SUONO n° 539

N. XXX 

Editoriale 

di Paolo Corciulo 

Spiacente di deludervi, 

ma la notizia della nostra morte 

è un tantino esagerata... 

In occasione del recente Milano Hi-End ho incontrato persone 

molto comprensive e consce del momento particolare che attraversa 

la stampa, motivate forse anche in seguito al richiamo che 

il Presidente della Repubblica ha recentemente fatto in merito. 

La maggior parte dei lettori di SUONO ci seguono da quel dì, altri 

sono giunti in seguito: avremmo voluto che questi ultimi fossero di 

più, per il nostro bene ma anche per quello in generale del settore 

che, non l’ho mai nascosto a rischio di risultare menagramo, non 

versa in buono stato di salute. Da anni ritengo che il ricambio e 

l’apertura verso un nuovo pubblico rappresentino le chiavi per 

ridare smalto al mercato che, per contro, si è sempre chiuso a 

riccio a difesa dei valori già esistenti, tutt’al più convenendo, 

per forma, sull’argomento. Un po’ quello che è accaduto finora 

nell’ambito del clima, con atteggiamenti definiti green washing 

o, più in generale, che partono dalla convinzione che tanto alla 

fine “ci si mette una pezza”… 

Se non è più tempo di rivoluzioni, letti in un arco di tempo più 

ampio di quelli determinati 

dal binomio “fretta 

& velocità” caratteristico 

dei tempi attuali gli 

eventi disegnano a volte 

fenomeni evolutivi ben 

definibili sulla lunga 

distanza. Quando frequentavo 

il primo anno 

all’Università venne 

chiesto ad alcuni di noi 

studenti del collettivo di 

medicina di realizzare un pamphlet per divulgare e spiegare un 

termine allora sconosciuto sebbene fondativo di un movimento 

di pensiero che cominciava a farsi strada, fortemente sostenuto 

dal biologo Barry Commoner: ecologia. Fa ridere che a quel 

tempo fosse lecito chiedersi cosa significasse mentre oggi è una 

parola di senso comune. II percorso di consapevolezza culturale 

effettuato da allora ad oggi è il segno di una evoluzione che non 

è una rivoluzione ma quasi! E nonostante questo Greta Thunberg 

e l’enorme impatto delle problematiche ecologiche soprattutto 

sui giovani ci hanno per certi versi tramortiti al punto tale da 

spazzare via molti pregiudizi sulla loro inconsapevolezza fino al 

punto da ipotizzare che la soglia della maturità si trovi ai 16 anni! 

Volando assai più basso, proviamo a ripercorrere invece il cammino 

dell’editoria specializzata in generale e in particolare di questo 

giornale: anni ’70 nascita e meraviglia; anni ’80 la consacrazione; 

anni ’90 la turbolenza; anni 2000 il declino. E gli anni post millennial? 

È possibile invertire la rotta di un declino annunciato? La 

vulgata (e anche certi movimenti politici) dicono di no in favore 

della democrazia digitale della rete; la splendida polifonia di voci, 

opinioni, anche semplici esternazioni e/o dubbi che rappresenta il 

panorama emerso in superficie grazie ad essa, è tuttavia disturbata 

da un costante, enorme, rumore di fondo, spesso creato ad arte, a 

volte elemento di disturbo suo malgrado, che sembra l’inevitabile 

contrappasso di quella smisurata libertà di espressione che dobbiamo 

ad internet. Quella che Umberto Eco definì “l’invasione degli 

imbecilli” o che più prosaicamente potremmo identificare come 

“marmellata digitale” è il contrappasso inevitabile, in alcuni casi 

gravissimo a questa ampia libertà: nel momento in cui scrivo sui 

social network si stanno diffondendo liste di farmaci fatti passare 

come medicinali contenenti il principio attivo ranitidina, messo 

al bando dall’Agenzia europea dei medicinali (Ema), con il rischio 

che farmaci che non hanno nulla a che vedere con quelli oggetto 

dei provvedimenti restrittivi vengano ingiustamente boicottati 

con grave rischio per chi ne ha bisogno. Fake news, ignoranza 

digitale, nuovi canoni (e argomenti) di comunicazione: tenendo 

conto di questo trittico lavoriamo 

costantemente per 

migliorare questo giornale 

partendo da una semplice 

constatazione visto che, in 

fondo, ci atteniamo a una 

massima per cui “Ogni mattina 

al sorgere del sole non 

importa che tu sia leone o 

gazzella...”. Tenendone conto 

ci colpisce ma anche ci 

stimola l’idea che la prima 

reazione alla disponibilità dei brani di Battisti in streaming sia 

stata per alcuni quella di trovarsi di fronte a brani “datati, banali, 

ripetitivi e noiosi”. E ci conforta, per contro, la decisione del duo 

di stilisti Dolce & Gabbana di concentrare sulla carta stampata 

la propria comunicazione. “Mentre tutti sono sullo smartphone, 

comprare la carta stampata potrebbe sembrare un lusso. In 

realtà se ne ricava un punto di vista unico, preparato con cura 

e tempo. Per me è il momento del grande ritorno delle riviste: 

potere alla stampa!”. Lo ha detto Stefano Gabbana e non saprei 

come dirlo meglio! 

Mi sembra così che da uno scoppiettante crogiuolo ricco di segnali, 

di modernità ma anche di conoscenza e cultura (del passato, del 

presente e per la formazione del futuro) nasce ogni mattina (dopo 

aver scoperto se si è leoni o gazzella) il SUONO che verrà. Quale 

sia perfettamente non so ma posso garantire che è e sarà privo 

di preconcetti e tesi preconfezionate. Una marcia in più che dà 

origine a pensieri e opinioni di cui sono orgoglioso, che le leggiate 

sulla bella carta stampata o in rete che sia. 

Parafrasando il telegramma con cui Mark Twain 

risponde con sferzante ironia alla infondata notizia 

della sua dipartita, vorrei tranquillizzare quei lettori 

che si preoccupano (a fronte della vulgata che vuole 

la carta stampata obsoleta) della sorte di testate 

come la nostra che rappresentano il compagno di 

viaggio di lunga data per molte persone. 

SUONO ottobre - novembre 2019 3

Sommario 

N. XXX 

EDITORIALE ............................................................................3 

ANTENNA ...............................................................................6 

INSIDE DENTRO LA MUSICA 

SCOUTING CAP.1 Il Capo di Paolo Corciulo ...............................................................20 

N. 539 

OTT/NOV 2019 

ABBEY ROAD 50 anni dopo il canto del cigno dei Beatles di Massimo Bargna ........................24 

GIUSEPPINA TORRE Finché c’è arte c’è speranza di Francesco Bonerba ..........................28 

GABRIELE DI FRANCO Mi scappa di farlo di Daniele Camerlengo ..............................30 

ARTHUR RADFORD Non solo amplificatori di Pier Paolo Ferrari ................................34 

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

CUFFIA TX Media TX-172 Concerto a cura della redazione .......................................38 

ACCESSORI Omicron Magic Dream di Nicola Candelli ........................................42 

UNITÀ PHONO STEP-UP Ortofon ST-7 a cura della redazione .................................44 

CONVERTITORE MSB Premier DAC a cura della redazione ....................................48 

AMPLIFICATORE INTEGRATO Synthesis Roma 510 AC di Nicola Candelli ......................54 

PRE + FINALE Yamaha C-5000 e M-5000 a cura della redazione ...............................58 

DIFFUSORI Marten Design Django XL di Paolo Corciulo .......................................66 

DIFFUSORI Sonus faber Minima Amator II a cura della redazione ..............................70 

AMATO MIO LP di Vittorio Pio ............................................................74 

RECENSIONI A.A.V.V. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 76 

CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE ........................ 92

ANTENNA 

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Olympica 

refresh 

In occasione della 

16ma edizione 

della fiera Rocky 

Mountain Audio Fest 

(RMAF: 6 - 9 Settembre 

2019) Sonus faber 

ha introdotti gli 

Olympica Nova, una 

rivisitazione della serie 

Olympica (introdotta 

nel 2013) che è più di 

un restyling: nuovi driver, 

nuovo crossover, 

nuova struttura del 

cabinet e nuovo caricamento 

dei volumi 

interni per la versione 

che per la fine dell’anno 

sarà nei negozi italiani. 

Dei sette modelli 

che compongono ora 

la collezione Olympica 

Nova, tre sono completamente 

nuovi: il top di 

gamma a tre vie, un secondo 

canale centrale 

LA GAMMA OLYMPICA NOVA 

Modello: Nova I Nova II Nova III Nova V 

Tipo: da supporto da pavimento 

Caricamento: 

bass reflex 

N. vie: 2 3 

Potenza (W): 35 – 250 50 – 250 50 – 300 60 - 400 

Impedenza (Ohm): 4 

Frequenze Crossover (Hz): 2500 250/2.500 

Risp. in freq (Hz): 45 – 35.000 40 – 35.000 35 - 35.000 

Sensibilità (dB): 87 88 90 

Tweeter: 28 mm a cupola in seta H28 XTR3 

Midrange: - 15 cm 

Woofer (cm): 1 x 15 1 x 18 2 x 15 3 x 18 

Dimensioni in cm (lxaxp): 19,95 x 35,5 x 39,5 

36 x 103,65 x 

42,25 

37,6 x 110,45 x 46 42,4 x 117,4 x 53 

Peso (Kg): 10,5 30,7 35 44 

Prezzo (€): € 6.000,00 9.000,00 12.000,00 15.000,00 

6 SUONO ottobre - novembre 2019

e un modello on-wall. Originariamente, infatti, 

la linea, un omaggio al Teatro Olimpico 

di Vicenza, era composta da tre modelli 

(due torri e uno da stand) con cabinet in 

legno di noce naturale, con top (rivestito 

in pelle) e bottom in noce massello e baffle 

frontale e retro anch’essi rivestiti in 

pelle con assenza di viti a vista. La forma 

rimane la stessa, in pianta a forma di liuto, 

mentre i fianchi del cabinet vengono ora 

realizzati con otto strati di legno curvato 

e nel top e nel baffle la pelle lascia il posto 

al legno naturale (noce o wengé le due 

finiture disponibili) incastonato in una 

lastra realizzata in alluminio fresato, come 

accade nella collezione Homage Tradition. 

Il caricamento è lo stesso (Stealth Reflex) 

con l’uscita laterale del flusso, mutuata dai 

modelli Homage Tradition e realizzata con 

un pezzo di alluminio estruso. Cambiano 

gli altoparlanti utilizzati anche se, ovviamente, 

in molti casi si tratta di evoluzioni 

di quelli utilizzati nella prima serie. Il tweeter 

a cupola in seta (ora da 28 mm, prima 

da 29) e magnete al neodimio, utilizza la 

soluzione proprietaria DAD (Damped Apex 

Dome) con archetto e anello, in alluminio 

pressofuso, ridisegnati. Il midrange da 15 

cm utilizza un cono realizzato secondo 

l’abituale miscela di polpa di cellulosa e 

fibre naturali (Kapok e Kenaf) con cestello 

in alluminio, bobina mobile in lega di 

rame (CCAW - Copper Clad Aluminum 

Winding) e una differente ogiva rispetto 

a quella utilizzata nei modelli precedenti, 

in alluminio con anello in rame. Il woofer 

(da 15 e 18 cm) è ancora una volta dotato di 

cono con struttura a sandwich costituita da 

due strati in polpa di cellulosa accoppiati 

tramite uno strato di schiuma sintattica. 

Anche il crossover, che utilizza condensatori 

Clarity Cap, continua il cammino 

intrapreso elaborando le idee di Onken e 

Jensen prima con il sistema Stealth Reflex, 

ora con la modalità costruttiva denominata 

Paracross Topology. Infine anche i 

supporti di Olympica Nova (le basi e gli 

stand) sono stati riprogettati. 

In termini di prezzo di listinio l’aumento 

medio per i vari modelli è nell’ordine del 

10% rispetto alla serie precedente. 

Paolo Corciulo 

Per info: MPI ELECTRONIC - www. 

mpielectronic.com 

Cablaggio in aria, 

valvole di alta qualità, 

componenti selezionati. 

Pura musica. 

Pre, finali e integrati costruiti a mano in Italia, cablati in aria, 

con valvole e componenti selezionati e NOS, cabinet in legni pregiati 

e la sicurezza delle certificazioni CE, RoHs e RAEE. 

Tutto questo perché, in fatto di amplificazioni, tutto è già stato 

inventato dai tempi delle valvole: si deve solo fare al meglio. 

E con Tektron ritorni al futuro. 

7 

TEL 335 6693597 - EMAIL info@tektron-italia.com - WEB www.tektron-italia.com

ANTENNA 


FOCAL PER TUTTI 

Rendere l’alta fedeltà accessibile al maggior numero di persone possibile. 

Quasi un refrain per Focal che accanto ai diffusori monstre ha 

sempre sviluppato parallelamente gamme di prodotto economiche 

ma di qualità, ispirandosi al concetto di microlusso. In questo ambito è 

la volta di Chora, una gamma di tre diffusori (uno da piedistallo e due 

torri) che sostituisce la linea Chorus, per definizione la gamma d’attacco 

della casa francese, con prezzi tra i 600 euro e poco più del doppio 

(quindi nello stesso range dei predecessori) e, altro elemento costante 

nello sviluppo dei prodotti nella casa francese, aspetti di innovazione 

tecnologica. È il caso, ad esempio, del nuovo materiale proprietario 

utilizzato per il cono di midrange e woofer, realizzato in fibra di ardesia 

(Slatefiber), ottenuta dall’unione di un polimero termoplastico con 

fibre di carbonio riciclate e non tessute, soluzione perseguita per il 

miglioramento dello smorzamento, della rigidità e della leggerezza del 

componente, vero chiodo fisso per Focal che durante i suoi 40 anni di 

storia ha proposto via via soluzioni sempre più performanti da questo 

punto di vista. Da notare che rispetto alla gamma precedente Chorus 

sono scomparsi centrale e surround (sebbene la torre di mezzo vanga 

definita adatta all’home theater): un’abiura nel confronti dell’home 

theater o un nuovo modo di concepirlo? 

Il Tremila 

Distributore: Tecnofuturo - www.tecnofuturo.it 

LA GAMMA CHORA 

Modello Chora 806 Chora 816 Chora 826 

Tipo: da supporto da pavimento da pavimento 

Caricamento: 

bass reflex 

N. vie: 2 3 3 

Potenza (W): 25-120 40-200 40-250 

Impedenza (Ohm): 8 

Frequenze di crossover (Hz): 3000 270 – 2700 270 - 2.700 

Risp. in freq (Hz): 58 – 28.000 50 – 28.000 48 - 28.000 

Sensibilità (dB): 89 89,5 91 

Tweeter: 

1 TNF (Aluminium/Magnesium) 

Midrange: - 1 da 16,5 cm 

Woofer: 1 Wf da 16,5 cm 1 da 16,5 cm 2 da 16,5 cm 

Dimensioni in cm (lxaxp): 59 x 39 x 53 110 x 34 x 48 30.3 x 38.8 x 105.3 

Peso(Kg): 18 20,5 24 

Prezzo (€): 598,00 1.198,00 1.398,00 


ANTENNA 


Solo per intenditori 

Leader del settore nella metà degli anni ’70 grazie all’adozione nei suoi diffusori del tweeter 

AMT (Air Motion Transformer), realizzato su licenza esclusiva concessa dal fisico tedesco 

Oskar Heil che lo ha creato, ESS è un marchio tutt’ora apprezzato dai veri intenditori di 

Hi-Fi che si dilettano a mettere nelle migliori condizioni di utilizzo i diffusori che utilizzano 

questo componente. Gli AMT Limited Edition 6 sono una versione di dimensioni ridotte delle 

leggendarie AMT dell’epoca, quindi dedicate ad ambienti di piccole e medie dimensioni dove 

efficienza, emissione alle basse frequenze (grazie ad un secondo woofer che emette verso il 

basso) e regolazione dell’emissione alle alte frequenze favoriscono un facile interfacciamento 

con l’ambiente e con i partner sonori. 

Agostino Bistarelli 

Diffusori ESS AMT LE 6 

Prezzo: € 1.399,00 

Dimensioni: 20 x 47 x 20 cm (lxaxp) 

Peso: 14 Kg 

Distributore: Openitem - www.openitem.it 

Tipo: da pavimento Caricamento: sospensione 

pneumatica N. vie: 2 Potenza (W): 60-100 

Impedenza (Ohm): 6 Risp. in freq (Hz): 

40 - 28.000 Sensibilità (dB): 96 Altoparlanti: 

1 tw di Heil, 2 wf con cono in carta da 

16 cm Rifinitura: nero e noce Note: 1 woofer 

posizionato con emissione verso il basso. 

LA SERIE STELLAR CRESCE 

A cavallo tra il 1973 e il 1975 la PS Audio faceva il suo fragoroso 

ingresso nel mondo audio con un preamplificatore fono che ottenne 

larghi consensi. Sebbene l’attività principale si sia spostata 

poi principalmente su filtri di rete prima e convertitori D/A poi, 

niente di meglio per festeggiare i 40 anni di attività se non riproporne 

un altro, ovviamente nella versione aggiornata e all’interno 

della serie Stellar, quella up to date del costruttore americano. 

L’apparecchio è basato su una architettura originale a FET in 

configurazione completamente discreta ed è stato sviluppato 

dall’ingegnere Darren Myers. Lo Stellar Phono dispone di doppi 

ingressi e possibilità di regolare carico e guadagno della testina 

utilizzata in maniera facile e immediata, anche da telecomando. 


Per info: MPI ELECTRONIC - www.mpielectronic.com 

Unità phono PS Audio Stellar Phono 

Prezzo: non comunicato 

Dimensioni: 43 x 8,2 x 33 cm (lxaxp) 

Peso: 9,8 Kg 

Tipo: MM/MC Tecnologia: stato solido a MOSFET Risp. in freq. (Hz): 20Hz 

- 20KHz +/- 0.25dB Impedenza MM (kOhm): 47. Impedenza MC (Ohm): 60 

- 1-1k S/N (dB): 82 Note: 1 ingresso RCA e 1 XLR. Telecomando con selezione 

dell’ingresso e dei carichi MC. 

A Padova Quattro Note d’Autunno 

Nei giorni 1, 2 e 3 Novembre p.v., dalle 10 alle 19, si terrà la 4a edizione di Quattro Note d’Autunno, l’appuntamento con la musica e la 

passione organizzato da Peter& Son Audio Laboratory, che prevede una sezione storica con la 3a edizione del Vintage Classic Hi-Fi, una 

selezione di importanti apparecchiature che hanno fatto la storia della vera Alta Fedeltà, per poi continuare nella sezione rivolta all’attualità 

dove esordisce anche la prima U.C.H. (Upgrade Challenge HiFi), un’inedita opportunità atta a scoprire come e quanto si può migliorare 

la riproduzione sonora di un diffusore (sia nuovo che da collezione) rivisitandone competentemente il cross-over e le cablature interne. 

L’edizione di quest’anno, inoltre, prevede per ognuno dei tre giorni (venerdì e sabato dalle ore 18 e domenica dalle ore 17) un concerto 

live con la partecipazione degli artisti dell’etichetta discografica Velut-Luna. La manifestazione si svolge come d’abitudine all’ Hotel F. P. 

by Sherton di Padova-Est (contiguo all’omonimo Casello Autostradale della A-4) dove è prevista l’agevolazione sulla tariffa di parcheggio 

all’interno della struttura a €.2,00 per l’intera giornata. 

Per info: Peter & Son Sas Audio Laboratory - www.peter-son.it 


ANTENNA 


Luxman insiste 

sull’analogico 

All’unico giradischi Luxman attualmente in catalogo sta per aggiungersi 

un nuovo modello che prende le mosse dal precedente (PD-171A), introdotto 

nel 2014. Il nuovo PD-151 utilizza un nuovo motore proprietario 

senza spazzole, ad alta coppia di rotazione, e un piatto ad alta massa 

(4 kg) che ha richiesto lo sviluppo di cuscinetti in grado di sopportare 

pressioni estremamente elevate. A tale scopo è stato sviluppato il nuovo 

reggispinta in polietere chetone (PEEK) e un cuscinetto radiale in ottone 

riempito con olio di molibdeno organico per favorire una rotazione 

fluida e una maggiore durata nel tempo. Per il cabinet, inoltre, è stata 

realizzata una struttura sospesa, con componenti montati sotto il telaio 

superiore in alluminio di 10 mm di spessore, separato dal trasformatore 

di alimentazione con supporti di smorzamento in gomma. La regolazione 

della velocità viene effettuata con comandi separati per 33-1/3, 45 e 78 

rpm e il cablaggio è interamente in rame OFC. 

Il Tremila 

Per info: Tecnofuturo - www.tecnofuturo.it 

Giradischi Luxman PD-151 

Prezzo: non comunicato 

Dimensioni: 46,5 x 13,3 x 39,3 cm (lxaxp) 

Peso: 15,7 Kg 

Tipo: con braccio Telaio: a sospensione con top in alluminio Trasmissione: 

a cinghia Piatto: in alluminio da 4 kg Braccio: a S 

con attacco universale, lunghezza 22,9 cm, overhang 15 mm, per 

testine da 4 a 12 gr. Alzabraccio: si Wow & Flutter (%): 0.04%. 

SE HAI L’USCITA BASSA 

Il trasformatore step-up Ortofon ST-70 si affianca all’ST-7 (in prova 

in questo numero di SUONO) ed è stato progettato e ottimizzato 

per Moving Coil (MC) con uscita molto bassa, facilitando così il 

lavoro dallo stadio phono. A partire dai trasformatori Lundahl di 

alta qualità, circondati da una schermatura specializzata in mumetal, 

l’ST-70 è un disegno nato da zero. All’interno della chassis, 

il design dual-mono a discreti per ogni canale riduce la diafonia 

e le distorsioni. La scheda PCB è di elevata qualità e i jack RCA 

d’ingresso e d’uscita sono placcati in oro con isolamento in Teflon 

per la migliore conduttività. L’ST-70 è compatibile con una vasta 

gamma di fonorilevatori Moving Coil di fascia più alta grazie alle 

sue due opzioni Gain / Impedance, impostate tramite ponticelli 

interni. Un abbinamento ideale è con i modelli MC della serie 

Cadenza della casa danese. 

Carlo D’Ottavi 

Per info: Audiogamma - www.audiogamma.it 

Unità phono Ortofon ST-70 

Prezzo: € 1.145,00 

Dimensioni: 15 x 5,8 x 13,5 cm (lxaxp) 

Peso: 1,23 Kg 

Tipo: MC Tecnologia: Trasformatore di Step Up per testine a bobina 

mobile Risp. in freq. (Hz): 10-100.000 +/- 1 dB (conf.A) e 10-80.000 +/- 

1 dB (conf.B) Impedenza MC (Ohm): raccomandata 5-50 (conf.A) e < 

10 (conf.B) Note: Costruzione Dual-Mono. Doppi trasformatori Lundahl 

con schermatura mu-metal dedicata. Ponticelli interni per selezionare 

tra due configurazioni di guadagno/impedenza. Connettori RCA dorati 

con isolamento in Teflon. 


ANTENNA 


Unità phono Blue Aura PH1 

Prezzo: € 199,00 

Dimensioni: 15,2x 4,9 x 18 cm (lxaxp) 

Peso: 0,85 Kg 

Tipo: MM/MC Impedenza MM (kOhm): 45~56 

Impedenza MC (Ohm): 80~120 S/N (dB): 82.8 

MM -

ANTENNA 


Uno sguardo al futuro... 

e uno al passato 

Con la serie Artera Quad ha voluto occupare un segmento di 

mercato lontano da quello più strettamente correlato alla sua 

immagine e alla su storia, analizzando i cambiamenti avvenuti 

nella fruizione musicale e, di conseguenza, nelle categorizzazioni 

dei prodotti, oggi più mutevole e incerta che in passato. Oltre a un 

tutto in uno di fascia alta (Solus) la linea Artera è infatti composta 

da due soli ulteriori componenti: un tradizionale finale di potenza 

(Stereo) e un lettore + pre e hub digitale (Play +). A rendere ora un 

po’ meno radicali le scelte arriva un pre di natura più tradiionale 

che si riallaccia a tecnologie del passato del marchio come il Tilt 

Control, raffinato controllo di toni, sviluppato addirittura nel 1982 

per il pre Quad 34. Non c’è più Peter Walker alla guida della ricerca 

ma comunque un rispettato progettista come Jan Ertner, responsabile 

del progetto Atera, che ha seguito lo sviluppo dei prodotti Quad 

negli ultimi 20 anni e più. 

L’Artera pre è completamente bilanciato e consente la regolazione 

del livello individualmente su ognuno degli ingressi e uscite fisse 

e variabili per facilitare il bi-ampling. Grande attenzione anche 

all’alimentazione, con un capiente toroidale e ben 11 rami differenziati, 

all’ascolto in cuffia con uno stadio di amplificazione separato 

in Classe A e per il vinile con la presenza di un pre fono MM e MC. 


Preamplificatore Quad Artera Pre 

Prezzo: € non comunicato 

Dimensioni: 32 x 10,5 x 32 cm (lxaxp) 

Peso: 7 Kg 

Distributore: High Fidelity Italia S.r.l. 

Via Collodi - 20010 Cornaredo (MI) 

Tel.02-93611024 - Fax 02-93647770 

www.h-fidelity.com 

Tecnologia: a stato solido Ingressi: 3 RCA linea, 1 fono MM/MC, 1 

XLR Uscite: 1 RCA, 1 XLR, fissa e variabile Risp. in freq. (Hz): 20 

-20.000 ±0.2dB THD (%):

ANTENNA 


SONOS MOVE PER L’OUTDOOR 

Alimentato a batteria a lunga durata e pensato per mantenere una 

elevata impermeabilità agli agenti atmosferici (pioggia, umidità, 

polvere, sporco, raggi UV e temperature estreme) ma anche a 

cadute e urti, Sonos Move è uno smart speaker Wi-Fi ma anche 

Bluetooth, realizzato secondo la robusta piattaforma software e 

l’ecosistema Sonos, in grado di supportare più di cento servizi 

streaming, Airplay2 e molteplici assistenti vocali (Google Assistant 

e Amazon Alexa sono integrati, in modo da poter riprodurre 

musica, controllare le notizie, controllare i dispositivi domestici 

smart, porre domande e molto altro in wireless). In casa, è possibile 

connettere il sistema 

facendolo scorrere 

semplicemente 

sulla base di ricarica 

interna inclusa, assicurando 

così una 

continua disponibilità. 

Inoltre, grazie 

alla funzionalità 

di stand-by che si 

abilita automaticamente 

quando 

Move non è in uso 

(oppure toccando il 

pulsante di accensione), 

la batteria 

dura fino a cinque 

giorni. 


Coordinato Sonos Move 

Prezzo: € 399,00 

Dimensioni: 16 x 24 x 12,6 cm (lxaxp) 

Peso: 3 Kg 

Distributore: Nital - www.nital.it/ 

Amplificatore: 2 in Classe D Diffusori: 1 tw e 1 midwoofer Note: streamer con quattro tipi di microfoni per campo lontano per l’acquisizione 

vocale intelligente (Google Assistant e Amazon Alexa integrati) e l’eliminazione del rumore. Wireless, Bluetooth, Airplay 2. 

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INSIDE DENTRO LA MUSICA 

di Paolo Corciulo 

SCOUTING: IL MERCATO HA 

BISOGNO DI SCELTE GIUSTE 

CAP. 1: il Capo 

Comincia qui un percorso (tra memoria e consapevolezza) di esperienze da condividere con il lettore. Siamo 

andati alla ricerca di quei personaggi che grazie alle loro conoscenze hanno indirizzato e plasmato il mercato. 

Perché certe scelte sono maggiormente impattanti di altre. 

Come molti lettori di questa rivista, sono un cittadino del secolo 

scorso del quale ho introiettato (a volte mio malgrado) i valori, 

i pregi e i limiti, anche se alcuni di essi ho tentato di superarli 

per non perdere il passo con cambiamenti determinati dal tempo che 

corre e dalle spiccate attitudini messe in 

Il fiuto per gli affari 

Di lui tutti ricordano il fiuto magistrale nello 

scovare nuovi prodotti di cui avrebbe 

curato la distribuzione, sempre attento al 

futuro e mai fermo su rendite di posizione. 

Vero imprenditore di razza. Il mio ricordo 

di Giovanni? Solo quello di un campione 

di umanità e saggezza. 

luce dai cosiddetti millennial con il loro 

modo di fruire della musica. 

Senza sfoderare capacità sociologiche 

che non ho, se dovessi sintetizzare le 

caratteristiche che distinguono lo scorso 

secolo da quello attuale, perlomeno 

nello specifico agone dell’alta fedeltà 

ma non solo, mi soffermerei principalmente 

sulla velocità, sull’accelerazione 

che viene richiesta ai processi cognitivi 

e non; velocità e accelerazione hanno 

determinato un accorciamento delle 

distanze (fisiche e culturali) tra le varie 

parti del mondo e anche la supponenza 

(ma questo è un altro argomento, sicuramente degno di un discorso a 

parte) che velocità e accelerazione si possano applicare indistintamente 

anche a categorie come l’esperienza e la professionalità, intese nell’accezione 

più vasta possibile. Velocità e accelerazione per contro hanno 

determinato una maggiore capacità, sia geografica che culturale, di farci 

sentire cittadini del mondo: oggi in poche ore e con una spesa relativa 

possiamo raggiungere qualsiasi parte del globo (mia nipote è in Cile in 

vacanza, io ancora ricordo le interminabili 

ore di macchina per raggiungere attraverso 

il temibile Vallo della Lucania la 

Puglia, terra natia di mio padre). In pochi 

secondi possiamo telefonare, chattare, 

contattare via e-mail chiunque in 

qualsiasi parte del mondo immaginando 

con buona dose di approssimazione 

come sarebbe andarlo a trovare, quali 

strade e che panorama dovremmo affrontare. 

Mentre lo penso e lo scrivo, mi 

vengono in mente due spauracchi e due 

limiti asfissianti che hanno caratterizzato 

la mia gioventù: le telefonate internazionali 

e i voli “transoceanici” (come se 

l’oceano fosse ancora, per il navigante, un colossale ostacolo). Entrambi 

assolutamente da evitare per costi, pericolo, arditezza dell’impresa… 

Dico questo certamente non per nostalgia: si vive mediamente meglio 

Maurizio Massarotti 

20 SUONO ottobre-novembre 2019

SCOUTING: IL MERCATO HA BISOGNO DI SCELTE GIUSTE 

PADRE E PATRIARCA 

Per tutti Giovanni è il padre dell’alta fedeltà italiana, una figura di riferimento in 

campo internazionale. Per me è un padre nella più pura accezione del termine. 

Un uomo onesto, probo, buono, semplice e generoso, un entusiasta, un coraggioso, 

un istrionico, un lungimirante, un illuminato, un edonista, una persona sempre 

in prima linea negli oneri, mai negli onori. Il Capo è un visionario. Il Capo ama la 

sua famiglia, il suo lavoro e la sua MPI, frutto di rischi infiniti e tanti sacrifici. Ama 

i suoi colleghi (come chiama i propri collaboratori e dipendenti) e i suoi amici. 

Il Capo ha conquistato l’America e gli americani (non a caso è figlio di Amerigo); 

ha girato il mondo ma porta sempre con sé la sua amata Umbria. Da una parte 

New York dall’altra Foligno. Da un lato il Consumer Electronic Show di Las Vegas 

dall’altro la festa di Colle San Lorenzo e la Quintana. Da un lato filet mignon e 

french fries, dall’altro pajata e porchetta. Il Capo è una persona di cultura, legge 

tanto, gli piacciono le biografie dei grandi della terra, ama la storia, la politica, la 

finanza e le dinamiche per cui tutto prende una forma. Ama il Milan, quel Milan 

che non sbaglia mai e che quando perde è sempre colpa degli arbitri. Conosce 

le ragioni, quelle della testa e quelle del cuore, ha sempre una parola per tutti, 

una spiegazione a tutto. È una persona riconoscente, sa amare e la gente lo ama. 

Ci sentiamo spesso, capita anche di incontrarsi, soprattutto di notte. Parliamo, 

faccio domande e chiedo consigli che seguo alla lettera. È una guida preziosa. 

Insostituibile. 

Marco Mazzi 

che in passato e la ricchezza della polifonia di voci e culture a cui oggi 

attingiamo è straordinaria! Ma la velocità e l’accelerazione rendono 

mutevole la realtà che ci circonda a tal punto da far correre il rischio che 

nulla si sedimenti, nulla accresca e conclami quell’aspetto di concretezza 

(delle scelte, delle cose) delle nostra vita e questo per un music lover 

(termine che preferisco di gran lunga alla parola audiofilo) rappresenta 

un problema: che cosa farsene delle amate e materiali collezioni di dischi 

che oltre ad affollare il salotto ne definiscono almeno in parte l’identità? 

Come contenere quel sentimento che ci porta alla ricerca di valori 

duraturi nei prodotti di cui amiamo circondarci e che, come effetto di 

risulta paradossale quanto si vuole ma ben presente nell’animo del music 

lover, si trasforma nell’eterna attesa del prodotto perfetto (prestazionale, 

affidabile, eterno) in un’epoca di usa e getta? 

Che ci sia del buono in questi “vecchi” sentimenti non ho dubbio alcuno, 

basti pensare, in negativo, a quello che è successo in Hi-Fi travisando, 

dimenticando, negando scientemente quelle regole, quelle intuizioni che 

resero i padri fondatori del settore tali e che, scopriamo oggi, sarebbero 

in gran parte ancora valide se applicate anche solo pedissequamente. È 

la mancanza di memoria storica ad averci fatto dirazzare ma tale patrimonio 

sembra più un fardello che altro per molte aziende: abbiamo più 

volte su SUONO affrontato il tema, per quelle aziende che ne sono dotate, 

di come e se preservare la propria tradizione pur evolvendo… In un mondo 

ad alto tasso di mutazione forse la tradizione è solo un limite tant’è 

che, con mio grande raccapriccio, talune aziende preferiscono eludere 

la propria storia piuttosto che esaltarla. Ma, ritornando all’argomento 

originale, sono anche convito che se non si può (e non si deve) arginare 

il progresso, le mutate condizioni del panorama che ci circonda (anche e 

a maggior ragione nello specifico settore della riproduzione sonora) non 

prefigurano necessariamente che alcuni valori del passato siano ancora 

validi. Uno di quelli invece ancora necessari è, almeno a mio parere, la 

capacità di discernere in merito alla qualità dell’offerta che, detta così, 

sembra una cosa facile ma presuppone intelligenza, conoscenza della 

materia sia tecnica che storica non sempre comuni. 

Tra gli elementi di maggior spicco di quel periodo fervido che viene definito 

Golden Era dell’Hi-Fi c’è stata proprio quell’attività di scouting (la 

ricerca di nuovi e validi protagonisti su un mercato) effettuata da parte di 

alcuni benemeriti. Scouting, va ricordato, che veniva praticato in condizioni 

di mobilità e possibilità di comunicazione ben differenti da quelle 

odierne dove, tutto sommato, basta digitare qualche parola in rete per 

avere risposte magari superficiali ma pur sempre sufficienti a conoscere 

quel che precedentemente si ignorava del tutto. La mia ammirazione va 

alle persone che cominciarono a farlo tra mille difficoltà (per dirne una, 

la prima volta che sono andato in Giappone nessuno parlava inglese e, 

allora come negli anni seguenti, spesso non lo parlavano nemmeno i 

grandi manager delle aziende); era un mondo più piccolo (quello conosciuto 

e al tempo stesso fin troppo grande, soprattutto la parte che non si 

conosceva), da affrontare con circospezione e con lunghe e impegnative 

avventure con i “viaggi intercontinentali”. 

La conoscenza globale di superficie che oggi ci è concessa complica valutazioni 

e scelte (quasi tutti sono capaci di creare un sito attraente!) e 

rende ancor più opportuno e interessante il lavoro di scouting. Nel nostro 

mercato, però, quasi tutti hanno perso questa attitudine, più semplice 

un approccio urbi et orbi: l’utente finale che modella i suoi gusti sulla 

base delle sue fascinazioni, il negoziante che non crea più una griglia di 

prodotto che tenga conto delle sue convinzioni, dell’area in cui opera, 

della caratterizzazione della sua clientela, l’importatore nella scelta di 

prodotti duraturi e strutturati per offrire servizio post vendita (quello 

che abbiamo definito indice di concretezza), le riviste che, in ultima 

analisi, non esercitano appieno il loro ruolo di critica basata su criteri 

di analisi profondi e veritieri (molto più semplice rifugiarsi nell’enorme 

ego dei recensori che attraverso un IO cubitale sopperiscono a queste 

doti di analisi). 

Per queste ragioni, invece, chi ancora fa esercizio di scouting ha un ruolo 

fondamentale in un settore come l’alta fedeltà che, per quanto si voglia, 

non potrà mai diventare usa e getta e fonda sulla qualità il suo principale 

criterio ispiratore. E i Cahiers du son odierni meritano tutto il 

nostro rispetto per il contributo nel tracciare una strada, un orizzonte 

il più sano possibile, indipendentemente lo si voglia seguire o meno. A 

riscoprirli penserà questo spazio, nato per condividere con il lettore la 

Giovanni Faccendini con Marco Mazzi responsabile del settore Dj. 

SUONO ottobre-novembre 2019 21

INSIDE 

Da sinistra a destra: Pino Fasulo, Giovanni Faccendini e Alessandro Faccendini al The 

S.H.O.W. molti anni fa. 

fiducia nel loro operato e le indicazioni che ci offrono. Per inauguralo, 

non essendo abbastanza vecchio del settore da conoscere bene i vari 

Gilberto Gaudi, Emilio Baruffi con Sony e l’ing. Giorgio Bertazzoni - che 

ebbero il merito di introdurre i prodotti 

giapponesi sul mercato italiano e che a 

tutti gli effetti possono essere considerati 

i padri fondatori dell’Hi-Fi italiana - 

non ho avuto dubbio alcuno su chi, della 

generazione successiva, che invece ho 

conosciuto bene, potesse meritatamente 

aprire questa galleria di ritratti... 

“Gìììoooovaaani”; un urlo, una sirena 

rassicurante in terra straniera sebbene 

il nome venga storpiato in mille modi 

con quella doppia enne che gli stranieri 

non riescono mai a pronunciare: non di 

rado capitava di distinguere nettamente 

il richiamo tra l’assordante confusione 

di un CES al suo apice per la partecipazione 

dei produttori Hi-Fi. Era rivolto 

a un piccolo grande uomo conosciuto e stimato da tutti che viaggiava 

“aprendo le acque tra il popolo dell’Hi-Fi” accalcato nei vari stand, in 

simbiosi della sua fida assistente, “la Mara”. Perché lui non sapeva l’inglese 

e lei si ma guai a sottovalutarlo per questo: per quel che ne so ha 

sempre concluso affari a suo vantaggio senza essere mai abbindolato ma 

anche senza mai abbindolare qualcuno. 

Giovanni Faccendini aveva iniziato in Siemens come brand manager di 

marchi quali Thorens e Stanton: con Frank Conlon, da poco scomparso, 

che di Stanton era la colonna portante, avrebbe mantenuto a lungo una 

sincera amicizia anche quando Conlon si ritirò dal mondo del business e 

rimasero in contatto. Siemens era una sorta di incubatore di qualcosa che 

non capiva, orientata com’era verso altri main business. Da lì Faccendini 

ne uscì fondando con un altro ex Siemens, Manrico Casagrande, una 

società per la distribuzione dell’Hi-Fi, prima di dividersi prendendo 

ognuno strade diverse e autonome. 

Poi nel 1984 l’acquisizione della MPI di Italo Pagani (un altro dei padri 

fondatori dell’Hi-Fi italiana, spesso sottovalutato): il figlio, un ingegnere 

“testacchione”, mal si adattava alle nascenti regole dell’Hi-end (ritornò, 

se non ricordo male, a lavorare per la HP…). MPI e McIntosh vivevano 

anch’essi della simbiosi tra i patron italiano Pagani e quello americano 

Un piccolo grande uomo 

Forse ufficialmente non fu mai riconosciuto 

appieno: un grande personaggio 

e soprattutto un grande uomo, senza se 

e senza ma. E non lo dice solo un amico 

ma uno che con lui ha lavorato fianco a 

fianco per trent’anni, con enorme piacere 

e soddisfazione, e che certe situazioni 

le ha vissute e le può tranquillamente 

testimoniare. 

Pino Fasulo 

Gordon Gow che fece nascere tanti aneddoti (dalla passione di Gow per le 

belle donne ai rientri dagli States di Pagani con valige di ricambi “perché 

la logistica di allora...”) ma anche un’attività commerciale di successo. 

Con la MPI Giovanni Faccendini allargò a dismisura il portfolio della 

sua offerta visto che in un non chiarito rapporto di causa-effetto lui era 

famoso all’estero per i tanti marchi distribuiti e tanti marchi lo cercavano 

perché era famoso… Eppure non aveva nemmeno un grande orecchio 

e poco a che vedere con quel fuoco sacro di molti ex audiofili diventati 

operatori di settore. Nonostante prendesse sempre decisioni in piena autonomia, 

ascoltava attentamente i consigli dei suoi collaboratori, specie 

in ambito d’ascolto musicale. E poi chapeau, aveva un gran fiuto: era un 

“animale” commerciale; non riesco a immaginare nulla di più lontano 

tra quest’uomo dall’aspetto campagnolo (la grande pancia e i baffoni 

tradivano la provenienza dalla campagna umbra) e la DJ culture, eppure 

ebbe lui questa intuizione, come racconta il suo stretto collaboratore 

Marco Mazzi: “Il Capo è stato la persona che trent’anni fa, prima di 

tutti, importò in Italia la Bedroom Dj Culture e solo grazie alla sua lungimiranza... 

Allora io ero un ventenne 

entusiasta e squattrinato, lui un nome 

di spicco dell’alta fedeltà internazionale, 

e non ebbe dubbi quando si trattò di 

investire nel mondo dei Dj”. 

Già: il “Capo”. Mi ha fatto sempre sorridere 

il fatto che negli uffici e nelle occasioni 

pubbliche tutti, inclusi i suoi figli, 

lo chiamassimo così: “Il Capo”. Forse, 

inconsciamente, era un distinguo da 

un altro termine, “padre”, esercitato a 

pieno titolo con i figli ma esteso a una 

moltitudine di figli non anagrafici con 

cui nel rapporto professionale prendeva 

la ribalta l’aspetto umano. Patriarca di 

una famiglia allargata ben percepibile 

ogni qual volta mi è capitato di andare 

in visita alla villetta a Cornaredo (nella provincia e non nella centralissima 

Milano) dove ha sede la MPI. 

Via via il successo raggiunto ha portato con sé i malumori e le invidie 

Giovanni Faccendini con il nipote Massimo. 


INTERVISTA RICCARDO RUSSINO 

Faccendini, Pessina, Mazzi: lontano nel tempo, negli USA. 

degli altri che gli sono valsi perlomeno la nomea di “burbero”: quando 

un marchio era privo di distribuzione e concludeva l’affare strappandolo 

alla concorrenza immediatamente era il cattivo di turno. Cattivo non lo 

era davvero; tra i tanti ricordi ne basta uno. A un certo punto gli venne 

proposto l’unico marchio che veniva distribuito da un piacentino educato 

e gentile come Adriano Cighetti che, per giunta, in quel periodo era affetto 

da una grave malattia. Giovanni rifiutò perché era la sua ultima e unica 

fonte di sostentamento. Ogni marchio prima o poi nel tempo gli è stato 

offerto, molti li ha presi molti li ha rifiutati anche per aiutare (e a volte 

togliere dai problemi economici) i “colleghi” con i quali la competizione 

era dura ma di cui riconosceva una appartenenza, labile o meno, alla 

stessa “famiglia”. Ho assistito ripetutamente a episodi di questo genere 

e alcuni mi riguardano direttamente... 

Una volta gli proposi un’iniziativa commerciale e mi fece capire che come 

socio sarebbe stato implacabile e i piedi in testa non se li sarebbe mai 

fatti mettere da nessuno. Forse meglio rinunciare? In un’altra eravamo a 

Perugia per una mostra di settore che si teneva allora, e non seppe trattenere 

la sua rabbia per la nostra poca propensione commerciale (eravamo 

io e Mario Berlinguer), aggredendoci con un “Ma voi volete fare sempre 

come c***o vi pare?”. Serbo quel ricordo come una medaglia al merito, 

convinto che lo dicesse per affetto e con lo spirito del buon padre di famiglia 

che più volte mi ha “rampognato” ma sempre tradendo un sorriso 

furbetto che inevitabilmente appariva sulla sua faccia. Quindi burbero 

no, ruvido magari si, caratteristica che mitigava con ironia consapevole 

e, a volte, involontaria, comunque da persona spiritosa: leggendarie, 

nella perenne lotta con il peso (che entrambi abbiamo perso…), certe tesi 

autoconsolatorie come le abboffate di dolci americani che “…tanto sono 

sugar free!” . O le zingarate: dal giorno alla notte era capace di invitarti 

a seguirlo in un viaggio, in una fuga nei parchi di Disney alla fine di una 

giornata al NAMM a sperimentare tutti i giochi possibili e immaginabili. 

Una generosità e una gioia per la vita da conquistare pezzo per pezzo 

che lo riportavano in Italia carico come un cammello dalle “pazziate” 

nei negozietti ai dock di Manhattan: Ray-Ban e Samsonite per tutti, 

parenti e amici! Ironico e spiritoso, talvolta anche negli affari, dove non 

tradiva nessuno, e questo agli “stranieri” faceva piacere! 

Giovani Faccendini è stato presidente dell’APAF dove è riuscito a tenere 

insieme personalità e aziende le più variegate per carattere, dimensioni, 

prospettive. Poi, cinque anni fa tra pochi giorni, ci ha lasciato per altri 

pascoli e forse non è un caso che dopo di lui ogni forma associativa sia 

implosa. Un vuoto grande al punto tale che alcuni sentono la necessità 

di parlarne ancora al presente, per esorcizzare il passato. Un’assenza che 

coincide se non con la scomparsa con un cambiamento delle logiche del 

mercato Hi-Fi che non è solo generazionale: per decine d’anni Faccendini 

ha concluso affari semplicemente con una stretta di mano, rispettandola, 

come possono testimoniare Saito San di Accuphase piuttosto che i vari 

Presidenti di McIntosh (dal Fondatore a Ron Fone e non da ultimo 

all’ormai più che longevo, nella carica, Charlie Randall) e che oggi, per 

dirla con ironia, risulterebbe un metodo “ampiamente sopravvalutato”! 

Si ringraziano Pino Fasulo, Maurizio Massarotti e Marco Mazzi che, al 

di là dei contributi, hanno fornito le testimonianze che hanno arricchito 

questo articolo. 


INSIDE 

di Massimo Bargna 

Il canto del cigno 

dei Beatles 

© Gaber 

A distanza di mezzo secolo viene pubblicata la riedizione speciale di Abbey Road, ultimo disco registrato 

dal quartetto di Liverpool e pietra miliare della storia della musica rock. Ma sarà proprio vero che è oro tutto 

ciò che luccica? Quando si tratta dei Beatles, sembra proprio di sì. 

Alla fine degli anni Sessanta era evidente, per quanto doloroso 

per i fan, che i Beatles avevano iniziato la loro parabola 

discendente. Definitivamente archiviato il periodo 

della Beatlesmania, dei capelli a caschetto e delle hit da classifica 

che avevano segnato un’epoca come Yesterday, Help e Michelle, 

i Beatles erano diventati l’ombra di se stessi. Sembrava proprio 

che dopo Sgt. Pepper e il White Album, capolavori su vinile che 

avevano ridefinito gli standard del genere rock ampliandone a 

dismisura i confini, Paul, John, George e Ringo fossero rimasti 

vittime della loro stessa genialità. Cosa potevano fare di più in 

campo musicale, dopo una così generosa profusione di inventiva? 

Nel frattempo il mondo del rock era in fermento. Nuove 

band molto più “cattive” e in sintonia con i tempi erano pronte 

a contendere al quartetto di Liverpool lo scettro di sovrani della 

musica giovanile, se non sul piano delle vendite su quello artistico 

e del costume. Si trattava dei gruppi precursori del punk: i Velvet 

Undergorund di Lou Reed, i Doors di Jim Morrison e gli Stooges 

di Iggy Pop. Impossibile per i Beatles reggere alla lunga una tale 

concorrenza e di questo se ne erano resi conto anche loro. All’alba 

del ’69, dopo il naufragio delle registrazioni del progetto Get 

Back (il cui materiale fui poi ripescato per il disco Let it Be), i Fab 

Four passavano il tempo a litigare e pianificare le loro carriere 

soliste, rischiando di fare la fine di artisti come Frank Sinatra, che 

continuavano a vendere dischi ma erano ormai identificati con il 

passato. Lo scioglimento della band era solo questione di tempo. 

Tuttavia, proprio quando venivano dati per spacciati, ecco che 

i Beatles spiazzarono tutti tirando fuori dal cilindro quello che, 

secondo alcuni, è addirittura il loro LP più bello: Abbey Road. Per 

celebrarne il cinquantesimo, la Universal ha messo sul mercato lo 

scorso settembre nuove edizioni deluxe del disco con non poche 

sorprese. Ne parliamo con Riccardo Russino, 47 anni, giornalista, 

co-autore dei libri Paul McCartney 1970-2003. Dischi e misteri 

dopo i Beatles (Editori Riuniti, 2003) e John Lennon. You May 

Say I’m A Dreamer. Testi commentati (Arcana, 2014). Russino 

è anche autore e protagonista del reading “6 indizi fanno una 

prova - Abbey Road è il capolavoro dei Beatles”. 

Abbey Road è uno degli album più riusciti dei Beatles, 

nonché il più venduto in Italia. Qual è la ragione del 

suo fascino? 

I fan sono soliti dire che tutti i dischi dei Beatles sono dei capolavori 

e che non ce n’è uno più bello dell’altro. Dalla prospettiva di 

un critico musicale o di un appassionato di musica Abbey Road è 

però realmente il disco più godibile e coerente del quartetto di 



LE TRE GEMME DI ABBEY ROAD 

Come together: è una canzone che Lennon aveva scritto per Timothy Leary, guru 

controverso della cultura psichedelica anni Sessanta. Nel ’68 Leary decise di candidarsi 

alle elezioni per il governatore della California e chiese a Lennon, incontrato 

al Bed-In di Montreal, se potesse scrivere una canzone per la sua campagna elettorale. 

John accettò. Il tema che iniziò a scrivere era Come together che alludeva alla 

necessità di unirsi per cambiare le cose. Quando Leary rinunciò alla candidatura, 

Lennon volle comunque finire la canzone. Divenne il pezzo di preapertura del 

disco il cui testo, privo di riferimenti politici, è basato su giochi di parole al limite 

dell’intraducibile. L’arrangiamento è indimenticabile con Ringo che tiene un ritmo 

incalzante alla batteria, Paul che traccia delle linee melodiche di basso che 

sembrano assoli e George che offre una splendida parte di chitarra dimostrando 

le sue capacità di strumentista. 

Something: Frank Sinatra, che ne fece una bella cover, con un certa enfasi disse che 

la considerava la più bella canzone d’amore degli ultimi cinquant’anni. Harrison la 

scrisse quando i Beatles stavano per finire le registrazioni del White album. Mentre 

Paul era impegnato nelle sovraincisioni George, per ingannare il tempo, si sedette 

a un pianoforte e si appuntò la melodia. Poi scrisse le parole e fece ascoltare la 

canzone a un collaboratore che gli propose di inserirla nel White album. Ma non 

si poteva perché il disco era ormai finito. Il pezzo venne riproposto per Let it be e 

anche stavolta nessuno se lo filò. Infastidito George passò il pezzo a Joe cocker 

(che l’anno prima aveva reinterpretato alla grande With a little help from my friends) 

il quale la incise prima dei Beatles. Something verrà infine inserita in Abbey 

road e scelta come primo singolo. Diventerà la canzone più coverizzata dei Beatles 

dopo Yesterday e una sicura fonte di reddito per George grazie ai diritti di autore. 

Here comes the sun: un altro capolavoro di Harrison scritto mentre si trovava 

nella casa di campagna di Eric Clapton. Quest’ultimo era legato a George da 

uno stretto rapporto di amicizia, soprattutto dopo che aveva suonato la chitarra 

in While my guitar gently weeps, altro celebre pezzo di Harrison, nel White album. 

Quando George scrisse Here comes the sun Clapton era lì e non poteva credere di 

veder nascere sotto i propri occhi un simile capolavoro di delicatezza cristallina 

e apparente semplicità. 

Riccardo Russino 

band e volevano fare un ultimo grande disco per salutare i fan e 

chiudere in bellezza. Ma facciamo un passo indietro. Nel gennaio 

del ’69 il quartetto aveva registrato del materiale che sarebbe 

confluito nel disco Let it be, che uscì solo l’anno dopo ed è quindi, 

cronologicamente, l’ultimo album dei Beatles. Durante le registrazioni 

i quattro litigano spesso, sono svogliati e suonano in 

un modo che non è non all’altezza delle loro capacità. Alla fine, 

insoddisfatti, abbandonano il progetto e iniziano a lavorare su 

qualche altra canzone ma senza un’idea chiara di cosa farne. 

È Paul a proporre per primo di fare un altro disco e gli altri ci 

stanno. Un gruppo come il loro non poteva certo uscire di scena 

con Let it be. Ma c’è di più. All’epoca stava nascendo l’hard 

rock ed erano usciti i primi dischi di progressive. Coscienti che 

stava nascendo una nuova scena musicale, i quattro raccolgono 

la sfida con la seconda facciata di Abbey Road, in cui è evidente 

la voglia, soprattutto di Paul, di sperimentare nuove sonorità e 

forzare i limiti formali della canzone. L’obiettivo è dimostrare che 

come musicisti possono fare qualsiasi cosa e meglio degli altri. 

E tuttavia Lennon, anni dopo, criticò la lunga e ambiziosa 

composizione del lato B di McCartney, la cosiddetta 

“The Long One”, in quanto più che di un’opera rock, secondo 

lui, era un semplice collage di canzoni non finite 

che erano state riciclate da session precedenti. Arrivò a 

definirla “spazzatura”. Questo dimostrerebbe che i Beatles 

fallirono nel loro tentativo di appropriarsi di formule 

musicali complesse con cui non avevano dimestichezza... 

Ciò che dice Lennon da una parte è vero. The Long One non è 

Riccardo Russino ad Abbey Road 

Liverpool. A differenza del White Album (che contiene capolavori 

come While my guitar gently weeps e Blackbird e brani più 

deboli come Don’t pass me by), l’ultimo disco registrato dai Beatles 

ha meno alti e bassi. È un LP molto variegato a livello di 

arrangiamenti e melodie e privo di pezzi che l’ascoltatore ha 

voglia di “saltare”. Anche Ringo Starr, l’autore più debole dei 

Beatles, offre una canzone godibile, l’allegra e spumeggiante Octupus’s 

Garden. Il disco contiene tre classici dei Beatles: Something, 

Come together e Here comes the sun. Poi c’è un pezzo al 

limite dell’hard rock, I want you, il cui testo è formato da una sola 

frase che viene ripetuta per sette minuti e mezzo in un crescendo 

musicale che diventa imponente e quasi claustrofobico ma comunque 

piacevole. Il lato B, invece, è un unico lungo medley con 

un continuo cambio di melodie e arrangiamenti che può piacere 

a chi ama il progressive, un genere musicale che all’epoca stava 

compiendo i primi passi. 

Qual è stata la genesi del disco e in che momento della 

storia della band va contestualizzata la sua realizzazione? 

È l’ultimo disco registrato dai Beatles anche se il penultimo a 

essere pubblicato. La genesi di Abbey Road è stata ricostruita 

attraverso le interviste. John, Paul, George e Ringo erano ormai 

consapevoli di essere arrivati alla fine della loro carriera come 


INSIDE 

ABBEY ROAD 50 ANNI DOPO 

Questa è la prima volta che Abbey Road viene remixato e pubblicato con l’aggiunta 

di sessioni di registrazioni e demo. Per creare il nuovo mix stereo, il 5.1 surround 

e il Dolby Atmos, il produttore Giles Martin e il mix engineer Sam Okell hanno 

lavorato con un team di ingegneri e specialisti del restauro del suono agli Abbey 

Road Studios. Tutti i nuovi formati di Abbey Road contengono il nuovo stereo 

mix, realizzato direttamente partendo dalle otto tracce dei nastri originali. Nella 

produzione del nuovo mix, Giles è stato guidato dal mix stereo originale supervisionato 

dal padre George Martin. 

Il Box Super Deluxe di Abbey Road contiene 40 tracce, compreso un Trial Edit & 

Mix del leggendario “The Long One”, il medley che occupa gran parte del Lato B 

dell’album, su tre CD (stereo) e un Blu-Ray (in Dolby Atmos, 96 kHz / 24 bit High 

Resolution stereo, 96 kHz / 24 bit DTS-HD Master Audio 5.1). Oltre ai quattro dischi 

è presente un book con copertina rigida da 100 pagine, con prefazione di Paul 

McCartney. La versione Deluxe Vinyl Box in edizione limitata contiene le 40 tracce 

in tre vinili da 180 g. Il disco con il nuovo mix dell’album è contenuto in una busta 

che riproduce fedelmente l’artwork originale mentre i due LP con le session sono 

racchiusi in un’altra busta, il tutto in un box apribile con un inserto di quattro 

pagine. L’edizione Deluxe 2 CD contiene le versioni nel nuovo stereo mix, quelle 

dalle sessioni di registrazioni e i demo dei 17 brani, che seguono l’ordine della 

scaletta dell’album. I due dischi sono contenuti in un digipack con un booklet 

di 40 pagine, che riprende in forma ridotta i contenuti di quello dell’edizione 

Super Deluxe. Il nuovo stereo mix dell’album è disponibile anche in versione 1 

CD e 1 LP in vinile da 180 g, in digital download con audio standard e MFiT. Sarà 

disponibile inoltre un’edizione limitata da 1 LP Picture Disc raffigurante sui due 

lati del vinile il fronte e il retro della storica cover di Abbey Road. Le versioni Super 

Deluxe e Deluxe Vinyl Box contengono le 23 tracce dalle sessioni di registrazione 

e i demo presentati in ordine cronologico per data di registrazione. 

un’opera concepita unitariamente bensì un collage di canzoni 

che i Beatles non erano riusciti a sviluppare. Ma io credo che 

per metterle insieme e trasformarle in un grandioso medley, 

beh, anche per questo ci vuole talento. Il risultato, in effetti, è 

inaudito. È come se tutto ciò che quei quattro ragazzi toccavano si 

trasformasse in oro. You never give me your money, ad esempio, 

contiene tre melodie diverse e quindi è un medley nel medley. 

Guardiamo anche il caso di I Want you, sul lato A, che si arresta 

all’improvviso perché Lennon non sapendo come concluderla 

decide di troncare il caos con il silenzio. Quando il master della 

registrazione viene mandato alla Emi Italia e si deve stampare il 

disco la prima edizione esce con il finale sfumato perché i tecnici 

pensarono a un errore in fase di mixaggio. Una svista clamorosa. 

Una volta compreso l’equivoco l’edizione italiana verrà uniformata 

a quella inglese. 

Paul viene considerato il regista di questo disco e anche 

il componente della band più motivato nei confronti 

del progetto. Eppure le tre hit più famose del disco 

appartengono agli altri tre... 

Che Paul fosse il regista di Abbey Road è certo. Ma per una 

volta le hit del disco non sono sue. Avrebbe voluto pubblicare 

come singolo la sua Maxwell’s silver hammer ma si rende conto 

che Somenthing è molto più bella e cede elegantemente il passo. 

Si concentra sullo sperimentale lato B ed è lì che dà il meglio 

di sé. Si tende a pensare che Lennon fosse un compositore più 

innovativo di McCartney ma spesso è vero il contrario. John 

voleva che Abbey Road fosse un disco dei Beatles in senso classico 

mentre Paul cercò di azzardare qualcosa di più. Era lui, 

in effetti, il più attento ai fermenti e alle sperimentazioni della 

scena underground londinese. E questo anche per una questione 

di carattere contingente: Paul, diversamente dagli altri tre componenti, 

viveva nella capitale inglese e, non essendo sposato, 

trascorreva le nottate nei club dove si faceva musica dal vivo. Era 

presente anche al primo concerto londinese di Jimi Hendrix. In 

questo modo assimilava tutti gli stimoli più innovativi e li faceva 

propri, integrandoli nello stile dei Beatles senza stravolgerlo. Al 

contrario Lennon, quando virava verso la sperimentazione, come 

nel pezzo Revolution n. 9, un collage di suoni, urla e rumori al 

limite dell’inascoltabile, si allontanava completamente dai canoni 

musicali dei Beatles. 

Abbey Road è l’ultimo album dei Beatles a essere 

stato registrato. La band, però, dopo lo scioglimento 

ebbe una sorta di vita post mortem con Let it be, che 

uscì dopo Abbey Road e conteneva dei grandi classici 

come Get back, Let it Be, Across the universe, The long 

and winding roade I’ve got a feeling. Che legame esiste 

fra i due album? 

I Beatles hanno due ultimi dischi, l’ultimo registrato che è Abbey 

Road e l’ultimo pubblicato, Let it be, che fu comunque un 

grande disco. Il primo a mettere le mani sul materiale di Let it 

be fu l’ingegnere del suono e produttore Glyn Johns che cercò 

disperatamente di trasformarlo in un disco, mentre la band stava 



LE ZEBRE PIÙ FAMOSE DELLA STORIA DEL ROCK 

Ci sono delle copertine di dischi che hanno fatto epoca e Abbey Road è senz’altro 

una di queste. La foto dei Beatles che attraversano le strisce pedonali di fronte 

agli Emi Studios di Londra, dove stavano registrando il loro ultimo album, è 

entrata a far parte dell’immaginario collettivo del rock. Tanto che la troviamo 

riprodotta su magliette, poster, tazzine e ogni genere di gadget. “La copertina 

è particolare a partire dal fatto che da nessuna parte compare il nome della 

band”, dice Russino, “All’epoca i Fab Four erano talmente famosi che per essere 

riconoscibili dal pubblico bastava che ci fosse la loro immagine. Il disco doveva 

chiamarsi Everest dal nome delle sigarette che fumava il tecnico del suono. Ne 

fumava così tante che la sala registrazione era cosparsa di pacchetti di queste 

sigarette. I Beatles avevano addirittura programmato di andare a fare una foto 

in Nepal, sullo sfondo della vetta più alta del mondo, ma nessuno aveva voglia 

di affrontare un viaggio così lungo. Ringo risolse la situazione: propose quasi per 

scherzo di fare la foto per strada davanti agli studi Abbey Road e di chiamare 

il disco Abbey Road. Una trovata che piacque subito a tutti. L’idea di immortalare 

i quattro musicisti sulle zebre davanti allo studio di registrazione fu però di Paul. 

A scattare l’immagine fu il fotografo Iain Macmillan da una scaletta in mezzo 

alla strada, con un vigile che bloccava il traffico.” 

Russino prova a spiegare le cause per cui la copertina di Abbey Road è diventata 

una delle più famose della storia musicale: “La ragione principale del successo è 

sicuramente il grande carisma di John, Paul, George e Ringo. Ma a fare buon gioco 

è stata anche la facilità con cui la scena della copertina poteva essere riprodotta 

da altri. Parlo dei tanti colleghi musicisti che l’hanno citata sulle cover dei propri 

dischi e delle schiere di turisti che ogni giorno si fanno fotografare mentre attraversano 

le strisce di Abbey Road come i Beatles”. La copertina di Abbey Road non 

è soltanto straordinariamente popolare, è anche leggenda: “La questione Paul 

is dead, cioè della presunta morte di McCartney nel ’66, venne alimentata dalle 

fantasiose interpretazioni che la stampa e i fan dettero della copertina. Si volle 

trovare un’infinità di pseudo indizi per suffragare l’ipotesi che Paul fosse morto 

per un incidente stradale e sostituito da un sosia. La scena ritratta da MacMillan 

sarebbe così il funerale di Paul, con John vestito da sacerdote, Ringo da impresario 

delle pompe funebri e George da becchino. McCartney sarebbe senza scarpe 

perché a quel tempo i morti si seppellivano scalzi. Nella targa del maggiolino 

parcheggiato lungo la strada compare il numero 28 che si riferirebbe all’età che 

avrebbe avuto Paul se fosse stato ancora vivo, anche se allora di anni ne aveva 

27. Tutte queste teorie complottiste vennero spazzate via dal diretto interessato 

che, interpellato in proposito dai giornalisti, rispose ironicamente: “Sono morto... 

possibile che sappia sempre per ultimo le notizie che mi riguardano?”. 

già registrando l’LP successivo. Il compito di Johns non era facile 

e, infatti, venne bocciato dai Beatles che decisero così di congelare 

Let it be e far uscire prima Abbey Road che era già pronto. 

Il disco incompiuto venne completato dal grande produttore 

discografico Phil Spector che ne fece un altro capolavoro. Parte 

del materiale scritto per Let it be, come Something, Maxwell’s 

silver hammer e Octopus’s Garden confluì poi in Abbey Road. 

Abbey Road doveva chiamarsi “Everest”, titolo che 

ovviamente può essere interpretato come una metafora 

del picco artistico raggiunto dai Beatles a quel punto 

della loro carriera artistica. In realtà, sembra che nel 

1969 i Beatles tentassero affannosamente di recuperare il 

terreno perduto rispetto ad altre band che si erano spinte 

più avanti e in cui il pubblico giovanile si identificava 

maggiormente. L’esaltazione di un album come Abbey 

Road non fa forse parte dell’apologetica post Beatles 

che, nel corso degli anni, ha mitizzato tutte le opere del 

quartetto di Liverpool, anche quelle meno ispirate? 

La scena musicale stava senza dubbio cambiando rapidamente. 

I Beatles avevano vissuto un paio di anni, il 1966 e il 1967, in cui 

praticamente non avevano concorrenza. Perfino i Rolling Stones, 

la cui rivalità era stata creata dal loro manager come espediente 

promozionale, non rappresentavano una seria minaccia per la 

supremazia dei Beatles. Mick Jagger e compagni avevano scritto 

grandi canzoni come Satisfaction e Simpathy for the devil ma i 

dischi migliori li avrebbero fatti all’inizio degli anni Settanta. I veri 

rivali, semmai, erano Bob Dylan, che nel ’66 pubblicò Blonde on 

blonde, e i Beach Boys che, però, nel ’67 ebbero una crisi: il leader 

della band californiana Brian Wilson, impegnato nella scrittura 

del nuovo disco, quando sentì Sgt. Pepper disse di avere avuto un 

esaurimento nervoso. Insomma, i Beatles avevano fatto un incredibile 

salto in avanti e non ce n’era per nessuno. Nel ’69, però, esce 

il primo disco dei Led Zeppelin. E poi c’erano i Genesis, i Cream di 

Eric Clapton, Jimi Hendrix che nel ’68 aveva fatto uscire Electric 

lady land e gli Who che con l’album doppio Tommy danno alla 

luce una grande Opera rock. A quel punto i Beatles cominciano a 

sentire il fiato sul collo. Non sappiamo se, alla lunga, John, Paul, 

George e Ringo avrebbero retto la sempre più agguerrita concorrenza. 

Quel che è certo è che chiusero la loro carriera in bellezza 

con un disco formidabile. Abbey Road rappresenta la fine dei 

Beatles ma anche l’inizio del loro mito. 


INSIDE 

di Francesco Bonerba 

Finché c’è arte, 

c’è speranza 

Giuseppina Torre, che lo scorso maggio ha incantato 

il pubblico milanese esibendosi in un concerto nel 

Cortile della Rocchetta del Castello Sforzesco, torna 

con un album toccante e autobiografico, raccontando 

attraverso le note una storia universale di coraggio 

e rinascita. 

Book rappresenta per me l’inizio di un nuovo percorso 

di vita, un inno al coraggio, alla forza e alla determinazione 

di riuscire a voltare le spalle al passato 

“Life 

e godere delle meravigliose sorprese che la vita ti riserva quando 

meno te lo aspetti”. Il nuovo lavoro della pianista siciliana, prodotto 

da Davide Ferrario, pubblicato su etichetta DECCA e distribuito da 

Universal Music Italia, conclude un capitolo, personale e artistico, 

del percorso di Giuseppina Torre, inaugurandone uno nuovo segnato 

da una rinascita tanto inaspettata quanto a lungo desiderata; dieci 

composizioni, ciascuna autoconclusiva, che raccontano sensazioni e 

frammenti di una vita così intensamente vissuta da diventare fiamma 

universale in grado di riscaldare quanti saranno in grado di accoglierla. 

Con una speranza: che l’arte possa contagiare gli animi e spingerli 

a muoversi verso una bellezza che va sempre più affievolendosi. 

Qual è stato il principio della tua musica? Da cosa è nata 

la scintilla che ti ha portata sui tasti del pianoforte e non 

verso un altro strumento? 

L’incontro con il pianoforte è avvenuto per caso: uno zio mi regalò 

un pianoforte giocattolo con il quale, con enorme sorpresa dei miei 

genitori, riuscivo, con la radiolina accanto, a riprodurre qualsiasi 

motivo. Da quel momento in poi, avevo quattro anni, il pianoforte 

è diventato il mio amico di giochi: non esisteva nient’altro per me. 

Intorno ai sei anni mio padre mi portò a un concerto del maestro Aldo 

Ciccolini e io rimasi incantata da questo pianista, dai suoi movimenti 

al pianoforte, dalla sua imperturbabilità, dal suono che riusciva ad 

emettere. In quel momento decisi che da grande avrei voluto fare la 

pianista. Bombardai i miei genitori affinché mi mandassero da un 

insegnate di pianoforte, cosa che poi accadde all’età di sette anni, 

quando capirono che non si trattava di un capriccio ma di reale 

motivazione… 

Il caso vuole che, a distanza di molto tempo, in un concerto che feci a 

Nola, al teatro Umberto, ci fosse un pianoforte, uno Steinway & Sons., 

con dentro l’autografo di Ciccolini… L’ho letto come un segnale, una 

coincidenza che mi è piaciuta tanto. 

Da dove nasce l’ispirazione per la tua musica? Come funziona 

il tuo processo creativo? 

Tutte le mie composizioni traggono ispirazione dal mio vissuto, 

dai momenti più o meno felici che vivo. Dopodiché mi siedo 

al pianoforte e cominciano a fluire quelli che io chiamo “flash 

emozionali”. Da lì costruisco la mia storia in musica; ogni mia 

composizione racconta una storia personale nella quale, però, 

molti riescono a immedesimarsi perché magari hanno vissuto 

emozioni o situazioni simili. Ogni mia musica ha una costruzione 

circolare: inizia e si conclude. 

Nel corso degli anni hai realizzato le musiche per diversi 

documentari (L’ amore dopo la tempesta, Montecassino 

perché, Papaveri rossi e Come manna dal cielo) fino al lavoro 

più importante, Papa Francesco - La mia Idea di Arte. 

Come ti sei approcciata a questo tipo di lavori e quali sono i 


INTERVISTA MARIO CACCIA 

compositori per il cinema che ammiri o a cui ti sei ispirata? 

La mia musica si presta tantissimo alla sincronizzazione. A proposito 

dell’ultimo documentario che hai citato, mi ci sono approcciata 

leggendo il libro di Papa Francesco e lasciandomi ispirare dalle sue 

parole e, in particolare, da due suoi messaggi fondamentali: il primo 

afferma che l’arte deve essere uno strumento di evangelizzazione, 

attraverso l’arte cioè l’uomo può avvicinarsi a Dio. Quando ho iniziato 

a scrivere queste musiche mi ero allontanata da Dio a causa 

delle mie personali avversità, lo sentivo molto distante e anche ingiusto 

nei miei confronti. Il secondo messaggio, invece, oggi attuale 

più che mai, dice che così come Dio non ha mai scartato nessuno, 

neanche l’uomo ha il diritto di scartare altri suoi simili. Invece di 

questo leggiamo spessissimo nelle cronache giornaliere, popolate dai 

drammi dei clandestini. Anch’io, nel mio periodo buio, mi sentivo 

uno scarto, come donna, come madre, come artista. Mi sono quindi 

immedesimata moltissimo in questo lavoro, piaciuto a tal punto che, 

dopo l’uscita del DVD, ne è stata realizzata una seconda edizione 

contenente anche le musiche del documentario. 

Possiamo dire che la musica sia stata per te una sorta di 

“terapia” verso la rinascita? Un modo per elaborare le esperienze 

meravigliose e terribili della tua vita? 

La musica è sempre stata la mia isola felice dove trovare rifugio 

sia nei momenti belli che brutti; durante la lavorazione di Papa 

Francesco - La mia Idea di Arte è stata una vera e propria ancora 

di salvataggio. 

Life book: un toccante album sospeso tra dolori passati e 

speranze future che racchiude le esperienze dei tuoi ultimi 

anni. Come hai concepito questo lavoro e in cosa si differenza 

dal precedente Il silenzio delle stelle? 

Life book è un sunto di ciò che ho vissuto in questi anni difficili. 

È un inno alla vita, al coraggio, alla determinazione nel rialzarsi e 

risanare le proprie ferite. Le avversità sono così diventate opportunità, 

attraverso le mie ferite ho scoperto una nuova Giuseppina 

Torre, ho scoperto di avere una forza che prima non immaginavo. 

Rispetto a Il silenzio delle stelle in Life book manca il tormento che 

aveva caratterizzato quell’album: adesso è cambiato il mio modo di 

vedere la vita, ho chiuso con il passato e ho tolto i sassi che appesantivano 

il mio cuore. I miei respiri e i miei passi sono ora più leggeri. 

In Un mare di mani racconti l’orrore dell’indifferenza che 

oggi spesso contraddistingue tragici fatti di cronaca, come 

accennavi poco fa. Il cambiamento può passare anche dalla 

musica? 

Si, bisognerebbe sensibilizzare gli animi, partendo dai bambini, destinati 

a essere gli adulti del futuro. Quando aspettavo mio figlio, 

gli ho fatto ascoltare moltissima musica classica, musica distensiva 

che in qualche modo lo portasse inconsciamente a formarsi una sua 

sensibilità e un suo gusto. Sin da tenera età bisognerebbe coltivare 

gli animi delle persone attraverso l’arte in generale, educare al gusto 

del bello. L’arte, come dice Papa Francesco, eleva l’uomo. E in questo 

periodo storico, gli animi vanno impoverendosi, come dimostrano i 

fatti di cronaca quotidiana. 

Quali sono i brani o gli autori dei quali non potresti fare 

a meno? 

Amo da sempre Bach, lo considero un genio, colui che ha rivoluzionato 

il sistema “stemperandolo”. Lo adoro per la sua capacità 

di realizzare complesse costruzioni armoniche; il suo essere molto 

celebrale mi ha affascinato sin da quando ho cominciato a studiare 

pianoforte. Non potrei fare a meno di Mozart e, pensando invece ad 

artisti contemporanei, Morricone o Nyman… Inoltre i miei ascolti 

non sono confinati esclusivamente alla musica classica ma spaziano 

parecchio, guai ad avere paraocchi o a precludersi qualcosa! 

Hai ricevuto moltissimi premi all’estero, prima ancora di 

essere notata in Italia. I Los Angeles Music Awards ti hanno 

scoperta grazie a un brano caricato su iTunes. Come vivi 

lo scenario musicale contemporaneo? Trovi che siano più 

le difficoltà o le opportunità? 

Penso che lo scenario attuale sia più ricco di opportunità; le esperienze 

che ho vissuto all’estero mi hanno fatto riflettere, in America 

c’è una grande attenzione e rispetto per l’artista, soprattutto 

se proveniente dal nostro Paese. Da noi è diverso, in Italia hanno 

cominciato a interessarsi alla mia musica solo dopo che ho ricevuto 

questi riconoscimenti. Ed è un atteggiamento che vale per tutti i 

settori, non solo per quello musicale. 

Adesso ti attende la promozione di Life book ma, spingendoci 

ancora più in là, quali sono i sogni nel cassetto di 

Giuseppina Torre? 

Penso di averne realizzati già molti! Ma visto che i sogni non devono mai 

mancare nelle nostre vite, mi piacerebbe moltissimo scrivere la colonna 

sonora per uno dei registi che più amo, Ferzan Özpetek. 


INSIDE 

di Daniele Camerlengo 

Mi scappa 

di farlo... 

Da che mi ricordi ho sempre composto 

musica, sin dagli inizi dei miei studi 

musicali. Comporre e suonare è per me un 

po’ come fare la pipì, un’esigenza fisiologica. 

Mi scappa di farlo, non posso trattenermi. 

Così Gabriele di Franco, compositore, arrangiatore, chitarrista 

e uno dei pochi direttori d’orchestra Jazz. Originale e poliedrico, 

ha raccontato a SUONO il suo percorso professionale. 

Quando hai capito che potevi cimentarti con la Direzione 

d’Orchestra? 

L’interesse per la direzione d’orchestra è nato dall’esigenza di far 

eseguire la mia musica e di poterla “condurre” nella giusta direzione. 

Nel Jazz il direttore d’orchestra è un ruolo non molto diffuso e 

spesso coincide con il compositore stesso, perciò in generale sono 

veramente pochi coloro che possono definirsi Direttori d’Orchestra. 

Nel mio percorso di studi ho avuto l’onore di approfondire le tecniche 

di conducting con Yves Serges (Brussels Philharmonic, The National 

Orchestra of Belgium e molte altre), e questo è stato fondamentale 

per me nell’aprire la porta della Direzione d’Orchestra che, per mia 

fortuna, nel jazz richiede molte meno energie che nella musica classica. 

Raccontaci il tuo percorso di studi musicali. 

Non provengo da una famiglia d’arte, anche se ho sempre considerato 

mio padre un artista, posso certamente definirmi il primo musicista in 

senso stretto. Quasi come un segno, mio padre comprò una stratocaster 

proprio l’anno in cui nacqui. Non è stata suonata per lungo tempo e poi, 

mentre tutti i miei amici giocavano a pallone, io annoiato iniziai a suonare. 

Da qui in poi, molti anni da autodidatta. Dopo alcuni anni di studi in 

legge e una brevissima parentesi come contrabbassista classico, nel 2013 

intraprendo finalmente gli studi di chitarra Jazz presso il Conservatorio 

Nino Rota di Monopoli, al termine del quale ho avuto l’opportunità di 

studiare per un anno presso il MUK di Vienna. L’esperienza austriaca è 

stata decisiva nella definizione del mio percorso personale, tanto che fu 

a Vienna che decisi di intraprendere il percorso di studi di composizione. 

Qui ebbi l’onore di studiare armonia e composizione con il sassofonista 

americano Andy Middelton, e instaurai collaborazioni che durano ancora 

oggi. La mia ultima produzione come leader e chitarrista, rilasciata giusto 

a febbraio di questo anno, è infatti in collaborazione con il sassofonista 

austriaco Stefan Gottfried (So Far – Gottfried di Franco 5et). 

Nel 2016 mi trasferii a Bruxelles per iniziare gli studi di Composizione 

e Arrangiamento Jazz presso il Koninklijk Conservatorium 

Brussel, dove sono stato seguito da quello che oggi considero il miglior 

insegnate e mentore che abbia mai avuto: il compositore belga 

Kris Defoort. Kris è un compositore e musicista a tutto tondo, sta 

concludendo la produzione della sua terza opera di musica classica, 

è un pianista jazz attivamente impegnato, spazia dalla musica improvvisata 

al jazz più tradizionale, ha scritto e arrangiato per alcune 

fra le più famose band jazz ma qualsiasi cosa approcci la metodologia 

è sempre la stessa. Kris e la sua visione mi hanno definitivamente 

fatto innamorare del mondo della composizione. I miei studi si sono 

conclusi a giugno del 2018 ottenendo il Master in Composizione e 

Arrangiamento Jazz cum laude. 

L’Eroe o un periodo musicale che ti ha accompagnato durante 

la tua formazione? 

Difficile dare una sola risposta, gli eroi e i periodi si accavallano e sono 

in continuo cambiamento e aggiornamento. Appena iniziato avrei 

detto Pino Daniele, Pink Floyd… Nel mezzo del mio percorso musicale 

avrei detto Kenny Wheeler, Maria Schneider, T. Monk, oggi potrei 

aggiungere Maurice Ravel, C. Debussy, Duke Ellington. 

Cosa vuol dire oggi essere il Direttore di una orchestra jazz? 

Dare molti cue, gestire dinamiche e balance e, durante gli assoli, godersi 

il suono dell’orchestra. 


INTERVISTA MARIO CACCIA 

Come nasce l’esperienza della Bud Powell Jazz Orchestra? 

La BPJO nasce dal sogno utopistico dell’Associazione Bud Powell di 

Maglie e di tutti i suoi soci. Circa due anni fa il direttore artistico Francesco 

Negro e il presidente Marco Cariddi mi proposero di prendere le 

redini di questo progetto ambizioso che già provavano a realizzare da 

un paio di anni, e io ne fui da subito entusiasta. Vivendo a Bruxelles, 

per me ha rappresentato un’occasione bellissima per “portare” nella 

mia terra un po’ della mia musica e della mia passione, ma soprattutto 

mi ha dato la possibilità di sostenere con il mio lavoro quella che 

secondo me è una delle realtà associazionistiche di jazz più belle che 

abbiamo in Italia. 

Immaginare il gesto espressivo, sognarne la sua mistica 

transizione sonora e renderlo partitura. Come nasce Dedalo, 

il viaggio discografico tuo e della BPJO? 

Dedalo è il nostro modo di portare un po’ di luce nel labirinto in cui 

viviamo, è il nostro modo per prendere in mano quel filo invisibile e 

tirarlo a noi, non per cercare l’uscita, perché in fondo dentro al labirinto 

si sta benissimo, ma solo per assumere il controllo del nostro 

vagare incerto almeno per i minuti che servono per ascoltare il disco. 

Come prendono vita le tue composizioni? 

Nella mia personale visione della composizione ci sono due qualità 

necessarie per comporre. La prima, che spesso viene definita come 

ispirazione, ma che io definirei meglio come immaginazione, ovvero 

la capacità di visualizzare suoni, combinazioni timbriche, melodie. 

La seconda qualità è una profonda conoscenza degli strumenti a disposizione, 

delle possibilità di modellazione del materiale sonoro, 

in una parola: la tecnica. Per la prima non ci sono metodi o libri che 

ti insegnano come usare la tua immaginazione, ma è qualcosa che 

cresce con te e che è estremamente personale; per la seconda, invece, 

c’è possibilità di controllo. Credo infatti che qualsiasi idea, anche la 

più semplice, se supportata dalla necessaria conoscenza tecnica possa 

evolvere in qualcosa di bellissimo. 

Che rapporto hai con l’improvvisazione? 

Come diceva Steve Lacy, improvvisazione e composizione sono 

attività gemelle, l’unica differenza è nella quantità di tempo a disposizione 

per espletarle. E io condivido appieno questa visione. 

Improvvisazione non è altro che composizione istantanea. In generale 

l’improvvisazione è una delle possibilità compositive possibili: nel disco 

ci sono diversi spot, oltre ai tradizionali soli su strutture armoniche, 

dove lascio totale libertà ai musicisti o a intere sezioni per improvvisare 

in maniera completamente libera. Come il solo di Marcello Allulli e 

Francesco Pellizzari su Ninja, dove si apre una parentesi di free improvisation 

prima di lanciare il solo di chitarra, oppure su Blues For 

F dove, dopo il solo di piano, c’è un’improvvisazione collettiva del 

primo trombone (Lorenzo Lorenzoni) e di parte della sezione trombe 

(Simone Stefanizzi, Gianluca Stigliano). Oppure, verso la fine, come 

all’inizio di Yo Bald, dove c’è una schizofrenica introduzione di batteria 

in cui Pellizzari scopre di esser diventato, per l’appunto, pelato. 

Descrivici un momento di questa esperienza emozionale 

che reputi importante. 

Di certo un momento per me importante ed emozionante è stato il 

primo concerto di presentazione di Dedalo, 11 maggio 2018: in quel 

momento ho percepito che la BPJO era, ed è, qualcosa di più di un’orchestra 

Jazz, qualcosa di più di 23 musicisti e di un repertorio inedito. 

È una sinergia di forze che cercano di affermare un modo di intendere 

e amare la musica ma, soprattutto, un modo di fare cultura. Tutto ciò 


INSIDE 

è ed è stato possibile solo grazie all’Associazione Bud Powell di Maglie 

e al suo Direttivo che, nonostante le difficoltà, dimostrano ogni giorno 

lungimiranza e amore per il jazz. 

Quale aspetto della pedagogia musicale ritieni primario? 

Senz’altro la cura della profondità. Ci sono molti metodi e vie per 

apprendere, e spesso ognuno di noi ha il proprio percorso. Credo però 

sia imprescindibile imparare a fare le cose profondamente, con cura, 

con serietà. La musica è una cosa seria e deve essere presa seriamente, 

anche quando ci fa ridere o sorridere, dovremmo seriamente riderci su. 

In una tua playlist quali brani o compositori non mancherebbero 

mai? 

M. Ravel, Kris Defoort, Duke Ellington, T. Monk, Maria Schneider, 

Bill Evans, Debussy, W. Shorter. 

Quale musica preferisci ascoltare e che rapporto hai con la 

musica liquida che sta prendendo sempre più piede? 

Ascolto di tutto, dalla musica classica al jazz moderno, dalla musica 

elettronica sino a dischi di musica totalmente improvvisata. La musica 

è liquida e perciò è complicato separarla una volta aperto il rubinetto, è 

lì tutta insieme, parte dello stesso liquido. Avete mai provato a separare 

l’acqua dall’acqua? Difficilissimo! 

Nella tua collezione di vinili quale reputi fondamentale per 

la tua crescita e perché? 

Purtroppo non ho una collezione di vinili qui a Bruxelles, devo ancora 

trovare il modo per far migrare tutti i miei dischi rimasti in 

Italia. Ma se dovessi citare i dischi a cui tengo maggiormente: Native 

Dancer e Speak no Evil di Shorter, Music for large and small 

ensemble ed Angel songs di Wheeler, la suite Miroirs di Ravel (per 

non parlare dei suoi lavori orchestrali ma non saprei scegliere), Thompson 

Fields di M. Schneider, Eternal Interlude di John Hollenbeck. 

Shorter e Wheeler sono stati importanti nella mia formazione per 

la loro visione della musica funzionale e modale. M. Ravel, Maria 

Schneider e Hollenbeck per quanto riguarda la visione degli spazi, 

dei timbri e delle tecniche di sviluppo delle idee. 

C’è un aneddoto della tua carriera che ricordi con molto 

piacere? 

Ci sono un paio di conquiste che ricordo con estremo piacere ma, 

dovendone scegliere uno, direi la vittoria del Graz Jazz Comp 2017 

(concorso triennale di composizione per Orchestra Jazz organizzato 

dal conservatorio di Graz, ndr.) dove oltre alla soddisfazione del riconoscimento 

ho avuto il piacere di confrontarmi con quelli che sono fra 

i più grandi autori e compositori per l’Orchestra Jazz contemporanea 

(Michael Abene, John Hollenbeck, Jörg Achim Keller, Ed Partyka). Di 

certo ha rappresentato una conferma recente e importante. 

Descrivici il tuo rapporto con le arti. 

Le arti mi piacciono tutte, soprattutto quelle visive. Amo la letteratura 

ma non leggo quanto vorrei. Spesso mi capita di prendere 

ispirazione da concetti extra musicali. A tal proposito mi fa piacere 

citare l’ultimo progetto a cui sto lavorando, Lulela, un’opera contemporanea 

interattiva con multiple possibilità evolutive. In questo 

caso tutte le composizioni e le idee musicali vengono dal libretto e 

quindi dalla storia, o meglio dalle storie che vengono raccontate 

in Lulela. È incredibile quanta freschezza possa dare l’ispirarsi a 

contesti extra musicali. 

Concerti, showcase… insomma, cosa accadrà nel futuro 

della Bud Powell Jazz Orchestra? 

Per la BPJO, come per molte Big Band di orchestre, le possibilità per 

suonare sono purtroppo rare ma nonostante ciò la BPJO continuerà 

la sua attività live e di affiancamento a sostegno di tutte le attività 

dell’Associazione Bud Powell di Maglie. Un appuntamento certo sarà 

il concerto di apertura del Maglie Jazz Summer Festival 2019 e altri 

appuntamenti saranno annunciati nei prossimi mesi. 


INSIDE 

di Pier Paolo Ferrari 

Non solo 

amplificatori 

I racconti da parte del diretto interessato (e qualche aneddoto interessante) testimoniano come 

Arthur Radford fosse un perfezionista instancabile, una virtù estesa non solo alla progettazione 

delle elettroniche ma anche a quella delle elettroacustiche. Proprio in merito a queste ultime 

ritorniamo, dopo averne parlato nel numero 537 di SUONO, sull’operato di Arthur Radford. 

Arthur Radford ha avuto da sempre una passione personale 

per gli amplificatori audio di alta qualità; così il grande 

successo di ditte come Quad, Leak e Rogers nella vendita 

dei loro apparecchi lo aveva spinto verso obiettivi ancora più 

ambiziosi e a contrastare sul piano della qualità questi eccellenti 

concorrenti, che erano all’epoca davvero “padroni” del mercato 

audio. L’esempio eclatante che Arthur rivela in una intervista è 

quello relativo a un mostro sacro dell’amplificazione di tutti i 

tempi, che all’epoca aveva riscosso enorme fama internazionale, 

il Leak TL12 Point-One. Alla fine degli anni Quaranta, il famoso 

amplificatore Point-One aveva impressionato gli addetti ai lavori 

perché Harold J. Leak con questo finale di potenza era stato in 

grado di abbassare in modo drastico la distorsione armonica arrivando 

a una soglia inferiore dello 0,1%. Tale distorsione armonica 

era fantastica per quei tempi e pochi costruttori potevano vantare 

risultati così straordinari. Radford negli anni Cinquanta stava 

studiando la progettazione di amplificatori con caratteristiche 

superiori agli altri in commercio e l’idea di “battere” in fatto di 


ARTHUR RADFORD ATTO SECONDO 

prestazioni amplificatori come il Leak oppure il Quad lo stimolava 

non poco - racconta come iI Leak Point-One potesse essere 

superato di un fattore di 10 utilizzando i suoi trasformatori di 

uscita. Quelli erano la chiave per ottenere prestazioni superiori 

anche se le difficoltà consistevano anche nell’impiegare strumenti 

da laboratorio per misurare efficacemente la distorsione 

armonica e quella di intermodulazione (THD) degli amplificatori 

audio, e a quei tempi non era facile averli. Così nella sua fabbrica 

a Bristol Radford progettò e commercializzò modelli unici di 

oscillatori a bassa distorsione e set di apparecchi per i test e le 

misurazioni delle distorsioni armoniche! La voglia di guardare 

sempre in avanti, forse un po’ troppo precipitosa, si è trasformata 

anche nella costruzione di amplificatori a transistor che 

però si sono dimostrati meno affidabili e di qualità inferiore ai 

precedenti apparecchi a tubi. Si trattò una battuta d’arresto da 

superare al più presto... 

Altra grande passione, non comunque così intensa come quella 

per gli amplificatori audio, è stata la progettazione di diffusori 

acustici; il “mondo” degli altoparlanti ha occupato la sua mente 

per molti anni e lo ha affascinato fino ai suoi ultimi giorni di 

vita. Radford è stato abile nel persuadere i produttori dell’epoca 

di unità driver di trasmissione a modificare i loro prodotti per 

produrre uno “speciale” diffusore proveniente dai suoi progetti; 

l’acquisizione di un fabbricato che fungesse da ufficio-fabbricamagazzino 

nella zona industriale di Ashton Vale, Bristol, gli ha 

dato la possibilità di ampliare questo settore della sua attività e 

produrre alcuni modelli di diffusori Transmission-Line di dimensioni 

molto grandi. Nota curiosa rivelata da Radford parlando 

dell’acustica del suo magazzino, pieno di altoparlanti e materiali 

da imballaggio, era costituita dal fatto che tale acustica era talmente 

buona che fece prove su prove con apparecchi registratori 

con il risultato di occuparsi anche di registrazione audio (questo, 

però, è rimasto un hobby mentre la sua attenzione è stata rivolta 

alla progettazione di mixer professionali e di altri prodotti audio 

specializzati)! Dopo anni di lavoro sulle problematiche degli 

altoparlanti e del carico posteriore, Arthur Radford e il Dr. A. 

R. Bailey ottennero un brevetto per il primo diffusore a linea di 

trasmissione - Transmission Line. Questo studio approfondito era 

stato, in precedenza, oggetto di un articolo pubblicato sulla rivista 

inglese “Wireless World” (ottobre 1965) - dal titolo “A Non- 

Resonant Loudspeaker Enclosure”. I primi progetti commerciali 

di questi diffusori erano stati descritti in una serie di documenti/ 

test report di Radford/Bailey e comprendevano una gamma di 

diffusori. 

Uno dei primi diffusori commerciati all’inizio degli anni Sessanta 

progettato dalla Radford è stato il Radford Bookshelf Loudspeaker 

- B.L.S (1963). Il diffusore, con posiziåonamento a bookshelf, 

impiegava due altoparlanti drivers: il K.E.F. Type B.139 come 

woofer per le frequenze basse e il Celestion HF-1300 come tweeter 

per quelle alte. Si trattava di due unità driver della massima 

qualità dell’epoca. Successivamente la Radford si è avvalsa 

sempre di altoparlanti eccellenti dei brand più famosi da inserire 

nei suoi diffusori: oltre a K.E.F. e Celestion, venivano utilizzati 

sia per i woofer che per i midrange e i tweeter anche unità della 

Goodmans, Peerless, Whatfedale, Philips. L’evoluzione dei diffusori 

Radford si ebbe dalla metà degli anni Settanta fino alla fine 

degli anni Ottanta: accanto ai modelli Acoustic Transmission- 

Line, un progetto iniziato nel 1964 e portato avanti nel tempo 

riscuotendo un ottimo successo commerciale, Arthur Radford affiancò 

quelli di nuova concezione che si avvalevano di tecniche 

innovative e del tutto originali. Radford si affidò a unità driver 

progettate per ottimizzare e rendere trascurabili le distorsioni 

ai transienti e abbassare il più possibile le “colorazioni” nel suono 

riprodotto. I miglioramenti ricavati in termini di realismo acustico 

diventarono notevoli rispetto ai driver convenzionali. Tuttavia, 

non contento dei risultati raggiunti, il tecnico inglese studiò e 

investigò al fine di ottenere risposte definitive sulla nociva colorazione 

del suono - transient colouration distortion. Questa 

distorsione acustica è introdotta, infatti, da un ristretto angolo 

di radiazione del posizionamento degli altoparlanti nel mobile 

diffusore. Una cassa acustica caricata a tromba, per esempio, 

soffre appunto di questo problema dovuto al ristretto angolo di 

radiazione dei suoi driver. Radford introdusse una nuova serie 

di sistemi di diffusori impiegando un ampio angolo di radiazione 

- wide angle radiation - incrementando il numero di altoparlanti 

dei medi e degli alti - middle and tweeter. La nuova serie era 

formata da quattro diffusori e comprendeva, quindi, driver sistemati 

all’interno del mobile per offrire angoli di radiazione di 

90°, 180°, 270° e 360° in un piano orizzontale. Già con le casse 

acustiche con angolazioni di driver a 90° e 180° si potevano ottenere 

risultati e miglioramenti veramente significativi e molto 

performanti in fatto di realismo sonico arrivando a una perfezione 

assoluta con i sistemi a 270° e 360°. Un altro vantaggio 

con il sistema wide angle direct radiation a tutte le frequenze era 

quello di avere un fantastico e reale effetto stereofonico, molto 

avvolgente e spaziale. Veniva eliminato in tal modo il particolare 

effetto stereofonico “classico” prodotto dalle due casse acustiche 

con altoparlanti rivolti solamente in avanti. Alla fine degli 

anni Settanta la gamma di diffusori Radford Studio Monitor 

era multi-direzionale e affiancava i modelli precedenti. Le sigle 

di ogni modello indicavano i gradi di radiazione sonora e la serie 

era formata dai diffusori TRI-Star 90/50 (5 driver), Monitor 

180/50 (5 driver), Studio 270/50 (7 driver) e Studio 360/100 (10 

driver) dove i numeri /50 e /100 indicano la potenza sopportata. 

Poi, come il resto della produzione, tutto questo fu destinato 

all’oblio: purtroppo Arthur Radford non aveva nessuna persona 

di fiducia che potesse portare avanti una tale varietà di progetti 

e di idee illuminanti e così, mentre il tempo della pensione per 

lui si avvicinava, la ditta fu messa in liquidazione e smembrata 

in vari settori. Nonostante ciò il marchio, anche alla luce di 

un esame attuale, ha svolto un ruolo preminente nella storia 

dell’Hi-Fi: quella di Arthur Radford è stata una vita dedicata alle 

sue passioni che si sono in gran parte tradotte in pratica (come 

abbiamo visto in questo articolo e nel precedente - pubblicato 

su SUONO 537), in una ditta famosa e rispettata ovunque nel 

mondo. E Radford ci ha lasciato un patrimonio inestimabile di 

cultura e apparecchi ancora oggi desiderati nel mondo anche per 

la loro grande qualità progettuale! 


INSIDE 

I PRIMI DIFFUSORI RADFORD 

Monitor: destinato al montaggio a pavimento preferibilmente su un supporto 

idoneo. Utilizzava tre driver: il BD25/1, l’MD9/1 e il TD3/1. Il driver 

mid-range era del tipo open-back e funzionava in un mobile separato dal 

driver del basso. Il driver MD9/1 fu sviluppato da informazioni ottenute 

da uno studio intensivo, durato circa tre anni, per eliminare la colorazione 

di distorsione transitoria. Il Monitor era un diffusore a gamma completa 

notevolmente privo di colorazione con dimensioni ridotte. Ecco alcune 

specifiche: gamma di frequenza 55 Hz - 25 KHz; potenza 50 watts; dimensioni 

76 x 30,5 x 25,5 cm; peso 19,5 kg. 

Studio: un diffusore per il montaggio a pavimento di altezza adeguata 

senza supporto; utilizzava le stesse unità dei diffusori Monitor e Auditorium. 

Il driver del basso era caricato con raccordo posteriore con una linea di 

trasmissione acustica aperta che estendeva una risposta piatta fino a 30 

Hz. A causa della radiazione in fase inferiore a 50 Hz il fronte d’onda tendeva 

a configurare il piano dando una sensazione soggettiva superiore a un’onda 

di velocità della sorgente puntiforme virtuale (dovuta solo al diaframma) a 

queste frequenze. Un diffusore acustico con le massime prestazioni possibili 

per ambienti medio-grandi. Forniva una risposta lineare sull’intera banda di 

frequenza audio dalle frequenze più basse fino a quelle più alte. L’intervallo 

di frequenza si attestava da 30 Hz a 25 kHz. La potenza sopportata era 

di 50 watt. Le dimensioni: 115 x 43 x 38 cm, il peso: 44,5 kg. 

Auditorium: un diffusore per il montaggio a pavimento (preferibilmente 

su un supporto idoneo) che utilizzava le stesse unità e reti del Monitor ma 

con un mobile-enclosure più grande per le unità sia basse che medie. Per 

le stanze di medie e grandi dimensioni con abbastanza spazio questo diffusore 

era in grado di fornire una risposta sostanziale alle basse frequenze 

oltre alle medie e alte frequenze lineari e trasparenti, senza colorazioni di 

sorta. L’intervallo di frequenza si estendeva da 40 Hz a 25 kHz. La capacità 

di gestione della potenza era di 50 watt. Le dimensioni 91 x 40,5 x 33 cm e 

il peso 32 kg. 

Tri-Star 50: di dimensioni identiche al diffusore Bookshelf, utilizzava tre 

unità driver: per il woofer-basso un BD25/1, il midrange MD9/2 e il tweeter 

TD3/1. Il cabinet era di tipo chiuso posteriormente che consentiva di operare 

nello stesso contenitore del driver dei bassi e funzionava su un intervallo 

di 500 Hz - 5 kHz. Questo diffusore fu progettato per soddisfare l’esigenza 

di una prestazione ad alta fedeltà con una colorazione molto bassa in una 

dimensione del mobile relativamente piccola. La gamma di frequenza si 

estendeva da 55 Hz a 25 kHz. La potenza sopportata era di 50 watt. Le dimensioni 

53 x 32 x 23 cm, il peso 15 kg. 


SELECTOR 

a cura della redazione 

CUFFIA 

TX Media TX-172 Concerto 

Va dato merito a TX 

Media di aver avuto fiuto 

in passato. Ricordate 

Traxdata, ovvero i primi 

masterizzatori (quanto 

risulta obsoleta la parola 

oggi!)? TX Media ne curò 

la distribuzione, avendo 

il merito di una capacità 

scouting che continua 

tutt’oggi nella costante 

ricerca di realtà produttive 

alle quali sottoporre la 

propria vision per trasformarla 

in prodotto. 

La formula “inventiva occidentale 

e produzione orientale” è abbastanza 

usuale nel mercato della riproduzione 

musicale, soprattutto 

laddove si vogliano aggredire le 

fasce di mercato più consumer e/o 

offrire un prodotto value for price, 

un tempo prerogativa dei prodotti 

inglesi, più per la capacità creativa 

che per quella produttiva, come 

ha dimostrato la storia. Si tratta 

di una formula che ha dato i frutti 

più vari: inqualificabili, così-così o 

rimarchevoli ed è sempre buona 

norma affrontare un prodotto di 

questo genere con la mente scevra 

di preconcetti e degli archetipi 

così cari ai tradizionali audiofili. 

Solo in questa ottica quei frutti 

risulteranno interessanti, a volte 

persino imperdibili. Potrebbe essere 

il caso 

della Concerto, uno dei primi 

prodotti con cui TX Media ha deciso 

di mettere a fuoco il mercato 

della riproduzione sonora aperto 

al grande pubblico. Per certo già 

sulla carta questo modello gode 

di alcune caratteristiche interessanti 

se non esclusive: esclusivo, 

ad esempio, è il fatto che questa è 

una cuffia che è al tempo un sistema 

autosufficiente: la indossi non 

prima di avervi caricato la propria 

playlist tramite una schedina SD, 

ascolti la musica e se arriva una 

telefonata nessun problema; è 

possibile gestire anche quella. 

L’autonomia, poi, è potenzialmente 

notevole: la Concerto utilizza 

il Bluetooth 5.0 che aumenta 

la durata a 36 ore rispetto alle 24 

della versione 4.2 utilizzata da 

gran parte della concorrenza. Insomma 

caratteristiche di vertice 

in una fascia di mercato 

quasi entry level... 

Facile a dirsi, 

più difficile 

da realizzare, 

perlomeno 

se 

si aggiunge 

l’avverbio 

“bene”. 

Ancor più 

complesso se 

l’obiettivo è farlo 

anche a un 

costo non solo 

ragionevole, il 

che la colloca fuori dell’agone Hi- 

Fi tradizionale, ma particolarmente 

competitivo, obiettivo che 

è anche la “mission” aziendale: offrire 

al pubblico un prodotto che 

vale sempre un po’ di più di quello 

che costa, almeno in relazione alla 

concorrenza. Quasi un inno alla 

gamma media, un segmento che 

per lungo tempo è stato abbandonato 

e ignorato dal nostro settore 

e ancor più quello dell’elettronica 

di consumo. Eppure, sono sempre 

più frequenti quei rari esempi in 

cui economico non è sinonimo 

di “materiale” di consumo, di un 

vuoto a perdere, anzi, sembra che 

finalmente la maturità di certe 

realtà orientali coadiuvate dalla 

sensibilità dei committenti occidentali 

porti a un livello di qualità 

impensabile fin a poco tempo fa. 

La Concerto riassume molti di 

questi aspetti anche in funzione 

di alcune caratteristiche che sono 

risultati imbattibili, molto al di 

sopra della fascia di appartenenza 

e che soddisfano gran parte 

delle esigenza di un utente assiduo 

e continuativo dell’ascolto in 

cuffia. Spesso ci soffermiamo su 

aspetti marginali del tipo il look 

oppure l’apparenza di alcuni 

dettagli quando invece il peso, 

l’indossabilità e la sensazione 

di non oppressione sono aspetti 

fondamentali che, probabilmente, 

dovrebbero essere i requisiti 

minimi di ogni cuffia che si ri- 

Prezzo: € 59,99 

Peso: 137 g 

Distributore: TX Media S.r.l. 

via degli Arcimboldi, 2 - 20123 Milano (MI) 

Tel. 039 9276038 

www.txmedia.it 

CUFFIA TX MEDIA TX-172 CONCERTO 

Tipo: chiusa Trasduttori: dinamici Impedenza (Ohm): 24 Risp. in freq. 

(Hz): 20 - 20.000 Auricolari: trasduttore da 40 mm di diametro con magnete 

in neodimio Note: Collegamento Bluetooth 5.0; supporta protocolli 

HSP, HFP, OPP, A2DP, AVRCP, PBAP; autonomia di 36 ore; carica rapida; lettore 

per SD card fino a 64 GB per la riproduzione locale; supporto voice 

assistant Siri e Google. 


TEST 

I cuscinetti sono molto morbidi e si 

adagiano con ampia superficie di 

appoggio distribuendo la pressione senza 

premere né sui padiglioni auricolari né 

sulla testa. 

I pulsanti di accensione, di selezione 

della modalità di connessione e 

di regolazione del volume sono 

collocati al lato del padiglione, 

in posizione facilmente 

raggiungibile. Anche la scheda 

micro SD è facilmente inseribile 

nell’alloggiamento. 

Al centro del PCB è presente il 

SoC della Benken BK3266, un 

chip monolitico Blueottoh 5.0 

particolarmente versatile 

e con un consumo 

ottimizzato soprattutto 

con il collegamento 

wireless. L’altoparlante 

ha un diametro di 

40 mm e la bobina 

mobile da circa 11 

mm. La batteria è posta 

nel padiglione opposto 

a quello in cui è presente 

l’elettronica. 

Il meccanismo di chiusura 

e quello telescopico 

di regolazione della 

distanza dei padiglioni, 

pur essendo in 

plastica, è molto 

robusto e funzionale, 

come peraltro 

quello basculante dei 

padiglioni che aderiscono 

perfettamente all’orecchio con 

una pressione minima. 

spetti e invece non è così, anzi. 

Il peso complessivo di 170 grammi 

ma ancor di più la tensione non 

eccessiva dei padiglioni sulle orecchie 

rende la Concerto una cuffia 

particolarmente confortevole per 

ascolti anche molto prolungati nel 

tempo e soprattutto anche in condizioni 

di movimento sostenuto: 

la massa contenuta, soprattutto 

quella periferica, mantiene in 

posizione anche l’archetto superiore 

senza spostamenti o cadute. 

L’archetto superiore è imbottito e 

la superficie di appoggio è ampia 

e ben distribuita tanto che non si 

avverte la presenza in alto e quasi 

non si percepisce la pressione di 

appoggio. Il grado di isolamento 

passivo con l’esterno è molto 

elevato anche se non assoluto e 

si percepisce la realtà circostante 

soprattutto in ambienti esterni e 

molto rumorosi, il che tende a non 

isolare l’utente ma comunque offre 

un ottimo livello di riduzione 

dei rumori esterni. Il pairing con 

Bluetooth avviene molto rapidamente 

mantenendo in memoria 

molti dispositivi a cui le cuffie 

sono state abbinate. All’accensione 

una voce in inglese dichiara lo 


SELECTOR 

stato di attivazione e di connessione 

e quello della batteria, oltre a 

leggere il livello nelle indicazioni 

fornite dallo smartphone. La ricezione 

è ottima come peraltro le 

conversazioni telefoniche con una 

voce intellegibile anche a volume 

sostenuto e una buona riduzione 

del rumore da parte del microfono 

esterno che capta il parlato e 

riduce i disturbi di sottofondo. 

La timbrica, in senso generale 

(anche se si percepisce una variazione 

fra la riproduzione nella 

modalità attiva e in quella passiva 

attraverso il collegamento con il 

cavo mini-jack stereo) è molto 

estesa, calda ma non priva di 

dettagli e ritmo, con una gamma 

bassa profonda ma senza effetto 

loudness e una gamma media 

I due padiglioni si possono richiudere 

su se stessi in modo da collocare la 

cuffia più agevolmente in una borsa 

o zainetto. A rendere più funzionale e 

conservativo il trasporto non è tanto 

la riduzione dello spazio occupato, 

comunque poco, ma la posizione dei 

due padiglioni. 

energica ma non in evidenza. La 

gamma acuta sa essere dettagliata 

e incisiva senza mai indurirsi anche 

nella riproduzione di musica 

compressa che in genere è particolarmente 

critica. 

Il livello del volume è abbastanza 

elevato sia nella modalità Bluetooth 

che nella riproduzione della 

musica nella micro SD ma tramite 

il collegamento passivo via cavo 

si possono raggiungere pressioni 

molto più elevate e con una impostazione 

timbrica ancora più naturale 

e gradevole, anche a livelli 

molto sostenuti. In modalità passiva 

l’abbinamento è molto ampio 

anche grazie al modulo dell’impedenza 

abbastanza costante che 

si colloca al di sopra dei 25 Ohm. 

La presenza della scheda micro 

SD da un certo punto di vista si 

può considerare un plus valore e 

in parte si tratta di una opzione 

per nulla da sottovalutare soprattutto 

in condizioni di utilizzo 

in cui si opta per l’ascolto di una 

lunga sequenza musicale, un po’ 

quel che accadeva con le vetuste 

musicassette. La fruizione 

dei contenuti 

all’interno 

di una 

micro SD, 

tuttavia, 

è piuttosto 

complessa in 

quanto non è 

possibile la 

navigazione 

nei contenuti 

ma solo 

l’avvio e la 

messa in 

pausa del contenuto. Se si ha una 

playlist specifica e idonea alla situazione 

basta fare play, altrimenti 

l’accessibilità diventa complicata 

e limita la fruizione. La qualità 

di riproduzione si colloca a cavallo 

di quella in Bluetooth e quella via 

cavo e sarebbe una opportunità 

da non sottovalutare soprattutto 

nelle occasioni in cui non si vuole 

utilizzare un altro dispositivo per 

l’ascolto della musica ed è in grado 

soprattutto di ridurre il consumo 

della batteria spegnendo la trasmissione 

wireless. 

Nel complesso i capisaldi in cima 

alle specifiche del progetto, come 

ad esempio l’autonomia Bluetooth 

e la connettività, risultano 

soddisfatti con una certa cura, 

determinando una versatilità (che 

in questo segmento di mercato è 

caratteristica primaria) invidiabile. 

Anche la qualità audio, nello 

specifico, rientra in un livello dagli 

ottimi risultati considerando 

anche l’estrazione economica del 

prodotto: anche a volume sostenuto, 

la distorsione e le risonanze 

sono molto contenute e non danno 

sensazioni di “disagio” all’utente 

(in genere frequenti in prodotti 

di fascia bassa in cui la gamma 

bassa tende a saturare e si avvertono 

soffi e vibrazioni in genere). 

Considerazioni simili valgono anche 

per la costruzione della cuffia: 

i meccanismi, seppur in plastica, 

sono molto precisi, robusti e sicuri, 

i comandi e l’altoparlante si collocano 

in una zona “confortevole”; 

nulla di eccezionale ma al contempo 

senza problemi evidenti 

o strane risonanze: da notare che 

PRO & CONTRO 

I materiali e le soluzioni tecnologiche appaiono 

orientate al contenimento dei costi di produzione 

ma con un approccio che mantiene la qualità 

del prodotto molto oltre la fascia di appartenenza: 

la Concerto sembra essere una mosca bianca 

nell’ambito delle cuffie wireless Bluetooth! 

Nel progetto permane una certa matrice “cinese”, 

con alcuni aspetti che potrebbero essere più 

curati ma comunque, o per caso o per scelta del 

fornitore, il prodotto ha un suo senso e una sua 

dignità. La micro SD poteva essere un grande 

plusvalore e invece appare come una possibilità 

mancata. Comunque c’è, funziona, non costituisce 

né un danno né un limite e se non c’era 

sarebbe stato peggio! Il Bluetooth è ottimo e il 

collegamento elettrico non male... 

la costruzione “leggera” beneficia 

in modo impressionante sulla indossabilità 

che risulta eccellente: 

leggera, calzante, isolante senza 

essere oppressiva sia sui padiglioni 

che sul punto di appoggio 

dell’archetto. 

Un aspetto interessante che prescinde 

la qualità del prodotto è 

costituito infine dalla convinzione 

maturata sul campo dagli uomini 

di TX Media che quando nel 

2015 si trovarono ad affrontare il 

mercato della riproduzione musicale 

si resero conto che i bisogni 

dei consumatori di fascia media 

dell’audio spiccano alla voce 

“qualità”rispetto a quelli dell’informatica 

(dove per mouse tastiere 

e chiavette prevale il prezzo a 

prescindere da qualità assoluta 

visto che tali oggetti vengono considerati 

prodotti a perdere). Una 

convinzione che può rappresentare 

una spinta nelle scelte progettuali 

e che potrebbe contribuire ad 

ampliare gli orizzonti della musica 

riprodotta. Chissà… 


SELECTOR 

di Nicola Candelli 

Una vita 

contro 

le vibrazioni 

Omicron è una realtà presente nel campo dell’alta fedeltà sin dal lontano 2004 quando il suo patron 

e progettista Mauro Mauri brevettò una serie di rivoluzionari accessori denominati Magic Dream. 

IMagic Dream di “magico” 

non avevano niente se non 

un’azzeccata invocazione al 

compito svolto: collocati al di sotto 

delle varie elettroniche, hanno il 

compito di dissipare le vibrazioni 

tramesse dagli stessi trasformando 

l’energia in movimento rotatorio. 

L’obiettivo è quello di migliorare 

la riproduzione sonora cercando 

di eliminare il più possibile quanto 

non attiene al messaggio musicale. 

E in quell’anno SUONO dedicò un 

articolo (Ottobre 2004 - Titolo “Ali 

di pipistrello, coda di rospo…”) 

relativo a questi interessanti componenti 

e, a seguire, il progettista 

ricevette diversi riconoscimenti 

per le sue idee innovative. Nonostante 

esporti buona parte della 

sua produzione verso diversi Paesi 

(Europa, USA, Turchia, Hong 

Kong, Singapore), nel nostro paese 

Mauri viene identificato quasi 

esclusivamente come l’ideatore 

e il costruttore dei piedini Magic 

Dream mentre la sua produzione 

va ben oltre questo accessorio - il 

catalogo Omicron è infatti molto 

vasto e presenta diverse tipologie 

di prodotti: i piedini da posizionare 

sotto le elettroniche, i tavolini 

porta elettroniche, le ciabatte di 

corrente, gli alimentatori di corrente, 

etc… Poi ci sono gli stabilizzatori 

di vibrazioni (vedi la foto 

di apertura): sopra le elettroniche, 

sopra gli alimentatori di corrente, 

sopra i trasformatori di corrente, al 

di sotto delle casse acustiche, sen- 

ACCESSORI 

Omicron Magic Dream 

SUL CAMPO 

Prezzo: da 85,00 a 210,00€ 

Distributore: Omicron 

P.zza Giacomo Leopardi 3 - 61013 Sassofeltrio (PU) 

tel 3318012568 - www.omicrongroup.net 

Tipo: accessori vari Materiale: Delrin Note: vasta gamma di 

prodotti per il contenimento delle vibrazioni: clamp per giradischi, 

piedini per elettroniche e diffusori, stabilizzatori per cavi 


TEST 

I clamp sono utilizzabili in una miriade di soluzioni: qui con il giradischi (sinistra) e sotto i diffusori (destra). 

za dimenticare gli stabilizzatori 

per cavi (cavi di alimentazione 

di corrente, cavi di segnale e cavi 

di collegamento casse acustiche)! 

Tutti utilizzano lo stesso principio 

con l’obiettivo di eliminare le 

vibrazioni indotte dai vari apparecchi 

con risultati che durante 

l’uso ho trovato apprezzabili. Partendo 

dagli originari Magic Dream 

Classic ancora in produzione 

salvo qualche piccolo perfezionamento 

apportato nel tempo, nel 

catalogo 2019 sono stati inseriti 

i nuovi Magic Dream Energy che 

rispetto ai Classic si presentano 

con una base di maggiore 

dimensione mentre la sfera 

inserita tra i due gusci passa da 

un diametro di 10 mm a 16 mm, 

aumentando di fatto la capacità di 

dissipare energia. Il risultato non 

Anche gli stabilizzatori possono trovare un utilizzo in differenti condizioni: per i cavi 

(in alto) o sotto i diffusori (in basso) nei test effettuati. 

lascia dubbi: dopo averli provati 

sono nettamente a favore degli 

Energy! Il loro inserimento al di 

sotto delle elettroniche porta a un 

tangibile miglioramento sonico 

migliorando scena e pulizia generale 

della riproduzione. Ancora 

più interessanti sono gli stabilizzatori 

di vibrazione che ho provato 

in tutti i loro molteplici utilizzi. 

Innanzitutto questi accessori (Stabilizer 

classic – Harmonic stabilizer 

e Clamp) sono dotati, a differenza 

dei piedini, di tre sfere che 

oltre a sopportare maggior peso 

consentono di ottenere una più 

efficace dissipazione di energia. 

Il Clamp, ad esempio, inserito 

su di un qualsiasi giradischi ha 

restituito un risultato molto lusinghiero 

e in tutta sincerità dopo 

aver provato a sostituire quelli 

di serie di alcuni lettori che ne 

erano già dotati l’effetto ottenuto 

dall’Omicron è stato sicuramente 

più performante. Questi Clamp 

possiedono caratteristiche e comportamento 

simili agli altri due 

stabilizzatori in catalogo, motivo 

per cui li ho posizionati anche sotto 

i diffusori, con risultati molto 

interessanti - qui ovviamente entra 

in gioco il gusto personale nella 

scelta dell’uno o dell’altro modello. 

Per quanto riguarda invece gli 

stabilizzatori per cavi, utilizzando 

come base gli stabilizzatori di vibrazioni 

basta avvitare su una di 

queste basi i Cable Stabilizer e far 

passare nell’interno dell’apposita 

gola i cavi siano essi di potenza, 

di alimentazione o di segnale, tenendo 

presente che per ottenere 

l’effetto per i quali sono stati creati 

la base deve essere libera di oscillare. 

Questo vale per tutti i prodotti 

Omicron: per poter esercitare il 

loro effetto le sfere devono essere 

libere nelle loro sedi, quindi attenzione 

al posizionamento! Anche in 

questo caso gli effetti sono udibili 

e in unione agli altri componenti 

il risultato finale consiste in piccoli 

ma significativi miglioramenti 

restituendo alla riproduzione 

un maggior piacere di ascolto. 

Il materiale utilizzato per questi 

prodotti è il Delrin prodotto dalla 

Dupont ma il costruttore produce 

anche piedini realizzati in ottone 

placcato in argento, oro o nichel, 

con risultati a suo dire ancora migliori 

ma dal prezzo decisamente 

superiore. Nella serie da me provata 

ho riscontrato buone prestazioni 

e un ottimo rapporto qualitàprezzo 

quindi bisognerebbe valutare, 

non avendo avuto occasione 

di provarli, se il maggior esborso 

richiesto da questi ulteriori dispositivi 

corrisponda a prestazioni superiori. 

Basta comunque visitare 

il sito Omicron, visionare la ricca 

produzione attuale e valutare 

quale di questi accessori possono 

soddisfare le proprie esigenze. 


SELECTOR 


UNITÀ PHONO 

Ortofon ST-7 

Quando si ha a che fare 

con fonorilevatori a bobina 

mobile a bassa tensione 

d’uscita, ovvero per la 

maggior parte delle volte, 

la soluzione più semplice 

è quella di utilizzare un 

stadio fono attivo e alto 

guadagno. Fino a molti 

anni fa, quando gli amplificatori 

a valvole erano un 

must, non c’era altro modo 

per intensificare il segnale 

in uscita da una MC che 

ricorrere a un trasformatore 

o step-up per elevare 

il segnale in modo da essere 

compatibile con gli 

stadi fono degli integrati 

o esterni, a valvole. 

Oggi si sono fatti molti progressi 

e transistor e amplificatori 

operazionali 

raggiungono prestazioni molto 

buone, in particolare nel rapporto 

segnale/rumore. Alcuni, però, 

sostengono che la soluzione migliore 

continui a essere quella che 

prevede uno step-up a precedere 

lo stadio fono MM, a valvole o a 

stadio solido che sia. Il parere non 

è univoco in quanto questa soluzione 

presenta alcuni svantaggi. 

Innanzitutto nella maggior parte 

dei casi ci si trova che fare con 

oggetti tecnologicamente non attuali, 

visto che questi oggetti sono 

stati principalmente sviluppati 

nell’era precedente all’avvento del 

CD. Per il loro collegamento 

è inoltre necessario un cavo di segnale 

ulteriore, che può, in qualche 

caso, creare problemi. Infine 

non si tratta di oggetti universali, 

ossia qualsiasi trasformatore non 

è l’oggetto giusto per qualsiasi 

testina MC e, anzi, all’atto pratico 

gli step-up si rivelano piuttosto 

idiosincratici e selettivi negli 

accoppiamenti e negli interfacciamenti. 

Per contro, sempre in 

linea generale, con il loro utilizzo 

si assiste a un aumento notevole 

della dinamica del sistema: i forti 

e i fortissimi, i piani e i pianissimi 

diventano più reali così come dei 

silenzi della musica: emergono i 

vuoti, gli stacchi tra le note e aumenta 

in modo spropositato la 

nettezza dello strumento e la sua 

ascoltabilità rispetto agli 

altri strumenti del 

contesto; 

anche 

la microdinamica, le sfumature 

intermedie tra un colore di 

una nota e le sue armoniche di 

risonanza, si manifestano con 

smagliante evidenza. Un buon 

trasformatore, come una lente 

tersa, permette di cogliere con 

maggior facilità le singole componenti 

dell’orchestra, della band, 

del quartetto o di quant’altro sta 

suonando. Uno step-up di qualità 

offre all’ingresso fono MM un segnale 

molto più gestibile e dominabile 

e l’immagine olografica che 

ne esce dà l’impressione di essere 

dilatata (a volte di molto) nelle 

tre dimensioni e fa scomparire le 

mura domestiche. Una ulteriore 

motivazione consisterebbe nel fatto 

che la distorsione prodotta nei 

trasformatori è alta alle basse frequenze, 

calando poi rapidamente 

verso le alte frequenze. L’esatto 

opposto accadrebbe negli amplificatori 

a transistor che aggiungono 

anche una maggiore distorsione 

d’intermodulazione. 

E proprio questa 

tesi sarebbe abbracciata 

da Ortofon, come si evince 

anche dal manuale del 

suo step-up ST-7 (e dal 

fatto che sono ben tre i 

modelli di step-up in catalogo 

per pilotare correttamente 

l’ampia gamma di testine 

MC della casa). Come per tutti gli 

altri componenti audio, per orientare 

la scelta sul prodotto giusto 

Prezzo: € 599,00 


Peso: 0,79 Kg 

Distributore: Audiogamma S.p.A. 

Via Pietro Calvi, 16 - 20129 Milano (MI) 

Tel. 02 55181610 - Fax 02 55181961 

www.audiogamma.it 

UNITÀ PHONO ORTOFON ST-7 

Tipo: vedi note Risp. in freq. (Hz): 15 - 45.000 +0/-2,5 dB Impedenza MM 

(kOhm): 47 e capacità 200 pF Impedenza MC (Ohm): 2-60 Note: trasformatore 

elevatore per fonorilevatori MC. Guadagno 24 dB. 


TEST 

occorre tenere conto del fatto che 

il livello della componentistica ha 

una grande influenza sul risultato 

sonoro finale e, anzi, sembra che 

per i trasformatori valga ancora 

di più. Ci si può spingere fino a oltre 

10.000 euro per uno step-up 

pregiatissimo e con prestazioni 

di distorsioni da record. Fortunatamente 

oggi il mercato offre 

prodotti assi meno costosi ma 

comunque prestazionali, proprio 

come l’Ortofon in prova, mentre 

gli altri modelli della casa declinano 

l’argomento in versioni più costose 

ma ancora ragionevolmente 

abbordabili. 

Essenzialmente un trasformatore 

comprende due bobine di rame, 

non connesse fra loro ma collegate 

da un semplice circuito magnetico, 

con un nucleo ferromagnetico 

centrale che induce gli effetti del 

flusso di corrente di una bobina 

nell’altra. Le due bobine non 

hanno lo stesso numero di spire 

(avvolgimenti) in quanto è proprio 

il rapporto fra il numero di spire 

delle due bobine a determinare la 

variazione della tensione fra i due 

avvolgimenti: il segnale in ingresso 

scorre nel primo avvolgimento, 

detto primario, per ritrovarlo poi 

“trasformato” nell’avvolgimento 

secondario in uscita. Se il secondario 

ha un numero maggiore di 

spire, la tensione di uscita sarà 

maggiore. Dunque lo scopo del 

trasformatore, nel caso specifico 

di uno step-up per fonorilevatori, 

è quello di prendere un segnale 

in ingresso a bassa impedenza e 

bassa tensione, tipici di molte MC 

anche di medio livello, e aumentarlo 

fino a valori “trattabili” da un 

pre-amp con uno stadio fono con 

sensibilità e guadagno non troppo 

spinti. Si tratta di una problematica 

frequente anche nell’ambito 

delle registrazioni in quanto molti 

dei microfoni dinamici hanno un 

principio di funzionamento molto 

simile a quello di una testina MC, 

pertanto hanno bisogno di un trasformatore 

elevatore di tensione 

per adattare il segnale in uscita 

molto debole alla sensibilità di ingresso 

dei mixer o dei registratori. 

Le differenze sono nel guadagno 

del trasformatore e nelle caratteristiche 

di impedenza interne ma 

anche nel fatto che nel caso del 

microfono non è necessario applicare 

una equalizzazione RIAA 

presente invece nel solco inciso 

sul disco. Ed è per questo motivo 

che uno step-up oltre a innalzare 

il livello molto basso del segnale 

proveniente dalla testina deve 

anche tener conto dell’attenuazione 

della equalizzazione RIAA 

che attenua drasticamente la parte 

bassa del segnale. In ogni caso il 

segnale, una volta innalzato, dovrà 

essere ulteriormente amplificato 

e linearizzato con la curva RIAA 

inversa, presente nello stadio fono 

MM. C’è da considerare però che 

una opzione oggi potrebbe essere 

quella di utilizzare uno step-up 

per la digitalizzazione dei vinili per 

innalzare il più possibile il segnale 

e poi, una volta digitalizzato, applicare 

la curva di equalizzazione 

RIAA nel dominio digitale. Si tratta 

di una opportunità che esula un 

po’ dalle abitudini del “vinilista” 

convinto ma che offre opportunità 

molto interessanti soprattutto se 

si trovano gli abbinamenti giusti 

fra testina, step-up e stadio linea 

del convertitore analogico digitale. 

Le più moderne cartucce MC hanno 

una impedenza interna intorno 

ai 10 Ohm e tensione d’uscita 

oscillante tra gli 0,1 e 0,5 mV. Un 

buon trasformatore step-up deve 

essere in grado di poter maneggiare 

questi valori e presentarne di 

idonei per uno stadio fono di tipo 

MM. Solitamente questi ultimi 

gradiscono un carico in ingresso 

di 47 kOhm / 200-300 pF con un 

segnale amplificato di almeno 20 

dB. È questo il caso del Ortofon 

ST-7 che accetta MC da 2-60 Ohm 

di carico, per un guadagno di 24 

dB e un carico del pre-fono di 47 

kOhm / 200 pF. Sono valori molto 

comuni, sia per quanto riguarda 

le cartucce a bobina mobile che 

per gli stadi fono MM, rendendo 

l’ST-7 utilizzabile in moltissimi 

casi. Questa versatilità viene confermata 

dal fatto che la Ortofon 

lo consiglia per la sua linea MC 

Quintet e per quella delle storiche 

PRO & CONTRO 

L’Ortofon ST-7 manifesta una elevata qualità 

costruttiva sebbene sia il più economico del 

costruttore, modello mono a parte, e si rivela 

molto utile e consigliabile in moltissimi casi. 

Tanti i suoi punti a favore, dal nome che c’è 

dietro alla validità musicale e a una notevole 

compatibilità. L’ST-7 aggiunge positivamente 

aspetti musicali che non vanno a stravolgere 

però le caratteristiche sonore dei pre-phono 

abbinati. Ognuno di loro mantiene le proprie 

caratteristiche timbriche di base ma si potrebbe 

dire che con l’ST-7 subiscano un upgrade e 

facciano lavorare il pre/ampli in ingresso in una 

“comfort zone” che ne facilita il lavoro. 

Probabilmente solo nei casi di abbinamento con 

pre phono molto sofisticati e particolari si deve 

pensare di cercare qualcos’altro di altrettanto 

più elevato e magari è possibile trovarlo sempre 

in casa Ortofon con i modelli ST-70 e ST-80 SE, 

dual mono e con trasformatori Lundhal. 

SPU Classic, cioè quanto di più 

lontano dalle prime per peso, cedevolezza, 

peso di lettura – però 

sono simili per tensione d’uscita 

e impedenza di carico entrambi 

molto basse. 

In merito all’ST-7 per prima cosa 

bisogna dire che, pur essendo di 

piccole dimensioni, l’apparecchio 

è sufficientemente pesante da non 

cappottarsi una volta collegato ai 

cavi di segnali, anche quelli grandi 

e un po’ rigidi, merito del mobile 

realizzato in lamiera ferrosa molto 

spessa che offre anche un valido 

contributo alla schermatura elettromagnetica 

oltre a quello della 

stabilità. Anche i morsetti RCA 

del pannello posteriore esibiscono 

doti meccaniche eccellenti tramite 

un contatto saldo e preciso. 

Le connessioni, compresa quella 

L’impostazione completamente 

dual mono si evince anche dalla 

disposizione delle connessioni sul 

pannello posteriore in quanto gli 

ingressi e le uscite per ogni canale sono 

raggruppate ai lati dell’apparecchio. 

La disposizione risulta molto pratica 

quando anche i cavi di connessione 

sono separati e indipendenti, meno 

quando i cavi, sopratutto quelli che 

provengono dal braccio, sono uniti fra 

loro. Al centro è collocato il morsetto 

della presa di terra, particolarmente 

grande e in grado di accettare 

qualunque cavo di questo tipo del 

giradischi, anche più d’uno. 


SELECTOR 

Lo chassis è realizzato in lamiera ferrosa ad alto spessore 

ripiegata ai lati con il coperchio avvitato. I connettori 

sono avvitati sul pannello posteriore e isolati con 

anelli in teflon. Ne consegue una struttura molto 

robusta e anche con una massa notevole 

nonostante le dimensioni contenute. 

I piedini di appoggio sono in 

alluminio tornito con un 

inserto in gomma che 

aumenta il grip e 

l’isolamento dalle 

vibrazioni. 

Il trasformatore, uno per 

ogni canale, è inserito 

in un involucro in mu 

metal, una lega metallica 

particolarmente efficiente 

nella schermatura 

dai disturbi 

elettromagnetici 

che potrebbero 

interagire con il 

circuito magnetico del 

trasformatore molto 

sensibile. L’involucro è 

fissato allo chassis con 

un materiale viscoelastico 

smorzante. 

I resistori AMRG da 15k Ohm collegati 

parallelo all’uscita sono realizzati 

dalla AMTRANS che produce 

oggi resistori al carbone che 

coniugano le doti musicali 

dei mitici resistori Riken 

con le più attuali tecniche 

di produzione: base 

in porcellana su cui è 

depositato un film in 

carbone ricoperto da una 

resina conduttiva, il tutto 

inglobato da un involucro in 

allumino anodizzato. 

I reofori sono in rame OFC. 

in 

per il filo di massa, sono tutte su 

una stessa linea e ben distanziate. 

In questo modo è possibile 

collegare cavi di segnali dotati 

di spinotti RCA di qualità e ben 

dimensionati, senza problemi. 

Per l’ascolto abbiamo utilizzato 

tre cartucce MC a bassa tensione 

d’uscita come la Ortofon Quintet 

Bronze da 0,3 mV, la Lyra Helicon 

da 0,22 mV e la Sumiko Blackbird 

L da 0,7 mV, con una impedenza 

consigliata di almeno 100 Ohm 

per tutte. L’uscita dello step-up 

è stata collegata all’ingresso fono 

MM di alcuni fono, principalmente 

il Moth Pre RIAA e il Lindemann 

Limetree Phono. Le prime 

impressioni generali, comuni un 

po’ in tutte le combinazioni provate, 

hanno riguardato la capacità 

di gestire tutti e tre i fonorilevatori 

senza problemi. L’ST-7 rende la 

voce più aperta, il suono del basso 

sia acustico che elettrico risulta 

più convincente e coerente, con 

un ottimo senso del ritmo e della 

dinamica. In particolare la combinazione 

ST-7 e Limetree Phono 

(ma anche con il vecchio Moth 

i risultati sono vicini) convince 

ottenendo un suono naturale e 

articolato, le linee di basso sono 

più pulite e dinamiche seppur non 

profondissime. Più dettaglio e una 

eccellente stratificazione di dettagli, 

sfumature e piani sonori. ST-7 

e Limetree insieme ricordano 

l’eccellente, almeno secondo noi, 

pre-fono Nagra BPS alimentato a 

batteria. Trasparenza, fluidità e 

un timbro felicemente tendente al 

limpido e chiaro. Se consideriamo 

la somma dei prezzi del sistema 

Ortofon/Limetree, compreso un 

cavo di segnale decente, tra loro 

con il Nagra ci sarebbe un bel risparmio 

(circa il 40%)! Certo il 

BPS Nagra si fa notare per filigrana 

e una tessitura più fine e delicata 

ma non siamo tanto distanti. 

L’abbinata ST-7/Moth RIAA è più 


calda e un poco scura ma è innegabile 

che l’incremento di livello, 

dinamica e migliore rapporto 

segnale/rumore, almeno quello 

percepito, rendono interessante 

tale soluzione con questi modelli 

di MC a bassa uscita. 

Più controversa, invece, l’abbinata 

dello step-up Ortofon con altri 

pre fono, in particolare citiamo 

quanto accaduto con un modello 

dove collegando lo step-up non 

si utilizza lo stadio di guadagno 

ulteriore studiato per le MC ma 

direttamente il primo stadio disegnato 

per le MM. Il suono è diverso, 

certo più dinamico, forse 

rischiarato, ma anche più duro e 

un po’ grezzo. Al contrario collegando 

una cartuccia MC a bassa 

uscita direttamente all’apparecchio 

e sfruttando quindi anche 

il secondo stadio di guadagno 

si ascolta un suono meno forte 

e chiaro ma decisamente più 

piacevole e affascinante. In funzione 

della qualità dello stadio 

fono dell’apparecchio utilizzato 

si rischia dunque il paradosso 

per cui sia meglio non utilizzare 

del tutto lo step-up, a patto che 

il guadagno sia almeno decente. 

In assoluto occorre dunque 

fare attenzione che il pre di linea 

sia dotato di una sufficiente 

sensibilità e che lo stadio fono 

sia realizzato secondo criteri di 

qualità, elemento non scontato 

negli amplificatori entry level o 

giù di lì che si suppone possono 

essere “la base” su cui imperniare 

l’upgrading costituito da 

uno step-up di fascia economica. 

Una piccola contraddizione 

che nello specifico nulla toglie 

al valore dell’apparecchio, dove 

soprattutto nel caso di abbinamento 

testina e step-up Ortofon 

a monte dell’amplificatore si 

sfruttano al meglio le potenzialità 

di questa soluzione e occorre 

soltanto assicurarsi che l’ingresso 

MM dell’ampli sia di qualità 

almeno adeguata. 


SELECTOR 


CONVERTITORE 

MSB Premier DAC 

Anni ’80, seconda 

metà: siamo nel pieno della 

prima rivoluzione digitale, 

quella ancora legata 

al CD ma anche dell’ascesa 

dell’audio high-end in 

generale, mentre cresce 

la bolla tecnologica della 

Silicon Valley. Ma la Bay 

Area viene scossa anche 

da un giovane nerd... Quel 

giovane si chiama Mark 

Brassfield e, modificando 

un lettore CD della Philips 

(che si chiama Magnavox), 

realizza un apparecchio di 

cui si dicono meraviglie, 

al punto tale che alcuni 

negozi lo utilizzano come 

riferimento per giudicare 

la qualità della musica 

proposta, pur essendo 

Brassfield partito da un 

prodotto base da pochi 

dollari... 

La M.S. Brassfield Audio 

avrà vita breve perché il 

talento di quel giovane 

progettista viene notato da Larry 

Gullman, un altro cervellone 

dell’epoca. Insieme danno vita 

(1986) alla MSB, acronimo del 

termine “Most Significant Bit” ma 

anche curiosamente (o forse no) 

identico alle iniziali di Brassfield. 

Sebbene infatti qualche anno più 

tardi (1989) Larry Gullman acquisti 

la quota della società di Mark 

Brassfield (e quindi le iniziali 

non avevano più alcun significato 

in questo contesto ed è forse 

li che nasce l’accenno al bit più 

significativo), Mark continuerà 

a collaborare fino alla metà del 

successivo decennio mentre Larry 

non mancherà mai di sottolineare 

come sia le basi della metodologia 

di ricerca che la filosofia aziendale 

fossero state progettate e realizzate 

da Mark, “padre” di tutti i 

prodotti lanciati 

successivamente. 

D’altronde 

i due 

sono molto simili: 

entrambi ingegneri 

ed entrambi profondi amanti della 

musica, sviluppano un approccio 

al tempo stesso ingegneristico e 

umanistico (una cosa rara al tempo) 

dove le sessioni d’ascolto hanno 

la stessa dignità delle misure 

di laboratorio: viene utilizzata la 

chiesa di Reedwoods City (che si 

trova nell’area tra San Mateo e 

Palo Alto) dove si suona e si ascolta 

il risultato delle registrazioni. Si 

aggiunga a questo quella miscela 

di tecnologia e autarchia tipica 

della Silicon Valley e diventa facile 

identificare la filosofia di MSB per 

come viene declinata nel tempo. 

In un primo tempo il marchio si 

concentra su soluzioni professionali 

legate all’uscita A-3 dei lettori 

di LaserDisc; poi, nel 1998, il primo 

DAC separato, 

frutto 

della 

convinzione, sin dai 

tempi dell’infanzia del CD, che 

gli apparecchi commerciali siano 

equipaggiati con convertitori 

D/A di bassa qualità 

o/e pessimi filtri digitali e che 

si possa far meglio... 

Il Link DAC (già con campionamento 

a 24 bit, 96 kHz) rappresenta 

pertanto la pietra miliare 

della MSB che conosciamo noi 

(che nel frattempo ha assunto un 

manipolo di giovani e promettenti 

ingegneri tra cui alcuni anche 

musicisti) e che, se invece di allora 

fossimo stati nella successiva era 

dei millennial, avremmo definito 

una start up. Sono comunque realizzazioni 

dirompenti quelle che 

poi si troveranno di fronte i nostri 

inviati al CES negli anni successivi 

nelle prime esibizioni ufficiali 

nel mondo dell’Hi-Fi. Se rimane 

nella memoria il Platinum DAC 

(2000), uno dei primi 384 kHz, 

a “spaccare” è soprattutto l’iLink, 

quello strano coacervo generato 

dall’unione con l’iPod in una versione 

“per audiofili” dove il lettore 

di Steve Jobs veniva modificato 

da MSB che ne prelevava il segnale 

digitale direttamente 

dall’uscita interna e tramite 

l’iLink garantiva un 

upsampling a 176.4 kHz! 

Va dato atto che l’azienda 

californiana è stata 

la prima a indagare sulle 

potenzialità assolute dell’iPod! 

Lungo il percorso successivo l’azienda 

si sposterà da questo target 

(micro lusso?) sempre più verso 

quello del lusso vero e proprio, 

Prezzo: € 25.350,00 


Peso: 8,2 Kg 

Distributore: MondoAudio 

via Provinciale, 59/J - 24060 Cenate Sopra (BG) 

Tel. 035 561554 

www.mondoaudio.it 

CONVERTITORE MSB PREMIER 

Sistema di conversione: R2R Ladder 4x Prime modules Frequenza di campionamento 

(kHz): DSD 8x, PCM 32bit-3.072KHz Ingressi digitali: Spdif Rca 

e toslink Uscite analogiche: XLR o Rca Note: Configurabile con altri 3 ingressi 

digitali: Quad Rate DSD MQA USB, Renderer II ethernet, AES/EBU XLR Alimentatore 

Discrete Power supply, opzionalmente un secondo alimentatore. Clock 

Femto93 opzionale. 


TEST 

scelta ancor più radicata dopo 

l’ingresso dei figli di Gullman 

(2016), Daniel e Jonathan (il primo 

un ingegnere meccanico, ingegnere 

elettronico il secondo) che 

esaltano le tendenze già in atto in 

azienda: l’attenzione al design, ad 

esempio, diventa quasi ossessiva, 

culminando nella scelta di produrre 

in proprio e dal pieno i mobili 

grazie all’acquisto di varie macchine 

CNC. Molte risorse sono state 

investite in questo settore e ancor 

più se ne stanno investendo oggi, 

tanto che nella pagina Facebook 

dell’azienda trapela l’orgoglio nello 

sfoggiare macchine a controllo 

numerico e robot di automazione 

made in USA per la produzione in 

loco di ogni parte meccanica ed 

elettronica degli attuali prodotti. 

Le scelte dal punto di vista estetico 

possono essere definite altalenanti 

nel tempo e hanno riscosso pareri 

non unanimi: lo chassis del Premier 

DAC III (2009 - provato su 

SUONO N° 437) era veramente 

spartano, di certo non eccessivamente 

accattivane alla vista, anche 

se le lavorazioni meccaniche delle 

lamiere in spesso alluminio erano 

molto accurate e di ottimo livello 

esecutivo. L’apparecchio aveva 

un form factor molto curioso in 

quanto l’interno era suddiviso in 

due unità rack 1U sovrapposte in 

cui erano contenuti distintamente 

la sezione di alimentazione in 

basso e quella dell’elettronica in 

alto, come se il prodotto avesse 

una natura modulare da rack tipicamente 

caratterizzata dal settore 

professionale (non di stampo 

audiofilo, più di quello di network 

è informatico). La stessa impostazione 

si riscontrava nel DAC IV 

(2010 - provato su SUONO 465) 

in quanto i moduli, ora finalmente 

separati fra loro, avevano lo stesso 

spazio interno a disposizione di 

una unità 1U, come se si trattasse 

una condizione di appartenenza 

a uno standard necessario. Tale 

scelta della 1U si è protratta anche 

Il primo step per l’alimentazione prevede l’utilizzo di un alimentatore lineare collegato 

tramite uno sdoppiatore ai due ingressi distinti sull’apparecchio a fianco delle uscite di 

segnale XLR. L’involucro dell’alimentatore utilizza una soluzione molto simile a quella 

del DAC, sfruttando un guscio/contenitore in alluminio scavato dal pieno e una piastra 

inferiore di sostegno all’elettronica. Il trasformatore toroidale è contenuto in una sede 

che applica anche una schermatura. Il guscio esterno dissipa e mantiene la temperatura 

di esercizio costante a un livello molto più alto di quello del DAC. Il passo successivo è 

quello di utilizzare in parallelo un altro modulo di alimentazione rimuovendo lo sdoppiatore 

e collegando la seconda unità direttamente all’ingresso del DAC. È disponibile 

anche una Power base dedicata alla serie Premier progettata con le linee differenziate 

per il due circuiti. 

nei DAC V (2015) e nelle unità di 

lettura. La propensione di MSB 

verso la modularità e la possibilità 

di upgrade il sistema è stata 

comunque ben chiara sin dai primi 

prodotti che testimoniano una 

competenza nella progettazione 

e una vision molto rara in senso 

generale e soprattutto unica nel 

settore Hi-Fi. 

Una competenza che ha aiutato 

fortemente l’azienda a crescere 

e individuare le scelte a maggior 

impatto sulle prestazioni rivelando 

un know how nelle scelte delle 

componenti elettronici che a distanza 

di anni potremmo considerare 

unico nel suo genere! Va considerato 

in tal senso il gran lavoro 

sviluppato sulla sezione dedicata 

al post processing del segnale che 

va di pari passo con lo sviluppo del 

DAC ladder proprietario: MSB è 

fra i primi ad aver investito sui 

procedimenti di upsampling e 

sugli algoritmi di trasformazione 

tanto 

che, 

per un certo periodo, forniva aggiornamenti 

costanti tramite il 

sito relativi ai filtri (gratuiti o a 

pagamento se molto sofisticati). 

Via via nel tempo la produzione 

ha abbracciato totalmente l’approccio 

modulare, che avrebbe 

dovuto ridurre l’offerta di prodotti 

(una “base” comune in cui inserire 

moduli aggiuntivi oppure migliorati 

o aggiornati); al contrario, ci 

troviamo di fronte a una griglia di 

prodotti non troppo intercambiabili 

che appartengono a fasce economicamente 

molto distanti fra 

loro. Da un lato è evidente che più 

si punta all’eccellenza e più le cose 

si complicano ma è anche vero che 

quando si punta oltre l’eccellenza 

la modularità e il concetto di 

upgrading perdono di significato! 

Questa corsa verso l’alto culmina 

in una gamma di 4 DAC che parte 

già da una fascia alta: il sistema 

più piccolo, il Discrete DAC, con 

prezzo base di circa 13.000 euro, 

è una versione molto semplificata 

del concetto di modularità e versatilità 

e rappresenta il primo 

passo verso l’universo MSB. 

Analizzando i costi di alcuni 

upgrade disponibili notiamo 

che il secondo alimentatore 

supplementare 

costa circa 1.900 euro 

e la Premier Powerbase, 

disponibile per la serie 

superiore, 11.600 euro, che 

andrebbero a sovrapporsi al 

Premier, il cui prezzo di ingresso 

è di 25.000 euro. Nella versione 

base il Premier è invece il secondo 

modello dal basso, anche se il 

gioco degli upgrade lo porta nella 

sua massima espansione a superare 

sulla carta alcuni dei dati di 

targa del successivo Reference 

(che a sua volta nella versione 

espansa utilizza un clock migliore 

di quello base del Select, il top 

assoluto, con prezzi a partire da 

oltre 80.000 dollari che ne fanno 

verosimilmente il più costoso DAC 

al mondo...). 


SELECTOR 

La struttura superiore in alluminio fresato 

dal pieno ha la funzione di coperchio e di 

volano termico per il mantenimento della 

temperatura costante in tutto l’apparecchio. 

Il PCB su cui sono implementati il display 

e i comandi è tenuto in posizione da una 

serie di bulloni che lo spingono verso 

il pannello frontale con una pressione 

distribuita su tutta la superficie. La piastra in 

basso costituisce il piano di riscontro su cui 

scorrono i moduli a slitta che si innestano 

sui connettori multipolari presenti sul PCB 

principale nel quale sono presenti anche i 

moduli di gestione e controllo e il gruppo di 

conversione R2R proprietario. 

Nel PCB sono presenti un FPGA Actel Pro ASIC 

3, un DSP Analog Devices ADSP 21489 e un 

Microcontrollore EFM 32 G222F128G Gecko a 32- 

bit necessari per la gestione delle varie funzioni 

dell’apparecchio e per l’applicazione dei filtri e 

degli algoritmi proprietari per l’upsampling e per 

l’ottimizzazione del DAC ladder proprietario. Anche 

la gestione dei clock e delle tensioni di riferimento 

dell’apparecchio sono monitorate e tenute sotto controllo. 

Il DAC, di tipo 

ladder R2R, utilizza i moduli 

realizzati direttamente da MSB 

in casa con tecniche costruttive 

che utilizzano il laser per la 

realizzazione di reti resistive ad 

altissima precisione e per ridurre 

l’errore di conversione ai bassi 

livelli. I moduli utilizzati nella serie 

Premier sono la versione Prime, 

più semplificata rispetto a quella 

utilizzata nella serie Reference e 

Select. I moduli sono accoppiati 

termicamente al guscio esterno. 

La linea Premier si distingue dalle 

altre due più in alto nel catalogo 

per la scelta di non supportare 

l’universo analogico in ingresso e 

una semplificazione nel processo 

produttivo dei moduli R2R della 

sezione di conversione. Una specie 

di versione semplifica delle due 

corazzate più costose che mantiene 

comunque ampia versatilità 

nelle scelte dell’equipaggiamento 

base e negli eventuali upgrade – il 

modello base rappresentato dal 

Discrete offre meno opportunità 

in fatto di aggiornamento e supporto 

ai moduli opzionali e non 

consente la sostituzione del clock. 

In effetti uno dei cavalli di battaglia 

di MSB, oltre alla devozione 

all’R2R, è quello del clock, tanto 

che fu fra i primi costruttori a fornire 

come upgrade un clock con 

precisione all’interno del “femto”, 

ovvero in un range molto, molto 

basso. Una scelta che oltre a suscitare 

interesse tende a fornire una 

visone più concreta di un componente 

che viene in genere sottovalutato 

o per lo meno considerato 

con minor attenzione. C’è anche 

da dire che i fornitori di componenti 

dedicati ai clock non sono 

tantissimi e, anche in questo, MSB 

ha fatto una scelta decisamente 

controcorrente tanto da commissionare 

soluzioni customizzate 

direttamente dal produttore, Bliley 

Techonologies Inc., azienda 

specializzata nell’ambito della 

produzione di oscillatori quarzi e 

clock destinati a impieghi critici 

come i satelliti ad orbita bassa per 

telecomunicazioni, telemetrie e 

GPS. Tutti casi in cui stabilità e 

precisione non sono assolutamente 

messi in discussione. MSB 

ha quindi scelto per gli upgrade 

di classe “femto” i clock Bliley 


TEST MSB PREMIER DAC 

OCXO adattati per l’utilizzo in 

ambito audio tramite circuito di 

regolazione della temperatura e 

di sistemi di ulteriore isolamento 

dai disturbi elettromagnetici. Bliley 

fornisce anche altri costruttori 

in ambito audio ma, oltre al riserbo 

dell’azienda nel non divulgare 

informazioni sensibili sui propri 

clienti, sono veramente pochi i costruttori 

che optano per soluzioni 

comunque molto costose in termini 

di risorse e di materiali. Non a 

caso i moduli di upgrading clock 

hanno costi al limite del proibitivo 

(l’upgrade femto 93 del Premier 

costa 6.450 euro mentre il femto 

33 del Reference si piazza a 19.350 

euro ma con il ritiro del femto 140 

di serie). Una svolta radicale per 

MSB che in passato aveva una 

distinzione netta fra i vari moduli 

R2R in funzione della precisione 

di produzione che oggi sembra 

esser stata aggirata: non sono più 

disponibili, infatti, gli upgrade dei 

moduli ladder R2R il cui posto, 

però, è stato preso dai clock, che 

hanno una escalation ancor più 

alta di quella dei ladder Diamond 

dei DAC IV e V. 

L’impostazione del Premier mostra 

un approccio nella ingegnerizzazione 

che esalata ancor più 

che in passato la modularità e 

l’accesso alle sezioni “critiche” del 

circuito: il PCB principale ospita a 

bordo i moduli R2R della sezione 

DAC e la sezione di elaborazione 

del segnale, anch’essa soggetta 

a upgrade ma prevalentemente 

software, mentre tutte le altre sezioni 

trovano posto nei moduli a 

innesto rapido che si ineriscono 

nei connettori a pettine posti al 

lato del PCB principale. Tutti i 

componenti poggiano sulla base 

piana di alluminio e il guscio superiore, 

molto spesso ricavato 

da un blocco unico in alluminio 

scavato con macchine a controllo 

numerico in cui sono ricavate le 

sedi dei vari componenti, ha la 

funzione di coperchio. L’alimentazione 

fa il suo ingresso attraverso 

il modulo di uscita analogico 

nel quale sono presenti due linee 

distinte con le filtrature dedicate 

per l’alimentazione della sezione 

di conversione e quelle di servizio 

che vengono poi distribuite sui 

connettori a pettine per gli altri 

moduli opzionali. 

La dotazione degli ingressi e delle 

possibilità è veramente ampia ma, 

come spesso accade nei casi in cui 

si presenta una eccessiva offerta, 

alla fine le soluzioni non sono poi 

così tante, anche in considerazione 

della modalità di utilizzo in cui 

si vuole collocare l’apparecchio. 

Tralasciando la condizione in cui 

si opta per l’abbinamento con la 

meccanica MSB, la Reference 

Transport, che sposta eccessivamente 

in alto il costo totale del 

sistema (praticamente 

raddoppia), le soluzioni 

non sono poi 

così tante e devono 

in ogni caso tener 

conto della sorgente 

che si vuole 

utilizzare. Sembra 

quasi scontato che 

per godere dei formati 

nativi ad alta risoluzione si 

debba per forza usare un computer 

(attraverso il collegamento 

USB) o la trasmissione tramite la 

Il sistema di collegamento ottico 

fra il modulo esterno USB Pro ISL 

e quello interno I2S Pro utilizza 

in trasmissione e ricezione due 

transceiver a doppia connessione in 

fibra da 1Gbps tipicamente utilizzati 

come modulo di trasmssione fra 

switch di rete. Il modulo Usb viene 

alimentato direttamente dalla 

connessione USB e supporta in 

ingresso i formati ad alta risoluzione 

PCM fino a 768 kHz e DSD 8x. Il 

sistema offre un isolamento elettrico 

totale fra il DAC e le sorgenti a cui 

si collega il Pro, che possono essere 

mini computer, server oppure 

streaming di rete con connessione 

USB. 

rete attraverso sistemi più o meno 

articolarti per la riproduzione in 

streaming. Quindi le soluzioni offerte 

oggi da MSB da tre si riducono 

a due, nel senso che il modulo 

Quad DSD USB MQA, ormai in 

pista dal 2016, è stato spazzato 

via dall’ultima proposta MSB presentata 

in primavera 2019, il Pro 

I2S, una unità USB esterna che 

si collega tramite il doppio cavo 

ottico al ricevitore Pro ISL a bordo 

del DAC. Le funzionalità sono 

sovrapponibili a quelle del Quad 

USB ma si presenta una ulteriore 

opportunità di collegamento a un 

computer esterno, annullando la 

propagazione di disturbi elettrici 

in merito al collegamento ottico 

fra il ricevitore 

USB e il DAC. C’è 

inoltre 

un’altra opportunità che è conseguenza 

della connessione ottica, 

ovvero quella di poter estendere 

senza limiti la distanza della connessione 

ottica senza perdite e 

senza disturbi, in sostanza il sogno 

di ogni audiofilo: sistemare il 

computer o quel che lo sostituisce 

lontano dal totem dell’impianto. 

Da non sottovalutare poi il fatto 

Il modulo clock standard implementa a bordo due linee 

dedicate ai formati che sono multipli di Fs a 44.1 kHz 

e 48 kHz con oscillatori di precisione TXCO da 24.576 

MHz e 22.5792 MHz. Il modulo Femto93, invece, utilizza 

due oscillatori OCXO realizzati dalla Bliley su specifiche, 

abbinati a una grande massa in alluminio per raggiungere una 

temperatura costante e controllata e mantenere le variazione del 

clock entro valori molto contenuti. Il modulo ospita a bordo anche il circuito 

di alimentazione dedicata e per il controllo del riscaldamento dell’involucro 

e il mantenimento della temperatura costante. 


SELECTOR 

che un cavo USB per uso audio 

può raggiungere costi esorbitanti 

e comunque non si può estendere 

più di tanto. Di fatto questa soluzione, 

seppur più costosa in partenza, 

3.200 euro per il pacchetto 

Pro USB contro i 2.550 per la 

Quad USB, consente di utilizzare 

un cavo USB di qualità “standard” 

e per giunta corto, il che giova anche 

dal punto di vista dell’assorbimento 

elettrico visto che dovrà 

alimentare la sezione USB, e di 

posizionare il DAC lontano: un 

plus valor molto superiore alla 

differenza di 650 euro delle due 

modalità. L’altra opzione è quella 

del Renderer, che si rivela un’ottima 

alternativa alla connessione 

USB: la sensazione che con un 

computer o uno streamer di rete 

ad hoc collegato in USB al DAC 

si abbiano maggiori possibilità 

e opportunità si scontra poi con 

l’usabilità in quanto c’è comunque 

bisogno di tanta manutenzione da 

parte dell’utente per mantenere il 

sistema aggiornato ed efficiente 

in ogni suo componente. Cosa 

che invece con il modulo di rete 

non è così necessaria, soprattutto 

se si usano sistemi per la gestione 

dei contenuti come Jriver o Roon, 

due fra le piattaforme più avanti 

e robuste, supportate in toto dal 

modulo di rete MSB. I due oggetti 

sono ovviamente installabili 

anche insieme all’interno dell’apparecchio 

e in momenti diversi, 

il che aggiunge una flessibilità di 

utilizzo ma anche di valutazione 

da parte dell’utente sulla efficacia 

delle scelte in funzione dei propri 

bisogni: si tratta di una specie di 

evoluzione del concetto di tuning 

non tanto nei componenti di contorno 

ma nelle parti più profonde 

del sistema (leggi Clock, streaming 

Vs riproduzione locale, alimentazione). 

D’altronde anche 

il CEO di MSB ha manifestato in 

più occasioni alcune perplessità 

su certi approcci di tuning tramite 

cavi eorpelli, suscitando in noi 

la stessa perplessità in quanto 

prodotti “costosi” e al limite della 

perfezione non dovrebbero “migliorare” 

così tanto da step a step! 

Ribadiamo comunque anche dopo 

questo pensiero che il Premier, 

nella configurazione di prova, ha 

esibito un suono inatteso e che, in 

parte, dice qualcosa di nuovo nel 

settore! Per concludere il carosello 

delle opportunità, la riproduzione 

con il Renderer si è rivelata fra le 

più godibili sia dal punto di vista 

sonoro che di fruibilità, soprattutto 

in abbinamento a Roon con file 

ad alta risoluzione eDSD. 

L’accensione dell’apparecchio 

impiega un tempo non eccessivamente 

lungo per lo start-up e 

un tempo leggermente superiore 

Sul PCB di base sono implementati le alimentazioni, i filtri e i disacoppiatori, 

mentre nel modulo inserito su due connettori a pettine è realizzato il cuore 

del sistema di comunicazione che utilizza un processore Atmel con un core 

Cortex A5, una RAM e un lettore di schede micro SD per il sistema operativo 

basato su una distribuzione Linux ottimizzata da MSB che supporta Roon 

e la riproduzione gapless anche su DLNA. 

A fianco dello stadio di uscita bilanciato, inglobato in un involucro di resina, 

è presente la doppia linea di alimentazione che, prima di essere inoltrata 

all’interno del circuito di distribuzione dei connettori a pettine e nel PCB 

principale, viene ulteriormente filtrata e trattata con filtri e forodisaccoppiatori 

per ridurre l’immissione di disturbi all’interno del DAC. 

per la stabilità termica dell’apparecchio 

e, soprattutto, per quella 

degli alimentatori, raggiungendo 

temperature decisamente alte e 

ben distribuite sul guscio esterno, 

anch’esso ricavato dal pieno. L’utilizzo 

di un sarcofago di alluminio 

oltre a fornire un isolamento rivela 

un ottimo volano termico che 

mantiene la temperatura stabile 

e costante su tutto l’apparecchio. 

Rispetto alle precedenti versioni 

il display è finalmente godibile e 

visibile da molto lontano anche 

se, con la trasformazione che 

sta avvenendo nel settore della 

fruizione della musica digitale, è 

sempre meno necessario avere 

informazioni dall’apparecchio in 

riproduzione: oggi, infatti, non si 

possono scegliere i filtri in uscita 

e se si usa il modulo di rete le 

informazioni transitano direttamente 

sull’interfaccia di controllo 

o addirittura sull’applicazione di 

Roon se si usa Roon. Certamente 

è utile e godibile anche perché è 

possibile visualizzare immediatamente 

lo stato in funzione, ad 

esempio dell’inversione di fase o 

della modalità video, due scelte 

di cui è utile conoscere lo stato. 

È possibile anche scegliere di abilitare 

o disabilitare la regolazione 

del volume, altra funzione che 

beneficia in particolar modo di 

un display visibile soprattutto da 

molto lontano. 

A differenza di quanto veniva 

proposto in passato ora non è più 

possibile scegliere il tipo di filtro di 

upsampling o altre cose inerenti la 

trasformazione del segnale ingresso; 

l’esperienza d’uso del prodotto, 

quindi, da un certo punto di vista 

percorre una strada molto semplice 

e per giunta veramente godibile 

in quanto il carosello della 

scelta dei filtri non è sempre così 

soddisfacente, soprattutto quando 

si raggiunge un livello in cui 

si preferiscono alcuni settaggi in 

funzioni del tipo di musica ascoltato: 

il Giano bifronte del fine tuning 

o della perenne ricerca di una 

“pezza” a un sistema squilibrato! 

Ebbene ora MSB ci ha stupito in 

quanto, a prescindere da quanto 

propugnato dai progettisti, la 

scelta “unica” ha il suo perché e 

lascia probabilmente più spazio 

alla godibilità della musica. 

L’apparecchio supporta anche il 

formato DSD nativo con risultati 

non del tutto scontati in quanto 

spesso gli apparecchi molto spinti 

per quel che riguarda il post processing 

del segnale o un modello 

di conversione prioritario non 

esibiscono risultati altrettanto 

validi sia nell’ambito PCM che in 

quello DSD. In questo caso, invece, 

riscontriamo una prestazione 

con lo stesso imprinting (ma con 

le differenti caratteristiche dei 

due formati che in origine hanno 

comunque comportamenti sonori 

abbastanza differenti fra loro). 

52

TEST MSB PREMIER DAC 

al banco di misura 

PRO & CONTRO 

La realizzazione è di altissimo livello caratterizzata 

da scelte a volte contraddittorie su 

strategie e proposte ma che non mettono in 

discussione la “propensione” verso la classe 

elevatissima di prezzo. Molti aspetti autarchici 

riguardo alla produzione in casa rafforzano la 

tesi che colloca il prodotto in un segmento unico 

nel suo genere. I vari team di sviluppo (software, 

hardware e di implementazione) hanno 

dimostrato di aver ben chiari gli obiettivi da raggiungere 

da un punto di vista tecnologico e di 

produzione, tanto che le connessioni USB hanno 

da subito funzionato con il massimo supporto a 

differenza dei competitor, e la stessa cosa si può 

affermare oggi per il renderer che supporta tutto, 

risponde molto bene alle richieste e sollecitazioni, 

non si incastra, è gapless e rappresenta 

quel che dovrebbe essere lo standard comune, 

mentre invece gli altri sono ancora ben lungi 

dall’esserlo. L’unica pecca in passato era quella 

relativa all’estetica e alla realizzazione della 

carpenteria, argomento che ora sembra essere 

stato egregiamente risolto. 

MSB ha tenuto da sempre lo stretto riserbo sulle modalità di 

upsampling e i filtri utilizzati e già in passato avevamo avuto 

modo di incontrare un fatto abbastanza curioso: l’upsampling 

massimo disponibile riduceva sensibilmente la banda passante 

complessiva. Oggi, invece, è disponibile un solo tipo 

di filtro e upsampling che si comporta nelle stesso modo 

dei precedenti, con una banda passante compresa fra i 20 

kHz e i 30kHz a seconda del formato in ingresso. La risposta 

arriva senza alcuna attenuazione fino al punto limite fissato, 

Colpisce anche un DNA di base 

molto marcato perfettamente 

identificabile nel nostro DAC 

IV di riferimento ma (e questa 

affermazione non avremmo mai 

pensato di poterla nemmeno formulare!) 

il Premier esalta tutti gli 

aspetti che hanno sempre distino 

le performance del DAC IV e 

aggiunge, con garbo, un bouquet 

di sensazioni “nuove” che, peraltro, 

non sono nemmeno così 

prorompenti in prima analisi. 

Una prestazione clamorosamente 

migliore che in realtà non solleva 

clamore ma pian piano si fa strada, 

modellando un nuovo livello 

di valutazione che invece si palesa 

drammaticamente al momento di 

tornare indietro al glorioso DAC 

IV: nonostante rimangano da 

primato alcune caratteristiche 

tipo PrAT e ricchezza armonica, 

ci troviamo di fronte a un suono 

più confuso, meno a fuoco e soprattutto 

meno coinvolgente! Se 

da un punto di vista il suono del 

DAC IV è ancora molto attuale 

nonostante gli anni sulle spalle 

(che aumentano in modo esponenziale 

nel caso di un DAC), 

quello del Premier è un balzo in 

avanti che non si sarebbe potuto 

ipotizzare se non sul campo. 

L’apparecchio, in linea anche con 

quanto dichiarato dall’azienda, 

offre i migliori risultati dandogli 

in pasto i file in formato nativo 

oltre il quale il segnale crolla con un andamento a gradino. 

Non sono presenti alias fuori banda e il tappeto di rumore 

è estremamente basso, a riprova di un ottimo impianto di 

filtraggio e alimentazione. Sono visibili molte spurie anche 

se di bassa entità che, considerato il sistema adottato di 

conversione, rappresentano un eccellente risultato. I segnali 

DSD sono trattati in modo nativo anche se con una marcata 

attenuazione in uscita rispetto al formato PCM che a parità 

di condizioni esce con livello maggiore. 

e lasciando fare all’upsampling 

interno. Ed è anche per questo 

motivo che, mettendo nelle stesse 

condizioni operative un render o 

un computer in modalità player 

semplice, il risultato più apprezzabile 

è stato riscontrato con 

la riproduzione dallo streamer 

interno e con Roon, trattando 

tutti i formati ad alta risoluzione 

e con una fruibilità veramente 

invidiabile. 

Nel complesso appare evidente 

la competenza di MSB nel padroneggiare 

i processi produttivi, gli 

obiettivi e anche una certa ripartizione 

delle scelte cruciali e di effetto 

nel risultato finale per quello 

che riguarda le prestazioni, tant’è 

che comunque uno dei nostri sistemi 

di riferimento rimane proprio 

il DAC IV con Powerbase ! 

Qualche perplessità, più per dovere 

di cronaca che per altro, la 

solleva il concetto di modularità 

inteso nella sua accezione più ampia, 

visto che alla fine c’è sempre 

una soluzione che prevale su tutte 

le altre e che l’eccessiva offerta 

potrebbe tendere a disorientare 

l’utente Hi-Fi tradizionalmente 

affetto da insicurezza patologica. 

Per contro il grade gioco costituito 

dall’assemblare il proprio 

sistema Hi-Fi trova qui la sua 

massima (e persino ridondante) 

espressione. A mettere infine tutti 

d’accordo sono le prestazioni sonore, 

che non nascono da un’intuizione 

o da un caso fortuito di 

abbinamento ma da un obiettivo 

molto ben definito in azienda, 

strenuamente sostenuto fin dagli 

inizi e che continua imperterrito 

a essere perseguito lungo il cammino. 

Detta così sembra il solito 

strillo promozionale presente in 

ogni brochure che si rispetti ma 

nella realtà e soprattutto nell’esperienza 

di chi maneggia certi 

apparecchi è evidente la consapevolezza 

di aver toccato con mano 

qualità assolute. 


SELECTOR 


Lo scorso novembre ho avuto tra le mani l’ultimo apparecchio costruito dalla Synthesis, il Soprano, 

recensito in maniera molto positiva da SUONO, un delizioso apparecchio da 12 watt in classe A dal 

costo leggermente superiore ai mille euro. Poiché in Hi-Fi come per le ciliege l’appetito vien mangiando, 

non ho resistito a trovare una risposta alla domanda su come (e se) l’azienda sapesse declinare anche 

in una fascia superiore il suo “equilibrio aurico”… 

Confrontato a varie riprese 

con apparecchi 

più importanti il Soprano 

fece capire a me e ai 

vari ascoltatori alternati nelle 

varie sessioni di ascolto che per 

avere non molto in più bisogna 

sborsare tanto ma tanto di più. 

Nel confronto con queste grosse 

macchine l’apparecchio si 

difese alla grande sfoderando 

un suono di grande piacevolezza 

che perdeva rispetto ai concorrenti 

solo in qualche piccolo 

dettaglio, soprattutto in relazione 

a una modesta potenza 

che in ogni caso è risultata 

essere più che sufficiente con 

diffusori di medio-alto livello 

di efficienza. La curiosità mi ha 

portato inevitabilmente a interrogarmi 

se e come l’azienda 

sapesse declinare le sue buone 

intenzioni anche in una fascia 

di mercato superiore (e quale 

fascia potesse essere quella che 

avrebbe offerto quel “qualcosa 

di più” significativo) ed ecco 

AMPLIFICATORE INTEGRATO 

Synthesis Roma 510 AC 

SUL CAMPO 

Prezzo: € 3.450,00 


Peso: 20 Kg 

Distributore: MPI ELECTRONIC 

www.mpielectronic.com 

Tipo: stereo Tecnologia: a valvole Potenza: 2 x 80 W su 6 Ohm in classe 

AB push pull Accessori e funzionalità aggiuntive: Telecomando 

Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 +/- 0,5 db THD (%): 1 Max pow S/N 

(dB): >90 Ingressi analogici: 5 RCA Uscite analogiche: 1 RCA Note: 

Amplificatore integrato a valvole, stadio finale valvole 2xKT88 Push- 

Pull. ECC83 input e 12BH7 phase splitter. Finitura wood, black white. 


TEST 

Cinque gli ingressi linea ed è presente anche un Line Out. I connettori collegati all’uscita sono dorati e “escono a 6 ohm mentre 

le connessioni di potenza accettano bannane, forcelle e filo spellato da 4 mm. 

che al momento mi ritrovo invece 

ad ascoltare il Roma 510 

AC, apparecchio da diverso 

tempo sul mercato, dalla potenza 

di ben 80 watt per canale 

e dal prezzo che supera i tremila 

euro. Di più certamente ma 

anche troppo? Assolutamente 

no, a cominciare dal fatto che 

se cerchiamo nel panorama 

audio un buon integrato da 80 

watt a valvole, con costruzione 

di ottimo livello e ben suonante, 

ci accorgeremo che il prezzo 

di questo Synthesis, se l’apparecchio 

ottempera le richieste 

elencate, è decisamente più 

basso di quello che si crede. 

Il vanto del costruttore è la 

qualità dei trasformatori di 

alimentazione e di uscita che 

sono gli elementi chiave per 

un sistema a valvole; li costruisce 

lui stesso semplicemente 

perché questa azienda in precedenza 

era gestita dal padre 

con il nome di Fasel sin dagli 

anni ’60, un punto di riferimento 

per la costruzione e la 

vendita di ottimi trasformatori 

e induttanze per amplificatori 

a valvole. 

Oltre la costante tecnica va 

segnalata quella estetica: l’apparecchio 

si presenta in una 

veste davvero raffinata, italianissimo 

di gusto (il frontalino 

di quello in mio possesso è di 

un bel rosso) e con una grande 

qualità sia della struttura 

meccanica che dei componenti 

esterni e interni. Quattro KT 

88 come finali, cinque ingressi 

solo linea, una uscita pre-out 

e tante altre buone caratteristiche 

lo caratterizzano. Molto 

bello e massiccio il nuovo telecomando 

in alluminio che ho 

trovato nella confezione: non 

è quello in dotazione ma un 

extra anche se, in ogni caso, 

va altrettanto bene quello di 

plastica in dotazione standard. 

Peccato invece per l’assenza di 

un ingresso cuffia, sempre utile 

e certamente gradito. 

Fina dalle prime impressioni il 

suono risulta ottimo, pieno e 

soprattutto ben equilibrato. 

Molto bene il basso, veloce 

e netto come un transistor 

ma bello rotondo e corposo 

come i valvolari sanno fare, 

senza essere gonfio o peggio 

allungato. La porzione delle 

medie rappresenta il pezzo 

forte dell’apparecchio, materico, 

presente e accattivante e 

le note positive si “estendono” 

anche alla porzione degli acuti, 

ben definiti con vocazione 

alla naturale dolcezza dei valvolari. 

Con la superba registrazione 

audiophile Temptation 

di Holly Cole, nel brano 

Tango Til They’re Sore la 

grande presenza e profondità 

del basso, le percussioni, la 

voce sensuale, prima piena e 

a seguire appena sussurrata, 

la grandezza e la nitidezza del 

pianoforte mettono alla prova 

le capacità di interpretazione 

dell’amplificatore. E il Roma 

510 AC si destreggia in maniera 

egregia. Basso potente 

di giusta intensità e perfettamente 

frenato; chi conosce 

questo disco sa della presenza 

pressante e voluminosa della 

sezione bassa che a volte può 

risultare invece ridondante. 

Bellissime, poi, le variazioni 

della incredibile voce, trasmesse 

ai diffusori con una 

straordinaria naturalezza 

facendoci gustare al meglio 

questo brano che la Cole interpreta 

in maniera straordinaria. 

In un altro brano (Jersey 

Girl) la presenza di un piccolo 

coro collocato lateralmente ma 

leggermente arretrato mette 

in evidenza le buone capacità 

di ricostruzione di un palcoscenico 

abbastanza ampio e 

profondo. È la volta di Don’t 

Explain con Caroline Hander- 

La versione Deluxe del telecomando è un extra. Il modello standard svolge comunque egregiamente il suo compito. 


SELECTOR 

son che con la sua voce particolare 

un po’ roca restituisce 

una bella interpretazione proprio 

al brano che dà il titolo 

all’album. Di pari passo l’amplificatore 

riesce a restituire il 

giusto spessore alla musica e 

la sua capacità di essere molto 

silenzioso, pur essendo un 

La bobinatrice degli anni ‘60, eredità della Fasel. 

CHI È SYNTHESIS ART OF MUSIC 

L’azienda è stata fondata nel 1992 da Luigi Lorenzon, un ottimo conoscitore 

del mondo delle valvole, grande appassionato di design e musica; il marchio si 

è da subito guadagnato un’ottima reputazione sia per la qualità che per il 

design molto personale, riconoscibile dall’utilizzo di frontali in legno laccato 

disponibile in diverse colorazioni. Sempre attento alla costante ricerca tecnologica 

è riuscito nel tempo a farsi apprezzare in tutto il mondo dove esporta 

buona parte dei suoi prodotti. 

valvolare, sottolinea al meglio 

anche le più piccole sfumature 

che accompagnano questo 

brano. Cambiamo genere per 

testare le capacità dinamiche 

del nostro apparecchio (Empire 

Brass Quintet – Passage 138 

B.C. - A.D. 1611): si tratta di un 

disco della Telarc dove, soprattutto 

nel brano Opper Dance, 

il quintetto di ottoni, le percussioni 

e la presenza massiccia 

del tamburo mettono a dura 

prova le capacità del sistema. 

Questo è un disco che uso di 

rado ma quando lo inserisco 

nel lettore fatalmente spingo 

il volume a livelli elevati, cosa 

che altrimenti mi capita raramente. 

In ogni caso l’apparecchio 

si comporta in un modo 

egregio consegnando tutta l’energia 

che questo brano necessita: 

quando gli viene richiesta 

potenza la rilascia senza sforzo, 

dimostrando di averne a 

disposizione. Non noto alcun 

accenno a compressione e il 

suono intenso e maestoso che 

accompagna tutto il brano lascia 

una sensazione di grande 

compiacimento che appaga a 

pieno l’ascoltatore. 

In sintesi il Roma 510 AC è un 

valvolare di una potenza elevata, 

abbinabile alla maggior parte 

dei diffusori in commercio 

con una ottima resa in grado di 

restituire grandi soddisfazioni 

per le sue capacità di estrarre 

al meglio il messaggio musicale 

che gli viene inviato. Lo si 

acquista a poco più di tremila 

euro ed è consigliato ai veri appassionati 

di musica che esigono 

il massimo delle prestazioni 

senza badare a fronzoli. 


SELECTOR 


PREAMPLIFICATORE E AMPLIFICATORE FINALE 

Yamaha C-5000 & M-5000 

5000 o dell’eccellenza, 

secondo il codice utilizzato 

per le sigle degli apparecchi 

dalla casa giapponese. 

E nel caso della attuale 

serie 5000 di Yamaha la 

tendenza e le scelte sono 

chiare, soprattutto se se ne 

legge l’evoluzione nel tempo. 

Giradischi, pre e finale 

stereo, diffusori: la catena 

audio si realizza così! 

Si è composta nel tempo 

la linea di eccellenza 

della casa giapponese 

ma nel tempo il focus è anche 

cambiato se si considera che il 

primo passo di questo percorso, 

in occasione del 125mo anniversario 

della nascita (2013) 

che si tenne ad Amburgo nel 

maggio di quell’anno, vedeva 

l’esordio della linea costituita 

da un pre (CXA 5000) e un 

finale (MXA 5000) dedicati 

all’home theater. “Declassato” 

nella sigla a un livello inferiore 

era l’A-S3000 (provato 

DISTRIBUTORE: Yamaha Music Europe GmbH - Branch Italy 

Via Tinelli, 67/69 - 20855 Gerno di Lesmo (MB) 

Tel.02.935771 - Fax 02.9370956 

www.yamaha.it 

su SUONO 480 - ottobre 

2013) un integrato che 

in coppia con il lettore 

CD-S3000 

costituiva 

comunque 

un 

ritorno 

del marchio 

del diapason 

all’Hi-Fi di livello, dopo 

che per molti anni aveva primeggiato 

l’attenzione all’HT. 

L’A-S300, peraltro, ereditava 

in gran parte la sezione di potenza 

dal finale multicanale 

MXA 5000; elemento 

curioso (segno 

di una inquietudine progettuale) 

era il fatto che paradossalmente 

alcuni aspetti di questo 

apparecchio (il fatto che 

accettasse connessioni bilanciate, 

la predisposizione per 

la biamplificazione passiva) 

apparissero 

più 

audiophile che 

dedicate all’HT, 

tanto che SUONO effettuò 

la prova dell’apparecchio 

esaminandolo 

in questa luce. Insomma: una 

tentazione al ritorno al due canali 

puro che poi si è concretizzata 

negli anni a venire se oggi 

la linea 5000 si rivela assolutamente 

tagliata sulle esigenze 

dell’appassionato di Hi-Fi: un 

giradischi (GT-5000) come 

unica fonte, un pre e finale a 

due canali (quelli oggetto della 

nostra prova) e una coppia 

di diffusori, i NS-5000, 

che sempre su SUONO 

hanno ottenuto al tempo 

ottimi responsi! L’intera 

catena è stata svelata per 

la prima volta al Munich 

Hi-End 2019... 

Appurato che il campione 

dell’home theater propone 

ora come massima rappresentanza 

della sua eccellenza 

un sistema a due 

canali - cosa che colpisce 

in termini storici ma che 

deve tener conto del fatto 

che le linee audiophile 

i giapponesi le hanno 

sempre continuate a fare, 

magari relegandole solo al 

mercato orientale - il lettore 

potrà trarre ulteriore 

giovamento alla luce di alcuni 

dei pochi postulati di cui, graniticamente, 

siamo convinti e 

che qui lasciamo riaffiorare: 

1) solo le grandi aziende possono 

costruire prodotti Hiend, 

intendendo per Hi-end 

un dispiego di mezzi, ricerca, 

soluzioni ed economie di 


TEST 

scala (fatte anche di ricaduta 

tecnologica) necessari alla realizzazione 

di prodotti di qualità 

superiore alla media 2) In 

Hi-Fi il prezzo di un prodotto, 

in special modo nel segmento 

di mercato definito “dell’eccellenza”, 

è un’astrazione, nel 

senso che non è direttamente 

o costantemente collegato alla 

qualità e alla quantità del contenuto 

offerto. 

Da entrambi i punti di vista 

va immediatamente segnalato 

che la coppia C-5000 e 

M-5000 è uno spettacolo pirotecnico 

dove i fuochi di artificio 

sono 

un 

dispendio di mezzi, energie e 

sostanza che esondano in senso 

positivo il punto 2, ovviamente 

in relazione a quello che 

in alternativa offre il mercato. 

A questo va aggiunta, ma non 

da oggi, la scelta indovinata 

del design che unisce aspetti 

retrò e di permanente modernità, 

scelta indovinata già 

al tempo dei padri fondatori 

del settore dalla quale non ci 

si distacca! Semmai colpisce il 

posizionamento di mercato in 

un’area di prezzo precedentemente 

mai presidiata se non 

per un’unica eccezione (DSP- 

Z11 – 6.500 euro oltre 10 anni 

fa)... Può sembrare una questione 

di lana caprina ma è ben 

più fondante perché delle due 

l’una: o Yamaha è convinta 

che il suo pubblico d’élite 

ha cambiato interessi spostandosi 

dall’HT all’Hi-Fi 

o il marchio giapponese 

troverà qualche difficoltà, 

principalmente derivante 

dai profondi preconcetti 

che animano un segmento 

di mercato legato a specifici 

stilemi. 

Al netto di tutto, come detto la 

coppa pre e finale in questione 

è uno spettacolo da vedere (su 

tutto i tasti a sviluppo rettangolare 

del pre e i VU-meter ad 

ago su fondo retroilluminato 

per il finale) e per funzioni 

offerte dove, non stupirà per 

quanto detto, prevale su tutto 

l’attenzione dedicata all’analogico 

(anche perché non vi 

è traccia di facilitazioni per i 

sistemi digitali): dato che sia 

il pre che il finale hanno la 

struttura completamente in bilanciato, 

per il fono MM e MC 

è previsto un doppio ingresso 

RCA e XLR visto che anche il 

giradischi GT-5000 ha le uscite 

in bilanciato. La sezione 

fono consente la regolazione 

del carico, doppio circuito separato 

e distinto per i due canali, 

mentre è doppio anche il 

trasformatore di alimentazione, 

ognuno dedicato a un canale 

specifico. Sia i trasformatori 

che altre sezioni del C-5000 

hanno la schermatura in rame, 

con l’obiettivo di ridurre gli 

effetti negativi dei flussi magnetici. 

La stessa cosa, con i 

canali completamente separati 

e distinti, per percorso di 

segnale e alimentazione, avviene 

anche per il finale M-5000. 

L’alimentazione è connessa 

direttamente a ogni lato positivo 

e negativo dello stadio di 

uscita. Anche nel finale alcuni 

elementi sono protetti con uno 

schermo in lamiera ramata; la 

struttura, inoltre, è stata progettata 

con particolare attenzione 

alle forze meccaniche per 

cui il trasformatore, il blocco 

dei condensatori e i dissipatori 

sono imbullonati direttamente 

al telaio principale. Anche i 

cavi dell’alimentazione hanno 

subìto un processo di sovradimensionamento 

e di rinforzo 

nella loro struttura: vengono 

bloccati con viti e connettori 

in ottone invece che con le più 

tradizionali saldature. Insomma, 

un dispiegamento di forze 

che stabilisce, di nuovo, che 

la genesi del mercato Hi-end 

(ovvero di quello no compromise) 

sui processi produttivi 

e sulle risorse dedicate all’Hi- 

Fi è appannaggio di ben pochi 

costruttori! Un Hi-end però 

La dotazione degli ingressi è molto 

ampia, forse molto di più del numero 

di sorgenti con uscita analogica oggi 

disponibili! Tuttavia è molto utile la 

presenza di due ingressi e sue uscite in 

modalità bilanciata e quattro ingressi 

linea e due uscite pre in single ended, 

oltre a una uscita fissa utile in passato 

per il collegamento di un registratore 

esterno. È presente, inoltre, un ingresso 

fono con due modalità, single ended 

prevalentemente per testine MM e 

anche in bilanciato per i fonorilevatori 

MC. Una opzione molto comoda per 

gli ingressi XLR è la possibilità di 

selezionare per ogni ingresso la fase 

in modo da ottimizzare gli ingressi in 

funzione delle caratteristiche delle 

sorgenti collegate. Il finale dispone 

di due coppie di morsetti molto 

grandi che consentono il serraggio di 

cavi anche di grandi dimensioni e in 

modalità bi-wiring. 


SELECTOR 

L’apparecchio ha una impostazione 

completamente dual mono con ogni sezione 

duplicata e isolata dall’altra sia fisicamente 

che elettricamente. È comune il circuito di 

alimentazione di stand by e di servizio. 

La regolazione del livello è 

affidata a tre chip JRC 

NJU2321 gestiti da 

un meccanismi di 

servocontrollo 

azionato sia in 

modo meccanico 

che manuale. La 

commutazione 

degli ingressi 

avviene tramite 

l’attivazione dei relè 

azionati e gestiti da 

microcontrollore. 

Gli stadi di premplificazione e di commutazione del 

segnale sono sviluppati su due grandi PCB simmetrici e 

indipendenti posti uno su l’altro. Anche il posizionamento 

dei connettori adotta una simmetria che favorisce il 

collegamento delle sorgenti e delle amplificazioni. 

Prezzo: € 6.999,00 


Peso: 19,1 Kg 

PREAMPLIFICATORE YAMAHA C-5000 

Tecnologia: a stato solido Ingressi: Phono MM/MC, 5x linea, trigger, remote 

Uscite: 3x RCA, XLR, trigger, remote Risp. in freq. (Hz): 10 - 100.000 THD (%): 0,01 

S/N (dB): 110 Controlli: Bass, Treble, Guadagno, Phono; Subsonic, Mute Livello 

uscita max (V): 6 Bal. - 3 V Sbil. Note: Completamente bilanciato. Controlli toni: 

bass 350 Hz +/- 9 dB; treble 3500 Hz +/- 9 dB. Filtro subsonico: 15 Hz - 3 dB. 



PER 

TUTTI 

I GUSTI 

VELOCE COME UN 

CLICK, PIACEVOLE 

COME IL FRUSCIO 

DELLA CARTA 

La risposta in frequenza è molto ampia, lineare e non affetta 

da variazioni dovute al livello di regolazione del livello in 

uscita. Il rumore di fondo è estremamente basso e non 

affetto da disturbi o alterazioni in banda e fuori banda, a 

riprova di un eccellente stadio di alimentazione. La distorsione 

armonica è estremamente contenuta anche se sono 

visibili alcune componenti in seguito alle scelte dello schema 

dello stadio di amplificazione. L’accettazione in ingresso 

è inferiore a 3Vrms ma le prime componenti armoniche 

iniziano a sollevarsi dal fondo già poco oltre 1 V di ingresso 

per raggiungere la saturazione intorno ai 2.8 Vrms. 

di fascia consumer, abbordabile 

e comunque che fa i conti 

con la necessità di orientarsi 

a un pubblico non di iniziati 

ma di appassionati con elevate 

aspettative. Una sorta di altra 

faccia della medaglia rispetto 

al modo in cui il concetto viene 

declinato in questo stesso 

numero dal costruttore californiano 

MSB... 

Quando si passa all’utilizzo, 

ancor di più all’apertura 

degli imballi, si “esordisce” 

con quella sensazione, quel 

profumo di Hi-Fi di una volta 

che per gli appassionati di 

vecchia data è stampato nel 

DNA ed evoca una lunga serie 

di sensazioni, sopite ma ancor 

vive. Sensazioni che, oltre al tipico 

odore, riportano alla memoria 

la tattilità e le reazioni 

degli apparecchi dell’epoca. 

Sembra quasi una oscenità 

ma la rotazione della manopola 

del volume e l’azionamento 

delle levette di commutazione 

è cosa di altri tempi anche se 

oggi, in ogni caso, l’azionamento 

meccanico non agisce 

più su un selettore anch’esso 

meccanico ma su un sistema 

servo assistito. In questo ambito 

la regolazione del volume 

ma ancor di più l’attivazione 

del mute è il simbolo di tale 

approccio: agendo sulla levetta 

del mute si attiva un circuito di 

12 MESI 

€ 60,00 

6 MESI 

€ 30,00 

Il potenziometro motorizzato per 

il controllo del volume è installato 

su un castello di sostegno molto 

robusto in grado di sostenere la 

massiccia manopola esterna di 

azionamento e tutto il sistema 

di trascinamento. Il movimento 

è moto fluido e frizionato e la 

regolazione invia un segnale di 

riferimento al chip del volume che 

attua l’attenuazione selezionata. 

3 MESI 

€ 20,00 

Formule e offerte su: 

http://www.suono.it/E-Shop/ 

SUONO ottobre ALL-YOU-CAN-EAT-COME- 

- novembre 2019 61 

ABBONARSI

SELECTOR 

La struttura è a telaio portante su cui sono installati i vari componenti e 

che, inoltre, entrano a far parte della struttura. Nonostante la struttura 

sia realizzata con pannelli in lamiera ferrosa ramata e ripiegata, fissati 

fra loro con viti autefiletanti, l’ingegnierizzazione è molto ordinata e 

con cablatura aerea ridotta. 

Nella parte inferiore è presente la complessa distribuzione dei quattro 

alimentatori ad alta corrente specifici per lo schema di funzionamento 

Circlotron dello stadio finale. Ognuno dei quattro condensatori 

da 33.000uF da 63V è connesso a un ponte a diodi e fa parte di un 

alimentatore di potenza flottante. È presente anche un doppio circuito 

indipendente per i due canali dello stadio pilota. 

Il circuito di amplificazione è realmente simmetrico e l’ingresso elettivo 

è quello di tipo XLR oppure quello single ended che attraversa uno 

stadio che lo converte in simmetrico. Anche lo stadio di potenza utilizza 

Mosfet uguali fra loro e non di tipo complementare grazie allo schema 

di ingresso e di potenza. 

Prezzo: € 6.999,00 

Dimensioni: 43,5 x 18 x 46,4 cm (lxaxp) 

Peso: 26,9 Kg 

AMPLIFICATORE FINALE YAMAHA M-5000 

Tipo: stereo Tecnologia: stato solido bilanciato Potenza (W): 2x 100/200 @ 8/4 

Risp. in freq. (Hz): 5-100.000 Sens./imp. (V/kOhm): 2/47 Bilanciato - 1/47 Sbilanciato 

S/N (dB): 110 THD (%): 0,035 Fattore di smorzamento: 300 Ingressi: 

RCA, XLR, trigger Note: Possibilità di utilizzo in mono (400 watt). Circuito di 

alimentazione totalmente flottante. 


TEST YAMAHA C-5000 & M-5000 


PRO & CONTRO 

servocontrollo che sposta fisicamente 

il potenziometro del 

volume per una rotazione tale 

da effettuar un’attenuazione 

fissa rispetto alla posizione del 

volume in cui si trovava al momento 

dell’attivazione. L’effetto 

è decisamente scenografico, 

anche utile e comunque piacevole, 

considerata la riduzione 

graduale del livello e non l’attivazione 

istantanea del mute; 

colpisce, tuttavia, il fatto che 

per la manopola del volume, 

nonostante sia di tipo motorizzato 

con potenziometro analogico, 

il controllo in realtà non 

interviene direttamente sul segnale 

ma su un chip integrato 

per la regolazione del livello 

che, tramite il valore resistivo 

fornito dal potenziometro, 

regola di conseguenza l’attenuazione 

sul segnale in modo 

comunque analogico. Sicuramente 

un giro interessante, 

per certi versi farraginoso, 

ma che in ogni caso consacra 

la riduzione del percorso del 

segnale e della gestione il più 

possibile esente da disturbi o 

alterazione. La regolazione del 

livello tramite telecomando o 

tramite il tasto mute potrebbe 

senza dubbio intervenire direttamente 

sul chip e non su 

tutto il “giro” anomalo” con il 

rischio, però, di perdere quel 

plus valore che fa la differenza 

per quel che riguarda il rapporto 

tattile con l’oggetto. Un 

rapporto in cui i Vu-Meter del 

finale, con la loro assoluta inutilità 

pratica, il vetro ad alto 

La risposta in frequenza non è affetta da variazioni in funzione 

del carico e mostra una estensione notevole con 

una lieve attenuazione agli estremi banda. Il tappeto di 

rumore evidenza un livello di accuratezza molto elevato 

dello stadio di alimentazione e della filtratura che attenua 

efficacemente i residui di rete. La potenza rilevata è conforme 

a quella dichiarata mostrando un tasso di distorsione 

armonica molto contenuto in tutto il range utile fino al 

raggiungimento del clipping che avviene in modo molto 

repentino con la saturazione immediata anche se la riserva 

di energia dello stadio di alimentazione ancora non mostra 

flessioni nella tensione di alimentazione. 

spessore e la regolazione del livello 

di illuminazione continuo 

della finestra, contribuiscono a 

creare un alone di esclusività 

che molti prodotti oggi, nonostante 

l’evoluzione del design 

industriale, stentano a esibire. 

Per concludere, i fianchetti in 

legno, in vero legno massello 

laccati a specchio con una finitura 

tipica delle laccature dei 

pianoforti (guarda caso Yamaha!) 

dà il suo tocco finale, anche 

se della presenza del legno 

se ne percepisce ben poca! Visto 

il tipo di finitura avrebbero 

potuto farli di resina? No! Effettivamente, 

non sarebbe stato 

lo stesso, anche se rispetto 

al pianoforte non c’è nessuna 

ragione pratica per emulare 

tale scelta. Osservandoli uno 

L’implementazione circuitale e altri aspetti 

costruttivi e di progettazione collocano il 

prodotto in una fascia “estranea” a quella 

di appartenenza, significativamente più 

elevata. Dal punto di vista della versatilità 

va segnalato come manchi la connessione 

USB, secondo una tendenza sempre più in 

voga e che ha la sua ragione in termini di 

costi/benefici. In compenso c’è una sezione 

fono di tutto rispetto, anzi, ben oltre le 

aspettative, e anche il Bluetooth tra l’altro 

di qualità e una ampia dotazione di ingressi 

spdif che soddisfano la quasi totalità 

delle esigenze. In termini sonori ci troviamo 

di fronte a qualcosa di diverso, dove i 

dettagli emergono, il ritmo pure, incalzante 

quando serve e dettagliato ma mai 

predominante nel resto. Un timbro vivo 

in tutta la gamma utile del sistema che a 

dispetto della potenza dichiarata suona, 

sembra suonare, molto più forte dei dati di 

targa. Solo quando si raggiungono i limiti, 

in modo non eccessivamente repentino si 

avvertono i limiti in potenza del sistema, 

con un clipping comunque morbido ma 

tipico di uno stadio solido prossimo alla 

saturazione. Si apprezza inoltre la buona 

insensibilità al carico e la capacita di mantenere 

un timbro costante anche in presenza 

di diffusori molto critici. 

accanto all’altro, il pre e il finale 

lasciano un po’ perplessi 

sulla collocabilità in ambiente, 

in quanto uno sopra l’altro non 

stanno bene (anzi, non si possono 

poggiare con semplicità 

per i piedini e le feritoie) ma 

nemmeno uno di fianco l’altro, 

in quanto le altezze differenti 

di due prodotti non danno 

luogo a uno skyline gradevole. 

Peccato, perché poggiati su un 

mobile basso o su una consolle 

avrebbero avuto una maggior 

visibilità che all’interno di un 

“mobile” Hi-Fi di tipo tradizionale 

e che spesso tenta di 

rubare la scena al prodotto. 

L’utilizzo stabilisce un rapporto 

con l’oggetto tipico di 

altri tempi; anche i controlli 

di tono, sovente disprezzati 

in ambito audio, assumono 

una dignità. Questo evidenzia 

la propensione di Yamaha 

nelle opzioni di tuning della 


SELECTOR 

catena, soprattutto nella scelta 

del carico della testina MC, 

che spazia fra quattro valori di 

carico da 300 Ohm a 10 Ohm, 

nella regolazione del guadagno 

dello stadio di potenza per la 

cuffia e, dulcis in fundo, nella 

scelta di fase per le connessioni 

bilanciate, una per ogni 

ingresso, due linea e una fono 

Mc per ottimizzare l’uscita in 

funzione delle vaie sorgenti 

collegate. 

Il suono dell’accoppiata, anche 

perché di accoppiata bisogna 

parlare e non ha senso 

pensare i due prodotti come 

indipendenti l’uno dall’altro, 

evoca un imprinting molto 

“Yamaha” ma come abbiamo 

potuto constatare in occasione 

del test dell’A-S2100, 

con una marcata caratterizzazione 

del timbro che prende 

le distanze dalle precedenti 

versioni e varianti. In 

I coperchi dei due apparecchi sono ricavati da una lastra spessa in alluminio rettificata e con le aperture superiori per la 

ventilazione fresate. Per evitare l’intrusione di corpi estranei all’interno dell’apparecchio sono state poste delle griglie di 

protezione metalliche con una trama ad esagoni, fissate dall’interno tramite un numero impressionante di viti a passo metrico 

molto corte all’interno di fori filettati. Un dispiegamento di forze di grande impatto estetico. 

senso assolutamente generale 

si potrebbe classificare come 

la fusione delle interpretazioni 

molto positive dell’A-S3000 e 

della verve dell’A-S2100 senza 

i compromessi della serie 5000 

che li precedette. Grande precisione, 

a volte debordante in un 

accenno di iperdettaglio e grande 

punch... Il sistema, inoltre, 

si è interfacciato molto bene 

con diffusori ostici anche se si 

è trovato molto più a suo agio 

con quelli ad alta impedenza e 

di facile pilotaggio. Ci sarebbe 

piaciuto ascoltare la coppia con 

i suoi partner elettivi Yamaha: 

a prescindere dal fallace aspetto 

del family sound, quei diffusori 

ci piacquero davvero tanto 

(SUONO 511) e, per come erano 

costruiti e pensati (e soprattutto 

La stabilità al piano di appoggio sembra 

essere un argomento particolarmente 

a cuore del mercato Hi-end giapponese 

tanto che molti costruttori adottano 

soluzioni molto simili fra loro ma che 

privilegiano anche l’utilizzabilità da parte 

dell’utente. Ad esempio, marchi come 

Esoteric, Accuphase e anche Yamaha 

prevedono un appoggio a terra tramite 

una punta conica ma rendono parte del 

sistema anche il piattello di appoggio 

come parte integrante. Nella serie 5000 

il piede è realizzato in tre pezzi, uno 

avvitato all’apparecchio dotato di punta 

conica, la ghiera esterna che si avvita 

all’elemento principale e che ha l’unica 

funzione di mantenere in posizione il 

piattello di appoggio della punta conica al 

piano, terzo elemento. 

per il loro sound...), pensiamo 

che sarebbe potuta essere veramente 

una bella esperienza. Se si 

considera, inoltre, all’altro capo 

della catena, la possibilità di 

collegamento tramite il giradischi 

del vinile in bilanciato (soluzione 

vituperata da alcuni ma 

qualitativamente ineccepibile 

secondo noi), che sembra elettivo 

nelle scelte dei progettisti che 

sullo stadio fono hanno lavorato 

con dispendio di mezzi, tutto 

ciò porta la fantasia verso una 

strada che forse non soddisfa 

quel pensiero tradizionalmente 

audiofilo che privilegia la supremazia 

dei componenti separati. 

Il caso della serie 5000, invece, 

sembra oggi un esempio di come 

un’esperienza coinvolgente può 

e deve completarsi attraverso 

un percorso che tenga conto di 

un valore estetico a tutto tondo, 

come quello che Yamaha è riuscita 

a centrare. 


SELECTOR 


Per insondabili ragioni e dopo anni di incontri ravvicinati ma non troppo mi è rimasta la curiosità di 

meglio valutare un marchio i cui prodotti, in tutte le occasioni in cui li ho sentiti suonare, non hanno 

mai mancato di generare la loro quota di benessere musicale. 

In previsione di un incontro 

più “intimo” del solito con il 

marchio in questione, come 

d’abitudine “ho fatto i compiti” e 

scoperto che le sensazioni provate 

nei fugaci incontri di questi 

anni sono condivise anche da altri; 

ecco che cosa scrive in merito, 

con buona sintesi delle emozioni 

che portavo in memoria, Erick 

Lichte di “Stereophile”: “If it’s 

rare to go to an audio show and 

hear most of a company’s products 

set up properly in multiple 

rooms, it’s rarer still to hear those 

products also sounding terrific 

in each and every room. In 

each of the systems in which the 

Swedish company’s speakers 

(Marten) were set up, and no 

matter what gear was upstream 

of them, I heard distinctly neutral, 

open, musical sound”. Quoto 

al 100% ed è un dato di fatto 

DIFFUSORI 

Marten Design Django XL 

SUL CAMPO 

Prezzo: € 13.300,00 


Peso: 47 Kg 

Distributore: Audioplusvia F.Crispi 77 - 63074 San Benedetto del 

Tronto (AP) 

Tel. 0735 593969 

www.audioplushiend.it 

Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex N. vie: 3 Potenza 

(W): 250 Impedenza (Ohm): 6 Frequenze di crossover (Hz): 250 

- 3000 Risp. in freq (Hz): 26-30 000 Hz ±3 Sensibilità (dB): 89 Altoparlanti: 

tw sa 1’’, mid da 6’’ in ceramica, 3x wf da 8’’ in alluminio 

Rifinitura: Piano Black, Silver Grey Note: terminali Single-wiring 

WBT, cablaggio interno Jorma Design. Color Silver €14.300,00. 


TEST 

non da poco perché che si sia 

appassionati o professionisti del 

settore, la “molla” che ci anima 

tutti è la ricerca di una risposta 

alla domanda delle domande, 

“Come suona...?”, dove ai puntini 

puoi sostituire di tutto: come 

suona quel brano, come suona la 

musica che mi piace, come suona 

un dato prodotto qui o lì, come 

suona con questo e con quello… 

Le bricioline di pane raccolte in 

questi anni dal novello pollicino 

che vi scrive (e, obiettivamente, 

il notevole costo di quasi tutti i 

diffusori della casa che ne rendono 

difficile logisticamente e 

per impegno finanziario un test 

tradizionale), mi hanno portato a 

S. Benedetto del Tronto dove ha 

sede l’importatore di Marten, il 

marchio svedese creato da Leif 

Martin Alderson che è l’oggetto 

di queste attenzioni. Quella 

di Marten è tutt’ora una realtà 

a conduzione familiare, visto 

che via via nel tempo è avvenuto 

l’ingresso in azienda anche 

dei più vicini parenti: il fratello 

maggiore Jörgen che è il CEO 

dell’azienda e il figlio Lars con 

la funzione di Art Director. Una 

realtà le cui origini sono quelle 

classiche del percorso audiofilo 

di più della metà dei costruttori 

attuali e del passato ma che ha 

saputo evolversi stabilendo quel 

connubio equilibrato tra artigianato 

e industria che per mia 

esperienza è la perfetta alchimia 

per proporre le migliori soluzioni 

in Hi-Fi. Come molti altri Leif 

Martin Alderson da giovane progetta 

diffusori nel garage della 

casa di famiglia; poi il successo 

ma anche l’innamoramento e la 

conseguente sbandata per una 

delle classiche sfide in Hi-Fi: 

far suonare bene quel che per 

la maggior parte degli altri costruttori 

rappresenta in alterna 

misura un misto di gioie e dolori. 

Si tratta dei tweeter Accuton il 

cui suono (grazie ai coni in ceramica) 

è straordinario per trasparenza, 

precisione e velocità; 

quella stessa ceramica in molti 

casi dà luogo a una certa iper 

analicità e, per l’estrema velocità 

dell’equipaggio mobile, mal 

si abbina con le caratteristiche 

degli altoparlanti per l’emissione 

in banda grave. Martin Alderson 

prova l’abbinamento con vari 

componenti, lavora sul crossover 

e sulla forma del diffusore 

ma trova la quadra solo quando 

utilizza anche per il woofer una 

soluzione con cono in ceramica 

che darà vita nel 1998 a Mingus, 

un due vie che è il primo diffusore 

offerto sul mercato dalla neonata 

Marten; poco dopo nasce 

Miles, tutt’ora disponibile nella 

sua versione aggiornata, un 2,5 

vie più grande. Mingus & Miles: 

è chiaro l’amore e la dedizione 

per la musica di Martin Alderson 

(il nonno costruiva violini)… 

Con il passo del buon padre di 

famiglia, Marten espande la sua 

gamma fino a oggi con un’offerta 

articolata in cinque differenti 

serie dove il ricambio dei prodotti 

è moderato, a favore eventualmente 

degli aggiornamenti 

degli stessi, a cui si affianca un 

impegno “dall’altra parte della 

barricata”, visto che l’azienda 

dispone di un proprio studio di 

registrazione le cui realizzazioni 

vengono affidate a una propria 

etichetta musicale. Un impegno 

che trova il suo fil rouge nella 

eccezionale sala d’ascolto realizzata 

ad hoc da Leif Martin 

Alderson per ospitare le prove 

di ascolto degli apparecchi ma 

anche per le registrazioni dell’etichetta 

Marten Recordings. Non 

solo amore per la musica, non 

solo differenziazione ma anche 

un ottimo modo per creare dei 

riferimenti nella realtà (qualunque 

cosa questa parola significhi) 

con cui paragonare i propri 

prodotti Hi-Fi. Anche nel nostro 

personale processo di consape- 

I morsetti sono WBT di ottima fattura e con una capacità di serraggio notevole, quale 

che siano le terminazioni scelte, mentre tutto il cablaggio interno è realizzato da 

Jorma Design, un’azienda considerata “la Rolls Royce dei cavi” (il suo fondatore, 

Jorma Koski, sulla base di una amicizia di lunga data l’ha consegnata nelle mani dei 

fratelli Olofsson, che hanno rilevato la società qualche anno fa per continuarne i fasti). 


SELECTOR 

Nei Djiango per la prima volta la casa utilizza dei woofer (tre) con cono in alluminio 

prodotti dalla Seas e non sono in ceramica. 

volezza quanto realizzato con 

SUONORecords è stato fondamentale! 

Nella sala d’ascolto di Audioplus 

sono in attesa i Django XL, 

ennesimo omaggio (in questo 

caso a Django Reinhardt) a un 

musicista così definito: “L’acqua 

è l’elemento del pesce, l’aria 

degli uccelli. La musica è l’elemento 

di Django” (copyright di 

Charles Delaunay, amico e manager 

del chitarrista belga). La 

musica è naturalmente anche 

l’elemento dei Django XL, un 

diffusore sviluppato nel 2012 

contemporaneamente ad altri 

modelli di maggiore caratura, 

cosa che ha consentito, visto il 

posizionamento merceologico 

desiderato, di adottare soluzioni 

scelte nell’ottica del miglior 

compromesso: il tweeter in 

ceramica della Acuton è stato 

scelto per le caratteristiche 

che, si dice, sono molto simili a 

quelle del tweeter in diamante 

utilizzato per i modelli superiori; 

il midrange, sempre in 

ceramica della Acuton, viene 

introdotto per la prima volta in 

questo modello; i woofer (tre) 

non sono in ceramica ma con 

cono in alluminio, prodotti dalla 

Seas. Riuscirà questo coacervo 

di soluzioni a mantenere il 

sound Marten o perlomeno le 

mie aspettative in merito? Per 

certo queste soluzioni consentono 

ai Django XL di rientrare 

in termini di costi se non 

nell’ambito più ampio del genere 

umano almeno in quello 

dei sogni perseguibili. Quanto 

detto (e la sala demo di Audioplus, 

a mia disposizione per una 

piena giornata di ascolti) rende 

la marcia di avvicinamento 

Roma - S. Benedetto una sorta 

di sinfonia dell’intero registro 

di quelle emozioni generate 

dai sogni audiofili: l’emozione 

della prima volta, che per tutti 

gli audiofili significa in qualche 

modo tornare giovinetti, il 

prepararsi al bello e al piacere 

che ne deriva, che è invece una 

sensazione percepibile appieno 

nell’era della maturità... 

Al contatto visivo con i Django 

XL la percezione è di trovarsi di 

fronte a un diffusore all’aspetto 

maggiormente filante rispetto al 

tipico format dei prodotti Marten; 

probabilmente le stondature 

del mobile (non solo laterali ma 

anche sul pannello superiore) 

determinano questo effetto visivo, 

visto che poi l’altezza del 

diffusore rientra nella media dei 

prodotti Marten. Al tempo stesso 

nel diffusore coabitano aspetti 

estetici differenti: i Django XL 

sono ancora più essenziali nel 

design, con un legame rispetto al 

resto dei diffusori Marten costituito 

dalla presenza dei caratteristici 

coni in ceramica, anche se 

qui non viene utilizzata la soluzione 

denominata CELL studiata 

a partire dal 2012 e impiegata 

dal 2014 con i Coltrane Supreme 

2 dove, grazie a un crossover di 

primo ordine e al fatto che i driver 

hanno tutti gli stessi centri 

acustici, si è ricercata la massima 

coerenza temporale e di fase. 

I Django XL hanno una ricerca 

meno marcata in tal senso (il 

frontale è comunque inclinato 

verso il retro dal basso verso l’alto 

ma gli altoparlanti non sono 

allineati nel tempo) e, soprattutto, 

il woofer, come accennato, è 

differente, nonostante venga 

mantenuta una certa coerenza 

ottica grazie alla griglie protettive 

in stile Marten. L’efficienza 

abbastanza elevata del diffusore 

e la scelta di posizionare le porte 

del bass reflex sul fondo inferiore 

del diffusore facilitano l’abbinamento 

tanto con l’ambiente che 

con i partner elettronici anche se 

l’eventuale orientamento dei diffusori 

determina una non marcata 

ma avvertibile differenza 

nella ricostruzione della scena 

sonora. Ulteriore elemento che 

favorisce l’interfacciamento con 

l’ambiente è la possibilità di regolare 

l’intensità dell’emissione 

in basso di 2 db con un selettore 

a tre posizioni. 

Nella sala d’ascolto i Django XL 

sono stati collegati con un amplificatore 

integrato ibrido (2x 

12AU7 / ECC82 or E80CC per 

lo stadio pre) Absolare Passion, 

comunque della ragguardevole 

potenza di 150 watt per canale su 

8 Ohm e con un non recente ma 

sempre valido lettore CD MLabs. 

A disposizione anche uno streamer 

nel quale non è stato difficile 

trovare brani conosciuti 

(quelli tradizionalmente più 

gettonati nelle manifestazioni e 

nei test audiofili); non è molto 

importante, però, citare questo 

o quel brano perché, come non 

sempre accade, i Django XL sono 

diffusori che rappresentano un 

completo invito all’ascolto della 

musica. La principale emozione 

d’ascolto che determinano, infatti, 

è quella di uno straordinario 

equilibrio dell’emissione intesa 

non solo come estensione lungo 

l’arco delle frequenze ma soprattutto 

per il modo in cui le varie 

frequenze vengono riproposte. 

Tanto in basso che agli estremi 

acuti l’articolazione è estrema 

ma non scade mai in iper analicità 

nella porzione alta (caratteristica 

a volte riscontrata nei 

tweeter con cono in ceramica) 


TEST MARTEN DESIGN DJANGO XL 

né in quella sorta di gonfiore (o accenni 

di...) nella parte più grave dello spettro. 

Il suono, invece, mantiene una intellegibilità 

massima ma anche un calore e una 

rotondità graditi, che contribuiscono alla 

piacevolezza della riproduzione, all’interno 

di una scatola sonora che è ampia 

senza gigantismi, profonda il giusto e, 

soprattutto, con i vari piani sonori ben 

scanditi l’uno dall’altro. I vari strumenti 

sono credibili senza preferenza per l’uno 

o per l’altro se si eccettua il pianoforte, 

davvero notevole. Alla credibilità 

di questa scena sonora contribuisce una 

capacità dinamica che senza raggiungere 

vette esplicite è sempre presente, 

a testimonianza del felice abbinamento 

con l’amplificazione della serie “muscoli 

e carezze” degna delle massime aspettative 

dell’ascoltatore. Praticamente ogni 

brano ascoltato è risultato estremamente 

piacevole nella misura dei pregi e dei 

difetti che lo caratterizza: i Django non 

sono particolarmente radiografanti in tal 

senso ma sottolineano eventuali carenze 

della registrazione offrendola comunque 

all’ascolto, quando di più non si può, alla 

meno peggio... 

Appaganti. Se dovessi ridurre in sintesi 

l’impressione d’ascolto rilevata, questo 

sarebbe, con l’aggiunta di una piccola ulteriore 

domanda (si sa, il dubbio è il tarlo 

dell’audiofilo): come si comporteranno i 

Django L, versione in piccolo degli XL, 

creata per contenere entro i 10.000 euro 

il costo del prodotto? Questa concessione 

“commerciale” a un allargamento del potenziale 

mercato (che ha aperto la strada 

alla nuova linea Oscar) non induca a false 

considerazioni: in un decennio caratterizzato 

dal raggruppamento e dalle acquisizioni 

di marchi da parte dei poteri 

forti, Marten come pochi altri ha saputo 

mantenere intatto il suo concetto di 

qualità e la coerenza con le idee fondanti 

del marchio, declinate a distanza di venti 

anni e oltre dalla nascita con lo stesso 

fervore e intensità. È questo aspetto, 

questa scelta negli ingredienti della miscela 

artigianato & industrializzazione, 

che mantiene vivi i prodotti Marten così 

come la possibilità, ascoltandone uno, 

di poterne acquistare un altro con tutta 

tranquillità! 


SELECTOR 


DIFFUSORI 

Sonus Faber Minima Amator II 

I piccoli diffusori da 

scaffale in prova appartengono, 

insieme agli Electa 

Amator III, a una serie 

particolare di Sonus faber, 

la Heritage. Heritage sta 

per eredità e patrimonio 

storico e tecnologico di 

questa celebre azienda, 

creata da Franco Serblin 

all’alba degli anni Ottanta 

del secolo scorso. 

IMinima furono il terzo prodotto 

disegnato da Serblin, 

preceduti dalla “provocazione” 

del sistema Snail seguito dai 

più concreti Parva, un più classico 

due vie bass reflex da piedistallo. 

Furono proprio i Minima, però, 

a rappresentare il primo grande 

successo di critica e di pubblico: 

presentati nel 1984 hanno attraversato 

tutto questo tempo tra 

nuove versioni, periodi di uscita 

dal catalogo (pur rimanendo sempre 

molto ricercati nel mercato 

dell’usato) e rinascite, per poi arrivare 

a quest’ultima versione. 

Era invece il 1992 quando SUO- 

NO (luglio – agosto, N° 230) annunciava 

l’anteprima mondiale 

in esclusiva dei Sonus faber Minima 

Amator, definiti “il gigante 

dei mini”. Un frutto, raccontava 

Bebo Moroni, al tempo direttore 

della rivista, di quattro anni di 

lavoro di Franco Serblin con l’obiettivo 

di “racchiudere in sé un 

arduo condensato del meglio di 

due oggetti tanto amati”. I due 

erano i Minima (“ha rappresentato 

forse l’oggetto in cui Serblin 

ha creduto di più...”) e la Electa 

Amator, “talmente bella e buona 

che non la si può non amare”... 

I Minima Amator ereditavano 

parte del nome dall’uno e dall’altro 

e dunque la tesi che ne volessero 

rappresentare una sintesi è 

plausibile! 

La portata del fenomeno Minima 

va però inquadrato nel tempo e 

se da un lato sembra ieri quando 

la BBC stravolse un mondo che, 

seppur ancora non ben definito, 

vide le cose da una prospettiva 

molto differente, comunque il 

tempo è passato mutando i punti 

di vista. Con la sua “scatola da 

scarpe” BBC gettò le basi per 

sostenere la “nuova visone” 

senza peraltro andare troppo 

oltre al proprio “naso” 

con un risvolto nella genesi 

dei BBC LS3/5a di natura 

ironica: nati come monitor 

voce per studi mobili di 

piccole dimensioni, rappresentavano 

un ambito 

totalmente opposto alle 

esigenze dell’utente domestico 

ma seppero cogliere 

alcuni dettagli nella 

riproduzione all’epoca 

sconosciuti! Con una tale 

premessa si assistette a un 

fenomeno veramente curioso 

in grado di innescare 

una produzione quasi di 

larga scala (almeno per la 

fine degli anni Settanta) 

di mini diffusori basati sul 

progetto BBC e caratterizzati 

Prezzo: € 4.000,00 

Dimensioni: 20 x 32,5 x 27,4 cm (lxaxp) 

Peso: 7,1 Kg 

Distributore: MPI Electronic - www.mpielectronic.com 

DIFFUSORI SONUS FABER MINIMA AMATOR II 

Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza 

(W): 35-150 Frequenze di crossover (Hz): 2500 Risp. in freq 

(Hz): 50 - 35.000 Sensibilità (dB): 87 Altoparlanti: 1 TW H28 

XTR2-04 con cupola in seta da 28 mm, 1 WF MW15 XT 04 con 

cono in polpa di cellulosa da 15 cm 


TEST 

da innumerevoli varianti sia nella 

scelta dei materiali che nelle 

forme. Un fenomeno che si contrappose 

anche al fatto che i vari 

produttori abbiano fatto tesoro di 

un approccio decisamente innovativo 

per l’epoca e sperimentato 

molte varianti, quelle all’interno di 

una produzione su licenza e quelle 

che poi ampliavano un orizzonte 

in evoluzione. 

Gli obiettivi della BBC erano 

chiari, come peraltro una certa 

predisposizione verso il prodotto 

“inglese” made in Gran Bretagna 

a tutto tondo, probabilmente anche 

in considerazione del fatto 

che all’epoca KEF, che produceva 

gli altoparlanti degli LS3/5°, era 

un partner ideale e all’apice dello 

sviluppo. Tuttavia altre realtà si 

fecero strada, proponendo forse 

anche con un piglio più dinamico 

soluzioni interessanti: SEAS, Scan 

Speak, senza dimenticare Audax e 

Peerless... Ciò ha probabilmente 

dato vita alla successiva evoluzione 

della “scatola di scarpe” magari 

ancora made in UK ma con 

tecnologia non più “full made in 

UK”! Un esempio “dirompente” 

furono i Tablette e il punto chiave 

della trasformazione rispetto agli 

LS3/5a era l’adozione di un carico 

reflex al posto di quello pneumatico 

e di un woofer SEAS e non il 

classico KEF, con un’efficienza e 

tenuta in potenza molto più elevate. 

In abbinamento al woofer 

SEAS veniva utilizzato il tweeter 

Scan Speak che ha contribuito alla 

diffusione del marchio come alternativa 

“all’attufatissimo” tweeter 

KEF T27 degli LS3/5a. 

In questo scenario, e in un momento 

di gran fervore e investimenti, 

Franco Serblin propose 

una soluzione “trasgressiva” per 

l’epoca, proprio grazie alla presenza 

del tweeter Dynaudio D28 che 

fu fra i primi tweeter a esibire una 

tenuta in potenza e una escursione 

in frequenza impensabili per 

l’epoca e soprattutto sconosciuta 

ai tweeter utilizzati 

nei mini 

diffusori del 

momento. Le 

differenze dai 

competitor 

dell’epoca erano 

evidenti anche 

in funzione 

dei materiali utilizzati 

e delle dimensioni 

del prodotto: non più una 

“scatola di scarpe” (peraltro brutta 

e sgraziata come una scatola di 

scarpe) ma un mobile robusto, 

bello e ben fatto con effetti anche 

importanti sulla qualità della riproduzione. 

Il mobile e i materiali, 

di fatto, rendevano il sistema più 

“inerte” di quello dei BBC o dei 

Tablette. Da notare che anche 

Jim Rogers propose i suoi “cilindroni” 

(i Rogers JR149 con forma 

cilindrica in alluminio) che esprimevano 

la necessità di evoluzione 

e di distacco dai canoni estetici e 

funzionali iniziali. 

Certo quelle condizioni (di fermento 

culturale, di necessità di 

rompere con un passato declinato 

a partire da diffusori di enormi dimensioni 

mutuati inizialmente da 

quelli delle sale cinematografiche 

ma anche in seguito soggetti all’equazione 

“grande è bello”... anche 

quando non è possibile!) oggi non 

sono replicabili; la rivoluzione, 

semmai, vola sulle ali delle nuove 

forme di fruizione della musica e, 

semmai, un diffusore “di rottura” 

sarebbe (o “è”, visto che ne sono 

comparsi alcuni) un sistema biamplificato 

controllato da DSP, 

anche se poco accetto dai canoni 

Hi-Fi. Né lo “sbuffo” utilizzato da 

Serblin sulle pareti laterali del mobile 

per contenere il woofer Seas 

da 14 cm (e che sarebbe diventato 

un marchio di fabbrica) potrebbe 

avere oggi particolare impatto dal 

punto di vista estetico mentre da 

quello tecnico esistono altoparlanti 

che non necessitano di tali 

servitù. 

Il condotto reflex è 

collocato in asse al pannello 

posteriore verso l’alto 

quasi filo con una ampia 

svasatura che si raccorda al 

rivestimento in simil pelle e 

un sottile strato di materiale 

poroso fonoassorbente 

posto all’altra estremità 

all’interno del mobile, che 

riduce soffi e turbolenze nel 

condotto. I morsetti sono 

avvitati al filo del pannello 

abbastanza distanziati e a 

filo del pannello rendendo 

possibile il collegamento in 

bi-wiring anche con cavi di 

gradi dimensioni. 

Che cosa sono allora gli attuali 

Minima Amator II? Si tratta 

di una versione strettamente 

fedele all’originale nel volume e 

nelle dimensioni che utilizza ancora 

come materiale del cabinet il 

noce massello (fronte e retro sono 

in MDF rivestiti in similpelle), se 

si eccettua la sottile lamina in ottone 

inserita ad altezza della base 

che si raccorda con la morsettiera 

in ottone posta sul retro del diffusore. 

Eccellenti le lavorazioni 

di ebanisteria anche se si perde 

molto di quella che era una esecuzione 

che la vulgata voleva realizzata 

a mano e che ora è quella 

di un prodotto industriale, seppur 

di classe, ma più ordinario. Differenti 

sono ovviamente gli altoparlanti, 

comunque di ottima fattura: 

il tweeter, a differenza di altre serie, 

sembra “rispondere” pienamente 

alla denominazione DAD 

Damped Apex Dome in quanto 

l’ogiva tocca la membrana anche 

se direttamente, senza l’adozione 

di materiale smorzante (il che 

mette in discussione il termine 

Damped ma molto meno rispetto 

ai modelli in cui l’ogiva non 

toccava la membrana). Il woofer, 

anch’esso proprietario, utilizza un 

cono in polpa di cellulosa e fibre 

naturali con cestello in alluminio 

pressofuso. Il corssover, invece, 

ricalca un’impostazione con un 

andamento a bassa pendenza 

intorno alle frequenze di incrocio 

per attuare successivamente un 

taglio con pendenza più elevata, 

una tecnica sviluppata negli ultimi 

anni. Si nota anche l’adozione di 

componenti di elevata qualità e 

cavi semirigidi saldati ai morsetti 

degli altoparlanti. Sul fondo dei 

diffusori ci sono quattro piccoli 

piedini che consentono di appoggiarli 

sul ripiano del piedistallo 

senza rischi di graffi; se si scelgono 

gli stand della casa potrete fissarli 

tramite due opportune viti, permettendo 

così un’installazione più 

sicura. Va comunque tenuto conto 

del costo di tali stand (1.500 euro), 

composti da colonne di alluminio 

anodizzato riempito di materiale 


SELECTOR 

Il tweeter ha il gruppo magnetico in neodimio 

al cui interno è presente una camera di 

risonanza. L’altoparlante è incollato su una 

piccola flangia che sostiene il supporto a tre 

razze con l’ogiva al vertice che tocca al centro 

della membrana a cupola, variando così le 

caratteristiche di emissione e dispersione 

all’estremo superiore. 

I componenti sono saldati su un PCB molto 

ampio avvitato sulla parete laterale del mobile. 

Lo schema è a multi-pendenza, blanda in 

prossimità dell’incrocio e alta successivamente. 

I condensatori sono ClarityCap marchiati Sonus 

faber e sul tweeter sono installati sia in serie 

al cavo positivo che in serie a quello di massa. 

Il woofer ha un cestello in 

alluminio pressofuso a tre 

doppie razze con una 

flangia di ancoraggio 

ridotta su cui si fissa una 

ghiera in alluminio 

di raccordo con il 

pannello anteriore. 

L’equipaggio mobile 

a vista è di tipo a 

corsa lunga con 

diametro contenuto. 

smorzante e una base di marmo di 

Carrara, adatti per tutta l’attuale 

collezione heritage. Sul posizionamento 

si sono letti pareri tra i più 

vari: da chi consiglia distanze siderali 

(anche fino a due metri dalla 

parete di fondo) a chi al contrario 

propone 20/30 cm tra pannello 

posteriore e parete per cercare di 

rinforzare la gamma bassa e rendere 

il suono più esteso ed equilibrato. 

Noi abbiamo optato per una 

via di mezzo, assai vicina a quella 

canonica utilizzata con altri diffusori 

di piccole dimensioni. 

La session di ascolto è cominciata 

con il Messiah di Haendel (versione 

Hogwood Oiseau Lyre/Decca) 

che mette in luce la riproposizione 

di voci soliste ben stabili al centro 

della scena e l’orchestra distribuita 

a semicerchio in un eccellente 

equilibrio di livello di volume, proporzioni 

e distribuzione dei diversi 

piani sonori; un’ottima scena tridimensionale. 

Le evoluzioni delle 

voci femminili e maschili sono 

riprodotte con ricchezza di dettagli, 

senza che lo spettacolo sonoro 

perda di controllo o si presentino 

indurimenti nei momenti più sostenuti. 

I diffusori mostrano una 

discreta capacità nell’evidenziare 

le differenti caratteristiche delle 

registrazioni ascoltate: in A Distortion 

of Love di Patricia Barber 

(MFSL - vinile) l’atmosfera è volutamente 

cupa e la voce molto lontana 

e acuta. Tutt’altra atmosfera, 

calda e avvolgente, viene proposta 

con una voce femminile differente 

in New Moon Daughter (Cassandra 

Wilson - Blue Note vinile). Si 

ha però l’impressione che manchi 

un po’ di ariosità, come se il 

patrimonio armonico non appaia 

completo. È pur vero, però, che il 

diffusore è abbastanza sensibile 

dell’abbinamento: nel confronto 

tra amplificazioni a stato solido 

e valvolare i Minima preferiscono 

queste ultime; con il Conrad 


TEST SONUS FABER MINIMA AMATOR II 


PRO & CONTRO 

Impeccabili l’esecuzione e la scelta dei 

componenti. Discutibile l’inserto in ottone 

che richiama gli Electa ma che nel loro 

caso aveva lo scopo funzionale di separare 

il marmo del legno; qui non ha alcun senso 

funzionale e al più potrebbe “indebolire” 

la struttura. Eccellenti le lavorazioni 

di ebanisteria anche se, nonostante sia 

stato utilizzato legno massello, si perde 

molto di quella che era una esecuzione 

smaccatamente artigianale virando su un 

prodotto semi-industriale, di classe ma 

con minor appeal. 

Johnson MV50, ad esempio, grazie 

anche alla sua calda luminosità, 

il suono dei Minima Amator 

II diviene più affascinante e ricco, 

per timbro e contenuto armonico. 

Buona la luminosità della scena 

sonora, con un basso rotondo e discretamente 

profondo, nell’ascolto 

a volume moderato; se si passa 

a volumi sostenuti, invece, cominciano 

a venire fuori i limiti della 

categoria e del prodotto: il suono 

perde di precisione, si indurisce 

e risulta più compresso e con un 

punch limitato rispetto a diffusori 

con volumi interni maggiori sebbene 

in un range di prezzo simile. 

In alcuni abbinamenti abbiamo 

notato delle vere idiosincrasie, 

soprattutto con partner non di 

alto rango, mentre le performance 

migliori si ottengono con amplificazioni 

almeno di pari rango. 

Nel complesso, dal punto di vista 

sonoro, sebbene il paragone con 

le precedenti versioni vada fatto 

a memoria o attraverso le molte 

vecchie recensioni, si potrebbe affermare 

che i Minima originali e 

quelli attuali riflettano due scuole 

di pensiero differenti. In tal senso 

ma anche oltre, come vedremo 

a breve, il termine Heritage (patrimonio) 

va inteso più che come 

La risposta è abbastanza lineare ed estesa con una dispersione 

fuori asse tipica dei trasduttori con cupola di 

grande diametro. L’impedenza, seppur intorno ai 4 Ohm, 

non scende mai sotto tale valore e si presenta come 

un carico facilmente abbinabile anche con diffusori di 

bassa potenza, sebbene la sensibilità non altissima e 

una bona tenuta in potenza del sistema suggeriscono 

l’utilizzo con finali ad alta corrente. La frequenza di 

incrocio elettrica si attesta sopra i 2.5 kHz e può essere 

un’opportunità per l’adozione di un bi-wiring o la 

biamplificazione passiva. 

un’eredità da tramandare come 

un coacervo di elementi che sono 

la base e lo stimolo per una evoluzione. 

Non si può, infatti, non 

tenere conto dei differenti periodi 

storici di riferimento in cui le due 

versioni sono state ideate sebbene 

la prima stabilisca le linee guida 

per la seconda. Allo stesso tempo 

va letta in una prospettiva dinamica 

l’affermazione presente sul 

comunicato stampa di presentazione 

della versione odierna: “Non 

c’è futuro senza passato”. Essa va 

intesa, appunto, come la fotografia 

di un costante work in progress, 

una evoluzione naturale e non 

un déjà vu, gentile concessione ai 

nostalgici... 

Premesso che già in origine i Minima 

Amator erano molto differenti 

dai Minima, il senso del progetto è 

comunque mutato in larga misura 

visto che il crossover è diverso 

così come i punti di lavoro degli 

altoparlanti. In senso assoluto ciò 

non costituisce un limite, anzi: 

ben vengano le “rielaborazioni” 

stimolate dallo spirito iniziale. 

Se proprio, verrebbe da chiedersi 

quanto sia rimasto di quello spirito, 

in particolar modo oggi che si 

dispone di una tecnologia e di un 

processo produttivo molto più efficace 

che in passato – interrogativo 

che porterebbe ad altri dubbi: 

quello spirito è stato tradito? Se 

si, in cosa? L’averlo soverchiato 

può essere considerato un atto di 

coraggio? 

Al netto delle emozioni (al potenziale 

utente il compito di 

decidere se attingervi o meno) i 

Sonus faber Minima Amator II si 

inseriscono nel segmento dei mini 

diffusori di lusso in un parterre 

di concorrenti con prestazioni 

che risultano perlomeno in linea 

e dove, per paradosso, rispetto 

ai discorsi precedentemente accennati 

il valore in più è proprio 

nel maggior spessore della storia 

che c’è dietro e nel fatto, sempre 

in prospettiva storica, che a distanza 

di 27 anni dall’originale 

(1.870.000 lire) il prezzo richiesto 

non appare eccessivo per un prodotto 

“fatto artigianalmente secondo 

il saper fare italiano”. 


SELECTOR 

di Vittorio Pio 

Solo per (i tuoi) occhi jazz 

Passione, amore e bellezza sono coniugati nella filosofia della Newvelle Records, ambiziosa label francese 

che nel giro di soli quattro anni ha istituito un nuovo standard di eccellenza, grazie alle sue pubblicazioni in 

edizione limitata ed esclusive per foggia e contenuto, che possono essere ordinate solo per corrispondenza. 

Sei album l’anno di composizioni 

rigorosamente 

originali per filosofia 

aziendale; la tiratura è di 1.000 

copie per ciascuno e i clienti 

arrivano logicamente da tutto 

il mondo. Quella in atto è la 

quarta stagione e l’abbonamento 

risulta alquanto impegnativo: 

400 dollari senza scelta, o 

si compra tutta la produzione 

senza possibilità di pre-ascolto 

o si è fuori. Ma ogni album è 

confezionato con una cura che 

Il “guru” del suono Marc Urselli. 

rasenta la maniacalità, utilizzando 

i migliori materiali di 

stampa, grammatura pesante, 

vinili sensualmente chiari e una 

grafica coerente per pulizia e 

suggestione al linguaggio jazz. 

Il tutto al servizio di una dinamica 

calda e avvolgente, che si 

avvale delle migliori strumentazioni 

analogiche messe a punto 

dal “guru” del suono Marc 

Urselli. Un’esperienza anche 

tattile che difficilmente può essere 

dimenticata, riassunta qui 

da Elan Mehler, il co-fondatore 

dell’etichetta, anch’egli musicista 

di jazz. Dopo un periodo 

molto intenso a New York nel 

2010 si è trasferito a Parigi per 

iniziare questa nuova e avvincente 

sfida: “Abbiamo fondato 

l’etichetta nel 2015, anni belli 

e vorticosi che sono passati in 

un battibaleno. Ho incontrato il 

mio futuro socio Jean Cristophe 

Morriseau giusto qualche tempo 

prima, l’occasione era quella 

di fargli delle lezioni di piano. 

Dopo aver fantasticato un po’ 

siamo scesi nei dettagli, riuscendo 

a individuare e pubblicare 

il nostro primo disco con 

Frank Kimbrough. L’idea nasce 

dall’offrire ai musicisti coinvolti 

la piena proprietà dei master 

registrati; in cambio chiediamo 

di pazientare almeno due anni 

prima di ristampare quella 

stessa musica in qualunque altro 

formato dal momento che il 

lavoro in questione farà parte 

della nostra serie limitata in vinile, 

che si può acquistare solo 

attraverso il nostro sito. Abbiamo 

una grande considerazione 

della musica e dell’arte in cui 

confluisce. In questa maniera 

i musicisti coinvolti vengono 

pagati in anticipo e in più 

mantengono anche la loro opera 

d’ingegno”. L’interesse della 

comunità jazzistica è stato notevole 

e molti musicisti hanno 

manifestato l’intenzione di registrare 

con Newvelle. Tutto si 

sta sviluppando rapidamente e 

nella prossima stagione faranno 

parte dell’avventura la stella 

nascente Sullivan Fortner, Dave 

Douglas, Anat Cohen, Jenny 

Scheinman, Chris Cheek e Kurt 

Elling fra molti altri. 


Amato mio LP 

Elan Mehler, il co-fondatore di Newvelle Records. 

Qualcuno ha detto che per 

essere un buon produttore, 

occorre giocare di squadra, 

anche se ognuno possiede 

una diversa interpretazione 

di ciò che dovrebbe essere 

o fare con il suo ruolo. Tu 

oltre a farlo, suoni anche: 

è più importante essere un 

grande ascoltatore o un 

buon musicista? 

Scelgo senza ombra di dubbio la 

prima ipotesi. Quando suoni sei 

troppo coinvolto emotivamente: 

se fai un passo indietro resti 

certamente più lucido. Il mio 

ruolo è essenzialmente quello 

di chi lima i dettagli e cura i 

particolari. 

Newvelle è una label ancora 

molto giovane che ha avuto 

a che fare con artisti già 

molto affermati come Bill 

Frisell, Jack DeJohnette, 

Kenny Werner, Dave 

Douglas, Tim Berne, Dave 

Liebman: in questo caso 

pensi sia utile mostrare la 

tua personalità o è meglio 

restare quasi invisibili 

lasciando che la creatività 

fluisca? 

Newvelle per me ha imposto 

una nuova filosofia, mettendo 

a disposizione per quel profilo 

ideale di artista capace di 

esprimere veramente se stesso 

delle tele preziose e tutte da affrescare. 

Ogni anno si possono 

profilare uno o due progetti che 

potrei assemblare direttamente 

o su cui potrei dire una parola 

in più ma per la maggior parte 

del tempo cerco di stare fuori 

dalla mischia e di essere certo 

che i musicisti siano alimentati 

da buone energie. 

Come avete messo a punto 

e calibrato il vostro suono 

e come si innesca un nuovo 

progetto in Newvelle? 

Il suono è una delle nostre peculiarità 

principali ed è nient’altro 

che il risultato delle scelte e della 

maestria del nostro insostituibile 

ingegnere del suono Marc 

Urselli, e di ciò che di sensazionale 

riesce a ottenere presso 

l’East Side Sound di New York, 

dove ogni nostro disco viene registrato 

e mixato con una catena 

in cui il segnale si diffonde in 

maniera estremamente chiara 

e corta. Le scelte dei musicisti 

sono assolutamente personali: 

adesso che siamo abbastanza 

conosciuti, ho veramente l’imbarazzo 

della scelta. Ci sono 

davvero tanti fantastici musicisti 

che ambirebbero a lavorare 

con noi. Ho una tendenza personale 

verso musica più melodica 

o lirica ma queste sono parole 

dalle sfumature così estese che 

temo di non riuscire a evidenziare 

il significato più consono. 

Penso che la coerenza con i miei 

gusti musicali e scelte personali 

aiuterà Newvelle a mantenere la 

sua identità e tutto ciò che oggi 

la rende già così originale. 

A proposito, cosa pensi della 

scena contemporanea? 

Penso che ci sia molta musica 

creativa e brillante in giro: dovremmo 

essere tutti là fuori ad 

ascoltare e a intercettare talenti. 

Si può ipotizzare un 

recupero dei bei tempi 

andati in cui le etichette 

più note potranno essere 

nuovamente protagoniste 

nello scoprire e valorizzare 

giovani talenti? 

È molto difficile ipotizzare 

qualcosa per il futuro, almeno 

adesso. Chi può dire quale sarà 

il prossimo modello per l’industria 

discografica? Abbiamo 

visto come internet nelle sue 

applicazioni o effetti inerenti la 

musica abbia avuto lo stesso effetto 

di una gigantesca meteora 

abbattutasi sulla terra. Al momento 

c’è ancora così polvere 

in aria che nessuno è capace 

di scorgere il nuovo profilo del 

territorio che si vedrà una volta 

che si saranno diradati gli ultimi 

granelli. Nel frattempo c’è sempre 

bisogno di nuovi modelli e 

alternative, in modo da registrare 

e immettere sul mercato la 

migliore musica possibile. 

In tutta questa euforia si 

può immaginare quale 

potrebbe essere un disco 

che già sogni di poter 

produrre e pubblicare o sei 

già soddisfatto così? 

Mi ritengo già un privilegiato 

per aver avuto la chance di lavorare 

con molti dei miei eroi, fra 

cui Bill, Jack, Frank, Dave, Kenny, 

Tim ma anche John Patitucci, 

Kevin Hays, Lionel Loueke e 

ancora troppi altri da dover nominare, 

per cui non mi sentirei 

troppo a mio agio nel desiderare 

a occhi aperti. Là fuori ci sono 

tanti ottimi musicisti che conosco 

da anni ma che ancora non 

hanno ricevuto la giusta considerazione 

e che meritano una 

buona chance con noi: il fatto 

di riuscirgli a confezionare l’ideale 

cornice espressiva anche 

dal punto di vista etico mi rende 

parecchio euforico. 


SELECTOR 

a cura di Carlo D’Ottavi 

GEORG FRIEDRICH HAENDEL: 

BROKES-PASSION 

Richard Egarr dir. Orchestra e 

Coro Academy of Ancient Music 

Solisti vari 

AAM records AAM007 

Questa uscita, nel formato 

CD (3) o Hi-Res 

FLAC 96/24, celebra il 

300° anniversario della grande 

passione di Brockes musicata, 

in forma di Oratorio, da 

G.F.Handel: un capolavoro 

a lungo trascurato di questo 

geniale compositore. Richard 

Egarr e l’Accademy of Ancient 

Music sono affiancati da 

un notevole cast di solisti tra i 

quali spiccano i tenori Robert 

Murray, Gwilym Bowen e Nicky 

Spence, il baritono Cody 

Quattlebaum, le soprano Elizabeth 

Watts e Ruby Hughes 

e il contro-tenore Tim Mead. 

L’originale di Handel è da tempo 

perduto e le varie pubblicazioni 

in CD, anche recenti, non 

sono mai state il risultato di 

una ricostruzione così attenta 

e metodica come è stato fatto 

in questo caso. Per dire del 

successo del lavoro di Brockes: 

il testo fu messo in musica non 

solo da Haendel nel 1719 ma 

anche da Reinhard Keiser, Johann 

Matheson, Georg Philipp 

Telemann e persino da Johan 

Sebastian Bach che ne utilizzò 

diversi numeri per la sua Johannes 

Passion, spingendosi 

a utilizzare direttamente alcuni 

pezzi musicati da Haendel 

nel “pastiche” della Passione 

secondo Marco, peraltro andata 

persa. 

Per creare questa nuova edizione 

l’Accademy of Ancient Music 

si è avvalsa di un team di 

studiosi e musicologi delle Università 

di Oxford, Cambridge, 

del King’s College di Londra e 

altri studiosi, che hanno affiancato 

nelle ricerche il direttore 

musicale Richard Egarr e il redattore 

Leo Duarte. Consultando 

15 fonti di manoscritti 

provenienti da 11 collezioni in 

5 paesi, hanno prodotto l’edizione 

più sostanziale di questo 

lavoro, incluse appendici movimenti 

extra; Charles Jennens si 

è invece dedicato a una parziale 

traduzione inglese nelle 

loro registrazioni in anteprima 

mondiale. Un opuscolo deluxe 

di 220 pagine accompagna 

questa pubblicazione, con note 

complete, la prima versione 

contemporanea del testo originale 

nello stile antico gotico 

detto Kurrentschrift accanto al 

moderno libretto tedesco, una 

nuovissima traduzione inglese 

e molto altro. 

Questo album è forse quello che 

maggiormente si avvicina allo 

spirito di questo testo. L’opera, 

che comprende 117 numeri è un 

susseguirsi incalzante di arie, 

cori, corali, ariosi e recitativi, 

caratterizzata da una marcata 

teatralità, libera da lentezze e 

tempi morti. In particolare, 

spicca la varietà melodica delle 

arie, sostenute da magnifici 

accompagnamenti strumentali. 

La soprano Elizabeth Watts 

prende le luci della ribalta 

nei panni della Figlia di Sion, 

con il tenore Robert Murray e 

il baritono basso Cody Quattlebaum 

che interpretano rispettivamente 

l’Evangelista e 

Cristo, tra gli altri. L’Orchestra 

e il coro di AAM hanno 

registrato questa nuova uscita 

in occasione dell’anniversario, 

il Venerdì Santo alla Barbican 

Hall di Londra. L’esplorazione 

e la riscoperta della Brockes- 

Passion di Handel è stato un 

affascinante viaggio di scoperta 

che è solo l’inizio, nell’era moderna, 

di questa grande opera 

di Handel. Un’opera per certi 

versi spiazzante, musicalmente 

e testualmente, che spezza un 

po’ il monopolio nel genere del 

grande contemporaneo J. S. 

Bach. L’etichetta AAM Records 

altro non è che una costola di 

quella Oyseau Lyre dedita, soprattutto, 

alla musica barocca 

del Sei-Settecento, entrata a far 

part negli anni Ottanta del secolo 

scorso della famiglia Decca, e 

si caratterizza per una costante 

e assidua ricerca filologica alla 

ricerca di spartiti originali, nella 

prassi esecutiva, avvalendosi 

dei migliori ingegneri e tecnici 

del suono che hanno reso famosa 

in tutto il mondo la grande 

casa londinese. La AAM Records 

si sta muovendo sulla scia di altre 

orchestre famose come quella 

dei Berliner Symphoniker o della 

Los Angeles Orchestra, alla ricerca 

di una maggiore indipendenza 

artistica e creativa, allentando gli 

stretti legami e ritmi imposti delle 

major discografiche. 

Su www.prestomusic.com/classical 

a 48 euro. 


Secondo noi la classica 

DMITRI SHOSTAKOVIC 

SINFONIA N°4 

Gianandrea Noseda Dir. 

London Symphony Orchestra 

LSO Live - LSO0832 

Quest’opera, disponibile 

in CD e file Hi- 

Res 24/96, è il punto 

d’arrivo della prima fase 

creativa di Shostakovic come 

compositore: un inizio sfolgorante, 

contrassegnato da una 

formazione artistica e intellettuale 

che si era grandemente 

arricchita a stretto contatto 

con le tendenze musicali più 

avanzate che avevano animato 

gli anni Venti. Dopo aver 

esordito brillantemente come 

pianista nel 1925, Shostakovic 

abbandonò l’attività concertistica 

per privilegiare la composizione 

e già il 12 maggio 1926 

trionfò a Leningrado con la 

sua Sinfonia n. 1. Una sinfonia 

ricca di idee, dalla geniale 

estrosità del linguaggio alla 

freschezza e spontaneità d’invenzione 

ai moduli stilistici vivaci 

ed aggressivi, sottolineati 

da armonie dissonanti, da sonorità 

asciutte e incisive, nonché 

da una ritmica angolosa e 

aspra, che pose Shostakovic 

tra i compositori più in vista 

della nascente musica sovietica 

accanto a Prokofiev, tanto 

per dirne il livello. Fu l’inizio 

di una vulcanica produzione in 

cui il compositore mostrò uno 

spiccato interesse per le esperienze 

multiformi dell’avanguardia 

europea dal futurismo 

all’espressionismo, pur risultando 

altrettanto palese il suo 

impegno per un’arte “antiborghese 

e rivoluzionaria” sia nei 

contenuti che nelle forme. Tra 

queste l’opera Lady Macbeth 

del distretto di M’censk la cui 

prima fu eseguita in contemporanea 

a Leningrado e Mosca 

il 22 gennaio 1934 - un vistoso 

successo al quale seguirono un 

centinaio di repliche non solo 

nella madrepatria ma anche 

nel resto d’Europa e negli USA. 

Passano solo due anni e il clima 

nell’URSS cambia drasticamente: 

la Pravda bolla l’opera 

come “Confusione invece di 

musica”. L’articolo, non firmato 

ma probabilmente suggerito 

da Stalin, accusa l’opera di formalismo, 

in sostanza di essere 

un’espressione dell’ideologia 

borghese. Altri lavori furono 

analogamente accusati di mancanza 

di melodia e passione. 

Questi attacchi improvvisi e 

violenti sconvolsero Shostakovic, 

definito un artista nemico 

del popolo, al punto di temere 

per la propria vita. Le sue opere 

uscirono dai cartelloni dei teatri 

russi e Shostakovic decise 

di ritirare anche la sua Quarta 

Sinfonia completata 

nel 1936. La conseguenza 

ineluttabile dell’ostracismo 

inflitto a Shostakovic nel 

1936 fu, per il compositore, 

l’abbandono di qualunque 

iniziativa creativa nell’ambito 

della grande forma teatrale. 

La vicenda occorsa alla Quarta 

Sinfonia fu il punto di 

rottura con le ambizioni della 

giovinezza. Furono necessari 

più di venticinque anni prima 

che si creasse una situazione 

favorevole a una esecuzione 

pubblica. La Sinfonia fu 

tuttavia eseguita per la prima 

volta soltanto il 30 dicembre 

1961, nella Sala Grande 

del Conservatorio di Mosca 

dall’Orchestra Filarmonica 

di questa città diretta da Kiril 

Kondrasin. La Sinfonia è 

formata da tre soli movimenti. 

Il primo, Allegretto poco 

moderato, è un brano 

d’andamento rapsodico in 

cui compaiono ampie sezioni 

solistiche per gli ottoni, di 

carattere continuamente 

mutevole, ora magniloquente, 

ora ironico, ora lirico. Il 

secondo tempo, Moderato 

con moto, è il più breve e ha il 

carattere di uno scherzo. Il terzo 

e ultimo movimento, Largo, 

Allegretto, si articola in cinque 

sezioni; la prima è una marcia 

di tono lugubre e grottesco; 

la seconda è basata sulla ripetizione 

di un breve inciso 

ostinato; la terza è una sorta 

di valzer viennese deformato; 

la quarta si affida a sonorità 

clownesche dei fiati; la quinta 

è invece di tono più sereno, e si 

apre con un corale culminante 

in una grande perorazione 

a piena orchestra. Una lunga 

Coda ripropone, ancora una 

volta, la reminiscenza dell’idea 

primigenia con gli accenti solistici 

della tromba e i reiterati 

arpeggi della celesta, la Quarta 

Sinfonia esaurisce tutta la 

sua carica espressiva nella 

dissolvenza del “morendo” di 

rara emozione e magnificenza. 

Questa è la terza registrazione 

nel progetto del ciclo di 

Shostakovich dell’LSO con il 

loro principale direttore ospite 

Noseda e fa seguito all’interpretazione 

della ottava sinfonia 

elogiata per l’intensità e 

profondità dell’esecuzione. In 

questo capitolo, eseguito nel 

novembre 2018 nella sala del 

Barbicane a Londra, appare 

evidente come ogni nota è stata 

resa palpitante e raffinata, 

non mancando di sottolineare i 

climax con dinamiche e volumi 

impressionanti. 

Su: https://lsolive.lso.co.uk/ 

collections/flac/products/ 

shostakovich-symphony-no- 

4-download 


SELECTOR 

di Marco Fullone 

Battisti come non l’avete mai ascoltato... 

per davvero! 

Quando ascoltai per la prima volta le stampe di prova in vinile di “Masters Vol. 1” di Lucio Battisti rimasi 

seriamente impressionato, forse mi aspettavo il solito remaster farlocco a cui spesso ci ha abituato la 

discografia ma in questo caso - davvero - mi resi conto che Battisti così non lo avevo mai ascoltato. Poi è 

arrivato Masters Vol. 2. 

In quel periodo la Sony stava 

alacremente lavorando 

sul progetto denominato 

“Archivio del Suono” improntato 

al recupero e restauro del 

mitico catalogo della RCA, Numero 

Uno, Ricordi, una sfida 

non da poco considerando che 

alcuni dei nomi più importanti 

della storia musicale italiana 

(Battisti, De Andrè, Dalla, 

PFM, Banco, Baglioni, etc.) 

erano parte integrante di questo 

imponente lavoro di studio. 

Finalmente il prezioso archivio 

dei nastri (trasferito in Germania 

quando la BMG comprò la 

RCA e le etichette correlate) 

fu oggetto di un vero lavoro di 

remastering digitale partendo 

proprio dai master originali 

registrati da Battisti. Di fatto 

era la prima volta che si operava 

sui nastri multi-traccia 

probabilmente dei tempi in 

cui vennero registrati dall’artista, 

anche perché nel periodo 

delle prime stampe su CD vennero 

utilizzati i master stereo 

già mixati. Quello che emerse 

con “Masters” era chiaro più 

che mai: Battisti non era solo 


Amato mio LP 

uno straordinario autore di 

canzoni ma anche un musicista 

raffinato e un produttore, 

arrangiatore sempre alla 

ricerca di qualcosa di nuovo e 

originale. 

Una piccola grande conquista 

è stata comunque l’apparizione 

del catalogo (a esclusione 

degli ultimi album con Panella 

– quelli con la copertina bianca 

per capirci) sulle principali 

piattaforme di streaming e 

vendita online come iTunes, 

Apple Music, Spotify, Qobuz, 

in una data fatidica, il 29 settembre. 

Una conquista per la 

cultura musicale italiana e per 

il pubblico (soprattutto per i 

più giovani) che finalmente 

possono ascoltare Battisti anche 

con i nuovi e ormai sempre 

più diffusi dispositivi elettronici. 

La battaglia legale portata 

avanti da Mogol ha dato i suoi 

frutti e liberato il repertorio 

di Battisti una volta per tutte 

dopo tanti anni di attesa. Una 

scelta incomprensibile da parti 

degli eredi che non solo ha privato 

il grande pubblico della 

possibilità di ascoltare le 

canzoni di Battisti attraverso 

i nuovi canali della musica liquida 

ma ha portato sull’orlo 

del fallimento le edizioni Acqua 

Azzurra. 

Il secondo appuntamento 

con “Masters”, pubblicato in 

un bel box con 4 CD oppure 

su triplo LP, offre qualche 

spunto alternativo al box 

precedente che conteneva 

un concentrato di gran 

parte dei pezzi più famosi 

e amati. Si tratta quindi di 

una selezione “alternativa” 

con scelte sicuramente molto 

belle tra le album track del 

repertorio. Stano, però, che 

in questo caso si sia deciso 

di selezionare ulteriormente 

per la versione vinile solo 

28 brani contro i 48 del box 

CD. Probabilmente si tratta 

di una prima versione ridotta 

(anche di Masters 1 era stata 

pubblicata una versione a 3 LP 

in alternativa al box di 8) a cui 

seguirà una versione completa 

di 6 o 7 LP in boxset (vedremo 

se in vinile colorato). Magari 

a Natale! 

La qualità del suono è sorprendente, 

merito del lavoro fatto 

per riversare i nastri originali 

in digitale come già raccontato 

in passato, una tecnica utilizzata 

anche per le ristampe recenti 

di altri artisti Sony come 

Lucio Dalla, PFM, Banco, De 

Andrè, etc. Spiace, però, che 

sul piano dello streaming tutti 

questi lavori vengano proposti 

in definizione standard. 

Tralasciando Spotify o Apple 

Music che offrono un flusso 

simil mp3, gli album di Lucio 

Battisti su Qobuz sono offerti 

in vendita o in streaming in 

qualità CD, 16 bit / 44 kHz. 

Considerando che il remaster 

è stato fatto in alta definizione 

a 24 bit / 192 kHz gli appassionati 

si perdono una grande 

occasione di ascolto. Speriamo 

che in futuro la Sony decida di 

cambiare la propria politica 

commerciale e di marketing 

offrendo Battisti con audio 

realmente in alta definizione 

sebbene l’investimento in questo 

senso abbia portato fortuna 

alla serie di capolavori di 

casa RCA ristampati su vinile 

proprio utilizzando i master in 

HD. Anche in CD, comunque, 

l’upgrade è notevole rispetto al 

passato digitale di Battisti, merito 

dell’ingegnere del suono 

che ha processato le preziose 

bobine. 

Avere la possibilità, oggi, di 

riascoltare questo meticoloso 

lavoro di studio con una qualità 

e una trasparenza assolutamente 

inedite nella storia 

dell’artista è un’esperienza 

che mostra, una volta per tutte, 

la genialità e la ricchezza 

delle sue canzoni. Il paragone 

più banale lo si fa spesso 

pensando ai capolavori della 

pittura sui quali il tempo ha 


SELECTOR 

posato una patina che ha tolto 

vivacità ai colori, spento i 

dettagli e la raffinatezza dell’esecuzione. 

Il restauro, se ben 

eseguito, riporta all’originale 

splendore tali capolavori, un 

concetto applicabile senza 

tema di smentita anche al repertorio 

immortale di Battisti. 

E di questo ne ho parlato 

con Gaetano Ria, ingegnere 

del suono (all’epoca definito 

più semplicemente fonico) di 

alcuni degli album più belli tra 

il 1971 e il 1976, e con Alberto 

Radius, chitarrista e amico 

di sempre. Entrambi sono 

stati con Battisti in un periodo 

creativamente straordinario 

e, da quello che raccontano, 

Lucio passava molto tempo in 

studio. Alla luce di queste ultime 

importanti pubblicazioni 

del suo catalogo rimasterizzato 

molti fan dell’artista si chiedono 

ancora come mai non siano 

mai stati pubblicati brani 

inediti, versioni alternative, o 

magari qualcuna delle ormai 

leggendarie canzoni cantate in 

finto inglese. Così mi è sembrato 

logico chiedere a Ria e 

Radius come sia possibile che 

in questi nastri non sia stato 

trovato nulla di nulla. “Mah, io 

non ho mai sentito nulla”, sostiene 

Radius, “non penso esistano 

sui nastri della Ricordi 

o Numero1”. Anche Ria sembra 

cadere dalle nuvole. “Poi 

non so se la moglie di Lucio”, 

continua Radius, “conservi 

nastri con i provini o altro. 

Lucio amava molto provare 

nel suo studio di casa, molti 

dei suoi capolavori sono nati 

così! Poi lei era una che non si 

occupava assolutamente della 

parte artistica ma era molto 

presente in tutte le cose pratiche 

del marito”. 

Considerando l’ostracismo 

della famiglia Battisti nei 

confronti dell’avvento della 

musica digitale ma anche per 

qualsiasi iniziativa riguardi 

l’artista – tranne la pubblicazione 

di LP e CD che evidentemente 

era scritta nei contratti 

artistici – è facile immaginare 

che se mai esistano nastri con 

tali meraviglie probabilmente 

non li ascolteremo mai. Un 

vero peccato per la storia di 

Battisti, soprattutto se pensiamo 

a quanto si è fatto, scoperto 

e pubblicato in questi anni di 

artisti leggendari come Beatles, 

Dylan, Bowie, ecc. Chiaramente 

saccheggiare l’intimo di 

un artista non piace a nessuno 

ma esplorare e soprattutto 

magari conoscere la genesi di 

tanti suoi capolavori sarebbe 

un regalo enorme per i fan. Ho 

provato a farlo con le mie domande 

a queste due persone, 

bene introdotte nell’universo 

Battisti... 

Mi raccontate che metodo 

usava Battisti per le 

session in studio? Era 

davvero così meticoloso? 

GR Lucio era un perfezionista, 

arrivava in studio con in testa 

esattamente quello che voleva 

ottenere dai suoi musicisti, 

non amava improvvisare perché 

si preparava tutto nel suo 

studio di casa. Poi aveva un 

metodo tutto suo di suonare le 

varie parti ed esigeva che tutti 

i musicisti potessero vedersi in 

faccia e controllassero la sua 

mimica. Era un linguaggio in 

tempo reale in cui un cenno 

o una particolare espressione 

serviva a dare uno spunto a 

uno strumentista, a modificare 

un accordo o seguire un certo 

ritmo. Io stesso come fonico 

dovevo fare attenzione a che 

tutti potessero essere ben visibili 

organizzando di conseguenza 

lo studio. 

Che tipo di rapporto si 

instaurava sul piano 

tecnico della ripresa del 

suono? 

GR Beh Lucio all’inizio mi ha 

corteggiato per un po’ perché 

adorava il suono degli album 

di progressive che avevo già 

curato prima di lavorare con 

lui, ad esempio con la PFM. 

Era molto curioso e sempre attento 

alle innovazioni, amava 

anche sperimentare. Però era 

abbastanza chiuso sul piano 

della produzione artistica e 

non voleva intromissioni. Una 

volta mi permisi di suggerire 


SELECTOR 

IL PIÙ ORIGINALE POSSIBILE 

Abbiamo chiesto a Bashar Shammout, sound engineer 

della dc1 GmbH – media & object digitisation 

(lo studio che sta digitalizzando il repertorio Sony 

Music proveniente dagli archivi RCA) qualche informazione 

sui metodi utilizzati per il remaster 

della discografia di Lucio Battisti. 

Puoi dirci esattamente come avviene il processo 

di trasferimento dei nastri dell’archivio 

originale della RCA? 

I nastri provengono principalmente da fonti analogiche 

e questi devono essere gestiti con cura speciale e 

correttamente. A seconda del tipo di nastro, è necessario 

un trattamento speciale come ripristino fisico 

o disidratazione. Dopo questo importante lavoro di 

restauro dei nastri, inizia il processo di digitalizzazione: 

in primis la corretta e assoluta regolazione 

del percorso di riproduzione, compresa la riduzione 

del rumore Dolby, se presente, e termina con la 

conversione analogica-digitale con un convertitore 

high-end. Infine, iniziano i processi di trattamento 

del suono, correzione e mastering e il master finale 

sarà controllato e poi rilasciato per la produzione. 

Che tipo di macchine utilizzate? 

Per la digitalizzazione utilizziamo diverse macchine 

di fascia alta, come Studer A827 24 tracce da 

un pollice, Studer A820 per 2 tracce e mezzo pollice, 

3M 32 tracce e 4 tracce da digitale a digitale, 

Mitsubishi X86. La conversione A/D viene eseguita 

con Yamaha Systems, convertitori “Kuhnle 8192” 

o “Weiss” dalla Svizzera. Il re-mastering viene eseguito 

con i componenti audio di fascia alta di Pro 

Tools, WaveLab, Sadie e altri sistemi di Steinberg. 

Se disponibili, immagino che usiate i nastri 

multi-traccia. In caso contrario rimasterizzate 

il nastro che contiene la traccia del mix stereo 

dell’epoca? 

Dall’esperienza di ascolto abbiamo notato che i lavori 

di rimasterizzazione più spettacolari si ottengono 

lavorando proprio sui multi-traccia e su un 

nuovo missaggio stereo o 5.1 (vedi King Crimson, 

Beatles, etc.) Sì, questo è spesso il caso, ma dipende 

ovviamente dalla disponibilità e dallo stato dei 

nastri. Purtroppo molti nastri multi-traccia si stanno 

deteriorando e richiedono un restauro speciale, 

anche perché non sempre vengono conservati in 

modo corretto in atmosfera controllata. 

Come vengono massimizzate le tracce? Per 

rispettare le dinamiche originali immagino che 

evitiate gli errori commessi in passato usando 

una compressione forzata o altri artifici. 

Sì, proviamo a rendere il suono “moderno” ma 

mantenendo il suono originale il più “originale” 

possibile. Questa è davvero una sfida per trovare 

il giusto equilibrio tra “originale” e “modernità”. 

L’anno scorso si è verificato un sensazionale caso 

di errore nel trasferimento da nastro analogico 

a digitale (parliamo del brano Heroes di David 

Bowie) ed è stato rilasciato il pezzo più iconico 

di un artista con un fastidioso cambio di 

volume e dinamica. Quando lavori su questi 

pezzi storici, non hai paura di fare degli errori? 

Fondamentalmente è come un restauro di un 

quadro di un pittore famoso. 

No, non temiamo questo genere di errori: abbiamo 

decenni di esperienza sul campo e stiamo lavorando 

con molta attenzione e con grande rispetto per 

il contenuto musicale. Heroes non è stato realizzato 

da noi, quindi non posso commentarlo. 

un cambio di tonalità su un arrangiamento 

di piano che non 

girava bene e lui mi disse che dovevo 

curarmi solo del suono, che 

il produttore e l’artista era lui. Poi 

in realtà seguì il mio consiglio. 

Che tipo di musicista era 

Lucio? 

AR Beh Lucio era un creativo 

ma spesso faceva fatica a 

mettere in pratica le sue idee 

in fatto di suoni o assoli. Si 

affidava a me magari strimpellando 

qualcosa (Radius lo 

imita canticchiando qualcosa 

e mimando con la chitarra una 

melodia improbabile e sbilenca) 

fino a quando io non intuivo 

cosa davvero aveva in mente. 

Sono nati così tanti pezzi 

di Lucio, a lui piaceva questa 

sinergia tra noi e io riuscivo a 

portare quel tiro rock che lui 

desiderava per le sue canzoni. 

Battisti è sempre apparso 

al pubblico timido e 

distaccato. Voi che ci 

passavate giornate intere 

assieme che ricordo avete? 

AR Era un simpaticone! Raccontava 

barzellette e amava 

scherzare. Con lui non ti annoiavi 

mai. Certo aveva un 

rapporto col pubblico un po’ 

controverso e non amava essere 

importunato. All’apice 

della sua popolarità era difficile 

per lui andare in giro 

senza che qualcuno cercasse 

di parlargli o di farsi fare un 

autografo. Una volta – non ricordo 

se eravamo a Rimini – si 

era creata una piccola folla di 

fronte al ristorante dove stavamo 

cenando. Tutti spingevano 

per vedere Lucio, spingevano a 

tal punto che la vetrina cadde 

finendo in mille pezzi. Per un 

pelo non ci colpì! 


SELECTOR 


Lucio Dalla 

LUCIO DALLA 

Sony/Legacy Edition 

Definitiva 

versione 

per uno dei 

dischi più 

importanti 

nella storia 

più nobile del nostro cantautorato: 

quel colpo d’ala capace di 

massimizzare la popolarità del 

cantautore bolognese che già con 

Roberto Roversi aveva evidenziato 

un talento capace di fare categoria 

a sé e successivamente fatto 

gridare al capolavoro in Com’è 

profondo il mare, il primo album 

scritto interamente da solo, decretando 

di fatto il suo ingresso 

permanente nell’olimpo assoluto 

della “cosiddetta” musica leggera. 

Fiumi d’inchiostro sono già stati 

versati per magnificare quello che 

sarebbe stato l’album più venduto 

dell’anno di grazia 1979, certificato 

disco d’oro con 500.000 copie 

vendute, sull’oltre milione totale 

che continua a totalizzare. Guarda 

caso il numero due di quella stessa 

classifica di vendita sarebbe stato 

l’altrettanto epocale Banana 

Republic, il live condiviso con 

Francesco De Gregori e Ron, resoconto 

fedele di un’altra Italia. 

Metà dei brani di Lucio Dalla, 

pur non essendo mai ufficialmente 

stampati a 45 giri, passarono a 

furor di popolo come singoli in radio: 

L’ultima luna, Stella di mare, 

Anna e Marco, Cosa sarà, sono 

brani per i quali si stentano a 

trovare adeguati superlativi più 

che semplici aggettivi, per come 

suonano moderni ed attualissimi 

quarant’anni dopo. Sarebbe 

stato difficile se non impossibile 

per chiunque altro chiudere un 

album così, certamente non per 

Lucio, capace dell’immaginifica e 

straordinaria L’anno che verrà, 

un sigillo non solo a questo magnifico 

LP in cui venne inserita ma 

anche ai dolenti anni di piombo, 

con quel 1978 che registrò l’eccidio 

di Aldo Moro e l’espansione 

del terrorismo ideologico, la morte 

naturale di Paolo VI e quella fulminea 

per quanto misteriosa del 

suo successore, Giovanni Paolo I. 

Una lettera di dolore, sofferenza 

e speranza, capace di divenire un 

classico istantaneo, perché capace 

di accomunare un intero paese 

nell’utopia del “riflusso”, ovvero la 

voglia di uscire dalle ristrettezze e 

dal timore (“Si esce poco la sera 

compreso quando è festa / e c’è 

chi ha messo dei sacchi di sabbia 

vicino alla finestra”), guardando 

verso se stessi per aprirsi a un futuro 

pieno di speranza e libertà, che 

si riaffaccia prepotentemente ai 

giorni nostri, anche se il paradiso 

in terra resta quanto mai lontano. 

Nel consueto formato a libretto rigido 

che caratterizza ormai queste 

ristampe, oltre all’album originale 

con remaster a 24 bit/192 hertz ci 

sono tre aggiunte che è esagerato 

definire inediti, in quanto 

della loro esistenza si è spesso 

parlato. C’è Angeli finalmente, 

misteriosamente scartata nel 

mix finale, sebbene fosse stata 

presentata anche nei concerti 

ufficiali in Svizzera di quel periodo 

e poi interpretata in studio da 

Bruno Lauzi con lo stesso Lucio 

ai cori nel 1981. È presente una 

versione di Stella di mare in un 

curioso inglese e poi c’è una superba 

prova in studio di Ma come 

fanno i marinai, l’altro inno cantato 

assieme a De Gregori che il 

cantautore romano ebbe a ricordare 

così: “Quando un giorno 

Dalla venne a pranzo a casa mia 

insieme a Ron, cosa che avveniva 

abbastanza di frequente, mi feci 

trovare intento a scrivere questa 

canzone. Forse già mentre la 

pensavo ipotizzavo che, assieme 

a Lucio, sarebbe potuta diventare 

una cosa forte, importante 

e divertente. E lui la sentì, se ne 

innamorò, ci mise subito un bel 

riff di clarinetto all’inizio, aggiunse, 

cambiò, migliorò, la rese decisamente 

più “commestibile”, più 

adatta alle nostre due vocalità”. 

Oltre a un saggio commemorativo 

di John Vignola, anche le testimonianze 

di Dente, Colapesce 

e Di Martino: le (pen)ultime generazioni 

fortemente influenzate 

da queste canzoni, che hanno una 

dedica speciale anche da parte di 

Alessandro Colombini, produttore 

discografico del suo luccicante 

esordio in solo e Maurizio Biancani, 

il sound engineer garanzia 

di qualità, che ovviamente era in 

studio con Lucio anche in quell’occasione. 

In più ci sono le illustrazioni 

originali di Alessandro Baronciani 

che sottolinea con affetto 

la circostanza: “Ho scoperto Dalla 

tramite mio fratello più grande. 

Gli chiesi di registrarmi una cassetta 

e lui mi portò una Tdk da 

46 con il disco del 1979. Penso sia 

stato veramente il primo disco 

che ho ascoltato dall’inizio alla 

fine. Non ho altri ricordi di dischi 

prima. Di questo album ricordo 

tutti i testi a memoria e ogni volta 

che lo ascolto ho sempre la stessa 

sensazione di stupore surreale. E 

non so cosa pensiate della vita e 

dei cerchi ma sono stato chiamato 

— in questa speciale occasione del 

suo quarantennale — a chiudere 

un bellissimo cerchio: ridisegnare 

la copertina di Dalla 1979 e quindi 

di creare un booklet gigante con 

nove illustrazioni, una per canzone”. 

Nel cofanetto in vinile c’è 

anche lo stesso CD con i tre brani 

aggiunti, un libretto da 12 pagine 

e infine la stampa di una illustrazione 

di Baronciani in carta speciale 

30×30, numerata a mano. 

Acquisto obbligato per ricordare 

con gioia e tramandare, entusiasmandosi 

già alle prime note. 

84

Rock 

Vasco Rossi 

NON SIAMO 

MICA GLI 

AMERICANI! 

Sony/Legacy Edition 

Secondo appuntamento 

per la serie 

R>PLAY dedicata 

ai 40esimi 

anniversari 

dalle pubblicazioni 

degli album in studio di 

Vasco, con le note agiografiche 

che fanno partire qui un bivio 

fondamentale di una carriera ancora 

tutta da costruire ma dove, 

per la prima volta, si rivela quella 

vena irriverente e originale di 

rocker ruspante e sincero. Uscito 

il 30 aprile 1979 per l’etichetta 

indipendente Lotus, Non siamo 

mica gli Americani! tratta di 

emarginazione e pregiudizio, solitudine 

e ribellione; da quel momento 

in poi, malgrado le basse 

vendite commerciali, un ristretto 

pubblico di affezionati lo seguirà 

con un tifo quasi da stadio. 

Seppur ancora lontanissimi dai 

raduni oceanici che caratterizzeranno 

gli ultimi, ruggenti anni, 

Blasco inizia anche l’attività live: 

dopo il primo concerto in Piazza 

Maggiore a Bologna (“Avevo 

convocato tutti gli amici per quel 

concerto” ricorda lui oggi “eravamo 

più noi sul palco che la gente 

sotto...”) batte palmo a palmo 

quasi tutta l’Emilia Romagna e 

ogni sera sarà un trionfo. È anche 

il momento del suo battesimo 

televisivo, perché Renzo Arbore 

lo convoca al suo programma 

cult L’altra domenica dopo averlo 

visto esibirsi in (Per quello che 

ho da fare) faccio il militare, la 

canzone che irride la durezza della 

naja, ispirando il titolo di un 

disco rinnovato nel vestito (nelle 

versioni disponibili c’è un box 

di otto vinili ed esaustivo book 

fotografico), come nel sound, 

rimodellato dagli interventi del 

sapiente Maurizio Biancani, che 

poi gli produsse anche Bollicine, 

partendo dai nastri master analogici 

di studio tramite trattamento 

termico, restauro e acquisizione 

in digitale, presso gli studi Fonoprint 

di Bologna. A riascoltarlo 

ancora adesso questo disco colpisce 

per freschezza e sfrontatezza: 

prendete Fegato, fegato 

spappolato ad esempio, dove 

Vasco sintetizza il suo pensiero 

con argomenti talmente avanguardistici 

da risultare (più che 

mai) un caposcuola. 

Vittorio Pio 

Emma Frank 

COME BACK 

Justin Time Records - 2019 

Esistono girotondi 

intimi 

nelle 

profondità 

di ogni essere 

umano, 

quei momenti di solitudine 

acclamata nei quali si realizza 

una riscoperta di alcune 

bellezze che ci appartengono, 

che sono nostre ma restano lì 

nel silenzio grondante sentimento. 

Quegli spazi di apparente 

calma sono cibo per la 

creatività di Emma Frank e 

rappresentano il filo narrante 

di Come Back, l’ultimo lavoro 

discografico licenziato dall’etichetta 

Justin Time Records. 

La sua voce morbida e sinuosa 

esplora i temi dell’amore, del 

ludibrio, dell’insicurezza e di 

tutte le ombre emozionali che 

legano la sua esperienza interiore 

a quelle degli ascoltatori. 

Le composizioni evidenziano 

la duplice veste di vocalist e di 

cantautrice: le liriche forti, avvolte 

e mitigate dalle calde fioriture 

della sua voce. Le canzoni 

originali mettono in risalto 

l’intesa e il legame musicale 

con il pianista Aaron Parks, 

nati solo lo scorso anno ma già 

maturi. Evidenti sono i piaceri 

musicali di Emma che intrecciando 

folk, jazz e persino r&b 

generano una mutevolezza 

ritmica accattivante. Interessante 

la personale versione 

di Either Way dei Wilco. Finalmente 

una visione originale, 

un passo avanti, dello strumento 

voce all’interno della 

musica creativa mondiale. 

Daniele Camerlengo 


SELECTOR 


AA.VV. 

JAZZ 

IMAGES 

Egea 

Jazz Images in CD e vinile 

nella copiosa serie 

che omaggia il grande 

fotografo Francis Wolff. 

Per tutti coloro che hanno 

superato i 50 anni 

questa serie, molto ben 

curata da un punto di 

vista grafico e distribuita in Italia da Egea, 

rappresenta un’occasione per riconciliarsi 

con una stagione ruggente e probabilmente 

irripetibile del jazz più ammaliante. 

Una sessantina di titoli in tutto (i vinili, 

56, sono in schiacciante maggioranza), 

di album passati alla storia della Blue Note 

e Prestige degli anni ’50 e ’60, anche grazie 

al contributo del fotografo berlinese Francis 

Wolff, un incrocio obbligato insieme a quello 

di Alfred Lion per capire lo spirito intimistico 

non solo del momento che riusciva a cogliere 

con le sue portentose capacità ma anche di 

un’epoca fascinosissima. Per Wolff la passione 

per il jazz e la fotografia in bianco e nero 

iniziano da adolescente. Riesce a scappare 

dalla natia Berlino, prima della disfatta della 

Germania nazista con l’ultima nave diretta 

oltre-oceano: sarà una mossa che quasi certamente 

gli salvò la vita, cambiandogliela 

drasticamente. Giunto nella grande mela, il 

nostro uomo di giorno lavora in uno studio 

fotografico mentre di notte frequenta la casa 

discografica fondata dal suo amico di infanzia 

Alfred Lion: quella Blue Note che si prepara a 

diventare un concetto iconico, come del resto 

le sue stesse foto. Dagli anni ’50 gli scatti iniziano 

a far parte integrante degli LP, quindi 

inizia a pubblicarle creando una filosofia estetica, 

in formato adattato sulle copertine dei 

dischi, costruendo un archivio di grande valore 

artistico e una documentazione visiva della 

storia del jazz che teme pochi confronti. La 

sua capacità di illuminare, inquadrare e catturare 

in uno scatto qualcuno dei grandi del 

jazz era sorprendente. E spesso quello scatto 

era il primo in un’epoca in cui, si badi bene, 

le fotografie nascevano in camera oscura con 

tutte le incognite ma anche l’eccitazione del 

caso. Ben presto Wolff fu completamente immerso 

dalla gestione dell’etichetta, ed è facile 

immaginarselo mentre si aggira candidamente 

nello studio del mitico ingegnere del suono 

Rudy Van Gelder per riprendere Miles, Chet, 

Thelonious, Herbie, Wayne, Ornette, Sonny, 

ovvero qualcuno dei suoi migliori amici che 

poi sarebbero diventati fisionomie familiari 

per tutti i veri appassionati di questa musica, 

anche nel ricordo personale di RVG, che era 

un avido fotografo: “La maggior parte delle 

foto scattate da Francis erano fatte con la 

Rolleiflex e un flash a mano, tenuto a braccio. 

Teneva la macchina fotografica con la 

mano sinistra e teneva il flash con la mano 

destra - stile statua della libertà - cercando 

di portare la sorgente luminosa nella posizione 

corretta. Alle sessioni di Blue Note, Art 

Blakey era il tuono e Francis il fulmine”. Che 

meraviglia. L’indice completo è su www.jazzimagesrecords.com 

e l’attimo di disorientamento 

che potreste avvertire rispetto a ciò che 

troverete è giustificato dal fatto che nonostante 

la familiarità dei titoli (The shape of jazz 

to come, Relaxin, Saxophone Colossus, Mo- 


Director’s cut 

Alfred Lion fondò la Blue Note nel 1939, 

un anno dopo essere arrivato a New 

York. Quasi subito invitò a farne parte 

l’amico d’infanzia Francis Wolff. Mentre 

Lion delineò per sé il ruolo di produttore 

a tutto tondo, Wolff si ritagliò il ruolo di 

fotografo onnipresente dell’etichetta. 

L’alchimia funzionò perfettamente. 

anin’, Giant Steps fra molti altri), 

le fotografie utilizzate non erano 

apparse precedentemente su 

alcuna riedizione di questi 

capolavori, di cui non ci si 

stancherà mai di ascoltare 

la luminosa caparbietà dei 

magnifici protagonisti alle 

prese con alcune delle loro pietre 

miliari. Come prassi ormai 

nota il tutto è stato qui rieditato 

con note di libretto originale, 

remaster aggiornato alle 

ultime possibilità della tecnologia 

digitale odierna, qualche 

bonus track, spesso realmente 

difficile da ascoltare altrove e 

una solida confezione gatefold 

per quanto riguarda i vinili da 

180 grammi, dove ogni dettaglio 

aumenta sensibilmente il 

suo fascino. 


SELECTOR 


Maria Chiara Argirò 

HIDDEN SEAS 

Cavalo Records/Pias 

Segnatevi il nome 

di Maria Chiara 

Argirò perché 

potrebbe diventare 

presto una 

delle più ricercate 

selezioni della vostra playlist. 

È cresciuta ascoltando e assorbendo 

moltissima musica classica 

(la madre, Francesca Falcone, 

ha insegnato teoria della danza 

all’Accademia Nazionale di Danza) 

ma ha seguito ben presto 

un proprio percorso, prima con 

la classica, poi con il jazz. Intorno 

ai 16/17 anni inizia a comprare 

moltissimi dischi: da Miles Davis, 

Thelonious Monk, Keith Jarrett 

passando per i Beatles, i Pink 

Floyd e De Andrè. Intorno ai 19 

anni decide di fare la musicista 

e raccontare il suo mondo attraverso 

il pianoforte e le sue composizioni. 

Orgogliosamente 

italiana ma di stanza a Londra, 

Maria Chiara ha appena pubblicato 

un disco che ha già raccolto 

delle recensioni entusiastiche 

anche in un mercato affollato 

e difficile come quello americano. 

Ispirato dai Sea Pieces di 

Edward MacDowell, un ciclo di 

otto composizioni per pianoforte 

pubblicato nel 1898, ma con uno 

sguardo ben posizionato nella 

contemporaneità, la Argirò ha 

sigillato un album sofisticato e 

diretto, dalla immediata forza 

comunicativa, mantenendosi al 

contempo coerente con un’idea 

d’arte anticommerciale nelle sue 

smerigliate composizioni originali. 

Quelle della pianista sono 

note prismatiche e guizzanti, di 

una ricchezza cromatica piena, 

che possiedono un’inclinazione 

naturale ad articolarsi nella totale 

sintonia intellettuale del collettivo 

chiamato a raccolta, in cui 

spiccano i brillanti vocalizzi della 

francese Leila Martial. Un’opera 

seconda che consegna Maria 

Chiara alla sua consacrazione e di 

cui ci parla con il giusto entusiasmo: 

“L’idea alla base di Hidden 

Seas”, ribadisce, “è nata da un 

antefatto molto particolare. Mi 

trovavo al mercato di Camden 

Town quando mi è letteralmente 

caduta sui piedi questa raccolta 

di spartiti di MacDowell: ne 

sono rimasta folgorata e l’ho 

comprato immediatamente. 

Inizialmente ho pensato di ri- 

-arrangiare i brani ma poi ho 

deciso di voler dare un’impronta 

tutta mia.” 

Il mare, certo, è un concetto inseparabile 

per chi è nato in Italia, 

specie se si vive all’estero… “Per 

me rappresenta l’elemento naturale 

di riferimento, anzi, è 

una sorta di ossessione. Ha fatto 

costantemente parte della mia 

vita ed è l’unico posto in cui riesco 

a sentirmi completamente 

a casa. Ne sono sempre rimasta 

affascinata dal punto di vista sonoro. 

In quest’album ho cercato 

di riprodurne i suoni a modo 

mio, con tutta l’immaginazione 

possibile: spesso vediamo solo 

l’aspetto superficiale delle persone, 

volevo raccontare quello che 

accade quando scopri cosa c’è 

dall’altra parte, cosa si nasconde 

dietro i misteri celati”. Difficile 

etichettare la sua musica, lo 

ammette la stessa Maria Chiara 

che definisce così il suo lavoro: 

“Hidden Seas è stato creato 

pensando a un equilibrio tra 

composizione e improvvisazione, 

dove la ricerca accurata di 

ogni singolo suono viene prima 

di ogni altra cosa. Dentro questo 

disco c’è il jazz, la musica 

elettronica, la forma classica e 

forma-canzone. L’idea compositiva 

di fondo era di apertura 

all’immaginazione, proprio 

come il mare suggerisce”. 

Su www.suono.it un’ampia intervista 

all’artista… 


SELECTOR 

Harmony 

BILL FRISELL 

Blue Note Records – 2019 

Una nenia 

costante 

che volteggia 

nel suo 

intorno e 

persevera 

nel cantilenare il vecchio ardore 

verso la tradizione musicale 

americana e la conseguente severa 

abnegazione nei confronti 

di un sentore che racconta, per 

intero, il suo lungo percorso personale. 

Il florilegio delle canzoni 

che ha sempre amato e nonostante 

la loro diversa genesi stilistica 

e strumentale si cercano e 

tentano di fondere indissolubilmente, 

forti della loro bellezza, 

quel legame senza tempo che 

emoziona il suo animo vissuto. 

La poderosa forza di questa 

spinta emozionale ha permesso 

la realizzazione di Harmony, la 

nuova fatica discografica di Bill 

Frisell che sancisce il debutto 

con la prestigiosa Blue Note Records. 

Questa nuova compagine, 

priva della batteria, era da tempo 

nei pensieri del chitarrista di 

Baltimora, un costrutto ibrido 

che ricorda l’ensemble da camera 

ma ha nel suo interno le peculiarità 

di una piccola formazione 

jazz e quelle del classico gruppo 

della tradizione musicale americana. 

Ciò che abbaglia è l’intesa 

creativa che lega Frisell alla voce 

sublime e onirica di Petra Haden: 

una danza che avvolge ogni 

essenza melodica e straripa nel 

bagno libero e audace dell’improvvisazione. 

La formazione 

è completata da Hank Roberts 

al violoncello e voce e al nuovo 

arrivato Luke Bergman alla chitarra 

acustica, chitarra baritona, 

basso e voce. 


John Coltrane 

BLUE WORLD 

Impulse! Universal 

Se il precedente 

Both Directions 

at 

Once aveva 

destato più di 

una perplessità 

(il materiale era stato in origine 

scartato da Coltrane) questo 

nuovo, parziale capitolo inedito 

è invece molto più soddisfacente. 

Intanto siamo nel 1964, ovvero 

nell’anno in cui il leggendario 

sassofonista stava chiudendo 

le registrazioni di Crescent e A 

Love Supreme, ovvero i capolavori 

della sua deriva spirituale, 

con il suo formidabile quartetto 

che annoverava Elvin Jones, 

McCoy Tyner e Jimmy Garrison. 

Quest’ultimo era buon amico di 

un misconosciuto regista canadese 

di nome Gilles Groulx, che 

amava il jazz da ardente fan di 

Coltrane, al punto di chiedergli 

di realizzare la colonna sonora 

del suo Le Chat dans le sac, 

un film romantico, malgrado il 

bizzarro titolo, la cui traduzione 

venne poi ampiamente riportata 

nella letteratura calcistica di 

satira. Così, poco prima dell’estate, 

il favoloso quartetto venne 

convocato nello studio del mitico 

ingegnere del suono Rudy Van 

Gelder, per riprendere alcuni 

brani del suo periodo precedente, 

quello appannaggio dell’etichetta 

Atlantic, scelti essenzialmente 

per la loro breve durata, 

in contrasto con le magmatiche 

improvvisazioni dal vivo che già 

stavano innalzando la formazione 

verso un nuovo standard di 

eccellenza. Qui invece l’eloquio 

è levigato, quasi sommesso per 

il peculiare coinvolgimento emotivo 

alla base della seduta in cui 

anche Groulx era presente, anche 

se alla fine furono selezionati solo 

dieci minuti dei trentasette complessivi 

in cui sfilano, con delle 

variazioni più o meno evidenti, 

capolavori assoluti come la celestiale 

Naima, Like Sonny, Traneing 

In, Village Blues e la title 

track, ripresa da una scheggia 

melodica di Out of this world, del 

compositore noto a Broadway 

Harold Arlen. Per quanto ampiamente 

conosciuta, siamo di 

fronte a grande musica: in questa 

occasione lo spot principale è 

per il contrabbasso di Garrison, 

la cui cavata è sempre in primo 

piano nell’impressionante, istantaneo 

affiatamento del quartetto 

in cui le intuizioni e le soluzioni 

dei singoli venivano immediatamente 

metabolizzate dal piccolo 

ensemble. In sintesi ci troviamo 

al cospetto di una magnifica incursione 

in quello spazio interno 

creativo che solo Coltrane e pochissimi 

altri sapevano osare. Vinile 

silenzioso e ben equilibrato. 

Vittorio Pio 


Jazz 

Wallace Roney 

BLUE DAWN - 

BLUE NIGHTS 

Highnote Records – 2019 

Una voce 

solitaria 

e audace 

del jazz 

mainstream 

che riflette oro sonante. Il generoso 

rispetto per l’eleganza e 

quella vorticosa voracità vittima 

del piacere emozionale ne tratteggiano 

la figura nobile e creativa. 

La straordinaria carriera musicale 

di Wallace Roney viene ulteriormente 

avvalorata dalla sua 

ventiduesima fatica discografica: 

Blue Dawn - Blue Nights, il 

nuovo album del trombettista e 

bandleader di Philadelphia. Al 

suo fianco una band composta 

dalla nuova generazione di innovatori: 

il sassofonista Emilio 

Modeste, il pianista Oscar Williams 

II, il bassista Paul Cuffari 

e suo nipote quindicenne, batterista 

Kojo Odu Roney. Insieme 

a questa schiera di giovani leoni 

due leggende: il chitarrista Philly 

Quintin Zoto e il leggendario 

batterista Lenny White. 

La cura del suono che strabilierà 

le orecchie più difficili è frutto 

dell’intenso lavoro dell’ingegnere 

Maureen Sickler alla guida 

del leggendario studio del New 

Jersey di Rudy Van Gelder. La 

tromba di Roney ama discorrere 

con chi evade dalle abitudinarie 

dinamiche performative, 

cerca di stimolare l’intelligenza 

creativa insita nei suoi compagni, 

lodando chi riesce ad avere 

padronanza delle dinamiche 

d’improvvisazione che si generano 

durante il flusso compositivo. 

Le atmosfere esalate dal 

profondo interplay assumono 

le più diverse sfumature timbriche 

ed emotive, sorvolando 

e catturando indissolubilmente 

la tensione di chi ha la fortuna 

di ascoltare questa meraviglia 

aurale. L’apertura del disco dal 

ritmo dinoccolante e brioso è 

l’unica composizione che porta 

la sua firma, un canto sublime 

ed energico che mette in risalto 

le preziosità del suo animo logoro 

di bellezze e storie di suoni da 

tramandare. La solidità ritmica 

porta ognuno dei componenti 

della formazione a esprimere 

tutto il potenziale espressivo enfatizzando, 

nell’estemporaneità 

del gesto, i devastanti ritrovati 

di tecnica strumentale. 


Fabrizio D’Alisera 

TRISONIC 

Filibusta Records - 2019 

Modellare 

la propria 

immaginazione 

per 

renderla 

prosa di suoni, un racconto di 

elementi inanimati che nasce 

dalla voluttà di una coscienza 

creativa generosa e loquace. 

La purezza emanata dalla nudità 

del suono che cerca l’appiglio 

giusto per comunicarsi e gioire 

della ricchezza emozionale e di 

senso che scaturisce dai processi 

improvvisativi: questa è 

l’ingombrante ricchezza concettuale 

contenuta in Trisonic, 

il nuovo album, terzo da leader, 

del neo-baritonista Fabrizio 

D’Alisera, licenziato dalla lodevole 

etichetta Filibusta Records. 

Un disco che ammicca e tenta di 

fornire la personale visione del 

BeBop, vista anche la voluta assenza 

di uno strumento armonico. 

La formazione, oltre all’esordio 

del baritono del sassofonista 

romano (Fabrizio D’Alisera nei 

due album precedenti suonava 

il tenore e il soprano) annovera 

Pietro Ciancaglini al Contrabbasso 

e Andrea Nunzi alla batteria. 

Nelle otto tracce originali 

la nona è la rivisitazione di Ask 

Me Now di Monk, si percepisce 

l’estrema sensibilità delle voci 

che nel loro dialogo musicale, 

fluido ed equilibrato, mettono 

in luce un’intesa brillante. Nel 

finale appare la bella sorpresa 

del vibrafono di Andrea Biondi 

che irradia il soffio del baritono 

arricchendone l’evasiva attitudine 

alla costruzione di paesaggi 

sognanti. 



CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE 

Patti Smith 

ritrovata 

di 

Antonio Gaudino 

Nel 2010 l’autore di questo articolo incontra Patti Smith (che si accingeva 

a un Tour europeo importante e con un libro appena sfornato per 

Feltrinelli) e lei gli rilascia un’intervista esclusiva che, per i casi della vita, 

non viene pubblicata. Qualche giorno fa viene ritrovata nel “cassetto” ed è 

un’intervista ricca, importante, sicuramente da condividere… 

Tutto ebbe inizio grazie a Just Kids, il nuovo libro autobiografico 

dedicato alla storia di Patty Smith con il fotografo Robert Mapplethorpe, 

e al tour “We Shall Live Again” con la Patti Smith Acoustic 

Band che avrebbe toccato anche l’Italia. Sullo sfondo dell’intervista Vigo, 

un luogo estremo della Spagna al confine col Portogallo, dove la poetessa 

del rock scelse di raccontare qualcosa di sé... 

Nonostante il suo ruolo di rockstar, lei è sempre stata discreta 

nella sua vita privata. Cosa l’ha spinta dopo 40 anni a scrivere 

un libro rendendo pubblica una storia d’amore e amicizia così 

importante fatta di gioia, dolore e momenti intensi? 

Ho scritto il libro perché il giorno prima che morisse ho promesso a Robert 

Mapplethorpe che l’avrei fatto. È morto giovane, aveva solo 42 anni 

e voleva che la gente sapesse di quando lui era giovane. Io conoscevo la 

sua storia molto bene, lui mi ha chiesto di scriverla e io gli ho promesso 

che l’avrei fatto. Ci è voluto molto tempo, perché lui era… come dire... 

“tanto”, con una vita molto intensa, ricca, piena di eventi. 

Dopo la perdita di suo marito Fred Sonic, si ha come 

l’impressione che lei sia in una fase di attenta veglia sui ricordi 

del passato: gli amici, gli artisti, le storie d’amore. È solo la 

mia impressione o sente il bisogno di raccontare alla gente le 

cose non per come le immaginiamo ma per come andarono 

realmente? 

A volte lo faccio perché alcune persone hanno scritto le loro impressioni 

su questi artisti e amici ma non sempre corrispondono alla verità. 

Io voglio che la gente sappia come sono veramente e vorrei anche che la 

gente si ricordasse di questi amici che sono morti, brave persone e artisti 

interessanti che meritano di essere omaggiati... faccio tutto questo per 

dire la verità e per condividere ciò che so. 

Leggendo Just Kids ci sono citazioni e riferimenti che 

attraversano la migliore musica degli anni ’60 e ’70: Bob 

Dylan, Brian Jones, Rolling Stones, The Doors, Byrds, Tim 

Buckley e molti altri... Chi è stato il più influente sul suo modo 

di pensare e comporre musica? 

Probabilmente Bob Dylan. Ma in ogni caso il mio campo musicale è 

vasto. Io ho studiato la voce di Maria Callas in termini di performance e 

mi piace molto l’opera, quindi si impara da cose molto diverse. 

Un grande artista che ha collaborato con lei e purtroppo non 

è più con noi è Jeff Buckley. Che ricordi o aneddoti ha di Jeff 

e della sua musica? 

Jeff era un perfezionista. Era molto bello, molto solidale come persona. 

Lavorare con lui in studio è stato un dono. E devo dire che quando lui 

ha lavorato e cantato Beneath the Southern Cross la registrazione era 

bellissima ma in seguito l’ho scoperto in una stanza a piangere da solo e 

gli ho chiesto: “perché piangi?”, lui mi rispose: “pensavo di fare meglio, 

volevo cantare meglio per il tuo disco” e io: “tu hai la voce di un angelo, 

come potrebbe mai essere meglio!”. Così era Jeff, e questo fa di lui il 

perfezionista che è stato. 

Che cosa pensava e pensa oggi della sua musica? 

Suo padre Tim Buckley è stato un grande artista, un produttore, un 

grande cantante e innovatore, la sua scomparsa ci ha rattristato molto; 

Jeff era dotato come suo padre, un cantante bello, forse anche più bello, 

una grande promessa come songwriter, come interprete e, mi ripeto, 

aveva una voce di un angelo. 


Tornando a Just Kids, perché la perseguitava il verso della 

poesia Bahnhofstrasse di Joyce “I segni che mi irridono se 

vado”? 

Io e Robert sentivamo che stavamo facendo le nostre scelte in maniera 

autonoma ma qualche volta il destino aveva il sopravvento e più volte ci 

dava segnali di come sarebbero andate le cose che noi ignoravamo; se 

fossimo stati più attenti, avremmo capito cosa stava accadendo. Perché 

dico che ci prendeva in giro? Perché quando si è giovani e ribelli non 

si vuole ascoltare nessuno e si ignorano i segnali. Quindi, è bene stare 

molto attenti. 

Lei nel libro afferma che Jim Morrison le ha insegnato a 

unire rock’n’roll e poesia. A parer suo le due cose a volte non 

camminino di pari passo? Secondo lei, è possibile produrre 

grande rock senza testi adeguati? 

Beh voglio dire il rock’n’roll è un’arte delle radici. Il rock’n’roll comunica 

politica, spiritualità, sesso, fisicità, racchiude ogni tipo di energia. 

I testi sono importanti ma il cuore è nella musica, la fisicità musicale nel 

rock’n’roll è molto importante. Il rock’n’roll può sopravvivere senza la 

poesia ma Jim Morrison era molto interessato a fondere la poesia con il 

rock’n’roll, come anche Jimi Hendrix e Bob Dylan. Morrison, però, è stato 

un poeta superiore a tutti gli altri. Ritengo sia assolutamente possibile fare 

poesia fusa con il rock’n’roll. Michael Stipe (R.E.M., ndr.) lo fa con i suoi 

testi. Tuttavia il rock’n’roll può sopravvivere senza poesia, ne sono certa. 

Leggendo il quadretto fra lei e Johnny Winter, colto dal panico 

dopo aver suonato al funerale di Jimi Hendrix, riemerge la 

vecchia storia della maledizione delle J, visto che molte star 

sono morte negli anni ’60 e ’70 e tutti avevano le iniziali del 

nome o del cognome con la J (Brian Jones, Jimi Hendrix, 

Janis Joplin, Jim Morrison). Crede ci fosse davvero una sorta 

di maledizione sulla lettera J o era solo una coincidenza, una 

diceria? 

Loro avevano 27 anni. Tutta questa gente aveva 27 anni e non so cosa 

aggiungere a riguardo. È solo di nuovo uno di quei segni che ci ha fatto 

un brutto scherzo mentre andavamo per la nostra strada. Non so cosa 

significhi, so solo ciò che è accaduto. 

Può dirci qualche parola sul suo rapporto con il genio di Robert 

Mapplethorpe: amore, amicizia, unione, quotidianità… 

Ho incontrato Robert quando eravamo entrambi molto giovani. Avevamo 

20 anni, eravamo poveri ma determinati a diventare artisti, e la lotta per 

raggiungere i nostri scopi insieme a Robert è stata bellissima, non mi è 

dispiaciuta neanche un po’. Qualche volta non avevamo soldi sufficienti 

per mangiare ma ero molto felice. Lui era a modo, mi supportava, e ci 

siamo evoluti insieme come artisti. Vedi… qualche volta sento che lui è 

ancora con me. 

La stampa internazionale ha sempre visto nei suoi album 

una continua evoluzione della musica e della poesia, senza 

nominare un album favorito in particolare. Per lei, invece, 

qual è l’album più significativo, che ascolta di più e che ancora 

oggi considera essere stato importante per la storia del rock? 

Normalmente non ascolto le mie incisioni, è molto difficile per me. Le 

canzoni che hanno più significato per me sono quelle che ho fatto in collaborazione 

con lo Studio come Radio Baghdad, Birdland o Radio Ethiopia. 

Mi piacciono le canzoni che mi sono state proposte come sfida dallo Studio, 

il doverle farle sul momento, senza scrivere le parole. Radio Baghdad è 

una canzone molto importante dell’album Trampin’ ma ognuna di queste 

ha un diverso significato. People of the Power è importante perché l’ho 

scritta con mio marito, parla di filosofia. E siccome Horses è stato il mio 

primo album, ha un significato speciale per me. 

Qual è stata l’ispirazione per Because the Night e come è nata 

la collaborazione con Bruce Springsteen per creare questa 

canzone senza tempo? 

Bruce Springsteen ha cominciato a scrivere la canzone ma ha avuto qualche 

problema a finirla, e io ero innamorata di Fred, che poi è diventato 

mio marito. Bruce mi diede la musica ed è stato facile scrivere il testo 

perché pensavo a mio marito. Tutto parla di Fred. Aspettavo di essere 

chiamata da Fred per telefono, e aspettavo perché la canzone esprimeva 

tutto il mio amore per lui. 

Quanto è importante per lei la poesia al giorno d’oggi? Ha un 

poeta preferito? 

La poesia è importante, sono sempre al lavoro e ho diversi poeti che mi 

piacciono particolarmente: i francesi, le rime di Michelangelo Buonarroti, 

gli spagnoli, Lorca, e poi Walt Whitman, Ginsberg… ce ne sono così tanti, 

non ne ho uno in particolare anche se Arthur Rimbaud probabilmente 

è il più vicino ai miei gusti. 


CUT ‘N’ MIX 

air che ha coinciso con il tour di 

addio di Elton John”. 

Montreux luogo dei sogni 


Non sono molte le rassegne che possono vantare il fascinoso appeal che ha 

sempre avuto il Montreux Jazz Festival nei confronti di cultori, musicisti e addetti 

ai lavori. Ne abbiamo parlato con Mathieu Jaton, direttore generale del festival. 

Nell’incantevole cornice 

del lago di Lemano, a 

pochi chilometri da Ginevra, 

il festival venne battezzato 

nel 1967 presso il locale Casinò con 

un parterre di ospiti che comprendeva 

Bill Evans, Weather Report, 

Soft Machine, Keith Jarrett ed 

Ella Fitzgerald fra molti altri. È 

bene ricordare che quel luogo fu 

distrutto da un incendio durante 

un concerto di Frank Zappa e che 

quella drammatica circostanza 

venne fissata dai Deep Purple 

nell’epocale Smoke on the water. 

Ricostruito nel 1975, il Montreux 

Jazz Festival si è poi espanso 

negli anni sotto la guida del suo 

deus ex machina Claude Nobs, 

che aveva una predilezione per il 

genere afro-americano come per 

il Brasile, ospitando centinaia di 

esibizioni memorabili con delle 

vere e proprie icone come Miles 

Davis, Elis Regina, Chuck Berry, 

Oscar Peterson, Charles Mingus 

e diventando nel tempo un festival 

di musica globale capace 

di richiamare folle di spettatori 

anche grazie al ruolo di testimonial 

e co-produttore esercitato dal 

leggendario produttore Quincy Jones, 

che ancora oggi mantiene un 

ruolo attivo nell’organizzazione. 

Dopo la prematura scomparsa di 

Nobs nel 2013, le redini sono passate 

saldamente a Mathieu Jaton, 

giovane, appassionato, formatosi 

con slancio e dedizione proprio accanto 

a Nobs. Quella che si è chiusa 

a Luglio è stata l’edizione numero 

53 di una manifestazione che 

continua a crescere (circa 250.000 

spettatori per 400 concerti in 2 

settimane su 9 palchi con un miglioramento 

costante anche nella 

sezione gratuita), mantenendo i 

conti in ordine in un programma 

trasversale che del jazz incarna lo 

spirito di condivisione e la libertà. 

“Una musica ancora viva e palpitante, 

uno stato della mente, con 

un futuro più che mai brillante”, 

ribadisce lui in questa intervista 

esclusiva che si riflette nella sua direzione 

artistica che oggi si muove 

secondo quali criteri? 

“Se si parla di arte allora non si 

potrà mai ragionare al pari di una 

scienza esatta. Sono diversi i fattori 

da prendere in considerazione: 

i gusti del pubblico come la nostra 

lunga storia e altri fattori legati 

alla logistica e all’andamento del 

mercato globale. Per cui i criteri 

sono diversi ma il mio compito 

è sempre quello di preservare lo 

spirito e il DNA del festival con 

un programma che deve essere 

audace e possibilmente esclusivo. 

Quest’anno abbiamo presentato 

alcuni spettacoli cui tenevo in 

maniera particolare come Janet 

Jackson, Anita Baker, Bon Iver, 

Thom Yorke e altri amici del festival 

come Chick Corea, Ivan Lins, 

Terence Blanchard, per finire con 

la grande passerella commissionata 

a Quincy Jones. Qui a Montreux 

c’è una vicinanza e un tipo 

di predisposizione per il pubblico 

da parte degli artisti coinvolti che 

è difficile trovare altrove: anche 

quest’anno abbiamo assistito a 

delle jam after-show straordinarie. 

Siamo molto affezionati a 

quegli artisti capaci di ricreare 

quella bolla di libertà creativa 

dopo il loro concerto ufficiale, che 

si è realizzata quasi tutte le sere. 

Ma è stata un edizione storica da 

diversi punti di vista, a partire 

dal nostro primo concerto open 

Mi ha molto incuriosito lo 

spazio che avete concesso 

a Mahmood: dal punto di 

vista curriculare la sua 

partecipazione al festival 

varrà molto di più della sua 

vittoria a Sanremo, fra l’altro 

non era neanche in tour la 

scorsa estate... 

Lo abbiamo voluto fermamente 

e ha realizzato anche un concerto 

travolgente, che è stato apprezzato 

da tutti. Felici di questo suo 

debutto internazionale che si inserisce 

appieno nel mio ruolo, che 

paragonerei quasi a quello di un 

moderno direttore d’orchestra che 

deve essere capace di assecondare 

il suo intuito calandosi nel presente 

e nel futuro della musica, con i 

suoi nuovi protagonisti e linguaggi. 

Lo stesso Claude amava dire: è un 

po’ come aggiungere sale e pepe 

quanto basta per essere certi di 

realizzare una situazione all’altezza 

del Montreux Jazz Festival e della 

sua autenticità. 

Come ti sei formato e cosa hai 

imparato da Claude? Immagino 

quanto possa essere stato 

straordinario per un giovane 

amante del jazz stare accanto 

a lui... 

Ho studiato in una scuola alberghiera 

viste le caratteristiche del 

nostro territorio a vocazione turistica; 

poi ho iniziato al festival 

aiutando per gli eventi da semplice 

volontario. Dopo ho avuto un incarico 

nel settore marketing. Claude 

mi ha insegnato che il tempo è la 

nostra ricchezza più consistente, 

che niente è impossibile e che 

conoscere l’arte dell’accoglienza 

rappresenta la qualità essenziale 

per lavorare su grandi progetti. 

Il Jazz invece, come è entrato 

nella tua vita? Hai avuto un 

interesse spontaneo, hai 


XXX XXX 

assistito a un concerto o 

ascoltato un disco che ti ha 

cambiato la vita ? 

Ho iniziato ad ascoltare jazz con 

John Hiseman e i Colosseum ma 

anche John McLaughlin e la fantastica 

Mahavisnu Orchestra. In 

realtà sono stato più incline alla 

fusion, perché in gioventù cantavo 

e suonavo la chitarra in una rock 

band. 

Hai avuto il privilegio di 

assistere a tanti momenti 

di gloria a Montreux, 

quali ricordi con maggiore 

piacere e cosa ritieni sia stato 

veramente memorabile ed 

unico? 

Sono state tante le occasioni memorabili 

con Prince, Santana, Van 

Morrison, George Clinton con 

champagne fino alle 5 di mattina, 

i Muse che hanno accettato di 

suonare in una sala da “soli” 4mila 

posti, rispetto agli stadi che riempiono 

sempre, ma forse il flash che 

ho più in mente è stata l’esecuzione 

integrale di Low, venticinque anni 

dopo la sua registrazione a Berlino 

da parte di David Bowie, nella seconda 

parte del suo concerto qui 

a Montreux del 2002. Un emozione 

pressoché unica, e non solo 

perché è stata l’ultima volta delle 

pochissime in cui venne eseguito 

l’integrale in quel tour a seguito 

dell’uscita di Heathen, un disco 

quasi all’opposto di quello concepito 

insieme al geniale produttore 

Brian Eno. Il filmato è presente 

nei nostri archivi in alta qualità sia 

audio che video ma ancora non è 

prevista una sua uscita ufficiale. 

Qual è invece l’artista che 

è sempre sfuggito al MJF o 

quello che adesso sogni di 

portare? 

Sicuramente Tom Waits, anche se 

purtroppo non partecipa ad alcun 

tipo di festival. Sogno anche una 

performance di solo piano e voce 

da parte di Paul McCartney… 

Quando gli alberi cantano… 

e suonano de Il Tremila 

Forse non lo sapete ma il disastro 

ambientale nei boschi trentini del 

2018 ha a che fare con la musica. La 

strage di abeti rossi documentata 

dai molti filmati dell’epoca ha infatti 

depauperato quella che viene 

definita “la foresta dei violini”. E per 

sensibilizzare l’opinione pubblica 

sull’importanza della natura, accanto 

a Greta scende in campo la musica… 

È in Val di Fiemme, nella foresta di Paneveggio, che 

crescono gli abeti rossi, alberi plurisecolari il cui legno 

gode di una particolare capacità di risonanza. Ed è 

qui che fin dai tempi di Stradivari i grandi liutai si 

avventuravano alla ricerca della materia prima ideale 

per la costruzione delle casse armoniche di strumenti 

musicali come i violini. Una ricerca ecocompatibile, 

visto che gli esperti boscaioli che se ne occupano 

sono, secondo la vulgata, in grado di capire osservando 

la natura dell’albero (la chioma, la corteccia, il 

tronco e perfino la posizione) se il legno suona senza 

doverlo prima abbatterlo, tant’è che negli ultimi 

secoli l’estensione della foresta si è triplicata prima 

dell’incredibile tempesta di vento del 29 ottobre 2018 

che ha sradicato oltre un milione e mezzo di metri 

cubi di legname! Per sensibilizzare la popolazione 

sui temi dell’ambiente e sulla ripopolazione della 

foresta dei violini (dove hanno suonato negli anni 

alcuni dei più grandi violinisti, da Salvatore Accardo 

a Uto Ughi, ai Solisti Veneti e al violoncellista Mario 

Brunello) il bosco che suona ha deciso di scendere 

dalle montagne per approdare a Cremona (e dove 

sennò?) vicino al luogo dove ha trovato sepoltura 

Antonio Stradivari, in occasione del Cremona 

Musica International Exhibitions and Festival con 

l’esposizione di parti degli abeti rossi distrutti dalla 

tempesta e la mostra fotografica “Rinascita con la 

musica” che ha permesso ai visitatori di ripercorrere 

e vedere le immagini del disastroso evento naturale. 

Nello stesso periodo a Roma, in occasione del Creative 

Contest 2019, è stato presentato in anteprima 

assoluta Platani di Davide Santocchi, un corto che 

ha come protagonisti due platani, uno più giovane e 

uno più adulto, che conversano tra di loro toccando 

con modi ironici e sarcastici temi ambientalistici. 

Al contrario dell’abete rosso il platano non “suona” 

ma colora l’arredo urbano delle città perché è 

molto resistente allo smog e cattura molta anidride 

carbonica. Non è dello stesso parere Yourban2030, 

un’organizzazione no profit che ha scelto il linguaggio 

artistico per veicolare il suo messaggio sui temi 

dell’ambiente, immaginando nuove prospettive del 

futuro sostenibile. Plants Play è una “performance 

arborea” resa possibile dallo sviluppo di un dispositivo 

che permette di convertire le variazioni di 

impedenza elettrica delle piante in musica. I segnali 

elettrici vengono captati tramite due sensori 

posizionati sulle foglie delle piante che li trasforma 

in note musicali attraverso un algoritmo di generazione 

statistica creato da Edoardo Taori e Federica 

Zizzari di Yourban2030. Le note vengono poi inviate 

tramite Bluetooth a uno smartphone o tramite Midi 

a un computer. “Avremmo potuto raccontarvi che 

le piante sono in grado di comunicare?” chiosa la 

Presidente di Yourban2030 Veronica De Angelis 

“Magari si, ma non sarebbe stato così convincente 

come sentirle parlare”. 

Come darle torto? 


CUT ‘N’ MIX 

Rogers si, ma, però 

Fuor di metafora (e a rischio di metaforico linciaggio) Rogers Waters ha sfinito i cabbasisi con il suo eterno 

rimestare in un patrimonio musicale leggendario ma ormai archiviato nel passato con pochi sprazzi di presente. 

Eppure le sue produzioni monumentali e d’avanguardia, il tentativo di raggiungere nuove esperienze 

sensoriali, rimane meritevole di attenzione come un certo fiuto su fenomeni sociologici ipotizzati 40 anni fa 

e oggi, purtroppo, “solide realtà”. Così US + THEM che i più fortunati hanno potuto gustare in 4K al cinema 

(7-9 ottobre in 60 cinema del mondo) con adeguata colonna sonora, più che un inno al trittico “diritti umani 

- libertà - amore” dove persino Ferragnez può avere maggiore appeal (a dispetto di uno spessore umano 

certamente minore) è l’apoteosi di un modo di fare musica che combina le note e la tecnologia. 

Nell’omonimo spettacolo dal vivo un palco largo 26,6 metri e uno schermo LED di 28,5 metri di larghezza e 12 

metri di altezza giganteggiano e coadiuvano la musica in una esperienza sensoriale a tutto tondo che all’inizio 

del secondo tempo, tra sirene e luci lampeggianti, vede la sala divisa al centro da una gigantesca rete metallica 

che cala dal tetto e da cui si alzavano grandi camini alti cinque metri. Contemporaneamente appaiono 16 schermi 

in movimento che rivelano la riproduzione macroscopica della famosa Centrale Elettrica di Battersea, l’edificio 

reso iconico dalla copertina di Animals 

(1977), progettata da Roger Waters. 

Si continua così tra effetti laser e le icone 

del Waters pensiero (un maiale gonfiabile 

ad aria fredda lungo 2.750 mm, alto 1.380 

mm e largo 1.050 mm, la nave spaziale a 

forma di maiale, gonfiata ad elio – e quella 

Orb cromata e gonfiata ad elio con una 

telecamera a bordo) con risultati emozionanti 

anche nelle due dimensioni del 

grande schermo che ripagano del grande 

sforzo logistico: 30 camion per le attrezzature 

della produzione, oltre 10 ore per 

il montaggio del tutto… 

Il Tremila 

HYDE PARK 

CORNER 

PILLOLE DA 3000 MCG 

UNA INCUDINE IN VOLO 

Come fussi picciridda, brano contenuto nell’album 

Tarakè di Francesca Incudine e già premiato 

con la Targa Tenco come miglior album in dialetto, 

è tra i brani che, fino a novembre, andranno in 

rotazione, prima del decollo e dopo l’atterraggio, 

sui voli nazionali e internazionali di Alitalia. La 

cantautrice siciliana è infatti tra i vincitori del 

contest “Fai volare la tua musica” bandito da SIAE, Alitalia e Rockol. 

Niente airport music… finalmente! 

LIQUIDAMENTE CONCRETA 

La musica approda, attraverso la piattaforma di 

Tidal, nei negozi Bershka dove una zona relax è 

stata equipaggiata con diversi iPad e cuffie affinché 

i clienti possano ascoltare playlist esclusive 

oltre tutti i contenuti normalmente offerti da 

TIDAL. Inoltre i clienti riceveranno una prova 

gratuita di tre mesi di TIDAL e avranno la 

possibilità di partecipare a eventi esclusivi di TIDAL X. Vi chiederete: 

ma che cavolo è Bershka? Secondo il comunicato stampa si tratta di 

un marchio si rivolge “agli estroversi e ai fashion conscious”. Il marchio 

(che appartiene al Gruppo Inditex, uno dei più grandi rivenditori di moda 

del mondo) contrassegna una catena di negozi con più di 7.300 store in 

92 mercati in tutti e cinque i continenti dove noi verosimilmente non 

troveremo mai abiti per noi. Per i nostri figli, forse… 

INTEGRAZIONE E INCLUSIONE 

ll 14 ottobre al Museo d’Arte Cinese ed Etnografico di Parma (viale San 

Martino, 8) si terrà la prima edizione di AHYMÉ, il festival interculturale 

dell’integrazione ideato e diretto dall’artista, musicista, compositore e 

autore Bessou Gnaly Woh, Presidente dell’Associazione “Colori d’Africa 

– APS”. Il festival si articola in tre giornate dedicate alla cultura e alla 

musica africana con artisti che hanno segnato la storia della world music: 

dal celebre volto di Ray Lema, simbolo portante della musica africana, 

alla nuova promessa afropop Gasandji; dal gruppo musicale Mokoomba 

al cantante ivoriano Boni Gnahoré, padre e mentore della prima vincitrice 

ivoriano di un Grammy Awards. Il cantante camerunese Daniel Kollé e il 

produttore e compositore world music Giovanni Amighetti eseguiranno 

in anteprima il brano The Hunters in the Snow, ispirato all’omonimo 

quadro di Pieter Bruegel. 

Per info: https://museocineseparma.org/it 


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Hanno collaborato 

Massimo Bargna, Agostino Bistarelli, Francesco Bonerba, Paolo Corciulo, Daniele Camerlengo, 

Nicola Candelli, Carlo D’Ottavi, Pier Paolo Ferrari, Marco Fullone, Antonio Gaudino, Marco Mazzi, 

Vittorio Pio, Riccardo Russino, Il Tremila. 

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È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie senza l’autorizzazione 

scritta dell’Editore. 

Suono è un periodico che ha percepito (già legge 7 agosto 1990 n. 250) e percepisce i contributi 

pubblici all’editoria ( legge 26 ottobre 2016 n. 198, d.lvo 15 maggio 2017 n. 70). 

Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di ottobre 2019. 

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Tektron 7

SUONO n° 539

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