Design, moda e vestuário no século XIX (1801-1850).

Design, moda e vestuário no século XIX (1801-1850).
Design, fashion and clothing in the nineteenth century (1801-1850).
Oliveira, Vanessa Melo; Universidade Anhembi Morumbi.
nessa_mo@hotmail.com
Faria, José Neto de; Ms.; Universidade Anhembi Morumbi.
josenetodesigner@yahoo.com.br
Navalon, Eloize; Ms.; Universidade Anhembi Morumbi.
navalon@uol.com.br
Resumo
A primeira metade do século XIX vivenciou a proliferação de importantes movimentos
estéticos, como o Neoclassicismo e o Romantismo, que, assim como a moda dessa época,
buscaram referências na Antiguidade Clássica. O presente artigo aborda esses movimentos,
descreve a moda da época e tenta traçar um paralelo, mostrando as referências que podem ser
encontradas em comum.
Palavras Chave: design; moda; romantismo e neoclassicismo.
Abstract
The first half of the nineteenth century experienced a proliferation of important aesthetic
movements such as Neoclassicism and Romanticism, which sought references in The
Classical Antiquity as well as the fashion of that time. This article discusses these movements,
describes the fashion of the time and makes a parallel, showing the references that can be
found in common.
Keywords: design; fashion; romanticism and neoclassicism.

Design, moda e vestuário no século XIX (1801-1850).
Introdução.
O século XIX foi marcado pelo espírito da renovação. A Revolução Francesa e o
período napoleônico, que finaliza em 1815 com sua derrota em Waterloo, trouxeram
transformações para toda a Europa. A França passa a ser governada por uma Assembleia
representativa, a qual instaura um novo conjunto de leis. Ocorrem muitas mudanças também
devido ao desenvolvimento da ciência e da tecnologia, contribuindo para a construção das
grandes fábricas, impulsionadas por potentes máquinas a vapor e mão de obra barata. A
invenção do telefone, em 1876, e a pavimentação das ruas são alguns exemplos desse
desenvolvimento. Os avanços tecnológicos também impulsionaram muito o mercado da
moda, com o início da produção em massa.
Durante a mesma época surge o Romantismo que influenciou a arte e a moda. Os
românticos pregavam o sentimento e a emoção como contraponto ao espírito que estava se
estendendo, de independência capitalista. O Historicismo foi outro movimento artístico
presente na moda do século XIX que estudou as diferentes formas que a moda reviveu,
reinterpretando estilos de séculos anteriores. Os delicados vestidos de musseline, leves e
soltos, refletem modelos neoclássicos, inspirados nas estátuas gregas e romanas. Outra
influência adotada foi o gosto pelo design escocês, devido ao grande interesse que o vestido
antigo da Escócia despertava.
O presente artigo abordará também, a moda da primeira metade do século XIX,
mostrando as várias mudanças ocorridas, principalmente na silhueta feminina e na grande
introdução de ornamentos. Será possível observar também que a moda aderiu a muitas
influências dos movimentos estéticos artísticos, e se tornará bastante relevante a compreensão
da relação entre essas duas áreas estéticas, e o aprofundamento no entendimento de como
ocorreram as várias mudanças no vestuário desse período.
Metodologia.
Este trabalho é o resultado de uma pesquisa teórica, qualitativa, dedutiva e indutiva
que buscava compreender as características dos movimentos artísticos, Romantismo e
Neoclassicismo e a história da moda da primeira metade do século XIX e destacar as
influências que esses movimentos despertaram na moda. A pesquisa foi dividida, para poder
ser desenvolvida, em cinco momentos: pesquisa do referencial teórico; pesquisa e coleta de
dados relevantes; organização, classificação e análise dos dados; análise dos resultados da
pesquisa; e reflexão e descrição dos resultados da pesquisa.
Romantismo/Neoclassicismo (1750 – 1850).
O termo Romantismo deriva da palavra romance, utilizado para dar nome a um tipo
de histórias de aventuras medievais, característicos do final do século XVIII. Contudo, o
Romantismo não se refere a um estilo específico, mas a uma atitude de espírito em um
conceito mais amplo.
O propósito do romantismo era acabar com os artifícios que barravam o regresso à
natureza. Para os participantes desse movimento, a natureza era desmedida, selvagem,
sublime e pitoresca. Foi com base nela que os românticos adotaram o poder, a liberdade e
tudo o que lhes inspirava a exaltação e o entusiasmo. No entanto, precisava de um estilo para
se basear, mas não um de seu tempo, por isso recua a um passado ao qual se sente ligado por
uma certa afinidade, favorecendo a revitalização de mais de um estilo.
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O movimento apareceu com o fim do ciclo clássico, que está ligado revisitação da
arte do mundo antigo, greco-romano, no qual enxerga a relação dos homens com a natureza
como sendo clara e positiva. Destaca-se nesse período a transformação das tecnologias e da
organização da produção econômica, com consequências que surgem na ordem social e
política. Sem dúvida, o nascimento da tecnologia industrial coloca em crise o artesanato e
suas técnicas refinadas e individuais, transformando as estruturas da arte, que constituem o
modelo de produção artesanal. Uma das principais causas da crise da arte foi a passagem da
tecnologia do artesanato para a tecnologia industrial fabril, que se baseia na ciência e age
sobre a natureza de forma mais incisiva, transformando o ambiente.
O período que vai da metade do século XVIII até a metade do século XIX pode ser
dividido da seguinte maneira: fase pré-romântica, com a paralela poética alemã do Sturm und
Drang 1 ; fase neoclássica, coincidindo com a Revolução Francesa e o império napoleônico; e a
reação romântica, paralela aos movimentos de independência nacional, com as primeiras
reivindicações operárias entre 1820 e 1850. O Neoclassicismo faz parte do processo de
formação do Romantismo, segundo o qual a arte não é derivada da natureza e sim da própria
arte.
Uma característica importante do Neoclassicismo é o revival das artes da
Antiguidade clássica, conforme mostra a figura 01. Essa releitura pôde ser observada também
em outras áreas, como na moda. As duas principais referências do retorno à arte clássica são
Roma e Paris. A primeira sendo o principal foco no estudo do neoclassicismo.
Figura 01 - 'Igreja da Madeleine' de Barthelémy Vignon em Paris, de 1806, com referências clássicas
(MIRABENT, 1991, p.16); e cadeira de Samuel Cragg, de 1808 (TORRENTY; MARÍN, 2005, p.46).
Para os neoclássicos a arte era uma atividade mental, diferente da racional, mais
autêntica.
O Neoclassicismo não é uma estilística, mas uma poética; prescreve uma
determinada postura, também moral, em relação à arte e, mesmo estabelecendo
1 Movimento de poetas jovens alemães do final do século XVIII.
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certas categorias ou tipologias, permite aos artistas certa liberdade de interpretação e
caracterização (ARGAN, 2006, p.23).
Desde que a ciência e técnica vêm se impondo, a burguesia industrial iniciou sua
rápida ascensão. Os artistas começaram a perceber que as técnicas industriais, proporcionam
uma grande força criativa.
O interesse pelo mundo clássico vem desde o final do século XVII. Quando
Shaftesbury (1671-1713) defendia que era possível achar soluções adequadas para problemas
estéticos de seu período. Winckelmann (1716-1768) juntamente com A. R. Mengs (1728-
1779) tomaram como base as ideias de Shaftesbury e direcionaram-se a um conhecimento
mais amplo da Antiguidade. Winckelmann deu início a um novo ideal de beleza, baseado nas
obras gregas, pois acreditava serem caracterizadas por simplicidade e grandeza. Mengs por
sua vez foi influenciado por Winckelmann, expôs suas teorias artísticas em escritos sobre a
pintura, não se opondo à cópia de grandes mestres da Antiguidade.
Nessa época conviveram várias correntes. Mas como em todo movimento, é
importante destacar o menosprezo aos movimentos anteriores, barrocos e rococós, e a
imitação de um passado mais distante dos elementos grego-latinos.
O termo Neoclássico foi denominado por teóricos e historiadores com intuito de
destacar a pluralidade e variedade de correntes artísticas. Esses estudiosos demonstraram que
essa arte, do final do século XVIII e início do século XIX, foi mais do que uma simples
imitação da arte clássica, e que muitos projetos realizados nessa época abriram a possibilidade
de novas soluções.
Figura 02: Arco do Triunfo de Paris de Raymond e Chalgrin, de 1837 (MIRABENT, 1991, p.21); e desenho de
cadeira de Charles Percier e Léonard Fontaine, de 1812 (TORRENTY; MARÍN, 2005, p.51).
Entre os diferentes tipos de arte, a que mais se apoiou na tendência clássica foi a
arquitetura, seguida pela escultura e pela pintura, conforme a figura 02. A criação na
arquitetura neoclássica deveria atender também a uma função, eles começaram a se preocupar
se aquela forma também iria suprir as necessidades da sociedade.
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A arquitetura neoclássica tem um caráter fortemente tipológico, em que as formas
atendem a uma função e uma espacialidade racionalmente calculadas. O modelo
clássico permanece como ponto de referência para uma metodologia de projetos que
se colocam problemas concretos e atuais (...) (ARGAN, 2006, p.22).
O projeto foi considerado fundamental para toda a arte neoclássica. Ele é
importantíssimo para o desenvolvimento de uma ideia, o pilar que determina que aquela obra
foi pensada e que passou por diversas fases antes de se materializar.
Os arquitetos e engenheiros devem ter conhecimento das necessidades e desejos da
sociedade, para criarem a partir desses fatos, visto que as obras serão destinadas para essa
população.
O Romantismo está muito ligado à arte cristã da Idade Média e, mais precisamente,
ao romântico e ao gótico. Podemos definir como romântico o mundo nórdico, no qual a
natureza é uma força misteriosa, frequentemente hostil. Foi teorizado pelos defensores do
Renascimento, do Gótico e pelos pensadores alemães Schlegel (1767-1845), Wackenroder
(1773-1798), Tieck (1773-1853), os quais defendem que a arte é a revelação do sagrado e tem
necessariamente uma essência religiosa.
No inicio do século XIX, Schinkel (1781-1841) admirava a sabedoria construtiva dos
arquitetos góticos e admitia que a arquitetura classicista era baseada na expressão do sentido
do Estado e que a arquitetura gótica, por sua vez, exprimia a tradição religiosa da
comunidade.
Podemos citar Viollet-Le-Duc (1814-1879), escritor, restaurador e engenheiro, como
sendo o maior pioneiro do revival do gótico na França. Aprofundou-se no estudo filosófico
dos monumentos góticos, investigou os sistemas construtivos e a aplicação dos materiais, se
preocupou em aplicar princípios para sua conservação e restauração. Ele afirmava que o
gótico era mais uma linguagem do que um “estilo”. Foi um dos primeiros a perceber as
possibilidades que oferecem os novos materiais, como por exemplo, o ferro.
Figura 03 - 'A vendedora de cupidos' de Joseph Marie Vien, obra que expressa bem o sentimento e a relação com
a natureza (MIRABENT, 1991, p.49); e cadeira de Karl Friedrich Schinkel, de 1820-1825 (TORRENTY;
MARÍN, 2005, p.50).
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Os românticos tinham o desejo de uma arte que não fosse apenas religiosa, mas que
expressasse o pensamento religioso do povo, e que introduzisse um fundamento ético ao
trabalho humano, revalorizando a arquitetura gótica. Podemos dizer que essa arquitetura é
primeiramente cristã, é burguesa por nascer nas cidades com o refinado artesanato dos séculos
XVIII e XIX, exprimindo o sentimento popular, a história das sociedades, visto que cada
catedral, por exemplo, é um elemento de várias gerações, demonstrando com a complexidade
de suas formas e estruturas, e também com a riqueza e variedade de suas decorações, o alto
nível de experiência técnica dos artesãos locais.
A pintura romântica deseja expressar os sentimentos, que é um estado de espírito
frente à realidade individual, a única ligação possível entre o indivíduo, a natureza, o
particular e o universal, conforme figura 03. Para Coret, paisagista francês do século XIX, o
sentimento é o que há de mais natural no homem. Sua pintura é considerada muito menos
sentimental e mais realista.
Vestuário e moda.
No início do século XIX, o traje feminino foi muito reduzido em termos de
quantidade de roupas. Consequência do abandono de anquinhas e espartilhos do final do
século XVIII. As mulheres começaram a usar um robe en chemise (vestido de cintura alta, até
os pés, de musseline, cambraia ou morim), que veio a ser conhecido posteriormente como
vestido Império, conforme a figura 04. Esse foi o estilo usado ao longo de toda a República.
Talvez em nenhuma outra época entre os tempos primitivos e a década de 1920, as
mulheres tenham usado tão pouca roupa como no início do século XIX. Todos os
trajes pareciam ter sido criados para climas tropicais (...) (LAVER, 2008, p.155).
Figura 04: 'A imperatriz Josefine' de Prod'hon, de 1805 (MIRABENT, 1991, p.56); e 'Vestido Império' em
'Madame Récamier' de François Gérard, de 1802 (LAVER, 2008, p.154).
Esse efeito “clássico”, com ênfase na linha vertical, que pôde ser observado no
vestuário, durou somente de 1800 a 1803. Nos três anos seguintes, houve uma influência
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egípcia. Depois da Guerra de Sucessão espanhola, os adornos espanhóis foram impostos,
devido ao grande interesse por tudo que acontecia ou vinha da Espanha.
A natureza, além de influenciar movimentos artísticos como o Neoclassicismo,
influenciou também o vestuário da época. O uso de peles e plumas ficou cada vez mais
comum e havia um grande fascínio pelas plantas, conforme a figura 05. Os bordados com
desenhos de flores e folhas eram um dos ornamentos mais comuns nos trajes dos homens e
das mulheres ao longo de todo o século. Inspirados em fontes variadas, estudos de botânica,
as próprias plantas dos jardins, estufas e árvores, chegando a produzir vestidos que imitavam
árvores. Nos tecidos dos vestidos, por exemplo, eram feitas representações realistas de frutas.
Outra referência nítida eram as imagens de insetos, abelhas, joaninhas e mariposas, que eram
bordadas nos vestidos dos anos 60 e 70.
Figura 05 - Publicação da revista 'Ladies' de Paris, de 1801 (V&A, 2010); Vestido mostrando o uso de
pele de animal, de 1807 (LAVER, 2008, p.156); trajes para Le Beau Monde com decote mais baixo e o ajuste
abaixo do busto, de 1808, (LAVER, 2008, p.159); e Thomas Bewick veste Fraque a Cartola do traje campestre
Inglês, em 1810 (LAVER, 2008, p.158);
Algumas modificações foram surgindo, como o decote, que se tornou cada vez mais
baixo, e a cintura que se aproximou mais do busto, conforme a figura 05. As mangas eram
curtas ou muitas vezes nem existiam, e a cauda ficou cada vez mais comprida. Esse vestido
foi mudando de aspecto quando se acrescentou um corpete chamado de le corsage.
Com a reintrodução do corpete separado, o vestido logo passou a ter menos pregas.
Estas ficavam nas costas, o que dava ao traje todo um aspecto inteiramente diferente.
A moda logo instituiu um vestido sem pregas, e por volta de 1807 os vestidos eram
tão justos que mal se conseguia andar com eles (KOHLER, 2005, p.486).
Este tipo de modelagem permaneceu no domínio até depois de 1820, mas vale
ressaltar que a partir de 1812 o decote foi ficando cada vez mais alto. As mangas curtas
deixaram de ser essenciais mais ou menos na mesma época em que os decotes baixos, as
favoritas eram abertas, presas com botões ou pregueadas.
Por volta de 1808, foram introduzidas golas que ameaçaram a popularidade do
decote baixo, mas o Império Napoleônico não deixou que este último se propagasse,
mostrando assim a grande influência que ele exercia, inclusive na moda.
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No início do século XIX, por volta de 1810, começaram a surgir os adornos nas
roupas. Retomou-se o emprego de rendas, babados, e o próprio tecido passou a ser usado para
a criação de ornamentos em forma de babados e listras diagonais.
Havia nessa época uma verdadeira paixão pelos xales e mantas. Eram peças que não
podiam faltar no guarda-roupa feminino, e saber usá-los com graça era a marca da mulher
elegante. Eram usados para aquecer o corpo também, mas predominava o uso pela ostentação.
Ficaram em moda também os grandes xales retangulares, feitos de tafetá, musseline ou crepe,
semelhantes às clâmides gregas, conforme a figura 06.
Figura 06: Vestidos de passeio com muitos babados, de 1817 (LAVER, 2008, p.157); Xale comprido no
vestuário feminino, de 1810 (LAVER, 2008, p.157); e 'Capitão Barclay' apresenta o traje típico do pedestre com
calças que substituíram os calções usados até os joelhos, de 1820 (LAVER, 2008, p.158).
Em 1814, muitas mulheres inglesas foram a Paris, após a primeira abdicação de
Napoleão, e descobriram que a moda francesa estava muito diferente da inglesa. As francesas
ainda usavam o vestido de cintura alta, mas a saia, em vez de cair reta até o tornozelo, abriase
um pouco na barra. O vestuário inglês, em contraponto, estava adquirindo um ar romântico,
com elementos elisabetanos, como por exemplo, mangas fofas. Como consequência disso, as
mulheres inglesas abandonaram sua moda e adotaram a francesa. Aconteceu o oposto com os
trajes masculinos. A influência inglesa no vestuário masculino já era muito significativa desde
o final do século XVIII, e nesse momento os franceses aceitavam o traje inglês plenamente.
O dândi, nome dado aos homens aristocráticos do período vitoriano, que se
preocupavam muito com a ornamentação e detalhes das roupas, foi muito reconhecido nessa
época, tanto pelo corte de suas roupas, acabamentos impecáveis, como pelos calções
apertados, conforme a figura 07. Além do grande detalhe em seu pescoço, formado pelo
colarinho da camisa, que era virado para cima, com as duas pontas projetadas sobre o rosto,
adornadas por um lenço em forma de plastrom ou stock (faixa dura, em nó, já pronta,
abotoada atrás).
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Figura 07: Trajes exagerados dos dândis, em 1822 (LAVER, 2008, p.161); e vestido com mangas bufantes e
cintura marcada 'Fashion Plate', de 1829 (LAVER, 2008, p.164).
No estilo romântico, observam-se vestidos primorosos, que transmitem exuberância
com um sentimento de fantasia, feitos de tecidos leves, manifestando o aspecto delicado, de
sonho, tão característico dos trajes de noite da década de 20 desse século. O ano de 1822 pode
ser identificado pela mudança nas roupas femininas.
A cintura, que fora alta durante um quarto de século, voltou à posição normal e,
quando isso acontece, ela inevitavelmente vai ficando mais fina. Em consequência, o
espartilho voltou a ser parte essencial do guarda-roupa feminino, mesmo para as
meninas (LAVER, 2008, p.162).
Esse efeito da cintura fina fez com que as saias ficassem mais amplas, e as mangas
também foram se modificando, primeiramente com um pequeno enchimento nos ombros, que
foi tido como um retorno dos trajes do Renascimento. Os corpetes estavam agora mais
compridos, as saias muito largas e folgadas, usava-se uma anágua levemente acolchoada ou
bastante engomada. A saia quase nunca chegava ao tornozelo, conforme a figura 07.
O vestuário composto de mangas enormes, a famosa manga “presunto”, cintura
muito marcada e aplicações de laços são algumas das características do começo da década de
1830.
(...) mangas ‘presunto’ eram longas e extremamente largas no alto, mais estreitas do
cotovelo para baixo e justas nos punhos. Essas mangas, bem como as mangas amplas
e curtas dos vestidos de baile, conservavam sua largura total graças a armações de
vime ou almofadas de penas (KOHLER, 2005, p.521).
Em meados de 1835, alterou-se a manga “presunto”, invertendo-a, ou seja, ficou
justa em cima e mais larga embaixo. Depois de 1830, a saia ficou um pouco mais curta e bem
mais ampla do que antes, e as mangas ficaram muito grandes.
A amplidão das saias dessa época proporcionava uma oportunidade para a colocação
cada vez maior de ornamentos. Um terço do comprimento do vestido era enfeitado com tiras
de tecido e pufes, depois se notou vestidos com diversos babados, medindo de 25 a 30
centímetros de altura, sobrepondo cada babado ao de baixo.
Voltou a ser muito elegante o uso do rufo (espécie de gola muito volumosa com
várias camadas, intitulada pela rainha Elizabeth no século XVII), uma imitação do que foi a
moda elisabetana. Mais comum ainda foi o uso da pelerine.
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Uma gola larga e lisa chamada pelerine cobria os ombros. Quando as extremidades
eram caídas, chamava-se pelerine-fichu. Ao ar livre, durante o dia, as mulheres
usavam uma peça com mangas enormes e muitas capas (LAVER, 2008, p.166).
A moda romântica do início da década começou a sofrer mudanças a partir de 1837.
As mangas já não eram tão amplas, e o volume começou a descer pelos braços. As
saias voltaram a ser mais compridas e não deixavam os tornozelos a mostra quando as
mulheres andavam (LAVER, 2008, p.168).
Houve também nessa época o desaparecimento da extravagância e da cor nas roupas
masculinas. A mudança mais marcante nessa época foi na cabeça, com o surgimento do
chapéu tipo boneca, que era baixo, amarrado firmemente sob o queixo, com o formato de um
balde de carvão e passava a ideia de extremo recato.
A mulher tinha a obrigação de não fazer nada, e quanto mais extravagantes e
exuberantes eram seus trajes, mais passavam essa ideia de ociosidade e de que o marido era
suficientemente rico para sustentá-la, conforme a figura 08.
O próspero homem de negócios, que começava a deixar a cidade e a instalar sua
família em confortáveis casas recém-construídas nos subúrbios elegantes, esperava
duas coisas da esposa: primeiro, que fosse um modelo de virtudes domésticas e,
segundo, que não fizesse nada. Sua ociosidade total era a marca do status social do
marido. (LAVER, 2008, p.177).
Figura 08 - Trajes de montar masculino e feminino, de 1831 (LAVER, 2008, p.164); Vestido peliça, brocado de
seda, de 1831-33 (LAVER, 2008, p.165); e Trajes masculinos para o dia, de 1834 (LAVER, 2008, p.165).
Esse fato pode parecer um pouco estranho ao se considerar que aconteceram na
década de 1840 extraordinárias inovações técnicas e convulsões sociais. Surgiram nessa época
ferrovias e vários levantes sociais, dando origem, em 1848, à “primavera dos povos”. De certa
forma, as roupas confirmavam a intenção dos homens de que as mulheres não tivessem voz
ativa, não participando das discussões políticas públicas.
O vestuário feminino da década de 1840 foi marcado pela escassez e pode ser
caracterizado pela cintura baixa, com o corpete destacando esse efeito. As saias eram
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compridas e rodadas, conforme a figura 09. Havia também o gilet-cuirasse, peça parecida
com um colete masculino. Crinolina foi a palavra utilizada para denominar uma pequena
anquinha feita de crina de cavalo, diferente daquela que ainda viria.
Figura 09 - 'Convalescença' de Eugène Lami, de 1845 (LAVER, 2008, p.171); e vestidos para o dia em Le
Follet, de 1848 (LAVER, 2008, p.171).
Os vestidos usados à noite eram decotados, mostrando os ombros. Este decote era
reto com uma pequena profundidade no meio, chamada de en coeur. O corpete terminava em
ponta na frente, era armado com barbatanas e havia pregas horizontais na parte de cima do
mesmo, típicas desse período.
As mulheres, em referência à rainha Vitória, que era de estatura baixa, tinham que
parecer muito pequenas. Os sapatos, portanto, eram feitos em sua maioria sem saltos. O tipo
mais comum era a sapatilha, feitas de cetim ou crepe, em cores que combinassem com o
vestido.
Influências dos movimentos estéticos na moda.
É fato que a moda sempre foi criada e caracterizada a partir de referências obtidas de
diferentes áreas, ou seja, da história, da política, da economia, da tecnologia, das artes, entre
outras. O Neoclassicismo e o Romantismo foram os movimentos de maior predominância na
primeira metade do século XIX, e exerceram profunda influência sobre a moda da época,
conforme a figura 10.
Por ser formada por vestidos soltos, de tecidos leves e com ajuste apenas abaixo do
busto, pode-se notar grande referência na moda do vestuário do período clássico, grego e
romano. Os movimentos artísticos têm como principal característica justamente o revival
dessa Antiguidade.
A nova mulher republicana usava longas chemises, que pareciam camisolas
flutuantes, inspiradas na Antiguidade Clássica, como o fazia a mulher grega
(XIMENES, 2009, p.50).
No Romantismo sempre ficou clara a importância da existência de estilos de épocas
passadas nos quais pudessem se basear. A moda foi seguindo o mesmo princípio das artes.
Sempre buscando novas referências, sendo estas as mesmas adotadas por esses movimentos.
Nota-se com isso, que a moda foi muitas vezes, e ainda é, escrava do passado. Desde essa
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época, as pessoas envolvidas no desenvolvimento e na produção do vestuário já estudavam o
passado para abordá-lo em suas criações, da mesma forma como atualmente os designers de
moda pesquisam sobre a história e a adotam em suas coleções. Pode-se perceber que a prática
não é nova, é uma constante que liga as pessoas à história das roupas.
Figura 10 - Museu de Berlim de Karl Friedrich Schinckel com referências clássicas, de 1822-26 (MIRABENT,
1991, p.16); 'Retrato de Josefina Bonaparte' de Antoine Jean Gros, 1808 (COSGRAVE, 2005, p.203); e vestido
inglês de 1832 (V&A, 2010).
O Romantismo, por ter sua origem ligada a valores do período medieval, extraídos
de livros de romances e de aventuras, buscava tanto nas artes como na moda a fantasia,
defendia o mundo complexo dos sentimentos e das emoções, das viagens dentro de si mesmo
e queria acima de tudo mexer no imaginário das pessoas e provocá-lo. Instigava e provocava a
exposição pública, aos espectadores atentos às projeções dos imaginários, de pensamentos
íntimos, valores sociais e crenças. Neste sentido, de certa forma, o vestuário expõe a imagem
que os românticos gostariam de transmitir, algo extremamente transposto para o sistema da
moda.
A mentalidade do Romantismo vislumbrava uma fuga a realidade humanística, em
que prevalecia a imaginação ao espírito crítico. Era a época dos contos de fadas, da
música lírica de Schumman, Schubert, Liszt e Chopin (XIMENES, 2009, p.54).
Os românticos consideravam a arte da Idade Média uma referência que deveria ser
seguida por representar os verdadeiros valores das sociedades cristãs. Estes valores estéticos
religiosos não eram muito adequados, nem aplicados à moda, visto que, a partir da segunda
década do século XIX, o despojamento dava lugar ao excesso de exageros formais e de
ornamentos, contrariando a lógica da simplicidade e a ausência de vaidade, característicos dos
ensinamentos religiosos.
A relação do homem com a natureza, no período que deu origem às referências, ou
seja, na Antiguidade, era muito clara e marcante. Fato que originou muitas das crenças
religiosas do período, como a adoção de elementos da natureza como forças supremas ou
como representações de deuses. Assim, nada mais justo que essa relação tenha se tornado
outra grande influência para a moda. Os vestidos refletiram exatamente esse fato, projeções
de significados adornados em bordados com flores e estampas de frutas.
Outra relação que podemos fazer da moda desse período com a natureza são as
silhuetas e formas que o corpo adquire e que podem ser comparadas com formas da natureza:
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A forma do corpo vestido, como objeto no espaço e em movimento, é obtida por meio
de sua estática tridimensional: relevos, depressões, concavidades e convexidades que,
entre curvas virtuais, se movimentaram em várias partes do corpo da mulher,
produzindo ora quadris imensos, ora traseiros protuberantes, contornos sinuosos e
cinturas estranguladas (XIMENES, 2009, p.22, 23).
Nesse período, a tecnologia industrial estava assumindo cada vez mais espaço, esse
fato pode ter ameaçado a arte e o artesanato, mas para a moda as mudanças foram de grande
importância e fundamentais. É o caso, por exemplo, da utilização da máquina de costura, com
variedades de funções, como por exemplo, pregar botões. O avanço da tecnologia também
trouxe mudanças para a moda com a introdução cada vez maior de lojas de rua, com vitrines
que mexiam com o inconsciente do consumidor, e com a publicidade adquirindo cada vez
mais espaço, proporcionando uma divulgação mais rápida dos produtos de moda.
O advento desta era industrial irá explorar a forma cilíndrica abstrata, muito vista na
arquitetura, como, por exemplo, nas chaminés das fábricas, túneis e reservatórios de gás. No
período, tal tendência imprimiu-se fortemente no vestuário masculino, em calças, cartolas e
sobrecasacas.
O Renascimento foi considerado outra fonte de referências, a partir do momento em
que a moda, no ano de 1822, passou por grandes transformações, deixando toda aquela
estética clássica para trás. A excessividade tornou-se uma das principais características do
novo vestuário. A cintura voltou a seu lugar de fato, retornando o uso do espartilho. As saias
foram ficando automaticamente bem mais amplas, sendo usadas com várias anáguas e muito
adornadas, sendo estes adornos nitidamente trazidos como referência da natureza.
A partir desse momento, a moda passou a referenciar os períodos Barroco e Rococó,
por estar tão composta por adornos e ornamentos, provocando um notável exagero. É
importante notar que neste caso há uma oposição aos movimentos estéticos vistos nesse
artigo, pelo fato de os mesmos negarem e serem totalmente contra a arte barroca. Nota-se
neste momento uma divergência de ideias. A moda do final da primeira metade desse século
já estava mais voltada às referências que vinham dos movimentos: Historicismo, Ecletismo e
Art Nouveau, predominantes na segunda metade do século XIX. Estes por sua vez, buscavam
outros tipos de referências para suas criações.
Considerações finais.
Com o desenvolvimento do presente artigo foi importante notar que os movimentos
estéticos artísticos desenvolveram-se e receberam a influência de diversas correntes teóricas e
filosóficas e referencias históricas. Consequentemente influenciaram e foram influenciados
pela moda, fazendo parte do processo de formação do período da primeira metade do século
XIX.
A moda passou por diversas transformações, tanto com relação às formas e às
silhuetas, como com o aumento da utilização exagerada de ornamentos. A natureza foi muito
valorizada nesse período, influenciando várias áreas estéticas, mostrando que as referências
podem ser extraídas de um mesmo assunto, mas abordadas de diferentes formas, conforme o
período a que se destinam.
Pode-se considerar que as áreas permeadas pela estética estão todas intimamente
ligadas. Por sua vez, a moda sempre propôs inovações para a sociedade e determinou o seu
comportamento, da mesma forma, que sofre a influência de áreas como a política, a religião, a
economia, a arte e a tecnologia, não servindo somente para a diferenciação entre as classes
sociais. Foi importante observar que desde essa época a moda busca referências na história e
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Design, moda e vestuário no século XIX (1801-1850).
que tal processo é exercido até os dias de hoje. Contudo, chega-se à conclusão óbvia, no
campo da moda, de que todas as criações e inovações possuem uma base ou origem, na
história, nos temas e nas referências que fomentam seu desenvolvimento. O que merece ser
mais profundamente estudado é o fato de que a moda pode provocar algumas influências mais
relevantes nos movimentos, podendo haver uma transação de elementos entre as áreas ainda
não devidamente explorada.
Referências.
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