Connecting Media - Hochschule für Musik und Theater Hamburg

Connecting Media
Kongress-Reader
Hochschule für Musik und Theater Hamburg
Theaterakademie Hamburg
Friedensallee 9
22765 Hamburg

Vorwort
Das Jahr 2006 hätte für György Ligeti, der von 1973 bis 1989 als Professor an der Hamburger Hochschule
für Musik und Theater lehrte, ein Jahr der Genugtuung werden können. Endlich, mit dreißigjähriger
Verzögerung wurden zwei seiner Bedingungen, die er bei den Berufungsverhandlungen
äußerte, erfüllt: ein permanentes Ensemble für zeitgenössischer Musik wurde gegründet und die
ursprünglich für die Computermusik vorgesehenen Räumlichkeiten wurden dem neuen Masterstudiengang
Multimediale Komposition überlassen. Leider starb Ligeti im Juni dieses Jahres ohne noch
von den Veränderungen Kenntnis zu nehmen.
Über die sozio-psychologischen Gründe solcher Verzögerungen lässt sich nur spekulieren. Das mag
rein pragmatische Gründe wie Raumknappheit haben. Unbestrittene Tatsache jedoch ist, dass noch
heute den multimedialen Künsten (wie vor nicht zu langer Zeit der Neuen Musik) der Nimbus des
Experimentellen, Unfertigen anhaftet; der Underground, der mit seiner kurzen Geschichte kaum mit
der Erhabenheit klassischer Musik konkurrieren kann.
Multimedia macht auch Angst: Als Ausdruck der postindustriellen Gesellschaft führt sie uns unsere
Abhängigkeit von der Maschine vor Augen, die die Globalisierung der Künste mit dem drohenden
Verlust der kulturellen Identität, nicht zuletzt auch durch neue Formen kollaborativer Arbeit, nach
sich zieht.
Doch das Blatt scheint sich zu wenden. Auch in Deutschland wird zunehmend der Nutzen der Verbindung
aus Technologie und Kunst erkannt, deren gemeinsame Geschichte im Übrigen fest im 19.
Jahrhundert wurzelt. Allerorten sprießen interdisziplinäre Forschungsprojekte aus dem Boden, bei
denen nach dem Modell des Pariser IRCAM oder des MIT MediaLab in Boston nicht nur Grundlagenforschung
betrieben wird, sondern die Anwendung technologischer Prinzipien auf die Kunstproduktion
im Vordergrund steht.
Auch unser Kongress Connecting Media ist von dem Bedürfnis beseelt, die Vielseitigkeit der Multimedia
darzustellen. In vier Blöcken, die der Technologie, der Wahrnehmungsforschung, dem Kunstdiskurs
und der Vermittlung von Musik mit multimedialen Mitteln gewidmet sind, werden international
renommierte Redner und Rednerinnen über Ihre Arbeit berichten. Diese Blöcke werden von fünf
Abend- bzw. Nacht-Konzerten komplementiert, die ausreichend Anschauungsmaterial für die Theorie
tagsüber liefern. Daneben wird in fünf Workshops den Kongressteilnehmern die Gelegenheit gegeben,
praktische Erfahrungen (hands-on experience) im Umgang mit Multimedia zu sammeln.
Der Kongress ist für mich auch der Schnittpunkt der erfolgreichen Zusammenarbeit mit unterschiedlichen
Partnern. Zum ersten Male werden am Donnerstag Abend die Studiengänge Musiktheaterregie
und Multimediale Komposition der Hochschule für Musik und Theater Hamburg ein Gemeinschaftsprojekt
(„Voiceover“ mit der phänomenalen Sopranistin Julia Henning) präsentieren. Am Freitag Abend
erklingt dann die neue Komposition „Quintessence“ des European Bridges Ensemble im Kontext der
multimedialen Arbeiten von Diego Garro, Radical Low und Jasch – ein Ereignis, das von der deutschungarischen
Projektinitiative Bipolar gefördert wird. Außerdem wird Samstag Nachmittag das vom
E-Learning-Consortium Hamburg unterstützte internationale E-Learning-Projekt MUTOR unter Anwesenheit
der Projektpartner David Wessel und Richard Andrews aus Berkeley, sowie Anthony De
Ritis und Ann McDonald aus Boston neben weiteren erfolgreichen Projekten der Hochschule (MUGI,
Formenlehre, Webcast) der Öffentlichkeit vorgestellt werden.
David Wessel wird schließlich mit der fabelhaften Cellistin Frances Marie Uitti den Kongress beenden
- nach einem Konzert mit einem repräsentativen Querschnitt durch die Hamburger Elektronische
Szene.
Mein Dank gilt neben den Sponsoren (ELCH, BMBF, Bipolar, Hochschulstiftung) ganz besonders den
Personen, die unermüdlich zum Gelingen des Kongresses beigetragen haben: Claudia Witt, Frank
Böhme, Albrecht Faasch, Dirk Hermeyer, Moxi Beidenegl, Sergio Vasquez und vielen anderen, deren
Namen aus Platzgründen hier nicht aufgeführt werden können.
Prof. Dr. Georg Hajdu

Lectures

Richard Andrews
bSpace, MUTOR, and Beyond Lecture notes
Online Learning Projects at the UC Berkeley Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT)
This talk will present a number of very recent developments in the use of web-based learning tools
at CNMAT. Focusing on a Music Perception and Cognition course created by UC Berkeley professor
David Wessel, we‘ll examine some of the challenges and rewards of developing an online learning
experience that is both rigorous and effective.
Biographie
Richard Andrews has been Associate Director of the UC Berkeley Center for New Music and Audio
Technologies (CNMAT) since 1996. He manages a number of key CNMAT areas, such as development
and fundraising programs, project coordination for research/education initiatives, operations and
financial management, public relations, and liaison with industry, universities, international scholars
and institutions. A California native and UC Berkeley alumnus, Richard has worked as a communicati-
ons manager and graphic designer for a number of non-profit organizations and for-profit companies
in San Francisco, Marin, Monterey, and New York. He is also a musician and performs regularly as a
jazz drummer in the San Francisco bay area.

Benjamin Blankertz
The Berlin Brain-Computer Interface:
machine learning allows direct Brain-to-Computer Interaction
Since the 1970s some researcher and artists made experiments with neuro-feedback systems that
translated brain activity into some kind of visual, acoustic or tactile feedback. In the 80s the proof-
of-concept was given that such Brain-Computer Interfaces (BCIs) can serve as communication tools
for severely paralyzed patients. But during that time the operation of BCIs was fraught with several
difficulties, the most critical being that the system worked only for few people and that even those
had to practice the usage of the BCI system for a long time, typical several months. Nowadays data
analysis algorithms are much more powerful entailing a boost in BCI research. This talk will provide
an overview of current BCI research with a special focus on the work of the Berlin Brain-Computer
Interface project.
Biographie
Benjamin Blankertz received the Diploma degree in mathematics 1994 and the Ph.D. in mathemati-
cal logic in 1997, both from University of Münster, Germany. He conducted studies in computational
models for perception of music and computer-aided music analysis.
Since 2000 he is with the intelligent data analysis (IDA) group at Fraunhofer FIRST in Berlin working
in the Berlin Brain-Computer Interface (BBCI) project. His scientific interests are in the fields of ma-
chine learning, analysis of biomedical data, and psychoacoustics.

Herbert Bruhn
Musik hören, Musik erleben:
Es können Welten dazwischen liegen.
Von den Erscheinungsformen der Wirklichkeit.
Ein uraltes Problem wird hier erneut aufgeworfen: der psychophysische Dualismus. Leib und See-
le, Körper und Psyche - können Wahrnehmung und Empfindung eins sein? Wahr ist, dass uns die
physikalische Wirklichkeit nur indirekt zugänglich ist. Die Wahrnehmung führt zur Wirklichkeit. Das
macht uns der wortgetreue Sinn des eben gelesenen Satze deutlich: Die Beziehung zwischen der
physikalischen Außenwelt und der psychischen Innenwelt besteht aus einer Handlung: Wir nehmen
den Klang und erkennen ihn als wahr, denn er wird wirklich, entfaltet in uns Wirkung.
Die Wirkung entfaltet sich jedoch nicht nur, wenn wir akustische Wellen aufnehmen. Vorstellungs-
kraft, Erinnerung, Musikwissen und Hörerfahrungen sind an der Wahrnehmung von Wirklichkeit
beteiligt. Ein komplexes Netz von unterschiedlichen Wirklichkeiten entfaltet sich. Mit den Theorien
der Gestaltpsychologie von Ehrenfels über Wertheimer bis Metzger lässt sich der Begriff Wirklichkeit
anschaulich machen.
Eigentlich haben wir keine Probleme mit dem Dualismus: Leib und Seele – Körper und Psyche. Bei-
des ist notwendig – zum Beispiel um Musik wahrzunehmen. Gerade in der Wahrnehmung von Musik
wird deutlich, dass dem Menschen nichts, der Wissenschaft allerdings die Verbindung zwischen den
physiologisch-physikalischen Erscheinungen und der Psychologie fehlt: Wie entsteht ein Erleben aus
den akustischen Ereignissen. „The missing link“ der Humanwissenschaften: Ist die Neuropsychologie
in der Lage, die Verbindung herzustellen?

Biographie
Herbert Bruhn (1948, Hamburg), Professor für Musik an der Universität Flensburg, Dipl. Psych.; erstes
Studium Dirigieren und Klavier (Wilhelm Brückner-Rüggeberg, Hans Swarowsky und Sergiu Celibi-
dache), von 1972 bis 1985 in unterschiedlichen Positionen an westdeutschen Musiktheatern tätig
(Hamburg, München, Stuttgart, Bayreuther Festspiele, Kaiserslautern, Bielefeld und Bremerhaven;
Solorepetitor, Studienleiter, Kapellmeister mit eigenen Einstudierungen).
Wendepunkt des Lebens war die Begegnung mit dem rumänischen Dirigenten Sergiu Celibidache
(1912-1996) in Stuttgart. In den Proben, Dirigierkursen und Theorieseminaren vermittelte Celibidache
mit seiner Musikphänomenologie ein ungewöhnliches Theoriegebäude der Musik: Ziel der Musikphä-
nomenologie von Celibidache ist, die der Musik zugrunde liegende Struktur für den Hörer deutlich
zu machen und so das Erleben von Musik zu intensivieren.
Die intensive Beschäftigung mit Musikphänomenologie führte Herbert Bruhn zum Psychologiestu-
dium (München), das mit Diplom (1985) und Promotion abgeschlossen wurde (1988). Der weitere
berufliche Weg führte über eine Gastprofessur in Kassel (1985/86), die Mitarbeit in einem Projekt
zur Hochbegabung (1986/87) und die Position als Musikdirektor der Universität des Saarlandes zur
Professur in Kiel (ab 1989) bzw. Flensburg (2002). Schwerpunkt von Forschung und Lehre sind Wahr-
nehmungspsychologie und Musikpsychologie. Neben der Lehre ist Herbert Bruhn Vertrauensdozent
der Friedrich-Ebert-Stiftung und Vorsitzender der Deutschen Stiftung Musiktherapie.
Adresse:
Herbert Bruhn, Schmarjestrasse 6, D 22767 Hamburg, herbertbruhn(at)hamburg.de

Timo Fischinger
MUTOR: The Music Technology Online Repository
This talk will be about MUTOR, a Music Technology Online Repository for blended und distant
learning (see: www.mutor.org). MUTOR will be developed in close collaboration with the master‘s
program in multimedia composition (mmm) at the Hamburg Hochschule für Musik und Theater, the
Center for New Music and Audio Technologies (CNMAT) of the UC Berkeley Department of Music and
the Northeastern University Department of Music in Boston.
The MUTOR project is funded by the E-Learning-Consortium Hamburg (ELCH) and it is administrated
by the Multimedia Kontor Hamburg (MMKH) being part of the Hamburger Sonderprogramm E-Lear-
ning und Multimedia 2002-2006.
MUTOR steht für Online-Musiktechnologie-Repositorium und beinhaltet web-basierte E-Learning-Mo-
dule in englischer Sprache für blended und distant learning (mehr Infos unter: www.mutor.org). Das
Repositorium wird von der Hochschule für Musik und Theater in Zusammenarbeit mit dem Center
for New Music and Audio Technologies (CNMAT) der University of California Berkeley und dem Music
Department der Northeastern University in Boston entwickelt.
Ziel der zu entwickelnden Materialien ist 1. Vermittlung von Medienkompetenz und 2. Bereitstellung
von interaktivem Anschauungsmaterial für den Musiktechnologieunterricht an Musik- und Medien-
hochschulen sowie musikwissenschaftlichen Instituten. MUTOR stellt ein zentrales Online-Repository
dar, von dem E-Learning-Module in unterschiedlichen Formaten heruntergeladen werden können.
Biographie
Timo Fischinger, 1974 in Hamburg geboren, Studium der Musik auf Lehramt mit künstlerischem
Hauptfach Gitarre (Hochschule für Musik und Theater Hamburg und Universität für Musik und dar-
stellende Kunst Wien). Darüber hinaus Studium der Systematischen Musikwissenschaft (Universität
Hamburg) und Stipendium der „Academy of Finland“ für die Teilnahme an der „Pythagoras Summer
School in Cognitive Musicology“ (University of Jyväskylä).
Seit 2001 freier Mitarbeiter beim NDR (Producer, Musikrecherche und Redaktionsassistenz).
Zurzeit wissenschaftlicher Mitarbeiter für Systematische Musikwissenschaft (Universität Kassel) so-
wie Projektmanager für das E-Learning-Projekt „MUTOR“ www.mutor.org (Hochschule für Musik und
Theater Hamburg in Zusammenarbeit mit dem „Center for New Music and Audio Technologies“
(CNMAT) der University of California Berkeley und dem Music Department der Northeastern Univer-
sity in Boston).
Forschungsschwerpunkt: Kognitive Grundlagen der Produktion und Wahrnehmung von Rhythmus.

Golo Föllmer
Vernetzte Musikpraktiken aus Perspektiven der Forschung
Vernetzung ist heute ein gängiges Mittel von experimenteller Musik und Klangkunst, aber auch von
Musik aus dem Pop-Kontext. Die Formen dieser Praktiken sind äußerst vielfältig, und so bereitet
Netzmusik bei ihrer Erforschung methodische Probleme: die Frage, wie man sich einzelnen Praktiken
jeweils in angemessener Form nähert, da sie äußerst unter-schiedliche Kultur-, Musik- und Kunst-
begriffe vertreten. Daneben bereitet Netzmusik aber auch Probleme bei der Archivierung, und zwar
sowohl für wissenschaftliche Zwecke und als auch zur Dokumentation der Arbeiten für die Öffent-
lichkeit. Schließlich stellen sich Probleme bei der Systematisierung. Zum einen die kategoriale Frage,
ob es Netzmusik überhaupt gibt. Zum anderen die historische Frage, welche Kriterien erfüllt sein
müssen, damit ab einem bestimmten Zeitpunkt von einer konsistenten künstlerisch-musikalischen
Praxis gesprochen werden kann. Der Beitrag diskutiert diese Fragen auf der Grundlage aktueller
Beispiele.
Biographie
Geb. 1964, Ausbildung zum Klavierbauer, Studien der Musik- und Kommunikationswissenschaft (TU
Berlin) sowie Broadcast Communication Arts (San Francisco State Univ.). Radio- und Tonbandstücke
sowie Klanginstallationen und -objekte. Texte zu Klangkunst, zeitgenössischer Musik und akus-
tischen Medien. Mitwirkung bei der Gesamtüberarbeitung des Brockhaus-Riemann-Musiklexikons.
Kuratorische Mitarbeit u.a. bei sonambiente(AdK Berlin 1996), net_condition (ZKM Karlsruhe 1999),
Networkshop (Dresden/Berlin 2001), sonambiente (Berliner Festspiele, Berlin 2006) und RadioREVOL-
TEN (Radio Corax, Halle 2006). 2002 Promotion über Netzmusik am Institut für Musikwissenschaft
der Mar-tin-Luther-Universität Halle-Wittenberg. Zurzeit wissenschaftlicher Mitarbeiter am Halleschen
Institut für Medien- und Kommunikationswissenschaft.

Oliver Frei
Webcast – ein neues Medium zur Förderung des künstlerischen
Nachwuchses an der HfMT
Im Februar 2004 startete nach eineinhalbjähriger Vorbereitungszeit das vom ELCH-Konsortium geför-
derte und vom MMKH betreute Projekt Webcast. Es stellt den Studierenden und Lehrenden der HfMT
das Medium „Internet“ in einer für künstlerische und didaktische Bedürfnisse interessanten und
vielversprechenden Form bereit. Der Vortrag stellt das mittlerweile an der HfMT etablierte Medium,
seine Geschichte und Entwicklung am Haus sowie die Planungen für die Zukunft vor. Vorgestellt wird
„Webcast“ von Oliver Frei, der als Projektmanager und Produktionsleiter von Anfang an maßgeblich
an diesem Projekt beteiligt war.
Biographie
Oliver Frei, geb. 1969, studierte system. Musikwissenschaft, Ethnologie und Informatik an der Uni
Hamburg. Er war insbesondere in den 90ern des letzten Jhds. zudem als Musiker und Komponist
sowohl im Bereich Pop/Rock als auch experimenteller und Neuer Musik tätig und verlagerte später
seinen Schwerpunkt auf interaktive Installationen (Sensorik und Informatik). Seit November 2002
arbeitet(e) er an der HfMT als Projektmanager und/oder Softwareentwickler für fast alle eLearning-
Projekte des Hauses und baute die IT-Infrastruktur des künstlerisch-wissenschaftlichen Bereichs auf.
Seit Einführung des Multimediastudiengangs ist er als künstlerisch-wissenschaftlicher Mitarbeiter
tätig und lehrt Sensorik/Installation sowie die Programmierung in verschiedenen studiengangsnahen
Sprachen. Ausserhalb der HfMT ist er neben den Installationen auch als selbständiger Softwareent-
wickler tätig.

Diego Garro
Connected media and connected idioms.
The relationships between video and electroacoustic music from
a composer’s perspective.
The Electroacoustic community has treasured, and on some occasions pioneered, technological ad-
vances in electronic and digital media and tools. As the enabling technologies for creative work with
digital audio now reside on the same computers used for many video applications, composers have
the, relatively affordable, opportunity to ‘connect’ the two digital media in their creative endeavors.
Despite the facilitating role of software interfaces and the inheritance of past experiences in map-
ping musical gestures to the moving image, the inherent difficulty of an interconnected audio-visual
‘idiom’ become apparent and represents a stimulating, yet daunting, challenge for audiences as well
as composers of Electroacoustic music. These may seek to extend to the audiovisual domain the
powerful and distinctive traits of a form of art that originally based itself, historically, culturally and
aesthetically, on the primacy of the ear. The strategies adopted by this new breed of, sometimes self-
taught, audiovisual composers are at the same time informed by their experience of sound designers
and sound artists, but also throw the acousmatic paradigm into question.
Kontakt
Dr. Diego Garro
Keele University – Department of Music
Keele
Staffordshire ST5 5BG
United Kingdom
Tel. +44 (0)1782 583298
d.garro@mus.keele.ac.uk

Johannes Kretz
„Tools of thinking for interdisciplinary creative work in the 21st
cen-tury“
The end of the 20th century will probably turn out to have been a major turning point in the long
term development of intellectual history, (and therefore also art, which is always connected to an
époque‘s mentality.) The success story of enlightenment with all its economical, sociological and
also artistic implications cannot be neglected, but it was mainly gained at the cost of more and more
specialization, subdivision of spheres and a loss of the synoptic view.
At the beginning of the 21th century it becomes obvious, that this development cannot continue in
a linear fashion. One of the most important challenges for the current generation is the development
and distribution of new mental tools for dealing in a holistic way with complexity in the context of
a globalized, highly networked environment, and it seems that the insights of biologists in the me-
chanisms of nature leading to new theories like „Evolutionary Epistemology“ (Riedl, Popper, Lorenz)
and „Bio-Cybernetics“ (Vester) could serve as the highly needed starting point for a new school of
thinking.
It was not a coincidence, that dodecaphony appeared at the moment, when monarchy in Europe
collapsed. And it is not a coincidence, that interdisciplinary art forms get important in the moment,
where holistic and ecological thinking becomes a question of survival of mankind. Therefore the
author dares to sketch and illustrate with examples a possible thinking framework for music and
interdisciplinary performing arts in general, which is mainly based on the formalization of organic
interactive relating of parameters.
„Things derive their being and nature by mutual dependence and are nothing in them-selves.“ Na-
gajuna, second century Buddhist philosopher
„Nothing, in the development of this world, can be understood in isolated manner“ („Nichts, in der
Entwicklung dieser Welt, ist für sich allein zu verstehen.“) Rupert Riedl: Zufall, Chaos, Sinn, Wien-
Stuttgart 1999

Biographie
Born 1968 in Vienna. studies (composition, pedagogy) at the music academy Vienna with F.BURT and
M.JARRELL. Studies of mathematics at the University Vienna. 1992/93: studies at IRCAM, Paris with
M.STROPPA and B.FERNEYHOUGH, development of a software-environement („KLANGPILOT“) for
sound synthesis. 1994: co-founder/board member of the NewTonEnsemble (www.newtonensmble.
info) and iKultur (www.ikultur.com). 1994-2003: teacher for computer music at the international
Bartok Seminar in Szombathely (H). 1996-2001: teacher for music theory and composition at the
conservatory of Vienna. since 1997: teacher for for computer music at the academy in Vienna, since
2001 also music theory, since 2004 assistant for composition in the class of Michael Jarrell. nume-
rous performances in Austria, Germany, France, Poland, Hungary, Lithuania, Turkey, Argentinia and
South Korea. commissions of works from Konzerthaus Wien, Klangforum Wien, Ensemble On Line,
Ensemble exxj, Lemgoer Orgeltage, Haller Bachtage, Triton Trombone Quartett, Wiener Kammerchor
prizes: STIFTUNG CHRISTOPH DELZ (CH, 2002), Körner prize Austria 2004, composition prize of the
Austrian government 2004.
www.johanneskretz.com

Prof. Dr. Matthias Lehnhardt
Über das Ungefähre – Lernen als ästhetisches Ereignis
Lernen oder Vermitteln als rein kognitive Leistung, als Wissensaneignung zu betrachten, greift sehr
kurz. Die Unterstellung, es gäbe etwas Verstandenes im Studieren, dass zu vermitteln und zu lernen
sei, führt nicht weit. Dies aber ist Voraussetzung für die Abbildung auf Software, für „E-Learning“.
Für künstlerische Studiengänge lohnt deshalb der Blick in den Raum ästhetischer Theorien, das Rät-
selraten, Spielen oder das „Ungefähre“.
Biographie
Studium der Physik, Kunstgeschichte und Germanistik, Soziologie und neue deutsche Literaturwis-
senschaft, Visuelle Kommunikation und Kunst. Dr. phil, Diplom Kunst.
Arbeit für Rundfunk und Fernsehen, Buchautor. Seit 1993 Professor für »Experimentelle Medien« im
Lehr- und Forschungsbereich »Digitale Systeme, Netzwerke und Kommunikation« an der Hochschule
für bildende Künste Hamburg. 2005 dazu Gastprofessor für »Medienkunst« an der Universität für
Wissenschaft und Maschinenbau, Department of Arts, Wuhan/ China.
Bücher: Ammann/ Lehnhardt. Die Hacker sind unter uns. Heimliche Streifzüge durch die Datennetze.
Ammann/ Lehnhardt/ Glaser et.al. Das Chaos Computer Buch. Ammann/ Lehnhardt et.al. Hacker für
Moskau, Deutsche Computerspione im Dienst des KGB. Lehnhardt (Hrsg.): Gesänge über dem Ler-
chenfeld. Beiträge zur Datenkunst.
Filme: Propaganda als Waffe, der Agitator Willi Münzenberg (Ammann, Lehnhardt, Roscher et.al.).
Tatwaffe Computer (Lehnhardt/Ammann). Der KGB, der Computer und ich (Lehnhardt).
Projekte: Whirlpool of misunderstanding«/ Installation Chicago. »Baltic Interface Net«, künstlerische
Produktionsplattform im Internet. »_moving« für ArtGenda, interaktive Installation Hamburg. »Das
Rauschen der Apparate«, experimentelle Fernsehsendung NDR.
Marc Leman
Embodied music cognition – a new approach to mediation technologies
There are two important trends in modern science that will have a large impact on music research
and media research in general. The first trend concerns the shift from disembodied cognition to em-
bodied cognition. Embodied music cognition offers a framework for dealing with music, based on a

hypothesis about the relationship between musical experience (mind) and sound energy (matter).
In this mind/matter relationship, the human body is seen as a biologically designed mediator which
transfers physical energy to an ontology of action-oriented meanings, that is, to a mental level in
which experiences, values and intentions form the basic ingredients of music signification. Also the
reverse process is possible, namely, that the human body transfers an idea, or mental representati-
on, into a material or energetic form. This two-way mediation process is largely constrained by the
body, which is assumed to play a central role in all musical activities. The recent focus on multi-
modal processing using different types of sensing technologies offer a straightforward approach to
embodied music cognition. It is based on measurement of gestures and adaptation of technology to
action-oriented intelligence. Under certain conditions, the natural mediator (the human body) can be
extended with artificial mediators so that mental activity naturally extends to the new environment
that is covered by the artificial mediator.
The second trend is the shift embodied music cognition to social music cognition. A better under-
standing of the natural mediation between human mind and brain, through the human body, will
lead to a better understanding of social cognition, that is, how music has impact on groups of
people. Social music cognition brings in the interactions among listeners, among players, and bet-
ween players and listeners and opens up a new field of technological involvement that is related
to social computing. Music research, given the close relationship between perception and action,
and between the individual and the social, is at the cutting edge of new explorations in science and
technology with a number of applications in fields ranging from entertainment to music therapy, in-
teractive music systems and music information retrieval. This lecture will give a number of examples
of recent research results in the field of embodied and social music cognition.
Reference:
M. Leman (in press). Embodied Music Cognition and
Mediation Technology. Cambridge, MA: MIT Press.
Biographie
Marc Leman is professor in systematic musicology at Ghent University, Belgium(UGent). He is head
of the Dept. Art, Music, and Theater Sciences and director of IPEM. His research activities deal with
questions related to musical meaning formation, the effect of music on human cognition and emo-
tion, the description of musical content, and the understanding of gestures, musical imitation and
corporeal resonance. His research is fo-cused on finding regularities in human sensory, perceptive,
cognitive, synaesthetic/kinaesthetic, social and emotional/affective information processing, using
methods that bridge the gap between natural and cultural sciences.

Kirsten Reese
Postkartengeflüster. 2006
Interaktive Installation für Computer, Kopfhörer, Postkarten. Software: Max/Msp/Jitter.
Postkartengeflüster ist eine interaktive Installation. Die/der Benutzer/in bewegt eine Webcam über
ein Postkartenfoto und beeinflusst damit die über Kopfhörer gehörten Klänge. Zu jedem Foto gibt es
ein passendes Audiofile: eine Aufnahme des auf der Postkarte abgebildeten Ortes. Auf dem Compu-
terbildschirm wird die Postkarte vergrößert dargestellt. Wenn man die Kamera bewegt, werden die
Klänge nach der Farbintensität auf einer Linie in der Mitte des Bildes gefiltert. Die Benutzer können
so auditiv und visuell in einen Ort „hineinzoomen“. Postkartengeflüster wurde 2006 für eine Ausstel-
lung in der Cité des Arts in Paris unter Verwendung von Postkarten und Klängen aus der Umgebung
entwickelt. Die Hamburger Version beruht natürlich auf neu aufgenommenen Klängen und Postkar-
ten aus Hamburg.
Ästhetische und kreative Zugänge für die mediale Vermittlung künstlerischer Inhalte Künstlerische
Arbeiten und kunstbezogene Inhalte brauchen ästhetische und kreative Formen der Darstellung und
Vermittlung. Für diese These werden Beispiele anhand von ausgewählten multimedialen Präsentati-
onen gezeigt, die in den letzten Jahren für die Forschungsplattform „Musik und Gender im Internet“
(http://mugi.hfmt-hamburg.de) an der HfMT Hamburg entwickelt wurden. Grundprinzip dieser Sites
ist eine gestalterische und konzeptuelle Vielfalt (statt Standarisierung und Priorisierung von „Usa-
bility“).
Die spezifischen Möglichkeiten des Internet und interaktiver Medien wollen innovativ genutzt wer-
den: Multimedialität beinhaltet z.B., dass Materialien/Medien so aufeinander bezogen werden kön-
nen, dass sie sich gegenseitig in ihrer Wirkung verstärken. Dies ist besonders für die Darstellung von
Kunstwerken wichtig und sinnvoll, die selbst intermedial sind und auditive, visuelle und räumlichen
Aspekte vereinen. Eine Analyse von Material und Kompositionsprozess sowie übergreifender tech-
nischer und künstlerischer Prinzipien kann durch nicht-textliche Darstellungsformen und interaktive
Module ergänzt werden, die explorativ nachvollzogen werden können. Durch nicht-lineare Navigation
sind mehrdimensionale Darstellungen möglich, etwa bei der Präsentation von Klanginstallationen,
deren Klangmaterial nicht hierarchisiert ist und in verschiedenen Schichten überlagert wird. Die ge-
stalterischen Bedingungen des Mediums führen zu einer Verdichtung und Konzentration der Inhalte
durch die zwangsläufige Beschränkung auf kurze Texte, kleinformatige Bilder und kurze Audio- und
Videoeinspielungen. Aussagen bekommen so exemplarischen Charakter. Viele Inhalte, Texte, Medien
und Icons auf einer Bildschirmseite verweisen auf andere Inhalte auf Seiten „dahinter“, so entsteht
eine permanente Verweisstruktur, die für Kontextualisierung steht. Mit den Materialien, den Dar-
stellungsformen und dem Medium Internet selbst sind auratische Effekte verbunden (z.B. durch die

Überwindung von Raum und Zeit). Dies und die vielfältigen Arten der „Lesbarkeit“ des Mediums auf
emotionalen, kognitiven und explorativen Ebenen ermöglicht ästhetische Erfahrung. Mit den mul-
timedialen Präsentationen finden Inszenierungen statt, z.B. durch Dynamisierung und die zeitliche
Strukturierung von aufeinander bezogenen medialen Darstellungen. Der Sinn der Verwendung künst-
lerischer Strategien in der Konzeption und Gestaltung multimedialer Sites liegt darin, ästhetische
Erfahrung mit „Erkenntnis“ und der Vermittlung von Wissen zu verbinden.
Biographie
Kirsten Reese studierte Flöte und elektronische Musik in Berlin (Hochschule der Künste, Technische
Universität) und 1992-93 in New York. Als Flötistin trat sie mit Kammerensembles und als Solistin
auf und initiierte Uraufführungen von Auftragswerken. Als Autorin schrieb sie Radiosendungen und
Features (WDR, DeutschlandRadio) und publizierte in Fachzeitschriften und Lexika. Kirsten Reese
komponiert elektroakustische Werke sowie Kompositionen für Instrumente und Elektronik, Klangins-
tallationen, radiophone Hörstücke, interaktive Netzaudiokunst usw. Sie erhielt zahlreiche Stipendien
(zuletzt Cité des Arts 05/06). Seit 2001 ist Kirsten Reese Mit-Kuratorin des Festivals Klangwerkstatt
in Berlin. Seit 2002 forscht und lehrt sie an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg zu den
Themen zeitgenössische Musik, Gender, Internet/Neue Medien. Seit 2005 unterrichtet sie als Lehr-
beauftragte an der Universität der Künste Berlin in den Bereichen intermediale Komposition und
Landschaftsklangkunst.
www.kirstenreese.de

Anthony de Ritis & Ann McDonald
Northeastern/BSO Online Conservatory: From Idea to iTunes
…one of he most compelling examples of communicating the brand and values of an institution
anywhere on the Web. By using motion, sound, and highly sophisticated (but beautifully simple)
interactive teaching tools, the BSO’s Online Conservatory does more to sell the value of a big-city
symphony than any brochure, sell sheet, or TV spot ever could.
-- The ClickZ Network, www.clickz.com
In February 2003 the Boston Symphony Orchestra (BSO) Online Conservatory educational initiative
was first released to the public, an interactive multimedia addition to the BSO website developed
by Northeastern University professors Anthony De Ritis and Ann McDonald. It offers browsers an
opportunity to explore some of the dimensions of BSO performances, view documentaries on the
lives and works of the composers, and learn about the musical concepts exemplified by each piece
of music.
The Online Conservatory has had numerous citations for its award-winning flash-based design, in-
structional design, and information technology, including in The New York Times, The Boston Globe,
Symphony and Newsweek magazines and The Chronicle of Higher Education. Forrester Research
cited the Online Conservatory as an international “best-practice” in web-based marketing. In April
2006, the BSO repurposed the Online Conservatory’s web-based documentaries as video and audio
podcasts for iTunes. By June 2006, Gramophone magazine stated that the BSO had already received
more than 100,000 downloads. Northeastern University professors Anthony De Ritis and Ann McDo-
nald will demonstrate the Online Conservatory, discuss its origin and history, and answer questions
about the creative process.

Biographie
Anthony Paul De Ritis, MM, MBA, PhD Music technologist and composer Anthony Paul De Ritis is
Chair of the Music Department and Director of Digital Media Programs at Northeastern University.
His music has been called “cutting-edge,” and “really cool”; he is perhaps best known for his work
Devolution, a Concerto for DJ and Symphony Orchestra featuring Paul D. Miller aka DJ Spooky That
Subliminal Kid. He completed his Ph.D. in Music Composition at the University of California, Berke-
ley, and his High Tech MBA from Northeastern. He is the founder and lead developer of the Online
Conservatory collaboration between Northeastern University and the Boston Symphony Orchestra.
www.deritis.com.
Ann McDonald, MFA Ann McDonald is an Associate Academic Specialist in Graphic Design and Multi-
media Studies. Her research focuses on creating and studying educational interactive projects that
can best be achieved through interdisciplinary collaboration. Her clients include exhibit and interac-
tive design work for The Boston Symphony Orchestra, The New England Aquarium, and The National
Health Sciences Consortium. She studied at the Institute of Design, earned a BFA from the University
of Washington and a MFA in graphic design from Yale University. Her design interests continue to
stem from a desire to inhabit an information space.

Sabine Schäfer
Raumklang-Mikroskopie und Raumklangkunst –
Die Arbeiten des Künstlerduos „sabine schäfer // joachim krebs“
Die Künstlerin stellt die ästhetischen Grundlagen des Künstlerduos „sabine schäfer // joachim krebs“
vor. Die beiden Künstler haben besondere Konzepte zur Raumklangdarstellung (TopoPhonien, Sabi-
ne Schäfer) und der von Joachim Krebs entwickelter Raumklang-Mikroskopierung natürlicher Klänge
und Geräusche entworfen.
Ein zentrales Thema des Künstlerduos ist die Schaffung von adäquaten Hörsituationen, die den
speziellen Anforderungen ihrer Raumklangkompositionen gerecht werden. Hierfür haben die Künstler
unterschiedliche Strategien der Rezeption kreiert, die sowohl musik-immanente Medien einbeziehen,
wie z.B. spezielle Tonwiedergabesysteme, als auch die visuelle Gestaltung berücksichtigen in Form
von speziellen, computergesteuerten LED-Lichtinszenierungen, aber auch landschaftsarchitektoni-
sche Konzepte entstanden für Raumklanginstallationen in der offenen Landschaft. Ein aktuell-viru-
lentes Thema im Bereich der neuen Rezeptionsformen für Musik und Klangkunst ist die Ausstellung
von Klang (allgemeiner: von zeitbasierter Kunst) im musealen Kontext. Die elektroakustische Musik
ist dafür geradezu prädestiniert sich in den Museen, wo normalerweise nur die (visuelle) bildende
Kunst präsent ist, ihren eigenen, angemessenen „Rezeptionsraum“ zu schaffen. Lösungen und Mo-
delle müssen von den Künstlern entwickelt werden, um für die akustische Medienkunst adäquate
Rezeptionsmöglichkeiten aufzuzeigen.
Das Künstlerduo hat mit seiner jüngsten Arbeit, die sie für das Kunstmuseum Stuttgart im Rahmen
der Weltmusiktage im Juli 2006 realisierten, ein Modell für solch einen Hörraum präsentiert. Parado-
xerweise ist gerade die Arbeit auf multimedialer Ebene erforderlich, um spezifische Rezeptionsfor-
men, die vor allem auf das Hören fokussiert sind, für die Raumklangkunst zu entwickeln. Im Rahmen
des Vortrags werden die verschiedenen Konzepte für unterschiedliche Kontextualisierungen, insbe-
sondere anhand künstlerischer Arbeiten, die 2005 und 2006 entstanden sind, aufgezeigt.

Biographie
Sabine Schäfer, freischaffende Komponistin und Medienkünstlerin, lebt und arbeitet in Karlsruhe (D).
Klavier- und Kompositionsstudium an der Staatlichen Hochschule für Musik Karlsruhe (Komposition
bei Mathias Spahlinger und Wolfgang Rihm). 1982-91 Interdisziplinäre Projekte, Performance - Kuns-
künstlerische Arbeit als Composer-Performer.
Seit 1989 Dozentin an der Staatlichen Hochschule für Musik Karlsruhe. 1989-92 künstlerische Ent-
wicklung des Raumklangkunst-Projekts „TopoPhonien“ (ausgezeichnet 1993 mit dem Siemens-Me-
dienkunstpreis) sowie technische Entwicklung eines eigenen, 24-kanaligen Raumklang-Steuerungs-
systems (Systemdesign: Sukandar Kartadinata).
Seit 1992 Realisation von Raumklanginstallationen, und multimedialen Rauminszenierungen. Seit
1993 Vorträge und Veröffentlichungen über das Projekt „TopoPhonien“ (www.topophonien.de), seit
2000 hinzukommend über die Werke des Künstlerduos „sabine schäfer // joachim krebs“.
Seit 1994 radiophone Klangkunst. Seit 1998 Produktionen, internationale Aufführungen/Ausstellun-
gen und Sendungen des Künstlerpaares „sabine schäfer // joachim krebs“ auf dem Gebiet der Raum-
klangkunst und der radiophonen Klangkunst; Raumklangkompositionen für RaumklangObjekte und
umgehbare, begehbare und konzertante Raumklang-Körper.
www.sabineschaeferjoachimkrebs.de

Norbert Schnell
Connecting Media – Presentation abstract and biographical notes
About Composed Instruments and Virtual Scores: Research and Music Production at IRCAM. Having
grown up in Hamburg were I made my first steps in music and theater, were I got to know the early
versions of today state-of-the-art music production software and were I also had the chance to listen
to some of György Ligeti’s seminars at the HfMT, I am delighted to participate at Connecting Media
with a talk about my work today, my team and my working environment at IRCAM in Paris. Starting
from a brief introduction of IRCAM and its departments, this talk will give a summary of the para-
digms and technology developed over the past years at IRCAM in the field of interactive real-time
systems. A particular focus is given on recent developments and collaborations of the Real-Time
Musical Interactions team in audio and gesture recognition as well as interactive audio processing
including sound examples. The talk will insist on the relationships and influences of these projects
in the context of IRCAM’s music production (« création »), international research projects, and indus-
try collaborations. Norbert Schnell Head of the Real-Time Musical Interactions team at IRCAM
Biographie
Norbert Schnell is born in Hamburg where early he gets engaged in music composition and arran-
gement for theatre. He moves to Graz/Austria to study Telecommunications and Music. He becomes
studio assistant at the Institut für Elektronische Musik (IEM) and collaborated with the MusikLabor
Wien getting involved in contemporary music projects as adviser and developer. 1995 he obtains his
diploma as Toningenieur of the Technische Universität and the Universität für Musik und Darstellen-
de Kunst Graz and enters the Real Time Systems team at IRCAM as researcher and developer. Since
2002 he is coordinating the Real-Time Applications team at IRCAM that recently changed its name
to Real-Time Musical Interactions. He and his team are involved in scientific and artistic projects in
the domain of computer music focusing on real-time performer-computer interaction and interactive
audio applications. This research includes multiple aspects such as score-following, sensor techno-
logy and gesture analysis/recognition, real-time sound analysis, information retrieval, and synthesis,
interfaces and networks. Besides the engagement in artistic productions, his team participates in
international research projects (music technology and education) and collaborates with industry
partners from different fields (music, interfaces, automobile) on specific developments. In June 2006
he chaired the 6th Interna-tional Conference on New Interfaces for Musical Expression, NIME 06, at
IRCAM.

Oliver Schneller
«Acoustic Models and Composed Structures»
Knowledge in psychoacoustics and acoustics can be useful and inspiring in the process of composi-
tion and the more these topics gain a foothold in conferences and universities the more interesting
paths seems to emerge. In my talk I will focus on several examples of „applied psychoacoustics“ in
the categories of acoustic models and spatial polyphony both of which deal with uses of psychoa-
coustic criteria in composed musical structures. I will cite a few passages from the works of various
composers and then focus on examples from my own work.
Biographie
Der 1966 in Köln geborene Komponist und Klangkünstler Oliver Martin Schneller studierte Musikwis-
senschaft an der Universität Bonn und Komposition am New England Conservatory in Boston und an
der New Yorker Columbia University, wo er 2002 als Promotionsstipendiat seinen Doktor mit einer
Arbeit über Musik und Architektur abschloss und anschließend Computermusik und Psychoakustik
unterrichtete.
Beim Tanglewood Festival of Contemporary Music 1999 wurde seine Komposition für gro-ßes Orches-
ter in drei Raumgruppen «Tightrope Dancer» zur Uraufführung gebracht. Beim Agora Festival 2002 in
Paris, bei der «International Computer Music Conference» (ICMC) 2003 in Singapur und beim Alterna-
tiva Festival 2002 in Moskau wurde sein Werk «Five Imaginary Spaces» für Klavier und live-Elektronik
aufgeführt. Es folgten Aufträge von Maerzmusik/Berliner Festspiele für Ictus, des Nouvel Ensemble
modern aus Montréal (2002), des Pariser Ircam/Centre Pompidou, des Ars nova Festival des SWR,
sowie von Radio France für neue Werke, die sich mit dem Verhältnis von Instrumentalklängen und
architektonischem Raum befassen. Für seine Arbeit erhielt Schneller zahlreiche Preise und Auszeich-
nungen, darunter den Fromm Foundation Award (Harvard University), zwei ASCAP Preise, den Boris
Rapoport Kompositionspreis, den Robert-Starer-Award der City University of New York, ein Benja-
min-Britten-Memorial Fellowship, eine Residency im Maison Heinrich-Heine, Paris sowie zweimalig
den amerikanischen Musikförderungspreis „Meet The Composer“. Von 2002-2004 war Schneller am
Ircam/Centre Pompidou als «compositeur en recherche» tätig im Rahmen eines Projektes zur Erfor-
schung der Schallrichtungscharakteristika musikalischer Instrumente. 2003 erhielt Schneller einen
Forschungsauftrag des Hauses der Kulturen der Welt in Berlin zum Thema „Raumkonzepte in ausse-
reuropäischer Musik“. Seit 2003 unterrichtet er ein Seminar über „Raumakustik und Psychoakustik
für Komponisten“ an der Universität der Künste in Berlin. 2004 leitete er am Institut für Neue Musik
der Hochschule Hanns Eisler und der UdK einen Workshop für Komponisten über Lautsprecherpro-
jektion in unterschiedlichen Räumen.
2006-07 lebt Schneller als Stipendiat der Deutschen Akademie Villa Massimo in Rom.

Zack Settel
Immersive Music
In the world of electronic arts, the concept of immersion has often been associated with the kinds
of audiovisual (but particularly visual) experiences that are nowadays frequently encountered in
computer gaming and virtual reality applications. At the base of this concept is the ability to render
the audiovisual encounter for the perspective of a specific individual, thereby strengthening that
individual‘s impression of „being there“, i.e. being surrounded or immersed in the content. In audio
and certainly in music however, there have been comparatively few advances made in this direction.
Surround Sound technology marks the current level of the immersive audio experience. Unlike cur-
rent image rendering technology (e.g. OpenGL), its potential for rendering sound in space is quite
limited, allowing for only a general notion of sound source directionality or incidence.
Music in space has long captivated the imagination of composers of various epochs. From Ives to
Stockhausen, ideas concerning the experience of music in space, and composition strategies have
reflected thinking on the subject. With the ability to model and simulate the experience of sound
in space come many fascinating possibilities. Some of these possibilities can allow us to experiment
on a very fundamental level, where rules concerning our perception of sound can be modified (e.g.
„narrow focus hearing“).
This talk will present (1) an immersive audio environment called Soundscape, which has been deve-
loped during the past two years at the Centre for Intelligent Machines at McGill University; and (2)
the arrival of Immersive music, as explored and developed during this time by the composer.

Biographie
Zack Settel Oct. 2006 1 Zack Settel was born in 1957 and raised in the New York area. He received a
BFA in Music Composition from the California Institute of the Arts (CalArts), where he studied compo-
sition with Leonard Stein, Morton Subotnick, Mel Powell, and Morton Feldman. Keenly interested in
the use of technology in music production/performance, Settel moved to Paris in 1986, with a Fulb-
right Scholarship for computer music research and composition at the Institute for Research and the
Coordination of Acoustics and Music (IRCAM), headed by Pierre Boulez. After a two-year composing
residency there, Settel remained at IRCAM until 1995, working full-time in the music production and
music research groups. In 1997 Settel returned to North America, where he was a professor at McGill
University in Canada for two years, chairing the Music Technology area, and teaching courses and
graduate seminars in computer music. He was a visiting professor of composition at the University
of Montreal (UDM) in 2001-02.
In addition to composing full time, Settel now is an associate professor in music composition at
the UDM. He is also in (arts/science) collaboration with the Center for Intelligent Machines at McGill,
working on immersive audio/music. Since 2003, Settel has directed the immersive audio research
group at the Societé des Arts Technologiques (La SAT) in Montreal.
Some of Settel‘s music includes the use of advanced live interactive electro-acoustic systems. He
has composed chamber works, studio works, as well as music for film, video, television, theater,
dance, and opera. His music is published by Editions Ambrioso (Paris), recorded on the CENTAUR,
ICMA, MIT Press, and Empreints Digitales labels, and is performed regularly in North/South America
and in Europe and Asia.
Settel has composed music for Television and Film, and has worked with various performing en-
sembles including the Ensemble Intercontemporain (Paris), Le Nouvel Ensemble Moderne (Montréal),
Zeitgeist (Minneapolis), the California Ear Unit (Los Angeles), and Chants Libres (Montréal).

Manfred Stahnke
Kunst und Wissenschaft – Reflexionen auf György Ligeti
Ligeti suchte Kunst als etwas der Wissenschaft Vergleichbares, wenn auch nicht als etwas Ähnliches
oder gar Gleiches. Er hatte das penible Forschen Bartóks von innen kennen gelernt, hatte dessen
Wachsrollen unter den Fingern gehabt (und sie durch zu viel Abspielen teils verdorben, sagte er). Er
hatte das Innenleben von Klängen zunächst im Elektronischen Studio in Köln (ab 1957) und dann
viel später (ab 1972) in Stanford bei John Chowning erforscht. Er kannte die großen Kunstbetrachter
wie Ernst Gombrich in- und auswendig, oder jene Musikwissenschaftler wie Ursula Günther oder
Gerhard Kubick, die sich mit der ars subtilior des späten Mittelalters oder mit afrikanischer Musik
auf höchstem Niveau befasst hatten.
Ehrliche, fragende Forschung war Ligeti das Liebste. Sein höchstes Ziel scheint komplexe Polyphonie
gewesen zu sein. „Komplexität“ wird bei Ligeti immer „Wahrnehmbares“ meinen. Nie ging es ihm
um Komplexität, die nur in der Analyse am Schreibtisch wieder aufscheinen würde. Bach war für ihn
nicht komplex wegen seiner Strukturfindung im Papierraum, sondern er war komplex wegen des Auf-
scheinens extremer Vieldeutigkeit im Hörraum. Sicherlich war Ligeti der stets Suchende. Endgültige
Lösungen mochte er absolut nicht. Ligeti stand dafür, „Theorien“ als nur lokal gültig anzusehen, jede
kompositorische „Lösung“ als zeitlich begrenzt aufzufassen und stets auf Tauglichkeit abzuklopfen.
Er sah die Tragik des Musikschreibens: Haben wir ein Hörding gebaut, wird es als Konzept schnell
alt: Atmosphères ist zwar immer wieder neu interpretierbar, aber nicht neu komponierbar. Genauso
ging das Horntrio nur einmal.
Die Klavieretüden dagegen sind ein Gesamtkonzept, wie ein Gefäß, in dem die Zeit still steht und wo
für Ligeti vielleicht nicht der Fraß des Altwerdens existierte. Eine Rettung, die der späte Ligeti fand.
Seine merkwürdigen beiden letzten Etüden müssen wir bedenken, wenn wir Ligeti verstehen wollen:
Diese Kanons im immer enger werdenden Abstand. Die nächste Etüde wäre nach dieser Logik ein
Null-Abstand eines Kanons geworden: Die Aufhebung des Kanons. Die Auslöschung. Denken wir an
die letzten Bilder Paul Klees, wo der weiße, fahle Engel erscheint. Mit seinem Kreuz - „Kreuz“ für
Auslöschung und vieles andere stehend...

Biographie
Manfred Stahnke, 1951 in Kiel geboren, studierte ab 1966 in Lübeck, Freiburg, Hamburg und in den
USA Komposition und Musikwissenschaft. Er legte das Examen in „Musiktheorie und Komposition“
1973 in Freiburg ab. 1979 promovierte er in Hamburg bei Constantin Floros über Pierre Boulez. Frü-
hes Interesse für Malerei, Stimmungssysteme und Improvisation (Klavier). Hauptlehrer waren Wolf-
gang Fortner, Klaus Huber, Ben Johnston und vor allem György Ligeti in Komposition sowie Hans-
Heinrich Eggebrecht, Peter Petersen, Constantin Floros, Elmar Budde in Musikwissenschaft. Seit 1989
Professor für Komposition und Musiktheorie an der Musikhochschule Hamburg. 1992 Mitbegründer
des Ensembles Chaosma. Buchherausgeber „Musik - nicht ohne Worte“ (Dozenten der Hochschule),
„Mikrotöne und mehr“ (über die Ligetiklasse in Hamburg), „Den Ton finden“ (Sammlung eigener
Schriften). Als Komponist tätig im Musikbeirat des Goethe-Instituts München. Seit 1999 Mitglied der
Freien Akademie der Künste Hamburg. Werke: 3 Streichquartette / 3 Kammeropern, u.a. „Orpheus
Kristall“ Münchener Biennale 2002 / 3 Orchesterwerke, u.a. „traces des sorciers“ (Spur der Zauberer)
SWR 1997 / 2 Konzerte: „Saxophone Symphony“ 2003 / „Violinkonzert“ 2006 / diverse Kammermu-
siken.
Vollständige Werkliste unter: www.manfred-stahnke.de

Annette Stöber
„Profcast – Podcast für die Bildung“
Vom Vorlesungsmitschnitt über Sprachkurse bis zum Uni-Magazin – das deutschsprachige Angebot
an Hochschul-Podcasts ist noch überschaubar, birgt aber große Potentiale. Podcasting ist Radiohö-
ren für die iPod-Generation und nimmt auch im Hochschulbereich an Bedeutung zu. Der Vortrag gibt
einen Einblick in die deutschsprachige Podcasting Landschaft sowie in das Angebot US-amerikani-
scher Hochschulen. Neben der Produktions-technik wird kurz die Podcast-Plattform der Hamburger
Hochschulen www.podcampus.de vorgestellt.
Biographie
Anette Stöber ist für das Multimedia Kontor Hamburg als Projektleiterin im „Multimedia Produktions-
und Usability-Labor“ tätig. Zuvor entwickelte sie als Projektleiterin am Institut für Interaktive Medien
in Zusammenarbeit mit der Henri-Nannen-Journalistenschule eine Ausbildung zum/r Online-Redak-
teur/in für das Hamburger Verlagshaus Gruner+Jahr. Während und nach ihrem Studium der Kommuni-
kationswissenschaft und Bildenden Kunst war Anette Stöber fünf Jahre als Autorin und Realisatorin
beim Norddeutschen Rundfunk, Hörfunk und Fernsehen tätig.
Andrea Szigetvári
Real-time timbre solfège theasurus – developing skills to memorise,
recognize and identify the qualities of musical timbre –
The real-time timbre solfége theasurus is one of the practical results of a research exploring the
form bearing capacity of timbral dimensions and the possibility of practical implications of separated
timbre dimensions in education, music theory and composition.
One of the main goals of the research was to make contribution to the development of new music
theory reacting to the fast evolving new musical methods and languages with a particular conside-
ration for music operating with parameters of musical sonorities.
According to Stephen McAdams memory may be represented as a kind of storage that is itself a

model of the evolving physical world. The storage is structured in relevant ways with respect to
what is important in the world. In the field of classical music these are the primary qualites (like
pitch and rhythm) to which the greatest importance had been assigned. Present music education
does not support the development of systematic categories and representations for perception of
musical timbre and unconsciously influential music transmitted by the everyday media deals also
almost exclusively with primary parameters. With the spread of the electronic media in music skills
for categorization and proper representation of sonorities seems to become important, if not indis-
pensable for appreciation of certain kinds of music.
Our research was based on David Wessel‘s timbral dimensions which were extended to synthesized
and processed sonorities. Stephen McAdams concerns about the form bearing capacity of timbre
dimensions had been taken into consideration. From the results of psychoacoustic investigations a
conclusion had been formalized stating that timbre possesses a form-bearing capacity, but its be-
haviour substantially differs from the behaviour of the primary parameters which change over one
dimension. According to our results timbre is able to determine a musical form in such cases, when
it changes over sufficent amount of dimensions, and its complex parameter-changes create clear
subjective percepts.
To explore the behavior of the dimensions of the timbre the notion of reduced timbre space has
been introduced. A reduced timbre space is a matrix including limited number of timbre dimensions,
which make it possible to control the partials of sonorities and their limited combinations separate-
ly. In the form of real-time sound synthesis and processing programs (written in MAX/MSP) certain
timbre dimensions were modelled and different reduced timbre spaces were originated.
A timbre solfège thesaurus has been composed containing timbre matrices (limited timbre spaces)
based on standard sound synthesis and processing techniques (like additive synthesis, subtractive
synthesis, FM synthesis, granular synthesis). Beyond default timbres the user can create further ex-
amples, since the matrices are convenient for putting together a large number of logically ordered
sonorities.
Depending on the educational needs different interfaces were created for different target groups. The
interfaces differ in the method of representation (graphical, descriptive, parametric) of the individual
timbre dimensions.

Michael von Troschke
Vorstellung eines multimedialen Formenlehreprogramms
Das Programm stellt die wichtigsten Formen der abendländischen Musik paradigmatisch vor. Noten,
Musik, Texte und analytische Grafiken werden miteinander vernetzt und im Übungsteil interaktiv
angeboten. Das Programm beinhaltet einen Schulungsteil, der mit paradigmatischen Beispielen die
Erarbeitung verschiedener Inhalte im Selbststudium ermöglicht und einen interaktiven Aufgabenteil,
der eine eigenständige Arbeit ermöglicht, da alle sonst nur mühsam zu beschaffenden Arbeitsmate-
rialien zur Verfügung gestellt werden.
Biographie
Dr. Michael von Troschke, geb. 1952, Studium Schulmusik, Komposition/Theorie und Musikwissen-
schaft in Freiburg i. Brsg.. Lehraufträge an den Musikhochschulen in Freiburg, Trossingen und Karls-
ruhe, seit 1989 Professor für Komposition/Theorie an der HfMT Hamburg.
Prof. Dr. Stefan Weinzierl
Virtual Electronic Poem. Rekonstruktion von Medienkunst durch
immersive Technologien
Deutsch:
Das Poème éléctronique war eine der ersten großen multimedialen Installationen, die von der
Fa. Philips für die Brüsseler Weltausstellung im Jahr 1958 in Auftrag gegeben wurde. Dieser nach
Entwürfen von Le Corbusier, Edgard Varèse und Iannis Xenakis realisierte Meilenstein der Medien-
kunst wurde im Rahmen des europäischen Forschungsprojekts Virtual Electronic Poem (VEP) auf
der Grundlage von Computermodellen und VR-Technologien akustisch und visuell rekonstruiert. Aus
der Gegenüberstellung von Original und Simulation werden einige Thesen über das Verhältnis von
Medientechnologie und Medienkunst abgeleitet.

English:
Poème électronique was a milestone of media history originating from a request of the Philips com-
pany to the architect Le Corbusier to design the company’s pavilion at the Brussels World Fair of
1958.
This multimedia installation was reconstructed within the European research project Virtual Electro-
nic Poem (VEP) by means of visual and auditory VR technology. By confronting original and simula-
tion some reflections on the relation of media art and media technology are presented.
Biographie
Deutsch:
Stefan Weinzierl studierte Physik mit Schwerpunkt Akustik und Tonmeister an der Universität Er-
langen, der Universität der Künste und der Technischen Universität Berlin. Bei Helga de la Motte-
Haber promovierte er mit einer Arbeit über die Raumakustik von Beethovens Konzertsälen auf der
Grundlage von Computermodellen. Seit 2004 leitet er an der TU Berlin das Fachgebiet Kommunika-
tionswissenschaft mit Schwerpunkt Audiokommunikation und den zum Wintersemester 2006/07 neu
eingerichteten Masterstudiengang „Medienkommunikation und -technologie“.
English:
Stefan Weinzierl studied physics with a focus on acoustics and tonmeister at the University of Er-
langen, the University of the arts, and the Technical University Berlin. For his PhD he worked on the
acoustics of Beethoven‘s concert halls on the basis of computer models. Since 2004 he has been
director of the institute for communication research and audio communication as well as the new
master studies „media communication and technology“ at the TU Berlin, starting in 2006/07.

David Wessel
Enaction in Computer Music Performance
Experimental computer music performance practices designed from an enactive view of musical
perception, cognition, and motor control are described. The enactive view emphasizes the role of
sensory-motor engagement in musical experience. The enabling elements required for the approach
include, rich and precise gestural interfaces, connectivity devices, real-time gesture analysis and
mapping software, richly controlled sound synthesis and processing, and the composition of musi-
cal worlds in the form of generative algorithms worthy of extensive exploration. These practices in
human instrument symbiosis require a commitment on the part of musicians to develop both refined
motor skills and engagement in the development and refinement of real-time software.
Biographie
David Wessel began performing professionally as jazz drummer in high school. He studied a mixture
of mathematics and experimental psychology and holds a PhD in mathematical psychology from
Stanford. During his university years he was aligned with the jazz avant-garde and began working in
the electronic medium. His research in music perception and cognition led to a position at IRCAM in
Paris where he worked with a number of composers including Berio, Boulez, and Stockhausen. His
computer music research at IRCAM was oriented towards live performance and from the early 80‘s
onward he insisted on the use of personal computers and the development of a live performance
computer music practice. David Wessel joined the music faculty at the University of California Ber-
keley in 1988 and is co-director with Edmund Campion of the the Center for New Music and Audio
Technologies (CNMAT).

Concerts

Voiceover
Ein Projekt des Studienganges Multimediale Komposition und der
Theaterakademie Hamburg
Termin: Donnerstag, 02.11.2006
Beginn 18:00
Ort: MTR/STR Bühne
Voiceover ist ein musikalischen-szenisches Projekt, dass in Zusammenarbeit mit dem Masterstudien-
gang „Multimediale Komposition“ und Regiestudierenden der Theaterakademie Hamburg entstand.
Ausgehend von der Aufgabenstellung, Kompositionen für Stimme und Live-Elektronik zu schreiben,
die eine szenische Realisation erfahren sollten, arbeiteten jeweils vier Kompositions- und Regiestu-
dierende gemeinsam an ca. zehnminütigen Werken die im Rahmen des Kongresses „Connecting Me-
dia“ ihre Uraufführung erleben. Die Sängerin Julia Henning, die für dieses Projekt gewonnen werden
konnte, unterstützte den Arbeitsprozess, indem sie Möglichkeiten und Grenzen der Anforderungen
an die Gesangsstimme aufzeigte. Themenfindung, der Umgang mit Text und die zeitgleiche Entwick-
lung von Komposition und szenischem Konzept ohne vorgegebenes „Thema“ waren die Herausfor-
derungen, mit denen die Studierenden gearbeitet haben. Die Sängerin und ihre Stimme treffen auf
die technischen Möglichkeiten im Jahre 2006: Voiceover!
Ergänzend zu den Uraufführungen werden szenische Fassungen von Luciano Berios „Sequentia III für
Frauenstimme“ (1965) und Zack Settles „Hok Pwah“ (?) präsentiert.
Ein besonderes Dankeschön möchten wir, die Theaterakademie, der Masterstdiengang und nicht zu-
letzt alle beteiligten Studierenden Frau Julia Henning aussprechen. Ein solches Projekt benötigt auch
immer professionelle Unterstützung. Mit ihrem Können, Ihren Hinweisen und ihrer künstlerischen
Umsetzung hat sie für alle die Arbeit für alle zu einem inspirierenden Prozess werden lassen.

Eine Nacht
Ein multi-mediales Stück von Donghee Nam
Regie : Karl Wokalek
Nach einer Operation lag ich lange ans Bett gefesselt, unfähig irgendetwas zu tun. In dieser Zeit ließ
ich den Fernseher aus Langeweile ununterbrochen laufen. Aber wenn ich jetzt daran denke, geschah
es aus Einsamkeit. Alles: Stimmen, Lärm, Geräusche, sogar die dummen Talkshows wurden plötzlich
Teil meines Lebens.
Der Fernseher lief. Tag und Nacht lag ich im Bett, eigentlich nichts mehr sehend. Ein Blick ohne
Focus. Es war ein sonniger Tag. Das Sonnenlicht reflektierte mich als Teil der Umgebung auf dem
Bildschirm. Ich sah mich im Fernseher, wie eine Leiche! Solche Momente erlebte ich immer wieder,
bis ich meinen Fernseher wegwarf. Der Schreck aus der Totenstarre.
Falschgeld
Komposition: Ivana Ognjanovic
Regie: David Gierten
Falschgeld ist ein Stück für Stimme und live-Elektronik. Inspiriert vom Kabarett der 30er Jahre Berlin
haben die Komponistin Ivana Ognjanovic und der Regisseur David Gierten eine musikalisch szeni-
sche Sequenz erarbeitet, in der sich die Spuren ihrer thematischen Auseinandersetzung in Bilder,
Wörter und Klänge verdichten. Wichtige Anhaltspunkte sind Konzepte von Ideologie, Wiederholung
und Dekonstruktion. Die simplen, klaren Bilder der Bühne öffnen den Raum, in dem die Stimme von
Julia Henning historisches Material, so-wie sich selbst, immer wieder kommentiert.
Hok Pwah
Komposition: Zack Settle
Regie: Maria Popara
Sein und Schein stehen im Mittelpunkt der szenischen Interpretation von Zack Settles „Hok Pwah“.
Wenn man alles hat, ist man glücklich? Und wenn dieses Gefühl vorbei ist, was bleibt noch? Hier
fragt sich niemand was Alles ist und was Glück sein könnte, sondern sucht Momente der ständigen
Veränderung, inneres Spiel von Rollen, Vorbildern und Wünschen. Zack Settel‘s Musik für Stimme
und Elektronik ist einerseits stark inspiriert von Luciano Berios Vokalkomposition Sequenza und an-
derseits Vorläufer seiner einstündigen elektronischen Oper „L‘enfant des Glaces“ aus dem Jahr 2000.
Die Musik der Zukunft hat (schon) begonnen.

Perfect Soul – Programm sucht noch Mitarbeiter
Komposition: Moxi Beidenegl
Regie: Elisabeth Ramm
Vorraussetzungen:
• Du bist hoch motiviert Dich und Dein Produkt
souverän zu verkaufen
• Du bist redegewandt, extrovertiert und 100%
stress-resistent
• Du kannst auf neue Situationen jederzeit
flexibel und kompetent reagieren
• Dann nimm die Chance wahr!
• Komm ins Team und beginn deine Perfect
Soul zu verkaufen!
DUNKELHEIT (in einem Licht)
ALASKA.ERWACHEN
Eine szenische Installation Musik: Martin von Frantzius
Nebenwirkungen:
• Tremor, Krämpfe, Alopezie, Euphorie, Suizid-
gedanken/-versuch, Impotenz, Orgasmusstörung
• Symptome nach Absetzen:
Übelkeit, Erbrechen, Durchfall, Appetitlosig-
keit, Verlust d. Kurzzeitgedächtnis, Halluzination
/ Delirium, Myalgie, Palpitationen, Tachykardie,
Panikattacken, übersteigerte Reflexe.
Libretto und Regie: Matthias Engelmann, frei nach dem Drama „Eine Art Alaska“ von Herold Pinter
und Oliver Sack´s Roman „Awakenings“
ALASKA.ERWACHEN
Eine szenische Installation Musik: Martin von Frantzius Libretto: Matthias Engelmann, frei nach dem
Drama „Eine Art Alaska“ von Herold Pinter und Oliver Sack´s Roman „Awakenings“.
Zwischen 1916 und 1927 grassierte weltweit eine Epidemie der so genannten europäischen Schlaf-
krankheit Encephalitis lethargica, die neben fast 5 Millionen Toten unzählige schwer geschädigte
Menschen hinterließ. Der Neuropsychologe Oliver Sacks stieß 1966 in New York auf Überlebende
dieser Epidemie, die völlig apathisch, in einer geheimnisvollen Starre gefangen, vor sich hin vege-
tierten. Zu dieser Zeit begann man ein neues Medikament einzusetzen: Dopamin, ein Neurotransmit-
ter, mit dessen Hilfe die Gehirnzellen untereinander wieder kommunizieren können. In Oliver Sacks
1973 erschienenem Buch „Awakenings – Zeit des Erwachens“ , das auch die Grundlage für Herold
Pinters Kurzdrama „Eine Art Alaska“ lieferte, schildert der Arzt seine Behandlung postencephali-
tischer Patienten mit dem Medikament Dopamin: die Wirkung war überwältigend – jahrzehntelang
„erstarrte“ Menschen erwachten plötzlich wieder zum Leben.

Die Musik von Martin von Frantzius setzt sich ausschließlich aus Stimmaufnahmen der Sängerin Ju-
lia Henning zusammen. Durch verwobene Felder aus Stimmgeräuschen, sowie quasi-harmonischen
Klangflächen und Gesangspassagen, die mal vertraut, dann wieder sehr fremd erscheinen, entsteht
ein schwebender, bodenloser Klangraum, der den Zustand der Protagonistin wiederspiegelt. Sie
kann weder zwischen ihrer Vergangenheit und dem erbarmungslosen Jetzt unterscheiden, noch kann
sie ihre Umgebung sinnvoll einordnen.
Julia Hennings Stimme wurde dafür zu virtuellen Instrumenten umgearbeitet, die komplexe mikroto-
nale Akkorde realisierbar machen. So führt z.B. der Aufschrei kurz nach dem Beginn des Stücks in
eine Akkordfläche, die aus dem Schrei selbst gewonnen wurde.
Aus Sprachlauten entstehen rhythmische Strukturen bis hin zu synthetischen Worten, die wie Fieber-
fantasien anmuten. Gesang, Geräusch und Sprache sind hier gleichberechtigt.
sequenza III für Frauenstimme
Komposition: Luciano Berio
Regie: Alexander Fahima
Die menschliche stimme ist immer mit einem übermaß an beiklängen behaftet. vom zudringlichsten
lärm bis zum erlesensten gesang - stets bedeutet die stimme etwas, sie verweist von sich auf anderes
und stellt ein weites feld von assoziationen her. in SEQUENZA III wollte ich mit musikalischen mitteln
viele erscheinungsformen der alltäglichen stimmenwelt einbinden, auch triviale, ohne deshalb aller-
dings auf einige vermittelnde werte oder das richtige und eigentliche singen zu verzichten. um ein
derart breit gefächertes ensemble stimmlicher verhaltensweisen kontrollieren zu können, musste ich
den text zerlegen und scheinbar zerstören, um die daraus gewonnenen fragmente auf verschiedenen
ausdrucksebenenzu neuen einheiten zu binden, die jetzt nicht mehr die form der auseinanderset-
zung haben, sondern musikalischer natur sind. es war also nötig, den text homogen und verfügbar
zu machen für ein vorhaben, das im wesentlichen darauf hinauslief, das übermaß an beiklängen
auszutreiben und die fragmente zur musikalischen einheit zusammenzufügen. in SEQUENZA III liegt
der nachdruck auf der klangsymbolik der stimmgesten, auf den begleitenden „bedeutungsschatten“,
auf den von ihnen ausgelösten assoziationen und konflikten. darum ist SEQUENZA III auch als ein
essay über musikdramaturgie zu verstehen, dessen verlauf in gewissem sinne von der beziehung
zwischen dem interpreten und seiner stimme getragen ist.

Julia Henning
Julia Henning, gebürtige Hamburgerin, studierte an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg
bei Prof. Sabine Kirchner Lied und Oratorium und war Mitglied der Opernklasse von Prof. Helmut
Franz.
Sie erhielt Stipendien der Studienstiftung des Deutschen Volkes und der Alfred Töpfer Stiftung und
absolvierte ihr Studium mit Auszeichnung.
1998 gewann sie den 1. Sonderpreis für die „Beste Interpretation Neuer Musik“ beim Düsseldorfer
Altstadtherbst.
Sie nahm an Meisterkursen bei Mirella Freni, Brigitte Fassbaender, Galina Vishnevskaja, Sena Jurinac,
Hartmut Höll, George Crumb und Mira Zakai teil.
Ihre Partien reichen u.a. von Mozarts „Vitellia“ (Titus), der „Micaela“ (Carmen), der „Czardasfürstin“
von Kalman bishin zu Poulencs „Voix Humaine“.
Ihr besonderer Einsatz für zeitgenössische Werke führte neben Gastverpflichtungen beim „Klangfo-
rum Wien“, demnächst beim Ensemble intercontemporain, der EXPO 2000, Münchener Biennale und
Manfred Stahnkes Ensemble „Chaosma“, mit dem sie eine ausgedehnte Amerika-Tournee bestritt,
auch zu persönlicher Zusammenarbeit mit den Komponisten György Kurtág, Luciano Berio, Judith
Weir, Ulrich Leyendecker, Mayako Kubo und vielen anderen .
Julia Henning widmet sich neben ihrer Operntätigkeit intensiv dem Oratorien- und Liedbereich.
Neben Konzertverpflichtungen im deutschsprachigen Raum, u.a. auch beim Schleswig-Holstein-Mu-
sikfestival, trat Julia Henning in Nord- und Südamerika, Großbritannien,Skandinavien, Russland und
Japan auf. Mit dem NDR, dem SWF, Deutschland Radio, dem MDR, 3SAT, Radio Danmark und Radio
Mexico entstanden Rundfunk- bzw. Fernseh-Produktionen.
Mit Julia Henning in der Titelpartie erschien eine CD-Einspielung der Oper “Das Spielwerk und die
Prinzessin“. (Bestenliste des Deutschen Schallplattenpreises , 4. Quartal 2003.) Darüber hinaus
spielte sie eine Solo-CD mit Liedern von Brahms, Turina u.a. ein.

Diego Garro
Radical Low
Termin: Freitag, 03.11.2006
Beginn 20:00
Ort: MTR/STR Bühne

POINTES PRÉCAIRES
for computer-generated audio-video media
Composed in 2003
Sound and visuals by Diego Garro. Reciting and whispering voice by Dominique
Belkadi.
Programme Notes: A story of serendipity and instability; the peaceful sound of gentle waves lapping
on the lakeside; the terror of a single droplet riding the crest before crushing on the cliff. A story
where quasi natural shapes float in precarious equilibrium and move back and forth between their
sonic and their visual dimensions. A story told by invisible narrators. A faint chant in the twilight. A
tremor that never leaves you completely.
Premiered at VAD Festival Internacional De Video I Arts Digitals, Girona, Spain, 13-15 November
2003
RADICAL LOW is a dance and multimedia ensemble formed in Spring 2001 by Kurt Ralske and Chan-
tal Yzermans. Radical Low has performed at Joyce Theater Soho, Merce Cunningham Studio, at Re-
cyclart Centre (Bruxelles, Belgium), the 92nd St. Y, Judson Hall, and Galapagos Art Space.
RADICAL LOW is exploring the intersection of dance and technology by using custom software cre-
ated by the artists. New avenues are opened for the relationship between dance and sound and
image. Some techniques the artists have used are: video capture, real-time video processing, image
analysis, sensors, and networked audio-video control systems Kurt Ralske is a Manhattan-based
video artist and composer. His work is exclusively created with his own custom software, written in
C, Java, and Max/MSP, and involves the expressive improvisation of both sound and image, simulta-
neously and in real-time. Kurt has performed at museums, galleries, and theaters throughout Euro-
pe, Canada, and the US, including the Los Angeles Museum of Contemporary Art and the Montreal
Museum of Contemporary Art. The New York Times has praised his “compelling, ingenious alliance
of sound and motion” and his “technological wizardry”. In February 2003, Kurt received received
the Image Award at Transmediale International Media Art Festival in Berlin, for for his work on the
DVD “Live in Bruxelles” by real-time video improvisation ensemble 242.pilots. Kurt works mainly as
a performer: as a soloist, with other video artists, with live dancers, or with live musicians. He has
created interactive video installations, software art, and video-derived still images. He is the author
of Auvi, a commercially released software environment for creating custom real-time video programs.
(http://auv-i.de)
Chantal Yzermans [dancer/choreographer] was born in Ostend, Belgium, currently residing in NY.
Chantal worked in Europe as a freelance choreographer in collaboration with Belgian composer Star-
fish Pool. Together they toured throughout Europe and Canada with “Ritual for the Dying.” Yzermans

was invited to work for the Belgian National Television, German National Television and Festival
van Vlaanderen for which she choreographed a contemporary opera “Turm aus Zimst” by German
composer Hans Rotman and Belgian film director Jaak Servaes. As a choreographer in residence, she
worked at the Keizer Karel Hogeschool in Antwerp, Belgium, where she created “11 Windmills and
One Dandelion,” presented at venues throughout France, the Netherlands, Germany and Spain. She
received an award “The Vondelpreis (reisestipendium)” from the arts granting organization Alfred
Toepfer Stifftung (Hamburg, Germany) for Choreography in 1998. In NYC, her work has been perfor-
med at venues such as Judson Church, presented by Movement Research; 92nd Street Y; the Merce
Cunningham Studio; and Joyce Theatre Soho.
Pointes Précaires was awarded first prize at Bourges 31st International Festival of Electronic Music
and Sonic Art (2004) in the 3rd category, works for multimedia. This work is recorded in the Video
DVD anthology accompanying Volume 29, Issue 4 of the Computer Music Journal, MIT Press, 2005.
Selected subsequent screenings:
X Festival International de Música Electroacústica “Primavera en La Habana
2004”, Cuba, 15-21 March 2004.
SoundCircus, Sonic Arts Network Conference, Leicester (U.K.), 12 June 2004.
Musica Viva 2004 Festival, Lisbon (Portugal), 11 September 2004
Logos Foundation Concert Series at the Logos Tetrahedron, Ghent (Belgium), 23
September 2004
Computer Art Festival, Padova (Italy), 19 November 2004
‘Confluencias VI’ festival of art and technology, Huelva (Spain), 4 May 2005
International Festival of Electronic and Computer Music ‘Acousmania’, 4th
edition, Bucarest (Romania), 5 May 2005
‘Sonoimagenes’ Festival Acusmatico y Multimedial, Buenos Aires (Argentina), 26
August 2005
Legacies in Technologies III Concert Series, Conservatoire Recital Hall,
Birmingham (U.K.), 14 October 2005.

Jasch
European Bridges Ensemble
Termin: Freitag, 03.11.2006
Beginn 21:30
Ort: MTR/STR Bühne

Codespace
„Codespace“ vereinigt Realtime-Bilder und Animationen mit elektronischen Klängen, welche einen
abstrakten Ort evozieren, wo organische und kristalline Formen fliessen und pulsieren. Generati-
ve, regelorientierte Prozesse oder Algorithmen und Realtime-Aktionen des Künstlers werden auf
Grundformen übertragen, die in Verbindung mit fein abgestimmten Farben eine grosse Palette von
Texturen und Formen umfassen.
Der leere, dunkle Raum wird von abstrakten und sich schnell bewegenden Formen belebt. Architek-
tonische Strukturen entwickeln sich im Laufe der Zeit. Das Stück entwickelt sich aus einer dunklen
und minimalistischen Atmosphäre; abstrakte Formen verdichten sich wie ein digitales Gemälde,
welches vor den Augen des Zuschauers entsteht. Erinnerungen an die Bilder schichten sich auf, sie
entwickeln sich wie ein Gemälde oder eine Radierung. Durch Reduktion und Konzentration der Ele-
mente bündelt sich der Blick auf das Wesentliche, Spannung wird aufgebaut und macht eine rätsel-
hafte, unsichtbare verschlüsselte Welt sichtbar. Form und Farbe, choreographische Bewegungen und
Unterwasserströme, das Spiel mit Licht und Oberfläche werden erkundet und erforscht.
Jasch bearbeitet sein Bildmaterial nach denselben Kriterien, die er auf die Musik anwendet: Schich-
ten und Texturen, sich über einen Zeitraum entwickelnde Strukturen und kurze Impulse bilden
diesen abstrakten, visuellen Fluss. Die Komposition des Stücks wird stark beeinflusst durch das Zu-
sammenspiel eigenständiger Prozesse, Algorithmen und den Gesten des Performers. Kein Element ist
vollständig vorbereitet oder vorproduziert. Die so entstehenden Bilder sind überraschend, sinnlich,
unberechenbar.
Biographie
Kontrabassist, Komponist und digitaler Künstler. Aktiv in der elektronischen und improvisierten
Musik, performance- und Installationskunst, jazz und zeitgenössischer Musik. Stücke für Kammeren-
semble, Theater und Filmprojekte. Schwerpunkt auf A rbeiten, die digitale Bilder und Klänge, abstrak-
te Graphik und digitales Video vereinigen. Solo- und Kollaborationsprojekte in elektro-akustischer
Musik und mixed-media Formen für die Bühne und in Installationen. Einladungen als Gastkünstler
und Tutor an diversen kulturellen und akademischen Institutionen. Installationen, Performances und
Konzerte in Galerien, Clubs und Festivals in Europa, Nordamerika, Australien und Japan.
www.jasch.ch

Bridges
Bridges is a collaborative composition composed by Kai Niggemann, Marlon Schumacher, Johannes
Kretz, Andrea Szigetvári and Ivana Ognjanovic. Bridges was composed exclusively on the Internet
with no physical contact between the composers whatsoever, and premiered simultanously on June
17, 2005 at the Elektronische Nacht of the Stuttgart Hochschule für Musik und Darstellende Kunst as
well as the Lange Nacht of the Gesellschaft für Neue Musik Münster.
Participating composer Kai Niggemann writes:
“Bridges” is a ten-minute Quintet.net piece consisting of five parts, each written by one of the ori-
ginal perfomers. Every part has it’s own sounddesign, as well as matching video images.
The composition was laid out in a score for five players. Due to the nature of the quintet.net tech-
nology (using the Internet, you can never tell when exactly a note will arrive at all five players),
the score leaves space for a lot of interpretation: Time bracket instructions like “play the following
between 1:20 min and 1:50 min” are very common.
“I think, it is extremely important to leave a lot of space in the composition for interpretation. If the
performers don’t have much freedom, it would be better to create a tape piece together. It would be
more perfect and less risky. The connecting of people through internet only makes sense, when the
interaction between those performers has a wide field of possibilities for spontaneous performing.”
says Johannes Kretz about the special qualities of composing for quintet.net.
Each composer based their part on some very personal accounts. Inspired by their environment,
history of the country or city, or a philosophical idea, they all used very different approaches on
the subject of bridges: Bridges are described in more than one way: as buildings, metaphors, stra-
tegically important places, and eventually as the concept behind linking five musicians through the
means of quintet.net and the Internet. Ivana Ognjanovic for example was inspired by the destruction
of several Danube-bridges in Novi Sad in 1999 that obstructed travel across and even on the river for
years after, whereas Marlon Schumacher describes his composition like this: “I imagine the bridge
as not leading from one side to the other, but instead in a state of transfiguration, taking a plunge
into the opposite element, that which is underneath the bridge”
In fact, in the first stages of “Bridges”, the piece itself was the only link between some of the mem-
bers of the ensemble until 2006. During the entire phase of composition, rehearsal and even several
public performances, the ensemble relied solely on the Internet for communication.
Kai Niggemann who was sound designer for quintet.net “Mind.Trip” in 1999, now composed for
Quintet.net for the first time: “Composition and sound design are even more important for quintet.
net than for other forms of ensembles. In a typical listening environment, the audience will only ever
see one player, but should be able to identify the notes coming from the different players online.
Sometimes a surround system with five speakers is workable, but the right sound design truely
supports a transparent performance.

Quintessence
“quintessence - a quintet.net networked performance” is based on the five elements that make
up the world according to the alchemists: fire, water, earth, air and the mythical substance aether.
Aristotle included it as a fifth element distinct from the other four. It is believed to be the substance
which filled the region of the universe above the terrestrial sphere and forms the heavenly bodies.
Aether was also called Quintessence (from quinta essentia, “fifth element”). In physics quintessence
describes a form of dark matter. The symbol for quintessence is the snake that bites its own tail
(called Ouroboros). It is seen as the highest form of essence, the innermost core of a substance. All
five elements have very specific characteristics, movements, symbols and mystical meanings asso-
ciated to them. The audio as well as the video parts of Quintessence were inspired by these as well
as various processes and their phases in alchemy. The four elements and quintessence have very
distinct qualities. Water is liquid, strives downward (relative), it can bring floods, tsunamis or mael-
stroms. Fire burns, strives upward (absolute), is a deadly force in something like forest fires or man-
made disasters such as 9/11 and (atomic) bombs. Earth strives downward. It’s cold and dry. From it
volcanoes erupt and earthquakes rock it. It holds a special place because alchemists believe it to be
the “prima materia”, which spawned everything else through a process of “original-insemination”.
The air strives up in relation to the other elements. It can bring all sorts of storms, can be very hot
(desert, draught) or cold (ice-age). All these four elements move in linear motions. Quintessence is
a greater force. It can bring armageddon (metaphysical or in the shape of a large meterorite that
strikes earth). Contrary to the others, it moves in circles. The Music In Quintessence we build upon
the mentioned characteristics of the elements. Every element is represented by one player, with the
video acting as an additional comment-track to the music, containing all five elements. In a Jungian
sense quintessence explores the subconsious projections that the elements and the disasters that
happen in them invoke and how humans in the society take action and responsibility - or neglect
to take it.
European Bridges Ensemble
The European Bridges Ensemble (EBE) was established in 2005 for Internet and network perfor-
mance. Its current members include Kai Niggemann (Münster), Marlon Schumacher (Stuttgart), Jo-
hannes Kretz (Vienna), Andrea Szigetvári (Budapest), Ivana Ognjanavic (Hamburg/Belgrade), Georg
Hajdu (Hamburg), and Stewart Collins (Lincoln, England), performing with Hajdu’s interactive net-
work performance environment Quintet.net.
More information at www.quintet.net

Hamburger Szene
Termin: Samstag, 04.11.2006
Beginn 20:00
Ort: MTR/STR Bühne

Ignacio Mendez
Pressure Points
is a piece for a MIDI Guitar controller in which the tuning of the strings makes possible a set of sine
waves to produce beatings and difference tones. The guitar is connected via MIDI to a computer
running MAX/MSP programmed to tune each string separately with a microtonal scale. In this way
combinations of up to 6 unrelated frequencies are then possible, and with the use of the Hold func-
tion activated with a switch, one can maintain the notes sounding as long as needed. A Pitch Wheel
is also activated with the controller’s pitchbend arm, lowering and elevating pitches up to 20 Khz.
With this we obtain a wide range of beatings and frequency combina-tions.
Biographie
Ignacio Mendez studierte Komposition an der CEAMC (Centro de Altos Estudios en Musica Con-
tempornea) in Buenos Aires. Geboren in Madrid, wohnt er seit 2001 in Hamburg, wo er das Kontakt-
studiengang Neue Kompositionstechniken an der HfMT abgeschlossen hat.
Ehemaliges Mitglied des Ensembles Nelly Boyd (Hamburg), das eigenen Stücke realisiert und als
Ensemble-In-Research seine musikalischen Einflüsse durch Komponisten der europäischen wie ame-
rikanischen Avantgarde erforscht.
Mitglied von dem Ensemble KTKT (mit dem neulich in dem Festival Blurred Edges hat), Crashing
Planes (Improvisation Trio), Spalt (Rock) und das Ensemble Lüneburg.
Malte Steiner
Elektronengehirn: Audiovisuelles Konzert für Datenhandschuh
Das audiovisuelle Konzert beinhaltet eine Komposition aus synthetischen Klängen und verfremdeten
Feldaufnahmen. Daran gekoppelt entstehen 3D-Grafiken womit Steiner die Idee des Gesamtkunst-
werkes verfolgt.
Die visuelle Ausgabe soll nicht als ‚Eyecandy‘ neben der Musik stehen sondern entsteht genauso
wie die Computerklänge in jenem Moment in Echtzeit und vergeht genauso schnell. Zur Steuerung
der komplexen Vorgängen kommt ein Datenhandschuh zum Einsatz, mit dem eine sensible Eingabe
möglich ist. Neben der Beugung der Finger wird auch die Position und Drehung im Raum mittels
einer eigenen Software ausgewertet. Dabei wird die Grafik erzeugt und die Daten weiter an die freie
OpenSource Software Pure Data weitergereicht, die für die Klangerzeugung zuständig ist. Das ganze
Konzert läuft auf dem freien Betriebssystem Linux. Mit dem Datenhandschuh werden mehrere Vor-
gänge zur gleichen Zeit gesteuert und der Musiker wird zum Dirigenten von Bild und Ton.

Biographie
geboren 1970 in Deutschland, wohnhaft in Hamburg. Seit den frühen 80ern visuelle Künste und
elektronische Musik. 1983 erste Ausstellung in der Galerie Schnecke in Hamburg, 1986 Weiterbildung
durch einen Kurs über elektroakustische Musik bei H.W. Erdmann in Lüneburg, erste Konzerte in
Deutschland, Belgien und Frankreich, 1995 erste CD Veröffentlichung. Er gründete 1991 mit weiteren
Musikern die Hörbar in Hamburg, die bis heute Raum für experimentelle Musik bietet und weit über
Hamburg hinaus bekannt ist.
1992 bis 1997 Ausbildung technischer Assistent Informatik an der PTL Wedel, da Multimediastudien-
gänge damals noch nicht angeboten wurden. Ab 1998 wieder verstärkt im Kunstsektor tätig, diesmal
mit Installationen und Software. Ausstellungen in Hamburg, Rantzau, Kiel und Kassel, später auch in
Berlin, Kopenhagen, Malmö, Bergen und in Chi-ang Mai, Thailand. Diverse Netzkunstprojekte die u.a.
im Germanfeature auf Javamuseum.org und Computer Space Festival 2003 in Sofia gezeigt wurden,
darunter auch eine Arbeit für Internet und Mobiltelefone.
Ab 1996 diverse Auftritte mit elektroakustischer Musik, z.B. in England, Schweden, Thailand, USA
und Kuba, die unter den Projektnamen ‚Elektronengehirn‘ gestaltet werden.
Neben der künstlerischen Tätigkeit hält Steiner auch Vorträge über Klangforschung, Multimedia und
Programmierung auf Symposien und in Universitäten, z.B. im „Bergen Zentrum für Elektronische
Kunst“ (BEK) in Norwegen und „Vivid“ in Birmingham, UK, Vorträge an der „Northern Illinois Univer-
sity“ in deren „Computer Music Studios“, Dekalb in USA, in der „Hochschule für Musik und Theater“
Hamburg und „University of Leeds“ UK.
Helmut Erdmann
„Hommage à Telemann“ (1981), für Flöten und Live Elektronik.
Biographie
1947 in Emden geboren. Studium in Braunschweig (Orchesterdiplom) und Hamburg (Flöte bei K.
Zöller, Komposition bei D. de la Motte, Elektronische Musik bei W. Krützfeldt). 1971 Musiklehrerprü-
fung. Seit 1971 Lehrtätigkeit an der Musikschule Lüneburg (Flöte, Leiter des Ensembles Neue Musik
Lüneburg); seit 1974 Lehrbeauftragter an der Universität Lüneburg, seit 1985 an der Universität
Göttingen. Seit 1992 Professor für Komposition/Live-Elektronik an der Hochschule für Musik und
Theater Hamburg. Seit 1976 Dozent, Referent und Kursleiter auf überregionalen und internationalen
Tagungen und Kongressen. Seit 1971 rege solistische Tätigkeit, vor allem mit dem 1971 gegründeten
Varius-Ensemble (Hamburg) Seit 1980 außerdem Mitglied des Ensemble Musica Viva (Bayreuth) und
seit 1991 Mitglied des Michael Sell Ensembles (Frankfurt). Anreger neuer Kompositionen für Flöte
solo und Kammermusik mit Flöte.

Seit 1975 Künstlerischer Leiter der Veranstaltungsreihe Neue Musik in Lüneburg, seit 1977 außerdem
Leiter des Fortbildungszentrums für Neue Musik Lüneburg.
Zahlreiche Auszeichnungen, u. a. Stipendiat der Deutschen Akademie Villa Massimo (Rom), der Cité
Internationale des Arts (Paris), der Stanford University California, (USA), 1980 Niedersächsisches Nach-
wuchsstipendium, 1983 Verleihung des Bach-Preis-Stipendiums der Stadt Hamburg; 1985 Stipendiat
der Casa Baldi (Olevano/Rom) und der Cité Internationale des Arts (Paris) - zweiter Paris-Aufenthalt,
1988 und 1989 Gast im Atelierhaus Worpswede; 1990 Niedersächsisches Künstlerstipendium und
1991 Kulturpreis des Landkreises Lüneburg; 1996/97 Jahresstipendium des Landes Niedersachsen.
Seit 1998 Präsident der Europäischen Konferenz der Veranstalter Neuer Musik. Die kompositorischen
Arbeiten (ca. 150 Werke) umfassen alle Gattungen, einschließlich elektronischer und live-elektro-
nischer Werke, Konzerte und Rundfunkproduktionen mit eigenen Werken in der Bundesrepublik
Deutschland, in Europa, Japan und in den USA.
Jennifer Hymer
Musik für Toy Piano
Werke von:
Manfred Stahnke
Partota 11: Sentimental Journey für Toy Piano (2006)
Satzbezeichnungen:
Amseln in Farmsen, Pedale (kommt immer wieder), Ring 2, African Community, Frohbotschaftskirche,
S-Bahn-Brücke, Polizeiwache Weidestraße, Café in Winterhude, Musikhochschule
Diese sentimentale Reise ist ein akustisches Bild meiner Fahrradtour zum Dienst in der Musik-
hochschule. Ich steige unter Amselgesang aufs Rad in Farmsen, fahre den Friedrich-Ebert-Damm
entlang, überquere die dicke Durchgangsstraße „Ring 2“, an dem viele Schwarzafrikaner leben. Die
Frohbotschaftskirche, mitten in der afrikanischen Gemein-schaft gelegen, läutet ihre Glocken. Dann
überrascht mich die S-Bahn auf der Brücke über meinem Kopf. Ich passiere die Polizeistation Wei-
destraße, komme an einem Straßencafé in Winterhude vorbei, wo sich amerikanische Touristen über
das schöne Hamburg unterhalten, bis ich schließlich an der Musikhochschule ankomme, wo viel
geübt wird. Und die Pförtnerin Frau Krohn hält den Laden zusammen und regelt per Lautsprecher
auch den Verkehr im Parkhaus.
Georg Hajdu
ReChordHer (2006) für Toy Piano und Elektronik
ReChordHer, ursprünglich für Blockflöte komponiert, setzt sich mit Apekten von Realtime-Recording
auseinander. Die fünfteilige Form präsentiert Material, das durch algorithmische Prozesse gewon-

nen und nachfolgende Transformationsschritte bearbeitet worden ist. Die Textur ist hochvirtuos und
erzeugt einen merkwürdigen Gegensatz zum kindlich-verspielten Klang des Toy Pianos.
Sascha Lino Lemke
KalimBAO (2006) für Kalimba und Elektronik
Biographie
Jennifer Hymer studierte Klavier an der University of California in Berkeley und am Mills College (Oa-
kland). Ihre Lehrer waren unter anderem Julie Steinberg, James Avery, Deno Gianopoulos und Bern-
hard Wambach. Sie ist an der Erweiterung klanglichen Möglichkeiten des Klaviers interessiert und
hat sich daher auf das Spiel von Kompositionen für Klavier und Live-Elektronik sowie für erweiterte
Spieltechniken spezialisiert. Nach ihrer Übersiedlung nach Deutschland 1995 gründete sie mit dem
Komponisten Georg Hajdu das elektro-akustische Ensemble WireWorks.
In den letzten Jahren hatte sie neben einer Südamerika-Tournee mit dem Goethe-Institut Konzerte
beim Musica Viva Festival in Portugal, der Franz-Liszt-Akademie in Budapest, das Ought-One Festival
in Vermont, Mexico, am CCRMA der Stanford University sowie bei zahlreichen Festivals in Deutsch-
land.
Im Dezember 2002, wurde ihr Multimediaprojekt Handscapes uraufgeführt, für das international re-
nommierten Komponistinnen Auftragskompositionen beisteuerten. Seitdem ist ihr Handscapes-Pro-
gramme weitere Male gezeigt worden z.B. in der Laeiszhalle (Hamburg), Mills College (Oakland), Alte
Feuerwache (Köln), Festival Klangsucher (Leipzig), Festival Neue Musik Lüneburg und in der Merkin
Hall (New York). Ihr neuestes Klavierprojekt „Piano, Kalimba, Toy Piano and Gadgets” wird im Herbst
2006 beim Eigenartenfestival in Hamburg aufgeführt.
Zahlreiche Stücke von namhaften Komponistinnen und Komponisten wurden ihr und ihrem Ensemble
gewidmet, etwa von Alvin Curran, Roberto Morales, Silvia Matheus, Hanna Kulenty, Maria de Alvear,
Dror Feiler, Manfred Stahnke, Helmut Oehring, Matthias Kaul, Frank Corcoran, Reinhard Flender, An-
nea Lockwood, Peter Hamel und Chris Brown.

Julian Rohrhuber
Warteraum Revisited
Algorithmische Improvisation, delokalisiertier
Personen. Powerbooks unplugged in Hamburg 2006.
Powerbooks unplugged are:
Alberto de Campo
Renate Wieser
Jan-Kees van Kampen
Julian Rohrhuber
Asmus Tietchens
Teilmenge
Elektronische Musik aus Sinustönen und gefiltertem weißen Rau-schen
Biographie
3.2.1947 in Hamburg geboren
1965 Erste Experimente mit Tonbandgeräten und
elektronischen Klangerzeugern (Sinusgeneratoren, Rhythmusmaschinen) und konkretem Geräuschma-
terial.
1971 Arbeit mit dem Minimoog. Komplexere Ergebnisse
durch Verwendung achtspuriger Tonbandgeräte.
1975 Entscheidung, elektro-akustische Musik „hauptberuflich“ zu komponieren und realisieren.
1980 Erste LP-Veröffentlichung („Nachtstücke“) in Frankreich, produziert von Peter Baumann (‚Tan-
gerine Dream’)
1982 Stilistische Hinwendung zur Industrial Music. LP „Formen letzter Hausmusik“ (1984) auf dem
britischen Label ‚United Dairies’. Bis 1989 mehrere LPs auf internationalen Labels der Industrial Mu-
sic (z.B. Esplendor Geometrico, Hamster Records, Multimood, A-Mission u.a.), darunter Arbeiten mit
präpariertem Klavier, Wassergeräuschen und anderem konkretem Material.
1985 Experimente mit dem Fairlight CMI
1986 Erste Reise im Auftrag des Goethe-Instituts mit Gesprächs-Konzerten nach Brasilien
Seit 1989 Lehrauftrag für Sounddesign, Kommunikationsdesign und Klangforschung an der Hoch-
schule für angewandte Wissenschaften Hamburg (HAW)

1991 Zweite Reise im Auftrag des Goethe-Instituts mit Gesprächskonzerten nach Argentinien, Chile
und Uruguay
Seit 1991 diverse CD-Veröffentlichungen auf internationalen Labels (Staalpllaat, Soleilmoon, Selekti-
on, Mille Plateaux u.a.).
Zusammenarbeit mit diversen Komponisten der sogen. Noise Music (Merzbow, Achim Wollscheid,
Thomas Köner, Vidna Obmana u.a.)
2003 Karl-Sczuka-Preis des Südwestrundfunks (SWR) für Akustische Kunst
2006 Karl-Sczuka-Preis des Südwestrundfunks (SWR) für Akustische Kunst
Bis heute über 50 LP- und CD-Veröffentlichungen, zahlreiche öffentliche Auftritte im In- und Aus-
land
Kein Studium, keine akademische Ausbildung, keine Stipendien sondern: learning by doing
autodidaktische Aneignung gestalterischer Fähigkeiten und des Umgangs mit analoger und digitaler
Studiotechnologie.
Matthias Kaul
HENDRIX für elektrifizierte Pauken
Im Zentrum dieses Stückes steht ein mutmaßliches Nebeninstrument des Gitarristen Jimi Hendrix: die
Pauke. Er spielte sie in seinem Stück
„….and the gods made love“. Übrigens sind sich Pauke und Gitarre sehr ähnlich, denn mit beiden
Instrumenten kann man Glissandi produzieren. Hendrix spielte in „All along the watchtower“ die
wohl schönsten Glissandi der Rockgeschichte. Verglichen mit den heutigen Möglichkeiten setzte
Hendrix recht wenig Elektronik ein - nutzte seine wenigen Geräte aber meisterhaft. Ich verwende in
meinem Stück 3 Soundeffekte die es zu Hendrix Zeiten auch schon gegeben hat.
Biographie
zunächst Rock- und Jazzschlagzeuger dann Studium, Solistenexamen, zahlreiche Stipendien, Reisen
nach Afrika zum Studium der Samburu und Maasai,
Gründungsmitglied des Ensembles L‘Art pour L‘Art,
Zusammenarbeit mit Musikern und Komponisten wie John Zorn, David Moss, Carla Bley, Malcolm
Goldstein, Mauricio Kagel, Hans Werner Henze, Vinko Globokar, HansJoachim Hespos u.a.

Jeremy Bernstein
Leere Mitte für 4. November
Biographie
Wenn nicht gerade dabei, an Ton- und Videodingen zu arbeiten, schreibt Jeremy Bernstein Software,
damit andere an Ton- und Videodingen arbeiten können. Seine ton- und bildbasierten Projekte und
Kooperationen werden regelmäßig in Europa und Nordamerika gezeigt.
Er wohnt in Berlin.

Meeting 1 DW and FM
Bell Tower - DW
FM Uitti
&
David Wessel
Spectral Match (for Jim Tenney) DW and FM
Menzognie della Notte FM
Meeting 2 DW and FM
For Steve Lacy DW
Colpevole FM
Meeting 3 DW and FM
Turbulance DW and FM
Termin: Samstag, 04.11.2006
Beginn 22:00
Ort: MTR/STR Bühne

Frances-Marie Uitti, composer/performer, pioneered a revolutionary dimension to the cello by trans-
forming it for the first time into a polyphonic instrument capable of sustained chordal (two, three,
and four-part) and intricate multivoiced writing. Using two bows in one hand, this invention permits
contemporaneous cross accents, multiple timbres, contrasting 4-voiced dynamics, simultaneous le-
gato/ articulated playing, that her previous work with a curved bow couldn‘t attain.
György Kurtág, Luigi Nono, Giacinto Scelsi, Louis Andriessen, Jonathan Harvey, Richard Barrett, Sylva-
no Bussoti are among those who have used this technique in their works dedicated to her. Collabo-
rating significantly over years with radicals, Dick Raaijmakers, John Cage and Giacinto Scelsi, she has
also worked closely with Iannis Xenakis, Elliott Carter, Brian Ferneyhough and countless composers
from the new generation.
Frances -Marie Uitti tours as solist extensively throughout the world having played for audiences
from New York City to Mongolia and appears regularly in such festivals as the Biennale Di Venezia,
Strasbourg Festival, Gulbenkian Festival Ars Musica, Holland Festival and for radios and televisions
in Europe, Japan, and the United States. She premeired cello concerti dedicated to her By Per Norg-
aard, Jonathan Harvey and will give the first performance of the cello concerto of William Jeths in
2000. Peter Nelson is writing a work for her with the Scottish Chamber Orchestra. Canadian compo-
ser Rodney Sharman is also composing a cello concerto for her.
She collaborates with pianist Rolf Hind, classical pianist Alwin Bar, filmmakers Frank Scheffer and
Frans Zwaartjes, avantgarde guitarist Elliott Sharp, accordionist Pauline Oliveros, DJ Scanner, DJ Low,
and Stephen Vitiello and video master Ferenc van Damme. Her compositons can be heard on ECM
records, Cryptogrammophone, JdKrecords, Seraphin, Etcetera, and BVHaast.
The University of California Press has commissioned a 60,000 word book from her on Contemporary
Cello Techniques. A massive treatise on the state of the art of cello and performance techniques from
the Kodaly Sonata until the present, it is now in the finishing stages.Her treatise New Frontiers, was
also published in the Cambridge Companion to the Cello, Cambridge University Press and for Muzik
Texte, Koln, and Arcana, the collected writings of composers edited by John Zorn.
Ms Uitti has collaborated with pianists Ursula Oppens and Robert Levin in classical repertory and
with Rolf Hind and Yvar Mikhashoff in contemporary literature. She appeared in Frank Scheffer’s film
on Elliott Carter with Ms Oppens. Also, she has worked with Irvine Arditti, Stefano Scodanibbio,
Sasha Gavrilov, and members of the Ensemble Modern.
As a pedagogue, Frances-Marie Uitti has given lectures and master classes at practically all the ma-
jor European conservatories (Royal Conservatory in Copenhagen, Royal Conservatorium Den Haag,

Sweelinck Conservatory Amsterdam, Royal Conservatory Brussels, Santa Cecilia Roma, Hochschule
fur Musik in Koln, Hochschule Basle etc) and many music schools in the USA (see added list). She
has been ongoing Guest Professor at Rotterdam Conservatory. In 1997 she distinguished herself with
a Regents Professor at the University of California San Diego. The following year she gave seminars
at the University of California at Berkeley and at Stanford. In 1998 she shared teaching with Anner
Bijlsma and Ralph Kirschbaum at the International Cello Festival in Aarhus. In 1999 she was invited
to Mills College to give lectures and masterclasses as well as teach contemporary techniques. For
many summers, she has taught at the Dartington International Chamber music Festival as well as
being professor of cello at Darmstadt International Summer Festival. In 2002-2003 she was invited
as Guest Professor at Oberlin Conservatory teaching classical cello repertory and chamber music.
Ms Uitti will also give masterclasses at The Juilliard School of Music, Yale University, Northwestern
University in 2003. She has been invited for a Fromm Foundation residency at Harvard University in
the season 2003/04.
Ms. Uitti is frequently invited to sit on the juries for the International Symposium of Composers Mee-
ting (ISCM Festival), Gaudeamus Competition for Composers, Gaudeamus Performers Competition.
Recordings:
ECM records, Wergo, CRI, Mode, HatHut, Raretone, Cramps, JdKrecordings, BVHaast, Etcetera, Cryp-
togramophone.

Workshops
Pure Data – Referent: Malte Steiner
Freitag, 3.11.2006, 10:00-13:00, Raum 222
Dieser Workshop gibt eine Einführung in die Klang- und Bilderzeugung mit der freien opensource
Software Pure Data (pd). Neben verschiedenen Arten der Klang- und Grafiksynthese in Echtzeit wird
auch die Verbindung dieser beiden Welten vermittelt, was auch für Videokünstler und VJs von Be-
deutung ist.
SuperCollider – Referent: Julian Rohrhuber
Freitag, 3.11.2006, 14:00-17:00, Raum 222
Native Instruments Reactor – Referent: Brian Smith
Freitag, 3.11.2006, 17:00-20:00, Raum 222
Max/MSP/Jitter – Referent: Jeremy Bernstein
Samstag, 4.11.2006, 10:00-13:00, Raum 222
Ableton Live
Samstag, 4.11.2006, 14:00-17:00, Raum 222

Credits
Ich möchte mich ganz herzlich bei alle Kolleginnen und Kollegen, die mit Rat und Tat zum Gelingen
dieses Kongresses beigetragen haben ganz herzlich bedanken. Besonders die Zusammenarbeit mit
der Theaterakademie, in deren Räumlichkeiten dieser Kongress stattfinden kann, war von großer
Professionalität geprägt. Ohne die dramaturgische und organisatorische Betreuung von Albrecht
Faasch wäre das studentische Projekt Voiceover nicht möglich gewesen. Ich hoffe, das wir den ge-
meinsam eingeschlagenen Weg der interdisziplinären Zusammenarbeit fortsetzen können.
Ein solcher Kongress erfordert bekanntermaßen einen großen Organisationsaufwand. Ich möchte
mich an dieser Stelle besonders bei Claudia Witt für die unermüdliche Koordination und das sichere
zusammenhalten aller organisatorischen Fäden bedanken.
Damit ein solches Unternehmen überhaupt stattfinden kann ist natürlich neben den künstlerischen
und technischen Ideen auch eine nicht unbeträchtliche finanzielle Unterstützung nötig. Ein Dank gilt
dem Bundesministerium für Forschung und Technik, dem Bipolar Projekt, der Hochschulstiftung und
dem STUDIO 21 für aktuelle Musik der Hochschule. Für die schnelle und unbürokratische Hilfe bei
der Umsetzung gilt der Verwaltung der Hochschule ebenfalls ein großes Dankeschön.
Ein abschließender Dank an Herrn Dirk Hermeyer. Durch seine überaus kompetente Betreuung bei
der technischen Umsetzung der Projekte hat er wesentlich für das Gelingen des Kongresses beige-
tragen.
Ich hoffe, dass wir auch in den kommenden Jahren wieder ein solchen Kongress an unserer Hoch-
schule veranstalten können.
Herzlichst Georg Hajdu