«tiene una sonoridad misteriosa» «sonreiremos, pero ... - Teatro Real

[Entrevista con Philip Glass]
«Un fenómeno
americano
fundamental»
the perfect american
[Revista del Real] Considerado el padre del minimalismo -su
ópera Einstein on the Beach es la biblia de este movimiento-,
usted prefiere definirse como un compositor cuya música se
basa en la repetición de esquemas rítmicos. ¿por qué?
[Philip Glass] el término hace referencia a un periodo específico
de unos doce años, desde mediados de los sesenta
hasta Einstein on the Beach. Yo no creo que sea el padre,
siempre me he considerado más bien como un primo… además,
es una palabra que va perdiendo significado a medida
que pasa el tiempo, ya que el grueso del trabajo que yo he
desarrollado es posterior. para mí, Einstein on the Beach fue
en realidad el final de una época, no tanto el comienzo.
[RR] en su formación musical destacan sus estudios con
darius Milhaud y nadia Boulanger, así como su colaboración
con Ravi shankar, con quien indagó en los procesos aditivos
de la música india. ¿Qué recuerdos guarda de esta etapa?
[PG] Fue un periodo muy intenso de estudio, ya que tuve
que aprender todo de nuevo, retomar la práctica de técnicas
básicas de composición: armonía, contrapunto, análisis... a
partir de esta experiencia y del trabajo con Ravi shankar,
comencé a desarrollar un nuevo lenguaje musical, que me
llevaría al minimalismo, que entonces no formaba parte del
establishment musical. aquello cambió rápidamente en 1976
cuando estrené Einstein on the Beach en el Met. se hizo
famosa enseguida en todo el mundo y supuso un punto de
inflexión. podía dedicarme a hacer mi propia música, por lo
que me considero muy afortunado.
[RR] Y eso no depende solo del genio sino también de la
oportunidad...>página 4]
The Perfect American Così fan tutte Parsifal Cuentos de siempre y de nunca Labèque El niño y la creación
THE PERFECT AMERICAN: engLIsh natIonaL opeRa / Beta
La Revista del Real
enero - Febrero 2013
14
Con eL patRoCInIo de
[Entrevista con Sylvain Cambreling] [Entrevista con Thomas Hengelbrock]
«sonreiremos,
pero no nos
reiremos»
Così fan tutte
La mirada penetrante de escalpelo que abre en canal
los sentimientos humanos de Michael Haneke. La
batuta sutil y vibrante de Sylvain Cambreling. Y un
tema ambiguo y eterno como la existencia humana:
las relaciones amorosas entre ambos sexos. El director
francés disecciona aquí la ópera más compleja de
Mozart.
[Revista del Real] Così fan tutte es una ópera que durante
mucho tiempo se ignoró. Wagner la odiaba. pero
ya que Mozart estaba en el olimpo de los compositores,
toda la crítica se dirigió contra el texto de da ponte. en
el siglo XIX se cometieron auténticas ...>página 6]
«tiene una
sonoridad
misteriosa»
parsifal
Polifacético, innovador y audaz, pero también riguroso,
Thomas Hengelbrock, el director de orquesta
que tomará la batuta en breve para dirigir un Parsifal
con instrumentos de la época de Wagner, desvela las
novedades sonoras que semejante experiencia puede
entrañar para el auditorio.
thomas hengelbrock ha investigado y se ha remontado
al año de 1880 para intentar reconstruir la sonoridad de
la orquesta que dirigió el propio Wagner en el estreno de
Parsifal en Bayreuth, pocos meses antes de morir. “Intentamos
reconstruir la situación más o menos de la época
del estreno en Bayreuth. ...>página 10]
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se quedan en la Mutua.
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[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] [I•II-2013] L a LRevIsta A REVISTA deL DEL ReaL REAL
Un teatro sin teatro
La luz
del grial
Para que el flamenco se hiciera, lo que entendemos hoy como
flamenco, primero tuvo que ser arrojado de los escenarios. La
decisión borbónica e ilustrada de privilegiar los usos italianos
pocas y franceses obras en resultan las artes del tan canto fértiles y la danza como arrojó Parsifal a un a modo la
hora de hacer de hispano suscitar fuera equívocos. de los grandes son legión teatros. los Con que, muchos recode
nociendo aquellos usos su abandonados admiración el por flamenco Tristan, acabó Tannhäuser, construyendo incluso
sus el propias Ring, marcas. se encogen Andaba de todavía hombros el siglo frente XVIII y a en una las pieza
que gitanerías propone del sur la peninsular castidad se como empezaban remedio a buscar de todos esas los
males, formas perdidas y que les de aburre cantar, de hasta tocar la y extenuación de bailar que acabarían con sus
dramatizaciones llamándose flamenco. (¿?) Dice de Teresa la liturgia Martínez cristiana de la Peña en que un per- el
petuo fandango Langsam, pasó, en apenas que algunos 20 años, directores de ser urbano, aprovechan cortesano
y erótico a figurar silvestre, campesino y tosco. Cuando la Guy
para ensañarse con el oyente refractario. Reconozco
Stephan venía a Sevilla en busca de los pasos de baile indígenas
que un exalumno de los jesuitas les comprende bien,
los encontraba cambiados, diferentes ya de las alegres danzas
porque que había en aprendido otro tiempo en Londres fue uno o París. de Antes, ellos. una guerra y
una revolución habían puesto en jaque a la tropa napoleónica.
pero Don Juan, si Parsifal Carmen, es el fértil propio a Barbero la hora de de Sevilla, provocar después malen- de
tendidos, pasearse por no todas lo es las menos ramas de como la cultura fuente europea de inspiración tampoco
de sabían obras hasta extraordinarias. dónde habían llegado Lévi-strauss, sus pobres –en notabilísimo el sentido
wagneriano, económico de la escribió palabra– uno antecedentes de sus mejores patrios. textos La amalgama sobre
“el musical puro y necio”. dancística el que artículo, los gitanos, a mi actores juicio, más principales, acertado habían
que protagonizado dejó adorno bajo las sobre sombras Wagner del lumpemproletariado está dedicado a –hasta Parsifal.
Marx einar agitanaba schleef a la le indolente dio ese clase nombre trabajadora a su libro meridional– sobre el
teatro. produjo una La mejor brecha película en el gusto, sobre una irremediable ópera que conozco partición de es lo
el sensible Parsifal que de solo syberberg. la modernidad, el poema la más fiera clave vanguardia, de su autor, vino a y
remediar. ¡Y no es que los flamencos no lo intentaran! Si en los
quizás de su siglo, es La tierra baldía de t.s. eliot.
años de 1920 una operación comercial llevaba a los mejores
artistas del género bajo el apelativo de ¡Ópera flamenca!
Los azares de las ofertas discográficas convirtieron
Parsifal en mi primera ópera completa; para com-
A finales del siglo XIX, el Teatro del Liceu de Barcelona vivió
plicarme verdaderos las altercados cosas, en cuando la singular la burguesía versión wagneriana de pierre
Boulez. exigía frente de a acuerdo la platea con la supresión alguna de lógica los números perversa, de baile también
dominados fue Parsifal por el exceso la primera de color ópera local. que El pueblo vi en protestaba. televisión,
un Afortunadamente, Jueves santo. Tárrega Ciertamente ponía a la esta familia segundo Borrull en versión la
(horst línea melódica stein de y Wolfram la rondeña Wagner) y la guitarra resultó flamenca más empezó propicia a
que encontrar la del su francés. escena. Poco para antes, entonces, Nietzsche el necio había había proclamado recorrido
la Carmen ya parte de Bizet del música largo africana peregrinaje y a La por Granotras Vía como músicas
y el otros mayor dramas, antídoto musical que le contra permitiría la religiosidad volver con nacional provecho
a wagneriana. Monsalvat. ¡Abandonar los teatros! Debussy, Ravel… hasta
Satie llegó a cansarse de la moda de España. Lo cierto es que
[Enrique Falla tomó Gavilán] al pie de la letra el dictado de Stravinsky sobre el
Plaza Isabel II s/n. 28013 Madrid
Teléfono oficinas: 91 516 06 00
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patronato Patronato
presidencia Presidencia de honor SS.MM. los Reyes reyes de España españa
presidente Presidente Gregorio gregorio Marañón y Bertrán de Lis lis
José Ignacio Wert Ortega ortega
Ministro de educación, Educación, Cultura y deporte Deporte
Ignacio IgnacioGonzález gonzálezGonzález gonzález
presidente Presidente de la Comunidad de Madrid
Ana María Botella Serrano
alcaldesa Alcaldesa de Madrid
vocales Vocales natos José María Lassalle lassalle Ruiz ruiz
secretario Secretario de estado Estado de Cultura
Ana Isabel Mariño
Consejera de empleo, Empleo, turismo Turismo y Cultura
de la Comunidad de Madrid
Miguel Ángel Recio recio Crespo
director Director general General del InaeM INAEM
vocales Vocales Luis luis Abril Pérez pérez
Gonzalo gonzalo Alonso Rivas rivas
Ignacio Astarloa Huarte-Mendicoa
Fernando Benzo Sáinz
Santiago Fisas Ayxelá
Regino reginoGarcía-Badell garcía-Badell Arias
Laura laura García-Lorca garcía-lorca de los Ríos ríos
Javier JavierGomá gomáLanzón lanzón
Javier JavierGómez gómezNavarro navarro
Arnoldo Liberman liberman Stilman
Pilar pilarPlatero platero Sanz
Rodrigo rodrigo de Rato rato Figaredo
Alfredo Sáenz Abad
Mario Vargas Llosa llosa
Fernando Villalonga Campos
Mariano Zabía Lasala lasala
secretario Secretario Antonio Garde garde Herce
vicesecretaria Vicesecretaria Carmen Acedo Grande grande
patronos Patronos de honor Esperanza Alberto ruiz Aguirre gallardón Gil de Biedma
Carmen Alborch Bataller
Alberto Ruiz-Gallardón
Comisión
Comisión
ejecutiva
ejecutiva
Presidente gregorio Marañón y Bertrán de lis
presidente Gregorio Marañón y Bertrán de Lis
Vocales Miguel Ángel recio Crespo
vocales Miguel
Ana Isabel
Ángel
Mariño
Recio Crespo
Ana Isabel Mariño
Secretario Antonio garde Herce
secretario Antonio Garde Herce
Vicesecretaria Carmen Acedo grande
vicesecretaria Carmen Acedo Grande
Director General Ignacio garcía-Belenguer laita
director general Ignacio García-Belenguer Laita
Director Artístico gerard Mortier
director artístico Gerard Mortier
Director General general
Ignacio garcía-Belenguer García-Belenguer Laita
Director Artístico
gerard Gerard Mortier
Director del Coro
andrés Andrés Máspero
Director Técnico
Massimo teoldi Teoldi
flamenco “como música de composición”. Con el jazz y el tango,
una nueva sensibilidad estaba naciendo y los ritmos del café
cantante empezaron a ser llevados a los grandes escenarios.
Los más radicales, como Lorca, impulsaron una presencia del
flamenco más crudo, un flamenco brutista que iba incluso contra
la propia tradición preciosista del género. El flamenco como una
forma de vida. Georges Bataille, presente en el famoso concurso
de Granada de 1922, era el único que podía creerse que El
Tenazas era más “auténtico” que Don Antonio Chacón. No ni ná,
una afirmación que son tres negaciones.
La II República legitimó la ascensión cultural de lo popular y
el flamenco era su punta de lanza. En el exilio francés y en
los éxodos americanos, fraguó el flamenco moderno. Al erial
franquista volvían las compañías de Vicente Escudero y de
Carmen Amaya y se bailaban por primera vez la seguiriya
y el taranto, respectivamente. En el lado nacional, Pilar
RICHARD WAGNER. 1871
López dignifica el flamenco para que se suba a las tablas. Antonio
Ruiz, desde USA, y Antonio Gades, desde Cuba, dignifican la
coreografía. Hay un empeño raro y pesado por dignificar, por
“sacar al flamenco de las tabernas”. Y Antonio Mairena es capaz
de convertir en rito el más mínimo gesto –abrir la mano, beber
un vaso de agua, un pañuelo en la cabeza. En 1968, el Teatro
Estudio Lebrijano presenta Oratorio en el Festival de Nancy.
No se trata ya de dignidades sino de indignados. El flamenco
es ya un operador sensible. El primer teatro de La Cuadra y
los experimentos de Mario Maya, hasta el baile de Antonio
Montoya Farruco, que ya crece silvestre fuera de Los Bolecos,
todo es recibido por una nueva sensibilidad que no han podido
ahogar ni el mestizaje, ni la fusión de los ochenta ni los años
de “balletismo” posmoderno. Todo es escenario. Camarón en
Montreaux o Morente en Omega también son teatro.
Dirán, y es verdad, que para la emoción no es necesario saber
de ninguno de estos acontecimientos, pero, como ensalzara
Eugenio Noel en el gesto de Pastora Imperio, así, cada vez
que Israel Galván arrastra una pierna, gira el puño, levanta un
brazo, se nos aparece toda esta historia, se nos presenta, se
desencadena, se proclama. Un teatro sin teatro.
GIUSEPPE VERDI. 1850
[Pedro García Romero]
erocalendarioenerocalendariofebrerocalendarioeneroc
calendarionoviembrecalendariodiciembrecalendario
Enero noviembre 20132012
02 02Mi Vi 20.00 Mark Il prigioniero/Suor Morris Dance Angelica Group Estreno
03 03Ju Sá 20.00 Mark Il prigioniero/Suor Morris dance Angelica group
04 04vi Do 20.00 12.00 Mark los domingos Morris dance de cámara group II
05 04sá Do 20.00 18.00 Mark Il prigioniero/Suor Morris dance Angelica group
12 06sá Ma 12.00 20.00 Cuentos Il prigioniero/Suor de siempre Angelica y de nunca sala gayarre
12 07sá Mi 17.00 20.00 Cuentos Il prigioniero/Suor de siempre Angelica y de nunca sala gayarre
13 08do Ju 12.00 20.00 Cuentos Il prigioniero/Suor de siempre Angelica y de nunca sala gayarre
13 09do Vi 17.00 12.00 Cuentos la casa flotante de siempre y de nunca sala gayarre
19 09sá Vi 12.00 20.00 Cuentos Il prigioniero/Suor de siempre Angelica y de nunca sala gayarre
19 10sá Sá 17.00 12.00 Cuentos La casa flotante de siempre y de nunca sala gayarre
20 10do Sá 12.00 19.00 Cuentos La casa flotante de siempre y de nunca sala gayarre
20 11do Do 17.00 18.00 Cuentos Il prigioniero/Suor de siempre Angelica y de nunca sala gayarre
22 12Ma Lu 20.00 The Il prigioniero/Suor Perfect American Angelica
24 13Ju Ma 20.00 the Il prigioniero/Suor perfect american Angelica
26 14sá Mi 20.00 Las noches del Real. Bychkov/Labèque
goerne/Currentzis
27 15do Ju 18.00 20.00 the Il prigioniero/Suor perfect american Angelica
29 25Ma Do 19.00 12.00 Parsifal ¡los domingos, a la gayarre! 2 Sala Gayarre
30 Mi 20.00 the perfect american
31 Ju 19.00 parsifal
Ópera Danza Las noches del Real Programa pedagógico
Los domingos de cámara Ópera en cine
La Revista del Real
Directora
Colaboradores
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Ruth Zauner
Rafael Banús
Ruth Zauner
Ana García
ana
Pedro
garcía
G. Romero
Redacción
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Raúl redacción
Pep Gorgori
amor
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Foix
Miguel Raúl Amor Ángel de las heras gerard
Inés Tostón
Mortier
víctor Miguel pagán Ángel de las Heras Fernando
Polo Vallejo
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Curro Víctor Ramos-Zaldívar
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argonauta Argonauta
se Se han realizado todos los esfuerzos posibles para localizar a los propietarios de copyrights.
Cualquier omisión será subsanada en ediciones futuras.
info@teatro-real.com www.teatro-real.com
BAlleT nACIonAl De eSpAÑA: el loCo © JAVIER DEL REAL
Las brujas
de harry potter
está claro que en la nueva producción de Macbeth que
acaba de pasar por el Real, a una parte de nuestros
abonados les faltaron las brujas removiendo el caldero,
tal como le gustan a harry potter. es normal en una
época en la que la estética de la ópera del siglo XIX se
ha transferido al cine, como hemos visto en El señor
de los anillos, El hobbit o también Dune de david
Lynch.
pero Macbeth de verdi/shakespeare es otra cosa:
principalmente una tragedia sobre el poder, aunque
diferente de Ricardo III. si este es la encarnación
del mal, Macbeth, por el contrario, se pierde en un
mundo de violencia y crímenes que, probablemente,
al principio no desea, pero del que no existe ya
salida alguna. es inevitable pensar actualmente en el
dictador sirio. ¿Y cómo se llegó a ello? sencillamente
porque los necios buscan siempre a sus héroes para
convertirlos en dictadores –a menudo recuperados
luego en las elecciones, que son como predicciones.
toda la historia del siglo XX es un trágico ejemplo de
ello. Las brujas y demonios no se muestran ya con
escobas y cuernecitos, el mal nace en la plaza de la
pequeña ciudad sin vistas al ancho mundo, donde
cada uno puede bastarse a sí mismo, como dicen los
trasgos de Peer Gynt.
verdi y shakespeare han escrito con esta obra una
tragedia visionaria que anticipa la historia del siglo XX,
y al contrario de la idea de que, desde eva, las mujeres
son siempre las malas, en este caso el mal surge de
todos aquellos que no quieren abrirse a nuevos horizontes.
La bruja de Hänsel und Gretel de humperdinck
debe ser cantada por un tenor.
[Gerard Mortier]
Febrero Diciembre 2013 2012
01 02 vi Do 20.00 12.00 the Los domingos perfect american de cámara III
02 sá Do 19.00 18.00 parsifal Macbeth Estreno
03 05 do Mi 18.00 20.00 the Macbeth perfect american
04 08 Lu Sá 20.00 the Macbeth perfect american
06 09 Mi Do 20.00 12.00 the ¡los perfect domingos, american a la gayarre! 3 Sala Gayarre
09 sá Do 12.00 20.00 El Las niño noches y la del creación Real. Cañizares del mundo sala gayarre
09 11 sá Ma 17.00 20.00 el Macbeth niño y la creación del mundo
10 12 do Mi 12.00 20.00 el Israel niño galván y la creación Estreno del mundo
10 13 do Ju 17.00 20.00 el Israel niño Galván y la creación del mundo
17 14 do Vi 12.00 20.00 ¡Los Macbeth domingos, a la Gayarre! 4 sala gayarre
23 15 sá Sá 19.00 12.00 Così petrushka fan tutte
24 15 do Sa 12.00 20.00 El Israel hombre Galván que se llamaba Amadé
26 16 Ma Do 19.00 12.00 Così Petrushka fan tutte
28 16 Ju Do 19.00 18.00 Così Israel fan Galván tutte
17 Lu 20.00 Macbeth
18 Ma 20.00 Israel Galván
19 Mi 20.00 Israel Galván
20 Ju 20.00 Macbeth
21 Vi Ópera 20.00 danza Israel Las Galván noches del Real
22 SáLos domingos 12.00 de cámara Petrushka Ópera en cine
programa pedagógico
22 Sá 20.00 Israel Galván
23 Do 18.00 Macbeth
30 Do 18.00 Mark Morris Dance group Estreno
31 Lu 19.00 Mark Morris Dance Group
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Gráfica,
s.a.
S.A.
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M-34767-2010
M-34767-2010
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ISSN:
2172-0304
2172-0304
el El teatro Teatro Real es miembro
de las siguientes organizaciones:

dos hermanas
y un destino
Si alguien parece tocado por la gracia divina son las hermanas
Labèque. Han hecho de la interpretación a cuatro manos sobre
dos pianos un arte con el que rompen todos los moldes. Van
de la música barroca al jazz, de los románticos alemanes al
flamenco navegando por todas las aguas de la música, ajenas
a fronteras y límites. Son elegantes, talentosas, gustan de
cultivar deportes, trepar montes y ver películas de madrugada.
Les encanta vestir a la moda y se mueven con desenvoltura
e ingenio por donde pisan. Katia y Marielle Labèque –el
yin y el yang del piano– viven juntas en un palacete barroco
en Roma, antigua residencia de Lucrecia Borgia, y desde allí
gobiernan con firmeza su carrera tras crear un sello discográfico
propio (KML Recordings) y una fundación para promover
la composición de nuevas obras para dos pianos. Ahora
recalan en el Teatro Real con el Concierto para dos pianos
de Wolfgang Amadé Mozart, acompañadas por otro músico
multicultural e innovador, que abrió la temporada pasada con
una deslumbrante Elektra, el director de origen ruso Semyon
Bychkov, quien completará el programa dirigiendo la Sinfonía
alpina de Richard Strauss.
Labèque
K&M
pRogRaMa
Wolfgang Amadé Mozart (1756-1791)
Concierto para dos pianos nº 10
en Mi bemol mayor, K 365
Richard Strauss (1864-1949)
Eine Alpensinfonie, op. 64
RoCK
sheILa © BYCHKOV
Orquesta Titular del Teatro Real
(orquesta sinfónica de Madrid) SEMYON
© GENE SCHIAVONE
Las noches del Real
K&M LABèqUE © BRIgItte LaCoMBe
Cuando toman asiento una enfrente de otra en sus respectivos pianos, las hermanas Labèque
afrontan un gran desafío: sin ver las manos de la otra, tienen que respirar al mismo
tiempo y al mismo ritmo, para que cada interpretación se convierta en un vuelo libre siempre
nuevo y fresco. Lo llevan haciendo desde que nacieron, después de aprender con su
madre italiana, profesora de piano, y desarrollar una carrera que despegó con la grabación
de Rhapsody in blue de gershwin, obra que las lanzó al estrellato en la década de los 80 del
siglo pasado. a partir de ahí, su meteórico recorrido da vértigo: han tocado con los directores
y orquestas más importantes de todo el orbe –con hitos como su actuación en el
Concierto de Clausura de la Filarmónica de Berlín frente a una audiencia récord de 33.000
espectadores–; han recorrido los festivales más prestigiosos y han colaborado con grupos
barrocos de primer orden. para muestra un botón: su reciente gira con la orquesta the age
of enlightement y sir simon Rattle. Y además han grabado numerosos discos a cada cual
más sorprendente.
además han trabajado con compositores como Berio, Boulez, golijov, Ligeti u olivier Messiaen,
entre otros, y han hecho incursiones en todo tipo de géneros y proyectos, siempre
con la audacia como estandarte. sin ir más lejos, en 2011 se cerró el nuevo proyecto “the
minimalist dream house”, inspirado en los conciertos de principios de 1961 de la Monte
Young en el loft neoyorquino de Yoko ono. Katia y Marielle Labèque y un grupo de amigos
del mundo del rock y la música clásica se juntan para celebrar este revolucionario y nuevo
movimiento y sus diversas áreas de influencia. eclécticas y cosmopolitas –entre sus amigos
se cuentan sting, Madonna y daniel day-Louis– saltan de un ambiente a otro, siempre
rodeadas de glamour, como se puede ver en el documental The Labèque Way dirigido por
Félix Cabez, producido por pedro almodóvar, que se presentó en el último Festival de Cine
de valladolid.
de origen vasco francés (nacieron en Bayona), siempre han tenido un estrecho vínculo con
españa. artistas residentes en valladolid varios años, han actuado junto a numerosos artistas
de la península, como el grupo vasco Kalakan, o la cantante flamenca Mayte Martín,
con la que han grabado un disco muy singular que recoge canciones populares recopiladas
por Lorca junto a temas de Falla, Rodrigo y gardel arregladas por el compositor J. a. amargós.
De fuego y agua es su título, surge de la región donde nacen los sueños y esperanzas,
y es tan original como todo lo que las manos de estas pianistas dibujan. [RZ]
página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL
The
Perfect
American
[viene de página ...]
[PG] sí, es cierto. en mi caso, en el momento en que empecé a
trabajar y a ser conocido, el gran periodo de la música dodecafónica
estaba terminando. Fue un gran periodo con compositores
dotados de mucho talento, pero estaba claro que no les seguiría
un grupo nuevo; había que comenzar desde algún otro punto.
era realmente el final de aquella escuela que había empezado
con shönberg y Berg hacia 1912, y sabíamos que el futuro de la
música no estaba en el pasado. en el ámbito de la música, yo no
pienso en la tradición del pasado porque es un modo de sentirse
libre de esta especie de prejuicio que intenta asignar valor histórico
a cualquier trabajo.
[RR] La temática de muchas de sus óperas bebe de fuentes
literarias (Cocteau, doris Lessing…). ¿de dónde nace esta necesidad
de acudir a referentes literarios?
[PG] esto sucede también con The Perfect American, que procede
de un libro. Yo creo que no se trata tanto de necesidad cuanto
de afinidad. en mi caso, sucede que, además de una educación
musical convencional tuve también una formación universitaria,
lo que es bastante inusual entre los músicos. Lo que me fascina
del teatro es poder trabajar con el escritor, con el dramaturgo.
habitualmente, como en el caso de The Perfect American, leo
el libro y a partir de él hago un esbozo de las escenas. Lo que
me atrae de ello es poder trabajar sobre una interpretación de
la obra que puedo desarrollar, por lo que mi relación con el escritor
es muy, muy activa. Conocí a peter stephan Jungk, quien
aceptó ceder la historia y entendió que yo quisiera trabajar con
otro, aunque ha estado completamente involucrado en todas las
conversaciones. Leyó todos los bocetos e hizo sus comentarios.
Contar una historia sobre la escena es muy diferente a contarla
en un libro, ya que no tienes mucho tiempo. Con The Perfect
American pude establecer las directrices de la obra, y para cuando
el libreto estuvo acabado yo ya tenía una idea muy clara de
cómo debía ser la música.
[RR] La ópera se estructura en trece escenas sin conexión cronológica
entre ellas, flashes que se encadenan en una estructura
que recuerda a otras producciones suyas como Corvo branco.
¿Cómo se ha desarrollado esta deconstrucción en la partitura?
[PG] Bueno, la obra termina con la muerte de Walt disney y
trata sobre los últimos tres meses de su vida. Comienza con una
celebración en su pueblo natal y termina con su muerte. entre
estos dos hitos, se suceden trece escenas, le vemos envejecer,
ir al hospital, etc., por lo que sí hay cierta cronología, nos vamos
acercando poco a poco hacia su final. no nos preocupamos mucho
por la cronología, simplemente nunca perdimos de vista el
hecho de que esta era la historia de la muerte de una personalidad
muy poderosa y creativa.
«el mundo de los sueños y
el trabajo creativo son
muy semejantes»
[RR] en The Perfect American, se presenta a Walt disney como
un megalómano, hipocondríaco, anclado en el pasado, que se
cree un hombre hecho a sí mismo, impulsor de un gran imperio,
muy a la americana…. ¿Qué aspectos de él ha resaltado más en
la partitura?
[PG] todo lo que ha apuntado está en la ópera. Me gustaría puntualizar
una cosa: cuando escribo una ópera, esta no es un documental.
Como diríamos en el lenguaje de los antiguos griegos,
página
Philip Glass
(1937)
la ópera es una especie de poesía. Las fuentes de la poesía son
en parte el mundo real pero también el mundo de los sueños. si
realmente quieres conocer la vida de Walt disney, hay muchos
libros para conocer detalles sobre fechas y cosas por el estilo,
pero no hay manera de hacer esto en una ópera.
[RR] entonces, ¿qué es?
[PG] es como un sueño. teniendo este concepto en mente podemos
hablar de una cierta interpretación, porque va saltando
de un mundo al otro, este es el carácter de los sueños. el mundo
del sueño y el trabajo creativo son muy semejantes. Los dos
constituyen un lenguaje común a los seres humanos. todos soñamos
y todos somos también creadores. en parte creamos el
mundo en el que vivimos que es parcialmente, y quizá sustancialmente,
resultado de nuestros sueños. La gente tiene visiones
muy diferentes de la realidad, de las relaciones, de la vida, de la
muerte, de las cuestiones esenciales sobre la naturaleza humana…
por ello, es en la riqueza de los sueños donde encontramos
la profundidad y el sentido de nuestra existencia. el público que
vea The Perfect American hará su propia interpretación aunque
pensará que el autor está proponiendo tal o cual cosa. Y, sin
embargo, es el espectador quien lo está haciendo.
[RR]¿Y de dónde nace su interés por esta figura?
[PG] Uno de los aspectos más interesantes sobre Walt disney es
que es un fenómeno americano fundamental. no tuvo una educación
sólida, era una persona más bien ordinaria en ese sentido,
pero tenía una gran visión del cine y de la forma de contar historias,
y a través de ello fue capaz de crear todo un universo que
es conocido a nivel mundial.
Con un pie en las nubes
[RR] sí, en un cierto momento, él dice: “soy más famoso que
Jesús”…
[PG]¡Y es cierto! su audiencia es muy amplia, mucho más de lo
que cualquier otro creador pueda alcanzar. es un auténtico fenómeno.
al mismo tiempo que tiene una enorme capacidad para
conmover y llegar a la gente, es una persona realmente ordinaria,
anodina, pero esto no le hace más débil, sino más fuerte.
es su complejidad lo que resulta atractivo. La gente que a mí
me interesa es aquella que tiene un pie en la tierra y otro en las
nubes, porque en ellas podemos vernos reflejados mucho más a
menudo que en gente o muy mala o maravillosa.
[RR] Walt disney ha determinado la forma de ver el mundo de
millones de niños. ¿Qué cree que les inculca con su visión de un
mundo infantilizado?
[PG] Bueno, esa es una pregunta difícil y no estoy seguro de la
respuesta. disney es capaz, por ejemplo con Fantasía, de pasar
del mundo elevado del arte al mundo del entretenimiento.
en este sentido se trata de un fenómeno americano esencial,
porque nosotros crecimos en una sociedad en la que existía una
cultura popular y una alta cultura que se mezclan, cosa que no
ocurre en europa, donde existe una importante división entre
música clásica y música popular.
[RR]¿Y quién es dantine?
[PG] dantine es un personaje curioso, es “el otro”, el contrapunto
de disney. Los que trabajaban para él reconocían que lo
que lograron no podrían haberlo hecho sin él, que les inspiraba y
sabía exactamente lo que quería. dantine le reprocha no ser el
autor de los dibujos, pero este era el trabajo de los dibujantes.
Él es quien le dice: “no eres tan importante, no eres más que un
empresario esclavista y con éxito”, manifestando su amargura y
PHILIP GLASS © JavIeR deL ReaL
al mismo tiempo, poniendo en evidencia la elevada percepción
que disney tenía de sí mismo.
[RR] disney era un egocéntrico…
[PG]¡sí, lo era! Yo compuse tres óperas basadas en los trabajos
de Cocteau. Muchas de las cuestiones que han surgido en esta
ópera estaban en aquellas: sobre la vida, la muerte, el arte… Y
seguramente, Cocteau era tan egocéntrico como disney. para
los artistas es difícil encontrar el equilibrio con la humildad, ya
que una de las principales cuestiones del ser humano es que para
alcanzar el éxito necesita tener un alto concepto de sí mismo.
esto lo descubrí también al componer una ópera sobre gandhi.
Resulta curioso que fuera al mismo tiempo una persona muy
humilde pero también bastante arrogante. ¡gandhi! ¡arrogante!
¿puede creerlo? disney era una persona que vivía rodeada de
cientos de personas que le adulaban constantemente, algo que a
veces manejaba muy bien y otras no tanto. esto puede sucederle
a cualquiera… es el destino de los seres humanos, luchar contra
sus contradicciones. Cuando haces una ópera sobre alguien
como Walt disney tienes la oportunidad de ventilar estas cuestiones.
no podemos resolver los problemas, pero incluso reconocerlos
ya supone un logro, pues la mayoría del tiempo lo único
que hacemos es negarlos. [RZ/AG]
Ficha artística
Estreno mundial,
encargo del Teatro Real
y la English National Opera
de Londres
director musical Dennis Russell Davies
director de escena Phelim McDermott
escenógrafo y figurinista Dan Potra
Iluminador Jon Clark
Coreógrafo Ben Wright
vídeo Leo Warner (59 productions)
director del coro Andrés Máspero
Walt disney Christopher Purves
Roy David Pittsinger
dantine Donald Kaasch
hazel george Janis Kelly
Lillian disney Marie McLaughlin
sharon Sarah Tynan
diane Nazan Friket
Lucy/Josh Rosie Lamas
Chuck/Un médico Juan Noval
abraham Lincoln/ Zachary James
Un empleado de la funeraria
Una secretaria Beatriz de Gálvez
andy Warho John Easterlin
Una enfermera Noelia Buñuel
Coro y Orquesta Titulares
del Teatro Real
(Coro Intermezzo /
orquesta sinfónica de Madrid)
The Improbable Skills Ensemble

DANIEL RUSSELL DAVIS © a. BaLon
«philip ha ido
refinando y ampliando
las posibilidades
expresivas de
su lenguaje musical
con el fin de conmover
a su público»
THE PERFECT AMERICAN: engLIsh natIonaL opeRa / Beta
FIGURíN PARA THE PERFECT AMERICAN © dan potRa
La pesadilla de un mundo feliz
davies & Mcdermott
Un tándem “perfecto” para glass
Pisan por primera vez este escenario madrileño, pero cada uno de ellos –Davies y
McDermott– lleva en estas lides toda una vida. Sus trabajos se han dado a conocer en el
mundo del teatro lírico desde hace tiempo. Dennis Russell Davies es un director musical y
pianista estadounidense que se ha labrado una sólida carrera que abarca los compositores
contemporáneos y los grandes clásicos de la música lírica o sinfónica. Phelim McDermott
es un director de teatro inglés que va del teatro independiente contemporáneo a la escena
de los grandes teatros de ópera. En fin, un tándem “perfecto” para este nuevo proyecto de
Philip Glass en el Real.
dennis Russell davies
Como él mismo comenta: “he interpretado y dirigido la música de philip durante muchos años
[más de treinta], incluyendo los estrenos de seis sinfonías, algunas de sus óperas y los estudios
para piano... Con cada nuevo trabajo me ha ido mostrando cada vez más la habilidad con la que
philip ha ido refinando y ampliando las posibilidades expresivas de su lenguaje musical con el
fin de conmover a su público”. aunque este director de orquesta ha trabajado la producción
musical de los grandes autores clásicos del repertorio sinfónico se ha centrado en la obra de
importantes compositores contemporáneos: hans Werner henze, William Bolcom, Lou harrison,
alan hovhaness, John Cage, giya Kancheli, arvo pärt, virgil thomson, aaron Copland y de forma
especial en las creaciones sinfónicas, líricas y pianísticas de glass –como director pero también
como intérprete–. actualmente davis es profesor de dirección de orquesta en el Mozarteum de
salzburgo y director musical de la orquesta sinfónica de Basilea.
phelim Mcdermott
este polifacético hombre de teatro escribe, dirige y actúa en numerosos espectáculos en los escenarios
de Inglaterra y estados Unidos. aunque su actividad se centra en el teatro, tiene tiempo
para desarrollar nuevos proyectos en el mundo de la ópera. Mcdermott ya ha trabajado en otra
ocasión con philip glass. en 2008 realizó el montaje de Satyagraha para el Metropolitan de nueva
York. en esta ocasión el propio glass señaló en una entrevista con Mcdermott que “la vida de una
ópera está en la recreación que de ella hacen sus intérpretes; el autor es solo el punto de partida”.
Y añadió, refiriéndose a la labor de Mcdermott, que “la realización del espectáculo –lo que contribuye
a hacer real una ópera– es un trabajo muy duro en torno a la música”. es sabido que en el
mundo del teatro este director es un audaz creador de espacios hipnóticos con todos los elementos
escénicos que utiliza: marionetas, objetos corpóreos e imágenes proyectadas. en la actualidad
trabaja con su compañía the Improbable skills ensemble.[VP]
[Convocatoria]
Enfoques
the perfect
american
16 de enero (19.30)
sala gayarre
Pocos días antes del estreno
mundial de este título el director
de escena Phelim McDermott y el
director musical Dennis Russell
Davies hablarán del libreto y la
partitura de esta producción.
Habrá un concierto de cámara a
cargo de miembros de la OSM.
El acceso es libre hasta completar
el aforo.
(Más información en www.teatro-real.com)
McDERMOTT © BeatRIZ sChILLe
«este director es
un audaz creador
de espacios hipnóticos
con todos los elementos
escénicos que utiliza»
FIGURíN PARA THE PERFECT AMERICAN © dan potRa
página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL
[viene de página ...]
masacres con el libreto, lo que sin duda no contribuyó ni a su popularidad
ni a su difusión. ahora se considera una obra maestra.
¿está nuestra sensibilidad más próxima a la del siglo XvIII que la
del siglo XIX?
[Sylvain Cambreling] en el siglo XIX se veía el libreto como algo
inmoral. durante mucho tiempo se presentó como una opereta, a
modo de caricatura o parodia, aun siendo el tema muy triste, pese
a que la música posee mucha ligereza. pero tras la introducción del
psicoanálisis se empezó a leer de otra manera el teatro, se introdujo
la modernidad. Y se descubrió un texto mucho más complejo
de lo que parecía al principio y de una ambigüedad evidente.
[RR] numerosas son las referencias literarias que se han rastreado
en ella, desde clásicos como ovidio hasta Molière. Marivaux,
Choderlos de Laclos…
[SC] para mí la referencia más clara se encuentra en
Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos,
un texto que se publicó pocos años antes de
que Mozart compusiera Così. el libreto no
es una metáfora ni una paráfrasis, sino
que se corresponde por completo
a la sensibilidad del siglo XvIII. en
él se aborda un tema de extrema
modernidad, con citas sexuales
de lo más explícitas. no son guiños,
son evidencias. da ponte
y Mozart construyen un juego
terrible, en el que se plantea
una cuestión de extrema dificultad
y con el que se experimentó
antes y después del 68
del siglo XX: ¿qué seriedad hay
que otorgarle al matrimonio?
[RR] Y como no hay una respuesta
clara, el final se abre de
forma muy ambigua. ¿Cómo lo
plantea usted?
[SC] no creo que nos encontremos
frente a un happy end. en esta ópera
se retoma el asunto de Le nozze di Figaro
pero con un final muy abierto. al final de Le
nozze, todos van a festejar un desenlace en el que
las parejas se corresponden y constituyen una base sólida para
la sociedad. dos años más tarde, aparece Così, que en el fondo
se presenta como el antimodelo del matrimonio. el final lo veo
con cinismo, porque creo que en esta obra no hay una moral. Los
personajes se casan con sus parejas originales pero nunca podrán
olvidar lo que pasó en una determinada noche de sus vidas. Creo
que su intención es señalar que no hay modelos en la vida y que
si aceptamos las cosas como vienen, seremos menos infelices,
porque el matrimonio no entraña la felicidad. Y aunque Mozart
no hace muchas referencias biográficas en sus óperas, sin duda
el tema le debió llamar la atención ya que al fin y al cabo él estuvo
enamorado de aloisya Weber, la hermana de Constanze, la
que finalmente sería su mujer.
[RR] algunos especialistas hablan de una ópera sobre la traición,
otros la califican como la máxima expresión del perdón en el amor…
[SC] Como ya he comentado, me parece que no hay una moral
impuesta. viene a decir que estamos en la tierra y es bueno que
nos adaptemos. no creo que haya perdón, eso se corresponde
más a Le nozze. aquí todos entran en el juego, lo que ocurre es
que juegan con fuego. nadie puede decir nunca que será siempre
fiel porque eso se puede volver en contra con facilidad. Manifiesta
dudas respecto a que el matrimonio oficial garantice alguna
seguridad. es amarga, porque muestra el amor como algo que
sucede a ratos –los dúos de giuglielmo con dorabella y Ferrando
con Fiordiligi son muy eróticos, muy tiernos–, que es muy inestable.
Y esa es la tesis de don alfonso.
[RR] ¿todas estas cuestiones las ha trabajado con Michael haneke?
[SC] a haneke lo conozco bien; hace años colaboramos ya en la
puesta en escena de Don Giovanni en la opéra de paris. es un
realizador muy meticuloso y perfeccionista, prepara cada escena
con un storyboard, como si hiciera una película. Marca los movimientos
de los cantantes hasta el más mínimo detalle, contando
paso a paso. pero en lo relativo a la música, soy yo quien marco
los tempi y el ritmo de los recitativos. estos últimos son lo más
difícil desde el punto de vista teatral, pero Mozart los dejó muy
bien definidos, muy marcados. a menudo existe el cliché de que
hay que hacer los recitativos muy deprisa, que el texto pase lo
más rápido posible, para llegar a las partes orquestadas. esto es
un error, porque los tempi están perfectamente compuestos.
así que lo que no hay que hacer de ningún modo es correr.
[RR] ¿Qué aportan entonces los cantantes?
[SC] La libertad de los cantantes radica en su capacidad para expresar
y construir la personalidad de esos personajes que haneke
crea a partir de la obra, pero no en los movimientos. porque lo
que busca haneke, que es muy realista, es que todo sea plausible,
y eso lo consigue a través de los detalles. de ahí que se haya
contado también con cantantes jóvenes –las pruebas de selección
fueron muy largas y exigentes–, para que sobre la escena
resultaran atractivos, modernos, ideales. sin embargo, la puesta
en escena de haneke no se apoya en el humor. Y lo grotesco que
hay en la ópera se transforma en algo horrible. Creo que ha hallado
una idea espléndida para el travestismo de la obra –siempre
un reto para los directores–, al situarla en una villa del siglo
XvIII pero con una decoración lujosa actual, en la que se celebra
una fiesta dieciochesca. Un festejo en el que todos van a jugar
sabiendo que existe una apuesta, lo que lo convierte en un experimento
más perverso si cabe. Creo que es una forma inteligente
de plantearlo, lo mismo que haber comprimido la acción para que
se desarrolle en menos de veinticuatro horas.
página
«La música muestra lo que
ocurre en realidad antes
de que los personajes
se percaten de ello»
Nueva producción del Teatro Real
coproducción con el Théâtre La Monnaie/
De Munt de Bruselas
cUn drama privado muy moderno
Ficha artística
director musical Sylvain Cambreling
Till Drömann
director de escena Michael Haneke
escenógrafo Christoph Kanter
Figurinista Moidele Bickel
Iluminador Urs Schönebaum
director del coro Andrés Máspero
Fiordiligi Annett Fritsch
dorabella Paola Gardina
Ferrando Juan Francisco Gatell
guglielmo Andreas Wolf
despina Kerstin Avemo
don alfonso William Shimell
Continuo
Fortepiano Eugène Michelangeli
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / orquesta sinfónica de Madrid)
Retrasmisión
La función del día 12 de marzo será transmitida en directo
por Radio Clásica, de Radio nacional de españa,
y la Unión europea de Radiodifusión (UeR)
[RR] Così fan tutte es la última ópera de la colaboración entre
da ponte y Mozart. ¿Le parece la más lograda?
[SC] evidentemente están relacionadas entre sí porque son los
mismos artistas quienes las crean, pero son muy diferentes.
Don Giovanni aborda a una figura mítica y funciona siempre, es
más fácil de hacer. Le nozze es una farsa política, y en Così nos
encontramos con un drama privado de suma modernidad. Formalmente,
es también la más moderna y la que resulta más difícil
tanto para las cantantes como para el director. esta ópera, que
es mi predilecta y que ya he dirigido en cinco puestas en escena
diferentes desde 1976, te sorprende siempre de nuevo por su
sabiduría. en cada situación hay una verdad en la música que se
sobrepone a las palabras. La música muestra lo que ocurre en
realidad antes de que los personajes se percaten de ello. Lo auténtico
se manifiesta en el terreno musical.
[RR] también es la que cuenta con más ensembles: dieciocho
frente a doce arias.
[SC] sí, es la ópera más larga, la que exige un mayor virtuosismo.
Creo que si Mozart hubiera vivido más tiempo, aún habría desarrollado
más los ensembles encaminándose ya hacia las futuras
comedias de salón. si consideramos que no hay secundarios y
que se centra en seis personajes, se puede considerar una obra
de cámara, con mucho texto. además, en nuestra versión prácticamente
no se han hecho cortes, lo cual es una novedad, y exige
un gran esfuerzo y concentración por parte de los artistas.
Wolfgang
Amadé
Mozart
(1756-1791)
[RR] el virtuosismo se hace patente ya en la obertura, con los
instrumentos de viento.
[SC] así es. Los instrumentos de viento madera tienen que
transmitir electricidad. el tempo es muy animado, todo va muy
rápido. La acción se desarrolla en menos de veinticuatro horas.
hay que trabajar mucho los colores. empieza con un día de sol,
luego se va a la noche con la serenata y vuelve el amanecer con
la llegada del bote. es una obra extremadamente exigente tanto
para la cuerda como para el resto de la orquesta. sin embargo
hay que lograr que esta dificultad no se note.
[RR] Mozart escribía para las voces con las que contaba. La cantante
que interpretó la primera Fiordiligi, amante de da ponte,
poseía, por lo visto, una voz prodigiosa.
[SC] su papel es el más difícil. Fiordiligi es como una donna anna
de coloratura. aunque Ferrando no lo tiene más fácil por el ritmo
tan fluido que lleva, y despina se enfrenta a un registro que tiene
que moverse con soltura entre una mezzo y una soprano.
[RR] La obra plantea un sutil equilibrio entre lo trágico y lo cómico.
se podría afirmar, con Chejov, que la música de Mozart es
tan genial por su capacidad para “sonreír entre lágrimas”?
[SC] sin duda es una afirmación que puede aplicarse a toda la
obra de Mozart, que siempre manifiesta una gran humanidad,
un gran amor por los seres humanos y por sus debilidades. su
mirada puede ser irónica, nunca agria, y es capaz de mantener
la distancia en sus aspectos trágicos. La ligereza y el humor dan
lugar a una música que nos hace sonreír porque entraña una gran
lucidez sobre la condición humana.[RZ]

© aLte natIonaLgaLeRIe BeRLIn
HANEKE © BRIgItte LaCoMBe
[Sobre Michael Haneke]
Mozart, nuestro contemporáneo
La obra de Mozart constituye el núcleo de la reflexión y la propuesta
sobre el arte de la ópera para gerard Mortier, motivo
por el cual la temporada 2012-2013 tiene al genio salzburgués
como protagonista. Con este motivo, el director artístico del teatro
Real impartirá dos conferencias, ilustradas con música, sobre
la figura de Mozart y las óperas del compositor que se representarán
a lo largo de la temporada. todos estos encuentros se celebrarán
a las 20.00 horas.
teatro Real. Sala Gayarre
Mozart, nuestro contemporáneo
Miércoles, 23 de enero
amor y deseo en Così fan tutte y Don Giovanni
viernes, 25 de enero
dolor, secreto, amor
Precedido por el enorme éxito de Amour, el cineasta Michael
Haneke llega al Teatro Real para poner en escena
Così fan tutte de Mozart. El escritor, cineasta, crítico y
libretista Vicente Molina Foix, buen conocedor del inquietante
realizador germano-austriaco, despliega las cartas
para que el público sepa a quién se enfrenta en este sutil
juego de identidades.
Las afinidades electivas
La primera película de Michael haneke que alcanzó notoriedad
internacional fue Funny Games (1997). Recuerdo haberla visto
seducido por la precisión de una puesta en escena en la que los
espacios, los silencios y los súbitos brotes de violencia y abuso
desembocaban en una parábola sin explicaciones sencillas. pero
ese angustioso relato no era la obra de un joven cultivador del
‘gore’ y la ‘sexploitation’. haneke, nacido en Múnich en 1942, tenía
entonces cincuenta y cinco años, y una reputación como sólido
hombre de teatro formado en viena, donde también hizo estudios
de psicología y filosofía. a la vez, tampoco era un cineasta primerizo,
ya que a partir de 1967 había iniciado una extensa labor de
guionista y realizador de televisión, en alemania y en austria, con
algunos trabajos significativos como Basura (Sperrmüll, 1976), en
el que el núcleo familiar visto desde ángulos extremos -una constante
en su filmografía- ya se hacía patente.
debutó en el cine de largometraje con El séptimo continente
(Der siebente Kontinent, 1989) y desde ese título podría decirse
que el estilo poderosamente escueto y la voluntad alegórica de
haneke se muestran en plenitud. El séptimo continente cuenta la
descomposición y fuga misteriosa de una familia formada por un
matrimonio y su hija, que, para llamar la atención de sus padres,
se finge ciega; australia se convierte al fin en el destino incierto
de sus vidas. su siguiente película, El vídeo de Benny (Benny’s Video,1992)
introduce el universo de las videofilmaciones caseras,
un elemento que destacaría en dos de sus obras maestras, Funny
Games y Caché, del mismo modo que otro film de esa época, 71
fragmentos para una cronología del azar (71 Fragmente einer
Chronologie des Zufalls, 1994), trata el asunto del asesinato
sin razón, motivo recurrente en el universo de haneke. Y así
llegamos a Funny Games, cuya creciente resonancia como obra
seminal hizo que, diez años después de su estreno, y convertido
en ese tiempo el director en una figura central del cine europeo,
la Warner Brothers cofinanciara y distribuyera un remake escrito
y dirigido por el mismo haneke e interpretado por grandes figuras
de hollywood: naomi Watts, tim Roth, Michael pitt. para
muchos espectadores, entre los que me cuento, el Funny Games
rodado en inglés del 2007 es superior al original de 1997.
en todo caso, y en cualquiera de sus dos versiones, Funny
Games presenta por un lado el topos dramático preferido de
haneke, la familia, aquí compuesta por un feliz matrimonio de
vacaciones con su hijo pequeño, y por otro, y de modo no menos
característico, la irrupción en su tranquila existencia de un
fenómeno de violencia brutal e irracional, en la persona de un
joven desconocido que se presenta amistosamente y, gradualmente,
en compañía de otro compinche, desencadena el terror.
en la versión americana, el contraste estaba más acusado por la
placidez del idílico lugar vacacional, una bonita casa campestre
cercana a un lago y un campo de golf, donde sucede la pesadilla
que aniquila a la familia, y por el excelente trabajo de los actores,
fen especial el de los dos exquisitos criminales interpretados por
pitt y Brady Corbet. el esquema dramático se repite con variantes
en El tiempo del lobo (Le temps du loup, 2003), la película
de haneke que menos me gusta, y, muy elocuentemente en una
de mis preferidas, Caché (2005).
Caché, como la palabra francesa indica, es un relato sobre lo
escondido, que se inicia el día en que un reputado periodista
cultural, interpretado por daniel auteil, recibe en su domicilio
unos vídeos anónimos en los que se ven filmaciones de él, de su
mujer (Juliette Binoche) y de su hijo, acompañados en las imágenes
a veces de personas desconocidas y ‘extranjeras’. se trata
de una elíptica pero fascinante historia (con profundas cargas de
signo político) sobre la culpa individual, el olvido de los delitos
colectivos y la falta de memoria sobre aquello que voluntaria o
inconscientemente se suprime o se oculta. Caché se cierra con
un desenlace misterioso, abierto a las hipótesis, como a menudo
le gusta hacer a haneke. La cinta blanca (Das weisse Band,
2009), una de sus películas de mayor éxito, aborda de manera
distinta algunos de esos mismos motivos de la conciencia histórica
contemporánea, aunque, a mi juicio, se ha exagerado en las
interpretaciones su valor profético o su justeza en describir las
raíces del nazismo.
Me atraen más siempre en este gran director sus narraciones,
por así decirlo, de cámara, y dentro de ese segmento crucial
de su filmografía, La pianista y su más reciente título, aún no
estrenado en españa, Amour. Un hilo visible y evocador las une,
incluso argumentalmente, puesto que el personaje de la profesora
de piano cuarentona con madre castradora y enferma
(la extraordinaria annie girardot) que encarnaba, también inolvidablemente,
Isabelle huppert, podría ser una imagen previa
de la profesora de piano ya en la vejez y felizmente casada que
protagoniza emmanuelle Riva en Amour. Las familias de haneke
nunca son sostenidamente felices, pues cuando sus miembros
viven en armonía les ataca el peligro o los accidentes, cuando no
es el odio soterrado o la crueldad lo que les enfrenta. aun así, el
director, en una entrevista a Télérama con motivo del estreno
de Caché confesaba lo siguiente: “no intento destruir la familia.
tengo cuatro hijos, y mi casa en el único lugar que considero
como ‘mío’. pero quiero demostrar que cuando una familia se
siente amenazada, también es capaz de agresión. La familia no
representa solo la estabilidad, la voluntad y la satisfacción de
construir, sino el miedo a perderlo todo”.
página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

estas dos películas citadas son también un canto a la música de
piano (schubert y Beethoven en particular), que actúa de hecho
como personaje sonoro y yo diría que visible en las tramas.
en La pianista (La pianiste, 2001), la amenaza no era tanto la
destructiva relación materno-filial sino el inesperado flujo de la
pasión carnal y sado-masoquista que une a la profesora solterona
y al alumno poco más que adolescente (Benoît Magimel).
en Amour, la pareja de ancianos que forman la Riva y Jean-Louis
trintignant vive, envuelta en la música de su pasado, en una felicidad
crepuscular y achacosa compensada por el cariño mutuo,
los conciertos de piano, los libros, los cuadros que les rodean
en su amplia vivienda. hasta que, como si fuera una banda de
facinerosos, la enfermedad y el declive les invaden, les amargan
y les trastocan. Amour es seguramente su película más personal;
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL utte
página
haneke integral
en el Cine estudio
© RICKY dÁvILa
el apartamento donde trascurre prácticamente toda la acción es
un decorado que reproduce la casa familiar de los haneke
en viena, y la lacerante historia del deterioro físico y mental y
la terrible decisión tomada para enfrentarse a sus efectos –no
diremos más aquí–, está directamente inspirada por la figura de
una tía muy querida que educó al niño Michael.
Me parece, por tanto, que el cineasta al que obsesionan las formas
de la pena y el daño, el lugar sin fondo donde van los secretos,
y la gozosa angustia del amar, es muy idóneo –al margen de
sus afinidades austro-germánicas– para entender y desarrollar
escénicamente las dolientes intrigas amorosas que, bajo una
superficie de frivolidad y juego, esconde el Così fan tutte de
Mozart. [VMF]
Coincidiendo con el estreno de Così fan tutte bajo la dirección escénica de Michael haneke en el Real, el Cine estudio homenajea al realizador germanoaustriaco
con una retrospectiva integral de su obra cinematográfica. doce obras, incluida Amour, su película más reciente y galardonada en Cannes. desde El séptimo
continente (Der siebente Kontinent, 1989), su primer film, hasta La cinta blanca (Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte, 2009), recorriendo
obras tan inolvidables como Funny Games (1997), La pianista (La pianiste, 2001), Le temps du loup, 2003) hasta Caché – Escondido (Caché, 2005), una
oportunidad para recorrer las huellas artísticas de un creador con voz propia. Y todo ello, organizado por el Círculo de Bellas artes y el coliseo madrileño. para
más información, www.circulodebellasartes.com o www.teatroreal.com
CARTELES DE VARIAS DE LAS PELíCULAS DE MICHAEL HANEKE
[Convocatoria]
Enfoques
Così fan
tutte
20 de febrero (19.30)
sala gayarre
En esta ocasión, el director musical
Sylvain Cambreling y el director de
escena Michael Haneke, junto al director
artístico Gerard Mortier, comentarán
sus respectivos trabajos en esta nueva
producción de la ópera de Mozart.
El Enfoque se cerrará con un concierto de
cámara a cargo de miembros de la OSM.
El acceso es libre hasta completar el aforo.
(Más información en www.teatro-real.com)

página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[viene de página ...]
el sonido será significativamente diferente en muchos instrumentos
de viento, por ejemplo en su timbre. pero también en
los de cuerda, porque toda la sección tocan con cuerdas de tripa
y solo introducen ocasionalmente el vibrato, al uso de aquella
época”, explica el director musical de la orquesta de la emisora
ndR de hamburgo. Un proyecto muy atractivo para él y que,
dado que la entrevista se celebra un par de meses antes del
estreno, todavía se encuentra en fase de elaboración, sobre todo
en lo que respecta a la construcción de algunos instrumentos
de la época. “Lo emocionante de este proyecto, también personalmente
para mí, es que no puedo describir con exactitud
como sonará el conjunto, pues algunos instrumentos todavía no
sabemos cómo van a sonar, aunque contamos con la descripción
de la época. sobre ello hay interesantes cartas de Wagner, que
era un músico muy avanzado también en lo concerniente a la
preocupación por los nuevos instrumentos, y que hizo construir
él mismo algunos, como por ejemplo la tuba Wagner o la viola de
Ritter”. el director, al que acompañarán el Balthasar-neumann-
Chor y ensemble, fundados por él, señala también que “en lo
concerniente a este tema, Wagner, junto con Berlioz un par de
años antes, era sin duda el compositor más avanzado, lo que le
distingue mucho de verdi”.
Nuevos instrumentos antiguos
La gran renovación de la orquesta, acercándola a las actuales, se
produce en el siglo XIX sobre todo con Berlioz y Wagner, como
ha señalado este reconocido innovador que recientemente cosechó
un gran éxito al dirigir Tannhäuser en el Festival de Bayreuth.
Y describe los nuevos instrumentos antiguos que se incorporarán
a la orquesta: “el corno inglés de Wagner, un instrumento
que en el registro más bajo es más sonoro y establece una relación
con las octavas más bajas, en este caso con el fagot. se
diseñó siguiendo las ideas de Wagner, pero lamentablemente
no se pudo fabricar en su época. nosotros lo hemos encargado
especialmente para nuestras representaciones, nuestro tono y
nuestros músicos. también vamos a tocar el antiguo oboe alemán,
que se parece un poco al actual oboe vienés con los agujeros
un poco más anchos, con un timbre más cálido y oscuro,
que no es tan gangoso como el de los instrumentos franceses
que son los que más se tocan actualmente”. La incorporación de
estos instrumentos modificará el sonido de la orquesta. “naturalmente,
el balance entre los distintos instrumentos se desplaza
notablemente. esa es la experiencia que tuvimos con Rigoletto
y Falstaff por lo menos. Los instrumentos de viento metal son
claramente menos sonoros en comparación a los instrumentos
modernos, y el conjunto de madera suena más colorido y, si los
escuchamos con los oídos actuales, también un poco más anticuado.
suena todo todavía a algo artesanal, a madera, a boj.”
en el entusiasmo de su expresión uno cree escuchar ya esos
nuevos sonidos, al tiempo que el aroma de boj se esparce en el
ambiente. estos nuevos instrumentos cambian la sonoridad de la
orquesta, sin embargo los cantantes requieren las mismas cualidades
que siempre han sido imprescindibles para enfrentarse a
una obra de Wagner, y que hengelbrock define hasta el detalle:
“Los papeles son tan exigentes, aunque solo sea por el tiempo
que los cantantes tienen que cantar, que no podemos recurrir a
las llamadas voces de música antigua”. Y tampoco estaría en el
espíritu de Wagner, según él: ”hemos buscado cantantes inteligentes
y expresivos en el canto, la voz tiene que ser capaz de
modular. Lo que no me gustan son los cantantes que solo saben
cantar por encima del fortissimo, pues en parsifal hay que saber
interpretar los tonos intermedios, eso es muy importante”. Y si
exige rigor en el canto, también lo hace en la declamación pues
“el texto debe ser comprensible. Quiero recordar que a menudo
cuando ensayaba, Wagner, durante las tres primeras semanas,
no dejaba cantar ni una nota a sus cantantes. solo les hacía declamar
el texto: ¡durante tres semanas! Como un buen actor, el
cantante debe haber interiorizado el texto antes de declamarlo
o cantarlo”.
Una ópera misteriosa
La elección de Parsifal para llevar a cabo este experimento se
debe a la particular fascinación que ejerce sobre un director
habituado a transitar por todas las épocas y repertorios, no en
vano fue director musical de la volksoper de viena, fundó el
Festival de Feldkirch y ha descubierto al público rarezas como Il
Giustino de Legrenzi o ha puesto en escena Il re pastore de Mozart
en el Festival de salzburgo. “de todas las óperas de Wagner
esta es la que tiene una sonoridad más misteriosa para mí. Lo
que resulta sorprendente en Parsifal y me conmueve cada vez
hasta dejarme estupefacto es esa indescriptible magia tímbrica,
cuando el sonido se convierte en sustancia compositiva. es
decir que la configuración sonora es inseparable de la sustancia
compositiva. en otras obras se puede decir: esta es la estructura,
esto es la composición, esto es el contrapunto, estos son
los fugati”, explica. todo esto puedo hacerlo audible en diversas
instrumentaciones, y semejante música no suele resistirse a
página 0
adaptaciones instrumentales. ¡Con Parsifal es diferente! Yo creo que
hay mucho de su espíritu metafísico en la sonoridad.” Los sonidos
de Parsifal han cautivado a muchos artistas y compositores, porque
parece que detrás de su sonoridad habita un enigma también:
“en esta obra nos encontramos con una mezcla de colores de los
instrumentos totalmente nueva, pero también con una renuncia al
gran virtuosismo. eso resulta muy llamativo frente a las inmensas
dificultades técnicas de interpretación a las que nos enfrentamos en
parte de Götterdämmerung o de Die Walküre, y por supuesto en las
más tempranas óperas románticas. son óperas técnicamente muy
exigentes. Las cosas, para emplear una expresión de Richard strauss,
se elaboran bien, se trabajan bien, se ornamentan bien. en Parsifal lo
ornamental desaparece, el sonido mismo se convierte en sustancia.
no es un ‘añadido’ sino la auténtica esencia”.
«en parsifal el sonido
se convierte en sustancia
compositiva»
esa sencillez en la composición, que manifiesta la capacidad para
llegar a lo sustancial a través de una gran depuración puede interpretarse
como un retroceso en lo armónico, pero para thomas hengelbrock
es una prueba de sabiduría y compara al último Wagner con el
último Mozart: “piense en la obra tardía de Mozart. ahí también lo
encuentra, que en lo armónico es de nuevo completamente sencillo,
ese increíble do Mayor por ejemplo al final de Così fan tutte. ahí
cabría decir: se trata de un retroceso frente al tratamiento orquestal
indómito, colorido, del todo precursor del Romanticismo que supone
Idomeneo. por otra parte, precisamente debido a esta sencillez penetra
en el núcleo de exposiciones a las que antes no había llegado
nunca. Y algo parecido ocurre con Wagner: Parsifal es pura magia,
y tal vez sea la obra que menos se puede explicar. he oído muchas
interpretaciones, pero siempre permanece del todo misteriosa. Y
con nuestra interpretación tampoco debemos provocar la sensación
de que vayamos a arrancar demasiados velos. no se trata, para
nosotros, de desvelar Parsifal, sino todo lo contrario. a partir de mi
experiencia con los instrumentos del siglo XIX, creo que algunas cosas
incluso pueden resultar aún más mágicas”. para este intérprete,
conocido ya por el público madrileño tras ponerse al frente de la
orquesta titular del teatro real para dirigir Iphigénie en Tauride y La
clemenza di Tito, algo en Parsifal, que ataña al tempo, que establece
las mayores diferencias con respecto a cualquier otra obra. “eso es
una característica de una auténtica obra maestra, que es resistente
frente a cualquier intento de forzar el tempo. La obra es inmune a los
intérpretes. tiene una fuerza mágica, también metafísica, que no se
puede describir.
Abrirse a la experiencia
enfrentarse a Parsifal, el legado musical, espiritual y vital de Wagner,
que durante treinta años no pudo salir de Bayreuth, el templo de
su interpretación, requiere del público una actitud abierta a nuevas
experiencias de investigación sonora para escuchar esta nueva
propuesta de thomas hengelbrock. Un camino que ya investigó en
su ejecución del Rigoletto y el Fastaff de verdi, también con una
orquesta histórica. de esa experiencia, el director alemán extrae la
conclusión de que vale la pena seguir avanzando en ese camino, dejando
las puertas abiertas para dejarse sorprender. “valoro mucho la
apertura de este proceso y no quiero formular resultados. Me parece
que empezar formulando la meta se corresponde a un concepto muy
estrecho del arte. eso lo he aprendido de los buenos directores de
teatro: vamos a ver una producción y naturalmente tenemos ideas
concretas, pero entonces llegan los actores, los cantantes y los músicos,
y nos vamos de viaje. eso es el arte, ahí surgen procesos de enriquecimiento
mutuo, que ahora todavía no nos atrevemos a soñar.”
Richard Wagner
Parsifal
El legado del genio
Ópera en versión
de concierto
con instrumentos
originales reconstruidos
Ficha artística
director musical Thomas Hengelbrock
director del coro Detlef Bratschke
amfortas Matthias Goerne
titurel Victor von Halem
gurnemanz Kwangchul Youn
Klingsor Johannes Martin Kränzle
Kundry Angela Denoke
parsifal Simon O’Neill
(1813-1883)
dos caballeros del grial Hermann Oswald, Marek Rzepka
Cuatro pajes Virgil Hartinger, Manuel Warwitz
seis mujeres flor Katja Stuber, Gunta Davidčuka,
Antonia Bourvé, Anya Aspelmeyer,
Heike Heilmann, Marion Eckstein
Una voz Marion Eckstein
Balthasar-Neumann-Chor
Balthasar-Neumann-Ensemble

[entrevista con Angela Denoke]
Kundry es un
blanco móvil
© RICKY dÁvILa
THOMAS HENGELBROCK © FLoRenCe gRandIdIeR
ANGELA DENOKE © Johan peRsson
En esta ocasión será Kundry, un papel de extrema dificultad musical y dramática. Una nueva
forma de disfrutar de Angela Denoke, una cantante inolvidable en numerosos papeles no solo del
repertorio operístico alemán, sino también de óperas checas y rusas del siglo XX.
En España la hemos visto como María en Wozzeck, en el papel de Emilia Marty en El caso
Makropulos de Janáček, y en un programa de canciones de cabaret de Hollywood y la República
de Weimar. Tuvimos oportunidad de entrevistarla durante la gira de Wozzeck en versión de
concierto por Estados Unidos bajo la dirección de Esa-Pekka Salonen.
[Revista del Real] Usted ya ha interpretado el papel de Kundry en Parsifal, concretamente para daniel
Barenboim en la Berlin staatsoper, y otras dos veces en viena en los últimos cuatro años, así como en
Múnich, parís y, más recientemente, en hamburgo. ¿Qué le interesa en esta ópera, y más concretamente
en el papel de Kundry?
[Angela Denoke] ante todo me intriga la complejidad del personaje. desde luego, desde el punto de
vista musical el papel es un tremendo desafío, que además encierra muchas opciones, por lo que cada
producción exige tomar nuevas decisiones. ese es el motivo principal por el que siempre estoy deseando
tomar parte en una nueva producción de Parsifal.
[RR] ¿Cómo ve usted el personaje de Kundry? en los actos individuales, pasa de ser una mujer tentadora
a convertirse en una mujer suplicante, arrepentida…
[AD] ¡existen tantas posibilidades distintas a la hora de interpretar el personaje de Kundry! Yo la veo
como una mujer real y al mismo tiempo como una “visión”. tanto por lo que sufre, como también por
cómo funciona en la ópera, es decir como una proyección de todos los personajes masculinos. es algo
difícil de describir porque no se puede reducir a un único aspecto de su personaje. ¡esta Kundry es un
blanco en perpetuo movimiento!
[RR] entre otros papeles de Wagner, también ha cantado usted el de elisabeth en Tannhäuser (y más
recientemente, ha interpretado los papeles de elisabeth y de venus en la Ópera de hamburgo), y sieglinde
(die Walküre) ha estado en su repertorio durante cierto tiempo. según parece, dudó usted si
aceptar cantar el papel de sieglinde.
[AD] pensé que era demasiado pronto para mí, y por eso dije que no. ¡Los cantantes tienen que cuidar
de su salud vocal! entonces, en la producción de stuttgart, Katarina dalayman tuvo que cancelar, de
manera que acepté salir, y estuvo bien –ahora sieglinde es una incorporación importante a mi repertorio
de Wagner.
[RR] en abril de este año canceló usted su participación el Festival de Bayreuth del año que viene, en el
papel de Brünnhilde.
[AD] no es una decisión que haya tomado a la ligera. he estudiado las tres partes, sobre todo durante
los tres primeros meses de 2012. puedo cantar ese papel, pero mi voz no es lo bastante dramática
para él, y no puedo hacer tres partes en cinco días. el papel está al límite de mi voz, es decir que me
llega justo para cantarlo, pero no es saludable para mí. además, en ese papel mi voz tiene un poco más
de vibrato del que yo quisiera, y me preocupaba que después de hacerlo ya no pudiera cantar otros
papeles, papeles que todavía quería hacer. Renunciar a Brünnhilde fue una decisión difícil, y todavía me
entristece un poco, pero al final fue la decisión acertada. sin embargo, el papel no me asusta. ¡Quizá
algún día cante una sola parte! ¡Y sigo queriendo hacer Isolde –un papel que las sopranos alemanas no
quieren interpretar!
[RR] destaca usted por sus capacidades interpretativas.¿actuar es importante para usted, lo ha estudiado?
[AD] sí, por supuesto que he estudiado interpretación, pero además he tenido la suerte de trabajar con
buenos directores (Johannes schaaf, hans neufenfels, Christoph Loy, Christopher Marthaler, david
pountney, david Mcvicar y otros, gracias a lo cual también he aprendido ‘en el tajo’. ¡a menudo es la
mejor manera! Y siempre he querido crear cada papel que canto.
Romanticismo
[RR] gérard Mortier, el director artístico del teatro Real, la ha vuelto a contratar para la producción de
Parsifal en Madrid.
[AD] tengo muchos motivos para estar agradecida a gérard Mortier, y uno de ellos, y no precisamente
de los menores, son las producciones tan interesantes que me ha ofrecido a lo largo de los años en
salzburgo, parís y Madrid. en 1998, cuando era director del Festival de salzburgo, me propuso el papel
de Katia, en Katia Kabanova de Janáček, en la producción de Christopher Marthaler. ¡Fue una verdadera
revelación! Mortier tiene instinto –simplemente tuvo la corazonada de que yo retrataría a Katia justo
como él quería verla. siempre está dispuesto a arriesgarse con cantantes como yo, que estamos continuamente
a la busca de algo nuevo. hay varios papeles que, sin su aliento, yo no habría descubierto por
mi cuenta. solo por esa razón, considero que es uno de los directores de ópera más importantes de su
generación.
[RR] ¡de hecho, conoció usted a su esposo, el tenor americano david Kuebler, precisamente en esa
producción de Katia!
[AD] “¡sí, 1998 fue un año importante! en esa producción, david, cantó el papel de mi amante Boris;
en uno de los ensayos, cuando estábamos en escena, nos miramos el uno al otro y pasó algo –nos enamoramos.
¡de hecho, está todo grabado –existe un dvd de la producción, así que puede usted verlo en
nuestros ojos!
[RR] ¿en qué otras producciones de Wagner la veremos?
[AD] de enero a abril de 2013 estaremos todos bajo el signo de parsifal, por así decirlo, ya que, después
de Madrid, cantaré el papel de Kundry también en Zúrich y en viena. Y en mayo de 2013 saldré en
Rienzi en Roma. [MZ]
BALTHASAR-NEUMANN-ENSEMBLE © FLoRenCe gRandIdIeR
página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL
[entrevista con Matthias Goerne]
página
Parsifal
« amo los personajes
que sufren
interiormente»
MATTHIAS GOERNE © MaRCo BoRggReve
Tras su arrollador éxito con Des Knaben Wunderhorn de Mahler en la segunda de Las noches
del Real, el barítono alemán Matthias Goerne regresa para encarnar por primera vez al
atormentado Amfortas en el Parsifal de Wagner que Thomas Hengelbrock dirigirá con
instrumenots originales de la época del compositor.
[Revista del Real] ¿Cómo contempla el personaje de amfortas?
[Matthias Goerne] ante todo, la obra me interesa musicalmente, y he de decir que es el
personaje que más cercano me resulta, porque sus sufrimientos son totalmente humanos. es la
figura más humana de la ópera, y su música también lo refleja. no se parece nada, por ejemplo,
a los extensos monólogos de gurnemanz. Y su canto tiene también muy poco que ver con el del
mismo parsifal o el de Kundry. Parsifal es, por otra parte, la partitura más perfecta e intensa de
Wagner, donde refleja toda su sabiduría compositiva en su más absoluta madurez.
[RR] es uno de los primeros papeles wagnerianos que aborda, y también uno de los más
dramáticos, después de Wolfram en Tannhäuser o Kurwenal en Tristán e Isolda, que son más
líricos.
[MG] Wolfram sí, pero Kurwenal no tanto, es más bien un barítono de carácter. en Wolfram, por
ejemplo, me falta la dimensión desesperada de amfortas, aunque a cambio tiene la maravillosa
canción a la estrella de la noche. he cantado en concierto los monólogos de hans sachs en Los
Maestros Cantores, y voy a incorporar a Wotan, primeramente la escena final de La Walkyria
con Christoph eschenbach (junto con el monólogo del holandés) y luego en escena con Jaap van
Zweden, director titular de la Filarmónica de hong-Kong, que quiere contar conmigo para un gran
proyecto del Anillo. Casi todos los papeles wagnerianos están escritos en una tesitura muy grave.
aunque con el ensemble Balthasar neumann seguro que se consigue un sonido muy diferente,
menos metálico y agresivo. es la mejor orquesta de este género que tenemos actualmente en
alemania.
[RR]¿Qué ventajas e inconvenientes tiene una versión de concierto?
[MG] La ventaja fundamental es que te permite concentrarte con mucha mayor fuerza en la
música y su relación con el texto. Parsifal es una obra cuya acción es muy estática en su mayor
parte, y es dificilísima de montar de modo plenamente convincente. Como espectador, he
asistido a varias representaciones, y reconozco que la que más me impactó fue la que dirigió
valery gergiev en el Festival de salzburgo en memoria de sir georg solti. otra obra que funciona
perfectamente en concierto es El castillo de Barba Azul de Bartók, que acabo de cantar en parís
con Christoph von dohnányi, porque tiene una acción interior.
[RR] hablando de Barba azul, le gustan los papeles con un fuerte trasfondo psicológico, como
Cardillac de hindemith y por supuesto Wozzeck de Berg.
[MG] no me interesan las óperas escritas simplemente para entretener al público. Me gustan los
personajes que sufren interiormente, como el protagonista de Matthias der Maler, también de
hindemith, el personaje más difícil que he cantado hasta la fecha, y que acabo de encarnar en la
Bastilla. al fin y al cabo, tampoco vivimos en unos tiempos fáciles, y yo soy una persona a la que
le afectan los problemas de hoy. aunque disfruto igualmente con el papageno de Die Zauberflöte,
una ópera que, a pesar de las apariencias, tiene un enorme trasfondo filosófico, con su dicotomía
entre lo masculino y femenino, lo terrenal y lo espiritual...
[RR] Le interesa especialmente la estética del fin del siglo XIX y principios del XX.
[MG] en esa época está siempre presente, especialmente en la cultura alemana (literatura,
pintura…), ese aspecto trágico reflejado de una manera muy artística. Compositores como alban
Berg consiguen llegar hasta lo más hondo del individuo, creando unos personajes enormemente
vivos. Y la poesía de esa época es maravillosa, tremendamente expresiva y turbadora.
[RR]¿Cómo suele estudiar los personajes? ¿de manera diferente a un Lied?
[MG] suelo partir siempre de la relación entre la música y el texto, que es el que te suele indicar
la manera en que tienes que frasear cada pasaje, ya sea una cantata de Bach o un personaje de
ópera. Y, evidentemente, yo soy la misma persona.
[RR] tuvo usted bastante relación con el tristemente desaparecido hans Werner henze.
[MG] he cantado El joven Lord, con libreto de Ingeborg Bachmann, de la que era tan amigo, así
como la Elegía para jóvenes amantes. Y, sobre todo, tuve mayor contacto con él a propósito de
L’upupa, que estrené en salzburgo y en Madrid. en toda su obra se aprecia esa pasión que sentía
por Italia y el Mediterráneo. sabía escribir muy bien para la voz, de una manera muy fluida. es, sin
duda, uno de los grandes compositores del siglo XX. Y amaba muchísimo la vida, como yo. [RB]
el niño
y la creación
del mundo
Un viaje de música y papel animado
sobre el origen del mundo
¿por qué no? ¿por qué no conectar dos
palabras tan separadas por los adultos y
tan enlazadas por los niños? Quizá nos
empeñamos en pensar que la creación,
como dice la Rae, es laboriosa, complicada,
larga e inmersa en interpretaciones tan
subjetivas que nos hacen perder interés
y ganar distancia respecto a ella. Y sin
embargo los niños son creadores por
naturaleza, son creadores cada día; los más
grandes creadores jamás habidos. de un
trozo de corcho pueden construir con su
imaginación una nave potente que alcance
la velocidad del hiperespacio en 0’25
seg. o ver en las nubes caras y formas
que luego la velocidad de la vida roba
inexorablemente a los adultos.
ellos son capaces de eso y de mucho más; no tienen filtros, ni prejuicios, ven las cosas
tal como son. por eso esta obra es para ellos, porque ellos son los que, si los adultos los
dejamos, apreciarán los matices y el mensaje que durante muchos años, de generación
en generación, ha sido transmitido a base de mitos y leyendas. Mitos y leyendas que
tiñen a los pueblos de carácter, de arraigo, de orgullo y de identidad más allá de las
banderas que se mueven dependiendo del viento y que cambian de color con los años,
por el sol, o por necesidad de los hombres de poder.
El niño y la creación del mundo es una obra para ver, para escuchar, para sentir, para
pensar… (qué palabra tan denostada en nuestros días, ¿no?). sí, es una obra que
hace que los niños participen activamente, incluso en la creación de la propia obra.
ellos formarán parte de nuestro viaje a través de las leyendas, no solo como meros
espectadores, sino como protagonistas de la historia, ayudando a eduardo a cumplir con
su misión. Junto a él emprenderán un viaje lleno de aventuras, acompañados de músicos
que darán armonía a las historias que vivirán, y que con su música darán aún más sentido
a las palabras y a las imágenes que sucederán allí.
el lenguaje musical toma el protagonismo aún más si cabe, cuando completa unas
imágenes sobre la creación del mundo. en ellas se podrá observar cómo nacieron las
nubes, la luna, las estrellas, los valles y hasta los truenos. Montado en su bicicleta,
eduardo ha recorrido el mundo de sur a norte y de oeste a este, recogiendo todo tipo de
leyendas contadas por diferentes culturas, y recopilándolas en un libro, que siempre lleva
en su maleta y que le acompaña allá donde va, junto con un puñado de artilugios que él
mismo ha inventado y que le ayudan a entender mejor el Mundo.
no privemos a los niños de esa capacidad innata de crear, de imaginar, de trabajar con
sus sueños a partir de los sueños de otros, no les neguemos la posibilidad de empezar un
mundo de aventuras y de investigaciones que les hará vivir viajes y emociones que jamás
imaginaron, abrir puertas que les conducirán al conocimiento y al placer de descubrir y
de crear. El niño y la creación del mundo es una experiencia en la que tendrán su parte
de responsabilidad como nuevos “Buscadores de Leyendas” en el futuro, puesto que
tendrán que encontrar todo tipo de leyendas, investigando entre sus amigos y familiares
y mandarlas al teatro Real, donde eduardo, el aventurero Buscador de Leyendas, las
recopilará para que nunca jamás se olviden.
El niño y la creación del mundo… ¿por qué no?
desde 4 años
sala gayarre
Funciones escolares:
6, 7, 8 de febrero (10.30 y 12.00 horas)
Funciones familiares:
9, 10 de febrero (12.00 y 17.00 horas)

© aLeJandRo aLaRCÓ
Cuentos
de siempre
y de nunca
Un festival de cuentos musicales
para niños
actividades pedagógicas
A veces no es necesaria una orquesta entera,
un solo instrumento es capaz de relatar muchos
cuentos; así que hemos preparado dos
programas diferentes de cuentos musicales
donde quedaremos extasiados por tres intérpretes
de excepción (violín, violonchelo y
piano), junto a las proyecciones que el equipo
Noamir ha realizado especialmente para estos
conciertos.
el primer programa lleva por título Cuentos entre
las cuerdas, pues serán un violín y un violonchelo
los encargados de hacernos escuchar la música
de dos historias distintas. el violín y su arco
ejecutarán una faena primorosa del famoso
cuento El toro Fernando (Leaf & Ridout), un
animal pacifista y ecológico que saca su furia
por la picadura de un abejorro. Como contraste a ese violín educado y “políticamente
correcto”, un chelo (con su funda) gamberro y enloquecido, quien, junto a una colección
de esdrújulas, se irá de expedición a África, vestido de explorador, al acecho y captura de
una manada de Mamíferos mortíferos. el narrador debe andarse con ojo, pues las fieras no
tendrán contemplaciones con él.
el segundo programa es Cuentos dentro de un teclado. Las teclas de un piano harán de
pista atlética para que se jueguen los ya clásicos Deportes y diversiones, un célebre álbum
de micropiezas poético-musicales descriptivas que compuso satie hace un siglo a medio
camino entre el impresionismo y el cabaret. ese mismo teclado es también la telaraña
donde habitan y se alimentan unos peligrosos Arácnidos satánicos, que atacarán a la
pianista con sus aguijones rítmicos, sus canciones letales y sus juegos de rimas insensatas.
dos conciertos muy distintos donde el humor, las descripciones sonoras, los juegos de
lenguaje, las proyecciones y la sabiduría de los tres intérpretes sumarán sus fuerzas para
ofrecer un desfile de cuentos minúsculos, donde los auténticos protagonistas son la
atención y la participación de los niños.
[Fernando Palacios]
desde 7 años
sala gayarre
Funciones escolares:
14, 15, 16, 21, 22, 23 de enero (10.30 y 12.00 horas)
Funciones familiares:
12, 13, 19, 20 de enero (12.00 y 17.00 horas)
Un “christmas”
muy especial
este año el ‘christmas’ del teatro Real lo diseñan los niños.
aprovechando la cercanía de las fiestas navideñas, el teatro Real
ha convocado la primera edición del Concurso infantil de dibujo
navideño, abierto a aquellos niños de entre cuatro y once años
que participen en el proyecto pedagógico del teatro, y a los hijos
de los empleados del mismo.
se han establecido dos categorías de premios: la primera, para
niños de hasta siete años, y la segunda, para niños con edades
comprendidas entre siete y once años. de entre los dos dibujos
ganadores se ha escogido uno que, además, será utilizado en la
felicitación navideña del teatro Real durante las próximas fiestas.
tras una selección previa, los ganadores han resultado ser: Laura
Martín pindado y Carmen Jariod Ramírez. el dibujo de Laura
Martín pindado dará forma a la tarjeta de felicitación del teatro.
el hombre
que se llamaba
amadé
Concierto
pedagógico
Wolfang Amadé Mozart, es uno de los compositores más extraordinarios
y prolíficos de la historia de la música. Sus sinfonías,
conciertos, piezas para piano, y demás composiciones
camerísticas, son un torrente de genialidad, y en todas ellas,
el joven maestro austriaco consigue plasmar de manera inigualable
toda la paleta de emociones y sentimientos del ser
humano.
gran autor también de óperas, las suyas están llenas de ritmo
teatral. Ya sea escribiendo drama o comedia, Mozart alcanza
unos niveles de calidad musical y de conjunción texto-música,
raramente vistos anteriormente a él, y sienta las bases de toda la
obra operística posterior.
El hombre que se llamaba Amadé es un espectáculo de carácter
familiar, donde, desde la mirada del compositor antonio salieri,
descubriremos algunos de los momentos más importantes de la
vida y la obra de Mozart.
será el maestro de ceremonias un simpático e histriónico salieri, contemporáneo de Mozart,
y convertido en el antagonista de amadé por Amadeus la magnífica película dirigida por Milos
Forman en 1984. Él nos dará su visión del genio. Una visión distorsionada por la envidia, y al
mismo tiempo, llena de una profunda admiración.
pero la gran protagonista será la música. a través de su obra, desde su primera pieza para
piano, escrita con apenas seis años, hasta La flauta mágica, una de sus últimas obras,
descubriremos la personalidad del que, quizá, sea el mayor genio de la historia de la música:
Wolfgang amadé Mozart.
desde 11 años
sala principal
Funciones escolares:
25, 26 de febrero (10.30 y 12.00 horas)
Función familiar:
24 de febrero (12.00 horas)
Carmen Jariod Ramírez
7 años
Colegio asunción Rincón
Madrid
Laura Martín Pindado
5 años
CeIp el Raso
Moralzarzal, Madrid
página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] [I•II-2013] L a LRevIsta A REVISTA deL DEL ReaL REAL
Junta de protectores
página 14
el teatro Real les agradece su colaboración
El Teatro Real les agradece su colaboración
Mecenas
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Accenture
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Ignacio Ojanguren
Presidente Directora de de Comunicación, IBM España, Portugal, RR.II. y
Director General en España y Portugal Socio Ignacio Director Ojanguren de Clifford Chance
Ignacio Garralda Ruiz de Velasco
Grecia Patrocinio e Israel del Teatro Real
Socio Director de Clifford Chance
de Crédit Agricole CIB
Presidente de Mutua Madrileña
Javier Pascual del Olmo
Presidente María Teresa de Ediciones Ortiz-Bau
Isidro Fainé
Condé Nast Secretaria
Julio Gómez-Pomar Rodríguez
Directora de Fundación AXA
Presidente de ”la Caixa”
Presidente de Renfe
Pedro Pérez-Llorca Zamora
Marisa Vázquez-Shelly
Socio Javier Director Pascual de del Pérez-Llorca Olmo
Directora de Relaciones Institucionales
Arturo Fernández
Carlos González Bosch
Presidente de Ediciones Condé Nast y Patrocinio del Teatro Real
Presidente de
Presidente Grupo Arturo de Cofares Cantoblanco
Pedro Pérez-Llorca Zamora
Socio Director de Pérez Llorca
Salvador Gabarró
Presidente de Gas Natural Fenosa Ignacio Polanco
Junta de amigos Presidente de del PRISA
Antonio García Ferrer
teatro Real
Vicepresidente Ejecutivo
Rosalía Portela
de Presidente Fundación ACS
Consejera
Dominic
Delegada
Brisby
de ONO
Julia Oetker
Patrocinadores
Patrocinadores
Medios de comunicación
Medios de comunicación
Colaboradores
Colaboradores
Benefactores
Benefactores
Patrocinadores particulares
Pilar Doval
Iñaki Gabilondo
Centro Cardiovascular Hospital S. Rafael
Antonio Trueba Bustamante
patrocinio@teatro-real.com
Consejo asesor patrocinio@teatro-real.com
Presidente
Carmen Iglesias
Alfonso Cortina
Matías Cortés
Paloma del Potillo
Juan Manuel Urgoiti y López Ocaña
Mario Vargas Llosa
Montserrat Iglesias
Pilar Doval
Helena Revoredo
Eduardo Zaplana
Miguel Muñiz
Vicepresidente
Isabel Estapé
Jesús Caínzos
Francisco Fernández Avilés
Fernando Fernández Tapias
Amigos del Real Iñaki Gabilondo
Alfredo Sáenz
Juan Antonio Sagardoy
Alejandro Sanz
José Manuel Serrano-Alberca
Miembros
Antonio Muñoz Molina
Secretaria
Rafael Argullol
Mercedes Rico
Marisa Vázquez-Shelly
El Teatro Real agradece a todos los amigos del Real Pierre su colaboración Bergé y apoyo desinteresado Eugenio Trías a sus actividades
Nuria Espert
Amelia Valcárcel
Fausto González
Pilar Solís Martínez-Campos,
Iñaki Gabilondo
Felipe Modesto de Álvarez Acevedo•ADA Ayuda del Automovilista•Carmen María Guerrero Alcántara•Joaquín Almunia marquesa Amann•Plácido de Marañón Arango Arias•Ana María Arroyo Herrero•Auditorium Madrid Hotel•Fernando Baldellou Carmen Giménez Solano•José María Benito Sanz•María Secretaria del Carmen Bermúdez
Rafael Muñoz•Brizzolis Ansón Arte en Gráficas•Daniel José de María Busturia Mohedano Jimeno•CVC Capital Partners•Cruz Blanca Suelves, Entrecanales duquesa Azcárate•Teresa Entrecanales Azcárate•Isabel Estapé Tous•Alfonso Ferrari José Herrero•José Luis Gómez Manuel Gabeiras•Montoisy Marisa Godelieve•Javier Vázquez-Shelly Gómez
Pierre Bergé
Elena Ochoa, Lady Foster
del Alburquerque
juntadeamigos@teatro-real.com
Manuel Gutiérrez Aragón
Navarro•Grupo Sagital•Grupo Urológico San Rafael•Rafael Iruzubieta Fernández•Juventudes Musicales de Madrid•James Land•Librería Jurídica Lex Nova•Enrique de Leyva Pérez•Juan José López-Ibor Aliño•Soledad Luca de Tena García-Conde•Gregorio
Marañón y Bertrán de Lis•David March•Teófilo Marcos•Luis Martín Cabiedes•Benito Martín Ortega•Ernesto Mata•Teresa Mazuelas Pérez-Cecilia•Metroscopia•José María Mohedano Fuertes• Juan Manuel Moreno Olmedilla•Gerard Mortier•María Cruz
Muñoz Olmedo•Carmela Navas Vela•Gerd P. Paukner•T. Paype•Adrián Piera Jiménez•José María Portilla González•Rafael Prados García•Isabel Ramírez Núñez Prado•Carlos Ramírez Reguera•Daniel Romero-Abreu Kaup•Teresa Sappey•Editorial Jurídica
amigos Sepin•José Manuel Serrano del Alberca•Antonio Real Trueba Bustamante•Soledad Varela Ortega•José Luis Várez Fisa•Francisco Vighi Arroyo•A.T.G.•A.V.S.A.•C.R.M.•J.A.S.A.•J.E.A.M.•J.L.V.•J.M.C.•M.C.P. •M.F.B.•M.V.Ll.•N.O.A.
Felipe de Acevedo•ADA Ayuda del Automovilista•Carmen Alcántara•Joaquín Almunia Amann•Plácido Arango Arias•Ana María Arroyo Herrero•Auditorium Madrid Hotel•Fernando Baldellou Solano•José María Benito Sanz•María amigosdelreal@teatro-real.com
del Carmen Bermúdez
Muñoz•Brizzolis Arte en Gráficas•Daniel de Busturia Jimeno•CVC Capital Partners•Cruz Entrecanales Azcárate•Teresa Entrecanales Azcárate•Alfonso Ferrari Herrero•José Manuel Gabeiras •Montoisy Godelieve•Javier Gómez Navarro•Grupo Sagital•Grupo
Urológico San Rafael•Rafael Iruzubieta Fernández•Juventudes Musicales de Madrid•James Land•Librería Jurídica Lex Nova•Enrique de Leyva Pérez•Juan José López-Ibor Aliño•Soledad Luca de Tena García-Conde•Gregorio Marañón y Bertrán de Lis•David
March•Teófilo Marcos•Luis Martín Cabiedes•Benito Martín Ortega•Ernesto Mata•Teresa Mazuelas Pérez-Cecilia•Metroscopia•Juan Manuel Moreno Olmedilla•Gerard Mortier•María Victoria Muela Pérez•María Cruz Muñoz Olmedo•Carmela Navas
Vela•Gerd P. Paukner•T. Paype•Adrián Piera Jiménez•José Dónde María Portilla González•Rafael comprar Prados García•Isabel Ramírez Núñez Prado•Carlos Ramírez Reguera•Daniel Romero-Abreu Kaup•Teresa Cómo Sappey• llegar
Paul Saurel•Editorial Jurídica Sepin•Soledad
Varela Ortega•José Luis Várez Fisa•Francisco Vighi Arroyo•A.T.G.•A.V.S.A.•C.R.M.• F.P.A.• J.A.S.A.•J.E.A.M.•J.L.V.•J.M.C.•M.A.B.R.•M.C.P. •M.F.B.•M.V.Ll.•N.O.A.
Taquillas
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Domingos y festivos 2 horas antes de la representación Si desea recibir las localidades en su domicilio, puede
Santo Domingo Cómo (L2) llegar
Callao (L3 y L5)
taquillas Se admite el pago en efectivo y con tarjeta venta de crédito telefónica o solicitarlo en el 902 24 48 Internet 48 (consultar costes según Sol (L1, L2 Metro y L3)
autobuses
De lunes débito a sábado (excepto festivos) 902 24 48 48. De lunes envío). a sábados
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y festivos Venta 2 horas telefónica antes de la
de 10.00 a 13.30 horas y de 17.30 a
representación. 902 24 48 48. Se admite De lunes el a pago sábados en (excepto 20.00 festivos), horas
efectivo de 10.00 y con a tarjeta 13.30 de horas crédito y de o 17.30 débito. a 20.00 horas
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Ópera (L2, L5 y LR) 25, 26, 31, 32, 35, 36,
Autobuses Santo Domingo (L2) 39, 41, 44, 46, 50, 51,
Si desea recibir las localidades en su 25, 26, 31, Callao 32, 35, (L3 36, y L5) 39, 41, 44, 46, 50, 52, 51, 53, 52, 62, 53, 65, 62, 74, 65, 75,
domicilio, puede solicitarlo en el 74, 75, 133, Sol 138, (L1, 146, L2 y 147, L3) 148, 150, C1, 133, C2, 138, M1, 146, M2 147, 148,
902 24 48 48
150, C1, C2, M1, M2
(consultar costes según envío).

Noticias del Real Noticias del Real Noticias del Real Noticias del Real Noticias
gerard Mortier y peter stephan
Junk en el goethe Institut
de Madrid
Allí estuvieron, junto a la editora, Pilar Álvarez, el pasado 13 de
diciembre para presentar la novela de Junk, El americano perfecto,
editado por Turner, en la que se basa la ópera homónima sobre
Walt Disney que vivirá estreno mundial en el Teatro Real en enero.
En un animado debate se abordaron aspectos del libro, que se
mueve entre realidad y ficción para describir los últimos meses
de la vida del controvertido creador del imperio Disney, y su
plasmación en la ópera que Philip Glass ya está ensayando en El
Real. Para Gerard Mortier, la novela posee todos los elementos que
la pueden convertir en una ópera: la intensidad dramática –culminante en el encuentro entre
Walt Disney y la escultura de Abraham Lincoln–, el lirismo que encarnan la tierna y misteriosa
niña con máscara de búho Lucy y Josh, el niño con quien comparte cama en el hospital; la
muerte del protagonista en dramáticas condiciones…
Amour, de haneke
acumula galardones
La última película del realizador
austroalemán Michael Haneke, Amour, inició
una carrera muy brillante al ganar la Palma
de Oro en el último Festival de Cannes, tras
lo cual se han ido acumulando galardones
y candidaturas: el premio al mejor director
europeo, otorgado por la Academia del Cine
de Europa, el título de mejor película del
año y ahora es candidata a los Globos de
Oro como mejor filme de habla no inglesa.
La prensa especializada asegura asimismo
que estará presente en los Oscar. Así pues,
con Amour, que narra una dolorosa historia
de amor basada en “una de las peores
experiencias” personales de su autor,
Haneke culmina una carrera cuyas obras se
caracterizan por un profundo rigor y especial
sensibilidad a la hora de bucear en las zonas
más oscuras del alma humana.
se crea la Junta de amigos del tR con
personalidades de todos los ámbitos
Con Alfonso Cortina y Jesús
Cainzos como presidente y vicepresidente,
respectivamente, la Junta cuenta con la
presencia de nombres tan destacados
como Alejandro Sanz, Pierre Bergé, Alfredo
Sáenz, Blanca Suelves, Iñaki Gabilondo, Elena
Ochoa, Fernando Fernández Tapias, Helena
Revoredo y Juan Antonio Sagardoy, entre otros.
El acto de constitución se celebró el pasado 3 de
diciembre en presencia de Gregorio Marañón,
presidente del Patronato del Teatro, Ignacio
García-Belenguer, director general del mismo, y Gerard Mortier, su director artísico. La Junta,
integrada por 26 personalidades del ámbito empresarial, cultural y social, tiene como finalidad
fomentar el apoyo, participación y contribución desinteresada de la sociedad civil al crecimiento
y desarrollo de las actividades de la institución y de la vida cultural española.
ampliación del programa amigos del teatro Real
Con el fin de hacer más accesible a todos los públicos el programa de Amigos del Real, el
Teatro ha ampliado las formas de colaboración. Ahora es posible asociarse al proyecto desde
75 € y obtener numerosas ventajas. El programa se ha dividido en cuatro categorías, más
accesibles a todas las aportaciones, como la denominada Amigo, de nueva creación, que
permite asociarse al proyecto desde 75 € al año. Una tarjeta acreditativa de adhesión
proporciona acceso inmediato a todos los beneficios destinados a los miembros de esta
promoción. Otras formas de participación son: Amigo Benefactor (a partir de 600 €), Amigo
Colaborador (a partir de 3.000 €) y Amigo Preferente (a partir de 6.000 €). Los detalles del
programa están disponibles en los nuevos puntos de información, taquillas, página web
(http://www.teatro-real.com/es/apoye-al-real/amigos-del-real/), en la dirección de correo
electrónico amigosdelreal@teatro-real.com y el en teléfono de información 91 516 06 30.
premios para el dvd de Iolanta/Perséphone.
Grabado y producido por el Teatro Real en colaboración con Mezzo y Televisión Española,
el DVD sobre las óperas Iolanta de Chaikovski, y Perséphone de Stravinski, que Peter Sellars
dirigió en la escena y Teodor Currentzis frente a la orquesta, ha sido galardonado por las
prestigiosas revistas francesas Diapason y Opéra Magazine con los premios Diapason D’Or y
Diamant respectivamente. Asimismo, el DVD de la producción C(h)oeurs ha sido seleccionado
para competir en el Festival International des Programmes Audiovisuels (FIPA) de Biarritz.
Los próximos que se grabarán serán The Perfect American y Così fan tutte.
página
[I•II-2013] L a RevIsta deL ReaL

[XI•XII-2012] [I•II-2013] L a LRevIsta A REVISTA deL DEL ReaL REAL
página 16