REVISTA AGITPROP Nº4

GAZA
Pinceles, acordes, plumas, cinceles derribando el muro.
ESPECIAL
30 años del VERANO ROCK en Villazon
un festival hecho con alambre
y alicate, no hay duda que es el festival
más grande del país. Pag.
NOTAS
CARLOS FIENGO PERICÓN y su
percepción de los sonidos de los colores.
Pag. 5
UNA HERRAMIENTA LLAMADA
LOGIA, entrevista al Pepe el vocalista,
hablando de su nueva entrega
y el rock. Pag 24.
COMIC
La tercera entrega del
SOL DE PIEDRA. Pag11
ENSAYO
EL MITO DEL BOOM POÉTICO
CRUCEÑO, Abriendo el debate
Pag. 38
LOS OLVIDADOS
Benjamín Mendoza Amor y Flores
el pintor Boliviano que intentó
asesinar al papa. Pag 34.
POESÍA
May, Valeria y Fugaz nos dejan sus
flores
Primero queremos disculparnos con ALMA & VIDA ya que el tiempo entre el festival y la revista se alargo, ya tendremos
la oportunidad este fin de año a que nos reten. Agradecer a Rodro por los gráficos increíbles, Misi por darnos su
primera fotito, al Fiengo que es increíble, al Pepe y Carmen Julia por la charla, a Quincho por el esfuerzo, a May que
espero años pero estan sus fotos (las del festival HC) y un poema que pese al tiempo no pasa one. A fugaz por la vilis
(viejo te rajas) a la Valeria siempre atenta para imprimir su poesía, al Rolito el SOL DE PIEDRA no puede morir. A
los Julianes a los URUS que siempre colaboran, y a todos los que se engancharon con la revista y nosotros los desenganchamos
y ahora compromiso de que la lucha sigue, ARTE Y REVOLUCIÓN.
Esta informalidad se debe a la ausencia por más de 6 meses de la revista y la paciencia de quienes laburan en ella.
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“Vas corriendo con tus nikes
Y las balas van detrás
(Lo que duele no es la goma sino su velocidad).”
Nike es la cultura,
Indio Solari y los fundamentalistas del aire acondicionado.
EDITORIAL
El término fascista se ha convertido en un adjetivo
muy habitual en el vocabulario político, suele usarse para
descalificar al oponente. No hay mayor estupidez que banalizar
un fenómeno político tan crucial como el fascismo
convirtiéndolo en un significante vacío apto para el
insulto. Como demostraron los historiadores y los politólogos,
el fascismo fue, tanto en sus versiones italiana,
española y alemana como en muchas otras, un proyecto
político de clase para tiempos de excepción, se diferencia
de otras formas de reacción, pues cuenta con una base
de masas. Esta es la razón de mayor peligro para la clase
obrera. Su base de masas
le permite aplastar
y atomizar al movimiento
obrero de una
forma que las dictaduras
policiacas normales
no pueden hacer.
Pero, ¿qué es lo
que entendemos por
“tiempo de excepción”?.
Benjamín, sustentado
en “la tradición
de los oprimidos”
pensaba que el estado
de emergencia “en la
que vivimos no es la
excepción, sino la regla.
Nos debe alcanzar
a una concepción de
la historia que está de acuerdo con esta idea. Entonces
nos damos cuenta claramente que es nuestra tarea para
lograr un verdadero estado de emergencia, y esto mejorará
nuestra posición en la lucha contra el fascismo”. En
otras palabras, toda sociedad de clases es un estado de
excepción permanente en el que el poder dominante se
encuentra siempre bajo amenaza. El fascismo no es, una
especie de ruptura de la tradición, sino una continuación
de la dominación de clase tradicionales por otros medios.
La superación de este modo requiere no sólo actitudes
anti-fascistas, sino también la destrucción de sus raíces
en la opresión de clase.
Como todo régimen totalitario ha logrado inmiscuirse
en todos los aspectos de la vida cotidiana, el arte se
convierte en un elemento fundamental a dominar, pero
esta relación, va más allá del funcionalismo propagandístico,
como bien explica Benjamin:
“La proletarización creciente del hombre actual y el
alineamiento también creciente de las masas son dos caras
de uno y el mismo suceso. El fascismo intenta organizar
las masas recientemente proletarizadas sin tocar las
condiciones de la propiedad que dichas masas urgen por
suprimir. El fascismo ve su salvación en que las masas
lleguen a expresarse (pero que ni por asomo hagan valer
sus derechos). Las masas tienen derecho a exigir que se
modifiquen las condiciones de la propiedad; el fascismo
procura que se expresen precisamente en la conservación
de dichas condiciones. En consecuencia, desemboca en
un esteticismo de la
vida política. A la violación
de las masas,
que el fascismo impone
por la fuerza en el
culto a un caudillo, corresponde
la violación
de todo un mecanismo
puesto al servicio de la
fabricación de valores
culturales.
Todos los esfuerzos
por un esteticismo
político culminan en
un solo punto. Dicho
punto es la guerra. La
guerra, y sólo ella, hace
posible dar una meta a
movimientos de masas
de gran escala, conservando a la vez las condiciones heredadas
de la propiedad.” (Walter Benjamin, La obra de
arte en la época de su reproductibilidad técnica, Epílogo).
La sensibilidad humana, el modo de percibir las cosas
por parte de una determinada sociedad, cambia con
las más amplias transformaciones del contexto histórico
general y del modo de producción de la vida material en
particular, incluyendo la sensibilidad artística. En el fascismo,
este hecho alberga a su vez una voluntad de gratificación
capaz de derivar su placer de la destrucción y
la violencia, y hasta de su auto-aniquilación en la guerra
total. Los avances técnicos podrían ir asociados a una visión
irracionalista de los procesos políticos, el impulso de
la modernidad capitalista tiene aspectos constructivos y
destructivos, siendo estos últimos los destacados y empujados
a su paroxismo por los nazis.
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Tiempo de excepción es el que vivimos y viviremos
con relativa frecuencia, en tanto el sistema vigente encuentre
en su crisis estructural, como bien decía Benjamín
no “la excepción” sino la “regla”. La industria cultural,
a través de la cual se incorpora a millones de mujeres y
hombres al ámbito del arte, va expresar tendencialmente
esta situación.
El cine de Hollywood
es un buen
ejemplo que grafica lo
dicho. La otrora obra de
exaltación del “héroe”
de Vietnam ha sido una
constante del cine de finales
del setenta y mediados
de los ochenta.
Mostrar las bombas de
napalm contra los niños
vietnamitas, fabrican el
estereotipo del “buen”
ciudadano americano
configurando el parangón
fascista de la estetización de la política. Es que no
sólo la vida tiene una estética, sino que también lo tiene
la muerte. La asociación entre muerte e impulso estético
puede desarrollarse a nivel colectivo y formar parte intrínseca
de vastos movimientos de masas y de una concepción
monumental de la política como espectáculo.
Esta regimentación espectacular del arte se agudiza en
adelante. History Channel y sus pares se dan a la tarea de
abandonar la investigación
y dar paso al misticismo,
a la especulación
irracional en todos sus
programas. Los enigmas
históricos y científicos,
absolutamente
obvios en tanto las limitaciones
intrínsecas
del conocimiento humano,
son ahora obra
de extraterrestre u otros
sucesos para-normales.
El control ideológico
intenta hacernos creer
que el ser humano como ser histórico no ha construido su
historia. Es la traslación de la tesis “del fin de la historia y
el último hombre” a la sociedad del espectáculo. En momentos
en los que el mundo se entrega a la irracionalidad
y el hombre camina la cornisa del abismo, no queda lugar
para la esperanza y la lucha por construir un futuro que
sobrepase el “no-future” de la tragedia circense que corre
por los pasillos de la cultura dominante.
Así también, convertir a Pablo Escobar en el ícono
del momento supone normalizar, vía televisión y cine, las
desbordantes y barbáricas escenas que forman parte del
cotidiano en ciudades como Juárez, San Pablo o Rosario.
La degradación humana que supone el totalitarismo del
narco, no es objeto de crítica alguna. El cine y la tele se
burlan de la subjetividad humana, pues la entretienen con
algo que igual puede encontrar al salir del hogar.
¿Qué hacer? Entre
otras batallas, librar
la batalla en el campo
ideológico, en el campo
de la superestructura,
involucrando al arte,
tal como el enemigo lo
hace.
Día a día, el capital
asimila las expresiones
más libres del arte y las
vulgariza. Las convierte
en objetos de consumo
inofensivas e incluso
ofende para aquietar
y domesticar. Así castró de todo potencial transformador
al folklore en Latinoamérica. En su momento, uno de los
más reconocidos representantes del folklore renovador,
Alfredo Domínguez, dijo: “El folklore se presenta autóctono
o popular o culto. El popular ha crecido descomunalmente
sin ningún contenido. Por ello es necesario conjugar
–difícil conjugación lo culto y lo autóctono- a fin de
buscar la adecuada y nueva expresión popular.” Pensar en
este proceso entre los
años 40 a los 60 del siglo
pasado, que impulsados
por la lucha social
adquiere una dinámica
que nos presenta ricas
experiencias, perfilaba
un movimiento folklórico
de vanguardia. El
panorama actual contradiciendo
todo ese
proceso nos muestra
un folklore adocenado,
vulgarizado, que no refleja
el trabajo de tantos
artistas en aquellos años. La derrota política de la clase
obrera se ve reflejada también en el arte, no en una relación
directa pero las consecuencias fundamentales pueden
encontrarse por ahí. El capitalismo ha asimilado al
folklore convirtiéndolo en herramienta propia de alienación,
se puede decir que ha ganado la batalla en ese ámbito.
Lo ha blanqueado y despolitizado (en el peor de los
sentidos).
LOS VAGONES
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CARLOS FIENGO PERICÓN
Un artista que nos habla “del sonido de los colores, de dibujar
la melodía, de ver el ritmo de una fotografía…”
Carlos Mauricio Fiengo Pericón nació en La Paz pero se define a sí mismo como ciudadano del mundo, actualmente
tiene 28 años, es diseñador gráfico y comunicador audiovisual de profesión, aunque él prefiere llamarse un explorador
y obrero del arte. Carlos ha trabajado en fotografía y medios audiovisuales desde sus 19 años, además es un
talentoso rapero. Aquí les mostramos una pincelada de su arte.
¿En qué momento de tu vida y bajo que influencias te acercaste e
interesaste por el arte? ¿Y de todas las posibilidades de expresión
porqué “elegiste” la música y la fotografía?
Mi primer contacto con el arte fue mediante la música, recuerdo
que el primer sentido que se vio atraído con un énfasis especial fue
el oído, en colegio fui integrante de una banda de instrumentos
autóctonos por 8 años, estaba en el club de arte experimentando
con la pintura y con la elaboración de retratos y bodegones en vivo.
Fue saliendo del colegio que pude experimentar en plena libertad
con cámaras fotográficas y filmadoras. Mi interés por la música se
inicio primero con la elaboración de mezclas y pistas; fue el año
2006 que incursione en el mundo del hip hop, como parte activa
en eventos, conciertos, y posteriormente con la producción de un
programa de hip hop que el 2007 y 2008 se transmitió en la televisión
nacional, en esos años he participado en la elaboración de
dvd’s de conciertos, video clips y todo tipo de medios visuales , a
partir del año 2009 inicio carrera enfocada netamente en la fotografía
y particularmente en la fotografía de naturaleza.
¿Háblanos un poco de la música que haces y por qué prefieres ese
estilo?
El rap fue el primer género musical que escuche, fue el ritmo donde
mi corazón latía más cómodo, pero me encanta la música de
todo tipo, no se puede contra la melomanía se apodera de uno. Y
hay mucha música en este mundo no alcanzaría la
vida para escuchar todo. Pero Las rimas y el poder
expresarte con poesía, combinando, rimando, a
un ritmo, improvisar y poder con este instrumento
liberarte y expresarte son las principales características
que me cautivaron del rap.
¿De qué hablan las letras de tus canciones?
Las vivencias, las experiencias, las sensaciones, los
lugares mágicos de este maravilloso país y los sueños,
en general van por esos lados, me encanta el
arte y todas sus facetas, la historia de la humanidad,
la naturaleza, el poder de inspiración, la vida,
la muerte, la dualidad, son temas que me motivan
a expresarme. En las letras y en las fotografías trato
de mostrar esos detalles que acompañan a la coti-
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dianeidad.
¿Realizaste grabaciones con
otros artistas?
He podido grabar un maxi
single a la batuta de un gran
productor como es “Lirical
D”, se llama “Tapando Bocas”
salió el año 2006 desde el
home estudio que armamos,
luego participe en colaboraciones
con varios artistas
grabamos canciones con “Mc
Paul” de chile, con cantautores
nacionales como Carlos
Arancibia, Dennise Galvez,
Carlos Sivila, con el Duo Manifiesto
y la agrupación Etrea,
después he compartido escenario
con grupos que no me
hubiese imaginado hacerlo
como mis hermanos de la llajta “Quimbando”, el grupo “Efecto Mandarina”, el cantautor orureño “Vadik”, Taller Taká,
el grupo “Entre dos Agua y la agrupación “Animal de Ciudad” de Santa Cruz, Y estamos dispuestos a meterle con
quien confié en las rimas!!! Subersivas!!
¿Qué es lo que buscas cuando capturas con tu cámara retazos del mundo?
Al principio fue mostrar mi visión, comprobar que ese momento es real, es bello y perfecto, cuando ya te sumerges
profundamente al mundo de la fotografía te encuentras con muchos conceptos herramientas, técnicas y vas explorando,
luego la visión cambia, ya se transforma en una búsqueda más que una simple captura, el momento y el fotógrafo
trascienden, se encuentra algo que estimule la sensibilidad sumado a la esencia del momento en interacción con la
luz. Sentir y trasmitir eso es fundamental, así mediante la imagen se expresa plena esa catarsis y esa trascendencia.
Busco varias cosas, la pasión por la búsqueda de la luz es el motor fundamental, trato de transportar al momento,
que el espectador pueda viajar en tiempo y espacio y sentir lo más posible el momento, que se activen sus sentidos en
el mayor grado posible. En otras situaciones cuando quiero denunciar algo trato de ser explícito y contundente. En
ambos casos trato de buscar estéticas originales, ponerle ese toque personal en cada composición, aplicando y rompiendo
reglas, buscando siempre el mayor
tipo de sensaciones, ya que el arte no solamente
es para causar confort.
El nivel técnico que has logrado en tus fotografías
es excelente y también lo es la
composición artística y emotiva de tus
imágenes. ¿Cuál crees que es la relación
entre la tecnología y la calidad de las fotografías?
¿Basta con una buena cámara
para ser un fotógrafo?
Siempre han estado muy relacionadas, las
primeras cámaras en su época han sido
un avance tecnológico revolucionario. La
cámara es una herramienta primordial
y cuanto mayor sean sus características
para poder lograr mejor tus propósitos

me parece que está bien invertir en tecnología, pero no es lo esencial. Lo esencial no radica en la cámara. ¡Qué pregunta
más difícil! bueno hoy en día estamos rodeados de imágenes por todo lado, la imagen es fundamental en el desarrollo
del humano vemos trabajos de alta calidad en todo aspecto, producción, concepto, etc. Entonces vemos que el fin puede
ser una característica, el fin que tenemos es el de transmitir un cierto mensaje o sensación a través de una imagen o la
composición de varias imágenes a diferencia de tener un fin persuasivo. Creo que ahí está la diferencia. Es un tema
complejo ya que la fotografía, en todo su universo, contempla áreas para fines persuasivos y otros para fines completamente
artísticos y subjetivos. Una foto con un encuadre original, con un tratamiento de luz especial, una estética única,
no se logra solo con cámaras caras o de última generación, hay más elementos en juego.
¿La música y la fotografía son dos mundos aparte para ti o se complementan de alguna manera?
Se complementan, los músicos necesitan registrar en imágenes fijas y dinámicas su trayectoria. Y difundir su material
por todos los medios posibles. En mi caso empecé registrando imágenes,
luego estuve presente en el escenario musical, luego se fusionaron
ambas cosas empezamos a crear videoclips y a diseñar medios gráficos
en base a fotografías. Luego a crear recursos en video para presentaciones
en vivo, producir conciertos y su respectiva grabación. En mi
vida se ha complementado de una manera muy armoniosa permitiéndome
trabajar en el área audiovisual y también poder mostrar mi
música.
¿Cuáles son los principales obstáculos que encuentras en la sociedad
para desarrollar tu arte?
Me he topado con los clásicos obstáculos burocráticos. Después la
gente ha tenido una buena reacción y con el pasar del tiempo a lo menos
en mi ciudad las masas se han estado abriendo y acudiendo a los
eventos artístico culturales, creo que el interés por las nuevas expresiones
artísticas está creciendo a medida que avanzan los años, nuestra
sociedad es conservadora, pero el rol fundamental del artista debe ser
el de formar e informar mediante el arte, todos los cambios que están
sucediendo las injusticias, las percepciones, etc. Así la sociedad podrá
conocer a través de su recorrido artístico los momentos claves en la
historia, aquí estamos empezando mi mayor deseo es que las intervenciones
artísticas salgan a las calles lleguen a canales de difusión sin
clasificación, y que la gente pueda acercarse a las distintas obras para
vibrar con y a través de ellas.
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¿Sientes que tu arte tiene los suficientes
espacios de difusión para llegar a
la gente?
Creo que el arte se va abriendo caminos,
primero para llegar a uno y luego
a los demás, en La Paz existen muchos
espacios y si trabajamos en propuestas
buenas con tendencia a una constante
evolución, estarán dispuestos a recibir
y difundir este tipo de emprendimientos,
hubo un tiempo que en La Paz el
hip hop no fue muy aceptado, luego
pego más fuerte y ya hay mucho movimiento,
esperemos que estos prejuicios
vayan disminuyendo. Y en la fotografía
es contundente el boom y el impacto!!
Eso ha hecho que los espacios se abran para las ex pociones colectivas e individuales.
Nos has dicho de que con tu arte buscas mostrar las vivencias, las experiencias, las sensaciones, los lugares mágicos
y los sueños y que buscas estimular el mayor tipo de sensaciones y que el arte no solamente es para causar confort
al espectador, entonces ¿Cuál sería según tu opinión el papel del arte y del artista en la sociedad? ¿Son elementos
de distracción para que la gente olvide sus problemas y escape a la realidad o pueden convertirse en factores que
contribuyan a la transformación social?
El papel del arte y del artista es fundamental en la sociedad, es un escape para apreciar la vida de un punto de vista
distinto, es también un momento de reflexión y análisis plasmado por la inspiración. Su función emisora tal vez es
la más importante, el mensaje.
Por un lado la estética es apreciada, plausible y de contacto directo, pero el mensaje es algo más implícito; algunos
artistas o expresiones artísticas no necesitan ser tan explícitos a la hora de comunicar algo, lo hacen de manera sutil
incluso subliminal, pero está ahí. Ya cada uno decide como dirigir ese mensaje y el espectador también decide que
expresión artística apreciar y que admirar.
Desde un punto de vista muy personal, aclaro, el arte podría convertirse en la manera más indicada de formar y aprender,
el estímulo es mayor ante una obra que ante una lección. Y por eso creo y afirmo que el arte es una herramienta
poderosa para lograr fines de todo tipo, y mucho más cuando estos fines son para reestructuraciones sociales, porque
son de impacto masivo, la música es el claro ejemplo. Haciendo hincapié en las disciplinas que ejerzo, la fotografía
está teniendo más impacto por que muestra la realidad tal cual como un espejo y es necesario tomar conciencia de
este poder para realmente trascender en la sociedad, si todos llegaríamos a conocer la belleza de Bolivia en su máximo
esplendor tal vez la amemos sin límite
y nuestras actitudes cambien. Pero estos
cambios seguirán siendo un misterio
hasta que no lo ejecutemos y aquí me
animo a citar a Albert Einstein “la cosa
más bella que podemos experimentar
es el misterio, es la fuente de todo arte y
ciencia verdadera”.
La música de Carlos la puedes escuchar
a través del siguiente enlace: https://
myspace.com/cfiengo j
8

Comunicado Agitprop N°1
¡CONSTRUYAMOS UN MOVIMIENTO CULTURAL DE MASAS POR LA
INDEPENDENCIA DEL ARTE!
1. No cabe duda que uno de los signos más visibles de la rebelión popular que atraviesa distintas regiones del planeta
es la incorporación de la juventud a la lucha. El hecho no es casual. La catástrofe capitalista acude al ataque cada
vez más generalizado a la clase trabajadora, compuesta, en grandes porciones, por jóvenes. El sistema, envejecido y
arcaico, sustentado en el privilegio obsceno de una minúscula capilla de magnates y en la explotación y opresión de
grandes masas, apunta sus cañones de la precariedad, alienación y marginalización muy especialmente sobre grandes
capas de mujeres y hombres cuyo futuro es oscuro.
Las luchas emprendidas desde inicios del siglo XXI contra la barbarie, han sido importantes, pero todavía insuficientes.
Las batallas libradas desde Seattle a Génova, de la Guerra del Agua al Argentinazo y de éste a la Guerra del gas,
han tenido la enorme virtud de poner en disposición de combate a miles de almas, pero este avance nos mantiene
todavía a medio camino. La razón es obvia: no han cumplido su objetivo. Precisamos de armarnos con ideas más
solventes y profundas para cumplir los objetivos revolucionarios de todas estas luchas. Es preciso sacudirnos de los
relatos que, ya sea vengan de la reacción o de la “izquierda”, nos han dicho “no hay futuro para la revolución”.
2. En Bolivia, principalmente en Cochabamba, la juventud revolucionaria ha logrado conquistas invaluables. Ha
logrado fusionar el espíritu rebelde de la juventud trabajadora y estudiantil, expresado principalmente en la escena
hardcore punk, con un programa claro de objetivos revolucionarios. Ha aliado las manifestaciones culturales de la
juventud pobre con un programa anticapitalista y por la lucha del gobierno obrero-campesino. Sólo en este marco fue
posible desempolvar la idea de acción directa y convertirla en acción callejera, en movilización y, en relación con ello,
en manifestación cultural. Conciertos, mítines, festivales y manifestaciones, todos han sido métodos de lucha con un
principal objetivo: la revolución socialista. En el camino, como es obvio, ha habido innumerables dificultades; desde
la tendencia degenerativa y autodestructiva de algunos/as compañeras/os, hasta las actitudes conformistas y “apolíticas”;
desde la lucha contra la auto-complacencia de grupos barnizados de “libertarios” hasta posturas políticas que
concedieron al gobierno del MAS, al menos al principio, el carácter de ser un fenómeno progresista. Todas las luchas
contra estas corrientes, aunque en ciertos momentos amenazaron con dividirnos y disolvernos, nos han fortalecido
más porque han puesto a prueba lo principal de nuestros principios políticos, y a la larga, ayudaron a afilar nuestras
armas de intervención política y cultural. Ahora somos el único movimiento que queda en pie y tenemos la firme
perspectiva de convertirnos en un movimiento de masas.
3. Un movimiento capaz de salvar la independencia del arte, en medio de la mercantilización y comercialización capitalista,
que banaliza, coopta, regimenta y domestica los impulsos autónomos de los artistas y del público. Escritores,
músicos, pintores, gestores culturales, precisan unirse para forjar una gran movida que facilite no sólo los medios de
producción y circulación de obras artísticas, sino que también, y fundamentalmente, establezca principios de autogestión
cultural. Planteamos construir una corriente sin límites artísticos, infinitamente plural y heterogénea desde
el punto de vista cultural. Las fuerzas productivas culturales y artísticas desarrolladas a nivel mundial han derribado
todas las fronteras de estilo y normas formales, no tenemos por qué empecinarnos en seguir recreando fronteras
artificiales entre nosotros. Nos une la necesidad de salvar el arte y la cultura de la barbarie (pos) moderna. La crítica
y autocrítica fraternal entre nosotros y sobre nuestra producción cultural son un método de evolución individual y
colectiva.
4. Al contrario de lo que pasa en los países del capitalismo avanzado, en Bolivia la industria cultural de la clase dominante
es paupérrima. Existe, pero no como un gran impulso forjador de una “cultura nacional” dominante, sino
como átomos parasitarios sin grandes luces. En tal contexto, los artistas y el público interesado en las diversas formas
de cultura actúan prácticamente a contracorriente en medio de la invasión de mercancías de masivo consumo y de
pésima calidad artística. Esta es otra razón poderosa para luchar por la autogestión. El Estado capitalista plurinacional
y los medios de comunicación masiva le cierran las puertas a toda expresión cultural autónoma. La movida debe
abrir todos los caminos allí donde la bajeza y el primitivismo ponen obstáculos.
5. Nuestra corriente política convoca a la juventud a sumarse a esta construcción. La lucha que la clase trabajadora
y las naciones indígenas desaten contra los eventuales ataques del gobierno burgués, debe ser auxiliada por la movilización
social, política y cultural de la juventud. Está claro que las armas de la crítica cultural al sistema dominante
no reemplazan a la crítica de las armas, pero preparan el terreno para la victoria. En nuestras banderas volveremos a
escribir el grito de André Breton y Diego Rivera: ¡La independencia del arte para la revolución, la revolución para la
independencia del arte!
10
MOVIMIENTO JUVENIL REVOLUCIONARIO “JULIAN APAZA”

28 de
Diciembre
del 2013
Festival de Verano (Trigésima versión)
“Con fuerza de voluntad se puede hacer cualquier
cosa. Con fuerza de voluntad uno puede determinar
su propio destino”. (Robert Allen Zimmerman)
Reseña hecha por:
ALMA Y VIDA
Villazón, 29/08/2013
15

por la izquierda y la derecha , primeramente se debe establecer que el festival “VERANO”
no fue un festival de
rock, fue un festival
de música y en los
años que surgió fue
pues un festival de
música protesta y
como en esas épocas
el rock argentino se
perfilaba como uno
de los movimientos
musicales contesta-
tarios a las dictaduras
argentinas se
“colo” el rock al festival,
con los famo-
sos “cuero pesado”,
unos quiaqueños (la Quiaca Argentina)
que le pusieron
la música eléctrica
y desde ese año fue
en un permanente
”crecendo” esto del
rock, hasta que después
de algunos años llegó a “copar” todo el festival y se convirtió poco a poco en un festival
de rock”.
1. HISTORIA
un poco el festival de Verano en la ciudad de Villazón es
necesario transitar el famoso esquema de todo movimiento
artístico, social o político, los famosos transitar por la
La música es la actividad artística que más puede contribuir
a mostrar la diversidad cultural. Además de ser una izquierda y la derecha , primeramente se debe establecer
de las formas fundamentales de la expresión humana, es que el festival “VERANO” no fue un festival de rock, fue
la más popular y extendida de las manifestaciones culturales.
Todos la escuchamos, tenemos opiniones y gustos un festival de música protesta y como en esas épocas el
un festival de música y en los años que surgió fue pues
musicales. La diversidad cultural y por lo tanto la musical, rock argentino se perfilaba como uno de los movimientos
es una realidad que forma parte de la historia de todas las musicales contestatarios a las dictaduras argentinas se
civilizaciones. En los momentos
actuales nos en-
con los famosos “cuero
“colo” el rock al festival,
contramos con la paradoja
pesado”, unos quiaqueños
(la Quiaca Argentina)
de vivir en una sociedad
cada vez más diversa, plural
y por lo tanto mestiza,
eléctrica y desde ese año
que le pusieron la música
fruto de las migraciones,
fue en un permanente
las concentraciones urbanas,
el desarrollo de las co-
hasta que después de al-
”crecendo” esto del rock,
municaciones, el poder de
gunos años llegó a “copar”
todo el festival y se
los mercados y de los cambios
e intercambios que se
convirtió poco a poco en
producen cotidianamente.
un festival de rock”.
Como rememora Eduardo
Kilibarda, (artífice fun-
realizó en el Colegio 9 de
La primera edición se la
damental e iniciador del
abril, organizado por amigos,
vecinos, evento) “Para comprender
estudian-
16
FESTIVAL VERANO “30 AÑOS DE MUSICA”
VILLAZON – BOLIVIA
Como rememora Eduardo Kilibarda, (artífice fundamental e iniciador del evento) “Para
comprender un poco en festival de Verano en la ciudad de Villazón es necesario transitar
el famoso esquema de todo movimiento artístico, social o político, los famosos transitar

FESTIVAL DE VERANO
Año Organizador Lugar
1984 Alma & Vida Colegio 9 de abril
1985 Alma & Vida Cancha Ferroviaria
1986 Alma & Vida Cancha Ferroviaria
1987 Alma & Vida Terminal de Buses
1988 Alma & Vida Terminal de Buses
1989 Alma & Vida Terminal de Buses
1990 Alma & Vida Terminal de Buses
1991 Alma & Vida Terminal de Buses
1992 Alma & Vida Ex Cine Rex
1993 Alma & Vida Terminal de Buses
1994 Alma & Vida Marimar
1995 Alma & Vida Terminal de Buses
1996 Alma & Vida Las Vegas.
1997 Alma & Vida Ex Cine Rex
1998 Alma & Vida Colegio 9 de abril.
1999 Alma & Vida Ex Cine Rex
2000 Alma & Vida Ex Cine Rex
2001 Alma & Vida Terminal de Buses.
2002 Alma & Vida Terminal de Buses
2003 Alma & Vida Terminal de Buses
2004 Alma & Vida Terminal de Buses
2005 Alma & Vida Palace Hotel
2006 Alma & Vida CORSA
2007 Alma & Vida CORSA
2008 Alma & Vida CORSA
2009 Alma & Vida CORSA
2010 Alma & Vida Local de eventos Krakatoa
2011 Alma & Vida Local de eventos Krakatoa
2012 Alma & Vida Local de eventos Krakatoa
tes del Colegio 9 de abril, Colegio Junín, y la ciudad de
la Quiaca, a la cabeza del profesor Lalo kilibarda, junto a
Jaime Sosa, Eyber Bustamante, Ceferino Vergara, “Niño”
Rivadineira, y muchos chicos y amigos que colaboraron la
primera edición. Ese año el festival salió adelante con un
apoyo oficial de la Alcaldía y el Consulado argentino. Pero
salió tan bien, que lo realizaron por segunda vez al año
siguiente sin el sostén económico de por medio, ese año
en 1985 comenzó la recaudación en medio espectáculo
pasando la gorra al público presente que colaboraba con
lo que podía y tenía.
En los Primeros años de realización del festival, en el eje
ideológico estaba la revolución, el cambio, el estar hartos
de la sociedad. El Festival era ese espejo para expresar un
pensamiento y sentimiento de Libertad. Era un espacio
contestatario, por eso el poco apoyo (Se escuchaba decir
por ahí “como a esos, esos son drogadictos”). El punto
fundamental para que este evento siga su curso, fue gracias
a que ciertas personas apoyaron, de alma, para que
esto continúe, y ese es un grupo reducido de amigos y
muchachos de la primera época entre 1984 y el 2000. En
los posteriores años el festival se lo realizaba
de igual forma que en la primera
edición, con poca o casi ninguna colaboración
de las autoridades de turno que
preferían hacer caso a los prejuicios antes
que apoyar un evento cultural.
En los años de 1998 – 2002 empezaron a
participar bandas de ciudades vecinas algunas
que eran conformadas por los residentes
de Villazón en el interior de Bolivia,
y otras que empezaban a ser formadas en
Villazón y la Quiaca (Argentina), los eventos
posteriores empezaron a contar con la
participación de grupos nacionales, que
llegaban de la Paz, Cochabamba, Oruro,
Sucre, Tarija y Tupiza, internacionales de
La Quiaca, Jujuy, Perico y Buenos Aires,
el festival fue sufriendo los cambios que
se dieron de acuerdo a la época, el transcurrir
del tiempo y sus necesidades. Los
equipos de sonido tenían que ser de más
potencia y que cubrieran las exigencias de
las bandas de Rock que llegaban, ya que
poco a poco se iba convirtiendo en un
evento tradicional de la ciudad de Villazón
que se lo realizaba entre la navidad
y el año nuevo (28 de diciembre). En los
siguientes años con la celebración de los
25 años y la participación de bandas reconocidas
a nivel nacional, el festival fue
tomando reconocimiento por su trayectoria.
Sin embargo el apoyo siempre era
mínimo, algunas veces para sonido, otras
veces con la prestación del local por parte
de la alcaldía.
También se debe hacer referencia a los
días previos a la realización del evento,
donde hay reunión de amigos, música,
comida y humor. Por allí andan los diferentes
documentos como filmaciones, grabaciones, fotos
y memoria colectiva, que alguna vez darán cuenta de Villazón
y su Festival de Verano. Están todos los que año a
año asisten y vuelven, a lo que un grupo de muchachos
se da el lujo de hacer. Alma & Vida no es más que una
red significante de amistad, música y un fuerte deseo de
perseverar.
Este festival de integración internacional se celebra cada
año en la ciudad fronteriza de Villazón, Potosí a más de
3.400 metros sobre el nivel del mar.
2. ALGUNAS DE LAS BANDAS Y SOLISTAS QUE
PARTICIPARON A LO LARGO DE LOS 29 AÑOS
DEL FESTIVAL
Lalo Kilibarda con las canciones de protesta, Cuero Pesado
de (la Quiaca), Pamperito Blues Band de (la Quiaca),
Rosa Metálica (Villazón), Pasco (Carlos Duran) (Villazón),
Freddy “Casote” Barro (Villazón), La Zapadora
(Tarija –Villa), La Trosca (Tarija), Llokalla Feo (La Quiaca),
17

Obitum (La Quiaca), Ella la Drástico (La Paz), René Evaristo
(Villazón), Gabriela Herrera (Villazón), Los Porotos
Remojados (La Quiaca), Tamal (Tupiza), Dosis Básica (La
Paz), La Tripa (Villazón), La Chiva (Sucre), Bajo Tierra
(Cochabamba), Abeydon (B.A. Argentina), Sacredtrash
(B. A. Argentina), Peso Boliviano Rock en Quechua (Sucre),
Aorta (B. A. Argentina), Nocturnal (Villazón), Insurrección
(B. A. Argentina), La Logia (Sucre), Kokena (La
Quiaca), Armadura (La Paz), Helión Rock (La Paz), Capitan
Yote (Sucre), La Melena Acústica (Villazón), La Cartonera
(Perico Argentina), Reaxion (Tarija), Oveja Negra
(Tupiza), Disidentes (B.A. Argentina), Neutral (Villazón),
Hotel Pacheco (Sucre), Desorvital Eyes (Sucre), UFA (La
Quiaca), Coyotes (Sucre), Abismo (Tarija), La Estibadora
Blues Band (Villazón).
Más de tres generaciones perseverando, el inicio contestatario
y de protesta en contra de la represión militar,
la expresión del arte y el sentirse diferentes, hoy la promoción
de la cultura del Rock. Alma & Vida
El objetivo fundamental por el que se realiza el Festival
de Verano en Villazón cada 28 de diciembre es generar
un espacio de expresión y manifestación cultural libre
para los jóvenes en la región sur de Bolivia, fomentar
y canalizar el aprendizaje de la música en sus corrientes
contemporáneas, promover la interacción e intercambio
de enfoques, pensamiento y criterios respecto
al direccionamiento de la música contemporánea entre
músicos nacionales e
internacionales. Generar
jóvenes dedicados
a la música, críticos
y con conciencia
social.
FESTIVAL DE VERANO (blues)
Letra y Música: La Zapadora
“Nos bajamos del Camión,
escapamos del chofer
Estamos en Villazón
Esta es la banda,
la banda sapo rock and blues
Les traemos las canciones
que nos gusta cantar
Donde esta el chofer
que me tengo que cuidar
Donde están las chicas,
las chicas que yo quiero amar
Festival del verano
no te quiero ver morir
Festival del Verano
no te quiero ver morir
Por eso estoy aquí,
aquí para compartir”
18

20
En un país tan complejo como
Bolivia uno nunca sabe con
qué se puede encontrar, las visitas
que se pueda hacer a sus rincones
más olvidados le pueden cargar la alforja
de historias llenas de magia. Y
es que hemos tenido el privilegio de
estar en el mejor y más antiguo festival
de rock organizado en el país, y
sí señores, el festival es en un lugar al
sur llamado VILLAZÓN.
Los escépticos dirán que no es
comparable con los festivales que se
hicieron en el tronco central, pero
treinta años ininterrumpidos de pasión
y aguante no los supera la más
alta inversión. No sólo se justifica la
longevidad del verano rock en Villazón
sino la calidad y la capacidad de
organizar verdaderos festivales en los
que tocan mínimo 10 agrupaciones
entre nacionales y extranjeras, si bien
el renombre de las bandas no es de
una cartelera con luces de colores, la
calidad es infaltable, y sumado a esto
la capacidad de dar la oportunidad
a muchos grupos que ahora son lo
mejor de la movida del país. Y entre
otras muchas otras variables que
hacen del verano rock de Villazón el
mejor festival de rock en el país, podemos
sumar que mientras en el país
se está debatiendo la inflación en el
2013 la entrada general, porque en el
rock no existe la very important people
eso lo crean los empresarios de
mierda, cuesta 20 lukitas.
Los 30 años del festival han estado
marcados por innumerables anécdotas,
el relato de quienes estuvieron
desde el primer festival nos dice que
este nace con la idea de ser palestra
para la expresión libre de quienes
en el arte reflejaba el hartazgo de la
opresión gorila en el país. Una tarima
un micrófono bastaban para invitar
a expresar con contenido estético,
rebeldía. Este formato se ha ido conservando
a lo largo de estos treinta
años, si bien la cartelera es una base
del festival existen bandas de todo el
país que aparecen el día del festival
listos para subir al escenario y no se
les niega la oportunidad.
El 30avo festival y como dijimos
tuvimos el privilegio de estar, tenía
que dar una nota especial. Ya desde
la mañana el ambiente tenía un aire
distinto, la muchachada en la plaza
principal de Villa con la bandera
oficial del festival y una pequeña
amplificación escuchaba viejos temas
que fueron los culpables de todo, y
a pulmón en cuello promocionaban
el festival, el rumor primero de un

accidente de la flota
Illimani había llegado,
dejando pálidos a todos,
ya que dos agrupaciones
oficialmente
venían a tocar desde
Chukiagomarka, conforme
pasan las horas
llegan las primeras noticias
de muertos y los
heridos, había ocurrido
cerca a Cotagaita,
no estaba ninguna de
las agrupaciones en el
accidente, pero fue lo
más oscuro de un día
que se pintaba tan perfecto.
Cuando decimos
que es un festival hecho
a alambre y alicate
no exageramos, pese al
“apoyo” de instituciones
oficiales, la actitud
de estas es anticultura,
la alcaldía de Villazón
colaboró con el escenario, que por
cierto los organizadores tuvieron que
trasladarlo hasta el lugar del recital
sobre el hombro. Se nos pasó el dato
que algún funcionario del MINISTE-
RIO DE CULTURAS al leer el proyecto
presentado por los organizadores
había expresado
que nadie sabe del festival
de verano rock,
pero para nosotros es
una alegría que no sea
conocido en el ámbito
“oficial” ya que contaminado
de burocracia
quizá este nuestro festival,
y lo sentimos así
de todos, no hubiese
aguantado tanto.
La noche tenía pintada
la sonrisa, más de
una familia entera se
acercaba al ingreso del
local, en ir y venir de
El verano rock de Villazón
es mejor festival organizado
en el país, de esto no cabe
duda.
buses de viajeros, y cerca un concierto
evangélico así poco a poco se fue
hilvanando eso que durante treinta
años ha sido una constante, el festival
VERANO ROCK.
La noche empieza con clásicos disco
para agarrar la senda del rock and
roll y blues, si PAISANO nos traslada
a ese tiempo en el
que seguramente alma
y vida empezaba a ser
un proyecto, inmediatamente
vienen los
acordes que nos llevan
a la parte más pesada
del rock argentino, y
llegar a lo más pesado
del rock internacional
con ABISMO (Tarija)
que imprimió a full el
acelerador de la noche.
Se hace necesario
apuntar que en cualquier
evento hecho a
pulmón es indispensable
la ayuda de todos,
el desprendimiento y
la pasión demostrada
por Gonzalo Gómez
de Gogo Blues, poniéndose
la camiseta
del festival es para resaltar,
ya que en el país
los servicios (hablando
del sonido) que se ofrecen son de
mala calidad, Gonzalo con su experiencia
tuvo el tino de poner en orden
algo que quizá hubiese empañado
la noche. La puesta en escena fue
impecable, Gogo Blues es una banda
sólida musicalmente, la fuerza que le
imprimen a cada canción
hizo que el festival
marque a fuego el
nombre de Gogo en su
corazón.
Era el turno de La
yugular reggae de Jujuy,
sinceramente la
sorpresa si la podemos
llamar así, llego de escuchar
ritmos andinos
bolivianos conjuncionados
al reggae, Celia,
señora chichera, fueron
temas que arrancaron
emociones y
baile en la noche del
21

festival, venían de llegar
el festival Rototom, el
reemplazo de los cobres
por las cañashuecas había
dado a la Yugular el
toque especial, para ser
los ganadores del festival
más importante de
reggae y así representando
a su país en el
latinoamericano que se
dio en Colombia.
Cuando Armadura
se apodera del escenario
es que suben los
decibeles de todo, el
pogo que se arma en
Villazón no tiene parangón,
esperar 365
días para cada evento
tiene como recompensa
lo que se siente
al estar en medio de
los que es la máxima
expresión del rock,
el pogo que la gente
arma. Las poderosas
composiciones metálicas
con los vientos andinos hacen
que Armadura se posicione entre las
mejores bandas de metal del país, y
es que en las fronteras, ahí donde se
siente más la presión de ser o no ser
de uno u otro lugar, es donde afloran
los sentimientos más arraigados al
país, los covers de Armadura a K’alamarka
desnudaron este
hecho, la gente se destrozó
en cada nota.
Reincidentes, caseros
del festival, se dan el
viaje desde Buenos Aires
para entregar alma
vida y corazón, en su
formación trajeron tocando
Bajo a un gran
compositor de folk experimental
Benito Malacalza,
y cuando todos
estábamos en éxtasis
22
Alma y Vida es el nombre de la organización,
que se mantiene con miembros
de la primera generación (80’s),
también de la segunda y la tercera, y
que se va renovando. Los años pasan
pero la pasión no puede morir.
como en la dictadura un montón de
policías entraron al local con una actitud
intimidante, lamentablemente
el festival no cuenta con los recursos
para dar la famosa “comisión” a los
jefes policiales y sólo se da permiso
hasta las 2 de la mañana, disque por
el tema de seguridad ciudadana, este
hecho no para a reincidentes que sigue
tocando, al final
se van, pero ya la fiesta
no será más lo mismo,
al momento en
que OVEJA NEGRA se
sube al escenario la luz
se había ido y se tocó
un par de temas con
sólo amplificadores,
autoridades anticultura
amantes del orden
cuando no hay coima
de por medio.
Alguien nos dijo
por ahí, que el segundo
día del festival era
el que más se disfrutaba,
y es que el segundo
día se va la tensión de
la formalidad, del deseo
de querer que todo
este perfecto, el segundo
día es el día de la
confraternización de
la organización con las
bandas que participaron,
junto a vino y un
buen asado, se vuelve a
instalar el festival.
Para este 30va versión el desquite
fue con OVEJA NEGRA, que en un
escenario improvisado toco lo que no
se pudo por la noche, zapeadas por
aquí y por allá, vino, risas, amistad,
rock y es que no es una exageración
decir que el mejor festival
de Bolivia de Rock
se hace en Villazón con
alicate y con alambre.
Queremos a agradecer
a Alma y Vida por
toda esta historia, Hernán,
Ramiro, Omar,
Juan Carlos, Jiban, y
todos los capos de Villa
que cada año nos brindan
esta oportunidad
de sentirnos vivos.

Una herramienta
Con un nuevo disco y una presentació
el rock boliviano, entrevistamos a
“¿Cómo le hacen los Rolling Stone?”, se p
a ellos rocanrol?”. La pregunta basta para
es un disparador de una larga y fructuos
el transcurso de la fría noche sucrense. N
compañera del vocalista
24
De putas e indios…
Sin duda, el poder nos define. Cuando nos nombramos,
lo hacemos con respecto al poder. Somos campesinos,
obreros, abogados, estudiantes, panducos, chojchos. Putas e
indios también. Aun eso, ¿es posible descentrarnos del código
y llevar hasta el borde la peor de las etiquetas? ¿Hay
alguna mujer que se reivindique puta? Dicen que Bolivia
está cambiando, pero ¿qué quiere decir que haya una ley que
castigue por decirle a alguien indio?
“Un día –nos cuenta el Pepe-, veo a María Galindo que
decía: “Nosotras, en primer lugar, nos reconocemos como
putas. No hay más abajo que puta. Entonces, nosotras nos
volvemos invulnerables al ser putas y recién nos ponemos a
hablar con vos”. Después de oír esto, me pongo a pensar ¿qué
me duele? Pues ser indio, entonces voy al espejo, me veo y digo
“a la puta, soy indio, realmente soy un indio”.
La tarea de la dominación colonial consistió no en borrarnos
como mujeres y hombres provenientes del mundo
indio, sino en rebajarnos como tales. En hacernos aceptar
la condición de inferioridad cultural. No hay opresión que
funcione sin ese requisito. De ahí que uno de los trazos fundamentales
del devenir histórico de los oprimidos sea amoldar
su dinámica cultural a las coordenadas del que manda.
Ella deja el axo y se pone pollera. El deja de ser Mamani para
ser Martínez. Por ello, uno de los espacios de resistencia se
dirige contra este mecanismo. Dejar de transcribir los signos
del poder en los términos que éste impone. Resignificarlos.
Así entendieron su lucha los Black Panters cuando se
reivindicaron nigger (negros).
Así lo entienden las feminis-
Indio m
tas cuando se dicen putas. Así
lo cree el vocalista de La Logia
cuando se dice indio.
“A partir de ahí –continúa
Pepe-, ya no me duele y digo:
“está bien que mis composiciones
sean huayños”. Al final, todos hacemos
eso. El rock resignifica y reapropia
la identidad cultural. Ya
Wara me dio la pauta, yo siempre
entendí que Wara es rock. Es
necesario buscar una identidad.
Por ejemplo la palabra “mestizo”
para mí significa “al medio”,
me significa “café”, me significa
“Soy un rockero que ha salid
qué más puedo hacer ¿no v
chojcha, y tiene que difundi
tean y nos sentimos felices, p
pueden vender. Estas cosas
yendo por el camino correct
que no digan que los chojch
y que solo pueden hacerlo lo
compositor no sé de donde
como putas será eso. Y así c
las feministas decir “estamo
yo también digo “estoy orgu
un llokalla, un chontano, un
ciud

llamada La Logia
n del mismo que reunió una inédita multitud para
l vocalista del grupo sucrense La Logia, Pepe
Los excelentes resultados sonoros y líricos de “Una hereguntaba
Pepe. “¿Por qué a mí me salen huayños y
desatar el nudo que tenemos en frente. La pregunta
a conversación. Es la idea que va parir otras más en
oche que vamos a acompañarla con Carmen Julia, la
de La Logia, cerveza, nachos y risas.
nada. No tengo nada atrás ni nada adelante. Pero si soy indio,
tengo pues 500 años atrás, tengo esos 5 mil años aymaras, tengo
un sol que es dios, o sea tengo montón de bagaje, encima
tengo que han venido a conquistar, que han violado mujeres,
que nos han vuelto esclavos. Tengo todo ese dolor. Encima
tengo la cuestión que me han me han quitado mi identidad. Y
eso es facilito que se vuelva rock”.
igrante
o del barrio, del chojcherío,
e? Tiene que salir música
rse de esa forma. Nos piraorque
no piratean lo que no
te hacen entender que estas
o. Y si yo compongo es para
os no podemos componer
s jailones, aunque se como
putas salen las canciones,
omo alguna vez escuche a
s orgullosas de ser putas”,
lloso de ser chojcho, de ser
indio al final. Un indio de
ad”
Robando minutos
Un leve soplo despide una
escala nostálgica de la armónica.
Apenas ella exhala el suspiro
final, la guitarra envuelve el ambiente
con un punteo que nos
retrotrae a las raíces olvidadas
del rock boliviano. Bajo, batería
y una segunda guitarra que
acompañan el eterno primer
plano sonoro de la viola, nos
preparan para el ingreso de la
voz:
Hay caminos que se pierden
detrás de mí/y a veces pienso en
ellos, pienso en ti…
“Pienso en ti” es el segundo tema del nuevo disco de La
Logia. Desde cierto ángulo es una síntesis del álbum. Contiene
una dosis exacta de amalgamas sonoras, que, sin quitarle
su unidad e identidad propia, te adelantan el viaje por
los universos melódicos y rítmicos de lo nuevo del grupo
chuquisaqueño. Ahí aparece el contrapunteo entre la voz y
la guitarra, que se lamen la una a la otra hasta explotar en un
violento riffeado apropiadamente acompañado por los tonos
agudos de la voz, tonos que en ciertos caminos del disco,
amenazan cortar dulcemente las membranas auditivas.
Y esto es sólo la punta del iceberg. Vale la pena oír “Una
herramienta…” de La Logia para sumergirnos en sus profundidades…
Si nos ponemos a enumerar las bandas del “boom” del
rock boliviano de los noventa que permanecen vigentes, nos
sobran los dedos de la mano. De lo que podemos estar seguros,
empero, es que La Logia es la banda sobreviviente de esa
época que está en su mejor momento. No sólo compositivo,
sino también en términos de popularidad, y lo mejor es que
esto no tiene signos de reflujo, sino todo lo contrario.
25

26
rramienta llamada miedo”, nos obliga a detenernos en las
claves y secretos del eterno enigma de la producción (mal
llamada “creación”) artística. ¿Cómo se hace buenas canciones?
Según Pepe, el proceso compositivo “comienza con
una botella (risas)”. Y agrega
“Yo no sé cuándo van a llegar
las canciones. Parece que viniera
desde otro lado. Es como
si por mi hablara algo. Las
canciones siempre están como
en vanguardia, no porque yo
lo diga, sino que siempre están
como que hablando de
este momento, de esta situación.
Los compositores somos
como una especie de mecanismos
que tienen la oportunidad
de amplificar lo que están
sintiendo los demás, o por lo
menos de ponerle letras a eso.
Por ejemplo, me pasó con el (tema)
“mil razones”, una chica me explicó
que es lo que significaba el “mil razones”.
Yo le dije esperá un cachito,
me voy a anotar… (risas). Mentiría
si diría que yo he pensado el sentido
de cada una de las canciones. Nada
que ver. Grillo Villegas dice “yo trabajo
mis canciones, yo no creo en la
inspiración”. Pero yo sí creo en la inspiración,
creo que la inspiración esa
esa cosa que no sabes qué cosa es”.
Por ahí dicen que la piedra que
rueda no junta musgos. Las canciones
de La Logia son como piedras
rodantes que aun teniendo derroteros
no van por el mismo camino.
Así, entre “La garrapata cósmica” y
Pero…. ¿por qué rock?
“Porque bueno, en realidad cuando empezamos, yo
tampoco entendía que cosa era el rock. Pero ya cuando
después vas entendiendo, lo interesante del rock es que
te da esa imagen de no enfrascarte. No es como la cueca,
que tiene que tener su quimbita, su segundita ¿no?
No puede haber tercerita. O como cuando haces
música tropical, eso se tiene que bailar. No se puede
hacer música tropical que no se pueda bailar. O como
en las baladas románticas que se tiene que hablar de
amor. Pero yo no quiero hablar de amor, me vale verga
(…) Con el rock se puede ser libre dentro de la música.
Al menos si tienes cierto margen de… ¿cómo lo llamaría…?
Un cierto margen de ignorancia (risas).
Porque las cosas creo que fluyen más así.”
“Una herramienta llamada miedo” podemos
encontrar la complicidad de dos discos.
Complicidad vinculada a la búsqueda
más consciente de la estrategia del proyecto
musical. No saber de dónde exactamente
vienen las canciones es normal, de eso nos
enteramos cuando Freud descubrió el inconsciente.
Pero saber a quién le sirven y
potenciar el uso de las canciones como herramientas
de construcción de ilusiones, luchas,
empoderamiento y otros milagros…
eso sí es de gigantes. La música es una luz
matutina para nuevos días sólo si tiene ese
enigma capaz de despertar enigmas ajenos.
Cuando la masa aprehende el sonido
y la poesía, y la canción se hace canción en
y con la gente, el pogo amenaza mover el
mundo. Ese mundo a quien los poderosos
ordenan quedarse quieto para que no se
vengan abajo sus castillos.
La estructura sonora y lírica ha encontrado
una síntesis asombrosa, otra vez, en este disco de
La Logia. Una de las causas es la compenetración de las
manos y el alma de Cidar Gutierrez, el guitarrista, con la
naturaleza de las canciones que talla Pepe.
“Santana decía que hace
música negra. Pero en realidad
lo que hace es lograr
que la salsa se vuelva rock,
se vuelva distorsión. Lo mismo
pasa con Los Caifanes,
que es una cuestión indígena
amazónica. Ahí ves como los
guitarristas van personalizando
su sonido. Con el Cidar
empezamos a ver esto de
la música chicha. No deja de
tener riffs. Es además riff andino,
y es chala y es chicha y
es de aquí, ¿no? Con este es el
tercer disco que hacemos con

Cidar Gutierrez, quien cada vez evoluciona
más. Él tiene la suerte de tocar en grupos comerciales,
en los que le “obligan” a tocar música
chicha. Aunque él no se siente en realidad obligado,
a “Cidar” le encanta. Ahí puedes repasar
estos sones, estas melodías. Nuestras canciones
tienen mucho que ver con la relación del Cidar
con ese otro mundo. Para ciertas clases sociales,
la (música) chicha no existe o es basura. Pero
nada que ver, es parte de nosotros. El estribillo
del San Juanito (El principio y el final, Ed.) por
ejemplo, es parecido a un violín ecuatoriano,
sólo que llevado a la armónica. No queremos
hacer una copia como Sacrilegio, pero tampoco
queremos tomarlo como si fuera una moda,
como lo hace Octavia. Sino que queremos ser
nosotros mismos, hacer rock con nuestra propia
música”
Oliendo a coca
Cuando busca aplacar, borrar y extirpar, el
poder es menos perverso que cuando coopta, legitima y
apropia. Los rockeros bonitos y educaditos, los rockeros
bolivianos que cantan en inglés, el folklore. Son las medallas
que luce el sistema dominante para enrostrarnos
su victoria. Cada vez que perdemos una batalla cultural,
el poder se pinta con nuestros colores, se pone nuestros
ponchos, vende muñecos con cabellera larga y tachas de
cuero. Como dice la canción de Los Redondos, el sueño
llega tan mal que nos condena.
¿Qué tareas debe cumplir una banda de rock que enuncia
su discurso desde el campo popular cuando lo popular
mismo está siendo cooptado por el Poder político?
“¿Qué hago ahí? Este es uno de los dolores de cabeza que
he tenido. Porque toda esta cuestión del llamado “proceso
de cambio”, que al final se ha quedado a medias, como que
venía en consonancia con todo lo que estábamos haciendo.
A mí me hizo sentir bien que ellos (los gobernantes, Ed)
nos hayan apartado de su lado. Es decir, el MAS podía habernos
captado y decir “esta es la banda”, pero no lo hizo,
aunque hay bandas que han utilizado esta forma de hacer
música, por la coyuntura. Nosotros nunca buscamos hacer
eso. Al principio como que me dolió y decía “que huevada”.
Ahora estoy chocho de que no nos hayan utilizado como
una bandera. Ahora, ¿cómo empiezas a componer a partir
de esto? Ya de entrada, la portada (del último disco, Ed.),
si bien es La Logia, seguimos siendo nosotros con nuestros
mismos ritmos, nuestras mismas melodías, le ponemos el
título de una herramienta llamada miedo a un tipo barbón
que está llevando un poncho y una cruz andina. Dentro
del disco hay una canción que tienen que escucharla, que
es “Aun no es tarde”, donde hablamos de una “ciudad del
miedo, país del miedo, planeta del miedo”. “Algún día” también
habla de eso, que en algún momento llega la cuestión
de romper con estos poderes. De tener que seguir con esta
línea, de seguir diciendo verdades, no puedo ser apolítico,
¿no? tengo que seguir diciendo mis cosas y si ahora tengo
que putear para el Evo, lo voy a hacer. Algún día llegará,
algún día vendrán por mí, algún día algo pasará. Pero la
verdad es que sigues yendo adelante. El partido actual se
ha apoderado de lo andino y lo está empezando a banalizar.
Más allá de eso creo que hay más cosas
que podemos seguir peleando y justamente
el rock te da esa opción. Esa opción para
quebrar, para no sumergirte en discurso
político partidista”.
El rock chicha
Si de todas las categorías sociales, puta
e indio son las más hirientes, entre las categorías
musicales, lo peor que le pueden
decir a tu banda es que hace rock chicha.
Lo “chicha” contiene a lo marginal. Es la
movida de las empleadas domésticas, los
albañiles, las putas más baratas y los músicos
más chojchos y feos. Es decir, el mismo
mundo que vivieron los que inventaron
el blues, el rock, el punk, el rap, etc.,
etc.
27

28
Como todos los apelativos
que el poder usa para clasificar
a los oprimidos, “rock chicha”
fue forjado como insulto. Y
también como en toda lucha, la
irreverencia plebeya utiliza las
armas con las que le apuntan
como herramientas de su liberación.
“Dentro de los músicos, tienen
clasificaciones: primero, la
música clásica, después, el jazz,
después el rock, después la música
tropical, y luego viene la chicha. Es como una gradación
que todos la tienen como sobreentendida”.
““Cidar” un día me dice, “te cuento que nos han clasificado”,
“Me dijeron que como La Logia arrastra a pandacos,
a chojchos, no somos rock, somos rock chicha”, así,
como un insulto. Yo me doy cuenta y digo “¡de la puta!”, si
pues, tiene que ser rock chicha, rock marginal. Y es justamente
lo chicha lo que no va reivindicar el gobierno, que
reivindica a Wara, a Kalamarka, pero no a Maroyu, no
a los Ronisch. Maneja un indigenismo elegante. Entender
el rock chicha es doloroso para
quienes te quieren adscribir a
sus filas indigenistas. Porque
ellos quieren correrse del chicha,
por eso cuando alguna
vez tocamos para un concierto
contra el racismo, yo dije “esta
canción para los que tienen
vergüenza de ser indios. Indios
como nosotros”, ahí estaba
gente de comunidades que
me veían con cara de indignados, molestos. Porque, claro,
ahora no se quiere ser indio, indígena sí. ¡Nada, me cago!
¡Somos indios! Este discurso choca contra lo “indígena” que
maneja el poder”
Si de alguna forma podríamos alcanzar a entender la
magnitud del fenómeno marcado por La Logia, podríamos
decir que su
música nos enmarca
en la dialéctica
misterio/esclarecimiento.
Misterio
porque tantos siglos
de opresión no son
vanos. Todos ocultamos
sonidos, voces,
zampoñas, charangos
que no queremos
reconocer como
parte nuestra. Esclarecimiento
porque
la vida no está
programada. Todos
queremos sacar el
indio que llevamos
dentro, el miedo que
La resonancia de El carnaval
“Vengo pensando en eso. Siempre escuchaba a mi papá
levantarse en la mañana silbando sikureadas, como les
temas de la Comunidad Nayjama. Los papachos -así
les dicen a los indios ¿no ve?- cuando quieren cambiar
de canción (en sus sikureadas, Ed.), silban la próxima
melodía.
llevamos encima, para penetrar
al trance de un huayño,
un tinku, un ritmo de waca
tokori que suena en armónicas,
guitarras eléctricas y los
gritos chamánicos de uno de
los nuestros.
“Mi papa es de Corocoro. Tengo primas que son de axo y
“Yo empecé a tocar armónica
porque es el instrumento
todo eso. La canción El carnaval habla de una mujer que
reivindica su apellido natural. La canción reivindica esa
más barato que había y también
me enamoró su sonido.
su resistencia”
En el mercado vos la podías
comprar en 15 lucas. Ahora
creo que cuesta más caro. Recuerdo que cuando sacamos
“La llave” (el primer disco, Ed.) alguna gente nos criticó
porque, según ellos, la batería parecía que se estaba deshaciendo,
que los punteos eran muy simples, y sobre todo, porque
la armónica estaba desafinada, por ser una armónica
barata. ¡Son huevadas! ¡Con la armónica barata vamos a
seguir haciendo discos! Esto para demostrarles a todos que
la música no es el instrumento, el instrumento es una herramienta….la
música eres vos. Y cualquiera de Uds., hermanos
de los barrios, changos, chojchos, lo pueden hacer si
yo he podido. Yo, al que le huelen los pies al igual que Uds.,
Feminismo y rupturas
“Yo precisamente me hice esa pregunta ¿y ahora? ¿Que
canto? Pero un día vienen las feministas y me dicen,
“no está resuelto”. Revisas todo lo que ellas han tenido
que vivir para sacar estas reivindicaciones y dices, “a la
miércoles, por aquí todavía sigue la cuestión, por aquí
todavía tienes que seguir siendo contestatario”. Por eso
viene la canción “mujer” y otras más”
yo soy igualito a Uds., en todo;
en barrio, en calles, en hacerse
mierda, en comer picantes,
en andar hueveando de chete.
Soy igual, eso es lo rico y eso lo
he tratado de transmitir siempre.
El mismo hecho de decir
“alcahuetes”, son cosas que se
hablan en los barrios, son cosas
que no me va escuchar un
jaila, ¿no ve? Eso de llamar a
los barrios es porque yo entiendo que los barrios tienen una
carga alucinante con definir que somos. Somos migrantes,
¿no ve? Pero que somos, mestizos, no mestizos, indios, blancos.
Y en realidad siempre ha sido esto; eres un indio de ciudad.
Cuando empieces a pensar que lo eres, te vas a sentir
a gusto. La música que hago da la oportunidad de por un
momento sentirte a gusto,
que estas siendo algo. Porque
esas melodías que yo
hago te van a hacer sentir
“atatay” porque eso que yo
hago son tus melodías”.
Sin duda, el mundo va
seguir siendo un bello lugar
mientras haya música
capaz de despertar en
uno, dos o miles de homo
sapiens, fibras afectivas y
cognitivas, que nos lleven
al ditirambo dionisíaco al
que, simplemente, sin ella
(la música) no hubiéramos
tenido acceso.

EL AGUAYO
Por Rodro
30

Otro día comienza, ella despierta luchando con el sueño
que aún se apodera de su pequeño cuerpo la helada
mañana hace más difícil su batalla. Su madre como siempre
ya está de pie como si el sueño en ella hubiese sido totalmente
derrotado hace ya mucho tiempo, sus movimientos habituales
se han hecho casi robóticos por la rutina y parece ya
no percibir ni inmutarse por nada de su entorno se encuentra
ensimismada en preparar las cosas para salir a la calle lo antes
posible. La mujer apresurada acomoda las ropas multicolores
en una bolsa gris, se mueve rápido pero hace diligentemente
su tarea, como todos los día parece que se le hizo tarde aunque
nunca mira el reloj, pues en su habitación nunca hubo
uno, se guía por la intuición o más bien por la costumbre, la
niña la mira ya está sentada en la cama aunque no ha despertado
del todo, su quietud y desaliento contrastan con la prisa
y agilidad de su madre que ya tiene todo listo para salir y la
mira con reproche por ser la causa de que tenga que tardar
más, se acerca a la niña y la desviste bruscamente para volver
a vestirla más rápido aún, la envuelve en un sinfín de mantas
de distintos colores y texturas para finalmente colocarla
sobre un aguayo que anuda firmemente, la mujer se inclina
mete el cuello y el brazo en el aguayo y luego de ponerse erguida
con un elegante movimiento lo empuja hacia un lado
con la niña dentro para que este después de girar por su torso
termine finalmente colgando en su espalda. Una vez hecho
esto toma sus bolsas, un pequeño asiento y sale a toda prisa
hacia la calle.
Afuera el frío arrecia, pero ella camina como si nada; su
exigua figura se pierde entre todo el cargamento que lleva,
aunque esto no evita que se desplace con ligereza y soltura,
el cuadro se hace más grotesco cuando las calles trepan empinadas
cuestas, que no pueden, sin embargo, modificar el
ritmo de su marcha. En todo este movimiento la niña envuelta
de pies a cabeza se esfuerza por estirar el cuello entre las
mantas para poder ver la calle, el paso de su madre la mece
rítmicamente en una cadencia que se repite desde sus primeros
días de vida. En la travesía su madre sólo se detiene
para cruzar alguna calle muy atestada por el tráfico, poco a
poco las calles vacías van cediendo su lugar al ruido y agitación
de una ciudad muy viva; su madre ya no camina tan a
prisa ahora tiene más obstáculos que sortear, el viaje se hace
más interesante, hay más cosas por ver, escuchar y oler, más
no tocar ni probar. Pronto la mujer que hasta ahora no había
emitido ningún sonido empieza a saludar a otras mujeres con
las cuales ha hecho amistad, aunque su trabajo las obligue
a competir encarnizadamente por vender sus mercancías, la
niña ve a otras madres cargando en sus espaldas a sus hijos
en aguayos multicolores con la misma destreza que su madre
como si aquel paño multicolor fuese parte de su anatomía.
Finalmente llegan a su destino, la mujer comienza a descargar
sus bultos todos menos el colorido aguayo que cuelga
de su espalda con su hija dentro, extiende una pedazo de
plástico en el suelo y sobre el coloca su mercadería meticulosamente
creando una especie de orden y clasificación de las
ropas que debe vender para sobrevivir, una vez concluido su
trabajo se sienta con su hija en la espalda, otra mujer se le
acerca la saluda y le sirve una taza de chocolate caliente y un
pan, ella paga sin pensar y sin desatar el aguayo traslada a su
hija de la espalda a su pecho, sopa el pan en el chocolate y se
lo va dando poco a poco sin decir nada ni hacer una gesto de
afecto pero hay en el acto una ternura inmanente, que sólo se
interrumpe cuando alguien pasa y la mujer abre la boca para
ofrecer sus productos diciendo:
-Preguntá no más caserita ¿qué cosita estas buscando?-
Repitiendo las mismas palabras de cada día mecánicamente
como un padre nuestro, palabras que de tanto repetirse
perdieron su sentido y que parecen más bien un ruego que se
sabe que nadie escucha pero que se repite por la costumbre.
La niña ha escuchado tantas veces estas palabras que ya se
han grabado en su mente y aunque no les encuentre ningún
significado siente una especie de gusto familiar por el sólo
hecho de que son pronunciadas por su madre a la que no
escucha hablar muy seguido.
Luego de desayunar la niña vuelve a colgar de la espalda
de su madre y así transcurre la mañana entre la quietud de la
mujer y el continuo movimiento de la calle. Ella se entretiene
con un juguete gastado y sucio por el cual ya ha perdido todo
interés, pero que a falta de otro continúa siendo útil para pasar
el tiempo. La niña siempre mira el puesto de juguetes de
enfrente donde varios trebejos multicolores brillan al sol y la
cautivan, ella todavía recuerda el día en que su madre cruzó la
calle y le compró aquel juguete descolorido que ahora tiene
entre las manos ¿es un cocodrilo?¿un dragón?¿un dinosaurio?
nadie lo sabe.
Las mantas y la ropa que en la madrugada habían resguardado
su cuerpecito de la brutalidad del frio ahora poco a poco
van sofocándola bajo el sol inclemente que cada vez trepa
más por el cielo azul y no hay nubes a la vista que puedan
contener sus rayos. Las gotas de sudor pronto brotan entre
sus enmarañados cabellos que atisban de entre su frente y
el chulo de la lana que lleva puesto, sus mejillas bronceadas
por el sol se resquebrajan cotidianamente, pero ella parece
apacible colgada del colorido aguayo, en la espalda de su madre;
no conoce otro ambiente, otra rutina, otra forma de vida.
Sólo a momentos al ver correr a otros niños entre los puestos
de venta y los peatones de la calle gira su cuerpo todo lo
que puede dentro del aguayo y su cuello llega al límite de su
rotación para seguir los juegos de los demás infantes, pero
constantemente es sacada de su observación por una sacudida
de su madre con la que acomoda el aguayo y a ella junto
con aquel otra vez en su lugar. El aburrimiento termina por
un momento cuando llega la hora de almorzar otra vez una
mujer llega con un plato de comida y su madre paga sin chistar,
otra vez el aguayo gira y la niña es traída a las faldas de
su madre donde se harta de fideos, papas y un refresco, para
luego volver a estar colgada en el colorido aguayo de la espalda
de su madre.
Aquel día el sol parece haberse acercado un poco más a la
tierra porque sus rayos parecen quemar más que otros días,
la niña se siente fastidiada por el calor y comienza a moverse
más que de costumbre su madre intenta acomodarla una y
otra vez pero es inútil entonces se descuelga el aguayo de la
espalda lo pone en el suelo y le quita un poco de ropa a su
hija, le cambia el pañal y la vuelve a colgar en su espalda dentro
del aguayo de líneas multicolores. La niña se siente aliviada
y decide jugar nuevamente con su juguete descolorido, en
lo que un pequeño niño se le acerca curiosamente y observa
su juego, ella muy alegre de aquel contacto humano le enseña
su juguete amistosamente, el niño le sonríe y le muestra
31

un pequeño auto de juguete que tiene, los dos intercambian
sus maltrechos artefactos y juegan por un momento. Luego el
niño harto del juego toma su auto más el juguete de la niña
y sale corriendo, la niña se pone a llorar como nunca lo había
hecho, sus músculos se tensan y empujando con sus piernas
la espalda de su madre inclina con fuerza la cabeza hacia atrás
logrado que la mitad de su cuerpo salga del aguayo colgando
peligrosamente. Su madre sorprendida gira bruscamente logrando
tomar a la niña antes de que caiga al suelo y después
de una reprimenda la vuelve a meter en el multicolor aguayo
que cuelga de su espalda. La niña conteniendo el llanto en
la medida de sus fuerzas, sin entender lo que había pasado
miraba a su madre y se pegunta porque estaba de parte de
ese niño que le había robado su juguete, mientras la mujer
la miraba también sin entender por qué su hija se comporta
de esa manera. La pequeña molesta esta otra vez metida en
el colorido aguayo que cuelga de la espalda de su madre, su
seño fruncido va cediendo paso a una mueca de desaliento
cuando sus ojos canela se posan otra vez sobre el puesto de
enfrente donde los juguetes parecen más hermosos y luminosos
que nunca.
La niña siente cada vez más asfixiante el estar encarcelada
en el aguayo con sus multicolores barrotes, ya no le molesta
el sol, ni el sobre abrigo de sus ropas, tampoco el hecho
de que perdió su juguete, lo que le molesta es el no poder
liberarse de la espalda de su madre, ella quiere aterrizar y
correr como los niños mayores. En ocasiones su madre la ponía
al suelo y desataba el aguayo para que ella pueda gatear
libremente por el lugar pero desde que había empezado a caminar
esto se hacía muy peligroso porque muchas veces se
acercaba peligrosamente a los automóviles que pasaban por
la calle, por esta razón su madre había decidido no sacarla
muy a menudo del entintado aguayo que colgaba de su espalda.
La niña mientras más crecía más aprisionada se sentía
en aquella pintoresca cárcel, y también la mujer sentía cada
vez más pesada la carga de tener que llevarla a cuestas. Ella
era muy pequeña para comprender que su madre también
era una prisionera, unida por cadenas invisibles a su puesto
de venta, a sus mercancía a las cuales debía cuidar con tanto
recelo por que eran su única garantía para sobrevivir pero al
mismo tiempo eran la razón para que no pueda vivir plenamente,
lo mismo que la niña la mujer deseaba estar en otro
lugar haciendo otras cosas, pero no podía hacerlo, esa era la
vida que le toco vivir y aunque de tanto en tanto se lamente
de su prisión y se sienta asfixiada por la incertidumbre de la
falta de venta o de los robos, la costumbre y la rutina ahogan
sus pensamientos y asesinan a su esperanzas, es mejor no
pensar en que hay otra vida mejor se dice así misma, aunque
esa otra vida mejor constantemente pase ante sus ojos y le
haga consciente de su miseria.
La niña ya no soporta más el encierro entre la espalda de
su madre y el aguayo, pero parece que no puede hacer nada
para librase, no quiere recibir otra tunda así que se resigna y
se acomoda lo mejor que puede para pasar el rato, aunque
no ve ningún reloj ya sabe que se acerca la hora de volver a
casa donde podrá salir del aguayo multicolor que cuelga de
la espalda de su madre. Pero su renuncia se ve interrumpida
por que sus ojos han captado al niño que aún tiene su juguete
en la mano, otra vez el sentimiento de frustración la invade
y comienza a llorar desesperadamente, su madre la regaña
girando su cuello para poder ver lo que le ocurre. La niña desesperada
se sacude violentamente cuando siente unos brazos
que la sostienen y la sacan de su encierro en el colorido
aguayo se queda un momento anonadada pero luego escucha
una dulce voz; es su abuela que la besa y la abraza y le
habla cariñosamente, ella en vez de tranquilizarse, llora más
profusamente quejándose en un lenguaje ininteligible por el
robo que sufrió, aunque en el fondo se siente feliz de estar
en los brazos de la voluminosa mujer y haber salido de su
encierro. Su abuela sin prestarle mucha atención a sus gestos
le da una golosina y la pone en el piso mientras regaña a su
hija por hacer llorar a su nieta, la niña escucha los argumentos
de su madre se tranquiliza y olvida la causa de su pena,
se entrega de lleno a devorar la golosina que tiene en manos
y tan pronto como la engulle vuelve a recordar su juguete, el
pequeño pilluelo ha desaparecido otra vez, en vano lo busca
con la mirada por todas partes, no está, pero ella al fin se
libró del aguayo colorido que cuelga de la espalda de su madre
y está libre de caminar y explorar el mundo. Su llanto a
quedado atrás sólo quedan algunos suspiros entrecortados e
involuntarios, que constantemente emergen de sus entrañas,
la niña se pone de pie y comienza a caminar entre caída y caída;
su madre y su abuela se encuentran distraídas contando
un dinero que la abuela le trajo a su hija para aumentar su
mercadería, la niña avanza hacia la calle mientras observa de
reojo a su madre como sabiendo que hace algo prohibido y
cuidándose de no ser descubierta. Su madre tiene una cara
de alegría que pocas veces ha visto, ella tiene una sonrisa
y abraza y besa a su abuela, la niña entonces siente deseos
de unirse a aquella muestra de cariño pero de repente ve el
aguayo colorido que todavía cuelga de de la espalda de su
madre, se detiene y vuelve a su camino. La pequeña cruza
la calle y se dirige al puesto de juguetes que está en frente,
los automóviles pasan por la calle sin percibir siquiera a la
menor, en el ajetreo de aquel gran mercado que es el mundo
nadie se da cuenta de que la niña se encuentra en medio de
la calle, ella camina como hipnotizada sin percibir el mundo a
su alrededor sólo ve aquellas llamativas mercancías que están
desparramadas por el suelo en el puesto de enfrente.
Un automóvil frena se escuchan gritos y la gente se amontona,
la abuela, fuera de sí, llora desconsoladamente, el cuerpo
de su hija yace inmóvil en medio de la calle.
La niña encantada admira los juguetes que a sus ojos son
lo más hermoso que ha visto se agacha y toma uno de ellos
¿es un cocodrilo?¿un dragón?¿un dinosaurio? a quien le importa,
apresuradamente vuelve sobre sus pasos con un aire
triunfal, llega al puesto de su madre y no la encuentra entonces
la busca entre la gente, logra atravesar la muralla que habían
formado los curiosos y ve a su madre tendida en el suelo,
atropellada cuando intentaba atrapar al ladrón que le había
arrebatado su dinero momentos antes, la niña ante la mirada
atónita de todos los presentes, que no atinan a detenerla, se
acerca alegremente a su madre que está recostada de lado y
delicadamente le coloca el juguete que había tomado en una
de sus manos y luego se recuesta a sus espaldas y se mete en
el colorido aguayo que aún cuelga en la espalda de su madre
para emprender el retorno a casa.
32

La Kris de Benjamín Mendoza y Amor Flores
La provocación en el surrealismo es un acto necesario, un acto que define la obra. Decía
Breton que: “El acto surrealista más simple consiste en salir a la calle con un revólver en
cada mano y, a ciegas, disparar cuanto se pueda contra la multitud.
Quien nunca en la vida haya sentido ganas de acabar de este modo con el principio de degradación
y embrutecimiento existente hoy en día, pertenece claramente a esa multitud y tiene
la panza a la altura del disparo.”, a estos tiempos; ¡Quizá eso es lo que piensan los delincuentes
cuando salen a matar al azar!, lo cual no los deja como delincuentes y/o asesinos sino como
Caballeros por el arte. Sin embargo, a veces la masa necesita algo de miedo, algo que los saque
de sus casillas. La dulce provocación, después de ser mecánica y previsible fue tomada como un
enunciado meramente poético o vulgarizada. Los actos de “provocación” de Dalí, por ejemplo,
ya eran una pantomima, puro show.
Allá por los años setenta cuando la fuerza que el surrealismo había adquirido en sus primeros
años casi se había extinguido, Benjamín Mendoza y Amor Flores, pintor surrealista boliviano,
intentó asesinar al Papa Paulo VI en Manila. Utilizó un Kris(daga corta), que en ambas caras
de su hoja llevaba inscrita “balas, supersticiones, banderas, reinos, basura, ejércitos y mierda”
mientras gritaba la consigna; “deseo liberar” al ser arrestado, ¿Liberar de qué?
Giovanni Montini (Paulo VI) estuvo implicado desde antes de asumir su mandato en lo que
se ha llamado las “rutas clandestinas”, que fueron mecanismos que el Vaticano dispuso para ya
sea salvaguardar o ayudar a la fuga de oficiales nazis, el predecesor de Paulo VI el Papa Pio XII
quién fuese fanático del apoyo a Hitler, fue quién dio estructura a las famosas “rutas clandestinas”
y su mimado Montini quién las continuo. Existe el registro objetivo que se albergaba a
criminales de guerra como Ante Pavelic (Fascista Croata) dentro del vaticano, viviendo incluso
vestidos de curas.
Mendoza fue reducido por los monseñores Macchi y Marcinkus, este último no se sabe si a
ciencia cierta era cura o no, podría haber sido un nazi que en agradecimiento por la protección
actuaba como guardaespaldas de Giovanni, años después estuvo implicado en el escándalo de la
quiebra del Banco Ambrosiano y la polémica de las finanzas del vaticano, a Juan Pablo II le estalló
un problema que guardaba insospechadas conexiones con operaciones financieras ilícitas,
la mafia y la logia masónica P-2. El fraude dejó un agujero de 1.400 millones de dólares y tocaba
directamente al banco vaticano, el Instituto para las Obras de la Religión (IOR), dirigido por
monseñor Paul Marcinkus, que avaló las operaciones. Todo nació a finales de los años sesenta
con el asesor financiero a quien Pablo VI confió la gestión del patrimonio vaticano, un oscuro
personaje relacionado con la mafia llamado Michele Sindona. Junto con el director del banco
católico milanés Ambrosiano, Roberto Calvi, y Marcinkus, organizó una trama financiera que
funcionó hasta que la crisis de 1974 hizo que se derrumbara. Juan Pablo II defendió a Marcinkus
y le dio una salida a EE UU, mientras Sindona y Calvi morían con dudosos suicidios. El primero
en la cárcel y el segundo ahorcado en un puente de Londres. Aún hoy es uno de los clásicos de
los grandes misterios italianos.
Mendoza y Amor Flores como caballero
del arte nos quiso liberar seguramente
de la falsa moral, mucho han dicho y dirán que “fue una
arranque de locura”. Pero sus pinturas siguen reflejando pese
al olvido su descontento social y su crítica acida a la iglesia.
Sordo a los cánticos de quienes prefieren disfrazar su compromiso
nuestro pintor ha hecho carne del mismo, cuando las
acciones se convierten en obra surgirán las voces de desprestigio.
“Salvar al mundo de la hipocresía y de la superstición” es
hasta el día de hoy el horizonte de este pintor que es olvidado,
y exiliado de su cuna, pero no se perderá de los corazones de
quienes en medio del basurero al que el capitalismo nos ha
conducido vemos nacer la flor del mañana.
34

!10 de años de RUIDO Y LUCHA ORGANIZADA!
El pasado 12 de Julio la Agrupación Juvenil “Julián Apaza” ha cumplido 10 años de “Ruido y lucha
organizada”. Organizando el 10mo Festival Hard Core Punk Contestatario, con la presencia de Anti
Banda del Uruguay, Llokalla Feo de la Argentina, Grito de Miseria del Perú, Barrabas de La Paz, y
las bandas locales Divertidas Locuras, Khoya Loco, More Beer, Paketempute, Desarme y Agoriz, la
nivel musical en el festival es algo que se debe realzar.
La Agrupación Juvenil Revolucionaria Julian Apaza ha tenido la virtud de ir día a día solidificando
las ideas bajo las cuales se desenvuelve, abrazando el Marx Leninismo Trotskismo, intenta desarrollar
una política de la juventud y el arte, diez años son pocos, pero dejan mucha experiencia, la
batalla continua, por la independencia política del arte y la juventud como el fuego de la revolución.
37

Hay un consenso entre los poetas
mayores en nuestra ciudad
y también en otras ciudades de denominar
a Santa Cruz la “capital poética
de América”, desde allí plantean un
“boom poético” en la ciudad, sin embargo
¿se está dando esto o es apenas
una ilusión o un buen deseo?
Para empezar, para hablar de un
“boom” debemos tomar como
referencia el “boom latinoamericano”
que se da en los años 60
y 70. Este “boom” es denominado
así (porque no se encuentra
una palabra en castellano que
defina mejor este “estallido”)
porque hay algunos factores que
marcan una diferencia con la generación
anterior a ésta:
1. Novedosas y experimentales
formas literarias
que desafían lo que se consideraba
paradigma en esos
momentos
2. Publicación en Europa
de varios autores latinoamericanos,
algo que no había
sucedido antes en esa magnitud
3. Una situación política
concreta y crítica que empuja
a estos nuevos escritores
a asumir una postura al
respecto
¿alguno de estos fenómenos
se está produciendo en Santa
Cruz?
En realidad, en los últimos
diez años hubo una continuidad en
lo que es la movida poética en Santa
Cruz, con movida poética quiero decir,
grupos de jóvenes escritores que se
organizan para poner en marcha determinada
actividad relacionada con
la poesía. En esta movida están entonces
los “Ilustres desconocidos”, anarquistas,
comunistas que se lanzaron a
organizar lecturas poéticas semanales
abiertas para que todo mundo pueda
leer sus poemas, aglutinando a los jó-
38
EL MITO DEL BOOM POÉTICO CRUCEÑO
venes que por primera vez se lanzaban
a presentar sus poemas entre el 2003 y
el 2006, pasando por un enclaustrado
“club de lectores” que nació y murió
en la UPSA, que tomó, por así decirlo,
la posta de la poesía en la ciudad luego
del fenecimiento del movimiento
“Ilustres desconocidos – poesía en
movimiento”, cuya característica fue
organizar lecturas con invitados y la
tertulia de diversos temas, movimiento
que duró 3 años, del 2007 al 2010,
época de mayor convulsión política y
social en Santa Cruz con la radicalización
de las posturas fascistas de la
Autonomía regional. Posterior a esto
no se conoce de ningún movimiento
hasta el 2013, año en que se organizan
las lecturas en la plazuela Calleja,
con “escuchar poesía 2.0” cuya característica
va ser que son poetas ya con
cierta trayectoria que leen otros poetas,
no hay espacio para poesía nueva.
Finalmente están “Poetas Bolivianos”
que organizan lecturas abiertas mensuales
al estilo de “Ilustres desconocidos”
y organizan talleres de poesía,
todo esto con el fin de visibilizar a la
poesía nueva y joven, e intentar formar
una nueva camada de poetas y
también está el taller de poesía “Poetangas”
cuyo fin es también la
formación de la juventud en la
poesía.
Esto sólo en cuanto a la movida
poética, otra cosa es lo que
está pasando en cuanto la forma
de hacer poesía en la ciudad, no
se nota una ruptura con las viejas
formas de hacer poesía, esas
rupturas en cuanto a forma y a
los temas que se aborden son
todavía un pequeñísimo germen.
La experimentación de
los poetas en la forma de escribir
poesía es casi nula en Santa
Cruz, todavía hay evocaciones
a la poesía costumbrista, por
dar un ejemplo. En cuanto a los
temas, ensimismamiento es la
norma en la poesía más nueva
que hay en la ciudad, pocos son
los que han desarrollado poesía
que no hable de sí mismo, que
tenga una mirada crítica a la
realidad más allá del amor eros
como tema base. Las novedosas
formas experimentales que
se adoptaron en el “boom” para
llamarlo tal, prácticamente no
existen, amén de los temas que
se están abordando.
Otro tanto habría que analizar en
cuanto al consumo de poesía, que si
bien al parecer se ha incrementado
en la ciudad, todavía es bastante pobre,
es remarcable que hayan poetas
que hacen poesía en Santa Cruz cuyas
obras ya han trascendido fronteras y
se conocen en otros países de América
latina y también un tanto en España,
esta ventaja de la difusión también
la han dado los medios virtuales, gran
herramienta de nuestros tiempos, sin

embargo, dista mucho de existir un
consumo masivo, venta en cantidades
ingentes, pues esto también se
refleja en la participación todavía pequeña
del público en las veladas poéticas
que existen en la ciudad o en la
actividad de la feria del libro, donde
se presentaron los últimos poemarios
y se hizo actividades con poetas internacionales
y nacionales.
Finalmente en cuanto a una situación
política concreta que hubiera
empujado a los poetas y nuevos escritores
a asumir una postura clara
y concreta al respecto, lo evidente en
todo caso es que la mayoría prefirió
la indiferencia, el mirar de palco lo
que estaba pasando en esos años críticos
que sucedieron entre el 2004 y
el 2008, los que hicieron resistencia a
las tendencias fascistas
y racistas que se daban
en Santa Cruz y en otros
lugares del país como
Chuquisaca, lo hicieron
con palo y piedra en
mano, no desde las letras,
los jóvenes que formaron
parte de algunas
de las movidas poéticas
de esos años asumieron
esa actitud activa, tal
vez no tuvieron tiempo
para poder desarrollar
una resistencia a través
del arte, de la poesía,
pero los poetas mayores
poco o nada dijeron al respecto,
poco o nada desarrollaron desde su
arte como crítica a esa situación concreta,
incluso uno que otro se dejó
arrastrar por la vorágine chauvinista,
sin hacer luego una crítica de la postura
asumida. La situación política
de nuestra ciudad y país de aquellos
entonces, dividida ficticiamente en
dos bandos, además de la situación
económica mundial que empujó a
muchas otras dificultades y calamidades
a nivel mundial, al parecer no
generó sensibilidad entre los poetas
que continuaron en su gran mayoría
(salvo algunas honrosas excepciones)
escribiendo centrados en su amor y
su tierra natal o adoptiva, tierra en la
que al parecer desde su óptica todo
era un lecho de rosas.
Con todo esto, es un deber para
con la verdad descartar la idea de la
existencia de un “boom” poético en
la ciudad, ya que no tiene correlación
alguna con los parámetros establecidos
con aquello que se llamó “boom
latinoamericano” con justa razón y
es el referente inmediato para poder
hacer un análisis comparativo aunque
éste sea escueto. Pero hay algo
más, el mito de que somos la Capital
poética de América, estaría aparejado
con este “boom poético” y va más allá
todavía.
Esta concepción está basada en
la historia de un grupo de poetas, la
“Santa hermandad de la orquídea”
compuesto por argentinos y brasileños
que al llegar a Santa Cruz en la
década del 70, no pudieron ingresar a
la ciudad por problemas sociales que
vivía el país y decidieron, al sentir la
confluencia de tres fuerzas, denominar
a Santa Cruz como la capital poética,
por este pálpito y además por su
posición geográfica. Esto es asumido
por los poetas mayores, por la mayoría,
como un reto, como “ir tras de
un sueño poético que otras ciudades
ya han hecho realidad”. Este sueño es
loable, porque invita a potenciar la
poesía en Santa Cruz, sin embargo
hay que partir de lo concreto, de lo
que hay y no solamente de los buenos
deseos ni tampoco convertirlo en
un mito. Si buscamos que la poesía
en Santa Cruz se potencie, debe partir
de la realidad misma, de un diagnóstico
del nivel que ha alcanzado la
cultura en Santa Cruz, de la accesibilidad
que hay para el consumo de ese
arte y en particular de la poesía, considerada
la más elevada de las artes
por varios poetas en Santa Cruz, en
última instancia el deseo de potencia
la poesía en la ciudad tiene como reto
elevar el nivel cultural de Santa Cruz
luchando por acabar con ese atraso
cultural que es reflejo del atraso económico
que hay en el país, eso nos
lleva a tomar en cuenta que somos
un país capitalista atrasado, de economía
combinada, que tenemos un
puesto en la economía mundial y es la
de producir materias primas, así está
configurado el capitalismo en nuestro
país y mientras esto siga vigente, no
daremos un salto sino
pasos muy cortos. Pese
a que Santa Cruz según
indican los estadistas y
los oficialistas y opositores
de derecha, es la ciudad
donde se concentra
gran parte de la economía
nacional, no dicen
que también una de las
ciudades que está al rezago
de la cultura del
país, convertirla en una
capital poética, tal vez
no sea el término preciso,
sino más bien ponernos
al menos a la altura
de lo que es en otras ciudades,
como Medellín, Buenos Aires,
Ecuador, sólo por mencionar algunos
lugares donde hay gigantescos festivales
de poesía y por ende, mayor
consumo de la misma, estos lugares
imagino que jamás pensaron en llamarse
“capital poética”, más que eso
pusieron manos a la obra y comenzaron
a trabajar duramente por tener
lo que tienen ahora en materia de
poesía. Como dijo algún poeta, “En
Santa cruz queda todo por hacer” y
considero que esa frase resume con
precisión lo que es la poesía en esta
ciudad.
POR QUINCHO
39