Programm - Die Duisburger Philharmoniker

Programm
11.
Philharmonisches Konzert
Mi 06./Do 07. Mai 2009, 20.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
Karen Kamensek Dirigentin
Igor Strawinsky
Divertimento aus dem Ballett
„Der Kuss der Fee“
Aaron Copland
„Appalachian Spring“
Peter Tschaikowsky
Sinfonie Nr. 1 g-Moll op. 13
„Winterträume“
Generalmusikdirektor Jonathan Darlington

2

11. Philharmonisches Konzert 2008/2009
Mittwoch, 6. Mai 2009, 20.00 Uhr
Donnerstag, 7. Mai 2009, 20.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
Duisburger Philharmoniker
Karen Kamensek
Leitung
Programm
Igor Strawinsky (1882-1971)
Divertimento aus dem Ballett „Der Kuss der Fee“
(1928/1934; rev. 1949)
I. Sinfonia
II. Danses suisses
III. Scherzo
IV. Pas de deux
Aaron Copland (1900-1990)
„Appalachian Spring“,
Ballettsuite für großes Orchester (1943/44)
Very slow – Fast – Moderato – Fast –
Still faster – As at first (slowly) –
Calm and flowing (Shaker Tune: Simple gifts) –
Moderato, Coda
Pause
Peter Tschaikowsky (1840-1893)
Sinfonie Nr. 1 g-Moll op. 13 („Winterträume“, 1866; 1874)
I. Allegro tranquillo
II. Adagio cantabile ma non tanto
III. Scherzo. Allegro scherzando giocoso
IV. Finale. Andante lugubre – Allegro maestoso
„Konzertführer live“ mit Dr. Gerd-Heinz Stevens um 19.15 Uhr
im „Tagungsraum 6“ des Kongresszentrums im CityPalais
Das Konzert endet um ca. 22.00 Uhr.
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Bildhafte Assoziationen
Bildhafte Vorstellungen begleiten das Programm des elften
Philharmonischen Konzerts. Das älteste Werk ist die erste
Sinfonie g-Moll op. 13 des Russen Peter Tschaikowsky. Der
Komponist nannte seine Komposition „Winterträume“ und gab
den ersten beiden Sätzen programmatische Überschriften. Das
Finale wiederum zitiert in abgewandelter Form ein russisches
Frühlingslied. Die Komposition würde demnach winterliche
Vorstellungen und die Überwindung des Winters durch den
Frühling thematisieren. Erstaunlich bleibt dabei aber auch,
dass sich Peter Tschaikowsky als 26 Jahre alter und recht
unerfahrener Musiker überhaupt der Sinfonie zuwandte.
Tschaikowsky hatte bereits die Beamtenlaufbahn eingeschlagen,
bevor er sich endgültig für die Musik entschied und seine
Ausbildung am St. Petersburger Konservatorium erhielt. Der
Entschluss, sich mit der Gattung Sinfonie auseinanderzusetzen,
zeugt aber auch deshalb von einiger Kühnheit, weil diese in
Westeuropa beheimatete Form viele klassisch-romantische
Meisterwerke hervorgebracht hatte, die russischen Musiker
ihrem Komponieren aber ein eigenständiges Profil geben
wollten. Gerade von St. Petersburg gingen die modernsten
Bestrebungen aus. Peter Tschaikowsky hatte jedoch keine
Berührungsängste, was ihm später auch zum Vorwurf gemacht
wurde, bezichtigten ihn seine Gegner doch des Verrats an der
Musik seines Heimatlandes.
Duisburger Philharmoniker
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Tschaikowsky ging den Gefahren aber schon in seiner ersten
Sinfonie aus dem Wege, indem er volksliedhafte Themen oder
zumindest Anklänge an die russische Folklore einbezog. Da
er seine Studien gewissenhaft betrieben hatte und sein Werk
satztechnisch sorgfältig ausarbeitete, ist die erste Sinfonie eine
zu Unrecht vernachlässigte Komposition. In Duisburg bietet
das elfte Philharmonische Konzert deshalb eine der wenigen
Gelegenheiten zur Begegnung mit einer Komposition, die Peter
Tschaikowsky übrigens sein ganzes Leben lang sehr schätzte.
Später wurde Peter Tschaikowsky mit „Schwanensee“ (1876),
„Dornröschen“ (1889) und „Der Nussknacker“ (1892) zu
einem Großmeister des romantischen Balletts, und an diese
Leistungen vermochten andere Komponisten anzuknüpfen.
Igor Strawinsky beispielsweise war mit drei Ballettkompositionen
der künstlerische Durchbruch gelungen. Es handelt sich um
die Ballette „Der Feuervogel“ (1910), „Petruschka“ (1911)
und „Le Sacre du printemps“ (1913). Diese Werke sind
eng mit dem Ballettimpresario Sergej Diaghilew und seinen
„Ballets russes“ verbunden. Dementsprechend fanden die
Uraufführungen dieser Werke in Paris statt, als der Komponist
seinen Lebensmittelpunkt bereits mehr und mehr nach
Frankreich und in die Schweiz zu verlagern begann. Die drei
genannten Ballette lassen eine bemerkenswerte Entwicklung
erkennen, behandelt doch nur das erste einen typischen
Märchenstoff. „Petruschka“ ist dagegen schon eine russische
Jahrmarktsfigur. Strawinsky orientierte sich zwar an der
russischen Folklore, doch gelangte er durch Überlagerung des
Materials zu einer unverwechselbaren neuen Tonsprache. „Le
Sacre du printemps“ behandelt schließlich ein heidnisches
Ritual, bei dem zuletzt ein Menschenopfer zu beklagen ist.
Strawinsky schrieb hierzu eine Musik von schonungsloser
Härte und Modernität. So verwundert es nicht, dass gerade
die Uraufführung dieses Balletts einen der größten Skandale
der gesamten Musikgeschichte darstellt. Doch Igor Strawinsky
hat seine musikalische Sprache wiederholt gewandelt, und er
hat später noch mehrmals für das Tanztheater geschrieben.
Zwei Kompositionen der neoklassizistischen Schaffensperiode
bilden ein interessantes Gegensatzpaar: Zu nennen sind die
beiden Ballette „Pulcinella“ (1920) und „Le Baiser de la
fée“ („Der Kuss der Fee“; 1928). Im ersten dieser Stücke griff
Strawinsky auf Instrumental- und Gesangsstücke zurück, die
dem italienischen Komponisten Giovanni Battista Pergolesi
(1710-1736) zugeschrieben wurden, wobei die Vorlagen bei der
Bearbeitung ungemein reizvolle Schärfungen erfuhren. Dagegen
stellt das zweite Stück eine Huldigung an Peter Tschaikowsky
dar. Es entstand anlässlich von Tschaikowskys 35. Todestag.
Strawinsky griff hierbei vor allem auf Klavierstücke und Lieder
seines verehrten Vorbilds zurück, wobei er jedoch auf die von
„Pulcinella“ bekannten Reibungen und Schärfungen verzichtete
und dem Aspekt der Instrumentierung größte Beachtung
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schenkte. Später ist aus dem 45-minütigen Ballett ein auf die
Hälfte der Spielzeit reduziertes Divertimento hervorgegangen.
Dafür weist das Ballett aber eine inhaltliche Doppelbödigkeit
auf. Mit einer freien Adaption von Hans Christian Andersens
Märchen von der Eisjungfrau knüpft das Ballett einerseits an die
fantastischen Märchenstoffe des klassischen Balletts an, doch
lässt Strawinsky die in diesem Stück vorkommende Fee auch
zur Muse des Komponisten Peter Tschaikowsky werden.
Überwunden sind die Märchenstoffe später in den Balletten
des amerikanischen Komponisten Aaron Copland. In seinen
Werken „Billy the Kid“ (1938), „Rodeo“ (1942) und
„Appalachian Spring“ (1943/44) behandelt er das Leben des
amerikanischen Volkes. Dabei verzichtet vor allem „Appalachian
Spring“ („Frühling in den Appalachen“) auf jede heldenhafte
Pose, vielmehr werden bei einem Rückzug ins Private die
Genügsamkeit und das stille Glück beschrieben. Gerade dieser
Grundgedanke wird durch ein Zitat unterstützt, zitiert Aaron
Copland doch das amerikanische Quäker-Lied „Simple gifts“
(„The Gift to be Simple“), das er später auch in seine „Old
American Songs“ aufnahm. Wie bereits Tschaikowsky und
Igor Strawinsky kommt also auch Aaron Copland nicht ohne
Zitate aus.
Es scheint so, als seien die drei Komponisten Peter Tschaikowsky,
Igor Strawinsky und Aaron Copland zeitlich und räumlich weit
voneinander getrennt, doch werden in der Musik zumindest
einige geographische Trennungen aufgehoben. Zu seiner Zeit
galt Peter Tschaikowsky als der westlichste der russischen
Komponisten, was ihm eben auch zum Vorwurf gemacht wurde.
Aber letztlich konnte er sich nur so mit der Gattung Sinfonie
auseinandersetzen.
Um zu dem Amerikaner Aaron Copland zu gelangen, sei Igor
Strawinsky als Bindeglied bemüht. Um eine internationale
Karriere zu machen, hatte Strawinsky bereits früh seine
russische Heimat verlassen. Er fand seinen Wohnsitz zunächst
in Frankreich und in der Schweiz. Von 1920 bis 1938 lebte
er dann in Paris, bevor er die letzten Jahrzehnte seines langen
Lebens in den Vereinigten Saaten verbrachte. Seine Ballette
erlebten gewöhnlich in Paris ihre Premiere, und so galt es
auch für das Ballett „Der Kuss der Fee“. Eine Ausnahme macht
aber „Apollon musagète“, denn dieses Stück wurde 1928
zunächst in Washington vorgestellt, bevor noch im gleichen
Jahr in Paris die europäische Erstaufführung stattfand. „Apollon
musagète“ ist in diesem Zusammenhang aber noch aus einem
weiteren Grunde bemerkenswert, erhielt Strawinsky doch den
Kompositionsauftrag von der amerikanischen Mäzenin Elizabeth
Sprague Coolidge, die wiederum auch bei Aaron Copland das
Ballett „Appalachian Spring“ in Auftrag gab.
Aaron Copland wiederum gilt zwar als genuin amerikanischer
Komponist, doch war der in Brooklyn geborene Musiker ein
Kind jüdischer Immigranten aus den Kleinstädten Litauens.
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Einen großen Teil seiner Ausbildung erhielt er in den Jahren
1921 bis 1924 in Paris, wo damals auch Igor Strawinsky
lebte. Die bedeutende Komponistenerzieherin Nadia Boulanger
war Coplands wichtigste Lehrerin. Copland interessierte sich
stets für die Ausprägung von Nationalstilen, und eine Fülle
von Einflüssen half ihm, den eigenen Weg zu finden. Anfangs
war seine Kompositionsweise so energisch und direkt, dass
Publikum und Kritik seine Musik ablehnten. Ab 1925 griff er
dann auf charakteristische Wendungen der Jazzmusik zurück,
jedoch ließ auch dieser Einfluss wieder nach, als Copland sich
auf die amerikanische Volksmusik besann. „Als Komponist,
Schriftsteller, Lehrer, Impresario und Freund leistete Copland
einen beispiellosen Rang für sein Land. Er demonstrierte
erfolgreicher und bezwingender als viele seiner Landsleute,
daß Amerika eine lebensfähige und gehaltvolle Musik entlang
der europäischen Traditionslinien, jedoch mit einer eigenen
Ästhetik, eigenen Rhythmen und Klängen hervorbringen
konnte“, urteilte Howard Pollack.
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Igor Strawinsky
Divertimento aus dem Ballett „Der Kuss der Fee“
1927 erhielt Igor Strawinsky
von der bekannten Tänzerin
und Ballettchefin Ida
Rubinstein (1885-1960)
den Auftrag, ein Tanzstück
zum Gedenken an den 35.
Todestag des Komponisten
Peter Tschaikowsky zu
schreiben. Es war klar, dass
dabei auf Tschaikowsky-
Kompositionen zurückgegriffen
werden sollte.
Schließlich entschied
Strawinsky sich dazu,
unbekannte Klavierstücke
und Lieder zu bearbeiten
–Stücke jedenfalls,
die zuvor noch nicht Igor Strawinsky
instrumentiert worden waren. Das Handlungsgerüst des
neu geschaffenen Balletts orientiert sich an Hans Christian
Andersens Märchen „Die Eisjungfrau“, das für diese Adaption
jedoch stark vereinfacht und gestrafft wurde. Es wurden
Situationen geschaffen, die Anlass zur tänzerischen Darstellung
boten, außerdem wurde die Handlung in die Schweizer Bergwelt
von Mönch, Eiger und Jungfrau angesiedelt. Diese Gegend
war dem Komponisten als seinem eigenen Lebensraum gut
vertraut.
Das Ballett „Der Kuss der Fee“ („Le Baiser de la fée“) ist in vier
Szenen gegliedert. In der ersten Szene („Wiegenlied im Sturm“)
eilt eine Mutter mit ihrem Kind durch den Schnee. Sie werden
von Geistern getrennt. Die Fee erscheint und küsst das Kind auf
die Stirn, bevor Bauern das allein gelassene Kind finden. Die
zweite Szene („Kirchweihfest“) beginnt mit einer allgemeinen
großen Tanzszene. Schließlich bittet der junge Mann die Fee,
die sich als Zigeunerin unter das Volk gemischt hat, ihn zu
seiner Braut zu führen. In der dritten Szene („Bei der Mühle“)
findet der Mann seine Braut. Sie geht, um ihren Brautschleier
anzulegen, doch den abschließenden „Pas de deux“ tanzt der
getäuschte Mann mit der Fee. In der vierten Szene („Die Gefilde
der Seligen“) hat die Fee den Mann zu sich geholt. Sie küsst
ihn erneut und singt ihm ein Wiegenlied.
Das Ballett „Der Kuss der Fee“ wurde am 27. November
1928 – genau in diesem Monat jährte sich zum 35. Male
Tschaikowskys Todestag – in der Pariser Opéra uraufgeführt. Igor
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Strawinsky, der bei dieser Gelegenheit selbst die musikalische
Leitung übernommen hatte, stellte seiner Partitur folgende
Widmungsvorrede voran: „Ich weihe dieses Ballett dem
Gedenken an Peter Tschaikowsky, dessen Muse in dieser Fee
aufscheint und zu einer Allegorie wird. Diese Muse hat ihn in
gleicher Weise mit ihrem Schicksalskuss gezeichnet, dessen
rätselvolles Mal sich im ganzen Schaffenswerk des großen
Künstlers spürbar macht.“
1934 hat Igor Strawinsky aus Teilen seines Balletts „Der Kuss
der Fee“ ein viersätziges Divertimento zusammengestellt, das
er 1949 noch einmal überarbeitete. Wie das Ballett aus vier
Szenen besteht, so hat das Divertimento vier Sätze. Strawinsky
ließ jedoch die vierte Szene unberücksichtigt und nahm als
Schlussstück jenen „Pas de deux“, der im Ballett den Abschluss
der dritten Szene bildet. Das Mittel der Verfremdung, das
beispielsweise in dem Ballett „Pulcinella“ eine so wichtige Rolle
spielt, kommt hier jedoch nicht vor. Hier kommt es vor allem
auf eine ebenso prägnante wie transparente Instrumentierung
an. Damit wird der Divertimento-Charakter des Orchesterstücks
unterstrichen. Beispielsweise werden in den „Schweizer Tänzen“
(„Danses suisses“) sehr schön die Blechbläser herausgestellt.
Insgesamt ist jedoch dem Sujet entsprechend eine eher elegante
als effektvolle Komposition entstanden.
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Aaron Copland
„Appalachian Spring“
„Ich fand, dass es einen
Versuch wert sei, das,
was ich sagen wollte, auf
die einfachste Weise zu
sagen“, gab Aaron Copland
rückblickend als sein
künstlerisches Credo an.
Copland gilt als einer der
großen amerikanischen
Komponisten des
zwanzigsten Jahrhunderts,
was sich freilich bei einer
Betrachtung von Herkunft
und Ausbildung als nicht
ganz selbstverständlich
erweist. Immerhin
Aaron Copland
absolvierte der Sohn
jüdischer Immigranten einen großen Teil seines Studiums bei
Nadia Boulanger in Paris, wo er zudem die neuesten Tendenzen
der europäischen Musik kennen lernte. Bereits in diesem frühen
Stadium begann er, die Forderung nach relativer Einfachheit bei
klanglichem Raffinement in seine Kompositionen einzubeziehen. In
den dreißiger und vierziger Jahren wurde Copland dann zu einem
der populärsten Komponisten Amerikas. In dieser Zeit entstanden
Werke wie die Ballette „Billy the Kid“ (1938), „Rodeo“ (1942)
und „Appalachian Spring“ (1943/44), aber auch Filmmusiken,
die berühmte „Fanfare for the Common Man“ und das „Lincoln
Portrait“ (beide 1942); Populär wurden auch die folkloristisch
gefärbten Orchesterstücke „El salón Mexico“ (1933-36) und
„Danzón Cubano“ (1942). In den fünfziger und sechziger Jahren
schrieb Aaron Copland eine satztechnisch anspruchsvollere Musik,
und in seinen späteren Lebensjahren hat er nur noch wenig
komponiert. Dafür ist er zuletzt häufig als Interpret eigener Werke
in Erscheinung getreten. Damit rundet sich ein vielseitiges Schaffen
ab, das schon früh auch die Organisation und Leitung von Festivals,
die Lehrtätigkeit an der Harvard University und schriftstellerische
Behandlung musikalischer Fragen umfasste.
Bei dem Ballett „Appalachian Spring“ handelt es sich um ein
Auftragswerk der Kunstmäzenin Elizabeth Sprague Coolidge, die
es für die Choreographin Martha Graham bestimmte. Copland
komponierte zunächst ein Ballett für ein dreizehn Mitglieder
starkes Kammerensemble (Flöte, Klarinette, Fagott, Klavier
und neun Streichinstrumente), und in dieser Form wurde
„Appalachian Spring“ am 30. Dezember 1944 in der Library
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of Congress in Washington uraufgeführt. Schon im Frühjahr
1945 bearbeitete Copland sein Werk dann für großes Orchester
und schuf eine Ballettsuite, die alle wesentlichen Stationen des
Balletts enthält und lediglich diejenigen Teile weglässt, die nur
durch die tänzerische Darstellung verständlich werden.
Die Handlung des Balletts führt in das frühe 19. Jahrhundert
zurück und behandelt einen ganz und gar amerikanischen
Stoff: In einem Farmhaus in den Hügeln von Pennsylvania
wird ein Frühlingsfest gefeiert. Die handelnden Personen
treten auf, zunächst ein Prediger mit seinen Begleitern, dann
eine Pioniersfrau, die mit den Lebensumständen in der kargen
Wildnis vertraut ist, sowie als Hauptpersonen ein Farmer mit
seiner Braut. Das junge Paar sieht seiner Zukunft gelassen
entgegen und drückt seine gegenseitige Zuneigung aus. Zwar
warnen der Prediger und seine Begleiter vor eventuellen
Gefahren, doch Tänze vermögen die Bedenken zu vertreiben.
Am Ende bleiben Farmer und Braut gelassen allein zurück.
Mit Werken wie „Appalachian Spring“ hat Aaron Copland
seinen Ruf als einer der führenden amerikanischen Komponisten
festigen können. Das Werk zeichnet sich durch strukturelle
Klarheit aus, breite Hymnen kommen ebenso vor wie wehmütige
Kantilenen, und als folkloristisches Zitat erscheint das Quäker-
Lied „Simple gifts“, das übrigens durchaus kunstvoll fortgeführt
wird, in seiner bittersüßen Färbung aber unmittelbar für sich
einzunehmen versteht.
„Appalachian Spring“ war von Anfang an erfolgreich, und schon
im Jahr 1945 erhielt Copland für diese Musik den renommierten
Pulitzer-Preis.
Sonntag, 7. Juni 2009, 17.00 Uhr
Theater Duisburg, Opernfoyer
1. Konzert im Opernfoyer
Polyphonie – Stimmen der kulturellen Vielfalt
Migration prägt seit 150 Jahren den Alltag im Ruhrgebiet.
Menschen aus zahlreichen Nationen geben dem drittgrößten
Ballungsraum Europas sein heutiges Gesicht. Aus der
Generation von Einwanderern, die ab Mitte der 1950er Jahre
als Gastarbeiter in das Ruhrgebiet kamen, sind viele dauerhaft
geblieben. Das einzigartige Weltmusik-Projekt Polyphonie
gibt den Menschen ein musikalisches Forum, spürt in ihren
Liedern den Veränderungen von Kultur und Lebenswelt nach.
Die Sängerinnen und Sänger treffen dabei auf ein Ensemble
hochkarätiger Musiker aus Klassik und Weltmusik.
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Die Programmhefte der Philharmonischen Konzerte
finden Sie bereits fünf Tage vor dem Konzert unter
www.duisburger-philharmoniker.de im Internet.

Peter Tschaikowsky
Sinfonie Nr. 1 g-Moll op. 13 („Winterträume“)
Die drei späten Sinfonien
Peter Tschaikowskys
gehören zum Standardrepertoire
der Orchesterliteratur.
Sie zählen zu den
großen Orchesterwerken
der zweiten Hälfte des
19. Jahrhunderts. Die
drei ersten Sinfonien sind
dagegen nur sehr selten
zu hören. Gemessen an
der zeitlichen Ausdehnung
lässt sich aber nicht einmal
von großen und kleinen
Sinfonien sprechen, denn
sie haben alle mehr oder
weniger die gleiche Länge. Peter Tschaikowsky
Lohnenswert ist jedoch
auch die Beschäftigung mit den frühen Sinfonien, zeigen sie
den Komponisten doch einerseits in der Auseinandersetzung mit
der sinfonischen Tradition Europas, während andererseits das
nationalrussische Kolorit durchscheint.
Peter Tschaikowsky war keine musikalische Frühbegabung.
Gewiss war er kulturell interessiert, doch reizte ihn anfangs
das Sprechtheater mehr als die Oper oder das Konzert. So
studierte er in St. Petersburg zunächst Jura, und alles sah
zunächst nach einer Beamtenlaufbahn aus, bevor er aus dem
öffentlichen Dienst ausschied und sich am St. Petersburger
Konservatorium musikalisch ausbilden ließ. Dort belegte
Tschaikowsky bei dem polnischen Komponisten Nikolai Zaremba
die Fächer Harmonielehre und Kontrapunkt, während der
Konservatoriumsgründer Anton Rubinstein ihn in den Fächern
Komposition und Instrumentation unterwies. 1862 hatte
Tschaikowsky seine Studien am Konservatorium begonnen, und
1865 erhielt er sein Diplom. In dieser Zeit hat er musikalisch
große Fortschritte gemacht, doch eigentlich hatte er erst 1863
seine ersten selbständigen Kompositionsversuche unternommen.
Das ist sehr spät für einen angehenden Komponisten, und das
erklärt auch, warum er anfangs nur wenig Selbstvertrauen
besaß. Dem Urteil von Kollegen maß Tschaikowsky deshalb
große Bedeutung zu, und noch lange Zeit pflegte er seine Werke
mehrfach zu überarbeiten, bis er selbst mit ihnen zufrieden sein
konnte. Erst später konnten die Erstfassungen gelten, und die
Überarbeitungen wurden unnötig.
13

Im Jahr 1866 wurde Peter Tschaikowsky Dozent für Harmonielehre
am neu gegründeten Moskauer Konservatorium. Im Vergleich zu
St. Petersburg muss Moskau wohl als provinzieller gegolten
haben. Wohl nach dem Erfolg mit einer frühen Ouvertüre hatte
Tschaikowsky annähernd zeitgleich mit dem Umzug von St.
Petersburg nach Moskau mit der Komposition einer Sinfonie
begonnen, und es ist ganz erstaunlich, dass der immer noch
recht unerfahrene Komponist sich ein derart umfangreiches Werk
zutraute. Bislang hatte noch kein Werk von ihm vergleichbare
Dimensionen aufgewiesen, und wieder holte Tschaikowsky sich
den Rat seiner Petersburger Lehrer ein. Doch sowohl Nikolai
Zaremba als auch Anton Rubinstein übten heftige Kritik an der
Sinfonie, sodass das Selbstvertrauen des jungen Komponisten
stark erschüttert wurde. Die Fertigstellung hat deshalb auch
enorme Mühe bereitet, und Modest Tschaikowsky, der Bruder des
Komponisten, berichtet von dramatischen Entstehungsumständen:
„Nicht eine einzige seiner Kompositionen hat ihm soviel Mühe
und soviel Qual gekostet wie gerade diese Symphonie…
Ende Juni kam es zu schrecklichen, nervösen Anfällen. Der
herbeigerufene Arzt konstatierte, dass Peter Iljitsch nur ‚um
einen Schritt vom Wahnsinn’ entfernt und dass die Lage
verzweifelt sei. Die Krankheit äußerte sich hauptsächlich und
am fürchterlichsten darin, dass Peter Iljitsch von Halluzinationen
und von einem beklemmenden Angstgefühl verfolgt wurde.“
Lange hat es auch bis zur ersten vollständigen Aufführung
der Sinfonie g-Moll op. 13 gedauert. Nikolai Rubinstein, der
Widmungsträger der Komposition, hatte am 5. Dezember 1866
in Moskau zunächst nur den dritten Satz der Komposition
vorgestellt, am 11. Februar 1867 dirigierte er in St. Petersburg
die beiden Mittelsätze, und auch bei der ersten vollständigen
Aufführung am 3. Februar 1868 wiederum in Moskau stand
Nikolai Rubinstein am Dirigentenpult. Nikolai Kashkin, ein enger
Vertrauter des Komponisten während der Moskauer Jahre, hielt in
seinen Erinnerungen fest: „Die Sinfonie fand beim Publikum eine
warme Aufnahme, die noch unsere Erwartungen übertraf.“ Der
Komponist selbst meldete seinem Bruder Anatol: „Meine Sinfonie
hatte großen Erfolg; besonders das Adagio wurde bewundert.“
Wie so viele andere frühe Kompositionen hat Peter Tschaikowsky
auch seine erste Sinfonie mehrfach überarbeitet. Die erste
Überarbeitung wurde nach der Kritik seiner Lehrer noch im
Jahr 1866 vorgenommen, die zweite Überarbeitung erfolgte
1874, bevor 1875 die erste Notenausgabe erschien. Die Fehler
dieser Ausgabe wurden dann in der zweiten Auflage von 1888
korrigiert.
Peter Tschaikowsky hat gerade seine erste Sinfonie, die ihn
so viel Mühe kostete, sehr geschätzt. Noch 1883 schrieb er
anlässlich einer Aufführung: „Trotz aller hervorstechenden Mängel
habe ich eine Vorliebe dafür; denn sie ist eine Sünde meiner
süßen Jugendzeit.“ Im gleichen Jahr schrieb er außerdem an
seine Gönnerin Nadeshda von Meck: „Ich weiß nicht, ob Sie
14

dieses Werk von mir kennen. Zwar ist es unreif in mancher
Hinsicht, aber es ist doch besser und gehaltvoller als viele
reifere Werke.“
Der Titel „Winterträume“ der ersten Sinfonie stammt von
dem Komponisten selbst. Tschaikowsky gab auch den beiden
ersten Sätzen die Überschriften. Sie lauten „Träumereien einer
Winterreise“ und „Düsteres, Land nebliges Land“. Dorothea
Redepennig schreibt in ihrer „Geschichte der russischen und der
sowjetischen Musik“, dass mit den Überschriften keine Handlung
angedeutet wird, sondern lediglich Naturbilder gemeint seien, die
vielleicht eine Entsprechung in der seelischen Grundstimmung
finden. Übrigens haben auch die Themen der beiden ersten Sätze
volksliedhaften oder folkloristischen Hintergrund. Im ersten Satz
besteht eine enge Substanzgemeinschaft zwischen den beiden
Themen. Am Beginn lässt Tschaikowsky Holzbläser und Streicher
miteinander in einen Dialog treten, wobei er das Material von den
Bläsern vorgeben lässt. Außerdem ist es interessant, wie lange
er den Einsatz des ganzen Orchesters aufschiebt. Beim zweiten
Thema verfährt er im Prinzip ähnlich, nur weist die Begleitung
hier selbständigeren Charakter auf. Besonders eindrucksvoll ist der
langsame Satz, in dem sich der Eindruck von Weite widerspiegelt.
„Zur Folklore-Nähe kommt, wichtiger noch, eine Anlehnung an
Glinka hinzu. Čajkovskij entwickelt dieses und das gleichfalls
schlichte kontrastierende Thema nach Glinkas Vorbild, indem
er den Orchestersatz immer reicher ausschmückt, die Themen
selbst aber unverändert läßt.“ (Dorothea Redepennig) Das an
dritter Stelle stehende Scherzo ist der kürzeste Satz der Sinfonie.
Tschaikowsky griff hier auf das Scherzo einer ein Jahr früher
entstandenen Klaviersonate zurück. Um in die Sinfonie eingefügt
zu werden, musste der Satz lediglich orchestriert werden. Aber
auch diesen Satz, der durch seinen elfen- oder spukhaften
Zauber für sich einnimmt, beendet der Komponist überraschend
mit zwei kräftigen Akkordschlägen. Im Finale kommt eine
russische Volksliedmelodie vor. Es handelt sich um das Lied,
das in deutscher Übersetzung mit den Worten „Ich werde säen“
angegeben werden kann. Der Komponist hat dieses Lied jedoch
stark gewandelt. Immerhin aber taucht es sowohl in der klagenden
Einleitung als auch im zweiten Thema des schnellen Hauptteils
sowie beim hymnischen Schluss auf. Der Komponist fügte in
die Durchführung des Finalsatzes einen ausgedehnten Fugato-
Abschnitt ein, und gewissermaßen zeigt er damit, was er bei
seinem Studium in St. Petersburg gelernt hatte. Außerdem fällt
bei diesem Satz die reiche Beteiligung der Schlaginstrumente auf.
Bezieht man sich auf den Titel „Winterträume“, so könnte mit
dem Finale die allmähliche Überwindung des Winters gemeint
sein. Und sowie der Komponist gerade dieses Werk sehr geschätzt
hat, so dürfte eine der seltenen Aufführungen die Frage laut
werden lassen, warum diese hörenswerte Komposition nur so
selten gespielt wird.
Michael Tegethoff
15

Die Dirigentin des Konzerts
Karen Kamensek
(Dirigentin) erhielt
ihre Ausbildung an der
Indiana University und
dirigierte bereits das
Brooklyn Philharmonic
Orchestra und beim
New York Shakespeare
Festival, bevor sie ihr
europäisches Debüt
beim Jeunesse
Musicale Festival in
Weikersheim gab.
Sie gastierte an der
Houston Grand Opera,
in Zug, beim Spoleto
Festival und beim
Orchestra Sinfonica
Nacional de Honduras,
ging mit der New York
City Opera auf Tournee
und dirigierte das Louisville Orchestra, die Bochumer
Symphoniker und die Uraufführungen der Kompositionen
„Orphée“ und „Les Enfants Terribles“ von Philip Glass.
Nach ihrem erfolgreichen Debüt an der Wiener Volksoper war
Karen Kamensek von 2000 bis 2002 dort im Festengagement
tätig und leitete Aufführungen der Oper „Don Giovanni“ von
Wolfgang Amadeus Mozart, „La Bohème“ von Giacomo Puccini,
„Carmen“ von Georges Bizet, „Die lustigen Weiber von Windsor“
von Otto Nicolai, „Boris Godunow“ von Modest Mussorgsky,
„Der Liebestrank“ von Gaetano Donizetti, „La Traviata“ von
Giuseppe Verdi und der Operette „Die Csárdásfürstin“ von
Emmerich Kálmán.
Im März 2002 debütierte Karen Kamensek mit Pietro
Mascagnis „Cavalleria Rusticana“ und Ruggiero Leoncavallos
„Bajazzo“ an der Opera Australia in Melbourne, und im Herbst
2002 folgte ihr Debüt an der Oper Frankfurt, wo sie für ihr
Dirigat von Benjamin Brittens „The Turn of the Screw“ sehr
gelobt wurde.
Von September 2003 bis Juli 2006 war die junge Amerikanerin
Generalmusikdirektorin am Freiburger Theater, wo sie ein
weit gefächertes Repertoire dirigierte und beispielsweise die
Neuproduktionen von Antonín Dvo áks „Rusalka“, Jacques
Offenbachs „Hoffmanns Erzählungen“, Dmitri Schostakowitschs
16

„Lady Macbeth von Mzensk“, „Figaros Hochzeit“ und „Così fan
tutte“ von Wolfgang Amadeus Mozart, Gaetano Donizettis „Maria
Stuarda“, Giacomo Puccinis „Turandot“ und im Juli 2006 die
konzertante Aufführung von Richard Wagners „Tristan und Isolde“
mit Deborah Polaski in der weiblichen Hauptrolle leitete.
Neben ihren Verpflichtungen am Theater Freiburg führten
Gasteinladungen Karen Kamensek an die Deutsche Oper Berlin,
an die Komische Oper Berlin, an die Oper Frankfurt, an das
Staatstheater Stuttgart und an die Wiener Volksoper.
Als Konzertdirigentin hatte Karen Kamensek wiederholt Auftritte
mit der Basel Sinfonietta, mit dem Bruckner-Orchester Linz, mit
dem Staatsorchester Braunschweig, mit dem Philharmonischen
Staatsorchester Halle, dem Klagenfurter Symphonieorchester,
der Maribor Philharmonie, mit dem MDR-Sinfonieorchester in
Leipzig und Weimar, mit dem Slowenischen Philharmonischen
Orchester sowie mit dem Wiener Radiosinfonieorchester in Wien
und St. Pölten. Ferner gab es Konzerte in Brüssel, Dortmund
und natürlich auch in Freiburg.
In der Saison 2005/2006 leitete Karen Kamensek mit Benjamin
Brittens „Tod in Venedig“ ihre dritte Neuproduktion an der Oper
Frankfurt. In der Saison 2006/2007 debütierte sie mit großem
Erfolg an der Hamburgischen Staatsoper, wo sie die Opern „Der
Liebestrank“ von Gaetano Donizetti, „Madame Butterfly“ von
Giacomo Puccini und „Ein Maskenball“ von Giuseppe Verdi
leitete, sowie am Königlich Dänischen Theater in Kopenhagen,
wo sie eine Neuproduktion der Oper „Pelléas et Mélisande“
von Claude Debussy betreute. Zudem trat sie erstmals in
Duisburg auf und stellte mit den Duisburger Philharmonikern
die Komposition „Civil Wars“ von Philip Glass vor.
In der Saison 2007/2008 wurde Karen Kamensek Chefdirigentin
am Slowenischen Nationaltheater in Maribor, wo sie neben
Konzerten unter anderem eine Neuproduktion von Georges Bizets
„Carmen“ betreute. Im Mai 2008 debütierte sie mit Mozarts
„Idomeneo“ an der Opéra National de Bordeaux, worauf sich
direkt eine Konzerteinladung anschloss. Diese Saison war auch
angefüllt mit Konzerten mit dem Bruckner-Orchester in Linz (fünfte
Sinfonie von Gustav Mahler) sowie mit der Basel Sinfonietta, dem
Staatsorchester Braunschweig, den Hamburger Philharmonikern
und erstmals mit dem Staatsorchester Hannover.
Herausgegeben von:
Stadt Duisburg · Der Oberbürgermeister Adolf Sauerland
Dezernat für Familie, Bildung und Kultur ·
Dezernent der Stadt Duisburg Karl Janssen
Duisburger Philharmoniker · Intendant Dr. Alfred Wendel
Neckarstr. 1 · 47051 Duisburg
Tel. 0203 | 3009 - 123 · Fax. 0203 | 3009 - 220
philharmoniker@stadt-duisburg.de · www.duisburger-philharmoniker.de
Druck: EDEL DRUCK GmbH, Duisburg
17

In der Saison 2008/2009 wurde die Dirigentin Stellvertreterin
der Generalmusikdirektorin an der Hamburgischen Staatsoper.
In Hamburg dirigiert sie die Neuproduktion der Lehár-Operette
„Die lustige Witwe“ und leitete die Verdi-Opern „Otello“,
„Falstaff“ und „Rigoletto“ sowie „Tosca“ von Giacomo Puccini.
Konzerte lassen die Dirigentin beim Philharmonischen Orchester
von Malaysia in Kuala Lumpur debütieren und führen zurück
zur Basel Sinfonietta. An der Staatsoper Hannover leitet sie die
Ballettproduktion mit Igor Strawinskys „Feuervogel“ und den
„Bildern einer Ausstellung“ von Modest Mussorgsky.
In Duisburg ist Karen Kamensek bereits zweimal aufgetreten.
Nach der Komposition „Civil Wars“ kehrte sie am 27. April
2008 beim WDR-Musikfest zu den Duisburger Philharmonikern
zurück. Bei dieser Gelegenheit erlebte das „Concerto grosso
for Percussion and Orchestra“ von Richard Faber seine
Uraufführung. Im Rahmen der Philharmonischen Konzerte
ist Karen Kamensek die zweite Frau am Pult der Duisburger
Philharmoniker, denn schon im März 2008 dirigierte die aus
Estland stammende Anu Tali Werke von Erkki-Sven Tüür, Peter
Tschaikowsky und Jean Sibelius.
Anz_80x100mm_18-7:Layout 1 22.07.2008 9:09 Uhr Seite
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Dienstag, 23. Juni 2009, 20.00 Uhr
Franz-Haniel-Hof im Rathaus Duisburg
1. Serenadenkonzert
Die nächsten Konzerte
„Die Befreiung der Blockflöte“
Das Trio „Wildes Holz“, Tobias Reisige (Blockflöten),
Anto Karaula (Gitarre) und Markus Conrads (Kontrabass),
spielt Werke aus Jazz, Rock, Pop und Klassik.
Samstag, 27. Juni 2009, 18.00 Uhr
Landschaftspark Duisburg-Nord
EXTRASCHICHT – Die Nacht der Industriekultur
The Power of Music
Die Duisburger Philharmoniker am Hochofen
Anthony Weeden Dirigent
Matthias Schriell Jazztrompete
Mit einer Open Air Klassik-Nacht beteiligen sich die
Duisburger Philharmoniker unter der Leitung von Anthony
Weeden 2009 erstmals an der EXTRASCHICHT. Den
Darbietungen verschiedener Kammermusikformationen folgt
ein Orchesterkonzert am Hochofen. Gegen Mitternacht klingt
die EXTRASCHICHT mit einem kunstvollen Feuerwerk aus
Donnerstag, 20. August 2009, Freitag, 21. August 2009,
21.00 Uhr
Landschaftspark Duisburg-Nord, Gießhalle
GOLDRAUSCH
Stummfilm mit Live-Musik
Im Rahmen des Stadtwerke Sommerkino 2009
Die Duisburger Philharmoniker unter der Leitung von Antony
Hermus begleiten den 1925 gedrehten Film „Goldrausch“
von Charlie Chaplin. Gespielt wird die Musik von Charlie
Chaplin in der Bearbeitung von Timothy Brock.
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Die nächsten Konzerte
Mittwoch, 27. Mai 2009, 20.00 Uhr
Donnerstag, 28. Mai 2009, 20.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
12. Philharmonisches Konzert 2008/2009
Jonathan Darlington Dirigent
Richard Wagner
„Der Ring ohne Worte“
Orchestermusik aus „Der Ring des Nibelungen“
in der Bearbeitung von Friedmann Dreßler
„Konzertführer live“ mit Friedmann Dreßler um 19.15 Uhr
im „Tagungsraum 6“ des Kongresszentrums im CityPalais
Sonntag, 25. Oktober 2009, 19.00 Uhr
Philharmonie Mercatorhalle Duisburg
1. Kammerkonzert 2009/2010
Denys Proshayev Klavier
Jean Philippe Rameau
Sarabande und Le Trois Mains
aus „Pièces de Clavecin“
Wolfgang Amadeus Mozart
Rondo a-Moll KV 511
Franz Schubert
Sonate a-Moll D 784
Robert Schumann
Davidsbündlertänze op. 6
Mit freundlicher Unterstützung der Peter Klöckner-Stiftung.
„Konzertführer live“ mit Sebastian Rakow um 19.15 Uhr
im „Tagungsraum 6“ des Kongresszentrums im CityPalais

Viva Vinum „Treff für Weinfreunde“
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Weingenuss. Das ist unsere Philosophie.
Viva Vinum steht für den kompetenten aber unkomplizierten
Umgang mit dem Thema Wein.
Wir führen über 300 Weine aus aller Welt. Davon sind
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Telefon: 02 03/39 37 79 50
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Demnächst
6.
Profile-Konzert
So 17. Mai 2009, 11.00 Uhr
Theater Duisburg, Opernfoyer
„Flammende Rose,
Zierde der Erden“
Christina Kühne Sopran
Florian Geldsetzer Violine
Anke Vogelsänger Violine
Mathias Feger Viola
Anja Schröder Violoncello
Francesco Savignano Kontrabass
Alexander Puliaev Cembalo
Georg Friedrich Händel
Neun deutsche Arien HWV 202-210
sowie Werke von Georg Philipp Telemann
und Antonio Vivaldi
Einzelkarten 10,00 €, ermäßigt 5,50 €
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Generalmusikdirektor Jonathan Darlington

Nachlese in der WAZ.
14 Tage. Kostenlos und
unverbindlich.
Tel.: 0 18 02 / 40 40 72
(6 Ct. / Anruf a. d. dt. Festnetz, abweichender Mobilfunktarif)
mo. - fr.: 6 - 20 Uhr • sa.: 6 - 14 Uhr • so.: 15 - 20 Uhr
www.DerWesten.de/waz
Unvergessliche
Momente
Herzlich willkommen
beim
11. Philharmonischen
Konzert!
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