gustav mahler jugendorchester antonio pappano maestro han-na ...

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Coliseu dos Recreios
gustav mahler
jugendorchester
orquestr a juvenil gustav mahler
abril 2010
antonio pappano m a e s t r o
han-na chang v i o l o n c e l o
orquestr as convidadas e em residência
1

fundação calouste gulbenkian
serviço de música
d i r e c t o r
Risto Nieminen
d i r e c t o r a d j u n t o
Miguel Sobral Cid
c o n s u l t o r
Carlos de Pontes Leça
musica@gulbenkian.pt
www.musica.gulbenkian.pt
2

orquestr as convidadas e em residência
gustav mahler
jugendorchester
antonio pappano m a e s t r o
han-na chang v i o l o n c e l o
Richard Strauss
Tod und Verklärung / “Morte e Transfiguração”, op. 24
abril
16 sexta 21h
Coliseu dos Recreios
Dmitri Chostakovitch
Concerto para Violoncelo e Orquestra Nº 1, em Mi bemol maior, op. 107
1. Allegretto
2. Moderato
3. Cadenza – Attacca
4. Allegro con moto
Intervalo
Richard Strauss
Ein Heldenleben / “Uma Vida de Herói”, op. 40
Minich Re é o principal patrocinador da Digressão de Páscoa 2010 da Gustav Mahler Jugendorchester
1

Richard Strauss
munique, 11 de junho de 1864
garmisch, 8 de setembro de 1949
Tod und Verklärung / “Morte e Transfiguração”, op. 24 c. 23 min.
Ein Heldenleben / “Uma Vida de Herói”, op. 40 c. 40min.
O estudo do conceito de música programática apresenta-se como uma questão
complexa para a musicologia. Por um lado, a sua definição enquanto música cujas
estratégias de produção se baseiam na representação de elementos “extra-musicais”
(tais como poemas ou narrativas) é problemática. Uma das questões que essa definição
levanta é, precisamente, a delimitação do que é “extra-musical”, um conceito
que tem mudado ao longo dos tempos. Numa fase dessa discussão ocorrida ao longo
do século XIX deve ser destacada a
figura do crítico musical Éduard Hanslick
(1825-1904) que, na sua obra Do
Belo Musical (publicada em 1854),
valoriza a autonomia estética das
“formas sonoras em movimento.” O
mesmo autor critica violentamente o
recurso a elementos ditos extra-musicais
na concepção de obras musicais,
uma tendência então personificada
pelas figuras de Franz Liszt e de
Richard Wagner.
Contudo, deve ser destacado que
o próprio Liszt, apesar de recorrer
aos materiais ditos extra-musicais,
distanciava-se da simples representação
narrativa dos mesmos (uma
característica patente, por exemplo,
em diversas obras renascentistas e
barrocas), fomentando antes uma
abordagem centrada na expressão da
Richard Strauss – Fotografia de E. O. Hoppe, 1910
sua atmosfera geral. Essa distanciação
da representação directa aponta para a prevalência de uma estética romântica na
qual os limites entre expressão e representação são ambíguos e fluidos.
Paralelamente, a emergência da chamada música programática pode ser associada ao
estabelecimento de um mercado para a música instrumental do qual a sala de concertos
se tornou um espaço privilegiado. A folha de sala disponível na sala de concertos tendeu
a desempenhar um papel homólogo ao libreto num teatro de ópera, dois espaços centrais
para o mercado musical do Romantismo, embora o seu estabelecimento e consolidação
tenham ocorrido num período anterior.
Outra questão central na codificação da chamada música programática é o esbatimento
da fronteira música/literatura, associado a uma emergente cultura burguesa na
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qual a leitura era utilizada enquanto veículo de disseminação de valores românticos e
enquanto estratégia de distinção social entre diversos segmentos da população.
É no contexto da música programática que se enquadra o poema sinfónico romântico,
um género orquestral no qual os modelos sinfónicos herdados do Classicismo e
as novas tendências estéticas se fundem. Por um lado, o conceito remete, simultaneamente,
para o universo literário (“poema”) e para a herança da tradição instrumental
clássica (“sinfónico”). Por outro lado, aponta para uma tentativa de estabelecer um
alternativa à tradição sinfónica do tardo-Classicismo, personificada na figura de Beethoven.
Dessa forma, o recurso a elementos literários permitiria uma flexibilização de
tipologias tais como a sinfonia ou mesmo a forma designada por “allegro de sonata”,
de forma a enfatizar uma dinâmica formal associada aos novos modelos românticos.
Um dos mais destacados cultores do poema sinfónico no final do século XIX foi Richard
Strauss, tendo composto nove obras nesse género, estreadas entre 1889 e 1915. Adicionalmente,
a carreira do jovem Strauss foi determinantemente impulsionada pela
composição e apresentação dos seus primeiros poemas sinfónicos. Filho de Franz
Strauss, trompista da orquestra da corte de Munique, a qual estreou algumas das obras
de Wagner na altura, Richard teve uma educação musical cuidada. Ao longo dessa formação,
o compositor contactou com a obra dos mais destacados compositores do
Classicismo e do Romantismo, dos quais se destaca o a figura tutelar de Johannes
Brahms. Posteriormente, o contacto com o compositor e violinista Alexander Ritter
(1833-1896) veio promover o interesse de Richard Strauss pelas obras programáticas de
Liszt e pelos dramas musicais de Wagner, modelos que vieram a enformar a sua produção
em diversos pontos da sua carreira.
O poema sinfónico intitulado Tod und Verklärung (“Morte e Transfiguração”) foi composto
entre 1888 e 1889 e teve a sua estreia em Eisenach a 21 de Junho de 1890, durante
um encontro da Allgemeiner Deutscher Musikverein, uma associação fundada por Liszt
e Franz Brendel de forma a promover apresentações da música alemã da época (e à qual
Strauss veio posteriormente a presidir). O sucesso obtido na estreia foi determinante
para o reconhecimento do jovem compositor na área germânica e potenciou a apresentação
das suas obras nesse território.
Um dos problemas levantados na análise da chamada música programática encontra-se
relacionado com o estabelecimento de uma relação entre o “musical” e o
“extra-musical”, ou seja, entre a música e o programa. Por um lado, o programa de Tod
und Verklärung consiste numa narrativa sobre a morte de um artista, o qual rememora
diversos momentos da sua vida até à transfiguração final, e em várias edições da partitura
consta um poema que Strauss requisitou a Alexander Ritter de forma a ilustrar a
música previamente composta. Ao longo do Romantismo, o recurso a elementos ditos
extra-musicais em poemas sinfónicos implicou uma flexibilização das formas musicais
tradicionais, em especial do modelo de organização associado à chamada forma “allegro
de sonata”, com a qual Tod und Verklärung se relaciona.
Apesar da obra apontar para uma concepção cíclica, na qual os vários leitmotiv são utilizados
e trabalhados ao longo de todo o seu curso, subsiste no poema sinfónico uma
polaridade entre dois grupos temáticos. Um aspecto interessante na obra é a inexistência
de uma exposição fechada, visto que um segundo grupo temático é inicialmente
exposto de forma fragmentária e incompleta (a exposição integral desse grupo apenas
é realizada no final da obra), possibilitando o alargamento da tipologia de “allegro de
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sonata” a partir do seu início. Em Tod und Verklärung, Strauss substituiu a chamada
recapitulação por uma secção de constante trabalho temático, o que aponta para fre-
quentes alusões à chamada forma “allegro de sonata” apesar da complexidade e fluidez
formal e narrativa do poema sinfónico. Paralelamente, deve ser destacada a meticu-
losa orquestração da obra, trabalhada de forma a enfatizar o percurso do artista e a
sublinhar a narrativa subjacente e a sofisticação harmónica da obra que, embora mantendo
um centro tonal, é um bom exemplo da cromatização harmónica ocorrida no
final do século XIX, processo esse que veio expandir a aplicação da harmonia funcional.
O final da década de 1890 foi especialmente produtivo para Richard Strauss, tendo composto
e apresentado os poemas sinfónicos Till Eulenspiegel, Also sprach Zarathustra,
Don Quixote e Ein Heldenleben, obras que confirmaram a notoriedade do compositor.
Ein Heldenleben (“Uma Vida de Herói”) é vista como uma obra de inspiração autobiográfica,
até porque, na quinta secção (intitulada “As obras de paz do Herói”), Strauss cita
temas de diversas das suas obras. Se, por um lado, os títulos dos diversos andamentos
podem ser associados ao percurso do compositor, o próprio Strauss alertou para
o facto dos críticos tomarem o programa de forma demasiado literal, o que remete, de
novo, para os problemas de analisar uma obra desta índole com base no seu programa.
As seis secções da obra, cujo modelo de organização remete para uma complexa abordagem
da forma designada por “rondó-sonata”, intitulam-se “O Herói”, “Os adversários
do Herói”, “O companheiro do Herói”, “O Herói em batalha”, “As obras de paz do Herói” e
“O retiro do Herói deste Mundo e consumação”. As três primeiras secções podem ser consideradas
a exposição da obra, pois concentram-se na apresentação temática, enquanto
que as restantes são uma mistura complexa de desenvolvimento, recapitulação e coda.
Em Ein Heldenleben, deve ser igualmente destacada a complexidade com que Richard
Strauss lida com os materiais formais, temáticos, harmónicos, rítmicos e orquestrais,
de forma a potenciar uma possível narrativa na forma de poema sinfónico tardo-romântico
com elevado impacto expressivo.
Dmitri Chostakovitch
são petersburgo, 25 de setembro de 1906
moscovo, 9 de agosto de 1975
Concerto para Violoncelo e Orquestra Nº 1, em Mi bemol maior, op. 107 c. 28 min.
Os mecanismos de propaganda dos sistemas totalitários do século XX recorreram, de
forma frequente, à música com a finalidade de promover o regime nos mercados interno
e externo. Alguns casos paradigmáticos dessa tendência foram a apropriação de diversas
figuras como Richard Strauss ou Dmitri Chostakovitch e sua consequente associação ao
regime sob o qual trabalharam (a Alemanha nazi e a União Soviética, respectivamente).
Contudo, deve ser realçada a ambiguidade patente nas actividades dessas duas individualidades
em relação aos regimes nos quais as desenvolveram.
A actividade de Chostakovitch sempre foi diversa, abarcando várias áreas de produção
musical. Após um período de formação na instituição então designada por Conservatório
de Petrogrado, Chostakovitch apresentou-se enquanto pianista ao mesmo tempo
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que desenvolvia uma carreira a compor música para os mais variados contextos (sala
de concertos, bailado, cinema e teatro). Contudo, a ascensão de Estaline ao poder e
as consequentes mudanças estéticas então promovidas pelo regime vieram influenciar,
de forma notória, a actividade do compositor. Nesse campo deve ser destacado
um violento ataque à sua ópera Lady Macbeth de Mtsensk, publicado no jornal Pravda
no final de Janeiro de 1936, o que causou um grande impacto no percurso artístico do
compositor. Durante a Segunda Guerra Mundial, o compositor escreveu a sua Sinfonia
Nº 7, “Leninegrado”, uma obra que foi encarada, à época, como promotora do patriotismo
soviético, ou seja, do regime.
Contudo, em 1948, um novo ciclo de
ataques à actividade de alguns compositores,
entre os quais se incluiu
Chostakovitch, foi iniciado, subsistindo
até ao chamado Degelo
(designação do período associado à
relativa abertura do regime decorrente
da morte de Estaline em 1953).
Foi nesse contexto que o Concerto
para Violoncelo e Orquestra Nº 1
foi concebido. Por um lado, a ligeira
abertura à circulação de artistas
soviéticos pelo estrangeiro veio
não só possibilitar a apresentação
de música de compositores soviéticos
no Ocidente como promover a
carreira de vários intérpretes desse
território. Paralelamente, essas
digressões podem ser enquadradas
numa estratégia de propaganda
empreendida pelo regime, que pre- Dmitri Chostakovitch
tendia competir com o Ocidente nas mais variadas áreas. Integrados nesse processo
encontram-se as figuras de Chostakovitch e do violoncelista Mstislav Rostropovich
(1927–2007), a quem o compositor dedicou os seus dois concertos para violoncelo. Dessa
forma, tornava-se possível promover música de compositores nacionais através de executantes
nacionais, revelando ao Ocidente a qualidade do sistema de ensino musical
vigente na União Soviética.
Composto em 1959, o Concerto para Violoncelo e Orquestra Nº 1, em Mi bemol maior,
op.107, foi estreado pelo seu dedicatário a 4 de Outubro de 1959. A obra foi estreada na
cidade de Leninegrado, pela Orquestra Sinfónica de Leninegrado, dirigida pelo maestro
Yevgeny Mravinsky. O concerto inicia com uma afirmação enfática de um curto motivo
pelo violoncelo, o qual será apresentado nos diversos andamentos, encontrandose
patente, de forma mais notória, no primeiro e no último dos mesmos. No primeiro
andamento destaca-se o papel do solista enquanto condutor da macroforma, a qual
aponta para uma abordagem rapsódica centrada na apresentação de vários materiais
temáticos. Um aspecto que transparece em toda a obra, mas que se destaca no
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segundo andamento, é uma certa rusticidade, enfatizada pela centralidade da exposi-
ção melódica no papel do violoncelo sobre um acompanhamento contrapontístico das
cordas. No presente concerto, Chostakovitch dedica exclusivamente um andamento
ao violoncelo solo, uma cadência na qual o intérprete exibe o seu virtuosismo expressivo,
centrado na interpretação de diversos temas, por vezes recorrendo ao pizzicato
e às cordas duplas, de forma a criar uma textura por vezes contrapontística, por vezes
de melodia e acompanhamento. O último andamento é preparado pela afirmação do
motivo principal da obra pelo violoncelo solo durante o andamento anterior e consiste
numa forma em que um refrão é interpolado por várias secções, remetendo, por vezes,
para um contexto de estilização de tipologias coreográficas de danças tradicionais do
Leste europeu.
joão silva
6

©sheila rock
antonio pappano m a e s t r o
Antonio Pappano é o actual Director Musi-
cal da Royal Opera House - Covent Garden
e da Orquestra da Accademia Nazionale di
Santa Cecília, em Roma. Anteriormente,
foi Director Musical da Ópera da Noruega
e do Théâtre Royal de la Monnaie, em Bruxelas,
e Maestro Convidado Principal da
Orquestra Filarmónica de Israel.
Antonio Pappano nasceu em Londres, filho
de pais italianos. Aos treze anos de idade
mudou-se com a sua família para os Estados
Unidos da América, onde prosseguiu
os estudos de piano, composição e direcção.
Trabalhou inicialmente como pianista
e maestro assistente, mas cedo começou
a receber convites para se apresentar a
nível nacional e internacional: New York
City Opera, Gran Teatro del Liceo de Barcelona, Ópera de Frankfurt e Ópera Lírica de
Chicago. Foi maestro assistente de Daniel Barenboim no Festival de Bayreuth, em produções
de Tristão e Isolda, Parsifal e O Anel do Nibelungo.
Em 1987 estreou-se como maestro de ópera na direcção de La bohème, na Ópera da
Noruega, em Oslo, sendo nomeado Director Musical em 1990. Durante esse período
estreou-se na English National Opera, na Royal Opera House, na Ópera de São Francisco,
na Ópera Lírica de Chicago, no Théâtre du Châtelet e na Ópera Estadual de Berlim.
Estreou-se na Metropolitan Opera de Nova Iorque em 1997, numa nova produção de
Evgeny Onegin, e no Festival de Bayreuth, onde dirigiu Lohengrin, em 1999.
Antonio Pappano dirigiu ainda as Orquestras de Filadélfia e Cleveland, as Sinfónicas
de Chicago, Boston e Londres, as Filarmónicas de Nova Iorque, Munique e Berlim, a Philharmonia
Orchestra e a Orquestra do Real Concertgebouw de Amesterdão.
Gravou a ópera Don Carlo para a EMI Classics (CD e DVD), bem como La bohème, La
rondine (“Melhor Gravação do Ano” na revista Gramophone), Il trittico, Werther de Massenet
e Manon, Madama Butterfly, Tosca, Il trovatore, Tristão e Isolda e o Requiem de
Verdi. As suas gravações com a Orquestra da Accademia Nazionale di Santa Cecília
incluem as Sinfonias nº 4, 5 e 6 de Tchaikovsky e Festas Romanas de Respighi. Colaborou
com Hanna Chang, Leif Ove Andsnes e Maxim Vengerov em gravações de concerto e
com Ian Bostridge em recital.
Recebeu o prémio “Artista do Ano 2000” da revista Gramophone, o Prémio Olivier 2003
pelo seu excepcional desempenho no domínio da ópera e o prémio da Royal Philharmonic
Society (2004). Em Dezembro de 2008 foi agraciado com o título de Comendador da
República Italiana.
7

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han-na chang v i o l o n c e l o
Han-Na Chang percorre uma brilhante
carreira internacional, actuando regularmente
nas mais prestigiadas salas de
concerto da Europa, da América do Norte e
da Ásia. Em 1994, aos onze anos de idade,
recebeu o 1º Prémio e o Prémio de Música
Contemporânea, por unanimidade do
júri, no 5º Concurso Internacional de Violoncelo
Mstislav Rostropovich, em Paris.
Desde então, as suas qualidades artística e
interpretativa e o seu virtuosismo conduziram-na
a um lugar de destaque no âmbito
da nova geração de solistas.
Em 1995 realizou a sua primeira gravação
com a Orquestra Sinfónica de Londres, sob
a direcção de Mstislav Rostropovich. A edição
deste álbum valeu-lhe a atribuição do
prémio “Jovem Artista do Ano” nos Echo Klassik – Deutsche Schallplattenpreis, em 1997.
A gravação da Sinfonia Concertante e da Sonata para Violoncelo de Prokofiev, com
Antonio Pappano e a Orquestra Sinfónica de Londres, foi considerada a “Melhor Gravação
de Concerto do Ano” em 2003, nos Echo Klassik – Deutscher Schallplattenpreis,
tendo também recebido o Cannes Classical Award e os prémios Caecilia e Gramophone.
Han-Na Chang dedica uma especial atenção à música de câmara, dando numerosos
recitais nos mais prestigiados ciclos internacionais. Neste domínio, os seus compromissos
na presente temporada incluem apresentações em Los Angeles, Londres, Lisboa,
Madrid, Sydney, Amesterdão, Dublin, Atenas, Seul e Tóquio.
Han-Na Chang colaborou com outros maestros de renome como Giuseppe Sinopoli,
Lorin Maazel, Mariss Jansons, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Herbert Blomstedt, Yuri
Temirkanov, Christoph Eschenbach, Charles Dutoit, Seiji Ozawa e Myung-Whun Chung
e com muitas das grandes orquestras mundiais, incluindo as Filarmónicas de Berlim,
Los Angeles, Nova Iorque e Israel, a Staatskapelle Dresden, a Sinfónica da Rádio da
Baviera, a Sinfónica de Londres, a Orquestra de Paris, a Orquestra Nacional de França, a
Filarmónica do Teatro alla Scala, as Sinfónicas de Chicago, Pittsburgh, São Francisco e
Montreal, as Orquestras de Filadélfia e Cleveland e a Sinfónica de Sydney.
Nascida na Coreia do Sul, organiza e actua regularmente em concertos para crianças
no seu país natal e em 2009 fundou o festival de verão “Absolute Classic” em parceria
com o Sungnam Arts Center. É Embaixadora de Boa-Vontade da Cruz Vermelha da
Coreia do Sul.
Han-Na Chang estudou violoncelo com Mischa Maisky e Mstislav Rostropovich, Filosofia
na Universidade de Harvard e estuda actualmente Direcção de Orquestra com
Lorin Maazel.

gustav mahler jugendorchester
Fundada em Viena em 1986 por iniciativa do seu actual Director Musical, Claudio
Abbado, a Gustav Mahler Jugendorchester (GMJO) é hoje considerada uma das principais
orquestras juvenis do mundo, tendo sido distinguida pela Fundação Cultural
Europeia em 2007.
A GMJO foi a primeira orquestra internacional de jovens a abrir audições nos países do
leste europeu. Em 1992 alargou o seu âmbito aos músicos até aos vinte e seis anos de
idade, provenientes de toda a Europa. Em função desta sua abrangência em termos
geográficos conta com o patrocínio do Conselho da Europa.
Anualmente, um júri presidido por Claudio Abbado realiza a selecção dos músicos entre
uma média de 1500 candidatos que se apresentam nas audições realizadas em mais de
vinte e cinco cidades europeias. Os membros do júri são destacados músicos de orquestras
europeias, como as Filarmónicas de Viena e Berlim, sendo também responsáveis
pelo apoio ao programa musical da GMJO durante os períodos de ensaio e preparação
do repertório.
O repertório em digressão estende-se da música clássica até à contemporânea, dando
especial atenção às grandes obras sinfónicas dos períodos romântico e romântico tardio.
O alto nível artístico da GMJO e seu reconhecimento internacional atraíram muitos maestros
de renome como Claudio Abbado, Herbert Blomstedt, Pierre Boulez, Myung-Whun
Chung, Sir Colin Davis, Peter Eötvös, Ivan Fischer, Daniele Gatti, Bernard Haitink, Mariss
Jansons, Philippe Jordan, Ingo Metzmacher, Kent Nagano, Seiji Ozawa e Franz Welser-
Möst. Entre os solistas que tocaram com a Orquestra podem destacar-se Martha Argerich,
Yuri Bashmet, Renaud and Gautier Capuçon, Matthias Goerne, Susan Graham, Thomas
Hampson, Leonidas Kavakos, Evgeny Kissin, Christa Ludwig, Radu Lupu, Yo-Yo Ma, Anne-
Sophie Mutter, Anne Sofie von Otter, Maxim Vengerov e Frank-Peter Zimmermann.
A Orquestra Juvenil Gustav Mahler tem sido convidada habitual de importantes festivais
e prestigiadas salas de concerto, tais como, Gesellschaft der Musikfreunde de
Viena, Concertgebouw de Amesterdão, Suntory Hall de Tóquio, Théâtre des Champs-
Élysées, Mozarteum de Buenos Aires, Festival de Lucerna, Festival de Salzburgo,
Festival Internacional de Edimburgo e BBC Proms.
Muitos antigos membros da Orquestra integram actualmente as principais orquestras
europeias, alguns deles nos lugares de intérpretes solistas dos respectivos instrumentos.
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gustav mahler jugendorchester
Digressão de Páscoa 2010
primeiros violinos
Carolina Kurkowski Perez
Concertino (Polónia/Colômbia)
Magdalena Biskupska Polónia
Federico Bresciani Itália
Aurélie Doriac França
Rajissa Dubitsky Alemanha
Jelena Eskin Áustria/Alemanha
Sara Glombitza Alemanha
Elizaveta Goldenberg Rússia
Roberto González Monjas Espanha
Carolina Iglesias Martín Espanha
Olga Kysla Ucrânia
Verena Nothegger Áustria
Lotte Reeskamp Holanda
Louise Salmona França
Austra Steke Letónia
Weronika Tadzik Polónia
Diana Tishchenko Ucrânia
Anna Urpina Rius Espanha
Charlotte Vergnes França
Anne Solveig Weber Alemanha
segundos violinos
Mihai Tanasescu Kadar Espanha
Oleguer Beltran Pallarés Espanha
Xabier De Felipe Prieto Espanha
Inga Derznikele Letónia
Fiona Jansen Holanda/Irlanda
Sophie Kolarz-Lakenbacher Áustria
Claire Kono França
Astrid Christiane Leutwyler Suíça
Joana Ly Portugal
Alice Milan Suíça
Maria Cäcilia Müller Áustria
Maria Ovin Carrera Espanha
Sophie Pantzier Alemanha
Natalia Polevaya Rússia
Ana Sánchez Hernández Espanha
Susanne Schmidt Alemanha
Alexandra Maria Schuck
Alemanha
Ida Sundell Suécia
Marit Vliegenthart Holanda
Maria Wahlmüller Áustria
violas
Clémence Apffel-Gomez França
Thomas Aubry França
Katrin Burger Suíça
Laura Ensminger França
Maria Dolores Fernández
Mateos Espanha
Álvaro Gallego Chiquero Espanha
Vytenis Lisauskas Lituânia
Grigory Maximenko Rússia
Leire Moreno Mugika Espanha
Lucía Ortiz Saúco Espanha
Auste Ovsiukaite Lituânia
Jesús Rodríguez González
Espanha
Lara-Sophie Schmitt Áustria
Ekaterina Timofeeva Rússia
Santa Vižine Letónia
Alice Marie Weber Alemanha
Verena Würtele Alemanha
Elizaveta Zolotova Rússia
violoncelos
Dorran Alibaud França
Maruša Bogataj Eslovénia
Natacha Colmez França
Bruno Delepelaire França
Štěpán Drtina República Checa
Léonard Frey-Maibach França
Fabien Genthialon Suíça
Victoria Harrild Grã-Bretanha
Anna Khubashvili Geórgia
Ilia Laporev Bélgica
Aude Pivôt França
Camille Renault França
Merlin Schirmer Alemanha
Laura Tavernier França
contrabaixos
Maria Margarida Castro Portugal
Ana Córdova Andrés Espanha
Santiago Costa Martínez Espanha
Tessa Helder Holanda
Martina Higuera López Espanha
José Andrés Reyes Alonso
Espanha/Venezuela
Eduardo Rodríguez Romanos
Espanha
Guillermo Sanchez Lluch Espanha
Franciszek Slomka Polónia
Jorge Villar Paredes Espanha
Álvaro Yepes Martinez Espanha
Piotr Zimnik Polónia
flautas
Andre Cebrián Garea Espanha
Kenny Aaberg Larsen Dinamarca
Harmonie Maltere França
Anna Stavelova República Checa
oboés
Maria Alba Carmona Tobella Espanha
Raphael Cohen França
Clément Noël França
Chloé Payot França
clarinetes
Aljaž Beguš Eslovénia
Alice Caubit França
Gonzalo Esteban Francisco Espanha
Angelo Montanaro Itália
fagotes
Elisabeth Fritz Áustria
Pierre Gomes França
Ignas Mažvila Lituânia
Riccardo Terzo Itália
trompas
Tarik Sezer Aydin Turquia
Pierre Azzuro França
Alexandre Collard França
Anna Magdalena Euen Alemanha
Jasna Komar Itália
Alberto Menendez Escribano Espanha
Peter Müseler Alemanha
Pedro Miguel Pereira Fernandes Portugal
Cosima Schneider Alemanha
trompetes
Raul Calvo Royo Espanha
Marina Fixle Alemanha
Christian Ibáñez Ferrer Espanha
David Klingler Áustria
Peter Moriggl Itália
Gábor Vanyo Hungria
trombones
André Manuel Fialho Conde Portugal
Douglas Murdoch Grã-Bretanha
Filipe Manuel Vieira Alves Portugal
trombone baixo
Amadej Rutar Eslovénia
tuba
Sasha Koushk-Jalali Grã-Bretanha
percussão
Florian Cauquil França
Tibor Hettich Alemanha
Claudius Lopez-Diaz Espanha
Rosa Montañés Cebriá Espanha
Jaume Santonja Espinós Espanha
harpas
Jeanne Brachet França
Bleuenn Le Friec França

Próximos Concertos abril
17
18
20
sex 19h · sáb 16h
Grande Auditório
cesário costa mário laginha
dom 19h
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ter 19h
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András Keller v i o l i n o
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Judit Szabó v i o l o n c e l o
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concertos par a a família
Programa Gulbenkian Educação para a Cultura
comentador Catarina Molder
A Tentação do Jazz
orquestra gulbenkian
cesário costa m a e s t r o
mário laginha p i a n o
Gunther Schuller
Journey into Jazz
George Gershwin
Rhapsody in Blue
Duke Ellington
Ellington Portrait (arr. de Jeff Tyzik)
c iclo de mús ica antiga
the amsterdam
baroque orchestra
ton koopman m a e s t r o
tini mathot c r a v o
Johann Sebastian Bach
Musikalisches Opfer (Oferenda Musical), BWV 1079
Concerto para dois Cravos, em Dó maior, BWV 1061
c iclo de mús ica de c âmar a
György Ligeti
Quarteto para Cordas Nº 1
Musica ricercata
Béla Bartók
44 Duos para dois violinos Sz. 98
György Ligeti
Quarteto para Cordas Nº 2
Ludwig van Beethoven
Grande Fuga para Quarteto de Cordas,
em Si bemol maior, op. 133
Georges Enesco
Sonata para Violino e Piano Nº 3, em Lá menor,
op. 25, Dans le caractère populaire roumain
György Ligeti
Estudo nº 4: Fanfares
Trio para Violino, Trompa e Piano
11

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Concerto Comentado
ORQUESTRA
GULBENKIAN
16,17
ABRIL
SEXTA 19H00 / SÁBADO 16H00
granDe auDitório / 6€
Bilhetes à venda na bilheteira da Fundação Gulbenkian,
segunda a sexta, das 10h às 19h tel. 21 782 3700
ou em www.bilheteira.gulbenkian.pt
www.descobrir.gulbenkian.pt
Descobrir
Programa Gulbenkian Educação para a Cultura
gunther Schuller
Journey into Jazz
george gershwin
rhapsody in Blue
Duke ellington
ellington Portrait
(arr. e orq de Jeff tyzik)
orqueStra
gulBenkian
MAEstrO
CESÁRIO COSTA
PIANO
MÁRIO LAGINHA
COMENtADOr
ALEXANDRE DELGADO

A qualidade dos concertos pode ser grandemente
prejudicada por ruídos que perturbem a concentração
dos músicos e afectem a audição musical.
Se tiver necessidade de tossir, procure fazê-lo num momento
de maior intensidade sonora, evitando os intervalos
entre andamentos de obras, em que qualquer ruído mais
facilmente perturbará a concentração dos artistas. Faça-o
tentando abafar o som com um lenço.
Não é permitido tirar fotografias nem fazer gravações
sonoras ou filmagens durante os concertos.
Desligue o alarme do seu relógio ou telemóvel antes do início
dos concertos.
Por indicação da Inspecção Geral das Actividades Culturais
e nos termos do Decreto-Lei n.º 315/95 de 28 de Novembro,
nos Concertos de Música Clássica é proibida a entrada,
durante a actuação, para quaisquer lugares.
Programas e elencos sujeitos a alteração sem aviso prévio.
S E R V I Ç O S C E N T R A I S
c o o r d e n a d o r d a Á r e a
d e e s p e c t Á c u l o s
Otelo Lapa
d i r e c t o r e s d e c e n a
Helena Simões
Jorge Freire
d i r e c ç ã o d e c e n a
Diogo Figueiredo
F I C H A E D I T O R I A L
c o o r d e n a ç ã o
Miguel Ângelo Ribeiro
d e s i g n e f o t o g r a f i a
d e c a p a
Dasein 2009
www.dasein.pt
i m p r e s s ã o e a c a b a m e n t o
www.textype.pt
t i r a g e m 1000
p r e ç o € 2
Lisboa, Abril 2010