drumming grupo de percussão edicson ruiz contrabaixo

fevereiro 2010
06
Grande Auditório
drumming
grupo de percussão
edicson ruiz c o n t r a b a i x o
miquel bernat d i r e c ç ã o a r t í s t i c a
1

fundação calouste gulbenkian
serviço de música
d i r e c t o r
Risto Nieminen
d i r e c t o r a d j u n t o
Miguel Sobral Cid
c o n s u l t o r
Carlos de Pontes Leça
musica@gulbenkian.pt
www.musica.gulbenkian.pt
2

fevereiro
drumming – grupo de percus são
drumming · grupo de percussão
edicson ruiz c o n t r a b a i x o
miquel bernat d i r e c ç ã o a r t í s t i c a
06
sábado 19h
Grande Auditório
Luciano Berio
PSY, para contrabaixo (1989) c. 1min.
György Kurtág
Sombras, para contrabaixo (1999) c. 40 seg.
Message-Consoltaion à Christian Sutter, para contrabaixo (1999) c. 2 min.
Efrain Oscher
Santa Bárbara **
fantasia para contrabaixo e percussão (2009) c. 14 min.
Miquel Bernat, Pedro Oliveira, João Dias, Pedro Góis
La Doncella en la Torre
Adorando a los Dioses
Buscando la Luz
La Ira de Dióscoro
El Martirio de Bárbara
El Anhelado Encuentro
El castigo de los cielos
Matthias Ockert
Continuous Open Flux **
para contrabaixo, grupo de percussão e electrónica (2009) c. 15 min.
Miquel Bernat, Pedro Oliveira, João Dias, Pedro Góis
Intervalo
Elliott Carter
Tintinnabulation, para seis percussionistas (2008) *** c. 7 min.
Miquel Bernat, Pedro Oliveira, João Dias, Pedro Góis, Rui Rodrigues, Nuno Simões
Figment III, para contrabaixo (2007) c. 4 min.
Heinz Holliger
unbelaubte Gedanken zu Hölderlins "Tinian" (“Pensamentos
desfolhados de Tinian de Hölderlin”), para contrabaixo (2002) c. 3 min.
Luis Antunes Pena
Im Rauschen Rot (“Em Ruído Vermelho”)*
para contrabaixo, quarteto de percussões e electrónica (2010) c. 25 min.
Miquel Bernat, Pedro Oliveira, João Dias, Pedro Góis
* Estreia mundial: Encomenda da Fundação Calouste Gulbenkian / Serviço de Música
** Estreia mundial: Encomenda Drumming GP
*** Estreia em Portugal
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Música contemporânea para agrupamento de percussão e contrabaixo
A partir do programa do presente concerto é possível constatar um conjunto de tendências
patentes no circuito transnacional de apresentações de música contemporânea,
estabelecidas especialmente ao longo da segunda metade do século XX. Ao longo desse
período foi sendo criado, através de vários mecanismos, um sistema de produção, mediação
e recepção das vanguardas musicais. Por um lado, o papel do mecenato (quer estatal,
quer de iniciativa privada) na produção de novas obras musicais deve ser amplamente
destacado, pois permitiu a criação de condições de produção relativamente autónomas
para os compositores, os quais puderam auferir, de forma mais regular, dos rendimentos
associados à criação e apresentação das suas obras. Um sistema de promoção das ditas
vanguardas tenderia a valorizar o apoio dado à inovação, o qual se foi progressivamente
cristalizando numa prática regular. Noutro eixo, festivais especificamente orientados
para a apresentação de obras nesses cânones (os quais eram maioritariamente
suportados por entidades mecenáticas) afirmaram-se quer enquanto espaços de apresentação
das novas correntes musicais, quer enquanto entidades que, na sua valorização
dessas estéticas, realizavam frequentemente encomendas de obras a compositores.
Finalmente, devido às exigências técnicas e expressivas dessas correntes emergentes,
estabeleceram-se intérpretes ou agrupamentos especializados na sua execução, os
quais contribuíram igualmente para enriquecer o repertório através da encomenda de
obras especificamente destinadas ao seu efectivo.
O presente concerto inclui obras de alguns dos mais destacados compositores activos
a partir da segunda metade do século XX, nas quais as tendências acima referidas se
encontram patentes. Exemplo disso é a instrumentação das obras a interpretar. Por
um lado, a emergência de contrabaixistas e percussionistas virtuosos configura-se
enquanto importante influência para a concepção de novos repertórios eruditos na produção
musical contemporânea. Se, por um lado, o repertório solista para contrabaixo
era relativamente escasso até ao século XX (aparte de diversas obras virtuosísticas
compostas no século XIX e de diversas transcrições realizadas para esse instrumento),
esse corpus de obras foi-se expandindo com o aparecimento de intérpretes virtuosos
que contribuíram para o despertar do interesse nesse instrumento em compositores
como John Cage, Elliott Carter, Sylvano Bussotti, Franco Donatoni, Luciano Berio ou
Brian Ferneyhough, entre muitos outros. Semelhante percurso teve o repertório para
agrupamentos de percussão, o qual foi sendo expandido ao longo do século XX com
a composição de obras emblemáticas da autoria de Edgard Varèse, John Cage, Iannis
Xenakis, Steve Reich ou Emmanuel Nunes, entre outros.
Berio e Holliger: composições para contrabaixo solo
Existem diversos pontos de contacto entre a produção de Luciano Berio (1925-2003) e a
obra de Heinz Holliger (n. 1939). Berio compôs a Sequenza VII (para oboé solo, 1969) especificamente
para Holliger, um virtuoso desse instrumento. Aquando da sua primeira
versão, a Sequenza VII encontrava-se numa notação específica, a qual necessitava de
um intérprete que a soubesse decifrar, o que aponta para a relevância do executante
especialista no panorama da música contemporânea. Nessa obra, é misturada uma
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notação posicional em que os valores rítmicos se encontravam especificamente atribuídos
com uma notação mais espacial na qual o ritmo seria deduzido pelo intervalo entre
notas. Outro ponto de contacto entre ambos os compositores é o interesse pela literatura.
Berio centrou-se nos modelos literários associados ao modernismo (tais como a
obra de James Joyce, por exemplo) assimilando e transferindo para técnicas musicais o
tratamento do texto realizado pelos mesmos, mecanismos que vieram a desempenhar
um papel central na sua produção. Paralelamente, este compositor desenvolveu uma
produtiva colaboração artística com alguns dos mais destacados escritores italianos
contemporâneos, tais como Edoardo Sanguineti ou Italo Calvino.
Holliger interessou-se igualmente pela obra de escritores contemporâneos, tais como
Robert Walser ou Samuel Beckett, tendo inclusivamente aproveitado obras destes
para enredos das suas óperas. Paralelamente, desenvolveu interesse pela poesia de
Friedrich Hölderlin, tendo dedicado um período alargado da sua vida (de 1975 a 1991)
à composição da obra Scardanelli-Zyklus, inspirada num pseudónimo desse poeta.
A obra para contrabaixo solo unbelaubte Gedanken zu Hölderlins "Tinian", incluída
no programa do presente concerto, é um exemplo desse interesse. Tinian é o título
de um fragmento do poeta, possivelmente datado de 1804, que versa sobre a ilha do
mesmo nome situada no arquipélago das Marianas. Holliger compôs a obra em 2002,
tendo esta sido estreada em Hitzacker (Alemanha) por Johannes Nied a 31 de Julho do
mesmo ano. unbelaubte Gedanken zu Hölderlins "Tinian" alterna secções em que uma
melodia é interpretada com arco, conjugando-se com passagens em cordas duplas que
contribuem para uma ambiguidade horizontal/vertical em algumas secções da obra
(especialmente em áreas em que uma melodia é sobreposta a uma nota pedal). Paralelamente,
a obra explora a rápida transição entre os registos extremos do instrumento,
apresentando-se como uma obra virtuosística de curta duração.
De curta duração é igualmente Psy, composta para contrabaixo solo por Luciano Berio
em 1989. A produção específica de Berio para este instrumento é reduzida, resumindose
a Psy. Posteriormente, o contrabaixista Stefano Scodanibbio adaptou a Sequenza
XIV (inicialmente concebida para violoncelo e resultando de uma encomenda conjunta
de diversas instituições, entre as quais o Serviço de Música da Fundação Calouste Gulbenkian)
para o seu instrumento. A obra caracteriza-se pela apresentação recorrente
de uma padrão melódico que utiliza uma quantidade reduzida de material sobre contextos
em mudança. Por outro lado, aproxima-se de uma atmosfera de estilização do
“popular” (cultivada por Berio em obras como Folk Songs ou Naturale: su melodie siciliane)
pelo uso do ostinato.
Música composta por Elliott Carter no século XXI
Na actualidade, o compositor Elliott Carter (n. 1908) é, aos 101 anos, o decano das vanguardas
musicais nos Estados Unidos da América. Tendo cruzado um século de rápidas
mudanças e contribuído para as mesmas, Carter é uma figura tutelar dos movimentos
estéticos ditos modernistas e pós-modernistas, tendo ao longo da sua longa carreira
composto obras nos mais variados géneros e para os mais diversos agrupamentos.
Contudo, Figment III (composta em 2007) e Tintinnabulation (composta em 2008)
são ambas a primeira abordagem realizada pelo compositor ao contrabaixo solo e ao
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sexteto de percussão, respectivamente, o que aponta para um constante alargamento
das perspectivas musicais de Carter. Tal como Berio compôs um conjunto de obras para
instrumento solo, Carter iniciou em 1994 a composição da série de composições intituladas
Figment. Até à actualidade existem cinco destas obras, tendo a última das
mesmas (destinada a marimba) sido composta em 2009.
Figment III foi escrita em Junho de 2007 para o contrabaixista, maestro e divulgador de
música contemporânea Don Palma, tendo sido estreada pelo seu dedicatário em Nova
Iorque a 18 de Janeiro de 2008. Na obra destaca-se a constante alternância e simultaneidade
do pizzicato e do arco enquanto meios de produção sonora, o que contribui para
uma dualidade de textura. Paralelamente, a obra intercala momentos percussivos com
combinações melódicas, sendo uma composição claramente virtuosística dentro dos
cânones da concepção contemporânea.
A obra Tintinnabulation resultou de uma encomenda realizada por Frank Epstein para
o New England Conservatory of Music, local onde foi estreada a 12 de Fevereiro de
2008. Destinada a um sexteto de percussionistas que interpretam instrumentos sem
altura definida, a obra consiste num complexo intercâmbio tímbrico e rítmico entre
esses instrumentos. Dado que nenhum instrumento produz sons de altura definida,
o parâmetro timbre é central na obra, cujas nuances resultam não só da diferença de
materiais dos instrumentos, mas igualmente da meticulosa indicação no que toca aos
pontos de ataque dos mesmos, estabelecidos por Carter.
Miniaturas para contrabaixo solo de György Kurtág
O percurso dos compositores György Ligeti (1923-2006) e György Kurtág (n. 1926)
apresenta-se interessante no contexto centro europeu após o colapso do Império
Austro-Húngaro e o estabelecimento da hegemonia soviética em algumas regiões
desse império após a Segunda Guerra Mundial. Ambos os compositores nasceram em
territórios pertencentes à Roménia, apesar das suas famílias serem húngaras. Posteriormente,
ambos contactaram in loco com as vanguardas musicais emergentes na
Europa Ocidental a partir de meados do século XX. Se Ligeti desenvolveu a sua actividade
nos espaços germânico-ocidental e austríaco (nacionalidade que veio a adoptar
após a decisão de se fixar no ocidente europeu depois da intervenção soviética na
Revolução Húngara de 1956), Kurtág manteve, à época, a sua actividade na Hungria,
apesar de ter frequentado cursos em França e na Alemanha Ocidental. Na Hungria, e
após ser pianista co-repetidor num conservatório, desenvolveu actividade docente
na prestigiada Academia Liszt, em Budapeste, instituição à qual ficou vinculado até
à reforma. Posteriormente, o compositor saiu da Hungria e tem trabalhado essencialmente
em países como a Alemanha (entretanto já unificada), a Áustria, a Holanda ou a
França, onde colabora com os mais destacados agrupamentos, tais como a Orquestra
Sinfónica de Berlim ou o Ensemble InterContemporain.
A partir do final da década de 80, Kurtág iniciou a composição de obras de curta dimensão
para diversas combinações de instrumentos de cordas, agrupadas sob o título Jelek,
játékok és üzenetek (Sinais, Jogos e Mensagens), nas quais as duas obras incluídas no
presente concerto se encontram incluídas. Uma característica destas obras (compostas
em 1999) que pode parecer paradoxal é a maximização da expressividade a partir da
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utilização de meios relativamente reduzidos. Nas suas obras destinadas a contrabaixo
solo, Kurtág explora diversas especificidades técnicas desse instrumento, valorizando
a exposição de fragmentos sonoros de forma a potenciar a transmissão directa dos elementos
melódicos da obra.
joão silva
Luís Antunes Pena
Nascido em Lisboa em 1973, Luís Antunes Pena estudou composição em Portugal com
Evgueni Zoudilkine e António Pinho Vargas e na Alemanha com Nicolaus A. Huber, Dirk
Reith e Günter Steinke na Folkwang-Hochschule de Essen e no Institut für Computermusik
und Elektronische Medien (ICEM). Vive actualmente na Alemanha onde trabalha
como compositor.
Foi bolseiro da Fundação para a Ciência e Tecnologia, das Jeunesses Musicales da Alemanha,
do ZKM Center for Arts and Media Karlsruhe e do Experimentalstudio Freiburg.
Trabalhou nos estúdios da ZKM e no Visby Composers Centre, na Suécia.
As suas composições são o resultado de um trabalho intensivo no campo das estruturas
geradas por computador, baseado no desenvolvimento dos seus próprios instrumentos
informáticos. O seu interesse pelas novas formas de som e ritmo é um aspecto importante
da sua produção mais recente.
Luís Antunes Pena foi um dos criadores e directores artísticos do festival de música
internacional Jornadas Nova Música (1997-2002) com Diana Ferreira e João Miguel Pais. A
sua música tem sido tocada por toda a Europa e nos Estados Unidos da América, tendo
sido premiada no ECMC 25th Anniversary International Electroacoustic Music Competition
(Rochester/USA), no 11º Seminário de Verão de Viena e nos concursos Óscar da Silva
e Lopes Graça (Portugal). Foi também seleccionada para os Festivais ISCM em Miami,
World Music Days, em Estugarda, Concours International de Musique et d’Art Sonore
Electroacoustique de Bourges, Festival Internazionale di Musica Elettroacustica del
Conservatorio Santa Cecilia di Roma e Mantis Festival da Universidade de Manchester.
Recebeu encomendas de obras de diferentes instituições como a Philharmonie Essen,
a DeutschlandRadio, a Deutscher Musikrat, o Theater im Depot, o Ministério dos Negócios
Estrangeiros da Alemanha, as Jeunesses Musicales da Alemanha, o ZKM/Karlsruhe,
o Kasseler Musiktage e a Christoph Delz Stiftung (Basileia). Trabalhou na Universidade
de Música de Karslruhe, ensinando Música Gerada por Computador e Análise Musical.
Im Rauschen Rot
“Esta peça pertence a um conjunto de obras nas quais o principal objecto de trabalho
é o ruído (entre as quais se conta Fragments of Noise and Blood de 2009). O ruído
como som (do inglês Noises ou do alemão Geräusch) e o mesmo ruído como informação
(Noise/Rauschen).
Esta pesquisa em torno de sons que normalmente não fazem parte do repertório da
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música instrumental contemporânea tem em comum um aspecto musical: o ritmo. O
som que é ritmo devido às suas qualidades intrínsecas. É partindo deste princípio que
se cria uma grande variedade de instrumentos (alguns dos quais propositadamente
construídos para o efeito) em que a interação ao nível microscópico é a característica
comum. Entre estes instrumentos contam-se as pedras de granito, as lixas ou instrumentos
eléctricos como o piezzo.
No mesmo contexto, o contrabaixo move-se num universo rítmico em que a pulsação é
destruída dando lugar a uma "quasi" regularidade.
De certo modo, a forma da peça assume um lado convencional onde o contrabaixo é
tratado como um verdadeiro instrumento solista. As percussões, por outro lado, são
tratadas de modo a soarem como um contrabaixo fazendo do todo um grande instrumento
híbrido. Im Rauschen Rot poderá ser traduzido para português por "Em Ruído
Vermelho".
luís antunes pena
Efrain Oscher
Efrain Oscher começou a compor desde muito cedo, tendo o trabalho com o grupo
Nuestro Ensemble fornecido um terreno fértil para a experimentação. Compor para o
Nuestro Ensemble enriqueceu o seu desenvolvimento rítmico, graças ao folclore venezuelano,
tendo as harmonias sido influenciadas pelo jazz e o elemento melódico pela
sua formação clássica.
Na Europa trabalhou na transposição de peças tradicionais venezuelanas para instrumentos
clássicos. Este processo desembocou na formação do Bolivar Soloists, um
grupo de câmara para o qual Efrain Oscher compõe regularmente. Este projecto colocálo-ia
em contacto com o contrabaixista Edicson Ruiz, com quem estabeleceu uma
estreita colaboração de que resultaram várias peças para contrabaixo e outros instrumentos.
Desde 2006 compõe para o programa de "Incentivo aos alunos talentosos" da
Deutsche Tonkünstler Verband, em Bremen.
No domínio orquestral, escreveu para a Deutsche Kammerphilharmonie na "Gala de
Aniversario de Willhelm Busch" em Bremen. Compôs também a Abertura do Festival
Internacional de Música e Turismo da Venezuela, estreada em Maio de 2009 pela Orquestra
da Juventude Venezuelana Simón Bolívar, sob a direcção de Christian Velázquez.
Santa Bárbara, fantasia para contrabaixo e percussão
“A peça é claramente descritiva e está constituída por “cenas” que narram excertos
da história de Santa Bárbara. O contrabaixo assume os papéis de Bárbara e Dióscoro,
enquanto que a percussão emoldura a cena de acordo com a protagonista: em geral as
percussões de metal estão mais ligadas a Bárbara e à sua busca de Deus, enquanto que
as percussões de madeira e membrana se identificam com Dióscoro.
La Doncella en la Torre: O contrabaixo canta com a voz de Bárbara sobre a solidão a
que o seu pai a confinou. Aqui apresentam-se as notas em torno das quais a peça está
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construída: Si bemol, Lá e Mi bemol. O jogo de intervalos e os ornamentos evocam subtilmente
a localização geográfica desta historia, no Médio Oriente.
Adorando a los Dioses: Dióscoro adora os deuses em que acredita e participa nas festas
pagãs. Esta é uma dança com um certo sabor oriental, alegre e misterioso.
Buscando la Luz: Ao não querer casar-se com nenhum dos pretendentes que vieram
pedir a sua mão, Bárbara feriu o orgulho do seu pai, que parte numa longa viagem deixando-a
sozinha na sua torre. Assim empreende Bárbara a busca do Deus único sobre o
qual pregava Jesus.
La Ira de Dióscoro: Após o seu regresso, Dióscoro percebe que a sua filha traiu as suas
crenças e tomado pela ira apresenta Bárbara à autoridade local.
El Martirio de Bárbara: Sentenciada a horríveis torturas, Bárbara aproxima-se ainda
mais de Deus e tem uma visão de Jesus Cristo.
El Anhelado Encuentro: Decidindo limpar o seu nome, Dióscoro leva-a até uma montanha
onde a decapita. No caminho, Bárbara sente que se aproxima o seu encontro com Deus.
El castigo de los cielos: O céu veste-se de tormenta e Dióscoro desce da montanha para
encontrar a sua própria morte ao ser fulminado por um raio.”
efr ain oscher
Matthias Ockert
Nascido na Alemanha em 1970, Matthias Ockert é compositor e guitarrista de jazz, compondo
para electrónica, instrumentos tradicionais, jazz e vídeo experimental. Dedica
especial interesse à composição algorítmica, à espacialização sonora e ao binómio composição/improvisação
no domínio da electrónica ao vivo interactiva.
De 2001 a 2008, estudou composição com Wolfgang Rihm e Sandeep Bhagwati na Universidade
de Música de Karlsruhe e no ano seguinte trabalhou com Hanspeter Kyburz
num programa de pós-graduação da Universidade de Música Hanns-Eisler, em Berlim.
As suas composições foram apresentadas na Academia das Artes de Berlim, no ZKM
Center for Arts and Media Karlsruhe, nos Cursos de Verão de Darmstadt, no Festival da
Nova Música de Estugarda, no Florida Electroacoustic Music Festival, na International
Computer Music Conference, em Nova Orleães, no Festival Synthèse Bourges, no Festival
di Musica Acusmatica Tiscali e no Festival Internacional de Cinema de Munique.
Em 2005 foi artista convidado do ZKM/Karlsruhe, onde trabalhou na peça stretto,
premiada no 32º Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges. Nos
anos seguintes compôs para o projecto multimédia Donny G., das Jeunesses Musicales
da Alemanha, e foi convidado a escrever uma peça para o Ensemble Modern e para o
Lucerne Festival Percussion Ensemble. Em 2008 foi compositor convidado da Academia
das Artes de Berlim e do SWR Experimentalstudio Freiburg, tendo a sua composição
Primum Mobile, para vozes femininas, ensemble e electrónica, sido premiada pelo
KlangForum Heidelberg no ZKM/Karlsruhe.
Como guitarrista de jazz, Matthias Ockert toca e grava com vários grupos na Europa e
nos Estados Unidos da América.
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drumming · grupo de percussão
O Drumming – Grupo de Percussão surgiu no Porto em 1999 e tem vindo a sintetizar
a evolução da percussão erudita em Portugal e na própria cultura ocidental. Ganhou
rapidamente a simpatia do público e da crítica, constituindo na actualidade uma referência
na vida musical portuguesa. No seu currículo constam dezenas de actuações
nas principais salas do país, incluindo Centro Cultural de Belém, Fundação Calouste
Gulbenkian, Culturgest, Teatro Camões, Teatro Rivoli, Teatro Nacional de São João e
Fundação de Serralves, para além de actuações no estrangeiro – Espanha, Bélgica,
França, Alemanha e Brasil, entre outros países. Foi grupo residente do evento Porto
2001 – Capital Europeia da Cultura.
O Drumming tem contribuído para a divulgação de peças contemporâneas, formando
o seu próprio repertório através do incentivo a dezenas de compositores nacionais e
internacionais que escreveram peças para o grupo, explorando as mais diversas e imaginativas
formas e tipos de exprimir a percussão e ganhando progressivamente variados
públicos nesta especialidade.
Mantendo sempre a coerência estilística e temática, o Grupo percorre as vias da inovação
sonora e da poética do espectáculo enquanto momento cénico único e total. Sob a
direcção de Miquel Bernat, percussionista e pedagogo de prestígio internacional, membro
fundador do Ictus Ensemble de Bruxelas e colaborador assíduo da Companhia de
Dança Contemporânea Rosas, de Anne Teresa de Keersmaeker, o Drumming destaca-se
pela singularidade da sua programação. Esta junta as experiências da vida profissional
do seu director artístico com a diversidade de estilos e formação dos membros que
compõem o Grupo, concretizando diferentes linhas de apresentação, desde a música
erudita ao Rock, ao Jazz e à World Music, à música de cena para teatro, ópera e bailado,
passando pela colaboração com outros agrupamentos e solistas como a Orquestra Gulbenkian,
a Orquestra Nacional do Porto, o Remix Ensemble, o Quarteto Montagnana,
Ivan Moniguetti e Maria João, entre outros.
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edicson ruiz c o n t r a b a i x o
Edicson Ruiz nasceu em 1985 na Venezuela
e toca contrabaixo desde os onze anos de
idade. Teve como mestres e mentores Félix
Petit, Janne Saksala e Klaus Stoll (os dois
últimos na Academia de Orquestra da Filarmónica
de Berlim). Tocou pela primeira vez
numa orquestra no âmbito da "Fundación del
Estado para el Sistema Nacional de Orquestas
Juveniles e Infantiles de Venezuela"
fundada por José Antonio Abreu.
Aos quinze anos foi o mais jovem laureado
na história da International Society of Bassists
ao ganhar o 1º prémio no concurso desta
Sociedade, que teve lugar em Indianapolis.
Dois anos mais tarde ingressou no naipe
de contrabaixos da Filarmónica de Berlim,
sendo não só o primeiro músico hispano-americano desta orquestra, mas também o
membro mais jovem em toda a sua história. Com a Filarmónica de Berlim tocou nos Festivais
de Páscoa e de Verão de Salzburgo, no Festival de Berlim (Berliner Festwochen)
bem como em Nova Iorque, Edimburgo, Pequim, Tóquio e Seul.
Edicson Ruiz é também uma activo solista, tocando com orquestras de todo o mundo
e dando regularmente recitais na Philharmonie de Berlim e no Festival de Lucerna. Gravou
ao vivo para estações de rádio e televisão na Europa, na América do Norte e na
Venezuela. É membro do Sexteto de Contrabaixos da Filarmónica de Berlim e ensina no
âmbito do projecto educacional "zukunft@BPhil".
Entre as obras que foram escritas para ele podem mencionar-se D K Son, Escenas del Sur,
para viola e contrabaixo, e Boves y Bolívar, para voz de baixo, contrabaixo e piano, de
Efrain Oscher, bem como os concertos para contrabaixo do venezuelano Paul Desenne
e do trompista e compositor mexicano Arturo Pantaleón.
O governo venezuelano distinguiu Edicson Ruiz em 2002 com a Ordem José Félix Ribas
por uma "juventude exemplar". Um ano mais tarde foi seleccionado como um dos “Dez
Destacados Jovens da Venezuela” pela Junior Chamber International.
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miquel bernat d i r e c ç ã o a r t í s t i c a
Miquel Bernat nasceu em Benisanó (Valência) e é
um dos mais destacados vultos internacionais da
percussão. Estudou nos Conservatórios de Valência,
Madrid, Bruxelas e Roterdão e frequentou o
Aspen Summer Music Course, nos Estados Unidos
da América.
Entre outras distinções, recebeu o "Prémio Extraordinário
de Final de Curso" dos Conservatórios de
Madrid e de Bruxelas, o “Prémio Especial de Percussão”
do concurso Gaudeamus (Holanda, 1993), o 2º
prémio de “Interpretação de Música Contemporânea”
no mesmo certame e o 2º prémio do Concurso
Aspen Nakamichi (EUA), como solista.
Músico de grande versatilidade, tocou com a
Orquestra Ciutat de Barcelona (1988-1991) e com a
Orquestra do Real Concertgebouw de Amesterdão,
além dos grupos de música contemporânea Ictus Ensemble, Quarteto Ictus de Bruxelas
e Duo Contemporain de Roterdão, entre outros. Solista em inúmeros recitais, destacase
a estreia mundial do Concerto para Marimba e 15 Instrumentos, de David del Puerto,
no Festival Ars Musica de Bruxelas e no Ensems de Valência, e as estreias de Campos
Magnéticos, de César Camarero, com a Orquestra Nacional do Porto e de Sombrio – Concerto
para Percussão e Orquestra de Câmara, de Luis de Pablo.
Professor nos Conservatórios Superiores de Música de Roterdão e Bruxelas, tem desenvolvido
um intenso trabalho pedagógico na Escola Superior de Música do Porto e na
Escola Profissional de Música de Espinho, tendo sido convidado para leccionar na Universidade
de Aveiro e na Escola Superior de Música da Catalunha. Fundou, no Porto, o
Drumming – Grupo de Percussão, com o qual dirigiu numerosos concertos em Portugal,
Espanha, França, Bélgica, Alemanha e Brasil.
Preconizando o tratamento de cada espectáculo musical em função de uma poética
irrepetível, tem vindo a desenvolver um conceito inovador de concerto onde elementos
como a presença em palco, a cenografia, o desenho de luzes ou o tratamento escultórico
são valorizados ao mesmo nível da prestação musical. Surgiram nesta linha
espectáculos com coreografia de Anne Teresa de Keesrmaeker – companhia Rosas –
como Just Before, Drumming Live, Rain ou April Me e ainda Natural Strange Days, com o
coreógrafo Roberto Olivan.
Em 2003 estreou no IRCAM, em Paris, Mantis Walk in a Metal Space, de Javier Alvarez, uma
peça para Steel Drums solista, com grupo instrumental e electrónica, desenvolvendo
uma outra vertente como instrumentista, a de trazer para o plano solístico instrumentos
exóticos que raramente ascendem a um lugar de destaque na nossa cultura.
Com um grupo de compositores e intérpretes forma o “Musica Presente”, referência relevante
da criação musical contemporânea na Europa, materializando-se no lançamento
de um livro e de um CD. Apaixonado pela criação contemporânea, colabora estreitamente
com numerosos compositores, tendo-lhe sido dedicadas dezenas de obras.
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A N O S
12

A qualidade dos concertos pode ser grandemente
prejudicada por ruídos que perturbem a concentração
dos músicos e afectem a audição musical.
Se tiver necessidade de tossir, procure fazê-lo num momento
de maior intensidade sonora, evitando os intervalos
entre andamentos de obras, em que qualquer ruído mais
facilmente perturbará a concentração dos artistas. Faça-o
tentando abafar o som com um lenço.
Não é permitido tirar fotografias nem fazer gravações
sonoras ou filmagens durante os concertos.
Desligue o alarme do seu relógio ou telemóvel antes do início
dos concertos.
Por indicação da Inspecção Geral das Actividades Culturais
e nos termos do Decreto-Lei n.º 315/95 de 28 de Novembro,
nos Concertos de Música Clássica é proibida a entrada,
durante a actuação, para quaisquer lugares.
Programas e elencos sujeitos a alteração sem aviso prévio.
S E R V I Ç O S C E N T R A I S
C o o r d e n a d o r d a Á r e a
d e E s p e c t á c u l o s
Otelo Lapa
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