Programm 03/12: Dvorak, Stabat Mater (PDF | 487,8 KB)

JESUITENKIRCHE HEIDELBERG
beim Universitätsplatz
Sonntag, 25. März 2011 | 19 Uhr
Antonín Dvořák
STABAT MATER
Katharina Persicke | Sopran
Kirsten Schwarz | Alt
Martin Erhard | Tenor
Markus Volpert | Bass
CAPPELLA PALATINA HEIDELBERG
HEIDELBERGER KANTATENORCHESTER
Leitung: Markus Uhl
Eintritt: € 24/21, € 19/15, € 13/10 und € 7 bei allen Vorverkaufsstellen, im Internet
unter www.reservix.de und an der Abendkasse ab 18 Uhr.
Mit freundlicher Unterstützung der Stadt Heidelberg.

I.
Quartett und Chor. Andante con moto
Stabat mater dolorosa
II.
Quartett. Andante sostenuto
Quis est homo qui non fleret
III.
Chor. Andante con moto
Eja mater, fons amoris
IV.
Bass solo und Chor. Largo
Fac ut ardeat cor meum
V.
Coro. Andante con moto, quasi Allegretto
Tui nati vulnerati
VI.
Tenor solo und Chor. Andante con moto
Fac me vere tecum flere
VII.
Chor. Largo
Virgo virginum praeclara
VIII.
Duett. Larghetto
Fac, ut portem Christi mortem
IX.
Alt solo. Andante maestoso
Inflammatus et accensus
X.
Quartett und Chor. Andante con moto
Quando corpus morietur

VERSTÖREND BETÖREND
900 Jahre ist es alt, über 50 mal wurde es vertont: Das Stabat-Mater-Gedicht
ist zweifelsfrei einer der am meisten musikalisch rezipierten geistlichen Texte
überhaupt. Natürlich würde eine Aufzählung sämtlicher Vertonungen den
Rahmen dieses Textes sprengen, doch sollen an dieser Stelle einige Vertonungen
vor Dvořáks Arbeit erwähnt werden. Die bekanntesten Komplettvertonungen
des Gedichtes stammen von Orlando di Lasso, Giovanni Pierluigi
di Palestrina, Antonio Caldara, den beiden Scarlattis, Giovanni Battista Pergolesi,
Joseph Haydn und Gioachino Rossini. Doch Dvořáks Vertonung
nimmt eine Sonderrolle in der Rezeptionsgeschichte des Stabat Mater ein,
denn selten ist ein Werk so biographisch geprägt wie dieses.
Die Musik eines Komponisten mit seiner Biographie zu vergleichen und daraus
Parallelen zu ziehen kann manchmal zu irreführenden Verzerrungen
führen, denn über Jahrhunderte war die Komponistenarbeit ein Beruf wie
jeder andere. Ein Tonsetzer eben, der Töne zu setzen hatte, die der Auftraggeber
bestimmte. Doch betrachtet man die Entstehungsphasen Dvořáks
Stabat Mater und seine Biographie, kommt man nicht umhin festzustellen,
dass hier ein Komponist sein momentanes Seelenleben vertont. Dvořáks erste
Skizzen zum Stabat Mater können auf das Frühjahr 1876 datiert werden,
aber wir können nicht mit Sicherheit feststellen, ob der Tod seiner ersten
Tochter drei Jahre zuvor ihn zu der Arbeit bewegte. Nach einer Unterbrechung
von mehr als einem Jahr beendet Dvořák sein Werk schließlich am
13. November 1877, drei Monate nachdem das Ehepaar Dvořák von zwei
weiteren Schicksalsschlägen getroffen wurde: im August des gleichen Jahres
verstirbt seine zweite Tochter Ružena, kurz darauf sein Sohn Otakar. Antonin
und Anna Dvořák bleiben kinderlos zurück. Niemand würde von Zufall
sprechen, dass Dvořák ausgerechnet zu dieser Zeit erneut zu seiner unvollendeten
Komposition greift. Genau so wenig Zufall ist es, dass er ausgerechnet
zum Stabat-Mater-Gedicht greift, was sich vielmehr durch den Inhalt und
die Erzählperspektive, als durch die äußere Form erklärt.
Zwar wissen wir nicht mit endgültiger Sicherheit, wer das Gedicht verfasste,
können aber davon ausgehen dass es sich dabei um einen erfahrenen Poeten
handeln muss, denn die äußere Anlage der Verse zeugt von großer Stilsi-

cherheit, was in der Vergangenheit dazu führte, Innozenz III., Iacopone da
Todi oder Johannes Bonaventura als mögliche Autoren zu vermuten. Aufgeteilt
in zehn zweiteilige Verse mit streng jambischem Rhythmus und einer
ebenso strengen Reimfolge AABCCB wird das Leiden Marias zum Tode Jesu
Christi in Worte gefasst. Bemerkenswerterweise wird eben dieser in allen 60
Versen des lateinischen Originaltextes nur zwei Mal explizit erwähnt, lediglich
in der vierten und achten Strophe fällt der Name Jesus Christus. Eine
weitere Besonderheit des Gedichtes ergibt sich im Vergleich anderer liturgischer
oder nicht liturgischer Passionstexte. Der Verfasser begibt sich direkt in
das Geschehen, gibt vor, neben Maria zu stehen und beschreibt in der Ich-
Perspektive seine Eindrücke vom Leiden Marias, in den Passionspassagen der
Evangelien wird das Geschehen von außen narrativ dargestellt, aus einem
distanzierten Blickwinkel kommentiert. Die reduzierte Erwähnung Jesu
Christi, die Perspektive des Erzählers macht aus dem Stabat-Mater-Gedicht
über weite Strecken einen universellen, individuellen, abstrakten, aber doch
intensiven Trauertext, der sich wie wenig andere zu einer Vertonung selbst
erlebter Trauer eignet.
Noch individueller wird Dvořáks Komposition dadurch, dass er sich von der
Versverteilung, dem Reimschema und dem Rhythmus kaum beeinflussen
lässt. Der erste Satz, der die ersten beiden Verse in Musik setzt, beginnt im
düsteren H-moll, geprägt von terzlosen Akkorden, archaisch die ständigen
chromatischen Linien in den Oberstimmen. Dvořák dehnt diesen Satz in
epischer Breite aus: im Verlauf der insgesamt 381 Takte führt er den Hörer
in eine surreale Traumwelt, fast ein Albtraum, der verstörend und betörend
zugleich die Trauer Dvořáks spüren lässt und dem Publikum Einiges abverlangt.
Spätestens der Einsatz des Chores erfasst den Hörer mit Schauern:
sprachlos, subtil im Pianissimo aber doch prägnant und pochend, erklingt
erstmals das „Stabat Mater“.
Keine Sorge, dieser angsteinflößende Gestus ist nicht das einzige Mittel, mit
dem Dvořák uns in den Bann zieht. Jeder Satz für sich hat seine eigene
Sprache, seine eigene Gestalt, seine eigene Aussage. Der zweite Satz Quis
est homo mit seiner charakteristischen Vorhaltsmelodik und seiner folkloristischen
Färbung verschafft uns eine kleine Verschnaufpause, bevor uns die
Dunkelheit des C-moll-Satzes Eia Mater, fons amoris mit seinem repetierenden
Marschrhythmus wieder einholt. Den rhythmisch prägnanten Gestus hält
Dvořák auch im 4. Satz, Fac ut ardeat cor meum bei, stellt ihm aber ein kantables
Bass-Solo voran, das sich dann immer wieder mit dem Chor abwechselt,
bevor der wohl unerwartetste Teil des Werkes erklingt. Tui nati vulnerati
präsentiert sich in einem sanften Es-Dur, überschrieben mit „Andante con

moto, quasi allegretto“ und „legato sempre“. Im pastoralen 6/8-Takt erheben
sich die Chorstimmen in rein diatonischen Linien. Fast wie ein überraschender
Bruch steht er inmitten dieser Tragödie. Der fünfte und somit mittlere
Satz des Stabat Mater kann auch als Wendepunkt der gesamten Komposition
angesehen werden. Während die letzten vier Sätze in sanften, dunkleren
B-Tonarten stehen, erklingen die folgenden Sätze nun in härteren, aber auch
helleren Kreuztonarten. Das Tenor-Solo Fac me venere tecum flere, das immer
zwischen E- und H-Dur pendelt ist ähnlich zart wie der vorhergehende
Teil, und mit ihm zusammen auch die einzigen Dur-Sätze der Komposition,
sein 4-taktiges Tonleitermotiv aber noch einprägsamer als das Pastorale Tui
nati vulnerati. Zurück in dunklere, garstige Gefilde führt uns Virgo virginum
praeclara. Über einem punktierten, pochenden Bassostinato fleht der Chor
nach Anteilnahme an Marias Leiden, bevor das Duett Fac, ut protem Christi
mortem den ganzen erlittenen Schmerz durchlebt. Das Alt-Solo des vorletzten
Satzes mit seinen „Händelschen“ Bassläufen, Inflammatus et accensus,
deutet schon die Richtung an, die das Gedicht letztendlich anstrebt: die
Hoffnung nach Erlösung, das Bitten nach „des Sieges Freuden“.
Es mag es etwas knapp und oberflächlich erscheinen, dass in diesem Text die
einzelnen Teile in der Komposition lediglich in ein bis zwei Sätzen abgehandelt
werden, mehr Worte bedarf Dvořáks Kompositionsschema in diesem
Werk nicht. Jeder Satz beginnt mit einem musikalischen Gedanken eröffnet,
der im weiteren Verlauf des Abschnittes nicht aufgegeben wird. Ständig ist
das vorangestellte Motiv hörbar, immer wieder leicht nuanciert. Eine leitmotivische
Arbeit par Exellence. Und mit diesem minimalen Mittel schafft
Dvořák maximale Wirkung; er kommt der inneren Trauer eines Menschen
damit am nächsten.
Jeder Mensch, der tiefe Trauer kennt, wird sie kennen, die ständig wiederkehrenden,
immer gleichen Gedanken. Angefangen über die Unwirklichkeit
des nicht-wahrhaben-Wollens, der marschierenden Wut, der kurzzeitigen
Erholung, dem selbstlosen Wunsch, mit der verlorenen Person tauschen zu
wollen, dem Flehen nach Erlösung. All diese Phasen werden durchlebt und
jede Einzelne erscheint endlos; immer wieder kreisen die Gedanken, nur in
Nuancen verändert. Dvořáks musikalische Mittel lassen sich in wenigen Sätzen
zusammenfassen, ebenso wie unsere Gedanken in Trauerzeiten. Seine
Leitmotivik, sein Wiederholen des immer gleichen musikalischen Gedankens,
kann als symbolisch für die menschliche Trauer angesehen werden.
Trauer, die einen gefangen hält in den immer gleichen Wahrnehmungen,
den immer gleichen Ängsten, den immer gleichen quälenden Gedankenspielen
… bis man von der hoffnungsvollen Akzeptanz, dem Hinnehmen der

Schicksalsschläge wieder zurück ins Leben geholt wird. Hoffnung auf das
paradisi gloria, auf des Himmels Seligkeit, die einen befreit, ohne dass man
vergisst. So lässt sich auch der letzte Satz des Dvořákschen Stabat Mater
nicht in einem Nebensatz zusammenfassen, zu vielgestaltig ist hier die Musik.
Angefangen mit einem Rückgriff auf den ersten Satz eröffnet er diesen
Teil mit eben den selben Oktavklängen, gefolgt von ebenfalls bekannten
Tonleitermotiven, rhythmischen Ostinati, sanften, choralartigen Abschnitten,
denen sich das Amen anschließt. Ein Amen, das eher an di Lasso oder Palestrina
erinnert als an ein Werk des späten 19. Jahrhunderts: ein 130 Takte
langes, repetierendes Amen, das nur kurz von einem nachdrücklich deklamierten
Quando corpus morietur, fac, ut animae donetur paradisi gloria unterbrochen
wird und letztendlich in einen strahlenden, mit dem Schicksal
versöhnenden D-Dur-Akkord mündet. Ohnehin ist der Einsatz von Dur-
Tonarten im gesamten Werk auffällig: insgesamt 3 Sätze stehen in Dur, was
für eine Stabat-Mater-Vertonung doch ein Novum darstellt, waren doch die
bisherigen Kompositionen durchgängig in Moll gehalten.
Martin Bail

TEXT
Quartett/Chor
Stabat mater dolorosa
Iuxta crucem lacrimosa,
Dum pendebat filius;
Cujus animam gementem,
Contristatam et dolentem
Pertransivit gladius.
O quam tristis et afflicta
Fuit illa benedicta
Mater unigeniti!
Quae maerebat et dolebat,
Pia mater dum videbat,
Nati poenas incliti.
Quartett
Quis est homo qui non fleret,
Matrem Christi si videret
In tanto supplicio?
Quis non posset contristari,
Christi matrem contemplari
Dolentem cum filio?
Pro peccatis suae gentis
Vidit Iesum in tormentis
Et flagellis subditum.
Vidit suum dulcem natum
Moriendo desolatum
Dum emisit spiritum.
Chor
Eja mater, fons amoris,
Me sentire vim doloris
Fac, ut tecum lugeam.
Christi Mutter stand mit Schmerzen
bei dem Kreuz und weint von Herzen,
als ihr lieber Sohn da hing.
Durch die Seele voller Trauer,
schneidend unter Todesschauer,
jetzt das Schwert des Leidens ging.
Welch ein Schmerz der Auserkornen,
da sie sah den Eingebornen,
wie er mit dem Tode rang.
Angst und Jammer, Qual und Bangen,
alles Leid hielt sie umfangen,
das nur je ein Herz durchdrang.
Ist ein Mensch auf aller Erden,
der nicht muss erweichet werden,
wenn er Christi Mutter denkt,
wie sie, ganz von Weh zerschlagen,
bleich da steht, ohn alles Klagen,
nur ins Leid des Sohns versenkt?
Ach, für seiner Brüder Schulden
sah sie ihn die Marter dulden,
Geißeln, Dornen, Spott und Hohn;
sah ihn trostlos und verlassen
an dem blutgen Kreuz erblassen,
ihren lieben einzgen Sohn.
O du Mutter, Brunn der Liebe,
mich erfüll mit gleichem Triebe,
dass ich fühl die Schmerzen dein.

Bass, Chor
Fac, ut ardeat cor meum
In amando Christum Deum,
Ut sibi complaceam.
Sancta mater, istud agas,
Crucifixi fige plagas
Cordi meo valide.
Chor
Tui nati vulnerati
Tam dignati pro me pati,
Poenas mecum divide.
Tenor, Chor
Fac me vere tecum flere,
Crucifixo condolere,
Donec ego vixero;
Iuxta crucem tecum stare
Te libenter sociare
In planctu desidero.
Chor
Virgo virginum praeclara,
Mihi jam non sis amara,
Fac me tecum plangere.
Duett
Fac ut portem Christi mortem,
Passionis fac consortem
Et plagas recolere.
Fac me plagis vulnerari,
Cruce hac inebriari
Ob amorem filii;
Alt
Inflammatus et accensus,
Per te, virgo, sim defensus
In die iudicii.
Mach, dass mein Herz, im Leid entzündet,
sich mit deiner Lieb verbindet,
um zu lieben Gott allein.
Drücke deines Sohnes Wunden,
so wie du sie selbst empfunden,
heilge Mutter, in mein Herz!
Dass ich weiß, was ich verschuldet,
was dein Sohn für mich erduldet,
gib mir Teil an seinem Schmerz!
Lass mich wahrhaft mit dir weinen,
mich mit Christi Leid vereinen,
so lang mir das Leben währt!
An dem Kreuz mit dir zu stehen,
unverwandt hinaufzusehen,
ist’s, wonach mein Herz begehrt.
O du Jungfrau der Jungfrauen,
woll auf mich in Liebe schauen,
dass ich teile deinen Schmerz.
Lass mich Christi Tod und Leiden,
Marter, Angst und bittres Scheiden
fühlen wie dein Mutterherz!
Alle Wunden, ihm geschlagen,
Schmach und Kreuz mit ihm zu tragen,
das sei fortan mein Gewinn!
Dass mein Herz, von Lieb entzündet,
Gnade im Gerichte findet,
sei du meine Schützerin!

Fac me cruce custodiri,
Morte Christe praemuniri
Confoveri gratia.
Chor
Quando corpus morietur,
Fac ut anima donetur
Paradisi gloria.
Mach, dass mich sein Kreuz bewache,
dass sein Tod mich selig mache.
Mich erwärm sein Gnadenlicht,
dass die Seel sich mög erheben
frei zu Gott in ewgem Leben,
wann mein sterbend Auge bricht!

Katharina Persicke | Sopran
Katharina Persicke studierte in Dresden und Freiburg/Breisgau
und schloss ihre Ausbildung des Solistenexamens
mit Auszeichnung ab. Sie besuchte
Meisterkurse bei KS Prof. Peter Schreier, Dietrich
Fischer-Dieskau, Julia Varady, Anne Lebozec und
Catherine Malfitano. Seit 2005 arbeitet sie intensiv
mit Stefan Haselhoff (Basel).
Preise errang sie beim „Schubert und die Musik
der Moderne“-Wettbewerb in Graz, sowie beim
„Königin Sonia-Wettbewerb“ in Oslo.
Engagements an der Semperoper Dresden (Giselher,
Die lustigen Nibelungen), dem Stadttheater
Freiburg (Gianetta), dem Oldenburgischen Staatstheater
(Gianetta), dem Luzerner Theater (Figaro- Contessa) und dem Stadttheater
Augsburg (Contessa), der Bühne Baden bei Wien (Marguerite in
Gounods Faust) kennzeichnen den bisherigen Weg der Künstlerin. Darüber
hinaus feierte sie große Erfolge beim Feldkich Festival 2006 (Zerlina), dem
European Opera Centre 2011 (als Quiteria in Mendelssohns „Die Hochzeit
des Camacho“) und den Herrenchiemsee Festspielen 2010 und 2011 als
Pamina.
Katharina Persicke geht einer regen Konzerttätigkeit nach. Ihre musikalischen
Partner sind hierbei u.a. das Amaryllis-Quartett, die Pianisten/innen Nicholas
Rimmer, Pauliina Tukiainen und Michael Schütze, das Royal Liverpool
Philharmonic Orchestra, das NDR Sinfonieorchester Hannover, SWR Sinfonieorchester
Baden Baden und Freiburg, uvm.
Sie arbeitete u.a. mit Dirigenten wie Thomas Hengelbrock, Vasily Petrenko,
Howard Arman, Enoch zu Guttenberg, Kay Johannsen, Hans Michael
Beuerle und den Regisseuren Gerd Heinz, Robert Herzl und Jan Phillip Gloger.
Ihrer Liebe zum Kunstlied verlieh sie 2011 in besonderer Weise Ausdruck,
indem sie mit Nicholas Rimmer (Piano) und Georg Gädker (Bariton)
die Reihe „Klangwerk: Lied“ unter der Schirmherrschaft von Irwin Gage ins
Leben rief.
In diesem Jahr wird Katharina Persicke ihr Debüt beim Israel Philharmonic
Orchestra geben, erneut bei den Herrenchiemsee Festspielen mit der Klangverwaltung
unter Enoch zu Guttenberg zu hören sein und eine Tournee mit
Schönbergs „Moses und Aaron“ mit dem SWR Sinfonieorchester Baden Ba-

den und Freiburg bestreiten. Außerdem steht ein Kammermusikkonzert in
München beim Streichsextett der Münchner Philharmoniker auf dem Programm.
Kirsten Schwarz | Alt
Die Altistin Kirsten Schwarz ist in
Mannheim geboren und in der
Nähe von Heidelberg aufgewachsen.
Ihren ersten Gesangsunterricht
erhielt Kirsten Schwarz bei Anna
Reynolds in Mannheim. Nach dem
Abitur studierte sie an der Hochschule
der Künste in Berlin bei
Prof. Irmgard Hartmann-Dressler.
Nach ihrem Abschluss in Gesang
studierte sie Kulturmanagement in
Hamburg und schloss mit dem Diplom ab. Sie ist Gründungsmitglied der
Accademia di Montegral. Mit Kammersängerin Christa-Maria Ziese (Leipzig)
nahm sie den Wechsel ins Altfach vor.
Kirsten Schwarz gab ihr Debüt in Le Nozze di Figaro beim Macerata-Festival
(Italien) unter der Leitung von Gustav Kuhn, mit Barbara Frittoli als Contessa
und Albert Dohmen als Conte. Auch unter Kuhn wirkte sie in Ariadne auf
Naxos in Bologna mit Rosalind Plowright in der Titelrolle mit. Sie war am
Staatstheater Braunschweig engagiert und wirkte bei den Schlossfestspielen
Heidelberg mit. Kirsten Schwarz ist überwiegend im Konzertfach tätig und
hat sich als Lied- und Oratoriensängerin einen Namen gemacht. Diesen
Sommer wird sie als Solistin bei den Tiroler Festspielen Erl in „Parsifal“ von
Richard Wagner mitwirken.
Martin Erhard | Tenor
Martin Erhard, geboren in Ulm, studierte Schul- und Kirchenmusik-B an der
Musikhochschule Stuttgart sowie Kirchenmusik-A und Gesang an der Musikhochschule
Freiburg. Nach dem Studium war er zwei Spielzeiten am Staatstheater
Mainz als Solotenor engagiert, wo er als Oberon in der gleichnamigen
Oper von Carl Maria von Weber debütierte.
Des weiteren sang er dort u.a. Monostatos (Zauberflöte), Normanno (Lucia di
Lammermoor) und Schmidt (Werther). Zur gleichen Zeit war er Dozent für
Orgel am Institut für Kirchenmusik in Mainz. Danach wechselte er als Chor

direktor und Kapellmeister ans Theater
Pforzheim, wo er u.a. die musikalische
Leitung der Musicals Jesus Christ Superstar
und Jekyll&Hyde innehatte und die
Opern Freischütz und La Calisto dirigierte.
Auf der Pforzheimer Bühne sang er
zudem den Tamino in der Zauberflöte
und verkörperte den Pianisten Erwin
Bootz in Die Comedian Harmonists.
Seit September 2011 ist er freischaffend
tätig, um sich vor allem auf sein
sängerisches Schaffen zu konzentrieren.
Neben zahlreichen solistischen Auftritten
im Konzert- und Opernfach wirkt er zudem an Projekten renommierter Vokalensembles
wie dem Collegium Vocale Gent, der Zürcher Sing-Akademie,
dem NDR-Chor Hamburg sowie dem Klangforum Heidelberg mit.
Zuletzt befand er sich sowohl als Tenor als auch als Pianist auf Tournee mit
der Operettenrevue „Wunder geschehen“, die ihn in viele Städte des
deutschsprachigen Raums führte, u.a. nach Zürich, Bern, München, Hamburg,
Wien und Salzburg.
Markus Volpert | Bariton
Seine Erfahrung als Konzertsänger erwarb
sich Markus Volpert in der Zu-
sammenarbeit mit namhaften Dirigenten,
beispielsweise Michel Corboz, Wolfgang
Gönnenwein, Martin Turnovský, Ralf
Weikert, Hans-Christoph Rademann, Rudolf
Lutz, Sigiswald Kuijken und René Jacobs,
sowie renommierten Ensembles wie
der Capella Leopoldina, dem L´Orfeo Barockorchester,
La Cetra, dem Freiburger
Barockorchester, Capriccio Basel und
Concerto Köln. Die kammermusikalische
Tätigkeit als Liedsänger, zuletzt bei Liederabenden
mit Michael Gees, Rudolf Lutz und Bernd Schäfer, und in den vergangenen
Jahren auch vermehrt Auftritte auf der Opernbühne, beispielsweise
bei den Ludwigsburger Schlossfestspielen und am Theater Basel, runden
die künstlerische Betätigung des Baritons ab. Das breit gefächerte Repertoire
von Markus Volpert wird durch eine Vielzahl von Radiomitschnitten und

CD-Produktionen, darunter Theiles Matthäuspassion, Händels Messiah,
Haydns Jahreszeiten und Rheinbergers Vom Goldenen Horn, dokumentiert.
Zuletzt wurde vom Schweizer Radio DRS 2 ein Recital von Markus Volpert
und Rudolf Lutz mit Schumanns Dichterliebe und Schuberts Heine-
Vertonungen aus dem Schwanengesang ausgestrahlt.
Neben zahlreichen anderen Konzerten war Markus Volpert in den letzten
Monaten wiederholt bei den Kantatenabenden der neu gegründeten J.S.-
Bach-Stiftung St. Gallen zu hören, hat gemeinsam mit Heinz Ferlesch und
der Wiener Singakademie Bachs Matthäuspassion im Wiener Konzerthaus zu
Gehör gebracht, mit Johannes Prinz und dem Wiener Singverein Händels
Messiah im Musikverein aufgeführt und die Titelpartie in Mendelssohns Elias
in Konzerten mit den Regensburger Domspatzen und Roland Büchner gesungen.
Heidelberger Kantatenorchester
Das Heidelberger Kantatenorchester
wurde 1960 von Dr. Werner Ball im
Auftrag der Heidelberger Kantoren zur
Mitwirkung bei kirchenmusikalischen
Veranstaltungen gegründet. Im Laufe
der Jahre erweiterte sich der Einsatzbereich
des Orchesters über die Region
hinaus und entwickelte sich zu einem
vielfältig einsetzbaren Ensemble.
Außer der gesamten kirchenmusikalischen Literatur gehören auch rein sinfonische
Werke zum Wirkungsbereich des Orchesters. Auch als Opernfestspielorchester
und als Orchester für Galaveranstaltungen hat es einen beachtlichen
Ruf erlangt.
Markus Uhl
wurde 1978 geboren. Er studierte in Freiburg Kirchenmusik (Orgel bei Prof.
Zsigmond Szathmáry, Dirigieren bei Prof. Dr. Hans-Michael Beuerle) und in
Weimar Konzertfach Orgel und Orgelimprovisation bei Prof. Michael
Kapsner. Während seines Studiums war er als Kirchenmusiker in St. Ulrich
und im Freiburger Raum tätig und leitete den KammerChor Kinzigtal.

Seit Januar 2007 ist er Bezirkskantor der Erzdiözese
Freiburg für die Dekanate Heidelberg-
Weinheim und Wiesloch und für die Kirchenmusik
an der Jesuitenkirche Heidelberg verantwortlich.
(Cappella Palatina, Arnolt-Schlick-
Ensemble, Kinderchöre, Jugendensemble, Orgelspiel,
C-Ausbildung, Fortbildung nebenamtlicher
KirchenmusikerInnen etc.).
Als Lehrbeauftragter unterrichtet er an Hochschulen
in Weimar, Freiburg und Heidelberg
u.a. Orgelimprovisation, Orgelliteratur, Gregorianik,
Deutscher Liturgiegesang und Liturgisches
Singen.
Konzerte, Projekte, Vorträge und Fortbildungen gehören zu seinen weiteren
Tätigkeiten.
Beim Internationalen Wettbewerb für junge Chorleiter in Budapest hat er im
Juni 2001 den Sonderpreis der Franz Liszt-Akademie für die beste Interpretation
eines Werkes von Franz Liszt erhalten. Für seine Diplomarbeit erhielt er
den Helene-Rosenberg-Preis für die beste musikwissenschaftliche Arbeit des
Jahres 2002. Im Jahr 2005 war er Finalist beim Wettbewerb des Internationalen
Orgelfestivals in Bochum sowie Preisträger beim IX. Internationalen Orgelimprovisationswettbewerb
in Schwäbisch Gmünd, beim 2. Internationalen
Johann-Joseph-Fux-Wettbewerb und beim Wettbewerb „Orgelimprovisation
im Gottesdienst“.
Eine Ausbildung zum Orgelsachverständigen, Kurse in Orgel- und Orgelimprovisation,
Gregorianik sowie Dirigieren und Kinderchorleitung u.a. bei
Christoph Bossert, Jürgen Essl, Clemens Ganz, Gerhard Gnann, Tobias Hiller,
Hans-Jürgen Kaiser, Stefan Klöckner, Ludger Lohmann, Pier Damiano Peretti,
Wolfgang Schäfer, Martin Schmeding, Friedhilde Trüün, Harald Vogel und
Jean-Claude Zehnder ergänzen seine musikalische Ausbildung.

Do, 26.04. | 20 Uhr | Jesuitenkirche
Palestrina und Monteverdi
Prima & Seconda Prattica
Deutscher Kammerchor
Leitung: Markus Uhl
Konzert im Rahmen des Heidelberger Frühlings
Do, 17.05. | 19 Uhr | Jesuitenkirche
Orgelkonzert I
Kirsten Galm | Freiburg
Werke von Widor u.a.
Karten zu € 10/5 bei allen Vorverkaufsstellen, im Internet unter www.reservix.de und
an der Abendkasse ab 18.30 Uhr
Mo, 28.05. | 19 Uhr | Jesuitenkirche
Orgelkonzert II
Peter Planyavsky | Wien
Werke von Frescobaldi, Walther, Heiller u.a. sowie Improvisationen
Karten zu € 10/5 bei allen Vorverkaufsstellen, im Internet unter www.reservix.de und
an der Abendkasse ab 18.30 Uhr
Do, 07.06. | 19 Uhr | Jesuitenkirche
Orgelkonzert III
Michael Kapsner | Weimar
Werke von Bach, Reubke, Heiller und Improvisationen
Karten zu € 10/5 bei allen Vorverkaufsstellen, im Internet unter www.reservix.de und
an der Abendkasse ab 18.30 Uhr
Sa, 21.07. | 19 Uhr | Kath. Pfarrkirche St. Peter und Paul, HD-Kirchheim
So, 22.07. | 19 Uhr | Jesuitenkirche
Saxophon trifft auf Chor
Rascher Saxophon Quartett
Cappella Palatina
Leitung: Markus Uhl
Eintritt Jesuitenkirche Heidelberg: € 12/8 Karten bei allen Vorverkaufsstellen, im Internet
unter www.reservix.de und an der Abendkasse ab 18 Uhr
Di, 25.09. | 20 Uhr | Jesuitenkirche
Rex omnipotentiae triumphavit hodie
Gregorianischer Choral und Musik des Mittelalters
ensemble VOX WERDENSIS
Leitung: Stefan Klöckner
Karten zu € 10/5 bei allen Vorverkaufsstellen, im Internet unter www.reservix.de und
an der Abendkasse ab 19.30 Uhr