SUONO n° 551

N. XXX
Editoriale
di Paolo Corciulo
Perdonali perché non
sanno quello che fanno*
*sottotitolo: buone intenzioni per il 2021
L’accorato messaggio di Papa Bergoglio di qualche tempo fa (25 gennaio 2021) in merito alla comunicazione
ci tira in ballo tutti e se la faccenda ha scombussolato l’intermediario de “l’inquilino del piano
di sopra”, beh, Houston... abbiamo un problema!
Dice Bergoglio: “Voci attente lamentano da tempo il rischio di un
appiattimento in ‘giornali fotocopia’ o in notiziari TV e radio e
siti web sostanzialmente uguali, dove il genere dell’inchiesta e del
reportage perdono spazio e qualità a vantaggio di una informazione
preconfezionata, ‘di palazzo’, autoreferenziale, che sempre
meno riesce a intercettare la verità delle cose e la vita concreta
delle persone, e non sa più cogliere né i fenomeni sociali più gravi
né le energie positive che si sprigionano dalla base della società”.
Come dargli torto? E, aggiungo io, ho il forte sospetto che quanto
accaduto sia elemento essenziale di quella che Ernesto Galli
della Loggia dalle pagine del “Corriere Della Sera” definisce “la
crescente delegittimazione della democrazia e con essa il diffondersi
di una rabbia aggressiva”, frutto a suo dire (e condivido in
toto) “delle gigantesche trasformazioni ideologiche e del costume
avvenute nelle società occidentali nel corso degli ultimi due o
tre decenni. Allorché la morale tradizionale si è repentinamente
dissolta e le sue agenzie di formazione, i suoi punti di riferimento
- la nazione, la famiglia, i partiti politici, la Chiesa, la scuola - o
hanno visto cambiare decisamente le proprie regole o sono state
investiti da critiche radicali e per molti aspetti messi fuori gioco”.
La mancanza di una informazione salda, certa, in una parola
“autorevole” ha contribuito a generare un sentimento di giustizia
offeso, uno straniamento delle persone che non riescono più a riconoscersi
nei modelli della cultura ufficiale, all’insorgere di una
rabbia che l’articolista cita in relazione all’assalto al Campidoglio
degli Stati Uniti del 6 gennaio 2021.
Per fortuna, nell’ambito delle cose audiofile è meno drammatico
ma non per questo le dinamiche sono diverse se il panorama
odierno offre una pletora di personaggi che, cavalcando quella
rabbia, si offrono come nuovi supposti paladini della verità,
qualsiasi cosa si intenda con essa. Si va dall’idiota (utile o meno
lo dirà la storia) che dal suo sito propone confronti imbarazzanti
e ne sottopone “democraticamente” il giudizio al popolo che valuta
ed esprime sulla base di un ascolto comparato dal telefonino
(!?!) al personaggio affetto dal complesso di superiorità (declinato,
però, in minore) che dispensa la sua saggezza ma, fateci caso,
ogni volta che spara una cazzata gli viene una specie di risarella
isterica… Passaggio quasi obbligato, in questo variegato universo
intangibile di internet, quello della “rivista ufficiale” mezza copiata
(e mal tradotta, chissà se in barba al copyright) da una molto più
autorevole “cugina” estera, mezza inattendibile e mezza (vabbè,
la statistica non è il mio forte) ancora una volta… na’ cazzata! E
io mi chiedo: questa ampia varietà di fuffa democraticamente a
tua disposizione, caro lettore (e mi interrogherei se il fatto che
sia gratis è un vantaggio o un campanello d’allarme), ti illuminerà
o ti getterà nella confusione più totale? E noi (plurale maiestatis
di SUONO), che cosa possiamo fare per aiutarti? Dalla barra di
comando, cristianamente seguirò il consiglio di Papa Francesco
nel “consumare la suola delle scarpe”, perché i contenuti di
questa rivista sappiano “intercettare la verità delle cose”; e già
che mi sento in odor di sciacquare i panni in Arno, continuerò a
considerare fonte d’ispirazione lo scritto che riporto qui di seguito
e che mi auguro ispirerà anche voi:
“Erano costoro onesti non per qualche speciale ragione (non potevano
richiamarsi a grandi principi, né patriottici né sociali né
religiosi, che non avevano più corso), erano onesti per abitudine
mentale, condizionamento caratteriale, tic nervoso. Insomma
non potevano farci niente se erano così, se le cose che stavano
loro a cuore non erano direttamente valutabili in denaro, se la
loro testa funzionava sempre in base a quei vieti meccanismi
che collegano il guadagno col lavoro, la stima al merito, la
soddisfazione propria alla soddisfazione d’altre persone. In
quel paese di gente che si sentiva sempre con la coscienza a
posto loro erano i soli a farsi sempre degli scrupoli, a chiedersi
ogni momento cosa avrebbero dovuto fare. Sapevano che fare
la morale agli altri, indignarsi, predicare la virtù sono cose che
trovano troppo facilmente l’approvazione di tutti, in buona o in
malafede. Il potere non lo trovavano abbastanza interessante
per sognarlo per sé (almeno quel potere che interessava agli
altri); non si facevano illusioni che in altri paesi non ci fossero
le stesse magagne, anche se tenute più nascoste; in una società
migliore non speravano perché sapevano che il peggio è sempre
più probabile”.
Apologo sull’onestà nel paese dei corrotti
Italo Calvino
SUONO febbraio-marzo 2021 3

Sommario
Suono Stereo Hi-Fi
la più autorevole rivista audio
Poste Italiane Spa sped. abb. post.
D.L. 353/2003
(conv. in L. 27/02/2004 n. 46)
Art. 1, Comma 1, Roma,
aut. N. 140 del 2007 • mensile
anno XLVX
febbraio-marzo 2021
2
SUONO | 551 | FEBBRAIO-MARZO 2021 DI MARCO, NOCENZI, RUGGIERO, ZEROMANTRA: ROCK-POP ALL’ITALIANA
10002
IN PROVA
9 771721 576006
AMPLIFICATORI INTEGRATI
YAMAHA A-S1200
QUAD VA-ONE+,
TRIGON ELEKTRONIK EXXCEED INT
DIFFUSORI
PMC TWENTY5.23I
SONUS FABER OLYMPICA NOVA V
SISTEMI
SONOS FIVE
TRIANGLE AIO 3
COMPLEMENTI
PORTENTO AUDIO POWER
CLEAN ZERO
CAVI
PORTENTO AUDIO USB COPPER ONE,
USB COPPER ONE DUAL HEADED,
USB COPPER SIGNATURE
Sonus Faber Lumina
LA SOLITUDINE DEI NUMERI1
551
70 anni di Nagra
Phil Spector
COMINCIÒ TUTTO COSÌ... L’ANTESIGNANO DEI
€ 7,00
PRODUTTORI
Ani DiFranco
IL RITORNO DELLA RIOT
GRRRL
N. 551
FEBBRAIO-MARZO 2021
EDITORIALE di Paolo Corciulo
L’accorato messaggio di Papa Bergoglio di qualche
tempo fa (25 gennaio 2021) in merito alla comunicazione
ci tira in ballo tutti e se la faccenda ha scombussolato
l’intermediario de “l’inquilino del piano di sopra”, beh,
Houston... abbiamo un problema!
ANTENNA Prodotti, News, Storie
Scouting tra le proposte del mercato: in un mare di
offerta occorre orientarsi con una bussola!
3
6
SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO
INSIDE DENTRO LA MUSICA
SUL CAMPO
COORDINATI
SONOS VS TRIANGLE
Sonos Five
Triangle Aio 3
a cura della redazione
40
LA PANDEMIA E LA MUSICA
Cosa resterà di questo Covid qua...
di Francesco Bonerba
Si dice che da ogni crisi nasce un’opportunità
e allora, parafrasando, si può dire che da ogni
pandemia nasca una forma di rinascita? Con
il dovuto rispetto per il dolore che il Covid ha
generato, abbiamo provato ad analizzare che
cosa è cambiato nel settore della riproduzione
musicale e se, tra i tanti problemi,
qualcosa è cambiato in meglio e potrà
14
essere utile in futuro...
ALTA FEDELTÀ 2020
IL FUTURO DEL PUNTO VENDITA
La vita è tutta un risiko?
di Libero Abbaci
Appunti per un domani e per il rilancio dei punti
vendita Hi-Fi la cui continua e inesorabile chiusura,
per i motivi congiunturali, sta comportando
22
una concentrazione di distributori e di
brand nell’offerta di mercato.
IN PROVA
AMPLIFICATORE
INTEGRATO
Yamaha A-S1200
a cura della redazione
44
SUL CAMPO
AMPLIFICATORE
INTEGRATO
Quad VA-One+
di Nicola Candelli
48
FEDELI ALLA LINEA
70 volte Nagra
di Paolo Corciulo
La casa svizzera festeggia i suoi 70 anni di vita
vissuti nel solco di una invidiabile coerenza
di intenti. Una vera icona, senza cedimenti,
nel mercato Hi-Fi, sempre più alla ricerca di
concretezza.
28
PHIL SPECTOR
Angeli & Demoni
de Il Tremila
La morte in prigione il 16 gennaio a causa del
Covid ma alle spalle un passato brillante nel
32
campo musicale, con tutti gli eccessi del
caso. Il lascito di Phil Spector è quello di aver
nobilitato la figura del produttore, unendo
creatività a un sapiente uso delle tecnologie a
disposizione.

Sommario
Ta tarara tara taaaaaa
UN OSSERVATORIO SUL MERCATO
Essere un centro pilota SUONOpoint
di Paolo Corciulo
D’Agostini Lab a Roma e Il Centro
della Musica a Legnano hanno aderito
34
all’iniziativa di SUONO che in questi ultimi
mesi ha cercato dalle pagine del giornale di
esaminare il mercato Hi-Fi ed evidenziarne i
punti critici. Per rilanciarlo…
VITA E OPERE DI BUDDY HOLLY
Il giorno in cui nacque il rock
di Massimo Bargna
Una nuova e curatissima antologia musicale di
Buddy Holly suddivisa in tre CD riporta
l’attenzione sul ruolo che il leggendario
36
artista texano ebbe sulla genesi del rock ‘n
roll degli anni Cinquanta e sullo sviluppo
della musica del decennio successivo.
52 di
SUL CAMPO
AMPLIFICATORI INTEGRATO
Trigon Elektronik EXXCEED INT
Roberto Rubini
IN PROVA
DIFFUSORI
Pmc Twenty5.23i
a cura della redazione
56
ABBONARSI SIGNIFICA
NON DOVER MAI DIRE
“MI DISPIACE”
60 a
IN PROVA
DIFFUSORI
Sonus Faber Lumina I
cura della redazione
66
di
SUL CAMPO
DIFFUSORI
Sonus Faber Olympica Nova V
Vincenzo Sollazzo
CAMPO
CAVI USB
70SUL
Portento Audio
di Nicola Candelli
72
AMATO MIO LP
di Carlo D’Ottavi
Ci siamo
fatti in
quattro
per voi
rivista cartacea,
sfogliabile e pdf 12 MESI 60 €
rivista cartacea,
sfogliabile e pdf
6 30 MESI €
74
LE RECENSIONI
Classica - Rock - Jazz
A.A.V.V.
rivista cartacea,
sfogliabile e pdf
3 20 MESI €
edizione digitale,
sfogliabile e pdf 12 40 MESI €
92CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE
Tutte le informazioni su
www.suono.it
(oppure contattare
diffusione@suono.it)

ANTENNA
seguici anche su www.facebook.com/suono.it
Indiana Line cambia faccia
La roccaforte del value for money italiano
cambia proprietà e non è un cambio da
poco visto che il bastone del comando passa
dalle mani di Eugenio Musso, che ha creato
il marchio traghettandolo attraverso un
mare in tempesta (così disegnava il mercato
Hi-Fi una vecchia pubblicità autopromozionale
di SUONO) in un tragitto lungo oltre
40 anni, a quelle di Audio Klan, gruppo
polacco il cui spirito si è sempre ispirato
alla “logica del buon padre di famiglia”,
orientando il suo operato su progetti ragionevoli,
per lungo tempo caratterizzati da
una linea spartana e fin da subito orientati
a far buon uso della delocalizzazione per la
produzione e l’acquisizione dei materiali,
mantenendone salda la proprietà intellettuale.
D’altronde tale vocazione apolide si
ravvisa fin dai primi passi, già dalla scelta
del nome, che in un periodo (la metà degli
anni ’60) in cui l’immaginario audiofilo si
rivolgeva al made in USA, faceva eco alle
lusinghe e al fascino degli allora lontani
States simbioticamente legati alla nascita
della “costola” Alcor, distributore allora
degli altoparlanti marchiati Utah prima e
di Coral Electronic, nata nel 1975, e distributrice
al tempo del marchio giapponese
Coral (solamente per un caso il nome è anagramma
di Alcor!). Negli anni più recenti
è avvenuto il consolidamento sui mercati
internazionali, sempre sotto la guida di
Eugenio Musso, affiancato all’avvicinarsi di
quella fase tipica nel percorso delle aziende
che coincide con una crisi da crescita o
una opportunità di crescita. Più volte ci è
capitato di raccontare di questo momento
e delle soluzioni intraprese per superarlo,
che in alcuni casi hanno portato all’annullamento
(a volte persino auspicato, quasi
a liberarsi di un pesante fardello che ne
imbriglia i rinnovati obiettivi) del proprio
heritage, mentre altre volte ne hanno esaltato,
anche oltre misura, l’esatto contrario,
ovvero l’aspetto iconico. Al di là delle scelte
filosofiche sono quelle economiche a dettarne
il programma: molte delle aziende
in crisi da crescita sono finite, a volte con
successo altre no, nelle mani di gruppi di
affari, banche e fondi di investimento il
cui obiettivo non è esattamente etico ma
votato a un (lecito) profitto. Un passaggio,
quello finanziario, dal quale qualcuno ha
fatto un passo indietro: è il caso di NHT e
Audio Research, giusto per citarne i più
recenti, che alla fine di un completo giro
di giostra sono ritornati nelle confortanti
6 SUONO febbraio-marzo 2021

seguici anche su www.facebook.com/suono.it
mani dell’“uomo unico al comando”, quasi a
reinterpretare i momenti degli inizi, che per
la maggior parte dei marchi Hi-Fi è quello
della classica storia del one man band.
La soluzione scelta da Indiana Line è a
cavallo tra le situazioni citate, vista la storia
del gruppo Audio Klan che l’ha acquistata:
come accennato si tratta di un gruppo a
conduzione familiare (anche se oggi conta
oltre 100 dipendenti) fondato nel 1994
a Varsavia come distributore di prodotti
Hi-Fi. Intuendo l’onda del successo che ha
portato la Polonia al centro nell’agone del
mercato Hi-Fi internazionale (oggi l’Audio
Video Show di Varsavia è una delle più
importanti manifestazioni a livello europeo),
Audio Klan ha sviluppato una rete
di negozi nel suo Paese (18 negozi denominati
“Top Hi-Fi & Video Design”) e poi
una distribuzione internazionale in tutto
il mondo di cui beneficerà anche Indiana
Line che, risolto il problema delle risorse,
si trova ora a un bivio commerciale
e di natura tecnica. Entrambi gli aspetti
sono stati in passato legati alla figura di
Musso che, secondo i rumour che abbiamo
raccolto, è intenzionato se non ad abbandonare
quantomeno ad allentare il livello
dei suoi impegni lavorativi. Molto dipende
da quanto di quella formula progettuale e
produttiva che ha caratterizzato Indiana
Line in questi anni è stato trasmesso e di
quanto Audio Klan vorrà farne uso, avendo
o meno obiettivi simili. Il passaggio dalla
dimensione “un uomo solo al comando”
a quella inevitabilmente più complessa
di un management aziendale non è privo
di traumi, cesure e cambiamenti radicali,
come insegna la vicenda di Sonus faber
che ha trovato nella sua ormai non più
nuova proprietà una spinta poderosa per
l’export ma ha dovuto gestire un delicato
“post Serblin”.
Per Indiana Line fa ben sperare la “mission”
disvelata nelle parole presenti sul loro sito,
che “...è rimasta invariata da quando abbiamo
iniziato a metà degli anni Novanta.
Ci impegniamo a fornire agli amanti della
musica la migliore qualità del suono e un
vero rapporto qualità-prezzo, poiché la
loro soddisfazione è sempre stata la nostra
priorità assoluta”. Un inizio a cui vedremo
come seguiranno i fatti.
Paolo Corciulo
HARD WIRED, TUBE ONLY, PURE MUSIC.
WWW.TEKTRON.IT
SUONO febbraio-marzo 2021 7

ANTENNA
seguici anche su www.facebook.com/suono.it
AUDIO RESEARCH:
I NUOVI REFERENCE
DIVENTANO DUE
I suoi primi 50 anni Audio Research li ha chiusi con uno
scossone non da poco: la fine del matrimonio con il McIntosh
Group cominciato nel 2008 e mai del tutto digerito
se il nuovo proprietario TWS Enterprises non è altri che
una società privata creata e interamente controllata da
quel Trent Suggs che prima aveva abbandonato l’azienda
e che ora, insieme a Brandon Lauer (un altro della vecchia
guardia che ritorna), si pone tra gli obiettivi quello
di “ritornare ai valori delle piccole imprese”, ovvero alle
origini, allo spirito tradizionalissimo del fondatore William
Z. Johnson e dei suoi immediati successori. Uno spirito
e una storia scanditi da passi “lenti e ben distesi”, come
spiegato in Audio Research: Making the Music Glow, prezioso
(anche nel prezzo, 150 dollari) volume realizzato
con le stesse dimensioni di un LP che racconta la storia
del marchio attraverso le parole di progettisti, ingegneri
e dirigenti (molti dei quali rimasti tutt’ora fedeli
all’azienda). Curato da Ken Kessler e realizzato con la
collaborazione e l’approvazione di Nancy Johnson, la
vedova del fondatore, è riccamente illustrato con preziose
immagini d’archivio. Se Audio Research: Making the Music
Glow può considerarsi il primo atto della nuova proprietà,
l’annuncio dell’introduzione di un nuovo finale di potenza
(Reference 80S) è invece il primo intervento in questo
2021 e, al contempo, il primo prodotto sfornato dalla nuova compagine sociale. Si aggiunge alla già ampia linea Reference (6 modelli), di cui
è cominciato il rinnovamento qualche tempo fa con l’introduzione del Reference 160 (versioni mono e stereo) caratterizzato dal restyling realizzato
da Livio Cucuzza (a questo punto il suo ultimo impegno per A.R.?). Proprio da questo apparecchio prende le mosse il Reference 80, che
utilizza lo stesso chassis e lo stesso design caratterizzato dalla presenza dell’ampia finestratura sul pannello frontale dove trovano sede i nuovi
GhostMeters. Anche a livello circuitale l’apparecchio prende le mosse dal 160 con una demoltiplica che porta a 4 le valvole invece che 8 ma
mantiene il disegno completamente bilanciato con
topologia differenziale e il sistema di auto-bias proprietario.
Un selettore consente il funzionamento a
triodo o pentodo ed è presente un conta ore per il
funzionamento delle valvole.
Agostino Bistarelli
Distributore: Audio Natali - www.audionatali.com
Amplificatore finale Audio Research Reference 80S
Prezzo: € 18.000,00
Dimensioni: 43,8 x 25 x 47 cm (lxaxp)
Tipo: stereo Tecnologia: a valvole, triodo-pentodo
selezionabile Potenza (W): 80 su 8 Risp. in freq.
(Hz): 0,5 - 110.000 Ingressi: 1 RCA e 1 XLR bilanciato
Note: completamente bilanciato. Uscite distinte a
16, 8 e 4 Ohm, autobias. 4 x KT150
8 SUONO febbraio-marzo 2021

ANTENNA
Bassi profondi
e collegamento Wi-Fi
Il nuovo sub Kef KC62 sostituisce il KF92 e, pur avendo dimensioni minori, promette prestazioni
analoghe se non superiori grazie alle innovative soluzioni introdotte: gli ingegneri della casa,
infatti, hanno utilizzato le tecnologie brevettate di “annullamento della forza” e Uni-Core con
un inedito approccio alle prestazioni del subwoofer, alla ricerca di ottimizzarne le prestazioni in
ambienti dai più piccoli fino a quelli medi

ANTENNA
seguici anche su www.facebook.com/suono.it
InPol evolve
La circuitazione InPoL (Inseguitore Pompa Lineare) è il marchio di fabbrica
dell’italiana Pathos insieme all’originale design che mixa elementi
tradizionali come il legno e linee rigorose di stampo nordeuropeo. Completamente
bilanciata in classe A con un unico componente a stato solido
in configurazione di inseguitore (ottenendo così un elevato guadagno in
corrente con un guadagno in tensione unitario), questa soluzione consente
di raddoppiare il rendimento teorico della pura classe A dal 25% al 50%
con una bassa impedenza d’uscita. La nuova versione dell’InPol viene
adottata sull’integrato InPoL2 MkII che, praticamente a parità di costi,
sostituisce il precedente modello in esercizio ormai da svariato tempo.
Maggiore ora la potenza su 4Ω (20% in più) e maggiore la corrente di
BIAS, condizione che ha reso necessari radiatori di maggiori dimensioni
pur senza alterare l’armonia del design. Migliorata l’alimentazione,
nuovamente a potenza lineare (trasformatore - ponte - condensatori)
con configurazione dual mono: 2 trasformatori (uno per canale), 2 ponti
Amplificatore integrato Pathos InPoL2 MkII
Prezzo: € 9.700,00
Dimensioni: 43 x 18,50 x 55 cm (lxaxp)
Peso: 45 Kg
raddrizzatori (1 per canale) e 4 condensatori (2 per canale).
Agostino Bistarelli
Distributore: Pathos Acoustics - www.pathosacoustics.com
Tipo: stereo Tecnologia: ibrido Potenza: 2 x 45 W su 8 Ohm in classe
A pura, con tecnologia doppio InPoL Accessori e funzionalità aggiuntive:
Telecomando Ingressi analogici: 4 RCA 2 XLR Ingressi
digitali: 4 totali - Ottico / RCA / USB Standard Convertitore audio
D/A: opzionale (HiDac Mk2) 32 bit/384KHz PCM; DSD Note: Configurazione
interamente bilanciata; valvole 2x ECC803 + 2x ECC82; 1
uscita pre XLR; volume resistivo con commutatori a relé; scheda HiDac
Mk2 opzionale +640€
PER NON PENSARCI PIÙ
Appartiene alla nuova generazione dei plug and play l’Audio-Technica
AT-LPW50PB, un giradischi completo di braccio e testina (AT-VM95E) che
integra un preamplificatore fono selezionabile con cavo di uscita RCA doppio
rimovibile, in modo da consentire il collegamento diretto a dispositivi
con o senza ingresso fono dedicato. Lo chassis è in MDF anti-risonanza di
30 mm di spessore, con finitura laccata color nero lucido. Il costo consente
un accesso alla dimensione vinilica assolutamente abbordabile.
Agostino Bistarelli
Distributore: Sisme - www.sisme.com
Giradischi Audio-Technica AT-LPW50PB
Prezzo: € 399,00
Dimensioni: 42 x 12,6 x 35,6 cm (lxaxp)
Peso: 5,5 Kg
Tipo: completo di testina Telaio: rigido in MDF da
30 mm laccato nero Trasmissione: a cinghia Piatto:
alluminio pressofuso e tappetino in gomma
Velocità (RPM): 33/45 Braccio: dritto in carbonio
con shell universale AT-HS4 Alzabraccio: idraulico
Wow & Flutter (%): 60 Note: preamplificatore phono incluso
escludibile, fonorilevatore MM premontato AT-VM95E
NUOVA SERIE
www.pmc-speakers.com
SpA
Vieni ad ascoltarle in esclusiva nazionale:
Luxury Group SpA
Via Sant’agostino, 7/9 - 81100 - Caserta
Tel. 0823 210150 - Mob. 335 473447
SpA
Mail: info@luxurygroup.it
Web: https://luxurygroup.it
12 SUONO febbraio-marzo 2021

Auralic si espande
A partire da febbraio 2021 il marchio Auralic sarà distribuito nel nostro
paese da Audiogamma. Il marchio ha sede a Hong Kong ed è stato fondato
nel 2008 da Xuanqian Wang (ingegnere elettronico con esperienze nel
campo della registrazione e una attività come pianista) e da Yuan Wang
(un background in sociologia e scienza della gestione), dopo essersi incontrati
in occasione del Festival di Waldbühnes di Berlino. Sulla base
di un modello matematico che tiene conto di elementi di psicoacustica
Xuanqian Wang ha sviluppato nel 2014 una architettura comune per
i suoi prodotti, le piattaforme Tesla G1 e G2 e Proteus G2, caratterizzate
da complesse memorie di sistema aggiornabili, clock Femto72 e
seguici anche su www.facebook.com/suono.it
alimentazioni ultralineari che sono la base di una gamma di prodotti
tutti dedicati allo streaming. Ben sette gli streamer a cui, con la nuova
distribuzione, si aggiungono due nuovi prodotti che definire “accessori” è
abbastanza limitativo: un master clock (Leo GX.1) e un upsampler (Sirius
G2.1) compatibile con ogni tipo di campionamento che opera anche un
reclock del segnale e un controllo dello jitter. Tutti gli apparecchi sono
lavorati in CNC e ricavati dal pieno. I prezzi non sono variati da quelli
proposti dal precedente distributore.
Il Tremila
Per info: Audiogamma
Complemento Auralic Leo GX.1
Prezzo: € 9.199,00
Dimensioni: 34 x 9,6 x 32 cm (lxaxp)
Tipo: generatore di clock Note: doppio clock al rubidio controllato in
temperatura, accoppiato ad un oscillatore al cristallo anch’esso controllato
in temperatura.
Complemento Auralic Sirius G2.1
Prezzo: € 6.799,00
Dimensioni: 34 x 9,6 x 32 cm (lxaxp)
Tipo: upsampler Ingressi: Lighting Link e USB fino a 384 Khz/32bit
e DSD 512, AES/EBU, coassiale e ottico fino a 192Khz/24bit e DSD 64
Uscite: Lighting Link e USB fino a 384 Khz/32bit e DSD 512, AES/
EBU, coassiale e TOSLINK fino a 192Khz/24bit e DSD 64 Note: triplo
FEMTO clock interno
La perfezione nella semplicità
Sistema con piatto e braccio tangenziale su cuscinetto d'aria
Scopri di più:
Distribuito in Italia da:
www.tedes.it
tedes@tedes.it
02 3925057

INSIDE DENTRO LA MUSICA
di Francesco Bonerba
Cosa resterà
di questo Covid qua...
Si dice che da ogni crisi nasce un’opportunità e allora, parafrasando, si può dire che da ogni pandemia
nasca una forma di rinascita? Con il dovuto rispetto per il dolore che il Covid ha generato, abbiamo
provato ad analizzare che cosa è cambiato nel settore della riproduzione musicale e se, tra i tanti
problemi, qualcosa è cambiato in meglio e potrà essere utile in futuro...
Il Web è più un’innovazione sociale che un’innovazione tecnica.
L’ho progettato perché avesse una ricaduta sociale,
perché aiutasse le persone a collaborare,
e non come un giocattolo tecnologico.
Il fine ultimo del Web
è migliorare la nostra esistenza reticolare nel mondo.
Tim Berners-Lee
qui Watson, ho bisogno
di lei!”. Non si tratta di un’esortazione
del celebre personaggio “Venga
creato dalla penna di Sir Arthur Conan Doyle
e rivolto al suo altrettanto celebre compagno
di avventure ma della prima conversazione
via telefono avvenuta a Boston tra Alexander
Graham Bell e il suo assistente, Thomas
A. Watson, il 10 marzo 1876. Come noto (e
14 SUONO febbraio-marzo 2021

LA PANDEMIA E LA MUSICA
riconosciuto nel 2002 dal Congresso degli
Stati Uniti), la paternità dell’invenzione che
avrebbe cambiato il secolo successivo apparteneva
in realtà all’italiano Antonio Meucci,
che già nel 1854 aveva inventato il suo primo
prototipo, il telettrofono, per comunicare con
la moglie, costretta a letto da un’artrite deformante.
Ma questa, come si suol dire, è un’altra
storia. Ciò che ci interessa dell’invenzione
del telefono è immaginare lo sguardo attonito
del pubblico che calcava i padiglioni della
prima edizione americana dell’Esposizione
Universale (Filadelfia, maggio - novembre
1876) nell’osservare quell’enorme apparecchio
ricevere e captare suoni provenienti da
altrove. Lo stesso sgomento provato quando,
a marzo 2020, la prossimità cui gli abitanti
del villaggio globale sono stati abituati per
decenni è stata per la prima volta soppressa
su scala planetaria per far fronte all’emergenza
del coronavirus. Così internet, che da
diversi anni lavora per mandare definitivamente
in pensione il telefono fisso, si è fatto
carico di una sfida senza precedenti (secondo
l’OECD - Organisation for Economic Co-operation
and Development - oltre 1,3 miliardi
di persone hanno lavorato e studiato da casa
durante l’emergenza, con un incremento medio
del 60% del traffico online) e a una necessità
mai così imperativa: portare il mondo
nelle case delle persone. Come se Bell, anziché
chiamare il proprio assistente, avesse
chiesto di essere raggiunto nella sua stanza
dal proprio lavoro, dal teatro, dall’ancora non
nato cinema, dai concerti ma anche dai beni
di prima necessità e da tutti i suoi amici e
La sala deserta del Musikverein a Vienna, dove Riccardo Muti ha diretto i Wiener Philharmoniker nel tradizionale
concerto del primo dell’anno.
parenti. Quello che sembrerebbe un racconto
fantastico scritto da H. G. Wells è in realtà
accaduto negli ultimi mesi e ha riguardato
anche uno dei settori apparentemente più
inconciliabili a essere “trasportati” in casa:
la musica dal vivo. Non ne abbiano a male
gli audiofili più colti, abituati a godere delle
sonorità più impensabili attraverso impianti
da migliaia di euro; il pensiero va piuttosto
ai milioni di fruitori dei concerti di musica
pop, dei festival musicali, delle iniziative di
arte contemporanea e ai tanti studenti delle
scuole e accademie impreparati a fruire la
musica live attraverso modalità differenti. A
un anno dall’inizio della pandemia, abbiamo
voluto fare una rapida peregrinazione tra
alcuni esperimenti per portare la musica in
casa, facendola traghettare sul fiume sempre
più veloce della rete.
La sfida della distanza ha richiesto da subito
il superamento di un ostacolo consistente,
con il quale hanno dovuto confrontarsi uffici
pubblici, scuole, società private: le barriere
tecnologiche. In un Paese come l’Italia in
cui il 70% degli utenti di Internet non hanno
competenze digitali elevate e il 25% delle
famiglie non dispongono di banda larga
(fonte: Report Istat Cittadini e ICT, 2019),
può essere facile sostituire una conversazione
con una telefonata o videochiamata, ma immaginare
la gestione a distanza di riunioni,
lezioni, condivisione di file, organizzazione
del workflow e via dicendo è tutt’altra storia.
Le cose si complicano ulteriormente quando
si parla di musica: faticosa la didattica,
complessa la gestione di un evento fruibile
esclusivamente online, apparentemente
impossibile la sfida di restituire l’esperienza
dello spettacolo dal vivo. Eppure… in tanti,
nel corso dell’anno appena trascorso, ci hanno
provato e ci sono riusciti! A partire dalle
scuole: sono migliaia gli esempi di istituti e
docenti virtuosi che, nonostante le mille difficoltà
della DAD, non hanno rinunciato alle
lezioni musica a distanza, sostenuti da nuovi
strumenti di insegnamento.
Cremona Musica, ad esempio, ha lanciato a
luglio mfClassrooms, piattaforma web per
studiare musica a distanza(tanti i conservatori
e gli enti che l’hanno adottata, tra cui il
Canepa di Sassari, l’Accademia Chigiana di
Siena, l’European Music Institute di Vienna
e la Escuela Reina Sofia di Madrid). Dietro
il progetto, il pianista Roberto Prosseda (in-
Il sistema LoLa 2.0 all’opera.
SUONO febbraio-marzo 2021 15

INSIDE
Jean-Michel Jarre nello studio dal quale ha registrato il concerto di fine anno.
tervistato su SUONO 497, maggio 2015), che
racconta in un’intervista: “Ho lavorato insieme
ad Ubaldo Ponzio, co-ideatore e direttore
tecnico di mfClassrooms, raccogliendo una
sfida personale che aveva come obiettivi la
creazione di un servizio che fosse funzionale
per un musicista ed i suoi studenti e che
contemporaneamente non fosse limitato
a chi disponesse di una strumentazione e
un’infrastruttura sofisticata e costosa. […]
L’avanzamento tecnologico che consente
questa nuova piattaforma sarà prezioso
anche una volta superata la pandemia,
perché ci permetterà di costruire nuovi progetti
raggiungendo più facilmente luoghi,
docenti, studenti anche geograficamente
molto lontani.”
Nello stesso solco si inserisce LoLa 2.0 (da
Low Latency), un sistema, anch’esso completamente
made in Italy, per suonare e
fare didattica superando confini geografici
e tecnologici. Nato nel 2007 in seno al Conservatorio
Tartini di Trieste e recentemente
implementato grazie alla rete GARR (infrastruttura
che interconnette università, centri
di ricerca, biblioteche, musei, scuole su tutto
il territorio nazionale) e al progetto SWING
(dedicato all’innovazione e alla collaborazione
nel campo dell’istruzione musicale
superiore), LoLa ha consentito lo scorso 6
novembre, nel corso del Congresso annuale
dell’Associazione Europea dei Conservatori,
la realizzazione di una esibizione Jazz unica,
con tre musicisti collegati simultaneamente
da tre sedi diverse, Trieste, Vienna e Lubiana.
Il concerto, ripreso in alta definizione da
quattro telecamere, è stato trasmesso e poi
La cattedrale di Notre Dame di Parigi ricreata digitalmente.
reso disponibile su YouTube. Un primo passo
verso un ambizioso obiettivo fino a poco
tempo fa impensabile su scala planetaria:
annullare, con la complicità della fibra e dei
software, il gap temporale del passaggio di
informazioni da una parte all’altra del mondo
e rendere simultanea l’esecuzione live di artisti.
Ed è ecco che, come per magia (la stessa
che ha consentito a Meucci e Bell di meravigliare
il mondo), diventa possibile realizzare
un concerto in diretta a 10mila chilometri di
distanza. Un altro traguardo che ha coinvolto
l’Italia e nello specifico la Biennale di Tecnologia
del Politecnico di Torino, che il 13
novembre ha realizzato un collegamento tra
musicisti di Torino, Monaco di Baviera (Germania)
e Stanford (Stati Uniti) mantenendo
il ritardo tra le esecuzioni a 30 millisecondi.
Dietro al prodigio, però, nessuno stregone
ma un algoritmo open source, JackTrip,
sviluppato a partire dal 2000 da Chris Chafe,
professore di musica della Stanford University
music; il programma, recentemente
perfezionato, consente la trasmissione di un
flusso audio a bassa latenza, bidirezionale e
non compresso, che annulla, di fatto, la distanza
tra i musicisti. E non solo. Nel corso
del concerto del 13 novembre dal titolo “Note
in volo sulla rete”, sono state proposte pagine
estrapolate dalla raccolta di Canzoni popolari
WoO 158° di Beethoven (1816), Spiegel im
Spiegel di Arvo Pärt (1978), la Sonata op.
40 di Šostakovič (1934) e Lamentazioni del
profeta Geremia, risalenti addirittura al 1588
ed accompagnate dalle improvvisazioni di un
esecutore di dilruba, poco noto strumento
popolare ad arco dell’India Settentrionale.
Un viaggio, dunque, che attraverso la fibra
ottica e l’interpretazione digitale di algoritmi
e software distribuisce, globalmente e in
tempo reale, sonorità che hanno attraversato
i secoli. Un patrimonio culturale che continua
a tramandarsi grazie al supporto di una
tecnologia che l’emergenza del Covid-19 sta
definitivamente consolidando. Perché questo
avvenga, ovviamente, sono necessarie persone
pronte a mettersi in gioco, investire energie
e passione nel modellare con intelligenza
le risorse a disposizione. È il caso, ad esempio,
dei musicisti dell’associazione La Scena
Muta, Toscana, che durante il lockdown hanno
dato vita alla Pippolo Music School,
prima scuola di musica popolare contemporanea
online, con corsi di basso elettrico,
percussioni, tromba, digital audio, viola da
gamba, tastiera e piano, etc. Il nome, che a
qualcuno parrà insolito, deriva dal “pippolo”,
modo popolare dei fiorentini di chiamare il
plettro, e dalla Pippolese di Serpiolle e di
16 SUONO febbraio-marzo 2021

INSIDE
LO SPIRITO DELLA MUSICA OLTRE LA PANDEMIA
Il presidente di HARMAN Lifestyle Division Dave Rogers è voluto intervenire
sugli effetti dell pandemia sulla musica. Ospitiamo con piacere buona
parte del suo interessante intervento.
When the war is over
and we go back to everyday, everyday
Will it be the same again?
When you’ve been turned inside out and outside in?
Questi intensi versi della canzone inedita di Dave Matthews Singing from the
Windows, ispirata alla pandemia globale di Covid-19, rappresentano l’angoscia
emotiva che milioni di noi provano oggi. In tutto il mondo si sta lottando
per creare una nuova normalità che pochi, se non nessuno, avrebbe potuto
immaginare un anno fa. E senza vedere un punto di svolta a breve, questa
nuova normalità può durare molto più a lungo di quanto chiunque vorrebbe.
Mentre le misure necessarie nella lotta contro il virus come l’isolamento e la
quarantena iniziano ad avere una serie di effetti collaterali, tra cui ansia, stress,
solitudine, disconnessione e altro, rimpiangiamo i momenti in cui ascoltare
le nostre playlist preferite con gli amici era semplice, quando godersi un
concerto dal vivo era un piacere che troppo spesso davamo per scontato.
Per molti di noi la musica è come ossigeno. Da tempo immemore, gli esseri
umani hanno fatto musica, ascoltato musica, si sono affidati alla musica come
un canale di liberazione e rifugio in momenti di prova. La musica è il linguaggio
universale e uno dei grandi amori delle nostre vite. Quale altro modo di
esprimersi arriva a ognuno di noi come fa la musica? Cos’altro può raggiungere
le nostre emozioni e farle volare alle più grandi altezze o confortarle quando
siamo tristi? Di tutte le forme d’arte, solo la musica ha il potere di toccarci così
personalmente da farci sentire trasformati. Non deve sorprendere, quindi, che
in questa crisi le persone abbiano mostrato ovunque un profondo bisogno
di connettersi con lo spirito della musica. Uno studio condotto da OnePoll in
collaborazione con HARMAN ha scoperto che la musica è il modo migliore
per affrontare le situazioni di stress. Un incredibile 81%degli intervistati ha
affermato che la musica li ha aiutati a superare la pandemia Covid-19, mentre
il 64,2% degli intervistati ha affermato che guardare spettacoli musicali virtuali
li ha aiutati a sentirsi connessi con gli altri durante l’isolamento. Nella statistica
forse più eloquente di tutte, otto persone intervistate su dieci hanno rivelato
che non sarebbero in grado di vivere in un mondo senza musica.
Per vedere le prove della necessità di musica dell’umanità in questi tempi
difficili, basta guardare all’incredibile popolarità dei concerti live-streamed,
delle apparizioni virtuali in-game e di altri nuovi format innovativi: le megastar
K-pop BTS hanno stabilito un nuovo record mondiale per un pubblico di musica
live-streamed, quando 756.000 fan da più di 100 paesi si sono sintonizzati
sul loro evento pay-per-view “Bang Bang Con: The Live” a giugno. Nel gioco
online “Battle Royale” di Fortnite, l’apparizione di Travis Scott è stata vista da
ben 12,3 milioni di giocatori. Tomorrowland, un evento che JBL sponsorizza
regolarmente, è diventato virtuale e oltre un milione di appassionati di musica
dance hanno acquistato i biglietti per Tomorrowland Around the World, un
festival digitale di due giorni con otto palchi e più di 60 artisti. Su Twitter, i party
di ascolto ospitati dal musicista Tim Burgess dei Charlatans, hanno riunito
gli appassionati di musica per ascoltare gli album classici con il commento
in diretta su Twitter delle persone che li hanno realizzati. Le esibizioni live
gratuite dei Doobie Brothers, Modern English, Billie Eilish, Charlie CX e The
Rolling Stones hanno permesso a milioni di fan di entrare nelle case e nelle
vite dei loro idoli musicali. L’album più venduto quest’anno, Folklore di Taylor
Swift, è stato scritto e registrato durante il lockdown e l’artista è diventata
l’unica nella storia con sette album che hanno venduto mezzo milione di
copie in una settimana.
Noi amiamo la musica. Il nostro desiderio di musica live è potente. Un’esperienza
esaltante, emotiva, profondamente umana che è radicata nelle nostre
più antiche tradizioni e coinvolge tutti i nostri sensi portandoci in uno stato
di euforia in cui non esiste nient’altro che il suono e il ritmo.... Per molti di
noi, l’impossibilità di godere della musica dal vivo è stata una mancanza
molto seria. La buona notizia è che ci sono molti modi per mantenere viva la
passione per la musica anche in momenti di transizione come questo, verso
un mondo post-pandemia. Un ambiente di ascolto ottimizzato è la chiave,
come abbiamo esplorato in un episodio del podcast di HARMAN “Audio Talks”
sull’Hi-Fi Hygge - la dimensione audio della nozione scandinava di intimità,
convivialità e semplici gioie. Sono sicuro che siamo tutti d’accordo sul fatto
che le circostanze di oggi siano estremamente impegnative, ma dobbiamo
ricordare che, per quanto ci si possa sentire come se navigassimo in acque
scure e inesplorate, anche questo passerà. E, come spesso accade, all’interno
della sfida c’è un’opportunità. In realtà, più grande è la sfida, più grande
è l'opportunità. Ecco perché sono decisamente ottimista sul futuro della
scena musicale. Questo momento ha l'impareggiabile potenziale non solo
di mettere sotto i riflettori l'abbondante bene emotivo e fisico che la musica
offre, ma anche di porre la musica al centro del nostro recupero collettivo. Un
modo concreto per sfruttare il potere riparatore della musica è quello di abbracciare
l’esperienza virtuale condivisa come un modo significativo, flessibile
e assolutamente sicuro per riunire le comunità. L’esplosione del divertimento
della musica virtuale condivisa è uno dei doni più inaspettati di questa crisi.
Negli ultimi sei mesi è progredita come in sei anni in circostanze ordinarie,
aprendo innumerevoli strade inesplorate per lo sviluppo. I musicisti e i fornitori
di tecnologia devono solo chiedersi come utilizzare al meglio l’accresciuto
desiderio di comunità virtuali per condividere musica, discutere informazioni
e connettersi. Le possibilità sono tanto entusiasmanti quanto numerose.
In un’epoca di distanziamento, la musica unisce. In un tempo di ansia, la musica
rilassa. In un tempo di sofferenza, la musica guarisce. I benefici della musica
non sono mai stati così importanti per l’umanità, ed è per questo che tutti noi
dobbiamo fare la nostra parte per mantenere vivo lo spirito della musica. Che
ci crediate o no, la luce alla fine del tunnel si fa più luminosa. PWC prevede una
crescita costante della musica dal vivo negli anni a venire; le sue ultime previsioni
mostrano che l’industria della musica live si riprenderà nel 2021, raggiungendo
la piena ripresa entro il 2022. Si tratta di una notizia davvero incoraggiante!
18 SUONO febbraio-marzo 2021

LA PANDEMIA E LA MUSICA
La spettacolare scenografia digitale e gli studi in green screen utilizzati per la registrazione dei dj set di
Tomorrowland 31.12.2020.
Borgo Allegri, orchestre di mandolini diffuse
nella prima metà del novecento a Firenze; a
loro si ispira La Nuova Pippolese, orchestrina
popolare nata nel 2015 grazie a La Scena
Muta, che si prefigge l’obiettivo di riscoprire i
canti della tradizione fiorentina valorizzando
il ruolo aggregativo della musica.
La tecnologia, dunque, come ponte per tornare
a una dimensione educativa, sociale,
culturale bruscamente interrotta dalla pandemia;
a patto, però, che ci si approcci ai
nuovi scenari della contemporaneità con
sguardo aperto, senza restare ancorati alle
proprie consuetudini e con la consapevolezza
che il cambiamento in atto non può e
non deve essere temporaneo. Ciò non toglie
che, per quanto proiettati verso il futuro si
possa essere, guardare la platea deserta della
meravigliosasala dorata del Musikverein a
Vienna, dove Riccardo Muti ha diretto (per
la sesta volta) i Wiener Philharmoniker nel
consueto concerto del primo dell’anno,
fa impressione. Più che per il pubblico da
casa, la cui attenzione è stata spostata dalla
regia sull’orchestra e sui dettagli architettonici
e scenografici, il cambiamento ha avuto un
forte impatto sui musicisti, privati del calore
degli spettatori. La tecnologia è venuta anche
qui in soccorso della musica, e coloro che si
registravano sul portale mynewyearsconcert.
com hanno potuto applaudire in diretta per
rendere meno fredda l’esibizione, con esiti
tuttavia lontani dal consueto. A riprova che
(per ora) non tutte le esperienze sono replicabili
a distanza. Il periodo delle festività
natalizie, però, è stato un importante banco
di prova per i concerti “virtuali”: da un lato la
necessità di organizzare qualcosa nelle grandi
città, per mitigare la sensazione di spaesamento
da molti provata; dall’altro la difficoltà
per le amministrazioni e gli addetti ai lavori
di confrontarsi con l’organizzazione di spettacoli
in grado di funzionare bene a distanza
e per platee potenzialmente sconfinate. Tra
gli esperimenti più interessanti sicuramente
Welcome to the Other Side, concerto
“impossibile” realizzato in collaborazione con
la città di Parigi e con il patrocinio dell’UNE-
SCO e trasmesso contemporaneamente in
tutto il mondo su piattaforme per contenuti
fruibili con visori VR, social network, radio
e TV . Il musicista e compositore francese
Jean-Michel Jarre, noto per i suoi concertispettacolo
seguiti da milioni di spettatori, si
è esibito in una performance live di 45 minuti
in cui ha suonato brani della sua recente opera
Electronica e nuove versioni rielaborate
dei suoi classici, Oxygène ed Equinoxe, da
uno studio nel centro di Parigi; parallelamente,
il suo avatar è comparso all’interno
di una location, per l’appunto, impossibile, la
cattedrale di Notre-Dame (chiusa al pubblico
dall’incendio del 15 aprile 2019), completamente
ricostruita in 3D, dove il pubblico ha
potuto osservarne in modo immersivo l’esibizione,
accompagnata da spettacolari effetti
grafici e di luce. Il concerto è stato progettato
e prodotto in tre mesi, riunendo un team di
cento artisti e tecnici, ed è stato reso possibile
grazie al coinvolgimento di VRrOOm, compagnia
francese fondata nel 2016 che si occupa
di VR e che lo scorso anno ha lanciato una
piattaforma VR per lo streaming immersivo
e multi-user degli eventi dal vivo. Risultato:
un “videogame” interattivo che ha richiamato
l’attenzione di 75 milioni di spettatori. Altrettanto
titanico è stato lo sforzo per realizzare
Tomorrowland 31.12.2020, l’evento di
fine anno organizzato dal più grande festival
di musica elettronica al mondo. Ventotto tra
i migliori artisti internazionali della scena
dance/elettronica si sono esibiti su quattro
stage digitali, tutti accessibili contemporaneamente,
in uno show di oltre 21 ore andato
in onda in contemporanea in tutto il mondo
sulla piattaforma NAOZ. I numeri sono im-
SUONO febbraio-marzo 2021 19

INSIDE
La facciata del Duomo durante l’evento “Pensieri illuminati”.
pressionati: 200 persone al lavoro, 2 studi
dotati di green screen (uno in Belgio e uno
a Los Angeles), 17 camere 4K e 152 camere
virtuali, 120 computer al lavoro e 1.000 ore
di rendering. Ogni aspetto dello show è stato
curato per dare agli spettatore l’illusione
di una ripresa live, dalle 250 persone arruolate
per fare da comparse e dare l’impressione
di un pubblico reale all’illuminazione,
modificata in base alla posizione del palco e
all’ora del giorno durante la trasmissione.
L’evento è stato seguito da oltre 950.000
persone in più di 151 Paesi.
Sul fronte italiano, tra le tante iniziative
degne di note vanno menzionate almeno
i Pensieri illuminati a Milano
e Fkk2020 a Bologna, entrambe svoltesi
la notte di capodanno. La prima è “un’opera
d’arte totale” promossa dal Comune di Milano
e prodotta con Videomobile e Area
62, con la regia di Marco Boarino: fino al
31 dicembre chiunque ha potuto lasciare
sul sito www.pensieriilluminatimilano.
itun breve pensiero ispirato a uno dei tre
temi dell’opera (creato, umanità e futuro),
trasformato e proiettato dall’artista Felice
Limosani sotto forma di grafica generativa
e pixel luminosi; ad accompagnare le forme,
la musica diretta da Beatrice Venezi,
eseguita dall’Orchestra “I pomeriggi musicali”,
e dalla drammaturgia messa in scena
dalla Civica scuola di teatro “Paolo Grassi”.
Coinvolti nell’opera collettiva i luoghi simbolo
della vita civile, culturale e religiosa
di Milano, tutti circondati da un surreale
vuoto umano: il Duomo, Sala delle Cariatidi,
Palazzo Reale e Museo del Novecento. Il
secondo è un concerto di musica elettronica
organizzato da DumBO (il distretto urbano
multifunzionale di Bologna) e ROBOT Festival
e trasmesso in una live streaming di
cinque ore dal Binario Centrale dell’ex scalo
ferroviario Ravone. A differenza da quanto
accaduto per il concerto nella sala viennese
del Musikverein, qui i dj sono stati calati in
una scenografia digitale “aumentata” e prodotta
in tempo reale, circondati dagli avatar
dei partecipanti alla diretta streaming, proiettati
all’interno della sala digitale. L’evento
è stato trasmesso in diretta streaming su
Twich e in differita su Lepida TV.
Bastano questi esempi per accorgersi della
peculiarità di molti degli show realizzati a
fine anno (e non solo): rendere il pubblico
partecipe in modi innovativi e mai sperimentati,
portando la musica dal vivo nell’arena
digitale del attraverso nuove modalità
o il perfezionamento di quelle già esistenti
(su tutte, la Virtual reality, che non ha
ancora del tutto preso piede). Così come
i videogames hanno, ad esempio, debiti
enormi verso il cinema (e viceversa, in
tempi recenti), anche la musica ha preso
in prestito modalità e strumenti da ambiti
abitualmente molto distanti per far fronte
a una sfida senza precedenti. L’emergenza
sanitaria ha offerto il contesto ideale per
applicare nuovi strumenti su vastissima
scala e rendere il pubblico – già costretto
giornalmente a teletrasportarsi nel mondo
e a teletrasportare il mondo nella propria
stanza – consapevole di contenuti e modalità
di fruizione / interazione finora in
buona parte ignorate. Contenuti e modalità
che per essere goduti appieno necessiteranno,
in futuro prossimo venturo, di
strumenti in grado di rendere giustizia al
lavoro svolto (una nuova età dell’oro si prospetta
per l’alta fedeltà?). Questo ha fatto
la differenza tra gli eventi sopra citati ed
eventi “ordinari”, per i quali si è pensato
solo a una mera riproposizione online o
televisiva di uno spettacolo a porte chiuse,
e rappresenterà il passaggio fondamentale
verso una fruizione della musica senza
confini: nessuna barriera architettonica o
volo aereo o condizione fisica potrà in futuro
impedire a una persona di godere delle
note di un concerto in corso di svolgimento
dalla parte opposta del mondo così come un
musicista avrà finalmente l’opportunità di
godere di una platea globale. Ciò a cui si
andrà incontro, dunque, non sarà uno snaturamento
della musica e della sua essenza
ma una moltiplicazione infinita dei luoghi,
dei pubblici e dei tempi. Perché se c’è una
cosa che questa pandemia ha evidenziato
in modo inequivocabile è che della musica
non se ne può fare a meno. E nonostante le
enormi difficoltà di un settore duramente
colpito, la musica e chi la fa, la sostiene e
la ama, hanno e stanno mostrando grande
resilienza nell’affrontare questa situazione.
Come le note del violoncello di Camille Thomas
e della chitarra di Jacopo Mastrangelo
che dai tetti di Parigi e Roma si sono perse
tra le vie delle due capitali deserte durante
il lockdown, la musica continua a vivere e
a diffondersi in tutte le suo forme, sempre
più velocemente, sempre più lontano, sempre
più alla portata di tutti. In fondo, se c’è
una cosa che può salvare il mondo, per dirla
come Dostoevskij, è proprio la bellezza, della
musica e dell’arte tutta.
20 SUONO febbraio-marzo 2021

INSIDE
di Libero Abbaci
La vita
è tutta un
risiko?
Appunti per un domani e per il rilancio dei punti vendita Hi-Fi la cui continua e inesorabile chiusura, per i
motivi congiunturali affrontati negli articoli che costituiscono il dossier “Alta fedeltà 2020” pubblicato lungo
l’anno che si è appena spento, sta comportando una concentrazione di distributori e di brand nell’offerta
di mercato. Gli stoici negozianti superstiti, per sopravvivere, stanno mettendo da parte le loro nostalgiche
preferenze di marchio o di modello o di gusto musicale ed etica commerciale, decidendo obtorto collo di
aderire alle proposte commerciali dei pochi grandi distributori.
Pesce grosso mangia pesce piccolo: vale ovunque e anche in Hi-Fi
perché, nella continua lotta alla sopravvivenza, chi detiene più
punti vendita sul territorio nazionale riesce a (o cerca di) spuntare
i famosi “numeri” a due cifre. E nello stato attuale, il negoziante si
trova ad accettare l’intero (o buona parte del) pacchetto di brand e di
modelli offerto dal suo distributore (alias holding) di riferimento. In
teoria, ogni brand all’interno del portfolio delle holding dovrebbe avere
un suo preciso posizionamento, senza sovrapposizioni dei beni offerti
su un mercato oramai monopolizzato da pochissimi grandi distributori
che, però, distribuiscono sempre i soliti pochi brand. Per distribuire in
modo più omogeneo le merci sul mercato nazionale, al fine di evitare
l’insorgere di dannose sovrapposizioni dei modelli nel posizionamento
dei vari brand del portfolio (quando i brand nel portfolio della holding
diventano numerosi, questo può evidentemente accadere), alcune grandi
holding avvedute hanno studiato l’offerta dei marchi “spalmandoli”
su più distributori nazionali e quindi su molti più negozi fisici. Come
condizione limite proiettata all’assurdo tecnologico, per sopravvivere
nell’attività industriale le multinazionali detentrici dei brand potrebbero
progettare e produrre due apparecchiature di due diversi brand (quindi
in apparente competizione tra loro) provenienti invece dallo stesso stabilimento
di produzione OEM e quindi aventi lo stesso DNA (accade già,
frequentemente, nel mercato dell’auto). L’impatto di questa “normalizzazione”
potrebbe portare l’utente evoluto (o meglio lo spettatore un po’
“scafato” di questo mercato) a non condividere questa sorta di omologazione,
invocando con lo strumento del passaparola, se vogliamo adottare
una terminologia ecologica, una maggiore e più equa “biodiversità” del
mercato, ogm-free per intenderci! L’italica audiofilia, per indole polemica
innata e comprovata, abituata a lagnarsi e detestare già le normali
imposizioni del vivere quotidiano offerte dalla politica, dai suoi rappresentanti,
dall’economia, dal proprio stato sociale, etc., potrebbe iniziare a
detestare anche la continua sovraesposizione mediatica di questi famosi
brand e i loro lead, rigettandoli per principio, aldilà dell’effettivo valore
percepibile e quindi della loro effettiva qualità. Al contrario, il ruolo del
negoziante rischia di ridursi a quello di fornitore di servizi di vendita al
distributore all’interno di spazi fisici promozionali, costituendo così una
sua personale vetrina fisica sul mondo, con poco incentivo economico e
convinzione personale da parte del commerciante stesso, ridotto quasi
a un ruolo di “dipendente - concierge”. Dopo essere state annichilite le
capacità decisionali del costruttore di progettare autonomamente, oltre
ai propri apparecchi, anche la propria filosofia e strategia commerciale
per lui più efficace o consona, viene assimilata anche la capacità decisionale
del dettagliante di zona di selezionare (scegliere) gli apparecchi
che ritiene più interessanti per la sua filosofia, il suo modello di vendita
e di posizionamento commerciale (alias per lui più convenienti, meglio
suonanti e più profittevoli).
È comprensibile e umanamente condivisibile l’idea che
un negoziante decida di diventare lui stesso distributore
per l’intero territorio nazionale dei brand in cui crede,
bypassando i canali distributivi tradizionali e acquisendo
22 SUONO febbraio-marzo 2021

INCHIESTA IL FUTURO DEL PUNTO VENDITA
direttamente i prodotti da commercializzare dai propri
brand preferiti.
Il ruolo del dettagliante di zona sta, dunque, cambiando: il negoziante
che ha ancora le necessarie risorse per farlo, preferisce cambiare
pelle e, in una sorta di corto circuito di causa-effetto commerciale, ha
ancora senso parlare di “tradizionale catena produttore-importatore/
distributore-dettagliante ,, nel 2021? Questo modello-sequenza di
vendita, che da sempre è stato sinonimo di una ferrea applicazione
delle regole dell’economia reale ante, oggi può ancora ritenersi
valida?
Uno degli effetti, o conseguenza di questa nuova fenomenologia commerciale,
è che in occasione delle manifestazioni nazionali di settore,
fino a quando si sono potute svolgere, si potevano incontrare anche
loro, i dettaglianti di zona. In una sorta di autodeterminazione referenziale,
e sempre più frequentemente, sono addirittura loro stessi
a organizzarle, queste manifestazioni. Qual è, allora, il vero scopo e
l’utilità di queste kermesse organizzate da dettaglianti (spesso anche)
per i dettaglianti? Forse perché intravedono segmenti profittevoli
e nuove opportunità per fare business alternativi o migliorare il
proprio posizionamento commerciale (ergo il loro MOL)? Anche per
questo, ovviamente... Oppure, il motivo della nascita di queste iniziative/servizi
è legato al fatto che oggi il negoziante conosce meglio
dei nostrani distributori i nuovi trend di consumo, la profittabilità
e la scalabilità nell’offerta dei prodotti di un brand (scritto con tre
punti di sospensione e punto interrogativo finale). Dato che lo scopo
principale di questi eventi è far conoscere al pubblico i vari marchi
e i loro prodotti, comunicando la filosofia che dovrebbe contraddistinguerli
dal resto, si percepisce nel contempo un certo scollamento
nei rapporti con i distributori nazionali, presenti anch’essi in queste
manifestazioni, sovvenzionati o sponsorizzati anche dai loro brand,
ovviamente.
In una sorta di melting pot, i veri protagonisti, i distributori e gli
importatori, dovrebbero forse (ri)adoperarsi fattivamente in questi
servizi promozionali, possibilmente organizzandole nuovamente
loro, queste kermesse, andando oltre gli obsoleti steccati imposti
dalle regole della concorrenza. Anche alcuni produttori italiani che
partecipano direttamente a queste manifestazioni osservano questa
tendenza, non senza nascondere qualche perplessità circa l’affidabilità
degli operatori in queste nuove vesti di distributori, che potrebbe
tradursi in uno svantaggio (temporaneo?) per il produttore stesso in
termini di reputazione nei servizi di post-vendita e/o nel loro corretto
posizionamento di mercato. Siamo all’inizio delle grandi manovre
per la creazione di una nuova e più agile corporazione trasversale,
quella dei brand retailer affiliati? Ciò che cambia, in questo caso, è
il sistema di relazioni, non più unidirezionale con il proprio distributore
ma multiverso su rete network, veloce, assertivo, paritetico,
costruttivo, equanime e solidale tra i vari partner. Probabile che
i suggerimenti proposti da un rivenditore affiliato possano essere
condivisi e replicati in tempo reale dai propri partner come atto per
la crescita collettiva e non come un’iniziativa individuale di cui si deve
comunque diffidare. In questo caso, l’uso di strumenti di geomarketing
a geometria variabile risulta cruciale e strategico al fine di evitare
rischiose sovrapposizioni delle “aree di competenza territoriale” nel
posizionamento e di scalabilità dei prodotti. Nella “ripartenza” che,
si spera, avverrà in questo stesso 2021 anno domini, diventa cruciale
interrogarsi sul “come” (ancor più che sul “quando”) ripartire...
Non si propone qui la ri-nascita di un’organizzazione nazionale (che
dovrebbe comunque essere più super partes che in passato) costituita
da tutti gli stakeholders audio e magari atta all’organizzazione
di tre fiere all’anno, nord-centro-sud, isole comprese, di caratura,
rappresentanza, autorevolezza e qualità stellari (anche se questa non
sarebbe affatto una pessima idea) ma, proprio per dare un qualche
valore al concetto di stakeholders, anche il pubblico dovrebbe essere
parte attiva e consapevole di un nuovo processo di crescita...
Della serie: non si va a eventi di questo tipo soltanto per passare
un pomeriggio alternativo e diverso dal solito, magari portandosi
dietro il proprio cane (!?!), perché non si sa proprio dove lasciarlo,
oppure spingendo il passeggino con a bordo il proprio neonato (due
cose viste per la prima volta lo scorso anno, sia nelle salette che nei
corridoi di una di queste manifestazioni), come se invece di fare
una passeggiata ai giardini pubblici, si venga qui solo “perché fuori
piove”. Magari andrebbe introdotto il concetto di “biglietto” facendo
pagare per l’ingresso: la “clientela general purpose” tenderà a
diminuire in quanto disincentivata ma per gli operatori impegnati,
probabilmente, il livello dei contatti qualificati può solo migliorare!
E con essi, anche il prezzo per l’affitto delle salette potrebbe essere
leggermente laminato da questa nuova entrata economica, possibilmente
non speculativa. Inoltre, il tempo di permanenza del pubblico
qualificato nelle salette sarebbe sicuramente superiore, in quanto
stimolato dal dovere “ammortizzare” il costo del biglietto, progettando
strategicamente così la loro giornata invece di “fuggire” al primo
momento opportuno per l’aperitivo. Certamente, non si potrà più
SUONO febbraio-marzo 2021 23

INSIDE
Tutti assieme abbiamo ottenuto nel corso dell’anno appena concluso degli ottimi
risultati; un anno indubbiamente complesso per molte ragioni ma che ci ha anche
portato, in molti casi, soddisfazioni inaspettate dal punto di vista commerciale.
Parlando con altri addetti ai lavori ho avuto conferma che, per quanto concerne
l’home entertainment e, più in generale, i prodotti che si utilizzano in casa, c’è
stato un significativo aumento di interesse che spesso si è tramutato in vendite.
Naturalmente questa disponibilità di spesa e aumento di interesse per l’audio e
il video in casa è frutto anche dell’impossibilità di impegnare il tempo libero con
viaggi, uscite al ristorante o ai caffè, con visite nei luoghi della cultura. Abbiamo tutti
quanti vissuto di più le nostre case e viaggiato quasi solamente in maniera virtuale
grazie ai nostri sistemi audio-video, ai quali un certo numero di appassionati ha
messo mano per migliorarne le prestazioni e rendere l’esperienza più appagante.
Questo trend è probabilmente destinato a continuare fino a quando le condizioni
che ci impediscono di uscire, di viaggiare e di vivere la nostra vita in piena libertà
rimarranno in forza. E poi? Il fatto che ci sarà un forte “rimbalzo” a favore di tutto
ciò che è la vita all’aperto, il viaggiare, il socializzare nuovamente senza paure o
sensi di colpa, direi che più che una probabilità è una certezza. Cosa possiamo fare,
quindi, per ridurre il rischio che, dopo una fase di crescita “drogata” dalla condizione
forzata in cui siamo tuttora, ci si ritrovi a sperimentare una frenata improvvisa dei
consumi in ambito domestico? Ognuno di noi, credo, debba trovare la “propria
risposta giusta” a questa domanda ma, se c’è una cosa che questo periodo ci sta
quotidianamente insegnando è che, anche 2.500 anni dopo le parole di Aristotele,
siamo sempre degli animali sociali e ci nutriamo del rapporto con i nostri simili:
una stretta di mano (che ora ci è negata), una battuta di spirito al nostro cliente
affezionato, il consiglio giusto e disinteressato regalato al ragazzo che si avvicina
al mondo dell’audio perché spinto dal papà o incuriosito dall’amico, il minuto in
più di disponibilità a rimanere al telefono offerta a un nuovo potenziale cliente e
più in generale l’apertura al prossimo e la capacità di dimostrarci non dei semplici
venditori di oggetti inanimati, tutto questo credo sia il migliore modo per rafforzare
il legame con i nostri clienti già acquisiti, per conservarne la stima e l’affetto,
così come può rappresentare l’inizio di un nuovo rapporto di fiducia con nuovi
appassionati che si avvicinano al nostro mondo.
So di dire cose scontate e so anche che la gran parte di chi legge, tra i professionisti,
già fa del proprio meglio per far sì che i clienti, nuovi o vecchi che siano, possano
continuare a vedere in voi una risorsa per spendere meglio e non magari un
impedimento allo spendere meno. Tuttavia il “fattore umano” è davvero l’unico
elemento che ci può dare un vantaggio competitivo rispetto alla pura vendita
online, che pure so molti di voi ben conoscono e gestiscono. Oggi andare contro
l’online non ha più senso perché è oramai un metodo di acquisto abituale per
quasi tutti. Tuttavia molti prodotti, vuoi per la necessità di essere provati, confrontati
o toccati con mano, vuoi per l’alto costo e la minore diffusione sul territorio,
continueranno ancora per anni ad essere venduti solo in negozio. Ed è qui che un
approccio sensibile al cliente può fare la differenza e generare sia una vendita che
la nascita di un rapporto di fiducia con l’appassionato. Quindi, in ultima analisi, il
mio consiglio è quello di utilizzare al meglio la situazione attuale per fidelizzare
nuovi clienti e mantenere vivo il rapporto con quelli già acquisiti. Investite il tempo
e la propria esperienza con loro: loro investiranno su di voi!
Luca Parlato - LP Audio
fare riferimento solo ai “like” di Facebook per determinare l’engagement
che ha avuto il visitatore in quella specifica manifestazione.
C’è anche il rischio che il commerciante (che ha già l’età della
quiescenza), salvo rari casi di immolazione alla causa audiofila,
preferisca chiudere e, in questa panoramica, va anche inserita la
nuova user experience che “offre” l’e-commerce per l’acquisto di
prodotti sotto la soglia psicologica dei 1.000 euro. Questi prodotti,
oggi, sono anche reperibili con una certa tranquillità sui portali
web dedicati che consentono di effettuare transazioni sicure tramite
PayPal e altre label del settore, garantendo così una qualche forma
aggiuntiva di certezza che arrivi a casa il prodotto desiderato e non
altro. Ma così facendo, il punto vendita è penalizzato ancora una
volta, perché magari il cliente, prima di acquistarlo sul web a 20
euro in meno compreso il trasporto, è andato a vedere, toccare e
ascoltare l’articolo “dei suoi desideri” nel negozio fisico, fruendo
così di una vera user experience offerta gratuitamente (più o meno
consapevolmente) dal rassegnato negoziante, che viene liquidato con
la tipica frase: “ok, grazie, ci penso su ancora un po’, poi ripasso, ci
vediamo... ciao...”. Per non parlare delle grandi superfici, anch’esse
devastate dall’impatto dell’e-commerce nell’economia reale. Oggi,
in quei luoghi, si vendono solo i “bianchi”, i “neri”, gli smartphone,
qualche macchina per il caffè e i nuovi aspirapolvere premium senza
filo e senza sacchetto. Neanche più i computer, resi immediatamente
obsoleti dal continuo rinnovamento (reale o apparente) dei modelli
“sempre più prestanti”, incompatibile con i tempi di tenuta a stock!
Può capitare, infatti, di trovare sensibili discordanze tra il cartellino
fisico del negozio e quello virtuale sul sito online, che offre prezzi
sensibilmente differenti (più bassi) per lo stesso modello giacente nei
magazzini fisici locali della stessa grande superficie. Occorre quindi,
in questi casi, fare sempre molta attenzione a dove e come si compra.
Stiamo per assistere alla quadratura del cerchio,
ovvero a una kafkiana “cerchiatura del
quadrato”? I mercati finanziari (holding, joint
venture, private equity found e altre multiformi
organizzazioni finanziarie) svolgono il loro lavoro:
rendere produttivi i capitali investiti (anche)
nelle società del settore Hi-Fi, possibilmente
con rendimenti a due cifre, perché annualmente
devono rendere conto della cosa ai propri
investitori.
L’EBITDA è uno degli indicatori nel bilancio di un brand che consente
agli investitori di valutare correttamente la reale proposta di
24 SUONO febbraio-marzo 2021

INSIDE
valore del grande costruttore (ovvero il suo reale posizionamento
di mercato). Il grande costruttore, vincolato ai risultati richiesti dai
mercati finanziari a cui ha da tempo ceduto le leve economiche riferite
alle sue capacità decisionali, deve continuare a fare fatturati a
“due cifre” per la propria sopravvivenza (ovvero per il mantenimento
dei fidi bancari, che determinano il rating a cui il grande brand è
esposto dai mercati finanziari). Ogni anno, quindi, il grande costruttore
deve sfornare continue “novità” di prodotto, quasi mai
associabili a vera innovazione tecnologica ma, al limite, associabili
a nuove forme estetiche o funzionali dell’oggetto, in particolare nei
settori dell’analogico e dei diffusori. Comunque sia, tutti noi dobbiamo
essere consapevoli che oggi siamo oggetto di rating da parte
di qualcuno. Si, anche noi persone fisiche: provate a richiedere un
prestito in banca per comprarvi l’ultimo DAC... Il distributore, per
mantenere la distribuzione del brand, deve dimostrare con “i numeri”
al costruttore la sua capacità di “penetrazione del mercato”. L’azione
a cui sottende il sostantivo la dice tutta. Il punto vendita si trova
tra il martello del distributore e l’incudine del cliente, all’interno
di logiche di mercato oramai obsolete e poco incoraggianti per il
proseguo della propria attività commerciale. Si uniscano anche gli
incrementati costi di gestione dell’attività commerciale, e il gioco è
fatto. Diventare senza reale convinzione una vetrina fisica del distributore
è per tanti la soluzione più semplice ed economicamente più
redditizia. Il cliente, infine, prima ha investito nei mercati finanziari
per fare rendere (a una cifra) il proprio capitale, poi l’ha ritirato per
acquistare il prodotto Hi-Fi dei suoi desideri... ex-demo, ovviamente.
Quelle analizzate nei numeri passati nella rubrica “Alta fedeltà 2020”
sono “solo” alcune delle cause dirette che hanno concorso e stanno
concorrendo in questi anni sia all’abbandono di questo magnifico
hobby da parte di tanti appassionati che alla chiusura dei punti
vendita di alta fedeltà (anche storici) sul territorio nazionale. Certamente,
la situazione recessiva in cui versa attualmente sia la cultura
media che l’economia nazionale si riflette in un clima generalizzato
di incertezza, che spaventa l’utente il quale, pur avendo a volte le
capacità economiche per affrontare la spesa, lo porta “kafkachicamente”
o “kafkiamente” a più miti consigli di posporre l’acquisto
preventivato, in attesa che i tempi cambino e/o i prezzi scendano
(?) con il prossimo “Black Friday”. Ma questo non accade da ormai
più di un decennio e si ritiene non potrà accadere per molto tempo
ancora. Pare che anche la Germania (qualcuno potrebbe anche
concedersi un cattivo pensiero di marca euroscettica, aggiungendo
come fosse un mantra la frase “finalmente, anche loro”) sia entrata
in recessione.
Occorre quindi una nuova visione, certamente
non ideologica, tantomeno integralista,
ma pragmatica, che porti stabilità, certezza e
credibilità dei valori (e quindi dei prezzi), che
renda etici, trasparenti e abbondanti i rapporti
tra costruttore, distributore, punto vendita e
cliente, uniti tutti per rafforzare un legame di
“nuova alta fedeltà” reciproca, di incrementale
perequazione dei rapporti di forza, specie nella
(sempre trascurata, ma cruciale) attività definita
di “post-vendita”.
Occorre, inoltre, inoculare un nuovo immaginario collettivo di tipo
propulsivo, motore di nuovi modi di intendere una nuova altra fedeltà.
Almeno una volta nella vita abbiamo sentito dire che un cliente,
appena uscito dal negozio, viene irrimediabilmente dimenticato
dal negoziante, in questo caso sofferente di gravi patologie mentali
di perdita di memoria a breve e a lungo termine. Certo conformemente
alla definizione, l’attività di “negoziazione” del “negoziante”
si “negozia” nel “negozio” e termina con una bella stretta di mano
e un addio, non un arrivederci. Si conclude così, in maniera triste
e sconsolata per il cliente, la fatidica e sospirata (per il negoziante)
cosiddetta fase di sell-out. Il fatto è che tutti noi viviamo in una realtà
economica, non finanziaria. Il destino non alternativo non è il futuro
ma è il presente, ed è sotto gli occhi di tutti. Anche la terminologia
che adottano ancora le multinazionali del settore o i propri uffici
stampa rispecchia la volontà di raggiungere nel futuro “risultati a due
cifre”. Probabile che vogliano replicare anche qui da noi in Europa
o negli U.S.A. gli stessi trend di crescita consumistica dei paesi in
via di sviluppo tecnologico. Ma sono passati oramai 40 anni e noi
non siamo più nei rutilanti anni ’80. Ma siamo in Italia - casa Europa.
Perché continuare a equivocare sapendo di equivocare, definendo
alternativamente un “consumatore”, un “utente”, una persona (un
utente che sta per acquistare o ha acquistato un bene non è più un
utente, ma diventa casomai un cliente) che, se consapevolmente
appagata dal prodotto acquistato, lo sostituirà ottimisticamente tra
dieci o vent’anni?
26 SUONO febbraio-marzo 2021

INSIDE
di Paolo Corciulo
Fedeli alla linea
La casa svizzera festeggia i suoi 70 anni di vita vissuti nel solco di una invidiabile coerenza di intenti.
Una vera icona, senza cedimenti, nel mercato Hi-Fi, sempre più alla ricerca di concretezza.
Il Nagra I nella versione prototipale e in quella definitiva.
Amaggior ragione per il fatto che nel calcio non ci sono
più bandiere e nella vita mancano gli eroi (e tra caporali
e uomini ve n’è più dei primi che dei secondi), va riconosciuto
a Nagra il merito di aver saputo tenere dritto il timone
nei 70 anni della sua vita, senza rinunciare a perseguire i suoi alti
obiettivi e poco cedendo alle sirene del mercato o alla crescente
mercificazione di idee, beni e imprese, caratteristica di questo
secolo... Né si può dire che poco sia cambiato dal 1951, quando
il profugo ventiduenne Stefan Kudelski (era nato nel 1929) creò
il suo primo prodotto, animato da un certo ottimismo (la parola
“nagra” in polacco, il paese di origine di Kudelski, ha a che fare con
il verbo “registrare” declinato al futuro). “Registrerà”, ciò che Nagra
ha saputo fare al meglio, ottemperando le
necessità dei professionisti fino a diventare
un must, sviluppando parallelamente anche
deliziosi sogni per il mercato consumer. Registrerà:
un manifesto programmatico declinato
negli anni mentre più generazioni
della famiglia Kudelski si sono alternate al
comando del Kudelski Group e il panorama
del mercato mutava via via sempre più velocemente,
con aziende che passavano di mano
o finivano in quelle della finanza. E invece
gli atti e gli uomini della Audio Technology
Switzerland SA, l’azienda proprietaria del
marchio Nagra, una spin-off della divisione
Audio dal gruppo Kudeski (che spazia nel
vasto panorama della sicurezza e dell’entertainment
digitale e non), hanno mantenuto il loro passo fermo
senza cedimenti e con poche, pochissime esitazioni, forse ispirati
dai dettami del fondatore. Kudelski perseguitato, Kudelski nomade
e cittadino del mondo (emigrato con la sua famiglia prima
in Francia e poi in Svizzera nel 1943); conosco la dinamica: ne
esci distrutto e intimorito o estremamente fortificato! E il giovane
Stefan Kudelski sembra appartenere a questa seconda razza:
poco più che ventenne e ancora studente al Politecnico federale
di Losanna presenta il suo primo registratore a nastro (Nagra I,
nel 1951), per il quale l’anno successivo riceve il primo premio
del primo “International Amateur Recording Contest”. Kudelski,
appassionato di vela e ingegneria, aveva bisogno di un apparecchio
Il Nagra II nasce nel 1953 sulla base dell’esperienza con la
prima versione e delle nuove tecnologie di produzione: dal
1954 monterà una scheda con circuiti stampati.
28 SUONO febbraio-marzo 2021

70 VOLTE NAGRA
Nasce nel 1957 il Nagra III, il primo modello con corpo in metallo, motore elettrico e controllo di velocità servoassistito ad anello chiuso. Compare per la prima volta il misuratore
di picco denominato Modulometer.
da utilizzare per registrare le istruzioni per una macchina CNC
che voleva costruire! Del registratore, a manovella, ne verrà prodotto
un piccolo numero (6 per Radio Lussemburgo) ed evolverà
nel Nagra II (1953), ancora prodotto a livello artigianale in una
abitazione a Prilly (ovest di Losanna) con un piccolo staff che
rapidamente diventa di undici dipendenti che lavorano a tempo
pieno. Nel 1956 il numero sale a 17 e dà vita, l’anno successivo,
al Nagra III, il primo ad adoperare un motore elettrico. Poi è una
marcia trionfale...
La prima spedizione sull’Everest, la ricerca oceanografica nella
Fossa delle Marianne (a bordo di un batiscafo) o il navigare tra
le stelle (nell’ambito della Missione Apollo), l’utilizzo da parte
dell’FBI e in altre spy story; l’utilizzo sui set cinematografici o
da parte di radio e televisioni, dove generazioni di reporter ne
hanno usato o agognato uno, hanno associato il nome di Nagra al
concetto di registrazione in ambito professionale, rigorosamente
affiancato dal fascino del nastro a bobina (con l’eccezione di un
breve excursus con una sorta di cassetta, precorritrice della Compact
Cassette) che ha scandito le varie generazioni di prodotto fino
al Nagra-D, quando è nato il primo registratore digitale.
Apprezzato in ambito professionale per buone ragioni, in quanto
“pensato” per i professionisti: durante la produzione del Nagra III,
ad esempio, Stefan Kudelski inventò il sistema “NEOPILOT”, un
metodo di sincronizzazione tra audio e video (nei film si registrava
l’immagine su pellicola fotografica attraverso la telecamera e il
suono su un nastro magnetico e la sincronizzazione era un elemento
nevralgico) che sarebbe diventato standard fino alla fine degli
anni ’80 con l’introduzione del timecode. Realizzato rimanendo
Oltre 2.500 esemplari scandiscono il primo lotto di produzione del Nagra IV che nel 1969, in una delle sue successive versioni (IV-S), offre ai professionisti il primo registratore
stereo portatile degno di questo nome.
SUONO febbraio-marzo 2021 29

INSIDE
Il Crevette (1967) venne sviluppato per la marina francese (il termine vuol dire granchio in francese): si trattava di un registratore a mezza traccia da inserire in un siluro
sottomarino che, una volta sparato, avrebbe registrato i dati balistici ottenuti dai giroscopi interni e dai sistemi di navigazione per consentire agli ingegneri di perfezionare
la traiettoria e i sistemi di guida all’interno del siluro.
fedeli a una sorta di dimensione famigliare (la sede a Romanel, a 5
km da Losanna, con “affaccio” sul lago, non a caso nelle vicinanze
di Montreaux e del suo famoso Jazz Festival...), scandita da una
produzione “goccia a goccia”, fortemente caratterizzata dal livello
costruttivo che, sarà banale dirlo, è sempre stato da “precisione
svizzera”. Tutti elementi che tratteggiano una unicità del marchio
difficile eguagliare. Semmai è incomprensibile perché, nonostante
questa unicità (e la presenza anche di elementi di facile attrattiva
come i VU-Meter di produzione originale, immancabilmente
presenti sulle varie generazioni di registratori), tutto questo una
volta trasposto nell’ambito Hi-Fi (a partire dagli originali finali
a sviluppo verticale VPA - 1998) non abbia solleticato al massimo
l’immaginario audiofilo; per carità, il marchio è altamente
rispettato ma non ha la stessa potenza iconica dei stra-citati “occhioni
blu”, anche se lo meriterebbe decisamente! Ma c’è sempre
tempo, soprattutto per chi ha dimostrato di non temerne l’usura
e, anzi, fin dall’inizio ha adottato il passo del montanaro (quello
che avanza piano ma che supera la salita): basterà solo rivedersi
più avanti, quando anche il segmento Hi-Fi godrà di una ancor
più solida storicità...
Il Nagra SNS, Il più piccolo registratore a bobine portatile del mondo (mezza traccia), fu introdotto nel 1970: forse il più iconico dei prodotti Nagra, immortalato in tantissimi
film. Il solo guardarlo evoca atmosfere da spy story al tempo della Cortina di Ferro: verrà adottato dalle forze dell’ordine di tutto il mondo.
30 SUONO febbraio-marzo 2021

INSIDE
de Il Tremila
Angeli & Demoni
La morte in prigione il 16 gennaio a causa del Covid ma alle spalle un passato brillante nel campo musicale,
con tutti gli eccessi del caso. Il lascito di Phil Spector è quello di aver nobilitato la figura del produttore, unendo
creatività a un sapiente uso delle tecnologie a disposizione.
Immaginate che con una ipotetica macchina del tempo vi sia consentito
fare un passo indietro ritrovandovi all’inizio degli anni
’60. Il mondo musicale è assolutamente diverso e non solo per le
melodie e gli arrangiamenti (quasi sempre essenziali, almeno nel pop
rock) ma anche (o forse proprio per questo) per le tecniche utilizzate:
la registrazione multitraccia è ancora agli esordi visto che solo nel 1954
la Ampex, con il contributo del chitarrista Les Paul (che era anche un
gran tecnico e sarebbe diventato un costruttore di chitarre) ha costruito
il primo registratore a 8 piste, il cui utilizzo o quello di macchine simili (3
o 4 tracce) è ancora estremamente ridotto e lo rimarrà per buona parte
di questo decennio. Gli arrangiamenti dei brani pop rock sono molto
semplici e le macchine multipista (3 o 4 tracce le più diffuse) sono utili
tuttalpiù per registrare la musica di accompagnamento su due tracce
(permettendo la sovraincisione di parti separate o creando una traccia
di accompagnamento stereo completa) mentre la terza viene riservata al
cantante principale... Solo qualche sperimentatore intuisce le potenzialità
della tecnica multipista: i Beach Boys, in ragione dei complessi arrangiamenti
di Brian Wilson, i Moody Blues, con il loro rock psichedelico e,
naturalmente, i Beatles (restano nella storia le incisioni agli Abbey Road
nella metà degli anni ’60). In questo panorama irrompe Phil Spector,
ambigua figura di musicista - produttore con un passato segnato dalla
morte del padre ancora giovanissimo: bambino prodigio con la chitarra
dall’età di 12 anni, il successo sembra arridergli da subito visto che con
il suo primo gruppo musicale firma una canzone che arriva a vendere
oltre un milione di copie! Poi, poco più che ventenne, focalizza l’attività
preminentemente sulla produzione, senza sbagliare un colpo (18 album
in carriera, ciascuno oltre il milione di copie vendute) diventando
multimilionario ad appena 25 e inventando uno stile nelle registrazioni,
The Wall of Sound, che condizionerà i musicisti a venire: dal punk al
grunge, da Amy Winehouse (che si è ispirata nel look alla cantante delle
Ronettes - nella foto di apertura con Spector- il gruppo portato per
primo alla ribalta dal produttore) a Brian Eno. Wall of Sound, ovvero
32 SUONO febbraio-marzo 2021

PHIL SPECTOR
una impronta musicale molto specifica ottenuta con la collaborazione
dei migliori turnisti di Los Angeles (la cosiddetta Wrecking Crew - nella
foto a destra) e “condita” da una attenzione ossessiva e perfezionista:
per River Deep, Mountain High (1966), Phil Spector assunse 21 musicisti
e 21 cantanti facendo ripetere a Tina Turner take dopo take fino a sua
completa soddisfazione; le cronache narrano che per liberarsi dell’ingombrante
presenza di Ike Turner, lo pagò ventimila dollari per stare
lontano dalla sessione di registrazione! Più tardi Tina Turner racconterà:
“Devo averla cantata 500.000 volte. Ero fradicia di sudore. Dovevo
togliermi la camicia e stare lì in reggiseno per cantare”. Nel frattempo
i musicisti della Wrecking Crew eseguivano le tracce strumentali che
venivano registrate e mixate dal vivo, direttamente su 4 delle 8 tracce
del registratore utilizzato in quello studio. Spector era intenzionato a
portare il Wall of Sound nella storia! Va anche detto che l’adozione della
tecnica multitraccia introdusse nuovi problemi, come l’aumento, soprattutto
nella porzione inferiore della gamma di frequenze, del rumore
per effetto delle interferenze tra traccia e traccia, cosa che però permise
ad alcuni tecnici di distinguersi per la capacità di contenere al minimo
il fenomeno (è una delle ragioni per cui gli Abbey Road sono diventati
giustamente famosi). L’incentivazione dell’uso del nastro a 4 tracce e
oltre portò anche, come sviluppo correlato, alla tecnica quadrifonica (un
certo numero di album, tra cui The Dark Side of the Moon dei Pink Floyd
e Tubular Bells di Mike Oldfield, furono pubblicati sia in stereo che in
formato quadrifonico negli anni Settanta); anche se questa soluzione non
avrebbe poi preso piede, diede la spinta a una ricerca tutt’ora in atto per
ottenere una nuova esperienza sonora “coinvolgente” e pose le basi del
suono surround attualmente utilizzato nell’audio/video.
Coinvolto nel divismo e negli eccessi di quelli anni (le foto dell’epoca che
lo ritraggono immortalato esattamente con lo stesso look degli artisti a
cui confezionava il suo riconoscibile abito musicale), a Spector va anche
il merito di aver delineato con forza l’importanza del produttore, cosa
che fece parallelamente a George Martin (il “quinto Beatles”), che però
rimase dietro le quinte. Elevato da figura silenziosa e nascosta dietro a
un mixer alla ribalta del glamour, il ruolo del producer da allora non è
stato più lo stesso rivelando, in certi casi, una piena dimensione artistica:
Quincy Jones, Nile Rodgers e Brian Eno che sono nella storia, la pattuglia
di quelli che negli anni ’90 hanno donato dignità all’hip-hop e alla
figura ibrida del produttore - dj. I Beatles lo convinsero a produrre il loro
ultimo album, Let It Be, nel 1969, e dall’amicizia nata in tale occasione
gli album di debutto di John Lennon e George Harrison (Lennon lo ha
chiamato “il più grande produttore discografico di sempre”). Tina e Ike
Turner, Leonard Cohen, Celine Dion, Cher e i Ramones in cuor loro
sanno di dovergli qualcosa... Parte del suo successo può essere fatto
risalire proprio alle sue attitudini giovanili: era un direttore creativo
più che un produttore; sceglieva il materiale musicale, realizzava gli
arrangiamenti, dirigeva addirittura musicisti e cantanti durante le registrazioni.
“Quando vedi un film di Kubrick, dimmi quante volte ti ricordi
immediatamente il cast”, rivelò a Melody Maker nel 1977. “Una? Due?
È lo stesso con Fellini, ed è quello che volevo fare quando ho diretto
una registrazione. I cantanti sono strumenti. Sono strumenti con cui
lavorare”. Per la sua attitudine alla musica seppe anche svolgere l’attività
di scouting: scoprì un gruppo di liceali di New York City, le Crystals, il
cui singolo di debutto, There’s No Other (Like My Baby), raggiunse il
numero 20 delle classifiche nel 1962. Il singolo He’s a Rebel, anch’esso
accreditato alle Crystals, raggiunse la vetta delle classifiche lo stesso
anno; portò a un successo planetario il gruppo vocale femminile The
Romettes sposandone in prime nozze la fondatrice Veronica Bennett
Riconoscimenti e successi che ne minarono via via la stabilità: mentre
produceva l’album di Lennon Rock ‘n’ Roll (1975) sparò con una pistola
nel soffitto e sempre con una pistola minacciò Leonard Cohen durante
una sessione di registrazione per Death of a Ladies’ Man (1977). In quegli
anni la seconda moglie e i figli lo descrivono come un donnaiolo instabile
e possessivo e l’epilogo sembra quasi inevitabile: il 3 febbraio 2003 viene
arrestato per aver ucciso con un colpo di pistola Lana Clarkson, una
quarantenne hostess di nightclub, già attrice in difficoltà, che recitava in
film a basso costo (nel biopic omonimo - interprete principale uno straordinario
Al Pacino - il regista David Mamet adombra la possibilità che
non fosse colpevole ma così decise la legge). Poi il carcere, dove è morto
il 16 gennaio 2021 ottantenne o ottantunenne (le biografie si dividono
in merito), mentre scontava una pena di 19 anni.
SUONO febbraio-marzo 2021 33

INSIDE
di Paolo Corciulo
Essere un
centro pilota
SUONOpoint
D’Agostini Lab a Roma e Il Centro della Musica a Legnano hanno aderito all’iniziativa di SUONO che in
questi ultimi mesi ha cercato dalle pagine del giornale di esaminare il mercato Hi-Fi ed evidenziarne i punti
critici. Per rilanciarlo…
Le rivoluzioni si fanno anche partendo dalle piccole cose,
avanzando passo per passo in un tragitto che appare forse
infinito ma è importante sia conseguente e finalizzato all’obiettivo.
È quello che da anni facciamo e se ne ravvisano tracce scritte
(la carta non mente) a perenne memoria, nell’era in cui la vaghezza
e l’impalpabilità della dimensione virtuale sembrano consentire
tutto e il contrario di tutto in una dimensione orwelliana in cui oggi
posso affermare l’esatto opposto di ieri e qualcosa di differente da
domani... Il ciclo di articoli “Che cosa è l’alta fedeltà - e ci interessa
davvero?” prima e quelli più recenti del “Dossier Alta Fedeltà
2020” (che analizza in maniera spietata le dinamiche del mercato
soffermandosi sul ruolo e futuro dei negozianti e degli utenti stessi),
testimoniano la continua intenzione da parte di SUONO di stabilire
un osservatorio sul mercato a cui, con la forza congiunta, fornire
soluzioni e alternative, alla luce di un bene supremo superiore che
è il buono stato di salute del mercato Hi-Fi, messo a repentaglio da
anni di mal governo e da una situazione a contorno ostile e difficile.
Talmente alto è l’obiettivo che richiederebbe un effluvio di parole,
termini, precisazioni, tanto da suggerire, al contrario, una pragmatica
e semplice stretta di mano dei contraenti (Covid permettendo)
a consacrare l’intenzione di percorrere un cammino, fintanto sarà
di comune interesse.
Così è accaduto con Alessandro D’Agostini e Daniele Terrazzan, forse
non a caso entrambi giovani imprenditori, lontani dall’epoca d’oro
dell’Hi-Fi ma anche dalle pastoie ideologiche che l’hanno caratterizzata.
Con loro c’è una condivisione di obiettivi consacrati dalle
parole che ci siamo scambiati negli anni ma soprattutto degli anni che
ognuno separatamente ha compiuto in questo lasso di tempo e che
abbiamo racchiuso nella definizione “Centro Pilota SUONOpoint”,
che contiamo abbia proseliti non solo per l’interesse personale ma
perché sarebbe la riprova di un nuovo spirito del mercato, a tutto vantaggio
del consumatore. Qualche anno fa abbiamo dato vita a SUO-
NOpoint, una confederazione di negozi e una iniziativa che era volta
a rinsaldare il rapporto della rivista con alcuni negozi di eccellenza
distribuiti nel nostro paese e, tramite loro, con i consumatori del
bellissimo hobby della riproduzione sonora a cui veniva sottoposta
una griglia di prodotti caratterizzati da due elementi fondamentali:
essere a nostro avviso estremamente validi e dal prezzo contenuto. Fu
un successo commerciale (il che non guasta), meno dal punto di vista
“etico”, ovvero del tentativo di aprire una verace finestra sul mondo,
evitando l’isolamento lassù nell’Olimpo che spesso, soprattutto in
passato, le riviste hanno ostentato. Come spesso ci capita eravamo
troppo in anticipo sui tempi o, come i nostri detrattori potrebbero
sostenere, eravamo fuori tempo…
Poi l’evoluzione dell’avventura ANNUARIO del SUONO (perché
ogni anno di avventura si tratta) ci ha portato a riconsiderare la
34 SUONO febbraio-marzo 2021

UN OSSERVATORIO SUL MERCATO
cosa. È doveroso aprire una piccola parentesi in tal senso, non fosse
altro perché probabilmente la cosa è sconosciuta al pubblico; da
alcuni anni ormai la lavorazione dell’ANNAURIO coinvolge oltre
150 operatori del settore coesi da un bene/interesse comune: fornire
un panorama il più completo e preciso possibile dell’offerta
di prodotti nel mercato Hi-Fi. Questa community professionale,
l’unica in vita in Hi-Fi dopo la chiusura dell’APAF, ha mostrato
potenzialità enormi su un “piccolo – grande obiettivo” e non
disperiamo possa esplorarne altri. Questa vitalità ci ha indotto,
complice il momento difficile che attraversiamo, a vincere l’egoismo
e l’individualismo dilagante (che dunque è anche dentro
di noi) per offrire energie, come hanno fatto D’Agostini Lab e Il
Centro della Musica, per un bene comune. Declinarle nel modo
migliore è per noi un obbligo che spero rapidamente prenderà
la sua migliore forma a partire da ora, dove parte un’avventura
senza un punto di arrivo che ci limiti.
“Mira alla luna.
Male che andrà, ti ritroverai tra le stelle.”
(Les Brown)
D’AGOSTINI LAB
Un auditorium (in grado di contenere più di una decina di persone
sedute), una sala dedicata unicamente al confronto delle cuffie, una
sala home theater e home automation, una sala audio e una grande
superficie espositiva con tre vetrine multifunzione su strada e due
entrate. La struttura si presta a ospitare eventi con una serie di aree
(entrata separata, entrata merci, zona accoglienza e persino una zona
cucina) adatte a tale scopo; un’altra svolgerà attività di ticketing per
eventi e concerti non necessariamente collegati all’Hi-Fi.
Per info:
D’Agostini Lab
Via Francesco Catel 37-39 - 00152 Roma - tel: 0686292661
IL CENTRO DELLA MUSICA
Nonostante Legnano non sia il centro del mondo, questo punto
vendita ha saputo conquistare un ruolo di preminenza tra i negozi
del nord grazie a un’offerta che spazia tra i migliori prodotti hi-end,
tutti disponibili nel negozio e utilizzabili nelle tre sale d’ascolto e gli
eventi organizzati periodicamente, una specie di salotto dell’Hi-Fi
per aficionados e non. Il plus è costituito dall’esperienza del titolare
Daniele Terrazzan, disponibile anche per appuntamenti ad hoc.
Per info:
Il Centro della Musica
Via Bologna, 11 – 20025 Legnano (MI) – tel: 0331.45.38.84
SUONO febbraio-marzo 2021 35

INSIDE
di Massimo Bargna
Il giorno in cui
nacque il rock
Una nuova e curatissima antologia musicale di Buddy Holly suddivisa in tre CD riporta l’attenzione sul ruolo
che il leggendario artista texano ebbe sulla genesi del rock ‘n’ roll degli anni Cinquanta e sullo sviluppo della
musica del decennio successivo.
Il luogo in cui, il 3 febbraio del 1959, Buddy Holly perse la vita,
è segnato da un bizzarro monumento funebre con una croce e
la riproduzione in acciaio di tre vinili e di una chitarra. Quella
notte maledetta, verso l’una, il piccolo aereo a quattro posti Beechcraft
35 Bonanza su cui viaggiava l’idolo dei teenager si schiantò
nei campi di mais innevati dell’Iowa, consumando la tragedia passata
alla storia con il nome di “The day the music died”.
La storia è stata raccontata anche al cinema. Il velivolo era appena
decollato dall’aeroporto di Clear Lake, diretto a Moorhead, Minnesota,
via Fargo, North Dakota; a bordo, oltre a Buddy, c’erano
altri due grandi nomi del rock and roll che erano in tournée con lui:
Ritchie Valens e J.P. Richardson, detto “The Big Bopper”. L’idea di
prendere un aereo per raggiungere la città della tappa successiva del
Winter Dance Party tour, iniziato a Milwaukee, nel Wisconsin, era
stata proprio di Buddy. Il giovane artista aveva deciso di impegnarsi
in quella sfiancante maratona musicale perché Maria Elena, sua
moglie, era incinta e lui voleva raggranellare un po’ di soldi. Era la
prima volta che lei non lo accompagnava durante i suoi spostamenti.
Lei che, più tardi, ebbe modo di dire che mai e poi mai sarebbe
salita su quel dannato aeroplanino e lo stesso avrebbe chiesto di
fare a suo marito se fosse stata lì. Ma in quei giorni di inizio febbraio,
sul Midwest degli Stati Uniti si era abbattuta una terribile
ondata di gelo e i lunghi trasferimenti tra una città e l’altra, a bordo
di un autobus con l’impianto di riscaldamento continuamente in
panne, erano diventati un calvario. Buddy aveva allora proposto
al suo chitarrista Waylon Jennings e al suo bassista Tommy Allsup
di noleggiare un volo. All’ultimo momento, dopo lo show alla Surf
Ballroom di Clear Lake, Jennings aveva lasciato volontariamente il
proprio posto a Richardson che aveva l’influenza. Allsup e Valens,
invece, se l’erano giocata a testa o croce. Valens aveva vinto e aveva
commentato ironicamente che quella era la prima volta in vita sua
che vinceva qualcosa. Il Beechcraft Bonanza era decollato alle 00:58
con condizioni climatiche inclementi, guidato da un pilota inesperto
al quale la torre di controllo non fornì un’assistenza adeguata. Poco
dopo lo schianto. Tutti i musicisti e il pilota morirono sul colpo.
Buddy aveva appena ventidue anni, ma era già una delle stelle più
luminose del rock and roll.
Quel che oggi resta di lui è la sua corposa opera musicale, come ben
testimonia il triplo CD The indispensable Buddy Holly pubblicato
da Frémeaux et Associés che riunisce la bellezza di 62 brani, dagli
esordi nel ’55 fino alle ultime registrazioni di quattro anni dopo. Un
periodo breve ma intensissimo dal punto di vista creativo. La raccolta
36 SUONO febbraio-marzo 2021

VITA E OPERE DI BUDDY HOLLY
dell’etichetta francese, che si distingue per il rigoroso approccio storiografico
e la pulizia del suono, rende giustizia a un artista geniale
del quale, in Italia, non si riconosce
a sufficienza il grande lascito
artistico. In realtà, alla fine degli
anni Cinquanta Buddy era una
celebrità negli USA, nel Regno
Unito e in Australia. E non solo
come interprete ma anche come
compositore. La sua morte destò
grande clamore e gettò schiere
di fan nella disperazione. Manco
a dirlo, fiorirono le leggende.
A questo contribuì il fatto che
la disgrazia dell’incidente aereo
sembrava segnata dal fato. Troppe
le sfortunate coincidenze, si disse,
per non pensare a una sorta di tragica
predestinazione. Qualcuno si
azzardò perfino a dire che l’incredibile
frenesia creativa di Buddy
era dovuta proprio a questo, al
funesto presentimento che non
gli restava molto tempo da vivere.
Pure fantasie. In ogni caso, le tragiche
circostanze del decesso e la
giovane età della vittima furono di
certo elementi che contribuirono
alla nascita della leggenda di Buddy
Holly. E il tutto venne riassunto
nel verso della canzone American
Pie che Don McLean scrisse in
ricordo dell’artista scomparso: il
giorno in cui la musica morì.
Al di là della leggenda, come dicevamo,
restano le canzoni. Il
primo CD della raccolta ci mostra
un Buddy già sicuro di sé,
ma che deve spesso combattere
con i produttori che vogliono
imporgli scelte musicali che lo
allontanerebbero del suo percorso.
Il diciottenne di Lubbock,
Texas, cresciuto in una famiglia
che si dibatteva nelle ristrettezze,
aveva un background che affondava
nella musica country, la
musica prediletta dalla comunità
bianca di cui faceva parte. Le sue
preferenze andavano per Woody
Guthrie, la Carter Family, Jimmie
Rodgers, Hank Snow, Roy Rogers,
etc. Di nascosto, nel chiuso di un’automobile, ascoltava però
anche la musica degli afroamericani, quel rhythm and blues che
secondo i bacchettoni spingeva chi lo ascoltava verso il peccato. Bo
Diddley, les Coasters, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Elmore James
e Hank Ballard erano fra i
suoi beniamini. È questa
matrice nera, caratterizzata
da una ritmica incalzante e
da una torbida sensualità,
che Buddy ritrovò in Elvis,
sia a livello musicale che
di atteggiamento scenico.
Buddy assistette a un suo
concerto a Lubbock e per
lui fu un’autentica rivelazione.
Da quel momento
decise di abbandonare il
genere hillbilly, un tipo di
musica country, per dedicarsi
sull’esempio di Elvis
al rockabilly. La hit That’ll
Be the Day è il pezzo più
rappresentativo di questo
cambiamento, un trascinante
rock ’n roll che, tra
l’altro, fu la prima canzone
che John Lennon imparò
alla chitarra e che fu rifatta
dai Quarrymen, la primitiva
formazione di Lennon e
McCartney. L’altra perla del
primo CD è Words of Love,
una ballata romantica che
permette a Buddy di dare
libero sfogo alla sua vena
sentimentale e di far sognare
le ragazzine.
Il secondo CD è una successione
di pezzi indimenticabili.
A partire da Peggy
Sue, la canzone più famosa
scritta da Buddy. È un
pezzo irresistibile anche
grazie al rivoluzionario
ritmo di batteria afro, che
potrebbe aver influenzato il
gruppo punk dei Dead Kennedys
per l’attacco di California
Uber Alles, e all’assolo
di chitarra di Buddy,
il cui stile ricorda da vicino
quello di David Byrne nella
versione acustica di Psycho
Killer pubblicata nel
disco Stop Making Sense. Si tratta di un inno romantico alla libertà
sessuale che i giovani bianchi degli anni Cinquanta, grazie al rock ’n
SUONO febbraio-marzo 2021 37

INSIDE
roll, la musica del demonio, avevano potuto vivere in una maniera
sconosciuta alle generazioni precedenti. Oh, Boy!, Rave On e Well…
All Right sono altri tre capolavori che hanno tenuto molto bene la
prova del tempo. Ma a sorprendere di più è la versione di Mona di
Ellas McDaniel, incisa nello studio di Norman Petty, produttore di
Buddy, in New Mexico. La qualità della registrazione, purtroppo, è
indecente, ma ciò che si riesce a sentire lascia a bocca aperta. Sembra
di ascoltare, con dieci anni
di anticipo, una demo di All
Tomorrow’s Parties dei Velvet
Underground. Come dire che
Lou Reed e John Cale, due dei
musicisti più innovativi degli
anni Sessanta, non abbiano inventato
poi molto.
Alla parte finale della carriera
artistica di Buddy è dedicato il
terzo compatto. Qui il giovane
dagli occhiali cerchiati di corno
dimostra che, all’età di ventidue
anni, oltre a essere una
delle personalità musicali più
influenti dell’epoca, era un interprete
e autore in piena evoluzione.
Poca prima della morte,
Buddy aveva lasciato il gruppo
dei Crickets per intraprendere
una carriera solista all’insegna di una maggiore libertà creativa.
Aveva inciso alcuni brani orchestrali (tra cui le bellissime Moondreams
e True Love Ways) che anticipavano con largo anticipo le
analoghe sperimentazioni dei Beatles in Sgt. Peppers e dei Doors
in The Soft Parade. Nel suo appartamento di New York, aveva registrato
per conto proprio una serie di cover e nuove composizioni
che testimoniano il suo sforzo di superare la musica generazionale e
costruirsi una credibilità artistica duratura. Per godere pienamente
di queste gemme acustiche, bisogna fare riferimento al CD Down the
Line. The Rarities. Ma nella compilation di Frémeaux et Associés è
comunque presente la splendida Smokey Joe’s Cafe nella versione
chitarra e voce, senza sovraincisioni, che dimostra la maturità interpretativa
raggiunta da Buddy alla
fine della sua vita.
Il talento precoce di Buddy ne faceva
una delle più grandi promesse
del rock. Ed è questo a rendere il
dolore per la sua perdita ancora più
struggente. Non sapremo mai che
direzione avrebbe preso la sua ricerca
musicale e che risultati avrebbe
raggiunto, ma è certo che il genio
di Buddy aveva caratteristiche tali
da sopravvivere alla moda del rock
’n roll. Lo dimostra l’influenza che
l’artista texano ha avuto su protagonisti
della scena musicale anni
Sessanta come i Rolling Stones,
Bob Dylan e i già citati Beatles.
Il giorno in cui l’aereo su cui viaggiava
Buddy si schiantò in un
campo di mais, è superfluo dirlo,
la musica non morì. Sarebbe più giusto dire che quello fu il giorno
in cui la musica giovanile perse la sua innocenza. A morire
era il rock ’n roll e a nascere era il rock anni Sessanta, un genere
musicale più maturo, ricercato e disincantato, a cui Buddy Holly
aveva aperto la strada.
38 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
a cura della redazione
Non v’è dubbio che l’ascolto
di file musicali
e lo streaming abbiano
cambiato il panorama della fruizione
della musica ma lo tsunami
che si è abbattuto sul mondo
dell’audio non si è fermato qui. La
commistione tra informatica ed
elettronica ne ha cambiato la faccia
e soprattutto gli equilibri, mettendo
in mostra una radicalizzazione
delle tendenze nell’offerta,
motivata dalle origini e dal know
how delle aziende che si trovano
ad orbitare in questo ambito.
Una dicotomia particolarmente
evidente tanto nello specifico
segmento del trasporto, elaborazione
e conversione dei dati musicali
(dove le aziende elettroniche
sono sembrate sempre in affanno
e all’inseguimento) quanto nel
resto della catena Hi-Fi dove, al
contrario, i tentativi di competere
delle aziende informatiche sono
risultati velleitari e fuori dai codici
comuni utilizzati nell’audio di
qualità. Elementi particolarmente
evidenti in quel segmento un
tempo definito dei tutto-in-uno
(o dei coordinati) completamente
trasfigurato dalla musica liquida,
oggi espressione principalmente
di quelle start up che rappresentano
la sintesi di questi mondi. Se
l’offerta propone una miriade di
sistemi portatili di basso costo e
qualità, così non è in quella fascia
di mercato che dovrebbe offrire il
coordinato Hi-Fi del futuro o, almeno,
del prossimo presente, fascia
“spaccata” in due tra prodotti
di fascia alta (B&W, Naim, Technics,
Nad, McIntosh e l’eccezione
Cocktail) e i pochi più abbordabili
ma dalle caratteristiche Hi-Fi,
dove prevale comunque un ibrido
(non portatile ma trasportabile)
e domina fondamentalmente un
unico marchio, Sonos. Segmento
difficile questo, evidentemente,
come testimonia anche il fatto
che dopo averlo cavalcato con
entusiasmo (Zeppelin) B&W lo ha
abbandonato e che solo due nuovi
attori di estrazione Hi-Fi lo stiano
popolando di nuovo: Dynaudio
(Music 3) e Triangle con l’Aio 3,
che si confronta nella nostra prova
proprio con la nuova versione
del Sonos Five (precedentemente
Play:5).
Sonos vs Triangle, dunque, Five
contro Aio 3, marcatamente dif-
COORDINATO
Sonos Five
SUL CAMPO
Prezzo: € 579,00
Dimensioni: 36,4 x 20,3 x 15,4 cm (lxaxp)
Peso: 6,36 Kg
Distributore: Nital - www.nital.it/
Amplificatore: multiamplificato in classe D (6x) Diffusori: Sistema
a 6 altoparlanti amplificati singolarmente, tre tweeter, tre
midwoofer, crossover attivo e DSP; configurabile in stereo oppure
come mono Left o mono Right Note: streamer PCM 16/44,1,
ethernet, wifi, AirPlay 2. 1 ingresso RCA Prezzo cad.
COORDINATO
Triangle Aio 3
Prezzo: € 499,00
Dimensioni: 35,99 x 19,48 x 15 cm (lxaxp)
Peso: 5,1 Kg
Distributore: Tecnofuturo - www.tecnofuturo.it
Amplificatore: 2 x 45W Diffusori: 2 x Tw da 25 mm e 2 x Wf da
10 cm con filtro passivo a 12 dB/oct Note: Telecomando, Ethernet,
wifi, Bluetoooth AptX v4.2, DLNA. Ingressi digitale ottico,
analogico e USB flash disc. Legge formati audio Hi Res fino a
24/192
SUL CAMPO
40 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST
La parte posteriore del Sonos Five è molto pulita, ordinata e lineare, soprattutto se si considera che il cavo di alimentazione in dotazione si integra totalmente con il piano
posteriore, ricordando un design Apple. In basso la RJ-45 Ethernet, comunque realizzata ad hoc per uniformarsi all’estetica del prodotto, l’ingresso linea con jack da 3,5 mm a
rilevamento automatico e il pulsante per la conferma di associazione alla rete. Il Triangle Aio 3 mostra un parco connessioni comunque più affollato, con gli ingressi distinti per la
connessione ottica o analogica, quella di rete e la presa USB per i contenuti, collocata comunque in posizione scomoda. Sul retro è anche presente il condotto di accordo reflex.
ferenti nella storia, nella mission
e in quanto messo in campo;
due marchi agli antipodi, culturalmente
e geograficamente:
Silicon valley uno e Poisson, capitale
della Francia anche se per
poco, l’altro. Per non parlare della
specializzazione: uno dedito alla
trasmissione in rete di contenuti
criptati, l’altro specializzato nella
progettazione e realizzazione di
altoparlanti e diffusori acustici
nel modo più tradizionale che si
possa intendere. Sonos nel tempo
ha investito anche nella ricerca
dei componenti più adatti alla riproduzione
sonora, esaltandone
le prestazioni giusto con quell’aiutino
che solo i DSP e i controlli
adeguatamente settati riescono
a fornire. Dal canto suo, affrontando
il campo descritto, Triangle
sembra aver delegato ad un
terzista gran parte di quello che
serve al sistema per funzionare...
Non stupirà che tutto questo si
rifletta in maniera marcata sul
primo impatto, quello mediato
dalla vista e dal tatto: tecnologico
il Five, dalle forme rotondeggianti
e realizzato in quella che definire
plastica è decisamente riduttivo
(il corpo è in policarbonato monolitico,
leggermente morbido al
tatto e davvero piacevolissimo da
maneggiare); assolutamente tradizionale
l’Aio, con il suo mobile
squadrato con telaio in polimero,
il piano inferiore in MDF, la griglia
di protezione in tessuto con
inserti in simil alluminio e un
tratto che ricorda, addirittura, gli
apparecchi d’antan. Mai come nel
caso di Sonos Five e Triangle Aio
3 la redazione si è schierata in opposte
fazioni. L’aspetto del Sonos
è stato considerato superlativo da
alcuni e da altri cheap, quasi impersonale
e difficilmente identificabile
in un prodotto di qualità
Hi-Fi; sensazioni che riportano
ai tempi del lancio dei prodotti
Apple, così distanti dai computer
dell’epoca e che solo a fatica
sono stati, in seguito, considerati
prodotti “seri” e non dedicati a un
Il Five ha tre comandi a sfioramento sul
piano superiore, i due laterali per la regolazione
del volume, quello al centro
per mettere in pausa e riprendere la
riproduzione (in un certo senso molto
meglio della funzione mute in quanto,
più che silenziare, interessa interrompere
la riproduzione). Se si toccano tutti e tre
i pulsanti in un verso o nell’altro, si può
passare al brano precedente o quello
successivo. Dato che il Five può essere
collocato in verticale indifferentemente
su uno dei due lati (in modo da collocare i
tweeter al centro o all’esterno nel caso in
cui si disponga di due unità abbinante in
modalità stereo), i comandi si ribaltano
a seconda della posizione, con il tasto
in alto che aumenta e quello in basso
che riduce il volume. In alternativa al
telecomando il Triangle Aio 3 utilizza
una pulsantiera tradizionale: accensione
e stand-by, selezione delle sorgenti
e due tasti per la regolazione del volume.
consumo elitario. Si aggiunga che
il Sonos è disponibile solo in due
colori, bianco o nero e che forse la
varietà del Triangle, tra l’altro con
colori pastello, aiuta la collocazione
in ambiente, almeno secondo
l’opinione di un folto gruppo di
appassionati.
Dal punto di vista costruttivo il
Sonos utilizza tre tweeter e tre
woofer ad alta escursione, indipendenti
e con amplificatore
dedicato e DSP con la possibilità
di correzioni di fase per l’ottimizzazione
ambientale. Un supporto
sagomato anteriore consente la
collocazione dei woofer in carico
pneumatico e l’orientamento
dei tre tweeter in tre differenti
posizioni, utili sia per l’uso stand
alone sia per quello abbinato ad
un altro Five in modalità stereo. Il
Triangle è invece un sistema a due
vie con woofer da 10 cm, tweeter
da un pollice e filtro passivo realizzato
con componenti tradizionali
(induttori avvolti su nucleo
metallico e condensatori bipolari).
Il carico reflex è condiviso per
i due woofer, e l’amplificazione è
in classe D (STMicroelectronics)
con un modulo di comunicazione
di rete e Bluetooth LinkPlay A31.
Quelle citate sono solo le pietanze
dell’antipasto servito dai due
sistemi, talmente divergenti che
le differenze d’ascolto che pure
ci sono diventano secondarie alla
SUONO febbraio-marzo 2021 41

SELECTOR
UGUALI EPPUR DIFFERENTI
La app di Sonos ha il controllo completo sia sui dispositivi che sui contenuti
distribuiti tramite la rete, mentre l’approccio del produttore del modulo di rete
Linkplay è più orientato a un sistema ampio e flessibile, a seconda delle condizioni
in cui verrà inserito il sistema. Pertanto i contenuti al di fuori del proprio dispositivo
verranno prelevati dai DMS (Digital Media Server) presenti e la ricerca è molto
lenta e farraginosa, nonostante altri Player DLNA, come Bubble UPnP, nelle stesse
condizioni offrano un’esperienza d’uso molto più gradevole e soddisfacente.
Osservando le due schermate del brano durante la riproduzione, anche se a
prima vista sembrano molto simili, si apprezza una differente distribuzione delle
aree funzionali e delle informazioni utili sul media in riproduzione: ad esempio,
il volume su Sonos si raggiunge immediatamente, senza dover prima pigiare il
tasto con l’altoparlante e poi regolare il volume (come nel Triangle). Nelle info si
apprezza il titolo del brano, l’artista e il titolo dell’LP mentre nel triangle manca
il dato dell’LP. Nel Sonos, apparentemente scarno, ci sono poi in basso tutte le
funzioni di supporto e di approfondimento tra cui il tasto di ricerca nei contenuti
che scandaglia sia quelli presenti sul NAS che quelli nei servizi di streaming
sottoscritti, mentre questa funzione è totalmente assente nel Triangle.
destinazione d’uso dei due prodotti,
vera demarcazione per scegliere
l’uno o l’altro. È ad esempio
nell’ambito delle connettività che
si valuta principalmente un sistema
all in one e, nel caso dei due
prodotti a confronto, proprio il
collegamento Bluetooth diventa
un punto di demarcazione.
Questo collegamento (o meglio,
la sua mancanza) rientra in una
della “crociate” portate avanti da
Sonos, fermo detrattore di questo
tipo di connessione, anche se
pochissimo tempo fa la casa ha
proposto il Move, un prodotto
a batteria, quindi ampiamente
portatile che, se non collegato
alla rete Wi-Fi, può sfruttare lo
smartphone in caso di necessità.
Anzi, anche in funzione di alcuni
rumour trapelati in occasione
del prossimo lancio dell’azienda
prevista per i primi di marzo, è
possibile che Sonos punti su un
altro prodotto ancora più portatile,
Bluetooth, Wi-Fi 5 per completare
la sua offerta. Il Five non
ne è dotato, l’Aio 3 si e questo fa
tutta la differenza del mondo se
la funzione vi è utile!
Sia Sonos che Triangle sono invece
compatibili con il protocollo
AirPlay2, pertanto tutto quello
che riguarda la gestione dei contenuti
viene totalmente bypassata
e presa in carico dall’ecosistema
Apple, con tutto quello che ne
consegue sia nella gestione dei
contenuti sia nella qualità di riproduzione
che, ancora oggi, è la
più scadente e insoddisfacente
del settore. Da questo punto di
vista, Sonos è compatibile con
Roon, mentre Triangle no. Di
contro, il Triangle, oltre al Bluetooth
è dotato anche di un telecomando
e di un ingresso USB cui
collegare una chiavetta in modo
da offrire una esperienza d’uso
abbastanza immediata che da alcuni
punti di vista semplifica molto
l’utilizzo diretto e con poche
pretese. Tramite l’USB, infatti, si
possono ascoltare al volo una selezione
di brani in essa contenuti
ma non pensate assolutamente
di inserire una intera collezione
per di ricreare quella che era la
“cassetta per le feste” di quando
eravamo ragazzi. Inoltre, con il
telecomando si può rapidamente
intervenire sul volume o sul tasto
mute, due funzioni che quando
servono devono essere azionate
quasi all’istante, cosa che con uno
smartphone non è certo agevole.
D’altronde, se anche Google ha
scelto di dotare il suo streamer
d’eccellenza, il Chromecast, di
un telecomando, con tasto mute
in bella evidenza, forse si tratta di
una funzione utile, no?
Le prestazioni sonore, infine.
Posto che per definizione Sonos
non supporta i formati al di sopra
di quello CD (ma un programma
come Roon se abbinato al Five
provvede al downsampling) e
l’Aio 3 invece si, non rimarrete
sorpresi nell’apprendere che anche
qui le differenze sono abbastanza
profonde anche se meno
marcate delle tante altre. In generale
l’Aio 3 paga qualcosa nella
porzione grave delle frequenze
(dove il DSP di Sonos fa la differenza)
con un basso più gonfio
e inscatolato, meno vivido, con
la voce che risulta più esile. Il
timbro, però, è abbastanza naturale
e godibile, soprattutto a
bassi livelli di pressione in cui
si apprezza anche una ipotesi
di ricostruzione ambientale. Un
suono tipicamente gradevole
che mette in evidenza anche la
qualità della sorgente a monte in
cui si privilegia la riproduzione
con protocollo DLNA indipendentemente
se controllato dalla
app proprietaria o da una esterna
come, ad esempio, Bubble
UPnP. Molto meno coinvolgente
la riproduzione tramite AirPlay e
Bluetooth. Con il Sonos, invece,
le performance musicali sono
praticamente indipendenti dalla
modalità di controllo sia attraverso
la app proprietaria che tramite
DLNA generico. Anche con
AirPlay, nonostante si apprezzi
un decadimento della qualità,
le prestazioni rimangono soddisfacenti.
La pressione acustica
ottenibile è molto elevata e offre
sensazioni fisiche all’ascolto con
un punch potente e incisivo. La
timbrica non è mai affaticante
anche se molto dettagliata, senza
mai raggiungere comunque
una eccessiva luminosità della
riproduzione. Alzando il volume
si raggiunge senza esitazione il
massimo livello che, al di là di
ogni previsione, sviluppa una
pressione potente ma che lascia
supporre che il sistema potrebbe
andare molto oltre. Man mano
che ci si avvicina al livello massimo,
tuttavia, si apprezza il circuito
DSP di compensazione che
tende a comprimere il segnale
per aumentare il livello complessivo
senza portare in sovraccarico
i woofer. La sensazione di
compressione è però imparagonabile
a quella di un sistema che
arriva a “fondo corsa”!
Per scegliere l’uno o l’altro non
resta quindi che profilare le
proprie esigenze come utente,
partendo da quelle indispensabili:
il “migliore” per ciascuno
di noi verrà identificato rapidamente...
42 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
a cura della redazione
AMPLIFICATORE INTEGRATO
Yamaha A-S1200
Il punto di svolta nel 2013:
in occasione del 125mo
anniversario della nascita,
esordiva la linea 5000 costituita
da un pre (CXA 5000) e un finale
(MXA 5000) dedicati all’home
theater, mentre veniva “declassato”
nella sigla a un livello inferiore
l’A-S3000 (provato su SUONO
480 - ottobre 2013). Comunque
un ritorno del marchio del diapason
all’Hi-Fi di livello, dopo che
per molti anni aveva primeggiato
l’attenzione all’HT. Sulla base di
quel progetto vennero sviluppati
per demoltiplica alcuni integrati
e proposta nuovamente come
punto di riferimento la coppia
pre e finale C-5000 & M-5000,
anch’essi provati su SUONO
nell’ottobre 2019, poco dopo la
presentazione in occasione del
Munich Hi-End di quell’anno.
Kenwood, Pioneer, Sansui, Technics, Yamaha; c’era
una volta la pattuglia degli amplificatori medium price,
capitanata dai costruttori giapponesi... Ne sono sopravvissuti,
perlomeno nel segmento di competenza, solo due: uno,
di ritorno, ha scelto di aderire alle (poche) nuove filosofie
sviluppate nell’ambito dell’amplificazione; l’altro, Yamaha
per l’appunto, non ha mai smesso di concentrarsi su soluzioni
più tradizionali ma non per questo meno efficaci.
Anche da lì sono stati declinati
una serie di prodotti via via più
economici, mentre i 5000 rimangono
ancora (e giustamente!) il
riferimento nel catalogo della
casa giapponese. Non si tratta
solo di una ricaduta a livello
tecnologico visto che, con la logica
del “squadra che vince non
si cambia”, il design di Yamaha
rimane fedele a se stesso: quello
retrò con i tradizionali quadranti
ad ago illuminati a LED
che ricorda echi ben più ampi
e trionfali dell’Hi-Fi (quelli, appunto,
del quintetto citato in avvio
di questo articolo), al punto
che molti, guardandolo, potrebbero
nutrire il dubbio: si tratta
di un apparecchio entry level o
di un alto di gamma? Il quesito è
alimentato anche da una politica
nella griglia prodotti che non ci
è chiara: in catalogo, infatti, ci
sono una serie di prodotti sostanzialmente
molto simili fra
loro, con leggere differenze che
dovrebbero determinare una più
adatta soddisfazione di esigenze
specifiche da parte dell’utente e
anche un miglioramento, se non
nelle prestazioni e nel progetto,
almeno negli equipaggiamenti e
nelle finiture. Vale lo stesso per
l’A-S1200 oggetto di questo test
e degli altri componenti della A-S
Serie (A-S2200 e A-S3200) che
sostituiscono i precedenti A-S
1100, 2100 e 3000. Si aggiunga
che questa, come le precedenti
serie, non viene aggiornata in
blocco ma differenziata nel tempo,
fattore che complica il puzzle
che porta a un ipotetico posizionamento
qualitativo nella griglia.
Per un breve lasso di tempo, ad
esempio, la versione A-S2100 era
molto più godibile in termini di
musicalità e verve del più costoso
3000; l’A-S2100, infatti, era
stato oggetto di una rivisitazione
dello stadio di potenza (trasferito
in seguito nelle altre
linee) che aveva determinato,
in quel periodo, la sovrapposizione
fra l’A-S3000 e l’A-
S2100. Se da un lato gli equipaggiamenti
dell’A-S3000
erano più ampi e raffinati di
quelli dell’A-S2100, per quel
che riguarda il suono, invece,
l’A-S2100 apparteneva alla
novelle vogue poi propagata
al resto della linea, rinnovata
e caratterizzata da un timbro
più luminoso e una verve mai
iperdettagliata e affaticante!
Esiste poi un altro aspetto
Prezzo: € 1.990,00
Dimensioni: 43,50 x 15,70 x 46,30 cm (lxaxp)
Peso: 22 Kg
Distributore: Yamaha Music Europe GmbH - Branch Italy
Via Tinelli, 67/69 - 20855 Gerno di Lesmo (MB)
Tel.02.935771 - Fax 02.9370956
www.yamaha.it
AMPLIFICATORE INTEGRATO YAMAHA A-S1200
Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 105 W su
8 Ohm Accessori e funzionalità aggiuntive: Telecomando, Ingresso
cuffia, Controlli di tono Risp. in freq. (Hz): 5 - 100.000 +0
/ -3 dB THD (%): 0.035 Phono: MM (3,5 mV/47 KOhm) MC ( mV/
Ohm) Ingressi analogici: 3 RCA Uscite analogiche: 2 RCA
44 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST
assai curioso nella logica promozionale
dell’azienda che, non
se ne capisce bene lo scopo, non
fornisce all’utente una logica di
scelta comprensibile basata sulle
differenziazioni dei prodotti in
base alle caratteristiche tecniche,
in particolar modo quelle relative
alla potenza dell’amplificatore,
alla distorsione e al rapporto
segnale rumore. Le caratteristiche
dei tre integrati nel corso
del tempo e nelle varie versioni
sono praticamente sovrapponibili,
con differenze che in alcuni
casi perdono di significato. Leggendo
in rete alcuni notano, ad
esempio, la differenza tra i 95
Watt di un modello e i 100 di un
altro, oppure il valore di 18.000
uF del condensatore di alimentazione
dell’A-S1200 (ma anche
del 1000) rispetto ai 22.000
uF di quello impiegato nell’A-
S2200... Differenze che in certi
casi possono portare benefici in
un progetto ben preciso ma che
in altri non rappresentano una
soluzione a priori indice di miglioramenti
qualitativi; la scelta
di dotare oggi l’A-S1200, più piccolo
della serie, del trasformatore
toroidale, sembra aver ancor
più livellato i tre prodotti della
linea che si differenziano più
per equipaggiamento (zero, uno
o due ingressi bilanciati rispettivamente)
e cura nei particolari
(isolamento dalle vibrazioni e i
piedi di appoggio, ad esempio).
A fare la differenza sono quelle
scelte del circuito che hanno
un vero effetto sulle prestazioni
come, per esempio, quelle implementate
nell’A-S2100 che
potranno sicuramente beneficiare
dei particolari ma che, in
sostanza, costituiscono quel piccolo
“salto di specie”. Da questo
punto di vista, allora, lo scenario
si ridefinisce e assume una
connotazione abbastanza chiara
che non mette in discussione il
flagship della serie, anzi, colloca
l’entry level come un best buy a
tutti gli effetti, soprattutto se non
si ha la necessità di un ingresso
bilanciato. Vedremo se questa
filosofia, anch’essa rinnovata,
sarà accolta favorevolmente dal
pubblico!
Aspetti che invece passano molto
spesso in sordina ma che sono
oggetto in altri ambiti di accanimenti
e dibattiti se non addirittura
di guerre di religione, sono
quelli dell’adozione di circuiti a
componenti discreti Vs circuiti
integrati e la regolazione del volume
con potenziometro analogico
Vs circuiti integrati. C’è da notare
che Yamaha da lungo tempo
impiega soluzioni miste per quel
che riguarda l’amplificazione dei
segnali linea, impiegando comunque
amplificatori operazionali
di alta qualità, mentre per la
regolazione del volume impiega
un sistema piuttosto articolato
che sfrutta un potenziometro
analogico per controllare un
circuito integrato per la regolazione
del volume. In pratica, il livello
di attenuazione del circuito
integrato è determinato dalla posizione
del potenziometro motorizzato
su cui agisce il telecomando.
Inoltre, anche il mute agisce
sulla rotazione della manopola
del volume, che ruota giusto per
una attenuazione importante
del segnale senza silenziarlo, un
effetto sicuramente scenografico
e soprattutto molto piacevole
al tatto se si agisce direttamente
sulla manopola del volume;
tutto molto bello ed evocativo,
se non fosse che il segnale passa
attraverso un integrato e ciò che è
stato costruito intorno al sistema
di gestione fa venire in mente un
robot che si dedica alla dattilografia
non con una macchina da
scrivere meccanica ma con una
tastiera da computer! Questo,
naturalmente, non si percepisce
dal “vestito” adottato, come detto
assolutamente “fedele alla linea”,
che beneficia ora anche nel modello
più piccolo della linea (il
1200 appunto) dei due VU-meter
ad ago che consentono la regolazione
continua della luminosità
del quadro per ben adattarsi ad
ogni condizione; una feature che,
abbinata al gusto vintage dei Vumeter,
è un valore aggiunto non
da poco! Sul pannello anteriore è
presente un selettore per attivare
o disattivare i VU-meter; quando
attivati, tenendo il selettore nella
posizione Dimmer, l’intensità
luminosa varia fra il minimo e il
massimo e si ferma quando si ottiene
il livello ottimale che rimane
memorizzato fino ad un’altra
regolazione. Una sensazione di
“solidità culturale” (ci si passi il
termine) confermata nell’azionamento
dei comandi da un procedere
fluido e preciso di chiaro
stampo meccanico.
Collegato il nuovo A-S2100 ai
diffusori presenti in redazione
per le varie prove (tra quelli in
prova - PMC Twenty 5.23i, Sonus
Faber Lumina I e III - e quelli di
riferimento, Triangle e Elac), si
percepisce subito un ascolto gradevole,
molto equilibrato e non
affaticante, caratteristica che si
ripropone con tutti i sistemi collegati
e che sottolinea una certa
insensibilità al carico, almeno
sotto l’aspetto della resa timbrica.
Con diffusori caratterizzati da
una timbrica leggermente scura
si apprezza una sorta di compensazione
ma con un intervento
che non tende a livellare ma
a rendere il suono luminoso e
al contempo non affaticante. La
potenza c’è e si sente, perché si
può alzare il volume senza ravvisare
costrizioni dinamiche o
distorsioni nella gestione delle
voci e degli strumenti musicali,
anzi, l’assenza di indurimenti e
di una sensazione di raggiungimento
del limite dello stadio finale
invoglia ad alzare il volume
anche a livelli solitamente al di
sopra della soglia “condominiale”.
Tuttavia, con diffusori poco
sensibili abbiamo notato un clipping
repentino e marcato nella
riproduzione di percussioni profonde
e molto dinamiche, come
Al centro dell’apparecchio sono
collocati i connettori di ingresso e
uscita del segnale con tre ingressi
linea, uno Phono per MM e MC,
un anello tape, un’uscita pre e un
ingresso Direct per la sezione finale.
Sui lati sono disposte le due coppie di
morsetti di potenza per una doppia
coppia di diffusori o, ancor meglio,
per un collegamento in bi-wiring.
I morsetti di potenza sono molto
efficienti e consentono un ottimo
serraggio in sicurezza di qualsiasi
tipo di cavo.
SUONO febbraio-marzo 2021 45

SELECTOR
I cavi di potenza sono
collegati al PCB dotato
di doppia uscita in cui
sono presenti i due relé di
commutazione e il filtro comune
alle due uscite. I due morsetti
possono essere usati in coppia
oppure alternati.
La scheda phono è posizionata
in fondo alla sezione di ingresso,
chiusa in un contenitore metallico
schermante. Il circuito è realizzato a
componenti discreti distintamente
per la sezione MM e MC con due
alimentazioni duali separate e distinte
da ±20 per l’una e ±18V per l’altra. Le
commutazioni avvengono tramite
relè attivati dal circuito di controllo
servoassistito. I componenti attivi sono
prevalentemente a tecnologia SMD
con l’utilizzo, però, di condensatori
tradizionali sia a film che elettrolitico,
opportunamente distribuiti lungo le
linee di alimentazione di segnale.
Si nota anche l’impiego di microinduttori
sull’ingresso ad alta
compattazione. La scelta fra MM e MC
si effettua tramite un selettore a fianco
dei connettori di ingresso.
La regolazione del volume
avviene tramite un regolatore
di livello elettronico JRC
NJU72321 controllato da un
potenziometro analogico.
Anche i livelli delle regolazioni
dei toni avvengono con
la stessa modalità tramite
l’abbinamento di un NJU72321
al potenziometro a monte del
circuito di regolazione dei toni
alti e bassi.
Tutte le funzionalità dell’apparecchio
sono servoassistite e gestite da un
microcomputer Renesas che tiene
sotto controllo gli input dei comandi
e gli azionamenti dei relè e del
potenziometro del volume. Alcuni di
essi manifestano una lieve latenza fra
la selezione e lo scatto del relè.
È presente una connessione sul retro
per l’aggiornamento firmware.
se il sistema, totalmente lineare
fino ad un punto, cedesse tutto
insieme (impressione confermata
al banco di misura). Al di là
dei casi limite, con diffusori di
media sensibilità ma anche con
un carico particolarmente ostico
come, ad esempio, i Triangle Cello,
comunque non si apprezzano
mai sensazioni di indurimento o
di raggiungimento del limite.
Nel complesso, a livello sonoro
questo integrato rappresenta
una piacevole sorpresa grazie al
suono timbricamente corretto; la
gamma bassa è netta, profonda e
articolata, veloce e sicura nel suo
incedere, quella media è ben coesa
con quella inferiore e in grado
di riproporre con stile e sapienza
il pianoforte acustico e le voci,
che appaiono naturali, ricche di
armoniche e mai preponderanti
rispetto al resto del messaggio
musicale.
Soffermandosi sul pianoforte, si
riescono a seguire le evoluzioni
dell’esecutore sulla tastiera senza
46 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST YAMAHA A-S1200
al banco di misura
La risposta in frequenza è molto estesa e per nulla condizionata
dal carico o dalla regolazione del livello, effettuata
a passi di 0.5 dB in tutto il range utile dal chip JRC
NJU72321. La distorsione è solo lievemente accennata con
una prevalenza di componenti di ordine dispari ma con
un decadimento armonico abbastanza rapido. Le componenti
da intermodulazione simmetriche sono lievemente
accennate e assenti le altre. Nonostante la sensibilità
dell’apparecchio sia piuttosto alta, il tappeto di rumore
si mantiene a livelli molto bassi nelle normali condizioni
di utilizzo ipotizzate, con livelli di ingresso intorno a 2
Vrms in cui si ottengono le massime e prestazioni dell’apparecchio
in termini di rumore e spurie in banda e fuori
perdere neanche una nota, lo
strumento è realistico, nitido e
gli accordi e gli arpeggi si susseguono
con le giuste notazioni
timbriche. L’immagine virtuale si
dispone sui tre assi con fermezza.
Ottimo il lavoro svolto in tal
senso con i piccoli Sonus faber
Lumina I, che letteralmente svaniscono
dal piano del soundstage.
La stessa cosa accade anche
con i più ricchi e impegnativi
PMC. Facile l’individuazione dei
singoli strumenti o dei gruppi
strumentali dell’orchestra, diluiti
con maestria nel piano della
profondità, ovviamente ove la
registrazione risulti ben fatta e
consenta la scansione dei piani
sonori. Il range acuto non è mai
pungente e rifinisce in maniera
pressoché ideale il messaggio
musicale verso l’alto.
Anche il registro basso è esteso
e articolato, mai onnipresente e
confuso, aspetto che in certe circostanze
potrebbe far supporre
a una certa leggerezza, supposizione
smentita non appena
“si manifesta” il basso nella sua
pienezza e articolazione. In ogni
caso, non si avverte mai uno
banda. Risultato ottenuto certamente con l’ottimizzazione
delle linee di massa dell’alimentazione e delle filtrature.
La distorsione si mantiene molto bassa in tutto il range di
amplificazione, con una prevalenza di terza armonica e la
totale assenza della seconda in conseguenza alle scelte di
configurazione. Il clipping si raggiunge con una modalità
quasi “a gradino”, con una distorsione allo 0,06% prima del
clipping che schizza in verticale. La distorsione aumenta
nonostante l’alimentatore fornisca ancora una tensione in
costante ascesa senza flessioni, che tende a cedere molto
oltre il clipping. Quindi, la potenza si attesta a 105 Wrms
su 8R per una THD+N allo 0,06% per crescere, anche se
di poco, oltre l’1%.
squilibrio timbrico all’opposto,
anzi, l’impostazione dell’apparecchio
manifesta una notevole
neutralità anche se poi il carattere
non manca di certo.
In sostanza l’apparecchio è ben
suonante, esteticamente lussuoso,
sostanzioso nell’ingombro e
nel peso, tutti elementi in grado
di colpire l’immaginario audiofilo
ai quali si aggiungono due ulteriori
elementi, spesso sottovalutati
in un amplificatore integrato
ma che sono sempre stati dotazioni
fondamentali in passato:
lo stadio phono e l’uscita cuffia
dedicata. Da questo punto di vista
Yamaha non ha lesinato nella
realizzazione di uno stadio phono
sia MM che MC implementato in
una scheda ad hoc chiusa in un
contenitore di schermatura dotata
di relè di commutazione interni
per la selezione del guadagno
e della modalità. Tale scheda, in
sostanza, è comune a tutti e tre
gli apparecchi della gamma, e
diventa un valore aggiunto non
indifferente, soprattutto per l’A-
S1200, per utenti che hanno già
un giradischi o che vorrebbero
inserirlo visto l’attuale revival.
Lo stadio phono ha un valore
molto al di sopra di unità esterne
di bassa fascia e in un certo
senso dà valore al concetto stesso
di amplificatore integrato, che
deve soddisfare al meglio le esigenze
dell’utente che sceglie una
soluzione “all in one” rispetto a
quelle fatta di componenti separati.
Anche lo stadio di potenza
della cuffia si colloca a un livello
molto alto, soprattutto per la
sezione di potenza a discreti che
non sfigura davanti a prodotti di
fascia media stand alone. Certo,
vale sempre la sensazione da parte
dell’utente che, se non usa tali
opzioni, parti delle risorse sono
state investite inutilmente (anche
se fanno parte del prodotto
e non c’è possibilità di scelta)
ma in senso più generale c’è da
considerare che se si opta per
allestire un sistema tradizionale
con un amplificatore integrato
al centro, anzi un sistema simil
vintage, allora l’equipaggiamento
dell’A-S1200 è perfetto, e sarebbe
anche un’ottima occasione
per i nostalgici di rispolverare
il vecchio giradischi in soffitta.
Sorprendente il rapporto qualità/prezzo,
anche solo guardando
all’interno della gamma offerta
dall’azienda: un “Entry Killer” e
non il solo in questo numero di
SUONO… continuate a sfogliare
avidamente la rivista!
SUONO febbraio-marzo 2021 47

SELECTOR
di Nicola Candelli
Un incontro o uno scontro
tra generazioni
quello che lega alle
origini l’attuale produzione
Quad, storico marchio fondato
nel 1936 da Peter J. Walker,
uno dei pionieri della riproduzione
stereofonica, ceduto (o
caduto) nelle pur amorevoli
mani di International Audio
Group (IAG) e dei suoi proprietari
cinesi? La possibilità
di avere in perfetta efficienza
e ancora attiva la coppia pre
e finale Quad 34+306 insieme
alla concomitante presenza
nella mia sala d’ascolto di un
apparecchio di produzione attuale,
il piccolo valvolare Quad
VA-ONE+, ha semplificato la
possibile ancorché parziale risposta,
facilitando la verifica di
quel che è accaduto nel tempo
e quante siano le differenze tra
due generazioni di amplificazioni
abbastanza distanti tra loro.
Va detto che, al contrario di
quanto accade frequentemente
quando vecchi marchi iconici
vanno a far parte di questi grossi
gruppi, si capisce da subito
che sono state profuse consi-
AMPLIFICATORE INTEGRATO
Quad VA-One+
Prezzo: € 1.950,00
Dimensioni: 18 x 16 x 28 cm (lxaxp)
Peso: 9,8 Kg
Distributore: High Fidelity Italia S.r.l.
Via Collodi - 20010 Cornaredo (MI)
Tel.02-93611024 - Fax 02-93647770
www.h-fidelity.com
Tipo: stereo Tecnologia: a valvole Potenza: 2 x 12 W su 8 Ohm (15
W su 6 Ohm) in classe AB Accessori: Telecomando, Ingresso cuffia
Risp. in freq. (Hz): 20-50.000 THD (%): 0,50 S/N (dB): 90 Ingressi
digitali: 3 totali - Ottico / RCA / USB HiRes Convertitore audio
D/A: ESS Sabre ES9018M2K Sistema di conversione audio D/A:
24 bit - 192 kHz, PCM 32 bit/384 kHz (USB), DSD256 (USB) Note:
Ingresso Bluetooth. Valvole: 1 x ECC83, 2 x ECC82, 4 x EL84EH
SUL CAMPO
48 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST
derevoli energie per mantenere
un alto standard qualitativo:
già dall’unboxing sono rimasto
colpito dalla qualità costruttiva
dell’apparecchio, che risulta
davvero di ottima fattura. Una
veste che richiama la classica
estetica Quad, vedi la manopola
del volume, l’austero colore
British Lancaster (con un grigio
divenuto ancora più... grigio) e
un mobile compatto come quasi
tutti i vecchi prodotti Quad.
Non è difficile riconoscerne lo
stile e così buona parte della
tradizione è mantenuta, anche
se i progettisti si sono barcamenati
inevitabilmente in un mix
di antico e moderno, a cominciare
dalle stesse scelte circuitali:
rispetto alla coppia 33+306
di oltre trenta anni più vecchia,
il “nuovo” VA-ONE+ si avvale
di una circuitazione valvolare
(tecnologia precedente a quella
a transistor del pre e finale)
impreziosita o armonizzata con
le istanze attuali, inserendo nel
circuito elementi come la conversione
digitale e il Bluetooth.
La sezione amplificatrice è
completamente valvolare con
due Ecc82 e una Ecc83 per la
sezione pre ed un quartetto di
EL 84 per la sezione finale, in
grado di garantire una quindicina
di watt per canale. La
versione rinnovata del DAC è
la ragione di quel plus (+) che
appare ora nel nome rispetto
al VA-ONE e si avvale del più
moderno Ess Sabre 9018 K2M
che riesce a gestire flussi digitali
DSD 256 e PCM 32/384 Khz,
il massimo ragionevole per le
attuali esigenze. Molto gradito
sul frontale un attacco cuffia
da 6,3 mm che consente l’utilizzo
personale della musica,
oltre alla grossa manopola del
volume telecomandabile e gli
interruttori che selezionano il
Bluetooth, la presa analogica e
i tre ingressi digitali (coassiale,
ottico e USB). Sulla parte posteriore
un unico ingresso analogico
e le tre connessioni digitali,
oltre al solito collegamento
dell’amplificatore ai diffusori.
Presenti anche l’antenna Bluetooth
e un piccolo telecomando
che consente di effettuare ogni
funzione richiesta, il tutto in un
involucro di contenute dimensioni
e peso.
A livello di prestazioni sonore,
se certamente non ha senso,
a distanza di oltre 30 anni
e di un passaggio di consegne
della proprietà e delle capacità
ingegneristiche, parlare di
un family sound mantenuto o
meno, è comunque interessante
fare il punto sull’evoluzione
in tal senso. Il suono del mio
vecchio pre e finale lo conosco
molto bene ma il confronto con
il recente piccolo valvolare ne
ha maggiormente evidenziato
le caratteristiche: un suono
sicuramente vellutato e colori
che virano verso tinte pastello,
per un apparecchio molto
indulgente nei confronti delle
registrazioni, anche in virtù di
un micro-dettaglio non proprio
al massimo, un basso un po’ lanoso
e una fascia alta arrotondata;
di contro, il suono risulta
sempre gradevole e di grande
compagnia, con fatica di ascolto
prossima allo zero. Nel paragone
con il Quad VA ONE+ sembra
quasi che si siano invertiti
i ruoli (almeno nell’immaginario
audiofilo) tra l’apparecchio
a transistor e quello valvolare:
il suono del valvolare VA ONE+
è immediatamente più schietto,
sicuramente dotato di una
maggior definizione, con maggior
distacco tra gli strumenti,
un miglior controllo sul basso e
una sensazione di potenza abbastanza
simile al concorrente
in quanto i due sistemi collegati
a una coppia di Monitor Audio
Bronze 2 hanno risposto nel
medesimo modo, riempiendo
più che soddisfacentemente la
mia sala d’ascolto (un ambiente
di medie dimensioni) senza
che si notino in entrambi e con
qualsiasi genere musicale sofferenze
o compressione alcuna,
anche spingendo la manopola
del volume a livelli più elevati.
La porzione media delle frequenze
nel VA ONE+ è davvero
godibile, probabilmente per
merito di quelle piccole EL84
che, in campo audio, al di là della
loro modesta potenza, hanno
sempre fornito risultati di
rilievo; acuti dolci, setosi e ben
definiti, in linea con la tradizionale
filosofia Quad, completano
il quadro di un confronto
tra le due realtà a favore del VA
ONE+ che, se accoppiato con
casse di buona efficienza, riesce
ad esprimere in un modo molto
SUONO febbraio-marzo 2021 49

SELECTOR
efficace tutte le sue potenzialità
in relazione al predecessore.
Molto ben progettata e curata
la parte digitale: basta collegare
alla presa coax dell’apparecchio
un lettore CD anche non proprio
recente (purché provvisto
di uscita digitale) per apprezzare
i miglioramenti che i moderni
convertitori riescono a
restituire, donando una nuova
giovinezza ad apparecchi ormai
prossimi alla obsolescenza. Ancora
più interessante il collegamento
del computer alla presa
USB. Se ne utilizziamo uno
provvisto del sistema operativo
Windows è necessario scaricare
dal sito ufficiale i driver necessari
per accoppiare il computer
al convertitore. Ne è presente
solo uno, “Driver Quad DSD
(Artera)”, ma va bene anche per
il VA ONE, consentendo dopo
l’installazione l’ascolto di qualsiasi
file sia PCM che DSD. E
anche qui si notano da subito le
buone prestazioni del convertitore
di recente generazione a
bordo dell’apparecchio. Interessante,
ancora, l’utilizzo della
sezione Bluetooth: collegando
l’apparecchio allo smartphone
ho apprezzato la bontà di alcuni
file musicali a bordo; ancora
meglio quando ho spaziato
nella ampia libreria di Spotify.
A dire il vero credevo in una
prestazione abbastanza modesta
ma ho dovuto ricredermi: il
sistema, innanzitutto, è assolutamente
silenzioso; il suono è
corposo, con una buona energia
e sonorità non lontana dalle
prestazioni ottenute con altre
sorgenti (tra le altre cose mi
sono accorto che avevo dimenticato
di collegargli l’antenna,
ottenendo ottimi risultati in
silenziosità anche in assenza
della stessa!).
La ciliegina sulla torta è costituita
dal collegamento in
cuffia, di buone prestazioni:
dopo tanti anni ho finalmente
riscoperto l’ascolto privato anche
in quelle ore in cui, per ovvi
motivi, è inopportuno l’ascolto
attraverso gli altoparlanti. Ed
è proprio durante il periodo
nel quale ho utilizzato questo
Quad, posizionato spesso sulla
scrivania, che mi sono regalato
via Bluetooth ore di ottima musica.
Ho anche voluto effettuare
una ulteriore prova collegandolo
all’impianto principale, per
valutare meglio le prestazioni
della macchina. Nell’ascolto
del CD Double Concertos
(Heifetz) della Living Stereo la
zona media si conferma molto
ricca e seducente, archi e legni
propongono un suono coinvolgente,
incisivo ed energico,
molto credibile, con buona
precisione e una buona collocazione
degli strumenti nel
palcoscenico. Certo, rispetto
al riferimento, nella sezione
bassa i violoncelli, per quanto
ben definiti e presenti, risultano
di peso inferiore anche se
godibili; molto buono, invece,
quel leggerissimo roll-off sulla
parte acuta. In ogni caso inutile
chiedere l’impossibile a un apparecchio
di una quindicina di
watt costretto, come in questa
prova, a lavorare ai limiti delle
sue capacità ma, ripeto, con
diffusori dotati di una buona
efficienza sia bookshelf che da
pavimento i risultati sono più
che appaganti.
Sia per qualità di costruzione
che per bontà del suono e la
possibilità di avere in un apparecchio
così compatto alcune
moderne tecnologie a un prezzo
di mercato interessante,
il VA ONE+ viene promosso
senza condizioni. Anzi: dopo
questa prova molto soddisfacente
mi chiedo come mai
questi prodotti che godono di
una ottima reputazione in special
modo nei paesi dell’Est e
in quelli Asiatici, nel nostro
Paese sembrano vivere un po’
nell’ombra, trattati forse con
una certa indifferenza dai quei
consumatori ancora legati alla
vecchia immagine del marchio.
Eppure, basta sfogliare il catalogo
per trovare forse uno
dei più interessanti diffusori
elettrostatici, elettroniche valvolari
e non di tutto rispetto,
in alcuni casi caratterizzati
dall’intervento del compianto
Tim de Paravicini, oltre a
moderni diffusori con tweeter
a nastro sia da scaffale e da
pavimento, che praticamente
coprono le esigenze di ogni
appassionato. Forse a questo
marchio bisogna ridare il posto
che merita!
50 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
di Roberto Rubini
Il marchio Trigon Elektronik
è stato fondato nel
1996 dal duo formato da
Ralf Kolmsee e Rainer Reddemann,
esperti nel campo dei
sistemi di controllo elettronici.
Il nome pare sia stato preso
da un personaggio dei fumetti
della DC Comics, il malvagio e
potente demone Trigon. Inizialmente
specializzato nella
realizzazione di pre phono, Trigon
si è cimentata più recentemente
con una linea completa
di elettroniche con amplificatori
dotati a bordo di DAC e
ingressi phono opzionali e con
un CD player costruiti come se
fossero... una Mercedes! L’apparecchio
che ho avuto tra le
mani è il Trigon Exxceed MK-II
fornito di DAC, ingresso phono
e telecomando e il test si è
svolto nell’accogliente negozio
Ethos di Roma.
Al primo contatto l’apparecchio
appare molto azzeccato
dal punto di vista estetico, con
la sua livrea lineare e il bel display;
una volta tanto la grafica
è ben leggibile grazie anche
ai colori presenti nelle varie
schermate. È piacevole giocare
con le manopole, i tasti e
l’ampio schermo, che consentono
tutti insieme un intuitivo
controllo delle funzioni di configurazione
e gestione. Di grande
qualità e ben distanziate tra
loro le connessioni posteriori.
Da segnalare che in dotazione
viene fornito un cavo di alimentazione
di tutto rispetto,
al posto del solito triste cavo
nero “da computer”. L’impianto
utilizzato è composto da una
sorgente digitale, il citato lettore
CD Trigon, di cui è stata
impiegata la sola meccanica di
trasporto sfruttandone le uscite
digitali (l’apparecchio lo consente)
in modo da operare con
il DAC interno all’ampli e valutarne
dunque le caratteristiche
a tutto tondo, mentre non è
stato possibile, per motivi logistici,
utilizzare l’ingresso fono.
Almeno sulla carta le due sezioni
DAC dovrebbero equivalersi,
anche se la Casa stranamente
non specifica da nessuna parte
quale tipo di convertitore abbia
utilizzato nei suoi apparecchi.
All’ascolto, comunque, il risultato
risulterà molto simile,
segno di una comune matrice
- sebbene vadano considerati
gli interventi di variabili come
il cavo di collegamento digitale
in un caso e i cavi di segnale
nell’altro caso. L’amplificatore
viene venduto sia “liscio” (senza
DAC a bordo), utile nella logica
del marchio se si acquista
anche il lettore CD Trigon, sia
con il DAC a bordo, nel qual
AMPLIFICATORE INTEGRATO
Trigon Elektronik EXXCEED INT
SUL CAMPO
Prezzo: € 4.560,00
Dimensioni: 44 x 11 x 38 cm (lxaxp)
Peso: 18,3 Kg
Distributore: Ethos S.r.l.
Via della Fonte Meravigliosa, 50/52 - 00143 Roma (RM)
Tel.06-5192128/5193162 - Fax
www.ethosfineaudio.com
Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 100 W su 8
Ohm (170 W su 4 Ohm) in classe AB doppio mono Accessori e funzionalità
aggiuntive: Telecomando Risp. in freq. (Hz): 5-250.000
THD (%):

TEST
caso occorre sborsare 450 euro
in più. Soluzione complessiva
intelligente che evita duplicazioni
di sistema e spreco di
soldi per il cliente. Le uniche
lievi differenze emerse sono da
attribuire all’ampiezza dell’immagine
virtuale riproposta, più
marcata nella riproduzione da
digitale dell’integrato, e in una
nota grave più nitida, anche se
parte del rilievo potrebbe dipendere
dal diverso schema di
collegamento necessario e dalla
qualità dei cavi impiegati (per
la cronaca i costosi Reymio, sia
digitale che di segnale). A valle,
i diffusori Ensemble Natura
da pavimento, molto reattivi,
esclusivi, completi e naturali
nell’emissione. Inserito in
questa catena (e limitandoci
pertanto alla sorgente digitale),
abbiamo iniziato con il primo
CD, per l’occasione un XRCD,
un disco ottimamente inciso.
Il sistema garantisce subito un
elevato livello di qualità all’ascolto
e si impiega poco tempo
a entrare in confidenza con
l’apparecchio. Il suono appare
naturale, dinamico, appagante.
L’amplificatore appartiene
alla fascia di prezzo intorno
ai 5.000 euro, un settore ben
presidiato da tanta agguerrita
concorrenza. Il Trigon gioca
le sue carte sfoderando una
prestazione globale degna di
nota visto che riesce a pilotare
anche i costosi diffusori Ensemble
senza alcun accenno
di timor reverentialis. Si tratta
di un amplificazione versatile
con attitudini digitali di livello,
potente quanto basta e raffinato
nelle sue evoluzioni sonore.
Possiede coerenza timbrica,
trasparenza e una completa
capacità dinamica in funzione
delle necessità che si presentano.
È un concentrato di virtù
e si fa portare ai limiti senza
mai scomporsi, anzi, mostrando
ampia energia nei contrasti
dinamici e nei passaggi più
complessi delle partiture. Ogni
strumento musicale è trattato
con attenzione e resta perfettamente
riconoscibile, anche in
ensemble cospicui. Il pianoforte
è lo strumento che, quando
ben inciso, fornisce le maggiori
soddisfazioni. In questo caso il
Trigon non si scompone e riporta
la puntuale escursione dinamica
del tocco sulla tastiera e
tutti i magnifici suoni che ogni
ottava è in grado di emettere.
La ricostruzione della scena
virtuale è espansa sia in altezza
che in larghezza, meno nel
senso della profondità, anche
se questo potrebbe essere più
un limite della registrazione sul
CD. I vari piani sonori in cui è
suddivisa l’orchestra sono comunque
riconoscibili. Anche
la messa a fuoco si dimostra
assai scrupolosa e l’immagine
prodotta è stabile, priva di tentennamenti
e, nel caso dell’orchestra
nella musica classica,
con gli strumentisti che restano
saldamente focalizzati dall’inizio
alla fine dell’esecuzione.
La gamma bassa è presente,
cosa di cui si avvantaggiano a
valle i diffusori da pavimento,
fornendo una rappresentazione
netta, con smorzamenti repentini,
mai gonfia o distorta.
L’organo a canne utilizzato in
una traccia della sessione d’ascolto
viene riproposto in un
modo che la dice lunga sulla
necessità di possedere un diffusore
in grado di scendere fino
alle note più gravi, in barba ai
SUONO febbraio-marzo 2021 53

SELECTOR
tanti estimatori dei mini-diffusori,
non in grado di esprimere
l’intero messaggio musicale e
quindi di coinvolgere del tutto
l’ascoltatore. Efficace la gamma
media, con le voci sia maschili
che femminili assolutamente
godibili e trasparenti. Bello, ancora,
il pianoforte con le evoluzioni
dell’esecutore sempre ben
scandite e dinamiche, dove si
percepisce anche il tocco delle
dita sui tasti e il rumore della
complessa meccanica dello
strumento. Di livello, poi, la
nitida percezione degli arpeggi
e del pizzicato sulle corde della
chitarra acustica. Attendibile
il range acuto, mai timido, in
grado di rifinire degnamente i
suoni che iniziano nella parte
inferiore dello spettro acustico.
I dettagli ci sono, le note
più alte del violino pure, la
trasparenza è di casa, ma senza
eccessi, in quanto dettata dalla
precisione nel trattamento del
segnale. L’intero spettro, insomma,
si estende liberamente
sia in alto che verso il basso.
La timbrica è corretta, neutra
perché non evidenzia alcuno
strumento rispetto agli altri. Le
voci femminili nei brani di lirica
sono ricche di armonia, veloci
e intellegibili in ogni nota
e gorgheggio. Non vi sono code
sonore se non quelle previste e
volute. Dunque tutto perfetto?
Sembrerebbe, anche dopo un
prolungato ascolto, salvo salire
di livello di costo (ho avuto la
possibilità di collegare la coppia
pre e finale Reymio) e solo
allora ci si accorge che esiste
una… perfezione ancor più
perfetta (ma parliamo di ben
36.000 euro la coppia) che
giustifica per certi prodotti la
definizione di “stato dell’arte
nella riproduzione dell’evento
musicale”.
Nel procedimento inverso,
comunque, passando nuovamente
all’ascolto del Trigon (e
risparmiando potenzialmente
oltre 30.000 euro!), non si resta
delusi: certo la differenza si
avverte ma si può felicemente
convivere con un integrato che
non costa più di un rene! In sintesi,
il Trigon Exxceed MK-II è
sicuramente un amplificatore
molto valido, offerto a un prezzo
coerente con le prestazioni e
anche di più tenendo presente
sia la qualità costruttiva interna
ed esterna che quella relativa
alle prestazioni in sede di
ascolto. Un prodotto, dunque,
del tutto soddisfacente e in grado
di competere con successo
nei confronti della concorrenza
sul mercato. In poche parole:
buona la prima!
54 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
a cura della redazione
DIFFUSORI
Pmc Twenty5.23i
PMC next level... Ovvero
consapevolezza di sé,
maturità o quel che volete
ma, comunque, un innalzamento
delle prospettive
e delle aspettative.
Quando visitammo il
quartier generale della
PMC in occasione
dell’ascolto in esclusiva dei diffusori
top di gamma Fenestria
(SUONO 538), tra gli oggetti a
contorno dell’evento compariva
uno dei modelli della nuova
serie Twenty5 che di lì a poco
(metà dello scorso anno) sarebbe
stata interamente rinnovata.
Sviluppati da zero senza tenere
conto di ciò che li aveva preceduti,
i Fenestria erano stati
una vera e propria palestra, la
migliore visto gli obiettivi nocompromise,
per assumere un
bagaglio di conoscenza in precedenza
affidato più all’intuito
personale del fondatore Peter
Thomas; una palestra o più
propriamente un laboratorio,
visto che per lo sviluppo di Fenestria
era stato coinvolto il Laboratorio
Fisico Nazionale che
dispone di una camera anecoica
di grandi dimensioni e che ha
sviluppato un particolare sistema
per l’analisi dei moti delle
vibrazioni basato su esame al
laser. L’analisi di forma e dimensioni
di baffle differenti,
l’influenza alle varie frequenze,
insomma una miriade di dati
sono stati riassunti in mappe
per uno studio che ha dato vita
a molteplici prototipi poi esaminati
anche in funzione delle
prestazioni sonore. Lo stesso sistema
è stato utilizzato anche su
crossover e componenti come i
Mundorf e i Claritycap utilizzati
in alcuni modelli PMC mentre
contemporaneamente, per lo
sviluppo del gruppo medio-alti
della Fenestria, è aumentato il
coinvolgimento con Seas (che
per il progetto hanno sviluppato
componenti originali). Next
level, appunto, completato da
una nuova sede e suggellato
dal 30mo anniversario che
cade proprio quest’anno e vede
l’azienda ancora impegnata in
egual misura tanto nel campo
professionale che in quello consumer
(una garanzia a nostro
modo di vedere, soprattutto
rispetto ai molti casi in cui le
sirene del consumer - inteso nel
peggior modo possibile - hanno
preso il sopravvento). Ora è il
tempo della rivisitazione del
proprio lavoro, onestamente
ma anche orgogliosamente dato
che quella “i” sta per improved,
dunque non una rivoluzione
ma solo un aggiustamento, e
coinvolge la linea di attacco di
PMC al mercato, la serie Twenty5.
Ben altra cosa accadde nel
passaggio tra la linea Twenty e
la Twenty5 prima generazione
Prezzo: € 4.390,00
Dimensioni: 16,2 x 90,7 x 33 cm (lxaxp)
Distributore: Gammalta Group S.r.l.
Via S. Maria, 19/21 - 56126 Pisa (PI)
Tel.050 2201042 - Fax 050 2201047
gammalta.it
DIFFUSORI PMC TWENTY5.23I
Tipo: da pavimento Caricamento: linea di trasmissione N. vie:
2 Impedenza (Ohm): 8 Frequenze di crossover (Hz): 1.700
Risp. in freq (Hz): 28 - 25.000 Sensibilità (dB): 86.5 Rifinitura:
Oak/Walnut/Diamond Blac, seta chiara Note: caricamento ATL
con griglia Laminair.
56 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST
(introdotta nel 2016), marcato
da una radicale rivisitazione
tale da far mantenere per un
periodo entrambe le versioni in
catalogo (“la nuova linea ha in
comune con il passato qualche
vite e… il grado di inclinazione
dei diffusori da pavimento”
trapelò dallo staff!) visto anche
il consistente (+20/30%) incremento
del prezzo a catalogo.
La line up rimane quella tradizionale
composta da 2 bookshelf
e 3 torri, tutti 2 vie tranne
il modello top da pavimento
che è a 3. Il modello Twenty5
23i, la più piccola delle torri,
succede alla precedente con un
incremento di costo modesto ed
è fondamentalmente caratterizzata
dalla sostituzione del tweeter
(precedentemente da 25
mm) con uno da 19. Nel precedente
passaggio generazionale
(Twenty - Twenty5) accadde il
contrario: il tweeter rimase lo
stesso mentre la scelta del woofer
fu radicalmente differente:
si optò per un corsa lunga con
cono in fibra di vetro (invece
che in carta) e motore più efficiente,
che è rimasto invariato
e compare anche sulla serie
Twenty5i 23. Da sottolineare
come a fronte di questa scelta,
allora e oggi, il crossover non
ha comunque subito modifiche
sostanziali, anzi: dalle misure
e dall’analisi dei dati rilevati
sembra che vecchia e nuova
versione siano quasi perfettamente
sovrapposte nelle due
modalità. Azzardiamo: è possibile
che siano state richieste
delle customizzazioni ad hoc del
tweeter o che le spire della sua
bobina siano in numero differente
rispetto a quelle del modello
standard, oppure che sia
stato richiesto un trattamento
della membrana particolare...
Non abbiamo informazioni in
merito ma sta di fatto che da
quanto rilevato le prestazioni
strumentali ma anche quelle
all’ascolto risultano migliorate,
a conferma di una idea chiara
e “ferma” degli obiettivi, anche
nella rivisitazione del progetto!
Ancora una volta, se ve ne fosse
bisogno, si conferma come una
certa vocazione olistica (dunque
impermeabile alle tante
favole che hanno caratterizzato
il settore dell’Hi-Fi) sia determinante
nel risultato più che
l’ipotesi che i valori dei componenti
e lo schema siano scelti
con attenzione maniacale... Se
le reti di compensazione sono
le stesse anche per altoparlanti
fra loro estranei, e i tagli usano
schemi ricorrenti, anche per
altoparlanti molto differenti,
evidentemente i risultati dipendono
da altri fattori come
saper mettere insieme i pezzi di
un progetto!
La struttura del mobile risulta
invariata rispetto alla
precedente versione (cambiò
radicalmente invece nel passaggio
da Twenty a Twenty5):
è estremamente rigida sia in
ragione dell’ottima costruzione
che per il fatto che le pareti
interne che costituiscono la
linea di trasmissione ripiegata
costituiscono degli elementi di
rinforzo eccellenti. Le superfici
interne sono rivestite con
pannelli bugnati che se da un
lato riducono in misura minima
l’efficienza della linea di
trasmissione (nella versione a
doppia porta denominata Laminair,
il cui obiettivo è quello di
ridurre la turbolenza del flusso
che percorre la porta d’accordo
con una maggiore efficienza del
sistema), dall’altro abbattono le
risonanze spurie e le riflessioni
che potrebbero innescarsi (e
spesso succede!) in sistemi di
questo tipo. I due altoparlanti
sono installati a diretto contatto
con il pannello anteriore,
avvitati su innesti in metallo
annegati nell’MDF. Ad aumentare
la rigidità della struttura
nel suo complesso sono presenti
due barre in acciaio inox
fissate al fondo che, inoltre,
ampliano la pianta di appoggio.
Una delle caratteristiche salienti
quando si passa all’utilizzo
del diffusore è costituito
dall’eccellente capacità di inserimento
in ambiente dal punto
di vista estetico, visto che
il diffusore risulta particolarmente
filante (da questo punto
di vista rappresenta il miglior
compromesso tra prestazioni e
ingombri tra i tre modelli della
linea), anche grazie alle due
staffe in acciaio che alleggeriscono
esteticamente la struttura
dandole un notevole slancio
e la cui funzione preminente è
comunque quella di appesantire
la base, aumentando la stabilità
del sistema. Altrettanto
semplice l’abbinamento con
i partner musicali visto che il
diffusore accetta di buon grado
amplificazioni anche di potenza
limitata. Certo la stessa natura
sonora dei Twenty5 23i “richiama”
performance in termini di
punch e coinvolgimento che richiedono
maggiori erogazioni e
quindi, se necessario e quando
possibile, si può anche esagerare
visto anche il fatto che il
diffusore non sempre manifesta
limiti in coincidenza con transienti
anche potenti e, in questo
caso, ripropone una emissione
sonora particolarmente ricca di
energia. In generale l’approccio
monitor viene mantenuto in
quella formula che è quasi un
marchio di fabbrica per PMC,
dove convive un suono ricco e
frizzante ma al tempo stesso
I morsetti sono installati su un
pannello in metallo. Il corpo in
metallo e la filettatura a passo fine
consentono un serraggio molto
tenace del cavo spellato oppure
terminato con forcelle.
educato. Il dettaglio è a livelli
notevoli, senza scadere in accenni
di freddezza irsuta alle
alte frequenze; l’immagine è
ampia e scolpita con un rigore
puntuale nel rispetto delle tre
SUONO febbraio-marzo 2021 57

SELECTOR
La pianta di appoggio a terra viene
ampliata con due barre in acciaio
installate al fondo del diffusore.
Il fissaggio avviene tramite bulloni di
grande diametro che agiscono su due
dischi in materiale viscoelastico che
disaccoppiano la staffa dal mobile.
Il crossover è fissato alla piastra
in acciaio tramite i morsetti di
ingresso e due distanziali
isolati elettricamente.
I componenti di ottima
qualità sono implementati
su un PCB a doppia faccia
dotato di connettore
multiplo per il cablaggio
degli altoparlanti.
Il mobile presenta un setto verticale che divide il
volume in due sezioni ripiegate di lunghezze differenti
che costituiscono gli elementi del particolare sistema
di carico a linea di trasmissione di PMC. In basso è
collocata la feritoia di comunicazione con l’esterno
dotata del caratteristico profilo plastico aerodinamico.
Il woofer è
dotato di
un cestello in
pressofusione
molto robusto e aerodinamico, con una flangia
di appoggio ampia e tornita esternamente a fini
estetici. L’equipaggio mobile a lunga escursione è
a vista e la membrana è in fibra sintetica G-Weave.
Il tweeter, realizzato da SEAS, ha la bobina mobile da 19
mm ma è dotato di una sospensione molto ampia che
consente una lunga escursione della membrana, una
riduzione della Fs, pur senza camera di decompressione,
e un ampliamento della dispersione verticale.
dimensioni e della scansione
dei piani nel senso della profondità
dell’immagine virtuale, in
grado di generare un coinvolgimento
di livello che potremmo
definire estremo, in quanto anche
impegnativo e in ipotetica
contrapposizione ad un più
rilassante ascolto superficiale.
I Twenty5 23i ti tirano dentro
la performance musicale grazie
a una capacità di riproporre
l’intera tavolozza musicale in
modo solare ma rigoroso agli
estremi banda, dove si apprezza
una articolazione eccezionale
praticamente con ogni genere
musicale. La gamma grave è pulita,
articolata, profonda e presente,
con una veemenza che si
apprezza con l’intervento della
pedaliera dell’organo a canne o
nel giro di contrabbasso acustico.
Strumenti e voci vengono
riproposti con una naturalezza
particolare soprattutto dove si
intersecano le gamme di frequenza,
cosa che accade senza
58 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST PMC TWENTY5.23I
al banco di misura
La risposta in frequenza è molto estesa e abbastanza
lineare, con una lieve attenuazione poco al di sopra della
frequenza di incrocio fra tweeter e woofer e costante
anche fuori dall’asse sia verticale che orizzontale, esibendo
una sovrapposizione quasi priva di cancellazioni
evidenti nonostante l’impiego di un crossover con una
pendenza non eccessiva ma con un incrocio elevato. La
risposta all’estremo superiore beneficia della particolare
geometria del tweeter da 19 mm di diametro dotato di
una ampia sospensione e anche della griglia in metallo
che applica una, seppur lieve, equalizzazione all’estremo
superiore fuori dall’asse di emissione.
Per il resto della banda riprodotta, le prestazioni della
versione improved sono molto simili a quelle della
versione precedente, caratterizzate da una estensione
verso il basso decisamente inconsueta in merito all’azione
della TL. Il condotto è particolarmente privo di disturbi
e risonanze, un risultato molto apprezzabile anche grazie
all’adozione massiva di assorbente acustico di varia
natura che, sebbene riduca l’intervento della Linea di
Trasmissione, riduce proporzionalmente anche gli effetti
secondari negativi.
Le caratteristiche di smorzamento in gamma bassa tipiche
della Linea di Trasmissione, il modulo dell’impedenza
sempre al di sopra dei 6 Ohm e una sensibilità accettabile
consentono un buon abbinamento con moltissimi
amplificatori a stato solido ma anche a valvole a basso
fattore di smorzamento.
Il filtro impiega due celle a 12 dB/oct con una
frequenza di incrocio elettrica posta oltre i 2 kHz.
Anche grazie alle caratteristiche degli altoparlanti e
del modulo di impedenza degli stessi molto lineare,
il risultato è stato ottenuto con pochi componenti
di compensazione e con una elevata efficacia di
attenuazione. I condensatori sono in poliestere
metallizzato della francese Solen e gli induttori a
bassa resistenza interna sono avvolti su nuclei di
ferro sinterizzato e lamierini.
scollamenti, in un amalgama
genuino ed appagante per l’udito.
La gamma media e acuta
è presente e timbricamente
significativa. A memoria, dal
punto di vista sonoro (ma anche
consultando gli appunti in
merito) la versione improved
rispetto alla precedente esalta
la caratteristica di definizione e
coerenza ma senza alcuna sensazione
di analiticità esagerata
e per certi versi “gratuita”, con
un abbattimento di qualunque
sentore di affaticamento d’ascolto.
Una performance complessiva
che non fa rimpiangere
il nostro riferimento rispetto a
cui i PMC, per usare un termine
ciclistico, si pongono a ruota,
specialmente per quanto riguarda
la gestione della gamma
bassa, con una leggera demoltiplica,
per carità, ma anche con
un litraggio più contenuto che
comporta un gradevole e agevole
inserimento in qualunque
ambiente.
In sintesi i Twenty5i 23 sono
una testimonianza della ulteriore
maturità raggiunta dall’azienda,
un produttore che per
lungo tempo ha preferito una
dimensione naïf ma, vuoi per
ragioni anagrafiche, vuoi per l’inevitabile
necessità di evolvere
nel proprio cammino, è davvero
diventato grande. E matura
oggi è anche la serie Twenty,
giunta nella terza versione delle
sue peripezie a uno standard
complessivo invidiabile. In particolare
il modello 23 ci sembra
il giusto compromesso (inteso
nel senso più alto del termine)
per affrontare quello che per
PMC è un entry level ma a tutti
gli effetti rappresenta un ottimo
esercizio di micro-lusso, ovvero
un qualcosa che può diventare
elemento definitivo di un impianto
senza rimpiagere eventuali
“corse al rialzo”...
SUONO febbraio-marzo 2021 59

SELECTOR
a cura della redazione
DIFFUSORI
Sonus Faber Lumina I
C’è mai stato bisogno
di un minidiffusore e c’è
ancora? La risposta alla
domanda, in parte provocatoria
in parte no, cambia
non di poco la collocazione
dei Lumina I, ultima
fatica in ordine di tempo
della nostra azienda più
conosciuta nel mondo, la
Sonus faber.
Quello dei mindiffusori,
infatti, è stato un fenomeno
che ha assunto
una dimensione inaspettata
e per certi versi estremamente
sopravvalutata dando vita
nell’ambito Hi-Fi a una serie di
leggende metropolitane e di distorsioni
delle regole del buon
senso, unici nel loro genere.
A un certo punto della storia,
un discreto balzo evolutivo avvenne
come molti sanno per
merito di un evento scatenante,
la nascita dei BBC LS3/5a, che
ha dato il via a questa tendenza.
Cinquant’anni fa, il piccolo monitor
portatile ha fatto decisamente
la storia e ha anche mostrato
un modo del tutto nuovo
di intendere il campo sonoro
riprodotto, con tutti i suoi limiti
ma anche con una visione che
ha stimolato i costruttori a fare
sempre meglio, mantenendo
quel form factor, quello dello
“shoes box”, tanto osteggiato
ma al contempo così pieno di
fascino e di potenzialità! Inutile
prendersi in giro: da un
diffusore di grandi dimensioni
le aspettative sono altrettanto
ampie, ma da una scatola di
scarpe ci si aspetta ben poco
e l’esperienza che ne deriva è
sempre al di sopra della più fervida
immaginazione. Lo è stato
all’epoca dei BBC e i ProAc Tablette
hanno fatto il loro appena
entrati sul mercato...
Una delle grandi intuizioni,
forse tra le più dimenticate, nel
lavoro di Franco Serblin, fondatore
di Sonus faber, fu quella
al tempo di donare una dignità
tattile e alla vista a quelle
che venivano definite in modo
sprezzante “loro malgrado” scatole
da scarpe e di cui i maggiori
esponenti, LS3/5a e Tablette,
tutto erano fuorché belli! Fu
una svolta epocale nell’ambito
dell’Hi-Fi di classe e di lusso,
avvenuta forse senza nemmeno
rendersene conto, almeno nella
portata dell’evento in sé.
Sembra banale ridurre il fenomeno
del minidiffusore solo alle
sue dimensioni anche perché,
nelle molteplici declinazioni
che si sono succedute nell’ambito
Hi-Fi, tutto ciò che è legato al
bello, al comodo, all’essenziale
è stato in gran parte distorto in
quanto intorno a un sistema di
piccole dimensioni ha preso vita
un ecosistema (che ben poco ha
di “eco”) fatto di teorie strampalate
e di strategie di ottimizzazioni
che hanno stravolto il
piccolo magico prodigio: amplificatori
di potenza smisurata,
Prezzo: € 900,00
Dimensioni: 14,8 x 28 x 21,3 cm (lxaxp)
Peso: 4,4 kg
Distributore: MPI Electronic SRL
Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI)
Tel.02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36
www.mpielectronic.com
DIFFUSORI SONUS FABER LUMINA I
Tipo: da supporto Caricamento: bass reflex N. vie: 2 Potenza
(W): 30 - 100 Impedenza (Ohm): 4 Risp. in freq (Hz): 65 -
24.000 Sensibilità (dB): 84 Altoparlanti: 1 tw DAD da 29 mm, 1
wf da 12 cm in polpa di cellulosa.
60 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST
cavi inusitati, posizionamenti in
mezzo alla stanza e accessori fra
i più creativi erano solo l’inizio
per ottimizzare un diffusore che
nel suo contesto aveva giù tutto
per essere “il piccolo, equilibrato,
prodigio”. Il fenomeno
ha visto un apice negli anni Ottanta
ma anche se in calo non
ha mai perso appeal anzi, anche
se è vero che nell’accezione ha
cambiato i suoi connotati con
una progressiva cura calorica
nonché di merito, tanto da travalicare
quel che la definizione
propriamente recita (bookshelf,
ovvero da scaffale) a favore di
un ibrido della cui inconsistenza
abbiamo più volte disquisito:
se la soluzione mini diffusore +
stand occupa lo stesso volume
di un diffusore da pavimento,
perché non optare per il secondo
facendo buon uso di quel
volume utilizzato nel diffusore
e non con il diffusore?
Solo recentemente è stato
ripreso in considerazione il taglio
“minimo” del woofer che,
per essere considerato un diffusore
stand alone, si potrebbe
collocare intorno ai dieci centimetri,
soglia sotto la quale
è veramente difficile ottenere
una pressione credibile in bassa
frequenza. Le dimensioni del
volume di carico sono altrettanto
importanti
se si tratta di
un diffusore
passivo in cui
il carico acustico
ha vari scopi, primo
fra tutti quello di estendere
e incrementare il livello della
risposta in gamma bassa; questo
vincolo viene oggi bypassato
tramite le amplificazioni dotate
di DSP a bordo che riescono a
compensare molti parametri
dell’altoparlante, modellando
la risposta all’estremo superiore
e incrementando quella in
basso, salvaguardando anche
I morsetti di ingresso sono fissati sulla vaschetta in plastica su cui è fissato, all’interno,
anche il circuito stampato con il filtro. Molto buona la meccanica di serraggio, si consiglia
la sostituzione del ponticello con almeno due spezzoni di cavo spellato.
l’altoparlante
nel caso di sovraccarichi; il diffusore
amplificato, pertanto,
raggiunge prestazioni impensabili
rispetto al passato. Grazie
all’evoluzione tecnologica sia
nell’ambito degli altoparlanti
ma soprattutto nelle amplificazioni
dotate di DSP, ora il
minidiffusore sta vivendo un
momento di grande interesse
anche perché, finalmente,
con un sistema di dimensioni
ancora più compatte dei primi
BBC si ottengono risultati decisamente
più completi e coinvolgenti
di quelli dell’epoca. Ma
se in questo ambito gli esempi
di applicazioni che in qualche
modo esibiscono un killer instinct
non sono poche e dal costo
contenuto, nel segmento di
lusso relativo, quello che diede
origine al fenomeno, i rappresentanti
tanto della novelle vague
che delle applicazioni più
tradizionali sono pochi: Genelec
Sonos e qualche altro (vedi
anche nell’articolo che precede
dedicato a Sonos e Triangle) per
la novelle vague, Dali Menuet,
Technics SBM-01 e poco più per
i secondi...
Elementi di quel connubio sensoriale
che fece la storia si riscontrano
invece nei Lumina I
(le foto, ve lo anticipiamo, non
Il condotto
di accordo è
ricavato nella base
in plastica applicata al
fondo del diffusore.
Il profilo molto svasato e ampiamente
raccordato con l’esterno comunica con
il volume interno di carico attraverso
una apertura sul piano inferiore del
mobile. La base in plastica è avvitata al
piano e poggia sul rivestimento
in similpelle.
rendono giustizia né all’ingombro
né alla natura filante
del design), ultima creazione
della ditta italiana che proprio
con questo modello opera anche
una vigorosa sterzata nelle scelte
di marketing, di posizionamento
merceologico e di natura
tecnica. “Il ritorno del mini diffusore”,
verrebbe da dire, dato
l’impegno davvero oneroso per
rientrare in un segmento di
mercato non sempre presidiato
in questi anni dalla società vicentina.
E invece è proprio questa
la fascia di pertinenza dei
Lumina I, prodotto di attacco
della serie Lumina (acronimo di
LUsso, design MInimale e suono
NAturale) con la quale Sonus
faber si inserisce nella fascia di
mercato Hi-Fi compresa tra gli
800 euro del modello da scaffale
(i Lumina I, appunto) e i
2.000 dei Lumina III da pavimento,
a cui si aggiunge un centrale
a completare una serie che
è tutta qui, in controtendenza
(o forse in anticipo?) rispetto
alle scelte di molti costruttori
che offrono normalmente almeno
4 modelli (due da scaffale
e due da pavimento) quando
non l’aggiunta di una ulteriore
SUONO febbraio-marzo 2021 61

SELECTOR
Le pareti del mobile sono in MDF
ricoperte con un rivestimento in
similpelle. Il pannello anteriore,
in multistrato nobilitato, è
accoppiato al mobile con un
collante viscoelastico e non è
a contatto con gli altoparlanti
che sono installati direttamente
sul pannello in MDF. Il pannello
ha la funzione di irrobustire
il frontale e di raccordare gli
altoparlanti smorzando inoltre
la trasmissione delle vibrazioni.
Il cestello presenta un disegno
aerodinamico con una struttura a tre
doppie razze che offre ampio respiro alla
parte posteriore della membrana. Anche
l’equipaggio mobile a lunga escursione e
di tipo esposto.
La membrana è in tela stampata e
trattata con la bobina mobile da un
pollice annegata nel ferrofluido.
Il gruppo magnetico presenta
una piccola cavità riempita
di materiale smorzante.
Il supporto di fissaggio
dell’altoparlante è dotato
della struttura verticale che
equalizza la risposta fuori
asse dotato della piccola ogiva
preposta alla tecnologia D.A.D.
che discende direttamente dalla
serie Reference, con la differenza
che in questo caso non è presente alcun
contatto con l’apice della cupola.
Gli altoparlanti sono dotati
di piastre di supporto minimali
necessarie per l’installazione al piano.
Il raccordo con la parete esterna è realizzato con due
apposite flange in plastica e gomma, a loro volta fissate
tramite innesti in gomma disaccoppianti.
torre. Scelta meritoria a parer
nostro (che non genera inutili
doppioni e sovrapposizioni) se
non per l’eccessivo margine (di
scelte tecniche, di prezzo e di
rapporto costi/prestazioni) tra
i due modelli. Vero anche che
i Lumina I sono un autentico
gioiellino, lo sveliamo subito, a
partire dalla forma inusuale con
ridotto buffle frontale in favore
delle altre dimensioni spaziali,
comunque tutte ridotte al minimo
(e si sa, come per le scarpe,
più piccolo è il “numero” e più
belle sono) al punto tale da non
presentare o quasi competitor.
Di fatto rappresentano il primo
sistema che rientra a gran voce
in un mercato che sembrava
aver smarrito lo spirito della
ricerca del bel suono e della
grazia, soprattutto per quello
che riguarda l’inserimento in
ambiente e l’abbinamento con
il resto dell’impianto.
Dal punto di vista sonoro i
Lumina I non sono avidi di
62 SUONO febbraio-marzo 2021

TEST SONUS FABER LUMINA I
potenza pur non disdegnandola; già “a una tacca”
della manopola del volume si esprimono
in modo completo. Un campo sonoro che poi
beneficia anche di una installazione a scaffale
oppure molto vicino alla parete di fondo che
rinforza la parte bassa dello spettro senza però
avere un impatto negativo nell’articolazione e
nella ricostruzione. Si tratta di un campo sonoro
certamente ridotto in prospettiva ma che mantiene
quella impostazione di assoluta gradevolezza
in quanto a pressione, estensione e grazia
in gamma alta e che consente alla sfera emotiva,
non quella percettiva, di compensare e adattarsi
a quanto riproposto. Si usa spesso la massima
della coperta corta, vera in molti casi ma non
in questo in cui, vuoi per una impostazione leggermente
loudness, vuoi per una gamma media
molto luminosa e intellegibile ma mai appuntita,
si ottiene un fronte sonoro estremamente gradevole,
completo, anche materico. Il punch c’è, ma
non bisogna farsi prendere la mano in quanto
i limiti del sistema non si avvertono subito e si
tende pertanto ad alzare il volume senza rendersi
conto che si tratta pur sempre di un diffusore
passivo con woofer da 10 cm. Alzando il volume
la gamma bassa è la prima a mostrare i limiti
con una compressione dinamica e la perdita di
articolazione a livelli comunque inusuali per un
minidiffusore, ma con una gamma medioalta che
non mostra nessuna incertezza e indurimento.
Ed è proprio per questa impostazione che i Lumina
si trovano a loro agio con amplificazioni
non molto potenti ma non disdegnano sistemi
potenti e dinamici, con un timbro chiaro e una
gamma bassa controllata e potente.
I Lumina I si sono trovati particolarmente a
loro agio con lo Yamaha A-S1200 che ne ha
esaltato la gamma media senza incrementare il
registro inferiore, restituendo un basso esteso,
corposo, articolato e mai sgraziato anche a livelli
sostenuti.
La gamma bassa si dimostra perfettamente coesa
con le gamme di frequenza superiori, veloce
e sufficientemente di impatto. Bello il
pianoforte, lo strumento principe e il
più difficile da riprodurre correttamente,
a causa della complessità delle sue
onde armoniche, che si mostra in gran
spolvero, ovviamente non grande e realistico
come con i riferimenti, ma ben
proporzionato, ricco di sfumature nel
tocco ora lieve ora perentorio e ritmato
dell’esecutore.
Un abbinamento invece molto
IL PRIMO AMORE...
“Sono tornato ai vecchi amori, i piccoli diffusori a
cui ho sempre creduto”. E, ancora: “Non si inventa
niente, semmai si riscopre quello che è stato detto.
Ed è stato detto, ed è stato scritto, tutto, in maniera
indelebile!”.
Le radici ormai
lontane
in cui affonda
la mia carriera
nel mondo
dell’Hi-Fi mi
hanno consentito
di seguire in
tutto e per tutto
le sorti della Sonus
faber, non
solo in ragione di
una comunanza
di patria del suo
fondatore (sue le
parole nei virgolettati)
e mie da parte di madre ma anche soprattutto
per una affinità intellettuale. E c’è un elemento,
più forte delle origini, in parte tramandato nel
tempo in parte no, che caratterizza consapevolmente
o meno il DNA di questa azienda: si
tratta di una viscerale attenzione per i diffusori
di piccola taglia via via nel tempo amati, sedotti
& abbandonati, come nelle più classiche e complicate
storie d’amore.
Sonus faber nasce così (se si esclude l’esercizio di
stile degli Snake che comunque sono pur sempre
un tutt’uno di sat + sub), con i Parva e soprattutto
con i Minima. E nell’ambito della scelta delle soluzioni
più idonee in questo segmento di mercato,
Sonus faber ha avuto in passato una marcia in più
rispetto ai concorrenti del tempo proprio in quanto,
un po’ controtendenza, propose i Minima: si
trattava di un diffusore dotato dello stesso woofer
dei ProAc Tablette (il mitico SEAS 11GFX) abbinato
però al tweeter Dynaudio D28, altro componente
mitico dell’epoca, caratterizzato da una tenuta in
potenza inusuale e per sopportare sollecitazioni
meccaniche importanti; tutte caratteristiche
che consentirono di utilizzare un filtro blando a 6
dB/oct con un taglio abbastanza basso, aprendo
un modello di riproduzione quasi sconosciuto
in questo ambito. Un altro elemento chiave nel
successo dei Minima fu l’utilizzo di massello di
legno ad alto spessore che rispetto alle “scatole
da scarpe” ha finalmente dato un valore aggiunto
senza precedenti.
Il form factor e le dimensioni (forse le più compatte
nell’ambito dei minidiffusori) dei Tablette
non erano disdegnabili ma
i Minima, anche se più
massicci, hanno
aperto a quella che sarà la scelta elettiva del
costruttore negli anni a venire. Tuttavia Sonus
faber abbandona quasi immediatamente il piccolo
woofer da 11 cm di diametro per passare al taglio
successivo, ovvero da 13 cm, che, in sostanza, non
ha costituito un ampliamento significativo del
diffusore ma ha semplificato il raggiungimento di
certe prestazioni. Ovvio che rispetto ai competitor,
dotati di un mobile costruito intorno agli altoparlanti,
qualche centimetro in più avrebbe fatto la
differenza, ma per Sonus faber non è stato un
limite, anzi, un pretesto per modellare i fianchetti
laterali in modo da adeguarsi esteticamente la
flangia del woofer.
Solo dopo molti anni è ricomparso nel catalogo
Sonus faber un woofer da 11, utilizzato nei Toy,
un sistema con la forma dei Signum ma molto
più compatto e grazioso, di cui sono il geloso
possessore di una versione unicum (con inserti
in pelle), troppo costosa per prendere la strada
della produzione. Ma oggetto di valore, anzi
di “troppo” valore, i Toy lo erano comunque,
tanto che il sistema ha avuto vita breve: caduti
nell’oblio se non per il fatto che oggi sembrano
aprire la strada ai Lumina I, di fatto il prodotto
più rappresentativo della discendenza Minima
per le dimensioni del woofer, per il volume del
diffusore ma anche per il fatto che il mobile, pur
estremamente semplificato nelle realizzazione,
esprime nuovamente quella sensazione di lusso
(qui dovremmo parlare di micro lusso) che è stata
una componente essenziale del successo dei mini
diffusori targati Sonus faber. Il mobile di Lumina
I, inoltre, presenta dimensioni molto vicine a
quelle dei Tablette, collocandosi
fra i più compatti del segmento.
I diffusori sono dotati inoltre di
un crossover a 6dB/oct con solo
due componenti! Un ritorno al
futuro e in un certo senso una
nemesi dei valori fondanti del
marchio, scivolati “di lato” per
ragioni commerciali che hanno
portato l’azienda (nel dopo
Serblin) verso altri lidi, quelli dei
diffusori da terra e, poi, dei mega
diffusori.
Forse è davvero vero che... il
primo amore non si scorda mai!
Paolo Corciulo
SUONO febbraio-marzo 2021 63

SELECTOR
al banco di misura
controcorrente (audiofila) ma
che diventa assolutamente vincente
è con il Sonos AMP che offre
una delicatezza a una spinta
in tutto il range unica nel suo
genere, considerando soprattutto
le dimensioni dell’oggetto
in questione: il connubio con le
dimensioni dei Lumina I determina
il valore aggiunto in fatto
di prestazioni e “incredulità”,
Il filtro adotta una filosofia minimalista
a 6dB/oct e solo due componenti di
ottima qualità, un condensatore a film
in serie al tweeter e un induttore in
serie al woofer. È presente anche un
resistore di attenuazione.
La risposta in frequenza in asse ha una impostazione
a sella, con gli estremi banda leggermente enfatizzati
rispetto alla gamma media. La risposta fuori asse tende
a regolarizzarsi notevolmente, soprattutto all’estremo
superiore, e non presenta cancellazioni nella zona di
incrocio, fissata comunque molto in alto nonostante
l’ampia banda di sovrapposizione. Non sono presenti
invece rinforzi molto localizzati in gamma bassa che potrebbero
ridurre l’articolazione. Il modulo dell’impedenza
si mantiene sempre al di spora dei 4 Ohm e si rivela un
carico piuttosto facile da abbinare con qualsiasi tipo di
amplificazione.
abbinato soprattutto alla collocazione
in ambiente che si
sposa particolarmente fra i due
oggetti, espressione oggi di un
industrial design comunque di
classe che potrebbe rivelarsi la
nouvelle vogue sia per l’estetica
che per la User Experience, fra
le più stimolanti e appaganti
del momento. La timbrica
molto asciutta e precisa (mai
debordante) del Sonos Amp fa
andare i Lumina I fino al loro
limite, considerando anche la
potenza massima dell’AMP
che oltrepassa i 100 Wrms pur
sempre di una ampli in classe D
ma con una impostazione che,
come possiamo apprezzare di
volta in volta, ha ben poco da
spartire con gli ampli freddi di
fascia bassa.
Così, tornando alla domanda
che ha aperto questo scritto (C’è
mai stato, c’è e ci sarà ancora
bisogno di un minidiffusore di
qualità?), l’eventuale dubbio
sulla risposta è solo nella testa
di chi (e purtroppo non sono
pochi) ha operato finora senza
tener conto delle reali esigenze
del consumatore! Dando dunque
per assodato il responso e
avendo esaminato come Sonus
faber ha deciso di interpretarlo,
siamo di fronte a un potenziale
evento epocale (abbiamo
tentennato a utilizzare questo
termine abusato ma si, si tratta
proprio di questo!) di cui anche
Sonus faber, ormai più avvezza
al segmento del lusso e dell’ultra
lusso che alle sirene del
consumer, sembra comunque
essersi accorta: nella pubblicistica
aziendale le immagini dei
Lumina I vengono associate a
quelle dell’Amp della Sonos,
azienda che ci ha abituato a
sfornare con nonchalance delle
killer app; un abbinamento tra
sacro e profano secondo le tradizionali
categorie della mente
audiofile ma che salda i due
mondi che abbiamo delineato
in questo articolo e garantisce
a dei costi assolutamente in linea
con l’ambito del microlusso
un sistema completo, moderno
e a misura d’utente, a sfatare
ogni residuale resistenza che
identifichi i Lumina solo come
rappresentanti di un portato
passato. Declinati in una visione
moderna tradizione, culto
dell’oggetto e performance ci
sono tutti, a fare dei Lumina I
una “entry killer”, neologismo
da noi creato ma che comincia
ad avere proseliti.
64 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
di Vincenzo Sollazzo
In un pomeriggio di dicembre,
durante una
delle giornate più corte
dell’anno, il mio telefono
squilla e il direttore mi dice:
“Vincenzo, vorrei tu dessi un
secondo ascolto alle Sonus
faber Olympica Nova V e che
approfondissi l’aspetto della
biamplificazione del sistema
di altoparlanti”. Una richiesta
comprensibile visto che la casa
italiana offre relativamente da
poco tale possibilità, e tante
volte capita di vedere diffusori
predisposti al biamping/
biwiring con cavi collegati
alla sola coppia di morsetti
inferiori con ponticelli che li
uniscono a quelli superiori.
Ponticelli che, oltretutto (come
seppe dimostrare la proposta
di ponticelli di qualità offerta
da SUONOpoint un tempo...)
incidono sulla qualità sonora
del sistema. Uno spreco? Non
saprei. Sicuramente un’occasione
che può essere adeguatamente
sfruttata. Così tutto il
periodo natalizio è stato riempito
di ascolti di cui riporto le
considerazioni a seguire.
Devo dire che l’arrivo di una
coppia di Sonus faber di alto lignaggio
è sempre emozionante
ed è un’occasione importante
per poter capire a che punto
sia arrivato il progresso nel
settore. L’azienda italiana
rappresenta una eccellenza
nostrana riconosciuta in tutto
il mondo per la capacità di
unire alla bellezza sostanziale
del suono quella derivante dallo
studio di forme raffinate e
gradevoli allo sguardo. E belle
da vedere le Olympica Nova V
lo sono per davvero: un ogget-
DIFFUSORI
Sonus faber Olympica Nova V
SUL CAMPO
Prezzo: € 4.560,00
Dimensioni: 42,4 x 117,4 x 53 cm (lxaxp)
Peso: 44 Kg
Distributore: MPI Electronic SRL
Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI)
Tel.02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36
http://www.mpielectronic.com
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex Stealth Ultraflex N.
vie: 3 Potenza (W): 60 - 400 Impedenza (Ohm): 4 Frequenze di
crossover (Hz): 250/2500 Risp. in freq (Hz): 32 - 35,000 Sensibilità
(dB): 90 Altoparlanti: 1 Tw 28 mm a cupola in seta H28 XTR3, 1
Mid da 15 cm M15 XTR2-04, 3 Wf da 18 cm W18XTR2-12
66 SUONO febbraio-marzo 2021

to perfettamente collocabile in
ambiente casalingo che si integra
facilmente sia in un contesto
moderno che classico. La
bontà delle finiture conferisce
loro un aspetto importante
e lussuoso perfettamente in
linea con il livello del loro
prezzo. La collocazione ideale
è stata a circa un metro dalla
parete di fondo e a poco più di
un metro dalle pareti laterali.
Non mi dilungo sulla loro
descrizione (la potete trovare
nella esaustiva recensione sul
numero di settembre 2019 di
SUONO) ricordando solo che
si tratta di una torre da pavimento
con bass reflex sulla
parete laterale del diffusore,
a tre vie con tre woofer da 18
cm, un midrange da 15 cm e
un tweeter a cupola morbida
da 28 mm. Appena attaccate,
colpisce la generosa presentazione
del medio basso. I tre
woofer spingono parecchio in
questa zona dello spettro, con
il risultato di un suono caldo
e lievemente arrotondato.
Il basso profondo c’è ed è anche
sufficientemente articolato,
seppur lievemente posto
in secondo piano rispetto alla
porzione più alta del registro
grave. In sostanza c’è un’enfasi
educata del medio basso
che dà l’impressione di generosità
e potenza. Se da un lato
l’esuberanza di questo registro
risulta appagante, dall’altro si
perde qualcosina sul fronte
dell’articolazione e in velocità.
Poca cosa rispetto alla
percezione di corposa solidità
del suono che colpisce l’ascoltatore.
Il medio è molto chiaro
e dotato di grande precisione
espositiva. Le Olimpica Nova
V esaltano le doti di sorgenti
precise e dettagliate dalle quali
spremono anche i più piccoli
particolari. Il registro medio
è caratterizzato anche da una
modica tendenza al calore ed è
leggermente e piacevolmente
MA
LODOVE TROVATE
UNO
COSÌ?
Ci siamo fatti
in quattro per voi
12
rivista cartacea,
sfogliabile
MESI60€
e pdf
rivista cartacea,
sfogliabile
6MESI30€
e pdf
rivista cartacea,
sfogliabile
3MESI20€
e pdf
edizione digitale,
12MESI40€
sfogliabile e pdf
Tutte le informazioni su
www.suono.it
(oppure contattare 67
diffusione@suono.it)

SELECTOR
prevalente. Il tweeter fa con
discrezione un ottimo lavoro di
rifinitura in alto con frequenze
acute molto estese, pulite e
senza grana. Le voci femminili
sono luminose e vellutate
mentre quelle maschili piene
e carnose. La scena acustica è
apprezzabilmente ampia nelle
tre dimensioni dello spazio.
I diffusori, sia pur di stazza
considerevole, spariscono e lasciano
il campo a un suono ben
distribuito, arioso e sviluppato
in profondità. Gli strumenti
sono facilmente individuabili
nel soundstage e sono spaziati
bene fra loro e anche nei pieni
orchestrali restano ordinati e
molto ben a fuoco. Un suono
caldo e finemente dettagliato
condito da capacità dinamiche
di alto livello sia per intensità
che per impulsività. Prediligono
amplificazioni a stato
solido potenti e “correntose”
e sorgenti raffinate timbricamente
aperte di cui esaltano le
capacità di analisi.
Quando le Olympica Nova V
vengono pilotate in biamplificazione
passiva il sistema
compie un ulteriore passo
avanti con maggior chiarezza
e perentorietà sul registro
basso e medio basso. Il suono
è più definito con piani sonori
più facilmente individuabili e
con maggior controllo e dominio
della scena. Si potrebbe
dire che la biamplificazione
passiva fa compiere un salto
di qualità all’intero sistema,
laddove gli amplificatori sono
in grado di controllare al meglio
gli altoparlanti dei quali
sfruttano tutte le potenzialità.
Si scopre un passo ulteriore
che non era possibile immaginare
senza provare la biamplificazione
passiva. Non è che il
sistema suoni forte il doppio
ma diventa più preciso e perentorio
con attacchi e rilasci
più netti e frenati. La dinamica
è più esplosiva e nel contempo
consente la messa a fuoco del
micro dettaglio in maniera più
lucida di quanto non avvenga
con un approccio di amplificazione
meno frazionata. La cosa
ancor più interessante è che
persino amplificatori dal costo
relativamente modesto (nel
mio caso i Carot One, anch’essi
oggetto di una prova su SUO-
NO 548 - novembre 2020) fanno
un figurone. Nella fattispecie,
l’utilizzo di singoli finali
mono per canale produce un
simpatico effetto wow perché
risulta spettacolare la resa dei
due piccoletti che riempiono di
volume e di buon suono i diffusori.
Quando passano i minuti
di ascolto si capisce però che
c’è una notevole differenza di
classe fra le Olympica Nova V
e i pur generosi Carot One, dei
quali si percepiscono i limiti
dinamici e la ovvia distanza di
raffinatezza con i diffusori. Aggiungendo
due altri “piccoletti”,
pilotando quindi le Sonus
faber con due amplificatori
ciascuna (uno per i bassi e uno
per i medio acuti) la situazione
cambia in maniera notevole.
Nella fattispecie le performance
in ambito dinamico crescono
in maniera più evidente di
quanto si potrebbe aspettarsi,
facendo fare un salto di classe
alla amplificazione. Intendiamoci
bene: non è che i Carot
One diventino dei Gryphon o
dei Pass o dei Classè ma acquistano
uno standing e una
autorevolezza che non avevano
prima e rendono la loro prestazione
meno distante da quella
dei mostri sacri testé nominati.
Frazionando l’amplificazione
si ottengono insomma risultati
apprezzabilmente superiori
rispetto alla classe di appartenenza
dell’apparecchio; c’è
da dire anche che i Carot One
sono stati pilotati con un preamplificatore
dal costo molto
superiore a loro e se da un lato
si sono sicuramente avvantaggiati
della maggior qualità alle
loro spalle dall’altro hanno ben
sfruttato l’opportunità fornita
loro.
In conclusione la biamplificazione
passiva migliora la resa
dell’impianto e, disponendo
di diffusori con la possibilità
di essere pilotati in biwiring,
vale la pena provarlo perché
il sistema così configurato dimostrerà
potenzialità sino a
prima nascoste. L’altro dato
molto interessante è che, pur
non disponendo delle risorse
economiche per l’acquisto di
un amplificatore importante si
può, spendendo relativamente
poco (e ammesso che il sistema
di altoparlanti sia dotato
di crossover che permetta il
biamping!), avere prestazioni
di rilievo; sfruttando la possibilità
della biamplificazione
passiva con amplificatori dal
costo modico, infatti, la performance
può arrivare ben oltre
quella prevista dalla classe
di appartenenza.
68 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
di Nicola Candelli
Portento Audio è un costruttore
italiano con le
idee chiare e prodotti
interessanti che è riuscito a ritagliarsi
una fetta di mercato in un
campo, quello dei cavi e relativi
accessori, molto difficile e controverso
vista la scarsa propensione
di una buona parte di appassionati
ad accettare l’utilità di questi
COMPLEMENTO
Portento Audio Power Clean Zero
complementi nonostante l’intervento
di questi prodotti possa
essere utile. Il catalogo di cavi e
accessori è ha un range di prezzi
e qualità capaci di soddisfare le
SUL CAMPO
Prezzo: € 360,00
Tipo: Filtro di rete Note: Filtro parallelo PAF (Portento Audiophile Filter). Circuito resinato per evitare microvibrazioni.
Incapsulato in un cilindro in Delrin con presa Schuko per un utilizzo Plug & Play.
CAVO
Portento Audio USB Copper One
Prezzo: € 109,00
Tipo: segnale digitale Conduttore: Rame
CAVO
Portento Audio USB Copper One Dual Headed
Prezzo: € 139,00
Tipo: segnale digitale Conduttore: Rame
CAVO
Portento Audio USB Copper Signature
SUL CAMPO
SUL CAMPO
SUL CAMPO
Prezzo: € 599,00
Tipo: segnale digitale Conduttore: rame Schermatura: tecnologia di schermatura proprietaria AIST II Isolante:
Kapton Resistenza (mOhm): 90
esigenze di ogni appassionato e
la scelta è approdata a due categorie
di prodotto: il Powerclean
Zero e i cavi di interconnessione
Usb. Il Powerclean è un filtro parallelo
incapsulato in un cilindro
di Derlin completamente resinato
per evitare eventuali micro-vibrazioni,
dalle dimensioni di quattro
cm di diametro e 16 cm di altezza,
un accessorio che ha il compito
di eliminare i tanti disturbi della
rete elettrica. Interessante la sua
configurazione in parallelo e non
in serie, soluzione che a detta del
costruttore ha lo scopo di preservarne
la dinamica in quanto tra la
rete e il nostro sistema non si interpone
nessun componente che
potrebbe alterarne le prestazioni.
Io ho provato a inserirlo in una
presa libera del generatore di corrente,
idem in una multipresa, in
una presa adiacente alla presa che
collega l’impianto e anche ad una
distante circa due metri. I risultati
sono, in tutti i casi, avvertibili, ma
è preferibile collocare il filtro nelle
vicinanze dell’impianto o all’interno
di una multipresa; qualora se
ne voglia aumentare l’efficacia,
si può aggiungere un ulteriore
filtro... Ma al di là di quello che
mostrano le misure (materiale
prodotto a cura del costruttore),
quali sono gli effetti che produce
il Powerclean? La musica, purtroppo,
viaggia assieme a rumori
e spurie generate dalla rete elettrica
o dalle vibrazioni prodotte
dalle elettroniche che si fondono
con il messaggio musicale e la nostra
mente li interpreta come se
ne facessero parte. Ma se proviamo
a togliere questa spazzatura
che non ha nulla a che spartire
con la musica, ecco che i risultati
cambiano eccome! Nella fattispecie
questo filtro elimina buona
parte di quel rumore che non
fa parte del messaggio musicale:
una volta inserito nella catena i
risultati non si fanno attendere,
la musica appare innanzitutto più
70 SUONO febbraio-marzo 2021

Dual Headed (in rosso) la 5 volt.
rilassata, più gradevole, il timbro
rimane integro ma si dissolve
quel velo che si interpone tra noi
e il messaggio musicale, con il
risultato di sonorità più nitide e
dettagliate. A fronte di un rumore
ridotto, lo sfondo diviene più buio
lasciando emergere anche quelle
piccole informazioni che venivano
mascherate da questi disturbi, le
basse frequenze ancora più leggibili
e soprattutto sono le voci a
trarne un sensibile giovamento:
una volta libere da quel fastidioso
rumore riescono a materializzarsi
meglio nel palcoscenico virtuale,
proponendo un miglior fuoco e un
migliore effetto 3D. A conti fatti,
visto i risultati e un prezzo non
elevato, l’uso di questo prodotto
diviene davvero interessante.
L’esame del catalogo di cavi USB
Powerclean collegato a una multipresa
Copper one Dual Headed collegato alla
powerbank.
mi ha offerto invece una nuova
interessante esperienza, consentendomi
di esaminare e valutare
gli effetti (ove ce ne siano) dei
cavi USB di differente qualità
sulla qualità del segnale musicale.
Il più economico Copper One
si presenta da subito con buone
credenziali: sonorità abbastanza
simili ai concorrenti dello stesso
prezzo ma con una particolarità
che contraddistingue la filosofia
Portento costituita da un timbro
caldo e armonicamente ricco, in
special modo nella parte media,
sena nessun accenno a essere
eccessivamente radiografante. Si
apprezza piuttosto la trama musicale
fluida e di buono spessore
che riesce a rendere universale ed
equilibrato l’ascolto di qualsiasi
genere musicale. All’estremo opposto
del catalogo, appartenente
alla serie top, il Copper Signature
USB, dove il prezzo sale ma cambia
anche la musica e in modo
significativo. Si tratta, infatti, di
un progetto molto interessante,
con l’utilizzo di materiale di alta
qualità (conduttori in rame 7/N)
e una schermatura proprietaria
AIST II. Non chiedetemi quale
sia l’alchimia di questa particolare
schermatura AIST II: a me
personalmente, e credo a qualsiasi
ascoltatore, interessa solo se il
risultato è concreto e rispondente
alle proprie necessità indipendentemente
dal rame utilizzato,
dal tipo di schermatura e dai metodi
che ogni costruttore utilizza
per raggiungere il miglior risultato
(comunque tenete a mente
quello che può fare una buona
schermatura, ne riparleremo in
seguito)! Di certo questo cavo
va a confrontarsi con quelli di
livello top riuscendo, in alcuni
parametri, ad andare anche oltre;
forse è proprio questo l’impegno
che il progettista ha dedicato al
problema della schermatura che
rende questo cavo di una classe
superiore. Il suono è avvolgente
e setoso, molto silenzioso, con
una grande ricchezza armonica,
dettagliatissimo ma eufonico
quel tanto che basta per farti apprezzare
tutte le sfumature della
musica senza che il suo inserimento
nella catena Hi-Fi risulti
aggressivo, sfoderando nello
stesso tempo grande dinamica
e solidità nella struttura, con un
basso ben presente ma non invadente,
per un risultato molto
credibile e accattivante. Davvero
un bel cavo da tenere in grande
considerazione! Il cavo USB Copper
One Dual Headed è invece
assolutamente identico al Copper
One già citato ma è composto da
due cavi identici che trasportano
separatamente il segnale e la
corrente (5 volt): la corrente e i
segnali viaggiano in modo assolutamente
separato sino all’innesto
del convertitore e quindi
nessuna interferenza tra segnale
e corrente dovrebbe affliggerne
il passaggio. Invece di collegare
le due prese USB al computer,
ho preferito alimentare il
cavo contrassegnato in rosso (5
volt) attraverso una PowerBank
bypassando l’alimentazione
switching del computer. L’esito
è molto interessante, segno che
un intervento sulle schermature
e sulla pulizia della corrente è utile
e si apprezza facilmente, proprio
come sostiene la filosofia che
Portento porta avanti nei suoi
progetti: si possono raggiungere
risultati di grande soddisfazione
e il Dual Headed ne è la dimostrazione:
non raggiunge il livello
del Signature (che d’altronde è
progettato e costruito con materiale
di qualità superiore) ma vi
si avvicina, pur costando quattro
volte in meno, superando il Copper
One (che gli è invece vicino
di prezzo) in modo evidente solo
con l’aggiunta di un semplice
accessorio facile da collocare e
di costo pur sempre modesto. In
ogni caso, se siete pigri e volete
utilizzare anche per la 5 volt la
presa USB del computer, il risultato
cambia di poco: personalmente,
però, preferisco la prima
soluzione…
SUONO febbraio-marzo 2021 71

SELECTOR
Charles Camille Saint-Saëns
(1835-1921) si può davvero definire
come un artista che ha vissuto la
musica in tutte le sue espressioni.
Noto oggi soprattutto come grande
compositore, fu anche direttore
d’orchestra ed eccellente pianista;
ha scritto e pubblicato poesie e
vanta almeno un dramma messo
in scena. È stato inoltre studioso
di matematica, di musica antica e
dei suoi compositori contemporanei.
Nella sua lunga vita ha conosciuto
Berlioz (suo ammiratore),
fu incoraggiato da Liszt e visse abbastanza
per ammirare i “nuovi”
Debussy, Ravel, Mahler, Rachmaninov
e Stravinsky. Il suo catalogo
è davvero ampio, arrivando a
comprendere persino una colonna
sonora per il film muto L’Assassinat
du Duc de Guise del 1908,
eseguita con l’orchestra dal vivo
durante la proiezione del film.
Le sue doti di pianista lo portarono
ad affrontare le più celebri pagine
di noti compositori, da Bach a Mozart
(del quale curò molte delle cadenze
non specificate dei suoi concerti
per pianoforte e orchestra)
e tanti altri. Grazie alle esibizioni
concertistiche come direttore e
musicista sviluppò una passione
per i viaggi che lo portarono, tra
Charles Camille Saint-Saëns
SINFONIA N°3 ORGANO
Reference Recordings RR-136
Reference Mastercuts 2 LP a
45 giri 180 gr LP 180 gr
gli altri, in Egitto e Algeria, paesi
che lo affascinarono al punto di
trascorrervi gli ultimi anni fino
alla sua morte ad Algeri. Scrisse
cinque sinfonie ma le due giovanili,
scritte a 13 e 21 anni, non le pubblicò
mai; ecco perché la sua ultima
sinfonia, scritta a cinquantuno
anni, è chiamata N.3 ed è anche
di gran lunga la più nota, tanto da
essere tutt’oggi un pezzo da repertorio
irrinunciabile per tutte le più
grandi orchestre al mondo. Saint-
Saëns ne diresse la prima nel 1886
a Londra con grande successo, a
dispetto del fatto di essere decisamente
innovativa, diventando in
breve il modello delle composizioni
orchestrali tardo romantiche,
specie francesi. L’ammirazione,
ricambiata, da parte di Liszt per
le sue composizioni, portò Saint-
Saëns a dedicare questa sinfonia al
compositore magiaro. Morto poche
settimane dopo la prima esecuzione
londinese, Liszt non fece
in tempo ad ascoltarla e per questo
Saint-Saëns cambio la dedica in
“Alla memoria di Franz Liszt”.
Scritta per una grande orchestra,
comprende un pianoforte da suonare
a quattro mani e un organo
che svolge un ruolo di supporto
all’inizio del lavoro ma poi assume
un ruolo da solista nel finale.
Le indicazioni del compositore
sono precise: “La sinfonia, divisa
in due parti, comprende tuttavia
praticamente i tradizionali
quattro movimenti: il primo,
controllato nello sviluppo, funge
da introduzione all’Adagio, e lo
scherzo è collegato dopo allo stesso
modo con il finale”. Una breve e
alquanto misteriosa introduzione
conduce ad un Allegro moderato
e inquieto di contrastante vivacità.
Nuovo cambio di clima con un
Adagio contemplativo e pacifico
(cit. dell’autore); l’organo si fa sentire
come parte della colorazione
orchestrale, e il tema è ripreso e
ampliato da vari legni e ottoni.
Il tema dell’Allegro torna a inserire
una nota di inquietudine, ma
gli archi e l’organo prevalgono per
concludere il movimento in uno
stato d’animo più rassicurante.
I due movimenti successivi contrastano
brillantemente con le
sezioni precedenti, sebbene siano
costruite molto sullo stesso materiale.
Lo scherzo è sbalorditivo
nel suo vigore demoniaco, con un
crescendo come elemento di fantasia.
Gli arpeggi e le veloci scale
suonano come un fulmine a cielo
sereno. L’organo viene alla ribalta
nel finale, che entra maestoso e si
dilata in confidenza e grandezza.
Dopo un breve intermezzo pastorale,
intonato per flauto, oboe,
corno inglese e clarinetto, la coda
raggiunge un apice di esultanza,
ricoperta da squillanti fanfare.
Pur avendo solo cinquant’anni,
quando completò la sinfonia il
compositore annunciò che la terza
(quinta) sarebbe stata la sua ultima,
perché vi aveva speso tutta la
sua creatività e non avrebbe potere
dire niente di nuovo nel genere.
Manterrà la parola!
Il disco fu pubblicato nel formato
CD nel 2013 e subito fu un grande
successo per la bellezza del suo
contenuto e per la qualità della
registrazione. La recente rivisitazione
ha recuperato i master
originali per riversarli sia in digitale
a più alta risoluzione che in
SACD e in vinile. Tutto il processo
analogico ha visto riprodurre il
master originale a mezza velocità,
utilizzando elettroniche disegnate
da Nelson Pass, la supervisione
dell’ingegnere del suono
Keith O. Johnson e la produzione
di Dave Frost. Pressatura QRP e
stampa su due LP a 45 giri che
contengono la sinfonia mentre
in digitale sono presenti anche
altre due composizioni brevi.
Questa versione analogica ha ricevuto
il Grammy per il genere
classico e ascoltandolo se ne capisce
il motivo. Anche in ambito
strettamente sonoro il disco è un
piacere audiofilo. Ad esempio,
quando il tempo cambia in presto,
gli arpeggi e le scale del piano
sono abbastanza prominenti
da esprimere la loro presenza
senza balzarti addosso, proprio
come l’organo, che nel finale
afferma la sua grandezza senza
travolgere la tavolozza orchestrale.
L’esperienza è spettacolare indipendentemente
dal sistema e,
soprattutto, le pagine di chiusura
sono semplicemente una gioia.
La Kansas City Symphony, con
la superba direzione di Michael
Stern, ha un suono pieno, ricco
e romantico che è così essenziale
per la musica francese del XIX
secolo. E c’è anche un’eccitazione
viscerale. I musicisti sono in
gran forma, precisi e generosi. Un
disco per gli audiofili e gli amanti
di musica più esigenti, non che i
due si escludano a vicenda. Una
registrazione impressionante,
sorprendentemente realistica.
Anche in un mercato competitivo,
questa versione ha un vantaggio
netto.
Carlo D’Ottavi
72 SUONO febbraio-marzo 2021

Amato mio LP
Questo disco, del 1997, vede
Marc Johnson affiancato da Bill
Frisell, Pat Metheny e Joey Baron
in un programma comprendente
brani particolarmente
gradevoli e rilassanti. The
Sound of Summer Running è
un album sorprendentemente
dolce e melodico, soprattutto
se si tiene conto dei musicisti
che vi sono coinvolti, vale a dire
il contrabbassista Marc Johnson,
i chitarristi Bill Frisell e
Pat Metheny e il batterista Joey
Baron. La maggior parte dei
brani in programma presenta
melodie dal sapore vagamente
tradizionale, arricchite di
assoli di chitarra dai toni meravigliosamente
lirici. Frisell
appare leggermente trattenuto
(aggiungendo a molti brani un
gradevole tocco country), mentre
Metheny si rivela meno caratteristico
del solito, passando
dalla chitarra acustica a quella
elettrica e alla Pikasso da 42
corde. Il quartetto esegue sette
brani originali di Johnson,
tra i quali spicca Union Pacific,
due di Frisell e uno di Metheny.
Da questo deriva un disco
gradevole e molto rilassante.
I quattro formidabili jazzisti
Marc Johnson
THE SOUND OF SUMMER
RUNNING
M. JOHNSON, B. FRISELL,
P. METHENY E J. BARON
Khiov Music KH LP43000 2
LP 180 gr Deluxe Edition
avevano già collaborato in diverse
formazioni (potremmo
dire in tutte le combinazioni
possibili) ma mai tutti insieme
come in questo doppio album.
In Sound of Summer Running
il calore della West Coast
deve aver molto influenzato il
quartetto, al punto che sono del
tutto assenti le zampate nervose
e più elettroniche tipiche di
Frisell e dello stesso Johnson.
In seguito queste atmosfere tra
jazz, folk e country sarebbero
state riprese da Frisell insieme
a Holland ed Elvin Jones in
un disco omonimo di grande
suggestione. Dieci anni prima,
invece, in Bass Desires proprio
Johnson e Frisell, insieme a
Scofield ed Erskine, avevano
toccato, almeno in parte, questo
genere, sempre con gran
classe e raffinatezza.
Tutti i titoli della “Play 33 1/3
LP Series” sono stampati dalla
nota Pallas in Germania su vinile
vergine da 180 grammi e
sono dei veri capolavori degli
anni ’90, che per la prima volta
al mondo vengono realizzati su
LP analogici. Le copertine degli
album e la confezione sono
stati realizzati con mesi di lavoro
appassionato dai grafici
della Khiov Music (in Corea
del Sud, da dove in effetti proviene
il prodotto finito) e per
assicurare un suono di qualità
superba il taglio delle lacche è
stato effettuato direttamente
dai master analogici dalla SST
(Schallplatten Schneid Technik)
Bruggemann in Germania,
ditta che sovrintende alla produzione
della EMI e della Universal
tedesche. Khiov è stata
fondata nel 2007 e da allora
ha sempre dedicato tempo e
fondi allo sviluppo di prodotti,
design e grafica specializzati
nel campo musicale. In effetti
gli album riproposti in questa
serie dalla casa coreana non
puntano solo alla migliore resa
sonora di questi LP ma curano
a fondo anche la veste grafica,
che non è solo una pedissequa
riproposizione di quella originale.
Il packaging, inoltre, è in
robusto cartonato ma contiene
anche bellissime foto, note sui
brani e sugli artisti coinvolti,
assai poco apprezzabili in precedenza
nelle miniature dei CD
originali. Ora Khiov, composto
da un team di pianificazione,
un team di progettazione e
un team di produzione, sta
collaborando con importanti
case discografiche come Warner
Music, Universal Music e
Sony Music; gli LP prodotti da
questo progetto sono destinati
a diventare un must per tutti
gli amanti del suono analogico
e per tutti i seri collezionisti,
come conferma il fatto che alcuni
dei titoli prodotti in passato
sono già delle rarità fuori
catalogo.
Carlo D’Ottavi
PILLOLE
Bob Marley and the Wailers
CASINO
Island 0602435082165- 1 LP
Dal 2020 si stanno
ristampando i
lavori di Bob
Marley e tra i più
recenti c’è Exodus,
registrato per la
Island Records nel 1977, uno dei
lavori decisivi per far conoscere
l’artista giamaicano al di fuori
dell’isola, specie in
Europa. Jamming, One
Love e Exodus tra i brani
memorabili. Tutti i brani sono stati
masterizzati da Miles Showell agli
Abbey Road Studios di Londra.
Rebecca Pidgeon
THE RAVEN
Dir. Bruno Walter CSO
Chesky Rec. ASLP115 - 1 LP
Un classico dei
tempi d’oro della
Chesky, ristampato
in QRP 180 gr.
Quest’artista è
balzato ai vertici
delle classifiche americane,
ricevendo un’entusiastica
recensione persino dalla rivista
“Time”. Una voce tenera e
piacevolissima, Spanish Harlem su
tutte, e un country rock americano
tra i migliori anche per i gusti
europei.
Tony Allen e Hugh Masekela
REJOICE
World Circuit LDA57497 - 1 LP
Un disco
incredibilmente
ben prodotto della
collaborazione tra
due leggende. Il
posizionamento
dello strumento e la qualità della
registrazione sono sorprendenti,
come la musica. Allen definì
l’album “una specie di spezzatino di
jazz swing sudafricano-nigeriano”.
Keith Richards
TALK IS CHEAP
BMG Rec. LDR25024 - 1 LP 180 gr.
Questo è il primo
album a suo nome
per il chitarrista
dei Rolling Stones
e risale al 1988.
Accompagnato da
un cast stellare - spiccano i nomi di
Maceo Parker e dei Memphis Horns
- il disco contiene alcune hit del
periodo e suona bene oggi come
trent’anni fa, parola di Keith!
SUONO febbraio-marzo 2021 73

SELECTOR
Respighi
TRILOGIA
ROMANA
Chandos 095115526125
(SACD, MP3, FLAC, HI-RES FLAC 24/96)
Ottorino Respighi (1879-
1936) è certamente il
più noto compositore
italiano classico del Novecento
storico, avendo raggiunto una
fama internazionale duratura al
punto che i celebri poemi sinfonici,
soprattutto questi dedicati a
Roma, sono spesso nei cartelloni
dei più noti teatri di mezzo mondo.
Nato a Bologna, vi frequentò
il Liceo Musicale con insegnanti
come il compositore e direttore
Giuseppe Martucci, che fece conoscere
ai bolognesi le musiche
sinfoniche di Brahms e Wagner.
Nel 1900, Respighi (un eccellente
violinista) suonò nell’orchestra
per una stagione dell’opera italiana
a San Pietroburgo dove incontrò
Rimsky-Korsakov; ricevette
alcune lezioni di orchestrazione
da Rimsky che in seguito definì
molto importanti per lui. Un’esperienza
decisiva per allargare le sue
conoscenze musicali, attingendo
da Richard Strauss, Debussy e,
naturalmente, dai russi contemporanei.
Un bagaglio musicale che
non ha, però, escluso la tradizione
italiana barocca e popolare.
Prima di scrivere il poema sinfonico
Le Fontane di Roma, il suo
lavoro più noto era la “Sinfonia
Drammatica del 1914”, un lavoro
oscuro tra Scriabin e Franck.
Ben presto cambia direzione e il
poema delle Fontane di Roma è
più conciso e più brillantemente
colorato di qualsiasi cosa abbia
scritto prima. Il suo linguaggio si
fa più personale e Respighi spiega
di aver cercato di dare espressione
ai sentimenti e alle visioni suggeritegli
da quattro delle fontane di
Roma contemplate nell’ora in cui
il loro carattere è più in armonia
con il paesaggio circostante, o in
cui la loro bellezza appare più
impressionante all’osservatore.
Così La Fontana di Valle Giulia
appare tra le nebbie dell’alba
con un’atmosfera calma e serena.
In contrasto, a mattina inoltrata,
un improvviso e insistente squillo
di corni sopra i trilli dell’intera
orchestra introduce la seconda
parte, La fontana del Tritone. È
come una chiamata gioiosa, che
richiama immaginarie figure acquatiche
che si mescolano in una
danza frenetica tra i getti d’acqua.
Segue poi un tema solenne
sostenuto da ondulazioni nell’orchestra.
È la Fontana di Trevi a
mezzogiorno. Passando dai legni
agli ottoni, assume un carattere
trionfale. Una specie di gioiosa
processione simbolicamente
marina che poi svanisce mentre
deboli richiami di tromba risuonano
in lontananza. La quarta
parte, La Fontana di Villa Medici,
è annunciata da un triste tema
che si erge sopra un sommesso
gorgheggio. È l’ora nostalgica
del tramonto. L’aria è piena del
suono delle campane che rintoccano,
del cinguettio degli uccelli,
del fruscio delle foglie. Poi tutto
muore pacificamente nel silenzio
della notte. La prima di Fontane
di Roma era prevista per fine 1916
con la direzione di Toscanini in un
programma che comprendeva anche
Wagner ma, in pieno conflitto
mondiale, un concerto che prevedesse
anche musica del “nemico”
germanico fu motivo di scontri
e proteste. Finalmente si giunse
alla prima esecuzione nel marzo
1917 ma il compositore era molto
deluso dalle difficoltà di vedere
accettato il suo lavoro, tanto da
meditare forti modifiche alla partitura
originale. Il successo vero
arriverà solo nel 1918 alla Scala
di Milano, nuovamente, sotto la
direzione di Toscanini. L’editore
Ricordi, entusiasta, annunciò a
Respighi di voler pubblicare immediatamente
quella partitura
che divenne così uno dei brani
più popolari nel mondo.
74 SUONO febbraio-marzo 2021

Secondo noi la classica
Il successo di Fontane di
Roma convinse Respighi a
comporre un nuovo poema
sinfonico: il risultato fu Pini di
Roma, completato nel 1924. Il
clima politico post bellico era profondamente
cambiato, nel 1922
c’era stata la marcia su Roma che
aveva di fatto sancito l’ascesa al
potere di Mussolini e del suo partito
fascista. Respighi, pur non essendosi
mai interessato alla politica,
stabilì nei primi anni Venti una
certa simpatia per il futuro Duce
e questo getta una sinistra luce
sulla composizione che fu spesso
vista come una ulteriore celebrazione
di Roma, non più solo come
bellezza artistica ma anche come
potenza mondiale. A smorzare totalmente
questi sospetti ci pensò,
ancora lui, il direttore Toscanini,
noto convinto antifascista, che
notò come l’unica vera passione
di Respighi fosse la composizione
musicale e non certo quella di
celebrare chicchessia. Riferendosi
a Pini di Roma, la stampa americana
definì “Il non mondano
Respighi più influenzato qui da
un semplice piacere infantile per
le ricchezze caleidoscopiche di
un’orchestra moderna che dallo
sfarzo del fascismo”. La prima
fu all’Augusteo di Roma nel
1924. Come nel caso precedente
il poema sinfonico ha un programma
in quattro movimenti.
I Pini di Villa Borghese hanno
per protagonisti i bambini e si
riconoscono facilmente alcuni
temi e filastrocche infantili, in un
crescendo chiassoso che termina
improvvisamente. Segue I Pini
presso una Catacomba, dove le
ombre dei pini sovrastano l’ingresso
di una catacomba. Dal
profondo un canto emerge solennemente
come un inno per poi
scomparire misteriosamente.
Ne I Pini del Gianicolo, una misteriosa
calma domina il tema con
tanto di Luna piena e il canto di
un usignolo. Da perfetto padrone
della scrittura musicale in grado
di creare atmosfere e formidabili
suggestioni ecco il poema
concludersi con I Pini della Via
Appia. Uno dei più spettacolari
ed emozionanti crescendo che
dal pianissimo iniziale esplode
in uno dei più fragorosi finali mai
ascoltati, per descrivere il ritorno
trionfale dei soldati dell’antica
Roma facendo tremare con la
loro marcia la terra. Un finale che
per potenza, sfruttando tutta la
dinamica e i colori della grande
orchestra moderna, trova pochi
paragoni come nello Stravinsky
dell’Oiseau De Feu o nel Bolero
di Ravel, non a caso grandi
compositori contemporanei.
Toscanini diresse Pini con ancora
più entusiasmo di Fontane. Diresse
la prima di New York il
14 gennaio 1926 continuando a
darne molte rappresentazioni
nei successivi decenni. Lo stesso
Respighi diresse le prime quattro
esibizioni ad Amsterdam (marzo
1926), mentre in Gran Bretagna fu
ascoltato per la prima volta al Festival
di Leeds, suonato dalla London
Symphony Orchestra diretta
da Albert Coates, conquistando il
pubblico inglese. Feste Romane fu
composta nel 1928, completando
la trilogia e aggiungendovi una
nuova dimensione: l’orchestra
suona più netta e più dissonante
nelle armonie. Fu eseguita per
la prima volta dalla New York
Philharmonic il 21 febbraio
1929, diretta da Toscanini. L’orchestra
è ancora più grande che
in Fontane e Pini, inclusa una
vasta gamma di percussioni, organo,
pianoforte a quattro mani
e mandolino. Nel programma
della prima esecuzione Respighi
affermò che le Feste Romane
“rappresentano il massimo
della sonorità orchestrale e del
colore” nelle sue partiture, e
non stava esagerando! Ancora
quattro movimenti: Circences è
un continuo contrasto tra saluti
a Nerone, folla che festeggia
e poi aizza le bestie feroci
all’apparizione dei cristiani condannati,
che intonano un canto
sommesso lasciando interdetta la
folla e tutto si placa nel silenzio;
ne Il Giubileo una processione
di stanchi pellegrini procede
lentamente per poi esultare
alla vista di Roma che li saluta
suonando le campane a festa;
l’Ottobrata festeggia la raccolta
dell’uva nei castelli romani con
numerosi riferimenti ai canti
popolari per la vendemmia; si
chiude con La Befana, dove un
caratteristico ritmo di trombe
domina il frastuono frenetico:
sulla marea del rumore fluttuano
di tanto in tanto canti rustici, il
ritmo del saltarello, i suoni di un
organetto di un teatrino, il richiamo
dello showman, grida rauche
e ubriache, e il suono del vivace
stornello che richiama lo spirito
del popolo. In quest’ultimo pezzo
ritroviamo echi dello Stravinsky
del carnevale petruskiano. L’esecuzione
londinese del 1929, sotto
la guida di Eugene Goosens fu accolta
dal “Times” in modo insolitamente
feroce, accusando il compositore
italiano di aver ceduto ai
gusti americani che amano il grandioso,
il pacchiano e addirittura
il volgare, salvando in parte solo
il movimento finale, pur considerandolo
una buona imitazione del
Petruscha sopraddetto. A difendere
questo lavoro non ci fu solo
il solito Toscanini ma anche altri
grandi direttori d’orchestra come
Furtwangler, Boehm e Rainer. Può
essere il meno conosciuto del Trittico
romano, ma Feste Romane è
probabilmente il più audace dei
tre: indubbiamente stravagante
e persino strepitoso, è anche
una sorprendente dimostrazione
dell’inventiva di Respighi.
Questo è repertorio tra i più amati
anche dagli audiofili per le incredibili
escursioni dinamiche, la
ricchezza della tavolozza timbrica
e la spazialità impressionante,
tanto che le migliori registrazioni
hanno sempre suonato negli audio
show di mezzo mondo. Questa
nuova edizione, con la Sinfonia di
Londra diretta da John Wilson
nel 2019 e pubblicata l’anno successivo,
si pone come una delle
migliori tra le più recenti, per interpretazione
e ancora di più per
la sua qualità sonora. Gli inglesi
non cedono a facili eccessi ma
non per questo si tirano indietro
quando c’è da fare baccano! In
realtà il giovane direttore Wilson
è capace anche di mostrare tutte
le raffinatezze e le sfumature di
scrittura di cui era maestro Ottorino
Respighi.
Carlo D’Ottavi
SUONO febbraio-marzo 2021 75

SELECTOR
Nel corso della seconda
metà del Settecento
nelle piccole corti
dell’Europa centrale si diffuse
enormemente l’abitudine di affidare
l’intrattenimento musicale
durante feste e cerimonie a un
piccolo complesso di fiati che
veniva indicato con il termine
tedesco di Harmonie. Il nucleo
standard di una Harmonie era
un ottetto formato da due oboi,
due clarinetti, due corni e due
fagotti e il suo repertorio era
costituito principalmente da arrangiamenti
e trascrizioni delle
opere più in voga o da lavori originali
nelle forme disimpegnate
della serenata, del divertimento,
della cassazione. A questo
complesso musicale, destinato
a scomparire del tutto nel giro
di pochi decenni, diedero il loro
contributo praticamente tutti i
compositori dell’epoca, sia con
arrangiamenti che con lavori
originali. Le tre serenate per
fiati composte da Mozart costituiscono
senza dubbio il vertice
di questa produzione. Nella loro
struttura formale sembrano
guardare più al modello della
Mozart
SERENATA N. 10 IN SI
BEMOLLE MAGGIORE,
K. 361 “GRAN PARTITA”
Members of The Concertgebouworkest,
Director Alexei Ogrintchouk
BIS cat.BIS2463
(SACD MULTICANALE IBRIDO, DOWNLOAD FINO A 24/96)
sinfonia che a quello della serenata,
così come la temperatura
espressiva dei brani e la complessità
di esecuzione. Con la Serenata
in si bemolle maggiore K.
361 Mozart, apparentemente
più convenzionale in sette
movimenti, osa ancora di più,
non solo aggiungendo altri
strumenti all’organico base della
Harmonie, due corni di bassetto
(un particolare tipo di clarinetto,
inventato in quegli anni e particolarmente
amato da Mozart per
il suo timbro molto più scuro e
velato rispetto al clarinetto), una
seconda coppia di corni e un contrabbasso,
dilatando le dimensioni
e la densità di scrittura di
ciascun movimento, dando vita
così a un lavoro assolutamente
unico nel suo genere; e questa
ipertrofia quantitativa e qualitativa
della Serenata in si bemolle
maggiore doveva essere tanto
più evidente all’epoca di Mozart,
visto che una mano anonima ha
aggiunto sul manoscritto autografo
la dicitura di Gran Partita
con cui ancora oggi viene
abitualmente chiamata.
Per quanto possa sembrare strano,
le notizie che abbiamo sulla
genesi e la dedica di questo
lavoro sono alquanto incerte.
Il lavoro fu probabilmente composto
in due tempi tra il 1780 e
il 1781, mentre per la dedica si
passa dalla moglie Constanze
al principe elettore di Baviera,
Karl Theodor, con la speranza
di ottenere un buon incarico a
corte. Non sappiamo neppure
se la Serenata sia mai stata eseguita,
nella sua interezza, con
Mozart in vita. Fin dall’apertura
insolitamente lunga e solenne
la Serenata afferma la sua divergenza
dalle convenzioni del
genere. Non c’è da stupirsi se
dopo un simile incipit segua un
gioioso Allegro Molto che alterna
una scrittura contrappuntistica
a brevi momenti di malinconia.
Seguono momenti più leggeri
fino a quando si arriva all’Adagio:
siamo forse di fronte a
una delle pagine di più sublime
bellezza di tutta la letteratura
musicale; e non è andato troppo
lontano dal vero Peter Shaffer,
che nella prima scena del suo
lavoro Amadeus, poi portata sul
grande schermo da Milos Forman,
fa dire a Salieri all’ascolto
di questo Adagio: “Mi sembrò di
aver sentito la voce di Dio!”. Segue
un giocoso Menuetto che, se
rimane sereno e cantabile anche
nel secondo Trio, dal tono rassicurantemente
popolareggiante,
nasconde nel suo cuore una
prima parte dai toni misteriosi e
inquietanti. Perfino la Romanze,
altro momento di sospensione
lirica, contiene al suo interno
un agitato Allegretto in minore,
mentre lo spensierato Tema
con variazioni che segue offre a
turno a tutti gli strumentisti la
possibilità di salire alla ribalta;
ma anche qui la quarta variazione
sembra anticipare voci e colori di
alcune pagine del Flauto Magico.
Questo capolavoro davvero straordinario,
in cui Mozart usa con
inarrivabile maestria la tavolozza
offertagli da un ensemble di
strumenti a fiato, si chiude gioiosamente
con un brevissimo e
festoso Rondò di sapore turco,
forse la pagina più in sintonia
con le esigenze di una normale
serenata per Harmonie. La Gran
Partita è qui eseguita da fiati di
una delle migliori orchestre del
mondo, l’Amsterdam Concertgebouworkest,
sotto la direzione
dell’oboista Alexei Ogrintchouk.
76 SUONO febbraio-marzo 2021

Secondo noi la classica
Ogrintchouk ha scelto di abbinare
al pezzo principale una serie
di variazioni di Beethoven sulla
famosa aria di Mozart La ci
darem la mano tratta dal Don
Giovanni, incisa per due oboi e
corno inglese.
Come in tutte le migliori esibizioni,
i suonatori di fiati del Concertgebouw
(il marchio parla da
solo) combinano la raffinatezza
della fusione e dell’insieme con
un senso di divertimento spontaneo.
Si può ben dire che i musicisti
del Concertgebouw sono
una garanzia, in particolare con
il genere classico del XVIII e XIX
secolo. Non mancano i momenti
di voluta abrasività negli ottoni,
quasi a suggerire ai più distratti
ascoltatori di fare attenzione a
questa meravigliosa musica suonata
in modo così superlativo.
Ogrintchouk, l’oboista e direttore
del Royal Concertgebouw,
qui è protagonista di una performance
piena di vivacità operistica,
catturando il cantabile simile
a un’aria nel sublime Adagio e
nella Romanze. Le otto variazioni
di Beethoven, suonate da due
oboi e corno inglese, sul duetto
d’amore di Mozart dal Don Giovanni
sono una rara delizia.
La più sontuosa delle serenate di
Mozart ha ricevuto un trattamento
d’eccezione da parte dagli ingegneri
dell’etichetta nordica BIS,
tanto da candidarsi tra le migliori
registrazioni assolute nel genere.
Una proposta ideale per rilassarsi
e godere dei timbri e finezze
di queste pagine, che può essere
anche un buon test per valutare
le capacità di un sistema hi-fi di
riprodurre i vari strumenti a fiato,
ottoni e legni che siano con le loro
tipiche caratteristiche timbriche,
armoniche e dinamiche.
Carlo D’Ottavi
SUONO febbraio-marzo 2021 77

SELECTOR
di Vittorio Pio, foto: Jakubowska - Prandoni
Con la musica
l’età sparisce
A 72 anni, quando sarebbe anche lecito e giustificato aspettarsi un certo rallentamento creativo,
Marc Copland, pianista di sopraffina eleganza, ha dato una robusta sferzata alla sua carriera.
Lo ha fatto grazie a un album in solo dedicato a John Abercrombie
(e non mancate l’omaggio precedente a Gary Peacock)
e un altro in quintetto con dei compagni clamorosi
nelle individualità di Dave Liebman, Randy Brecker, Joey Baron
e Drew Gress, che firmano una prestazione superlativa per temi
ed esecuzioni, ispirandosi al meglio delle loro capacità con riverberi
che portano al meglio di Duke Ellington, Charlie Parker,
Miles Davis, Charlie Mingus. Ovvero, l’olimpo assoluto. Ce ne
ha parlato in esclusiva...
Cosa le ha lasciato in eredità, non solo riguardo al jazz,
un gigante come Abercrombie? Come vi siete incontrati?
Intanto è stato un grande amico e compagno che mi mancherà
davvero tanto: con John ci siamo conosciuti nel 1970, quando lui
era pendolare da Boston a New York per lavorare nel progetto
Dreams, il primo gruppo orientato sul versante jazz-rock dei
fratelli Brecker. Rimase con loro per qualche mese, ma poi decise
di tornare a Boston, salvo unirsi l’anno seguente a quello di Chico
Hamilton in cui militavo già. Abbiamo condiviso tante esperienze,
traslochi compresi, nel suo appartamento dell’East Village. Suonavamo
diverse volte a settimana, parlando di musica, facendo
concerti e molto altro. All’inizio ero in soggezione nei suoi confronti,
perché molti musicisti lo consideravano il chitarrista per
eccellenza; a lui non interessava, piuttosto si preoccupava della
sua integrità artistica e lo dimostrava costantemente. All’epoca
io ero un giovane sassofonista ambizioso, e sognavo di farcela.
John fu per me una rivelazione: non gli importava del successo,
o del denaro. Voleva semplicemente suonare ciò che sentiva e in
cui credeva. Vedere John suonare, pensare e vivere con questo
tipo di dedizione alla musica era umiliante e gratificante al tempo
stesso. Lui rappresentava il modello giusto, il più alto livello di
onestà artistica. Era quello che desideravo più intensamente,
ma ancora non sapevo come raggiungere quel livello. A poco a
poco sono arrivato a comprendere il sentiero, o meglio cosa mi
sarebbe servito per diventare quel tipo di musicista; e una volta
raggiunto quel traguardo non mi sono mai voltato indietro.
Questo disco è dedicato a lui, ne condensa l’integrità umana e
lo spessore artistico.
78 SUONO febbraio-marzo 2021

Marc Copland
di Vittorio Pio
Ha sviluppato la sua carriera prefiggendosi degli obiettivi
precisi o ha lasciato fluire placidamente le cose?
Gli obiettivi che mi sono posto riguardano la crescita e lo sviluppo prima
come essere umano e poi come
artista. Non c’è vittoria pubblica
senza quella privata. A quel punto
il progresso è inevitabile quando ci
si evolve con un flusso tranquillo.
Occorre un lavoro interiore che richiede
molta energia e impegno, ma
quel lavoro non è poi così stressante
vista la gratificazione che si riceve
con eguale consapevolezza.
Attualmente considera più
l’aspetto melodico o quello
ritmico del suo stile?
Sono inscindibili. Se sei un pianista,
solista o accompagnatore,
devi prima sentire, poi ascoltare
e quindi suonare. Se non sento
niente, è meglio non suonare.
Isolarsi in uno spazio mentale di
silenzio è un buon modo per far
fluire le idee. Quello che sento
spesso all’inizio di un concerto, o
di una registrazione, è una trama,
una melodia, un colore o un suono
di qualche tipo. Cerco di andare in
una direzione con quella traccia,
che può portare a un luogo inaspettato,
a una conquista armonica.
Mi piace quando succede, e
di solito tutto il resto si sviluppa
da lì.
Trascorre una buona parte
dell’anno in Europa: quali
sono le tue impressioni, non
solo come musicista, riguardo
al vecchio continente?
Come molti musicisti americani, sono stato spesso in tournée in
Europa, adesso la frequento per motivi personali. Sono affascinato
dalla storia e dalla cultura che è riscontrabile ovunque. Mi piace
visitare vari Paesi e sentire, e a volte suonare, con alcuni grandi
musicisti che ho incontrato. Il bello del jazz è che ancora adesso è
una musica che non conosce confini.
Le è capitato di collaborare con qualche big band
radiofonica europea?
Solo una volta un paio d’anni fa, con la big band di Amburgo, sotto
la direzione del compositore e direttore d’orchestra Hans Koller. È
stato divertente, Hans mi ha compreso al volo e ha reso tutto molto
facile, e la band è stata eccellente.
Come riesce a controllare il flusso creativo quando suona?
Quando il flusso si incanala la musica si sviluppa da un luogo profondo.
So come aiutarla a fluire, ma non riesco a spiegarlo e soprattutto
non riesco a controllarlo.
Posso solo arrendermi alla potenza
della musica stessa: ritengo che sia
la soluzione migliore.
Qual è lo stato del jazz oggi, in
che forma lo considera? Prima
ha sottolineato la libertà anche
in termini di confini e stimoli:
cosa ha aggiunto alla sua vita?
Credo fermamente che suonare
musica, cercando di farlo bene, mi
abbia reso una persona migliore.
Più si è centrati con se stessi e più
è facile essere aperti a cose nuove,
ad accoglierle sia dall’esterno che
dall’interno, imparando di più su
questo mestiere. Questo processo
porta sicuramente a fare della musica
migliore. Per me è importante
non solo essere un buon musicista
ma anche un buon essere umano.
Che incoraggiamento potrebbe
lasciare alla prossima
generazione di jazzisti?
Di essere fedeli a se stessi, di suonare
quello che si ha dentro, di
lavorare sodo. Se si è sinceri con
la musica allora si entra in un’altra
dimensione: quando sono profondamente
coinvolto, sia che si tratti
di suonare in un concerto o di provare
in studio o a casa , non sono
neanche consapevole del tempo
che passa... potrebbe passare anche
un’ora o due prima che me ne
accorga. Mi trovo sempre disponibile a vagliare collaborazioni con
musicisti di tutte le età: quando si stabilisce un contatto con un
musicista, l’obiettivo è di arrivare a quel livello profondo che tutti
noi ricerchiamo e amiamo. A quel livello l’età sparisce e questo
accade anche con musicisti ancora più grandi anagraficamente,
anzi, vuole sapere una cosa? Nessuno di noi si considera vecchio.
E credo di sapere anche il perché. I musicisti della mia generazione,
quelli a cui sono vicino come esperienza, condividono un
desiderio, quello del miglioramento costante: vogliamo continuare
a imparare, a suonare meglio, possibilmente in modo anche diverso,
rispetto a quanto abbiamo fatto prima. Non vedo come un
musicista completo possa continuare a svilupparsi e crescere a
qualsiasi età se non in questa maniera, a meno che non rimanga
un appassionato studente di musica.
79

SELECTOR
di Vittorio Pio
Bill Evans
LIVE AT
RONNIE
SCOTT’S
Resonance/Ird
Terzo capitolo di questa
incredibile serie
dedicata a un trio
delle meraviglie,
che sta avendo una
sua aurea documentazione
postuma.
Il Ronnie Scott’s è
uno dei salotti di velluto del jazz mondiale,
con un’atmosfera che continua a essere unica
dal 1959, anno della sua fondazione, malgrado
un trasloco in quello che è ancora oggi il
suo ricercato indirizzo londinese di SoHo. Anche
l’incensato Live In England, pubblicato
l’anno scorso dalla stessa label, era relativo a
un ingaggio nella stessa venue, ma si riferiva
al decennale del club, con una formazione
che, oltre al fidatissimo Eddie Gomez, comprendeva
Marty Morell alla batteria. Dopo le
session dimenticate in casa MPS, nel cuore
della selva nera tedesca e l’ingaggio in Belgio,
che seguirono di poco l’acclamato concerto
di Montreux, il festival svizzero inaugurato
solo l’anno precedente, quella fortunata estate
del 1968 si chiuse con un mese consecutivo
al Ronnie Scott’s. Di quelle nottate trionfali
restavano dei nastri gelosamente custoditi
nell’archivio personale di Jack De Johnette,
che ricorda così quel periodo di particolare
enfasi creativa: “È stato fantastico stargli
accanto: questi album documentano un
musicista in stato di grazia, che sarebbe diventato
un riferimento assoluto e ispirazione
costante non solo per i pianisti. Nelle magiche
serate londinesi l’interplay crebbe di sera
in sera: sono orgoglioso di aver contribuito a
una testimonianza ufficiale.” Evans dal canto
suo, con l’impareggiabile sodalizio condiviso
assieme a Paul Motian e Scott LaFaro, aveva
già rivoluzionato la formula del piano trio.
Di lui si sa che non gradiva particolarmente
i batteristi, singolare quindi che fosse rimasto
folgorato dal drumming poliritmico
di DeJohnette, un giovane dal gran talento,
fattosi largo pochi mesi prima nel quartetto di
Charles Lloyd e che era in procinto di passare
alla corte di Miles Davis, spesso presente in
quelle serate al club, per sostituire un “certo”
Photo © 1969 Veryl Oakland
Bill Evans
80 SUONO febbraio-marzo 2021

Tony Williams. Con il divino trombettista,
il batterista di Chicago sarebbe rimasto per
quasi quattro anni, rivestendo un ruolo cruciale
nella svolta elettrica di Miles, il cui fiuto
gli aveva già fatto prenotare una seduta in
studio per documentare l’ammirazione per
Jimi Hendrix. Quando ormai sembrava che
tutti gli accordi fossero ratificati, il progetto
di realizzare un album svanì nel nulla. Nella
sua autobiografia Davis ammetterà che non
se n’era fatto nulla sia per un’inconciliabilità
tra i suoi orari e quelli di Hendrix sia per il suo
compenso, decisamente troppo basso. Rispetto
alla deriva colta e melanconica che aveva
contraddistinto Evans fino a quel momento,
De Johnette portava con sé una dote di creatività
e autorevolezza che era andata inesorabilmente
a fiaccarsi rispetto alla fuoriuscita di
Paul Motian e dai frequenti cambi di formazione
(e di umore), che avrebbero contraddistinto
l’estetica del pianista dal quel momento
in poi. Ci troviamo immersi in un doppio set
pieno di prelibatezze, nella massima varietà
possibile concessa dalla formazione in solo,
duo e trio (fra cui la disneyana Someday My
Prince Will Come, spesso associata all’impareggiabile
versione in sordina di Miles), radiosi
gioielli di casa - Waltz For Debby e Turn
Out the Stars - e tutta la squisita musicalità
racchiusa anche nel gusto esecutivo di Round
Midnight, Stella By Starlight, Alfie, Embreaceable
You, standard sognanti e pregiatissimi.
Non meno che perfetto l’apporto di Gomez:
grazie a un fraseggio estremamente mobile
e votato all’interplay, rappresentò uno dei
partner ideali del pianista del New Jersey.
La musica è distillata con vigorosa eleganza:
ardite concezioni armoniche puntellano
una nuova e seducente coesione artistica
e un linguaggio espressivo di un’intensità
senza pari. La registrazione è ottima,
la confezione (libretto estensivo con foto
dell’epoca, saggi e altre testimonianze
commissionate, fra cui una dell’attore
Chevy Chase, che si scopre essere compagno
di studi di Donald Fagen), di lusso.
Per sublimare un simile stato di grazia
c’è anche l’ulteriore colpaccio del produttore
Zev Feldman, capace di scovare una
splendida cover del tutto inedita firmata
da David Stone Martin, l’illustratore caro a
Norman Granz, che caratterizzò con il suo
tocco fatato l’epopea della Verve Records.
Vittorio Pio
SUONO febbraio-marzo 2021 81

SELECTOR
di Antonio Gaudino
Stan Getz
GETZ
AT THE GATE
Verve – 1961
Tempo fa,
qualche
topo di archivio
si è
intrufolato
in quello
della
celeberrima label americana
Verve, scoprendo un live set
inedito di Stan Getz, registrato
59 anni fa in un locale dimenticato
o meglio poco utilizzato
da produttori e ingegneri, con
un’acustica insperata per i tempi.
Se a questo aggiungiamo
che la rara istantanea di Getz
ce lo restituisce in una forma
smagliante, di ritorno dal suo
lungo soggiorno scandinavo e
poco prima di fare incursione
nei territori bossa nova scoperti
da Jobim e Gilberto, con una
sezione ritmica di rara avanguardia,
il reperto diventa una
“pepita” fondamentale nella
vasta discografia di Getz.
Il disco vola sulla spinta energica
dall’interazione tra Stan
Getz e il drummer Roy Haynes.
Va detto che il batterista si è
sempre definito un batterista
swing della vecchia guardia,
ma è indiscutibile che in questo
live mostri a tutta la scena jazz
dell’epoca che la sua immensa
capacità di guidare una band
hard & swing è ottimamente
bilanciata da un’invenzione
ritmica di prim’ordine, non c’è
dubbio. L’apertura di It’s All
Right With Me è una chiara
dichiarazione di intenti: non si
fanno prigionieri, evidenziando
l’approccio affiatato e deciso
della band. Ma nell’album il
ruolo chiave viene interpretato
dal lato lirico del sassofonista
fiorito in terra svedese, dove
emergono brillando Steve Kuhn
e John Neves. Va detto che Roy
Haynes aveva trascorso cinque
anni precedentemente come
batterista nel trio di Sarah
Vaughan e, forte di quell’esperienza
recente, con saggezza
mette a disposizione di Kuhn
e Getz l’abile supporto ritmico
mentre Kuhn disegna al meglio
le armonie che ispirano Getz
verso esecuzioni emozionanti,
come nel caso di Where Do You
Go? e When’ di Harold Arlen
The Sun Comes Out, composte
da Alec Wilder.
Ogni singola traccia di questo
set ha qualcosa di importante
e speciale, e va elogiata l’operazione
della Verve di aver scelto
di pubblicare l’intera registrazione
in una sequenza ordinata.
Anche se il secondo set di registrazioni
ha più ballate, il duo
Getz/Haynes si incontrano e
scontrano nel muscoloso sound
di 52nd St Theme. In conclusione:
per essere una registrazione
live realizzata in un solo giorno
si può definire perfetta in termini
di qualità, e consente a noi
tutti di condividere un periodo
raro e senza grandi incisioni
della carriera di Getz.
82 SUONO febbraio-marzo 2021

Jazz
di Vittorio Pio
Keith Jarrett
BUDAPEST
CONCERT
Ecm\Ducale
Mentre
è in
arrivo
u n a
retrospettiva
fotografica curata da Roberto
Masotti, che ha rivestito un
ruolo cardine per la diffusione
della cultura musicale ed estetica
dell’ECM in Italia, il nome
di Keith Jarrett continua a rappresentare
un caposaldo dell’etichetta
tedesca legata alla musica
contemporanea. Il pianista
americano che da poco ha
compiuto 75 anni non si trova
nelle migliori condizioni psicofisiche:
la morte del suo fedele
amico e contrabbassista Gary
Peacock ha difatti sancito la
fine di un epopea meravigliosa
vissuta all’interno dello standard
trio completato da Jack
DeJohnette, e lui stesso ha dichiarato
al “New York Times”
che dopo aver subito due ictus,
ormai non si sente più un pianista,
visto l’uso compromesso
delle mani. L’ultima esibizione
pubblica risale ormai a quattro
anni fa: sarà davvero molto
difficile rivederlo suonare ancora
in presa diretta, per cui
niente di meglio di questa serie
di concerti live che continua a
rovistare nel meglio delle sue
celebrate esibizioni intorno al
mondo. Si torna indietro al
2016 quindi, a Budapest, proprio
dove la famiglia Jarrett ha
le sue radici, per una lezione
di stile divisa in dodici parti
comprese fra i 4 e i 14 minuti,
in cui il coinvolgimento emotivo
tracima nella declinazione
sopraffina di jazz, folk, blues
e musica colta. La partenza è
tumultuosa e cerebrale: Jarrett
sembra arrovellarsi intorno
alla strada da prendere,
che imbrocca definitivamente
dalla quinta parte in poi, quella
che apre la seconda parte del
concerto, fino all’arrivo distensivo
e lirico nei due pregiati e
poco battuti classici It’s a lonesome
old town e Answer,
my love, nostalgici e toccanti
nella capacità del nostro di
calarsi nella nuance melodica
dei brani dall’interno, per
una prova di alto e raffinato
magistero. La seconda parte
di questo concerto è da annoverare
alle vette più alte di una
carriera sensazionale che pare
al suo definitivo crepuscolo.
Registrazione impeccabile per
timbrica e ricostruzione della
scena.
83

SELECTOR
Elina Duni\Rob Luft
LOST SHIPS
Ecm\Ducale
Centro pieno per
questo primo capitolo
congiunto
di due fra le individualità
più
interessanti messe in evidenza
dall’instancabile ricerca di Manfred
Eicher, che sigillano un disco
sfaccettato (cantato in ben
quattro lingue fra cui il dialetto
salentino) e ispirato da un camerismo
d’impronta mediterranea,
insieme alla presenza di Mathieu
Michel (flicorno) e Fred Thomas
(pianoforte e batteria). “Questo è
un album sui problemi contemporanei
che tutti noi abbiamo
dovuto affrontare”, ricordano i
due leader e protagonisti, “con
la tragica storia della crisi migratoria
in Europa e lo scempio
compiuto ai danni della natura.
È anche un album sui luoghi in
cui siamo stati e che abbiamo
amato, luoghi che non esistono
più o continuano a esistere solo
come un frammento della nostra
immaginazione. Ci sono canzoni
che toccano influenze del passato,
così come abbiamo voluto esplorare
anche altre radici musicali:
ballate jazz senza tempo, canzoni
francesi, canzoni popolari americane…
Accanto alla severità che si
trova in molti di questi brani, c’è
una leggerezza che pervade tutto
e crediamo che questa luce possa,
e farà, eclissare questi tempi difficili.”
Un gioiellino che si apre con
Bella ci dormi, tramandata a noi
dall’eccelso lavoro compiuto dal
Canzoniere Grecanico Salentino
e ripreso in tempi recenti da Piers
Faccini, ex-pupillo di Ben Harper.
Ma la vera magia volteggia nei
canti del prediletto albanese (la
Duni è nata a Tirana quarant’anni
fa, ma è cresciuta poi in Svizzera):
in Kur Më Del Në Derë e N’at
Zaman colpisce il dialogo senza
rete fra gli strumenti. Nessuno
sembra accompagnare l’altro
laddove tutti e quattro viaggiano
in parallelo, come se fossero gli
uni l’ideale prolungamento - e
completamento - degli altri. C’è
poi la straordinaria ripresa di I’m
A Fool To Want You, comunemente
associata a Billie Holiday,
in cui splende l’eleganza di
Matthieu Michel, e in chiusura
un brano tratto dal repertorio di
Charles Aznavour, quella Hier
encore tutta giocata sull’equilibrio
perfetto della narrazione e di armonici
sapientemente prodotti
dalla chitarra acustica di Luft, in
bilico fra classico, folk e improvvisazione.
“Il mio intento”, chiude la
Duni “è stato quello che i musicisti
avessero molto spazio per improvvisare,
e io per sperimentare
con la voce. Col tempo, abbiamo
sviluppato un’intesa fra noi che
ci consente di muoverci dovunque
vogliamo andare”. In ogni
lacrima c’è una luce che sorge,
senza scadere in un accademico
manierismo.
Vittorio Pio
Black Art Jazz Collective
ASCENSION
Highnote – 2020
Si intitola Ascension
il nuovo album
dei Black Art Jazz
Collective, il sestetto
made in USA con il
chiaro intento di rendere alto il
nome del jazz classico con suoni
e una ritmica che scavano nel
miglior hard bop dei 60s e 70s.
La band nasce nel 2012 dall’idea
del batterista Johnathan Blake,
con Jeremy Pelt alla tromba e
Wayne Escoffery al sax tenore,
capaci di mescolare la miglior
tradizione jazz a intuizioni attuali
e proprie. Ascension è un gran
bell’album che riesce a flettere i
muscoli della ritmica sin dal primo
e omonimo brano, che ricorda
molto da vicino l’Hard-Bop degli
Eastern Rebellion attingendo al
lirismo jazz della metà dei ’70
grazie ai ritmi febbrili che non
mollano mai la presa, proseguendo
in crescendo nel secondo
brano in scaletta Mr. Willis,
un’alternativa meno bizzarra ma
convincente di quella “Bolivia”
che incantò Freddie Hubbard
tanto da farne una rilettura in
grande stile, ai tempi. La musica
di Ascension è ingannevolmente
semplice, assertiva e diretta con
molti colpi di scena stimolanti
che percorrono tutte e nove le
composizioni che formano questo
gioiello appena uscito.
Antonio Gaudino
84 SUONO febbraio-marzo 2021

SELECTOR
di Paolo Corciulo
Ani DiFranco
REVOLUTIONARY
LOVE
Righteous Babe Records - 2021
“...dopo quello che
sembra un danno
imperdonabile,
dove si va? Non ci
si può buttare fuori
dal pianeta, non si
può cambiare il passato, e allora?”.
Il tempo, come l’acqua
che scorre, smussa gli spigoli e le
asperità e anche Ani DiFranco,
oggi cinquantunenne, si trova a
fare i conti, proprio in uno dei
momenti più drammatici per chi
si trova a vivere questi anni, con
pregi e difetti della maturità che,
in termini sonori e nell’arco dei
22 album che contraddistinguono
la sua carriera (l’ultimo, questo,
ad aprire il 2021), suggerisce
di guardare alle cose non solo
con la rabbia e l’aggressività ma
con la riflessione e un anelito di
speranza perché, appunto, un
altro mondo dove svernare non
c’è! E così, pur non rinunciando
ai temi di protesta e di impegno
sociale che traspaiono dalle sue
liriche, Ani DiFranco ha lavorato
nel tempo sull’uso della voce e
sugli arrangiamenti via via sempre
più lontani da quella scelta
essenziale e centrata sulla sua
chitarra, peraltro magistralmente
percossa alla ricerca di ritmi
sincopati con una voce che ne
arrotondava l’incedere. Era il
1989 quando, diciottenne, fonda
una propria casa discografica,
la Righteous Babe Records, per
suonare e diffondere come voleva
la sua musica; con questa,
incide e dà alle stampe l’album
omonimo, una perla davvero
imperdibile che trasuda tutto il
disappunto e la rabbia verso il
potere, come i successivi Not So
Soft e Imperfectly, che offrono
una matrice rock progressiva
poi sostituita da una sorta di folk
rock (il folk era la passione dei
genitori), comunque denso della
grande energia della DiFranco,
che per esperienza diretta (vista
più volte dal vivo) ne aveva da
vendere!
Revolutionary Love è decisamente
qualcosa di diverso con
una dimensione orchestrale
dove la mitica chitarra della Di-
Franco scompare (non il senso
del ritmo, però) e dall’atmosfera,
quella intima e raffinata di
un club. Un disco elegante che
per certi versi, nella capacità
di affondare le sue radici in
un mix jazzy – soul, ricorda Sade
e il suo incontrastato Smooth
Operator declinato in una salsa
meno fashion e più irsuta. Uno
più bello dell’altro i brani, soprattutto
dopo qualche ascolto,
quando si è entrati nel mood di
un percorso sonoro che, per voce
stessa della DiFranco, è “sgorgato
con immediatezza”. Poi
il lavoro del produttore Tchad
Blake (Black Keys, Los Lobos,
Tom Waits) ha coniugato con
eleganza (con una qualità tecnica
della registrazione di tutto
rispetto) la dimensione intima
del paesaggio sonoro disegnato
dall’artista che, anche a livello
di artwork, ha voluto lanciare
il suo messaggio: “Quando le
persone ascoltano questo disco,
voglio che provino la stessa
sensazione che ho avuto dalle
foto del cielo di Susan (la sua
ex tour manager – ndr.), quella
sensazione di prendersi un minuto
per realizzare che la luce
sta brillando intorno a noi e
attraverso di noi”. Un invito a
guardare in alto, in tutti i senti.
E se il buon giorno si vede
dal mattino, questo 2021 sarà
un anno bellissimo, almeno
musicalmente parlando!
PS: se volete ritrovare tracce
della vecchia Ani DiFranco,
Simultaneously (nona traccia
dell’album) non vi deluderà!
86 SUONO febbraio-marzo 2021

Rock
di Il Tremila
Antonella Ruggiero
EMPATIA
shop.antonellaruggiero.com
Non lasciatevi
sviare
dal fatto
che Empatia
è
un disco
sostanzialmente autoprodotto, né
che è la testimonianza live di un
concerto a fini benefici (dedicato
al volontariato): si tratta a tutti gli
effetti di un disco… disco, tutt’altro
che un’opera di nicchia e la
sua forza sta proprio nella sua
dimensione live, catturata, nelle
intenzioni utilizzando un multitraccia
digitale ma masterizzata
anche con apparecchiature viniliche
come il compressore Manley
Variable MU e dall’equalizzatore
GML 8200, utilizzati per le
tracce di strumenti acustici quali
i fiati, l’arpa, l’arciliuto e il violoncello
mentre le percussioni sono
state processate con il preamplificatore
valvolare Thermionic
Culture Rooster e il simulatore di
nastro Rupert Neve Portico 5042.
Ne nasce uno spaccato di quella
splendida artista che è Antonella
Ruggiero che aggiunge un ulteriore
piano a quel caleidoscopio
insondabile della sua personalità
che rifulge e al tempo stesso
è attirata dalle luci della ribalta:
dopo 14 anni con i Matia Bazar,
una pausa di sette, il ritorno sulle
scene nel 1996, persino una
presenza a Sanremo mentre l’ultimo
suo lavoro, Quando facevo
la cantante (2018), somiglia a
un lascito definito… E invece no:
ecco Empatia, che l’artista ha deciso
di distribuire da sola e che
ripropone il fortunato sodalizio
con Roberto Colombo, uno dei
migliori arrangiatori e produttori
italiani di sempre. Colombo, che
nell’album suona vocoder e organo
liturgico, è affiancato da una
originale formazione composta
da Maurizio Camardi (saxofoni,
duduk e flauti), Sabir e il suo
quartetto di musicisti (Alessandro
Tombesi all’arpa, Ilaria Fantin
all’arciliuto, Alessandra Moro al
violoncello e Alessandro Arcolin
alle percussioni) che dà origine a
un sound davvero particolare con
il contributo dell’acustica della Basilica
di Sant’Antonio a Padova.
L’ambienza è davvero immanente
nella registrazione ma dicevamo
che l’opera è curata tecnicamente
“nelle intenzioni” perché, al netto
di tutto, soprattutto la voce perde
di quella potenza che è propria
della Ruggiero, spostata verso la
porzione alta dello spettro.
Questo non compromette il piacere
di ascoltare i quindici i brani,
uno più bello dell’altro, dove
comunque la voce della Ruggiero
probabilmente dal vivo (per l’occasione
la Basilica era stracolma
anche se in fase di missaggio
sono stati tralasciati gli applausi
tra i vari brani) riesce addirittura
a superare se stessa in termini di
partecipazione. Non solo per questo
Empatia è un disco davvero
imperdibile; è la riprova, ad esempio,
dell’impatto degli arrangiamenti
e del ruolo del produttore
(vedi l’articolo su Phil Spector nella
pagine iniziali di questo numero
di SUONO) in una produzione
musicale: lo stesso Colombo, di
fronte a Echi dall’infinito (che la
Ruggiero portò a Sanremo 2005
ottenendo un immeritato terzo
posto - immeritato nel senso che
avrebbe dovuto vincere a mani
basse) riesce a estrarne una dimensione
lontana dalla versione
sanremese ma non per questo
meno intensa, anzi! Qualcosa
di simile vale anche per Cavallo
Bianco, lontano dagli echi sperimentali
dei Mattia Bazar in
una rilettura intimista e intensa,
mentre i due omaggi a De André
(L’Ave Maria laica e Creuza
de Ma) sono la testimonianza
di quale valore aggiunto possa
essere lo strumento voce della
Ruggiero. Il resto… è gioia e
sorpresa per i registri sonori che
Antonella Ruggiero riesce a proporci
e ci proporrà, perché “dopo
aver fatto la cantante c’è ancora
ricerca, ancora voce, ancora
musica”!
SUONO febbraio-marzo 2021 87

SELECTOR
di Vittorio Pio
Tom Petty
WILDFLOWERS
& ALL THE REST
Warner Music
Appuntamento
imperdibile
per tutti
gli amanti
del folk rock
americano in
questa versione definitiva dell’altisonante
rendez-vous in studio
fra Tom Petty e Rick Rubin.
Uscito originariamente nel ’94
e senza, almeno in apparenza,
l’apporto degli Heartbreakers (in
realtà sono tutti presenti tranne
il batterista Stan Lynch che rappresentò
la vera spina nel fianco
di quel periodo), questo album
ottenne delle ottime accoglienze
da parte di pubblico e critica;
Petty non se ne dichiarò mai del
tutto contento laddove, al contrario,
il cambio di passo risulta
oggettivo: Wildflowers ha i suoi
inni più rock, vero, ma consiste
principalmente di ballate più
lente, e di sentite odi al dolore e
alle avversità della vita. Agli inizi
degli anni ’90 Petty attraversa un
periodo tormentato: professionalmente
è in auge, alle spalle
può annoverare anche un lunghissimo
tour condiviso insieme
a sua Maestà Dylan e Roger Mc
Guinn (che toccò anche l’Italia
grazie all’acume di David Zard),
ma sul piano personale il rocker
incassa il fallimento di un matrimonio
e un processo di rinnovamento
che riguarderà anche un
flusso creativo molto copioso, al
punto di riuscire a scrivere materiale
buono per chiudere almeno
un doppio album. Alla fine il nostro
accettò di pubblicare un’edizione
singola, anche perché si
trattava di bagnare l’esordio per
una major come la Warner e quel
disco suona potente e originale
ancora oggi: partite dalla perentoria
Time To Move On che fa il
paio con il rock and roll di You
Wreck me, la limpidezza di To
Find A Friend, un talking blues
pianistico che innesca l’epica It’s
Good To Be King, che da quel
momento in poi diviene uno
dei momenti più attesi dei suoi
live. Sa colpire il nostro Tom,
ma anche ammaliare (A Higher
Place). Sa essere duro ma anche
vulnerabile, con l’eleganza formale
di Crawling Back To You.
Risolte le inevitabili baruffe legali
fra le figlie di primo letto e
la seconda moglie, ecco questa
versione allargata e definitiva
in pluri-formato che parte dal
perno fisso di Wildflowers e All
The Rest, che allinea dieci pezzi
di cui cinque inediti assoluti -
nel terzo CD ci sono le demo (15
canzoni, di cui 3 inedite e le versioni
sono tutte mai pubblicate)
in solitario per voce, chitarra e
basso, spesso stravolte. Il quarto
è l’album, dal vivo: Petty scelse
di andare comunque in tour
insieme agli Heartbreakers con
il nuovo, tentacolare batterista
Steve Ferrone - e l’impatto della
band sui brani è fantastico (basta
sentire la versione da 11 minuti
di It’s good to be king con le
scorribande fra chitarra e piano
di Mike Campbell e Benmont
Tench), e una manciata di live
tracks tratti da concerti registrati
negli ultimi anni di carriera,
che prendono rispettivamente
il posto in tre o addirittura sette
LP molto ben prodotti. Per chi
non ne avesse abbastanza c’è
un’ulteriore stra-limited edition,
che viene venduta solo ai
fan incalliti direttamente sul
sito dell’artista. Ottima la qualità
della stampa, nel nostro
caso un triplo gatefold e doppia
copertina interna, in cui lo
sguardo viene catturato da foto
e disegni di Tom mai visti prima
e posizionati con grande gusto
e passione. In altre parole siamo
di fronte a uno splendido
e degnissimo omaggio, fatto di
amore e rispetto nei confronti
di uno dei fiori più rigogliosi
del r’n’ r, reciso con malvagia
prematurità.
88 SUONO febbraio-marzo 2021

Lou Reed
NEW YORK
DE LUXE
Warner
Rock
di Vittorio Pio
Prodotto con intelligenza
e stile,
New York è
un capolavoro
di adult-rock
vibrante e sanguigno,
che riporta il nostro eroe
al centro della scena dopo un
periodo di suoni posticci e male
amalgamati: il peggio degli anni
‘80 (videoclip compresi), da cui
Reed si leva con un agile colpo
di reni dedicando, finalmente,
un robusto concept album alla
sua città che viene posta sotto la
sua implacabile lente di ingrandimento
con il consiglio personale
di ascoltarlo dall’inizio alla
fine in unica seduta, come se ci si
trovasse a leggere un libro o vedere
un film. Le 14 canzoni che
componevano il disco squadrano
un mondo di violenza (sia nelle
strade che sui minori), vizi e vita
ai margini del palcoscenico centrale,
come ribadisce la prosa circolare
di Dirty Boulevard, oltre
al devastante impatto che l’Aids
stava avendo proprio a quei
tempi nei confronti di vari strati
sociali in Halloween Parade. Il
tutto unito ad una feroce critica
politica che vedeva il nostro
scagliarsi apertamente contro
George Bush Sr., Jesse Jackson,
Papa Wojtyla, il segretario ONU
Kurt Waldheim che per Lou era
un nazista neanche tanto mancato,
il già allora capitalista ingombrante
Donald Trump e l’allora
procuratore del distretto sud di
NY e futuro sindaco della città
Rudy Giuliani. Oltre alla sua ex
collega Maureen “Moe” Tucker,
Reed in veste anche di produttore
è affiancato da una nuova,
robustissima band in cui ci sono
Mike Rathke alla seconda chitarra,
Rob Wasserman al basso
elettrico, e il co-produttore Fred
Maher alla batteria. Da ricordare
anche la presenza vocale di Anthony,
allora quasi al debutto. Il
box si presenta in dignitosa foggia
e interesse certo anche per
i fan non devoti: l’immancabile
versione rimasterizzata dell’album
originale ne migliora di
parecchio la dinamica, a seguire
la sua granitica esecuzione live,
presa da vari concerti e altrettante
venues intorno al mondo.
Con una scelta molto azzeccata,
nessuna di queste tracce è uguale
a quella del DVD che, però, allinea
solo la prima parte di quel
concerto, quella appunto relativa
a questo disco, come era stato
fatto nelle prime versioni in VHS
e Laserdisc, mancando del tutto
la seconda. Il terzo disco è quello
più interessante, in quanto
raccoglie 14 rarità con provini,
rough mix e work in progress
della scaletta finale. Fra le chicche
anche le versioni live eseguite
nel tour del 1989 di due classici
come Sweet Jane e l’insuperabile
anthem rappresentato da Walk
on the Wild Side. Ottima anche la
stampa in doppio vinile (l’originale
era singolo) del disco primigenio.
A sigillo della confezione
curata da Laurie Anderson e dal
geniale produttore Hal Willner,
anche un libretto sempre 12 x 12
pollici con foto, memorabilia e
nuove note di copertina a cura
di Don Fleming, curatore dell’archivio
di Reed e David Fricke, a
lungo direttore editoriale del
vero “Rolling Stone”.
SUONO febbraio-marzo 2021 89

SELECTOR
di Paolo Corciulo
Zeromantra
LA DISTANZA
DI UN SEMITONO
Storiedinote - 2020
Puoi colorare un quadro
già dalla cornice...
C’è una
profonda
vena
di lirismo
negli
Zero-
Mantra, la cui opera prima si snoda
su nove tracce, tutte che scorrono
piacevolmente a disegnare
cartoline di vita contrassegnate
da temi musicali orecchiabili. La
loro musica riesce a combinare
semplicità e raffinatezza con un
risultato altamente gradevole che
risulta una ventata di freschezza,
una sorta di toccasana per questi
giorni da confinati dove l’invito a
spaziare nella praterie della fantasia
fa da contrappunto all’elogio
degli spazi piccoli citato nel titolo
(il semitono è quella distanza
che unisce due note vicine) in un
connubio che dipana una scala
di colori vividi che si intrecciano
in storie, vite, avventure, narrate
con uno stile cantautoriale a dispetto
di un assetto della band
(due chitarre, basso, batteria) che
è quello classico del pop-rock. Si
sorride, ci si abbandona alla melanconia,
persino a una ventata di
ottimismo; da ogni brano quasi
traspare il desiderio di riaprire
quella metaforica finestra simbolicamente
serrata dalle paure
odierne, in un percorso rigenerante
che si snoda lungo tutto l’album,
scritto dal cantante e chitarrista
Matteo Abatti e arrangiato
dalla band. Sebbene si tratti di un
esordio (i cinque componenti degli
Zeromantra suonano insieme
dal 2014, e si sente) c’è un’armonia
sonora che è frutto del lavoro
condiviso e che beneficia al
massimo della vena creativa, sia
musicale che di scrittura, di Abbati;
a livello di prosa sono molti
i passaggi che colpiscono come “si
impara a decidere decidendo, si
impara ad immaginare immaginando”
(da Decidendo) ma ancor
più lo fanno i 23 secondi del
cameo di Silvano Agosti, regista,
sceneggiatore, filosofo, scrittore,
poeta e saggista italiano che regala
una piccola perla di saggezza
con il suo intervento parlato che
imprudentemente l’ascoltatore
potrebbe saltare (io inizialmente
l’ho fatto) e che invece vi invito ad
ascoltare riflettendoci su…
Peccato per la qualità della registrazione,
non così pessima da penalizzare
il piacere d’ascolto (tutti
belli i brani ma per me La scala
dei colori è sopra gli altri) ma
certamente carente dal punto di
vista della dinamica, obolo quasi
inevitabile ai dettami del business
moderno. Al di là di tutto, La
distanza di un semitono è molto
vicino a essere imperdibile.
90 SUONO febbraio-marzo 2021

Rock
Ginevra Di Marco
QUELLO
CHE CONTA
Universal - 2020
È
corretto, come
riporta il comunicato
stampa
di presentazione
dell’album, considerare
Quello che conta (sottotitolo:
Ginevra canta Luigi Tenco)
come una rilettura e non una
pedissequa riproposizione del
lavoro di Tenco, autore a cui Ginevra
Di Marco approda lungo il
suo percorso di esplorazione che
l’ha portata ad affrontare artisti
e opere non solo musicali con
Viola Nocenzi
VIOLA NOCENZI
Santeria - 2020
una matrice cosmopolita priva
di preconcetti. Collante di questo
tragitto la voce educata e raffinata
della Di Marco che, in particolare,
dona all’opera di Luigi Tenco
(se ve ne fosse bisogno e se sia
possibile) una ulteriore ragione
di essere. Questa reinterpretazione
costituisce motivo, per i
distratti e per chi ha dimenticato
(e naturalmente per chi non
l’ha conosciuto) per apprezzare
l’opera di questo esponente
della scuola genovese che ha
animato, insieme a De André,
Lauzi, Bindi (solo per citarne
alcuni) una fortunata stagione
della canzone italiana e ancor di
più l’avrebbe fatto… Ginevra Di
Marco aggiunge il suo stile elegante,
arricchito delle partecipazioni
di Dario Brunori, Massimo
Zamboni e Giorgio Canali, per
un risultato che anche per chi
conosce l’opera di Tenco a menadito
risulterà piacevole, inedito,
a tratti sorprendente, sempre
in grado di scatenare la magia di
un artista che, come dichiara la
Di Marco stessa, “è dentro di noi
da sempre”. Peccato che a livello
di qualità tecnica, non tanto
nell’equilibrio timbrico quanto a
livello di dinamica, l’album non
sia completamente in linea con
l’obiettivo di un prodotto raffinato.
Si apprezzano comunque
sonorità e disposizione degli attori
in una dimensione piacevole.
Il Tremila
Dopo un paio di
prove singole
Viola Nocenzi
approda a
una sua prima
opera di ampio respiro (circa 30
minuti - la metà circa di un CD
e in linea o quasi con i tempi degli
LP di una volta) pubblicando
sette tracce la cui musica è tutta
di suo pugno, che inevitabilmente
verranno considerate anche
in relazione ai “nobili natali”,
visto che il padre Vittorio e lo
zio Gianni (che vi ha suonato il
piano e curato arrangiamenti,
produzione artistica, supervisione
missaggi, mastering) hanno
animato le sorti del Banco del
Mutuo Soccorso. Ed è facile etichettare
come “disco prog” disco
che è “anche” prog (ma pure pop,
siderale, algido, new romantico,
rock…) ma soprattutto “difficile”,
richiede ascolti attenti e ripetuti
per farti entrare dentro; nel caratteristico
stile vocale di Viola
Nocenzi si avvertono reminiscenze
di Tori Amos (artista che
ha amato in gioventù) e dello
studio della musica classica,
mentre l’iniziale stravolgimento
della metrica da straniante diventa
valore aggiunto dell’album.
Forti inflessioni liriche si avvertono
in Lettera da Marte, brano
che da singolo ha anticipato il
disco; Entanglement potrebbe
rappresentare un manifesto della
new-prog addolcito da un ridotto
intervento orchestrale e da una
vena pop che qua e là fa capolino
nell’intero album. Nel complesso
la coppia Nocenzi – Pracanica
(lo scrittore Alessio Pracanica ha
scritto i testi di tutti i brani con
l’eccezione di Bellezza, tutta della
Nocenzi) dà vita a un’opera
originale (forse musicalmente
un po’ mono-tono) e raffinata, la
mano di Gianni Nocenzi si sente,
buon punto di partenza per la sua
carriera ma anche per lo sviluppo
di quel melting pot musicale
che non cerca etichette e le vuole
superare, a dispetto di pregi e difetti
di essere figlia d’arte.
Il Tremila
SUONO febbraio-marzo 2021 91

CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE
Le record cover
ai tempi del rock anni ’70
di Antonio Gaudino
Le copertine dei vinili degli anni ’70 hanno segnato un’epoca per originalità e per aver “sottolineato”
all’esterno la grande musica prodotta al loro interno. Difficile trovare un album negli anni ’70 rock con
delle brutte copertine: si sceglievano i migliori fotografi, art designer, fumettisti e pittori, addirittura.
Queste scelte sono tra le più importanti e interessanti da vedere e “ascoltare”, senza alcun dubbio.
americana, allora quelli dei Deep Purple
potevano a diritto rappresentare la storia
della musica rock.
Crosby Stills Nash & Young
Déja Vu - Atlantic (1970)
Foto: Tom Gundelfinger
Design: Gary Burden
Per un breve periodo all’inizio degli anni
’70, i grafici ingaggiati dalle case discografiche
si innamorarono della dicotomia fra
“band giovane” e “immagine antica”: una
manciata di formazioni (Steeleye Span,
Nitty Gritty Dirt Band, e in Italia il nostro
Francesco De Gregori con “Rimmel”), si
avvalsero di questo trattamento visivo, legando
il proprio nome a delle foto d’epoca
o simil-tali. “Déja Vu”, con la formazione
come immobile in un dagherrotipo, ne resta
l’esempio più celebre.
La foto – virata sul seppia – venne scattata
a casa di Crosby a Novato, in California,
e sembrava immortalare una scena della
Rivoluzione Americana. Fu scelto un materiale
in similpelle per la copertina dell’LP,
per accentuare la verità di “Old West”, ma
furono in molti a obiettare sul fatto che
si trattasse in realtà di cartone friabile.
Deep Purple
Deep Purple In Rock - Warner (1970)
Foto: Alan Hall e Mike Brown
Una bella trovata senza dubbio quella
dei Deep Purple per descrivere il titolo
di questo album, “Deep Purple nella roccia”.
Oltre ad essere un simpatico gioco di
parole che doveva rappresentare il suono
decisamente rock, “roccioso” e aggressivo
della band, in copertina i volti dei cinque
componenti della band sono scolpiti nella
pietra e messi al posto di quelli dei quattro
presidenti americani scolpiti sul monte
Rushmore. A vedere le foto fatte al vero
monte Rushmore, non si noterebbe neanche
la differenza tra i musicisti e i presidenti,
se non fosse per il look decisamente
hippie dei Nostri. I capelli lunghi, come si
portavano all’epoca, stonano decisamente
con l’immagine pulita, fiera e autoritaria
di George Washington, Thomas Jefferson,
Theodore Roosevelt e Abraham Lincoln. Ma
se i loro volti scolpiti nel monte dovevano
rappresentare i primi 150 anni di storia
The Doors
Morrison Hotel - Wea (1970)
Foto: Henry Diltz
Design: Gary Burden
La storia che si nasconde dietro questa fotografia
è che la band non ebbe il permesso
da parte del proprietario del Morrison Hotel,
così che Jim Morrison e compagni corsero
dentro per mettersi in posa mentre il fotografo
Henry Diltz prese degli scatti in tutta
fretta, e volarono di nuovo fuori dall’albergo
prima che il proprietario potesse accorgersi
di cosa stesse succedendo. Dunque la copertina
mostra i componenti della band ripresi
da dietro la vetrata del posto che porta la
scritta “Morrison Hotel” e “Rooms For Rent”.
Nient’altro. In realtà Diltz e Gary Burden
avrebbero voluto scattare la foto nella hall
dell’albergo ma, come detto, l’inserviente
non li fece entrare. Ray Manzarek dei Doors
92 SUONO febbraio-marzo 2021

prese la foto che si può vedere sul retro copertina,
scattata di fronte ad uno squallido
bar chiamato Hard Rock Cafe. L’attuale e conosciutissima
catena dell’Hard Rock Cafe si
ispirò proprio a quest’immagine per il nome
del locale.
P.S. La gestazione della copertina fu talmente
lunga tanto che in Italia, e in molti altri
Paesi, l’LP uscì con una busta provvisoria:
una busta di carta normale con l’effige dei
4 musicisti, la stessa posta dietro la copertina
definitiva. In teoria presentandosi dopo
mesi con la busta provvisoria, la commessa
avrebbe dovuto cambiarla con quella ufficiale
a cerchio; ma questo non avvenne e molti
acquirenti dell’epoca hanno ancora “III” con
la busta provvisoria. Viste le quotazioni delle
rarità in vinile, la “provvisoria” ha superato,
paradossalmente, l’originale.
Elton John
Tumbleweed Connection
Rocket/Island (1970)
Foto, artwork e design: David Larkham
Straordinaria copertina per un giovane Elton
John. Un “quasi” bianco nero virato da
una leggera tinta color coloniale immortala
l’artista seduto per terra in un angolo di un
vecchio e deserto bar-tabaccheria. Il tipico e
vecchio “spaccio” degli States del deserto californiano.
Particolari e affascinanti le vecchie
insegne pubblicitarie in metallo, che ornano
per intero il negozio al quale John è poggiato.
Pensieroso e in solitudine attende, forse,
l’apertura della “bottega”. Se una copertina
generalmente funge da riflesso dell’anima di
un album, in questo caso è azzeccatissima.
Infatti si tratta di un disco rock blues con
forti influenze gospel-pop, e la foto con la
grafica da whiskey del Tennessee non poteva
riflettere meglio queste caratteristiche. In
seguito, infatti, l’artista avrebbe optato per
copertine molto più commerciali.
Led Zeppelin
III - Atlantic (1970)
Design: Zacron
L’album calendario intitolato “Led Zeppelin
III”, cosparso di farfalle, animali da fattoria
e verdure volanti, all’epoca non soddisfò
tutti i membri del gruppo. L’artwork lasciò
perplesso Jimmy Page, chitarrista della band,
che definì la copertina “stupida, da teenagers”.
Invece fu un’innovazione al tempo della sua
pubblicazione nel campo del design di copertine.
L’album includeva una ruota girevole
di modo che quando questa veniva girata,
varie fotografie della band, accompagnate
da forme e motivi dalle tinte forti, apparivano
nei cerchi (dei fori creati appositamente)
della copertina frontale. Questo affare costoso
accreditato a Zacron (nella vita reale fa
l’insegnate a Wimbledon) è solo un lontano
risutato del progetto originario di Jimmy Page.
“La copertina originale”, disse Page, “doveva
riflettere l’ambiente campagnolo dell’album
attraverso l’imitazione di un calendario girevole.
Invece Zacron ha cosparso la copertina
con varie immagini psicadeliche coloratissime,
includendo oggetti, bersagli, farfalle e stelle”.
L’interno della copertina apribile conteneva
molto di più dello stesso tipo di soggetti: una
sedia volante, una pannocchia e un uccello
tropicale molto colorato. Gli unici oggetti
presenti nelle immagini dell’artwork relativi
alla band sono lo Zeppelin (il dirigibile), un
aereo da bombardamento tedesco e un’auto
con le iniziali sulla fiancata. Nonostante tutto,
Page ha avuto parte di responsabilità nel
risultato finale dell’album. Il chitarrista, per
lungo tempo interessato alla magia, acquistò
la residenza “Boleskine House”, del mistico
Aleister Crowley. All’inizio della sua creazione,
l’LP conteneva un estratto dal libro di
Aleister Crowley “The Book Of The Law” (“Il
libro della legge”) che leggeva “Do what Thou
Wilt, So Mote It Be”, un’abbreviazione della
citazione di Crowley “Fare quello che credi
dovrebbe essere la sola legge”. Da ciò che si
sa, pare che la citazione non sia entrata nella
tiratura del vinile.
Ten Years After
Watt - Deram (1969/1970)
Design: John Fowlie
Color processing: Grham Nash
Questa copertina, per quanto ritragga un’immagine
dei componenti della band seduti su
di un prato, ha una forte inclinazione decisamente
psichedelica. I quattro personaggi
seduti su di un prato sono infatti disegnati di
rosso, con i visi e altri dettagli del corpo che
riprendono lo sfondo del mare, e potrebbero
sembrare degli extra terrestri o degli esseri
invisibili. Anche il bosco che si nota a distanza
è rappresentato nella stessa maniera, ovvero
è disegnato completamente di rosso, tanto
da dare l’idea di una materia vulcanica. Nel
cielo spicca una mongolfiera gialla e rossa
che porta il titolo dell’album, mentre dalla
parte opposta è scritto in grande, in rosso, il
nome della band. Sul retro della copertina è
raffigurata un’alta costruzione che dà l’idea
di un hotel, e nel complesso sembrerebbe appunto
una ambientazione turistica. Bellissimi
i colori usati per questo lavoro decisamente
originale.
SUONO febbraio-marzo 2021 93

CUT ‘N’ MIX
il nome dell’artista e il titolo dell’album.
Lo sguardo del cantante sembra triste e
allo stesso tempo assente, lontano mille
miglia. Imagine, il più famoso – e ad oggi
il più venduto – tra gli album post-Beatles
di Lennon offriva un’immagine malinconica
dell’artista, ritratto dalla moglie Yoko Ono.
Una curiosità: gli occhiali indossati da John
Lennon hanno un valore che gira intorno
al milione di sterline, circa un milione e
mezzo di euro, e sono esposti al “Beatles
Story Museum” di Liverpool.
Traffic
John Barleycorn Must Die - Island (1970)
Foto: Richard Polak
Design: Mike Sida
Illustrazione: per gentile concessione della
English Folk Dance & Song Society
Per l’album John Barleycorn Must Die i Traffic
si affidano al fotografo Richard Polak e
al designer Mike Sida i quali fanno uso di
un’immagine concessa dalla English Folk
Dance & Song Society per descrivere il suono
folk dell’album. È un’immagine che tra
l’altro richiama anche la svolta progressive
che la band di Steve Winwood aveva preso,
abbandonando quelle atmosfere molto più
psichedeliche del passato. Su una base di
cartoncino marrone spicca il disegno che
sembra fatto a mano e che raffigura un fascio
di fiori dallo stelo lungo o di frasche di grano
messe in verticale sopra una macchia d’erba.
Potrebbe essere il luogo simbolico dove giace
il corpo di “John Barleycorn” che per questo
album, secondo il titolo, doveva morire. Non
è di certo una copertina eclatante ma è di
sicuro effetto visivo per la sua semplicità e
per la storia che cela.
Genesis
Nursery Cryme - Buddah (1971)
Design: Paul Whitehead
Cosa c’è di più “sconvolgente” che far giocare
a Cricket “donnine” ciniche che prendono
a colpi di mazza teste umane (di altre
donne) invece che palline nell’album
“Nursery Cryme” dei Genesis? Forse nulla.
Così come nulla si era mai visto prima, in
quanto a genialità nel genere progressive.
I Genesis mettono a segno una delle migliori
copertine degli anni ’70, grazie soprattutto
al geniale Paul Whitehead, che sempre per i
Genesis l’anno prima aveva firmato il lavoro
di copertina di “Trespass” e nel 1972 firma
quello di “Foxtrot”. Una curiosità: tutte e tre
le illustrazioni di queste copertine vennero
rubati dalla sede della Charisma Records da
ignoti. Tra l’altro, delle tre, “Nursery Cryme”
è la preferita di Paul Whitehead, spiegando
il perché: “È perfetta per la musica, il colore
è quello giusto, e anche le vibrazioni che
emana sono quelle giuste”.
John Lennon
Imagine - Capitol (1971)
Foto, supervisione e design: Yoko Ono
Una patina ricopre il primo piano di John
Lennon e lascia appena intravedere i capelli
a caschetto e i suoi classici occhialetti
tondi. La velatura azzurrina sembra
essere l’immagine di un cielo nuvoloso,
che potrebbe fare riferimento alla canzone
Imagine, in cui Lennon canta “Above
us only sky” (“sopra di noi solo il cielo”).
All’interno di una nuvola bianca compare
Joni Mitchell
Blue - Reprise (1971)
Foto: Henry Diltz
Direzione artistica: Gary Burden
Il quarto LP della Mitchell è contraddistinto
dal titolo: Blue. In effetti la foto è “filtrata”
da un blu che mette in risalto i tratti
della cantautrice canadese. Penetrante,
elegante, signorile, questa foto è un raggio
di luce “aristocratico” sul vasto panorama
delle copertine d’autore, quelle più belle e
importanti. Ma Blue è molto più di questo.
Tra morbide chitarre acustiche e accordi di
pianoforte che illuminano l’album, i testi
poetici della Mitchell dipingono l’immagine
di una donna vulnerabile e tormentata
(“Blue” vuol dire anche triste). Joni
Mitchell aveva solo 28 anni quando registrò
questo disco eppure sentiva la forte necessità
di mettere a nudo i suoi sentimenti,
di far sapere al mondo che aveva voglia
di sfuggire alla solitudine per ritrovarsi
tra le braccia di qualcuno che la amasse.
E la foto che la ritrae in copertina mostra
tutto questo trasformando l’album in un
magnifico lavoro di onesta bellezza.
94 SUONO febbraio-marzo 2021

XXX XXX
The Rolling Stones
Sticky Fingers
Rolling Stones Records/Atlantic (1971)
Concept e foto: Andy Warhol
Design: Craig Braun
Si narra che a un party a New York, nel
1969, Andy Warhol accennò con indifferenza
a Mick Jagger che si stava divertendo
a realizzare una vera chiusura lampo per
una possibile copertina di un album. Un
anno più tardi Jagger propose l’idea alla
band per il loro nuovo album Sticky Fingers:
il primo per la nuova etichetta di
loro proprietà, la Rolling Stones Records,
e anche il primo in cui compariva il famoso
logo: la caricatura della bocca, con tanto
di “linguaccia”, di Jagger. Una copertina
geniale quanto “sessuale”: foto in bianco e
nero, blue jeans con chiusura lampo vera
che, una volta tirata giù, metteva in mostra
un bel paio di “mutande”. Molti dissero che
il modello era Jagger, ma il frontman ha
sempre smentito, affermando che il modello
è un tale Joe Dallesandro, dello studio di
Warhol. L’unico inconveniente che la chiusura
lampo poteva causare, era quello di
“battere” e graffiare nel punto esatto dove
c’era la canzone Sister Morphine (traccia
numero 8 dell’LP); allora Braun realizzò
uno strato supplementare di cartone per
proteggere il disco dalla chiusura lampo.
Con questa soluzione venne sventata la
querela da parte della casa discografica
che distribuì il disco all’epoca. Una curiosità:
inizialmente molte catene di grandi
magazzini si rifiutarono di esporre il disco
perché metteva in risalto un’ambigua protuberanza
all’altezza del pube.
SUONO febbraio-marzo 2021 95

CUT ‘N’ MIX
LIBRI
Bob Gluck
MILES DAVIS, IL QUINTETTO PERDUTO
E ALTRE RIVOLUZIONI
Quodlibet, collana Chorus 330 pp – 25,00 euro
Principe delle tenebre,
genio imprendibile, divino
Miles. Artista opposto
ai compromessi, cercò di
rivoluzionare la musica
seguendo il proprio daimon
che pretendeva di
ascoltare solo se stesso.
Sono trascorsi quasi
trent’anni dalla sua morte
ma Miles Davis continua a rappresentare il simbolo
del jazz, un instancabile viaggiatore che nel
1969 rimescolò ancora carte e vision, flirtando
con il rock e il suo astro nascente Jimi Hendrix,
con cui aveva fissato anche un fertile rendez-vous,
mancato all’ultimo per la triste scomparsa del
mancino di Seattle. In queste pagine viene riassunta
la fascinazione vissuta verso quelle vibranti
energie, attraverso la sponda di Dave Holland
e Chick Corea, i due nuovi sodali che avevano un
rapporto molto forte con Anthony Braxton, già
campione dell’avanguardia in quel nuovo quintetto
completato da Wayne Shorter e Jack
DeJohnette (anche lui proveniente dal fertilissimo
atelier di libero pensiero di stanza a Chicago).
Quell’ensamble non registrò neanche un album
in studio ma visse diverse esibizioni dal vivo, documentate
con un certa perizia. Nel frattempo la
corte davisiana continuava a rinnovarsi: sarà il
compianto Steve Grossman (appena diventato
maggiorenne!) a prendere il posto di Shorter al
sax, mentre il fronte sonoro si giova degli innesti
del percussionista Airto Moreira e dell’imberbe
Keith Jarrett al piano elettrico; per la cronaca,
saranno un sestetto e settetto perduti perché, al
pari di quanto accaduto con il quintetto di cui
erano un’espansione, le loro performance sono
state documentate solo live. La storia immediatamente
successiva consegna Bitches Brew, In a
silent way e il tributo a Jack Johnson a una musica
considerata come un magma in continua mutazione:
queste appassionanti vicende sono ben
dipanate con una minuziosa esegesi, che allontana
lo spauracchio del jazz rock per un approdo
di matrice diversa, come una declinazione assimilabile
all’improvvisazione libera del free. Quella
che aveva incuriosito parecchio Miles, ovviamente
a partire dalla svolta spirituale di John
Coltrane, per proseguire con Archie Shepp e l’iconoclasta
Ornette Coleman, che per Davis aveva
il torto di accompagnarsi a Don Cherry, irregolare
per quanto strepitoso trombettista che, però,
non godeva affatto delle sue simpatie.
Vittorio Pio
Riccardo Brazzale, Maurizio Franco, Luigi Onori
LA STORIA DEL JAZZ
Hoepli Editore 512 pp – 29,90 euro
Non si tratta dell’ennesimo
tentativo di una ricostruzione
sempre impervia quanto,
piuttosto, di un racconto appassionante
approcciato in
maniera originale: sappiamo
che il jazz è nato in Nordamerica
per l’aggregazione di
numerosi fattori, diffondendosi
poi anche in Europa e cominciando, di fatto,
una lunga opera di contaminazione che non si è
più arrestata. Lo scambio culturale tra le forme innovative
della musica popolare del nuovo mondo
e le avanguardie europee fu assai fruttuoso sia per
i compositori americani che per molte figure della
musica colta: ottima, quindi, la scelta da parte dei
tre autorevoli autori (con un differente per quanto
ricco background formativo, anche questo funzionale
agli intenti dell’opera), di concedere ampio
spazio all’epopea del jazz nel vecchio continente,
senza parlarsi addosso, ma piuttosto con ammirevole
veste esplicativa. Undici capitoli che scorrono
veloci, utili per chi magari del jazz ha avuto un po’
timore, così come ai fedeli appassionati che di certo
apprezzeranno gli spunti offerti nei periodici
approfondimenti che riguardano non solo le scelte,
ineluttabilmente parziali su album e protagonisti,
ma anche le argute considerazioni sul linguaggio
musicale, le tendenze ormai irreversibili intorno ai
formati e divulgazione liquida, curiosità e retroscena,
citazioni e ricerche, che vi accompagneranno in
modo dinamico e appassionante lungo i decenni
alle spalle. Una suprema forma d’arte in cui si ripassano
generi e stili, titani e gregari, scuole e scene,
condensate nelle pagine finali, che arrivano a citare
anche i musicisti scomparsi nella prima, infausta
tornata del Covid-19. Molto ben calibrate anche le
riflessioni sulla ulteriore contaminazione dei linguaggi
odierni, che del jazz ne stanno dettando la
vitale contemporaneità, nella quale un posto importante
è appannaggio del movimento italiano,
di cui vengono segnalati con dovizia di particolari
episodi storici, associazioni, premi e musicisti. La
prefazione di Pupi Avati, che riconosce alla musica
jazz un amore grande e pregresso a quello che poi
ha nutrito per il cinema, innesca la curiosità per una
lettura, in cui sarà facile ritornare indietro, alla ricerca
di quel particolare forse sfuggito ma prezioso al
rendering del mosaico complessivo.
Vittorio Pio
Antonio Crepax
CREPAX A 33 GIRI
Vololibero 112 pp – 28,00 euro
A volte un faro puntato in una
direzione oscura eccessivamente
il resto e così è per l’opera
Guido Crepax identificata
in quella Valentina sogno
proibito di quei giovani permanentemente
giovani
dell’ultima generazione del Novecento. Così
pochi sanno che Guido Crepax è stato, insieme al
fratello Franco, uno degli animatori della scena discografica
italiana disegnando, prima della sua attività
di fumettista, oltre 250 copertine di dischi,
rigorosamente in vinile, che spaziano da Jonny
Dorelli alla classica e al Jazz, di cui Crepax era un
appassionato, passando per gli audiolibri e per il
prog, a partire dalla copertina del primo disco dei
Garybaldi. E così questo Crepax a 33 giri (formato
305 x 305 mm, indovinate uguale a cosa…) è, pagina
per pagina, una permanente sorpresa non solo
del tocco di Crepax ma anche per l’intento di ricostruire
gli eventi della effervescente scena musicale
italiana dagli anni ’70 in poi: lo fa attraverso la
spinta propulsiva del mai troppo rimpianto “Re
Nudo” e le esperienze e i contributi dei molti interventi
che, se distolgono in minima parte il focus dal
lavoro di Crepax, hanno il grande pregio di disegnare
una mappa di quei giorni, che a noi vecchi accende
le corde della rimembranza e per i millennials
può essere una utile guida, grazie alla lodevole
opera archivistica dei figli di Guido Crepax.
Il Tremila
Morgan
L’AUDIOLIBRO DI MORGAN
Emons Libri & Audiolibri - 5h e 22’ – 15,00 euro
Ne ha fatte di tutti i
colori eppure continua
a stupirci: l’ultima trovata
di Morgan, a 13
anni dal suo più recente
album di inediti,
raccoglie parti musicali
e parti narrate dallo
stesso cantante (disponibili in formato fisico e digitale,
in questo caso a 9,54 euro), oltre a composizioni
e brani inediti. Cover, riarrangiamenti e riscritture
di brani italiani e stranieri e pezzi editi a cura di un
artista tanto geniale quanto controverso, che firma
anche le grafiche della cover e del booklet.
Il Tremila
PiePaolo Ferrari
VALVOLE: UNA STORIA INFINITA
SANDIT Editore 310 pp – 20,81 euro
Le valvole termoioniche
hanno rappresentato una
tappa fondamentale nella
storia dell’elettronica. Inventate
nel 1904, sono state
utilizzate in tutti i settori
scientifici. Dopo oltre 100
anni dalla loro scoperta,
ancora oggi vengono impiegate
in campo Hi-Fi per
la loro straordinaria musicalità. Il testo si propone,
attraverso immagini a fumetto e fotografie reali, di
descrivere la loro storia, il loro utilizzo, il loro funzionamento
e il loro “suono”; le valvole “antiche”, le
valvole di produzione attuale, le valvole criogeniche,
i circuiti con le valvole; gli apparecchi vintage Hi-Fi
a tubi; le valvole e i transistor; i consigli pratici per
convivere bene con le valvole!
96 SUONO febbraio-marzo 2021

professore della trasmissione Lezioni di
rcana ha scritto 667 – Ne so una più del
Baby Rock. Il suo desiderio è quello di
pringsteen. Genovese di nascita, sardo
Jersey.
Cover layout: BRUNO APOSTOLI
ntre c’è chi continua a combattere
i sta lentamente abituando al nuovo
avirus, è il tentativo di utilizzare la
list strettamente collegate all’isola-
“ascoltare” con occhio differente la
qualcuno aveva già profetizzato. E
mento sociale già parlava nel 1982
i sorcini nel pezzo Contagio cantava
esca dalla città… l’isolamento è un
ato”. Un volume in note dedicato a
a loro dedizione finiranno nei libri di
t’emergenza planetaria. Il tutto pasll
e scomodando anche delle icone
el brano La peste, ispirandosi al flalo
che saltella / che si muove un po’
acillo contagioso”. Fino agli eccessi
emia o alla parodia di Bella ciao traa:
“Un’amuchina / mi son comprato
iao ciao”. E su tutto aleggiano, per
biato per sempre molte delle nostre
otiche di Björk che in Virus sussurra
rpo… io busso alla tua pelle ed enore.
Fabrizio Barabesi
ISOLATION ROCK
Arcana 179 pp – 16,50 euro
FABRIZIO BARABESI ISOLATION ROCK
FABRIZIO BARABESI
ISOLATION
ROCK
STORIE DI MUSICA, QUARANTENA
Disegni di
Filippo “Kultgeneration” D’Angelo
Fotografie di
Roberto Colombo
E CORONAVIRUS
Il rock che atterra e suscita, che esalta e che consola, che fa
urlare, prende per mano e non ti lascia più, anche se l’azzeramento
sociale è l’imperativo categorico, là fuori. Desolation
Row, canzone emblema e capolavoro, chiude il sesto album
in studio di Bob Dylan, Highway 61 Revisited. L’hanno fatta
propria tra gli altri Fabrizio De André, Francesco De Gregori,
i Grateful Dead e il bravo Andrea Appino degli Zen Circus
dell’album solista Il testamento. Fabrizio Barabesi, giornalista
e scrittore, ne fa una cover tutta sua nel suo nuovo libro
Isolation rock, un diario in pubblico nel tunnel della quarantena,
cronistoria di un anno da fantascienza che è purtroppo realtà tuttora incandescente.
Ma proprio la musica consente di vivere in modo più leggero e anche più
consapevole un dramma planetario che riguarda tutti. Anche chi, cocciuto più di
un mulo, lo nega. “Questo libro, mentre c’è chi continua a combattere il contagio in
prima linea, è il frutto", scrive Barabesi, “di uno strano esperimento da laboratorio
casalingo: utilizzare la musica per inventare delle playlist strettamente collegate all’isolamento
più intransigente, ai suoi effetti collaterali”.
La musica evocata dalle sue pagine è quella di ieri e di oggi, fatta da artisti celeberrimi
ma anche di nicchia, dai più melodici e orecchiabili ai quasi cacofonici: tutto serve per
rompere il silenzio al tempo del Covid 19 orchestrato sul filo del pentagramma. Un
racconto strutturato e non rapsodico o caotico zibaldone dove scopri anche perle
d’archivio: «Curioso scoprire chi di distanziamento sociale già parlava nel 1982, come
Renato Zero, che nel pezzo Contagio cantava: “Pericolo di contagio / Che nessuno esca
dalla città / L’isolamento è un dovere oramai / Dare la mano è vietato». E chi l’avrebbe mai
sospettato, nel bisesto e funesto 2020 d.C. dove abbiamo cantato e suonato dai balconi
e condiviso concerti in streaming a più non posso, pur di non star da soli?
In questo libro scorrevole ma al contempo denso di informazioni e percorsi trasversali
in cui ogni lettore trova specchiata la propria esperienza della pandemia, trovano spazio
irriverenti parodie di Bella ciao (trasformata in Canzone dell’Amuchina («Un’amuchina /
Mi son comprato / Virus ciao / Virus ciao / Virus ciao ciao ciao», cosa mai ci si inventa per
stare allegri) e anche riferimenti colti come, citiamo, «le sonorità misteriose e ipnotiche
di Björk che in Virus (canzone del 2011, ndr.) sussurra: “Come un virus ha bisogno di
un corpo / Un qualche giorno ti troverò / L’impulso è qui… Io busso alla tua pelle ed
entro”». Un utile manuale di sopravvivenza musicale questo libro, che fa di Barabesi
una sorta di Nick Hornby del Covid, un disck jockey capace sempre di trovarti la lista
degli ascolti giusta per l’emozione che colleghi al rosario pandemico, dal distanziamento
alla didattica digitale, dalle strade deserte al Papa solo in piazza San Pietro.
Un libro che chiama a raccolta mostri sacri del rock e della canzone d’autore. Tra i tanti divi
a spiccare nel libro c’è il Madman del rock duro, il padrino del metal Ozzy Osbourne dei
Black Sabbath che nel 1982 divora un pipistrello in scena (sì, proprio il volatile probabile
fonte del salto di specie del virus), e chissà cosa starà pensando di tutto questo casino.
Come noto, secondo la tesi più quotata, il Covid-19 sarebbe passato dal pipistrello al
pangolino e quindi all’uomo, dopo che lo stesso ne aveva consumato la carne. Carne
che si può comprare in uno di questi market molto diffusi in Cina dove si può trovare
proprio di tutto: dai pipistrelli a cani e gatti, scorpioni e ogni altra leccornia. E poi nel libro
si sente il suono della «dura pioggia» che cade in A Hard Rain’s A-Gonna Fall del citato
Dylan, Don’t Stop Me Now dei Queen suonata da un medico in pausa per rilassarsi tra un
turno massacrante e l’altro in pronto soccorso, Gloria Gaynor che in I will survive invita
a non lavarsi le mani del prossimo lavando le proprie in bagno. Ci si emoziona con
la preghiera laica di Hallelujah di Leonard Cohen, ci si ribella a ritmo rock con People
have the power di Patti Smith, ci si esalta di giusta indignazione per le storture sociali
in corso con Rockin’ in a Free World di Neil Young, e con Open All Night del Boss Bruce
Springsteen di cui Barabesi è un cultore assoluto: «Se nella canzone il guidatore solitario
stava cercando di ritornare dall’amata dopo il turno di notte, qui nel 2020 in piena era
Coronavirus, io sto cercando di non lasciarmi sopraffare dall’inquietudine e allora non
posso non affidarmi ancora una volta alla canzone quando dice: “La radio è intasata
di stazioni gospel / Anime perdute che invocano da lontano la salvezza / Hey signor
deejay, vuoi sentire la mia ultima preghiera / Hey, oh, rock’n’roll salvami da questo nulla”».
Lorenzo Morandotti
PILLOLE DA 3000 MCG
Più che pillole, veri pilloloni per animare la prossima fine
dell’inverno e il fiorir delle speranze primaverili…
IL POLESINE
E I SUI TEATRI
SOCIALI
Le devastanti alluvioni
del 1951 e del 1966 che
ne hanno cambiato il
destino anche dal punto
di vista morfologico,
hanno messo in ombra
il fatto che il Polesine,
fin dall’epoca classica, è
terra di cultura. A ricordarlo
“Quando Gigli, la Callas e Pavarotti… I Teatri Storici del Polesine” che
dal 13 marzo fino al 4 luglio nel Palazzo Roncale di Rovigo mette in mostra
attraverso documenti originali (affiches, libretti d’opera, foto dedicate dai
grandi interpreti, filmati, scenografie, costumi), la storia di 7 degli almeno 50
teatri del territorio di cui si trova traccia documentata e che hanno animato,
anche nel remoto passato, la scena culturale anche in paesini di poche
anime persi nel Delta del Po. Teatri per la maggior parte nati dalla volontà
di gruppi di privati che si sono tassati per costruirli e poi per sostenerne
l’attività, soprattutto musicale, e che proprio perché derivano da una “società”
di persone, presero il nome di Teatri Sociali. Sei ancora attivi (il Sociale
di Rovigo, il Comunale e il Ferrini ad Adria, quelli di Badia Polesine, Loreo
e Lendinara), uno il cui restauro è in corso (quello liberty di Castelmassa),
tutti restaurati anche grazie al concorso di Fondazione Cassa di Risparmio
di Padova e Rovigo, che promuove la mostra. I 7 teatri sono descritti nella
loro architettura attraverso le immagini del fotografo Giovanni Hänninen
e del videomaker Alberto Amoretti e, grazie alla realtà aumentata, i visitatori
possono entrarvi dentro vivendo l’emozione degli eventi musicali che
hanno ospitato.
Per info: tel. 0425 46 0093
LARGO
AL LEGNO
Rispetto ad altri
materiali il legno è
rinnovabile: crescerà
di nuovo se glielo
permettiamo! Partendo
da questa
constatazione e
sviluppando modalità
di consumo
sostenibile delle foreste,
il legno viene sempre più spesso proposto (ad eccezione del nostro
paese!) come materiale da utilizzare in architettura, anche grazie a prestazioni
ormai analoghe a quelle di acciaio o cemento ma con un peso della struttura
e un impatto sull’ambiente durante produzione e lavorazione significativamente
inferiori. Così, hanno preso vita progetti inusuali come il grattacielo
Mjøstårnet di oltre 85 metri a Brumunddal in Norvegia o il Susie Sainsbury
Theatre all’interno della Royal Academy of Music di Londra: acusticamente
rivestito in ciliegio americano, possiede una balconata che ha aumentato
del 40% i posti, una buca dell’orchestra più grande, un’ala del palcoscenico
e la torre scenica. Questo tipo di ciliegio (un legno di media densità, con
buone proprietà di curvatura, moderata robustezza e resistenza agli urti e
scarsa rigidezza) è tipico delle foreste di latifoglie degli Stati Uniti; cresce a
ritmi di 11,7 milioni di metri cubi l’anno, con un abbattimento nello stesso
periodo di 4,3 milioni di metri cubi. Il tutto, dunque, molto “sostenibile”!
SUONO febbraio-marzo 2021 97

Dove trovarci
Redazione
Via di Villa Troili 4 - 00163 Roma
(t) 06.44.70.26.11
@ info@suono.it
Amministrazione
(t) 06.44.70.26.11 + 105
@ amministrazione@suono.it
Abbonamenti e arretrati
(t) 06.44.70.26.11 + 100
@ diffusione@suono.it
Nella rete
www.suono.it
www.facebook.com/suono.it
pinterest.com/suono/
twitter.com/@SuonoStereoHiFi
www.instagram.com/suonorivista/
Edizione digitale
Copia singola: 4,75 euro
suono.ezpress.it
Pubblicità
Concessionaria pubblicità
Variedeventuali S.r.l.
Direzione pubblicità
Maurizio Massarotti
(t) 335.76.03.234
@ mauriziomassarotti@suono.it
Direttore responsabile
Paolo Corciulo p.corciulo@suono.it
Direttore tecnico
Fabio Masia
Art Director
Tommaso Venettoni
Content Reviewer
Francesco Bonerba
Hanno collaborato
Libero Abbaci, Agostino Bistarelli, Massimo Bargna, Francesco Bonerba, Nicola Candelli, Paolo
Corciulo, Carlo D’Ottavi, Antonio Gaudino, Lorenzo Morandotti, Vittorio Pio, Il Tremila, Roberto
Rubini, Vincenzo Sollazzo.
Abbonamenti: annuale Italia € 60,00 (all inclusive).
Pagamenti: c/c postale n. 62394648 o bonifico (IBAN: IT04W0760103200000062394648)
specificare sempre la causale - da intestare a: Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo.
Per info vedi www.suono.it/La-rivista
International Subscriptions rates: 1 year air-mail digital edition € 30,00; 1 year air-mail Europe
€ 90,00; Africa € 100,00; Asia/America € 110,00; Oceania € 120,00. Payments by international
check (to: Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo - Italy).
Direttore responsabile Paolo Corciulo
Reg. Trib. Roma N.130 del 14/3/95 - anno XLIX numero 551
© Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo - P. IVA 04028131003
Manoscritti, foto e originali, anche se non pubblicati, non si restituiscono.
È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie senza l’autorizzazione
scritta dell’Editore.
Suono è un periodico che ha percepito (già legge 7 agosto 1990 n. 250) e percepisce i contributi
pubblici all’editoria ( legge 26 ottobre 2016 n. 198, d.lvo 15 maggio 2017 n. 70).
Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di febbraio 2021.
Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo
Direttore editoriale
Paolo Corciulo
Distributore per l’Italia
Press-di Distribuzione Stampa e Multimedia S.r.l.
20134 Milano
Stampa
Tiber S.p.A.
Via Della Volta 179 - 25124 Brescia (BS)
(t) 030.35.43.439
(f) 030.34.98.05
INDICE INSERZIONISTI
Adcomm - VREL electroacoustic 81
Audio Reference - Sorane/Abis 39
Audio Reference - ProAc
II Cop.
Audioplus 31
Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 5, 67
Gammalta Group - Pmc 9
Gammalta Group - Jl Audio 51
Gammalta Group 10, 12
High Fidelity Italia - Accuphase
III Cop.
Il Centro Della Musica 25, 85
Lp Audio - Franco Serblin 21
Lp Audio - PrimaLuna 43
Mpi Electronic - PS Audio 27
Mpi Electronic - Sonus Faber
IV Cop.
Music Tools - Avid 17
Openitem - Carot One 95
Pathos Acoustics 11
Ricable - Ricable 77
Te.de.s. - HOLBO 13
Tecnofuturo - Gold Note 55
Tecnofuturo 65
Tecnofuturo - Gold Note 69
Tektron 7
98 SUONO febbraio - marzo 2021