phenomena_junio_2014

Nº6 JUN/JUL
2014
PUBLICACIÓN GRATUITA
TIM BURTON’S
SAGA
PROGRAMA DOBLE CON EL
SEÑOR DE LA NOCHE
PHENOMENA SUMMERNIGHTS: ESTE VERANO LLENAMOS LAS NOCHES DE ESTRELLAS

EDITORIAL
03 EDITORIAL
04 TRILOGÍA INDIANA JONES
SUMARIO
04 TRILOGÍA INDIANA JONES
06 EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA
11 JOHN WILLIAMS E INDIANA JONES
12 INDIANA JONES Y EL TEMPLO MALDITO
16 LAS CHICAS DE LA SAGA INDIANA JONES
18 INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA
22 SEAN CONNERY
23 RIVER PHOENIX
24 TIM BURTON’S BATMAN SAGA
SUMARIO + EDITORIAL
El tiempo vuela y ya estamos al final de una
nueva temporada. Este año hemos disfrutado
de ciclos, maratones, homenajes, premieres,
grindhouse… en fin, una programación para
todos los gustos que resucita el cine de
barrio que tanto celebramos. Como afirmo en
ocasiones, Phenomena es un homenaje al
cine en su más amplio sentido; lejos de ser
una reivindicación nostálgica, es una mirada
hacia el futuro y un llamamiento a disfrutar
del cine como espectáculo colectivo. Tengo
infinitas palabras de agradecimiento hacia todo
el equipo que lo hace posible; un puñado de
excelentes profesionales entregados en cuerpo
y alma, creativos incansables y de una enorme
sensibilidad. Y por supuesto, estáis vosotros,
ese público que llenáis de entusiasmo y magia
cada sesión. Sois grandes, realmente grandes.
Así pues, y con vuestro permiso, seguiremos
adelante con nuestra cruzada, buscando
siempre la excelencia en lo que proyectamos,
programando de todo; clásico y moderno,
series A, B y Z, descubriendo joyas y trayendo
sorpresas. Mi mayor deseo es que sigamos
juntos en esta aventura, así que añadamos una
pizca de inocencia y dejémonos sorprender por
lo mucho que nos espera. ¡¡Viva el cine!!
24 TIM BURTON’S BATMAN SAGA
26 BATMAN: EL HÉROE OSCURO
28 BATMAN DE TIM BURTON
30 BATMAN VUELVE
Nacho Cerdá
Director de Phenomena Experience
34 PHENOMENA SUMMERNIGHTS
36 TIEMPOS MODERNOS
38 TRES NOCHES CON BILLY WILDER
44 SER O NO SER
46 CARY GRANT, PRÁCTICAMENTE PERFECTO
50 LOS HERMANOS MARX
55 EL QUINTETO DE LA MUERTE
57 LAS JOYAS DE LA FAMILIA
60 PHENOMENA DESDE DENTRO
66 FIRMA INVITADA
34 PHENOMENA SUMMERNIGHTS 2014
68 PROGRAMACIÓN
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Indiana Jones nos ha acompañado con sus aventuras en cada una de nuestras temporadas. Ha
llegado el momento de dedicarle una sesión especial en la que poder disfrutar de la trilogía original.
Indy lucirá de nuevo sombrero y látigo en la gran pantalla el 7 de junio en el Palau de congressos de
Catalunya, en Barcelona, y el 29 de junio en el cine Callao de Madrid.
EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA + EL TEMPLO MALDITO + LA ÚLTIMA CRUZADA
BARCELONA · SÁBADO 7 JUNIO · PALAU DE CONGRESSOS DE CATALUNYA · 18h
MADRID · DOMINGO 29 JUNIO · CINE CALLAO · 17h
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ALFONS GORINA
Redactor, coordinador y realizador ocasional
del programa de cine La Finestra Indiscreta,
de Catalunya Ràdio. Colaborador habitual
del programa La Tribu, de Catalunya Ràdio.
Ha dado conferencias sobre Woody Allen
y Rodajes catastróficos. Ha colaborado en
programas de radio como El Matí de Catalunya
Ràdio o El visitant, y ha publicado en la revista
Fotogramas.
La leyenda dice que Indiana Jones nació en una playa de Hawai en mayo del 77. George Lucas se recuperaba de la agotadora
experiencia que supuso el rodaje de La guerra de las galaxias y Spielberg de la no menos agotadora Encuentros en la tercera fase.
Lucas le comentó a Spielberg que tenía una idea para un personaje que haría olvidar a James Bond. Lo cierto es que 007 sigue entre
nosotros (¿por qué restar pudiendo sumar), pero también es cierto que entre mis compañeros de generación no había ninguno que
quisiera ser el elegante espía británico: todos queríamos ser el arqueólogo del sombrero y el látigo. La idea de Lucas era simple:
recuperar el espíritu de los viejos seriales de aventuras de los años 30, conocidos por dejar siempre al protagonista en una situación
imposible al final de cada capítulo. No era hasta el siguiente capítulo en que se concluía esa escena para, después, comenzar con otra
historia (de aquí que todos los Indiana Jones o los James Bonds empiecen siempre con una secuencia de acción introductoria, para
después lanzarse a por la siguiente aventura). Y se pretendía introducir a un nuevo personaje: un profesor de arqueología que daría
clases de día y buscaría tesoros mientras seducía bellas mujeres por la noche (la sombra de Bond era alargada, después el personaje
evolucionó) en lo que casi sería un paralelismo con el mundo de los superhéroes, esa doble personalidad que lleva a Indy del traje, las
gafas y el perfecto afeitado a la hora de dar clase, a la chaqueta de cuero raída, el sombrero, la barba de tres días y por supuesto, el
látigo, en el momento de pasar a la acción.
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El gag recurrente de Indy
recuperando su sombrero
en el último segundo, y
que aparece en toda la
saga, era un homenaje
directo a los héroes de los
seriales de aventuras de
los años 30.
A Spielberg le encantó la idea y pidió dirigir la película. Parecía imposible que alguien pudiera resistirse a la mágica combinación
de los dos genios, que por aquel entonces ya contaban con éxitos como Tiburón, La guerra de las galaxias y Encuentros en
la tercera fase. Nada más lejos de la realidad, las pretensiones salariales de ambos (especialmente de Lucas) y el reciente
descalabro de 1941 (el mayor fracaso de Spielberg), asustaron a los grandes estudios. No era de extrañar, entre el salario
fijo y los porcentajes de taquilla que exigían sus creadores, la película debía recaudar un mínimo de 60 millones de dólares
(una burrada por aquel entonces) para que el estudio empezara a amortizar la inversión (Universal fue de los que se negó en
redondo a aceptar esas condiciones)
Finalmente la Paramount fue quien aceptó, pero no sin antes cubrirse las espaldas. El contrato especificaba muy claramente
que excederse en el presupuesto o superar los días de rodaje pactados, implicaría fuertes sanciones económicas. De ahí que
el rodaje de En busca del arca perdida fuera una montaña rusa de emociones y de cansancio para todo el equipo. De hecho se
tuvo que eliminar una escena que consistía en una persecución de carretillas en una vieja mina (¿les suena).
John Rhys-Davies, Sallah en la película, estuvo
muy enfermo durante el rodaje y hubo que eliminar
algunas de sus escenas en las que luchaba contra
los nazis. El actor se hizo muy famoso años
después gracias a su enano Gimli en la trilogía ‘El
señor de los anillos’.
Aún faltaba por entrar en escena la tercera persona
clave para la ecuación: Harrison Ford. A estas alturas ya
no hace falta explicar que en el cásting se eligió a Tom
Selleck para interpretar al personaje, y que después tuvo
que abandonarlo para incorporarse a la serie Magnum,
que hasta ese momento estaba parada y sin demasiadas
opciones de seguir adelante (afortunadamente para
Selleck resulto un gran éxito). Siempre que se menciona
este hecho y se formulan las famosas hipótesis de “y si”
se suele ser bastante injusto con Selleck, yo no tengo
ninguna duda de que habría cumplido a la perfección,
pero tampoco tengo ninguna duda que sin Harrison Ford
no tendríamos el Indiana Jones que conocemos hoy, más
allá de una simple cuestión de identificación visual con
el personaje. Mucha gente cuestiona las capacidades
interpretativas de Ford, pero de lo que está prohibido
dudar es de su implicación con los proyectos que elige
y de su entrega. Al serle ofrecido el personaje exigió una
revisión completa del guión (al parecer, en el texto original,
Indiana recordaba demasiado a Han Solo), de modo que
en el transcurso de las 10 horas de vuelo de Los Ángeles a
Londres para empezar a rodar, Ford y Spielberg revisaron
el guión palabra por palabra hasta llegar a su destino.
Spielberg no suele hacer concesiones de este tipo, pero
al parecer las ideas de Ford sobre el personaje eran tan
convincentes que simplemente hubiera sido un error
ignorarlas.
La aportación de Harrison Ford no acabó allí. Ni él podía
imaginar lo que supondría a nivel físico un rodaje como el de
En Busca del Arca Perdida, literalmente pudo morir media
docena de veces: aplastado por la piedra gigante en la
escena inicial (era de mentira si...pero aún así pesaba 400
kilos!), en la misma secuencia Indiana tenía que subirse
a una avioneta con sus piernas aún colgando mientras
esta se elevaba. Nadie pensó que esa avioneta no estaba
preparada para un desequilibrio de ese tipo y se terminó
estrellando...no fue su único problema con un avión:
también estuvo a punto de destrozarle la pierna el que
deambulaba sin control por la pista mientras el se peleaba
con el nazi gigante ya en Egipto. Ford tuvo que rodar con
arañas y serpientes de todo tipo (paradójicamente a él no
le daban ningún miedo), también la pobre Karen Allen,
seamos justos, que lo pasó fatal rodeada de las 6.500
serpientes que se usaron para la escena del pozo de
almas, más todavía cuando descubrieron que el antídoto
contra el veneno llevaba dos años caducado y tuvieron
que importar otro de la India. No menos peligroso fue
colgarse del morro de un camión en marcha en la escena
de persecución que me sigue poniendo la carne de gallina
por mucho que la vea (solo se usaron dobles para los
planos alejados del camión). Y tan famosa como la película
en si fue la dichosa disentería que padeció Harrison Ford,
que le obligó a cancelar lo que debía ser una lucha con
un espadachín y sustituirla por uno de los mejores “gags”
visuales de la historia del cine.
4 países y 3 continentes después, el rodaje se dio por
concluido. De los 85 días de rodaje pactados con la
Paramount solo se usaron 73, si alguien todavía sufre por
los 60 millones que debía recaudar que no se preocupe,
lo dejó en algo más de 240 (la más vista del año con
diferencia). Obtuvo 8 nominaciones a los Oscar de los que
ganó 4. Pasar de Spielberg era habitual en aquella época,
pero ignorar la banda sonora de John Williams hubiera
sido catastrófico si no fuera porque perdió ante Vangelis y
sus Carros de Fuego.
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Pero más allá del dinero y los premios, quedó la película.
Una película que revitalizó el cine de género (en este
caso aventuras) elevándolo hasta un nivel desconocido
hasta aquel día. Por primera vez el cine de género y los
blockbusters competían a nivel de crítica con películas a
priori “superiores” intelectualmente. Ese fue el triunfo de
Lucas y Spielberg con La guerra de las galaxias, Indiana
Jones o Regreso al futuro. La ventaja de En busca del arca
perdida respecto a muchas de ellas es que es un film que
apenas ha envejecido nada, ya que el tono clásico que ya
tenía el propio film al estrenarse lo ha impedido.
JOAN PADROL
Historiador y musicólogo de la banda sonora
cinematográfica. Colabora con la revista Dirigido desde
1977, donde ha creado la sección Banda sonora. Profesor
de Historia de la banda sonora en la ESCAC y colaborador
de la revista Culturas de La Vanguardia. Es autor de libros
como Evolución de la banda sonora en España: Carmelo
Bernaola, Pentagramas de película y Conversaciones con
músicos de cine, entre otros.
Sería exagerar decir que la carrera de Spielberg estaba
en entredicho por culpa de 1941, pero desde luego En
busca del arca perdida supuso un antes y un después en
su carrera. Es curioso como cuando se pregunta por su
mejor película la gente tira más de nostalgia (Tiburón, E.T.)
o del reconocimiento tardío en forma de Oscar (La Lista de
Schindler). Como mucho se menciona la trilogía original de
Indiana en conjunto, cuando lo cierto es que seguramente
En busca del arca perdida es de largo la mejor de sus
películas, la más redonda y completa (ni sobra ni falta
nada), por ritmo, por su imaginación a la hora de filmar, por
su sentido del humor y evidentemente por la satisfacción
que deja en los espectadores.
Aunque, incluso por encima de consideraciones
cinematográficas, lo que Spielberg ofreció al mundo fue
un héroe “humano”, un referente al que admirarían las
siguientes generaciones. Por su astucia, su inteligencia, su
valentía y su infatigable búsqueda de la verdad y de justicia
moral. Un personaje inspirador alejado de los violentos y
desencantados ejemplos de los años 70 (tipo Taxi Driver o
Peckinpanianos varios, y sin desmerecerlos, por supuesto).
Si os fijais bien, dentro del Pozo de las almas hay un pilar
donde se puede ver entre los jeroglíficos inscritos la figura de
un R2-D2.
En Busca del Arca Perdida
(Raiders of the Lost Ark, 1981)
Duración: 115 min.
Director: Steven Spielberg
Guión: Lawrence Kasdan (Historia: George Lucas & Philip
Kaufman)
Música: John Williams
Reparto: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman, Ronald
Lacey, John Rhys-Davies, Denholm Elliott, Wolf Kahler,
Alfred Molina, George Harris, William Hootkins, Don Fellows
Productora: Paramount Pictures
Sinopsis
Año 1936. Indiana Jones es un profesor de arqueología,
dispuesto a correr peligrosas aventuras con tal de conseguir
valiosas reliquias históricas. Después de una infructuosa
misión en Sudamérica, el gobierno estadounidense le
encarga la búsqueda del Arca de la Alianza...
BARCELONA · SÁBADO 7 JUNIO
PALAU DE CONGRESSOS DE CATALUNYA · 18h
MADRID · DOMINGO 29 JUNIO · CINE CALLAO · 17h
En la historia del cine se han sucedido colaboraciones famosas
y muy compenetradas de directores con compositores a
lo largo de los años. Entre las más conocidas podríamos
mencionar la de Bernard Herrmann con Alfred Hitchcock,
Nino Rota con Federico Fellini, Georges Delerue con François
Truffaut o Fumio Hayasaka con Kenji Mizoguchi, pero en los
tiempos modernos la que más sobresale es la ya legendaria
unión de John Williams con Steven Spielberg, que abarca
todos sus films excepto El color púrpura.
Williams, a partir del episodio cuarto de la saga Star Wars,
llamada “Una nueva esperanza” pero conocida popularmente
en todo el mundo como La guerra de las galaxias se propuso
resucitar las bandas sonoras sinfónicas, los temas para los
personajes, el comentario casi ininterrumpido de la acción y las
músicas descriptivas o ambientales, al modo de las partituras
del gran cine clásico americano.
Cuando Steven Spielberg se propuso recuperar el viejo cine
de aventuras de los años 50 con la creación del arqueólogo
Indiana Jones, no dudó en llamar a su compositor de confianza
para que acompañara musicalmente las aventuras del intrépido
explorador en los lugares más exóticos del mundo, fuesen
Venecia, Petra, Oriente o los países árabes. El resultado fue
fascinante ya que los tres primeros films de la serie fueron
finalistas al Oscar a la Mejor banda sonora aunque ninguno
ganase, pero lo que importaba era la creación de un tema para
Indiana Jones y músicas muy inspiradas para ambientarnos en
los lugares en que se situaban sus aventuras , acompañasen
sus momentos de tensión o peligro o crearan la angustia que
sentían él y sus compañeros de fatigas en el momento de
atravesar puentes, ser perseguidos por los villanos de turno
o seguir senderos llenos de peligros con aviones, caballos,
jeeps o a pie.
El principal problema es que, cuando salía el disco con la
música de los tres primeros films de la saga, aún no existía
el disco compacto y la duración standard del vinilo se limitaba
a los consabidos 21 ó 22 minutos por cara. Todo el mundo
echaba a faltar por tanto la extraordinaria secuencia musical del
principio de En busca del Arca perdida, donde Indy y su colega
traidor se intrincaban por una selva misteriosa y se internaban
en una gruta llena de trampas mortíferas a la búsqueda de un
viejo ídolo de oro, todo comentado maravillosamente por una
música pendiente del más mínimo detalle.
Igual podríamos decir en secuencias muy recordadas del
segundo título Indiana Jones y el Templo maldito, aunque por
fortuna la famosa secuencia de la persecución dentro de las
minas con las vagonetas subsistía en el disco de vinilo y en
algunos bloques de la tercera, como la de los subterráneos
de Venecia infestados de ratas o en la apasionante secuencia
final situada en Petra. El problema se solucionó con la llegada
del compacto, ya que cuando Harrison Ford, contra todo
pronóstico debido a su edad ya avanzada, aceptó protagonizar
la cuarta aventura de la serie Indiana Jones y el Reino de la
calavera de cristal, el disco Cd recogía toda la partitura del film,
que sin ser de las mejores o más creativas, permitía apreciar
aún el talento de un viejo maestro en cortes como el del viaje
a Akator, la persecución en la jungla o el del ataque de las
voraces hormigas, secuencia resuelta de un modo maestro.
La edición en compacto de la partitura de esta cuarta aventura
permitió que apareciese posteriormente un álbum de gran lujo
con la edición en cuatro discos compactos de las partituras
completas de los cuatro films, completada con una carpetilla
con textos y fotos de las películas que permite al fin saborear
con placer y fruición las músicas inolvidables creadas por el
gran John Williams para nuestro amigo Indy.
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PABLO MÉRIDA
Pablo Mérida de San Román colabora con la sección de cine del
programa Nits de Radio, de Onda Cero Cataluña, y con varias
editoriales. Es autor de diversos libros relacionados con el cine, como
Sergio Leone (Ed. Júcar, 1988), El boxeo en el cine (Laertes , 1995),
Michael Curtiz (Cátedra, 1996), El Cine (Larousse, 2002), El Zorro
y otros justicieros de película (Nuer, 1997), Cine a la carta (Raima,
2009) o Cárceles de cine (Everest, 2011), entre otros.
Al igual que otros clásicos del cine de aventuras, como
Gunga Din (1939), la lucha contra una secta religiosa hindú
con peligrosa afición a los sacrificios humanos sirve como
disculpa argumental a Indiana Jones y el templo maldito.
La segunda película de Indy nos lleva de viaje por Oriente,
desde Shanghai a las junglas de la India, para sumergirnos
en experiencia inolvidable, que desprende acción y buen
humor en cada uno de sus fotogramas.
A la vista del extraordinario éxito de En busca del arca
perdida, Steven Spielberg no tardó demasiado tiempo en
ponerse a trabajar en las nuevas aventuras de Indiana
Jones. El director confió el guión de la película a Gloria
Katz y William Huyck, a sugerencia de George Lucas,
que había trabajado con ellos en American Graffiti (1973),
y quien además aportó la idea inicial del argumento del
nuevo Indy. El proyecto buscaba conseguir de nuevo una
aventura trepidante en un marco exótico, que confirmara a
Indiana Jones como al héroe definitivo del cine de los 80.
Pero el tono alegre de la anterior aventura se vio
ensombrecido por la presencia del propio George Lucas en
el proyecto. Envuelto en un difícil proceso de separación
con su esposa Marcia Lou Griffin (montadora de la primera
trilogía de Star Wars), Lucas se encontró más cerca del
lado oscuro que nunca. Sus ideas más «siniestras» se
colaron en el nuevo proyecto de Spielberg. Incluso el título
inicial de la película llegó a ser Indiana Jones y el templo
de la muerte.
La actriz Kate Capshaw tuvo que soportar estar rodeada y
cubierta por más de 2000 insectos reales.
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Para contrarrestar el ímpetu de las fuerzas del lado oscuro,
Spielberg pidió a los guionistas la introducción de algunas
situaciones cómicas, así como de los inevitables homenajes
a la historia del cine. En ese sentido, ya la misma escena
de los créditos iniciales recuerda a los viejos musicales de
Busby Berkeley.
Al equipo de Indiana Jones y el templo maldito regresaron
algunas figuras imposibles de reemplazar, como Harrison
Ford, al frente del reparto, o John Williams como artífice de
una banda sonora monumental, quizá la más espectacular
de toda la saga. Pero también quedó espacio para las caras
nuevas. Por ejemplo, Karen Allen cedió el papel femenino
protagonista a Kate Capshaw, que además de desbancar
a las 120 actrices que fueron entrevistadas para el papel
(Sharon Stone entre ellas) consiguió seducir al director de
tal modo que hasta, un tiempo después, le haría pasar por
el altar. El actor vietnamita de 12 años de edad Jonathan
Ke Quan debutó en el papel del niño, alcanzando tal éxito
que enseguida le volveríamos a ver como el entrañable
Data de Los Goonies (1985). En realidad, él ni siquiera se
había presentado a las pruebas de reparto, sino que se
limitó a acompañar a su hermano. Pero llamó la atención
del director de casting al estar, durante toda la prueba,
indicando a su hermano lo que debía o no hacer.
TRES CURIOSIDADES
QUE TIENES QUE SABER
· Los “suculentos” cerebros de mono que se sirven como postre
en la película fueron cocinados en realidad con una mezcla de
flanes y mermelada de frambuesa.
· Gritar despavorida, al más puro estilo Fay Wray en King Kong
(1933), no resulta nada fácil. La actriz Kate Capshaw tuvo que
recibir clases especiales para aprender a gritar correctamente.
Spielberg intentó rodar algunas escenas de la película en exteriores naturales de la India, pero el gobierno de dicho país no
cedió los permisos correspondientes. Al final, parte de la producción se desarrolló en Sri Lanka, en el mismo lugar donde años
antes David Lean rodara El puente sobre el río Kwai (1957). Otros exteriores se completaron en California, en espacios como
el Parque Nacional de Yosemite, mientras que la mayoría de los interiores se filmaron en los célebres estudios Elstree, en el
Reino Unido.
En algunos países, como por ejemplo Gran
Bretaña, se cortó la escena en la que se
arranca el corazón a una de las víctimas del
sacrificio.
Con la colaboración de la Industrial, Light & Magic,
Spielberg planteó la posibilidad de realizar algunas
escenas de acción con las que sorprender a la audiencia.
Sin duda, la más célebre de ellas sería esa vibrante
persecución en vagoneta por el interior de la mina, que no
pudo resultar ni más emocionante ni más divertida. En su
deseo por darle a la secuencia la mayor espectacularidad
posible, envió a parte del equipo al Disney World de
Orlando, para grabar allí el sonido de las montañas rusas
y luego incorporarlo a su película.
Dan Aykroyd tiene un pequeño cameo en la escena del aeropuerto,
acompañando a los protagonistas hasta su avioneta.
· Harrison Ford se lesionó la espalda durante el rodaje de la
escena en la que un violento thug trata de asesinar a Indiana
Jones. El actor tuvo incluso que someterse a una pequeña
intervención quirúrgica en Los Angeles. A raíz de este incidente,
los protagonistas fueron doblados en todas las escenas de
acción. En los créditos de la película, la lista de especialistas
solo queda superada por la de técnicos en efectos especiales.
KARAOKE IMPROVISADO
Por si en el cine alguien tiene la intención de entonar los cánticos
de los seguidores del villano Mola Ram, no tendrá más remedio
que memorizar el siguiente estribillo: «Maaro maaro sooar ko,
chamdi nocho pee lo khoon», que viene a significar algo así
como «Matad, matad al cerdo, despellejadlo y bebed su sangre».
Con más de tres millones de espectadores a su estreno
en España, Indiana Jones y el templo maldito se convirtió
en un gran éxito. En su día, surgieron algunas voces
que criticaron a Spielberg por la truculencia de algunas
imágenes, pensando que podrían perturbar a los chavales
de la época (el Ministerio de Cultura la estrenó como no
recomendada para menores de 13 años de edad). Hoy en
día, cuando los niños han sido testigos del hundimiento
de Hogwarts y hasta se han paseado más de una vez
por el corazón de Mordor, Indiana Jones y el templo
maldito seguro que les resulta un espectáculo familiar de
lo más entretenido. Y, a los que no somos tan niños, una
oportunidad de volver a sentirnos como tales, que buena
falta nos hace.
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Toda gran aventura requiere, a menudo, un toque de romanticismo. Ese componente recae en la chica de la película, quién ejerce de compañera
de viaje al tiempo que conquista el corazón del héroe. A lo largo de la saga, varias han sido las damas que han cautivado al intrépido Indiana Jones.
Todas y cada una de ellas, si bien muy diferentes entre sí, han hecho su particular aportación. Hagamos pues, un breve repaso a sus personajes
y a las actrices que las encarnaron.
Marion Ravenwood
(Karen Allen)
Wilhelmina ‘Willie’ Scott
(Kate Capshaw)
Dra. Elsa Schneider
(Alison Doody)
Película
En Busca del Arca Perdida.
Película
Indiana Jones y el Templo Maldito.
Película
Indiana Jones y la Última Cruzada.
Indiana Jones y el Templo Maldito
(Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984)
Duración: 118 min.
Director: Steven Spielberg
Guión:Gloria Katz, William Huyck
Música: John Williams
Reparto: Harrison Ford, Kate Capshaw, Jonathan Ke Quan,
Amrish Puri, Roshan Seth, Roy Chiao, Philip Stone, Raj
Singh, David Yip, Ric Young, Dan Aykroyd
Productora: Paramount Pictures
Sinopsis
1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras
meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar
junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras
un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde
intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado,
cuyos niños han sido raptados.
BARCELONA · SÁBADO 7 JUNIO
PALAU DE CONGRESSOS DE CATALUNYA · 18h
MADRID · DOMINGO 29 JUNIO · CINE CALLAO · 17h
El personaje
Marion es un antiguo amor de Indy, además de la hija de Abner
Ravenwood, antaño profesor (y mentor) de nuestro afamado aventurero.
Pese a su, en apariencia, aspecto angelical, Marion es una mujer de
armas tomar, valiente y obstinada. Es el único y verdadero amor de
Indy, y uno de los personajes femeninos más queridos de la saga.
Debido a ello, retomó su papel en la cuarta y –por el momento- última
entrega, con el fin de sellar un romance que empezó décadas atrás.
La actriz
Aunque había participado en películas como A la caza, junto a Al
Pacino o The Wanderers, dirigida por Phillip Kaufman (cocreador junto
a George Lucas del personaje de Indiana Jones), fue su papel en esta
película el que le otorgó mayor popularidad.
A lo largo de la década de los 80 coprotagonizó otras cintas de
corte fantástico como Starman, de John Carpenter, o Los fantasmas
atacan al jefe, de Richard Donner, dónde compartía escena junto a
un descacharrante Bill Murray. Ya en los 90, Allen quedó relegada a
papeles secundarios y producciones de serie B.
DAVID RIBET
Webmaster y redactor del blog de cine Amazing Movies, en el que
escribe desde 2007. Ese mismo año entró a formar parte del equipo
de redactores de Tu Blog de Cine, donde se mantuvo hasta su cierre
en 2013. Desde hace cuatro años también colabora en la revista
Scifiworld, tanto en su versión on-line como en la edición impresa.
El personaje
Willie es una cantante de cabaret americana de un club de Shanghai
llamado Obi-Wan Club (guiño a Star Wars), propiedad del gángster
Lao Che y lugar donde Indy y ella se conocen en circunstancias algo
aparatosas.
Willie cumple a rajatabla el estereotipo de rubia guapa y boba, pasándose
la mayor parte de la película gritando e incordiando a nuestro héroe. Si
bien la atracción es mutua, la pareja es incapaz de permanecer más de
cinco minutos juntos sin discutir. De ahí que los personajes mantengan
una intensa relación de amor-odio a lo largo del film.
La actriz
Para el casting de Willie pasaron multitud de candidatas. Entre
ellas, una desconocida Sharon Stone, que al no conseguir el papel tuvo
que conformarse, al año siguiente, con ser la partenaire de Richard
Chamberlain en la casposa Las minas del Rey Salomón. Fue Capshaw
quien se hizo con el papel tras cautivar con su belleza y naturalidad al
bueno de Spielberg con quién, durante el rodaje, inició una relación que
terminó en boda en 1991 (tras poner fin cada uno a sus respectivos
matrimonios).
Su interpretación en la película fue bastante criticada (quizás por asumir
un personaje algo desquiciante/irritante), y quizás por ese motivo su
carrera profesional no despegó. Ese mismo año (1984), participaría
en una comedia romántica con un Dudley Moore ya en horas bajas, y
también Dreamscape, una cinta fantástica (de engañoso póster, todo
hay que decirlo) junto a un jovencito Dennis Quaid.
El resto de su filmografía se compone, básicamente, de papeles
secundarios (Black Rain, Causa justa) y esporádicas apariciones en
series de tv, desapareciendo de la escena cinematográfica a finales de
los 90.
El personaje
La Dra. Scheneider es una historiadora de arte que colabora a las
órdenes del poderoso magnate Walter Donovan, con el fin de recuperar
el legendario Santo Grial. Al recurrir Donovan a los servicios del Dr.
Jones, ésta se convierte en su ayudante y, de propina, en su amante.
Pero para desgracia de nuestro héroe, su affaire no es otra cosa que
una sucia artimaña del enemigo.
Aún fiel a sus compatriotas, la bella y astuta Schneider alberga
sentimientos hacia a Indy. Lamentablemente, su codicia se convierte, al
igual que para el resto de sus aliados, en su perdición.
La actriz
Con 19 años ya acudía a audiciones para pequeños papeles en
películas y series de tv, consiguiendo, gracias a su agraciado físico,
hacer su debut como chica Bond en Panorama para matar (última
entrega de Roger Moore como el agente 007). Su paso por la saga de
Indiana Jones le dio la oportunidad de ser la imagen de L’Oreal durante
un buen tiempo, si bien su carrera cinematográfica se redujo a papeles
secundarios y escarceos en la serie B. A mediados de los 90 se retiró
del cine para cuidar a sus hijos, motivo por el que rechazó ofertas de
trabajo algo más jugosas, como encarnar a la Dra. Chase en Batman
Forever (papel que se adjudicaría Nicole Kidman) o Éowyn en El señor
de las anillos.
En 2004 reapareció en el mundo del cine y la tv participando en una
(enésima) versión televisiva de Las minas del Rey Salomón junto al
desaparecido Patrick Swayze.
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FERNANDO ALCALDE
Miembro de la Asociación Catalana para la Difusión de la Música
Audiovisual, en su vertiente más cinematográfica (bandas sonoras de
películas). Colabora en diversos blogs y foros de cine con noticias,
críticas y análisis.
Así rezaba la publicidad de esta tercera entrega cinematográfica de las aventuras del héroe del látigo y la fedora. Toda una
novedad, ya que veníamos de dos películas en las cuales poco sabíamos de su protagonista, más allá de que odiaba las
serpientes.
Pero George Lucas decidió que era hora de aclarar un poco las cosas, y no sólo nos presenta al padre de Indiana Jones, sino
que le veremos de adolescente en sus primeras correrías tras tesoros que pasan de mano en mano que… ¡deberían estar en
un museo!
Así pues, el ideólogo y productor de la saga llamó a su amigo y director Steven Spielberg para recordarle que todavía le debía
una aventura y pedirle que aparcara por un momento sus proyectos más personales (acababa de dirigir El color púrpura y El
imperio del sol, y estaba metido en la preproducción de Rain Man, proyecto que acabó abandonando) para volver a enfundar a
Harrison Ford en el traje de arqueólogo aventurero.
18 19

Es sabido que ni productor ni director quedaron muy
satisfechos con el cariz oscuro y tenebroso (o, a ratos,
directamente sádico) de la anterior entrega, así que
decidieron que era hora de volver a los orígenes: aventuras
a la luz del día, terrenos desérticos, persecuciones por
carretera, malvados nazis, imaginería religiosa (cristiana,
claro), regreso de personajes como Sallah y Brody… Tal
fue el ahínco con el que pretendían volver al espíritu de
En busca del arca perdida que esta Última cruzada puede
parecer una versión remozada de aquélla. Eso sí, con
más humor, rozando casi la parodia.
Para seguir con los elevados niveles técnico-artísticos de
la saga se reunió prácticamente al mismo equipo de las
anteriores. Básica aquí resulta la participación de John
Williams (Star Wars, E.T., El coloso en llamas) en la banda
sonora, retomando la heroica y archiconocida marcha
principal, pero también aportando nuevos y variados
motivos musicales tanto para los momentos de acción
como los lazos sentimentales que unen a los personajes.
También primordial es la nueva labor del veterano director
de fotografía inglés Douglas Slocombe (El viento en las
velas, El león en invierno), en su último trabajo para el
cine, recuperando su look de film clásico, contrastado,
con colores saturados y cálidos.
En cuanto al cásting, Spielberg tenía claro que Connery
debía interpretar al padre de Indiana Jones, en un último
guiño privado por convertir esta saga en su James Bond
particular (y eso que Connery y Ford se llevan sólo…
¡12 años!). Y fue Ford el que sugirió que River Phoenix
le encarnara como adolescente, tras trabajar con él en
La costa de los mosquitos. Para el papel de la chica,
contrataron a la semidesconocida Alison Doody (vista
en un Bond, curiosamente), Donovan es Julian Glover
(un general en El imperio contraataca… todo queda en
casa), y el nazi “maloso” es Michael Byrne. Por supuesto,
Rhys-Davis y Denholm Elliott retomaron sus respectivos
papeles.
El rodaje de la película los llevó a diferentes puntos
geográficos, entre ellos Petra, Venecia y Almería. Fue
aquí donde tiene lugar la secuencia de las gaviotas en
la playa (en realidad, una mezcla de gaviotas de mentira
–plano fijo- y de palomas pintadas de blanco –cuando
vuelan-), o la larga escena del tanque.
Vista hoy en día, Indiana Jones y la última cruzada respira
un aire más amable y familiar que las anteriores entregas
de la saga. El film resulta una especie de resumen
cómplice con el espectador (los mil guiños), con cierto
aire a despedida (el plano final cabalgando hacia el
DETRÁS DEL GUION
Es en el apartado del guión donde hallamos caras nuevas…
relativamente. Tras rechazarse por ridículos los primeros
tratamientos de Chris Columbus (con un Rey Mono resucitando a
Indy en África), Spielberg decide centrar el film y potenciar toda la
parte paterno-filial y de búsqueda del padre del héroe. Para ello
recluta a Menno Meyjes (El color púrpura), quien escribe un primer
guión completo. No satisfechos, Jeffrey Boam entra en escena y
escribe el definitivo, haciendo que padre e hijo se encuentren
mucho antes e interactúen más. Parece lógico pensar que el
hombre detrás de los libretos de El chip prodigioso (producción
de Spielberg) y Arma letal 2 y 3 le da el tono de buddy movies
cómica al relato. Aún así, Spielberg pide al guionista de su último
film, el dramaturgo inglés Tom Stoppard (Brazil, El imperio del
sol), que reescriba –de forma no acreditada- los diálogos de
Sean Connery, especialmente las escenas con Ford, y que pula
algo más el libreto.
Spielberg insistió en fichar a Sean Connery como padre de Indy
porque le hacía gracia pensar que James Bond era el padre de
Indiana Jones.
crepúsculo), un capítulo más ligero y, por qué no decirlo,
a medio gas. Spielberg dirige con su habitual elegancia y
eficacia (la precisión del encuadre en scope, los juegos
de sombras en el castillo, las entradas en campo de los
personajes, las elipsis narrativas…), pero no imprime
el mismo brío que en las anteriores (basta comparar la
escena del tanque con la del camión de En busca del arca
perdida), quizás contagiado del tono más cómico de la
propuesta, o porque está más interesado en la búsqueda
(física y emocional) de ese padre ausente, auténtico
leitmotiv de la obra del director judío.
Pero el film también resulta el más divertido de los tres,
repleto de diálogos chispeantes y buenos gags (tanto
visuales –el juego con el sombrero- como de texto), y
funciona muy bien como comedia de caracteres. Aquí
es fundamental la aportación de Sean Connery y su
perfecta química con Harrison Ford, algo que traspasa la
pantalla y saca a la película de cierta rutina narrativa en
varios momentos. ¿Es superior a las dos anteriores Yo
creo que no. ¿Es más divertida Seguramente… ¡Es la
preferida de mi madre!
Indiana Jones y la Última Cruzada
(Indiana Jones and the Last Crusade, 1989)
Duración: 127 min.
Director: Steven Spielberg
Guión: Jeffrey Boam (Historia: George Lucas & Menno
Meyjes)
Música: John Williams
Reparto: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody,
Denholm Elliott, River Phoenix, John Rhys-Davies, Julian
Glover, Michael Byrne
Productora: Paramount Pictures / Lucas Film Ltd.
Production
Sinopsis
En esta tercera entrega, el padre del protagonista, Henry
Jones, también arqueólogo, es secuestrado cuando
buscaba el Santo Grial. Indiana tendrá que ir a rescatarlo
y, de paso, intentar hacerse con la preciada reliquia, que
también ambicionan los nazis.
BARCELONA · SÁBADO 7 JUNIO
PALAU DE CONGRESSOS DE CATALUNYA · 18h
MADRID · DOMINGO 29 JUNIO · CINE CALLAO · 17h
20 21

SERGIO SADA
Redactor jefe del departamento de prensa de la escuela de cine
Estudiodecine. Colabora diariamente en las webs Culturaencadena
y Ridyn, ambas especializadas en cultura. Es el autor del blog Mis
Huevos Toreros, en el que además de realizar entrevistas, tienen
cabida sus textos más personales.
En 1986 cuando compartió pantalla por primera vez con
Harrison Ford en La costa de los mosquitos, una profunda
fábula sobre el consumismo en la sociedad moderna con
guion de Paul Schrader. Un film realmente adelantado a su
tiempo, necesario y reivindicable en esta época.
Sean Connery ha demostrado con creces ser un magnífico
actor, pero no ha podido evitar vivir a la sombra de su
personaje más famoso: James Bond. Escocés hasta el
tuétano, siempre ha sido un activista reivindicativo de
la independencia de su país, llegando a donar grandes
cantidades al Scottish National Party, un partido político
nacionalista que lucha por la independencia de Escocia.
A principios de los años sesenta, Connery era un actor
joven y apuesto, de aspecto varonil y bruto, el cual le valió
para conseguir el ansiado papel de Agente 007 y que en
aquella época había sido rechazado por Cary Grant y
Richard Burton entre otros. James Bond contra el Dr. No, la
primera película de la saga en el año 62, le convirtió en una
estrella y dio paso a una serie de exitosas secuelas que le
permitieron acceder a otros papeles hasta que abandonó el
personaje en 1967 con Sólo se vive dos veces, asegurando
que nunca más sería 007 y cediendo por primera vez el
codiciado papel a George Lazenby, quien sería Bond en
una única ocasión con 007 Al servicio de su majestad.
A pesar de lo dicho, Connery retomó el personaje con
Diamantes para la eternidad, en 1971, despidiéndose
“definitivamente” del espía. Con ello quería evitar
encasillarse y se dispuso a olvidar al famoso agente,
cediendo por segunda vez el papel. Ésta vez a Roger
Moore. En 1983 interpretaría por última vez al agente 007
con Nunca digas nunca jamás, al lado de Kim Basinger
como chica Bond. Curiosamente es producida por Warner
Bros en lugar de EON Productions, quien había producido
la mayoría de las películas de la saga. Algo así como un
James Bond no oficial.
Lejos del papel de espía, luchó por reivindicarse como
actor durante la década de los 60 con Alfred Hitchcock en
Marnie, la ladrona, y en los 70 trabajando a las órdenes de
John Milius, Sidney Lumet o John Houston. A medida que
Connery se hizo mayor, aumentó su prestigio. Su atractivo
de hombre maduro le deparó una segunda juventud y un
nuevo estrellato, hasta que El nombre de la rosa le convirtió
en actor de culto. Poco después, su intervención en Los
intocables de Eliot Ness le valió para conseguir una estatuilla
de la academia como mejor actor secundario. A partir de
ahí, fue encadenando grandes éxitos y ahondando en su
aura de hombre seductor, que hizo que la diferencia de
edad con las mujeres que trabajaba fuera cada vez mayor.
Su época de madurez le reportó sus papeles más
importantes, que de alguna manera, se inspiraban en James
Bond. Desde su personaje de Malone en Los intocables de
Eliot Ness, pasando por Indiana Jones y la última cruzada,
en la cual rodó varias escenas de torso sin sus pantalones
puestos debido a su manía de andar en calzoncillos por el
plató instalado en el desierto de Almería. Ese mismo año
sería nominado para los Globos de Oro al mejor actor de
reparto. Incluso su personaje de John Mason en La Roca,
tenía un poco del súper agente.
Dicen que una retirada a tiempo es una victoria. Ahora
Connery disfruta de su familia y del golf, pero siempre nos
quedará para el recuerdo su estupenda filmografía.
Defensor a ultranza de los derechos de los animales y
un ejemplo generacional a seguir por su compromiso con
los derechos humanos. Al contrario que muchos de sus
compañeros de profesión, River Phoenix entró en el mundo
de la interpretación obligado por sus padres y la necesidad
de dinero de estos. Durante un tiempo trabajó en series de
televisión hasta que Joe Dante le puso el ojo encima y le
dio su primer papel en el cine. Se trataba de Exploradores,
un film de ciencia ficción que le convertiría en estrella de la
noche a la mañana y donde compartía pantalla con Ethan
Hawke, otra joven promesa que terminaría teniendo más
suerte que él.
Empezaron a lloverle oportunidades y volvió a dar en el
clavo con Cuenta Conmigo, una adaptación de la novela
de Stephen King en la que cuatro amigos pasaban de la
adolescencia a la madurez a través de un viaje, por los
bosques de su pueblo, con el fin de ver un cadáver oculto
entre la maleza. Una película de culto para una generación
entera.
Su primer protagonista absoluto llegó en el año 88 con
Una noche en la vida de Jimmy Reardon, una comedia
de enredo muy al estilo de la época, en la que Phoenix
debía recaudar dinero duran una sola noche para viajar a
Hawaii. Ese mismo año, logró una nominación a los Oscar
por Un lugar en ninguna parte, de Sidney Lumet. A partir
de ahí comienza a trabajar en una serie de films más o
menos notorios y muy acordes con la década de los 80.
Dramas, comedias, policiacos y espionaje… Pero fue en
1989 cuando llegaría su papel más recordado de la mano
de Steven Spielberg en Indiana Jones y la última cruzada,
donde volvería compartir créditos con Harrison Ford.
Spielberg siempre ha mantenido que esta tercera parte es
su película favorita de la saga. Phoenix contaba que para
preparar el personaje jamás se fijó en Indy, sino en el propio
Harrison Ford, al cual observó muy de cerca durante algún
tiempo para lograr parecerse a él.
Quizá su interpretación del joven Indiana Jones fue lo que
le terminó dando a conocer, pero realmente sería Gus
Van Sant quien le ofrecería la oportunidad de su vida al
protagonizar, junto a Keanu Reeves, uno de los grandes
iconos del cine independiente de los años 90: Mi idaho
privado. Dos años después repetiría con ambos en Ellas
también se deprimen, sin llegar a alcanzar el éxito que les
reportó su anterior colaboración.
Prácticamente consagrado como estrella, Phoenix empezó
a trabajar al lado de grandes nombres de la industria
independiente como Lili Taylor, Robert Redford, Sam
Shepard o Jonathan Pryce, intentando desligarse de la
industria cinematográfica más comercial.
La noche del 31 de octubre de 1993, River se encontraba
junto a su novia, sus amigos y su hermano Joaquin en el
Viper Room, un club propiedad de Johnny Depp. La mezcla
de cocaína, heroína y anfetaminas hicieron que Phoenix se
desplomara en la puerta al salir del club. Cuando llegó la
ambulancia ya era demasiado tarde.
Durante décadas ha servido de inspiración para varias
generaciones. Incluso Red Hot Chili Peppers o Natalie
Merchant le escribieron canciones dedicadas, siendo R.E.M.
quien se llevó la palma dedicando todo su disco Monster a
la memoria de River Phoenix. Nos queda su trabajo y una
pregunta: ¿Hasta donde habría llegado su carrera
22 23

El 19 de junio, el cine Comedia se convertirá en una pequeña parte de Gotham City donde aterrizará el
caballero oscuro para celebrar su 75 cumpleaños. El Batman de Tim Burton será el protagonista de un
espectacular programa doble en el que, además, podrás ver de cerca el famoso bat-traje, creado a partir de
la restauración del original usado por Michael Keaton durante el rodaje en 1989.
BATMAN + BATMAN RETURNS
BARCELONA · JUEVES 19 JUNIO · CINE COMEDIA· 20h
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Batman: El héroe oscuro
por Manu González (www.blisstopic.com)
Batman, el mejor detective del mundo, el Caballero oscuro, el
Señor de la noche, uno de lo más conocidos superhéroes de la
historia del noveno arte cumple setenta y cinco años deteniendo
criminales por las calles de Gotham City. El joven Bruce Wayne
prometió defender al inocente disfrazado de murciélago gigante
después del asesinato de sus padres. Al ser multimillonario,
decidió gastar toda su fortuna en convertirse en el hombre más
listo, más fuerte, más atlético y más capaz tras un riguroso
entrenamiento físico y mental que le llevó años. Respetado como
un gran líder por toda la comunidad de superhéroes del universo
DC (Wonder Woman, Superman, Green Lantern, Flash...),
Batman cumple 75 años siendo una de las colecciones más
vendidas de DC Cómics gracias a los nuevos aires que han traído
a Batman Scott Snyder y Greg Capullo tras la gran y larga etapa
de Grant Morrison.
En un momento de El regreso del Caballero oscuro (o el Señor
de la noche, en la primera traducción de la editorial Zinco en
1987), la inmortal obra de Frank Miller que redefinió el personaje
del Hombre Murciélago para siempre, Bruce Wayne despierta
de su letargo después de haber estado años retirado (ahora es
un filántropo millonario con más de cincuenta años) gracias a la
siniestra figura de un murciélago que atraviesa la ventana y se
posa sobre el busto de su padre muerto. Este viejo amigo del
héroe es un superviviente, como él, una señal inequívoca que
Batman debe volver a las calles. Miller ampliará más esa escena
en Batman: Año uno, en el que un joven Wayne no sabe como
enfrentarse al crimen y un murciélago gigante que entra en la
habitación le da la idea de atemorizar a los malos. “Los criminales
tienen miedo y son supersticiosos”, comenta el joven aprendiz de
superhéroe. El Batman de Tim Burton comienza con dos ladrones
hablando en un tejado mientras se reparten un botín sobre la
existencia o no de un vampiro gigante que está atemorizando
a la buena clase criminal de Gotham City. Lastima que el resto
de la película se aleje del cómic. Batman es un ser oscuro que
busca infundir miedo en los corazones de la asesinos, ladrones,
violadores, etc. En un cómic, Wayne comenta que si no tienes
nada malo que esconder, el traje no debería darte miedo.
Si Superman (creado un año antes) era la luz, la confianza, la
alegría, el superhombre, Batman era la oscuridad, la ciudad
nocturna, el miedo, el hombre y todo lo que Bill Finger y
Bob Kane (aunque actualmente sólo se acredite al segundo
como creador) pudieron añadir de seriales pulp como El
Zorro, La Sombra, Doc Savage, Sherlock Holmes y miles de
referencias que convirtieron a Bruce Wayne y su álter ego
oscuro en un personaje único que ha visto cómo su fama
aumentaba gracias a la televisión, el cine, los videojuegos
y los dibujos animados. Superman es el superhombre, el
extraterrestre, el Dios caído entre nosotros, criado por dos
afables humanos (sus padres) que le dieron una educación
moralista y cristiana sobre el perdón y la infinita bondad del
ser humano. Los padres de Bruce Wayne fueron asesinados
ante sus ojos por un ladrón cuando este tenía diez años. Un
acto atroz que nuestro héroe convierte en el leit motiv de toda
su existencia, dedicada exclusivamente a la lucha contra el
crimen. En realidad, Bruce Wayne murió esa noche junto a
sus padres y sólo queda el murciélago. Wayne siempre será
la mascara de Batman, el Caballero oscuro.
MANU GONZÁLEZ
Ha colaborado en publicaciones como Qué
leer, donde se encarga de la sección de
cómics, Guía del ocio Bcn, Playground Mag,
Revista Trama, EnBarcelona Magazine,
Terra Gum, Hoy empieza todo (RNE 3) o
los catálogos del Festival Sónar 1997 y el
Festival Doctor Music 1998. Experto en
cómic y literatura fantástica. Ha colaborado
con editoriales como RBA o Random House
Mondadori y ha sido el jefe de redacción de la
revista Go Mag desde mayo de 2001 hasta el
último número, en junio de 2013.
“En realidad, Bruce Wayne murió esa
noche junto a sus padres y sólo queda
el murciélago. Wayne siempre será la
mascara de Batman, el Caballero oscuro.”
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Batman, de tim burton
¿Has bailado alguna vez con el diablo
a la luz de la Luna
por Milo J. Krmpotic’ (www.blisstopic.com)
Allá por 1989, el cine de superhéroes era un páramo,
una Fortaleza de la Soledad abandonada; su último
ocupante, la cuarta entrega de Superman, se había ido
sin pagar las facturas (fue un producto del Cannon Group
de Golan y Globus, imagínense) pero tanto daba, con tal
de perderlo de vista lo antes posible. Y en esas, cargado
de ánimo justiciero, apareció, su silueta recortada contra
el crepúsculo, el Batman de Tim Burton: una señora
superproducción que partía del tándem interpretativorealizador
de Bitelchús, aderezada con rostros tan
populares como los de Jack Nicholson y Kim Basinger,
que iba a contar con guindas como una banda sonora a
cargo del mismísimo Prince y que prometía contrastar
el brillo de las Bodas de Oro del hombre murciélago (a
celebrar, en efecto, ese año: han transcurrido veinticinco
más) con las oscuridades a que venían sometiendo al
personaje los cómics de Frank Miller. Se nos hizo la boca
agua.
Michael Keaton no podía oír nada mientras llevaba el traje que,
además, le daba claustrofobia.
Un cuarto de siglo después, no hace falta ningún
ejercicio de nostalgia para constatar que nos hallamos
ante una pequeña maravilla (ahora que lo pienso, ojalá
estén leyendo estas líneas después de la sesión, no
vayamos a caer en la misma trampa de 1989). Y lo es,
principalmente, gracias a su espectacular capacidad de
síntesis, gracias a la forma en que hace converger fuerzas
generalmente tan antagónicas como, por ejemplo, el
espíritu de blockbuster y una poderosa personalidad
creativa. Fíjense, sin ir más lejos, en ese Gotham de
callejones sucios y oscuros y peligrosos (como dicta
la mítica del personaje), pero de magníficos interiores
Art Deco (como dictan los orígenes cronológicos del
cómic, extremo que se repitió en el diseño de vestuario),
sobre la que de repente se levanta una interminable
catedral gótica (dictada, obviamente, por el imaginario
más desatado del realizador). ¿Y cómo no reconocer
ahora, en lo que al Joker respecta, un homenaje a la
serie sesentera desde ciertos tics camp, pero también,
más allá del festival histriónico de Nicholson, la
influencia de La broma asesina de Moore y Bolland, un
gesto radicalmente contemporáneo que alcanzaría su
sublimación con el llorado Heath Ledger ¡Si incluso la
primera aparición de Batman, tan teatralmente lenta, se
me antoja hoy llena de lógica narrativa, dada su voluntad
de impresionar, antes que detener, a los delincuentes!
Y, aunque en términos populares la cosa funcionó
de fábula (un solo fin de semana de exhibición
estadounidense le sirvió para recuperar con creces
su presupuesto inicial de 35 millones de dólares), a la
hora de la verdad servidor abandonó el cine con una
sonrisa torcida, no a extremos jokerianos, es cierto,
pero… Porque Michael Keaton podía caerme simpático
y su mirada funcionar cuando se enfundaba la máscara
(mirada, ojo, no mentón como en versiones venideras),
pero sus intervenciones en la piel de Bruce Wayne me
parecieron un monumento a la inopia. Porque Burton
comenzaba a dejarme a las claras que lo que ganábamos
en diseño de producción lo perdíamos en las secuencias
de acción. Porque la participación de Prince se redujo
a un par de canciones metidas con calzador y eso no
dejó de resultar una buena noticia, habida cuenta que el
álbum al completo representó su trabajo más flojito de
toda la década. Y… ¿dónde demonios se había metido
Frank Miller Todo lo cual viene a demostrar que la
ansiedad es pésima consejera.
MILO J. KRMPOTIC
Redactor jefe de la revista Qué leer y coordinador de cultura
en Bisstopic.com. También es autor de varios títulos juveniles y
de las novelas Sorbed mi sexo, Las tres balas de Boris Bardin
(Premio Notodo.com a la mejor novela de 2010), Historia
de una gárgola y El murmullo (de próxima publicación). Ha
colaborado con medios como Fotogramas, El Periódico de
Catalunya y Go Mag.
Respetuoso con la tradición pero rompedor, comercial
pero personalísimo, espectacular pero plagado de guiños
sobre la castigada psique de sus personajes (Bruce
Wayne colgándose boca abajo al no poder dormir pese
a la compañía de Vicky Vale, el Joker salvando de la
quema un cuadro de Francis Bacon…), el primer Batman
de Burton, como su azulada secuela, han acabado
representado un oasis en el cine de superhéroes, una
experiencia casi única, gracias a la cual podemos dar
respuesta a la pregunta que sirve de subtítulo a este
artículo: “Sí, lo hicimos. Y, quizá sin saberlo, ya nunca
fuimos los mismos”.
Batman (Batman, 1989)
Duración: 121 min.
Director: Tim Burton
Guión: Sam Hamm, Warren Skaaren (Cómic: Bob Kane)
Música: Danny Elfman (Canciones: Prince)
Reparto: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger,
Robert Wuhl, Pat Hingle, Billy Dee Williams, Michael Gough,
Jack Palance, Jerry Hall, Tracey Walter, Lee Wallace,
William Hootkins, Philip Tan
Productora: Coproducción EEUU-Reino Unido; Warner
Bros. Pictures / PolyGram Filmed Entertainment
Sinopsis
La oscura y peligrosa ciudad de Gotham tan sólo se
halla protegida por su corrupto cuerpo de policía. A pesar
de los esfuerzos del fiscal del distrito Harvey Dent y el
comisionado de policía Jim Gordon, la ciudad es cada vez
más insegura hasta que aparece Batman, el Señor de la
Noche. La reputada periodista Vicky Vale intentará descubrir
el secreto que se oculta tras el hombre murciélago.
BARCELONA · JUEVES 19 JUNIO · CINE COMEDIA · 20h
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Batman VUELVE, de tim burton
EL CABALLERO OSCURO BAJO LA SOMBRA
DEL EXPRESIONISMO
por José Antonio Pérez Guevara (242peliculasdespues.wordpress.com)
“La película seguía la misma línea narrativa trazada en la primera
entrega, volviendo a beber de las fuentes expresionistas alemanas.”
El arranque de la película es espectacular, nos adentramos
en los muros de la mansión de los Cobblepot, (igual que el
comienzo de Ciudadado Kane, de Welles), nos situaba 33
años antes, donde unos padres, impotentes ante la fealdad
monstruosa de su hijo, lo lanzan al río. El cochecito va a
parar hasta el zoológico abandonado y un grupo de pingüinos
rodea al bebé.
La película seguía la misma línea narrativa trazada en
la primera entrega, volviendo a beber de las fuentes
expresionistas alemanas: los decorados y la arquitectura
nos remiten a Metrópolis (1927), de Fritz Lang, el vestuario
y el maquillaje a El útlimo (1924), de F. W. Murnau y los
personajes a El gabinete del Doctor Caligari (1920), de
Robert Wienne. Los homenajes y referencias al imaginario
expresionista no se acaban ahí: el verdadero malvado de la
función, Max Shreck, (personaje que interpreta Christopher
Walken, que parece repetir el rol de Max Zorin, que
encarnaba en Panorama para matar, film de 1985 de la saga
Bond) toma el nombre del actor que protagonizó Nosferatu
(1922), de Murnau.
El pingüino, interpretado por Danny DeVito, magníficamente
caracterizado por Stan Winston, que había trabajado con
Burton en Eduardo manostijeras (1990), y el diseño de
producción obra de Bo Welch, otro colaborador del cineasta,
y Daniel Waters, guionista de Escuela de jóvenes asesinos
(1989), que había impresionado notablemente a Burton,
fue el encargado del libreto de la película. La trama nos
sitúa de nuevo en un trío, elemento utilizado en la primera
entrega, tres almas expulsadas del paraíso, Batman,
Keaton que volvía a enfundarse el traje del enmascarado,
es un ser solitario y vacío emocionalmente, que continúa
lidiando con una sociedad que no lo respeta y además,
está controlada por corruptos que permite el caos, el terror
y deja el delito impune; el Pingüino, un ser deformado y
apartado de la sociedad, que desea conocer sus orígenes,
un personaje homérico en todos los sentidos, y el personaje
de Catwoman, interpretada por Michelle Pfeiffer, ese patito
feo torpe y anulado, que la curiosidad mata y la convierte
en una figura de ultratumba que vuelve para vengarse y
reclamar su sitio en el mundo. Burton plantea una película
híbrida donde tienen cabida todo tipo de géneros: el terror,
lo fantástico, el policíaco, el romanticismo, la crítica social…
Su tono es sombrío, tenebroso y oscuro, sus personajes
llevan máscaras visibles y ocultas, una sociedad de espejos
deformantes, nada es lo que parece. El realizador juega con
todos los elementos, manipulándolos a su antojo, creando
una atmósfera absorbente y lúgubre muy influenciada por
el expresionismo, la fascinación por la fealdad y el mundo
circense de Tod Browning, el imaginario animado de Jan
Svankmajer, el universo de Frankenstein, la Hammer, y la
literatura gótica…).
El personaje de DC Cómics creado por Bob Kane en mayo
de 1939, tuvo su esplendor cinematográfico en las dos
adaptaciones que dirigió con maestría Tim Burton, uno de los
creadores estadounidenses más imaginativos, renovadores
y audaces de las últimas tres décadas. Después de realizar
Bitelchus (1988), una esperpéntica aventura en tono cómico
del mundo de ultratumba, recibió el encargo de la compañía
Warner Bros., de llevar a la gran pantalla el personaje
de Batman. Su primera aventura, filmada en 1989, en
los estudios Pinewood, cosechó un grandísimo éxito,
recaudando la astronómica cifra de 400 millones de dólares,
diez veces más que su coste. La película fue protagonizada
por Michael Keaton (protagonista de Bitelchus), que
daba vida al héroe oscuro, muy bien secundado por Jack
Nicholson, interpretando al Joker, el malo de la función, y
Kim Basinger, la reportera que se enamora de Batman. La
historia giraba en torno a los orígenes de Batman, rematado
por un duelo final, al estilo western, que enfrentaba a los
dos hombres, perturbados y enamorados de la misma
mujer. Una película de gran factura técnica, que recreaba
la atmósfera oscura y tenebrosa del expresionismo alemán
y convertía a Gotham City en una ciudad gótica, muy
influenciada por la arquitectura fascista de los años 30 y el
ambiente de Brazil (1985), de Terry Gilliam. La acción de la
película era atemporal, nos conducía al ambiente de los 30,
aunque la trama nos remitía a las películas de serie negra
de los años 40, protagonizadas por femme fatale. Debido a
las enormes ganancias obtenidas por Warner, no se dudó
en lanzarse a una nueva aventura de Batman. Se volvería a
contar en la dirección con Burton, y la fuente de inspiración
serían dos episodios extraídos de la serie de televisión
sobre Batman realizada en los años 60, donde se hacía
mención al personaje del Pingüino. Contando con el doble
de presupuesto, el rodaje se lleva a cabo en Burbank, lugar
de nacimiento de Burton, para volver a recrear el ambiente
gótico y fantasmagórico de la sombría Gotham.
Michelle Pfeiffer llegó a utilizar cerca de 60 trajes de Catwoman. Cada uno de ellos
costaba casi 1.000 dólares.
JOSE ANTONIO PÉREZ GUEVARA
Es miembro de la ACCEC. Estudió guion,
cursos de montaje, cine expuesto y
seminarios de cine documental y guion.
Empezó a colaborar en el CineClub Sabadell
en 2008 y ha sido colaborador de la revista
digital bcncultura.cat. En la actualidad
ha creado su propia página de cine:
242películasdespues.com.
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Batman vuelve fue la primera película estrenada en salas en Dolby Digital.
Batman Vuelve (Batman Returns, 1992)
Duración: 130 min.
Director: Tim Burton
Guión: Daniel Waters (Historia: Daniel Waters, Sam Hamm.
Cómic: Bob Kane)
Música: Danny Elfman
Reparto: Michael Keaton, Danny DeVito, Michelle Pfeiffer,
Christopher Walken, Michael Gough, Michael Murphy, Cristi
Conaway, Andrew Bryniarski, Pat Hingle, Vincent Schiavelli,
Doug Jones
Productora: Coproducción EEUU-Reino Unido; Warner
Bros. Pictures / PolyGram Filmed Entertainment
Sinopsis
Gotham City se enfrenta a dos nuevos y peculiares
criminales: el diabólico y siniestro Pingüino, una criatura
solitaria y extrañamente deformada, y la hermosa y
seductora -aunque letalmente peligrosa- Catwoman.
Batman se deberá enfrentar a Pingüino, que quiere
convertirse en el amo de la ciudad.
Sean Young quiso hacerse con el papel de Catwoman a toda costa,
llegando incluso a presentarse en las oficinas de Burton llevando el
disfraz del personaje. La actriz iba a trabajar en el film anterior de
Batman, pero una fractura le obligó a dejar el proyecto.
BARCELONA · JUEVES 19 JUNIO · CINE COMEDIA · 20h
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¿Te quedas atrapado en la ciudad este verano Tómatelo con humor con las sesiones del ciclo Summernights
de Phenomena, que vuelven a instalarse en los Cinemes Girona con las mejores comedias clásicas. Billy Wilder,
Charles Chaplin, Jerry Lewis, Frank Capra, Cary Grant, Ernst Lubitsch y los hermanos Marx se encargarán de que
pases el verano más divertido. Cada martes y jueves del mes de julio. Además, refréscate con la cerveza Estrella
Damm que incluye la entrada a cada sesión.
TIEMPOS MODERNOS / EL APARTAMENTO / SER O NO SER / 1, 2, 3
ARSÉNICO POR COMPASIÓN / SESIÓN DOBLE “HERMANOS MARX”:
SOPA DE GANSO + UNA NOCHE EN LA ÓPERA / EL QUINTETO DE LA MUERTE
LAS JOYAS DE LA FAMILIA / PRIMERA PLANA / LA FIERA DE MI NIÑA
BARCELONA · DEL 1 AL 31 DE JULIO · CINEMES GIRONA · 21h
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(modern times 1936)
TIEMPOS MODERNOS
SANDRA S. LOPERA
Periodista y crítica de cine. Actualmente colabora en
publicaciones y webs como Tomacine, Blisstopic y Dioses y
monstruos. Ha sido directora de la sección de cine de la revista
Guía del ocio Bcn, donde trabajó durante nueve años, y ha
escrito en medios como el diario Avui, las revistas Scifiworld,
En Barcelona Magazine, Go Mag y en el programa de radio La
catifa vermella, de Matadepera Ràdio.
por Sandra S. Lopera
Parece increíble pensar que Charles Chaplin, que
debutaba en el cine hace justo cien años, iba a
dirigir una película sobre las deplorables condiciones
laborales de los trabajadores y que ésta iba a seguir
reflejando la actualidad décadas después. Tiempos
modernos fue, en muchos sentidos, la gran vuelta
de tuerca en la carrera del actor. Iba a ser su primera
película sonora, y se llegó a escribir un guion con los
diálogos, pero finalmente decidió permanecer fiel a su
cine y redujo la presencia de voces en el film (donde
se pueden oir en momentos muy puntuales como la
megafonía de la fábrica o los locutores del programa
de radio). El principal motivo fue que Chaplin no
quería hacer hablar a su personaje más entrañable,
el vagabundo que creó casi por casualidad para sus
primeros cortometrajes. De hecho, su nacimiento fue
en Mabel’s Strange Predicament, pero su estreno se
retrasó y su debut en la pantalla acabó siendo Kid
Auto Races at Venice. Así, el 7 de febrero de 1914,
el cine vio por primera vez a Charlot, el vagabundo en
el que Chaplin reflejó toda la bondad, la miseria y el
coraje de un personaje que nunca perdía la sonrisa.
Un superviviente que era capaz de buscarse la vida
y de salir adelante aunque tuviera que alimentarse de
suelas de zapato.
Tiempos modernos fue la última aparición del
entrañable vagabundo en las películas de Chaplin,
por eso el director quiso mantener intacta la esencia
del personaje y, aunque Hollywood vivía ya el
esplendor del cine sonoro, decidió rodar el film mudo.
Perfeccionista incansable, Chaplin trabajó hasta la
extenuación en la banda sonora y fue aquí donde
le permitió una pequeña licencia a Charlot para que
pudiéramos escuchar su voz antes de que el personaje
desapareciera para siempre. En una escena que
tiene lugar en un café-teatro, Charlot debe cantar una
canción que acaba improvisando porque se olvida
dónde se ha escrito la letra. El lenguaje es inventado y
las palabras ni siquiera tienen sentido, pero el número
sigue siendo genial. Un gag perfecto en toda regla con
el que, de paso, el director remarcaba que para hacer
reír y emocionar al espectador, no hacía falta que las
películas hablaran.
Considerado como un ejemplo de crítica social, el mismo Chaplin
negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en
este largometraje.
Tiempos Modernos (Modern Times, 1936)
Duración: 89 min.
Director: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Música: Charles Chaplin
Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry
Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann,
Louis Natheaux, Allan Garcia
Productora: United Artists
Sinopsis
Extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje,
un obrero metalúrgico acaba perdiendo la razón. Después
de recuperarse en un hospital, sale y es encarcelado por
participar en una manifestación en la que se encontraba
por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda
a controlar un motín, gracias a lo cual queda en libertad.
Una vez fuera, reemprende la lucha por la supervivencia
en compañía de una joven huérfana a la que conoce en la
calle.
BARCELONA · MARTES 1 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
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“Lo más importante es tener un
buen guión. Los cineastas no son
alquimistas. No se pueden convertir los
excrementos de gallina en chocolate”
BILLY WILDER
TRES NOCHES
CON BILLY WILDER
por Carlos Fernández Castro (www.bandejadeplata.com)
CARLOS FERNÁNDEZ CASTRO
Fundador y director de Bandeja de Plata
Blog de cine. Actualmente colabora en
Vivir de cine, en Intereconomía Radio. Es
crítico de cine e imparte talleres de análisis
cinematográfico en Bandeja de plata. Ha
sido colaborador puntual en La Script, de la
cadena Ser, y en la Tribuna del Blogger de
Fotogramas, además de crítico de cine en
El Semanal Digital.
En el Hollywood clásico de los años 30, solía considerarse
como dogma de fe un pensamiento que podríamos resumir
en la siguiente afirmación: un buen guionista nunca llegará
a ser un buen director. Por su parte, los grandes guionistas
de la época, se llevaban las manos a la cabeza cada vez
que un director de poca monta, traducía sus libretos en
torpes e insustanciales imágenes. Esto no sucedía si el
guión en cuestión terminaba en manos de Ernst Lubitsch,
Howard Hawks o Mitchell Leisen, pero generalmente la
decisión estaba en manos de tipos que eran incapaces de
distinguir una producción alimenticia de una potencial obra
maestra.
Huelga decir que no todos los escritores del Hollywood
clásico aspiraban a escribir algo más sofisticado que
una bienintencionada historia de encargo. El sistema de
producción de la época estaba estrictamente dividido en
grupos de trabajo, según los cuales el director dirigía, el
guionista escribía, el montador editaba, y el director de
fotografía iluminaba. Pero algunos artistas se atrevieron a
cruzar la línea imaginaria que separaba parcelas creativas
tan íntimamente ligadas.
El primero en lograrlo fue Preston Sturges, un genio
injustamente olvidado, que fue responsable de algunas
de las mejores comedias de los años 40 (Los Viajes de
Sullivan, Las Tres Noches de Eva), y que allanó el camino a
inconformistas como Billy Wilder. Ambos autores entendían
la dirección como el vehículo idóneo para hacer justicia a
sus guiones, sin perder por el camino las dobles y triples
lecturas que éstos escondían. Porque estamos hablando de
una época en la que la censura se encargaba de custodiar
la doble moral americana, e involuntariamente exprimía la
genialidad de algunas mentes inquietas, que se dedicaban
a buscar formas alternativas de transgredir lo políticamente
incorrecto.
A pesar de dominar casi todos los géneros, Billy Wilder
destacó en la comedia desde sus primeros guiones. El
director vienés siempre fue consciente de las posibilidades
que ofrecía el sentido del humor en la narración
cinematográfica, y no dudó en emplearlo recurrentemente.
Por lo general, sus películas cómicas escondían una
intención crítica; ya fuera un toque de atención a quienes
perdían su dignidad por un cargo de mayor responsabilidad
en su empresa (El apartamento, 1960), la ridiculización de
un régimen político (Uno, Dos, Tres, 1961), o una inteligente
denuncia a la (mala) praxis periodística (Primera plana,
1974).
Muy apropiadamente, los compañeros de Phenomena proponen el siguiente menú degustación para conocer mejor el maravilloso
universo wilderiano:
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EL APARTAMENTO
(The Apartment, 1960)
UNO, DOS, TRES
(One, Two, Three, 1961)
PRIMERA PLANA
(The Front Page, 1974)
HUMOR AGRIDULCE
HUMOR ÁCIDO
HUMOR AMARGO
Gracias a directores como Billy Wilder,
podemos preguntar con tono desafiante:
¿quién dijo que la comedia fuera un
género menor
El apartamento fue el punto álgido en su carrera. En ella,
Wilder mezcló con sutileza y bastante mala leche, dos de
sus géneros predilectos: la comedia y el drama. Podríamos
decir que estamos ante un caramelo envenenado, en el
que la comedia funciona como un atractivo envoltorio, para
ocultar una historia con verdadero sabor a drama. Porque
en realidad, El apartamento es una crítica furibunda al
American Way of Life, perpetrada con nocturnidad y
alevosía por un observador imparcial e implacable. La
clave de la aceptación universal de esta película, reside
en su formidable sentido del humor, que transforma un
personaje patético, con el que el espectador difícilmente
podría sentirse identificado en condiciones normales,
en un perdedor entrañable. C. C. Baxter, encarnado por
un brillante Jack Lemmon, presta su apartamento a sus
superiores, a cambio de un mísero ascenso laboral, incluso
cuando lo necesita, está enfermo, o simplemente le apetece
quedarse en casa. Tampoco es capaz de enfrentarse al
canalla que está destrozando el corazón de la chica de sus
sueños, interpretada por una adorable Shirley MacLaine.
Tal y como expresa su vecino el Dr. Dreyfuss, no le vendría
mal convertirse en un “mensch”, es decir, una persona de
integridad y honor.
Uno, Dos, Tres fue rodada un año después de El
apartamento, y supuso el retorno de Billy Wilder al tono
más ligero de sus anteriores comedias. Sin embargo, hasta
sus obras más livianas destilaban acidez y sarcasmo en
cada fotograma. En esta película, el director austriaco
pone su incombustible sentido del humor, al servicio de la
mayor mofa que haya recibido el comunismo en la historia
del séptimo arte. Y no me refiero a un par de chistes o
referencias malintencionadas, sino a un auténtico festival
de burlas sin precedentes. El planteamiento ya presenta
un universo de posibilidades para una mente tan retorcida
como la del vienés. En el Berlín de la guerra fría, el director
de Coca-Cola en Alemania, C. R. MacNamara, debe hacer
frente a una situación extrema: mientras disfrutaba de
unas vacaciones bajo su tutela, la hija de un mandamás
en los Estados Unidos se ha casado inesperadamente
con un comunista fanático. Uno, Dos, Tres es sinónimo
de intensidad, delirio, e ingenio. Si Howard Hawks se
vanagloriaba de ser el director más rápido de Hollywood,
Billy Wilder demostró que dicho título debía ser compartido
por ambos a partir del estreno de esta película. Dirección
y guión aparte, la elección de James Cagney para el
papel protagonista fue el mayor acierto de esta arriesgada
producción. Por primera vez en la carrera del mítico actor
norteamericano, una película estaba a la altura de su
incontrolable y famoso ímpetu.
En 1974, Wilder insiste en una de sus grandes
preocupaciones: el periodismo. Si en El gran carnaval
(1951) realiza una crítica oscura y amarga de su
antigua profesión, en Primera plana se decanta por un
acercamiento mucho más sarcástico y humorístico. Desde
los primeros compases del film, ataca a los profesionales
de la información con unas palabras cargadas de desprecio:
“periodistas: un puñado de entrometidos con caspa sobre
los hombros y agujeros en los pantalones, que espían por
las cerraduras, que despiertan a la gente en mitad de la
noche para preguntarles qué piensan de Aimee Semple
McPherdon, que roban fotos a viejecitas, cuyas hijas han
sido violadas en Oak Park. ¿Y para qué Para que un millón
de jóvenes compradoras se diviertan. Y al día siguiente,
alguien envuelve una caballa muerta con la primera plana”.
Esta magnífica obra de Ben Hecht y Charles MacArthur, que
ya había sido adaptada anteriormente por Lewis Milestone
(Un gran reportaje, 1931) y Howard Hawks (Luna nueva,
1940), cobra un nuevo significado en las manos de Wilder
y Diamond. Donde antes destacaba el tono cómico, ahora
predomina una denuncia a la manipulación ejercida por los
medios de comunicación, y su maquiavélica connivencia
con el poder establecido. Una vez más, Wilder arranca la
carcajada del espectador para suavizar el pesimismo de su
mensaje, tristemente vigente y representativo de la realidad
actual.
BARCELONA · JUEVES 3 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
BARCELONA · JUEVES 10 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
BARCELONA · MARTES 29 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
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El Apartamento (The Apartment, 1960)
Duración: 125 min.
Director: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond
Música: Adolph Deutsch
Reparto: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray,
Ray Walston, Edie Adams, Jack Kruschen, Joan Shawlee,
Hope Holiday, David Lewis, Naomi Stevens, Johnny Seven,
Joyce Jameson, Willard Waterman, David White
Productora: United Artists / The Mirisch Corporation
Sinopsis
C.C. Baxter (Jack Lemmon) es un modesto pero ambicioso
empleado de una compañía de seguros de Manhattan. Está
soltero y vive solo en un discreto apartamento que presta
ocasionalmente a sus superiores para sus citas amorosas.
Tiene la esperanza de que estos favores le sirvan para
mejorar su posición en la empresa.
BARCELONA · JUEVES 3 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
Uno, Dos, Tres (One, Two, Three, 1961)
Duración: 108 min.
Director: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder & I.A.L. Diamond (Teatro: Ferenc Molnár)
Música: André Previn
Reparto: James Cagney, Pamela Tiffin, Horst Buchholz,
Arlene Francis, Liselotte Pulver, Howard St. John, Hanns
Lothar, Leon Askin, Ralf Walter, Karl Lieffen, Hubert von
Meyernick
Productora: United Artists
Sinopsis
Época de la Guerra Fría. C.R. MacNamara, representante de
una multinacional de refrescos en Berlín Occidental, acaricia
desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la
URSS. Sin embargo, en contra de sus deseos, lo que su jefe
le encarga es cuidar de su hija Scarlett, que llega a Berlín esa
misma tarde.
BARCELONA · JUEVES 10 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
Primera Plana (The Front Page, 1974)
Duración: 105 min.
Director: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond (Obra: Ben Hecht,
Charles MacArthur)
Música: Billy May
Reparto: Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon,
Vincent Gardenia, David Wayne, Allen Garfield, Austin
Pendleton, Charles Durning, Herb Edelman, Martin Gabel,
Harold Gould
Productora: Universal Pictures
Sinopsis
Ewan Williams espera en la cárcel el momento de su
ejecución. Mientras tanto, en la sala de prensa del Tribunal
Supremo, un grupo de periodistas espera el indulto o la
confirmación de la sentencia. Hiddy Johnson, el cronista de
sucesos del Chicago Examiner, está a punto de contraer
matrimonio y abandonar su trabajo; pero Walter Burns, el
maquiavélico director del periódico, empeñado en retenerlo,
tratará de impedir su boda por todos los medios.
BARCELONA · MARTES 29 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
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(To Be or Not to Be, 1942)
SER O NO SER
por Paco Casado (www.cineenserio.com)
PACO CASADO
Licenciado en Comunicación audiovisual.
Realizador de videoclips, editor y
productor de cortometrajes. Ha trabajado
para discográficas como Subterfuge y
Elefant, agencias de publicidad como
MMcCann Erickson e instituciones como
el Ayuntamiento de Madrid. Actualmente
trabaja en Cine en Serio, Travesías de
luz y BLcomunica.
Resulta curioso como la historia pone en aprietos ciertas
películas. Cuando se estrenó Ser o no ser de Ernst
Lubitsch fue recibida como una película de mal gusto y
poco apropiada para los tiempos que corrían. Lubitsch
había planteado una sátira situada en plena ocupación de
Polonia por parte de la Alemania nazi, con Carole Lombard,
una de las grandes estrellas de la época. Lo que pocos
imaginaban es que cuando se estrenase en Estados Unidos
el país ya habría sido atacado en Pearl Harbour y que
Lombard habría muerto en un fatídico accidente de avión.
Así, una película que pretendía ser una especie de comedia
informativa sobre los sucesos que estaban sucediendo en
Europa, se vio superada por la misma Historia.
Ser o no ser se sitúa en un presente en guerra sobre la que
vierte una mirada más triste y concernida de lo que parece
dejar ver su envoltorio de comedia disparatada. Las intrigas
como espía que tiene que superar la vivaz actriz Mia Tura
mientras corteja al apuesto Teniente Sobinski, evita la
mirada de su marido Joseph y ayuda a la resistencia contra
el Profesor Siletsky, suponen todo un reto al aunar risas,
tensión y romance a un endiablado ritmo. ¿Qué es lo que
hace que Ser o no ser siga funcionando con frescura más
de 70 años después de su estreno Pues probablemente
aquello que se dio a conocer como el Toque Lubitsch:
ese nosequé que hace todo su cine sea perfectamente
reconocible a la vez que inimitable; una mezcla de elegancia
y naturalidad, dos términos a veces contradictorios, pero
que en el cine del director alemán se fundían con absoluta
armonía.
Aunque Ser o no ser sufriera las desgraciadas condiciones
de su estreno al poco tiempo se empezó a ver como lo
que realmente era: un audaz acercamiento cómico a una
compleja etapa histórica y una película adelantada a su
tiempo fruto de un escrupuloso rigor histórico envidiable.
Lubitsch habló de su tiempo con responsabilidad pero sin
perder de vista a la platea que tenía que divertir, convirtiendo
a Ser o no ser en la madre de las comedias de espías.
Ser o No Ser (To Be or not to Be, 1942)
Duración: 99 min.
Director: Ernst Lubitsch
Guión: Edwin Justus Mayer (Historia: Melchior Lengyel)
Música: Werner R. Heymann
Reparto: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack,
Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Ruman,
Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn
Productora: Romaine Film / Alexander Korda
Sinopsis
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Varsovia, durante la
ocupación alemana. El profesor Siletsky, un espía al servicio
de la Gestapo, está a punto de entregar una lista con el
nombre de los colaboradores de la Resistencia. Joseph
Tura, actor polaco, intérprete de Hamlet y esposo de María
Tura, también conocida actriz, intentará evitarlo. Con la
ayuda de los actores de su compañía, se hará pasar por el
cruel coronel Erhardt y por Siletsky para entrar en el cuartel
general de las SS.
Anuncio de 1927 en la que la Paramount
publica orgullosa el fichaje de Ernst Lubitsch cual
periódico futbolístico.
BARCELONA · MARTES 8 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
44 45

BEL KENDAL
Bel Kendal roba su apellido a una rubia
hitchcockiana que tiene a la muerte
pegada a sus talones. Espectadora
compulsiva de cine, especialmente en
blanco y negro. Desde 2011 intenta
que el cine clásico no caiga en el olvido
escribiendo en www.clasicosis.com
CARY GRANT,
PRÁCTICAMENTE PERFECTO
por Bel Kendall (www.clasicosis.com)
Cary Grant es ese icono de la elegancia clásica por
excelencia. Sus personajes potenciaban la imagen de
hombre carismático, agradable y conquistador que parecía
prácticamente perfecto. Sin embargo, en dos de sus
mejores comedias esta faceta brilla por su ausencia.
En Arsénico por compasión (1944) se hace referencia a
su lado más galán simplemente para situar a Grant en la
escena. Mortimer Brewster es un codiciado soltero que por
fin ha pasado por la vicaría. Al acercarse a casa de sus tías
Abby y Martha para dar la noticia, descubre que estas dos
entrañables ancianas están llevando a cabo una macabra
tradición: asesinar a ancianos solitarios para que no sufran.
Todo bondad. Sobre esta oscura premisa se cimenta una
de las mejores comedias negras del Hollywood clásico, a
pesar de que Estados Unidos nunca fue amigo de reírse de
la muerte o el asesinato, eso se lo dejaban a los británicos.
A Frank Capra lo podemos definir como la conciencia del
cine clásico. Un director inspirado que en este film cambió
de tercio y adaptó un éxito de Broadway. Cary Grant nunca
estuvo contento con su actuación en esta película, la
consideraba una de las peores. Ciertamente, su personaje
es el que menos humor aporta, es el cuerdo en medio de tal
locura. Su interpretación exige mucha cara de asombro y
un estado de nerviosismo exagerado constante y eso es lo
que el actor da al personaje, aunque por momentos roce el
histrionismo. Arsénico por compasión va más allá de Cary
Grant, son esas dos entrañables tías, ese hermano que se
cree Teddy Roosevelt, ese otro hermano monstruoso y su
temeroso médico y especialmente ese ritmo endiablado
que no nos permite recomponernos entre carcajada y
carcajada.
hecho, ocurre. Hawks, uno de los maestros indiscutibles de
este arte, supo montar un puzzle inédito hasta el momento,
tan inédito que nadie la valoró positivamente. Consiguió
darle un ritmo que ni decae ni satura a un guion sin pausa.
Los protagonistas son dos personajes opuestos en un
eterno tira y afloja. Hepburn ya da muestras de su maestría
en el género en esta, su primera comedia. Su personaje es
un ciclón acostumbrado a salirse siempre con la suya, por
su parte, Grant está perfecto dejándose arrollar sin llegar
a ser insulso. En esta ocasión ellos sí que son la película,
pero no hay que minusvalorar a los fantásticos secundarios
que pululan alrededor. Nada sobra en este film. Excepto
la música, que al igual que en Luna nueva (1940) Hawks
decide no incluirla para no cargar al espectador y no se
echa de menos.
“Creo que para envejecer, lo mismo que para convertirse
en hombre cuando se es un chiquillo, se necesita tener
muy buena voluntad. Yo soy un poco distraído y me había
olvidado de envejecer. Eso es todo” CARY GRANT
Y si hablamos de Cary Grant envuelto en una espiral
de locura y de un film sin descanso no podemos dejar
de nombrar a La fiera de mi niña (1938), una de las
mejores screwballs de la historia. Howard Hawks dirige
un soberbio guion de Dudley Nichols apoyado sobre un
surrealimo creciente que sortea el límite pero nunca pierde
la coherencia interna de este atípico relato. Cary Grant es
aquí un paleontólogo a punto de casarse, de completar el
esqueleto de un brontosaurio y de recibir una donación de un
millón de dólares hasta que se cruza en su camino Katharine
Hepburn. A partir de este momento todo puede ocurrir y, de
46 47

El eterno seductor de porte impoluto dejó pocas veces
esa sonrisa y confianza en sí mismo de lado pero como
vemos, hay al menos dos títulos por los que merecía la
pena hacerlo. La comedia es un género tan personal
que al calificarlas de obras maestras alguien discrepará.
Sin embargo, es innegable que estamos ante dos de los
mayores exponentes de la comedia clásica. Y eso son
palabras mayores.
Capra también lo intento con Jack Benny y Ronald
Reagan antes de decidirse por Cary Grant
Asénico por Compasión
(Arsenic and Old Lace, 1944)
Duración: 118 min.
Director: Frank Capra
Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein (Obra: Joseph
Kesselring)
Música: Max Steiner
Reparto: Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond
Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson, Edward
Everett Horton
Sinopsis
Un crítico teatral que acaba de casarse decide visitar a sus
ancianas tías antes de marcharse de luna de miel. Durante
la visita descubrirá que las encantadoras viejecitas tienen
una manera muy peculiar de practicar la caridad.
La Fiera de mi Niña (Bringing Up Baby, 1938)
Duración: 102 min.
Director: Howard Hawks
Guión: Dudley Nichols, Hagar Wilde (Historia: Hagar Wilde)
Música: Roy Webb
Reparto: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles,
May Robson, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, Fritz Feld,
Leona Roberts
Productora: RKO Radio Pictures
Sinopsis
David Huxley (Cary Grant) es un paleontólogo tímido
y despistado que está a punto de acabar la laboriosa
reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, del que
sólo le falta una clavícula intercostal. También está a punto
de casarse con su anodina secretaria. En un partido de
golf con el abogado de una solterona millonaria, potencial
mecenas del museo para el que trabaja, Huxley conoce a
Susan Vance (Katharine Hepburn), una joven adinerada
y caprichosa que lo manipulará para que no lleve a cabo
ninguno de sus dos proyectos.
BARCELONA · MARTES 15 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
BARCELONA · JUEVES 31 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
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ANTONIO TAUSIET
Director de la revista de opinión
cinematográfica LainCineradora.com y
vicepresidente de la Academia del Cine
Aragonés. Ha publicado diversos estudios
sobre el mundo del arte y la cultura.
En el ámbito audiovisual, destacan su
lista de películas basadas en textos de
Shakespeare. También es director de
numerosos cortometrajes y documentales.
Sus trece películas conservadas (existió un cortometraje
perdido, Humor Risk, de 1921) se dividen en tres épocas:
la primera, de 1929 a 1933 en la Paramount, con cinco
comedias caóticas en las que desbarran a su antojo:
la inaugural Los cuatro cocos (1929), con Groucho de
propietario de un hotel ruinoso; El conflicto de los Marx
(1930), en que Groucho es el capitán Spaulding, con
recibimiento apoteósico pero desarrollo posterior irregular,
robo de cuadro incluido; Pistoleros de agua dulce (1931),
en la que unos polizones (los cuatro hermanos) realizan
estragos en un barco de lujo; Plumas de caballo, con
Groucho de desquiciado rector universitario en una trama
de fútbol americano; y Sopa de ganso (1933).
SESIÓN DOBLE HERMANOS MARX:
SOPA DE GANSO + una noche en la ópera
LOS HERMANOS MARX
por Antonio Tausiet (www.tausiet.com)
Este último film, una sátira sobre la guerra, es considerado
el mejor de los Hermanos Marx. Groucho es el presidente
de un país imaginario gracias al dinero del personaje
interpretado por la recurrente Margaret Dumont, que les
acompañó en siete películas. Las diferencias entre Groucho
y el embajador del país rival son irreconciliables y se declara
la guerra. Es un espectáculo total, en el que se disfruta
el humor de los Marx en estado de gracia: dirigida por el
solvente Leo McCarey, el combo cómico se desenvuelve
con libertad, sin las ataduras de los convencionalismos que
se irían añadiendo en su filmografía posterior. Destacan
las escenas de la recepción del presidente (que inicia la
película), en la que Groucho canta y baila; las peleas de
Chico y Harpo con un vendedor de cacahuetes al que
logran enloquecer; el clásico gag del espejo roto, en el que
los tres acaban disfrazados de Groucho; o las increíbles
escaramuzas finales de la batalla.
Hace casi un siglo, en los años 30, se produjo un fenómeno cinematográfico irrepetible: irrumpieron en pantalla los Hermanos
Marx. Su alocada forma de entender la comedia les llevó a ser calificados de anarquistas del humor. Procedentes del mundo del
teatro de variedades, las primeras películas que estrenaron eran la traslación al celuloide de sus espectáculos. Habían vuelto
el vodevil del revés, utilizando las armas clásicas (música, malentendidos, chicas guapas) pero pervirtiéndolas al adaptarlas a
sus peculiares personalidades.
Los tres hermanos que alcanzaron fama internacional fueron Groucho, Chico y Harpo, aunque los que estaban en el negocio
eran nada menos que cinco (con Zeppo y Gummo, este último dedicado a labores de producción). Groucho, cabeza visible, se
convirtió en un prototipo de ingenioso disparador de dardos dialécticos; Chico, el italianizado perseguidor de señoritas, tocaba
el piano con una soltura que nadie ha sabido imitar; y Harpo, en su papel de mudo, se permitía desbaratar con su mímica
delirante tanto como Groucho con sus frases geniales. Zeppo apareció como actor “serio” en los cinco primeros largometrajes
de los Marx.
Una segunda etapa, la de la consagración, incluye seis
películas, entre 1935 y 1941: Una noche en la ópera, Un día
en las carreras, El hotel de los líos, Una tarde en el circo, Los
Hermanos Marx en el Oeste y Tienda de locos. Todas ellas,
excepto El hotel de los líos (escrita originalmente sin pensar
en los Marx y contratada con la RKO) fueron producidas
por la Metro-Goldwyn-Mayer, empresa que se encargó de
“domesticar” al grupo, concediendo menos protagonismo a
los gags estrambóticos y contratando guionistas ajenos al
humor originario de los hermanos. Pese a todo ello, en las
seis se respira todavía el grandísimo genio para la comedia
de estos humoristas fenomenales.
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Un día en las carreras (1937), está también dirigida por Sam Wood y cuenta con los mismos recursos
técnicos. Se desarrolla entre las carreras de caballos del título y un sanatorio capitaneado por
Groucho. El hotel de los líos (1938) baja el listón pero también incluye escenas descacharrantes.
Una tarde en el circo (1939), Los Hermanos Marx en el Oeste (1940) y Tienda de locos (1941) son
entretenidas, pero les falta la chispa de sus mejores momentos; se desarrollan respectivamente en
un circo, con su tren; en el salvaje Oeste de 1870; y en unos grandes almacenes que los hermanos
se encargan de poner patas arriba.
La mejor del período es la primera, la célebre Una noche en la ópera (Sam Wood, 1935), en la
que Groucho interpreta a un agente teatral al que se le encarga poner en pie Il trovatore, cuyo
papel principal interpretará un tenor famoso pero malvado; Chico es el representante de otro tenor,
éste bondadoso pero desconocido, que acabará triunfando. Aunque la trama romántica paralela
es muy cargante, la película está perfectamente estructurada e incluye escenas antológicas, como
la del contrato entre Groucho y Chico que comienza: “La parte contratante de la primera parte...”,
en la que van rompiendo del papel las cláusulas que no son de su agrado, y la del camarote del
barco que les lleva de Milán a Nueva York. Esta escena, la más recordada de los Hermanos Marx,
comienza cuando Groucho, al que le han asignado una habitación muy pequeña en el barco, abre
su enorme baúl y descubre que dentro están Chico, Harpo y el cantante honrado. Luego aparecen
dos empleadas para hacer la cama. Llega el plomero, después la manicura, el enorme ayudante del
plomero, una chica que pregunta por su tía, la mujer de la limpieza y por fin cuatro camareros con
la cena. En total, quince personas. Cuando Margaret Dumont abre la puerta, todos salen a presión
hacia el pasillo. Los tenores cantan, Chico toca el piano, Harpo también y luego su arpa.
No falta de nada, incluidas las escenas de equilibrismo circense por parte de Harpo, tanto en el barco
como en el teatro de la ópera, al final de la película, donde la pareja buena sale triunfante tras una
persecución policial a los Marx. En este film, Allan Jones, el tenor bueno, hace el papel que hubiese
correspondido a Zeppo, acompañando a los otros tres hermanos en sus travesuras.
La tercera y última etapa de la filmografía la constituyen sus dos películas “alimenticias” rodadas tras
la Segunda Guerra Mundial, cinco años después de que con Tienda de locos ya se habían despedido
del público: Una noche en Casablanca (1946) y Amor en conserva (1949). La primera aprovecha el
tirón comercial del clásico Casablanca, con los elementos principales de las comedias marxianas,
pero con el fuelle claramente agotado; la segunda, una idea de Harpo, cuenta con Chico y Groucho
como secundarios y la curiosidad de la aparición de Marilyn Monroe durante unos segundos.
El resto de la trayectoria del trío se resume en varias apariciones televisivas (sobre todo de Groucho,
con gran éxito como presentador de shows) y anécdotas para la historia del cine, como el encuentro
amistoso entre Salvador Dalí y Harpo Marx, que pudo desembocar en un largometraje de los Marx
con guion del pintor surrealista (Jirafas en ensalada de lomos de caballo, 1937); o el proyecto de Billy
Wilder de 1960 (Un día en la ONU) que tampoco se llevó a cabo, por el estado de salud precario de
Harpo y Chico. Este último falleció en 1961; Harpo en 1964 y Groucho, que también triunfó como
escritor, en 1977. Con él desaparecía una forma única de entender la comedia, reverenciada por
el grupo surrealista (Luis Buñuel incluido) y venerada hasta nuestros días por genios como Woody
Allen, que afirmó de Groucho: “Su desvergonzado desprecio por el orden establecido, basado en una
falta absoluta de sentimentalismo, seguirá haciendo la misma gracia dentro de mil años”.
PROGRAMA DOBLE
BARCELONA · JUEVES 17 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
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(The Ladykillers, 1955)
EL QUINTETO DE LA MUERTE
por Sandra S. Lopera
Sopa de Ganso
(Duck Soup, 1933)
Duración: 70 min.
Director: Leo McCarey
Guión: Bert Kalmar & Harry Ruby
Música: Arthur Johnston
Reparto: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo
Marx, Margaret Dumont, Louis Calhern, Raquel Torres,
Edgar Kennedy
Productora: Paramount Pictures
Sinopsis
La República Democrática de Freedonia, un pequeño país
centroeuropeo, a cuyo frente se encuentra el muy liberal
señor Rufus T. Firefly, se ve amenazada por la dictadura
de Sylvania, país de vieja y reconocida solvencia como
agresor. Dos espías de prestigio, Chicolini y Pinky, sirven a
Sylvania, lo que no impide que acaben siendo ministros del
ahora ya excelentísimo Firefly.
PROGRAMA DOBLE
Una Noche en la Ópera
(A Night at the Opera, 1935)
Duración: 94 min.
Director: Sam Wood
Guión: George S. Kaurman & Morrie Rysking
Música: Herbert Stothart
Reparto: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Margaret
Dumont, Kitty Carlisle, Allan Jones, Sig Ruman, Walter
Woolf King, Edward Keane, Robert Emmet O’Connor,
Lorraine Bridges
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer
Sinopsis
El extravagante sentido para los negocios de Groucho
hace embarcar hacia Nueva York a las grandes estrellas
de la Ópera de Milan, con unos polizones inesperados a
bordo: Harpo y Chico. Entre los tres revolucionan el barco,
organizan un escandalo en Nueva York y convierten la
noche del estreno en una locura que el mundo de la ópera
nunca podrá olvidar.
BARCELONA · JUEVES 17 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
Durante los años cuarenta, la comedia británica empezó a renovarse bajo el sello del estudio Ealing, una compañía que viviría
su mayor momento de esplendor a mediados de los cincuenta con algunas de las películas que se convirtieron en su seña
de identidad. Títulos como El hombre del traje blanco (1951), Oro en barras (1951) y Ocho sentencias de muerte (1949),
todas ellas protagonizadas por el actor fetiche del estudio, Alec Guiness, marcaron la época dorada de la comedia británica,
distinguiéndose por su elegancia, su humor comedido y sus impecables actores. Un gran éxito que culminó en 1955 con El
quinteto de la muerte, uno de los grandes clásicos de la casa Ealing.
Esta comedia sobre un grupo de ladrones,
incapaces de matar a la adorable viejecita que les
ha alquilado una habitación y que ha descubierto
sus planes. Esta fue la última película de Alexander
MacKendrik para los estudios Ealing antes de
mudarse a Hollywood y dedicarse a films de
tintes más dramáticos. El cineasta fue uno de los
directores forjados en el estudio, que sirvió como
escuela para futuros cineastas. MacKendrick,
que entró en el estudio como guionista, ya había
dirigido para la Ealing El hombre del traje blanco. El
quinteto de la muerte le abrió las puertas del éxito a
nivel internacional y el cine norteamericano no tardó
en ficharle. En ella, el estudio volvió a confiar en
Alec Guiness, acompañado de actores de la talla
de Peter Sellers en uno de sus primeros papeles
importantes (con quien volvería a cruzarse años
después en otra genial comedia: Un cadáver a
los postres) y Herbert Lom, quien, curiosamente,
también volvería a trabajar con Peter Sellers en
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la saga de La pantera rosa, donde encarnaba al
pobre comisario Dreyfus. La caracterización de los
personajes y la peculiar fotografía en color de Otto
Heller es uno de los aspectos más curiosos del film,
que también destacó por el exquisito humor negro
que destilaba el guion de William Rose (guionista
de Adivina quién viene esta noche) y que le valió
una nominación al Oscar, todo un logro para una
pequeña comedia sofisticada y repleta de gags
impresionantes.
(The Family Jewels, 1965)
LAS JOYAS
DE LA FAMILIA
por Sandra S. Lopera
Los hermanos Coen hicieron un remake de la
película en 2004, Ladykillers, protagonizada por
Tom Hanks.
El Quinteto de la Muerte
(The Ladykillers, 1955)
Duración: 87 min.
Director: Alexander MacKendrick
Guión: William Rose
Música: Tristam Cary
Reparto: Alec Guinness, Kate Johnson, Herbert Lom, Peter
Sellers, Danny Green, Jack Warner, Katie Johnson
Productora: Anchor Bay Entertainment
Sinopsis
En una casa aislada y próxima a las vías del tren vive la
señora Wilberforce, una venerable anciana que alquila dos
habitaciones al misterioso profesor Marcus y a los cuatro
miembros de su siniestra banda de música.
BARCELONA · MARTES 22 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
Jerry Lewis ha sido un digno heredero de los grandes actores del slapstick y una inspiración para directores como Steven
Spielberg o George Lucas, a los que llegó a dar clase en la University of Southern California, donde compartiría clases también
con el director Peter Bogdanovich. La gestualidad de sus gags y su capacidad de hacer reír con sólo una mirada le convirtieron
en una gran estrella de la comedia, llegando a ser uno de los actores mejor pagados del mundo gracias a una fórmula infalible:
combinar su sentido del humor y su vocación de payaso con la picaresca del carismático Dean Martin. Juntos rodaron 16
películas en más de diez años, pero su relación se rompió y Lewis se estableció por su cuenta en los años sesenta.
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Títulos como El botones, El terror de las chicas, Lío en
los grandes almacenes y, sobre todo, la mítica El profesor
chiflado (que inspiró uno de los ilustres secundarios de Los
Simpson, el Profesor Flint), le hicieron vivir su mejor etapa
profesional durante esta década en la que también dirigió
y protagonizó Las joyas de la familia, una comedia en la
que Lewis pudo multiplicarse tanto delante como detrás de
las cámaras, donde hizo funciones de director, guionista y
productor. Una película infravalorada en su momento pero
a la que el tiempo ha colocado entre uno de sus grandes
clásicos. En ella, Lewis contó con la ayuda de su colaborador
habitual, el guionista Bill Richmond, con quien había escrito
los guiones de films como Jerry Calamidad, Un espía en
Hollywood, El profesor chiflado y varios programas del Jerry
Lewis Show, entre otros trabajos. Entre ambos crearon
una historia en la que Lewis podía cumplir uno de sus
sueños, desdoblarse en siete personajes, a cual más loco.
La trama es de lo más sencilla, una niña que se acaba de
quedar huérfana, y que ha heredado una gran fortuna, debe
conocer a sus seis tíos y decidir cuál quiere que la adopte.
Su inseparable chófer Willard, que nunca sabe ponerse bien
los zapatos, la acompañará a cada una de estas reuniones.
Algunos dirían que el guion consiste sólo en una sucesión de
gags de Lewis, pero, si ponemos más atención, podremos
ver que, en realidad, en esta película nada es casualidad.
Cada uno de los tíos de la pequeña protagonista contiene la
esencia de personajes a los que Lewis brindó su momento
de gloria en otros largometrajes. El torpe piloto de avioneta,
el fotógrafo despistado… quien ame el cine de este genio
de la comedia encontrará en Las joyas de la familia un
magnífico repertorio del mejor humor visual de Jerry Lewis
y pequeños guiños a sus mejores interpretaciones con
una única excepción: el tío payaso quien, al contrario de
lo que se podía esperar, se convierte en un punto amargo
de reflexión. Una nota, quizá, acorde a un proyecto que
Lewis no consiguió sacar adelante años más tarde: El día
que el payaso lloró (1972), un drama en el que interpretaba
a un payaso cuya misión era entretener a los niños de los
campos de concentración. El film se llegó a rodar pero muy
poca gente pudo verlo y el propio Lewis conserva la única
copia bajo llave.
“He tenido gran éxito,
siendo un total idiota.”
JERRY LEWIS
Las Joyas de la Familia
(The Family Jewels, 1965)
Duración: 100 min.
Director: Jerry Lewis
Guión: Jerry Lewis & Bill Richmond
Música: Pete King
Reparto: AJerry Lewis, Donna Butterworth, Sebastian
Cabot, Robert Strauss, Anne Baxter, Gene Baylos
Productora: Paramount Pictures / Jerry Lewis Productions
Sinopsis
Cuando una pobre niña rica (Donna Butterworth) se queda
repentinamente huérfana, se plantea el problema de elegirle
un tutor entre sus seis chiflados tíos (todos interpretados por
Jerry Lewis). La heredera, de nueve años, visita a cada uno
de ellos para decidir cuál es el más idóneo. Pero el proceso
de selección no será sencillo, pues sólo uno de ellos es
realmente sincero mientras que a los demás lo único que
les importa es la suculenta herencia de la niña.
La historia del cine ha dado pocos actores tan
camaleónicos como el gran Jerry Lewis.
BARCELONA · JUEVES 24 JULIO
CINEMES GIRONA · 21h
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Endika Páez (staff de Phenomena)
Me considero gran fan de Phenomena, desde que lo conocí
(Regreso al futuro + ET) he ido a prácticamente todas las
sesiones. Hasta que un día envié un mail a la organización
prestándome para ayudar en lo que sea, y me propusieron
el voluntariado, pero, ¿en qué consistía Simplemente en
entrar media hora antes de la apertura de puertas, sellar
a los espectadores y luego ver las pelis. Pero realmente
es algo más que eso: gracias al voluntariado he conocido
cada rincón del Cine Urgell, que es uno de los mejores
cines que he visto en mi vida, he podido ver en privado cada
tráiler, cada anuncio, cada avance de futuras sesiones. He
disfrutado de la visión de ver un cine absolutamente vacío
para al cabo de media hora verlo a rebosar de gente con
ganas de cine, de fiesta e incluso de cena, porque otra de
las experiencias que me llevo es la cantidad de situaciones
extrañas y divertidas que uno se puede encontrar, desde
gente que entra con un pollo a l’ast hasta guiris que pedían
un sello en la frente (y otras partes más íntimas) pasando
por llevarse KitKats sobrantes de San Valentín. Todo esto,
acompañado de otros voluntarios con los que hablar de cine
y otras cosas, es una auténtica gozada.
PHENOMENA
DESDE DENTRO
Mi paso por el Urgell fue breve (empecé de voluntario
en la Maratón Robótica) pero para nada había acabado
mi andadura por Phenomena. Descubrir el Comedia,
los Cinemes Girona y el grandioso Palau de Congressos
también fue una experiencia inolvidable. También descubrir
nuevos voluntarios, de los cuales ninguno decepciona.
Ya hemos hecho un buen equipo e ir a Phenomena como
voluntario pasó de darme un poco de vergüenza a contar
las horas para que llegara. Repartir cervezas gratis en
verano, ayudar a montar exposiciones y colgar fotocromos
(algo más difícil de lo que parece a simple vista), tener en
mis manos posters originales de películas de los 70, 80,
90. Poder conocer la historia de cómo se consiguen copias
en 35mm, como se alinean los subtítulos, de dónde sacan
tráilers, anuncios, etc. Y cómo no, llegar a tocar con mis
propias manos un DeLorean. Ver desde el vestíbulo del
anfiteatro cómo la gente se emocionaba al verlo, cómo lo
disfrutaban, sentirse parte de esa ilusión es algo en lo que
uno está orgulloso de participar.
No voy a dejar pasar el hecho de la cantidad de películas
que he descubierto con Phenomena, he visto desde una
sesión como la trilogía Regreso al futuro hasta El Santo
en La venganza de las mujeres vampiro, con lo Perico
Enmascarat haciendo de las suyas. Ambientes muy distintos
pero igualmente divertidos. Todas las sesiones Phenomena
en sus distintos ámbitos (Experience, Grindhouse, Little,
Collections, etc.) las he visto como quién descubre el mar,
porque por mucho que haya visto Superman o Jungla de
cristal quinientas veces, cuando la ves en pantalla grande
todo cambia, es como verla de nuevo por primera vez.
Disfrutar de Depredador como si no supiera qué pasa al
final, estar en tensión constante en Poltergeist con aquel
ambientazo (por suerte me senté al lado de una chica que
no la había visto y no paraba de saltar del asiento) y sufrir
mucho (muchísimo!) con El coloso en llamas.
Mucha gente me dice (gente ajena a Phenomena, claro)
que ser voluntario en Phenomena es más un trabajo
no remunerado y sufrido que algo provechoso, pero sé
perfectamente que no pueden estar más equivocados. No
es solo ver todas las películas gratis (hace poco hice un
cálculo de lo que hubiera pagado sin ser voluntario y la
cantidad es como mínimo de susto), es vivirlo desde dentro,
sentirte parte de ello, conocer gente con gustos comunes
y discutir con opiniones contrariadas, ya que la plantilla de
voluntarios es variopinta en gustos cinematográficos y no
nos aburrimos nada hablando de cine todas las sesiones.
Hablar con Nacho Cerdá de cine, discutir futuras sesiones,
darnos la oportunidad de decir con qué película pondríamos
otra, insistir a Sandra, de prensa, con que pongan Mad Max,
Loca Academia de Policia, Eduardo Manostijeras, Karate
Kid, etc. La verdad es que, por pesado o no, he podido
disfrutar de mis tres películas favoritas en pantalla grande:
Lawrence de Arabia, Cantando Bajo la lluvia y Tiburón, algo
que para alguien nacido en 1992 se presume imposible
prácticamente, pero que puedo estar bien orgulloso de
haber visto. Me siento un privilegiado como muchos de
vosotros de poder ver un peliculón como 2001: Odisea en el
espacio, o Psicosis, o Demons, ¿Por qué no.
Yo creo que no puedo estar más agradecido de lo que
ha hecho la gente de Phenomena por hacerme descubrir
no solo las películas, sino todo lo que envuelve el mundo
Phenomena: los derechos de Disney, la clasificación de
copias… Decirnos “Tenemos Mad Max!” y alegrarme
infinitamente para que luego me digan “Pero la copia se ve
muy mal” para mi gran decepción.
Entiendo que para muchos de vosotros no signifique nada,
pero para mí es tener un privilegio impresionante, creo que
pocos pueden presumir de haber vivido todo lo que yo he
vivido en Phenomena, y para mí es un honor seguir aquí,
siendo casi el más joven pero, a la vez, el más veterano de
los voluntarios, como estudiante de cine que soy, considero
a Phenomena desde el día 1 de voluntario una Masterclass
de cine constante.
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Misael Páez (staff de Phenomena)
Gracias a ser voluntario en Phenomena he podido sentarme
en el Delorean. Con esto creo que ya está todo dicho, ¿no
Pues no. Hay muchísimo más. Descubrí Phenomena y el
voluntariado gracias a mi hermano pequeño, Endika, al que
antes era yo el que le descubría películas en la intimidad
de nuestra sala de estar, en un viejo VHS. Los tiempos
cambian. Las películas permanecen. Y lo que antes eran
nuestras sesiones, nuestras propias maratones cinéfilas
de sofá y palomitas ahora eran una fiesta, una gran
celebración, compartido por cientos de desconocidos que
también amaron ésas películas (Regreso al futuro, Alien,
Los Goonies...) sin haberlas visto en pantalla grande.
No olvidaré la sesión Lynch donde pude ver en pantalla
grande Twin Peaks: Fuego, camina conmigo, hecho insólito,
pues la película no se estrenó comercialmente en España, y
cuando se cumplían ya casi 25 años del estreno de la serie.
La sala grande del cine Comedia entera aplaudiendo la
breve aparición del agente Cooper se grabará para siempre
en mi memoria. Y es que ser voluntario en Phenomena es
cumplir un sueño de la infancia, ese de poder ir gratis al
cine, vivir el cine, como el niño de El último gran héroe.
Pasear por la sala vacía, los pasillos a oscuras, la pantalla
proyectando en bucle los anuncios que se emitirán en unos
minutos...
Uno de los momentos más memorables fue el voluntariado
durante la noche de Halloween de 2013. Se proyectaban
Halloween, Fright Night y Evil Dead II. Esa noche estaba
de voluntario con mi hermano y un amigo. Y, entre película
y película, nos disfrazamos con máscaras de látex para
asustar a los espectadores. Como los ‘gimmicks’ utilizados
por William Castle, las proyecciones de la película iban más
allá de la película: era una experiencia física e irrepetible,
como una función teatral. Mi hermano se disfrazó de Michael
Myers y se paseaba por los pasillos del cine Comedia
durante la proyección de Halloween. Poder ver un slasher
con el asesino a tu lado, ¿no mejora la película
PHENOMENA DESDE DENTRO
También los espectadores se han disfrazado (¡Hasta para
Lost Highway había gente disfrazada!) y es una forma de
reconocernos los unos a los otros. Nos desenmascaramos
disfrazándonos. Sabemos que el que lleva la careta de
Freddy Krueger es uno de los nuestros.
Y es increíble cuando vas con alguien que no conoce esas
películas míticas. Ir con alguien que no sabía quién era John
Carpenter y que flipaba con una película de hace más de 30
años, o re-descubrir Re-Animator gracias a la mirada de los
otros. O las sesiones donde van los niños, como la sesión
en los Cinemes Girona de Una pandilla alucinante repleta
de niños que la veían por primera vez. Oír las risas y los
gritos de los niños en el momento adecuado te reafirma en
tus gustos. Vas por buen camino, y ellos también. Como
decía antes, las películas permanecen.
Pero no siempre es cuestión de reafirmarse. Gracias a
Phenomena vi por primera vez el Django de Corbucci o
La princesa prometida. En la variedad está el gusto. Y
admiro la difusión que da Phenomena a películas casi
extintas, con las proyecciones de La noche del terror
ciego de Amando de Osorio, las películas de El Santo
o la excelente Night of the Creeps de Fred Dekker.
¿En cuántos cines podrá uno encontrar tal amalgama
de películas y sentimientos En una misma sesión uno
podía aterrorizarse con los Gremlins y bailar al ritmo del
rock de los 50 con Travolta y Olivia Newton John. Insisto:
en la variedad está el gusto.
Y Phenomena ha sido muy valiente planteando siempre
sus sesiones. Lo mismo tienen sesiones dedicadas
a Marilyn Monroe o al fantaterror español de los 70. Y
algo así era necesario. Al menos hay que agradecer a
Nacho Cerdà su interés difusor del cine, ese amor por
la película en 35 o 16 mm., por las butacas llenas y el
olor a palomitas en el aire. La verdadera magia del cine
no está en las películas, se da en el patio de butacas. Y
Phenomena lo sabe.
Para acabar quiero recordar un momento mágico
de la noche de Halloween: durante la proyección de
Terroríficamente muertos durante uno de los momentos
de máxima tensión entre el incombustible Ash y los
zombies... Una llamarada se adivinó tras los fotogramas y
la película se quemó. Gritamos horrorizados por el coitus
interruptus. Fue como al final de Carretera asfaltada en
dos direcciones. Se quemó la película y fin.
Pero no fue el final, retomaron la proyección y pudimos
terminar de ver la película. Porque en Phenomena, pase
lo que pase, todas las películas llegan hasta que en
pantalla aparece la palabra FIN.
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Laura (staff de Phenomena)
Para empezar, conocí Phenomena Experience como
espectadora, en el cine Urgel. ¡Y me encantó descubrir
estas sesiones! Esa manera diferente a la actual de ver
cine, de ir al cine cantando, gritando aplaudiendo... y
esos anuncios de antes. Mi parte preferida era cantar
el “Moooviereeecord!, tututututututu turururu tutututú!”
(seguro [y espero] que lo habéis leído musicalmente).
PHENOMENA DESDE DENTRO
acreditación (yo sieempre tengo el mismo dilema
entre “I’ll be back” o “Yippee-ki-yay”, por supuesto).
Otra cosa de ser voluntaria y que hay que reconocer
es poder ver (¡y a veces tocar!) las cosas que se
exponen en algunas ocasiones. Ventajas geniales
que te permiten tanto llevarte Kit Kats sobrantes
a casa como subirte a un DeLorean (y ver cómo lo
conducen) o coger la misma cámara que sale en
Regreso al Futuro. Sin olvidar los ratos divertidos que
pasamos todos simplemente colocando los posters y
fotocromos.
A partir de aquí me empecé a interesar más y finalmente
acabé viniendo de voluntaria. Mi primera sesión como
tal fue en San Valentín de 2013 (Pretty Woman + Dirty
Dancing) y fue alucinante. Primero tenía muchísima
vergüenza, pero me adapté y después incluso llegué a
llevarme bien con los walkies. Además, ayuda mucho
el grupo de voluntarios, con los que siempre hay buen
ambiente entre todos. Y esa es otra cosa que te llevas de
Phenomena siendo voluntario: a las personas, el equipo.
Pero claro está que lo de ver las películas gratis también
está muy bien. De hecho, he podido ver muchas que me
encantan en pantalla grande, que ya es decir, y con el
añadido del ambiente que todos conocemos de risas,
aplausos y gritos. Ya que, habiendo nacido en 1992,
difícilmente habría visto alguna de las proyectadas en su
momento. Además, con Phenomena he visto por primera
vez películas que han acabado siendo mis preferidas,
como Jungla de cristal o Terminator 2 (no me juzguéis
por no haberlas visto antes, las tenía pendientes).
Además, he vivido momentos muy divertidos estando
en el equipo Phenomena y me alegra mucho formar
parte de ello. Hemos pasado por algunas situaciones
extrañas y momentos interesantes, sobre todo por los
espectadores que vienen y algunos de sus comentarios.
Y los momentos de felicidad de la gente cuando repartes
cosas. Ya sea cuando daba Kit Kats en el Palau de
Congressos de Catalunya o cervezas en verano (que
por cierto, sacándolas del hielo un día ¡prácticamente
me congelé las manos!). Es divertido incluso el momento
en el que nos reunimos y hay que elegir la frase de la
En fin, que me encanta poder vivir la experiencia
cinematográfica que es Phenomena desde otro punto
de vista. Mucha gente me ha dicho en ocasiones
que “qué rollo”, que si no vale más la pena pagar la
entrada y ver las películas tranquilamente en vez de
estar por allí trabajando. Pero siempre digo que no,
porque nunca habría vivido nada de lo que he contado
o no de la misma forma que, repito, ¡es genial! He
conocido a mucha gente fantástica, y me refiero tanto
al equipo actual como también a algunos que ya no
están (¡que se echan de menos!). Y no sé, que es
diferente verlo desde dentro y me encanta ir, tratar
con el público y colaborar un poquito con Phenomena
Experience, sentirme dentro del proyecto. Y espero
poder continuar así mucho tiempo, porque me encanta
y lo paso fatal cuando no puedo asistir.
Así que no tengo nada más que decir a parte de...
¡Larga vida a Phenomena!
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Ahora, en plena expansión de las redes sociales, esta forma de consumir cine se ha modificado de forma tajante y ha crecido
un peldaño más en la dirección más alejada a la de ver Cine. Pretendemos o nos obligamos a consumirlo para opinar,
parece que nuestra opinión y desde luego comunicarla es más importante que dejarnos llevar por la película el tiempo
que esta lo requiera. Hemos sustituido el objetivo que es evadirnos por el de clasificar, comparar, ponernos por encima del
objeto/película/consumible.
Ahora somos más importantes que el propio Cine.
FIRMA INVITADA
VER CINE
por Enrique López Lavigne
ENRIQUE LÓPEZ LAVIGNE
Director, junto a Juan Cavestany, de
la comedia El asombroso mundo de
Borjamari y Pocholo y productor de films
de éxito como Lo imposible, Tres bodas
de más o El milagro de P. Tinto. López
Lavigne ha sido también el productor
habitual de algunos de los directores
españoles más interesantes de nuestro
cine actual como Julio Medem, Juan
Carlos Fresnadillo y Nacho Vigalondo,
apoyando también el debut en el
largometraje de nuevos talentos como
Eduardo Chapero-Jackson (Verbo).
Como guionista ha colaborado en el
guion de 28 semanas después y en la
idea original de Ladrones.
Escribir de cine es escribir sobre algo que no se puede
describir, es escribir sobre las emociones que recibes
a veces a través de un puñado de imágenes, a veces a
través de una interpretación…en muchas ocasiones es
algo imperceptible como una palabra o la forma de decir
o silenciar un pensamiento que te llega según tu estado
de ánimo…pero la mayoría de las veces ni siquiera somos
conscientes de cómo nos impactan esas imágenes sino
mucho más tarde de abandonar la sala oscura en la que
hemos permanecidos litúrgicamente hibernados…una
cuarentena que puede durar horas, meses, años…algo que
nos acompaña toda la vida y que influye en quienes somos.
Algo que crece con nosotros.
Quizás sea por eso que el cine en el Cine genera otro tipo de
sensaciones que las que percibimos cómodamente viendo
cine tumbados en un sofá…en un entorno bajo nuestro
control, lejos de la influencia hipnótica de los tiempos
muertos, a salvo de la violencia inesperada y protegidos por
la luz del sol o flexo, en una pausa entre bocata de anchoas
y la charla con los amigos…
En el tránsito tecnológico, hemos pasado de ver cine a
consumir cine y os aseguro que no es lo mismo. Hemos
pasado de sumergirnos en la sala oscura sin más
información que un título, un fotocromo descolorido y un par
de actores con seudónimo, a manejar toda la información…
más información de la necesaria, el mecanismo de sorpresa
ha desaparecido, somos un espectador que sabe más que
el espectador.
Parece que la profecía de Neil Young de que nunca ha habido más música que en la era digital y nunca se ha escuchado
peor que en esta revolución tecnológica, se ha trasladado también al cine… Nunca hemos visto más cine que ahora pero
también nunca lo hemos visto peor… y no hablo de dispositivos o micropantallas, formatos adulterados, calidad de imagen
pixelada o HD incompatible, remasterizaciones no aprobadas por quienes crearon estas películas… sino desde que ángulo
nos estamos acercando a la experiencia de ver una película, algo que no había cambiado tanto desde su origen, si aislamos
la irrupción de la televisión en los 50…un seísmo de 2 puntos en la escala de Richter comparado con el nuevo paisaje
audiovisual reformulado en el SXXI por la era Internet.
Peter O’toole enciende entre sus dedos una cerilla, observa con sus ojos clavados en la luz de la llama como esta, se
convierte en el sol balbuceante asomando detrás de una duna en el desierto, bajo los acordes de la música de Maurice
Jarre… la aventura de Lawrence de Arabia no volverá a ser la misma si no comprendemos la importancia de este plano, y
este plano no es desde luego el mismo, si no lo ubicamos en el contexto para el que fue creado en 1962.
Phenomena Experience, ese Delorean itinerante al que se suben los aventureros, esa máquina del tiempo que nos permite
volver a vivir esa experiencia por el placer de vivirlo más intensamente, lo ha puesto al alcance de unos pocos afortunados
tal y como fue pensado por David Lean…pensando para disfrutarlo, pensado para pensarlo, pensado para vivirlo…
para ver Cine
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PROGRAMACIÓN: JUNIO / JULIO
JUNIO 2014
SÁB
07
18h
BARCELONA
Palau de Congressos
de Catalunya
VOSE · 35mm
TRILOGÍA INDIANA JONES
En Busca del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981) 115 min.
Director: Steven Spielberg. Cast: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman
Año 1936. Indiana Jones es un profesor de arqueología, dispuesto a correr peligrosas aventuras
con tal de conseguir valiosas reliquias históricas. Después de una infructuosa misión en
Sudamérica, el gobierno estadounidense le encarga la búsqueda del Arca de la Alianza, donde
se conservan las Tablas de la Ley que Dios entregó a Moisés. Según la leyenda, quien las posea
tendrá un poder absoluto, razón por la cual también la buscan los nazis.
Indiana Jones y el Templo Maldito
(Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984) 118 min.
Director: Steven Spielberg. Cast: Harrison Ford, Kate Capshaw, Jonathan Ke Quan
1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local
nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un
accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un
pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados.
Indiana Jones y la Última Cruzada
(Indiana Jones and the Last Crusade, 1989) 127 min.
Director: Steven Spielberg. Cast: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody
En esta tercera entrega, el padre del protagonista (Harrison Ford), Henry Jones, también
arqueólogo (Sean Connery), es secuestrado cuando buscaba el Santo Grial. Indiana tendrá que
ir a rescatarlo y, de paso, intentar hacerse con la preciada reliquia, que también ambicionan los
nazis.
DOM
29
17h
MADRID
Cine Callao
VOSE · 35mm
TRILOGÍA INDIANA JONES
En Busca del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981) 115 min.
Director: Steven Spielberg. Cast: Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman
Año 1936. Indiana Jones es un profesor de arqueología, dispuesto a correr peligrosas aventuras
con tal de conseguir valiosas reliquias históricas. Después de una infructuosa misión en
Sudamérica, el gobierno estadounidense le encarga la búsqueda del Arca de la Alianza, donde
se conservan las Tablas de la Ley que Dios entregó a Moisés. Según la leyenda, quien las posea
tendrá un poder absoluto, razón por la cual también la buscan los nazis.
Indiana Jones y el Templo Maldito
(Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984) 118 min.
Director: Steven Spielberg. Cast: Harrison Ford, Kate Capshaw, Jonathan Ke Quan
1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones, tras meterse en jaleos en un local
nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante y su joven acompañante. Tras un
accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un
pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados.
Indiana Jones y la Última Cruzada
(Indiana Jones and the Last Crusade, 1989) 127 min.
Director: Steven Spielberg. Cast: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody
En esta tercera entrega, el padre del protagonista (Harrison Ford), Henry Jones, también
arqueólogo (Sean Connery), es secuestrado cuando buscaba el Santo Grial. Indiana tendrá que
ir a rescatarlo y, de paso, intentar hacerse con la preciada reliquia, que también ambicionan los
nazis.
JUE
19
20h
BARCELONA
Cine Comedia
VOSE · 35 mm
Batman (Batman, 1989) 121 min.
Director: Tim Burton. Cast: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger
La oscura y peligrosa ciudad de Gotham tan sólo se halla protegida por su corrupto cuerpo de
policía. A pesar de los esfuerzos del fiscal del distrito Harvey Dent y el comisionado de policía Jim
Gordon, la ciudad es cada vez más insegura hasta que aparece Batman, el Señor de la Noche.
Batman Vuelve (Batman Returns, 1992) 130 min.
Director: TIm Burton. Cast: Michael Keaton, Danny DeVito, Michelle Pfeiffer
Gotham City se enfrenta a dos nuevos y peculiares criminales: el diabólico y siniestro Pingüino,
una criatura solitaria y extrañamente deformada, y la hermosa y seductora -aunque letalmente
peligrosa- Catwoman. Batman se deberá enfrentar a Pingüino, que quiere convertirse en el amo
de la ciudad.
JULIO 2014
MAR
01
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
Tiempos Modernos (Modern Times, 1936) 89 min.
Director: Charles Chaplin. Cast: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman
Extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje, un obrero metalúrgico acaba perdiendo
la razón. Después de recuperarse en un hospital, sale y es encarcelado por participar en una
manifestación en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo,
ayuda a controlar un motín, gracias a lo cual queda en libertad. Una vez fuera, reemprende la
lucha por la supervivencia en compañía de una joven huérfana a la que conoce en la calle.
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PROGRAMACIÓN: JUNIO / JULIO
JULIO 2014
JUE
03
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
El Apartamento (The Aprtment, 1960) 125 min.
Director: Billy Wilder. Cast: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray
C.C. Baxter (Jack Lemmon) es un modesto pero ambicioso empleado de una compañía
de seguros de Manhattan. Está soltero y vive solo en un discreto apartamento que presta
ocasionalmente a sus superiores para sus citas amorosas. Tiene la esperanza de que estos
favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Pero la situación cambia cuando se
enamora de una ascensorista (Shirley MacLaine) que resulta ser la amante de uno de los jefes
que usan su apartamento (Fred MacMurray).
JUE
17
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VE · 35 mm
SESIÓN DOBLE HERMANOS MARX
Sopa de Ganso (Duck Soup, 1933) 70 min.
Director: Leo McCarey. Cast: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx
La República Democrática de Freedonia, un pequeño país centroeuropeo, a cuyo frente se
encuentra el muy liberal señor Rufus T. Firefly, se ve amenazada por la dictadura de Sylvania.
Una Noche en la Ópera (A Night at the Opera, 1935) 94 min.
Director: Sam Wood. Cast: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx
El extravagante sentido para los negocios de Groucho hace embarcar hacia Nueva York a las
grandes estrellas de la Ópera de Milan, con unos polizones inesperados a bordo: Harpo y Chico.
MAR
08
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
Ser o No Ser (To Be or not to Be, 1942) 99 min.
Director: Ernst Lubitsch. Cast: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack
Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Varsovia, durante la ocupación alemana. El profesor
Siletsky, un espía al servicio de la Gestapo, está a punto de entregar una lista con el nombre de
los colaboradores de la Resistencia. Joseph Tura, actor polaco, intérprete de Hamlet y esposo
de María Tura, también conocida actriz, intentará evitarlo. Con la ayuda de los actores de su
compañía, se hará pasar por el cruel coronel Erhardt y por Siletsky para entrar en el cuartel
general de las SS.
MAR
22
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
El Quinteto de la Muerte (The Ladykillers, 1955) 87 min.
Director: Alexander MacKendrick. Cast: Alec Guinness, Kate Johnson, Herbert Lom
En una casa aislada y próxima a las vías del tren vive la señora Wilberforce, una venerable
anciana que alquila dos habitaciones al misterioso profesor Marcus y a los cuatro miembros de su
siniestra banda de música.
JUE
10
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
Uno, Dos, Tres (One, Two, Three, 1961) 108 min.
Director: Billy Wilder. Cast: James Cagney, Pamela Tiffin, Horst Buchholz
Época de la Guerra Fría. C.R. MacNamara, representante de una multinacional de refrescos en
Berlín Occidental, acaricia desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la URSS. Sin
embargo, en contra de sus deseos, lo que su jefe le encarga es cuidar de su hija Scarlett, que
llega a Berlín esa misma tarde. Se trata de una díscola y alocada joven que, con dieciocho años,
ya ha estado prometida en cuatro ocasiones.
JUE
24
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
Las Joyas de la Familia (The Family Jewels, 1965) 100 min.
Director: Jerry Lewis. Cast: Jerry Lewis, Donna Butterworth, Sebastian Cabot
Cuando una pobre niña rica (Donna Butterworth) se queda repentinamente huérfana, se plantea
el problema de elegirle un tutor entre sus seis chiflados tíos (todos interpretados por Jerry Lewis).
La heredera, de nueve años, visita a cada uno de ellos para decidir cuál es el más idóneo. Pero el
proceso de selección no será sencillo, pues sólo uno de ellos es realmente sincero mientras que
a los demás lo único que les importa es la suculenta herencia de la niña.
MAR
15
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
Arsénico por Compasión (Arsenic and Old Lace, 1944) 118 min.
Director: Frank Capra. Cast: Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre
Un crítico teatral que acaba de casarse decide visitar a sus ancianas tías antes de marcharse de
luna de miel. Durante la visita descubrirá que las encantadoras viejecitas tienen una manera muy
peculiar de practicar la caridad.
MAR
29
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
Primera Plana (The Front Page, 1974) 105 min.
Director: Billy Wilder. Cast: Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon
Chicago 1929. Ewan Williams, convicto del asesinato de un policía, espera en la cárcel el
momento de su ejecución. Mientras tanto, en la sala de prensa del Tribunal Supremo, un grupo
de periodistas espera el indulto o la confirmación de la sentencia. Hiddy Johnson, el cronista de
sucesos del Chicago Examiner, que tendría que cubrir la información, está a punto de contraer
matrimonio y abandonar su trabajo; pero Walter Burns, el maquiavélico director del periódico,
empeñado en retenerlo, tratará de impedir su boda por todos los medios.
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PROGRAMACIÓN: JUNIO / JULIO
JULIO 2014
JUE
31
21h
BARCELONA
Cinemes Girona
VOSE · 35mm
La Fiera de mi Niña (Bringing Up Baby, 1938) 102 min.
Director: Howard Hawks. Cast: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles.
David Huxley (Cary Grant) es un paleontólogo tímido y despistado que está a punto de acabar
la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, del que sólo le falta una clavícula
intercostal. También está a punto de casarse con su anodina secretaria. En un partido de golf con
el abogado de una solterona millonaria, potencial mecenas del museo para el que trabaja, Huxley
conoce a Susan Vance (Katharine Hepburn), una joven adinerada y caprichosa que lo manipulará
para que no lleve a cabo ninguno de sus dos proyectos.
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