Descargar Programa - Centro Parraga
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INTRODUCCIÓN 6<br />
FORMACIÓN 8<br />
PROYECTOS DE FORMACIÓN 10<br />
Y COLABORACIÓN CON<br />
CENTROS EDUCATIVOS<br />
WORKSHOPS 26<br />
INVESTIGACIÓN 44<br />
PUBLICACIONES 54<br />
PROMOCIÓN Y DESARROLLO 62<br />
SOSTENIBLE<br />
TRABAJO EN RED 64<br />
PROGRAMA DE INTERCAMBIO DE 84<br />
ARTISTAS EN RESIDENCIA
Tres bloques conforman la estructura principal del programa,<br />
Proyectos de Formación y colaboración con<br />
centros educativos, Investigación y un tercero de<br />
Promoción y desarrollo sostenible.<br />
El primer objetivo planteado sigue siendo la formación<br />
y captación de nuevos usuarios de la creación escénica<br />
contemporánea -uno de los pilares en la vertiente<br />
más divulgativa de este espacio-.<br />
acción con centros educativos como vía para incentivar<br />
el consumo de productos culturales. El enfoque<br />
adoptado para el desarrollo de este incipiente plan<br />
en la C.A.R.M. nos lo ofrece el marketing de relaciones,<br />
que nos ha permitido desarrollar un modelo de<br />
marketing relacional para entidades de servicios de<br />
exhibición de artes escénicas en el que los centros<br />
educativos ocupan un lugar prioritario como agente<br />
de interés en la gestión.<br />
En los últimos años, cada vez es más frecuente oír hablar<br />
o leer sobre la I+D+i y la necesidad de promoverla<br />
en el sector de las artes escénicas. La creación de<br />
este plan de acción que se presenta bajo las siglas<br />
I+D+i, nace con la intención de ser un proyecto que<br />
incida en la investigación y fomente la promoción<br />
facilitando el desarrollo sostenible del sector escénico.<br />
Del mismo modo este programa aúna por primera<br />
vez y articula las actividades que ya en temporadas<br />
anteriores se venían realizando y que, al diferenciarlo<br />
claramente de la parte meramente ligada a la exhibición,<br />
ocupa un lugar relevante con la importancia y la<br />
dedicación que ha derivado indiscutiblemente en una<br />
mejora sustancial en cuanto a funcionalidad y rentabilidad,<br />
así la creación del plan I+D+i supone para el<br />
<strong>Centro</strong> Párraga una mayor adecuación a la necesidad<br />
del sector y una clara optimización de los recursos<br />
con los que cuenta el área de formación y promoción<br />
del <strong>Centro</strong> Párraga para la comunidad artística dentro<br />
y fuera de la Región de Murcia.<br />
La investigación y la docencia en las universidades<br />
están siempre muy unidas ya que la mayoría de los<br />
profesores realizan las dos actividades y muchos de<br />
los equipamientos se utilizan para ambos objetivos.<br />
Dado que los resultados de la investigación se aprovechan<br />
en la docencia y la información y la experiencia<br />
adquiridas en la enseñanza se pueden utilizar en la<br />
investigación, es difícil determinar con precisión dónde<br />
terminan las actividades de enseñanza y formación<br />
y dónde comienzan las actividades de I+D. La I+D se<br />
diferencia de la docencia rutinaria y del resto de las<br />
actividades por sus elementos novedosos. Realmente<br />
resulta muy difícil saber si hay que incluir en la I+D<br />
las actividades científicas que son subproductos de la<br />
enseñanza o de la formación<br />
En segundo lugar fomentar las Relaciones con <strong>Centro</strong>s<br />
Educativos como Estrategia para el Desarrollo<br />
de la Demanda Cultural dadas las peculiaridades que<br />
presentan los productos culturales, tanto en su creación<br />
como en su comercialización, ha desembocado<br />
en una fórmula de gestión que, en algunos casos,<br />
se desarrolla de espaldas a la sociedad, sin tener en<br />
cuenta que ésta constituye, en gran medida, su razón<br />
de ser. En este contexto, el trabajo de investigación<br />
desarrollado en España sobre una muestra de 3.010<br />
ciudadanos y 150 entidades escénicas viene a poner<br />
de manifiesto la necesidad de desarrollar planes de<br />
El sector de la exhibición de las artes escénicas, en<br />
sus distintas modalidades (teatro, danza, lírica y música<br />
en vivo), se está situando cada vez más dentro<br />
del punto de mira de disciplinas relacionadas con<br />
la gestión. La explicación de este fenómeno parece<br />
encontrase en una altamente difundida y acertada<br />
concepción de la cultura, que considera compatibles<br />
este tipo de actividades con planteamientos económicos<br />
y de gestión. A este respecto, cabría afirmar:<br />
qué las entidades escénicas producen un servicio<br />
ya que cuentan con unos clientes (audiencia) cuyas<br />
necesidades han de satisfacer, siendo los directores<br />
de estos espacios escénicos gestores de personas y<br />
recursos.<br />
El presente trabajo de investigación pone de relieve<br />
la importancia que presenta la educación en el desarrollo<br />
cultural de las sociedades modernas. Desde<br />
la perspectiva que nos ofrece su enfoque, se ha desarrollado<br />
un modelo adaptado a las peculiaridades<br />
específicas que presentan las entidades escénicas.<br />
Ésta perspectiva reconoce en el Sector Educativo<br />
uno de los grupos de interés clave en la gestión de<br />
las organizaciones culturales para el desarrollo de la<br />
demanda.<br />
En materia de promoción y desarrollo del sector escénico<br />
empresarial cabe señalar la intensificación en<br />
nuestra labor de posibilitar la producción y desarrollo<br />
de obra artística escénica, generando, tutelando, apoyando<br />
y facilitando la exportación de los productos<br />
escénicos, tanto de la Comunidad Autónoma de la<br />
Región de Murcia como de aquellas propuestas con<br />
las que el <strong>Centro</strong> Párraga colabora en la coproducción<br />
e intercambio de artistas en residencia a través<br />
de un intenso trabajo en red con otras instituciones<br />
del ámbito nacional e internacional.<br />
No hay que olvidar que para la sostenibilidad del sector,<br />
además de promover estrategias de adecuación<br />
de tamaño y de profesionalización para conseguir la<br />
competitividad, también es imprescindible apostar<br />
por el I+D+I con inversiones que permitan la rentabilidad<br />
a medio y largo plazo. Debemos tomar ejemplo<br />
del sector de la nueva creación escénica que siempre<br />
ha centrado una parte importante de su actividad en<br />
desarrollar lenguajes contemporáneos e interdisciplinares<br />
a través de la investigación y los procesos<br />
creativos sin depender de la explotación a corto plazo.<br />
La inversión en el corto plazo, no debe impedir<br />
la inversión en el medio y largo plazo que es la única<br />
garantía de futuro.<br />
Juan Nicolás<br />
Director del <strong>Centro</strong> Párraga<br />
06 07
FORM<br />
ACION
PROYECTOS DE<br />
FORMACIÓN Y<br />
COLABORACIÓN<br />
CON CENTROS<br />
EDUCATIVOS<br />
Con el presente programa el <strong>Centro</strong> Párraga convoca<br />
un espacio que desde la formación, y en estrecha<br />
colaboración con colectivos profesionales e instituciones<br />
académicas y docentes, contribuya a la reflexión,<br />
la investigación, la creación y la promoción en<br />
artes escénicas. Un programa que intenta contribuir<br />
a la proyección y el desarrollo de las artes escénicas,<br />
por medio, principalmente, de propuestas formativas,<br />
destinadas a la especialización complementaria de<br />
estudiantes y profesionales de la danza, el teatro y<br />
otros oficios vinculados a la práctica escénica y en las<br />
que se cuenta con reconocidos creadores y profesionales.<br />
Pero en el que, así mismo, tienen cabida proyectos<br />
educativos y divulgativos, en colaboración con<br />
centros de enseñanza artística y de secundaria; así<br />
como otras actividades, con las que difundir experiencias<br />
y trabajos realizados por alumnos y estudiantes,<br />
a través de las cuales el <strong>Centro</strong> Párraga promociona<br />
y contribuye en procesos que refuerzan y amplían el<br />
papel y la importancia de la cultura en la sociedad<br />
murciana actual. En la oferta formativa planteada se<br />
pretende un doble objetivo:<br />
Cumplimentar el curriculum académico de los estudiantes<br />
de enseñanzas escénicas y artísticas, y<br />
desarrollar la formación continua, tanto creativa<br />
como técnica, de los profesionales vinculados al<br />
sector.<br />
Promover la participación en procesos creativos y<br />
divulgativos relacionados con las artes escénicas y<br />
contemporáneas.<br />
Formar y captar nuevos públicos y futuros usuarios<br />
de la nueva creación escénica.<br />
Las propuestas aquí diseñadas se inscriben en una<br />
programación anual que no se limita a la oferta concreta<br />
de este periodo correspondiente a 2010, sino<br />
que recoge experiencias ya iniciadas en años anteriores,<br />
a la vez que desarrolla y pone en marcha actuaciones<br />
con declarada intención de continuidad y<br />
futuro.<br />
De todas las iniciativas, en cuanto a la formación se<br />
refiere, destacamos especialmente dos. Uno es el<br />
PROYECTO +MÓVILES–INMÓVILES, programa de<br />
iniciación a los nuevos lenguajes artísticos dirigido a<br />
estudiantes de secundaria y que ya va por su tercera<br />
edición. La otra apuesta formativa del <strong>Centro</strong> Párraga<br />
es el bloque c ompleto de Workhops, con el que se<br />
trata de vincular, y prolongar, la exhibición, en talleres<br />
y masterclass impartidos por los mismos artistas<br />
que muestran sus últimas producciones incluidas en<br />
la programación. Es un intento abarcar, en la medida<br />
de lo posible, todos los aspectos del proceso creativo<br />
y de producción, y en el que la representación es sólo<br />
la punta del iceberg.<br />
010 011
+Móviles -Inmóviles.<br />
<strong>Programa</strong> De Iniciación En Nuevos Lenguajes<br />
Artísticos Y Escénicos Para <strong>Centro</strong>s Educativos<br />
De La Región De Murcia.<br />
TEMPORALIZACIÓN:<br />
Febrero/Mayo 2010<br />
DESTINATARIOS:<br />
Jóvenes de 13 á 17 años,<br />
estudiantes de E.S.O. y Bachillerato.<br />
Tras dos ediciones con excelente acogida, + MÓVI-<br />
LES – INMÓVILES presenta una nueva propuesta,<br />
con el objetivo de continuar siendo un espacio interactivo<br />
de creación innovadora, abierto a los y las<br />
estudiantes de secundaria. La metodología elegida<br />
invita a participar en iniciativas y proyectos que recogen<br />
y reflexionan sobre el impacto de las nuevas<br />
tecnologías en la vida cotidiana y en los hábitos culturales,<br />
tratando de aplicarlas en intervenciones artísticas,<br />
y en las que alumnos/as intervienen de forma<br />
activa en los procesos.<br />
El programa está dirigido a los centros de secundaria<br />
que lo soliciten. Consiste en la elección de al menos<br />
uno de los cuatro siguientes proyectos:<br />
MULTIPLAYER. Realizado por Pedro Guirao<br />
HISTORIAS DEL ARTE. Realizado por Clara Boj<br />
LUX DREAMS 2.8. Realizado por Ana Romero<br />
_SCHOOL_SOUND TRACK. Realizado por José Perelló<br />
Estos proyectos dirigidos al alumnado de secundaria<br />
constan de una sola sesión para cada grupo participante,<br />
y se realizarán en los propios centros educativos.<br />
Además de los cuatro de participación libre, el<br />
programa incluye un proyecto, “La cuestión T”, asumido<br />
y desarrollado por un grupo de profesores de<br />
los siguientes institutos : IES La Flota de Murcia, IES<br />
Alquerías, IES Gil de Junterón de Beniel, IES Alfonso<br />
X de Murcia e IES Marqués de los Vélez de El Palmar.<br />
Una vez realizadas la totalidad de las sesiones y concluidos<br />
los proyectos se celebrará una muestra con<br />
los resultados en el <strong>Centro</strong> Párraga. Esta exposición<br />
se inaugurará, y estará abierta al público y a la visita<br />
de los participantes, a finales de mayo de 2010.<br />
12 13
UN OASIS DE SONRISAS.<br />
Hechizo Teatro.<br />
A través del proyecto Oasis de Sonrisas, llevado a cabo<br />
en Dajla, realizamos una primera toma de contacto con las<br />
diferentes asociaciones saharauis que llevan a cabo actividades<br />
culturales, lúdicas, etc en los campos de refugiados.<br />
En este proyecto cultural, teatral y solidario, se combinaron<br />
representaciones de teatro infantil (especialmente creado<br />
para este contexto), juegos en los colegios para niños de<br />
todas las edades, visitas a las diferentes instituciones educativas<br />
y culturales (para recabar información a la hora de<br />
hacer proyectos de continuación), así como talleres formativos<br />
en ocio y tiempo libre a mujeres.<br />
Para este proyecto “El Hechizo Teatro” usó como plataforma<br />
y nexo con el pueblo saharaui y sus necesidades a la<br />
ONG Amigos de Juan XXIII, sin la cual este proyecto no<br />
hubiera sido posible. Actualmente, seguimos colaborando<br />
con dicha ONG aunque ya hemos establecido nuestros<br />
propios contactos y eso favorecerá la comunicación con<br />
los usuarios, beneficiando y mejorando este nuevo proyecto.<br />
En este mismo sentido, hemos creado la asociación<br />
Oasis de Sonrisas, una asociación que canalice todo nuestro<br />
trabajo artístico dirigido a la cooperación y el desarrollo.<br />
De todo el trabajo realizado a través del proyecto Oasis de<br />
Sonrisas y del que aún nos queda por realizar, tenemos claro<br />
principalmente que si a este tipo de proyectos no se les<br />
da continuidad quedarán en meras experiencias pasajeras<br />
que no aportarán más que el placer de haber participado<br />
de ellas en su momento. La demanda que nos han transmitido<br />
los participantes, es que necesitan que volvamos,<br />
que sigamos llevándoles teatro y sobre todo formación<br />
para poder trabajar con y para los niños. Esta es nuestra<br />
principal premisa, volver no una, sino todas las veces que<br />
sean necesarias, para promover y ayudar a que el pueblo<br />
saharaui pueda ser artífice de su propia expresión cultural<br />
y teatral, para que puedan utilizar estas herramientas tan<br />
útiles a la hora de trabajar con niños, para aportar beneficios<br />
a la comunidad y, sobre todo para, que puedan seguir<br />
soñando con la libertad y sean los auténticos protagonistas<br />
de su propio espacio cultural.<br />
Es un proyecto que dará continuidad a las iniciativas puestas<br />
en marcha en 2009 relacionadas con la educación y la<br />
animación socio-cultural a través de actividades artísticas<br />
en el ocio y tiempo libre de los niños y jóvenes de los campamentos<br />
de refugiados del Sáhara. Así mismo, intenta<br />
llevar a cabo una labor cultural acercando el arte y, más<br />
concretamente, el teatro a la población de dichos campamentos.<br />
Oasis de sonrisas también es una manera de<br />
escuchar las diferentes propuestas que el pueblo saharaui<br />
tiene respecto a su propia promoción educativa y cultural,<br />
siendo así una plataforma para poner en marcha algunas<br />
de esas propuestas.<br />
Una de estas propuestas ha sido la de participar en el rodaje<br />
de una película escrita por un saharaui, en la que se narra<br />
toda la dramática historia de este pueblo. En este momento,<br />
la propuesta se encuentra en una fase muy temprana,<br />
pero intentaremos apoyarla para que se convierta en un<br />
proyecto real. Otra de las demandas nos llegó a través de<br />
la dirección del Colegio de Educación Especial de Dajla, la<br />
cual solicitó que hiciéramos allí algún tipo de actividad o taller<br />
relacionada con el teatro y que nos daba total libertad y<br />
apoyo para llevarlas a cabo. Esta propuesta se ha incluido<br />
en este nuevo proyecto.<br />
Propuesta de Actividades.<br />
Nuestra propuesta parte desde tres enfoques: campañas<br />
de sensibilización en Murcia, formación en actividades<br />
de ocio y tiempo libre para mujeres y niños saharauis y<br />
representaciones teatrales. SENSIBILIZACIÓN CON EL<br />
PUEBLO SAHARAUI El proyecto Oasis de Sonrisas no tiene<br />
sentido si no lo damos a conocer a nuestra sociedad.<br />
Para ello llevaremos a cabo actividades como muestras y<br />
exposiciones audio-visuales, donde daremos a conocer el<br />
trabajo realizado con nuestro primer proyecto de Oasis de<br />
Sonrisas a través diversos medios; una exposición fotográfica,<br />
video proyecciones, fiestas temáticas, y diversas<br />
formas de divulgación de nuestro trabajo y la experiencia<br />
vivida a través de los medios de comunicación.<br />
FORMACIÓN EN OCIO Y TIEMPO LIBRE Y ACTIVIDADES<br />
CULTURALES.<br />
Taller de dinámicas teatrales, formación de monitoras de<br />
ocio y tiempo libre.<br />
Se impartirán talleres para continuar la formación de las<br />
mujeres que trabajan en el ámbito infantil y juvenil, para<br />
favorecer su profesionalización y aportarles herramientas<br />
de cara al desarrollo de su actividad laboral. Actividades<br />
lúdicas y educativas para los niños de educación especial.<br />
Las actividades serán: juegos de estimulación, dinámicas<br />
teatrales sencillas, potenciación y estimulación de los sentidos,<br />
y diversos juegos adaptados a las necesidades de<br />
los alumnos.<br />
Representación del espectáculo teatral infantil “Oasis de<br />
Sonrisas”.<br />
Si fuera posible, se llevará a cabo la representación del espectáculo<br />
Oasis de Sonrisas, para acercar el teatro a aquellos<br />
niños que no pudieron verlo en nuestro anterior viaje.<br />
No obstante y, según las necesidades del proyecto y de<br />
los demandantes, esta actividad se podría cambiar por otra<br />
que fuera más versátil, como por ejemplo, un espectáculo<br />
de menor envergadura y que requiera menos recursos,<br />
como un cuentacuentos, juegos, etc…<br />
14 15
y ordenada para dirigirla al espectador, pues en la construcción<br />
de ese lenguaje está su autoría.<br />
Plantear cuestiones sobre el espacio, la sensación que<br />
produce y el carácter que transmite; y no su conceptualización,<br />
ya que el espacio se dirige más al subconsciente<br />
y a los sentimientos, que al intelecto…<br />
CONTENIDO FORMATIVO<br />
Primera Parte:<br />
INTRODUCCIÓN A LA<br />
DIRECCIÓN DE ARTE:<br />
EL ESPACIO COMO<br />
PERSONAJE.<br />
Víctor Molero, director de arte y escenógrafo teatral.<br />
En colaboración con la Escuela Superior de Arte y<br />
Diseño de Murcia (EASD).<br />
4, 5 y 6 MARZO<br />
El conocimiento sobre el oficio de un director de arte<br />
fuera del entorno cinematográfico es muy escaso. Son<br />
pocos los que saben en qué consiste esta labor, tan<br />
necesaria para desarrollar todo proyecto audiovisual.<br />
Conocerla y poder analizarla puede ser muy útil al enfrentarse<br />
como espectador o realizador a la obra audiovisual.<br />
OBJETIVOS<br />
Mostrar y familiarizar al alumno con toda la labor técnica<br />
y creativa que desarrolla un director de arte en la realización<br />
de un proyecto audiovisual (anuncio, serie, película,<br />
espacio escenico, etc.)<br />
Transmitir al alumnado distintos ejemplos del juego que<br />
se crea en toda narración visual al utilizar el concepto<br />
de la personalización del objeto o espacio, con la que el<br />
autor tiene la libertad de crear una gramática, elaborada<br />
1.Introducción: Concepto y definición de dirección de<br />
arte.<br />
2.Desarrollo de la labor técnica en un proyecto audiovisual:<br />
Organización de equipo, labores presupuestarias<br />
del departamento, relaciones entre los diferentes jefes<br />
del proyecto, etc.<br />
3.Terreno Multidisciplinar del trabajo: Los diferentes ámbitos<br />
que abarca el oficio: arquitectura, grafismo, estilismo,<br />
historia, diseño, etc.<br />
Segunda Parte:<br />
1.¿Qué espacio habita en la narración?: Comparación<br />
del planteamiento y proceso creativo entre el espacio<br />
cinematográfico y el espacio arquitectónico.<br />
2.Sintaxis de la escena: Algunos elementos de la imagen<br />
van directos al intelecto (significantes) o parte formal del<br />
signo. Relación entre significante y significado.<br />
3.El espacio como personaje. Las escenografias por<br />
las que circulan sus personajes afirman unas señas de<br />
identidad irrenunciables, capaces de integrarse de forma<br />
indisoluble con la personalidad y con las emociones de<br />
quienes las habitan….Por eso sus criaturas dialogan con<br />
los objetos que les rodean.<br />
PROFESORADO<br />
Victor Molero García. Director de Arte cinematográfico y<br />
Escenógrafo teatral. Su experiencia profesional en el cine<br />
incluye, entre sus últimos trabajos, la dirección artística de<br />
las películas “Los abrazos rotos” de Pedro Almodóvar y “The<br />
Way” de Emilio Estévez.<br />
DESTINATARIOS<br />
Personas interesadas en el medio cinematográfico y audiovisual.<br />
Profesionales o universitarios del mundo del<br />
arte o el diseño.<br />
METODOLOGÍA DIDÁCTICA<br />
Para desarrollar el programa de este taller se toman en<br />
consideración los siguientes aspectos fundamentales:<br />
La formación y acercamiento de los contenidos a la realidad<br />
de las personas destinatarias de la formación.<br />
La aplicación de una metodología participativa, eminentemente<br />
práctica, transmitiendo los contenidos a través<br />
de los ejemplos propuestos y las aportaciones de los<br />
asistentes.<br />
PROGRAMA Y HORARIOS<br />
Jueves, 4 de marzo, 17 h.- 18,30 h. Conferencia inicial<br />
Jueves, 4 de marzo, 19 h.- 21 h. 1ª Sesión Curso<br />
Viernes, 5 de marzo, 16,30 h. – 20,30 h. 2ª Sesión Curso<br />
Sábado, 6 de marzo, 10 h.- 14 h. 3ª Sesión y Cierre Curso<br />
16 17
PAISAJES VELADOS.<br />
Ópera de cámara.<br />
10 MAYO<br />
ESPACIO 0<br />
Conservatorio Superior de Música de Murcia<br />
Manuel Massotti Littel. Departamento de Composición.<br />
Con este proyecto pretendemos poner en práctica todos<br />
los conocimientos y experiencias que hemos ido adquiriendo<br />
a lo largo de nuestra formación académico-musical.<br />
Pretendemos componer una obra que suponga un ejercicio<br />
creativo que nos proporcione un proceso evolutivo respecto<br />
a los contenidos musicales compositivos estudiados<br />
a lo largo de nuestros estudios superiores de Composición<br />
Musical. Para ello, compondremos una ópera de cámara<br />
cuyo tema será el cambio climático. Deseamos con este<br />
proyecto realizar una llamada de atención sobre el grave<br />
peligro que corre nuestro planeta y las nefastas consecuencias<br />
que pueden sobrevenir si no adoptamos serias<br />
medidas conservacionistas.<br />
Relación del proyecto con el resto de las<br />
disciplinas y ámbitos educativos artísticos.<br />
Los alumnos de composición del Conservatorio Superior<br />
pretendemos crear un proyecto que ejemplifique<br />
la indisoluble unión de las diferentes disciplinas<br />
artísticas que comparten escena en la representación<br />
de una Opera. Nuestras aspiraciones creativas van<br />
más allá del mero trabajo compositivo, supone realizar<br />
un esfuerzo colectivo donde hacer participe a otros<br />
grupos de trabajo provenientes de escuelas de arte<br />
dramático, diseño, maquillaje, imagen, etc., que trabajen<br />
en colaboración con la música adecuándonos<br />
unos a otros y complementándonos en la puesta en<br />
escena de nuestra ópera de cámara.<br />
Presentar una obra de nueva creación fuera del ámbito<br />
exclusivo del conservatorio supone una oportunidad<br />
única para un alumno de Composición, y más si<br />
se trata de estrenarla en un centro de difusión de arte<br />
contemporáneo, como es el <strong>Centro</strong> Párraga.<br />
En primer lugar, y quizá la razón más importante de<br />
la consecución de este proyecto, es la adquisición de<br />
una experiencia musical singular para todos aquellos<br />
que participamos en el proyecto. Esta actividad nos<br />
ayudará a afrontar futuros retos creativos que se nos<br />
puedan presentar. Por otro lado, es también una buena<br />
oportunidad para dar a conocer nuestro trabajo y el<br />
estilo musical propio de cada uno de los componentes<br />
del grupo. La realización del proyecto supondrá<br />
un reto que pondrá a prueba nuestras capacidades<br />
creativas. Este trabajo no será un mero ejercicio de<br />
clase, sino que supondrá una proyección de puertas<br />
afuera ante un público diferente, dispuesto a escuchar<br />
nuestra obra.<br />
Música y libreto:<br />
Javier Pérez Garrido<br />
Marisa Acuña Fuentes<br />
Irene Oliva Andrés<br />
Dirección y coordinación:<br />
Sixto Manuel Herrero Rodes.<br />
18 19
MUESTRA DEL<br />
CONSERVATORIO<br />
PROFESIONAL DE<br />
DANZA DE MURCIA.<br />
Español, clásico y<br />
contemporáneo.<br />
12/13/14 MAYO<br />
ESPACIO 0<br />
21.00h<br />
E/L hasta completar aforo.<br />
Como en años anteriores, <strong>Centro</strong> Párraga colabora con<br />
el Conservatorio Profesional de Danza de Murcia en la<br />
muestra final de Danza en las especialidades de Español,<br />
Clásico y Contemporáneo. La caja escénica de <strong>Centro</strong><br />
Párraga (ESP0) se pone a disposición de las jóvenes<br />
propuestas del alumnado del conservatorio, germen y<br />
futuro de la danza de la Región de Murcia.<br />
El conservatorio.<br />
El Conservatorio Profesional de Danza de la Región de<br />
Murcia está situado en el centro histórico de la ciudad,<br />
formando parte de un conjunto histórico-artístico único<br />
formado por la Catedral, el Palacio Episcopal y el Ayuntamiento.<br />
Es un centro público dependiente de la Consejería<br />
de Educación de la Región de Murcia.<br />
La enseñanza reglada de la danza en Murcia nace a principios<br />
de los años cuarenta, formando parte hasta 1982<br />
del Conservatorio de Música y Declamación, y estando<br />
situado en las dependencias anejas al Teatro Romea.<br />
Durante cuarenta años éramos un único centro en el que<br />
estaban aglutinadas la Música, la Danza, el Arte Dramático<br />
y el Canto.<br />
En el año 1982 e produce la separación de estas enseñanzas,<br />
quedamdo por un lado el Conservatorio<br />
Superior de Música, y por otro la Escuela Superior de<br />
Arte Dramático y Danza, la cual se traslada al antiguo<br />
seminario de San Fulgencio, edificio de gran solera en<br />
nuestra ciudad, construido en el s.XVIII y utilizado como<br />
seminario hasta principio de los años 70.<br />
Cuando se produce la separación de las enseñanzas,<br />
el entonces Ministerio de Educación y Ciencia adquiere<br />
este edificio para albergar nuestra Escuela, y con unas<br />
pequeñas obras de acondicionamiento, comenzamos a<br />
impartir clases en Enero de 1983.<br />
En Noviembre de 1993, fecha en que se separan las disciplinas<br />
de Arte Dramático y de Danza académicamente,<br />
pero no físicamente, pues seguimos compartiendo<br />
edificio, se produce el traslado al centro sito en la Plaza<br />
Fontes, nº 2 y algunas aulas al Teatro Romea.<br />
Ese mismo año comienza la obra completa de rehabilitación<br />
del Seminario de San Fulgencio. Tras cuatro<br />
años, por fin, pudimos disfrutar de un centro con la infraestructura<br />
adecuada para las enseñanzas que en él<br />
se imparten.<br />
20 21
TERCERAS<br />
ESADGERACIONES.<br />
Escuela Superior de<br />
Arte Dramático de<br />
Murcia.<br />
17/20 MAYO<br />
ESPACIO 5<br />
21.00h<br />
Este festival mantiene la colaboración entre el <strong>Centro</strong><br />
Párraga y la Escuela superior de Arte Dramático de Murcia<br />
con el objetivo de seguir ofreciendo la oportunidad a<br />
sus alumnos de mostrar aquellas creaciones que se desarrollan<br />
a lo largo del curso académico y se enmarcan<br />
en las asignaturas de carácter eminentemente práctico.<br />
Se continúa así una necesaria relación entre los creadores<br />
que actualmente se están formando y este espacio<br />
destinado a fomentar la investigación y el desarrollo de<br />
las artes escénicas. Una de las líneas de actuación del<br />
<strong>Centro</strong> Párraga es proporcionar los recursos e infraestructuras<br />
necesarios para que los artistas escénicos que<br />
se forman en la región puedan dar a conocer sus inquietudes,<br />
sus preocupaciones o su particular visión de la<br />
escena contemporánea más incipiente.<br />
Esta iniciativa es fruto de una preocupación común ya<br />
que tanto la Consejería de Educación como la Consejería<br />
de Cultura de la Comunidad Autónoma de la Región<br />
de Murcia se hacen partícipes del apoyo y la intervención<br />
necesarias para facilitar la proyección y la prolongación<br />
en el tiempo de las actuales creaciones artísticas<br />
que los futuros profesionales del sector desarrollan en<br />
los centros superiores educativos.<br />
22 23
NOTA: Será de obligado cumplimiento para todos<br />
los participantes la presentación de originales de<br />
las partituras, así como del acompañamiento obligatorio<br />
de la parte pianística.<br />
3.- El tribunal estará constituido por al menos tres personas<br />
(siempre número impar) vinculadas al mundo profesional<br />
de la música pertenecientes o no al Claustro de<br />
profesores, actuando como Presidente el Director del<br />
<strong>Centro</strong> o persona en quien delegue.<br />
PREMIO JOVENES<br />
INTERPRETES 2010.<br />
CONSERVATORIO DE<br />
MÚSICA DE MURCIA.<br />
19 ABRIL / Edición Joaquín Riquelme.<br />
2 y 3 JUNIO / Edición Ginés Abellán.<br />
ESPACIO 0<br />
10.00h.<br />
E/L hasta completar aforo.<br />
1.- El Concurso está dirigido a todos aquellos alumnos<br />
del Conservatorio de Música de Murcia, tanto en las<br />
especialidades instrumentales como vocal, que hayan<br />
obtenido la calificación en el último curso de las Enseñanzas<br />
Profesionales de Música de nueve en su especialidad<br />
y de siete como nota media del resto de las<br />
asignaturas realizadas en dicho curso.<br />
4.- El fallo del tribunal será único e inapelable, dándose<br />
a conocer al término de la prueba. El tribunal concederá<br />
hasta un máximo de tres premios para todos los participantes.<br />
5.- PREMIOS. Los alumnos premiados obtendrán un<br />
cheque regalo consistente en un lote de partituras, discos,<br />
libros o diverso material musical que quedará distribuido<br />
de la siguiente forma:<br />
5.1- Primer Premio: cheque regalo por valor de 300€.<br />
5.2- Segundo Premio: cheque regalo por valor de 200€.<br />
5.3- Tercer Premio: cheque regalo por valor de 100€.<br />
5.4- La Vicedirección del centro promoverá para el<br />
próximo curso la realización de conciertos para los tres<br />
premiados con las distintas agrupaciones del conservatorio.<br />
6.- Todo lo anteriormente expuesto estará coordinado y<br />
dirigido por la Vicedirección del centro.<br />
7.- El plazo de inscripción finalizará el 19 de marzo de 2010.<br />
2.- En el Concurso se realizará una Audición de carácter<br />
público y consistirá en:<br />
2.1.- Interpretación de las obras o movimientos de las<br />
mismas propuestas por el propio aspirante, en las que<br />
se diferencien claramente al menos tres estilos musicales,<br />
hasta completar un mínimo de veinte minutos y<br />
un máximo de treinta minutos.<br />
24 25
WORKSHOPS
Taller basado en el concepto de la formación diaria<br />
en la Finca Internacional de Teatro de estudio de los<br />
actores de THE FARM IN THE CAVE - bajo la dirección<br />
de Viliam Docolomansky.<br />
WORKSHOP FARM IN<br />
THE CAVE.<br />
Expresión como una transmisión de la experiencia<br />
humana con Viliam Docolomansky.<br />
23, 24 y 25 de ENERO.<br />
ESPACIO 5. De 10:00h a 15:00h.<br />
50€<br />
La formación de los actores de THE FARM IN THE<br />
CAVE ha sido creada por los miembros del estudio,<br />
que han trabajado con la manifestación de las culturas<br />
minoritarias (canciones de cante jondo, rituales rutenos,<br />
flamenco, etc) Las viejas formas culturales han<br />
inspirado las expresiones modernas y la corporalidad<br />
del actor con un enfoque en la expresión como una<br />
transmisión de la experiencia aquí y ahora. La transmisión<br />
entre el espectador y el actor opera directamente:<br />
a través<br />
de la vibración de movimiento y de voz.<br />
En el taller, los participantes - a través de ejercicios<br />
físicos y el canto - alcanzará la práctica de las cualidades<br />
básicas: tierra, estrechamiento de la tensión de<br />
flujo tobera, saltando y trabajando el acento. Se trata<br />
de la apertura de la calidad de la vibración de la voz<br />
y el movimiento. Entonces, cada él/ella crea su propio<br />
partitura, donde aprenden a fijar tanto la forma externa<br />
como la red interna de los impulsos. Por medio de<br />
las estructuras de captura, se comunica con la pareja<br />
en el escenario. A través de “lenguaje corporal”, se<br />
articula la experiencia que<br />
no se puede capturar en palabras.<br />
El ejercicio versa sobre las cualidades básicas, así<br />
como la creación individual en el taller a fin de llegar<br />
a la pura expresión - más allá de las fronteras de la<br />
cultura, más allá de la llamada auto-expresión, más<br />
allá de las fronteras de nuestra propia determinación.<br />
28 29
EL CUERPO PRÓXI-<br />
MO (1,2,3…)(SOBRE<br />
LA NATURALEZA DEL<br />
INSTANTE O DIÁLO-<br />
GOS EMERGENTES<br />
DE LA MIRADA).<br />
Cia. Olga Mesa<br />
(Francia/España)<br />
Association Hors Champ / Fuera de Campo<br />
Acción MOV-HI<br />
15/21 FEBRERO<br />
Taller<br />
10.00-14.00h.<br />
30€<br />
El proyecto de taller-labOratorio <br />
ha ido surgiendo a través de mis creaciones<br />
escénicas, con la necesidad de construir espacios de<br />
transmisión y formulación, en diálogo in-situ con los<br />
procesos de pensamiento de mi escritura coreográfica<br />
y narrativa visual.<br />
Mi interés en proponer la mirada como práctica física<br />
emergente, introduce el cuerpo en un territorio interdisciplinar,<br />
vinculado a la experimentación de nuevas<br />
dramaturgias y la construcción de nuevos lenguajes.<br />
sitúa la presencia como práctica<br />
del instante aún sin descifrar, aún no necesariamente<br />
visible. Diálogos emergentes de la mirada, en<br />
donde el contenido se imprime a través del cuerpo<br />
humano y la naturaleza de sus decisiones: sus impulsos,<br />
sus dudas, sus deseos y transformaciones,<br />
aquello que necesita e intuye, aquello que se le escapa,<br />
aquello que experimenta de manera in-voluntaria.<br />
Percepción y fragilidad constante de la memoria, a<br />
partir de la presencia del otro.<br />
Construir un cuerpo próximo identificando los márgenes<br />
entre el espacio pre-verbal que lo sitúa, el espacio<br />
de decisión que lo desplaza, y el espacio de observación<br />
que lo aproxima a una realidad temporal más<br />
íntima y personal a compartir con el otro, revelando<br />
una presencia de lo visible.<br />
No estar ocupados en producir sentidos e intenciones,<br />
sino en hacer consciente la naturaleza de nuestra<br />
mirada y percepción a través del otro: cuerpo espectador,<br />
cuerpo desplazado, cuerpo en transición, cuerpo<br />
intuitivo, cuerpo al interior de otra mirada, cuerpo<br />
abandonado, cuerpo en espera, cuerpo in-esperado,<br />
cuerpo fragmentado, cuerpo periférico, cuerpo cinemato-gráfico.<br />
Dirigido a:<br />
Este laboratorio está dirigido a estudiantes avanzados,<br />
artistas emergentes, y creadores con experiencia,<br />
interesados en la investigación y los nuevos<br />
lenguajes del cuerpo, dentro de las artes escénicas,<br />
visuales y performativas. Se utilizará la escritura, y el<br />
soporte vídeo como estrategias de captación, amplificación<br />
y difusión de los diferentes planos y mecanismos<br />
de articulación puestos en práctica.<br />
Plazas limitadas para participantes: 12<br />
Plazas limitadas para oyente-espectador: 6<br />
Para inscribirse es necesario presentar una carta de<br />
motivación acompañada de un curriculum a la siguiente<br />
dirección joaquinmedina@conexioncultura.<br />
com. Se llevará a cabo una selección en función del<br />
número de solicitudes presentadas. Se dejará abierta<br />
la posibilidad de abrir el último día del laboratorio a<br />
personas interesadas en conocer el trabajo desarrollado.<br />
Olga Mesa<br />
Coreógrafa y artista visual.<br />
Olga Mesa nace en Avilés ( Asturias, 1962), en donde<br />
inicia sus estudios de danza ( con Catherine Rezard),<br />
y música clásica (1966-1978). En 1980 se traslada<br />
el Centre International de Danse Rosella Higthower,<br />
Cannes, Francia, en donde comienza a estudiar la<br />
30 31
danza contemporánea. Miembro fundador de la compañía<br />
Bocanada Danza dirigida por Blanca Calbo y La<br />
Ribot ( Madrid 1984-1988). Obtiene el segundo premio<br />
coreográfico y el premio al bailarín sobresaliente<br />
en el II Certamen Coreográfico de Madrid (1988). Se<br />
traslada a Nueva York con una beca en la Merce Cunningham<br />
Dance Studio, ciudad en la que reside durante<br />
tres años realizando sus primeras piezas cortas,<br />
y colaborando como intérprete con los coreógrafos<br />
Margarita Guerge y John Jasperse.<br />
Crea su propia compañía a su regreso a Madrid en<br />
1992, con la presentación de su primera pieza larga el<br />
solo Lugares Intermedios. En paralelo a sus creaciones<br />
escénicas, realiza sus primeras vídeo creaciones<br />
Lugares Intermedis¨ (1993) y Europas (1995), recibiendo<br />
este último vídeo el primer premio del Festival de<br />
Vídeo de Tondela, Portugal. Este víedo será selecionado<br />
para formar parte de la exposición itinerante Señales<br />
de vídeo : aspectos de la vídeocreación española<br />
de los últimos años (1995), <strong>Centro</strong> de Arte Reina Sofía.<br />
Posteriormente su producción visual se concentrará<br />
dentro del espacio escénico, en donde la cámara es<br />
una herramienta narrativa constante en su puesta en<br />
escena.<br />
A partir de 1996, sus creaciones se inscriben dentro<br />
de proyectos genéricos y temáticas : la trilogía del<br />
cuerpo Res , non verba¨ (las cosas, no las palabras)<br />
(1996-1999), y el proyecto Más público, más privado<br />
(2001-2008).<br />
En 1996 inicia su colaboración estrecha con el artista<br />
visual catalán Daniel Miracle con el solo estO NO<br />
eS Mi CuerpO¨. En colaboración estrecha con las coreógrafas<br />
Ana Buitrago, Mónica Valenciano, La Ribot,<br />
Blanca Calvo y Elena Córdoba, forma parte en la creación<br />
de los ciclos : UVI- La Inesperada, Piezas Cortas<br />
Hechas y Deshechas, Ciclo ¨Desviaciones, Situaciones<br />
: Universidad de Bellas Artes de Cuenca, favoreciendo<br />
el encuentro entre las diferentes prácticas y<br />
disciplinas artísticas, Madrid (1996-2000)<br />
Es invitada en Febrero de 2001 por el Thèatre de la<br />
Ville de Paris, para llevar a cabo la reposición del solo<br />
¨estO NO eS Mi CuerpO¨, iniciando un nuevo periodo<br />
de su creación actúal en Francia. Dirige por primera<br />
vez fuera de la escena, el solo ¨Le dernier mot¨, intepretado<br />
por el bailarín Marc Hwang, estrenado en el<br />
Festival de La Batie, en Ginebra, Suiza.<br />
En el año 2005 es invitada como artista residente durante<br />
dos años en el Teatro Pôle Sud, de Strasbourg,<br />
abriendo su trabajo de investigación con el intérprete<br />
a través de laboratorios, a partir de los cuales dirige el<br />
dúo ¨La danza y su doble¨ interpretado pos Sara Vaz<br />
y Aude Lachaise, y ¨Cuerpo en escena¨ (o los sueños<br />
no tienen título ?) interpretado por Beatriz Fernández ,<br />
del colectivo Las santas (Barcelona). Crea en ese mismo<br />
año la asociación ¨Hors Champ-Fuera de Campo¨<br />
en Strasbourg, ciudad en la que reside actualmente.<br />
Destaca en sus colaboraciones su participación en la<br />
realización del proyecto ¨Travellings¨ de La Ribot presentada<br />
en la South London Gallery de Londres, Marzo<br />
2003 , y la realización junto al artista visual Daniel<br />
Miracle y rel ealizador Raúl Alaejos (Neokinok Experimental<br />
TV), del filme documental y la instalación ¨ Le<br />
prochaine regard ¨ ( La próxima mirada¨).Strasbourg,<br />
2005-2006.<br />
En el verano 2007 es invitada como artista residente<br />
en el FRAC (Fondo Regional de Arte Contemporáneo)<br />
Metz, Francia, para llevar a cabo un comisariado a<br />
partir de las obras de la colección. La exposición llevara<br />
el título de su proyecto ¨Práctiques du (non) visible<br />
: en avoir le cœur<br />
( corps ) net¨ , presentando por primera vez su trabajo<br />
en forma de instalación con su proyecto ¨labOfil :<br />
Práctica1¨, ¨ y la instalación sonora ¨Código Secreto¨.<br />
Estrena su nueva creación escénica en solitario ¨Solo<br />
a Ciegas¨ (con lágrimas azules) en el el Teatro Culturgest<br />
de Lisboa en Marzo de 2008.<br />
Actualmente realiza la preparación su nuevo proyecto<br />
¨labOratorio-labOfilm¨, plataforma de creación itinerante<br />
(2009-2011).<br />
Sus obras han sido producidas y presentadas a<br />
través de festivales y extructuras de producción<br />
en España, Francia, Suiza, Portugal, Italia, Bélgica,<br />
Alemania,Austria, Gran Bretaña, Nueva York, Uruguay,<br />
Chile. Argentina y Brasil.<br />
32 33
MASTERCLASS CON<br />
LA COMPAÑÍA PEE-<br />
PING TOM.<br />
Joss Baker.<br />
6 MAYO<br />
ESPACIO 5<br />
9.30-14.30h.<br />
5h.<br />
20€<br />
Joss Baker comenzó a bailar a la edad de siete años<br />
con el Oxford Youth Dance. Empezó su entrenamiento<br />
en el Trinity-Laban Conservatorio de Música y Danza y<br />
continuó su formación en Bruselas, en P.A.R.T.S. (Performing<br />
Arts Research and Training Studios) Escuela<br />
que dirige Anne Teresa De keersmaeker. Sus obra de<br />
encargo incluyen la «criatura, el hombre no me digas”<br />
(2008) y un dúo con su padre, titulado “Feedback”<br />
(2009). También ha<br />
realizado en ‘En el proceso de ...’ (Zoi Dimitroi, 2009).<br />
Joss es actualmente un<br />
profesor invitado en el Trinity-Laban.<br />
Sobre el trabajo de Peeping Tom<br />
En Peeping Tom siempre tenemos presente la búsqueda<br />
de una cierta narración. Siempre está esa búsqueda<br />
de contar algo con esos jóvenes. Hacia dónde<br />
van a evolucionar. El aporte visual es fundamental en<br />
la propuesta de Peeping Tom. La imagen es lo primero<br />
que viene. Una imagen ultrarrealista, fortísima.<br />
34 35
CLOWN VERANO 2010<br />
Bufón y buscando al<br />
Clown. Creatividad y<br />
un Clown en la pista.<br />
21 JUNIO / 9 JULIO<br />
Conservatorio Profesional de Danza – <strong>Centro</strong> Párraga<br />
ESPACIO 3<br />
INICIACIÓN AL CLOWN<br />
21/ 25 JUN<br />
17:00 – 20:30h<br />
Conservatorio Profesional de Danza de Murcia.<br />
BUFÓN Y BUSCANDO AL CLOWN<br />
28 JUN/ 2 JUL<br />
10:30–13:30h y 16:00h–20:00h<br />
<strong>Centro</strong> Párraga<br />
CREATIVIDAD Y UN CLOWN EN LA PISTA<br />
5 / 9 JUL<br />
10:30–13:30h y 16:00–20:00h.<br />
<strong>Centro</strong> Párraga<br />
Según Pavis, “Comediante significa hoy al mismo<br />
tiempo, el trabajo del actor interpretando tragedia, comedia,<br />
drama o cualquier otro genero (…) El termino<br />
comediante agrupa a todos los artista de la escena”.<br />
Por lo tanto no solo “actores”, sino saltimbanquis,<br />
mimos, bufones, malabarista, magos… y como no: el<br />
clown.<br />
¿Por qué clown como preparación del comediante?<br />
Sin duda en el encuentro con el clown puede hallarse<br />
gran parte de la verdad en el ejercicio de la práctica<br />
interpretativa y en su búsqueda, el individuo encuentra<br />
gran información sobre si mismo como actor. Por<br />
ello, numerosas escuelas de arte dramático y centros<br />
de artes escénicas abren sus puertas a esta asignatura<br />
para convertirla en disciplina pedagógica. El clown<br />
basado en la pedagogía del juego es otro camino para<br />
llegar al conocimiento del individuo-actor, fomentando<br />
la espontaneidad y la creatividad. Para apoyarlo, este<br />
año introduciremos el Bufón, aportando así un alto<br />
nivel de juego entre los actores. Parodiaremos nuestra<br />
sociedad a través del cuerpo deforme, rompiendo<br />
la ética humana y sus valores. El placer de jugar y la<br />
improvisación, junto con la creación libre de los propios<br />
alumnos, serán nuestros pilares de trabajo, para<br />
afrontar con efectividad el encuentro con el público.<br />
INICIACIÓN AL CLOWN<br />
“¿Qué es el Clown? Es imposible definirlo porque un<br />
Clown es tan infinito como nuestros sueños” (Slava<br />
Polunin)<br />
Este curso de iniciación es para aquellos que quieran<br />
conocer e involucrarse en el mundo del clown y<br />
atreverse a dar sus primeros pasos. Pero antes comenzaremos<br />
el aprendizaje desde la ruptura con el<br />
ridículo, la torpeza,... y aprenderemos a aceptarlo.<br />
Cada ser humano tiene una faz ridícula, casi escondida<br />
por el orgullo y la presunción. Para vencer esta<br />
barrera y convertirla en un juego, pongámonos esa<br />
nariz roja que nos llevará a un mundo muy particular y<br />
veamos qué difícil es ser sencillo, ingenuo, vulnerable,<br />
desastroso...Y cómo el fracaso nos revela nuestra humanidad<br />
y el deseo de crear y recrear. El clown es un<br />
juego teatral que nos lleva a encontrar la espontaneidad,<br />
la libertad de jugar y de ser uno mismo. Va destinado<br />
a monitores, profesores, personas con experiencia<br />
o que hayan realizado cursos de arte escénica.<br />
BUFÓN Y BUSCANDO AL CLOWN<br />
Sesión de Mañana: Bufón<br />
Cada uno de nosotros se esconde un clown y como<br />
no, un bufón. La diferencia es que el público se ríe del<br />
clown porque esta abocado a la torpeza y al fracaso.<br />
El bufón es lo opuesto, se ríe del público porque todos<br />
fracasamos, se burla de la sociedad normal, de<br />
nuestra insignificancia y de nuestros triunfos sin tapujo.<br />
Estudiaremos la naturaleza del bufón medieval,<br />
sus cuerpos deformes, otros volúmenes, otras dimensiones<br />
y otras articulaciones experimentando la liber-<br />
36 37
-Va destinado a personas con experiencia de clown o<br />
hayan realizado el Nivel I<br />
VERANO 2010<br />
HORARIOS y PRECIOS:<br />
tad de expresarnos. Jugar con un cuerpo diferente al<br />
nuestro, el goce de la locura, los grotescos, la fantasía,<br />
el coro,… Buscar la burla y la parodia más refinada<br />
que los alumnos pueden encontrar una dimensión<br />
de juego a la altura de este reto, y se aventurará en el<br />
descubrimiento de lo oculto en él, habiendo vencido<br />
barrera de lo ridículo o lo absurdo, y encontrará por<br />
medio de su cuerpo facetas nuevas en su modo de<br />
sentir, jugar, actuar o interpretar.<br />
“Lo ideal es cuando un actor llega a su punto de tanta<br />
exposición que si da un paso más entra en ridículo,<br />
pero si da un paso meno no llega.” (Stanislavsky).<br />
Sesión de tarde: Buscando al clown<br />
Hay dos tipos de Clown: El primero se fundamenta en<br />
lo que uno tiene dentro de sí. Se proyecta desde el<br />
propio individuo. El sujeto es el germen del juego de<br />
la actuación. Como bien dice Jacques Lecoq “Uno no<br />
actúa como un clown, uno lo es”. En el segundo, el individuo<br />
toma al clown como un personaje. Yo apuesto<br />
por el primero, donde la autenticidad y personalidad<br />
del individuo son el fundamento del clown. Explorar<br />
la presencia y la sencillez del clown, buscar la simplicidad<br />
mediante el juego y la guasa, estar totalmente<br />
atentos y ser suficientemente modestos para empezarlo<br />
todo de nuevo. Veremos cómo de estos juegos<br />
pueden surgir diferentes estilos clownescos, pero antes,<br />
consigue reírte de ti mismo y ser sincero con lo<br />
que sientes y lo que haces. Cada individuo debe descubrir<br />
y alimentar su propia búsqueda, ese personaje<br />
evolucionará a medida que el alumno le encuentre el<br />
sentido y se acerque, desde él mismo, hacia su propio<br />
clown.<br />
CREATIVIDAD Y UN CLOWN EN LA PISTA<br />
Sesión de mañana: Creatividad<br />
El continuo juego de improvisación, desarrollado a nivel<br />
individual y colectivo, nos servirá de camino para<br />
despertad la creatividad, herramienta indispensable<br />
para el juego de clown.<br />
Sesión de tarde: Un clown en la pista<br />
“Encontrar tu payaso es una cuestión, la otra, saber<br />
qué hacer...”<br />
Trabajaremos las bases teatrales del clown y la búsqueda<br />
de cómo ser efectivos ante el público. Improvisación<br />
y espontaneidad son pilares para comenzar el<br />
juego de la presencia escénica, los ritmos, las pausas,<br />
la complicidad con el juego, el compañero y el público.<br />
La llamada cuarta pared, no existe en la pista ni<br />
en los diferente espacios escénico donde se posa un<br />
payaso, él estas en contactos directo y permanente<br />
con el público para atrapar un sonrisa.<br />
-Va destinado a personas con experiencia de clown o<br />
hayan realizado el Nivel II<br />
21 A 25 JUNIO<br />
Duración 18h. (17:00 – 20:30) Máximo de alumnos<br />
18.<br />
125 €<br />
28 DE JUNIO A 2 DE JULIO<br />
Duración 35h. (10:30 – 13:30 y 16:00 – 20:00)<br />
Máximo de alumnos 18.<br />
235 €<br />
5 A 9 DE JULIO<br />
Duración 35h. (10:30 – 13:30 y 16:00 – 20:00)<br />
Máximo de alumnos 16.<br />
235 €<br />
Antón Valén<br />
Se especializa en diferentes facetas teatrales con<br />
Jacques Lecoq, Norman Taylor, Antonio Fava, Philippe<br />
Gaulier, Michel Dallaire, Eric de Bont, Angela<br />
de Castro, Leo Bassi, Pierre Byland, Colombaioni,<br />
T.Complicite,… Ingresa en 1993 como profesor de<br />
interpretación gestual en la Escuela Superior de Arte<br />
Dramático de Murcia hasta 2002. Ha sido director de<br />
“Curso Internacional del Comediante” durante siete<br />
años. Dirige a varias compañías teatrales sobre commedia<br />
dell´arte y clown. En 2002 fue seleccionado por<br />
Slava Polunin para trabajar como clown en el espectáculo<br />
“Alegría” de Cirque du Soléil en una gira mundial<br />
hasta 2007. Creador y dirección de los nuevos números<br />
clownesco de “Alegría”. Colaborador artistico de<br />
“Pupaclown” Payasos de Hospital. Actualmente en<br />
preparación de una escuela estable, “Escuela del Comediante”<br />
Imparte cursos de técnica actoral, clown<br />
y bufón en diferentes ciudades de España, Portugal,<br />
México, Chile y Marruecos.<br />
+ Información e inscripción: www.antonvalen.com<br />
E-mail: delcomediante@gmail.com<br />
38 39
conocimientos pluridisciplinares necesarios para ser<br />
competitivos en el mercado laboral pudiendo afrontar<br />
retos de carácter artístico-expresivo en los diferentes<br />
contextos educativos donde la expresión corporal y la<br />
danza es el común denominador.<br />
III EDICIÓN DEL MAS-<br />
TER UNIVERSITARIO<br />
DE DANZA Y ARTES<br />
DEL MOVIMIENTO.<br />
UCAM.<br />
Para ellos contaremos con profesores y especialistas<br />
provenientes de la Corriente Teatral Grotowski – Barba,<br />
como Isabel Úbeda o Lluis Masgrau. La influencia<br />
directa de la Escuela de Lecoq con Kostas Philippoglou,<br />
profesionales del Cirque du Soleil como Antón<br />
Valén; Maestros del Clown como Erik de Bont, representantes<br />
de la Comedia del Arte como el maestro<br />
Antonio Fava y pedagogos de la Danza Contemporánea<br />
de la Escuela de Técnica Limon, Release, Contact<br />
Improvisation y del Butoh: Janet Novas, Lucio Baglivo,<br />
Joe Alegado, German Jauregui, Asun Noales, Angelique<br />
Willkie, German Jauregui, Rasmus Ölme, Pep<br />
Ramis forman parte de este elenco de profesores que<br />
estarán presente en esta Tercera Edición del Master<br />
Oficial en Danza y Artes del Movimiento.<br />
Este master está dirigido a titulados y profesionales<br />
de las artes escénicas y del movimiento, así como<br />
personas relacionadas con la actividad física y cualquier<br />
persona titulada universitaria de grado con gran<br />
inquietud artística y creadora.<br />
Para más información contactar con el departamento<br />
de postgrado de la Universidad Católica San Antonio<br />
de Murcia.<br />
Tlf. 968 278710 / 620339160<br />
email: postgrado@ucam.edu<br />
Actualmente las fronteras entre el ejercicio de la danza<br />
contemporánea, la expresión corporal y el teatro del<br />
movimiento se han diluido, puesto que el desarrollo de<br />
los caminos profesionales actuales en estos espacios<br />
requiere la adopción de una perspectiva pluridisciplinar<br />
y global. En este contexto, el Master en Danza y<br />
Artes del Movimiento se configura como un curso dirigido<br />
a formar a los profesionales del movimiento del<br />
siglo XXI, es decir, con las capacidades, habilidades y<br />
40 41
PREVENCION DE<br />
RIESGOS LABORALES<br />
EN LAS ARTES ESCE-<br />
NICAS<br />
Dirigigo por Juan Bay<br />
Guardiola.<br />
26, 27, 28 OCTUBRE/ 2, 3, 4 NOVIEMBRE<br />
ESPACIO 0<br />
50€<br />
riesgos específicos, ya que el sector posee una idiosincrasia<br />
muy específica y amplia a nivel de riesgos laborales.<br />
Curso básico de 30 horas (20 horas presenciales y 10<br />
semipresenciales) de acuerdo al RD 39/1997, Anexo IV,<br />
apartado B. Dentro del mismo hay 5 horas de riesgos específicos<br />
del sector.<br />
Certificación oficial de acuerdo al RD citado.<br />
Curso adicional de 10 horas de riesgos específicos del<br />
sector.<br />
Total: 40 horas.<br />
Impartidos por un técnico superior en prevención de riesgos<br />
laborales y un técnico especialista en el sector de las<br />
artes escénicas.<br />
Contenido del curso<br />
I.Conceptos básicos sobre seguridad y salud en el trabajo.<br />
II.Riesgos generales y su prevención.<br />
III.Riesgos específicos y su prevención en el sector correspondiente<br />
a la actividad de la empresa.<br />
IV.Elementos básicos de gestión de la prevención de riesgos.<br />
V.Primeros auxilios.<br />
El curso de Riesgos es<br />
pecíficos del sector, de 10h, tiene un contenido eminentemente<br />
práctico, desarrollado in situ, trabajando con los<br />
materiales propios de la disciplina.<br />
Los asistentes recibirán a la finalización un certificado oficial<br />
para el curso de 30h y uno adicional para el de 10h.<br />
Dado que la actual legislación establece derechos y obligaciones<br />
en todas las áreas, el curso cubre un vacío docente<br />
que existe a día de hoy. Persigue, por un lado, concienciar<br />
y abrir una puerta al mundo de la prevención para<br />
todos aquellos que no se han asomado aún, en un mundo,<br />
el de las artes escénicas, tan rico en este área y tan<br />
alejado en la práctica. Por otro, facultar a los asistentes<br />
para las funciones que les otorga la ley una vez realizado<br />
el curso de nivel básico, de acuerdo con el RD 39/1997.<br />
Curso dirigido a todos los profesionales vinculados con<br />
el mundo de las artes escénicas, desde técnicos hasta<br />
empresarios, pasando por actores, productores, etc.<br />
El paquete formativo está integrado por un curso básico<br />
de acuerdo a la legislación vigente y un suplemento de<br />
Juan Bay Guardiola es Licenciado en Ciencias Químicas<br />
por la Universidad de Murcia y Máster en Prevención de<br />
Riesgos Laborales, especialidades de Higiene y Ergonomía<br />
y Psicosociología.<br />
42 43
INVESTI<br />
GACIÓN<br />
Siguiendo las líneas de investigación que se iniciaron<br />
con la participación del <strong>Centro</strong> Párraga en ARCO<br />
2009 con el proyecto Buscando al Señor Goodbar<br />
de Michelle Teran dentro del programa Techformance,<br />
el Departamento de investigación, formación y<br />
desarrollo impulsará tres líneas de reflexión y trabajo:<br />
el sujeto virtual, el espacio no convencional y el<br />
cuerpo en movimiento.<br />
Raquel Labrador con su proyecto sobre el sujeto<br />
virtual “La aventura de la araña” reflexionará sobre la<br />
deriva que la implantación de las nuevas tecnologías<br />
ha supuesto en la identidad. Desde sus orígenes en<br />
el teatro griego, el personaje sólo se mostraba ocultándolo<br />
tras una máscara que fijaba y amplificaba<br />
la voz escondida, pero con la desintegración de las<br />
identidades congeladas que ha provocado internet<br />
y la implantación de las redes sociales surge el problema<br />
de cómo presentar una ausencia, cómo hacer<br />
audible la polifonía, las metamorfosis y las múltiples<br />
potencialidades que constituyen un sujeto cada vez<br />
más desdoblado, plural y en permanente mutación.<br />
La identidad se articula cada vez más teatralmente,<br />
como un texto coral que está en constante proceso<br />
de reescritura y borrado, como una forma vacía y casi<br />
abstracta. El sujeto ya no es algo oculto ni es otro,<br />
sino un despliegue infinito de sombras, de avatares,<br />
nicks, alias y perfiles. Estratos y capas superpuestas,<br />
instrumentos y aplicaciones que permiten tener una<br />
segunda vida en la red o pocoyizarse hasta que el yo<br />
es poco o nada. La propuesta de Raquel Labrador<br />
en el <strong>Centro</strong> Párraga quiere abordar la complejidad<br />
de este nuevo escenario e investigar en qué medida<br />
es posible aún representar lo individual –el sujeto- en<br />
medio de esta pluralidad que disgrega pero a la vez<br />
también construye el nuevo ámbito de la identidad.<br />
Pero esta transformación implica también una necesidad<br />
de repensar los espacios, de cartografiar territorios<br />
inexplorados y borrar fronteras. Esta es la tarea<br />
que abordan Abraham Hurtado y Vania Rovisco<br />
con su proyecto BOAW (bridge on a wall) que desarrolla<br />
un trabajo de investigación sobre el espacio no<br />
convencional. Alejado del estatismo de la escena, la<br />
sala, el museo y otros espacios tradicionales, BOW<br />
crea una plataforma, traza un marco o contexto participativo<br />
que permite el desarrollo de instalaciones<br />
y de dinámicas de interacción entre los artistas y un<br />
espacio en constante redefinición: un puente sobre<br />
el muro. Pero BOAW no es sólo una crítica sobre las<br />
compartimentaciones rígidas sino una reflexión sobre<br />
el espacio creativo como un espacio de transición,<br />
no busca pues un lugar al final del camino sino<br />
que entiende que es en el trayecto, en las redes e<br />
intercambiadores de vías, en los puentes y encrucijadas<br />
de lo social donde se encuentra ese nuevo<br />
territorio de posibilidades de actuación.<br />
Finalmente Olga Mesa una de las coreógrafas más<br />
relevantes de la escena española contemporánea<br />
abordará la tercera de las líneas de investigación<br />
del <strong>Centro</strong> Párraga -el cuerpo en movimiento- introduciéndonos<br />
en un territorio interdisciplinar en el<br />
que para redefinir una nueva mirada sobre lo corporal<br />
es esencial el contexto de lo audiovisual y la cámara.<br />
Entre la escritura coreográfica y la narrativa visual<br />
esta artista parte del concepto de “cuerpo próximo”<br />
-la presencia del otro- como motor de un diálogo.<br />
Es el cuerpo a través de sus impulsos, sus dudas,<br />
sus deseos y transformaciones el que genera un espacio<br />
íntimo en el que se revela un nuevo régimen<br />
de visibilidad. Entre el espacio pre-verbal que sitúa<br />
el cuerpo y el espacio de decisión que lo desplaza,<br />
Olga Mesa investiga los márgenes y las conexiones<br />
que constituyen el territorio frágil de la memoria intentando<br />
hacer presente el instante y las nuevas formas<br />
de movilidad y de presencia lo corporal.<br />
Javier Castro
A través del perfil del proyecto que abrí en myspace<br />
he construido una red de contactos con otros usuarios<br />
que he ido conociendo personalmente en visitas<br />
que he realizado a sus respectivas ciudades (Barcelona,<br />
Madrid, Sevilla y Valencia). Durante la entrevista<br />
contestan una serie de preguntas sobre su relación<br />
con las redes sociales de Internet, les tomo una foto y<br />
les pido que se identifiquen con un objeto. En la ins-<br />
46 47<br />
talación se muestran las encuestas respondidas por<br />
estos colaboradores, sus fotos y el objeto con el que<br />
se identificaron.<br />
LA AVENTURA DE LA<br />
ARAÑA.<br />
Raquel Labrador.<br />
Comisariado: Ana García<br />
Alarcón – ARENA.<br />
4/28 NOVIEMBRE<br />
ESPACIO 5<br />
Con este proyecto me sumerjo en el mundo de las comunidades<br />
virtuales, combinando la acción, internet<br />
y la instalación para realizar una investigación sobre<br />
este fenómeno social a través de una propuesta artística.<br />
Mi objetivo es el de establecer una comparación<br />
entre la información que los usuarios nos dejan ver en<br />
su perfil virtual y la que nos muestran como personas<br />
físicas en un contexto cotidiano.<br />
En redes como MySpace, la gente construye su perfil,<br />
elaborando una imagen, mostrando datos personales<br />
y presentando sus intereses, gustos y experiencias.<br />
Estos espacios permiten construir modelos de uno<br />
mismo muy específicos y marcados, que rozan en<br />
ocasiones la caricatura y que van a cambiar nuestra<br />
percepción de los modelos identitarios.<br />
Elegí MySpace como plataforma para este trabajo<br />
dado su acceso libre, sin necesidad de registro y por<br />
su flexibilidad a la hora de personalizar los perfiles de<br />
usuarios, lo que proporciona una mayor libertad para<br />
customizar y por lo tanto, construir un modelo con el<br />
que presentarse a los demás.<br />
Esta herramienta me permite además establecer una<br />
conexión directa con los usuarios de estos espacios,<br />
y cumplir así uno de mis objetivos, que es el de abrir<br />
mis trabajos a un público fuera del ámbito artístico,<br />
usando el formato web no sólo como medio de comunicación,<br />
sino también como medio de transformación<br />
de los modos de producción y distribución artística.<br />
Observando la gran repercusión que Internet tiene en<br />
nuestra sociedad actual, sobre todo con el impacto<br />
de los nuevos espacios de comunicación virtual; creo<br />
que mi papel como artista está en utilizar los medios<br />
que tenemos a disposición y descubrir sus posibilidades<br />
para la difusión y permeabilización del arte en<br />
la sociedad para conocer más a fondo la realidad de<br />
éstos.<br />
www.myspace.com/laaventuradelaaranya
BOAW<br />
(Bridge on a wall).<br />
Abraham Hurtado<br />
y Vania Rovisco.<br />
8/18 MARZO<br />
ESPACIO 5<br />
Bridge on a Wall (BOAW) es un proyecto creado por<br />
Abraham Hurtado y Vania Rovisco cuyo objetivo es<br />
tanto construir “creaciones en proceso y en directo”<br />
o “Live Installations” como experimentar en colectivo,<br />
a través de colaboraciones con artistas y con la<br />
experiencia del público. Proponemos una investigación<br />
conjunta con otros artistas, y con el contexto en<br />
el sentido más espacial del término. Al conformarse<br />
nuestro trabajo en un espacio, el cual nos acoge y estructura<br />
variadamente en cada intervención, tomamos<br />
ese marco espacial como parte integral de nuestra<br />
presentación.<br />
De esta forma, cada presentación de BOAW resulta<br />
una construcción en vivo y en directo, en proceso y<br />
en espacio, diferente en cada ocasion.<br />
Dentro de cada intervención, los artistas invitados<br />
tienen un objeto sólido (musical, plástico o material)<br />
que puede formar parte de la composición de BOAW.<br />
Nuestra intención no es alterar el núcleo del objeto en<br />
cuestión, sino más bien que los trabajos emerjan en<br />
la plataforma ofrecida por BOAW y que se fusionen<br />
y emanen procesos de ellos así dispuestos uno junto<br />
al otro.<br />
Otro punto central de BOAW es nuestro interés en investigar<br />
las formas posibles de una “Live Installation”<br />
o una instalación en vivo y en directo. “Live Installation”<br />
significa que los trabajos se componen en secuencias<br />
que se repiten. En cada intervención BOAW<br />
provee la dramaturgia o composición a los artistas /<br />
colaboradores, creando así el todo de esta intervención<br />
“ Live Installation”<br />
La propuesta de trabajo resulta para BOAW de un interés<br />
incomparable. Este proyecto despierta nuestra<br />
curiosidad como artistas, en tanto que representa la<br />
oportunidad para explorar esas condiciones espaciales,<br />
y también encarna la oportunidad para realizar un<br />
intercambio: conocer artistas y estudiantes locales,<br />
y compartir con ellos las herramientas que venimos<br />
desarrollando.<br />
En esta intervención en el <strong>Centro</strong> Párraga contaremos<br />
con artistas que vienen desarrollando una colaboración<br />
estrecha con BOAW así como artistas locales y<br />
estudiantes de varios centros de Arte en Murcia.<br />
Bridge on a Wall pertenece a la Plataforma AADK,<br />
Aktuelle Architektur Der Kultur fundada en Berlín en<br />
2009.<br />
48 49
La mirada próxima es un acercamiento al trabajo de<br />
Olga Mesa, que ofrece la posibilidad de conocer dos<br />
de sus solos más importantes pero también de adentrarse<br />
en la trayectoria y en la metodología de trabajo<br />
de una de las coreógrafas más relevantes de la escena<br />
española contemporánea.<br />
Conferencias<br />
Conferencia 1. Irene Filiberti<br />
Conferencia 2. Maguy Marín<br />
Conferencia 3. Ana Isabel Santos Strindberg<br />
LA MIRADA PRÓXIMA.<br />
Cía. Olga Mesa / Association<br />
Hors Champ-<br />
Fuera de Campo<br />
(Francia-España).<br />
Septiembre 2010.<br />
Los solos son dos nodos desde los que es posible<br />
definir sendos períodos de un itinerario creativo que<br />
al mismo tiempo coinciden con dos períodos culturalmente<br />
diferenciados. El disfrute sensible e intelectual<br />
derivado de la presentación de los solos se verá así<br />
completado por la posibilidad de leer desde diversos<br />
ángulos la evolución de un lenguaje y de una estética<br />
personal, la transformación de la práctica coreográfica<br />
en las últimas décadas y los cambios en el contexto<br />
de producción y exhibición español y europeo.<br />
Laboratorio<br />
Taller de trabajo de Olga Mesa con intérpretes de la<br />
Región de Murcia.<br />
Duración: de una semana, 4 horas diarias.<br />
El primer taller está programado del 15 al 20 de febrero<br />
de 2010. Según el resultado de esta sesión de trabajo,<br />
se decidirá si se harán a continuación 2 ó 3 otros<br />
talleres en los cuales Olga Mesa realizará un seguimiento<br />
del proceso creativo del grupo de intérpretes,<br />
para, si resulta oportuno, llevar a cabo en octubre de<br />
2010, dentro de La mirada próxima, una presentación<br />
pública del trabajo de investigación realizado.<br />
Irene Filiberti, periodista y crítica de danza.<br />
Maguy Marín, coreógrafa, nació en Toulouse, Francia,<br />
en cuyo conservatorio recibió su formación básica y<br />
se perfeccionó en París. En 1970 ingresó en la Escuela<br />
Mudra, que dirigía Maurice Béjart y luego se incorporó<br />
a la compañía de éste, el Ballet del Siglo XX.<br />
Creó su propia compañía en 1970, el Ballet-Théatre<br />
de l´Arche. Hasta el momento ha creado 40 coreografías,<br />
algunas de ellas para óperas, entre las que<br />
cabe mencionar “Evocation” (1977, Primer Premio de<br />
Nyon), “Contrastes” (1980, para el Ballet de l´Opéra<br />
de Lyon), “Cortex” (1991), “Made in France” (1992,<br />
para el Nederlands Dans Theater), el solo “Soliloque”<br />
(1995, en el teatro Chaillot de París) y, entre otras, la<br />
que le valió su consagración internacional, “May B”,<br />
estrenada en Angers en 1981. En la actualidad dirige<br />
el centro coreográfico de Rillieux-la pape.<br />
Ana Isabel Santos Strindberg (Stockholm, 1968). Entre<br />
1996 y 2003 fue asistente de dirección de Joao<br />
César Monteiro para los largometrajes Le Bassin de<br />
John Wayne, As Bodas de Deus, Branca de Neve y<br />
Vai e Vem. Esos últimos años fue programadora de<br />
los festivales Amascultura Documentary Film Festival<br />
en Portugal y Doclisboa, el festival Internacional<br />
de documental de la ciudad de Lisboa. Es también<br />
responsable de la programación del <strong>Centro</strong> Cultural<br />
Malaposta y miembro del comité directivo del Apordoc,<br />
la asociación portuguesa de Documental.<br />
Mesa redondas<br />
Mesa Redonda 1. Mónica Valenciano, La Ribot y Olga<br />
Mesa<br />
Mesa redonda 2. Francisco Ruiz-Infante y Susana<br />
Tambutti (sobre la obra de Olga Mesa)<br />
Susana Tambutti es miembro del Tribunal Académico<br />
del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) en<br />
Argentina. Es coordinadora del Cuerpo de Gestión del<br />
Instituto de Investigación de las Artes del Movimiento<br />
y Codirectora, junto a Margarita Bali, de la Compañía<br />
de Danza Nucleodanza. Es profesora titular de la cátedra<br />
Teoría General de la Danza en la carrera de Artes<br />
de la Universidad Buenos Aires y Profesora Titular de<br />
la cátedra Historia Social del Arte y el Espectáculo en<br />
el IUNA. Fue Asesora Artística del Festival Internacional<br />
de Teatro y Danza de la Ciudad de Buenos Aires<br />
(2003, 2005, 2007).<br />
Francisco Ruiz de Infante es un videoartista español<br />
nacido en Vitoria-Gasteiz en 1966. Francisco Ruiz de<br />
Infante pertenece a una generación de artistas cuya<br />
sensibilidad está marcada por el encuentro y la confrontación<br />
de la tecnología con otros materiales muy<br />
simples. En sus obras combina, sin complejos, dispositivos<br />
tecnológicos y bricolaje de urgencia. Casi<br />
siempre efímeras, sus construcciones son el resultado<br />
de una experiencia “in situ” llevada al límite. En<br />
su concepción del espacio expositivo, predomina la<br />
noción de “recorrido” o de circuito. Así pues, elabora<br />
pasajes, caminos, túneles, puertas...: rituales físicos<br />
de acceso hacia sus “frágiles arquitecturas” a medio<br />
camino entre la construcción y la ruina.<br />
50 51
Con Solo a ciegas, Olga Mesa inicia una nueva etapa<br />
en su trayectoria creativa. Un retorno a la teatralidad<br />
en el formato, pero una teatralidad atravesada más<br />
que nunca por referencias extra-escénicas: lo cinematográfico<br />
y lo sonoro adquieren una importancia<br />
enorme. La tensión de ambos elementos con el cuerpo<br />
arrojado (desnudo, ciego, pero siempre subjetivo)<br />
sitúa a la coreógrafa-intérprete en el lugar donde demostrar<br />
su madurez plena.<br />
Actuaciones en vivo<br />
Suite au dernier mot : au fond tout est en surface.<br />
Solo acompañado (2003)<br />
La Suite es un solo en blanco, marcado por la reflexión<br />
sobre la mirada y la memoria, atravesado de<br />
referencias cinematográficas y poéticas, pero también<br />
de autocitas y autorreferencias.<br />
La obra coloca el cuerpo en un reino de funciones<br />
y aplicaciones designado por Olga Mesa con el término<br />
“coreograma”. Más allá del mero significado<br />
de un movimiento, palabra o imagen, Olga explora<br />
cómo estos elementos se conectan, aparecen y llegan<br />
a ser visibles. En esta pieza, los textos definen,<br />
de una forma muy sutil, las conexiones entre realidad<br />
y ficción, entre representación y confrontación,<br />
permitiéndonos ver un paisaje de situaciones inexistentes.<br />
Gradualmente, estos textos construirán una<br />
memoria del momento, una memoria de lo cercano.<br />
Olga Mesa crea un poema documental biográfico en<br />
este espacio intermedio entre la memoria, su experiencia,<br />
su expresión y su presentación.<br />
Charlas de Olga Mesa con el público<br />
Después de cada actuación habrá una charla de Olga<br />
Mesa con el público de 30-40 minutos.<br />
Instalación audiovisual<br />
Instalación permanente de obras en vídeo con dispositivo<br />
audiovisual Neokinok en bucle. Un conjunto<br />
de piezas reuniendo los solos, piezas de grupo, creaciones<br />
para intérpretes y creaciones audiovisuales de<br />
Olga Mesa, para ofrecer un panorama amplio y completo<br />
de la trayectoria de la coreógrafa.<br />
Proyección fílmica<br />
Proyección de una película de João César Monteiro,<br />
un director cuya producción tiene una gran influencia<br />
en la obra de Olga Mesa. Con esta proyección la coreógrafa<br />
desea homenajear al singular cineasta portugués<br />
e ilustrar el estrecho vínculo entre su obra y la<br />
del cineasta.<br />
Queda por definir la obra que se proyectará: Le Bassin de John Wayne<br />
(1997) o Silvestre (1982).<br />
Solo a ciegas con lágrimas azules (2008)<br />
Tras una larga investigación sobre la mirada, Olga<br />
Mesa cierra los ojos. La coreógrafa de los ojos cerrados<br />
no puede ver y las imágenes que crea no son<br />
para ser vistas: si en la danza conceptual la visión<br />
imaginaria sustituye la inmediatez estética del cuerpo<br />
en movimiento, en la “danza a ciegas” de Olga<br />
Mesa, es el tacto imaginario el único sentido que<br />
permite un vínculo directo entre el espectador y el<br />
artista.<br />
52 53
PUBLICACIONES.<br />
El <strong>Centro</strong> Párraga inicia una serie de publicaciones<br />
sobre artes escénicas coherente con la apuesta por el<br />
pensamiento y la investigación en este ámbito. Creemos<br />
que se trata de una iniciativa necesaria, dada la<br />
muy escasa disponibilidad en castellano de textos<br />
que son referencia para la comprensión de la creación<br />
escénica contemporánea así como la producción de<br />
crítica y pensamiento desde el contexto cultural en<br />
el que trabajamos. Esta línea editorial se suma a las<br />
iniciadas por el Mercat de les Flors, el <strong>Centro</strong> Coreográfico<br />
Galego o la Universidad de Salamanca en el<br />
esfuerzo de aproximar la investigación y la reflexión<br />
sobre la práctica escénica a estudiantes, profesionales,<br />
artistas e interesados en los problemas que el<br />
teatro, la danza, el arte de acción y otras artes del<br />
tiempo proponen.<br />
José Antonio Sánchez
SEMINARIO<br />
INTERNACIONAL NUE-<br />
VAS DRAMATURGIAS.<br />
<strong>Centro</strong> Párraga<br />
/CENDEAC.<br />
23/24 Noviembre 2009.<br />
Con el apoyo del Instituto Ramón Llull, COAMU,<br />
la Universidad de Murcia y la Escuela Superior de<br />
Arte Dramático de Murcia.<br />
Libro colectivo que recoge algunos textos presentados<br />
durante el “Seminario Internacional sobre Nuevas<br />
Dramaturgias” (noviembre 2009), a los que se añaden<br />
reflexiones de otros artistas y teóricos sobre el<br />
tema. En el libro se reflexiona sobre el significado del<br />
concepto de dramaturgia y sobre la efectividad de su<br />
práctica en diversos ámbitos artísticos y en su relación<br />
con el movimiento, la tecnología o la realidad. Incluye<br />
aportaciones de Mario Bellatín, Pablo Caruana,<br />
Juan Domínguez, Adrian Heathfield, Yaiza Hernández,<br />
Hans Thies Lehman, André Lepecki, Angélica Liddell,<br />
Bonnie Marranca, Quim Pujol, José A. Sánchez y Daniel<br />
Wetzel.<br />
Fecha prevista de aparición: septiembre 2010.<br />
56 57
TEATRO<br />
POSTDRAMÁTICO de<br />
Hans Thies Lehmann.<br />
El Postdramatisches Theater (1999) del prof. Hans-<br />
Thies Lehman es un libro fundamental para la teoría<br />
de las artes escénicas contemporáneas. Su propuesta<br />
consolida un estudio de los fenómenos escénicos que<br />
prioriza la re/presentación (Aufführung) como objeto<br />
central, es decir, el momento de la actuación, de la<br />
acción, de la manifestación sensible y compleja de lo<br />
escénico, pero también, la situación de co-presencia,<br />
la responsabilidad del espectador y del diálogo creador-espectador<br />
en la configuración de lo escénico o<br />
lo performativo. Lehman introduce una serie de categorías,<br />
a partir del análisis de numerosos trabajos escénicos<br />
contemporáneos, que permiten abrir nuevos<br />
campos metodológicos para la comprensión, la crítica,<br />
la producción y la programación de piezas escénicas.<br />
Fecha prevista de aparición: marzo 2011.<br />
José Antonio Sánchez.<br />
58 59
RADIOGRAFÍA.<br />
Mario Bellatín.<br />
A lo largo del Seminario Internacional sobre Nuevas<br />
Dramaturgias el escritor mexicano Mario Bellatín reunió<br />
en <strong>Centro</strong> Párraga a quince personas que formaron<br />
el taller Radiografía. Entre ellos escritores de<br />
novela y poesía, autores de obras teatrales, periodistas<br />
y estudiantes, que prepararon durante esos días<br />
los textos que conformarán un libro conjunto con las<br />
directrices que ellos mismos fueron marcando. Según<br />
Bellatín su trabajo en este taller consistió en “dirigirlos<br />
sin dirigir, estar presente sin que se me vea, para que<br />
las iniciativas e ideas de los participantes puedan fluir<br />
de forma natural”.<br />
Mario Bellatín, nació en México DF (1960) de padres<br />
peruanos. Estudió Teología y Ciencias de la Comunicación<br />
en la Universidad de Lima, donde publicó sus<br />
primeras novelas. Más tarde viajó a México, dónde<br />
edita, entre otras, Flores (Premio Xavier Villaurrutia,<br />
2002) y Lecciones para una liebre muerta (2005). Ha<br />
sido director del Área de Literatura y Humanidades de<br />
la Universidad del Claustro de Sor Juana y es miembro<br />
del Sistema Nacional de Creadores de México.<br />
Considerado como un novelista experimental, sus novelas<br />
plantean un juego lúdico entre realidad y ficción,<br />
con ninguna referencia biográfica, matizados con protocolos<br />
apócrifos, crónicas, biografías o documentos<br />
científicos, provocando así situaciones inverosímiles<br />
e incluso graciosas. Su obra ha sido traducida al alemán,<br />
inglés y francés y ha aparecido en varias antologías.<br />
La narrativa de Mario Bellatín es estudiada en<br />
diversas universidades de los Estados Unidos y ha<br />
sido motivo de tesis en ese país, América Latina y España.<br />
Actualmente, Bellatín dirige la Escuela Dinámica<br />
de Escritores en el Distrito Federal.<br />
60 61
PROMOCIÓN Y<br />
DESARROLLO<br />
SOSTENIBLE
TRABAJO EN RED<br />
Como resulta comprensible, las finalidades del <strong>Centro</strong><br />
Párraga no se agotan en la de ser mero espacio<br />
programador y exhibidor de espectáculos, sino que<br />
se asume, de manera muy especial y prioritaria, la<br />
responsabilidad, común a otros <strong>Centro</strong>s y entidades<br />
de similares características y vocación pública, en<br />
el ámbito nacional e internacional, de contribuir a<br />
la promoción y consolidación del sector de las artes<br />
escénicas, sin renunciar por ello a unos postulados<br />
estéticos y de calidad artística, claramente comprometidos<br />
con la investigación y la innovación. Se trata<br />
precisamente de la puesta en valor del criterio de calidad<br />
y excelencia artística como motor de estrategias<br />
de producción y promoción que redunden en el desarrollo<br />
y la sostenibilidad de propuestas profesionales<br />
en el ámbito de las artes escénicas, y que respondan<br />
a unas exigencias mínimas de innovación y viabilidad.<br />
En esta idea, desde el <strong>Centro</strong> Párraga se ha convocado<br />
un amplio programa de residencias, abierto a<br />
artistas de múltiples tendencias, y que han confiado,<br />
desde la extensa variedad de sus propuestas estéticas<br />
y apuestas personales, en colaborar con nosotros<br />
para el desarrollo de proyectos que consolidan trayectorias<br />
y abren otras posibilidades y alternativas de<br />
sostenibilidad dentro del panorama actual de las artes<br />
escénicas, con la finalidad de servir de laboratorio en<br />
el que experimentar, asumiendo los riesgos inevitables,<br />
nuevos productos y procesos artísticos.<br />
El otro parámetro desde el que situar un intento serio<br />
y continuado de estímulo y fomento de la creación<br />
y competencia escénica, parte de la idea de la cooperación<br />
a través de proyectos con entidades que<br />
se hayan planteado objetivos comunes o coincidentes<br />
en algunos de los puntos que aquí planteamos.<br />
Es el elemento que hemos denominado TRABAJO EN<br />
RED. Una iniciativa que ha obtenido una respuesta<br />
muy positiva, con la que aportar soluciones imaginativas<br />
que contribuyan a la sostenibilidad del sector, y<br />
que de aprovechar las sinergias que impone el imperio<br />
de la globalidad transformándolas en impulso cultural,<br />
descubriendo e inventando lazos, con los que seguir<br />
generando complicidades y estimulando procesos<br />
creativos, que es en definitiva nuestra misión.<br />
Joaquín Medina
ecursos, inquietudes y alegrías. Esta cercanía nos ha<br />
permitido avanzar hacia el encuentro con unas prácticas<br />
escénicas cuya vitalidad e inteligencia se evidencian en<br />
el Párraga semana tras semana. A la programación de<br />
la caja escénica, un verdadero lujo por su buen criterio,<br />
hay que añadir el estímulo constante que recibimos<br />
del contacto con los diferentes agentes que “ocupan”<br />
cotidianamente el edificio: los talleres, residencias, intervenciones<br />
y demás que el Párraga ha sabido promover<br />
y cultivar.<br />
CREAJOVEN.<br />
ARTES ESCÉNICAS<br />
Ayuntamiento<br />
de Murcia.<br />
Concejalía de Juventud<br />
CENDEAC.<br />
<strong>Centro</strong> de Documentación<br />
y Estudios<br />
Avanzados de Arte<br />
Contemporáneo.<br />
Murcia.<br />
Entidad vinculada<br />
El CENDEAC se estableció en el año 2003 como un programa<br />
público permanente de conferencias, seminarios<br />
y talleres, una línea editorial y un centro de documentación<br />
e investigación sobre la historia, teoría y crítica<br />
del arte desde principios del siglo XX. De este modo<br />
inauguró un singular modelo institucional hasta entonces<br />
inexistente en España, tratando de proporcionar<br />
un espacio y un tiempo para la necesaria reflexión que<br />
demanda la recepción productiva del arte. Desde entonces,<br />
nos hemos establecido en el mapa del arte contemporáneo<br />
español, nuestro centro de documentación se<br />
ha convertido en un espacio dinámico y siempre en uso,<br />
nuestras publicaciones son ya referentes para toda una<br />
generación de investigadores tanto en España como en<br />
Latinoamérica y nuestro programa de actividades atrae<br />
cada vez a más público.<br />
La colaboración entre el CENDEAC y el Párraga no ha<br />
surgido tanto de la negociación como de una complicidad<br />
que nos hizo entender la necesidad de dejar de funcionar<br />
como si las fronteras antaño establecidas entre<br />
artes escénicas y artes visuales fueran aún sostenibles<br />
y de establecer un contexto común para la reflexión artística.<br />
Nuestra colaboración “formal” comenzó con la<br />
publicación en el 2008 de la antología Querido Público<br />
editada por Roger Bernat, cuyo espectáculo Dominio<br />
Público se estrenó en el Párraga ese mismo año. Continuamos<br />
con el I Seminario Internacional de Nuevas<br />
Dramaturgias dirigido por José Antonio Sánchez, un<br />
acontecimiento que provocó una respuesta tan abrumadora<br />
por parte del público que no sería lícito interpretarla<br />
como otra cosa que una demanda de continuación. En<br />
la actualidad preparamos la publicación no sólo de una<br />
serie de textos producidos en respuesta a dicho seminario,<br />
también estamos colaborando en la traducción<br />
y edición del influyente texto de Hans-Thies Lehmann,<br />
Teatro postdramático. Nos queda mucho camino por<br />
recorrer juntos, muchas avenidas por explorar y nuevas<br />
formas de colaboración por inventar. Mientras tanto, los<br />
resultados obtenidos y las ganas de aprender del otro,<br />
nos animan a seguir. Con vecinos así, el trabajo realmente<br />
se hace mucho más placentero.<br />
Yaiza María Hernandez<br />
www.cendeac.net<br />
Entidad vinculada<br />
La Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Murcia,<br />
con la finalidad de promover, impulsar y canalizar<br />
la creatividad de los jóvenes artistas murcianos convoca<br />
anualmente el Certamen Creajoven, como marco<br />
prioritario de expresión creativa, tanto en el plano<br />
de la producción como en el intercambio de ideas,<br />
siendo por extensión un escaparate privilegiado de<br />
nuevas formas de creatividad en la estrategia de las<br />
tendencias del arte joven, contribuyendo a reforzar la<br />
idea de que los jóvenes consigan a través del arte una<br />
capacidad de comunicación cada vez más manifiesta.<br />
En este sentido, tendremos la oportunidad de contrastar<br />
en el incomparable escenario que ofrece para<br />
tal fin el <strong>Centro</strong> Párraga, las nuevas realidades escénicas<br />
que se desarrollan en nuestra ciudad y que definen<br />
tendencias actuales de comunicación, expresión<br />
y diálogo artístico aplicado al teatro, teatro-danza,<br />
danza, performances, monólogos, y en general a todas<br />
las propuestas innovadoras susceptibles de ser<br />
representadas en un espacio escénico.<br />
Estos modelos de expresión escénica, se materializarán<br />
con la representación de los trabajos seleccionadas<br />
en la disciplina de Artes Escénicas y que optan a<br />
los premios establecidos en las bases de convocatoria.<br />
Desde hace unos años, el CENDEAC y el <strong>Centro</strong> Párraga<br />
comparten mucho más que las dependencias<br />
del Antiguo Cuartel de Artillería en el Barrio del Carmen<br />
de Murcia. Compartimos diariamente conversaciones,<br />
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MOM/EL VIVERO.<br />
Barcelona.<br />
Entidad vinculada<br />
EL CENTRO PARRAGA y MOM/ELVIVERO:<br />
TRABAJAR EN RED.<br />
TRABAJAR EN RED - ESTAR EN RED - PERTENECER<br />
A UNA RED : son tres estados diferentes que suponen<br />
actitudes diferentes de participación e involucración<br />
de los miembros pertenecientes a la misma.<br />
TRABAJAR EN RED exige una capacidad de consenso<br />
y aceptación . De saber compartir tus activos y de<br />
proponer tus pasivos por si algún otro miembro de<br />
la RED puede reactivarlos , utilizarlos ,reciclarlos ,<br />
cuestionarlos ...<br />
ESTAR EN RED : es no estar solo , es estar con mucha<br />
gente y que gracias a ello se producen y generan AC-<br />
TITUDES Y DINÁMICAS DE EXPRESIÓN<br />
PERTENECER A UNA RED es saber seleccionar y<br />
descubrir en donde te vas desarrllar mejor, en donde<br />
vas a poder aportar y recibir ideas , conceptos , proyectos<br />
de tu mismo imaginario y nomenclatura<br />
Pero ¿qué es una RED??<br />
Una RED es en donde se comparte, optimiza y se<br />
ha de ser capaz de conceptualizar objetivos/items de<br />
agitación para el sector al que pertenece la RED , para<br />
que éste no se aposente y sea siempre REACTIVO .<br />
UNA RED se mantiene de la energía de los participantes<br />
que tienen la responsabilidad absoluta sobre<br />
LA ACTIVIDAD , LA DINÁMICA Y EL CONTENIDO<br />
de la misma.<br />
UNA RED ha de tener una doble UTILIDAD. La<br />
UTILIDAD INTERNA que repercute en los miembros<br />
propios de la RED y UNA UTILIDAD EXTERNA que repercute<br />
fuera de sus miembros y de sus coetáneos .<br />
LA RED ha de ser útil y dúctil , ha de tener capacidad<br />
de renovación en términos de participantes y objetivos<br />
para no quedar estancada.<br />
LA RED ha de tener repercusión externa porque sus<br />
miembros la dotan de discursos y contenidos que repercuten<br />
en sus hábitats.<br />
UNA RED NO ES UN CIRCUITO.<br />
Para mi una RED es un espacio no tangible en donde<br />
se generan proyectos de diversidad cultural , se comparten<br />
inquietudes, se establecen puntos de debate ,<br />
de reflexión y en donde por afinidad conceptual una<br />
serie de participantes que tienen un imaginario afín,<br />
cohabitan y se expanden!!<br />
© marta oliveres<br />
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FESTIVAL VEO.<br />
Valencia.<br />
Entidad vinculada<br />
El espectador acompañado<br />
En esta ciudad, como en muchas otras, sólo se había<br />
considerado al espectador como objeto de análisis<br />
desde el punto de vista del marketing, es decir, como<br />
un consumidor. Nuestra intención, en cambio, nació<br />
de la necesidad de “conocer” al público, de acompañarlo.<br />
Con este objetivo pusimos en marcha en 2009<br />
el Laboratorio de Espectadores; una línea de trabajo<br />
cercana a la mediación cultural que pone el acento en<br />
la idea de proximidad, de conexión y vivencia cultural,<br />
que tiene en cuenta tanto las personas como las prácticas<br />
artísticas. A través de diferentes formatos que se<br />
modifican en cada edición del festival, proponemos<br />
articular una aproximación entre el público y la escena<br />
contemporánea, dotando a cada espectador deinstrumentos<br />
de interpretación, facilitando encuentros<br />
e intercambios con los artistas, conocimiento de los<br />
procesos creativos, acercamientos desde el cuerpo y<br />
la experiencia creativa.<br />
El primer Laboratorio de Espectadores se realizó durante<br />
el Festival VEO 2009 y se encargó a tres jóvenes<br />
creadores de Valencia (Vicente Arlandis, Marc Martínez<br />
y Rocío Pérez). Ellos convocaron y coordinaron un<br />
grupo de crítica formado por 20 personas de perfiles<br />
muy diferentes y llamado “Reflexiones y balidos”. Visionaron<br />
todos los espectáculos del Festival y participaron<br />
en intercambios abiertos de opinión (tertulias)<br />
y otras actividades de talante más creativo. No todos<br />
los soportes tuvieron la misma fuerza de convocatoria<br />
ni la misma calidad en<br />
su resolución, pero –y a pesar de que sus miembros<br />
iniciales han cambiado-, el grupo sigue funcionando a<br />
través de su blog y se reúnen por su cuenta para ver<br />
espectáculos y concertar encuentros con los artistas,<br />
o debatir sobre el concepto de “espectador”.<br />
En el segundo Laboratorio, realizado en VEO 2010,<br />
se acotó el perfil del participante a espectadores sin<br />
relación profesional con la creación escénica, y especialmente<br />
a profesionales de la educación, la formación,<br />
la gestión cultural y las políticas de creación y<br />
estimulación de públicos. La propuesta fue un Curso<br />
para espectadores impartido por el diseñador de las<br />
políticas de Mediación Cultural de La Villette (París),<br />
Mehdi Idir. El Curso planteó diferentes módulos: momentos<br />
de reflexiones compartidas sobre temáticas<br />
que surgían de la programación (¿Qué es ser espectador?<br />
¿Qué es representar? ¿Qué vínculos hay entre el<br />
espacio de la actuación y el espectáculo?); un repaso<br />
por la memoria de algunos espectadores invitados;<br />
encuentros y talleres con los creadores; visitas a las<br />
áreas técnicas de los montajes más complejos; análisis<br />
de los espectáculos.<br />
El propio Mehdi Idir nos aporta esta reflexión: “Estamos<br />
convencidos que los aspectos que hacen de las<br />
personas espectadores activos, dispuestos a reconocer<br />
y a la vez dar valor a la nueva creación escénica,<br />
van de la mano del conocimiento, del acercamiento<br />
y la interacción con los artistas. Sabemos que para<br />
conocer mejor las claves y los códigos de la creación<br />
contemporánea y, mas allá, para que los públicos alcancen<br />
en sus construcciones personales una autonomía<br />
cultural, y para disfrutar más las artes en vivo,<br />
hay que transformar las costumbres y proponer nuevas<br />
experiencias. Después de haber analizado en el<br />
Curso el espectáculo de Gabi Ochoa, los 25 espectadores<br />
decidieron ponerle un final a la historia que nos<br />
contó. Se puede pensar que el ejercicio no es muy<br />
importante. Sin embargo, ya está abriendo el camino<br />
hacia la creación. Más que nada, este Curso fue el enfoque<br />
del proceso creativo; su misión era promover la<br />
interpretación de los proyectos artísticos y culturales<br />
presentados en el VEO, aportando las herramientas<br />
simples pero necesarias para la construcción de una<br />
crítica sensible. En este sentido, el Curso trabajaba<br />
la relación entre pasado y futuro, la articulación de lo<br />
social y espiritual, la confrontación entre el individuo<br />
y el mundo”.<br />
Mariví Martín<br />
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MALQUERIDAS CREA-<br />
CIONES AL LÍMITE.<br />
Barcelona.<br />
Unidades de I+D.<br />
Entidad vinculada + Intercambio Residencias<br />
Malqueridas Creaciones al limite S.L. es una plataforma de<br />
investigación y desarrollo (I+D) que responde a las necesidades<br />
de los artistas en términos de proceso de investigación<br />
sin vincularse explícitamente a la producción ni exhibición<br />
de piezas cerradas, siendo las pasantías la metodología de<br />
trabajo de la plataforma para llevar a término los procesos<br />
de investigación.<br />
<strong>Centro</strong> Párraga, Espacio de Investigación y Desarrollo para<br />
las Artes Escénicas y Malqueridas Creaciones al Límite S.L.<br />
colaboran dentro del marco de UNIDADES DE I+D, un producto<br />
de investigación a través de residencias y pasantías<br />
que implica:<br />
Malqueridas.<br />
Lipi Hernández, coreógrafa y bailarina creó en la década de<br />
los 90 Malqueridas, creaciones al límite y desde entonces el<br />
nucleo creativo de la compañía ha ido evolucionando hasta<br />
constituirse en 2008 en una Plataforma de investigación y<br />
Desarrollo (I+D) de nuevos formatos artísticos entorno al lenguaje<br />
del cuerpo o el movimiento<br />
La Plataforma de Investigación y Desarrollo (I+D) responde<br />
a la necesidad de los artistas de llevar a cabo una tarea de<br />
investigación sin vincularse explicitamente a la producción y<br />
exhibición de una pieza cerrada y las pasantías son la metodología<br />
de trabajo escogida por MALQUERIDAS para poder<br />
llevar a cabo estos procesos de investigación.<br />
La Plataforma MALQUERIDAS trabaja en relación con las<br />
unidades I+D, estructuras que ceden un espacio y/o recursos<br />
técnicos adecuados a cada proyecto para que el<br />
pasante pueda profundizar y evolucionar en su proceso de<br />
investigación. Las unidades I+D acogen al pasante y crean<br />
el formato necesario ( aula de danza abierta, taller de dramaturgia...)<br />
para estimular y reforzar el estudio del pensamiento<br />
por parte del pasante y por parte de la ciudad o unidad de<br />
acogida.<br />
Así mismo, la plataforma I+D fomenta actividades y acciones<br />
programadas para ayudar a la investigación de sus pasantes<br />
entorno al lenguaje del cuerpo y el movimiento.<br />
www.malqueridas.com<br />
Teatro de la Laboral.<br />
Gijón.<br />
Entidad vinculada + Intercambio Residencias<br />
El Teatro de la Laboral es una de las piezas más sobresalientes<br />
de Laboral Ciudad de la Cultura. Abrió<br />
sus puertas en octubre de 2007, y desde entonces<br />
han pasado por su escenario más de cien compañías.<br />
Ofrece un programa artístico diferente, que une<br />
exhibición, coproducción y producción. Exhibición y<br />
presentación de piezas tanto a nivel nacional como<br />
internacional; la producción y coproducción de diferentes<br />
trabajos, intentando que las obras estén siempre<br />
vinculadas a otras estructuras para generar redes<br />
de difusión que apoyen los trabajos seleccionados;<br />
y las residencias, que desde el primer momento han<br />
servido al Teatro de la Laboral como espacio para la<br />
investigación y la creación de trabajos, y suponen un<br />
apoyo a los artistas y a aquellos proyectos que por<br />
sus características son más difíciles de difundir.<br />
Uno de los principales objetivos del Teatro de la Laboral<br />
es la creación de lazos que generen redes que<br />
faciliten la movilidad, la generación de vínculos entre<br />
artistas de diferentes disciplinas y países, y la implicación<br />
de instituciones y estructuras internacionales en<br />
proyectos de creación. Se trata así, de un proyecto<br />
abierto y plural que responde a la necesidad de dotar<br />
de lo más innovador a una Comunidad plenamente<br />
integrada en el constante avance que vive Europa.<br />
Nos permite contemplar los nuevos lenguajes, que no<br />
son más que un reflejo de la inquietud artística y confluencia<br />
de las distintas miradas que acompañan a los<br />
jóvenes creadores, al tiempo que permite trabajar juntos<br />
a artistas consagrados con nuevas generaciones,<br />
uniendo energías que hacen posible seguir innovando<br />
y creando desde el ámbito de lo interdisciplinar.<br />
A todo ello se une la peculiaridad del espacio en el que<br />
se encuentra el Teatro de la Laboral, que hace que la<br />
programación se vincule a las particularidades y posibilidades<br />
que presenta La Laboral. Son múltiples los<br />
espacios que hacen de La Laboral un lugar único para<br />
programar proyectos de site specific y para generar<br />
trabajos vinculados a la Ciudad de la Cultura y a su<br />
memoria histórica sin reducirnos únicamente al escenario<br />
como único lugar de representación.<br />
Queremos de esta forma estimular la actividad artística<br />
local y regional construyendo una plataforma capaz<br />
de acoger propuestas provenientes de un contexto<br />
global, y presentar propuestas abiertas al diálogo<br />
con el público para generar una interrelación entre el<br />
espectador y el creador.<br />
Cesión de espacios.<br />
Dotación de recursos técnicos adecuados a las pasantías<br />
de acogida.<br />
Alojamientos al equipo artístico.<br />
Aportación económica.<br />
Mateo Feijoó<br />
www.teatrodelalaboral.com<br />
72 73
importante para el desarrollo de la relación con la comunidad<br />
artística y creativa. Exposiciones de LABoral<br />
son llevadas a otros espacios artísticos, propiciando<br />
así un intercambio de actividades y un trabajo en común<br />
que redunda en beneficio de los creadores.<br />
LABoral <strong>Centro</strong> de Arte<br />
y Creación Industrial.<br />
Gijón.<br />
Entidad vinculada + Intercambio Residencias<br />
LABORAL Y LA PRODUCCIÓN DE OBRA<br />
La escena creativa actual exige nuevas estrategias<br />
de producción e intercambio que el artista difícilmente<br />
puede satisfacer por sí mismo. Cada vez se hace<br />
más necesaria la existencia de apoyos, la oferta de<br />
recursos e infraestructuras profesionales que permitan<br />
desarrollar de una manera adecuada el proceso<br />
de creación artística.<br />
LABoral centra su actividad en la obra de aquellos<br />
artistas y creadores que utilizan los más diversos lenguajes<br />
para la representación y configuración de la<br />
condición humana. En el desempeño de esa misión,<br />
promueve una visión interdisciplinaria de la creación<br />
artística, que incluye tanto las prácticas ya establecidas,<br />
como los nuevos géneros emergentes.<br />
El <strong>Centro</strong> de Arte y Creación Industrial desarrolla su<br />
área de Producción ofreciendo a los diferentes agentes<br />
culturales la oportunidad de presentar propuestas<br />
para su realización y exhibición. Además, en todas las<br />
exposiciones de LABoral se muestra obra producida<br />
específicamente para la ocasión, algo particularmente<br />
Esencial en esa tarea es Plataforma 0-LABoral <strong>Centro</strong><br />
de Producción, llamada a desempeñar un papel<br />
capital en la evolución y consolidación del programa<br />
de LABoral, ya que propicia la confluencia de la teoría<br />
y la praxis. Se trata de un espacio versátil que permite<br />
múltiples usos y está orientado principalmente a la<br />
producción de obras u objetos artísticos obtenidos a<br />
través de un trabajo colectivo multidisciplinar y cuenta<br />
con los últimos avances tecnológicos. Dada la versatilidad<br />
de sus instalaciones, Plataforma 0 es capaz de<br />
albergar procesos de producción y prototipado, así<br />
como las actividades que precisen los creadores para<br />
el buen desarrollo de los proyectos. Sus destinatarios<br />
principales son la comunidad artística y científica regional<br />
y nacional, y los artistas, creadores o investigadores<br />
extranjeros en régimen de residencia y que<br />
participen en las actividades del <strong>Centro</strong>.<br />
La II Convocatoria de Ayudas a la Producción para<br />
creadores asturianos es una iniciativa que entronca<br />
plenamente con ese carácter de <strong>Centro</strong> de Producción<br />
de obra nueva de LABoral, <strong>Centro</strong> que, además,<br />
hace del trabajo en colaborativo y en red uno de los<br />
pilares de su actividad. De ahí que, junto a una importante<br />
dotación económica, estas ayudas incluyan<br />
un periodo de residencia para la investigación y preproducción<br />
de los proyectos seleccionados en GlogauAIR<br />
de Berlín y en el <strong>Centro</strong> Párraga. Espacio de<br />
investigación y desarrollo de las artes escénicas de<br />
Murcia. LABoral se propone así profundizar en la Producción<br />
y la Investigación, dos de los cinco ejes que<br />
definen su actuación como <strong>Centro</strong> de Arte junto a la<br />
exposición, la educación y el <strong>Programa</strong> Público.<br />
En los tres años de existencia como <strong>Centro</strong> de Arte<br />
hemos firmado convenios y establecido colaboraciones<br />
con otros espacios de producción e investigación<br />
y laboratorios punteros del mundo. Ejemplo<br />
de ello es esta cooperación con el <strong>Centro</strong> Párraga,<br />
Espacio de Investigación y Desarrollo para las Artes<br />
Escénicas, al que nos unen objetivos comunes en el<br />
compartido deseo de facilitar el encuentro entre artistas,<br />
científicos y técnicos y a dar visibilidad a esa<br />
transversalidad e interdisciplinariedad propia del arte<br />
y de la creación que se practica en nuestros días.<br />
Emprendemos así un paso más en esa línea de trabajo<br />
que estamos desarrollando conjuntamente y que<br />
incluye también la muestra de exposiciones coproducidas<br />
con LABoral. Este es el caso de Plantas Nómadas,<br />
del artista mexicano Gilberto Esparza, que próximamente<br />
se expondrá en el <strong>Centro</strong> Párraga, aunque<br />
otras exposiciones del <strong>Centro</strong> de Gijón, como Crisálidas,<br />
del artista asturiano Fernando Gutiérrez también<br />
han sido exhibidas en Murcia.<br />
Rosina Gómez-Baeza<br />
www.laboralcentrodearte.org<br />
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Museo y <strong>Centro</strong><br />
Nacional de Arte<br />
Reina Sofía.<br />
Madrid.<br />
Arte para:<br />
Festival MAPA.<br />
Pontós y Figueres<br />
(Alto Ampurdán).<br />
Entidad vinculada + Intercambio Residencias<br />
lampistas, ciclistas, economistas, activistas, fetichistas,<br />
flautistas, equilibristas, interioristas, vocalistas,<br />
alquimistas, maquinistas, futbolistas, sinfonistas,<br />
deportistas, ajedrecistas, ilusionistas, paracaidistas,<br />
taxistas, bromistas, minimalistas, trompetistas, periodistas,<br />
surrealistas, futuristas, pianistas, escepticistas,<br />
culturistas, nudistas, columnistas, electricistas,<br />
artistas, bandoleristas, guitarristas, baloncestistas,<br />
liricistas, espatulistas, carteristas, humoristas, sincronistas,<br />
guionistas, finalistas, catequistas, masajistas,<br />
comentaristas, accionistas, centrocampistas, surfistas,<br />
novelistas, modistas, golpistas, tenistas, saxofonistas,<br />
bañistas, mayoristas, dentistas, violinistas,<br />
dietistas, ebanistas, contorsionistas, alpinistas, radiofonistas,<br />
telefonistas, terroristas, pancartistas, pensionistas,<br />
grafistas, solistas.<br />
Organiza:<br />
Cèl·lula<br />
Dirección artística:<br />
Tomás Aragay<br />
Sofia Asencio<br />
Ernesto Collado<br />
www.festivalmapa.com<br />
Entidad vinculada<br />
Artes en vivo.<br />
El Museo Nacional <strong>Centro</strong> de Arte Reina Sofía lleva<br />
implícito en el nombre su vocación de ofrecer programas<br />
que enriquezcan la actividad expositiva a través<br />
de actuaciones de Artes en Vivo (Teatro, Música, Danza<br />
y Performance).<br />
El Museo pretende ofrecer una programación de espectáculos<br />
teatrales, musicales, coreográficos y de<br />
acción/performance que, por su propia naturaleza, no<br />
encuentran acogida en espacios más convencionales.<br />
La voluntad del Museo no es convertirse en un espacio<br />
escénico más de la ciudad sino de ser una plataforma<br />
para la creación, experimentación e innovación<br />
en el ámbito de las Artes en Vivo en relación directa<br />
con el discurso teórico del Museo, teniendo muy en<br />
cuenta las difusas fronteras actuales entre estas diferentes<br />
disciplinas artísticas.<br />
Asimismo, colabora con los principales festivales de<br />
teatro y danza de creación contemporáneos del país<br />
con el fin de acoger en sus espacios representaciones<br />
provenientes de dichos festivales, en continuo diálogo<br />
con todos ellos y participando en la formación de su<br />
propio discurso.<br />
www.museoreinasofia.es<br />
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L’Estruch, Fàbrica de<br />
Creació de les<br />
Arts en Viu.<br />
Sabadell.<br />
Entidad vinculada<br />
L’Estruch, Fàbrica de Creació de les Arts en Viu, situada<br />
en las antigüas instalaciones de Ca l’Estruch, en<br />
Sabadell, abre una nueva etapa este 2010.<br />
L’Estruch, un espacio dedicado históricamente a las<br />
artes escénicas de Cataluña y, muy especialmente, al<br />
fomento del tejido cultural sabadellense, inaugura un<br />
nuevo programa de servicios.<br />
L’Estruch se complementa ahora con nuevas áreas<br />
orientadasa los nuevos formatos escénico-performativos<br />
y a las nuevas tecnologías: NauEstruch, MediaEstruch,<br />
MetaEstruch.<br />
NauEstruch es el área de l’Estruch orientada a las artes<br />
visuales. Se inicia una nueva y crucial etapa para<br />
convertirse en un espacio para las prácticas performativas<br />
y conn el objeto de convertirse en un centro<br />
único en Cataluña y en el estado español.<br />
MediaEstruch es el nuevo medialab de las artes escénicas<br />
y la tecnología, un centro de producción, investigación<br />
y formación especializado en la aplicación<br />
de las nuevas tecnologías de la comunicación y de la<br />
información a la creación escénica.<br />
Esta nueva etapa inaugura, en paralelo, un ambicioso<br />
proyecto que no tiene lugar en ningún espaio físico de<br />
la antiga fábrica textil, sino en el espacio virtual de Internet.<br />
Conjuntamente con nuestro nuevo portal web,<br />
l’Estruch inicia el proyecto MetaEstruch, un archivo on<br />
line de las artes escénicas y performativas.<br />
EscenaEstruch es toda la actividad de residencias, de<br />
usos del equipamiento, de formación dirigida a profesionales,<br />
a colectivos, a centros de enseñanza y a<br />
la programación del teatro que ha representado hasta<br />
ahora toda la actividad llevada a cabo en este espacio<br />
de servicio a la ciudadanía, al tejido creador local y a<br />
los y las creadoras y artistas de todo el mundo.<br />
L’Estruch da, a punto de cumplirse su quince aniversario,<br />
otro paso adelante en su presente como una<br />
gran Fábrica de Creación de las Artes en Vivo en<br />
nuestro país.<br />
www.lestruch.cat<br />
Instituto Ramón Llull.<br />
Cataluña.<br />
Entidad vinculada<br />
El Instituto Ramon Llull tiene como finalidad la proyección<br />
exterior de la lengua y la cultura catalanas en<br />
todas sus modalidades y medios de expresión. Para<br />
cumplir esta finalidad, se ocupa de:<br />
a) Promover la enseñanza del catalán en las universidades<br />
y otros centros de estudios superiores, así<br />
como favorecer los estudios y la investigación sobre<br />
la lengua y la cultura catalanas fuera de su dominio<br />
lingüístico.<br />
b) Promover la enseñanza del catalán al público general<br />
fuera del dominio lingüístico.<br />
c) Promover la difusión del conocimiento de la literatura<br />
catalana al exterior por la vía del fomento y del<br />
apoyo a las traducciones a otras lenguas y de las acciones<br />
de promoción exterior pertinentes.<br />
d) Promover la difusión del pensamiento, el ensayo y<br />
la investigación al exterior mediante el fomento y el<br />
apoyo a las traducciones a otras lenguas, la organización<br />
de encuentros, seminarios e intercambios, y<br />
otras acciones de promoción exterior dentro d el ámbito<br />
académico, intelectual y científico internacional .<br />
e) Promover y apoyar a las sociedades de catalanística<br />
en el exterior y a sus iniciativas, proyectos y actuaciones.<br />
f) Promover la proyección exterior de la creación cultural<br />
catalana , mediante las acciones y estrategias<br />
de promoción exterior adecuadas , el fomento de la<br />
internacionalización de las manifestaciones artísticas<br />
de excelencia, el apoyo a la circulación al exterior de<br />
artistas y obras y la difusión del conocimiento del patrimonio<br />
artístico catalán .<br />
g) Promover las relaciones, los proyectos y las iniciativas<br />
conjuntas con instituciones y organismos de<br />
proyección de la cultura, de dentro o fuera del dominio<br />
lingüístico, y, especialmente, con las instituciones<br />
homólogas de otros países o culturas.<br />
El IRL realiza sus actividades mediante las áreas de<br />
Lengua y Universidades, Creación y Literatura y Pensamiento.<br />
El Área de Creación difunde la creación artística catalana<br />
a través del fomento de su programación en<br />
la escena internacional, el apoyo a la itinerancia de<br />
artistas y obras, y la difusión del conocimiento de la<br />
creación contemporánea y del patrimonio artístico.<br />
Los ámbitos en los que actúa son la música, las artes<br />
escénicas, las artes visuales, el cine, la arquitectura y<br />
el diseño. Asimismo organiza muestras culturales internacionales,<br />
promueve acciones estratégicas de difusión<br />
de las artes y diseña programas de ayuda para<br />
los agentes culturales con el objetivo de dar a conocer<br />
la creación catalana en la escena internacional.<br />
www.llull.cat<br />
78 79
jes, sus códigos, sus puestas en escena requieren un<br />
perfil de compromiso de gestión que va más allá de<br />
los procesos reconocidos y convencionales, aquello<br />
de comprar un espectáculo y venderlo en forma de<br />
entradas (localidades numeradas). El creador contemporáneo<br />
necesita complicidades y acompañamiento<br />
(compromiso sin numerar).<br />
RADIO3. RADIO NA-<br />
CIONAL DE ESPAÑA.<br />
BROADCASTING ART.<br />
TEATRE MUNICIPAL<br />
DEL ESCORXADOR DE<br />
LLEIDA.<br />
Compromiso + complicidad = cuando sumar<br />
multiplica.<br />
Entidad vinculada<br />
Es, en este sentido, que las mismas estructuras escénicas<br />
que los acogen, necesitan a su vez de otras<br />
estructuras cómplices que permitan desde el compromiso<br />
el desarrollo y la continuidad de estos lenguajes.<br />
Hemos encontrado, a lo largo y ancho de esta búsqueda,<br />
compromiso y complicidad con otros centros/<br />
teatros/festivales/estructuras para programas y actividades<br />
específicas.<br />
En el caso del Premio de Proyectos de Artes Escénicas<br />
que convocamos a nivel estatal, el <strong>Centro</strong> Párraga<br />
de Murcia es un cómplice imprescindible para que los<br />
proyectos ganadores puedan asegurarse tiempo y espacio<br />
para la investigación, creación y exhibición de<br />
esas propuestas.<br />
El compromiso ético y estético también forma parte<br />
de los gestores de los espacios y estructuras públicas,<br />
una de tantas patas del ciempiés del sector escénico.<br />
www.teatreescorxador.blogspot.com<br />
http://www.facebook.com/pages/Teatre-Municipal-de-lEscorxador/32756063494?ref=mf<br />
www.twuitter.com/teatrescorxador<br />
Entidad vinculada<br />
Broadcasting Art es un proyecto orientado a la difusión<br />
de disciplinas artísticas relacionadas con el sonido<br />
y la música, a la investigación de los modos de<br />
producción en distintos medios y su transmisión a<br />
través de diferentes canales/circuitos.<br />
Broadcasting Art, es un proyecto del programa Fluido<br />
Rosa de Radio 3 (Radio Nacional de España), dirigido<br />
por Rosa Pérez, que busca la colaboración de centros<br />
de producción y difusión artística dentro del territorio<br />
español. El proyecto tiene carácter itinerante,<br />
como principio fundamental de pluralidad de la radio<br />
pública.<br />
Es esta una convocatoria de ámbito internacional para<br />
proyectos de creación sonora contemporánea como<br />
es el arte sonoro en su interpretación más avanzada.<br />
Desde mediados de los años 90 estas disciplinas<br />
están despertando un creciente interés por parte del<br />
público aficionado. Como consecuencia del creciente<br />
acceso a las tecnologías de carácter digital, se ha producido<br />
una revolución en estos campos llevando la<br />
creación sonora a unos niveles de sofisticación técnica<br />
y riqueza narrativa desconocidos hasta la fecha. A<br />
esta circunstancia ha contribuido la naturaleza efímera<br />
y ubicua de lo sonoro que ha diluido las fronteras<br />
geográficas y políticas entre artistas y comunidades.<br />
Al no ser un arte sujeto a fronteras, ni a especificidades<br />
culturales concretas de un país o territorio, se ha<br />
fagocitado el carácter localista referenciador de lo sonoro<br />
en base al trabajo y producción artística a través<br />
de networks.<br />
El objetivo de este proyecto:<br />
Dar a conocer un conjunto de disciplinas cada vez<br />
más relevante dentro del arte contemporáneo, cuyo<br />
espectacular desarrollo ha sido posible gracias a la<br />
revolución de las nuevas tecnologías.<br />
Crear una red de trabajo para artistas que desarrollan<br />
proyectos relacionados con el arte sonoro y la música<br />
avanzada.<br />
El Teatre Municipal del Escorxador de Lleida en su<br />
voluntad de servicio público de las artes escénicas<br />
desarrolla programas para favorecer el acceso a las<br />
artes tanto para los usuarios, los espectadores, como<br />
para los artistas, los creadores.<br />
Los artistas de la creación contemporánea necesitan<br />
las estructuras escénicas de investigación y exhibición<br />
para poder confrontar sus propuestas como si se<br />
tratara de laboratorios de ensayo-error. Sus lengua-<br />
Seleccionar mediante un jurado tres piezas sonoras y<br />
dotarlas de un premio de 4.500 euros (cantidad sujeta<br />
a la retención legal vigente).<br />
Exhibir las obras en formato tangible en el propio centro<br />
colaborador y a través de emisiones transmitidas<br />
por radiofrecuencia.<br />
Posible edición de los trabajos seleccionados en formato<br />
digital (CD/DVD).<br />
80 81
La actual crisis económica obliga a las empresas<br />
productoras de Artes Escénicas, y no sólo a ellas, a<br />
replantear sus estructuras empresariales y su diversificación<br />
de actividades y apertura de mercados, y prepararse<br />
para las nuevas oportunidades que surgirán<br />
de esta situación. Posiblemente sea el momento más<br />
propicio para el cambio de paradigma, de modelos y<br />
fórmulas, y para el cambio en la forma de intervención<br />
en las políticas culturales.<br />
DEPARTAMENTO DE<br />
BELLAS ARTES.<br />
PLATAFORMA DE<br />
VISUALIZACIÓN.<br />
Universidad de Murcia.<br />
IX JORNADAS DE LAS<br />
ARTES ESCÉNICAS EN<br />
LA REGION DE MUR-<br />
CIA 2010. HACIA UN<br />
MODELO EMPRESA-<br />
RIAL EN LAS ARTES<br />
ESCÉNICAS.<br />
2/5 de NOVIEMBRE. 2010.<br />
MURCIAaESCENA, ASOCIACIÓN DE EMPRESAS<br />
PRODUCTORAS DE ARTES ESCÉNICAS.<br />
Organiza y patrocina<br />
MURCIAaESCENA y CENTRO PÁRRAGA<br />
Con la colaboración de<br />
CONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMO<br />
Dirección General de Promoción Cultural<br />
E.P.R. Murcia Cultural, S.A.<br />
MurciaaEscena, desde la responsabilidad de sus deberes,<br />
exige sus derechos, y lo hace desde la experiencia<br />
propia de su asociacionismo y la de sus socios,<br />
cada vez más preparados para asumir los retos<br />
de futuro.<br />
MurciaaEscena asume los retos de austeridad que<br />
depararán los próximos ejercicios económicos, para<br />
exigir al mismo tiempo el máximo compromiso de las<br />
distintas administraciones (municipales, regionales,<br />
nacionales e internacionales), y la obligación del diálogo<br />
productivo entre el sector público y el privado.<br />
Este es el motivo por el que las IX Jornadas de MurciaaEscena<br />
pondrán su mirada en los modelos empresariales,<br />
para el análisis de los caducos y la expectativa<br />
e ilusión que generan los más novedosos.<br />
Esperanza Clares<br />
Presidenta de MurciaaEscena<br />
Febrero, 2010<br />
Entidad vinculada<br />
PROYECTO DE COLABORACIÓN ENTRE EL<br />
CENTRO PÁRRAGA Y EL DEPARTAMENTO<br />
DE BELLAS ARTES DE LA UNIVERSIDAD DE<br />
MURCIA.<br />
PLATAFORMA DE VISUALIZACIÓN es un proyecto<br />
de colaboración entre el <strong>Centro</strong> Párraga y el Departamento<br />
de Bellas Artes de la Universidad de Murcia<br />
para generar un escenario donde presentar y hacer<br />
visible la producción artística de los alumnos de Bellas<br />
Artes.<br />
Con este proyecto quiere darse un impulso a la creación<br />
de nuevos artistas que están surgiendo con propuestas<br />
de calidad y que necesitan abrirse camino en<br />
la escena artística contemporánea.<br />
La capacidad organizativa y de difusión del <strong>Centro</strong><br />
Párraga propicia un soporte idóneo para desarrollar<br />
la producción de proyectos que se encuentran dentro<br />
de las líneas de investigación planteadas por el propio<br />
centro.<br />
Como primer paso se ha propuesto celebrar unas jornadas<br />
de difusión y debate (18, 19 y 20 de mayo), en<br />
las que se presentarán los proyectos de los alumnos<br />
de Bellas Artes, a la vez que se desarrollará un ciclo<br />
de conferencias con el tema central de la difusión del<br />
arte emergente.<br />
Mediante este proyecto de colaboración se pretende<br />
generar un contexto que favorezca el diálogo y la comunicación<br />
entre los distintos actores que intervienen<br />
en los procesos de creación y producción artística,<br />
dando a la vez la oportunidad de hacer visibles las<br />
propuestas de nuevos creadores.<br />
CAJA DE AHORROS DEL MEDITERRÁNEO<br />
AYUNTAMIENTO DE MURCIA<br />
Concejalía de Cultura.<br />
82 83
PROGRAMA DE INTERCAMBIO<br />
DE ARTÍSTAS EN RESIDENCIA<br />
El <strong>Centro</strong> Párraga , debido a sus prestaciones estructurales<br />
y recursos técnicos lleva cinco años facilitando<br />
el desarrollo de los procesos creativos de distintos<br />
proyectos del ámbito local e internacional. La creación<br />
de este nuevo PROGRAMA DE INTERCAMBIO<br />
PARA “ARTISTAS EN RESIDENCIA” 2010, supone<br />
una rentabilización y una optimización de las conexiones<br />
y vínculos fruto de un elaborado trabajo en red,<br />
que junto a otras instituciones nacionales e internacionales,<br />
se está llevando a cabo en el ámbito de las<br />
Artes Escénicas, promoviendo el intercambio de artistas<br />
de ámbito local. Con este intercambio se pretende<br />
posibilitar el diálogo interdisciplinario, el diálogo entre<br />
artistas y el diálogo con la obra; investigando, desarrollando<br />
e innovando sobre su elemento de partida<br />
en diferentes espacios creados y adecuados para la<br />
óptima evolución de sus proyectos.<br />
La finalidad es dotar de la continuidad y recursos necesarios<br />
al proceso de desarrollo de dichos proyectos,<br />
con el fin de crear una red estructural que soporte<br />
y haga más sostenible la perdurabilidad de los<br />
elementos que conforman el enraizado tejido cultural<br />
escénico de la creación, así como aquellas entidades,<br />
colectivos y artistas que los protagonizan.<br />
El <strong>Centro</strong> Párraga acogerá a los artistas en residencia<br />
procurándoles un lugar y un tiempo donde investigar,<br />
crear, reflexionar, desarrollar unas ideas y desechar<br />
otras. Arropados por el equipo técnico y humano del<br />
<strong>Centro</strong>, los artistas harán de sus residencias laboratorios,<br />
espacios de búsqueda creativa, rincones de<br />
estudio... en definitiva reafirmarán lo que el <strong>Centro</strong><br />
Párraga es: un espacio para la investigación y el desarrollo<br />
de las Artes Escénicas.<br />
Mercedes Nicolás Cárceles<br />
Coordinadora, <strong>Programa</strong> de residencias <strong>Centro</strong> Párraga
EXPERIENCIAS CON<br />
UN DESCONOCIDO<br />
SHOW DE<br />
SONIA GÓMEZ<br />
Sonia Gómez.<br />
15/28 MARZO<br />
El lugar de destino, festival, teatro o centro de creación<br />
busca el perfil de los posibles candidatos para<br />
participar como nuevos clientes desconocidos.<br />
Perfil del cliente:<br />
Varón, proto-solitario, entre 20 y 100 años con ganas<br />
de mantener relaciones creativo/espectaculares con<br />
algo parecido a una puta-escénico-metafísica.<br />
Las actividades con los desconocidos se relacionan<br />
con el movimiento, el vídeo y la performance/acción.<br />
Coordinación entre el lugar de destino y Sonia Gómez:<br />
Primer tramo: posibles clientes.<br />
1. el lugar de destino propone a Sonia Gómez entre<br />
dos y cinco posible clientes.<br />
2. los clientes desconocidos visitan la web, www.<br />
soniagomez.com, apartado: experiencias con un desconocido.<br />
3. escogen el perfil de su práctica entre las siete experiencias<br />
que propone el catálogo.<br />
4. si están interesados envían un mensaje a sonia@<br />
soniagomez.com<br />
5. Sonia Gómez responde a cada uno de los posibles<br />
clientes desconocidos.<br />
6. después de esta primera toma de contacto sonia<br />
gómez decide con quién va a llevar a cabo la experiencia.<br />
eventualmente cabe la posibilidad de trabajar<br />
con más de un cliente<br />
Segundo tramo: proceso de investigación – documentación.<br />
Duración: de 4 a 6 semanas<br />
7. estudio del perfil del cliente vía correo electrónico,<br />
skype o teléfono. Cuestionario personalizado. Primeras<br />
propuestas de actividades a modo de entrenamiento.<br />
Tercer tramo: desarrollo de la experiencia en el lugar<br />
de destino*<br />
Duración: 1semana como mínimo 2semanas como<br />
máximo.<br />
8. encuentro con el cliente en el lugar de destino.<br />
Entrenamiento y preparación para definir la experiencia.<br />
Creación de la experiencia. ensayos, grabación y<br />
montage.<br />
*las actividades propuestas por el proyecto se adaptan<br />
al día a día del cliente.<br />
Cuarto tramo: presentación de la experiencias. El<br />
cliente decide si quiere hacer pública su experiencia<br />
o no.<br />
Formatos que utilizaremos a modo de pieza:<br />
vídeo live performance privado, sin presentación<br />
pública televisivo incluido en “experiencias con un<br />
desconocido tv show”<br />
+ INFO sobre “Experiencias con un desconocido”:<br />
www.youtube.com/experienciasshow<br />
www.soniagomez.com<br />
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AGUJEROS POR MIS<br />
ZAPATOS<br />
Isabel Lavella.<br />
Alguien está mirando...mirandome,pero yo no lo veo,<br />
me observa, me habla y yo ... mas tarde, volveré.<br />
Ellos, los agujeros, testigos de dos mundos que se<br />
franquean continuamente. Lo que sale y lo que entra.<br />
Cuento, hasta 5 o 10, no sé, he perdido la cuenta. No<br />
paro, a veces de dar vueltas en las mismas baldosas.<br />
He aprendido hacer agujeros con el viento, cuanto<br />
más me muevo, mas cerca estoy de no desaparecer.<br />
Estos zapatos los tendré que cambiar algún día y<br />
cuando lo haga quizás ya nada será lo mismo.<br />
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VAMOS A MURCIA A<br />
ENAMORARNOS.<br />
Javier Montero e Isbell.<br />
Vamos a Murcia a buscar el amor. A enamorarnos de<br />
verdad. Rodaremos una película para satisfacer nuestra<br />
necesidad de contarlo, porque cuando nos enamoramos<br />
somos imparables.<br />
Viviremos las historias que nos montamos en la cabeza,<br />
que en la mayoría de los casos son absolutos<br />
delirios, pero que nos llenan de energía y nos permiten<br />
hacer aquello que nos propongamos.<br />
Denominamos película a un trabajo que será realizado<br />
en formatos que van desde la música y la experimentación<br />
sonora, a la escritura, las artes escénicas o el<br />
documental. Vamos a Murcia a enamorarnos es un<br />
proyecto de exploración privada y pública. Es importante<br />
puntualizar que no pedimos la residencia para<br />
ver si nos enamoramos en Murcia, sino que queremos<br />
llevar a la práctica nuestras indagaciones y experiencias<br />
sobre este tema, y abrir un espacio de investigación.<br />
Buscamos maneras de narrar nuestro entorno y a nosotros<br />
mismos con ojos frescos, porque necesitamos<br />
códigos nuevos para que ‘el aquí y ahora’ adquiera<br />
sentido, y podamos diseñar un espacio con nuestras<br />
propias palabras. El amor, los finales felices, la<br />
política, la democracia, la transición, el consumo, la<br />
pasión, los géneros, las identidades, están tan agotadas<br />
que apenas significan nada. La palabra amor está<br />
demasiado cargada de condicionamientos sociales y<br />
culturales del pasado. Por eso queremos enamorarnos<br />
y trabajar sobre ello.<br />
Vamos a Murcia a enamorarnos se plantea como un<br />
desafío formal, estético, lingüístico, escénico, ético y<br />
psíquico.<br />
Javier Montero es artista visual, performer y escritor.<br />
Ha presentado los espectáculos escénicos La Oveja<br />
Negra (con Marta Berenguer y Juan Díaz), El Cuarto<br />
Obscuro (con Isbell y Juan Díaz) y Killing Celebs (con<br />
Juan Díaz) en numerosos festivales y teatros por toda<br />
la península. En la actualidad está desarrollando los<br />
proyectos escénicos The Illusion of Choice (con Maite<br />
Dono), Cuernos de Cabra (con Isbell) y La Línea Invisible<br />
(con Juan Díaz y otros), de los que ha mostrado<br />
works in progress en Hablar en Arte (Madrid), La Noche<br />
en Blanco (Madrid) y Palabras Habladas, (Alicante).<br />
Junto a la artista Paloma Calle están escribiendo<br />
el trabajo escénico Los Objetos y las Cosas, tras recibir<br />
la beca Iberescena 2009. Dirige el programa de<br />
radio arte La Oveja Negra (Radio Círculo) donde cada<br />
semana realiza sesiones de performances y literatura<br />
sónica en directo, con numerosos artistas, músicos,<br />
actores, escritores, activistas y comisarios invitados.<br />
Muestra su trabajo artístico, visual y sonoro en galerías<br />
y realiza intervenciones en espacios específicos.<br />
La última exposición ha sido en el Espacio Menosuno<br />
(Madrid, Marzo 2009). Ha publicado la novela Guerra<br />
Ambiental, de la que también ha hecho la dirección<br />
de arte y el diseño junto a Nacho Montero. Es parte<br />
del dúo de música experimental Los Invisible, que ha<br />
presentado su trabajo en directo en numerosas ocasiones<br />
y participado en festivales como el LEM (Barcelona)<br />
o Ruidocracia (Madrid).Es comisario del festival<br />
antiliteratura. La primera edición se celebró en la<br />
Capella de l’Antic Hospital de Barcelona en Junio de<br />
2005 con la colaboración del SONAR. Diseña talleres<br />
sobre arte, narración, diseño y comunicación para espacios<br />
como La Laboral (Gijón) o La Casa Encendida<br />
(Madrid); al tiempo que trabaja como profesor en el<br />
<strong>Centro</strong> de Arte Reina Sofía (Madrid) y el Istituto Europeo<br />
de Design (Madrid).<br />
Isbell<br />
Isabel Espín, es cantante, compositora , músico,<br />
actriz, y performer. Ella y su hermana, Ana, fueron<br />
miembros fundadoras del grupo Iluminados en Bullas,<br />
Murcia, 1989-2009. Participaron en los festival más<br />
importante del panorama español (como Benicasim -<br />
FIB, BAM, Lemon Pop o La Mar de Músicas) grabaron<br />
varios discos para las compañías BMG Ariola y Jabalina<br />
Música.<br />
Durante sus estudios de Interpretación Musical, en<br />
la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia, se<br />
especializó en la realización de música y ambientes<br />
sonoros para obras de teatro, cuentos, performances<br />
y sintonías. En 2003 traslada su residencia a Madrid<br />
para iniciar su trabajo como Isbell. Ella centra su trabajo<br />
en la frontera entre la música y el arte de la performance.<br />
Uno de sus proyectos más importantes en<br />
Madrid, fue la banda de chicas de electro-punk Darky<br />
Nenas. Colabora con Pola y Pecado Pixelado en el<br />
colectivo audivisual Artistas Desconocidos. Con Código<br />
Ákate de la directora Mónica Santamaría realiza<br />
la música de las obras y performaces. Durante los<br />
últimos 4 años, trabaja con el artista Javier Montero<br />
en performances de música y spoken word. Se han<br />
mostrado sus obras en varios festivales y espacios<br />
de arte y cultura como La Casa Encedida, el Circulo<br />
de Bellas Artes de Madrid, Radio Circulo programa La<br />
Oveja Negra, o el Festival Alter-arte de Murcia.<br />
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PACO DE FOIÈ.<br />
Cia. Bésame Mucho.<br />
Paco Abellán, actor con veinte años de profesión ligado<br />
a la revista y a las formas teatrales usualmente<br />
denominadas convencionales, consigue con esta propuesta<br />
y a través de su propia ridiculización cuestionar<br />
y plantear un análisis sobre las artes preformativas<br />
instauradas en la nueva creación escénica. Probablemente<br />
nos encontraremos ante un nuevo género a<br />
medio camino entre lo establecido y lo experimental<br />
donde la ironía y el sentido del humor sirven de soporte<br />
reflexivo al pensamiento de la escena contemporánea<br />
en el mapa actual. Paco de Foie, alter ego de<br />
Paco Abellán, cuenta la historia de un hombre que –<br />
tras recibir los resultados de una analítica – descubre<br />
que su hígado le ha jugado una mala pasada. Es ahora<br />
el momento en que los excesos y los vicios sostenidos<br />
a lo largo del tiempo le pasan factura. A partir de<br />
aquí, a partir del análisis del hígado de Paco y, sabiendo<br />
que este órgano tiene la maravillosa capacidad de<br />
regenerarse, el actor pone en escena toda una experiencia<br />
vital en la que biografía y ficción se confunden<br />
y se quitan la vez jugando con la lógica temporal. Es<br />
por eso que asistimos, a través de su muerte, a su nacimiento,<br />
un juego en el que todos querrán participar.<br />
Paco muere y renace Paco de Foie. Así presenciamos<br />
el desarrollo de una vida que se hace y deshace<br />
constantemente, que se transforma y muta de forma<br />
fragmentaria, que se regenera a lo largo de la acción<br />
dramática igual que el hígado en el ser humano.<br />
La historia de Paco de Foie es la historia de todos y, a<br />
la vez la de nadie. Es la tragicomedia de una vida, una<br />
tragedia en sí misma que, en cambio, se observa aquí<br />
a través del prisma de la comicidad y del absurdo.<br />
Éstas últimas son las lentes que se han adoptado para<br />
construir el presente espectáculo. Cualquier espectador<br />
puede reflejarse en Paco de Foie, un personaje<br />
hiperrealista con el que todos nos reímos. El punto de<br />
vista del personaje es el nuestro, el público es partícipe<br />
de ello y el humor es la base de una vida de pena.<br />
Partiendo de la necesidad y el deseo de Paco Abellán<br />
de crear un espectáculo en el que él mismo fuera<br />
el eje de la acción dramática, éste es un trabajo<br />
absolutamente contemporáneo y orgánico en el que<br />
el público es objeto directo de su construcción. No<br />
es un espectáculo cerrado, sino que en el mismo se<br />
improvisa de acuerdo con el estado de ánimo del artista,<br />
el gran Paco de Foie, convirtiéndose su persona<br />
en sinónimo de la operación dramática, principio y fin<br />
de todas las emociones, ideas y pulsiones representadas<br />
en la escena. Siguiendo esta línea dramática y<br />
contaminando al equipo de trabajo de su vida, ideas<br />
y currículum emocional y sentimental, los diferentes<br />
participantes en este proyecto han profundizado en<br />
una serie de raíces que poco o nada tienen que ver<br />
con la lógica racional y el pensamiento cotidiano que<br />
dirige nuestras vidas.<br />
Paco de Foie es un análisis conjunto de la vida del artista-hombre<br />
donde se suman las habilidades de Paco<br />
Abellán y un conjunto magnifico de artistas multidisciplinares<br />
que trabajan junto a él, un espectáculo donde<br />
se suma la tecnología presente y al que tú también<br />
te puedes sumar, querido espectador. Paco de Foie<br />
se propone llevarnos a ese lugar inquietante donde<br />
nos podemos contemplar a nosotros mismos como<br />
en un espejo, ese espacio en que el actor es imagen<br />
(cóncava tal vez) en la que se refleja el público. Todo<br />
esto es lo que vas a ver.<br />
Productor: Bésame mucho teatro<br />
Coproductor:<strong>Centro</strong> Párraga<br />
Directora:Encarna Illán<br />
EQUIPO<br />
Produce: Bésame Mucho Teatro<br />
Coproduce: <strong>Centro</strong> Párraga<br />
Paco de Foie: Paco Abellán<br />
Pianista: Arthur May<br />
Asistente: Agustín Vidal<br />
Dirección: Encarna Illán<br />
Dramaturgia: Paco Abellán y Encarna Illán<br />
Dirección de arte: Juan Conesa<br />
Música y letras: Arthur May<br />
Asesor coreográfico: Pedro Cardona<br />
Iluminación: Agustín Martínez<br />
Producción ejecutiva: Bésame mucho<br />
Aydte. Producción y regidor: Agustín Vidal<br />
Diseño gráfico: Sr. Mentekitchen<br />
Audiovisules: Adriana López y Sr. Mentekitchen<br />
Distribuye: Nacho Vilar producciones<br />
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SOBRE EL MIEDO<br />
AL AMOR Y A LA<br />
MUERTE.<br />
Proyecto Instalación<br />
Audiovisual<br />
Sara Serrano.<br />
Dramaturgias del sonido.<br />
Textos de “Anatomía del Miedo” de J. Antonio<br />
Marina y otros.<br />
Hay dos condiciones humanas que compartiendo la misma<br />
esencia nunca se repiten de igual manera: el Amor y la<br />
Muerte. Dos experiencias de carácter universal, que comparten<br />
la esencia de lo inaprehensible y que afectan a cada<br />
individuo de una manera única e irrepetible.<br />
Y un factor común que las une y sobre el que centro el interés<br />
de mi proyecto: el miedo, ante una y ante la otra. Ante el<br />
Amor y ante la Muerte.<br />
Escondite secreto.<br />
Todos tenemos un escondite secreto, dentro o fuera de nosotros.<br />
Un lugar donde nos escondemos de los demás y de<br />
nuestro yo social, del individuo que hemos construido para<br />
desenvolverse en el sistema de relaciones humanas.<br />
Entre las múltiples cosas que escondemos en nuestro escondite<br />
secreto se encuentra el miedo. El miedo racional<br />
y el irracional. Los deseos escondidos. Y las historias más<br />
preciadas que no compartimos por miedo a que se desvanezcan<br />
al enfrentarse a los demás. Este material personal<br />
son las historias que, junto a los textos de José Antonio<br />
Marina, compondrán el imaginario compartido de este proyecto,<br />
las que ayudarán a crear ficciones donde el espectador<br />
se reconozca y donde, en ocasiones, incorpore sus<br />
propias historias.<br />
Creación de un “Escondite secreto” para el espectador activo.<br />
Un espacio público que se hará secreto y personal para<br />
cada uno de los espectadores.<br />
Gráfica. La lectura como acción privada en contraposición<br />
con la audición, de carácter público.<br />
Texto público/texto privado.<br />
Proyección de textos sobre distintas superficies, textos que<br />
reproducen ideas, conceptos y experiencias alrededor de<br />
la idea del Miedo. Textos de carácter muy privado mezclados<br />
con premisas teóricas que introducen al espectador en<br />
historias individuales a través de su lectura. Al leer, realizamos<br />
una acción más privada que al escuchar algo de forma<br />
colectiva. En la lectura no están marcados los tonos o el<br />
ritmo, dependiendo parte del significado del sujeto que lee,<br />
de su propia experiencia y su forma de entender el mundo.<br />
¿Cómo se reacciona ante un mensaje directo, individual,<br />
personal, cuando lo leemos rodeados de otras tantas personas,<br />
para los que el mensaje también pertenece?<br />
Grabaciones vídeo. Personificación de experiencias.<br />
Entrevistas/ grabaciones a distintas personas donde se<br />
encadenan historias compartidas, miedos similares, particularidades,<br />
retratos.<br />
Imágenes que abren recuerdos, que activan la máquina de<br />
sueños.<br />
Espacios, objetos, vacíos, retratos que sugieren realidades<br />
posibles, memorias de lo que nos es familiar y aún no siendo<br />
así podríamos haberlo vivido.<br />
Sugerencias. Impresiones.<br />
Atmósferas sonoras.<br />
Una herramienta primordial para la creación de ficciones y la<br />
sugestión del espectador.<br />
Acercar lugares muy lejanos o transformar la sensación espacial<br />
a través de grabaciones directas de otros lugares y<br />
sonidos construidos. Un elemento que me permite ahondar<br />
en una de las condiciones de las que creo que una pieza<br />
artística no debe carecer, la capacidad de emocionar. A través<br />
del sonido pretendo dar un carácter de viaje a la instalación,<br />
dejando al espectador/visitante con la sensación de<br />
haber pasado por un historia narrada, con distintas etapas,<br />
de haber formado parte de una microhistoria con múltiples<br />
posibilidades. Y, por un momento, de haberse sentido una<br />
pieza del engranaje.<br />
Sara Serrano<br />
Licenciada en Dirección Escénica e Historia del Arte. Master<br />
en Práctica Teatral por la Universidad de Manchester. Como<br />
extensión a su trabajo en las Artes Escénicas, ha realizado<br />
incursiones en el campo de la instalación y el montaje multimedia.<br />
Cofunda el Colectivo La Fragua y forma junto a Eduardo Balanza<br />
el DFH, con el que realiza distintas piezas en los márgenes<br />
entre la instalación la performance y el vídeo, entre<br />
ellas “Atta Airlines. Kit de seguridad”, presentada en ARCO<br />
2006.<br />
Además trabaja para la Compañía de Teatro de Altura Puja!,<br />
ganadora del Premio del Público del Festival de Tárrega<br />
2005 para la que ha codirigido su último espectáculo Do-Do<br />
Land y colabora regularmente con Arena Teatro con quien<br />
ha realizado diversos eventos y con la que ha preparado su<br />
última producción “En Un Minuto”/N1m. , sobre un texto de<br />
Inmaculada Alvear, en colaboración con el <strong>Centro</strong> Párraga<br />
de Murcia.<br />
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MOURNING ENDS.<br />
Proyecto de acontecepolar para dos actrices,<br />
una bailarina, un bebé, una cuidadora,un director,<br />
un ingeniero de luz, un músico, una road<br />
manager, dos amigos que quieren mirar y dos<br />
perros.<br />
Fue algo así como que habían pasado tres años y ella aún era<br />
incapaz de pensar cualquier cosa que no fuera él, y él hacía<br />
tiempo que pensaba en cualquier cosa y, como eran civilizados<br />
y modernos, se decidió que lo más conveniente para ambos<br />
era tomarse un tiempo de reflexión, y aceptaron ambos<br />
creyendo que sería muy cortito, y se alquilaron pisos distintos,<br />
y cuando habían pasado tres meses todavía se seguía en el<br />
periodo reflexivo y llegaron más personas para alumbrar el<br />
periodo reflexivo, y desaparecieron otras personas, unas muy<br />
importantes, otras menos, pero su desaparición hizo que algo<br />
hiciera clic, y además empezaba a secarse como se llame lo<br />
que se seca cuando se agotan las lágrimas, los románticos<br />
dirán el corazón o el alma, los pragmáticos simplemente el<br />
lacrimal, pero sea lo que sea, duele, y entonces se terminó el<br />
tiempo de reflexión, y no fue tan sencillo decidir que ya estaba<br />
bien de reflexionar sobre nada, porque nunca se reflexiona<br />
sobre si se ama o no, o no se debería reflexionar, simplemente<br />
sentir o no, pero pensar lo jode todo, y mientras, ya se había<br />
venido abajo la familia y se pensó en hacer otra, pero para eso<br />
había que amar y la reflexión dijo que sí se amaba, pero no fue<br />
una reflexión real sino un sentimiento, que es lo importante, y<br />
de pronto ya había pasado cuatro años desde la primera vez<br />
de aquella mirada que lo dijo todo y luego vinieron las palabras<br />
a complicar lo que ya era simple, y se descubrieron las<br />
caras, se prometieron otras cosas, más maduras, se planteó<br />
que para crear hay que empezar por uno mismo, quizá una<br />
relación, una familia, una nueva creación escénica, mezclarlo<br />
todo con casarse y tener hijos y salir a la escena a desenredar<br />
la amargura o la apatía, y tras cinco años quizá sea posible<br />
mezclarlo todo y aunque sea una locura, aunque nadie crea<br />
en que es posible, ahí estaban todos los que eran, unos salían<br />
a escena a hacer algo con su vida y otros mirarían para ver<br />
qué demonios se creían los primeros que hacían, con esa mirada<br />
que ya ensucia lo que se mira, pero daba igual, ninguna<br />
palabra, ninguna canción, y se decidió ir a por todas, con lo<br />
que venga y como venga, porque así es su vida, porque así<br />
han salido las cosas, y ella ahora tiene autonomía pero piensa<br />
en él y él lo mismo pero en ella, y las cosas que les ocurre tienen<br />
otro color, no sé, como un color más de estar bien, cinco<br />
años muy intensos pensaba él y ella le sonreía y le decía, hay<br />
que ver cómo me tira la barriga, y él no dejaba de ponerle<br />
crema por las noches y de beber agua para no enfermar, para<br />
no contagiar, porque quería contagiarle otras cosas, como las<br />
ganas por hacer posible el sueño de teatralizar una vida, pero<br />
no gripes ni resfriados, porque no tiene sentido hacer arte sin<br />
contar tu experiencia sobre unos hechos, estos hechos, los<br />
que fueron tristes pero permitieron nacer los alegres, como<br />
armar la canastilla, el cambiador, el moisés, que se llama así<br />
por el personaje bíblico al que cuando era un recién nacido,<br />
colocaron en una cesta en el río Nilo para escapar, pero eso<br />
es otra historia que no nos contarán aquí, o no ahora por lo<br />
menos, y de pronto pensaron, vaya un viaje, hacia nosotros,<br />
con nosotros, todos los que somos, junto con alguno más, alguien<br />
de fuera, que tenga mucho ángel, que aunque se hablen<br />
de cosas malas en algunos momentos su cara perdone todo,<br />
como sacada de una obra onírica de la compañía Raffaello<br />
Sanzio, y por qué no directamente sacarla de ahí, por qué<br />
no va a ser posible, todo está en la pregunta, en cómo hacer<br />
la pregunta, a ese rostro que forma parte de esas obras, su<br />
nombre Silvia Costa, y también ella dijo por qué no, y más<br />
tarde la amistad que une a las personas hizo posible noches,<br />
tardes, mañanas de hablar de eso que se habla cuando conoces<br />
a alguien o cuando de pronto lo conoces más porque<br />
ocurren cosas iguales, y se unió Eva Torres y quizá más tarde<br />
decidan meterse de lleno en esta vida el colectivo Superamas,<br />
quién sabe, nada se sabe, y ella se puso contenta y eso<br />
le alegró a él, y al alegrarse él ella se puso contenta, y pensaron<br />
en los cinco años, las familias, los vinos, las cenas, las<br />
noches en vela, los cumpleaños, las vacaciones, las bajas,<br />
las mentirijillas, los sueños, los viajes, los perros, y el tiempo<br />
para decir la verdad, toda la verdad, que aquí está, la realidad<br />
ficción sacada de la realidad real, va por el que vino, Alejandro<br />
Soriano Molina, va por quien se fue, Lola, la exquisita Lola.<br />
96 97
LENZ RIFRAZIONI<br />
(Parma, Italia)<br />
DIDO_Epidérmica<br />
de Epistulae Heroidum Dido Aeneae de Publio<br />
Ovidio Nasone<br />
Lenz Rifrazioni presenta una estancia de investigación<br />
sobre Dido, nuevo proyecto 2010 por parte de<br />
visual and performing art, realizando la parte fílmica<br />
en Túnez y España, e inspirado en el Dido Aeneae de<br />
Ovidio.<br />
Tras Radical Change, Chaos y Exilium, creaciones<br />
libres extraídas de Las Metamorfosis y Tristia, Lenz<br />
Rifrazioni inserta la propia poética visionaria sobre las<br />
Epistulae Heroidum, para reelaborar artísticamente la<br />
figura de Dido, icono clásico exaltado en las obras de<br />
Guido Reni, Rubens, Tiepolo, Vouet, Lorrain, pero sobre<br />
todo protagonista de la obra de H. Purcell Dido &<br />
Aeneas, obra maestra del barroco musical.<br />
A ella Ovidio dedica una de las veintiuna cartas de<br />
amor imaginarias que componen las Heroides en la<br />
cual imagina la reina que escribe a Eneas en el tentativo<br />
vano de convencerlo a quedarse con ella.<br />
La condición del exilio, funda el mito de Dido, llegada<br />
a las costas de Líbia hacia el año 814 a.C., Dido obtiene<br />
el permiso de establecerse, tomando tanto terreno<br />
“cuanto podía contener una piel de buey”. Dido escogió<br />
la Península, cortó astutamente la piel de toro<br />
en tantas tiras y las dispuso en fila, de manera que<br />
limitase lo que sería el futuro territorio de la ciudad<br />
de Cartago.<br />
Dido representa el cuerpo mítico del África, conquistado,<br />
gozado y abandonado por el héroe de occidente<br />
Eneas, fundador de Roma y del nuevo imperio. Y la<br />
misma ciudad fundada por Dido se define y circunscribe<br />
por la piel animal, sutil y vulnerable. Piel, cuerpo,<br />
dermis, se enrojecen de pasión, temblores y dolores<br />
bajo la mirada de deseo de la latinidad senescente de<br />
Eneas. En el ámbito del proyecto “Dido” Francesco<br />
Pittito elaborará un nuevo trabajo de video art que se<br />
llevará a cabo en el norte de África, Túnez/Cartago y<br />
en Cartagena, España.<br />
El proyecto de instalación de Dido, pensado para la<br />
ciudad de Murcia, sitúa al centro de la creación la<br />
relación entre el lugar de refugio animal, la Caballeriza<br />
y los sujetos performativos, una mujer-niña y una<br />
multiplicidad de hombres-viejos. La física del espacio<br />
reelabora el mito del reencuentro de la cabeza de<br />
caballo, considerado elemento fundador de la nueva<br />
ciudad, y la naturaleza epidérmica de la piel de buey<br />
se traduce en la señal de confín de la vulnerabilidad<br />
del cuerpo urbano. Los viejos reunidos y serializados<br />
en un asilo cívico-ideológico, somática residual de la<br />
clasicidad, se heroizan en la pompa ética del pius,<br />
respetuoso de la voluntad divina, de las leyes y de los<br />
deberes hacia el Estado, de frente al cual desaparece<br />
la voluntad del individuo.<br />
La relación entre juventud y vejez, símbolo de África<br />
y Europa, sería restablecida por una joven performer<br />
profesional y por un grupo de ancianos murcianos,<br />
permitiendo la conexión entre la realidad del teatro de<br />
investigación y el territorio, através de la concreta posibilidad<br />
de involucrar sujetos tradicionalmente excluidos<br />
de los procesos creativos, revelando la avanzada<br />
edad no como un límite a la expresión artística, sino<br />
al contrario, como una posibilidad de sabiduría y de<br />
belleza.<br />
Creación:<br />
Maria Federica Maestri y Francesco Pititto<br />
Traducción/ Dramaturgia/ Imagoturgia:<br />
Francesco Pititto<br />
Instalación/ Elementos plasticos/ Dirección:<br />
Maria Federica Maestri<br />
Música: Andrea Azzali<br />
Performer: Valentina Barbarini<br />
Cura proyecto: Lisa Gilardino<br />
Organización: Mila Rampini<br />
Producción: Lenz Rifrazioni<br />
98 99
THE PLAYER.<br />
Pedro Guirao.<br />
Videojuegos, sistemas interactivos, vd’js, casas domóticas,…la<br />
integración e interacción del individuo<br />
con la tecnología (hardware y software), sobre todo<br />
por la popularización y democratización de ésta y<br />
su uso en la vida doméstica y la industria del ocio,<br />
es un fenómeno cada día más sólido y cotidiano. Un<br />
fenómeno que evidentemente está transformando la<br />
relación con nuestro entorno, el conocimiento, la información,<br />
la percepción,…<br />
Al igual que los que pertenecemos a generaciones<br />
anteriores nacimos en la cultura de la televisión, la<br />
prehistoria de los videojuegos (el spectrum o el comodore<br />
64), el radiocassette o el VHS, las nuevas<br />
generaciones están creciendo ya rodeados de interfaces,<br />
sistemas operativos, móviles 3G, video consolas,<br />
ADSL, iPOds, videocámaras digitales o coches que<br />
aparcan solos.<br />
En definitiva, aparatos, programas y sistemas que en<br />
su gran mayoría incorporan una característica cada<br />
vez más importante y que se va haciendo casi imprescindible:<br />
LA INTERACCIÓN.<br />
Ofrecer la posibilidad y capacidad de acción al usuario<br />
se ha convertido en un elemento clave en la relación<br />
de éste con la máquina, tan importante que un aparato<br />
que no posea esta característica tiene grandes<br />
dificultades hoy en día para alcanzar éxito y conseguir<br />
ser popular. Pero lo que me parece más interesante de<br />
este fenómeno, es el efecto que está teniendo en el<br />
individuo y en su relación con el mundo que le rodea.<br />
El factor interactivo está actuando de puente / enlace<br />
en el camino hacia la fisicidad de lo virtual y está<br />
acostumbrándonos a la posibilidad de la participación,<br />
control y acción más o menos directa sobre los<br />
contenidos. Se está consiguiendo así una paulatina<br />
aproximación entre el hombre y la tecnología eliminando<br />
la distancia y disolviendo los límites en la relación<br />
bipolar emisor-receptor, al igual que está modificando<br />
nuestra relación y nuestra percepción con el<br />
tiempo y lo real.<br />
El espectador se convierte en agente activo, clave y<br />
determinante, el consumidor en usuario y el receptor<br />
se balancea de un lado a otro del esquema comunicativo<br />
pasando por la manipulación directa del propio<br />
mensaje. La creación contemporánea, cada vez<br />
de una manera más consciente, se está haciendo eco<br />
de este fenómeno social global, mediante la utilización,<br />
tanto en los procesos como en los resultados,<br />
de sistemas interactivos de relación entre el público<br />
y la obra, y encontrando, entre otras cosas, una solución<br />
al habitual hermetismo que suele caracterizar las<br />
manifestaciones artísticas más actuales..<br />
La interactividad en el arte está siendo un campo de<br />
investigación y experimentación hacia una reflexión<br />
activa y práctica sobre los límites y la disolución de los<br />
mismos entre lo físico y lo virtual, la autoría individual y<br />
la múltiple, compartida y colaborativa, los contenidos<br />
dinámicos y mutantes, etc.<br />
The Player es un proyecto de investigación y creación<br />
artísticas que fluctúa entre las artes visuales, multimedia<br />
y performativas, en torno a las ideas de la interactividad<br />
de la obra artística tanto en el proceso<br />
creativo como en el resultado final, de la mutación del<br />
espectador / público / receptor en usuario / jugador /<br />
emisor, manipulador directo de la obra artística Acuño<br />
el término Player, en inglés, por su doble significado<br />
de jugador y de intérprete de una pieza musical, escénica,<br />
etc y por su asociación directa al mundo del<br />
juego (y los videojuegos).<br />
El objetivo es la creación de un videojuego artístico<br />
donde el espectador se convierte en manipulador y<br />
compositor de los movimientos del propio artista /<br />
performer por micro espacios sobredimensionados<br />
extraídos de lo real. El proyecto contempla dos vías<br />
de investigación principales: En la primera, circunscrita<br />
al periodo del proceso de creación, el artista / performer<br />
trabaja en la composición de movimientos que<br />
deben recorrer e interactuar, desde la interpretación<br />
mental y la memoria, con espacios que no se encuentran<br />
físicamente presentes, capturados de la realidad<br />
y descontextualizados mediante el encuadre. En esta<br />
fase de investigación tanto el término player como el<br />
concepto de interacción se refieren precisamente a<br />
ese juego de relación de un elemento físico (el cuerpo<br />
del artista) con un espacio inmaterial y no presente.<br />
La segunda vía de investigación se ocupa del diseño<br />
y desarrollo de un sistema interactivo mediante el cual<br />
el público tendrá la posibilidad de manipular y componer<br />
el video y los movimientos del artista / performer<br />
dentro de los espacios de ficción. Convirtiéndose así<br />
el espectador en player (jugador y nuevo intérprete) de<br />
este particular videojuego.<br />
100 101
SIN TÍTULO (2010).<br />
Jesús Segura.<br />
En “Sin titulo”(2010) me propongo escrutar la deshumanización<br />
que impone la globalización neoliberal<br />
catalizados en el uso y abuso de los sistemas tecnológicos<br />
y de producción del sujeto contemporáneo.<br />
Mediante la imagen fílmica y fotográfica, estableceré<br />
un desvelamiento de sus causas-efectos, a través,<br />
de estrategias de visualización y representación.<br />
Para ello, trabajaré con la arquitectura de la ciudad,<br />
construyendo mediante distintas representaciones<br />
suturadas, una arquitectura que no defina plenamente<br />
su estatuto de realidad. De este modo, introduciré<br />
la dualidad de realidad-espacio cibernético haciendo<br />
referencia obvia y directa a la construcción de una red<br />
de interferencias somatizadas con el tránsito de los<br />
individuos. Posicionando la ciudad como instrumental.<br />
Del mismo modo, los espacios-tiempos representados<br />
en las distintas áreas del contexto urbano<br />
serán modulados asincrónicamente por el sonido de<br />
máquinas de producción de capital que regularán el<br />
movimiento y desplazamiento de los sujetos representados.<br />
Esto traerá consigo, una dispersión de la<br />
mirada que hará inaprensible, a “golpe de vista” la totalidad<br />
de la pieza. Obviamente, esto es una respuesta<br />
forzada, por mi parte, ante la visibilidad que exige<br />
la sociedad espectacular derivada a parámetros de<br />
vigilancia y control. Las claves, aquí serán dadas en la<br />
homogeneización y alienación de los sujetos, sometidos<br />
a procesos de racionalización étnica y estética.<br />
Tenemos que pensar, que la pieza no persigue sólo<br />
una voluntad crítica a la deshumanización, donde los<br />
vínculos humanos han devenido provisionales, donde<br />
la degradación de las relaciones afectivas son finiquitadas<br />
cuando el beneficio ha sido alcanzado. También,<br />
trata de buscar, una maniobra de desvelamiento que<br />
genere en la mirada del espectador un efecto análogo.<br />
Es decir, la perdida de control y de aprensibilidad de la<br />
imagen, cuyo fin último, establece la comunicación en<br />
términos de frustración.<br />
Sin embargo, este descentramiento de la mirada al<br />
que obligará la pieza, esta articulando una metáfora<br />
del sujeto-productor como el verdadero artífice del<br />
espacio global. Podremos identificar en la pieza, áreas<br />
de velocidad, de silencio, de congestión, de colapso,<br />
de ralentización… que hacen referencias obvias a demandas<br />
de los flujos de capital presentes en la globalización,<br />
configurando una cosmología del sujeto en<br />
su efecto metafórico. Este proceso de maquinización,<br />
representado bajo la acepción humana, interpretarán<br />
la encarnación de diferencias y multiplicidades<br />
presentes subrepticiamente en la globalización neoliberal.<br />
Y, esa homogeneización étnica y estética dominante,<br />
a la que antes me refería, aludirán, directamente,<br />
al fin último de las pretensiones neoliberales;<br />
que es la creación de un estado global, concebido al<br />
dictado de sus intereses.<br />
Creo, que hay una conciencia de exclusión ciudadana,<br />
latente e implícita en la división y habitabilidad de<br />
la ciudad actual, Y, esto se asume, con demasiada<br />
normalidad. Sin embargo, mi exploración ahonda en<br />
una identidad excluida, donde una de las consecuen-<br />
cias directas de esa exclusión, reside en el diseño<br />
del espacio público y sus relaciones con el individuo.<br />
Pero hay otras.<br />
A este respecto “Sin titulo” (2010) construirá un espacio<br />
urbano que no existe, pero que pudiera ser real,<br />
como dije antes…De hecho, en su sentido estructural<br />
de darse la comunicación será real. Lo que se propone<br />
con la construcción de un espacio estratificado y<br />
jerarquizado, laberíntico y automático, será configurar<br />
un sistema de relaciones reales, tratados dentro de un<br />
espacio ilusorio. Un espacio ilusorio, que nos acerca<br />
a formas de comunicación degradadas en la sociedad<br />
que nos produce como individuos organizados.<br />
En este sentido, el fluido magmático del sujeto en la<br />
urbe, es absolutamente controlado y estandarizado.<br />
La organización y clasificación responden aquí, al estado<br />
de control y dominio que verbaliza todo en un<br />
centro. Todo se dirige a él, y consecuentemente, todo<br />
sale de él. Esta matriz es la que cosifica al individuo<br />
y lo desprende de singularidad. En este sentido, el<br />
tránsito, el fluido, subvertirá, su propio concepto direccional,<br />
al incorporar varias pantallas confrontadas<br />
entre sí y reguladas en sus tiempos y espacios. Acentuando,<br />
esa idea de eco, de circularidad, de la que el<br />
visitante se siente rodeado. Pero, además, evidencia<br />
mediante esta maniobra de confrontación, posiciones<br />
polifocales y entrecruzadas que vienen dadas por movimientos<br />
de intercambio y tránsitos de doble sentido.<br />
Es en este giro, en este cruce, es donde se generan<br />
las tensiones y transacciones ambivalentes que ponen<br />
en jaque el concepto de identidad multicultural y<br />
por ende de identidad transnacional.<br />
Si, aplicamos una mirada atenta a la formación y configuración<br />
de las economias actuales del capitalismo<br />
último, nos daremos cuenta que se estructuran y organizan<br />
precisamente alrededor de toda producción<br />
identitaria, generando una estructura de poder como<br />
generatriz.<br />
Por último, la idea de espectador activo, es sumamente<br />
importante para mi. Por ello, incorporaré una<br />
estrategia de hipervisibilidad, conjugando movimientos<br />
en distintas áreas del espacio dado que lleva al<br />
visitante de mis piezas a una atrofia visual, y por tanto<br />
al fallido intento de control visual total. Esto generará<br />
en el visitante, una contemplación por áreas, capas,<br />
estratos…que lo situarán en lo que yo llamo un “Observador<br />
Técnico”.<br />
De este modo, involucraré al visitante observador en<br />
un proceso de vigilancia de la propia pieza. Convirtiendo,<br />
al propio visitante observador ,en un vigilante.<br />
Puede ser una trampa visual, pero me parece tremendamente<br />
efectivo, situar al visitante en los términos<br />
adecuados para tomar conciencia de que lo que están<br />
viendo, está “sujeto” al dominio y control de una<br />
estructura…y todos somos participes….<br />
Pero, quiero hacer una última reflexión, sobre los tejidos<br />
políticos presentes en la pieza, y su inserción<br />
en una estructura que darán paso a una experiencia<br />
sensorial, capaz de suscitar una acción perceptiva,<br />
corporal. Creo que el productor artístico, conceptualiza<br />
los espacios socio-políticos, pero debe ir un poco<br />
más allá e incorporar las experiencias sensoriales<br />
como elementos activos, para un diálogo eficaz, entre<br />
obra-espectador. Que no olvidemos, es el verdadero<br />
interprete del valor social de la obra.<br />
102 103
OTELO Y<br />
DESDÉMONA.<br />
Teatro Demente.<br />
Asturias.<br />
¡Ah! Ojalá pueda todavía gritar la verdad, aunque sea débilmente,<br />
y ojalá podáis escucharla.<br />
Entre el ruido de las malas lenguas y de los bombardeos.<br />
Si la amáis, afinad vuestro oído.<br />
Porque la verdad, como la mentira,<br />
Vive de quienes la escuchan.<br />
Sin oído, no hay verdad.<br />
Sin verdad, no hay teatro.<br />
¿Acaso no estamos todos aquí para poder oírla<br />
Y arrancar lo Verdadero, tan débil, de los furiosos embates<br />
de lo falso?<br />
¿Lo conseguiremos? Lo ignoro, lo deseo, lo creo.<br />
Prólogo de La historia terrible pero inacabada de Norodom<br />
Sihanuk, rey de Camboya.<br />
Y llegados a este punto me pregunto: ¿tan soberbios<br />
somos que nos creemos con la capacidad de encontrar<br />
una verdad? Para dar respuesta a esta pregunta<br />
me he acordado de una anécdota de hace algunos<br />
años: un amigo me planteó el dilema de hasta qué<br />
punto cuando le damos una moneda a un mendigo lo<br />
hacemos para acallar nuestra conciencia o realmente<br />
nos mueve un sincero sentimiento altruista; pensé<br />
durante unos días sobre el tema, y llegué a una conclusión:<br />
no importa qué es exactamente lo que te impulsa<br />
a dar esa moneda, lo único que importa es que<br />
el mendigo reciba la moneda. En definitiva, no se trata<br />
de discutir acerca del arte, porque el arte es una mierda<br />
y los que discuten sobre él pierden el tiempo, se<br />
trata de lo que el arte puede aportar a la vida para que<br />
alguien pueda ser más feliz, no durante exposición de<br />
una obra artística, sino a partir de ella viendo cosas de<br />
la luna que no había visto, pero que ya estaban ahí. El<br />
teatro como medio. En el preciso instante en el que tú<br />
estás leyendo esta línea, a los que están comerciando<br />
con la mentira, a los que hacen de este mundo<br />
una mentira, no les detiene ni por un segundo ningún<br />
conflicto moral por el estilo, y precisamente por eso<br />
hemos de tratar de caminar hacia la verdad, estampar<br />
en las paredes azules de los cielos la palabra utopía,<br />
para que retumbe en el alma de cuántas sombras vaguen<br />
sin rumbo… buscando. No se trata de atacar, se<br />
trata de defenderse.<br />
La finalidad de este proyecto es una persecución de<br />
la verdad de aquel que, como el asesino o el artista,<br />
ya no tiene nada que perder. ¿Existe la verdad? Existe<br />
la mentira, eso está claro. Entonces existe la verdad.<br />
Quizá la única verdad ya está ahí pero hay tantísimas<br />
cosas que dificultan su visión y disfrute que no somos<br />
conscientes de ello. Dice Benjamín Prado que el arte<br />
es decir cosas de la luna que ya estaban ahí, pero<br />
que no habías visto, y que desde entonces te la harán<br />
ver de manera distinta para siempre. Según esta<br />
definición cada árbol existe no fuera sino dentro de<br />
cada una de las personas que lo observan –encasillar,<br />
definir, acarrea una pobreza espiritual que sufrimos sin<br />
darnos cuenta-. Si la verdad es un niño contemplando<br />
un árbol, entonces no hay más opción que DESTRUIR<br />
cuantos elementos ciegan al niño: televisiones –demonio<br />
del S. XXI-, religiones –El Demonio-, moda, dinero,<br />
política, arte, etc. Todos engranajes de una maquinaria<br />
social sustentada en la mentira, en la que el<br />
amor –tema que vehiculará nuestra investigación- es<br />
otro valor más con el que se comercia.<br />
Trabajaremos por tanto en dos direcciones:<br />
a) Hacia la mentira: a principios de siglo, a Edward<br />
Bernays, sobrino de Freud, se le ocurrió que donde<br />
había realmente negocio no era en vender aquellos<br />
productos que el ciudadano de a pie necesitaba, sino<br />
en ir un poco más allá adentrándose en su mente para<br />
hacerle creer que había artículos que, aunque no necesitaba,<br />
lo harían más feliz. Es el principio de la profesión<br />
de “relaciones públicas”, el principio del capitalismo,<br />
el principio de la mentira. El principio del fin. Si<br />
nos paramos a pensar, todo en este mundo esconde<br />
un interés; todo el mundo, ya sea profesional o personalmente,<br />
trata de “conseguir algo de alguien”: una<br />
mentira (da igual si alguna verdad circula por alguna<br />
vena, la mentira sigue siendo el corazón). Desde el<br />
momento en el que el sistema premia esa concepción<br />
de la vida, se produce el fin del ser humano como lo<br />
que es: un animal –el más imperfecto de todos, como<br />
dijo Nietzsche, porque es el único que va en contra de<br />
sus instintos-. ¿Cómo combatir esa mentira ramificada<br />
infinitamente, -armándonos de valor para detectarla,<br />
afrontarla y superarla, en primer lugar, en nosotrospara<br />
llegar a la verdad primigenia?<br />
b) Hacia la verdad: verdad como sinónimo de belleza.<br />
Partimos por tanto de la premisa de que hoy en día<br />
lo bello es feo, porque es mentira… y lo feo es bello,<br />
porque lo feo al menos sabemos que es verdad.<br />
La belleza es una canción, una danza, una mirada,<br />
un grito… No importa cuál sea la forma mientras que<br />
sea verdad: ahí está la forma. No obstante, en Otelo<br />
y Desdémona este camino hacia la verdad será el<br />
contraste –eso no quiere decir que no tenga un cierto<br />
protagonismo- con respecto a la dirección que tomaremos<br />
decididamente hacia la mentira, para su estudio,<br />
denuncia y posterior destrucción.<br />
Es muy importante aclarar que comenzaremos trabajando<br />
a partir del texto original “Otelo y Desdémona”,<br />
pero que sólo el proceso (el hacer y hacer) nos llevará<br />
a concreciones inimaginables a priori, en las que<br />
el libreto original tendrá una presencia determinada:<br />
desde respetar una sola línea del texto a la representación<br />
íntegra del mismo. Lo que sí que tenemos claro<br />
es ese contraste constante entre verdad y mentira,<br />
cada vez más vertiginoso, y que el lenguaje utilizado<br />
será muy diverso: música, danza, teatro, performance,<br />
happening, etc. En el que lo bello será muy bello,<br />
y lo feo será muy feo, y/o viceversa. Y siguiendo esta<br />
lógica extrema también desconocemos la duración de<br />
la pieza resultante: desde diez minutos hasta poder<br />
alcanzar las nueve o diez horas. Por tanto ese texto<br />
será, en este afán destructivo, lo primero en ser desestructurado<br />
a partir de la investigación en la práctica<br />
para ser convertido en imágenes, suspiros, pero sobre<br />
todo, gritos, lágrimas, risas a carcajadas, hostias,<br />
insultos, caricias, danzas, canciones… conformando<br />
así una especie de teatro de la destrucción detrás del<br />
que se esconde el sonido esperanzador de un reguero<br />
tranquilo y anónimo de agua.<br />
104 105
BERNARDA´S<br />
BACKSTAGE.<br />
Alejandra Prieto García<br />
/ The Winged Cranes.<br />
Inspirado en “La Casa de Bernarda Alba” de<br />
Federico García Lorca.<br />
Asturias.<br />
“Bernarda´s Backstage” es un montaje teatral multidisciplinar<br />
que incluye la experimentación y mezcla de<br />
varios lenguajes y técnicas escénicas como son los<br />
títeres (títeres de varilla, teatrillo, bunraku japonés y<br />
sombras) el performer como actor y manipulador, la<br />
danza, el uso del vídeo, vídeo proyección y la iluminación.<br />
La obra de Lorca “La Casa de Bernarda Alba” es<br />
en realidad una excusa (no se usa el texto), un punto<br />
de partida desde donde hablar y situar hoy el enfrentamiento<br />
entre Eros y Tánatos; entendiendo Eros<br />
como la vitalidad, la sexualidad, la sensualidad, el<br />
cuerpo y la naturaleza, y Tánatos, como el instinto de<br />
la muerte, del fin y la agresión. Pero sobre todo, esta<br />
pieza es una reflexión sobre la renuncia al verdadero<br />
Eros en nuestra vida y su sustitución por una cultura<br />
que presta adoración al consumo, a los aspectos<br />
superficiales de nuestro cuerpo, a una sexualidad vacía…<br />
Llenos de miedos, odios y amenazas cada vez<br />
más invisibles, más asimiladas y, por ello mismo, más<br />
eficaces y difíciles de desentrañar todos claudicamos<br />
ante esta cultura, conscientes de que ir en contra supone<br />
el aislamiento y el quedarse sol@. Este “desenmarañamiento”<br />
y búsqueda de una salida a este tejido<br />
represor es el objetivo de esta propuesta.<br />
La lucha entre Eros y Tánatos se plantea aquí entre<br />
el pequeño microcosmos en el que viven estas mujeres<br />
tal y como las retrató Lorca, atrapadas en una<br />
casa (teatrillo) de pequeño tamaño, y el mundo que<br />
está fuera de esta casa, mucho más grande en proporción,<br />
que en la obra original de Lorca permanece<br />
invisible, donde la exploración sucede con el muñeco<br />
de bunraku, las sombras y videoproyecciones y<br />
la interacción del performer-manipulador-actor. Este<br />
montaje, a través de los títeres y de la interpretación<br />
de los performers de personajes que podemos reco-<br />
nocer en nuestro universo cotidiano, jugando con la<br />
improvisación y el vídeo, traslada la tragedia lorquiana<br />
al momento actual.<br />
Reprimimos bien por miedo a la respuesta y castigo<br />
social, o porque hemos aprendido a buscar la satisfacción<br />
en esta represión de manera patológica<br />
(masoquismo, sadismo, instinto de destrucción), o<br />
porque hemos dejado de creer en nosotros mismos,<br />
en nuestra capacidad para asimilar a Eros en nuestra<br />
existencia? Así hemos terminado por incorporar no a<br />
Eros, sino todo un sistema de amenazas, castigos y<br />
miedos que perpetúan precisamente un poder represor<br />
y mutilador; que no consiente en la plenitud del<br />
individuo, ni mucho menos trascender hacia una existencia<br />
más elevada y cercana a la “idea” de felicidad.<br />
Esta experimentación con varios lenguajes visuales,<br />
con el títere, el performer, la vídeocreación, y la música<br />
es la que está en la base de esta propuesta para la<br />
que he buscado la colaboración y participación artística<br />
de Ruth García García, diseñadora de escenografía<br />
y coautora del guión (de los textos de nueva creación);<br />
Felipe Lima, diseñador de luces; Tania Arias, bailarina<br />
experta en vídeocreación; Eduardo Ros, músico y<br />
compositor; y contaré con uno o dos manipuladoresas<br />
performers (posibilidad que crece debido a contar<br />
con dos residencias y que me permitiría estar fuera<br />
en la dirección) para los ensayos con los títeres. Me<br />
interesa contar con ellos porque cada uno ha desarrollado<br />
su labor artística en varios campos y de esta<br />
forma el proyecto se puede enriquecer de esta interdisciplinariedad.<br />
Metodología<br />
Este proyecto combina diferentes técnicas del teatro<br />
de títeres –títeres de varilla, muñecos de bunraku,<br />
sombras- el performer como manipulador y actor y<br />
el uso del vídeo (cámara de vídeo y vídeo proyector)<br />
y la iluminación. También la música, los sonidos, son<br />
importantes en esta propuesta como elemento narrativo,<br />
y para ello quiero contar con música original<br />
compuesta para este montaje.<br />
Técnicas<br />
Títeres. Los títeres que esta propuesta incluye son<br />
los de varilla, un teatrillo, dos muñecos de bunraku y<br />
sombras. La casi totalidad del teatrillo y de los títeres<br />
de varilla, así como un muñeco de bunraku, han sido<br />
ya construídos, como pueden ver en las fotografías<br />
que incluyo en la solicitud.<br />
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Vídeocreación. Uso del vídeo como técnica visual<br />
para contar la historia, enfocar y enfatizar aquello que<br />
quiero subrayar tanto en el teatrillo como fuera de<br />
él. Uso de las imágenes proyectadas también como<br />
background sobre el que trabajar con el universo de<br />
sombras. Esta técnica audiovisual también ayuda a<br />
acercar esta tragedia a la época actual.<br />
Luces. Iluminar aquellas zonas “oscuras” que quiero<br />
sacar a la luz para explorar, trabajo importante de exploración<br />
y experimentación en toda la parte de sombras.<br />
Texto. El texto es de nueva creación y tiene que ver<br />
como antes comentaba con los monólogos o situaciones<br />
de tipos modernos que hablarán a cámara exponiendo<br />
sus “vivencias” y dejando que sea el público<br />
el que realice la conexión de estos “personajes” con<br />
ellos mismos y con la obra.<br />
Música. La música es un elemento narrativo, su inclusión<br />
apoya las escenas pero también cuenta y anticipa<br />
los personajes, las situaciones y crea el mundo<br />
exterior que se escucha desde la casa y no se ve, las<br />
voces del pueblo, los sonidos de la naturaleza…<br />
Hay una estructura de guión basada en aquello que<br />
no vemos en el clásico de Lorca, pero de lo que sí<br />
hablan los personajes, fundamentalmente visual, que<br />
tiene que ver con las pasiones, deseos, miedos y represiones<br />
de estas mujeres. Busco su conexión con<br />
mis propias vivencias y relación con el mundo que me<br />
rodea, como observadora y partícipe, y extraigo así<br />
el material de trabajo, lo pongo en duda, lo pongo a<br />
prueba, busco otro, salgo a la calle, escucho, busco<br />
otros puntos de vista, salgo de mi perspectiva, me<br />
pongo los zapatos de otro-a. Sobre ello planteo improvisaciones<br />
y se van fijando movimientos, primero<br />
con los títeres y luego buscando la incorporación de<br />
la cámara y de la luz.<br />
Trabajo con la deconstrucción como metodología, la<br />
de los puntos de vista (Viewpoints) de Anne Bogart,<br />
Marie Overlie y la SITI Company, pero también trato<br />
de fijar el movimiento, los títeres son movimiento, y<br />
tienen su propio código de expresión que ha de ser<br />
creado. Busco la perfección en el movimiento, porque<br />
cada movimiento expresa algo diferente y por ello hay<br />
que ser precisos. En este sentido trabajo con el método<br />
de mis maestros de bunraku, Dan Hurlin, Tom<br />
Lee y la compañía británica Blind Summit, con los que<br />
he trabajado dos años en Londres. En el trabajo con<br />
los textos, que son de nueva creación, estoy buscando<br />
momentos de desnudez en tipos normales de la<br />
calle, o momentos completamente inesperados que<br />
nos pillan por sorpresa, donde un secreto se revela,<br />
pasa aunque no queramos, se hace “visible” porque<br />
se produce en teatro, mientras que en la vida, en la<br />
rutina diaria, no nos daríamos ni cuenta.<br />
Buceo en el texto de Lorca para extraer aquello que<br />
tiene que ver con la temática de esta propuesta, elaboro<br />
una estructura que sirva de apoyo y base al trabajo<br />
en la sala de ensayos y al taller y exploro su sentido<br />
y su valor actual a través de improvisaciones con<br />
los títeres, el vídeo y la luz. La pregunta es: Cómo traducir<br />
en imágenes esta temática de Eros y Tánatos?<br />
Cómo combinar los distintos lenguajes escénicos y<br />
hacer que trabajen juntos?<br />
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CENTRO PÁRRAGA<br />
COORDINACIÓN DEPARTAMENTO ARTE Y ACCIÓN<br />
Javier Castro<br />
arteyaccion@centroparraga.com<br />
COORDINADOR ÁREA FORMATIVA<br />
Joaquín Medina / Conexión Cultura.<br />
joaquinmedina@conexioncultura.com<br />
COORDINACIÓN PROGRAMA DE RESIDENCIAS<br />
Mercedes Nicolás / Conexión Cultura<br />
residencias@centroparraga.com<br />
GABINETE DE PRENSA Y COMUNICACIÓN<br />
Valle Motos Alarcón<br />
prensa@centroparraga.com<br />
PRODUCCION<br />
Antonio Navarro<br />
produccion@centroparraga.com<br />
COORDINACIÓN GENERAL<br />
Javier Cuevas Caravaca<br />
info@centroparraga.com<br />
DIRECCIÓN<br />
Juan Nicolás<br />
direccion@centroparraga.com<br />
COMUNIDAD<br />
AUTÓNOMA DE LA<br />
REGIÓN DE MURCIA<br />
Ramón Luis Valcárcel Siso.<br />
Presidente de la Comunidad Autónoma<br />
de la Región de Murcia.<br />
Pedro Alberto Cruz Sánchez.<br />
Consejero de Cultura y Turismo.<br />
María Luisa López.<br />
Secretaria General de la Consejería.<br />
Antonio Martínez López.<br />
Director General de Promoción Cultural.<br />
Juan Nicolás Martínez.<br />
Director del <strong>Centro</strong> Párraga.<br />
AGRADECIMIENTOS<br />
A Yaiza Hernández, Rosina Gómez-Baeza, Mateo Feijoo,<br />
Marta Oliveres, Mariví Martín, Lipi Hernández, Tomás Aragay,<br />
Sofía Asencio, Ernesto Collado, Natalia Álvarez Simó,<br />
Meritxell Roda y Oscar Abril Ascaso, Josep Bargalló, Borja<br />
Sitjà y Susana Millet, Margarida Troguet, Rosa Pérez,<br />
Esperanza Clares, Francisco Javier Gómez de Segura,<br />
Miguel Baró Bo y Antonio Narejos, Jonathan Rives y Luis<br />
Giménez, Juan Ángel Serrano Masegoso, Pilar Salvador y<br />
Juan Albaladejo.<br />
Para reservas y entradas contactar con:<br />
<strong>Centro</strong> Párraga<br />
C/ Madre Elisea Oliver Molina, s/n<br />
Antiguo Cuartel de Artillería<br />
Pabellón n 5, 30002, Murcia<br />
T. 968 351 410<br />
centrop@centroparraga.com<br />
Para recibir toda la información sobre las actividades<br />
de <strong>Centro</strong> Párraga en tu teléfono móvil entra en<br />
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