CAFFEE - Schwankhalle

post theater präsentiert
Ein multi-medialer Tanzabend
über den “Wein des Islam”
CAFFEE /// Max Schumacher /// info@posttheater.com /// www.posttheater.com
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IDEE
Sechs internationale Choreographinnen interpretieren ein bekanntes Lied, das sich um ein anregendes Getränk dreht und kulturelle
Vorurteile bedient.
Jeder kennt diesen fremdenfeindlichen und “moralischen” Kanon aus der Schule:
C – A – F – F – E - E:
trink nicht so viel Kaffee!
Nicht für Kinder ist der Türkentrank
Schwächt die Nerven,
Macht Dich blass und krank.
Sei Du kein Muselmann,
Der das nicht lassen kann.
Viele haben ihn als Grundschüler gesungen und dann wieder vergessen. Musiklehrer seit Generationen freuen sich darüber, dass die
Buchstaben des Wortes Kaffee als Noten gesungen werden können. Die Prämisse für unsere Tanzperformance ist: Wenn der Kaffee gesungen
werden kann – dann kann er auch getanzt werden. Und das, was daran politisch inkorrekt ist, macht es so wichtig im aktuellen
Diskurs über den „Kampf der Kulturen“ und den Dialog mit dem Nicht-Westlichen.
Sechs Choreografinnen werden eingeladen, 10-minütige Tanzsolos zu erarbeiten, die auf diesem Lied basieren. Inhalte sind Exotismus,
Orientalismus und Xenophobie – interessanterweise sind das alles Phänomene, die in der Rezeption des Genussmittels Kaffee historisch
auch verbürgt sind. Kaffee wurde verboten oder auch beworben im Kontexte seiner Fremdheit – ein ambivalentes Phänomen, das als
„positive Diskriminierung“ auch im Kunstgeschäft – und auch im Tanz auch in Zeiten vermeindlich großer Toleranz noch gegeben ist.
Drüber hinaus ist Kaffee aber auch eine Stimulanz, die gerade auf den tanzenden Körper und auf den choreographischen Geist einen
Effekt hat. Wo verläuft die Grenze zwischen Genußmittel, Droge, Doping – bei Tänzern und beim Publikum? Immer war Kaffee auch
sozial relevant und diente aufklärerischen Tendenzen – sowohl im Islam als auch in der Westlichen Welt. Künstler, Revolutionäre und
Frauen waren als Kaffeetrinker stigmatisiert – im Kaffeehaus oder im Kaffeekränzchen.
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Foto: Aras Gökten
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Vorgeschichte: Long-Run und modulare Arbeitsweise
Im Frühjahr 2008 lancierten post theater und das Berliner Dock 11 einen modularen Tanzabend – fünf Choreografen waren eingeladen,
an dem Projekt “Napoleon D.” teilzunehmen. Ihnen wurden für ihre “Module” strenge Regeln auferlegt, aber auch große kreative
Freiräume gegeben. Alle teilten die Auseinandersetzung mit einem Tanz-Videoclip, der auf der Internet-Plattform YouTube zu einer
globalen Geltung gebracht hatte. Aufgrund einer ausgetüftelten Zweitbesetzungs-Strategie gelang es, den Abend als einen “Long-Run”
zu etablieren – mit 28 ausverkauften Performances. Man kann also von der erfolgreichsten Tanzproduktion der Saison sprechen. Erfolg
bei den Zuschauern ist natürlich noch kein Wert in sich – was für die Tanzszene relevanter ist, dass aufgrund von Mundpropaganda
und vielen Spielterminen auch neue Zuschauer angesprochen werden und die üblichen Tanzzuschauer die Gelegenheit zum Austausch
gegeben wird, da fast alle die Produktion gesehen haben.
Ein Grund für den Erfolg war natürlich die Tatsache, dass nicht ein Choreograph, sondern derer fünf dabei waren. Ein anderer Grund
mag die Idee gewesen sein, die Choreografen zu einer Auseinandersetzung mit einem populären Kulturgut zu bringen. Die Zuschauer
waren von der Verschiedenheit der Beantwortung einer für alle gültigen Aufgabenstellung positiv überrascht.
C A F F E E ist eine Fortsetzung in diesem Arbeitsfeld des “modularen Long-Runs” – ein neuer Versuch, einen erfolgreichen Tanzabend
zu generieren, der dem zeitgenössischen Tanz neues Publikum bringt und der Szene ein Diskurs-Objekt.
Kaffee als kulturgeschichtliches Gut
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Diane Busuttil, Foto: Frank Kleinbach
Das Lied “C A F F E E” – so problematisch sein Umgang mit anderen ethnischen Gruppen ist, oder auch sein pädagogischer Ansatz –
ist ein sehr wertvolles Dokument für ein Phänomen, das den Kaffee seit seiner Entdeckung im Jemen im 5. Jahrhundert verfolgt: er ist
Projektionsfläche für sowohl Verbote / Warnungen als auch Empfehlungen / Verschreibungen als Heilmittel. Kaffee lässt im wahrsten
Sinne des Wortes niemanden kalt. Im frühen Islam gab es Fraktionen, die ihn verbieten wollten – andere aber schafften, ihn als zentrales
Getränk zu etablieren, wenn auch ohne liturgische Funktion. Er wird für die Muslime zum Substitut für den verbotenen Alkohol.
Mit der Verbreitung des Islam kommt der Kaffee auch nach Europa. Den globalen Siegeszug beschreibt Eduard Jacob in seinem Klassiker
“Sage und Siegeszug des Kaffees” von 1934 ausführlich – und erfindet nebenbei das moderne Sachbuch mit diesem Band. Ein
halbes Jahrhundert hat Wolfgang Schivelbusch mit “Das Paradies, der Geschmack und die Vernunft” einen weiteren Klassiker über
Genussmittel verfasst, bei dem der Kaffee eine zentrale Rolle übernimmt – als Überwinder der mittelalterlichen Bierkultur.
Die Geschichte des Kaffees in Europa verläuft parallel zur Emanzipation des Bürgertums. Der Kaffee ist Getränk der Aufklärung, des
Rationalismus, der Wachheit, der Kreativität, der Zeitungsleute und Künstler. In Deutschland ist Kaffee das beliebteste Getränk – der
durchschnittliche Deutsche konsumiert mehr davon als Bier, Wein oder Mineralwasser. Das liegt auch daran, dass es ein klassisches
Getränk für verschiedene Mahlzeiten ist und vor allem auch während der Arbeit getrunken werden kann.
Die stimulierende Wirkung des Kaffees wird auch besonders auch von der sog. “kreativen Klasse” (Richard Florida) genutzt. In den
90ern wurde der Latte Macciato zum Life-Style Symbol der New Economy und ihrer urbanen Räume. Ging es im 17. – 19. Jahrhundert
oft in der öffentlichen Debatte darum, ob Kaffee überhaupt, und wenn ja von wem und zu welchem Zwecke konsumiert werden
soll, so wird heute vor allem die Art und Weise der Kaffee-Zubereitung zelebriert. Espresso-Maschinen, Kaffee-Marken und –Röster
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werden zu Erkennungszeichen und Werten einer städtischen “Elite”. Auch ChoreografInnen und TänzerInnen trinken Milchkaffees etc.
Oft nähren diese mit den in ihnen enthaltenen Milch und Zucker.
In Deutschland – mehr als in Frankreich und Italien – gibt es eine besondere geschlechtsspezifische Aufladung der Kaffee-Kultur.
In Ermangelung öffentlicher Orte für Frauen, etablierte sich ab dem 18. Jahrhundert das “Kaffee-Kränzchen” – eine Art rotierender
Salon von “Frauenzimmern” mit dem Kaffee als zentralem Getränk. Erst später, im ausgehenden 19. Jahrhundert, etablierte sich mit
dem Konditorei-Cafe eine gastronomische Einrichtung für Frauen. Männliche deutsche Literaten verspotteten den Kaffeeklatsch, die
angebliche Geschwätzigkeit, die das Kaffeetrinken produziert – als Gegenmodel zum „männlich-“ ruhigen Biertrinken. Kaffeehäuser als
politische, wirtschaftliche und kulturelle Treffpunkte wie in Wien, in London (vor dem Tee, im 17. Jahrhundert!) oder Paris gab es in
Deutschland nicht vor dem 20. Jahrhundert. Auch Bach hat mit seiner „Kaffee-Cantate“ die „weibliche“ Kaffeekultur persifliert. Das
Lied C A F F E E ist eine Folge der Diffamierung des Kaffees als fremd und unmoralisch.
Die in Deutschland historisch negative Haltung gegenüber dem Kaffee kann u.a. mit der Provinzialität des deutschen Bürgertums erklärt
werden. Seit dem 30-jährigen Krieg versank Deutschland in eine in sich gekehrte Kleinstaaterei ohne koloniale Aktivitäten. Kaffee
war eine reine Devisen-Verschwendung und Finanzierung der Kolonialmächte Holland und Frankreich. Dennoch gab es ein Verlangen
nach Exotik – und mit jeder Besteuerung oder jedem Verbot von Kaffee wurde das Interesse an dem Getränk nur gesteigert.
Der in Deutschland oft problematische Umgang mit ethnisch anderen verläuft also parallel zu dem Verhältnis zu dem exotischen Konsummittel
Kaffee.
Den ausgewählten sechs Choreographinnen wird diese kulturgeschichtliche Dimension des Alltagsstoffes Kaffees vermittelt. Ihnen wir
die Aufgabe gestellt, sich zu diesem Themenkomplex von Globalisierung, Migration, Fremdbild, Moralisierung, Kommunikationskultur
und auch Geschlechterrollen zu verhalten.
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Bahar Gökten, Foto: Frank Kleinbach
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Globalisierung
Kaffee illustriert einen weltumspannenden „Siegeszug“ (Eduard Jacobs). Er ist ein klassisches Beispiel für Migration und Globalisierung.
Das aus der äthiopischen Wüste stammende Gewächs stammt heute überwiegend aus Brasilien oder Indonesien. Fair Trade Organisationen
arbeiten seit langem an den Auswirkungen globaler Konkurrenz und der Markt-Politik großer Konzerne. Für viele Länder
ist Kaffee heute eines der wichtigsten Exportprodukte.
C A F F E E rekrutiert seine Mitarbeiterinnen aus Choreografinnen und Tänzerinnen als Zweier-Teams. Dabei wird Wert darauf gelegt,
dass beide Paar-Teile jeweils die 8-minütige Solo-Performance-Szene aufführen können. Dadurch wird es möglich, den Abend als Long-
Run über viele Wochen laufen zu lassen oder auch international zu touren. Die ideale Kombination ist dabei die von zwei Performerinnen,
von denen eine als Choreografin Erfahrung hat, die andere aber in einem anderen Bereich jenseits des Tanzes, etwa dem Schauspiel
oder anderer Performancetechniken.
In unserer Produktion C A F F E E wollen wir die Mechanismen von Exotik und Marktwert auch für den eigenen Bereich, den Tanz
untersuchen. Wie sehr ist unser Feld wie Kaffee? Wie verhalten wir uns zu Exotizismus, Xenophilie und Klischees von Ferne?
Weiblichkeit und Kommunikationsprozesse
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Yuko Sato, Foto: Frank Kleinbach
Die besonderen Geschlechterfestschreibungen im Kaffeekonsum sollen ausschließlich von Choreografinnen untersucht werden. War
„Napoleon D.“ ein „Männerprojekt“, in dem Männlichkeit und Tanz verhandelt wurde, so
ist C A F F E E ein „Frauenprojekt“, das die Idee des „Kaffeeklatsch“ selbt-ironisch und selbst-kritisch auf sich
anwendet. Kaffee ist ein Appetit-Abreger. Dem immer noch tabuisierten Schlankheitswahn dient der Kaffee als
Schlankheitsdroge oder Nahrungsersatz – wenn er nicht mit Zucker und Milch selber zum Nährstoff wird.
Gibt es eine vom Kaffee beeinflusste Kommunikationskultur, die spezifisch weiblich ist?
Das modulare Vorgehen der Choreografinnen sieht – wie bei „Napoleon D.“ vor, dass kleine Teams eigenständige Arbeiten im Rahmen
von Vorgaben für Thema, Raum, Musik, Bühne etc. erstellen. Anders als bei „Napoleon D.“ werden die Choreografinnen sich aber
häufiger zum Kaffee verabreden und über ihre Arbeitsschritte sprechen. So kann neben den Solos auch ein gemeinsames Finale entstehen,
das so gebaut ist wie das zugrundeliegende Lied: als Kanon.
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Lied als Vorfahre des YouTube Clips
Lieder waren früher das, was heute Videoclips auf YouTube sind: informelle, geteilte, populäre und unbezahlte Kultur im Kleinformat,
die durch Reproduktion tradiert werden. Lieder wanderten durch die Städte in großem Tempo. Heute teilen sich junge Leute
YouTube Clips mit, freuen sich über kurze, witzige, besondere Kurzfilme. Früher, in Zeiten ohne elektronische Medien, hatten Lieder
und Gedichte eine ähnliche Funktion. Über orale Kommunikation werden sie schnell verbreitet und geteilt. Gerade weil sie kurz sind,
bedürfen sie keiner Verschriftlichung.
War bei „Napoleon D.“ ein YouTube Clip erstmalig Ausgangspunkt für eine Tanzperformance, so ist C A F F E E ein bewusster
Schritt zurück zu einem Vorfahren dieses Mediums. Nichts desto trotz soll die Arbeit in dem Projekt auch via YouTube einer breiten
Öffentlichkeit bekannt gemacht werden – zu Werbezwecken für die Live-Performance.
Die Choregrafinnen und Tänzerinnen
C A F F E E rekrutiert seine Mitarbeiterinnen aus Choreografinnen und Tänzerinnen als Zweier-Teams oder als einer Person, die beide
Tätigkeiten abdeckt, aber mit einem Understudy arbeitet. Dabei wird Wert darauf gelegt, dass beide Paar-Teile jeweils die 8-minütige
Solo-Performance-Szene aufführen können. Dadurch wird es möglich, den Abend als Long-Run über viele Wochen laufen zu lassen
oder auch international zu touren.
Vorgabenkatalog
Wie schon bei „Napoleon D.“ verpflichten sich die sechs Künstlerinnen-Teams, einem detaillierten Vorgabenkatalog für ihr Performance-Segment
zu folgen, der aber die Kohärenz des Abends gewährleistet. Somit wird neben der Besetzung und Performancelänge
und das Ausgangsmaterial (das Lied) auch die räumliche Installation und ein Sound-Scape vorgegeben.
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Kira Senkpiel, Foto: Frank Kleinbach
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Klanginstallation – Partitur-Raum
In einem weißen Raum werden fünf schwarze Linien – wie vergrößerte Notenlinien – auf dem Boden angebracht. Als Noten dienen
runde, schwarze Lautsprecher in Kaffeeform. Diese spielen jeweils die Noten C, A, F, F, E und E wenn sie auf den entsprechenden Notenpositionen
dieser Notation liegen. Die Notenlinien und die Zwischenräume haben offene Leitungen, die diese Kanäle mit Toninformation
und Strom speisen.
Dieses Bild wird in jeder Performance verschieden bespielt, umgebaut, zerstört, rekonfiguriert. Die Noten gleichen großen Kaffeebohnen.
Entsprechend verändert sich auch der Performance-Space für den Tanz. Die Klanginstallation wird von Sibin Vassilev eingerichet
/ programmiert. Sämtliche Lichtstimmungen kommen von einem Video-Projektor und werden von den Videokünstlern Yoann
Trellu und Hiroko Tanahashi in Abstimmung mit den Choreografinnen erstellt.
Kaffee – Cafe
Kaffee als ambivalent aufgenommener Fremdkörper Zentrum von Choreographie, Raum – und Klanginstallation sein. Aber die weiteren
Sinne, Geruch und Geschmack können natürlich bei diesem Thema nicht aus- geklammert werden. Eine Vorgabe an die eingeladenen
Choreografinnen wird sein, auch diese Sinne bei den Zuschauern anzusprechen. Der Tanzabend wird zu einem sehr komplexen
Cafe-Besuch.
Die gastronomische und soziale Komponente von Theatercafes ist legendär. C A F F E E wird sich diesem Thema widmen. In jeder
Stadt wurde bislang eine Kaffee-Rösterei als Partner gewonnen. Für Stuttgart fand eine Zusammenarbeit mit Hochland, in Bremen
mit Lloyd und in Berlin mit Einstein Kaffee statt. Alle drei sind in Privatbesitz und stiften lokale Identität - und alle drei setzen eher
auf zeitgenössisches Design und auf die eigene Stadt denn auf Exotismus. Die Zuschauer können Kaffee nicht nur sehen, sondern auch
riechen und schmecken - ausgeschenkt von Kaffeepartnern.
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Alexander Schröder, Foto: Frank Kleinbach
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Bremer Autoren- und Produzentenpreis 2010
post theater [new york / berlin / tokio] erhielt den Bremer Autoren- und Produzentenpreis 2010 für das Projekt CAFFEE. Der Preis ist
dank Unterstützung der Karin und Uwe Hollweg-Stiftung mit 15.000 Euro dotiert und beinhaltet damit einen Produktionskostenanteil
für das Projekt der Preisträger.
Die Begründung der Jury lautet (in Auszügen):
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Kira Senkpiel, Angela Kecinski, Bahar Gökten, Bahar Gökten, Diane Busuttil, Yuko Sato, Foto: Frank Kleinbach
„... Dafür, dass sich herausragendes intellektuelles Niveau auch spielerisch erreichen und sich der Autorenbegriff der zeitgenössischen
Performing Arts auch ganz ohne die schwerfällige Strategie eines konzeptionellen Hermetismus erweitern lässt, ist das Projekt CAFFEE
von post theater (Max Schumacher und Hiroko Tanahashi) ein überzeugender Beweis.
post theater verdient den Bremer Autoren- und Produzenten-Preis der Schwankhalle 2010 aber auch, weil sie in diesem wie in früheren
Projekten interdisziplinäre Denk-, Sicht-, Arbeits- und Produktionsweisen mit einer atemberaubenden Selbstverständlichkeit stets
schlüssig aus den geplanten Inhalten entwickeln.
CAFFEE ist der Entwurf einer Tanzperformance zum Thema Kaffee. Und post theater wählt einen provokativ populären Zugang: Ausgangspunkt,
Keimzelle ist der bekannte Volkslied-Kanon C-A-F-F-E-E von C. G. Hering. Aus dem modularen Aufbau des Kinderlieds
– aus den sechs Buchstaben werden sechs Verse, und jede der drei Stimmen besteht aus sechs Takten - ziehen Schumacher und Tanahashi
genügend Strukturdaten für einen komplexen Performance-Abend. Und im didaktisch-moralischen und moderat-xenophobem
Impetus der Reime spüren sie genügend Konfliktpotenzial auf, um die Route für eine gedankliche Reise von der Entdeckung des
Kaffees über die Erfindung des Islam bis hin zum Kolonialismus und dem Reden vom “Kampf der Kulturen“ zu motivieren: Kaffee
erkennen sie dabei als “Projektionsfläche für sowohl Verbote / Warnungen als auch Empfehlungen / Verschreibungen“.
Es gibt einen Zusammenhang zwischen Identitäts-Konstruktionen, Moral- und Gesundheitsvorstellungen und Speisen. Und dass der in
einer Performance weiter begriffen werden kann, als in seiner Beschreibung, hat das post theater zuletzt mit seinen “Fish-Tales“ gezeigt.
Statt aber den Ansatz dieser Performance routiniert mit CAFFEE fortzuschreiben, geben Schumacher und Tanahashi für das Nervengift-Projekt
ihre Souveränität auf: Was sie als Autoren entwerfen, ist ein Rahmen, in den sie andere, noch unbenannte Performance-
Autorinnen einladen, sich zu produzieren – um dabei selbst, und nicht weniger als post theater, auf ihre Autonomie zu verzichten.
...
Erst die Verbindung von Beharrlichkeit und Neugier ermöglicht Forschung im zeitgenössischen Verständnis. Der Bremer Autoren- und
Produzentenpreis ist ein Preis für Künstler, die in ihrer Arbeit Sicht- und Denkweisen ausdrücklich erforschen: Ein Anspruch, den
post theater exemplarisch erfüllen. So bildet CAFFEE, vom Werkkatalog des seit zehn Jahren bestehenden post theater aus betrachtet,
die Engführung zweier Bereiche, die ihre bisherigen Arbeiten prägen: Den Zusammenhang von Speisen und kultureller Identität...
Und dass die Frage nach Autorschaft oder vielmehr: das Fragwürdig-Machen von Autorschaft sogar ein Marketing-Instrument für
eine Performance sein kann, haben sie mit “Napoleon D.“ entdeckt... Ihr Projekt CAFFEE, ganz anders gelagert und doch in Vielem
verwandt, hat beste Voraussetzungen, diese Breitenwirkung in der Kaffeehauptstadt Bremen zu entfalten.“
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Drei Kaffeestädte?
C A F F E E wurde als Koproduktion zwischen diesen drei Städten produziert: Stuttgart, Bremen und Berlin. Die Finanzierung, die
Spielstätten und die KünstlerInnen stammen aus ihnen. Das Stück wurde im Winter 2011 in Berlin und Bremen erarbeitet und hatte
seine Premiere Ende Januar 2012 im Theater Rampe, Stuttgart.
C A F F E E wurde mit KünstlerInnen aus diesen drei Städten, in denen Kaffee oder Cafes eine besondere Relevanz haben, produziert.
Bremen ist der mit Abstand wichtigste Importhafen für Kaffee und Sitz vieler großer Kaffeeröster. Kaffee Hag - entkoffeinierter Kaffee
wurde hier erfunden. Berliner Kaffeehauskultur ist legendär - und auch die aktuelle digitale Boheme lebt in den Cafes der Stadt. In
Stuttgart ist mit Hochland Kaffee der größte der kleinen “Kaffeemanufakturen” ansässig. Das Familienunternehmen schafft eine große
lokale Identifikation - sowohl für schwäbische Großmütter, als auch für designbewusste Young Urban Professionals. Fair Trade ist dabei
selbstverständlich - und Teil eines ganzheitlichen Genussbegriffes, der ebenfalls in Stuttgart sehr ausgeprägt ist. Mit der Firma steht post
theater in Kontakt - nicht so sehr für Sponsoring, sondern für Recherche.
Produktionsplan
C A F F E E wurde im Herbst 2011 erarbeitet. Die Vor-Premiere war am 7.12.2011 in der Stauerei in Bremen, die Premiere am
13.1.2012 im Theater Rampe in Stuttgart. Am 9.2.2012 war die Berliner Premiere.
Alle Spieltermine in der Übersicht:
Bremen in der Stauerei
7., 9., 10., 16., 17. und 18. Dezember 2011
Stuttgart im Theater Rampe
13., 14.1., 17.1., 18., 19., 20. und 21. Januar 2012
Berlin im Dock 11
9., 10., 11. und 12. Februar 2012
Ab Frühjahr ist die Produktion tourbar. Es reisen dazu 6 PerformerInnen und 2 begleitende post theater Personen - ab Berlin (5), Köln
(1), Stuttgart (1) und Bremen (1).
Zukunft
Die Performance kann mit der Besetzung / den Choreographien der Urversion auf Tour gehen. Es kann aber auch ein Teil der Produktion
auf Tour gehen (drei oder vier der fünf Teile) und um lokale neue Szenen ergänzt werden (ein oder zwei Teile). Diese neuen Choreographien
unterliegen denselben Spielregeln wie die ursprünglichen. Die Bezüge zum Thema werden so ortsbezogener und relevanter
für den jeweiligen Aufführungsort.
Team
Künstlerische Leitung: post theater (Max Schumacher, Hiroko Tanahashi)
Choreographinnen / Performerinnen (in Reihenfolge des Auftritts): Magali Sander Fett, Bahar Gökten, Yui Kawaguchi mit Yuko Sato,
Kira Senkpiel, Diane Busuttil
Performer / Texte: Alexander Schröder
Understudy für Magali Sander Fett: Angela Kecinski
Videokunst: Hiroko Tanahashi, Yoann Trellu
Klangkunst / Musik: Sibin Vassilev
Dramaturgie: Max Schumacher
Bohnen-Installation: Jasper Diekamp / Max Schumacher
Kostüme: Marie Gerstenberger (für Diane Busuttil), Theater Bremen (für Magali Sander Fett), Yui Kawaguchi (für Yui
Kawaguchi),Malene Birger, Ingrid Mitterer und Kira Senkpiel (für Kira Senkpiel)
Technische Einrichtung / Lichtdesign: Fabian Bleisch
Produktionsleitung: Mario Stumpfe
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Förderer
Eine Koproduktion des Theater Rampe mit post theater, Dock 11 Berlin, Alte Liebe Produktionen / Schwankhalle Bremen.
Gefördert aus Mitteln des Kulturamts Stuttgart, des Fonds Darstellende Künste und des Bremer Autoren- und Produzentenpreises der
Karin und Uwe Hollweg-Stiftung
Unterstützt von Einstein Kaffee, Caffe Llyod, Hochland Kaffee und der Akademie Schloss Solitude, Stuttgart.
Danksagungen
Diane Busuttil: „Dank an Margaretha Barck, Hiltrud Ellert, Natalie Wszolek, Cinzia Camardo.“
Bahar Gökten: „Danke an meine künstlerische Assistentin Daniela Rodriguez.“
Yui Kawaguchi: „Besonderen Dank an Hamza Milad, Reiko Oyama, Aki Naito, Joseph Pearson.“
Kira Senkpiel: „Dank an Alexandra Brenk und Nina Kurzeja.“
Max Schumacher: „Vielen Dank: Susanne von Essen, Eduard Jacob, Karin und Uwe Hollweg Stiftung, Jury des Bremer Autorenpreises,
Angela Butterstein, Annette Birnbaum, Heman Chong.“
Kontakt
post theater c/o Max Schumacher E-Mail: info@posttheater.com
www.posttheater.com
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Angela Kecinski, Foto: Frank Kleinbach
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Biographien der Künstler
(in Reihenfolge des Auftritts in der Performance)
Magali Sander Fett (Choreographie / Tanz)
studierte Ballet und Modern Dance in Porto Alegre, Brasilien. Von 1996 bis 1998 studierte sie Tanz an der Folkwang Hochschule,
Essen. Sie arbeitete u. a. mit Rodolpho Leoni, Susanne Linke, Mark Sieczkarek und Urs Dietrich. 2000 wurde sie Ensemblemitglied
des Bremer Tanz-Theaters (unter der Künstlerischen Leitung von Urs Dietrich).
1999 wurde Magali Sander Fett beim Wettbewerb „Das beste deutsche Tanzsolo“ in Leipzig zweite mit ihrer Choreographie „Sola“
und gewann 2003 beim 17. Choreographiewettbewerb Hannover mit ihrer Arbeit „VegeTable“. 2004 war sie Artist in Residence bei
PACT Zollverein in Essen für ihre Arbeit „Superstars“. 2007 gewann Magali Sander Fett den Publikumspreis des „Tanzherbst Festival“
Dresden.
Angela Kecinski (Tanz)
machte eine zweijährige Ausbildung zur Bühnentänzerin in Hamburg und studierte anschließend an der Hochschule der Künste
Arnheim/Niederlande modernen und zeitgenössischen Tanz.
Danach tanzte sie im Theater Bremen seit 2005 in verschiedenen Operetten-, Schauspiel- und Tanzproduktionen, u. a. unter Leitung
von Jaqueline Davenport. Es folgte ein Engagement im Tanztheater des Staatstheater Oldenburg, wo sie mit den Choreographen Rami
Beèr und Guy Weizmann arbeitete. 2008 kehrte Angela Kecinski wieder als Gasttänzerin ans Theater Bremen zurück und arbeitete
freischaffend mit dem Tanztheater für Kinder „DE LooPERS“, tanzte selbst und setzte gemeinsam Tanzstücke mit Jugendlichen in
öffentlichen Schulen um.
Zuletzt wurde Angela Kecinski als Gasttänzerin vom Skanes Dansteater in Malmö (Schweden) verpflichtet, in einer Zusammenarbeit
mit Jorma Uotinen. Derzeit ist sie im Thalia Theater Hamburg unter der choreographischen Leitung von Ted Stoffer und freischaffend
tätig
Bahar Gökten (Choreographie/Tanz)
geprägt durch das musikalische Elternhaus, kam die gebürtige Stuttgarterin bereits im frühen Alter mit Musik und Tanz in
Berührung. Dabei spielte die Hip-Hop-Kultur und besonders Breakdance eine wichtige Rolle in ihrer künstlerischen Entwicklung.
Bühnenerfahrungen sammelte sie u. a. am Théâtre de Suresnes Paris, der Deutschen Oper am Rhein und am Staatstheater Stuttgart.
Bahar Gökten arbeitete mit Choreographen wie Nasser Martin-Gousset, Nina Kurzeja und Thierry „Nasty“ Martinvalet zusammen.
Yui Kawaguchi (Choreographie für Yuko Sato)
studierte Ballet, Jazz, Hip-Hop, zeitgenössischen Tanz und Theater. Sie tanzte bei H.art.chaos (1998 bis 2000), Kota Yamazaki/Rosy, co
(2000 bis 2002) und Motoko Hirayama (2007). Von 2001 bis 2003 arbeitete sie als Choreographin und Performerin für media drive
unit 66b/cell und tourte damit zu ARS Electronica (Linz), Seoul International Dance Festival und Japan Virtual Reality Conference
etc. Seit 2005 arbeitet Yui Kawaguchi in Berlin, u. a. mit Ismael Ivo, Helena Waldmann, NICO AND THE NAVIGATORS, Michaela
Lucenti und Tomi Paasonen. 2006 erhielt sie den Jury-Preis des Yokohama Solo-/Duo-Wettbewerbs. 2008 kam ihr Solo REM Black
Cat ins New National Theater Tokyo. Seit 2008 arbeitet Yui Kawaguchi mit der Jazz-Pianistin Aki Takase. 2010 begann ihre Cross-
Over Arbeit mit „Flying Bach“ von Christoph Hagel und den Flying Steps. Das Projekt gewann den „Echo Klassik Sonderpreis 2010“.
2010 bekam ihr aktuelles Solo „andropolaroid“ den Kölner Theaterpreis.
Yuko Sato (Tanz)
erhielt ihre Ausbildung an der National Theatre Ballet School in Melbourne und bildete sich in Workshops mit Ohad Fishof, Noa Zuk,
Georg Reischl und Ted Stoffer. Seit 2007 arbeitet sie u. a. für Trisha Brown, Clint Lutes, Jo Fabian und an den Theatern Bonn (Nick
Hobbs) und Hof (Ricardo Fernando)
Kira Senkpiel (Choreographie/Tanz)
erhielt ihre Tanzausbildung im zeitgenössischen Tanz an der Oslo National Academie of the Arts. Seit 2008 arbeitet sie freischaffend
von Stuttgart aus, u. a. mit MagPie Music Dance in Amsterdam, Nina Kurzjea, TART Produktion und Olga Motte (Hugo Wolf
Akademie) in Stuttgart und mit Ingrid Fiksdal, Emilia Adelöw, Vilde Sparre, FLUKT in Norwegen.
Diane Busuttil (Choreographie/Tanz)
machte ihren Abschluss in Tanz an der University of Western Sydney, Australien. Für viele Jahre arbeitete sie in Australien und Asien als
freischaffende Tänzerin und Choreographin sowohl im Tanztheater, Theater und Film sowie als Lehrerin, Akrobatin, Produzentin und
Regisseurin. Durch ein DAAD-Stipendium kam sie 2000 nach Deutschland und studierte an der Internationalen Frauenuniversität in
Hannover und Bremen. 2004 und 2005 studierte Diane Busuttil Iyengar Yoga in Pune, Indien. Über fünf Jahre hinweg trat sie mit der
Gruppe Dorky Park und Constanza Macras auf. So arbeitete Diane Busuttil in Berlin mit Ulf Otto, Be van Vark und Jared Gradinger,
in San Fransisco und Indonesien mit OPVC und mit Rodrigo Garcia, La Carnicería Teatro in Italien und Spanien. 2010 wird Diane
Busuttil mit „On the side of the road“ mit Theatre Junction durch Kanada touren und „Cheap Blood“ für den Regisseur Johannes
Müller in den Sophiensælen choreographieren. Zurzeit arbeitet sie an ihrem Kurzfilm-Konzept „Fresh Fruit“.
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Alexander Schröder (Darsteller)
Der gebürtige Stuttgarter war Regieassistent an der Schaubühne am Lehniner Platz in Berlin bevor er sein Schauspielstudium an
der HdK Berlin absolvierte. Von 1992 bis 1995 war er Ensemblemitglied an der Schaubühne in Berlin. Von 1995 bis 1999 war
er Schauspieler und Regisseur am Staatsschauspiel Dresden. Seit 1999 arbeitet Schröder freischaffend an der Schaubühne, an der
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, den Sophiensaelen und am Hebbel am Ufer. Seit 2001 ist er szenischer Lehrer an der UdK
Berlin. Er tourt weltweit mit „Dead Cat Bounce“ von Chris Kondek. Zur Zeit spielt er das vielbeachtete Solo „Untertan“ nach
Heinrich Mann am Theater unterm Dach, Berlin. Alexander Schröder war an zahlreichen post theater-Produktionen beteiligt, z. B. bei
dem Erfolgsstück „Napoleon D.“ im Berliner Dock 11 (2008), „Express Fight Club“ und „Heavenly Bento“ (New York, 2009). Zuletzt
war er in den post theater-Performances „Fish-Tales“, „Schnittstelle Figaro“ (Staatsoper Berlin) und „The Four of the Gas Station“
(Theaterszene Europa, Köln, Akademie Schloss Solitude) zu sehen.
Max Schumacher (Künstlerische Leitung, Regie, Dramaturgie)
studierte Dramaturgie an der Humboldt Universität Berlin und Performance Studies (MA) an der New York University. 1999 gründete
er post theater in New York. Mit diesem interdisziplinären Team inszenierte er Theater- und Multi-Media-Performances, die u. a.
in die USA, nach Österreich, Italien, Serbien, Kroatien, Slowenien, Thailand, Korea, Japan, Taiwan, Singapur und in die Schweiz
tourten. Max Schumacher gewann zahlreiche Preise und Stipendien, u. a. war er im Jahre 2001 Stipendiat der Akademie Schloss
Solitude Stuttgart, gewann den Bremer Autorenpreis 2004 und 2010. Er war Artist-in-Residence im Kunstraum Syltquelle auf Sylt, im
Künstlerhaus Lukas, Ahrenshoop, im Schloss Broellin, bei PACT Zollverein, Essen, im Taipei Artist Village, Taiwan, SAIR, Jyderrup,
Dänemark, Tokyo Wonder Site, Japan. 2008 inszenierte er die YouTube-basierte Tanzperformance „Napoleon D.“ mit 28 ausverkauften
Aufführungen in Berlin, „Flatland“ (per_vilion IV) beim Int. Festival for the Arts CyL, Salamanca und „Fight Club: A Chorus“
im Magazin der Staatsoper Berlin. 2009 brachte er „Express Fight Club“ nach Spanien und Taiwan mit ortsbezogenen Versionen,
2010 nach Bulgarien und Stuttgart. 2010 wurde er mit seiner Musiktheaterproduktion „contrabass“ zum HiSeoul Festival nach
Korea eingeladen. Im Herbst 2010 inszenierte er „Schnittstelle Figaro“ für die Staatsoper Berlin im Schillertheater, im Sommer 2011
zusammen mit Hiroko Tanahashi Christoph Willibald Glucks Barockoper „Orfeo ed Euridice“ (Musikalische Leitung: Frieder Bernius)
auf Schloss Solitude, Stuttgart. Neben der künstlerischen und kuratorischen Arbeit gibt Max Schumacher auch Workshops und hält
Vorträge.
Hiroko Tanahashi (Künstlerische Leitung, Medienkunst)
ist Absolventin der Filmhochschule Tisch School of the Arts der New York University (BFA) und des MFA Programms Multi Media
Design and Technology der Parsons School of Design. 2002 zog sie nach Deutschland und arbeitet seit dem von dort aus als Künstlerische
Kodirektorin von post theater. Hiroko Tanahashi präsentierte ihre interdisziplinäre Tanzperformance „Bisscuit“ auf der
Bauhausbühne in Dessau. Ihr Projekt „Heavenly Bento“ (gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds) wurde auf der Bonn Biennale
2004 uraufgeführt, lief im Kommunikationsmuseum Berlin, auf dem Singapore Arts Festival 2005 und in der Japan Society New York
(2009). Mit ihrer Performanceserie „skinSITEs“ war sie u. a. beim City of Women Festival in Ljubljana, dem Dance Week Festival in
Zagreb, dem Stromereien Festival in Zürich, auf dem Bangkok Fringe Festival, in Japan (YCAM, Yamaguchi und BankART, Yokohama)
und Taiwan. Sie erhielt 2006 den Franklin Furnace Award, New York. Sie war Artist in Residency in Schloss Broellin, im Künstlerhaus
Lukas, Ahrenshoop, Kunstraum Syltquelle, bei PACT Zollverein, Essen und im Taipei Artist Village, Taipei (2007/2008), Tokyo
Wonder Site, Japan und NES, Island. „Fish-Tales Solo“ wurde auf das Stromereien Festival 09 in Zürich eingeladen, die Trio Version
hatte im März 2010 Premiere in den Sophiensaelen Berlin. 2010/2011 hat Hiroko Tanahashi ein zehnmonatiges Stipendium von der
Akademie Schloss Solitude erhalten. Zusammen mit Max Schumacher inszenierte sie 2011 Christoph Willibald Glucks Barockoper
„Orfeo ed Euridice“ (Musikalische Leitung: Frieder Bernius) auf Schloss Solitude, Stuttgart. Im Rahmen von ÜBER LEBENSKUNST
präsentierte sie das Projekt „Sustainable Sushi“ – eine Installation mit und über nachhaltiges Sushi.
Jasper Diekamp (Bühneninstallation)
Der gebürtige Stuttgarter studierte an der Kunsthochschule für Medien Köln bei Dieter Jung, David Larcher und Raimund Krumme
und diplomierte 2010 mit Auszeichnung im Fachbereich Medienkunst. Seine Arbeit umfasst die Bereiche Interaktive Systeme, Installation,
Kinetische Skulptur, Video und Animation unter Einbeziehung diverser Materialien und Techniken. Eine interdisziplinäre
Verknüpfung unterschiedlicher Medien und die genreübergreifende Auseinandersetzung mit verschiedenen Gestaltungsformen sind
ein zentrales Element seiner künstlerischen Tätigkeit. Ausstellungen u. a. im PACT Zollverein (Essen), bei Temps d’Images (Düsseldorf),
Altitude KHM (Köln), LAB30 (Augsburg). Auszeichnung mit dem Lab Award 2010 für die Installation „Monologue of two
Machines“. Seit 2008 entwickelt er Bühnenbilder, mediale Szenografien und Lichtdesigns unter anderem für c.t.201 freies Theater Köln
e.V., Cocoondance (Bonn), post theater, Freuynde und Gaesdte (Münster) und das Deutsch-Griechische Theater (Köln).der Schillertheater
Werkstatt / Staatsoper Berlin (Oktober 2010). 2011 inszenierte sie Glucks Barockoper “Orfeo ed Euridice” (musik. Leitung:
Frieder Bernius) auf Schloss Solitude, Stuttgart. Im Rahmen von ÜBER LEBENSKUNST präsentierte sie mit Max Schumacher das
Projekt “Sustainable Sushi” – eine Installation mit und über nachhaltige / regionale Sushi.
Yoann Trellu (Videokünstler)
wurde als Röntgenexperte an der Science University Nantes (Frankreich) ausgebildet, bevor er seine Karriere als Medienkünstler
begann. Er arbeitete als Videokünstler für zahlreiche Choreographen und Compagnien in Frankreich, Deutschland, Japan und
den USA, u. a. für Akira Matsui, Mayumi Fukuzaki, Howard Katz, Ten Pen Chi, Jenny Haack, Yui Kawaguchi, Stephanie Maher.
Zusammenarbeiten mit Musikern waren u. a. mit Felix Zapf, Matthias Hermann, Mangrove Kipling. Seine Videoarbeiten waren
ausgestellt bei „Rencontres Internationales, FIPA“, Biarritz (Frankreich, 2007), „Virtual links“, Berlin (2006) und „Ou suis-je?“ in
Nantes (2005). Zwei seiner Videos wurden im Fernsehen gezeigt – von Tele Nantes und GIE Grand Ouest Television in France (2005).
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Yoann Trellu erarbeitete DVDs und CDs für und mit Künstlern und Kunstinstitutionen, darunter Elizabeth Williams, Ponderosa
International Dance Festival Stolzenhagen, Kelly Kane School (New York), Bonnie Bainbridge Cohen (Massachusetts), WACfest
festival. Macau (China) und Frac des Payds de la Loire, Nantes (Frankreich). Seit 2008 arbeitet er häufig mit post theater, u. a. für die
Projekte „Napoleon D.“, „Fight Club: A Chorus“ und „Express Fight Club“.
Sibin Vasilev (Musik / Sound )
wuchs in Berlin und Sofia auf. Er arbeitete zuerst mit der bulgarischen Rockband Rag Dolls. Seit den späten 90er Jahren ist er
elektronischer Musiker und erstellte Soundscapes für die Expo 2000 in Hannover (Stände von der Elfenbeinküste, Benin und der
Weltbank), entwickelte Audio Installationen und Soundtracks, u. a. für „Turnover (House, Unsettled)“ und „Heavenly Bento“
(Biennale Bonn, Berlin, Singapur) von post theater, so wie aktuell „skinSITEs XI“ und „per_vilion IV“, beide in Salamanca (Spanien).
Seine Soundinstallationen waren in verschiedenen Galerien in Bulgarien. Seine Arbeit „Infrasonic Texture“ wurde zur Bukarest Biennale
2008 eingeladen. Das Deutsche Historische Museum Berlin beauftragte 2009 seine Arbeit „Tonschleuse“.
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Foto: Aras Gökten
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C A F F E E
Ausgewählte Pressezitate:
“CAFFEE ist Titel und Sujet einer außergewöhnliche Performance…
…fünf weitgehend unabhängige Tanzvorstellungen… werden durch eine überaus geglückte Verbindungskonstruktion zu einem Ganzen
finden… durch die äußerst geglückte Videoinstallation von Hiroko Tanahashi erhalten sie eine sicht- und fühlbare Klammer. Immer
wieder neue Variationen zeichnet sie per Projektion auf die weißen Boden- und Hintergrundfläche. Genauso verbindend sind dazu die
amüsant-lockeren Kaffeegeschichten von Alexander Schröder - eine lockere, manchmal ironische Auseinandersetzung mit dem braunschwarzen
Trank.
So unterschiedlich die Elemente des Bewegungstheaters daherkommen, so verwoben sind sie in dem kurzweiligen Ablauf.”
(Arnim Bauer, Ludwigsburger Kreiszeitung, 16.1.2012)
“Alexander Schröder führt durch das Programm in wunderbar unterspielter Manier. Nüchtern, aber mit leicht neckischem Unterton
doziert er…
In rund einer Stunde hat man Kaffee als Droge, Genussmittel, Medizin und Handelsgut kennengelernt. Das ist sehenswert…”
(Petra Mostbacher-Dix, Stuttgarter Zeitung, 16.1.2012)
“Max Schumacher und Hiroko Tanahashi zeichnen für die sinnliche, humorvolle und unterhaltsame multimediale Tanzperformance
von post theater. Farbtöne von gebrochenem Weiß über Caramel zu vielerlei Braun strömen als Film über Wände und Boden…
Das Abschlussbild der internationalen Künstler wirkt dann wie die schönste lebende Werbung, die es wohl je vom Produkt Kaffee
gegeben hat.”
(Brigitte Jähnigen, Stuttgarter Nachrichten, 17.1.2012)
“Ein schöner Soundtrack von Sibin Vassilev begleitet den Abend mit Naturlauten, mit dem Gluckern oder Zwischen von Kaffee in den
verschiedenen Zubereitungsvarianten. Einen wesentlichen Teil der Inszenierung machen die Videos von Hiroko Tanahashi aus: Im fantasievollen
Zusammenspiel mit dem Bühnengeschehen fließt hier immer wieder Kaffee in warmen Goldtönen durchs Bild, es türmen
sich Kaffeebohnen so riesig wie Sofakissen, perlen umher, verfolgen die Tänzerinnen auf dem Boden. Schließlich tanzt die hundertfach
vervielfachte Diane Busuttil wie ein Wasserballett der alten Hollywood-Musicals um die echte Tänzerin herum - ein großartiger Effekt.“
(Angela Reinhardt, Esslinger Zeitung, 18.1.2012)
„Seinen Reiz erhält der Abend auch durch seine künstlerischen Beiträge... Aus großen Kaffeebohnen, die auf dem Boden auf Notenlinien
platziert werden, ertönt elektronische Musik, die in den berühmten Kanon „CAFFEE“ mündet.
Das post theater verbindet in seinen Stücken Fakten und Fantasie.“
(Alexandra Albrecht, Weserkurier, 10.12.2011)
„CAFFEE ist ein kurzweiliger und lehrreicher, aber heterogener Bilderbogen...
Höhepunkte hat es gleichwohl einige, wie Yuko Satos Tanz über eine unglückliche Kaffeetrinkerin oder das Ertönen des Kanon-Motivs
aus sogenannten Boomboxes in Form von Kaffeebohnen, die auf Notenlinien auf dem Bühnenboden gesetzt werden.“
(Andreas Schnell, taz Bremen, 9.12.2011)
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post theater
wurde von folgenden Institutionen
eingeladen / produziert / unterstützt (Auswahl):
Akademie der Künste, Berlin (2000, 2006)
Akademie Schloss Solitude, Stuttgart (2001, 2002, 2010)
Archilab, Orleans (2004)
Artexpo, Trento, Italien (2003)
Artforum, Berlin (2004)
Asahi Art Square, Tokyo (2008, 2009)
Bangkok Fringe Festival, Bangkok (2004)
BankART1929, Yokohama, Japan (2005)
Bauhaus, Dessau (2002)
Bonn Biennale, Bonn (2004)
City of Women Festival, Ljubljana (2004, 2005)
Dance Week Festival, Zagreb (2005)
Dance and Media Japan (2005-2008)
Deutsches Museum, München (2004, 2006)
Dock 11, Berlin (2005 - 2010)
Eks-Scena, Zagreb (2005-2007)
Franklin Furnace Foundation, New York (2006)
Gebäude 9, Köln (1999, 2000, 2001)
Goethe Institut (2005, 2006, 2007)
Hauptstadtkulturfonds, Berlin (2003 - 2006)
Hebbel am Ufer, Berlin (2006)
Internationales Festival Kastilien und Leon, Salamanca (2008, 2009)
Int. Tanzfest NRW, Essen (2008)
Japan Society, New York (2009)
Joe’s Pub, Public Theater, New York (1999)
Jüdisches Museum, Berlin (2003)
Junges Theater Bremen, Bremen (2004 - 2010)
Künstlerhaus Bethanien, Berlin (2004)
Künstlerhaus Lukas, Ahrenshoop (2006)
Kunstraum Syltquelle, Sylt (2005, 2006, 2007)
Museum für Kommunikation, Berlin (2004)
Museum für Gestaltung, Zürich (2005)
Medizinhistorisches Museum, Berlin (2005)
National Chiao Tung University Hsinchu, Taiwan (2007, 2009)
National University of Singapore, Singapur (2008)
NES Skagaströnd, Island (2009)
PACT Zollverein, Essen (2006, 2008)
Parsons Gallery, New York (2002)
Patravadi Theatre, Bangkok (2004)
Performance Studies International (1997,1999, 2001)
Radialsystem V, Berlin (2008)
Rohkunstbau, Gross Leuthen, Brandenburg (2003 - 2005)
Saison Foundation, Japan (2005)
Singapore Arts Festival, Singapur (2005)
SKZ, Belgrad (2004)
SoloDuo Festival, Berlin (2002)
Sophiensaele, Berlin (2004, 2005, 2010)
Staatsbank Berlin (2003)
Staatsoper, Stuttgart (2002)
Stromereien Festival, Zürich (2005, 2009)
Streetart Festival, Porec (2007, 2008)
Szamsie Space, Seoul (2000)
Tacheles, Berlin (1999, 2001, 2009)
Taipei Artist Village, Taipei (2007, 2008)
Tanz im August, Berlin (2004, 2006)
Tanznacht Berlin (2006, 2008)
Theater am Halleschen Ufer, Berlin (2002, 2003)
Theaterszene Europa, Köln (2008, 2010)
Tokyo Wonder Site, Tokyo (2007, 2009)
The Substation, Singapur (2001, 2007)
The Void, New York (1998, 1999, 2000)
Waseda Universittät, Tokyo (2008)
Yamaguchi Center for Arts and Media, Yamaguchi (2005)
post theater
ist eine interdisziplinäre Performance-Company ohne Ensemble und feste
Spielstätte. post theater geht projektweise Partnerschaften mit sonst eigenständig
agierenden Künstlern ein. Die künstlerische Leitung, Konzeption, Dramaturgie,
Medienkunst und Raumplanung verbleiben dagegen meist bei post theater.
post theater nutzt in der Regel dokumentarisches Ausgangsmaterial für seine
Arbeiten.
post theater wurde 1999 in New York gegründet. 2002 zog der künstlerische
Kern nach Deutschland.
post theater präsentierte 40 Performances und Installationen in mehr als 40
Städten in 20 Ländern (u. a. Bangkok, Belgrad, Berlin, Köln, Ljubljana, Milan,
München, New York, Salamanca, Singapur, Seoul, Taipei, Tokyo, Wien, Yokohama,
Zagreb, Zürich).
In Deutschland wurde post theater u. a. präsentiert von der Staatsoper Berlin,
von den Sophiensaelen und vom Radialsystem Berlin, in Köln von Theaterszene
Europa, vom Internationalen Tanzfest NRW, in Potsdam von Unidram, in
Stuttgart vom Filmwinter, von der Akademie Schloss Solitude, vom Württembergischen
Kunstverein, in München vom Deutschen Museum, in Frankfurt
vom Mousonturm und in Bremen von der Schwankhalle.
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Orfeo ed Euridice (2011, Schloss Solitude, Stuttgart), Foto: Frank Kleinbach
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