st - Fingerpicking Net

Ricordando
Bert Jansch
Wizz Jones
John Renbourn
Robin Williamson
Alex De Grassi
Pierre Bensusan
Gordon Giltrap
Madame Guitar
Pierre Bensusan
Antonio Forcione
Fratelli Chatelier
Max Monte
IN PROVA: Blueridge BG60 e BR 243, D-TAR Equinox

sommario
sr
Gli amici di Bert
È nato tutto un po’ per caso, ma
è bastato proprio poco per scatenare
un universo di affetto intorno
a Bert Jansch.
Eravamo pronti con gli articoli
per questo numero di novembre.
Dovevamo solo decidere la copertina
ed ecco l’idea: «Dedichiamola
a Bert Jansch, dedichiamogli
semplicemente la foto di copertina!»
Dovevamo cercare una foto
originale, così Reno Brandoni ha
provato a rivolgersi a Stefan Grossman,
chiedendogli se avesse nel
suo catalogo qualche foto di Bert.
Abbiamo ricevuto diverse immagini,
tra cui quella un po’ ‘inquietante’
che abbiamo scelto per la
copertina. Poi è bastato che Reno
provasse a scrivere una semplice
email a John Renbourn, chiedendogli
se se la sentiva di scrivere
un breve contributo scritto in ricordo
dell’amico. E lui ha provveduto
a girare il messaggio a tutti i suoi
amici, così che la casella di Reno
si è riempita di altri messaggi e
ricordi: via via lo stesso Renbourn,
poi Robin Williamson della mitica
Incredible String Band, Wizz
Jones, Gordon Giltrap, Alex De
Grassi, Pierre Bensusan…
Abbiamo dovuto spendere un
po’ di tempo per tradurli, ed ecco
il motivo di questa uscita il 15 del
mese. Ma siamo veramente soddisfatti
di aver potuto ricordare un
grande musicista con tanta passione
e affetto da parte dei suoi
stessi amici di viaggio!
Del resto anche il nostro primo
numero è uscito il 15 del mese di
aprile. Ed ora, a pensarci bene,
ci siamo resi conto che il 15 del
mese può essere proprio la data
più adatta per l’uscita della nostra
rivista. Anche in considerazione
del fatto che, a partire da gennaio,
come spieghiamo all’interno di
questo numero, usciremo anche
in edizione cartacea. Sì, avete
letto bene: da gennaio usciremo
anche in edizione cartacea!
Che ne pensate? Non ci stiamo
avvicinando sempre di più ai nostri
obiettivi?
Andrea Carpi
Editoriale
Goodbye Mr. Jansch di Reno Brandoni pag. 5
Notizie
OstHello Musica pag. 12
Pierre Bensusan pag. 12
Bob Brozman pag. 13
Eric Bibb pag. 13
Bourgeois Guitars Day pag. 13
Blog
L’ansia e il palcoscenico di Riccardo Sonzogni pag. 14
Il monitoraggio nella ripresa di strumenti acustici di Paolo Costola pag. 18
Recensioni pag. 20
Stefano Barbati “Acoustic Ladyland” di Alfonso Giardino
John Renbourn “Palermo Snow Shanachie” di Gabriele Longo
François Sciortino “Guitare Picking” di Alfonso Giardino
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chitarra acustica 8 duemilaundici

sr
Artisti
Madame Guitar 2011 di Andrea Carpi pag. 22
Intervista a Pierre Bensusan di Mario Giovannini pag. 28
Intervista ad Antonio Forcione di Dario Fornara pag. 32
Strumenti
I fratelli Chatelier di Dario Fornara pag. 36
Maxmonte Guitars di Alberto Ziliotto pag. 40
Chitarra acustica Blueridge BG 60 E BR 243 di Mario Giovannini pag. 44
Equalizzatore per chitarra acustica D-TAR Equinox di Daniele Bazzani pag. 48
Gas Addiction pag. 50
Tecnica
Guitar Workshop di Stefan Grossman pag. 52
Studio #4 in E di Daniele Bazzani pag. 56
Neve’ di Luca Francioso pag. 60
The Storms Are on the Ocean di Roberto Dalla Vecchia pag. 64
www.chitarra-acustica.net
La rivista viene realizzata
interamente senza ricevere
alcun tipo di contributo
o finanziamento pubblico
Direttore responsabile
Andrea Carpi
andrea.carpi@fingerpicking.net
Editore
Fingerpicking.net
Via Prati, 1/10
40057 Granarolo dell’Emilia (BO)
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Impaginazione e coordinamento web
Mario Giovannini
mario.giovannini@fingerpicking.net
Chitarra Acustica è una pubblicazione mensile
Registrazione del Tribunale di Bologna
n. 8151 del 07.12.2010
Amministrazione e coordinamento
Reno Brandoni
reno.brandoni@fingerpicking.net
Pubblicità
Tel. +39 349 0931913
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Manoscritti e foto originali, anche se non pubblicati, non si
restituiscono. È vietata la riproduzione anche parziale di testi,
documenti, disegni e fotografie.
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chitarra acustica 8 duemilaundici

editoriale
COVER
STORY
ed
Goodbye Mr Jansch
Quando suoni la chitarra, la chitarra diventa la
tua famiglia. Ti sembra che tutto ciò che accade e
riguarda questo strumento, in qualche modo ti appartenga.
Ti senti parte di un mondo esclusivo fatto
di amori e passioni, studio e fatica, emozioni e silenzio.
La solitudine della tua camera, in compagnia
soltanto dell’ultimo spartito da imparare, appoggiato
sul leggio o semplicemente abbandonato su una
sedia, spesso rapisce lunghi momenti del tuo tempo
e la tua mente costruisce un abisso di ricordi, talune
volte solo viaggi della fantasia. E gli autori di quelle
musiche che cerchi di imparare diventano i tuoi
eroi, o semplicemente i tuoi compagni di viaggio,
che non hai mai conosciuto e che forse mai conoscerai,
ma che ti sembrano fratelli silenziosi, guide
spirituali, immancabili presenze che partecipano
con determinazione e disciplina alla costruzione del
tuo passato, suggerendo gli alibi e le promesse per
il tuo futuro. Spesso ti sembra che non possa esistere
altro. Così, quando uno di loro scompare, senti
uno strappo interiore, senti nascere un’altra ferita
che mai si rimarginerà, ma che invece incrementerà
giorno dopo giorno la grande angoscia che ci portiamo
dentro e che cancella, delicatamente, sempre
di più, sogni e spensieratezza.
La scomparsa di Bert Jansch rafforza questo pensiero
per chi, della mia età, ha vissuto l’entusiasmo
di una storia che ha regalato alla musica un’immensa
ricchezza. Creatività ed eleganza hanno cambiato
i canoni della musica. La sua storia solistica,
o in coppia con John Renbourn o in gruppo con i
Pentangle, ha insegnato a un’intera generazione il
piacere della ricerca musicale, ha trasmesso il folk
al grande pubblico, la voglia di suonare la chitarra in
modo così particolare, preciso e incisivo. Credo che
questa legenda non appartenga solo al mio passato,
ma debba far parte anche del presente musicale
delle nuove generazioni. Anche in questo caso, purtroppo,
sarà proprio la perdita di un grande artista a
rilanciare la curiosità per certa musica, la corsa alla
pubblicazione e alla ristampa degli album più significativi.
Non è bello vedere quanto spesso sia resa
grazia a un grande artista solo dopo la sua morte,
riconoscendo infine lui e la sua musica immortali.
Così è la nostra generazione, alla ricerca di eroi defunti
che sorprendono le masse e il mercato in ritardo,
troppo in ritardo rispetto al giusto. Ma è un’ingiustizia
alla quale siamo abituati da molto tempo.
Non voglio parlare della musica o dei dischi di
Bert, che ho incontrato per la prima vola in una toilette
del Cambridge Folk Festival nel 1978. A questo
ci penseranno i discografici. Ma vorrei invitarvi
ad ascoltare in particolare “Kingfisher” da Avocet.
Avevo vent’anni e nei pomeriggi, quando lo scirocco
soffiava caldo lungo la costa, il tramonto colorava
il silenzio e dipingeva il mio futuro. Questo brano
era la colonna sonora del mio viaggio e Bert il mio
compagno immaginario.
Arrivederci Bert.
Reno Brandoni
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chitarra acustica 8 duemilaundici

ed
Goodbye Mr Jansch
Tributo a Bert
di Wizz Jones
Quando Bert Jansch è arrivato a Londra dalla
Scozia all’inizio degli anni sessanta, nessuno si è
accorto di questo giovane timido che stava tranquillamente
seduto nei bar e nei caffè di Soho.
Ma quando in un folk club uno del pubblico gli ha
prestato una chitarra, è improvvisamente entrato
nel vivo della scena con una performance carismatica,
meravigliando tutti per la sbalorditiva esibizione
di uno stile chitarristico passionale e originale.
Noi (la mia chitarra, tutti gli amici ed io) non avevamo
mai sentito niente di simile. Seguivamo prevalentemente
il nostro attuale guru Davy Graham,
ma vedere Bert fu una rivelazione. Come tutti noi,
aveva ascoltato Davy e tutti i vecchi cantanti blues
americani come Big Bill Broonzy, ma era andato
avanti e aveva sviluppato un modo di suonare la
chitarra e di scrivere canzoni che era completamente
nuovo. Inoltre aveva una spiccata inclinazione
per la musica folk tradizionale e suonava bellissimi
arrangiamenti di canzoni come “Black Waterside”.
A Londra, ma probabilmente ovunque, la vita degli
aspiranti chitarristi non sarebbe stata più la stessa!
Mi sento orgoglioso e privilegiato nel poter dire
che era un amico.
Pensieri su Bert
di John Renbourn
Tempo addietro a metà degli anni sessanta, un
piccolo biglietto apparve nella vetrina del negozio
di dischi Collett’s a Londra. Vi si leggeva: «Bert
Jansch – il miglio blues in città». Poiché ero fortemente
convinto che il miglior blues in città fosse
Wizz Jones, chiesi a lui un parere. «Ma chi è questo
Bert Jansch?» domandai. «È uno giusto» fu la risposta
che, detta da Wizz, era proprio un gran complimento.
Bert giunse a Londra con la corriera notturna da
Edimburgo insieme a Robin Williamson. Entrambi
si erano pagati il biglietto raccogliendo patate. La
prima volta che ci siamo incontrati era fuori di un
noto pub ai margini di Soho, lo Scot’s Hoose. Bert
era seduto sul marciapiede e stava recuperando le
proprie forze per tornare dentro.
Più tardi siamo finiti in un posto dove tutti erano
già pesantemente alticci. Diedero il benvenuto a
Bert, che era piuttosto ubriaco, e gli passarono una
chitarra. Lui suonò “Tinker’s Blues” e, ancora oggi,
mi ricordo chiaramente quel momento. Le sue dita
scivolavano lungo le corde e tiravano fuori un motivo
leggero punteggiato da armonici brillanti. Nel
frattempo il gattino domestico saltellava eccitato
per il divertimento di tutti. Era ‘fatto’ come tutti. Quel
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Goodbye Mr Jansch
ed
pezzo viene spesso associato ai viandanti. Non è
così. ‘Tinker’ era il gattino.
Il modo di suonare di Bert era fortemente radicato
negli stili tradizionali nordamericani – il blues e il fingerpicking
– ma con intriganti giri armonici e ritmici.
Alcuni dei suoi pezzi hanno un vago sapore modale
che sembrerebbe derivare dal suo retroterra
scozzese. Altri contengono ciò che mi fa pensare a
un’armonia romantica, ma non è così semplice da
spiegare. Spostamenti di accenti e complessi modelli
ritmici sono in pratica un suo marchio di fabbrica.
Seguire la musicalità di Bert non era quasi mai
semplice. La chiave di lettura stava nei pattern della
sua mano destra. Invariabilmente la soluzione era
la più semplice, non la più complessa. L’economia
e l’immediatezza dell’espressione sono le caratteristiche
del lavoro di tutti i grandi artisti.
E Bert era un grande.
Genio e lavoro
di Robin Williamson
Bert ed io siamo entrambi venuti fuori dalla scena
musicale folk di Edimburgo intorno al 1961, allo
Howff Folk Club. Tutti e due ci siamo trasferiti a Londra
sulla stessa corriera notturna, avendo pagato il
biglietto con i soldi guadagnati raccogliendo patate.
Per diversi anni le nostre vite hanno viaggiato su
binari paralleli.
Era chiaro fin dall’inizio che Bert era un genio
naturale sulla chitarra. Ma il genio e il duro lavoro
sono due facce della stessa medaglia. Quasi mai
ho visto Bert senza una chitarra in mano. Il suo stile
potente e la forza del tocco del suo pollice erano
cose su cui ha lavorato sodo. Ha sviluppato le mani
di cui aveva bisogno per manifestare l’unicità della
sua musica interiore. Il dono che ha fatto alla storia
della chitarra acustica è di grande statura. Con la
sua voce particolare ha anche dato un contributo al
canto tradizionale della Gran Bretagna e della sua
Scozia nativa. Egli è stato uno dei più grandi del
suo tempo.
Lo ricorderò sempre come un caro amico.
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chitarra acustica 8 duemilaundici

ed
Goodbye Mr Jansch
Ricordando Bert Jansch
di Alex De Grassi
Durante la mia adolescenza nella seconda metà
degli anni sessanta, sono rimasto alzato molte notti
fino alle prime ore del mattino ad ascoltare gli album
Jack Orion, Lucky Thirteen e Bert and John. Utilizzando
il vecchio metodo puntina del giradischi, ho
consumato un sacco di vinili cercando di imparare
nota per nota le parti di chitarra di molte di quelle
canzoni. Volevo anche tentare di imitare lo stile di
canto, un po’ tremolante, però modulato in modo
unico e assolutamente convincente di Jansch.
La mia particolare irrequietezza di adolescente
fu alimentata in parte dall’assenza di un padre e
da una madre devota ma superindaffarata, sofferente
di problemi fisici e psichiatrici. Canzoni come
“Needle of Death”, “Running from Home” e “Black
Waterside” mi sono state vicine nella mio quieto isolamento.
La musica di Jansch evocava un mondo
esotico, immaginario, dove potevo fuggire dalla più
banale e un po’ tormentata realtà della mia esistenza
suburbana.
I pezzi strumentali di quei dischi – “Angie”, “Veronica”
e “Lucky Thirteen” – sono stati tra i primi a
entrare nel mio repertorio. La musica di Jansch,
insieme a quella di Simon & Garfunkel, John Fahey,
Mississippi John Hurt e del partner chitarristico di
Bert, John Renbourn, è semplicemente diventata
la ragione per la quale volevo suonare la chitarra.
Da allora ho assorbito tante influenze diverse nel
mio stile personale, ma il suono e il fraseggio della
chitarra di Jansch sono stati una parte fondamentale
della mia formazione casalinga di chitarrista. Il
suo uso caratteristico di accordi sospesi, i suoi giri
armonici inaspettati e i suoi ritmi asimmetrici hanno
stimolato qualcosa di profondo, che mi ha spinto a
ricercare la mia personale ‘voce’ come chitarrista e
compositore.
La musica ha il potere di trasportarci al di là dei
confini temporali e culturali. Spesso arriva in un
momento particolare della nostra vita e continua
a ricordarci chi e dove eravamo in quel momento.
Quand’ero un giovane sedicenne, mai avrei immaginato
che mi sarei ritrovato anni dopo in tour in circuiti
simili a quelli dei miei eroi chitarristici, Bert e
John. Il tempo cambia le nostre prospettive in molti
modi, ma io ricorderò sempre Bert Jansch come una
voce che mi ha tenuto compagnia nella profondità
della notte e mi ha stimolato a scavare in profondità
nelle mie personali esplorazioni di chitarrista.
Un grande shock
di Pierre Bensusan
È stato un grande shock quando ho sentito
la musica dei Pentangle nel 1973. A quei tempi
cantavo con tre amici di scuola le canzoni di CSN&Y.
I Pentangle sono stati una rivelazione, un risveglio
e un’ispirazione. Ho iniziato a comprare tutti gli
album dei due chitarristi di quel gruppo, Renbourn
e Jansch, pubblicati dalla Transatlantic. Grazie a
loro, ho conosciuto Davey Graham, Nic Jones, Nick
Drake e Martin Carthy… Nel pantheon dei grandi e
innovativi chitarristi venuti fuori dal movimento beat
e hippy, Bert è stato forse quello che ho sentito più
vicino. Renbourn era tempestoso, intricato, il suo
approccio molto sofisticato, barocco. Anche Bert era
barocco, ma le sue atmosfere erano insieme oscure
e sensuali. Amavo la sua musicalità e il suo modo di
cantare. Pensavo anche che avrebbe potuto curare
di meno un sacco di cose come il marketing, le
pubbliche relazioni, lo show business…
Quelli erano i primi, autentici e generosi giorni…
Lui era un creativo, un apripista, ma uno spirito
solo, forse un po’ misantropo. In effetti, era riservato
e timido. Un mondo reale e un universo musicale
stavano nascendo dalla sua poesia. Una voce
musicale ben distinta e un modo innovativo di
approcciare la chitarra. Dalla sua sua voce e dal
suo modo di suonare, veniva un suono morbido e
magnetico, un po’ grezzo, non rifinito, ma veramente
bello. Negli anni che hanno seguito questi inizi,
ho avuto la fortuna di incontrare lui e Renbourn,
condividendo con loro molti tour e palchi. Una
volta ho incontrato Bert al Cambridge Folk Festival,
suonava con i Pentagle. Verso la fine della giornata,
aveva evidentemente bevuto molto e sua moglie
lo stava letteralmente trascinando verso l’albergo.
Non ho mai dimenticato quell’immagine. Quasi non
mi sorprese, perché immaginavo che vivesse in
uno stile ‘flamenco’, bruciando la vita. Le storie dei
concerti di Bert annullati e dei tour cancellati sono
note…
Abbiamo suonato nello stessa serata a
Stoccolma diversi anni dopo, ed è stata una strana
e commovente esperienza. Mi ha detto delle cose
importanti e toccanti sul mio modo di suonare, fino
al punto di sostenere che lui poteva smettere di
suonare, ora che c’ero io. Non ci potevo credere.
Gli ho detto grazie per le centinaia di ore passate
ad ascoltarlo. Essermi trovato in presenza di questo
musicista mitico, e nonostante ciò così vicino, è un
ricordo che porto sempre con me. Dieci anni fa ci
siamo incontrati al festival di chitarra di South Shields
in Gran Bretagna. L’ultima volta, l’ho incontrato per
caso in una strada di Londra. Eravamo entrambi
talmente sorpresi che quasi non ci siamo parlati.
Ricorderò sempre Bert come un genio senza
compromessi. Sentiremo a lungo la sua eredità
nella musica e nelle proposte delle attuali e future
generazioni di musicisti. I suoi lasciti sono stati
immensi. Grazie carissimo Bert! Sarai sempre vivo
nelle mie note…
Riposa in pace.
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Goodbye Mr Jansch
ed
Bert Jansch RIP
di Gordon Giltrap
È stato con profonda tristezza personale che
ho sentito della dipartita del mio caro amico Bert
Jansch la mattina di mercoledì 5 ottobre 2011.
La sua musica ha cambiato la mia vita quando
ero un ragazzo, e la sua amicizia la ha arricchita
man mano che crescevo. Guardavo a lui con timore
reverenziale, quasi come al fratello maggiore che
non ho mai avuto. La sua musica è stata quasi una
parte del mio DNA. Desideravo fortemente la sua
approvazione, e quando la ricevevo, ciò significava
più di quanto le parole possano esprimere.
Con la sua scomparsa, la mia vita e quella di migliaia
di persone che hanno condiviso l’amore per la
sua arte non sarà più la stessa.
Lasciamo che la storia racconti della nostra amicizia
e del fortissimo rispetto che ho provato per questo
grande genio.
L’ultima volta che ho visto Bert è stata quando gli
ho fatto visita al Charing Cross Hospital. Penso di
essere stato con lui un’ora o giù di lì e, quando finalmente
ci siamo salutati e abbracciati, credo di aver
capito in cuor mio che quella sarebbe stata probabilmente
l’ultima volta che lo avrei visto. La sua battaglia
contro l’alcool è stata ben documentata, per
cui non c’è bisogno di metterla qui in evidenza. È
inutile dire che la sua salute ne ha risentito molto, e
che lui ha mostrato grande coraggio nel ricostruire
la sua vita nonostante la costante sofferenza.
Verso la fine della sua vita, sua moglie Loren è
stata senza dubbio il fondamentale sostegno di tutti
i suoi sforzi artistici e, senza di lei, sono sicuro che
molto di ciò che ha realizzato non si sarebbe mai
compiuto. Una donna veramente eccezionale, e
molto simile a quella con cui ho il privilegio di vivere!
Adesso, noi pensiamo alla sua vedova Loren. Coraggiosa,
meravigliosa Loren. Sembra soltanto ieri
quando Hilary e io condividevamo la gioia del loro
anniversario di nozze.
Le foto sono state utilizzate per gentile concessione
dello Stefan Grossman’s Guitar Workshop
Foto di copertina di Eddie Babbage, 1980
Martin Jenkins, Bert Jansch e Nigel Portman-Smith, Ohio, 1979
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chitarra acustica 8 duemilaundici

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nt
notizie
OstHello Musica
È nato il progetto OstHELLO Musica, sostenuto
dal Ministro della Gioventù e dall’AIG (Associazione
Italiana alberghi della Gioventù), realizzato da Zona
Progetti con la direzione artistica di Vittorio Nocenzi
del Banco, la direzione didattica di Claudio Micheli
e la collaborazione dell’associazione culturale
Armadillo Club di Sarzana. Le attività, riservate
ai giovani dai sedici anni in poi e completamente
gratuite, si protrarranno fino a luglio 2012 con diciotto
appuntamenti fra clinic e seminari e ventiquattro
sessioni di registrazione.
In particolare, le clinic dedicate alla chitarra sono
condotte da Paolo Giordano e Davide Mastrangelo
(4-6 novembre), Andrea Braido (9-11 dicembre),
Bob Brozman (16-18 dicembre), Cesareo di
Elio e le Storie Tese (19-21 dicembre) e Massimo
Varini (25-27 maggio). Per l’ukulele è previsto poi
Ukulollo (22-25 febbraio 2012), per il basso Michael
Manring (11-13 maggio 2012) e per l’arpa
Vincenzo Zitello, Lincoln Almada ed Emanuela
Degli Esposti (27-29 aprile 2012). Vi saranno inoltre,
oltre a Vittorio Nocenzi per le tastiere, Rossana
Casale per il canto, Tullio De Piscopo e Christian
Meyer per la batteria. I seminari di liuteria sono curati
da Aldo Illotta e Mirko Borghino (18-21 gennaio
2012) e Paolo Coriani (11-14 aprile 2012).
Infine sono previsti corsi di fonia e di audio midi recording.
Le attività si tengono presso gli Ostelli ‘Due Torri
S. Sisto’ di Bologna e ‘Mario Spagnoli’ di Perugia,
dove sono allestite cinque sale di registrazione e
due sale conferenza-laboratorio, e sono a numero
chiuso con un massimo di cinquanta posti per ogni
evento. Affrettatevi quindi a iscrivervi.
Info: tel. +39 06 9396673, didattica.osthello@
libero.it
, www.osthello.it (cliccare su “Musica”).
Pierre Bensusan
Nella sua casa in Francia nella campagna
di Chateau-Thierry, un’ora ad est di Parigi,
anche quest’anno dal 7 al 13 agosto 2012
ha programmato un seminario residenziale
dedicato alla chitarra acustica per chitarristi
dilettanti, semiprofessionisti e professionisti
provenienti da tutto il mondo.
Info: http://www.pierrebensusan.com/
modules.php?name=Content&pa=showpa
ge&pid=125.
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nt
Bob Brozman
– 6 dicembre: Ramera di Mareno di Piave (TV),
The Corner Inverness Live Club, (www.cornerlive.
it, info@arteritmi.it);
– 7 dicembre: Rivoli (TO), Maison Musique (www.
maisonmusique.it, info@maisonmusique.it);
– 8 dicembre: Pavia, Spaziomusica (www.spaziomusicapavia.it,
info@spaziomusica.it);
– 9 dicembre: Roma, Jailbreak Live Club (www.
jailbreakliveclub.com, info@jailbreakliveclub.com);
– 10 dicembre: Senigallia (AN), Auditorium S.
Rocco (tel. 071 6629350, e.palestrini@comune.
senigallia.an.it);
– 12 dicembre: Arcola (Sarzana-SP), G & G Guitar-Sound
Center (tel. +39 0187 1997983, info@
armadilloclub.org);
– 13 dicembre: Levanto (SP), Auditorium ‘Ospitalia
del Mare’ (carocci_stefano@libero.it);
– 15 dicembre: Castiglion Fiorentino (AR), Velvet
Underground Club (www.velvet-underground.it,
info@velvet-underground.it);
– 16-18 dicembre: Bologna, Ostello della gioventù
‘Due Torri S. Sisto’, clinic residenziale (www.oshello.it,
www.armadilloclub.org, zonaprogetti@alice.it);
– 19 dicembre: Savignano sul Rubicone (Forlì),
Bourgeois Guitars Day
Eric Bibb
A causa del blocco del traffico a Milano, l’evento
è stato rinviato a 
domenica 27 novembre 2011
in 

via Tucidide 56 (ex Richard Ginori). Il programma
della giornata prevede:
– ore 15: apertura e demo;
– ore 17: introduzione alla liuteria di Dana Bourgeois
a cura del liutaio Lucio Antonio Carbone
;
– ore 19: clinic/concerto di Davide Mastrangelo.
Info: tel. +39 0332 281355 / +39 328 74 74 911,
info@440hz.it.
Sidro Club (www.myspace.com/sidroclub, leo@
godownrecords.com);
– 20 dicembre: Savignano sul Rubicone (Forlì),
Sidro Club (www.myspace.com/sidroclub, leo@
godownrecords.com);
– 21 dicembre: Milano, Nidaba Theatre (www.nidaba.it,
theatre@infinito.it).
Info: Armadillo Club, tel./fax +39 0187 626993,
tour@armadilloclub.org, www.armadilloclub.org,
www.bobbrozman.com.
È nuovamente in Italia, accompagnato dal chitarrista Staffan Astner,
per presentare il nuovo album Troubadour Live. Queste le date
già fissate:
– 1 dicembre: Nembro (BG), Auditorum Modernissimo; apre Robi
Zonca Band in una serata dedicata alla presentazione della rivista
Il Blues;
– 2 dicembre: Casale Monferrato (AL), Teatro
;
– 3 dicembre: Cosio Valtellino fraz. Regoledo (SO), Teatro Frassati
;
– 4 dicembre: Marostica (VI), Panic Jazz Club;
– 7 dicembre: Genova, Palazzo Ducale, Sala del Minor Consiglio
;
– 8 dicembre: Lugagnano di Sona (VR), Club Il Giardino.
Info: tel. +39 035 732005.
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l
blog
L’ansia e il palcoscenico
Quando ero ragazzo suonavo la mia Strato in
un gruppo rock di coetanei. Succedeva una cosa
piuttosto antipatica: le prove rappresentavano il mio
momento preferito della settimana (a meno che il
sabato sera una ragazza dimostrasse interesse nei
miei confronti… ma i bookmaker davano le prove
strafavorite). Le occasioni in cui ci si esibiva in pubblico
(birrerie feste di paese ecc.) erano il momento
peggiore del mese. Cominciavo la sera prima a
sentirmi agitato, il giorno stesso emergevano ansie,
sensazioni di fastidio in giro per il corpo, respirazione
irregolare… più il momento si avvicinava più
si facevano avanti sensazioni di accelerazione e
rallentamento del tempo, tremori alle gambe, vuoto
allo stomaco, sensazione di calore alle mani… e tutto
l’amore per la musica diventava questa grottesca
situazione in cui avevo provato mesi per una serata
che si rivelava una tortura anziché un divertimento.
Se tutto questo ti sembra assurdo puoi tranquillamente
passare ad altri articoli più musicali, perché
questo è dedicato a chi ha annuito tra sé nel leggere
le righe precedenti.
In realtà la stessa cosa mi accadeva se dovevo
parlare in pubblico, fosse anche alzare la mano e
dire una cosa qualunque durante le lezioni all’università.
Avevo quasi immaginato che non ci fosse
nulla da fare, che quello che mi mancava era qualcosa
che ti fa dire «o ce l’hai o non ce l’hai». Erano
cazzate. Le cose si imparano. Ed ora, pur con tutti i
miei limiti, per mestiere faccio il formatore parlando
in gruppi quotidianamente, insegno all’università e
tengo conferenze. E volete sapere la cosa migliore?
Tutte queste cose me le godo come un matto.
E qualche anno fa l’hobby della musica mi ha fatto
fare un sacco di serate con il gruppo e me le sono
godute fino in fondo, stando sul palco serenamente
a fare musica e divertirmi senza il minimo problema
riguardo al fatto che la gente mi guardasse.
La prima domanda quindi è già chiusa. Mi riferisco
a quella che chiede: «Ma alla fine devo fare i
conti con il fatto che io sono fatto così, o su questo
aspetto ci si può lavorare?» Sei fatto così finché
non decidi di cambiare qualcosa. La buona notizia
è che è molto più semplice di quanto pensi. Però
bisogna un pochino farlo davvero… non conosco
magie o riti scaramantici che risolvano il problema
da un momento all’altro. Ma tecniche che funzionano
sì. Di quelle ne conosco e te le rivelerò al modico
prezzo di 25.000 euro (questa era solo una prova,
se stavi pensando che li avresti pagati la questione
è seria e non ho rimedi per te).
Procediamo.
Il primo punto è quello di chiarire un po’ i termini
della questione. Che cos’è quella cosa che chiamiamo
ansia? Badate che queste non sono ‘premesse’.
Cose che sembra bello dire prima di arrivare al dunque.
Siamo già al dunque. La prima cosa è avere
Riccardo Sonzogni
un po’ di chiarezza. Capire cosa ti sta succedendo
quando ti succede, dare un nome alle cose. Capita
che nelle questioni psicologiche la consapevolezza
sia la prima (a volte quella decisiva) forma di terapia.
Che il capire cosa ti succede sia già poterlo
tenere sotto controllo e cambiarlo. Questa prima
parte in cui proviamo a capirci su cosa succede in
quelle situazioni non sono premesse, ma siamo già
al centro del problema. Poi passeremo a qualche
ulteriore tecnica per gestire il tutto. Pronti via.
Che cosa sono le emozioni…
No, no… niente citazioni di Battisti per favore, che
mi viene l’orticaria. Niente poesia sulle emozioni,
chiediamoci che cosa sono con semplicità ed un po’
di consapevolezza scientifica.
Va detta subito una cosa che a qualcuno suona
come contraria all’evidenza: le emozioni sono un
fatto del corpo prima che della mente. Il fatto, ad
esempio, che quando ho paura succedono delle
cose al mio corpo (allo stomaco o alle gambe, ad
esempio) non è una cosa in più o che viene dopo. È
l’essenza di un’emozione. Direi che quello che tu
chiami paura (non il ‘pensiero dell’aver paura’,
ma proprio la sensazione che chiami ‘paura’) è
esattamente la tua percezione delle modificazioni
fisiologiche che il tuo corpo sta attivando.
Tanto per iniziare dovresti passare da una concezione
tipo «ho paura e quindi mi tremano le gambe»
ad una che dica «mi tremano le gambe e quindi ho
paura». La reazione fisiologica non è una conseguenza
della paura, ma qualcosa che avviene prima,
in funzione della quale tu senti la paura.
Può sembrare una banalità, oppure una cosa teorica
che non cambia niente. Ma non è così. È importante
rifletterci. Tanto per iniziare, perché rende in
tutta evidenza la paradossalità di una delle strategie
più frequenti che le persone usano per affrontarla:
14
chitarra acustica 8 duemilaundici

Nel 1964 era semplicemente un modo per condividere la nostra passione.
Oggi lo è ancora.
Nel 1964, al soli 14 anni, Tom Bedell creava la sua linea di
chitarre acustiche per permettere alle nuove generazioni
di esplorare le loro passioni musicali. Dopo quattro decadi
e l’introduzione nell’IOWA Rock’n Roll Hall of Fame, Tom è
di nuovo pronto a stupire con le sue nuove Bedell Guitars.
I tempi cambiano. Le passioni rimangono.
Negli anni 60 il rock’n roll si apprestava a cambiare il mondo per sempre,
dimostrando che si poteva esprimere sè stessi e le proprie passioni attraverso
la musica. Da teenager Tom Bedell non mancò di capire il cambiamento
che stava avvenendo e colse al volo l’opportunità di parteciparvi
attivamente, presentando la sua linea di chitarre acustiche.
Oggi, dopo 40 anni, la passione di Tom per la musica è rimasta intatta e
una nuova linea di chitarre acustiche che porta il suo nome vede la luce:
Bedell Guitars. Chitarre costruite interamente coi migliori legni massello,
lavorate a mano e finemente rifinite in ogni dettaglio, create per
condividere una passione senza tempo: la musica.
www.bedell-guitars.com
Distribuzione esclusiva
www.frenexport.it

l
convincere se stessi di non averla. Se io salgo sul
palco dicendo a me stesso «Riccardo non hai paura…
Riccardo non hai paura» sto semplicemente
dicendo una cosa non vera. Come se cercassi di
farmi passare il mal di denti dicendo «non fa male
non fa male». Non funziona. Perché l’emozione di
paura è lì. È concreta, sta nella tua fisiologia, non
è un pensiero. Non lo fai sparire negandone l’esistenza.
Vi ricordate il film Il sesto senso? Quello in cui
Bruce Willis faceva lo psichiatra e si prendeva cura
di un bambino che vedeva i fantasmi. Bene. Quando
il bambino ha smesso di soffrire? Non fintanto
che ha avuto a che fare con gente che cercava di
dirgli che quello che lui vedeva non esisteva. Ma
quando ha imparato ad accettare che i fantasmi
esistevano e volevano qualcosa da lui. Bene, non
dite all’ansia «tu non esisti», che tra l’altro poi lei
si incazza, ditele «vedo che esisti. Cosa vuoi da
me?» Perché le emozioni esistono e sono lì per
un motivo.
Ora proveremo a chiederci qual è questo motivo,
nel frattempo vorrei chiarire però che l’esempio del
bambino che parlava con i fantasmi andava bene
come metafora per parlare delle emozioni. Se vedete
dei morti e li sentite dire delle cose parlatene con
il vostro medico. O almeno non affrettatevi a fare
quello che i fantasmi vi chiedono di fare.
A cosa servono le emozioni
Le emozioni servono a predisporre in modo rapido
il vostro corpo ad un comportamento che probabilmente
vi servirà per salvarvi la pelle.
Le emozioni di paura servono a farvi evitare situazioni
rischiose o a darvi strumenti che, nel rischio,
aumentino la probabilità di sopravvivenza. Stiamo
sull’esempio della paura che non solo è comodo per
spiegarsi, ma è anche vicino al tema in questione
(ricordate? Era il panico da palcoscenico).
Tu sei un uomo primitivo, scendi da un albero e
vedi una tigre affamata che si gira verso di te e immediatamente
hai paura. Immediatamente sì, ma
in quel breve istante sono successe delle cose che
è opportuno analizzare per mettere in ordine varie
categorie di fattori, ovvero lo stimolo (la tigre), fattori
percettivi, cognitivi, emozionali e comportamentali.
Vedrete che tutto torna.
Abbiamo in sequenza:
1. Uno stimolo ambientale: la tigre affamata che ci
punta e vede in noi la colazione.
2. La percezione dello stimolo: mi accorgo della tigre
affamata.
3. Una interpretazione cognitiva dello stimolo: interpreto
immediatamente (molto immediatamente,
cioè prima di pensarci consapevolmente) la tigre
come PERICOLOSA.
4. Il mio corpo si attiva: ebbene sì, questo è un
punto importante. Il corpo si attiva prima della consapevolezza.
L’evoluzione ci ha dato questa cosa
fantastica per aumentare la nostra probabilità di
sopravvivere. A volte ci sono situazioni in cui non
c’è il tempo di una reazione meditata e che forse
sarebbe più precisa; c’è bisogno di una reazione più
Stage Fright_by Sarah Lippett
grossolana, se volete, ma immediata. Per questo
abbiamo un meccanismo fantastico grazie al quale
a certe situazioni limite reagiamo immediatamente,
prima di pensarci consapevolmente. Così, tornando
alla tigre, il nostro corpo attiva delle modificazioni
che aumenteranno la nostra probabilità di sopravvivere
attivando (a scapito degli altri organi) gli organi
più importanti in quella situazione. Nel nostro caso,
ad esempio, per prima cosa ci paralizzerà per un
istante. Perché? Perché la natura sa che uno stimolo
visivo è percepito innanzitutto per il suo movimento
(prima che per la forma e per il colore, ad
esempio), potresti decidere che la strategia migliore
è cercare di non essere notato dalla tigre affamata,
l’istante di paralisi dato dalla paura serve per non
esserti già giocato questa opportunità. Poi toglierà
ossigeno e altri carburanti ad organi non decisivi
(come lo stomaco) per attivare quelli che saranno
più decisivi. In questo caso saranno la vista (per focalizzare
sullo stimolo in modo attento anziché su
una ‘visuale panoramica’) e, soprattutto, sugli arti.
Ovvero gli organi più importanti per i comportamenti
possibili in quella situazione: il combattimento e/o
la fuga. Il tutto magari accompagnato da scariche
di adrenalina che serve per avere prestazioni alte
nell’immediato, per eccitare tutto l’organismo, diciamo.
Quindi il punto 4 è esattamente questo: il nostro
corpo attiva delle modificazioni fisiologiche.
5. Percepiamo le modificazioni: noi abbiamo la sensazione
fisica delle modificazioni in corso.
6. Interpretiamo la percezione delle modificazioni:
diamo un nome a quel pattern di modificazioni che
abbiamo percepito. Chiamiamo quella sensazione
‘paura’.
7. Passiamo all’azione: a questo punto dovremo
fare qualcosa. La scelta di cosa fare (ad esempio
provare a rimanere immobili oppure cominciare a
fuggire o tentare un combattimento) sarà condizionato
sia dalle scelte razionali e consapevoli che
tento di fare sia dai meccanismi descritti (chiamali
16
chitarra acustica 8 duemilaundici

l
istintivi se vuoi, o semplicemente automatici).
Siamo stati un po’ lunghi ma credo servisse questa
carrellata. Preciso che forse il modello banalizza
alcuni punti e non rende giustizia alle più raffinate
ricerche recenti su come funziona il nostro cervello.
Ma per i nostri scopi è ancora molto funzionale e più
che sufficiente.
Se avete avuto la pazienza di leggere tutta la successione
di eventi potreste aver notato alcune cose
ed esservi posti alcune riflessioni. Ne propongo alcune:
1. La correlazione tra le emozioni e certe cose assurde
(come il calore alle mani o l’iperattivazione
delle gambe di fronte alla paura, ad esempio. O l’idea
che la paura paralizzi). C’è un senso in tutto
questo. E potete anche divertirvi ad associare modificazioni
fisiologiche ad altre emozioni. Non lo faccio
perché il discorso è già lungo così.
2. Il fatto che questi meccanismi sono molto arcaici
e funzionano bene in un mondo fatto di alcuni pericoli
chiari (le tigri o i fenomeni naturali) e alcune
cose positive chiare (la propria tribù, il cibo ecc.).
Ora siamo esseri molto più complessi e soprattutto
molto più simbolici. Così che non sempre la
connessione tra uno stimolo e la sua reazione funzionano
in modo semplice. Ovvero: tutto è sembrato
funzionare bene nell’esempio dell’uomo di fronte
alla tigre, ma è una questione molto intricata di cultura,
fatti simbolici ecc. che fa sì che questo possa
attivarsi in una situazione non vitale come una riunione
di lavoro o una serata sul palco a suonare. Su
questo torneremo tra poco parlando dell’ansia (non
dimentichiamo il punto 3. L’interpretazione cognitiva
dello stimolo).
3. Nonostante questo, il meccanismo può funzionare
ancora bene e fornirci un criterio per decidere se
un’emozione è sana e costruttiva oppure dannosa.
Il criterio è molto semplice: l’emozione che sto provando
è ragionevolmente collegata allo stimolo che
la provoca? Migliorerà la mia prestazione? Se la
risposta è sì ad entrambe le domande allora l’emozione
è sana e costruttiva. Se è no allora l’emozione
è dannosa. Esempio. Sto guidando e c’è un TIR in
rotta di collisione con me. In quel momento è probabile
che si attivi la sequenza sopra descritta. Che
io provi paura e che prima ancora di accorgermene
abbia dato una manata al volante, evitando così il
TIR. L’emozione di paura era ragionevolmente legata
ad uno stimolo pericoloso (sì alla domanda 1)
e mi ha salvato la vita (sì alla domanda 2). Ma se
ho la stessa emozione prima di suonare? Rischio
la vita salendo sul palco? NO (oddio dipende da
quando è esigente il pubblico, eh eh). Questa paura
migliorerà la mia prestazione? NO. L’emozione è
dannosa. Punto a capo.
Si può notare che in linea di massima possiamo
immaginarci di intervenire su ciascuno dei sette momenti
per lavorare sulla riduzione della paura. Ad
esempio posso intervenire sul punto 1 semplicemente
evitando la situazione che mi stimola paura.
Purtroppo qualcuno sceglie questa via e rinuncia a
suonare o ad occasioni interessanti di lavoro ecc.
Posso sul punto 3 imparando a considerare non
pericoloso uno stimolo (suggerisco di farlo con il
palco, ma non con la tigre). Posso intervenire sulle
reazioni fisiologiche con un po’ di training autogeno
(e ne parleremo in questo percorso) e così via, ciascuno
dei sette momenti potrebbe essere in linea di
massima un punto su cui intervenire per interrompere
(o ridurre) il processo.
Dalla paura all’ansia
Consentitemi una via breve per parlare di un fenomeno
complesso come l’ansia. Non è sufficiente
per chi soffra di un vero e proprio disturbo d’ansia,
ma è chiaro e sufficiente per chi ha il problema in
oggetto, quello che chiamiamo magari ‘panico da
palcoscenico’ e che forse sta a suo agio nel termine
‘fobia sociale’, poiché il problema non è suonare,
ma farlo in pubblico. Cioè in una situazione di esposizione
sociale.
Che cos’è l’ansia. Avrete notato che siamo partiti
dall’analisi di un’emozione più primordiale, la paura.
Questo è perché ansia e paura sono strettamente
correlate, sono parenti stretti. Potremmo forse dire
(qui semplifico molto, ma rende bene l’idea) che
l’ansia è una forma di paura con caratteristiche tutte
sue:
1. È una reazione ad uno stimolo interno più che ad
uno esterno. Infatti non mi viene quando sono sul
palco, ma quando comincio a pensare a quando andrò
sul palco. Non posso quindi in realtà dire che io
ho paura di andare sul palco a suonare, ma dovrei
più correttamente dire che reagisco con la paura
all’idea di andare sul palco.
2. Il punto 1 ci dà uno spunto in più. Se l’oggetto
di paura è interno (immagini mentali, aspettative
ecc.) emerge un ruolo maggiore dei meccanismi di
interpretazione rispetto a quelli ‘oggettivi’. Ovvero
è difficile negare che la tigre è pericolosa. È molto
più complesso chiedermi perché mi vivo come
pericoloso salire sul palco a suonare. Che cosa
c’è in gioco? Cosa metto in pericolo? È chiaro che
qui entriamo in pieno in una questione: i significati
personali dati alle cose. Tratti legati all’autostima,
ad esempio, o alle esperienze pregresse (magari
quando ci costringevano a dire la poesia di Natale
in piedi sulla sedia), stili emozionali di ciascuno ecc.
Però se hai paura di andare sul palco da qualche
parte questo ci deve essere: la percezione di un rischio
imminente.
Questo ci fa dire alcune cose: si lavora molto
sull’ansia in questione lavorando:
1) sull’oggetto della paura: ovvero sulle immagini
mentali ed i significati che divengono oggetto della
paura;
2) sulle reazioni e sulla fisiologia della paura e
dell’ansia.
Questi due temi saranno oggetto dei prossimi appuntamenti,
qualora fossero graditi.
Riccardo Sonzogni
17
chitarra acustica 8 duemilaundici

l
blog
Il monitoraggio nella ripresa di strumenti acustici
Affrontiamo il problema del monitoraggio e delle
sue implicazioni. La ripresa di strumenti acustici è
già impegnativa, se poi aggiungiamo degli errori di
valutazione indotti da ascolti inadeguati, il risultato
sarà ovviamente insoddisfacente.
In particolare, la chitarra acustica e soprattutto
quella classica hanno la tendenza a delle sgradevoli
risonanze sulle frequenze basse e medio-basse
(spesso tra gli 80 e i 150/200Hz), che vanno contenute.
Queste risonanze e picchi non sono purtroppo costanti
su tutte le note o posizioni del manico, e un
taglio statico con l’equalizzatore renderebbe solo
lo strumento più ‘stretto’ in tutte le altre posizioni o
note non incriminate.
A volte un La naturale può dare, ad esempio,
grossi problemi e un La bemolle no, oppure un La
quinta corda a vuoto può non darne, mentre la stessa
nota al V tasto della sesta corda può essere molto
più problematica.
I monitor non dovrebbero essere quindi ‘gradevoli’,
ma analitici e precisi, per permetterci di capire
innanzitutto che c’è un problema, e poi di verificare
se cambiando microfono o posizione lo abbiamo
risolto o meno. Questo è il motivo per cui la grande
maggioranza delle casse hi-fi non sono adatte
al nostro scopo, perchè hanno generalmente una
gamma media poco presente e articolata.
I monitor da studio (o presunti tali) nella fascia di
prezzo più bassa sono comunque da evitare: se il
vostro budget non raggiunge almeno gli 800/900
euro, risparmiate i vostri sudati risparmi, e indirizzatevi
verso una buona coppia di cuffie.
In questo caso già con un centinaio di euro potete
avere un decente strumento di lavoro. Consigliare
dei modelli specifici è sempre un argomento delicato,
quindi farò una doverosa premessa. Quelle che
seguono sono solo indicazioni di partenza estremamente
soggettive, quindi dimenticherò probabilmente
diversi altri modelli altrettanto validi. Esorto
ognuno di voi a fare le proprie valutazioni, prendendo
magari i modelli da me citati come ‘pietra di paragone’
durante i vostri acquisti. Partendo dal costo
più basso la lista potrebbe essere:
1) AKG K141;
2) AKG K240;
3) Audio Technica ATH-M50;
4) Sennheiser HD-25-1 II.
La prossima volta prenderemo in considerazione
il microfonaggio (tipologia e posizionamento) e sarà
interessante ascoltare quanto possa cambiare il risultato
cambiando il tipo di microfono e soprattutto
la sua posizione.
Tornando all’argomento odierno, vi consiglio all’inizio
di evitare sedute di ascolto troppo prolungate
specialmente con le cuffie, perché la stanchezza
porta spesso a valutazioni errate.
Se la vostra idea è comunque quella di utilizzare
dei monitor, tenete presente un’importante considerazione:
la stanza risuonerà con essi. Diventa quindi
cruciale abituarsi a lavorare a volumi contenuti
per due motivi:
– il primo è quello di contenere la ‘partecipazione’
del vostro ambiente al minimo;
– il secondo è che i monitor economici generano distorsioni
e diversi altri problemi già a livelli di ascolto
non eccessivi, quindi contenendo il volume ridurrete
questi effetti collaterali (eccessivo riverbero della
vostra stanza, risonanze indesiderate a causa
di ambienti non trattati adeguatamente, distorsioni
come già accennato delle casse stesse, ecc.).
Vi fornirò ora alcune scontate regole di base riguardo
al posizionamento; non sono certo arcani
segreti ferocemente custoditi, quindi chiedo scusa
ai più navigati se scadrò nell’ovvio:
1) tenetevi se possibile almeno a 50-60 cm dal
muro dietro ai monitor, per evitare inutili accentuazioni
delle frequenze basse;
2) l’altezza dell’appoggio dovrebbe essere di circa
100 cm, in modo da avere il tweeter all’altezza delle
vostre orecchie o poco più;
3) sarebbe opportuno usare degli stand dedicati,
evitando di appoggiare i monitor sul vostro tavolo
o scaffali, riducendo così l’effetto ‘cassa armonica’
o ‘vibrante’ di supporti inadeguati. Se questo non
fosse possibile mettete almeno una base antivibrazione
(ad esempio un ‘sandwich’ gomma/marmo/
gomma);
4. un errore molto diffuso è quello di tenere i monitor
troppo separati. Ricordate, volete ridurre le turbative
indotte dalla vostra stanza, quindi il famoso
triangolo equilatero i cui vertici sono i due monitor e
la vostra testa andrà ridotto al minimo. Consiglierei
all’inizio di non oltrepassare e di non scendere al di
sotto degli 80-90 cm.
Detto ciò, consigliare dei monitor diventa un argomento
ancor più delicato, ma proverei comunque a
proporre una lista indicativa senza necessariamente
seguire un ordine relativo al prezzo, perché alcuni
li potete trovare anche usati (gli Yamaha NS10 ad
esempio non sono più in produzione da tempo…):
1) Yamaha NS10 con finale adeguato (fuori produzione,
da cercare usati);
2) KRK V6;
3) Focal CSM65;
4) Genelec 1030 (fuori produzione, da cercare usati);
5) PMC DB1S-AII;
6) ADAM S2X.
Anche oggi è giunto il momento di salutarci. Se
avete bisogno di chiarimenti contattatemi al mio indirizzo
di posta elettronica.
Alla prossima!
Paolo Costola
registrazione@chitarra-acustica.net
18
chitarra acustica 8 duemilaundici

c
recensioni
Stefano Barbati
Acoustic Ladyland
An Acoustic Tribute to Jimi
Hendrix
Fingerpicking.net
Un omaggio, dunque, non un
disco di semplici cover. È diverso,
e questa diversità la si comprende
subito, fin dall’ascolto del
primo brano, “Voodoo Chile”.
Ovvio, direste voi, è l’uso della
chitarra acustica a essere determinante
nel rendere queste versioni
diverse dalle originali. Ovvio
sì, direi io, e ci mancherebbe!
Non facciamoci fuorviare dalle
sonorità, è l’approccio adottato
da Stefano, che profuma di originalità,
che ci fa comprendere
che non stiamo semplicemente
parlando di un chitarrista che ha
voluto ‘rifare Jimi’.
Di certo non gli mancherebbero
i mezzi tecnici per farlo. Stefano,
infatti, oltre ad essere l’apprezzato
chitarrista acustico che ormai
tutti noi conosciamo, è anche un
valente chitarrista elettrico, come
il suo metodo Suonare nello stile
di Eric Clapton, edito da Playgame
Music, testimonia.
Ma oggi è la chitarra acustica il
suo strumento e con questo sta
percorrendo le strade della Musica.
Strade che, pur andando
avanti, possono far ritrovare percorsi
antichi. E allora s’incontrano
nuovamente i miti della gioventù,
ma, con nuova maturità, oggi si
può percepire quanto allora non
si coglieva.
«Si è spesso parlato di Hendrix
come il virtuoso interprete e
geniale innovatore della chitarra
elettrica, ma ci si è soffermati
poco sulla bellezza di molte delle
sue melodie, l’originalità delle
sue soluzioni armoniche e la trascinante
forza ritmica», questo
lo spunto iniziale descritto dallo
stesso Barbati.
Quindi, perché non provare a
suonare queste melodie, queste
armonie, trasferendole sull’acustica?
Beatles, Michael Jackson,
Steve Wonder, addirittura i Weather
Report sono stati ‘acusticizzati’,
perché non Hendrix?
Ma, dicevo, stiamo parlando di
un omaggio. E allora, ecco che i
mitici assolo scompaiono (meglio
lasciarli scolpiti nella nostra memoria),
i classici assumono nuovi
colori, nuove vesti. Un esempio
per tutti: la splendida versione
di “Little Wing”, con l’acustica in
compagnia del basso acustico e
del contrabbasso di Nicola Di Camillo.
Accurata la scelta dei brani,
proprio per sottolineare la versatilità
del chitarrista di Seattle,
dove quelli che vedono Barbati
da solo (“The Wind Cries Mary”,
“Third Stone from the Sun”, “Angel”,
“Voodoo Chile”), si alternano
a quelli che lo vedono supportato
dalle percussioni di Davide
Bernaro (“Up from the Skies”, “All
along the Watchtower”, “If 6 was
9”). Non si poteva poi, a maggior
ragione in chiusura, non rendere
omaggio anche all’Hendrix
cantante: ecco, quindi, “Purple
Haze”, con Bernaro e la voce con
basso elettrico di Ivan Abbonizio.
Versioni sostanzialmente brevi,
lucide, dove l’acustica, pur priva
di effetti, grazie ad un moderato
ed efficace utilizzo di tecniche
percussive e accordature aperte,
di cui Stefano Barbati è maestro,
riesce ad evocare compiutamente
l’indimenticata strato mancina.
Alfonso Giardino
John Renbourn
Palermo Snow
Shanachie
«I pezzi di questa raccolta sono
uniti da un tocco di romantica ar-
monia.»
L’incipit delle note che accompagnano
la pubblicazione di questo
CD, il primo dopo tredici anni
di silenzio discografico per John
Renbourn, racchiudono l’essenza
di tutto il suo recente lavoro. Probabilmente
ciò che sottintende le
sonorità meditative, dense delle
tante stratificazioni stilistiche di
cui sono permeati i dieci brani
di questa raccolta, è qualcosa
che era presente in Renbourn
da sempre, sicuramente da quando
la stategia protettiva della
madre lo distraeva dagli echi dei
bombardamenti su Londra con le
carezze sonore di Leigh Harline
e di Frank Churchill, suonate sul
piano di casa. Armonia, si diceva,
anche nel viaggiare, attività che
successivamente all‘esperienza
dei Pentangle, ha ampliato i suoi
orizzonti creativi, così come la
sua vita di ricercatore e studioso
che, negli anni, lo ha portato fuori
dall’angolo della musica celtica.
Un album che rimanda in modo
esplicito all’Italia, che tante volte
lo ha ospitato nei suoi vari tour.
Lui, eccellente e sensibile interprete
del folklore inglese, capace
di modellare una materia sonora
in divenire, aggiungendovi
sempre più elementi di apertura
a linguaggi e stili extra popolari,
dal classico, al blues, al jazz,
ha creato negli anni una sorta di
musica totale di cui la scintillante
maestosità della sua chitarra ne
è una perfetta interprete.
“Palermo snow” dà il titolo al
brano d’apertura e a tutto il CD.
Un brano ispirato alla nevicata
del 1991 sul capoluogo siciliano,
di cui Renbourn fu attonito testimone,
e mirabile manifesto di ciò
che sarà la sequenza successiva.
Dei dieci brani, sette sono presentati
in perfetta solitudine a
scavare tra timbri e suggestioni
chitarristiche, complici le accordature
aperte, il lungo peregrinare
tra le musiche e i loro svariati
linguaggi; tre contengono la voce
del clarinetto di Dick Lee che con
gusto e discrezione amplia la tavolozza
sonora a disposizione.
Il peregrinare e la ricerca continuano,
quindi, con una trasposizione
per chitarra di una “Sara-
20
chitarra acustica 8 duemilaundici

c
bande” di Erik Satie, con il famoso
“Preludio per violoncello in Sol
Maggiore” di Johann Sebastian
Bach e con una dimenticata composizione
del pianista afroamericano
Randy Weston.
A chiudere il cerchio dei riferimenti
all‘Italia, “Bella terra”, della
quale le note di copertina ci raccontano
la genesi: «È nata da un
altro viaggio in Sicilia. Il mio vecchio
amico Reno Brandoni ed io
stavamo attraversando lo Stretto
di Messina. Era il ritorno a casa di
Reno dopo un lungo tour e, mentre
ci stavamo avvicinando alla
splendente isola, l’ho sentito recitare
una specie di mantra, “Bella
terra – Bella terra”.»
Un CD intenso, suonato in
modo impeccabile, che trasmette
passione e rigore formale al tempo
stesso.
Gabriele Longo
pickers d’oltreoceano.
Fingerpicking, abbiamo detto, e
Sciortino di certo non lo nasconde
(non nascondendo se stesso),
non lo camuffa da fingerstyle,
che (confessiamolo, tra di noi
possiamo) oggi come oggi sarebbe
più ‘chic’ usare come termine.
Sì, perché ormai fingerpicking,
al di là del nostro portale (e qui
ci vorrebbe la faccina che strizza
l’occhio), richiama alla mente
una tecnica un po’ superata, talvolta
anche semplice (fra un po’
lo stesso Tommy non sarà più à
la page), addirittura naïf, come
dice lo stesso Sciortino in un suo
video di presentazione di questo
CD.
(http://www.youtube.com/user/
Ourco#p/u/30/PzJWAwMi4uU)
Ma basterebbe ascoltare la
prima traccia di Guitare Picking
per smentire questa teoria, o andare
nella sezione video del sito
di Sciortino e godersi i cinquanta
video lì a nostra disposizione.
La tecnica usata è una cosa,
i generi praticati altra. In questo
CD si va dal blues di “Le blues
des campagnes” al country di
“Rataboule” (dov’è l’ukulele ad
imitare il fiddle), fino alle ispirazioni
mariachi di “Les mélokos”,
tornando alle sale da ballo parigine
col valzer musette di “Monsieur
Victor”, per poi ripartire per
Nashville con “One for Chet”, il
tutto inframmezzato da sempreverdi
ragtime come “Rue Espiessac”
o “Carrousel”.
Fingerpicking, quindi, sinonimo
anche di allegria, spensieratezza,
ottimismo, che non potrebbero
essere espressi meglio dalle
note di “Train d’enfer”, “Sur la
route de blanche” o “Jipèto”, tutte
nei tradizionali solchi di “Cannonball
Rag”.
In tutto sedici brani, sedici
composizioni originali (alcune
maturate nell’arco dei dieci anni
che sono trascorsi dal primo CD,
Picking) che dimostrano, nonostante
il fingerpicking (potremmo
ironicamente dire), la versatilità,
la padronanza delle dinamiche,
la tecnica cristallina di François
Sciortino, ben sostenuta da un
basso alternato sempre puntuale,
sapientemente muted. Versatilità
che si esprime anche nella
scelta degli strumenti: dall’acustica
custom di Alain Quéguiner,
alla Gretsch Country Classic e
all’ukulele.
Un disco che si ascolta realmente
tutto d’un fiato, senza alcuna
caduta di tono, ben eseguito
e realizzato, che ti fa venir la
voglia di imbracciare la sei corde
per divertirti un po’, specialmente
se sei da solo, sul divano, in totale
relax.
Alfonso Giardino
François Sciortino
Guitare Picking
www.francois-sciortino.com
Possiamo anche non leggere
titolo ed autore di questo CD,
basta osservarne bene le foto.
Mano destra in primo piano, un
bel thumbpick azzurro in azione,
questa la copertina. Thumbpick
che troviamo anche nelle foto interne
e sul CD stesso. Una firma,
una dichiarazione d’intenti, una
certezza per chi si accinge ad acquistarlo.
Siamo di fronte all’ultima fatica
di François Sciortino, Guitare Picking.
Fingerpicking allo stato puro,
come lo conosciamo, come lo
abbiamo sempre amato, come
ce lo aspetteremmo da questo
maestro della scuola chitarristica
francese, sempre molto influenzata,
ieri come oggi, dai grandi
21
chitarra acustica 8 duemilaundici

ar
artisti
Madame Guitar 2011
Il gran finale della manifestazione
Per il sesto anno consecutivo Madame
Guitar, che si è tenuta da venerdì
23 a domenica 25 settembre a
Tricesimo nella periferia nord di Udine,
ha chiuso in bellezza la stagione
italiana dei festival dedicati alla chitarra
acustica. Una stagione conclusasi
anche quest’anno, nonostante
la crisi, con un bilancio positivo, che
speriamo possa tenere questa importante
‘riserva’ delle nostre passioni al
riparo dai tempi difficili che ci attendono.
In questo contesto la rassegna
di Tricesimo si è guadagnata un posto
di prim’ordine, grazie soprattutto
alla competenza del direttore artistico
Marco Miconi, che attraverso la
sua conduzione del Folk Club Buttrio
contribuisce da vent’anni a portare in
Friuli le migliori ‘musiche del mondo’.
Nel tempo Madame Guitar ha sempre presentato
un cartellone di concerti serali di prim’ordine, e
questa sesta edizione non ha smentito le aspettative.
L’onore di aprire le danze, la sera di venerdì
al Teatro Garzoni, è stato affidato quest’anno a un
duo di ex ‘artisti locali emergenti’, che avevano già
partecipato all’edizione 2008 nei concerti che si tengono
di giorno nel centro del paese: i goriziani Déja,
composti dalla cantante e autrice Serena Finatti e
dal chitarrista Andrea Varnier. Da allora i due hanno
vinto nel 2009 il Singer-Songwriter Contest al festival
Open Strings di Osnabrück in Germania, una
delle manifestazioni più prestigiose dedicate alla
chitarra acustica a livello europeo, e inciso il loro secondo
album Laila per la Acoustic Music Records di
Peter Finger. L’esibizione in ‘prima serata’ a Tricesimo
ha così assunto il carattere di una presentazione
ufficiale del loro recente lavoro e di una consacrazione
del raggiunto status internazionale presso
la propria gente: un’occasione vissuta naturalmente
con grande emozione, ma anche con notevole professionalità.
Serena è cantante molto preparata e
sensibile, nonché autrice rigorosa, capace di scrivere
con personalità di cose intime come delle grandi
cose della vita; Andrea, che ha vinto nel 2005 il
22
chitarra acustica 8 duemilaundici

Madame
Guitar 2011
ar
concorso emergenti New Sounds Of Acoustic Music
al Meeting di Sarzana, è un ottimo chitarrista acustico
di formazione moderna, persino con venature
di chitarra metal, ma con un gusto tradizionale
che mostra di non dimenticare l’importante lezione
del ‘folk baroque’. Una bella realtà veramente, per
questo genere di songwriting ‘voce e chitarra’, che
ci piacerebbe veder diffondersi in misura maggiore
nel nostro paese.
I Déja hanno chiuso il proprio set chiamando sul
palco il grande e atipico chitarrista ungherese Sándor
Szabó, che è stato anche il loro tecnico del
suono per il disco Laila e con cui hanno stretto, in
quella circostanza, un bel rapporto di stima reciproca.
Insieme hanno suonato il brano conclusivo
dell’album, “Tutto è luce”, che Szabó ha impreziosito
con un assolo magistrale. Sulle orme di Béla
Bartók e Zoltán Kodály, Szabó ha intensificato in
questo periodo il suo tradizionale interesse verso
il folklore musicale ungherese e orientale e – nel
suo set – ha presentato in anteprima sulla chitarra a
corde di nylon una straordinaria “Hungarian Guitar
Rhapsody”, suite di più di trenta motivi popolari magiari,
che hanno messo in luce un’incredibile varietà
e ricchezza di linee melodiche e moduli ritmici, e
che costituiranno l’ossatura del suo prossimo lavoro
discografico. Per concludere, un arrangiamento
molto personale della ben nota “Birdland”.
È stata poi la volta di Eric Lugosch, che in questo
suo soggiorno a Tricesimo ha fatto realmente la
parte del leone. Oltre all’esibizione prevista in calendario,
ha suonato pure nel concerto di sabato,
per sopperire alla forzata assenza di Adrian Byron
Burns, ed è salito sul palco per il gran finale di domenica.
La sua disponibilità e partecipazione entusiasta
gli ha permesso di mostrare con tutta evidenza
la vastità e la ricchezza del suo repertorio e delle
sue conoscenze musicali, che ci hanno trasportato
dalle canzoni folk ai gospel, dal repertorio di Reverend
Gary Davis al picking nashvilliano, dagli standard
jazz a “Both Sides Now” di Joni Mitchell e alla
sua entusiasmante composizione originale “Cajun
Cook”. Senza dimenticare l’attenzione verso il nostro
paese, dalle rielaborazioni di balli tradizionali
emiliani come la “Furlana Pironda” e il “Valzer” di inizio
secolo di Aristeo Carpi, fino alla propria canzone
scritta per la Pancreatic Cancer Society e tradotta
in italiano da Franco Nasi con il titolo “Speranza”.
Inoltre ha tenuto un seminario nel quale, in un’ora
e mezza, ha saputo dare una fondamentale visione
complessiva della funzione delle linee di basso, dal
basso alternato a un uso più libero e rarefatto, fino
ad un utilizzo melodico ripreso dalla tecnica banjoistica
del double thumbing, che ha ispirato il Carter
Style chitarristico.
Per chiudere la serata nel segno dell’energia e del
ritmo, il patron Marco Miconi ha infine chiamato sul
Dèja
Sándor Szabó
Eric Lugosch
John Crampton
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chitarra acustica 8 duemilaundici

ar
ar
Madame
Guitar 2011
Tessaris e Stefanizzi
Varini con gli studenti
Adewale e Forcione
Gastor de Paco
palco John Crampton: una voce rauca alla Tom
Waits che più rauca non si può; una National Steel
Guitar strapazzata in vario modo con le dita, il bottleneck
e i colpi percussivi sul fondo; un’armonica
dal suono pieno, uno stomp box e via a tutto gas
con una sorta di punk blues inesauribile. Dalla work
song “Pick a Bale of Cotton” al rock’n’roll “Who Do
You Love”, un’ondata di vitalità e divertimento per
tornare a casa con il sorriso sulle labbra.
Come detto, il concerto di sabato ha subìto la defezione
provocata da un’infiammazione al braccio di
Adrian Byron Burns, bluesman noto per aver militato
nei Rhythm Kings dell’ex Stone Bill Wyman. Gli artisti
chiamati a sostituirlo non hanno però mancato di
fare la loro parte, a cominciare dall’Acoustic Spirit
Duo, coppia di buskers formata dal chitarrista Valter
Tessaris e dal mimo Maurizio Stefanizzi. I due,
nonostante il bel successo ottenuto in piazza nell’edizione
2009 del festival, non sono stati richiamati
per l’edizione successiva. E qualche scaramantico
ha imputato a questa evenienza il maltempo che ha
funestato le esibizioni all’aperto dell’anno scorso.
Marco Miconi, per non saper né leggere né scrivere,
oltre che per la loro innegabile bravura, ha pensato
allora di riproporli quest’anno, garantendosi per la
verità un tempo splendido! Non solo, ma di fronte
all’assenza di Burns, ha avuto la buona idea di promuoverli
sul campo dalla strada al palco. Il concerto
è così partito nel segno di una spettacolarità che
il pubblico ha mostrato subito di gradire. Tessaris
è un chitarrista acustico completo e al passo con i
tempi, con delle buone idee che ha espresso in cinque
CD autoprodotti, tra cui il recente Frammenti;
intorno alla sua chitarra Stefanizzi costruisce un’animazione
ricca di maschere, travestimenti e lanci
di bolle di sapone, insieme a un’accompagnamento
musicale con armonica a bocca, didgeridoo e percussioni
come il cajón e la caisa. Il risultato è stato
un set molto apprezzato, che ha dimostrato quanto
l’energia della strada possa portare alla nicchia della
chitarra acustica, in termini di condivisione con un
pubblico non limitato agli appassionati del settore.
Massimo Varini ha così trovato davanti a sé un
pubblico già ben disposto, al quale ha potuto proporre
in tutta tranquillità il suo caratteristico discorso
musicale e umano. Del resto Varini è, a suo volta,
l’icona di un rapporto con la chitarra acustica
inserito in una dimensione più ampia di musicista
pop, che intrattiene quotidianamente un rapporto di
comunicazione con un pubblico più vasto. Una comunicazione
che comprende anche la grandissima
diffusione dei testi e video didattici di cui è autore, in
nome dei quali è stato impegnato – in concomitanza
con il festival – in un interessantissimo progetto di
più giorni a contatto con i ragazzi delle scuole medie
dell’Udinese.
Dopo il già ricordato secondo intervento di Eric
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Madame
Guitar 2011
ar
Lugosch, è salito sul palco Antonio Forcione con
il percussionista brasiliano Adriano Adewale. Anche
Forcione è un musicista che si muove in circuiti
più estesi rispetto al mondo specifico dei chitarristi
acustici. Era palpabile in sala come molti, tra il pubblico,
erano venuti appositamente per ascoltare lui,
più che per partecipare a una rassegna di chitarra
acustica. Aggiungo d’altra parte, sbilanciandomi un
po’, che a mio avviso Forcione è destinato a diventare
un punto di riferimento mondiale nella storia
della chitarra acustica. A lui abbiamo dedicato così
un approfondimento con un’intervista in questo numero.
Ma quello che si può osservare qui, in particolare,
è come il suo modo di inserire nello spettacolo
musicale elementi di gag, sketch, duetti scenici
con il suo compagno di palco, che si riallacciano ai
suoi studi giovanili di mimo, alle prime esperienze di
strada al suo arrivo a Londra e alle sue partecipazioni
in varietà musicali come nel famoso Trio Olé
di Paul Morocco, abbia in qualche modo riannodato
un filo con l’apertura del concerto da parte dell’Acoustic
Spirit Duo, in una serata che si è rivelata
veramente magica e indimenticabile.
La serata finale di domenica si è invece aperta
all’insegna del flamenco con il giovanissimo Gastor
de Paco, vincitore l’anno scorso a soli diciassette
anni del titolo di miglior chitarrista al Festival
del Cante de las Minas, che si svolge a La Unión
nella regione meridionale di Murcia in Spagna ed è
riconosciuto tra i più importanti dedicati alla musica
flamenca. Il suo concerto è stato preceduto in giornata
da una conferenza sul tema, tenuta da José
Francisco Ortega Castejon, professore di didattica
musicale all’Università di Murcia, direttore della rivista
digitale di flamenco La Madrugá (http://revistas.
um.es/flamenco) e membro della commissione organizzatrice
del festival che ha appunto premiato
de Paco. Castejon ha messo in luce tutta la complessità
della cultura flamenca. E in effetti, assistendo
all’esibizione del giovane chitarrista andaluso, a
parte il livello straordinario del suo repertorio e della
sua abilità strumentale, si nota come la stessa sua
immagine, la postura, la gestualità, il suo modo di
vestire e di presentarsi riflettano tutta la potenza di
una cultura tradizionale, che ha evidenti radici etnofolkloriche
e che – come tale – si è urbanizzata e
spettacolarizzata mantenendo viva la sua definizione.
Il flamenco, come il blues, il bluegrass, il tango,
lo choro, il fado o la musica manouche e tzigana,
per parlare degli esempi più eclatanti, sono tutti
tesori dell’umanità che segnano il passaggio dalla
musica di tradizione orale alla musica ‘popolare’
moderna. De Paco ha concluso la sua esibizione
invitando sul palco i rappresentanti dell’associazione
Viento Flamenco di Udine, molto attiva nel promuovere
la cultura flamenca in tutto il Friuli-Venezia
Giulia: la ballerina Lucia Tosto, presidente dell’as-
Rangel e Boltro
3 Boxes
Goran Kuzminac
Max Prandi
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chitarra acustica 8 duemilaundici

ar
Madame
Guitar 2011
Nibs Van Der Spuy
sociazione, con il chitarrista Andrea Maurizio del
gruppo Ida y Vuelta. Insieme hanno dato vita a una
brillante dimostrazione di baile flamenco.
Con il secondo set si passa a un’altra cultura latina,
quella brasiliana, che rispetto alla cultura spagnola
si è avviata prima – attraverso il movimento
della bossa nova – nella direzione del modernismo,
della contaminazione e della globalizzazione. Marcio
Rangel è già stato ospite di Madame Guitar nel
2008, con una performance solista che ha riscosso
grande successo. Quest’anno, portando avanti
una via contemporanea al dialogo tra i generi, si è
ripresentato in duo con Flavio Boltro, trombettista
di caratura mondiale che ha collaborato tra gli altri
con Lingomania, Steve Grossman, Freddie Hubbard,
Joe Lovano, Michel Petrucciani, Stefano Di
Battista. I due hanno toccato con grande spirito improvvisativo
i vari aspetti della tradizione brasiliana,
dal folklore nordestino al samba e alla bossa nova,
passando per il blues e un ricordo di Bruno Martino
con la sua indimenticabile “Estate”, riconosciuto
standard jazz.
Ad un primo sguardo superficiale si stenterebbe
a crederlo, ma i tre signori inglesi in età un po’ matura,
che ora salgono sul palco, hanno fatto buona
parte della storia del folk rock inglese degli anni
settanta e non solo: Clive Gregson è stato leader
della cult band Any Trouble, ha collaborato con Richard
Thompson e Nanci Griffith, ha fatto parte dei
Plainsong di Ian Matthews e porta avanti un’attività
solista di singer-songwriter; Mark Griffiths, che in
giornata ha tenuto un seminario dal titolo “Sviluppare
un giro armonico in forma jazzistica”, è stato anche
lui nei Plainsong e prima ancora nei Matthews
Southern Comfort, quindi per quindici anni bassista
degli Shadows, oltre ad aver collaborato tra gli altri
con Al Stewart, Everly Brothers, Peter Frampton,
Duane Eddy, Mark Knopfler, Bonnie Tyler, Jeff Lynne,
Gallagher & Lyle, Nina Hagen, Steve Gibbons,
Cliff Richard; Andy Roberts, che ha curato a sua
volta un curioso seminario dedicato a una “Sfida
tra l’accordatura DADGAD e il capotasto parziale”,
ha fatto pure lui parte dei Plainsong, ma anche
del The Wall Tour con i Pink Floyd, e ha suonato
con Richard Thompson, Kevin Ayers, Roy Harper,
Maddy Prior, Ian Matthews. I tre hanno formato
recentemente 3 Boxes, trio strumentale di chitarre
acustiche che – con la produzione di una vecchia
volpe come John Wood, collaboratore di Joe
Boyd e produttore e tecnico del suono per Fairport
Convention, Nick Drake e John Martyn – ha appena
inciso il CD Strings Attached previsto in uscita
nella primavera del 2012. Il repertorio presentato a
Madame Guitar si è dimostrato molto godibile: l’approccio
dei tre alla chitarra è distante dalla tecnica
evoluta dei chitarristi delle giovani generazioni, ma
la musicalità da loro maturata in anni di esperienza
produce risultati d’insieme perfettamente calibrati,
volutamente di impatto immediato.
Nella biografia sul suo sito, Goran Kuzminac
scrive: «Sono diventato storico e, in qualche oscuro
modo, quasi un ‘Vecchio saggio’ della canzone
italiana. Mi premiano continuamente per la ‘carriera
luminosa’ o perché sono stato il ‘Primo’ ad introdurre
il fingerstyle nella canzone d’autore italiana.
Ogni giorno qualche esploratore della rete scopre
che, oltre a “Stasera l’aria è fresca”, “Ehi ci stai”,
“Tempo”, “Stella del Nord”, ho scritto e scrivo anche
altre decine di canzoni molto più belle». Lo dice
con qualche amarezza, forse per non aver avuto la
possibilità di vivere la sua vita di cantautore proprio
come avrebbe voluto. Noi, per quello che ci riguarda,
possiamo solo dire di essere felici che lui venga
chiamato spesso a suonare nei ‘nostri’ festival di
chitarra acustica, da Acoustic Franciacorta a Ferentino
Acustica e oggi a Madame Guitar. Perché
pensiamo sinceramente che la dimensione ‘voce
e chitarra’, e aggiungiamo con la chitarra suonata
come si conviene, sia una dimensione molto importante
per ritrovare il bandolo della matassa. Così
come non ci sorprende che in un brano del suo ultimo
disco Dio suona la chitarra (Hdemia, 2008) ci
suoni una delle ‘nostre’ promesse, Andrea Valeri. O
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Madame
Guitar 2011
ar
che nel suo sito si trovino, cliccando su “Altro”, un
“Breve corso di fingerpicking” e le tablature di sette
sue canzoni. Così, dopo aver ascoltato dal vivo una
bella manciata di suoi pezzi vecchi e nuovi, voce e
chitarra, è stato bello vederlo celebrare il gran finale
intonando “Madame Guitar” di Sergio Endrigo, con
tutti gli altri musicisti saliti insieme a lui sul palco.
Proprio tutti, compreso Flavio Boltro che ha suonato
un bellissimo assolo di tromba.
Come di consueto, nelle giornate di sabato e domenica
si sono aggiunte ai concerti serali le mostre
di liuteria, di fotografia, di dischi e video, e i
concerti in piazza. Tra questi si è mostrato come
sempre particolarmente interessante e coinvolgente
quello di Max Prandi, che con la sua vecchia Eko
con le buche a effe, il drum set minimale con cassa
e charleston, l’amplificazione vintage ‘povera’ e il
suo stile scarno e ruvido legato alle forme più modali,
ipnotiche e ‘groovy’ del downhome blues, ha
passato in rassegna un repertorio di grande valore
da Fred McDowell a Big Joe Williams, da Muddy
Waters a John Lee Hooker, da Otis Redding a Ray
Charles fino ai Creedence Clearwater Revival. Una
bellissima sorpresa è stato poi il sudafricano Nibs
Van Der Spuy, approdato a Madame Guitar sulla
scia dei suoi connazionali Tony Cox e Guy Buttery
presenti negli anni scorsi: un cantautore-chitarrista
estremamente interessante, con una voce discreta
e velata che fa pensare a Nick Drake, un modo di
comporre basato su melodie spesso di ispirazione
zulù e sull’alternanza di cicli armonico-ritmici ripetitivi
con incisi efficaci, con uno stile strumentale
che incorpora accordature aperte e bottleneck sulla
chitarra, sostituita a volte dal cuatro portoricano.
Un notevole successo di pubblico ha poi riscosso
Stefano Barbati: la sua ultima fatica discografica
Acoustic Ladyland, tributo acustico a Jimi Hendrix,
è del resto un lavoro veramente importante, che inizia
a dare i suoi meritati frutti.
Ricordiamo infine Dario Fornara, che ha presentato
anche il suo utile seminario di introduzione al
tapping e alle percussioni sulla chitarra acustica;
Lorenzo Favero, freschissimo vincitore a Sarzana
del New Sounds of Acoustic Music; Maurizio Brunello,
con le sue cover virtuosistiche condite di evoluzioni
improvvisate; e Silvia & The Fishes On Friday,
nuova proposta in stile indie acustico, costruita
sulle canzoni scritte e interpretate da Silvia Guerra
con l’accompagnamento di Guido Michielis alla chitarra
e Mirco Tondon al contrabbasso, sulle orme di
artisti come Damien Rice e Kings of Convenience.
Andrea Carpi
foto di Riccardo Bostiancich
Info: Folk Club Buttrio, tel 0432 853528
www.folkclubbuttrio.it
Stefano Barbati
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chitarra acustica 8 duemilaundici

ar
Intervista a Pierre Bensusan
Pochi, pochissimi artisti, al pari di
Pierre Bensusan sono in grado di
mettere d’accordo tutti: tradizionalisti
e sperimentatori, europei e americani,
amanti del genere strumentale e
chi preferisce il cantato. Il chitarrista
parigino piace incondizionatamente
a tutti. Sarà anche per questo che
è sulle scene da trentacinque anni
e continua a raccogliere consensi
in tutto il mondo. Tra i primi ad essere
messo sotto contratto dalla
Favored Nations di Steve Vai (uno
che notoriamente ha l’occhio lungo)
ha pubblicato solo tre dischi negli
ultimi dieci anni, ma capolavori di
livello assoluto. Dopo il pluripremiato
Intuite (2001) e Altiplanos (2005)
c’era grossa attesa per l’uscita di
Vividly. Noi ce ne siamo occupati diffusamente
sul numero 4 di Chitarra
Acustica, con una bella recensione
di Daniele Bazzani. Ma l’occasione
di far quattro chiacchiere con Pierre,
in occasione della serata conclusiva
di Un Paese a Sei Corde, non ce la
siamo fatta scappare.
artisti
Trentacinque anni di buona musica
Lidia [Robba, con Domenico Brioschi anima della
manifestazione] mi ha detto che parli italiano
benissimo, proviamo?
[Ridendo] Meglio di no, altrimenti potrebbe essere
una delle interviste più brevi della storia: [in italiano]
‘sì, no… buona sera’. Scherzi a parte, sto cercando
imparare a dire qualcosa durante i concerti, ma per
il momento non vado molto lontano.
Partiamo da Vividly, il tuo ultimo disco. Come
sempre, nei tuoi lavori si sentono echi di svariate
influenze e contaminazioni. Come definiresti
la tua musica?
Buona musica [sorridendo]? Lo spero proprio.
Non penso mai alla musica in categorie, non faccio
qualcosa per ottenere un determinato risultato. È
una cosa di cui non mi preoccupo, di cui non tengo
conto. Per me la musica non è definibile a priori
dall’esterno, piuttosto è caratterizzata da qualcosa
che sta dentro, all’interno del pezzo. Con Vividly ho
cercato anche di andare un po’ oltre. Non mi sono
allontanato dalla mia strada, ma al tempo stesso
non volevo fare un altro disco come Intuite o
Altiplanos. Preferisco non soffermarmi troppo sulle
stesse cose.
Quanto è durata la lavorazione del disco?
Ci ho lavorato per quasi due anni senza pause.
Anche se alcuni dei pezzi arrivano da più lontano,
nel tempo.
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Intervista a
Pierre Bensusan
ar
Come lavori sugli arrangiamenti dei tuoi brani?
Mi piace improvvisare molto sulla chitarra. Sono
sempre alla ricerca del giusto rapporto tra tecnica,
comodità di esecuzione e suono… come posso
spiegare… cerco di ottenere sempre il massimo
dallo strumento e, allo stesso tempo, di rendere la
parte tecnica il più semplice possibile. Per cui lavoro
molto sulle diteggiature dei brani. Paradossalmente,
una volta fissato il pezzo sullo spartito, cerco di dimenticarlo
per poter sperimentare. Alcuni brani di
Vividly sono molto recenti per cui, non avendoli
suonati spesso dal vivo, non sono ancora stati sottoposti
a questo ‘trattamento’ e sono più freschi e
spontanei.
Poco prima dell’uscita del disco nuovo è stato
presentato il cofanetto celebrativo per i tuoi
trentacinque anni di carriera…
Certo! È stata un’idea del mio manager francese.
Ha detto che dovevamo far sapere alla gente che
sono in giro ormai da parecchio [sorridendo]. In effetti
sono molto fiero di questa operazione, che ha
permesso anche di rimettere in catalogo dischi un
po’ datati.
Ti ha emozionato questa iniziativa?
Sul subito mi ha colpito molto l’idea. Poi sono stato
riassorbito dal lavoro di Vividly, che all’epoca non
era ancora uscito, e mi sono concentrato esclusivamente
su quello. Poi il disco è stato pubblicato
e avevo un altro ‘bambino’ [in italiano] da seguire.
Ora su cosa stai lavorando?
Come sempre, sto cercando di migliorare il mio
modo di suonare, di improvvisare, di interpretare
i miei brani in modo da eseguirli nel miglior modo
possibile.
Studi ancora molto?
Sempre, tutto il tempo!
Su cosa ti focalizzi?
Essenzialmente sull’armonia e sulla tecnica della
mano destra. Perché penso che la mano destra sia
la vera origine del suono e sia fondamentale per
dare ai brani il giusto colore. Sono anche molto
concentrato per tentare di entrare a fondo nei brani,
in modo da poter spaziare al massimo sulla tastiera
ed essere in grado di ricordare dove ottengo i risultati
migliori. In modo da avere la maggior confidenza
possibile con la mia musica, soprattutto per quando
la eseguo dal vivo. Anche perché i concerti hanno
un’intensità tale che difficilmente è riproducibile in
altri contesti. Tutto questo penso dia ‘sostanza’ al
mio modo di suonare.
Come vivi questa ‘intensità’ delle esibizioni dal
vivo a solo?
Molto bene. Non mi sento mai solo: ho sei corde e
un pubblico… è abbastanza. A volte capita di essere
un po’ nervosi, ma ho capito che mi basta entrare
nella musica per lasciare tutto alle spalle. Se riesco
ad ascoltarmi come stanno facendo le persone che
29
chitarra acustica 8 duemilaundici

ar
Intervista a
Pierre Bensusan
vorando alla trascrizione di molti dei miei brani in
stantard tuning. È una grossa apertura, soprattutto
verso l’ambiente della musica classica, in cui molti
conoscono il mio lavoro ma non lo affrontano per via
dell’accordatura. In questo modo, magari, qualche
studente potrà chiedere al proprio insegnante di
vedere alcuni di questi brani senza problemi.
Ho visto che sul palco hai una nuova chitarra
rispetto all’ultima volta che ci siamo incontrati…
La mia nuova Lowden Signature! Anche se in effetti
sono quasi tre anni che la uso.
E la Kevin Ryan che fine ha fatto?
È in vendita. Non mi piace tenere troppi strumenti.
Si, ho visto il prezzo sul tuo sito… mio Dio…
[ridendo della grossa] Be’, non è molto lontano dal
prezzo della chitarra nuova.
In effetti anche quando guardo il sito della Kevin
Ryan il commento è lo stesso: oh mio Dio…
C’è da tenere presente anche il costo dell’amplificazione,
che al momento è quanto di meglio si
possa trovare in circolazione. E poi è stata suonata
molto, moltissimo, per cinque anni: ha un timbro
magnifico.
ho di fronte, posso dimenticare qualsiasi tensione.
Spieghi anche queste cose durante i seminari
residenziali, che tieni ogni anno a casa tua?
Certo. Tra l’altro è incredibile ma ogni anno c’è
sempre qualche italiano che partecipa.
Hai molti fan nel nostro paese…
È sempre una bella esperienza ricevere, ospitare
queste persone a casa mia, e passare tempo
assieme. E suonare, suonare, suonare… cerco di
trasmettere loro, in questo modo, un approccio alla
musica molto semplice e immediato.
Permettimi una piccola provocazione: ho visto
sul tuo sito che hai una nuova muta di corde
signature per la standard tuning… cosa è successo?
[ridendo] È successo che ho scoperto che un
sacco di gente usava le mie corde perché… vanno
bene. Ma tutta queste persone spesso suonano
anche in accordatura standard, per cui.. perché no?
Perché non usare la mia visibilità per promuovere
quello che è un ottimo prodotto? Così abbiamo una
muta per chi suona in DADGAD e una per tutti gli
altri. Tra l’altro il mio amico Roland Gallery sta la-
Le caratteristice della Lowden, invece, quali
sono?
Principalemente un suono estremamente chiaro e
definito, con una netta separazione tra le note e tra
le corde. La profondità della cassa è leggermente
maggiorata per compensare lo shape piccolo. Ho
deciso per una small jumbo per evitare problemi alla
spalla destra e George [Lowden naturalmente] ha
fatto questa scelta per ottenere maggiore profondità
sui bassi. La cassa è in palissandro dell’Honduras,
mentre la tavola è in adirondak del Canada, che per
me sono una novità come scelta di materiali. Quindi
sonorità completamente diverse da esplorare e da
imparare a controllare.
Cosa hai scelto per l’amplificazione?
Monta un Highlander IP1 che miscelo con un microfono
AKG davanti alla buca.
In passato hai utilizzato un lap top come multieffetto,
direi che hai abbandonato quel set up…
Assolutamente, mai più. Ora utilizzo un mixer
Soundcraft SI Compact 16, completamente programmabile,
con effetti della Lexicon integrati.
Testo e foto di Mario Giovannini
30
chitarra acustica 8 duemilaundici

Paolo Bonfanti e Martino Coppo

ar
artisti
Talenti fuggiti all’estero Intervista ad Antonio Forcione
Talenti fuggiti all’estero: se ne parla
tanto in ambito scientifico, ma in
Italia la triste realtà culturale, che
ruota intorno alla musica in generale,
lascia ben poche prospettive di sopravvivenza
anche a chi ha scelto di
esprimere, senza compromessi, la
propria arte attraverso una musica
lontana dalla commercialità dilagante.
Stiamo parlando della proposta
musicale di uno dei massimi esponenti
della chitarra acustica contemporanea:
Antonio Forcione. Ormai
londinese di adozione, è uno straordinario
musicista e performer: chi ha
avuto il piacere di assistere ad un
suo concerto di sicuro non è rimasto
indifferente di fronte alla bellezza dei
brani proposti, spesso conditi da un
virtuosismo portato ai massimi livelli.
Propone uno spettacolo divertente, a
tratti ironico, frutto di una grande preparazione
e dell’esperienza maturata
sui palchi e sulla ‘strada’ di un lungo
e personale percorso musicale. Abbiamo
avuto l’opportunità di incontrare
Antonio a Galliate, dove a settembre
ha tenuto un concerto per la rassegna
Un Paese a Sei Corde, organizzato
in collaborazione con il festival
Galliate Master Guitar. Un’esibizione
brillante e coinvolgente, molto apprezzata
da un pubblico che lo ha
ricambiato con grande affetto e partecipazione.
Non ci siamo lasciati
scappare l’occasione di fare una bella
chiacchierata.
32
chitarra acustica 8 duemilaundici

Intervista ad
Antonio Forcione
Negli ultimi anni il livello tecnico dello strumento
è cresciuto moltissimo e parecchie delle tecniche,
come tapping e percussioni, che fino a
qualche anno fa erano utilizzate da pochi ‘illumiar
Anzitutto complimenti per il tuo concerto,
davvero un grandissimo spettacolo! La prima
è una domanda quasi obbligatoria: da oltre
vent’anni vivi in Inghilterra, all’estero sei molto
conosciuto e protagonista di una brillante carriera;
vuoi raccontarci come hai iniziato e cosa
ti ha spinto a lasciare il nostro paese?
Ho incominciato a suonare a dieci anni la batteria,
subito dopo ho aggiunto la chitarra e il basso. Un
paio d’anni dopo ero il chitarrista solista della band
del paese. In quegli anni dedicavo quasi tutto il mio
tempo libero a questi strumenti. A diciannove anni,
dopo aver finito gli studi all’istituto d’arte di Ancona,
mi sono trasferito a Roma. Su consiglio di Franco
Cerri, ho preso lezioni di chitarra jazz dal maestro
Sergio Coppotelli, che allora era il chitarrista
dell’orchestra della Rai. In quel periodo, per mantenermi
e pagare le lezioni, oltre a insegnare in un
centro sociale, lavoravo come manovale nell’edilizia
e ti assicuro che era dura. Ricordo ancora quelle
sere che, stremato, mi addormentavo con le cuffie
in testa o il carboncino in mano, e la mattina prestissimo
mi alzavo per dedicare ancora mezz’ora ai
solfeggi. Erano tempi in cui la mia scelta di voler
diventare un musicista professionista è stata messa
a dura prova. Oggi ripenso a quei momenti come a
un importante periodo di maturazione.
Riguardo alla seconda parte della tua domanda,
posso dirti che Roma come citta mi è sempre piaciuta,
ma non offriva un granché sul piano musicale.
E così, un po’ insofferente e frustrato, nel 1983
ho deciso di partire per Londra, male che vada –
ripetevo a me stesso – imparo la lingua. Il resto è
storia… come dicono gli inglesi.
Sul palco ti muovi con grande naturalezza e riesci
a proporre un set coinvolgente e per certi
aspetti anche divertente, con gag che sembrano
arrivare più dal mondo dello spettacolo che da
quello puramente chitarristico…
È vero e c’è un motivo: in Inghilterra, dall‘83 al ‘91,
avevo registrato cinque album (incluso quello con la
Virgin Records) e mi sentivo abbastanza appagato e
ben inserito nella realtà musicale di Londra. In quel
periodo Paul Morrocco mi ha invitato a unirmi al trio
‘Olé’. Era uno show da teatro comico-demenziale in
cui il mio ruolo non si limitava solo a quello di chitarrista,
ma intervenivo anche come mimo, coreografo,
compositore, ballerino, ecc. Una tela diversa,
su cui usare colori e tecniche diverse, una nuova
sfida personale. Il trio è apparso in programmi televisivi
nazionali e ha partecipato a moltissimi festival
internazionali, Canada, Honk Kong, Giappone,
Nuova Zelanda, Australia, Italia Spagna, Geramania
e cosi via… Un’esperienza bellissima, piena di
viaggi intensi che mi hanno regalato l’opportunità
di esplorare altre forme di espressione, facendomi
riflettere non più sul piano chitarristico ma artistico
e comunicativo, dove la creatività svolge un ruolo
fondamentale.
Chi sono stati e chi sono oggi i tuoi riferimenti
musicali?
Sono in costante ricerca di punti di riferimento, a
volte trovo ispirazione in un film o semplicemente
dalle situazioni o da incontri quotidiani. Musicalmente:
Jimi, Hendrix, Santana, Stevie Wonder,
Coltrane, John McLaughlin, Keith Jarrett, Django
Reinhardt, Herbie Hancock, Joni Mitchell, Weather
Report, Oregon, Ralph Towner, Egberto Gismonti,
Jan Garbarek, Charlie Haden, Pat Metheny, e tanti
altri…
Da anni ho una particolare attenzione verso la
musica o il musicista che ha una storia/segreto da
raccontare/svelare. Senza scimmiottare, lontano da
contaminazioni commerciali. Mi interessano le radici
musicali con forte e profondo impatto emotivo.
In particolare, negli ultimi cinque anni, mi sono immerso
nella musica del continente africano che è la
fonte di ispirazione del mio ultimo lavoro Sketches
of Africa, cui hanno contribuito, oltre ai componenti
del mio quartetto (violoncello, percussioni, flauto e
contrabasso), anche musicisti incredibili provenienti
dal Senegal, Gambia, Zimbabwe e Sud Africa.
L’album uscirà in primavera 2012.
33
chitarra acustica 8 duemilaundici

ar
Intervista ad
Antonio Forcione
rivato e quali sono i tuoi prossimi obiettivi artistici?
Dopo tanti anni dedicati alla composizione, alla
registrazione e a tantissimi viaggi , ‘traguardo’ non è
una parola che mi passa per la testa… Oggi posso
solo confermare il mio entusiasmo per ciò che ho la
fortuna di fare. Quest’anno, ad esempio, ho portato
l’ultimo progetto musicale al festival di Edinburgo,
che ho il privilegio di frequentare ormai da vent’anni.
Brani che evocano lo spirito del continente africano,
eseguiti con una formazione inedita, il trio AKA: il
brasiliano Adriano Adewale (percussioni), il senegalese
Seckou Keita (chora) ed io.
nati’ oggi sono largamente diffuse. La chitarra
acustica ha maturato una grande libertà espressiva
ed è probabile che questo abbia contribuito
non poco ad avvicinare molti giovani a questo
strumento. Ma in questo contesto pensi ci sia
ancora spazio in futuro per qualcosa di veramente
nuovo?
Il diffondersi di forme di espressione è una cosa
positiva e ci sarà sempre qualcosa di nuovo da
scoprire. Il tapping, ad esempio, è una tecnica antica
che risale sicuramente a qualche centinaiao di
anni… Oggi credo che lo sviluppo della sensibilità di
nuovi pickup ha sicuramente avuto un ruolo determinante
per l’allargamento e lo sviluppo delle tecniche,
sopratutto percussive, sulla chitarra acustica.
È anche importante non sottovalutare l’impatto visivo
dei canali musicali come MTV e YouTube e il
loro potere di persuasione. Questi fenomeni, importanti
e positivi per alcuni aspetti, come lo spettacolo
visivo, hanno anche creato delle realtà dove alcune
performance musicali, vendute come ‘live’, si manifestano
con uno scimmiottamento virtuale, accompagnato
con vere e proprie backing track! Questo
purtroppo è un fenomeno molto triste per il mondo
della musica, sarebbe giusto distinguere la musica
dal vivo e con basi registrate.
Musicalmente a che punto pensi di essere ar-
Hai suonato e incontrato grandi musicisti, c’è
qualche collaborazione che ti piace ricordare?
Dopo una performance di John McLauglin, alla
London Royal Albert Hall, ho colto l’occasione per
salutarlo e per invitare Trilok Gurtu e il bassista Kay
Egheart a registrare sul mio disco Ghetto Paradise:
hanno accettato e l’esperienza è stata davvero
bellissima. Trilock ha ricambiato il favore invitandomi
piu volte a suonare con lui in diverse occasioni,
altra esperienza elettrizzante.
Un’altra occasione particolare è stata quando
sono venuto a sapere che il leggendario contrabassista
americano Charlie Haden manifestava
interesse nel registrare un album in duo con me.
Ho ascoltato per anni la sua musica, sopratutto le
sue collaborazioni con il trio: Jan Garbarek, Charlie
Haden ed Egberto Gismonti. Forse è la formazione
che più mi ha rapito e ispirato, da sempre. Trascorrere
quei quattro giorni non solo con la leggenda,
ma con l’uomo Charlie Haden che, come un ragazzino,
ti racconta della sua vita, parla dell’Italia e
della musica mi ha lasciato un ricordo indelebile.
Mentre mi faceva ascoltare dei vinili, ricordo di avergli
fatto la domanda: «Cosa cerchi dalla musica?»
Lui si ferma qualche secondo, poi dietro un piccolo
sorriso risponde: «The beauty».
Piu recentemente ho apprezzato il lavoro con Pat
Metheny. L’album Heartplay è stato registrato in
California, presso l’Institute of the Art (LA), tutto in
tre giorni, in diretta su nastro stereo senza sovraincisioni!
L’album ha ricevuto ottime critiche dalle riviste
americane e sono contentissimo che la casa
discografica NAIM abbia masterizzato la registrazione
negli studi di Abbey Road, dando vita anche
alla versione in vinile.
Vuoi dirci qualcosa sul tuo suono e sugli strumenti
che utilizzi?
Uso essenzialmente tre chitarre: una Yamaha
GCX-31-C con corde in nylon, una Yamaha APX-10
con corde in metallo e una Admira modello Sofia,
sempre corde in nylon, modificata fretless e ribattezzata
da me Uddan.
Potendo sceglierne uno solo, di che colore è la
musica di Antonio Forcione?
Color sorpresa?
Dario Fornara
34
chitarra acustica 8 duemilaundici

st
strumenti
Quando la liuteria è un affare di famiglia
I fratelli Chatelier
Dario Fornara (in mezzo) in compagnia di Gérard e Philippe Chatelier
Conosco i fratelli Chatelier da un
paio d’anni, quando per la prima volta
ho avuto il piacere di provare alcuni
loro strumenti presentati in una
passata edizione dell’Acoustic Guitar
Meeting, a Sarzana. Gérard e Philippe
Chatelier sono francesi (il loro laboratorio
si trova nel centro di Nizza),
la loro passione per la chitarra acustica
è iniziata già da bambini, una
passione che si può definire totale e
che li ha presto avvicinati con curiosità
alla liuteria. Oggi alla Chatelier
si realizzano strumenti di altissimo
livello qualitativo, per costruzione e
sonorità, adottando tecniche e soluzioni
originali, senza mai rinunciare
ad un gusto estetico sobrio, semplice
ed elegante. È Gérard che si occupa
principalmente della costruzione: una
persona, come il fratello, molto cordiale
e precisa. Entrambi sono anche
ottimi musicisti e la cosa non guasta,
avvicinando le loro scelte costruttive
alle reali necessità dei chitarristi.
Ne abbiamo parlato amichevolmente
durante l’ultimo Galliate Master Guitar,
svoltosi recentemente, dove erano
presenti ed era possibile testare
personalmente le loro creazioni…
una ‘pericolosa’ tentazione per tutti
quelli che lo hanno fatto!
36
chitarra acustica 8 duemilaundici

I fratelli Chatelier
st
Ciao Gérard, ci si vede sempre più spesso in
Italia! Come vedi la chitarra acustica nel nostro
paese e che differenze riscontri, rispetto alla
Francia, nella proposta musicale e liuteristica?
Ci piace venire da voi, vista da Nizza (che è la più
italiana fra le città francesi), l’Italia è un po’ una seconda
madre patria. Abbiamo esposto per la prima
volta a Sarzana due anni fa e siamo rimasti impressionati
dalla qualità dei chitarristi italiani. Abbiamo
avuto l’impressione che esista nel vostro paese un
movimento intorno alla chitarra acustica più potente
e più vivace rispetto alla Francia.
Si trovano, da voi, chitarristi molto precisi e originali,
che conoscono bene le chitarre e la liuteria
e che possono giudicare con competenza la loro
qualità. Ci sono anche molti collezionisti eruditi! I
chitarristi, molto spesso sanno ciò che vogliono e
abbiamo trovato molto interessanti le critiche ed i
suggerimenti raccolti in questi incontri: ci permettono
di progredire e di adattare le nostre creazioni ai
loro bisogni.
Partecipate a diverse mostre ed eventi internazionali
legati alla chitarra acustica: esiste un
vero ‘mercato’ per la chitarra acustica di liuteria?
Il mercato della liuteria è una nicchia economica
abbastanza ridotta. Esiste oggi una concorrenza
piuttosto forte, quella della produzione industriale
dei paesi asiatici, capace di produrre buoni strumenti
a prezzi quasi dieci volte inferiori a quelli nostri…
e i nostri strumenti non sono dieci volte migliori!
Assistiamo anche al sorgere di una liuteria amatoriale,
con lo sviluppo di ditte di vendita per corrispondenza
di materiale per liuteria. Molti sognano
di diventare liutai, ma non sono in reale concorrenza
con noi. Ci sono ancora dei buoni musicisti pronti
ad investire finanziariamente per un timbro migliore,
per un’opzione personale, per questo ‘supplemento
d’anima’ nel suono della chitarra di liuteria. Si stringe
poi sempre una relazione di amicizia tra il musicista
ed il liutaio, che sottolinea la differenza con
l’oggetto industriale. Noi produciamo dieci-dodici
chitarre l’anno che vanno a finire nelle mani di veri
musicisti, ma il loro numero però non è illimitato,
purtroppo.
Come e quando è nata la tua passione per la liuteria?
Sono un suonatore di ghironda… nessuno è perfetto!
Sono stato costretto a costruire la mia prima
ghironda negli anni ‘70, perché in giro non ve ne
erano di suonabili. A quell’epoca Philippe, che era
già chitarrista, mi aveva fatto realizzare una copia
della Martin 00-42 di Tom Paley, uno strumento
che era stato da noi qualche giorno e che avevo
37
chitarra acustica 8 duemilaundici

st
I fratelli Chatelier
osservato da vicino. Non ho più smesso di fabbricare
strumenti: clavicembalo, liuto, violino, mandolino,
cornamusa, e soprattutto questo particolare modello
di chitarra.
Cosa distingue una chitarra Chatelier?
Niente… eccetto il suono! Assomiglia a tutte le
altre chitarre, anche se il disegno della cassa è originale.
È Philippe che ha realizzato il progetto, la
ripartizione di volumi e l’ergonomia. Ciò che distingue
la chitarra non è visibile a colpo d’occhio. Le
vere singolarità risiedono nel principio di costruzione:
facciamo degli strumenti sotto tensione, un po’
inspirati dai fratelli Larson.
Nel ricercare una particolare sonorità adottate
legni anche molto diversi, ma quanto è realmente
‘prevedibile’ come suonerà una chitarra in
fase di costruzione?
Durante tutto il processo di fabbricazione percuoto
i pezzi di legno (è quasi ridicolo!), ma si comincia
già a sentire il timbro di uno strumento quando se
ne percuote il fondo e soprattutto la tavola, prima e
dopo il montaggio delle catene, nel momento in cui
la accordo togliendo tutto il legno superfluo e lavoro
sulla rifinitura del suono.
Il momento più importante è la percussione della
cassa finita, in cui si verifica l’accordo finale che solitamente
è un LA. Attualmente, su consiglio di Walter
Lupi, stiamo sperimentando su un’accordatura
in SOL#. Bisogna comunque riuscire a combinare
le essenze giuste!
Chi sono i tuoi riferimenti per quanto riguarda
la liuteria, e c’è qualcuno oggi che ha realmente
qualcosa di nuovo da dire?
I nostri riferimenti sono naturalmente tutta la liuteria
nord-americana, parlavo dei fratelli Larson ma
anche delle marche storiche. Al salone di Monréal,
in cui abbiamo esposto, era presente il meglio di
questa liuteria americana, ed è stata una grande lezione
vedere da vicino l’eccellenza di questa produzione
di oggi, e tutta la sua inventiva. Forse non c’è
niente di nuovo, se non ciò che è stato dimenticato,
ma l’impressione è che c’è sempre del movimento
nel cervello dei liutai!
Linda Manzer, Michael Greenfield, Somogyi, Ken
Parker e tanti altri… ho l’impressione che ciò che
motiva un liutaio sia il fatto di credere che si possa
fare ancora di meglio, anche se penso che i veri
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chitarra acustica 8 duemilaundici

I fratelli Chatelier
st
miglioramenti, per il suono della chitarra, non siano
da ricercare nella spettacolarità della liuteria appariscente!
Spesso sono i piccoli dettagli invisibili che,
pazientemente riuniti e ben compresi, finiscono col
dare una migliore coerenza alla struttura di una chitarra.
Contrariamente al violino, nel cui caso i liutai
di Cremona hanno fissato la perfezione nel 18simo
secolo, per la chitarra ci sono ancora vie inesplorate…
o almeno, è questa la speranza che nutro!
Ho visto una strana macchina nel tuo laboratorio…
una via di mezzo tra un ‘girarrosto’ e una
lampada abbronzante, ce ne vuoi parlare?
Sì, questo girarrosto è il nostro ‘kebab’! È una
cabina a raggi UVC, che sono i raggi del naturalmente
irradiamento solare… si sa che anche i liutai
di Cremona lasciavano i loro violini al sole per ossidarli
e farli ‘abbronzare’! Noi ci mettiamo soprattutto
le tavole armoniche: le facciamo girare lentamente
davanti ai raggi UV grazie al motore di un vero
girarrosto. Ciò produce l’effetto di far invecchiare
e stabilizzare il legno, migliora il timbro rendendolo
più ‘vintage’ e risonante, e contribuisce anche a
dargli un certo colore. Ma attenzione! Non si deve
far cuocere il legno, bisogna controllare bene il tempo
d’esposizione. Un altro effetto dei raggi UV è che
sono catalizzatori e permettono di seccare le vernici
accelerando il loro processo di catalisi.
Però è bene evidenziare l’aspetto pericoloso di
questo processo! Esistono dei gravi possibili effetti
collaterali e non vorrei avere sulla coscienza la pelle
di qualche appassionato che intenda replicare l’esperimento!
Se vi trovate troppo pallidi, evitate l’uso
del kebab!
State lavorando su nuovi progetti, sviluppando
nuove idee in questo periodo?
Conosco due chitarristi italiani, di cui non voglio
fare i nomi [D.F. e W.L.] che hanno intenzione di
farmi impazzire! Ma ho intenzione di difendermi!
No, sul serio, ci sono in prospettiva dei progetti di
adattamento dei nostri modelli agli stili particolari di
alcuni musicisti… ma questo lavoro di collaborazione
è per noi molto importante oltre che appassionante,
penso che miglioreremo ancora.
So che sia tu che Philippe siete validi musicisti!
Ce ne vuoi parlare?
Philippe è un grande appassionato di chitarra ed
è un ottimo chitarrista flatpicker, nel suo gruppo di
bluegrass suona soprattutto il dobro, il mandolino e
il banjo. Io suono soprattutto la ghironda e la cornamusa…
quindi non proprio della musica … abbiamo
tutti le nostre frustazioni!
Dario Fornara
39
chitarra acustica 8 duemilaundici

st
strumenti
Visita a un liutaio ‘hobbista’ per modo di dire
Maxmonte Guitars
Massimiliano Monterosso è un liutaio
hobbista di Monteortone (Abano
Terme), che ha iniziato la sua attività
di costruzione di strumenti musicali
nel 2003, partendo dalle elettriche
per poi continuare con le acustiche.
«Ho costruito la mia prima chitarra
elettrica, su copia di una Les Paul,
perché mi serviva una chitarra per la
mia band, poi ho visto che mi era venuta
bene e ho continuato a costruirle»
sintetizza così Max l’inizio della
sua passione.
Max, cominciamo anzitutto a parlare della tua
chitarra suonata da Muriel Anderson all’Acoustic
Franciacorta…
È stato davvero un caso che avessi con me una
harp-guitar alla mostra. Pochi giorni prima Giorgio
Cordini, organizzatore di Acoustic Franciacorta, mi
aveva accennato che Muriel stava incontrando dei
problemi con la spedizione della sua. Così sono riuscito
a recuperare la mia Harp-Guitar, già data a un
amico di Novara, da esporre al festival, sperando
Max Monte
in un parere di Muriel sullo strumento in questione.
La domenica del weekend in cui si svolgeva il festival
ho avuto la conferma che Muriel non avrebbe
ricevuto la sua chitarra-arpa. Giorgio si è presentato,
con lei, nel pomeriggio al mio stand per farle
provare la mia seconda creazione in questo strano
mondo ibrido tra chitarra e arpa. Muriel si è subito
dimostrata interessata allo strumento, malgrado
fosse un po’ diverso dal suo, cioè con le corde in
metallo mentre lei usa corde in nylon e sei bassi al
posto di sette.
Così, dopo un po’ di tempo che la provava, mi
ha chiesto se potevo gentilmente prestargliela per il
concerto serale. Immaginate l’orgoglio nei miei occhi
nel sentire una frase del genere. La risposta è
stata ovviamente sì! Muriel non ha avuto il tempo
di provare il sistema di amplificazione che avevo
installato, così al concerto l’ha suonata amplificata
solo da un microfono. Il suono era bello, lei è incredibilmente
brava, e i suoi brani con la harp-guitar
sono arrivati al pubblico incuriosito come un piccolo
ruscello che si fa strada tra i sassi.
Dopo essermi gustato il concerto in prima fila, ed
essermi emozionato per l’accaduto, Muriel, grata
del prestito e contenta della performance, mi ha
chiesto se potevo prestargliela per un paio di concerti
che avrebbe fatto a Treviso e a Como pochi
giorni dopo. Ovviamente un altro sì!
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Maxmonte Guitars
st
Da quanto tempo hai questa passione ?
Ho sempre avuto una passione per la musica in
generale, poi quasi per caso è nata la passione per
la costruzione di chitarre elettriche, acustiche e bassi.
Ho iniziato a costruire chitarre copiando, come ti
dicevo, una Gibson Les Paul. Successivamente ho
costruito un’altra elettrica e ho visto che mi divertivo
e venivano bene. Così mi sono lanciato anche nel
mondo delle chitarre acustiche. Non ho seguito corsi
e non ho una formazione classica, per me è una
grande passione a cui purtroppo dedico un tempo
ristretto della giornata. Quello che so l’ho imparato
da amici liutai, soprattutto americani. Mi piace sperimentare
e inventare nuove soluzioni per migliorare
i miei strumenti musicali e anche fare nuovi attrezzi
che mi servono per la lavorazione del legno.
Parlaci delle tue chitarre, dei materiali, della tecnica
costruttiva…
Ho a disposizione diversi legni, anche se cerco
di costruire con materiali abbastanza standard
come palissandro indiano e abete Val di Fiemme.
Mi piace molto anche il noce per fasce e fondo. Sulla
chitarra acustica che sto costruendo in questo
momento ho fatto alcuni esperimenti: ho accordato
la catenatura della tavola armonica in cedro, con il
sistema delle risonanze Chladni e ho fatto la spalla
mancante che segue il profilo del tacco per evitare
il fastidioso spigolo che spesso si trova nella transizione
sulla cassa. Mi piace realizzare gli strumenti
con la filosofia che, se dovrò metterci le mani per
qualche riparazione o manutenzione, non dovrò impazzire
o metterci più tempo del dovuto. Per questi
motivi, realizzo il manico incollando diverse essenze,
di solito cinque. Per una maggiore robustezza,
rinforzo quest’ultimo con due barrette di carbonio
per tutta la lunghezza della tastiera. Oltre a utilizzare
un trussrod regolabile in entrambi i sensi, applico
un sistema di regolazione dell’action. Questo
sistema abbastanza complesso permette di regolare
l’angolazione del manico rispetto alla cassa, di
conseguenza per regolare l’action non serve togliere
la selletta e limarla, basta agire su di una vite per
modificare l’altezza delle corde. Questo metodo sviluppato
da Mike Doolin è molto comodo per il setup
della chitarra, una volta ottenuto l’angolo ottimale
di incidenza delle corde sulla selletta per avere il
suono ottimale.
Come hai iniziato a costruire harp-guitar?
È una bella storia da raccontare. Quando il mio
amico chitarrista Francesco Faldani ha organizzato
un concerto di Stephen Bennett dalle mie parti, gli
ho subito chiesto se era possibile far provare una
mia chitarra a Stephen. Avevo conosciuto Stephen
in America grazie a un’amica liutaio che me l’ha presentato.
Una volta finito il concerto, mi ha riconosciuto
ed è stato davvero gentile a provare la mia
chitarra. Eravamo rimasti in pochi con Stephen,
41
chitarra acustica 8 duemilaundici
Muriel Anderson con la chitarra arpa di Max Monte

st
Maxmonte Guitars
nell’auditorium vuoto dove si era svolto il concerto.
Dopo mezzora che provava la mia chitarra senza
dire una parola, si rivolge a Francesco dicendogli:
«Hai trovato chi ti fa la chitarra-arpa».
Qualche mese dopo ho rivisto Francesco che mi
ha chiesto se gli potevo costruire una chitarra-arpa.
Un po’ stupito e, allo stesso tempo, incuriosito da
questo strumento ho accettato la sfida. Non sapevo
nemmeno da che parte iniziare e Francesco è
mancino, ma assieme ci siamo documentati e dopo
un anno la harp-guitar era nelle sue mani capaci.
Siamo stati entrambi stupiti dal gran suono, anche
appena montate le corde! Ho voluto costruirne subito
un’altra per destri da portare alla convention
di Sarzana dello scorso maggio. Realizzata con gli
stessi legni, cioè noce per le fasce e fondo e abete
Val di Fiemme per la tavola con in più l’aggiunta
di un poggia braccio e un ponte di nuovo disegno
senza piroli, per alleggerire un po’ la tavola. Questo
è lo strumento che ha suonato Muriel all’Acoustic
Franciacorta.
Ti ispiri a qualche liutaio in particolare?
Non ho un vero e proprio liutaio a cui mi ispiro.
Per motivi di famiglia sono spesso in America dove
ho conosciuto molti costruttori (Kevin Ryan, Kathy
Wingert, Mike Doolin), con cui mi sento spesso per
consigliarmi e confrontarmi. A mio parere, i liutai
americani sono avanti a noi per quanto riguarda
la chitarra acustica, soprattutto come tecniche costruttive.
Mi piace molto l’approccio aperto e votato
alla condivisione, anche con l’ultimo arrivato come
me! Se ho qualche dubbio sono sempre disponibili
a consigliarmi. Poi è bello perché a lungo andare si
sono instaurati bei rapporti di amicizia, nonostante
il loro livello! Secondo me, questo è lo spirito giusto
che deve esserci tra colleghi, e che devo dire ho ritrovato
con un gruppo di giovani italiani. Io non sono
un professionista, per il momento, visti i risultati lusinghieri
un pensiero lo sto facendo.
Hai qualche progetto di cui vuoi parlarci?
Sì, sto costruendo una chitarra-arpa da viaggio.
Interamente smontabile, con i manici che si possono
togliere con un semplice sistema di bloccaggio
e sbloccaggio pensato da me. È una sorta di travel
guitar, però su stile harp-guitar, con sei bassi in cordiera
e il manico di una chitarra standard! Si potrà
suonare principalmente amplificata, date le dimensioni
della cassa, con la bellezza del suono di una
chitarra-arpa. Ho studiato una camera di risonanza
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Maxmonte Guitars
st
dove poter lavorare per installare il sistema di amplificazione
e per avere un po’ più di suono acustico!
Questo è un breve riassunto di quello che mi ha
raccontato Massimiliano: quando parla di un suo
amico liutaio o di riparazioni che ha fatto si percepisce
una passione che travolge. Oltre ad averci ospitato,
ci ha mostrato il suo laboratorio e i vari attrezzi
ingegnosi che si è realizzato da sé per costruire i
suoi strumenti. Impossibile non rimanere colpiti dalla
passione che mette Max nelle sue chitarre. Una
cura meticolosa per i dettagli sonori e uno sguardo
sempre aggiornato alle nuove tecniche costruttive
d’oltreoceano. Nel suo laboratorio si può tastare
con mano la qualità che contraddistingue i migliori
liutai.
Per saperne di più: www.maxmonte.com
Alberto Ziliotto
Un piccolo assaggio di una chitarra di Max suonata
da Alberto Ziliotto:
http://www.youtube.com/watch?v=C2yT_iFa3u0
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Blueridge BG60
Lo slope-shoulder o advanced jumbo è uno shape
del corpo tornato in auge in questi ultimi tempi.
Legato a una certa iconografia di stampo cantautorale,
ultimamente sta prendendo piede anche in altri
ambiti, per versatilità e suonabilità. La BG 60 si rifà
quindi a questo standard, con tavola in abete massello
e fasce e fondo in laminato di palissandro brast
strumenti
Chitarre acustiche
BLUERIDGE BG 60 e BR 243
Eccoci di nuovo a parlare di chitarre
prodotte in Cina. E, per l’ennesima
volta, a prendere atto dell’enorme
salto qualitativo che questi costruttori
sono riusciti a fare, nel giro di pochissimi
anni. Sicuramente non è questa
la sede adatta, tanto meno chi
scrive è in grado, per approfondire
il discorso nelle sue implicazioni più
profonde – e farlo in maniera esauriente
- ma bisogna accettare come
dato di fato che ditte come la Saga,
di cui Blueridge è una emanazione,
sono in grado di mettere sul mercato
chitarre ben fatte, a prezzi molto
interessanti. Strumenti che solo una
decina di anni fa erano assolutamente
inarrivabili per il principiante o il dilettante
un po’ più evoluto, ora sono
decisamente più a portata di mano (e
di tasca).
Non che la Saga sia una newcome
del settore, tutt’altro. Sono in attività
da più di 30 anni e si sono fatti le
ossa sulla produzione di massa, destinata
a studenti e semi pro, sempre
con un occhio al prezzo. Blueridge,
in questo contesto, negli ultimi si è
specializzata nella replica di chitarre
storiche – alla fine, chissà perché, si
finisce sempre a parlare di Martin o
Gibson - realizzate con un certo rigore,
gusto piacevolmente vintage,
buoni materiali e un ottimo rapporto
qualità/prezzo. Per non far torto a
nessuno, abbiamo deciso di provarne
due differenti, una per tipo.
44
chitarra acustica 8 duemilaundici

Chitarre acustiche
BLUERIDGE BG 60 e BR 243
st
Scheda tecnica BG 60
siliano. La tavola è finita con verniciatura sfumata a
3 tonalità, ben stesa ma abbastanza spessa da non
lasciar intravedere le venature del legno. Monta un
battipenna tartarugato che si armonizza bene con
l’insieme. Il back, invece, viene lasciato natural ed
è molto bello. Se fosse in massello, probabilmente,
avrebbe il valore di una vettura di media cilindrata.
Le giunzioni tra le parti del corpo sono ornate con
binding crema e un profilo BWB sulla tavola. Il manico,
in mogano con tastiera in palissandro, invece
ne è privo. Il ponte, dalla linea molto semplice ed
essenziale - e non reverse – è in match con la tastiera.
Quest’ultima è ornata da segnatasti romboidali
in perloid, eleganti e ben posati. La paletta, dal
design originale, è nera con fregi bianchi e il logo
banner della casa. Monta meccaniche open back,
con palettina in ivoroid, che svolgono egregiamente
la loro funzione. Molto particolare il dettaglio del
tacco del manico dalla forma squadrata e originale.
La costruzione della chitarra è ineccepibile: niente
colla in eccesso all’interno della buca, incastri netti
e precisi, binding e intarsi posati con senza sbavature.
Malgrado le dimensioni importanti della cassa, lo
strumento è comodo da imbracciare e abbastanza
bilanciato. La scala corta, il nut non troppo piccolo e
con una buona spaziatura delle corte, uniti al buon
set up generale, rendono molto semplice il primo
approccio. Il profilo del manico a C tonda riempie
bene la mano. Su una chitarra così è impossibile
non cominciare impugnando un plettro, magari neanche
troppo sottile. E non si resta delusi: lo stru-
Tipo: Chitarra acustica
Costruzione: Cina
Importatore: Wilder s.a.s. di Eolo Willy Davoli
& C. – Via Tartini, 5/A – Parma
www.wilderdavoli.it
Prezzo: Euro 760
Top e catene: abete massello
Fasce e fondo: palissandro brasiliano laminato
Manico: mogano
Tastiera: palissandro
Ponte: palissandro
Binding: BWB
Battipenna: tartarugato
Meccaniche: open back con palettina in
ivoroid
Amplificazione: no
Larghezza al capotasto: 44 mm
Distanza Mi-mi al ponte: 54 mm
Scala: 648 mm
Tasti: 21
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chitarra acustica 8 duemilaundici

st
Chitarre acustiche
BLUERIDGE BG 60 e BR 243
Blueridge BR243
Con il modello ‘triplo 0’ arriviamo invece quasi al
top della gamma della casa e siamo in una fascia
di prezzo ancora sotto i mille euro. La BR è realizzata
interamente con legni masselli, nella classica
accoppiata abete e mogano. La tavola ha una
piacevole sfumatura ambrata, ricorda l’adirondack,
che si sposa bene con il battipenna zebbrato/tartarugato
dal sapore molto vintage. Fasce e fondo
hanno fibre scure e compatte, di buona qualità. La
tavola è ornata con il classico triplo filetto BWB, che
non compare sulla cassa. Anche il manico è in mogano,
tastiera in ebano con segnatasti a dot, molto
sobri ed essenziali. Anche in questo caso il ponte è
realizzato nello stesso materiale della tastiera, dalla
forma semplice ed elegante, abbellitto dai piroli
ferma corde con inserto in perloid. La paletta è impiallacciata
in mogano e impreziosita da un intarsio
floreale di bell’effetto, oltre che dal logo nello stesso
formato della BG. Anche in questo caso le meccaniche
sono a fondo aperto, nichelate, molto simili alle
Kluson d’epoca. Tocca ripetersi, quasi parola per
parola: anche in questo caso la realizzazione dello
strumento non presenta imperfezioni di alcun tipo,
oltre a mettere in evidenza una notevole cura per i
dettagli e un gusto piacevolmente rétro.
Perfetto bilanciamento dei pesi, manico sottile e
buon set up generale anche in questo caso concorrono
a rendere subito piacevole l’approccio allo
strumento. E, di nuovo, le aspettative non vengono
tradite: chitarra ideale per il fingerstyle, da suonare
in punta di dita, ma non troppo. La risposta dinamica
è pronta e abbastanza compressa, la gamma
sonora ben definita e senza buchi. Ottimo il volume,
che si ottiene senza forzare. Bello il riverbero naturale
che permette di far emergere la melodia sui
cantini senza sforzi. Overtone ricchi e caldi, senza
risultare troppo invadenti. Anche con il plettro non
se la cava male, anche se è evidentemente uno
strumento destinato ad altro.
Conclusioni
Strumento ben realizzati, con cura e ottimi ma-
mento rispetta appieno le aspettative con un suono
profondo, caldo e molto ricco di armoniche. La risposta
al tocco è pronta e molto dinamica, pur risultando
nel complesso abbastanza compressa. Non
necessariamente una cosa negativa, anzi. Il sustain
è corposo e prolungato. La botta che si riceve nello
stomaco è notevole, piacevole e rassicurante. Rimesso
il plettro nel taschino, la si scopre dotata di
una bella voce anche suonata con le dita, che si
giova dell’attacco immediato e dei cantini rotondi e
ben definiti. Versatile, divertente, piacevole. Il tutto
per poco più di 700 Euro.
46
chitarra acustica 8 duemilaundici

Chitarre acustiche
BLUERIDGE BG 60 e BR 243
st
Scheda tecnica BR 243
Tipo: Chitarra acustica
Costruzione: Cina
Importatore: Wilder s.a.s. di Eolo Willy
Davoli & C. – Via Tartini, 5/A – Parma
www.wilderdavoli.it
Prezzo: Euro 960
Top e catene: abete massello
Fasce e fondo: mogano massello
Manico: mogano
Tastiera: ebano
Ponte: ebano
Binding: black
Battipenna: tartarugato
Meccaniche: open back nickelate
Amplificazione: no
Larghezza al capotasto: 43 mm
Distanza Mi-mi al ponte: 55 mm
Scala: 648 mm
Tasti: 21
teriali. Tutte con custodia rigida in dotazione, che
per la BR è una leggerissima Trick Case di ottima
qualità. Il rapporto qualità/prezzo è notevole, sono
decisamente destinate a farsi notare sul mercato.
Ottime per lo studente evoluto quanto per chi ha
‘voglia’ di provare qualcosa di diverso senza spendere
un patrimonio. Ma, al tempo stesso, senza rinunciare
alla qualità.
Testo e foto di Mario Giovannini
47
chitarra acustica 8 duemilaundici

st
strumenti
Equalizzatore per chitarra acustica
D-TAR EQUINOX
Dopo il test sul preamplificatore
Solstice, ecco l’altro prodotto
di casa D-Tar, il marchio fondato
da Seymour Duncan e Rick Turner:
l’equalizzatore parametrico
a cinque bande Equinox, che
può funzionare come preamplificatore
stand-alone o in combinazione
(e qui si hanno i migliori
risultati) con il dispositivo di cui
sopra, il Solstice. Chi lavora sul
palco imbracciando strumenti
acustici sa bene quanto una
sola, fastidiosa frequenza in
eccesso possa completamente
compromettere un suono, ma a
volte la soluzione è più semplice
di quanto si pensi: l’Equinox
è una di queste. Dotato di una
serie di controlli assai utili, andiamo
intanto a riassumerne le
caratteristiche.
Caratteristiche
Nonostante le molte manopole che potrebbero
spaventare a un primo sguardo, la configurazione
del pannello frontale è piuttosto semplice: da sinistra
abbiamo i volumi di Input e Output, il Led che
segna l’eccesso di segnale, uno switch per incrementare
di +20Db il segnale in ingresso (utile per
strumenti passivi) e altri due per escludere del tutto
la sezione Eq o quella definita Notch. Sì, perché i
restanti potenziometri sono: quattro sulla fila superiore
relativi al Notch Filter – vedremo di seguito
di cosa si tratta – e nove dedicati alle tre bande
di equalizzazione completamente parametriche,
ognuna dotata di controlli di Frequency, Bandwidth
e Gain. Il led di accensione completa il tutto, come
sul Solstice non c’è interruttore On/Off.
Sul retro abbiamo un ingresso e due uscite sbilanciate,
una bilanciata XLR e uno switch Ground Lift
per cercare di eliminare eventuali ronzii elettrici, più
l’ingresso per l’alimentatore dedicato.
Come usarlo
La casa suggerisce di provarlo non solo come
equalizzatore affiancato ad un preamplificatore (in
quel caso il Solstice viene enormemente potenziato
da questo Equinox), ma come preamplificatore
vero e proprio visto che accetta un comune segnale
mono, ha volume di ingresso e di uscita, e una sezione
di equalizzazione molto più potente di quelle
comunemente a bordo dei normali pre.
Dicevamo delle due sezioni Notch ed Eq, iniziamo
da quest’ultima: tre bande parametriche con
gamma di frequenze che vanno da 40 a 400Hz, da
200Hz a 2KHz e da 1.8 a 20KHz. Bassi, medi e alti.
Con queste possiamo cercare una frequenza (controllo
Frequency), decidere quanto sia larga e quanto
influenzerà o meno le frequenze vicine (controllo
Bandwidth) e regolarne infine la quantità di taglio
o enfasi (controllo Gain). Sembra difficile all’inizio
ma è molto più semplice di quanto appaia, esempio:
una nota bassa va in feedback, tagliamo a -15Db
tutto a sinistra con il Gain, stringiamo la banda ruotando
sempre a sinistra il Bandwidth (ampiezza di
48
chitarra acustica 8 duemilaundici

Equalizzatore per chitarra acustica
D-TAR EQUINOX
st
banda) e con Frequency cerchiamo la nota fino a
trovarla, a quel punto sentiremo il feedback arrestarsi
e il gioco è fatto. Possiamo allora provare a
ridurre i vari tagli operati, perché, se una nota va
in feedback, non è detto che la si debba eliminare
dalla faccia della terra, magari va solo ridotta leggermente
la sua portata. Tutto questo si può fare su
tre diverse frequenze, che diventano cinque grazie
al Notch Filter. Questa è in realtà la vera sezione
risolutrice: l’ampiezza di banda è già fissata ed è
molto stretta, possiamo cercare la nota e decidere
quanto tagliarla; da notare che si può solo ridurre il
Gain, da 0 a -15, non aumentarlo, scelta azzeccata
perché, tanto, chi di noi vuole aumentare un problema?
I due Notch vanno da 40 a 500Hz e da 80
a 900Hz, notiamo che molte frequenze sarebbero
addirittura sovrapposte, ed è un’opzione intelligente
perché, quando c’è un problema, non è raro averne
due, spesso su note piuttosto vicine, quindi un solo
Notch Filter potrebbe non risolvere le complicazioni
e tutto sarebbe quasi inutile.
Altra caratteristica interessante è quella data dai
due piccoli switch che disinseriscono del tutto le sezioni
Notch ed Eq, altra scelta brillante: se il suono
che otteniamo è buono già solo utilizzando un
Notch, possiamo completamente ‘saltare’ la sezione
Eq escludendola, per un suono complessivo più
pulito; è noto infatti che il segnale passa attraverso i
potenziometri perdendo limpidezza anche se questi
sono in posizione centrale, a zero.
Come suona
Porca miseria, bene! Molto bene, come il fratellone,
segno di una qualità costruttiva su tutti i modelli
della casa. Lo abbiamo testato con un’acustica e
una classica con corde in nylon, entrambe amplificate
con sistemi passivi abbastanza propensi al
feedback, il risultato è stato più che soddisfacente.
Lo switch +20Db si è rivelato fondamentale per dare
la giusta spinta a segnali altrimenti troppo deboli,
Input e Output hanno lavorato quasi al massimo, la
sezione di Eq, una volta corretti un paio di problemi
(eravamo a volumi davvero alti) con il Notch Filter,
era addirittura in bypass visto che il suono non necessitava
di altre correzioni, che altro dire?
Suono trasparente, cristallino, definito, che aggettivo
preferite? Le bande di equalizzazione lavorano
in modo eccellente, il Notch è pensato per essere
funzionale e utilizzato solo all’occorrenza, si nota in
tutti i particolari la mente dei progettisti, lucida ed
essenziale.
Solstizi ed equinozi
Abbiamo a più riprese scritto, su Fingerpicking.
net e su Chitarra Acustica, dell’importanza che riveste
l’amplificazione dei nostri strumenti acustici,
e dei problemi che il tutto può creare: i due modelli
prodotti dalla D-Tar sono fra le macchine più complete
in commercio, e si integrano alla perfezione.
Perché se abbiamo due pickup montati e abbiamo
la necessità di lavorare sul loro suono separatamente,
una sola delle due macchine potrebbe non
essere ancora sufficiente, benché il Solstice (preamplificatore
stereo) sia un dispositivo eccellente.
Accoppiato però all’Equinox ci permette una lavorazione
‘di fino’, permettendoci non solo di miscelare
la quantità dei due segnali con una possibilità di
equalizzazione già molto buona, ma di andare anche
a intervenire sulle singole frequenze generate
dalla somma dei due pickup in maniera chirurgica.
Sottolineiamo questo fatto perché trovarsi sul palco
con una chitarra da diverse migliaia di euro (ma
anche da molto meno!) amplificata con due sistemi
non proprio economici e avere un problema di
feedback, risonanza o come preferite, può essere
non solo fastidioso, ma compromettere del tutto la
nostra performance. L’Equinox, collegato al Solstice
sul Send/Return di quest’ultimo, ci permette di
lavorare sul suono dosando addirittura la quantità
di intervento della macchina, con risultati eccellenti.
Ci verrebbe quasi da sperare di avere un problema,
per poterlo risolvere!
Conclusioni
Un dispositivo che possiamo abbinare a un altro,
ma quasi definitivo sul palco in caso di strumenti
mono, qualità e suono eccellenti, prezzo non basso
ma adeguato a una macchina di alto livello, possibilità
di utilizzo come outboard anche in studio, se
si avesse necessità di un buon equalizzatore anche
versatile. Il tutto condito da un look accattivante e
da una estrema maneggevolezza, che per chi lavora
e deve portare in giro strumenti a volte troppo
pesanti e ingombranti non è poco. Non pensiamolo
solo per la chitarra, i musicisti che utilizzano un
contrabbasso o un basso acustico possono trarre
notevoli vantaggi da un dispositivo simile.
Una volta compreso il funzionamento del sistema
parametrico di equalizzazione si risolvono in un
batter d’occhio problemi che a volte riteniamo insormontabili.
Consigliatissimo.
Daniele Bazzani
Importatore: Casale Bauer, Via IV Novembre
6/8, Candriano, www.casalebauer.it
Prezzo: 502 euro (IVA inclusa)
49
chitarra acustica 8 duemilaundici

st
strumenti
Notizie di mercato
dalle aziende
Martin
Una manciata di novità in arrivo dalla casa americana, tanto per
arrivare preparati al Natale. Torna la serie 15, completamente in
mogano. Disponibili come shape sia la 000 che la D, con prezzi
decisamente interessanti. Sia la D-28 che la D-35 saranno
messe in commercio anche nella versione P, con il profilo del
manico progettato per le Performing Artist, più sottile e con nut
più largo. E, tanto per chiudere in bellezza, una OM-42 con fasce
e fondo in Tasmanian blackwood assolutamente da perderci il
sonno.
Distribuite da Eko Music Group
PRS
Rispondendo alle preghiere di molti, PRS metterà in produzione nella
serie SE anche le sue bellissime chitarre acustiche. La prima, annunciata
entro fine anno, sarà la Angelus, sia nella versione Standard che in
quella Custom. Materiali solidi di altissima qualità – abete e palissandro
– bracing a X ibrido e inlay vari in madreperla, non mancherà nulla.
Resta da definire il prezzo di mercato, che probabilmente sarà in linea
con quello del settore elettrico. Quindi molto interessante!
PRS è distribuita da Eko Music Group
Greg Bennett
Il catalogo di chitarre Greg Bennett si allarga
con l’introduzione di due nuovi modelli acustici che
soddisfano due diverse richieste dei chitarristi: la
GOM100S quella di avere una chitarra acustica che
suona forte e bene ad un prezzo assolutamente
accessibile, la TT6-5 quello di avere una compatta
“travelin’ guitar” con un grande suono da portare ed
usare dovunque. Entrambi i modelli portano la firma
di progetto di Greg Bennet e la garanzia di qualità
fornita dalla produzione Samick.
Sono distribuite da Sisme
50
chitarra acustica 8 duemilaundici

Gas Addiction
st
Sony ICD-SX 712
Più che un semplice registratore. Ideale sia per la musica, registrata o dal vivo,
sia per riunioni, interviste o dettature; è composto da un microfono bidirezionale
che ti lascia tutta la libertà di muoverti durante la registrazione. Così piccolo e
maneggevole, riesce a registrare fino a 536 ore e supporta tutti i formati che ti
servono: MP3, WMA, AAC, WAV. Anche il suo prezzo è tra i più competitivi della
sua categoria!
Specifiche:
– Microfono bidirezionale: stereo ottimale, centramento delle posizioni di registrazione,
acquisizione vocale da distanze maggiori (fino a 25 m).
– PCM lineare: registrazione stereo con qualità CD, simile all’audio originale.
– Formati supportati: riproduzione mp3/WMA/AAC supportata: riproduzione tramite
la cassa frontale da 150 mW.
– Tempo di registrazione: memoria integrata che consente un massimo di 536
ore di registrazione in modalità LP (mp3, 8 kbps).
– Scene Select: selezionare il tipo di registrazione da acquisire (musica, riunioni,
interviste, dettatura) per impostazioni ottimizzate.
– Riduzione intelligente del rumore: schiarisce la voce inserendola in una gamma
audio più chiara e riduce fastidiosi rumori di fondo.
– Contrassegno traccia: aggiungi più segnalibri a ciascuna registrazione e passa
alla registrazione precedente/successiva durante la riproduzione.
– Display LCD: gestisci facilmente le registrazioni con il nuovo e ampio display
LCD e l’intuitiva interfaccia utente.
– Registrazione avanzata: memorizza e organizza le registrazioni in cartelle,
ricerca nel calendario e monitora i livelli.
– Supporto di più lingue: attivazione per menu, messaggi e nomi di cartelle (EN/
DE/FR/ES/IT/RU).
Distribuito da Eko Music Group
Savarez Tomatito
Annunciata la nascita di una nuova serie di corde specifiche per chitarra flamenco,
la Serie Tomatito che si compone di due mute in due differenti tensioni:
Normale e Alta. I set sono composti da due alti in nylon, Sol KF Alliance e tre
bassi con un nuovo multi filamento. Questa nuova serie è stata realizzata in collaborazione
con il famoso musicista Spagnolo José Fernández Torres ‘Tomatito’.
Caratteristiche uniche di queste corde sono sicuramente l’immediata e precisa
risposta, la proiezione e il sound tipico che ogni musicista di chitarra flamenco
ricerca. La velocità diventa… ‘più accessibile’, e le varie tecniche – rasgueado,
alzapúa, picado, ecc. – risultano agevoli e precise. I trattamenti e i materiali utilizzati
per queste corde assicurano, come su tutti gli articoli Savarez, la massima
qualità e la grande durata.
Distribuito da Eko Music Group
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51
chitarra acustica 8 duemilaundici

tc
tecnica
Guitar Workshop
di Stefan Grossman
Alla ricerca di nuovo materiale
da arrangiare, i chitarristi
fingerstyle hanno esplorato il
blues, il ragtime, gli standard
del jazz, assoli di stride piano
e melodie celtiche.
Tra il 1920 e il 1930 fu di
gran voga un repertorio di
nuove composizioni strumentali.
Queste composizioni presentavano
una bella varietà
di suoni e delle tessiture interessanti,
così come delle idee
musicali simpatiche suonate
da orchestre e solisti. Pochi
chitarristi hanno approfondito
questo repertorio. Negli anni
settanta Ton Van Bergeyk,
un timido mago del computer
proveniente dall’Aia nei Paesi
Bassi, passò un anno ad arrangiare
alcuni di questi strumentali
come “The Cat and the
Dog”, “The Coconut Dance”,
“From Soup to Nuts”, “Zither Melodies”
ed altri. Queste composizioni
sono raccolte in un album
intitolato Famous Fingerpicking
Guitar Solos from the Golden Era
of America Pop Music.
Ton affronta questi arrangiamenti
con la stessa abilità che
si riscontra nei suoi numerosi
ragtime classici per sola chitarra
(contenuti nel Complete Ragtime
Guitar Book pubblicato da Mel
Bay). La sua capacità di catturare
le emozioni di un pezzo è incredibile.
E ancor più importante
è il suo talento nel rendere i suoi
arrangiamenti facilmente eseguibili.
La suonabilità è un aspetto
non sempre curato dai chitarristi,
che a volte creano arrangiamenti
difficili, se non impossibili da
suonare. Quando affronto questo
tipo di arrangiamenti, cerco di eliminare
diteggiature scomode o
modificare alcuni passaggi per
rendere la musica più fluida.
Ciò non capita mai con i pezzi
di Ton, che sembrano essere
fatti apposta per la chitarra fingerstyle.
“Zither Melodies” è un vecchio
valzer romantico tedesco,
scritto da Carl Ganschals. Ton
lo ha imparato su uno spartito
e lo suona in accordatura
di dropped G (D G D G B
E). Si tratta sostanzialmente
di un’accordatura di open G,
senza abbassare però la prima
corda. È un tipo di accordatura
molto utile per l’esecuzione
di rag classici e Ton la utilizza
spesso. Come lo stesso titolo
suggerisce, questa composizione
era destinata ad essere
eseguita sullo zither [cetra
diffusa in Austria, Baviera e
Slovenia, con 5 corde tastate
e un numero variabile di corde
libere da 17 a 40 – ndr]. Ton
ha cercato di capire come un
suonatore di zither l’avrebbe
suonata, e così ha introdotto
alcune tecniche e trucchi tipici
di tale strumento, come ad
esempio mantenere una seconda
linea melodica sotto la
melodia principale.
È un brano incantevole che
proviene dalla vecchia Europa.
Le sue tre sezioni dovrebbero
rappresentare una bella
sfida con cui misurarsi.
Stefan Grossman
52
chitarra acustica 8 duemilaundici

Zither Melodies
tc
Section One
q = 100
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Tuning: DGDGBE
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Zither Melodies
Zither Melodies
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Section Two
11
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7
7 9
0 0
8
7
53
©1998 Shining Shadow Music. chitarra All Rights acustica Reserved, 8 Used duemilaundici
With Kind Permission

tc
Zither Melodies
14
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5
Section Three
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Zither Melodies
tc
26
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Section Four
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3
3
0
0
0
55
chitarra acustica 8 duemilaundici

tc
T
A
B
5
0
0
0
Studio #4 in E
«Anche se siete bianchi e non avete mai lavorato in
un campo di cotone, potete amare e suonare Il Blues.
Non sarete mai come Robert Johnson, ma lui non sarà
mai come voi.»
5
T
Pattern 3
5
5
5
5
A Ho sempre pensato che un esercizio dovesse essere
B
abbastanza 0interessante 0 da 0 incuriosire 0
0lo studente, 0 e
abbastanza difficile da insegnare qualcosa.
Ho scritto questi esercizi per alcuni dei miei studenti,
Pattern 5
perché abbiano una melodia da suonare, anche in un
contesto blues, e qualcosa con cui divertirsi mentre imparano,
almeno spero.
Ho mantenuto le diteggiature più semplici possibili e
brani suonabili anche lentamente. Aumentare la velocità
dà ad ogni pezzo un senso nuovo, così che anche un
8
musicista 0più esperto 3 possa 0 divertirsi.
3
T
A
B
Come introduzione e riscaldamento, cominciamo con
0
0 0 0
0 0
due blues patterns in tonalità di Mi.
0
5
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Daniele Bazzani
5
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tecnica
0 5 5 5
4
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Pattern 4
0
0
3
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0
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0
0
0
0
3
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0
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0
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Pattern 6
11
T
A
B
5
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3
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5
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3 5
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Blues Patterns -
0
Pattern 13
Page 1 / 5
25
T
A
B
3 5
0
0
0
0
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3
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4 2
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0
2
0
0
0
0
0
2 4
0
3
0
4
0
E concludiamo Pattern 14questo assaggio con uno studio avanzato, lo “Studio #4 in E”, nella tonalità regina
del blues, il Mi7, con accordi e passaggi a note singole per suonare in stile!
Grazie dell’attenzione.
27
T
3
0
56
chitarra acustica 8 duemilaundici
2
0
0
2
3

Studio #4 in E
tc
(gli esempi sono tratti da: Daniele Bazzani, Fingerstyle Blues Guitar, Fingerpicking.net – Carisch)
Studio #4 in E
Daniele Bazzani
T
A
B
T
A
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0
0
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3
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0
0
0
Studio #4 in E
Daniele Bazzani
3
0
0
0
0
0
0
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3
0
3 5
0
1
3
1
3
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0
0
0
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0
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A
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T
A
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¼
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¼
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0 3
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1
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0
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H
0
H
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2
1
1
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A
B
5
T
A
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0
0
0
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3 5
3 5
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0
0
0
0
2
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0
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B
7
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A
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0 1
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0
0
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chitarra acustica 8 duemilaundici

tc
Studio #4 in E
Studio #4 in E - Daniele Bazzani
1
3
2
1
3
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1
2
1
3
3
2
3 3
2
1
9
T
A
B
2
H
2
0
Po
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2
2
0
2
0
2
0
H
Po Po
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Sl
2 3
0
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2
2
0
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3
3
3
1
2
3
2
2
0
11
T
A
B
0
Sl
2 4
0
3
0
3
Po
0
4 2
0
2
0
1
2
2
0
2
3
3 2
1
3
3
3
3
3
3
13
T
A
B
7
0
6
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8
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0
0
7
0
0
0
0
7
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6
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0
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0
0
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¼
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HPo
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0
10
7
0
8
0
¼
0
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0
Sl
10 9
12
0
11
10
0
0
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chitarra acustica 8 duemilaundici

Studio #4 in E
tc
Studio #4 in E - Daniele Bazzani
3
2 3
1
3
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1 2
3
3
4
3
17
T
A
B
H
13 14
0
12
H
13 14
0
12
10
12
0
9
10
0
H
13 14
0
12
Sl
13 14
0
15
0
0
15
Sl
4
1
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1
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3
1
3
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3 1
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A
B
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0
12
15
12
15 14
Po
12
14
14
14
12
1213
14
Po
12
14
Sl
12
Sl
10 11
0
7
Capo 7th
4
1 3
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1
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1
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2
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T
A
B
10
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7
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0
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0
5
Sl
6 7
0
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0
0
6
0
0
0
1
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1
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T
A
B
0
4
Po
4 0
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0
4
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0
2
3
2
Po
0
0
6
5
6
Sl
7
6
7
0
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59
chitarra acustica 8 duemilaundici

tc
tecnica
Neve
Luca Francioso
L’idea alla base del concepimento di questo metodo
per chitarra fingerstyle è molto semplice: laddove
la chitarra classica e la didattica che accompagna lo
studente, durante le varie fasi del percorso di studio,
hanno una storia di centinaia di anni e basi consolidate,
altrettanto non si può dire per ciò che riguarda
la chitarra acustica fingerstyle. Il nostro strumento
ha una storia più recente e la didattica è frammentaria,
per non dire inesistente, comunque affidata ai
singoli insegnanti o musicisti, che di tanto in tanto
pubblicano qualcosa, senza alcun riferimento a ciò
che fanno gli altri.
Lo studente che si avvicina alla chitarra fingerstyle
ha quindi un grande problema, oltre ai molti che gli
si presentano studiando, quello di non sapere cosa
suonare, soprattutto in una fase iniziale e intermedia.
Più avanti il discorso cambia, perché i brani dei
grandi chitarristi sono un’ottima opportunità di crescita.
Ma non si può certo partire da quelli. Il nostro
progetto è ambizioso: scrivere musica per chi studia.
Perché anche chi studia ha diritto di suonare melodie di qualità, e il nostro intento è di produrne,
che non siano troppo difficili da suonare, ma che offrano degli spunti interessanti racchiusi in
piccole composizioni, non solo nei classici studi ottimi a muovere le dita. Se pensiamo a compositori
straordinari come Mauro Giuliani, Matteo Carcassi, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, c’è da
rabbrividire a quanto noi acustici siamo lontani da quel livello compositivo e didattico, ma non vuol
dire che non ci si possa provare.
Non abbiamo la pretesa di aver scritto la musica migliore che possiate suonare, solo il tentativo
di sottoporre qualcosa di utile e gradevole al tempo stesso. L’idea è di proseguire, magari con
l’aiuto di altri musicisti, per creare il ‘nostro’ percorso di studio.
Grazie dell’attenzione.
Daniele Bazzani e Luca Francioso
(il testo e lo spartito sono tratti da: Daniele Bazzani e Luca Francioso, Fingerstyle Guitar Easy,
Fingerpicking.net – Carisch)
60
chitarra acustica 8 duemilaundici

Neve
tc
NEVE
Luca Francioso
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4
3
2
1
2
3
2
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A
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0
1
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3
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0
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1 2
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2
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3
1
1
1 2
8
T
A
B
0
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0
8
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8
7
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10
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0
8
0
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0
2
0
2
2
3
0
2
0
5
7
8
1
2 3
3
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4
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1
2
12
T
A
B
0
7
8
9
8
7
8
0
7
8
11
10
12
10
1
0
1
1
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0
2
1
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chitarra acustica 8 duemilaundici

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chitarra acustica 8 duemilaundici
NEVE - Luca Francioso
T
A
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1
1
1
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1
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T
A
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0
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0
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2
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2
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2
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0
2
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T
A
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0
0
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0
0
0
0
0
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0
0
1
2
0
0
2
0
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27
0
1
2
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2
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1
2
0
1
3
3
0
0
2
0
1
2
3
12
Neve
tc

63
chitarra acustica 8 duemilaundici
NEVE - Luca Francioso
T
A
B
30
3
0
0
2
0
1
2
0
0
2
0
2
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0
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0
2
0
3
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T
A
B
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0
2
0
2
0
1
0
3
0
0
2
3
2
3
7
0
8
10
8
7
8
10
7
T
A
B
36
0
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0
8
0
5
0
2
0
2
3
0
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5
7
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T
A
B
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0
7
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9
Rall.
8
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0
7
8
11
10
12
10
13
Neve
tc

tc
tecnica
The Storms Are on the Ocean
Tradizionale arrangiato da Roberto Dalla Vecchia
Un esempio in Carter Style
Questo mio arrangiamento del brano tradizionale
“The Storms Are on the Ocean” è una chiara illustrazione
del Carter Style.
La tecnica Carter Style prende il nome dalla chitarrista
Maybelle Carter della Carter Family, storica
folk band americana in auge negli anni ’30. Forse
Maybelle non è stata la prima persona ad adottare
questa tecnica, ma certamente è stata lei a renderla
popolare visto l’ enorme successo che la Carter
Family ha avuto in quegli anni.
Il Carter Style consiste nell’eseguire una semplice
linea melodica sul registro più basso della chitarra,
riempiendo tutti gli spazi lasciati vuoti dalla
melodia con leggeri strums sugli accordi. In questo
modo siamo in grado di eseguire, contemporaneamente
in completa autonomia, sia il solo che l’accompagnamento.
Per la buona riuscita dei brani, è essenziale
mantenere ben distinti i due piani sonori: quello
delle note della melodia, che sono suonate più forte,
e quello degli strums, che hanno l’unico scopo
di fornire un sostegno ritmico e armonico alla
melodia stessa. Il pentagramma non è in grado
di indicare tutto questo, quindi, prima di provare
a studiare ogni singolo arrangiamento, è bene
conoscere la linea melodica del brano in questione
andando ad ascoltare una delle innumerevoli
versioni facilmente reperibili sul web.
Un altro elemento fondamentale di questo
stile è quello di tenere la mano sinistra ancorata
sui diversi accordi il più a lungo possibile,
riducendo così al minimo i movimenti. Questo
per avere il massimo sustain possibile e di conseguenza
un suono pieno e completo.
Una buona conoscenza del Carter Style è
basilare per poter meglio affrontare altre tecniche
e soluzioni musicali che da esso traggono
origine, come gli sviluppi solistici del flatpicking
nell’arrangiamenro dei fiddle tunes.
(lo spartito è tratto da: Roberto Dalla Vecchia,
Flatpicking Guitar, Fingerpicking.net –
Carisch)
64
chitarra acustica 8 duemilaundici

The Storms Are on the Ocean
The Storms Are on the Ocean
tc
Traditional, arranged by Roberto Dalla Vecchia
3
q q = q e
&
# 4 3 œ
G
œ
œ
œ
œ
C
œ
œ
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œ
G
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œ
G
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0
0
3
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2
& #
5
G
œ
œ
œ
œ
œ
D
œ
œ
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G
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G
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3
0
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2 3
& #
9
G
œ
œ
œ
œ
C
œ
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
œ
G
œ
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œ
0
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0
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2
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0
1
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0
0
2
3
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0
0
3 0
& #
13
G
œ œ œ
D
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
œ
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3
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0
0
65
chitarra acustica 8 duemilaundici

tc
The Storms Are on the Ocean
& #
17
C
œ
œ
œ
C
œ
œ œ œ
G
œ
œ
œ
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& #
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œ
21
0
3
0
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0 2
0
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& #
G
24
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œ
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C
œ œ œ œ
C
œ
œ œ œ
3
3
0
0 0
2 0
3
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0
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0
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& #
27
G
œ
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
œ
œ
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3
0
0
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D
30
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
œ
œ
œ
G
œ
œ
œ
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66
chitarra acustica 8 duemilaundici