornelis 

Mahu (um 1613-1689) registriert, jedenfalls für 

die Jahre 1644/45. Füns Jahre später wird er dort als 

Meister der Gilde genannt. 

GROSSES BLUMENSTILLLEBEN 

Öl auf Leinwand, im oberen Teil mit eingezogenem 

Segmentbogen abgerundet. 

118 x 80,5 cm. 

Links unten signiert „gasper p. verbruggen: f.“ 

Betont dunkelgrundig, wie bei den Gemälden des 

Meisters üblich, treten hier die Farben der Blüten 

leuchtend hervor. Eingesteckt in eine schalenförmige 

Steinvase, über einem gekehlten Marmorgesims, entwickelt 

sich der Blumenstrauß nach oben, hinterfangen 

von einer kaum merklichen dunklen Nischenhöhlung, 

wobei mittig aus der Vasenschale ein 

Wasserstrahl emporsteigt. Die Steinnische im oberen 

Bereich behangen mit Blumengebinden, die sich seitlich 

und nach unten, dem Rand entlang fortsetzen. Die 

Hängehaken in Form vergoldeter Barock-Palmetten. 

Insgesamt eine stark betonte Hell-Dunkel-Wirkung 

durch aufleuchtendes Weiß der Lilienblüten, zurückhaltenderes 

Rot in den Federmohn- und Rosenblüten, 

farblich dazu kontrastiert das Blau einer Iris sowie der 

am Sockel herabhängenden Königswinden. 

Innerhalb Verbruggens Werkes sind zahlreiche Bilder 

als Blumengirlandenmotive bekannt geworden, die er 

in Gemeinschaftsarbeit, etwa mit Daniel Seghers 

(1590-1661) schuf, der die Figuren einfügte. Das vorliegende 

Gemälde zeigt jedenfalls bereits den Girlandencharakter 

im Oberteil der Darstellung, gewissermaßen 

als eine zusätzliche Huldigung des Stilllebens 

an sich. Als nächstverwandt zu dem vorliegenden Gemälde 

dürfte das Werk „Blumengirlande um eine 

Apollostatue“ von 1688 zu nennen sein, das sich im 

Royal Museum of Fine Arts in Antwerpen befindet. 

(1241281) (11) 

GASPAR PEETER VERBRUGGEN THE ELDER, 

1635 ANTWERP – 1681 IBID. 

LARGE FLORAL STILL LIFE 

Oil on canvas, top rounded off with recessed arched 

lintel. 

118 x 80.5 cm. 

Signed “gasper p. verbruggen: f.” lower left. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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This renowned artist is famous for his numerous 

wooded landscape paintings. Restored. 

€ 18.000 - € 22.000 

Sistrix 

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218 

ABRAHAM DANIELSZ HONDIUS, 

CA. 1625 ROTTERDAM – 1695 LONDON 

JAGDGESELLSCHAFT BEI DER HIRSCHHATZ 


115 x 145 cm. 

Rechts unten signiert „Abraham Hondius“. 

In vergoldetem reliefverzierten Rahmen. 

Typische große Jagdszene des Hondius, welcher lange 

Jahre in Rotterdam arbeitete, bevor er 1671 nach London 

ging und dort 1691 starb. Von Hondius sind einige 

ähnliche Gemälde bekannt, welche jedoch variieren. 

Besonders schön ist hier die frühabendliche Sonne, 

vor welcher sich die Hauptfiguren, nämlich der berittene 

Mann rechts des Repoussoirbaumes und die Dame 

auf dem Schimmel in ihrem gelb-blauen Kleid, abzeichnen. 

Sowohl das Kleid als auch der mit Federbüschen besetzte 

Kopfputz des Mannes sind typisch für Hondius 

und tauchen in seinem Werk von Zeit zu Zeit auf. So 

etwa auf einem Gemälde, was am 30. Juni 2011 unter 

Los 285 in unseren Räumen angeboten wurde. Herauszustellen 

ist hier sicherlich die erhabene Qualität, 

mit welcher die verschiedenen Figuren und die Tiere, 

nnämlich ein Wildschwein, ein Hirsch und die vielen 

Jagdhunde, ineinander verschachtelt miteinander 

kombiniert sind, aber auch der gute Erhaltungszustand, 

machen dieses Bild zu einem feinen Sammlungsstück. 

(12413516) (13) 

ABRAHAM DANIELSZ HONDIUS, 

CA. 1625 ROTTERDAM – 1695 LONDON 

DEER HUNTING PARTY 


115 x 145 cm. 

Signed “Abraham Hondius” lower right. 

In gilt relief frame. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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219 

FLÄMISCHER MEISTER DES 17. JAHRHUNDERTS 

BERGIGE LANDSCHAFT MIT WASSERSCHLOSS 

Öl auf Kupferplatte. 

27 x 39 cm. 

In dekorativem bemalten Rahmen. 

Blick von erhöhtem Standpunkt aus auf einen Weg, 

der nach links und rechts in den Hintergrund führt, 

und ein größeres Gewässer in der Mitte, mit einer 

großen Schlossanlage mit zwei Rundtürmen, zudem 

links eine kleine Brücke. Rechts- und linksseitig wird 

das Gemälde von zwei großen Bäumen begrenzt. Im 

Vordergrund am Ufer drei edel gekleidete Herrschaften 

im Gespräch, daneben zwei kleinere Jungen. 

Nach rechts führt der Weg, auf dem sich ein Schäfer 

mit seiner Herde befindet, zu einer Anhöhe mit einem 

Berg, auf dem ein burgartiges Gebäude steht. Nach 

links führt der nicht ganz sichtbare Weg am schilfgesäumten 

Ufer zu einem Dorf. Auf dem ruhigen Wasser 

ist zudem ein Schwanenpaar erkennbar. Feine Landschafts 

darstellung mit vielen differenzierten Grün tönen, 

unter hohem blauen Himmel mit weißen Wolkenformationen. 

Retuschen. (12414115) (18) 

FLEMISH SCHOOL, 17TH CENTURY 

MOUNTAINOUS LANDSCAPE WITH WATER CASTLE 

Oil on copperplate. 

27 x 39 cm. 

In decorative, painted frame. 


€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 


183

220 

JAN VAN GOYEN, 

1596 LEIDEN – 1656 DEN HAAG 

LANDSCHAFT MIT HÄUSERN, BAUMGRUPPE 

UND STAFFAGEFIGUREN 


32,5 x 53 cm. 

Rechts unten monogrammiert und datiert „VG 1632“. 

Die Darstellung distanziert den Blick des Betrachters 

durch einen im Vordergrund anhebenden braunen Erdhügel, 

hinter dem zwei strohgedeckte Bauernhäuser 

geduckt hervortreten. Ein Weg windet sich den Hügel 

zu einer Baumgruppe hinauf. In der Mitte der Anhöhe 

zwei rastende Personen. Rechts weitere Staffagefiguren 

in hellerem Licht bei der Arbeit. Am rechten Bildrand 

schlanker Spitzturm über Bäumen. 

Braungraue Wolkenstimmung, links aufgehellt. Kompositorisch 

vergleichbar mit Jan Jozefsz. van Goyens 

Dünenlandschaften, die ebenfalls meist ein nach links 

oder rechts ansteigendes Gelände zeigen, nicht selten 

mit hinter Hügeln halbversteckten Häusern, wie 

etwa „Feldweg mit Bauernhaus“ (Städel-Museum 

Frankfurt) oder „Landschaft mit Landleuten“ (Kunsthalle 

Karlsruhe). Rest. A.R. (12413520) (11) 

JAN VAN GOYEN, 

1596 LEIDEN – 1656 THE HAGUE 

LANDSCAPE WITH HOUSES, CLUSTER OF TREES 

AND FIGURAL STAFFAGE 


32.5 x 53 cm. 

Monogrammed and dated “VG 1632” lower right. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

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221 

MEISTER DER JAGDSZENEN DER FLÄMISCHEN 

SCHULE DES BEGINNENDEN 17. JAHRHUNDERTS 

„Meister der Jagdszenen“ ist ein Notname der vom 

Rijksbureau voor Kunsthistorische Documentatie in 

den Niederlanden von der Kuratorin Marijke C. de Kinkelder 

für eine Reihe von Bilder vorgeschlagen wurde, 

die nach Meinung der Expertise sämtlich von ein und 

der selben Hand stammen. 

HIRSCHJAGD AM ERHÖHTEN UFER EINES 

FLUSSES 

Öl auf Eichenholz. 

51,3 x 66,5 cm. 

Beigegeben ein Schreiben vom RKD vom 11. Oktober 

2002. Ferner beigegeben dendrochronologischer Untersuchungsbericht 

der Universität Hamburg vom 13. 

Januar 2003, mit ermitteltem Fälldatum zwischen 

1610 und 1616, was eine Entstehung des Gemäldes 

ab 1614 annehmen lässt. 

Der Waldweg, gesäumt von kräftigen Laubbäumen, 

bildet hier eine belichtete Waldschneise, auf der zwei 

Jagdreiter dabei sind, einen Hirsch zu erlegen, begleitet 

durch Jagdhunde und Jagdbegleiter. Rechts folgt 

ein weiterer Jäger mit Horn, Lanze und Jagdhund. 

Das Baumlaub in herbstlichem Braun, in den fernen 

Schneisengefilden seitlich in blaue Lichtperspektive 

getaucht. 

Provenienz: 

Das vorliegende Gemälde wurde bereits 1926 am 2. 

Dezember bei Lempertz in Köln unter der Lotnr. 321 

verauktioniert, eine darauffolgende Provenienz konnte 

nicht ermittelt werden. 

Anmerkung: 

Laut dem Schreiben vom RKD vom 11. Oktober 2002, 

Den Haag, entsprechen Malstil und Pinselführung 

ganz einem weiteren Gemälde „Wooded Landscape 

with Huntsman“, das sich in der Sammlung Pallavicini-Rospigliosi 

in Rom befindet, sowie einem weiteren 

Werk, das 1913 in Köln vermarktet wurde. Ein möglicherweise 

viertes Exemplar befand sich früher in 

der Schidlawlky-Sammlung in Sankt Petersburg, und 

treffenderweise wurden einige der Werke dieses 

Künstlers David Vinckboons (1576-1629) in der Vergangenheit 

zugewiesen. Im Vergleich mit den weiteren 

vier Gemälden, die sämtlich Jagdszenen zeigen, 

fällt auch die nahezu identische Größe der Bilder auf. 

Das hat zur Anschaung geführt, dass die Bilder Stichvorlagen 

zur Grundlage haben könnten, was jedoch 

nicht bestätigt werden konnte. Dem gutachterlichen 

Dokument sind in Fotos weitere Vergleichsbeispiele 

beigegeben. (12414112) (11) 

MASTER OF THE HUNTING SCENES, 

FLEMISH SCHOOL, EARLY 17TH CENTURY 

“Master of the Hunting Scenes” is a Notname given 

by Marijke C. de Kinkelder, curator at the der Rijksbureau 

voor Kunsthistorische Documentatie (Netherlands) 

to an unidentified artist that created a number 

of paintings. 

DEER HUNT ON RAISED RIVERBANK 

Oil on oak panel. 

51.3 x 66.5 cm. 

Accompanied by an expert’s report from the RKD, 

dated 11 October 2002. Furthermore a dendrochronological 

report from the University of Hamburg, dated 

13 January 2003 is enclosed with the identified felling 

date between 1610 and 1616, which suggests a creation 

date from 1614 for the painting. 

Provenance: 

The painting on offer for sale in this lot was sold at 

auction as early as 1926 on 2 December at Lempertz 

in Cologne, lot 321. Its subsequent provenance could 

not be established. 

Notes: 

According to a letter from the RKD, dated 11 October 

2002, The Hague, its painting style and brushwork correspond 

to another painting titled Wooded Landscape 

with Huntsman held at the Pallavicini-Rospigliosi collection 

in Rome and another work which was sold in 

1913 at Cologne. A potentially fourth version was formerly 

held at the Schidlawlky collection in Saint Petersburg 

and some of these works were attributed to 

the artist David Vinckboons (1576-1629) in the past. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BID 


185

222 

GIAMBETTINO CIGNAROLI, 

1706 VERONA – 1770 EBENDA 

DIE TRINITÄT MIT DER HEILIGEN FAMILIE, DER 

HEILIGEN ANNA UND DEM JOHANNESKNABEN 


155 x 102 cm. 

Beigegeben ist eine Expertise von Dario Succi, Gorizia, 

mit zahlreichen Bildvergleichen. 

Das hochformatige Altarblatt vereint in der Darstellung 

zwei theologische Motive: zunächst zeigt das 

Bild die Heilige Familie, mit der jungen Mutter Maria, 

die ihr auf einem Laken liegendes Kind ihrer Mutter 

Anna präsentiert, links hinten etwas verschattet der 

Heilige Joseph. Der Johannesknabe steht davor und 

wird von den Armen der Großmutter Anna umfangen. 

Sein Attribut, das Lamm, der Verweis auf den künftigen 

Tod Jesu, liegt neben einem beschriebenen Schriftband 

am Boden, nahe dem Betrachter vorgelegt. Diese 

Gedankenführung zeigt höchste Raffinesse, als 

auch Anna durch den Fingerzeig auf das Lamm den 

Kreuzestod andeutet. Zudem ist im Bild die Trinität – in 

Gestalt des Jesuskindes, der Taube und der Gottvaterfigur 

– thematisiert. Eine solche Trinitätsdarstellung – 

mit Jesus als Kind – ist in der Kunstgeschichte kaum 

wiederzufinden und zudem ein Beweis eines außerordentlichen 

Concetto des Malers. Die Gestalt des Gottvaters 

hat der Maler in ganz eigener stürmischer Dynamik 

vorgestellt, im oberen Bildteil schwebend und 

von zwei Engeln in Wolken gehalten. 

Eine solche Reife in der Themengestaltung war nur 

möglich durch die profunde Bildung und Schulung des 

Malers in der Literatur, Rhetorik und Dichtung. Als 

Schüler des Antonio Balestra 1666-1740) wandte er 

sich überwiegend religiösen Themen zu, aber weit intelligenter 

als dieser, vermochte er geistige Sinnzusammenhänge 

zu thematisieren. Es passt in seine 

Vita, dass er noch im Alter seine „Denkwürdigkeiten“ 

verfasste, 1771 herausgegeben. 

Werke seiner Hand finden sich in zahlreichen bedeutenden 

öffentlichen Sammlungen und Museen. A.R. 

(1241752) (11) 

GIAMBETTINO CIGNAROLI, 

1706 VERONA – 1770 IBID. 

THE TRINITY WITH THE HOLY FAMILY, SAINT ANNE 

AND YOUNG SAINT JOHN THE BAPTIST 


155 x 102 cm. 

An expert’s report by Dario Succi, Gorizia, with numerous 

image comparisons is enclosed. 

Such maturity in the portrayal of the subject is only 

possible due to the artist's profound education and 

schooling in literature, rhetoric and poetry. As a student 

of 

Antonio Balestra, he predominantly focused on the 

depiction of religious subjects but, as he was far superior, 

he was able to also address intellectual contexts. 

Fittingly, he wrote his “Denkwürdigkeiten” in 

old age, published in 1771. His works can be found in 

numerous important public collections and museums. 

A.R. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 


187

CATALOGUE III 


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ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

KATALOG III 

GEMÄLDE ALTE MEISTER TEIL 2 

CATALOGUE III 


AUKTIONEN / AUCTIONS: 

DONNERSTAG, 24. & FREITAG, 25. SEPTEMBER 2020 

Besichtigung: Samstag, 19. September – Mittwoch, 23. September 

THURSDAY, 24 & FRIDAY, 25 SEPTEMBER 2020 

Exhibition: Saturday, 19 September – Wednesday, 23 September 

KATALOG 

CATALOGUE 

III 

DONNERSTAG 

THURSDAY

Old Master Paintings – Part 1

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