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STyLe, MeDIa & creaTIve InDUSTry
Style, media & creative industry
SPÉcIaL MODe eT PhOTO
MAGAZINE
n° 9 vol. 2 — septembre, octobre, novembre 2012
Le consulting mode, comment ça marche ? — Libre comme Alaïa — Le Chic, c’est quoi ?
Contre les films de mode — que faire avec 9 267 € ? — LE PARADIS DE Thomas Lenthal
SPECIAL MODE ET signes
MAGAZINE
n° 10 vol. 2 — DÉCEMBRE, JAnvIER, FÉvRIER 2013
l’UnIvERS DE lA BEAUTÉ vU PAR FloREnCE HovART — ToURS ET DÉToURS DE WIllIAM KlEIn
MoDE vS CAMoUFlAGE — In BED WITH MARC A. — lA PHoTo AUX EnCHÈRES
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ÉDITO
Le vernissage, la fête de lancement, la signature de livre…
toutes situations mondaines qui sont la célébration d’un
événement artistique ou culturel. Jusque-là reléguées
aux pages mondanités des magazines, les images de ces
rendez-vous signaient le moment urbain, un peu désuet
et répétitif de l’exercice, avec un leitmotiv à l’emphase
maximale : le visage, qu’il nous soit familier ou inconnu,
pourvu qu’il soit joli à regarder. Le changement de
support, des dernières pages des magazines aux blogs
et autres sites spécialisés, a opéré plus qu’un glissement
technologique : la mondanité y apparaît comme prétexte
et comme fin. Ce qu’on a à dire de tel événement ? Sa
soirée d’ouverture, avec sa clique de « populaires ». Dire
que ça appauvrit le discours journalistique serait un peu
cavalier – mais assez juste.
Angelo Cirimele
AUTUMN-WINTER 2012
108, Rue Vieille du Temple, 75003 Paris / 27 Mercer Street, 10013 New York / Alameda Lorena n1989, Jardins São Paulo
www.surfacetoair.com
magazine n o 10
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Sommaire
Fait pour des images extraordinaires
PAPIERS COUCHÉS : CONDAT MATT PÉRIGORD CONDAT SILK
CONDAT GLOSS CONDAT DIGITAL CONDAT CARD
P.10 — Brèves
P.14 — Magazines
CR / Dossier / 7 000 / J People / Kalimat
P.24 — Shopping
Le Père Noël a oublié des trucs dans l’escalier
Photographie : Cédric Viollet
Stylisme : Clémence Cahu
TEXTES
P.36 — Interview
Laurence Hovart
Par Cédric Saint André Perrin
P.40 — Images
World Express
Par Céline Mallet
P.42 — Biographie
William Klein
Par Marlène Van de Casteele
P.46 — Lexique
Camouflage
Par Anja Aronowsky Cronberg
P.48 — Off record Art
Maisons de ventes
Par Angelo Cirimele
MODE
P.52 — Portfolio
Rag Trade
Photographie : Jonathan de Villiers
Stylisme : Arabella Mills
P.68 — Portfolio
Modern Life
Photographie : Emanuele Fontanesi
Stylisme : Eve Maeno
TEXTES
P.84 — Contre
DD
Par Helena Ichbiah et Eko Sato
P.86 — Chronique
TurnOver
Par Mathieu Buard
P.88 — Rencontre
marc a.
Par Mathias Ohrel
P.91 — Art contemporain
matthieu humery
Par Emmanuelle Lequeux
P.94 — Design
design est crime
Par Pierre Doze
P.96 — Rétrovision
charlie
Par Pierre Ponant
PORTFOLIO
P.100 — Portfolio
BP Coiffure, 1 Ère année
Photographie : Charles Fréger
P.112 — Prix
Photo 2012
P.113 — Abonnement
P.114 — Agenda
GROUP
www.condat-pap.com
magazine n o 10
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Style, media & creative industry
MAGAZINE
CONTRIBUTEURS
n o 10 - VOL. 2 - Décembre, Janvier, Février 2013
Rédacteur en chef
Angelo Cirimele
—
Directeur artistique
Charlie Janiaut
—
Fashion Director
Arabella Mills
—
Photographes
Jonathan de Villiers, Emanuele Fontanesi, Charles
Fréger, Charlie Janiaut & Juliette Villard (magazines),
Cédric Viollet
—
Stylistes
Clémence Cahu, Eve Maeno, Arabella Mills
—
Contributeurs
Anja Aronowsky Cronberg, Mathieu Buard, Pierre Doze,
Helena Ichbiah, Emmanuelle Lequeux, Céline Mallet,
Mathias Ohrel, Pierre Ponant, Cédric Saint André Perrin,
Eko Sato, Marlène Van de Casteele
—
Couverture
Photographie : Jonathan de Villiers
Stylisme : Arabella Mills
Coiffure : Nobu Fujiwara
Maquillage : Tiina Roivainen
Mannequin : Simona chez Nathalie Models
Figurant : Budol Cassique
Top en tulle brodé, jupe-culotte en ottoman de soie
et short résille stretch Chanel Croisière
Combinaison ajourée Emilio Cavallini
—
Remerciements
Martine Saint-Dizier, Monsieur X.
—
Traduction
Kate van den Boogert, Thibaut Mosneron Dupin
—
Secrétaire de rédaction
Anaïs Chourin
—
Design original
Yorgo Tloupas
—
Publicité
ACP
32 boulevard de Strasbourg
75010 Paris
T 06 16 399 242
contact@magazinemagazine.fr
—
Retouches
Janvier
—
Imprimeur
SIO
94120 Fontenay-sous-Bois
—
Magazine est imprimé sur le papier couché
Condat Silk 115 g et 250 g
condat-pap.com
—
Conseil distribution et diffusion shop
KD Presse
Éric Namont
14 rue des Messageries
75010 Paris
T 01 42 46 02 20
kdpresse.com
—
Distributeur France
MLP
—
Issn n o 1633 – 5821
CPAPP : 0413 K 90779
—
Directeur de publication
Angelo Cirimele
—
Éditeur
ACP - Angelo Cirimele
32 boulevard de Strasbourg
75010 Paris
T 06 16 399 242
—
magazinemagazine.fr
contact@magazinemagazine.fr
—
© Magazine et les auteurs, tous droits de reproduction réservés.
Magazine n’est pas responsable des textes, photos et illustrations
publiées, qui engagent la seule responsabilité de leurs auteurs.
Mathias Ohrel
Conseil en recrutement
Votre principale occupation ces jours-ci ?
Marc A. m’a dit de kifer, donc des milliers de rencontres. Et
autant de déplacements des perspectives. Quand je sors du
bureau de m-O, c’est pour ricaner avec Bianca, 17 mois et
un enthousiasme délirant. Moins de moto forcément
Quelles couleurs portez-vous ?
Le dernier magazine que vous avez acheté ?
Une revue de dessins créée par Sophie Toulouse et
Barbara Soyer, The Drawer, dont c’est le troisième numéro.
J’ai trouvé ça beau.
eko sato
auteur et commissaire
Votre principale occupation ces jours-ci ?
L’édition de trois livrets sur le travail de Fred Le Chevalier.
La préparation de trois expositions.
Quelles couleurs portez-vous ?
Le dernier magazine que vous avez acheté ?
L’Œil, avril 1959, 400 francs, 19 euros. Avec une magnifique
couverture digne d’une tapisserie de Mathieu Mategot.
Helena Ichbiah
Directrice artistique
Votre principale occupation ces jours-ci ?
La boutique Ich&Kar au Printemps, les kakémonos
« Chut ! » Un projet de restaurant top secret à Mexico,
un autre à Paris ; le « Mur des jubilations », un projet de
panneau béton pour la Biennale de Saint-Étienne et plein
de choses encore…
Quelles couleurs portez-vous ?
Le dernier magazine que vous avez acheté ?
Courrier international et Polka.
Jonathan de Villiers
Photographer
Votre principale occupation ces jours-ci ?
Obsessing about the Nouvelle Vague.
Quelles couleurs portez-vous ?
Le dernier magazine que vous avez acheté ?
Does a NY Times online subscription count?
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èves
Le salon Tranoi lancera
une déclinaison féminine
en janvier « Tranoi preview
Femme », pendant les
défilés homme et donc en
face des salons Who’s Next
et Prêt à Porter Paris.
The Tranoi trade show
is to launch a women’s
version in January, “Tranoi
preview Femme,” during
the menswear shows and
opposite the Who’s Next
and Prêt à Porter Paris
trade shows.
Des montres signées
Karl Lagerfeld fin février.
Il faut s’attendre à des
lancements de produits
plus récurrents de la
marque « Karl Lagerfeld »,
qu’Apax Partners a décidé
de relancer, et il faut aussi
alimenter le récent concept
store.
Watches by
Karl Lagerfeld will be
available in late February.
We should expect recurring
product launches for the
“Karl Lagerfeld” brand,
which Apax Partners has
decided to bring back, and
products will be needed to
supply the recent concept
store.
Après le succès du
premier numéro de
son CR Fashion Book,
Carine Roitfeld, qui a
entretemps rebondi au
Harper’s Bazaar comme
« global fashion director »,
devrait encore faire
l’actualité en 2013 avec un
documentaire qui lui a été
consacré : Mademoiselle C,
réalisé par Constant Fabien,
et le lancement d’un
parfum.
After the success of the
first issue of her CR Fashion
Book, Carine Roitfeld, who
has in the meantime been
appointed “global fashion
director” at Harper’s Bazaar,
will be making the news
again in 2013 with the
release of Constant Fabien’s
documentary about her,
Mademoiselle C, and the
launch of a new perfume.
Transposition du blog
éponyme, The Unknown
Hipster Diaries est le
prochain ouvrage de Jean-
Philippe Delhomme, dans
lequel il donne vie à son
personnage imaginaire,
à l’aquarelle ou au crayon.
Exposition et signature
chez Colette le 15 décembre.
A transposition of
the eponymous blog
“The Unknown Hipster
Diaries” is Jean-Philippe
Delhomme’s latest work,
in which he brings his
imaginary character to life
in watercolor and pencil.
Exhibition and signing at
Colette on December 15 th .
Dans la série « les
tops ne passent pas la
main » : la sémillante Inès
de La Fressange, qui, entre
deux pubs pour L’Oréal,
devient styliste pour
La Redoute (Printemps-Été
2013) ou « conseillère de
style », puisqu’elle livrera
sa sélection mode et déco
parmi les marques déjà
référencées par le catalogue.
In the series “Les tops
ne passent pas la main”
(“Top Models Don’t Give
Up”), the spirited Inès de
La Fressange, in between
making two L’Oréal
advertisements, becomes
a stylist for La Redoute
(Spring-Summer 2013),
or “style advisor,” since
she’ll be offering her
fashion and decoration
selections amongst the
existing brands referenced
in the catalogue.
Une exposition grand
public (et gratuite) sur
la haute couture sera
inaugurée à l’Hôtel de Ville
de Paris en mars. « Paris
Haute Couture » puisera
dans les collections du
musée Galliera robes et
documents, de Balenciaga
à Courrèges, en passant
par Madeleine Vionnet.
A free exhibition on
haute couture, open to
the general public, will be
opening at Paris’s Hôtel
de Ville in March. “Paris
Haute Couture” will draw
from the Musée Galliera’s
collection of dresses and
documents, from Balenciaga
to Courrèges, by way of
Madeleine Vionnet.
Nicola Formichetti
aura davantage de temps
à consacrer aux collections
femme de Mugler puisque
l’édition du Vogue Hommes
Japan, dont il était le
fashion director, a été
arrêtée par Condé Nast, pour
être remplacée par GQ Style.
Nicola Formichetti will
have more time to spend
on Mugler’s womenswear
collections, since Condé
Nast has stopped
publishing Vogue Homme
Japan, of which he was the
fashion director, replacing
it with GQ Style.
À défaut de
confrontation idéologique,
les affiches politiques
deviennent un sujet d’étude
graphique. « Affiches,
actions, quand la politique
s’écrit dans la rue » est une
exposition au musée de
l’Histoire contemporaine,
qui réunit des documents
de 1789 à nos jours.
Jusqu’en février 2013.
For lack of ideological
confrontation, political
posters are becoming a
subject of graphic study.
“Affiches, actions, quand la
politique s’écrit dans la rue”
(“Posters, Actions: When
Politics Is Written in the
Streets”) is an exhibition
at the musée de l’Histoire
contemporaine (Museum
of Contemporary History),
which comprises documents
from 1789 to the present day.
Until February 2013.
Les plateformes de
financement participatif
s’ouvrent à la littérature
et proposent de financer
l’écriture de livres, qui
seront édités sur support
numérique ou imprimés
selon les fonds recueillis.
Plus sur Bookly.fr/
Platforms for
participatory financing are
opening up to literature
and offering to finance
book projects, which will
be published digitally or
printed, depending on the
funds received. More info
on Bookly.fr/
La Villa Méditerranée,
conçue par l’architecte
Stefano Boeri à Marseille,
se veut un lieu d’échanges
culturels et scientifiques.
Expositions, rencontres,
projections, concerts
ayant tous un rapport à la
Méditerranée. Ouverture
prévue le 15 mars.
La Villa Méditerranée
(The Mediterranean
Villa), designed by the
architect Stefano Boeri in
Marseille, presents itself
as a place of cultural and
scientific exchange, hosting
exhibitions, gatherings,
films and concerts, all
with a connection to the
Mediterranean. Opening
scheduled for March 15 th .
Le styliste Joe McKenna
devient le fashion director
at large de T, le supplément
style du New York Times.
The stylist Joe McKenna
has become the «fashion
director at large» of T, the
New York Times style
supplement.
L’omniprésence des
images numériques fait
parfois oublier l’enjeu
de la mémoire qu’elles
représentent. Getty vient
d’annoncer la collection
« Red Bull Media House »,
recensant « les lieux les plus
extrêmes de la planète ».
Espérons que demain il
ne sera pas indispensable
d’avoir un sponsor pour
figurer dans la mémoire
visuelle et collective du
monde…
The omnipresence of
digital images sometimes
makes us forget that they
represent memory. Getty
has just announced the
“Red Bull Media House”
collection, which takes
an inventory of “the most
extreme places on the
planet.” Let’s hope that
in future, it will no longer
be necessary to have a
sponsor in order to figure
in the world’s visual and
collective memory…
À une question sur la
raison pour laquelle Zara
ne s’était pas implanté aux
États-Unis, contrairement à
H&M ou Uniqlo, un expert
répond au New York Times :
« Les Américains ne rentrent
pas dans les vêtements ;
fabriquer des tailles plus
élevées rend la production
beaucoup plus complexe. »
Pas très élégant, mais « real
marketing ».
Responding to a
question on the reason why
Zara hasn’t taken hold in
the United States, contrary
to H&M or Uniqlo, an
expert said to the New York
Times: “Americans don’t fit
in the clothes; having to
make larger sizes makes
production so much more
complex.” Not very elegant,
but “real marketing.”
Lors d’une interview
donnée à l’Institut
français de New York,
Carine Roitfeld a déclaré :
« Soudain, je suis passée
de, disons, 50 000 lecteurs
[à Vogue Paris] à
11 millions de lecteurs
[avec toutes les éditions
de Harper’s Bazaar] ».
Ça fera sûrement plaisir
à Condé Nast, qui en
revendique plus du double
pour la diffusion de son
mensuel.
During an interview
given at the French
Institute in New York,
Carine Roitfeld declared:
“Suddenly, I went from,
let’s say, 50,000 readers [at
Vogue Paris] to 11 million
readers [with all the
editions of Harper’s Bazaar].”
That will certainly please
magazine n o 10
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magazine n o 10
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Condé Nast, which claims
to have more than double
that in distribution for its
monthly magazine.
Le prochain opus de
la collection Be-Pôles est
consacré à Marseille et
est signé du photographe
Olivier Amsellem. Plus sur
be-poles.com/
The next opus in the
Be-Pôles collection is
dedicated to Marseille, and
is the work of photographer
Olivier Ansellem. More on
be-poles.com
Le magazine 7 000
organise des rencontres
destinées aux professionnels
de l’image, de la mode, de
la musique et du cinéma.
Tous les quinze jours au
Buddha Bar. Infos sur
7000magazine.com
The magazine 7000
organizes gatherings for
image, fashion, music
and cinema professionals
every two weeks at the
Buddha Bar. Info on
7000magazine.com
La Biennale de design
de Saint-Étienne aura lieu
du 14 au 31 mars sur le
thème de l’empathie, ou
l’expérience de l’autre.
Parmi les commissaires
et scénographes invités :
5.5 designers, Alexandra
Midal, Collectif Designers+,
Particule 14.
The Saint-Étienne
Design Biennale will take
place from 14 th -31 st March
on the theme of empathy,
or the experience of the
other. Amongst the invited
curators and exhibition
designers are: 5.5 designers,
Alexandra Midal, Collectif
Designers+ and Particule 14.
En miroir à la
multiplication des produits
dérivés et collections
capsules, le concept store
dont le fil conducteur est
un seul et même créateur
va voir le jour. Et par le
plus légitime, pour ce qui
est de la collaboration :
Karl Lagerfeld. Ouverture
prévue en février 2013,
boulevard Saint-Germain.
Mirroring the increase
in spin-off products
and capsule collections,
a concept store based
around a single designer
is going to see the light
of day. And by the most
legitimate of designers,
with regard to collaboration:
Karl Lagerfeld. Opening
scheduled for February 2013,
boulevard Saint-Germain.
Le relancement de la
marque Schiaparelli a été
repoussé à juin ou juillet
2013 ; Diego de la Valle, à
qui appartient la marque,
n’aurait pas encore trouvé
le bon directeur artistique.
Manquerait-on de chasseurs
de têtes ou de têtes ?
A re-launch of the
Schiaparelli brand
has been postponed to
June or July 2013; Diego
de la Valle, who owns
the brand, has not yet
found the right artistic
director. Are we missing
headhunters or heads?
Un ordre d’idée : le
contrat de l’acteur Robert
Pattinson pour devenir
l’égérie des parfums homme
de Dior pendant trois ans
s’élèverait à 12 millions de
dollars (9,5 millions d’euros).
To give you a rough
idea: the contract for the
actor Robert Pattinson
to become the face of
Dior’s men’s fragrances
for a three year period is
worth 12 million dollars
(9.5 million euros).
La revue de graphisme
Back Cover, devenue
annuelle, délocalise ses
bureaux à Kyoto, le temps
de réaliser leur prochain
numéro consacré au Japon.
Sortie prévue au printemps
et work in progress à suivre
sur le blog : kokomokka.fr
The graphic design
journal Back Cover,
which is now an annual
publication, is moving
its offices to Kyoto while
they work on their next
issue dedicated to Japan.
Scheduled for release in the
spring, the work in progress
can be followed on their
blog: kokomokka.fr
On aura maintenant
de bonnes raisons de
louper l’avion : l’aéroport
de Roissy va implanter
un musée dans son
nouveau terminal 2E.
250 m 2 inaugurés avec une
exposition Rodin. Il est
vrai que Gagosian avait
lancé la mode en ouvrant
une galerie à proximité de
l’aéroport du Bourget.
Now we’ll have good
reason to miss our flight:
the Roissy airport will be
inaugurating a museum
in its new terminal 2E.
250 square meters will open
with a Rodin exhibition.
Gagosian started the trend
by opening a gallery near
the Le Bourget airport.
À partir de 2013, l’IFM
proposera un 3 e postgrade
consacré aux médias
(direction artistique,
journalisme, stylisme photo,
vidéo…), les deux premiers
étant dédiés aux vêtements
et aux accessoires ;
l’ensemble sous la direction
de Hans de Foer.
As of 2013, the Institut
Français de la Mode (IFM)
will be offering a third
postgraduate option in
media (artistic direction,
journalism, photo shoot
styling, video…); the first
two majors are in clothing
and accessories, and the
whole postgrad program is
under the direction of Hans
de Foer.
Il y avait des salons
professionnels consacrés à
la mode enfantine, il y aura
maintenant une fashion
week ! Ça se passera en
mars 2013 à Londres, et le
public pourra assister aux
défilés des enfants.
There are already
trade shows dedicated to
children’s fashion; now
there will be a fashion
week! It’ll take place in
March 2013 in London,
and the public will be able
to attend the children’s
fashion shows.
Il se murmure que
Hedi Slimane dessinerait
les costumes de scène de
la prochaine tournée des
Rolling Stones. La nouvelle
Maison du styliste n’a pas
confirmé.
Rumor has it that
Hedi Slimane will be
designing the costumes for
the next Rolling Stones tour.
The designer’s new house
has yet to confirm.
La très féminine marque
Stella Cadente vient
d’inaugurer une ligne pour
homme.
The very feminine brand
Stella Cadente has just
inaugurated a menswear line.
Le magazine W fête
son 40 e anniversaire avec
un livre de 340 pages
– organisées comme le
magazine, en sections Who,
Where et Wow. Son titre est
un pied de nez à la mort
annoncée du print : W, The
First 40 years.
The magazine W
is celebrating its
40 th anniversary with a
340-page book, organized,
like the magazine, into
the sections Who, Where
and Wow. Its title thumbs
its nose at the idea that
print is dead: W, The First
40 Years.
Les lecteurs américains
préfèrent le numérique :
de septembre 2011 à
mars 2012, le New York
Times s’est vendu à
807 000 exemplaires par
jour en version numérique,
contre 780 000 exemplaires
pour le papier. Quant
au Financial Times, il a
aujourd’hui presque autant
d’abonnés « physiques »
(310 000) que d’abonnés
« numériques » (270 000).
American readers prefer
digital: from September 2011
to March 2012, the New York
Times sold 807,000 copies a
day in its digital version, as
opposed to 780,000 copies
of the paper version. As
for the Financial Times,
today there are almost as
many “physical” subscribers
(310,000) as “digital”
subscribers (270,000).
Pour son 3 e anniversaire,
la galerie 12Mail prépare
un livre, 12Mail/Red Bull
space 2009-2012, qui
retrace les multiples
expositions qu’elle a
présentées combinant
photo, graphisme, édition,
musique… Plus sur 12mail.fr
For its 3 rd birthday, the
gallery 12Mail is preparing
a book, 12Mail/Red Bull
Space 2009-2012, which
retraces the multiple
exhibitions that it has
presented combining
photography, graphic
design, publishing and
music. More on 12mail.fr/
Le studio de graphisme
ill studio, dont l’esthétique
est fortement influencée
par l’univers du skate, vient
de publier Neapolis, un
livre de 368 pages sur le
sujet, nourri de nombreuses
collaborations. Pour
boucler la boucle ? Plus sur
ill-studio.com/
The graphic design
studio ill studio, whose
esthetic is strongly
influenced by the world
of skateboarding, has just
published Neapolis, a 368-
page book on the subject,
the result of numerous
collaborations. Are they
coming full circle? More on
ill-studio.com/
Ouverture en
septembre 2013 de la Parsons
New School for Design à
Paris. Située 45 rue Saint-
Roch (1 er ), l’école proposera
des formations en « Art,
Media and Technology »,
« Fashion Design », « Strategic
Design and management »,
et « History of decorative and
design ». Les cours dispensés
en anglais mèneront à des
Bachelor et Master.
Parsons, the New School
for Design in Paris will be
opening in September 2013.
Situated at 45 rue Saint-
Roch (1 st arrondissement),
the school will offer
programs in Art, Media
and Technology, Fashion
Design, Strategic Design
and Management, and
History of Decorative Art
and Design. Classes will
be taught in English, and
will lead to Bachelors and
Masters degrees.
La Gaîté Lyrique
présentera à partir du
13 février l’exposition
« Arrrgh, monstres de
mode », autour de la figure
monstrueuse dans la
mode. Parmi les designers
invités : Maison Martin
Margiela, Walter Van
Beirendonck, Issey Miyake,
Henrik Vibskov, Jean-Paul
Lespagnard, Bernhard
Willhelm…
From February 13 th , the
Gaîté Lyrique will present
the exhibition “Arrgh,
Monstres de Mode,” based
on the monstrous figure
in fashion. Amongst the
invited designers are:
Maison Martin Margiela,
Walter Van Beirendonck,
Issey Miyake, Henrik
Vibskov, Jean-Paul
Lespagnard and Bernard
Willhelm.
magazine n o 10
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MAGAZINES
cr
États-Unis, 340 p., semestriel, n o 1, 230 x 300 mm, 16 €
crfashionbook.com
Il n’est pas très fréquent qu’après dix ans passés dans un groupe comme Condé Nast,
une rédactrice en chef lance son propre magazine. Carine Roitfled l’a fait et n’en fait
pas mystère, puisque le magazine est modestement baptisé du « CR » de ses initiales ;
on comprend dès lors quel sera le sujet du magazine. Mais reconnaissons la franchise
du procédé : nombre de magazines de style ne sont pas autre chose. Dix ans de papier
glacé, ça peut lasser, et CR adoptera un papier mat – d’accord, le logo signature endosse
une dorure or. CR n’a pas de 4 e de couverture, mais fait le choix de deux entrées, l’une
couleur, et l’autre noir et blanc, ce qui valorise aussi plus d’annonces publicitaires,
les marques ayant largement joué le jeu de ce premier numéro. Côté contenu, beaucoup
d’images et quelques textes, des noms connus (Bruce Weber, David Armstrong) et
d’autres plus audacieux (Kacper Kasprzyk ou Brigitte Niedermair, repérée au festival
de Hyères), mais la récurrence d’un Jean-Baptiste Mondino (4 séries) limite un peu
l’envie de nouveauté de l’édito. Mais surtout, CR, puisque semestriel, change de focale
et n’est plus prescripteur comme un mensuel peut l’être. Il livre une vision de la mode
plus fraîche – sur le thème de la renaissance dans ce premier opus –, avec une liberté
que les deux couvertures incarnent bien. On sent pourtant qu’il manque parfois cette
énergie consubstantielle à la mode, et sa frénésie de renouvellement. CR est adossé au
groupe qui édite V et Visionaire, et les connexions ont semblé fonctionner puisque
Stephen Gan, également DA de Harper’s Bazaar, ne doit pas être étranger au nouveau
titre de Carine Roitfeld : « global fashion director » chez l’ennemi de Vogue. En somme,
qu’on sorte de l’école ou de dix ans à la tête d’un titre de Condé Nast, éditer son propre
magazine reste encore le meilleur moyen de trouver un nouveau job !
Extrait
When women were French
What happened to epic frenchness, as embodied by women like
Anna Karina, Mireille Darc, and Nathalie Delon in the ’60s? Three
supermodels get into character while Karl Lagerfeld meditates on classic
gallic beauty and the power of place. Today we talk about the globalization
of beauty, style, and femininity. But 40 or nearly 50 years ago,
things were different. There were English girls, American girls, Swedish
girls… and French women. A French woman was not girly then—just
young. She had something very different and specific. It was impossible
for observers of women’s style and standards of beauty and fashion
not to notice her. Maybe she was nothing but an idea, but as the philosopher
Berkeley said, “All sensible qualities are ideas.” Like heat and
cold. There was nothing material about her, but she existed. Of course,
there are great French actresses today, but they can fit in any genre
of movie, in any country. To be a typically French woman then, you
did not have to be born in France or even be French. Anna Karina is
Danish and was married to the famous French-Swiss director Jean-Luc
Godard. Nothing was more French during that period than his movies,
and she became the French woman of the moment—a star before the
era of red carpets. Here, she is portrayed by Linda Evangelista. Mireille
Darc is a typical brunette from Toulon. She became France’s most
famous blonde not only because she was such a great actress, but also
because in one of her movies she wore the lowest-cut black dress possible.
She was a French woman par excellence, as they say. Impossible
to be more French. Here, our choice for Mireille is all-American girl
Carolyn Murphy. Through the camera’s lens, she became the perfect
vision of something totally French. Stephanie Seymour plays Nathalie
Delon, who was married for a short time to France’s most famous actor,
Alain Delon. (Mireille, he was his companion too, but for much longer.)
Today we would call Nathalie an It girl, but that expression did not exist
then. She was one of the French girls at the moment. I am not even sure
she was born on the Continent. (Brigitte Bardot is another story. She was,
in the late ’50s, a worldwide phenomenon who had invented a new type
of free woman.
[…] Karl Lagerfeld p. 140
Founder & editor :
Carine Roitfeld
Design director :
Stephen Gan
Editorial director :
Christopher Bartley
PUBLISHER :
Fashion media group
magazine n o 10
12

MAGAZINES
7000
France, 192 p., semestriel, n o 2, 220 x 285 mm, 7 €
7000magazine.com
Ça peut contrarier la curiosité, mais il est toujours plus sage d’attendre le numéro 2
d’un magazine avant de le regarder vraiment. Bien nous en a pris puisque 7 000 s’est
fendu d’un double thème : night and day, proposé au choix aux contributeurs. 7 000
est la continuation du magazine Soon, mêlant mode et culture, mais surtout mode,
puisque 7 séries s’égrènent le long de ces 200 pages. Le casting des photographes
– puisque ce sont eux les stars du magazine – se range côté valeurs sûres plutôt que
jeunes talents : Jean-François Lepage, Ellen von Unwerth, Jan Welters, Steve Hiett…
ce qui a aussi ses bons côtés puisque ce dernier a retrouvé quelques clichés noir et
blanc de Jimi Hendrix. Les rubriques s’enchaînent, on suit le fil sans vraiment comprendre
le projet, qui réside peut-être tout simplement dans un esprit, celui d’une
grande liberté, que la maquette très colorée et spontanée laisse apparaître. Texte et
image peuvent se superposer, images et images aussi, et la maquette aurait pu être
conçue à Miami. 7 000 alterne les papiers mat et brillant, la couleur et le noir et
blanc, les portraits de stylistes jeunes ou installés, et a le mérite de traduire tous ses
textes. La musique est très présente, même quand Lenny Kravitz présente son label
de design et même une interrogation sur « où va le cinéma français » par l’inrockuptible
Serge Kaganski. Si 7 000 devait se résumer à une idée visuelle, on convoquerait
volontiers Steve Hiett, son image iconique très 80’s, ultra colorée et au cadre souvent
incliné. Bon voyage (dans le temps).
Extrait
Où vas-tu cinéma français ?
2011 restera un millésime historique pour le cinéma français. Alors
qu’Intouchables a flirté avec les records d’entrées de Titanic et de Bienvenue
chez les Ch’tis, The Artist a remporté en février 2012 cinq oscars
(dont Meilleur film, Meilleur réalisateur et Meilleur acteur), parachevant
un grand chelem de récompenses assez unique, de Cannes aux César,
des Bafta aux Golden Globes. Tout cela dans un contexte global où le
box-office est au plus haut (216 millions de billets vendus, pas vu depuis
1966 !), avec une part appréciable des films français dans ce gros
gâteau (40,1 %). Commercial et artistique, chiffres d’entrées ou honneurs,
par où qu’on le prenne, le cinéma français a triomphé. Le coq gaulois
peut pousser un retentissant cocorico ! La razzia de The Artist aux
oscars est particulièrement symbolique. Ce n’est certes pas la première
fois que des Français gagnent des statuettes dorées : on se souvient
des trophées de Simone Signoret (Les Chemins de la haute ville, en
1960), ou plus récemment Juliette Binoche (pour son second rôle dans
Le Patient anglais) et Marion Cotillard (pour son premier rôle dans La
Môme). Mais c’est la première fois qu’un film, un réalisateur et un acteur
étrangers (en l’occurrence français) raflent cinq oscars, dont les trois
plus prestigieux. Au-delà de la réussite du film et du charme frenchy
sexy de Jean Dujardin, on peut voir plusieurs raisons à ce succès. The
Artist parle de Hollywood, donc touche les Américains. Le film est muet,
donc abat la barrière de la langue. Et puis ce mélange de comédie et
de romance a sans doute touché les cœurs dans un contexte général
sombre et difficile. Peut-être aussi que les Américains – comme les
spectateurs du monde entier qui ont fait le succès de The Artist et d’Intouchables
– trouvent dans le cinéma français ce qu’ils ont de moins en
moins dans « leur » cinéma : des sujets adultes, qui parlent de la société
contemporaine (le racisme ou le handicap dans Intouchables) ou de
thèmes éternels (l’amour, le rebonds après un échec, dans The Artist),
traités de façon originale, et de bonne fabrique. La grande différence
entre le cinéma français et le cinéma américain est la même qu’entre
l’artisanat et l’industrie. En France, le cinéma est considéré comme un
art et un business, les films sont conçus comme des prototypes, parfois
même de pures œuvres d’art, dans des budgets bien inférieurs qu’aux
États-Unis.
[…] Serge Kaganski, p. 128
editor in chief :
Katrina Tee
founder :
Jean-Baptiste Pauchard
ART direction :
Steve Hiett & Wynn Dan
Publisher :
WB éditions
magazine n o 10
14

MAGAZINES
dossier
États-Unis, 196 p., semestriel, n o 10, 230 x 300 mm, 11 €
dossierjournal.com
Dix numéros, cinq ans, presque l’âge de raison pour un magazine de style. Un nom
français un peu austère, entre fonction publique et archives nationales, mais une
culture new-yorkaise bien ancrée font de Dossier une curiosité. Le magazine indépendant,
édité par la rédactrice Katherine Krause et la photographe Skye Parrott, se
fixe peu de règles : pas de thèmes ni de rubriques récurrentes, juste des invités dont
on présente les travaux, souvent photographiques. Et tout réside dans le dosage : ses
travaux et ceux des invités, le présent et le passé, le commercial et le désintéressé… Le
mix est maintenant bien maîtrisé et on est même surpris par une ligne conductrice,
que le graphisme contribue à révéler. Ce 10 e numéro ressemble à un livre, peut-être
un carnet intime, où images et notes manuscrites s’enchevêtrent, mais aussi collages,
dialogues et confidences. Dans la succession des sujets, Yayoi Kusama précède le
magazine Aspen et des essais sur des artistes jouxtent une fiction. Un portfolio invite
plusieurs photographes à présenter deux images, l’une « usual », et l’autre « unusual ».
Les assez longs textes présentés sur une unique colonne nous éloignent du magazine
pour nous reverser vers le livre. La mode est assez fraîche et s’affranchit des cadrages
stéréotypés. Étonnamment, c’est le site Internet de Dossier qui est davantage structuré
comme un magazine, avec rubriques et curators invités. Ça libère la version papier
pour être un espace libre de présentation, un showcase en somme.
Extrait
Aspen magazine
In the 1960s, a magazine with the potential to rechart the course of media
history evolved from an offbeat ski culture rag to a three-dimensional
objet d’art—and then… nothing. It disappeared, along with its
charismatic editor-in-chief, Phyllis Johnson, who vanished with so little
a trace that even her closest friends lost track of her. Aspen magazine
is a name many fans of the American avant-garde will recognize, and
one in whose footsteps plenty of contemporary publications—including
Visionaire, McSweeney’s and even Dossier—have followed.
First pressed in 1965, Aspen was a loosely themed collection of papers
that came in a box, cost about 15 dollars for a year’s subscription and
included just about anything that could fit: broadsheets, flipbooks,
paper fragments, leaflets, posters, foldouts, flexi-disc recordings and
Super 8 film reels. Each of the ten issues published during Aspen’s
six-year run is now a coveted document canvassing the dominant
aesthetic concerns of the period, from Roland Barthes’ first English
printing of the celebrated essay Death of the Author and Marshall
McLuhan’s influential article “The Medium is the Message” to flexidisc
recordings by William Burroughs and Yoko Ono, and films
by Robert Rauschenberg, László Moholy-Nagy and Robert Morris.
The title, Aspen, was a nod to the magazine’s original intent: to provide
a bit of highbrow reading material for the well-to-do artists and thinkers
who wintered in Aspen, Colorado. The first two issues more or less
stuck to this mission, with amusing commentary on cross-country skiing
and the Modernist bungalows that dotted the landscape around
Aspen accompanied by recipes for pot au feu and bœuf braisé. But
by 1966, Aspen has transformed from a relatively obscure local publishing
experiment to a bona fide Pop Art Object. Issue no.3 came in
a box designed by Andy Warhol and, similar to a soup can and Coke
bottle prints the artist was churning out during that period, imitated
a package of laundry detergent. The issue was loosely devoted to the
new counter-culture wave in New York City, which at that time was
concerned with psychedelic drugs, experimental rock, Pop Art and Abstract
Expressionism. The issue’s beating heart was the elusive Velvet
Underground, who would release their debut album the following year.
Their single Loop, now considered one of their rarest recordings, was
included in the issue on the B-side of a phonograph recording…
[…] Julie Cirelli, p. 68
EDITOR :
Katherine Krause
Creative director :
Skye Parrott
fashion editor :
Polina Aronova
publisher :
Katherine Krause and Skye Parrott
magazine n o 10
17

MAGAZINES
J People
Allemagne, 160 p., semestriel, n o 16, 235 x 295 mm, 10 €
jpeoplemagazine.com
Une couverture sans accroche, un titre discret et énigmatique, J People, comme une
société secrète qui ne ferait pas des pieds et des mains pour être rejointe. Le projet n’est
pas révolutionnaire : faire découvrir une famille informelle de créateurs (graphistes,
musiciens, auteurs, photographes, déco d’intérieur…) à travers quelques échanges et
des traces de leur production. Pourtant, J People se déroule comme un magazine, pas
comme un annuaire. Le design graphique y est pour beaucoup : si sa personnalité est
affirmée, il s’efface devant les sujets qu’il présente et garde quelques gimmicks, comme
le folio coupé par exemple. Autre surprise : pas de publicité, juste quelques advertorials
en fin de magazine. J People jouit d’une autonomie précieuse, qu’il décline depuis
16 numéros – même si c’est une agence de pub très créative qui rend l’aventure viable.
En vrac, on trouve dans ce dernier numéro un guide de survie à Rome, rédigé par un
New-Yorkais, avec lexique hype à la clé ; un texte sur « numérique ou argentique », un
autre sur la nostalgie, quelques séries mode et, bien sûr, de jeunes créateurs et des rencontres
avec des artistes installés. Basé à Berlin, J People est toutefois très international,
n’hésitant pas à s’appuyer sur Internet pour élargir la famille. Son blog, conçu comme
un Tumblr, est d’ailleurs une base créative très riche, qui agrège les images remarquables
par affinité avec le titre. En ce sens, J People est un vrai magazine de DA : il sélectionne
et présente. Si c’est court comme ligne éditoriale, visuellement, le compte y est.
Extrait
My personal guide to Rome
When I tell people I moved here from New York, their reaction is always
the same: “Why?!” When I’m getting off the tram into a sea of bodies
simultaneously trying to board instead of waiting their turn, when I’m
cut in line three times at the bakery by little old ladies, when I’m trying to
split town only to find that not a single method of public transportation
is functioning thanks to a general strike, I ask myself the same question.
I open my armoire and pull out a silk Moschino button-down decked
with a black and white print of Piazza San Marco I bought at Pulp, my
first vintage discovery in Rome. Buckling a pair of 1970’s leather sandals
salvaged from the dusts of the Fiaschi brothers’ workroom in Florence,
I check to make sure my rounded cat eye sunnies from Twice Vintage
are square. As Global Fashion Director for Runway Passport, I have to
make sure I look the part as I go In giro about Rome. Struggling up
the basement stairs with my red city bike, distinguished by a squeaky
orange tiger head that was a gift from my friends at Zio Bici, I make
a mental list of my mandatory PR pit stops. In Italy, nothing is done
over the phone and avoiding personal interaction is professional suicide.
Mafia jokes aside, it’s true that in order to accomplish anything
in this country, you’ve got to be in casa; part of the family. I slip in my
earbuds and search for my “Feels Like Rome” playlist. As the hum of the
passing tram fades into the notes of the first song, I smile at the fruit
vendor opening his shop. When the cops pass, we duck under a parket a
parked car like this, the broad-shouldered Cancelletto shows me. His perfectly
Roman features could have been chiseled in a marble bust at the
Capitoline Museum. We’re standing in front a mural he and fellow street
artist, HOPNN, painted on Via Gentile da Mogliano in Rome’s up-andcoming
Pigneto quarter. The duo also collaborated on a design along
Via Prenestina, where Cancelletto’s spontaneous inclusion of a martini
glass became an accidental counterculture campaign against alcohol.
The glass in question appears as the basket of a hot air balloon flying
towards a giant mustached cyclist crushing cars beneath the wheels of
his antique bicycle.
[…] Tess Amodeo-Vickery, p. 15
Art director :
Stefan Lucut
Creative director :
Martin Groeger
editorial director:
Isabel Gahren
fashion director:
Polina Aronova
Publisher:
NJAA
magazine n o 10
18

MAGAZINES
Kalimat
Angleterre, 132 p., trimestriel, n o 6, 215 x 280 mm, 8 €
kalimatmagazine.com
À être convaincu que le centre de gravité du monde se déplace en Asie, on manquerait
que les pays arabes vivent une mutation économique politique et culturelle. L’intérêt
d’Abu Dhabi pour l’art et du Qatar pour le sport sont les signes que le Moyen-Orient
prépare une longue mutation. La diaspora arabe, qu’elle soit installée en Europe ou
aux États-Unis, est un observateur privilégié de ces mouvements, profitant de cette
double inscription culturelle. Kalimat, donc, qui signifie « phrase » en indonésien,
verse bien davantage dans le texte que dans l’image, présentant les arts, les signes,
la mode et toute manifestation culturelle liée à ce territoire, qui va du Maghreb à la
Somalie en passant par l’Irak. La culture de l’image, moins présente que dans la civilisation
chrétienne, devient un enjeu d’où la politique n’est jamais éloignée. Kalimat
peut aussi être regardé comme une galerie de personnages, passionnés par un art en
train de s’affirmer, loin des enjeux économiques. Ainsi, les sujets évoquent l’art, mais
aussi la mode et la typographie, le théâtre, la cuisine, la littérature… Si le graphisme
du magazine est élégant, apportant un soin particulier à la lisibilité, les images sont
souvent reléguées au rang d’illustration et au format de vignettes. Mais ce 6 e numéro
de Kalimat n’est que le deuxième imprimé (les précédents étant uniquement virtuels),
et on apprend vite…
Extrait
You are Traffic
Everyone in Cairo has a horrific traffic story. It’s highly likely you have
a hundred stories of your own, whether its related to the red Lada on
the Oct 6 Bridge that held up traffic for three hours trying to fix his
exhaust, change his tire, and get a new battery, or the girl that bumped
you from behind and broke your RafRaf (bumper) with BBMing her
friend to say she’s an hour late because she couldn’t find a parking
spot next to the bank so she spent a half hour going around in circles
just to get some quick cash. And everyone in their car is wondering
the same question—why is there traffic? Why did these people leave
their home today… at this hour, at this minute? And why me? And this
is where we need to make the conscious and uncomfortable realization
that traffic is made up of us—you and me. But mainly YOU. The
next time you’re on the Oct 6 Bridge, or the Mehwar, or your left foot is
sore from pressing on the clutch too hard on the Ring road and you
momentarily think the best solution to traffic is to put the nation under
house arrest, look around you. Here’s a fun exercise: tomorrow morning
on your way to work, momentarily scream every time you see a onepassenger
car, we guarantee you’ll lose your voice by the time you get
there. The statistics here are pretty grim; they reveal a depressing reality
that only seems to depict a downward spiral heavily affecting many
other sectors (i.e. health, environment and transportation). A 2003 UNDP
report states, the average population in Egypt is increasing by some
1 to 1.5 million people per year with expectations of reaching 80 million
in 2015. But since Egyptians hump like rabbits, we’ve managed to exceed
those expectations by passing the 80 million mark in 2010. Cairo’s
population alone is just under 20 million people and the crippling and
inaccessible transportation system has been unable to cope with our
super reproductive powers. The gaps in public transportation have been
filled by privately owned and operated shared taxis (informal transportation)
and privately owners cars. The report goes on to state that the
congestion and CO 2
emission produce serious air pollution killing an
estimated 10,000 to 25,000 people in Cairo annually.
[…] Sundus Balata & Mahmoud Wafik Sabae, p. 26
Editor & creative director :
Danah Abdulla
Editor :
Karim Sultan
Fashion editors :
Leila Khatib & Nadia Kanaan
Publisher :
Wyndeham grange
magazine n o 10
20

SHOPPING
le père noël
a oublié
des trucs dans
l’escalier
Économe ou dépensier, raisonnable ou passionné, opulent ou fauché…
choisissez le Noël que vous aimez.
photographie : Cédric Viollet
Stylisme : Clémence Cahu
assistée de Marion Bourguignon
Merci à l’hôtel Crillon, Paris
Sac en lézarD Chanel
Porte-Document Hermès
Portefeuille nude
Maison Martin Margiela
Pochette en bakélite
Carven
6 150 €
3 700 €
470 €
1 200 €
11 520 €

Carré The Pony Express Hermès
Pump strap Louis Vuitton
Cocoa Butter lotion Queen Helene
Boucles d’oreilles Louis Vuitton
Stylo L’écridor Caran d’Ache
235 €
990 €
3 €
295 €
129 €
1 652 €

Cuir de beluga Guerlain
duo Sculpter & IllumineR Tom Ford
Flora Bottanica Balenciaga
Coco noir Chanel
Ivoire de la maison Balmain
175 €
65 €
75 €
92 €
88 €
495 €

Ruban mokuba
Scrub Ron Dorff
Eye photophore clair BaccaraT
Photophore « Mille nuits » Baccarat
5 €
32 €
160 €
81 €
278 €

Jeu de dominos
Escarpins en chèvre velours Hermès
Escarpins Walter Steiger
Chaussures en veau Lanvin
Capeline grise Agnès B
Chapeau feutre noir HermèS
Pochette domino Charlotte Olympia
90 €
650 €
840 €
820 €
95 €
650 €
895 €
4 040 €

Escarpins note de musique Charlotte Olympia
Col « Lock Me » en métal doré Louis Vuitton
Bague Monastère Philippe Tournaire
Bague Chalet Philippe Tournaire
Bague San Lillo Philippe Tournaire
Bague Palais Roman Philippe Tournaire
Bague Venise Philippe Tournaire
Touche éclat Yves Saint Laurent
Cuillères pinces à nappe Maison Martin Margiela
715 €
945 €
53 900 €
2 600 €
200 €
200 €
1 600 €
35 €
100 €
Minaudière violette piano Lanvin
Palette « Debbie Harry », collection Andy Warhol,
Nars
Vernis violet Nars
Bagues « NÉon » en argent Delfina Delettrez
1 190 €
55 €
18 €
80 €
60 295 €
1 343 €

© Olivier Roller
textes
P.36 : interview
Laurence Hovart
P.40 : IMAGES
World Express
P.42 : BIOGRAPHIE
William KLein
P.46 : LEXIQUE
Camouflage
P.48 : OFF RECORD
Maisons de ventes
Du mardi 12 au jeudi 14 février 2013 / Printemps été 14 / Premier Salon Mondial des Tissus d’Habillement
Parc d’Expositions Paris-Nord Villepinte France / T. 33[0]4 72 60 65 00 / info@premierevision.com
www.premierevision.com
magazine n o 10
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Interview
Laurence
Hovart
Rédactrice en chef beauté au magazine Numéro, collaboratrice régulière
à Vogue Chine ou encore au New York Times, Laurence Hovart a révolutionné
le traitement des sujets cosmétiques et parfums dans la presse en misant
sur des solutions visuelles fortes, limite abstraites. Parallèlement à ses
activités journalistiques, cette Parisienne grand teint dispense des cours aux
Arts Appliqués, quand elle ne réalise pas des missions de consulting parfums
pour des Maisons comme Balenciaga auprès de Nicolas Ghesquière.
Comment vous est venue l’idée d’aborder fard à paupières,
crème hydratante ou encore flacon de parfum
dans une optique purement plastique ?
Quand je suis arrivée à Numéro en 1998, au
moment de la création du magazine, personne ne
s’intéressait vraiment à la beauté. Ce qui les passionnait
c’était la mode, et j’ai donc profité d’un incroyable
champ de liberté. Je travaillais précédemment à 20 Ans,
où l’approche était à la fois très irrévérencieuse et ultrapédagogique,
ce qui ne se faisait plus du tout dans les
années 90 ; la presse beauté donnait des conseils dans
les années 60, mais elle avait arrêté depuis. Débarquant
à Numéro, j’étais donc gavée d’infos pratiques : un problème
de peau, une solution, trois propositions de
produits. Notez, on pouvait faire des choses très rigolotes
à 20 Ans, comme des dossiers sur les soucis de la
moustache au féminin, sur quatre pages avec photos à
l’appui ! À Numéro, j’étais dans une logique différente.
Le principe assez novateur de conseils décalés propre
à 20 Ans avait fini par se répandre dans l’ensemble de
la presse féminine, mon approche fut donc de dire : la
fonction d’un journaliste étant de se saisir d’un morceau
du réel et de le traiter à travers un angle d’attaque,
je vais présenter les nouveautés de façon conceptuelle.
Un mois je traite des parfums, un autre du maquillage,
le suivant des soins… mais en me départant du texte.
J’ai développé une écriture visuelle se substituant au
commentaire, pour ne garder, comme dans les séries de
mode, que des légendes. Le contexte mode de Numéro
me semblait adapté à ce traitement.
Comment concevez-vous vos sujets ?
Je zoome dans les flacons, les packagings, les
palettes de maquillage. À partir de petits morceaux
choisis, j’imagine des promenades visuelles, des rêveries,
des abstractions… C’est une autre façon d’entrer
dans le champ consumériste. J’insuffle du désir, sachant
que ce qui a toujours intéressé dans le parfum et le
maquillage, c’est leur dimension érotique. Tout ce qui
est de l’ordre du recouvrement du corps, de la théâtralisation
des ouvertures (bouche, yeux) par du make-up,
m’intéresse. L’aspect sculptural des flacons et la symbolique
de leur forme me passionnent également. J’ai
donc décidé de travailler à la glorification de ces choses.
Je fus par exemple la première à concevoir des séries de
six ou huit pages ne présentant chacune qu’un produit,
là encore je me référais aux séries de mode, quand les
traditionnelles natures mortes beauté des magazines
tendent à fourguer un maximum de flacons dans une
même image. Je ne suis pas du tout une spécialiste du
soin par contre…
J’insuffle du désir, sachant
que ce qui a toujours intéressé
dans le parfum et le maquillage,
c’est leur dimension érotique.
Le recouvrement du corps,
la théâtralisation des ouvertures
(bouche, yeux) par du make-up,
m’intéresse […]
À vos débuts, vous avez d’ailleurs écrit sur la mode.
Nombre de rédactrices beauté, aujourd’hui influentes,
viennent elles aussi de cet horizon.
Il me semble important de savoir comprendre
son époque. À 20 Ans, j’ai milité cinq ans durant pour
faire comprendre aux marques que le maquillage et
la cosmétique étaient des domaines super intéressants
pour les ados, mais mon propos ne trouvait pas
écho à l’époque. Les griffes de luxe ne rêvaient que de
conquérir des femmes actives. Il leur a fallu un cheminement
extrêmement lent pour comprendre l’intérêt de
ce marché très juteux que sont les jeunes filles. Nous
évoluons dans un milieu qui brasse des milliards
d’euros de par le monde et je trouve qu’une grande
partie des dirigeants de ce secteur ne sont pas très
lucides sur l’énorme pouvoir dont ils disposent en
matière de propositions. Ils s’autocensurent, s’inventent
des ornières, ne voient pas plus loin que le bout
de leur nez. Quand ils ne se contentent pas de loucher
sur la concurrence.
Comment expliquez-vous cet intérêt qu’ont les femmes,
depuis la nuit des temps, pour le maquillage ?
La cosmétique, comme la mode, relève du jardinage,
elle repose sur une insatisfaction permanente.
Le jardinier n’est jamais content de ses boutures, il
imagine toujours les floraisons en devenir. Il en va
de même pour les femmes ; elles se projettent, se fantasment,
s’imaginent une vie autre. Et pour offrir une
chance à leurs rêves, elles s’apprêtent.
Nous sommes aujourd’hui dans une période faste
pour le maquillage !
Historiquement, le make-up traverse toujours
des hauts et des bas ; c’est par vague. Quand l’importance
est donnée aux cheveux, le maquillage s’atténue,
et inversement. Depuis cinq ans, le make-up est
en plein boom : les bouches sont fortes, les yeux soulignés
de noir intense, les ongles vernis de couleurs
folles. L’intérêt de l’époque réside dans le fait que le
maquillage n’est plus codifié ; c’est comme on veut,
quand on veut. On voit donc des femmes de 60 ans tout
en paillettes et des gamines de 14 ans aux ongles verts.
C’est très libre !
Vous avez fait le choix dans vos séries de ne jamais
illustrer le make-up à travers des portraits, comme le
font traditionnellement les revues féminines.
Je ne travaille jamais avec des mannequins, le
corps n’est pas représenté dans mon travail – je suis la
seule rédactrice beauté à le faire ! Dans une totale économie
de moyens, je me concentre sur des compositions
de produits et privilégie des choses assez abstraites, à
la gloire des fabricants de cosmétiques me semble-t-il…
Partant de la matière – liquide, solide, sèche, compacte –
du maquillage, je fabrique des sortes de tableaux. Il y a
aujourd’hui dans mon domaine une créativité folle,
à savoir des textures pigmentées en multi couche qui
réverbèrent la lumière et qui donc flattent la peau,
des couleurs très fines qui se fondent les unes dans
les autres. Des effets déments : du nacré, du perlé, du
métallisé. Pour réaliser des petites peintures, c’est
génial ! Je dispose d’un matériel qu’un artiste n’aura
jamais avec ses tubes de couleurs ! Rien que les vernis à
ongles, c’est génial : les fabricants sortent actuellement
La cosmétique, comme la mode,
repose sur une insatisfaction
permanente […] Les femmes
se projettent, se fantasment,
s’imaginent une vie autre. Et
pour offrir une chance à leurs
rêves, elles s’apprêtent […]
des vernis craquelés avec des effets coquille d’œuf ! des
vernis marbrés ! des vernis à effet velours ! Quel champ
ludique formidable…
Le vernis à ongles est au top de sa créativité, il n’a
jamais été aussi à la mode.
Plus une seule adolescente ne va à l’école sans
adopter chaque jour un maquillage des mains différent.
C’est une manne financière énorme pour les Maisons.
Le vernis n’ayant aucune connotation sexuelle, à l’inverse
du rouge à lèvres, c’est un produit tout indiqué
pour les jeunes filles.
Le poids des annonceurs beauté est-il important dans
la presse féminine ?
Cela dépend des supports. Quand j’ai quitté
20 Ans, la beauté représentait 70 % du volume publicitaire
global. À Numéro, ce n’est pas ça, elle représente
plutôt 25 %...
Une grande partie de l’investissement des marques
s’est déplacée ces dix dernières années de la presse
féminine vers la télévision…
C’est vrai, mais c’est aussi lié au positionnement
des titres. Numéro ne représente pas un énorme
tirage, c’est un magazine d’influence auprès d’un
magazine n o 10
36
magazine n o 10
37

public choisi plus qu’un support de prescription grand
public. En ce sens, j’ai parfois l’impression que mon travail
nourrit en idées les agences de pub sans engraisser
directement les fabricants de cosmétiques. Nous
n’avons pas autant d’annonceurs beauté que Vogue.
Mais à Vogue, le ratio de nouveautés ne leur permet pas,
comme moi, de consacrer
une pleine page à un seul
et unique produit. Vogue
va citer 70 marques dans
un même numéro, quand
moi, dans le meilleur
des cas, j’en citerais 30
– et dans la majeure partie
des cas, plutôt 10, en fait.
J’ai développé un système
qui me donne une grande
liberté, mais qui a aussi
ses contraintes ; je ne peux
pas être exhaustive.
Quel regard portez-vous
sur le traitement de la
beauté dans le reste de la
presse féminine ?
Pas très intéressant…
Mes consœurs font un formidable
travail de journalistes,
elles relatent avec
le plus grand sérieux les
nouveautés produits, mais
le système ne leur permet pas de s’affirmer comme des
plumes. L’époque n’est plus à un journalisme littéraire
et les rédactrices sont obligées de se contenter d’aligner
des brèves. Il n’y a plus de place au déploiement de
longs textes, pas plus qu’il n’y a d’espace pour insérer
des visuels développant une esthétique personnelle.
On est dans une logique de pédagogie : l’éternel « un
problème, une solution », et une solution passant par
la recommandation de trois produits. Leurs pages ressemblent
donc à des mélimélos d’infos, brèves, packshots
produits. Visuellement, je trouve tout cela d’une
grande pauvreté. Et cela dans le monde entier.
Longtemps les articles sur les parfums relevèrent de
la pure poésie…
Il y a eu de très beaux textes littéraires qui
remettaient le parfum à sa juste place, à savoir l’érotisation.
Chez Colette, par exemple… Il n’y a plus de place
pour cela en raison de la trop grande profusion de
lancements. Et puis les propositions contemporaines
n’invitent pas forcément non plus à de longs développements
; mondialisation oblige, les fragrances sont
moins intéressantes, moins créatives. On est passé dans
une logique de marketing. Depuis le succès d’Angel de
Thierry Mugler, toutes les Maisons s’évertuent à lancer
des senteurs autour de l’idée de gourmandise – le créneau
« barbe à papa ». Quelle idée à la con ! On en est
aujourd’hui au stade oral de la parfumerie. Le sucre
comme seul vecteur commun…
Pourquoi cet engouement pour ces senteurs gourmandes ?
C’est en partie générationnel. Les jeunes filles
de 15-25 ans ont un rapport assez nouveau au parfum.
Depuis toutes petites, elles évoluent dans un monde
ultraparfumé. Les lessives sont aujourd’hui aromatisées
à la vanille, les gels douche ont des senteurs
de pomme granny, les liquides vaisselle se déclinent
façon bonbons acidulés… Tous les produits d’entretien
se réfèrent désormais au gustatif. L’odorat de ces demoiselles
a donc été terriblement formaté par ces effluves.
Et puis n’oublions pas que nombre de maisons de
parfum appartiennent désormais à des fabricants de
lessive ; ceux de Dolce & Gabbana sont développés par
Procter & Gamble, tout comme Lenor, Ariel ou Gama.
Coty, qui détient les licences Calvin Klein, Chloé ou
Balenciaga, fait partie d’Unilever. D’où ces senteurs
propres et gentillettes. Or, pour moi, le parfum a plutôt
à voir avec la notion de « sale » que de « propre ». Sentir
le sexe, ce n’est pas sentir le savon… Le parfum participe
tout de même d’une érotisation du corps !
Cette notion de fraîcheur est encore plus dominante
dans la parfumerie masculine.
L’idée de fraîcheur puise ses sources dans les
rituels de rasage d’antan, où l’on usait d’after-shave
alcoolisé pour stériliser la peau après le passage de la
lame. D’où cette idée de propreté très ancrée chez les
hommes. Mais ces notes fraîches ne sont qu’une senteur
de départ servant à rassurer les consommateurs ;
les eaux de toilette développent par la suite des senteurs
plus chaudes.
Par le passé, les parfums portaient des noms évocateurs
: L’heure bleue, Fleur de rocaille, Diorella… Les
noms d’aujourd’hui sont plus nunuches…
La vie est belle de Lancôme, mais quelle poilade
! Vraiment, oser dire des trucs pareils ! La petite
robe noire de Guerlain, sémantiquement c’est hyper
descriptif ! Aujourd’hui, tout est très descriptif…
Pourquoi cet abandon des évocations poétiques ?
En étant sévère, je parlerais d’un manque de
culture générale. Et puis la mondialisation a passablement
modifié la donne. Sur le flacon de La petite robe
noire, de Guerlain, il y a le dessin d’une petite robe
noire, pour ceux, nombreux de par le monde, qui ne
comprendraient pas le français. Que Guerlain, qui n’est
pas une maison de couture, n’ait aucune légitimité
dans le domaine de la mode ne semble par contre gêner
personne puisque ce parfum remporte un immense
succès ! Le luxe réside pour moi dans la métaphore, la
suggestion, pas dans la description ! On en est loin…
La campagne publicitaire de La petite robe noire se
passe des traditionnelles égéries, égéries incontournables
depuis dix ans sur tout lancement.
Dans le même genre, il y a aussi ce très joli
tour de force de Chanel qui, sur Coco black, a décidé
de focaliser ses campagnes sur le flacon et rien d’autre.
Chanel a également choisi un homme, Brad Pitt,
pour vanter une fragrance féminine, le N o 5 : l’idée est
géniale ! Bon, le traitement est, lui, complément raté,
très en deçà de ce que la Maison aurait dû s’offrir ! Mais
l’idée de faire parler un homme d’une senteur féminine,
c’était une jolie idée pour ramener le parfum dans son
champ d’érotisation.
La vogue des ambassadrices toucherait-elle donc à
sa fin ?
Ces histoires d’égéries m’ont toujours mise
assez mal à l’aise. Les stars changent de marque assez
régulièrement et il en découle une déperdition totale
de l’identité des Maisons qui les emploient.
Comment vous semble évoluer l’industrie de la
parfumerie ?
Plutôt bien, en fait. Là où je trouve que les
choses changent le plus, c’est au niveau des flacons,
qui sont de plus en plus sophistiqués ; il y a dix ans,
les propositions étaient beaucoup plus ingrates. Certes,
on retrouve souvent les mêmes archétypes. D’un côté,
les flacons symboliques – le désir avec la pomme
(Nina Ricci) –, et de l’autre, les strictes géométries qui
toutes découlent du N o 5 de Chanel. C’est souvent assez
convenu… L’une des propositions les plus intéressantes
dernièrement c’est Daisy, de Marc Jacobs, un parfum
qui rencontre un certain succès. Le flacon ne change
pas, le jus non plus, mais l’habillage autour (des fleurs
sur le bouchon) évolue sans cesse en couleur et en
taille… C’est assez génial comme concept ; le flacon est
toujours reconnaissable – et dans cet univers qu’est la
parfumerie, il faut être identifiable – tout en étant surprenant.
Il y a à mon avis beaucoup de choses à faire
en ce sens.
Depuis le succès d’Angel
de Thierry Mugler, toutes les
Maisons s’évertuent à lancer
des senteurs autour de l’idée
de gourmandise […] On en
est aujourd’hui au stade oral
de la parfumerie […]
À savoir ?
Les logiques de mode devraient davantage être
appliquées à l’univers de la parfumerie. De nombreux
flacons demeurent trop conventionnels… Ce qui me passionna
dans ma collaboration avec Nicolas Ghesquière
fut d’arriver à traduire l’esprit de sa mode dans son parfum.
On a fait quelque chose qui me semble novateur !
Cela joue sur une esthétique un peu laboratoire, avec
ce grand carré reprenant les rayures qui participent de
son langage stylistique, ces grands aplats de couleur,
les motifs floraux vénéneux. L’objet tranche et séduit
énormément, preuve que la parfumerie devrait toujours
aller plus loin…
C’est loin d’être toujours le cas…
Le souci, c’est que les démarches les plus innovantes
n’ont pas toujours le temps de s’imposer. Comme
on assiste toujours à plus de deux cents lancements
par an, avec un réseau de distribution incapable d’absorber
toutes ces références, beaucoup de nouveautés
apparaissent pour très vite disparaître. On ne laisse pas
toujours aux produits de qualité, aux choses les plus
innovantes, aux propositions un peu décalées, le temps
de trouver leur public ; les gros lancements marketing
écrasent tout sur leur passage. Notez, ce n’est pas pour
autant que je trouve que la parfumerie de niche soit à
se taper le cul par terre !
La parfumerie de niche – ces parfums créatifs développés
par des marques indépendantes dans une quête de
qualité – ne vous intéresse pas ?
C’est devenu un segment marketing comme
un autre, et je trouve que beaucoup de ces Maisons
proposent des choses assez moches, tant au niveau du
contenant que du contenu. Je sais que ce que je dis là
n’est pas sympa pour toutes ces jeunes marques qui
essayent de faire des choses mais, sincèrement, le seul
chez qui il n’y ait rien à jeter c’est Frédéric Malle. Tout
est intéressant chez lui ! Serge Lutens fait évidemment
un travail formidable, mais je trouve les champs olfactifs
de Frédéric Malle plus amples et plus singuliers.
Tom Ford propose également des choses merveilleuses,
que ce soit pour le make-up ou le parfum. Il y a des
trucs bien chez Francis Kurkdjian…
Quels types de fragrances vous séduisent à titre
personnel ?
J’aime les chyprées, le parfum des sous-bois
obscurs, les senteurs mystérieuses. Je milite pour le
retour des parfums d’alcôve. L’érotisme se cantonne
dans la parfumerie d’aujourd’hui à des visuels publicitaires
avec des filles lascives dans des décors opulents,
mais côté jus, c’est gentillet. Sentez donc Musc ravageur
de Frédéric Malle, vous verrez ce qu’est une vraie puissance
olfactive !
Propos recueillis par
Cédric Saint André Perrin
Page précédente : Numéro, peinture Laurence Hovart, photographe Éric Maillet.
À gauche : portrait Laurence Hovart, © DR.
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IMAGES
World Express
Le voyage, l’exotisme, le mouvement… c’est l’univers de marque qui est décliné
par Louis Vuitton au fil de ses visuels publicitaires. Mais le malletier
n’en exploite pas toujours toute l’étendue et n’en restitue au final que l’idée
abstraite ou imaginaire.
Les filles font mine de regarder à travers la vitre, mais
les fenêtres du train ne donnent sur rien, juste l’abstraction
d’une lumière immaculée. On peut avoir le loisir
d’observer ce genre de détail : la campagne presse
Vuitton pour cet hiver se déploie dans les magazines
en doubles pages fastueuses.
C’est une véritable locomotive, symbole dans
l’Histoire de l’expansion capitaliste, qui s’était spectaculairement
garée dans la cour carrée du Louvre lors du
défilé parisien. Steven Meisel la reprend ici en images
et en prolonge la démesure : parmi les grooms, on
compte au moins quinze passagères richement apprêtées
qui patientent, imperturbables, les sacs universellement
convoités sur les genoux. Sur leur tête, un
immense chapeau s’offre comme l’hybride excentrique
du feutre et du haut-de-forme masculins : chapeau éminemment
phallique qui signale qu’à n’en pas douter
c’est un homme – amant, mari parvenu
ou maquereau opulent – que ce harem
sophistiqué s’en va rejoindre vers des
horizons meilleurs.
cette convention en mode, l’attroupement spectaculaire
et momentané d’un groupe de filles venues de partout
et donc de nulle part. Dès lors, peu importe qu’elles
fassent escale au Louvre, au Ritz, ou dans un palace
à Shanghai – les vitres du train ne donnent sur rien,
aucun paysage en particulier – puisqu’au fond seule
l’abstraction mouvante de l’hyperterritoire économique
compte. Le détail d’un col, une référence aux années
folles sont une aimable nostalgie ; de la même manière,
ce wagon n’est que la version « romantique » de la limousine
d’Eric Packer, le petit prince de la finance et héros
du film Cosmopolis de David Cronenberg : une superbe
caisse d’isolation dans laquelle on circule librement, à
l’abri des furies et des misères du monde.
Céline Mallet
Campagne Louis Vuitton, automne-hiver 2012.
Et voilà, il n’y aura rien à découvrir
de plus de ce voyage sinon qu’il
exprime le désir de conquête, dont les
filles sont ici le support et le vecteur.
Une remarque toutefois : ce train surgi
du xix e siècle, vaisseau d’un autre temps,
s’avère être un écrin assez juste pour
[…] peu importe qu’elles fassent escale
au Louvre, au Ritz, ou dans un palace à
Shanghai – les vitres du train ne donnent
sur rien, aucun paysage en particulier
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Biographie
William Klein
Ne participant d’aucune école, agence ou groupe, William Klein,
« le témoin de hasard », a sauté de la peinture à la photographie, du cinéma
à la publicité, du graphisme à l’édition, comme pour mieux effacer les barrières
dressées entre les arts visuels.
1928 Naissance à Brooklyn, au coin de la 109 e Rue
et de la 5 e Avenue, d’une famille d’origine hongroise.
Enfant juif isolé dans un quartier irlandais pauvre,
William observe son loser de père chanter les louanges
de l’American dream – malgré la faillite de sa petite
affaire de vêtements –, et son grand-oncle, un des fondateurs
de la Twentieth Century Fox, tirer sur son gros
cigare. « L’image du cinéma que j’avais étant gosse,
c’était ces gros types à gros cigare. Je ne savais pas qui
faisait les films et j’avais peur que ce soit eux. »
« Je me rappelle la facilité
incroyable de faire des photos.
On ne se heurtait pas en
permanence à la méfiance
actuelle : “Vous m’avez pris ?
sans rien me demander ?
sortez-moi cette pellicule… »
1938 Enfant précoce, Klein saute les classes de sa
première école de quartier et atterrit dans un lycée de
pointe, atypique, où les deux seuls sports pratiqués sont
les échecs et les joutes oratoires. « Un seul sujet : “Staline
ou Trotski ?”, ça m’ennuyait à mourir. Notre joute oratoire
à nous, c’était de savoir si Gauguin avait eu raison
de quitter sa famille pour partir peindre à Tahiti. »
Directeur artistique du journal du lycée, Klein dessine
des caricatures, interviewe et met en page, quand il ne
part pas traîner sur la 42 e Rue pour se faufiler dans les
loges des boîtes de strip-tease. À la cinémathèque du
MoMA, il dévore les films de Von Stroheim, Fritz Lang
et Charlot, son cinéaste préféré : « Les Temps modernes
sont un modèle pour moi. Au début de sa carrière,
Charlot est un personnage très méchant. Puis un exclu
révolté. À la fin, il développe une véritable rage contre
l’Amérique. » Déjà la rage et la caricature, deux éléments
au cœur de la vision cinématographique de l’adolescent…
1944 Le rêve du jeune Américain tout frais sorti du campus,
c’est de traverser le pays au volant d’une bagnole
d’occasion, en guise d’initiation avant de se mettre
au boulot – poncif qu’a exploité Robert Franck dans
son livre Les Américains (1958). C’est aussi le rêve de
William, mais au lieu de le mettre à exécution, il doit
lâcher ses études de sociologie et partir libérer l’Europe
du joug allemand. À la fin de la guerre, pour le remercier
de ses bons et loyaux services, il reçoit de l’État
une bourse d’étude à la Sorbonne afin d’y étudier l’art
et l’existentialisme. « Mon rêve de gosse était d’aller à
Paris et de faire l’artiste, ça y était ! » Plutôt attiré par les
expressionnistes ou Picasso, il atterrit néanmoins chez
Lhote, « un professeur de la vieille école, aride et pompeux
», puis chez Fernand Léger, « un type impressionnant,
anti coup de pinceau », qui lui apprend comment
renier les galeries et les collectionneurs au profit de l’art
de rue. « J’ai toujours fait le contraire de ce que j’étais
préparé à faire. » C’est ainsi, en peignant des panneaux
muraux dans les rues de Paris, qu’il célèbre l’art géométrique,
la peinture hard edge. « Par opposition aux
action-painters de New York, nous nous interdisions
le coup de pinceau romantique et sentimental… Le
mot d’ordre était devenu : deux dimensions, tout dans
la tête, le minimum sur la toile. » En faisant bouger
en chambre noire divers triangles, cercles, carrés sur
le papier photo, il tombe un jour sur une idée photographique
; une manière photographique d’enregistrer
des mouvements libérés, dans la tradition qu’avait instituée
Moholy-Nagy au Bauhaus. « En faisant pivoter
ces panneaux sur eux-mêmes et en les photographiant
avec des expositions longues, j’ai obtenu des formes en
mouvement. Je me suis dit qu’en photographiant
le “tracé” des formes géométriques,
on pourrait se libérer de l’ABC
de la peinture abstraite de l’époque.
Cette forme floue était une révélation.
J’y voyais une nouvelle façon de parler
de la vie. » Il expose alors à Bruxelles, à
Milan, et part en Hollande faire une enquête sur les
façades de maisons de l’île de Walcheren, où séjourna
Mondrian. « En même temps, j’ai essayé de voir ce que
je pouvais faire avec un appareil dans la rue… Si j’étais
contre l’action-painting, j’étais pour une sorte d’actionphotography,
j’avais besoin de bouger, de me dépenser.
» Ses négatifs inversés de fermes goudronnées en
noir aux portes et aux contours de fenêtres peintes en
blanc se retrouvent en couverture de la revue Domus.
« En constatant ce que je pouvais faire avec un appareil,
j’étais dans un état second. Ça me sidérait de voir combien
de fois par jour je pouvais sentir que c’était ça. »
1955 Tombé sur une exposition de ses peintures
abstraites, Alex Liberman, le directeur artistique de
Vogue US, le contacte bientôt et lui commande un reportage
sur New York. « Quand je suis revenu à New York
après huit ans d’absence, j’ai eu envie de tenir le journal
photographique de ce retour. Moi qui étais encore
un gosse quand je suis parti, je revenais à 26 ans avec
une femme française, un paquet de nouvelles habitudes
et références, le début d’une carrière de peintre…
Je n’avais ni formation, ni complexe. Par nécessité et
par choix, j’ai décidé de me servir de tout ce qui arrivait.
Pas de tabou : grain, contraste, bougés, accidents, décadrages,
comme ça venait. Ma démarche était pseudoethnographique,
parodique, dada. Je cherchais le document
brut, sans effet, le snapshot. Le degré zéro de la
photographie. » Un moyen radical de lutter contre la
photographie littérale et narrative qui dominait alors.
« Mon idée c’était une sorte de tabloïd déchaîné, mal
dégrossi, sur-encré, mise en page brutale, gros titres
rentre-dedans. C’est ça que New York méritait, c’est ça
qu’elle aurait. » Avec son Leica d’occasion collé à l’œil, il
se place au beau milieu de la foule, trop présent pour
être gênant, cherchant le mouvement pour s’étonner de
la ville. Le résultat : un mariage photographié comme
une rafle, une manif comme un portrait de famille, des
simulacres de violence et des têtes tranchées sur les
bords du cadre. Sa devise : « tout est permis ». « Je me rappelle
la facilité incroyable de faire des photos. On ne
se heurtait pas en permanence à la méfiance actuelle :
“Vous m’avez pris ? sans rien me demander ? sortez-moi
cette pellicule…” Tout était d’une telle évidence, tout le
monde si disponible. Ça a déterminé ma façon de travailler.
» Le livre allait s’appeler Life is Good and Good
for you in New York: Trance Witness Revels, moitié jargon
de pub, moitié gros titre de canard. « Une blague
évidemment, c’était exactement le contraire à mes yeux.
Un repaire miteux, corrompu, inconfortable, le cœur
même de toute l’angoisse du monde. » Les éditeurs américains
n’ont pas voulu de son bouquin – réalisant trop
tard qu’il avait inauguré un genre, le journal photographique.
« Berk… crachaient-ils, quelle merde, ce n’est
pas New York, ça, c’est trop noir, ça n’est qu’une face des
choses, la zone ! » Vogue non plus n’a jamais formulé le
souhait de publier ce reportage. À Paris, les éditions du
Seuil le recueillent en déshérité…
« je n’avais pas vraiment
de respect pour la bonne
technique parce que je ne savais
pas réellement ce que c’était. »
1958 Liberman lui offre une seconde chance en lui
demandant de couvrir quelques soirées mondaines
– qui ne seront jamais publiées non plus. Hélas, « Vogue
ne faisait pas que du mécénat et j’ai dû essayer de
faire des photos de mode. Après la photo pauvre, anti
techni que, je me frottais à la photo riche et à toutes les
techniques disponibles : les grands télés, les flashes, la
couleur, les décors fabriqués, et surtout les espèces de
mises en scène. Je n’avais pas vraiment de respect pour
la bonne technique parce que je ne savais pas réellement
ce que c’était. » En studio, muni de son Rolleiflex,
il ignore tout des codes de bienséance de l’époque et
se fout pas mal de la façon dont on fait une photo
de mode. Sur une photo, le porte-cigarette fait défaut
– la mannequin tire sur son mégot comme un marin –,
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sur une autre, elle ne porte pas de gants…
scandale ! Les photos ne passeront pas
dans l’édition américaine. Pourtant, si
la tendance est encore aux compositions
léchées, les rédacteurs en chef raffolent
de ce nouveau frisson du mannequin
surpris dans la réalité quotidienne. À
Rome, muni de son téléobjectif dernier cri, il lâche les
filles en plein trafic, comme pour mieux se moquer
des poses « parodie de ballet » qu’on leur demandait de
prendre… L’expérience dégénère quand les passants
viennent molester ses mannequins, les prenant pour
des prostituées 1 . À Paris, il les emmène sur les toits
des immeubles et décide d’intégrer la foule attroupée
autour de l’opéra… 2 « J’ai toujours été étonné de me voir
faire des photos de mode. Je n’y connais rien et le milieu
me pompe l’air. Mes photos étaient surtout un commentaire
sur les photos de mode de cette époque. »
1964 Après avoir filmé les feux et lumières de Brooklyn,
où des panneaux publicitaires s’impriment sur la rétine
de la nuit (« le premier film pop des années 1950 »),
après avoir dépeint Rome, Moscou et Tokyo dans des
livres éponymes et travaillé pour la télévision française
(ses interviews de la classe politique dans Cinq
colonnes à la Une font ressortir un tel mépris pour
les élus qu’il est viré sur le champ), il décide de passer
voir ce qu’il se passe dans le cinéma. Consultant de
Louis Malle sur Zazie dans le Métro (1960), il devient
l’assistant de Fellini, sur un simple coup de fil. Puis il
encense Mohammed Ali dans trois moyens métrages.
Ces quelques essais lui donnent envie de faire un film,
un cocktail de styles (cinéma-vérité, muet, roman-photo,
presse à sensation) inspiré de ses expériences à la télévision
française et à Vogue, mais aussi par la nouvelle
vague française et les films de Chris Marker. Sujet : la
globalisation du bullshit. Who Are You, Polly Maggoo?,
avec Dorothy McGowan en héroïne, dresse une satire
de l’industrie de la mode, déclenchant au passage
les foudres de Diana Vreeland, rédactrice en chef du
Vogue US qui, dit-on, n’a pas apprécié sa ressemblance
avec Miss Maxwell… « Klein s’attaque, en une unique
démarche de dénonciation, à cette espèce de civilisation
du reflet qu’ont créée les mythes modernes et à la
vanité de cette auto-auscultation dont elle ne retire que
de pseudo-vérités. Le reflet et la bêtise constituent la
double et fondamentale thématique de Polly Maggoo. » 3
Les mannequins sont vêtues de feuilles d’aluminium
boulonnées sur leur corps nu, un matériau non périssable
et assez absurde pour ne pas subir les humeurs
changeantes de la mode, d’après Klein… La même
année, Paco Rabanne et Quasar se mettent à marteler
le métal, tandis que les grands magasins affichent de
l’argent et de l’or dans leurs vitrines… Rien ne serait
donc trop absurde pour la mode.
« Je ne connais rien aux photos
de mode et le milieu me pompe
l’air. Mes photos étaient surtout
un commentaire sur les photos
de mode de cette époque. »
1967 Klein reprend son vieux cheval de bataille, sa
rage contre l’Amérique. En porte-à-faux avec les idéaux
de la Déclaration d’indépendance, l’Amérique déployait
au Vietnam une guerre totale. La plupart des Français
croyaient encore à l’idéal du bonheur américain…
Mr. Freedom (1969) tire à bout portant sur l’oppresseur
américain, il crée le désordre pour mieux fixer l’inéluctable
chaos de cette époque. Dans un style pamphlet BD,
une surabondance d’objets, de gadgets, un déferlement
de bruit et de couleurs explosent dans tous les sens,
pour s’accomplir en performance pop. Pour les cinéastes
de la nouvelle vague, c’est du ketchup cinéma. Pour
Klein, c’est une forme d’engagement politique (presque
toutes les paroles de Mr. Freedom sont des citations de
discours de Johnson, Nixon, Kennedy, Westmoreland).
Afin de boucler le montage de Mr. Freedom, Klein filme
la manif du défilé du 1 er mai 68. Quelques jours plus
tard, les manifestations étudiantes éclatent, sa caméra
continue de tourner… Il filme les réunions, les assemblées
générales, les manifs du Quartier Latin ; un
document rare tourné en 35 mm couleur qui ne verra
pourtant le jour que dix ans plus tard. « Grands soirs et
petits matins, c’est surtout un film sur la parole. Dans
la rue, partout des tables rondes improvisées. On analyse,
on se confesse. La parole de ceux qui, d’habitude,
se taisent, qu’on n’écoute pas, qui sont exclus du débat,
se juxtapose au discours du pouvoir et des amphis. Je
me suis détourné du cinéma classique pour mettre ma
caméra au service de ceux qui n’avaient pas la parole. » 4
1976 Invité par le gouvernement algérien à coordonner
avec d’autres cinéastes un film sur le premier festival
de culture panafricaine, il se trouve encore au bon
endroit, au bon moment de l’Histoire, et crée la controverse
avec son film sur les Black Panthers. Quelques
années plus tard, son film Le Couple témoin – initialement
petit épisode d’une grande fresque sur l’aménagement
du territoire, aujourd’hui film précurseur de la
télé-réalité – détruit les rêves des années 1970, vouées
au nombrilisme et à la croissance démesurée des villes
nouvelles. Puis, après s’être préoccupé davantage de
cinéma et de politique, il reprend son Leica, mais seulement
quand il en a envie. Et planche sur un nouvel
« objet visuel » – Close Up, Torino’90, Paris+Klein –, lui qui
s’est essentiellement exprimé par le livre. Ses images en
doubles pages, format plus proche de l’écran de cinéma
que de la page du livre classique avec ses marges
blanches qui encadrent l’image, alternent avec des
vignettes disposées de manière répétitive et chaotique,
sur le principe du jump cut ou des comics, produisant
à mesure un scénario graphique. Une mise en page
volontairement brute qui
évolue vers une simplification
encore plus grande
à partir des années 1980 :
« Mes photographies devenaient
de plus en plus
des maquettes pour un
film. » Parce qu’il n’admet
pas que l’un de ses livres
ait été imprimé dans des
conditions médiocres, le
photographe du contre
dénonce Aperture, l’éditeur
le plus réputé du
monde photo – « J’ai toujours
tenu à faire la mise
en page, la couverture, la
typo de mes bouquins.
Pour les films, je fais le générique, les décors, l’affiche.
Peut-être que ce n’est pas indispensable, mais je n’aime
pas laisser ça aux autres. C’est un tout. » L’éditeur l’attaque
en diffamation pour deux millions de dollars.
Une dent de plus contre l’Amérique.
1983 Pour Klein, l’image photographique n’est
jamais qu’un matériau de départ à retravailler pour
mettre au point de nouvelles formes (recadrage, correction,
retouche, collage, agencement, mise en page
deviennent les phases essentielles du processus créatif).
Parmi celles-ci : l’exposition. Pour sa première exposition
au Centre Pompidou, Klein s’abstient d’accrocher
au mur des tirages signés et sagement encadrés, tels
que les aiment le marché et les musées. Dans sa quête
incessante d’un décloisonnement des disciplines, il
convoque, comme dans ses photographies ou dans
ses livres, d’autres pratiques artistiques telles que
la peinture, la mise en scène, le grand écran, le jonglage
numérique, l’open flash, le photomontage, les
photogrammes…
2005 Vingt ans après
la première exposition parisienne, une seconde
exposition explore la diversité des supports utilisés par
le monteur d’images, de l’écran au mur, du livre au
magazine. « Je dois écrire la préface n o 3 pour ce livre :
qu’était la photographie pour moi et où j’en suis ? Il
y avait un temps où la question de la photographie
était simple. Au début, elle ouvrait un monde, libérait
le peintre du devoir de représentation, elle montrait,
elle témoignait, était d’utilité publique, ne mentait pas,
valait des milliers et des milliers de mots. Le photographe
documentait, portraiturait, démolissait, glorifiait,
mais surtout ne faisait pas de l’art. Rien de plus
nul – depuis toujours – que la photographie d’art. Mais,
au secours ! la photographie d’art revient et est plus ou
moins à la mode. Grâce, en partie, à une autre mode :
la « Photographie Contemporaine », appellation mal
contrôlée. » 5
Marlène Van de Casteele
1. William Klein, Rome + Klein (1956), Thames & Hudson, 2009.
2. William Klein, Rome + Klein, Marval, 2002.
3. Christian Zimmer, Les Temps modernes, 1967.
4. William Klein Films, Rome + Klein, Marval, 1998.
5. William Klein, Exposition Paris Centre Pompidou 2005-2006, Marval, 2005.
Double page précédente :
Club Allegro Fortissimo, William Klein, Paris, 1990. © William Klein.
Image extraite du film Qui êtes-vous Polly Maggoo ? réalisé par William
Klein en 1966.
Page de gauche et ci-dessus :
Livre Moscow/Mockba, William Klein, 1964, Crown Publishers.
Portrait de William Klein. © DR.
Affiche du film Qui êtes-vous Polly Maggoo ?, réalisé par William Klein en
1966. © William Klein.
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LEXIQUE
camouflage
Par nécessité ou par style, la mode est allée se servir dans les vêtements
militaires pour en faire l’un des éléments d’une silhouette.
1. Selon Charles Darwin, le camouflage, du mot « camoufler
», ou déguiser, est une technique dont les animaux
ont fait usage et qui s’est répandue avec la sélection
naturelle, dont il a fait une théorie. Grâce au camouflage,
les animaux peuvent se cacher et survivre dans
des environnements hostiles.
2. L’idée d’adapter le camouflage aux vêtements militaires
est apparue au xix e siècle avec les progrès dans
la portée et la précision des armes à feu. Quand le tout
nouveau fusil est venu remplacer le mousquet, souvent
imprécis, la survie sur le champ de bataille dépendait
de la capacité à se dissimuler et l’ancienne tenue de
combat, souvent tape-à-l’œil, devenait rapidement inadéquate…
et dangereuse.
La mode des vêtements militaires
et des motifs de camouflage s’est
accrue avec les mouvements
antiguerre aux États-Unis dans
les années 60 […]
3. Ici, en France, la première formation militaire en
tenue de camouflage fut créée en 1915 à la suite d’une
défaite cuisante face à l’armée allemande. L’armée s’est
rapidement rendu compte que les pantalons rouges et
les gants blancs immaculés donnaient à l’ennemi un
avantage indéniable et qu’une apparence plus discrète
était de rigueur. Des « camoufleurs » furent recrutés,
artistes et designers, qui peignaient à la main des uniformes
et créaient des artifices tels que faux ponts, faux
tanks ou carcasses de chevaux en papier mâché derrière
lesquels des snipers allaient pouvoir se cacher.
4. L’utilisation du camouflage par l’armée redoubla
avec la Première Guerre mondiale, et des artistes tels
que le cubiste André Mare ont contribué à développer
la pratique en adaptant les techniques cubistes pour un
résultat du meilleur effet. Soldat dans l’armée française,
Mare comprenait qu’il était nécessaire de tromper l’œil
des premières lignes adverses. Il a camouflé l’artillerie
des armées françaises, italiennes et anglaises avec son
ami Fernand Léger et a eu recours au principe de coloration
disruptive pour cacher, entre autres, les tanks, les
points d’observation ou les canons de fusils. Après la
guerre, il publia Cubisme et Camouflage, 1914-1918, qui
traite de ce travail.
5. La mode du camouflage dans le vêtement civil
avait déjà cours pendant la Première Guerre mondiale.
Les couturiers parisiens ont vu des tanks militaires
camouflés et, très vite, ont emprunté leur motif
abstrait. En 1919, le Chelsea Arts Club de Londres tenait
son fameux Dazzle Ball, qui stipulait que les invités
devaient s’habiller en camouflage disruptif noir et
blanc. Le peintre de marine anglais Norman Wilkinson
avait créé ce concept pour peindre les navires militaires
de la Première Guerre mondiale.
6. Au cours de la Seconde Guerre mondiale, le camouflage
a prospéré et beaucoup de recherches sophistiquées
furent menées. Le zoologue anglais Hugh B. Cott
devint l’un des meilleurs experts en la matière. Il compara
le camouflage militaire à la coloration protectrice
des animaux dans la nature ; son essai de 1940, Adaptive
Coloration in Animals, est l’un des rares sinon le seul
traité de zoologie susceptible d’être trouvé dans le kit
du soldat.
7. La mode des vêtements militaires et des motifs de
camouflage s’est accrue avec les mouvements antiguerre
aux États-Unis dans les années 60. Des groupes
tels que les Vietnam Veterans Against the War reprenaient
les motifs de bandes bien connus, lézard ou
tigre, taches horizontales superposées vertes et brunes,
pour montrer leur mépris de la violence et de la guerre.
Ces motifs étaient envisagés comme symboles de protestation
politique.
8. En 1943, Vogue fit une première fois allusion au
camouflage, mais seulement pour expliquer en quoi
consistaient ces motifs encore relativement neufs. Près
de trois décennies plus tard, en 1971, ce magazine traitait
à nouveau du sujet, qualifiant le graphisme de « fonctionnel,
pratique et attirant », et publiait un collage
de mode avec des images de jeunes femmes urbaines
vêtues de ces motifs.
9. Andy Warhol est reconnu pour avoir rendu le motif
populaire. Sa série Camouflage, en couleurs vives,
synthétiques et non organiques des années 80, joue
avec l’idée que le motif est abstrait en même temps
qu’immédiatement reconnaissable et ouvert aux associations.
Les campagnes militaires américaines à
Grenade et au Liban ont nourri l’engouement pour tout
ce qui touche au camouflage dans la pop culture et,
en 1987‐88, Warhol collabora avec le designer de mode
Stephen Sprouse, dont les tissus imprimés de camouflage
faisaient leur apparition sur les podiums.
10. Alors qu’aujourd’hui les motifs de camouflage se
sont répandus tant sur les trottoirs que les podiums
du monde entier, les militaires continuent de chercher
des manières de tromper l’ennemi au moyen de figures
imprimées. La Canadian HyperStealth Biotechnology
Corp., un des experts mondiaux dans la science de la
dissimulation, développe actuellement un matériau
qui, au moyen d’une association de fibres électromagnétiques,
pourra changer de couleur, de forme et de
brillance en fonction de l’environnement dans lequel
on le place. Un autre projet de cette société, Quantum
Stealth, vise à créer un vêtement qui réduira tout le
spectre lumineux autour de celui qui le porte – plus
camouflage on ne peut !
Anja Aronowsky Cronberg
traduit de l’anglais par
Thibaut Mosneron Dupin
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OFF RECORD
Maisons
de ventes
Opérateurs discrets, les maisons de ventes sont aussi un poste d’observation
privilégié de l’évolution du marché et des objets qu’une société considère
comme précieux : art moderne, contemporain, mais aussi design ou BD…
Tour d’horizon, à visage couvert.
Quand on évoque les maisons de ventes, on pense à
l’art moderne ou contemporain, mais aussi au lifestyle,
qui a pris une place importante : des voitures au
vin, en passant par la mode…
Ces ventes lifestyle sont davantage un
phénomène médiatique qu’un enjeu économique.
Aujourd’hui, ce qui fait la valeur du marché de l’art
dans les ventes publiques, c’est avant tout l’art moderne
et contemporain, et les tableaux impressionnistes en
particulier. Essentiellement, car on n’a pas trouvé de
biens qui concentrent autant de valeur dans une surface
aussi réduite. À titre d’exception, Sotheby’s a bien
réalisé sa première vente de bandes dessinées, mais ça
a été un échec.
Pourtant on assiste à une médiatisation de ces ventes
lifestyle…
C’est plutôt le fait des maisons « challenger »,
comme Phillips à New York ou Artcurial à Paris, pour
qui c’est une manière de se différencier. Le nœud du
problème est que la marchandise est rare et l’offre très
tendue, donc il existe la tentation de créer de nouveaux
marchés. Phillips a ainsi initié le marché du design à
Londres et New York, Artcurial a lancé la bande dessinée
ou Hermès vintage, ce qui permet aussi à ces maisons
de s’inventer de nouveaux domaines d’expertise,
moins embouteillés.
Ça donne lieu à une importante couverture presse ?
Trop importante par rapport à la valeur
de ce que ça représente en réalité, mais c’est le but…
Maintenant, si on regarde ce que valent les BD par rapport
à l’art contemporain ou ancien, on constate une
certaine inflation, qui est le reflet de l’appauvrissement
du niveau culturel des journalistes appelés à traiter de
ces sujets. Il y a vingt ans, les journalistes qui suivaient
le marché de l’art étaient très au courant, aussi
bien en art classique que contemporain ; aujourd’hui,
c’est Relaxnews, une petite agence qui cherche le truc
insolite, qui finit par être toujours la même chose : des
bijoux, des voitures, des sacs Hermès ou Gucci, et des
bandes dessinées.
Le design a pris une place plus importante ces dernières
années.
Oui, ne serait-ce qu’en termes de valeur, mais
aussi d’acteur, puisque certaines maisons ne font
que ça, comme Wright à Chicago ou Quittenbaum à
Munich. Aujourd’hui, un meuble de Jean Prouvé ou
une bibliothèque de Charlotte Perriand fait le prix
d’un petit tableau impressionniste, aux alentours de
300 000 euros. La France a la chance d’être le berceau de
ces grandes valeurs, que ce soit Le Corbusier, Perriand
ou Prouvé, ce qui fait que des maisons françaises ont
investi ce créneau. L’émergence des champs art de vivre
comme le design accompagne aussi l’appauvrissement
du niveau des gens en capacité d’acheter ce genre de
biens-là. Il y a cinquante ans, ils achetaient des beaux
tableaux modernes, du mobilier xviii e . Aujourd’hui, c’est
de la bande dessinée, du street art…
À côté de la médiatisation des records pour une peinture,
les maisons organisent maintenant des expositions,
et les ventes sont présentées comme des événements,
des attractions, presque des spectacles, comme
récemment la collection Pierre Bergé.
Ce qu’il faut comprendre, c’est que la façon de
présenter les choses joue énormément sur la valeur
que le commissaire-priseur va pouvoir en obtenir. Pour
vendre le même objet, un sous-sol à Drouot n’équivaut
pas à une belle salle des ventes à Londres ou New York.
La scénarisation participe de la fascination qu’exercent
les œuvres sur les acheteurs. L’autre point est que c’est
un marché où l’offre est très tendue, et le principal travail
des maisons consiste à attirer à eux des vendeurs.
En montrant qu’elles font de beaux catalogues – avec
de beaux textes et de belles illustrations, puis de belles
scénographies et de beaux événements –, elles sont plus
aptes à convaincre des vendeurs que c’est avec elles
qu’il faut traiter. C’est donc un jeu à double détente :
ça compte pour 10 % à 20 % de la valeur des œuvres et
ça appâte d’éventuels vendeurs qui reconnaissent le
sérieux du travail effectué.
Les salles de ventes sont peuplées de beaucoup plus de
gens que les seuls acheteurs. C’est aussi un spectacle,
un frisson ?
Aux expositions vient un peu tout le monde,
certains d’ailleurs pour y faire leur éducation. Pour
beaucoup de gens, le seul contact avec l’art et son histoire
est formé par la fréquentation des maisons de
ventes aux enchères : c’est gratuit, c’est ouvert, souvent
on donne les catalogues… et on n’y apprend pas forcément
les mêmes choses que dans les manuels. Le marché
de l’art a des valeurs que l’académie n’a pas encore
retenues ; c’est le cas de peintres comme Bernard Buffet,
Mathieu ou Vasarely, qui sont encore tenus dans une
espèce de marge alors que leur cote commence à devenir
importante sur le marché de l’art.
C’est aussi un petit monde clos…
Il faut reconnaître que, depuis une dizaine
d’années, le marché de l’art est devenu une pratique
sociale et les salles de ventes sont autant de salons où
on se voit et on échange. C’est aussi un spectacle.
Quelles sont les forces en présence sur l’échiquier
mondial et en France ?
Il y a un duopole créé par Sotheby’s et Christie’s.
La première est américaine et cotée à la Bourse de
New York, la seconde est britannique, bien que possédée
par un Français, François Pinault. Ces deux maisons
sont leaders dans tous les pays où elles sont présentes,
à deux exceptions près : la Chine continentale,
qui leur est interdite (elles se sont donc installées à
Hong Kong), et la France, où un challenger, Artcurial,
réalise presque les mêmes performances.
Quelle part représente l’activité de Sotheby’s et
Christie’s dans les enchères mondiales ?
C’est difficile à dire, on oscillerait entre les
deux tiers et trois quarts du marché global, mais les
maisons chinoises ont pris un tel essor ces dernières
années… Il existe bien des chiffres, mais ils peuvent
être sujets à une certaine opacité. Le marché chinois
n’est pas contrôlé, comme c’est le cas en France ou aux
États-Unis, et les chiffres annoncés par les maisons
chinoises sont invérifiables. Il faut ajouter que l’habitude
des Chinois pour les enchères s’apparente davantage
à une pratique de jeu, beaucoup de gens enchérissent
et ne paient jamais ; comme ce fut le cas pour
une pièce de la vente Bergé.
Aujourd’hui, la collection,
comme le marché de l’art
en général d’ailleurs, est
devenue une pratique sociale
qui donne une épaisseur à des
gens dont la fortune pourrait
être le seul argument […]
Quel est l’intérêt d’être implanté dans de nombreux
pays si l’essentiel des ventes a lieu à New York ou
Londres ?
La logique de Sotheby’s et Christie’s est d’irriguer
les marchés de Londres et New York des œuvres
les plus recherchées, et les filiales qu’elles ont dans
d’autres villes ne sont que des pompes aspirantes pour
ces deux marchés principaux.
Malgré des dispositions fiscales moins avantageuses,
Paris semble toujours rester une place sur l’échiquier
pourtant très international des enchères. À quoi est-ce dû ?
Au sortir de la guerre, Paris était la première
place mondiale du marché de l’art, donc elle fait encore
résistance. Ensuite, la France reste le grenier de ce qui
vaut cher aujourd’hui ; les tableaux impressionnistes,
on ne les trouve pas en Italie ou en Espagne, mais
dans les collections françaises. Ce qui n’est plus vrai
pour le contemporain, puisqu’on a vu l’émergence de
nouvelles valeurs, anglo-saxonnes notamment. Bon,
Picasso est encore plus cher que Jeff Koons, donc la
hiérarchie reste du côté de la vieille Europe ; et il reste
encore beaucoup de Picasso, Matisse, Monet, Renoir…
N’oublions pas que leur production a été prolifique ! […]
Paris résiste aussi, car il y a un système hérité du monopole
qui s’appelle Drouot [depuis l’an 2000, les commissaires-priseurs
n’ont plus le monopole de l’organisation
de ventes aux enchères et le métier est ouvert à tous,
ndlr]. Et donc Drouot génère chaque année près de
500 millions d’euros de transactions – à titre de comparaison,
Christie’s, Sotheby’s ou Artcurial font de l’ordre
de 140 millions d’euros en France.
Quel rôle a joué Internet dans le monde des ventes ?
Avec Internet et la fameuse « mondialisation »,
tout le monde est au courant de ce qui se vend partout.
S’il y a dix ans, la place de marché était quelque chose
de déterminant, si on habitait à Bordeaux et qu’on possédait
un Picasso, il valait mieux ne pas le confier à un
commissaire-priseur bordelais ; aujourd’hui, on vendra
le Picasso à Bordeaux au même prix qu’il aurait atteint
à Paris ou New York. D’ailleurs, l’enchère la plus élevée
l’année dernière a été faite à Toulouse pour une
pièce en jade, à 14 millions d’euros. Personne ne s’était
déplacé, mais le commissaire-priseur avait tout le
monde en ligne. Pour peu que la maison et l’expertise
soient sérieuses, la place de marché n’influe plus sur
la valeur définitive du bien. C’est un phénomène nouveau
que les Anglo-Saxons ont du mal à intégrer.
Ça signifie que les gens ne se déplacent plus ?
Au contraire, les gens se déplacent beaucoup
plus ! Le voyage Londres-Paris est devenu une formalité,
ils ont des conseillers et la collection n’est plus une
pratique solitaire ; aujourd’hui, les gens sont entourés
d’art advisors, qui sont au courant de tout ce qui se
passe dans les maisons et les galeries, et sont connectés
avec le monde entier. Et Internet a changé la donne : si
on habite au Texas et qu’on collectionne la porcelaine de
Meissen, on peut consulter en ligne tous les catalogues
des commissaires-priseurs qui en mettent en vente.
Quel effet cela a-t-il eu sur le marché ?
Ça a internationalisé la clientèle acheteuse
des maisons locales – à partir du moment où elles proposent
de la marchandise susceptible d’intéresser des
acheteurs et qu’elles font un minimum de travail de
marketing et de communication. Mais avec trois publicités
sur un site Internet, on peut considérer que tout
le monde est au courant.
Le fait qu’une fondation parisienne, La Maison Rouge,
mette en avant des collections particulières a-t-il
incité d’autres collectionneurs à montrer leurs possessions
ou bien ont-ils toujours peur du fisc ?
Il y a eu le précédent de l’exposition « Passions
Privées » au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris,
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il y a une dizaine d’années, où certains collectionneurs
privés avaient eu un contrôle fiscal peu de temps après.
Aujourd’hui, la collection, comme le marché de l’art en
général d’ailleurs, est devenue une pratique sociale, et
offre un statut social. La collection donne une épaisseur
à des gens dont la fortune pourrait être le seul
argument. Et chaque collectionneur a à cœur de montrer
ce qu’il aime, ce qu’il collectionne, et de se livrer à
une sorte de nouveau concours d’élégances…
On a l’impression que ces dernières années ont produit
une inflation de collectionneurs…
On connaît avant tout les collectionneurs pour
leur réussite industrielle, qui précède souvent leur
goût pour la collection. Aux Pinault et Arnault sont
venus s’ajouter les Rosenblum de Pixmania, Granjon
de Vente-privée ou Édouard Carmignac, un financier
qui possède une fondation à Porquerolles et même un
Prix pour la photo ! […] La fondation Antoine de Galbert
n’est pas forcément le bon prisme pour regarder ce que
sont les collectionneurs aujourd’hui ; la Maison Rouge
fait une programmation sérieuse et intéressante, alors
que si on regarde les collections un peu médiatiques,
on s’aperçoit de la très grande banalité des choix, ou du
moins de leur très grande uniformité.
C’est aussi le travail des
art advisors de mener ces
négociations, dégageant au
passage leur propre commission
[…] Contrairement à ce qu’on
pourrait croire, les prix dans les
galeries sont négociables.
Les collectionneurs aident-ils les jeunes artistes ?
Il paraît que oui… mais on ne le sait pas vraiment,
car ils préfèrent communiquer sur des pièces
importantes de leur collection plutôt que sur des artistes
qui ne sont pas encore connus.
Quelles sont les relations entre les maisons de ventes
et les galeries ?
Ce sont des relations ambiguës, car les galeries
achètent et parfois même vendent au travers des
maisons de ventes. Qu’elles aient beaucoup de pièces
dans leur stock ou encore qu’un artiste quitte leur écurie
et qu’elles n’aient pas forcément envie de continuer
à défendre ses pièces, le meilleur moyen qu’elles ont
pour s’en défaire, c’est de faire appel à des maisons de
ventes. D’un autre côté, pour les galeries, ces maisons
sont des empêcheurs de tourner en rond, car les ventes
sont publiques, un procès-verbal est établi, et souvent
on s’aperçoit de la grande différence des prix affichés
par la galerie avec ceux obtenus lors de la confrontation
transparente de l’offre et de la demande.
Vous insinuez que le prix de vente des œuvres, y compris
en galeries, n’est pas celui affiché…
Bien sûr, dans les galeries, les gens négocient…
C’est aussi le travail des art advisors de mener ces négociations,
dégageant au passage leur propre commission.
Ils ont tous des ententes avec des galeries, sorte
de rétrocommission après la vente […] Contrairement à
ce qu’on pourrait croire, les prix dans les galeries sont
négociables.
Vend-on majoritairement à des étrangers ?
À Paris, dans les trois principales maisons de
ventes, 70 % du volume des ventes est fait par des acheteurs
étrangers. C’est sûrement différent à Drouot, où la
marchandise est moins désirable et les efforts de communication
pas autant développés ; ce doit probablement
être du cinquante-cinquante.
Posséder une maison de ventes semble le meilleur
moyen de constituer une collection privée ; si on pense
à Pinault ou Bergé…
Je ne crois pas que c’était leur cas, car ils
étaient collectionneurs bien avant d’acquérir une maison
de ventes. Cela aide-t-il à constituer une collection ?
C’est le même genre d’intérêts que les patrons qui possèdent
des médias : ça peut être le cas si on considère
que Dassault se sert beaucoup du Figaro et ça peut ne
pas l’être si on considère que Pinault ne pèse pas beaucoup
sur la rédaction du Point.
Le talent du commissaire-priseur joue-t-il vraiment
sur le prix final obtenu ?
Oui pour 15 % à 20 % ; ce qui n’est pas rien. Il
faut voir qu’une enchère c’est 10 % ; il suffit que le
commissaire-priseur soit séduisant, aille chercher les
enchères, les suscite et encourage les gens qui sont un
peu récalcitrants, qui ont peur de se lancer à lever la
main ; chaque main levée est une inflation de 10 % sur
le prix…
Comment est calculée la marge des maisons de ventes ?
Elle est constituée par les frais vendeur qui
sont de 10 %, et de 25 % pour l’acheteur ; donc 35 %, s’il y a
vente…
J’imagine qu’il y a aussi des cycles dans ce secteur ;
que se passe-t-il en temps de crise ?
Pour l’instant, il n’y a pas de crise…
???
Dans les années 90, il y a eu une crise qui
a laissé pratiquement la moitié des commissairespriseurs
sur le carreau. Au moment d’une crise, on
constate l’effondrement de tout ce qui est moyenne
gamme. Le haut de gamme, parce qu’il est convoité
aussi bien au Japon, aux États-Unis qu’aux Émirats,
ne s’écroule pas et a plutôt tendance à bien se porter.
Mais beaucoup de maisons en France sont structurées
autour de ce milieu de gamme, et les gros collectionneurs
sont l’arbre qui cachent la forêt…
Propos recueillis par
Angelo Cirimele
MODE
RAG trade
Photographie jonathan de villiers, stylisme arabella mills
modern life
Photographie emanuele fontanesi, stylisme eve maeno
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ag trade
Photographie : Jonathan de Villiers
assisté de Halldora Magnusdottir
et de Maxime Chanet
Stylisme : Arabella Mills
assistée de Frederick Chane-Sy
Coiffure : Nobu Fujiwara
Maquillage : Tiina Roivainen
Mannequin Simona chez Nathalie Models
Producteurs : Andreas Schmidt et Tobias Brahmst
Casting and Production : Backwall – backwall.fr
Merci aux boutiques Lionel Tissus, Fransi Shop, Tiv-Tov,
Au bonheur des dames, Jessica et Tissus Orientaux
ainsi qu’à Carlo, Budolle Cassique, David,
Laurent, Evelyne, Jérôme et Anh.
Pull-cape en coton, Pantalon crinoline,
Gants en coton, Escarpins en toile
Maison Martin Margiela

Veste en laine, Robe imprimée en rayonne, Top
imprimé en soie, Pantalon imprimé en rayonne,
Escarpins compensés en cuir vernis
Marc Jacobs Croisière

Robe en satin duchesse lavée
Lanvin
Pantalon crinoline
Maison Martin Margiela

Top imprimé en laine et soie, Pantalon imprimé
en laine et soie, Mules en veau, velours et PVC
Céline Croisière
figurant: Laurent Zarka (magasin TIVTOV)

Robe imprimée en coton, Jupe imprimée en coton
Berhnard Willhelm
Blouson imprimé en coton (porté sous la robe),
Pantalon imprimé en coton
Mary Katrantzou x Current/Elliot
Sandales en cuir et PVC
Christian Louboutin

Top en patchwork, Jupe plissée en coton enduit
Comme Des Garçons
Collants
Falke
Sandales en cuir vernis et bois
Marc Jacobs Croisière

Robe bustier courte en satin duchesse et
organza métallique, Short en laine,
Sandales en satin et métal
Christian Dior

Trench en papier lamé, Top en soie lavée
Lanvin croisière
Pantalon en tulle avec applications
Tsumori Chisato
Bottines en patchwork de cuir
Christian Louboutin

modern life
Photographie : Emanuele Fontanesi
assisté de Gaia Tricarico
Stylisme : Eve Maeno
Coiffure : Tobias Sagner chez Marie-France Thavonekham
Maquillage : Min K chez Airport
Mannequin : Reka chez Ford
Pull, pantalon et manche en fourrure
Maison Martin Margiela
Ceinture
Lanvin

Pull sangles croisées et pantalon
Hermès
Boléro en fourrure
Quentin Véron
Pull côtelé
Carven
Casquette en fourrure
Lanvin
Manteau sans mancheS, pull et jupe
Lanvin
Ceinture
Maison Martin Margiela
Bas en vinylE
Métamorph’ose
Boots lacées
Hermès

Manteau
Limi Feu
Col en fourrurE
Lanvin
Ceinture
Carven
Bas en vinylE
Métamorph’ose
Boots lacées
Hermès

Top en cuir et pantalon
Céline
Col en maille
Maison Martin Margiela
Étole en fourrure
Sprung Frère
Boots lacées
Hermès
manteau
rue du mail
bas en vinyle
métamorph’ose
boots lacées
hermès

Manteau
Jean Paul Gaultier
Robe
Amaya Arzuaga
Ceinture
Maison Martin Margiela
Bas en vinyl
Métamorph’ose
Boots lacées
Hermès

Manteau
Hexa by Kuho
Ceinture
Carven
Manteau en fourrure et plastron en cuir
Damir Doma
Veste en fourrure
Peachoo+Krejberg
Combinaison en dentelle
Chanel
Bas en vinylE
Métamorph’ose
Boots lacées
Hermès

Veste et pantalon
Christian Dior
Boots
Maison Martin Margiela
Col en fourrure
Quentin Veron

textes
p.82 : Contre
DD
p.86 : chronique
turnover
p.88 : RENCONTRE
IN BED WITH MARC A.
p.91 : art contemporain
MATTHIEU HUMERY
p.94 : design
DESIGN EST CRIME
p.96 : Rétrovision
charlie
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contre
DD
Non, nous n’avons rien contre Dédé la sardine, Dédé la frite ou même
Dédé le sympathique cochon rose de la Française des jeux.
Le DD qui nous ennuie, c’est le Développement Durable.
Insupportable opportunisme du marketing, stupide alibi de moralisateurs.
Suprême mot clé pour empapaouter certains crétins.
Nous baignons dans le culte de
la culpabilisation, abasourdis
de soupes écologistes de
publicitaires qui nous invitent à
consommer plus, mais propre […]
On pensait naïvement que l’écologie c’était un peu
plus de campagne en ville, de grands espaces verts, des
parcs à gogo, des fleurs… sûrement le terme vert nous
a-t-il induits en erreur, il nous berçait de l’illusion
d’une ville horizontale. Eh bien non. En fait, l’application
du développement durable à la ville, cela donne,
à proximité des transports publics, le maximum de
personnes sur le minimum d’espace. Densifier… compacter…
donc des tours très hautes avec de surcroît de
toutes petites fenêtres pour perdre le moins de chaleur
possible. « Économie d’énergie. » Le mot est dit, pour
sauver la planète il faut « économiser l’énergie ». Fini
les verrières, les grandes fenêtres, la belle lumière, il
faut confiner pour économiser. Souhaiter vivre dans
un appartement baigné de lumière devient répréhensible.
Culpabiliser le citoyen, c’est facile, alors allons-y ;
autre cerise sur le gâteau, autre logique écolo absurde :
comme on est près des transports publics, exit le parking,
un local à bicyclettes fera l’affaire… car « ces
gens-là ont à leurs pieds une station de métro, l’écolo
moderne se déplace en métro pour travailler et fait ses
courses à bicyclette ». Et bien sûr, on imagine ces personnes
revenir de chez Leroy Merlin en charrette et
partir en vacances en skate-board et à voile.
Une autre absurdité DD : la piscine écolo. Avec
plantes aquatiques en guise d’assainissement des eaux.
Une telle piscine serait une parfaite pataugeoire pour
le troisième âge du 6 e arrondissement qui, après avoir
acheté son saumon bio à la Grande Épicerie, plongerait
dans ce magnifique bain bio. Mais qu’en serait-il en
banlieue. Loin de stigmatiser la banlieue, la piscine
en banlieue c’est un loisir familial. Pour les enfants
et les pré-ados, elle est un endroit de fête et de défoulement,
on n’y fait pas de longueurs ni de manières :
on s’amuse. Alors vas-y que je te détache les plantes
et que je te les lance en pleine gueule. Yes! In fine,
le bassin serait une espèce de soupe miso, jaune pipi
et verte d’algues en morceau, flottant tristement parmi
les nageurs. Franchement, je penche pour le bon vieux
chlore, c’est plus clean.
Dans le registre pipi, pour continuer dans
l’écolo absurde et degueu, on pourrait parler du « Cup ».
Ce n’est pas le nouveau soutien-gorge « pump’up », qui
fait des seins beaux comme des lunes, ce n’est pas non
plus le dernier cup cake qu’on s’arrache chez Rose
Bakery. Non non, c’est une horrible coupelle menstruelle
qui s’insère dans le vagin pour recevoir les règles.
Le mieux, nous dit-on, c’est d’être en position accroupie
pour l’insérer. Cette chose en silicone se plaque sur les
parois vaginales. L’écolotte la vide de temps en temps
et la remet en place après l’avoir nettoyée à l’eau. Fini
les gentils tampons simples et ergonomiques. On ne
jette plus. On vit avec sa « Cup ». Waow, so sexy, et je fais
comment quand je suis dans un restaurant ou un bar ?
Je lave ma coupelle maculée de rouge devant une autre
personne qui se lave les mains ? Pourquoi rétrograder
la femme ? Le xx e siècle lui a ouvert les portes, elle a
acquis des libertés, et aujourd’hui, on est écolo si on se
met une « Cup » dans le vagin. Et pourquoi pas un « Cup
préservatif » pendant qu’on y est ? Deux en un. Les mecs
n’ont plus d’effort à faire.
Mais revenons à des propos plus clean. Le DD
dans l’entreprise : tout doit être DD, tout doit respecter
l’environnement. Les bureaux waow, un modèle vivant
du durable : le papier est recyclé, les ampoules basse
énergie, les machines ont des économiseurs d’écrans,
l’électricité est verte… certains installent des ruches sur
leur toit pour sauver la biodiversité… d’autres collectionnent
les labels, on est tout content de la brochure
HQE imprimée sur un papier FSC et PEFC avec des
encres végétales sans solvant. Avec le DD, c’est génial
tout devient propre, c’est merveilleux.
Le DD est-il la seule idéologie qu’il nous reste ?
Il faut croire que oui, dans ce xxi e siècle si riche en
philosophies. On nous sermonne, on nous vend une
vie de… rêve ! Absurdité contemporaine du système de
pensée écologique… Nous baignons dans le culte de
la culpabilisation, abasourdis de discours débiles, de
soupes écologistes de publicitaires qui nous invitent
à consommer plus, mais propre. L’écologie, pour nous,
c’était le reflet d’un savoir-vivre, de partage, de green.
Aujourd’hui, tout est gris. Tiens, en voilà un autre mot
culte qu’il faut utiliser à outrance si on se veut écolo :
« l’énergie grise ». Du vert, on vire au gris.
Helena Ichbiah (Ich&Kar) – Eko Sato
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CHRONIQUE
TURNOVER
Si le calendrier Maya devait annoncer un cataclysme, c’était peut-être celui
supposé des changements de designer à la tête des grandes maisons
de mode en cette mythique année 2012. Saint Laurent Paris, Dior, Balenciaga voient
ou verront l’intronisation de nouveaux maîtres créatifs, directeur artistique
sinon styliste, pour renouveler et produire les codes contemporains
de leur maison, voire de la mode.
Sous la forme d’un contrat passé avec le capitaine d’industrie
qui dirige la partie financière du groupe et qui,
somme toute, possède la Maison même, le designer doit
suivre une ligne de crête : celle d’actualiser une esthétique
maison dans une « belle » cohérence historique.
L’enjeu est alors de respecter un ADN très concret tout
en produisant un pas de côté, le sien. Turnover de quoi
alors ? Quid des marottes de feu Mademoiselle ? Quid
du fantôme de Monsieur ?
Répétition et plaisir
Prendre une Maison, c’est faire une prise de guerre et
c’est tenir une place entre conquête et puissance créative
reconnue. Mais reprendre une Maison est une
gageure tant cette place de tête est paradoxale : elle suppose
l’affirmation autant que la discrétion du designer
sous le nom de la Maison qui l’emploie. Position masochiste
1 , on va le voir, mais position on ne peut plus
créative selon ce même plaisir maso.
Reprendre une Maison est une
gageure tant cette place de tête
est paradoxale : elle suppose
l’affirmation autant que la
discrétion du designer […]
Pris par l’obligation de suivre l’identité de la Maison
qu’il sert, le designer est animé du désir de développer
une esthétique sinon une vision singulière : d’imprimer
sa marque, de définir en creux et outre l’ADN existant
une qualité de présent. Une joie créative peut naître
alors de cette double contrainte d’être fidèle et d’être
moderne. Il y a là un suspens esthétique, un défi.
Y arriverai-je ? Y arriverai-je encore ?
Le jeu s’inscrit d’abord de la répétition des collections
et de la multiplication des présentations intermédiaires
: moteur et cadence. Répétition encore parce
que le format mode, du défilé jusqu’à la production
vestimentaire, propose un système avide et rodé, répétition
toujours parce que le corps même ne change pas
tant. Répétition enfin parce que le nouveau, comme
vecteur du présent, est la seule raison d’existence de
l’esthétique contemporaine.
Et comment chaque fois faire différemment ? En travaillant,
manifestement, la contradiction. En accentuant
l’effet d’une modernité diverse, d’une esthétique
du divers, d’un collage et décollage permanent. On le
sait, l’idée du mixage est le signe de notre époque. Ce
qui est particulier, ici, c’est l’envergure et la nature
exotique de ces collages, mixes, revirements, qui
ouvrent une catégorie esthétique d’un éclectisme schizophrène.
Cette posture, pour le designer de mode, est
celle du sceptique, de celui qui observe, qui examine
et qui délaisse.
Il y a une jouissance à tenir ce rôle, à résister, pour
inventer ou renouveler l’existant constamment. Aller
aussi vite que le présent, l’ausculter sinon l’anticiper,
extraire dans la contradiction le nouveau : soit la posture
actuelle portée à son plus haut terme d’un designer
esthète, médaille à deux faces : l’une idéaliste et
l’autre égocentrée. Le masochisme ici consiste à répéter
l’exercice de la collection et de tenir cette posture
jusqu’à l’épuisement. De l’idéal d’être démiurge et d’y
croire. Masochiste par outrecuidance en somme.
Mais qui ?
Miuccia Prada est Prada, elle réussit à tenir ce rôle,
associant une tradition bourgeoise, la sienne, à un
système de production et de conscience du chiffre, les
siens par mariage. Miuccia Prada est une styliste, à la
vision opportune.
Alaïa est Alaïa, il réussit à tenir ce rôle, maîtrisant tout,
de façon univoque. Alaïa est un maître monomane.
Ghesquière est Balenciaga, il a réussi à tenir ce rôle,
en associant un patrimoine formel à une modernité
prospective et hystérique, mais difficilement portable.
Ghesquière est un designer, directeur d’une vision
artistique, dont la véritable perspective désormais est
de fonder sa propre Maison.
Raf Simons est Dior, il réussira à tenir ce rôle, cultivant
le goût du code et des protocoles formels qu’il a
appliqués ailleurs. Raf Simons est de loin un designer
prospectif.
D’aucuns choisissent d’abord de modifier le nom de la
Maison ou de la Griffe avant même d’avoir produit une
seule forme, inquiets sans doute de n’y parvenir par les
choix, résolutions et productions vestimentaires qu’ils
auraient à signer. Mais il est vrai que le poids du père
fondateur, auteur comme producteur, pèse : une perpétuelle
comparaison leur est faite. Alors, partir ou supporter,
être ou ne pas être, singer, signer ou modifier,
telles sont les questions que lui renvoie le choix de
s’être attaché dans le jeu maso du contrat à une Maison
et sa structure.
L’important est le sourcing
Reprendre une Maison sous l’égide d’un fantôme, cela
signifie connaître ou posséder la clé de ses archives,
d’ouvrir la boîte à idées et de remonter aux sources.
Il y a là un possible créatif. Pourtant cet ADN fonctionne
trop comme une promesse, un bien spéculatif et
inflammable. Tout y serait en potentiel, mais rien n’y
est réellement. L’archive et la connaissance du passé
deviennent fondamentales et c’est une expertise que le
designer n’a que peu le temps d’acquérir avant de produire.
Le sourcing semble être cet adjuvant qui nourrit
et encadre le designer en place dans ces grandes
Maisons. L’épaisseur du fantôme et de ses codes sont
donc un poids autant qu’un trésor. Le Grand Mixage
de ce patrimoine ne conduisant sinon, on l’a vu
récemment, qu’à des silhouettes pauvres, mais riches
en cols lavallières.
Une autre option, celle de l’attachement du designer
à un styliste presse, rédactrice ou éditorialiste, est une
forme déjà avérée de ce sourcing extérieur, adjuvant
au processus créatif. Autre contrat, autres mœurs.
L’option du laboratoire, compris souvent dans et par
la précollection, il est le temps de recherche, prôné par
beaucoup mais incompatible avec le rythme
et l’exigence de la nouveauté. Ce laboratoire
suppose une prospective donc un temps
d’arrêt… impossible.
Dans l’idéal et pour bien faire la mode comme la modernité,
le designer devrait devoir se dégager de cette maison
mère inconfortable, et renier le père, celui qui a
engendré les codes et s’est constitué en autorité. Mais là,
l’autre, le capitaine d’industrie n’est plus d’accord. Il y a
donc soumission nécessaire, par contrat.
La limite pour le designer est alors celle du déplaisir,
de l’échec, de toutes les manières de ne plus y tenir : de
la lassitude (Ghesquière n’était-il pas las ?), de la jalousie
ou d’une représentation de la conquête amoindrie
(le cachet et les droits du contrat de cet autre designer
sont plus gros, je pars), de son éviction, de sa mort si
l’on pense à Mademoiselle Chanel et de son alter ego
contemporain pour le moins vivant... Une autre alternative
se pose, sous la férule du capitalisme financier,
sadique lui, qui exécute son rôle quantificateur : I want
more money, adieu...
Ne soyons pas naïfs, la forme du contrat, peau de chagrin
s’il en est, sous-entend de porter l’identité en vue
d’une continuité esthétique – et c’est ce qui d’ailleurs
préside au choix d’un designer plutôt que d’un autre –,
mais il s’agit surtout de porter l’identité en vue d’une
profuse et rentable manne économique. Le turnover
arrivera alors lorsque, par lassitude, échec ou gourmandise,
il y a rupture du contrat pour l’une des deux
parties. La joie du turnover, celle du suspens esthétique
et de la modernité, attendra.
Mathieu Buard
1. La Vénus à la fourrure est un ouvrage de Sacher-Masoch, celui-là
même qui posa le nom de masochisme comme plaisir dans l’accord à une
soumission tacite et cruelle. Deleuze produira une analyse extrêmement
précise de cela dans une introduction à ce roman in Gilles Deleuze,
Présentation de Sacher-Masoch, les Éditions de Minuit, 1967.
Image : calendrier Maya. © DR.
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Rencontre
In bed with
Marc A.
Sonia, Sandra, Chafik et moi, magnifiquement pris en mains par Fatima
dans ce hammam tangerois, entre vapeurs et volutes. Bousculés
par les mouvements décidés et exfoliants de cette experte joviale en massages
énergiques et en savon noir…
… nous étions trop bien pour nous plaindre d’entendre
dans les enceintes humides Lara Fabian ou de l’eurotech
au lieu d’Istikhbar ou موثلك م [Oum Kalthoum,
ndla, car à part Marc A., peu de lecteurs de Magazine
savent lire l’arabe]. Légèrement étourdis par le kif,
cette poudre dorée du rif que nous fumions en chemin
dans de jolies pipes en bois sombre.
Le kif a peut-être donné son nom au plaisir
moderne. Mais le « kif total » de Marc A., tel qu’il me le
décrivait la semaine dernière à Paris, ne se fume pas
ni ne se consume. En revanche, il est contagieux, et les
mots choisis du grand Directeur Artistique aux racines
tunisiennes me reviennent en mémoire : « L’idée du kif
qui t’a donné envie d’enregistrer notre déjeuner est le
seul moteur que je trouve valable pour continuer. Si
tu n’as pas ce truc de te dire “tiens aujourd’hui je vais
déjeuner avec une telle” ou “tiens je vais voir Diana
Vreeland”, comme j’ai fait il y a deux jours – va le voir,
ça va bientôt disparaître –, alors… » Marc est franchement
volubile et fait volontiers quelques digressions
pour illustrer ses idées.
Ou expliquer pourquoi Diana Vreeland, le
film, est bien « pour les gens comme toi et moi », acteurs
de la société de la fashion : « Il y avait une forme avec
elle d’extravagance totale et une qualité de production
hallucinante. Il n’y a pas une seule image que tu vois,
au niveau de l’editing, des castings, des maquillages,
des coiffures, de Veruschka en double, des Beatles, de
Barbra Streisand, comme ça avec son nez et une fleur,
ces images extraordinaires d’Avedon, de Penn, de
Bailey, les interviews de gens qui ne sont pas toutes
très réussies d’ailleurs, elle non plus n’a pas l’air totalement
sympathique, elle a l’air d’une vraie cinglée,
mais le niveau d’extravagance et de “fire” qu’elle a pour
faire les choses… Il n’y a pas dans ce film cette lourdeur
mercantile du September issue par exemple, tu
es dans un autre truc, une femme qui ne pense qu’à
découvrir et faire découvrir des gens, qui photographie
Paul McCartney de manière extraordinaire, Mick Jagger
magique, Marisa Berenson un rêve, des vêtements
exceptionnels, un stylisme extraordinaire, et surtout
beaucoup de luxe, de jolis bijoux… » L’enthousiasme de
Marc peut monter sans prévenir, comme une vague de
kif qu’il surferait les yeux roulant de plaisir. Et dans le
tube, il tend la main à son interlocuteur pour l’entraîner
avec lui, et synchroniser ses mouvements d’empathie
avec les siens… « Un peu célinesques, tu vois. »
Marc ne fait pas référence à une marque dirigée
par Phoebe Philo, mais à l’élégance de l’amie que nous
avons en commun, à ses bijoux aussi. Ils ont travaillé
ensemble, c’est mon associée, il sait que son image
entre nous clarifie le propos, et ça permet de lui glisser
un compliment dont il est content. Fortuitement, alors
que Marc avait l’air de s’échauffer dans sa description,
il plante discrètement un repère pour que je le suive,
moi qui n’ai pas vu le film. Une fois qu’il est certain
que je vois comme lui cet aspect du personnage, que je
suis là, prêt à continuer de surfer, il reprend son ride
allégorique : « Elle aimait Ali MacGraw par exemple, à
l’époque où elle sortait avec Steve McQueen ; elle aimait
ces filles un peu aristo aux cheveux tirés, avec un bijou
et une petite chemise noire, des grandes lunettes. Les
Jane Birkin, les… Je t’en cite des centaines pour lesquelles
elle a créé l’alphabet. Il y avait pour elles avant
et après Diana Vreeland. Steven Meisel a été très inspiré
par Diana Vreeland, il a tout récupéré – attention,
de manière sophistiquée, car c’est un immense talent. »
Puis plus tard, « le côté punaise, aussi », sans que l’on
sache s’il parle de Diana Vreeland, du photographe, de
la haute société américaine et condé-nasty, ou de luimême.
Marc a cette façon de rire, de parler, de manger,
de créer de la complicité, de faire jaillir des images dans
chaque phrase et de toucher la main, le bras, l’épaule,
la joue ou directement le cœur de ceux qu’il choisit de
séduire. Mais surtout, il se marre dès qu’il en a l’occasion.
Et il apprécie que l’on rie avec lui. Mais en toutes
circonstances, il fait ce qu’il faut pour que les messages
qu’il veut faire passer soient perçus clairement.
En l’occurrence, il veut dire que « c’est pas mal
de kif tout ça » : la stimulation qui s’est installée au cours
du film, son goût qui en sort grandi, ses envies ravivées,
d’appeler Doume ou Maida pour parler de mannequins,
de voir Frédéric Sanchez et écouter des choses, de parler
à Martine de tout ça, de faire ce métier, qu’il a quasiment
inventé, de Directeur Artistique. « Aujourd’hui, si
tu n’es pas hyper motivé pour des millions de dollars, il
faut un dégagement complet de ton talent, à 100 %. » Il
peut quasiment vaciller devant sa « super grande télé »
quand Canal Plus montre des camemberts impitoyables
sur l’argent de la mode… « quand tu réalises que tu travailles
dans cette industrie qu’on compare à l’aéronautique
». Naïf et fier de l’être, il aimerait n’avoir qu’une
approche sensible de ce milieu qui utilise ce qu’il y a
« J’ai voulu faire de la mode
parce qu’il y règne une certaine
désinvolture, une légèreté voire
une vision de la frivolité ; un
“ non-intellectualisme ”…»
de plus tendre, de plus intime chez les gens, qui récupère
à la périphérie la créativité, pour la faire passer
dans l’entonnoir du capital. « Attends, Mathias, je ne
tombe pas des nues », dit-il. Avant de sauter sur un rapprochement
que je propose entre mode et cinéma, sur
la violence, la puissance, l’intime et l’argent dans ces
deux disciplines. « Tu vois, c’est intéressant ce que tu dis
parce que dans toutes mes théories, pour le livre que je
suis en train de réaliser [sur les 60 ans de Chloé, avec la
journaliste Sarah Mower et Rizzoli, ndla], c’est ce que je
ressens. Quand tu vois le chemin de fer, dès premières
images cinquante au Flore, des femmes un peu chic
qui regardent les défilés, aux défilés de Karl, qui étaient
très bien – très intimistes aussi, et il y avait d’étonnantes
mannequins (Gunilla Lindblad, Donna Jordan,
Pat Cleveland), qui faisaient leur petit numéro habillées
en femmes du monde déglinguées –, tu vois c’était très
près de l’esthétique du cinéma de Fassbinder, le Karl de
l’époque. Celles qui étaient habillées mode étaient sur
le podium et les journalistes avaient l’allure de gens
plutôt normaux, comme des galeristes, des intellectuels
– en chemise, pas du tout déguisés, raie au milieu et
petit catogan, pull normal. Ensuite, t’as Martine et son
dandy rock, re-Karl, puis boum : les Spice Girls, avec
Stella McCartney, qui débarquent – elle s’est vachement
polished depuis, elle est beaucoup plus control, mais
quand elle arrive, c’est assez fun quand même. Avec
sa copine Phoebe Philo, elles feront une mode très
incarnée, compréhensible pour la girl next door. Pour
moi, Chloé, c’est un bon outil, parce qu’ils ont été très
annonceurs, et ça me fait une bonne révision de tout le
système de la mode et comment il a évolué. »
Marc prépare aussi un livre sur les 50 ans de
carrière de Marianne Faithfull. « Bon, je ne le découvrais
pas, Martine est une big fan depuis cent ans et
nous sommes très amis avec Anita Palenberg, donc on
avait dîné plusieurs fois en sa compagnie. Mais ce qui
est génial, une petite anecdote, pour le premier rendezvous
pour parler de son livre, elle m’a reçu dans son
lit. Avec un déshabillé grenat en velours assez beau,
une chemise de nuit en dessous, une crème de jour, un
joli bijou, des cigarettes et un sac Chanel à côté, une
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ambiance comme ça, de fumée... Au lit ! C’est extraordinaire
tout de même. Intuitivement je suis persuadé
qu’elle a dû le théâtraliser pour que notre première
entrevue s’imprime définitivement dans ma tête. Et ce
n’est pas pour me déplaire. D’autant que c’est une vraie
diva, et que j’ai vraiment horreur de la banalité. J’adore
travailler dans ce métier jusqu’à aujourd’hui parce
qu’il y a une idée de la mise en scène. Toi aussi, je
suis sûr. Comme toi, j’espère, j’ai voulu faire de la mode
parce qu’il y règne une certaine désinvolture, une
légèreté voire une vision de la frivolité ; un “non-intellectualisme”.
Je trouve ça amusant que les gens aient
des obsessions, s’attachent à des petits détails, qu’ils
crèvent d’envie de s’acheter une paire de pompes, qu’ils
meurent d’envie d’avoir le... J’aime cette gourmandise
dans la mode. J’ai, par exemple, emmené ma belle-sœur
faire du shopping cet été, j’ai eu l’impression qu’elle
était comme dans une pâtisserie. »
Cet appétit, c’est aussi ce qui nous fait commander
un tiramisu après les plats « super copieux »
que nous venons de nous enfiler. Marc reprend son
évangile : « Il faut savoir kiffer. Ne pas se poser trop
de questions à la con, et ne pas, surtout, devenir bitter.
» Mais le temps ne rend pas amers ceux qui travaillent
depuis longtemps dans ce milieu ? « C’est faux
tout ça. Moi qui ai étudié le problème à 100 %, je vais
te dire : Miuccia a presque 67 ans, Azzedine, il a, je ne
sais pas… plus d’âge ; Karl n’en parlons pas, ou Comme
Des Garçons, qui fait une mode on ne peut plus en
pointe, elle a 65 ans au moins… » – Mais justement, les
pubs Prada sont horribles ! – « Elle ne s’intéresse pas
à ça, elle se dit on va leur faire des pubs où on voit
bien le produit, bien les sacs et les chaussures. Ce n’est
pas là ou je vais m’exprimer, mais dans les boutiques,
dans les défilés, dans la musique, le casting, les cheveux,
le maquillage absolument extraordinaire… elle
fait des pubs pour squatter le magazine. Voilà, basta. »
Les DA ont été remisés pour faire des économies, les
photographes et leurs agents arrivent avec tout le
package, les Américains ne font presque pas de pub,
et personne ne réfléchit avant de tourner les films de
mode qui envahissent nos boîtes mail. « Une bonne
pub, ça n’arrive pas par hasard, c’est de l’analyse, du
casting, des recherches. Ce n’est pas “allo, j’ai Mert et
Marcus qui sont libres vendredi et samedi” ; et aussi
“J’ai Malgosia, arrête ! Attends, tu prends ou tu laisses,
hein.” “C’est pas sûr, il faut que je négocie.” Ou Terry
Richardson et son orchestre que tu engages, qui fait le
pitre de service avec ses lunettes, qui met sa casquette
au top model, qui vandalise chez toi, fait un coup de
flash sur une connasse et booke ses dîners le soir, ou
qui va à sa church, puisque j’ai entendu qu’il était très
catholique… » On sent que Marc a envie, très envie, de
redonner de l’altitude à l’image de créateurs de mode
qui aiment leur époque. Mais aussi de manger des
pizzas de chez Stories à l’est de Londres, d’acheter ses
chaussures de clergyman à un connaisseur à bedaine
plutôt qu’à un vendeur, de faire plus de shootings, de
fabriquer de jolies images – « je suis désolé, j’aime bien
les choses jolies » –, de travailler sur des films pour son
copain Nick Nac (dixit Nick Knight) « avec une histoire,
pas des making of, sans scénario, sans écriture
derrière », de travailler la désinvolture de la mode.
Après le hammam, nous sommes allés chez
un coiffeur du Grand Socco, et on a ri beaucoup en
écoutant cette chanson : « Je voudrais être un fauteuil
/ Dans un salon de coiffure pour dames / Pour
que les fesses des belles âmes / S’écrasent contre mon
orgueil / J’aimerais être une ceinture / Pour serrer votre
taille / Et ne perdre aucun détail / De l’étrange cambrure…
» Je crois que Marc aurait kifé grave cette mélodie
joyeuse et dansante ; ou plutôt kifé aigu. Parce que
la gravité ne va pas à ce jouisseur qui, contrairement à
ce que dit Google, n’a qu’une religion : le kif total.
Mathias Ohrel
Image : affiche du film Diana Vreeland: The Eye has to Travel, réalisé par
Lisa Immordino Vreeland.
ART CONTEMPORAIN
Matthieu
Humery
Après avoir travaillé pour l’agence Magnum et la fondation Luma,
Matthieu Humery est devenu expert pour la photographie à Christie’s, où il a
organisé les grandes ventes Irving Penn et Richard Avedon. Qui achète de la photo,
comment et pourquoi ? Il revient avec nous sur le boom récent de ce marché.
En organisant à Paris des ventes consacrées
à Richard Avedon ou Irving Penn,
vous avez contribué à l’émergence d’un
nouveau marché, celui de la photo de
mode. Comment analysez-vous ce nouveau
segment ?
Il y a encore dix ans, ces photographes
étaient très déconsidérés, même s’ils
n’étaient pas que des photographes de
mode. Mais l’on assiste, notamment
depuis cinq à six ans, à l’entrée en
scène de nouveaux acheteurs qui n’ont
aucun complexe vis-à-vis de la photo
de mode. Ils sont très différents des collectionneurs
de photo classiques tels qu’on les connaissait dans les
années 90 : à savoir un cercle très fermé et érudit qui
pourrait s’apparenter à celui de la bibliophilie et dont
on peut se sentir très vite exclu de peur de passer pour
un imbécile. Âgés de 30 à 50 ans, ces nouveaux collectionneurs
n’ont, eux, aucun complexe à afficher une
photo de Kate Moss sur leurs murs. Nous l’avons pressenti
dès la vente « Icônes du glamour et du style » de la
collection Constantiner en 2008 à New York – qui présentait
Newton, Avedon, Lindbergh et a été un carton
alors qu’elle était organisée en pleine crise, juste après
la chute de Lehman Brothers. Mais il demeure vrai que
ce sont surtout les « Big Four » qui marchent fort, les
quatre magiciens : Penn, Avedon, Newton et Lindbergh.
Il y a un vrai phénomène,
notamment autour de Kate Moss :
je suis sûr qu’on pourrait vendre
le moindre snap d’elle […]
Qui sont ces nouveaux acheteurs ? Des gens de la
mode ou de la pub ?
Pas du tout, ce sont plutôt des gens qui peuvent avoir
des vies un peu grises, traders ou banquiers. Les gens
qui sont dans la créa s’inspirent, eux,
plutôt de photos plus anciennes comme
celles de Brassaï, par exemple, qu’ils réinterprètent
aujourd’hui à leur façon. Tout
cela participe du même mouvement, qui
fait que Richard Prince, Murakami ou
Kusama collaborent avec Vuitton, que
Wolfgang Tillmans, Juergen Teller ou
Inez van Lamsweerde sont représentés
par des galeries d’art contemporain. Et
puis l’on voit bien que même si l’expo
d’Helmut Newton au Grand Palais n’était
pas très bonne, chacun peut projeter
dans ces clichés sa propre vision ; mettre des choses
plus cachées au-delà de la photo commerciale. Un collectionneur
vénézuélien me racontait récemment que
lui, qui avait découvert Naomi et Linda dans les magazines
quand il était jeune, adorait désormais les avoir
en grand tirage chez lui. Il y a un vrai phénomène,
notamment autour de Kate Moss : je suis sûr qu’on
pourrait vendre le moindre snap d’elle. Dans le genre,
c’est un peu l’équivalent de la Marilyn de Warhol.
En quoi leur engouement est-il différent de celui des
amateurs d’art contemporain, par exemple ?
Ce sont des gens qui aiment l’image et qui veulent
se faire plaisir, leur engouement est beaucoup moins
formaté que ce que l’on voit pour le marché de l’art
contemporain, où tout le monde se doit de posséder la
même chose. Chez les collectionneurs photo, les goûts
sont beaucoup moins uniformes, et une même photo
peut prendre un sens complètement différent selon
qu’elle est présentée dans deux collections différentes.
Visiter leur intérieur, c’est une vraie intrusion dans
leur inconscient de collectionneur, bien plus que dans
le domaine de l’art contemporain. Le marché est donc
très protéiforme, comme le mélange des genres : on
peut voir la nouvelle photographie documentaire d’un
Alec Soth, ou d’autres de Magnum, comme une hybridation
entre les leçons d’un Walker Evans et les tendances
plasticiennes d’un Gursky. Ce qui fait qu’une même
image peut séduire autant un amateur de documentaire
que quelqu’un porté vers les œuvres plasticiennes.
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Vous avez évoqué dans une interview la baisse d’engouement
pour les Gursky et autres Struth. Qu’en
est-il ?
Il y a une typologie du collectionneur de la fin des
années 90 qui se précipitait sur Perriand, Prouvé et
Gursky. Mais aujourd’hui, les bébés Becher sont bien
installés, le gros de leur travail est reconnu, établi, ils
ont ouvert la route et aujourd’hui d’autres prennent le
relais. Même si les grands formats de Gursky, du fait de
leur rareté, continuent à faire des records. En ce qui
me concerne, ils posent aussi une question intéressante
: s’il s’agit de grands formats, de telles photographies
passent plutôt dans les ventes art contemporain
et non photo.
Justement, cette séparation photo/art contemporain
est-elle toujours valide en regard des pratiques
contemporaines ?
Il est vrai que si l’on examine le Top 100 des grands
artistes internationaux, la moitié d’entre eux utilisent,
d’une façon ou d’une autre, la photo : que ce soit Sophie
Calle, Matthew Barney, Ugo Rondinone ou Bruce
Naumann. On devrait peut-être plutôt parler d’un
département « images », tout simplement.
critiques, les gens se demandaient qui allait acheter
cela. Mais c’est comme pour une fashion week, l’essentiel
des clients n’est pas local. En gros, nos acheteurs
sont français pour un tiers, et étrangers aux deux tiers.
Dont beaucoup d’Américains, un peu de Russes, de
Chinois et d’Indiens, mais aussi des Anglais, Allemands,
voire des Brésiliens.
La qualité croissante de Paris Photo et son installation
au Grand Palais ont-elles fait partie de vos
motivations ?
Même quand il était encore au Louvre, le salon Paris
Photo était déjà un centre essentiel pour tous les gens
appartenant au monde de la photo – collectionneurs
mais aussi reporters, curateurs, éditeurs. Son installation
au Grand Palais n’a fait qu’accroître l’importance de ce
carrefour essentiel, et très international. Les marchands
américains de photo adorent Paris et l’ont confirmé
comme place mondiale du médium, ce que confortent
les Rencontres d’Arles six mois plus tard. Le fait est que
cette synergie, qui n’est en rien une concurrence, profite
à tous. Nous faisons venir beaucoup de nos collectionneurs
de New York pendant Paris Photo, qui est aussi
une importante saison pour nos ventes photo.
Quelle typologie dresseriez-vous des collectionneurs
photo aujourd’hui ?
Il y a d’abord les collectionneurs xix e et moderne, qui
peuvent acheter de Le Gray à Edward Weston ou Atget :
eux sont très précis, regardent les images à la loupe, etc.
Il y a aussi les collectionneurs plus généralistes, qui
peuvent très bien accrocher un cliché d’Eggleston à côté
d’un dessin de Cy Twombly. Et les collectionneurs d’art
contemporain qui sont tentés par la photo plasticienne
type Nan Goldin ou Cindy Sherman. Et enfin cette nouvelle
tendance, que nous avons évoquée, autour de la
photo de mode, avec des gens qui aiment Peter Beard,
la catégorie pouvant aller jusqu’aux clichés de belles
femmes à la limite du calendrier Pirelli.
L’engouement des
collectionneurs photo est
beaucoup moins formaté
que celui du marché de l’art
contemporain, où tout
le monde se doit de posséder
la même chose […]
Lesquels priment en termes de flux financiers ?
C’est assez équilibré, mais on voit bien une évolution.
Il y a dix ans, la photo la plus chère était une
vague de Le Gray, pionnier du xix e siècle, puis cela a
été un moonrise très pictorialiste d’Edward Steichen.
Aujourd’hui, dans les dix premiers, il doit y avoir trois
Sherman, deux Prince et un Gursky : bref, la force de
frappe financière est du côté des collectionneurs d’art
contemporain. Sortir un million d’euros pour un cliché
de Man Ray, c’est énorme pour un amateur de photo
moderne, alors que ce n’est rien de débourser trois millions
pour un Gursky dans le camp des amateurs d’art
contemporain.
Christie’s a décidé depuis peu de faire de Paris une de
ses places fortes concernant les ventes de photographie.
Quel espoir avez-vous quant à la capitale ?
Le fait est que les Français sont très intéressés par
le médium photo, comme le prouve le carton de
Nan Goldin au Centre Pompidou ou d’Edward Steichen
au Jeu de Paume ; il y a ici une grande qualité dans la
réception du médium, ce qui est pour nous une très
bonne base. Ensuite, nous avons pensé que s’il fallait
présenter quelque chose à Paris dans ce domaine,
c’était sur un modèle type haute couture, à savoir du
très haut de gamme. Nous avons commencé en 2010
par une vente Jean-Lou Sieff – qui a bien marché –,
avant la grande vente Richard Avedon qui a remporté
un énorme succès, dans la lignée de son succès public
au Jeu de Paume. Cela nous a confortés dans notre pressentiment.
Puis nous avons proposé une petite série de
Pierre et Gilles, qui a également suscité l’adhésion, bien
qu’il s’agisse d’une œuvre homoérotique très spécifique.
Enfin, en 2011, les ventes Irving Penn et Cartier-Bresson
ont toutes deux très bien marché également.
Ces succès sont-ils dus avant tout à des collectionneurs
français ?
Ce que nous avons vite compris, c’est que le fuseau
horaire français était idéal pour nos ventes : en proposant
les enchères à quinze heures, on peut toucher le
marché américain, le Moyen-Orient, qui devient un de
nos gros acteurs, et l’Asie voire le Japon. Quand nous
nous sommes installés, nous avons eu beaucoup de
Les institutions jouent-elles encore un rôle dans le
marché de la photo, dont les prix flambent en période
de crise budgétaire ?
Avant, elles traînaient les pieds, mais elles ont compris
que le pouvoir de l’image est énorme, et que l’engouement
du public allait dans ce sens. Je pense que beaucoup
de musées français voudraient pouvoir acheter
dans nos ventes, mais compte tenu de la situation, ne
le peuvent guère… Nous touchons plutôt les musées
américains, New York, Los Angeles ou Philadelphie. Et
de plus en plus de musées du Qatar ou de Tel Aviv :
ils ont un gros retard à combler. Quant à la Chine, ils
viennent également à la photo par le biais de la mode,
car ils assimilent ces clichés au luxe européen, qui les
fait fantasmer. C’est très différent au Japon et en Corée,
où la pratique de la photo est bien plus ancrée.
Le marché se déplace donc vers l’Orient ?
Plutôt qu’il ne se déplace, il s’étend. Américains, Français
et Allemands restent de grands amateurs de photo.
Quel pourcentage la photo représentet-elle
dans le total des enchères de
Christie’s ?
Cela reste très marginal. Disons qu’une
bonne saison pour l’art contemporain,
c’est 300 millions de dollars en six
mois. Pour la photo, cela pourra être
30 millions sur l’année. Mais il est sûr
que si l’on ajoutait dans les comptes
ceux qui, comme Sherman ou Barney,
passent dans les ventes d’art contemporain,
cela serait plus équilibré.
Comment analysez-vous la tentative de percée,
sur le marché de la photo, de ces photojournalistes
comme Luc Delahaye ou Antoine d’Agata, qui
ne parviennent plus à vivre grâce aux magazines ?
Le feu des enchères est bien plus difficile et délicat
pour un photographe que pour un artiste. Un Gursky
se verra toujours soutenu pendant les ventes par ses
galeries, Monica Sprüth ou Gagosian, qui peuvent
injecter de l’argent pour que le marché se stabilise.
Les pouvoirs des galeries photo sont bien moindres, il
n’est pas possible pour elles de soutenir une cote. Il
faut donc que le processus des enchères se fasse plus
doucement. En ce sens, nous avons beaucoup plus de
responsabilités que nos collègues de l’art contemporain
: mettre par exemple en vente Youssef Nabil, c’est
à double tranchant, il ne faut pas aller plus vite que
la musique, sinon c’est mauvais et pour lui et pour
nous. Il m’arrive de refuser des propositions de mise en
vente, de les laisser à la concurrence ou de dissuader le
collectionneur de se défaire de ses œuvres. Après deux
ventes Penn, on ne va pas en refaire cinquante : il faut
redonner envie à de nouveaux collectionneurs, laisser
le temps au processus, à la transmission. Je discute
beaucoup avec des photographes comme Lise Sarfati ou
Tillmans pour les dissuader de faire trop d’éditions par
exemple. Heureusement, le marché photo est beaucoup
moins spéculatif que celui de l’art.
Pourquoi moins spéculatif ?
Il est plus facile de trouver de la place pour une image,
et puis on en est toujours un peu amoureux, on n’a
guère envie de la revendre. Certes, les tirages superbes
de Penn valent aujourd’hui bien plus qu’il y a dix
ans, ils sont devenus de véritables bons du trésor.
Mais certains grands des années 30 ont encore des
prix très raisonnables.
Propos recueillis par
Emmanuelle Lequeux
Page précédente : Derrière la gare Saint-Lazare, Paris, 1932,
Fondation Henri-Cartier Bresson © Christie’s Images Ltd.
À gauche : Richard Avedon, Dovima with Elephants, Evening Dress by Dior,
Cirque d’Hiver, Paris, August 1955 © Christie’s Images Ltd.
À droite : El Lissitzky, Pelikan Tinte, photomontage, 1924
© Christie’s Images Ltd.
Portrait de Matthieu Humery © Christie’s Images Ltd.
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design
Design est
crime
Comment, pour le designer, se traduit la disparition des industries lourdes ?
Question plombée. Se souvenir que le designer a été façonné de cette matrice-là,
dedans ou dehors, mais toujours en relation avec elle, est-ce opportun ?
Sorti de la coulée depuis très longtemps, devenu un
monstre froid, coquet et pusillanime dès qu’il s’agit
de politique ou de sexe, le designer est rappelé à ses
origines. Sort ou cure.
Deux expositions cadrent l’histoire. Deux versions
diversement violentes. « Blast Furnace », la première.
Ce pourrait être un pseudonyme de danseuse, l’étoile
d’un cabaret macabre. Elle donnerait la réplique à
Amyl Nitrate dans le Jubilee de Derek Jarman 1 , presque
ça, vu l’auteur. L’exposition 2 s’achève avec la présentation
de quelques éléments du projet New Tribal
Labyrinth de Joep van Lieshout. Blast furnace s’écrit
haut fourneau en français. La pièce en question, qui
donne son nom à l’exposition, ne semble pas dessinée.
Elle paraît fortuite. Un goût de collage et de cadavre
exquis. Elle tient du jouet et de la maquette de scénographie
théâtrale 3 . Une inquiétante unité s’en dégage
– pièce unique, luisante mate, fondue, un bloc de bronze
très lourd et sombre, coulant et tendu à la fois. Elle n’a
pas de fonction déterminée autre que d’être ce qu’elle
est : sculpture à utilité matérielle annexe – en l’espèce,
c’est largement suffisant. Deux autres l’accompagnent,
brutalités cannibales maison du même alliage. Le
projet est très large et ambitieux. Des constructions
échelle un de structures industrielles devraient suivre.
Joep van Lieshout : « Je prends la défense des industries
en voie de disparition, remplacées par une société
disneyenne d’employés de bureau attachés à la poursuite
d’objectifs dépourvus d’objet. Je m’intéresse à
la valeur d’objets produits de manière industrielle en
Europe. » La déclaration pourrait se lire naïve ou tendrement
démagogique – nous sommes ici dans une galerie
londonienne spécialiste de cet hybride, rarement décent,
qu’est le design envisagé comme art. Ça doit éveiller
immédiatement le soupçon sur ce qui pourrait s’y dire
en dehors de l’allée balisée des banalités mondaines, des
annonces en cordages velours. À l’égard de van Lieshout,
il suffit pour s’en convaincre d’aller bientôt 4 constater le
travail conduit depuis quinze ans pour lire la cohérence
formidable. Il ne parle pas vraiment de redressement productif,
plutôt de jouissances et de cruautés, de viscères
et d’intensités plastiques variées. La portée politique de
la posture est toujours palpable, dès le processus même
de fabrication. Van Lieshout est probablement l’un des
seuls designers de cette stature aujourd’hui. L’une des
exceptions qui survivront au massacre.
La deuxième exposition est la très séduisante
« Politique Fiction » 5 montée par l’historienne
Alexandra Midal. Une structure de camembert pour
étude statistique tridimensionnelle, présentoir circulaire
d’un salon automobile désuet, pivote sur son axe.
De belles pièces de la fin d’un xx e siècle à peine sorti du
charnier du modernisme y sont disposées – Enzo Mari,
Andrea Branzi, Joe Colombo, Superstudio. Elles tournent
devant le public, qui ne sait pas toujours s’il a bien
compris de quoi design était le nom. C’est un premier
service à lui rendre. Quelques marques plus fraîches
ajoutent parfois à cette confusion : Didier Faustino,
Noam Toran, Marguerite Humeau (Matali Crasset et
Philippe Starck peuvent toujours servir d’amers). Tout
ça est très délicatement composé. Il s’agit plus d’écriture
de scénario que d’objets présentés. Les objets sont
les petits cailloux dans un conte virtuose. Le design
qui écrit des histoires politiques matérialisées est ici
d’ordre manifeste, il n’est quasiment jamais industriel.
Le politique est un autre livret, le témoignage lyrique
d’une ambition qui dépasse la boutique – pour l’instant
la boutique court plus vite que tout le monde,
et c’est d’ailleurs ce que semble rappeler le dispositif
de présentation. La tentative de reproduction des
cris d’animaux préhistoriques disparus qui domine
le manège (Humeau) révélerait l’archaïsme du propos,
sa dimension essentiellement historique en tout
cas. Tout comme le film qui introduit l’exposition : un
collage d’extraits cinématographiques, souvent très
anciens, en noir et blanc. Un bon montage et un texte
dont on perd régulièrement la trace face à l’avalanche
d’images qui distrait sans presque jamais esquisser un
lien quelconque aux propos – une discrépance finalement
perturbante qui viendrait confirmer qu’assembler
politique et design est une affaire trouble, et donc la
possibilité d’un grand jeu, assez beau, surtout si on est
en mesure et capacité d’en écrire soi-même les règles,
sur mesure. L’histoire n’en deviendrait-elle autrement
que touchante et un peu grossière, triste comme un
slogan Lip en 1973 ?
L’un des principes paraît être de ne jamais toucher
terre. Parce que c’est sale, sûrement. Le politique
est devenu exercice de style parce qu’il s’agit d’une
chose morte, il y a quarante ans environ. Écrire « haut
fourneau » en français, ça sent la Lorraine, celle qu’on
n’entend plus que dans les accents syndicaux, quand
tout se délite encore la gueule – en étant presque surpris
que la casse n’ait pas été déjà entièrement achevée
dans les années 70 et 80. Et si, pour redonner une fierté
à la Moselle voisine, on lui offrait un Centre Pompidou
par exemple, bien vilain, bien foireux ? À Saint-Étienne,
où s’achèvera bientôt l’exposition « Politique Fiction »,
le design et l’architecture viennent aussi pousser là
où l’industrie est défunte, là où le politique est venu
s’échouer. Le design n’est pas politique, il le remplacerait
plutôt, substitut et avatar.
« Je prends la défense des
industries en voie de disparition,
remplacées par une société
disneyenne d’employés de
bureau attachés à la poursuite
d’objectifs dépourvus d’objet […]»
2012 a été en France l’étape quasi terminale d’un
grand plan de restructuration de la chaîne acier 6 imaginé
il y a dix ans, baptisé Apollo. Si c’est pas du design
ça : du projet et du projectile, tout ensemble. Arcelor (qui
n’était pas encore soudé à Mittal) doit avoir l’humour
chevillé au corps (full Mittal racket, lui répond l’ouvrier
qui n’est pas toujours en reste). Les derniers échos du
désastre industriel émeuvent de manière embrouillée.
Il reste excessivement difficile de comprendre l’attachement
du servant des hauts fourneaux à son usine, bien
au-delà de l’emploi et du salaire qu’elle incarne. Parfois,
lorsque l’ouvrier revenait de ses congés d’été, il lui arrivait
de pleurer en apercevant la silhouette de cheminée
de son usine, on le sait. Et ce n’est pas de la douleur,
mais une autre nuance d’émotion, bouleversée et complexe.
On voudrait y voir ces plaisirs pénibles de la
servitude volontaire, ou s’abîmer dans une réflexion
sur un lumpen prolétariat décidément essoré, mais
c’est certainement plus insaisissable. Le bruit, le feu,
la brique, la pluie, la maisonnette, le groupe, le rade,
l’histoire. L’acier y est pour quelque chose, celui qui a
structuré le squelette du xix e et presque tout le xx e siècle
pareil, en guerres comme en prodiges moins sanglants.
Le métier d’homme où l’amitié franche et virile serait
beaucoup plus révolutionnaire que pétainiste. Ce que
l’on retrouve dans certaines postures de van Lieshout,
ou ailleurs… Dans l’affiche de Paris Photo, par exemple,
qui choisit un gazomètre de Bernd & Hilla Becher.
Dans cette architecture industrielle devenue spectre,
durablement fascinante, dans l’usine, dans l’aciérie et
sa rumeur, dans les superstructures presque infernales,
il y aurait une fraction de ces lumières intermittentes
émises par les lucioles que Pasolini voyait disparaître
en 1975. La luciole comme résistance, dignité et espoir
dans une obscurité fasciste en voie d’épaississement.
Ces petits insectes luminescents que ne lâche plus
l’historien de l’art Georges Didi-Huberman lorsqu’il
pose cette hypothèse 7 d’éclairs de réapparition des
peuples, d’une résistance par la résurgence d’images.
Une affiche de chic festival, une pièce en bronze pour
une galerie luxueuse, une exposition élégamment ficelée
? Pourquoi pas. « À nos morts » est une inscription
de monuments funéraires de la Première Guerre mondiale
en Moselle, sans précision du pays pour lequel
ils ont perdu la vie, vu qu’ils étaient le plus souvent
de l’autre côté. Sur les stèles de Designland, pour les
disparus au front du politique, c’est la même.
Pierre Doze
1. Jubilee, Derek Jarman. Tourné en 1977, DVD, The Criterion Collection.
Peut-être l’unique film authentiquement punk de la brève histoire d’un
style qui était aussi politique.
2. « Blast Furnace », Carpenter’s Workshop Gallery, Londres.
3. Activité qui lui est proche : AVL (Atelier van Lieshout) a monté la scénographie
et les décors d’un Tannhauser (Richard Wagner) à Bayreuth en 2007,
dont les dernières représentations s’achèvent cette année.
4. Atelier van Lieshout FURNITURE, du 19/01 au 27/04/2013, Carpenter’s
Workshop Gallery, 54 rue de la Verrerie 75004 Paris.
5. Exposition Alexandra Midal au Cneai - « Politique Fiction : le design
au combat », du 29/09/2012 au 21/12/2012. Cneai, île des Impressionnistes,
hameau Fournaise 78400 Chatou. Et aussi « Politique Fiction », exposition
du 11/05/2012 au 6/01/2013, Cité du Design, 3 rue Javelin-Pagnon 42000 Saint-
Étienne. Le film de l’exposition est actuellement diffusé au Cneai (Chatou)
dans « Scénario d’automne en dix points de vue », jusqu’au 21 décembre 2012.
6. Bruno Serralongue, série « Histoire des avant-dernières luttes »,
Florange 2012, galerie Air de Paris. Si le photographe réalise une série
à Florange, aucun designer n’y a en revanche mis le pied.
7. Dans Survivance des lucioles en 2010, puis Peuples exposés, Peuples
figurants, 2012, tous deux aux Éditions de Minuit, Paris.
À gauche : exposition « Politique Fiction » d’Alexandra Midal. © Pierre Grasset.
À droite : atelier van Lieshout, Technocrate Bronze Coffee Table. Courtesy
Carpenters Workshop Gallery.
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étrovision
charlie
Au milieu des années 60, un des éléments les plus populaires
et les plus diffusés de la « basse culture », la bande dessinée, n’échappe pas à la
frénésie classificatoire du monde de l’art et en devient le 9 e .
Peut-être que l’extraction de son milieu originel par
les artistes « pop », Warhol, Roy Lichtenstein, Robert
Rauschenberg entre autres, pour se trouver cases après
cases propulsée sur les cimaises des galeries et musées,
a contribué à cet anoblissement. Le travail de fond, en
matière d’analyse critique, sociologique et sémiologique
concomitante, depuis le début de la décennie, développé
au sein de quelque « société savante » – comme le Centre
d’études des littératures d’expression graphique présidé
par Francis Lacassin, journaliste et écrivain, où se
côtoient des amateurs avertis comme le cinéaste Alain
Resnais, l’actrice Delphine Seyrig, le sociologue Pierre
Couperie ou encore le scénariste Alejandro Jodorowsky,
puis la Société civile d’étude et de recherche des littératures
dessinées créé par des « dissidents » de la première,
le journaliste Claude Moliterni, Pierre Couperie et le
spécialiste des littératures populaires George Fronval –
change le regard sur cet art jusque-là dit mineur. Les
bulletins ronéotés à l’allure de fanzines, Giff-Wiff que
l’éditeur Jean-Jacques Pauvert transforme, à partir du
n o 20, en véritable magazine, ou encore la revue Phenix
participent à cette médiatisation. En 1967, le musée des
Arts décoratifs à Paris ouvre ses espaces pour l’exposition
« Bande dessinée et figuration narrative », avec
comme commissaire, le critique d’art, fondateur de la
revue Opus international, Gérald Gassiot-Talabot.
Révolution sexuelle oblige, les héroïnes de
papier, en amazones modernes se libèrent : éditées par
le sulfureux Éric Losfeld, Valentina de Guido Crepax,
Scarlett Dream de Robert Gigi, Barbarella de Jean-
Claude Forest, sans oublier Pravda la surviveuse de
Guy Peellaert. N’en déplaise à Lénine, le gauchisme
dominant et l’alternative graphique a dépassé le stade
de la maladie infantile et est déjà à l’âge adulte. En
1969, dans la foulée de la revue de bandes dessinées italienne,
Linus, paraît Charlie mensuel. Publiée par les
éditions du Square, que dirige Georges Bernier alias le
« La bande dessinée, comme le
reste, est toute simple. Elle n’a
pas besoin de gloses, et surtout
pas de glosateurs […]»
professeur Choron avec Delfeil de Ton comme rédacteur
en chef et Cavanna en « ange tutélaire », c’est un véritable
« coup d’éclat » que proclame l’équipe d’Hara Kiri
initiatrice du projet. Sous la baseline, « Journal plein
d’humour et de bandes dessinées », un premier édito :
« Pourquoi une nouvelle revue ? Pour vous faire rire.
La bande dessinée, en France, n’avait pas très bonne
réputation. Puis le snobisme s’en est mêlé. On a raconté
plein de bêtises et, surtout, on a publié n’importe quoi.
Le résultat, c’est que, maintenant, en France, la situation
de la bande dessinée est pire que jamais. » Un pavé
dans la mare, où s’ébrouent les thuriféraires du 9 e art.
Et de poursuivre : « […] Nous aimons la bande dessinée
et nous avons la ferme intention de vous la faire aimer.
Comment ? D’abord en vous présentant les meilleures
d’entre elles, et seulement les meilleures d’entre elles,
dans la meilleure traduction possible. Ensuite, en ne
vous en mettant pas plein la vue à coups d’érudition,
en ne jouant pas à l’esbroufe avec des noms que vous
ne pouvez pas connaître. Enfin, en ne vous assénant
pas notre interprétation des œuvres, en nous contentant
de vous les montrer. La bande dessinée, comme le
reste, est toute simple. Elle n’a pas besoin de gloses, et
surtout pas de glosateurs. »
Au sommaire du premier numéro, des auteurs
américains, mais avec modération, Al Capp et sa
série Li’l Abner, John Miles avec Perkins et surtout
Charles M. Schulz avec ses strips – Peanuts et son personnage
Charlie Brown, qui donne le titre du journal.
Beaucoup de dessinateurs français avec notamment
Cardon, Wolinski, Gébé, Moebius, Cabu et Pichard.
Les pages de BD alternant avec des textes de Cavanna,
Delfeil de Ton ou encore des humoristes ou auteurs
et poètes iconoclastes, Alphonse Allais, Jean Richepin…
Le tout sur 64 pages au format 20,5 x 27 cm, légèrement
inférieur au A4, et un parti pris typographique, très
international, auquel Charlie ne déroge pas pendant
152 numéros. Une fonte Helvetica pour l’ensemble des
textes courants, déclinée en bold bas de casse ou capitale
pour les titres.
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Après quelques numéros, Wolinski reprend
la rédaction en chef du journal et donne une vraie
impulsion au mensuel. Avec intuition et envie de
faire connaître, Wolinski écrit une nouvelle cartographie
qui ne passe ni par les classiques, ni par l’underground.
Une géographie plus intime où il rend
hommage à des auteurs méconnus du lectorat français
qui l’ont fortement influencé. Dessinateurs américains
des années 20 avec George Herriman et Krazy Kat ou
Popeye inventé par Segar. Les années 50 sont aussi
présentes avec la découverte des strips politiques de
Jules Feiffer, l’iconoclaste fondateur de Mad, Harvey
Kurtzman. Charlie devient découvreur de talents avec
Willem, émigré « provo » hollandais qui porte l’idiotie
de ses héros à son paroxysme. Willem qui, par ailleurs,
chronique mensuellement sous l’intitulé « Chez les
esthètes » une revue de presse des publications vouées
aux enfers des bibliothèques. Alex Barbier, Varenne et
Francis Masse sont aussi du rendez-vous. « Coup d’éclat »
et chocs visuels sont l’essence même de la revue avec la
révélation des Italiens Guido Crepax, le délirant et truculent
Jacovitti, l’expressionniste Guido Buzzelli, mais
surtout de la bande dessinée d’origine latino-américaine
avec Alberto Breccia et les Argentins José Muñoz
et Carlos Sampayo, inventeurs d’une réhabilitation
graphique et narrative du noir et blanc au travers des
aventures du détective Alack Sinner. L’ensemble jaillit
au regard du public avec des couvertures dans l’esprit
pop, colorisation de vignettes sorties des cases dans des
tons criards mais sans vulgarité. Pendant une décennie,
Wolinski conduit Charlie en esthète et fait de la
bande dessinée un véritable objet de culture.
Pierre Ponant
PORTFOLIO
BP COIFFURE 1 E ANNÉE
PHOTOGRAPHIE CHARLES FRÉGER
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BP COIFFURE
1 e année
Photographie : Charles Fréger
assisté de Anaïs Boileau et Marie Rime
Merci à Martine Saint-Dizier
et aux élèves du CFA Ambroise-Croisat

adrien
kim

cynthia
sydney

angélique
morgane

omain
mélanie

prix
PHOTO 2012
Tous les ans, de nombreux concours de photographie décernent leur prix, en voici
une sélection pour 2012.
éric pillot
in situ, 2010
prix hsbc 2012
christian kryl
top of the world
prix voies off 2012
Cyrille Weiner
prix lucien hervÉ 2012
luc delahaye
132 nd Ordinary Meeting of
the Conference
prix Pictet 2012
Katharine Cooper
Danny & Tiger Harare, Zimbabwe 2004
prix Marc Ladreit de Lacharrière
samuel aranda
world press photo contest 2011
Liz Hingley
prix virginia 2012
leonora hamill
Painting I Cracow, 2009
prix hsbc 2012

ABONNEMENT
Abonnement 1 an / 4 numéros
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Magazine n° 11 mars, avril, mai paraîtra le 1 er mars
Magazine est imprimé par SIO sur Heidelberg CD 102
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94120 Fontenay-sous-Bois
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www.imprimerie-sio.com
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Agenda
hiver 2012 - 2013
Décembre
4 au 9 décembre
Les sapins de Noël des
créateurs rassemblent
designers et stylistes
à l’Hôtel Salomon de
Rothschild.
le-bal.fr
5 au 9 décembre
Design Miami, puisqu’il
vous manquait un prétexte
pour aller vérifier que,
décidément, le marché
du design ne vaut pas le
marché de l’art.
designmiami.com
13 décembre au 14 avril
Fashioning Fashion, deux
siècles de mode européenne,
1700-1915.
lesartsdecoratifs.fr
14 au 24 décembre
Flash design store est une
boutique éphémère de
designers parmi lesquels :
Well Well Designers,
Julie Thévenot, Los Patos,
les Ouvrières, Icôn…
37 rue des Petites Écuries
Paris 10 e
14 décembre au 6 janvier
Ceux qui arrivent, à savoir
la nouvelle génération
de photographes et de
vidéastes récemment
diplômés d’une école d’art.
le-bal.fr
Jusqu’au 30 décembre
Derniers jours de
l’exposition Hello H5, fiction
graphique et critique du
marketing.
gaite-lyrique.net
Janvier
2 janvier
Renoir de Gilles Bourdos,
2012, 111’. Un biopic sur
le peintre et ses rapports
avec son fils réalisateur,
remarqué à Cannes dans
Un certain regard.
En salles
Jusqu’au 5 janvier
Derniers jours de
l’exposition Vuillemot,
peintre en affiche à la
bibliothèque Forney.
paris-bibliothèques.org
8 janvier
Conférence publique de
Farid Chenoune À propos
du dandysme. Réserver.
ifm-paris.com
Jusqu’au 13 janvier
Derniers jours de
l’exposition d’Arik Levy
Apparences trompeuses,
qui se présente comme
rétrospective et prospective
à la fois.
passagederetz.com/
16 janvier
Lullaby to My Father
d’Amos Gitaï, 2012, 82’.
Un film mêlant souvenirs
intimes et historiques.
En salles
16 au 20 janvier
FFAST ou Festival du film
d’Asie du Sud transgressif,
autrement dit le cinéma
parallèle à Bollywood, aux
cinémas Gaumont Champs-
Élysées et Ambassade.
ffast.fr/
16 au 20 janvier
Défilés mode masculine
Automne-Hiver 2013/2014,
Eh oui, déjà… Plus
d’informations sur
modeaparis.com/
18 janvier au 3 février
Festival Hors Pistes, qui
présente une série de films
et d’artistes, dans une veine
expérimentale.
centrepompidou.fr/
18 au 22 janvier
Salons Maison & Objet
et Meuble Paris, deux
rendez-vous professionnels
incontournables.
maison-objet.com/
18 au 27 janvier
Premiers plans, festival des
premiers films européens,
pour découvrir de nouveaux
réalisateurs. À Angers.
premiersplans.org/
Jusqu’au 20 janvier
Derniers jours de
l’exposition du
photographe mexicain
Manuel Alvarez Bravo.
jeudepaume.org/
21 au 24 janvier
Et on enchaîne sur les
défilés couture Printemps-
Été 2013. Plus d’info sur
modeaparis.com/
Février
magazine n o 10
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1 er au 9 février
35 e festival international du
court métrage. Une bonne
raison d’aller à Clermont-
Ferrand.
clermont-filmfest.com/
7 au 17 février
Berlinale, 63 e festival du
film de Berlin, dont le
président du jury sera
Wong Kar-wai.
berlinale.de/
12 au 14 février
La salon Première Vision
Paris ouvre ses portes
pour trois jours aux
professionnels du textile.
premierevision.com/
13 février au 7 avril
Arrrgh, Monstres de mode,
exposition autour de la
figure du monstre. Avec,
entre autres : Maison Martin
Margiela, Walter Van
Beirendonck, Issey Miyake,
Craig Green, Rick Owens,
Henrik Vibskov, Jean-Paul
Lespagnard…
gaite-lyrique.net/
15 février
Rétrospective Maurice Pialat
doublée d’une exposition de
ses peintures et documents
de tournage.
cinematheque.fr/
20 février au 20 mai
Exposition rétrospective
consacrée à l’architecte
et designer irlandaise
Eileen Gray.
centrepompidou.fr/
20 février au 11 mars
4 e édition du Nouveau
Festival de Beaubourg. Trois
semaines d’interventions,
lectures et performances.
centrepompidou.fr
26 février au 6 mars
Défilés prêt-à-porter
Automne-Hiver 2013/2014.
modeaparis.com/
* Poésie urbaine. preview, © Aeraware, Ligne Roset. Muuto © Gils. Roche Bobois © Nicolas Gaillon. Getty Images. Organisation SAFI, filiale des Ateliers d’Art de France et de Reed Expositions France
PARIS
CAPITALE
DE LA
CREATION
Urban poetry *
18-22 JAN. 2013
PARIS NORD VILLEPINTE, hall 8
www.nowdesignavivre.com
Salon international du design pour la maison
Salon réservé aux professionnels
International home design exhibition
Trade only. Tel. +33 (0)1 44 29 02 00
info@safisalons.fr

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LE TEMPS AVEC SOI