LEHRPLAN FÜR DIE KUNSTERZIEHUNG – 1 ... - Schola Europaea

AZ: 2009-D-579-de-2
Orig.: EN
Schola Europaea
Büro des Generalsekretärs der
Europäischen Schulen
Abteilung Pädagogische Entwicklung
LEHRPLAN FÜR DIE KUNSTERZIEHUNG – 1. BIS 7. KLASSE
GENEHMIGT DURCH DEN GEMISCHTEN PÄDAGOGISCHEN AUSSCHUSS IM RAHMEN
DES SCHRIFTLICHEN VERFAHRENS 2009/34 VOM 13 NOVEMBER 2010.
Inkraftsetzung:
In der 1. bis 6. Klasse ab September 2010
In der 7. Klasse ab September 2011
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Inhalt
1. Ziele........................................................................................................................ 3
1.1 Allgemeine Ziele............................................................................................ 3
1.2 Spezifische Ziele der Kunsterziehung ........................................................... 3
1.3. Allgemeine Ziele für spezifische Unterrichtseinheiten .................................. 5
1.3.1 Beobachtungsstufe ................................................................................. 5
1.3.2 Zum Ende der 5. Klasse: ........................................................................ 5
1.3.3 Zum Ende der 7. Klasse ......................................................................... 5
2. Inhalte der Kunsterziehung..................................................................................... 7
2.1 Inhalt der Kunsterziehung in der 1. bis 3. Klasse .......................................... 7
2.2 Inhalt der Kunsterziehung in der 4. und 5. Klasse ......................................... 8
2.3.1 Kunsterziehung als vierstündiges Wahlfach ........................................... 8
2.3.2 Inhalt der Kunsterziehung als vierstündiges Wahlfach............................ 9
2.3.3 Kunsterziehung als zweistündiges Wahlfach .......................................... 9
2.3.4 Kunstgeschichte als zweistündiges Wahlfach..................................... 10
3. Methodik und Unterrichtsformen........................................................................... 11
4. Beurteilung der Lernergebnisse............................................................................ 13
4.1 Funktionen und Grundsätze (identisch für alle Fächer)............................... 13
4.2 Fachspezifische Grundsätze ....................................................................... 13
5. Abiturprüfung in Kunst .......................................................................................... 16
5.1 Art der Aufgabe ........................................................................................... 16
5.2 Dauer und Organisation der praktischen Prüfung ....................................... 17
5.3 Beurteilung .................................................................................................. 18
Anhang 1 – Künstlerische Elemente......................................................................... 20
Anhang 2 - Anwendungsmethoden .......................................................................... 22
Anhang 3 – Verständnis von Kunst, Design und Architektur .................................... 24
Anhang 4 – Voraussetzungen in den Klassenzimmern ............................................ 26
Anhang 5 – Vorgeschlagene Themenbereiche in Kunstgeschichte.......................... 27
Anhang 6 – Vorgeschlagene Veröffentlichungen für den Kunstunterricht ................ 28
Anhang 7 - IKT und neue Technologien ................................................................... 32
Anhang 8 - Aus: Das Europäische Abitur, Die Europäischen Schulen, AZ: 96-D-3610 33
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1. Ziele
1.1 Allgemeine Ziele
Die Sekundarstufe der Europäischen Schulen muss die zweifache Aufgabe bewältigen,
eine formale, fachbezogene Ausbildung anzubieten und zugleich die persönliche
Entwicklung der Schüler in einem weiter gefassten sozialen und kulturellen
Zusammenhang zu fördern. Formale Bildung bedeutet die Aneignung von Wissen und
das Verständnis von Konzepten und Kenntnissen, Fertigkeiten und Fähigkeiten in jedem
Fach. Die Schüler sollen lernen, ihre Kenntnisse zu beschreiben, zu interpretieren, zu
beurteilen und anzuwenden.
Die persönliche Entwicklung der Schüler erfolgt in einer Reihe von spirituellen,
ethischen sozialen und kulturellen Zusammenhängen. Sie bedeutet für die Schüler,
dass sie ein Bewusstsein für ein angemessenes Verhalten entwickeln, das Umfeld
verstehen, in dem sie leben und arbeiten, und ihre persönliche Identität entwickeln. In
der Praxis sind diese drei Aufgaben an der Schule untrennbar miteinander verbunden.
Diese drei übergeordneten Ziele werden vor dem Hintergrund eines ausgeprägten
Bewusstseins der europäischen Realität entwickelt, deren hervorstechendes Merkmal
die Vielfalt der europäischen Kulturen ist.
Dieses Bewusstsein und die aufgrund eines gemeinsamen europäischen Lebensalltags
erworbene Erfahrung sollten dazu führen, dass die Schüler Verhaltensweisen
entwickeln, die sich durch die Achtung der Traditionen eines jeden Landes in Europa
auszeichnen, sie jedoch zugleich ihre eigene Identität bewahren.
1.2 Spezifische Ziele der Kunsterziehung
Wenn vom Fach Kunsterziehung an Europäischen Schulen die Rede ist, ist damit die
Bildende Kunst gemeint. Bildende Kunst umfasst den vielschichtigen Prozess der
Wahrnehmung, Reflexion, Kreation und Interpretation.
In der bildenden Kunst hat die Wahrnehmung und Interpretation unserer Umwelt immer
zur Schaffung von Kunst geführt. Der Prozess und die daraus entstehenden
Erzeugnisse sind die wichtigsten Ziele des Fachs Kunsterziehung.
Bilder helfen uns, unsere Identität zu definieren, und vermitteln ein ästhetisches
Vergnügen. Sie ermöglichen uns, unsere Gefühle und Gedanken zum Ausdruck zu
bringen und sie anderen zu vermitteln. Über Bilder wird die Wirklichkeit wahrgenommen,
interpretiert und sogar geschaffen, da Bilder als Ausdruck des schöpferischen Wirkens
eine Realität an sich darstellen.
Im Rahmen der Entwicklung der modernen Medien haben Bilder sogar noch an
Bedeutung gewonnen. Da sie allgegenwärtig und unmittelbar zugänglich sind, können
sie einen maßgeblichen Einfluss auf unser Verständnis der Welt ausüben. Daher ist es
nicht nur erforderlich, sich der Auswirkungen ihres Einflusses bewusst zu machen, sie
zu verstehen und sich kritisch damit auseinanderzusetzen, sondern auch, dieses
Bewusstsein in der Unterrichtssituation ins Bewusstsein zu rufen.
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Das Fach Kunsterziehung trägt zum Wissen der Schüler von dem visuell reichen
internationalen Kontext bei, in den die Europäischen Schulen eingebettet sind, indem es
sie mit einer Auswahl aus dem reichen Fundus an Bildern aus der ganzen Welt
konfrontiert, die zu unserer visuellen Entwicklung beigetragen hat. Die Ausbildung, bei
der freie, aktive und sozial verantwortungsvolle Menschen herangebildet werden sollen,
wird durch praktische und theoretische künstlerische Arbeiten auf der Grundlage von
Kommunikation und Toleranz gefördert.
Kunst erweitert unsere Kenntnisse und unseren Einblick in unsere Umwelt, indem sie
den wichtigen äußeren und inneren Merkmalen dieser Welt eine Form gibt. Über einen
Prozess des Erkundens und Ordnens fördert Kunst unser Vorstellungsvermögen und
unsere Fähigkeit, Erfahrungen, Gefühle, Ideen und Meinungen darzustellen. Diese
Wahrnehmung und Interpretation ermöglicht es uns, persönliche Bilder und
Gegenstände zu schaffen.
Kunst fördert den Erwerb von Fähigkeiten. Durch unsere Teilnahme an den für die
Lösung der Probleme der Bild- und Formgebung erforderlichen Prozessen eignen wir
uns Erfahrungen im Umgang mit einer Vielfalt von Materialien, Werkzeugen und
Techniken an.
Durch die Anwendung von immer komplexeren aktivitäts-, projekt- und
prozessorientierten Methoden fördert Kunst die verschiedenen fachspezifischen,
methodischen, persönlichen und sozialen Kompetenzen der Schüler.
Kunst fördert das kreative Denken und das unkonventionelle Problemlösen in allen
Bereichen, in denen die Schüler arbeiten wollen, und diese Kompetenz wirkt sich in
allen an der Schule unterrichten Fächern aus.
Kunst hilft uns, Wissen über die Funktion und die Bedeutung von Kunst in der
Gesellschaft zu erwerben. Dadurch gewinnen wir Einblick darin, wie der Inhalt, die
Bedeutung und die Form von Bildern durch historische, kulturelle und soziale Einflüsse
und Unterschiede bestimmt wurden. Wir begreifen, wie Sachinformationen, Normen,
Werte und Gefühle durch Bilder übertragen werden können. Anhand von Beispielen aus
der Kunstgeschichte lernen die Schüler etwas über Kunst als sprachlichen Ausdruck
kultureller, sozialer, politischer und individueller Hintergründe.
Das Fach Kunsterziehung trägt zum Wissen der Schüler von dem visuell reichen
internationalen Kontext bei, in den die Europäischen Schulen eingebettet sind, indem es
sie mit einer Auswahl aus dem reichen Fundus an Bildern aus der ganzen Welt
konfrontiert, die zu unserer visuellen Entwicklung beigetragen hat.
Alle genannten Inhalte und Kompetenzen sollten während des Unterrichts miteinander
verknüpft werden. Sie sollten nicht isoliert unterrichtet werden.
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1.3. Allgemeine Ziele für spezifische Unterrichtseinheiten
1.3.1 Beobachtungsstufe
Zum Ende der 2. Klasse:
- Der Schüler verfügt über ein solides Basiswissen, das darauf beruht, dass er mit den
künstlerischen Elementen und Anwendungsmethoden vertraut ist und weiß, wie er
seine Arbeit strukturiert und organisiert (Anhang 1 und 2)
- Der Schüler kennt die Kunstströmungen und kann sie in einen Zusammenhang mit
seiner eigenen praktischen Arbeit bringen.
Zum Ende der 3. Klasse:
- Der Schüler hat sich ausreichende Fähigkeiten und Vertrauen in die Methoden und
Techniken angeeignet, was ihn in die Lage versetzt, die künstlerischen Elemente
(Anhang 1 und 2) bei der Erstellung von stärker persönlich geprägten Werken zu
verwenden.
- Der Schüler hat gelernt, wie er seine Kenntnisse der Kunstströmungen in die
Entwicklung seiner eigenen praktischen Arbeit integrieren kann.
- Der Schüler versteht, dass Kunst ein sinnvoller Ausdruck von Ideen sein kann und ihm
die Möglichkeit bietet, tiefer in die Materie einzudringen und mehr Selbstvertrauen zu
bekommen.
1.3.2 Zum Ende der 5. Klasse:
- Der Schüler ist in der Lage, die künstlerischen Elemente und Anwendungsmethoden in
angemessener und persönlicher Art und Weise anhand ihrer expressiven Natur und
oder experimentell anzuwenden (Anhang 1 und 2).
- Im Arbeitsprozess ist der Schüler in der Lage, die bei der praktischen und
theoretischen Arbeit erworbenen Kenntnisse zu kombinieren.
- Der Schüler ist in der Lage, komplexere und abstrakte Probleme eigenständig zu lösen
und immer selbständiger zu arbeiten.
- Der Schüler ist in der Lage, sich mit seiner eigenen Arbeit und der Arbeit anderer
auseinander zu setzen, denn er hat die Methoden der formellen Analyse erlernt.
1.3.3 Zum Ende der 7. Klasse
Kunstgeschichte
- Der Schüler verfügt über Kenntnisse des sozialen, kulturellen/kunsthistorischen und
politischen Hintergrunds, vor dem Wandel und Innovation stattgefunden haben
(Anhang 5)
- Der Schüler hat Kenntnisse der wichtigsten Merkmale der Kunst in der Welt unter
besonderer Berücksichtigung des 19., 20. und 21. Jahrhunderts erworben.
- Der Schüler kann Kunstgegenstände in ihrem jeweiligen Zusammenhang analysieren
und interpretieren (Anhang 3)
Praktische Arbeit
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- Der Schüler macht sich das gesamte Repertoire der künstlerischen Elemente sowie
seine Kenntnisse der Materialien, Werkzeuge und Techniken zunutze.
- Der Schüler nutzt das Potenzial von Zeichnung, Malerei, Grafik, Drucktechniken,
Skulptur – subtraktiv und additiv -, Konstruktion, Modellieren, Installation, Fotografie,
Video und Informatik, Collage, Frottieren und einer Vielzahl von kunsthandwerklichen
Techniken, um das kreative Potenzial bei seiner Arbeit zu verbessern.
- Der Schüler ist in der Lage, nach Vorgaben zu arbeiten.
- Der Schüler arbeitet über diesen Prozess eigenständig und eigenverantwortlich.
- Die Vorbereitung und der Arbeitsprozess des Schülers werden klar ersichtlich.
Reflektion
- Der Schüler weiß, wie ein Kunstwerk auf vielfältige Art und Weise anhand des
entsprechenden Fachvokabulars analysiert werden kann (Anhang 3).
- Der Schüler weiß, dass Kunst für eine Vielfalt von Funktionen verwendet werden kann
(ästhetische, kommunikative, funktionelle, symbolische und kritische Funktionen).
- Der Schüler kann sein eigenes Werk und das Werk anderer analysieren, erörtern und
erläutern.
- Der Schüler integriert die zusätzlichen (Er-)Kenntnisse, die er durch die kritische
Beurteilung seines Werkes erworben hat, in seine Arbeit.
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2. Inhalte der Kunsterziehung
Der Inhalt der Kunsterziehung leitet sich aus den Zielen der drei Lehreinheiten ab:
Klassen 1 bis 3, Klassen 4 und 5 und Klassen 6 und 7. Der Lehrer plant den Inhalt des
Unterrichts unter Bezugnahme auf Kapitel 3 – Methodik – sowie auf die Anhänge 1 und
2.
2.1 Inhalt der Kunsterziehung in der 1. bis 3. Klasse
In der 1., 2. und 3. Klasse werden Arbeiten in den nachstehend genannten Bereichen
unter Verwendung der genannten künstlerischen Elemente erstellt:
a) Zeichnung:
- Anwendung des Punktes, der Linie, der Schraffierung und der Schattierung zur
Gestaltung unterschiedlicher Farbtöne
- Texturen, Muster, dekorative Wirkung
- Strukturen (Figuren, Formen usw.)
- Bildliche Darstellungen
- Perspektivische Techniken
- Einsatz verschiedener Medien (Pastellfarben, Kohle, Tusche, Bleistifte usw.)
b) Malerei:
- Theoretische und praktische Kenntnisse der Farbtheorie
- Nutzung der Grundwerkzeuge
- Mischen und Anwenden von Farben (Schattierung, Farbton, Nuance,
Farbschattierung) transparent und opak und Gestaltung ebener Flächen oder Flächen
mit Textur mithilfe der Farbe
c) Druck:
- Verwendung von Schablonen, Relief- und Graviertechniken zum Drucken und
Wiederholen von Formen
d) Collage:
- Verwendung von vorgefertigten und selbstgefertigten Materialien
e) Unterschiedliche Medien:
- Erfahrungen mit modernen Medientechniken, z. B. Foto- und Videokamera,
Computergrafik, Bearbeitung von Bildern, Animation, Performance, Installation,
Lasershows
f) Dreidimensionale Arbeiten:
- Verwendung der: - additiven Methode: Modellieren (feste und hohle Formen)
- subtraktiven Methode: Schnitzerei (weiche Materialien: Gips, Styropor
usw.)
- konstruktiven Methode: Montage: einfache Formen in 3D (Papier, Draht,
Holzprofile, Puppen, Theaterrequisiten usw.)
g) Design:
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- Erstellung von Werken mit praktischer Funktion (z. B. Verpackungen, Beschriftung,
Werbung, Plakate, Cartoons, Glückwunschkarten, Mode und Textilien, Produkte) und
Kenntnis der Designfachsprache
h) Architektur:
- Zeichnen und/oder Erstellung von Bauwerken (Modellen) mit einer praktischen
und/oder ästhetischen Funktion.
i) Kunstgeschichte:
- Einführung in Künstler und Kunstströmungen, jedoch immer in Verbindung mit
praktischen Aufgaben
2.2 Inhalt der Kunsterziehung in der 4. und 5. Klasse
In der 4. und 5. Klasse sollten bei der Arbeit die vorstehend genannten Medien mit
zunehmender Perfektion zum Einsatz kommen, wobei der Schwerpunkt auf Bereichen
liegen sollte, die für die Schüler dieser Altersgruppe von besonderem Interesse sind,
wie z. B.:
- die eigene Erlebniswelt
- Illusion und Realität
- gegenständlich / Abstraktion
- Kommunikation
- Form/Funktion
Dabei kann auch auf den Unterrichtsinhalt für die 6. und 7. Klasse verwiesen werden,
der teilweise bei Bedarf auch für die 4. und 5. Klasse verwendet werden kann.
2.3 Kunstunterricht in der 6. und 7. Klasse
Hier stehen drei Optionen zur Wahl. Diese können entweder alleine oder kombiniert
unterrichtet werden:
- vierstündiges Wahlfach
- zweistündiges Wahlfach
- Kunstgeschichte als zweistündiges Wahlfach.
Es wird nachdrücklich empfohlen, dass die Schüler in den Klassen 4 und 5 am
Kunstunterricht teilgenommen haben. Ansonsten liegt es letztendlich im Ermessen des
Kunstlehrers, über ihre Zulassung zu entscheiden.
2.3.1 Kunsterziehung als vierstündiges Wahlfach
Kunst als vierstündiges Wahlfach in der 6. und 7. Klasse ist eine wertvolle Chance für
Schüler, über persönliche Erkundungen und Recherchen ihr individuelles kreatives
Potenzial zu entwickeln.
Der Schüler kann sich für die praktische fünfstündige Prüfung beim Abitur entscheiden.
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In der 6. Klasse werden zwei praktische Prüfungen pro Schuljahr von je 180 Minuten
sowie am Ende des ersten Schulhalbjahres der 7. Klasse eine Prüfung von 300 Minuten
(Vorabitur) abgelegt.
Die Prüfung in der 7. Klasse ist genauso aufgebaut wie die Abiturprüfung.
Die Schüler müssen in der 6. und 7. Klasse themenbezogen arbeiten. In der 7. Klasse
legen die Kunstexperten ein bestimmtes Thema des Jahres fest. Dieses Thema wird
aus den Vorschlägen ausgewählt, die von den Kunstlehrern der 6./7. Klasse an allen
Europäischen Schulen eingereicht werden.
Die praktische Arbeit muss den größten Block des Lehrplans bilden, und zwar im
empfohlenen Verhältnis von 1 (Theorie) zu 3 (praktische Arbeit). Die Theorie sollte zur
Vermittlung des praktischen Kunstschaffens und nicht als separates Fach unterrichtet
werden. Bei den Prüfungen handelt es sich ausschließlich um praktische Prüfungen; die
Theorie wird vom Lehrer im Laufe des Schuljahres beurteilt.
2.3.2 Inhalt der Kunsterziehung als vierstündiges Wahlfach
Es wird erwartet, dass die Schüler mit den Anwendungsmethoden und künstlerischen
Elementen vertraut sind, mit denen sie bereits in der 4. und 5. Klasse Erfahrungen
gesammelt haben.
In der 6. Klasse legt der Lehrer zusammen mit den Schülern Themen fest; dabei
kommen Themen in Frage wie z. B.: Mensch und Natur, Kunst und Wissenschaft,
Raum, die Kunst des Reisens, Alter und Niedergang, Selbstverständnis.
In der 6. und 7. Klasse muss ein Überblick über die Kunst des 19., 20. und 21.
Jahrhunderts vermittelt werden. Dabei kann auch auf frühere Kunstepochen und
Stilrichtungen eingegangen werden, wann immer dies erforderlich ist (Anhang 5 –
Vorgeschlagene Themenbereiche in Kunstgeschichte).
Es ist auch möglich, die verschiedenen Kunstströmungen aus Sicht der verschiedenen
laufenden Konzepte zu betrachten. Dabei können auch aktuelle Ausstellungen mit
einbezogen werden.
In der 7. Klasse liegt der Schwerpunkt eher auf den spezifischen Anforderungen des
Abiturthemas. Die Schüler müssen wissen, was in der Welt der zeitgenössischen Kunst
und des Designs vor sich geht (einschließlich der Entwicklungen in den Bereichen
Mixed Media, Fotografie, Video und Computerkunst).
2.3.3 Kunsterziehung als zweistündiges Wahlfach
Das zweistündige Wahlfach ist eine wertvolle Chance für Schüler, über persönliche
Erkundungen und Recherchen ihr individuelles kreatives Potenzial zu entwickeln.
Der Inhalt kann mit dem Unterrichtsprogramm für das vierstündige Wahlfach verknüpft
werden, doch sollten die ausgewählten Projekte in Absprache zwischen Lehrer und
Schülern festgelegt werden.
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Lehrer haben damit außerdem die Möglichkeit, sich für andere Ansätze zu entscheiden,
etwa Computerkunst, und/oder sich auf andere Bereiche des künstlerischen Schaffens
zu konzentrieren (z. B. Gebrauchsdesign).
Die Schüler werden laufend beurteilt und legen auch keine Prüfung ab. Der Lehrer kann
die Beurteilungsmethode frei wählen.
2.3.4 Kunstgeschichte als zweistündiges Wahlfach
Dieser Kursus sollte allen Schülern offen stehen, einschließlich denjenigen, die Kunst
als zwei- oder vierstündiges Fach wählen, wobei eine Kombination wünschenswert ist,
um die Grundlage in Theorie und Praxis auszubauen. Der Inhalt kann mit demjenigen
von Kunstgeschichte als vierstündiges Wahlfach (theoretischer Inhalt) verknüpft werden
oder aber umfassender angelegt sein. Zur Vermeidung von Wiederholungen müssen
die Lehrer zusammenarbeiten.
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3. Methodik und Unterrichtsformen
Unterschiedliche Hintergründe, Ansätze, Spezialisierungen und methodische
Vorgehensweisen machen die Besonderheit des Unterrichts an Europäischen Schulen
aus.
In der Beobachtungsstufe (1., 2. und 3. Klasse) erhalten die Schüler eine gut
gegliederte Einführung in die künstlerischen Elemente und Anwendungsmethoden
(siehe Anhang 2 und 3) und erhalten Anleitungen zur Entwicklung von Kunstwerken, die
sich der Lehrer häufig vorher ausgedacht hat. Dabei entwickeln sie die Geschicklichkeit
und die Fertigkeiten, die sie benötigen, um mit den verschiedenen Techniken,
Gerätschaften und Materialien umgehen zu können.
Ab den Klassenstufen 4 und 5 wird davon ausgegangen, dass sich die Schüler diese
Fertigkeiten angeeignet haben und ihnen jetzt mehr Freiraum zugestanden werden
kann, um ihre eigene Lösung mit weniger Anleitung durch den Lehrer zu erforschen und
zu entwickeln. Sie müssen lernen, wie dieser Entwicklungsprozess als Teil ihrer
Aufgabe dokumentiert und präsentiert wird. Dieser Ansatz fördert die Entwicklung ihrer
persönlichen Unabhängigkeit und versetzt sie in die Lage, das für das Abitur
erforderliche hohe Niveau zu erreichen.
Die Ziele und Beurteilungskriterien müssen zu Beginn einer jeden Aufgabe klar erläutert
werden.
Es wird eine Vielfalt visueller Beispiele aus verschiedenen Medien vorgestellt, um die
Schüler für die Möglichkeit zu öffnen, andere Techniken zu verwenden und sie weiter zu
inspirieren. Dabei ist die Integration von Theorie und Praxis erforderlich.
Von der 1. Klasse an sollten die Schüler angehalten werden, persönliche Skizzenbücher
zu verwenden. Diese Skizzenbücher (A4) werden in der 6. und 7. Klasse als Arbeitsheft
verwendet; ihre Verwendung ist Pflicht.
Sinn und Zweck eines solchen Arbeitsheftes ist es, Anreize für persönliche Recherchen
und Entdeckungen zu bieten. Es wird wie ein Arbeitstagebuch geführt, in dem die
Interessen der Schüler an der Vielfalt der Themenbereiche und ihre Recherchen in
Verbindung mit der im Unterricht geleisteten Arbeit festgehalten werden. Das Arbeitsheft
enthält visuelle und schriftliche Informationen, ferner die Skizzen, Fotos und
Erfahrungen, die die Schüler mit verschiedenen Medien machen, und - das
Allerwichtigste - es veranschaulicht den Fortschritt des Schülers bei seiner kreativen
Entwicklung.
Im Arbeitsheft sollte der persönliche künstlerische Reifeprozess des Schülers zum
Ausdruck kommen, und daher ist es auch mehr als nur ein Skizzenbuch. Es sollte auch
Museums- und Galeriebesuche dokumentieren und Belege (Ausschnitte, Fotos, Kopien
usw.) in Bezug auf das Thema des Jahres der 7. Klasse enthalten. Alle schriftlichen
Kommentare sollten anhand des Fachvokabulars der Kunstkritik abgefasst werden.
Plagiate sind zu vermeiden. Bei den genannten Quellen muss es sich in allen Fällen um
anerkannte Quellen handeln.
Das Arbeitsheft sollte nicht herausgegeben werden, jeder „Fehlstart“ und jede
ursprüngliche Idee sind in chronischer Reihenfolge festzuhalten, damit der Prüfer den
persönlichen Fortschritt eines Schülers während eines Kursus bewerten kann.
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Es wird empfohlen, ab der 1. Klasse ein solches Arbeitsheft einzuführen. In der 6. und
7. Klasse ist seine Verwendung Pflicht.
Das empfohlene Format für das Arbeitsbuch ist A4, gebunden oder mit Spiralheftung,
aber mit festem Einband und unbeschriebenen Seiten.
Während des Unterrichts wird themenbezogen gearbeitet. Die Themen können aus den
fünf Hauptbereichen ausgewählt werden - Mensch, Umwelt, Stillleben, Abstraktion und
Fantasie.
Die Anwendungsmethoden sind im Anhang beschrieben.
Die Anwendungsmethoden können alle die folgenden Funktionen erfüllen:
kommunikativ / expressiv, praktisch / funktionell, ästhetisch, symbolisch oder kritisch.
„Teamunterricht“ stellt für Schulen, an denen Lehrer Fachworkshops in Bereichen von
besonderem Interesse für alle Schüler anbieten, einen zusätzlichen Nutzen dar, wenn
der Lehrer mit der größten Fachkompetenz und dem umfangreichsten Know-how auf
dem jeweiligen Gebiet den Workshop abhält.
Museen, Galerien und Bibliotheken vor Ort bieten ausgezeichneten Möglichkeiten, um
die ausgewählten Themen auszubauen und zu recherchieren.
Zur Umsetzung des Lehrplans und um den Schülern die Möglichkeit zu geben, effizient,
kreativ und vor allem sicher zu arbeiten, ist die Klassengröße auf 20 bis 25 Schüler, je
nach Größe des Klassenzimmers, zu beschränken.
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4. Beurteilung der Lernergebnisse
4.1 Funktionen und Grundsätze (identisch für alle Fächer)
Die Beurteilung ist sowohl ein formativer als auch sommativer Prozess. Die formative
Beurteilung der Ergebnisse der Lernprozesse ist ein laufender Prozess, dessen Ziel es
ist, Informationen über den Lernprozess der Schüler bereitzustellen. Diese Beurteilung
müsste auch als Grundlage für zukünftige Leistungen der Schüler dienen und spielt für
die Schüler, Eltern, Erziehungsberechtigten und für die Schule eine wichtige Rolle, weil
sie eine Orientierungshilfe bei der Ausbildung der Schüler liefert.
Die Beurteilung der Lernergebnisse muss nicht notwendigerweise die Verleihung
einer Note bedeuten, die die Leistung in jedem einzelnen Fall widerspiegelt. Sie
sollte auch nicht strafend sein, wohl aber die Leistung beurteilen.
Für die Lehrkräfte ist die Beurteilung der Lernergebnisse eine gute Gelegenheit, die
Zielsetzungen, Methoden und Ergebnisse ihres Unterrichts zu überprüfen.
Die sommative Beurteilung liefert einen klaren Überblick über die Kenntnisse,
Fähigkeiten und Fertigkeiten eines Schülers zu einem bestimmten Zeitpunkt.
Die nachstehenden allgemeinen Grundsätze der Beurteilung der Lernergebnisse sind
zu berücksichtigen:
- Beurteilung der Leistung im Vergleich zu den im Lehrplan definierten Zielsetzungen.
Diese Beurteilung bezieht sich auf die Kenntnisse, Kompetenzen und Fähigkeiten,
die im Lehrplan festgelegt sind.
- Die Beurteilung muss sich auf die Arbeit beziehen, die im Unterricht behandelt
wurde.
- Jegliche Art von Arbeiten, die der Schüler im Rahmen des Kursus erstellt hat,
müssen in die Beurteilung einbezogen werden – z. B. mündliche und schriftliche
Beiträge, Klassenarbeiten, praktische Arbeiten.
- Die Schüler müssen sich bewusst sein, welche Arbeiten sie erbringen und welches
Niveau sie erreichen müssen, um das jeweilige Niveau der Beurteilungsskala zu
erreichen.
- Die Schüler müssen ihre Leistung im Verhältnis zu den anderen Schülern derselben
und der anderen Abteilungen kennen und einschätzen können. Dies setzt eine
Koordinierung zwischen den Lehrern derselben und anderer Abteilungen voraus,
damit die Vergleichbarkeit gewährleistet ist.
4.2 Fachspezifische Grundsätze
Es ist wichtig, dass die Schüler ihren eigenen Lernprozess verstehen. Sie müssen
lernen, die Kriterien für eine Selbstbeurteilung zu verstehen.
Außerdem muss den Schülern beigebracht werden, wie sie ihre Aktivitäten in einem
Arbeitsheft und über die Entwicklung einer Künstlermappe dokumentieren.
Für alle auf einem Prozess oder Produkt beruhenden Arbeiten werden die Schüler
hinsichtlich ihrer Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten beurteilt.
Die Schüler werden anhand der Qualität ihrer Vorbereitung, Recherchen und
unterstützenden Studien sowie der Beziehung zwischen diesen Recherchen und dem
Endergebnis beurteilt.
In der 1., 2. und 3. Klasse werden die Schüler anhand des Standes ihrer fachlichen
Entwicklung bei der Verwendung der künstlerischen Elemente und
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Anwendungsmethoden auf kreative Art und Weise und unter Zuhilfenahme ihrer
Fantasie beurteilt. Beurteilt werden die Einbindung ihrer Kenntnisse über
Kunstströmungen in ihre praktische Arbeit sowie ihre Fähigkeit, ihre Arbeit zu
organisieren.
In der 4. und 5. Klasse bezieht sich die Beurteilung der Schüler auf Folgendes:
- ihre Fähigkeit, die künstlerischen Elemente und Anwendungsmethoden angemessen
und experimentell zu verwenden
- ihre Fähigkeit, ihre Arbeit persönlich und ausdrucksstark zu organisieren
- die Umsetzung ihrer theoretischen Kenntnisse bei der praktischen Arbeit
- ihre Fähigkeit, komplexere und abstraktere Probleme zu lösen
- die Fähigkeit, sich mit ihrer eigenen Arbeit und der Arbeit anderer anhand formeller
Analysemethoden auseinanderzusetzen.
Einmal im Schulhalbjahr finden Prüfungen von jeweils zweistündiger Dauer statt. Sie
bilden die offizielle B-Note. An diesen Tests muss das Qualifikationsniveau abgelesen
werden können, und es müssen die Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten geprüft
werden, die in Bezug auf den im betreffenden Schulhalbjahr in den einzelnen Bereichen
unterrichteten Stoff erworben wurden.
In der 6. Klasse werden die Schüler anhand der Qualität ihrer Vorbereitungsstudien
(einschließlich ihrer Recherchen) sowie des Endergebnisses eines jeden themen-
und/oder konzeptbasierenden Projekts beurteilt.
Die Beurteilung setzt sich aus drei Teilen zusammen:
- die Entwicklung des Werks (40 %),
- die Herstellung der Abschlussarbeit (50 %) und
- die Abschlusserklärung bzw. möglicherweise die Präsentation im Unterricht (10 %).
Arbeitshefte spielen jetzt eine entscheidende Rolle; die Schüler halten in ihren
Arbeitsheften die Entwicklung dieser Projekte fest, ihre ersten vorbereitenden Skizzen
werden dort notiert, und auch die Ergebnisse ihrer Recherchen werden darin
festgehalten. Auch ihre persönlichen Kenntnisse in Kunstgeschichte finden ihren
Niederschlag im Arbeitsheft. Lehrer schließen die Note für dieses Arbeitsheft in ihre
abschließende Beurteilung des Schülers ein (mindestens 20 % der A-Note).
Ihr theoretisches Wissen wird vom Lehrer beurteilt, wobei die Art der Beurteilung dem
Ermessen des Lehrers anheim gestellt wird. Den Schülern sollte beigebracht werden,
ein Kunstwerk zu analysieren, und sie sollten in der Lage sein, ihre eigenen Arbeiten auf
angemessene Art und Weise zu präsentieren.
Die Schüler legen in jedem Halbjahr der 6. Klasse eine praktische Prüfung ab. Diese
Prüfungen dauern vier Schulstunden einschließlich Pausen, wobei eine
Vorbereitungszeit von einer Woche für die Prüfung eingeräumt werden kann. Die
Schüler sollten mit den Anforderungen und Leitlinien des Abiturs in der 6. Klasse
vertraut gemacht werden. Die Note für diese Prüfung bildet die B-Note.
Neben ihren projektbasierenden Kunstwerken werden die Schüler aber auch anhand
folgender Kriterien bewertet:
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- ihre persönliche Entwicklung in Bezug auf ihren eigenen künstlerischen Reifeprozess
und denjenigen von anderen
- ihren persönlichen fantasievollen Beitrag, d. h. ihre Fähigkeit, Ideen zu bearbeiten,
um zu einer kreativen Lösung zu gelangen
- ihre Auswahl und ausdrucksstarke Verwendung der Anwendungsmethoden und
künstlerischen Elemente
- ihr Verständnis dessen, wie die erworbenen Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten
auf geeignete Weise während des gesamten Prozesses angewandt werden
- ihre Fähigkeit, sich kritisch mit ihrer eigenen Arbeit und der Arbeit der anderen
auseinanderzusetzen.
In der 7. Klasse beruhen alle Projekte auf dem vorgegebenen Thema des Jahres.
Die Schüler werden anhand der Qualität ihrer Vorbereitungsstudien (einschließlich ihrer
Recherchen) sowie des Endergebnisses eines jeden themen- und/oder
konzeptbasierenden Projekts beurteilt.
Die Beurteilung setzt sich aus drei Teilen zusammen:
- die Entwicklung des Werks (40 %),
- die Herstellung der Abschlussarbeit (50 %) und
- die Abschlusserklärung (10 %).
In der 7. Klasse werden die Schüler entsprechend den Anforderungen des
Europäischen Abiturs (Dokument 97-D-82, S. 1, 2) und des Themas des Jahres für die
7. Klasse beurteilt.
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5. Abiturprüfung in Kunst
Es handelt sich um eine praktische Prüfung.
Die Prüfung besteht aus zwei Teilen: Vorbereitung und Abschlussprüfung.
5.1 Art der Aufgabe
Die Aufgabe besteht aus einem bestimmten Text (fiktionaler/Sachtext) und/oder
visuellen Bildern und/oder Gegenständen, die als Ausgangspunkt für das persönliche,
kreative Kunstwerk des Prüflings dienen. Sie hat einen klaren Bezug zum Thema des
Jahres.
Vor dem Prüfungstermin verfügt der Schüler über eine kontrollierte Vorbereitungszeit
von einer Woche (vier normale Unterrichtsstunden). In der ersten dieser vier normalen
Unterrichtsstunden wird dem Schüler das Thema mitgeteilt. In dieser Phase der
Vorbreitung muss der Schüler seine Ideen in Bezug auf das vorgegebene
Prüfungsthema entwickeln. Es ist angedacht, dass der Schüler in dieser Phase der
Vorbereitung während seiner Freizeit weiter recherchiert, z. B. Zeichnungen, Fotos,
Bibliotheken, Museen oder Internet. Keine dieser Recherchen darf in den Unterricht
mitgebracht werden.
Der Schüler muss eine Auswahl seiner Studien aus den Recherchen, die er während
der vier normalen Unterrichtsstunden durchgeführt hat, vorstellen. Dies umfasst auch
Dinge wie visuelle Referenzen, Skizzen oder andere Medien, die er verwendet hat.
Während der Vorbereitungszeit in der Schule führt der Kunstlehrer die Aufsicht. Das
gesamte Papier, das dabei verwendet wird, muss im Voraus mit dem offiziellen Stempel
der Schule versehen und im Kunstraum aufbewahrt werden.
Die Abschlussprüfung dauert fünf Stunden (300 Minuten); der Schüler fertigt ein
komplettes und abschließendes Kunstwerk in 2D, 3D oder Multimedia an.
Die Abschlussarbeit wird am Tag der Prüfung erstellt.
Das gesamte Papier oder sonstige Material, das bei der Prüfung verwendet wird, wird
an diesem Tag ausgegeben.
Der Schüler hat während der Abschlussprüfung Zugang zu den Vorbereitungsarbeiten,
und diese Recherchen werden am Ende der Prüfung zusammen mit dem fertigen
Kunstwerk und dem schriftlichen Kommentar eingereicht.
Die Vorbereitungsarbeit darf auf höchstens drei Bögen im Format 50 x 70 cm oder
Ähnlichem aufgebracht werden.
Die digitale Bearbeitung von Bildern ist zulässig, wenn die Schule über entsprechende
Einrichtungen verfügt, darf jedoch nur während des Unterrichts erfolgen. Diese Arbeit
wird auf vom Lehrer bereitgestellten USB-Sticks abgespeichert, die auch nur für diesen
Zweck verwendet werden dürfen. Die Sticks verbleiben immer bei dem Lehrer, der die
Aufsicht führt. Dies gilt für Stand- und Bewegtbilder gleichermaßen. Das Endergebnis ist
auf Papier auszudrucken und wie jede andere Arbeit auch zu präsentieren.
Die Schüler können mit jedem beliebigen Medium bzw. jeder beliebigen Kombination
von Medien arbeiten, allerdings müssen die Arbeiten trocken und fixiert sein, bevor sie
zur Kennzeichnung weitergeleitet werden.
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Die Abmessungen der Abschlussarbeit in 2D dürfen maximal 50 x 70 cm (mit Rahmen)
betragen, müssen jedoch mindestens das Format A3 besitzen.
Es werden auch Arbeiten in 3D akzeptiert, sofern sie nicht größer sind als 50 x 50 x 70
cm. Die Originalarbeit in 3D wird vom Lehrer gekennzeichnet und an der Schule
gelagert. Es sollten sechs bis acht hochwertige Fotodrucke (A4) der dreidimensionalen
Arbeit von allen Seiten einschließlich der Einzelheiten hergestellt werden, wobei aus
einem Foto auch die Vergleichsgröße hervorgehen sollte. Der Hintergrund sollte neutral
sein. Diese Fotos sollten auf A2-Trägermedien präsentiert werden und werden an den
externen Prüfer weitergeleitet. Dies ist Aufgabe des Kunstlehrers.
Beurteilungskriterien:
- Entwicklung einer wohl überlegten Antwort auf die Aufgabenstellung anhand von
Skizzen und Vorbereitungszeichnungen, die zu einer logischen Schlussfolgerung
führen.
- Auswahl und Verwendung geeigneter Materialen und Techniken mit Können und
Geschick
- Zusammenstellung und Anordnung von Farben und anderen Gestaltungselementen,
um das Beabsichtigte umzusetzen
- Überlegungen zur Gestaltung und Durchführung der Arbeit in Form einer schriftlichen
Erklärung.
Der Begleittext bzw. die beigelegte Erklärung sollten zum Verständnis der praktischen
Arbeit beitragen und helfen, diese in den erforderlichen Zusammenhang zu stellen. Sie
liefern wertvolle Informationen über die Absichten, die Denkprozesse, persönlichen
Gefühle und Reaktionen, die Fähigkeit, konzeptuell zu denken, und über die
Entscheidungsfindung. Sie können aufzeigen, wie sich die Arbeit möglicherweise
weiterentwickelt, wenn mehr Zeit zur Verfügung steht.
5.2 Dauer und Organisation der praktischen Prüfung
1. Für die Vorbereitungsarbeit stehen vier Stunden im Rahmen des Stundenplans zur
Verfügung; die Aufsicht führt der Kunstlehrer.
2. Für die Abschlussprüfung sind fünf Stunden (300 Minuten) angesetzt.
3. Die Vorbereitung und die Abschlussprüfung finden in der Abteilung
Kunst statt.
4. Es werden geeignete Materialien zur Verfügung gestellt.
5. Maximale Größe der zweidimensionalen Arbeiten: 50 x 70 cm
6. Zur Aufzeichnung der dreidimensionalen Werke sollte ein Fotoapparat verwendet
werden. Die Arbeiten müssen nach der Prüfung fotografiert werden.
7. Ein Kunstlehrer sollte die Abschlussprüfung beaufsichtigen, um fachliche
Unterstützung bei Problemen zu gewährleisten und Materialien, Werkzeuge und
Ausrüstungen zu verteilen.
17

5.3 Beurteilung
Die Beurteilung setzt sich aus drei Teilen zusammen:
- die Vorbereitungsarbeit (40 %),
- die Herstellung der Abschlussarbeit (50 %)
- der abschließende schriftliche Kommentar (10 %).
Aus der Vorbereitungsarbeit ist ersichtlich, wie gründlich die Recherchen waren; ferner
müssen daraus eine Reihe von Ideen sowie die Auswahl und Entwicklung einer oder
mehrerer gewählter Möglichkeiten hervorgehen, die zur Abschlussarbeit führen.
Schriftliche Stellungnahmen sind willkommen.
Die Abschlussarbeit wird anhand der Originalität und der Ausgereiftheit der
Komposition, der fachlichen Kompetenz bezüglich der ausgewählten Medien und der
Angemessenheit der Antwort beurteilt. Ein besonderes Augenmerk gilt der Organisation
und Präsentation.
Aus dem abschließenden schriftlichen Kommentar muss eine kritische
Auseinandersetzung mit der Erstellung der Abschlussarbeit hervorgehen. Er zeigt, ob
der Schüler das Thema des Jahres im Zusammenhang mit der Aufgabenstellung
verstanden hat. Im Idealfall stellt er Zusammenhänge mit der Arbeit von Künstlern in
Verbindung mit dem Thema des Jahres her.
Vorbereitungsarbeit
0 - 2 Keine Hinweise auf eine Vorbereitung
3 – 4 Einige Hinweise auf eine Vorbereitung und Recherchen in
eingeschränktem Maße
5 - 6 Einige Recherchen, einige erste Ideen, jedoch Entwicklung nur in
beschränktem Maße, elementare fachliche Kompetenz
7 - 8 Genauigkeit der Recherchen, eine breite Palette von Ideen, gute Auswahl
und Entwicklung einer oder mehrerer ausgewählter Möglichkeiten, die zur
Abschlussarbeit führen, fachliche Kompetenz auf gutem Niveau
9 - 10 Hervorragendes Niveau bezüglich der Genauigkeit und Breite der
Recherchen, qualitativ hochwertige Skizzen, die auf einen sich
herausbildenden persönlichen Stil hindeuten, Fähigkeit zu
experimentieren, und hochgradig originelle Komposition.
Abschlussarbeit
0 - 2 Es wurde keine oder nur eine sehr unvollständige Arbeit eingereicht
3 – 4 Unvollständig, wenig originell, Aufgabe wurde nicht oder nicht ganz
verstanden, gering entwickelte fachliche Kompetenz
5 - 6 Einige Hinweise auf die Komposition, schwach entwickelte fachliche
Kompetenz bezüglich der gewählten Medien und geringes Verständnis
der Aufgabe, unzureichende Organisation und Präsentation
7 - 8 Originelle und geeignete Komposition, persönliche Interpretation der
Aufgabe, fachliche Kompetenz bezüglich der gewählten Medien, Sorgfalt
bei der Organisation und Präsentation
9 - 10 Eine in hohem Maße originelle und ausgereifte Komposition, die auf hohe
fachliche Kompetenz bezüglich der gewählten Medien und eine in hohem
18

Maße kreative Interpretation der Aufgabe hindeutet, die gut präsentiert
wird und vollständig ist
Abschlusserklärung
0 - 2 Keine oder sachfremde Abschlusserklärung
3 – 4 Kaum Auseinandersetzung mit der Abschlussarbeit. Rein beschreibende,
unerhebliche oder banale Beschreibung des Arbeitsprozesses
5 - 6 Gewisses Maß an Reflexion der Abschlussarbeit und Grundverständnis
des Themas des Jahres im Zusammenhang mit der Aufgabenstellung.
Geringes Verständnis der Arbeit anderer Künstler.
7 - 8 Kritische Auseinandersetzung mit der Abschlussarbeit, bei welcher der
Arbeitsprozess und die gewählten Medien analysiert werden, und ein
gewisses Verständnis der Künstler in Verbindung mit dem Thema des
Jahres
9 - 10 Hervorragende persönliche Reflexion und Bewertung der Abschlussarbeit,
die auf ein ausgezeichnetes Verständnis des Themas des Jahres im
Zusammenhang mit der Prüfungsaufgabe hinweist. Herstellung wichtiger
Zusammenhänge mit der Arbeit von Künstlern in Verbindung mit dem
Thema des Jahres
19

Anhang 1 – Künstlerische Elemente
PUNKT:
Größe, Wiederholung, eng beieinander / verstreut
LINIE:
- Qualität der Linie: dick, dünn
- Art der Linie: gekritzelt – gebrochen
wellig - gerade
- Kreuzschraffierung, Parallelschraffierung
- Umriss, Kontur
FIGUR/FORM:
- organisch/geometrisch
- symmetrisch/asymmetrisch
- offen/geschlossen
- positiv/negativ
- Umriss/Kontur
MUSTER:
- Wiederholung
- regelmäßig / unregelmäßig
- figurativ / abstrakt
- geometrisch / organisch
- natürlich / von Menschenhand gemacht
KOMPOSITION:
- statisch / dynamisch
- Ausgewogenheit
- Harmonie / Disharmonie
- überlappend
- zerlegte Elemente
- verstreute / eng beieinander liegende Elemente
- goldener Schnitt
FARBE:
- Farbmischungen (einschließlich Farbton, Farbnuance und Farbschattierung)
- Farbharmonien (Farbfamilien)
- Farbkontraste : warme/kalte Farben
Komplementärfarben
hell/dunkel
Quantität/Qualität
TEXTUR:
- Oberfläche: rau / glatt
RAUM:
Schaffung einer Illusion von Raum in 2D
20

- Maßstab, Überlappung...
- parallele Projektion, isometrisch
- Perspektivsysteme: zentraler Fluchtpunkt, zwei/drei Fluchtpunkte
- Luft- / atmosphärische Perspektive
- Wirkung warmer / kalter Farben
21

Anhang 2 - Anwendungsmethoden
ZEICHNUNG:
Möglichkeiten:
Zeichnen nach Beobachtung (natürliche und von Menschenhand gefertigte
Gegenstände)
Zeichnen aus dem Gedächtnis oder aus freier Vorstellung
Übungen mit:
- Animation,
- Graffiti
- Beschriftung
MALEREI:
Möglichkeiten:
- Gouache, Aquarellfarben, Acryl, Öl, Tempera
- Wand-, Freskomalerei
- Buchmalerei (Illumination)
- Aktionsmalerei (Action Painting), Tropf-Malerei (Drip-Painting)
- Körperbemalung (Bodypainting)
DRUCK:
Möglichkeiten:
- Flachdruck (Schablonen/Siebdruck)
- Reliefdruck (Kartoffeln/Linoleum/Holz)
- Tiefdruck (Flachstich-Gravur, Radierung, Lithografie)
- Monotypie
COLLAGE / DECOLLAGE:
DREIDIMENSIONALE ARBEITEN:
Möglichkeiten:
- additiv (Modellieren, Guss)
- subtraktiv (Schnitzarbeit)
- konstruktiv
- Montage
- Assemblage (gefundene Gegenstände, vorgefertigte Elemente)
- Installation
- Land Art
- architektonische Entwürfe
DESIGN:
Möglichkeiten:
- Grafik
- Produkt
- Innenräume
- Mode
- Bühne
SONSTIGE MEDIEN:
Möglichkeiten:
22

- Fotografie
- Film/Video
- Computergrafik und andere Anwendungen
23

Anhang 3 – Verständnis von Kunst, Design und Architektur
1. Allgemeines – Was sehen Sie?
Notieren Sie den Namen des Künstlers, den Titel des Werks, die verwendeten
Materialien und Techniken, Größe und Format, das Datum der Herstellung und den Ort
(Museum). Wo und wie wird es ausgestellt?
Was sehen Sie? Wie ist das Werk angeordnet? Wo und wie wird es ausgestellt? Wie
sieht es aus? Ist es eine realistische Darstellung oder eine Abstraktion von etwas?
Beschreiben Sie Ihre Gefühle in Bezug auf dieses Kunstwerk, um eine persönlichere
Aussage zu machen und den letzten Teil Ihres Textes (Meinung und Schlussfolgerung)
vorzubereiten.
Bewegt Sie das Werk in irgendeiner Art und Weise? Fängt es eine Stimmung oder ein
Gefühl/eine Emotion ein, die Sie schon einmal erlebt haben? Vermittelt es Gefühle
bezüglich des Lebens/der Natur? Können Sie sich die Gefühle des Künstlers bei der
Herstellung des Werks vorstellen?
Ist das Werk laut, leise, beruhigend, beunruhigend, glücklich, traurig, entspannend,
unangenehm usw.?
2. Analyse – Wie ist das Kunstwerk geschaffen?
Zur Veranschaulichung seiner Gedanken, Ideen und/oder Gefühle benutzt ein Künstler
verschiedene künstlerische Elemente und Gestaltungsprinzipien. Durch die
Verwendung dieser bildlichen Sprache arbeiten Sie daran, eine mögliche Bedeutung zu
erkennen. Fertigen Sie Skizzen an, um Ihre Analyse zu belegen.
Linie
Können Sie auf der Leinwand/dem Papier Hinweise für eine Vorzeichnung erkennen?
Wie sind die Linien beschaffen (gerade, gebogen, eckig, fließend usw.)? Welche
Richtungen werden hauptsächlich verwendet (horizontal, vertikal, diagonal)?
Farbe
Sind die Farben rein oder gemischt? Gibt es eine Farbe, die dominiert? Ist das
Kunstwerk ein- oder mehrfarbig? Gehören die Farben bestimmten Farbfamilien an, oder
sind es Kontrastfarben (Komplementärfarben, hell-dunkel, kalt-warm, Qualität-Quantität,
gleichzeitig)? Werden sie expressiv oder impressiv verwendet?
Formen und Figuren
Sind die Formen und Figuren organisch oder geometrisch, offen oder geschlossen?
Gibt es eine Hauptfigur, oder besteht das Kunstwerk aus Kombinationen von Formen,
die zueinander in Bezug stehen (Rhythmus, Kontrast, Symmetrie usw.)? Was ist zur
Verwendung positiver und negativer Formen zu sagen?
Komposition
Gibt es einen oder mehrere Fokuspunkte? Hat der Künstler eine zentrale Komposition
gewählt, oder hat er ein bestimmtes Kompositionsschema (Dreieck, Kreis, Quadrat,
Linie usw.) verwendet? Hat er eine horizontale, eine vertikale oder eine diagonale
Komposition geschaffen? Ist das Ergebnis dynamisch/statisch oder
symmetrisch/asymmetrisch?
Licht und Schatten
24

Welche Lichtquelle wird verwendet (natürliches, künstliches oder übernatürliches
(religiöses oder surrealistisches) Licht)? Aus welcher Richtung kommt das Licht – von
oben, unten, links oder rechts? Verwendet der Künstler Gegenlicht, leuchtet er sein
Werk aus oder setzt er einen Gegenstand/ein Motiv vor das Licht? Welche Lichtstärke
wird verwendet (gedämpftes, diffuses, gerichtetes Licht usw.), und welche Lichtfarbe?
Wie werden Schatten eingesetzt (Schatten, Schattierung, Sekundärschatten)?
Raum
Hat der Künstler Kontraste zwischen groß und klein (mit einer Trennung in drei Ebenen:
Vordergrund, Mitte und Hintergrund) verwendet, um den Eindruck von Raum zu
schaffen? Gibt es Überlappungen oder Zerlegungen? Wird die Szene aus einem
bestimmten Blickwinkel betrachtet (Vogel- oder Froschperspektive)? Hat der Künstler
unterschiedliche Blickwinkel verwendet? Tragen Farben zur Schaffung eines Eindrucks
von Raum bei? Wenn ja – bitte beschreiben Sie, wie. Wird Perspektive eingesetzt? In
welcher Beziehung steht der Gegenstand/das Gebäude zur Umgebung?
3. Meinung und Interpretation – Was bedeutet das Kunstwerk?
Dies ist der Teil des Textes, in dem Sie über eine reine Beschreibung hinausgehen und
eine Schlussfolgerung bezüglich einer möglichen Bedeutung anbieten sowie Ihre eigene
auf Fakten gestützte Meinung zum Kunstwerk darstellen. Wenn Sie Aussagen zu dem
Kunstwerk machen, sollten Sie sich dabei auf die vorstehende Analyse beziehen.
Welche Intention verfolgt der Küntler Ihres Erachtens? Ist das Thema subjektiv, zufällig
oder ein Mittel, um soziale, religiöse, ethische oder politische Inhalte eines Künstlers
oder Kunden zum Ausdruck zu bringen?
Ist das Thema erfunden oder unmittelbar beobachtet? Wird es realistisch behandelt,
oder wird es bewusst übertrieben / verfälscht, und wenn ja, weshalb? Ist die Oberfläche
des Motivs tief oder verborgen, also nicht unmittelbar erkennbar? Sind die verwendeten
Symbole, Analogien oder Metaphern eine Anspielung auf die Bedeutungen des
Kunstwerks?
Was wissen Sie über den sozialen, kulturellen, kunsthistorischen und politischen
Hintergrund? Gibt es Kenntnisse, die Ihnen zu einem besseren Verständnis des
Kunstwerks verhelfen?
Welche Auswirkungen hatte das Kunstwerk zum Zeitpunkt seines Entstehens? Ist es
nach wie vor von Bedeutung?
4. Architektur und Gebrauchsdesign
Bei der Betrachtung von Architektur und Gegenständen, die für einen bestimmten
Zweck hergestellt werden, können die vorstehend genannten Kriterien herangezogen
werden, doch gibt es noch weitere Aspekte, die untersucht werden können, etwa
Funktion, innere und äußere Struktur, Oberflächendekor, soziale und ökologische
Auswirkungen und ihr praktischer, ästhetischer und symbolischer Wert.
25

Anhang 4 – Voraussetzungen in den Klassenzimmern
Für die uneingeschränkte Erfüllung des Stundenplans gelten die nachstehend
genannten Voraussetzungen im Klassenzimmer als wesentlich:
1. Alle Kunsträume sollten speziell zu diesem Zweck gebaut und mit Ausrüstungen und
Materialien ausgestattet sein, die für die Umsetzung des Stundenplans notwendig
sind. Ein sicherer Lagerbereich ist von wesentlicher Bedeutung.
2. Für die Abteilung sollte ein Jahresbudget für die Anschaffung von Ausrüstungen,
Materialien, Büchern, audiovisuellem Material und Computersoftware zur Verfügung
gestellt werden.
3. Die Schülerzahlen pro Klasse sollten in den Klassen 1 bis 3 maximal 25 sowie in den
Klassen 4 bis 7 höchstens 20 betragen.
4. Für die Verwendung neuer Medien, bei denen Computerprogramme zum Einsatz
gelangen, ist es erforderlich, dass die Kunsträume mit den erforderlichen Computern,
Druckern und Scannern ausgestattet sind, damit die Schüler diese Art von Arbeiten
ebenfalls durchführen können.
5. Doppelstunden gelten als unbedingt erforderlich.
26

Anhang 5 – Vorgeschlagene Themenbereiche in Kunstgeschichte
1. Die Vorstellungswelt der Antike – von Ägypten bis Rom
2. Die Welt entdecken – radikale Veränderungen Ende des 15. Jahrhunderts (vom
Mittelalter bis zur Renaissance)
3. Vanitas & Carpe Diem – Herausforderungen des 17. Jahrhunderts
(Barock)
4. Die Folgen des Fortschritts – Vom 19. bis ins 20. Jahrhundert
(Beginn der abstrakten Kunst / Impressionismus, Art Nouveau, Expressionismus,
Kubismus usw.)
5. Was ist Realität? – Fragen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts
(Surrealismus, Neue Sachlichkeit, Bauhaus usw.)
6. Die Suche nach einer Neuorientierung – die Zeit nach dem
Zweiten Weltkrieg
(Abstrakter Expressionismus, Pop Art usw.)
7. Pluralismus – Ende des 20. und Beginn des 21. Jahrhunderts
(Neue Medien, Pluralismus und internationale Ausstellungen)
27

Anhang 6 – Vorgeschlagene Veröffentlichungen für den Kunstunterricht
Bücher und Verlage
Die nachsthenden Bücher werden für den Kunstunterricht als vierstündiges Wahlfach in
der Oberstufe empfohlen. Diese Bücher sind für die Europäischen Schulen besonders
gut geeignet, da sie in verschiedenen Sprachen erschienen sind.
1. Art of the 20 th Century, Taschen Verlag
2. Approaching art and design – A guide for students, TAYLOR, Rod, Longman UK,
ISBN 0- 582 -004284, 1990
3. Learning to look at paintings, ACTON, Mary, Routledge London, ISBN 0- 415-
14890- 1 (pbk) 0 -415 -14889 -8 (hbk) 1997
4. Themes and projects in art and design, PALMER, Frederick, Longman UK, ISBN
0- 582 -35591- 5, 1988
5. What is art?, DAVIDSON, Rosemary, Oxford University Press, ISBN 0-19-
910454-9, 1993
6. Art: the definitive visual guide, GRAHAM-DIXON, Andrew, Dorling Kindersley,
ISBN 9781405322430, 2008 (price £30)
7. The gallery companion, LODWICK, Marcus, Thames&Hudson, ISBN 0-500-
28358-3, 2002
8. The Usborne introduction to art, Usborne/National Gallery London,
DICKENS,Rosie & GRIFFITH,Mari, ISBN 0746047150, 2004, (price£14.99).
9. Epochen der Kunst, Otto Kammelohr, Band 1 - 4, Oldenbourg Verlag
10. Grundkurs Kunst, Michael Klant / Josef Walch, Schroedel Verlag
11. Bildende Kunst; Sehen – Verstehen - Gestalten, Michael Klant / Josef Walch,
Schroedel Verlag
12. Praxis Kunst, Schroedel Verlag
13. Kunst entdecken, Dietrich Gruenewald, Band 1 - 4, Cornelsen Verlag
14. Encyclopédie de l’Art, La pochothèque = Livre de poche
15. Chronologie de l’histoire de l’Art, Dominique Chapon, Ed Larousse, 1997
16. Petite Encyclopédie des Peintres de A à Z, Stefano Zuffi, Ed Solar, 2004
17. 25 Tableaux Modernes Expliqués, « Les œuvres, les artistes », Claude Amey, Ed
Marabout, 1994
28

18. Le Grand Dictionnaire de l’Art, Barbara Kappelmayr, Ed. France Loisirs, 1995
19. La Sculpture de l’Antiquité au XX Siècle (en deux tomes), Ed. Taschen
20. Tout comprendre à la peinture, Alexandre Sturgis et Hollis Clayson, Ed Octopus,
2003
21. Les Arts Premiers, « Afrique Noire, Australie et Océanie, Amérique du Nord »,
Gabriel Mandel,Ed. Solar, 2002
22. Dictionnaire Culturel de l’Expressionnisme , Sébastien Clerbois et Catherine
Verleysen, Ed Hazan, 2002
23. L’Art Magique, « Une histoire de l’Art », André Breton, Ed Phebus, 1991
24. Europa, « L’idée et l’Identité Européennes, de l’Antiquité Grecque au XX
Siècle », Yuste, Fonds Mercator, Ed Fondation Académie Européenne
25. Histoire de l’Art, « Europe-Afrique – Asie-Océanie-Amérique », Albert Chatelet et
Bernard Philippe Groslier, Ed. Larousse, collection In Extenso
26. Le Regard du Peintre, « La composition picturale », Sarah Kent, Ed Passion des
Arts
27. Le Voyage dans l’Imaginaire, Raymond Christinger, Ed. Mont-Blanc
28. Esthétique des Proportions dans la Nature et dans les Arts, Matila C.Ghyka, Ed.
du Rocher, 1987
29. Structures, Luc Joly, Ed. Sidrine Genève, 1990
30. Le Dictionnaire des Symboles, Jean Chevalier et Alain Gheerbrant, Ed Robert
Lafont / Jupiter, 1982
Websites
Die nachstehend genannten Websites sind Beispiele von Websites, die für den
Kunstunterricht an Europäischen Schulen verwendet werden können. Es liegt im freien
Ermessen des Lehrers, diese Liste um weitere Websites im Bereich Kunst in anderen
Amtssprachen zu ergänzen.
www.nationalgallery.org.uk
www.tate.org.uk/modern/ - mit Suchdiensten und Katalogen
www.vam.ac.uk (Victoria and Albert Museum, London)
www.louvre.fr - enthält eine gute Datenbank und 18 DVDs namens „pallettes“, die sich
mit der Malerei durch die gesamte Kunstgeschichte hindurch in
englischer, französischer, deutscher, italienischer und spanischer
Sprache befassen
29

www.culture.gouv.fr/documentation/museo
www.museodelprado.es
www.museothyssen.org
www.artcyclopedia.com/museums-in-germany.html
www.kunstunterricht.de
www.we-make-money-not-art.com (zeitgenössische Entwicklungen)
www.beniculturali.it - Informationen und Tipps zu nationalen Kulturinstituten, Museen
und Ausstellungen
www.polomuseale.firenze.it - offizielle Website der florentinischen Landesmuseen
www.museiincomuneroma.it - offizielle Website der städtischen Museen in Rom
www.galleriaborghese.it - offizielle Website der Galleria Borghese, der Galleria
Barberini, der Galleria Corsini und der Galleria Spada.
www.archeoroma.beniculturali.it - Informationen zu archäologischen
Ausgrabungsstätten in Rom
www.artive.beniculturali.it - offizielle Website der venezianischen Landesmuseen
www.museiciviciveneziani.it - offizielle Website der venezianischen städtischen Museen
sba-na.campaniabeniculturali.it - Museen, archäologische Ausgrabungsstätten,
Veranstaltungen in Neapel, Pompeji und Caserta.
30

DVD/CD-ROM
Reproduktionen
1. Take one picture DVD, (2008) Primarstufe & Klassenstufen 1 bis 3.
2. Renaissance Faces
3. Vollständiger illustrierter Katalog auf CD Rom, 2001,
4. Kunst für Kenner, preisgünstige CD-ROMS mit Werken aus verschiedenen
Epochen
5. 1000 Gemälde, die jeder haben muss. Wissen Kompakt. Berlin
6. 50 Jahre Meisterwerke der Kunst. Villingen: Neckar Verlag 2003
31

Anhang 7 - IKT und neue Technologien
Ein besonderes Augenmerk sollte auf die neuen Technologien gelenkt werden, mit
denen Bilder und Text mithilfe von spezifischer Software auf eine angemessene
künstlerische Art und Weise im eigentlichen Sinne bearbeitet werden können;
Aufnahme, Umgestaltung, Erstellung, Vervielfältigung und Kommunikation.
32

Anhang 8 - Aus: Das Europäische Abitur, Die Europäischen Schulen, AZ: 96-D-
3610
1.0 Prinzipien und Zielsetzungen
Die Zielsetzungen des Europäischen Abiturs in Kunsterziehung (die jedoch in allen
Lehrbereichen Anwendung finden) können wie folgt zusammengefasst werden:
- Fähigkeit zu denken und Ideen eigenständig auszudrücken
- Fähigkeit, Informationen/erworbene Kenntnisse zu analysieren
und zu bearbeiten
- Fähigkeit, erworbene Kenntnisse in neuen Situationen
anzuwenden
In diesem Kontext können vier Fähigkeitsbereiche definiert werden:
1. Wiedergabe der Kenntnisse
2. Anwendung der Kenntnisse
3. Lösung der Probleme unter Einsatz der
4. kritischen Fähigkeit (Meinungsfindung mit informativem Wert) und der
künstlerischen Sensibilität.
Obschon im Kontext der Prozesse zur Formulierung von Fragen und Beurteilungen alle
Fähigkeitsbereiche berücksichtigt werden müssten, ist eine zu strenge Anwendung der
Kriterien angesichts der unvermeidlichen bzw. erforderlichen Überlappungen zu
vermeiden.
1. Wiedergabe der Kenntnisse
- Faktisches: Daten, Regeln, Definitionen, biografische Details,
usw.
- Definitionen/Beschreibungen der technischen Verfahren,
- Aneignung eines Wortschatzes im Bereich der Kunst und Ästhetik,
- Verständnis der künstlerischen/ästhetischen Konzepte
- Identifikation und Verständnis der relevanten Ikonografie,
- Kontextuelle Wahrnehmung – das Thema wird in einer breiteren kulturellen
Perspektive erfasst: politische, soziale, literarische, philosophische, psychologische
….. sowie die spezifisch kunsthistorische Perspektive.
2. Anwendung der Kenntnisse
- Fähigkeit, die zutreffenden Kenntnisse in kohärenter Weise zu wählen, zu bearbeiten
und darzustellen
- Fähigkeit, die Bilder und visuellen Strukturen zu beschreiben und zu analysieren
unter Benutzung des angemessenen Wortschatzes und/oder der grafischen
Analysentechniken
- Fähigkeit, fachliche Kompetenzen anzuwenden
3. Lösung der Probleme
33

- Fähigkeit zum lateralen Denken
- Fähigkeit, komplexe Daten (visuelle und andere) zu analysieren und zu
bearbeiten (Wahrnehmung, Betrachtung, Wahl, Vorbereitung, Organisation,
Synthese, Extrapolation, Realisation), um selbständig zu einer angemessenen
und kreativen Schlussfolgerung zu gelangen, sei sie schriftlich und/oder
künstlerisch, zwei- oder dreidimensional.
4. Fähigkeit zur Kritik (Urteilsfindung mit informativem Wert) und künstlerische
Sensibilität
- Kreativität
- Selbstkritik
- Initiative: Fähigkeit, Ideen zu verknüpfen, sich damit vertraut zu machen und die
Arbeit selbständig zu organisieren
- Offenheit gegenüber neuen Ideen
- Persönliche Fähigkeiten: Wissbegierde, Vorstellungskraft, Selbständigkeit,
Skepsis, Durchhaltevermögen und Selbstdisziplin
- Visuelle Intelligenz: Fähigkeit, Probleme zu erkennen, und Erfassung räumlicher
Beziehungen.
34