münchen - Münchner Stadtmuseum

münchen
2012 | Heft 22
Neuer Deutscher Film
Die rote Traumfabrik
Jiři Trnka
NS-Filmpropaganda
Stimmen der Roma
Tony Gatlif
Dieter Wieland
Hong Sangsoo
Rudolf Thome
Film und Psychoanalyse
Fassbinders München
Der Untergang der Titanic
Architekturfilmtage
Italienischer Neorealismus
Wim Wenders
Kölner Gruppe
Lars von Trier
Das Kino träumt
Marilyn Monroe

Eintrittspreise
4 € (3 € für MFZ-Mitglieder). Ab 120 Minuten Film länge
oder mit Gästen: 1 € Aufschlag. Ab 180 Mi nu ten, mit
Live-Musik oder bei 3D: 2 € Aufschlag.
Die Kasse öffnet jeweils 60 Minuten vor und schließt
30 Minuten nach Beginn der Vorstellung. Bei allen
öffentlichen Ver anstal tungen bleibt ein Karten kon tin -
gent für den freien Ver kauf an der Abendkasse reserviert.
Restkarten von nicht abgeholten Reservierungen
werden spätestens ab 20 Minuten vor Vorstellungs -
beginn in den freien Verkauf gegeben.
Kartenreservierung
Kartenreservierungen sind ab vier Wochen im voraus
möglich und können unter der Telefonnummer 089/
233 96450 auf Band gesprochen werden. Persönliche
Beratung am Telefon steht Ihnen während der Kas sen -
öffnungszeiten nach Vorstellungsbeginn zur Verfügung.
Vor be stellte Karten müssen bis 20 Minuten vor Vor -
stellungs beginn an der Kasse abgeholt worden sein,
ansonsten verfällt die Reservierung.
Kartenvorverkauf
Kartenvorverkauf ist ab vier Wochen im voraus möglich.
Bitte haben Sie Verständnis dafür, dass unmittelbar vor
Vorstellungsbeginn bei starkem Besucherandrang kein
Kartenvorverkauf möglich ist. Vorverkaufte Karten be -
hal ten ihre Gültigkeit nur bis Vorstellungsbeginn. An der
Abend kasse können vorverkaufte Karten bis 20 Mi -
nuten vor Vorstellungsbeginn gegen Kosten erstattung
wieder zurückgegeben werden.
Saalmikrofon
Das Kino ist mit einem Saalmikrofon zur Kontrolle des
Kinotons durch die Filmvorführer ausgestattet.
Mitgliedschaft
Wer sich für die Arbeit des Filmmuseums interessiert,
kann Mitglied im Verein der Freunde des Filmmuseums
München, dem Münchner Filmzentrum e.V. (MFZ) werden.
Der Jahresbeitrag beträgt 20 € und berechtigt
zum ermäßigten Eintritt ins Filmmuseum sowie zur Teil -
nahme an den Mitgliederversammlungen des MFZ, in
denen die Programmplanungen des Filmmuseums diskutiert
und Projekte entwickelt werden. Mitglieds an -
träge sind an der Kinokasse erhältlich. Die Termine der
nächsten Mitgliederversammlungen des MFZ stehen in
der Kalenderübersicht. Weitere In for mationen unter
0176/50472957 oder www.filmzentrum-muenchen.de
oder kontakt@muenchner-filmzentrum.de.
Programmabonnement
Das Kinoprogramm und aktuelle Newsletter können Sie
im Internet unter www.filmmuseum-muenchen.de
kostenlos abonnieren. Das Programmheft wird an Mit -
glieder des MFZ auf Wunsch kostenlos versandt. An -
sonsten bitten wir um die Zusendung eines mit 1,45 €
frankierten und adressierten DIN A5-Briefumschlages
an die Adresse des Filmmuseums.
Rollstuhlfahrer / Hörgeschädigte
Der Kinosaal im Untergeschoss ist über einen Aufzug
für Rollstuhlfahrer zugänglich. Die Behindertentoilette
be findet sich im Untergeschoss neben dem Kino ein -
gang. Das Kino ist mit einer Induktionsschleife für Hör -
geräte besitzer ausgestattet.
Verkehrsverbindung
Sie erreichen das Filmmuseum in 3 Gehminuten vom
U/S-Bahnhof Marienplatz oder in 5 Gehminuten vom
U-Bahnhof und der Tramhaltestelle Sendlinger Tor.
»Open Scene« am Donnerstag
Die Termine am Donnerstag sind teilweise für aktuelle Sonderveranstaltungen reserviert. Das Programm wird
spätestens acht Tage vorher festgelegt und in den Schaukästen an der Kinokasse, im E-Mail-Newsletter, auf der
Website www.filmmuseum-muenchen.de, auf Facebook und durch Ankündigungen in der Tagespresse bekannt -
gegeben.
Ausstellungen im Kinofoyer
In den Schaukästen im Kinofoyer sind kleinere Fotoausstellungen zu sehen, die die Filmreihen und Kino ver -
anstaltungen des Filmmuseums begleiten.
Impressum
Landeshauptstadt München. Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1, 80331 München,
089/233 20538, filmmuseum@muenchen.de · Redaktion: Stefan Drößler, Claudia Engelhardt, Christoph Michel,
Klaus Volkmer · Gestaltung: Heiner Gassen, München · Druck: Mediengruppe Universal, Allach

Kinoschließungen, Titanic, Oberhausen, NS-Filme
Das Jahr 2012 begann mit der Nachricht, dass in München wieder zwei
Kinos ihren Spielbetrieb einstellen werden: Das Atlantis, das Cineasten zu
schätzen wussten, weil es untertitelte Originalfassungen der aktuellen Arthousefilme
zeigt, wird Ende März seine Pforten schließen. Das Areal wird
umgebaut und anschließend lukrativer genutzt werden. Die Schließung von
Kinos in der Münchner Innenstadt ist eine traurige Entwicklung, die ständig
voranschreitet: Türkendolch, Filmcasino, Tivoli. Es trifft einen Typ von Kino,
dessen große Zeit in den 1960er und 1970er Jahren gelegen hat: Das sorgfältig
geführte Haus mit ausgesuchten Filmen, das ein individuell gestaltetes,
exklusives Programm anbot.
In Zeiten beschleunigter Filmauswertung können Kinos heute kaum noch ein
individuelles Profil entwickeln, attraktive Filme »exklusiv« anbieten oder auf
ein treues Stammpublikum bauen. Das Feld, das dem Filmmuseum überlassen
wird, wächst deshalb beständig: Es ist nicht nur ein Ort für große Retrospektiven
und die Aufarbeitung von Filmgeschichte, sondern immer mehr
auch ein Forum für die ganze Breite aktueller filmischer Entwicklungen.
Gleichzeitig wird die Programmgestaltung immer schwieriger, da viele
Rechtsinhaber keine spielbaren Filmkopien mehr zur Verfügung stellen, aber
horrende Lizenzpreise für einzelne Aufführungen verlangen.
Trotz allem zelebrieren aktuelle Filme nostalgisch die Kinogeschichte, von
denen wir einige Beispiele unter dem Titel »Das Kino träumt« im Juni vorstellen.
Dabei bietet das neue Programm immer wieder interessante Querbezügen
und Verknüpfungen: Der in dieser Reihe gezeigte Film MY WEEK
WITH MARILYN verweist direkt auf die Monroe-Retrospektive, die im Juli anlässlich
ihres 50. Todestages stattfindet. Der Monroe-Klassiker SOME LIKE IT
HOT findet sich auch in der Reihe »Film & Psychoanalyse«, die sich der Filmkomödie
widmet. Das Programm zum 100-jährigen Untergang der Titanic
war längst geplant, als plötzlich die Katastrophe um die Costa Concordia die
Schlagzeilen füllte. Alexander Kluge hat dies zum Anlass genommen, zusammen
mit Helge Schneider einen aktuellen Beitrag zum Thema zu drehen, der
am 14. April im Filmmuseum seine Premiere haben wird.
Kluge ist auch einer der 26 Unterzeichner des Oberhausener Manifests, das
den Anfang des Neuen Deutschen Films prägte und am 26. Februar in einer
Festveranstaltung im Filmmuseum gefeiert wird. Die jungen Filmemacher
grenzten sich damals ganz vehement gegen »Opas Kino« ab, das vom Kino
der NS-Zeit geprägt war. Über den Umgang mit den NS-Propagandafilmen
wird vom 16. bis 18. März in einem Symposium diskutiert, dem sich eine
Reihe mit »Vorbehaltsfilmen« anschließt, die nur mit Einschränkungen zugänglich
sind.
Rudolf Thome wird seinen neuen Film INS BLAUE als Vorpremiere anlässlich
einer Retrospektive der Filme von Hong Sangsoo vorstellen, den er sehr
schätzt.
Es gibt noch einiges mehr im Programm zu entdecken. Wir danken allen Filmemachern,
Produzenten, Archiven, Autoren, Zuschauern und Unterstützern,
die dies ermöglicht haben. Und wir wünschen allen Besuchern viele spannende
und informative Kinoerlebnisse.
Ihr Filmmuseum
3 Neuer Deutscher Film . . . .
8 Die rote Traumfabrik . . . .
13 Jiří Trnka . . . .
16 NS-Filmpropaganda . . . .
24 Stimmen der Roma . . . .
24 Tony Gatlif . . . .
28 Dieter Wieland . . . .
32 Hong Sangsoo . . . .
36 Rudolf Thome . . . .
39 Film und Psychoanalyse . . . .
41 Fassbinders München . . . .
46 Der Untergang der Titanic . . . .
49 Architekturfilmtage . . . .
55 Italienischer Neorealismus . . . .
63 Wim Wenders . . . .
64 Kölner Gruppe . . . .
68 Lars von Trier . . . .
75 Das Kino träumt . . . .
77 Zuschauerkino . . . .
78 Marilyn Monroe . . . .
86 Kalenderübersicht . . . .
R = Regie · B = Drehbuch · K = Kamera
· M = Musik · S = Schnitt ·
D = Darsteller · P = Produktion ·
OmU = Originalfassung mit deutschen
Untertiteln · OmeU = Originalfassung
mit englischen Untertiteln ·
OmfU = Originalfassung mit französischen
Untertiteln · OmÜ = Origi -
nalfassung mit deutscher Über -
setzung · dtF = deutsche Synchronfassung
· UT = Untertitel · B/s = Bilder
pro Sekunde · © = Copyright

Rückblick
13. September 2011: Slavoj Zizek spricht über »Hollywood as an
ideological State Apparatus« und führt in den Film eAgle eye –
AUSSeR KOnTROlle (2008) von Daniel John caruso ein.
14. Oktober 2011: cristi puiu und die moderatorin irene Rudolf
nach der vorführung von puius Film AURORA, der das Festival
»neue Filme aus Rumänien« eröffnete.
14. Dezember 2011: Ulli lommel unterhält sich mit Stefan Drößler
über die produktion seines Spielfilms ADOlF UnD mARlene mit
Rainer Werner Fassbinder in einer der Hauptrollen.
16. Dezember 2011: Takashi Koizumi berichtet nach der Aufführung
seines Films Ame AgARU – nAcH Dem Regen (1999)
von seiner langjährigen Zusammenarbeit mit Akira Kurosawa.
12. Januar 2012: margarethe von Trotta stellt sich anlässlich der
Retrospektive ihrer Filme im ausverkauften Filmmuseum den Fragen
des publikums zu ihrem Film Die bleieRne ZeiT (1981).
18. Januar 2012: Olivier Assayas begleitet die Retrospektive seiner
Filme und stellt im Filmmuseum iRmA vep (1996), seine Hommage
an das Stummfilmserial leS vAmpiReS, persönlich vor.

1962: Anfänge des Neuen Deutschen Films
Am 28. Februar 1962 wurde in einer Pressekonferenz
der 8. Westdeutschen Kurzfilmtage in Oberhausen ein
Manifest verlesen, das eine unerwartet große Presse -
resonanz auslöste und heute als Anfang des Neuen
Deutschen Films gilt:
Der Zusammenbruch des konventionellen deutschen
Films entzieht einer von uns abgelehnten Geisteshaltung
endlich den wirtschaftlichen Boden. Dadurch hat
der neue Film die Chance, lebendig zu werden.
Deutsche Kurzfilme von jungen Autoren, Regisseuren
und Produzenten erhielten in den letzten Jahren eine
große Zahl von Preisen auf internationalen Festivals
und fanden Anerkennung der internationalen Kritik.
Diese Arbeiten und ihre Erfolge zeigen, dass die Zukunft
des deutschen Films bei denen liegt, die bewiesen
haben, dass sie eine neue Sprache des Films sprechen.
Wie in anderen Ländern, so ist auch in Deutschland der
Kurzfilm Schule und Experimentierfeld des Spielfilms
geworden.
Wir erklären unseren Anspruch, den neuen deutschen
Spielfilm zu schaffen.
Dieser neue Film braucht neue Freiheiten. Freiheit von
den branchenüblichen Konventionen. Freiheit von der
Beeinflussung durch kommerzielle Partner. Freiheit von
der Bevormundung durch Interessengruppen.
Wir haben von der Produktion des neuen deutschen
Films konkrete geistige, formale und wirtschaftliche
Vorstellungen. Wir sind gemeinsam bereit, wirtschaftliche
Risiken zu tragen.
Der alte Film ist tot. Wir glauben an den neuen.
Bodo Blüthner (8), Boris von Borresholm (2),
Christian Doermer, Bernhard Dörries (1), Heinz
Furchner, Rob Houwer (19), Ferdinand Khittl (15),
Alexander Kluge (5), Pitt Koch, Walter Krüttner (7),
Dieter Lemmel (17), Hans Loeper (6), Ronald
Martini, Hansjürgen Pohland, Raimund Ruehl (10),
Edgar Reitz (3), Peter Schamoni (13), Detten
Schleiermacher (16), Fritz Schwennicke (12),
Haro Senft (4), Franz-Josef Spieker (18), Hans
Rolf Strobel (14), Heinz Tichawsky (9), Wolfgang
Urchs (11), Herbert Vesely, Wolf Wirth (20)
13
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8
7
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6
5
18
15 16
17
Unterzeichnet war das Dokument von 26 Filmemachern,
Kameramännern, Filmkomponisten, Produzenten
und einem Schauspieler, die alle bis auf eine Ausnahme
(Hansjürgen Pohland) aus München stammten.
Der Text war denn auch fünf Tage vorher in München
aufgesetzt worden, wo sich die meisten der Unterzeichner
regelmäßig im China-Restaurat Hongkong in der
Tengstraße trafen. Die Forderungen nach einem
»neuen Film«, nach »künstlerischer Freiheit« und »wirtschaftlicher
Unabhängigkeit« der Filmemacher und der
Einrichtung eines Kuratoriums wurden erstmals 1957
von Herbert Vesely, Haro Senft und Heiner Braun auf -
gestellt, die die offene Handelsgesellschaft Filmform
gründeten. 1959 wurden diese Forderungen von Filmemachern
aufgegriffen und in regelmäßigen Treffen weiterdiskutiert,
die zur Gründung des gemeinnützigen Vereins
DOC 59 – Gruppe für Filmgestaltung führten.
Neben vielen der späteren Unterzeichnern des Oberhausener
Manifests gehörte zu den Gründungsmitgliedern
auch der Filmkritiker und spätere Leiter des Filmmuseums
München, Enno Patalas.
Dass 1962 die Oberhausener Kurzfilmtage als Plattform
für die Verlesung des Manifests gewählt wurde,
war nicht zufällig: In einer von der Altbranche kontrollierten
deutschen Filmwirtschaft und Kinolandschaft
gab es keine andere Möglichkeiten für junge Filme -
macher, jenseits des kommerziellen Mainstreams hergestellte
Filme zu sehen. Das von der SPD regierte
4
19
20
3
2
1
Neuer Deutscher Film
3

Neuer Deutscher Film
4
»rote Oberhausen« stellte das Festival unter das Motto
»Weg zum Nachbarn« und bot mitten im restaurativen
Klima des Wirtschaftswunders und des Kalten Krieges
ein Forum der Diskussion, das künstlerische Aspekte,
ästhetische Diskussionen und politisches Engagement
in den Vordergrund stellte.
In Zeiten von PCs, Internet und Handys mit eingebauten
Kameras ist es nur noch schwer vorstellbar, wie mühsam
und schwierig es war, in den 1950er und 1960er
Jahren einen Film zu drehen: Es gab nur wenige Filmkameras,
das Filmmaterial war teuer, man benötigte
Schneidetische, um die separat aufgenommenen Bilder
und Töne zusammenzubringen, der Zugang zu Filmkopierwerken
blieb versperrt, wenn man keine finanziellen
Sicherheiten bieten konnte. Filme konnten ausschließlich
in Filmclubs oder Kinos vorgeführt werden,
wobei letztere ausschließlich auf Umsatz ausgerichtet
waren. Nur wenn ein fertig produzierter Kurzfilm ein
Prädikat bekam, hatte er die Chance, von einem Filmverleih
angekauft und als Vorfilm in die Kinos gebracht
zu werden: Als Vorfilm eines nicht prädikatisierten
Hauptfilms ermöglichte er den Kinobesitzern, in den Genuss
von Vergnügungssteuer-Ermäßigungen zu kommen.
Erhielt ein Film kein Prädikat, war ihm der Weg
ins Kino versperrt, und er konnte seine Produktions -
kosten nicht einspielen. Radikale inhaltliche oder formale
Experimente waren kaum möglich.
Das Oberhausener Manifest fand zwar Beachtung in
den Medien, doch wurden die Unterzeichner von der
Filmbranche nicht sonderlich ernst genommen, sondern
eher belächelt und als »Obermünchhausener«
verspottet. Es dauerte einige Jahre bis neue Filmför -
derungsbedingungen durchgesetzt waren und 1966
die ersten Langfilme mit internationalen Preisen aus -
gezeichnet wurden. Nicht alle Unterzeichner des Oberhausener
Manifests konnten später eigene abendfüllende
Spielfilme drehen, einige blieben beim Kurzfilm,
andere verstarben früh. Es war vor allem eine neue
Generation von Filmemachern, die von den Grundlagen
profitierte, die die »Oberhausener« schufen: Vlado
Kristl, Werner Herzog, Volker Schlöndorff, Ulrich Schamoni,
Rainer Werner Fassbinder, Peter Fleischmann,
Wim Wenders, Werner Schroeter, Rudolf Thome, Klaus
Lemke. Der Neue Deutsche Film wurde Ende der
1960er Jahre zu einem Markenzeichen, das weltweit
beachtet wurde.
Heute leben noch zehn der Pioniere, und einige wie Alexander
Kluge, Edgar Reitz, Rob Houwer, Hansjürgen
Pohland und Christian Doermer sind noch ungebrochen
aktiv. Wir freuen uns, dass fast alle zugesagt
haben, ins Filmmuseum zu kommen, zumal das Filmmuseum
die Entwicklung des Neuen Deutschen Films
immer kritisch begleitet und viele wichtige Werke in
seine Sammlung aufgenommen hat. Die Filmreihe »Die
Anfänge des Neuen Deutschen Films« beschränkt sich
nicht nur auf Filme der Unterzeichner des Oberhausener
Manifests, sondern zeigt auch Filme, die im Umfeld
entstanden sind. Selbst ein »Altproduzent« wie Arthur
Brauner ließ sich offenbar von der Aufbruchsstimmung
beeinflussen und ermöglichte 1961 den verblüffenden
Ausnahmefilm ZU JUNG FÜR DIE LIEBE?!, bei dem zum
ersten Mal im Nachkriegsdeutschland eine Frau für die
Regie verantwortlich zeichnen durfte. Viele der Filme
des Programms wurden 2007 »wiederentdeckt«, als
das Filmmuseum sie für seine wegweisende Retrospektive
»Deutsche Filmavantgarde nach 1945« erstmals
wieder öffentlich präsentierte.
Das Festival von Oberhausen verlor schon sehr bald
nach 1962 seine Funktion als das zentrale Forum für
den Filmnachwuchs, andere Festivals wie die Hamburger
Filmschau und die Mannheimer Filmwoche übernahmen
diese Funktion. Die etablierten »Jungfilmer«
reichten ihre Filme auf den »großen« Filmfestivals in
Cannes, Berlin und Venedig ein oder gingen zum Fernsehen.
Unbestrittenes Zentrum des Neuen Deutschen
Films in den 1960er Jahren aber war München, das bis
heute Standort der meisten deutschen Filmproduktionsfirmen
geblieben ist.
Stefan Drößler
MÜNCHEN EHRT DIE UNTERZEICHNER DES OBER-
HAUSENER MANIFESTS – Am 28. Februar 1962 verkündeten
26 Jung filmer, die sich in München als
Gruppe zusammengeschlossen hatten, auf dem Kurzfilmfestival
in Oberhausen: »Papas Kino ist tot, wir
machen den Neuen Deutschen Film!« Ihre folgenreiche,
revolutionäre Erneuerungsbewegung ist einzigartig in
der Filmgeschichte Deutschlands und jährt sich jetzt
zum 50. Mal. Aus diesem Anlass lädt der Oberbürgermeister
der Stadt München zu einem Festakt mit
anschließendem Empfang ein, zu dem Bernhard
Dörries, Rob Houwer, Alexander Kluge, Dieter Lemmel,
Ronald Martini, Hansjürgen Pohland, Edgar Reitz und
Wolfgang Urchs erwartet werden. Ausschnitte aus Fernsehberichten
und Wochenschauen zeigen die Ereignisse
von Anfang der 1960er Jahre, Ausschnitte aus
den Filmen der Unterzeichner des Oberhausener Manifests
werden vorgestellt und von den Filme machern
kommentiert, die Ansprache hält Oberbürgermeister
Dr. Christian Ude.
▶ Sonntag, 26. Februar 2012, 11.00 Uhr (für geladene
Gäste, Restkarten nur an der Tageskasse)

WAS DU ERERBT VON DEINEN VÄTERN – BRD 1957
– R+B: Hansjürgen Pohland – K: Joachim Onnasch,
Otto Trippel – M: Richard Stauch – D: Werner Finck –
9 min – MAYA. EIN FILM VOM DEUTSCHEN FILM-
NACHWUCHS – BRD 1958 – R+B: Hans C. Opfermann,
Walter Koch – K: Fritz Schwennicke – M: Marc
Roland – D: Werner Finck, Iga Caine, Klaus Kindler,
Klaus Havenstein, Sylvia Bossert – 106 min – Drei
junge Leute in München, Regisseur Stefan, Kameramann
Klaus und Schauspielerin Maya drehen einen
Film. Dabei entzweien sich Stefan und Maya, die eigentlich
ineinander verliebt sind. Auf der Suche nach
Maya gelangt Stefan in Studios, Büros, Ateliers, ein Museum
und einen Jazzkeller, wodurch sich die Gelegenheit
bietet, von Werner Finck anmoderierte »Avantgardefilme«
des »deutschen Film-Nachwuchses« vorzustellen:
DIE GEBURT DES LICHTS – R+B+K: Franz
Schömbs – M: Marc Roland – BRUDER TIMOFEI –
R+B+K: Wolf Schneider – DIE BRÜCKE – BRD 1958 –
R+B: Haro Senft – K: Wolf Schneider – M: Siegfried
Franz – D: Maya Maisch – PRELUDE – R+B: Herbert
Vesely – K: Herbert List, Hugo Jehle – M: Hans-Martin
Majewski – D: Wiet Polar, Heino Hallhuber, Cora Montez
– FILMETUDE – R+B: Hans C. Opfermann – M: Peter
Tschaikowsky – SPIELZEUGTRAUM – R+B+K: Walter
Koch – M: Theta Wolfram – Die letzte Episode des
Films wurde im Münchner Stadtmuseum gedreht.
▶ Mittwoch, 29. Februar 2012, 21.00 Uhr
SCHICKSAL EINER OPER – BRD 1958 – R+B+K:
Bernhard Dörries, Edgar Reitz, Stefan Meuschel – 11
min – EINE STADT FEIERT GEBURTSTAG – BRD 1958
– R: Ferdinand Khittl – B: Ferdinand Khittl, Enno Patalas
– K: Fritz Schwennicke – M: Hans Posegga – 15 min –
MENSCHEN IM ESPRESSO – BRD 1958 – R: Herbert
Vesely – B: Wilfried Berghahn – K: Wolf Wirth – 17 min
– DAS BEGRÄBNIS – BRD 1960 – R+B+K: Rob Houwer
– M: Hans Loeper – D: Hans Loeper, Ludwig Pieger,
Richard Grabmeier – 10 min – GESICHT VON DER
STANGE? – BRD 1961 – R: Raimond Ruehl – B: Raimond
Ruehl, Detten Schleiermacher – K: Pitt Koch –
M: Hans Posegga – D: Monika Feldenau – 13 min –
MADELEINE, MADELEINE – BRD 1963 – R+B: Vlado
Kristl – K: Wolf Wirth – M: Erich Ferstl – D: Madeleine
Sommer, Elisabeth Holzner, Rolf Huber, Marika Silbernagl
– 13 min – … UND DANN BYE BYE … – BRD
1965 – R+B: Marran Gosov – K: Christian Schwarzwald
– D: Stanislaw Ledinek, Nora Minor – 12 min –
Geschichten von Kindern und Jugendlichen. Spiele und
Träume, Anpassung an den Ernst des Lebens. – DER
STADTSTREICHER – BRD 1966 – R+B: Rainer Werner
Fassbinder – K: Josef Jung – D: Christoph Roser, Susanne
Schimkus, Michael Fengler, Irm Hermann, Rainer
Werner Fassbinder – 10 min – Geschichten aus München:
Die Kriegsschäden, die Feierlichkeiten zum
800. Geburtstag der Stadt, das Oktoberfest, Beobachtungen
in einem Künstlertreff an der Leopoldstraße,
Erlebnisse junger Leute in den Straßen der Stadt und
im Englischen Garten.
▶ Freitag, 2. März 2012, 21.00 Uhr
BRUTALITÄT IN STEIN – BRD 1961 – R+B: Alexander
Kluge, Peter Schamoni – K: Wolf Wirth – M: Hans Posegga
– 11 min – DIE GARTENZWERGE – BRD 1961
– R: Wolfgang Urchs – B: Boris von Borresholm, Peter
Schamoni – K: Wolfgang Urchs – M: Hans Posegga –
10 min – NOTIZEN AUS DEM ALTMÜHLTAL – BRD
1961 – R+B+K: Hans Rolf Strobel, Heinrich Tichawsky
– 18 min – MACHORKA-MUFF – BRD 1962 – R+B:
Jean-Marie Straub, Danièle Huillet nach der Erzählung
»Hauptstädtisches Journal« von Heinrich Böll – K: Wendelin
Sachtler – D: Erich Kuby, Renate Lang, Rolf Thiede
– 17 min – ES MUSS EIN STÜCK VOM HITLER SEIN –
BRD 1963 – R+B: Walter Krüttner – K: Fritz Schwennicke
– M: Erich Ferstl – 12 min – DIE WECHSLER IM
TEMPEL – BRD 1965 – R: Horst Manfred Adloff – B:
Horst Manfred Adloff, Franz-Josef Spieker – 15 min –
WAHLKAMPF – MADE IN GERMANY – BRD 1966 – R:
Hansjürgen Hilgert – B: Hans-Hermann Köper – K: Bert
Meister – 12 min – Erste Versuche der Auseinandersetzung
mit der NS-Vergangenheit: Suche nach Spuren
und Aufdeckung von Kontinuitäten, aufklärerische Kommentare,
Satire, Ironie und Spott. Kritische Blicke auf
die westdeutsche Nachkriegsgesellschaft, in der das
»Wirtschaftswunder« gefeiert wird und alte Strukturen
wieder aufgebaut werden. Der Film DIE WECHSLER IM
TEMPEL wurde wegen »Beleidigung religiöser Gefühle«
von der FSK für öffentliche Vorführungen nicht zugelassen.
▶ Samstag, 3. März 2012, 21.00 Uhr
SONNABEND 17 UHR – BRD 1966 – R: Ula Stöckl – K:
Alfred Tichawsky – 17 min – Die erste Filmemacherin
aus dem Umfeld der »Jungfilmer« war Ula Stöckl. In
SONNABEND 17 UHR geben Abiturientinnen in Schwabing
Auskunft, wie sie das Wochenende verbringen und
wie ihr »Lebensglück« aussieht. – ZU JUNG FÜR DIE
LIEBE?! – BRD 1961 – R: Erica Balqué – B: Eberhard
Keindorff, Johanna Sibelius, Helmut Käutner, nach
einer Erzählung von Helga von Wangenheim – K: Igor
Oberberg – M: Ernst Simon – D: Loni von Friedel, Heinz
Blau, Wolfgang Reichmann, Adelheid Seeck, Helmut
Neuer Deutscher Film
5

Neuer Deutscher Film
6
Käutner, Berta Drews – 93 min – Das völlig unbeachtet
gebliebene Regiedebüt von Erica Balqué ist der erste
Film im westdeutschen Nachkriegskino, bei dem eine
Frau Regie führte. Es ist ein erfrischendes Drama mit
pointierten Dialogen um ein minderjähriges Paar, das
ein Kind erwartet und deshalb unbedingt heiraten
möchte – und gegen vorurteilsbeladene Erwachsene
und die staatliche Gesetzgebung zu kämpfen hat. »Im
Prinzip bin ich der Meinung, dass Filmregie eine Männersache
ist. Die erforderliche Geistesgegenwart, die
Verantwortung für das Geld, für den reibungslosen Ablauf
der Dreharbeiten – das erfordert schon eine männliche
Hand. Dennoch bin ich nicht der Ansicht, dass
eine Frau das nicht auch kann; es kommt freilich wohl
letzten Endes immer auf den Charakter des jeweiligen
Filmstoffes an.« (Erica Balqué)
▶ Sonntag, 4. März 2012, 21.00 Uhr
PRESSEKONFERENZ IN CANNES – BRD 1962 – mit
Christian Doermer, Herbert Vesely, Hansjürgen Pohland
– 11 min – DAS BROT DER FRÜHEN JAHRE – BRD
1962 – R: Herbert Vesely – B: Herbert Vesely, Leo Ti,
nach dem Roman von Heinrich Böll – K: Wolf Wirth –
M: Attila Zoller, Joachim Ernst Behrendt – D: Christian
Doermer, Karen Blanguernon, Vera Tschechowa, Elke
Siegel, Gerry Bretscher – 89 min – Der erste offizielle
»Junge Deutsche Film« erlebte seine Uraufführung bei
den Filmfestspielen in Cannes. Vesely orientierte sich
an den Stilmitteln der Nouvelle Vague. Er übertrug Bölls
Geschichte vom Waschmaschinen-Monteur, der eines
Tages aus seinem geregelten Alltag und der Ehe mit
seiner Frau Ulla ausbricht, von der unmittelbaren Nachkriegszeit
in die Gegenwart der Bundesrepublik Anfang
der 1960er Jahre. »Böll schrieb Dialoge und Sprachtexte
für den Film, wobei er darauf achtete, daß nie Partei
ergriffen wird. Selbst Ulla, die fest in der Präsenta -
tions- und Konsumgesellschaft steht, wird nicht angeklagt.
Herbert Vesely arbeitet die Gedanken, Gefühle
und Positionen der Charaktere vor allem mit voice-over
heraus, dabei kommen alle Positionen zu Wort. Zu den
narrativen Neuerungen im Film zählen besonders das
unchronologische Erzählen, was keine Schwierigkeiten
beim Zuschauen bereitet, aber dennoch zu unkonventionellem
Sehen zwingt: neu Sehen lernen, neu Hören
lernen, neu Verstehen lernen.« (Jennifer Borrmann)
▶ Dienstag, 6. März 2012, 21.00 Uhr
»… GEIST UND EIN WENIG GLÜCK« – BRD 1965 –
R+B: Ulrich Schamoni – K: Petrus Schloemp – mit
Peter Bamberger, Arthur Brauner, Rudolf Noelte, Ferdinand
Khittl, Carl Lamb, Luise Albertz, Hilmar Hoffmann,
Haro Senft, Alexander Kluge, Anton Kochs, Norbert
Kückelmann, Walter Schmieding, Bert Haanstra, Jerzy
Bossak, Jacov Lindt, Franz Josef Spieker, Vlado Kristl,
Peter Schamoni, Enno Patalas, Uwe Nettelbeck, Ulrich
Gregor, Günter Seuren, Klaus Lemke, Rudolf Thome –
30 min – NEUER DEUTSCHER FILM REPORT – BRD
1967 – R+B: Ferry Radax – K: Peter Scheiblin – mit
Vlado Kristl, Peter Genée, Haro Senft, Werner Herzog,
Volker Schlöndorff, Peter Schamoni, Horst Manfred
Adloff, Hansjürgen Pohland, George Moorse – 21 min –
DIE ERBEN VON PAPAS KINO – BRD 1968 – R+B: Wilhelm
Roth – K: Peter Kodera – mit Rob Houwer, Hans
Rolf Strobel, Peter Schamoni, Norbert Kückelmann,
Hans Toussaint, Alexander Kluge, Werner Herzog, Marran
Gosov, Fred Hoffmann, Edgar Reitz – 28 min –
BESONDERS WERTVOLL – BRD 1968 – R+B+K: Hellmuth
Costard – mit Hellmuth Costard, Edda Costard,
Hans Toussaint – 11 min – VERRÄTER DES JUNGEN
DEUTSCHEN FILMS SCHLAFEN NICHT – BRD 1982 –
R+B+K: Vlado Kristl – 7 min – Fernseh berichte, die
mal ironisch, mal nüchtern die Situation der »Jung -
filmer« beleuchten: Bilder vom Festival von Oberhausen
und von der Mannheimer Filmwoche, Interviews mit
Filmemachern und filmische Polemiken gegen die Filmförderungsbürokratie.
Hellmuth Costards Pamphlet
BESONDERS WERTVOLL wird beim Oberhausener
Filmfestival nicht zugelassen und verursacht einen
Skandal.
▶ Mittwoch, 7. März 2012, 21.00 Uhr

GESCHWINDIGKEIT – BRD 1963 – R+B: Edgar Reitz –
K: Edgar Reitz, Thomas Mauch – M: Josef Anton Riedl –
13 min – »Wenn wir die uns umgebende Wirklichkeit
im Film abbilden, beziehen wir Stellung zu ihr. So betrachtet
verändert die Welt ihr Aussehen auf überraschende
Weise. Geschwindigkeit ist eine neue Realität.
Sie mußte in der Sprache des Films formuliert werden.
Im Bereich der Geschwindigkeit finden wir eine unseren
Vorstellungen gemäße Ansicht der Erdoberfläche.
Die Sinnwidrigkeit von provinziellen Begrenzungen wird
offensichtlich.« (Edgar Reitz) – ABSCHIED VON GES-
TERN – BRD 1966 – R+B: Alexander Kluge, nach seiner
Erzählung »Anita G.« – K: Thomas Mauch, Edgar
Reitz – D: Alexandra Kluge, Hans Korte, Edith Kuntze-
Paleggio, Josef Kreindl, Eva Maria Meineke, Alfred Edel
– 88 min – »Ein junges Mädchen, Anita G. Ihre Eltern
wurden im ›Dritten Reich‹ eines Morgens abgeholt. Sie
kommt aus dem Osten. Jetzt friert sie sich durch den
Westen. Dreierlei Deutschland.« (Alexander Kluge)
»ABSCHIED VON GESTERN ist der Film von jemandem,
der das Kino gerade entdeckt hat und mit aller Unbefangenheit
das macht, was andere nur unter großen
Anstrengungen im Kampf mit dem vergangenen Kino
fertig bringen: neue Ausdrucksmittel finden. Das macht
sie barbarisch neu. In gewisser Weise ist Kluges Verhältnis
zur Kinogeschichte ein ähnliches wie das seiner
Anita G. zur deutschen Geschichte.« (Frieda Grafe)
▶ Dienstag, 13. März 2012, 21.00 Uhr
KLEINE FRONT – BRD 1965 – R: Klaus Lemke – B:
Klaus Lemke, Max Zihlmann – K: Hubs Hagen – D: Werner
Enke, Horst Söhnlein, Heinz Klopp, Uta Pausch –
17 min – »Mein erster Film. Und gleich sofort drei
Jungs zwischen Größenwahn und scheinbar falsch verstandenem
amerikanischen Kino. Werner Enke als Belmondo.«
(Klaus Lemke) – DIE TOTE VON BEVERLY
HILLS – BRD 1964 – R: Michael Pfleghar – B: Peter Laregh,
Hansjürgen Pohland, Michael Pfleghar, nach der
Novelle von Curt Goetz – K: Ernst Wild – M: Heinz Kiessling
– D: Heidelinde Weiss, Klausjürgen Wussow, Horst
Frank, Wolfgang Neuss, Ernst Fritz Fürbringer –
109 min – »Der brillanteste deutsche Debütfilm der frühen
1960er Jahre. Keinem Vorbild verpflichtet und nur
auf den Strategien seiner frühen Fernseh-Shows aufbauend,
verwandelt Michael Pfleghar die Realität so,
dass sie der auf schwindelerregende Gipfel getriebene
Vorstellungswelt seiner Figuren und Kinoerfahrung seiner
Zuschauer sowie ihrem eigenen, verborgenen Sinn -
gehalt entspricht. Alles ist so, wie es sein könnte, sein
sollte, sein müßte; und diese Phantasie-Ebenen der
Realität werden mit völlig realistischen Mitteln dar -
gestellt. Und dabei schafft es Pfleghar mit traumwandlerischer
Sicherheit, die pikante Sinnlichkeit der Lolita-
Geschichte, den Thrill der Krimi-Story und den Witz der
Satire zu einem Ganzen zu integrieren; die Spannung
hat Komik, und das Komische bringt das Sinnliche nie
um seine Wirkung.« (Joe Hembus)
▶ Dienstag, 20. März 2012, 21.00 Uhr
DAS MAGISCHE BAND – BRD 1959 – R: Ferdinand
Khittl – B: Bodo Blüthner, Ferdinand Khittl, Ernst von
Khuon – K: Ronald Martini – M: Oscar Sala – D: Margot
Trooger, Ferdinand Khittl – 21 min – DIE PARALLEL-
STRASSE – BRD 1962 – R: Ferdinand Khittl – B: Bodo
Blüthner – K: Ronald Martini – M: Hans Posegga – D:
Friedrich Joloff, Ernst Marbeck, Wilfried Schröpfer,
Henry van Lyck, Werner Uschkurat, Herbert Thiede –
83 min – Der Industrie- und Kulturfilm bot jungen Filmemachern
die Möglichkeit, innerhalb gewisser Grenzen
mit dem Medium zu experimentieren. Der von der
Gesellschaft für Bildende Filme für BASF produzierte
Kurzfilm DAS MAGISCHE BAND stellt die Möglichkeiten
des Magnetbands vor und strotzt vor kühner Einfälle
visueller und akustischer Art. Ermuntert vom Erfolg
solcher Kurzfilme entstand der abendfüllende Film DIE
PARALLELSTRASSE, der in Deutschland kaum gezeigt
wurde, im Ausland jedoch enthusiastische Kritiken erhielt.
»Hier wurde mit unerwarteter Vitalität eine Tür aufgestoßen,
und die kühnsten Perspektiven kamen zum
Vorschein. Der Filmschöpfer, der seine Vision der Welt
im Film abbilden will, wurde von dem Zwang befreit,
fiktive Geschichten zu erzählen. Der Dokumentarfilm
wurde von der Auflage erlöst, geographische, soziologische
und andere Erläuterungen geben zu müssen. Es
werden Dokumente aus Zeit und Welt vorgeführt, und
an diesen Dokumenten entzündet sich eine Philosophie:
eine Meditation über Dokumente.« (Joe Hembus)
▶ Dienstag, 27. März 2012, 21.00 Uhr
Neuer Deutscher Film
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Die rote Traumfabrik
Die rote Traumfabrik
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AeliTA
Meschrabpom-Film und Prometheus
Die Gründung der Internationalen Arbeiterhilfe (IAH,
russisch: Meschrabpom), die der junge kommunistische
Funktionär Willi Münzenberg von Berlin aus leitete,
markierte im Jahr 1921 den Beginn einer einzigartigen
Phase der deutsch-russischen Filmbeziehungen:
Im Zuge der Hungerhilfe für die Wolgagebiete und
der politischen Arbeit der IAH wurden russische und
deutsche Filme produziert, und ein reger Export und Import
von und nach Russland begann. 1924 gründeten
IAH und das Moskauer Filmstudio Rus die gemeinsame
Firma Meschrabpom-Rus (später Meschrabpom-Film),
zu der ein Jahr später die deutsche Verleih- und Produktions
gesellschaft Prometheus hinzukam. Bis zur gewaltsamen
Schließung 1933 durch die Nationalsozialisten
in Berlin und 1936 in Moskau in Stalins Auftrag entstanden
fast 600 Spiel-, Dokumentar- und Animationsfilme,
darunter viele Klassiker des sowjetischen Films
und des proletarischen Kinos in Deutschland. Wichtige
Regisseure waren Boris Barnet, Wsewolod Pudowkin,
Jakow Protasanow, Lew Kuleschow und Phil Jutzi. Hierzulande
weniger bekannte Regisseure wie Aleksandr
Andrijewski, Margarita Barskaja, Sergej Komarow oder
Wladimir Schnejderow sind jedoch in dieser kleinen
Werkschau ebenso zu entdecken wie einige der interessantesten
Dokumentarfilme und Trickfilme der Filmfabrik.
Kommerz und Gesinnung
Willi Münzenberg brachte die ersten russischen Filme
nach Krieg und Revolution nach Deutschland und be -
lieferte zugleich die russischen Kinos mit deutscher
Unterhaltungsware. Mit der Gründung der ersten
deutsch-russischen Filmfirma als gemischte internationale
Aktiengesellschaft, zusammen mit Moisej Alejnikow,
einem Profi des vorrevolutionären Films, entstand
eine einzigartige und besonders erfolgreiche Konstruktion:
Ein Studio, das sich der staatlichen Kontrolle in der
Sowjetunion rund ein Jahrzehnt lang weitgehend entziehen
konnte und dessen zahlreiche Kassenschlager
für die russischen Kinos ebenso in Deutschland und
weiter in aller Welt verbreitet wurden. Es prägte die
Filmsprache des europäischen Kinos mit. Meschrabpom-Film
und seinen deutschen Tochterfirmen Prometheus-Film
und Film-Kartell Weltfilm gelang es, einen
dritten Weg zwischen der Dominanz Hollywoods und
der Ufa sowie den staatlich-ideologisierten Sowkinound
Goskino-Produktionen zu gehen.

Dazu baute die Filmfabrik systematisch auf bestimmte
Genres, wie die ersten sowjetischen Komödien, Abenteuerfilme,
populärwissenschaftliche Dokumentationen,
Expeditionsfilme zu den weißen Flecken der Landkarte
oder frühe Animationsfilme in einem ganz eigenen russischen
Stil. Zudem schuf sie die ersten sowjetischen
Tonfilme (1931) und Farbfilme (1936) und setzte auf
aktuelle Themen wie Roboter in der Arbeitswelt, den
Kampf gegen den Nationalsozialismus oder auf die
weltweiten Massenbewegungen gegen Ungerechtigkeit,
Unterdrückung, Arbeitslosigkeit und das Elend der
unteren Schichten. In Deutschland förderte sie nach
Kräften die linke Filmszene und den sozial engagierten
Film, mit Filmemachern wie Phil Jutzi, Albrecht V. Blum,
Leo Mittler oder Slatan Dudow. Der gemeinsame Nenner
des Erfolgs war, was zugleich die stärkste Wirkung
im internationalen Film entfaltete: die Mischung von
Kunst und Kommerz, Massenattraktivität und Gesinnung,
neuer Filmsprache und moderner Methoden ih -
rer Verbreitung.
Filmgeschichte als Ausgrabung
Der Chef der Internationalen Arbeiterhilfe und damit
auch oberste Studioleiter Willi Münzenberg bezichtigte
Stalin nach dem Pakt mit Hitler offen des Verrats; er
galt danach als Renegat und fiel kurz darauf wahrscheinlich
dem NKWD zum Opfer. Zudem war die mit
Meschrabpom in enger Verbindung stehende Kommunistische
Internationale von Stalin »abgewickelt« worden.
So wirkte dieses Tabu auch auf die Erforschung
der Studiogeschichte in der Sowjetunion lange Zeit
nach. Und in Deutschland galten die Unterlagen und
Filme der Filmfabrik lange Zeit als verloren. Im Zuge
der Vorbereitung der großen Retrospektive zur »Roten
Traumfabrik« für die Berlinale 2012 haben viele Recherchereisen
in die Moskauer Archive Kopien und
Akten in Fülle zu Tage gefördert.
Das Münchner Filmmuseum hat nicht nur die Retrospektive
der Deutschen Kinemathek mit Film kopien,
Rat und Tat unterstützt, sondern es dankenswerterweise
ermöglicht, eine Werkschau des Studios auch in
München anzubieten. Eingeführt wird das Programm
mit einer Dokumentation, die erstmals mit vielen Filmbeispielen
einen Überblick über das Studio und seine
zentralen Figuren geben wird. Mit den hier vorgestellten
Filmen von Meschrabpom-Film und Prometheus
schließt sich ein Kreis, der vor fast 20 Jahren mit dem
Russenfilmklub des Münchner Filmzentrums begonnen
und über die Jahre mit vielen Programmen, vor allem
zum russischen und sowjetischen Stummfilm, vom
Filmmuseum weitergeführt werden konnte. Zahlreiche
dieser Filme, die eben aus dieser zweitgrößten, aber
nicht-staatlichen sowjetischen Filmfabrik stammten,
lassen sich nun besser in ihren Kontext von Geschichte,
Filmsprache und Produktion einordnen.
Alexander Schwarz
DIE ROTE TRAUMFABRIK – Deutschland 2012 – R+B:
Alexander Schwarz – K: Andrej Pitinow – M: Bernd
Schultheis – 56 min – Dokumentation über die Hintergründe
und das Filmschaffen des deutsch-russischen
Studios Meschrabpom-Film, mit Ausflügen in die heutige
Filmszene Moskaus. – WOS STA NIJE RYBAKOW
(AUFSTAND DER FISCHER) – UdSSR 1935 – R: Erwin
Piscator, Michail Doller – B: Georgi Grebner, nach der
Erzählung »Der Aufstand der Fischer von St. Barbara«
von Anna Seghers – K: Pjotr Jermolow, Michail Kirillow
– D: Aleksej Diki, Dmitri Konsowski, Nikolai Gladkow,
Nikolai Iswolski, Wera Janukowa – 70 min, OmU – Die
Fischer von St. Barbara tragen einen erbitterten Arbeitskampf
gegen den Reeder aus. Sie haben nur die
Wahl zwischen Verhungern und Hungerlohn. Ein Revolutionär
versucht die wenigen Aufrechten unter den
Fischern zu unterstützen. Auf Moskaus Einladung hin
verfilmte der berühmte Theateravantgardist Erwin Piscator
Anna Seghers’ Erzählung in der Sowjetunion.
Große Hoffnungen ruhten auf dem aufwändigen Projekt,
das eine Volksfront gegen die Nationalsozialisten
propagieren sollte. Stalin ließ die experimentelle Tonfassung
1934 jedoch schnell wieder absetzen, nur eine
verstümmelte Exportfassung blieb erhalten. Piscator
hatte für das »flache Land« aber noch eine kürzlich wiederentdeckte
stumme Fassung hergestellt. Sie ist kürzer,
aber dramaturgisch klarer und wirft ein neues Licht
auf den Klassiker.
▶ Dienstag, 28. Februar 2012, 19.00 Uhr (Am Flügel:
Richard Siedhoff. Einführung: Ale xander Schwarz)
Die rote Traumfabrik
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Die rote Traumfabrik
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SCHACHMATNAJA GORJATSCHKA (SCHACHFIEBER)
– UdSSR 1925 – R: Wsewolod Pudowkin, Nikolai Schpikowski
– B: Nikolai Schpikowski – K: Anatoli Golownja –
D: Wladimir Fogel, Anna Semzowa, José Raul Capa -
blanca – 27 min, OmU – Als 1925 internationale Stars
zu Schachmeisterschaften nach Moskau kommen, wird
gleich eine amüsante Komödie dazu gedreht: Was,
wenn der schachbegeisterte Moskauer darüber sogar
seinen Hochzeitstermin vergisst? – AELITA (DER FLUG
ZUM MARS) – UdSSR 1924 – R: Jakow Protasanow –
B: Fjodor Ozep, Aleksej Tolstoj, nach dem Roman von A.
Tolstoj – K: Juri Scheljabuschski, Emil Schünemann –
D: Julija Solnzewa, Nikolai Zereteli, Walentina Kuindschi,
Nikolai Batalow, Wera Orlowa – 99 min, OmU –
»Anta odeli uta …«: Geheimnisvolle Nachrichten werden
in Sowjetrussland aufgefangen, eine Expedition
folgt ihren Spuren bis zum Mars, zur Herrscherin Aelita.
Bald lösen die Gäste eine Revolution auf dem Nachbarplaneten
aus. Abenteuer, Science Fiction, Liebesmelodram
und realistische Darstellung der Nachbürgerkriegsgesellschaft
in Moskau, kombiniert mit phantastisch-konstruktivistischen
Bauten und Exter-Kostümen,
bescherten der frühen Meschrabpom-Produktion großen
Erfolg in beiden Ländern. Altmeister Protasanow
und junge Schauspieltalente wie Solnzewa, Batalow
und Iljinski begannen damit große Karrieren.
▶ Mittwoch, 29. Februar 2012, 18.30 Uhr (Am Flügel:
Richard Siedhoff)
ODNA IS MNOGICH (EINE VON VIELEN) – UdSSR
1927 – R+B: Nikolai Chodatajew – K: Pawel Merschin
– A: Walentina u. Sinaida Brumberg, Olga Chodatajewa
– D: Aleksandra Kudrjawzewa – 16 min, OmU – Zeichentrickfilm
mit Realaufnahmen: Ein Augenzwinkern
der echten Mary Pickford reicht, und die junge Filmverrückte
träumt sich schon nach
Hollywood. – POZELUI MERI
PIKFORD (DER KUSS DER
MARY PICKFORD) – UdSSR
1927 – R: Sergej Komarow – B:
Sergej Komarow, Wadim Scherschenewitsch
– K: Jewgeni Aleksejew
– D: Igor Iljinski, Anel Sudakewitsch,
M. Rosenschtejn,
Mary Pickford, Douglas Fairbanks
– 79 min, OmU – Alles
dreht sich nur um Filmstars:
Dusja will ihren Verehrer Goga
nur erhören, wenn er so berühmt
wird wie die amerikanischen Kinohelden.
Nach einem wahren
Crashkurs zum Stuntman platzt
just in seinen ersten Dreh die Sensation: Mary Pickford
und Douglas Fairbanks kommen – als erste Weltstars
des Kinos – zu Besuch ins sowjetische Moskau. Goga
erhält beim improvisierten Dreh von Mary einen Kuss.
Jetzt sind alle Frauen hinter ihm her. Eine temporeiche
Farce über den Starkult. Igor Iljnski und Anel Sudakewitsch
avancierten damit selbst zu sowjetischen Filmstars,
das Studio landete erneut einen Kassenschlager.
▶ Freitag, 2. März 2012, 18.30 Uhr (Am Flügel: Joachim
Bärenz)
MUTTER KRAUSENS FAHRT INS GLÜCK – Deutschland
1929 – R+K: Phil Jutzi – B: Willy Döll, Jan Fethke
– D: Alexandra Schmitt, Holmes Zimmermann, Ilse
Trautschold, Gerhard Bienert, Vera Sacharowa –
119 min – Mitten in der Weltwirtschaftskrise: Die Arbeiter
leben im Elend und kämpfen um ein kleines bisschen
Glück und warmes Essen. Mutter Krause samt
zwei erwachsenen Kindern, dazu ein windiger »Schlafbursche«
und seine Geliebte, die Prostituierte ist und
ein Kind hat – sie alle leben auf ein paar Quadrat -
metern beisammen. Schnell kommt es zu Spannungen,
bald ist auch Kriminalität im Spiel. Mutter Krausens
mühsam aufrechterhaltene Ordnung bricht zusammen.
Das Projekt entstand zu Ehren des kurz zuvor verstorbenen
Heinrich Zille. Der hatte sein »Milljöh« genau beschrieben
– es fehlte nur noch der Film. Phil Jutzi
drehte ihn, beraten von Käthe Kollwitz, im Stil und in
der Gesinnung der sowjetrussischen Filme, die die Produktionsfirma
Prometheus importierte und verlieh. Statt
auf platte Unterhaltung oder kommerziellen Erfolg
setzte Jutzi auf die Kraft der Erkenntnis.
▶ Samstag, 3. März 2012, 18.30 Uhr (Am Flügel: Joachim
Bärenz)

ÜBERFLÜSSIGE MENSCHEN – Deutschland 1926 –
R+B: Aleksandr Rasumny, nach Motiven von Anton
Tschechow – K: Otto Kantureck, Carl Attenberger – M:
Edmund Meisel – D: Eugen Klöpfer, Camilla von Hallay,
Heinrich George, Albert Steinrück, Werner Krauss –
105 min – Das kleine Glück und die großen Nöte in
einem Schtetl, irgendwo im »Inneren Russlands«. Trunkenheit,
Zauberkünstler, Rivalitäten, Verzweiflung, ein
Großbrand, eine Verlobung, Badefreuden, Bubenstreiche
und ein Dorforchester, in dem alle irgendwie mitspielen.
Prometheus-Film war gerade zum Vertrieb
neuer russischer Filmkunst gegründet worden, da versuchte
man sich an ersten zaghaften deutschen Produktionen,
mit einem Tschechow-Melodram, deutschrussischem
Stab und Starbesetzung. Ein wenig bekanntes
Werk, mit dem Komponist Edmund Meisel
nach PANZERKREUZER POTEMKIN im Filmgeschäft
weiter Fuß fassen konnte. Zur Aufführung gelangt eine
1979 vom ZDF ausgestrahlte Rekonstruktion des Films,
die im Bonner Metropol-Kino mit Live-Orchestermusik
aufgezeichnet wurde.
▶ Sonntag, 4. März 2012, 18.30 Uhr
PUTJOWKA W SCHISN (DER WEG INS LEBEN) –
UdSSR 1931 – R: Nikolai Ekk – B: Nikolai Ekk, Regina
Januschkewitsch, Aleksandr Stolper – K: Wasili Pronin
– M: Jakow Stolljar – D: Nikolai Batalow, Iwan Kyrlja,
Michail Dschagofarow, Wladimir Wesnowski, Regina
Januschkewitsch – 112 min, OmU – Nach Revolution
und Bürgerkrieg machen kriminelle Banden obdach -
loser Jugendlicher die Straßen unsicher; sie werden
eingefangen, reißen aber meistens wieder aus. Ein (real
von Anton Makarenko durchgeführtes) Reformprojekt
soll die Jugendlichen in Arbeitskommunen resozialisieren.
Lange Zeit steht das Projekt immer wieder auf der
Kippe: Mangelnde Disziplin, fehlende Materialien, Rückfälle.
Doch mit der Eröffnung der selbst gebauten
Eisenb ahn strecke soll der Erfolg gekrönt werden. Da
kommt es zu einem Zwischenfall … Der erste abendfüllende
sowjetische Tonfilm, die realistische, noch
nicht vollkommen stalinistisch überhöhte Darstellung
und das universelle Thema vom Herausarbeiten des
Guten aus allen Menschen ließen den Film zum großen
Triumph des Studios werden, sogar weltweit.
▶ Dienstag, 6. März 2012, 18.30 Uhr
OKRAINA (VORSTADT) – UdSSR 1933 – R: Boris Barnet
– B: Konstantin Finn, Boris Barnet, nach der Erzählung
von Konstantin Finn – K: Michail Kirillow, A. Spiridonow
– M: Sergej Wasilenko – D: Sergej Komarow, Jelena
Kusmina, Robert Erdman, Aleksandr Tschistjakow,
Hans Klering – 96 min, OmU – Krieg und Poesie,
Schusternägel und Revolution: Die Katastrophe des Ersten
Weltkrieges bricht über ein verschlafenes russisches
Provinznest herein. In diesem »Krähwinkel« gab
bislang die Schusterwerkstatt Arbeit, die Damen flanierten
sonntags am Dorfteich, Russen und auch Deutsche
lebten friedlich Tür an Tür. Jetzt müssen die Schustersöhne
an die Front, und der alte Deutsche muss sein
Haus verlassen. Bald treffen die ersten Kriegsgefangenen
ein. Die Schusterstochter lässt sich mit einem ein;
Russen prügeln ihn dafür halb tot. Aber der Vater kann
ihn brauchen: »Das ist kein Deutscher, sondern ein
Schuster!« Der revolutionäre Funke springt in die Heimat
über. Mit Augenzwinkern, Melancholie und verhaltenem
revolutionären Pathos konnte Barnet als großer
Utopist 1933 nur Verrisse ernten. Heute begeistern
nicht nur sein komödiantisches Talent und die souveräne
»poetische Montage«; auch die pazifistisch-internationalisti
sche Sicht auf Weltkrieg und Revolution
kann erst jetzt ihre Wirkung entfalten.
▶ Mittwoch, 7. März 2012, 18.30 Uhr
SOROK SERDEZ (VIERZIG HERZEN) – UdSSR 1931 –
R: Lew Kuleschow – B: Aleksandr Andrijewski – K: Konstantin
Kusnezow – A: Iwan Iwanow-Wano – 49 min,
OmU – Wie Herzen schlagen die neuen Kraftwerke im
Die rote Traumfabrik
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Die rote Traumfabrik
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Puls der Modernisierung. Eilig und mit gigantischem
Aufwand wird die Sowjetunion industrialisiert. Kuleschows
wiederentdeckter Lehrfilm ist zugleich ein Hohelied
auf die Wunderkraft des elektrischen Stroms. –
TRI PESNI O LENINE (DREI LIEDER ÜBER LENIN) –
UdSSR 1934 – R+B: Dsiga Wertow – K: Dmitri Surenski,
Mark Magidson, Boris Monastyrski – M: Juri
Schaporin – 62 min, OmU – Von der Leninschen
Lampe in der usbekischen Hütte bis zum gigantischen
Moskau-Wolga-Kanal: Kontinente umspannend preist
das sowjetische Volk den geliebten Vater und herzlichen
Freund. Lenin ist auch zehn Jahre nach seinem
Tod noch allgegenwärtig, in der Trauer und im Fortschrittsglauben:
Revolution ist ansteckend, bewegend,
aktuell. Wertow montiert aus Wochenschaumaterial
und neuen Bildern eine ergreifende Montage-Hymne.
▶ Freitag, 9. März 2012, 18.30 Uhr
RWANYJE BASCHMAKI (ZERRISSENE STIEFEL-
CHEN) – UdSSR 1933 – R+B: Margarita Barskaja – K:
Georgi Bobrow, Sarkis Geworkian – M: Wissarion Schebalin
– D: Michail Klimow, Iwan Nowoselzew, Anna
Tschekulajewa, Wera Alechina, Klawdija Polowikowa –
84 min, OmU – Deutschland, kurz vor der endgültigen
Machtübernahme der Nationalsozialisten. Auch das
Arbeiterviertel und die Schulklasse sind gespalten: Hitlerjungen
balgen sich mit den Söhnen der streikenden
Arbeiter, die trotzig ihr »Rotfront« skandieren. Die anrührende
Geschichte von Bubi und seinen Freunden lag
für das deutsch-russische Studio nahe. Margarita Barskaja,
Schauspielerin und eine der wenigen Regisseurinnen
des sowjetischen Films, inszenier te sie mit großem
Gespür für den Umgang mit Kindern vor der Kamera.
Der Film konnte in Deutschland nicht mehr gezeigt werden,
da die SA das Arbeiterhilfe- und Prometheus-Büro
in Berlin schon gestürmt und das NS-Regime alle russischen
Filme verboten hatten.
▶ Samstag, 10. März 2012, 18.30 Uhr
GIBEL SENSAZII (UNTERGANG DER SENSATION) –
UdSSR 1935 – R: Aleksandr Andrijewski – B: Georgi
Grebner – K: Mark Magidson – M: Sergej Wasilenko –
D: Sergej Wetscheslow, Wladimir Gardin, Marija Wolgina,
Anna Tschekulajewa, Wasili Orlow – 87 min,
OmeU – Halb science fiction, halb Klassenkampf – Maschinen(alb)träume
auf russisch. Vorsichtshalber wurde
die brisante Handlung ins »Ausland« verlegt. Der Ingenieur
Jim Ripple erfindet durch Saxophon und Funk
ferngesteuerte Roboter. Die Kapitalisten denken gleich
an ein Heer emotionsloser Kampfmaschinen. Jims Bruder
Jack ist Arbeiterführer und organisiert Streiks
gegen die Roboter, die nur Arbeitslosigkeit produzieren
würden. Es kommt zur Schlacht … Ein paar Jahre nach
dem Maschinenmenschen Maria in METROPOLIS und
noch bevor Hollywood Weltvernichtungsroboter aufmarschieren
ließ, zeigte Meschrabpom 1935 die bedroh -
liche Maschinenarmee zwischen den Fronten des Klassenkampfes.
Mit in der Sowjetunion nie dagewesenem
Aufwand und modernster Technik inszenierte Aleksandr
Andrijewski das immer wieder aktuelle Thema.
Die gewaltsame Schließung der Moskauer Filmfabrik
verhinderte eine größere Verbreitung des Meisterwerks.
▶ Sonntag, 11. März 2012, 18.30 Uhr
SOLOTOJE OSERO (DER GOLDENE SEE) – UdSSR
1935 – R: Wladimir Schnejderow – B: Aleksandr Peregudow,
Wladimir Schnejderow – K: Aleksandr Schelenkow
– M: Sergej Wasilenko – D: Iwan Nowoselzew,
W. Tolstowa, Andrej Fait, M. Grodski, I. Michailow –
78 min, OmeU – Banditen, ein Schamane und junge
sowjetische Geologen – alle sind hinter dem sibirischen
Gold her, das schon der Name des »Goldenen Sees«
verspricht. Ein Attentat, ein wahrhaftiger cliffhanger, ein
Waldbrand und die beeindruckende Landschaft im »Wil -
den Osten« treiben die Handlung voran. Expeditionsund
Abenteuerspezialist Wladimir Schnejderow hatte
schon spektakuläre Dokumentarfilme im Pamir, im Eismeer
und im Jemen gemacht. Hier versuchte er sich
erstmals und mit Erfolg mit einem Abenteuerspielfilm.
▶ Dienstag, 13. März 2012, 18.30 Uhr
SLUTSCHAINAJA WSTRETSCHA (ZUFÄLLIGE BEGEG-
NUNG) – UdSSR 1936 – R+B: Igor Sawtschenko – K:
Juli Fogelman – M: Sergej Potozki – D: Jewgeni Samoilow,
Galina Paschkowa, Walentina Iwaschjowa, Pjotr
Sawin – 63 min, OmeU – Das Spielwarenkombinat
Dscherschinski präsentiert sich von seiner besten
Seite, als Paradies der Arbeiter. Gearbeitet wird kaum,
aber viel Sport getrieben. Alle haben Spaß und immer
ein Lied auf den Lippen. Der beliebten blonden Vor -
arbeiterin gelingt einfach alles, bis sie sich in den Sporttrainer
verliebt. Ein sozialistisch-realistisches Spätwerk
des Meschrabpom-Studios – dessen Ende bahnt sich
schon an. Der junge Regisseur Igor Sawtschenko war
Spezialist für Musikfilm und Melodramen und damit
eigentlich ganz auf Stalins Linie. Dem Studio war jedoch
selbst in diesen dramatischen Jahren des beginnenden
Terrors filmische Qualität wichtiger als die Ideologie.
So musste der Film nach »Formalismus«-Vor -
würfen umgearbeitet werden. Bald nach dem Kinostart
1936 wurde er ganz aus dem Verleih genommen.
▶ Mittwoch, 14. März 2012, 18.30 Uhr

Zum 100. Geburtstag von Jiří Trnka
ein SOmmeRnAcHTSTRAUm
Jiří Trnka
13
Jiří Trnka – Im Dienste der Phantasie
Jiří Trnka war nicht nur eine der Schlüsselfiguren der
tschechischen Schule des Animationsfilms, sondern zugleich
auch Illustrator, Maler, Puppenspieler, Bildhauer
und Bühnenbildner sowie ein bedeutender Vertreter der
modernen Kunst und der tschechischen visuellen
Szene in den 30er bis 60er Jahren des 20. Jahrhunderts,
dessen Werk die folgende Künstlergeneration beeinflusst
hat. Am bekanntesten sind seine Filme und Illustrationen,
auf welche Künstler bis heute Bezug nehmen.
Die Inhalte seiner Filme wählte Trnka sorgfältig
aus, manche Themen griff er mehrmals in seinen Illustrationen
und Grafiken sowie im Film auf (z. B. beim
SOMMERNACHTSTRAUM). Inspiration schöpfte er aus
der Volkskultur und der Weltliteratur sowie aus der bildenden
Kunst. In einer Zeit, in der Walt Disney den Zeichentrickfilm
weltweit dominierte, ging Trnka seinen
eigenen Weg und bewies, dass die Möglichkeiten des
Animationsfilmes noch wesentlich vielfältiger sind.
Manchmal war er seiner Zeit voraus, einige seiner
Filme wie DAS GESCHENK (1946) stießen zu ihrer Entstehungszeit
auf Unverständnis und wurden erst später
»wiederentdeckt« und hochgeschätzt. Andere wie der
Pantomimefilm EIN SOMMERNACHTSTRAUM (1959)
rufen bis heute unverminderte Bewunderung beim Publikum
hervor.
Bahnbrechend ist vor allem Trnkas Art, Atmosphäre zu
erzeugen. Jedes Handlungsmotiv wird in Bilder zerlegt,
die im Endeffekt verschmelzen und somit einen breiten
Raum für eine reichhaltige Palette an Gefühlen und
Stimmungen entstehen lassen. Dramatische Handlungen
und eine poetische Atmosphäre erzeugt Trnka
nicht nur mit den zur Verfügung stehenden filmischen
Mitteln (Beleuchtung, Kamerawinkel, Animation, Schnitt
und Ton), sondern auch durch das Zusammenspiel der
Figuren mit den Requisiten. Mit jeder Aufnahme
brachte Jiří Trnka die technologische und künstlerische
Entwicklung des Animationsfilmes voran. Niemals
wiederholte er sich, weder in der künstlerischen Aus -
gestaltung noch in der Verwendung von Anima tions -
techniken.
Jiří Trnka wurde am 24. Februar 1912 in Pilsen geboren,
einer südböhmischen Stadt, die berühmt für ihre
Puppenspieltradition ist. Er starb am 30. Dezember
1969 in Prag. Schicksalhaft war für Trnka die Begegnung
mit Josef Skupa, seinem Zeichenlehrer an der
Mittelschule, der zu dieser Zeit bereits ein berühmter
Puppenspieler war. Skupa erkannte Trnkas außerordentliches
Talent, weckte sein Interesse an Puppen und
Puppentheater und unterstützte seine künstlerische
Entwicklung auch nach der Zeit seines Studiums an der
Kunstgewerbeschule in Prag. Für Skupas Puppentheater
entwarf Trnka Dekorationen und Puppen sowie die
Werbematerialien, in deren Mittelpunkt das Paar Spejbl
und Hurvínek stand. Nach Beendigung seines Studiums
im Jahre 1936 gründete und betrieb Trnka für

Jiří Trnka
14
kurze Zeit eine eigene Puppenbühne, das Hölzerne
Theater, der jedoch kein großer Erfolg bei Publikum und
Kritik beschieden war. Die künstlerische Qualität der
Inszenierungen wurde zwar gepriesen, jedoch die Auswahl
der Stoffe kritisiert.
Nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges 1945 übernahm
Trnka die künstlerische Leitung des verstaatlichten
Prager Zeichenfilmstudios, das von einer Gruppe
junger Animatoren betrieben wurde, die sich Bratři v
triku (Brüder im Trick/Trikot) nannten. Noch vor Ablauf
des Jahres 1945 wurde unter Trnkas künstlerischer
Leitung der erste Zeichenfilm GROSSVATER PFLANZT
EINE RÜBE fertiggestellt. Im nachfolgenden Jahr entstehen
drei weitere Filme: Das Kindermärchen DIE BRE-
MER STADTMUSIKANTEN, inspiriert von einer Episode
aus einem Ballett von Oskar Nedbal, die Gesellschaftssatire
DAS GESCHENK, in der Realaufnahmen mit Zeichentrick
kombiniert wurden, und die politische Farce
DER FEDERMANN UND DIE SS. Diese Filme unterscheiden
sich nicht nur thematisch voneinander, sondern
auch in ihrer Zeichentricktechnik. Als die Kurzfilme
1946 auf dem ersten Nachkriegsfilmfestival in Cannes
gezeigt wurden, wurden sie von den Zuschauern und
vom Fachpublikum begeistert aufgenommen.
1946 widmete sich Trnka wieder seinen Marionetten
und wandte sich dem Puppentrickfilm zu. DIE WEIH-
NACHTSKRIPPE (1947) erweckte die magische Atmosphäre
tschechischer Weihnachten auf der Leinwand
zum Leben. Dem Kurzfilm folgten fünf weitere Episoden,
welche die Volksbräuche auf dem tschechischen
Land während eines ganzen Jahres zeigten und zusammen
den Langfilm DAS TSCHECHISCHE JAHR bildeten.
Die einzelnen Episoden wie auch der ganze Film
eröffneten dem Puppenfilm neue Horizonte und gewannen
in den folgenden Jahren auf internationalen Festivals
eine Reihe von Preisen. Der nächste abendfüllende
Puppenfilm war die Verfilmung eines Märchens von
Hans Christian Andersen: DER KAISER UND DIE NACH-
TIGALL (1948). Ein kranker Junge erlebt in einem
Fiebertraum die Geschichte des chinesischen Kaisers
aus dem Märchen, die Menschen und Gegenstände
aus seiner Umgebung werden zu Figuren in der Geschichte.
Vor dem nächsten Langfilm, der Märchenverfilmung
PRINZ BAJAJA (1950), drehte Trnka drei kurze Puppentrickfilme:
die Adaption von Tschechows Märchen
ROMAN MIT DEM KONTRABASS (1949), die Western-
Parodie DAS LIED DER PRÄRIE (1949) und das Märchen
DIE TEUFELSMÜHLE (1951), in denen er den Puppentrick
weiterentwickelte und mit dem Ton experimentierte:
Hatte er in seinen Filmen bisher nur Musik eingesetzt,
so arbeitete er hier mit einem Kommentar, Sologesang
und Geräuscheffekten als dramaturgischen
Ausdrucksmitteln.
Für den gelungenen Papierschnittfilm DER LUSTIGE
ZIRKUS (1951) zog Trnka die bildenden Künstler František
Tichý, Zdeněk Seydl und Kamil Lhoták hinzu. Die
Adaption von ALTE BÖHMISCHE SAGEN (1953) war
Trnkas nächster Langfilm. Er wählte aus der gleich -
namigen literarischen Vorlage von Alois Jirásek Erzählungen
aus der Geschichte des tschechischen Volkes
aus, die in den ersten Kapiteln des Buches vorkommen.
In sechs Episoden wird von der Ankunft des Urvaters
Čech mit seinem Volk bis hin zum Krieg von Lucko erzählt,
in dem die Armee des böhmischen Fürsten in der
Schlacht auf den Stamm der benachbarten Lutschanen
traf. Mit Hilfe der Puppen gelang es Trnka, die böhmischen
Volksmythen und -legenden mit einem sicheren
Sinn für Monumentalität, aber ohne unnötigen Pathos
darzustellen. Die allegorischen und märchenhaften Szenen
wechseln mit dramatischen Handlungen. Dabei
zeichnet der Film auch psychologische Porträts der Helden
nach. Etwas unausgewogener geriet der nächste
Langfilm DIE ABENTEUER DES BRAVEN SOLDATEN
SCHWEJK (1954) nach dem populären humoristischen
Roman von Jaroslav Hašek. Trnka versuchte, sowohl
den Geist der literarischen Vorlage wie auch den Stil
der Illustrationen von Josef Lada zu bewahren.
EIN SOMMERNACHTSTRAUM (1959) ist der letzte
lange Film von Jiří Trnka, sein Meisterwerk, das die Ausdrucksmöglichkeiten
des Puppentrickfilms und die Erfahrungen
aus den vorhergehenden Filmen zusammenfasst.
Trnka gelang es, mit filmischen Mitteln William
Shakespeares Dichtung in eine eigene Poetik zu verwandeln.
Die Animation der Puppen ist so perfekt, dass
man fast den Eindruck hat, die souveräne Regie würde
sie zu schauspielerischen Höchstleistungen bringen.
Jeden Moment des Films zeichnet eine einzigartige
Jiří Trnka

Stimmung aus. Die verschiedenen Welten – ein prunkvoller
herrschaftlicher Hof, das Milieu der einfachen
Handwerker und ein verzauberter Wald mit Elfen, Waldfeen
und Kobolden – heben sich voneinander durch die
künstlerische Gestaltung ab, die die Bewegungen der
Figuren und die Atmosphäre der Hintergründe prägt.
Der Science-Fiction-Puppentrickfilm DIE KYBERNETI-
SCHE GROSSMUTTER (1962) nach einer Vorlage von
Ivan Klíma beschreibt die Versklavung des Menschen
durch die Verlockungen der Technik. ERZENGEL GA-
BRIEL UND FRAU GANS (1964) ist inspiriert von Boccaccios
»Decamerone« und erzählt eine Geschichte
aus dem Venedig der Renaissance. Die Puppenallegorie
DIE HAND (1965) schließt das filmische Schaffen
von Jiří Trnka ab. Die Geschichte des Pierrots, der
gegen eine despotische Hand ankämpft, lässt sich als
Trnkas persönliche künstlerische Aussage und filmisches
Vermächtnis verstehen. DIE HAND wurde wegen
seiner unverhohlenen Botschaft gegen den Mechanismus
von Terror und Unterdrückung in der CSSR für
mehr als 20 Jahre verboten. Das zeitlose und immer
noch aktuelle Thema sowie die unstrittige künstlerische
Qualität des Films stellen DIE HAND in eine Reihe mit
den bis heute am höchsten geschätzten Meisterwerken
der internationalen Filmgeschichte.
Michaela Mertová, Nationales Filmarchiv Prag
ZASADIL DEDEK REPU (GROSSVATER PFLANZT
EINE RÜBE) – CSSR 1945 – R: Jiří Trnka – B: Eduard
Hofman – M: Václav Trojan – 10 min, ohne Dialog –
Eine Geschichte von einer großen Rübe und davon,
dass auch die Hilfe der kleinen Maus nicht zu verachten
ist. – PERAK A SS (DER FEDERMANN UND DIE
SS) – CSSR 1946 – R: Jiří Trnka, Jiří Brdečka – B: Jiří
Brdečka, Eduard Hofman, Jiří Trnka – M: Jan Rychlík –
13 min, OmU – In Prag erschreckt ein Schornsteinfeger
die deutschen Besatzer, indem er auf elastischen Federn
von einem Haus zum anderen springt. – ROMAN
S BASOU (ROMAN MIT DEM KONTRABASS) – CSSR
1949 – R+B: Jiří Trnka, nach der Kurzgeschichte von
Anton Tschechow – M: Václav Trojan – 13 min, OmU –
Ein Mann mit Kontrabass trifft beim Baden auf eine
schöne Fischerin, die ihn um den Verstand bringt. – VE-
SELY CIRKUS (DER LUSTIGE ZIRKUS) – CSSR 1951 –
R+B: Jiří Trnka – K: Emanuel Franek – M: Jan Rychlík,
Václav Trojan – 12 min, ohne Dialoge – Zirkuskünstler
und -tiere führen ihre Kunststücke in der Manege vor. –
KYBERNETICKA BABICKA (DIE KYBERNETISCHE
GROSSMUTTER) – CSSR 1962 – R+B: Jiří Trnka – K:
Jiří Šafář – M: Jan Novák – 29 min, OmU – Eine beunruhigende
Vision von dem wissenschaftlich-technischen
Fortschritt, die Elemente des psychologischen
Films sowie Elemente von Horror und Science Fiction
kombiniert. – ARCHANDEL GABRIEL A PANI HUSA
(ERZENGEL GABRIEL UND FRAU GANS) – CSSR
1964 – R+B: Jiří Trnka, nach »Decameron« von Giovanni
Boccaccio – K: Jiří Šafář – M: Jan Novák –
29 min, OmU – Im Venedig der Renaissance-Zeit verliebt
sich eine hübsche, reiche, aber dumme Frau in
den Erzengel Gabriel.
▶ Freitag, 9. März 2012, 21.00 Uhr
LOUTKY JIRIHO TRNKY (JIRI TRNKAS MARIONET-
TEN) – CSSR 1955 – R+B: Bruno Šefranka – K: Jiři
Kolín – M: Lubos Sluka – 25 min, OmU – Dokumentarfilm,
der Jiří Trnka in seinem Studio bei der Arbeit an
seinen Filmen zeigt. – STARE POVESTI CESKE (ALTE
BÖHMISCHE SAGEN) – CSSR 1953 – R: Jiří Trnka – B:
Jiří Brdečka, Jiří Trnka, nach der literarischen Vorlage
von Alois Jirásek – K: Emanuel Franek, Ludvík Hájek –
M: Václav Trojan – 91 min, OmU – Die Helden der
tschechischen Mythologie werden in diesem Puppentrickfilm
zu neuem Leben erweckt. »Von Anfang an
habe ich mich stets darum bemüht, eine zu große Ähnlichkeit
der Puppen mit Menschen zu vermeiden. Diese
sollten vielmehr lediglich belebte Konventionen des
Menschen sein.« (Trnka)
▶ Samstag, 10. März 2012, 21.00 Uhr
RUKA (DIE HAND) – CSSR 1966 – R+B: Jiří Trnka – K:
Jiří Šafář – M: Václav Trojan – 18 min, ohne Dialog –
Die traurige Geschichte über einen hilflosen Harlekin
und eine allmächtige Hand als Parabel für die Ohnmacht
der tschechischen Künstler jener Zeit. – SEN
NO CI SVATOJANSKE (EIN SOMMERNACHTSTRAUM)
– CSSR 1959 – R: Jiří Trnka – B: Jiří Brdečka, Josef Kainar,
Jiří Trnka, nach dem Stück von William Shakespeare
– K: Jiří Vojta – M: Václav Trojan – 76 min, OmeU
– Puppentrickfilm über ein unglücklich verliebtes Paar
während einer Nacht in einem Wald bei Athen. »Durch
die filmischen Mittel der verschiedenartigsten Blenden,
des Tricks und der nuancierten Farbgebung und der Beleuchtung
entsteht hier ein märchenhaft schönes Bild,
auf dem sich, von meisterlicher Hand geführt, Puppen
und Tiere schwebend bewegen. Kobolde, Elfen, Geister,
›Menschen‹ und phantastische Landschaften ziehen
vorüber, und nur zu gern lässt man sich von dieser
Scheinwelt gefangennehmen.« (Steffen Wolf)
▶ Sonntag, 11. März 2012, 21.00 Uhr
Im Tschechischen Zentrum ist vom 21.2. bis 11.3.2012 die
Ausstellung »Jiří Trnka – Im Dienste der Phantasie« zu sehen.
Jiří Trnka
15

NS-Filmpropaganda
Nur unter Vorbehalt: NS-Filmpropaganda
16
In der Zeit des »Dritten Reichs« von 1933 bis 1945
wurden über 1.200 Spielfilme hergestellt. Selbst heute,
teilweise mehr als 70 Jahre nach ihrer Entstehung,
sind davon noch über 40 unter Verschluss. Sie werden
mit der Wortschöpfung »Vorbehaltsfilme« bezeichnet.
Da eine Filmzensur laut Grundgesetz nicht stattfinden
darf, wird zur Verhinderung der Verbreitung meist das
Urheberrecht herangezogen.
Keiner dieser »in ideologischer Absicht hergestellten«
Filme wie etwa JUD SÜSS, DER HERRSCHER oder DIE
ROTHSCHILDS darf auf DVD erscheinen, eine TV-Ausstrahlung
ist nicht möglich, es gibt keine Zulassung
durch die FSK, die Freiwillige Selbstkontrolle der Filmwirtschaft.
Die »Vorbehaltsfilme« dürfen nur in Veranstaltungen
mit fachkundiger Einführung und Diskussion
gezeigt werden. In Einzelfällen ist die nicht genehmigte
Vorführung sogar strafrechtlich relevant. Als Rechte -
inhaber wacht die in Wiesbaden ansässige Friedrich-
Wilhelm-Murnau-Stiftung (bei den NS-»Dokumentarfilmen«
das Bundesarchiv) über diese weggesperrten
Nazi-Produktionen; sie wertet – letztlich in der Rechtsnachfolge
des Deutschen Reichs – die von dem verstaatlichten
Filmproduktionskonzern Universum Film
AG (Ufa) her gestellten Filme über die bundeseigene
GmbH Transit Film aus. Außerhalb Deutschlands
gelangt die Handhabung der NS-Filme sogar auf die
Ebene von Politik und Diplomatie: Werden die Filme im
Ausland gezeigt, soll das Auswärtige Amt durch seine
Botschaften und Konsulate dafür sorgen, dass die Vorführbedingungen
eingehalten werden.
Begründet wird das Wegschließen der NS-Filme mit
den propagandistischen, rassistischen, antisemitischen
und hetzerischen Inhalten. Die Basis dieser Entscheidungen
stammt teilweise noch aus der alliierten Besatzungszeit
im Nachkriegsdeutschland. In der DDR wurden
alle diese Filme aus der NS-Zeit aus dem Verkehr
gezogen, nur ausgewählte Berechtigte konnten sie im
Filmarchiv der DDR ansehen; eine Auseinandersetzung
damit fand nicht statt.
Welches sind die Kriterien, nach denen festgelegt ist,
welche Filme im einzelnen nicht gezeigt werden dürfen?
Die Begründungen sind vielfältig und lauten u. a.:
»antirussisch«, »antidemokratisch«, »verfälschende
Wertevermittlung bzgl. Vaterlandsliebe«. Völlig schlüs-

sig und transparent ist das nicht, denn es gibt z.B.
ziemlich propagandistische NS-Filme, die nicht betroffen
sind und durchaus kommerziell ausgewertet werden,
wie BISMARCK oder DIE ENTLASSUNG, oder auch
der im Friedrich-Jahr 2012 wieder gefragte Veit Harlan-
Film DER GROSSE KÖNIG, in dem Friedrich der Große
allegorisch als Vorläufer Hitlers auftritt.
Manche Nazi-Filme, so z. B. der bekannte Titel … REI-
TET FÜR DEUTSCHLAND, wurden auch mit nur kleinen
Schnittauflagen von der FSK freigegeben; oftmals
reich te die Entfernung vordergründiger Symbole und
Embleme wie eines Hakenkreuzes oder einer Fahne,
und der Film konnte auf DVD erscheinen. Diese formalen
»Säuberungen« sind höchst umstritten. Sie schließen
an die schöne Tradition an, bei deutschen Sprachfassungen
ausländischer Filme Nazi-Bezüge zu tilgen:
CASABLANCA, STALAG 17, NOTORIOUS, TO CATCH A
THIEF sind Beispiele dafür, wie in der deutschen Synchronfassung
unliebsame NS-Bezüge einfach bereinigt
wurden.
Regelmäßig gibt es einzelne Initiativen, dieses Thema
des Umgangs mit dem schwierigen Erbe des NS-Kinos
auf die Tagesordnung zu setzen. Bisher sind es Ver -
suche, die nur alle paar Jahrzehnte zu Ergebnissen
führen. 1974 wurde beispielsweise Leni Riefenstahls
TRIUMPH DES WILLENS im Dritten Programm aus -
gestrahlt. Nach einigem Hin und Her konnte das Durchhalte-Epos
KOLBERG 1994 einmalig beim Kultursender
Arte laufen, der anti-sowjetische Agentenkrimi DIE
GOL DENE SPINNE (1943) bei Vox.
Die Praxis des »Vorbehalts« scheint zu einem Dilemma
zu führen: Einerseits werden Mythos, Kultstatus und
Neugier durch das faktische »Verbot« nur verstärkt; die
Verbreitung zu verhindern wird zur Symbolpolitik angesichts
von Youtube und Raubkopien von Grauanbietern
in allerdings teilweise unsäglicher Qualität. Andererseits
soll, auch mit Blick auf die Außenwirkung, nicht
das falsche Signal gesetzt werden, dass etwa nationalsozialistische
Propaganda als unbedenklich oder harmlos
angesehen würde. Ähnliches gilt ja auch für die Auseinandersetzung
um die Publikation von Hitlers »Mein
Kampf«.
Die »Vorbehaltsfilme« sind keinesfalls ein Querschnitt
durch das NS-Kino: Die großen Melodramen und Unterhaltungsfilme
mit ihren subtileren ideologischen Botschaften,
die heute gar nicht mehr so leicht zu identifizieren
sind, aber damals häufig noch viel wirkungsvoller
waren, sind nicht als VB-Filme eingestuft. Im Fokus
steht eher die plakative Propaganda.
An der Spitze der indizierten Werke rangieren die Filme
des Regisseurs Karl Ritter: Sein Markenzeichen waren
Brachialpatriotismus und Verherrlichung der Wehrmacht
und einzelner Waffengattungen. Zackig, nassforsch,
heroisch meistern die deutschen Soldaten in
STUKAS (1941) oder … ÜBER ALLES IN DER WELT
(1941) den Krieg, in dem Opfer- und Heldentod fast
mehr bedeuten als der Sieg. Französische Soldaten
sind darin meist Schwarze und Nordafrikaner. »Der
Weg des deutschen Films wird kompromisslos dahin
führen müssen, dass jeder Film im Dienst der Gemeinschaft,
der Nation und unseres Führers stehen muss«
(Karl Ritter). Rassistischer Höhepunkt seines Werks ist
GPU (1942), in dem die kommunistische Bedrohung
weniger ideologisch als physiognomisch in Gestalt kahlköpfiger
Mongolen erscheint.
Für Ritter und andere Regisseure ist häufig die Weimarer
Republik Ziel der Diffamierungen, mit immer den
gleichen filmischen Stereotypen: schriller Jazz, Varieté-
Tänzer in Affenkostümen, schwarze Kellner in den Bars
im verruchten Berlin. Jüdische Politiker regieren, verschlagene
KPD-ler beherrschen die Straße, die tapferen
Frontkämpfer des ersten Weltkriegs fühlen sich
fremd im eigenen Land und hingezogen zur noch kleinen
NSDAP, wie in BLUTSBRÜDERSCHAFT (1940). Bis
zuletzt hielt der NS-Film die Erinnerung an die »Systemzeit«
wach, so sicher waren sich die Nazis, dass die
Deutschen selbst angesichts von Krieg und Zerstörung
nicht in die Zeit vor dem »Dritten Reich« zurück wollten.
Häufig ist in diesen Filmen die dramaturgische Figur
des noch nicht Überzeugten anzutreffen: England-
Freunde, Demokraten, Sozialdemokraten, Gewerkschafter,
moralische Bedenkenträger – alle werden im
Laufe der Handlung im NS-Sinne geläutert und in die
Volksgemeinschaft integriert. Demokratie und Parlamentarismus
zu delegitimieren, dieses Ziel verfolgt
auch Veit Harlans Komödie MEIN SOHN, DER HERR MI-
NISTER (1937), ein Reigen zynischer und korrupter Politiker
mit Parolen, die selbst heute noch in der Debatte
um Politikverdrossenheit anzutreffen sind.
Auch VENUS VOR GERICHT (1941) propagiert Nazi-
Ideologie in komödienhafter Form, indem moderne
Kunst ins Lächerliche gezogen wird. NS-Kino mit einer
archäologischen Dimension: Die im Film in einer jüdischen
Kunsthandlung ausgestellten, von den Nazis als
»entartet« bezeichneten Skulpturen galten als verschollen
und wurden erst im Jahr 2010 bei U-Bahnbauarbeiten
nahe dem Roten Rathaus in Berlin wieder aufgefunden.
Der Thesenfilm ICH KLAGE AN (1941) sollte Widerstände
in der Bevölkerung, besonders in konfessionellen
Kreisen, gegen die NS-»Euthanasie«-Morde aufweichen,
zu einem Zeitpunkt als Zehntausende psychisch
NS-Filmpropaganda
17

NS-Filmpropaganda
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kranke und behinderte Menschen in den Tötungs -
anstalten bereits umgebracht worden waren. Unter der
Regie von Wolfgang Liebeneiner zeigt sich die NS-Ideologie
zurückgestuft auf feine Andeutungen: der Tod
auf Verlangen als vom Staat verwehrte Erlösung von
Leiden und unheilbarer Krankheit. 15 Millionen Deutsche
wollten im Kino sehen, wie die beliebte Heide -
marie Hatheyer (DIE GEIERWALLY) um den Gnadentod
bittet. Schon damals löste der Tobis-Film heftigste Debatten
aus. Und er bleibt von großer Aktualität, siehe
die Debatte um die NS-»Euthanasie« im Zusammenhang
mit dem neuen »Aktion T 4«-Denkmal in Berlin,
die jüngsten Leichenfunde in der Nähe von Hospitälern
oder das kürzlich erfolgte Schuldbekenntnis des deutschen
Psychiaterverbandes. Ein Film, der zur direkten
Mordlegitimierung 1942 herauskam, der aber ganz
ohne diesen Kontext heute fast harmlos wirkt.
Fand bei ICH KLAGE AN das Morden parallel zum Kinoeinsatz
statt, konnte Veit Harlan später anführen, als er
1939 mit der Regie zu dem antisemitischen Historiendrama
JUD SÜSS (1940) beauftragt worden war, sei
der Holocaust noch nicht vorauszusehen gewesen. JUD
SÜSS wird allgemein als der mit Abstand wirkungsmächtigste
Teil der antisemitischen Filmpropaganda
angesehen, die insgesamt im Spielfilm des »Dritten
Reichs« weniger vertreten war, als man heute annehmen
würde. Thomas Harlan bezeichnete JUD SÜSS als
ein Mordinstrument, Alexander Kluge findet ihn weitgehend
wirkungslos, Wilm Hosenfeld, Vorbild für Roman
Polanskis »guten« Nazi-Offizier in DER PIANIST, lehnte
ihn als zu dick aufgetragen ab (er bevorzugte DIE
ROTHSCHILDS), und Propagandaminister Goebbels sah
darin das Idealbeispiel verfilmter NS-Ideologie. In einigen
Konzentrationslagern soll der Film jedenfalls – ausweislich
der Aussagen im Prozess gegen Veit Harlan –
zu zusätzlicher Misshandlung der Insassen durch das
Wachpersonal geführt haben. Einsam steht JUD SÜSS
heute an der Spitze der nachgefragten Vorbehaltsfilme;
zu den über 20 Millionen Zuschauern im Deutschen
Reich sind also nach 1945 noch zahlreiche hinzugekommen.
Häufig anzutreffen in den VB-Filmen sind Herrscherfiguren,
Führernaturen, Kunsttitanen – Substitute Hitlers,
der im Gegensatz zu Stalin nicht direkt als Filmfigur auftreten
wollte. Emil Jannings verkörperte eine solche
Figur. Der Spitzenverdiener unter den Stars des »Dritten
Reichs« sollte mit dem antibritischen Werk OHM KRÜ-
GER (1941) über den Burenkrieg in Südafrika, eine Art
PANZERKREUZER POTEMKIN für den NS-Gebrauch,
»einen Film zum Rasendwerden« (Goebbels) liefern. Der
längste und – nach KOLBERG – teuerste Propagandaspielfilm
des »Dritten Reichs« verschliss unter der
»künstlerischen Oberleitung« von Jannings drei Regisseure.

leni Riefenstahl bei den Dreharbeiten zu TRiUmpH DeS WillenS
Leni Riefenstahls Œuvre entfaltet nach wie vor die filmästhetisch
stärkste Nachwirkung des gesamten NS-
Kinos. Das gilt heute noch genauso wie zu Zeiten ihrer
größten Renaissance in den 1970er und 1990er Jahren.
Die Regisseurin und ehemalige Tänzerin Riefenstahl
– die »biegsame Gazelle« (Goebbels) – tanzte
auch privat für Hitler an dem Tag, als er das erste Mal
mit Hindenburg über Wege zur Macht konferierte. Wie
Leni Riefenstahl seit den 1970er Jahren wieder eine
fast vollständige Kontrolle über die Verwertungs- und
Aufführungsrechte von TRIUMPH DES WILLENS (1934)
erlangte und Spitzel in die eingeführten Vorstellungen
entsandte, ist ein anderes Kapitel.
Ein besonders hasserfüllter NS-Spielfilm gehört nicht
zum Rechtebestand der Murnau-Stiftung. In HEIMKEHR
(1941) unter der Regie von Gustav Ucicky, dem unehelichen
Sohn des Malers Gustav Klimt, mit Carl Raddatz
und Paula Wessely, Mutter der Schauspielerin Christiane
Hörbiger, geht es, genau wie in FEINDE (1940),
um die Rechtfertigung des deutschen Überfalls auf
Polen. Polnische »Untermenschen« drangsalieren und
ermorden Angehörige der deutschen Minderheit im polnisch-ukrainischen
Grenzland, bis deutsche Flieger
dem ein Ende bereiten. HEIMKEHR enthält auch Paula
Wesselys berühmt-berüchtigten »Gefängnis-Monolog«:
»Denkt doch bloß einmal, wie das sein wird, wenn um
uns herum nur Deutsche sein werden. Wenn du in
einen Laden reinkommst und da nicht einer jiddisch
redet oder polnisch. Und nicht nur das ganze Dorf wird
deutsch sein, sondern ringsum wird alles deutsch sein.«
Goebbels bezeichnete die Gefängnisszene als »das
Beste, was jemals im Film gedreht worden ist.«
Gegen das Genre der Parteifilme hatte Goebbels einiges
einzuwenden: »Unsere SA soll auf der Straße marschieren,
nicht über die Leinwand.« Frühe filmische
Versuche wie SA-MANN BRAND (1933), noch vor der
NS-Machtübernahme in vorauseilender Gefälligkeit von
Franz Seitz sen. für die Bavaria Film hergestellt, missfielen
dem Propagandaminister. Manche der Produktionen
verschwanden zeitweise aus den Kinos, so auch
HANS WESTMAR (1933), der die Parteilegende Horst
Wessel glorifiziert und der heute bei den neuen Nazis
sehr beliebt ist. Filme über die Jugendformationen der
Partei wie JUNGENS (1941) oder KOPF HOCH, JOHAN-
NES! (1941) erfüllten dagegen wichtige Aufgaben und
sollten Gemeinschaftsgefühl und frühestmögliche
Wehr tüchtigkeit stärken. Der »Klassiker« HITLERJUNGE
QUEX (1933) war nicht nur für Hunderttausende Angehörige
von Hitlerjugend und BDM ein nachhaltig aufwühlender
und prägender Film, er wurde auch gegen
Ende des Krieges, ebenso wie KOLBERG (1945), noch
zur Fanatisierung der an der Front verheizten Kinder
eingesetzt.
Ein interessanter Fall von nachträglicher »Entschärfung«
ist DIE GOLDENE STADT (1942). Veit Harlans Melodram
ist in einer von der FSK gekürzten Fassung zugelassen,
so vehement forderte das Publikum in den
1950er Jahren das Wiedersehen mit dem großen Kinoerlebnis.
In der geschnittenen Nachkriegsfassung blieb
das subtil rassistische Bild tschechischer Städter und
die Kontrastierung der Reinheit des Landes mit der verdorbenen
Großstadt jedoch erhalten. Entfernt wurden
Szenen, die einen jüdischen Dieb und einen heruntergekommenen
tschechischen Onkel zeigen. Ohne diese
Kürzungen stünde Harlans Film heute also »unter Vorbehalt«.
Die erste Zensur kam jedoch von Goebbels
selbst: Er ordnete persönlich den Neudreh des Schlusses
an, der nun Kristina Söderbaum als Konsequenz
von »Rassenschande« in den Freitod schickt. Nicht zuletzt
die damals visuell überwältigende Farbgebung in
Agfacolor führte zu einem durchschlagenden Erfolg an
der Kinokasse (31 Millionen Zuschauer im Deutschen
Reich, im Ausland der erfolgreichste deutsche Film
aller Zeiten, allein in Holland 1,7 Millionen Besucher),
mit enormer (Erziehungs-)Wirkung auf das Publikum in
Kriegszeiten.
Felix Moeller
Die Filmreihe findet in Zusammenarbeit mit der Friedrich-
Wilhelm-Murnau-Stiftung und dem Bundesarchiv statt.
NS-Filmpropaganda
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NS-Filmpropaganda
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Freitag, 16. März 2012 Tageskarten 7 €, mitglieder des mFZ 5 €
18.30 Uhr: Film: TRIUMPH DES WILLENS – Deutschland 1935 – R+B: Leni Riefenstahl – M: Herbert Windt –
114 min – Der offizielle Film über den VI. Parteitag der NSDAP vom 4. bis 10. September 1934 in Nürnberg.
Goebbels notierte am 26.3.1935 in seinem Tagebuch: »Eine grandiose Schau. Nur im letzten Teil etwas langatmig.
Sonst aber erschütternd in der Darstellung. Lenis Meisterwerk.« Einführung: Karl Griep
21.00 Uhr: Film: INNENANSICHTEN – DEUTSCHLAND 1937 – Deutsch land 2012 – R+B: Michael Kloft – 59 min
– Im Sommer 1937 erhielt der amerikanische Dokumentarfilmer Julien Bryan überraschend eine Sondergenehmigung,
Nazideutschland zu bereisen und dort Filmaufnahmen zu machen. Michael Kloft hat die einzigartigen Originalaufnahmen
zu einem ungewöhnlichen Dokumentarfilm über das »Dritte Reich« verarbeitet. Anschließend Diskussion
mit Michael Kloft (Spiegel TV), Karl Griep (Bundesarchiv) und Christian Lüffe (Goethe- Institut).
Samstag, 17. März 2012 Tageskarten 7 €, mitglieder des mFZ 5 €
17.00 Uhr: Vortrag: »UNSER HAUS HALTEN WIR SELBER SAUBER« – ZUR GESCHICHTE DER FSK – 1949 einigten
sich die Kultusminister und die deutsche Filmwirtschaft auf eine gemeinsame Selbstkontrolleinrichtung, an
der auch die Kirchen mitwirkten. Damit sollte ein behördliches Eingreifen und die Errichtung einer staatlichen Filmzensur
vermieden werden. Seitdem wurden über 170.000 Filme auf Jugendschutz geprüft und – mit einigen Ausnahmen
– nach Altersgruppen freigegeben. Die Geschichte der FSK dokumentiert auch die Veränderung der moralischen
und sittlichen Grundwerte der Gesellschaft. Referentin: Christiane von Wahlert (Geschäftsführerin FSK)
18.30 Uhr: Film: … REITET FÜR DEUTSCHLAND – Deutschland 1941 – R: Arthur Maria Rabenalt – B: Fritz Reck-
Malleczewen, Richard Riede, Josef Maria Frank – K: Werner Krien – M: Alois Melichar – D: Willy Birgel, Gertrud
Eysoldt, Gerhild Weber, Willi Rose, Rudolf Schündler – 92 min – Ein Sportlerdrama über die wiedererlangte Weltgeltung
Deutschlands nach dem verlorenen Ersten Weltkrieg. Die düsteren Episoden über die Weimarer Republik
mit starken antisemitischen Karikaturen wurden nach 1945 gekürzt, damit der überaus populäre Film in den bundesrepublikanischen
Kinos wieder gezeigt werden konnte. Einführung: Stefan Drößler
21.00 Uhr: Diskussion: VOM UMGANG MIT »VORBEHALTSFILMEN« – Nach dem Krieg wurden zunächst alle
deutschen NS-Propagandafilme verboten. In der Bundesrepublik wurden viele sukzessive wieder freigegeben,
meist in geschnittenen Fassungen. Was macht einen Propagandafilm aus? Kann man ihn »bereinigen« durch Kürzungen
und Bearbeitungen? Wer entscheidet über den Umgang mit den Filmen? Diskussionsrunde mit Ernst Szebedits
(Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung), Christiane von Wahlert (FSK), Hans Schmid (Filmhistoriker) und
Markus Zimmer (Filmproduzent). Einführung: Hans Schmid
Sonntag, 18. März 2012 Tageskarten 7 €, mitglieder des mFZ 5 €
17.00 Uhr: Vortrag: GESCHICHTE UND STRUKTUR DER FRIEDRICH-WILHELM-MURNAU-STIFTUNG – 45 Minuten
– 1966 wurde auf Initiative der Bundesregierung von der Spitzenorganisation der Filmwirtschaft (SPIO) die
Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung gegründet, um den Verkauf des ehemaligen reichseigenen Filmvermögens ins
Ausland zu verhindern. Sie verfügt über die Rechte an rund 3.000 deutschen Spiel- und Kulturfilmen, meist aus der
Zeit zwischen 1895 und 1945. Parallel wurde die Transit Film gegründet, die treuhänderisch für die Murnau-Stiftung
und die Bundesrepublik Deutschland Filme auswertet. Referent: Ernst Szebedits (Vorstand Murnau-Stiftung)
18.30 Uhr: Vortrag: RIEFENSTAHL UND DIE FOLGEN – Mit ihren filmischen Massenchoreographien und hymnischen
Körperinszenierungen in TRIUMPH DES WILLENS und in den beiden Olympiafilmen hat Leni Riefenstahl
Schule gemacht – weniger im propagandistischen Umfeld ihrer Entstehungszeit als seit den 1970er Jahren in den
Bilderwelten des Hollywoodkinos, in der Werbefotographie, in Werbespots und in Videoclips. Die Spurensuche soll
zeigen, wie sehr der von ihr maßgeblich geprägte visuelle Triumphalismus und Kult der makellosen Körper zum
Muster suggestiver Bildsprache geworden sind. Referent: Ernst Schreckenberg
21.00 Uhr: Film: HITLERS HITPARADE – Deutschland 2004 – R+B: Oliver Axer, Susanne Benze – 75 min – Eine
ungewöhnliche, heftig umstrittene Collage, die in historischen Filmdokumenten die Schrecken der Naziherrschaft
zeigt. Dieses Archivmaterial wird gemischt mit Ausschnitten aus Spiel-, Trick-, Lehr- und Werbefilmen und unterlegt
mit zeitgenössischer Tanz- und Unterhaltungsmusik. Einführung: C. Cay Wesnigk (Produzent)

HITLERJUNGE QUEX – Deutschland 1933 – R: Hans
Steinhoff – B: Karl Aloys Schenzinger, Bobby E. Lüthge
– K: Konstantin Tschet – M: Hans-Otto Borgmann – D:
Jürgen Ohlsen, Heinrich George, Berta Drews, Claus
Clausen, Hermann Speelmans – 95 min – Die Geschichte
von Heini Völker, einem Jungen aus kommunistischem
Haus, der gegen den Willen seines Vaters
bei der Hitlerjugend mitmachen will. Der populärste
Jugendfilm des NS-Kinos wurde noch viele Jahre nach
seiner Entstehung in den Kinos und »Jugendstunden«
des »Dritten Reichs« gezeigt. Goebbels notierte nach
der Premiere: »Das Publikum ist ganz hingerissen.«
▶ Dienstag, 20. März 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
KOPF HOCH, JOHANNES! – Deutschland 1941 – R:
Viktor de Kowa – B: Toni Huppertz, Wilhelm Krug, Felix
von Eckardt – K: Friedl Behn-Grund – M: Harald Böhmelt
– D: Klaus Detlef Sierck, Albrecht Schönhals, Leo
Peukert, Gunnar Möller, Karl Dannemann – 78 min –
Ein in Argentinien aufgewachsener Vierzehnjähriger
kommt nach dem Tod seiner Mutter in Deutschland in
eine »Nationalsozialistische Erziehungsanstalt« (Napola)
und findet einen Platz in der Gemeinschaft des Internats
sowie ein neues Verhältnis zu seinem Vater. Ein
Werbefilm für die NS-Erziehungsanstalten, die den
»neuen Menschen« formen sollten. »Zu laut und in der
Regie nicht ganz gekonnt, im Thema dagegen gut.«
(Goebbels)
▶ Mittwoch, 21. März 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
JUD SÜSS – Deutschland 1940 – R: Veit Harlan – B:
Veit Harlan, Eberhard Wolfgang Möller, Ludwig Metzger
– K: Bruno Mondi – M: Wolfgang Zeller – D: Ferdinand
Marian, Kristina Söderbaum, Heinrich George, Werner
Krauß, Eugen Klöpfer, Malte Jäger – 96 min – Joseph
Süß-Oppenheimer zieht als Geheimer Finanzrat des
verschwenderisch lebenden Herzogs Karl Alexander
von Württemberg den Zorn der Bevölkerung auf sich
und wird als »Staatsverbrecher« 1738 gehenkt. »Ein
ganz großer genialer Wurf. Ein antisemitischer Film, wie
wir ihn uns nur wünschen können.« (Goebbels) Veit
Harlan wurde als Regisseur dieses Films nach dem
Krieg wegen »Verbrechens gegen die Menschlichkeit«
vor Gericht gestellt.
▶ Dienstag, 27. März 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
NS-Filmpropaganda
21
JUD SüSS

NS-Filmpropaganda
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ROBERT UND BERTRAM – Deutschland 1939 – R+B:
Hans H. Zerlett, nach der Posse von Gustav Raeder – K:
Friedl Behn-Grund – M: Leo Leux – D: Rudi Godden,
Kurt Seifert, Alfred Maack, Carla Rust, Fritz Kampers,
Heinz Schorlemmer – 93 min – Musikalische Posse
aus der Biedermeierzeit: Zwei Vagabunden entlarven
einen jüdischen Kommerzienrat, um die Heirat zwischen
einer Wirtstochter und einem jungen Rekruten
zu ermöglichen. Antisemitische Propaganda in einem
scheinbar harmlosen Unterhaltungsfilm. »Zu viel Klamauk
und fast gar keine Kunst. Dabei das Judenproblem
ganz äußerlich und ohne jede tiefere Einfühlung
angefasst.« (Goebbels)
▶ Mittwoch, 28. März 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
OHM KRÜGER – Deutschland 1941 – R: Hans Steinhoff
– B: Harald Bratt, Kurt Heuser – K: Fritz Arno
Wagner – M: Theo Mackeben – D: Emil Jannings, Lucie
Höflich, Werner Hinz, Eduard von Winterstein, Elisabeth
Flickenschildt, Gustaf Gründgens – 124 min – Aufwändiger
Historienfilm unter der künstlerischen Oberleitung
von Emil Jannings: Der Kampf der Buren gegen die
Engländer in Südafrika. Die Grausamkeit und Hinterlist
der britischen Armee werden angeprangert, Konzentrationslager
als Erfindung der Briten vorgeführt. »Ein ganz
großes, hinreißendes Kunstwerk. Spitzenleistung des
ganzen Krieges. Das ist ein Film zum Rasendwerden.
Ein Anti-England-Film, wie man ihn sich nur wünschen
kann.« (Goebbels)
▶ Dienstag, 3. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
STUKAS – Deutschland 1941 – R: Karl Ritter – B: Karl
Ritter, Felix Lützkendorf – K: Walter Meyer, Walter Roßkopf,
Hugo von Kaweczenski, Heinz Ritter – M: Herbert
Windt – D: Carl Raddatz, Hanne Stelzer, Ernst von Klipstein,
Albert Hehn, O.E. Hasse – 101 min – Ein Heldenlied
auf die deutsche Luftwaffe. Ein verwundeter und
unter Depressionen leidender Oberleutnant wird zur
seelischen Genesung zu den Bayreuther Richard-Wagner-Festspielen
geschickt und fasst dort neuen Lebensmut.
»Man denkt nicht mehr daran, dass die Kameraden
gefallen sind, sondern nur noch, wofür sie gefallen
sind.« Goebbels über Karl Ritter: »Ritter sagt nationale
Dinge mit einer Ungehemmtheit, dass ein anderer erröten
würde.«
▶ Mittwoch, 4. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
HEIMKEHR – Deutschland 1941 – R: Gustav Ucicky –
B: Gerhard Menzel – K: Günther Anders – M: Willy
Schmidt-Gentner – D: Paula Wessely, Peter Petersen,
Attila Hörbiger, Ruth Hellberg, Berta Drews, Carl Raddatz
– 96 min – 1939 in Polen: Vergeblich kämpfen
eine Lehrerin, ihr Vater und ihr Verlobter für die Rechte
der »Volksdeutschen«. Der Einmarsch der deutschen
Truppen rettet ihr Leben. »Der Film ist erschütternd und
ergreifend zugleich. Er stellt eine erzieherische Erinnerung
für das ganze deutsche Volk dar. Eine Szene in
einem polnischen Gefängnis stellt überhaupt für meinen
Begriff das Beste dar, was je im Film gedreht worden
ist.« (Goebbels)
▶ Dienstag, 10. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
FRONTTHEATER – Deutschland 1942 – R: Arthur
Maria Rabenalt – B: Georg Hurdalek, Hans Fritz Köllner,
Werner Plücker – K: Oskar Schnirch – M: Werner Bochmann,
Hans-Martin Majewski – D: Heli Finkenzeller,
René Deltgen, Lothar Firmans, Hedi und Margot Höpfner,
Heinz Rühmann – 95 min – Lena, die ihrem Mann
zuliebe ihre Schauspielkarriere aufgegeben hat, springt
als Hauptdarstellerin bei einer Fronttheater-Tournee
ein. Goebbels mochte den Film nicht sonderlich (»Die
Charaktere sind schlecht gezeichnet, der Konflikt an
den Haaren herbeigezogen und die Durchführung der
Handlung ganz äußerlich und konventionell gemacht«),
doch beim Publikum war er ein großer Erfolg.
▶ Mittwoch, 11. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
GPU – Deutschland 1942 – R: Karl Ritter – B: Karl Ritter,
Felix Lützkendorf, Andrews Engelmann – K: Igor
Oberberg – M: Herbert Windt – D: Olga Solari, Andrews
Engelmann, Marina von Ditmar, Will Quadflieg, Lale
Andersen, Albert Lippert – 99 min – Antisowjetischer
Propagandafilm über die Aktivitäten der sowjetischen

Geheimpolizei GPU in Westeuropa 1939/40. Eine Geigenvirtuosin
erkennt den Mörder, der in den Wirren der
russischen Revolution für den Tod ihrer Familie verantwortlich
war und denunziert ihn. Goebbels war von Ritters
Thriller nicht begeistert und notierte am 3.7.1942
in seinem Tagebuch: »Abends sehe ich den neuen Karl-
Ritter-Film GPU. Er ist in vielen seiner Teile ein dilettantisches
Machwerk.«
▶ Dienstag, 17. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
MEIN SOHN, DER HERR MINISTER – Deutschland
1937 – R: Veit Harlan – B: Karl Georg Külb, Edgar Kahn,
nach dem Stück »Fistons« von André Birabeau – K:
Günther Anders – M: Leo Leux – D: Heli Finkenzeller,
Hans Brausewetter, Hans Moser, Hilde Körber, Paul
Dahlke, Françoise Rosay – 81 min – Eine französische
Boulevardkomödie umfunktioniert in eine durchaus
sehr unterhaltsame, aber böse politische Satire: Erotische
und politische Verwicklungen in der Regierung der
französischen Republik führen dazu, dass am Ende
zwei Minister a.D. mit sattem Ruhegehalt an der Seine
sitzen. »Eine geistvolle Verhöhnung des Parlamentarismus,
politisch sehr reizvoll.« (Goebbels)
▶ Mittwoch, 18. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Stefan
Drößler)
BLUTSBRÜDERSCHAFT – Deutschland 1940 – R: Philipp
Lothar Mayring – B: Harald G. Petersson, Philipp
Lothar Mayring – K: Ekkehard Kray – M: Michael Jary –
D: Hans Söhnker, Ernst von Klipstein, Anneliese Uhlig,
Paul Westermeier, Rudolf Platte, Axel Monté – 104 min
– Die Freundschaft zwischen einem Oberleutnant und
einem Fliegerleutnant, die sich im Ersten Weltkrieg kennenlernen
und 1939 wieder gemeinsam in den Krieg
ziehen können, gibt Gelegenheit, »die Entstehung des
nationalsozialistischen Gedankens« aufzuzeigen und
die Weimarer Republik zu diskreditieren.
▶ Dienstag, 24. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Felix
Moeller)
VENUS VOR GERICHT – Deutschland 1941 – R+B:
Hans H. Zerlett – K: Oskar Schnirch – M: Leo Leux – D:
Hansi Knoteck, Hannes Stelzer, Paul Dahlke, Siegfried
Breuer, Charlott Daudert, Ernst Fritz Fürbringer –
88 min – Zeitsatirische Komödie um einen vom Nationalsozialismus
überzeugten Bildhauer, der eine Venus-
Statue im Stile der griechischen Antike schafft und in
Beweisnot gerät, dass sie wirklich von ihm ist. Die Weimarer
Republik wird diesmal als Brutstätte »entarteter«
Kunst dargestellt, in der »krankhaft veranlagte Jünglinge«
und »Nichtskönner« sich in geradezu »verrückten«
und »unverfrorenen Machwerken« austobten.
▶ Mittwoch, 25. April 2012, 18.30 Uhr (Einführung:
Felix Moeller)
ICH KLAGE AN – Deutschland 1941 – R: Wolfgang Liebeneiner
– B: Eberhard Frowein, Wolfgang Liebeneiner
– K: Friedl Behn-Grund – M: Norbert Schultze – D: Paul
Hartmann, Heidemarie Hatheyer, Mathias Wieman, Margarete
Haagen, Harald Paulsen, Hans Nielsen –
125 min – Ein Arzt verabreicht seiner unheilbar erkrankten
Ehefrau die erlösenden Arsentropfen und wird
deswegen vor Gericht gestellt. »Neuer Liebeneiner-Film
ICH KLAGE AN. Für die Euthanasie. Ein richtiger Diskussionsfilm.
Großartig gemacht und ganz nationalsozialistisch.«
(Goebbels) Nach 1945 wurde der Film zeitweise
wieder freigegeben, dann aber wieder auf die
Liste der »Vorbehaltsfilme« gesetzt.
▶ Dienstag, 1. Mai 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Felix
Moeller)
DIE GOLDENE STADT – Deutschland 1942 – R: Veit
Harlan – B: Veit Harlan, Alfred Braun – K: Bruno Mondi
– M: Hans-Otto Borgmann – D: Kristina Söderbaum,
Paul Klinger, Kurt Meisel, Annie Rosar, Rudolf Prack,
Eugen Klöpfer, Dagny Servaes – 104 min – Der zweite
deutsche Agfacolor-Spielfilm war ein Welterfolg. Es funkeln
in Blau und Gold nicht nur die Augen und das Haar
von Kristina Söderbaum, sondern auch die Moldau und
die Dächer von Prag. Das Blut-und-Boden-Melodram
über ein Bauernmädchen, das den heimatlichen Hof
verlässt und den Verlockungen der Großstadt erliegt,
besitzt unübersehbare rassistische Untertöne gegen
die Slawen, wurde aber nach dem Krieg schon bald
wieder für Aufführungen freigegeben.
▶ Mittwoch, 2. Mai 2012, 18.30 Uhr (Einführung: Felix
Moeller)
NS-Filmpropaganda
23

Stimmen der Roma
Die Stimmen der Roma
24
KORKORO
Die Geschichte der Bilder, die sich die Gesellschaft von
»den Zigeunern« machte, ist eine fortlaufende Geschichte
von Vorurteilen und Zuschreibungen jenseits
aller historischen Wahrheit. Die Roma, ihrer Rechte beraubt,
blieben in diesem Prozess lange Zeit ohne
Stimme.
Im heutigen von Identitätskrisen gebeutelten Europa
wird die Verachtung der Mehrheitsgesellschaften den
Roma gegenüber wieder sichtbar. Auf diese Entwicklung
antworten Roma-Künstler, wie die Filmemacherin
Laura Halilovic oder die junge bulgarische Romni Ludmila
Zhivkova. In ihnen offenbart sich ein neues Selbstbewusstsein
vor allem der jüngeren Generation von
Roma-Künstlern und -Aktivisten, die sich mit einem eigenen
zeitgemäßen Ausdruck für ihre Kultur zu Wort
melden.
Das kulturelle Selbstbewusstsein steht im Zentrum des
spartenübergreifenden Programms »Die Stimmen der
Roma«, in dem kulturelle, politische und historische
Aspekte zur Situation der Roma in Europa aufgegriffen
werden. In einem stadtweiten Veranstaltungsprogramm
wird im April und Mai ein breites Spektrum aus dem
zeitgenössischen Kunstschaffen von Roma-KünstlerInnen
im Rahmen von Diskussionen, Vorträgen, Lesungen,
Ausstellungen, Konzerten, Stadtführungen und
Filmreihen präsentiert.
Klaus Blanc
Retrospektive Tony Gatlif
Im Oktober 2011 fand in Paris ein Kolloquium zur Thematik
»›Tsiganes‹, ›Nomades‹: un malentendu européen«
(»Zigeuner«, »Nomaden«: ein europäisches Missverständnis)
statt, bei dem in einer Filmreihe Tony Gatlifs
LATCHO DROM von 1992 gezeigt wurde. Der Film
beginnt mit Bildern wie aus 1001 Nacht: Eine Karawane
macht Halt, und bei heraufkommender Nacht
beginnen die Tänze und der Gesang aller. Vom indischen
Rajasthan geht Gatlif auf Spurensuche der einstmals
geheimnisvollen Fahrenden, ihrer Musik, ihrer Kultur,
ihrer Geschichte und ihrer heutigen, miserablen
Lage. Es ist ein langer Weg durch Ägypten, Rumänien,
Ungarn, Frankreich und Andalusien. Der Film macht
deutlich, mit welcher Intensität sich die Reisenden mit
der Kultur des jeweiligen Landes auseinandersetzten,
es mit ihrem Können bereicherten und sich bereichern
ließen, er zeigt uns eine ganz andere Art des Tanzes,
eine andere Art von Bauchtanz in Nordafrika, eine andere
Art von Flamenco im täglichen Leben der spanischen
Manouches, er zeigt Musiker der elsässischen
Sinti, und er eröffnet uns so ein Universum von bisher
Verstecktem und Verkanntem.
Vor vollbesetzem Kino erzählt der Filmemacher Gatlif,
wie er sich mit einem winzigen Team und kleinstem

Budget ein Jahr lang auf Spurensuche begeben hat,
wie er sich auf filmisches Vagabundentum eingelassen
hat und welche Reichtümer er dabei entdeckte. Provokant
behauptet ein Kinobesucher, dieses Bild der
»Gitanes« in LATCHO DROM entspräche nicht mehr der
Realität: Heute seien die Roma fast alle durch ihre
Armut verwahrlost und dreckig. Tony Gatlif erwidert vehement,
die armseligen Hütten der rumänischen Roma
seien noch viel sauberer und schöner als er sie habe
zeigen können. Er habe Roma, die hungerten, denen
die Kinder weggenommen worden waren, denen ver -
boten worden war, ihre Sprache zu sprechen, in ihrer
Würde erleben können. Er erlebe bei den Tsiganes
mehr Menschlichkeit und Lebensfreude als bei jedem
anderen Volk, und bei keinem so viel Streben nach Unabhängigkeit
und Freiheit.
Tony Gatlifs Filme rühren an Dinge, die keiner hören
oder sehen will. Und sie beziehen sich alle auf die
Frage von Glück und Herrschaftslosigkeit. In ihnen spiegeln
sich viele autobiografische Erfahrungen. Gatlif
wurde 1948 in Algier geboren, sein Vater ist Araber,
seine Mutter kommt aus einer Familie andalusischer
Gitanos. Sein Weg stand, wie er sagt, unter einem
guten Stern. Einem Lehrer gelingt es, ihn von der
Straße zu holen und sein Interesse für Film zu wecken.
Als Schuljunge bekommt er 16mm-Kopien der Filme
von Jean Vigo, Jean Renoir, John Ford und Charlie Chaplin
zu sehen, die seine kinematografische Erziehung
sind. Um einer Zwangsheirat zu entgehen, verlässt er
dann doch seine Familie und landet in Marseille, bis
sein Leben als Straßenjunge in einem Erziehungsheim
in der Nähe von Paris endet. Von da an ergreift er jede
Chance, die sich ihm bietet: Mit Hilfe von Michel Simon
bewirbt er sich an einer Theaterakademie, lernt Texte
nach Gehör, weil er kaum lesen und schreiben kann,
und arbeitet als Schauspieler mit Gérard Depardieu. In
den 1970er Jahren beginnt er, Drehbücher zu verfassen
und Kurzfilme zu drehen. Er sagt: »Ich bin Gitano,
trotz aller Verfolgung, trotz Zurückweisung. Ich existiere.«
1983 dreht Gatlif seinen ersten eigenen Spielfilm LES
PRINCES. In einem Vorort von Paris, einem grauen, fast
verfallenen »sozialen Brennpunkt« leben sesshaft gemachte
Manouches in großer Armut von Tricksereien
und Ladendiebstählen. Da entscheidet sich der Vater,
mit Tochter und Großmutter wieder auf die Reise zu
gehen. Es gibt im Film Szenen, in denen uns Gatlif den
Spiegel vorhält: Eine Journalistin fragt flirtend nach der
geheimnisvollen Herkunft der Manouches und bekommt
zur Antwort, dies sei ein Pariser Slum. Ein Pärchen
mit Auto und Wohnwagen lichtet die hungernd
und frierend am Straßenrand sitzenden Exoten nach
dem Motto »Elend ist fotogen« ab, so wie die unzäh -
ligen Touristen in Saintes-Maries-de-la-Mer, die die
Wallfahrten der Sinti und Manouches fotografieren, sie
aber nicht als Nachbarn haben wollen. Gatlif gelingt es,
mit LES PRINCES einen Film gegen den Strich zu machen:
Es ist der erste Film nach dem Krieg, wahrscheinlich
der erste Film überhaupt, der konsequent
die Perspektive der Manouches einnimmt. Es ist kein
Film für besserwisserische Sozialarbeiter, für Politiker,
für manche Romafreunde, die mit staatlicher Hilfe von
»Assimilation und Integration« schwafeln.
Noch weitaus radikaler ist GADJO DILO (1997), ein Film
über Roma in der Walachei, dem Norden Rumäniens.
Die Dorfbevölkerung zerstört die Hütten der Großfamilie
und setzt sie in Brand, wohl eine Anspielung auf das
Pogrom von Hadareni im Jahr 1993 in der Provinz
Targu. Der persönliche Konflikt zweier Männer eskalierte,
bis die Dorfbevölkerung zur Lynchjustiz überging,
die Häuser der Roma in Brand setzte und ein Mann den
Tod fand. Ein Gadjo Dilo, ein verrückter Fremder, ist auf
der Suche nach einer mysteriösen Sängerin, deren Lied
er den vielen Musikern, die er aufsucht, auf seinem
Kassettenrecorder vorspielt. Langsam beginnt der
Fremde, sich den rumänischen Roma und ihrer Lebensweise
zu nähern. Wir werden zu Zeugen realer Begebenheiten:
der Hochzeit einer reichen Familie mit
einer Braut, geschmückt mit schweren Goldmünzen,
der musikalischen Virtuosität zahlreicher Roma und der
Totenklage von Sängern und Musikern um einen alten
Freund. Der verrückte Fremde erlebt das Unrecht, das
der Romagemeinschaft widerfährt. Am Ende empfindet
er seine Tonbandaufnahmen als Diebstahl an deren
Kultur und vernichtet sie.
Im Jahr 2000 dreht Gatlif mit andalusischen Gitanos
VENGO, ein Familiendrama, eine Innenansicht der Welt,
aus der seine Mutter stammt. Gatlif betont, es sei kein
Film über Flamenco, sondern ein Flamencofilm. Auch
SWING (2002) ist ein Musikfilm, mit dem großen Sintimusiker
Tchavolo Schmitt, mit nordafrikanischen und
jüdischen Musikern, mit Profis und mit Laien. Wie der
von Moholy-Nagy 1930 aufgenommene Film von Sinti
in der Berliner Müllerstraße zeigt auch VENGO Tanzende
und Singende. Aber es ist nicht der Blick von
außen auf das Fremde. Gatlif öffnet uns die Augen, gewährt
uns einen Zugang zu einer anderen Welt, zu
einer anderen Kultur. Der brennende Wohnwagen eines
verstorbenen Sintimusikers hat eine andere Bedeutung
als ein von der Dorfbevölkerung angezündeter.
Gatlifs letzter Film zur Thematik des Roma-Volkes ist
KORKORO (2009). Er schildert das Schicksal einer Fa-
Tony Gatlif
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LES PRINCES (TOD IM REGEN) – Frankreich 1983 –
R+B+M: Tony Gatlif – K: Jacques Loiseleux – D: Gérard
Darmon, Muse Dalbray, Céline Militon, Concha Tavora,
Tony Librizzi, Tony Gatlif – 100 min, OmeU – Ein Zigeuner
in einer heruntergekommenen französischen Wohnsiedlung
versucht sich gegen Vorurteile und eigene Rollenklischees
zu behaupten. »Gatlif inszeniert dies nicht
als realistische Sozialstudie, sondern als Groteske voller
absurder Typen und Situationen, die gegen Schluss
des Films immer tragischer werden.« (Krischan Koch)
▶ Mittwoch, 14. März 2012, 21.00 Uhr
Tony Gatlif
26
Tony gatlif
milie von Tsiganes, die während der deutschen Besatzung
nur bis zur belgischen Grenze gelangen und so
ihrer Deportation nach Auschwitz nicht entkommen. Als
Darsteller hat Gatlif, wie er sagt, wieder mit »echten Tsiganes«
gearbeitet, die er in verschiedenen europäischen
Ländern gefunden und um Mitarbeit gebeten hat.
Alle Filme Tony Gatlifs zeichnen sich durch ungebrochene
Parteilichkeit aus, sie sind radikal aus der Sicht
der Tsiganes, Manouches, »Bohemiens«, der Roma und
Sinti erzählt. Seit Jahrhunderten, nicht nur während der
spanischen Inquisition oder in der Zeit des National -
sozialismus, ist der Zigeunertod der Tod, den es nicht
gegeben hat. Noch heute gibt es Versuche von Zwangsansiedlungen,
gibt es eine »Question Rom«, eine »Zigeunerfrage«
– Reisefreiheit gilt nur für Sesshafte. Polizei,
Wissenschaftler, Politiker am rechten Rand und
viele Europapolitiker erlauben sich, gegen den »asozialen
Abschaum« zu wettern und die Integrationsunwilligkeit
dieser »mobilen ethnischen Minderheit« zu beklagen.
Tony Gatlif gehört zu diesem »Abschaum«, er tritt
wie ein Prinz aus ihm hervor und spuckt den Lügnern
die Lüge zurück ins Gesicht. Er nimmt den Faden der
falsch erzählten Geschichte auf und fängt in seinen Filmen
mit dem richtigen Erzählen an. Er hat bis heute
nicht damit aufgehört: Sein neuer Film INDIGNADOS,
der Im Frühjahr 2012 Premiere hat, handelt von einer illegalen
Einwanderin.
Katrin Seybold
Katrin Seybold hat vier Filme über die Diskriminierung und Verfolgung
von Sinti gedreht, u. a. DAS FALSCHE WORT (1987), in
Zusammenarbeit mit der Sinteza Melanie Spitta.
Retrospektive Tony Gatlif
LATCHO DROM (GUTE REISE) – Frankreich 1993 –
R+B: Tony Gatlif – K: Eric Guichard – 103 min, OF –
Eine Reise von Indien bis Spanien auf den Spuren des
nomadisierenden Volks der Roma, die ganz ohne Kommentar
auskommt und nur von der Musik und vom
Tanz lebt. »Ein hervorragender Film mit viel Herz, der
von der Lebenslust und von den Lebensrechten eines
vielfach geschmähten und unterdrückten Volkes erzählt.«
(Lexikon des Internationalen Films)
▶ Mittwoch, 21. März 2012, 21.00 Uhr
GADJO DILO (GELIEBTER FREMDER) – Frankreich
1997 – R+B: Tony Gatlif – K: Eric Guichard – M: Tony
Gatlif, Rona Hartner – D: Romain Duris, Rona Hartner,
Izidor Serban, Ovidiu Balan, Angela Serban, Aurica
Ursan – 102 min, OmU – Ein junger Franzose reist
nach Rumänien auf der Suche nach einer Sängerin,
deren Zigeunerlied sein verstorbener Vater liebte.
»Authentisch durch Laiendarsteller in den Nebenrollen
und trotz schmerzlicher Augenblicke ein anarchischer
und höchst sinnlicher Film über die Begegnung zweier
grundverschiedener Welten.« (Iris Depping)
▶ Mittwoch, 28. März 2012, 21.00 Uhr
VENGO – Spanien/Frankreich 2000 – R+M: Tony Gatlif
– B: Tony Gatlif, David Trueba – K: Thierry Pouget – D:
Antonio Canales, Orestes Villasan Rodríguez, Antonio
Dechent, Bobote, Juan Luis Corrientes, Fernando Guerrero
Rebollo, Francisco Chavero Rios – 90 min, OmU –
In einem andalusischen Dorf ertränkt ein Zigeuner den
Schmerz über den Tod seiner kleinen Tochter in Musik
und Tanz. »Hier lädt nicht der Flamenco die Rachegeschichte
mit Pathos und Lebenswut auf. Hier färbt die
Blutrache den Flamenco in der Opfersteinfarbe eines
grausamen Rituals.« (Thomas Klingenmaier)
▶ Mittwoch, 4. April 2012, 21.00 Uhr
SWING – Frankreich 2002 – R+B: Tony Gatlif – K:
Claude Garnier – M: Abdellatif Chaarani, Tony Gatlif,
Mandino Reinhardt, Tchavolo Schmitt, Hélène Mershstein
– D: Tchavolo Schmitt, Oscar Copp , Lou Rech,
Ben Zimet, Mandino Reinhardt, Abdellatif Chaarani –
90 min, OmU – Der zehnjährige Max aus dem Villenviertel
von Strasbourg lernt durch ein Mädchen und

einen Gitarrenvirtuosen die Welt der Sinti kennen. »Zuweilen
lässt Gatlif die Kamera einfach fliegen, dann
wird SWING zu dem, was der Titel verheißt: eine leichte,
freie Bewegung.« (Bert Rebhandl)
▶ Mittwoch, 11. April 2012, 21.00 Uhr
EXILS (EXIL) – Frankreich 2004 – R+B: Tony Gatlif – K:
Céline Bozon – M: Tony Gatlif, Delphine Mantoulet – D:
Romain Duris, Lubna Azabal, Zouhir Gacem, Leila
Makhlouf, Habib Cheik, Latifa Ahrar – 104 min, OmU –
Die Sehnsucht nach Musik, Heimat und irgendeiner Art
von Sinn treibt ein Pärchen Richtung Algerien. »Tony
Gatlif setzt auf die Momentaufnahme, die Beobachtung
von Situationen, die sich schließlich collageartig zu
einem Reisefilm zusammenfügen, dessen Landschaftsveränderungen
sich auch musikalisch kartografieren
lassen.« (Marguerite Seidel)
▶ Mittwoch, 18. April 2012, 21.00 Uhr
TRANSYLVANIA – Frankreich 2006 – R+B: Tony Gatlif
– K: Céline Bozon – M: Tony Gatlif, Delphine Mantoulet
– D: Asia Argento, Amira Casar, Birol Ünel, Alexandra
Beaujard – 103 min, OmU – Zingarina ist schwanger
und sucht den Vater. »TRANSYLVANIA hat hypnotische
Wirkung, und das ist vor allem Asia Argento zu verdanken.
Ihre Zingarina ist schön und zugleich vom Leben
gezeichnet, madonnengleich und doch wie eine Furie,
zärtlich und anstrengend, zerbrechlich und furchterregend.
Transsilvanien ist eine Hexe, Asia Argento seine
Göttin und Tony Gatlif sein Prophet.« (Delphine Valloire)
▶ Mittwoch, 25. April 2012, 21.00 Uhr (Zu Gast: Tony
Gatlif)
KORKORO (FREIHEIT) – Frankreich 2009 – R+B: Tony
Gatlif – K: Julien Hirsch – M: Delphine Mantoulet – D:
Marc Lavoine, Marie-Josée Croze, James Thiérrée,
Arben Bajraktaraj, Mathias Laliberté, Rufus – 111 min,
OmeU – Eine Zigeunerfamilie reist 1943 während der
deutschen Besatzung durch Frankreich, um auf Weingütern
zu arbeiten. Ihr droht Internierung und Deportation.
»Gatlif will mit seinem sehenswerten Film, der
ebenso lebensbejahend ist wie traurig, aufklären. KOR-
KORO verdient es, ein möglichst großes Publikum zu erreichen.«
(Nora Lee Mandel)
▶ Donnerstag, 26. April 2012, 19.00 Uhr (Zu Gast: Tony
Gatlif)
Stimmen der Roma
CIGAN (ZIGEUNER) – Slowakei 2011 – R: Martin Šulík
– B: Marek Lescák, Martin Šulík – K: Martin Sec – M:
Vladimír Godár – D: Miroslav Gulyas, Martina Kotlarova,
Jan Mizigar, Attila Mokos – 107 min, OmU – Adam ist
ein 14jähriger Rom. Der Tod seines Vaters bringt die Familie
in Not, und Adam wird gegen seinen Willen zum
Dieb. Dann willigt auch noch seine Freundin ein, gegen
ein hohes Brautgeld mit einem Tschechen verheiratet
zu werden. Martin Šulík drehte in einer Roma siedlung
im Osten der Slowakei und erhielt die Unterstützung
der ganzen Gemeinde. Ihre Lebensumstände werden
nicht geschönt, und sie sprechen in Romanes.
▶ Freitag, 27. April 2012, 21.00 Uhr (Zu Gast: Martin
Šulík)
A GYPSY IN THE CENTRAL COMMITTEE OF THE BUL-
GARIAN COMMUNIST PARTY (EIN ZIGEUNER IM
ZENTRALKOMMITTEE DER BULGARISCHEN KOM-
MUNISTISCHEN PARTEI) – Bulgarien 2008 – R+B:
Ludmila Zhivkova – 19 min, OmeU – Der Rom Nikolaj
Kolew hatte von 1958 bis 1990 einen Sitz im ZK der
bulgarischen KP inne. Er fungierte als »Roma-Feigenblatt«,
während die Roma per Dekret zur Sesshaftigkeit
gezwungen wurden und eine kleine gebildete Roma-
Elite entstand. – IO, LA MIA FAMIGLIA ROM E WOODY
ALLEN (ICH, MEINE ZIGEUNER-FAMILIE UND
WOODY ALLEN) – Italien 2009 – R+K: Laura Halilovic
– B: Laura Halilovic, Nicola Rondolino, Davide Tosco –
50 min, OmeU – Ein ganz persönliches, ironisches
Selbstporträt einer Roma-Familie: Die Familie Halilovic
kam Ende der 1960er Jahre aus Bosnien-Herzegowina
nach Italien, 1996 zwang man sie in ein Flüchtlingslager.
Tochter Laura ist jetzt 19 Jahre alt und soll heiraten,
sie will aber lieber ihre Träume verwirklichen und
Woody Allen treffen.
▶ Samstag, 28. April 2012, 21.00 Uhr
OUR SCHOOL (UNSERE SCHULE) – Rumänien 2011 –
R: Mona Nicoara, Miruna Coca-Cozma – K: Ovidiu Marginean
– M: Sasha Gordon – D: Alin Moldovan, Beniamin
Lingurar, Dana Varga, Dan Boga – 93 min, OmeU –
Drei Romakinder aus einem Dorf in Transsilvanien (Siebenbürgen),
die bisher von den anderen Kindern getrennt
unterrichtet wurden, dürfen am Projekt einer integrierten
Schule teilnehmen, deren Einrichtung aufgrund
einer EU-Förderung Pflicht wird. Doch immer
wieder gerät das Projekt mit tiefsitzenden ethnischen
Vorurteilen in Konflikt. Über vier Jahre hinweg folgt der
Dokumentarfilm den Mühen, Frustrationen und Hoffnungen
der Kinder bis zum unerwarteten Schlusspunkt.
OUR SCHOOL ist fesselnd, aufwühlend und schonungslos
aufrichtig.
▶ Sonntag, 29. April 2012, 21.00 Uhr
Tony Gatlif
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Dieter Wieland
Der Dokumentarfilmer Dieter Wieland
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Dieter Wieland (rechts) bei Dreharbeiten
Prophetischer Zorn und trockener Witz
Eine »flurbereinigte« Landschaft: keine Hecken, keine
Flussbiegung, keine Bäume. Vom Hubschrauber aus
gesehen. Dazu der Kommentar, wie in allen seinen Filmen
von Dieter Wieland selbst gesprochen: »Ein Kahlschlag
geht durchs Land. Begradigung. Bereinigung.
Erschließung. Beschleunigung. Kanalisierung. Neuordnung.
Verordnung. Verödung. Das Land wird hergerichtet,
abgerichtet, hingerichtet. Am Ende bleibt nur das
Korsett des öden Rasters … Serienlandschaft … eine
ausgeräumte nackte Maschinensteppe!«.
Dann die Suche nach Gegenbildern: »Man muss weite
Strecken reisen, um eine Landschaft zu finden, die
noch so aussieht, wie ich es aus meiner Kindheit
kenne. Und das ist noch nicht so lange her. Im Innviertel,
in Oberösterreich, gibt es noch solche baumbestandenen
Felder mit Laubwaldhainen, dazwischen Wild
und Vögel, voller Fruchtbarkeit und Geborgenheit. So
hat Niederbayern einmal ausgesehen.« Eine Passage
aus GRÜN KAPUTT (1983). Unbeschreiblich die elektrisierende
Wirkung, die dieser Film auf uns hatte – und
er hat sie heute noch. Wir waren Studenten, hatten von
Dieter Wieland noch nichts gesehen oder gehört, sahen
GRÜN KAPUTT im Beiprogramm der gleichnamigen
Ausstellung des Münchner Stadtmuseums, waren hell
begeistert. Schon diese Stimme: eine sonore, melodiös
schwingende Stimme, in der untergründig eine Erregung
vibriert. Erregung des Zorns, aber auch der Bewunderung,
wenn von den Schönheiten erzählt wird.
Dieser typische Wieland-Tonfall: ein unnachahmlicher
Mix aus prophetischem Zorn und trockenem Witz, aus
Wahrnehmungspräzision und Poesie.
Augenöffnender Zauber. GRÜN KAPUTT traf auch den
Nerv des damals aufkeimenden Bewusstseins, dass es
nicht mehr so weitergehen darf mit Plünderung und
Verhunzung von Natur und Umwelt. Wir fragten sogleich
nach, wer dieser Dieter Wieland sei, lasen die
biographischen Stichpunkte: 1937 in Berlin-Dahlem
geboren, aufgewachsen in Landshut. Studium der Geschichte
und Kunstgeschichte in München. Von 1964
an freier Autor, Regisseur und Dokumentarfilmer beim
Bayerischen Rundfunk (BR). Wir erfuhren, dass Wieland
zehn Jahre zuvor, 1973, einen Film über die Altstadtzerstörung
in Landshut gedreht hatte, der mäch-

tige Wellen der Empörung bei den Verantwortlichen
auslöste. Es kam zu einer nachfolgenden Diskussionssendung,
einer »Sternstunde des Fernsehens«. Es gab
damals im BR-Rundfunkrat Versuche Wieland »abzuschießen«,
aber der BR hielt zu seinem Autor. Wir erfuhren
auch, dass er schon längst jede Menge Bewunderer
hatte. Vielen erging es mit seinen Filmen gerade
so wie uns mit GRÜN KAPUTT. Als 2011 der Oberbayerische
Kulturpreis an Wieland verliehen wurde, erinnerte
sich Laudator Hans Well (Biermösl Blosn) an die
erste Begegnung mit seinen Sendungen: »Es fiel einem
wie Schuppen von den Augen. Seine Gegenüberstellung
von Bildern stimmiger Häuser mit verhunzten Altoder
Neubauten, unterlegt mit Sätzen von präziser
Wucht, schlugen ein!«
Fortan suchten wir im BR-Programm nach seinen
neuen Arbeiten. Sie wurden meist im Vorabendprogramm,
das eigentlich nicht im Fokus unserer Fernsehgewohnheiten
stand, ausgestrahlt. Freuten uns naturgemäß
über Filmanfänge wie diesen: »Kennen S’ das
neue Bayern? Bayern im Landhausstil. Oberbayern,
Hochglanzbayern, Superbayern. Super Weiß-und-Blau.
Das klassische Ensemble: Rundbogen, Schmiedeeisen,
Wognradl, Blaufichte, Jägerzaun … Bayern grüabig,
mit viel Schmalz, rustikal. Die Häuser in der Lederhosn.
Bayern im Jodlerstil«. (DER JODLERSTIL, 1984)
Über 200 Titel verzeichnet die Filmographie Dieter
Wielands, der dieses Jahr am 16. März seinen 75. Geburtstag
feiert. Was macht seine Filme so besonders?
Von Stimme und Tonfall war schon die Rede. Seine Bilder
sind ruhig, klar, kommen ohne Schnickschnack aus,
es gibt sanfte Schwenks, Zooms, Fahrten, der Blick
kann wandern, Räume und das präzise Detail erfassen.
Bild und Kommentar sind natürlich aufeinander be -
zogen, aber nicht in der Art simpler Illustration. Man
kann sich parallel in Wort und Bild einschwingen. Wenn
Wieland Interviewstücke einfügt, dann sind sie nicht
hergerichtet und protzig ausgeleuchtet wie bei den üblichen
Statements in TV-Features. Es ist eher so, wie
wenn ein guter Nachbar Gespräche am Gartenzaun
führt.
Seine Filme sind Einladungen, zusammen eine Reise zu
unternehmen, gewinnen ihre Überzeugungskraft aus
der Evidenz des treffenden Beispiels, aus der augenöffnenden
Gegenüberstellung. Sie fächern sich in größte
Themenvielfalt auf, durchwandern ländliche und urbane
Räume, nehmen Details in den Blick (Dächer,
Zäune, Gärten), erzählen von herrlichen Parkanlagen,
großen Architekten, prangern an (UNSER DORF SOLL
HÄSSLICH WERDEN, 1975), decken die Verheerungen
der Flurbereinigung auf, berichten vom Verfall und der
möglichen Rettung von Dorfkirchen in Mecklenburg,
oder demonstrieren beispielhaft gelungene Architektur
(DIE GROSSE KUNST, EIN KLEINES HAUS ZU BAUEN,
1988).
Im Kern umkreisen sie alle eine zentrale Erfahrung,
eine Schock-Erfahrung, die jeder kennt. Der Philosoph
Heinrich Rombach hat diese Erfahrung einmal, als er
Gebirgsdörfer der Alpen durchwanderte, so beschrieben:
»Mit Entzücken nimmt man die alte Architektur
wahr, wird immer neu überrascht vom Einfallsreichtum
der Erbauer, von der fehlerlosen Harmonie der Formen
und der Kraft der Gestaltungen. Gut, diese Erfahrung ist
jedem Touristen bekannt. Dann aber bricht jäh das ästhetische
Paradies ab. Man befindet sich an der Grenze
zum Neubaugebiet. Was da an Geradlinigkeit, Einfallslosigkeit
und Hässlichkeit in Beton und Eternit aufgeboten
ist, übertrifft alles Vorstellbare. Warum dies? Woher
dieser Abbruch? Was ist da geschehen? Diese Frage ist
die Wesensfrage der Moderne!«
Wielands Filme zelebrieren weder Nostalgie noch umweltschützerische
Rhetorik, sie umkreisen die Wesensfrage
der Moderne. Es gibt keinen anderen deutschen
Filmemacher, der sich dieser Frage mit einer solchen
Konzentration, Konsequenz und Hingabe gewidmet hat.
In diesem Sinne ist Wieland der sprichwörtliche einsame
Rufer in der Wüste. Zahlreiche Auszeichnungen
(darunter der Bayerische Verdienstorden) hat er wohl
erhalten, aber es gibt merkwürdigerweise noch keine
umfassende Würdigung aus cineastischer Perspektive.
Seine Filme rangieren eben als Fernsehsendungen,
tauchen nicht bei Filmfestivals oder in Kinos auf. Dabei
ist sein Œuvre unbedingt gleichrangig mit dem großer
Dokumentaristen-Essayisten wie Chris Marker oder Volker
Koepp.
Man muss kein Prophet sein, um vorherzusagen, dass
Dieter Wielands Filme mit ihrer unvergleichlichen
Schule der Wahrnehmung bald selbstverständlichen
Eingang in Lehrpläne finden werden, an Grundschulen,
Gymnasien, vor allem natürlich bei der Ausbildung von
Architekten und Städteplanern. Die Frage ist nur,
warum das nicht schon längst geschehen ist.
Rainer Gansera
DIE GROSSMARKTHALLE: MAGEN DER GROSS-
STADT – BRD 1971 – R+B: Dieter Wieland – K: Willy
Dobos – 16 min – Ein Einblick in den Kosmos der
Münchner Großmarkthalle mit seinen Menschen – viele
von ihnen »Gastarbeiter« –, den täglich frischen Waren
und dem Anliefer- und Verkaufsbetrieb. – VORSTADT
GIESING – BRD 1975 – R+B: Dieter Wieland – K: Hermann
Reichmann – 25 min – Ein genauer Blick auf die
Dieter Wieland
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Dieter Wieland
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gRün KApUTT
Architektur und Besonderheiten des Münchner Stadtteils
Giesing und auf die Gefahren der Bauspekulation.
– DER HAUSBAUM – BRD 1983 – R+B: Dieter Wieland
– K: Hermann Reichmann – 24 min – Ein Plädoyer
für den hochstämmigen Apfelbaum, die Bedeutung der
Einheit von Haus und Baum und dafür, warum Traditionen
ihren guten Grund haben. – GRÜN KAPUTT –
LANDSCHAFT UND GÄRTEN DER DEUTSCHEN –
BRD 1983 – R+B: Dieter Wieland – K: Hermann Reichmann
– 44 min – Wielands berühmtester und legendärster
Film: »Wir treten ein ins Wirtschaftswunder-Koniferenland,
gewagt, gespreizt und aufgedonnert …
und am Samstag robbt der Hausherr mit der Schere
hinter dem letzten aufsässigen Grashalm her …«.
▶ Donnerstag, 22. März 2012, 19.00 Uhr (Zu Gast: Dieter
Wieland)
UNSER DORF SOLL HÄSSLICH WERDEN – BRD 1975
– R+B: Dieter Wieland – K: Lutz Kamrath – 28 min –
Ein Beitrag zum Europäischen Denkmalsschutztag:
»Hier das alte Bauernhaus. Wieviel Würde es hat. Wieviel
handwerkliches Können. Wieviel Gespür für Form,
Masse, Proportion! Daneben die trübsinnige Kiste des
Neubaus. Keine Anpassung, Rücksichtnahme, Einfügung.
Solche Baugesinnung ist nur noch als brutaler
Vandalismus zu bezeichnen!« – DAS DACH – BRD
1980 – R+B: Dieter Wieland – K: Georg Lotter, Hermann
Reichmann – 31 min – Jedem Haus sein Dach.
Über die Kunst der bewussten Wahl von dessen Form,
Farbe und Material. – DER FERNPASS – Deutschland
1975 – R+B: Dieter Wieland – K: Hermann Reichmann
– 44 min – Suche nach den Spuren der berühmten »Via
Claudia Augusta« von Rom nach Augsburg in ihrem Tiroler
Abschnitt. »Hier kamen Nachrichten vorbei. Neue
Gesichter, Moden, Märchen, Heiligenlegenden, Kunststile.
Hier mussten sie alle durch: die Landsknechte,
Krämer und Kaiser. Mönche, Pilger und Künstler. Freche
Gaukler, Quacksalber und das Heer der zerlumpten
Bettler.«
▶ Freitag, 23. März 2012, 18.30 Uhr
LANDSHUT ODER HAT DIE SCHÖNHEIT EINE
CHANCE? – BRD 1973 – R+B: Dieter Wieland – K:
Hermann Reichmann, Ernst Hess – 44 min – Wie eine
Stadt ihre grandiose, historische Altstadt ruiniert, den
Blechlawinen des Verkehrs und den Begehrlichkeiten
der Kaufhauskonzerne und Banken preisgibt: »In diesem
Jahr 1973 wurden in Landshut mehr historische

Häuser zerstört als durch die Luftangriffe während des
Krieges«. – LANDSHUT. GESPRÄCH ÜBER DIE PRO-
BLEME EINER SCHÖNEN ALTEN STADT – BRD 1973
– R: Heinz Böhmler – 44 min – Nach der Ausstrahlung
des Landshut-Films gab es große Empörung bei den
Verantwortlichen der Stadt. Sie wurden zu einer Fernsehdiskussion
mit dem Filmemacher und Städtebau -
experten eingeladen. Teilnehmer waren Landshuts
Oberbürgermeister Josef Deimer, der Redakteur der
Zeitschrift Baumeister Paulhans Peters, die Architekten
Roland Rai ner und Ernst Maria Lang, der Stadtbaumeister
Herrsch mann sowie Dieter Wieland.
▶ Samstag, 24. März 2012, 18.30 Uhr (Zu Gast: Dieter
Wieland)
FLURBEREINIGUNG ODER DIE MASCHINENGE-
RECHTE LANDSCHAFT – BRD 1974 – R+B: Dieter
Wieland – K: Hermann Reichmann – 26 min – Wieland
begibt sich in die Oberpfalz, redet mit den Bauern vor
Ort und kommentiert das, was er sieht: » Landschaft
nach Großstädterart zubereitet. Landschaft nach Plan,
Landschaft nach Vorschrift. War das die Ordnung, die
wir immer wollten?« – DIE FARBE – BRD 1982 – R+B:
Dieter Wieland – K: Horst Lermer – 26 min – »Keiner
baut für sich allein«: über die passenden Farben bei
Wind und Wetter, Kalk und Dispersionsfarbe. Dieter
Wieland ist im Bild zu sehen. – DER GARTEN – BRD
1981 – R+B: Dieter Wieland – K: Rudolf Kleinjung,
Horst Lermer – 44 min – Mit poetischen Kommentaren
zeigt Wieland dreizehn Möglichkeiten auf, Gartenparadiese
zu schaffen und kontrastiert sie mit sterilen »Plastikgärten«,
die in ihrer Einfallslosigkeit ein modernes
Standardsortiment aus dem Baumarkt
beziehen.
▶ Freitag, 30. März 2012, 18.30 Uhr
DIE GROSSE KUNST, EIN KLEI-
NES HAUS ZU BAUEN – BRD
1988 – R+B: Dieter Wieland – 21
min – Größe ist nicht alles. Wie mit
einer durchdachten Planung in
einem kleinen Haus erstaunlich
viel Raum gewonnen werden kann.
– DER ZAUN – Deutschland 1995
– R+B: Dieter Wieland – K: Horst
Lermer – 31 min – »Was der Baustoffindustrie
eingefallen ist, um
die Zäune nur ja recht aufgeregt
und aufdringlich zu machen: verkorkste,
hektische Maschinenschnörksel,
die aussehen wie gefrorene
Regenwürmer, Spritz gebäck vom Betonkonditor,
pompös verrenkt. Die meisten Zäune sagen es uns
sehr brutal und hart, mit Ellbogen und mit geballter
Faust: Halt, das gehört jetzt mir, weg da!« – DORFER-
NEUERUNG – Deutschland 1990 – R+B: Dieter Wieland
– K: Hermann Reichmann – 44 min – Ein Dorf in
der Oberpfalz, wo in Zusammenarbeit mit einer norddeutschen
Architektin keine Maskerade stattfinden soll,
kein »Operettendorf, keine Lebkuchenbushäuschen«
entstehen sollen. Wieland: »Wir lösen nicht die Probleme,
wir dekorieren sie nur zu.«
▶ Samstag, 31. März 2012, 18.30 Uhr
FRIEDRICH VON GÄRTNER – DER BAUMEISTER LUD-
WIGS I – Deutschland 1992 – R+B: Dieter Wieland –
K: Hermann Reichmann – 44 min – Das Porträt über
den Leo von Klenze-Rivalen Friedrich von Gärtner,
einem der bedeutendsten Architekten im Königreich
Bayern, der Münchens Stadtbild wesentlich geprägt hat
– auch durch Rundbögen. – DER JODLERSTIL –
Deutschland 1984 – R+B: Dieter Wieland – K: Rudolf
Kleinjung, Hermann Reichmann – 44 min – Fröhlichste
und ätzendste Abrechnungen mit dem neuen Dahoamis-Dahoam-Landhausstil
in Bayern, mit den »Gamsbart-
Burgen, Wurznsepp- und Almdudlerhütten«. Was Wieland
ganz selten tut, Dialekt sprechen und Musik
verwenden: Hier spielt er Musikantenstadl-Dudelmusik
in satirischer Absicht ein und macht deutlich, dass dieser
»Oktoberfest-Dirndl-Look«-Baustil tatsächlich das
genaue Äquivalent zur musikalischen Retorten-Jodelei
ist.«
▶ Sonntag, 1. April 2012, 18.30 Uhr
Dieter Wieland
31
gRün KApUTT

Hong Sangsoo
Retrospektive Hong Sangsoo
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Als Vorwurf gegen den koreanischen Regisseur Hong
Sangsoo liest man oft: Er wiederhole sich. Ein Film gleiche
dem anderen, kenne man einen, kenne man alle.
Hinter diesem Vorwurf steckt eine ästhetische Ideologie:
Der Künstler habe originell zu sein, in jedem seiner
Werke soll ihm darum etwas anderes einfallen. Und in
dieser Ideologie steckt ein Paradox: Es muss schließlich
seine eigene Originalität sein, die er da haben soll. Und
dass sie seine eigene ist, merkt man daran, dass man
die Handschrift des Meisters in jedem Film wiedererkennt.
Die klügeren unter den Künstlern, also auch den Filmregisseuren,
bearbeiten in der Folge ihrer Filme immer
auch diese ästhetische Ideologie. Am einen Ende des
Spektrums tut das jemand wie Lars von Trier, der sich
ständig neue Aufgaben stellt und dieses Aufgabenstellen
als Differenzproduktion von einem starken Autor-Ich
aus gerne thematisiert. Am anderen Ende stehen
Künstler wie Giorgio Morandi, der immergleiche Ensembles
von Vasen, Schüsseln, Gefäßen auf immer
etwas andere Art malte.
Oder eben Hong Sangsoo, in dessen Filmen sich zentrale
Elemente stets gleichen. Die erbärmlichen Männer
als Helden, die sich mit Lügen und schwächlichen
Worten in romantische Verhältnisse verstricken. Alle
sind sie Literaten, Professoren, Schauspieler, Filmregisseure
oder Drehbuchautoren, oder alles zusammen
oder nichts davon richtig, gewesene oder aktive, in der
Regel nicht oder nicht mehr sehr erfolgreich. Einander
ähneln auch die Frauen, die sich auf diese Männer einlassen,
die enttäuscht werden und/oder betrogen, die
so in unerquickliche Dreier- und Viererkonstellationen
geraten und nicht mehr so ohne weiteres heraus.
Mal spielt das in der Großstadt, mal in der Provinz, die
Bewegung zwischen beiden ist ein zentrales Motiv, Erlösung
oder Rettung bringen jedoch weder Stadtflucht
noch Landflucht. Mal ist einer in der Stadt oder auf
dem Land zuhause, mal auch zu Gast. Man kommt an,
erinnert sich an frühere Zeiten. Viel wird in Kneipen und
Restaurants und Imbissen an Tischen gesessen, viel
wird geredet, mehr wird getrunken. Ein Ex, ein anderer
Mann, zwei Frauen, Dreiecksgeschichten. Der eine beleidigt
den anderen, oft aus heiterem Himmel. Alles
wird im Trinken, Reden, Lieben, also im Zwischenmenschlichen,
irgendwann heillos; und im Heillosen erweist
es sich oft als so erbärmlich wie komisch, und
zwar so, dass man wirklich das eine vom anderen
kaum unterscheiden kann. Auf dieser Ebene funktionieren
die Filme als zwar sehr ausschnitthaftes Gesellschaftsporträt
und werden in Südkorea als solche beim

vergleichsweise kleinen Publikum, das sie haben, mit
viel Gelächter quittiert.
Die Männer bei Hong kommen einem oft wie Zwangshandelnde
vor. Zwischen dem, was sie sagen und dem,
was sie tun, liegt eine Kluft. Sie versprechen das Blaue
vom Himmel, die Liebe, manchmal für ewig, und brechen
das Versprechen im nächsten Moment. Sie sind
weder Herr ihrer Worte noch ihrer Taten; ihre Worte
sind ohne Kraft, aus ihren Taten folgt wenig, sie sind in
Wort und Tat gefangen in Wiederholungsstrukturen:
Derselbe Fehler wird immer wieder gemacht. Dies ist
die psychostrukturelle Gender-These zur Wiederholung:
Ein Hong-Mann tut, was ein Hong-Mann tun muss, und
es ist eigentlich immer das Falsche. Erlösung ist nicht
vorgesehen, vielmehr: Erlöst werden nur die Frauen,
und zwar dadurch, dass sie den Hong-Männern entkommen,
wenn auch zu spät, immer zu spät.
Hongs Filme haben Komik, aber keinen Humor. Die Beschreibung
der erbärmlichen Männer ist und bleibt gnadenlos,
ohne deshalb aber einerseits denunziatorisch
oder andererseits versöhnlich zu sein. Komik entsteht
hier aus dem Widerspruch von Worten und Taten, der
Diskrepanz zwischen Selbsteinschätzung und distanzierterem
Blick, dem Missverhältnis von Ambition und
Erreichtem. Weit gesteckt sind die Ziele, banal die
Gründe fürs Scheitern. Humor wäre Auflösung oder jedenfalls
Abdämpfung des Widerspruchs durch ein Verhältnis
des Abstands: Humor ist, wenn es eine Instanz
gibt, und sei sie noch so implizit, die die Handelnden
frei spricht oder mindestens das problematische Tun
durch Einrichtung eines anderen Standpunkts relativiert;
eine solche Instanz gibt es bei Hong nicht.
Auch nicht in den kommentierenden Voiceover-Stimmen,
die es in diesen Filmen nicht selten gibt. Es sind
aber stets die Stimmen von im Geschehen immer
schon implizierten Figuren. Es ist diesen Stimmen mithin
niemals zu trauen, so wenig jedenfalls wie allen
Stimmen, die sonst noch so sprechen, laut und entschieden,
gekränkt und verletzend oder auch ver -
nuschelt und lallend. Abstände werden behauptet, man
begreift aber schnell, dass jede auf Abstand zielende
Geste ins Leere geht; gerade die überheblichsten der
Figuren sind im nächsten Augenblick in Widersprüchlichkeiten
verstrickt, werden vor unseren Augen von
ihrem Nichtwissen eingeholt. Man könnte diese Filme
allesamt als Tragikomödien des Nichtwissens bezeichnen.
Die Form dafür, in der sich das Tragische und das Komische
untrennbar ineinander verschränken, ist die
dramatische Ironie. Im Erzählen entstehen Wissensvorsprünge,
der Zuschauer weiß mehr als die Figur. Der
Film, der diese fortwährende Implikation ins eigene
Nichtwissen am virtuosesten inszeniert, stellt in den
Titel direkt schon ein Lachen: HAHAHA. Zwei Männer
erzählen einander, sich dabei wie in einem Hong-Film
ganz üblich, betrinkend, jeweils eine Geschichte und
der einzige, der nach und nach begreift, dass es dieselbe
Geschichte ist, die zur selben Zeit am selben Ort
mit denselben Figuren spielt, ist der Betrachter. Je
mehr sich die beiden Männer über das Erzählte erheben,
desto lächerlicher werden sie selbst.
Solche Gefälle, und es sind fast immer Gefälle der dramatischen
Ironie, erzeugt Hong durch Spiegelungsund
Wiederholungsstrukturen. Die Figuren wissen
nichts von der Form der Erzählung. Im Blick des Zuschauers,
der eine andere Begegnung schon kennt,
werden Begegnungen zu Wiederbegegnungen, von
denen die Figuren nichts ahnen. Viele der Filme haben
zwei Hälften und so interessiert nicht nur, was jeweils
geschieht, sondern auch, wie sich das Geschehen der
einen Hälfte auf das der anderen bezieht: als Spiegelung,
Verschiebung, Wiederholung oder Variation. Alle
Stufen dazwischen sind denkbar. Einzelne, oft genug
unauffällige Objekte, tauchen am einen Ende des Films
auf und am anderen wieder. Man hat sie nicht symbolisch
zu nehmen. Das Wichtige an ihnen ist gerade ihre
Funktionslosigkeit. Fische, ein Schwein, eine angezündete
Zigarette, Spatzen: Blindstellen, an denen sich ein
Erzählzusammenhang auf seine reine Struktur reduziert:
Da sind nun die zuvor im Aquarium gesehenen
Fische und werden auf einem Waldweg begraben. Hier
dieses Schwein vor dem Fenster, das vor allem eines
markiert: Schweine sind möglich, auch wenn die Erzählung
sie nicht fordert oder erklärt.
Hong Sangsoo hat nicht Film studiert, sondern Kunst.
Und zwar am Art Institute of Chicago, an derselben
Kunsthochschule wie Apichatpong Weerasethakul.
Zum Kino kam er erst vergleichsweise spät, er drehte
1996 mit 36 seinen ersten Film. Als größtes Vorbild
nennt er keinen Regisseur, sondern den Maler Paul
Cézanne, also einen Künstler, der den Beginn der Moderne
markiert. Hong bewundert Cézanne, weil dessen
Werk an genau jenem Kreuzungspunkt zwischen Abstraktion
und Konkretion steht, den auch er für sich
sucht. Einerseits ist in der Welt, die Hong zeigt, alles
konkret: jeder Gegenstand, jedes Wort, jede Straße,
jeder Schnaps, jede Ankunft, jedes Moment der süd -
koreanischen Gegenwart. Andererseits sind da die oft
untermarkierten Wiederholungsstrukturen, an denen
die Erzählung aufsplittert und den Blick auf das Wiederholen
selbst lenkt. Man kann, ja muss diese Filme
immer auch als Konzeptkunst betrachten. Das, was das
Hong Sangsoo
33

Hong Sangsoo
34
gewöhnliche Erzählkino ausmacht – Männer und
Frauen, die kleinen und großen Dramen der Liebe, die
Ambition, der Verrat, die enttäuschte Hoffnung, Beziehungsgeschichten
– ist hier Spielmaterial. Was nicht
heißt, dass Hong das alles nicht ernst meint.
Zusammengesetzt ist jeder Film aus zunächst unverbundenen
Fragmenten. Einzigartig im Gegenwartskino
ist Hongs im Lauf der Jahre radikalisierter Herstellungsprozess.
Plötzliche, von Eingebungen gesteuerte Verfertigung
des Films jeden Morgen am Drehort. Hong
schreibt kein Drehbuch, bevor er zu drehen beginnt, er
entwirft nur im vorhinein grobe Linien. Die Dialoge
entstehen Morgen für Morgen vor Drehbeginn, inspiriert
durch den Ort, die Stimmung (Hongs Stimmung,
die Stimmung des Orts). Im Interview hat er es so beschrieben:
»Die Einflüsse und Ideen kommen von überall.
Ich bin beeinflusst von dem Material, das wir schon
gedreht haben, ich spreche kurz mit den Schauspielern,
ich konzentriere mich und bin dann so etwas wie ein
Magnet, der Ideen, Einfälle, Motive anzieht. Natürlich
mache ich mir in der Nacht davor auch schon Gedanken,
entwerfe Pläne, aber dann lasse ich los und ver -
suche einfach anzunehmen, was mir zufällt. Vielleicht
Gesprächsfetzen, an die ich mich erinnere, vielleicht
etwas aus einem Buch … Das ist etwas, das ich sehr
genieße: Ich warte einfach auf das Unerwartete.«
Die Ordnungen, in die diese Fragmente als Filme ge -
raten, sind nicht die Ordnungen linearen Erzählens und
der Abfolgen von plot points. Es geht aber auch nicht
um Improvisationen im traditionellen Sinn. Die Dialoge
entstehen spontan, stehen dann aber fest. Was sich
aus dieser Arbeitsweise ergibt, sind Motivstreuungen,
ist das unvorhersehbare Auftauchen, Verschwinden
und Wiederauftauchen des Dagewesenen; ein Kino, in
dem kein Abschluss erreicht wird, in dem alles sich potenziell
auf alles bezieht. Das ergibt zwar immer wieder
Rätselstrukturen, nur gibt es darin keine Rätsel zu
lösen. Das Kino von Hong Sangsoo ist ein figuratives
Kino, das ebenso sehr wie es auf eine Welt referiert,
keinen Hehl daraus macht, dass es seine eigene Ordnung
als Reaktion auf die Zufälle, wörtlich: auf das Zugefallene
des Moments generiert. Die Offenheit für alle
Fragmente der Wirklichkeit und die oft zwanghaft
anmutenden Wiederholungen stehen nicht im Widerspruch
zueinander: Nur so figurieren sich Hongs Filme
als Welten in Welten.
Ekkehard Knörer
BOOK-CHON BANG-HYANG (THE DAY HE ARRIVES) –
Südkorea 2011 – R+B: Hong Sangsoo – K: Kim Hyungkoo
– M: Jeong Yong-jin – D: Yu Jun-sang, Kim Sangjoong,
Song Sun-mi, Kim Bok-yung – 79 min, OmeU –
Der Titel nennt bereits ein wiederkehrendes Motiv in
den Filmen von Hong Sangsoo: Ein Mann kommt irgendwo
an. Der Mann ist – wie so oft in Hongs Filmen

– ein Filmregisseur. Der Ort seiner Ankunft ist ein Vorort
von Seoul. Er möchte jemanden treffen und macht
stattdessen eine Zufallsbegegnung auf der Straße. Zentraler
Handlungsort ist ein Lokal, in dem sich auf merkwürdige
Weise dieselben Abläufe mehrmals, aber auf
leicht verschobene Weise, ereignen. Der Protagonist
Sung-joon scheint gefangen in einer Wiederholungsschleife.
Im Film selbst wird in einem der vielen Gespräche
eine Theorie der Zufallsbegegnung entwickelt.
Sie ist nicht der Schlüssel zum Film, denn um das Aufschließen
geht es in diesem Werk nicht.
▶ Freitag, 23. März 2012, 21.00 Uhr
DAIJIGA UMULE PAJINNAL (THE DAY A PIG FELL
INTO THE WELL) – Südkorea 1996 – R: Hong Sangsoo
– B: Jeong Dae-seong, Yeo Hye-yeong, Kim Al-a, Seo
Shin-hye – K: Jo Dong-gwan – M: Ok Gil-seong – D:
Kim Ui-seong, Park Jin-seong, Cho Eun-suk, Lee Eunggyeong
– 114 min, OmeU – Kein Schwein und kein
Brunnen zu sehen in Hongs Debüt. Ein Autor namens
Hyo-sub ist der Protagonist dieses Porträts großstädtischer
Entfremdung und möchtegernkünstlerischer Verzweiflung.
Der Sex, den Hyo-sub hat, ist verlässlich
freudlos. Nicht besser ergeht es einem anderen Mann,
dem Vertreter Dong-woo, mit dessen Frau Hyo-sub ein
Verhältnis hat. Die Charakterzeichnung, die Themen,
die Konstellationen, die Hongs folgende Filme kennzeichnen
werden, sind alle präsent, bis hin zum immer
wiederkehrenden Essen und Trinken an Restauranttischen
vor Fenstern zur Straße. Ein Erzählexperiment:
Hong hat vier zunächst getrennt und von unterschiedlichen
Autoren (Filmstudenten) geschriebene Episoden
zusammengeführt.
▶ Samstag, 24. März 2012, 21.00 Uhr
KANGWON-DO UI HIM (THE POWER OF KANGWON
PROVINCE) – Südkorea 1998 – R+B: Hong Sangsoo –
K: Kim Yeong-cheol – M: Won II, Kim Jeong-huit – D:
Baek Jong-hak, Oh Yun-hong, Kim Yu-Seok, Jeon Jaehyeon
– 108 min, OmeU – Von jetzt an schreibt Hong
seine Drehbücher selber. In einem Film, der in zwei
Hälften geteilt ist, erzählt er vom Ende einer Affäre: Die
Studentin Ji-sook reist ab aus Kangwon, sie hat sich
von ihrem verheirateten Liebhaber Sang-kwon, ihrem
Professor, getrennt. Beide jedoch kommen über die
Trennung so ohne weiteres nicht hinweg. Sie tröstet
sich mit einem Polizisten, er mit einer Prostituierten,
nur ist Trost das ganz falsche Wort. Die zweite Hälfte
setzt die erste in ein anderes Licht, weniger im Großen
und Ganzen als in vielen Details. Man muss eigentlich
auf jede Kleinigkeit achten, weil den Personen und Worten
beim ersten Auftreten nicht anzumerken ist, wie
wichtig oder unwichtig sie gewesen sein werden.
▶ Sonntag, 25. März 2012, 21.00 Uhr
O! SOO-JUNG (VIRGIN STRIPPED BARE BY HER BA-
CHELORS) – Südkorea 2000 – R+B: Hong Sangsoo –
K: Choi Young-taek – M: Ok Gil-seong – D: Lee Eun-ju,
Jung Bo-seok, Moon Sung-keun, Kim Yeong-dae –
115 min, OmeU – Der englische Titel zitiert ohne direkten
Bezug zum betreffenden Werk Marcel Duchamp,
der Originaltitel lautet wie so oft aber ganz anders: O!
SOO-JUNG. Die (originalkoreanische) Titelheldin Soojung,
Drehbuchautorin fürs Fernsehen, sieht sich von
zwei Männern bedrängt, die ihr gegenüber Entjung -
ferungspläne hegen. Erzählt wird das abwechselnd aus
zwei Perspektiven, die dieselben Ereignisse in teils
recht unterschiedlichen Versionen darstellen. Dies ist,
in exquisitem Schwarz-Weiß, der wohl bestaussehende
Film in Hong Sangsoos Werk. Ob das Gutaussehen für
einen Hong-Film die richtige ästhetische Wahl ist, bleibt
aber die Frage.
▶ Freitag, 30. März 2012, 21.00 Uhr
SAENGHWALUI BALGYEON (TURNING GATE) – Südkorea
2002 – R+B: Hong Sangsoo – K: Choi Youngtaek
– M: Won II, Arvo Pärt – D: Kim Sang-kyung, Yea
Ji-won, Choo Sang-mee, Kim Hak-seon – 115 min,
OmeU – Ein Mann verwandelt sich, von einer Prinzessin
zurückgewiesen, in eine Schlange, windet sich um
ihren Körper und droht sie zu ersticken. Die Prinzessin
geht in ein Kloster und weist die Schlange an, vor dem
Tor zu warten. Die Schlange wartet, die Prinzessin kehrt
nie zurück – und also wendet die Schlange sich ab.
Das ist die Legende vom Wendetor, die ein Freund dem
anderen auf dem Weg zu diesem Wendetor erzählt, das
sie aber gar nicht erreichen, weil sie kurz davor selbst
wenden. Später wird der Freund, dem die Geschichte
erzählt wird – der glücklose Schauspieler Gyeong-su –
Hong Sangsoo
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Zu Gast: Rudolf Thome
Rudolf Thome
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»Wenn ich Anfang zwanzig wäre, würde ich nach Südkorea
gehen und versuchen, Hong Sangsoos Regieassistent
zu werden, um von ihm etwas zu lernen. Wenn
ich steinreich wäre, würde ich auch hinfahren und ihm
seinen nächsten Film finanzieren. Oder mehrere. Solche
Gedanken haben nur Leute, die verliebt sind. Das
bin ich wohl.« (Rudolf Thome – www.moana.de
27.1.2011) – Rudolf Thome ist zweifellos einer der entschiedensten
Fans der Filme von Hong Sangsoo. Wir
freuen uns, dass er zu unserer Retrospektive an einem
Wochenende nach München kommt, um dem Publikum
seine Begeisterung zu einigen Hong-Filmen zu
vermitteln. Zudem zeigen wir zwei seiner Filme, den
neuesten – INS BLAUE – als Münchner Vorpremiere.
DAS ROTE ZIMMER – Deutschland 2010 – R+B: Rudolf
Thome – K: Ute Freund – D: Katharina Lorenz, Seyneb
Saleh, Peter Knaack – 101 min – Fred verliebt sich
in Luzie und Sibil und beide lieben ihn. Können sie die
Liebe neu erfinden? »Thome ist ein gewitzter Geschichtenerzähler,
ein Erfinder von Versuchsanordnungen und
Liebeskonstellationen. Sein eigentliches Interesse gilt
aber nicht den von ihm gesponnenen Netzen, sondern
den Fliegen und anderen Tieren, die sich darin verfangen.
Bei Thome wird das Eigene der Darsteller in aller
Selbstverständlichkeit als das Eigentliche der Erzählung
sichtbar. Nichts geht darum je ganz auf in den Geschichten,
nie wird man zu eindeutigen Gefühlen erpresst.«
(Ekkehard Knörer) »Pretty damn fantastic. Think
Hong Sangsoo steeped in stoicism.« (Andrew Grant)
▶ Freitag, 6. April 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Sonntag,
8. April 2012, 18.30 Uhr (Zu Gast: Rudolf Thome)
INS BLAUE – Deutschland 2012 – R+B: Rudolf Thome
– K: Bernadette Paassen – D: Vadim Glowna, Alice
Dwyer, Esther Zimmering, Janina Rudenska – 105 min
– Nike dreht ihren Debütfilm INS BLAUE. Ihr Vater Abraham,
ein alter Hase der Branche, ist der Produzent.
Doch er hält sich weitestgehend zurück: Nike ist der
Boss. Als Nike gezwungenermaßen ihren Vater für den
Film besetzt, vermischen sich Realität und Fiktion. –
Vadim Glowna spielte hier seine letzte Hauptrolle. Er
starb am 24. Januar 2012. »Als Vadim Glowna mein
Drehbuch gelesen hatte, sagte er seiner Agentur: Sofort
zusagen! Hat er da schon gewusst, dass Abraham
die Rolle seines Lebens werden würde? Warum um
alles in der Welt habe ich Nikes Vater diesen biblischen
Namen gegeben! Er ist bestimmt nicht in die Hölle, sondern
in den Himmel gekommen, trotz all seiner Sünden
(die ich aus seiner Autobiografie kennenlernen durfte).
Während der gesamten Drehzeit in Italien war er nicht
wie ein normaler Schauspieler, sondern eher wie ein
Heiliger: sanft, geduldig, über den Dingen schwebend.«
(www.moana.de 27.1.2012) »Die Rolle, die Glowna
spielt, ist nicht zuletzt ein (bewusst verzerrtes) Selbstporträt
Rudolf Thomes, dessen Tochter auch Filme
dreht. Daraus resultiert ein höchst intrikates Spiel des
Ziehens von Fäden: Thome erfindet einen Regisseur,
der ihm in mancher Hinsicht ähnelt und zeigt, wie dieser
die eigene Tochter hintergeht. Und die übliche
Thome-Konstellation (der Regisseur sieht Frauen zu bei
dem, was sie tun) wird umgedreht: Der Regisseur
Thome zeigt eine Regisseurin, die ihren Vater in eine
pervertierte Urszene nackt vor die eigene Kamera
drängt. Neben dem Film im Film und dem Film, der
vom Drehen erzählt, gibt es also diesen weiteren Rahmen:
Thomes bei allen sich ereignenden Heiterkeiten
eher grimmiges Porträt einer Vater-Tochter-Beziehung,
und zugleich seines Metiers.« (Ekkehard Knörer)
▶ Samstag, 7. April 2012, 18.30 Uhr (Zu Gast: Rudolf
Thome) ▶▶ Montag, 9. April 2012, 18.30 (Zu Gast:
Rudolf Thome)

vor einem Tor auf die Frau warten, in die er sich verliebt
hat. Die grafische Darstellung von unglücklichem Sex
erreicht in diesem Film ihren Höhepunkt. Fortan interessieren
Hong andere Dinge.
▶ Samstag, 31. März 2012, 21.00 Uhr
YEOJANEUN NAMJAUI MIRAEDA (WOMAN IS THE
FUTURE OF MAN) – Südkorea 2004 – R+B: Hong
Sangsoo – K: Kim Hyung-koo – M: Jeong Yong-jin – D:
Yoo Ji-tae, Kim Tae-woo, Sung Hyun-ah – 87 min,
OmeU – Rein äußerlich ein Durchbruch für Hong: Dieser
Film lief als erster in einem großen A-Festival-Wettbewerb,
in Cannes. Einen Preis gewann er nicht, da
musste er warten, bis HAHAHA dann bei Un certain regard
prämiert wurde. Nach Jahren begegnen sich zwei
Freunde, Mun-ho, der Künstler werden wollte und jetzt
Kunst lehrt, und Hyeon-gon, der nach Amerika ging, um
Filme zu drehen und nun als Gescheiterter in die Heimat
zurückkehrt. Sie erinnern sich an eine Frau und suchen
sie dann in der Gegenwart auf. Gut geht das nicht.
Alles weitere ist von Peinlichkeiten, Alkohol, schlechtem
Sex und Spannung durchsetzt.
▶ Sonntag, 1. April 2012, 21.00 Uhr
KEUK JANG JEON (TALE OF CINEMA) – Südkorea
2005 – R+B: Hong Sangsoo – K: Lim Oh-jeong – M:
Jeong Yong-jin – D: Kim Sang-kyung, Uhm Ji-won, Lee
Ki-woo, Lee Seung-a – 90 min, OmeU – Menschen
wollen sich umbringen, ein Regisseur liegt im Sterben.
Das alles aber nur im Film, der im Film TALE OF CI-
NEMA zu sehen ist. Man begreift diese Verschachtelungsstruktur
nicht sofort, damit treibt Hong erst einmal
sein Spiel. Man weiß auch gar nicht zu sagen, ob der
Film-im-Film eigentlich auch ein Hong-Film ist – oder
ob Hong da den Film eines anderen gedreht und in
einen Hong-Film geschmuggelt hat. Die aufdringlichen
Zooms jedenfalls gibt es hier wie da. Sie dringen hier
ein ins Kino von Hong, fast etwas wie Messerattacken
gegen die bislang so nüchtern in Plansequenzen hingestellten
Bilder. Wie die beiden Filme zusammengehören?
Schwer zu sagen, aber stärker als zuvor werden
die Wiederholungen und Verschiebungen ausdrücklich
markiert.
▶ Freitag, 6. April 2012, 21.00 Uhr
HAEBYUNEUI YOEIN (WOMAN ON THE BEACH) –
Südkorea 2006 – R+B: Hong Sangsoo – K: Kim Hyungkoo
– M: Jeong Yong-jin – D: Kim Seung-woo, Ko Hyunjung,
Kim Tae-woo, Song Sun-mi – 127 min, OmeU –
Der Regisseur Kim und sein Drehbuchautor Jung-rae
fahren in einen Badeort, um dort gemeinsam an einem
neuen Film zu arbeiten. Jung-rae nimmt seine Freundin
Moon-sook mit. Ein Sturm ist angekündigt, der Ort ist
ziemlich verlassen, der Sturm bleibt aber aus. Äußerlich
jedenfalls, denn zwischen den Beteiligten entwickelt
sich eine verquere Dreiecksgeschichte, in der große
Worte in den Wind gerufen werden und nichts, was
einer dem anderen sagt, irgendwas gilt. Kim philosophiert
über seine Obsession mit einem Bild in seinem
Kopf und entwickelt eine grafische Theorie, wie man so
ein Bild wieder los wird. »Ich mag keine Wiederholungen«,
sagt Moon-sook gegen Ende am Telefon. Wenn
es je ein Erlösungswort gab in Hongs Filmen, dann ist
es dies.
▶ Samstag, 7. April 2012, 21.00 Uhr (Einführung: Rudolf
Thome)
BAM GUA NAT (NIGHT AND DAY) – Südkorea/Frankreich
2008 – R+B: Hong Sangsoo – K: Kim Hoonkwang
– M: Jeong Yong-jin – D: Kim Young-ho, Park
Eun-hye, Hwang Su-jung, Kee Joo-bong – 145 min,
OmU – Ein Südkoreaner in Paris, ein Film, der ursprünglich
vom Musée d’Orsay finanziert werden sollte.
Das scheiterte, aber Hong drehte seinen französischen
Film, in dem Paris aber genauso in Szene gesetzt wird
wie eine koreanische Stadt, trotzdem. Im Zentrum der
Maler Seong-nam, der aus Angst vor einer Verhaftung
wegen Marihuanakonsums nach Paris flieht und dort
Hong Sangsoo
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Hong Sangsoo
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Frauen, die er kannte und kennt (oder sechsmal
schwängerte und trotzdem nicht wiedererkennt), der er
(wieder)begegnet, während er – es ist Nacht in Paris
und Tag in Korea – mit seiner in Seoul gebliebenen
Frau telefoniert. Erzählt ist das als Tagebuch Seongnams.
Koreanische Künstler verhalten sich in einem
Hong-Film nicht anders, nur weil er in Paris spielt.
▶ Sonntag, 8. April 2012, 21.00 Uhr (Einführung: Rudolf
Thome)
JAL ALJIDO MOTHAMYEONSEO (LIKE YOU KNOW IT
ALL) – Südkorea 2009 – R+B: Hong Sangsoo – K: Kim
Hoon-kwang – M: Jeong Yong-jin – D: Kim Tae-woo, Ko
Hyun-jung, Uhm Ji-won, Yu Jun-sang – 126 min,
OmeU – Wieder ein Film, der ausdrücklich in zwei Hälften
geteilt ist. Der erste Teil: Ku, ein Filmregisseur, nicht
unbekannt, aber kommerziell nicht erfolgreich, ist als
Mitglied der Jury auf einem Filmfestival. Die Erfahrungen,
die er da macht, etwa mit Jurykollegen, sind ernüchternd,
er wird sich als typischer Hong-Held betrinken.
Im zweiten Teil, zwölf Tage später, besucht Ku
einen alten Freund an der Universität und spricht mit
dessen Studenten über seine eigenen Filme. Frauen -
geschichten bleiben nicht aus. Szenen im ersten und
zweiten Teil sind sich sehr ähnlich, das erzeugt wie gewohnt
und wie immer subtil anders als sonst Spiegelund
Verzerrungseffekte. Mehr noch als ohnehin in allen
Filmen seit TALE OF CINEMA sind Zooms und Kamerabewegungen
das dominierende formale Element.
▶ Montag, 9. April 2012, 21.00 Uhr (Einführung: Rudolf
Thome)
VISITORS – Südkorea/Japan/Philippinen 2009 – OmeU
– Episoden: CHEOB CHEOB SANJOONG (LOST IN THE
MOUNTAINS) – R+B: Hong Sangsoo – K: Kim Kwangho
– M: Jeong Yong-jin – D: Jung Yu-mi, Moon Sungkeun,
Lee Sun-kyun – 30 min – KOMA – R+B: Naomi
Kawase – K: Yutaka Yamazaki – 35 min – BUTTER-
FLIES HAVE NO MEMORY – R+B+K: Lav Diaz –
40 min – Ein Kurzfilm als Teil der vom Festival in Jeonju
regelmäßig finanzierten Auftragswerke. Eine Frau
kommt in Jeonju an, gerät mit einer Freundin in Streit,
trifft ihren deutlich älteren Exlover. Ein vertrauter Reigen
der Disharmonie mit lakonisch eingestreuten Stadtbildern,
diesmal allerdings vorwiegend aus der Perspektive
einer weiblichen Heldin erzählt, die im Erzählkommentar
zur objektiven Betrachtung der Vorgänge wenig
Erhellendes beiträgt. In Inhalt und Form gibt es zu den
anderen Filmen des Triptychons, wie bei den Jeonju
Digital Projects üblich, keinen Zusammenhang.
▶ Freitag, 13. April 2012, 21.00 Uhr
HAHAHA – Südkorea 2010 – R+B: Hong Sangsoo – K:
Park Hong-yeol – M: Jeong Yong-jin – D: Kim Sangkyung,
Yu Jun-sang, Moon So-ri, Kim Kang-woo –
116 min, OmeU – Es beginnt wie ein Witz. Treffen sich
zwei Männer. Der eine der beiden, Filmregisseur ohne
Film, Professor ohne Professur, ist auf dem Sprung
nach Kanada. Man erzählt sich, was zuletzt so geschah.
Diese Erzählung gibt dem Film einen Rahmen, Novellentechnik.
Man sieht diese Männer nicht, vielmehr: nur
als Fotos, schwarzweiß. Sie lachen über die Geschichten,
die sie erzählen, begreifen jedoch nicht, was man
als Zuschauer schnell begreift: Der jeweils andere ist
Teil der jeweils erzählten Geschichte und sieht darin
keinesfalls so gut aus wie aus der eigenen Perspektive.
Ein Abgrund an dramatischer Ironie, ein Film, in dem so
schnell keiner zuletzt lacht.
▶ Samstag, 14. April 2012, 21.00 Uhr
OKI-EUI YONG-HWA (OKI’S MOVIE) – Südkorea 2010
– R+B: Hong Sangsoo – K: Park Hong-yeol, Jee Yunejeong
– M: Edward Elgar, We Zong-yun – D: Lee Sunkyun,
Jung Yu-mi, Moon Sung-keun – 80 min, OmeU –
Hongs zweiter Film des Jahrgangs 2010 ist seine bislang
wohl kühnste Experimentalanordnung. Ein Film
aus vier Filmen, deren Verhältnis zueinander in Frage
steht. In einer Serie von Verschiebungen folgen wir
einem Trio – Song als Filmprofessor, Jingu und Oki als
Studenten – in wechselnder Konfiguration durch das
Grenzgebiet von Fiktion und Metafiktion. Jeder der vier
Filme hat Vorspann und Abspann in verwischt-ver -
wackelter weißer Schrift auf blauem Grund. Dazwischen
sorgt das Pathos von Edward Elgars »Pomp and
Circumstance« durch Fallhöhe zum Gezeigten für tendenziell
komischen Kontrast. Es gibt keine Hierarchie
und keine stabilisierbare Beziehung zwischen Realem
und Fiktion, die vier Filme nebeneinander ergeben
weder ein geschlossenes Bild noch verständigen sie
sich in eindeutiger Weise über das Verhältnis, in das sie
untereinander treten.
▶ Sonntag, 15. April 2012, 21.00 Uhr

Film und Psychoanalyse – Lustspiele
Psychoanalyse der Filmkomödie – ist das nicht ein tristes
Unterfangen? Soll man Witze erklären? Dass man
das durchaus vergnüglich tun kann, zeigte schon Sigmund
Freud 1905 mit seinem Buch »Der Witz und
seine Beziehung zum Unbewußten«. Die Komödie
stand dabei freilich nicht im Mittelpunkt, und das Kino
schon gar nicht. Das hat er bekanntlich verabscheut:
Selbst wenn es, meinte er noch 1927, so modern sei
wie der Bubikopf, so werde er sich doch keinen schneiden
lassen.
Inzwischen hat der Film den Bubikopf ebenso wie die
Psychoanalyse gefeiert, veräppelt und weiterentwickelt,
wie auch unser psycho-analytisches Wissen. Für die
zeitgenössische Film-Psychoanalyse ist die Komödie
das beste Beispiel dafür, dass die entscheidende »Zündung«
des Kunstwerks im Kinosaal selbst erfolgt, und
zwar in jedem Subjekt selbst, wenn auch nicht »rein
subjektiv«.
Wenn Psychoanalytiker sich heute mit der Komödie befassen,
geht es längst nicht mehr allein um die Entbindung
verdrängter Triebregungen, sondern auch um das
Timing von Pointen, die subversive Kraft des Humors
und das Janusgesicht des Lachens, das Abwehr und
Aufdeckung zugleich umfasst. Die Reihe wird im Herbst
fortgesetzt. (www.psychoanalyse-film.eu)
Andreas Hamburger
FREUDS WITZ UND DIE PSYCHOANALYSE DER FILM-
KOMIK – Vortrag mit Filmbeispielen von Andreas Hamburger
– 60 min – DUCK SOUP (DIE MARX BRO -
THERS IM KRIEG) – USA 1933 – R: Leo McCarey – B:
Bert Kalmar, Harry Ruby – K: Henry Sharp – M: John
Leipold – D: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx,
Zeppo Marx, Margaret Dumont, Louis Calhern –
68 min, OmU – Die Marx-Brothers bemächtigen sich
eines fiktiven Operettenstaates mit seinen Militärs, Politikern
und Oberschichtparvenüs und zerlegen Kabinettssitzungen,
Cocktailparties und Rituale zwischenstaatlicher
Beziehungen nach allen Regeln der Kunst.
Groucho als zynisch-wortgewandter Hochstapler, Chico
als herrlich Italianità simulierender Underdog und
Harpo als sexwütig-stummer Anarchist entlarven politisches
Pathos, narzisstische Selbstüberhöhung und
Hohlformen bürgerlichen Wohlverhaltens hemmungs-
DUcK SOUp
Film und Psychoanalyse
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Film und Psychoanalyse
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los als Posen. In Wortspielen und raschen Dialogen, die
auf der Tradition der spontanen Wortgefechte der
stand-up-comedians beruhen sowie in virtuos-stummen
Eskalationen der gegenseitigen Schmerzzufügung,
die auf die nur knapp zurückliegende Stummfilmära
von Buster Keaton und Laurel & Hardy verweisen, bringen
die Marx Brothers ihre ganz eigene Mischung von
Sprach- und Bewegungswitz furios zum Einsatz.
▶ Sonntag, 25. März 2012, 17.30 Uhr (Vortrag: Andreas
Hamburger. Einführung: Mathias Lohmer, Salek Kutschinski)
TO BE OR NOT TO BE (SEIN ODER NICHTSEIN) – USA
1942 – R: Ernst Lubitsch – B: Edwin Justus Mayer – K:
Rudolph Maté – M: Werner Richard Heymann – D:
Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Stanley Ridges,
Felix Bressart – 99 min, OmU – Im August 1939,
kurz vor dem Einmarsch der Nazis, probt eine Warschauer
Theatertruppe ein Anti-Hitler-Stück, zu dessen
Uraufführung es nicht mehr kommen wird. Überrollt
von den historischen Ereignissen stürzen sich die
Schauspieler, eben noch mit Eitelkeiten, Liebeleien und
Eifersüchteleien beschäftigt, in den realen Widerstand
gegen die Besatzer, in dem ihr ganzer Mut, Einfallsreichtum,
Witz und nicht zuletzt ihre schauspielerischen
Fähigkeiten bald von lebensrettender Bedeutung sein
werden. In dieser genialen Satire, gedreht im Dezember
1941, also unmittelbar vor der Wannsee-Konferenz,
handhabt Lubitsch virtuos seine Neigung zum Spiel mit
den Genres und zum Stilbruch, changierend zwischen
Liebeskomödie, Verwirrspiel zwischen Theater und
Leben, dokumentarischen Wochenschau-Elementen
und schließlich grimmiger Farce. Die prekäre Spirale
von wachsender Gefahr, in der es tatsächlich um »Sein
oder Nichtsein« geht und der Frage, ob man über das
Grauen lachen darf, hält Lubitsch bis zum Schluss
durch – und gewinnt.
▶ Sonntag, 29. April 2012, 17.30 Uhr (Einführung: Ka -
tha rina Leube, Irmgard Nagel)
THE KING OF COMEDY – USA 1983 – R: Martin Scorsese
– B: Paul D. Zimmerman – K: Fred Schuler – M:
Harold Arlen – D: Robert De Niro, Jerry Lewis, Diahnne
Abbott, Sandra Bernhard, Shelley Hack – 104 min, OF –
Rupert Pupkin ist, wie so viele Scorcese-Protagonisten,
ein Niemand, der ein Jemand werden will, und zwar unbedingt
als Komiker – wie sein Idol und Gegenspieler,
der berühmte Showmaster und Comedian Jerry Langford.
Da es Pupkin in zahllosen Anläufen nicht gelingt,
den unnahbaren Star zu überreden, ihn in seiner Show
auftreten zu lassen, entführt er ihn schließlich, assistiert
von der liebestollen Langford-Stalkerin Masha. Die
Komik dieser Konstellation entfaltet sich am Negativen,
nämlich an der Abwesenheit des Sinnlich-Lustigen,
was beiden Antipoden vollkommen fehlt. Die beiden
sind sich dadurch ähnlicher, als ihnen lieb sein kann:
Langford und Pupkin sind füreinander Zerrspiegel. Wir
Zuschauer betreten also ein sarkastisches Spiegelkabinett,
in dem sich nicht nur die amerikanische Medienwirklichkeit
abbildet, sondern die Erfolgsideologie der
amerikanischen Identität insgesamt.
▶ Sonntag, 20. Mai 2012, 17.30 Uhr (Einführung: Matthias
Baumgart, Corinna Wernz)
SOME LIKE IT HOT (MANCHE MÖGEN’S HEISS) –
USA 1959 – R: Billy Wilder – B: Billy Wilder, A. L. Diamond
– K: Charles Lang jr. – M: Adolph Deutsch –
D: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George
Raft, Pat O’Brien – 120 min, OmU – Zwei Musiker kommen
zufällig der Mafia in die Quere und suchen Zuflucht
in einem Damenorchester. Schon mit diesem
ersten Akt der Travestie wird das unterschwellige
Thema des Films angedeutet: Angst vor (und Lust an)
Sexualität und sexueller Identität. Spannend wird es,
als die beiden verkleideten Helden die schöne Sugar
kennenlernen. Tony Curtis verkleidet sich nun erneut,
diesmal als angeblich impotenter Millionär, und bringt
Sugar in die Situation der Therapeutin. Währenddessen
wird immer wieder auf den zweiten Helden geschnitten,
der als Mädchen verkleidet mit einem alten Playboy
Tango tanzt. Die berühmte Schlusspointe des Films
fasst die Problematik der gender identity zusammen.
Mit seinem »Nobody is perfect« hat Billy Wilder 1959
die ganze Welt beruhigt. Die Mischung von Gangsterfilm-Parodie
und romantischer Verwechslungskomödie
versetzt die Zuschauer in diverse Rollen, identifiziert sie
mit wechselnden Geschlechtern – ein Spiel, das jeder
aus seiner Kindheit kennt. Am Ende können wir über
uns selbst lachen und verdanken Billy Wilder eine gute
analytische (Doppel-)Sitzung.
▶ Sonntag, 24. Juni 2012, 17.30 Uhr (Einführung: Ka -
tharina Leube, Vivian Pramataroff)

Rainer Werner Fassbinders München
Es muss vor rund 35 Jahren gewesen sein. Rainer Werner
Fassbinder saß bei mir im Auto und »diktierte« die
Route von der Innenstadt zu den Bavaria Filmstudios.
Sicher war es nicht die kürzeste Strecke, vermutlich
war sie nur unwesentlich langsamer, auf jeden Fall
aber lotste er mich durch Straßen, die ich ewig nicht
mehr gesehen hatte: backroads, könnte man sagen,
mit vielen eher ärmeren Altbauten, dazwischen immer
noch einige Lücken, teilweise aufgefüllt mit gesichtslosen
neuen Häusern. Auf den ersten Blick Szenerien
ohne echte Fixpunkte und ohne Wiedererkennungswert.
Fassbinder erklärte, dies sei seine Lieblingsstrecke
nach Grünwald. Die Attraktionen eines Stadtführers
haben ihn nie interessiert, auch nicht in seinen Filmen;
als Schauplätze bevorzugte er Gegenden, in denen
seine bürgerlichen und erst recht seine kleinbürgerlichen
Figuren wohnen und leben konnten – oder mussten.
Undenkbar, dass er, wie fast eine ganze Generation
der einstigen »Jungfilmer«, die Leopoldstraße zu einer
Art »Wahrzeichen« verklärt hätte. Wenn er in Schwabing
gedreht hat, kann das der Zuschauer meist nur
dann wahrnehmen, wenn er die entsprechende Szenerie
zufällig genau kennt – wie zum Beispiel die ineinander
übergehenden Hinterhöfe in HÄNDLER DER VIER
JAHRESZEITEN. Wichtiger als die Leopoldstraße war
Fassbinder zum Beispiel die Landsberger Straße mit
ihrem Straßenstrich – wenngleich er die lange nächtliche
Kamerafahrt in LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD
von Jean-Marie Straub übernommen hat.
Fassbinders München ist zunächst einmal eine Stadt
ohne Wahrzeichen. Da gibt es nur ganz wenige Ausnahmen,
wie den Löwenbräukeller in GÖTTER DER
PEST, den Alten Peter in FAUSTRECHT DER FREIHEIT,
oder auch Hitlers einstiges Lieblingsrestaurant, die
Osteria in der Schellingstraße (ANGST ESSEN SEELE
AUF). Irgendetwas wie »Großstadtflair« wird man in
Fassbinders Filmen vergeblich suchen. Am Anfang von
DER AMERIKANISCHE SOLDAT signalisiert ein Insert
den Ort: »München«, als hätte der Filmemacher befürchtet,
der Ort des Geschehens würde sonst nicht zu
identifizieren sein. Darin erweist er sich als das Gegenteil
von Kollegen wie Herbert Achternbusch, der mit den
Tourismus-Attraktionen der Stadt und ihrer Umgebung
immer wieder sein listiges Spiel trieb. Auch Wim Wenders’
Berlin-Filme suchen immer wieder prominente
Schauplätze und bauen auf ihren Wiedererkennungswert.
Fassbinders München hingegen läuft Gefahr, in
der Anonymität zu versinken, gegen die vor allem die
Helden seiner frühen Gangsterfilme ankämpfen. Selbst
wenn dort die Kleinkriminellen ins Polizeipräsidium
gehen oder es verlassen, bleibt die Kamera so dicht an
den Figuren, dass der Ort kaum zu identifizieren ist.
Vielleicht hat es mit seinen frühen Theaterarbeiten zu
tun, vielleicht auch mit dem Glück, dass er nie durch
liebe iST KälTeR AlS DeR TOD
Fassbinders München
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Fassbinders München
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FAUSTRecHT DeR FReiHeiT AngST eSSen Seele AUF RiO DAS mORTeS KATZelmAcHeR
die filmischen Grammatikregeln einer Filmschule verdorben
wurde: Fassbinder verzichtet in seinen Filmen
weitgehend auf establishing shots; da gibt es so gut
wie keine Totalen, mit denen er erst einmal einen Überblick
oder eine Orientierung zu geben versucht. Er war
wohl generell kein großer Freund von Außenaufnahmen.
Die meisten seiner Filme beginnen innen, dicht
bei den Darstellern. Immer wirken sie eingeengt, von
Mauern, Türen, Rahmen aller Art, bis hin zu den vielen
Spiegeln. Und diese Enge, die oft das Gefühl von Klaustrophobie
evoziert, setzt sich draußen auf den Straßen
fort, als wären die Außenaufnahmen – viele sind bei
Nacht gedreht, die Hintergründe verschwinden im Dunkel
– nur die Fortsetzung von Innenaufnahmen mit
leicht veränderten Mitteln. Wenn Fassbinders Figuren
ins Wirtshaus gehen, fehlt häufig der Blick auf die Fassade,
die Sequenzen beginnen gleich innen. Oder die
Kamera im Freien ist so dicht auf den Schauspielern,
dass Straßenschilder, Wirtshausnamen und andere Fixpunkte
nicht mehr im Bild sind.
Wie sehr Fassbinder auch im Freien auf visuelle Begrenzungen
setzt, zeigt eine wunderbare kleine Sequenz
in ICH WILL DOCH NUR, DASS IHR MICH LIEBT:
Peter überquert die Isar auf einer Fußgängerbrücke
nördlich vom Deutschen Museum. Ausnahmsweise
bleibt der Schauplatz mühelos identifizierbar. Aber ge -
nau darum ging es eben nicht – sondern um eine zwei -
te Brücke in der Nähe. Auf ihr fährt die Kamera, parallel
zu dem jungen Mann auf der anderen Brücke. Langsam
sinkt die fahrende Kamera nach unten, bis unter
die steinerne Begrenzung. Auf der Leinwand sieht das
nun aus, als würde Peter von einer Mauer verschluckt.
Der Zuschauer kann ahnen oder fühlen, was kommen
wird. Es ging also nicht um die Szenerie selbst, sondern
um die Möglichkeit, die sie der Kamera bot.
Enge, immer wieder Enge. Fassbinder drehte gern in
bürgerlichen, kleinbürgerlichen oder auch spießbürgerlichen
Wohnungen. Ein Kreuz im »Herrgottswinkel«
einer Wohnung war signifikanter als der Blick auf prominente
Kirchtürme. Treppenhäuser mochte er, Stufen,
die nach oben oder unten führen. Und vor allem Hinterhöfe,
in denen sich die Figuren bewegen, als wären
ihnen ihre Wohnungen zu eng geworden. Wenn Adressen
angegeben werden, sind sie oft der pure Fake. In
der Tizianstraße (HÄNDLER DER VIER JAHRESZEITEN),
in die ein Notarzt gerufen wird, stehen keine Mietshäuser,
wie sie hier im Bild sind (aber Fassbinder hat dort
einmal gewohnt!). Die Gabrielstraße (DIE SEHNSUCHT
DER VERONIKA VOSS) gibt es nicht. Und das einst berüchtigte
Wirtshaus Zum Schwan (HÄNDLER DER VIER
JAHRESZEITEN) gab es 1971 nicht mehr.

Fassbinders München schimmert an vielen Stellen
durch, aber es liegt nicht an der Oberfläche. Zum Beispiel
mit der Stimme des legendären Sportreporters
Sammy Drechsel und einem Spiel von 1860 München,
oder mit dem Sound des alten AFN (DIE SEHNSUCHT
DER VERONIKA VOSS). Mit der kleinen Nutte, die sich
»Marile Kosemund« nennt, hat Fassbinder in HÄNDLER
DER VIER JAHRESZEITEN dem Autor Sigi Sommer
seine Referenz erwiesen. In RIO DAS MORTES referiert
der wunderbare Carl Amery spontan über die katholische
Kirche in Lateinamerika. In den Gangsterfilmen
tauchen Yaak Karsunke oder Peter Hamm als Kriminalbeamte
auf. Hans, der Obsthändler (HÄNDLER DER
VIER JAHRESZEITEN) heißt mit Familiennamen Epp,
so hieß einst auch ein berühmter Nazi in der Stadt;
Hans’ Frau will über eine Kanzlei »Schirach« ihre Scheidung
in die Wege leiten. Die Geschichte der Stadt hat
Fassbinder dann interessiert, wenn sie als unmittelbares
Echo noch präsent ist. Aber die neuen Errungenschaften,
das Olympiastadion zum Beispiel? Fehl -
anzeige! Und wenn seine Figuren mit dem Zug ankommen,
dann niemals am Hauptbahnhof, sondern am
Starnberger Bahnhof, der wie eine kleinere Provinzstation
aussieht.
Lediglich in die Unterwelt der U-Bahn, wieder ein Ort
der Klaustrophobie, tauchen die Figuren immer wieder
ein, bis hin zum tödlichen Finale von FAUSTRECHT DER
FREIHEIT; freilich muss man schon genau hinsehen,
um die Haltestelle Marienplatz erkennen zu können.
Wenn Fassbinders Kamera eine U-Bahn-Station identifiziert,
dann hat er einen speziellen Grund dafür: Das
Schild »Nordfriedhof« über dem Kopf von Peter (ICH
WILL DOCH NUR, DASS IHR MICH LIEBT) verheißt
nichts gutes für den Ausgang der Geschichte.
Falls Fassbinder in München ein Heimatgefühl entwickelt
hat, so muss es ein sehr ambivalentes gewesen
sein – nicht nur, weil er keine Probleme hatte, wenn er
die Stadt für Aufgaben in Bochum, Frankfurt oder Köln
verlassen musste. »Ich mag das auf die Dauer hier
nicht!«, lässt er seinen Kollegen Daniel Schmid in
HÄNDLER DER VIER JAHRESZEITEN erklären. Karlheinz
Böhm fragt ihn in FAUSTRECHT DER FREIHEIT: »Bist du
Münchner?« Fassbinders Antwort: »So ziemlich!« Die
Einschränkung kann nicht nur daran liegen, dass er in
Bad Wörishofen geboren wurde.
München ereignet sich in Fassbinders Filmen eher unauffällig
und am Rande. In GÖTTER DER PEST hat
Harry Baer eine Frisur wie König Ludwig II., und für Zuschauer,
denen das nicht auffällt, darf er auch noch ein
Poster des Bayern-Königs kaufen. Einmal legt er eine
Schallplatte auf, man erwartet eine rockige Schnulze,
doch es erklingt Karl Valentin mit seiner »Vogelhochzeit«.
Eine weitere Hommage an den großen Valentin:
Kurt Raab, der in WARUM LÄUFT HERR R. AMOK? eine
Schlagerplatte kaufen will, weder Text noch Titel weiß,
die Melodie nur in Bruchstücken andeuten kann und
doch zum Ziel kommt. Der Dichter Kranz, der sich in
SATANSBRATEN in die Identität von Stefan George mogelt,
legt sich eine Perücke zu – die weniger an George
erinnert als – zumindest aus heutiger Sicht – an den
Münchner Exzentriker Rudolph Moshammer. Und es ist
die Sprache, mit der Fassbinder München definiert: das
spitze und schnippische Bairisch von Walter Sedlmayr,
der verlangsamte, mitunter maulfaule Dialekt von Harry
Baer, die schrillen Sätze von Irm Hermann, die manchmal
wilden, manchmal melancholischen Texte, die sich
Fassbinder auf den Leib geschrieben hat. Oder auch
die Musik von Per Raaben, der zu seinen Ahnherrn
auch Orlando di Lasso gezählt hat.
Wer ehrlich ist, wie Hans (HÄNDLER DER VIER JAHRES-
ZEITEN) oder der Bauarbeiter Peter (ICH WILL DOCH
NUR, DASS IHR MICH LIEBT), oder Franz, der vom Zirkus
kommt (FAUSTRECHT DER FREIHEIT), scheitert hier
– besonders dann, wenn er sich ein anderes, besseres
Leben erträumt. Aber es scheitern auch die vielen kleinen
Ganoven und Gauner, die so tun, als wären sie
große Gangster. In Fassbinders München triumphieren
am ehesten noch die Halbseidenen, Opportunisten, Verräter
und Ausbeuter. Doch wenn Fassbinders Figuren
einmal die Stadt verlassen, dann fahren sie meist über
öde Ausfallstraßen oder bewegen sich in einem gesichtslosen
Brachland. Die Ausnahmen bleiben rar:
eine Exkursion ins Voralpenland (GÖTTER DER PEST),
mit einigen der ganz seltenen Totalen Fassbinders, die
eine Ahnung von Glück und Freiheit suggerieren. Doch
die Helden kehren nur zurück, um in München den Tod
zu finden. Nur in RIO DAS MORTES, dem heitersten
Film, den Fassbinder je gedreht hat, entkommen die
Protagonisten ihrer Enge in Richtung Peru – auch weil
Hanna Schygulla, die am Flughafen München Riem im
Freien und in Schussweite nahe des Flugzeugs (das
war damals noch möglich), die angelegte Waffe wieder
sinken läßt. Mit dieser gelungenen Flucht hat Fassbinder
auch sein einziges Happy End inszeniert. Die Stadt
aber gibt so gut wie keinen Anlass zur Hoffnung.
Hans Günther Pflaum
LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD – BRD 1969 – R+B:
Rainer Werner Fassbinder – K: Dietrich Lohmann – M:
Peer Raben – D: Ulli Lommel, Hanna Schygulla, Rainer
Werner Fassbinder, Hans Hirschmüller, Katrin Schaake,
Peter Berling – 88 min – Fassbinders erster Spielfilm,
Fassbinders München
43

Fassbinders München
44
ein Gangsterfilm: Er spielt Franz, den Zuhälter, der sich
einem Syndikat widersetzt, Bruno liebt und von Johanna
verraten wird. »Was übrig bleibt: dass hier arme
Leute waren, die nichts mit sich anfangen konnten, die
einfach so hingesetzt wurden wie sie sind und denen
keine Möglichkeiten gegeben wurde – die schlichtweg
keine Möglichkeit haben.« (Fassbinder)
▶ Dienstag, 3. April 2012, 21.00 Uhr
KATZELMACHER – BRD 1969 – R+B: Rainer Werner
Fassbinder, nach seinem Theaterstück – K: Dietrich
Lohmann – M: Peer Raben – D: Rainer Werner Fassbinder,
Hanna Schygulla, Lilith Ungerer, Irm Hermann,
Rudolf Waldemar Brem, Harry Baer – 88 min – Ein Film
voller Wut, nach Fassbinders eigenem Bühnenstück:
Vier Paare in einem tristen Münchner Viertel, ihre Beziehungen
halten bestenfalls an der Oberfläche, darunter
toben Frust und Stillstand – erst in der Gewalt
gegen einen Ausländer kommt das Leben in Bewegung.
▶ Dienstag, 10. April 2012, 21.00 Uhr
GÖTTER DER PEST – BRD 1970 – R+B: Rainer Werner
Fassbinder – K: Dietrich Lohmann – M: Peer Raben
– D: Harry Baer, Hanna Schygulla, Günther Kaufmann,
Magarethe von Trotta, Carla Aulaulu, Ingrid Caven –
91 min – Ein komplizierter kleiner film noir, über mittelmäßige
Gangster, Liebe und Tod und Verrat – für den
wie meist bei Fassbinder liebende Frauen verantwortlich
sind. Im Finale nimmt Fassbinder seine eigene Beerdigung
vorweg. »GÖTTER DER PEST ist ein ziemlich
genauer Film über so ein Zeitgefühl, das es damals
wirklich gegeben hat.« (Fassbinder)
▶ Dienstag, 17. April 2012, 21.00 Uhr
WARUM LÄUFT HERR R. AMOK? – BRD 1970 – R+B:
Rainer Werner Fassbinder, Michael Fengler – K: Dietrich
Lohmann – M: Peer Raben – D: Kurt Raab, Lilith
Ungerer, Amadeus Fenger, Franz Maron, Harry Baer,
Hanna Schygulla – 88 min – Der brave Spießer
schlechthin, ein technischer Zeichner mit vergeblichen
Hoffnungen, die zu Mord und Totschlag und Selbstmord
führen. Fassbinders einziger wirklich naturalistischer
Film. »Ich glaube, das geht wirklich, dass man durch
stilistische Mittel die Distanz schafft, die nötig ist für
solche Filme.« (Fassbinder)
Dienstag, 24. April 2012, 21.00 Uhr
DER AMERIKANISCHE SOLDAT – BRD 1970 – R+B:
Rainer Werner Fassbinder – K: Dietrich Lohmann –
M: Peer Raben – D: Karl Scheydt, Elga Sorbas, Jan
George, Hark Bohm, Margarethe von Trotta, Ulli Lommel,
Rainer Werner Fassbinder – 80 min – Als ginge es
um den Verfassungsschutz: Drei Münchner Polizisten
beauftragen einen Killer, die Leute umzulegen, an die
sie nicht rankommen. Fünf Jahre nach seinem Debüt
versteht es Fassbinder nun souverän mit den amerikanischen
Vorbildern des film noir zu spielen.
▶ Dienstag, 1. Mai 2012, 21.00 Uhr
RIO DAS MORTES – BRD 1971 – R+B: Rainer Werner
Fassbinder – K: Dietrich Lohmann – M: Peer Raben –
D: Michael König, Günther Kaufmann, Hanna Schygulla,
Katrin Schaake, Harry Baer, Ulli Lommel – 84 min –
Zwei Freunde träumen von der Schatzsuche und brechen
am Ende auf nach Peru. Fassbinders einzige wirkliche
Komödie und sein einziges Happy End, weil Hanna
Schygulla den gezogenen Revolver sinken lässt. »Wenn
es ein Film wäre wie die anderen, die ich gemacht
habe, würde sie schießen!« (Fassbinder)
▶ Dienstag, 15. Mai 2012, 21.00 Uhr
HÄNDLER DER VIER JAHRESZEITEN – BRD 1972 –
R+B: Rainer Werner Fassbinder – K: Dietrich Lohmann
– D: Hans Hirschmüller, Irm Hermann, Hanna Schygulla,
Klaus Löwitsch, Karl Scheydt, Ingrid Caven – 88 min –
Hans Epp, aus der Fremdenlegion zurückgekehrt,
schiebt seinen Obstkarren durch die Hinterhöfe, leidet
an seiner lieblosen Frau und an seiner großen Liebe:
sie mag ihn im Bett, aber heiraten kommt nicht in
Frage. Die tödliche Tragödie eines kleinen Mannes mit
unerfüllbarer Sehnsucht. »Fassbinder siegt über die Klischees,
indem er die Emotionen wahr macht, die sie
tragen.« (Urs Jenny)
▶ Dienstag, 22. Mai 2012, 21.00 Uhr
ANGST ESSEN SEELE AUF – BRD 1974 – R+B: Rainer
Werner Fassbinder – K: Jürgen Jürges – D: Brigitte
Mira, El Hedi Ben Salem, Barbara Valentin, Irm Hermann,
Walter Sedlmayr, Rainer Werner Fassbinder –
93 min – Ein berührendes Amour-fou-Melodram, die
Liebesgeschichte einer älteren deutschen Putzfrau und
eines jungen Gastarbeiters aus Marokko. Wenn es ein
Happy End gäbe, dann nur auf der Basis der Verwertbarkeit
von Außenseitern – also endet die Geschichte
offen und skeptisch. Fassbinders Film ist eine Antwort
auf den von ihm verehrten Douglas Sirk und dessen
Melo ALL THAT HEAVEN ALLOWS.
▶ Dienstag, 29. Mai 2012, 21.00 Uhr
FAUSTRECHT DER FREIHEIT – BRD 1975 – R+B: Rainer
Werner Fassbinder – K: Michael Ballhaus – M: Peer
Raben – D: Rainer Werner Fassbinder, Peter Chatel,

Karlheinz Böhm, Harry Baer, Adrian Hoven, Ulla Jacobsson
– 123 min – Fassbinder gewinnt, als arbeitsloser
Zirkusartist (ratlos), eine halbe Million im Lotto. Mit dieser
Summe ist er auch für noblere Leute von Interesse.
Ein Film über Klassenschranken und Liebe als System
der Ausbeutung, bei Schwulen nicht anders als bei Heteros.
»Mir scheint, Fassbinder wollte hier verfremdet
seinen Weg durch das Kulturleben der Bundesrepublik
beschreiben.« (Wilhelm Roth)
▶ Dienstag, 5. Juni 2012, 21.00 Uhr
ICH WILL DOCH NUR, DASS IHR MICH LIEBT – BRD
1976 – R+B: Rainer Werner Fassbinder, nach einer Geschichte
aus dem Buch »Lebenslänglich« von Klaus
Antes und Christiane Ehrhardt – K: Michael Ballhaus –
M: Peer Raben – D: Vitus Zeplichal, Elke Aberle, Alexander
Allerson, Johanna Hofer, Katharina Buchhammer,
Armin Meier – 104 min – Von einem der glaubt, er
müsse sich die Liebe der anderen ständig erkaufen;
dieser Irrtum endet mit Mord und Knast. Fassbinder
selbst ist oft mißverstanden und auf den Titel dieses
Films reduziert worden. Ein Irrtum: Er selbst hat sich zu
wehren gewußt, und die Gefälligkeit seines Helden
hatte er nie. Andernfalls könnte man sein Werk heute
vergessen.
▶ Dienstag, 12. Juni 2012, 21.00 Uhr
SATANSBRATEN – BRD 1976 – R+B: Rainer Werner
Fassbinder – K: Jürgen Jürges, Michael Ballhaus – M:
Peer Raben – D: Kurt Raab, Helen Vita, Volker Spengler,
Margit Carstensen, Ingrid Caven, Ulli Lommel –
116 min – Ein Film aus der Zeit von Fassbinders angeblichen
Krise: Ein Dichter verliert seine Identität, die
eh nicht viel wert war. »Was den Film faszinierend
macht, ist der Grundton tiefer Verzweiflung, fast des
Menschenhasses, der sich hier, alle Grenzen von Geschmack
und Erzählkultur einreißend, gewaltsam Bahn
bricht.« (Wilfried Wiegand)
▶ Dienstag, 19. Juni 2012, 21.00 Uhr
DIE SEHNSUCHT DER VERONIKA VOSS – BRD 1982
– R: Rainer Werner Fassbinder – B: Peter Märthesheimer,
Pea Fröhlich, Rainer Werner Fassbinder – K: Xaver
Schwarzenberger – M: Peer Raben – D: Rosel Zech,
Hilmar Thate, Cornelia Froboess, Annemarie Düringer,
Doris Schade, Erik Schumann, Armin Mueller-Stahl,
Peter Zadek, Rainer Werner Fassbinder – 104 min –
Fünfziger Jahre: Ein ehemaliger Ufa-Star träumt von
der Vergangenheit und verkennt die Gegenwart. Die
Schlüsselbegriffe: Ufa und Treblinka. In der ersten Einstellung:
Fassbinder im Kino – sein letzter Auftritt in
einem eigenen Film.
▶ Dienstag, 26. Juni 2012, 21.00 Uhr
Zum 30. Todestag von Rainer Werner Fassbinder am 10. Juni
1982 präsentiert das Residenztheater im Marstall im März das
Festival »Postparadise Fassbinder Now«, am 25. Mai wird eine
Ausstellung im Deutschen Theatermuseum eröffnet.
Fassbinders München
45
Die SeHnSUcHT DeR veROniKA vOSS

»… und immer wieder geht sie unter!«
Der Untergang der Titanic
46
Der Untergang der »Titanic« im Kino
Als vor 100 Jahren, in den frühen Nachtstunden des
15. April 1912, der Luxusliner Titanic nach einer Kollision
mit einem Eisberg im spiegelglatten Wasser des
Nordatlantik versank und mehr als 1.500 Menschen
mit in die Tiefe nahm, war ein Schiff untergangen und
ein Mythos des 20. Jahrhunderts geboren. Seitdem
spukt die Titanic durchs kollektive Bewusstsein und befeuert
das Vorstellungsvermögen, die Phantasien von
Journalisten, Sachbuchautoren, Romanciers, Ausstellungsmachern
und Filmproduzenten. Wie wirkungsmächtig
der Mythos immer noch ist, machte schlag -
artig die Havarie des Kreuzfahrtschiffes Costa Concordia
im Januar dieses Jahres vor der toskanischen
Küste deutlich: Nicht nur, dass weltweit in der Presse
getitelt wurde »Wie auf der Titanic«, sondern auch,
dass die geretteten Passagiere selbst sofort diesen
Vergleich zogen. So gab eine gerettete Passagierin an,
sie habe viele Male den Film von James Cameron gesehen
und deshalb den Ratschlag beherzigt, nicht die
Aufzüge zu benutzen (FAS 22.1.2012). Und zu verführerisch
waren ja auch die Parallelen: Der jähe Ruck
beim Abendessen, der lange Riss im Rumpf, das baldige
Kentern – alles unverzichtbare Bestandteile des
Titanic-Mythos.
Dieser Mythos gipfelt in einem zur Ikone gewordenen
Bild, auf das keine Illustration, kaum eine Verfilmung
verzichtet: Der diagonal aus dem Wasser ragende
Rumpf des schon halb gesunkenen Schiffes, immer
noch die Decks in voller Festbeleuchtung, die Lichter
sich spiegelnd in der glatten See. Und davor die Über -
lebenden in den Rettungsbooten, auf die das Geschehen
einen theaterhaften Eindruck machte, wie viele der
Geretteten als Augenzeugen berichtet haben. Ein er -
habenes Schauspiel, eine fast theaterhafte Inszenierung,
die sich im Kino natürlich besonders effektvoll in
Szene setzen lässt: Nur wenige Monate nach der Katastrophe,
die ein bisher nie gekanntes weltweites
Medien echo auslöste, hatte mit IN NACHT UND EIS die
erste Verfilmung des Untergangs in Berlin Premiere.
Gegenüber der Costa Concordia wirkt die für damalige
Verhältnisse imposante Titanic heute nicht mehr ganz
so beeindruckend: Mit 269 Metern war sie elf Meter
kürzer und auf maximal 2.600 Passagiere angelegt, gegenüber
3.800 Passagieren auf dem italienischen
Kreuzfahrtschiff. Ganz zu schweigen von der Oasis of
the Seas, dem derzeit (noch) größten schwimmenden
Vergnügungsdampfer mit 360 m Länge und fast 6.300
Passagieren. Doch Größenverhältnisse und Zahlen sind
für die Mythenbildung unerheblich, denn es ist gerade
die untergegangene Titanic, die immer noch die Herzen
bewegt – ein Traumschiff tief auf dem Boden des Meeresgrunds,
versunken wie das sagenumwobene Atlantis.
Damals galt sie als das »unsinkbare Schiff«, und
umso stärker erschütterte dann ihr jähes Ende auf der
Jungfernfahrt von Southampton nach New York weltweit
die Gemüter. Die zeitgenössischen Reaktionen lassen
einen sofort den Vergleich zu einer anderen Katastrophe
fast 90 Jahre später ziehen, zu den kollabierenden
Türmen des World Trade Center. Ging da damals
symbolhaft ein Zeitalter unter, das fortschrittsgläubige
19. Jahrhundert? War das ein Menetekel? Zwei
Jahre später begann mit dem Ersten Weltkrieg eine Ka-

tastrophe ganz anderen Ausmaßes. Die 1915 vor der
Südküste Irlands untergegangene Lusitania, ein noch
größeres und moderneres Schiff als die Titanic, kollidierte
eben nicht mit einem Eisberg oder einem Riff,
sondern wurde von einem deutschen U-Boot versenkt.
Im Kino hat sich ein eigenes Genre der Schiffsuntergangsfilme
gebildet. Egal ob es ein Eisberg, ein feindliches
U-Boot oder ein Fliegerangriff ist, der die Katastrophe
auslöst: Immer wird die Tragik des Geschehens
dramaturgisch verstärkt durch die Schilderung der unglücklichen
Kette von Zufällen, die erst die undenkbare
Katastrophe ermöglichten. Und jedes Mal wird durch
Einzelschicksale ein Mikrokosmos der Gesellschaft geschildert,
in dem Klassenzugehörigkeit und ethnische
oder nationale Stereotypen eine wichtige Rolle spielen.
Im Mittelpunkt des Interesses stehen aber auch die aufwändigen
Spezialeffekte, die sich im Laufe der Filmgeschichte
von klassischen Modellbauten bis zu komplexen
digitalen Effekten entwickelt haben.
Ernst Schreckenberg
»… UND IMMER WIEDER GEHT SIE UNTER!« – Vortrag
mit Filmausschnitten von Ernst Schreckenberg –
90 min – Vom Untergang der Titanic, in der Nacht vom
14. auf den 15. April 1912, gibt es keine Filmaufnahmen
oder Fotos. Dennoch bedarf es keiner großen
Phantasie, um sich ein Bild des Geschehens zu machen:
Das Kino und auch das Fernsehen haben in
immer neuen Inszenierungen der Katastrophe dafür gesorgt,
dass der Untergang der Titanic im kollektiven Gedächtnis
bis heute präsent ist. Ernst Schreckenberg
wird in seinem Vortrag auf die wichtigsten Titanic-Filme
eingehen. Natürlich dürfen auch nicht die vielen kleinen
Spuren fehlen, die die Titanic in der Filmgeschichte hinterlassen
hat, wie etwa in den TIME BANDITS der
Monty Pythons Terry Gilliam und Michael Palin. – TIME
TUNNEL: RENDEZVOUS WITH YESTERDAY (WIEDER-
SEHEN MIT DER VERGANGENHEIT) – USA 1966 – R:
Irwin Allen – B: Harold Jack Bloom, Shimon Wincelberg
– K: Winton Hoch – M: John Williams – D: James Darren,
Robert Colbert, Michael Rennie, Susan Hampshire,
Gary Merrill, Lee Meriwether – 47 min, OF – Erste
Folge einer Science-Fiction-Fernsehserie: Im Auftrag
der Regierung arbeitet ein Team von Wissenschaftlern
an einem geheimen Projekt, mit dem man Zeitreisen
unternehmen kann. Als die Finanzierung des Projekts
vor der endgültigen Fertigstellung eingestellt werden
soll, betritt Dr. Newman als freiwilliges Versuchskaninchen
den Zeittunnel und findet sich ausgerechnet auf
der Titanic wieder.
▶ Donnerstag, 12. April 2012, 19.00 Uhr
ATLANTIS – Dänemark 1913 – R: August Blom – B:
Axel Garde, Karl-Ludwig Schröder, nach dem Roman
von Gerhart Hauptmann – K: Johan Ankerstjerne – D:
Olaf Fönss, Ida Orloff, Ebba Thomsen, Carl Lauritzen,
Frederik Jacobsen, Charles Unthan, Michael Curtiz –
121 min, viragiert, OmeU – Einer der ersten abendfüllenden
Spielfilme der Filmgeschichte basiert auf einem
Roman von Gerhart Hauptmann, der kurz vor der Titanic-Katastrophe
erschienen war und in dem ebenfalls
ein großer Ozeanliner im Atlantik versinkt. Erzählt wird
die Geschichte eines Chirurgen, der seine Frau verlässt,
um zusammen mit einer erotischen Tänzerin nach Amerika
auszuwandern. Die vom Danske Filminstitut restaurierte
Fassung des Films weist auch ein alternatives
Ende auf, das extra für den russischen Markt gedreht
wurde.
▶ Freitag, 13. April 2012, 18.30 Uhr (Am Flügel und an
der Violine: Günter A. Buchwald)
TITANIC – IN NACHT UND EIS – Deutschland 1912 –
R+B: Mime Misu – B: Jitsuzo Ikeda – K: Willy Hameister,
Emil Schünemann, Viktor Zimmermann – D: Mime
Misu, Otto Rippert, Ernst Rückert, Waldemar Hecker –
35 min – Keine zwei Wochen nach dem Untergang der
Titanic verkündete die deutsche Continental-Filmgesellschaft
ein »Seedrama« an, das »umfassend die ganze
Der Untergang der Titanic
47

Der Untergang der Titanic
48
Katastrophe, einschl. des Zusammenstoßes mit dem
Eisberge und schwer dramatischer Szenen an Bord«
darstelle. Gefilmt wurde schließlich im Mai 1912 in
Hamburg und Cuxhaven »mit einem wirklichen Schiff
und der gütigen Mitwirkung des ganz wirklichen Meeres«,
während der Untergang auf dem Grüpelsee bei
Berlin mit einem acht Meter langen Schiffsmodell nachgestellt
wurde. – THE SINKING OF THE LUSITANIA
(DER UNTERGANG DER LUSITANIA) – USA 1918 –
R+B: Winsor McCay – 12 min, OF – Die Versenkung
des Passagierschiffs Lusitania am 7. Mai 1915 durch
ein deutsches U-Boot spielte bei der Entscheidung der
Amerikaner, in den Ersten Weltkrieg einzutreten, eine
wichtige Rolle. Da es von dem Ereignis keine Bilder
gab, stellte Winsor McCay einen Zeichentrickfilm her,
der zu Propagandazwecken eingesetzt werden sollte,
aber wegen seiner langwierigen Herstellung erst gegen
Ende des Krieges fertiggestellt war. – DER UNTER-
GANG DER TITANIC – Deutschland 2003 – R+B: Alexander
Kluge, unter Verwendung von Texten von Hans
Magnus Enzensberger – 15 min – Nachträglich erscheint
der Untergang der Titanic »wie eine Chiffre, die
auf die späteren Katastrophen des 20. Jahrhunderts
hinweist. In einem Epos in 33 Gesängen hat Hans Magnus
Enzensberger dazu unvergessliche Metaphern entwickelt.«
(Alexander Kluge) – DAMPFER KAPUTT! –
Deutschland 2012 – R+B: Alexander Kluge – D: Helge
Schneider – 24 min – Premiere eines neuen Films von
Alexander Kluge, inspiriert vom Untergang der Costa
Concordia. Helge Schneider in vier Rollen als Schiffs -
kapitän, Marineschriftsteller, Marinerichter und Höhlentaucher.
▶ Samstag, 14. April 2012, 18.30 Uhr (Am Flügel und an
der Violine: Günter A. Buchwald)
A NIGHT TO REMEMBER (DIE LETZTE NACHT DER
TITANIC) – GB 1958 – R: Roy Ward Baker – B: Eric
Ambler, nach dem Buch von Walter Lord – K: Geoffrey
Unsworth – D: Kenneth More, Ronald Allen, Robert
Ayres, Honor Blackman, Anthony Bushell, John Cairney,
Jill Dixon, James Dyrenforth – 123 min, OF – »Vielen
gilt diese 1958 in den Pinewood Studios gedrehte britische
Version des Titanic-Desasters als die definitive
Ver filmung des Stoffes. Sie basiert auf der bis heute unübertroffenen
dokumentarischen Darstellung von Walter
Lord und ist programmatisch um Authentizität
bemüht. Fast könnte man von ei nem Doku-Drama sprechen,
mit einprägsamen Charakterisierungen vieler
Figuren durch den Drehbuchautor Eric Ambler. Einiges
davon kommt einem bekannt vor, wenn man zuerst den
Film von James Cameron gesehen hat, der viele kleine
Situationen in seinen Film übernommen hat. Dennoch
könnten die Filme verschiedener
nicht sein: Wo Cameron das
große Melodram inszeniert,
zeigt Roy Ward Baker, wie es gewesen
sein könnte. Bewusst in
schwarz-weiß gedreht, um historisches
Filmmaterial integrieren
zu können, unterläuft er jede mythologische
Symbolik des Schiffes
zugunsten eines dramaturgisch
verdichteten Ablaufs einer
Schiffskatastrophe, die die Welt
erschütterte. Die unprätentiöse
Machart, die so manchen emotionalen
Schwulst der anderen
Verfilmungen vermeidet, ist allerdings
in ein Loblied britischer
Tugend und Tapferkeit eingebunden,
wie sie der heimliche Held
von A NIGHT TO REMEMBER verkörpert,
der von Kenneth More
gespielte Zweite Offizier Lightoller.«
(Ernst Schreckenberg)
▶ Sonntag, 15. April 2012, 18.30
Uhr

Architektur | Reflexion | Transparenz
cHlOe
Toronto ist eine Hure, sagt der Filmemacher Atom
Egoyan von seiner Heimatstadt. Sie travestiert sich, gibt
sich hin für Geld. Gibt vor, New York zu sein oder Chicago
oder San Francisco, für amerikanische Produktionen,
die in Toronto eine Menge Produktionskosten sparen
können. In Egoyans Film CHLOE ist die Stadt Toronto
eine Mitspielerin geworden, sie darf zeigen, wie
sie ist, und manchmal ist es, als würden ihre Straßen
und Cafés, ihre Hotels und Treibhäuser, nicht die Menschen,
das Geschehen bestimmen. Im Zentrum der Geschichte
– die von einer Midlife-Crisis handelt, einer
Frau und ihren Abnutzungsängsten – steht ein Haus
aus Glas, an einem baumbestückten Hang, erbaut vom
Architekten Drew Mandel.
Auf den Leib gebaut
Architektur und Prostitution, Architektur und Verführung,
Architektur und Obsession. Das Programm der
12. Architekturfilmtage zeigt, stärker noch als in den vorigen
Jahren, die andere Seite der Architektur, jenseits
von Konzeption und Konstruktion, das Leben, das einzieht
in die Gebäude. Living [In] Houses. Wie Leben eingebaut
ist in den Häusern, wie das Leben der Bauten
ist. Wie im Alltag sich die neuen Perspektiven verifizieren,
ein anderes Sehen erprobt wird. Das Haus Tugendhat
in Brno von Mies van der Rohe und sein Farnsworth
House in Plano, Illinois und das Haus, das Philip Johnson
sich schuf in New Canaan, New York – sie sind den
Menschen auf den Leib gebaut, die darin wohnen, sie
sollen das Leben prägen, das dort geführt wird, aber
sie werden auch ein Abdruck sein davon.
Gebaute Anthropologie – das hat angefangen zu Beginn
des 20. Jahrhunderts, als die Psychoanalyse dreigeschossig
ihre Hierarchie von Es und Ich und Über-Ich
entwarf. In dem Fortschritt und Zivilisation und Rationalität
fusionierten und die Strukturen eines Herrschaftssystems
ergaben. Das Neue baut auf dem Alten auf
und versucht es zu dominieren – dass dies nicht unabwendbar
war, wollte Norman Foster demonstrieren, als
er auf das alte Fundament des Hearst Tower in New
York sein neues Konstrukt aus Glas und Stahl setzte.
Der Film von Sabine Pollmeier und Joachim Haupt über
den Tower ist am lebendigsten, wenn er sich in der
Übergangszone tummelt, wo das Alte hinüberwechselt
in das Neue.
Wie die Natur menschlichem Bauen zusetzt, darum
geht es in dem spanischen Film AITA, Verwitterung, Vernachlässigung
und Zerfall; und was, schlimmer noch,
die Geschichte den Bauten antut – Krieg, Okkupation,
Enteignung, Unrecht – erfährt man, wenn Dieter Reifarth
Auszüge aus seinem Film (der noch in Arbeit ist)
zum Haus Tugendhat vorstellt. Er erzählt vom wechselvollen
Schicksal des Hauses in Brno, von stählernen
Korsetts, Glas, Ohnmacht und Zeit. Work in progress,
Architektur als Progress.
Interaktion von Bau und Bewohnern erlebt man in dem
Film von Pierre Maillard über den Bau des Rolex Center,
der neuen Bibliothek der École Polytechnique Fédérale
Architekturfilmtage
49

Architekturfilmtage
pOinTS On A line © Sarah morris
50
de Lausanne, entworfen von Kazuyo Sejima und Ryue
Nishizawa vom japanischen Architekturbüro SANAA.
Am Ende wird, nach der Einweihung des Baus, von den
ersten Tagen der Nutzung erzählt, die verantwortliche
Projektleiterin nimmt Stichproben des Materials, und
neben der Bau- wird auch die Substanz des Lebens
und Arbeitens in der Bibliothek getestet. Wie der
Mensch sich nun hier zurechtfindet, wo er aneckt und
sich verweigert, und ob der Bau seinen Bedürfnissen
konform ist. Aber auch: wie weit das nicht auch umgekehrt
sein kann, wie Bedürfnisse entstehen und sich
verändern können und ob nicht auch eine Differenz
bleiben darf zwischen Bau und Wirklichkeit. Eine Differenz,
die gesellschaftliche Progression ergibt, das utopische
Element der Architektur.
Ein Paffillon
Über einen beispielhaften Bau-Utopisten handelt Michael
Blackwoods Film über Mies van der Rohe. Er
lässt Mies selbst erzählen, von Momenten des Aufbruchs
und den Prinzipien, die darin getestet wurden,
in seinem eigenen erratischen Stil. Wie die Regierung
an ihn herantrat für den deutschen Pavillon auf der
Weltausstellung in Barcelona 1929: »We need a paffillon
… What do you mean by a paffillon? … I dont
know, we have so much money for it, build it. But
please not too much glass!« »No bearing walls. A new
space idea, the floating space.« Kein Glas, sondern
eine neue gebaute Transparenz. Das Wort »paffillon«
schnalzt Mies so knallhart hervor, dass man gleich eine
Vorstellung kriegt von dem irrealen, unbeschreiblichen,
mythischen Ort, den er kreieren wird. Leben im floating
space. Revolution der Architektur. Das neue Bauen ist
fluid, und es zieht sich auf einem Level hin, keine Geschosse,
keine geschlossenen Räume, keine fixierten
Orte, kein Oben und Unten. Statt dessen Übergänge
und Passagen, Durchlässigkeit und Transparenz. Migrantes
Hausen. Innere Landschaften.
Durchgängig offen
Elegant und beschwingt ist das Rolex Center von Sejima
& Nishizawa geworden. Ihr Entwurf, erklärt David
Aymonin, der Direktor, habe am besten realisiert,
worum es hier ging, die Idee von Hybridität und Zirkulation,
einer Fruchtbarkeit zwischen den verschiedenen
Räumen, Bibliothek, Leseabteilung, Kantine … Alles in
einem, nicht durch Wände, nur durch die Distanzen und
die Differenzen im Niveau, durch das Licht und die
Landschaften unterschieden. In einem Raum voller Widersprüche,
der wie eine Welle konzipiert ist, nicht vertikal,
sondern in den Raum hinein, weshalb Wim Wenders,
als er einen Film über das Center machte, IF BUIL-
DINGS COULD TALK, ihn in 3D filmen musste. Mit seiner
Offenheit soll der Bau den Studenten helfen, die
dort arbeiten, sagt David Aymonin, therapeutisch, bei
ihren Problemen, geschiedene Eltern, Schwierigkeiten
bei der Finanzierung des Studiums, Zukunftsängsten.
Orte im Nirgendwo
Wie utopisch Bauen sein kann, wird hier durchgespielt,
wie die Produktionsverhältnisse sind, die diese Bauten
hervorbringen, und welche Produktivkräfte sich darin

entwickeln. Die Dialektik von Aufbau und Niedergang.
Mies’ Bauten in Barcelona und Brno, der Pavillon und
das Haus Tugendhat zeigen den Wandel der Utopien,
sie sind eher in der Zeit zu lokalisieren als im Raum. In
den Spuren ihrer Zerstörung wird die Horizontale der
Geschichte aufgelöst, werden palimpsesthaft Epochen
aufeinander geblendet. »Fascination of Decay« heißt
eins der Bücher in der Bibliothek des Glass House von
Philip Johnson, die Sarah Morris in ihrem Film POINTS
ON A LINE zeigt, der das Johnson-Haus mit Mies’
Farnsworth House konfrontiert. Der Pavillon in Barcelona
wurde nach Ende der Ausstellung abgebaut, verpackt
und nach Deutschland verschickt, aber er kam
dort nie an.
Das Haus als Familiengrab
Es gibt keinen festen Blickpunkt in der Architektur,
immer schon steckt ein Element der Zersetzung darin.
»In der baskischen Mythologie«, sagt der Regisseur
José María de Orbe zu AITA, »ist das Haus ein geheiligtes
Areal, wo die Lebenden und die Toten sich treffen,
zu gleichen Bedingungen. Vor dem Eintreffen des Christentums
wurde das baskische Haus als Familiengrab
benutzt. Die Figuren, die häusliche Verehrung genießen,
sind die Seelen ihrer Vorfahren, erfahren als Lichtblitze,
Windböen oder Schatten.«
AITA zeigt die Geburt der Architektur aus dem Geiste
des Totenkults, und plötzlich wirkt die Architektur dem
Kino ganz eng verwandt und seinem Kult der Schatten
und Phantome. AITA zeigt die Produktivkräfte des Verfalls,
in dem alten Haus auf dem Lande beleben sich
spukhaft die Wände mit alten Bildern, man denkt an
Dreyers VAMPYR und frühe Stummfilme aus der Vergangenheit,
die sich bereits zersetzen, aber diese Zersetzung
generiert schon wieder neue phantastische
Formen.
Im Haus Tugendhat hat es wirklich Kino gegeben, aktives
Kino, Mitspielkino, jeder war involviert, nolens volens,
wie die Tochter Daniela erzählt. Family plots:
»Mein Vater war Amateurfilmer. Im Keller war eine Dunkelkammer,
in der er seine Fotos und Filme entwickelte.
In einem kleinen Raum neben dem Wohnraum stand
die ›Lokomotive‹, der 16mm-Filmprojektor. Eine riesige
Leinwand wurde vor die Glasfront gehängt, und der
Kinosaal war perfekt. Einmal fanden die Gäste den Zugang
zum Wohnraum durch ein Seil versperrt. Mit versteckter
Kamera filmte mein Vater die perplexen Reaktionen
der Besucher, entwickelte im Laufe des Abends
den Film, um ihn den erstaunten Gästen am Ende des
Abends vorzuspielen.«
Als Mies und seine Partnerin Lilly Reich das Haus Tugendhat
ausstatteten, haben sie an L’INHUMAINE von
Marcel L’Herbier mit den Dekors von Fernand Léger
und Robert Mallet-Stevens gedacht und an Man Rays
LES MYSTÈRES DU CHATEAU DU DÉ – in den Zwanzigern
hat das Kino vorgemacht, wie man feste Räume in
Bewegung versetzt und die Oberflächen zum Schwingen
bringt. »Die Flächen des Hauses Tugendhat«,
schreibt Irene Nierhaus, »werden so nicht nur als definierte,
sondern als potenzielle Bildflächen entwickelt …
Die Potenzialität des Erscheinens und Schwindens von
Figuren ist mit dem Lichtbild in Fotografie und Film ein
Architekturfilmtage
51
AiTA

Architekturfilmtage
52
Thema geworden.« Mies und Reich haben jede Wand
in ihrer Materialität exakt gestaltet, jeden Abstand, jede
Oberfläche, all die Lichtreflexe, »um die Raumgeometrie
mit einem Unschärfeeffekt zu überlagern«.
Funktion und Flexibilität
Mies wirkt im Interview ein wenig so wie Hitchcock
oder Fritz Lang, er ballt eine Faust, in der anderen Hand
hält er die lange Zigarre. Es stolpert beim Sprechen,
egal ob amerikanisch oder deutsch, und wie die beiden
Filmemacher markiert er seine Argumentationspunkte,
damit man dann umso heftiger überwältigt ist von der
Kraft des Untergründigen, das zwischen ihnen pulsiert.
Einer der berühmtesten Sätze der Architekturgeschich -
te, von Louis Sullivan, war: »Form follows function«.
Aber heute, sagt Mies, wechseln die Funktionen so
schnell, dass man mit ihnen nicht mehr operieren kann,
man braucht statt dessen eine neue Flexibilität. »Die
Flexibilität ist eigentlich das Wichtige und Charaktervolle
an unseren Bauten, nicht mehr der Ausdruck der
Funktion.«
Als Jean Cocteau in der Sommerzeit regelmäßig in der
Villa seiner Freundin Francine Weisweiller lebte, machten
die weißen Wände, im Licht der Côte d’Azur, ihn verrückt,
also bemalte er sie schließlich in starken bunten
Farben und drehte einen Film darüber, LA VILLA SANTO
SOSPIR, der eine nicht endenwollende Be wegung, eine
einzige Überblendung scheint. »Nicht das Malerische
war es, was mich interessierte«, notierte er in seinem
Tagebuch, »sondern die Proportionen«. »Proportions
was the only thing he ever worried about«, sagt Philip
Johnson listig über Mies.
Wie in der Villa Santo Sospir sind im Haus Tugendhat
die Wände in Bewegung gebracht. Es ist ein Familienhaus,
aber eins, das die Basis der Familie angreift und
die Hierarchie der Gesellschaft, ihre Rituale und Arbeiten,
Sehnsüchte und Pflichten in ein Spiel der Reflexe
überführt – der Glamour einer heiteren, unentfremdeten
Existenz, den die Gesellschaft für verrückt erklären
muss. Ja, gesteht Atom Egoyan, auch sein Film CHLOE
folge irgendwie der Hollywood-Prämisse, dass in den
modernen und postmodernen Häusern psychisch Gestörte
leben.
In einem Glashaus leben, davon kann man sich immer
noch keine wirkliche Vorstellung machen, dabei könnte
es das Natürlichste von der Welt sein. Glashäuser sind
eine amerikanische Erfindung, man kriegt sie nicht zusammen
mit der europäischen Geschichte, all den
Jahrzehnten von Absonderung, Einschließung, Festhalten
an der Identität. Im alten Haus in AITA wird Kindern
ein Fenster gezeigt, das ist ganz schmal und scheint
sich eher abzuschließen als zu öffnen, es ist nicht zum
Schauen gedacht, sondern eine Schießscharte, um
sich zu verteidigen. Befestigtes Haus!
Power Stations
Amerika hat eine Tradition des Angeschautseins, die es
in Europa nie geben wird. Europäisches Leben ist Tableau,
amerikanisches ist Performance. Der Unterschied
von Bühne und Atelier, von Theater und Kino.
Den europäischen Architekten in den Zwanzigern und
Dreißigern war das ziemlich klar, sie waren in ihrem
Bauen immer schon im amerikanischen Exil.
Vielleicht muss man Architekturfilme als Märchenfilme
sehen, sie haben ihr eigenes »Es war einmal …« »Verstehen
Sie mich nicht falsch«, schreibt Wenders zu seinem
Rolex-Center-Film: »Dies ist keine Metapher. Gebäude
sprechen in der Tat zu uns! Sie tragen Botschaften.
Einige streben einen fortwährenden Dialog mit uns
an. Andere hören erst einmal aufmerksam zu. Und Sie
haben vermutlich schon bemerkt: Einige mögen uns
sehr, andere weniger, wieder andere gar nicht.«
Die Glashäuser, die Sarah Morris filmt in POINTS ON A
LINE, haben ihre eigene Energie, sie strahlen aus sich
selbst. Power Stations, wie die gefährlichen glühenden
Urankästen in den Thrillern der Fünfziger.
Wenn man Philip Johnson sieht, in Momenten seiner
selbstgefälligen, selbstinszenierten Versonnenheit,
dann hat er etwas von einem Rumpelstilzchen, aber
auch von einem Schneewittchen, einem subversiven.
Und sein Haus wäre wie ein gläserner Sarg, in den er
sich zur Erlösung von der Gesellschaft zurückzieht.
CHLOE ist ein vertrackter moderner Schneewittchenfilm,
mit Julianne Moore als böser Schwiegermutter,
die sich in das Schneewittchen Amanda Seyfried verguckt.
Zur einen Frau gehören die Fenster und das
Glas, zur anderen die Spiegel, und das dritte Glass
House, von Drew Mandel, macht die Verunsicherung
vollkommen, was nun durchsichtiger ist, die Gläser
oder die Spiegel. CHLOE ist ein Film über eine Frau, die
Angst hat, frigide geworden zu sein, ihren Mann zu verlieren
und ihren Sohn, unattraktiv zu sein, keinen Kontakt
mehr aufrechterhalten zu können, allein bleiben zu
müssen, keine Liebe mehr zu kriegen, keinen Sex.
Glassarg, Glashaus, Horrorhaus. Häuser, die sich emanzipieren,
zum Gegenspieler werden, das ist ein kleines
Subgenre in Hollywood. Das Haus, in dem Julianne
Moore wohnt und das für schönste Offenheit gebaut
scheint, beginnt sich plötzlich zu verschließen. Man ist
nicht mehr bei sich. Fremde tauchen in den Gängen
auf, wie in AITA.
Aus den antiken Mythen sind die Figuren, wie oft bei

Cocteau, in der Villa Santo Sospir geholt. »Picasso hat
die Türen in der Villa auf- und zugemacht, ich musste
sie nur noch bemalen«, heißt es im Kommentar. Schon
sieht man die Türen in Bewegung, auf und zu, Figuren
und Gesichter, die geheimnisvoll sich zu- und wieder
wegwenden. Es ist einer der Momente, wo Gebautes
und Projiziertes, Materielles und Imaginäres, Architektur
und Kino sich aufs Phantastischste verbunden
haben.
Am Ende von POINTS ON A LINE gibt es eine lichte
Küche, in Ocker und Weiß, und dann geht die Kamera
in ein paar Einstellungen allmählich nach draußen, und
da ist das Ocker/Weiß gleich wieder, ein Schmetterling
am Fenster, vor einem weißen Vorhang. Danach sieht
man eine ganze Menge Schmetterlinge flattern vor grünen
Bäumen, es sieht aus wie eine Animationssequenz,
und der Film ist aus.
Fritz Göttler
Ein Programm der Bayerischen Architektenkammer in Zusammenarbeit
mit dem Filmmuseum München.
MIES – USA 1985 – R+B: Michael Blackwood – K:
Mead Hunt – 58 min, OF – Eine kurze Geschichte des
Schaffens von Mies van der Rohe: Interviews mit Mies,
Kommentare von Kollegen (Peter Eisenman, Robert
Venturi, Philip Johnson, John Hejduk u. a.), ehemaligen
Studenten und Architekturhistorikern. – HEARST
TOWER, NEW YORK / TORRE AGBAR, BARCELONA –
Deutschland 2008 – R+B: Sabine Pollmeier, Joachim
Haupt – K: Björn Kurt, Sorin Dragoi, Jean-Marc Selva –
52 min – In New York: das Medienzentrum des Zeitungsmagnaten
William Randolph Hearst. Von den zu
fiebrigen Zeiten phantasierten Tagträumen ist als Andenken
die Sandsteinfassade zurückgeblieben, aus der
heraus Sir Norman Foster 46 Stockwerke aus Glas und
Stahl aufsteigen lässt – ein Prototyp für den »ökologischen«
Hochhausbau der Zukunft. In Barcelona: der
erste Wolkenkratzer von Jean Nouvel. Ein erstaunlicher,
phallischer Geysir, ein Traum aus Glas, Beton und Stahl,
in Rot und Blau – kinematographisch konzipiert.
▶ Freitag, 20. April 2012, 18.30 Uhr
LES MYSTERES DU CHATEAU DU DE (DIE GEHEIM-
NISSE DES WÜRFELSCHLOSSES) – Frankreich 1928
– R+B: Man Ray – K: Jacques-André Boiffard, Man Ray
– 20 min, OmU – Spielerisch-surrealistisches Portrait
der Villa Noailles in Hyères (erbaut 1923/32 von Robert
Mallet-Stevens) und ihrer Bewohner. – HAUS TUGEND-
HAT – Deutschland 2012 – R+B: Dieter Reifarth – K:
Rainer Komers u.a. – 60 min (Auszug) – Das Haus Tugendhat
(1928/30) von Mies van der Rohe gehört zu
den wichtigsten Bauten der europäischen Moderne.
»Der Film erzählt die facettenreiche Geschichte des
Hauses als Architektur-, Sozial- und Familienchronik,
erinnert an zahlreiche Kontroversen und Verwerfungen,
von der Frage ›Kann man im Haus Tugendhat wohnen?‹
bis zum Abschluss der Restaurierung 2012. Die Kamera
visualisiert das Prinzip der ›fließenden Räume‹,
das Zusammenspiel zwischen Innen und Außen, von
Musikalität und Rhythmus der Architektur in ihrem ästhetischen
und sozialen Anspruch.« (Dieter Reifarth)
▶ Freitag, 20. April 2012, 21.00 Uhr (Zu Gast: Dieter Reifarth.
Einführung: Jörg Dünne)
CHLOE – USA 2009 – R: Atom Egoyan – B: Erin Cressida
Wilson – K: Paul Sarossy – M: Mychael Danna – D:
Julianne Moore, Liam Neeson, Amanda Seyfried, Max
Thieriot – 96 min, OmU – Eine eifersüchtige Ehefrau
engagiert ein Callgirl, um die Treue ihres Ehemanns zu
testen, verfällt dann aber selbst den Reizen der Kindfrau.
Atom Egoyan spielt mit seinen Lieblingsthemen:
Identitätsbildung, mediale Vexierspiele, die Wahrheit
von Erzählungen. »Wir waren besessen von der Idee
von Glas, Spiegeln und Reflexionen. Wir wollten Filter
und Barrieren, Fenster und Spiegel haben. Die Menschen
schauen hindurch, heraus oder herein: das beschützt
und distanziert sie gleichermaßen, und diese
Empfindung der schützenden Distanz ist erotisch aufgeladen.«
(Atom Egoyan)
▶ Samstag, 21. April 2012, 18.30 Uhr
POINTS ON A LINE – USA 2010 – R+B: Sarah Morris –
K: David Daniel, Lukasz Pruchnik – M: Liam Gillick –
36 min – Portraits der zwei ikonischen Glashäuser der
Architekturgeschichte – das Glass House (1947/49)
von Philip Johnson und das Farnsworth House
(1945/51) von Mies van der Rohe. Beide waren das Ergebnis
geteilter Ideen und kollektiver Leidenschaft. Sie
verkomplizieren die Begriffe von Kopie und Original und
von den Chronologien der Moderne. Durch die Doku-
Haus Tugendhat (1931) © Rudolf de Sandalo
Architekturfilmtage
53

Architekturfilmtage
54
mentation der täglichen Instandhaltung,
durch Verweilen
an den Strukturen im
Raum sehen wir Orte, die
über ihre ursprüngliche Nutzung
hinausgewachsen und
zu Schnittstellen eines Dialogs
geworden sind, der gleichermaßen
persönlich und
professionell war. Morris hat
noch andere Gebäude von
Mies gefilmt: das Seagram
Building in New York mit dem
Restaurant The Four Seasons
und den Lake Shore Drive in
Chicago. The Four Seasons,
das Johnson als persönliches
Büro nutzte, ist der Schnittpunkt
für beide Architekten. –
PHILIP JOHNSON – DIARY OF AN ECCENTRIC AR-
CHITECT – USA 1996 – R+B: Barbara Wolf – K: Gordy
Waterman – M: Hayes Greenfield – 54 min, OF – Philip
Johnson führt uns über sein Anwesen in New Canaan –
ein Spielplatz, ein Labor der experimentellen Architektur.
Lauter Follies hat er hier gebaut – das Glass House
ist am berühmtesten, aber die anderen Bauten sind
nicht weniger erstaunlich, extrem und schön.
▶ Samstag, 21. April 2012, 21.00 Uhr
LA VILLA SANTO SOSPIR – Frankreich 1952 – R+B:
Jean Cocteau – K: W. Iwanow – M: Johann Sebastian
Bach, Antonio Vivaldi – 33 min, OmeU – »Das Schweigen
der Wände der Villa war furchtbar und sie schrien
gar ihr Schweigen aus vollem Halse heraus. Ich begann,
mit Kohle auf den weißen Flächen zu zeichnen.
Es ging nicht darum, die Wände zu verkleiden, ich
musste auf ihrer Haut zeichnen, deshalb behandelte
ich die Fresken linear mit den wenigen Farben, die Tätowierungen
hervorheben. Santo Sospir ist eine tätowierte
Villa.« (Jean Cocteau). – AITA (VATER) – Spanien
2010 – R+B: José María de Orbe – K: Jimmy Gimferrer
– D: Luis Pescador, Mikel Goenaga – 85 min,
OmeU – Ein Film zwischen Dokument und Fiktion: Ein
altes, leeres Haus im Baskenland. Der Hausmeister.
Der Priester des Ortes. Räume, Klänge, Lichter und
Schatten. Die Zeit vergeht, und die Erinnerungen werden
auf den Wänden und in den verstecktesten Ecken
sichtbar. Eine gleichermaßen intime wie kollektive Geschichte
enthüllt sich. Das Kino tritt als ein zusätzliches
Phantom in die Fiktion des Films ein.
▶ Sonntag, 22. April 2012, 18.30 Uhr
IF BUILDINGS COULD TALK – Deutschland 2010 –
R+B: Wim Wenders – K: Jörg Widmer – Stereographie:
Alain Derobe – M: Thom Hanreich – 12 min, OF, 3D –
»Ein Film über dieses phantastische Haus schien mir
unmöglich ohne die Konzentration auf die Dimension
des Raumes. Wenn irgendein Gebäude den Raum erkundet,
dann ist es das Rolex Center. Und so musste
ich es in 3D filmen. Wir bewegen uns durch das Gebäude,
auf und ab, drunter und drüber. Als ich den Film
in 2D schnitt, merkte ich, dass da wirklich etwas Essentielles
fehlte. In 2D ist es schwierig, den Raum zu füh -
len und zu begreifen, dass das Haus Wellen, Hügel und
Abhänge hat.« (Wim Wenders) – LE PAYSAGE INTE-
RIEUR (DIE INNERE LANDSCHAFT) – Schweiz 2010 –
R+B: Pierre Maillard – K: Philippe Cordey, Séverine
Barde – M: Michel Wintsch – 80 min, OmU – Der Film
folgt Schritt für Schritt dem Abenteuer des Baues des
Rolex Centers, der »futuristischen Bibliothek« in Lausanne.
Das Gebäude in Form einer gigantischen Welle
entsprang den Visionen der Architekten Sejima & Nishizawa.
Für die komplexe Realisierung waren dann zahlreiche
Architekten, Ingenieure und Bauarbeiter gefordert
– nicht zu vergessen die Professoren, Forscher,
Bibliothekare und Studenten: alle diejenigen, die zunächst
Mühe hatten sich vorzustellen, in einem offenen
Raum, einer »inneren Landschaft« zu arbeiten. Ein »demokratischer«
Architekturfilm – alle ha ben ihren Platz
in der Langzeitbeobachtung. Und auch in 2D findet der
Film phantastische Bilder und macht den Raum fühlbar.
▶ Sonntag, 22. April 2012, 21.00 Uhr
Foto: Skizze von Wim Wenders zu iF bUilDingS cOUlD TAlK

Rückblickend auf den Neorealismus
Durch Retrospektiven wie diese kommt noch ein zweites,
neues Element von Schönheit in die Filme hinein,
da durch den Rückblick auf sie jene große Dimension
der Zeit fühlbar wird, in der das Leben sich realisiert.
Bis auf den heutigen Tag werden wir – zuletzt in Aki
Kaurismäkis LE HAVRE, einem Film, der eng mit MIRA-
COLO A MILANO (1951) verwandt ist – der italienischen
Schule gewahr, und beim Wiedersehen von
ROMA, CITTA APERTA (1945) fielen mir Dinge auf, die
in engem Kontakt zu den Filmen von Straub/Huillet stehen.
Auch bei Jürgen Böttcher machen wir die bereichernde
Erfahrung, wie eine hinter der Aktualität liegende
Zeitentiefe beständig mit leiser Geisterstimme in
seine Filme hineinspricht.
Sie sind geprägt von dem tiefen Eindruck, den Filme
Viscontis, De Sicas auf ihn in frühen Jahren gemacht
haben, vom Zauber und der Wahrhaftigkeit des Alltags
und der kleinen Leute im Neorealismus. De Sicas
LADRI DI BICICLETTE (1948), ein Film, in dem die Zeit
ruhig dahinfließt, die leeren Augenblicke bei Antonioni:
diese Bereitschaft, den Zufälligkeiten des Lebens sich
zu öffnen, anstatt sie durch die Dichte eines Sinnzusammenhangs
auszutreiben, macht auch die Tiefe
eines Films wie Böttchers JAHRGANG 45 (1966) aus.
Das ist der Impuls, aus dem sich der Begriff des modernen
Films eigentlich gebildet hat.
Für André Bazin ist es das Verdienst der italienischen
Schule, noch einmal daran erinnert zu haben, dass es
keinen Realismus in der Kunst geben kann, der nicht
zuallererst und zutiefst ästhetisch ist. Richtet man einmal
die Aufmerksamkeit statt auf die Gegenstände dieser
Filme auf die Art und Weise, wie die äußere Welt
wiedergegeben wird, so sublimiert sich sogleich ihr
stoffliches Moment in etwas rein Malerisches, Augenblickliches,
wobei das Bild der Welt sich subjektiviert.
*
In die Ränder einer sonnig sich erstreckenden städtischen
Straße schneiden die Schatten der Häuserwände.
Nachts sind die Straßen in ein feines, gleich -
mäßiges Grau getaucht, in dem Lichter vereinzelt
schwimmen. Ein alter Mann, Umberto D., geht unentschlossen
mit seinem kleinen Hund an einem sonnigen
Nachmittag durch den Blätterschatten einer belebten
vorstädtischen Promenade. Er steht vor einer schweren
55
lADRi Di bicicleTTe
Italienischer Neorealismus

Italienischer Neorealismus
56
Entscheidung, es geht für ihn um Tod oder Leben. Hinter
der Tiefe eines Zimmers, in dem eine Szene spielt,
steht noch weitere Tiefe des Raums: ein Flur, an dessen
hinterstem Ende ein Mann aus einem anderen Zimmer
kommt.
Damals hatten der Schwarzweißfilm, die Tiefenschärfe
ihre Vollkommenheit erreicht. Bei den Außenaufnahmen
spürt man, wie das Sonnenlicht die Luft bald mild
und milchig erfüllt oder, dann und wann durchbrechend,
durch eine Straße strömt, deren Gebäude hart,
konturiert dastehen. Ein Geöffnetsein allen Umkreises
ist in der gewaltigen Stille dieser Aufnahmen, sie bilden
einen offenen Raum der Erwartung. Die Vorstadtlandschaften,
Flüsse mit Eisenbahnbrücken, die Straßenbahnendstation
hauchen jene Art von Romantik, die gerade
von den Gegenden, in denen die Störung der
Natur am sichtbarsten ist, ausgeht.
Eine zarte Empfindlichkeit für das Leiden von Mensch
und Tier macht sich geltend. Darstellung dieses Leidens,
aber auch des moralischen Widerstands dagegen.
Seine eigene schlimme Lage scheint Umberto D.
weniger zu beängstigen als die Frage, was aus seinem
Hündchen wird, wenn er nicht mehr für es da ist. Wenn
er sich überwindet und die Hand zum Betteln ausstreckt,
ist sein Gesicht klagend, aber nicht fordernd,
seine Augen sind nach der höheren Hilfe gewandt. Gerade
deshalb steckt ein Passant seinen Geldschein,
den er zu geben bereit war, wieder in die eigene Tasche.
Wie in einem Punkt ist der Streit zwischen
Schmerz und Widerstand in der Gestalt dieses störrischen,
aufbegehrenden Greises vereinigt.
*
1948 konstatierte André Bazin, ein Chronist der ersten
Stunde des Neorealismus, dass es falsch sei anzunehmen,
diese Bewegung wäre einem Bienenschwarm
gleich aus den verfaulten Kadavern des Faschismus
und des Krieges spontan aufgestiegen. Er wies dann
auf die Vorläufer hin, die schon unter Mussolini das
Feld vorbereiteten. Zu ihnen gehörte Alessandro Blasetti.
Wir haben das Glück, dass Gunter Groll dessen
QUATTRO PASSI FRA LE NUVOLE (1942) besprochen
hat, in der SZ, und dass die Besprechung nachgedruckt
wurde in seinem Sammelband »Magie des Films«,
1953. Sehr schön leitet Groll aus diesem Film heraus
den Weg der italienischen Filmkunst hin zu einem poetischen
Realismus ab.
Das Drehbuch stammte von Cesare Zavattini, der zu
einer zentralen Figur des Neorealismus werden sollte
und vor allem mit De Sica eng zusammenarbeiten wird.
Wie in MIRACOLO A MILANO, der nach einem Roman
von ihm entstand, sieht er die Wirklichkeit in den QUAT-
TRO PASSI mit einem lachenden und einem weinenden
Auge, die Wirklichkeit eines kleinen Handelsreisenden,
mit den Nächten in Wartesälen, den Stunden in überfüllten
Zügen und Omnibussen, den Querelen zu Hause.
SCIUSCIA (1946) ist dagegen von zornigem Grundton,
die Verstrickungen zweier Schuhputzerjungen erreichen
kein Ende. Dabei hat De Sica jedoch das Imaginäre,
wie in der berühmten Todesszene am Ende, mit
den subtilsten Fingerspitzen bewahrt, jede Identifikation
der Vorgänge mit alltäglichen verhindert. Aus der
ländlichen Szenerie dieses Finales ist aller gewohnte
Ausdruck und Charakter gewichen, sie wird ganz und
gar zu einem seelischen Innenraum. Wie auch die
große Halle im Jugendknast, mit der zierlich gewundenen
Treppe im Hintergrund, einem Geisterraum gleicht,
der eine objektive Gegebenheit (es wurde in einem Gefängnis
in Rom gedreht) in eine subjektive auflöst.
*
Auf ihrem höchsten Gipfel lag die Poesie des Neorealismus
ganz im Äußerlichen. Viele der Regisseure begannen
mit Dokumentarfilmen, so Antonioni, der 1943-47
GENTE DEL PO drehte, über die zum Teil in elenden
Stroh- und Schlammhütten hausenden Po-Anwohner.
In seinem Spielfilm IL GRIDO (1957) treffen wir diese
Gegenden wieder an. Düster glänzen die abgezehrten
Pappeln, die sich auf den schlammigen Flussufern
gegen einen neblig zerfließenden Hintergrund abzeichnen.
Nichts als Regen und Nebel. Die Stimmungen dieses
Films, mit ihrem fahlen Gefühl von Resignation, fühlen
sich an, als ob man von innen berührt würde.
Nur einmal scheint kurz die Sonne, auch für Aldo, den
aus seiner Bahn geworfenen Helden des Films. Das ist
in der Tankstellen-Episode, deren weißes Licht mit den
harten Schatten mich an amerikanische Gangsterfilme
erinnerte, zumal Steve Cochran, der die Hauptrolle
spielt, mir von daher, aus den Vorstadt- und Bahnhofskinos,
vertraut war. Doch dann verliert sich sein Leben
in der Schwärze der Nacht. In der tiefen und klaren
Reinheit der Schwarzweißbilder dieses Films drückt
sich die Einsamkeit Aldos aus, und aus diesem dunklen
emotionalen Grunde speist sich der Antonioni-Touch.
Dazu kommt, dass auch die Musik zu IL GRIDO in einer
avancierten Sphäre angesiedelt ist: punktuell eingesetzte
kleinste Klavierstücke, nichts sonst, von paradoxer
Statik, das Verschwinden und die Vergänglichkeit
akzentuierend, um die es in diesem Film geht.
Bis heute zeigt sich an einem Film wie IL GRIDO, dass
Eigentümlichkeit des Ausdrucks Anfang und Ende aller
Kunst ist. Als der Film 1960 in unsere Kinos kam, war
Fellini mit einem Schlag out. Jeder der etwas auf sich
hielt, sprach nur noch von Antonioni.

vittorio De Sica, Roberto Rossellini und Federico Fellini
*
I VITELLONI (Federico Fellini, 1953) – von »vitello«, das
Kalb – ist ein Wort, das erst durch diesen Film allgemein
bekannt wurde. Es bezeichnet jene Gammler um
die dreißig herum, die ihren Eltern oder Geschwistern
auf der Tasche liegen und ihr Leben in Lokalen, mit
Bummeln und auf Festen verbringen. Sie sind große
Kinder: Erwachsen, was ihre Begierden und Ansprüche
betrifft, haben sie sich das Wunschdenken der Kindheit
bewahrt. Für sie ist das Leben ein Traum, in dem alles
von den privaten Intentionen des Individuums bestimmt
wird. Sobald sie sich dem wirklichen Leben stellen
müssen, erleiden sie ein grausames Erwachen (nach
Theodor Kotulla, Filmkritik 12/1960).
Der Film zeichnet Stimmungen und kleine Begebenheiten
des Rimini anno ’38 auf, aber nicht in historisierender
Art, sondern so, als ob die Handlung 1953 spielte.
Fellini selbst hätte in seiner Jugend gern zur Gruppe
der Vitelloni gehört, diesen jungen Männern mit
Schnurrbart und gepflegtem Haarschnitt, die acht oder
zehn Jahre älter als er waren und weite Mäntel, Hüte
und breite Schals trugen. Aber sie hätten es halbwüchsigen
Gymnasiasten, wie Fellini damals einer war, niemals
gestattet, sich ihnen anzuschließen.
I VITELLONI: Der Spaziergang am Strand. Vom Landungssteg
aus blicken die Müßiggänger auf das winterliche
Meer: eine in Traurigkeit gehüllte Welt, stillstehende
Zeit. Zwischen dem Besäufnis und der Liebelei,
zwischen dem Flirt und der Wette beim Pferderennen
werden diese großen Kinder älter, ohne erwachsen zu
werden. Ihre Geschichte in diesem Film erstreckt sich
vom Ende der einen Badesaison bis zum Beginn der folgenden.
»Die Abende wurden jetzt milder«, sagt die Erzählerstimme,
»man spürte schon den Frühling«.
*
Im gleichen Jahr wie I VITELLONI, 1953, entstand der
Episodenfilm L’AMORE IN CITTA, der einige Stücke und
Momente enthält, die von höchster, sublimster Schönheit
sind. Gedreht wurde an Originalschauplätzen in
Rom und Umgebung, deren Fluidum das Lebenselement
aller Beiträge ist. (Der Film erschien als Nummer
Eins einer »Lo Spettatore« genannten »gefilmten Zeitschrift«,
die von Zavattini ins Leben gerufen wurde.)
Carlo Lizzanis »Liebe, die sich verkauft« macht den Anfang:
das nächtliche Rom mit den abrupt tief erscheinenden
dunklen Räumen abseits des aufgleißenden
Betriebs der Straßen mit ihren flammenden Leuchtreklamen.
Es folgt Antonioni, in dessen Reportage (»Selbstmordversuch«)
Frauen befragt werden, die sich das Leben
nehmen wollten und gerettet wurden. An den Stellen
des Films, wo die Frauen am Ort ihrer Verzweiflungstat
den genauen Vorgang rekonstruieren, fühlt man den
Puls des Neorealismus: sie teilen etwas mit und führen
etwas vor; sie zeigen etwas, auch das Zeigen. – Fellinis
»Heiratsvermittlung« erzählt dagegen eine wunderliche
Geschichte, wobei dieser anmutig durchtriebene Regisseur
die Heiterkeit der Kunst in ihrem Wesen als Spiel
zu erkennen gibt, nicht in dem, was sein Film an Geistigem
ausspricht. Darin ist er sehr ernst.
»Paradies für drei Stunden« führt uns in ein populäres
Vorstadtlokal, wo die Leute hinkommen, um zu tanzen.
Nur zwei sitzen am Rand und wechseln schüchterne
Blicke. Wir entzücken uns am Gewühl der Tanzenden,
an ihren Verrenkungen, den jungen Umarmungen, an
der Musik von damals; an einem Schönling, wenn er
seinen Auftritt im Paradies inszeniert, das Dino Risi mit
Liebe, heiter-versöhnlichem Witz und ein bisschen Melancholie
betrachtet.
Alberto Lattuadas »Die Italiener drehen sich um«
schließlich ist eine Liebeserklärung, nicht nur an die
Schönen des Tages auf den Straßen und Plätzen Roms,
sondern auch an die Ewige Stadt.
*
Die Fähigkeit Zavattinis, auf geradezu ethnographische
Weise damalige gesellschaftliche Zustände zu registrieren,
ist sehr gut an seiner mit Francesco Maselli zusammen
realisierten Episode »Geschichte der Caterina«
zu studieren. Man weiß, dass er diese halbe
Stunde Film für die fortgeschrittenste Äußerung des
Neorealismus überhaupt hielt. Die Sequenz, in der
Italienischer Neorealismus
57

Italienischer Neorealismus
58
diese Caterina, von ihr selbst gespielt, an einem schönen
Sommertag mit ihrem kleinen Jungen zu dem öffentlichen
Park geht, wo sie das Kind aussetzen wird,
umfaßt die ganze tragische Weite ihres von Kälte und
Demütigung heimgesuchten Daseins.
Ich denke zurück an andere Zavattini-Filme: an UM-
BERTO D., SCIUSCIA, LADRI DI BICICLETTE, MIRACOLO
A MILANO, bei denen De Sica Regie führte. Beide hatten
sie etwas, Zavattini und er, das sie weit aus ihrer
Zeit herausstellte. In unvergleichlicher Weise, ohne auf
die Tränendrüse zu drücken, pochten sie an unser Gefühl.
Noch in Ermanno Olmis IL POSTO (1961) fühle ich
mich auf ähnliche Weise angesprochen, wenn die
Handlung verlangsamt wird, wenn die Blicke des 15jährigen
Laiendarstellers das Entscheidende sagen und
eine Stille eintritt, die spürbar macht, wie die Zeit verrinnt.
Der Neorealismus – Teil einer sozialen Bewegung, die
noch keine politisch-ideologische Verfestigung aufwies
– war ein Anfang. Er hatte den großen Atem. Das Leben
selbst begann wieder, sich auf die Leinwände zu ergießen,
das Leben einer Straße, eines Hauses. In ROMA,
CITTA APERTA wirkt die Stimmung eines Tages, einer
Umgebung unmittelbar auf die Zuschauer. Obwohl der
Film eine Geschichte erzählt, steht jede Einstellung
auch für sich. Alles ist so hart, bestimmt und abgesetzt
wie möglich. Das, was man sieht und hört, und dessen
Bedeutung für die Handlung ist nicht verschmolzen,
sondern klafft auseinander, und aus dem Abgrund dazwischen
blendet der grelle Strahl der Faszination.
Peter Nau
4 PASSI FRA LE NUVOLE (LÜGE EINER SOMMER-
NACHT) – Italien 1942 – R: Alessandro Blasetti – B:
Giuseppe Amato, Aldo De Benedetti, Cesare Zavattini,
Piero Tellini – K: Václav Vich – M: Alessandro Cigognini
– D: Adriana Benetti, Gino Cervi, Aldo Silvani, Giacinto
Molteni, Carlo Romano – 95 min, OmeU – In realistischer
Manier erzählt Blasetti eine recht gewöhnliche,
jedoch anrührende Geschichte aus der Gegenwart, in
deren Mittelpunkt Paolo steht, ein verheirateter, unauffälliger
Handlungsreisender, der durch seine Hilfsbereitschaft
gegenüber einem verlassenen Mädchen in ein
moralisches Dilemma gerät. Da sie ein Kind erwartet
und sich nicht mehr nach Hause traut, stellt er sich vorübergehend
als Ehemann zur Verfügung. Paolos Umfeld
und sein gleichförmiger Alltag werden präzise geschildert.
Der Film folgt zunächst noch konventionellen
Erzählstrukturen, nähert sich dann in der zweiten Hälfte
dem Tonfall des Neorealismus an.
▶ Freitag, 27. April 2012, 18.30 Uhr
I BAMBINI CI GUARDANO (DIE KINDER SEHEN UNS
AN) – Italien 1944 – R: Vittorio De Sica – B: Vittorio De
Sica, Cesare Zavattini, Cesare Giulio Viola, nach seinem
Roman – K: Giuseppe Caracciolo, Romolo Garonni – M:
Renzo Rossellini – D: Emilio Cigoli, Luciano De Ambrosis,
Isa Pola, Adriano Rimoldi, Giovanna Cigoli – 84 min,
OmeU – »DIE KINDER SEHEN UNS AN gehörte zu jenen
Filmen, die, noch vor 1945 produziert, den Neorealismus
der Nachkriegszeit vorwegnahmen und einen
neuen Ton in das damals vorherrschende Evasionskino
der »Weißen Telephone« und des Kalligraphismus
brachten: die mit emotionaler Anteilnahme erzählte Geschichte
eines kleinen Jungen, der das Opfer einer
scheiternden Ehe wird und den seine Eltern schließlich
in ein alptraumhaft wirkendes Waisenhaus abschieben.«
(Ulrich Gregor). Regisseur De Sica ist in der Rolle
eines Arztes auch als Schauspieler zu sehen.
▶ Samstag, 28. April 2012, 18.30 Uhr
ROMA, CITTA APERTA (ROM, OFFENE STADT) – Italien
1945 – R: Roberto Rossellini – B: Federico Fellini,
Sergio Amidei, nach seiner Erzählung – K: Ubaldo Arata
– M: Renzo Rossellini – D: Anna Magnani, Aldo Fabrizi,
Marcello Pagliero, Maria Michi, Francesco Grandjacquet
– 100 min, OmeU – ROM, OFFENE STADT
schildert die Aktivitäten, die Verfolgung und das grausame
Ende einer italienischen Widerstandsgruppe zur
Zeit der deutschen Besatzung Roms (1944). Im Mittelpunkt
stehen die Schicksale eines in einer illegalen Druckerei
beschäftigten Arbeiters und eines Priesters, der
ihm und anderen Verfolgten Schutz gewährt. Rossellinis
Inszenierung wirkt dokumentarisch und fast frei von
dramaturgischer Gestaltung. ROM, OFFENE STADT
wurde zu einem Zeugnis der Zeitgeschichte und einem
Meilenstein der Filmgeschichte, der den italienischen
Neorealismus weltweit berühmt machte.
▶ Mittwoch, 2. Mai 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Freitag,
11. Mai 2012, 18.30 Uhr
SCIUSCIA (SCHUHPUTZER) – Italien 1946 – R: Vittorio
De Sica – B: Sergio Amidei, Adolfo Franci, Cesare Zavattini,
Cesare Giulio Viola – K: Anchise Brizzi, Elio Paccara
– M: Alessandro Cicognini – D: Franco Interlenghi,
Rinaldo Smordoni, Emilio Cigoli, Aniello Mele, Anna Pedoni
– 93 min, OmeU – Zwei Schuhputzerjungen versuchen,
sich mit kleinen Gaunereien und Geschäften
auf dem Schwarzmarkt über Wasser zu halten und ihre
Träume zu verwirklichen. »Ein Schlüsselwerk des italienischen
Neorealismus, das seine zornige Anklage
gegen Eifersucht und Brutalität der Erwachsenenwelt
mit einem Plädoyer für Menschlichkeit und Hoffnung

verbindet. Außergewöhnlich dicht in der Beschreibung
von Milieu, Charakteren und Nachkriegsatmosphäre
und wegen seiner realistischen Zeichnung in der humanen
Haltung ergreifend.« (Lexikon des Internationalen
Films)
▶ Samstag, 12. Mai 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Mittwoch,
16. Mai 2012, 21.00 Uhr
LADRI DI BICICLETTE (FAHRRADDIEBE) – Italien
1948 – R: Vittorio De Sica – B: Cesare Zavattini – K:
Carlo Montuori – M: Alessandro Cicognini – D: Lamberto
Maggiorani, Enzo Staiola, Lionella Carell, Elena
Altieri, Sergio Leone – 88 min, OmeU – Der arbeitslose
Ricci findet endlich einen Job als Plakatkleber, doch als
ihm sein Fahrrad gestohlen wird, verliert er sein wichtigstes
Arbeitswerkzeug. Der Film beschreibt seine
Odyssee gemeinsam mit seinem Sohn quer durch Rom,
auf der Suche nach dem Fahrrad. »Erst das Kind gibt
dem Abenteuer des Arbeiters seine ethische Dimension
und verleiht dem Drama, das auch nur ein gesellschaftliches
sein könnte, eine individuelle moralische Perspektive.
Faktisch beschränkt sich der Junge darauf,
dem Vater zu folgen und neben ihm herzutrippeln. Doch
er ist der intime Zeuge, der private Chor der Tragödie.«
(André Bazin)
▶ Sonntag, 13. Mai 2012, 18.30 Uhr
RISO AMARO (BITTERER REIS) – Italien 1949 – R:
Giuseppe de Santis – B: Carlo Lizzani, Carlo Musso, Gianni
Puccini, Corrado Alvaro, Ivo Perilli, Giuseppe de
Santis – K: Otello Martelli – M: Goffredo Petrassi – D:
Silvana Mangano, Vittorio Gassmann, Doris Dowling,
Raf Vallone, Checco Russone – 108 min, OmeU – Um
unterzutauchen begibt sich Francesca, die Geliebte des
Ganoven Walter, mit Hunderten von Saisonarbeiterinnen
zur Reispflanzung in die Poebene. »Für De Santis
war dies ein Drama der Leidenschaften im privaten und
sozialen Bereich. Realistisch schildert er die harte Arbeit
und die schlechten Lebensbedingungen der ›Mondine‹.
Seinen großen Publikumserfolg verdankte der
Film indessen eher Äußerlichkeiten – den leichtgeschürzten
Arbeiterinnen, der erotischen Ausstrahlung
seiner Hauptdarstellerin. So geriet er in den Ruch des
Spektakels, was trotz mancher Kolportage-Elemente im
Ansatz ein realistisches Stück Sozialkritik war.« (Dieter
Krusche)
▶ Dienstag, 15. Mai 2012, 18.30 Uhr
NAPOLI MILLIONARIA (MILLIONENSTADT NEAPEL) –
Italien 1950 – R: Eduardo De Filippo – B: Piero Tellini,
Eduardo De Filippo – K: Aldo Tonti – M: Nino Rota – D:
Eduardo De Filippo, Totò, Mario Soldati, Carlo Ninchi,
Leda Gloria – 84 min, OmU – Die Geschichte und das
Alltagsleben der kleinen Leute Neapels zwischen 1940
und 1950, die zunächst mit den Faschisten, den Nazis
und dann mit den Alliierten leben müssen. Im Mittelpunkt
stehen die beiden Freunde Gennaro und Pasquale,
die sich in ihrem Leben nicht mehr zurechtfinden.
Wie in einem Tagebuch erfahren wir vom täglichen
Leben der Bewohner in den engen Seitenstraßen. Die
Häuser, die Straßen, die zwischen den Fenstern aufgehängte
Wäsche, das Geschrei und Spiel der Kinder
spiegeln eine dokumentarische Realität. Die Innenaufnahmen
wurden im Atelier gedreht.
▶ Freitag, 18. Mai 2012, 18.30 Uhr
IL CAMMINO DELLA SPERANZA (WEG DER HOFF-
NUNG) – Italien 1950 – R: Pietro Germi – B: Tullio Pinelli,
Federico Fellini, Pietro Germi – K: Leonida Barboni
– M: Carlo Rustichelli – D: Raf Vallone, Elena Varzi, Saro
Urzi, Franco Navarra, Saro Arcidiacono – 96 min, OmeU
– Der Leidensweg einer Gruppe sizilianischer Arbeiter,
die eine neue Heimat suchen. Nach der Stilllegung
einer Schwefelgrube werden sie von einem betrügerischen
Arbeitsvermittler dazu überredet, mit ihren Familien
nach Frankreich auszuwandern. »IL CAMMINO
DELLA SPERANZA ist das Werk, das in der Klage ausklingt,
dass Humanität nur in Widerspruch und Widersetzlichkeit
gegen die gesetzliche Ordnung der Gesellschaft
sich verwirklichen lasse. Nicht, ob das Ziel erreicht
wird, hat Gewicht in diesem gewaltigen, in der
Konzeption seiner Handlung erschütternden Epos. Einzig
der Weg zählt.« (Martin Schlappner)
▶ Samstag, 19. Mai 2012, 18.30 Uhr
BELLISSIMA – Italien 1951 – R: Luchino Visconti – B:
Suso Cecchi d’Amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti
– K: Piero Portalupi, Paul Ronald – M: Franco Mannino
Italienischer Neorealismus
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Italienischer Neorealismus
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– D: Anna Magnani, Tina Apicella, Walter Chiari, Alessandro
Blasetti, Gastone Renzelli – 115 min, OmeU –
Böse Satire auf die italienische Filmindustrie, gedreht
nach einer Idee von Cesare Zavattini an den Originalschauplätzen
in Cinecittà: Eine ehrgeizige Mutter will
ihre unscheinbare siebenjährige Tochter unbedingt
beim Film unterbringen, um die Familie aus dem sozialen
Elend zu holen. »Der verlogenen Welt der Traumfabrik
steht die echte des römischen Proletariats gegenüber,
die Mietskaserne, die ständig vom Lärm der
nahen Straße erfüllt ist, das Gartenrestaurant am Tiberufer,
das Freilichtkino, das Filme mit John Wayne und
Burt Lancaster zeigt. Visconti zeigt diese Welt ohne den
Hang zur Sentimentalisierung anderer Milieufilme.«
(Enno Patalas)
▶ Mittwoch, 23. Mai 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Freitag,
25. Mai 2012, 18.30 Uhr
MIRACOLO A MILANO (DAS WUNDER VON MAI-
LAND) – Italien 1951 – R: Vittorio De Sica – B: Cesare
Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi d’Amico, M.
Chiari, Adolfo Franci, nach dem Roman »Totò il Buono«
von Cesare Zavattini – K: Aldo Graziati – M: Alessandro
Cicognini – D: Emma Gramatica, Francesco Golisano,
Paolo Stoppa, Brunella Bovo, Anna Carena – 95 min,
OmeU – Das anspruchsvoll surrealistische Märchen
vom guten Totò, der den Armen am Stadtrand von Mailand
ein fröhliches Budendorf baut, bis die Besitzgier
der Reichen sie das Land suchen lässt, wo »Guten Tag«
wirklich »Guten Tag« bedeutet. Mit diesem Film gelang
De Sica ein Kunstwerk, das Witz und Satire mit märchenhafter
Poesie und lebenswahrem Realismus verbindet.
Der Film spielt in zwei Bildebenen: der der Realität,
der harten Wirklichkeit der Bretterbuden und
Blechhütten, und der des Irrealen, des Märchens.
▶ Samstag, 26. Mai 2012, 18.30 Uhr
UMBERTO D. – Italien 1951 – R: Vittorio De Sica – B:
Cesare Zavattini, Vittorio De Sica – K: G.R. Aldo – M:
Alessandro Cicognini – D: Carlo Battisti, Maria Pia Casilio,
Lina Gennari, Elena Rea, Riccardo Ferri – 90 min,
OmU – Das bittere Schicksal eines alten Pensionärs,
der niemandem mehr etwas nützt, der mit seinem Geld
nicht mehr auskommt und deshalb Selbstmord begehen
will, ist ein erschütternder Vorwurf gegen die
menschliche Lieblosigkeit. »UMBERTO D. gibt einem an
mehreren Stellen eine Ahnung davon, wie ein Film aussehen
könnte, der in Bezug auf die Zeit tatsächlich realistisch
ist. Ein Kino der ›Dauer‹. Die Qualitäten und
selbst die Fehler des Films liegen weit jenseits von moralischen
oder politischen Kategorien. Ich zögere nicht
zu behaupten, dass das Kino uns selten zuvor so klar
vor Augen geführt hat, was es bedeutet, ein Mensch zu
sein. (Übrigens auch, was es heißt, ein Hund zu sein.)«
(André Bazin)
▶ Sonntag, 27. Mai 2012, 18.30 Uhr
I VITELLONI (DIE MÜSSIGGÄNGER) – Italien 1953 –
R: Federico Fellini – B: Federico Fellini, Ennio Flaiano –
K: Luciano Trasatti, Carlo Carlini, Otello Martelli – D:
Franco Fabrizi, Alberto Sordi, Franco Interlenghi, Leopoldo
Trieste, Riccardo Fellini – 102 min, OmU – Eine
von Fellinis eigenen Jugenderinnerungen geprägte
Kleinstadtsatire. Fünf herumbummelnde Nichtstuer
(der Frauenheld Fausto, der intellektuelle Leopoldo, der
kindliche Alberto, der erwachsene Moraldo und der zurückhaltende
Riccardo) verbummeln in einer italienischen
Kleinstadt an der Adria die Tage und schlagen
sich die Nächte um die Ohren. »Leeres Agieren, das Gegenteil
eines Handelns: stumpfsinniges Schlendern am
Strand, albernes Herumspazieren, lächerliche Angebereien.
Doch gerade durch diese in gewisser Weise nebensächlichen
Aktivitäten, die in den meisten Filmen
weggelassen werden, offenbaren die Personen sich in
ihrem geheimsten Wesen.« (André Bazin)
▶ Freitag, 1. Juni 2012, 18.30 Uhr
L’AMORE IN CITTA (LIEBE IN DER STADT) – Italien
1953 – R: Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, Alberto
Lattuada, Carlo Lizzani, Dino Risi, Cesare Zavattini
& Francesco Maselli – B: Michelangelo Antonioni,
Aldo Buzzi, Luigi Chiarini, Federico Fellini, Marco Ferreri,
Alberto Lattuada, Luigi Malerba, Tullio Pinelli, Dino
Risi, Luigi Vanzi, Vittorio Veltroni, Cesare Zavattini – K:
Gianni Di Venanzo – M: Mario Nascimbene – 109 min,
OmU – Das Projekt des Kino-Journals »Lo Spettatore«
(Der Zuschauer), »gemacht mit Film und einer Kamera,
und nicht mit Papier und Tinte«, war von Cesare Zavat-

tini initiiert. Die filmische Adaption einer Zeitung funktionierte
jedoch nicht richtig – nach dieser ersten Ausgabe
gab es keine Fortsetzungen. Lizzanis Episode
wurde aus dem Film entfernt, bevor er für außeritalienische
Vorführungen freigegeben wurde, weil die Behörden
Einspruch wegen der Darstellung römischer Prostitution
erhoben.
▶ Samstag, 2. Juni 2012, 18.30 Uhr
CRONACHE DI POVERI AMANTI (CHRONIK ARMER
LIEBESLEUTE) – Italien 1953 – R: Carlo Lizzani –
B: Carlo Lizzani, Sergio Amidei, Giuseppe Dagnino,
Massimo Mida, nach dem Roman von Vasco Pratolini –
K: Gianni Di Venanzo – M: Mario Zafred – D: Anna
Maria Ferrero, Cosetta Greco, Antonella Lualdi, Marcello
Mastroianni, Irene Cefaro – 115 min, OmeU –
»Schauplatz und ›Hauptperson‹ des Films, ist eine
Straße in Florenz, 1925. In Simultantechnik beschreibt
Lizzani eine große Zahl von Personen, deren Beziehungen
die politischen Kämpfe der Zeit spiegeln: Im Verlauf
der Auseinandersetzungen zwischen Faschisten und
Sozialisten schälen sich die ›Klassenfronten‹ der Gesellschaft
heraus. Lizzani zeichnet keine schematisierten
Menschen porträts, sondern belässt seinen Personen
eine Vieldeutigkeit der Physiognomie.« (Ulrich Gregor
/ Enno Patalas)
▶ Mittwoch, 6. Juni 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Freitag,
8. Juni 2012, 18.30 Uhr
VIAGGIO IN ITALIA (LIEBE IST STÄRKER) – Italien
1954 – R: Roberto Rossellini – B: Roberto Rossellini, Vitaliano
Brancati – K: Enzo Serafin – M: Renzo Rossellini
– D: Ingrid Bergman, George Sanders, Paul Muller,
Maria Mauban, Anna Proclemer – 86 min, engl. OF –
»Der magischste und lässigste aller Rossellini-Bergman-Filme.
Ingrid Bergman und George Sanders als
britisches Ehepaar, das in Neapel durch eine Krise taumelt:
Entfremdung, Trennung, Versöhnung. Rossellini:
›Das ist ein Film, den ich sehr liebe. Es war für mich
wichtig, Italien zu zeigen, Neapel, diese merkwürdige
Atmosphäre, der sich ein sehr reales, tiefes Gefühl beimischt:
das Gefühl des ewigen Lebens.‹ Als ein in
Luxus und Langeweile eingepacktes Ehepaar erscheinen
Bergman/Sanders zuerst. Sie besucht Museen, er
flirtet auf Parties. Jeder geht eigene Wege, bis das brodelnde
Leben der Stadt seine Magie entfaltet und neue
Leidenschaft entfacht.« (Rainer Gansera)
▶ Samstag, 9. Juni 2012, 18.30 Uhr
IL GRIDO (DER SCHREI) – Italien 1957 – R: Michel -
angelo Antonioni – B: Michelangelo Antonioni, Elio
Bartolini, Ennio De Concini – K: Gianni Di Venanzo – M:
Giovanni Fusco – D: Steve Cochran, Alida Valli, Mirna
Girardi, Dorian Gray, Betsy Blair – 104 min, OmeU –
Aldo, Arbeiter in einer Zuckerfabrik, geht mit seiner kleinen
Tochter auf eine lange Wanderschaft durch die Po-
Ebene, nachdem er von der Frau, die er liebt, zurück -
gewiesen wird. In den grauen, trostlosen Schauplätzen
des Films teilt sich die innere Verfassung des Helden
mit. Ohne viele Worte, aber reich an sprechenden Details
entsteht das Bild einer Grenzsituation. Das Finale
weist die vorherige Bewegung als verzweifelten, horizontalen
Aufschub eines unaufhaltsamen Sturzes aus.
IL GRIDO ist von seinem Ansatz her eine Art Vorläufer
des road movie, das später im New Hollywood und bei
Wim Wenders weitergeführt wird.
▶ Sonntag, 10. Juni 2012, 18.30 Uhr
BANDITI A ORGOSOLO (DIE BANDITEN VON ORGO-
SOLO) – Italien 1961 – R: Vittorio De Seta – B: Vittorio
De Seta, Vera Gherarducci – K: Vittorio De Seta, Luciano
Tovoli – M: Valentino Bucchi – D: Vittorina Pisano,
Michele Cossu, Peppeddu Cuccu – 98 min, OmeU –
»Ein Hirte in den Bergen Sardiniens, der seinen ganzen
Besitz in eine Schafherde investiert hat, wird von den
Behörden fälschlicherweise bezichtigt, mit Schweinedieben
im Bunde zu sein; vor der Verfolgung durch die
Polizei zieht er sich in die Berge zurück, verliert seine
Schafe und wird zum Outlaw. De Seta arbeitete ausschließlich
mit Laiendarstellern. Ohne die geringste dramaturgische
Anstrengung, scheinbar nur aus der Registrierung
von Fakten entwickelt der Film eine scharfe
und kritische Analyse der Daseinsbedingungen jener
Unterpriviligierten der italienischen Provinz, für die ›der
Staat nur in den Carabinieri und im Kerker gegenwärtig
ist‹, wie der Kommentar des Films einmal sagt.« (Ulrich
Gregor)
▶ Freitag, 15. Juni 2012, 18.30 Uhr
Italienischer Neorealismus
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Italienischer Neorealismus
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ACCATTONE (ACCATTONE – WER NIE SEIN BROT
MIT TRÄNEN ASS) – Italien 1961 – R+B: Pier Paolo
Pasolini, nach seiner Novelle – K: Tonino Delli Colli – M:
Johann Sebastian Bach – D: Franco Citti, Silvana Corsini,
Franca Pasut, Paolo Guidi, Luciano Conti –
120 min, OmeU – Pasolinis erster Spielfilm, der mit Laiendarstellern
besetzt ist, erzählt die Geschichte von Vittorio,
genannt Accattone, der sich in einer römischen
Trabantenstadt als Zuhälter betätigt, zum Dieb wird und
bei der Verfolgung durch die Polizei verunglückt. Die naturalistischen
Bilder aus der Welt des Subproletariats
sind nicht nur eine präzise Milieustudie, sondern fügen
sich darüber hinaus zu einer modernen Passionsgeschichte.
»Eine Tragödie ohne Hoffnung, weshalb ich
mir wünsche, dass es einige Zuschauer geben wird, die
im Kreuzeszeichen, mit dem der Film schließt, eine Bedeutung
von Hoffnung sehen werden.« (Pier Paolo Pasolini)
▶ Samstag, 16. Juni 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Mittwoch,
20. Juni 2012, 21.00 Uhr
ROCCO E I SUOI FRATELLI (ROCCO UND SEINE BRÜ-
DER) – Italien 1960 – R: Luchino Visconti – B: Luchino
Visconi, Suso Cecchi d’Amico, Pasquale Festa Campanile,
Massimo Franciosa, Enrico Medioli – K: Giuseppe
Rotunno – M: Nino Rota – D: Annie Girardot, Alain
Delon, Renato Salvatori, Katina Paxinou, Alessandra
Panao – 174 min, OmeU – Die Witwe Rosaria Parondi
zieht mit ihren vier Söhnen aus der armen süditalienischen
Region Basilicata ins reiche Mailand, wo bereits
ihr ältester Sohn Vincenzo lebt. Doch der Traum von der
Großstadt wird bald zum Albtraum: Die fünf Brüder
gehen unterschiedliche Wege, einer von ihnen wird
zum Gewalttäter und treibt auch den idealistischen ältesten
Bruder in den Untergang. Viscontis tragisches
Sozialdrama ist zwischen dem Neorealismus seiner
Frühwerke und den ausladenden Epen seiner späteren
Familienporträts angesiedelt.
▶ Sonntag, 17. Juni 2012, 17.30 Uhr
IL POSTO (DER JOB) – Italien 1961 – R: Ermanno Olmi
– B: Ettore Lombardo, Ermanno Olmi – K: Roberto Barbieri
– M: Pier Emilio Bassi – D: Alessandro Panzeri, Loredana
Detto – 93 min, OmeU – »IL POSTO berichtet,
wie Domenico, ein schüchterner Junge, aus einem Vorort
nach Mailand kommt, um sich bei einem Mammutkonzern
um eine Stellung zu bewerben. Er muss das Ritual
psychologischer Eignungstests über sich ergehen
lassen; am Ende offeriert ihm die Firma eine subalterne
Stellung als Bürobote. Am Rande steht die Geschichte
eines jungen Mädchens, das ebenfalls in die Firma eintritt
und dem der junge Mann einige Male begegnet.
Obwohl in einem durchgehend dokumentarischen Stil
gedreht, der sich scheinbar auf reine Beobachtung beschränkt,
ist IL POSTO doch fast eine Satire à la Gogol.«
(Ulrich Gregor)
▶ Freitag, 22. Juni 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Mittwoch.
27. Juni 2012, 21.00 Uhr
SALVATORE GIULIANO (WER ERSCHOSS SALVATORE
G.?) – Italien 1962 – R: Francesco Rosi – B: Francesco
Rosi, Suso Cecchi d’Amico, Franco Solinas, Enzo Provenzale
– K: Gianni Di Venanzo – M: Piero Piccioni – D:
Pietro Cammarata, Salvo Randone, Frank Wolff, Sennuccio
Benelli – 120 min, OmeU – Eine Chronik vom
Wirken und Wüten des sizilianischen Banditen Salvatore
Giuliano, der zwischen 1943 und 1950 der Schrecken
seines Landes war und am 5. Juli 1950 von
einem Unbekannten erschossen wurde. Im Stil eines
Dokumentarfilms, unter Verwendung von Zeitungsberichten,
Interviews und Zeugenaussagen, rekonstruierte
Rosi die Biografie des vermeintlichen Volkshelden
und trug dazu bei, das komplizierte Geflecht der Beziehungen
zwischen dem Banditen, der Mafia und ihren
Hintermännern zu entwirren. Gedreht wurde an Originalschauplätzen
und mit Laiendarstellern, die Giuliano
noch persönlich kannten.
▶ Samstag, 23. Juni 2012, 18.30 Uhr
I BASILISCHI (DIE BASILISKEN) – Italien 1963 – R+B:
Lina Wertmüller – K: Gianni Di Venanzo – M: Ennio Morricone
– D: Toni Petruzzi, Stefano Satta Flores, Sergio
Ferranino, Luigi Barbieri, Enrica Chiaromonte – 85 min,
OmeU – Das Leben in einer süditalienischen Kleinstadt
der armen Provinz Basilicata, die Jugendlichen unter
den Dorfbewohnern, die in der wärmenden Sonne dem
Nichtstun nachgehen und über das Leben und ihre
Träume reden, anstatt sie tatsächlich anzupacken. In
semidokumentarischem Stil und in sachlich-ironischem
Ton zeigt Lina Wertmüller Menschen, denen es
nicht gelingt, ihr eigenes Leben oder die Ungerechtigkeiten
in ihrer Umgebung zu verändern. Fellinis I VITEL-
LONI als Inspiration für diesen Film ist unverkennbar,
doch Wertmüllers exzentrischer visueller Gestaltungswille
blitzt ebenso schon auf wie eine vorsichtige Kritik
am italienischen Männlichkeitskult.
▶ Freitag, 29. Juni 2012, 18.30 Uhr

DOK.fest-Retrospektive: Wim Wenders
Wim Wenders bei den Dreharbeiten zu pinA. Foto: Donata Wenders
Mit seinem kongenial choreographierten 3D-Tanzfilm
PINA im vergangenen Jahr und der Hommage BUENA
VISTA SOCIAL CLUB Ende der 1990er Jahre feierte
Wim Wenders weltweit große Erfolge – beides sind Dokumentarfilme.
Sie krönen die jüngste Dekade des Werkes
von Wim Wenders.
Was macht den Erfolg der Dokumentarfilme von Wim
Wenders aus? Es ist sein Gespür für besondere Sujets
und das Vertrauen in die ureigene Kraft filmischer Bilder.
Die reine Funktion der Dramaturgie ist Wenders
ebenso fremd wie populistische Kinostoffe. Das dokumentarische
Arbeiten kommt seinem klassischen Verständnis
der Kinematographie entgegen. Nicht jedes
Bild ist im Moment der Aufnahme schon determiniert
im Fluss einer Erzählung. Jede Szene kann ihre Poesie
aus einem filmischen Moment frei entfalten.
Parallel zu seinen fiktionalen Filmen hat Wim Wenders
schon früh damit begonnen, dokumentarisch zur arbeiten.
Mit dem unverstellten Blick eines staunenden Beobachters,
der der Wirklichkeit ein eigenes Bild abgewinnt.
Den Tod seines engen Freundes, des amerikanischen
Regisseurs Nicholas Ray, verarbeitete er in dem
Film LIGHTNING OVER WATER (1979) auf sehr persönliche
und berührende Weise. Das Interesse Wenders’ an
dem Phänomen der Laufbildmedien führte ihn bereits
Ende der 1980er Jahre nach Japan. Der Film TOKYO-
GA (1985) ist ein erstes Zeugnis einer durch die Bildmedien
aus den Fugen geratenen Kultur. Mit dieser Arbeit
hatte Wenders ein großes Interesse an der japanischen
Kultur gefunden. Sein Film AUFZEICHNUNGEN
ZU KLEIDERN UND STÄDTEN (1989) verbindet die Philosophie
des berühmten Modemachers Yohji Yamamoto
mit der Architektur der Megacity Tokyo.
Das DOK.fest München freut sich, dem Münchener
Publikum diese und weitere Filme aus dem dokumentarischen
Werk Wim Wenders’ in Zusammenarbeit mit
dem Filmmuseum München endlich wieder einmal auf
der Leinwand vorstellen zu können. Wim Wenders wird
zu Gast sein und auch bisher weitgehend unbekannte
Kurzfilme mitbringen: INVISIBLE CRIMES (2007), WAR
IN PEACE (2007) und TO SEE OR NOT TO SEE (2012).
Daniel Sponsel
▶ Donnerstag, 3. Mai 2012, bis Mittwoch, 9. Mai 2012
Wim Wenders
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Neues von der »Kölner Gruppe«
Kölner Gruppe
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WellenReiTeR: markus mischkowski und Kai maria Steinkühler. Foto: Anna c. Wagner
Cine-Desperados vom Rhein –
Die Kölner Gruppe und ihr gelebtes Kino
Seit beinahe 25 Jahren gibt es in Köln eine Filmszene,
die zu den schönsten und vitalsten in Deutschland
zählt. In dieser Szene, die sich hauptsächlich um den
schon legendären Filmclub 813 gebildet hat, aber auch
schon manchen Studenten der Kunsthochschule für
Medien beeinflusst hat, durchdringen sich wie einst bei
der Nouvelle Vague alle Aspekte des Cineastentums.
Man führt im Filmclub Filme vor, alte und neue. Man
macht Entdeckungen in der Filmgeschichte, man redet
und schreibt leidenschaftlich über Filme, früher in den
Magazinen Gdinetmao und Nachtblende, heute im
Münchner Sigi Götz Entertainment oder in den Club-
Programmheften. Man dreht schließlich selbst Filme,
kurze und lange voller Charme, Feeling und Lust am
Kino. Die Mitglieder dieser lockeren Kölner Gruppe
haben auch ganz eigene Vorbilder im deutschen Kino
ausfindig gemacht: Klaus Lemke, Werner Enke, May
Spils, Zbynek Brynych, Roger Fritz, die Schamonis, Marran
Gosov, aber auch so unterschiedliche Filmemacher
wie Frank Wisbar, Harun Farocki oder Siggi Götz ge -
hören zu den Favoriten, die für ein anderes und oft unterschlagenes
Kino stehen, für ein Kino auch der vertanen
Chancen. Wie wäre es gewesen, wenn Edgar Reitz
zusammen mit Alfred Vohrer einen Film gemacht hätte?
Die Kölner Gruppe ist jedoch niemals ein Fanclub von
Trashfilm-Liebhabern. Man ist ernsthaft – bei aller Spielerei.
Zum harten Kern der Kölner Gruppe gehören seit langer
Zeit vor allem drei Leute: Rainer Knepperges, Bernhard
Marsch und Markus Mischkowski. Wäre die Kölner
Gruppe eine Rockband, dann würde gewiss Knepperges
der furiose, manchmal an sich zweifelnde Gitarrist
sein, während Marsch den Keyboards mit ganzem
Körpereinsatz unerhörte Töne entlocken würde. Zusammen
würden Knepperges und Marsch die Songs schreiben
und sich dabei natürlich oft streiten. Am Schlagzeug
wäre dagegen mit stoischer Ruhe Mischkowski
tätig – wie alle guten Drummer ein rätselhafter Individualist.
Am Bass schließlich würden sich unterschiedliche
Typen ablösen: der coole Kai Maria Steinkühler
oder der zurückhaltende, aber enorm talentierte Christian
Mrasek.
Der Filmkritiker, Autor, Darsteller und Regisseur Rainer
Knepperges, der zusammen mit Christian Mrasek bereits
den Langfilm DIE QUEREINSTEIGERINNEN realisiert
hat, in dem er auch neben Nina Proll die Hauptrolle
spielt, hat der Ironie im Kino eine zweite Chance
gegeben – einer Ironie, die sowohl auf befreiender

Albernheit wie auf tiefer Schmerzlichkeit beruht, die
zwischen Reflexion und Mythos changiert. In diesem
Programm des Filmmuseums ist Knepperges diesmal
weniger vertreten, aber seine unglaubliche Kino-Präsenz
ist beispielsweise in WELLENREITER oder
8 ESSEN III, einem All-Star-Film der Kölner Gruppe, zu
bewundern.
Einen eigenen, besonderen Kino-Mikrokosmos bildet
das weitverzweigte Werk von Bernhard Marsch, eines
total filmmaker par excellence. Man muss es aussprechen:
Bei seinen Kinominiaturen geht dem Zuschauer
das Herz auf. Vielleicht liegt es an der Mischung aus
Nostalgie und Aufbruch, die seine Filme kennzeichnet,
sicherlich an der Poesie und dem Drive, der seine
Werke durchzieht. Dazu kommt der genaue und liebevolle
Blick auf das scheinbar Nebensächliche. Mit seinen
Kurzfilmen schreibt Marsch gewissermaßen eine
kleine Geschichte Deutschlands vom Rande her, eine
Trash-Historie, eine Ramsch-Geschichte (»Ramsch« ist
der Name von Marschs Filmproduktion). Man muss
sich nur einen Musikclip wie MAUERBLÜMCHEN anschauen,
ein Mini-Melo über die Ex-DDR und die große
Sehnsucht an der Ostsee, dann ist man verzaubert von
hingetupften Bildern, von Landschaften und Geschichten.
Zweifellos, Marsch ist ein Impressionist deutscher
Befindlichkeiten, ein Ethnograph der Abfallprodukte von
Liebe und Leben. Sein erster filmischer Versuch
65
stammt von 1986: KÖLNER BEWEGUNGEN ist so etwas
wie die Kölner Mini-Version von BERLIN. DIE SINFONIE
DER GROSSSTADT. In Erinnerung bleibt vor allem das
Neonschild »Köln – 4711«, das durch die Nacht blitzt
und den Film zu einem Cologne Noir macht. Marsch
und seine Kollegen haben ein Gefühl für die Aura von
Zeichen. In MARSCH UND KNEPPERGES ZEIGEN von
1987 ist oft die Anzeigentafel des Kölner Kinos Film -
palette zu sehen. Darauf ist zu lesen: »Nonstop Filmprogramm«.
Das klingt poetisch-rebellisch im Kontext des
Films, der die letzte Vorstellung in der Filmpalette dokumentiert.
Als last picture show läuft Edgar G. Ulmers
DETOUR. Die jungen Kinobesucher, unter ihnen Marsch
und Knepperges, trinken Bier, quatschen, befragen den
alten Kinobesitzer. Alles ist gelebter B-Film, alles ist
detour.
Einige Marsch-Filme sind Ensemble-Filme, Jungens-
Filme in der Tradition der Münchner Schule der 1960er
(Lemke, Thome, Gosov). In 8 ESSEN III von 1996 unterhalten
sich in der Kölner Zentral-Mensa ewige Studenten
über Frauen, das Ost-West-Verhältnis und den Lauf
der Zeit. In JUNGE HUNDE von 1992 oder dem Liebesthriller
NACKT AM SEE von 2010 frönt Marsch seiner
Vorliebe für Schwimmbäder und Badeseen, die für ihn
Alltagsoasen darstellen wie Kinos oder Mischkowskis
Kioske, an denen alles und nichts passieren kann. HAL-
LELUJA von 1995 ist ein ungemein komisches Roadbernhard
marsch. Foto: imke Staats
Kölner Gruppe

Kölner Gruppe
WellenReiTeR Foto: Anna c. Wagner
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movie, das Anfang der 1980er auf den Straßen zwischen
Köln und Hennef spielt. Ein bekifftes Bhagwan-
Pärchen fährt im Käfer eines Burschen mit, den Marsch
selbst spielt. Die zwei Hippies haben es auf den alten
VW angesehen, sie halten den Fahrer für ein Greenhorn.
Dabei handelt es sich bei ihm um einen aus -
gebufften Desperado. Einmal fährt er durch seine Heimatstadt
Hennef. In einem Kino dort läuft gerade
SUMMER NIGHT FEVER, ein Trashfilm von Siggi Götz,
das ist ein Pseudonym für Siggi Rothemund, das er für
seine zahlreichen Sex- und Discofilme verwendet hat.
Seit dieser Erwähnung in HALLELUJA hat sich zwischen
Köln und München ein kleiner Kult um Siggi Götz
und alle psy chede lischen Momente des deutschen
Kinos entwickelt.
Marschs bisher vielleicht bester Film ist WOHNHAFT
von 2004 (der Titel ist im doppelten Sinn zu verstehen,
die Kölner lieben Wortspiele). Inspiriert von Ulrich Schamonis
CHAPEAU CLAQUE führt Marsch durch seine eigene
kleine, mit Platten, Büchern, Zeitungen und allerlei
Erinnerungen vollgestopften Wohnung in Köln-
Ehrenfeld, die einer grandiosen Raum-Installation
gleicht und auch eine Rebellion darstellt gegen jegliches
»Schöner Wohnen«. Während die Kamera ethnografisch
forschend durch dieses Labyrinth des Sammelns
gleitet, hört man aus dem Off, wie sich Marsch
und sein Idol Werner Enke über Räume und das Räumen
unterhalten – ein wunderbares Zwiegespräch
über Kino und Leben, Geschichte und Geschichten.
Westendfilme heißt die Produktionsfirma von Markus
Mischkowski und Kai Maria Steinkühler. Westend, dort
wo die Sonne untergeht, dort wo der Westen endet.
Endzeit und Neubeginn: Wie den meisten Filmen der
Kölner Gruppe gelingt es besonders auch den Filmen
von Mischkowski und Steinkühler, Kinotraditionen, die
vom Slapstick über den Italowestern bis zu Kaurismäki
reichen, im deutschen Alltag wiederzufinden.
WESTEND, der Kurzfilm von 1997, WAS TUN von 1998,
WESTEND, der lange Film von 2001, WOLGA von 2003,
WALD MEISTER von 2007 und WELLENREITER von
2010: Alle diese Filme, die mit »W« beginnen und in
einem glorreichen Schwarzweiß gedreht sind, handeln
von den beiden arbeitslosen Kumpeln Mike und Alfred,
die von den beiden Filmemachern selbst gespielt als
beautiful losers im grandiosen Outfit zwischen Geschmackslosigkeit
und verwegenem Schick für immer
auf Godot warten. Die zwei, die in der Nachfolge der
großen Komiker-Duos und Western-Buddies stehen,
scheinen auf ewig in diesem großartigen, absurd komischen
und todtraurigen Filmzyklus gegen die Windmühlen
des Kapitalismus zu kämpfen. Aber diese melancholischen,
abstrakt-schönen Westendfilme sind nie
bloß Satire, sie sind vielmehr tragikomische Filmpoeme
über die condition humaine in den trostlosen Zeiten von

hohler Kommunikation, überbewerteter Transparenz
und totaler Verfügbarkeit. Sie lassen aber hoffen, dass
die alten Mythen und Werte von Freundschaft, Liebe,
Handwerk und Wagemut im wasteland des Kölner
Stadtrands überleben.
Das schwarzweiße wasteland des Westend-Zyklus ist
freilich gar nichts im Vergleich zu dem farbigen Fragment
eines Großraumbüros in WARTESCHLEIFEN, dem
neuen Film von Mischkowski/Steinkühler. Dieses Bürofragment
ist das Fegefeuer auf Erden, aus ihm heraus
sprechen sechs Mitarbeiter eines Callcenters direkt zu
uns. Einer von ihnen wird von Christos Dassios gespielt,
einem tollen Typen, der aus einem Melville-Film zu
kommen scheint und mit seinem Kurzfilm UNDER-
GROUND ODYSSEY als neuer Star der Kölner Gruppe
gilt. Die Berichte, Bekenntnisse und Beichten der Callcenter-Malocher,
gefilmt in einem Mix aus Dokumentation,
Theater-Workshop und Videoinstallation bilden ein
Mosaik aus Horror, Comedy und Melo. In der Hölle unserer
Arbeitswelten finden Mischkowski und Steinkühler
die Reste von Geschichten, den Ramsch, der das
Leben ausmacht.
Hans Schifferle
WOHNHAFT – Deutschland 2004 – R+B: Bernhard
Marsch – K: Volker Gerling – M: Rainer Kirchmann –
Kommentar: Werner Enke, Bernhard Marsch – 8 min –
WALDMEISTER – Deutschland 2007 – R+B: Markus
Mischkowski, Kai Maria Steinkühler – K: KaPe Schmidt
– M: Robert Nacken – D: Markus Mischkowski, Kai
Maria Steinkühler, Jürgen Rißmann, Claudia Basrawi,
Piet Fuchs – 9 min – NACKT AM SEE – Deutschland
2010 – R: Bernhard Marsch – B: Bernhard Marsch,
Ricarda Sponagel – K: Dejan Rakas – D: Susanne
Menner, Bernhard Marsch – 10 min – INSIDE LEMKE
– Deutschland 2007 – R+K: Markus Mischkowski –
Klaus Lemke, Bernhard Marsch, Rainer Knepperges –
9 min – UNDERGROUND ODYSSEY – Deutschland
2010 – R: Christos Dassios, Uli Grohs, Robert Nacken –
B: Christos Dassios – K: Uli Grohs – M: Robert Nacken
– D: Christos Dassios, Robert Nacken, Ines Szcerbinski
– 6 min – WELLENREITER – Deutschland 2010 –
R+B: Markus Mischkowski, Kai Maria Steinkühler – K:
KaPe Schmidt – D: Markus Mischkowski, Kai Maria
Steinkühler, Jens Claßen, Rainer Knepperges, Harry
Weiß – 10 min – CAFE KONTAKT – Deutschland 2012
– R+B: Bernhard Marsch – K: Kawe Vakil – D: Christos
Dassios, Susanne Menner, Jana Rath, Peter Simon,
Bernhard Marsch – 10 min
▶ Freitag, 11. Mai 2012, 21.00 Uhr (Zu Gast: Bernhard
Marsch, Markus Mischkowski, Kai Maria Steinkühler,
Christos Dassios, Robert Nacken)
WARTESCHLEIFEN – KOLPORTAGEN AUS DEM CALL -
CENTER – Deutschland 2010 – R+B: Markus Mischkowski,
Kai Maria Steinkühler – K: KaPe Schmidt – mit
Piet Fuchs, Claudia Basrawi, Christos Dassios, Minerva
Fois, Jürgen Rißmann, Dada Stievermann – 79 min –
Sie hören zu, reden, beschwichtigen, beraten, verkaufen
– Das Call-Center ist ein Mikrokosmos der ganz besonderen
Art: Potenzierte Kundenorientierung auf der
einen, menschliche Entfremdung auf der anderen Seite.
Gefragt ist hier die perfekte Rollenerfüllung, nicht die
Persönlichkeit. Von ihrer Erfahrung in diesem Metier,
das viele nur als temporären Nebenberuf ausüben, den
dort herrschenden Hierarchien und Machtstrukturen,
dem Mit-, Neben- und Gegeneinander der Kollegen –
davon berichten sechs Call-Center-Agenten
▶ Samstag, 12. Mai 2012, 21.00 Uhr (Zu Gast: Markus
Mischkowski, Kai Maria Steinkühler, Christos Dassios)
AMIGO A GOGO – Deutschland 2009 – R+B: Bernhard
Marsch – K: Tobias Schmücking – M: Rainer Kirchmann
– D: Gregor Overzier, Jana Rath – 5 min –
MAUERBLÜMCHEN – Deutschland 2001 – R+B+K:
Bernhard Marsch – M: Rainer Kirchmann – 5 min –
BAZOOKA CAIN – Deutschland 2003 – R+B: Bernhard
Marsch – K: Kawe Vakil – D: Marcel Vega, Matthias
Pacht, Max Knoth, Henry Grant, Thomas Salzmann –
5 min – KÖLNER BEWEGUNGEN – BRD 1986 – R, B,
K: Bernhard Marsch – M: Korneffel & Debschütz –
5 min – MARSCH & KNEPPERGES ZEIGEN – Deutschland
1991 – R+B: Bernhard Marsch, Rainer Knepperges
– K: Gunter König – 10 min – 8 ESSEN III –
Deutschland 1996 – R, B, D: Bernhard Marsch, Markus
Mischkowski, Rainer Knepperges – K: Kawe Vakil –
8 min – JUNGE HUNDE – Deutschland 1993 – R+B:
Bernhard Marsch – K: Andreas Wunderlich – D: Jakob
Hüfner, Achim Bitzer, Joachim Kühn, Jo Zimmermann,
Bernhard Marsch – 7 min – HALLELUJA – Deutschland
1995 – R+B: Bernhard Marsch – K: Richard Eckes
– D: Stefanie Herrmann, Markus Mischkowski, Bernhard
Marsch – 11 min – VERLANGEN – Deutschland
2005 – R+B: Bernhard Marsch – K: Volker Gerling – M:
Marcel Vega – 4 min – LIEBE IST GESCHMACKS -
SACHE – Deutschland 1997 – R+B: Bernhard Marsch,
Piet Fuchs – K: Kawe Vakil – D: Kai Maria Steinkühler,
Karen Oldenburg, Erik Goertz, Jürgen Nau, Julia Hornisch
– 8 min – WOHNHAFT (EXTENDED VERSION) –
Deutschland 2005 – R+B: Bernhard Marsch – K:
Volker Gerling – M: Rainer Kirchmann – Kommentar:
Werner Enke, Bernhard Marsch – 10 min
▶ Sonntag, 13. Mai 2012, 21.00 Uhr (Zu Gast: Bernhard
Marsch, Kai Maria Steinkühler)
Kölner Gruppe
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Retrospektive Lars von Trier
Lars von Trier
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Die große und die kleine Welt
Im Vergleich zu seinen skandinavischen Nachbarn ist
Dänemark (nach der Bevölkerungszahl) kein kleines
Land. Dennoch scheint es seinen berühmtesten Filmemachern
nicht zu genügen. Lars von Triers Filme spielen
erstaunlich selten dort. Früh hat sein filmischer
Blick schon ganz Europa ins Auge gefasst, sodann eine
schottische Insel, später hat er eine amerikanische Trilogie
gedreht. Der notorisch reiseunlustige Regisseur
hat sie allerdings kaum je an den Realschauplätzen gedreht.
Seine Filme sind vielmehr immer auch als ein
Spiegel seiner Heimat zu betrachten.
Das war schon bei seinem Vorbild Carl Theodor Dreyer
so, der in diversen Nachbarländern drehte sowie lange
Zeit in Frankreich und Deutschland. Im Falle Dreyers
war diese kulturübergreifende Offenheit allerdings
auch ökonomischen Wechselfällen geschuldet: Er
wurde jeweils von Misserfolgen zeitweilig ins Exil getrieben.
Bei von Trier hingegen ist die geographische
Entgrenzung ein Willensakt, ein Bekenntnis. Das erste
Bild, das ich von ihm erinnere, zeigt ihn in einem Schottenrock,
über dem er eine verwegene Lederjacke trägt.
Es entstand als Publicitygag während der Produktion
von BREAKING THE WAVES. Das stolze Lächeln, mit
dem von Trier diese Tracht trägt, demonstriert seine Zuversicht,
die eigenen filmischen Visionen überall heimisch
machen zu können. (Es verrät allerdings auch
seine unbändige Lust am Gag, keineswegs nur in der
komischen Variante gemeint, die ihm fortan bei Pressekonferenzen
zum Verhängnis werden sollte.)
Die Quellen seiner Inspiration findet er in ganz Europa.
Seine Suche nach erzählerischen Wurzeln ist beinahe
weltumspannend. Oft arbeitet er mit anglo-amerikanischen
Schauspielern zusammen. Die schelmisch entlarvende
Ironie der Erzählkommentare aus dem Off in
DOGVILLE und MANDERLAY erinnert an Charles Dickens
und Henry Fielding. MELANCHOLIA geht eigentlich
auf ein Projekt zurück, Jean Genets Drama »Die
Zofen« mit Penelope Cruz zu verfilmen. Der Vorname
der von Charlotte Gainsbourg gespielten Schwester,
Claire, verweist noch auf diese Abkunft. Die von Kirsten
Dunst gespielte Schwester wiederum heißt Justine, wie
die Titelheldin des Romans von Marquis de Sade, den
von Trier gern fürs Kino adaptiert hätte. Das »Liebestod«-Thema
aus Richard Wagners »Tristan und Isolde«
dient in MELANCHOLIA nicht nur als Leitmotiv, der gesamte
Film ist wie eine Oper strukturiert, mit einer Ouvertüre,
zwei Akten und einem Finale. Überdies zitiert
von Trier in ihm Bilder von Bosch, Breughel, Caravaggio
und Millais.
Der planvolle Lauf der Welt
Es ging bei ihm schon immer ums Ganze. Nicht erst in
MELANCHOLIA steht das Schicksal der Welt auf dem
Spiel. Deren Zerstörung ist die größte denkbare Herausforderung
für einen, der gern von der eigenen
Angst vor dem Verlust der Kontrolle erlöst werden
würde. Schon als Kind, das vertraute er seinem Freund
Christian Braad Thomsen einmal in einem Interview
zum Start von BREAKING THE WAVES an, hegte er globale
Rettungsphantasien. Er entwickelte ein Pensum
von Ritualen, das er an jedem Abend vor Einschlafen
absolvierte – in der Hoffnung, damit die Erde vor der
atomaren Auslöschung zu bewahren.
Darin sah er selbst den Ursprung seines späteren Entschlusses,
zum Katholizismus zu konvertieren. Der
kindliche Glaube an die eigene magische Kraft war
auch ein Ausdruck der Rebellion. Dieser Widerspruchsgeist
wurde geboren in einen Haushalt, in dem man
den Atheismus mit gewissermaßen religiöser Inbrunst
pflegte. Seinen Hang zum Melodram darf man auch als
späte Rache lesen für eine Kindheit, in der die Sentimentalität
keinen Platz haben durfte. Wen wundert es
da, dass BREAKING THE WAVES seine Familie nachhaltig
schockierte? Das Metaphysische gewinnt in seinen
Filmen eine beispiellose, wenn auch im Kino nicht prä-

zedenzlose Unmittelbarkeit. Während ORDET vorführt,
dass sein Vorbild Dreyer fest an Wunder glaubte, merkt
man von Triers Filmen allerdings die Anstrengung an,
die ein solcher Glaube kostet.
Gleichwohl ist sein Werk seit seinen Anfängen von
religiöser Metaphorik durchdrungen. Von BEFRIELSES
BILLEDER an, der in den letzten Tagen der deutschen
Besatzung Dänemarks spielt, wird es bevölkert von Er -
lösern und Märtyrern – in diesem halblangen Kino -
debüt lässt er gar einen Nazi-Offizier diese Rolle übernehmen.
Vorzugsweise trägt er das Mandat, den Lauf
der Welt zu beeinflussen und es vor dem Chaos zu beschützen,
Frauen an. Er setzt sein ganzes Vertrauen in
deren hartnäckige Unschuld, in ihr reines Herz. Auf
ihren Opfergängen bleiben sie, wie de Sades Justine,
unberührt von allem Schrecklichen, das ihnen widerfährt.
So erscheint es als kluge (wenn auch nicht ganz
freiwillig getroffene) Entscheidung, die Rolle der in
DOGVILLE von Nicole Kidman gespielten Grace, in der
Fortsetzung MANDERLAY mit einer anderen Darstellerin,
Bryce Dallas Howard, zu ersetzen. Die Naivität, mit
der sich die zweite Grace ihrem neuen Mandat stellen
muss, wird durch deren argloses Gesicht hinreichend
beglaubigt.
Nach dem Blutbad, das ihre Vorgängerin am Ende des
ersten Films unter den korrupten Einwohnern von Dogville
anrichtete, hätte man Nicole Kidman die wiedergewonnene
Reinheit schwerlich abgenommen. Dieses
Massaker ist freilich in vielerlei Hinsicht eine Katharsis.
Das kardinale Ärgernis der vorangegangenen Filme
Lars von Triers scheint damit überwunden: jene anmaßend
manipulative Erzählhaltung, die es ihm gestattete,
sich selbst offenen Auges auf Widersprüche und Provokationen
seiner Stoffe einzulassen und dabei seine Heldinnen
so ahnungs- wie widerstandlos in ihre Opferrolle
zu schicken. Die Resolutheit, mit der Grace Vergeltung
übt für Demütigung und Unterdrückung, stellt mithin
auch einen unwiderruflichen Wendepunkt in von
Triers Weltsicht dar.
Die Welt als Laboratorium
An Dreyer bewundert von Trier die Reinheit des Stils.
Bei allem weltstürzenden Bombast lassen sich seine
ästhetischen Konzepte auf dieses Prinzip zurückführen;
nicht zuletzt die Idee des »Dogmas«, die er später zwar
für »idiotisch« hielt und gegen die er nachdrücklich
(gleichsam als Widerspruchsgeist in eigener Sache) rebellierte,
die ihm im Fall von IDIOTEN in der Beschränkung
jedoch einen großen Freiraum eröffnete. Er will
sich in seinen Filmen Rechenschaft ablegen über das
Ethos des Erzählens. In seinem Frühwerk EPIDEMIC
filmt er sich selbst und seinen Drehbuchautor dabei,
wie sie über die Strukturierung der Handlung diskutieren.
In THE FIVE OBSTRUCTIONS fordert er seinen Lehrmeister,
den Dichter und Dokumentarfilmer Jørgen
Leth, auf, fünf Remakes seines Kurzfilms THE PERFECT
HUMAN zu drehen, für deren Realisierung er ihm jedesmal
ein neues Hindernis auferlegt.
Dieses Streben nach Reinheit bringt ihn vor allem dazu,
regelmäßig Weltenvisionen an abgelegenen Orten zu
entwerfen: auf einer schottischen Insel, in einer amerikanischen
Kleinstadt, einer Baumwollplantage, einem
Haus in der Wildnis oder einem Luxushotel. Das Intime
und das Universelle finden in diesen erzählerischen Laborversuchen
zusammen. Wiederum spielt er mit der
Entgrenzung. In DOGVILLE und MANDERLAY sind sämtliche
Interieurs Außenszenen. Die Räume sind nur mehr
Grundrisse, Wände und Mauern existieren nicht. Die
verschmitzte Aussparung beinahe jeglicher Architektur
soll man nicht als Leerstelle empfinden, sondern als
Lars von Trier
69
AnTicHRiST

Lars von Trier
70
Sprungbrett der Phantasie. Es fällt nicht schwer, darin
eine strenge Variation der Dogma-Ideen zu lesen: eine
Wette, wie weit man gehen kann mit der Beschränkung
der filmischen Mittel.
Gerhard Midding
NYHTERINO (NOCTURNE) – Dänemark 1980 – R:
Lars von Trier – B: Lars von Trier, Tom Elling – D: Yvette,
Solbjørg Højfeldt, Anne-Lise Gabold – 7 min, OmeU –
Ein Albtraum und ein Telefongespräch. Eine Frau, die
kein Licht vertragen kann, steht vor der Entscheidung,
ob sie am Morgen nach Buenos Aires fliegen soll.
NOCTURNE, entstanden an Den Danske Filmskole,
gewann beim Internationalen Festival der Filmhochschulen
in München 1981 den Preis für den besten
Film. – FORBRYDELSENS ELEMENT (THE ELEMENT
OF CRIME) – Dänemark 1983 – R: Lars von Trier – B:
Lars von Trier, Niels Vørsel – K: Tom Elling – M: Bo Holten
– D: Michael Elphick, Me Me Lei, Esmond Knight,
Jerold Wells, Preben Lerdorff Rye, Astrid Henning-Jensen
– 103 min, OmU – Der Kriminalbeamte Fisher
kehrt erstmals nach 13 Jahren aus Kairo nach Europa
zurück und lässt sich mit Hilfe von Hypnose in die Vergangenheit
nach Europa zurückversetzen, um eine
Mordserie aufzuklären. »Gemeinsam mit Kameramann
Tom Elling schuf Trier eine monochrom gelb bis rotbraun
gefärbte, ebenso klaustrophobisch beklemmende
wie hypnotisch-faszinierende Kinowelt, in der
sich die Kamera mit äußerster Präzision in atemberaubenden,
noch nie gesehenen Perspektiven durch den
Raum bewegte.« (Achim Forst) »Wir wollten keinen
Kunstfilm machen. Wir wollten zeigen, dass man ein
bestimmtes Genre, zum Beispiel den Kriminalfilm, auf
eine andere Weise benutzen kann, als man es gewohnt
ist.« (Lars von Trier)
▶ Mittwoch, 16. Mai 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Freitag,
18. Mai 2012, 21.00 Uhr
EPIDEMIC – Dänemark 1987 – R: Lars von Trier – B:
Lars von Trier, Niels Vørsel – K: Henning Bendtsen, Lars
von Trier, Niels Vørsel – M: Peter Bach – D: Lars von
Trier, Niels Vørsel, Udo Kier, Susanne Ottesen, Svend Ali
Hamann, Gitte Lind – 106 min, OmU – Zwei Drehbuchautoren,
Trier und Vørsel, müssen innerhalb von fünf
Tagen das Manuskript für einen Film erarbeiten, in dem
die Bevölkerung Europas von einer geheimnisvollen
Seuche dahingerafft wird. Während ihrer Recherchen
bemerken sie jedoch nicht, dass ihre Filmidee längst
von der Realität eingeholt wurde. EPIDEMIC wird so
neben dem Spiel zwischen den Welten auch zum Spiel
mit den Genres. Vom Horror wird in den Autorenfilm gesprungen,
vom visuell Künstlerischen kippt es zur reinen
Splatterästhetik. Der Film-im-Film ist genauso experimentell
wie schizophren.
▶ Samstag, 19. Mai 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Dienstag,
22. Mai 2012, 18.30 Uhr
MEDEA – Dänemark 1988 – R: Lars von Trier – B: Preben
Thomsen, Lars von Trier, nach dem Bühnenstück
von Euripides – K: Sejr Brockmann – M: Joakim Holbek
– D: Udo Kier, Kirsten Olesen, Henning Jensen, Solbjørg
Højfeldt, Preben Lerdorff Rye – 77 min, OmeU – Lars
von Trier bearbeitete für diese Fernsehproduktion ein
Drehbuch von Carl Theodor Dreyer, der die finstere Tragödie
von Euripides an den Nordseemarschen angesiedelt
hat. Die Natur des Nordens wirkt dabei wie die eigentliche
Protagonistin des Films: Seelenlandschaften
der Einsamkeit, der Düsternis und Verzweiflung. Medea,
die Zaubererin, schenkt Jason ihre bedingungslose
Liebe und tötet sogar den eigenen Bruder, um den sie
verfolgenden Vater aufzuhalten. Doch Jason verlässt
Medea wegen einer anderen Frau. Aus Schmerz über
seinen Verrat an ihrer Liebe vergiftet sie nicht nur ihre
Rivalin, sondern tötet auch die beiden gemeinsamen
Kinder. Die Geschichte der Medea hat Lars von Trier in
silbergraues Licht getaucht, das an expressionistische
Stummfilme erinnert.
▶ Sonntag, 20. Mai 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Mittwoch,
23. Mai 2012, 18.30 Uhr
THE MAKING OF LARS VON TRIER – Vortrag mit Filmbeispielen
von Peter Schepelern in englischer Sprache
mit vielen Filmbeispielen – 90 min – Peter Schepelern
war in den 1970er Jahren Lars von Triers Dozent an
der Kopenhagener Universität und verfolgte dessen
Filmschaffen von Beginn an. Er präsentiert die un -
bekanntere Seite des Regisseurs – die Filme, die er in
seiner Kindheit gedreht hat, von Triers Studentenfilme,
Werbefilme und Musikvideos. Darüberhinaus spricht er

über Lars von Trier als einen der bekanntesten und originellsten
gegenwärtigen Autorenfilmer. – BEFRIEL-
SES BILLEDER (BILDER DER BEFREIUNG) – Dänemark
1982 – R: Lars von Trier – B: Lars von Trier, Tom
Elling – K: Tom Elling – M: Ars Nova, Bo Holten – D: Edward
Flemming, Kirsten Olesen – 57 min, OmeU – Lars
von Triers Abschlussfilm an der Dänischen Filmschule,
eine eigenwillige Montage aus altem, dokumentarischem
Material und nachgedrehten fiktiven Szenen.
Kopenhagen im Mai 1945: Ein Wehrmachtsoffizier
flieht aus dem Internierungslager, um seine dänische
Freundin wiederzusehen. Die aber hat sich inzwischen
einer Widerstandsgruppe angeschlossen und feiert mit
ihnen die Kapitulation der Deutschen.
▶ Freitag, 25. Mai 2012, 21.00 Uhr
EUROPA – Dänemark 1990 – R: Lars von Trier – B:
Niels Vørsel, Lars von Trier – K: Henning Bendtsen,
Jean-Paul Meurisse, Edward Klosinski – M: Joakim Holbek
– D: Jean-Marc Barr, Barbara Sukowa, Udo Kier,
Ernst-Hugo Järegard, Eddie Constantine – 112 min,
OmU – Leopold, ein Amerikaner deutscher Abstammung,
arbeitet als Schlafwagenschaffner im Deutschland
unmittelbar nach 1945. Draußen herrscht Finsternis,
und in ihr treiben Werwölfe ihr Unwesen, die den
Krieg noch immer nicht verloren geben wollen. Lars
von Trier arbeitet mit Doppel- und Mehrfachbelichtungen,
schwarz-weißen Bildern, in die wie ein Schock die
Farbe eindringt, und mit farbigen Großaufnahmen von
Gesichtern, in deren Hintergrund der weitere Handlungsablauf
schwarz-weiß projiziert wird. Von Trier begreift
Kino als gigantische Hypnose-Maschine und versucht,
durch einen Erzähler aus dem Off den Zuschauer
in die Geschichte einzubeziehen.
▶ Samstag, 26. Mai 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Dienstag,
29. Mai 2012, 18.30 Uhr
BREAKING THE WAVES – Dänemark 1996 – R+B:
Lars von Trier – K: Robby Müller – M: Joakim Holbek –
D: Emily Watson, Stellan Skarsgård, Katrin Cartlidge,
Jean-Marc Barr, Udo Kier – 159 min, OmU – In einem
abgelegenen Dorf auf den Äußeren Hebriden heiraten
in den 1970er Jahren die strenggläubige, unerfahrene
Bess und der charismatische Bohrinselarbeiter Jan,
den sie abgöttisch liebt. Als er zurück auf die Bohrinsel
muss, scheint sie an dem Abschied zu zerbrechen. Ihr
Gebet für seine baldige Rückkehr wird in tragischer
Konsequenz erhört: Ein Unfall hat den Geliebten lebensgefährlich
verletzt, Jan ist gelähmt, die hochemotionale
Bess gibt sich die Schuld dafür. Nachdem seine bisherigen
Filme von der Existenz des Bösen erzählt hätten,
habe er einen Film machen wollen, in dem »alle treibenden
Kräfte ›gut‹« seien, so von Trier; aber »weil ›das
Gute‹ oft missverstanden wird, weil wir ihm so selten
begegnen, entstehen Spannungen«. »BREAKING THE
WAVES ist in jeder Hinsicht ein Film über Entgrenzung.«
(Antje Flemming)
▶ Sonntag, 27. Mai 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Mittwoch,
30. Mai 2012, 19.00 Uhr
RIGET (HOSPITAL DER GEISTER) – Dänemark 1994 –
R: Lars von Trier – B: Lars von Trier, Niels Vørsel, Tomas
Gislason – K: Eric Kress – M: Joakim Holbek – D: Ernst-
Hugo Järegard, Kirsten Rolffes, Ghita Nørby, Søren Pilmark,
Annevigg Schelde Ebbe, Udo Kier, Otto Brandenburg
– 278 min, OmU – »Wenn die Welt traurig ist,
dann weinen die Kinder. Wenn die Welt schrecklich ist,
dann weinen die Erwachsenen. Aber was ist mit der
Welt, wenn sogar die Häuser anfangen zu weinen?« Im
Reichskrankenhaus von Kopenhagen findet der Geist
des 1919 ermordeten Mädchens Mary erst seine Ruhe,
als sich eine simulierende Patientin, Sigrid Drusse, seiner
annimmt. Doch damit ist das Böse noch längst
nicht aus der Welt verbannt. Lars von Triers zeigt in dieser
Fernsehserie intelligentes, atmosphärisch dichtes,
unheimliches Kino, das eine spirituelle Welt gegen die
der wissenschaftlichen Erklärungen abgrenzt. Absurde
Experimen te und geheime Bruderschaften werden aufgedeckt,
der schwedische Arzt gibt seiner Verachtung
für alles Dänische freien Lauf. Nur das mongoloide
Paar, das in der Küche Teller wäscht, spürt und sieht
mehr als andere und kommentiert die Handlung wie ein
antiker Chor.
▶ Montag, 28. Mai 2012, 18.00 Uhr
RIGET II (HOSPITAL DER GEISTER 2) – Dänemark
1997 – R: Lars von Trier, Morten Arnfred – B: Lars von
Trier, Niels Vørsel, Morten Arnfred – K: Eric Kress – M:
Joakim Holbek – D: Ernst-Hugo Järegard, Kirsten Rolf-
Lars von Trier
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Lars von Trier
72
DAnceR in THe DARK
fes, Ghita Nørby, Søren Pilmark, Holger Juul Hansen,
Brigitte Raaberg, Baard Owe – 286 min, OmU – Die
zweite Staffel von Lars von Triers eigenwilliger Krankenhausserie,
die nach und nach ihre satirischen Bezüge
verliert und sich mehr dem Schrecken und dem Horror
widmet. »In dieser Nachfolgestaffel fährt von Trier inhaltlich
und inszenatorisch schwerere Geschütze auf.
Seine neuerliche Auseinandersetzung mit der von der
Wissenschaftlichkeit verdrängten spirituellen Welt, in
der durch Überheblichkeit ›Dampf und Kälte zurückgekehrt‹
sind, zeigt den Kampf des Bösen um die Vorherrschaft
und dessen enormen Sog, der alles und jeden
mitzureißen imstande ist.« (Hans Messias) Am Ende
jeder Episode tritt von Trier persönlich auf, fragt den Zuschauer
ebenso süffisant wie provozierend, ob er weiter
bei der Stange bleibt: »Sollten Sie sich wider Erwarten
dazu entschließen, ein wenig Zeit mit uns zu verbringen,
dann sollten sie alles so nehmen, wie es
kommt, das Gute wie das Böse.«
▶ Sonntag, 3. Juni 2012, 18.00 Uhr
IDIOTERNE (IDIOTEN) – Dänemark 1998 – R+B+K:
Lars von Trier – D: Bodil Jørgensen, Jens Albinus, Anne
Louise Hassing, Troels Lyby, Nicolaj Le Kaas – 114 min,
OmU – Die Geschichte einer Mittelklasse-Clique, die
nichts so sehr verabscheut wie ihre Herkunft. Abgeschottet
in einer feudalen Villa, unternehmen die jungen
Leute Feldzüge gegen das Gutbürgerliche, gebaren
sich in der Öffentlichkeit als lallende und sabbernde
Irre, bringen jede Gesellschaft zum Platzen und zwingen
den Mitbürgern Peinlichkeiten ohne Ende auf. In
diesen Kreis gerät die in sich gekehrte Karen. »Abgründe
der Ausbeutung tun sich auch in dieser stressfreien
Gemeinschaft auf. Vom sanften Psychoterror bis
zum erzwungenen Gruppensex reichen die Maßnahmen,
die den vermeintlich paradiesischen Zustand aufrecht
erhalten sollen, im Grunde aber Szenen aus der
Hölle sind.« (Hans Messias)
▶ Freitag, 1. Juni 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Dienstag, 5. Juni
2012, 18.30 Uhr
DANCER IN THE DARK – Dänemark 2000 – R+B: Lars
von Trier – K: Robby Müller – M: Björk – D: Björk, Catherine
Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Joel
Grey, Udo Kier – 140 min, OmU – Anfang der 1960er
Jahre lebt die alleinerziehende Mutter Selma in einem
Wohnwagen in Washington State und arbeitet in einer
Fabrik. Aufgrund einer Erbkrankheit verliert sie rapide
ihr Sehvermögen. Um ihrem Sohn Gene dieses Schicksal
zu ersparen, spart sie jeden Cent für die rettende
Operation. »Die Filmmusik wurde von der isländischen
Sängerin und Performerin Björk komponiert und interpretiert.
Insofern ist das Musical das Ergebnis eines Zusammentreffens
zwischen dem tiefsinnigen Provokateur
von Trier hinter der Kamera und der waghalsigen
Interpretin Björk vor der Kamera. In einer Kollision der
Gegensätze haben die beiden sowohl beeindruckende
Kinomomente als auch abgrundtiefe Irritation geschaffen:
Die Kraft der Stimme, die die Welt verändern kann,
ist auch die Kraft der Verstörung.« (Charles Martig)
▶ Samstag, 2. Juni 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Mittwoch,
6. Juni 2012, 18.30 Uhr
DOGVILLE – Dänemark 2003 – R+B: Lars von Trier –
K: Anthony Dod Mantle – D: Nicole Kidman, Harriet Andersson,
Lauren Bacall, Jean-Marc Barr, James Caan,
Ben Gazzara – 178 min, OmU – Eine Passionsgeschichte
im Stil einer Theateraufführung, die ausschließlich
im Studio mit einem auf dem Boden markierten
Stadtplan sowie echten Kulissen und Geräuschen
gedreht wurde. Ort der Handlung ist das abgelegene
Dorf Dogville, irgendwo in den Rocky Mountains,

dessen Einwohner ein bescheidenes und gleichförmiges,
aber glückliches Leben führen. Hier taucht eines
Tages Grace auf, die auf der Flucht vor Gangstern ist.
Da Grace als Verbrecherin gesucht wird und von den
Dorfbewohnern abhängig ist, wird Grace immer gnadenloser
ausgebeutet, erniedrigt, beleidigt und ver -
gewaltigt. »Lars von Trier erzählt eine ganz einfache Geschichte,
und zugleich gelingt es ihm einmal mehr, das
Kino zum Raum religiös-ethischer Reflexionen über Erlösung
und Vergebung, aber auch soziologischer Reflexionen
über Schein und Sein zu machen.« (Ulrich Kriest)
▶ Mittwoch, 13. Juni 2012, 19.00 Uhr ▶▶ Freitag,
15. Juni 2012, 21.00 Uhr
DOGVILLE CONFESSIONS – Dänemark 2003 –
R+B+K: Sami Saif – 53 min, OmeU – Sami Saif hat die
Dreharbeiten zu Lars von Triers Film DOGVILLE beobachtet
und eine sogenannte »confession box« aufgestellt
– ein kleines Beichthaus mit Kamera, der sich
Lars von Trier und seine Stars Nicole Kidman, Stellan
Skarsgård, Lauren Bacall, James Caan und andere
während der Dreharbeiten anvertrauten. – A CONVER-
SATION WITH LARS VON TRIER – Kanada 2005 –
R+B+K: Eva Ziemsen – M: Peter Aalbaek Jensen –
15 min, engl.OF – Die Filmemacherin Eva Ziemsen war
entschlossen, ihr Vorbild Lars von Trier zu interviewen,
auch wenn es bedeutete, dem Regisseur nackt gegenüber
zu sitzen … – DIMENSION 1991-2024 – Dänemark
2010 – R: Lars von Trier – B: Lars von Trier, Niels
Vørsel – D: Jean-Marc Barr, Katrin Cartlidge, Eddie Constantine,
Udo Kier, Stellan Skarsgård – 27 min, engl.OF
– Ein abgebrochenes Projekt von Lars von Trier, bei dem
er jedes Jahr drei Minuten Film ohne Drehbuch herstellen
wollte, 33 Jahre lang.
▶ Samstag, 16. Juni 2012, 21.00 Uhr
DE FEM BENSPAEND (THE FIVE OBSTRUCTIONS –
DIE FÜNF HINDERNISSE) – Dänemark 2004 – R: Jørgen
Leth, Lars von Trier – K: Dan Holmberg – M: Henning
Christiansen, Fridolin Nordsø, Kristian Leth – D:
Jørgen Leth, Lars von Trier, Jacqueline Arenal, Daniel
Hernández Rodriguez, Patrick Bauchau – 90 min, OmU
– Lars von Triers Hommage an den Regisseur des Kurzfilms
THE PERFECT HUMAN (1967), Jørgen Leth. Gemeinsam
entwickeln sie ein System, nach dem Leth
seinen eigenen Klassiker fünf Mal nacheinander adaptieren
soll: mit Kuba als Drehort und mit nur zwölf Bildern
pro Einstellung, in einem Armenviertel in Bombay
spielend, mit völlig frei entschiedenen formalen und inhaltlichen
Vorgaben, als Animationsfilm. »THE FIVE OB-
STRUCTIONS offenbart sich primär als filmische Liebeserklärung:
an einen Menschen und dessen Arbeit
sowie an das Kino schlechthin.« (Claus Löser)
▶ Sonntag, 17. Juni 2012, 21.00 Uhr
OCCUPATIONS – Dänemark 2007 – R+B+K: Lars von
Trier – D: Lars von Trier, Jacques Frantz – 3 min, OmU
– Lars von Trier wird von einem penetranten Geschäftsmann
belästigt, der während der Vorstellung von MAN-
DERLAY neben ihm im Kino sitzt. – MANDERLAY – Dänemark
2005 – R+B: Lars von Trier – K: Anthony Dod
Mantle – D: Bryce Dallas Howard, Willem Dafoe, Isaach
de Bankolé, Danny Glover, Lauren Bacall – 139 min,
OmU – Bühnenartige Sets wie in DOGVILLE, diesmal allerdings
spielt Bryce Dallas Howard die Gangstertochter
Grace. Diese hat es an die Tore einer Baumwollplantage
verschlagen, in der im Jahr 1933 noch immer das
Gesetz der Sklaverei herrscht, was Grace nicht akzeptieren
will. Sie trotzt ihrem Vater einen Teil seiner Bande
ab und entlässt die Sklaven unter ihrer Aufsicht in die
Freiheit – mit der diese nicht viel anzufangen wissen.
Lars von Trier
73
mAnDeRlAy

Lars von Trier
74
Lars von Trier: »Was Grace fehlt, ist politischer Pragmatismus:
sie ist halt zu dumm und zu idealistisch. Und
viel zu emotional. So sollte man in der Politik nicht sein,
weil man so nichts erreicht.«
▶ Dienstag, 19. Juni 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Freitag,
22. Juni 2012, 21.00 Uhr
DIREKTØREN FOR DET HELE (THE BOSS OF IT ALL) –
Dänemark 2006 – R+B: Lars von Trier – K: Claus Rosenløv
Jensen – D: Jens Albinus, Peter Gantzler, Benedikt
Erlingsson, Iben Hjelje, Fridrik Thór Fridriksson –
99 min, OmU – Eine Bürokomödie über die Mechanismen
des globalisierten Kapitalismus. In einer IT-Firma
müssen unangenehme Entscheidungen getroffen werden.
Ravn, dem harmoniesüchtigen Chef, behagen die
Konsequenzen seiner Führungsrolle jedoch gar nicht,
weshalb er einen Vorgesetzten in den USA erfindet. In
seiner Not engagiert er den erfolglosen Schauspieler
Christoffer, der diese Rolle improvisierend spielen
muss. Lars von Trier hat für diesen Film ein formales
Verfahren entwickelt, das die Improvisation der Schauspieler
bestens unterstützt: Mit der Aufnahmetechnik
Automavision wird ein vorher exakt festgelegter Bildausschnitt
durch einen Computer mit Zufallsgenerator
neu definiert und die ursprüngliche Harmonie zerstört.
▶ Mittwoch, 20. Juni 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Samstag,
23. Juni 2012, 21.00 Uhr
ANTICHRIST – Dänemark 2009 – R+B: Lars von Trier
– K: Anthony Dod Mantle – D: Willem Dafoe, Charlotte
Gainsbourg – 109 min, OmU – In drei Kapiteln, gerahmt
von Prolog und Epilog, entfaltet sich die Geschichte
eines namenlosen Ehepaars, das eingangs
seinen kleinen Sohn verliert und schwer an diesem Verlust
zu tragen hat. Um die Agonie seiner Frau zu kurieren,
nimmt ihr Mann, ein Therapeut, die Behandlung in
die eigenen Hände. Dabei wird deutlich, dass über den
Verlust des Kindes hinaus schwer benennbare Ängste
die Frau erdrücken. »Ein verstörender, mit apokalyptischen
Bildern aufgeladener Horrortrip in menschliche
Abgründe, dessen barock wucherndes Zeichenarsenal
eine Vielzahl an Deutungen von psychologischen Lesarten
bis mythologischen Versuchen ermöglicht. Wollte
man es begrifflich auf Schlagwörter bringen, dann handelt
ANTICHRIST von Sex und Schuld, Misogynie und
Rationalität, Herrschaft und Hexerei, Paradies und
Hölle.« (Josef Lederle)
▶ Sonntag, 24. Juni 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Dienstag,
26. Juni 2012, 18.30 Uhr
MELANCHOLIA – Dänemark 2011 – R+B: Lars von
Trier – K: Manuel Alberto Claro – D: Kirsten Dunst,
Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Jesper Christensen,
Charlotte Rampling, John Hurt, Udo Kier –
135 min, OmU – Das erste Kapitel widmet sich Justine,
der ihre Schwester Claire eine glamouröse und perfekt
organisierte Hochzeit auf dem Landsitz ihres Mannes
ausrichtet. Doch Justines Depression lässt sich immer
weniger unterdrücken. Der zweite Teil des Films trägt
Claires Namen. Er ist von der Nachricht geprägt, dass
ein Planet, Melancholia, an den nächsten Tagen knapp
an der Erde vorbeirasen soll. »Leben gibt es nur auf der
Erde – und nicht für lange Zeit: Vielleicht ist diese im
Film formulierte Einsicht, die tatsächlich Grund zur Melancholie
geben kann, die tiefere Motivation für diesen
Film. Je näher dieses Ende rückt, umso zärtlicher erscheint
nun auch der Blick des Regisseurs auf seine Figuren.«
(Rüdiger Suchsland)
▶ Mittwoch, 27. Juni 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Freitag,
29. Juni 2012, 21.00 Uhr
melAncHOliA

Das Kino träumt
HUgO
Drei Filme, die im letzten Jahr Premiere hatten, Anfang
2012 in den deutschen Kinos anliefen und bei der
Oscar-Verleihung 2012 als Favoriten gelten, beschäftigen
sich mit der Filmgeschichte: Martin Scorseses
HUGO setzt dem Filmpionier Georges Méliès ein Denkmal,
Michel Hazanavicius’ THE ARTIST widmet sich
dem Übergang vom Stumm- zum Tonfilm, Simon Curtis’
MY WEEK WITH MARILYN zeigt die Ereignisse während
der Dreharbeiten zu THE PRINCE AND THE SHOWGIRL
von Laurence Olivier (der im Filmmuseum am 26. Juli
zu sehen ist). In Zeiten, in denen das Filmmaterial zugunster
digitaler Daten verschwindet und die letzten
klassischen Einzelkinos schließen, üben sich die Filme
in Nostalgie und beschwören die große Kinozeit in aufwändigen
Filmproduktionen.
THE ARTIST erzählt seine Geschichte in Schwarzweiß
und als Stummfilm, wobei ihm das Kunststück gelingt,
nicht bloß Stummfilmklischees nachzuahmen, sondern
einen ganz eigenen Charme und Stil zu entwickeln. MY
WEEK WITH MARILYN beschwört die 1950er standesgemäß
in CinemaScope und Farbe und zeigt eine umwerfende
Michelle Williams. Martin Scorsese rekonstruiert
akribisch genau das Glashaus-Studio von Georges
Méliès und lässt Ben Kingsley in der Rolle des vereinsamten
Méliès brillieren, der mit seiner eigenen Vergangenheit
bereits abgeschlossen hat. Am Ende von
HUGO werden die alten Filme von Méliès plötzlich auch
dreidimensional – womit Scorsese vorausgreift, was
Regisseure wie George Lucas und James Cameron im
Frühjahr 2012 mit der Wiederaufführung ihrer Filme
STAR WARS und TITANIC versuchen: Die 3D-Technik
soll die alten Filme »zeitgemäß« erneuern. Ob solche
technischen Eingriffe Klassiker wirklich »verbessern«,
sei dahingestellt – die Einspielergebnisse werden die
Entscheidung beeinflussen, ob noch weitere große
Klassiker kostenträchtig in 3D konvertiert werden. Angeblich
wird dies mit einigen Chaplin-Filmen schon versucht
…
Dass der Traum des Kinos, die dritte Dimension erfahrbar
zu machen, nicht neu ist und seit Beginn der Filmgeschichte
immer präsent war, zeigt der Vortrag »Geschichte
des 3D-Films«. Er präsentiert 3D-Filmbeispie -
le von 1900 bis heute, darunter Filme von Georges
Méliès, die dieser mit einer synchronisierten Doppel -
kamera gedreht hat und die man heute tatsächlich
ohne nachträgliche Konvertierung in 3D vorführen
kann. Der Vortrag zeigt aber auch, dass die 3D-Wellen
im Kino immer wieder verebbt sind und eine völlige Umstellung
der Filmproduktion auf 3D wohl noch einige
Zeit ein Traum bleiben wird. Stefan Drößler
Das Kino träumt
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Das Kino träumt
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GESCHICHTE DES 3D-FILMS – Vortrag mit Filmbeispielen
von Stefan Drößler – 121 min – Mit seltenem
historischem Bildmaterial, 3D-Filmausschnitten und
der Erläuterung der verschiedenen technischen Systeme
unternimmt Stefan Drößler einen Streifzug durch
eine parallele Filmgeschichte. Verblüffenderweise ha -
ben bereits die Pioniere des Films, Max Skladanowski,
Louis Lumière und Georges Méliès, bewusst oder unbewusst
mit stereoskopischen Aufnahmeverfahren experimentiert.
Während der Olympischen Spiele 1936
wurden in Deutschland die ersten 3D-Filme hergestellt,
1945 entstand in der Sowjetunion der erste abendfüllende
3D-Spielfilm der Filmgeschichte. Erfolgreiche
Versuche in Ungarn und Großbritannien läuteten dann
1953 die erste große 3D-Welle in Hollywood ein, die
nächste bezog Anfang der 1980er Jahre auch Europa
und Asien mit ein. Das digitale Kino ermöglicht nun seit
einigen Jahren eine noch weiter verbesserte 3D-Projektion,
doch es stellt sich die Frage: Braucht das Kino
das 3D wirklich? Wird das Interesse nicht wie in der
Vergangenheit nach kurzer Zeit schon nachlassen?
▶ Donnerstag, 7. Juni 2012, 19.00 Uhr
HUGO (HUGO CABRET) – USA 2011 – R: Martin Scorsese
– B: John Logan, nach dem Roman von Brian
Selznick – K: Robert Richardson – M: Howard Shore –
D: Asa Butterfield, Chloe Grace Moretz, Ben Kingsley,
Sacha Baron Cohen, Christopher Lee, Jude Law –
126 min, OF, 3D – »Erst als sich das Geheimnis um Méliès
lüftet, zieht uns HUGO in seinen Bann. In Rückblenden
sieht man den Visionär das erste Filmstudio der
Welt bauen und liebevoll special effects kreieren. Originalclips
der ersten Werke der Lumière-Brüder und von
Méliès lassen das Herz von Film-Aficionados höherschlagen.
Von da an packt uns HUGO emotional am
Kragen, und lässt uns nicht mehr los. Die Faszination
des bewegten Bilds, die Tragik des vergessenen Genies,
die Generationen-übergreifende Sehnsucht nach
Magie im Alltag, das alles transportiert Scorsese meisterhaft
in ein bewegendes Finale.« (Catharina Steiner)
▶ Freitag, 8. Juni 2012, 21.00 Uhr
THE ARTIST – Frankreich 2011 – R+B: Michel Hazanavicius
– K: Guillaume Schiffman – M: Ludovic Bource
– D: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman,
James Cromwell, Penelope Ann Miller – 100 min, engl.
OF – »Für einen Stummfilm-Star bedeutet die Umstellung
der Hollywood-Industrie auf die Talkies Ende der
1920er Jahre das Ende seiner Karriere und ein persönliches
Desaster. Ein Starlet, das ihn liebt und das mit
der Veränderung des Mediums groß herauskommt, versucht,
ihn zu retten. Als Hommage auf die Erzählkunst
des frühen Kinos verzichtet der Film auf Farbe, Geräusche
und Sprache und zündet ein Feuerwerk an Inszenierungseinfällen,
um die ureigensten Ausdrucksmittel
des filmischen Mediums hochleben zu lassen. Eine genussvolle,
elegante Beschwörung der Zeitlosigkeit und
Magie des Kinos.« (Felicitas Kleiner)
▶ Samstag, 9. Juni 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Dienstag,
12. Juni 2012, 18.30 Uhr
MY WEEK WITH MARILYN (MEINE WOCHE MIT MA-
RILYN) – GB 2011 – R: Simon Curtis – B: Adrien Hodges,
nach dem Buch von Colin Clark – K: Ben Smithard
– M: Conrad Pope – D: Michelle Williams, Eddie Redmayne,
Julia Ormond, Kenneth Branagh, Dougray Scott,
Judi Dench – 99 min, OmU – Eine Woche bei den Dreharbeiten
zu THE PRINCE AND THE SHOWGIRL mit Marilyn
Monroe, Laurence Olivier und, als dritter Assistent,
Colin Clark. »Der Film stellt recht genau die damaligen
Dreharbeiten in den Pinewood Studios nach. Doch das
interessiert kaum, ebensowenig wie das, was in dieser
berühmten Woche passiert sein soll. Was zählt ist die
Performance von Michelle Williams. Sie zeigt so viele
Facetten Marilyns, die öffentliche und die private, die
echte und die gespielte. Wir haben Monroe nicht näher
gekannt, aber wir glauben, dass sie so oder so ähnlich
gewesen sein muss.« (Roger Ebert)
▶ Sonntag, 10. Juni 2012, 21.00 Uhr

Zuschauerkino
?
Zweimal im Jahr bietet das Zuschauerkino des Münchner
Filmzentrums (MFZ) allen, die Filme machen, die
Gelegenheit, ihre Filme auf der Leinwand des Filmmuseums
zu sehen und andere Filmemacher zu treffen.
Filme einreichen können alle, die einen Kurzfilm gedreht
haben, egal ob Profi oder Amateur, unabhängig
vom Inhalt oder Format des Films, ob Spielfilm oder Dokumentation,
Real- oder Animationsfilm. Es können nur
Filme gezeigt werden, die persönlich von Beteiligten
vorgestellt werden. Im Anschluss an die Vorführung bietet
das MFZ eine Begegnungsmöglichkeit, damit Teilnehmer
und Zuschauer noch leichter miteinander ins
Gespräch kommen können (für Erfrischungen ist gesorgt).
Dies sind die Spielregeln: Die Filme müssen bis zum
14. Juni 2012 im Filmmuseum eingereicht werden.
Möglich sind die Formate 35mm, 16mm, DigiBeta,
BetaSP, VHS, MiniDV, DVD und Blu-ray (keine Down -
load-Links). Zugelassen werden nur Filme bis zu 15 Minuten
Länge und maximal zwei Filme desselben Filmemachers.
MFZ und Filmmuseum behalten sich vor,
Filme nicht zuzulassen, wenn sie als für die Veranstaltung
ungeeignet eingestuft werden. Sollten mehr Filme
angemeldet werden als Vorführzeit zur Verfügung steht,
werden die Veranstalter eine Auswahl treffen, wobei die
Reihenfolge der Anmeldungen berücksichtigt wird. Alle
Filmemacher, deren Filme im Programm gezeigt werden,
können an der Kasse bis zu fünf Freikarten für den
Zuschauerkino-Filmabend erhalten. Darüber hinaus bestehen
keine weiteren Verpflichtungen des Filmmuseums.
Es wird vorausgesetzt, dass die Filmemacher
über die Rechte an den von ihnen eingereichten Filmen
verfügen und diese am Abend vor der Projektion kurz
vorstellen.
Kontakt: E-Mail (zuschauerkino@yahoo.de), Telefon
(089-233 20538), Fax (089-233 23931) oder Post
(Filmmuseum München, St.-Jakobs-Platz 1, 80331
München).
▶ Donnerstag, 28. Juni 2012, 19.00 Uhr (Die Filme -
macher sind anwesend)
Zuschauerkino
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Zum 50. Todestag von Marilyn Monroe
Marilyn Monroe
78
THe Seven yeAR iTcH
Marilyn Monroe –
Ich möchte geliebt werden
Über Marilyn ist alles gesagt, geschrieben und spekuliert
worden. Hunderte Annäherungen. Hunderte Versionen
ihrer Herkunft, ihrer Karriere und ihres Todes. In
meinem Film habe ich versucht, möglichst nur Menschen
vor die Kamera zu holen, die sie nachweislich gekannt
haben. Die meisten von ihnen leben heute nicht
mehr. Meine Überlegungen zu Marilyn sind das Ergebnis
dessen, was meine Gesprächspartner mir On- und
Off-Kamera erzählt haben.
Über ihren Tod
Für mich besteht kein Zweifel, dass Marilyn ermordet
worden ist. Über einen überdosierten Einlauf, den ihr
ihre Haushälterin, eine ausgebildete Krankenschwester,
verabreicht hat. Die entsprechenden Ergebnisse der
Autopsie verschwanden, wie mir der bei der Autopsie
anwesende Staatsanwalt erzählt hat. Vermutlich haben
Robert Kennedy und der Polizeichef von Los Angeles
dann dafür gesorgt, dass Marilyns Tod als »vermutlich
Selbstmord« dargestellt wurde.
Robert Kennedy, einer der letzten Lover und Besucher
Marilyns, hatte starkes Interesse, ihren Tod als Selbstmord
darzustellen. Weil sie sich von den Kennedys abgeschoben
fühlte, hatte Marilyn damit gedroht, ihre Affäre
mit den Kennedy-Brothers publik zu machen, was
vernichtend für deren Reputation gewesen wäre. Und
eine Untersuchung in Sachen Mord hätte die Beziehung
zu den Kennedys offenbart. Und genau das war
offenbar der Grund für Marilyns Ermordung – ihr Tod
sollte die Kennedys vorführen und politisch vernichten.
Es scheint heute immer wahrscheinlicher, dass Marilyns
Haushälterin im Auftrag der Mafia handelte. Die
Mafia hatte JFK geholfen, Präsident der USA zu werden.
Teil des Deals war es offenbar, dass die Kennedys
im Gegenzug die Mafia in Ruhe operieren lassen sollten.
Als Robert Kennedy dann begann, gegen die Mafia
vorzugehen, wurde das als Bruch der Absprache empfunden.
Als der Mafia-Plot über die Ermordung Marilyns
nicht funktionierte, die Kennedys zu beschädigen
und zu warnen, nahm das organisierte Verbrechen JFK
und Robert Kennedy selbst ins Visier. Erfolgreich, wie
man weiß.

Was über ihre Karriere zu sagen ist
Marilyn hat ein Leben lang andere ausgebeutet – und
ist ein Leben lang von anderen ausgebeutet worden.
Als sie ganz am Anfang in einer internen Studio-Revue
auftreten sollte, bootete sie ihre beste Freundin durch
eine Intrige aus. Ihre erste bemerkenswerte Filmrolle
bekam sie, weil sie mit einem dreimal so alten Agenten
eine Affäre begann. Marilyn war alles andere als das
naive Blondchen. Sie war smart, immer auf ihren Vorteil
bedacht und sie konnte über Leichen gehen, um ihre
Ziele zu erreichen.
Und sie begriff als einer der ersten Stars die Macht der
Medien. Sie spielte genial auf der Medien-Klaviatur. Marilyn
war, lange bevor sie eine Filmkamera sah, das am
meisten photographierte Mädchen Amerikas: Tausende
Titelbilder irgendwelcher Magazine, Millionen Fotos.
Mit den meisten Photographen fing sie eine Affäre an –
und wenn einer einmal nicht wollte, verfiel sie in Depression.
Sie wollte geliebt werden. Immer. Ähnlich wie
James Dean hat sie die Photographie bis zum Ende
ihres Lebens ganz bewusst und brillant zur Selbst-Promotion
eingesetzt.
Sie hat mit bemerkenswerten Regisseuren gearbeitet,
aber seltsamerweise waren ihre Filme nur selten so gut
wie sie in ihnen war. Sie glaubte, schauspielerisch dazulernen
zu müssen, begab sich in die Gewalt einer
Acting-Trainerin, die alle Regisseure und Produzenten
zur Verzweiflung trieb, und lieferte sich dann den Ausbeutungs-Mechanismen
des Actors-Studio aus, weil
sie hoffte, so zur Popularität auch noch das Prestige geliefert
zu bekommen. Nicht nur in diesem Fall steckte
Marilyn einmal mehr in einer Give-and-Take-Situation.
Meine Marilyn-Vision artikuliert sich übrigens am
schönsten in Filmen wie NIAGARA, GENTLEMEN PRE-
FER BLONDES, BUS STOP, RIVER OF NO RETURN und
SOME LIKE IT HOT. Egal unter welchen Qualen bei allen
Beteiligten Filme wie diese entstanden – für mich sind
diese Filme »ihre« Filme, wenn ich an Marilyn denke.
Und was ihre Herkunft angeht
Es gibt die süße Geschichte, dass das Waisenkind Marilyn
im Bettchen lag, durch das Fenster den Wasserturm
des Filmstudios sah und davon träumte, dort in
diesem Studio ein Star zu werden. Dann gibt es die Geschichte
von der angeblich geistesgestörten Mutter, die
Klein-Marilyn abgeschoben hat und von den mal guten,
mal bösen Pflegeeltern. Und dann die Geschichte vom
Vater, der sich abgesetzt hat und den Marilyn nur einmal
am Telefon gesprochen hat, woraufhin Dad erklärte,
nicht mehr belästigt werden zu wollen. Alles Geschichten,
die uns einfach zwingen, dieses vom Leben
gezeichnete und missbrauchte Mädchen zu lieben, das
dann in einer Fallschirm-Fabrik schuftete bis Ronald
Reagans Propaganda-Mannen ihr Gesicht und wahrscheinlich
nicht nur die Ausstrahlung ihres Gesichts
entdeckten.
Was da geboren wurde und was bis heute bleibt ist das
Phänomen Marilyn Monroe:
Es gibt zahllose Theorien, warum Marilyn Monroe zum
Star der Stars wurde. Sicher spielt ihre Verletzlichkeit
eine große Rolle, wobei sich die Frage stellt, ob wir da
nicht ganz brav ihre private Problematik auf ihre Leinwand-Präsenz
projizieren.
Sicher spielt eine dominierende Rolle ihre Ausstrahlung
auf den Photos und vor der Kamera. Die Kamera hat sie
geliebt wie selten jemanden zuvor. Alles andere zählt
vielleicht nicht.
Kluge Analytiker haben festgestellt, dass das Phänomen
Marilyn auch eine Kombination diverser Mythen
ist: Sie ist einerseits der verführerische Vamp, auf den
Marilyn Monroe
79

Marilyn Monroe
die Männer heftig reagieren. Und sie ist andererseits
die fast hilflose, naive Unschuld, die bei den Frauen im
Publikum den Beschützer-Instinkt weckt. Der Effekt ist
jedenfalls, dass die Frauen den Vamp Marilyn nicht als
Bedrohung empfinden.
Legendär sind die Anekdoten von Marilyn als Set-Phänomen:
Sie tauchte nie pünktlich auf, weil sie sich stundenlang
in ihrer Garderobe verschanzte. Und sie konnte
sich keinen Dialog merken. Sie stand mit ihren Problemen
immer im Zentrum des Geschehens, was ihre
Partner oft zu Wutausbrüchen hinriss, denn immer
wenn Marilyn endlich einmal eine Einstellung gelang,
wurde diese genommen, egal wie gut oder schlecht
ihre Partner sein mochten.
Marilyn schaffte es auch da immer, »geliebt« zu werden,
alle Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Aber es ist
ja auch, wie einer ihrer Freunde einmal sagte: Gleichgültig,
wie nervtötend es war mit ihr zu arbeiten, wenn
man dann die Muster sah, war alles vergessen …
Und die private Marilyn?
Ich glaube, eine private Marilyn existierte nicht. Sie inszenierte
ihr Leben wie einen Film. Sie nahm sich gezielt
die Männer, von denen sie sich etwas versprach –
eine Hollywood-Karriere, zusätzliche Popularität bei den
Sport-Fans oder zusätzliche Anerkennung bei der Intelligenz.
Ich würde nicht sagen, dass alles an und um Marilyn
nur Berechnung war, aber sie führte als einer der ersten
Stars eine Art öffentlicher Existenz. Und ob sie wirklich
eine Familie gründen und unbedingt ein Kind
haben wollte, ist vielleicht auch nur wieder eine dieser
herzzerreißenden Marilyn-Geschichten, die uns zwingen
sollen, sie zu lieben.
Schon klar, dass Marilyn in manchen Momenten sicher
wusste, wer sie wirklich war und darüber mit viel Alkohol
und anderen Drogen hinweg kommen wollte und
musste. Ohne Skandale und Schwächen – auch das
hat Marilyn sehr früh begriffen, spätestens als sie »aus
Not« Nacktfotos machte – gibt es keine nachhaltige
Karriere. Das war schon eine Lektion der Stummfilm-
Stars.
Und Marilyn Monroe unterhält und fasziniert uns auch
heute immer noch mit ihren Inszenierungen vor und
hinter der Kamera.
Sie ist in der Götterwelt Hollywoods Aphrodite und Apoll,
Artemis und eben auch Zeus. Forever.
Eckhart Schmidt
80
RiveR OF nO ReTURn

MARILYN MONROE – MIT IHREN EIGENEN WORTEN
– Deutschland 2007 – R+B: Eckhart Schmidt – K:
Steve Etkins – M: Toti Basso – 30 min – »Der Film ist
faszinierend, weil er Marilyns Standpunkte aus Print-Interviews
zu allen Fragen von Ehe, Beruf, Sex, Karriere,
Hollywood wiedergibt. Und er funktioniert wie ein Trailer
zu meinem eigentlichen Marilyn-Film.« (Eckhart
Schmidt) – MARILYN MONROE – ICH MÖCHTE GE-
LIEBT WERDEN – Deutschland 2011 – R+B: Eckhart
Schmidt – K: Steve Etkins, Hans Albrecht Lusznat, Thomas
Rist, Jens Thiele, Mark Molesworth – M: Toti
Basso – Mit Mickey Rooney, Tony Curtis, Jane Russell,
Don Murray, John Gilmore, George Barris, Arnold
Newman, Douglas Kirkland, Diane Herbert, Lawrence
Schiller, Bob Willoughby, Murray Garrett, Peter Bogdanovich,
Steven Gaydos, Milton Weiss, John W.Miner –
90 min – Eckhart Schmidt lässt vor allem Zeugen zu
Wort kommen, die Marilyn Monroe wirklich gekannt
haben, die mit ihr befreundet waren und mit ihr gearbeitet
haben. Der Film konzentriert sich auf die Kindheit,
die Karriere, die Männer-Geschichten und die
Träume und Traumata von Marilyn, und macht schließlich
die Ereignisse nachvollziehbar, die zu ihrem Tod geführt
haben.
▶ Sonntag, 8. Juli 2012, 18.30 Uhr (Zu Gast: Eckhart
Schmidt)
THE ASPHALT JUNGLE (ASPHALT-DSCHUNGEL) –
USA 1950 – R: John Huston – B: Ben Maddow, John
Huston, nach einem Roman von W. R. Burnett – K:
Harold Rosson – M: Miklós Rózsa – D: Sterling Hayden,
Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James
Whitmore, John McIntire, Marc Lawrence, Marilyn
Monroe, Barry Kelley – 112 min, OF – Gerade aus der
Haft entlassen, plant Dix Handley ein letztes ganz
großes Ding. Er stellt ein ideales Team zusammen,
nichts wird dem Zufall überlassen, der Raub soll wie
ein Uhrwerk ablaufen, und dann raus aus dem Asphaltdschungel
der Stadt, aufs Land, ins Grüne. Ein Pferdehof
wäre sein Traum. THE ASPHALT JUNGLE war der
erste Kriminalfilm, der aus der Perspektive der Täter
erzählte. Keine Figur spielt mit offenen Karten, alle bemühen
sich ihre Emotionen zu verbergen, doch was im
Inneren geschieht, verrät uns Miklós Rózsas Musik voll
irrationaler romantischer Sehnsucht. Marilyn spielt die
Geliebte eines korrupten Rechtsanwalts, die dieser als
seine Nichte vorstellt. »Crime is a left-handed form of
human endeavour.« (Sam Jaffe als Doc Erwin Riedenschneider)
▶ Dienstag, 10. Juli 2012, 20.00 Uhr ▶▶ Freitag,
13. Juli 2012, 18.30 Uhr
ALL ABOUT EVE (ALLES ÜBER EVA) – USA 1950 –
R+B: Joseph L. Mankiewicz – K: Milton Krasner – M:
Alfred Newman – D: Bette Davis, George Sanders,
Anne Baxter, Celeste Holm, Hugh Marlowe, Gregory Ratoff,
Marilyn Monroe – 138 min, OmU – Ein alternder
Broadwaystar (Davis) gerät unter den Einfluss einer jungen
Schauspielerin (Baxter), hinter deren Bewunderung
sich ganz eigene Pläne verbergen. Marilyn Monroes
kleine Rolle erregte großes Aufsehen, ihre beiden Szenen
leiten jeweils entscheidende Wendepunkte ein.
Man findet darin schon viele der Charakteristika, auf
die sie später festgelegt wurde und gegen die sie oft
erfolglos aufbegehrte. Die Starbesetzung jagte ihr
schreckliche Angst ein, doch Regisseur Mankiewicz
gab ihr die nötige Lockerheit. Der Kollege Gregory Ratoff
prophezeite am Set »That girl ees goink to be a
beeg star!«
▶ Mittwoch, 11. Juli 2012, 20.00 Uhr ▶▶ Samstag,
14. Juli 2012, 18.30 Uhr
LOVE NEST – USA 1951 – R: Joseph M. Newman – B:
I.A.L. Diamond, nach einem Roman von Scott Corbett –
K: Lloyd Ahern – M: Cyril Mockridge – D: June Haver,
William Lundigan, Frank Fay, Marilyn Monroe, Jack
Paar, Leatrice Joy – 84 min, OF – Ein Schriftsteller und
seine Frau investieren in ein Mietshaus, doch anstatt
endlich Zeit fürs Schreiben zu haben, beanspruchen
die Aufregungen rund um die Mieter ihre ganze Aufmerksamkeit.
Eine witzige und abwechslungsreiche
Komödie der Irrungen, unkonventionell besetzt und mit
einer nicht klischierten Rolle für Marilyn Monroe als
ehemaliges Mitglied des militärischen Frauenkorps.
Das temporeiche und pointierte Drehbuch von I.A.L.
Diamond (der regelmäßig mit Billy Wilder arbeitete)
führt souverän durch die Verwicklungen der Handlung.
▶ Donnerstag, 12. Juli 2012, 20.00 Uhr
CLASH BY NIGHT (VOR DEM NEUEN TAG) – USA
1952 – R: Fritz Lang – B: Alfred Hayes, nach einem
Stück von Clifford Odets – K: Nicholas Musuraca – M:
Roy Webb – D: Barbara Stanwyck, Paul Douglas, Robert
Ryan, Marilyn Monroe, Keith Andes, J. Carroll
Naish – 105 min, OF – Desillusioniert und hart geworden,
kehrt ein Frau aus der Großstadt in den kleinen
Fischerort ihrer Jugend zurück. Aus Sehnsucht nach
Geborgenheit gibt sie dem Werben eines Fischers nach,
doch sie hat sehr viel Seelengepäck mitgebracht. Parallel
dazu wird die Geschichte eines jungen Paares im
Ort erzählt. »Mehr als Barbara Stanwyck in der Hauptrolle
überzeugt dabei Marilyn Monroe, die man bislang
wohl noch nie so nett und natürlich und so angenehm
Marilyn Monroe
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Marilyn Monroe
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ihrer koketten Unarten entkleidet sah.« (Franziska Violet)
Stilistisch ist CLASH BY NIGHT weniger Melodram
als film noir, und der Beginn gleicht gar einem kompakten
Dokumentarfilm: Die Dreharbeiten begannen mit
Verzögerung, und so hatten Fritz Lang und sein Team
Gelegenheit, die Arbeit der Fischer zu begleiten.
▶ Freitag, 13. Juli 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Sonntag,
15. Juli 2012, 18.30 Uhr
WE’RE NOT MARRIED! (WIR SIND GAR NCHT VER-
HEIRATET) – USA 1952 – R: Edmund Goulding – B:
Nunnally Johnson – K: Leo Tover – M: Cyril Mockridge –
D: Ginger Rogers, Fred Allen, Victor Moore, Marilyn
Monroe, David Wayne, Eve Arden, Paul Douglas, Louis
Calhern, Zsa Zsa Gabor, Mitzi Gaynor, Eddie Bracken,
James Gleason, Jane Darwell – 86 min, OF – Alles auf
Anfang: Fünf Paare müssen feststellen, dass ihre Ehen
nicht gültig sind. Die einzelnen Sketche hätten sehr
leicht zu einer öden Aufzählung verkommen können,
doch die brillant besetzte Komödie bleibt abwechslungsreich
und gleitet dabei nie in die Putzigkeit ab. In
der stärksten Episode ist Marilyn Monroe eine Schönheitskönigin,
James Gleason ihr gerissener Manager
und David Wayne ihr Ehemann, der verlangt, dass seine
Frau an den häuslichen Herd zurückkehre.
▶ Samstag, 14. Juli 2012, 21.00 Uhr
DON’T BOTHER TO KNOCK (VERSUCHUNG AUF 809)
– USA 1952 – R: Roy Ward Baker – B: Daniel Taradash,
nach einem Roman von Charlotte Armstrong – K: Lucien
Ballard – M: Lionel Newman – D: Marilyn Monroe,
Richard Widmark, Anne Bancroft, Donna Corcoran,
Jeanne Cagney – 76 min, OF – Ein Pilot, dessen Freundin
ihm gerade den Laufpass gegeben hat, sucht Anschluss
bei einer jungen Frau, die in seinem Hotel als
Babysitterin arbeitet. Als er erkennt, dass die seelisch
kranke Frau auf eine Krise zusteuert, gerät das Leben
des ihr anvertrauten Kindes in Gefahr. Der packende,
verstörende Thriller des Briten Roy Ward Baker bot Marilyn
Monroe ihre bis dahin größte und schwierigste
Rolle. Drehbuch und Regie steigern gnadenlos die
Spannung, und die komplexen Figuren sind angenehm
frei von Stereotypen.
▶ Sonntag, 15. Juli 2012, 21.00 Uhr
MONKEY BUSINESS (LIEBLING, ICH WERDE JÜN-
GER) – USA 1952 – R: Howard Hawks – B: Ben Hecht,
Charles Lederer, I.A.L. Diamond – K: Milton Krasner –
M: Leigh Harline – D: Cary Grant, Ginger Rogers, Charles
Coburn, Marilyn Monroe, Hugh Marlowe – 97 min,
OF – Einem Versuchsaffen gelingt, woran die Wissenschaftler
scheitern: Er mixt unbemerkt ein höchst wirksames
Verjüngungsmittel, bringt es in die Wasserversorgung
des Labors ein und eröffnet allen Beteiligten
durch die Droge neue, enthemmte Handlungsoptionen.
Marilyn Monroe spielt eine Sekretärin, die sich nicht
durch berufliche Qualifikationen oder Intelligenz auszeichnet.
Die Screwball Comedy war als Starvehikel für
Cary Grant und Ginger Rogers geplant, doch die aufstrebende
Marilyn Monroe, die eigentlich nur eine
Nebenrolle spielte, zog alle Aufmerksamkeit auf sich.
Howard Hawks beschrieb Marilyn als »the most frightened
little girl on that movie, who had no confidence in
her ability. A very strange girl. But when she got out in
front of the camera, the camera liked her. Suddenly,
she was a great sex symbol. Cary was a lot of help with
her in MONKEY BUSINESS. She listened to him.«
▶ Dienstag, 17. Juli 2012, 20.00 Uhr
NIAGARA – USA 1953 – R: Henry Hathaway – B: Charles
Brackett, Walter Reisch, Richard Breen – K: Joe
MacDonald – M: Sol Kaplan – D: Joseph Cotten, Marilyn
Monroe, Jean Peters, Don Wilson, Casey Adams –
92 min, OF – Ist George Loomis krankhaft eifersüchtig
und schwer paranoid, oder ist es wahr, dass seine Frau
vorhat, ihn loszuwerden? Hathaway hatte für die Figur
eigentlich James Mason im Sinn, doch dessen Tochter
wollte ihren Papa nicht in dieser Rolle sehen. »Excellent

suspenser with breathtaking locations; in the best Hitch -
cock class« (Leslie Halliwell). Die aufgeladene, gespann -
te Atmosphäre wird in dramatische Bildkompositionen
mit umwerfenden Technicolor-Akzenten umgesetzt, Sol
Kaplans Musik verleiht den Bildern zusätzliche Wucht,
der Campingplatz an den Niagarafällen wird zu einem
fast mythischen Zwischenreich zwischen Leben und
Tod, und Marilyn Monroe singt zu einer Schallplatte Lionel
Newmans Hit »Kiss«. »The only movie that explored
the mean, unsavoury potential of Marilyn Monroe’s
cuddly, infantile perversity« (Pauline Kael)
▶ Mittwoch, 18. Juli 2012, 20.00 Uhr ▶▶ Freitag,
20. Juli 2012, 18.30 Uhr
GENTLEMEN PREFER BLONDES (BLONDINEN BE-
VORZUGT) – USA 1953 – Howard Hawks – B: Charles
Lederer, nach einem Roman von Anita Loos – K: Harry
J. Wild – Choreographie: Jack Cole – M: Jule Styne &
Leo Robin, Hoagy Carmichael & Harold Adamson – D:
Jane Russell, Marilyn Monroe, Charles Coburn, Tommy
Noonan, George Winslow – 91 min, OF – Zwei Tänzerinnen
aus Little Rock reisen nach Paris, die eine sucht
Liebe, die andere eine gute Partie. Vielleicht finden sie
ja schon auf dem Dampfer Kandidaten? GENTLEMEN
PREFER BLONDES beruht auf einem Stoff aus den
1920er Jahren, er wurde einer der beliebtesten Filme
mit Marilyn Monroe (mit den berühmten Nummern
»Diamonds Are a Girl’s Best Friend« und »Anyone Here
for Love?«) und blieb ihre einzige Zusammenarbeit mit
Jane Russell. »It was a complete caricature, a travesty
on sex. It didn’t have normal sex. Jane Russell was supposed
to represent sanity.« (Howard Hawks)
▶ Donnerstag, 19. Juli 2012, 20.00 Uhr ▶▶ Samstag,
21. Juli 2012, 18.30 Uhr
HOW TO MARRY A MILLIONAIRE (WIE ANGELT MAN
SICH EINEN MILLIONÄR?) – USA 1953 – R: Jean Negulesco
– B: Nunnally Johnson – K: Joe MacDonald –
M: Cyril Mockridge – D: Lauren Bacall, Marilyn Monroe,
Betty Grable, William Powell, Cameron Mitchell, David
Wayne, Rory Calhoun – 96 min, OF – Drei New Yorker
Models kratzen ihr letztes Geld zusammen, mieten ein
teures Appartement und schwören einander, nicht
mehr ihrem Herzen zu folgen, sondern Millionäre zum
Heiraten zu finden. Es kommt, wie es kommen muss.
Jean Negulescos eleganter und großzügig ausgestatteter
Film war eine der ersten Komödien in CinemaScope
und bietet eine Fülle von Schauwerten (in den Studiowie
in den Außenaufnahmen). Besonders ungewöhnlich
ist ein ausführliches Orchestervorspiel vor den Titeln,
das nicht als Ouvertüre im Dunklen läuft, sondern
die Musiker in Farbe und Breitwand präsentiert.
▶ Freitag, 20. Juli 2012, 21.00 Uhr
RIVER OF NO RETURN (FLUSS OHNE WIEDERKEHR)
– USA 1954 – R: Otto Preminger – B: Frank Fenton –
K: Joseph La Shelle – M: Cyril Mockridge – D: Robert
Mitchum, Marilyn Monroe, Tommy Rettig, Rory Calhoun,
Murvyn Vye – 91 min, OF – Ein verwitweter Farmer, der
gerade eine Haftstrafe verbüßt hat, holt seinen kleinen
Sohn zu sich und lernt so die Saloonsängerin kennen,
die sich um den Jungen kümmerte. Sie begegnen ein -
ander wieder, als die Sängerin mit ihrem Begleiter auf
dem Weg in die Goldfelder ist. Als ein Angriff feindlicher
Indianer droht, macht sich der Begleiter davon. Der Farmer,
sein Sohn und die Sängerin fliehen auf einem Floß
flußabwärts. RIVER OF NO RETURN ist voller starker
Symbole und nutzt das CinemaScope-Format ausgesprochen
innovativ. Bald bietet er einen weiten Ausblick,
der einen regelrechten Sog entwickelt, bald ist
die Leinwand bis zum Rand mit kleinen Ereignissen gefüllt,
bald können Bildinhalte neben dem eigentlichen
Geschehen unaufdringlich dargeboten werden, die im
Normalformat durch einen Schnitt mit Bedeutsamkeit
aufgeladen würden.
▶ Samstag, 21. Juli 2012, 21.00 Uhr ▶▶ Sonntag,
22. Juli 2012, 18.30 Uhr
Marilyn Monroe
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THERE’S NO BUSINESS LIKE SHOW BUSINESS
(RHYTHMUS IM BLUT) – USA 1954 – R: Walter Lang –
B: Phoebe & Henry Ephron – K: Leon Shamroy – M: Lionel
Newman, Alfred Newman, Irving Berlin – D: Ethel
Merman, Dan Dailey, Marilyn Monroe, Donald O’Connor,
Mitzi Gaynor – 117 min, OF – Eine Familiengeschichte
auf den Vaudeville-Bühnen und im Leben. Irving Berlins
Melodien und die mit großem Aufwand und viel Liebe
zum Detail betriebene Beschwörung einer untergegangenen
Bühnenwelt ergeben eine einmalige Kombination.
Walter Lang gelingt das Kunststück, Irving Berlins
Klassiker »Heat Wave« und »After You Get What You
Want You Don’t Want It« als große Marilyn-Bühnennummern
zu inszenieren und diese organisch in den Fluss
des Films und den Handlungsablauf einzufügen.
▶ Sonntag, 22. Juli 2012, 21.00 Uhr
THE SEVEN YEAR ITCH (DAS VERFLIXTE 7. JAHR) –
USA 1955 – R: Billy Wilder – B: Billy Wilder, George
Axelrod, nach dem Bühnenstück von George Axelrod –
K: Milton Krasner – M: Alfred Newman – D: Marilyn
Monroe, Tom Ewell, Evelyn Keyes, Robert Strauss,
Sonny Tufts, Oskar Homolka, Marguerite Chapman –
105 min, OF – Wer kann, verlässt während der mörderisch
heißen Hochsommertage New York. Der daheimgebliebene
Strohwitwer (Tommy Ewell) spinnt derweil
Fantasien über seine Nachbarin (Marilyn Monroe). »Sex
im Konjunktiv: Jeder Satz des Trostes und der Ermunterung,
jeder Augenaufschlag, jede aufreizende Geste
von Marilyn sind auch an uns Zuschauer gerichtet. Insofern
ist THE SEVEN YEAR ITCH sehr viel erotischer als
etwa harte Sex-Filme oder gar Pornos. Denn so ungeniert
werden die Lüste des Zuschauers sonst selten angesprochen.«
(Claudius Seidl)
▶ Dienstag, 24. Juli 2012, 20.00 Uhr ▶▶ Samstag,
28. Juli 2012, 18.30 Uhr
Marilyn Monroe, hat es schwer damit, sich so ungelenk
und untalentiert anzustellen, wie sie es in BUS STOP
tut, wenn sie Arlen-Mercers That Old Black Magic massakriert.
Cheries anrührende Unfähigkeit ist Monroes
große Kunst, frei von jeder Eitelkeit.
▶ Mittwoch, 25. Juli 2012, 20.00 Uhr ▶▶ Sonntag,
29. Juli 2012, 18.30 Uhr
THE PRINCE AND THE SHOWGIRL (DER PRINZ UND
DIE TÄNZERIN) – GB 1957 – R: Laurence Olivier – B:
Terence Rattigan, nach seinem Stück »The Sleeping
Prince« – K: Jack Cardiff – M: Richard Addinsell – D:
Laurence Olivier, Marilyn Monroe, Sybil Thorndike, Richard
Wattis, Jeremy Spenser – 115 min, OF – Die Liebesgeschichte
zwischen einem ausländischen Großherzog,
der 1911 als Gast zur Krönungsfeier von George I.
in London geladen ist, und einer amerikanischen Tänzerin.
Zunächst sucht er lediglich ein Abenteuer und sie
will ihn abblitzen lassen, doch als sie seine politischen
Marilyn Monroe
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BUS STOP – USA 1956 – R: Joshua Logan – B: George
Axelrod, nach einem Stück von William Inge – K:
Milton Krasner – M: Alfred Newman, Cyril Mockridge –
D: Marilyn Monroe, Don Murray, Betty Field, Arthur
O’Connell, Eileen Heckart, Hans Conried – 96 min, OF –
Cherie singt in einem miesen kleinen Café. Als Bo sie
dort sieht, ist es um ihn geschehen. Wie soll das gut -
gehen? Auf ihrer Bühne ist sie zurechtgemacht wie ein
Spielzeug. »Bei jeder anderen wäre das unerträglich gewesen,
billig und ohne Schönheit. Bei Marilyn sieht es
aus, als würde dies alles von einem wirklichen wahrhaftigen
Engel getan, den kein Schmutz dieser Welt beschmutzen
kann.« (Helma Sanders-Brahms) Wer singen
kann und sich auf der Bühne zu bewegen weiß wie

Ränkespiele sieht, ergreift sie die Initiative. Die Konstellation
auf der Leinwand und hinter der Kamera (Monroe
und Olivier produzierten den Film auch) beförderte Vermutungen,
hier ahme die Kunst das Leben nach: Der
große Schauspieler Olivier habe davon geträumt, ein
Weltstar zu sein, und der Weltstar Marilyn Monroe
davon, eine große Schauspielerin zu sein. Von den
Dreharbeiten zu THE PRINCE AND THE SHOWGIRL handelt
der Spielfilm MY WEEK WITH MARILYN, den das
Filmmuseum am 10. Juni 2012 zeigt.
▶ Donnerstag, 26. Juli 2012, 20.00 Uhr
SOME LIKE IT HOT (MANCHE MÖGEN’S HEISS) –
USA 1959 – R: Billy Wilder – B: Billy Wilder, I.A.L. Diamond
– K: Charles Lang Jr. – M: Adolph Deutsch – D:
Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George
Raft, Joe E. Brown – 121 min, OmU – Chicago 1929.
Zwei Musiker werden Zeugen des Valentinstag-Massakers
und müssen untertauchen. Als Frauen verkleidet,
schließen sie sich einer Damenkapelle an, die nach Florida
unterwegs ist. Doch wie wollen sie in Marilyn Monroes
Gegenwart an ihrem Versteckspiel festhalten?
Immer dann, wenn die Grundkonstellation dieser Komödie
ausgereizt erscheint, nimmt die Geschichte eine unerwartete
Wendung. Das Drehbuch strotzt vor geschliffenen
Dialogen und ausgesuchten Bosheiten. Und
wenn Tony Curtis den einzigartigen Tonfall Cary Grants
exakt trifft, erntet er nur ein lapidares »nobody talks like
that«.
▶ Freitag, 27. Juli 2012, 21.00 Uhr
LET’S MAKE LOVE (MACHEN WIR’S IN LIEBE) – USA
1960 – R: George Cukor – B: Norman Krasna – K: Daniel
L. Fapp – M: Lionel Newman, Earl H. Hagen, songs
Sammy Cahn, Jimmy Van Heusen – D: Yves Montand,
Marilyn Monroe, Tony Randall, Wilfrid Hyde-White, Frankie
Vaughan – 119 min, OF – Als ein Milliardär erfährt,
dass sich eine Broadwayshow über ihn lustig machen
will, bewirbt er sich dort als Darsteller seiner selbst. So
hofft er, der Sängerin Amanda näher zu kommen. LET’S
MAKE LOVE entwickelt seine Komik mehr aus seinen
Charakteren als aus der Grundsituation, und der Milliardär
stemmt sich vehement gegen die Vorstellung vom
»Charakter als Schicksal«. Besonders schön ist das zu
sehen, wenn der steife Bürohengst die besten Trainer
engagiert, um bühnentauglich zu werden: Bing Crosby,
Gene Kelly und Milton Berle eilen zu Hilfe!
▶ Samstag, 28. Juli 2012, 21.00 Uhr
THE MISFITS (NICHT GESELLSCHAFTSFÄHIG) – USA
1961 – R: John Huston – B: Arthur Miller – K: Russell
Metty – M: Alex North – D: Clark Gable, Marilyn Monroe,
Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter –
124 min, OmU – In Reno begegnen sich einige ziellose
Gestalten: Ein alternder Cowboy, eine frisch geschiedene
Nachtklubtänzerin, ein ehemaliger Bomberpilot,
ein abgetakelter Rodeoreiter. Sie alle sind psychisch
verletzt, sie alle fragen sich, ob sie gescheitert sind.
Aus ihrer Begegnung gehen sie alle verändert hervor.
Keiner offenbart sich ganz; den emotionalen Kern artikuliert
Alex Norths bewegende Musik. Arthur Miller
schrieb das Drehbuch für seine Frau Marilyn Monroe.
John Huston: »She went right down into her own personal
experience for everything, reached down and pulled
something out of herself that was unique and extraordinary.«
Clark Gable spielte in THE MISFITS seine letzte
Rolle; auch Marilyn Monroe stellte keinen weiteren Film
mehr fertig.
▶ Freitag, 27. Juli 2012, 18.30 Uhr ▶▶ Sonntag,
29. Juli 2012, 21.00 Uhr
Marilyn Monroe
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münchen
Kalenderübersicht
86
So, 26.2. 11.00 Neuer Deutscher Film München ehrt die Unterzeichner des Seite 4
»Oberhausener Manifests«
Ansprache: Christian Ude. Zu Gast: Bernhard Dörries, Rob
Houwer, Alexander Kluge, Dieter Lemmel, Ronald Martini,
Hansjürgen Pohland, Edgar Reitz, Wolfgang Urchs
17.30 Film & Psychoanalyse EDIPO RE – BETT DER GEWALT (1967)
Einführung: Salek Kutschinski, Heidi Spanl
21.00 Margarethe von Trotta LA FUGA DI TERESA – TERESAS FLUCHT (2011)
Zu Gast: Margarethe von Trotta
Mo, 27.2. Keine Vorstellung
Di, 28.2. 19.00 Die rote Traumfabrik DIE ROTE TRAUMFABRIK (2012) / WOSSTANIJE 9
RYBAKOW – AUFSTAND DER FISCHER (1935)
Am Flügel: Richard Siedhoff
Einführung: Alexander Schwarz
Mi, 29.2. 18.30 Die rote Traumfabrik SCHACHMATNAJA GORJATSCHKA – SCHACHFIEBER 10
(1925) / AELITA – DER FLUG ZUM MARS (1927)
Am Flügel: Richard Siedhoff
21.00 Neuer Deutscher Film WAS DU ERERBT VON DEINEN VÄTERN (1957) / MAYA. 5
EIN FILM VOM DEUTSCHEN FILMNACHWUCHS (1958)
Do, 1.3. 19.00 Open Scene
Fr, 2.3. 18.30 Die rote Traumfabrik ODNA IS MNOGICH – EINE VON VIELEN (1927) / 10
POZELUI MERI PIKFORD – DER KUSS DER MARY
PICKFORD (1927)
Am Flügel: Joachim Bärenz
21.00 Neuer Deutscher Film SCHICKSAL EINER OPER (1958) / EINE STADT FEIERT 5
GEBURTSTAG (1958) / MENSCHEN IM ESPRESSO (1958)
/ DAS BEGRÄBNIS (1960) / GESICHT VON DER STANGE?
(1961) / MADELEINE, MADELEINE (1963) / … UND DANN
BYE-BYE (1965) / DER STADTSTREICHER (1966)
Sa, 3.3. 18.30 Die rote Traumfabrik MUTTER KRAUSENS FAHRT INS GLÜCK (1929) 10
Am Flügel: Joachim Bärenz
21.00 Neuer Deutscher Film BRUTALITÄT IN STEIN (1961) / DIE GARTENZWERGE 5
(1961) / NOTIZEN AUS DEM ALTMÜHLTAL (1961) /
MACHORKA-MUFF (1962) / ES MUSS EIN STÜCK VOM
HITLER SEIN (1963) / DIE WECHSLER IM TEMPEL (1965) /
WAHLKAMPF – MADE IN GERMANY (1966)
So, 4.3. 18.30 Die rote Traumfabrik ÜBERFLÜSSIGE MENSCHEN (1926) 11
Mo, 5.3.
21.00 Neuer Deutscher Film SONNABEND, 17 UHR (1966) / ZU JUNG FÜR DIE 5
LIEBE?! (1961)
Keine Vorstellung
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

münchen
Di, 6.3. 18.30 Die rote Traumfabrik PUTJOWKA W SCHISN – DER WEG INS LEBEN (1931) 11
21.00 Neuer Deutscher Film PRESSEKONFERENZ IN CANNES (1962) / DAS BROT 6
DER FRÜHEN JAHRE (1962)
Mi, 7.3. 18.30 Die rote Traumfabrik OKRAINA – VORSTADT (1933) 11
21.00 Neuer Deutscher Film »… GEIST UND EIN WENIG GLÜCK« (1965) / NEUER 6
DEUTSCHER FILM REPORT (1967) / DIE ERBEN VON PAPAS
KINO (1968) / BESONDERS WERTVOLL (1968) / VERRÄTER
DES JUNGEN DEUTSCHEN FILMS SCHLAFEN NICHT (1982)
Do, 8.3. 19.00 Open Scene
Fr, 9.3. 18.30 Die rote Traumfabrik SOROK SERDEZ – VIERZIG HERZEN (1931) / TRI PESNI 11
O LENINE – DREI LIEDER ÜBER LENIN (1934)
21.00 Jiř í Trnka ZASADIL DEDEK REPU – GROSSVATER PFLANZT EINE 15
RÜBE (1945) / PERAK A SS – DER FEDERMANN UND DIE
SS (1946) / ROMAN S BASOU – ROMAN MIT DEM KON-
TRABASS (1949) / VESELY CIRKUS – DER LUSTIGE ZIRKUS
(1951) / KYBERNETICKA BABICKA – DIE KYBERNETISCHE
GROSSMUTTER (1961) / ARCHANDEL GABRIEL A PANI
HUSA – ERZENGEL GABRIEL UND FRAU GANS (1964)
Sa, 10.3. 18.30 Die rote Traumfabrik RWANYJE BASCHMAKI – ZERRISSENE STIEFELCHEN 12
(1933)
21.00 Jiř í Trnka LOUTKY JIRIHO TRNKY – JIRI TRNKAS MARIONETTEN 15
(1969) / STARE POVESTI CESKE – ALTE BÖHMISCHE
SAGEN (1953)
So, 11.3. 18.30 Die rote Traumfabrik GIBEL SENSAZII – UNTERGANG DER SENSATION (1935) 12
21.00 Jiř í Trnka RUKA – DIE HAND (1965) / SEN NOCI SVATOJANSKE – 15
EIN SOMMERNACHTSTRAUM (1959)
Mo, 12.3. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Ignaz-Günther-Haus
Di, 13.3. 18.30 Die rote Traumfabrik SOLOTOJE OSERO – DER GOLDENE SEE (1935) 12
21.00 Neuer Deutscher Film GESCHWINDIGKEIT (1963) / ABSCHIED VON GESTERN 7
(1966)
Mi, 14.3. 18.30 Die rote Traumfabrik SLUTSCHAINAJA WSTRETSCHA – ZUFÄLLIGE BEGEG- 12
NUNG (1936)
21.00 Tony Gatlif LES PRINCES – TOD IM REGEN (1983) 26
Do, 15.3. 19.00 Open Scene
Fr, 16.3 18.30 NS-Filmpropaganda TRIUMPH DES WILLENS (1935) 20
Einführung: Karl Griep
21.00 NS-Filmpropaganda INNENANSICHTEN. DEUTSCHLAND 1937 (2012) 20
Einführung: Michael Kloft. Anschließend Diskussion mit
Michael Kloft, Karl Griep und Christian Lüffe.
Kalenderübersicht
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Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

münchen
Kalenderübersicht
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Sa, 17.3. 17.00 NS-Filmpropaganda »Unser Haus halten wir selber sauber« – Seite 20
Zur Geschichte der FSK
Vortrag von Christiane von Wahlert
18.30 NS-Filmpropaganda … REITET FÜR DEUTSCHLAND (1941) 20
Einführung: Stefan Drößler
21.00 NS-Filmpropaganda Vom Umgang mit »Vorbehaltsfilmen« 20
Diskussion mit Ernst Szebedits, Christiane von Wahlert, Hans
Schmid und Markus Zimmer. Einführung: Hans Schmid
So, 18.3. 17.00 NS-Filmpropaganda Geschichte und Struktur der 20
Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung
Vortrag von Ernst Szebedits
18.30 NS-Filmpropaganda Riefenstahl und die Folgen 20
Vortrag mit Filmbeispielen von Ernst Schreckenberg
21.00 NS-Filmpropaganda HITLERS HITPARADE (2004) 20
Einführung: C. Cay Wessnigk
Mo, 19.3. 19.00 Keine Vorstellung
Di, 20.3. 18.30 NS-Filmpropaganda HITLERJUNGE QUEX (1933) 21
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Neuer Deutscher Film KLEINE FRONT (1965) / DIE TOTE VON BEVERLY HILLS 7
(1964)
Mi, 21.3. 18.30 NS-Filmpropaganda KOPF HOCH, JOHANNES! (1941) 21
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Tony Gatlif LATCHO DROM – GUTE REISE (1993) 26
Do, 22.3. 19.00 Dieter Wieland DIE GROSSMARKTHALLE: MAGEN DER GROSSSTADT 29
(1971) / VORSTADT GIESING (1975) / DER HAUSBAUM
(1983) / GRÜN KAPUTT – LANDSCHAFT UND GÄRTEN DER
DEUTSCHEN (1983) Zu Gast: Dieter Wieland
Fr, 23.3. 18.30 Dieter Wieland UNSER DORF SOLL HÄSSLICH WERDEN (1975) / DAS 30
DACH (1980) / DER FERNPASS (1975)
21.00 Hong Sangsoo BOOK-CHON BANG-HYANG – THE DAY HE ARRIVES 34
(2011)
Sa, 24.3. 18.30 Dieter Wieland LANDSHUT ODER HAT DIE SCHÖNHEIT EINE CHANCE? 30
(1973) / LANDSHUT. GESPRÄCH ÜBER DIE PROBLEME EINER
SCHÖNEN ALTEN STADT (1973) Zu Gast: Dieter Wieland
21.00 Hong Sangsoo DAIJIGA UMULE PAJINNAL – THE DAY A PIG FELL 35
INTO THE WELL (1996)
So, 25.3. 17.30 Film & Psychoanalyse Freuds Witz und die Psychoanalyse der Filmkomik 39
Vortrag von Andreas Hamburger
DUCK SOUP – DIE MARX BROTHERS IM KRIEG (1933)
Einführung: Salek Kutschinski, Mathias Lohmer
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

münchen
So, 25.3. 21.00 Hong Sangsoo KANGWON-DO UI HIM – THE POWER OF Seite 35
KANGWON PROVINCE (1998)
Mo, 26.3. Keine Vorstellung
Di, 27.3. 18.30 NS-Filmpropaganda JUD SÜSS (1940) 21
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Neuer Deutscher Film DAS MAGISCHE BAND (1959) / DIE PARALLELSTRASSE 7
(1962)
Mi, 28.3. 18.30 NS-Filmpropaganda ROBERT UND BERTRAM (1939) 22
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Tony Gatlif GADJO DILO – GELIEBTER FREMDER (1997) 26
Do, 29.3. 19.00 Open Scene Filme (2002–2010) von Wilhelm Sasnal
Einführung: Ulrich Wilmes (Haus der Kunst)
Fr, 30.3. 18.30 Dieter Wieland FLURBEREINIGUNG ODER DIE MASCHINENGERECHTE 31
LANDSCHAFT (1974) / DIE FARBE (1982) / DER GARTEN (1981)
21.00 Hong Sangsoo O! SOO-JUNG – VIRGIN STRIPPED BARE BY HER 35
BACHELORS (2000)
Sa, 31.3. 18.30 Dieter Wieland DIE GROSSE KUNST, EIN KLEINES HAUS ZU BAUEN 31
(1988) / DER ZAUN (1995) / DORFERNEUERUNG (1990)
21.00 Hong Sangsoo SAENGHWALUI BALGYEON – TURNING GATE (2002) 35
So, 1.4. 18.30 Dieter Wieland FRIEDRICH VON GÄRTNER. DER BAUMEISTER 31
LUDWIGS I (1992) / DER JODLERSTIL (1984)
21.00 Hong Sangsoo YEOJANEUN NAMJAUI MIRAEDA – WOMAN IS THE 37
FUTURE OF MAN (2004)
Mo, 2.4. Keine Vorstellung
Di, 3.4. 18.30 NS-Filmpropaganda OHM KRÜGER (1941) 22
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Fassbinders München LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD (1969) 43
Mi, 4.4. 18.30 NS-Filmpropaganda STUKAS (1941) 22
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Tony Gatlif VENGO (2000) 26
Do, 5.4. 19.00 Open Scene
Fr, 6.4. 18.30 Rudolf Thome DAS ROTE ZIMMER (2010) 36
21.00 Hong Sangsoo KEUK JANG JEON – TALE OF CINEMA (2005) 37
Sa, 7.4. 18.30 Rudolf Thome INS BLAUE (2012) 36
Zu Gast: Rudolf Thome
21.00 Hong Sangsoo HAEBYUNEUI YOEIN – WOMAN ON THE BEACH (2006) 37
Einführung: Rudolf Thome
Kalenderübersicht
89
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

münchen
Kalenderübersicht
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So, 8.4. 18.30 Rudolf Thome DAS ROTE ZIMMER (2010) Seite 36
Zu Gast: Rudolf Thome
21.00 Hong Sangsoo BAM GUA NAT – NIGHT AND DAY (2008) 37
Einführung: Rudolf Thome
Mo, 9.4. 18.30 Rudolf Thome INS BLAUE (2012) 36
Zu Gast: Rudolf Thome
21.00 Hong Sangsoo JAL ALJIDO MOTHAMYEONSEO – LIKE YOU KNOW IT 38
ALL (2009)
Einführung: Rudolf Thome
Di, 10.4. 18.30 NS-Filmpropaganda HEIMKEHR (1941) 22
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Fassbinders München KATZELMACHER (1969) 44
Mi, 11.4. 18.30 NS-Filmpropaganda FRONTTHEATER (1942) 22
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Tony Gatlif SWING (2002) 26
Do, 12.4. 19.00 Untergang der Titanic »… und immer wieder geht sie unter!« 47
Vortrag mit Filmbeispielen von Ernst Schreckenberg
TIME TUNNEL: RENDEZVOUS WITH YESTERDAY –
WIEDERSEHEN MIT DER VERGANGENHEIT (1966)
Fr, 13.4. 18.30 Untergang der Titanic ATLANTIS (1913) 47
Am Flügel und an der Violine: Günter A. Buchwald
21.00 Hong Sangsoo VISITORS (2009) 38
Sa, 14.4. 18.30 Untergang der Titanic TITANIC. IN NACHT UND EIS (1912) / THE SINKING OF 47
THE LUSITANIA (1918) / DER UNTERGANG DER TITANIC
(2003) / DAMPFER KAPUTT! (2012)
Am Flügel und an der Violine: Günter A. Buchwald
21.00 Hong Sangsoo HAHAHA (2010) 38
So, 15.4. 18.30 Untergang der Titanic A NIGHT TO REMEMBER – DIE LETZTE NACHT DER 48
TITANIC (1958)
21.00 Hong Sangsoo OKI-EUI YONG-HWA – OKI’S MOVIE (2010) 38
Mo, 16.4. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Ignaz-Günther-Haus
Di, 17.4. 18.30 NS-Filmpropaganda GPU (1942) 22
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Fassbinders München GÖTTER DER PEST (1970) 44
Mi, 18.4. 18.30 NS-Filmpropaganda MEIN SOHN, DER HERR MINISTER (1937) 23
Einführung: Stefan Drößler
21.00 Tony Gatlif EXILS – EXIL (2004) 27
Do, 19.4. 19.00 Open Scene
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

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Fr, 20.4. 18.30 Architekturfilmtage MIES (1986) / HEARST TOWER, NEW YORK & Seite 53
TORRE AGBAR, BARCELONA (2009)
21.00 Architekturfilmtage LES MYSTERES DU CHATAU DU DE – DIE GEHEIM- 53
NISSE DES WÜRFELSCHLOSSES (1928) / HAUS
TUGENDHAT (2012)
Zu Gast: Dieter Reifarth. Einführung: Jörg Dünne
Sa, 21.4. 18.30 Architekturfilmtage CHLOE (2009) 53
21.00 Architekturfilmtage POINTS ON A LINE (2010) / PHILIP JOHNSON: DIARY 53
OF AN ECCENTRIC ARCHITECT (1996)
So, 22.4. 18.30 Architekturfilmtage LA VILLA SANTO SOSPIR (1952) / AITA – VATER (2010) 54
21.00 Architekturfilmtage IF BUILDINGS COULD TALK (2011) / LE PAYSAGE 54
INTERIEUR – DIE INNERE LANDSCHAFT (2010)
Mo, 23.4. Keine Vorstellung
Di, 24.4. 18.30 NS-Filmpropaganda BLUTSBRÜDERSCHAFT (1940) 23
Einführung: Felix Moeller
21.00 Fassbinders München WARUM LÄUFT HERR R. AMOK? (1970) 44
Mi, 25.4. 18.30 NS-Filmpropaganda VENUS VOR GERICHT (1941) 23
Einführung: Felix Moeller
21.00 Tony Gatlif TRANSYLVANIA (2006) 27
Zu Gast: Tony Gatlif
Do, 26.4. 19.00 Tony Gatlif KORKORO – FREIHEIT (2009) 27
Zu Gast: Tony Gatlif
Fr, 27.4. 18.30 Neorealismus 4 PASSI FRA LE NUVOLE – LÜGE EINER SOMMER- 58
NACHT (1942)
21.00 Stimmen der Roma CIGAN – ZIGEUNER (2011) 27
Zu Gast: Martin Šulík
Sa, 28.4. 18.30 Neorealismus I BAMBINI CI GUARDANO – DIE KINDER SEHEN UNS 58
AN (1944)
21.00 Stimmen der Roma A GYPSY IN THE CENTRAL COMMITTEE OF THE 27
BUL GARIAN COMMUNIST PARTY – EIN ZIGEUNER IM
ZENTRALKOMITEE DER BULGARISCHEN KOMMUNISTI-
SCHEN PARTEI (2008) / IO, LA MIA FAMIGLIA ROM E
WOODY ALLEN – ICH, MEINE ROMA-FAMILIE UND
WOODY ALLEN (2009)
So, 29.4. 17.30 Film & Psychoanalyse TO BE OR NOT TO BE – SEIN ODER NICHTSEIN (1942) 40
Einführung: Katharina Leube, Irmgard Nagel
21.00 Stimmen der Roma OUR SCHOOL – UNSERE SCHULE (2011) 27
Mo, 30.4.
Keine Vorstellung
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Di, 1.5. 18.30 NS-Filmpropaganda ICH KLAGE AN (1941) Seite 23
Einführung: Felix Moeller
21.00 Fassbinders München DER AMERIKANISCHE SOLDAT (1970) 44
Mi, 2.5. 18.30 NS-Filmpropaganda DIE GOLDENE STADT (1942) 23
Einführung: Felix Moeller
21.00 Neorealismus ROMA, CITTA APERTA – ROM, OFFENE STADT (1945) 58
Do, 3.5. bis Mi, 9.5.2012 DOK.fest München 63
Do, 10.5. 19.00 Open Scene SOMMERVÖGEL (2010)
Zu Gast: Paul Riniker
Fr, 11.5. 18.30 Neorealismus ROMA, CITTA APERTA – ROM, OFFENE STADT (1945) 58
21.00 Kölner Gruppe WOHNHAFT (2004) / WALDMEISTER (2007) / NACKT 67
AM SEE (2009) / INSIDE LEMKE (2007) / UNDERGROUND
ODYSSEY (2010) / WELLENREITER (2010) / CAFE KONTAKT
(2012) Zu Gast: Markus Mischkowski, Kai Maria Steinkühler,
Bernhard Marsch, Christos Dassios, Robert Nacken
Sa, 12.5. 18.30 Neorealismus SCIUSCIA – SCHUHPUTZER (1946) 58
21.00 Kölner Gruppe WARTESCHLEIFEN. KOLPORTAGEN AUS DEM 67
CALLCENTER (2010) Zu Gast: Markus Mischkowski,
Kai Maria Steinkühler, Christos Dassios
So, 13.5. 18.30 Neorealismus LADRI DI BICICLETTE – FAHRRADDIEBE (1948) 59
21.00 Kölner Gruppe AMIGO A GOGO (2008) / MAUERBLÜMCHEN (2001) / 67
BAZOOKA CAIN (1998) / KÖLNER BEWEGUNGEN (1986)
/ MARSCH & KNEPPERGES ZEIGEN (1987) / 8 ESSEN III
(1996) / JUNGE HUNDE (1993) / HALLELUJA (1995) / VER-
LANGEN (1996) / LIEBE IST GESCHMACKSSACHE (1997)
/ WOHNHAFT (2005) Zu Gast: Bernhard Marsch, Kai Maria
Steinkühler, Christos Dassios
Mo, 14.5. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Ignaz-Günther-Haus
Di, 15.5. 18.30 Neorealismus RISO AMARO – BITTERER REIS (1949) 59
21.00 Fassbinders München RIO DAS MORTES (1971) 44
Mi, 16.5. 18.30 Lars von Trier NYHTERINO – NOCTURNE (1980) / FORBRYDELSENS 70
ELEMENT – THE ELEMENT OF CRIME (1984)
21.00 Neorealismus SCIUSCIA – SCHUHPUTZER (1946 ) 58
Do, 17.5. 19.00 Open Scene
Fr, 18.5. 18.30 Neorealismus NAPOLI MILIONARIA – MILLIONENSTADT NEAPEL 59
(1950)
21.00 Lars von Trier NYHTERINO – NOCTURNE (1980) / FORBRYDELSENS 70
ELEMENT – THE ELEMENT OF CRIME (1984)
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

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Sa, 19.5. 18.30 Neorealismus IL CAMMINO DELLA SPERANZA – WEG DER Seite 59
HOFFNUNG (1951)
21.00 Lars von Trier EPIDEMIC (1987) 70
So, 20.5. 17.30 Film & Psychoanalyse THE KING OF COMEDY (1983) 40
Einführung: Matthias Baumgart, Corinna Wernz
21.00 Lars von Trier MEDEA (1988) 70
Mo, 21.5. Keine Vorstellung
Di, 22.5. 18.30 Lars von Trier EPIDEMIC (1987) 70
21.00 Fassbinders München HÄNDLER DER VIER JAHRESZEITEN (1972) 44
Mi, 23.5. 18.30 Lars von Trier MEDEA (1988) 70
21.00 Neorealismus BELLISSIMA (1951) 59
Do, 24.5. 19.00 Open Scene Underdox-Halbzeit
Fr, 25.5. 18.30 Neorealismus BELLISSIMA (1951) 59
21.00 Lars von Trier The Making of Lars von Trier 70
Vortrag mit Filmbeispielen von Peter Schepelern
BEFRIELSES BILLEDER – BILDER DER BEFREIUNG (1982)
Sa, 26.5. 18.30 Neorealismus MIRACOLO A MILANO – DAS WUNDER VON MAILAND 60
(1951)
21.00 Lars von Trier EUROPA (1990) 71
So, 27.5. 18.30 Neorealismus UMBERTO D. (1952) 60
21.00 Lars von Trier BREAKING THE WAVES (1996) 71
Mo, 28.5. 18.00 Lars von Trier RIGET – HOSPITAL DER GEISTER (1994) 71
Di, 29.5. 18.30 Lars von Trier EUROPA (1991) 71
21.00 Fassbinders München ANGST ESSEN SEELE AUF (1974) 44
Mi, 30.5. 19.00 Lars von Trier BREAKING THE WAVES (1996) 71
Do, 31.5. 19.00 Open Scene
Fr, 1.6. 18.30 Neorealismus I VITELLONI – DIE MÜSSIGGÄNGER (1953) 60
21.00 Lars von Trier IDIOTERNE – IDIOTEN (1998) 72
Sa, 2.6. 18.30 Neorealismus L’AMORE IN CITTA – LIEBE IN DER STADT (1953) 60
21.00 Lars von Trier DANCER IN THE DARK (2000) 72
So, 3.6. 18.00 Lars von Trier RIGET II – HOSPITAL DER GEISTER 2 (1997) 71
Mo, 4.6. Keine Vorstellung
Di, 5.6. 18.30 Lars von Trier IDIOTERNE – IDIOTEN (1998) 72
21.00 Fassbinders München FAUSTRECHT DER FREIHEIT (1975) 44
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Mi, 6.6. 18.30 Lars von Trier DANCER IN THE DARK (2000) Seite 72
21.00 Neorealismus CRONACHE DI POVERI AMANTI – CHRONIK ARMER 61
LIEBESLEUTE (1953)
Do, 7.6. 19.00 Das Kino träumt Geschichte des 3D-Films 76
Vortrag mit Filmbeispielen von Stefan Drößler
Fr, 8.6. 18.30 Neorealismus CRONACHE DI POVERI AMANTI – CHRONIK ARMER 61
LIEBESLEUTE (1953)
21.00 Das Kino träumt HUGO CABRET (2011) 76
Sa, 9.6. 18.30 Neorealismus VIAGGIO IN ITALIA – LIEBE IST STÄRKER (1954) 61
21.00 Das Kino träumt THE ARTIST (2011) 76
So, 10.6. 18.30 Neorealismus IL GRIDO – DER SCHREI (1957) 61
21.00 Das Kino träumt MY WEEK WITH MARILYN – MEINE WOCHE MIT 76
MARILYN (2011)
Mo, 11.6. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Ignaz-Günther-Haus
Di, 12.6. 18.30 Das Kino träumt THE ARTIST (2011) 76
21.00 Fassbinders München ICH WILL DOCH NUR, DASS IHR MICH LIEBT (1976) 45
Mi, 13.6. 19.00 Lars von Trier DOGVILLE (2003) 72
Do, 14.6. 19.00 Open Scene
Fr, 15.6. 18.30 Neorealismus BANDITI A ORGOSOLO – DIE BANDITEN VON 61
ORGOSOLO (1961)
21.00 Lars von Trier DOGVILLE (2003) 72
Sa, 16.6. 18.30 Neorealismus ACCATTONE – WER NIE SEIN BROT MIT TRÄNEN ASS 62
(1961)
21.00 Lars von Trier DOGVILLE CONFESSIONS (2003) / A CONVERSATION 73
WITH LARS VON TRIER (2005) / DIMENSION VIDEO
1991–2024 (2010)
So, 17.6. 17.30 Neorealismus ROCCO E I SUOI FRATELLI – ROCCO UND SEINE 62
BRÜDER (1960)
21.00 Lars von Trier DE FEM BENSPAEND – THE FIVE OBSTRUCTIONS (2003) 73
Mo, 18.6. Keine Vorstellung
Di, 19.6. 18.30 Lars von Trier OCCUPATIONS (2007) / MANDERLAY (2005) 73
21.00 Fassbinders München SATANSBRATEN (1976) 45
Mi, 20.6. 18.30 Lars von Trier DIREKTØREN FOR DET HELE – THE BOSS OF IT ALL 74
(2006)
21.00 Neorealismus ACCATTONE – WER NIE SEIN BROT MIT TRÄNEN ASS 62
(1961)
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

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Do, 21.6. 19.00 Open Scene
Fr, 22.6. 18.30 Neorealismus IL POSTO – DER JOB (1961) Seite 62
21.00 Lars von Trier OCCUPATIONS (2007) / MANDERLAY (2005) 73
Sa, 23.6. 18.30 Neorealismus SALVATORE GIULIANO – WER ERSCHOSS SALVA- 62
TORE G.? (1962)
21.00 Lars von Trier DIREKTØREN FOR DET HELE – THE BOSS OF IT ALL 74
(2006)
So, 24.6. 17.30 Film & Psychoanalyse SOME LIKE IT HOT – MANCHE MÖGEN’S HEISS (1959) 40
Einführung: Katharina Leube, Vivian Pramataroff
21.00 Lars von Trier ANTICHRIST (2009) 74
Mo, 25.6. Keine Vorstellung
Di, 26.6. 18.30 Lars von Trier ANTICHRIST (2009) 74
21.00 Fassbinders München DIE SEHNSUCHT DER VERONIKA VOSS (1982) 45
Mi, 27.6. 18.30 Lars von Trier MELANCHOLIA (2011) 74
21.00 Neorealismus IL POSTO – DER JOB (1961) 62
Do, 28.6. 19.00 Open Scene Zuschauerkino 77
Fr, 29.6. 18.30 Neorealismus I BASILISCHI – DIE BASILISKEN (1963) 62
21.00 Lars von Trier MELANCHOLIA (2011) 74
Sa, 30.6. bis Sa, 7.7.2012
Filmfest München
So, 8.7. 18.30 Marilyn Monroe MARILYN MONROE: MIT IHREN EIGENEN WORTEN 81
(2007) / MARILYN MONROE: ICH MÖCHTE GELIEBT
WERDEN (2011)
Zu Gast: Eckhart Schmidt
Mo, 9.7. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Ignaz-Günther-Haus
Di, 10.7. 20.00 Marilyn Monroe THE ASPHALT JUNGLE – ASPHALT-DSCHUNGEL (1950) 81
Mi, 11.7. 20.00 Marilyn Monroe ALL ABOUT EVE – ALLES ÜBER EVA (1950) 81
Do, 12.7. 20.00 Marilyn Monroe LOVE NEST (1951) 81
Fr, 13.7. 18.30 Marilyn Monroe THE ASPHALT JUNGLE – ASPHALT-DSCHUNGEL (1950) 81
21.00 Marilyn Monroe CLASH BY NIGHT – VOR DEM NEUEN TAG (1952) 81
Sa, 14.7. 18.30 Marilyn Monroe ALL ABOUT EVE – ALLES ÜBER EVA (1950) 81
21.00 Marilyn Monroe WE’RE NOT MARRIED! – WIR SIND GAR NICHT VER- 82
HEIRATET (1952)
So, 15.7. 18.30 Marilyn Monroe CLASH BY NIGHT – VOR DEM NEUEN TAG (1952) 81
21.00 Marilyn Monroe DON’T BOTHER TO KNOCK – VERSUCHUNG AUF 809 82
(1952)
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450
Kalenderübersicht
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Kalenderübersicht
Mo, 16.7. Keine Vorstellung
Di, 17.7. 20.00 Marilyn Monroe MONKEY BUSINESS – LIEBLING, ICH WERDE Seite 82
JÜNGER (1952)
Mi, 18.7. 20.00 Marilyn Monroe NIAGARA (1953) 82
Do, 19.7. 20.00 Marilyn Monroe GENTLEMEN PREFER BLONDES – BLONDINEN 83
BEVORZUGT (1953)
Fr, 20.7. 18.30 Marilyn Monroe NIAGARA (1953) 82
21.00 Marilyn Monroe HOW TO MARRY A MILLIONAIRE – WIE ANGELT MAN 83
SICH EINEN MILLIONÄR? (1953)
Sa, 21.7. 18.30 Marilyn Monroe GENTLEMEN PREFER BLONDES – BLONDINEN 83
BEVORZUGT (1953)
21.00 Marilyn Monroe RIVER OF NO RETURN – FLUSS OHNE WIEDERKEHR 83
(1954)
So, 22.7. 18.30 Marilyn Monroe RIVER OF NO RETURN – FLUSS OHNE WIEDERKEHR 83
(1954)
21.00 Marilyn Monroe THERE’S NO BUSINESS LIKE SHOW BUSINESS – 84
RHYTHMUS IM BLUT (1954)
Mo, 23.7. Keine Vorstellung
Di, 24.7. 20.00 Marilyn Monroe THE SEVEN YEAR ITCH – DAS VERFLIXTE 7. JAHR 84
(1955)
Mi, 25.7. 20.00 Marilyn Monroe BUS STOP (1956) 84
Do, 26.7. 20.00 Marilyn Monroe THE PRINCE AND THE SHOWGIRL – DER PRINZ UND 84
DIE TÄNZERIN (1957)
Fr, 27.7. 18.30 Marilyn Monroe THE MISFITS – NICHT GESELLSCHAFTSFÄHIG (1961) 85
21.00 Marilyn Monroe SOME LIKE IT HOT – MANCHE MÖGEN’S HEISS (1959) 85
Sa, 28.7. 18.30 Marilyn Monroe THE SEVEN YEAR ITCH – DAS VERFLIXTE 7. JAHR 84
(1955)
21.00 Marilyn Monroe LET’S MAKE LOVE – MACHEN WIR’S IN LIEBE (1960) 85
So, 29.7. 18.30 Marilyn Monroe BUS STOP (1956) 84
21.00 Marilyn Monroe THE MISFITS – NICHT GESELLSCHAFTSFÄHIG (1961) 85
Mo, 30.7. bis Mi, 29.8.2012
Sommerpause
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Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 96450

Für Unterstützung und Kooperation bei der Realisierung unseres Programms danken wir:
Neuer Deutscher Film · Bonner Kinemathek (Bernhard
Gugsch, Sigrid Limprecht) · Deutsche Kinemathek, Berlin (Anke
Hahn) · Filmkundliches Archiv, Köln (Leo Schönecker) ·
Film&Kunst, München (Gunter Bittmann, Ernst Schillert, Ana
Radica) · Filmmuseum Landeshauptstadt Düsseldorf (Andreas
Thein) · Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung, Wiesbaden (Gu-
drun Weiss) · Kulturreferat der Landeshauptstadt München
(Hans-Georg Küppers, Marc Gegenfurtner, Christoph Schwarz) ·
Landesmediendienste Bayern, München · Christian Doermer,
Samerberg · Ralph Eue, Berlin · Rob Houwer, München/ Amster -
dam · Christian Ketels, München · Alexander Kluge, München ·
Ferdinand Martini, Murnau · Hansjürgen Pohland, Berlin · Edgar
Reitz, München · Haro Senft, München
Die rote Traumfabrik · Deutsche Kinemathek, Berlin (Ralf
Dittrich, Dirk Förstner) · Gosfilmofond, Moskau (Valerij Bosenko)
· Österreichisches Filmmuseum, Wien (Regina Schlagnitweit,
Alexander Horwath) · Tolle Idee! Agentur, München (Alexander
Schwarz) · ZDF/Arte, Mainz (Nina Goslar)
Jiří Trnka · Tschechisches Zentrum, München (Zuzana
Jürgens, Annett Bowarzik) · Národní Filmový Archiv, Prag (Karel
Zima)
NS-Filmpropaganda · Bundesarchiv, Berlin (Karl Griep) ·
Blueprint Film, München (Felix Moeller) · Freiwiliige Selbst -
kontrolle der Filmwirtschaft, Wiesbaden (Christiane von Wahlert)
· Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung, Wiesbaden (Ernst Szebe -
dits, Gudrun Weiss) · Goethe-Institut, München (Christian Lüffe)
· Spiegel TV, Hamburg (Michael Kloft) · Michael Farin, München
· Felix Moeller, München · Hans Schmid, München · Markus
Zimmer, München
Stimmen der Roma · Offene Akademie der Münchner
Volkshochschule (Klaus Blanc) · Kulturreferat der Landes haupt -
stadt München (Christoph Schwarz) · Princes Production, Paris
(Delphine Mantoulet) · Tschechisches Zentrum, München
(Zuzana Jürgens, Annett Bowarzik) · Katrin Seybold, München
Dieter Wieland · Bayerische Architektenkammer, München
(Sabine Picklapp) · Bayerischer Rundfunk, München (Johannes
Pechtold, Eva Maria Steimle, Sabine Scharnagl) · Rainer
Gansera, München · Dieter und Heidi Wieland, Uffing
Hong Sangsoo | Rudolf Thome · Korean Film Council
(KOFIC), Seoul (Jeon Yoonhyung, Kim Uhseok) · Sungji Oh, Seoul
· Ekkehard Knörer, Berlin · Rudolf Thome, Berlin
Film und Psychoanalyse · Akademie für Psychoanalyse und
Psychotherapie, München (Matthias Baumgart, Eva Friedrich,
Andreas Hamburger, Katharina Leube-Sonnleitner, Mathias
Lohmer, Irmgard Nagel, Vivian Pramataroff-Hamburger, Heidi
Spanl, Corinna Wernz) · Cinémathèque de la Ville de Luxem -
bourg (Claude Bertemes)
Der Untergang der Titanic · Det Danske Filminstitut, Kopen -
hagen (Thomas Christensen) · Deutsche Kinemathek, Berlin
(Anke Hahn) · Alexander Kluge, München
Architekturfilmtage · Bayerische Architektenkammer,
München (Präsident Lutz Heese, Sabine Picklapp) · Film Sharks,
Buenos Aires (Guido Rud, Valeria Fanego) · Fondation Pierre
Bergé – Yves Saint Laurent, Paris (Jérôme Piodi) · Galerie
Capitain Petzel, Berlin (Svenja Schuhbauer) · Neue Road
Movies, Berlin (Wim Wenders, Stephanie Röders, Francesca
Hecht) · Parallax Corporation, New York (Mackenzie Schneider)
· Jörg Dünne, München · Fritz Göttler, München · Stephanie
Hausmann, München · Dieter Reifarth, Frankfurt · Wolf
Tegethoff, München
Italienischer Neorealismus · Cinecittà Luce, Rom (Rosaria
Folcarelli) · Istituto Italiano di Cultura, München (Giovanna
Gruber) · Margarethe von Trotta, München
Lars von Trier · Babylon Kino, Berlin (Fernando Huerta) · Den
Danske Filmskolen, Kopenhagen · Det Danske Filminstitut,
Kopen hagen (Thomas Christensen, Jesper Andersen) ·
Königlich Dänische Botschaft, Berlin (Per Erik Veng) · Zentropa
Film, Kopenhagen (Emilie Spliid)
Marilyn Monroe · Cinémathèque de la Ville de Luxembourg
(Marc Scheffen) · Cinémathèque Française, Paris (Emilie
Cauquy) · Warner Bros., Hamburg (Richard Flynn) · Eckhart
Schmidt, München
Fotos · Bayerischer Rundfunk, München · Cinémathèque Suisse, Lausanne (Thomas Bissegger) · Det Danske Filminstitut,
Kopenhagen (Henrik Fuglsang) · Filmmuseum München (Oleksandr Osherov, Gerhard Ullmann) · Neue Road Movies, Berlin (Fran -
cesca Hecht) · Parallax Corporation, New York (Mackenzie Schneider) · Ramsch Köln (Bernhard Marsch) · Westendfilme, Köln (Michael
Mischkowski) · Internationale Filmfestspiele Berlin · Alexander Schwarz, München · Haro Senft, München · Dieter Wieland, Uffing

Das Kino der Stadt
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München
Tel 089/233 96450 · Fax 089/233 23931 · http://www.filmmuseum-muenchen.de