Lean-To

Curated by Leilani Lynch
Participating Artists
Jen Clay
Yanira Collado
Rose Marie Cromwell
Carolina Cueva
Mark Fleuridor
Friday
Felice Grodin
Love the Everglades Movement
T. Eliott Mansa
Reginald O’Neal
Edison Peñafiel
Ema Ri
Greko Sklavounos
Roscoè B. Thické III

Yanira Collado, Untitled, 2021. Oil pastel, textile,
house paint, carbon paper, wood, drywall. Courtesy
of Emerson Dorsch, Photo by Francesco Casale.

Curated by Leilani Lynch
June 8 – September 11, 2022
Lean-to, an exhibition by Oolite’s 2022
artists-in-residence, shows how their
manifold practices probe and reimagine
systems of support, preservation,
and care. Inspired by the architectural
notion of a lean-to — a temporary,
often improvised shelter — the exhibiting
artists offer opportunities for
respite and space for reflection on
supportive structures ranging from
the spiritual, communal, and ancestral
to the environmental and economical.
Using varying media and personal
entry points, many works examine how
these structures manifest across time
and space. Others embody the directionality
of the exhibition title, Lean-to,
and operate within the realm of
speculation, proposing how we might
contend with the yet-to-come.
Visitors are free to navigate the exhibition
via thematic trails that unfold
from Oolite’s downstairs vitrine into
the hallway and gallery spaces.
• Holding Patterns
Some artists in the exhibition reflect
on personal and communal systems
of remembering and preservation,
along with the tensions inherent to
acts of keeping and holding documents,
objects, and people. Friday’s
Supplement Archive (2019 – present)
addresses the lack of Black culture
and life preserved within institutional
archives by creating a supplemental
lexicon of Black iconography from
painted and fired clay. This archive of
meaningful cultural symbols ranges
from everyday foods — like red
beans and rice, and quarter juice
bottles — to familiar home remedies
and hair products. Shown
within the vitrine, the grouping
of works evokes contentious
histories of museological and
ethnographic display of BIPOC
communities. Yanira Collado’s
Untitled (2022) is a freestanding
sculpture and appropriated architecture
that explores how histories
are captured and held within materials,
and how they, in turn, may be
assembled and melded to tell new
stories and illuminate obscured narratives.
The work is experienced by
moving around and between two walllike
structures (taken from a recent
gallery show), making it both revelatory
and protective. Using construction
materials (drywall, wood) and
drawings on carbon paper, the work
carries the architectural memory of
its past location within its construction.
Reginald O’Neal’s house-like
installation 18 years and counting
(2022) embodies the keeping/
holding dichotomy through a
personal reflection on effects of
the carceral system on families
and significant others on the
outside. The work is a monument
to the realities of growing
up with a loved one behind bars.
Visitors walk into a spare, domestic
setting where they find a portrait
of the artist’s father (currently incarcerated)
and are surrounded by audio
conversations between his family and
his father. Inspired by a similar desire

to celebrate and memorialize the
artist’s community of family and loved
ones, Mark Fleuridor’s Enveloped by
the Sun #9 (Destiny) (2021) images
the artist’s partner through a collage of
screen-printed flora, photography, and
acrylic paint. Fleuridor has described
works in this series as portraits protected
within environments of local
foliage, in this case oranges, from his
memories of growing up in Miami. In
an act of intergenerational collaboration,
Greko Sklavounos uses source
material from his grandfather’s wrestling
magazine, Lucha Libre, Mexico’s
first periodical dedicated to the sport, 1
to investigate both familial legacies
of creativity and the power of print
publications in constructing symbols
of national identity. In Lucha Libre (I)
(2022), Sklavounos activates images
from his grandfather’s magazines,
transforming pages into a painting
language, and engages with ideas of
framing, reproduction, and physicality
through depictions of the body and
manipulation of the work’s surface
(ripping, skewing, folding).
• Wayfinding
Through the
Unknown
Other artists relate to the directionality
implied in the exhibition’s
title through speculative practices,
connecting to ancestral cosmologies,
collaborating with Artificial
Intelligence, and offering resources
towards caring for an ailing ecosystem.
Felice Grodin’s NST_postcards [2522]
(2022) is a video work that illustrates
the neural style transfer process
of combining and generating new
Rose Marie Cromwell, Precipice, 2022.
96 × 84 in., silk. Courtesy of the artist
images. Using Google Co-Lab, an opensource
platform, Grodin inputs a “content
image” — ubiquitous landscapes
of Miami coastline and waterways —
with a “style reference” — Grodin’s own
abstract, digitally rendered works —
forming an algorithmically generated
“painting” of Miami rendered in the
artist’s style. These speculative postcards
unfold in the looped video,
positing a near-future where nature,
humans, and AI may collaborate.
Rose Marie Cromwell’s Feminist
Landscapes series (2022) uses photography
to capture scenes from the
American West (abandoned mines,
lean-tos, construction material), recalling
childhood road trips through the
region while reflecting on extraction
and environmental degradation, and
the role of maternal care and responsibility
within both personal and societal
contexts. Through a knowledgesharing
“resource cart” Return To
Sender (2022), Love the Everglades
Movement brings their environmental
and social advocacy practice to
an art context. The organization,
collaboratively run by Rev. Houston
Cypress and Jean Sarmiento, aims to

“implement evolving strategies across
the full spectrum of being which address
the environmental, structural, cultural,
and spiritual problems plaguing
the Florida Everglades by raising
awareness and organizing positive
community engagement at the
local, regional, national, and global
levels.” 2 Their installation offers
resources to support and promote
community engagement
through literature, native plants,
and audiovisual elements related
to the Florida Everglades that
meld scientific and indigenous
knowledges.
Drawing from lived experiences
of loss, recovery and integration,
Carolina Cueva’s sculpture reinterprets
symbols and forms from Andean
cosmology in an act of healing and
communing with her indigenous roots.
Her sculpture’s stepped shape references
the Chakana cross, which is both
a spiritual symbol and “wayfinding” tool
that illustrates the cardinal directions
and levels of existence (sky, earth,
and underworld, with a circle as a
unifying portal between). For Cueva,
the work embodies a journey toward
wholeness, evoking energies that
allow for ritual and space to
reunite fragmented parts of
oneself. T. Eliott Mansa’s Mûntu
mu mèso kaka kafwanga /only in
our eyes does a person ever die.
(2022) is a talismanic work that
oscillates between memorial site,
power object, cartography, and
abstract configuration. Encrusting
found material of varying cultural
significance — broken plates, clusters
of nails, stuffed teddy bears, shells
— into a monochromatic formation,
Mansa enacts a form of rasanblaj,
a term coined by Dr. Gina Athena
Ulysse, which reimagines the artistic
practice of assemblage to encompass
“assembly, compilation, enlisting,
regrouping (of people, spirits, things,
ideas).” 3
• Material Embrace
These last artists utilize the materiality
of their works to give language to often
intangible notions of care, anxiety,
and healing. Through material exploration,
they construct or reflect on
protective structures, both seen and
unseen. Jen Clay utilizes the warmth
and comfort evoked by quilts to create
There’s an alien living inside me
(2022). This textile work has anthropomorphic
elements with womb-like
comparments and embroidered hands
dangling across its brightly colored
Jen Clay, DETAIL: Theres an alien living
inside me, 2022, Courtesy of the artist
1 The magazine produced more than 1300 issues
between 1963 – 1990.
2 Love The Everglades Movement, Mission
Statement, http://www.lovetheeverglades.org/
about-us.html.
3 From Gina Athena Ulysse, “Avant-Garde Rasanblaj
(A Meditation on PÒTOPRENS): The Black aesthetics
of the first Black Republic,” Pioneer Works
Broadcast (March 22, 2022), https://pioneerworks.
org/broadcast/gina-athena-ulysse-potoprens.

surface. Clay externalizes feelings of
discomfort — anxiety, fear, uncertainty
— through a time-intensive sewing
and dyeing process, transforming
her materials through an uncanny
yet tender embrace. Engaging the
senses of sight touch and smell, Ema
Ri’s Here with You (2022) comprises
an accumulation of flower petals
(harvested and dried by the artist)
that serves as a vessel to reconnect
viewers with their bodies. The
sensorial installation aims to tether
the dissociated mind, grounding
viewers in their physicality and the
present moment. Conversely, Edison
Peñafiel’s The Farewell (2022) uses
a repetitive filmic structure to intensify
the emotions experienced by the
characters in his videos. The work shows
the final embrace before a loved one
departs on a migratory journey, encapsulating
sadness, anticipation, and fear
in looped segments. Roscoè B. Thické’s
photographic work Shifting Arrangements
(2022) alludes to the fluid nature of
familial structures and intergenerational
relationships, particularly within
the Pork ’n’ Beans housing project in
Liberty City where the artist grew up.
The intimately scaled diptych subtly
shifts focus from child to elder, elder
to child, reflecting on how traditional
caregiving roles change over time.
As another type of lean-to, it is apt
to reflect on the nature of a residency
like Oolite as a temporary
shelter for artistic practice where
individuals develop their art within
the residency’s walls for a fixed
period of time. This exhibition is
testament to the creativity and community
incubated within the artists’
temporary studios, sprouting forth
before eventually moving on.
Roscoè B. Thické III, Shifting Arrangements I and II,
2021, Courtesy of the artist

Ema Ri, DETAIL: Here With You, 2022, Courtesy of the artist and Spinello Projects

924 Lincoln Road
Miami Beach, FL 33139
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Digital Content Producer & Coordinator
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Chair
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Vice Chair
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Secretary
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Chair Emeritus
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Lilia Garcia
Jane Goodman
Adler Guerrier
Thomas F. Knapp
Jeff Krinsky
Lin Lougheed
Maricarmen Martinez
Reagan Pace
Deborah Slott
Copy Editor
John Ewing
Translation
Sergio Doré
Exhibitions and programs at Oolite Arts are made possible with support from the Miami-Dade County
Department of Cultural Affairs, the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade Mayor and Board of County
Commissioners; the City of Miami Beach Cultural Arts Council; the Miami Beach Mayor and City
Commissioners; the State of Florida, Florida Department of State, Division of Arts & Culture, the Florida
Arts Council; the National Endowment for the Arts; the Lynn & Louis Wolfson II Family Foundation, The
Jorge M. Pérez Family Foundation at The Miami Foundation; the Al & Jane Nahmad Family Foundation;
and the John S. and James L. Knight Foundation. Additional support provided by Walgreens Company.

Yanira Collado, Sin título, 2021. Pastel al óleo, textil,
pintura de casa, carbón en papel, madera, yeso.
Cortesía de Emerson Dorsch, Foto de Francesco Casale.

Organizado por Leilani Lynch
Junio 8 - Septiembre 11, 2022
Lean-to, una exposición de artistas
residentes de Oolite del 2022, muestra
cómo sus múltiples prácticas
exploran y reimaginan los sistemas
de apoyo, conservación y cuidado.
Inspirados en la noción arquitectónica
del lean-to — un refugio temporal y a
menudo improvisado — , los artistas
que exponen ofrecen oportunidades
de descanso y espacio para la reflexión
basadas en estructuras de apoyo
que van desde lo espiritual, lo comunitario
y lo ancestral hasta lo medioambiental
y lo económico. Utilizando
diversos medios y puntos de entrada
personales, muchas obras examinan
cómo se manifiestan estas estructuras
en el tiempo y el espacio. Otras
encarnan la direccionalidad del título
de la exposición, Lean-to, y operan en
el ámbito de la especulación, proponiendo
cómo podríamos enfrentarnos
a lo que está por venir.
Los visitantes pueden recorrer libremente
la exposición a través de
senderos temáticos que se despliegan
desde la vitrina de la planta baja de
Oolite hasta el pasillo y los espacios de
la galería.
• Patrones de
sujeción
Algunos artistas de la exposición
reflexionan sobre los sistemas personales
y comunitarios de recuerdo y
conservación, junto con las tensiones
inherentes a los actos de guardar
y conservar documentos, objetos y
personas. Friday’s Supplement
Archive (2019 – presente) aborda
la falta de cultura y vida negra
preservada dentro de los archivos
institucionales mediante
la creación de un léxico suplementario
de iconografía negra
a partir de arcilla pintada y
cocida. Este archivo de símbolos
culturales significativos
abarca desde alimentos cotidianos
— como judías rojas y arroz,
y botellas de jugo de un cuarto —
hasta remedios caseros familiares
y productos para el cabello. En la
vitrina, la agrupación de obras evoca
historias polémicas de la exhibición
museológica y etnográfica de las
comunidades BIPOC. Sin título (2022),
de Yanira Collado, es una escultura
independiente y una arquitectura
apropiada que explora cómo las historias
se captan y se mantienen dentro
de los materiales, y cómo éstos,
a su vez, pueden ensamblarse y
fundirse para contar nuevas historias
e iluminar relatos oscuros. La
obra se experimenta moviéndose
alrededor y entre dos estructuras
en forma de muro (tomadas
de una reciente exposición
de una galería), lo que la hace
a la vez reveladora y protectora.
Utilizando materiales de
construcción (paneles de yeso,
madera) y dibujos en papel carbón,
la obra lleva la memoria arquitectónica
de su ubicación anterior
dentro de su construcción. La instalación
18 years and counting (2022)

de Reginald O’Neal, con apariencia de
casa, encarna la dicotomía guardar/
conservar a través de una reflexión
personal sobre los efectos del sistema
carcelario en las familias y en los seres
queridos en el exterior. La obra es un
monumento a la realidad de crecer
con un ser querido entre rejas. Los
visitantes entran en un sobrio entorno
doméstico en el que encuentran un
retrato del padre del artista (actualmente
encarcelado) y son rodeados
por conversaciones en audio entre su
familia y su padre. Todo inspirado por
un deseo similar de celebrar y conmemorar
la comunidad de familiares
y seres queridos del artista, Enveloped
by the Sun #9 (Destiny) (2021), de
Mark Fleuridor, representa a la pareja
del artista a través de un collage de
flora serigrafiada, fotografía y pintura
acrílica. Fleuridor describe las obras
de esta serie como retratos protegidos
dentro de entornos de follaje local —
en este caso naranjas — de sus recuerdos
de crecimiento en Miami. En un
acto de colaboración intergeneracional,
Greko Sklavounos utiliza material
original de la revista Lucha Libre
— la primera publicación periódica
de México dedicada a este deporte 1
— de su abuelo, para investigar tanto
los legados familiares de creatividad
como el poder de las publicaciones
impresas en la construcción de símbolos
de identidad nacional. En Lucha
Libre (I) (2022), Sklavounos activa las
imágenes de las revistas de su abuelo
transformando las páginas en un lenguaje
pictórico y aborda las ideas de
encuadre, reproducción y aspecto
físico a través de las representaciones
del cuerpo y la manipulación de la
superficie de la obra (rasgado, sesgado,
plegado).
Rose Marie Cromwell, Precipice, 2022, 96 x 84
pulgadas, seda. Cortesía de la artista.
• Cómo encontrar el
camino a través
de lo desconocido
Otros artistas se relacionan con la
direccionalidad implícita en el título
de la exposición a través de prácticas
especulativas, conectándose con cosmologías
ancestrales, colaborando
con la Inteligencia Artificial y ofreciendo
recursos para el cuidado de un
ecosistema enfermo. NST_postcards
[2522] (2022) de Felice Grodin es una
obra en video que ilustra el proceso
de transferencia de estilo neuronal
de combinar y generar nuevas imágenes.
Utilizando Google Co-Lab, una
plataforma de código abierto, Grodin
introduce una “imagen de contenido”
(paisajes omnipresentes de la costa
y las vías fluviales de Miami) con
una “referencia de estilo” (las propias
obras abstractas de Grodin renderizadas
digitalmente) formando una
“pintura” de Miami generada algorítmicamente
y renderizada con el estilo
de la artista. Estas postales especulativas
se despliegan en el vídeo sinfín,
planteando un futuro cercano en el

que la naturaleza, los humanos y la IA
pueden colaborar. La serie Feminist
Landscapes (2022) de Rose Marie
Cromwell utiliza la fotografía para
captar escenas del Oeste americano
(minas abandonadas, cabañas,
material de construcción), recordando
los viajes por carretera de
la infancia a través de la región,
al tiempo que reflexiona sobre
la extracción y la degradación
del medio ambiente, y el papel
del cuidado y la responsabilidad
materna en contextos tanto personales
como sociales. A través
de un “carro de recursos” para
compartir conocimientos Return to
Sender (2022), Love the Everglades
Movement traslada su práctica de
defensa medioambiental y social
a un contexto artístico. La organización,
dirigida en colaboración por
el reverendo Houston Cypress y Jean
Sarmiento, tiene como objetivo “poner
en práctica estrategias evolutivas en
todo el espectro del ser que aborden los
problemas medioambientales, estructurales,
culturales y espirituales que
asolan los Everglades de Florida mediante
la concientización y la organización
de un compromiso comunitario
positivo a nivel local, regional,
nacional y mundial”. 2
Su instalación ofrece recursos
para apoyar y promover el compromiso
de la comunidad a través
de literatura, plantas autóctonas
y elementos audiovisuales relacionados
con los Everglades de
Florida que fusionan conocimientos
científicos e indígenas.
1 La revista publicó más de 1300 ediciones entre
1963 – 1990.
2 Love The Everglades Movement, Declaración
de Misión, http://www.lovetheeverglades.org/
about-us.html.
A partir de experiencias vividas de
pérdida, recuperación e integración,
la escultura de Carolina Cueva reinterpreta
símbolos y formas de la cosmología
andina en un acto de curación
y comunión con sus raíces indígenas.
La forma escalonada de su escultura
hace referencia a la cruz chakana, que
es tanto un símbolo espiritual como
una herramienta de “orientación” que
ilustra los puntos cardinales y los niveles
de la existencia (cielo, tierra e inframundo,
con un círculo como portal
unificador entre ellos). Para Cuevas,
la obra encarna un viaje hacia la plenitud,
evocando energías que permiten
el ritual y el espacio para reunir las
partes fragmentadas de uno mismo.
Mûntu mu mèso kaka kafwanga / only
in your eyes does a person ever die de
T. Eliott Mansa (2022) es una obra talismán
que oscila entre sitio conmemorativo,
objeto de poder, cartografía y
configuración abstracta. Incrustando
materiales encontrados de diverso significado
cultural — platos rotos, grupos
de clavos, osos de peluche, conchas—
en una formación monocromática,
Jen Clay, DETAIL: There’s an alien living inside
of me, 2022, Cortesía de la artista.
3 De Gina Athena Ulysse, “Avant-Garde
Rasanblaj (A Meditation on PÒTOPRENS): La
estética negra de la primera república negra”,
Emisión de Obras Pioneras (22 de marzo de
2022), https://pioneerworks.org/broadcast/
gina-athena-ulysse-potoprens.

Mansa representa una forma de
rasanblaj, término acuñado por la Dra.
Gina Athena Ulysse, que reimagina
la práctica artística del ensamblaje
para abarcar “el ensamblaje, la
compilación, el alistamiento, la reagrupación
(de personas, espíritus,
cosas, ideas)”. 3
• Abrazo material
Estos últimos artistas utilizan la
materialidad de sus obras para
darles un lenguaje a nociones a
menudo intangibles de cuidado,
ansiedad y curación. A través de la
exploración material, construyen o
reflexionan sobre las estructuras de
protección, tanto visibles como invisibles.
Jen Clay utiliza la calidez y el
confort que evocan los edredones para
crear There’s an alien living inside me
(2022). Esta obra textil tiene elementos
antropomórficos con compartimentos
en forma de útero y manos bordadas
que cuelgan sobre su superficie de colores
vivos. Clay exterioriza sentimientos
de malestar —ansiedad, miedo,
incertidumbre— a través de un proceso
de cosido y teñido que requiere
mucho tiempo, transformando sus
materiales a través de un extraño,
pero tierno abrazo. Con los sentidos
de la vista, el tacto y el olfato,
Here with You (2022), de Ema Ri,
se compone de una acumulación
de pétalos de flores (cosechados
y secados por la artista) que sirve
de recipiente para reconectar al
espectador con su propio cuerpo.
La instalación sensorial tiene como
objetivo atar la mente disociada,
conectando a los espectadores con
su físico y el momento presente. Por
el contrario, La despedida (2022) de
Edison Peñafiel utiliza una estructura
fílmica repetitiva para intensificar las
emociones que experimentan los personajes
de sus videos. La obra muestra
el último abrazo antes de que un ser
querido parta en un viaje migratorio,
encapsulando la tristeza, la anticipación
y el miedo en segmentos en bucle. La
obra fotográfica Shifting Arrangements
(2022) de Roscoè B. Thické III alude a
la naturaleza fluida de las estructuras
familiares y las relaciones intergeneracionales,
especialmente en el proyecto
de viviendas Pork ‘n’ Beans de Liberty
City, donde el artista creció. El díptico,
de escala íntima, cambia sutilmente el
enfoque de niño a anciano y de anciano
a niño, reflexionando sobre cómo los
roles tradicionales de cuidado cambian
con el tiempo.
Como otro tipo de refugio (lean-to), es
adecuado reflexionar sobre la naturaleza
de una residencia como Oolite
como un refugio temporal para la
práctica artística donde los individuos
desarrollan su arte dentro de las paredes
de la residencia por un período de
tiempo determinado. Esta exposición
es un testimonio de la creatividad y
la comunidad incubada dentro de los
estudios temporales de los artistas,
que brotan antes de seguir adelante.
Roscoè B. Thické III, Shifting Arrangements
I and II, 2021, Cortesía del artista.

Ema Ri, DETAIL: Here With You, 2022. Cortesía del artista y Spinello Projects

Organizado por Leilani Lynch
Artistas Participantes
Jen Clay
Yanira Collado
Rose Marie Cromwell
Carolina Cueva
Mark Fleuridor
Friday
Felice Grodin
Love the Everglades Movement
T. Eliott Mansa
Reginald O’Neal
Edison Peñafiel
Ema Ri
Greko Sklavounos
Roscoè B. Thické III