SUONO n° 542

Editoriale 

Welcome 

to the pleasuredome 

di Paolo Corciulo 

Come già accennato nell’introduzione all’ANNUARIO del SUONO 2020, quello che andiamo ad affrontare 

è un anno profetico: caratterizzato dalla doppia coppia di numeri che lo definisce, con una cifra, 

il 20, ripetuta e simbolica nelle credenze popolari, e in più bisestile… 

Ma quel che più conta è che il 2020 apre un nuovo decennio 

e, cosa ancor più importante, sancisce la chiusura di 

quello precedente, il primo del nuovo millennio e, nei 

fatti ancor più che nell’immaginario, anno di grandi rivoluzioni, 

focalizzate principalmente attorno al pervasivo sviluppo della rete 

internet e ai fenomeni immateriali da essa generati. Un decennio 

liquido che per contrappeso ha portato, sicuramente almeno nel 

nostro settore, nuova attenzione su ciò che liquido non è (leggi 

vinile). E poiché, lo sostengo da tempo, il settore della musica 

riprodotta è un piccolo laboratorio di quel che accade nella società 

e in certi casi anticipa tendenze, forse non è un caso che la 

contrapposizione liquido/non liquido si sia allargata a tutte le 

cose (se ne parla perfino in un libro, Il ritorno delle cose, a pag. 

95). Quel che è certo, astraendosi da eccessivi voli pindarici e 

considerazioni di carattere filosofico, è che il decennio passato ha 

portato a un ripensamento profondo della filiera di distribuzione 

dei beni, rendendone almeno in parte immateriali alcuni (come 

nel doppio caso che più ci riguarda, quello della musica e dell’informazione 

sulla musica e sulla sua riproduzione) e soprattutto 

cambiando, fondamentalmente accorciando, la filiera di distribuzione 

di beni, idee, fatti, opinioni e sentimenti. È un bene? È un 

male? C’è dell’uno e dell’altro ed entrambi debbono interessare 

anche i lettori di SUONO perché li coinvolgono in prima persona... 

Perché se è bellissimo che pensiero e azione assumano la dimensione 

del “quasi immediato” (penso a un prodotto e se non 

in pochi secondi comunque in poco tempo un postino bussa 

alla mia porta), la filiera corta ci pone di fronte alla perdita di 

quei consulenti “buoni padri di famiglia” che sono stati i librai, 

i commessi dei negozi di dischi, a volte persino gli edicolanti, 

ora non più necessari. Il pericolo, per contro, è che in rete oggi 

siamo più soli che mai, spesso inerti verso cosa computare sulla 

tastiera, con il rischio di lasciarci incantare da cattivi consiglieri… 

È la sensazione che spesso provo sedendomi davanti alla tastiera 

o con lo smartphone in mano e cerco di decidere che cosa vorrei 

googlare, senza trovare nulla di definito nei miei desideri pur 

a fronte di un’offerta quasi infinita! Mi sono imbattuto in una 

dolcissima iniziativa in una libreria di Grosseto: all’ingresso era 

possibile prendere dei piccoli bigliettini attraverso i quali i visitatori 

potevano segnalare, apponendoli direttamente sui libri, una 

lettura che gli era piaciuta. Sentirsi una comunità come in una 

specie di internet ante litteram o in una sua versione più bella, che 

unisce e confronta le opinioni di una vasta quantità di persone, 

condividendole. Non pensiate che stia parlando per nostalgia! 

Anzi, consiglio vivamente ai lettori di SUONO di andare avanti, 

progredire in nuove esperienze, vincendo ogni resistenza verso le 

novità the ci vengono proposte! Io, ad esempio, da qualche tempo 

ho ritrovato la gioia di ascoltare musica proprio grazie ai new media 

e al nuovo equilibrio tra quel che possediamo (quei “valori” consistenti 

nello stesso fatto del raccogliere materiale da collezione) e 

quel che ascoltiamo soltanto. La mirabile sintesi nell’abbinamento 

tra i due è Roon, un programma che vi consente di accedere a una 

collezione di musica immateriale tout court. La versione moderna 

su file della discoteca di un dì, corredata di numerose informazioni 

e consigli: masterizzazioni e file acquistati ma anche quelli 

solo noleggiati (Qobuz , Spotify...) prendono così la forma di un 

percorso, esattamente come si faceva una volta con l’alternanza 

SUONO febbraio 2020 3

Editoriale 

Ai cambiamenti dal punto di vista artistico della musica in funzione delle tecnologie 

e della filiera di distribuzione è dedicato il saggio How Music Works dell’ex leader dei 

Talking Heads David Byrne. 

tra disco e cassetta con il prodotto fisico. Questa nuova forma di 

equilibrio fa ben sperare per il mercato della musica riprodotta; 

ignorare indicatori come questo sarebbe ed è stato sbagliato. 

Il mercato si modella sulla domanda, chi non ne tiene conto chiude 

i battenti e la tecnologia è talmente pervasiva da cambiare persino 

i canoni culturali tanto che, come già accadde con il walkman, le 

nuove modalità di ascolto tendono a plasmare l’offerta musicale 

che oggi si articola, ad esempio, su brani più corti che in passato 

(come rilevato da Charlie Harding e Nate Sloan in Switched On 

Pop); mutamenti peraltro già recepiti in passato, come racconta 

David Byrne nel suo saggio How Music Works. 

Ho accennato al fatto che chi non tiene il passo rischia l’estinzione; 

il problema riguarda in generale tutti coloro che credono di poter 

fruire di una rendita di posizione. Proprio questa convinzione 

è stata spazzata via nel primo decennio degli anni Duemila: se 

non ti muovi sei morto, come ci insegna il caso tipo dei negozi 

Bose. Bose è stata l’azienda che prima di tutte nel settore Hi-Fi ha 

fiutato il vento del cambiamento, allontanandosi dai tradizionali 

canoni dell’Hi-Fi che pure l’avevano posta sugli altari. Ricordiamo 

brevemente… L’azienda del Massachusetts fondata da Amar Bose 

nel 1964 nasce per dare vita agli studi sulle riflessioni sonore del 

professore laureato al MIT; troverà la sua massima espressione di 

queste teorie nel Bose 901, un diffusore che utilizzava otto altoparlanti 

puntati verso il muro posteriore e un nono rivolto verso 

l’ascoltatore. I 901 erano espressione di un high end di elevato 

contenuto tecnologico (ante DSP) e dal 1968 al 2016, quando 

usciranno definitivamente di scena, sono stati tra i prodotti più 

iconici del settore. Ciò non di meno il successo planetario Bose lo 

raggiunge successivamente con i sistemi “a cubetti” + subwoofer, 

dotati di un WAF (women acceptance factor) elevato e prestazioni 

scadenti, pur sempre sorprendenti in relazioni alle dimensioni 

degli oggetti che le producevano! Saper interpretare i bisogni del 

pubblico… Come B&O prima di Bose (ma l’azienda danese puntava 

soprattutto sull’elemento estetico), la casa americana, forte 

di questa “sensibilità”, ha dato vita a una catena di “showroom 

monomarca” che si differenziavano dal classico punto vendita 

del tempo. Se ci fossimo trovati a discuterne alle soglie del nuovo 

millennio, ci avremmo scommesso ogni risparmio sopra: “Fatemi 

aprire un Bose Center!”. L’iniziativa sembrava destinata a mettere 

in ombra qualsiasi concorrente. Poi è arrivato Sonos… e Amazon. 

Quest’ultima, almeno nelle dichiarazioni della Bose, è stata il fattore 

scatenante della decisione (di questi giorni) di chiudere i 119 negozi 

sparsi in tutto il mondo: Stati Uniti, Europa, Giappone, Australia… 

Saranno anche Amazon e l’e-commerce ma, a mio modesto 

parere, la questione è più relativa alla presunzione della rendita 

di posizione (che ha ottenebrato quella capacità di interpretare le 

necessità del pubblico, in continua evoluzione) che altro. 

Perché, altro elemento da cui non si può prescindere, la velocità 

con cui accadono le cose si è caratterizzata nel primo decennio del 

nuovo millennio per una accelerazione allarmante. Fenomeni che si 

consumano come chimere, e l’Hi-Fi non ne è esente. Chi si ricorda 

ancora che cos’è un iPod? Che fine ha fatto o farà iTunes? Persino 

Steve Jobs, se ancora fosse tra noi, dovrebbe porsi il problema di 

come restare al passo con i tempi! Allo stesso modo il downloading, 

che è stato cannibalizzato dallo streaming sovvertendo l’ultimo 

baluardo di un vecchio modo di pensare, quello della logica del 

possesso! Ne discussi a suo tempo con Ivor Tiefenbrun proprio 

mentre la Linn si accingeva, con la consueta veemenza, a sostenere 

i suoi streaming player (per prima smise di produrre lettori CD) 

lanciando un servizio di downloading a pagamento. Chiesi a Ivor 

perché qualcuno avrebbe dovuto pagare somme notevoli per avere 

in cambio un anonimo file e Ivor, peraltro persona lungimirante e 

di rara intelligenza, rispose che possedere i file o semplicemente 

ascoltarli non era la stessa cosa. Sarebbe semplice oggi rimproverargli 

tale miopia… La stessa Linn è stata una delle prime aziende a 

inaugurare la filiera corta di distribuzione: prima l’abolizione della 

Poco prima della nascita del nuovo decennio Bose ha annunciato la chiusura dei suoi 

negozi, asset fondamentale fino ad ora della politica della casa del Massachusetts. 

4 SUONO febbraio 2020

Editoriale 

Edicole alternative: Quisco, dallo spagnolo quiosco (chiosco), è un nuovo modello di 

business nella distribuzione dei giornali: ogni giorno, a partire dalle sette del mattino, 

un gruppo di persone munite di un’ape attrezzato compie un giro della città a tappe 

fisse (come fossero le fermate di un tram) per vendere quotidiani e riviste laddove 

la copertura delle edicole è carente… 

sede italiana, poi persino la rinuncia all’agente di zona sostituito 

oggi da un responsabile generale di vari Paesi e una gestione centralizzata 

sia nelle spedizioni che nell’assistenza. Qualcosa di simile, 

lasciando però delle strutture periferiche, ha fatto anche Moon che 

ha ora una sede europea e un e-commerce centralizzato. Velocità 

significa anche filiera corta. Velocità significa ampliamento della 

forchetta tra chi ha i mezzi (per fare, per comunicare…) e chi no, 

e non a caso uno degli argomenti spesso trattati da SUONO nel 

recente passato è stato quello della conflittualità tra una dimensione 

artigianale e 

una industriale 

che, con un 

punto di arrivo 

variabile, è la 

cifra stilistica 

del nostro settore. 

Per farvi 

fronte abbiamo 

assistito a una 

concentrazione 

di marchi nelle mani di pochi proprietari con motivazioni le più 

varie, dai fondi di investimento che trattano merci unicamente 

per aumentarne il valore e rivenderle a chi ha una vision d’insieme 

del mercato e ritiene sinergiche le competenze tra elettronica e 

informatica, tra categorie differenti di apparecchi per far musica 

che vanno venduti pensando a un sistema e non al singolo prodotto. 

Abbiamo assistito ad “accorpamenti” e scompattamenti della tradizionale 

geografia sia nel portafoglio dei costruttori che in quello 

dei distributori che ha annientato una strategia di vendita in grande 

spolvero nel precedente millennio. Tre casi limite, giusto per dare 

un’idea. Dopo oltre venti anni il trittico Rotel – Classé – B&W ha 

visto i tre marchi prendere strade diverse: B&W è approdato nelle 

mani di un ricco magnate americano, Classé è entrato a far parte 

di un grosso gruppo multimarchio, Rotel... chissà. Quel gruppo, 

che si chiama Sound United, ha deciso di cambiare la sua strategia 

commerciale, realizzando delle subsidiary in buona parte del 

mondo e richiamando all’interno i propri marchi “strappandoli” 

ai precedenti distributori. Direte: e che ce ne frega a noi lettori? 

Il mutamento della filiera commerciale incide comunque sui 

servizi e sulle modalità della vendita dei beni che non saranno 

più le stesse: se non spiacciate nemmeno un po’ di inglese siete 

sicuri che il call center di questa o quella azienda, il suo servizio 

informativo potranno trattarvi al meglio? E in tutto questo che 

cosa accadrà a noi di SUONO? 

Anche qui è in corso un drammatico cambiamento delle abitudini 

e della filiera commerciale, basti pensare ad alcuni dati. Il calo 

delle vendite nel comparto dell’editoria è evidente: nel 2007 le 

edicole hanno diffuso 2.159 milioni di copie; nel 2018 si è scesi 

a 948 (fonte Ads)! Lo stesso numero delle edicole è drammaticamente 

diminuito: in dieci anni oltre la metà hanno chiuso 

(quasi ventimila) e ci sono aree dove è difficile acquistare un 

giornale… Come reagire? A SUONO abbiamo le idee abbastanza 

chiare in merito e se alcuni correttivi sono stati già apportati, altri 

arriveranno (non è questa la sede per parlarne né intendo fornire 

a concorrenti narcolettici stimoli in merito). Piuttosto le ultime 

righe di questo atipico editoriale sono e devono essere rivolte a 

voi, voi lettori perché, mi sbraccio da mesi nel dirlo e lo farò anche 

qui, nella veste di consumatori di questa rivista, dei prodotti, 

della musica, anche voi dovete inevitabilmente cambiare! Qualche 

giorno fa ho intercettato la telefonata di una edicolante che, per 

fare un favore a un suo cliente, ci ha chiesto un arretrato. Ho attivato 

l’ufficio apposito che contatterà l’edicolante, si accorderà su una 

spedizione che consentirà all’edicolante di contattare il cliente e fargli 

infine pervenire il 

numero di SUONO 

desiderato. 

Sarebbe bastato 

un click sul 

nostro sito e quel 

cliente avrebbe 

ricevuto la rivista 

direttamente a 

casa! 

Noi tutti (ho 

trionfalmente varcato la soglia della sessantina) non siamo dei 

nativi digitali ma per forza o per fortuna ognuno di noi ha a che 

fare con dei processi informatizzati ed è ineludibile che questo 

accada ancor di più nel decennio che è appena cominciato. Il vero 

digital divide si manifesterà, questa è la mia previsione, adesso, 

e per fruire dei tanti soddisfacenti servizi legati alla rete e all’informatizzazione 

ci vuole uno sforzo anche da parte di chi ci legge. 

Aderite alle campagne di abbonamento (che oggi consentono 

l’acquisto della singola copia, di un periodo brevissimo, breve o 

annuale in nostra compagnia), fare buon uso delle informazioni 

della nostra newsletter e di quel che pubblichiamo sui social 

network. Noi continueremo a garantire il piacere di sfogliare la 

carta inserendola in un ecosistema differente che richiede un 

minimo di partecipazione da parte vostra. Se poi voi, vecchi amici, 

vorrete far sentire la vostra voce, allora ci divertiremo ancora e 

molto, a partire da quest’anno profetico... 


Sommario 

Suono Stereo Hi-Fi 

la più autorevole rivista audio 

Poste Italiane Spa sped. abb. post. 

D.L. 353/2003 

(conv. in L. 27/02/2004 n. 46) 

Art. 1, Comma 1, Roma, 

aut. N. 140 del 2007 • mensile 

anno XLVX 

febbraio 2020 

2 

SUONO | 542 | FEBBRAIO 2020 MISTER NO ASCOLTA LA MUSICA – MALIKIAN LA FANTASIA SUL PALCO. E POI: ZAPPA, FOSSATI-MINA, CASALINO 

00002 

9 771721 576006 

542 

Fly me to the moon 

And let me play 

among the stars 

STREAM 

Il bello dell’ascolto in cuffia 

€ 7,00 TEKTRON TK5687PSES-I 

Il ruggito 

di una pulce 

non è un colpo di tosse 

ALL TOGETHER 

MOON 390 E RAKOIT ARYLIC A50 

ROGERS 

La storia della riproduzione 

musicale è passata di qui 

Un upgrade Olympico 

SONUS FABER 

N. 542 

FEBBRAIO 2020 

EDITORIALE di Paolo Corciulo 

Come già accennato nell’introduzione all’ANNUARIO del SUONO 

2020, quello che andiamo ad affrontare è un anno profetico. 

ANTENNA Prodotti, News, Storie 

Scouting tra le proposte del mercato: in un mare di 

offerta occorre orientarsi con una bussola! 

3 

6 

8 

POSTA di Paolo Corciulo 

È il momento di qualche riflessione... 

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO 

INSIDE DENTRO LA MUSICA 

IN PROVA 

AMPLIFICATORE 

PER CUFFIE 

Tektron TK5687PSES-I 

a cura della redazione 

40 

MISTER NO, I SIXTIES E IL ROCK 

Fumetti e musica rock 

di Massimo Bargna 

Una miniserie a fumetti rilancia il celebre eroe 

della Bonelli spostando le sue avventure dalla 

Manaus degli anni Cinquanta alla New York e 

alla San Francisco degli anni Sessanta, all’epoca 

del Flower Power. E a farla da padrone nelle 

nuove avventure disegnate non poteva che 

essere la musica rock! 

24 

ARA MALIKIAN 

Fuori dalle righe 

di Francesco Bonerba e Luca Di Leonardo 

Così potremmo (non) definire la vita e la musica 

di Ara Malikian, violinista di fama mondiale dalla 

irrequieta creatività che, in fuga dalle etichette 

personali e dei generi musicali prima ancora che 

dal Libano in guerra, ha trovato riparo in una 

musica che fonde sonorità e si esprime nella sua 

forma più compiuta nell’incontro vitale con 

il pubblico. 

28 

IN PROVA 

STREAMING PLAYER 

RAKOIT Arylic A50 


42 

ROGERS: NON SOLO DIFFUSORI 

Value for price antesignano 

di PierPaolo Ferrari 

Parlare di Rogers è essenzialmente parlare di Alta 

Fedeltà audio nel vero termine della parola! Rogers 

è stata per lunghissimo tempo un’azienda capace 

di produrre componenti di alta qualità uniti a costi 

ragionevoli e ha portato nelle case di tantissimi 

appassionati non solo eccellenti apparecchi ma 

anche la propria filosofia di progettazione. 

32

NEGOZI 

Tuttaltramusica 

di Francesco Bonerba 

C’è ancora chi scommette sull’alta fedeltà e su 

valori immutati nel tempo: il contatto diretto con 

l’esperienza del venditore, l’ascolto dal vivo dei 

prodotti, il dialogo con i produttori… 

38 

Sommario 

PER 

TUTTI 

I GUSTI 

VELOCE COME UN 

CLICK, PIACEVOLE 

COME IL FRUSCIO 

DELLA CARTA 

IN PROVA 

AMPLIFICATORE 

INTEGRATO 

Blue Aura V32 


50 

54 

IN 

PROVA 


Moon 390 


12 MESI 

60 

a 

SUL CAMPO 

AMPLIFICATORE INTEGRATO 

Absolare Passion 

cura della redazione 

68 

IN 

PROVA 

DIFFUSORI 

Sonus Faber Olympica Nova V 


€ 60,00 

6 MESI 

64 a 

IN PROVA 


Accuphase E-480 

cura della redazione 

92CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE 

72 

76 

82 

AMATO MIO LP 

di Carlo D’Ottavi 

LE COVER AL TEMPO DEL ROCK 

di Antonio Gaudino 

LE RECENSIONI 

Classica - Rock - Jazz 

A.A.V.V. 

€ 30,00 

3 MESI 

€ 20,00 

Milano Bicocca: La musica secondo la scienza - Anche l’Hi-Fi può essere ecologica Ecopixel 

Il ritorno delle cose materiali I libri - Epilogo in Hi-Fi per Michael Hobson? Hyde Park Corner 

Le sconclusionate Pillole da 3000 CC 

Formule e offerte su: 

http://www.suono.it/E-Shop/ 

ALL-YOU-CAN-EAT-COME- 

ABBONARSI

Posta 

È il momento 

di qualche riflessione... 

Salve Direttore... 

…voglio solo, terra a terra, far sapere che non amo 

molto la rivista. Molto meglio le altre due concorrenti. 

Certi articoli così corti e poveri li trovo inutili. Le recensioni dei prodotti 

sono fatte tutte maluccio. Spesso non si capisce se il prodotto è consigliato 

o meno. Le recensioni dei dischi, lasciamo perdere… Ma non riuscite a 

risparmiare sulla carta patinata e offrire un prodotto più a misura di 

appassionato? Siete troppo criptici! Possibile non avere la rubrica della 

posta nelle prime pagine, invece che solo pubblicità di prodotti che, 9 su 

10, non recensirete mai? Scritto questo, la saluto, la ringrazio, mi perdoni 

la schiettezza, e a presto. 

Alessandro 

Caro SUONO, e in particolare caro Paolo Corciulo... 

Vi seguo da sempre e avendo ben 73 anni appartengo 

alla ormai ridotta schiera di quel tipo di fossili 

classificati come audiofili. Mi piace SUONO perché più di altre riviste 

si distingue nel cercare di difendere il buon suono alla portata di tutti, 

e questo specialmente dopo il “nuovo corso”. È lodevole il suo impegno 

nel cercare di attirare più giovani allo splendido mondo della riproduzione 

musicale di qualità che, l’evidenza va ammessa, è ormai in 

grandissima parte riservato a fossili come me o non tanto più giovani. 

E mi sono sempre trovato d’accordo al 100% con le opinioni espresse 

dal direttore. La premessa di cui sopra spiega perché sto inviando questa 

mia a SUONO, benché destinata in realtà a tutte le riviste del settore. 

Ho scelto SUONO perché, come detto prima, è a mio avviso quella più 

attiva nel cercare di arginare l’evidente riduzione del parco appassionati. 

Spero possa essere di aiuto e che soprattutto ne sia compreso lo spirito, 

criticamente costruttivo... 

Come ho detto è da molti anni che seguo il settore, quindi sono passato 

in tutte le sue fasi caratterizzate da diverse mode. Gli inglesi, i giapponesi, 

gli americani, le mini casse, l’Hi-end, i necessori, il tweaking, 

le punte (per disaccoppiare, secondo molti redattori, 

mentre in realtà servono a meglio accoppiare), etc 

etc. Alcune cose condivisibili, altre francamente 

dubbie; ma via, lasciamo passare, sarà una svista, 

oppure sono io, evidentemente mi sta sfuggendo 

qualcosa, perché altrimenti qualcun altro avrebbe 

fatto presente che la tal cosa non ha senso, no? Pensavo. 

Adesso però non se ne può più. NON È GIUSTO 

lasciar passare bellamente cose che non hanno senso, 

non è giusto nei nostri propri riguardi, perché non si 

deve accettare di essere trattati, in alcuni casi, addirittura 

da imbecilli, specialmente se fatto da persone 

che lo fanno a scopo di lucro. Non è giusto perché sono 

convinto che sia una delle principali cause, se non 

Merda d’artista: Pietro Manzoni 1961 

la principale, che allontana nuovi adepti; non è giusto perché bisognerà 

pure che l’illuminismo arrivi anche in questo campo, che la ragione 

prevalga sulla ciarlataneria. Non si può più accettare che certe cose non 

solo siano tollerate ma addirittura godano della complicità, volontaria 

o involontaria, di redattori ignoranti (non è un’offesa! Chi non sa una 

cosa è ignorante in merito, come io sono ignorantissimo in astrofisica e in 

mille altre materie, per esempio). È ora che le riviste evolvano, abbiano il 

basilare coraggio, od onestà intellettuale, di dire pane al pane. Di fare una 

bella selezione in ambito redazionale, consegnando la penna a persone 

che abbiano almeno una infarinatura sull’argomento in questione, e non 

che siano scelte perché vantano fantomatiche orecchie d’oro. 

Faccio alcuni esempi... 

Tempo fa lessi una pagina su internet dedicata alla recensione del giradischi 

Audiosilente Blackstone Reference. La si trova in rete, con un 

mio commento un po’ troppo veemente, sebbene più che motivato. 

Il successivo commento molto più ragionato, dove ogni affermazione 

inesatta, o completamente errata o falsa fatta dal costruttore/progettista 

veniva contestata in modo documentato, non c’è in quanto censurata dal 

recensore, che ha pensato bene di cavarsela con la classica scappatoia del 

“c’è gente che parla ma che non è in grado di capire che l’Hi-Fi è un’altra 

cosa”; guardandosi bene dal confutare argomenti incontestabili. Riporto 

questo fatto come esemplare di un recensore che si beve tranquillamente 

tutto quel che gli viene detto, e lo riporta tale e quale. Qui non ci si scappa, 

nella migliore delle ipotesi il redattore è totalmente incompetente, perché 

non serve molta competenza per considerare inaccettabili alcune cose 

dette colà dal progettista del giradischi, assolutamente fasulle. Orbene, 

cose del genere si leggono praticamente in ogni numero di ogni rivista, 

specialmente quando si parla di cavi. Cito, perché già citati più volte altrove 

ma gli esempi sono moltissimi, cose come un cavo dove gli isolanti 

hanno un dimensionamento reciproco che rispetta il rapporto aureo (e 

allora? Che mazza c’entra?), oppure il cavo DIY “audiophile” proposto 

tempo fa da Dissanayake, non ricordo se su SUONO o “Audioreview”, 

una cosa talmente oscena che mi ha ricordato Indagine 

su un cittadino al disopra di ogni sospetto, dove un 

capo della polizia commetteva di proposito crimini, 

lasciando evidenti tracce che conducevano a lui, per 

vedere fino a che punto poteva spingersi, quando 

qualcuno avrebbe avuto il coraggio di accettare 

l’evidenza. L’unica ragione che possa giustificare 

quel cavo mi sembra proprio questa. Il progettista 

(fra l’altro blasonato, almeno sulle riviste) si è detto: 

“voglio vedere fino a che punto posso prendere per 

i fondelli la gente”. Gli va però riconosciuto che, in 

questo caso, non c’erano ragioni di lucro ma probabilmente 

solo ludiche! Ometto di parlare dei cavi 

di alimentazione perché a mio avviso il fabbricante di 

qualunque di questi cavi andrebbe denunciato per 


Posta 

truffa. Credo esistano poche cose al mondo così 

lapalissianamente senza senso. 

Ora, veniamo all’ennesimo caso eclatante. In 

altre lettere su questo tono inviate altrove, ho 

citato en passant, ma proprio en passant senza 

entrare nel merito, i fantomatici cavi bidirezionali. 

Non li conosco, anche e soprattutto 

perché il fabbricante non dice quale sarebbe 

la soluzione tecnica adottata, come del resto 

fanno TUTTI i fabbricanti di cavi: quando non 

c’è sostanza c’è poco da dire. Sto parlando della 

SOLUZIONE tecnica adottata, non del fatto che 

tutti i cavi avrebbero, a detta del costruttore ma 

tutto da dimostrare, una resistenza dipendente 

dal verso della corrente. Quindi, in mancanza 

di conoscere la soluzione adottata, li ho sempre 

guardati con grande dubbio e basta. 

Orbene: su qualche numero fa di “Audioreview” 

leggo la recensione di un trasformatore 

di step-up fatto dallo stesso costruttore dei cavi, 

e ovviamente basato sullo stesso principio. 

Il costruttore è Ernesto Villani, persona che non 

conosco e che quindi di primo acchito merita il 

beneficio del dubbio, può aver ragione oppure 

no. Nell’articolo, viene citata un’affermazione 

di Villani il quale dice che alcuni costruttori 

di cavi indicano il verso di collegamento proprio 

perché sanno di questo fantomatico senso 

privilegiato di conduzione. Ciò non è vero, lo 

indicano per questioni di lato dove è collegata 

la schermatura; ma soprattutto non ha il minimo 

senso perché ognuno dei due conduttori 

di qualunque cavo deve e può solo condurre 

in entrambi i sensi. Questo un redattore dovrebbe 

saperlo, e sollevare un sopracciglio. 

A parte questo, il costruttore vanta la particolare 

architettura dei sui trasformatori. Ci sono 

due trasformatori collegati indubitabilmente 

in parallelo (vedi schema a pagina 105) che 

vengono presentati come collegati in controfase 

perché così, si dice testualmente, “mentre 

uno amplifica la semionda positiva il gemello 

amplifica la semionda negativa, ottenendo di 

fatto un push-pull.” L’ho riletto perché non 

credevo ai miei occhi. Il beneficio del dubbio 

comincia a vacillare, diciamo. Ma il recensore 

ha fatto almeno la scuola dell’obbligo? Come 

fa uno a non dirgli almeno “scusa, guarda che 

questa io non la posso pubblicare”? Veramente, 

mi aspetterei di più un “scusa, mi fai mettere 

mano sui trasformatori? Adesso te ne collego 

uno in controfase, si fa così, vedi? Inverto i cavi 

sul solo primario oppure sul solo secondario di 

uno solo di loro. Poi vediamo cosa succede”. 


Posta 

La cosa mi sembra talmente incredibile che mi vengono i dubbi. Quindi 

mi dico che forse il recensore (non certo il costruttore) è stato tratto in 

inganno dal puntino che indica la fase dei trasformatori. Se è così, sappia 

che quello non ha nulla a che vedere con il senso di conduzione, serve solo 

a indicare la fase dei due avvolgimenti. E mi dico che forse il vero schema 

dei trasformatori non è quello ma è stato semplificato o erroneamente 

disegnato, quindi vado a cercare il sito della Quality Audio... 

Invito a leggere un po’ tutto sul sito. Verrebbe da fare un commento 

positivo, nel vedere che il Villani non dice mai “che è così”, come hanno 

la faccia tosta di affermare altri, ma usa i “dovrebbe”, i “si suppone”, e 

dice chiaramente che quelli che sembrano grafici sono in realtà disegni. 

Ma come ho detto “verrebbe da fare un commento positivo”, ma non lo 

si può proprio fare. Mi dispiace sig. Villani, ma non si può affermare che 

un cavo bipolare, UNA VOLTA INSERITO IN UN CIRCUITO, conduce 

meglio una semionda positiva di una negativa (o viceversa). Lei sa bene 

che quando la semionda positiva o di altro segno percorre uno dei due 

conduttori del cavo, percorre contemporaneamente anche l’altro conduttore. 

Quanto afferma equivale a dire che la supposta maggiore resistenza 

di uno dei due cavi non determina la resistenza di tutto il circuito, e sa 

bene che ciò non è possibile. Per questioni circuitali ciò che conta è la 

resistenza totale del cavo, che è per forza la stessa nei due sensi. Non è 

che il pre invia la semionda positiva al finale, dove fa quel che deve fare, 

e poi se ne torna indietro cambiata di segno nell’altro conduttore! Che 

senso avrebbe la freccia apposta dai suoi concorrenti? Non ha senso, 

quel cavo non può avere una direzione preferenziale, perché non è che 

il positivo va per forza dal pre al finale e torna in negativo, o viceversa, 

collegato in un senso o nell’altro non cambia nulla. 

Come disse una volta Piero Angela, “la velocità della luce non si determina 

per alzata di mano”. Le leggi fisiche ci sono e sono quelle. Perché invece 

dello schizzo non ha messo sul sito una registrazione di quella supposta 

distorsione di verso di conduzione? Perché parla di brevetti ma non li fa 

vedere? La miglior difesa di un brevetto è la sua pubblicazione. Come fa 

a sapere che un suo concorrente sta facendo la stessa cosa, se anche lui 

non pubblica il suo brevetto? Forse non tutti sanno che in Italia si può 

brevettare non dico l’acqua calda, ma quasi. In Italia i brevetti vengono 

concessi senza nessuna verifica. Mi permetto anche di aggiungere la 

mia personale opinione sull’indubbio vantaggio del “soddisfatti o rimborsati”. 

Sono fermamente convinto che è un vantaggio solo sulla carta. 

Ho partecipato a diverse sedute di prove a confronto, incluse quella del 

circuito Grundig, con gente che sentiva differenze con cose che è meglio 

lasciar perdere. E assicuro che, documentazione audiometrica alla mano, 

ci sento benissimo. Per me la suggestione è una cosa potentissima, tutto 

lì. Infatti lessi di uno che aveva costruito il suddetto cavo di Dissanayake 

(in pratica, una bella induttanza), e ne era soddisfatto. 

Concludendo, cara SUONO, ribadisco che queste 

sono le cose che allontanano la gente dal settore. 

Quando si parla di cavi non dico da migliaia 

di euro, ma nemmeno da centinaia, che nulla 

hanno a che fare con il miglioramento del suono 

di un impianto, bisogna dire le cose come 

sono. Nel campo degli orologi non si presenta 

un orologio da migliaia di euro come migliore, 

o più preciso, di uno da cento euro, perché 

non lo è. Ne viene decantata la costruzione, 

10 SUONO febbraio 2020 

i materiali impiegati, il design, la durata magari. Sulle riviste invece 

leggiamo del suono di ciabatte! Ora uno è libero di comprarsi un cavo 

da mille euro o più perché gli soddisfa il tatto, o per il colore, ma non 

è giusto che venga truffato spacciandogli caratteristiche che non ha. 

Le riviste devono elevare il livello dei redattori, o si continueranno a fare 

figure da cioccolatino, come si dice dalle mie parti. E invito caldamente 

i lettori a non lasciarne più passare una. Non è possibile che si leggano 

lettere alla redazione dove si contestano cose del tutto comprensibili 

come errori di ortografia o di impaginazione, o la qualità della carta, e 

non si contestino mai cose molto più serie. Scrivete, contestate, non fatevi 

prendere per i fondelli (leggi, spesso, derubare). Per il bene del settore. 

Giovanni Repetti 

Così Alessandro, di cui ho estratto la parte significativa di una discussione 

che si è svolta via e-mail qualche giorno fa, in cui questo 

lettore (forse ancora non un ex lettore a giudicare da quel “a presto”) 

ha espresso un’opinione su cui, dal mio punto di vista, ha al contempo 

torto e ragione. E così Giovanni, di cui riporto l’intera missiva in quanto 

esplicitamente concordato… 

Entrambe rivelano quantomeno la difficoltà del lavoro di un direttore! 

Entrambe sono lettere coraggiose che, per così dire, aiutano anche a 

fare chiarezza sulla figura dell’appassionato/lettore di Hi-Fi che, come 

molti altri aspetti di questo settore (vedi anche nelle pagine precedenti 

dedicate all’editoriale di questo numero di SUONO), tendiamo a considerare 

congelato su stilemi definiti molto tempo fa. Ho sempre pensato 

(e non mi sono mai arreso!), invece, che il tempo che passa cambi il 

panorama che ci attornia e che tra i compiti del buon giornalismo c’è 

anche quello di saper interpretare e, se possibile, anticipare tendenze 

e cambiamenti in atto o da venire. E di buon o cattivo giornalismo qui 

si parla e proverò a spiegare, cercando di contenere la possibilità che 

il fenomeno del bias di conferma (per il quale le persone tendono a 

muoversi entro un ambito delimitato dalle loro convinzioni acquisite) 

mi condizioni, perché ritengo che i cahiers de doléances qui espressi 

non riguardino (se pur uno è specifico) SUONO o non riguardino 

solo SUONO. Così per il momento tralascerò la risposta in merito alla 

personale classifica di gradimento delle riviste da parte di Alessandro 

(ma anche quella non espressa di Giovanni), in quanto loro e quindi 

insindacabile ma soprattutto perché l’argomentare in merito ad altri 

punti sollevati dai due lettori potrebbero fornire a ognuno gli elementi 

per una valutazione sul valore di questa e delle altre riviste... 

Innanzitutto possiamo stabilire, in base alle opinioni espresse dai due 

lettori, che esiste un buon giornalismo e un altro meno buono (entrambi 

esaltati e radicalizzati dalle dinamiche della rete); in secondo luogo 

possiamo affermare che su ciò che è “buono” o 

meno le idee non sono concordi, almeno per i 

due lettori e, direi, in assoluto… Se le lettere 

fossero 10, 100, 1.000 ci sarebbero 10, 100, 

1.000 interpretazioni del concetto di qualità, 

come si dovrebbe comportare chi è al 

timone di una rivista e ne dovrebbe stabilire 

obiettivi, linguaggio, metodi? Prima ancora 

mi interrogherei su quale sia il compito 

di un giornalista e, conseguentemente, di 

un prodotto editoriale... Ci aiuta l’articolo 

Il Re nudo

Posta 

2 (Diritti e doveri) della legge professionale 69/1963 che è molto chiaro: 

“È diritto insopprimibile dei giornalisti la libertà d’informazione e 

di critica, limitata dall’osservanza delle norme di legge dettate a tutela 

della personalità altrui ed è loro obbligo inderogabile il rispetto della 

verità sostanziale dei fatti osservati ...”. 

Si tratta di una regola che, se pur di carattere teorico, è valida per tutto 

il mondo dell’informazione così come viene evidenziato dal documento 

pubblicato dall’Istituto di autodisciplina pubblicitaria sul tema della 

trasparenza della pubblicità in rete che delimita i paletti di ciò che è 

“vero” e ciò che è materia promozionale. Inoltre la legge 6 aprile 2005 n. 

49 prevede una multa da 1.000 a 100mila euro da parte dell’Antitrust 

per editori di quotidiani e periodici che saranno giudicati colpevoli di 

aver pubblicizzato messaggi ritenuti ingannevoli. Esiste, insomma, un 

codice etico su cui fare riferimento... 

Questo crea già un primo bivio tra chi è soggetto a delle regole o dovrebbe 

esserlo (e viene punito se non le rispetta) e chi, come molti liberi 

pensatori in rete (non giornalisti) non sono tenuti a nulla se non a temere 

lo spauracchio dell’incorrere nel reato di diffamazione che è punito (o 

dovrebbe esserlo) tout court nei casi riconosciuti. Si dice che il ruolo 

del giornalista sia quello del watchdog, del cane da guardia (della 

democrazia, della verità…) e in quel senso, con la dovuta demoltiplica 

e il dovuto senso dell’ironia se analizziamo il settore della stampa Hi-Fi, 

credo non si possa criticare SUONO più di tanto: il tasso critico delle 

nostre recensioni ha fatto sì che negli anni si sia creata una lunga lista di 

“nemici” che quasi sempre hanno tentato di utilizzare le armi coercitive 

a loro disposizione (la soppressione degli investimenti pubblicitari) come 

loro risposta. Sono lì, nero su bianco, nelle loro presenze e poi assenze 

sulla rivista che a una lettura attenta risultano indicative (documentate, 

catalogate; se mai vorrò scrivere “Le mie memorie”, pronte all’uso). 

Abbiamo anticipato tendenze, abbiamo identificato i distinguo anche 

in un’era di straordinaria uniformità della proposta di mercato. Abbiamo 

detto “questo sì” e “questo no” come dimostra la nostra politica 

sull’ANNUARIO, anche se questo è apparso ad alcuni più come una 

mancanza che come la ricchezza (di indicazioni su dove orientarsi) 

che è. Boh: certo sarebbe stato più semplice inserire prodotti decotti 

come fa il nostro concorrente ma io continuo a considerare il nostro 

atteggiamento come un valore… 

Come dicevo citando il senso dell’ironia (e forse quello del ridicolo), la 

questione non è nemmeno quella di tenere o meno “la schiena dritta”, 

espressione che non mi piace ma che viene spesso utilizzata in merito: 

nel settore della riproduzione sonora è proprio il concetto di recensione 

che mostra secondo me oggi i suoi limiti narrativi e in questo senso il 

lettore Alessandro ha ragione ma anche torto: si, le recensioni sono fatte 

maluccio, tutte, su questa e le altre riviste! Le ragioni sono molteplici 

e certamente le condizioni di mercato, che non sono più quelle floride 

degli anni ’70, inevitabilmente portano a un abbassamento della qualità 

del lavoro svolto. Ma le recensioni di prodotto (perlomeno le nostre) 

sono anche fatte benissimo e provo a spiegare perché. Se andate a rileggere 

le ponderose recensioni degli anni d’oro del mercato troverete 

forse rassicuranti sequele di misure e conseguenti giudizi in base a 

uno zero in più o in meno rilevato (si è poi scoperto che le qualità di un 

apparecchio non sono direttamente riconducibili a tali misurazioni): 

se vi spogliate dell’impalcatura ideologica del “si stava meglio quando 

si stava peggio”, scoprirete che anche quelle recensioni, vergate negli 

anni d’oro dell’alta fedeltà, sono delle mezze fetenzie! Io ho un metodo 

infallibile, di cui ho già parlato in passato, per dichiararlo: dopo qualche 

tempo dalla stesura di un articolo me lo vado a rileggere e provo 

a vedere, una volta che la memoria ha cancellato l’informazione di 

superficie, se da quell’articolo si evince un sunto soddisfacente. Molto 

spesso, urbi et orbi, non è così… Quella dimensione tecnocratica venne 

un dì superata dall’introduzione della prosa umanista mutuata dalle 

riviste americane ricche di similitudini con altri registri delle emozioni (il 

suono serico, la tavolozza sonora…) ma se ci pensate proprio la necessità 

di ricercare nelle metafore il modo di descrivere certi accadimenti era 

il segno della povertà del linguaggio specifico di settore che non era in 

grado di cercare le sue certezze né nei fatti cosiddetti oggettivi né nella 

descrizione soggettiva. Questa forma romanzata delle recensioni non 

solo ha creato cattivi maestri e ancor peggiori discepoli ma ha dato la 

stura ad aspiranti comunicatori che per vie molto comode (al limite in 

tal senso, non serve nemmeno più toccare e usare il prodotto!) fosse 

possibile svolgere un compito sempre più malpagato (vedi sopra). 

Orfani di certezze (voglio dirlo a chiare lettere: il know how, spesso 

acquisito sotto le forze armate assai sensibili a tutto ciò che riguarda la 

comunicazione, è in massima parte ancora quello del dopoguerra!) e con 

investimenti risibili nella ricerca per procurarsene di nuove, abbiamo 

tutti barcollato, affidandoci a modelli che nel tempo si sono usurati in 

quanto non sono evoluti. Una situazione che ha generato mostri visto 

che tutto può essere vero e tutto è criticabile. Se consideriamo questa 

deriva all’interno di una più importante e ampia deriva, quella dell’ignoranza 

di ritorno, ecco che quei “mostri” possono generare lo sconforto e 

la “denuncia” del lettore Giovanni che offre naturalmente la sponda ai 

diretti interessati per controbattere con le loro argomentazioni quanto 

affermato (SUONO per dovere di cronaca li ospiterà); resta il fatto che 

se le obiezioni formulate fossero vere, il ruolo di watchdog non è stato 

svolto a dovere… da chi di dovere! 

Tirando le somme, quanto descritto ha generato due tipi di problemi 

e, a mio modo di vedere, dà adito a due tipi di sfida: una riguarda 

il linguaggio e la capacità di chi ha la possibilità (come le riviste) di 

veder passare una moltitudine di apparecchi potendoli confrontare 

in un regime controllato, di trasmettere a chi legge le sensazioni e 

le indicazioni qualitative in merito alla propria esperienza; l’altra è 

quella di continuare (o cominciare?) a svolgere il ruolo istituzionale 

preposto, quello dei controllori. Se per il primo quesito/sfida ammetto 

di non aver ancora trovato la soluzione (ma ci abbiamo provato ed è 

molto di più di quanto avviene in media), per il secondo punto ritengo 

che la storia recente di SUONO proprio nell’eternità della sua formula 

(la carta rimane lì a imperitura memoria) possa fornire la risposta 

a patto che, affetti da analfabetismo di ritorno, non si sia capaci di 

leggere nelle righe e tra le righe! Non è un atto auto assolutorio ma 

una semplice constatazione per chi come me considera ogni punto di 

arrivo un punto di partenza. 

In merito infine al ben noto problema (chi controlla il controllore?) fa 

bene Giovanni Repetti ad invitare i lettori stessi a vigilare: giuro che ho 

sempre avuto il massimo rispetto per questo tipo di controllo che vi invito 

a mantenere e, anzi, è ulteriore stimolo a far meglio. Archiviate il tutto 

in “buoni propositi per un nuovo decennio” e poi si vedrà sul campo! 

Paolo Corciulo 


ANTENNA 

seguici anche su www.facebook.com/suono.it 

Toh chi si rivede: 

Oehlbach! 

Molti ricordano come nei primi anni ’90 

venissero utilizzati diversi prodotti costruiti 

da questa azienda, soprattutto cavi 

per diffusori ed interconnessione. Poi, nel 

tempo, una distribuzione discontinua ha 

portato lentamente nell’oblio questo marchio 

oggi nuovamente riproposto nei negozi 

fisici di alta fedeltà dall’importatore 

MPI Electronics con la presentazione del 

vasto catalogo di cavi e accessori nel settore 

video, audio, alimentazione, computer. 

Sfogliando i prodotti di questo produttore, 

l’interesse si è subito incentrato verso i 

componenti della sezione “Power”, spesso 

a torto trascurata o sottovalutata: cavi 

e prese multiple o powerstation come li 

chiama la stessa Oehlbach. Il cavo di alimentazione 

Powercord XXL da 1,5 m, la 

Powersocket 908 XXL e la Powerstation 

909 XXL si collocano al top della categoria 

“Power” pur avendo prezzi interessanti e 

abbordabili dai più; l’azienda, in effetti, 

propone tantissimi prodotti ben costruiti 

ma con prezzi ancorati alla realtà e al segmento 

midprice. 

Il cavo di alimentazione si presenta con 

uno spessore ragguardevole in quanto 

al suo interno, come dichiarato dal costruttore, 

si trovano tre conduttori HP- 

OCC monocristallino di 4 mm quadrati 

ben schermati da due fogli in alluminio 

ricoperti da una guaina in tessuto, con il 

risultato di una più che buona flessibilità. 

Molto performanti i connettori, entrambi 

dotati di contatti placcati in oro 24 K racchiusi 

in un corpo di alluminio nero con 

impresso il logo della casa. 

Il Powersocket XXL è una presa multipla a 

otto posti che in funzione della sua forma è 

ideale per una collocazione in verticale sulla 

parete a ridosso delle elettroniche. Su di un 

lato troviamo quattro prese digitali “filtrate” 

e sull’altro altre quattro analogiche “non 

filtrate”, tutte attacco Schuko con contatti 

placcati in oro 24 K e l’indicazione della fase 

per ogni postazione. I conduttori interni 

hanno un diametro di 3,3 mm quadrati 

realizzati in rame privo di ossigeno collegati 

alle varie prese a mezzo di viti dorate. 

L’involucro è completamente in alluminio 

spazzolato dotato di presa IEC maschio, un 

interruttore generale, un tasto reset e due 

spie luminose che indicano la corretta fase 

e la protezione da sovratensioni. 

Di un livello superiore, la Powerstation 909 

XXL utilizza un cabinet classico in metallo 

con un design completamente differente: 

il frontale è in alluminio spazzolato in due 

colorazioni, silver e nero e le dimensioni 

consentono di collocare l’apparecchio tranquillamente 

insieme agli altri componenti 

del sistema. Il numero e le funzioni delle 

prese poste nella parte posteriore sono 

identiche alla Powercord ma questo apparecchio 

possiede ulteriori funzioni che 

rendono questo prodotto più interessante. 

Sulla parte frontale troviamo due interruttori 

che attivano un primo e un secondo 

gruppo di prese analogiche e digitali, queste 

ultime provviste della funzione “delay” 

che ritarda l’accensione di due secondi. 

Al centro un display che fornisce attraverso 

il tasto mode informazioni sulla tensione e 

sul consumo di energia. Lo stesso può essere 

disattivato dal tasto “display” presente 

sul frontale dell’apparecchio. Sulla parte 

posteriore, oltre alle otto prese e l’ingresso 

IEC troviamo il tasto reset e una presa di 

messa a terra, utile per eventuali apparecchi 

come il lettore analogico. Già dal 

primo utilizzo si nota la tenuta delle prese 

che offrono una decisa resistenza, segno 

di un contatto molto preciso e robusto. 

Il cavo Powercord XXL collegato a vari 

apparecchi restituisce un suono pulito e 

sostanzialmente lineare e, nonostante un 

diametro non indifferente, non produce 

come altri cavi di grossa sezione un basso 

gonfio e invadente. Le prese multiple si 

apprezzano per il collegamento elettrico 

di qualità che prevede l’intervento anche 

su una serie di possibili disturbi e segnali 

indesiderati, contribuendo a migliorare 


Cavo Oehlbach Powercord XXL 

Prezzo: € 307,00 

Tipo: alimentazione Conduttore: rame 

HPOCC Schermatura: doppia in rame intrecciato 

privo di ossigeno (OFC) e pellicola di 

alluminio. Caratteristiche: guaina in tessuto 

Note: I contatti della spina Schuko e della 

presa per dispositivi ad alta temperatura sono 

placcati oro 24k. 

DALL’ ALTO: Indicazione del consumo e della tensione su Powerstation XXL 909. 

Sia nel Powersocket 908 che nel Powerstation XXL 909 i contatti sulla 

presa IEC sono dorati. 

A DESTRA: Notevole anche la sezione dei cablaggi, con viti dorate. 

le prestazioni dei nostri impianti restituendo un suono 

più fluido e meno affaticante oltre a una sensazione di una 

maggiore dinamica. Per quanto verificato, dunque, la linea 

XXL della casa tedesca sembra caratterizzata da un ottimo 

rapporto qualità prezzo e dal notevole livello costruttivo, 

elementi entrambi determinanti nella scelta di un prodotto 

“accessorio” che, nel caso di Oehlbach anche nei prodotti 

di eccellenza non tracima costi ragionevoli lontani dalle 

esagerazioni dei modelli top. Certo non ci si deve aspettare 

performance da F1 ma se questi componenti troveranno 

collocazione tra le nostre apparecchiature Hi-Fi, restituiranno 

con il loro intervento quei piccoli ma significativi 

miglioramenti che ogni audiofilo ricerca continuamente. 

Nicola Candelli 

Distributore: MPI Electronic 

www.mpielectronic.com 

Complemento 

Oehlbach Powersocket 908 

Prezzo: € 369,00 

Tipo: Presa multipla Ingressi: 

quattro prese digitali (filtrate) 

e quattro prese analogiche (non 

filtrate) Note: corpo in alluminio. 

Contrassegni di fase in ciascuna presa singola: i corretti collegamenti 

sono indicati da una spia di controllo. CABLAGGI OFC = Oxygen Free 

Copper, rame privo di ossigeno. Protezione di sovratensione. 

Complemento 

Oehlbach Powerstation XXL 909 

Prezzo: € 717,00 

Tipo: Presa multipla Ingressi: 

quattro prese digitali (filtrate) 

e quattro prese connettore analogiche (non filtrate); due gruppi separati 

di prese di corrente composti ciascuno da due prese filtrate e non filtrate 

possono essere attivati singolarmente Note: corpo in alluminio. Contrassegni 

di fase per singola presa: i corretti collegamenti sono indicati da 

una spia di controllo. Funzione di ritardo (tre secondi) per gli interruttori 

principali, contro picchi di corrente all’accensione. Nera o argento. 

15

ANTENNA 


MR. DAN 

Dan Clark è un ingegnere elettronico che lavora 

nel mercato dell’audio high-end da oltre 

vent’anni e ha seguito l’intera tradizionale trafila 

di settore che comincia, come un po’ per tutti, 

da una passione ereditata dal padre (si dice l’abbiano 

visto armeggiare con l’impianto McIntosh 

del padre ad appena 4 anni!). Al college consegue 

la laurea in Ingegneria concentrandosi sui 

circuiti lineari e sugli amplificatori di potenza 

e dopo la laurea viene coinvolto in progetti di 

alta tecnologia (lo sviluppo di Apple Quicktime 

e dei primi chipset MPEG) ma non abbandona 

la sua passione per l’audio sia durante la scuola 

(lavorando per un negozio Hi-end) che dopo, 

quando progetta e costruisce altoparlanti sia 

per se stesso che per le aziende. È così che 

entra nell’orbita di Phil Jones (Acoustic Energy 

AE-1 e AE-2) quando questi, nella seconda 

metà degli anni ’90, dà vita alla sua società 

Platinum Audio (terminerà l’attività nel 1999). 

Per Platinum Audio Dan sviluppa gli Studio 2 e 

i Reference 2, prodotti che vengono apprezzati 

nel settore, mostrando una particolare predilezione 

per i subwoofer isobarici. La crescita 

della sua attività lo porta a dar vita a una propria 

società di consulenza di progettazione che 

denomina MrSpeakers per sottolineare le sue 

competenze specifiche. Quando però arriva 

l’esplosione dell’ascolto in cuffia Clark mostra 

un interesse particolare per il settore, che lo 

porta inizialmente a modificare le cuffie Fostex 

(e a diventare una delle voci più ascoltate 

di Head-Fi), sviluppando in seguito prodotti 

commerciali ex novo per gli appassionati di 

cuffie, utilizzando il Fostex T50rp come plancia 

base. Questo ha portato alla progettazione delle 

cuffie Mad Dog e Alpha Dog. Utilizzando i ricavi 

generati dalle prime vendite, Clark finanzia la 

progettazione e la produzione delle sue prime 

cuffie originali che utilizzano una variazione 

brevettata della tecnologia planare (V-Planar): 

grazie alla collaborazione con Bruce Thigpen 

di Eminent Technology è stata sviluppata una 

sorta di “plissettatura” del cono dell’altoparlante 

planare che gli consente di muoversi come 

una superficie piana nonostante il sistema sia 

bloccato ai suoi bordi, determinando nei sistemi 

planari “convenzionali” un funzionamento simile 

a quello di una superficie curva. Grazie a questa 

soluzione le cuffie MrSpeackers sono state 

apprezzate e premiate al punto da convincere 

il fondatore dell’azienda che la contraddizione 

in termini insita nel nome (diffusori e cuffie non 

sono la stessa cosa!) andasse sanata. Così, a fine 

dello scorso anno, MrSpeackers è diventata Dan 

Clark Audio ed è così che i suoi prodotti sono 

giunti in Italia! 


Introdotta nel 2017 la Aeon viene proposta in versione 

aggiornata (2) in due configurazioni, aperta 

e chiusa, offerte allo stesso prezzo. L’archetto è 

in NiTinol (lega nichel/titanio) “Memory Metal” 

ripiegabile con sistema cardanico e per il trasporto 

è prevista una custodia rigida in dotazione. 

Cuffia Dan Clark Audio Aeon 2 

Prezzo: € 1.090,00 

Peso: 327 g 

Distributore: Audiogamma 

www.audiogamma.it 

Tipo: chiusa o aperta Trasduttori: magnetoplanari 

Impedenza (Ohm): 13 Sensibilità 

(dB): 94 Cavo: 2,5 mt staccabile. 


ANTENNA 


Per ogni necessità 

Dopo un periodo di limbo torna in Italia Isotek, il marchio specializzato in accessori 

per il trattamento del segnale elettrico in Hi-Fi. Fondata nel 2001 da Keith Martin 

che ne è anche l’attuale direttore generale, Isotek nasce con lo scopo di far fronte 

alle varie componenti che inquinano la corrente elettrica: “Ero stufo di poter ascoltare 

bene l’impianto solo a notte inoltrata”, racconta Martin, facendo riferimento 

al fatto che in tarda ora, essendo i consumi energetici minori, anche le componenti 

di rumore diminuiscono, “e non riuscendo a trovare nessun prodotto in grado di 

risolvere il problema ho deciso di crearlo da solo. Avevo le competenze per farlo!”. 

Laureato in design industriale, per un periodo commesso in un negozio di dischi, 

poi designer per aziende come Coca Cola e Lufthansa, Martin decide di dare vita a 

Isolation Technology, da cui l’acronimo Isotek. L’azienda è parte del gruppo Audio 

Power Systems con altri marchi come Blue Horizon (rack audio e accessori) e Weibel 

(elevatori per proiettori). La sede centrale è in Svizzera, ricerca e sviluppo si svolgono 

in Inghilterra e la produzione in Slovacchia dove 

il costo del lavoro è minore. 

Il catalogo della casa si articola in cinque linee 

pensate in funzione di differenti fasce di prezzo 

del sistema in cui i prodotti andranno a essere 

inseriti: oltre 30 tra cavi (7), connettori, prese, filtri 

e condizionatori di rete (nella foto l’Evo 3 Genesis, 

uno dei più raffinati, destinato a impianti da più 

di 50.000 euro), questi ultimi offerti in ben dieci 

differenti versioni! 

Agostino Bistarelli 

Distributore: Tecnofuturo 

www.tecnofuturo.it 

E SE A SCUOLA ARRIVASSE LA MUSICA 

ANCHE QUANDO NON C’È? 

“Andiamo in molte scuole poco servite e in comunità con 

poche risorse a portare un’esperienza che apre gli occhi 

e può cambiare la vita dei bambini e delle comunità”, 

spiega Brian Rothschild, Co-fondatore e Direttore 

Esecutivo del Lennon Bus, un impianto mobile di 

registrazione e produzione audio e video HD con un 

programma itinerante che nel 2020, quello che sarebbe 

stato l’ottantesimo compleanno dell’ex Beatles, 

svolge un ruolo propedeutico alle iniziative del John 

Lennon Educational Tour Bus in Europa e USA. Grazie 

alla tecnologia Smart Active Monitoring di Genelec 

(sponsor dell’iniziativa) è stato possibile creare specifici 

preset di calibrazione per diverse configurazioni 

del Bus, utilizzando il software GLM di Genelec. “La 

capacità di sintonizzare i diffusori nella stanza e il fatto 

che si tratti di un processo davvero semplice è fantastico”, 

racconta Jeff Sobel, Creative Technology Director del 

Lennon Bus, “Il Bus è uno spazio configurabile. Ha porte 

scorrevoli in vetro che possono separare le stanze l’una 

dall’altra e che cambiano anche l’acustica dello spazio”. 

È abbastanza per ispirare la prossima generazione 

di musicisti? 



ANTENNA 


Mono ma 

bi-amp 

Un nuovo amplificatore mono non è certo 

una novità per McIntosh ma l’MC 901 si 

distingue per essere specificatamente dedicato 

alla biamplificazione. Sfruttando 

il crossover regolabile di questo finale e 

grazie al fatto che sono presenti due stadi 

di potenza completamente distinti, le regolazioni 

nel taglio e nella sua pendenza 

consentono un’ampia versatilità nell’interfacciamento 

con diffusori predisposti per 

la biamplificazione. Una sezione a stato 

solido da 600 W è dedicata alla riproduzione 

delle basse frequenze mentre uno 

stadio valvolare da 300 W basato su otto 

valvole di uscita KT88, quattro valvole di 

segnale 12AT7 e due 12AX7A e dotato di 

autotrasformatore è dedicato alle medie e 

alte frequenze. Il crossover, con i controlli 

accessibili nella parte superiore dell’unità, 

consente di regolare i livelli di guadagno 

relativi a ciascuna sezione dell’amplificatore 

da -6 dB a +3 dB mentre l’alimentazione 

(diretta e che può bypassare i filtri) viene 

collegata a ciascuna sezione dell’amplificatore. 

Nel grande display compaiono 

sovrapposti due VU-Meter che mostrano 

la potenza erogata distintamente dalla 

sezione valvolare e quella a stadio solido. 

Nella sezione valvolare è stato introdotto 

un nuovo circuito Power Guard dedicato 

alle valvole KT88 che tramite un sensore 

di griglia monitora il loro stato prevenendo 

guasti e allungandone la vita. 

Il Tremila 

Amplificatore finale McIntosh MC 901 

Prezzo: € 28.000,00 

Dimensioni: 44,45 x 33,7 x 74,9 cm (lxaxp) 

Peso: 77,1 Kg 

Distributore: MPI Electronic 


Tipo: mono Tecnologia: ibrida: stato 

solido per sezione bassi, a valvole per sezione 

medio-alti Potenza (W): 600 su 2/4/8 

per sezione bassi, 300 su 2/4/8 per medio 

alti Risp. in freq. (Hz): 20-20.000 S/N 

(dB): 112 (VT), 122 (SS) THD (%): 0,5 (VT), 

0,005 (SS) Fattore di smorzamento: >18 

(VT), >40 (SS) Ingressi: 3 bilanciati XLR 

(SS, VT e Composite) Note: controllato 

tramite RC o via cavo DB25. Configurazione 

Quad Balanced per lo SS e UNity coupled per 

quello VT. Display VuMeter Dual. Chassis in 

acciaio lucido con vetro sul frontale. 

NUOVA SERIE 

www.pmc-speakers.com 

The definition of performance. 

vieni ad ascoltarle a Milano da: 

Progettazione,vendita ed installazione 

impianti audio-video-rete dati 

C.So magenta, 27- 20123 - Milano 

Ph +39 02.80.56.410 - Fax +39 02.86.45.60.11 

info@buscemihifi.It 


ANTENNA 


Amplificatore integrato Boulder 866 

Prezzo: non comunicato 

Dimensioni: 44 x 19 x 39 cm (lxaxp) 

Peso: 24,50 Kg 

Distributore: Audio Graffiti 

www.audiograffiti.com 

PUNTO DI SVOLTA 

L’introduzione del Boulder 866 è un punto 

di svolta nella storia del marchio che porta 

lo stesso nome della città del Colorado dove 

vengono costruiti i suoi prodotti. Fino ad oggi 

sostanzialmente tradizionalista e legata ai 

consumati canoni Hi-Fi, la line up della casa si 

arricchisce infatti di un prodotto in un certo 

modo di rottura che prefigura innanzitutto 

il desiderio di posizionarsi in una fascia più 

economica che in precedenza. 

Grazie infatti a una serie di economie di scala 

(che toccano i circuiti stampati, il telaio e 

l’alimentazione), l’866, avrà un costo simile se 

non inferiore al predecessore 865 presentato 

oltre 12 anni fa. Il nuovo apparecchio mostrato 

al pubblico per la prima volta in occasione del 

recente Audio Fair di Tokyo (vedi foto) verrà offerto 

nelle versioni completamente analogica o con 

sezione digitale a bordo (per la prima volta negli 

integrati della casa), controllabile via app Wi-Fi. Uno 

schermo da 18 cm touch consente le operazioni 

anche a bordo dell’apparecchio, che eroga una 

potenza di 200 watt, 50 in più del predecessore. 


Tipo: stereo Tecnologia: a stato 

solido Potenza: 2 x 200 W su 8 Ohm Risp. in freq. 

(Hz): 0.015 - 150.000 THD (%): 0.01 Ingressi 

analogici: 3 XLR Ingressi digitali: USB HiRes / 

Ethernet Uscite digitali: Ottica Note: schermo 

da 7” touch screen. 4x USB, wireless, AirPLay, 

DLNA; controllabile da App. 

NUOVA SERIE 

www.pmc-speakers.com 

The definition of performance. 

vieni ad ascoltarle a Chieti da: 

Un grande successo che va in scena 

da oltre quaranta anni 

Viale Benedetto Croce, 437 

66100 - Chieti Scalo (CH) - Italia 

Tel: +39 0871 562 198 - info@hifidiprinzio.it 


INSIDE 

di Massimo Bargna 

Mister No, i Sixties e il rock 

Una miniserie a fumetti rilancia il celebre eroe della Bonelli spostando le sue avventure dalla Manaus degli 

anni Cinquanta alla New York e alla San Francisco degli anni Sessanta, all’epoca del Flower Power. E a farla 

da padrone nelle nuove avventure disegnate non poteva che essere la musica rock! 

Il mito dei Sixties, nelle sue diverse declinazioni politicocultural-musicali, 

è duro a morire. Sarà perché le icone di 

quel periodo magico e contraddittorio sono entrate a far 

parte dell’immaginario collettivo di tutti noi: da Bob Dylan ai Beatles, 

da John Kennedy a Martin Luther King, da Marylin Monroe 

ad Andy Warhol… sono tanti i volti rappresentativi di un’epoca 

senza cui non riusciremmo a immaginare la nostra. Furono gli 

anni della lotta per i diritti civili, della guerra del Vietnam, dello 

sbarco sulla Luna, della rivoluzione sessuale e della nascita di 

una controcultura giovanile che trovava nella musica rock e di 

protesta uno dei suoi principali elementi di riconoscimento. Ma 

gli anni Sessanta furono anche il momento in cui, grazie al già 

citato Warhol, maestro della Pop Art, il fumetto venne nobilitato 

da semplice fenomeno di costume a vera e propria forma d’arte. 

Non è un caso, allora, se la Bonelli, la storica casa editrice italiana 

di fumetti, abbia deciso di ambientare il reboot di uno dei suoi più 

riusciti personaggi, Mister No, proprio in quell’età dell’oro della 

musica e dell’arte di cui ancora oggi subiamo prepotentemente 

l’influsso. Ne abbiamo parlato con Michele Masiero (nella foto di 

apertura), 52 anni, direttore editoriale della Bonelli e sceneggiatore 

dell’appassionante miniserie a colori Mister No Revolution, 

pubblicata in tre volumi da libreria e distribuita in edicola in sei 

albi dalle splendide copertine. 

Non poteva non destare l’attenzione di SUONO il fatto 

che cinque numeri su sei di Mister No Revolution recano 

il titolo di una celebre canzone di rock e folk rock 

americani. È una scelta che ha a che fare anche con i 

tuoi gusti musicali? 

Musicalmente io sono un onnivoro. Amo anche il rock d’annata 

ma la musica indie è quella che ascolto più volentieri. È negli 

anni Sessanta, però, che sono state gettate le basi di tutto ciò ha 


INTERVISTA MICHELE MASIERO 

Le copertine di due dei nuovi episodi di Mister No 

E MISTER NO CAMBIA FACCIA 

Emiliano Mammucari, 44 anni, 

dai Castelli Romani, è l’autore 

delle splendide sei copertine 

di Mister No Revolution. Fumettista 

a tempo pieno, da quindici 

anni lavora per la Bonelli per 

cui ha disegnato Dylan Dog e 

creato Orfani, la prima serie a 

colori del fumetto italiano. 

Le tue bellissime copertine 

della miniserie di Mister No si 

discostano dallo stile classico 

della Bonelli e sono più in sintonia con il gusto delle nuove generazioni di lettori 

di fumetti. Da dove hai tratto ispirazione per questo tuo lavoro? 

L’idea di partenza era di prendere uno dei personaggi cardine della Bonelli e trasportarlo 

in un format moderno. Devo dire che ha funzionato alla grande, sia nella 

storia, sia nelle copertine. Per quanto mi riguarda ho scelto di essere aderente al 

personaggio e raccontare la sua vicenda. Nelle copertine si segue il percorso di 

Jerry Drake dall’America della sua adolescenza alla guerra del Vietnam e poi dal 

suo ritorno nella San Francisco del ’68, fino al suo arrivo in Amazzonia. Mister No 

Revolution è la storia di un uomo che cerca il suo posto nel mondo. 

Il fatto di lavorare nell’ambito di un progetto editoriale che aveva come obiettivo 

di rinnovare e rilanciare Mister No ricollocandolo in un’altra epoca, ti ha 

fatto sentire più libero a livello creativo o, al contrario, calarti nel mood degli 

anni Sessanta ha comportato delle difficoltà? 

Il progetto è un atto d’amore verso l’eroe della Bonelli che Masiero e io amiamo di 

più. Eravamo tutti dispiaciuti che Mister No non fosse più in edicola, e così abbiamo 

deciso di colmare questo vuoto. È stato tutto più semplice di come può sembrare: 

il personaggio di Mister No è talmente carismatico che, non appena ha iniziato a 

muoversi nel nuovo ambiente, ha preso subito possesso nella scena. Noi ci siamo 

lasciati trasportare con passione dal lavoro senza renderci bene conto di ciò che 

facevamo. L’emozione è salita, però, quando abbiamo sentito l’abbraccio del pubblico. 

Dei lettori che amano il personaggio. 

Quale tecnica hai usato per la realizzazione delle tue copertine? Puoi spiegarci, 

passo per passo, come ti sei mosso? 

Ho realizzato le copertine in pittura digitale. Si lavora come con i colori a olio solo 

che, invece di prendere la tavolozza, si disegna direttamente sul monitor del PC. Io 

sono partito con un’idea ben precisa: volevo realizzare immagini che ricordassero 

le copertine delle riviste di reportage di guerra, cioè molto asciutte e schematiche. 

Nello stesso tempo intendevo raccontare una storia, come se le mie copertine fossero 

il trailer delle avventure all’interno dell’albo. Non volevo adottare uno stile classico 

e nemmeno strizzare l’occhio alle locandine cinematografiche. Mi interessava fare 

qualcosa di realmente nuovo, restando incollato alla storia. 

Negli anni ‘60 le copertine dei vinili erano una vera e propria forma d’arte. Qual 

è quella che ti ha colpito di più e che ha influito maggiormente sul tuo stile? 

Confesso di essere un beatlesiano di acciaio. Ho amato la storia della costruzione 

della copertina di Sgt. Pepper, costruita con la volontà di raccontare il mondo artistico 

e l’immaginario di tutti e quattro i Beatles. In questa icona del rock sono raccolti i 

miti e le vicende degli anni Sessanta ma anche i ricordi personali dei componenti 

della band. Per realizzarla, sono perfino andati a casa di loro amici a recuperare dei 

memorabilia di quando erano ragazzi. Questa idea di costruire una storia nuova 

utilizzando pezzi della propria vita, senza nascondersi, mi ha sempre affascinato. 


INSIDE 

A SINISTRA IN ALTO: Una tavola della San Francisco del ’68 

A SINISTRA IN BASSO: Mister No a San Francisco 

passione per le terre che aveva visitato, i libri che aveva letto e la 

musica che ascoltava, in primo luogo il jazz classico ma anche la 

bossa nova brasiliana. L’avventura editoriale di Mister No durò 

trent’anni, fino al 2006, quando Bonelli scrisse l’ultima storia. 

Dopo la sua scomparsa, nel 2011, Mister No restò nel limbo per 

diversi anni perché non ce la sentivamo di scrivere una storia 

su un personaggio così intimamente legato al suo autore. Alla 

fine, però, abbiamo rotto gli indugi e riportato in vita il nostro 

eroe, con una serie di classici ambientati in Amazzonia (ora in 

edicola) e, qualche mese prima, con Mister No Revolution. Vi 

hanno collaborato il copertinista Emiliano Mammuccari e i disegnatori 

Matteo Cremona e Alessio Avallone, insieme ad alcuni 

bravissimi coloristi. L’idea di creare una miniserie che innovasse 

il personaggio, spostandolo in un’epoca e un contesto differenti, 

ci è venuta perché Mister No ha dei tratti molto moderni. Ho 

pensato agli anni Sessanta, un periodo estremamente complesso 

ed eccitante, e a due città simbolo, New York e San Francisco, 

che furono al centro dei movimenti controculturali che avevano 

come comune denominatore una gran voglia di cambiare il 

mondo. È qui che trovarono maggiore spazio le rivendicazioni dei 

neri, del femminismo, degli omosessuali e dei pacifisti e che si 

sviluppò quella rivoluzione musicale che portò al rinnovamento 

della musica rock. 

forgiato il mio gusto musicale, grazie a band come i Velvet Underground 

e i Jefferson Airplane e ad autori come Neil Young e il 

Bob Dylan che cominciava a diventare elettrico. Era una musica 

che sperimentava, un rock che diventava più adulto e morboso 

e apriva nuove strade. 

Com’è nata l’idea di spostare le storie di Mister No dalla 

suggestiva cornice naturale della foresta amazzonica 

a quella metropolitana della Grande Mela e della San 

Francisco della Summer of Love? 

A monte di tutto c’è il mio amore per il personaggio creato nel 

’75 dal grande Sergio Bonelli, alias Guido Nolitta. È il primo 

anti-eroe della nostra casa editrice, un avventuriero cinico e romantico 

al tempo stesso in cui il suo creatore riversò la propria 

Mister No si è così ritrovato in un’America completamente 

stravolta nella propria visione del mondo e nei 

propri valori. Che reazione ha avuto, lui che nella sua 

precedente vita editoriale ascoltava il bebop e Frank 

Sinatra, ad assistere a un concerto dei Velvet Underground 

al Greenwich Village e a vagabondare nella San 

Francisco di Janis Joplin, dei Jefferson Airplane, di Allen 

Ginsberg e della cultura psichedelica? 

In effetti, è stato come far salire Mister No su una macchina del 

tempo per catapultarlo in un’altra epoca, che sentivamo più vicina 

a noi. Nelle storie classiche il personaggio aveva combattuto nella 

Seconda guerra mondiale, spinto dall’afflato patriottico di chi 

sa di essere dalla parte giusta. Mister No Revolution, invece, è 

per una buona parte ambientato durante la guerra del Vietnam, 

un’impresa bellica che a casa era molto contestata e che finì in 

un disastro. Quando Mister No, il cui vero nome è Jerry Drake, 

ritorna in patria alla fine degli anni Sessanta, è un ragazzo 

ventenne in cerca di se stesso. Si ritrova in un paese che fatica a 

riconoscere e, ovviamente, si sente spiazzato come poteva esserlo 

un qualsiasi reduce cha ha visto gli orrori del Vietnam. Al tempo 

stesso, però, viene coinvolto nell’atmosfera entusiasmante di 

un’epoca di grandi sogni e cambiamenti anche se la disillusione 

è già alle porte e, di lì a poco, inizierà il periodo del riflusso conformista. 

A New York ho voluto che Jerry Drake assistesse a un 

concerto dei Velvet (in una vignetta si distingue chiaramente la 

cantante Nico al microfono) quando ancora erano una band conosciuta 

da pochi che si stava affacciando sulla scena rock, senza 

sapere cosa avrebbero rappresentato per il futuro. Attraverso 


INTERVISTA MICHELE MASIERO 

tutti i tempi. E per finire quella che, paradossalmente, è la più 

emblematica: The sound of silence di Simon & Garfunkel, una 

canzone sull’incomunicabilità in cui si riflettono tutte le ansie 

di una generazione che si risvegliava dall’illusione di un sogno e 

cercava la propria voce. 

Al concerto dei Velvet Underground a New York. 

questo fumetto, abbiamo voluto regalare ai lettori lo stupore del 

momento, cioè l’emozione di vivere in diretta quel periodo così 

ricco di stimoli creativi. È come sintonizzarsi magicamente su 

una stazione radio degli anni Sessanta e sentire Light my fire dei 

Doors o For what is worth dei Buffalo Springfield quando erano 

dei pezzi ancora “caldi”. 

Il nuovo Mister No è più cinico e disilluso di quanto appariva 

negli album classici. Richiama di più gli anti-eroi 

e i beautiful losers dei film di Martin Scorsese e Michael 

Cimino. Quanto sei stato influenzato nella stesura della 

tua sceneggiatura dall’immaginario cinematografico 

sulla guerra del Vietnam? 

Noi che raccontiamo storie che non ci appartengono perché non 

fanno parte del nostro vissuto, abbiamo visto tanti film e letto 

tanti libri che ci hanno formati. Più che raccontare una verità 

sul Vietnam, ho quindi voluto raccontare cos’è giunto a me di 

questa tragedia attraverso il filtro dell’entertainment. Un modo 

per ricostruirla mescolando citazioni da capolavori come Apocalypse 

Now, Full metal jacket e ll cacciatore. I film sul Vietnam 

che ritengo più rappresentativi sono questi, perché hanno tre 

visioni differenti degli eventi storici ma tutte molto personali e 

sconvolgenti. 

Quali sono le canzoni che idealmente dovrebbero fare 

da colonna sonora a Mister No Revolution? 

Le ho indicate esplicitamente nei titoli degli album distribuiti in 

edicola. I’ll be your mirror di Lou Reed, dal seminale album The 

Velvet Underground & Nico è quella che preferisco. California 

dreamin’ brano del 1965 dei The Mamas & the Papas è stato 

oggetto di moltissime cover da parte di artisti di tutto il mondo. 

Somebody to love, invece, è tra le canzoni simbolo della scena 

di San Francisco, di cui i Jefferson Airplane sono stati esponenti 

di punta. Non poteva mancare Gimme Shelter, di Mick Jagger e 

Keith Richards, una fra le più famose canzoni antimilitariste di 

Gli anni Sessanta sono entrati a far parte del nostro 

immaginario collettivo ma al prezzo di una mitizzazione 

che ne ha distorto i contorni. A tuo avviso qual è stato il 

grande lascito di quell’epoca sul piano artistico e culturale 

e il suo maggior punto di debolezza? 

È stato un decennio di grandi innovazioni creative che hanno 

dilatato i generi artistici popolari, non solo nel campo della musica 

ma anche del cinema, dell’arte, della letteratura, del fumetto. 

Si aveva il coraggio e la voglia di sperimentare ed esplorare 

nuovi orizzonti. Ecco perché gran parte delle migliori rock band 

dei decenni successivi hanno un forte debito nei confronti degli 

artisti di quegli anni. Anche sul versante delle battaglie per i 

diritti civili, ci furono delle conquiste molto importanti che sono 

arrivate fino a noi. Certo, ciò che avvenne negli anni Sessanta 

non fu tutto rose e fiori. Il movimento della controcultura peccò 

di ingenuità e venne strumentalizzato, represso e incanalato 

dall’establishment. Mister No attraversa queste contraddizioni 

nel corso del fumetto. Si ritrova nella San Francisco del ’68, 

ancora molto solare sebbene l’estate dell’amore sia già passata. 

Ma Nixon stava per essere eletto, la guerra in Vietnam continuava 

e l’uso delle droghe che avrebbero dovuto aprire le porte 

della percezione (come sosteneva Aldous Huxley riprendendo 

un poema di William Blake che diede il nome al gruppo di Jim 

Morrison), cominciava invece a rivelarsi un fenomeno distruttivo, 

con la diffusione dell’eroina che sostituiva le sostanze lisergiche. 

Anche i dischi degli anni Settanta di Neil Young, insieme a quelli 

dei Velvet e dei Doors, testimoniano della fine di questo sogno 

psichedelico hippy. Mister No assiste impotente alla morte per 

overdose della sua ragazza, simbolo di una generazione sconfitta 

e del crollo dei fragili sogni del Flower Power. Il nostro eroe, 

però, ha le risorse umane per reagire. Il suo è il racconto della 

formazione di un giovane che all’inizio si lascia trascinare dagli 

eventi ma poi prende in mano la propria vita. 

Qual è la ragione del fascino esercitato sui lettori da Mister 

No a distanza di tanti anni dalla sua creazione e 

come mai si presta così bene, a differenza di altri personaggi 

della Bonelli come Tex e Zagor, a essere ricollocato 

in epoche più vicine alla nostra? 

Mister No è un personaggio che è sempre stato avanti per il 

proprio tempo. Ha una forza dirompente e una modernità che 

si sono conservate intatte fino ad oggi. È un anticonformista, 

guidato dallo spirito di avventura e dalla voglia di conoscere e 

che intrattiene un rapporto complesso e non stereotipato con il 

sesso e l’universo femminile. Per renderlo altrettanto moderno 

dovevo tentare di trovare nuove strade sia narrativamente che 

graficamente. E, se ci pensi, è un po’ l’insegnamento che ci hanno 

lasciato gli anni Sessanta… 


INSIDE 

di Francesco Bonerba e Luca Di Leonardo 

Fuori 

dalle righe 

Così potremmo (non) definire la vita e la musica di Ara Malikian, violinista di fama mondiale dalla 

irrequieta creatività che, in fuga dalle etichette personali e dei generi musicali prima ancora che dal 

Libano in guerra, ha trovato riparo in una musica che fonde sonorità e si esprime nella sua forma più 

compiuta nell’incontro vitale con il pubblico. 

con il violino sin da piccolo, grazie al nonno 

e al padre. La scoperta della musica come aggregatore 

L’incontro 

sociale e terapia rigenerante, avvenuta in un garage 

durante la guerra civile libanese, esperienza da cui nascerà il suo 

nuovo disco doppio Royal Garage. Poi la fuga in Germania, gli 

studi alla Guildhall School of Music & Dram di Londra, l’inizio 

di collaborazioni importanti con nomi del calibro di Franco Donatoni, 

Malcolm Lipkin e Kuciano Chailly, l’approdo in Spagna, 

l’esperienza di primo violino, durata sette anni, presso la Royal 

Symphonic Orchestra in Madrid, e infine l’inizio della carriera da 

solista in giro per il mondo, con circa 480.000 biglietti venduti 

in 280 concerti. Ara Malikian, recentemente protagonista di un 

bel documentario realizzato dalla compagna Nata Moreno, A Life 

Among Strings, ama stupire sé stesso e il pubblico, fuggire dalle 

classificazioni, mescolare i generi, improvvisare restando fedele 

solo al proprio viscerale amore per la musica declinato attraverso 

le corde del suo violino, autentica estensione fisica del suo spirito. 

A inizio dicembre è stato nuovamente in Italia per cinque imperdibili 

date. Lo abbiamo raggiunto per una esclusiva intervista 

per SUONO. 

Hai iniziato a suonare il violino sin da piccolo, senza riuscire 

più a separartene come racconti anche nel documentario. 

Perché credi di esserti innamorato proprio di questo strumento 

e non di un altro? Come si mantiene viva una “relazione” 

per così tanti anni consecutivi? 

Mi innamorai del violino perché mio padre me lo ha dato in mano 

facendolo diventare parte della mia vita. Lui era un fanatico del violino. 

Continuo ad esserne innamorato perché ho sempre cercato di non 

cadere nella routine e di inventarmi qualcosa che mi piace. Credo che 

la routine possa essere insopportabile. 

Il violino ha salvato tuo nonno dal genocidio armeno – come 

nell’album l’album The Incredible Story of Violin – e ti ha 

consentito di uscire dal Libano e diventare un artista di fama 

mondiale. Hai mai temuto di non farcela? 

Certo, esistono sempre momenti di dubbio nei quali ti chiedi “ce la 

farò?”. Però c’è sempre la motivazione. Capita di cadere, di fallire. 

Quando fallisci sei pieno di dubbi. Nonostante questo, in nessun momento 

ho perso la motivazione che mi ha mantenuto vivo e mi ha dato 

la forza di continuare a fare quello che mi piace. 


INTERVISTA ARA MALIKIAN 

Il documentario Ara Malikian: A Life Among Strings racconta 

i punti salienti della tua vita, da quando hai dovuto lasciare il 

Libano fino ai grandi successi, passando per i tanti momenti 

complessi della tua gavetta. Hai collaborato alla scrittura? 

La verità è che in origine il documentario doveva essere su mia madre; 

piano piano si è trasformato in un film su di me ma senza una vera sceneggiatura. 

Abbiamo lavorato con Nata aggiustandolo a poco a poco mentre 

lo giravamo ed è venuta fuori la mia storia più o meno per quello che è. 

Ci racconti com’è nata l’idea per il progetto di Royal Garage? 

Volevo fare un omaggio al primo luogo dove ho scoperto il potere della 

musica, il luogo dove mi sono innamorato delle esibizioni in pubblico: 

è stato in un garage, in Libano negli anni ’70, quando cominciò la guerra. 

Nell’edificio dove vivevamo c’era un garage sotterraneo nel quale 

dovevamo passare molto tempo per proteggerci dalle bombe. Stavamo 

lì per diversi giorni o settimane, aspettando. Così ho iniziato a suonare 

il violino, e altri si sono uniti suonando altri strumenti, cantando e ballando. 

In una situazione così drammatica abbiamo fatto feste coi vicini, 

ci siamo divertiti e più il rumore delle bombe era forte più aumentava 

la nostra energia nel suonare. Quel garage sporco, buio, pieno di topi 

e blatte per me è stato un posto pieno di ispirazioni, un luogo magico. 

Il mio omaggio è per quel garage, quel luogo in cui mi sono reso conto 

che un luogo così può dare allegria, può cambiare le persone e migliorare 

la loro qualità di vita. 

Nella tua musica trovano spazio non solo le tue radici armene 

ma anche influenze arabe, ebraiche, gitane e Kletzmer, 

rimandi al tango argentino e al Flamenco spagnolo. Come 

funziona il tuo processo creativo? In che modo scegli la 

sonorità giusta da inseguire? 

È vero, ho avuto la possibilità e anche la fortuna di suonare molti 

stili diversi. Però le cose che ho fatto le ho sempre vissute, imparate 

e sentite. Per esempio, quando ho cominciato a suonare flamenco ho 

iniziato a vivere nel mondo flamenco. Non avevo in programma di fare 

fusioni musicali o sperimentare. Sinceramente non mi preoccupo mai 

dello stile che faccio. Tutte le cose che ho fatto sono diventate parte di 

me. Quando passo da uno stile all’altro è perché faccio musica a modo 

mio, mi viene da dentro. A volte, quando compongo, mi succede di 

iniziare un pezzo con un carattere orientale che nel processo magari 

si trasforma in un brano latino-americano. Non lo controllo e non 

mi preoccupo di farlo, voglio che le cose succedano, voglio vivere 

l’esperienza e che questa si rifletta in quello che creo. Non voglio che 

la mia musica abbia etichette. 

Nel disco troviamo diverse collaborazioni: Franco Battiato, 

Serj Tankian (frontman dei System of a Down), Bunbury, 

Kase.O, Pablo Milanés, Andrés Calamaro. Come hai scelto gli 

artisti con cui collaborare? 

La collaborazione con questi artisti è stata molto facile. Voglio sottolineare 

che non li abbiamo scelti per ragioni economiche o strategiche. 

Considerate che il disco non è fatto da una multinazionale e non c’è 

una casa discografica: è fatto tutto tra di noi in modo molto artigianale. 

Abbiamo contattato alcuni artisti che io conoscevo e coi quali c’erano 

rispetto e stima reciproci, musicisti con cui in qualche modo avevo già 

collaborato. Li ho contattati con un whatsapp ed è stato molto naturale. 

Sapevo che sarebbe stato facile. Con Battiato è stato leggermente diverso. 

Qui in Spagna è molto conosciuto e io conoscevo bene la sua musica. 

A proposito di etichette: ne parli in diverse occasioni e le 

rinneghi sempre. Non ti piacciono le definizioni che ti vengono 

date... 

Mi definisco un musicista. Niente di più, niente di meno. Sono un 

musicista innamorato di quello che fa e con l’obiettivo di condividere 

la sua passione con il pubblico. 


INSIDE 

Il caso ha voluto che avessimo un amico in comune così sono riuscito 

a mettermi in contatto con lui e la sua risposta è stata meravigliosa. 

Dopo la registrazione gli abbiamo mandato il risultato finale di cui lui 

è stato molto felice e “pronti, via!”. Un disco con tante collaborazioni 

può sembrare difficile ma non c’è stata nessuna complicazione, nessun 

episodio strano. È bello che le cose accadano così facilmente! 

Da diverso tempo sostieni il progetto ONG Acción Contra el 

Hambre, che ti porta a contatto con i bambini di un campo 

di rifugiati siriani in Libano. Quanto è importante, per te, 

che la musica abbia una funzione sociale? In che modo pensi 

possa contribuire a rendere il mondo un posto migliore? 

È l’eterna questione: la musica e l’arte hanno il potere di fermare le 

guerre e le ingiustizie? Forse non arrivano a tanto però possono cambiare 

la gente, hanno la forza di cambiare le persone che si dedicano a 

combattere guerre o a commettere ingiustizie o vivono di delinquenza. 

Se tutti avessimo accesso alla musica e alla bellezza dell’arte sin da 

piccoli (che sia pittura, teatro o letteratura) sono sicuro che potremmo 

vivere in una società più rispettosa, aperta ad ascoltare opinioni 

diverse. Se uno si dedica all’arte non si dedicherà mai alla delinquenza 

o alla violenza. 

Il brano El Extranjero, scritto da Bunburry, ha una forte 

connotazione politica. In Spagna il partito di estrema destra 

Vox è la terza forza politica del Paese e nel resto dell’Europa 

avanzano ideologie che non riconoscono l’accoglienza come 

un dovere politico ma, al contrario, incitano l’odio, invocando 

la chiusura dei porti e delle frontiere. Ti andrebbe di fare 

un commento su questo? 

Assolutamente sì, è necessario parlarne. È importantissimo capire come 

questa situazione si possa risolvere. Questa terribile ondata di razzismo 

e intolleranza purtroppo non è una novità. Ci sono correnti di odio che 

tornano ciclicamente. Facciamo bene a preoccuparcene perché generano 

violenza e odio ma soprattutto disinformazione. Ritengo che sia una 

grande bugia che “lo straniero” sia una minaccia per la nostra società. 

È esattamente il contrario. È dimostrato dalla storia che quelli “da 

fuori” portano sempre qualcosa di buono, che qualunque cultura e civilizzazione 

debba accogliere gli altri per potersi arricchire ed evolvere. 

È importante continuare a parlarne perché passi questa brutta ondata 

di intolleranza. Ma io credo nelle persone e ho fiducia che torneremo 

tutti a essere più umani. Il punto è che non dobbiamo trattare il problema 

dell’immigrazione come una questione politica ma come una 

catastrofe umanitaria. Proprio di questo tratta la canzone. La amavo 

molto e abbiamo voluto inserirla nel disco, così come nei titoli di coda 

di A Life Among Strings. 

Parliamo del rapporto tra la tua musica e il cinema. Oltre al 

documentario, che è un po’ una summa della tua musica, hai 

collaborato con Alberto Iglesias per alcune colonne sonore 

dei film di Almodovar. Com’è stato vedere le tue sonorità 

sposarsi alle immagini sul grande schermo? 

Credo sia un po’ un esercizio: pensare la tua musica in immagini. Non 

sempre è necessario ma è molto divertente. Lavorare per il cinema mi 

piace ma per me nessun lavoro in studio può sostituire i concerti live. 

Non c’è nient’altro che mi dà la carica dei concerti dal vivo. Mi piace 

sentire il pubblico, quell’attenzione, l’energia delle persone, sentire 

come respirano. Questo è ciò che sento veramente mio e non lo posso 

paragonare a nessun’altra esperienza della mia vita professionale. 

L’Italia ha dato i natali a grandi violini, violinisti e musicisti. 

Ci sono delle figure che più ti hanno influenzato del nostro 

Paese? 


INTERVISTA ARA MALIKIAN 

Ma certo! L’Italia da secoli è un paese “musicale”, culturalmente 

molto ricco. Diciamo che se io suono il violino è un po’ anche grazie 

a Paganini. Sono un suo grande fan come lo era mio padre. L’arte di 

Paganini risuona in tutti i violini del mondo. È un personaggio che 

continua a intrigarmi sia per la sua arte che per le sue esperienze 

di vita. Ha rivoluzionato il mondo della musica e del violino. L’Italia 

per me, come per molti musicisti del mondo, è e sarà un luogo 

di grande ispirazione con il quale ci misuriamo; ci piace l’idea di 

suonare bene e di dare il meglio di noi, visto che gli italiani amano 

la musica e ne hanno tanta di qualità. Vogliamo fare bella figura! 

Conosci il detto “Paganini non ripete”? 

Ahahaha, no, non l’ho mai sentito! 

Sembra che Paganini lo fece riferire al re Carlo Felice sul 

finire di un concerto, nel 1818, quando il sovrano chiese 

di riascoltare un brano; dal momento Paganini creava 

improvvisazioni geniali ma non replicabili, mandò questo 

messaggio al re. 

Non conoscevo questo detto né l’episodio ma mi sembra assolutamente 

coerente con la figura di Paganini. Era intelligentissimo. 

Ho letto tanto su di lui, ho visitato mostre che lo rappresentavano 

e studiato tanto la sua vita. Oltre a essere un genio rivoluzionario 

della musica era un grande imprenditore, nonostante sia finito in 

rovina. Lui sapeva bene come trattare il pubblico e i suoi “clienti”, 

come comportarsi con i re, con l’alta società e chiunque altro, per 

cui credo che abbia avuto le sue ragioni, se vuoi “pubblicitarie”, per 

rispondere così al re. E ancora una volta, il fatto che esista questa 

espressione che resta per l’eternità dimostra il suo genio e la sua 

capacità di vendersi, come era giusto che fosse. Userò questo detto 

nei miei prossimi concerti! 

Appena arrivato dal Libano in Germania, dal momento che 

non conoscevi quasi nulla di tedesco, ti sei trovato a rispondere 

“si” ad alcune proposte, ritrovandoti a suonare per quattro 

anni a diverse celebrazioni della comunità ebraica di Berlino. 

Da lì la tua carriera è decollata. Il fatto di rispondere affermativamente 

anche senza sapere a cosa questo porterà per 

te ha un significato? Credi che un “si” porti a cose positive a 

prescindere? 

Ho sempre riflettuto sul fatto di essere sempre ben disposto alle cose 

affermative e molto meno a quelle negative. Mi sono trovato spesso 

in situazioni molto belle dicendo “si”, come nel caso dei matrimoni 

ebraici, ma qualche volta mi sono anche messo nei casini e quindi 

ho imparato che bisogna sapere quando dire di no per non trovarsi 

in situazioni difficili. 

Hai un sogno nel cassetto che vorresti si realizzasse il prossimo 

anno e una cosa che ti piacerebbe cambiasse dell’attuale 

situazione in Libano? 

(Respira profondamente) In Libano sta succedendo qualcosa che dà 

speranza. Ci sono manifestazioni in atto perché il popolo è stanco dei politici 

corrotti e sta chiedendo un cambiamento in modo pacifico. Questo 

è esemplare, credo che ce ne sia bisogno in tutti i Paesi del mondo dove 

ci sono politici corrotti. È il momento di cambiare! Dopo tanti anni di 

guerra, incertezza e di terrorismo che ha generato paura nel paese, dà 

speranza che la gente voglia finalmente vivere in pace e bene. Un desiderio 

per il nuovo anno? Beh, il mio è sempre lo stesso: che ricominciamo 

a pensare sempre di più con amore e meno per gli interessi politici ed 

economici. Dobbiamo essere più umani, usare di più il nostro cuore e la 

nostra sensibilità, sentire e rispettare di più il mondo nel quale viviamo, 

le persone con le quali lo condividiamo, in modo tale che ognuno, a modo 

proprio, possa migliorare il luogo nel quale vive. 


INSIDE 

di PierPaolo Ferrari 

Value for price 

antesignano 

Parlare di Rogers è essenzialmente parlare di Alta Fedeltà audio nel vero termine della parola! Rogers 

è stata per lunghissimo tempo un’azienda capace di produrre componenti di alta qualità uniti a costi 

ragionevoli e ha portato nelle case di tantissimi appassionati non solo eccellenti apparecchi ma anche 

la propria filosofia di progettazione. 

Per quasi mezzo secolo il nome di Rogers è stato sinonimo 

di eccellenza nella produzione di apparecchiature audio ad 

alta fedeltà: l’azienda inglese, infatti, si conquistò rapidamente 

un’eccellente reputazione per via di una combinazione fatta 

di superiorità tecnica e ottima e naturale riproduzione del suono, 

diventando un modello inglese conosciuto in tutto il mondo. Famosa 

per i suoi eccellenti diffusori, si è fatta altrettanto apprezzare fra gli 

appassionati per la costruzione di elettroniche a valvole dal suono 

straordinario, divenute nel corso degli anni veri e propri “miti Hi-Fi”. 

La ditta vede la luce subito dopo la seconda guerra mondiale e nasce 

essenzialmente come un’azienda artigianale fondata da un appassionato 

di musica e riproduzione audio, Jim Rogers, che nel 1947 crea 

a Londra quella che in oltre trent’anni di produzione costituirà una 

seria e apprezzata ditta, capace di realizzare apparecchiature audio 

affidabili dal costo limitato ma dal suono molto musicale, indirizzate 

agli esigenti audiofili inglesi dell’epoca. Agli inizi la Rogers Developments 

Company è come molte altre una piccola azienda artigiana; 

nel 1953 diventa Rogers Developments Electronics Ltd. e nel 1957 si 

trasferisce a Catford, a sud di Londra, nella famosa Barmeston Road 

dove rimarrà fino al cambio di proprietà avvenuto nel 1975, quando 

la compagnia Swisstone-Electronics la acquista. 

Nei primi anni di produzione, subito dopo la fine della Seconda 

Guerra Mondiale, fino agli anni Sessanta in piena Hi-Fi Golden Age, 

Rogers progetta principalmente elettroniche a tubi e a stato solido: 

eccellenti preamplificatori, amplificatori e tuner che sono stati 

introdotti sul mercato dal 1950 fino alla fine del 1960. Come altri 

costruttori inglesi l’azienda si concentra su amplificatori di bassa 

potenza con circuitazioni veramente minimaliste e collaudate, vedi 

gli storici schemi Mullard 3-3 Starvation (single- ended di EL84, soli 

Rogers - Williamson - Model A - 1949 


ROGERS: NON SOLO DIFFUSORI 

3 watt di potenza!), gli eccellenti Mullard 5-10 (push-pull di EL84, 

10 watt di potenza) e il famoso circuito Philips, il più utilizzato dagli 

auto costruttori dell’epoca con controlli di toni incorporato, del tutto 

simile al Mullard, sempre con le intramontabili EL84 in controfasce. 

Tutti prodotti di straordinaria “personalità”, capaci di elargire sonorità 

intense ed emozionanti, con un suono definito e preciso attraverso 

una naturale limpidezza e trasparenza dei messaggi riprodotti. 

Anche gli apparecchi a valvole Rogers possiedono tutti i requisiti 

sopra descritti: valvole di ottima costruzione e qualità sonica (come 

i Pentodi EL84, EL34 e i Triodi-Pentodi ECL86) e circuiti davvero 

essenziali, lineari e tremendamente efficaci. I primi amplificatori a 

valvole del 1947/48 sono basati su schemi diventati famosi come lo 

storico circuito Williamson (Rogers-Williamson amplifier - KT66 del 

1949): la Rogers si distingue per la meticolosa ed essenziale cura di 

costruzione / assemblaggio dei propri apparecchi audio, ottenendo 

sempre un ottimo successo di mercato. Ma è in quel ventennio d’oro 

per l’alta fedeltà (gli anni Cinquanta e Sessanta) che viene chiamata 

dagli anglosassoni Hi-Fi Golden Age che la Rogers si fa conoscere 

per l’eccellente qualità delle sue elettroniche rivolte soprattutto a chi 

non poteva spendere grosse cifre ma era ugualmente appassionato 

del buon suono. Il “suono Rogers” si è caratterizzato fin da subito 

e ha avuto connotati ben precisi ed originali, riconoscibile al primo 

impatto: se all’epoca si nominava Rogers, si capiva molto bene che 

cosa si volesse intendere e a quale tipo di sonorità ci si riferisse! Gli 

anni in cui questi apparecchi ebbero successo sul mercato dell’audio 

(1957-1965), furono principalmente quelli del grande fermento intorno 

alla riproduzione ad alta fedeltà e alla passione per la neonata ed 

innovativa stereofonia. Non tutti gli appassionati si potevano infatti 

permettere di “raddoppiare“ il proprio impianto monofonico (quindi 

un doppio finale, doppi diffusori, doppi preamplificatori) e neanche 

acquistare i costosi apparecchi americani come i McIntosh MC-30 

e i Marantz Model 2 oppure quelli inglesi di alta qualità, vedi il PYE 

PF-91 od il Leak TL 12 Point-One. Il “contagio” dell’Hi-Fi, però, 

era in pieno svolgimento e nessuno voleva rinunciare ad ascolti di 

buona qualità, anzi, proliferavano. Gli auto-costruttori si accingevano 

a costruire elettroniche e ad assemblare impianti DIY (Do It 

Yourself) risparmiando non pochi soldi e la Rogers, lungimirante 

quanto non mai, seppe muoversi con accortezza sviluppando una 

linea di prodotti essenziale e affidabile allo stesso tempo (cosa non 

facile!), sicura di fare breccia fra gli esigenti audiofili inglesi ma dal 

limitato budget a disposizione. Le amplificazioni Rogers dovevano 

vedersela con autentici fuoriclasse del tipo Leak, Quad, Radford e 

Armstrong ma cionondimeno riuscirono a spopolare sul mercato 

dell’audio: se la cavavano bene, molto bene, e la conferma è che oggi 

questi apparecchi fatti di concretezza e semplicità offrono ancora 

sonorità stupende. 

La filosofia costruttiva della ditta inglese rimane unica e inconfondibile 

e la si evince molto bene in tutti i finali di potenza prodotti negli 

anni, che nel 90% dei casi mostrano potenze di piccolo wattaggio: dai 

primi Rogers Baby-de-Luxe con le valvole 6V6 (6 watt di potenza) di 

inizio anni Cinquanta ai Rogers RD Junior del 1954 (10 watt con le 

EL84), dai Rogers della serie Cadet Mk II e Mk III (valvole ECL86) 

ai più potenti Rogers Senior (20 watt con le EL34). Nel 1962, un 

sistema di amplificazione Rogers Cadet costava 25 sterline ed era 

Rogers Rd Junior De-Luxe-1951 

Rogers Rd Junior Stereo - Control Unit 1958-1960 

Rogers Rd Junior -Iii Series -1959 

Rogers Rd Junior Stereo -1960 


INSIDE 

LA PRODUZIONE DI ELETTRONICHE ROGERS 

Gli apparecchi Rogers si possono suddividere in serie ben distinte fra loro, ognuna delle quali risponde a caratteristiche mirate e rivolte agli appassionati più diversi. 

La serie Minor copre il periodo dal 1952 al 1955. La serie Junior il periodo dal 1949 al 1964. La serie Senior il periodo dal 1954 al 1961. La serie Master il periodo dal 

1960 al 1969. La serie Cadet il periodo dal 1958 al 1970. Infine la serie HG-88 copre il periodo dal 1958 al 1969. Qui di seguito in sintesi le caratteristiche dei principali 

modelli introdotti nel tempo... 

Rogers Williamson Type A: finale mono. 15 Watt - Push-Pull KT66 (1949/50) 

Rogers Williamson Type B - C - D: finale mono. 15 Watt - P.P. KT66 (1950/51) 

Rogers Williamson C.U. : control Unit (1949/51) 

Rogers Junior PX4: amplificatore integrato. 10 Watt - P.P. PX4 (1949/53) 

Rogers - Williamson: finale mono. 15 Watt - P.P. KT66 (1950/52) 

Rogers Junior Mk I: preamplificatore (1951/53) 

Rogers Junior Mk II-Mk III: preamplificatore (1953/55) 

Rogers Junior De - Luxe: finale mono. 10 Watt - P.P. KT66 (1951/54) 

Rogers Baby De - Luxe: finale mono. 5 Watt - P.P. 6V6 (1950/51) 

Rogers Baby De - Luxe Mk I: finale mono. 6 Watt - P.P. 6V6 (1952/53) 

Rogers Baby De - Luxe Mk II: finale mono. 8 Watt - P.P. 6V6 (1953/54) 

Rogers Minor Mk I: integr. finale mono. Single-Ended. 3 Watt - 6BW6 (1952/53) 

Rogers Cadet Mk II – 1962 

Rogers Minor Mk II: integr. finale mono. S.E. 4,5 Watt - 6BW6 (1954/55) 

Rogers Minor Mk III: integr. finale mono. S.E. 4,5 Watt - EL84 (1955/56) 

Rogers Senior: finale mono. 15 Watt - P.P. KT66 (1954/57) 

Rogers Senior C.U.: preamplificatore (1954/57) 

Rogers Senior Mk III: preamplificatore (1956/58) 

Rogers Senior Mk IV: preamplificatore (1958/60) 

Rogers Senior Mk II: finale mono. 20 Watt - P.P. EL34 (1957/61) 

Rogers RD Junior: finale mono. 10 Watt - P.P. EL84 (1954/61) 

Rogers RD Junior Mk II: preamplificatore (1953/54) 

Rogers RD Junior Mk III: preamplificatore (1955/56) 

Rogers RD Junior Mk IV: preamplificatore (1957/61) 

Rogers Cadet C.U.: preamplificatore (1958/61) 

Rogers Cadet: finale mono. 5 Watt - P.P. ECL83 (1958/60) 

RogersS Cadet Mkll: finale mono. 8 Watt - P.P. ECL86 (1957/62) 

Rogers Cadet Mkll: preamplificatore (1958/62) 

Rogers Cadet Mk III -1a versione -1964 

Rogers LG 88: amplificatore integrato stereo. 8 Watt - ECL82 (1958/61) 

Rogers Master C.U.: preamplificatore stereo (1960/62) 

Rogers Master Mkll: preamplificatore stereo (1962/69) 

Rogers Master: finale stereo. 35 Watt - P.P. EL34 (1966/69) 

Rogers Cadet C.U.: preamplificatore stereo (1958/61) 

Rogers Cadet C.U. Mkll: preamplificatore stereo - 1962/64) 

Rogers Cadet Mkll: finale stereo. 6 Watt - P.P. ECL86 (1962/64) 

Rogers Cadet Mk III: finale stereo. 10 Watt - P.P. ECL86 (1964/70) 

Rogers HG 88: finale stereo. 8 Watt - P.P. ECL82 (1958/61) 

Rogers HG 88 Mk II: finale stereo. 12 Watt - P.P. ECL86 (1961/64) 

Rogers HG 88 Mk III: finale stereo. 15 Watt - P.P. ECL86 (1965/69) 

Rogers RD Junior Mk I: preamplificatore stereo (1958/60) 

Rogers RD Junior Mkll: preamplificatore stereo (1960/61) 

Rogers Hg 88 Mk III – 1965 

Rogers RD Junior Mk III: preamplificatore stereo (1961/64) 

Rogers RD Junior Stereo: finale stereo. 12 Watt - P.P. EL84 (1960/64) 

Rogers Ravensbourne: amplificatore integrato stereo. 25 Watt - stato solido (1967/75) 

Rogers Ravensbrook: amplificatore integrato stereo. 10 Watt - stato solido (1969/75) 

veramente competitivo rispetto ai prezzi di altri apparecchi di qualità 

allora presenti sul mercato come, per esempio, il pre e finale Leak 

Stereo 20 dal costo di 55 sterline, i Quad 22 + Quad II dal costo di 

47 sterline oppure l’Armstrong Model 225 + Model 220 dal prezzo 

di 49 sterline... 

Nel 1951 la Rogers produce l’amplificatore Baby De Luxe, un piccolo 

gioiello di qualità musicale, con uno stadio di uscita impiegante le 

eccellenti valvole 6V6-G e con potenza di soli 5 watts. Con il Baby 

De Luxe comincia la serie dei piccoli finali di limitata potenza e di 

circuitazione minimalista muniti di un suono fedele e raffinato. 


INSIDE 

Rogers ‘Ravensbrook’ Mk 3 Stereo Integrated Amplifier 

Rogers LS3-5a Speaker 

La filosofia Rogers è già ben delineata fino da questi primi anni di 

produzione, in cui i vari apparecchi a tubi (dal tipico colore del telaio 

rosso amaranto, il rosso Rogers!) vengono costruiti rispettando i 

bisogni di un ascolto domestico senza compromessi. Qualità e basso 

costo determinano rapidamente un notevole successo di critica e pubblico 

tanto che la ditta inglese allarga il proprio catalogo con nuovi 

prodotti, sia elettroniche a tubi che diffusori. La produzione storica 

Rogers comprende infatti molte elettroniche a tubi costruite in un 

arco di tempo che va dagli inizi degli anni Cinquanta fino alla fine dei 

Sessanta. Un periodo davvero d’oro per la Casa inglese, costellato di 

successi commerciali molto importanti. Il Rogers RD Junior (1954) 

o il Rogers Cadet Mk II (1962) sono amplificatori di potenza a valvole 

capaci di riprodurre le registrazioni musicali con un perfetto equilibrio 

fra le gamme di frequenze audio, una totale trasparenza e lucidità del 

segnale amplificato ed una assenza di “fatica d’ascolto” sconosciuta a 

tante elettroniche moderne. Dal 1964 fino al 1970 il Rogers Cadet III 

verrà prodotto in due versioni, la Series I con preamplificatore e finale 

di potenza con telai separati e racchiusi in un unico cabinet di legno 

e dal 1966 la Series II, che incorporava in un unico telaio-chassis di 

metallo sia il Control Unit che l’amplificatore, risultando così un vero e 

proprio integrato molto compatto. Il successo è immediato e del Cadet 

Mark III ne saranno venduti migliaia di esemplari. 

A metà degli anni Sessanta la Rogers si specializza in elettroniche 

compatte e minimaliste, i famosi apparecchi integrati, che presentano 

un ottimo rapporto qualità/prezzo: per contrastare la concorrenza 

degli apparecchi che in maniera massiccia arrivano dal Sol 

Levante e dall’America, esce sul mercato il famoso Rogers Cadet 

Mark III (1964), fortunato successore di quella “dinastia” di elettroniche 

inaugurata dal primo amplificatore Cadet Mono Amplifier nel 

1958, che impiegava solamente due valvole triodo-pentodo ECL83 

Mullard. Dal 1964 fino al 1970, il Rogers Cadet III verrà prodotto 

in due versioni, la Series I con preamplificatore e finale di potenza 

a telai separati e racchiusi in un unico cabinet di legno e dal 1966 la 

Series II, che incorporava in un unico telaio-chassis di metallo sia il 

Control Unit che l’amplificatore, risultando così un vero e proprio 

integrato molto compatto. Il successo è immediato e del Cadet Mark 

III ne saranno venduti migliaia di esemplari. Sebbene questo amplificatore 

integrato non sia l’espressione massima raggiunta dalla 

Rogers con gli straordinari amplificatori, come il Rogers RD Senior 

(1954) e tetrodi KT66, il Rogers Senior Mk II Mono del 1957 con le 

valvole EL34 e il Rogers RD Junior del 1954 con tubi EL84, esso 

racchiude in sé quella filosofia di progettazione minimalista tanto 

cara alla ditta inglese attraverso soluzioni intelligenti e mai banali e 

soprattutto attraverso una riproduzione sonora eccellente, in grado 

di competere con altri marchi famosi dell’epoca. 

Nel 1970, la Rogers produce, su commissione della BBC, un diffusore 

rimasto nella Storia della ditta e nel “cuore” di tanti appassionati del 

bel suono: il leggendario Rogers LS3/5a, venduto fino a oggi in oltre 

50.000 coppie! Altre collaborazioni con la creazione di una gamma 

di prodotti che sono diventati di serie negli studi di registrazione di 

tutto il mondo. Impegnata a mantenere questo vantaggio, l’azienda 

ha continuato a innovare, a sperimentare nuovi metodi di produzione 

con nuove forme che hanno via via accentuato e migliorato la qualità 

del suono dei suoi apparecchi. Questa continuità di perfezione ha 

garantito che i prodotti Rogers siano stati nel tempo sinonimo di 

alta qualità e per questo si possono definire “rivoluzionari” come 

quelli progettati tanti anni fa. Un primo esempio è stato il diffusore 

Rogers Corner Horn Loudspeaker, introdotto nei primi anni Cinquanta, 

che si è rivelato sia commercialmente che acusticamente un 

grande successo e ha sancito come la Rogers sia stata un produttore 

affidabile e innovativo trovando ampio consenso fra gli appassionati 

dell’epoca. Successivamente, sono stati prodotti ottimi diffusori come 

il Rogers LS 5/8 e LS 5/9 studio monitor, esclusivi design elaborati 

dalla collaborazione fra Rogers e la BBC, che sono stati prontamente 

utilizzati negli studi di registrazione in tutto il mondo! 

Dal 1993 la Rogers fa parte del Wo Kee Hong Group. Attraverso la 

vasta rete mondiale di questo gruppo e con un forte background finanziario 

e di gestione moderno, la Rogers è entrata in una nuova era 

e ha prodotto il sistema AB-1, modello che ha ottenuto a Las Vegas 

(Usa) il WCES Audio Award ’95 Innovations ma è solo ripercorrendo 

la produzione “antica” di questa gloriosa ditta inglese che possiamo 

veramente comprendere la rilevanza che ha avuto nel panorama 

internazionale dell’audio ad alta fedeltà. 

(tutti gli apparecchi appartengono alla collezione di Pier- 

Paolo Ferrari) 


INSIDE 

di Francesco Bonerba - foto Massimiliano Liotto 

Tuttaltramusica 

Vent’anni di attività ininterrotta, un cambio di location, tre sale prova, una passione alimentata nel 

tempo: il negozio di Giovanni Callegari a Novara (Via Agogna 21a) è il covo perfetto per chi vuole 

toccare con mano l’alta fedeltà e magari rinunciare a qualche preconcetto cristallizzatosi con il tempo… 

Mentre Bose ha da poco annunciato la chiusura di tutti i suoi 

negozi in Europa, Nord America, Australia e Giappone (119 

spazi commerciali, mentre resteranno attivi i 130 sparsi tra 

Cina, Emirati Arabi, India, Sudest asiatico e Corea del Sud), in Italia c’è 

ancora chi scommette sull’alta fedeltà e su valori immutati nel tempo: 

il contatto diretto con l’esperienza del venditore, l’ascolto dal vivo dei 

prodotti, il dialogo con i produttori. Per tutti gli altri, c’è internet… 

Quando e come nasce il negozio? Perché avete scelto questo 

nome? 

L’attività nasce nel 2000 nella zona di Legnano; quattro anni 

fa ci siamo trasferiti qui a Novara, dove ci stiamo ancora facendo 

conoscere ma abbiamo a disposizione un bacino di utenza più 

ampio del precedente. La mia passione per la musica riprodotta 

fiorisce con il car stereo degli anni ’80/’90; quando il settore 

ha iniziato a entrare in crisi, ci siamo spostati esclusivamente 

sull’Hi-Fi. Il nome nasce dalla decisione di usare una parola italiana, 

senza seguire la moda degli inglesismi, e che in qualche modo potesse 

diversificarci. 

Quali sono stati i primi impianti che avete trattato? 

Abbiamo cominciato con Acustica, Aliante e poi con i prodotti MPI, 

con cui collaboriamo sin dai primi anni Duemila. 

Qual è la vostra filosofia e cosa vi contraddistingue dagli 

altri negozi? 

Non siamo troppo “commercianti”. Io nasco come appassionato di 

musica di lunga data e la cosa alla quale tengo di più è cercare di 

assemblare gli impianti in modo che suonino al meglio, scegliendo 

magari a volte soluzioni non molto economiche ma che ci consentano 

di non scendere a compromessi. Su questo non ci lasciamo influenzare 

da un marchio piuttosto che da un altro: gli apparecchi arrivano in 

negozio, si sperimentano e si cerca di trovare la migliore combinazione 

tra prodotti. Mi sembra che il riscontro non stia mancando: chi visita 

le nostre sale, sia appassionati che addetti ai lavori, ci fa i complimenti. 

Quante sale avete? 

Abbiamo tre sale con tre impianti e un angolo prove dove proponiamo 

l’usato. In una, quella che acusticamente ci piace di più, abbiamo i 

Serafino di Sonus faber, un sistema con la musica liquida, un DAC 

Accuphase e il nuovo amplificatore integrato MA352 della McIntosh. 

Nella sala più grande abbiamo gli Olympica Nova, che abbiamo 

presentato a dicembre con Sonus faber assieme a Livio Cucuzza e 

Paolo Tezzon, con una meccanica MCT 500 della McIntosh, un pre 

C52 e due finali monofonici 1.25K, con filtro di rete della PS Audio. 

Infine, nella sala dove facciamo andare i bookshelf, ci sono i Sonus 

faber Olympica 1, un giradischi MT2, un lettore CD e un integrato MA 


XXXXXX: XXXXXXX 

5200, tutto della McIntosh. Quando un cliente vuole provare qualcosa 

di specifico, fissiamo un appuntamento in modo tale da predisporre 

tutto con la migliore configurazione. 

Che differenze ci sono tra il consumatore degli inizi e quello 

di oggi? 

Cerchiamo di portare il consumatore verso delle scelte giuste, di capire 

da dove nasce l’interesse del cliente verso uno specifico prodotto e cosa 

vuole ottenere dal sistema che ha già o da quello che vuole creare. Spesso, 

infatti, tanti consumatori leggono su internet informazioni inesatte 

o non veritiere e a noi tocca il compito di rimettere le cose in chiaro. 

Come si comportano i vostri clienti in relazione alla musica 

liquida? 

Ci sono due tipologie di clienti: chi è rimasto fuori dalla musica liquida 

e si affaccia ora sul nuovo scenario e chi, invece, essendoci già entrato, 

cerca di aggiornarsi con apparecchi più sofisticati e di una fascia di 

prezzo superiore. 

I prodotti più venduti in questo momento? 

In questo ultimo anno e mezzo c’è stata una buona richiesta di giradischi 

e un lieve rallentamento nelle vendite di diffusori; costanti 

amplificatori ed elettroniche. Nel complesso, la situazione è piuttosto 

bilanciata. Sui diffusori tende a prevalere la convinzione dell’utente 

che i propri apparecchi siano sempre attuali, anche quando vecchi 

di diversi anni, mentre l’evoluzione nel settore c’è ed è notevole, non 

andrebbe sottovalutata. 

C’è stato dunque un reale, nuovo interessamento attorno 

ai vinili? 

Il discorso è analogo a quello per la musica liquida: chi ha sempre 

avuto il giradischi magari cerca di passare a qualcosa di più aggiornato 

e sofisticato ma diciamo che la movimentazione rispetto ai prodotti di 

fascia alta continua a essere ridotta. Stiamo constatando, piuttosto, 

come ci sia stato un abbassamento della qualità generale dei prodotti 

consumer: se fino a qualche anno fa si trovavano in giro dei giradischi 

accettabili, apparecchi buoni per un primo impianto con la possibilità 

di essere upgradati, adesso stanno uscendo prodotti che non hanno 

niente a che vedere con l’Hi-Fi e sembrano provenire dagli anni Ottanta, 

quando le persone per disperazione iniziarono a passare ai primi, 

rudimentali CD. Sembra si stia tornando indietro anziché andare 

avanti. Dal canto nostro, cerchiamo sempre di far capire all’utente che 

se spende qualcosa in più avrà risultati migliori in termini di qualità 

del suono e durabilità del prodotto. Cosa analoga accade per i dischi, 

che oggi spessissimo sono dei riversamenti analogici fatti partendo 

da un master digitale. 

Di cosa avrebbe bisogno, oggi, il mercato Hi-Fi? 

Noto che c’è poca conoscenza da parte degli utenti, che si affidano 

sempre più ad internet convincendosi di saperne più di altri. Ci sarebbe 

bisogno di più manifestazioni, eventi e incontri diretti con chi 

produce i dispositivi – come quello tenutosi da noi con Sonus faber 

– per far toccare con mano i prodotti a chi è interessato. Anche semplicemente, 

faccio un esempio, per mostrare il giusto collocamento 

spaziale dei diffusori, che alla fine dei conti in pochi rispettano nelle 

proprie abitazioni. 

I prossimi eventi/appuntamenti in negozio? 

Stiamo studiando un calendario 2020. Abbiamo in programma di 

fare una serata jazz con un gruppo che suona in un club qui vicino e 

una session utilizzando direttamente l’impianto che abbiamo. Siamo 

convinti che possa essere un buon modo per avvicinare nuovi e vecchi 

appassionati. 

Per info: Tuttaltramusica - Via Agogna 21 28100 Novara - 328 

9851066 - tuttaltramusica@libero.it 


SELECTOR 


AMPLIFICATORE PER CUFFIE 

Tektron TK5687PSES-I 

La storia ha avvocato 

per il progettista americano 

Julius Futterman il 

ruolo di vate della configurazione 

OTL prima che 

il generale decadimento 

di interesse per le circuitazioni 

a valvole a favore 

dei transistor contribuisse 

non poco all’oblio di questa 

soluzione circuitale caratterizzata 

anche da un certo 

livello di difficoltà di progetto 

e dalla necessità di 

tolleranze particolarmente 

basse tra le valvole. 

Ma in Hi-Fi, come in 

un serrato thriller 

alla James Bond, 

“mai dire mai”, e dopo il vinile 

abbiamo assistito a un rinnovato 

interesse per le valvole (gli 

appassionati potrebbero obiettare 

che c’è sempre stato ma... 

tant’è!) che, accompagnato da 

un equivalente interesse per 

l’ascolto in cuffia, ha riportato 

sotto i riflettori le amplificazioni 

OTL, in particolare nell’ambito 

di quest’ultima modalità d’ascolto 

che si svolge in maniera 

parallela a quella 

canonica. Una buona ragione, 

al di là dell’effetto vintage, è 

rappresentata da alcuni pregi 

specifici delle soluzioni OTL 

che manifestano caratteristiche 

particolarmente adatte per questo 

tipo d’uso: il basso rumore 

generato tipicamente da questa 

soluzione (priva di trasformatore 

d’uscita - Output Transformer-Less) 

o il fatto che le caratteristiche 

della sezione uscita si 

adattino a carichi di impedenza 

molto varia e generalmente 

più ampia che nel caso di un 

diffusore tradizionale (dove 

invece l’OTL è maggiormente 

assimilabile 

al concetto 

di “gioie 

e 

dolori”), sono segnali inequivocabili 

che questa soluzione sia 

molto adatta a risolvere l’abbinamento 

ampli-cuffia! 

Tutte cose che bene sa Attilio 

Caccamo, patron di Tektron 

con alle spalle più di 20 anni di 

esperienza nel restauro e nella 

riparazione di radio d’epoca e 

nell’offerta di valvole moderne 

e NOS: un vero cacciatore di 

valvole! E, almeno a giudicare 

dal suo primo amplificatore per 

cuffie, il Tektron TK5687PSES-I 

(nome certo non onomatopeico), 

anche progettista non troppo 

assillato da qualche “credo” 

assoluto visto che pur essendo 

buon conoscitore e fautore dei 

trasformatori d’uscita (che 

utilizza in buona parte della 

sua produzione) grazie a una 

relazione elettiva con Marco 

Novarria, autorità in materia, 

per il TK5687PSES-I ha scelto 

la soluzione OTL. 

“Nell’ascolto in cuffia non avere 

alcun fruscio o rumore è un 

elemento fondamentale e la 

soluzione OTL è l’ideale (acusticamente 

hai solo un condensatore 

lungo il percorso 

del segnale che, ovviamente, 

deve essere di ottima qualità), 

perché il trasformatore qualche 

piccolo rumore lo introduce 

e, anche quando è veramente 

buono, qualche colorazione ci 

Prezzo: € 2.800,00 

Dimensioni: 35 x 16 x 23 cm (lxaxp) 

Peso: 5 Kg 

Distributore: TEKTRON 

Piazza Luigi Sapienza, 18 - 95030 Sant’Agata Li Battiati (CT) 

Tel. 335 6693597 - Fax 06 62204300 

tektron-italia.com 

AMPLIFICATORE PER CUFFIE TEKTRON TK5687PSES-I 

Tipo: a valvole OTL Risp. in freq. (Hz): 10 - 55.000 Ingressi: 1 

XLR, 2 RCA Uscite: 1 RCA Impedenza cuffie: 16 - 800 Note: tubi 

accoppiati e selezionati: 2 x ECC82 - 4 x 5687 - 2 x 6ZY5. 

Cablaggio a mano punto punto senza l’utilizzo di circuiti stampati. 


TEST 

I connettori di potenza Neutrick sono 

disponibili nella modalità jack da 6,3 mm 

interbloccata per l’uscita single ended e 

nella versione XLR a quattro poli per quella 

bilanciata. I connettori RCA SE sono della 

CMC made in USA con il corpo in rame 

dorato prolungato per l’installazione in 

pannelli anche di elevato spessore oppure 

direttamente sul supporto in legno. 

L’ingresso bilanciato impiega una coppia 

di Neutrik XLR. 

Il cablaggio dei componenti è realizzato rigorosamente con 

la tecnica punto punto in cui si utilizzano prevalentemente 

i reofori dei componenti fissati fisicamente sui supporti dei 

zoccoli delle valvole e sulle strisce in bachelite dotate di 

ancoraggi. I cavi di collegamento sono fascettati fra loro e 

il circuito e la disposizione dei componitore attivi è pensata 

per ottimizzare il percorso del segnale. I componenti sono di 

elevata qualità in parte anch’essi NOS e Vintage ad eccezione 

dei condensatori elettrolitici di livellamento. 

Il circuito è realizzato con una configurazione 

totalmente dual mono con i due canali che non 

hanno nulla in comune. Le valvole, sia quelle di 

amplificazione che la rettificatrice di alimentazione, 

sono NOS selezionate e accoppiate: nel prodotto in 

prova sono state installate le ECC82 della Togram, le 

5687 della Tung-Sol e le rettificatrici 6ZY5 della RCA. 

può stare!”. Caccamo dixit, sottolineando 

anche il fatto che il 

suo TK5687PSES-I è in grado 

di pilotare cuffie con un range 

di impedenza notevole, altro 

pregio del’OTL, soprattutto se, 

al contrario di quanto accade 

nell’ascolto tradizionale, non si 

cerca solo l’abbinamento ideale 

ma anche la versatilità di 

poter ascoltare con più modelli 

di cuffie in funzione delle loro 

peculiarità. 

La scelta delle valvole è caduta 

su quelle che hanno il miglior 

rapporto di qualità ma anche 

una reperibilità ampia che consenta 

poi di selezionarle con 

maggiore ampiezza di scelta. 

Nulla osta, per chi è legato ad 

una particolare rappresentazione 

sonora di orientarsi verso 

altri modelli (Mullard più morbide, 

Telefunken più aperte) o, 

in alternativa, su valvole d’epoca 

come le GE, le Tungsol 

Un salutare tuffo nel passato, 

dunque, confermato dall’esame 

visuale dell’apparecchio 

che si allinea ai canoni estetici 

di un tempo, per alcuni l’unica 

vera Hi-Fi, e non nasconde ma 


SELECTOR 

al banco di misura 

La risposta in frequenza risulta molto ampia, molto più di 

quanto dichiarato dal costruttore, con un andamento molto 

lineare e quasi per nulla influenzata dal carico collegato. 

Solo per i carichi molto bassi si apprezza una lieve attenuazione 

all’estremo inferiore, posta lontano dal range utile. 

La distorsione, comunque molto contenuta, denota un 

decadimento armonico naturale e una componente di 

seconda armonica predominante. Il rumore di fondo è 

esalta la natura artigianale del 

prodotto, confermata da una 

costruzione “come un dì” (per 

il puro piacere estetico ammirate 

la foto dell’interno ma non 

avventuratevi se non necessario 

nello smontaggio). Vintage 

e deliziosi anche i comandi che 

prevedono due potenziometri 

separati (uno per canale) per il 

volume perché “...a mio avviso 

è necessario: le nostre orecchie 

non sono perfettamente 

identiche ma la presenza di 

un balance rappresenterebbe 

un ulteriore componente sul 

percorso del segnale con effetti 

peggiorativi”. 

Certo occorre qualche minuto 

in più per il settaggio 

dell’apparecchio ma l’intervento 

dei due comandi è molto morbido 

e interviene in maniera molto 

precisa sul bilanciamento. 

Per tutti i membri del nostro 

staff è stato davvero facile trovare 

la giusta regolazione, anche 

nel caso di chi trova veramente 

ostica la soluzione dei due potenziometri 

separati. 

In effetti, la regolazione avviene 

in modo molto naturale e si ottiene 

rapidamente un equilibrio 

con una scena acustica salda e 

posizionata al centro dell’headstage, 

risultato che si ottiene a 

“orecchio” e a gusto personale, a 

scapito di scale graduate e punti 

di riferimento sui potenziometri! 

La regolazione ottimale si 

molto basso e si apprezza l’assenza di spurie in banda 

e fuori banda nonostante la risposta in frequenza del 

sistema sia ampia e non filtrata all’estremo superiore. Il 

livello di uscita raggiunge tensioni elevate che amplia il 

range di abbinabilità con cuffie anche di bassa impedenza 

e non particolarmente efficienti, raggiungendo così 

livelli di pressione soddisfacenti all’interno di un range 

di utilizzo ottimale. 

raggiunge agevolmente anche 

grazie all’intervento morbido e 

progressivo del potenziometro 

che non mostra innalzamenti 

repentini del livello: una volta 

effettuata e dopo aver atteso un 

tempo nemmeno eccessivo per 

il riscaldamento, si può dar vita 

all’ascolto che evidenzia due caratteristiche 

molto chiare. 

Innanzitutto la mancanza di rumore 

è un valore davvero percepibile 

che contribuisce a una 

trasparenza e chiarezza della 

rappresentazione sonora, con 

un effetto simile a quello che, 

nelle giornate di sole, dirada la 

nebbiolina del primo mattino. A 

parte l’elevato grado di piacevolezza, 

la mancanza di veli dona 

alla musica un effetto di realismo 

notevole (tanto più se la 

cuffia che si ha in testa è una di 

quelle ad alto confort) che stabilisce 

una dimensione dell’ascolto 

in cuffia straordinario, anche 

perché le scelte circuitali hanno 

favorito un equilibrio timbrico 

che favorisce la presenza di un 

registro delle basse frequenze, 

ricco, ampio, articolato, scolpito 

ma al tempo stesso armonico e 

modulato. Non stiamo parlando 

di qualcosa che straborda 

ma di una pienezza della regione 

estrema delle frequenza 

presidiata con una articolazione 

notevole e una velocità negli attacchi 

e nei rilasci davvero inusuale. 

Non si tratta di quantità 

e peggio ancora di enfasi ma di 

una presenza naturale, possente 

e al tempo stesso mai preponderante; 

d’altronde anche per il 

resto della gamma riprodotta si 

può dire la stessa cosa, nel senso 

che si apprezza una resa in tutta 

la gamma armonica ma al tempo 

stesso incisiva e con un incedere 

davvero unico nel suo genere. 

In gamma alta non è così 

infrequente trovare apparecchi 

raffinati e dinamici ma difficilmente 

un comportamento del 

genere si estende anche al registro 

inferiore, soprattutto nella 

classe di prezzo in cui si colloca 

il Tektron. Da considerare 

inoltre che tale peculiarità la si 

ritrova anche negli abbinamenti 

più azzardati, con cuffie molto 

lontane fra loro come tecnologie 

e caratteristiche acustiche in cui 

si mantiene il timbro caratteristico 

delle cuffie ma si apprezza 

un livellamento in alto delle 

prestazioni, tanto da mettere in 

secondo piano il concetto stesso 

di abbinamento ottimale amplicuffia: 

mai una défaillance, mai 

una durezza. Si potrebbe azzardare 

che l’ambiente è “confortevole” 

per noi e per le cuffie “di 

ogni specie”... 


SELECTOR 



RAKOIT Arylic A50 

Un universo mutato nel 

tempo e nuovi stili di vita 

richiedono nuovi metodi 

di approccio ma anche la 

capacità di cogliere le opportunità 

laddove nascosti 

dai preconcetti o dai modelli 

del passato... 

Bufere, mutamenti epocali, 

trasgressioni, code 

lunghe e quant’altro... 

Il panorama dei prodotti per la 

riproduzione della musica ha 

subìto così tanti cambiamenti 

che molte affermazioni di principio 

(“Source first”, mah, sarà ancora 

valido?) risultano oggi inappropriate, 

rapidamente 

soverchiabili da 

altre regole o metri di 

giudizio. Se si aggiunge 

lo tsunami Cina (il 

suo ingresso, l’impatto 

commerciale, le nuove 

categorie di costi) e si 

completa con l’abdicazione 

del made in 

Japan (che comunque 

aveva in parte mutuato 

i suoi valori 

dal precedente 

mercato 

dominante 

occidentale), il 

quadro è fatto! Si aggiunga una 

notevole dose di commistione 

tra informatica ed elettronica ed 

è facile ipotizzare che le regole, 

quelle belle certezze che ci hanno 

accompagnato dagli anni ’60 

in poi, sono saltate. Ne avemmo 

per la prima volta contezza molti 

anni fa quando provando un 

convertitore portatile di provenienza 

informatica di costo risibile: 

fu doveroso ammettere che 

il rapporto costi/benefici a cui 

eravamo abituati stava saltando. 

Il mondo Hi-Fi ha reagito chiudendosi 

ancor più in quell’enclave 

che già l’abbandono quasi 

totale dei grandi dell’elettronica 

aveva evidenziato; intanto 

le generazioni M, 

X e tutte le 

altre lettere 

dell’alfabeto 

con 

cui quelli 

dopo di 

noi vengono 

definiti 

si godevano 

comunque la 

musica! 

Questo lungo preambolo 

è finalizzato fondamentalmente 

a far percepire 

al lettore come oggi il mercato 

offra soluzioni spesso non canoniche 

e come alcune di esse possano 

rivelarsi, a un occhio scevro 

da preconcetti, anche molto 

performanti nel puro ambito che 

più interessa l’appassionato: la 

qualità della riproduzione sonora. 

Se si affronta così il mercato, 

si possono ravvisare in alcune 

scelte gli elementi che garantiscono 

un rapporto costi/benefici 

elevato e in sostanza, poiché il 

budget di ogni appassionato non 

è infinito, le opportunità di assemblare 

il proprio sistema nel 

modo più profittevole possibile! 

Se così non fosse, inutile interessarsi 

a una società come Rakoit, 

una sorta di start-up nata nel 

2014 con sede a Shenzhen, Cina, 

e formata da uno staff giovane 

che si è formato nelle università 

occidentali. Obiettivo di Rakoit 

la progettazione e produzione di 

hardware audio per lo streaming 

affiancata a quella di software 

correlati, applicazioni e servizi 

di integrazione allo streaming. 

Il tutto con l’ausilio di una unità 

produttiva non piccola non grande 

(1.000 mq) che rende Rakoit 

se non una mosca bianca un caso 

Prezzo: € 159,00 


Peso: 0,4 Kg 

Distributore: Axiomedia 

Via Enrico Mattei 2 c/o Ecocity - 20852 Villasanta () 

Tel. 039-2051560 

www.axiomedia.it 

STREAMING PLAYER RAKOIT ARYLIC A50 

Formati audio compatibili: WAV, Apple Lossless, FLAC, WMA 

Lossless, APE, MP3 cbr, MP3 vbr, AAC, WMA, Web Radio Sistemi 

operativi supportati: 4 Stream e/o Muzo Tipo: stereo Tecnologia: 

a stato solido Amplificazione: 2 x 50 W su 4 Ohm (100 

W su 8 Ohm) in classe D Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 Ingressi 

analogici: 2 RCA Uscite analogiche: 2 RCA Ingressi digitali: 

USB Standard (1) Accessori e funzionalità aggiuntive: Telecomando 


TEST 

a parte nella grande espansione 

industriale del Dragone. Per merito 

di una sapiente correlazione 

con il distributore italiano (che 

è anch’esso produttore e progettista 

software), dal catalogo 

del costruttore cinese sono stati 

selezionati alcuni prodotti che, 

consapevolmente o meno, sono 

adatti a imbastire una sfida che 

inevitabilmente SUONO ha reso 

possibile: può un economicissimo 

prodotto cinese confrontarsi 

con i criteri minimi che definiscono 

l’Hi-Fi superandoli? La risposta, 

oltre a essere un SI pieno, 

si arricchisce di un ulteriore EC- 

COME, in quanto certe soluzioni 

possono evolvere e migliorare 

nel tempo con affinamenti e tuning 

up, mantenendo un costo 

pressoché invariato. 

È il caso del piccolo Arylic A50, 

che offre in dimensioni decisamente 

minimali un amplificatore 

integrato completo dotato di ingressi 

analogici, ricevitore Bluetooth 

e streamer con connessione 

fisica e Wi-Fi, che supporta 

per di più la configurazione multizona 

e multiroom. L’alimentatore 

è esterno all’apparecchio, di 

tipo switching, fornisce 24VDC 

a 4.16A e ha dimensioni paragonabili 

all’apparecchio, anzi, uno 

dei tre lati è di poco più lungo di 

quelli dell’A50. D’altronde quando 

le dimensioni sono ridotte al 

minimo non è possibile e soprattutto 

poco raccomandabile 

tentare di inserire l’alimentatore 

all’interno del circuito attivo. 

Una volta trovata la collocazione 

“a scomparsa” dell’alimentatore 

esterno, il prodotto occupa veramente 

uno spazio esiguo e risulta 

anche molto gradevole alla 

vista, con una estetica sobria ma 

comunque molto curata. Anche 

il retro ha subìto una drastica 

razionalizzazione degli spazi in 

quanto sono presenti comunque 

un certo numero di connessioni: 

una coppia di ingressi RCA, una 

coppia di uscita RCA l’RJ-45 per 

la connessione di rete, la presa 

USB, la presa di alimentazione 

e, infine, il collegamento dei cavi 

di potenza per i diffusori. Per il 

contenimento dello spazio per 

quest’ultimi è stato impiegato 

un connettore rapido, di quelli 

che non piacciono per nulla al 

mondo audiofilo e che per chissà 

quale motivo vengono tacciati di 

poca affidabilità nella “connessione”. 

Sicuramente questo tipo 

di connessione è poco scenico e 

sicuramente bisogna dotarsi di 

un cacciavite sottile di ottima 

qualità e di santa pazienza per 

spellare il cavo con molta precisione 

in quanto la lunghezza 

deve essere di circa un centimetro. 

Fatto ciò il collegamento è 

stabile, molto pratico da inserire 

e disinserire e a prova di cortocircuito. 

Inoltre, occupa pochissimo 

spazio soprattutto nella 

parte posteriore. Anche se non 

ha nulla di Hi-Fi nell’aspetto, si 

tratta di una delle soluzioni più 

efficaci e viene da chiedersi come 

mai l’Hi-Fi abbia optato 

per sistemi più inefficaci e 

a rischio come i morsetti 

a vite. Il cavo che ci si può 

collegare ovviamente non 

può essere di grandi dimensioni 

ma sicuramente 

di quelle che bastano e 

avanzano per le grandezze 

in gioco, anche considerando 

che se la lunghezza 

non è eccessiva 

la sezione diventa meno 

importante. Anticipando 

alcune considerazioni 

che faremo più 

avanti, se si azzarda 

una configurazione 

in biamplificazione 

verticale, la lunghezza 

dei cavi diventa 

irrisoria in quanto 

ognuno dei due 

A50 viene collocato 

quasi a ridosso del 

diffusore, massimizzando così 

la funzionalità del tipo di connessione 

con una lunghezza dei 

cavi inferiore al mezzo metro! 

All’interno trovano posto i tre 

elementi funzionali: il processore 

audio MVSilico AP8064 

dotato anche di ricevitore del 

segnale analogico, Bluetooth 

e di elaborazione DSP; il modulo 

di comunicazione di rete 

della Linkplay A31 che supporta 

i protocolli di trasmissione 

audio, i formati più comuni e 

le app dei fornitori di servizi di 

streaming; infine l’integrato di 

potenza STMicroelectronics ad 

alta potenza, anch’esso programmabile 

e con varie funzioni DSP. 

In altri termini un coacervo di 

soluzioni, alcune sovrapposte 

altre no, che abbinate anche ad 

una app di gestione molto avanzata 

consentono configurazioni 

e installazioni “estranee” a prodotti 

di questa classe di prezzo. 

Il prodotto viene fornito anche di 

telecomando a infrarossi e si può 

utilizzare in modalità stand 

All’interno dell’esiguo spazio 

a disposizione trovano 

posto due coppie di 

connessioni RCA, una per 

l’ingresso linea e l’altra per 

l’uscita preamplificata. Al 

centro il collegamento RJ- 

45 per la rete e il caratteristico 

connettore ad innesto rapido 

per i cavi di potenza. Al lato il jack 

di alimentazione a 24VDC. 

alone, senza connetterlo alla rete 

interna - certo è un peccato ma 

è anch’essa una possibilità e si 

può sfruttare la connessione 

Bluetooth. 

L’app di gestione consente la 

configurazione dei vari sistemi 

connessi all’interno della rete e 

di vari tipi di raggruppamento 

per zona e funzionalità; si possono 

gestire anche i servizi esterni 

di streaming, molti dell’emisfero 

orientale ma anche quelli che più 

si utilizzano in occidente tra cui 

Tidal, Qobuz, Deezer e Spotify. 

Da segnalare che il sistema si 

trova a particolarmente a suo 

agio nella riproduzione di formati 

non compressi anche ad alta 

risoluzione, pertanto, con Qobuz 

sembra avere una marcia in più 

rispetto a Spotify o altri servizi 

con stream a perdita. Tramite 

l’app è possibile anche accedere 

ai contenuti nei server DLNA 

ma con una esperienza d’uso 

non così attraente come quella 

di altri fornitori come, 

ad esempio, 


SELECTOR 

Lo stadio finale in classe D è un 

integrato ST Microelectronics 

STA326 con quattro canali 

configurabili in 2+1, 2 e mono. 

Nell’A50 è stata selezionata la 

modalità stereo a ponte. 

L’A50 è incentrato sul processore Audio 

MVSilicon AP8064 che si occupa della 

ricezione dei segnali analogici e digitali, 

della conversione e della transcodifica. È 

dotato anche di DSP per equalizzazione e 

la regolazione dei livelli e per la ricezione 

dei segnali Bluetooth. 

Il modulo di rete Wireless 

e Ethenet 10/100 Mbps 

è un LinkPlay A31 che 

implementa il supporto 

al DLNA, Airplay e tutti 

i codec necessari per la 

conversione dei formati 

streaming. Il sistema 

supporta anche le app di 

fornitori streaming come 

ad esempio Spotify, Tidlal 

e Qobuz. 


SELECTOR 

TANTE PICCOLE COSE 

L’app di gestione 4Stream realizzata da LinkPlay (che fornisce il modulo 

di trasmissione di rete) deriva direttamente dalla App MUZO player hi fi. È 

necessario usare 4Stream per la configurazione del dispositivo che avviene 

in modo molto semplice ed intuitivo con pochi passi necessari per settare 

l’accredito nella rete domestica sia wireless che di tipo cablata. 

L’App supporta i servizi di streaming di fornitori esterni utilizzando gli strumenti 

di ricerca dei fornitori ma mantenendo l’aspetto caratteristico della 

app 4Stream durante la riproduzione: copertina all’interno di un “disco in 

vinile” e in alto a sinistra il logo della sorgente streaming, nelle foto si apprezza 

il DLNA e Qobuz. 

Bubble UPnP. Tuttavia, quando 

si inserisce il sistema in una rete 

DLNA, l’Arylic A50 si presenta 

come un render puro e facilmente 

gestibile da un Controller 

DNR o da un Player DMP. 

La tensione di alimentazione è di 24VDC a 4.16A fornita da 

un alimentatore switching. Lo stadio finale accetta tensioni 

di alimentazione anche maggiori per raggiungere una 

potenza di uscita fino a 2x80 W su 4 Ohm, valore comunque 

al limite del sistema e che sviluppa anche calore. Invece 

l’A50 eroga circa 28 Wrms su 8 Ohm, un risultato più che 

dignitoso in conseguenza del fatto che il calore è molto 

contenuto anche per lunghi periodi di attività ad alti livelli 

di ascolto. All’interno un ulteriore circuito di livellamento 

e filtratura della tensione di ingresso. 

Si tratta di usare la sua app per 

configurare l’apparecchio e per 

riprodurre i brani presenti nella 

memoria collegata alla presa 

USB a bordo dell’apparecchio 

ma, per il resto, l’apparecchio 

si inserisce facilmente in un 

ecosistema DLNA compatibile e 

risponde molto bene ai controlli 

e ai comandi. 

Sempre tramite la App di gestione 

è possibile configurare 

ogni A50 per la riproduzione 

in modalità stereo oppure per 

la riproduzione di uno solo dei 

canali, il destro o il sinistro a 

scelta. Potendo disporre di due 

A50 è possibile 

configurarli uno 

per il canale 

sinistro l’altro per 

quello destro e 

poi raggrupparli 

in modo che 

vengano considerati 

sia dalla 

App che da un 

sistema DLNA 

come un sistema 

unico. Durante 

la fase di abbinamento 

uno dei due 

sistemi diventa l’unità master 

e l’altra si connette all’unità 

master in una sotto rete gestita 

dall’unità master, non visibile 

all’interno della rete domestica. 

Il volume viene regolato per entrambi 

i sistemi ma volendo si 

può intervenire su uno di essi per 

ottimizzare il bilanciamento e 

poi regolare il livello dal master. 

Lo stadio di potenza non sembra 

risentire in modo particolare del 

carico a cui si collega, anzi, anche 

nei passaggi più concitati non si 

avverte indurimento in gamma 

alta anche all’approssimarsi del 

limite superiore di potenza che, 

tuttavia, prima del clipping si 

inserisce un compressore che 

sposta ancora un po’ più in là 

il momento in cui bisogna “abbassare” 

il volume. La timbrica 

non è fra le più luminose con 

una risposta comunque alle alte 

frequenze molto nitida e dettagliata. 

La resa più emozionante 

e coinvolgente si ottiene in biamplificazione 

e comunque non a 

bassissimi livelli ma da un certo 

volume in poi, in cui l’articolazione, 

il punch e la timbrica diventano 

appannaggio di apparecchi 

di classe “Hi-Fi” di alto rango: 


TEST RAKOIT ARYLIC A50 


La risposta in frequenza presenta una marcata attenuazione 

all’estremo superiore che in parte riduce la sensibilità del 

filtro di uscita dell’amplificazione in classe D in funzione 

del carico collegato. L’estremo superiore si ferma a 20kHz 

in seguito al processamento del segnale a 44.1kHz interno 

al DSP. È presente anche una curva di equalizzazione su cui 

al momento non si può intervenire. La potenza rilevata su 

un carico di 8 Ohm è circa 28 Wrms con un clipping non eccessivamente 

repentino in cui intervengono anche i circuiti 

di compressione. La distorsione si attesta su valori molto 

bassi sopratutto ad alti livelli di emissione, mentre a basso 

livello si innalza il rumore anche se non a livelli eccessivi. 

veramente dal giorno alla notte! 

Anche con i formati compressi a 

perdita il risultato è eccellente, 

soprattutto per l’assenza in alta 

frequenza dei fastidiosi effetti 

della compressione che spesso 

vengono esaltati e rendono 

poco piacevole la riproduzione. 

Tramite la App è possibile configurare 

più sistemi per riprodurre 

un solo canale e per essere abbinati 

fra loro, quindi la tentazione 

di metter su una biamplificazione 

passiva verticale è veramente 

irresistibile: il risultato va oltre 

ogni aspettativa! Dinamica, articolazione, 

pressione complessiva 

vanno ben oltre il prezzo “doppio” 

per l’acquisto di due A50. Si 

tratta di una formula semplice: il 

prezzo raddoppia ma la qualità 

è esponenziale, e i costi restano 

comunque lontanissimi dallo 

scenario in cui si muove l’Hi-Fi 

tradizionale. 


SELECTOR 



Blue Aura V32 

Stando alla pubblicistica 

aziendale, il marchio 

Blue Aura, data di fondazione 

2010, è composta da 

un team di ingegneri audio 

britannici con la passione 

per l’integrazione tra 

i sistemi di riproduzione 

sonora e le opportunità 

fornite dalle soluzioni wireless. 

Fondatore e direttore di 

Matrix Sound Limited, 

la società proprietaria 

del marchio, è Nicholas William 

Holland, sessantenne con un 

passato in Mission e, sempre da 

informazione aziendale, un “audio 

industry veteran” con circa 30 

anni di esperienza. In merito non 

possiamo dire di più non essendo 

riusciti a contattare Holland ma le 

caratteristiche della Matrix Sound 

Limited e, in particolare quelle di 

Blue Aura, sembrano essere quelle 

della tipica azienda fabless: team 

di progettazione occidentale (con 

sede in Inghilterra) e produzione 

lì dove i costi sono minori. Si aggiunga 

una caratteristica che comincia 

a diventare tipica proprio 

nel Regno Unito ovvero quella 

di una versione sui generis del 

concetto di startup 

dove 

spesso 

proprio dei veterani tornano a solcare 

il terreno della riproduzione 

sonora offrendo una versione aggiornata 

di quel value for money 

(o le molte altre definizioni che ne 

vennero date al tempo) che rese 

famoso il Made in England in Hi- 

Fi. Tradotto in termini moderni 

una ricerca, scevra di preconcetti 

(o perlomeno lontana dai canoni 

tradizionali) su quelle soluzioni 

che rendono l’ascolto della musica 

più piacevole e fruibile, prendendo 

spunto dal fenomeno Tivoli o 

giù di lì... 

In questo senso la line up dei prodotti 

Blue Aura (un catalogo essenziale 

ma che tocca tutti i principali 

anelli di una catena Hi-Fi, 

anche se manca uno streamer) fa 

anche qualcosina di più, in quanto 

va a rivisitare i canoni stilistici e almeno 

in parte tecnici della “buona 

Hi-Fi di una volta” creando 

quel curioso coacervo per cui 

possono coesistere le valvole e 

il Bluetooth. Roba per stomaci 

senza preconcetti, insomma, 

offerta a prezzo ragionevole, 

proprio come accadeva con la 

generazione di prodotti essenziali 

ma ben suonanti di un tempo. 

Un’operazione principalmente 

di marketing? Anche, senz’altro, 

ma anche votata a investigare quei 

nuovi rivoli di mercato che la fruizione 

moderna della musica offre. 

Ecco: inquadriamo in questa luce 

Prezzo: € 449,00 

Dimensioni: 25,50 x 14 x 20 cm (lxaxp) 

Peso: 3,2 Kg 

Distributore: Exhibo 

Via Leonardo da Vinci, 6 - 20854 Vedano al Lambro () 

Tel. 039 49841 

www.exhibo.it 

AMPLIFICATORE INTEGRATO BLUE AURA V32 

Tipo: stereo Tecnologia: ibrido Potenza: 2 x 20 W su 8 Ohm in 

classe AB Accessori e funzionalità aggiuntive: Telecomando, 

Ingresso cuffia Risp. in freq. (Hz): 20Hz-20KHz +/- 1,5dB THD 

(%): 0,1 S/N (dB): 86 Phono: MM ( mV/ KOhm) Ingressi analogici: 

(1,0 mV/47 kOhm) Ingressi digitali: USB Standard Sistema 

di conversione audio D/A: 24 bit - 96 kHz Note: 6n1x2 6e2x1, 

Bluetooth aptX, uscita sub. 


TEST 

Lo stadio finale utilizza un 

integrato di potenza ST 

Microelectronics STA540 in classe 

AB a quattro canali configurabili 

anche in modalità stereo e in 

grado di erogare fino a 2x34 

Wrms su 8Ohm. 

La sezione di ingresso utilizza un processore 

audio Princeton Technology Corporation 

PT7314 dotato di un buffer in ingresso e uno 

di uscita, quattro ingressi linea, controllo del 

volume, dei toni e loudness progressivo. 

Le funzioni dell’apparecchio 

sono gestite da un 

microcontroller 

programmabile che tiene 

sotto controllo anche le 

condizioni operative. Il 

software è realizzato ad hoc. 

L’ingresso phono impiega due 

amplificatori operazionali Analog 

Devices AD8672A caratterizzati da 

un bassissimo rumore e impiegati 

per strumentazioni di misura e 

amplificatori di precisione a basso 

rumore. 

Il modulo Bluetooth 4.1 è un CSR8645, 

ora acquisito dalla Qualcomm, che 

supporta la modalità A2DP e aptX. Il modulo è 

dotato anche di connessione USB audio a 48kHz 16bit. 

Due ingressi RCA, uno per l’entrata phono MM e l’altra per 

l’ingresso linea. Un ulteriore ingresso ausiliario è presente 

con un jack stero da 3,5mm. Sotto la presa di massa per il 

fono, molto comoda da utilizzare, è presente la connessione 

USB audio a 48kHz 16bit. Il segnale in uscita è pensato per 

alimentare un subwoofer attivo tramite un collegamento RCA 

stereo. Sotto l’antenna Bluetooth è collocato il connettore 

jack da 3.5mm per l’uscita cuffia, abbastanza difficile da 

raggiungere; i morsetti di potenza sebbene posizionati molto 

vicini fra loro sono comodi e accessibili. 


SELECTOR 


La risposta in frequenza è fortemente caratterizzata da un incremento della gamma bassa di circa 7dB centrato intorno agli 

80 kHz presente di default all’accensione dell’apparecchio. Tramite il telecomando è possibile intervenire sulla regolazione 

e raggiungere una risposta flat diminuendo di due passi l’emissione in basso e aumentando quella alta di tre. I controlli 

di tono hanno un effetto molto marcato ma si rischia di far saturare lo stadio di uscita che raggiunge circa 12 Wrms su 

8 Ohm. La risposta è molto estesa è il rumore di fondo risulta molto basso e privo di interferenze. La distorsione mostra 

un buon decadimento armonico e si mantiene entro valori molto bassi fino al raggiungimento del clipping, repentino. 

l’integrato V-32 che a un prezzo 

collocato strategicamente in una 

fascia appetibile offre alcuni degli 

stilemi del passato (le valvole 

ma anche un design e un cabinet 

elegante, lineare e sobrio che richiama 

quegli echi lì) all’interno 

di una soluzione in cui la provenienza 

orientale non lascia troppi 

margini all’originalità, se non 

nelle scelte di base che “un team 

di ingegneri audio britannici con 

la passione per l’integrazione tra 

i sistemi di riproduzione sonora, 

etc., etc.” possono effettuare o indurre 

nel fornitore. A queste possono 

essere ascritte, ad esempio, 

la presenza di uno stadio fono di 

più che accettabile qualità (tanto 

per dare un’idea: ci sono prodotti 

Hi-Fi simili che lo utilizzano in 

modelli anche di gamma media 

- entry level) o la annosa scelta tra 

alimentazione interna ed esterna 

in favore della prima, più onerosa 

in termini di costi e complessità 

circuitale (l’alimentatore, di tipo 

switching, è collocato all’interno 

dell’apparecchio dentro il 

contenitore nero posto dietro le 

valvole). La scelta di Blue Aura è 

caduta su una soluzione estetico 

funzionale notevole in quanto gli 

alimentatori esterni non fanno 

una bella figura e in ogni caso il 

“sarcofago” in puro alluminio fresato 

ricorda molto i trasformatori 

di uscita (non presenti in questo 

prodotto) degli ampli a valvole. 

Davvero accettabile in un’ottica 

Hi-Fi… ! 

Più discutibile dal punto di vista 

funzionale la scelta di una soluzione 

ibrida laddove, tenuto anche 

costo della fascia di mercato, non 

c’era nessuna necessità di sfruttare 

le due tecnologie, valvole + 

chip integrato di amplificazione 

in classe AB a quattro canali configurabile 

in vari modi, ma dove le 

sirene del marketing hanno orientato 

la scelta verso una soluzione 

“accattivante” che impiega una 

valvola storica, la 6E2, una sorta 

di indicatore di livello a cavallo fra 

un occhio magico e un VU-Meter 

lineare, che però evoca al contempo 

quelle scelte solo formali che 

apparvero sul mercato con i primi 

prodotti cinesi... 

Avremmo voluto contattare Holland 

anche per discutere di alcune 

scelte tecniche che potremmo 

definire perlomeno originali ma 

sulla cui valenza, almeno nei commenti 

che troverete, utilizzate le 

pinze visto che non è stato possibile 

un contraddittorio. 

Dal punto di vista dell’UX, ad 

esempio, nessuna indicazione per 

gli ingressi, per il livello di regolazione 

del volume e ancor peggio 

per le regolazioni effettuate solo 

da telecomando, noi non ci siamo 

trovati bene e non comprendiamo 

le scelte intraprese, non solo 

per il fatto che, non essendo dei 

millennials, forse il codice di 

comunicazione ci è ignoto. Un 

esempio per tutti: il controllo dei 

toni avviene tramite i tasti del 

telecomando senza nessuna indicazione 

né sull’intervento né sullo 

stato. Lo si potrebbe considerare 

un aspetto marginale se non fosse 

che il sistema, di default, non ha 

una risposta lineare ma un’enfasi 


TEST BLUE AURA V32 

L’indicatore di livello a tubi mostra due barre fluorescenti che partono dagli estremi 

e vanno a coincidere al centro della valvola quando il livello raggiunge il massimo. 

La valvola 6E2 utilizza una griglia di emissione che proietta il doppio fascio su uno schermo 

fluorescente. Le due valvole ai lati sono le 6N2, un doppio triodo di amplificazione. 

importante nella gamma bassa e 

medio bassa. Attenzione, non si 

tratta di un loudness progressivo 

ma di uno squilibrio che interessa 

una banda molto ampia e che, 

generalmente, tende a spostare 

l’equilibrio timbrico della risposta 

complessiva. Sempre mancando 

il contraddittorio, abbiamo supposto 

che la scelta di enfatizzare 

la gamma bassa può essere una 

ottima chance, soprattutto se il 

prodotto è pensato per essere abbinato 

a diffusori piccoli da scrivania, 

ma ciò comporta anche un 

serie di problemi legati al livello 

di ascolto e di saturazione del segnale 

che rendono molto difficile 

la vita dell’amplificatore. Ad esempio, 

a basso volume si avverte uno 

squilibrio verso il basso che oscura 

totalmente il resto della gamma. 

Alzando il volume, l’equilibrio 

cambia e a un certo livello diventa 

anche molto piacevole, e in questo 

fa da padrone il concetto di 

equalizzazione loudness; alzando 

ancora e di poco il volume, però, 

il sistema entra immediatamente 

in crisi in quanto uno squilibrio di 

circa 10 dB porta rapidamente in 

saturazione il piccolo finale di potenza. 

In effetti, l’equalizzazione 

loudness ha un effetto importante 

e molto gradevole quando apporta 

una equalizzazione agli estremi 

banda che varia progressivamente 

in funzione del livello; in questo 

caso, invece, si tratta di una enfasi 

eccessiva, costante. I controlli di 

tono potrebbero aiutare a rendere 

lineare la risposta ma, disconoscendo 

i punti di intervento e 

l’entità, a orecchio è veramente 

complicato trovare un compromesso, 

anche perché in gamma 

alta si manifesta oltre a una equalizzazione 

anche un innalzamento 

del livello che modifica l’equilibrio 

complessivo. Solo attraverso un 

analizzatore di spettro è possibile 

ottenere una risposta lineare, visto 

che è sostanzialmente impossibile 

tenere a mente quante volte bisogna 

premere i pulsanti dei toni per 

raggiungere l’obiettivo e soprattutto 

per ottenere gli stessi risultati 

in seguito allo spegnimento del 

prodotto. Perché i settaggi delle 

equalizzazioni si perdono a ogni 

riaccensione! 

Viene spontaneo chiedersi allora 

quali potrebbero essere state le intenzioni 

del costruttore in quanto 

molti aspetti sono particolarmente 

curati ma altri del tutto trascurati. 

Per certi versi è vero che la 

destinazione d’uso del prodotto 

sembra orientato a un pubblico 

non audiofilo ma non sembrerebbe 

nemmeno di nuova generazione 

in quanto i millennials, abituati 

ad app e all’immediatezza dell’utilizzo 

di apparati complessi, certamente 

non troverebbero soddisfazione 

nell’utilizzo del V32 anche 

perché, sbagliando i settaggi ma 

anche lasciandolo così com’è, il 

limite della potenza di uscita è 

piuttosto facile da raggiungere 

anche a pressioni complessivamente 

modeste. Una scelta che, 

soprattutto in considerazione del 

fatto che lo stadio di ingresso e di 

controllo è realizzato ad hoc con 

un microcontrollore che gestisce 

l’integrato di ricezione del segnale 

di regolazione del volume e di 

preamplificazione, penalizza il 

prodotto e, con altri presupposti, 

lo avrebbe invece distinto seriamente 

da molta concorrenza in un 

momento in cui l’offerta del mercato 

orientale è ai vertici. Ci rimane 

anche qualche dubbio in merito 

alle scelte relative alla sezione 

digitale, non tanto per la scelta di 

un ricevitore Bluetooth quanto 

per quella di sfruttare la sua sezione 

DAC interna anche per un 

collegamento USB limitato a 48 

kHz 16 bit e senza ingresso spdif, 

quando si sarebbe potuto fare 

(ma a che costi? Holland potrebbe 

spiegarlo...) di più, soprattutto 

rispetto ai dati dichiarati nel manuale 

e nella brochure in cui vengono 

esposti dati ben differenti. 

Quello che colpisce, però, è in un 

certo senso il peso che viene dato 

a certi aspetti che poi distolgono 

l’attenzione da quelle che invece 

sono le caratteristiche che rendono 

unico un prodotto, soprattutto 

quando è evidentemente orientato 

all’universo analogico! 

L’impostazione timbrica, una volta 

ottenuta una regolazione flat, 

risulta molto luminosa e incisiva 

anche se l’escursione dinamica è 

comunque contenuta e risente di 

un certo indurimento all’aumentare 

del livello di uscita. Con formati 

compressi si evidenziano gli 

artefatti digitali e una qualche fatica 

di ascolto. Tramite i controlli di 

tono è possibile ottenere un equilibrio 

più caldo e ritmico anche 

se l’incremento, seppur minimo, 

del registro inferiore, tende a far 

perdere articolazione alla gamma 

bassa con una impostazione 

puncy non proprio gradevole. 

In buona sostanza siamo di fronte 

a un prodotto che è frutto di buone 

intenzioni, che incarna in buona 

parte l’idea di value for money (soprattutto 

se alcune scelte iconiche 

contano per voi) che con qualche 

accortezza in più avrebbe potuto 

essere una killer app. Basterebbe 

poco ma è lecito chiedersi se quel 

poco sarebbe dovuto, lecito o un 

plus in questa fascia di prezzo. A 

far chiarezza l’esame di concorrenti 

che tra più tradizionali e 

altrettanto di frontiera, in alcuni 

casi offrono di più dal punto di vista 

sonoro, in altri da quello della 

versatilità. In medio stat virtus? 

Date un voto anche al vestito che 

è parte della piacevolezza. 


SELECTOR 



Moon 390 

40 anni e non accorgersi 

di averli... Sarà perché la 

propensione all’innovazione 

costringe a evolvere costantemente, 

sarà perché 

di vicissitudini Moon ne 

ha vissute parecchie (a cominciare 

dal nome stesso e 

ve lo racconteremo) ma si 

fa fatica ad associare una 

così lunga storia a questo 

costruttore canadese orgoglioso 

di aver sempre costruito 

tutto in casa senza 

cedere alle lusinghe delle 

sirene orientali. 

Quella che diventerà 

Moon viene fondata, 

per i tipi della Sima 

Electronique, nel 1980 a St. 

Hubert nel Quebec dal tecnico 

del suono Victor Sima il cui 

primo prodotto è un ampli integralista 

privo di ogni orpello 

non indispensabile (PW 2000). 

Dieci anni più tardi la società è 

soggetta a una riorganizzazione 

aziendale con il passaggio a Simaudio 

che, qualche anno più 

tardi (1997), dà vita al marchio 

Moon, caratterizzato da contenuti 

e aspetto maggiormente 

tecnologici. Nel 2013 l’azienda 

viene nuovamente ceduta agli ex 

dipendenti: Costa Koulisakisa 

per il lato commerciale, Thierry 

Dufour e Louis Lemire per quello 

progettuale. Da quel momento 

tutto il catalogo della casa è 

soggetto a una accelerazione 

frutto dell’impulso del nuovo 

staff che 

darà origine 

a uno sterminato 

catalogo di elettroniche (attualmente 

ne abbiamo contate oltre 

30!) e che proprio in questo periodo 

dà vita al primo streamer 

dell’azienda, il 180 MiND; il 

modulo Mind ora alla versione 

“2” costituisce l’elemento base 

di una linea che comprende attualmente 

ben 6 modelli di streaming 

player. 

Il 390 è uno dei più recenti: si 

tratta di un pre-dac-network 

player, compatibile Roon, Tidal, 

Qobuz, Deezer e UPnP con 

architettura digitale a 32/384 

in grado di decodificare file 

PCM ma anche DSD fino a 256. 

L’apparecchio è anche dotato 

di connessioni HDMI e ingressi 

bilanciati e display OLED. Nella 

sempre più ardua opera di categorizzazione 

delle new entry 

Hi-Fi, come sempre più spesso 

accade il posto dove inserire il 

Moon 390 è... ancor più mutevole 

che in altri casi. È principalmente 

un preamplificatore? 

Si, a tutti gli effetti e non solo 

un hub digitale visto che dispone 

di un ingresso fono versatile e 

di altissimo livello. È uno streamer? 

Indubbiamente. È un 

DAC? Senza dubbio. Risponde 

in linea di massima al concetto 

di preamplificatore moderno, 

un ruolo che, se se ne escludono 

le versioni ispirate al minimalismo, 

in passato come nel 

presente prevede che il pre (un 

tempo chiamato anche cervello) 

sia il crocevia dei vari segnali in 

ingresso e sia in grado di trattarli 

in modo che l’amplificatore 

di potenza possa amplificarli al 

meglio. Ai segnali e agli ingressi 

“tradizionali” (ormai nel vocabolario 

comune anche gran arte 

di quelli digitali) si aggiungano 

le connessioni HDMI (ARC e 

non), seppur di estrazione 

tutt’altro che “Hi-end”, che 

costituiscono comunque 

un ulteriore passo verso 

il concetto di prodotto “al 

centro” dell’impianto, anzi 

di un impianto di livello assoluto 

che apre la fruizione 

della musica anche con 

Prezzo: € 6.250,00 


Peso: 10 Kg 

Distributore: LP Audio 

Via della Tesa, 20 - 34138 Trieste (TS) 

Tel 040 569824 

www.lpaudio.it 

STREAMING PLAYER MOON 390 

Formati audio compatibili: PCM, AIFF, WAV, FLAC Tipo: stereo Tecnologia: a stato 

solido Risp. in freq. (Hz): 10 - 200.000 -0.5 dB/-3 dB THD (%): 0.0004 S/N (dB): 125 

Ingressi analogici: 1 RCA 1 XLR Uscite analogiche: 2 RCA 1 XLR Ingressi digitali: 

Ottico (1), Coassiale (1), USB High resolution (1), Ethernet (2) Ingresso Phono: MM ( 

mV/ KOhm) MC ( mV/ Ohm) Convertitore D/A: ESS DAC PRO Sistema di conversione 

D/A: 32 bit - 384 kHz Accessori e funzionalità aggiuntive: Ingresso cuffia Note: 

volume regolabile, PCM 32/384 e DSD 256, circuitazione bilanciata, ingresso fono 

configurabile, 4+1 HDMI, 1 uscita variabile MQA e Roon ready. Bluetooth aptX. 


TEST 

Il modulo di comunicazione di 

rete STREAM810, prodotto dalla 

StreamUnlimited, è fra i più evoluti, 

aggiornati e ad ampia compatibilità, con 

fornitori di terze parti di servizi streaming 

e di gestione dei contenuti. Supporta 

ogni aspetto del DLNA ma anche Roon e 

Chromecast built-in. 

Lo stadio di amplificazione dell’uscita 

cuffia impiega due integrati Texas 

LME49600, uno per canale, dotati 

di uscita ad alta corrente e gran 

capacità di pilotaggio e alimentati 

con uno stabilizzatore filtrato per 

ogni dispositivo. Praticamente 

lo stesso front end utilizzato nel 

Moon 230HAD. 

La regolazione del livello di uscita 

variabile impiega due integrati 

JRC MUSES 72320 in dual mono 

e configurazione bilanciata, 

gestiti da un microcontrollore 

in modo molto sofisticato 

e personalizzabile per ogni 

ingresso con passi fino a 0.25dB. 

Gli ingressi HDMI utilizzano una scheda ad 

hoc prodotta dalla Momentum Data System 

realizzata appositamente per estrarre l’audio 

ad alta risoluzione da un collegamento HDMI 

senza perdita di qualità e con un levato 

controllo del jitter. Il plus valore del prodotto 

è nella accuratezza della realizzazione e 

nella manutenzione di un sistema che è 

soggetto alle variazioni delle policy di 

protezione di contenuti che devono essere 

aggiornate per consentire una estrazione 

audio di qualità nel tempo. 

Ampia la dotazione di connessioni sia 

digitali (tradizionali e di tipo HDMI) CHE 

analogiche tra cui un ingresso Phono sia 

MM che MC. Doppia le connessione di 

rete J-45: in questo modo è possibile 

collegare la rete in modo passante. 

Leggermente scomodo l’accesso alla 

presa USB per collegare un hard disk 

con i contenuti, anche se si tratta di una 

operazione che non si effettua così di 

frequente. 


SELECTOR 

Linea 


Al banco di misura l’apparecchio esibisce prestazioni da 

vero primo della classe sia per quanto riguarda gli aspetti 

legati alla realizzazione che per quelli invece collegati alle 

scelte progettuali. Innanzi tutto il rapporto segnale/rumore 

e la pulizia dello spettro sono al vertice; in barba a tanti preconcetti 

sulle alimentazioni di tipo switching verso quelle 

lineari le prestazioni più significative le stiamo rilevando 

su apparecchio di alto pregio realizzati con alimentazioni 

switching e non lineari abbinati ad una resa all’ascolto 

“superba”. La risposta in frequenza è molto estesa e lineare 

senza attenuazioni fino a 20 kHz, valore oltre il quale 

si apprezza una lieve attuazione a secondo del formato 

riprodotto. L’ingresso analogico invece si estende quasi 

linearmente fino a 100 kHz. Sono assenti componenti di 

Cuffia 

distorsione armonica e da intermodulazione. Solo con i 

formati con Fs=44.1kHz è presente una blanda filtratura 

che espone un alias di un certo rilievo, assente per i formati 

ad alta risoluzione. Una scelta di carattere filosofico 

adottata per il filtro digitale. 

L’uscita cuffia evidenzia un comportamento del tutto sovrapponibile 

a quello di apparecchi di rango dedicati. La 

risposta non subisce variazioni significative in funzione del 

carico, evidenziando una impedenza interna molto bassa 

e un alto fattore di smorzamento. Assenti le componenti 

di distorsione armonica e da intermodulazione. Il livello 

di uscita, alto oltre il necessario, non raggiunge il clipping 

con segnali a 0dB FS o con segnali analogici in ingresso a 

2 Vrms che si avvicina a 8V per un carico da 150R. 

modalità tutt’altro che scontate; 

è possibile, ad esempio, collegare 

un Blu-Ray oppure un 

Chromecast o un altro sistema 

di streaming multimediale per 

intercettare il segnale audio 

ad alta qualità di un programma 

e visualizzare sul televisore 

i contenuti video. Si tratta di 

intercettare solo i canali audio 

stereo, ma lo si ottiene con un 

controllo del formato e della pulizia 

del segale non paragonabile 

a quanto in genere accade con 

l’uscita ottica del televisore o la 

HDMI-ARC in dotazione alle TV 

più moderne. A cosa può servire? 

Semplice! A godersi concerti 

live in alta risoluzione, audio 

stereo ad alta qualità oppure un 

film attraverso le tracce stereo. 

L’offerta di fornitori di contenuti 

in stream di alta qualità, 

seppur con difficoltà, sta aumentando 

soprattutto in quelle 

nicchie di mercato che sono 

presidiate da colossi di settore 

come, ad esempio, la Berliner 

Philarmoniker Digital Concert 

Hall, che apre il suo immenso 

catalogo di concerti registrati ad 

alta definizione e di eventi live 

che si possono apprezzare solo 

attraverso un renderer audio video 

in cui è possibile installare 

l’App. Con un Chromecast (ma 

anche con un Amazon Fire TV) 

si raggiunge un livello di qualità 

impensabile fino a poco tempo 

fa. Il 390 diventa quindi il centro 

di smistamento dei contenuti ad 

alta definizione sia nel dominio 

analogico che digitale, anche se 

solo “stereo”: d’altronde il multicanale, 

se non ha preso piede 

finora, magari non avrà tante 

altre occasioni... 

Rispetto al passato (dove erano 

d’obbligo in tal senso l’ingresso 

e l’uscita per il tape, eventualmente 

dei filtri e altro ancora) 

un pre come il Moon 390, con 

massima versatilità del presente 

più ancora che un “cervello”, è 


UNA GUI ARTICOLATA TRA SCHERMO E APP 

Moon è stato fra i primi costruttori ad adottare un sistema di comunicazione 

avanzato e anche con una gestione dei contenuti accettabile e funzionale. Oltre 

ad essere fra i pochi ad offrire una riproduzione gapless funzionante e senza 

bug o latenze, è stato anche uno dei “pochissimi” e fra i primi ad implementare 

un hardware molto curato nella riduzione di disturbi immessi e prelevati dalla 

rete. Il sistema denominato fin dall’origine MIND, un curioso gioco di parole 

che nasce da MOON Intelligent Network Design, nella prima versione utilizzava 

software proprietario e un SoC BridgeCo. Attualmente, nella versione 

Mind2, il settore dei servizi di streming ha subito una crescita esponenziale 

e il nuovo modulo di basa su un prodotto OEM della StreamUnlimited che 

al momento è fra i fornitori di hardware e servizi più aggiornati e robusti dal 

punto di vista del software. L’hardware al contorno invece è sempre frutto del 

know MOON, ma il modulo STREAM810 offre la compatibilità con le app dei 

fornitori esterni di streaming come ad esempio Tidal compreso il supporto a 

MQA, Qobux e ROON. La App è molto intuitiva e funzionale, non consente una 

gestione avanzata delle funzionalità dell’apparecchio soprattutto nel setup. 

La consultazione dei contenuti nei server DLNA non è fra le più immediate, 

tuttavia, con un apparecchio della caratura del MOON 390 l’esperienza d’uso 

diventa unica nel suo genere nel momento in cui si utilizza ROON con la propria 

collezione di dischi in locale oppure abbinata a Tidal o Qobuz. In questo caso 

l’apparecchio diventa un “riproduttore” puro ma con una serie di informazioni 

fornite sia dall’app che dal display OLED veramente rare nel settore. 

forse (scusate il neologismo) un 

“quasi-sistema”, uno di quegli 

apparecchi ancora rari nel terzo 

millennio ma ai quali basta una 

coppia di diffusori amplificati e 

l’impianto è fatto (anche se, naturalmente, 

nulla osta a inserire 

invece un finale e una coppia di 

sistemi passivi). In questo senso 

la logica del tutto in uno di 

qualità ne fa uno di quei prodotti 

radicali (assolutamente 

si - assolutamente no) in base 

alle abitudini e alle necessità 

dell’utilizzatore che può essere 

spaventato dall’idea di non poter 

più praticare il giochino dei 

cambiamenti e abbinamenti tra 

pezzi (e ancor più da una eventuale 

obsolescenza del DAC) o 

rassicurato dall’idea di risparmiare 

spazio e non rinunciare ad 

una qualità che si preannuncia 

elevata (anche se il prezzo, proprio 

in questa ottica, alla luce 

delle varie funzioni e del fatto 

che Moon per definizione si 

posiziona nel segmento medioalto 

di mercato, non è nemmeno 

così elevato). 

Al centro dell’apparecchio trova 

posto un piccolo schermo 

OLED. Se il 390 viene utilizzato 

come streamer di rete, viene visualizzato 

il nome dell’artista, i 

titoli delle tracce e degli album, 

il tipo di file, la frequenza di 

campionamento, il tempo trascorso 

e l’impostazione del volume; 

viste le ridotte dimensioni, 

non è possibile visualizzare 

(ma non avrebbe nemmeno 

particolare senso) la copertina 

dell’album. Se si varia il volume 

sullo schermo appare il livello 

in caratteri numerici di grandi 

dimensioni. Uno screensaver interviene 

dopo un certo periodo 

di inattività visto che i display 

OLED sono soggetti a burn-in. 

A sinistra del display ci sono due 

colonne di tre pulsanti d’argento 

identici ciascuna: Stand by, 

Display, Mute, Speaker Off (per 

l’ascolto in cuffia), e Input Left 

e Right. A destra una fila di tre 

pulsanti (numerati 1, 2, 3) per 

i preset di radio Internet; sotto 

di essi ci sono i pulsanti del setup 

e l’ok per la navigazione nel 

menu, la cui struttura è ben organizzata, 

intuitiva, complessa 

ma non impossibile (ovviamente 

molto meglio con qualsiasi app 

si utilizzi). La grande manopola 

del volume consente incrementi 

di 1 dB (da 0 a 30 dB) e di 0.5 

dB al di sopra mentre ruotandola 

rapidamente si ottengono 

incrementi di 1 dB: ci vuole un 

po’ a farci la mano ma poi tutto 

è molto facile e preciso! Tra le 

57

SELECTOR 

UN FONO RAFFINATO 

Il set up dell’apparecchio, in particolar modo dello stadio phono, è fra i più evoluti 

e intriganti in quanto è possibile effettuare le regolazioni di guadagno e carico 

del fonorivelatore in modo diretto, al volo e con una interfaccia grafica essenziale 

ma al tempo stesso molto leggibile. Si può scegliere la modalità standard in cui 

il guadagno e il carico sono quelli “standard” per MM e MC, ma passando alla 

modalità avanzata è possibile scegliere il guadagno indipendentemente dal 

carico resistivo e da quello capacitivo: insomma una flessibilità d’uso davvero 

inconsueta in un apparecchio apparentemente destinato all’universo digitale. 

innumerevoli possibilità, di una 

certa rilevanza quella di regolare 

il livello di ogni ingresso in 

modo da evitare repentini cambi 

del livello al variare della fonte. 

Straordinarie, considerando che 

non stiamo parlando di uno stadio 

fono ma di un apparecchio 

che ha “anche” uno stadio fono, 

le possibilità di regolazione 

per questo ingresso: il modulo 

è configurabile per guadagno, 

impedenza e curva di equalizzazione 

anche mentre si ascolta 

un brano! Inoltre, grazie alla 

funzione di multiroom l’ingresso 

fono può essere “splittato” verso 

altri streamer Moon eventualmente 

presenti in casa grazie 

alla modalità sincronizzata (senza 

ritardo temporale), per cui il 

segnale fono viene digitalizzato 

(grazie al convertitore A/D presente 

a bordo). Se invece si vuole 

ascoltare il segnale analogico 

originale, quindi unicamente 

nell’apparecchio dove avviene la 

connessione, si sceglie l’opzione 

“original”. 

Questa operazione avviene tramite 

la app proprietaria che 

consente anche una ulteriore 

possibilità non sempre reperibile: 

quella di creare una coda 

(operazione che avviene per 

di più in modo semplice) oltre 

che una playlist! Solo questi 

elementi possono, peraltro, far 

propendere l’utilizzatore a una 

scelta che non sia Roon, decisamente 

più semplice da gestire, 

sebbene la app di Moon non sia 

tra le più farraginose, considerando 

anche il fatto che si tratta 

di una soluzione sviluppata da 

un costruttore relativamente 

piccolo. Non manca infine l’uscita 

cuffia che si rivelerà (si: 

l’assassino è il maggiordomo!) 

di ottima qualità, termine che 

come si vedrà ricorrerà spesso 

nei giudizi stilati per le numerose 

funzionalità della macchina 

e che per necessità di sintesi 

saranno sintetiche... 

Avendo già svelato il nome 

dell’assassino, cominciamo proprio 

dall’ascolto in cuffia che si 

rivela immediatamente parte 

sostanziale dell’apparecchio e 

non solo un addendum accessorio: 

è apprezzabile l’elevato 

silenzio percepibile e un’impostazione 

ricca di particolari ma 

decisamente neutra dove brilla 

la grande ariosità del palcoscenico 

virtuale e performance 

nella porzione grave delle frequenze 

notevoli. D’altronde la 

sezione di amplificazione deriva 

direttamente da quella utilizzata 

nell’ampli dedicato alle cuffie 

di fascia medio alta, il 230HAD 

da 2.000 euro, certamente non 

quella del 430HAD (che però 

si aggira intorno ai 4.000 euro 

nella versione senza DAC), che 

oltre a essere realizzata a componenti 

discreti ha anche una 

configurazione bilanciata. Come 

per la sezione fono, quindi, non 

si tratta di avere “anche” una 

uscita cuffia assimilabile ad 

una di “servizio” ma una sezione 

dedicata di potenza che ha 

ben poco da invidiare a quelle 

di apparecchi dedicati sia della 

concorrenza ma anche in casa! 

Se il basso è massiccio e ben sostanziato, 

nella fascia media si 

apprezza la ricchezza dei dettagli 

priva di ogni possibile spigolosità 

mentre la parte alta è ben 

equilibrata con il resto e caratterizzata 

da un buon equilibrio tra 

brillantezza e precisione. 

Saliamo di almeno un livello 

qualitativo nel giudicare le capacità 

del Moon come preamplificatore 

tradizionale: i suoni fluiscono 

belli, ariosi e dettagliati 

al tempo stesso, con una impostazione 

che si allinea ai colori 

caldi su una ipotetica tavolozza 

sonora. L’apparecchio scandisce 

i vari passaggi con precisione e 

ritmo ma in maniera da risultare 

abbastanza neutro dal punto 

di vista del carattere (ammesso 

che un oggetto ne abbia!). Nel 

caso delle uscite bilanciate si 

guadagna qualcosa in termini di 

rumore il che rende attacchi e 

rilasci ancor più netti: da consigliare 

senz’altro se si dispone di 

una catena bilanciata, con qualche 

rimpianto se così non è... 

Quello che diventa poi un valore 

aggiunto raro da incontrare in 

apparecchi anche di fascia superiore 

è la possibilità di regolare 

tutti i livelli degli ingressi 

in modo indipendente per evitare 

il dislivello che si incontra 

quando si commutano sorgenti 

molto differenti fra loro. Oltre 

alla funzione di trim anche il 

balance è personalizzabile per 

ogni ingresso: l’operazione si 

effettua tramite il menu di setup 

direttamente dal pannello 

dell’apparecchio, in modo un 

po’ farraginoso e meno immediato 

se effettuato tramite una 

app dedicata, ma si tratta di 

una regolazione che si fa una 

volta sola o comunque molto 

raramente. 

Nell’ambito della riproposizione 

dei segnali digitali 

va innanzitutto segnalata la 

grande varietà di tipologie di 

ingresso disponibili anche se 

solo con la USB, via ethernet 

o Wi-Fi è possibile utilizzare 

l’intera varietà di formati ad 

alta risoluzione compatibili 

(PCM fino a 384 - DSD fino a 

256). Come streamer il Moon 

(o meglio il Mind) si colloca 

decisamente nel segmento 

alto delle performance, forse 

non il migliore in assoluto 

ma decisamente il più conveniente 

della upper class! La 

ricchezza dei dettagli tipica 

dell’alta risoluzione trova qui 

una sua rappresentazione coerente 

con un ritmo che sembra 

scandire con ancor maggiore 

timing la musica (avete in 

mente quella sensazione per 

cui sembra che i protagonisti 

dello stage sonoro si siano 

come risvegliati dopo che la 

tromba ha suonato la carica?). 

Ecco: velocità, trasparenza e 

anche una carica dinamica 

maggiore rendono giustizia 

all’Hi-res che non per caso si 

è affermata grazie a lettori che 

la sanno trattare così. 


SELECTOR 

di Nicola Candelli 

A 

volte il direttore mi 

assesta qualche tiro 

mancino ma questa 

volta ha proprio colpito nel 

segno. Mi telefona dicendomi 

che mi sta inviando un amplificatore 

integrato da provare, 

e fin qui nulla di straordinario; 

a distanza di qualche giorno, 

però, mi ritrovo sotto il portone 

un imballo dalle dimensioni 

di un mezzo pallets (che 

ha richiesto l’aiuto del vicino 

di casa per essere trasportato 

nel mio appartamento) per poi 

ritrovarmi, una volta sballato, 

un amplificatore di ben 70 cm 

di profondità che ha creato 

non poche difficoltà di collocazione 

nel mio impianto. Ma 

si sa che gli appassionati sono 

avvezzi a queste movimentazioni 

e quindi pazientemente 

risolvono gli eventuali problemi 

logistici. Il problema, 

invece, si è presentato quando 

questo apparecchio è dovuto 

ritornare al mittente. Non è 

stata la fatica dovuta alle operazioni 

di re-imballaggio e riconsegna 

al vettore ma il reset 

che ho dovuto imporre alla mia 

mente per cancellare le tante 

emozioni trasmesse durante i 

vari ascolti da questa straordinaria 

macchina. 

L’integrato Absolare Passion, 

150 watt per canale, un ibrido 

con una preamplificazione 

a tubi e una sezione finale a 

transistor, ha peso di ben 32 

kg e una presentazione minimalista, 

con la parte anteriore 

dotata di due manopole, una 

per la commutazione degli ingressi 

e l’altra per il controllo 

del volume, oltre a una piccola 

spia che indica lo stato dell’apparecchio. 

La parte superiore è 

occupata dalle due valvole preamplificatrici 

(12 AU7) e da un 

massiccio dissipatore che copre 

buona parte della superfice. 

La parte superiore e quella 

inferiore sono rivestite in pelle, 

una soluzione che colpisce 

e conferisce un aspetto sobrio 

ed elegante a questa particolare 

struttura. La costruzione 

è di altissimo livello ma è l’interno 

che stupisce per la notevole 

attenzione riservata alla 

costruzione e ai componenti, 

che sono quanto di meglio oggi 

il mercato possa offrire; questo 

mix tecnologico porta l’Absolare 

ai vertici di una ipotetica 

classifica di merito, facendo 

risultare il Passion una delle 

migliori realizzazioni della 

serie integrati attualmente 

disponibili. Ho avuto modo 

di ascoltare questi prodotti in 

alcune fiere ma ora, avendo la 

possibilità di ascoltarlo in un 

ambiente controllato utilizzando 

la mia discografia, mi 

è molto più facile scoprire e 

valutare le grandi prestazioni 

di cui questo integrato è capace. 

Unico problema il prezzo 

(27.600 euro), che restringe 

drasticamente la platea di co- 


Absolare Passion 

Prezzo: € 27.600,00 

Dimensioni: 38,20 x 20 x 67 cm (lxaxp) 

Peso: 32 Kg 

Distributore: Audioplus - www.audioplushiend.it 

Tipo: stereo Tecnologia: ibrido Potenza: 2 x 150 W su 8 Ohm 

in classe A/AB Risp. in freq. (Hz): 20 -20.000 +/- 0.1dB Ingressi 

analogici: 4 RCA (50 mV/50 kOhm) Note: stadio di preamplificazione 

a valvole (2x 12AU7 / ECC82 o E80CC). Telecomando 

opzionale; finiture della pelle a scelta. Versione signature con 

componentistica selezionata € 36.000 

SUL CAMPO 


TEST 

All’interno condensatori di accoppiamento Mundorf Silver / Gold / Oil, cavi interni in argento-oro-palladio costruiti espressamente 

dalla consociata Echole, prese RCA in rame tellurio placcate oro 

FUORI DAGLI SCHEMI 

In occasione del test dei Django XL (SUONO n.539 – novembre 2019) ho 

avuto modo di utilizzare l’Absolare Passion, scelto dal distributore (che mi 

ospitava) come anello della catena di riproduzione per questi diffusori. Visto 

che i Marten mi sono sempre piaciuti (e anche questa volta non sono stati 

da meno) credo con onestò di aver sottovalutato il contributo dell’Absolare 

all’ascolto di altissimo livello che mi sono potuto gustare o, perlomeno, non 

mi si è accesa la lampadina! Curioso perché prima ancora che ben suonante, 

il Passion è… intrigante! L’aspetto, per proporzioni ma soprattutto la sua 

genesi sono abbastanza fuori dal solco usuale delle storie hi-fi. A dare vita 

al marchio una società relativamente giovane (Absolare è nato nel 2006) i 

cui fondatori sono turchi, cosa non comune nel panorama di settore: Kerem 

Küçükaslan (un passato come industrial design) e Gökhan Türkan, ingegnere 

informatico, hanno dato vita ad un team inizialmente di carattere nazionale 

(la sede era a Istanbul) che poi si è internazionalizzato come la società 

che ora opera a cavallo tra la Turchia, Paesi Bassi e Stati Uniti. In parallelo 

è stato sviluppato anche il marchio di cavi Echole e Kerem Küçükaslan, il 

cui senso degli affari deve essere evidentemente sviluppato: ha investito 

nel proprio paese in una catena di steakhouse, la BySteak! Al netto di tutto 

questo Passion (che poi è una linea e oltre l’integrato comprende un pre, un 

finale e uno stadio fono) è davvero un apparecchio eccezionale che delizia 

le orecchie, e accade di rado, senza se e senza ma. Come dovrebbe essere 

sempre la riproduzione della musica, magari un po’ più per tutti e non solo 

per una élite… 


dei diffusori stessi conferendo 

una solida e granitica struttura, 

un corpo, una dinamica, 

una esuberanza di dettagli che 

riempiono la parete, caratteristiche 

trasferite anche a diffusori 

bookshelf che acquistano 

dimensione e spessore insospettabili. 

Il suono è davvero 

grande ma non grasso, riesce 

a riportare tutto a dimensioni 

reali rendendo molto credibile 

l’evento musicale. Jennifer 

Warnes in Famous Blue Raincoat 

parte con la sua eccellente 

voce riprodotta in maniera 

esemplare ma è la riproduzione 

del basso che ha catturato la 

mia attenzione: stretto, potente, 

nitido, perfettamente scontornato 

senza rigonfiamenti o 

aloni con il risultato che oltre 

alla fondamentale riproposta 

in maniera netta e possente, si 

riesce a percepire con chiarezza 

l’alternarsi delle vibrazioni 

emesse dalla corda ancora sottoposta 

a oscillazioni. Gran bel 

risultato. Velocità, pienezza, 

grande rigore timbrico, entusiasmante 

gamma dinamica 

vengono fuori dall’ascolto della 

Sinfonia Fantastica di Berlioz 

diretta da Charles Munch 

(quarto movimento - Marche 

Au Supplice) riprodotto da 

un file 24/192 della etichetta 

Il controllo di volume è di tipo discreto 

con attenuatore a resistori personalizzati 

a 48 posizioni comandabile anche dal 

telecomando in dotazione che asserve 

esclusivamente alla funzione di volume. 

loro che potrebbero essere interessati 

a questo integrato ma 

appare ragionevole in funzione 

dell’impegno profuso nel progetto, 

dei materiali utilizzati e 

soprattutto del risultato finale. 

Un discreto warm-up e via 

all’ascolto. Prima impressione: 

i diffusori scompaiono e 

lasciano alla parete il compito 

di trasformarsi in un unico 

altoparlante ricreando un 

palcoscenico virtuale che supera 

di gran lunga l’ampiezza 


SELECTOR 

Nella parte posteriore quattro ingressi linea (che possono essere richiesti tutto RCA, tutti XLR o 2+2), i connettori per diffusori in teflon costruiti dalla stessa Absolare, un 

interruttore generale (non è previsto lo stato di stand-by) e una vaschetta IEC per l’alimentazione. 

HDTT. Anche nei momenti 

di maggior contenuto 

energetico l’Absolare riesce 

a tramettere solo l’essenza 

della riproduzione aiutando i 

diffusori nel gravoso compito 

di riproporre con precisione 

e correttezza questa enorme 

quantità di suoni. E il risultato 

entusiasma. Velocità e violenza 

nei transienti, l’orchestra, 

e soprattutto i fiati, i timpani, 

i piatti, si diffondono nell’ambiente 

con una purezza una 

L’apparecchio viene fornito con un case sagomato che ne consente la trasportabilità, 

comunque non agevole in funzione di peso e dimensioni. 

pulizia che raramente ho avuto 

modo di apprezzare. Nessun 

accenno a impastare il suono 

anche nei momenti più critici, 

ciò che è presente nell’incisione 

viene riproposto nel modo 

più corretto possibile. E non 

è questione di potenza ma è il 

comportamento esemplare con 

cui tutta questa energia viene 

trasferita ai diffusori. Ho molte 

volte ascoltato elettroniche 

con potenze anche maggiore 

ma i risultati non sono stati 

così entusiasmanti e veritieri 

e, ripeto, il risultato finale non 

risulta né grasso né gonfio, è 

solo grandioso. Il culmine 

del piacere l’ho raggiunto 

nell’ascolto di un SACD di 

Hugh Masechela (Hope), riprodotto 

dal PS Audio Memory 

Player e processato via I2S dal 

convertitore PS Audio Direct 

Sream. Il concentrato di questi 

bit confezionati al meglio per 

il nostro integrato sono stati 

trattati magistralmente con il 

risultato di una esplosione di 

suoni e colori. La voce profonda 

di Masechela, il “Whooo, 

Whooo” del coro (che imita 

il fischio del treno) che si 

concretizza all’improvviso 

nel palcoscenico virtuale venendo 

fuori da un buio assoluto, 

lo spessore, la doratura 

dell’ottone riproposto dai fiati, 

lasciano un grandissimo piacere 

di ascolto, ma gli attacchi 

fulminei delle percussioni e 

la grandezza della grancassa 

mi hanno fatto riscoprire 

le potenzialità di qualunque 

diffusore quando sottoposto 

a segnali corretti e precisi. Il 

messaggio musicale trasferito 

con la massima accuratezza dal 

Passion obbliga gli altoparlanti 

a vibrazioni che attengono 

esclusivamente al messaggio 

musicale e alla fine il risultato 

è scontato. La pelle delle 

percussioni, la potenza della 

grancassa si materializzano di 

fronte all’ascoltatore dimenticando 

di trovarsi all’ascolto 

di un evento riprodotto. Potrei 

continuare a descrivere le 

molteplici sensazioni provate 

in tutte le sedute di ascolto ma 

il risultato è sempre lo stesso, 

“straordinario“. Beato chi può 

permetterselo. 


SELECTOR 



Accuphase E-480 

Un antidoto al tempo? 

Se il progetto è buono, 

dura nel tempo, soprattutto 

se si tratta di 

amplificazione. Questo il 

concetto, per sommi capi, 

che anima l’operato della 

casa giapponese la più 

Hi-end tra quelle consumer 

del Sol Levante che 

per affinamenti successivi 

ha portato i suoi amplificatori 

(e la logica con cui 

li distribuisce nelle varie 

fasce del mercato), ad una 

stabile appartenenza nelsegmento 

dell’eccellenza. 

La logica del produttore 

giapponese è inossidabile: 

ogni linea è in continua 

evoluzione con prodotti che 

via via l’aggiornano passando 

allo step successivo (testimoniato 

da una nuova sequenza 

delle cifre che ne caratterizzano 

il nome) ma senza alterare l’equilibrio 

della gamma che, nel 

caso degli amplificatori integrati, 

prevede 5 modelli, due di fascia 

superiore (in classe A) e tre in 

classe AB, sostanzialmente differenti 

per la potenza erogata, 

mentre il progetto di base rimane 

sostanzialmente lo stesso se 

non per qualche nuovo affinamento 

progressivo. 

Gli integrati, tutti ad alta potenza 

(mai 

sotto i 

90W in classe 

AB) a partire dall’E-303 

rilasciato nel 1978, sono stati 

costantemente aggiornati: l’E- 

480, ad esempio, rappresenta 

l’undicesima generazione del 

segmento che occupa la casella 

del “più potente”. 

La nuova generazione di questo 

e degli altri modelli ha preso vita 

nel 2019 e comprende al momento 

oltre all’E-480 qui in prova 

il modello leggermente inferiore 

per potenza (380). Quindi 

la cifra “80” è attualmente quella 

che identifica 

i 

prodotti più recenti 

anche se, in onestà, affidarsi 

a quelli della generazione 

precedente (70) o prima ancora 

(60) è comunque una sicurezza, 

e se poi vengono scontati perché 

“vecchi”, beh meglio così! Perché 

gli aggiornamenti a volte sostanziali 

a volte semplicemente 

cosmetici o poco di più sono 

quello che sono, aggiornamenti 

appunto, né il produttore se ne 

fa vanto o li nasconde, semplicemente 

raccontando nel particolare 

cosa distingue uno dall’altro. 

Nel caso specifico del 48, più per 

dovere di cronaca che per un 

effettivo stravolgimento delle 

performance, annotiamo come 

l’evoluzione preveda migliori 

prestazioni in termini di potenza 

(+20%), nel rumore e nel fattore 

di smorzamento. 

Quel che invece rimane pressoché 

immutabile è il cocktail di 

soluzioni offerte e se si esamina 

attentamente la gamma degli 

integrati alla ricerca dei fattori 

che identificano le scelte e la 

segmentazione (compiuta pur 

partendo sostanzialmente da un 

progetto unico) che identificano 

prodotto da prodotto, poiché 

nulla capita a caso, la lettura di 

alcune scelte attuate in particolare 

nei due modelli di maggior 

pregio (o maggior costo) porta 

alla tesi di seguito esposta... 

Prezzo: € 11.000,00 


Peso: 24,6 Kg 

Distributore: High Fidelity Italia 

Via Collodi - 20010 Cornaredo (MI) 

Tel. 02 93611024 - Fax 02 93647770 

www.h-fidelity.com 

AMPLIFICATORE INTEGRATO ACCUPHASE E-480 

Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 180 W su 

8 Ohm in classe AB stadio d’uscita push-pull a MOS-FET Accessori 

e funzionalità aggiuntive: Telecomando, Ingresso cuffia, 

Controlli di tono, Loudness Risp. in freq. (Hz): 20 - 20.000 +0, 

-0.5 dB THD (%): 0,05 S/N (dB): 109 Ingressi analogici: 5 RCA 

2 XLR Uscite analogiche: 1 RCA 1 XLR Note: moduli DAC e fono 

aggiuntivi. 


TEST 

La scelta di abbandonare i VU- 

Meter in favore dei led e il design 

di alcun tasti in questi apparecchi 

fanno pensare che tramite un 

messaggio aziendale quasi subliminale 

puramente cosmetico si 

voglia accreditare la tesi per cui i 

modelli alto di gamma guardano 

alla modernità (sebbene iconicamente 

la Classe A è forse più “antica” 

della soluzione a MosFet) 

mentre quelli a partire dal 480 in 

giù puntino sugli echi della tradizione. 

Se si accetta questa ipotesi, 

il 480 e gli altri prodotti che si 

sono alternati in ben 11 versioni 

dal 1978 ad oggi, diventano un 

prodotto ancor più intrigante in 

quanto funge da spartiacque tra 

una produzione che, pur essendo 

votata all’eccellenza, declina 

questo concetto in maniera varia 

e conseguentemente con prezzi 

anche molto distanti tra loro. E 

se fa un po’ impressione parlare 

di “affare” o di elevato rapporto 

qualità/prezzo per un apparecchio 

che comunque supera significativamente 

i quattro zeri, 

proprio per quella capacità di 

compromesso (e qui il termine 

“compromesso alto” è avvalorato 

più di quanto si possa immaginare) 

rappresentato dal 

prodotto che si chiama 480 (ma 

in passato 470 o 460 o 407 che 

dir si voglia) per il quale, in sintesi 

massima, vedi alla voce “integrati 

molto potenti”. 

Ovviamente le assonanze con i 

predecessori sono molto ampie 

a cominciare da una sezione di 

preamplificazione molto versatile, 

con ingressi sia bilanciati 

che sbilanciati e la possibilità di 

essere ulteriormente estesa con 

la presenza di due slot che possono 

ospitare altrettanti schede 

relative a ingressi supplementari 

(uno dei punti fermi della 

filosofia Accuphase, al punto 

tale che si potrebbe azzardare 

che il 480 nasca “anche” per 

poter ospitare la nuova e più 

performante scheda DAC-50). 

Altrettanto si può dire per la 

sezione di controllo ricca per 

numero di pulsanti e manopole. 

Questa “ricchezza” e il fatto che 

molti controlli siano posti sotto 

l’ampia finestra centrale del 

display contenente i VU-Meter 

e spie varie, celati alla vista da 

uno sportellino la cui apertura 

e chiusura è una vera libidine 

per chi sa apprezzare queste 

cose, contribuisce in maniera 

determinante alla cifra stilistica 

dell’apparecchio. 

Il gran numero di comandi all’interno 

dello sportello è raccolto 

in tre aree ben precise: una che 

consente di selezionare le modalità 

d’ascolto (la selezione di 

due coppie di diffusori, l’eventuale 

separazione tra la sezione 

pre e quella di potenza, l’ascolto 

o meno in fase di registrazione 

e la fase), quella centrale dedicata 

ai controlli di tono e al bilanciamento 

e una terza, forse 

la più eterogenea, che accomuna 

le varie funzioni selezionabili 

(esclusione o meno dei controlli 

di tono, funzionamento dei 

VU-Meter, selettore tra MM/ 

MC, quando la scheda phono, 

prevista solo come opzionale, è 

inserita). L’intervento dei vari 

comandi è visualizzato grazie 

alla presenza di una serie di 

Led posti ordinatamente in fila 

sotto i VU-Meter nella grande 

finestra del display e che diventano 

rossi quando il comando è 

attivato, misura che consente 

di identificare immediatamente 

quanto impostato. Una volta 

fatto, lo sportello può rimanere 

chiuso a protezione dei piccoli 

comandi e dei settaggi effettuati. 

Altro elemento altamente identificante 

è costituito dalle due 

grandi (e simili) manopole ai 

due estremi dell’apparecchio (è 

così da un dì!)... 

Quella di sinistra consente la 

selezione degli ingressi: ad 

ogni ingresso corrisponde 

uno scatto della manopola 

a cui corrisponde l’accensione 

di un led rosso. 

L’operazione avviene in maniera 

precisa e chiarissima sia 

che la si effettui direttamente 

dalla manopola che lo si faccia 

dal telecomando, anche a buona 

distanza dall’apparecchio. Un’operazione 

dal gusto di ben altri 

tempi, in cui la massa della manopola 

imprimeva un effetto volano 

particolarmente apprezzabile 

nella selezione “meccanica” 

del commutatore. Oggi, invece, 

la commutazione avviene tramite 

relè e tutto il sistema meccanico, 

seppur magnifico al tatto e 

all’esperienza d’uso, non ha alcuna 

attinenza funzionale con la 

selezione degli ingressi: se ne occupa 

un circuito logico! Sul lato 

destro, invece, il controllo del 

volume avviene con un vero piacere 

tattile, frutto delle dimensioni 

indovinate, della notevole 

massa e del momento d’inerzia, 

oltre che della splendida finitura. 

In questo caso il controllo non 

è asservito ad alcun led ma il 

controllo a distanza da teleco- 

Ampia la dotazione di ingressi 

analogici, 5 linea RCA, 2 

bilanciati XLR, un anello del 

Tape, separazione fra uscita 

pre e ingresso per lo stadio di 

potenza disponibile anche nella 

modalità XLR con la possibilità 

di invertire la fase dei due poli 

caldi, una funzione che solo 

Accuphase e pochi altri offrono. 

Due gli slot per le schede 

opzionali che possono essere lo 

stadio phono, un DAC oppure un 

ulteriore ingresso linea. Doppi 

morsetti di potenza per due 

sistemi indipendenti oppure 

per un bi-wiring semplificato. 

Eccellente la meccanica di 

serraggio. 


SELECTOR 

Il circuito di protezione è realizzato con 

relè a stato solido con una bassissima 

impedenza interna, che ha contribuito 

a migliorare il fattore di smorzamento 

dell’apparecchio. 

Lo chassis è di tipo autoportante realizzato con 

pannellature in lamiera ripiegata fissate fra loro 

con viti autofilettanti. Il coperchio superiore e quello 

inferiore non fanno parte della struttura, mentre i 

dissipatori e il pianale di sostegno del trasformatore 

di alimentazione sono elementi portanti. 

La regolazione del volume avviene 

tramite il sistema proprietario 

AAVA che agisce sulla variazione 

di guadagno del circuito di 

amplificazione senza inserire 

elementi passivi nel percorso 

del segnale. Il potenziometro 

ALPS motorizzato, in questa 

applicazione ha solo la 

funzione di comparatore 

e attuatore per il sistema 

AAVA e nessun effetto sulle 

prestazioni audio. 

Il modulo di amplificazione 

è un triplo push-pull a 

MOSFET con l’utilizzo di 

componentistica molto simile 

a quella utilizzata nell’E650. 

Tuttavia la configurazione in 

classe AB del’E480 consente 

di oltrepassare i 200 Wrms 

rispetto ai più modesti valori 

del fratello in classe A. 

mando è facilitato dal valore del 

volume che appare sul display 

al centro tra i due VU-Meter. Il 

sistema del volume, realizzato 

tramite il circuito proprietario 

denominato AAVA (Accuphase 

Analog Vari-gain Amplifier), è 

il frutto di continui affinamenti 

(in sostanza è un dispositivo che 

opera nel dominio interamente 

analogico, pur assistito da un 

cuore digitale e controllato da 

un ALPS motorizzato) e anche 

in questo caso subisce una’evoluzione, 

come accade per la sezione 

di potenza che, a partire dalle 

due generazioni precedenti, utilizza 

un triplo push-pull, con 

l’introduzione dei MOSFET; al 

tempo questo passaggio richiese 

una generale revisione di tutto 

ciò che stava intorno a loro per 

le diverse richieste elettriche, 

termiche ed energetiche mentre 

oggi, ancora una volta, parliamo 

di affinamenti. 

Dal punto di vista sonico il risultato 

di questi successivi affinamenti 

è il fatto che gli amplificatori 

integrati della casa 

giapponese (perlomeno quelli 

in classe AB) si distaccano 


TEST ACCUPHASE E-480 


La risposta in frequenza risulta estremante lineare in 

gamma utile e per nulla influenzata dal carico collegato. 

Agli estremi banda si apprezzano lievi attenuazioni, 

comunque indipendenti dal livello di uscita. Il bilanciamento 

fra i canali è perfetto a tutti i livelli di regolazione. 

I passi di regolazione del volume sono stati pensati a 

passi di 0.5 dB e poi a passi inferiori man mano che si alza 

il volume per ottenere una regolazione il più possibile 

accurata in quanto, anche se il comando è analogico 

la variazione di livello è di tipo a gradino. Il rumore di 

progressivamente da quella impronta 

sonora “morbidosa” di 

un tempo pur essendo contraddistinta, 

allora come oggi, da 

un grande rigore dal punto di 

vista timbrico. Oggi gli integrati 

Accuphase risultano, sebbene 

stiamo parlando di sottigliezze, 

maggiormente adrenalinici che 

in passato. 

In particolare nel caso del 

dell’E-480 c’è anche uno strepitoso 

bilanciamento tra la capacità 

di rappresentare le tinte calde 

della musica e la fredda analiticità 

necessaria per una rappresentazione 

rigorosa degli spazi, 

degli strumenti e degli attori 

in gioco. Un punto di incontro 

a cavallo tra le caratteristiche 

migliori dei transistor e quelle 

della Classe A che potrebbe mettere 

in imbarazzo (per eccesso 

di competitività) l’apparecchio 

rispetto ai modelli superiori, anche 

perché la potenza non è un 

davvero un problema per questo 

integrato e se vi si somma una 

delicatezza e una raffinatezza 

simili a quelle che nei Classe 

A determinano quella tonalità 

ambrata e calda di fondo, ecco 

che forza e imperiosità tipiche di 

un Classe AB di buona potenza 

stabiliscono un nuovo connubio 

notevolmente intrigante. Da 

sempre l’estensione in frequenza 

non rappresenta un problema 

fondo è bassissimo, assenti anche prodotti di distorsione 

armonica e da intermodulazione come per altro frequenze 

spurie in banda e fuori banda: praticamente perfetto 

da punto di vista delle alimentazione e delle filtrature, 

riflettendo una cura nella realizzazione decisamente di 

altissimo livello. La potenza di uscita, di 210 Wrms su 8R, 

oltrepassa anche se di poco quella dichiarata, anche se 

con un clipping abbastanza repentino nonostante un 

tasso di distorsione irrisorio che si mantiene a valori 

bassissimi anche in prossimità del limite. 

per le amplificazioni Accuphase 

(in passato la definimmo “prossima 

a quella di uno strumento 

di misura”) con una percepibile 

saldezza su tutta la gamma 

inclusi gli estremi. A questo 

punto l’imbuto (o l’elemento 

caratterizzante) è più rappresentato 

dai diffusori e dalle loro 

caratteristiche. Per preservare 

questo equilibrio aureo consigliamo 

modelli molto neutri, di 

piccolo o grande litraggio che 

siano, perché le caratteristiche 

positive dell’E-480 si possono 

apprezzare in entrambi i casi. 

Percussioni di grande impatto 

e profondità, bassi marcati e 

corposi (veri calci in pancia se il 

diffusore lo permette); strumenti 

a corda in grado di esporre 

contemporaneamente la loro solidità 

e l’agilità... E, soprattutto, 

una gamma media dove si sommano 

le caratteristiche migliori 

che contribuiscono alla sensazione 

di veridicità in particolare 

delle voci: incedere incalzante, 

coerenza timbrica, straordinaria 

riproposizione delle armoniche. 

La gamma alta non è da meno, 

riuscendo a rappresentare in 

modo efficace, anche se non da 

primato come le precedenti, quel 

sottile equilibrio tra suoni ricchi 

di corpo ma al tempo stesso con 

un alto grado di analiticità. C’è 

modo anche di apprezzare una 

capacità dinamica che è un cocktail 

estremamente originale per 

il fatto che pur senza particolare 

evidenza l’amplificatore è in grado 

di far sentire i suoi muscoli, 

all’interno di una rappresentazione 

sonora educata e tesa 

prima di tutto a generare una 

piacevolezza che si fonde con la 

sensazione di realismo. 

A beneficiarne è una scena sonora 

ricchissima di informazioni 

relative all’ambiente, con 

dimensioni degli strumenti e 

loro collocazione riportate con 

estrema precisione e dimensioni 

credibili. La scansione dei piani 

sonori è da metronomo e il senso 

della profondità della scena ampio 

e limitato solo dalla quantità 

di informazioni presenti nel brano 

ascoltato: con l’alta definizione 

è uno spettacolo! 

Tutti gli strumenti risultano vivaci, 

con un senso del ritmo notevole 

ma non affannato, e quelli di 

più difficile riproduzione si avvicinano 

più che altre volte alla realtà. 

Per cura dei particolari, credibilità 

della riproposizione sonora e 

sua piacevolezza siamo ai massimi 

consentiti per un budget 

importante ma ancora terrestre: 

ottenere di più vuol dire spendere 

mooolto di più! 


SELECTOR 


DIFFUSORI 

Sonus Faber Olympica Nova V 

Se nella linea Reference 

viene raccolta la massima 

espressione della capacità 

tecnica della casa (e le linee 

Homage Tradition e Heritage 

stabiliscono il trait 

d’union, almeno formale, 

con un passato evocativo, 

la linea Olympica occupa 

un segmento di mercato 

strategico. 

Quello degli Olympica è il 

livello più elevato della 

produzione Sonus faber 

dove quella sorta di tayloring 

espresso dalle serie citate lascia 

spazio al concetto di produzione 

di serie, intendendo comunque 

per “di serie” quel connubio 

tra artigianato e industria che 

da sempre rappresenta il baricentro 

a cui aspirano i prodotti 

Sonus faber. Sonetto e gli altri 

tentativi che l’hanno preceduta 

è invece la linea entry level, 

forse poco amata dagli appassionati 

di lunga data ma pur 

sempre una porta di entrata nel 

mondo degli “artisan of sound”. 

Originariamente, la serie Olympica 

è stata presentata nel 2013 

in occasione del Munich Hi-End, 

e rappresentava un “omaggio al 

Teatro Olimpico di Vicenza, tempio 

del geometrico godimento 

della voce e della Musica” ed 

era composta da tre modelli 

(due torri e uno da stand) con 

cabinet in legno di noce naturale, 

con top (rivestito in pelle) e 

bottom in noce massello e baffle 

frontale e retro anch’essi rivestiti 

in pelle con assenza di viti a vista. 

Sei anni dopo (5 settembre 

2019), questa volta in occasione 

del Rocky Mountain Audio Fest 

(RMAF) di Denver, arriva 

una versione aggiornata della 

gamma, Olympica Nova, 

che ne mantiene la forma in 

pianta (a liuto) ma a differenza 

della precedente versione, anche 

con il profilo interno a liuto 

in quanto i fianchi sono realizzati 

con 8 strati di legno pressato e 

modellato sulla curva scelta. Nel 

top e nel baffle la pelle lascia il 

posto al legno naturale (noce o 

wengé) incastonato in una lastra 

di alluminio fresato come accade 

nei prodotti della collezione Homage 

Tradition. Nella normale 

evoluzione di un progetto alcune 

cose cambiano, altre restano. 

Cambiano gli altoparlanti, in 

alcuni casi evoluzioni di quelli 

utilizzati nella prima serie, mentre 

per il crossover prosegue il 

cammino intrapreso elaborando 

le idee di Onken e Jensen e viene 

mantenuta la forma del condotto 

(Stealth Reflex) con uscita laterale 

del flusso, già presente nella 

prima versione degli Olympica, 

implementata nei modelli Homage 

Tradition con un profilo 

in alluminio estruso di finitura 

esterna, in parte ereditato nella 

versione degli Olympica Nova. 

Il condotto di accordo nei Nova, 

tuttavia, sfrutta una parete laterale 

del mobile, a differenza 

degli Homage Tradition che 

hanno una fessura lamellare che 

occupa gran parte dell’altezza del 

mobile. Basi e stand sono stati 

ri-progettati e in questa versione 

costituiscono una soluzione 

molto efficace anche dal punto 

Prezzo: € 15.000,00 

Dimensioni: 42,4 x 117,4 x 53 cm (lxaxp) 

Peso: 44 Kg 

Distributore: MPI Electronic SRL 

Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI) 

Tel.02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36 


DIFFUSORI SONUS FABER OLYMPICA NOVA V 

Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex Stealth Ultraflex 

N. vie: 3 Potenza (W): 60 - 400 Impedenza (Ohm): 4 Frequenze 

di crossover (Hz): 250/2500 Risp. in freq (Hz): 32 - 35,000 

Sensibilità (dB): 90 Altoparlanti: 1 Tw 28 mm a cupola in seta 

H28 XTR3, 1 Mid da 15 cm M15 XTR2-04, 3 Wf da 18 cm W18X- 

TR2-12 


TEST 

di vista strutturale, in quanto nei 

modelli a torre la base in acciaio 

da un centimetro di spessore copia 

fedelmente la pianta del diffusore 

con le quattro estensioni 

su cui si collocano le punte che 

ampliano la pianta di appoggio a 

terra e aumentano sensibilmente 

la stabilità anche grazie al peso 

della piastra in acciaio. La gamma 

“Nova” si distingue poi dalla 

precedente per la presenza di un 

numero maggiore di modelli (7) 

e, al netto dei prodotti destinati 

all’home theater per il fatto che 

tra quelli prettamente Hi-Fi si 

aggiunge una torre, la terza e 

più elevata per posizionamento 

sul mercato della linea, che 

mancava nella serie precedente. 

Si tratta della Olympica Nova V 

che per dimensioni e presenza di 

un terzo woofer a bordo non ha 

equivalenti nella serie Olympica 

originaria, anche se per la cronaca 

va segnalato che al tempo 

dell’introduzione della linea veniva 

preconizzata l’introduzione 

in una seconda fase di altri 

modelli che poi non è avvenuta. 

Proprio questo modello, che non 

ha precedenti, è quello oggetto 

della nostra prova, mentre al 

tempo (SUONO 480 - ottobre 

2013) la nostra attenzione si 

concentrò sugli Olympica II, 

la più piccola delle due torri al 

tempo disponibili. Ben tre torri 

in una linea: può essere considerata 

una soluzione in qualche 

misura atipica nella disposizione 

dei modelli, perlomeno se si 

paragonano le scelte della casa 

italiana con quelle dei principali 

concorrenti in questo stesso 

segmento di mercato dove nel 

tempo a comporre una gamma 

si sono alternate le scelte con 

due bookshelf (in virtù, si diceva, 

di certe caratteristiche delle 

case americane) e due torri ad 

approcci minimalisti (un solo 

bookshelf e due torri), quasi mai 

con la ricchezza di ben tre torri e 

un solo bookshelf, soprattuto in 

casa di chi il bookshelf l’ha quasi 

inventato! 

Va però considerato un elemento 

non da poco: la cesura comunque 

netta che separa una linea 

medio-alta come Olympica dagli 

Homage in termini di storicità e 

dai Reference per contenuti 

tecnici. Considerando che 

la ricaduta tecnologica è un 

argomento costantemente 

utilizzato dalla casa alle varie 

revisioni dei progetti (che nel 

2018 hanno interessato proprio 

la linea Homage Tradition) 

e il fatto che per bocca del 

progettista Paolo Tezzon uno 

degli obiettivi degli Olympica 

Nova (e forse uno dei limiti degli 

Olympica senza la terza torre) 

era proprio quello di avvicinarsi 

alla serie superiore, si intuisce 

che la mancanza di una torre 

“importante” rappresenterebbe 

un grosso limite per tale impresa. 

Una sorta di anello di congiunzione? 

C’è anche da considerare 

che prima degli Olympica Nova 

V sono stati presentati i Venere 

S, sostituti successivamente dai 

Sonetto VIII, come se il taglio del 

diffusore a torre ideale per l’azienda 

sia quello con tre woofer 

in basso da 18 cm, un mid woofer 

da 15 centimentri e un tweeter da 

28 mm! Ovviamente tra le serie e 

le versioni cambiano i materiali 

e le soluzioni, come ad esempio 

l’introduzione delle membrane 

in alluminio per i Venere S e i Sonetto 

VIII a cui si contrappone 

invece la membrana in doppio 

stato di cellulosa con anima in 

schiuma nei Nova. Cambiano le 

tecnologie ma l’impostazione di 

fatto è molto simile e comunque 

proietta questo taglio molto al di 

sopra della linea a cui appartiene, 

è stato così per i Venere, per i Sonetto 

e anche nel caso dei Nova 

V, considerati anche da Tezzon, 

per sua stessa ammissione, il 

prodotto meglio riuscito degli 

ultimi tempi. Certo tutta la linea 

ha beneficiato, in quel costante 

divenire che è la progettazione 

audio (soprattutto se affidata a 

punti fermi - Tezzon è lì fin da ragazzino...), 

degli affinamenti che 

in maniera non equanime hanno 

riguardato il cabinet, gli altoparlanti 

e il crossover e, nel caso dei 

Nova V, anche l’ignoto del “non 

fatto prima”. Da segnalare infine, 

in questa iniziale disamina, 

che dal punto di vista dei prezzi 

l’aumento medio per ogni modello 

è nell’ordine del 10% rispetto 

alla serie precedente, dunque 

La feritoia di accordo reflex è disposta 

sul lato posteriore in prossimità 

del volume occupato dai tre 

woofer. Al lato della fessura 

è collocato un estruso in 

alluminio lamellare 

di raccordo estetico 

fra le due pareti 

asimmetriche. 

I morsetti sono 

disposti in posizione 

verticale che agevola 

la connessione 

in bi wiring o in 

biamplificazione passiva. 

Buona le resa meccanica dei 

morsetti. 


SELECTOR 

Le pareti laterali del mobile sono realizzate con un compensato modellato 

a pressa. Nella parte posteriore il condotto di accordo è ricavato da 

una controparete laterale con la stessa curvatura posta a circa due 

centimetri da quella laterale. L’interno è irrobustito con setti 

di rinforzo in MDF anulari e sagomati con la pianta a liuto. 

Il pannello anteriore invece è realizzato in MDF rivestito con 

lo stesso foglio esterno di impiallacciatura in legno che segue 

la venatura. I fori degli altoparlanti sono dotati di una sede 

in polimero con finitura alluminio che accetta le ghiere di 

raccordo in gomma rivestita in pelle. 

Il gruppo magnetico in neodimio è dotato di una 

camera posteriore che porta la risonanza del 

tweeter a 700 Hz. Al centro della membrana in tela 

trattata poggia l’elemento in metallo a sua volta 

fissato ad un supporto in alluminio che è 

alla base della tecnologia 

proprietaria DAD. 

Il woofer adotta un cestello a tre doppie 

razze con disegno aerodinamico ed 

equipaggio mobile a vista. La sospensione 

è in gomma e la membrana è realizzata 

con due strati di polpa di cellulosa al cui 

interno è posta una schiuma polimerica 

molto leggera e resistente che conferisce 

al compound leggerezza, rigidità e al tempo 

stesso alto smorzamento superficiale. 

Il cestello a tre doppie razze 

offre il minimo impatto con 

l’emissione posteriore 

della membrana in polpa 

di cellulosa. Dietro l’ogiva 

fissa, realizzata in polimero 

stampato, è presente 

l’anello in rame di 

compensazione fissato 

in testa all’espansione 

polare. 


TEST SONUS FABER OLYMPICA NOVA V 


accettabile nell’ottica dell’inevitabile 

incremento determinato 

dal costo della vita. 

Non si fa fatica a capire che i Nova 

V sono diffusori importanti: lo è 

il loro costo ma anche una certa 

imponenza nelle dimensioni se 

pur ingentilite dal design ormai 

tipicamente ispirato alla forma 

del liuto (in pianta) e offerto nelle 

tradizionali finiture perché una 

Sonus faber sa sempre di legno e 

dunque il nero laccato o il bianco 

tardo Apple-like sono banditi! Il 

diffusore da questo punto di vista 

non è particolarmente leggiadro 

come d’abitudine nella produzione 

Sonus ma risulta piuttosto 

massiccio come accade nei prodotti 

della serie Reference. 

Trait d’union con quell’idea radicata 

di “suono sonus faber” 

(secondo i dettami del suo fondatore), 

la porzione delle medie 

frequenze degli Olympica Nova 

V è abbastanza in evidenza anche 

se meno marcata e caratterizzante, 

maggiormente equilibrata 

dal punto di vista della 

correttezza timbrica rispetto al 

passato e sopratutto con un’articolazione 

inusuale per il taglio 

La risposta è molto lineare ed estesa con una lieve enfasi alle 

basse frequenze ma senza picchi di risonanza in gamma mediobassa. 

L’impedenza si mantiene costante intorno a 5 Ohm 

con un modulo molto lineare sopratutto in gamma bassa in 

cui sono evidenti gli effetti di reti di linearizzazzione e del tipo 

di accordo scelto. I tre woofer hanno una impedenza di circa 

12 Ohm in quanto collegati in parallelo fra loro ai moretti 

inferiori. Il gruppo di emissione mediolati, mid e tweer, è 

collegato a quelli superiori e presenta un taglio in basso 

che si incrocia all’emissione dei tre woofer intorno ai 250 Hz 

con benefici in bi wiring o biamplificazione passiva, anche 

se l’impedenza delle sue sezione rimane quella nominale. 

del diffusore apprezzabilissima 

anche a livelli di ascolto molto 

sostenuti. Da considerare che 

l’azzardato parallelo effettuato 

in precedenza con i Venere S e 

con i Sonetto VIII, colloca i Nova 

V in una categoria superiore proprio 

riguardo la resa in gamma 

bassa, vuoi per gli altoparlanti 

di differente natura, ma anche 

sopratutto per un cabinet nettamente 

migliorato rispetto alle 

precedenti versioni della serie 

Olympica che, oltre alla resa 

estetica, si comporta in modo più 

granitico e accondiscendente con 

la possente gamma bassa emessa 

dai tre woofer in cellulosa. Quello 

che invece sorprende (sia rispetto 

al profondo passato che alla 

serie precedente) è la gestione 

della porzione bassa delle frequenze 

che si allinea maggiormente 

a quanto espresso nelle 

serie di diffusori maggiori con 

una rappresentazione sonica 

che privilegia una sorta di nuova 

modalità di percepire i bassi, più 

diretta sul corpo dell’ascoltatore. 

Scolpita, articolata, piena magari 

non estesissima ma in grado di 

contribuire in maniera determinata 

alla capacità di riproporre 

il ritmo della rappresentazione 

sonora da parte del diffusore. 

Nell’estremo alto delle frequenze 

si rinuncia ad un po’ di enfasi a 

favore di performance più compassate, 

senza rinunciare a un 

equilibrio complessivo soddisfacente. 

La scansione della scena 

sonora è buona e, soprattutto, 

coinvolgente, con dimensioni 

realistiche degli attori in gioco 

e strumenti riproposti con una 

ottima coerenza sonora. Complessivamente 

un diffusore che fa 

della rappresentazione sonora a 

cavallo tra le tinte fredde e quelle 

calde della tavolozza sonora il 

suo forte. 

Da questo punto di vista è interessante 

notare il grande lavoro 

fatto in Sonus faber in questi 

anni seguendo un’idea sonora 

che si ispira aduna notevole correttezza, 

perseguita senza perdere 

troppo dello spirito originario, 

in modo da creare un suono se 

non per tutti certamente per un 

maggior manipolo dei soli fan del 

marchio. In particolare i Nova V 

sembrano un diffusore all around 

che bene rappresenta la nostra 

idea di compromesso alto: una 

mediazione per tecniche e risultati 

sonori con i modelli maggiori 

e un equilibrio sonoro a cavallo 

tra il passato, il presente e, immaginiamo, 

il futuro... 


SELECTOR 

di Carlo D’Ottavi 

Friday Night In San 

Francisco è un album 

dal vivo del 1981 di Al 

Di Meola, John McLaughlin e 

Paco de Lucia. È stato descritto 

dall’autore e critico jazz, Walter 

Kolosky, come “un evento musicale 

che può essere considerato 

il più influente di tutti gli album 

di chitarra acustica dal vivo”. Le 

tracce, tranne Guardian Angel, 

furono registrate dal vivo al Warfield 

Theatre il 5 dicembre 1980 a 

San Francisco. 

Questa registrazione di debutto 

su Columbia Records divenne 

una pietra miliare che superò i 

5 milioni di copie vendute. I tre 

virtuosi del Trio hanno suonato 

insieme tra il 1980 e il 1983, 

pubblicando un altro splendido 

album, Passion, Grace & Fire nel 

1983. 

Questo è di gran lunga uno degli 

album di chitarra più eccitanti 

di sempre, perfetto per esaltare 

le potenzialità del vinile. Al 

Di Meola, John McLaughlin e 

Paco de Lucia suonano chitarre 

classiche (tipo quelle con corde di 

nylon) in stile flamenco/jazz con 

una tecnica sbalorditiva. 

Paco de Lucia era un chitarrista, 

compositore e produttore di 

flamenco spagnolo. Uno dei 

principali sostenitori dello 

stile del Nuovo Flamenco, che 

ha contribuito a legittimare 

Al Di Meola, John 

McLaughlin, Paco de 

Lucia 

FRIDAY NIGHT IN SAN 

FRANCISCO 

IMPEX RECORD IMP6029 1 

LP 180 GR 

il flamenco all’interno delle 

tradizioni spagnole ed è stato uno 

dei primi chitarristi di flamenco 

ad aver attraversato con successo 

altri generi musicali come la 

musica classica e il jazz. De 

Lucia era famoso per le sue corse 

veloci e fluide con le dita. Le sue 

collaborazioni con i chitarristi 

John McLaughlin e Al Di Meola gli 

hanno permesso di ottenere una 

maggiore popolarità al di fuori 

della sua nativa Spagna. 

Al Di Meola è un acclamato 

chitarrista che ha spaziato tra i 

generi fusion, jazz e latino e pure 

un compositore e produttore 

discografico. Con una carriera 

musicale che dura da più di tre 

decenni, è stato rispettato come 

uno dei chitarristi più influenti 

nel jazz fino ad oggi. Album 

come Friday Night In San 

Francisco gli hanno procurato 

un successo sia artistico che 

commerciale con una solida 

base di fan in tutto il mondo. 

Un prolifico compositore e 

prodigioso talento a sei corde, 

Di Meola ha realizzato oltre venti 

album come leader mentre le sue 

collaborazioni sono state davvero 

numerose. John McLaughlin 

è un chitarrista inglese dalle 

molteplici esperienze e capofila 

di alcuni stili a cavallo del 1970. 

La sua musica comprende molti 

generi dal jazz al rock, che ha 

unito a un interesse per la musica 

classica indiana per diventare una 

delle figure pionieristiche della 

fusion. Nel 2010, il chitarrista 

Jeff Beck lo ha definito “il miglior 

chitarrista vivente”. Dopo aver 

contribuito a diversi importanti 

gruppi britannici dei primi anni 

Sessanta e aver realizzato il 

suo primo disco da solista, si è 

trasferito negli Stati Uniti dove 

ha suonato con il gruppo Lifetime 

di Tony Williams e poi con Miles 

Davis nei suoi famosi album di 

fusion jazz elettrico: In A Silent 

Way , Bitches Brew, A Tribute To 

Jack Johnson e On The Corner. 

Il lavoro si apre con un medley 

tra il brano di Di Meola (sul 

canale destro) proveniente 

da un disco di qualche anno 

prima, Mediterranean 

Sundance, e il brano di de Lucia 

(sul canale sinistro) Rio Ancho, 

dove gli scambi, la ritmica e i 

passaggi sonori sono velocissimi, 

melodicamente perfetti e 

coinvolgenti su una base di 

flamenco. Segue un omaggio a 

Chick Corea con il brano Short 

Tales of the Black Forest dove, 

sul canale sinistro, si sfila de 

Lucia ed entra McLaughlin: inizia 

scherzosamente con il tema della 

Pantera Rosa poi lentamente 

riprende l’interpretazione del 

pezzo di Corea con note blues 

che ritornano subito al jazz in 

un dialogo tra le due chitarre 

assolutamente ammaliante. 

La terza combinazione di 

chitarristi, McLaughlin a sinistra 

e de Lucia a destra, affronta 

un brano di Gismonti Frevo 

Rasgado che sembra da subito 

pura improvvisazione e una 

prova estrema di virtuosismo di 

entrambi. Tutti e tre assieme per il 

successivo pezzo Fantasia Suite di 

Di Meola per un’esperienza 

unica ed esplosione fenomenale 

di suoni per oltre otto minuti. 

Ancora tutti e tre assieme per 

chiudere con una registrazione 

in studio a suggellare un’amicizia 

che darà vita ad altre memorabili 

performance: Guardian 

Angel di McLaughlin è un pezzo 

magnifico, che la pulizia della 

registrazione in studio esalta al 


Amato mio LP 

massimo, sin dagli arpeggi di 

apertura e la melodia centrale che 

ritorna attraverso accelerazioni 

veramente fenomenali di tutti e 

tre. Sciolto e spontaneo, questo 

album è un incontro di tre dei 

più grandi chitarristi del mondo 

all’apice della loro carriera, una 

collaborazione piuttosto rara tra 

star della comunità di chitarristi, 

solitamente restii a condividere il 

ruolo di protagonisti con altri. 

Masterizzato da Bernie Grundman 

e Bob Donnelly da nastri master 

analogici originali. Limitato a 

sole 3.000 copie numerate. Nella 

realtà ne esiste un’altra versione 

analogica, a 45 giri con i cinque 

brani distribuiti su due dischi 

con le medesime caratteristiche 

qualitative in fatto di materiali e 

tecnologie utilizzate, ugualmente 

in edizione limitata e di costo 

quasi doppio. Il livello qualitativo 

è naturalmente altissimo e, 

tra gli appassionati, si è aperta 

una discussione su quale sia la 

versione migliore, con una leggera 

preferenza per il 33 giri. Per gli 

incontentabili si sono aggiunte 

nel tempo anche le versioni digitali 

fino a quelle scaricabili Hi-Res. 

Potete trovare tutto questo in rete 

tra i soliti siti come l’italiana Sound 

and Music, Acoustic Sounds, etc. 

Dire Straits 

DIRE STRAITS 

Warner Records - 

WEALP949783 1 LP pure 

heavy vinyl 180 gr 

Nati nel mezzo dei furori 

punk e new wave inglesi, 

nella seconda metà 

degli anni Settanta del ventesimo 

secolo, i Dire Straits non ci misero 

molto a prendere le distanze artistiche 

da quel fenomeno di rottura. 

Nel 1977 si esibivano nei pub e la 

loro prima esibizione risale a un 

mini festival tenuto a Deptford insieme 

agli Squeeze. Ben presto il dj 

radiofonico Charlie Gillet li notò 

e li raccomandò alla Phonogram. 

Il grimaldello era già The Sultans 

of Swing. Il loro album di 

debutto, cioè questo, è del 1978 

e costò davvero poco, essendo 

stato registrato dal vivo ma senza 

pubblico, per una spesa totale di 

12.500 sterline. Spesa abbondantemente 

ricompensata dalla vendita 

di ben otto milioni di copie nei 

soli primi nove mesi dall’uscita! 

Si può tranquillamente affermare 

che nonostante l’evoluzione e il 

successo dei successivi album, il 

primo rimanga insuperato. 

Nonostante la figura predominante 

del leader, Mark Knopfler, chitarra 

solista voce e compositore, la band 

non era un semplice supporto ma 

un completamento che contribuiva 

in modo fondamentale all’identità 

unica e originale dei Dire Straits. 

Knopfler con la sua voce e i testi 

fu accostato da molti a Dylan 

ma la miscela di rock americano 

si fondeva perfettamente con le 

reminiscenze e il gusto britannico. 

Un ottimo esempio è Down To 

The Waterline dove queste fonti 

si integrano felicemente e, forse, 

spiega il perché la loro musica 

sia stata immediatamente così 

ben accettata negli USA come 

nel Regno Unito. Un approccio 

sobrio al blues rock, a volte anche 

minimale, questo è un grande 

debutto e un grande album. 

Masterizzato da Bernie Grundman 

partendo dagli originali nastri 

master e stampato presso 

gli studi Pallas in Germania. 

Vinile silenzioso. Il suono è nel 

complesso molto buono con 

una certa enfasi sui bassi. Molto 

piacevole da ascoltare. Questa 

rimasterizzazione va bene, al 

contrario di tante altre realizzate in 

modo frettoloso, tanto da reggere 

il confronto con l’originale WB del 

1978 e prodotto da Rhett Davies. 

I suoni, con una ottima capacità 

di mantenere le proporzioni 

nelle variazioni dinamiche, 

sono dettagliati, molto naturali 

e coinvolgenti; il campo sonoro 

non è solo molto ampio ma anche 

profondo, arioso e spazioso. 

Grande stampa e realizzazione 

generale molto curata. La 

pressatura è impeccabile, tra le 

migliori realizzate dalla Pallas. 

Giunge notizia che presto arriverà 

una nuova ristampa, realizzata 

dalla Mobile Fidelity, estesa su 

due LP a 45 giri con l’obiettivo di 

massimizzare il suono, e sarebbe 

piuttosto interessante fare un 

confronto. 

PILLOLE 

The Sound of Stokowsky 

WAGNER MUSIC 

Analogue Productions AAPC 2555/ 

RCA Living Stereo - 1 LP 200 gr 

Il direttore Leopold 

Stokowsky, oltre 

che uno dei 

maggiori direttori 

d’orchestra del 

’900 è stato anche un grande 

divulgatore della musica classica 

non solo attraverso gli 

arrangiamenti e la direzione della 

colonna sonora di Fantasia di Walt 

Disney ma anche in lavori come 

questo, dove alcune delle più 

gloriose overture e arie tratte dal 

teatro wagneriano sono 

magistralmente eseguite e proposte 

a un pubblico non necessariamente 

esperto di tale materiale. Musica e 

qualità sonora: tutto è a eccellenti 

livelli con questa ristampa. 

Bizet 

CARMEN E L’ARLESIENNE 

SUITE 

Dir. Bruno Walter CSO 

ORG 157- 2 LP 45 giri 180 gr 

Selezione di brani 

dall’opera Bizet del 

compositore 

francese, con 

l’Orchestra della 

Svizzera Romanda e diretta dal suo 

direttore per eccellenza, Ernest 

Ansermet. Solita eccellente 

registrazione della London del 1960, 

masterizzata dai nastri master 

originali, pressata dalla RTI e 

pubblicata in due 45 giri. Versione 

extra lusso e limitata. 

Nirvana 

MTV UNPLUGGED LIVE IN 

NEW YORK 

Geffen B0029512 – 2 LP 180 gr 

Ristampato nel 

2019, in occasione 

del suo 

venticinquennale, il 

celebre lavoro 

acustico dei Nirvana, gruppo 

simbolo del Grunge. Anche questa è 

una versione molto buona che 

contiene cinque tracce alternative 

dei brani suonati in quelle serate e 

non pubblicate nel 1994. 


SELECTOR 

a cura di Carlo D’Ottavi 

Nella pletora di nuove 

registrazioni e 

ristampe rilasciate 

per celebrare il 

centenario della morte di Debussy 

in quest’anno, l’apprezzamento 

che l’etichetta Harmonia 

Mundi ha ricevuto nel 

dedicare molti dei suoi lavori al 

grande compositore francese, 

ha incoraggiato i produttori a 

continuare in questa esplorazione. 

In effetti è un piacere 

costante che aumenta quando 

vengono affrontate pagine 

meno usurate dalla continua 

frequentazione di brani come 

i celebri poemi sinfonici de La 

Mer, il Prèlude à l’après-midi 

d’un Faune, Images e altre o la 

Claude Debussy 

LE TROIS SONATES 

Harmonia Mundi - 

HMM902303 2018 

disponibile in CD e download 24/96 

su Presto Classical 

Isabelle Faust (violin), 

Alexander Melnikov 

(piano), Tanguy de 

Williencourt (piano), 

Magali Mosnier (flute), 

Antoine Tamestit (viola), 

Xavier de Maistre (harp), 

Jean-Guihen Queyras 

(cello), Javier Perianes 

(piano) 

sua opera Pelléas et Mélisande. 

Anche la parte cameristica o 

comunque per piccoli ensemble 

è altrettanto magnifica: 

dalle pagine soliste per piano, 

vedi i Preludi nei quali si sono 

cimentati tutti i più grandi 

pianisti del mondo, citiamo 

il nostro Arturo Benedetto 

Michelangeli ma lista sarebbe 

infinita, per arrivare allo 

splendido quartetto per archi 

e queste composizioni finali per 

varie piccole formazioni dove 

l’arte debussiana raggiunge 

il culmine dell’essenzialità e 

del sublime. Questo è un recital 

ipnotico incentrato sulla 

manciata di opere da camera 

composte da Debussy durante 

la prima guerra mondiale, 

a seguito di un lungo periodo 

di stasi creativa: la Sonata per 

Violoncello del 1915, la Sonata 

per Flauto, Viola e Arpa e 

la Sonata per Violino del 1917, 

il suo ultimo lavoro completato. 

Le sonate sono presentate in 

ordine cronologico inverso, 

e quindi l’album si apre con 

l’infinitamente sottile e leggero 

suono della Sonata per 

Violino con la solista Isabelle 

Faust e Alexander Melnikov al 

piano; accade spesso che i due 

musicisti giochino a toccare 

a malapena i loro strumenti 

nei passaggi più eterei, ma la 

coppia è anche capace di esaltarsi 

nei pochi momenti in cui 

è richiesto qualcosa di più vigoroso. 

In particolare, Isabel 

Faust rifugge dalla tentazione 

di sfoderare tutta potenza del 

suo Stradivari, preferendo evidenziare 

gli effetti più delicati 

creati dall’uso libero delle armoniche 

di Debussy in tutto il 

pezzo. L’atmosfera ariosa e ultraterrena 

evocata dalla Faust 

è ulteriormente ampliata dal 

violista Antoine Tamestit e dal 

flautista Magali Mosnier nella 

Sonata per flauto, Viola e Arpa. 

In particolare la fusione tra la 

viola e il flauto è così perfetta 

che spesso è difficile determinare 

quando si passa da uno 

strumento all’altro. L’arpa di 

Xavier de Maistre aggiunge 

un piacevole pizzico di colore 

suonando quasi percussivo in 

alcuni punti e suggerisce le sonorità 

più esotiche di strumenti 

medievali. 

Jean-Guihen Queyras al violoncello 

e Javier Perianes al 

piano interpretano la Sonata 

per Violoncello in modo molto 

deciso e sonoro facendo da 

perfetto contraltare alle precedenti 

e delicate sonate. Un 

perfetto bilanciamento arricchito 

da alcuni pezzi, vere e 

proprie miniature, per pianoforte 

solo. Lavori d’occasione 

per momenti i più diversi e 

tutti eseguiti con gusto dal pianista 

francese Tanguy de Williencourt. 

Registrazione ideale 

con strumenti ben distinti e 

descritti in tutta loro ricchezza 

armonica e timbrica senza alcuna 

perdita di controllo anche 

nei, rari, momenti più dinamici 

e agitati. 


Secondo noi la classica 

Eric Wolfgang Korngold 

SINFONIA IN FA 

DIESIS MAGGIORE, 

OP. 40 

Chandos 

CHAN 5220 2019 

disponibile in formato CD, SACD 

e in download 24/96 su 

www.chandos.net/products/ 

catalogue/CHAN%205220 

Sinfonia of London 

dir John Wilson 

Classico caso di un 

grande artista costretto 

a lasciare 

l’Europa con l’ascesa 

del nazismo, Korngold 

ne è uno dei tanti esempi. 

Nato nel 1897 a Brno, allora 

appartenente all’impero 

austro-ungarico, da una famiglia 

di origini ebree, studiò 

composizione con Zemlinsky 

e ben presto si fece notare, anche 

da un certo Gustav Mahler, 

per essere dotato di una straordinaria 

facilità di scrittura 

musicale, legata molto al tardo 

romanticismo, godibile ma 

tutt’altro che banale. Nel 1920 

raggiunge il successo nella 

mitteleuropa con l’opera teatrale 

Die Tote Stadt (La Città 

Morta) suscitando entusiasmo 

tra il pubblico ma meno nella 

critica che lo riteneva troppo 

“facile”. Pregiudizi artistici 

ai quali ben presto si sarebbe 

aggiunto il rischio di rientrare 

nella famigerata lista nazista 

degli esponenti dell’Arte Degenerata 

o Entartete Kunst; 

furono le sue origini ebraiche a 

consigliarne l’emigrazione negli 

USA nel 1934. Il compositore, 

contrariamente ad altri che 

poco si adattarono all’America, 

vi trovò una straordinaria opportunità 

di lavoro, adattando 

la sua arte alla settima arte, 

cioè il cinema, realizzando un 

numero crescente e notevole di 

colonne sonore per la Hollywood 

degli anni Trenta/Quaranta. 

Il grande successo di questi lavori 

nei quali la sua rinomata 

capacità di realizzare una musica 

raffinata ma anche fluida 

e perfettamente malleabile con 

i vari stili cinematografici in 

voga non gli impedì di continuare 

a scrivere musica colta. 

La Sinfonia, op.40, il Theme & 

Variations op.42 e Straussiana 

sono alcuni dei punti più 

alti della sua arte, composti tra 

1952 e il 1954 cioè poco prima 

della sua scomparsa giunta tre 

anni dopo, a Los Angeles, senza 

poter realizzare il suo sogno 

di tornare nella sua madre patria, 

la Cecoslovacchia, oltre la 

cortina di ferro. 

Se non proprio un eroe dei 

due mondi Korngold si è comunque 

garantito popolarità 

e ammirazione in entrambe 

le sponde dell’Atlantico. In 

questo disco della Chandos, 

l’orchestra sinfonica di Londra 

e la bacchetta del giovane 

John Wilson, nell’interpretare 

questi lavori, ne presentano la 

giusta chiave di lettura tra raffinatezza 

e freschezza, proprie 

della scrittura dell’autore. 

L’opera principale è la Sinfonia 

in fa diesis, e fin dall’inizio, 

con meditabondi accordi 

inquieti di fagotti, marimba, 

piano e archi, è chiaro che 

Wilson è ben attento alle sfumature 

dell’orchestrazione di 

Korngold. La lucentezza degli 

archi ricorda Hollywood ed è 

molto piacevole: per essere il 

debutto della ricostituita orchestra 

sinfonica londinese è 

una promessa di grandi cose 

a venire. La sinfonia emerge 

come un capolavoro sotto la 

direzione di Wilson e favolosamente 

suonata dai musicisti. 

Soprattutto nei primi due 

movimenti possiamo cogliere 

evidenti richiami allo Stravinsky 

neo-classico, vedi le 

sinfonie in Do e nei Tre Movimenti, 

levigate eppure arrotondate 

nel personale stile di 

Korngold. Splendido anche il 

solo del corno, che si potrebbe 

definire un momento glorioso. 

Il pastiche di Johann Strauss 

è molto divertente e brillantemente 

orchestrato. 


SELECTOR 


PARTE 2 

Le cover 

al tempo del rock 

Le copertine hanno contraddistinto i dischi anni ’60 e dei primi ’70 e la grande epopea del vinile a 33 giri 

nel momento, probabilmente, di massimo splendore di questa forma di illustrazione. Si conclude la nostra 

cavalcata tra le storie di quel periodo, raccontante proprio partendo dagli artwork, i designer e i fotografi delle 

cover immortali che abbiamo raccolto. 

serenato. Il pericolo, l’orrore, 

sembra lontano. 

strano i quattro in copertina e 

per la location scelta, ma che di 

sicuro è apprezzabile per la sua 

originalità e per il senso di “sobborgo” 

che emana. 

to “dark” che sprigiona, la scelta 

dei colori e della posizione del 

viso. La foto del retro copertina, 

affidata a Stephen Paley, ritrae 

l’artista con una sorta di sorriso 

malinconico appena accennato, 

rivelando un lato più sereno e 

meno inquieto della copertina. 

King Crimson 

IN THE COURT OF THE 

CRIMSON KING 

Atlantic (1969) 

Design: Barry Godber 

Vagamente ispirata a L’urlo di 

Munch, questa copertina rimane 

un’icona massima del genere 

rock progressive. I tratti deformati 

del volto in primo piano 

dell’uomo, che occupa l’intera 

cover, sono particolarmente 

“stranianti”. Il terrore è visibile 

negli occhi rivolti verso qualcosa 

che sta al lato dell’uomo, attraverso 

le narici dilatatissime e la 

bocca spalancata, che mostra 

una dentatura notevole, con la 

lingua che tende a ritrarsi verso 

l’ugola e l’apparato tonsillare 

(come a causa di un “grido” 

soffocato). Il tutto è accentuato 

dai colori “vivi” sul rosso violaceo, 

e la sensazione d’angoscia e 

d’inquietudine traspare inequivocabile. 

Quasi a indicare che 

il contenuto del disco sia qualcosa 

di assolutamente fuori dal 

normale. All’interno dell’album, 

però, l’uomo sorride, forse ras- 

John Mayall 

BLUES BREAKERS WITH 

ERIC CLAPTON 

Deram (1969) 

Design: John Mayall 

È proprio John Mayall, il 

“padre” del blues inglese, a 

occuparsi del design di questa 

copertina. Il disco, che si avvale 

della presenza di Eric Clapton, 

offre la foto dei John Mayall’s 

Bluesbreakers in compagnia di 

“Slowhand”. I quattro sono seduti 

su un muretto, e hanno alle 

spalle una parete di cemento con 

delle macchie di colore e delle 

scritte. Probabilmente si tratta 

di una location in qualche quartiere 

periferico inglese. La band 

ha lo sguardo fisso nell’obiettivo 

mentre Clapton sta leggendo 

un numero di Beano, un fumetto 

inglese, e per questo motivo il 

disco è anche conosciuto con 

il titolo di “The Beano Album”. 

È un’immagine piuttosto insolita 

per la disinvoltura che mo- 

Laura Nyro 

NEW YORK TENDABERRY 

Columbia (1969) 

Foto: David Gahr 

La “divina” Nyro ad occhi chiusi, 

ritratta qui dal fotografo David 

Gahr (già autore delle copertine 

di Bob Dylan, Charles Mingus, 

Jeff Buckley, fra le tante) dà le 

spalle a una finestra aperta dalla 

quale si scorge un pezzettino di 

New York. Si tratta di uno scatto 

in bianco e nero che alla sua maniera, 

“con i contrasti di luci e 

ombre, è un’interpretazione impressionistica 

della città, dell’amore, 

della vita” spiega David 

Gahr. Sembra che la Nyro stia 

scuotendo lentamente il capo 

in modo da far muovere i suoi 

lunghissimi capelli neri. Se fosse 

una copertina di un artista dei 

nostri giorni potrebbe essere 

quella di PJ Harvey, per l’effet- 

The Rolling Stones 

THROUGH THE PAST, 

DARKLY (BIG HITS VOL. 2) 

ABKCO (1969) 

Foto: Ethan Russell 

Ethan Russell è l’unico fotografo 

ad aver realizzato le copertine 

per i Beatles, i Rolling Stones e 

gli Who. È uno di quei grandi 

nomi della fotografia, con una 

carriera trentennale alle spalle, 

che possono vantare di essere 

stati dei pionieri dei video musicali, 

realizzando dei filmati per 

Rickie Lee Jones ed Emmylou 

Harris molto prima della nascita 

di MTV. Il suo particolare tocco 

artistico si può notare appieno 

in questa copertina ideata e 

creata per “Through The Past, 


Darkly”, un’immagine che si può 

gustare per intero solo vedendo 

entrambi i lati dell’album. 

Sulla copertina, infatti, i Rolling 

Stones sono “spiaccicati” 

contro una vetrata. I loro volti 

sono sformati in quanto tutti 

e cinque si appoggiano contro 

il vetro trasparente con le facce 

e i corpi, spingendo con le 

mani come se volessero uscire 

da quella “gabbia” trasparente. 

Il retro della copertina, invece, 

mostra gli Stones sempre dietro 

la vetrata, che nel frattempo è 

stata colpita ripetutamente e appare 

completamente sfasciata. 

Unica e geniale. 

Crosby Stills Nash & Young 

DÉJA VU 


Foto: Tom Gundelfinger 

Design: Gary Burden 

Per un breve periodo all’inizio 

degli anni ’70 i grafici ingaggiati 

dalle case discografiche si 

innamorarono della dicotomia 

fra “band giovane” e “immagine 

antica”: una manciata di 

formazioni (Steeleye Span, Nitty 

Gritty Dirt Band e in Italia 

il nostro Francesco De Gregori 

con “Rimmel”) si avvalsero di 

questo trattamento visivo, legando 

il proprio nome a delle 

foto d’epoca o simil-tali. Déja 

Vu, con la formazione immobile 

come in un dagherrotipo, ne 

resta l’esempio più celebre. La 

foto – virata sul seppia – venne 

scattata a casa di Crosby a Novato, 

in California, e sembrava 

immortalare una scena della Rivoluzione 

Americana. Fu scelto 

un materiale in similpelle per 

la copertina dell’LP, per accentuare 

la verità di “Old West”, ma 

furono in molti a obiettare sul 

fatto che si trattasse in realtà di 

cartone friabile. 

The Doors 

MORRISON HOTEL 

Wea (1970) 

Foto: Henry Diltz 

Design: Gary Burden 

La storia che si nasconde dietro 

questa fotografia è che la band 

non ebbe il permesso da parte del 

proprietario del Morrison Hotel, 

così che Jim Morrison e compagni 

corsero dentro per mettersi 

in posa mentre il fotografo Henry 

Diltz prese degli scatti in tutta 

fretta, e volarono di nuovo fuori 

dall’albergo prima che il proprietario 

potesse accorgersi di cosa 

stesse succedendo. Dunque la 

copertina mostra i componenti 

della band ripresi da dietro la vetrata 

del posto che porta la scritta 

“Morrison Hotel” e “Rooms 

For Rent”. Nient’altro. In realtà 

Diltz e Gary Burden avrebbero 

voluto scattare la foto nella hall 

dell’albergo ma, come detto, 

l’inserviente non li fece entrare. 

Ray Manzarek dei Doors prese 

la foto che si può vedere sul retro 

copertina, scattata di fronte a 

uno squallido bar chiamato Hard 

Rock Cafè. L’attuale e conosciutissima 

catena dell’Hard Rock 

Cafè si ispirò proprio a quest’immagine 

per il nome del locale. 

Elton John 

TUMBLEWEED CONNEC- 

TION 

Rocket/Island (1970) 

Foto, artwork e design: David 

Larkham 

Straordinaria copertina per un 

giovane Elton John. Un “quasi” 

bianco e nero virato da una leggera 

tinta color coloniale immortala 

l’artista seduto per terra in 

un angolo di un vecchio e deserto 

bar-tabaccheria. Il tipico e vecchio 

“spaccio” degli States del deserto 

californiano. Particolari e affascinanti 

le vecchie insegne pubblicitarie 

in metallo, che ornano per 

intero il negozio al quale John è 

poggiato. Pensieroso e in solitudine 

attende, forse, l’apertura della 

“bottega”. Se una copertina generalmente 

funge da riflesso dell’anima 

di un album, in questo caso 

è azzeccatissima. Si tratta infatti 

di un disco rock blues con forti influenze 

gospel-pop, e la foto con 

la grafica da whiskey del Tennessee 

non poteva riflettere meglio 

queste caratteristiche. In seguito, 

infatti, l’artista avrebbe optato per 

copertine molto più commerciali. 

Led Zeppelin 

III 


Design: Zacron 

L’album calendario intitolato 

Led Zeppelin III, cosparso 

di farfalle, animali da fattoria 

e verdure volanti, all’epoca non 

soddisfò tutti i membri del gruppo. 

L’artwork lasciò perplesso 

Jimmy Page, chitarrista della 

band, che definì la copertina 

“stupida, da teenager”. Invece 

fu un’innovazione al tempo della 

sua pubblicazione nel campo 

del design di copertine. L’album 

includeva una ruota girevole di 

modo che quando questa veniva 

girata varie fotografie della 

band, accompagnate da forme 

e motivi dalle tinte forti, apparivano 

nei cerchi (dei fori creati 

appositamente) della copertina 

frontale. Questo affare costoso 

accreditato a Zacron (nella vita 

reale fa l’insegnate a Wimbledon) 

è solo un lontano risultato 

del progetto originario di Jimmy 

Page. “La copertina originale”, 

disse Page, “doveva riflettere 

l’ambiente campagnolo dell’album 

attraverso l’imitazione di 

un calendario girevole. Invece 

Zacron ha cosparso la copertina 

con varie immagini psichedeliche 

coloratissime, includendo 

oggetti, bersagli, farfalle e 

stelle”. L’interno della copertina 

apribile conteneva molto di più 

dello stesso tipo di soggetti: una 

sedia volante, una pannocchia e 

un uccello tropicale molto colorato. 

Gli unici oggetti presenti 

nelle immagini dell’artwork 

relativi alla band sono lo Zeppelin 

(il dirigibile), un aereo 

da bombardamento tedesco e 

un’auto con le iniziali sulla fiancata. 

Nonostante tutto, Page ha 

avuto parte di responsabilità nel 

risultato finale dell’album. Il chitarrista, 

per lungo tempo interessato 

alla magia, acquistò la 

residenza “Boleskine House” del 

mistico Aleister Crowley. All’inizio 

della sua creazione l’LP 

conteneva un estratto dal libro

SELECTOR 


di Aleister Crowley The Book Of 

The Law (“Il libro della legge”) 

che leggeva “Do what Thou Wilt, 

So Mote It Be”, un’abbreviazione 

della citazione di Crowley, “Fare 

quello che credi dovrebbe essere 

la sola legge”. La gestazione 

della copertina fu talmente lunga 

che in Italia e in molti altri 

Paesi l’LP uscì con una busta 

provvisoria: una busta di carta 

normale con l’effige dei quattro 

musicisti, la stessa posta dietro 

la copertina definitiva. In teoria, 

presentandosi dopo mesi con la 

busta provvisoria, la commessa 

avrebbe dovuto cambiarla 

con quella ufficiale a cerchio; 

ma questo non avvenne e molti 

acquirenti dell’epoca hanno ancora 

“III” con la busta provvisoria. 

Viste le quotazioni delle 

rarità in vinile, la “provvisoria” 

ha superato, paradossalmente, 

l’originale. 

Santana 

ABRAXAS 

Columbia (1970) 

Design: Mati Klarwein 

Quando Carlos Santana andò 

nello studio di Mati Klarwein 

per valutare l’illustrazione di 

una possibile copertina del suo 

album il posto gli sembrò un 

quartiere appena fuori Tangeri, 

a causa delle idee di pittura 

grafica e foto decisamente etniche 

che vi trovò. Il chitarrista e 

leader dei Santana si innamorò 

così tanto di un dipinto in particolare 

che lo scelse per la copertina 

di Abraxas. Gli accordi 

vennero presi benché tra i due 

non avvenne nessun incontro 

e, a quanto si dice, non si fossero 

mai parlati. Che cosa amò 

Santana di quel lavoro? “Le congas 

fra i piedi dell’angelo ed i 

colori”, disse. Una fidanzata di 

Klarwein della Guadalupa raffigura 

la vergine nera e nuda e, 

come spiega Klarwein, “un trio 

di nomadi nigeriani rappresentano 

i Magi, e l’arcangelo Gabriele 

alato discende dal cielo 

con le gambe da ambo i lati di 

una congas. Anche i tamburi 

sono stati utilizzati per annunciare 

qualcosa: erano un mezzo 

di comunicazione in Africa e 

l’angelo annuncia la nascita del 

redentore battendo il tamburo”. 

Traffic 

JOHN BARLEYCORN 

MUST DIE 

Island (1970) 

Foto: Richard Polak 

Design: Mike Sida 

Illustrazione: per gentile concessione 

della English Folk 

Dance & Song Society 

Per l’album John Barleycorn 

Must Die i Traffic si affidano al 

fotografo Richard Polak e al designer 

Mike Sida i quali fanno 

uso di un’immagine concessa 

dalla English Folk Dance & Song 

Society per descrivere il suono 

folk dell’album. È un’immagine 

che, tra l’altro, richiama anche 

la svolta progressive che la band 

di Steve Winwood aveva preso, 

abbandonando quelle atmosfere 

molto più psichedeliche del 

passato. Su una base di cartoncino 

marrone spicca il disegno 

che sembra fatto a mano e che 

raffigura un fascio di fiori dallo 

stelo lungo o di frasche di grano 

messe in verticale sopra una 

macchia d’erba. Potrebbe essere 

il luogo simbolico dove giace 

il corpo di “John Barleycorn” 

che per questo album, secondo 

il titolo, doveva morire. Non è 

di certo una copertina eclatante 

ma è di sicuro effetto visivo per 

la sua semplicità e per la storia 

che cela. 

Joni Mitchell 

BLUE 

Reprise (1971) 


Direzione artistica: Gary Burden 

Il quarto LP della Mitchell è contraddistinto 

dal titolo: Blue. In 

effetti la foto è “filtrata” da un 

blu che mette in risalto i tratti 

della cantautrice canadese. Penetrante, 

elegante, signorile, 

questa foto è un raggio di luce 

“aristocratico” sul vasto panorama 

delle copertine d’autore, 

quelle più belle e importanti. 

Ma Blue è molto più di questo. 

Tra morbide chitarre acustiche e 

accordi di pianoforte che illuminano 

l’album, i testi poetici della 

Mitchell dipingono l’immagine 

di una donna vulnerabile e tormentata 

(Blue vuol dire anche 

triste). Joni Mitchell aveva solo 

28 anni quando registrò questo 

disco eppure sentiva la forte 

necessità di mettere a nudo i 

suoi sentimenti, di far sapere al 

mondo che aveva voglia di sfuggire 

alla solitudine per ritrovarsi 

tra le braccia di qualcuno che la 

amasse. E la foto che la ritrae in 

copertina mostra tutto questo 

trasformando l’album in un magnifico 

lavoro di onesta bellezza. 

The Rolling Stones 

STICKY FINGERS 

Rolling Stones Records/Atlantic 

(1971) 

Concept e foto: Andy Warhol 

Design: Craig Braun 

Si narra che a un party a New 

York, nel 1969, Andy Warhol 

accennò con indifferenza a 

Mick Jagger che si stava divertendo 

a realizzare una vera 

chiusura lampo per una possibile 

copertina di un album. Un 

anno più tardi Jagger propose 

l’idea alla band per il loro 

nuovo album, Sticky Fingers: 

il primo per la nuova etichetta 

di loro proprietà, la Rolling 

Stones Records, e anche il primo 

in cui compariva il famoso 

logo: la caricatura della bocca, 

con tanto di “linguaccia”, di 

Jagger. Una copertina geniale 

quanto “sessuale”: foto in 

bianco e nero, blue jeans con 

chiusura lampo vera che, una 

volta tirata giù, metteva in mostra 

un bel paio di “mutande”. 

Molti dissero che il modello era 

Jagger ma il frontman ha sempre 

smentito, affermando che 

il modello è un tale Joe Dallesandro, 

dello studio di Warhol. 

L’unico inconveniente che la 

chiusura lampo poteva causare 

era quello di “battere” e graffiare 

nel punto esatto dove c’era 


la canzone “Sister Morphine” 

(traccia numero 8 dell’LP); allora 

Braun realizzò uno strato 

supplementare di cartone per 

proteggere il disco dalla chiusura 

lampo. Con questa soluzione 

venne sventata la querela 

da parte della casa discografica 

che distribuì il disco all’epoca. 

Una curiosità: inizialmente 

molte catene di grandi magazzini 

si rifiutarono di esporre il 

disco perché metteva in risalto 

un’ambigua protuberanza 

all’altezza del pube. 

James Taylor 

MUD SLIDE SLIM AND 

THE BLUE HORIZON 

Warner (1971) 

Foto: Unknown 

Sembrerebbe una foto messa 

sulla copertina di un album fotografico. 

James Taylor è qui 

ritratto in figura intera, su uno 

sfondo scuro. Ha lo sguardo 

beffardo, e il fatto che si tenga 

le bretelle con le mani sottolinea 

questa sfumatura ironica 

che trapela dagli occhi. Considerato 

che Mud Slide Slim 

And The Blue Horizon è un 

album autobiografico, tutto 

quadra, perché nei primi anni 

’70 Taylor stava attraversando 

un periodo di depressione, accentuata 

da problemi d’amore 

e dalla dipendenza da droghe. 

Ma questa foto sembra dargli 

anche l’aspetto di ragazzo di 

campagna che lo avrebbe reso 

riconoscibile in seguito. La 

camicia blu stropicciata con il 

colletto in disordine, le bretelle 

e i pantaloni marroni rievocano 

questo stile “campagnolo” 

che si adatta alla perfezione 

alla faccia del cantautore. 

America 

HOMECOMING 

Warner (1972) 


Direzione artistica e design: 

Gary Burden 

Per quanto possa sembrare 

strano, questa è una delle copertine 

più costose realizzate 

per la Warner. Per farla ci 

sono voluti giorni e giorni di 

lavoro. Dewey Bunnell, Dan 

Peek e Gerry Beckley, insieme 

a Gary Burden (direttore 

artistico) e al fotografo Henry 

Diltz (che compare anche 

nei credits dell’album come 

banjoista) si sono avventurati 

fino a Esalen, nei pressi di Big 

Sur, California, per ottenere lo 

scatto perfetto. Si trattava di 

aspettare che la luna tramontasse 

per ottenere l’effetto 

rossastro che si può vedere 

in copertina. Inoltre anche il 

formato dell’LP, con la sua tripla 

ripiegatura a tre ante, era 

qualcosa di rivoluzionario per 

l’epoca. La foto a campo lungo 

all’interno, catturata con una 

lente motorizzata, doveva dare 

la netta sensazione di trovarsi 

nella Redwood Forest mentre 

l’immagine di copertina doveva 

simbolizzare la degradazione 

della terra da parte 

dell’uomo. 

David Bowie 

ZIGGY STARDUST 

RCA (1972) 

Foto: Brian Ward 

Artwork: Terry Pastor 

Le foto per l’album Ziggy Stardust 

sono state scattate in una 

fredda e piovosa notte nel gennaio 

del 1972 da Brian Ward, fuori dal 

suo studio a Heddon Street, a 

Londra. Per la realizzazione è stata 

usata una pellicola in bianco e 

nero e le foto sono state in seguito 

colorate. L’artwork è stato curato 

da Terry Pastor. In tutto sono state 

scattate 17 foto, di cui sei sono 

dei primi piani, sette riprendono 

Bowie in posa davanti al 23 di 

Heddon Street e quattro mostrano 

il cantante fuori e dentro una cabina 

telefonica. Nella foto di copertina 

Bowie sembra brillare come se 

arrivasse da un altro pianeta. È in 

piedi di fronte a un portone, con 

una chitarra a tracolla, sotto un’insegna 

con su scritto K. West. Molti 

dettagli della copertina hanno 

contribuito a rendere affascinante 

quanto mistico il personaggio di 

Ziggy, come il nome del cantante 

sopra il titolo dell’album nella parte 

alta, a sinistra dell’immagine, 

scritti con lo stesso carattere e la 

stessa grandezza, quasi a suggerire 

che Bowie sia Ziggy Stardust. 

Jackson Browne 

JACKSON BROWNE 

Asylum (1972) 


Direzione artistica: Gary Burden 

for R.Twerk 

Ricordate i vecchi manifesti 

“wanted”, stampati nell’ufficio 

dello sceriffo nei film western? 

Ebbene, Jackson Browne, nel 

1972, si fa fotografare dal celebre 

Henry Diltz (già all’opera 

con gli America, Tim Buckley, 

The Doors, Grateful Dead e 

tanti altri. Diltz conta più di 

200 copertine di album nella 

sua carriera di fotografo). Lo 

scatto è stato poi rielaborato 

con china e il risultato è quello 

che si può notare e che ricorda 

molto da vicino i manifesti in 

stile “wanted”. La scritta in alto 

al centro della copertina, “Saturate 

Before Using” (“riempire 

al massimo prima dell’uso”), 

è stata spesso fraintesa come 

titolo dell’album ma in realtà 

è la scritta originale del “desert 

water bag”, l’otre d’acqua 

sulla quale è stato realizzato il 

disegno. Una trovata davvero 

originale. 

Tim Buckley 

LOOK AT THE FOOL 

Manifesto Records (1972) 

Foto: Norman Seeff 

Illustrazione: Napoleon 

Originariamente il titolo di 

questo album doveva essere 

“Tijuana Moon”, e questo

SELECTOR 


spiegherebbe la luna che spicca 

nel cielo notturno alle spalle 

del cantautore nell’immagine 

realizzata da Napoleon. Look 

At The Fool, “Guarda il buffone”, 

è il titolo dato dalla casa 

discografica al momento della 

pubblicazione. Tim Buckley 

appare stanco in questo dipinto, 

ed anche abbastanza 

triste. Ha le labbra strette in 

un amaro sorriso, come se già 

prevedesse la sorte che lo attendeva 

(sarebbe scomparso 

l’anno successivo, ucciso da 

un’overdose). Si narra che 

Buckley odiasse questa copertina, 

e quando un suo amico 

un giorno provò a indossare 

una maglietta che riproduceva 

l’immagine Tim disse: “che 

schifo!”. Bella, invece, la foto 

che appare sul retro copertina, 

scattata da Norman Seeff, che 

ritrae Buckley in penombra. 

Nick Drake 

PINK MOON 

Island (1972) 

Artwork: Michael Trevithick 

La grafica di questo album, 

realizzata da Michael Trevithick, 

svela aspetti oscuri e 

psicologici dell’uomo e dell’artista 

Drake. Il fuoco del razzo 

americano verso la “luna rosa”, 

così come quella folata in basso, 

sotto la luna stessa, sta a 

indicare il viaggio. Il “viaggio” 

di Drake. La luna rosa, a tratti 

violacea, con uno spicchio di 

base color arancio, è “coperta” 

da vari oggetti: una tazzina di 

caffè, una coda in corda che 

s’immerge nel mare, una foglia 

verde e di lato una conchiglia 

marina che guarda il tutto 

come se ridesse, con le sue 

naturali dentature. Anche la 

faccia triste di un clown sbuca 

dalla luna. Un mare plumbeo 

è la base su cui poggia la luna 

contornata da montagne scure 

sullo sfondo. Sono i segni più 

evidenti dallo stupendo e surrealista 

lavoro di Trevithick. 

La luna è “donna”, per Trevithick 

e Drake: ha un’unica 

scarpetta femminile con cui 

attraversa (grazie a una tavola, 

cosparsa di colori spenti) 

l’oscuro mare. Curiosità: Nick 

Drake custodiva la grafica originale 

dell’album incorniciata 

in camera sua, dove poi lo trovarono 

morto. 

Lou Reed 

TRANSFORMER 

RCA (1972) 

Foto: Mick Rock 

Mick Rock cattura un Lou 

Reed pressoché irriconoscibile 

sul palco del Kings Cross 

Cinema di Londra: espressione 

assente, trucco colante e 

lo stesso abito stazzonato indossato 

per giorni e giorni di 

seguito. Il tutto dava l’idea di 

un film tedesco muto in bianco 

e nero. Rivedendo insieme 

i provini, qualche giorno 

dopo, fu proprio il fondatore 

dei Velvet Underground a indicare 

questo scatto come uno 

dei suoi preferiti – e nessuno 

dei presenti fece caso al fatto 

che fosse fuori fuoco. Così lo 

ricorda Mick Rock: “Non notai 

il fatto che la foto fosse sfocata 

quando la guardai attraverso 

l’ingranditore durante i primi 

provini di stampa ma ricordo 

ancora il formicolio che provai 

quando vidi il risultato di 

quella trascuratezza prendere 

forma nello sviluppatore”. Si 

è trattato, quindi, di un errore 

involontariamente azzeccato. 

Carly Simon 

NO SECRETS 

Elektra (1972) 

Foto: Ed Caraeff 

Ed Caraeff è famoso per aver 

collaborato come fotografo, 

direttore artistico e designer 

per le copertine degli album 

di Diana Ross, Alice Cooper, 

Dolly Parton, Elton John, 

Eric Clapton, Frank Zappa, 

Neil Diamond, Tim Buckley, e 

tanti altri… Nel 1972 realizza 

per Carly Simon la copertina 

dell’album No Secrets (due 

anni più tardi avrebbe firmato 

quella di Hotcakes) e 

la immortala mentre se ne 

va a passeggio, col cappello 

in testa, e la borsa sulla spalla. 

L’abbigliamento tipico 

degli anni ’70 – maglia blu 

avvitata a maniche lunghe, 

pantaloni stretti color rosso 

bordeaux – mette in risalto 

la snella figura della cantante 

che non porta il reggiseno, 

tanto che le si intravedono i 

capezzoli. “Ho fatto tantissime 

copertine che non avevano 

nulla a che fare con il sesso 

in passato” si è giustificata la 

cantante, aggiungendo: “E poi 

i direttori artistici scelgono 

sempre gli scatti ammiccanti, 

sensuali. Anche se la scelta 

finale è stata la mia in questo 

caso. Ho pensato che quelle 

immagini fossero divertenti 

e non solamente sexy”. Carly 

Simon è infatti nota per alcune 

copertine vagamente sexy. 

Steely Dan 

CAN’T BUY A THRIL 

MCA (1972) 

Foto: Unknown 

Una copertina senza dubbio 

emblematica che spiega in parte 

il titolo, ovvero che “non si 

può comprare un’emozione”. 

Una bocca gigantesca di donna 

beve da una grande cannuccia 

colorata che va a finire 

nel mezzo busto svestito di un 

uomo. Sulle spalle dell’uomo 

sono appoggiate le gambe di 

una donna nuda che tiene la 

testa fra le braccia, come se 

stesse piangendo o si vergognasse. 

Tutto intorno, in colori 

fluorescenti, è descritta la vita 

notturna di una città, o meglio 

della parte più “immorale” della 

città, con un lungo marciapiede 

sul quale sfilano in bella 

mostra delle donne pronte 

a vendere il proprio corpo. 

Tutte le immagini che fanno 

da sfondo alla figura dell’uomo 

nudo, compresa la donna 

che piange e le gambe coperte 

da un lungo vestito giallo dal 

quale spunta un piede, sono 

assemblate come se fossero 

pezzi di un puzzle. 


SELECTOR 

di Vittorio Pio 

Frank Zappa 

THE HOT RATS 

SESSIONS 

Universal\Zappa Records 

Centro pieno per il 

sigillo definitivo 

di una delle tappe 

più imprescindibili 

nella storia del 

rock, che viene così 

ricostruita nel suo 

asset filologico dagli 

appassionati eredi che ne gestiscono i 

suoi sconfinati archivi. In oggetto quelle 

mitiche e lunghe session che si svolsero dal 

18 al 30 luglio del 1969, per un totale di 65 

tracce di cui solo le 6 originali precedentemente 

note. Nella sua lucida, anticonformista 

genialità, Zappa aveva un DNA 

capace di abbattere ogni tipo di barriera 

fra generi e stili, unendo sacro e profano, 

colto e popolare. Già a partire dall’esordio 

sopra le righe di Freak Out!, il nostro 

eroe aveva fornito chiaramente la misura 

del suo essere iconoclasta, con quelle solo 

apparenti “stupid songs”, secondo la sua 

stessa definizione, che invece mettevano 

alla berlina il bigottismo imperante e 

quei personaggi mediocri, soprattutto di 

estrazione politica, che lo circondavano 

e di cui si faceva regolarmente sberleffo. 

Rotto quindi il ghiaccio nel 1966 con i The 

Mothers of Invention, Zappa si ritaglia 

rapidamente uno spazio a sé fra i rocker 


Rock 

più irriverenti, rimescolando idee e prospettive 

con qualcuno dei suoi sodali: fra 

questi c’è Ian Underwood, decisivo nelle 

sue abilità di multistrumentista per lo sviluppo 

di questa musica, e l’amico\rivale 

Captain Beefheart. Poi c’è l’inserimento in 

front-line dei violinisti Don “Sugarcane” 

Harris e Jean Luc Ponty, con le spalle coperte 

da un’imponente sezione ritmica che 

apre le danze nella massiccia ponderazione 

di Peaches en Regalia, incalzante suite in 

cui tutti i musicisti contribuiscono, dietro 

la rigida e meticolosa regia di Zappa, ad 

un affresco sonoro che diventa subito un 

classico (moderno) istantaneo. Per qualcuno 

l’attacco alla batteria di Ron Selico è 

da ritenersi come il battesimo ufficiale del 

jazz-rock, suffragato dalle linee di basso 

di cui l’artefice è niente meno che Shuggie 

Otis. Un geniale work in progress che si 

gode anche nelle concitate jam di Willie 

the Pimp o negli entusiasmanti sviluppi 

di Transition, da cui si possono intravedere 

i prodromi di Twenty Small Cigars, 

che poi sarebbe apparso in Chunga’s Revenge. 

Spicca anche una stravagante jam 

intitolata Bogner Regis, sulla quale Zappa 

realizzò una lunga esercitazione negli 

anni, fino al bozzetto ufficiale di Conehead, 

che comunque non vide ufficialmente 

la luce fino al 1981, contenuta in You Are 

What You Is. Dopo la riproposizione della 

sequenza originale, nell’ultima parte 

del cofanetto sfilano i missaggi mono di 

singoli e le sostenute parti ritmiche di tre 

brani su sei, oltre alle surreali e spassose 

pubblicità radiofoniche d’epoca, nonché 

la sola traccia vocale di Captain Beefheart 

in tutta la bofonchiante allure ascoltata 

in Willie the Pimp. Ottimo il remissaggio a 

cura di Craig Parker Adams (con masterizzazione 

di Bob Ludwig), che fa riferimento 

alla famosa edizione della Rykodisc del 

1987, quella che ebbe il placet ufficiale 

dello stesso Zappa, conosciuto per la sua 

attenzione maniacale nei confronti dei 

dettagli, che all’epoca mise a punto quello 

che venne identificato come un efficace 

prototipo di registratore a 16 piste, al fine 

di una maggiore flessibilità nelle sovraincisioni. 

Confezione di lusso in formato 

LP, con libretto di gran foggia, un saggio 

commemorativo dello stesso Anderson e 

meravigliose fotografie in studio di Bill 

Gubbins e altre outtakes di Andee Nathanson, 

che invece si occupò della copertina: 

tutto materiale rimasto inedito fino ad 

oggi, con un grado variabile di responsabilità 

e colpevolezza. In più, un divertente 

per quanto accurato gioco da tavolo che 

riprende la saga di quello che potrebbe 

tranquillamente candidarsi come uno stile 

di vita, più che un grandioso cofanetto, il 

cui prezzo di lancio è comunque ben al di 

sopra della media. 

Vittorio Pio 


SELECTOR 


Mina Fossati 

MINA FOSSATI 

Sony/Pdu 

Cosa dire del 

più ambizioso 

e chiacchierato 

progetto 

della nostra 

squinternata 

discografia? Due pesi massimi 

che nel passato si erano già accarezzati 

(le fossatiane Se stasera 

sono qui e Non può morire 

un’idea che si trovano in Mina 

Live 1978, quando la tigre di 

Cremona si era già ritirata dalle 

scene pubbliche a neanche 40 

anni, e Cow-Boys e Notturno 

delle tre, perle di produzioni 

più recenti), con un rendezvous 

ufficiale vagheggiato nel 

2002, di cui poi si persero le 

tracce. Finalmente, dopo grandi 

manovre tenute nascoste praticamente 

fino all’ultimo bimestre, 

ecco comparire questo 

album, ambìto e ricercato per 

vari motivi che ne avevano già 

decretato lo status di leggenda 

nel momento esatto in cui sono 

caduti i veli. “Dopo otto anni la 

mia decisione non cambia: non 

torno a fare dischi né concerti”, 

ha ribadito l’artista ligure, “ma 

per niente al mondo mi sarei 

negato la gioia di scrivere un 

disco intero per Mina.” La sua 

pregiata penna integralmente 

al servizio di una voce che non 

smette di meravigliare, considerando 

anche la sbalorditiva 

cifra di 75 album confezionati 

in una carriera che fa categoria 

a sé. Una coppia aurea, così 

nobile ed efficace da lasciare 

tramortiti per la scia luminosa 

che produce. Attenzione ai miraggi, 

però: delle 11 tracce che 

raccontano il contemporaneo 

nella modalità “qui ed ora”, coniugata 

ai sentimenti, c’è solo 

una parte centrale realmente 

all’altezza dei talenti messi in 

campo, il resto si dipana in un 

mestiere ampiamente riconosciuto, 

che riporta alla memoria 

ben altre vertigini, sia dal punto 

di vista melodico che su quello 

dei testi (a beneficio dei lettori 

distratti ricordiamo che Fossati, 

oltre ai pezzi pregiati della sua 

collezione personale, ha scritto 

dei capolavori come Pensiero 

stupendo, Un’emozione da 

poco e Dedicato fra molti altri), 

mentre gli arrangiamenti di 

Massimiliano Pani quasi mai 

si allontanano da porti sicuri 

per quanto prevedibili. Tex- 

-Mex era un singolo già 

largamente insufficiente, le 

sopravvalutate Meraviglioso 

è tutto qui e Niente meglio di 

noi due presentano dei testi 

da mano sinistra (con Fossati 

probabilmente bendato) e 

una Mina che stenta a trovare 

il giusto feeling, lasciando 

un’insolita sensazione 

di freddezza. Dopo tanta 

approssimazione, il livello 

sale vertiginosamente nelle 

centratissime Come volano 

le nuvole, La guerra fredda e 

la strepitosa Luna Diamante, 

dove tutto è finalmente perfetto: 

il piano di Fossati complice 

e suadente nel registro grave, 

il timbro di Mina imperiale 

nel suo incedere sontuoso, 

gli archi di Celso Valli regali. 

Una goduria che non altera 

però il senso di fatica e sperpero 

che si insinua lungo tutto il 

percorso. Concetto amplificato 

dalle varie versioni in circolazione, 

che presentano omissioni 

e sovrapposizioni dettate da 

un miope marketing, persino 

nella versione deluxe (Special 

Book 7” + Picture Disc + CD + 

Booklet + Disegno - nella foto), 

fino alla sciagurata stampa in 

vinile, con rumori di fondo ed 

altre ignobili caratteristiche che 

finiscono per vanificare il piacere 

dell’ascolto. 


Rock 

Rolling Stones 

BRIDGES TO 

BUENOS AIRES 

Universal/Eagle Pictures 

Ci eravamo già 

occupati di 

questo esaltante 

tour 

degli Stones 

qualche 

mese fa, in occasione dell’uscita 

di Bridges to Bremen, 

una serata perfetta registrata 

in Europa, ma questa tappa 

argentina, nonostante le variazioni 

minime di scaletta, è 

se possibile ancora più trascinante 

ed euforica; documenta 

inoltre lo stato di grazia di un 

gruppo appena reduce dalla 

pubblicazione di un album ben 

diretto nella visionaria produzione 

di Don Was, testimone 

di una lucida coerenza con la 

loro ingombrante storia piena 

di medaglie, tonfi e distintivi 

ma anche nuovi traguardi da 

raggiungere. Per Buenos Aires, 

nell’aprile del 1998, vengono 

bloccate addirittura cinque 

date consecutive presso il mitico 

River Plate Stadium e la 

scelta si dimostrerà quanto 

mai azzeccata per il calore del 

pubblico e la concretizzazione 

di un super special guest, a 

lungo vagheggiato e finalmente 

giunto per l’apoteosi di una 

platea giustamente incredula. 

Anzi, per una volta partiamo 

da metà concerto, quando sul 

palco arriva trafelato sua maestà 

Bob Dylan in nero vestito 

alla stregua di un predicatore, 

per duettare con Mick sulla 

sua Like a Rolling Stone: è un 

cerchio che si chiude, un’emozione 

infinita, nonostante 

qualche rapido passaggio a 

vuoto prontamente tamponato 

da Jagger, che lo saluta con 

un eloquente Dylan Freewheeling. 

Prima e dopo il livello 

resta in linea con la maglia a 

strisce bianco azzurre di tale 

Diego Armando Maradona, 

indossata da Charlie Watts, 

mentre il resto dei ragazzi 

porta a lavare i panni sporchi 

di Little Quennie, When the 

whips come down eYou got me 

rocking nel primordiale rock 

di Chuck Berry, aggiornato 

secondo il verbo dei Glimmer 

Twins, che si svuotano le 

tasche con alcuni anthem 

della loro inimitabile carriera, 

doppiati da un pubblico 

in fiamme: Let’s spend the 

night together con Mick che 

urla “bienvenido” come un 

ossesso in giacca di ciniglia 

blu e camicia in sfolgorante 

arancio, Gimme Shelter vede 

Jagger e Lisa Fischer in evidente 

stato di flirt. Forse la 

strepitosa corista è un po’ appesantita 

ma ciò che appare è 

sempre sexy e ad alto tasso di 

blues; Richards inanella un riff 

perpetuo su It’s only rock and 

roll, strabiliando tutti a partire 

dai suoi, Sister Morphine è così 

perfetta da essere consegnata 

direttamente alla leggenda nel 

finale incandescente in cui 

la sequenza è veramente da 

KO: Tumbling Dice, Honky 

Tonk Woman e Start Me Up, 

innescano il delirio collettivo 

chiuso da Jumpin’ Jack 

Flash e Brown Sugar. Doppio 

CD e DVD o Blu-Ray (corredato 

di Dolby Atmos Surround 

Mix), si trovano tutti insieme 

con un bel libretto di 16 pagine. 

Molto ambita anche l’alternativa 

separata in triplo vinile 

(esiste anche una versione limitata 

bordata di azzurro) da 

180 g, che sfodera una ottima 

dinamica. 


SELECTOR 

di Paolo Corciulo 

NON È MAI TROPPO TARDI 

C’è un momento 

della 

giornata 

in cui la 

tensione si 

scioglie, le atmosfere languide 

appaiono appropriate anche 

negli “uomini tutti d’un pezzo” 

mentre un tramonto e una tassa 

di tè caldo rappresenterebbero 

l’ideale complemento di una 

cornice fatta di panorami belli 

o, almeno, rilassanti. Grandi 

sono stati nel tempo gli interpreti 

di questa “musica da tè”: 

crooners, menestrelli (o come 

altro li si voglia definire o li si è 

definiti), ci hanno dato nel tempo 

la pace e la serenità contro 

“il logorio della vita moderna”! 

The Sleeping Tree 

PAINLESS 

La Tempesta International - 2013 

E forse quella pace interiore, 

in antitesi alla musica molto 

più urban che realizza con la 

reggae band Mellow Mood, ha 

spinto Giulio Frausin ad avventurarsi 

con il suo progetto 

The Sleeping Tree in territori 

diversi e intimistici dove conduce 

una sei corde in luogo del 

basso inforcato con la band e, 

a supporto, solo la sua voce 

per un tessuto musicale dolcissimo 

e malinconico che, di 

primo acchito, mi ha ricordato 

l’amatissimo Nick Drake e le 

sue rarefatte atmosfere sonore. 

E non è un complimento da 

niente! Painless mantiene 

salda la rotta lungo i suoi 

12 brani senza cedimenti né 

la tentazione di strafare per 

manifestare molteplici registri, 

pure potenzialmente 

nelle corde dell’artista; fin 

da Leaves and Roots (2008) 

e poi successivamente con 

Stories (2011) e soprattutto 

Colours (2015) - l’ultima sua fatica 

solista in attesa che ci offra 

ancora piccole perle sonore - 

The Sleeping Tree ha saputo rileggere 

anche in altra chiave le 

sue personali fatiche musicali. 

Nella notte buia della musica, 

che si appiglia ai suoi stilemi 

più radicati per non risultare 

un enorme marshmallow pluricromatico 

ma tutto dallo stesso 

sapore, un trentacinquenne 

“made in Pordenone” in grado 

di deliziarci senza se e senza 

ma. Fortemente consigliabile. 


SELECTOR 


Mirko Cisilino 

EFFETTO 

CARSICO 

Auand 

Si chiama proditoriamente 

Effetto Carsico 

il disco d’esordio 

di Mirko Cisilino, un 

nome che se fosse 

circolato nella boxe 

americana di qualche 

decennio fa sarebbe 

stato certamente definito come “the next 

great white hope”. Ma più che semplice 

speranza, il poli-strumentista friulano che 

mantiene come primo strumento una tromba 

a cilindri di derivazione classica è già una 

splendida realtà e non solo per le lodi sperticate 

che convergono su di lui da parte di 

musicisti autorevoli come Franco D’Andrea e 

Francesco Bearzatti. C’è arditezza nell’elaborazione 

della struttura dei 14 brani originali 

che compongono l’album: raramente superano 

i quattro minuti e la musica abbina fasi 

preparatorie e progressioni toniche, basate 

su temi dal riff malandrino le cui radici sono 

anche popolari. Ci sono collettivi vorticosi, 

dai quali si elevano i notevoli spunti solistici 

del quintetto completato da Filippo Orefice 

(sax tenore), Beppe Scardino (sax baritono), 

Marzio Tomada (basso elettrico) e Marco 

D’Orlando (batteria). “In un paio d’anni”, 

ribadisce, “ho lasciato che questi pezzi si 

coagulassero dentro di me per distillarne 

il significato. Con questo debutto ho cercato 

di trovare un equilibrio tra il dentro e 

il fuori, tra complesso e semplice, in altre 

parole tra i miei opposti. Però anche dalle 

sensazioni arrivate dall’osservazione di ciò 

che mi circonda. Scrivo da quando avevo 11 

anni ma un’accelerata in questa mia maturazione 

la devo a Francesco Bearzatti: 

mi ha sempre spronato a fare un disco da 

solista, da leader”. 

Come hai proceduto per quanto 

riguarda repertorio e formazione? E 

che sensazioni ti hanno accompagnato 

quando lo hai riascoltato? 

I brani di questo album sono un compendio 

delle ricerche sulla musica jazz e leggera 

iniziate quando ancora ero adolescente. 

Però ho cominciato da idee messe a 

punto negli ultimi anni. Forse più appunti 

sparsi: per l’esattezza tra una melodia e un 

contrappunto (basso). Ma anche il Carso 

è stato una fonte di grande ispirazione, 

direi una pietra miliare: la storia e la sua 

particolare natura hanno impresso un netto 

cambio di passo nella mia vita. 

Tornando al disco, mi sono posto l’obiettivo 

di ricercare un equilibrio in forma di 

quintetto, un organico ristretto che ha le 

potenzialità di un’orchestra. Ho pensato al 

basso elettrico perché volevo uscire dal suono 

classico e Marzio Tomada (che all’epoca 

era anche mio coinquilino) rappresenta per 

me un ideale. Alla batteria non poteva che 

esserci Marco D’Orlando perché la fiducia 

nei suoi confronti come uomo e musicista è 

tra le più alte che possiedo nella mia vita. Da 

qualche anno lavoro già con Beppe Scardino 

in altri gruppi (C’mon Tigre e Calibro 35), 

e la miscellanea tra tromba e baritono mi 

sembrava il connubio per il suono che avevo 

in mente. Come primo impatto, ascoltare 

questa musica senza Filippo Orefice mi faceva 

sembrare il tutto troppo scarno e acido; 

aggiunto lui, si è illuminato tutto. Per cui 

quando ho riascoltato il disco le prime volte 

mi riempivo di gioia. Adesso più lo ascolto 

e più ci trovo cose da sistemare, modificare: 


Jazz 

nonostante ciò, sono felice dell’esito arrivato 

da una seduta lampo, che si è concretizzata 

in un solo giorno. 

Dedichi molto tempo e cura alla 

composizione o lasci prevalere 

l’istinto? 

Per questo disco ho lavorato con Marzio 

e Marco mettendo insieme appunti o 

lavorando su vere e proprie canzoni. Poi, 

prima con Beppe e a seguire anche con 

Filippo, abbiamo trovato tutte le voci. 

Avendo avuto poco tempo di mio, tante 

parti di arrangiamento le ho scritte un po’ 

all’ultimo, per cui in questa fase mi sono 

affidato maggiormente all’istinto. A più 

largo spettro considero l’armonia come uno 

specchio delle emozioni e dell’uomo. 

Quando hai iniziato a suonare? È 

corretto definirti jazzista? 

Più che un jazzista, in realtà, mi sento un 

musicista consapevole di improvvisare. Ho 

cominciato a suonare la melodica all’asilo 

con le suore. Avevamo due orchestrine, 

gli spartiti con le note colorate. Poi 

alle medie ho incontrato il mio primo 

maestro, Fabrizio Fontanot, compositore 

e direttore di banda, con cui ho cominciato 

a suonare la tromba e a fare i miei primi 

arrangiamenti per la big band interna a 

essa. Appena iniziato, il mio patrigno mi 

regalò un CD di Louis Armstrong e due 

di Glenn Miller. Ad oggi questi due colori 

della musica che riportano alle atmosfere 

degli anni ’30 e ’40 con tanto di orchestra, 

mi sono molto cari. 

Sempre grazie a Filippo Orefice, nel periodo 

delle superiori ho scoperto gli anni ’50 e 

’60 del jazz e subito dopo ho cominciato 

le mie ricerche. In realtà da quasi dieci 

anni ascolto poco jazz: questo disco è una 

mia protesta nei confronti di una deriva 

cervellotica della musica dalla quale 

voglio prendere le distanze. Nel senso che 

bisogna ritornare di più alla semplicità, alle 

melodie: è la mia componente romantica 

che me lo suggerisce. In questo senso 

Ornette Coleman è stato insuperabile per 

la sua duttilità nel passare dal complesso 

a melodie capaci di stenderti. 

Prova a definire il tuo di suono e 

come ci stai lavorando su... 

Negli ultimi due anni ho messo in discussione 

il modo in cui pensavo il mio suono e 

attualmente sto lavorando nel modellarlo, 

per poter così pian piano espandere i miei 

enormi limiti. È un po’ come se tutto quello 

che mi sta dentro e intorno facesse il mio 

suono. Negli alti e bassi della quotidianità 

e della vita. Mi mette di fronte ai miei 

limiti e mi aiuta ad affrontarli. Per cui in 

questi mesi la percezione del mio suono è 

come mi sento: particolarmente sensibile. 

Forse fragile. 


SELECTOR 

Enrico Rava – Joe Lovano 

ROMA 

ECM - 2019 

Vittorio Cuculo Quartet 

BETWEEN 

AlfaMusic 2020 

Roma è l’incontro 

tra 

l’ambasciatore 

del 

jazz italiano 

che ha 

appena festeggiato i suoi ottanta, 

splendidi anni in una 

più che invidiabile parabola, 

e il sassofonista Joe Lovano, 

che del modern mainstream 

è l’esponente più autorevole. 

Registrato un anno fa presso 

il Parco della Musica progettato 

da Renzo Piano; l’album 

comprende un trio ritmico 

formato da Giovanni Guidi, 

pianista ormai nel pieno della 

sua maturità artistica, ed 

i più giovani Gerard Cleaver 

(batteria) e Dezron Douglas 

(contrabbasso). Compositore 

e solista aperto ad ogni genere 

d’influenza (ricordiamo 

la sua fascinazione per 

Michael Jackson), Rava oggi 

suona quasi esclusivamente 

il flicorno, strumento grazie 

al quale riesce ad offire un 

saggio eloquente della propria 

capacità di sintesi poetica: 

la voce strumentale è 

morbida, sinuosa e guizzante, 

sulla stessa front-line il sax di 

Lovano si lancia in improvvisazioni 

fiorenti e vigorose. 

Alle spalle Guidi asseconda e 

rilancia con un ruolo strategico, 

enfatizzando talvolta il 

suo furor improvvisativo alternato 

all’imbattibile estro 

da balladeur di razza, come 

si evince nel meraviglioso 

spot finale che lo attende in 

Over the Rainbow. Intensità 

timbrica ed esemplare costruzione 

delle parti fluiscono 

negli spigoli di Interiors e 

Secrets, originali nuovamente 

coniugati, mentre egualmente 

magistrale è Forth Worth, 

un blues nostalgico in cui si 

riverberano le immagini di 

Ornette Coleman e Dewey 

Redman, quasi doppiato dal 

celebre Spiritual di John Coltrane. 

Vittorio Pio 

Le vie feconde 

della vita e 

dei sogni, nel 

loro crescere e 

catalizzarsi al 

terreno sentire, 

fanno incetta delle mezze misure, 

dei solchi di confine, carpendone 

ricchezze e savoir-faire. 

Percorsi divisibili in piccole 

aree tematiche che arricchiscono 

il gradiente di maturazione 

di un uomo e del suo pulsare 

creativo. Così come accade per 

Vittorio Cuculo, giovanissimo 

musicista che nel suo fresco 

esperire i momenti d’oggi del 

jazz italiano ha raccolto e continua 

a raccogliere una fitta serie 

di entusiasmanti avventure 

di musica e di suono, esaltando 

il valore e l’amore per il jazz. 

Con Between, disco d’esordio licenziato 

da AlfaMusic, Vittorio 

si tuffa nella profondità del suo 

animo per riaffiorare assieme 

agli eroi che hanno arricchito 

la storia del Novecento musicale 

spingendo nell’intensità del 

dialogo espressivo ciò che il 

linguaggio del jazz è diventato. 

Il canto del sassofono romano 

alterna al fraseggio debordante 

e innovativo l’intima carezza 

emozionale che il soffio caldo e 

vibrante del suo strumento sa 

donare. Nelle undici tracce che 

compongono il disco troviamo 

gli standard della tradizione 

del jazz, rivisitazioni di brani 

di Ellington, Monk, Pieranunzi 

e tre composizioni originali. 

Infine, tra le cose belle vi è il 

violino di Enrico Cuculo, fratello 

di Vittorio, che impreziosisce 

una splendida versione di Vedrai, 

vedrai del compianto 

cantautore Luigi Tenco. 

Daniele Camerlengo 


Recensioni Jazz 

Tom Harrell - Ethan Iverson trio 

COMMON PRACTICE 

ECM 

Willem Breuker & Han Bennink 

NEW ACOUSTIC SWING DUO 

ICP/Corbett Vs Demps 2019 

In quel tempio del 

jazz che resta il Village 

Vanguard di 

New York, ecco il 

poetico rendez-vous 

live fra Tom Harrell 

ed il trio di Ethan Iverson che 

ruota su un programma di quasi 

tutti standards sotto l’egida di 

Chet Baker. L’atmosfera di un 

luogo magico, unita alla perfetta 

acustica hanno finito per 

congiurare la scelta di melodie 

immortali, rese ancora più accattivanti 

dal sognante lirismo 

del trombettista, cui ha fatto 

da contraltare la raffinatezza 

del fraseggio e la lievità del 

tocco del pianista in una setlist 

al glucosio, nei ricami che 

ornano le suadenti I Can’t Get 

Started, All the Things You Are, 

I’m Getting Sentimental Over 

You: tutte si snodano in chiave 

intima e riflessiva, con grande 

attenzione ai valori melodici e 

cantabili negli interventi che 

comprendono anche Ben Street 

ed Eric Mc Pherson, a chiudere 

la sezione ritmica con una 

grande attenzione alle sfumature. 

Un omaggio anche al battesimo 

nella cattedrale del jazz 

da parte dello stesso Iverson, 

che ricorda di quando arrivò 

poco più che diciottenne a New 

York dal Wisconsin, proprio al 

Village Vanguard dove si esibiva 

un quintetto di gran classe 

composto dagli stessi Harrell e 

Lovano insieme a John Abercrombie, 

Ed Blackwell e Rufus 

Reid. Due generazioni di musicisti 

ispiratissimi, capaci di 

sviluppare una ricerca musicale 

piacevole ed istintiva, dalle cui 

trame si intravedono, come se 

si guardasse da un vetro smerigliato, 

le ombre di molteplici riferimenti, 

che si poggiano però 

su una solida consapevolezza 

della propria, elevata arte. 

Vittorio Pio 

Nella storia 

della musica 

universale, 

quella che 

rende significato 

al 

gesto d’arte dei musicisti, troviamo 

enunciati e personificati d’improvviso 

carismi e menti illuminate che 

dettano i riferimenti stilistici di 

un pensiero e un gusto musicale 

innovativo. Tra di essi, per ciò che 

concerne la libera improvvisazione, 

annoveriamo il sassofonista 

Willem Breuker e il batterista Han 

Bennink che registrarono a fine 

anni ’60 New Acoustic Swing Duo, 

il primo lavoro discografico (che è e 

rimane testata d’angolo della musica 

creativa olandese) per la ICP Records, 

innovativa casa discografica 

interamente dedicata alla musica 

improvvisata gestita dagli stessi artisti. 

La danza frenetica e tracciante 

del sassofono di Breuker spazia tra 

le infinite sfaccettature della spiritualità 

umana, un debordante e dichiarato 

sfogo espressivo in dialogo 

con l’esplosività del batterismo creativo 

di Bennink, inserito nel gotha 

del jazz e dei batteristi della musica 

improvvisata. In quel periodo era 

un giovanotto che portava con sé un 

immenso sacco di percussioni tra 

le più disparate, pronte a esplodere 

sotto le sue mani. Per far capire 

l’entità e la valenza di questa registrazione, 

che lanciò un nuovo approccio 

all’estemporaneità del jazz, 

Breuker e Bennink, dopo l’esperienza 

in duo, insieme a Brötzmann registrarono 

Machine Gun, altra pietra 

miliare della musica libera europea. 

Nonostante la sua importanza, 

New Acoustic Swing Duo non è 

mai stato disponibile nella versione 

CD. Finalmente rimasterizzata dai 

nastri originali, questa ristampa 

include la copertina originale con 

il timbro a mano “ICP 001”, oltre 

a diverse versioni delle copertine 

disegnate a mano dallo stesso Bennink, 

tratte dalla meravigliosa collezione 

di Mats Gustafsson. Infine, 

come bonus speciale, il doppio CD 

include un leggendario concerto 

di Breuker e Bennink, registrato 

ad Essen, in Germania, nel 1968, 

pubblicato in anteprima mondiale. 

Daniele Camerlengo 


CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE 

La musica è una koinède Il Tremila 

La musica come linguaggio universale, che prescinde dall’età e dalla cultura dell’ascoltatore o, come 

ebbe a dire Pietro Ingrao al direttore di questo giornale, la musica come moderna koinè. Lo rivelano 

gli studi del Dipartimento di Psicologia di Milano-Bicocca 

Il cervello è in grado di riconoscere 

il linguaggio delle 

emozioni nella musica; 

interpreta i suoni musicali con 

lo stesso meccanismo cerebrale 

con cui comprende le sfumature 

emotive della voce umana. A 

rivelarlo due ricerche pubblicate 

su “European Journal of Neuroscience” 

e “iScience” frutto del 

lavoro del Dipartimento di Psicologia 

di Milano-Bicocca, secondo 

cui un meccanismo neurale 

comune permette di percepire 

la musica come triste oppure 

allegra nello stesso modo in cui 

cogliamo le emozioni espresse 

dalla voce umana sotto forma 

di linguaggio verbale o di vocalizzazioni. 

Per arrivare a questa 

conclusione è stata registrata la 

risposta bioelettrica cerebrale 

spontanea (combinata con immagini 

anatomiche di risonanza) 

da 128 sensori metallici posti sul 

cuoio capelluto di 60 studenti 

universitari maschi e femmine, 

mente altri 32 studenti hanno 

valutato la componente emotiva 

degli stimoli stabilendone la valenza 

negativa oppure positiva. 

Un totale di 92 partecipanti al 

progetto per una ricerca durata 

più di due anni coordinata da Alice 

Mado Proverbio, professoressa 

Associata di Psicobiologia e 

Psicologia Fisiologica all’Università 

di Milano-Bicocca, dove 

insegna Neuroscienze Affettive e 

Cognitive sociali e Neuroscienze 

Cognitive. Alice Mado Proverbio 

è coinvolta da anni nell’attività 

di ricerca che si occupa delle basi 

neurobiologiche della cognizione 

sociale, le neuroscienze della 

musica e la neuroestetica, le differenze 

di genere, le emozioni, 

i neuroni specchio e l’empatia, 

la percezione visiva e uditiva, il 

linguaggio. 

Per effettuare questo studio è stato 

utilizzato un caschetto in grado 

di leggere gli impulsi elettrici 

del cervello e la tecnica “Loreta” 

che trasforma microvolt e nanoampere 

in “contenuti mentali” 

Il Dipartimento di Psicologia di Milano-Bicocca è guidato dalla professoressa Alice Mado 

Proverbio (al centro nella foto). I settori di ricerca vanno dalle neuroscienze della musica 

e della danza fino agli studi su linguaggio, bilinguismo e umorismo. 


XXX XXX 

L’area del cervello interessata da tutti gli stimoli positivi di natura musicale è la corteccia frontale inferiore. 

attraverso i quali i ricercatori possono 

“vedere pensieri” del tipo: 

ciò che si immagina quando si 

ascolta il suono di un violino o se 

si osserva un ballerino esibirsi... 

Gli studi, che si sono svolti nel 

Laboratorio di elettrofisiologia 

cognitiva del dipartimento di 

Psicologia, è stato condotto da 

un team di ricercatori che hanno 

utilizzato stimoli di carattere 

verbale, vocale o musicale. 200 

gli enunciati verbali con valenza 

emotiva (per esempio: “Tutti 

mi disprezzano…”, oppure 

“Assolutamente fantastico!”) oltre 

a 25 frasi neutre contenenti un 

nome, tutti pronunciati da speaker 

professionisti. Ai partecipanti 

sono stati fatti ascoltare anche 64 

file audio di vocalizzazioni spontanee 

di uomini e donne adulti e 

bambini (gridolini di gioia, grida 

di sorpresa, risate, pianti, grida 

di paura, lamenti di tristezza). 

Sia le voci che il linguaggio sono 

stati poi trasformati digitalmente 

in melodie eseguite al violino o 

alla viola/violoncello e presentati 

in cuffia. Si è verificato come i 

La calotta da indossare come una cuffia per la piscina, dotata di sensori elettrici. 

partecipanti fossero in grado di 

riconoscere le sfumature emotive 

distinguendole in negative e 

positive per le vocalizzazioni tra 

i 150 e i 250 millisecondi dopo 

l’inizio dell’emissione, verso i 

350 millisecondi per linguaggio 

verbale e a partire dai 450 ms per 

la musica strumentale. A partire 

da tale istante il cervello esibiva 

risposte bioelettriche simili per i 

tre tipi di segnale (voce, musica, 

linguaggio), nella comprensione 

del loro significato emotivo. 

Dall’analisi dei generatori cerebrali 

è emerso come alcune aree 

si attivano selettivamente. Solo 

per la musica, ad esempio, si attivano 

l’area paraippocampale 

destra, il lobo limbico e la corteccia 

cingolata destra; per le 

vocalizzazioni, invece, agisce 

la corteccia temporale superiore 

sinistra BA39 mentre solo per il 

linguaggio verbale interviene la 

corteccia temporale superiore sinistra 

BA42/BA39. Le aree comuni 

che, a prescindere dalla tipologia 

di suoni, sono risultate attive 

nel comprendere la loro natura 

emotiva sono state per gli stimoli 

negativi il giro temporale mediale 

dell’emisfero destro, mentre per 

quelli positivi la corteccia frontale 

inferiore. La notazione ottenuta 

trasformando i segnali acustici in 

note musicali ha mostrato come 

i suoni emotivamente negativi 

tendevano a essere in tonalità 

minore o a contenere più dissonanze 

di quelli positivi. Dati 

che dimostrano, secondo la 

professoressa Alice Mado Proverbio, 

“come il cervello sia in 

grado di estrarre e comprendere 

le sfumature emotive dei suoni 

attraverso popolazioni neurali 

specializzate della corteccia fronto/temporale, 

e dedicate a comprendere 

il contenuto prosodico 

e affettivo delle vocalizzazioni 

e del linguaggio umano”. Cosa 

che spiega la relativa universalità 

di certe reazioni innate alla 

musica, che prescindono dall’età 

e dalla cultura dell’ascoltatore e 

che sono un ottimo viatico per 

proporne l’ascolto di qualità, 

compito che da anni si è assunta 

questa rivista... 


CUT ‘N’ MIX 

Anche in Hi-Fi va il verde 

Anche l’Hi-Fi in prima linea contro il degrado dell’ambiente: grazie a una società italiana nasce 

Ecopixel Audio, materiale per la costruzione di sistemi altoparlanti green. 

Ecopixel è una società che 

si occupa dello sviluppo 

di materiali plastici 

riciclati da utilizzare nel campo 

del design e dell’architettura interna. 

La società, che ha sede a 

Porto Valtravaglia sul Lago Maggiore, 

ha recentemente sviluppato 

una 

nuova gamma 

di materiali particolarmente 

adatti per le doti 

di fonoassorbenza: combinati 

insieme questi materiali danno 

vita a una singola mescola che 

si accumula deliberatamente 

in diversi strati ed è possibile 

combinare strati diversi con 

densità diverse o anche qualità 

strutturali differenti. Il materiale 

di partenza deriva da un fonte 

di plastica “post industria” (al 

di fuori del tipo di plastica nel 

campo della plastica riciclata 

si divide il “post consumer” dal 

“post fabbrica” e, solitamente, il 

materiale post consumer e molto 

più difficile perché spesso non è 

un mono-polimero ma un misto 

di diversi tipi di plastica): è un 

misto di PELD (low density) e 

PEHD (high density) in varie 

grandezza di granula che, tra le 

molte combinazioni possibili, è 

stato abbinato in modo da creare 

un materiale fonoassorbente 

costituito da uno strato interno 

più morbido 

di forma 

approssimativa e di uno strato 

esterno più denso “più rigido”, 

complessivamente con elevata 

capacità di assorbimento del 

suono. Il materiale, definito 

Ecopixel Audio, si è dimostrato 

particolarmente adatto per lo 

sviluppo di diffusori, in particolare 

per la sua caratteristica 

di poter essere modellato secondo 

qualsiasi tipo di disegno. 

Così l’azienda italiana, in 

collaborazione con l’ingegnere 

del suono italo/ungherese Joseph 

Szall, ha testato il materiale 

sugli ingombri per altoparlanti 

in una ricerca che ha portato al 


progetto di altoparlanti sferici. 

Il prototipo è stato presentato 

alla Galleria Rosanna Orlandi 

durante l’evento internazionale 

di design nell’aprile 2019, poi 

Salone del Mobile di Milano, e 

alla design-week di Londra, e ora 

è in pieno sviluppo per diventare 

un altoparlante di fascia alta con 

il marchio Capriccio Continuo 

Sound Company. 

L’idea è quella di realizzare un 

interessante altoparlante Bluetooth 

di fascia alta utilizzando 

una unità coassiale prodotta 

in Italia e caratterizzata da un 

tweeter a cupola in seta trattata 

al neodimio da 1,5” e un woofer 

a cono doppiamente smorzato 

con carico asimmetrico (DAR) 

da 6,5” in gomma. L’involucro 

in gomma riciclata del diffusore, 

proprio per le sue caratteristiche 

di fonoassorbenza, non ha 

richiesto altri materiali interni 

fonoassorbenti e ha consentito 

di realizzare un diffusore con 

una risposta in frequenza estremamente 

estesa in relazione al 

volume del diffusore e a un tubo 

di accordo posteriore rivestito al 

suo interno con un secondo tubo. 

Eye, questo il nome del diffusore, 

è amplificato in Classe D (3 W 

di potenza) e sarà collegabile a 

una fonte via Bluetooth da cui 

è comandabile ogni operazione 

ad esclusione dell’accensione, 

che avviene tramite un interruttore, 

l’unico pulsante a bordo 

del corpo del diffusore. Eye 

utilizza l’alimentazione di rete 

ed è dotato di un supporto da 

pavimento circolare che consente 

il posizionamento libero 

in tutte le direzioni (può essere 

posizionato sul pavimento, rivolto 

leggermente verso l’alto 

o direttamente su un mobile). 

In attesa della sua commercializzazione 

(prezzo al pubblico appena 

al di sotto dei 500 euro) come 

non plaudire all’iniziativa? Anche 

Greta sarebbe d’accordo… 

LIBRI 

Fabrizio Barrabesi Barrabesi – Manuela Lozza 

BABY ROCK, LE CANZONI CHE HANNO FATTO LA 

STORIA SPIEGATE AI BAMBINI 

Arcana 224 pp. - 16 euro 

Lezioni di rock in quella terra 

di mezzo cruciale che va dai 

pannolini alle lavagne digitali 

Lim, chi ci aveva pensato? Nessuno 

finora. D’accordo, Another 

brick in the wall (che a pensarci 

era fin troppo scontato) non 

è pervenuto. E non c’è nemmeno 

Uffà uffà di Bennato, altro 

brano “educativo” - e a suo 

modo profetico vista l’emergenza ambientale di oggi 

- che tenne banco in classifica giusto 40 anni fa e se 

la giocò a testa alta proprio con il successone dei 

Floyd. Ma non è un caso che scatti il solito giochino 

degli esclusi eccellenti in un’antologia come questa. 

Perché lo sforzo è tutto da premiare. Come consegnare 

in eredità agli adulti di domani il vasto e vario 

patrimonio della musica rock nella sua essenza energetica? 

Per farlo in modo divertente e condiviso, 

festa colorata oltre che sonora per tutta la famiglia, 

ci hanno pensato i giornalisti Fabrizio Barabesi e 

Manuela Lozza, colleghi e sposi alle prese con due 

adorabili luciferini da crescere, nel loro libro edito da 

Arcana: Baby Rock, 50 canzoni per crescere piccoli demoni. 

Contiene le istruzioni per l’uso per far innamorare 

i vostri piccoli (o quelli dei vicini) del rock più 

verace con 50 canzoni considerate a vario titolo 

esemplari. Una playlist per crescere a pane, schitarrate 

e fantasia. Si parte dai mascheratissimi Kiss, che 

per i bambini sono attrazione formidabile, e passando 

da Chuck Berry “perfetto per il bagnetto”, nonno 

Tom Waits irresistibile di I Don’t Wanna Grow Up si 

termina con gli altrettanto mitici Beatles di All together 

now. Un libro fresco ma anche molto istruttivo, immancabile 

sotto l’albero a Natale ma anche per i 

compleanni dei vostri figli e nipoti strizzando l’occhio 

ai papà e alle mamme che non ne possono più di rap 

e trap e affini. Un libro che si basa sull’esperienza 

diretta di due genitori alle prese con la prole nell’era 

digitale e con la necessità di trasmettere loro la passione 

per una tradizione che per qualcuno è già classica 

ma che per le orecchie vergini può essere manna 

e un bel training. Si passa da dischi epocali e 

scatta la voglia di riscoprirli con ascolti dal vivo. E il 

bello è che non c’è esterofilia. Non mancano pietre 

miliari della canzone italiana come Enzo Iannacci e 

Gianna Nannini, Rita Pavone e Rino Gaetano, gli spaziali 

Rockets, Francesco Guccini, Giuni Russo e Loredana 

Bertè. Il rock è stato nelle sue varie metamorfosi 

sinonimo di rivoluzione, irriverenza, sovversione, 

pura baldoria e tutte queste cose insieme in un mix 

che sa rinnovarsi generazione dopo generazione. E 

in parte, forse al tramonto, lo sa fare ancora. Qui 

grazie a questa coppia di penne alleate sul fronte del 

palco e del lettino è forma d’amore, una collezione 

reale e non virtuale da non nascondere gelosamente 

per pudore o per paura sugli scaffali più alti della 

discoteca domestica. Al contrario, è una sfida divertente, 

un gioco di ruolo che aiuta a crescere e anche 

un potente antidoto alla solita pappa, ossia alle note 

banali e piatte propinate dall’industria in cui i piccoli 

potrebbero rimanere invischiati irrimediabilmente 

con le orecchie e peggio ancora con il cuore nella 

loro crescita. 

Lorenzo Morandotti 

Angelo Miotto e Massimo Acanfora 

IL RITORNO DELLE COSE 

Altraeconomia 112 pp. - 12 euro 

“Questo libro”, scrive Massimo 

Acanfora, uno degli autori “non 

vede la luce per scomunicare la 

tecnologia né per contrapporre 

digitale e analogico, intelligenza 

umana e intelligenza artificiale, 

innovazione estrema e 

retromania, virtuale e reale, ma 

per riflettere sulla nostra umanità 

che viene quotidianamente 

erosa - a dispetto della realtà ‘aumentata’ - dal frapporsi 

di uno strumento tecnologico tra noi e un tramonto, 

un Cezanne, il nostro stesso volto”. Premessa quanto 

mai opportuna per affrontare un “argomento 

sensibile” tanto nei risvolti di cronaca e politica più 

attuale che nello svolgere dei propri piaceri privati, 

tanto più se il punto di partenza è quello di saper 

apprezzare “il piacere senza tempo di sfogliare un libro, 

il graffio della puntina sull’LP, il click pieno della macchina 

fotografica”. Gli autori, evidentemente già di 

“una certa età” (Acanfora è del 1966, Miotto del 1992), 

partono da qui, cercando di evitare il rischio di focalizzarsi 

sulla contrapposizione tra impero digitale e 

ribellione analogica o di indulgere sulla nostalgia per 

i tempi andati. In quel grande calderone che da un 

lato porta a riflettere sul valore relazionale degli oggetti, 

sullo svilimento culturale di eventi e cose riletti 

attraverso i potentissimi sistemi di comunicazione 

odierna, Acanfora e Miotto portano il contributo di 

due materie rare, intelligenza e riflessione; in questo 

pamphlet in mezzo formato gettano dei “semi” ai 

nativi digitali che rappresentano un buon viatico 

anche per noi che non lo siamo, uno sprono a usare 

le cose con soddisfazione, contenendo gli effetti 

delle loro versioni virtuali. 

Il Tremila 


CUT ‘N’ MIX 

Per 

Michael 

basta così... 

Michael Hobson è uno dei pionieri 

della rinascita del vinile e 

uno dei più navigati operatori 

Hi-Fi americani: un “furbone” 

ma anche uno con prospettive e 

senso della vision molto sviluppati! 

Dopo aver aperto un negozio 

Hi-Fi a New York verso la 

fine degli anni ’80, 

Hobson ha fondato 

Classic Records nel 

1994 intuendo la rinascita 

del vinile e 

dando vita per oltre 

15 anni a ristampe 

di centinaia di registrazioni 

rare e con 

attenzione alla qualità 

tecnica nella riproduzione, 

grazie 

al prezioso apporto 

del “mago” delle 

rimasterizzazioni 

Benny Grundman. Nel 2010 

Classic Records è stata venduta 

alla Acoustic Sounds del mogul 

delle etichette alternative Chad 

Kassem e di seguito Hobson si è 

sbarazzato di Elite A/V Distribution 

(società di distribuzione 

Uno dei tanti: Led Zeppelin I (Side A1) 45rpm LP Test 

Pressing su Clarity Vinyl da 200 gr. Inciso solo su un lato. 

HYDE PARK 

CORNER 

di prodotti Hi-Fi) e di High 

Fidelity, un negozio di dischi 

aperto a Los Feliz, area trendy 

di Los Angel. Da qualche mese, 

infine, ha messo in vendita su 

eBay attraverso TheMusic.com 

e la sua consociata AllTheMusic.com 

la sua sconfinata 

collezione personale 

di prime copie e test 

pressing, tutte ancora 

sigillate! 

Con questo Hobson, che 

ha appena festeggiato il 

suo sessantesimo compleanno, 

si tira fuori 

completamente (a meno 

di sorprese dell’ultima 

ora) dall’agone Hi-Fi. C’è 

qualcosa che ha capito 

o si tratta solo di dorato 

pensionamento per 

(quasi) raggiunti limiti 

di età? 

PILLOLE DA 3000 MCG 

IL FESTIVAL DELLO SPETTATORE 

“Un festival è immaginazione; senza 

invenzione, tutto diventa routine. 

Spesso si dimentica l’essenziale, il 

piacere, che non deriva solamente 

dall’ennesima ripetizione dello 

stesso concerto ma soprattutto 

dalla novità. L’arte destabilizza, 

sorprende, è motore e specchio del pensiero”. Così Marc Monnet, direttore del 

Festival Printemps des Arts, la rassegna monegasca di musica, teatro, danza 

declinate con un approccio anticonvenzionale dal 13 marzo all’11 aprile. Dalla 

musica extraeuropea di Bali a repertori francesi dimenticati dal XVIII all’inizio 

del XX secolo (Aubert, Chausson, Ferroud, Samazeuilh, Decaux, Magnard), con 

tre giornate dedicate alla musica barocca per clavicembalo, affidata ai grandi 

interpreti Andreas Staier, Pierre Hantaï e Olivier Baumont. Il programma, 

sterminato, su: www.printempsdesarts.mc. 

NON SOLO BIT 

Dal 24 gennaio è aperto Castellana 

San Giovanni, il ristorante di 

alta cucina piemontese dello 

chef stellato Marco Sacco (nella 

foto) e dell’imprenditore Matteo 

Morello che dopo aver veicolato la 

cucina di questo territorio in quel di 

Hong Kong si propone ora in una location unica che rappresenta uno dei più 

prestigiosi patrimoni storici italiani: l’antico monastero di San Giovanni (XV secolo), 

caratterizzato dalla splendida volta a botte con mattoni a vista collocata proprio 

sotto alla Chiesa di San Giovanni. Audiofili, per una volta godetevela! 

BEATLES CON LE BOLLICINE 

“Beatles Memorabilia Show”, la mostra 

dedicata ai “fantastici quattro” 

allestita nella Galleria d’arte della 

cantina La Montina di Monticelli 

Brusati in Franciacorta, è stata 

prolungata fino al 9 marzo. Curata 

da Rolando Giambelli, fondatore di 

Beatlesiani d’Italia Associati nell’ambito di Art, Rock & Wine, la mostra racconta 

aspetti poco conosciuti e curiosità dei quattro di Liverpool. Tra i Memorabilia 

provenienti dal Beatles Museum italiano gli oggetti più significativi del collezionismo 

beatlesiano: libri, foto, dischi, vinili, autografi, lettere, fanzine e 

gadget vari. Ad alternarli, per dare una collocazione temporale e contestuale, 

la narrazione fotografica dei momenti salienti della carriera dei Beatles. 

In chiave “beatlesiana” anche la sezione ispirata al cibo e alla cucina, “Metti 

i Beatles a Tavola”. Nove pannelli con immagini scelte e sette ingrandimenti 

e riproduzioni fotografiche di alcune delle opere di Andrea Rauch, graphic 

designer e illustratore toscano di fama internazionale che, ispirato dal libro 

scritto da Ippolita Douglas Scotti di Vigoleno Metti i Beatles nella Zuppa, ne 

illustrò le pagine. A completare il percorso sei delle quattordici copie di litografie 

di John Lennon tratte dalla collezione privata Bag One: Alphabet Page, 

Bed In For Peace, Exchange Of Rings, I Do, John & Yoko e The Honeymoon. 

Per info: www.lamontina.it 


Dove trovarci 

Redazione 

Via di Villa Troili 4 - 00163 Roma 

(t) 06.44.70.26.11 

@ info@suono.it 

Amministrazione 

(t) 06.44.70.26.11 + 105 

@ amministrazione@suono.it 

Abbonamenti e arretrati 

(t) 06.44.70.26.11 + 100 

@ diffusione@suono.it 

Nella rete 

www.suono.it 

www.facebook.com/suono.it 

pinterest.com/suono/ 

twitter.com/@SuonoStereoHiFi 

Edizione digitale 

Copia singola: 4,75 euro 

suono.ezpress.it 

Pubblicità 

Concessionaria pubblicità 

Variedeventuali S.r.l. 

Direzione pubblicità 

Maurizio Massarotti 

(t) 335.76.03.234 

@ mauriziomassarotti@suono.it 

Direttore responsabile 

Paolo Corciulo p.corciulo@suono.it 

Direttore tecnico 

Fabio Masia 

Art Director 

Tommaso Venettoni 

Content Reviewer 

Francesco Bonerba 

Hanno collaborato 

Massimo Bargna, Agostino Bistarelli, Francesco Bonerba, Nicola Candelli, Paolo Corciulo, Luca Di 

Leonardo, Carlo D’Ottavi, Pier Paolo Ferrari, Antonio Gaudino, Vittorio Pio, Il Tremila. 

Abbonamenti: annuale Italia € 60,00 (all inclusive). 

Pagamenti: c/c postale n. 62394648 o bonifico (IBAN: IT04W0760103200000062394648) 

specificare sempre la causale - da intestare a: Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo. 

Per info vedi www.suono.it/La-rivista 

International Subscriptions rates: 1 year air-mail digital edition € 30,00; 1 year air-mail Europe 

€ 90,00; Africa € 100,00; Asia/America € 110,00; Oceania € 120,00. Payments by international 

check (to: Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo - Italy). 

Direttore responsabile Paolo Corciulo 

Reg. Trib. Roma N.130 del 14/3/95 - anno XLVX numero 542 

© Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo - P. IVA 04028131003 

Manoscritti, foto e originali, anche se non pubblicati, non si restituiscono. 

È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie senza l’autorizzazione 

scritta dell’Editore. 

Suono è un periodico che ha percepito (già legge 7 agosto 1990 n. 250) e percepisce i contributi 

pubblici all’editoria ( legge 26 ottobre 2016 n. 198, d.lvo 15 maggio 2017 n. 70). 

Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di febbraio 2020. 

Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 

Direttore editoriale 


Distributore per l’Italia 

Press-di Distribuzione Stampa e Multimedia S.r.l. 

20134 Milano 

Stampa 

Tiber S.p.A. 

Via Della Volta 179 - 25124 Brescia (BS) 

(t) 030.35.43.439 

(f) 030.34.98.05 

INDICE INSERZIONISTI 

Adcomm - VREL electroacoustic 9 

Audio Reference - ProAc 

II Cop. 

Audioplus 47 

Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 7, III Cop. 

Distretto Audio 23 

Fonë 97 

Gammalta Group - Pmc 21 

Gammalta Group 20 

Gammalta Group 22 

High Fidelity Italia - Accuphase 35 

Il Centro Della Musica 17, 81 

Lp Audio - Elac 13 

Mpi Electronic - McIntosh 11 

Mpi Electronic - PS Audio 37 

Mpi Electronic - Klipsch 59 

Mpi Electronic - Sonus Faber 

IV Cop. 

Ricable - Ricable 49 

Tecnofuturo - Gold Note 19 

Tecnofuturo - Gold Note 43 

Tecnofuturo - Wharfedale 63 

The Sound Of The Valve 87

SUONO n° 542

You also want an ePaper? Increase the reach of your titles

Delete template?

Save as template?