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Programación: ARTES ESCÉNICAS FORMACIÓN
THREE SOLOS
Vera Mantero
Cía. O rumo do Fumo (Portugal)
14 ENE
21.00
ESP0
CURSO EXPRESIÓN Y COMPRESIÓN ORAL
En colaboración con el CPR 1
17/19/25 ENE
17.00-20.00
ESP5
LA VOZ HUMANA
Ivo Van Hove
Cía.Toneelgroep Amsterdam (Holanda)
20/21 ENE
21.00
ESP0
JAM & FREE IMPROVISED MUSIC
24 ENE
18.00-21.00
ESP0
YO SOY MI HISTORIA
Teatro de la Entrega. 5as ESADGERACIONES
1º sesión
26 ENE
21.00
ESP0
CURSO EXPRESIÓN Y COMPRESIÓN ORAL
En colaboración con el CPR 1
01/06/08/13 FEB
17.00-20.00
ESP5
TRANSIT
ETC Cuarta Pared
28 ENE
21.00
ESP0
JAM & FREE IMPROVISED MUSIC
21 FEB
18.00-21.00
ESP0
ARTYCIENCIA
Octavio de Juan
31 ENE
21.00
ESP0
JAM & FREE IMPROVISED MUSIC
20 MAR
18.00-21.00
ESP0
AL MENOS DOS CARAS
Sharon Fridman
Projects in movement (Israel-España)
4 FEB
21.00
ESP0
CURSO “ELEMENTOS FUNDADORES
PARA LA DANZA”
Martín Padrón. En colaboración con el CPR 1
22/24/25 MAR
S 9.00-16.00 D 9.00
ESP5
EL RUMOR DEL INCENDIO
Lagartijas tiradas al sol (México)
10/11 FEB
21.00
ESP0
ARTE Y ACCIÓN
ÓPERA DE CÁMARA “NOPPERA-BO”
Conservatorio Superior de Música Manuel
Massotti Little
1/2 MAR
21.00
ESP0
HOY LO CONSIGO
Exposición Esther Achaereandio
18 ENE/17 FEB
17.00-21.00
SALA DE MÁQUINAS
TRANSBORDADOR ESCÉNICO
Esad
15/22/25 MAR
21.00
ESP0
MIEDO ESCÉNICO
Exposición de Javier Nuñez Gasco
23 FEB/21 MAR
11.00-14.00/17.00-21.00
ESP4
MOVIMIENTOS POLÍTICOS
Sònia Gómez
16/17 MAR
21.00
ESP0
JAVIER NÚÑEZ GASCO
Encuentro con el artista
23 FEB
18.00h
SALA DE MÁQUINAS
THE SHOW MUST GO ON? /
EL CONTEXTO, EL SUJETO Y LO DEMÁS...
Martín Padrón / Gregory Auger
23 MAR
21.00
ESP0
EXPOSICIÓN TERESA SOLAR
02/31 MAR
17.00-21.00
SALA DE MÁQUINAS
LA NATURA DELLE COSE
Compagnia Virgilio Sieni (Italia)
31 MAR
21.00
ESP0
TERESA SOLAR ABBOUD
Encuentro con el artista
02 MAR
18.00
SALA DE MÁQUINAS

En una época convulsa como ésta, en la
que el contexto cultural cambia de escala
de manera imprevisible, son necesarias
propuestas que mantengan un tono
continuado y sólido que estabilice las
infraestructuras creadas.
La densidad de iniciativas y el impulso
del tejido cultural de base atraviesan
ahora momentos de gran efervescencia,
un impulso creativo que necesita una
escena, tener un lugar y una acotación
excepcional donde dirigir las miradas.
El Centro Párraga pretende ser este
espacio. Es pues tiempo de plantear
diferentes modelos de planificación
de la cultura, desde una perspectiva
que proponga esquemas que aúnen
austeridad sin merma de la calidad,
a través de la rentabilización de los
recursos de la manera más consciente,
constante y enriquecedora para el tejido
cultural del que somos partícipes.
Centro Párraga toma la iniciativa
centrando su nueva programación en
una apuesta clara por la excelencia, la
selección exhaustiva de los trabajos más
rotundos de la escena internacional,
y el fomento de la implicación de la
local, apoyando y potenciando la
exhibición de piezas de marcado
carácter experimental.
Dotar de visibilidad a los proyectos que
configuran el tejido cultural de la Región
de Murcia ha sido una prioridad, a través
de las diferentes colaboraciones con los
centros de enseñanzas superiores de
arte, que podrán mostrar sus trabajos en
nuevos formatos que hemos creado para
este fin. Así, Transbordador Escénico
se suma al proyecto Esadgeraciones
para exhibir las creaciones de los
alumnos del último curso del recorrido
de dirección escénica y dramaturgia,
teniendo así el primer contacto hacia
la profesionalización.
También “Sala de Máquinas” es un
proyecto en el que se ha recuperado un
espacio del centro y se ha destinado a
la muestra específica de performance y
proyectos de artes visuales vinculados
con lo corporal.
En el ámbito de la exhibición, Centro
Párraga ha cartografiado la escena
internacional con una intención
minuciosa y atenta a las creaciones y
compañías que desarrollan un lenguaje
propio, que indagan en las nuevas
dramaturgias o aportan formatos de
investigación para la danza. Hemos
seleccionado formatos sostenibles,
siendo siempre obras de referencia de
autores de contrastado prestigio en los
circuitos escénicos contemporáneos.
Esta programación pretende aunar, en un
mismo espacio discursivo que es la caja
escénica del Centro Párraga, aquellos
elementos de las prácticas escénicas que
desde posiciones divergentes comparten
puntos en común, como la investigación,
el debate, el riesgo o la contundencia
en la realización, entendiendo que la
especificidad de lo escénico se pone en
cuestión y se redefine constantemente
en cada acto, por su propia naturaleza
heterogénea, libre y alejada de códigos
estandarizados. Es esta modificación
constante del sentido la que permite la
crítica y la construcción de cultura.
Sergio Porlán
Director del Centro Párraga

ARTES
ESCÉNICAS
10 11

THREE SOLOS
Vera Mantero. Cía. O rumo do fumo (Portugal)
14 ENERO 75min
ESP0
21.00h
6€
“Three Solos” agrupa en un mismo
proyecto escénico tres piezas de la
bailarina y coreógrafa portuguesa Vera
Mantero. Como si de una narración en
tres actos discontinuos y fragmentarios
se tratara, Mantero expondrá en este
trabajo su declaración de intenciones: el
cuerpo como vehículo de interrogación,
de distorsión de la realidad y como
poesía inquisitiva.
Vera Mantero inicia su andadura
profesional desde el mundo de la danza
clásica estudiando bajo la tutela de Anna
Mascolo. Trabaja en el Ballet Gulbenkian
de Lisboa durante cinco años. Comienza
su carrera como coreógrafa en 1987
y desde 1991 muestra su trabajo en
diferentes ciudades de Europa, Argentina,
Brasil, Canadá, Singapur Corea del Sur y
Estados Unidos.
Sus creaciones más destacadas son
“Perhaps she could dance first and think
afterwards”, “Olympia”, “One mysterious
Thing, said e.e.cummings”, y las piezas
grupales “Under”, “For Boring and
Profound Sadnesses” y “Poetry and
Savagery”.
Partipa con regularidad en proyectos de
improvisación a nivel internacional con
coreógrafos como Lisa Nelson, Mark
Tompkins, Meg Stuart y Steve Paxton.
Desde el año 2000 desarrolla proyectos
de investigación vocal interpretando
repertorios de diversos autores y creando
proyectos de música experimental. Ha
sido reconocida con el Premio Almada
(IPAE/Ministério da Cultura Português) y
en 2009 con el Premio Gulbenkian Arte por
su carrera como creadora e intérprete. En
1999 el Culturgest de Lisboa organizó una
retrospectiva de su trabajo titulada “Month
of March, Month of Vera” y en 2004 junto al
escultor Rui Chafes representó a Portugal
en la 26 Bienal de São Paulo con la pieza
La pieza “One mysterious Thing, said
e.e.cummings” fue creada como un
homenaje a Josephine Baker. Aborda en
este trabajo una visión sobre la mítica
cantante y bailarina que va más allá de
los clichés preestablecidos, interpretando
el espíritu de la misma de manera
transversal, libre. “What can be said about
Pierre” es un solo improvisado sobre
un registro sonoro de la voz del filósofo
Deleuze leyendo un texto de Spinoza, una
superposición de citas y de textos que se
hacen confluir en el espacio escénico y
que se articulan en el propio cuerpo de la
bailarina. “Olympia” -la tercera pieza- es
una creación donde el desnudo, su imagen
y la construcción de la mirada occidental
toman protagonismo, evocando la figura
12 de Olympia y revisando su mito.
“Eating your heart out”.
13

LA VOZ HUMANA
Sobre un texto de Jean Cocteau
Ivo Van Hove.
Cía.Toneelgroep Amsterdam (Holanda)
20/21 Enero
70min
ESP0
21.00h
8€
“La Voz Humana” es un
trabajo basado en una obra
del diseñador y cineasta Jean
Cocteau escrita en 1927
que analiza los problemas
propios de los dispositivos de
comunicación contemporáneos.
Ivo van Hove revisa este
monólogo clásico y a la vez de
una sorprendente actualidad
con una puesta en escena
sobria y claustrofóbica. Sobre
el escenario la intérprete
desplegará toda la intensidad
de matices de un texto que
habla de la crisis de identidad
de una mujer que, tras la
ruptura con su amante, se ve
obligada a replantearse su vida
y su relación, y -en especial- a
reinventarse a sí misma como
alguien con plena libertad,
con su propia vida entre
las manos: con su soledad,
miedos y deseos. Las llamadas
telefónicas y el intento de
establecer una comunicación y
diálogo servirán para reflexionar
sobre nuestra propia condición.
Los distintos estados por los
que pasará la protagonista -del
desesperación- nos hablan de la
dificultad de mantener las líneas
abiertas y de la profundidad de
la soledad humana.
Ivo Van Hove (1958) -director
de culto y una figura esencial
en la renovación del último
teatro europeo- fue director
artístico sucesivamente en
AKT, Akt vertical y Tijd. Desde
el año 2001 es director general
de la compañía Toneelgroep
Amsterdam. Ha coordinado
producciones en el Festival
Internacional de Edimburgo, la
Bienal de Venecia, el Festival
de Holanda, Theater der
Welt de Alemania, el Wiener
Festwochen de Viena, así como
diversos proyectos en Londres,
Canadá, Lisboa, París, Verona,
Hannover, Porto, El Cairo,
Polonia y Nueva York. Van
Hove es una de las figuras más
aclamadas de la escena teatral
contemporánea internacional.
Con “La voz humana” se
mostrará por primera vez en
España su trabajo.
14 optimismo a la negación y a la
15

YO SOY MI HISTORIA
José Bote.
Teatro de la Entrega 5as ESADGERACIONES/
1º Sesión
Cuatro personas se encuentran embarcadas en un viaje
hacia el otro lado del mar. Cuatro identidades en pos
de una des-personalización, en un proceso de despojo.
Cuatro historias que confluyen. Un viaje de regreso, de
avatares, de luces y de sombras. Un viaje al encuentro
de la acción. Un naufragio por el que debe pasar el ser,
el naufragio de los nuevos rumbos. En palabras del
propio director “Cuando llego a la orilla y me expongo al
viento y al mar, escucho voces, susurros y hasta algún
aullido de locura. Intento comprender lo que esas voces
me cuentan, pero no lo consigo; hablan en lenguas para
mí desconocidas, o quizás aún no aprendidas. Pero
sí hacen que se mezan mis oídos, y a través de ellos
todo mi cuerpo, todo mi ser, como si hubiera vuelto a
la cuna y mi madre la agitara con dulzura. ¿Qué voces
son éstas? ¿De dónde vienen y qué me cuentan? Quizás
quieren alertarme de algo o simplemente llevarme en
volandas, hasta danzar al son del viento”.
26 ENERO
ESP0
21.00h
Entrada libre
Un espectáculo impulsado desde la creatividad y la
energía que nace de los propios ensayos, del trabajo de
laboratorio escénico. Un teatro en proceso, una creación
inminente sobre la base de la entrega y exposición de
los actores
Yo soy mi Historia de José Bote se enmarca dentro del
proyecto ESADGERACIONES, realizado en colaboración
entre el Centro Párraga y la Escuela Superior de Arte
Dramático de Murcia para proporcionar a alumnos de la
Escuela la oportunidad y los medios de poder mostrar su
trabajo y el resultado de sus investigaciones
16 17

TRANSIT
ETC Cuarta Pared
Transit, dirigida por el argentino Marcelo
Díaz, pone en escena a siete hombres
y mujeres de otros tantos países que se
comunican en nueve idiomas diferentes:
despedidas, ausencias, desesperación
o anhelos que reflejan la realidad en
un escenario en el que se superan las
barreras del idioma.
Para ello, el director ha contado con
actores de Taiwán, Marruecos, Suiza,
Nigeria, Rumanía, Brasil y Bielorrusia. Su
tránsito refleja la multiculturalidad actual
de las sociedades europeas, una realidad
que pocas veces se ve en escena.
La aportación de esta obra va más
allá del reflejo de esa realidad ya que
sumerge al espectador en ese mundo
de incertidumbre a través del idioma,
obligándole a transitar por situaciones
que parece no comprender, pero que le
llegan, haciéndole incluso sentirse -en el
lugar del actor- como un extranjero.
Transit es una polifonía escénica donde
la poesía visual impregna con frecuencia
cada situación, y en la que el humor y la
ironía completan el punto de vista desde
28 ENERO 90min
ESP0
21.00h
8€
el que se aborda el tema y acercan al
público un mundo en el que la mezcla
de culturas está a la orden del día. Seres
que llegan con su vida metida en una
maleta en busca de una oportunidad y
que aprenden a convivir con su identidad
en lugares donde sus orígenes no tienen
cabida. “Seres que dejan atrás lo que
eran para encontrar en otro lugar lo que
podrían ser y descubrir que las cosas son
de otra manera... que aprenden a comer,
a caminar o a sonreír, como si fueran otra
vez niños”
ETC Espacio de Teatro Contemporáneo
es el proyecto en el ámbito de
investigación y desarrollo de nuevos
lenguajes escénicos de Cuarta Pared, uno
de los proyectos pioneros en nuestro país
-en este año cumple su 25 aniversario- en
el campo de la exhibición, formación e
investigación teatral. ETC apuesta por
propuestas y textos innovadores que
impliquen nuevas formas de presentación
en el escenario.
18 19

ARTYCIENCIA
Música Cuarteto Almus. Imagen Calero & Lara
31 ENERO
ESP0
21.00h
Entrada libre
La experiencia consiste en la actuación en directo del
Cuarteto Almus interpretando el Cuarteto op. 131 de
Beethoven, la única obra reconocida por su propio
autor como Meisterwerk (obra maestra), visualizándose
simultánea y sincronizadamente con una serie de
imágenes pictóricas realizadas ad hoc por los pintores
Juan Antonio Martínez Calero y José López Lara. Al
final de la audición el público que quiera participar en
el proyecto rellenará una serie de test cuyos resultados
pretenden legitimar, desde un punto de vista conductual,
la validez de esta propuesta de interrelación entre los
elementos/componentes músico/pictóricos utilizados
por los respectivos artistas -separados por casi dos
centurias-. Estos resultados podrán servir de fundamento
en pos de la investigación sobre la posible existencia de
universales en la música y en la pintura, de un correlato
neuronal entre ambas artes y del posible fenómeno de la
evocación músicopictórica a nivel neuronal. Artyciencia
es por tanto un concierto, una inmersión en lo visual y a
la vez un intento de ampliar el conocimiento científico.
ARTYCIENCIA está integrada dentro de la actividad
experimental que viene siendo desarrollada por el Grupo
de Trabajo formado por los profesores Octavio de Juan
Ayala (Conservatorio de Alicante y Cuarteto Almus),
Javier Campos Bueno (Facultad de Psicología) de la
Universidad Complutense de Madrid y Pedro Montoya
(Universidad de las Illes Balears), todo ello supervisado
por el profesor alemán Niels Birbaumer (Universidad
de Tuebingen, Alemania), y la colaboración artística del
Cuarteto Almus y de los pintores murcianos Juan Antonio
Martínez Calero, y José López Lara. El proyecto cuenta
con el apoyo de la prestigiosa institución científica,
adscrita al Ministerio de Ciencia y Tecnología, que
representa el Instituto Cajal de Madrid, a través del
Proyecto Cajal Blue Brain, dirigido por el neurobiólogo
20 español Javier de Felipe.
21

AL MENOS DOS CARAS
Sharon Fridman. Cía. Projects in movement
(Israel-España)
04 FEBRERO 45min
ESP0
21.00h
8€
El joven coreógrafo y bailarín israelí
afincado en España Sharon Fridman ha
concretado en su compañía Projects in
Movement su filosofía de trabajo en la
que la investigación, el aprendizaje y el
desarrollo del lenguaje físico es compatible
con la creación de un espacio virtual. Para
este bailarín la danza es un sistema de
comunicación particular y específico, un
territorio desconocido que le permite una
manera de estar en el mundo.
Arthur Bernadt Bazin y Antonio Ramírez
Stavibo remiten al doble y al espejo, en un
impecable despliegue de destreza.
Sharon Fridman ha trabajado en los
últimos años en distintos proyectos
internacionales de investigación
coreográfica, como los “Dance Lines”
realizados por el Royal Opera House
de Londres, con la dirección artística
de Wayne Mc Gregor, y “Choreoroam
2009”, proyecto que le ha permitido
realizar diferentes residencias y cursos
coreográficos en diversas capitales
Europeas. En los últimos tres años
ha recibido diferentes apoyos y
reconocimientos, entre ellos las residencias
de creación “O Espaço do Tempo”
(Portugal), Bassano de grapa (Italia), Centro
Coreográfico La Gomera y Centro de
Danza Canal en Madrid. Entre los premios
coreográficos que ha obtenido destacan
el premio del público y segundo premio
del Certamen Coreográfico de Madrid y el
tercer premio en el Certamen Coreográfico
de Hannover, por su magistral pieza
En “Al menos dos caras”, plantea una
coreografía que recurre a arquitecturas
efímeras que se mueven como grandes
cuerpos sólidos en la escena, arquitecturas
y paisajes también imaginarios, que
cambian perceptivamente para el
espectador. A partir de estos grandes
elementos móviles se generan una serie de
lugares ambiguos de gran potencia visual
donde el cuerpo del bailarín interviene,
en una danza mutua entre el sujeto y
el entorno, un entorno claustrofóbico
a veces, ampliado y diáfano otras que
persigue y se retrae ante el cuerpo del
22 bailarín. La figura del otro, interpretada por “Carlos & Me”.
23

EL RUMOR DEL INCENDIO
Cía. Lagartijas tiradas al sol (México)
10/11 FEBRERO
90min
ESP0
21.00h
8€
¿Puede una mirada crítica al pasado transformar el futuro?
Esta es, entre otras, una de las preguntas que aborda
“El rumor del Incendio”, el último trabajo de la compañía
mexicana Lagartijas tiradas al sol. Este espectáculo
-documental escénico como ellos mismos lo calificanparte
de un trabajo de investigación sobre la vida de la
ex guerrillera, historiadora y profesora Margarita Urías
en la que la indignación, la resistencia, la protesta, el
desvío y la insurrección se nos presentan como cosas
del pasado. Pero lejos de ser una arenga nostálgica
para tomar las armas esta obra indaga en la esperanza.
Frente al enclaustramiento de la opinión de que el mundo
está definitivamente cerrado y de que solo existe un
único sistema de gestión política, social y cultural, este
proyecto es una tentativa de recuperar la idea de utopía
y la posibilidad de crear nuevos pensamientos que nos
permitan imaginar mundos más justos, ver el dibujo en el
esbozo y aventurar algunas ideas sobre el futuro. Un teatro
que se articula como un espacio para pensar, para dotar de
sentido, dislocar y desentrañar lo que la práctica cotidiana
fusiona y pasa por alto.
Lagartijas tiradas al sol fundada en México DF en el año
2003, ha realizado hasta el momento siete espectáculos:
“Esta es la historia de un niño que creció y todavía se
acuerda de algunas cosas”, “Noviembre”, “Pía”, “Asalto al
agua transparente”, “En el mismo barco”, “CATALINA” y “El
rumor del incendio”. Han actuado en diferentes festivales
de América y Europa. Como directores de la compañía
Luisa y Gabino formaron parte del programa residence and
reflection del Kusten Festival des Arts de Bruselas del 2010,
y en junio del mismo año la compañía participó con dos
proyectos en el Festival TransAmériques de Montreal.
24 25

ÓPERA DE CÁMARA
“NOPPERA-BO”
Conservatorio Superior de Música
Manuel Massotti Littel
01/02 MARZO
ESP0
21.00h
Entrada libre
La colaboración con el Conservatorio
Superior de Música “Manuel Massoti
Littel” se consolida y un año más
podremos disfrutar de sus trabajos
de Ópera de Cámara, en esta ocasión
titulada “Nopperra-Bo”. Como una
experiencia transdisciplinar, la
experimentación en el campo de la
composición musical convivirá con
el desarrollo escénico, junto con la
recitación y la música electroacústica,
todo ello al servicio de la ópera
contemporánea.
Los tres actos que componen esta ópera
se suceden señalando a un individuo
que pasa por diferentes estados, un
sujeto que expuesto a los diferentes
procesos alineadores de la sociedad va
perdiendo la identidad. En el primer acto
una narración mítica sirve de metáfora,
un cuento en el que el protagonista se
encuentra prisionero en una estancia
hermética narrando los pocos recuerdos
que le quedan de aquel extraño lugar
en el que vivió en el pasado. En el
segundo acto el test de Rorschach
adquiere protagonismo, se desarrolla
toda la escena en el contexto de una
clínica psiquiatría, participando una
serie de personajes que habitan este
espacio médico. Influencias, depresión
y obsesiones serán los contenidos de
un tercer acto en el que el sujeto pierde
definitivamente su identidad.
Compuesta por Ricardo Rex Lario, Ricardo
Ruiz Blázquez y Luis Suria Lorenzo.
26 27

TRANSBORDADOR
ESCÉNICO
Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia
(ESAD)
15/22/25 MARZO
ESP0
21.00h
Entrada libre
Transbordador Escénico es un proyecto de colaboración
entre el Centro Párraga y la Escuela Superior de Arte
Dramático de Murcia (ESAD) que pretende servir de
plataforma de visualización a los alumnos del último
curso del recorrido de dirección escénica y dramaturgia.
Los trabajos de fin de carrera de estos alumnos están
orientados hacia la profesionalización, pretenden ser su
carta de presentación en el mundo laboral al que saltarán
el año próximo. Para ello el Centro Párraga les ofrece
su primer contacto con las estructuras profesionales
dándoles la oportunidad de conocer los entresijos de
todo el sistema de producción que conlleva un estreno:
La relación con un equipo técnico, la gestión de la
publicidad y difusión del estreno con la tutela del equipo
de coordinación, el control de la taquilla... Procesos en
los que se verán aconsejados por especialistas. Hemos
llamado a esta colaboración “Transbordador escénico”
con la intención de construir una metáfora sobre la
oportunidad que ofrece el Centro Párraga a los alumnos
de la ESAD para despegar hacia otros mundos, más
complejos y más estructurados.
15 Marzo
LA SOMBRA
DE DORIAN
Mónica Adán
Adaptación libre y
particular del texto del
Retrato de Dorian Gray.
22 Marzo
LA VIDA ES SUEÑO
Vicen Morales
Un trabajo de desarrollo
de un contexto estético
propio sobre el texto de
Calderón.
25 Marzo
EL GORDO
Y EL FLACO
Exactitud en la puesta
en escena de un texto de
Juan Mayorga.
28 29

MOVIMIENTOS POLÍTICOS
Sònia Gómez
16/17 MARZO
55min
ESP0
21.00h
6€
En “Movimientos políticos” la bailarina y performer catalana Sònia
Gómez se encuentra con el creador audiovisual Txalo Toloza y un
político para construir una pieza escénica en la que partiendo de
la ficción de un experimento en Titán -un planeta fuera del sistema
solar- los tres profesionales conviviendo durante un tiempo
indefinido en una estación espacial adaptada y a través de cien
preguntas sobre cuerpo y sociedad, reflexionan sobre temas tan
variados como la creatividad, economía, resiliencia, seguridad,
felicidad, telecomunicaciones, servicios cotidianos, protección
del medio ambiente, avances científicos... Para Gómez el cuerpo
es el primer agente político, antes incluso que el pensamiento, por
eso nos da vergüenza “porque no te puedes esconder mientras
que con el con el lenguaje sí puedes hacerlo”.
Movimientos políticos es una fantasía futurista, un análisis de lo
corporal y del movimiento y -como todos los trabajos de esta
artista inclasificable- un espléndido ejemplo de mestizaje y de
hibridación de todos los lenguajes creativos.
Sònia Gómez (La Sénia, Tarragona, 1973) estudió Danza
Contemporánea y Coreografía en el “Institut del Teatre” de
Barcelona y en P.A.R.T.S, Bruselas. Ha trabajado con General
Elèctrica, La Carnicería Teatro y La Fura dels Baus y colaborado
con Joan Morey, Juanjo Sáez, Chicks on speed, Txell Miras, Sergi
Fäustino, Carles Salas y Álex Brahim. Como creadora ha realizado
la “Trilogía Egomotion” (04), las performances “Mi madre y yo”
(04) y “Las Vicente matan a los hombres” (06) con Rosa Vicente
Gargallo, madre de Sonia Gómez; la serie de solo performances
en exteriores “I will never stop dancing” (05) y “Madrid, HAB 303”
(07) y los proyectos escénicos “Bass, concierto para animales”
(05), “Natural 2: Me gustan tus huesos, tu alma y tu cerebro,
conversaciones con animales” (Mercat de les Flors Octubre 2006,
Barcelona) y “Experiencias con un desconocido Show” (Mercat
de les Flors Febrero 2009, Barcelona).
En el 2007 obtuvo el Premio “FAD Sebastià Gasch de las
30 artes parateatrales”.
31

SOLOS DE DANZA:
PROGRAMA DOBLE
THE SHOW MUST GO ON?
Martín Padrón
23 MARZO 45min
ESP0
21.00h
Entrada libre
¿Qué espero yo del público? ¿Qué espera
el público de mí? Una reflexión sobre lo
que espera de un show el espectador y la
razón por la cual el intérprete se expone.
¿Por qué invita uno? ¿Por qué acepta la
invitación el otro? ¿Por qué se muestra
uno? ¿Por qué viene el otro? ¿Qué
esperan ambos qué suceda? ¿Hasta qué
punto este encuentro puede repercutir
positivamente en el avance, en el devenir
sostenible de la humanidad? La actuación
de un bailarín tiene que ser cuestionada,
para tener sentido, tanto para el artista
como para el espectador. Así, no se trata
de los espectáculos sociales denunciados
por Guy Debord (“La sociedad del
espectáculo”), que fomentan la alineación
individual y colectiva, sino que, al contrario,
este “show” nos invita a reflexionar.
Martín Padrón se forma en wAmberes,
París y Zaragoza. Licenciado en
Pedadogía de la danza, desarrolla su
carrera internacional como bailarín en
compañías clásicas y contemporáneas.
Crea su propia compañía en París
(1993 – 2000). Director del Centro
Coreográfico La Gomera y profesor en
varias universidades y conservatorios.
Actualmente sigue manteniendo su
actividad como creador e intérprete
y dinamiza una nueva reflexión
sobre pedagogía psicosomática y
somatopsíquica.
32 33

SOLOS DE DANZA:
PROGRAMA DOBLE
EL CONTEXTO, EL SUJETO Y LO DEMÁS...
Gregory Auger
23 MARZO 45min
ESP0
21.00h
Entrada libre
La propuesta de Gregory Auger en
la segunda parte de este programa
doble funciona en antítesis respeto a la
creación de Martín Padrón. La creación
es la construcción progresiva de una
verdadera “red” entre los espectadores,
ellos-mismos y la bailarina: se tejen unos
vínculos invisibles para el ojo, pero muy
evidentes a nivel emocional. El cemento
de estas interrelaciones entre el público
y la artista parece ser básicamente el
calor humano. Surge de esta atmósfera
de intimidad con el público una energía,
una luz que alimenta el propio cuerpo de
la bailarina.
Gregory Auger, formada en danza
contemporánea y clásica entra a formar
parte de la Rubeus Danse Compagnie de
París en 1986, bajo la dirección de Mic
Guillaumes. Interpreta roles de solista
en coreografías de Matt Matox, Robert
North y Raza Hammadi. Es en esa ciudad
donde conoce a Martín Padrón, con quien
empieza a colaborar en 1993. Desde el
2001 forma parte del equipo del Centro
Coreográfico La Gomera, compaginándolo
con sus propias creaciones.
34 35

LA NATURA DELLE COSE
Compagnia Virgilio Sieni (Italia)
31 MARZO 60min
ESP0
21.00h
8€
En “La natura delle cose” el escenario es una puesta al desnudo del cuerpo en el que
cada momento se construye de manera sutil. El grupo de cinco bailarines que ocupa la
escena pretende ser uno solo, produciendo gestos en el espacio no de un modo ritual,
sino como una liberación continua de uno a otro.
La obra se abre con un simulacro que nos va guiar en la danza y en las tres escenas, en
las que veremos a Venus pasar de niña a anciana sin una lógica temporal. Es primero
una niña de once años, después un bebé de dos y al final una mujer de ochenta. En
este sentido, la estructura de la pieza ha sido determinada por la postura del cuerpo y
el proceso de su construcción a lo largo de las distintas etapas de la vida. Al comienzo
Venus es suspendida; luego desciende a la tierra, su busto erguido y perfectamente
recto; y, por último, en la tercera escena, nos mira a los ojos desde el vacío, desde el
vientre de la tierra observándonos también en este descenso; caída y declive. Cada vez
más tenue.
Virgilio Sieni, coreógrafo y bailarín, es uno de los protagonistas de la danza
contemporánea italiana desde la década de los 80, con su primer trabajo “Parco
Butterfly”, y más tarde con la fundación de la Compañía de Sieni Virgilio, en 1992. Se
formó en Florencia, Ámsterdam, Nueva York y Tokio en danza clásica y contemporánea,
y estudió además arte, arquitectura y algunas artes marciales japonesas. Además de
su trabajo con la compañía, Sieni ha sido coreógrafo invitado en el Teatro alla Scala
de Milán, el Teatro Comunale de Florencia, el Teatro San Carlo de Nápoles, y el Teatro
Massimo de Palermo. Y desde el año 2003, Sieni trabaja como director artístico de
Cango Cantieri Goldonetta. En 2007 Fundó La Academia del gesto.
La Compagnia Virgilio Sieni trabaja muy a menudo en Italia, Francia y otros países de
Europa. En julio de 2008, participó en el Festival de Avignon con dos producciones.
Ha recibido el premio Ubu (el premio más importante en Italia en artes escénicas)
en dos ocasiones: en 2000 por su investigación sobre las fábulas, y, en 2003, por el
36 espectáculo Empty Space Requiem.
37

ÁREA
FORMATIVA
38 39

17/19/25 ENERO
01/06/08/13 FEBRERO
SALA DE MÁQUINAS
17.00h
20.00h
La expresión oral es la destreza lingüística
relacionada con la producción del discurso oral.
Sirve como instrumento para comunicar sobre
procesos u objetos externos a él y, excepto en
determinadas circunstancias, tiene mayor amplitud
que el habla porque requiere de elementos
paralinguísticos para completar su significación
final. Cuando lo novedoso está invadido por las
Tecnologías de la Información y Comunicación
-TIC-, se hace necesaria una reflexión sobre los
instrumentos tradicionales de aprendizaje a veces
injustamente denostados. La tecnificación hace que
nos olvidemos de los elementos más naturales. Por
esta vía, lo novedoso se convierte en una vuelta
atrás, en volver a las fuentes y a las herramientas
más básicas como la voz. La novedad de esta
propuesta reside en la revisión de la oralidad
como instrumento, bajo una visión crítica que
insiste en que la primera competencia lingüística
es la expresión y comprensión orales a través del
conocimiento del propio cuerpo y de la voz.
EXPRESIÓN Y
COMPRENSIÓN ORAL
Antonio Molina Martínez
Fuensanta Muñoz Clares
Olga Shtreis
En colaboración con el CPR1 (Murcia)
Antonio Molina Martínez:
Licenciado en Arte Dramático
y Profesor de Música.
Fuensanta Muñoz Clares:
Profesora de Bachillerato de
Artes Escénicas.
Olga Shtreis:
Especialista en educación
de la voz.
40 41

JAM & FREE IMPROVISED
MUSIC: “HOJAS DE OTOÑO”
Colectivo Caminos del Sur:
Sebastián Gómez Lozano / Guillermo Torres
Jam & Free Improvised Music son dos mundos
pertenecientes a la danza y a la música unidos por un
mismo denominador común: la improvisación.
La improvisación es un método de conocimiento, de
profundización y de búsqueda del individuo dentro
de un colectivo. Es una manera de educar la cultura
de manifestaciones artísticas tales como el Contactimprovisation
y la Música libre improvisada. El encuentro
se conoce con el nombre de JAM. La JAM se desarrolla
en un espacio reglado y ordenado, pero con libertad
expresiva para estas dos manifestaciones artísticas
del cuerpo.
24 ENERO
21 FEBRERO
20 MARZO
ESP0
17.00h
21.00h
Guillermo Torres, (Bogotá, 1944) estudió trompeta y
piano en el conservatorio de Florencia, al mismo tiempo
que arquitectura, y completó su formación musical en
París. En los 80 estuvo involucrado en varios grupos de
free-jazz y en 1994 decidió dedicarse por completo a
la música improvisada. Desde entonces desarrolla su
trabajo en París, Londres, Madrid y Barcelona como
concertista y participante en colectivos y grupos de
trabajo. Desde 2009 vive en Murcia donde se involucra
activamente en la difusión de la libre improvisación con la
creación del colectivo Impromusik.
Sebastián Gómez Lozano (Murcia, 1974) es
especialista en artes del movimiento y profesor
universitario desde los 26 años. Entiende el CI como
la principal forma de sentir, experimentar y compartir,
una forma de crecimiento personal. La música, en la
propia expresión personal, se identifica con la verdadera
(propia) danza.
42 43

La renovación de los conceptos y prácticas pedagógicas presentes en el ámbito de
la Danza en nuestro país necesitan de una urgente renovación. Para ello es necesario
que se desarrollen nuevos métodos basados en la observación y análisis objetivo. Ir a
la búsqueda del fundamento, de la raíz, al punto básico de un movimiento codificado
del lenguaje clásico o moderno (salto, giro, glissade, etc.) de manera que en el
momento de abordarlo, las raíces del mismo sean asimiladas bajo un punto de vista
mecánico, sensorial e intelectual. La razón de este taller es el de proponer herramientas
pedagógicas que nos ayuden a este fin. Buscar la sensación corporal que aporta un
movimiento para apropiárselo y vivirlo realmente.
Martín Padrón. Formado en la Escuela del Real Ballet de Flandes (Amberes), Escuela
María de Ávila (Zaragoza), Raymond Francheti y Gilbert Mayer-Opera de Paris (París).
Licenciado en Pedagogía de la Danza. Desarrolla su carrera internacional como
bailarín en compañías clásicas y contemporáneas. Crea su propia compañía en París
(1993–2000). Paralelamente a su cargo de director y coreógrafo, continúa su formación y
reflexión en el campo de la pedagogía. Formador de profesores de danza sobre el tema
“la sensación antes de laforma” y los elementos fundadores básicos del movimiento.
Profesor de pedagogía de la danza en la facultad de Bellas Artes de Altea en Alicante
(2001-2004), actualmente realiza talleres para profesores de danza de Conservatorios
Profesionales (Conservatorio Profesional de Zaragoza, Real Conservatorio Profesional
de Danza de Madrid “Mariemma”, Conservatorio Profesional de Almería) y para futuros
profesores de Danza (Conservatorio Superior de Madrid, Conservatorio Superior de
Valencia). Director del Centro Coreográfico de La Gomera y Director de la Escuela
Municipal de Danza de San Sebastián de La Gomera, actualmente sigue manteniendo
su actividad como creador e intérprete y dinamiza una nueva reflexión sobre pedagogía
psicosomática y somatopsíquica.
Gregory Auger. Formación en Danza Contemporánea (Técnica Nicolais) y Danza
Clásica (Raymond Franchetti-Opera de Paris) forma parte de Rubeus Danse Compagnie
en Paris, bajo la dirección de Mic Guillaumes 1986-1988, Ballet Jazz Art de Paris bajo la
dirección de Raza Hammadi, interpreta roles de solista en coreografías de Matt Matox,
Robert North y Raza Hammadi. Giras Internacionales 1989-1992. Martín Padrón Danse
Compagnie en Paris 1993-2000. Dirección Martín Padrón. Interpreta roles de solista
en coreografías de Jean Luc Leguay, Antonio Gómez y Martín Padrón. De 1993 a 2007
realiza con Martín Padrón distintos trabajos coreográficos. Ballet Nacional de Perú: El
alma de las cosas (1999) y Romeo y Julieta (2000), Centro Coreográfico de la Gomera:
Si no Si (2002), Axón (2003), Best Before (2004), El Desierto de lo Real (2006). Sus
primeros trabajos independientes como coreógrafa: El contexto, el sujeto y lo demás...
(2007) Mi casa mi piel (2008) y Díptico (2010). Desde el año 2001 forma parte del
equipo directivo, artístico y docente del CentroCoreográfico de la Gomera y la Escuela
Municipal de Danza de San Sebastiánde la Gomera.
ELEMENTOS
FUNDADORES
PARA LA DANZA
Imparten: Martín Padrón y Gregory Auger.
En colaboración con el CPR1
24/25 MARZO
ESP5
Centro Párraga
31 MARZO
01 ABRIL
CONSERVATORIO
PROFESIONAL
DE DANZA
Sábados
9.00h
14.00h
Domingos
9.00h
13.00h
44 45

COPRO-
DUCCIÓN
ABRAHAM
HURTADO
MATTHEW
RONAY
Centro Párraga con la intención de
aunar esfuerzos y generar una fluidez
de colaboración entre los diferentes
centros de arte, coproduce algunas
de las piezas que se podrán ver en
el próximo ciclo de exposiciones de
La Conservera. Abraham Hurtado,
Lothar Hempel, Matthew Ronay y
Oriol Nogués, que desarrollan un
trabajo cercano a la performance y a
la representación del cuerpo, son los
artistas cuya obra se ha coproducido
desde el Centro Párraga.
LOTHAR
HEMPEL
ORIOL
NOGUÉS
46 47

ARTE
Y ACCIÓN
48 49

18 ENERO
17 FEBRERO
SALA DE MÁQUINAS
17.00h
21.00h
Entrada libre
HOY LO CONSIGO
Exposición Esther Achaerreandio
HOY LO CONSIGO es un proyecto que muestra por vez primera de forma
completa la serie de videos de las acciones “Ejercicios de autoayuda”
que la artista realizó en el año 2009. Con estos trabajos Achaerreandio
pretende evidenciar el absurdo que encierra la confianza ciega en
la superación personal, identificada con el éxito como el paradigma
último que determina la felicidad en nuestras vidas. Una idea esta que
enmascara el consumo voraz de nuestro sistema capitalista, en el que el
sujeto termina por ser consumidor de sí mismo, poniéndose de manifiesto
la paradoja que encierra la eficacia de esta nueva creencia que -edificada
bajo la ilusión de superación personal- incongruentemente conduce la
felicidad hacia el materialismo extremo.
La artista utiliza en estas piezas la ironía como una estrategia para
acercarse a conceptos cercanos y cotidianos y transfigurar sus
significados, dando lugar a una escena contradictoria y extravagante, un
disenso que permite al espectador reflexionar desde otra perspectiva.
La apariencia de normalidad que implica el uso de elementos sencillos
como libros, billetes o rosas es quebrada a través de estas acciones,
generándose un espacio nuevo, extraño y de gran intensidad.
Esther Achaereandio (Madrid,1982) vive y trabaja en Los Angeles
(EEUU). Ha participado en numerosas exposiciones como Yo no tengo
razón, Off Limits, Madrid; Videoakt, Internacional Video Art Show,
GlogauAir gGmbH, Berlin; LOOP, Video Art, Barcelona; DVD Project,
Fundación Telefónica, Lima; Fábrica do Braço de Prata, Lisboa; Ex Teresa
Arte Actual, México D.F.; Maus Habitos, Oporto; Gran Canaria Espacio
Digital, Las Palmas de Gran Canaria; Electron IDFX, Breda; Óptica
Festival, Festival Internacional de Video Arte, Gijón; Scarpia VI, Córdoba;
Espacio Menosuno, Madrid. Qui vive?, I Moscow International Biennale for
Young Art, National Centre for Contemporary Arts, NCCA, Moscú; Stella
Art Foundation, Moscú. Privacy 101, X International Istanbul Biennial,
Büyük Londra Hotel, Estambul. Phatologenese, Stellwerk Galerie, Kassel,
Alemania. Product Festival o el KERA Association, Varna, Bulgaria.
50 51

MIEDO ESCÉNICO
Exposición de Javier Núñez Gasco
23 FEBRERO
21 MARZO
ESP4
11.00h 17.00h
14.00h 21.00h
Entrada libre
INAUGURACIÓN
20.30h
El trabajo de Núñez Gasco -en especial
el que es fruto de su colaboración con
la compañía Teatro Praga de Lisboa- es
un análisis de las interferencias de lo real
en la ficción teatral y viceversa. Supone
un ejercicio de traducción entre dos
lenguajes –el escénico y el de lo real-,
un intento de devolver a la realidad el
potencial del teatro como interferencia
en el flujo de lo cotidiano. Núñez Gasco
indaga en el papel del público que si
en el terreno teatral es una entidad
consciente de sí misma, pero no una
parte activa del espectáculo, en sus obras
estos espectadores no conscientes y
circunstanciales serán partícipes y parte
esencial de las mismas. Reflexionando
sobre el concepto de representación
Gasco retoma el hecho escénico y lo
lleva fuera de los límites del escenario,
costruyendo un nuevo espacio público y
creando nuevos acuerdos y pactos para
la construcción de realidades en una obra
con un fuerte carácter preformativo, que
se ha adentrado como pocas en el
campo de la reflexión de los nuevos
lenguajes teatrales.
Javier Núñez Gasco (Salamanca, 1971)
vive y trabaja en Madrid. Ha realizado
numerosas exposiciones individuales
como Tres imágenes valen más que mil
palabras, Utero-Land, Lisboa, Portugal;
A Nova Europa, Drop D, Lisboa, Portugal;
On Sale, Espai Ubu, Barcelona, España,
Misérías Ilimitadas. Lda, Disainifestival,
Tallinn, Estonia; Resting Pieces (R.I.P…),
Galería Ms, Madrid, España y Galería
T20, Murcia, España; Miserias Ilimitadas,
Lda. Pantallas sensibles, DA2 Domus
Artium 2002 Salamanca, España; Tu
Creador no te olvida, Espaço Land,
Lisboa, Portugal; Violencia Doméstica,
“Espaços em Branco”, Galeria Cubic de
Arte Contemporânea, Lisboa, Portugal;
Happiness, Galeria Sicart, Barcelona,
España; Switch, EMAC, Cáceres,
España. Ha participado también en
proyectos colectivos en Tailandia, Corea,
Guatemala, EEUU, Méjico, Portugal,
Cuba, Alemania, Holanda, Noruega, etc.
52 53

JAVIER NÚÑEZ GASCO
Encuentro con el artista
23 FEBRERO
SALA DE MÁQUINAS
18.00h
Entrada libre
Desde sus primeros trabajos Núñez Gasco se caracterizó
por un uso muy inteligente de lo performativo con
acciones que –como las de sus colaboraciones con
Teatro de Praga, algunas de las cuales pueden verse
en el proyecto Miedo Escénico- buscaban traspasar
las fronteras entre realidad, ficción y representación.
Apariciones en programas de telerrealidad, noticias en
prensa, falsas entrevistas en radio… todo en su obra es
un cuestionamiento de la realidad. En este encuentro
con el artista se podrá ver la extrema coherencia de
toda su trayectoria que –vista en perspectiva- es un
ejercicio magistral de hibridación de diferentes lenguajes
y una interesante reflexión sobre lo escénico. Utilizando
la ironía y el humor Gasco reflexiona también en sus
trabajos sobre la visibilidad de las propias obras y el
papel del espectador moviéndose en un territorio que
elimina las fronteras tradicionales entre las artes.
Este encuentro con el artista pretende facilitar la
comprensión de su exposición en el Centro Párraga y
abrir un espacio de debate y colaboración creativa entre
los participantes.
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TERESA SOLAR ABBOUD
Exposición Proyecto Sala de Máquinas
02 FEBRERO
02 MARZO
SALA DE
MÁQUINAS
17.00h
21.00h
Entrada libre
La obra de Teresa Solar reflexiona sobre el
paisaje contemporáneo en relación con la
industria turística y cinematográfica, sobre
su carácter de escenario, interesándose
por las diferentes transformaciones que
experimenta una imagen o un lugar a
causa de estas industrias.
En su proyecto para la Sala de Máquinas
la artista utiliza las ideas de escala y vacío
para poner en evidencia el carácter ilusorio
de los espacios.
Teresa Solar (Madrid, 1985). Vive
y trabaja en Madrid. Ha realizado
numerosas exposiciones como Los
embajadores: Galería Valle Ortí, Valencia
XXI Circuitos de Artes Plásticas, Sala de
Exposiciones del Centro de Arte Joven,
Comunidad de Madrid; Oscuro y salvaje,
La Casa Encendida, Madrid; Rencontres
Internationales Paris/Berlin/Madrid,
Centre Pompidou, Paris, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y Haus
der Kulturen der Welt, Berlin; Yo no tengo
razón, Off Limits, Madrid; LOOP 09, Video
Art, Centre de Cultura Contemporània
de Barcelona, CCCB, Barcelona; Sesión
Continua, Otro Espacio, Valencia. Picnic,
Facultad de Bellas Artes, Universidad
Complutense de Madrid; Aptitud para
las armas, Sala Amadís, InJuve, Madrid.
Muestra de Artes Visuales InJuve, Círculo
de Bellas Artes, Madrid y Sense Titol,
Universitat Autònoma de Barcelona.
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TERESA SOLAR ABBOUD
Encuentro con el artista
Teresa Solar ha señalado que confía en que las imágenes
que genera puedan volver a la mente de aquel que las
ha visto, quizás viendo otra obra de arte o simplemente
andando por la calle, y entonces suscite una duda en
él, que se pregunte por la relación entre una imagen
y otra. La artista cree que es en este punto cuando el
espectador empieza a ser actor de la obra de arte. En
su obra la presencia de lo humano y de los actores en
los escenarios de construcción de la historia aparece
paradójicamente como una desaparición, como una
huella o un desplazamiento. Reconstruye espacios
ficticios transformando sus significados con una obra
sumamente interesante tanto por su reflexión sobre
lo irreal y la idea de escenario o plató como por esta
investigación sobre la ausencia, sobre este desaparecer
de los actores.
02 MARZO
SALA DE MÁQUINAS
18.00h
Entrada libre
Este encuentro con la artista pretende facilitar la
comprensión de su exposición en el Centro Párraga y
abrir un espacio de debate y colaboración creativa entre
los participantes.
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Localización: C/Madre Elisea Oliver Molina, s/n
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COORDINACIÓN
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De lunes a viernes 09.00h - 14.00h
y desde las 19.00h el día del espectáculo.
(Las entradas reservadas que no se hayan
retirado media hora antes del comienzo
pasarán a la venta).
Descuento del 50% para todos los
jóvenes menores de 26 años, adultos
mayores de 65 y desempleados
presentando el DNI o la tarjeta de
desempleo. Y también para los alumnos
presentando el carnet de estudiante.
Para reservas y entradas:
Centro Párraga
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Antiguo Cuartel de Artillería
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