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48approfondimenti THREE SON MEGLIO CHE ONE Intervista doppia? Macchè, tripla. Eh sì, perché da quest’anno - e per le successive due edizioni - il romano FotoGrafia Festival si è dotato, oltre allo storico direttore Marco Delogu, di ben tre curatori “esterni”. I quali hanno partecipato a un bando in piena regola - e lo sottolineiamo, perché in Italia è cosa rara - e hanno presentato un progetto triennale. Ognuno con le proprie specificità: la “nostra” Valentina Tanni per Fotografia e Nuovi Media, Marc Prust per Fotografia ed Editoria, Paul Wombell per Fotografia e Arte contemporanea. A loro la parola, dunque... Com’è nata la tua nomina a cocuratore del festival? Come hai deciso di partecipare al bando? Valentina Tanni: Il bando mi è stato segnalato da un collega e appena l’ho letto ho pensato che fosse una grande opportunità. Il rapporto tra la fotografia e i nuovi media è un argomento molto stimolante, che fa parte delle mie linee di ricerca già da qualche anno. Perciò, la possibilità di portare avanti questo studio anche in modo “pratico” attraverso mostre e incontri, e per di più all’interno di un festival di fotografia, mi è parsa preziosa. Marc Prust: Ho trovato il bando per il posto di co-curatore in un sito per fotografi documentaristi e giornalisti (lightstalkers) e ho deciso di partecipare. Dopo aver inviato la mia proposta, ho avuto una breve conversazione telefonica con il comitato selezionatore e sono stato scelto come uno dei curatori del festival. Paul Wombell: Esiste un accordo commerciale tra Italia e Regno Unito: quando un italiano guida la nazionale inglese di calcio, l’Italia deve rispondere assumendo un curatore inglese per lavorare a Roma (specifico che sono meglio io come curatore internazionale di quanto lo sia Capello come allenatore di una squadra internazionale). Inoltre, da giovane volevo far parte di un gruppo pop e immaginavo che il mio nome d’arte sarebbe stato Paul Rome, così era destino che un giorno lavorassi in questa città. Ma adesso è troppo tardi per formare una band, così curo mostre di fotografia e a volte faccio il dj. Un giudizio sulla formula che è stata scelta quest’anno. La modalità “a tre punte” ti è piaciuta? Come l’hai letta? V.T.: In generale, sono sempre favorevole alle soluzioni collaborative, soprattutto per quanto riguarda le rassegne a cadenza periodica. Nella mia visione, la vocazione di questo tipo di manifestazioni dovrebbe essere la ricerca, l’aggiornamento, una ricognizione di quello che di più interessante accade nel settore di riferimento. Trovo che la fotografia stia vivendo un momento particolarmente complesso ed eccitante; il suo linguaggio continua a evolversi e ho trovato molto azzeccata e coraggiosa la scelta di indagarlo da diversi punti di vista. M.P.: È interessante lavorare con altri curatori su un festival, apre un intero spettro di soggetti e stili da esporre, e questo è positivo. È anche utile per riconsiderare la visione generale del festival, e porterà auspicabilmente a un festival molto più creativo e a una maggiore integrazione con la comunità fotografica locale e nazionale, romana e italiana. La decisione, a mio parere, è stata presa proprio per queste ragioni: c’era la necessità di cambiare e di dar vita a un festival più inclusivo, senza perdere la forza e i risultati delle edizioni precedenti. P.W.: Non è inusuale al giorno d’oggi per un gruppo di curatori lavorare insieme nel contesto di un festival artistico. Ciò porta in dote i benefici di differenti esperienze e saperi al momento di costruire il programma; inoltre, può essere una sfida stimolante per il team del festival e anche per il pubblico. Nel caso di FotoGrafia Festival, crea una visione più ampia delle possibilità all’interno del medium fotografico. C’è stata una reale interazione fra voi tre curatori? O si è lavorato del tutto in remoto? V.T.: Sono successe un po’ tutte e due le cose. Ci siamo scambiati idee e punti di vista e abbiamo cercato di strutturare tre progetti che fossero in qualche modo complementari. Per quanto riguarda le singole mostre, tuttavia, abbiamo lavorato in autonomia. M.P.: Abbiamo lavorato per la maggior parte del tempo per conto nostro, e durante gli incontri abbiamo discusso soprattutto i temi comuni come il catalogo e la comunicazione complessiva del festival. P.W.: Entrambe le modalità: abbiamo scambiato idee durante il nostro primo incontro formale a Roma, e proposto liberamente suggerimenti nei confronti di ognuno dei nostri progetti individuali. Da allora, ci siamo scambiati email, ma principalmente ci siamo concentrati sulle rispettive mostre. Raccontaci il rapporto che hai avuto e che stai avendo con gli spazi espositivi che quest’anno sono a disposizione del festival. Come sarà allestita la tua sezione? Che scelte hai compiuto? V.T.: L’ex Mattatoio è un luogo che ha dimostrato di avere grandi potenzialità per le attività culturali in questi ultimi anni. È una sede che non solo si presta in modo flessibile a ospitare eventi di tipo diverso, ma che funziona molto bene anche come luogo di aggregazione, come catalizzatore sociale, sia per la sua configurazione di “città dentro la città”, sia per il suo posizionamento in un’area vivace come il quartiere di Testaccio. La mia sezione contiene progetti che si concretizzano fisicamente con modalità differenti l’una dall’altra (stampe, video, oggetti, proiezioni), per cui ho cercato di costruire un percorso che metta lo spettatore in grado di fruire queste diversità nel modo migliore. M.P.: Lo spazio è stupefacente: ruvido, duro, difficile da gestire, ma con molta personalità. L’intera area dà allo spettatore l’impressione di non trovarsi a Roma ma in un’altra città, e speriamo di rafforzare questa sensazione attraverso l’allestimento che abbiamo creato insieme. La mia mostra è dunque il luogo in cui si ritorna a casa. Ho cercato di ricreare un ambiente domestico, che si inserisse a sua volta nello spazio grezzo del macello. Lo potremmo definire un loft in stile newyorchese. La pubblicazione ha a che fare essenzialmente con la capacità di comprare un libro o una rivista, portarseli a casa e leggerli al sicuro, circondati dalle proprie cose. Dal momento che la mostra di quest’anno riguarda le opere inedite, ho ricreato l’emozione di “andare a casa a leggere” realizzando un soggiorno, una tv room, uno spazio per leggere le riviste... In ogni caso, invece di essere disponibili, tutti i materiali sono incatenati al muro o al soffitto. Niente può essere portato via, e può risultare perfino difficoltoso leggere i libri e le riviste. Infatti questo è il punto: non li puoi portare via, perché i progetti che vedi qui non sono pubblicati.
P.W: La città di Roma è davvero fortunata ad avere questo spazio unico. Sia Macro Testaccio che Pelanda sono eccezionali. Forse sono stati oscurati dalla stampa internazionale durante l’inaugurazione del Maxxi; ma se considerate tutti questi spazi, rappresentano una grande opportunità per Roma di promuovere una nuova identità che includa l’arte contemporanea. Personalmente, mi piacerebbe utilizzare sia Macro Testaccio che Pelanda per creare una città nella città, in cui il visitatore possa passare dalle 5 alle 8 ore visitando mostre, guardando film, partecipando a una discussione, pranzando o cenando, comprando libri o riviste, perdendosi e magari ballando fino a tarda notte. Esattamente come facciamo tutti quando usciamo in qualsiasi città per un intero giorno. Forse, nei prossimi due anni potremo raggiungere questo traguardo. Perciò la programmazione va considerata non solo in termini di mostre, ma anche in una cornice più ampia di eventi spalmati nel tempo ma concentrati in un unico luogo. Riguardo alla location, ogni mostra è a Testaccio per ragioni meramente pratiche: un singolo edificio, infatti, presenta un migliore controllo ambientale. Il budget a disposizione di questa rassegna lo hai trovato adeguato o avete dovuto fare una edizione... al risparmio? V.T.: Economicamente, il settore culturale (e non solo quello) vive un momento difficile, è inutile negarlo. Qualche ridimensionamento rispetto ai progetti iniziali c’è stato, soprattutto in termini di allestimento, ma abbiamo cercato di ottimizzare le risorse a disposizione non rinunciando mai alla qualità dei contenuti. M.P.: In una situazione economica generale ristretta all’osso, non ci possiamo attendere di avere a disposizione un budget enorme per una mostra. Abbiamo perciò dovuto prendere alcune decisioni in favore del risparmio e contro il design creativo e la qualità. P.W.: Il budget era significativo per realizzare il 90% della mostra che avevo proposto. Ma se il nostro scopo è quello di rendere il FotoGrafia Festival equivalente ai maggiori festival europei e di ottenere tutti i benefici che un processo del genere porta alla città (come il riconoscimento internazionale, l’aumento dei visitatori, eventi migliori per i romani), allora dobbiamo riflettere su come può essere raggiunto. Con risorse extra, questo festival potrebbe facilmente essere uguale, se non migliore, dei più importanti festival fotografici europei. Ciò dovrebbe essere qualcosa a cui aspirare. Chiudiamo parlando nello specifico della tua sezione. Come si articolerà la tua proposta? Come la svilupperai nei tre anni in cui sarai curatore del festival? V.T.: La mia mostra si intitola Maps and Legends. When Photography Met the Web ed è un’indagine sul rapporto tra il linguaggio fotografico e la cultura del web. Trattandosi di due realtà in movimento, la mappatura è necessariamente transitoria; la mostra stessa è pensata come una fotografia di un momento storico preciso. Non mi sono concentrata, tuttavia, sulla Rete come tecnologia, ma come luogo generatore di cultura, di storie, di linguaggi, perfino di leggende. La parola ‘legends’ del titolo è infatti volutamente ambigua: fa riferimento alle legende, intese come strumenti per decodificare una mappa, ma anche come miti, narrazioni. Ho selezionato il lavoro di dieci artisti, italiani e stranieri, che attraverso la loro ricerca mostrano come sia cambiata la percezione culturale della fotografia, anche e soprattutto in conseguenza dell’avvento di internet. Dalle gif animate alle fotografie nei mondi virtuali; dalle immagini di Google Street View agli scatti che cambiano in tempo reale con il flusso dei dati. C’è anche una macchina fotografica che cattura il tempo, invece dello spazio, rendendo la fotografia un’attività condivisa. Per quanto riguarda le prossime edizioni, ho intenzione di costruire due progetti tematici, due capitoli specifici che faranno da approfondimento, da focus, dopo una prima edizione introduttiva. In particolare, per la seconda edizione mi piacerebbe costruire un percorso attraverso i tentativi - sempre più numerosi - di fotografare l’invisibile. M.P.: La mia sezione si concentra su Fotografia ed Editoria: ho deciso perciò di seguire, nel corso dei tre anni, le fasi differenti della pubblicazione fotografica. La prima mostra espone lavori inediti; la seconda mostrerà piccole pubblicazioni che ricevono una scarsa attenzione; nel terzo e ultimo anno analizzerò quelle pubblicazioni che hanno oltrepassato il confine del pubblico locale e/o fotografico per raggiungere un’audience più ampia, globale. L’intero programma è un’indagine dei motivi che - al di là della qualità - fanno raggiungere a una determinata pubblicazione fama mondiale, e che destinano invece all’oblio un’altra, di pari qualità e interesse. La prima mostra espone dunque bookdummies, reportage e progetti artistici mai pubblicati, ma anche siti di fotografi che non riescono ad attrarre un ampio numero di visitatori. Voglio dimostrare così che i fotografi stanno creando pezzi incredibili che potremmo non vedere mai. Oltre a questa ragione ovvia, la mostra ha lo scopo di mostrare le vere intenzioni di questi autori, non modificate da editori che hanno la loro visione particolare di ciò che il pubblico vuole, o del modo in cui un certo progetto dovrebbe essere visto. P.W.: La fotografia viene generalmente discussa al passato. Una volta che una foto è scattata, guarda indietro nel tempo, non avanti. Roland Barthes, in Camera Lucida, lo definisce “ciò che era”. Ma alcuni fotografi stanno mettendo in discussione questa affermazione, realizzando immagini che guardano avanti nel tempo: stanno lavorando cioè come gli scrittori di fantascienza e stanno usando il processo fotografico per immagina- approfondimenti 49 re l’aspetto del futuro. Bumpy Ride mette insieme i lavori di otto fotografi contemporanei che usano tecniche analogiche e digitali, e che stanno sfidando le nostre aspettative su ciò che vediamo in un’immagine fotografica. Ho preso il titolo della mostra da una pubblicazione dell’Intelligence Council statunitense, Global Trends 2025: A Transformed World, che predice come il mondo stia entrando in un periodo di grande instabilità: abbiamo di fronte una “corsa turbolenta”. Ho già alcune idee per il prossimo anno, ma vediamo intanto come va l’edizione del 2010, e ciò che possiamo imparare dall’uso dello spazio e dalla risposta del pubblico. Il team del festival si incontrerà e riconsidererà le attività di quest’anno, valutando i miglioramenti in vista del prossimo. [a cura di m. t.] info dal 23 settembre al 24 ottobre FotoGrafia Festival 2010 Futurspectives direzione artistica di Marco Delogu a cura di Marc Prust, Valentina Tanni e Paul Wombell Macro Testaccio Piazza Orazio Giustiniani 4 00153 Roma da martedì a domenica ore 16-24 tel. 06 671070400 www.macro.roma.museum
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