Digitale Fotografie - Themen Landschaften (Vorschau)

Digitale 

LANDSCHAFTEN 

So machen Sie eindrucksvolle Fotos mit Ihrer Digitalkamera 

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MIT 

EXPERTEN- 

RATGEBER! 

Für perfekte Landschaftsfotos 

mit Ihrer DSLR & CSC- 

Kamera! 

Nr. 18/2014 Jan-März 

TECHNIKEN 

BEHERRSCHEN 

IHRE KAMERA 

VERSTEHEN 

PROFI- 

TUTORIALS 

DIE OPTIMALE 

AUSRÜSTUNG


LANDSCHAFTEN

ADAM BURTON 

IMPRESSUM 

HERAUSGEBER: Ultimate Guide Media 

REDAKTION INTERNATIONAL: Mark Bauer, 

Sarah Plater, Pete Davis, Terry Hope, 

Damien Lovegrove, Philip Nash, Pip, Ian 

Wood 

ART DIRECTOR: Dean Mullock 

FINANZDIREKTOR: Richard Layton 

DATENSCHUTZERKLÄRUNG 

Dieses MAGBOOK wird unter der Lizenz und 

mit der Erlaubnis von © Bright Publishing 

Limited herausgegeben. Alle Rechte an 

Material, Titel und Marke dieses Magazins 

sind Eigentum von Bright Publishing Limited 

und dürfen weder im Ganzen noch teilweise 

ohne vorherige schriftliche Genehmigung 

reproduziert werden. 

Willkommen... 

„Wenn Sie zu den Millionen Fotografen auf dieser Welt gehören, die eine 

Leidenschaft für die Landschaftsfotografie haben, dann haben Sie bestimmt 

schon lohnenswerte Landschaftsmotive fotografiert. Es ist ein tolles Gefühl, 

nach einem langen Fototag mit einer Speicherkarte voll atemberaubender 

Szenen nach Hause zu kommen. 

Doch stellt uns diese Fotografie auch vor viele Herausforderungen: Man muss 

sich auf stundenlange Arbeit vorbereiten – dazu gehört ein früher Start, um 

vor Sonnenaufgang am Schauplatz zu ein, ebenso wie das Fotografieren 

bis nach Sonnenuntergang, oder muss jeglichem Wetter trotzen, um eine herrliche Szene 

einzufangen. 

Dieser große Ratgeber für die Landschaftsfotografie ist randvoll gepackt mit Fototechniken, 

Expertenratschlägen sowie Tutorien unserer beliebtesten Outdoor-Fotografen – und 

natürlich mit atemberaubenden Bildern. Wir haben uns das Ziel gesetzt, Ihnen sämtliche 

Informationen, Tipps und Inspiration zu bieten, um Ihre Kenntnisse in der Fotografie zu 

verbessern. Der Schwerpunkt liegt bei kameraspezifischen Techniken und entscheidenden 

Fähigkeiten zur Nachbearbeitung. 

Wir hoffen, dass es Ihnen helfen wird, die besten Landschaftsfotos Ihres Lebens zu schießen. 

Alles Gute!“ 

DANIEL LEZANO, REDAKTEUR 

Treffen Sie unsere Landschafts-Experten 

All unsere Experten schreiben regelmäßig Beiträge für unser Magazin Digitale Fotografie. Holen Sie sich die neueste 

Ausgabe, die jeweils am zweiten Dienstag in jedem Monat erscheint, für Expertenratschläge und Inspiration, um 

Ihre Fototechniken zu verbessern. Weitere Informationen finden Sie auch unter www.digitale-fotografie-magazin.de. 

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Das Heft wurde mit großer Sorgfalt 

produziert. Der Verlag kann jedoch keine 

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Versicherung für Meinungen, Waren oder 

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LESERFRAGEN 

Bitte schicken Sie Leseranfragen an 

info@digitale-fotografie-magazin.de 

ROSS HODDINOTT 

Ross ist ein preisgekrönter Fotograf, 

der auf eine langjährige Erfahrung mit 

der Fotografie der breit gefächerten 

Schönheit von britischen Landschaften 

und Tieren zurückblicken kann. 

www.rosshoddinott.co.uk 

HELEN DIXON 

Helen hat ihren Traum wahr gemacht 

und ihren Vollzeitjob aufgegeben, um 

professionelle Landschaftsfotografin zu 

werden. Sie gehört zu den größten 

Talenten Europas. 

www.helendixonphotography.co.uk 

LEE FROST 

Lee Frost ist seit zwei Jahrzehnten 

Profi und einer der bekanntesten 

Fotografen Großbritanniens. Er hat 20 

Bücher veröffentlicht und verkauft 

seine Bilder weltweit. 

www.leefrost.co.uk 

ADAM BURTON 

Adam ist ein extrem erfolgreicher 

Landschaftsfotograf mit einem 

ausgiebigen Portfolio an Bildern und 

außerdem Autor des Fotobuches The 

Dorset Coast. 

www.adam-burton.co.uk 

DRUCK UND BINDUNG 

Quad/Graphics Europe Sp. z o. o. 

Drukarnia Wyszków 

ul. Pułtuska 120 

07-200 Wyszków, Polska 

www.quadgraphics.pl 

Das Papier, auf dem dieses 

Magazin gedruckt ist, besteht 

aus umweltverträglichen Fasern.

INHALT 

DER GROSSE RATGEBER FÜR LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE | 5. AUSGABE 

7 Einführung in Landschaften 

Um die Grundlagen der Landschaftsfotografie zu lernen 

und zu nutzen, müssen Sie vorbereitet sein 

8 Bildaufbau 

Diese Schlüsseltechniken müssen Sie beherrschen, 

um perfekte Landschaftsaufnahmen aufzunehmen, 

einschließlich Führungslinien, Vordergrundinteresse und 

natürliche Rahmen 

20 Belichtung 

Mit diesen einfachen Techniken sind Sie auf dem besten 

Weg zu gut belichteten Landschaftsaufnahmen 

24 EXPERTEN-TUTORIALS: ZEITAUTOMATIK MIT 

BLENDENVORWAHL 

26 VERSCHLUSSZEITEN 

28 WASSER IN LANDSCHAFTEN 

31 Schärfe 

Die besten Techniken für superscharfe 

Landschaftsaufnahmen 

32 EXPERTEN-TUTORIALS: HYPERFOKALES FOKUSSIEREN 

34 FÜR DIE SCHÄRFE FOKUSSIEREN 

36 Beleuchtung 

Lernen Sie das Beste aus allen Lichtverhältnissen 

herauszuholen, von Sonnenaufgang bis -untergang 

38 EXPERTEN-TIPPS: TAGESZEIT 

40 DIE MAGISCHE STUNDE & SONNENUNTERGÄNGE 

42 EXPERTEN-TIPPS: WETTER 

44 JAHRESZEIT-TYPISCHES LICHT 

50 Raw & Landschaften 

Maximieren Sie die Bildqualität, indem Sie in Raw 

fotografieren 

52 EXPERTEN-TIPPS: EINFÜHRUNG IN RAW 

54 ACR VERSTEHEN 

56 RAW-DATEIEN VERARBEITEN 

58 RAW-DATEIEN ZUSAMMENFÜGEN 

60 NACH RECHTS BELICHTEN 

62 Filter 

Verwenden Sie Filter, um Ihre Ergebnisse zu verbessern 

und aufzuwerten 

64 EXPERTEN-TIPPS: EINEN ND-VERLAUFSFILTER 

VERWENDEN 

66 EINEN POLFILTER VERWENDEN 

68 EINEN ND-FILTER VERWENDEN 

70 DER ZEHNSTUFIGE ND-FILTER 

73 Farbe 

Verstehen Sie die Beziehung zwischen Farbe & 

Landschaften 

74 EXPERTEN-TIPPS: FARBTHEORIE 

76 WEISSABGLEICH 

78 Schwarzweiß 

Meistern Sie die Kunst der Schwarzweiß- 

Fotografie 

80 EXPERTEN-TIPPS: DIE GRUNDLAGEN VON 

SCHWARZWEISS 

82 BELEUCHTUNG & WETTER 

84 MONOCHROME KÜSTENLANDSCHAFTEN 

86 IDEEN & INSPIRATION 

88 PHOTOSHOP-TUTORIALS: KONVERTIEREN NACH 

SCHWARZWEISS 

90 PROFESSIONELLE BEARBEITUNGSTECHNIKEN 

93 Landschafts-Projekte 

Fantastische Techniken für atemberaubende 

Landschaftsbilder 

94 EXPERTEN-TUTORIALS: MACHEN SIE PANORAMA- 

AUFNAHMEN 

96 DIE KRAFT DER MOHNBLUME 

98 LANDSCHAFTEN AUS LAVENDEL 

100 WUNDERSCHÖNE GLOCKENBLUMEN 

102 DEN WIND EINFANGEN 

104 NEBEL AM MORGEN 

106 REFLEXIONEN IN GEZEITENTÜMPELN 

108 REALISTISCHE WELLEN FOTOGRAFIEREN 

110 SO FANGEN SIE STILLE GEWÄSSER EIN 

112 SONNENUNTERGANG AN DER KÜSTE 

114 EINDRUCKSVOLLE SILHOUETTEN 

116 STERNSPUREN FOTOGRAFIEREN 

118 LANDSCHAFTEN IM MONDLICHT 

121 Photoshop-Techniken 

Einfache Schritt-für-Schritt-Anleitungen für Photoshop, um 

Ihre Landschaftsfotos zu verbessern 

122 PHOTOSHOP-ANLEITUNGEN: KONTRAST 

VERSTÄRKEN 

124 FARBE KONTROLLIEREN 

126 DETAILS HERVORHEBEN 

128 SELEKTIVE BEARBEITUNG 

130 NEBEL & ATMOSPHÄRE ZUFÜGEN 

132 FARBENFROHER HIMMEL 

134 DUPLEX 

136 EINEN HIMMEL ERSETZEN 

138 SAISONALE UNSCHÄRFE 

140 EINEN ND-EFFEKT ERZEUGEN 

142 Landschafts-Ausrüstung 

Die beste Ausrüstung für die Outdoor-Fotogafie 

142 DIE IDEALE AUSRÜSTUNG FÜR IHRE BEDÜRFNISSE 

148 WEITWINKEL-OBJEKTIVE 

150 EXPERTEN-TUTORIALS: WEITWINKEL-OBJEKTIVE 

152 TELE-OBJEKTIVE 

154 FILTERSYSTEME & MARKEN 

158 DIE WAHL DES RICHTIGEN STATIVS 

160 DIE WAHL DER RICHTIGEN TASCHE 

162 Perfekte Belichtung

164 

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Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Die Grundlagen 7 

DIE GRUNDLAGEN 

ATEMBERAUBENDE LANDSCHAFTEN AUFNEHMEN – das möchten wir alle gerne können! Die Schönheit von Landschaften inspiriert 

mehr Fotografen als jedes andere Motiv, und auf den ersten Blick erscheint das Thema auch leicht zu beherrschen: Man suche sich einen 

faszinierenden Ausblick, richte die Kamera darauf, drücke den Auslöser – schon ist ein tolles Bild im Kasten. 

Auf diesem einfachen Weg erreicht man vielleicht ein paar nette Schnappschüsse, doch oft genug wird die Aufnahme der prächtigen 

Landschaft vor uns einfach nicht gerecht. Wir alle waren schon mal enttäuscht über ein Foto, das nicht unseren hohen Erwartungen 

entsprach. Dabei liegt der Unterschied zwischen einem durchschnittlichen Schnappschuss und einem Spitzenbild oft nur in einigen 

originellen Ideen, etwas erlernbarem Fachwissen, der richtigen Ausrüstung und sorgfältiger Planung. 

Mit unserem inspirierenden Leitfaden erhalten Sie ein exzellentes Gespür für diese Grundlagen. Er wird Ihnen dabei helfen, aus Ihren 

gewöhnlichen Aufnahmen etwas ganz Besonderes zu machen. 

ADAM BURTON

MARK BAUER

Die Basics #1 

BILDKOMPOSITION 

MEHR ALS JEDER ANDERE Faktor kann die Bildkomposition 

ein gutes Bild in ein Meisterwerk verwandeln. Es gibt eine kleine 

Zahl von Techniken, die, hat man sie erst einmal gelernt, in 

vielen verschiedenen Situationen hilfreich sind. 

Die Elemente im Sucher zu komponieren, ist eine der 

Fähigkeiten, die man für das Aufnehmen großartiger Bilder 

braucht. Man muss aufmerksam schauen, wie die interessanten 

Einzelheiten angeordnet sind, und in welcher Beziehung sie 

zueinander stehen. Ein Objekt in der Mitte des Bildausschnitts 

zu platzieren, führt in der Regel zu einer mehr statischen 

als dynamischen Komposition. Ein außerhalb des Zentrums 

platziertes Objekt fordert das Auge auf, sich im Bildausschnitt 

mehr zu bewegen. 

Eine Methode, um eine gewisse Harmonie im Bildausschnitt zu 

erzeugen, bietet die Drittelregel. Die Drittel-Proportion tritt in der 

Natur häufig auf, und Studien belegen, dass unsere Sinne sie als 

attraktiv empfinden. 

1) Die Drittelregel: 

Eine einfache Methode, um die Elemente im Bildfeld so zu 

organisieren, dass sie eine ausgeglichene Komposition schaffen. 

Als Kompositionswerkzeug ist es schon seit Jahrhunderten 

in Gebrauch, als vereinfachte Version des in der Kunst und 

Architektur bekannten „goldenen Schnitts“. Stellen Sie sich zwei 

vertikale Linien vor, die das Sucherbild in drei Teile teilen; dann 

tun Sie dasselbe mit zwei horizontalen Linien. Anschließend 

ordnen Sie die Hauptelemente des Bildes in diesem Raster an: 

Für einfache Landschaften platzieren Sie etwa den Horizont auf 

einer der Linien, sodass das Bild aus zwei Dritteln Landschaft und 

einem Drittel Himmel besteht, oder umgekehrt. 

Sind starke Fokuspunkte wie ein Baum oder Gebäude vorhanden, 

dann können Sie diese auf einem der Knotenpunkte platzieren, 

wo sich horizontale und vertikale Linien überschneiden. Dies 

erzeugt eine viel dynamischere Komposition als wenn Sie den 

Fokuspunkt in der Mitte positionieren, was das Bild eher statisch 

wirken lässt. Unerfahrene Fotografen setzen Objekte oftmals 

genau in die Bildmitte, doch das funktioniert selten. Ein Element 

einer Szene auf einen anderen Schnittpunkt zu setzen, kann ein 

vollkommen anderes Bild schaffen, so groß ist die Macht der 

Drittelregel. Scheuen Sie sich nicht und probieren Sie einige 

Variationen Ihres Motivs aus. 

DRITTELREGEL-RASTER: Dieses Bild befolgt die Drittelregel ziemlich 

streng. Es zeigt annäherungsweise zwei Drittel Landschaft/Meer und ein 

Drittel Himmel. Der Leuchtturm und der Obelisk liegen jeweils auf den 

Drittel-Vertikalen, mit etwa gleichem Versatz nach links.

HELEN DIXON FOTOS: MARK BAUER 

10 Komposition Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

2) Vordergrund: 

Das Problem ist, dass die Welt dreidimensional ist, eine Fotografie jedoch nur 

zweidimensional. Einer der Gründe, warum so viele Landschaftsbilder ihr Ziel 

verfehlen, liegt also darin, dass sie unseren Augen kein Gefühl der dritten Dimension 

vermitteln: der Tiefe. Glücklicherweise können einige Kompositions-Tricks helfen, 

dieses frustrierende kleine Problem zu vermeiden. 

Ein sehr wirkungsvoller Weg, um Tiefe in einer Fotografie zu erzeugen, ist 

die Einführung eines starken Vordergrundes, häufig in Verbindung mit einem 

Weitwinkel-Objektiv. Der betonte Vordergrund verleiht dem Bild mehr Tiefe, weil 

er dem Auge einen Eintrittspunkt bietet, der den Blick in die Szene hineinzieht und 

dem Bild das Gefühl für Distanz und Größenordnungen gibt. Weitwinkel-Objektive 

sind bei dieser Technik sehr hilfreich, weil sie die Perspektive strecken, die Elemente 

in der Nähe des Objektivs übertrieben darstellen und den Ausblick jenseits des 

Vordergrunds öffnen. Seien Sie jedoch vorsichtig: Es kann sein, dass die Bildmitte 

leer wirkt, weil ihr interessante Details fehlen. Der Trick ist hier, aus einem tieferen 

Blickwinkel aufzunehmen. So wird die Mitte gestaucht und leerer Raum aus der 

Komposition ausgeblendet. 

Um die Tiefenschärfe zu maximieren, sollten Sie eine kleine Blende benutzen, 

vorsichtig fokussieren und den Fokuspunkt sowohl auf den Vordergrund als auch auf 

entfernte Objekte richten – wie das geht, wird später erklärt. 

SO FUNKTIONIERT’S: Der Wiesenkerbel und der Stechginster bilden einen ansprechenden 

Vordergrund, der das Auge in die Szene hineinzieht und einen ausgezeichneten 

Bildausschnitt für den Blick dahinter bietet. Ein Weitwinkel-Objektiv und eine kleine Blende 

von f/22 sorgen für ausreichende Tiefenschärfe. 

4) Ebenen und Plateaus 

Eine weitere kamerainterne Technik, die angewendet werden kann, um in einem 

Bild mehr Tiefe zu schaffen, liegt in der Erzeugung eines Schichten-Effekts. Die 

Ebenen können in einem Bild durch eine Reihe von sich gegenseitig überlappenden 

Formen (siehe rechts), oder durch ein starkes Seitenlicht hervorgerufen werden, das 

wechselnde Licht- und Schattenbänder erzeugt und so verschiedene Lichtebenen 

erzeugt. 

Diese Technik funktioniert besonders gut mit längeren Objektiven, weil sie die 

Perspektive so stauchen, dass entfernte Formen sich gegenseitig überlappen – jede 

Schicht oder Ebene erscheint dünner und näher zur nächsten. Denken Sie jedoch 

daran, dass längere Objektive weniger Tiefenschärfe bieten, sodass Sie kleinere 

Blenden wie f/16 verwenden müssen, wenn die Elemente im Vordergrund oder in 

der Nähe der Bildmitte sind. 

Diese Aufnahme wurde im Morgengrauen in der Nähe von Lyme Regis mit 

einem 70–200mm Zoomobjektiv bei circa 100 Millimetern gemacht. Die 

längere Fokallänge staucht die Entfernung zwischen den Schichten und das 

starke Richtungslicht betont die Ebenen – der frühmorgendliche Nebel sorgt für 

Atmosphäre. 

GROSSER VORDERGRUND ODER KLEINE DETAILS: Es ist nicht immer 

notwendig, einen breiten Vordergrund zu haben – Farben, Texturen und Muster 

bieten oft attraktive Vordergrundobjekte. Dieser Blumenteppich ist genauso 

effektiv wie die kräftigen Felsformationen (gegenüberliegende Seite). 

3) Führungslinien: 

Linien erzeugen Tiefe in einem Bild und können genutzt werden, um 

das Auge in eine Szene hinein zu führen. Es gibt sie überall: in Form 

menschengemachter Straßen, Pfaden und Hecken, oder natürlichen 

Ursprungs wie Flüsse und Küstenstreifen. Sie alle liefern dynamischere 

Szenerien. Die Linien müssen nicht unbedingt feststehen, sondern können bei 

langen Belichtungen etwa durch Wellenbewegungen gezeichnet werden, oder 

von Objekten, die in den Bildausschnitt ragen. 

Gerade, konvergierende Linien sind sehr dynamisch und können dem Bild 

viel Wirkung verleihen – es besteht aber die Gefahr, dass der Blick den 

Linien folgt und so wieder aus dem Bild herausgeführt wird. Bilder mit 

konvergierenden Linien erzeugen zwar schnelle Wirkung, können aber 

dennoch unbefriedigend sein. Es ist also hilfreich, interessante Details 

wie Figuren oder Bäume in das Bild einzubeziehen, um dem Auge einen 

Ruhepunkt in der Szene zu bieten. S-förmige Kurven haben zwar nicht die 

Sofortwirkung von geraden, konvergierenden Linien, trotzdem können sie 

befriedigende Resultate bringen. Sie führen das Auge sanft durch das ganze 

Bild und erlauben dem Betrachter, auch andere Elemente der Komposition 

wahrzunehmen. 

HELEN DIXON MARK BAUER

HELEN DIXON 

Bleiben Sie beim Einfachen! 

Bei der Bildkomposition geht es darum, was 

Sie in den Bildausschnitt aufnehmen – und 

was Sie weglassen. Denn weniger ist mehr, 

und schlichte Kompositionen sind oft die 

erfolgreichsten!

12 Komposition Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

5) Brechen Sie die Regeln! 

Wie für alle Regeln gilt auch für die Drittelregel, dass sie nicht nur als Routine 

anzuwenden ist, sondern Ihr eigenes Urteilsvermögen erfordert. 

Es gibt sogar viele Situationen, in denen man sie ganz vernachlässigen kann. 

Wenn Sie beispielsweise eine Szene aufnehmen, in der ein Himmel von 

Wasser reflektiert wird, wollen Sie vermutlich den Horizont in der Mitte des 

Bildausschnitts platzieren, um die beiden Bildebenen von Himmel und Spiegelung 

im Gleichgewicht zu halten. Falls der Himmel keine interessanten Details bietet, 

platzieren Sie einfach den Horizont höher im Bild oder schneiden ihn vollständig 

heraus. Er kann auch ganz unten platziert werden, um das Gefühl von Leere und 

Einsamkeit zu verstärken. 

Das Schöne bei digitalen Aufnahmen ist die Leichtigkeit, mit der man seine 

Ideen und Experimente überprüfen kann, um sich schrittweise einer perfekten 

Komposition anzunähern.

Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Komposition 13 

LEE FROST 

RICHARD JOHNSON 

6) Suchen Sie den natürlichen Bildausschnitt 

Ein beliebtes kompositorisches Mittel ist die Einbeziehung von 

Objekten, die den Blick einrahmen, wie zum Beispiel ein Torbogen, 

ein Fenster, oder die überhängenden Äste eines Baums. 

Probieren Sie es mal mit frostbedeckten Pflanzen und Torpfosten, 

um einen natürlichen Bildausschnitt zu erzeugen. 

Nutzen Sie den Bildausschnitt, um das Auge des Betrachters 

in die Szene hinein zu ziehen und einen Blickfang zu schaffen. 

Kontrollieren Sie dabei jedoch vorsichtig den Fokus und 

die Tiefenschärfe. Obwohl kleine Blenden meist am besten 

funktionieren, kann auch ein unscharfer Bildausschnitt die 

Aufmerksamkeit auf das Hauptmotiv lenken. Wenn Sie Ihren 

Bildausschnitt außerhalb des Fokus verlagern wollen, achten Sie 

darauf, ihn weich genug zu zeichnen, sodass der Effekt nicht wie 

ein Fokussierungsfehler wirkt. 

FOTOS: MARK BAUER 

7) Experimentieren Sie mit Blickwinkeln 

Den richtigen Blickwinkel zu finden, ist der Schlüssel zu einer 

erfolgreichen Landschaftskomposition. Anstatt alles aus Kopfhöhe 

aufzunehmen, sollten Sie mit hohen und tiefen Blickwinkeln 

experimentieren. 

Höhere Blickwinkel haben den Effekt, dass Sie die Ebenen im 

Bild strecken, was vor allem mit Standard- und Tele-Objektiven 

von Nutzen ist. Wenn Sie Sehenswürdigkeiten fotografieren, 

liegen die bekannten Blickwinkel nahe; trotzdem sollten Sie 

versuchen, einen neuen Blickwinkel zu finden, denn das ist 

befriedigender und origineller. Im ersten Bild – eine Standardsicht 

auf die Felsen von Old Harry in Dorset – ist nichts verkehrt; 

dennoch findet man ohne große Mühe eine weniger oft 

fotografierte, dramatischere Perspektive.

14 Komposition Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Führungslinien 

Lernen Sie das erste von drei 

wesentlichen Kompositionswerkzeugen 

zu beherrschen: Führungslinien 

1 

ADAM BURTON 

NUR WENIGE KOMPOSITORISCHE Mittel 

können die Wirkung so sehr verstärken und 

Ihren Landschaftsbildern so viel Tiefe geben 

wie Führungslinien. Welche Arten von 

Führungslinien fallen spontan ein? Reihen von 

Getreide, eine scheinbar endlose Straße, ein 

kurvenreicher Strom? Vielleicht auch 

Schatten, Fußabdrücke, Wolken, 

Küstenlinien, Fenster, Pfeiler, Fugen, Pfade 

oder Felsen – die Liste könnte endlos 

weitergehen. Während Führungslinien in 

vielen verschiedenen Formen existieren – 

einige natürlich, andere von Menschen 

gemacht –, neigen sie dazu, den Betrachter in 

das Bild hinein- und wieder hinauszuführen, 

oder in Richtung eines Fokuspunkts. Das 

letztere ist die bevorzugte Wahl, denn sie 

erlaubt dem Auge in der Szene zu verweilen; 

je nach Art des Bildes kann aber beides 

funktionieren. 

Die effektivsten Führungslinien beginnen am 

unteren Rand des Bildausschnitts und 

verlaufen gerade bis zum Zentrum, etwa ein 

Pfeiler zum Horizont – es gibt jedoch 

zahlreiche Variationen, die ebenso 

wirkungsvoll sind, je nach dem, um was für 

eine Szene es sich handelt. Während gerade 

Linien das Auge schnell in Richtung des 

interessanten Details ziehen, zwingen kurvige 

Linien den Betrachter zu einer 

gemächlicheren Reise durch das Bild. 

Vertikale Linien, wie die eines Gebäudes, aus 

einem tiefen Winkel aufgenommen, geben 

dem Bild zusätzliche Spannung, und 

diagonale Linien funktionieren, wenn sie von 

unten links nach oben rechts verlaufen, weil 

das dem natürlichen Verlauf des 

menschlichen Auges entspricht. Es muss 

auch nicht nur eine einzige Linie sein: 

Mehrere Linien verstärken die Wirkung einer 

einzigen, solange sie klar defi niert sind und in 

die gleiche Richtung verlaufen. Es ist wichtig, 

dass die Elemente einer Szene in Beziehung 

zueinander stehen. Jeder Bruch der 

Komposition erzeugt ein Gefühl von 

Zusammenhanglosigkeit und lässt den Blick 

des Betrachters ziellos herumirren. 

Die Führungslinien können je nach 

Blickwinkel und Objektiv hervorgehoben 

werden, da beides die Perspektive entweder 

abfl achen oder strecken kann. Die 

dynamischste Verzerrung von Führungslinien 

bieten konvergierende Vertikale. 

Konvergierende diagonale Linien erzeugen 

einen starken Eindruck von Entfernung und 

Tiefe, vor allem wenn sie in der Mitte des 

Rahmens konvergieren und parallel 

zueinander verlaufen. Wenn Sie in der Mitte 

der Linien stehen, werden Sie merken, dass je 

weiter sie von der Kamera entfernt sind, desto 

näher liegen sie beisammen, und erzeugen, 

wenn sie sich treffen das, was wir gemeinhin 

als Fluchtpunkt bezeichnen. Ein Weitwinkel- 

Objektiv kann diesen Effekt untermauern, weil 

es die Perspektive streckt, so dass die Linien 

zu Beginn weiter voneinander entfernt wirken 

und in der Entfernung enger beisammen 

liegen. Ein Teleobjektiv hingegen staucht die 

Perspektive und verhindert ein Gefühl von 

Tiefe. 

1) Führungslinien müssen nicht gerade sein oder in 

Richtung eines Fokuspunktes verlaufen, sie können 

auch das Hauptmotiv sein. Sehen Sie, wie Ihr Blick von 

der winterlichen, von Bäumen gesäumten Straße durch 

die Szene oben geführt wird? 

2) Wenn man konvergierende Vertikale verwendet, 

muss die komplette Szene fokussiert werden. 

Montieren Sie die Kamera auf ein Stativ, wählen Sie 

eine kleine Blende (f/11 – f/22) und fokussieren Sie die 

hyperfokale Distanz, um die Tiefenschärfe zu 

maximieren. 

3) Einfache Kompositionen sind oft die effektivsten. 

Denken Sie an eine Küstenlandschaft mit nicht viel 

mehr als Buhnen oder einem Pfeiler als Führungslinien. 

Wenn Sie dies mit dem Horizont verbinden, wird der 

Blick des Betrachters in die Weite der Szene eingeführt 

und durch die Horizontlinie wieder heraus. 

4) Diagonale Linien können genutzt werden, um den 

Blick von unten links nach oben rechts zu führen, dem 

natürlichen Anziehungspunkt des Auges folgend. So 

wie in dieser Küstenlandschaft, in der die Felslinien in 

Richtung des atemberaubenden Sonnenuntergangs 

konvergieren. 

5) Der Zaun wird in diesem Bild als elegantes Mittel 

benutzt, um das Auge in Richtung des Fokuspunktes zu 

ziehen, der wiederum in dem erhöhten Schloss in der 

Ferne besteht. 

2 

HELEN DIXON 

3 4 


ADAM BURTON 

Führungslinien: Umdenken! 

Versuchen Sie, Führungslinien aus verschiedenen 

Blickwinkeln zu fotografieren. Sie werden merken, 

dass manche Linien besser funktionieren, wenn sie in 

das Bild hinein ragen als wenn sie im Bild beginnen. 

Probieren Sie trotzdem verschiedene Perspektiven 

aus: Legen Sie sich auf den Boden, um extrem 

konvergierende Vertikale zu erhalten. Neigen Sie die 

Kamera etwas, um zu sehen, welche vertikalen 

Linien Sie nutzen können, und versuchen Sie Ihre 

Position zu erhöhen, indem Sie sich z. B. auf eine 

Brücke stellen. 

Halten Sie die Augen auch offen für weniger 

offensichtliche Linien. Vergessen Sie dabei aber nicht 

die anderen Kompositionsregeln – insbesondere Ihren 

Vordergrund und die Drittelregel! 

HELEN DIXON 

Schatten Muster Spuren 

HELEN DIXON 

LEE FROST

5 

LEE FROST

16 Komposition 

Vordergrundgestaltung 

Einige kompositorische Tricks verbessern Ihre Fotografie: Gestalten Sie 

Vordergründe aus, um Ihren Aufnahmen ein Gefühl von Tiefe und 

Größenordnungen zu verleihen. 

DER LETZTE GROSSE KRIEGSFOTOGRAF 

Robert Capa sagte einmal: „Wenn ein Bild nicht 

gut genug ist, dann warst Du nicht nah genug 

dran.“ 

Natürlich ging es bei ihm darum, das Drama 

menschlicher Konflikte festzuhalten und die 

Notwendigkeit, in das Herz der 

Auseinandersetzung vorzudringen – ein Ansatz, 

der ihn schließlich das Leben kostete. Diese 

Maxime kann auch auf die 

Landschaftsfotografie angewendet werden, 

denn wenn man die Dramatik einer Szene 

festhalten will, dann muss man nah genug 

herangehen und den Vordergrund zur Geltung 

bringen – das ist eines der wichtigsten 

Elemente, um eine dynamische Komposition zu 

schaffen. Vordergrundelemente sind aus vielen 

Gründen nützlich. Der Erste und Wichtigste liegt 

darin, dass ein betonter Vordergrund Ihren Fotos 

ein Gefühl von Entfernung und Größenordnung 

verleiht. Dafür ist die Perspektive verantwortlich 

– Objekte, die der Kamera näher sind, sehen 

größer aus als die weiter entfernten, daher 

registriert unser Gehirn sofort, dass kleinere 

Objekte in der Entfernung liegen müssen und 

nimmt das Bild als dreidimensional wahr, was 

es realistischer macht. Des Weiteren bietet der 

Vordergrund dem Auge des Betrachters, das 

dann auf natürliche Art und Weise weiter durch 

die Szene und in Richtung Fokuspunkt oder 

Hintergrund wandert, einen günstigen 

Eintrittspunkt in die Komposition. Eine 

erfolgreiche Komposition braucht einen 

„Haken“, um den Betrachter zu verführen und 

seine Aufmerksamkeit zu erlangen. Bei 

Landschaften liegt dieser Haken im 

Vordergrund. Außerdem enthält der Vordergrund 

mehr Information als der Rest der Szene, und da 

er der Kamera so nah ist, erlaubt er Ihnen, 

feinste Details aufzunehmen, die nicht von 

Dunst, Trübheit oder Nebel beeinträchtigt sind, 

im Gegenteil zu Objekten, die in der Ferne 

liegen. Weitwinkel-Objektive sind am besten 

geeignet, um die interessanten Details im 

Vordergrund voll auszuschöpfen, weil sie Ihnen 

erlauben, Elemente in den Rahmen mit 

aufzunehmen, die sich buchstäblich zu Ihren 

Füßen befinden. So wie Weitwinkel-Objektive 

die Perspektive strecken, rücken diese Elemente 

im Rahmen bedrohlich näher, während alles 

1 

ADAM BURTON 

andere in die Ferne zu drängen scheint. Je 

niedriger der eingenommene Blickwinkel, desto 

dominanter der Vordergrund. Objektive mit 

einer Brennweite von 16-18 mm (24-28 mm 

bei Vollformat-Sensoren) sind für den Anfang 

eine relativ sichere Wahl, weil sie weitwinkelig 

genug sind, um viel interessante Details im 

Vordergrund aufzunehmen, ohne jedoch so 

weitwinkelig zu sein, dass man außer dem 

Vordergrund gar nichts mehr einfängt. Wenn Ihr 

Selbstvertrauen erst einmal wächst, können Sie 

erstaunliche Bilder mit Ultraweitwinkeln von 

10-15 mm (15-22 mm bei Vollformat- 

Sensoren) erzeugen, doch dazu müssen Sie 

wirklich sehr nah an den Vordergrund 

herangehen, weil er andernfalls aufgrund der 

exzessiven Streckung der Perspektive, 

meilenweit entfernt zu sein scheint. 

Teleobjektive sind in dieser Hinsicht eher 

dynamisch, weil der Vordergrund, den man 

aufnimmt, von Elementen gebildet wird, die 

offensichtlich weiter entfernt sind. Die 

Verkürzung oder die Perspektive „quetscht“ die 

Elemente zusammen, so dass man nicht das 

gleiche Gefühl von Distanz und Dimensionalität 

erhält. Dennoch kann der Effekt mit nur einem 

dominanten Objekt im Vordergrund noch stark 

genug sein. 

Wie kann man Vordergrundinteresse erzeugen? 

Eigentlich mit fast allem – mit Felsen, Flüsse, 

Mauern, Toren, Zäunen, Bäumen, 

festgemachten Booten, sandigen Wellen, 

Reflexionen, Menschen. Elemente, die in der 

Szene natürliche oder angedeutete Linien 

erzeugen, funktionieren am besten, weil sie das 

Auge des Betrachters in und durch die Szene 

führen. Linien, die vertikal verlaufen wirken gut, 

diagonale Linien von links unten nach rechts 

oben sogar noch besser, und Linien, die in der 

Distanz konvergieren, wie zum Beispiel 

Schienen oder gerade Straßen, erzeugen die 

stärkste Wirkung von allen. Um das Optimum 

aus vertikalen und konvergierenden Linien 

herauszuholen, drehen Sie die Kamera seitlich 

und nehmen Sie im Porträtformat auf. 

Diagonale Linien fotografiert man am besten im 

Landschaftsformat, da sie einen weiteren Weg 

durch die Komposition haben, und die 

Aufmerksamkeit länger auf sich ziehen. 

2 

3 

LEE FROST LEE FROST 

1) Verwenden Sie ein Weitwinkel-Objektiv, um die 

Perspektive zu strecken, und einen tiefen Blickwinkel, 

um den Vordergrund markanter zu machen. 

2) Suchen Sie Elemente, die diagonale Linien formen 

und im Rahmen von unten links nach oben rechts 

verlaufen – so wie diese Boote den Blick des 

Betrachters in das Bild ziehen. 

3) Anstatt Vordergrundinhalte als Einleitung zu 

entfernten Fokuspunkten zu nutzen, können Sie auch 

Bilder komponieren, deren dominantes Objekt im 

Vordergrund liegt, und den Hintergrund einfach halten. 

4) Ein guter Grund, das Haus nicht ohne eine Reihe 

an Grauverlaufsfiltern zu verlassen, liegt darin, dass sie 

für einen korrekt belichteten Vordergrund sorgen. Bei 

schwachen Lichtverhältnissen, wie zum Beispiel bei 

Sonnenuntergängen, kann man den Vordergrund auf 

einfache Art und Weise dunkel und verwirrend 

machen. 

5) Fast alles kann für Vordergrundinteresse sorgen, 

solange es gut komponiert ist und in die Szene passt. 

Halten Sie Ausschau nach ungewöhnlichen Objekten, 

oder nach Elementen, deren Gebrauch Sie noch nie in 

Erwägung gezogen hatten, wie Treibholz 

beispielsweise, Muscheln, oder auch Wrackteile. 

6) Felsen sind die populärsten Objekte in 

Küstenlandschaften, da sie besonders effektive 

Einführungslinien bieten. Auch Bootsanleger, Stege 

und Pfeiler wirken sehr gut und haben den Vorteil, dem 

Bild konvergierende Vertikale zu liefern.

6 

LEE FROST 

4 5 


LEE FROST 

Maximieren Sie die Tiefenschärfe 

Es bringt nichts, einen fantastischen Vordergrund ins 

Bild aufzunehmen, wenn er außerhalb des Fokus liegt. 

Was Sie brauchen, ist ausreichend Tiefenschärfe für 

eine Schärfe, die von vorne nach hinten verläuft. Als 

Faustregel gilt: Wenn Sie eine Kamera mit 

APS-C-Sensor und eine Fokallänge von 16–18 

Millimetern verwenden, fokussieren Sie einen Punkt in 

circa 15 Metern Entfernung, stellen eine Blende von 

f/11 ein, und alles ab einer Entfernung von circa 75 

Metern wird scharf sein. Bei einer größeren Fokallänge 

im Bereich 10–15 Millimeter, fokussieren Sie einen ein 

Meter entfernten Punkt, stellen eine Blende von f/11 

ein, und alles ab einer Entfernung von circa 50 Metern 

wird scharf sein. Für Vollformatkameras mit einer 

Fokallänge von 24–28 Millimetern, fokussieren Sie 

einen 15 Meter entfernten Punkt, stellen eine Blende 

von f/16 ein und die Tiefenschärfe wird sich ab einer 

Entfernung von 75 Metern einstellen. Bei weiteren 

Objektiven, die im Bereich von 16–20 Millimetern 

liegen, fokussieren Sie einen ein Meter entfernten 

Punkt, stellen eine Blende von f/16 ein und ab einer 

Entfernung von 50 Metern erhalten Sie die gewünschte 

Tiefenschärfe. Um die Tiefenschärfe in Verbindung mit 

Weitwinkel-Objektiven zu maximieren, muss man im 

Grunde einen Punkt fokussieren, der sich in der Nähe 

der Kamera befindet. Viele Fotografen fokussieren 

hingegen einen weiter entfernten Punkt der Szene, was 

in einem unscharfen Bild resultiert.

18 Komposition 


Wie man natürliche Rahmen 

einsetzt 

Hier finden Sie Ideen, Anregung und Informationen, um mithilfe natürlicher 

Rahmen aus der Umgebung Ihre Landschaftsbilder zu verbessern. 

Weitwinkel 

ISTOCK PHOTO 

DAS AUFGENOMMENE OBJEKT oder die 

aufgenommene Szene einzurahmen, ist einer 

der effektivsten Wege, um dichte, strukturierte 

Kompositionen zu schaffen. Dies hilft nicht 

nur, das Auge des Betrachters zum wichtigsten 

Bildgegenstand zu führen – Rahmen können 

auch weniger interessante Bereiche 

kaschieren, etwa die Weite eines leeren 

Himmels. Natürliche Rahmen können in jeder 

fotografischen Arbeit genutzt werden – Sie 

werden jedoch merken, dass die 

Landschaftsfotografie von allen die größte 

Auswahl bietet. 

Wenn Sie an natürliche Rahmen denken, was 

fällt Ihnen dazu ein? Die überhängenden Äste 

eines Baumes sind besonders offensichtlich. 

Die Lücke zwischen Bäumen, um dahinter 

liegende Szenen einzurahmen? Vielleicht auch 

überhängende Klippen oder der Eingang zu 

einer Höhle? An der Küste können Lücken 

zwischen ausbrechenden Felsen oder Klippen 

als Rahmen für den dahinter liegenden Strand 

oder das Meer benutzt werden. 

Dies sind alles recht offensichtliche Optionen, 

doch wenn Sie um die Ecke denken, werden 

sich Ihnen neue Ideen erschließen. Die Form 

eines Hügels oder Berges kann zum Beispiel 

dazu verwendet werden, Objekte einzurahmen, 

die vor ihnen liegen. Auch Wolken können als 

Rahmen dienen – sie umfassen Elemente, die 

sich am Boden befinden und zwingen das 

Auge, sich in deren Richtung zu bewegen. 

Wenn Sie für Ihre Aufnahme einen Rahmen 

nutzen wollen und die Sonnen in Ihrem 

Rücken steht, fällt das Licht auf die gesamte 

Szene, sodass alles ungefähr gleich hell ist und 

Sie die Szene so aufnehmen können, wie Sie 

1 

3 

ISTOCK PHOTO 

sie sehen. Wenn Sie jedoch gegen das Licht 

aufnehmen oder die Sonne seitlich zur 

Kameraposition steht, wird zwar ein Großteil 

der Szene gut beleuchtet, doch auf den 

Rahmen fällt nur wenig Licht fallen, sodass er 

dunkel oder als Silhouette erscheint. Wenn der 

Rahmen und die dahinter liegende Szene 

gleichmäßig beleuchtet sind, sollten Sie in 

jedem Fall gut belichtete Bilder erhalten. 

Falls Sie im Schatten eines Rahmens stehen, 

droht Überbelichtung; in diesem Fall treten Sie 

möglichst hinter den Rahmen bzw. aus seinem 

Schatten heraus, führen eine Lichtmessung 

durch und stellen Ihre Kamera mithilfe der 

Messwertspeicherung darauf ein. Oder Sie 

nehmen im manuellen Modus auf und ändern 

nichts, wenn Sie Ihr Bild mit dem Rahmen neu 

komponieren. Alternativ können Sie eine 

Aufnahme aus Ihrer derzeitigen Position 

machen, das Vorschaubild und das 

Histogramm überprüfen und dann je nach 

Bedarf die Belichtungskorrektur anwenden 

und eine weitere Aufnahme machen. 

Zu guter Letzt, wenn Sie den Rahmen und die 

dahinter liegende Szene im Fokus haben 

möchten, stellen Sie eine kleine Blende wie 

zum Beispiel f/13 ein und fokussieren 

hyperfokal, um die Schärfentiefe zu 

maximieren. Wenn Sie alternativ dazu eine 

große Blende wie beispielsweise f/4 einstellen 

und die Szene hinter dem Rahmen 

fokussieren, dann wird die Schärfentiefe 

reduziert, so dass der Rahmen selbst 

außerhalb des Fokus liegt und alle 

Aufmerksamkeit in Richtung des Hauptobjekts 

gelenkt wird. 

2 

LEE FROST 

LEE FROST 

Weitwinkel- oder 

Teleobjektiv? 

Der Effekt, den der Rahmen auf die Komposition 

hat, wird teilweise von der Wahl Ihres Objektivs 

beeinflusst. Weitwinkelobjektive strecken die 

Perspektive, sodass alle Entfernungen zwischen 

den Elementen einer Szene noch größer 

erscheinen. Wenn Sie sich in die Nähe eines 

natürlichen Rahmens aufstellen, können Sie ihn 

mit ins Bild aufnehmen und erhalten trotzdem 

einen klaren Blick auf die Szene im Hintergrund. 

Teleobjektive haben die gegenteilige 

Wirkung – sie stauchen die Perspektive, sodass 

die Elemente der Szene dichter zusammen 

rücken. Sie sind deshalb für Aufnahmen mit 

natürlichen Rahmen weniger geeignet. Sie 

können allerdings hilfreich sein, wenn Sie einmal 

nicht nahe genug an einen effektiven Rahmen 

heran kommen und sich freuen, wenn die Szene 

hinter dem Rahmen vergrößert wird. 

1) Torbögen haben wir schon häufiger gesehen, doch 

sie bilden immer wieder einen wunderschönen 

Rahmen für einen Fokuspunkt. Mit dieser Kirche 

funktioniert es besonders gut, weil das eingerahmte 

Detail das Objekt ergänzt. 

2) Denken Sie an die Symmetrie, wenn Sie 

Ausschau nach natürlichen Rahmen halten; sie ist 

dem Auge immer gefällig. Auch schon die einfachste 

Anordnung kann Wirkung erzeugen, wie wir hier 

sehen. 

3) Natürliche Rahmen im Vordergrund einer Szene 

bieten tolle Gestaltungsmöglichkeiten. Obwohl das 

Schloss im Fokus dieser Aufnahme steht, sind es die 

Dornen, welche beim Betrachter dramatische 

Wirkung erzeugen. 

4) Ihr Objekt muss den Rahmen nicht völlig 

ausfüllen, um eindrucksvoll zu wirken – die 

ausladende Wolke als Rahmen trägt hier dazu bei, 

der kleinen Kapelle Bedeutung zu verleihen. 

Versuchen Sie, subtile Formen aus der Natur wie 

Wolken oder Hügel zu nutzen, um Ihre Komposition 

zu verbessern – einfach nur die Kirche in die Mitte zu 

setzen, würde nicht die Energie erzeugen, die man 

hier spüren kann. Denken Sie um die Ecke, und Sie 

werden die unwahrscheinlichsten Objekte als 

Rahmen entdecken. 

5) Der dunkle Rahmen bildet einen auffälligen 

Kontrast zur dahinter liegenden, helleren Szene. 

Suchen Sie farbliche Unterschiede, um Ihren 

Rahmen bei Bedarf stärker hervorzuheben. 

4 

LEE FROST

5 

IAN WOOLCOCK

20 Belichtung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Mittenbetonte Messung 

Die Belichtungsmesssysteme von Digitalkameras sind 

auf einen mittleren Grauton von 18 Prozent 

eingestellt. Die Belichtungsmessung in 

Mittenbereichen (zum Beispiel einer grünen Wiese) ist 

ein guter Ausgangspunkt für eine präzise Belichtung. 

1 2 

MARK BAUER 

1) Richtig belichten 

Mark Bauer hielt Ausschau nach einer etwas 

anderen Sicht auf Corfe Castle in Dorset, 

Großbritannien. Er entdeckte den Dorffriedhof 

und fand eine passende Bildkomposition nahe 

eines Kreuzes. Das nächste Problem war 

die Belichtungseinstellung. Mark erklärt uns 

Schritt für Schritt, wie er diese Herausforderung 

gemeistert hat: 

1) „Dies ist das Resultat einer Mehrfeldmessung 

ohne Filter: Das Motiv wies einen hohen Kontrast 

auf, und die Kamera hatte Probleme, alle 

Farbtoninformationen aufzuzeichnen. 

2) Spotmessungen am unteren Teil des 

Kreuzes und im Himmel ergaben einen 

Helligkeitsunterschied von etwa 4 1/2 

Lichtwertstufen. Bei der Belichtung der 

Landschaft wurde nun ein 0,9-Graufilter (drei 

Stufen) unter dem Horizont am Rande des 

dunkelsten Schattenbereichs eingesetzt. Um 

das Kreuz nicht in zwei Teile zu schneiden, 

wurde ein Filter mit weichem Verlauf benutzt. 

Da die hellsten Bereiche des Himmels ihre 

Details verloren, wurde die Belichtung um 

einen 2/3-Schritt reduziert und das Bild erneut 

aufgenommen. 

3) Das Bild wurde nach rechts belichtet (siehe 

umseitige Beschreibung), ohne die Spitzlichter zu 

reduzieren. Das Histogramm zeigt immer noch 

dunkle Töne, aber auch reichlich Information 

im hellen Bildbereich oben, sodass die Schatten 

nicht zulaufen. 

4) Die direkte Raw-Konvertierung machte 

einen trüben, kontrastlosen Eindruck. Für das 

endgültige Bild wurde die Belichtung leicht 

reduziert und der Kontrast in den Schatten erhöht, 

um das Hauptmotiv korrekt wiederzugeben. Ich 

optimierte den Weißabgleich, um zusätzliche 

Wärme und eine bessere Farbsättigung zu 

erreichen. 

5) Um die Resultate zu vergleichen, nahm ich 

noch ein Bild auf, das um eine Lichtwertstufe 

unterbelichtet war. Wie man sieht, sind die 

Schatten unklar und ohne Detailschärfe.“ 

4 5 

3 

Belichtung 

Schatten 

Die beiden zwei Beispiele auf 

der rechten Seite zeigen, 

warum das Aufnehmen von 

unterbelichteten Bildern und 

deren Nachbearbeitung auf 

dem Computer nicht 

funktioniert: 

Das nächste Bild ist um eine 

Lichtwertstufe unterbelichtet, 

um die Detailschärfe in den 

hellen Bildbereichen zu 

erhalten. Die Schattenkurven 

wurden verstärkt, damit sie 

zum korrekt belichteten Bild 

passten (rechts). Anstatt 

reibungsloser Farbübergänge 

tritt in den Schattenbereichen 

eine Tonwerttrennung und 

Bildrauschen auf. Der Sensor 

hat deutlich weniger Details 

erfasst. 

✘ Unterbelichtet 

✔ Korrekt belichtet


Belichtung 21 

2) Belichtung von Landschaftsaufnahmen an der See 

Die richtige Belichtung ist bei Aufnahmen am Meer etwas schwieriger 

einzustellen als sonst, da verschiedene Faktoren das Messsystem der Kamera 

irritieren können. Spitzlichter im Wasser und helle, schäumende Wellen können 

zu Unterbelichtung führen; andererseits können dunkle Felsen im Vordergrund 

die Kamera zur Überbelichtung verleiten. Bei besonders großen hellen oder 

dunklen Bildbereichen muss daher die Belichtungskorrektur eingesetzt werden. 

Man sollte nach jeder Aufnahme das Histogramm prüfen und bei Bedarf die 

Aufnahme wiederholen. 

Motive mit hellem Himmel, dunklen Felsen und hellen Spitzlichtern im Wasser 

erzeugen einen riesigen Kontrastumfang; hier sind Grauverlaufsfilter eine große 

Hilfe. Je nach Wetterbedingungen bzw. der Helligkeit von Himmel und Meer 

gegen den Vordergrund wird der Graufilter im Bildausschnitt etwas nach unten 

gezogen; man kann ihn sogar bis unter den Horizont ziehen. Andernfalls werden 

Himmel und Vordergrund zwar korrekt belichtet, doch in der Bildmitte sticht ein 

heller Streifen im Wasser hervor. Bei der Belichtungsmessung sollten sowohl 

Bereiche im Vordergrund, im Himmel als auch im Meer gemessen sowie die 

richtige Filterstärke und Filterposition gewählt werden. 

HELEN DIXON ROSS HODDINOTT 

LANGE BELICHTUNGSZEITEN 

Bewegungen festhalten 

Reizvoll beim Fotografieren am Meer sind die 

vielen Möglichkeiten, stimmungsvolle 

Wellenbewegungen einzufangen. Bei 

schwachem Licht und erweitertem 

Schärfentiefebereich sind lange 

Belichtungszeiten notwendig – je nach 

Umgebungslicht einige Sekunden oder sogar 

Minuten. Die Brandung auf Felsen und Wellen 

am Strand werden bei weit offener Blende als 

romantischer, geheimnisvoller Dunst 

aufgezeichnet. Dafür empfehlen sich 

Verschlusszeiten ab 1/4 Sekunde. 

ADAM BURTON

22 Belichtung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

3) Histogramm: Hilfsmittel zur Belichtungskontrolle 

Ein Histogramm ist ein zweidimensionales Diagramm, dessen Ausschläge den Farbtonumfang eines 

Fotos darstellen. Auf den ersten Blick wirken Histogramme kompliziert und verwirrend, doch sie 

sind eigentlich recht einfach zu lesen. Richtig interpretiert, sind sie eine wichtige Hilfe und sorgen 

für korrekte Belichtung, denn sie sind genauer und verlässlicher als das Bild des LCD-Monitors der 

Kamera. Gewöhnen Sie sich an, bei Ihren Aufnahmen die Histogramme zu Hilfe zu nehmen. In 

diesem Ratgeber werden Sie lernen, Histogramme zu “lesen”. 

Das Histogramm ist eine grafische Darstellung des Farbtonbereichs eines Bildes. Die waagerechte 

Achse gibt den Umfang der Farbtöne vom reinen Schwarz (0, ganz links) bis zu reinem Weiß 

(225, ganz rechts) wieder. Die senkrechte Achse zeigt den Pixelwert jedes Farbtons. Mit Hilfe des 

Histogramms eines Bildes können Sie erkennen, ob ein Bild mehrheitlich aus hellen, mittleren oder 

dunklen Farbtönen besteht. 

Obwohl die Diagramme von den Farbtönen des Motivs bestimmt werden, bedeutet ein Histogramm 

mit einer hohen Pixelzahl (und starken Ausschlägen) an einem Rand des Bildausschnitts eine 

Unterbelichtung. Ein Histogramm mit einer großen Anzahl von schwarzen Pixel auf der linken 

Seite beispielsweise bedeutet oft eine Unterbelichtung. Dadurch werden die Details in den 

Schattenbereichen verdunkelt. Eine große Pixelzahl in der rechten Seite des Histogramms bedeutet 

ein überbelichtetes Bild. Die Spitzlichter sind ausgebrannt und die Details gehen dabei verloren. Ein 

Histogramm mit einem schmalen Ausschlag in der Mitte und mit nur wenigen schwarzen und weißen 

Pixel zeigt fehlenden Kontrast an. 

Wie also sollte das Histogramm einer korrekten Aufnahme aussehen? Diese Frage kann nicht so 

einfach beantwortet werden, denn es gibt kein perfektes Histogramm. Das Histogramm gibt nur 

Auskunft darüber, wie das Bild belichtet wurde und erlaubt dem Fotografen dadurch, bei der nächsten 

Aufnahme desselben Motivs die Belichtung besser einzustellen. Das bedeutet, dass ein Histogramm 

eines hellen Motivs ganz anders aussieht, als das eines dunklen Motivs oder einer Mischung von 

Farbtönen. Etwas allgemeiner formuliert, sollte ein Histogramm eine breite Auswahl von Farbtönen auf 

der waagerechten Achse aufweisen und sich die Pixel im Mittelbereich (100, Mittelpunkt) befinden. 

Normalerweise sollten Ausschläge auf der rechten Seite des Diagramms vermieden werden, da diese 

Kennzeichen von überbelichten Spitzlichtern sind, die immer zu Detailverlust führen. 

Beim Auswerten eines Histogramms sollte vor allem auf die Helligkeit des Motivs geachtet werden. 

Ein Motiv mit einem hohen Prozentsatz von hellen oder dunklen Farbtönen wie bei Schnee oder einer 

Silhouette hat einen großen Einfluss auf das resultierende Histogramm. Daher gibt es zum Thema 

Histogramm keine allgemeingültigen Bedienungsanleitungen, sondern nur hilfreiche Empfehlungen. 

Oft ist eine gleichmäßige Pixelverteilung über die gesamte Grauskala wünschenswert. Die eigene 

Erfahrung hat aber beim Einsatz von Histogrammen zur richtigen Belichtung einen ebenso hohen 

Stellenwert. 

Wie kann man das Histogramm eines Bildes prüfen? Die meisten digitalen Kameras erlauben 

eine Histogramm-Ansicht auf dem Monitor während der Bildwiedergabe. Um das Histogramm 

zu aktivieren, drücken Sie die Wiedergabe-Taste und wählen in dem zusätzlichen Hilfsmenü die 

Histogramm-Funktion. Wird die Histogramm-Funktion als Standard-Einstellung gewählt, kann das 

Histogramm bei Bedarf direkt nach der Aufnahme konsultiert werden. Ist aus dem Histogramm eine 

Unterbelichtung ersichtlich, sollte eine positive Belichtungskorrektur eingesetzt werden. Konzentrieren 

sich die Bildpunkte auf der rechten Seite, und das Bild erscheint überbelichtet, kann dies durch eine 

positive Belichtungskorrektur korrigiert werden. Der Einsatz eines Histogramms ist eine verlässlichere 

Methode, die richtige Belichtung einzuschätzen, als die Bilder auf dem Monitor der Kamera. Das gilt 

vor allem im Freien, wenn das Umgebungslicht so hell ist, dass das Monitorbild nur schwer erkennbar 

ist. 

Keine Panik! 

Die Belichtungswarnung 

Die meisten Spiegelreflexkameras sind mit der 

Funktion „Spitzlichter anzeigen“ ausgerüstet. 

Histogramme liefern eine grafische Darstellung des 

Farbtonumfangs des gesamten Bildes. Dadurch kann 

die Belichtung des Bildes beurteilt werden. Die 

Belichtungswarnanzeige hingegen wurde zum 

Vermeiden überbelichteter Spitzlichter entwickelt. 

Weiße und helle Objekte im direkten Sonnenlicht 

profitieren besonders von dieser Funktion. Ein 

Histogramm mit einem starken Ausschlag nach rechts 

bedeutet in der Regel, dass das Bild teilweise 

überbelichtet wurde. Die Belichtungswarnung 

identifiziert all jene Bildpunkte, die den Wert von 

reinem weiß (255) überschreiten. Diese Pixel können 

von der Kamera nicht verarbeitet werden und werden 

daher nicht aufgezeichnet. Wird ein solches Bild auf 

dem Kamera-Monitor wiedergegeben, zeigt diese 

Funktion außerhalb des Dynamikumfangs liegende 

Bildpunkte an. Man sieht dadurch, welche 

Bildbereiche „ausgebrannt“ wurden und Details 

verloren haben. Mit einer negativen 

Belichtungskorrektur wird dies korrigiert und das Bild 

dunkler aufgenommen. 

Die Belichtungswarnung ist nicht bei allen Kameras 

standardmäßig aktiviert. Bei Bedarf sollte sie also mit 

Hilfe des Benutzer-Handbuchs aktiviert werden. 

Normalerweise findet man diese Funktion im 

Wiedergabe-Menü der Kamera. 


TENDENZ NACH LINKS: Das Histogramm wurde nach 

links gedrückt. Es gibt die Pixelkonzentration im 

Schattenbereich wieder. Das Bild wurde aber trotzdem 

richtig belichtet. 

KORREKTE BELICHTUNG: Ein typisches 

Landschaftsmotiv ergibt ein sogenannt „perfektes 

Histogramm“, da die Mitten durch eine breite Auswahl 

an Farbtönen und Ausschlägen gekennzeichnet sind. 

TENDENZ NACH RECHTS: Die richtig belichtete 

Aufnahme eines extrem hellen Motivs erzeugt, so wie 

ein überbelichtetes Bild, ein ganz nach rechts 

gedrücktes Histogramm.


Belichtung 23 

Farb-Histogramme 

Manche digitalen Spiegelreflexkameras bieten 

die Option getrennter Histogramme für rote, 

grüne und blaue Farbkanäle. Einsteiger sollten 

diese Option ignorieren und die Standard- 

Grauskala-Funktion benutzen. 

4) Nach rechts belichten 

„Nach rechts belichten“ ist eine verbreitete Methode, um die Bildqualität zu 

optimieren. Sie funktioniert allerdings nur bei Aufnahmen im Raw-Format. 

Dadurch können die Belichtungseinstellungen soweit wie möglich an die 

Überbelichtung angenähert werden, ohne Spitzlichter abzuschneiden. 

Beim resultierenden Histogramm befinden sich die meisten Pixel rechts der 

Mitte, daher der Ausdruck „nach rechts belichtet“. Das Resultat macht im Raw- 

Konverter wohl einen etwas hellen Eindruck, der aber mit den Helligkeits- und 

Kontrastreglern schnell und einfach korrigiert werden kann. Das Endergebnis hat 

eine bessere Bildqualität. 

CCD- und CMOS-Sensoren messen das Licht linear. Die meisten 

Spiegelreflexkameras zeichnen ein 12-Bit-Bild mit bis zu 4096 Tonwerten über 

sechs Lichtwertstufen auf. Die Tonwerte sind aber nicht regelmäßig über die 

Lichtwertstufen verteilt. Jede Lichtwertstufe zeichnet die Hälfte des Lichts der 

vorherigen auf. Die Hälfte der Tonwerte wird also von der hellsten Lichtwertstufe 

beansprucht (2048), die Hälfte davon wiederum (1024 Tonwerte) von 

der zweithellsten Lichtwertstufe etc. Dadurch besitzt die letzte, dunkelste 

Lichtwertstufe nur 64 Tonwerte. Wird die rechte Seite des Histogramms nicht 

richtig genutzt, geht die Mehrheit der Tonwerte verloren. Wenn man also die 

Aufnahme unterbelichtet, um Details in den Spitzlichtern zu erhalten, verliert 

man einen großen Teil der Bildinformationen. 

HAUPTBILD UND HISTOGRAMM: Belichtet man nach rechts, können 

maximale Detailschärfe und minimales Bildrauschen erreicht werden. 

Das Bild im Raw-Konverter wirkt fast zu hell, was aber mithilfe der 

Helligkeits- und Kontrastregler angepasst werden kann. 

MARK BAUER


Die Zeitautomatik 

Welcher Automatik-Modus ist am nützlichsten für 

Landschaftsaufnahmen? Erfahren Sie hier alle 

Geheimnisse der Zeitautomatik. 

IN DER BETRIEBSART ZEITAUTOMATIK können Sie 

entscheiden, welche Blendenöffnung (f/-Zahl) Sie zum 

Fotografieren verwenden möchten, während die Kamera 

auf der Grundlage der herrschenden Lichtverhältnisse 

automatisch eine Verschlusszeit festlegt, um die richtige 

Belichtung zu erzielen. Mit anderen Worten: Sie können die 

Blendenwahl vorgeben, und die Kamera wählt danach die 

Verschlusszeit aus. 

Da die Blende die Tiefenschärfe (den Bereich des scharfen 

Fokus) in einem Foto am stärksten beeinflusst, ist die 

Zeitautomatik die praktischste Betriebsart, wenn Sie ein 

Motiv oder eine Situation fotografieren, bei der die Kontrolle 

über die Tiefenschärfe wichtig ist. 

Die Landschaftsfotografie ist das beste Beispiel: Bei 

Landschaften sollten Sie immer darauf achten, dass die 

Tiefenschärfe so groß ist, dass die gesamte Szene scharf 

ist – vom unmittelbaren Vordergrund bis „unendlich“. Das 

bedeutet, dass Sie eine kleine Blende wie f/11 benötigen. In 

der Betriebsart Zeitautomatik ist das kein Problem, da Sie 

die erforderliche Blende manuell einstellen müssen. 

Bei Porträtaufnahmen ist es in der Regel genau umgekehrt: 

Sie wollen eine geringe Tiefenschärfe, damit das Modell 

scharf und der Hintergrund unscharf ist. Sie müssen 

das Bild also mit einer großen Blende wie f/4 oder f/2.8 

aufnehmen. Auch das ist mit der Zeitautomatik einfach, weil 

Sie selbst entscheiden, welche Blende verwendet wird. 

Sie können aber auch bei anderen Belichtungsarten 

festlegen, welche Blende benutzt wird. Hierfür ist jedoch 

eine etwas andere (und langwierigere) Vorgehensweise 

erforderlich. In der Betriebsart Belichtungsautomatik 

(S oder Tv) müssen Sie beispielsweise nur die 

Verschlusszeit ändern, bis die Kamera die gewünschte 

Blende einstellt. Ähnlich können Sie im Programmmodus 

mit der Programmumschaltfunktion die Blenden-/ 

Verschlusszeitkombination ändern, die die Kamera eingestellt 

hat, bis Sie die gewünschte Blende haben. 

Der Vorteil der Zeitautomatik im Vergleich zu diesen 

Betriebsarten besteht darin, dass die Kamera eine 

eingestellte Blende nicht ändert, auch wenn sich die 

Lichtverhältnisse ändern. Stattdessen wird die Verschlusszeit 

angepasst, um die richtige Belichtung beizubehalten. Das 

ist in der Betriebsart Belichtungsautomatik nicht so – wenn 

sich hier die Lichtverhältnisse ändern, passt die Kamera 

die Blende an, um korrekt zu belichten. Hier hat also die 

Verschlusszeit Vorrang, sodass Sie weniger Kontrolle über die 

Tiefenschärfe haben. Im Programmmodus passt die Kamera 

die komplette Blenden-/Verschlusszeitkombination an, 

sobald sich die Lichtverhältnisse ändern. 

Die Zeitautomatik ist auch eine praktische Betriebsart zur 

allgemeinen Verwendung, wenn Sie einfach nur umhergehen 

und fotografieren, was Ihnen vor die Linse kommt, seien 

es Gebäude, Details, Abstraktaufnahmen oder zufällige 

Schnappschüsse. Die Anforderungen an die Tiefenschärfe 

variieren je nach Aufnahme. Einmal brauchen Sie eine große 

und das nächste Mal eine möglichst geringe. Aber das kann 

mit dem Einstellrad der Kamera schnell festgelegt werden, 

und die Sucheranzeige hält Sie immer auf dem Laufenden, 

welche Blendenöffnung und zugehörige Verschlusszeit 

verwendet wird. 

f/4 

DIE AUSWIRKUNG VON BLENDENÖFFNUNGEN Da die Tiefenschärfe eine große Auswirkung auf das 

fertige Bild hat, ist es nicht verwunderlich, dass viele erfahrene Fotografen am liebsten mit der Zeitautomatik 

arbeiten. Diese beiden Aufnahmen zeigen, wie unterschiedliche Blenden zu sehr unterschiedlichen 

Ergebnissen führen können. 

Einstellen der Zeitautomatik an der Kamera 

Das Auswählen der Zeitautomatik ist ganz einfach: Sie müssen lediglich das Einstellrad für 

die Belichtung drehen (oder in einigen Fällen die Taste für die Belichtungsart drücken) und 

A oder AV auswählen. Die Kamera ist dann auf die Betriebsart Zeitautomatik eingestellt. 

Dann müssen Sie nur noch das kleine Einstellrad (entweder am Handgriff oder rechts oben 

an der Rückseite der Kamera) drehen, um die Blende zu ändern. Wenn Sie leicht auf den 

Auslöseknopf drücken, um das Belichtungssystem zu aktivieren, können Sie feststellen, 

welche Verschlusszeit die Kamera ausgewählt hat. 

Canon 

Olympus 

Nikon 

Pentax 

f/22 

Sony 

Panasonic 


Die wichtigsten 

Automatik-Modi... 

Die Zeitautomatik wählt man mit 

dem Belichtungsrad (A oder Av). Bei 

manchen Modellen muss dazu die 

Taste Belichtungsprogramm 

gedrückt werden. Die Blende wird 

dann mit dem kleineren Einstellrad 

auf dem Handgriff oder rechts oben 

an der Rückseite der Kamera 

gewählt. Wenn Sie nun den Auslöser 

halb durchdrücken, wird das 

Belichtungssystem aktiviert, und Sie 

sehen die von der Kamera gewählte 

Verschlusszeit. 

Vollautomatik Programmautomatik Blendenautomatik Nachführmessung Motivprogramme 

Die Kamera setzt die 

Verschlusszeit und 

Blende für eine korrekte 

Belichtung. Man kann in 

diesem Fall die 


Blende nicht selbst 

wählen. 

Sie funktioniert ähnlich 

wie die Vollautomatik, 

man kann hier aber bei 

Bedarf die gewünschte 


Blende selbst wählen. 

Die Verschlusszeit wird 

festgelegt, die Kamera 

stellt automatisch die 

Blende ein. Auch bei 

verändertem Licht bleibt 

die Verschlusszeit 

konstant, nur die Blende 

wird angepasst. 

Man stellt Verschlusszeit 

und die Blende 

unabhängig voneinander 

ein. Die Einstellung 

verändert sich dann 

auch bei wechselnden 

Lichtverhältnissen nicht 

mehr. 

Diese Programme sind 

auf besondere Motive 

zugeschnitten und 

passen den Autofokus, 

Blitz und die 

Belichtungseinstellung 

entsprechend an.


Belichtung 25 

Blendenstufen 

Bei den meisten Kameras können Sie die 

Blenden in Stufen von 1/2 ändern. Schauen 

Sie im Menü für benutzerdefinierte 

Funktionen nach – bei vielen Modellen 

können Sie auch 1/3-Blendenstufen 

einstellen, wenn Sie dies wünschen. 

MARK BAUER 

Blendenwert: f/22 

Die Zeitautomatik erlaubt 

dem Fotografen, die 

Schärfentiefe zu steuern.


Verschlusszeiten 

und Landschaften 

Um Dynamik und Bewegung in einer Landschaft einzufangen, brauchen Sie eine 

lange Verschlusszeit. Wenn Sie hohe Schärfe bei maximaler Schärfentiefe wollen, 

können Sie lange Verschlusszeiten und kleine Blenden einsetzen. Dafür nutzen 

Sie die Zeitautomatik und stellen die gewünschte Verschlusszeit ein. Sie sorgt 

für die korrekte Belichtung, da die Kamera die Blende automatisch anpasst. Bei 

langen Verschlusszeiten werden im Motiv auftretende Bewegungen abgebildet. 

Die Bewegung von fließendem Wasser und dem Laub der Bäume im Wind, wird 

leicht verwischt, während unbewegliche Elemente wie Zäune und Felsen scharf 

bleiben. Eine lange Belichtung erzeugt zusätzliche Tiefe und bringt gleichzeitig 

Bewegung ins Bild. 

Allerdings kann eine Belichtungsautomatik auch fehlerhaft funktionieren. In 

bestimmten Aufnahmesituationen ist Vorsicht geboten, um die Bilder nicht 

überzubelichten. Ein Kornfeld in der goldenen Abendsonne ist ein Beispiel dafür. 

Überprüfen Sie das Bild anhand des Histogramms auf dem LCD-Monitor der 

Kamera auf ausgebrannte Spitzlichter. 

Für noch längere Verschlusszeiten können Filter benutzt werden. Ein Pol-Filter 

vermeidet Lichtreflexe und intensiviert blauen Himmel. Dadurch werden die 

Bilder farbenfroher, doch das Licht, das den Sensor erreicht, wird um zwei 

Blendenstufen reduziert. Bewegungen können mit Hilfe eines Graufilters 

verstärkt und verwischt werden. Ein neutraler Graufilter hat keinen Einfluss auf 

die Farbbalance, reduziert aber die Lichtmenge und erlaubt dadurch die Wahl 

längerer Verschlusszeiten. 

Für optimale Resultate bei Sonnenaufgang und Sonnenuntergang sollte ein Stativ 

eingesetzt werden. An dunkleren, wolkigen Tagen kommt uns die Natur entgegen. 

Weniger Licht bedeutet längere Verschlusszeiten. An windigen Tagen sollten Sie 

das Stativ zusätzlich beschweren, damit es nicht in Bewegung gerät. Hängen sie 

dazu die Kameratasche mit Ihrer Ausrüstung an den Haken unter der Mittelsäule. 

Weiter können Sie eine Fernbedienung oder den eingebauten Selbstauslöser 

verwenden, um das Bild während der Aufnahme nicht zu verwackeln. 

OBEN POLFILTER UND GRAUFILTER: 

„Ich benutzte einen Graufilter 

zusammen mit dem Polfilter, um das 

Licht des hellen Himmels zu reduzieren 

und eine gut ausgeglichene, lange 

Belichtung zu erreichen. Ich nahm im 

Raw-Format mit Selbstauslöser auf bei 

einer Belichtungszeit von 1,6 

Sekunden.“ 

VERGLEICH VERSCHIEDENER 

VERSCHLUSSZEITEN: 

„Das Objektiv (10 bis 22mm eingestellt 

auf 13mm) fokussierte auf die Wiese im 

Vordergrund. Ich veränderte nur die 

Verschlusszeit von 1/50 Sekunde auf 

1,6 Sekunden. Man sieht, wie die Wiese 

durch die längere Verschlusszeit etwas 

verwischt wird. Mein Lieblingsbild 

dieser Serie ist das Bild mit der längsten 

Verschlusszeit. Es hält die Bewegung 

auf dem Bild so fest, wie ich sie in 

Erinnerung habe.“ 

Sek 1/50 

1/20 Sek 1/10 Sek


Belichtung 27 

Das fertige Bild 

Dunstanburgh Castle, Northumberland, 

Großbritannien. „Der Vordergrund macht 

das Bild eindrücklicher. Ich benutzte das 

Histogramm und das Bild auf dem Monitor, 

um die Belichtung auf ausgebrannte 

Spitzlichter zu prüfen.“ 

1/5 Sek 0,3 Sek 0,8 Sek 1,6 Sek

28 Grundlagen: Belichtung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Grundlagen für die Aufnahme von 

Wasserlandschaften 

Bei atemberaubenden Bildern von Wasserlandschaften dreht sich alles um Technik 

und darum, das richtige Zubehör zu verwenden: Bevor Sie sich hinaus wagen, sollten 

Sie gut vorbereitet sein 

WIR WISSEN NICHT, ob Ihnen das auch schon 

aufgefallen ist, aber auf der Mehrzahl der schönsten 

Landschaftsaufnahmen ist in irgendeiner Form 

Wasser zu sehen. Ob so subtil wie bei einem kleinen 

Bach, der sich durchs Bild schlängelt, oder so 

offensichtlich wie beim Meer in einer 

Küstenaufnahme – Wasser ist ein elementarer 

Bestandteil vieler Landschaftsbilder. 

Einer der Hauptgründe dafür ist, dass Wasser ein so 

dankbares fotografisches Element ist. Durch Filter 

und / oder die Verschlusszeit kann man Wasser auf 

allen möglichen Arten aufnehmen. Das reicht vom 

Einfrieren der Wasserbewegung, sodass die einzelnen 

Tropfen in der Luft schweben, bis hin zu einem 

ätherischen Dunst, der durch eine lange Belichtung 

entsteht. Da Wasser das Licht reflektiert, verursacht 

es mitunter auch Probleme bei der Belichtung, doch 

diese Reflexionen können Sie genauso gut auch zur 

Wahl der Verschlusszeit 

Die korrekte Verschlusszeit für Ihre Wasseraufnahmen 

hängt von mehreren Faktoren ab: Ob und wie schnell das 

Wasser sich bewegt, wie viel Wasser es ist, ob Sie seine 

Bewegung ganz einfrieren möchten oder ob es unscharf 

werden soll. Bei großen Wasserfällen oder brechenden 

Wellen sorgt eine Verschlusszeit von 1/1000 – 1/200 

Sekunde dafür, dass jeder einzelne Tropfen eingefroren 

wird. Bei schnell fließenden Gewässern versuchen Sie 

es mit 1/200 – 1/500 Sekunde, bei langsam fließenden 

sollte 1/125 – 1/250 Sekunde ausreichen. 

Wenn Sie aber Unschärfe erzielen möchten, ist bei großen 

Wasserfällen eine Verschlusszeit von einer Sekunde 

optimal, für kleinere Wasserfälle etwa zwei Sekunden. 

Für Flüsse und Bäche benötigen Sie langsamere 

Verschlusszeiten bis zu vier Sekunden, wenn Sie möchten 

auch noch langsamer von 10 – 20 Sekunden. Rechts 

sehen Sie einige Standard-Verschlusszeiten im Vergleich. 

Wenn sich große Wassermengen in bestimmten 

Bildbereichen konzentrieren, kann Überbelichtung zum 

Problem werden. Behalten Sie also das Histogramm im 

Auge und verwenden Sie eine längere Verschlusszeit, 

wenn Sie damit beginnen, die hellen Bildbereiche zu 

beschneiden. Bei Küstenszenen sorgen ein bis zwei 

Sekunden dafür, dass die Wellen unscharf werden, und 

20 bis 30 Sekunden erzeugen einen milchigen Effekt. 

Aufwertung Ihrer Bilder nutzen. An Tagen mit wenig 

oder gar keinem Wind kann man an einem See, 

Wasserbecken oder einer anderen großen 

Wasserfläche eindrucksvolle Fotos schießen, auf 

denen sich die Landschaft in der glatten 

Wasseroberfläche spiegelt. Damit hören die 

Möglichkeiten aber noch nicht auf – Flüsse lassen 

sich hervorragend als starke Führungslinien nutzen, 

und abgeschlossene Felsbecken oder sich 

schlängelnde Bäche, übersät mit Felsen, geben sehr 

wirkungsvolle Motive für den Vordergrund ab. 

Diese Liste lässt sich endlos weiterführen, aber wir 

möchten uns hier auf die Grundlagen der 

Verschlusszeiten für Wasseraufnahmen 

konzentrieren, und auf das Zubehör, mit dem Sie es 

ganz leicht mit unseren Wasserlandschaftsprojekten 

auf den Seiten 92 bis 119 aufnehmen können. 

Worauf warten Sie noch? Auf geht’s! 

1/60 Sekunde 

1/20 Sekunde 1/2 Sekunde 

Basiszubehör 

Weitwinkelobjektiv: 

Ein Ultraweitwinkel- 

Zoomobjektiv im Bereich von 

12–24 mm ist ideal geeignet, 

da es die Möglichkeit 

bietet, den Vordergrund 

mit Wasser zu füllen, und 

dennoch ausreichend 

Tiefenschärfe bietet, um durchweg scharfe Bilder zu 

erzielen. Das Sigma 10–20mm Objektiv kostet rund 

380 Euro; es ist sehr beliebt wegen seiner exzellenten 

Leistungsmerkmale und des attraktiven Preis- 

Leistungsverhältnisses. 

Wasserwaage: Wenn 

Ihr Objektiv mit einer 

Wasserwaage ausgestattet 

ist, verwenden Sie diese um 

sicherzustellen, dass der 

Horizont gerade dargestellt 

wird – wenn Sie dies schon 

bei der Bildaufnahme 

berücksichtigen, vermeiden Sie aufwändige 

Nachbearbeitungen in Photoshop. Ansonsten 

kaufen Sie sich eine günstige Wasserwaage, die Sie 

in den Blitzschuh schieben können, oder geben Sie 

etwas mehr Geld aus und kaufen sich eine digitale 

Waage wie die Kaiser / Seculine Action Level . 

(www.amazon.de). 

Filter: Wenn 

es Ihnen mit der 

Landschaftsfotografie 

ernst ist, lohnt es sich, in 

ein Slot-in-Filtersystem 

zu investieren. Das Cokin 

P-System (www.amazon. 

de) bietet ein tolles 

Preis-Leistungsverhältnis, und falls Qualität im 

Vordergrund stehen soll, schauen Sie sich einmal 

das tolle 100-mm-System von Lee Filters an – die 

erste Wahl der Profis (www.leefilters.com). Ein 

Polfilter sorgt für leuchtend blauen Himmel und 

klare Spiegelungen auf der Wasseroberfläche. 

Ein 0,6 oder ein 0,9 ND-Filter (kein ND- 

Verlaufsfilter!) ist auch überlegenswert, da er 

Ihnen die Möglichkeit gibt, bei Tageslicht lange 

Verschlusszeiten zu wählen, um bewegliches 

Wasser unscharf zu machen. 

Stativ: Wenn Sie 

Wasser fotografieren, 

sollten Sie kleinere 

Blenden verwenden, 

um die Tiefenschärfe zu 

erhöhen. Und bei den 

langen Verschlusszeiten 

müssen Sie die Kamera 

stabil halten, um ein Verwackeln zu vermeiden. 

Lesen Sie weiter hinten in diesem Ratgeber den 

Abschnitt zum Basiszubehör und finden Sie dort 

heraus, welches Stativ für die Outdoor-Fotografie 

am besten zu Ihrem Budget passt. 

Fotorucksack: Wenn 

Sie draußen kilometerlang 

unterwegs sind, ist ein 

Fotorucksack wesentlich 

besser geeignet, Ihre 

Ausrüstung zu schützen, 

als eine Fototasche. 

Rucksäcke mit einem 

Allwetterschutz bieten einen noch besseren 

Schutz vor Wind und Wetter. Auf unserer Website 

finden Sie Bewertungen über einige der besten 

Rucksäcke: www.digitale-fotografie-magazin.de 

Bekleidung: Es gibt 

nichts Schlimmeres als 

auszurutschen, in einen 

Fluss zu fallen und den Tag 

dann in nasser Kleidung 

verbringen zu müssen. 

Tragen Sie geeignete 

Schuhe von bekannten 

Herstellern, zum Beispiel Berghaus, und denken 

Sie über wasserfeste Hosen oder Gamaschen 

nach, zum Beispiel von Paramo. Mit dieser 

Ausrüstung können Sie auch in einem Fluss 

stehen – und trocken bleiben.

So machen Sie Wasseraufnahmen wie ein Profi 

Als Wasserlandschaften sind dramatische Küstenstriche perfekt geeignet, um 

das Erlernte in die Fotopraxis umzusetzen. Folgen Sie unseren Ratgebern für 

Zubehör, Technik und Einstellungen, und bald machen Sie professionelle 

Landschaftsbilder. 

HELEN DIXON


Abonnement 

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Alle Ausgaben sind auch zu 

bestellen unter 

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Digitale Fotografie-Magazine


Grundlagen: Schärfe 31 

Scharfstellen wie die Profis 

Meistern Sie die Grundlagen des präzisen Scharfstellens und der Schärfentiefe. 

STELLEN SIE SICH VOR, sie hätten auf ein Objekt scharfgestellt, das sich genau 

5 Meter von der Kamera entfernt befindet. Wie verhält es sich dann mit der 

Schärfe von Objekten in vier oder sechs Metern Entfernung? 

Die Antwort hängt von der Schärfentiefe ab, dem Bereich vor und hinter dem 

exakten Schärfepunkt, in dem Objekte scharf abgebildet werden. Solange Sie die 

Blende aktiv steuern, kann auch die Schärfentiefe kreativ genutzt werden. Es gibt 

Gelegenheiten, bei denen wenig Schärfentiefe erwünscht ist. In den meisten 

Fällen werden Sie aber den Bereich der Schärfentiefe eines Landschaftsfotos 

maximieren wollen, damit von der gesamten Szene so viel wie möglich scharf 

abgebildet wird. 

Die Details des Vordergrunds beispielsweise sind bei einem Landschaftsfoto sehr 

wichtig und sollten deshalb gestochen scharf sein. Das gilt aber auch für die 

näheren Objekte im Hintergrund. Eine kleine Blende sorgt in diesem Fall dafür, 

dass die wesentlichen Bildelemente sowohl des Vorder- als auch des 

Hintergrunds mit ausreichender Schärfe abgebildet werden. Doch es stellt sich 

die Frage, wo genau denn der Schärfepunkt in der Landschaft liegen soll. Der 

Neuling stellt einfach auf „unendlich“ und darf sich meistens auch über ein 

einigermaßen gelungenes Foto freuen. Doch der Schärfentiefebereich erstreckt 

sich vom Schärfepunkt der Kamera aus gesehen um etwa ein Drittel nach vorn 

ins Bild und um zwei Drittel nach hinten. Deswegen ist die Einstellung 

„unendlich“ alles andere als optimal, denn bei ihr liegt der Schärfepunkt praktisch 

auf dem Horizont; das heißt, unser Novize verschenkt zwei Drittel der möglichen 

Schärfentiefe. Hinterm Horizont geht`s zwar weiter, wie wir dank Udo 

Lindenberg heute wissen, doch der Betrachter des mit der Einstellung 

„unendlich“ geschossenen Fotos hat davon nichts, denn er kann nicht hinter den 

Horizont sehen. Verlegen wir also unseren Schärfepunkt besser nach vorn und 

zwar möglichst genau so weit nach vorn, bis das hintere Ende des 

Schärfentiefebereichs auf dem Horizont liegt. Durch diesen einfachen Kniff wird 

die gesamte Szene viel schärfer. Man nennt dieses Verfahren etwas sperrig die 

„Scharfeinstellung auf den hyperfokalen Punkt“. Gleichwohl ist es der Schlüssel 

zu wirklich guten Landschaftsbildern, weswegen Profifotografen es auch seit 

Jahrzehnten anwenden. 

Der optimale Schärfepunkt für eine gegebene Szene hängt dabei von der 

gewählten Blende und der für die Aufnahme verwendeten Objektivbrennweite 

ab. Auch die Frage, ob in Ihrer Kamera ein Vollformatsensor oder ein kleinerer 

Sensor eingebaut ist, spielt eine Rolle. Zur Bestimmung des hyperfokalen Punkts 

gibt es spezielle Rechner und auch Tabellen in Papierform. Sie können auch 

jederzeit eine Faustregel benutzen, nach der Sie den Bildausschnitt von vorn 

nach hinten in drei Drittel einteilen und den Schärfepunkt auf den Beginn des 

zweiten Drittels legen, mit der Entfernungseinstellung „unendlich“, wohlgemerkt, 

und möglichst kleiner Blende. Auf den folgenden Seiten erfahren Sie, was Sie 

über das optimale Scharfstellen wissen müssen beispielsweise auch, warum die 

kleinste Blende nicht automatisch das schärfste Foto liefert, obwohl sie doch den 

größten Schärfentiefebereich erzeugt. 

ADAM BURTON

32 Grundlagen: Schärfe Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Den Schärfebereich maximieren 

Den Vordergrund zu betonen, kann 

schwierig werden, wenn Sie von vorn 

bis hinten alles scharf bekommen 

wollen – es ist aber möglich. 

Ross Hoddinott: Blättern Sie durch 

die Seiten eines beliebigen Magazins mit 

Landschaftsaufnahmen und Sie werden 

schnell erkennen, dass bei fast all diesen 

Fotos ein interessanter Vordergrund eine ganz 

wesentliche Komponente der Bildkomposition ist. 

Er gibt dem Auge des Betrachters einen 

Einstiegspunkt und dem Bild Tiefe. Solange es zur 

abgebildeten Szenerie passt, kann alles Mögliche 

als Aufmerksamkeit erregendes 

Vordergrundelement dienen – seien es ein paar 

Felsen, eine Steinmauer, ein gewundener Pfad, oder 

Schilfrohre im Wind. Blumen sind sehr gut geeignet. 

Sie geben einem Panorama nicht nur einen 

Maßstab, sondern fügen auch einen willkommenen 

Farbtupfer hinzu. Natürlich ist der Frühling dazu die 

geeignetste Jahreszeit – denken Sie nur an die 

farbenfrohen Wildblumen auf den Wiesen. 

Um ein Vordergrundelement in einer Landschaft 

wirksam ins Bild zu setzen, braucht es einen großen 

Schärfentiefebereich, der vom Vordergrund bis zum 

Horizont reichen muss. Versuchen Sie es mit einer 

Blende in der Gegend von f/16, doch vermeiden Sie, 

weiter abzublenden, da sich sonst unerwünschte 

Verzerrungen, die physikalisch bedingt von jedem 

Objektiv erzeugt werden, bemerkbar machen 

können. Auch die Position des Schärfepunkts 

müssen Sie sorgfältig bestimmen. Der 

Schärfentiefebereich erstreckt sich bis etwa zwei 

Drittel hinter den Schärfepunkt und bis zu etwa 

einem Drittel davor. Wenn Sie den Schärfepunkt 

also zu weit nach hinten in das Bild legen, 

verschwenden Sie einen Teil des Schärfebereichs, 

der Ihnen für den Vordergrund zugute gekommen 

wäre. Eine nützliche Faustregel besagt, dass ein 

Schärfepunkt am Ende des ersten Drittels der 

gesamten Entfernung zum Horizont den 

verfügbaren Schärfentiefebereich optimal abdeckt. 

Noch präziser geht es mithilfe der hyperfokalen 

Entfernung, deren Berechnung relativ unkompliziert 

ist (siehe Tabelle rechts). 

Um Ihr Bild möglichst dreidimensional aussehen zu 

lassen, benutzen Sie ein Ultraweitwinkelobjektiv, 

z. B. ein 17–24mm Zoom, und gehen damit so nah 

wie möglich an das nächste Vordergrundobjekt 

heran. Dadurch wird dessen Größe auf dem 

späteren Foto übertrieben und die Perspektive wird 

„auseinandergezogen“, was einen eindrucksvollen 

Effekt erzeugt. 

Die hyperfokale Entfernung 

Die hyperfokale Entfernung ist die Entfernung 

zu dem Punkt in der Landschaft, auf den Sie 

scharfstellen, wenn Sie den Schärfentiefebereich 

für eine gegebene Blende maximieren wollen. 

Alles, was sich in dem Bereich von der halben 

Entfernung zu diesem Punkt bis unendlich 

befindet, wird mit akzeptabler Schärfe abgebildet. 

Das genaue Lokalisieren dieses Punktes ist also 

sehr wichtig, wenn Sie die maximal mögliche 

Schärfentiefe nutzen wollen, doch es ist recht 

einfach. Bei einem Objektiv mit fester Brennweite 

und je einer Entfernungs- und Schärfentiefeskala 

bringen Sie einfach die Markierung für 

„unendlich“ mit dem eingestellten Blendenwert 

zur Deckung. Leider besitzen immer weniger 

moderne Objektive solche Skalen. Sie müssen 

Finden Sie Ihren Blickwinkel Bilder 

1ohne interessanten Vordergrund sehen oft „flach“ 

und langweilig aus. Obwohl es sich hier um ein 

eindrucksvolles Panorama handelt, ist aus dem Foto 

nur ein Schnappschuss geworden, weil nichts, was das 

Auge ästhetisch ansprechen würde, sich im 

Vordergrund befindet und den Blick in das Motiv hinein 

führen würde. 

die optimale Entfernungseinstellung also selbst 

ermitteln. Zum Glück gibt es Schärfentiefen- 

Rechner und Tabellen mit hyperfokalen 

Entfernungen, die sie aus dem Internet 

herunterladen können. Besuchen Sie www. 

dofmaster.com, dort finden Sie auch eine App für 

Ihr Smartphone. 

Unten finden Sie zwei Tabellen für hyperfokale 

Entfernungen für die gängigsten Brennweiten 

und Blendenwerte. Die Tabellen gelten jeweils für 

Vollformat- und APS-C Sensoren. Fotokopieren 

und laminieren Sie die relevante Tabelle für Ihre 

Kamera, damit Sie sie immer dabei haben und 

zur Bildkomposition bzw. Scharfeinstellung von 

Landschaftsaufnahmen nutzen können. 

APS-C Sensoren 

Blende 12mm 15mm 17mm 20mm 24mm 28mm 35mm 50mm 

f/8 3.2ft 5ft 6.4ft 8.9ft 12.6ft 17ft 27ft 55ft 

f/11 2.3ft 3.5ft 4.5ft 6.2ft 9ft 12ft 19ft 39ft 

f/16 1.7ft 2.5ft 3.3ft 4.4ft 6.4ft 8.6ft 14.5ft 27ft 

f/22 1.2ft 0.9ft 2.3ft 3.2ft 4.5ft 6ft 9.5ft 19.2ft 

Vollformatsensoren 

Blende 16mm 20mm 24mm 28mm 35mm 50mm 

f/8 3.8ft 5.6ft 8ft 11ft 17ft 35ft 

f/11 2.6ft 3.9ft 5.8ft 7.8ft 12ft 25ft 

f/16 1.9ft 2.9ft 4ft 5.5ft 8.5ft 17.5ft 

f/22 1.4ft 2ft 2.9ft 3.9ft 6ft 12.5ft 

Verändern Sie den Standpunkt Schon 

2durch eine einfache Standortänderung von nur 

wenigen Metern ist dieses Bild viel besser geworden. 

Die blühenden Grasnelken im Vordergrund geben ihm 

mehr Tiefe und Atmosphäre. Leider ist der Himmel 

überbelichtet, also wird ein Filter benötigt, oder die 

Belichtung muss angepasst werden. 

Finden Sie die passende Belichtung 

3Ich habe eine Messung am Himmel vorgenommen 

und eine andere auf den Blumen. Der Unterschied 

betrug etwa vier Blendenstufen. Ich wollte das Licht 

nicht vollständig angleichen, da unser Auge generell 

den Himmel heller wahrnimmt, als Anderes auf einem 

Foto. Deswegen habe ich einen zweistufigen 

Grauverlaufsfilter benutzt, um zwar den Himmel 

abzuschwächen doch die Details der Landschaftsszene 

bei der Aufnahme nicht zu verlieren. 

Optimieren Sie die Bildkomposition Bei 

4nunmehr korrekter Belichtung wird es Zeit, sich um 

die Bildkomposition zu kümmern. Damit der Vordergrund 

stärker betont wird und um der Szene mehr Tiefe zu 

verleihen, ist ein niedriger, nah an einem 

Vordergrundobjekt befindlicher Kamerastandpunkt am 

besten, zumal dann, wenn er durch eine kurze Brennweite 

unterstützt wird. Deswegen benutzte ich hier das kurze 

Ende meines 17-35mm Zooms. Das Scharfstellen hat hier 

nicht ganz geklappt, deswegen sind die am nächsten am 

Objektiv befindlichen Blumen unscharf. 

Berechnen Sie die hyperfokale 

5Entfernung 

Damit alles, vom nahen Vordergrund bis zum Horizont, 

ausreichend scharf abgebildet wird, sollten Sie auf die 

hyperfokale Entfernung scharfstellen. Der Tabelle 

konnte ich entnehmen, dass bei einer Brennweite von 

17 mm und einer Blende von f/16 Die hyperfokale 

Entfernung etwas mehr als 60 cm beträgt. Diese 

Entfernung stellte ich manuell ein und fotografierte 

erneut. Das Ergebnis: Schärfe von vorn bis hinten.


Ich entschied mich für die vertikale 

Bildkomposition, weil das Portraitformat den 

Vordergrund stärker betont. Die Blüten bilden den 

Einstiegspunkt und führen das Auge in das Bild. 

Denken Sie auch daran, dass Vordergrundobjekte 

nicht die Bildkomposition dominieren, sondern nur 

das Motiv komplettieren und räumliche Tiefe 

erzeugen sollen.

34 Grundlagen: Schärfe Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Der richtige 

Umgang mit 

kleinen Blenden 

Scharfe Landschaften – dank kleiner 

Blende 

Lee Frost: Kleine Blenden erhöhen die 

Schärfentiefe, weswegen Sie mehr Objekte in 

Ihrer Szene scharf abbilden können. 

Idealerweise ist auf einem Landschaftsfoto alles 

scharf abgebildet, vom unmittelbaren 

Vordergrund bis zum Horizont. Das zu erreichen, 

wählen viele einfach die kleinste Blende des 

Objektivs – üblicherweise f/22 – stellen auf 

„unendlich“ scharf und drücken ab. 

Überraschenderweise kommen auf diese Art 

trotzdem mehr gute als schlechte Bilder 

zustande, doch das liegt nur daran, dass die für 

Landschaftsaufnahmen bevorzugten 

Weitwinkelobjektive bei kleinster Blende eben 

„automatisch“ einen riesigen 

Schärfentiefebereich erzeugen. Es ist jedoch 

nicht sinnvoll, immer die kleinste Blende zu 

verwenden, denn sie liefert nicht grundsätzlich 

die schärfsten Bilder. Im Folgenden werden wir 

Ihnen zeigen, welche Blendeneinstellungen bei 

Landschaftsaufnahmen am besten sind. 

Weit offene Blende Dieses Foto entstand mit 

1 einer Vollformat-Kamera mit 17–40mm 

Zoomobjektiv und einer eingestellten Brennweite von 

17mm. Die Schärfe war manuell auf die der Kamera 

am nächsten befindlichen Felsen eingestellt und der 

Blendenwert betrug f/4 – die größte an diesem Objektiv 

einstellbare Blende. Wie Sie sehen, sind die Felsen 

scharf abgebildet, doch in mittlerer Entfernung ist die 

Schärfentiefe schon ausgereizt und das weiter entfernte 

Schloss im Hintergrund ist unscharf. 

2 

Auf den Vordergrund scharfstellen 

Abblenden auf einen kleineren Wert vergrößert den 

Schärfentiefebereich, so dass dieser sich weiter nach 

vorn und hinten erstreckt. Doch da wir immer noch auf 

den Vordergrund scharfgestellt haben, müssen wir bis 

auf den kleinsten Blendenwert f/22 heruntergehen, bis 

das Schloss im Hintergrund scharf wird. Das liegt 

daran, dass sich die Schärfentiefe reduziert, wenn der 

Schärfepunkt wie in diesem Fall dicht vor der Kamera 

liegt. 

Auf „unendlich“ scharfstellen Eine 

3 andere Möglichkeit ist, die Schärfe auf „unendlich“ 

zu stellen – wie es die meisten Fotografen auch 

tatsächlich tun, wenn sie Landschaften mit Weitwinkel 

fotografieren. Wenn Sie dem folgen und auf f/22 

abblenden, wie in dem Beispiel oben, wird die gesamte 

Szene scharf, was auf die extrem kurze Brennweite, die 

kleine Blende und den maximal entfernten 

Schärfepunkt zurückzuführen ist. 

Aufblenden Ist es aber wirklich nötig, auf f/22 

4 abzublenden, wenn die Schärfe auf „unendlich“ 

eingestellt ist? Diese Szene wurde mit „unendlich“ 

aufgenommen, wobei wir die Blende nach jeder 

Aufnahme eine Stufe weiter öffneten, um zu sehen, wie 

weit wir gehen konnten, bevor der Vordergrund 

merklich unschärfer wurde. In diesem Fall geschah dies 

schon bei der nächst größeren Blendenstufe, sodass wir 

Blende 22 belassen mussten. Es ist also zu empfehlen, 

den Schärfepunkt weder zu dicht zur Kamera noch zu 

weit in den Hintergrund zu legen. 

Der Schärfepunkt im ersten Drittel 

5 sorgt für einen Schärfebereich, der je nach Bedarf 

entweder vom Horizont bis weit bin den Vordergrund, 

oder vom Vordergrund so weit wie möglich in den 

Hintergrund reicht. Wir versuchten es mit Blende 22, 

und wie erwartet wurde alles scharf, weil die 

Schärfentiefe optimal genutzt wird.


Zum Schluss machten wir noch einen Versuch mit 

Blende 16; dadurch wurde das Bild nicht nur von 

vorn bis hinten, sondern bis in die Ecken scharf, 

weil sich die Objektivverzerrung geringer 

auswirkte. 

Fazit: Für gestochen scharfe Fotos fokussieren Sie 

auf das Ende des ersten Drittels in Ihrem 

Bildausschnitt, vermeiden aber die kleinste 

Blende.

36 Licht Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

LICHT IN DER 

LANDSCHAFT 

Tageslicht ist die vielseitigste 

Lichtquelle für den Fotografen. Hier 

untersuchen wir die 

unterschiedlichen 

Erscheinungsweisen und Sie 

erfahren, wie Sie das Tageslicht bei 

Ihren Landschaftsaufnahmen am 

besten nutzen. 

LICHT IST DER ENTSCHEIDENDE Faktor für 

jedes Foto. Es kann sehr viele Formen 

annehmen – es kann hart oder weich sein, 

stark oder schwach – und die zwischen 

diesen Extremen möglichen Variationen 

haben weitgehende Auswirkungen auf 

Stimmung und Charakter einer Landschaft 

und nicht zuletzt auch auf die Qualität des 

einzelnen Bildes. 

Tageszeit und Wetterbedingungen sind die 

beiden wesentlichen Faktoren der Qualität 

von Tageslicht. Nehmen Sie noch die 

unterschiedlichen Jahreszeiten dazu, und 

Sie erhalten zahllose Variationen möglicher 

Lichtverhältnisse. Dies kann Segen und 

Fluch zugleich sein: Unter Idealbedingungen 

ist Tageslicht zwar die beste Lichtquelle – 

wenn Sie aber sehr früh aufstehen und 250 

Kilometer fahren, um bei Sonnenaufgang vor 

Ort zu sein, dann aber dichte Regenwolken 

vorfinden, erweist sich Tageslicht als die 

unzuverlässigste Lichtquelle. 

Bereit sein ist Alles 

Gute Planung erhöht Ihre Erfolgschancen, 

und dank des Internets können Sie heute 

einfacher planen als je zuvor. Sie können sich 

das Wetter von Morgen, Übermorgen oder 

der kommenden Woche anzeigen lassen, Sie 

können den genauen Zeitpunkt des 

Sonnenaufgangs nachschlagen und das für 

jeden Tag und für jeden Ort der Welt. Sie 

können auch den Status der Gezeiten 

feststellen, bevor Sie an die Küste fahren. Je 

mehr Informationen Sie zusammentragen, 

desto wahrscheinlicher sind Sie zur richtigen 

Zeit am richtigen Ort und haben dort dann 

auch zumindest annehmbares Licht. Sollte 

es einmal nicht nach Plan gehen, machen 

Sie vielleicht trotzdem noch Fotos, die besser 

sind, als Sie erhofft hatten, denn unerwartete 

Wetteränderungen schaffen oftmals 

spektakuläre Lichtverhältnisse, die man 

zwar nicht einplanen kann, aus denen Sie 

aber Ihren Vorteil ziehen können. 

Es ist keineswegs Glückssache, wenn 

Top-Landschaftsfotografen regelmäßig 

hervorragende Fotos abliefern, sondern 

vielmehr Sache des Vor-Ort-Seins und mit 

dem gegebenen Licht den Möglichkeiten 

entsprechend zu arbeiten. 

Auch die Bereitschaft sich anzupassen, wird 

Ihnen helfen, das Beste aus dem 

vorhandenen Licht zu machen, denn manche 

Lichtsituationen eignen sich besonders für 

bestimmte Motive. Das diffuse, gleichmäßig 

verteilte Licht eines bedeckten Himmels 

eignet sich beispielsweise nicht besonders 

für Weitwinkelansichten, aber es ist ideal für 

landschaftliche Details. Eine andere 

Die wichtigsten Filter 

Grauverlaufsfilter: Er wird vor das 

Objektiv geschraubt oder gesteckt und ist 

im oberen Drittel mehr oder weniger grau 

eingefärbt, wobei die Graufärbung nach 

unten hin abnimmt. Dieser Übergang oder 

Verlauf kann sich über eine große oder kleine 

Fläche des Glases erstrecken; man spricht 

dementsprechend auch von weichem oder 

hartem Übergang. Solch ein Filter wird 

eingesetzt, um den Himmel abzudunkeln, 

damit die Szene richtig belichtet werden 

kann. Ohne Filter erhielte man einen korrekt 

belichteten Himmel, aber einen unterbelichteten 

Vordergrund oder einen korrekt belichteten 

Vordergrund mit überbelichtetem Himmel. 

Das gilt besonders in der Morgen- und 

Abenddämmerung, wenn der Kontrast zwischen 

Himmel und Erde am größten ist. Dann 

brauchen Sie einen Grauverlaufsfilter der Stärke 

0.9, was drei Blendenstufen entspricht. Zu 

normaler Tageszeit reicht ein Filter der Stärke 

0.6 entsprechend zweier Blendenstufen. 

Polarisationsfilter: Besser bekannt 

als Polfilter, erlaubt er die Farbgestaltung des 

Motivs besonders bei sonnigem Wetter erheblich 

zu beeinflussen. Das Blau des Himmels lässt 

sich intensivieren, Reflexionen lassen sich stark 

vermindern und Farben und Kontrast werden 

verstärkt. Der Polfilter eignet sich auch sehr 

gut für Aufnahmen von herbstlich gefärbtem 

Blattwerk, selbst an trüben Tagen. 

Möglichkeit ist, die Bilder in Schwarzweiß zu 

konvertieren. In diesem Fall kommt es auf 

die Lichtqualität nicht so genau an; oder Sie 

setzen Filter ein. Egal wie eintönig das 

Wetter auch sein mag, an der Küste können 

Sie beeindruckende Bilder produzieren, 

einfach indem Sie einen 10-stufigen 

Grau-Verlaufsfilter benutzen. Dadurch wird 

die Bewegung des Wassers hervorgehoben 

und kann mit statischen Elementen wie 

Felsen, Buhnen und Molen kontrastiert 

werden. 

ALL IMAGES: LEE FROST 

Die richtige Richtung 

Die Richtung, aus der das Licht auf Ihr 

Motiv fällt, hat einen erheblichen Einfluss 

auf die Stimmung und den Gesamteindruck, 

den Ihre Bilder vermitteln werden. Direktes 

Licht – wenn die Sonne in Ihrem Rücken 

steht – lässt die Landschaft in natura zwar 

sehr schön aussehen, auf einem Foto 

allerdings wirkt sie eher flach, weil alle 

Schatten von der Kamera weg weisen. 

Direkt nach Sonnenaufgang oder vor 

Sonnenuntergang, wenn die Sonne niedrig


Licht 37 

Fantastische 

Lichteffekte 

Selbst an vollständig 

wolkenverhangenen Tagen können Sie 

großartige Ergebnisse erzielen, wenn 

Sie solche kurzen Lichtdurchbrüche für 

die Bildkomposition ausnutzen. 

über dem Horizont steht und die Landschaft 

in goldenes Licht taucht, kann man die 

fehlende Tiefe vernachlässigen. Gleichwohl 

werden Sie feststellen, dass es gar nicht 

einfach ist, den eigenen Schatten immer 

aus dem Bild heraus zu halten. 

Seitliches Licht, mit der Sonne in einem 

Winkel von etwa 90 Grad zur Kamera, ist 

auf jeden Fall die bessere Lösung, denn 

dann werden die Schatten zu einem 

integralen Bestandteil der Bildkomposition. 

Oberflächendetails sind besser erkennbar, 

und das gesamte Motiv erhält mehr Tiefe. 

Der Effekt ist umso größer, je tiefer die 

Sonne am Himmel steht, weil dann die 

Schatten am längsten sind. 

Eine andere Möglichkeit ist, ins Gegenlicht 

zu fotografieren. Ein Sonnenaufgang wird 

beispielsweise so aufgenommen, denn der 

farbenprächtigste Teil des Himmels ist 

immer der, an dem die Sonne aufzugehen 

im Begriff ist oder gerade aufgegangen ist. 

Auch bei höher stehender Sonne sind 

hervorragende Fotos möglich, doch die 

Szene muss mit Bedacht ausgewählt 

werden. Küstenabschnitte oder ein wie 

auch immer geartetes Motiv, bei dem 

Wasser im Spiel ist, eignen sich gut, ebenso 

wie winterliche Szenen, weil das 

Sonnenlicht dann von Eis und Schnee 

reflektiert wird. Auch Dunst und Nebel sind 

gute Bildelemente, denen 

durchscheinendes Licht eine interessante 

Atmosphäre verleiht. 

Generell ist Tageslicht etwas Besonderes, 

weil Sie es definitiv, nicht steuern können. 

Was bleibt ist, sich damit zu arrangieren, 

wobei gute Planung, Geduld und 

Beharrlichkeit ausschlaggebend sind.

38 Umgebungslicht 

Die Tageszeit 

Die Tageslichtverhältnisse verändern sich zwischen frühem Morgen und 

spätem Abend ständig. Diese Unterschiede können in der Landschaftsfotografie 

für besondere Bildeffekte genutzt werden. 

MORGENDÄMMERUNG Das erste Tageslicht 

erscheint 30 bis 40 Minuten vor Sonnenaufgang am 

Himmel. Als Fotograf sollte man am besten eine 

Stunde vor Sonnenaufgang am Aufnahmeort 

eintreffen, um anzufangen sobald die ersten Farben 

am Himmel erscheinen. Das Licht wird vom Himmel 

auf die Landschaft gespiegelt und ist weich und 

schattenlos. Die Bilder haben dadurch meist einen 

starken kühlen Stich, ein guter Kontrast zum glühend 

warmen Horizont. 

Wasser, nasser Sand und feuchte Felsen geben die 

Farbe des Himmels wieder. Die erste Dämmerung 

eignet sich also besonders für Küsten- und 

Seeansichten. Ein paar Wolkenfetzen am Himmel 

sind wünschenswert, um zusätzliche Farbe auf den 

Himmel zu bekommen, wolkenlose Morgen sind aber 

ebenfalls reizvoll. Da das Licht noch schwach ist, 

muss man mit langen Belichtungszeiten rechnen. 

Wegen des Mangels an direktem Licht ist der 

Kontrast zwischen Himmel und Erde groß, es wird 

daher empfohlen einen 0,9-Graufilter einzusetzen, 

um Detail und Farbe im Himmel zu erhalten. 

FRÜHER MORGEN Nachdem die Sonne 

aufgegangen ist, dauert es nur wenige Minuten, bis 

das Licht an Wärme verliert. Im Sommer ist das 

Tageslicht während der zwei Stunden nach dem 

Sonnenaufgang farbneutral. Danach bleibt die 

Farbtemperatur über zehn bis zwölf Stunden 

konstant. Im Frühling und Herbst verliert das Licht 

die Wärme etwa um 8:00 Uhr und die 

Farbtemperatur bleibt bis etwa 16:00 Uhr 

konstant. Im Winter bleibt die Farbtemperatur fast 

immer unter 5500 K, sogar am Mittag. Das 

kommt daher, dass der Winkel zwischen Sonne 

und Erde während des ganzen Tages relativ klein 

ist. 

Die ersten zwei Stunden nach Sonnenaufgang 

eignen sich am besten für die 

Landschaftsfotografie, da die Lichtintensität dann 

schwach ist und die langen Schatten zusätzliche 

Tiefe und Modellierung aufs Bild bringen. Ein 

Polfilter ist besonders wirkungsvoll, wenn die 

tiefstehende Sonne im rechten Winkel zur Kamera 

steht. 

SONNENAUFGANG Sobald die Sonne 

aufgeht, beginnen die Farben am Himmel zu 

verschwinden. An einem wolkenlosen Morgen im 

Sommer kann man an der Küste noch ein paar 

Minuten nach Sonnenaufgang aufnehmen, da das 

Meer und der nasse Sand das Licht spiegeln und 

der Kontrast dadurch nicht zu stark wird. Objekte 

wie Stege, Schlösser und Leuchttürme können als 

wirkungsvolle Silhouetten ins Bild aufgenommen 

werden. Danach ist es meist zu hell für gelungene 

Landschaftsfotos. Im Inland wird der Kontrast zu 

stark, sobald die Sonne bei klarem Himmel 

aufgeht. Dann sollte man sich umdrehen und das 

goldene Licht der Landschaft mit der Sonne im 

Rücken aufnehmen. Idealerweise sollte die Sonne 

das Motiv von der Seite beleuchten. Dadurch 

können lange, betonte Schatten ins Bild 

aufgenommen werden, die für zusätzliche Tiefe 

und Textur sorgen. Das Licht ist bei 

Sonnenaufgang so warm, weil das Sonnenlicht 

beim Durchdringen der Atmosphäre gestreut wird. 

Zudem wird ein Teil des kurzwelligen blauen 

Lichts herausgefiltert. 

TAGSÜBER Zwei Stunden nach 

Sonnenaufgang wird die Lichtqualität bei 

klarem, sonnigen Wetter gegen Mittag immer 

schlechter. Je höher die Sonne im Zenit steht, 

desto greller und intensiver wird das Licht 

und desto kürzer und dunkler die Schatten. 

Im Sommer steht die Sonne bereits ab 11:00 

Uhr im Zenit und bleibt dort bis in den 

Nachmittag hinein. Landschaftsaufnahmen 

wirken dann flach und kontrastreich, das 

Licht ist unattraktiv. Urbane Landschaften 

passen besser zu starkem Licht. Moderne 

Architektur mit abstrakten und farbenfrohen 

Details und einem durch einen Polfilter 

verdunkelten Himmel wäre hier eine gutes 

Motiv für eine gelungene Aufnahme. Auf dem 

Land können Bäume aus einem tiefen Winkel 

gegen den Himmel oder Spiegelungen im 

Wasser fotografiert werden. Die Infrarot- 

Fotografie funktioniert gut mit grellem Licht, 

vor allem im Frühling und Sommer wenn das 

Laub saftig grün ist. 

SPÄTER NACHMITTAG Sobald die 

Sonne langsam sinkt, wird das Licht wieder 

wärmer. Es wird weniger intensiv und die 

Schatten werden länger. Die Landschaft 

gewinnt ihre Form und ihren Charakter 

zurück. Je länger man für die Aufnahme 

wartet, desto besser. Am Morgen trifft das 

Licht auf eine kalte Erdoberfläche, am 

Nachmittag hingegen ist die Erde warm und 

die Schatten erscheinen in einem neutralen 

Licht. Die Atmosphäre lässt am Nachmittag 

weniger Licht durch als am frühen Morgen, 

daher wirkt das Licht röter. Die Stunde vor 

Sonnenuntergang wird von Fotografen oft als 

„goldene Stunde“ bezeichnet, da man dann 

das beste Licht zur Verfügung hat. Lange 

Schatten holen Textur und Modellierung 

hervor, was dem Bild Tiefe gibt. Wenn die 

Sonne untergeht, ist das Licht einfacher 

vorauszusehen, sodass man sich einen guten 

Standort suchen kann.

Alles ist rosarot! 

Farben und Texturen des Himmels sind 

besonders aufregend, wenn die Sonne 

am Horizont steht. 

SONNENUNTERGANG Am besten 

trifft man 45 Minuten vor Sonnenuntergang 

am Aufnahmeort ein, um den besten 

Bildwinkel zu wählen und die Kamera 

einzustellen. So können bei Sonnenuntergang 

wunderschöne, in goldenes Licht getauchte 

Motive aufgenommen werden. Flache 

Landschaften entfalten im Sonnenuntergang 

nur kurz ihre magische Wirkung; und in 

bergigen Regionen entschwindet die Sonne 

schon eine halbe Stunde früher aus dem 

Blick. 

Wenn man gegen die Sonne aufnimmt, 

werden alle Bildelemente zwischen der 

Kamera und der Sonne zur Silhouette – ein 

guter Trick für Wasseroberflächen. Die 

glühende Sonne und Farbe des Himmels 

werden darin gespiegelt und bieten einen 

schönen Hintergrund für Silhouetten von 

Booten, Inseln, Stegen und so weiter. Tauchen 

dabei unerwünschte Lichtreflexe auf, sollte 

die Sonne hinter einem Bildelement versteckt 

oder mit der Aufnahme bis zum 

Sonnenuntergang gewartet werden. Wer mehr 

Vordergrunddetails aufnehmen will, kann 

einen 0,9-Verlaufsfilter einsetzen. 

ABENDDÄMMERUNG Sobald die 

Sonne hinter dem Horizont verschwunden ist, 

nimmt das Licht sehr rasch ab und wird nur 

noch vom Himmel auf die Landschaft 

reflektiert. Mit etwas Glück kann man ein 

lebhaftes Nachglühen erleben, wenn die 

Wolken am Himmel von der untergegangenen 

Sonne kurz von unten beleuchtet werden. Die 

Farben sind gedämpft, das Licht weich, die 

Schatten verblassen und die Lichtmenge lässt 

immer mehr nach. Am Ufer eines Gewässers 

kommen die Pastellfarben im Himmel am 

besten zur Geltung. Diese Farben können auch 

gut als Hintergrund für Silhouetten verwendet 

werden. 

Für Langzeitbelichtungen bieten wogende 

Baumkronen im Wind, driftende Wolkenfetzen 

am Himmel, Strömungen von Flüssen und 

Meereswellen tolle Gelegenheiten, um 

Bewegung aufzunehmen. Arbeiten Sie einfach 

so lange weiter, bis die Farben verblassen. 

MONDLICHT Der Mond kann bei 

Nachtaufnahmen als reizvolle Lichtquelle 

eingesetzt werden. Wintermotive passen 

besonders gut dazu, weil der Schnee das 

Mondlicht reflektiert. Aufnahmen mit dem 

schimmernden Band, das der Mond auf dem 

Wasser hinterlässt, sind ebenfalls sehr 

eindrucksvoll. Mit langen Belichtungszeiten 

kann man surrealistische Aufnahmen 

schaffen, die aussehen, als ob sie bei 

Tageslicht aufgenommen wurden. Sie sehen 

fast aus wie normale Bilder, nur haben sie eine 

eigenartige Bildqualität. Wird der Verschluss 

der Kamera bei einem Sternenhimmel offen 

gelassen, können die Bewegungen der Sterne 

aufgezeichnet werden. Da man in der Nacht 

natürlich lange Belichtungszeiten einsetzt, 

braucht man unbedingt ein Stativ. Für eine 

gute Bildqualität empfiehlt sich eine tiefe 

ISO-Empfindlichkeit von 400 (oder weniger). 

Unabhängig der Aufnahmesituation (außer der 

Mond wird gerade von einer Wolke verdeckt) 

sollte der Mond selbst nicht in den 

Bildausschnitt aufgenommen werden, da er 

sonst als überbelichteter weißer Klecks 

erscheint. 

GARY McPARLAND

40 Umgebungslicht Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Die Zauberstunde für Frühaufsteher 

„Die Morgendämmerung ist die beste Tageszeit für wunderschöne, stimmungsvolle Aufnahmen“, sagt Landschafts-Expertin Helen Dixon. 

MITTEN IN DER NACHT AUFSTEHEN und vor der 

Morgendämmerung zum Aufnahmeort zu reisen, ist 

nicht jedermanns Sache. Wer jedoch die möglichen 

Ergebnisse kennt, denkt anders darüber. Eine gute 

Planung ist entscheidend. Wettervorhersagen sowie 

die genaue Zeit des Sonnenaufgangs können vorher 

im Internet recherchiert werden. Wer zur Küste fährt, 

muss auch die Gezeiten berücksichtigen. Ebbe ist 

für Aufnahmen am Strand üblicherweise am besten 

– und falls das Wetter nicht mitspielt, bieten sich 

immer noch Nahaufnahmen an. 

Man sollte den Aufnahmeort möglichst mindestens 

eine halbe Stunde vor Sonnenaufgang erreichen, 

da sich vor Sonnenaufgang oftmals zauberhafte 

Lichtverhältnisse bieten. So hat man auch genug 

Zeit, um die Kamera einzustellen und den besten 

Standpunkt zu fi nden. Wolkenfetzen am Himmel sind 

besonders reizvoll, da das Licht der aufgehenden 

Sonne wunderschöne Farben darauf erzeugt. Um 

sich über öffentliche Wege und Parkmöglichkeiten zu 

informieren, sollte man den Aufnahmeort am besten 

schon vor dem Aufnahmetag besuchen. Morgennebel 

entsteht nach kalten Nächten und hält nur an, bis 

die Sonne die Luft erwärmt hat. Vergessen Sie auch 

nicht, dass das Messsystem der Kamera Motive 

bei Nebel oft unterbelichtet. Das Resultat ist eine 

trübe, leblose Landschaft. Um dies zu korrigieren, 

wählt man eine positive Belichtungskorrektur von 

einer halben oder ganzen Lichtwertstufe. Auf dem 

Histogramm im Kamera-Monitor kann man prüfen, 

ob das Motiv überbelichtet wird. 

Der Einsatz von Grauverlaufsfi ltern ist schon fast 

Standard in der Landschaftsfotografi e. Verlaufsfi lter 

helfen dabei, besonders helle Bildbereiche, meist den 

Himmel, besser zu kontrollieren. Frühmorgens ist der 

Unterschied zwischen dem Licht am Himmel und 

dem auf der Erde besonders groß. 

Vorsicht vor Refl exlichtern im Objektiv, wenn 

die Sonne in den Bildausschnitt aufgenommen 

wird. Um dies zu vermeiden, muss die Linse des 

Objektivs absolut sauber sein. „Ich benutze selten 

Filter für einen wärmeren Farbton, da das grüne 

Laub der Bäume sonst meist in einer gelb-braunen 

Farbe wiedergegeben wird. Stattdessen stelle ich 

den Weißabgleich der Kamera auf „Wolken“ oder 

„Schatten“ und wärme dadurch das Motiv etwas 

auf.“ Die automatische Weißabgleich-Einstellung 

(AWB) sollte vermieden werden, da sie das Licht 

kühler macht (es sei denn, diese Wirkung ist 

gewünscht). 

„Ich habe verschiedene Gründe, warum ich die 

Morgen- der Abenddämmerung vorziehe. Ich möchte 

meine Aufnahmen so stimmungsvoll wie möglich 

gestalten und dazu ist der frühe Morgen die beste 

Zeit, da häufi g Nebelschwaden in der Luft hängen. 

Das gestreute Licht wirkt weicher. Die Sonne in den 

Bildausschnitt aufzunehmen, ist am Morgen eine 

größere Herausforderung als am Abend, da das 

Licht durch den während dem Tag entstandenen 

Staub und Dunst in der Luft gestreut wird, was 

die Helligkeit leicht reduziert. Ein weiterer, großer 

Vorteil bei Aufnahmen am frühen Morgen ist, dass 

zu dieser Zeit kaum jemand unterwegs ist und man 

die schönsten Orte für sich hat. Die Welt gehört in 

diesen Momenten mir. Es erfüllt mich, Zeugin einer 

zauberhaften Morgendämmerung zu sein.“ 

Sobald die Sonne aufgegangen ist, wird das Licht 

zu stark für Gegenlicht-Aufnahmen. Dann dreht 

man sich am besten um und fotografi ert mit der 

Sonne im Rücken weiter. Vorsicht vor dem eigenen 

Schatten! Jetzt kann das goldene Licht, dass die 

Landschaft überströmt, eingesetzt werden. Das Licht 

ist nicht statisch, es verändert sich ständig. Es ist das 

Hauptelement für kreative Aufnahmen. 

Fototipp 

Helens Foto- 

Ausrüstung für die 

goldene Stunde 

Man sollte natürlich immer 

selbst entscheiden, welche 

Ausrüstung man einsetzen 

möchte. Ein stabiles Stativ ist 

aber unbedingt notwendig, 

wenn man mit langen 

Belichtungszeiten aufnimmt. 

„Ich benutze ein Manfrotto 

MF4 Carbonfaser Stativ mit 

einem 322RC2 Stativkopf. 

Es ist sehr leicht und äußerst 

stabil. Um es an windigen Tagen 

noch stabiler zu machen, kann 

man die Kameratasche 

darunter hängen. Ich benutze 

immer eine Fernbedienung, 

aber wenn keine zur Verfügung 

steht, kann man auch den 

Selbstauslöser und die 

Spiegelvorauslösung 

verwenden, um das 

Verwackeln der Kamera zu 

vermeiden. Ich finde mein 

17–40 Millimeter Weitwinkel 

Objektiv und mein 70–200 

Millimeter Telezoom besonders nützlich. Diese 

beiden Objektive erfüllen die meisten meiner 

Bedürfnisse beim Fotografieren. Ich benutze das 

Weitwinkel-Zoom, um Vordergrunddetails ins 

Bild aufzunehmen. Das Tele-Zoom ist besonders 

gut geeignet, um die Perspektive zu 

komprimieren oder verschiedene Ebenen zu 

schaffen.“ 

HELEN DIXON 

Spiegelvorauslösung 

Viele digitale Spiegelreflexkameras bieten die 

Option zur Spiegelvorauslösung, um 

Kamerabewegungen vor der Belichtung zu 

minimieren. Die Einstellung wird in der Regel 

über eine benutzerdefinierte Funktion aktiviert. 

DURCHSCHEINEND 

„Ich wartete, bis die Sonne 

aufging und nutzte eine kleine 

Baumgruppe, um das Sonnenlicht 

zu streuen.“ 

Belichtung: 0,5 Sekunden bei 

Blende f/22


Umgebungslicht 41 

Eindrucksvolle Sonnenuntergänge 

Die zweite goldene Stunde ist die vor Sonnenuntergang. Mark Bauer erklärt: „Gute Vorbereitung lohnt sich!“ 

ES IST ZWAR MÖGLICH, fast bei jeder Tageszeit 

Landschaftsbilder aufzunehmen – es gibt aber zwei 

Stunden am Tag, an denen die Lichtverhältnisse 

die besten Resultate erzielen, nämlich die erste und 

letzte Stunde des Tages. In diesen Stunden wirft die 

tiefstehende Sonne lange Schatten, was den Charakter 

der Landschaft stärker betont. Auch der Himmel ist bei 

Morgengrauen und vor Sonnenuntergang besonders 

eindrucksvoll, weil die Wolken von unten beleuchtet 

werden. 

Diese beiden Tageszeiten bieten relativ ähnliche 

Lichtverhältnisse. Ob eine Bildkomposition am Morgen 

oder am Abend aufgenommen wird, hängt meist von 

der Lichtrichtung ab, die am besten zum gewählten 

Motiv passt. Die Südküste Großbritanniens zum 

Beispiel eignet sich im Winter besser für Aufnahmen 

am Ende des Tages. Das Licht ist am Abend, wenn die 

Sonne untergeht, meist wärmer und die Landschaft 

wird mit einem goldenen Schimmer überzogen. Ein 

weiterer Vorteil von Aufnahmen bei Sonnenuntergang 

ist, dass man dazu nicht zu Unzeiten aus dem Bett 

steigen muss, wie wenn man den Sonnenaufgang 

fotografieren will. 

Fast alle Landschaften sehen in der goldenen 

Stunde gut aus. Einige besondere Bildelemente wie 

Steinbauten oder Felsklippen profitieren besonders 

davon. Wenn die tiefstehende Sonne die Landschaft 

aufwärmt, kommt die Textur von Felsen und 

Steinblöcken hervor und Motive, die sonst einen 

trüben, langweiligen Eindruck machen, werden 

plötzlich interessanter. 

Auch Wasseroberflächen sind für die goldene Stunde 

besonders gut geeignet. Durch die Spiegelung eines 

interessanten Himmels im Wasser wird der Ausdruck 

des Bildes verstärkt. Die Bewegung von fließendem 

Wasser kann entweder glasklar eingefroren oder durch 

eine lange Belichtung verwischt werden. Das Resultat 

wird auch hier von der Lichtmenge und Lichtqualität 

bestimmt. 

Die Lichtrichtung hat ebenfalls einen großen Einfluss 

auf die Stimmung des Bildes am Anfang und am Ende 

des Tages. Eine Beleuchtung von vorne kann ziemlich 

flach aussehen, da die Richtung der Schatten die 

Details der Landschaft verschwinden lässt. 

Wird das Motiv seitlich beleuchtet, helfen die Schatten 

dabei, Tiefe ins Bild zu bringen und Form und Textur 

hervorzubringen. Eine seitliche Beleuchtung eignet 

sich auch für einen Polfiltereinsatz zur Farbsättigung. 

Steht die Kamera im rechten Winkel zur Sonne, 

kann damit die beste Wirkung erzielt werden. 

Gegenlichtaufnahmen können sehr dramatisch wirken. 

Man sollte dabei aber besonders vorsichtig belichten, 

um Reflexlichter zu vermeiden, wenn das Licht direkt 

auf die Filter oder die vordere Linse des Objektivs fällt. 

Wie plant man Aufnahmen zur goldenen Stunde? 

Wie kann deren Wirkung vorausgesehen werden? 

Wetterprognosen können eine große Hilfe sein. Die 

Webseite www.wetter.de kann Auskunft über die 

Wetterprognosen in den verschiedenen Regionen 

geben. Man sollte dabei nicht vergessen, dass 

langfristigere Prognosen immer ungenauer werden. 

Am besten informiert man sich am Tag vor den 

Aufnahmen über die aktuellen Wetterprognosen. 

Auf der Fahrt zum Aufnahmeort sollten die 

Wetterprognosen lokaler Radiostationen gehört 

werden. Dabei sollte man auch ab und zu ein Auge 

auf den Himmel werfen. 

Die Sonne geht im Westen auf. Viele Wetterfronten 

kommen ebenfalls aus dem Westen. Man sollte also 

dem westlichen Horizont besondere Aufmerksamkeit 

schenken. 

Auch mit Hilfe von Windrichtung, Himmelsrichtung 

und Wetterbedingungen können zauberhafte 

Aufnahmesituationen vorausberechnet werden. 

Fototipp 

Mark Bauers Foto-Kit für die 

goldene Stunde 

Weitwinkelobjektive sind am beliebtesten für 

Landschaftsaufnahmen. Längere Objektive sind 

außerdem hilfreich, um Muster und Textur in der 

goldenen Stunde zur Geltung kommen zu lassen. 

Ein Polfilter hilft dabei, eine seitliche Beleuchtung 

optimal zu nutzen. Er verstärkt die gesamte 

Farbsättigung und ist besonders wirkungsvoll bei 

einem blauen Himmel. 

Ein stabiles Stativ ist wesentlich. Bei Aufnahmen 

nach Sonnenuntergang sind die Lichtverhältnisse 

schwach und man kann nicht mehr aus der Hand 

aufnehmen. Ein Stativ hat aber bei allen 

Lichtbedingungen Vorteile. Es gibt dem 

Fotografen eine gute Grundlage, um die 

Aufnahmen optimal einzustellen und somit eine 

gelungene Bildkomposition zu erreichen. 

Grauverlaufsfilter sind ebenfalls hilfreich, vor 

allem wenn die Wolken von unten beleuchtet 

werden und wenn keine direkte Lichteinstrahlung 

vorhanden ist. Grauverlaufsfilter helfen dabei, den 

Kontrast zu kontrollieren. 

MARK BAUER 

Weißabgleich: 

Der benutzerdefinierte Weißabgleich hat großen 

Einfluss auf das fertige Bild; der automatische 

Weißabgleich sollte dagegen vermieden werden. 

Aufnahmen im Raw-Format können später auf 

dem Computer überprüft und korrigiert werden. 

OSMINGTIN MILLS BEACH 

Die tiefstehende Sonne betont die 

Details auf dem Felsvorsprung und 

verleiht den Klippen einen warmen 

Glanz. Ein 0,6-Grauverlaufsfilter hilft, 

die Details im Himmel zu erhalten. Er 

wurde so positiontiert, dass er die 

Felsen nicht beeinflusste. 

Objektiv: Canon EOS 5D mit 17–40 

mm


Das Wetter beobachten 

Wetteränderungen haben mehr Einfluss auf die Lichtqualität als Tageszeiten. Um 

jederzeit gute Aufnahmen zu machen, bereiten Sie sich auf die Elemente vor... 

ES GIBT KEIN SCHLECHTES WETTER, nur 

unpassende Kleidung. Diese Weisheit ist ebenso 

abgedroschen wie zutreffend. Wenn die Sonne nicht 

scheint und der Himmel nicht blau ist, dann sagen 

wir gerne, das Wetter sei schlecht. Aus 

fotografischer Sicht jedoch kann schlecht auch gut 

sein, weil es uns Variationen der Lichtqualität bietet, 

die Dramatik steigert und Atmosphäre erzeugt. Das 

sogenannte „gute“ Wetter ist für die Fotografie gar 

nicht so gut, weil Landschaften in diesem 

nüchternen Licht wie Postkarten aussehen, und das 

wird mit der Zeit langweilig. 

Wolken wirken sich dramatisch auf die Qualität des 

Tageslichts aus, weil sie es aufweichen und streuen, 

sodass die Intensität und der Kontrast reduziert 

bzw. Schatten schwächer werden; außerdem 

machen Wolken den Himmel interessanter. Kurz: 

Gute Landschaftsaufnahmen stehen oder fallen mit 

dem Himmel. 

Tage, an denen der Himmel eine Decke aus 

monoton-grauen Wolken bildet, sind für die 

Landschaftsfotografie wahrscheinlich am wenigsten 

spannend, weil Farben matt und verhalten 

erscheinen und fehlende Schatten die Szene flach 

und ungemütlich machen. 

Verhangenes Licht eignet sich hingegen ideal für 

interessante Landschaftsdetails – Muster und 

Texturen von Felsen, die sanften Formen und 

weichen Farben von Felsen und Kieselsteinen, von 

Meerwasser umspült, die satten Farben von 

Herbstlaub oder Blumenfeldern im Frühling. 

Kräftige Farben wirken in diffusem Licht intensiver, 

da kein grelles Licht die Sättigung dämpft. Bewölkte 

Tage eignen sich auch gut für Aufnahmen von 

Wasserfällen mit langer Verschlusszeit – verbannen 

Sie einen langweiligen Himmel einfach aus dem 

Bild, um bessere Ergebnisse zu erzielen. 

Weiße Wolken in ihren mannigfaltigen Formen und 

Gestalten sehen gegen einen blauen Himmel 

fantastisch aus, und mit Hilfe eines Polarisators, der 

für ein tieferes Blau sorgt, können Sie sie sogar noch 

etwas weiter hervorheben. Die stärksten Resultate 

erhalten Sie, wenn Sie seitlich zur Sonne stehen. 

Suchen Sie auch in der Landschaft nach 

Wolkenmustern – sie sorgen für ein zusätzliches 

Element, das eine gute Szene zu einer großartigen 

machen kann, und sind aus einem erhöhten 

Blickwinkel am einfachsten zu fotografieren. 

Stürmisches Wetter erzeugt die dramatischsten 

Bedingungen für die Landschaftsfotografie – dunkle 

Wolken, die über den Himmel rauschen, starke 

Winde und Augenblicke, in denen das Sonnenlicht 

durch die Wolkendecke bricht und die Szene 

darunter erleuchtet. Mit diesen Bedingungen kann 

man nicht planen, doch wenn Sie bei stürmischem 

Wetter etwas unternehmen, dann besteht immer 

die Chance, dass Sie sich am richtigen Ort befinden, 

um sie festzuhalten. 

Wenn die Sonne an stürmischen Tagen durchbricht 

und die Landschaft heller scheint, als der Himmel, 

dann ist das eine Umkehrung der Norm. In der 

Praxis bedeutet das, dass man ohne 

Grauverlaufsfilter arbeiten kann, weil der Himmel 

nicht überbelichtet wird. 

Es lohnt sich trotzdem, einen Grauverlaufsfilter von 

0,6 zu verwenden, weil der Himmel so noch 

dramatischer aussieht, als er es eigentlich ist. 

Etwas anderes, nach dem man bei stürmischen 

Verhältnissen ebenfalls Ausschau halten kann, sind 

Regenbögen, die sich über den Himmel erstrecken. 

Sie entstehen, wenn die Sonne durch fallenden 

Regen scheint. Wenn dies passiert, während Sie 

draußen sind, dann wenden Sie der Sonne Ihren 

Rücken zu und beobachten den Himmel, der vor 

Ihnen liegt. Um die Farben des Regenbogens am 

besten wiederzugeben, versuchen Sie, ihn vor 

dunklen Wolken zu erwischen, und benutzen Sie 

ein Teleobjektiv, um einen Teil des Regenbogens 

anpeilen zu können. Alternativ dazu können Sie 

auch ein Weitwinkelobjektiv verwenden und den 

ganzen Regenbogen mit aufnehmen. 

Nebel und Dunst zeichnen die Landschaft weich 

und verringern sie zu diesigen Umrissen. Aus drei 

Dimensionen werden zwei und für die 

Luftperspektive bedeutet es, dass Farbtöne in der 

Entfernung heller werden. Das Licht ist diffus, 

Schatten existieren nicht und Details gehen 

verloren. Die Szene wird schlichter und auf Ihrem 

Bild sollte das zu sehen sein. Teleobjektive 

unterstreichen den Effekt von Nebel und Dunst, 

indem sie die Szene vergrößern und die Perspektive 

stauchen, so dass sie sich hervorragend dazu 

eignen, sich gegenseitig überlappende 

Gebirgsformationen aufzunehmen, oder einzelne 

Elemente wie zum Beispiel einen einsamen Baum, 

oder eine Kirchturmspitze herauszupicken, die in 

der Dämmerung verblasst. Wenn Sie Nebel und 

Dunst in die Entfernung verbannen wollen, sollten 

Sie ein Weitwinkelobjektiv verwenden – die 

Sichtverhältnisse in der Nähe der Kamera werden 

Infoseiten im Netz 

Wenn Sie vorhaben, Landschaftsaufnahmen zu machen, 

suchen Sie vorher im Web nach Informationen, um das 

beste aus den Lichtverhältnissen zu machen. Ob Sie 

nun frühmorgens aufstehen, um den Sonnenaufgang zu 

fotografieren, oder eine Woche in die Wildnis fahren – hier 

sind ein paar Weblinks mit nützlichen Informationen: 

Wettervorhersage: 

www.wetter.com 

www.wetter.de 

www.wetteronline.de 

Zeiten für Sonnenauf- und -untergänge: 

www.sonnenaufgang-sonnenuntergang.de 

Gezeiten-Infos 

www.bsh.de/de/Meeresdaten/Vorhersagen/Gezeiten 

Planung Ihrer Aufnahmen 

Ein raffiniertes Hilfsmittel ist der „Photographer‘s 

Ephemeris“ (www.photoephemeris.com). 

Das Programm ist als kostenloser Download für 

Mac und PC erhältlich (mit Aufpreis als App für das 

iPhone) und erlaubt Ihnen, nicht nur für die ganze Welt 

an jedem Tag des Jahres die Sonnenaufgangs- und 

Sonnenuntergangszeiten zu bestimmen, sondern auch 

deren Winkel; so können Sie zum Beispiel nachschauen, 

ob der Sonnenball von Bergen verdeckt wird. 

Auch die Aufgangs- und Untergangszeiten des Mondes 

stehen zur Verfügung. 

Unten links: Wolken ruinieren das Bild nicht, sondern 

können sogar das entscheidende Detail bei Aufnahmen 

von Küstenlandschaften sein. 

Unten rechts: Zu diesigen Aussichten passen einfache 

Szenen. 

Rechts: Lichtstrahlen, die durch Sturmwolken 

scheinen, erzeugen wirklich dramatische Effekte. 

sehr viel besser sein, als die in der Ferne, so dass Sie 

eine Menge Details im Vordergrund festhalten und 

den Rest der Szene verblassen lassen können. 

Dichter Nebel ist schwer und feucht. Er löscht die 

Farben aus und lässt die Welt ergrauen, daher 

werden Sie Ihre nebligen Landschaften 

möglicherweise zu Schwarz & Weiß konvertieren 

wollen. Dunst ist feiner: Anstatt die Farben zu 

zerstören, kann er sie miteinander vermischen, was 

besonders weiche Farbtöne erzeugt, und ist 

zugleich fein genug, um Licht hindurch zu lassen. 

Daher sollten Sie bei Sonnenaufgang, wenn noch 

Nebelschwaden über Waldland und Gewässern 

hängen, immer im Gegenlicht aufnehmen und 

versuchen, die goldenen Strahlen einzufangen. 

Solche Verhältnisse sind selten, doch die 

Lichtqualität eines Sonnenaufgangs im 

Morgendunst ist kaum zu überbieten. 

Sonnig 

LEE FROST 

Dunstig 

ROSS HODDINOTT


Licht 43 

Stürmischer Himmel 

LEE FROST 

Farbtemperatur und Weißabgleich 

Wenn man die Farbe des Lichts meint, spricht man von der „Farbtemperatur“, die in Kelvin 

(K) gemessen wird. Je wärmer das Licht ist, desto niedriger ist die Farbtemperatur, und je 

kühler es ist, desto höher seine Temperatur. Unsere Augen passen sich Änderungen der 

Farbtemperatur automatisch an, daher sieht natürliches Licht immer mehr oder weniger 

weiß aus – was wiederum als chromatische Adaption bezeichnet wird. Das fotografische 

Äquivalent dazu bildet der kamerainterne automatische Weißabgleich (engl. ‚Auto White 

Balance‘, AWB). Wenn Sie diesen einschalten, dann werden Sie feststellen, dass die Kamera 

in den meisten Situationen mit Tageslicht gefällige Ergebnisse liefert. Der Weißabgleich 

schwankt jedoch, und so kann es sein, dass Sie die Farbe des Lichts nicht so aufnehmen, 

wie sie in Wirklichkeit ist. Wenn Sie dies wollen, dann sollten Sie den Weißabgleich auf 

die Voreinstellung „Tageslicht“ stellen, die bei 550 Kelvin liegt, was der durchschnittlichen 

Farbtemperatur um die Mittagszeit entspricht. In normalen Situationen mit Tageslicht 

werden Ihre Bilder somit neutral aussehen. Bei Sonnenauf- und Sonnenuntergang ist 

das Licht allerdings viel wärmer (die Temperatur niedriger). Wenn Sie um diese Tageszeit 

die Tageslicht-Voreinstellung benutzen, wird Ihre Kamera diese Wärme aufnehmen. Im 

umgekehrten Fall, wenn das Licht kühl ist, was vor Tagesanbruch oder bei schlechtem 

Wetter häufiger vorkommt, dann wir die Tageslicht-Voreinstellung dafür sorgen, dass diese 

Kälte auf dem Bild zu sehen ist. 

Denken Sie daran, dass Sie die Farbtemperatur des Bildes später nachbearbeiten können, 

wenn Sie in Raw aufnehmen. Wenn Sie den kühlen Stich also nicht mögen, können Sie ihn 

einfach loswerden. Genauso können Sie bei einem wärmeren Bild, das nicht warm genug 

ist, die Farbtemperatur einstellen und das Bild noch wärmer machen. 

7000k 

3000K 

Bedingungen 

Farbtemperatur 

(K = Kelvin) 

Farbstich 

(Weißabgleich für Tageslicht) 

Offene Schatten unter blauem Himmel 10000K Sehr blau 

Schatten unter teilweise bewölktem 

7500K 

Blau 

Himmel 

Bewölktes Wetter 6000K Etwas kühl 

Durchschnittliches Tageslicht um 5500K 

Keiner 

die Mittagszeit 

Sonnenlicht am frühen Morgen/ Abend 3500K Warm 

Sonnenaufgang/ Sonnenuntergang 2000K Sehr warm


Licht im Wandel der Jahreszeiten 

Jahreszeitliche Wetteränderungen haben nicht nur physische Auswirkungen auf die Landschaft, sie ändern auch die 

Qualität des Tageslichts. Wir zeigen, wie Sie den Lichtverhältnissen verschiedener Jahreszeiten begegnen. 

LEE FROST 

1) Winter 

Schmucklos und kahl liegt die Landschaft im 

Winter. Bäume sehen gegen den Himmel wie 

Skelette aus, die Felder sind braun und starr. Die 

Tage sind kurz, die Sonne kommt nicht vor acht 

Uhr morgens heraus und geht im Januar um vier 

Uhr nachmittags schon wieder unter. 

Zum Fotografieren jedoch ist der Winter 

fantastisch. Es gibt nur wenige Ansichten, die 

schöner sind, als eine mit frischem Schnee 

bedeckte Landschaft in der Morgensonne. Falls 

Ihnen dieses Motiv versagt bleibt, haben auch Eis 

und Raureif ihren Reiz, wenn die Temperaturen 

unter null fallen. 

Auch die kurzen Tage haben ihren Vorteil: Sie 

können Sonnenaufgänge und Sonnenuntergänge 

zu zivilisierten Tageszeiten fotografieren, und die 

Sonne steigt nie höher als 20 Grad über den 

Horizont. Das garantiert eine von morgens bis 

abends gleichbleibende Lichtqualität. Sie können 

an einem klaren Wintertag durchaus acht Stunden 

gutes Licht haben. 

Verfolgen Sie die Wettervorhersagen und wenn 

eine klare Nacht angesagt wird, bereiten Sie sich 

auf eine Fotosession vor, denn das bedeutet 

normalerweise Frost und Eis am nächsten Morgen 

und wenn Sie Glück haben, friert Nebel zu Reif, das 

von der Sonne langsam aufgetaut wird. 

Waldlandschaften mit Wasser sind 

vielversprechend. Achten Sie auf winterliche 

Details: Von Eisperlen bedeckte Spinnweben, die 

Muster im Eis auf Teichen und Pfützen, gefrorene 

Blätter am Boden etc. 

Eine eisige Morgendämmerung hat etwas 

Magisches mit einem pastellfarbenen Himmel und 

der als gigantischer Feuerball aufsteigenden 

Sonne. Deren Intensität wird oft durch Dunst oder 

Nebel vermindert. Sie können dann sogar in die 

Sonne fotografieren ohne das Blendungen 

auftreten. 

Schnee wird am besten dann aufgenommen, wenn 

er gerade frisch gefallen ist und idealerweise bei 

sonnigem Wetter. Eine schneebedeckte Landschaft 

unter blauem Himmel ist ein herrliches Motiv. Sie 

brauchen dazu nicht unbedingt aufs Land zu 

fahren. Ein Park kann für Sie genau so produktiv 

sein, wenn Sie einfache Szenen wählen wie einen 

Baum in einem schneebedeckten Feld. 

HELEN DIXON 

Fragen und Antworten zum Winter 

F Worauf muss ich bei Aufnahmen 

im Schnee achten? 

A Auf die Belichtung. Das viele Weiß wird 

Ihre Kamera zum Unterbelichten verleiten. 

Machen Sie ein Test-Foto und sehen Sie 

sich dessen Vorschau und das Histogramm 

an. Sie werden die Belichtung fast immer 

etwas verlängern müssen. Tun Sie das in 1/3 

Blendenschritten, bis die Spitzlichtwarnung 

zu blinken beginnt und Ihnen Überbelichtung 

signalisiert. Dieses Bild löschen Sie dann 

wieder. Das Vorherige sollte genau richtig 

sein. 

F Kann man auch im Winter einen 

Pol-Filter benutzen? 

A Auf jeden Fall, aber vorsichtig. Blauer 

Himmel ist im Winter noch blauer und der 

Effekt des Polfilters wird noch stärker als 

sonst. In Extremfällen wird der Himmel fast 

schwarz, wenn voll polarisiert wird. Dann 

müssen Sie den Effekt etwas zurücknehmen. 

F Funktioniert meine Kamera bei 

Frost normal? 

A Ja, aber die Akkus entladen sich schneller. 

Sorgen Sie also für volle Aufladung und 

idealerweise nehmen Sie einen Ersatz-Akku 

mit. Vermeiden Sie den Kontakt Ihrer Atemluft 

mit Objektivlinse und Filtern, sie beschlagen 

sonst und sind nur schwer wieder klar zu 

bekommen.


Licht 45 

HELEN DIXON 

HELEN DIXON 

2) Frühling 

Die Landschaft erwacht zu neuem Leben. Die 

kahlen Bäume treiben neue Knospen aus, 

Waldböden, Hecken und Flussufer bedecken 

sich mit farbigen Wildblüten, während auf 

vormals öden Feldern frisches Grün wächst. 

Was grau und eintönig aussah, verwandelt 

sich in wenigen Wochen – besonders wenn 

das Wetter schon gegen Ende des Winters 

milder geworden war. Der Frühling ist auch 

die Zeit, in der Tulpen, Narzissen, 

Butterblumen und Glockenblumen ganze 

Lichtungen mit bunten Teppichen überziehen. 

Frühlingswetter wechselt schnell und ist 

unvorhersehbar – doch das hat seine Vorteile. 

Kurze Schauer reinigen die Luft und 

produzieren Regenbogen über der 

Landschaft, Sonnenlicht bricht durch 

stürmischen Himmel und erleuchtet die 

darunterliegende Szenerie. In der 

Dämmerung liegt leichter Dunst über 

Flüssen, Seen und Tälern. 

Die Tage werden wieder länger. In den 

ersten Frühlingstagen geht die Sonne gegen 

sieben Uhr morgens auf und gegen halb 

sieben wieder unter. Die Dämmerung eines 

perfekten Frühlingsmorgens wird begleitet 

vom Vogelgezwitscher in der kühlen Luft 

und den ersten Sonnenstrahlen, die 

langsam den Dunst auflösen. 

Die Frühlingsfarben können durch einen 

Pol-Filter verstärkt werden, der auch 

Blendungen durch Blattwerk unterdrückt. 

Wenn Sie die bunten Teppiche der 

Frühlingsblumen fotografieren wollen, 

warten Sie auf einen hellen aber bedeckten 

Tag, an dem der Kontrast weniger stark und 

die Schatten nur schwach sind. Das 

erleichtert es, die delikaten Farben und 

feinen Details der Blüten aufs Bild zu 

bekommen, besonders wenn Sie Fotos in 

waldreichen Gegenden machen, in denen 

das Licht unregelmäßig auf den Boden fällt. 

Fragen und Antworten zum Frühling 

F Wie fotografiert man Dunst? 

A Dunst entsteht oft dann, wenn eine klare Nacht mit 

kalten Temperaturen auf einen milden, regnerischen 

Tag folgt. Hört sich die Wettervorhersage so an, 

dann stellen sie den Wecker und seien Sie vor 

Sonnenaufgang vor Ort. Dunst ist in der Nähe von 

Wasser und in Waldgebieten anzutreffen. Wenn Sie 

Glück haben, bricht die Sonne durch den Dunst und 

Sie sehen Sonnenstrahlen, die ihren Ursprung hinter 

Bäumen und Gebäuden zu haben scheinen. Eine 

kurze Verschlusszeit sollte diesen Effekt einfangen 

können, wenn nötig, steigern Sie die Belichtung um 

2/3 bis eine Blendenstufe. 

F Was ist die beste Verschlusszeit bei 

Wasserfällen? 

A Eine Sekunde ist normalerweise lang genug, das 

Wasser verwischen und doch etwas von der Textur 

aufzunehmen. Experimentieren Sie aber ruhig mit 

längeren Zeiten, dann wird das Wasser allerdings 

weiß, weil es überbelichtet wird. 

F Wie bekomme ich 

hintergrundbeleuchtete Aufnahmen 

von Blumen? 

A Alles was Sie tun müssen ist, fotografieren, 

wenn die Sonne niedrig am Himmel steht, also 

frühmorgens oder am späten Nachmittag. Der 

Morgen hat oft mehr Atmosphäre. Fotografieren 

Sie mit einem Telezoomobjektiv von tief unten, 

um einzelne oder eine Gruppe von Blumen 

herauszuheben und versuchen Sie, sie vor einem 

dunklen Hintergrund abzubilden, sodass die Farben 

betont werden.


HELEN DIXON 

ADAM BURTON 

3) Sommer 

Für Landschaftsfotografen ist der Sommer die 

undankbarste Jahreszeit, ganz einfach, weil das Licht 

zu grell ist. Die Landschaft sieht zwar blendend aus 

mit all dem üppigen Grün, Gärten und Wiesen sind 

farbenfroh und die Tage sind wesentlich länger. Doch 

wenn die Sonne scheint, ist sie sehr intensiv und ihr 

Licht ist hart. Die Farbtemperatur ist hoch, das lässt 

Fotos „kalt“ aussehen. Etwaiger Dunst verwandelt 

das Blau des Himmels in einen hässlichen, 

verwaschenen Farbton. So gibt es denn auch für die 

Landschaftsfotografie nicht mehr effektiv nutzbare 

Stunden als an einem klaren Wintertag. 

Zwischen zehn Uhr morgens und vier Uhr 

nachmittags steht die Sonne hoch, das Licht ist 

harsch und charakterlos und die Schatten sind kurz 

und dicht. Für die konventionelle 

Landschaftsfotografie sind das keine guten 

Bedingungen, doch wenn Sie an einem Tag mit 

blauem Himmel Motive mit sehr viel Farbe finden, 

Rapsfelder, Mohn, Sonnenblumen, dann können Sie 

immer noch schöne Fotos machen. Verwenden Sie 

den Pol-Filter um Kontrast und Klarheit zu verbessern 

und halten Sie die Bildkomposition einfach. 

Sommergewitter mit viel Regen können ein 

seltsames, schönes Licht über der Landschaft 

erzeugen, doch dabei werden sie ziemlich nass. 

Wenn der Regen nachlässt, ist das Licht oft klar und 

weich und ein Regenbogen erscheint. 

Im Hochsommer werden die Tage schon wieder 

kürzer, doch Sie können sich immer noch zwischen 

vier Uhr morgens und zehn Uhr abends betätigen. 

Machen Sie ein Nickerchen am Nachmittag, wenn 

das Licht ohnehin nicht gut ist. 

Wilde Landschaften können auch im Sommer gute 

Motive sein, und im September sehen sie schon 

etwas herbstlich aus. Schweifen Sie also ein wenig 

herum und finden Sie fotogene Szenerien. Eine karge, 

felsige Küstenlandschaft verändert sich im Sommer 

nur wenig und kann beeindruckende Bilder liefern, 

besonders frühmorgens und am Spätnachmittag, 

wenn das Licht warm ist. 

Fragen und Antworten zum Sommer 

F Was kann man gegen dunstigen 

Himmel tun? 

A Nicht viel. Dunstigem Himmel und grauem 

Himmel fehlen Texturen – sie sind schlicht 

langweilig. Ein Verlaufsfilter dunkelt den 

Himmel zwar ab, doch interessanter wird er 

dadurch kaum. Halten Sie den Himmel aus dem 

Bild heraus, vielleicht mit Hilfe eines Telezoom- 

Objektivs. Damit können Sie genau bestimmen, 

was Sie aufnehmen und sich auf kleinere Details 

konzentrieren. 

F Ist der Sommer eine 

gute Jahreszeit für die 

Infrarotfotografie? 

A Auf jeden Fall. Es gibt viel grünes Blattwerk, 

das den geisterhaften Infraroteffekt erzeugt und 

es kommt nicht darauf an, wie hart das Licht 

auch sein mag, denn Infrarotfotos profitieren 

davon. Machen Sie Infrarotbilder in Parks und 

im Garten, im Wald und auf dem Land. Wer 

keine Infrarotkamera hat, kann es mit einem 

Infrarotfilter versuchen. 

F Meine Sommerlandschaften 

haben oft einen Blaustich. Woran 

liegt das? 

A An der zu hohen Farbtemperatur. An einem 

klaren Sommertag kann sie 10000 Kelvin 

erreichen. Wenn dann der Weißabgleich auf 

normale Tageslichtbedingungen – 5500 

Kelvin – eingestellt ist, nimmt die Kamera die 

Kälte des Lichts intensiver auf. Stellen Sie den 

Weißabgleich auf „Schatten“, und der Blaustich 

verschwindet. Oder fotografieren Sie von 

vornherein im Raw Format, dann beseitigen Sie 

den Blaustich bei der Nachbearbeitung.


Licht 47 

LEE FROST 

4) Herbst 

Farbe – darum dreht sich alles im Herbst. Wenn 

die Tage kürzer werden und die Temperaturen 

fallen, färbt sich das Herbstlaub in 

wunderschönen, rustikalen Farben. Mit 

Heidekraut und Farnen bewachsene Hügel 

werden golden, die Natur bereitet sich auf den 

Winter vor. Doch ob der Herbst zum Hit oder zum 

Flop wird, was die Farben betrifft, hängt von den 

Temperaturen und den Regenmengen des 

vorangegangenen Frühlings und Sommers ab. Um 

HELEN DIXON 

die erste Novemberwoche herum sind die Farben 

in der Regel am schönsten. 

Klare, sonnige Tage bieten die besten 

Bedingungen, die herbstliche Schönheit 

einzufangen, besonders am frühen Morgen und 

am Spätnachmittag, wenn das Sonnenlicht 

natürlich warm ist und der Himmel von tiefem, 

samtigen Blau. 

Naturlandschaften sehen am besten aus im 

Herbst – fahren Sie in den Schwarzwald, die 

Vulkaneifel, den Harz oder die Lüneburger Heide, 

und Sie können nichts verkehrt machen. 

Wenn Sie im Wald fotografieren, tun Sie das 

idealerweise an einem bedeckten Tag, wenn das 

Licht weich und die Schatten schwach sind, sonst 

wird der starke Kontrast zum Problem. Unter 

solchen Bedingungen kommen die Herbstfarben 

der Waldlandschaft am besten zur Geltung. 

Trotzdem sorgt auch hier der Pol-Filter noch für 

Verbesserung, denn er neutralisiert den Dunst über 

feuchtem Blattwerk. 

Suchen Sie sich kleine Flüsse und Seen, in denen 

sich bei ruhigem Wasser die Herbstfarben der 

Natur spiegeln. Fotografieren Sie solche Motive 

mit Weitwinkel und verwenden Sie das 

Teleobjektiv für Details wie am Boden liegendes, 

buntes Laub. 

Am Herbstanfang, dem 21. September, geht die 

Sonne gegen sieben Uhr auf und um sieben Uhr 

unter; die Tage sind also noch lang und die 

Lichtqualität bleibt den ganzen Tag hoch. 

Fragen und Antworten zum Herbst 

F Warum ändern die Blätter im 

Herbst die Farbe? 

A Laubbäume werfen ihre Blätter ab, wenn das 

Licht zu schwach wird, um die Fotosynthese 

aufrechtzuerhalten. Sie leben dann von den im 

Sommer gespeicherten Zuckerreserven. Die 

ansonsten grüne Farbe der Blätter wird durch 

das enthaltene Chlorophyll hervorgerufen. Wenn 

die Tage kürzer werden und die Zahl der dunklen 

Stunden steigt, sinkt die Chlorophyllproduktion 

und infolgedessen ändern sich die Farben. Die 

Herbstfärbung erreicht ihren Höhepunkt, wenn 

die Chlorophyllproduktion vollständig zum 

Erliegen gekommen ist.

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Digitale Fotografie

Die Grundlagen # 4 

RAW-FORMAT UND 

LANDSCHAFTEN 

AUCH WENN ES IHNEN NOCH NICHT BEWUSST IST – 

erstklassige Bilder zu machen, ist dank digitaler Technologie 

heutzutage einfacher als je zuvor in der Geschichte der 

Fotografie. Viele von Ihnen haben vermutlich sogar erst im 

digitalen Zeitalter zu Fotografieren begonnen. In diesem Fall 

haben Sie wenig oder gar keine Erfahrung damit, wie das 

Leben ohne Pixel war. Vertrauen Sie uns: Im Vergleich zur 

Fotografie auf Analogfilm ist digitale Fotografie ein Kinderspiel! 

Vor allem, weil Sie Ihre Bilder schon wenige Sekunden nach 

der Aufnahme betrachten können. Der Erfolg ist fast 

vorprogrammiert, denn Sie lernen während des Fotografierens 

ständig dazu. Sie können Fehler korrigieren und Änderungen 

vornehmen, sodass Ihnen kein tolles Bild entgeht. Durch diese 

Unmittelbarkeit, und weil der Druck auf den Auslöser Sie 

nichts kostet, werden Sie auch zu kreativen Experimenten 

ermutigt – mit Abstand die beste Methode, um neue Techniken 

zu erlernen und Ihrem Können den letzten Schliff zu geben! 

Natürlich ist das Betätigen des Auslösers nur der erste Schritt 

im kreativen Prozess. Denn später zu Hause werden die Bilder 

auf einen Computer heruntergeladen, wo Sie die Millionen 

Farbpunkte mithilfe neuester Bearbeitungssoftware in 

atemberaubende Kunstwerke verwandeln können. 

Erfolgreiche digitale Bildbearbeitung erfordert deshalb eine 

Kombination aus guter Kamerabeherrschung und geschickter 

Manipulation. 

Für viele kreative Fotografen gibt es nur eine Möglichkeit, 

beides zu erreichen: das Raw-Format. Wenn Sie bisher lieber 

mit JPEG gearbeitet haben und nicht wissen, wie Sie von Raw 

profitieren können, lassen Sie sich überraschen. Wir erklären 

die vielen Vorteile, die Ihnen das Raw-Format bietet.

52 Raw Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Einführung in das Raw-Format 

Wenn Sie Details optimieren und die Kontrolle maximieren möchten, ist das Raw-Format die 

einzige Antwort. Wir erläutern die Grundlagen, die Sie kennen sollten . 

DER HAUTPUNTERSCHIED ZWISCHEN einer 

Raw-und einer JPEG-Datei besteht darin, dass die im 

Raw-Format auf der Speicherkarte der Kamera 

aufgezeichneten Bilder aus den Rohdaten des Sensors 

bestehen. Es wird nichts hinzugefügt, nichts entfernt 

und nichts verändert. Wenn Sie im JPEG-Format 

fotografieren, zeichnet die Kamera alle Rohdaten auf 

und entwickelt die Datei dann in der Kamera. Dabei 

werden voreingestellte Parameter für Weißabgleich, 

Schärfe, benutzerdefinierte Kamerastile usw. 

angewendet und anschließend alle nicht benötigten 

Bild- und Rohdaten gelöscht. 

Vergleicht man es mit analogem Film, wäre eine 

Raw-Datei ein Negativ, während eine JPEG-Datei in 

etwa einem Farbdia entspricht. Dias sind praktisch, 

weil sie fix und fertig aus dem Entwicklungslabor 

kommen und gleich betrachtet werden können. 

Gleiches gilt für JPEG-Dateien, die angeblich direkt 

von der Kamera ausgedruckt werden können. Diese 

Annehmlichkeit bedeutet jedoch, dass Sie schon bei 

der Arbeit mit der Kamera alles richtig machen 

müssen – für Fehler ist wenig Spielraum. Negative 

sind zeitaufwändiger als Dias, weil Sie sie in der 

Dunkelkammer nach Ihrem Geschmack entwickeln 

müssen. Aber sie sind wesentlich vielseitiger und 

lassen Ihnen mehr Spielraum für Fehler. Genauso 

verhält es sich mit Raw-Dateien. Sie müssen immer 

mit geeigneter Software „verarbeitet“ werden, bevor 

sie fertig sind. Aber auf diese Weise können Sie auch 

Änderungen vornehmen, um die Bilder zu verbessern 

und beim Fotografieren gemachte Fehler zu 

korrigieren. Mit einer Raw-Datei können Sie die 

folgenden Hauptparameter kontrollieren: 

Die Farbtemperatur kann eingestellt werden, um 

unerwünschte Farbstiche zu entfernen oder die 

Stimmung eines Bildes zu verändern. Dies ist mithilfe 

von Photoshop auch bei JPEG-Dateien möglich, 

jedoch nicht mit derselben Präzision. 

Die Belichtung kann korrigiert oder aus Gründen der 

Kreativität verändert werden, ohne die Bildqualität zu 

beeinträchtigen. Wenn Sie dagegen eine JPEG-Datei 

heller oder dunkler machen, wirkt sich das auf die 

Bildqualität aus. Sie können die Bildqualität auch 

optimieren, indem Sie Raw-Dateien in der Kamera so 

überbelichten, dass die Spitzlichter nicht 

„explodieren“, sondern nur Schattendetails verstärkt 

und Rauscheffekte verringert werden. Die Belichtung 

kann dann bei der Verarbeitung der Raw-Datei 

„zurückgenommen“ werden. Dies ist möglich, weil die 

Raw-Datei mehr Daten enthält als nötig sind, 

während eine JPEG-Datei bereits komprimiert ist, 

indem „überschüssige“ Daten gelöscht wurden. 

Wenn Sie eine Raw-Datei versehentlich 

überbelichten, sodass die Spitzlichter „explodieren“, 

können Sie Details während der Verarbeitung 

wiederherstellen. Das ist mit einer JPEG-Datei nicht 

möglich, sodass „explodierte“ Spitzlichter weiß 

erscheinen – wenn Sie diese abzudunkeln versuchen, 

Fehlerbehebung 

F Ich kann die Raw-Dateien von meiner neuen Kamera nicht öffnen. Woran kann das 

liegen? 

A Das liegt daran, dass Kamerahersteller die Raw-Dateiformate ständig ändern, wenn 

sie neue Kameras auf den Markt bringen. Adobe veröffentlicht regelmäßig 

Aktualisierungen der Software Camera Raw (ACR) für neue Kameras. Unter www. 

adobe.com können Sie nachsehen, ob Ihre Kamera in der neuesten Aktualisierung 

enthalten ist. 

F Ich habe einige Raw-Dateien verarbeitet und als TIFF-Dateien gespeichert, aber die 

Dateien sind sehr klein. Was ist hier passiert? 

A Wenn Sie ACR verwenden, öffnen Sie eine Raw-Datei. Unter der Dateinummer für 

die Vorschaudatei sehen Sie eine Textzeile. Klicken Sie darauf, um ein Fenster mit 

Arbeitsablaufoptionen zu öffnen. Wählen Sie „Adobe RGB (1998)“ für „Platz“, „16 

Bits/Kanal“ für „Tiefe“, „300 Pixel/Zoll“ für „Auflösung“, und für „Größe“ wählen Sie den 

Größenwert, der der maximalen Pixelauflösung Ihrer Kamera am nächsten kommt. 

werden sie nur grau. Scharfzeichnung kann mithilfe 

von Werkzeugen in der Raw-Bearbeitung oder über 

Software von Drittanbietern angewendet werden. 

JPEG-Dateien sind bereits scharfgezeichnet, sodass 

jede weitere Arbeit sehr vorsichtig gemacht werden 

muss, um die Bilder nicht zu zerstören. 

Bei Änderungen an einer Raw-Datei hingegen geht 

nichts verloren, denn bei der Umwandlung – 

idealerweise in eine TIFF-Datei – bleibt die 

ursprüngliche Raw-Datei unverändert. Das bedeutet, 

Sie können später wieder zu derselben Raw-Datei 

zurückkehren und sie erneut bearbeiten. Raw-Dateien 

enthalten so viele Daten, dass sie mehrmals 

bearbeitet und sogar kombiniert werden können, um 

Belichtungs- und Kontrastprobleme zu beheben, oder 

als Grundlage für kreative Techniken wie HDR (High 

Dynamic Range), die wir Ihnen später erläutern. 

Wenn Sie schließlich optimale Bildqualität möchten, 

dann haben Sie mit dem Raw-Format die besten 

Karten. Raw-Dateien unterstützen 16 Bit-Daten pro 

Farbkanal, während JPEG-Dateien 8 Bit unterstützen. 

Der Unterschied in der Bildqualität ist auf den ersten 

Blick nicht deutlich zu erkennen, aber durch 

intensives Bearbeiten wird die Qualität verringert, und 

bei 8-Bit-Dateien ist dies eher zu erkennen als bei 

16-Bit-Dateien. 

Viele Fotografen lassen sich davon abschrecken, im 

Raw-Format zu fotografieren, weil sie meinen, dass es 

kompliziert ist. Aber die Arbeit mit einer 

Raw-Dateiverarbeitungssoftware ist sehr intuitiv 

(siehe Kasten), und alle Änderungen, die Sie 

vornehmen, können problemlos wieder rückgängig 

gemacht werden. Eine JPEG-Datei dagegen wird zwar 

von Anfängern als das praktischere Format betrachtet, 

ist aber anfälliger für Fehler, die Anfänger mit 

Sicherheit machen werden. 

Was sind die Nachteile des Fotografierens im 

Raw-Format? Nicht viele, außer dass Sie mehr Zeit 

am Computer mit der Dateiverarbeitung verbringen. 

Und wenn Sie schon möglichst viel mit der Kamera 

richtig machen, kann eine Raw-Datei in wenigen 

Sekunden bearbeitet werden. Raw-Dateien sind etwa 

vier Mal so groß wie JPEG-Dateien (in Megabyte), 

nehmen also mehr Speicherplatz in Anspruch. 

Speicherkarten und externe Festplatten kosten 

heutzutage aber nicht viel. 

Wenn Sie also ein Vermögen für Ihre Kamera 

ausgegeben haben, sparen Sie am falschen Platz, 

wenn Sie ein Bildformat wählen, nur weil es weniger 

Speicherplatz braucht. Größere Bilddateien bedeuten 

auch, dass sich der Puffer der Kamera schneller füllt, 

wenn Sie im Raw-Format fotografieren. Das kann 

zwar frustrierend sein, wenn Sie Motive wie Sport oder 

wild lebende Tiere fotografieren, wobei viele 

Aufnahmen schnell hintereinander gemacht werden. 

Aber für einen Landschaftsfotografen ist das eigentlich 

kein Problem. 

Fotografieren Sie im Raw- und JPEG-Format 

Wenn Sie sich mit dem Fotografieren im Raw-Format noch 

nicht wohl fühlen, stellen Sie Ihre Kamera einfach so ein, dass 

sie jedes Bild sowohl im Raw- als auch im JPEG-Format 

aufzeichnet. 

So gewöhnen Sie sich an die Verarbeitung von Raw-Dateien 

und haben zugleich die beruhigende Sicherheit, Ihre Bilder 

auch als JPEG-Dateien zu erhalten. 

Fotografieren und Verarbeiten von Raw-Dateien 

So stellen Sie die Kamera auf das Raw-Format ein: 

Wählen Sie zuerst die Bildqualitätseinstellung über 

den LCD-Menübildschirm und dann die Option „Raw“ 

(oder „Raw und JPEG“). Die Bedienung der Kamera 

und ihrer Funktionen bleibt fast unverändert; der einzige 

Unterschied ist, dass Sie das Bild beim Fotografieren 

im Raw-Format möglichst stark belichten sollten, 

natürlich ohne die Spitzlichter überzubelichten. So 

zeichnen Sie möglichst viele Schattendetails auf, was 

in der Folge zu einer besseren Bildqualität führt. Das 

bedeutet zwar, dass die Bilder in ihrem Rohzustand 

überbelichtet erscheinen, doch das lässt sich während 

der Verarbeitung der Raw-Datei leicht beheben. Hierfür 

finden Sie weiter hinten in diesem Leitfaden eine 

schrittweise Anleitung. 

Sie werden außerdem feststellen, dass deutlich weniger 

Aufnahmen auf die Speicherkarte passen – nehmen Sie 

also immer genügend Karten mit! 

Software für die Verarbeitung von Raw-Dateien 

Für die Verarbeitung von Raw-Dateien brauchen 

Sie eine spezielle Software. Beim Kauf einer 

neuen Kamera ist eine CD-ROM mit der Raw- 

Dateiverarbeitungssoftware des Kameraherstellers 

enthalten. Canon hat sein eigenes System, 

ebenso wie Nikon und so weiter. Die meisten 

Fotografen bevorzugen jedoch eine Raw- 

Dateiverarbeitungssoftware von Drittherstellern. 

Das mit Abstand beliebteste Programm ist 

Adobe Camera Raw, das in allen Versionen von 

Photoshop ab CS2, Photoshop Elements ab 

Version 3.0 und in allen Versionen von Adobe 

Lightroom enthalten ist. Apple Aperture hat auch 

seine eigene Raw-Dateiverarbeitungssoftware, 

während Capture One von Phase One bei 

einigen Fotografen sehr beliebt ist. SilkyPix 

ist weniger bekannt, aber es lohnt sich, die 

kostenlos herunterzuladende Software einmal 

auszuprobieren. 

ADOBE CAMERA RAW 

www.adobe.com 

APPLE APERTURE 

www.apple.com/de 

CAPTURE ONE 

www.phaseone.com 

SILKYPIX 

www.silkypix.de

Das Raw-Format bietet mehr! 

Haben Sie sich beim Betrachten von Bildern schon mal 

gefragt, wie der Fotograf so viele Details in der Szene 

erfassen konnte? Das Fotografieren im Raw-Format hat 

dabei zweifellos eine große Rolle gespielt. 

FOTO: ADAM BURTON

54 Raw-Format und Landschaften Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

17 

16 

15 

14 

Die Werkzeugleiste 

In der oberen, linken Ecke der Bedieneroberfläche finden Sie mehrere Symbole, hinter denen sich die Funktionen zur 

Bildbearbeitung verbergen. Die wesentlichen Werkzeuge für die alltägliche Arbeit sind die Zoomfunktion, das Hand-Werkzeug, 

die Funktion „Drehen“ und die Werkzeuge zum Weißabgleich. Andere, wie die Werkzeuge zur Farbaufnahme, zum Freistellen 

und Zuschneiden, Ausrichten und Retuschieren sind in der Raw-Verarbeitung weniger sinnvoll, es sei denn, es erfolgt keine 

Weiterverarbeitung in Photoshop. Das Rote-Augen-Werkzeug – eigentlich Farbe-ersetzen-Werkzeug – ist eine Ausnahme, 

aber andererseits werden Sie nicht viele Porträts mit dem Problem roter Augen bearbeiten müssen, wenn Sie im Raw-Format 

schießen. 

1 2 3 4 11 5 6 7 8 12 13 9 

1) Zoomfunktion: Sie dient dem 

Vergrößern des Bildes zur einfacheren 

Bearbeitung von Details. 

2) Hand-Werkzeug: 

Zur Navigation innerhalb des 

vergrößerten Bildes. 

3) Weißabgleich: Gestattet 

die Korrektur und die Einstellung 

eines angepassten Weißabgleichs. 

Dazu klicken Sie einfach auf neutrale 

Bereiche der Vorschau, etwa auf eine 

weiße Fläche. 

4) Farbaufnahme- 

Werkzeug: Damit wählen Sie eine 

zu korrigierende Farbe aus, indem Sie 

in den entsprechenden Bildbereich 

hineinklicken. 

5) Freistellungs-Werkzeug: 

Zum Zuschneiden von Bildern oder 

Freistellen von Bildelementen. 

6) Ausrichten-Werkzeug: 

Zum Korrigieren eines schiefen 

Horizonts und zum Drehen des Bildes. 

7) Retuschier-Werkzeug: 

Entfernt durch Staubpartikel 

auf dem Sensor hervorgerufene 

Verunreinigungen und andere 

Unreinheiten. 

8) Rote-Augen-Werkzeug: 

Einfach auf das betroffene Auge 

klicken. 

9) Voreinstellungen: Hier 

passen Sie die Standardeinstellungen 

von ACR an. 

10) Im Uhrzeiger- und 

10 

Gegenuhrzeigersinn- 

Drehen-Werkzeug: Erzeugt 

90°-Drehungen des Bildes in die eine 

oder andere Richtung. 

11) Zielgerichtetes 

Korrekturwerkzeug: Anstatt 

die Schieberegler zu benutzen, ziehen 

Sie zum Bearbeiten einfach dieses 

Werkzeug auf das Bild. 

12) Korrekturpinsel: Zum 

Verändern definierter Bildbereiche 

13) Verlaufsfilter: Ziehen 

Sie eine Linie in das Bild, um den 

Übergangsbereich eines Verlaufsfilters 

zu simulieren. Dann stellen Sie 

Belichtung, Helligkeit, Kontrast, 

Sättigung, Klarheit, Schärfe und Farbe 

des Filters ein. 

Objekt öffnen 

Wenn Sie mit der 

Raw-Bearbeitung fertig 

sind, drücken Sie die 

Umschalt-Taste, um 

die Öffnen-Schaltfläche 

auf „Objekt öffnen“ 

umzuschalten. 

Nun können Sie die 

Raw-Datei in Photoshop 

als Smart-Objekt 

bearbeiten. Der Vorteil 

eines Smart-Objekts 

besteht darin, dass Sie 

in Photoshop darauf 

doppelklicken können, 

was die Raw-Datei 

erneut zur Bearbeitung 

in ACR öffnet. Wenn Sie 

nicht an der originalen 

Raw-Datei arbeiten 

wollen, drücken Sie 

statt der Umschalt- die 

Alt-Taste zusammen mit 

der Öffnen-Schaltfläche, 

sodass eine Kopie der 

Raw-Datei geöffnet wird. 

Mit der Abbrechen- 

Schaltfläche versetzen 

Sie das Bild bei Bedarf 

wieder in seinen 

Originalzustand.


Raw-Format und Landschaften 55 

Den Raw-Konverter verstehen lernen 

Hier zeigen wir den Prozess einer Raw-Datei bis zum fertigen Bild, am Beispiel von Adobe Camera Raw. 

Beim ersten Mal ist jeder mehrstufige, technische 

Prozess etwas kompliziert, aber durch etwas 

Herumprobieren und entsprechende Erfahrung 

werden auch Sie mit Adobe Camera Raw Ihr 

Erfolgserlebnis haben. 

Der Grund, warum viele Fotografen beim 

JPEG-Format bleiben, liegt in seiner Schnelligkeit, 

Einfachheit und Sicherheit. Die Kamera erledigt all 

die Komplizierten Einstellungen und 

Anpassungen. Alles Was Sie zu tun haben, sind 

vielleicht ein paar Korrekturen in Photoshop oder 

Lightroom. Wenn Sie jedoch in Raw fotografieren, 

müssen Sie neue Bearbeitungsverfahren lernen, 

denn dann muss jede einzelne Aufnahme, egal 

wie „gut“ sie geworden ist, bearbeitet werden. 

Diese Bearbeitung ist das digitale Äquivalent zum 

Einrichten einer Dunkelkammer, Entwickeln des 

Negativfilms, anschließender Belichtung und 

Vergrößerung auf Fotopapier. Sie werden sich 

vielleicht fragen: „Ist es das wert?“. Die Antwort 

heißt ja! Wenn Sie als Fotograf Ihr Potenzial 

ausschöpfen wollen, kommen Sie nicht umhin, 

die vollständige Kontrolle des gesamten Prozesses 

zu übernehmen – und die einzige Möglichkeit 

dafür ist das Fotografieren in Raw mit 

anschließender Verarbeitung zu präsentablen 

Bildern. 

Auf den nächsten Seiten erfahren Sie die 

Bedeutung und Anwendung der Einstellungen 

und Werkzeuge, die in ACR zur Verfügung stehen. 

Wir beginnen mit den Basiswerkzeugen zur 

einfachen Konvertierung. 

Basiswerkzeuge zur 

Raw-Konvertierung 

Die meisten Einstellungen in ACR werden mit 

Schiebereglern vorgenommen. Hier die wesentlichen 

Steuermöglichkeiten. 

Einstellungsbedienfelder: Die 

Symbole zur Einstellung der Parameter für 

die Raw-Verarbeitung finden Sie rechts in der 

Bedienoberfläche zwischen dem Histogramm und 

den Schiebereglern. Die acht Symbole steuern 

folgende Funktionen (von links nach rechts): 

Grundeinstellungen, Tonwertkurve, Detail, 

HSL/Graustufen, Teilweise einfärben, 

Objektivkorrekturen, Kamerakalibrierung und 

Voreinstellungen. 

Leuchtkraft und Sättigung: 

Dieses Werkzeug ist eine Alternative zum 

Sättigungsregler, das alle Farben eines Bildes 

gleichmäßig verändert. Das Leuchtkraftwerkzeug 

hingegen wirkt sich nur auf Farben aus, die 

der Verstärkung bedürfen und hat nur wenig 

Auswirkung auf Farben, die bereits stark gesättigt 

sind. 

Schwarz: Dieser Regler verschiebt die 

linke Seite des Histogramms noch weiter nach 

links, was die Schatten im Bild noch dominanter 

werden lässt. Er eignet sich gut zur Steigerung des 

gesamten Kontrasts. 

Weißabgleich: In Raw fotografieren 

bedeutet, dass Sie den Weißabgleich auch 

in der Nachbearbeitung vornehmen können, 

anstatt vor der Aufnahme direkt in der Kamera. 

Sie finden alle für die Kamera passenden 

Weißabgleicheinstellungen in einem Drop- 

Down-Menü, aus dem Sie auswählen könnenbeispielsweise 

„Auto“, „Tageslicht“, „Bewölkt“ 

usw. Sie können auch die Temperatur- und Tinten- 

Regler benutzen, um einen eigenen Weißabgleich 

zu erstellen. Alternativ können Sie auch das 

Weißabgleichwerkzeug in der Werkzeugleiste 

verwenden. 

Aufhell-Licht: Aufhell-Licht versucht, 

Details aus Schatten hervorzuholen, ohne das 

dadurch die Schatten heller werden. Ähnlich dem 

Aufhellblitz wird dieses Werkzeug etwas Licht 

auf den Vordergrund. Verwenden Sie es mit dem 

Schwarz-Regler, um mehr Eindruck zu erzeugen, 

doch übertreiben Sie es nicht, denn der Effekt 

wirkt dann unnatürlich. 

Klarheit: Sie können einem Bild mehr Tiefe 

geben, indem Sie lokal den Kontrast erhöhen, 

ein Effekt, der sich am stärksten auf mittlere 

Farbtöne auswirkt. Er funktioniert ähnlich wie 

eine große radiale Unschärfemaske in Photoshop. 

Zoomen Sie das Bild auf 100%, um den Effekt gut 

erkennen zu können, und hören Sie auf, sobald 

sich nahe den Kanten der abgebildeten Objekte 

Halos zu entwickeln beginnen. 

Belichtung: Oben in der Basiswerkzeugleiste 

unter dem Weißabgleich befindet sich der 

Belichtungsregler, mit dem Sie Bildhelligkeit – mit 

Schwerpunkt auf den Spitzlichtern – regeln können. 

Das Skalenraster entspricht den Blendenstufen. 

Dieses Werkzeug ist es, das vielen Fotografen 

den Tag rettet, denn es kann die von der Kamera 

vorgenommene Belichtung nachträglich korrigieren. 

Passen Sie jedoch auf, dass kein Bildrauschen 

und keine Artefakte sichtbar werden, wenn Sie die 

Belichtung erhöhen. Am besten verwenden Sie das 

Werkzeug in Verbindung mit der Wiederherstellen- 

Funktion, um die Spitzlichtwerte zu reduzieren. 

Helligkeit / Kontrast: 

Der Helligkeitsregler 

funktioniert ähnlich wie die Belichtungskorrektur. 

Doch im Gegensatz zu dieser werden von ihm die 

Spitzlichter und Schatten nicht „abgeschnitten“, 

sondern die Bildinformation wird komprimiert 

und expandiert. Stellen Sie zunächst den 

Gesamttonbereich mit dem Belichtungswerkzeug, 

der Wiederherstellen-Funktion und dem 

Schattenregler ein, danach die Bildhelligkeit. 

Der Kontrastregler beeinflusst hauptsächlich die 

mittleren Farbtöne, die entweder aufgehellt oder 

abgedunkelt werden, um den Kontrast zu erhöhen. 

Wiederherstellen: Dies ist eine „Notbremse“ 

für den Fall, dass Sie die Spitzlichter leicht überbelichtet 

haben. Es ist ein raffiniertes Werkzeug, doch verlassen 

Sie sich nicht zu sehr darauf, auch wenn es eine 

der wertvollsten Funktionen in ACR zur Verfügung 

stellt. Es stellt Details des mittleren Farbtonbereichs 

abgeschnittener Spitzlichter wieder her, kann aber keine 

Wunder wirken: die Details müssen natürlich überhaupt 

vorhanden sein, um sie wiederherstellen zu können. 

Die ACR- 

Bedienoberfläche 

Wenn Sie eine Datei in Adobe 

Camera Raw öffnen, sehen Sie 

diese Bedienoberfl äche vor sich. 

Das Vorschaubild zeigt die Raw- 

Datei in ihrem Originalzustand. 

14) Zoom: Sie können die 

Größe des Vorschaubildes 

variieren und außerdem in das 

Bild hineinzoomen; dazu benutzen 

Sie die Tabs in der linken unteren 

Ecke der Bedienoberfl äche. 

15) Workflow Optionen: 

Am unteren Bildschirmrand 

befi nden sich die Workfl ow- 

Optionen. Wenn Sie darauf 

klicken, öffnet sich ein Dialogfeld 

mit mehreren Optionen. Als 

Bereich (Farbbereich) wird 

meistens Adobe RGB (1998) 

verwendet. Als Tiefe wählen Sie 

16 Bits/Kanal, und stellen als 

Größe einen Wert entsprechend 

zur Pixel-Aufl ösung Ihrer Kamera 

ein – so werden Ihre teuer 

erkauften Megapixel endlich 

genutzt! Als Aufl ösung wählen Sie 

300 Pixel/Zoll. 

16) Histogramm: In der 

rechten, oberen Ecke befi ndet 

sich das Histogramm des Bildes, 

das die Verteilung der Farbtöne 

der roten, grünen und blauen 

Farbkanäle anzeigt. Wo Sie Cyan 

sehen, weist dies darauf hin, dass 

dort der Übergang vom grünen 

zum blauen Kanal liegt. Wenn 

Sie Gelb sehen, bedeutet das 

den Übergang vom roten in den 

grünen Kanal, und Magenta zeigt 

den Übergang von Rot nach Blau. 

Weiß bedeutet die Überlagerung 

aller drei Kanäle. Anhand des 

Histogramms können Sie die 

Belichtung beurteilen, während 

Sie mit den Reglern hantieren. 

17) „Abschneiden“- 

Warnung: Die beiden 

dreieckigen Tabs oben links 

und rechts des Histogramms 

informieren Sie darüber, ob 

Spitzlichter oder Schatten 

abgeschnitten worden sind. 

Sind die Dreiecke schwarz, ist 

nichts beschnitten worden, 

und der volle Tonwertumfang 

ist vorhanden. Zeigen die Tabs 

eine andere Farbe, bedeutet 

das, dass ein Farbkanal 

oder eine Kanalkombination 

beschnitten wurde. Sind die 

Dreiecke weiß, sind alle drei 

Farbkanäle beschnitten. Wenn 

sie auf die Tabs klicken, werden 

die betroffenen Bereiche des 

Vorschaubildes markiert – 

abgeschnittene Schatten blinken 

blau, abgeschnittene Spitzlichter 

blinken rot.

56 Raw Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Wie eine Raw-Datei verarbeitet wird 

Holen Sie aus allen Bildern das Beste heraus, indem Sie mit Adobe Camera Raw arbeiten 

DAS BESTE am Fotografieren in Raw ist, dass man durch Nachbearbeiten der Datei weitaus bessere Ergebnisse 

erzielen kann als mit Aufnahmen im JPEG-Format. Die Vorschau einer Raw-Datei auf dem LCD-Monitor Ihrer 

Kamera mag genau wie ein JPEG aussehen, da alle zusätzlichen Informationen in der Datei versteckt und auf dem 

Kameramonitor nicht darstellbar sind. Erst wenn Sie die Raw-Datei auf Ihrem Computer öffnen, erleben Sie die 

Wunder, welche dieses reinste aller Dateiformate ermöglicht. Unsere Schritt-für-Schritt-Anleitung erläutert, wie Ihnen 

die enormen Datenmengen beim Öffnen von Raw-Dateien in Adobe Camera Raw von Photoshop wesentlich bessere 

Ergebnisse liefern als jede JPEG-Aufnahme. 

Raw-Datei 

DIE DATEI ÖFFNEN Das erste, was wir tun, wenn wir die Raw-Datei öffnen, ist ein 

1 Blick auf das Histogramm mit den Standard-Einstellungen von Camera Raw. Hier 

können wir sehen, dass der Kontrast ziemlich gering ist und der größte Anteil der 

Bildinformationen in der Mitte zu finden ist. Das Bild wirkt etwas gedämpft, würde also 

durch mehr Kontrast, zusätzliche Farben und Details profitieren. 

AUF DIE HELLEN BEREICHE ZUGREIFEN Überprüfen Sie zunächst, ob es helle 

2 Details gibt, die beschnitten wurden. Klicken Sie auf das Dreieck oben rechts am 

Histogramm, um die Anzeige der Lichterbeschneidung einzuschalten. Wenn es aktiv ist, 

blinken alle beschnitten Bereiche rot. Hier ist das Weiß des entfernten Leuchtturms 

beschnitten; das bedeutet, wir verlieren möglicherweise Details in den hellen Bereichen. 

DIE HELLEN BEREICHE RETTEN Sie können diese hellen Informationen mit dem 

3 Schieberegler Lichter wiederherstellen, aber dies würde auf Kosten von hellen 

Bereichen an anderer Stelle gehen, wodurch der Kontrast effektiv reduziert wird. Die 

kleine Menge von beschnittener Information ist nicht so wichtig, daher entscheiden wir 

uns, die Dinge so zu lassen, wie sie sind. Die Belichtung sieht genau richtig aus, daher 

müssen wir diesen Schieberegler auch nicht anpassen. 

DIE DUNKLEN BEREICHE VERSTÄRKEN Wenn das Bild direkt aus der Kamera 

4 kommt, sieht es wahrscheinlich ein wenig kontrastarm aus, so wie hier. Passen Sie 

den Schieberegler Schwarz an, bis das Histogramm sich weit zur linken Seite ausbreitet, 

indem Sie die Alt/Option-Taste gedrückt halten und den Schieberegler Schwarz bewegen, 

bis einzelne Bereiche auf dem weißen Hintergrund schwarz dargestellt werden. Jetzt 

haben Sie ein reines Schwarz in Ihrem Bild erzeugt – achten Sie aber darauf, nicht zu 

übertreiben. 

AUF DAS BESCHNEIDEN ACHTEN Normalerweise versucht man zu vermeiden, 

5 dass helle Bereiche oder Schatten beschnitten werden. Manchmal ist es dennoch 

notwendig, um dunkle Töne zu verstärken und die Kontraste zu erhöhen. In diesem Bild 

würden wir nicht erwarten, detaillierte Risse auf den Felsen zu erkennen. Wir stellen 

den Kontrast auf +60 ein, um den Kontrast weiter zu erhöhen, ohne zu viele dunkle 

Details abzuschneiden. 

DIE FARBEN VERSTÄRKEN Nun passen wir den Schieberegler Klarheit an (hier 

6 stellen wir ihn auf 30 ein), oder den Schieberegler Sättigung, wenn Ihre Software 

keine Klarheit unterstützt, um die Farben leicht zu verstärken. Drücken Sie I, um das 

Weißabgleichs-Werkzeug zu öffnen, und überprüfen Sie den korrekten Weißabgleich, 

indem Sie in einen neutral weißen oder grauen Bereich klicken – hier bietet sich der 

Leuchtturm dafür an.

Fertiges Bild 

Der Vorteil des Fotografierens in 

Raw ist klar zu erkennen: 

Es können viel mehr Details 

herausgearbeitet werden als bei 

Aufnahmen im JPEG-Format. 

DEN WEISSABGLEICH ANPASSEN Wenn Sie mit dem Farbton des Bildes 

7 (Weißabgleich) nicht zufrieden sind, passen Sie den Schieberegler Farbtemperatur 

an. Falls nötig, können Sie den Kontrast noch mehr verstärken, indem Sie auf von dem 

Reiter Grundeinstellungen auf Gradationskurve klicken. Wählen Sie Punkt anstelle von 

Parametrisch und ändern Sie das Drop-Down-Menü von mittlerem zu starkem Kontrast. 

ERHÖHEN SIE DIE WIRKUNG Bei diesem Bild möchten wir den Himmel und das 

8 Meer etwas stärker betonen, indem wir selektiv die Sättigung und Brillianz erhöhen. 

Wir wählen den Reiter HSL/Graustufen und wählen den Unterreiter Sättigung und stellen 

die Blautöne auf +40 ein. Wie Sie sehen können, führen diese Anpassungen dazu, dass 

das Bild eine wesentlich höhere Wirkung hat. 

DAS BILD SCHÄRFEN Nun ist es Zeit, sich mit dem Reiter Details zu beschäftigen 

9 und mit der Zoom-Schaltfläche das Bild auf 100 % zu vergrößern. Arbeiten Sie mit 

dem Schieberegler Schärfe, bis das Bild auf dem Bildschirm knackig scharf aussieht. Wir 

wählten für die Schärfe 100, Radius 1.0 und Detail 30. Wenn man zu extrem schärft, 

können Artefakte oder Bildrauschen entstehen, daher ist es wichtig, die Bilder mit dem 

kleinstmöglichen ISO-Wert aufzunehmen. 

SPEICHERN UND ÖFFNEN Wenn Sie fertig sind, können Sie das Bild entweder 

10 öffnen, um weitere Verbesserungen in Photoshop vorzunehmen, oder für später 

abspeichern. Wenn Sie das Bild im .TIFF oder .PSD Format speichern, behalten Sie eine 

16-Bit-Datei – im Gegensatz zur Komprimierung des Bildes auf 8-Bit JPEG, was die 

Datenmenge und somit die Flexibilität für spätere Bearbeitungen reduziert.


Kombinieren von Raw-Dateien 

VON LUKE MARSH Wenn Sie Ihre Bilder mit der Kamera im Raw-Format aufnehmen, können Sie 

verborgene Details aus überbelichteten Bereichen der Szene wiederherstellen, beispielsweise einen 

hellen Himmel. Der Photoshop-Experte Luke Marsh zeigt Ihnen, wie Sie mit dem Raw-Konverter von 

Photoshop Elements zwei verschiedene Bilder mit verschiedenen Belichtungen aus derselben Raw-Datei 

erstellen und anschließend zusammenführen, um ein perfektes Ergebnis zu erhalten. In dieser einfach 

nachzuvollziehenden Übung werden Techniken wie Belichtungskorrektur, Erstellung und Bearbeitung von 

Ebenen, Tonwertkorrektur, Steuerung der Schärfe mit dem Hochpassfi lter, Deckkrafteffekte und Farbkorrektur 

angewendet. Diese sind besonders überzeugend, weil sie nur mit Bilddaten arbeiten, die im Originalbild 

enthalten sind. Hier wurde Elements 4.0 verwendet, neuere Versionen eignen sich aber ebenso. 

Original 

Wenn Sie noch nie mit dem Elements-Raw-Konverter gearbeitet haben, 

1 bemerken Sie beim Öffnen einer Datei zunächst, dass das Bild im 

Raw-Steuerfenster geöffnet wird (siehe oben). Für den ersten Schritt klicke ich 

einfach auf Öffnen und lasse die Einstellungen unverändert. Da wir mit Ebenen 

arbeiten werden, wähle ich nun Datei > Speichern unter und erstelle eine 

Photoshop-Datei (*.psd). 

2 

Ich öffne erneut die Original-Raw-Datei, das Bild erscheint im 

Raw-Steuerfenster. Diesmal verwende ich das Bedienelement Belichtung 

und bewege den Schieberegler nach links, um das Bild unterzubelichten, 

wodurch die Details im Himmelbereich auf dem Originalbild zurückkommen. Ich 

bin mit dem Ergebnis zufrieden und klicke auf Öffnen, um das Bild nach Elements 

zu übertragen. 

Ich habe jetzt zwei Dateien geöffnet: Eine enthält die Originalaufnahme, die 

3 andere das neue, unterbelichtete Bild. Ich wähle zuerst die unterbelichtete 

Datei, dann die Befehlsfolge „Auswahl > Alles auswählen“ und „Bearbeiten > 

Kopieren“, um das Bild in die Zwischenablage zu legen. Jetzt kann ich die Datei 

schließen und das Bild mit „Bearbeiten > Einfügen“ in eine neue Ebene auf der 

Originaldatei einfügen. 

Nachdem die beiden Aufnahmen am gewünschten Ort sind, möchte ich den 

4richtig belichteten Vordergrund mit dem neu belichteten Himmel kombinieren. 

Ich aktivere die Himmel-Ebene und wähle mit dem Auswahlrechteck-Werkzeug einen 

großen Bereich des Vordergrundes bis kurz vor dem Hintergrund. Mit „Bearbeiten > 

Löschen“ entferne ich den Bereich und betrachte den Effekt in der 

Ebenenpalettenvorschau (siehe Kasten). 

Jetzt muss der Horizont aufgeräumt werden. Also stelle ich das 

5Radiergummi-Werkzeug auf einen mittelgroßen Pinsel mit weicher Kante und 

einer Deckkraft von 55 Prozent ein und lösche nach und nach die Bereiche der neu 

belichteten Ebene, sodass die ursprüngliche Horizontaufnahme zum Vorschein 

kommt. Der leichte Verwischungseffekt zwischen den beiden Ebenen erzeugt eine 

neblige Wirkung, der die Stimmung des Bildes noch weiter verstärkt. 

Die erste Ebene ist fertig. Zum Sichern meiner Arbeit wähle ich zunächst „Ebene 

6> Auf Hintergrundebene reduzieren“, dann „Datei > Speichern unter“, um eine 

neue Datei zu erstellen. Wenn beide Ebenen zusammengeführt wurden, können 

einige allgemeine Verbesserungen vorgenommen werden. Ich wähle also 

„Überarbeiten > Beleuchtung anpassen > Tonwertkorrektur“, um das Bild heller zu 

machen und die Definition zu verbessern. Dann klicke ich auf OK, um die 

Änderungen anzuwenden.

Fertiges Bild 

GEWITTER IM ANZUG! 

Die Vorzüge der Aufnahmen im 

Raw-Format liegen auf der Hand: 

Sie können mehr Details 

wiederherstellen als wenn die Szene 

als JPEG-Datei aufgezeichnet wird. 

Mit dem Hochpassfilter können Sie Details wesentlich einfacher zur Geltung 

7bringen als mit dem Scharfzeichnungsfilter. Um den Filter zu verwenden, 

wähle ich zunächst die Befehlsfolge „Ebene > Ebene duplizieren“, um das 

Originalbild beizubehalten. Dann wähle ich „Filter > Sonstige Filter > Hochpass“ 

und stelle den Radius auf etwa 20 Pixel ein, bevor ich auf OK klicke. Ich ändere 

die Füllmethode in der Ebenenpalette auf Weiches Licht. 

Wählen Sie noch einmal die Befehlsfolge „Ebene > Auf Hintergrundebene 

8reduzieren“, um bei Bedarf eine Kopie zu speichern. Jetzt mache ich mit dem 

Nachbelichter-Werkzeug (siehe Kasten rechts) mit einem großen Pinsel mit 

weicher Kante und einer Deckkraft von etwa 25 Prozent die Belichtung bestimmter 

Bereich dunkler, wodurch die Tiefenwirkung des Bildes verbessert wird. Ich 

konzentriere mich auf die Ränder des Bildes und baue den Effekt nach und nach 

auf. 

Das Bild hat einen vorwiegend blauen Farbton, und ich würde in den 

9 Himmel gerne einen anderen Ton aufnehmen. Mit dem Auswahlrechteck- 

Werkzeug wähle ich den Bereich über dem Horizont aus und verwende dann die 

Befehlsfolge Auswahl>Weiche Kante. Ich gebe den Wert 50 Pixel ein, um die 

Auswahl weicher zu machen. Dann wähle ich die Befehlsfolge „Bearbeiten > 

Kopieren“ und anschließend „Bearbeiten > Einfügen“, um die Auswahl in eine 

neue Ebene einzufügen. 

Ändern Sie die Füllmethode der neuen Ebene in Weiches Licht und 

10 wählen Sie dann „Überarbeiten > Farbe anpassen > Farbton/Sättigung 

anpassen“. Im Fenster klicke ich zunächst in das Feld Färben und sehe den 

Effekt sofort in der Vorschau. Schließlich passe ich die Schieberegler Farbton und 

Sättigung an, bis ich mit der Farbe zufrieden bin, und klicke auf OK.


„Nach rechts belichten“ mit Raw 

Um die Vorteile von Raw-Aufnahmen auszuschöpfen, muss man Histogramme lesen 

können und wissen, wie die Kamera Farbinformationen aufzeichnet. 

UM DAS MAXIMUM aus Raw-Dateien 

herauszuholen, sollte man lernen, wie man das 

Histogramm benutzt, das von der Kamera erzeugt 

wird. Die meisten enthusiastischen Fotografen 

sind vom Vorschaubild abhängig, um ihre 

Belichtung beurteilen zu können, doch leider ist 

dies nicht die beste aller Referenzen. Trotzdem 

bietet ein Histogramm auf der anderen Seite all die 

essentielle Information, die man braucht, um die 

ultimative Raw-Datei zu schaffen. Es zeigt die 

Farbverteilung eines digitalen Bildes, von den 

dunkelsten Schatten am linken Ende des 

Histogramms, bis zu den hellsten Farben am 

rechten Ende. Die Form des tonalen Graphen und 

seine Position zwischen den Extremen sagt viel 

über das Bild aus: Ob der Kontrast hoch oder 

niedrig ist, mehrheitlich aus hellen oder dunklen 

Farben besteht, über- oder unterbelichtet ist etc. 

Als allgemeine Regel bei der Belichtung eines 

Bildes gilt, dass die Töne innerhalb der Extreme 

des Histogramms liegen, damit die Details 

erhalten bleiben. Wenn zu viel Information am 

linken Ende liegt, dann fehlen einigen Schatten 

möglicherweise ein paar Details, wenn sich 

hingegen zu viel Information am rechten Ende 

befindet, dann könnten einige der Lichter 

aufgebläht und ausschließlich als weiße Bereiche 

aufgenommen werden. Ist keines der Extreme 

„abgehackt“, so hat man eine akzeptable 

Raw-Datei, mit der sich arbeiten lässt. Wenn man 

allerdings ein Maximum an Farbdetails aufnehmen 

will, dann muss man eher „rechtsum belichten“. 

Dies meint, das Bild so gut es geht zu belichten, 

ohne die Lichter „abzuhacken“, und ein 

Histogramm zu schaffen, das etwas nach rechts 

verschoben ist. Warum? Weil Sensoren bei den 

Lichtern mehr Töne aufnehmen, als bei den 

Schatten. Die meisten Sensoren nehmen eine 

Helligkeitsreichweite von fünf oder sechs Stufen 

auf. Nützlicherweise für diese Technik, sind die 

Histogramme vieler Kameras in fünf Sektionen 

aufgeteilt, welche die fünf Helligkeitsstufen 

repräsentieren, die sie aufgezeichnet . Anstatt die 

Tonwerte gleichmäßig über fünf Stufen zu 

verteilen, werden 50 % aller Werte im hellsten 

Bereich aufgenommen, halb so viele im 

zweithellsten, nochmals die Hälfte im dritthellsten 

und so weiter... Das bedeutet, die hellsten 20 % 

am rechten Ende enthalten 16-mal mehr Tonwerte 

als die dunkelsten 20 % am linken Ende. Wenn 

man „rechtsum belichtet“, so dass sich der tonale 

Graph über die hellsten 20 % des Histogramms 

erstreckt, dann maximiert man die aufgenommene 

Information. Überprüft man die Vorschau auf dem 

Display, sieht es so aus, als seien rechtsum 

belichtete Bilder überbelichtet. Die natürliche 

Reaktion wäre, die Belichtung zu reduzieren und 

eine weitere Aufnahme zu machen. Ignorieren Sie 

stattdessen die Vorschau und vertrauen Sie dem 

Histogramm! Sie können die Belichtung und den 

Kontrast korrigieren, wenn Sie die Datei 

nachbearbeiten, indem Sie die wichtigen Tonwerte 

erhalten, was das Bild mit mehr Details und 

weniger Rauschen versorgt. Wie Sie sehen 

werden, ist es besser, ein überbelichtetes Bild 

abzudunkeln, als ein unterbelichtetes aufzuhellen 

– solange man aufpasst, dass sich die Lichter nicht 

zu sehr aufblähen. 

Erhöhen Sie die Belichtung 

Der einfachste Weg, um „rechtsum zu 

belichten“, besteht darin, eine 

Probeaufnahme zu machen und dann auf das 

Histogramm zuzugreifen. Wenn der Graph 

mittig liegt (in anderen Worten: wenn das Bild 

gut belichtet ist), dann erhöhen Sie die 

Belichtung mittels der Belichtungskorrektur 

um +1/3, machen Sie eine weitere 

Aufnahme und überprüfen Sie das 

Histogramm. Machen Sie es solange, bis die 

Lichterwarnung in der Vorschau aufblinkt und 

anzeigt, dass die Lichter „abgehackt“ wurden 

und Sie die Belichtung ausgereizt haben. Das 

vorhergehende Bild, dem Sie 1/3 weniger 

Belichtung gaben, ist die Datei, mit der es zu 

arbeiten gilt. 

A) Das Histogramm eines unterbelichteten 

Bildes: Der tonale Graph ist nach links 

verschoben, wo es weniger Tonwerte gibt. 

Wenn Sie eine solche Aufnahme „zu retten“ 

versucht hätten, wären Rauschprobleme 

aufgetreten. 

B) Technisch gesehen ist an diesem Bild oder 

Histogramm nichts falsch: Der tonale Graph 

ist mittig, weder Lichter noch Schatten 

wurden „abgehackt“. Würde man dieses Bild 

in der Vorschau betrachten, wäre man 

wahrscheinlich zufrieden... 

C) Wenn man aber nach rechts belichtet, 

werden viel mehr Tonwertdetails in die 

Raw-Datei aufgenommen als bei ‚korrekter‘ 

Belichtung. 

Das Vorschaubild wäre überbelichtet und 

verwaschen; dennoch die beste von drei 

Raw-Dateien! 

A B C 

NICHT „ABHACKEN“: Die hellsten Lichter in 

1 Gewässern und am Himmel wurden so belichtet, 

dass sie beginnen sich „aufzublähen“; erkennbar an 

den roten Lichtern. Das Bild sieht insgesamt etwas 

verwaschen aus. 

BESSERN SIE DIE LICHTER AUF: Auch wenn 

2 Sie versuchen, die Lichter nicht „abzuhacken“, 

können Sie trotzdem den Aufbesserungsschieber 

nutzen, um sie zu retten – es sollten aber nicht mehr 

als 20 % eingestellt werden, da sonst das Bild 

abflachen kann. 

DECKEN SIE DIE DETAILS AUF: Es gibt 

3 verschiedene Möglichkeiten, um das Bild 

abzuschwächen: Kontrast, Helligkeit, Belichtung. Am 

effektivsten sind jedoch Tonwertkorrekturen. Hier 

wurde der dunkle Tonwert auf -39 eingestellt – das 

sieht schon viel besser aus! 

STELLEN SIE DIE TONALITÄT EIN: Die Lichter 

4 wurden auf einen Wert von +26 und das Licht 

auf einen Wert von -14 gestellt. Sie sehen, wie sich 

die Tonwertkorrekturen von einer geraden Linie zu 

einer flachen S-Kurve verändert haben. 

BESSERN SIE DIE FARBEN AUF: Wenn Sie 

5 wieder zur Standard-Registerkarte wechseln, ist 

der Schwarzschieber von seiner Grundeinstellung um 

5 Werte nach rechts auf 14 gewandert, während die 

Vitalität auf +22 und die Sättigung auf +8 stehen, 

um die Bildfarben zu kräftigen.


Raw 61 


Nachdem die bearbeitete Raw-Datei als 

16-bit-TIFF gesichert wurde, wurden mit 

Photoshop ein paar letzte Schliffe 

durchgeführt – und hier das endgültige 

Bild: viel beeindruckender als die 

ursprüngliche Raw-Datei, aus der es 

stammt.

62 Filter Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Die Grundlagen # 6 

FILTER 

Wir erläutern den Einsatz der wichtigsten 

Filtertypen für die Landschaftsfotografie 

MAN STELLE SICH VOR: Das Schiff, mit dem man 

unterwegs ist, sinkt vor einer verlassenen Insel, und man 

kann nur drei Filter mitnehmen. Vielleicht ein etwas 

extremes Szenario, aber auf hoher See ist schon 

Schlimmeres vorgekommen! Die Frage ist also: welche 

drei Filter? Als Vertreter der Cokin-Generation habe ich 

mir mehr Filter zugelegt als ein Fotogeschäft. Ich hatte 

Plastikscheiben aus C39 Kunstharz, mit denen man 

Regenbogen imitieren, einen wunderschönen Himmel 

braun färben, attraktive Motive in grelle Farbflecken und 

helle Farbpunkte in glänzende Explosionen verwandeln 

konnte. Die meisten dieser Filter benutzte ich nie, weil 

die Effekte scheußlich waren. Damals war man aber kein 

richtiger Fotograf, wenn man nicht überall Dutzende 

Filter mit sich schleppte. Schlimmstenfalls riss man sich 

mit den scharfkantigen Filtern die Taschen in Fetzen, wie 

ich an hunderten Beispielen beweisen kann! 

Nach zahlreichen gescheiterten Versuchen schaffte ich 

es, meine Cokin-Sucht in den Griff zu bekommen, 

sortierte alle unbrauchbaren Filter aus und behielt die 

wenigen wirklich nützlichen. 

Als ich später auf digitale Fotografie umstieg, konnte ich 

auch die Farbkorrektur- und Konversionsfilter wegwerfen, 

da diese durch Funktionen zur Anpassung von 

Weißabgleich und Farbtemperatur ersetzt wurden. 

Heute benutze ich nur noch drei Arten von Filtern: 

Verlaufsfilter, Polfilter und Graufilter. Für Landschaften 

und normale Aufnahmen werden alle drei benötigt. Man 

kann sie sowohl getrennt als auch gemeinsam 

einsetzten. 

Viele fragen sich wohl: „Warum sollte ich mich mit Filtern 

herumärgern, wenn ich die Effekte auch mit Photoshop 

erzielen kann?“ Die Antwort lautet: Nicht alle 

Filtereffekte können mit Photoshop imitiert werden! Und 

auch wenn man einen Effekte nachmachen kann, ist es 

besser, das Bild so weit wie möglich in der Kamera zu 

bearbeiten, anstatt stundenlang am Computer zu sitzen. 

Die wichtigsten Informationen über Filtersysteme findet 

man auf der Tabelle unten – den Unterschied zwischen 

Landschaftsbildern mit und ohne meine drei 

Lieblingsfilter erkläre ich im folgenden Beitrag. 

Welches Filtersystem? 

Schraubfilter: Diese hochwertigen 

Glasfilter werden direkt, schnell und einfach auf 

dem Filtergewinde des Objektivs befestigt. Es gibt 

zahlreiche, verschiedene Pol- und Grau- 

Schraubfilter, Verlaufs-Schraubfilter sind aber fast 

keine auf dem Markt. Schraubfilter bieten eine 

außerordentliche Bildqualität, haben aber einen 

großen Nachteil: Wenn man verschiedene Objektive einsetzt, 

braucht man meist auch Schraubfilter in verschiedenen Größen. 

Empfehlenswerte Hersteller sind B+W, Hoya, Kood, Jessops und 

Tiffen. 

Steckfilter: Die beste Wahl ist ein 

Stecksystem. Man schraubt einen Halter auf das 

Objektiv und kann den Filterhalter darauf 

stecken. Dadurch kann der gleiche Filter auf allen 

Objektiven eingesetzt werden. Polfilter, Graufilter 

und Verlaufsfilter sind alle als Steckfilter 

erhältlich. Die Filter von Cokin (P oder X-Pro) und 

Formatt Hitech sind empfehlenswert für 

Einsteiger, Lee Filters sind die ultimativen Profifilter. 

Nebelschwaden 

Der richtige Einsatz von Filtern 

kann Ihren Aufnahmen mehr 

Geheimnis, Dramatik und 

Stimmung verleihen.


Filter 63

64 Filter 


Verlaufsfilter 

Dank Verlaufsfiltern gehören 

Landschaftsfotos mit langweiligem 

Himmel der Vergangenheit an 

FAST ALLE LANDSCHAFTSFOTOGRAFEN haben 

schon einmal großartige Aufnahmen mit einem 

dramatischen Himmel geschossen und dann 

gemerkt, dass auf dem fertigen Bild die 

Landschaft zwar gut, der Himmel aber 

ausgewaschen bzw. überbelichtet war. Dies kann 

man in der Nachbearbeitung korrigieren – jedoch 

nur, wenn noch etwas zu korrigieren da ist. Ist der 

Himmel so stark überbelichtet, dass keine Details 

aufgezeichnet wurden, ist nicht mehr viel zu 

retten. 

Erfahrenere Fotografen machen zwei Aufnahmen 

des Motivs: Bei der ersten nehmen sie den 

Himmel, bei der zweiten die Landschaft auf und 

setzen beide Aufnahmen später in Photoshop 

zusammen. Diese Methode funktioniert gut, 

erfordert aber mehr Zeit am Computer. 

Die schnellste und einfachste Lösung für dieses 

Problem sind Verlaufsfilter! 

Sie sind in der oberen Hälfte grau wie ein Graufilter 

und durchsichtig im unteren Teil. Der graue Teil 

reduziert die Helligkeit des Himmels beim 

Aufnehmen einer Landschaft; dadurch wird dieser 

richtig belichtet und bleicht nicht zu sehr aus. 

Verlaufsfilter und 

Belichtung 

Bevor es die Mehrfeldmessung gab, 

musste die Belichtung manuell ohne 

Verlaufsfilter gemessen werden, sonst 

wurde das Bild überbelichtet. Heutige 

Messsysteme sind so weit entwickelt, 

dass man eine Aufnahme mit 

Verlaufsfilter fertig komponieren kann, 

bevor die Belichtung gemessen wird. 

Die Mehrfeldmessung teilt das Bild in 

verschiedene, einzeln messbare 

Bildbereiche auf. Der Filter hat also 

keinen negativen Einfluss auf die 

endgültige Belichtung, sondern hilft der 

Kamera sogar zu einer präzisen 

Belichtungsmessung. 

Der graue Teil des Verlaufsfilters 

verdunkelt den Himmel und reduziert 

dadurch den Kontrast zwischen 

Himmel und Vordergrund. 

Fototechnik! 

Die richtige Lichtdichte wählen 

Damit das Resultat des Filters überzeugend 

wirkt, muss die passende Lichtdichte gewählt 

werden. Und das ist nicht schwer, da nur drei 

verschiedene Lichtdichten zur Auswahl stehen: 

Mit den Filtern 0,3-, 0,6- und 0,9 wird die 

Helligkeit des Himmels jeweils um eine, zwei 

oder drei Lichtwertstufen reduziert. Manche 

Hersteller haben auch ein 1,2-Verlaufsfilter im 

Angebot, der die Helligkeit des Himmels um 

vier Lichtwertstufen reduziert. Der schwächste 

Filter (0,3) produziert nur eine subtile Wirkung. 

Der 0,9-Filter wird meist bei Sonnenauf- und 

-untergang eingesetzt, wenn der Himmel sehr 

hell ist, die Landschaft aber nicht direkt 

beleuchtet wird. Der 0,6-Verlaufsfilter eignet 

sich am besten für allgemeine Aufnahmen. 

Wenn man sich nicht sicher ist, welchen Filter 

man einsetzen sollte, kann man zuerst eine 

Probeaufnahme mit dem 0,6-Verlaufsfilter 

machen, das Bild auf dem Monitor der Kamera 

prüfen und bei Bedarf den Filter wechseln. 

0,3 0,9


Filter 65 

Für erfahrene 

Landschaftsfotografen sind 

Verlaufsfilter kein technisches 

Spielzeug, sondern wesentlicher 

Bestandteil ihrer Ausrüstung. 

ALL IMAGES: LEE FROST 

Einstellen des Verlaufsfilters 

Es ist wichtig, den Verlaufsfilter richtig 

auszurichten, damit er im Bild nicht 

sichtbar ist. Dazu gibt es leider keine 

Zauberformel; der richtige Einsatz von 

Verlaufsfiltern beruht vor allem auf der 

Erfahrung des Fotografen. 

Die Kamera auf 

1 das Stativ 

montieren und für 

die gewünschte 

Bildkomposition 

ausrichten. Den 

Verlaufsfilter in der 

Halterung auf dem 

Objektiv befestigen. Durch den Sucher 

schauen und den Filter langsam nach 

unten auf die 

richtige Höhe 

schieben. 

Der obere Teil 

2 des Bildes 

sollte dabei dunkler 

werden. Das 

Resultat ist 

manchmal auf den ersten Blick nicht sehr 

deutlich ersichtlich, darum sollte die 

Filterposition sorgfältig geprüft werden. 

Viele Einsteiger 

3 schieben den 

Filter zu weit nach 

unten. Dadurch 

kann der 

Verlaufsfilter als 

Graufilter wirken, 

was zu einer 

Überbelichtung des Himmels und einer 

Trennlinie im Vordergrund führen kann. 

Wenn man Mühe hat, den Filter mit 

4 dem Sucher 

anzupassen, kann 

LiveView zu Hilfe 

genommen werden. 

Auf dem Monitor 

sieht man die 

genaue Wirkung 

des Filters auf das 

Bild und dieser kann daher besser richtig 

eingestellt werden. 

Fototechnik! 

Harte oder weiche Verlaufsfilter? 

Es gibt zwei Typen von Verlaufsfiltern: harte und weiche. 

Dies bezeichnet den Verlauf zwischen dem grau 

beschichteten und dem durchsichtigen Teil des Filters. Harte 

Verlaufsfilter haben einen weniger abgestuften Übergang als 

weiche Verlaufsfilter. 

Anfänger denken oft, weiche Verlaufsfilter seien einfacher zu 

benutzen, da man eine falsche Ausrichtung nicht so leicht 

bemerkt. Trotzdem sind harte Verlaufsfilter die bessere Wahl, 

da sie eine klarer definierte Wirkung haben. 

Weich 

Hart 

Weich 

Stark

66 Filter 

Polfilter 

Ein runder Polfilter ist oft der beste Filter 

des Fotografen. Er verstärkt die 

Farbwirkung und reduziert Blendlichter. 

WENN DAS LICHT auf eine Oberfläche trifft, 

strahlt es oft in alle Richtungen ab und wird 

polarisiert. Dies führt zu Blendlichtern bzw. 

Reflexen und reduziert die Farbsättigung, vor 

allem auf glänzenden Oberflächen wie Metall, 

nassem Laub usw. Der Polfilter lässt nur eine 

Lichtrichtung zu; dadurch wird polarisiertes 

Licht wirkungsvoll herausgefiltert. In der 

Landschaftsfotografie gibt es drei wichtige 

Gründe dafür, den Polfilter zu nutzen: 

Erstens wird blauer Himmel dunkler, da er 

große Mengen polarisierten Lichts enthält. Die 

Wirkung der Bilder auf das Auge wird durch 

einen ausdrucksstarken Himmel verstärkt. 

Zweitens werden Blendlichter auf nichtmetallischen 

Oberflächen reduziert, sodass die 

Farben des Motivs reicher und satter 

hervortreten. 

Sein dritter Vorteil besteht darin, Reflexlichter 

zu unterdrücken, sodass man durch ein Fenster 

oder in ein Gewässer hinein fotografieren kann. 

Polfilter und Belichtung 

Polfilter reduzieren das Licht um zwei 

Lichtwertstufen. Das bedeutet, wenn 

man ohne Polfilter mit f/11 1/125 

Sekunde belichtet, wird die Belichtung 

auf 1/30 Sekunde (bei f/11) vermindert. 

Da die Kamera diesen Lichtverlust 

automatisch ausgleicht, er muss nicht 

extra korrigiert werden. Man sollte sich 

aber bewusst sein, dass ein Polfilter die 

Verschlusszeit verlängert – selbst bei 

hellem Sonnenlicht. Das Risiko der 

Verwacklung ist entsprechend höher. 

Ein Polfilter kann auch wie ein 

0,6-Graufilter verwendet werden, um 

Verschlusszeiten gezielt zu verlängern 

(siehe Haupttext). 

Bei Aufnahmen von Wasserfällen erzeugt 

ein Polfilter nicht nur eine längere 

Verschlusszeit, um die Wasserbewegung 

zu verwischen, sondern entfernt 

Lichtreflexe aus dem Wasser und 

Blendlichter von nassen Felsen oder 

Holz. 

Ohne Filter 

Man kann die Wirkung eines Polfilters am 

besten durch den Sucher beobachten, wenn 

man ihn langsam vor das Objektiv schiebt. 

Dunkle Himmel werden dunkler und weiße 

Wolken stechen hervor, Lichtreflexe kommen 

und gehen und die Blendlichter verschwinden. 

Sobald man mit dem Resultat zufrieden ist, 

kann der Auslöser gedrückt werden. Um die 

bestmöglichen Resultate zu erzielen, sollte man 

ein paar wichtige Faktoren beachten: 

Obwohl Polfilter normalerweise am besten bei 

hellem, sonnigem Wetter - wenn am meisten 

polarisiertes Licht abgestrahlt wird - 

funktionieren, können sie auch bei bedeckten 

Wetterverhältnissen eingesetzt werden, um 

Blend- und Reflexlichter zu vermeiden. 

Herbstmotive mit farbigem Laub an den 

Bäumen sehen durch den Polfiltereinsatz besser 

aus, weil dadurch die Blendlichter reduziert 

werden und die reichen Farben des Laubs 

besser zur Geltung kommen. 

Wenn man den Polfilter benutzt, um einen 

blauen Himmel zu verdunkeln, sollte die 

Kamera im rechten Winkel zur Kamera stehen. 

Somit steht der Filter vor dem Himmelbereich, 

wo am meisten polarisiertes Licht vorhanden ist. 

Dadurch erhält man die stärkste Wirkung. 

Befindet sich die Sonne hinter dem Rücken oder 

nimmt man gegen die Sonne auf, hat der 

Polfilter keine große Wirkung. Der Polfiltereinsatz 

funktioniert am besten bei einer tiefstehenden 

Sonne. Am frühen Morgen und späten Abend 

erzielt er bessere Resultate wie am Mittag. 

Die Polarisierung verläuft unregelmäßig über 

den Himmel. Beim Einsatz von Weitwinkel- oder 

Ohne Filter 


Mit Polfilter 

Fototechnik! 

Rund oder linear 

Es gibt zwei Sorten von Polfiltern, lineare und runde. 

Auf modernen, digitalen Spiegelreflexkameras werden 

runde Polfilter eingesetzt. Lineare Polfilter wurden für 

besondere, ältere Film-Spiegelreflexkameras ohne 

Autofokus entwickelt. Beide Filtertypen dienen 

demselben Zweck. Runde Polfilter garantieren die 

richtige Belichtung bei digitalen Spiegelreflex- und 

Kompaktkameras mit Autofokus. 

Zoomobjektiven mit einer Brennweite über 24 

Millimetern (16 Millimeter bei APS-C Sensoren) 

kann der Himmel auf einer Seite dunkler werden 

als auf der anderen. Das Resultat kann etwas 

eigenartig erscheinen. Man kann dieses Problem 

zwar im Photoshop lösen, was aber ziemlich 

zeitaufwendig ist. Man darf nicht vergessen, dass 

Blendlichter nur auf nicht-metallischen 

Oberflächen wie Bilderrahmen, Laub und Plastik 

entfernt werden. Um Reflexlichter auf Wasseroder 

Glasoberflächen zu vermeiden, sollte der 

Winkel zwischen der Oberfläche und der 

Objektivachse ungefähr 30 Grad betragen. Um 

die richtige Filterposition zu erreichen, sollten 

verschiedene Blickwinkel ausprobiert werden. 

Polfilter können beim Einsatz bei hellem, 

sonnigen Wetter einen leicht blauen Stich auf den 

Bildern hinterlassen. Um dies zu korrigieren, 

kann der Weißabgleich der Kamera angepasst 

werden oder die Raw-Datei auf dem Computer 

nachbearbeitet werden. 

Mit Polfilter 

Techn


Filter 67 

Ein Polfilter intensiviert die 

Wirkung vom blauem Himmel 

und Landschaften. 

ALLE BILDER: LEE FROST 

que watch!

68 Filter 

Graufilter 

Belichtungszeiten für kreative Effekte mit einem Graufilter verlängern 

GRAUFILTER WURDEN entwickelt, um die durch ein 

Objektiv eindringende Lichtmenge zu reduzieren, 

ohne dabei den Farbabgleich zu beeinflussen. 

Graufilter funktionieren ähnlich wie Verlaufsfilter, 

wirken sich aber gleichmäßig auf das gesamte Bild 

aus. Sie werden vor allem eingesetzt, um die 

Belichtungszeit eines Bildes zu verlängern. Dadurch 

können bei einer langen Verschlusszeit Bewegungen 

festgehalten werden. Ein klassisches Motiv für den 

Graufiltereinsatz sind Wasserfälle, bei denen die 

Wasserbewegung anmutig verwischt wird. Mit Hilfe 

von Graufiltern kann die Bewegung bei verschiedenen 

Motiven aufgezeichnet oder verstärkt werden: 

Pendler, die aus dem Morgenzug strömen, der 

Verkehr an befahrenen Straßen, sich im Wind 

wiegende Baumwipfel, die Brandung an Felsen und 

so weiter. Sie sind ideal für den Einsatz bei sehr 

hellen Lichtverhältnissen, wenn die niedrigste 

ISO-Empfindlichkeit und die kleinste Blende nicht die 

gewünschte Verschlusszeit bieten können. 

Belichtungstabelle: 

Beim Einsatz von schwächeren Graufiltern mit 

einer Lichtdichte von bis zu 1.2, kann das 

Messsystem der Kamera durch das Objektiv 

eine richtige Belichtung garantieren. Bei einer 

Lichtdichte ab 1.2 hat das Messsystem 

manchmal Probleme und die Aufnahmen 

werden unterbelichtet. 

Um Belichtungsfehler zu vermeiden, sollte die 

Belichtung ohne Graufilter gemessen, die 

richtige Belichtung berechnet und dann 

manuell eingestellt werden. Für iPhone 

Benutzer gibt es eine nützliche App mit dem 

Namen „ND CalC“, mit der man die Belichtung 

berechnen kann. Alternativ kann die folgende 

Tabelle verwendet werden. Werden 

Belichtungszeiten von über 30 Sekunden 

eingestellt, sollte der Modus 

„Langzeitbelichtung“ (B) gewählt und die 

Belichtungszeit mithilfe der Kontrolluhr auf der 

Kamera oder dem Smartphone, der 

Fernbedienung oder der Armbanduhr gestoppt 

werden. 

Ohne 

Filter 

mit 

0,6ND 

mit 

0,9ND 

mit 

1,2ND 

1/500 Sek 1/125 Sek 1/60 Sek 1/30 Sek 

1/250 Sek 1/60 Sek 1/30 Sek 1/15 Sek 

1/125 Sek 1/30 Sek 1/15 Sek 1/8 Sek 

1/60 Sek 1/15 Sek 1/8 Sek 1/4 Sek 

1/30 Sek 1/8 Sek 1/4 Sek 1/2 Sek 

1/15 Sek 1/4 Sek 1/2 Sek 1 Sek 

1/8 Sek 1/2 Sek 1 Sek 2 Sek 

1/4 Sek 1 Sek 2 Sek 4 Sek 

1/2 Sek 2 Sek 4 Sek 8 Sek 

1 Sek 4 Sek 8 Sek 16 Sek 

2 Sek 8 Sek 16 Sek 32 Sek 

3 Sek 16 Sek 32 Sek 1 Min 

4 Sek 32 Sek 1 Min 2 Min 

Fototechnik 

Unterschiedliche Lichtdichten 

Wie lange die Belichtung mit Graufilter verlängert wird, 

hängt von seiner Lichtdichte ab. Der schwächste 

Graufilter, dessen Einsatz sich lohnt, ist der 0,6 (4x) 

Graufilter; er reduziert die Belichtung um zwei 

Lichtwertstufen. Ein Polfilter verlangt ebenfalls eine 

Mehrbelichtung von zwei Stufen und kann somit als 

0,6-Graufilter genutzt werden. Es folgen der dreistufige 

0,9 (8x) Graufilter und der vierstufige 1,2 (16x) 

Graufilter. Wird damit die gewünschte Lichtdichte nicht 

erreicht, können auch mehrere Filter zugleich eingesetzt 

werden. Eine Kombination aus 0,6 und 0,9 Graufilter 

verlangt z. B.eine Mehrbelichtung von fünf 

Lichtwertstufen. 

Auch Graufilter mit 1,8 (sechs Lichtwertstufen) 

Lichtdichte und mehr sind möglich. Diese wurden 

ursprünglich für industrielle Fotoprozesse mit extremer 

Helligkeit entwickelt, sind heute aber immer beliebter 

unter Fotografen, da sie auch bei Tageslicht 

Belichtungszeiten von mehreren Minuten erlauben. Einer 

der stärksten Graufilter hat eine Lichtdichte von 3,0 und 

erfordert eine Mehrbelichtung von zehn Lichtwertstufen 

– das 1000-fache von normaler Belichtung. 

Ohne Filter 

0,6ND

BILD: LEE FROST 

Der Einsatz von Graufiltern 

erlaubt bei Tageslicht längere 

Verschlusszeiten: 

Ideal für Aufnahmen von 

Wasserfällen. 

1,2ND 

3,0ND 

Farbstiche 

Obwohl Graufilter farbneutral sind, 

erscheinen bei deren Einsatz mit einer 

höheren Lichtdichte und einer längeren 

Belichtung Farbstiche auf dem Bild. Bei 

zehnstufigen Graufiltern ist dieser Effekt 

besonders gut sichtbar. Während der 

B+W 3,0 einen sehr warmer Farbstich 

hat, erzeugt der Lee Big Stopper einen 

kühl blauen Farbstich. 

Diese Farbstiche können den Ausdruck 

des Bildes verbessern. Falls nicht 

gewünscht, kann die Farbtemperatur bei 

der Nachbearbeitung der Raw-Datei 

korrigiert werden.

70 Filter 

Zehnstufige Graufilter 

Ein zehnstufiger Graufilter ermöglicht 

kunstvolle Landschaftsaufnahmen in 

Schwarzweiß 

DAS ERSTE, was man beim Einsatz eines zehnstufigen Graufilters 

bemerkt ist, dass er so dunkel ist, dass man nicht durchsehen 

kann. Bei hellem Sonnenlicht sieht man ein undeutliches Bild 

durch den Sucher. Die Helligkeit ist aber 1000-mal schwächer als 

ohne den Filter. Daher muss die Kamera für eine Aufnahme zuerst 

auf einem Stativ montiert werden. Dann wird das Bild komponiert, 

der Fokus manuell eingestellt (der Autofokus funktioniert bei 

Graufiltern nicht), der Verlaufsfilter bei Bedarf eingesetzt und zum 

Schluss der zehnstufige Graufilter am Objektiv befestigt. Modernere 

Kameras mit LiveView sind genug empfindlich, um durch einen 

zehnstufigen Graufilter hindurch zu sehen. Dadurch kann die 

Bildkomposition oder die Kameraposition gewechselt werden, 

ohne dass der zehnstufige Filter entfernt werden muss. 

Bei den meisten Kameramodellen muss der Graufilter allerdings 

entfernt werden, damit man durch den Sucher sieht. Darum sind 

die Steckfilter Big Stopper von Lee Filter praktischer als B+W 

Schraubfilter. Der Big Stopper kann einfach aus dem Halter 

entfernt werden, währenddem der B+W-Filter vom Objektiv 

abgeschraubt werden muss. 

Die längste Belichtung, die man mit der programmierten 

Verschlusszeit der Kamera erreichen kann, sind 30 Sekunden. 

Häufig wird aber zu deren Verlängerung ein zehnstufiger Graufilter 

eingesetzt. Dabei muss die Kamera auf den Modus 

„Langzeitbelichtung“ (B) eingestellt werden, damit der Verschluss 

offen bleibt. Wenn man in solchen Aufnahmesituationen versucht, 

die Belichtung durch das Öffnen der Blende und eine verstärkte 

ISO-Empfindlichkeit unter 30 Sekunden zu halten, kann das Motiv 

ruiniert werden, da die beste Wirkung oft nur durch eine Belichtung 

von mehreren Minuten erreicht werden kann. 

Dies ist der Fall bei allen Motiven mit beweglichen Bildelementen. 

Der Himmel ist zum Beispiel ein sehr beliebter Kandidat für diese 

Technik. An windigen Tagen bewegen sich die Wolkenschwaden 

schnell über den Himmel. Man weiß daher nie, wie die Bewegung 

aufgezeichnet wird, bis man die Aufnahme vor sich hat. Sich im 

Wind bewegende Baumwipfel oder Grashalme haben ebenfalls 

einen ganz anderen Ausdruck, wenn sie während mehreren 

Minuten belichtet werden. 

Küstenaufnahmen sind wahrscheinlich am besten für den Einsatz 

von zehnstufigen Graufiltern geeignet. Das Meer befindet sich in 

ständiger Bewegung. Wenn man also während mehrerer Minuten 

belichtet, verliert dessen Oberfläche jegliche Textur und bekommt 

einen sanften, milchig-weißen Ausdruck, der im Kontrast mit den 

statischen Elementen wie Landestegen, Leuchttürmen, 

Landzungen, Hafendämmen und Felsen erscheint. Man kann mit 

einem zehnstufigen Graufilter aber auch ganz andere Motive wie 

urbane Landschaften aufnehmen. Das meiste, was sich bei 

offenem Verschluss über den Bildausschnitt bewegt, wie 

Menschen oder Verkehr, wird nicht aufgezeichnet. Man kann also 

mit dieser Technik Bilder aufzeichnen, die man mit bloßen Augen 

gar nicht sieht. Belebte Straßen werden dadurch plötzlich 

menschenleer. 

Weitwinkelobjektive sind beim Einsatz von zehnstufigen Graufiltern 

effektiver als Teleobjektive, weil der Himmel und der Vordergrund, 

wo am meisten Bewegung aufgezeichnet wird, hervorgehoben 

werden kann. Man sollte dabei ein unbewegliches Element im 

1/4 Sekunde ohne Filter 

4 Minuten mit zehnstufigem Graufilter 

Vordergrund und fließendes Wasser oder sich am Himmel 

bewegende Wolken im Hintergrund haben. Man sollte sich dabei 

entweder nahe an den Vordergrund heran bewegen oder das 

Weitwinkelobjektiv vom Boden aus nach oben gegen den Himmel 

richten. 

Helles Sonnenlicht erzeugt die am wenigsten geeignete 

Beleuchtung für Aufnahmen mit zehnstufigen Graufiltern, da es 

grell und flach wirkt. Die hohe Lichtintensität erlaubt außerdem 

keine wirklich langen Belichtungszeiten, auch wenn das Objektiv 

und die ISO-Empfindlichkeit möglichst tief eingestellt sind. 

Sonnenauf- und -untergänge und der frühe Morgen und späte 

Abend produzieren perfekte, stimmungsvolle Bilder, da die Sonne 

dann tief im Himmel steht und das Licht schön und warm ist. Der 

zehnstufige B+W 3,0 Graufilter hat einen warmen Farbstich, der 

sich ideal für Aufnahmen am frühen Morgen oder am späten Abend 

eignet. Bei stürmischem Wetter kann eine dramatische Wirkung 

erreicht werden, da sowohl der Himmel als auch das Meer 

bewegter sind. An bedeckten Tagen ist das Licht weich und die 

sanften Töne erzeugen einfache, grafische Bilder. Der Einsatz von 

zehnstufigen Graufiltern kann sowohl in Farbe als auch bei 

Schwarzweißaufnahmen zu eindrucksvollen Resultaten führen. Der 

Himmel und die restlichen Bildelemente sollten getrennt bearbeitet 

werden. Mithilfe von Tonwertkorrekturen und Gradationskurven 

werden Dramatik und Kontrast gesteigert, bis das Endresultat stark 

vom Originalmotiv abweicht. 

Mit einem zehnstufigen Filter vor dem Objektiv betrittt man visuell 

eine neue Welt. 

Belichtungstabelle: 

Die Grafik rechts zeigt die 

Zunahme der Belichtungszeit beim 

Einsatz eines zehnstufigen 

Graufilters. Dies ist einer der 

wichtigsten Gründe, warum der 

Kameramodus 

„Rauschunterdrückung bei langer 

Belichtung“ der Kamera nicht 

eingesetzt werden sollte, da er die 

gleiche Zeit in Anspruch nimmt wie 

die Belichtung. Es empfiehlt sich 

stattdessen, eine Aufnahme mit 

einer zweiminütigen Belichtung 

aufzunehmen und noch etwas zu 

warten, bis das Bild aufgezeichnet 

wird. Die Rauschunterdrückung 

sollte besser abgeschaltet und das 

Bildrauschen im Nachhinein 

korrigiert werden. 


Ohne Filter 

3,0ND 

(Ten-stop) 

1/500 Sek 2 Sek 

1/250 Sek 4 Sek 

1/125 Sek 8 Sek 

1/60 Sek 16 Sek 

1/30 Sek 32 Sek 

1/15 Sek 1 Min 

1/8 Sek 2 Min 

1/4 Sek 4 Min 

1/2 Sek 8 Min 

1 Sek 16 Min 

2 Sek 32 Min 

4 Sek 48 Min 

4 Sek 1 Stunde


Filter 71 

Zehnstufige Graufilter 

sind vielseitig einsetzbar. 

Als Landschaftsfotograf 

sollten Sie immer einen 

bei sich haben.

Süße Limonaden und Fastfood stehen für viele Menschen 

auf der Liste der ungesunden Lebensmittel ganz oben. Aber 

was ist mit Spaghetti? Laut einer Studie im „American Journal 

Of Epidemiology“ kann es sehr ungesund sein, sich zu oft an 

raffinierten Kohlenhydraten wie weißen Nudeln, Reis- und 

Brotsorten sattzuessen. Es heißt, dadurch steige merklich das 

Risiko eines Hirnschlags. Bei der Untersuchung wurden die 

Versuchspersonen über 18 Jahre hinweg beobachtet. Dabei 

stellte sich heraus: Bei den Probanden mit einer hohen Zufuhr 

raffinierter Kohlenhydrate war die Neigung zu Blutgerinnseln 

mit anschließendem Schlaganfall höher als bei den anderen 

Testteilnehmern. Die positive Meldung: Die Personengruppe, 

geringeres Schlaganfallrisiko. Eine hohe Ballaststoffzufuhr 

raffinierte Kohlenhydrate sein müssen, solltest du sicherstellen, 

dass sie der Körper auch gut gebrauchen kann (siehe Artikel 

JETZT IM HANDEL 

Bei allen guten 

Zeitschriftenhändlern 

AUFTANKEN 

Die weiße 

Gefahr 

Halte dich von raffinierten Kohlenhydraten 

fern, um das Schlaganfallrisiko zu senken. 

Lebensmittel mit hohem 

Ballaststoffanteil wie 

Pilze oder Kidneybohnen 

können die negativen 

Auswirkungen der weißen 

Kohlenhydrate ausgleichen. 

Gönn dir also einen Chili- 

Eintopf mit diesen 

Zutaten. 

die mehr Ballaststoffe zu sich nahm, hatte ein weitaus 

kann also helfen, das Leben zu verlängern. Und wenn es 

zur Kohlenhydratzufuhr nach dem Training auf Seite 90). 

mensfitness.de/FEBRUAR 2014/83 

83 AA EATFIT OPENER.indd 83 10/12/2013 14:53 

DER COUNTDOWN ZUM FITTEREN LEBEN 

Die verbotene Frucht 

Verzichte vor dem Sport auf Fruktose, um effektiver abzunehmen 

Der gewohnte Apfel vor dem Gang ins Fitnesscenter ist 

vielleicht nicht ungesund. Es besteht jedoch das Risiko, dass du 

damit deine Abspeckpläne unterwanderst. Obst und Pflanzen 

enthalten Fruktose. Laut einer Studie im „Journal Of Sports 

Sciences“ veranlasst die natürliche Zuckerart den Körper dazu, 

eher Kohlenhydrate anstatt Fett als Energiequelle zu nutzen. 

Daneben macht die Substanz süchtig, während sie den Hunger 

steigert, wie kanadische und amerikanische Wissenschaftler 

herausgefunden haben. In frischem Obst ist die Fruktose kein 

so großes Problem. In Obstsäften ist sie jedoch in höheren 

Konzentrationen enthalten. Und industriell verarbeitete 

Lebensmittel sind richtiggehende Fruktosebomben – ein guter 

Grund, auf diese Lebensmittel zu verzichten. Lass auch den 

Apfel vor dem Workout weg. Dann wirst du die Früchte deiner 

harten Arbeit im Fitnesscenter viel schneller ernten können. 

MF INHALT 

FIT ZONE 

FEATURES 

07 Die verbotene Frucht – Ohne Fruktose vor dem Sport 

effektiver abnehmen 

08 Sixpack-Tipp – Im Uhrzeigersinn zum Waschbrettbauch 

10 Testosteron fürs Leben – Push dein Sexleben mit der 

richtigen Ernährung 

12 Fight Zone – Tipps & Tricks unseres MF-Fight-Profis 

Tobias Voss 

14 Expertentipp – Sprinter Adam Gemili sorgt für Tempo 

und Kraft 

16 V-Form – Festige Deinen Core mit drei klassischen 

Ringübungen 

18 Movies, New & Win – Checkt die aktue len Film- & 

DVD-Tipps und gewinnt einen Top-Film 

22 Leserbriefe – Fragt unseren Experten Dirk van der Klok 

24 Michaels Fitnessecke – Deutschlands gefragtester 

Fitnesstrainer über die Welt der Fitness 

26 Muskelexperte Charles Poliquin – Muskeln im Schlaf 

28 Ra ly-Experte Ken Block – Mut, Wagnis & Risiko für den 

Erfolg 

30 Körper & Geist: Fit werden- Zehn Dinge, die dich am 

Erfolg hindern 

33 Bruce Lee-Story (Teil 1) – Fist of Fury – Leben und 

Vermächtnis 

38 Fitness-Story – Überleben ist eine Sache, wieder 

Zurückkommen eine andere: Das Comeback des 

James Grange. 

44 Blick in die Zukunft – Wir präsentieren euch die 

Fitness-Trends und –Technologien von morgen 

50 Eine sportliche Affäre – Tipps für Ausgleichssportarten, 

die euer Workout- und Trainingsleben abwechselnder 

gestalten 

54 F1-Fitness – Auf dem Weg zur Nummer Eins: 

Nico Rosberg exklusiv über Training, Rennen und den 

Wi len zum Sieg 

60 Girl Power Extrem – CrossFit Games: Wir verraten die 

Trainingsgeheimnisse der härtesten Frauen der Welt 

67 Men’s Fitness beim Abu Dhabi-Triathlon – Wir waren 

dabei beim Start der besten Triathleten im 

Wüstenstaat 

CHECK 

OUT! 

MF ONLINE 

Infos • Workouts • Shop 

und mehr unter 

www.mensfitness.de 

& 

07 10 

44 

50 

60 78 

33 38 

54 

98 

133 

FEATURES 

73 Outdoor-Herausforderung – MF beim ultimativen 

Steilsprint in Frankreich 

78 Muscle Drink: Starke Smoothies – Sieben Rezepte für 

leckere Fruchtgetränke zum Muskelaufbau 

83 EAT FIT – Die weiße Gefahr: Vermeide Kohlenhydrate 

um das Schlaganfalrisiko zu senken 

84 Ernährungsexperte – Das Maß ist vo l. Die Tricks der 

Lebensmittelindustrie 

86 EF Wissen – Das Rezept für eine gesunde Lasagne 

90 Perfekte Ernährung – Abspecken und auftanken durch 

die Kohlenhydratzufuhr nach dem Training 

92 Body Book: Leg dein Waschbrett frei – Der 

8-Wochen-Sixpack-Ernährungsplan 

146 Fitness über 40 – Mach es wie Hugh Jackman! 

TRAINER 

FEBRUAR 2014 

97 Body-Tipp: Das Bausatz-Prinzip: Stück für Stück zum 

Mode lkörper 

98 Body Book “Slider Workout” - Neue Wege: Mehr Muskeln 

mittels „Mädchen-Equipment“ 

106 Gast Trainer – Steinhartes Sixpack, starker Bizeps und 

weniger Fett durch isometrisches Training 

112 MMA-Training – UFC-Fighter Tom Kong’s Workout für den 

Kraftaufbau und die richtige Power im Ring 

116 Body Book „Hantelstangen-Training– Ste l neue Rekorde 

auf: Power für die Bank 

124 Must Do Move – V-Power: Die perfekte Rückenübung für 

den V-förmigen Oberkörper 

128 Wissen – Schlanker und stärker durch mehr Tempo im 

Kardiotraining 

130 A lround-Gerät – Gymnastikba l, der Katalysator für dein 

Traum-Sixpack 

133 Top-Workout – Der Weg zum Traumbody in nur 

12 Einheiten: Muskeln aufbauen und Fett verlieren mit 

diesen effektiven Supersätzen 

144 Gym Talk – 5-fache Power für das Stoßen 

4/FEBRUAR 2014/mensfitness.de mensfitness.de/FEBRUAR 2014/5 

S. 8, 16, 

92, 106, 

130 

S. 60 

S. 112 

S. 78 

S. 28 

S. 12 

AUF 

DEM 

COVER 

S. 33 

S.54 

S. 101 

S. 67 

Du möchtest 

vor dem Training 

trotzdem 

einen kleinen 

Fruktosekick? 

Mandelbutter hilft 

beim Abspecken. 

Nimm davon einfach 

einen Löffel voll 

zu dir. 

Das Video zum Workout findet ihr unter: 

www.mensfitness.de/must-do-move 

mensfitness.de/FEBRUAR 2014/7 

07 F1 FIT LIST.indd 7 10/12/2013 13:32 

A 

Vornübergebeugtes Rudern an den 

Kurzhanteln mit Handdrehung 

Durch die Änderung der 

Handhaltung werden bei dieser 

Übung mehr Muskelfasern im 

oberen Rücken einbezogen. 

c Mit hüftbreit voneinander entfernten Füßen aufrecht 

hinste len und in jede Hand eine Kurzhantel nehmen. 

c Aus der Hüfte heraus den Körper nach vorne neigen 

und leicht in die Knie gehen. Die tief liegende 

B 

Words John doe Photography Jane doe 

www.mensfitness.de 

Halte- und Stützmuskulatur des Rumpfes (sog. 

Core) angespannt lassen. Den Rücken durchgehend 

gerade und para lel zum Boden halten. 

c Die Handgelenke so drehen, dass die 

Handflächen zum Körper weisen. 

c Nun die Kurzhanteln hoch zum Brustkorb führen. Dabei 

die Handgelenke so drehen, dass du die Gewichte 

in der oberen Position im neutralen Griff hältst. 

c Kurz innehalten, um die Rücken- und 

Bizepsmuskulatur anzuspannen. Dann die Gewichte 

langsam zurück in die Ausgangsposition sinken lassen. 

Warum es funktioniert 

„Anfangs sind die Arme nach innen gedreht, am Ende befinden sie sich im 

neutralen Griff. Das bewirkt eine stärkere Kontraktion der Zielmuskulatur. Somit 

werden mehr Muskelfasern beschädigt, was die Grundvoraussetzung für schnelle 

und große Zuwächse ist“, erklärt Mitchell. „Zusätzlich wird auch der Bizeps 

miteinbezogen, eine schöne Ergänzung zur verbesserten Form des Oberkörpers.“ 

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124-127 II MUST DO MOVE.indd 126 10/12/2013 15:35


Grundlagen: Farbe in Landschaftsaufnahme n 73 

Die Grundlagen #8 

VERSTEHEN DER FARBLEHRE 

ÜBER FARBEN, ihre praktische Anwendung und 

psychologische Wirkung ist schon viel spekuliert worden. 

Oft sind Anwendungen und Effekte eng miteinander 

verknüpft; es ist daher kein Zufall, dass Stoppschilder 

rot sind, die kalte Seite des Wasserhahns blau, oder die 

Umweltbewegung grün. 

Auch über die Beziehungen zwischen unterschiedlichen 

Farben gibt es viel zu lernen, denn Farben funktionieren 

auf verschiedene Weise miteinander: Manche 

Kombinationen schaffen Energie und Spannung, andere 

harmonisieren und schaffen Ruhe. Wenn eine Farbe in 

der Natur besonders intensiv auftritt, ist die Bühne für 

großartige Landschaftsfotos bereit. Wer die Beziehungen 

zwischen den Farben versteht, wird reich belohnt. 

1) Harmonie und Kontrast 

Grundsätzlich gibt es zwei Arten von Beziehungen 

zwischen Farben: Harmonie und Kontrast. Der Blick 

auf den Farbkreis hilft dies zu verstehen: Farben, die 

nebeneinander liegen, wie zum Beispiel Grün und 

Blau, harmonieren miteinander, während Farben, die 

einander gegenüber liegen, wie zum Beispiel Blau 

und Gelb, einen Kontrast bilden. 

Zudem harmonieren Farben, die sich auf der 

„warmen“ Seite des Farbkreises befinden, 

miteinander, ebenso wie die auf der „kalten“ Seite. 

Harmonische Farben üben eine beruhigende 

Wirkung aus, insbesondere Blau- und Grüntöne. 

Kontrastierende Farben sind dramatischer und 

schaffen eine Spannung, die das Auge herausfordern 

kann – z. B. bilden Blau und Gelb einen starken 

Kontrast. 

DER FARBKREIS 

Kontrastierende Farben wie 

Gelb/Blau oder Rot/Grün 

schaffen Spannung und 

Dramatik, und benachbarte 

Farben beruhigen 

ADAM BURTON

74 Grundlagen: Farbe in Landschaftsaufnahmen 


R 

B 

2) Farbe und Emotionen 

Neben ihrer visuellen Wirkung können Farben auch unterschiedliche Stimmungen 

andeuten, verschiedene Gefühle hervorrufen und, je nach unserer Kultur und unserem 

Hintergrund, symbolische Bedeutung haben. Überlegen Sie, welche Wirkung eine 

dominante Farbe auf Ihr Bild haben kann. Manchmal ist es angebracht, eine Farbe 

zu dämpfen oder zu betonen. Beachten Sie die Farben in Ihrem Bildaufbau, im 

Zusammenhang mit der Ausleuchtung und der sorgfältigen Verwendung von Filtern. 

ROT ist eine intensive Farbe, besonders, wenn sie vor einem dunklen Hintergrund 

R auftritt. Diese Farbe wird universell zur Warnung und bei Gefahr eingesetzt und ist 

kaum zu übersehen. Rot ist die kräftigste Farbe, die in der Fotografi e die meiste 

Aufmerksamkeit auf sich zieht. Deshalb kann sie auch ablenkend wirken, wenn sie als 

kleines Detail in einer Landschaft auftaucht, zum Beispiel in der Ferne als Auto, Boot 

oder Verkehrsschild. 

BLAU ist eine zurückhaltende Farbe, die verwendet werden kann, um Erholsamkeit, 

B Traurigkeit oder Stille zu vermitteln. In der Fotografi e wird sie gerne verwendet, um Kälte 

anzudeuten. Das funktioniert besonders gut in Verbindung mit Wasser und Winterlandschaften. 

Blau ist eine sehr wichtige Farbe für Landschaftsfotografen, weil ein gesättigter Himmel einen 

sehr schmeichelhaften Hintergrund darstellt. 

GRÜN wird oftmals verwendet, um Gesundheit und Leben zu suggerieren. Grün ist 

G bekanntlich die vorherrschende Farbe in der Pfl anzenwelt und beherrscht deshalb viele 

Landschaftsfotos. Es wird sehr leicht von leuchtenden, kräftigen Farben wie Rot in den 

Hintergrund gedrängt und verliert dann einige Wirkung. Wenn es jedoch einzeln auftritt, kann 

Grün trotzdem kraftvolle, interessante Bilder schaffen. 

GELB ist ebenfalls eine kräftige, hervortretende Farbe, die oftmals verwendet wird, um 

G Fröhlichkeit oder Helligkeit anzudeuten. Sie verleiht Ihren Bildern Wärme und funktioniert 

besonders gut, wenn sie mit Blau verbunden oder in Kontrast gesetzt wird. Gelb in Verbindung 

mit ähnlich kraftvollen Farben wie Gold oder Orange versinnbildlicht den Herbst. Es dient auch 

gut als Hintergrund für Stillleben. 

CRAIG ROBERTS 

G 

G 

TOM MACKIE MARK BAUER 

ROSS HODDINOTT


Grundlagen: Farbe in Landschaftsaufnahmen 75 

3) Die Verwendung einzelner Farben 

Einzelne Farben verleihen Bildern eine ganz besondere 

Stimmung, und es ist durchaus möglich, mit nur einer 

einzigen Farbe – oder Abstufungen davon – erfolgreiche Bilder 

zu komponieren. 

Bestimmte Lichtverhältnisse können diesen Effekt erzeugen 

und einer Szene besondere Atmosphäre verleihen. Ein 

intensiv orangefarbener oder roter Sonnenuntergang hat 

einen starken Einfluss auf jede neutrale Farbe und badet 

eine Szene geradezu in feuriger Wärme. Auch eine starke 

Hintergrundbeleuchtung kann Farben entsättigen und einen 

fast monochromen Effekt erzielen. Vor Sonnenaufgang und 

nach Sonnenuntergang dagegen gibt es keine einzelne, starke 

Lichtquelle und das Licht wird gestreut und vom Himmel 

reflektiert. 

Die beiden Fotos auf der rechten Seite sind sehr gute Beispiele 

für monochrome Bilder: Auf dem linken Bild sind der See 

und das tote Holz vor Sonnenaufgang in ein diffuses Licht 

getaucht, das vom ganzen Himmel auf die Szene fällt. Es 

verleiht der gesamten Szene einen Hauch von Kälte, aber die 

Stimmung ist sehr beschaulich. Das passt sehr gut zu der 

kalten, windstillen Ruhe eines Wintermorgens. Auf dem Bild 

rechts können Sie sehen, wie die Hintergrundbeleuchtung 

die Farben der Szene entsättigt, sodass die Szene fast farblos 

wirkt. 

Monochrom vor Sonnenaufgang 

Entsättigung durch Hintergrundbeleuchtung 

ALLE BILDER: MARK BAUER 

4) Farbsättigung 

Wenn wir streng technisch sein wollen, bezieht sich 

„Sättigung“ auf die Reinheit einer bestimmten Farbe. Mit 

der Zeit und im praktischen Umgang erhielt „Sättigung“ die 

Bedeutung von Intensität oder Kraft einer Farbe. Ein gesättigtes 

Bild bedeutet aber mehr als die Farben in Photoshop zu 

pushen, auch wenn das interessante Ergebnisse schaffen 

kann. 

Es gibt jedoch zahlreiche Optionen, die schon bei der 

Aufnahme zu bedenken sind, wie wir zuerst erläutert wollen: 

Die Tageszeit hat einen Einfluss auf die Farbsättigung. Das 

Licht am frühen Morgen und am späten Abend, wenn 

die Sonne tief am Himmel steht und nur wenig Blendlicht 

vorhanden ist, führt zu intensiveren Farben als zu anderen 

Tageszeiten. Ebenso verhält es sich bei einer Ausleuchtung von 

vorne im Gegensatz zu einer Ausleuchtung von der Seite oder 

von hinten. Ein Polfilter verbessert ebenfalls die Farbsättigung, 

indem er Reflexionen reduziert und Blendlicht dämpft. Ein 

Polfilter erzielt den größten Effekt, wenn die Kamera sich in 

einem Winkel von 90 Grad zur Sonne befindet. Polfilter sind 

so einfach zu benutzen und der Effekt ist schon durch den 

Sucher der Kamera deutlich zu sehen. Der offensichtlichste 

dabei ist die Zunahme der Fabsättigung bei blauem Himmel. 

Ein paar Dinge sind dennoch zu beachten. Es ist durchaus 

möglich, eine Szene übermäßig zu polarisieren, so dass 

der Himmel fast schwarz wirkt, und bei der Benutzung 

eines Weitwinkelobjektivs (weiter als 25 mm bei einem 

Vollformat-Sensor oder 17 mm bei einem APS-C-Sensor) 

kann der Polarisationsgrad über den gesamten Bildausschnitt 

ungleichmäßig sein. 

Natürlich ist es nicht immer erstrebenswert, dass die Farben 

lebhaft und gesättigt erscheinen. Gedeckte Pastelltöne sind 

subtiler, können aber für das richtige Objekt genau so effektiv 

sein und eine Atmosphäre von Ruhe und Erholung vermitteln. 

Früher Morgennebel verwäscht die Farben und verleiht einer 

Szene einen kühlen, bläulichen Schimmer. Diesen können Sie 

noch verstärken, indem Sie den Weißabgleich entweder in der 

Kamera, oder, wenn Sie im Raw-Format fotografieren, später, 

bei der Konvertierung optimieren. 

Natürlich kann auch in der Phase der Nachbearbeitung noch 

viel verändert werden. Experimentieren Sie mit verschiedenen 

Einstellungen für den Weißabgleich, um die gesamte 

Atmosphäre abzustimmen und finden Sie den Farbstich, der 

am besten zu Ihrem Foto passt. Auf der gesamten Seite zeigen 

wir Ihnen, wie stark eine Veränderung des Weißabgleichs in 

einer Raw-Datei das Ergebnis verändern kann. 

Vor Sonnenaufgang 

Ohne Polfilter 

Mittag 

Mit Polfilter 

Die Wahl des Filters 

Die verschiedenen Typen von Polfiltern 

Es gibt zwei verschiedene Arten von Polfiltern: zirkulare 

und lineare. Das bezieht sich nicht auf deren physisches 

Erscheinungsbild – sie sind in der Tat beide rund –, 

sondern auf die Art, wie das Licht polarisiert wird. 

Sie sollten für Ihre digitale Spiegelreflexkamera auf 

jeden Fall einen zirkularen Polfilter kaufen. Lineare Filter 

beeinträchtigen das Messsystem Ihrer Kamera, da es mit 

linear polarisiertem Licht nicht umgehen kann.

76 Farbe Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Weißabgleich-Voreinstellungen 

Hier erfahren Sie wie Sie den Farbton Ihrer Landschaftsbilder kreativ verändern, 

indem Sie mit unterschiedlichen Weißabgleich-Voreinstellungen arbeiten. 

Helen Dixon: Unterschiedliche 

Lichtquellen haben unterschiedliche 

Farbtemperaturen, die die Wärme oder Kälte 

der Farben eines Bildes bestimmen. 

Fluoreszierendes Licht beispielsweise sorgt für einen 

Gelbstich, während Kunstlicht leicht bläulich wirkt. 

Normalerweise stellen Sie den Weißabgleich Ihrer DSLR 

so ein, dass er den herrschenden Lichtverhältnissen 

entspricht, um jeglichen Farbstich zu vermeiden, der 

sich am deutlichsten in den Weißtönen eines Fotos 

zeigen würde. Auf diese Weise bleibt Weiß tatsächlich 

Weiß, doch andere Weißabgleich-Voreinstellungen 

können bestimmten Szenen einen beabsichtigten 

Farbstich geben, der sie kälter oder wärmer wirken lässt. 

Eine Weißabgleich-Voreinstellung lässt sich somit als 

digitales Äquivalent zu unterschiedlichen Filmsorten und 

Filtern auffassen, wie sie zu Zeiten des Zelluloidfilms 

benutzt wurden. 

Die Automatik ist am einfachsten anzuwenden, wenn 

der Weißabgleich korrekt werden soll und sie führt 

generell zu akzeptablen Ergebnissen. Wenn Sie 

allerdings eine Szene mit besonders warmem oder 

kaltem Licht aufnehmen, beispielsweise einen 

Sonnenuntergang oder ein Motiv im Zwielicht, oder 

wenn eine Szene von einem einzigen Farbton dominiert 

wird, kann der automatische Weißabgleich 

überkompensieren, wodurch die Farben verfälscht 

werden und flach wirken können. In diesem Fall steuern 

Sie den Weißabgleich besser selbst, damit ihr Foto die 

Farbtönung und die Stimmung bekommt, die Ihnen 

vorschweben. Wenn Sie beispielsweise bei einem 

Sonnenuntergang die Einstellungen „Bewölkt“ oder 

„Schatten“ verwenden, wird das Bild wärmer als 

gewöhnlich, weil die Orange-Töne und das Gelb des 

Himmels verstärkt werden, während die Einstellungen 

„Kunstlicht“ und „Fluoreszent“ die Farben kühler werden 

lassen, indem der Szene etwas Blau hinzugefügt wird. 

Falls Sie im JPEG-Format fotografieren, müssen Sie den 

Weißabgleich schon an der Kamera einstellen, bevor Sie 

ihr Foto machen. Doch viel mehr Optionen haben Sie, 

wenn Sie im Raw-Format fotografieren, denn dann 

können Sie den richtigen Weißabgleich noch in der 

Nachbearbeitung am Computer finden, außerdem 

können Sie dann mit unterschiedlichem Weißabgleich 

experimentieren. Die folgenden Schritte beschreiben, 

wie das funktioniert. 

Aufnehmen in Raw 

Um die größtmögliche Flexibilität bei der 

Bildverarbeitung zu behalten, sollten Sie 

im Raw-Format fotografieren und den 

Weißabgleich bei der Nachbearbeitung 

in Adobe Camera Raw einstellen. Wenn 

Sie das Bild geöffnet haben, klicken Sie 

in das Dropdown-Menü im Basic-Reiter 

und wählen Sie die Weißabgleich- 

Voreinstellung, die Sie Ihrem Bild geben 

wollen. 

Sie können die Einstellung so oft ändern, 

wie Sie wollen, und mit dem Regler 

für die Farbtemperatur jede einzelne 

Einstellung noch genauer anpassen. 

Vor Ort Ein Sonnenuntergang am Meer eignet sich sehr schön zum 

1Ausprobieren dieser Technik, denn die intensiven Farben können in vielfältiger 

Weise abgewandelt werden. Seien Sie wenigstens 30 Minuten vor Beginn der 

goldenen Stunde vor Ort. Machen Sie mehrere Bildkompositionen und achten Sie 

dabei auf einen interessanten Vordergrund. Falls Sie nichts Brauchbares finden, 

nehmen Sie den nassen Sand oder eine Pfütze mit ins Bild, in der sich idealerweise 

der Himmel spiegelt. 

Automatischer Weißabgleich Nachdem Sie ihre Bildkomposition 

2gefunden haben, stellen Sie den automatischen Weißabgleich ein und schalten die 

Kamera auf Zeitautomatik, wobei Sie eine Blende von wenigstens f/13 wählen, um eine 

angemessen große Schärfentiefe zu erhalten. Sollte ihr Autofokus bei den schlechten 

Lichtverhältnissen Probleme bekommen, stellen Sie manuell scharf. Falls sich der 

Helligkeitsunterschied zwischen Himmel und Vordergrund als zu groß erweisen sollte, 

um korrekt belichteten zu können, benutzen Sie einen Grauverlaufsfilter. 

AWB Automatischer Weißabgleich Tageslicht Schatten Bewölkt Kunstlicht 

Weißabgleich-Voreinstellungen Wie Sie hier sehen, bewahrt der 

3automatische Weißabgleich die Realität der Farben in der Szene, doch die Farben 

wirken insgesamt flach. Um mehr Wärme ins Bild zu bekommen, mache ich dieselbe 

Aufnahme noch einmal, jeweils mit den Weißabgleich-Voreinstellungen für Tageslicht, 

Schatten und bedeckten Himmel. Je geringer der Kelvin-Wert, also die 

Farbtemperatur, umso gesättigter werden die Farben. Die Voreinstellung „Bewölkt“ 

erweist sich als die beste, denn sie verstärkt die Wärme des Himmels, ohne die kühlen 

Töne ganz zu verlieren. 

Farbtemperatur erhöhen Wenn die Sonne gerade hinter dem Horizont 

4verschwunden ist, erhöhen Sie den Kelvin-Wert durch die Einstellungen 

„Kunstlicht“ und anschließend „Fluoreszierend“ für den Weißabgleich, um den 

Blauton des Zwielichts zu verstärken. Damit die Farben nicht zu unnatürlich wirken, 

benutzen Sie den Weißabgleich, der das Blau in der Szene verstärkt, jedoch nicht das 

ganze Bild überwältigt. Für diese Szene hier war die Einstellung „Fluoreszierend“ 

wesentlich besser als „Kunstlicht“.

Fluoreszierend 

Der fluoreszierende Weißabgleich ergab die besten 

Ergebnisse, weil er die tiefen Blautöne und das Rosarot 

des Himmels verstärkte. 

Belichtung: 2 Sekunden bei Blende f/13 und ISO 100

78 Landschaften in Schwarzweiß 

DIGITALE-FOTOGRAFIE-MAGAZIN.DE 

SO MEISTERN SIE 

LANDSCHAFTEN 

IN SCHWARZWEISS 

BEFREIEN SIE BILDER VON ÜBERFLÜSSIGEM BALLAST UND KONVERTIEREN SIE NACH SCHWARZWEISS, 

UM DRAMATISCHE ATMOSPHÄRE ZU ERZEUGEN – EGAL OB ALS MODERNE KUNST ODER ALTMODISCH 

PRÄSENTIERT: DASS SCHWARZWEISSBILDER NICHT REALISTISCH SIND, MACHT SIE GERADE SO ATTRAKTIV. 

WENN SIE DIE ARBEITEN VON MICHAEL KENNA, ANSEL ADAMS UND JOSEF HOFLEHNER ANSCHAUEN, 

WERDEN SIE SOFORT ERKENNEN, WARUM… 

BILD: HELEN DIXON



SO WUNDERVOLL Farbfotos auch 

sind, manchmal fehlt ihnen einfach 

das Besondere. Sie zeigen uns, wie 

Dinge wirklich aussehen, und 

schaffen so ein Gefühl von Sicherheit und 

Bequemlichkeit. In der Kunst ist die Realität 

jedoch nicht immer entscheidend, denn sie 

ermutigt uns nicht, hinter die Kulissen des 

Gewohnten zu blicken und ein Bild für etwas 

anderes zu bewundern als für das, was es 

zeigt. Sobald Sie einem Bild die Farbe 

entziehen, ändert sich alles, weil es dann 

nicht mehr die bloße Wirklichkeit 

repräsentiert. 

Schwarzweißfotos sind simpler, dafür oft 

dramatischer und atmosphärischer als 

Farbaufnahmen. Unsere emotionale 

Rückmeldung auf ein Landschaftsfoto in 

Farbe bleibt aufgrund der Gewohnheit oft 

oberflächlich. Wenn wir die Farbe entziehen, 

wird sie viel tiefgreifender. Licht, Schatten, 

Strukturen und Formen treten in den 

Vordergrund und was eigentlich abgebildet 

ist, wird fast schon irrelevant – es zählt nur 

LEE FROST 

Die Grundregeln 

Auch wenn es beim Fotografieren schwarzweißer 

Landschaften keine Regeln gibt, an die Sie sich 

unbedingt halten müssen, gibt es doch ein paar, 

die man in Betracht ziehen sollte. Zum Beispiel: 

Verwenden Sie interessante Details im 

Vordergrund, um dem Bild ein Gefühl von Tiefe 

und ein Größenverhältnis zu geben, wenn Sie mit 

einem Weitwinkelobjektiv fotografieren. 

Halten Sie Ausschau nach Linien, die das Auge 

in die Szene hinein führen – Mauern, Zäune, 

Flüsse, Ströme, Pfade, Schatten und andere 

natürliche oder von Menschen gemacht 

Merkmale können benutzt werden. 

Fokussieren Sie hyperfokal, um die 

Tiefenschärfe zu maximieren, sodass Sie die 

Szene von vorne bis hinten scharf stellen können, 

ohne Ihr Objektiv dabei bis auf seine minimale 

Blende abblenden zu müssen. 

Wenden Sie die Drittelregel an, um den 

Fokuspunkt der Szene zu positionieren – das 

obere rechte Drittel ist dabei für gewöhnlich der 

beste Platz dafür. Sie können die Szene auch in 

Drittel aufteilen – zwei Teile Himmel und einen 

Teil Vordergrund oder umgekehrt. 

die Wirkung und der Effekt, die das Bild auf 

uns ausüben. 

Die Digitaltechnologie macht die 

Landschaftsfotografie in Schwarzweiß 

einfacher als jemals zuvor, hauptsächlich 

weil wir keine Dunkelkammer und 

übelriechende Chemikalien mehr brauchen, 

um Bilder von höchster zu erzeugen. 

Heutzutage kann jeder, der eine 

Digitalkamera besitzt, erstaunliche 

Schwarzweißbilder fotografieren. Es kann 

schwierig sein, die Landschaft vor dem 

inneren Auge in Schwarzweiß zu sehen, aber 

dieses Hindernis kann leicht überwunden 

werden. Stellen Sie einfach Ihre Kamera auf 

Schwarzweißmodus ein und verwenden Sie 

das LCD-Display in LiveView, und Sie können 

die Szene vor sich in Schwarzweiß sehen und 

schnell erkennen, welche Szenen und Farben 

bei monochromen Bildern am besten 

herauskommen. Bestimmte Farben sehen 

nach der Konvertierung in Schwarzweiß wie 

ähnliche Grautöne aus, was Ihren Bildern 

Tiefe nimmt. Wenn Sie lernen, welche Farben 

kontrastierende Töne hervorrufen, wird Ihnen 

das helfen, zu erkennen, welche Szenen auch 

in Schwarzweiß gut aussehen werden. Sie 

können sogar gleichzeitig in Raw und in JPEG 

fotografieren. Das Bild, das Sie auf dem 

Vorschaumonitor Ihrer Kamera sehen, wird 

schwarzweiß sein, aber Sie haben auch eine 

Raw-Datei in Farbe auf Ihrer Speicherkarte, 

die Sie später bearbeiten können. 

Die andere Option ist, einfach wie gewohnt in 

Farbe zu fotografieren und später zu 

Filter für die Schwarzweißfotografie 

Wenn Sie ein Bild in Schwarzweiß 

konvertieren, erscheinen manche 

Grautöne sehr ähnlich. Die Lösung für 

dieses Problem sind Filter; damit 

können Sie beeinflussen, wie Farben 

zu Grau konvertiert werden und 

zugleich den Kontrast steuern. 

Analogfotografen tun dies heute noch, 

indem sie optische Filter auf Ihre 

Objektive aufsetzen (Gelb, Orange, Rot 

oder Grün für Landschaften). Diese 

Filter hellen die Farben auf, die ihrer 

eigenen ähnlich sind, und verdunkeln 

Farben, die im Farbspektrum 

gegenüberliegen. Ein roter Filter hellt 

zum Beispiel Rot und alle warmen 

Farben auf, verdunkelt aber Blau- und 

Grüntöne. 

Als Digitalfotograf brauchen Sie keine 

optischen Filter auf Ihrem Objektiv, 

weil Sie dieselben Effekte in der 

Nachbearbeitung, mit Photoshop, 

Lightroom oder Aperture hinzufügen, 

oder mit Plug-Ins wie Silver Efex Pro 2 

von Nik Software in Schwarzweiß 

konvertieren können. 

Eine Alternative , sofern vorhanden, ist 

die Nutzung der Bildeinstellung 

‚Monochrom‘ Ihrer Kamera, 

Filtereffekte schon bei der Aufnahme 

anzuwenden. Sie können Ihre Kamera 

auch in den Monochrom-Modus 

einstellen und zusätzlich optische Filter 

auf das Objektiv aufsetzen; Sie erzielen 

jedoch bessere Ergebnisse, wenn Sie 

in Raw (Farbe) fotografieren und das 

Bild später nach Schwarzweiß 

konvertieren (auf Seite 80 lesen Sie, 

wie es die Profis machen). Es folgt ein 

kurzer Abriss über die Effekte der 

verschiedenen Schwarzweißfilter: 

Gelb Hellt warme Farben auf und 

dunkelt kühle Farben ab. Verstärkt 

außerdem ein wenig den Kontrast, aber 

der Effekt ist subtil. 

Orange Hellt warme Farben auf 

und dunkelt kühle Farben ab. 

Bereichert den Himmel und verstärkt 

merklich den Kontrast. 

Rot Der dramatischste Filter von 

allen – ein blauer Himmel wird fast 

schwarz, Wolken stechen deutlich 

davon ab und der Kontrast wird sehr 

deutlich verstärkt. Dunkelt Grüntöne in 

der Landschaft ab und hellt warme 

Farben auf. 

Grün Hellt Grün- und Blautöne auf 

und dunkelt wärmere Farben ab. Sehr 

nützlich für Landschaften, weil er 

Grünschattierungen hervorhebt. 

Blau Generell keine gute Wahl für 

Landschaftsbilder, weil Grün- und 

Blautöne sehr hell werden, sodass ein 

dramatischer Himmel wahrscheinlich 

ruiniert wird. 

Es gibt bestimmte Filter, die Sie auf Ihr 

Objektiv aufsetzen können, wenn Sie 

Bilder in Farbe aufnehmen, um sie 

später in Schwarzweiß zu konvertieren. 

Zu ihnen gehören Polfilter, Graufilter 

und Grauverlaufsfilter. 

Der Polfilter hat einen 

ähnlichen Effekt auf den 

Himmel wie ein roter 

Farbfilter. Er dunkelt Blau 

ab und lässt die Wolken hervortreten. 

Außerdem verbessert er die Klarheit 

und verstärkt den Kontrast. All diese 

Effekte werden später im Bild zu 

erkennen sein, wenn dieses in 

Schwarzweiß konvertiert wird. 

Grauverlaufsfilter 

reduzieren die 

Helligkeitsunterschiede 

zwischen Himmel und 

Landschaft, sodass auch der Himmel 

korrekt ist, wenn auf die Landschaft 

belichtet wird. Ein 0,6 

Grauverlaufsfilter ist für allgemeine 

Anwendungen gut geeignet, aber ein 

dunklerer 0,9 Grauverlaufsfilter ist 

besser geeignet, wenn der Himmel 

sehr hell ist, oder wenn man einen 

dramatischen Effekt wünscht. 

Graufilter ermöglichen 

Ihnen die Belichtung zu 

verlängern, um 

Bewegungen einzufangen. 

Graufilter werden meist mit Stärken v. 

0,6, 0,9 und 1,2 eingesetzt, um 

bewegtes Wasser unscharf aufzulösen. 

In den letzten Jahren werden extreme 

Graufilter wie der Big Stopper von Lee 

Filters immer beliebter, weil sie auch 

bei Tageslicht Belichtungszeiten von 

einer Minute und länger erlauben, um 

Bewegung in der Landschaft 

einzufangen.

Landschaften in Schwarzweiß 81 

Schwarzweiß - 

häufig gestellte Fragen 

LEE FROST 

DIE MONOCHROME 

LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE BIETET VIEL 

SPIELRAUM FÜR DIE KREATIVE ENTFALTUNG 

entscheiden, welche Bilder Sie konvertieren 

möchten. Bei einigen wird das funktionieren, 

bei anderen nicht, aber es gibt keinen Grund, 

warum Sie am Ende nicht ein paar großartige 

Bilder erhalten sollten. In Wahrheit wollen 

doch die meisten von uns sowohl in Farbe, 

als auch in Schwarzweiß fotografieren und 

sich nicht ausschließlich für eine Variante 

entscheiden müssen, und wir möchten auch 

zwischen beiden Möglichkeiten hin und her 

wechseln, während wir uns an einem 

Schauplatz befinden, oder uns vielleicht sogar 

Monate später entscheiden, ein Farbfoto in 

Schwarzweiß zu konvertieren. Es gibt nichts, 

was dagegen spräche – alles, was zählt, ist 

das Endergebnis. 

Das Tolle an monochromen Landschaftsfotos 

ist, dass sie zahllose Möglichkeiten zur 

kreativen Entfaltung und zum 

Experimentieren bieten. Mit der Farbe 

entziehen Sie dem Bild auch die Realität, also 

ist es anschließend nicht mehr wichtig, was 

Sie tun. Sie können die Szene dunkel und 

dramatisch gestalten, auch wenn sie es 

ursprünglich nicht war, oder weich und sanft. 

Somit kontrollieren Sie die Stimmung, die das 

Ergebnisbild transportiert. Sie können auch 

Filtereffekte verwenden, um die Beziehungen 

der Farbtöne in dem Bild zu verändern und 

den Kontrast zu verstärken (siehe Kasten auf 

der gegenüberliegenden Seite). 

Sie machen Ihre eigenen Regeln. 

Schwarzweiß passt zu allen möglichen 

Landschaften, von weiten Ausblicken bis hin 

zu kleinen Details – und allem, was 

dazwischen liegt. Es ist also egal, wo Sie sich 

befinden, Sie werden auf jeden Fall 

Inspiration für monochrome Bilder finden. In 

manchen Situationen, in denen Farbe einfach 

nicht funktioniert, zum Beispiel an trübgrauen 

Tagen, können sie trotzdem 

erstaunliche Schwarzweißbilder produzieren. 

Somit kann Ihnen die schwarzweiße 

Landschaftsfotografie auch einen kreativen 

Ausweg bieten, an den Sie vielleicht noch 

nicht gedacht hatten. 

Die Bilder in diesem Teil sollten einen ersten 

Überblick bieten. 

Hat es irgendwelche Nachteile, wenn 

F ich in JPEG fotografiere und meine 

Bilder dann in Schwarzweiß konvertiere, 

oder sollte ich lieber in Raw 

fotografieren? 

A 

Es ist immer besser, in Raw zu 

fotografieren, weil die Raw-Datei wie ein 

schwarzweißes Negativ ist. Sie enthält alle 

Informationen, die Sie benötigen, und Sie 

können diese auf verschiedene Weise 

interpretieren, um die Stimmung des Bildes zu 

manipulieren. Bei JPEG-Dateien wird eine 

ganze Menge dieser Informationen bereits in 

der Kamera gelöscht, es bleibt daher ein 

weniger vielseitiges Bildformat – was aber nicht 

heißt, dass Sie aus einer JPEG-Datei nicht auch 

tolle Schwarzweißbilder machen können. 

Ich möchte einen zehnstufigen 

F Graufilter kaufen. Welchen würden Sie 

für Schwarzweißaufnahmen empfehlen? 

A 

Es gibt im Wesentlichen drei Optionen: 

Den Big Stopper von Lee Filters (125 

Euro), den B + W 3,0 (115 Euro für ein 77 

mm Filtergewinde) oder den Hitech Pro Stop 

10 (93,70 Euro). Was den Preis anbelangt, so 

ist der Filter von Hitech der Sieger, aber wenn 

es um die Bildqualität geht, so ist der Big 

Stopper von Lee die bessere Wahl. Was die 

Vielseitigkeit anbelangt, so sind der Lee und der 

Hitech Filter besser, weil der B + W Filter 

aufgeschraubt wird und somit in Verbindung 

mit anderen Filtern wie Grauverlaufsfiltern (die 

Sie benötigen werden, um den Himmel vor 

Überbelichtung zu schützen) schwierig in der 

Anwendung ist. Alles in Allem würden wir uns 

für den Big Stopper von Lee Filters entscheiden. 

Welches ist die beste Software, um 

F Bilder in Schwarzweiß zu 

konvertieren? 

A 

Die im Moment beliebteste ist Silver Efex 

Pro 2 von Nik Software (www. 

niksoftware.com). Sie beinhaltet jede Menge 

Voreinstellungen, die Ihnen mit einem 

Mausklick tolle Effekte bieten, ermöglicht es 

Ihnen, Ihre Bilder abzutönen und die 

Charakteristika spezifischer Schwarzweißfilme 

hinzuzufügen und überlässt Ihnen aber 

gleichzeitig ein hohes Maß an Kontrolle über 

das Bild, sodass Sie in bestimmten Bereichen 

den Kontrast und die Belichtung anpassen 

können. Photoshop, Lightroom und Aperture 

sind ebenfalls hervorragende und sehr 

vielseitige Optionen. 

Ich besitze eine Kamera, die für 

F Infrarot umgebaut ist. Können Sie mir 

ein paar Tipps geben, wie ich damit 

Landschaften in Schwarzweiß 

fotografieren kann? 

A 

Befolgen Sie diese Schritte, um die besten 

Ergebnisse zu erzielen: 

Fotografieren Sie in praller Sonne und 

nehmen Sie Laub oder Gras mit in den 

Bildausschnitt auf, weil dies den Infraroteffekt 

deutlich zeigt. 

Nehmen Sie viel Himmel und Wolken mit in 

den Bildausschnitt auf. Sie haben in Infrarot 

eine ganz erstaunliche Wirkung. 

Achten Sie auf die Belichtungszeiten – 

eventuell müssen Sie eine Belichtungskorrektur 

hinzufügen, um gut belichtete Aufnahmen zu 

erhalten. 

Duplizieren Sie bei der Nachbearbeitung die 

Ebene und fügen Sie ein wenig Diffuses Licht 

hinzu („Filter > Verzerrungsfilter > Weiches 

Licht“), um den Infraroteffekt zu verstärken. 

Passen Sie die Deckkraft der Ebene an, bis Sie 

mit dem Effekt zufrieden sind.



HELEN DIXON 

WETTER UND AUSLEUCHTUNG 

Ein unmittelbarer Vorteil der 

Landschaftsfotografie für die Konvertierung in 

Schwarzweiß ist, dass der Qualität des Lichts 

deutlich weniger Bedeutung zukommt, als 

dies beim Fotografieren in Farbe der Fall wäre. 

Sie benötigen zwar immer noch gutes Licht, 

um großartige Schwarzweißbilder 

aufzunehmen, aber dieses Licht finden Sie 

auch bei Wetterbedingungen, die für die 

Fotografie in Farbe ungeeignet wären. So 

erscheint zum Beispiel an einem trüben, 

bedeckten Tag die Landschaft recht 

kontrastarm und leblos, die Farben sind 

gedämpft und abgesehen vom Fotografieren 

kleinerer Details sind Ihre Optionen für die 

Farbfotografie ziemlich begrenzt. Tatsächlich 

jedoch ist die Qualität des Lichts, das an 

einem bedeckten Tag zur Verfügung steht, sehr 

hoch. Das Licht ist weich und es gibt wenig 

Kontrast, sodass Sie nicht mit tiefen Schatten 

oder glänzenden Spitzlichtern kämpfen 

müssen und es enthüllt eine große Anzahl 

Details, die bei stärkerem Licht womöglich 

verloren gegangen wären. Das macht es 

perfekt für die Landschaftsfotografie in 

Schwarzweiß. Der Himmel mag an trüben 

Tagen recht verwaschen wirken, aber das 

können Sie, wenn Sie möchten, später ein 

Oben: Mit solcher Dramatik in den Wolkenformationen 

schreit dieses Foto förmlich danach, in Schwarzweiß 

konvertiert zu werden. Beachten sie die Unterschiede in 

den Tonwerten des Lichts, das auf die Landschaft fällt. 

Rechts: Durch die Verwendung eines 

Grauverlaufsfilters wird eine körnige Griffigkeit erreicht, 

die den dunkel brütenden Himmel noch düsterer 

erscheinen lässt. So viele unterschiedliche Farbtöne 

lassen den Gesamteffekt in monochrom hervorragend 

funktionieren. 

wenig aufpeppen. In der Tat gilt dies für das 

gesamte Bild. Betrachten Sie die original 

Raw-Datei einfach als digitales Negativ: Sie 

enthält alle Informationen und Details, die Sie 

benötigen, aber wie Sie diese interpretieren, 

liegt ganz bei Ihnen. 

Bei dunklem, stürmischem Wetter entfaltet die 

Schwarzweißfotografie ihre volle Wirkung. 

Wenn Sie in Farbe fotografieren, brauchen Sie 

schon die Sonne, die zwischen den Wolken 

hervorbricht, um die Landschaft 

auszuleuchten, sodass diese mit dem Himmel 

in Kontrast tritt. Bei Schwarzweißfotos jedoch 

kommt man ganz gut ohne Sonne aus und 

kann sich voll und ganz darauf konzentrieren, 

den brütenden Charakter der Szene 

herauszustellen, vielleicht, indem man einen 

starken Grauverlaufsfilter verwendet, um den 

Himmel noch stärker abzudunkeln, als dies 

tatsächlich der Fall war, oder indem man bei 

der Nachbearbeitung den Kontrast verstärkt. 

Bei der Landschaftsfotografie in Schwarzweiß 

geht es nicht darum, die Realität abzubilden, 

sondern darum, eine Stimmung zu schaffen. 

Manchmal ist das Licht so monochrom, dass 

die Bilder schwarzweiß erscheinen, obwohl 

sie tatsächlich in Farbe aufgenommen 

wurden. Wenn das passiert, ist es wohl keine 

Frage, was man mit diesen Bildern tun sollte. 

Bei dichtem Nebel oder bei starkem Dunst 

zum Beispiel wird fast jeder Tropfen Farbe aus 

der Landschaft gesaugt. Auch das 

Fotografieren in Richtung der Sonne kann 

diesen Effekt hervorrufen, insbesondere, wenn 

Wasser in der Szene vorhanden ist, weil man 

silberne Lichtflecken erhält, die auf dem 

Wasser tanzen und jedes solide Element 

LEE FROST



HELEN DIXON 

So machen es die Profis… 

LEE FROST: „Ich liebe es, bei schlechtem Wetter zu fotografieren, die brutale Kraft der 

Elemente einzufangen. Dieses Foto wurde am Alnmouth Beach eingefangen, in der 

Nähe meines Hauses an der Küste von Northumberland. Trockener Sand wurde von 

den starken Windböen aufgewirbelt und auf die See hinaus geweht. Als die Sonne 

herauskam, war es, als ob die Oberfläche des Strandes zum Leben erweckt würde. Ich konnte 

beim Gehen spüren, wie der Sand gegen meine Beine peitschte. Ich hatte noch niemals zuvor 

versucht, dieses Phänomen zu fotografieren, aber ich beschloss, es einmal zu versuchen. Bei 

dem Versuch, den geisterhaften Effekt des fliegenden Sandes einzufangen experimentierte ich 

ein wenig mit verschiedenen Verschlusszeiten, und dieses Bild, das mit einer Belichtungszeit 

von 1/6 Sekunde aufgenommen wurde, erwies sich als das Beste. Ich mag den Kontrast 

zwischen dem hellen Farbton des Sandes und dem dunklen, wütenden Himmel, den ich 

mithilfe eines Grauverlaufsfilters und durch eine Verstärkung des Kontrasts in der 

Nachbearbeitung noch betont habe.“ 

Canon EOS-1DS Mk III, EF 24 - 70 mm f/2.8 L bei 24 mm, Stativ, 0,6 harter 

Grauverlaufsfilter, 1/6 Sekunde bei f/22, ISO 50. 

„BEI DER LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE IN 

SCHWARZWEISS GEHT ES NICHT DARUM, DIE 

REALITÄT ABZUBILDEN, SONDERN DARUM, 

EINE STIMMUNG ZU SCHAFFEN „ 

innerhalb der Szene auf eine schwarze 

Silhouette reduziert wird. 

Das bedeutet natürlich nicht, dass Sie 

unbedingt schlechtes Wetter benötigen, um 

gute Schwarzweißbilder zu fotografieren – 

starkes, gerichtetes Licht kann Wunder 

wirken, um die Struktur einer Szene 

herauszuarbeiten. Wenn Sie zum Beispiel an 

einem trüben Tag einen Strand fotografieren, 

wird dieser kontrastarm erscheinen, aber 

wenn das Licht von einer tief am Himmel 

stehenden Sonne auf den Sand fällt, sehen Sie 

jede Kräuselung. Dies ist für die 

Schwarzweißfotografie mindestens ebenso 

wichtig, wie für die Fotografie in Farbe. 

Tatsächlich sind Strukturen in mancherlei 

Hinsicht für Schwarzweißbilder sogar noch 

wichtiger, weil man keine Farbe hat, auf die 

man sich verlassen kann. Es lohnt sich 

deshalb immer noch, früh morgens 

loszugehen und abends lange draußen zu 

bleiben, sodass man die tief am Himmel 

stehende Sonne, das Seitenlicht und die 

langen, schwachen Schatten ausnutzen kann. 

Es kann sich auch auszahlen, das Licht aus 

unterschiedlichen Richtungen zu nutzen. 

Fotografieren Sie mit der Sonne auf einer 

Seite, sodass die Schatten quer über die Szene 

fallen, oder mit der Sonne im Rücken, sodass 

die Schatten als Führungslinien dienen, die 

Oben: Schneelandschaften sind sehr gut für die 

monochrome Fotografie geeignet. Die kahlen, nackten 

Bäume erscheinen vor dem strahlend weißen Schnee 

und dem grauen Himmel fast als Silhouetten. 

das Auge in das Bild hinein leiten (achten Sie 

dabei auf Ihren eigenen Schatten im 

Bildausschnitt!). 

Gegenlichtaufnahmen, bei denen man in die 

Sonne hinein fotografiert, sind ebenfalls sehr 

gut für die Schwarzweißfotografie geeignet. 

Überlassen Sie die Belichtungszeit Ihrer 

Kamera und jegliche, solide Form wird als 

reine Silhouette abgebildet. Alternativ können 

Sie auch einige Stufen Belichtungskorrektur 

hinzufügen, um den Hintergrund ausreißen zu 

lassen und einen atmosphärischen High 

Key-Effekt zu schaffen. 

Bei farbigem Licht wird Ihnen Ihr Bauchgefühl 

dazu raten, in Farbe zu fotografieren. So sind 

es zum Beispiel bei Sonnenaufgang oder 

Sonnenuntergang für gewöhnlich die Wärme 

des Lichts und die lebhaften Farben des 

Himmels, die Sie dazu inspirieren, die Kamera 

zur Hand zu nehmen. Sie sollten aber nicht 

davon ausgehen, dass dasselbe Foto nicht 

auch in Schwarzweiß funktionieren würde. 

Ziehen Sie die Farbe heraus und sehen sie, 

wie es Ihnen gefällt. Goldenes Licht sieht 

fantastisch aus, aber es kann die tatsächliche 

Schönheit einer Szene auch verhüllen und 

man lässt sich nur allzu leicht von den Farben 

hinreißen und ignoriert die Formen und Töne, 

die dahinter stehen. Wenn Sie ein 

farbenfrohes Bild in Schwarzweiß 

konvertieren, wird sowieso niemand mehr 

wissen, dass es einmal farbenfroh war, aber 

man wird es in einem völlig unterschiedlichen 

Licht betrachten. 

Auf gewisse Weise lässt sich hier ein Muster 

erkennen: Ist das Licht für Farbaufnahmen 

ungeeignet, ist es ideal für Schwarzweiß, und 

umgekehrt. Aus diesem Grund brauchen Sie 

sich auch nicht auf das eine oder andere 

festzulegen, sondern können sich als kreativer 

Fotograf in beiden Medien ausdrücken und 

sich zwischen ihnen bewegen, um stets das 

Beste aus den Bedingungen machen, die Sie 

in einer Landschaft vorfinden. Puristen mögen 

einwenden, dass man auf diese Weise keiner 

Richtung gerecht wird, aber es ist durchaus 

möglich, sich beide Medien zunutze zu 

machen und trotzdem fantastische Arbeiten 

hervorzubringen.



LEE FROST 

HELEN DIXON 

KÜSTENLANDSCHAFTEN 

Was Dramatik, Schönheit und Stimmung betrifft, so 

kann man nichts falsch machen, wenn man 

Küstenlandschaften in Schwarzweiß fotografiert. 

Diese Szenen verändern und entwickeln sich 

aufgrund der Gezeiten und der physikalischen Effekte 

des Wetters ständig. Aus diesem Grunde sind sie 

auch zu den beliebtesten Schauplätzen vieler 

Fotografen geworden. Auf den ersten Blick käme 

man nicht auf den Gedanken, die Küste auf 

irgendeine andere Art als in Farbe zu fotografieren, 

aber wenn Sie sie in Schwarzweiß ablichten, erhalten 

Sie eine Atmosphäre mit der die eines Farbfotos nicht 

mithalten kann. Wenn Sie Probleme haben, die 

Bilder vor Ihrem inneren Auge in Schwarzweiß zu 

„sehen“ (d.h. die unterschiedlichen Töne in einer 

Szene zu erkennen, die gut für eine Konvertierung in 

Schwarzweiß geeignet sind), ist die Küste ein 

geeigneter Ort für Einsteiger, um sich in ein 

monochromes Abenteuer zu stürzen – schon allein 

deswegen, weil Seelandschaften so voller Farbtöne, 

Kontraste, Strukturen und kraftvoller Formen 

stecken, den idealen Zutaten für eindrucksvolle, 

monochrome Bilder. Zum Glück gelten viele der 

Überlegungen, die Sie anstellen, bevor Sie ein 

Farbfoto schießen, auch für Aufnahmen in 

Schwarzweiß. Wir beginnen damit, uns einen 

Kamerawinkel zu suchen. 

Wenn man die Dramatik einer felsigen Küstenlinie 

einfangen möchte, sollte man versuchen, einen 

hohen Standort zu finden, von dem aus man eine 

Bucht oder einen Meeresarm überblicken kann, und 

Gesteinsbrocken oder Felsblöcke im Vordergrund 

verwenden, um der Bildkomposition Tiefe und ein 

Größenverhältnis zu verleihen. Diese Regeln finden 

auch auf Höhe des Meeres Anwendung, wo sich 

Felsblöcke bis an das Ufer erstrecken, die man 

verwenden kann, um das Auge in die Szene 

hineinzuführen. Man kann auch den Vordergrund 

mit Wasser füllen, ohne sich dabei die Füße nass zu 

machen. Wenn Sie in Schwarzweiß fotografieren 

und dem Bild die Ablenkung durch die Farbe 

entziehen, liegt die gesamte Betonung auf Formen 

und Umrissen. Das bedeutet: Ihre Bildkomposition 

ist von größter Wichtigkeit. Einfachheit ist dabei 

oftmals das beste Rezept. 

Wie das Meer abgebildet wird, hängt davon ab, wie 

rau es ist und welche Verschlusszeit Sie benutzen. 

Wenn Sie eine wild tosende See einfrieren möchten, 

müssen Sie bei 1/1000 Sekunde oder sogar bei 

1/2000 Sekunde schießen. Dieser Ansatz 

funktioniert gut, wenn Sie ein Teleobjektiv 

verwenden, um den Bildausschnitt mit starken 

Wellen zu füllen, oder um diese einzufangen, 

während sie an den Strand schlagen und Gischt 

hoch in die Luft schleudern. Um Bewegung im Meer 

zu fotografieren, benötigen Sie eine lange 

Verschlusszeit – je länger sie ist, umso weicher wird 

das Meer. Verwenden Sie 1/4 Sekunde bis hin zu 

Oben links: Fotos wie dieses werden mit langen 

Belichtungszeiten und zehnstufigen Filtern erzielt. Das 

Meer verschwimmt milchig-trüb, was die Faszination 

der Szene ausmacht. 

Oben: Felsvorsprünge sind fantastisch geeignet, um 

einem Bild ein interessantes Detail zu verleihen. Stellen 

Sie eine kurze Verschlusszeit ein, um die Bewegung im 

Meer einzufrieren. Beginnen Sie mit 1/1000 Sekunde. 

Rechts: Muster und Kräuselungen im Meer sind für 

Schwarzweißbilder ein Segen. Wenn Sie eine lange 

Belichtungszeit einstellen, erscheint alles als Silhouette. 

einer Sekunde, um die Bewegung in den Wellen 

einzufangen, aber trotzdem noch eine Struktur zu 

erhalten, und verlängern Sie die Verschlusszeit dann 

nach und nach. Wenn Sie erst einmal bei 20 bis 30 

Sekunden angelangt sind, verwandeln sich die 

Wellen in Dunst und es werden nur noch wenige 

Strukturen an der Wasseroberfläche abgebildet. 

Wenn man diese Idee noch weiter führen möchte, 

sollte man einen zehnstufigen Graufilter verwenden, 

sodass die Belichtungszeiten sich nicht nur über 

Sekunden, sondern über Minuten erstrecken und die 

See in Milch verwandelt wird. Alternativ kann man 

auch abwarten, bis die Lichtverhältnisse so schlecht 

geworden sind, dass man auf natürliche Weise 

Belichtungszeiten von mehreren Minuten erreicht. 

Nehmen Sie auf jeden Fall auch statische Elemente 

in die Szene mit auf, die mit der weichen See 

kontrastieren – Stege, Felsen, Buhnen und Pfähle 

Fotoideen zum Ausprobieren… 

HELEN DIXON 

LEE FROST 

LEE FROST 

HELEN DIXON 

ZURÜCKWEICHENDE WELLEN 

Wenn man Wellen zuschaut, die 

wieder zurück ins Meer weichen, 

wird man feststellen dass diese 

oftmals schaumige Streifen 

hinterlassen, die auf 

Schwarzweißbildern eine 

erstaunliche Wirkung entfalten. 

Verwenden Sie, um diesen Effekt 

einzufangen, ein Weitwinkelobjektiv 

und eine lange Verschlusszeit – um 

1/2 Sekunde herum sollte 

ausreichen. Warten Sie mit dem 

Auslösen, bis die Wellen 

zurückweichen. Eine 

Schwarzweißkonvertierung mit 

hohem Kontrast verstärkt den Effekt. 

SAND FOTOGRAFIEREN 

Kräuselmuster im Sand kann man 

am besten früh am Morgen oder spät 

am Abend einfangen, wenn die 

Sonne tief am Himmel steht, oder 

wenn starke Sonneneinstrahlung sie 

als Silhouetten erscheinen lässt. 

Verwenden Sie sie als Führungslinien 

in Fotos mit dem Weitwinkelobjektiv 

oder füllen Sie den Bildausschnitt aus 

kurzem Abstand. Inspizieren Sie 

flache Ablaufrinnsale genau. Dort 

werden einzelne Sandkörner oftmals 

separiert und so zu auffälligen 

Mustern angeordnet. 

FELSENKUNST 

An der Küste sind Felsen niemals 

weit und sie bieten jede Menge 

Potenzial. Kieselsteine und 

Felsblöcke, die vom Meer glatt poliert 

wurden, sind ideal für Fotos von 

Mustern, während Felsen, die 

unterhalb der Gezeitenmarke liegen, 

oftmals voller anmutiger Kurven und 

Konturen sind. Halten Sie auf 

Felsblöcken Ausschau nach Kieseln, 

die in Spalten und Rissen stecken, 

oder gehen Sie nah heran, um 

Muster und Strukturen zu entdecken. 

PIER 

Piere bieten tolle Küstenmotive, als 

Fokuspunkt in Weitwinkelaufnahmen, 

oder als Hauptmotiv in Aufnahmen mit 

langer Belichtungszeit, um die 

Bewegung in Himmel und Meer 

einzufangen. Wenn Sie sich unter 

einen Pier stellen und aufs Meer 

blicken, erkennen Sie das komplexe 

Muster aus Beinen, Streben und 

Stützen. Fotografieren Sie sie als 

Silhouetten vor auf-/untergehender 

Sonne oder im Mondlicht.



LEE FROST 

sind sehr gut geeignet. In Schwarzweiß konvertiert 

sehen diese Bilder mit langen Belichtungszeiten 

grandios aus. 

Sie können Kräuselungen im Sand verwenden, um 

das Auge zu leiten oder Gezeitentümpel, in denen 

sich der Himmel spiegelt, um den Vordergrund zu 

füllen. Seetang, Treibholz, von Seepocken verkrustete 

Buhnen, alte Hummerreusen, Fischernetze, Felsen 

und Kiesel, die man am Strand findet, können 

ebenfalls als interessante Details im Vordergrund 

dienen. Stellen Sie Ihr Stativ niedrig ein, um das 

Meiste aus diesen Elementen herauszuholen, 

verwenden Sie einen Grauverlaufsfilter, um den 

Himmel abzutönen und stellen Sie Ihr Objektiv auf 

f/11 oder f/16 ein, sodass Sie genügend 

Tiefenschärfe erzielen, um das Bild von vorne bis 

hinten scharf zu bekommen. 

Küstenbilder brauchen oftmals einen Fokuspunkt, 

um die Bildkomposition abzurunden. Das könnten 

ein Schloss oder eine Landzunge in der Ferne, ein 

Mensch, ein Boot, ein Leuchtturm oder eine der 

Küste vorgelagerte Insel sein. Idealerweise sollten Sie 

diesen Fokuspunkt im oberen, rechten Drittel 

platzieren. Auf diese Weise erhalten Sie ein 

ausgewogenes Ergebnisbild. 

Ein letzter Punkt über das Licht und das Wetter: 

Beide haben einen starken Einfluss auf die 

Stimmung Ihrer schwarzweißen Küstenfotos. Das 

Tolle beim Fotografieren in Schwarzweiß ist: Es ist 

völlig unerheblich, wie schlecht das Wetter wird, 

insbesondere, wenn Sie einen zehnstufigen Graufilter 

verwenden. In der Tat kann man sagen: Je schlechter 

das Wetter ist, umso besser werden Ihre 

monochromen Bilder, denn man kann niemals zu 

viel Dramatik haben, wenn man das Meer 

fotografiert! Die Morgendämmerung ist ein 

großartiger Zeitpunkt wegen des atmosphärischen 

Lichts. Wenn das Wasser über Nacht 

zurückgewichen ist, hat man darüber hinaus den 

Vorteil, dass der Strand frei von Fußabdrücken ist und 

dass die zarten Kräuselungen noch frisch und nass 

sind. Stehendes Wasser auf dem Sand kann 

außerdem wunderschöne Reflektionen erzeugen. 

„FOTOS IN SCHWARZWEISS ERZEUGEN EINE 

ATMOSPHÄRE, MIT DER EIN FARBFOTO 

NICHT MITHALTEN KANN „ 


ROSS HODDINOTT: „Ich liebe die 

Schwarzweißfotografie. Allerdings 

fällt es einigen Leuten leichter als 

anderen, Szenen in Schwarzweiß zu 

‚sehen‘ und ich muss zugeben, dass ich keiner 

bin, der gut darin ist, in monochrom zu ‚sehen‘. 

Über die Jahre hinweg habe ich mir selber 

beigebracht, wonach ich Ausschau halten 

muss. Dafür ist die Küste einer der am besten 

geeigneten Schauplätze. Einfachheit ist das 

Schlüsselwort. Wenn man einem Bild die 

Farbe entzieht, verlagert man die Betonung auf 

Formen und Konturen, sowie die 

Bildkomposition und das Licht. Ein ‚aktiver‘ 

Himmel kann oftmals hilfreich sein, wenn er 

interessante Wolken und viel Dramatik enthält. 

Wenn das nicht zur Verfügung steht, muss 

man sich auf starke Merkmale und 

interessante Details im Vordergrund 

konzentrieren: große, glatte Felsblöcke, Piere, 

Leuchttürme und verwitterte Buhnen. Das 

Wetter ist wichtig. Schlechtes Wetter ist der 

Schwarzweißfotografie zuträglich, da es 

Stimmung und Atmosphäre transportiert. Mir 

gefällt auch der Effekt, der von extremen 

Graufiltern hervorgerufen wird. Ich persönlich 

verwende den Big Stopper von Lee Filters. Mit 

diesem Filter auf dem Objektiv sind 

Belichtungszeiten von einer Minute oder länger 

möglich, was das Meer ätherisch 

verschwimmen lässt.“ 

Nikon D800, 17 - 35 mm f/2.8, Big 

Stopper, Stativ, 91 Sekunden bei f/11, ISO 

200.



LANDSCHAFTEN 

Die Landschaftsfotografie wird häufig als simpel 

abgetan – man geht einfach hinaus, sucht sich 

eine schöne Landschaft, baut seine Kamera auf 

und schießt drauflos. Die wirkliche Arbeit ist ja 

schon von Mutter Natur erledigt worden. Alles, 

was Sie noch tun müssen, ist, sie aufzunehmen. 

Richtig? 

Wenn es so leicht wäre, wären wir alle 

meisterliche Landschaftsfotografen. Ganz 

offensichtlich steckt mehr dahinter. Die 

Bildkomposition ist der heilige Gral der 

Fotografie. Ein gut komponiertes 

Landschaftsbild, das bei mittelmäßigem Wetter 

aufgenommen wurde, schlägt auf jeden Fall ein 

schlecht komponiertes Landschaftsfoto, das bei 

großartigem Licht gemacht wurde, insbesondere, 

wenn das Ergebnisbild monochrom ist. Warum 

das so ist? Weil die Kreativität in sich 

zusammenbricht, wenn sie nicht auf einem 

festen Fundament ruht – und die 

Bildkomposition ist das Fundament eines jeden 

Fotos, das wir aufnehmen. 

Glücklicherweise ist Bildkomposition aber keine 

Astrophysik. Gesunder Menschenverstand, 

Überlegung und Konzentration sind die 

wichtigsten Voraussetzungen. Alles, was Sie tun 

müssen, ist zu überlegen, welche Elemente Sie 

einfangen möchten, und wie Sie diese im Sucher 

Ihrer Kamera arrangieren. 

Tele- und Zoomobjektive haben zwar in der 

Landschaftsfotografie durchaus ihren Platz, aber 

im direkten Vergleich haben Weitwinkelobjektive 

ganz einfach aufgrund ihres „Wow“-Faktors die 

Nase vorn. Sie bieten uns einen Ausblick auf die 

Welt, mit dem der, den das nackte Auge sieht, 

einfach nicht mithalten kann. Sie verbiegen, 

dehnen und verzerren die Wahrheit, und je weiter 


HELEN DIXON: „Einige meiner 

Lieblings-Schwarzweißfotos sind 

ausgesprochen simpel. Oftmals gibt 

es nur einen einsamen Baum unter 

einem weiten Himmel. So wie dieser hier, der 

mir auffiel, als ich über Land fuhr. Ich ging um 

das Feld herum, um den besten Blickwinkel 

zu finden. Ich wollte den Zaun mit in die 

Bildkomposition aufnehmen, um noch ein 

weiteres, interessantes Detail hinzuzufügen. 

Die Wolken verliehen dem Bild Strukturen 

und Formen und waren dem Tonspektrum 

zuträglich. Normalerweise hätte ich mich für 

mein Weitwinkelobjektiv entschieden, aber da 

ich das Feld nicht betreten konnte, musste ich 

ein Teleobjektiv verwenden, was dazu führte, 

dass das Bild frei von ablenkenden Details ist. 

Die Raw-Datei wurde in Farbe verarbeitet. 

Anschließend fügte ich in Photoshop eine 

schwarzweiße Einstellungsebene hinzu, um 

die Tonwerte anzupassen. Zum Schluss 

wendete ich die Gradationskurven an, um 

den Kontrast deutlicher herauszubringen und 

ausdrucksstärker zu gestalten.“ 

Canon EOS-1DS Mk III, EF 70 - 200 mm 

f/4L, 1/20 Sekunde bei f/13, ISO 200. 

der Winkel, umso besser wird es. Eine kleine 

Veränderung des Standortes kann ebenfalls einen 

großen Unterschied ausmachen, was die 

Wirkung einzelner Elemente anbelangt. 

Gleichzeitig garantiert die flächendeckende 

Tiefenschärfe, die Sie mit einer kleinen Blende 

wie f/16 und f/22 erzielen, von vorne bis hinten 

durchgängige Schärfe. 

Die Verwendung eines Weitwinkelobjektivs zur 

Nutzung interessanter Elemente im Vordergrund 

trägt außerdem dazu bei, ein Bild dreidimensional 

wirken zu lassen, weil es nicht nur einen 

logischen Eintrittspunkt in das Bild bietet, 

sondern ihm darüber hinaus ein Gefühl von Tiefe 

und ein Größenverhältnis verleiht. Wenn der 

Stein, der den Vordergrund ausfüllt, größer 

aussieht, als das Häuschen im Hintergrund, 

dann muss das Häuschen wohl ziemlich weit 

entfernt sein. Auf diese Weise werden Entfernung 

und räumliche Tiefe angedeutet und ein Gefühl 

der Dreidimensionalität wird erweckt. Gehen Sie 

nah heran und tief hinunter, um das Meiste aus 

den interessanten Details im Vordergrund 

herauszuholen. Es ist völlig in Ordnung, aus 

Augenhöhe zu fotografieren, aber wenn sich die 

Kamera in 1,80 m Höhe befindet, verlieren die 

interessanten Details im Vordergrund an 

Wirkung. Knien Sie sich jedoch hin und gehen 

Sie nah heran, dann wird dieser bescheidene, 

bemooste Stein zu einem gigantischen 

Felsbrocken, der die Bildkomposition dominiert, 

Fotografieren bei hohen ISO-Werten 

Wir predigen ständig, dass man bei der 

Landschaftsfotografie seine ISO-Einstellung niedrig 

belassen soll, um Bildrauschen zu minimieren. 

Wenn es jedoch um Schwarzweiß geht, kann ein 

wenig Bildrauschen auch einen Vorteil darstellen. 

Auf Farbfotos sieht Bildrauschen zumeist unschön 

aus, aber sobald Sie dasselbe Bild in Schwarzweiß 

konvertieren, sieht es aus wie die Körnigkeit eines 

Films und dieser reine, grobkörnige Look kann 

fantastisch aussehen. Die Behandlung lässt sich 

besonders gut auf simple Bilder anwenden – Dunst 

und Nebel, Seelandschaften, Fotos, die an trüben 

Tagen aufgenommen wurden. Man benötigt 

schlichte Tonflächen, um das Rauschen, bzw. die 

Körnigkeit sehen zu können. Vermeiden Sie also das 

Fotografieren überladener Szenen mit hohen 

ISO-Werten. Wie hoch Sie gehen können, hängt 

davon ab, wie alt Ihre Kamera ist. Die neuesten 

digitalen Spiegelreflexkameras sind im Umgang mit 

Bildrauschen so gut geworden, dass man selbst bei 

ISO 3200 noch glatte Bilder erhält. Wenn man dann 

Oben: Wenn Sie sich eine Szene anschauen, 

versuchen Sie, sich vorzustellen, wie sie in 

Schwarzweiß aussehen könnte. Wenn es viele 

unterschiede Farbtöne gibt, wie es auf diesem Foto der 

Fall ist, sollte dies besonders gut funktionieren. 

Oben rechts: Schatten und Spitzlichter sind, 

zusammen mit einem knackigen Bildaufbau, die 

wesentlichen Bestandteile eines guten, monochromen 

Bildes. Hier sehen Sie ein perfektes Beispiel dafür, wie 

alle drei Faktoren zusammenkommen und ein 

wundervolles Schwarzweißbild ergeben. 

und Sie haben ein dramatisches Bild 

eingefangen, indem Sie einfach nur in die Knie 

gegangen sind. 

Linien sind ein weiteres, kraftvolles Mittel zur 

Bildkomposition. Pfade, Spuren, Straßen, 

Eisenbahnlinien, Zäune, Mauern und Alleen 

stellen großartige, von Menschen gemachte 

Linien dar. Flüsse und Ströme sind ideale, 

natürliche Linien. Diagonale Linien funktionieren 

am besten, wenn Sie sich von der unteren linken 

Ecke zur oberen rechten erstrecken, denn das ist 

die natürliche Art und Weise, wie unser Auge ein 

Bild betrachtet. Stürzende Linien sind sogar noch 

besser geeignet. Stellen Sie sich mittig auf eine 

Straße und betrachten Sie ihren Verlauf durch ein 

Weitwinkelobjektiv. Der Effekt der parallelen 

Linien, die in der Ferne aufeinander zu laufen, ist 

schwindelerregend und faszinierend. Wenn Sie 

den Fluchtpunkt, an dem sich die Linien am 

Horizont zu treffen scheinen, mit in den 

Bildausschnitt aufnehmen, wird die 

aber Bildrauschen ausdrücklich wünscht, muss 

man bis ISO 6400 oder sogar noch weiter hinauf 

gehen. Bei älteren Modellen sehen Sie unter 

Umständen schon bei ISO 1600 oder 3200 jede 

Menge Rauschen. Experimentieren Sie einfach ein 

wenig herum. Wenn Sie merken, dass das Bild in 

Schwarzweiß kontrastarm wirkt, was bei hohen 

ISO-Werten oftmals der Fall ist, verstärken Sie den 

Kontrast, indem Sie die Tonwertkorrektur und die 

Gradationskurven anpassen. 

LEE FROST 

HELEN DIXON

LEE FROST 

Rechts: Sich schlängelnde Führungslinien sind 

hervorragend für eine fantastische Bildkomposition. Sie 

leiten das Auge auf seiner Reise durch das Bild und 

üben auf den Betrachter eine gewisse Faszination aus. 

Ganz rechts: Die Schwarzweißfotografie erfordert bei 

der Aufnahme Ihres Bildes ein Umdenken. Oftmals 

werden Sie Ihr Motiv über Ihrem Kopf finden. Schauen 

Sie also nach oben. Hier bilden die Wolken einen 

Rahmen um die Kirche. 

LEE FROST 

LEE FROST 

Bildkomposition zu einem zufriedenstellenden 

Ergebnis gebracht. Linien müssen nicht gerade 

sein – die sich schlängelnde Linie eines Stromes, 

der von der Kamera weg fließt, ist visuell weitaus 

interessanter als eine gerade Linie. 

Achten Sie bei der Bildkomposition auf die 

Farben und darauf, wie diese miteinander in 

Verbindung treten könnten, wenn sie in Grautöne 

konvertiert werden – was in Farbe toll aussieht, 

kann nach der Nachbearbeitung kontrastarm 

wirken. Umgekehrt kann eine Szene, die für das 

bloße Auge fade und langweilig erscheint, zu 

einem fantastischen, monochromen Bild werden. 

Bei der schwarzweißen Landschaftsfotografie hat 

der Erfolg eine ganze Menge mit Selbstvertrauen 

zu tun. Viele Digitalfotografen haben große Angst 

vor der Schwarzweißfotografie, weil für 

gewöhnlich tiefe Schatten und ausgerissene 

Lichter drohen. Dabei braucht man in der 

monochromen Fotografie echtes Schwarz und 

Weiß, ansonsten würde man nur langweilige 

Grautöne erhalten. 

Seien Sie mutig. Haben Sie keine Angst, den 

Kontrast zu verstärken, einen Himmel 

abzudunkeln, den Kontrast und die Belichtung 

mithilfe von Abwedeln und Nachbelichten nur 

stellenweise anzupassen (so wie es auch in den 

Tagen der Dunkelkammer gemacht wurde). 

Denken Sie stets daran, dass Sie es hier nicht 

mehr mit der Realität zu tun haben. Das 

Regelwerk können Sie also getrost aus dem 

Fenster werfen! 

Ideen für Schauplätze 

LEE FROST 

LEE FROST 

LEE FROST 

LEE FROST 

MEINE HEIMATSTADT 

Wir neigen dazu, das Land mit 

Landschaftsfotografie gleichzusetzen, 

aber städtische Szenen sind ebenso 

interessant – und oftmals deutlich 

besser zugänglich. Machen Sie es zu 

Ihrem Projekt, eine Serie von 

Schwarzweißaufnahmen von Ihrer 

Heimatstadt zu schießen – nicht nur 

tolle Sehenswürdigkeiten, sondern 

Details, die Ihren Charakter 

einfangen. Womöglich entdecken Sie 

Stellen, von deren Existenz Sie gar 

nichts wussten. 

VOM HIMMEL HOCH 

Wenn wir Landschaften fotografieren, 

spielt der Himmel für gewöhnlich die 

zweite Geige. Die Hauptrolle ist dem 

Vordergrund vorbehalten. Aber in 

manchen Situationen ist der Himmel 

viel interessanter als die Landschaft 

selber. Haben Sie keine Angst, Ihre 

Kamera nach oben zu neigen und ein 

Hauptmerkmal daraus zu machen – 

dramatische Wolkenformationen 

sehen fantastisch aus, wenn sie mit 

einem Weitwinkelobjektiv fotografiert 

werden und sind häufig das Motiv für 

unglaubliche Fotos. 

MINIMALISTISCHE BILDER 

Die Schwarzweißfotografie ist ein 

minimalistisches Medium. Nutzen 

Sie dies zu Ihrem Vorteil, wenn Sie 

Szenen auswählen. Entscheiden Sie 

sich für simple, reine Kompositionen, 

so wie einen Baum vor dem 

Hintergrund des Himmels, oder 

einen, der in sich ruhigem Wasser 

spiegelt. Winterlandschaften sind für 

diese Behandlung besonders gut 

geeignet, insbesondere, wenn sie mit 

Schnee bedeckt sind. Das Gleiche gilt 

für den Himmel an trüben Tagen, da 

dieser einen reinen Hintergrund ohne 

besondere Merkmale bietet. 

BEWEGTES WASSER 

Wasserfälle, Flüsse und Ströme 

gehören zu den Lieblingsmotiven 

vieler Landschaftsfotografen und 

stellen auch gute Objekte für die 

Schwarzweißfotografie dar. Auch sie 

fotografiert man am besten bei 

trübem Wetter, wenn das Licht weich 

ist. Wenn also das Wetter schlechter 

wird, suchen Sie sich ein bewegtes 

Gewässer. Experimentieren Sie mit 

Verschlusszeiten von 1/4 -Sekunde 

bis hin zu mehreren Sekunden, um 

einen auf attraktive Weise 

verschwommenen Effekt 

herbeizuführen.

88 Schwarzweißlandschaften 

Raw-Datei nach Schwarzweiß 

konvertieren 

Die Konvertierung eines Bildes in Schwarzweiß reduziert ein Motiv auf das 

Wesentliche, weil keine zusätzlichen Farbinformationen anfallen. Erfahren 

Sie, wie Sie plakative Schwarzweißbilder aus Raw-Dateien erzeugen. 

Jordan Butters: Die Ursprünge der Fotografie sind in Schwarzweiß verwurzelt, und trotz 

der Erfindung des Farbfilms und später des Anbruchs des digitalen Zeitalters ist die 

Schwarzweiß-Fotografie nach wie vor der klare Favorit vieler Fotografen. 

Zu analogen Zeiten mussten Fotografen spezielle Schwarzweiß-Filme mit Farbfiltern 

kombinieren, um den Tonwertumfang bestimmter Farben zu verstärken. Glücklicherweise ist dies im 

digitalen Zeitalter viel einfacher geworden, da die Filterung von Farben einfach während der 

Nachbearbeitung vorgenommen wird. 

Während Farbbilder mit kräftigen, leuchtenden Farbtönen das Auge des Betrachters fesseln können, 

müssen Schwarzweißaufnahmen auf die Kernaspekte der Fotografie vertrauen – Bildkomposition, 

Belichtung, Beleuchtung und Perspektive. Schwarzweißbildern haftet eine künstlerische Eleganz an, aber 

nicht jedes Bild ist für die Konvertierung geeignet. Sie funktioniert am besten bei Bildern, die einen guten 

Tonwertumfang von dunkel bis hell haben - Bilder, die hauptsächlich über Mitteltöne verfügen, wirken 

nach der Umwandlung in Schwarzweiß flach und matt. Sie sollten Strukturen, Führungslinien und 

interessante Formen in Ihr Bild integrieren. Auch ein stimmungsvoller Himmel und auftürmende Wolken 

kommen in Schwarzweiß hervorragend zur Geltung. 

Die Schwarzweiß-Konvertierung in Adobe Camera Raw ist optimal, denn Raw-Dateien enthalten mehr 

Bildinformationen als komprimierte JPEG- oder TIFF-Dateien. Wenn Sie jedoch keinen Zugriff auf ACR 

haben oder Ihr Bild bereits komprimiert gespeichert ist, können Sie mithilfe einer Schwarzweiß- 

Einstellungsebene in Photoshop ähnliche Ergebnisse erzielen. Während die Farbentfernung praktisch auf 

Knopfdruck geschieht, erfordert es etwas mehr Aufwand, die verbleibenden Bildinformationen Ihrer 

Schwarzweißbilder sichtbar zu machen. Mit etwas Zeit und Übung kann wirklich jeder beeindruckende 

Schwarzweißbilder erzielen. 

Original Raw 

Datei öffnen Zunächst einmal öffnen Ihre 

1Original Raw-Datei in Adobe Camera Raw und 

wählen Sie den Reiter HSL / Graustufen rechts in der 

Bildschirmansicht. Sie können Ihr Bild ganz einfach in 

Schwarzweiß konvertieren, indem Sie das Häkchen 

oben bei „In Graustufen konvertieren“ setzen. 

zurücksetzen Um alle verbliebene 

2Bildinformation Ihres Schwarzweißbildes sichtbar 

zu machen, sind einige Anpassungen bei der Grautöne 

erforderlich. ACR wird automatisch ein paar der 

Einstellungen anpassen, um Ihr Bild abzutönen. Da wir 

dies aber selbst tun möchten, klicken sie auf das Wort 

„Voreinstellung“ über den Reglern, um alle Werte auf 

null zurückzusetzen. 

Farbregler einstellen Wir beginnen mit der 

3Einstellung das Blau-Reglers, da blau der zentrale 

Farbton in unserem Ursprungsbild war. Klicken Sie auf 

den Regler Blau und ziehen Sie ihn bei gedrückter 

Maustaste nach links, um die Blautöne abzudunkeln. 

Behalten Sie dabei das Histogramm oben am 

Bildschirm im Auge um sicherzustellen, dass nichts 

„abgeschnitten“ wird.

Fertiges Bild 

Die starke Beleuchtung und interessanten 

Strukturen machen dieses Bild zum 

perfekten Kandidaten für eine Schwarz- 

Weiß-Konvertierung in Raw. 

Gezielte Einstellungen Alternativ zur 

4Anpassung der Farbtöne über die Regler können Sie 

auch gezielte Einstellungen vornehmen. Klicken Sie oben 

auf das Zielkorrektur-Werkzeug und halten Sie die 

Maustaste gedrückt. Wählen Sie den Graustufen- 

Kanalmixer. Klicken Sie in einen beliebigen Farbton in Ihrem 

Bild und ziehen Sie die Maus bei gedrückter Maustaste nach 

oben oder unten, um diesen Farbton und auch die 

umliegenden Farbtöne aufzuhellen oder abzudunkeln. 

Graustufen-Mix verstärken Einige der 

5wärmeren Töne wirken nun etwas verloren. Eine 

Verstärkung des Graustufen-Mix in den Kanälen Orange 

und Gelb hebt Details in den Felsen hervor und erzeugt 

einen starken Kontrast zwischen den Felsen und dem 

Meer. Dies kann manuell vorgenommen werden oder 

wieder mit dem Zielkorrektur-Werkzeug. 

6 

Gradationskurven anpassen Zum 

Schluss klicken Sie oben auf Tonwertkurve und 

wählen den Reiter „Zeigen“. Unter dem Reiter „Kurve“ 

wählen Sie „Starker Kontrast“ aus. Falls nötig, können 

sie die Gradationskurve darunter anpassen, indem Sie 

die einzelnen Punkte nach Bedarf verschieben. Dieser 

letzte Schritt verleiht unserem Schwarzweißbild noch 

eine zusätzliche Dramatik

90 Schwarzweiß-Umwandlung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Original 

So macht es 

der Profi 

Lee Frost: An dem Tag, als ich dieses 

Bild aufnahm, erkundete ich die Küste 

von Northumberland und suchte nach 

Schauplätzen, die zum Effekt eines 

zehnstufigen Graufilters passen würden. Als ich 

diese alte Fischerhütte sah, wusste ich, dass ich mit 

einer langen Belichtungszeit hervorragend die 

Bewegung der ziehenden Wolken und des 

wehenden Grases aufnehmen könnte, während die 

Hütte statisch in der Mitte des Bildes bleiben würde. 

Die originale Aufnahme im Raw-Format sah 

ziemlich trübe aus, teilweise weil die 

Lichtverhältnisse ziemlich schlecht gewesen waren, 

aber auch, weil der zehnstufige Graufilter dem Bild 

etwas Wärme und eine Vignette verlieh. Das war 

aber überhaupt nicht schlimm, weil ich wusste, 

dass ich das Bild beschneiden und in Schwarzweiß 

umwandeln würde. 

Die dramatische Wirkung herauszustellen, war 

einfach. Ich mag es nicht besonders, Ewigkeiten an 

Raw-Dateien zu arbeiten und in diesem Fall 

verwendete ich auch keine andere Spezialsoftware 

- ich arbeitete nur mit Photoshop. Zunächst habe 

ich den Kontrast verstärkt, indem ich die 

Tonwertkurve angepasst habe: Ich habe den 

Tiefen-Regler ein wenig nach links und den 

Lichter-Regler ein wenig nach rechts verschoben. 

Dann öffnete ich das Bild in Photoshop und schnitt 

es quadratisch zu. Für die Schwarzweiß- 

Umwandlung wählte ich zunächst „Bild > 

Korrekturen > Schwarzweiß“, um das 

Schwarzweißbild zu erzeugen. Dann verwendete ich 

das Polygon-Lasso-Werkzeug mit einer Weichen 

Kante von 100 Pixeln, um den Himmel 

auszuwählen. Um die Wirkung des Himmels zu 

verbessern, klickte ich dann auf „Bild > Korrekturen 

> Tonwertkorrektur > Auto“, um zu überprüfen, ob 

dies bereits das Aussehen erzeugen würde, das mir 

vorschwebte. Das war der Fall, also blieb ich dabei. 

Wenn dem nicht so gewesen wäre, hätte ich 

normalerweise die Anpassung rückgängig gemacht 

und feine Änderungen per Tonwertkorrektur oder 

Gradationskurve vorgenommen. Danach ging ich zu 

„Auswahl > Auswahl umkehren“, damit alles außer 

dem Himmel ausgewählt war und wendete ein 

weiteres Mal den automatischen Befehl der 

Tonwertkorrektur an. Dadurch wurde der Kontrast in 

der Hütte und im Gras verstärkt. Zum Schluss wollte 

ich die Details und Struktur der Hütte verstärken, 

also wählte ich sie mit dem Polygon-Lasso- 

Werkzeug mit einer weichen Kante von 30 Pixel aus 

und passte die Tonwertkorrektur an („Bild > 

Korrekturen > Tonwertkorrektur“). 

Wenn ich schwarzweiße Landschaftsaufnahmen 

ausdrucke, verwende ich immer das gleiche Papier: 

Hahnemühle Photorag 308. Das ist ein schweres, 

mattweißes Kunstpapier mit einem sehr schönen 

Mattglanz und hervorragenden Haltbarkeits- 

Eigenschaften. Ich drucke mit einem Epson Stylus 

Pro 7880 24 Zoll Drucker und verwende die K3 

Ultrachrome Tinte von Epson. Um in Schwarzweiß 

zu drucken, benutze ich die Schwarzweiß- 

Einstellung am Drucker, die drei schwarze Tinten 

verwendet, um rein monochrome Bilder zu 

produzieren. Ich drucke gerne im Großformat aus 

(normalerweise 50x50 cm auf 24 Zoll Papier) und 

fasse die Bilder in Glasrahmen der Größe 80x 

80cm, sodass an allen Seiten 15 cm Rand 

verbleiben und rahme dann in Naturrahmen aus 

Eichenholz. 

Das gerahmte Werk hat schließlich die Größe von 

90x90 cm, macht also einen starken Eindruck, 

wenn es an der Wand hängt - der beste Platz für 

Schwarzweiß-Landschaften! 

Tinte, Papier und Drucker 

Wenn Sie die richtigen Produkte kombinieren, 

können Sie beim Drucken zuhause perfekte 

Ergebnisse erzielen. 

Wir empfehlen Ihnen die matten 

Kunstpapiere von Hahnemühle, Ilford oder 

Permajet, die perfekt zu Schwarzweiß- 

Bildern passen. Eine Überlegung wert ist die 

Anschaffung eines großformatigen Druckers 

mit nur einem Satz schwarzer Tinte anstelle 

von Farbe, um die Details in den Tiefen und 

Lichtern zu optimieren. 

Schwarzweiß-Einstellungsebene 

Einige Fotografen bevorzugen zwar die Einfachheit einer direkten 

Schwarzweiß-Umwandlung, aber Sie können auch hervorragende 

Ergebnisse bekommen, wenn Sie eine Schwarzweiß-Einstellungsebene 

verwenden: „Ebene > Neue Einstellungsebene > Schwarzweiß“. 

Damit können Sie die Schattierung des Schwarzweiß-Bildes über die 

Farbkanäle steuern, ähnlich wie bei einem Farbfilter in der Kamera. 

Außerdem bleiben sämtliche Anpassungen erhalten, sind also nicht 

destruktiv. Sie können jederzeit auf die Einstellungsebene in der 

Ebenenpalette doppelklicken und die Umwandlung neu bearbeiten, falls 

notwendig. Eine sehr flexible und effiziente Methode, um Ihre Schwarzweiß- 

Bilder zu behandeln. 

Werkzeuge für selektive Schwarzweiß- 

Anpassung 

Oft sind die Schwarzweiß-Bilder nach einer einfachen Umwandlung 

etwas matt und grau. Daher ist die Kontrastverbesserung über eine 

Einstellungsebene zu empfehlen. Sie können dies über Tonwertkorrektur, 

Gradationskurven oder Helligkeit/Kontrast erledigen. 

Falls Bereiche Ihres Bildes dann immer noch Hilfe brauchen, können Sie 

Ihre Anpassungen auch selektiv vornehmen: Verwenden Sie entweder ein 

Auswahlwerkzeug, um den Zielbereich zu isolieren und eine Tonwertkorrektur 

anzuwenden, oder duplizieren Sie die Bildebene über „Bild > Ebene 

duplizieren“ und verwenden Sie das Abwedeln-und-Nachbelichten-Werkzeug, 

eingestellt auf Mitteltöne und niedrige Belichtung, um Details hervorzubringen.


Schwarzweiß-Umwandlung 91 

Jetzt wird’s speziell – mit Silver Efex Pro 

Wenn Sie eine schnelle und effektive Möglichkeit suchen, Ihre 

Landschaftsaufnahmen nach Schwarzweiß umzuwandeln, brauchen Sie so 

etwas wie Silver Efex Pro 2 von Nik Software 

Caroline Wilkinson: Wenn Sie die 

körnige Qualität vermissen, die Ihre 

Kodak T-Max P3200 hatte, die glatten 

Farbtöne einer Agfa APX Pro 100 oder 

die tiefen Schwarz- und strahlenden Weißtöne 

einer Ilford XP2 Super 400 Filmrolle, werden Sie 

Silver Efex Pro 2 mögen. Die sorgfältige Auswahl 

des richtigen Films hatte viel mit der Kunst der 

Schwarzweiß-Fotografie zu tun, aber dieses 

Vergnügen muss bei der digitalen Fotografie nicht 

zu Ende sein. 

Auch wenn es eine Vielzahl von Möglichkeiten gibt, 

ein Schwarzweiß-Bild mit Photoshop CS, Elements 

oder Lightroom mit sehr guten Ergebnissen zu 

entwickeln, geht Silver Efex Pro 2 noch einen 

Schritt weiter und ermöglicht es, die Effekte noch 

kreativer und raffinierter einzusetzen. Man kann 

damit nicht nur den Look des Lieblings-Films mit 

ein paar Klicks reproduzieren, man kann auch mit 

Farbfiltern den Tonumfang anpassen und aus 

Dutzenden von klassischen, nostalgischen oder 

modernen Voreinstellungen wählen. Man kann 

sogar wie gewohnt selektive Anpassungen für 

Kontrast, Rauschen und Belichtung vornehmen 

und anschließend noch eine Vignette, einen 

Rahmen oder eine Tönung auswählen. Sie können 

dabei so klassisch oder kreativ vorgehen, wie Sie 

möchten. Es kostet kaum Mühe und man kann 

kaum etwas falsch machen. Also keine Sorge, 

wenn die digitale Bearbeitung für Sie noch Neuland 

ist - mit dieser Software wird Sie zum reinsten 

Vergnügen. 

Als Plug-in funktioniert Silver Efex Pro 2 verknüpft 

mit Ihrer Haupt-Bearbeitungssoftware und kann 

über das Filter-Menü erreicht werden. Das 

bedeutet, dass Sie Ihr Bild sowohl vor als auch 

nach der Bearbeitung mit Silver Efex Pro in 

Photoshop bearbeiten können: es ist eine optimale 

Lösung. Persönlich finde ich, dass man mit den 

Techniken, die wir Ihnen bereits vorgestellt haben, 

zwar gute Ergebnisse in Photoshop erreicht, aber 

mit der Flexibilität und Einfachheit von Silver Efex 

Pro 2 ist nichts vergleichbar. In der Zeit, die Sie für 

eine einzige Umwandlung in Photoshop brauchen, 

könnten Sie eine ganze Reihe unterschiedlicher 

Looks mit Silver Efex Pro produzieren – eine davon 

werde ich Ihnen hier erläutern. 

Bevor ich dieses Beispielbild mit der Nik Software 

bearbeitete, habe ich es in Photoshop beschnitten. 

Das sollte immer dann getan werden, wenn Sie 

vorhaben, Ihr Bild mit einer Vignette oder einem 

Rahmen zu versehen, damit die Kanteneffekte 

nicht im Nachhinein abgeschnitten werden. Bevor 

ich irgendwelche selektiven Anpassungen 

vornahm, habe ich mich durch die voreingestellten 

Kategorien gescrollt, um zu sehen, welche 

Voreinstellung am besten zu dem Bild passt. Bei 

„Low Key“ sah es zu dunkel aus, während andere 

wie „Lochkamera“ oder „Antike Fotoplatte II“ zwar 

ungewöhnlich aussahen, aber für meinen Zweck 

zu altmodisch wirkten. Ich entschied mich für die 

einfache Voreinstellung „Hoher Kontrast“. Um für 

einen körnigen Effekt wie bei einem hohen 

ISO-Wert das passende Rauschen hinzuzufügen, 

Professionelle Herangehensweise 

Ross Hoddinott 

Wie bei jedem 

kreativen Beruf 

bedeutet die 

Präsentation in der 

Fotografie alles. 

Wunderschön 

gestaltete und 

technisch brillante 

Aufnahmen 

können total 

unterbewertet 

werden, wenn 

sie schlecht 

ausgedruckt 

oder präsentiert 

werden. Bei der 

Wahl des Papiers 

ist die Auswahl 

groß, aber mein 

Lieblingspapier 

ist Galerie Gold Fibre Silk von Ilford. Das Papier hat 

hervorragende Haltbarkeits-Eigenschaften und kommt 

zweifelsohne einem echten Dunkelkammer-Ausdruck 

am nächsten. Es sieht so aus, fühlt sich so an und 

riecht sogar wie traditionelles Dunkelkammer-Papier! 

Der richtige Beschnitt ist ein wichtiger Bestandteil 

des Gestaltungsprozesses und insbesondere ein 

quadratisches Format passt sehr gut zu Schwarzweiß, 

denn es verstärkt den künstlerischen Eindruck. 

Ein schmaler Rand, etwa ein bis zwei Zentimeter, 

kann das Aussehen Ihres Mono-Meisterwerks 

vervollständigen.“ 

stellte ich den Regler „Körnung pro Pixel“ auf 86 

ein. Den Effekt der Einstellungen auf das Bild kann 

man fast unmittelbar im Vorschaufenster sehen. 

Zum Schluss fügte ich einen Rahmen zu, indem ich 

den Typ 8 unter „Bildränder“ auswählte. Sofort 

nachdem ich auf „OK“ geklickt hatte, wurde der 

Effekt angewendet und das Bild öffnete sich im 

Hauptfenster von Photoshop als separate, 

editierbare Ebene in der Ebenenpalette. Einfach. 

Vor dem Kauf können Sie Nik Silver Efex Pro 2 für 

15 Tage kostenlos testen. Sie können die Software 

von www.niksoftware.com herunterladen. Das 

Plug-in ist für 149 Euro separat erhältlich, oder als 

Teil der Complete Collection von Nik Software für 

223,50 Euro. 

Weitere Ideen zum Ausprobieren 

Leinwand & Acryl Wenn ein Kunstdruck 

für Sie zu traditionell ist, denken Sie einmal 

darüber nach, Ihr Bild auf eine Leinwand, 

auf Acrylglas oder sogar, für einen besonders 

modernen Look, auf Aluminium zu drucken. 

Marken wie White Wall, Jessops, Point101 und 

Lucy Art haben sich hierauf spezialisiert. 

Professionelle Druckerei Wenn 

Ihnen die Investition in einen Qualitätsdrucker 

und Tinte für Ihre gelegentlichen Schwarzweiß- 

Bilder zu hoch erscheint, können Sie auch 

eine Druckerei beauftragen, für Sie zu drucken. 

Theprintspace zum Beispiel bietet hochwertige 

Fine Art Giclée Prints und Abzüge auf 

Silberhalogenidpapier, mit denen Sie zu einem 

vernünftigen Preis qualitativ hochwertige Drucke 

bekommen. Schauen Sie nach Unternehmen, 

die besonders haltbare Produkte bieten, um 

zu verhindern, dass die Farben mit den Jahren 

verblassen. 

Web Wenn Sie Ihr Bild auch in ein 

Online-Portfolio stellen möchten, damit es für 

ein breiteres Publikum zugänglich ist, achten 

Sie darauf, die Auflösung auf 72 zu reduzieren 

(„Bild > Bildgröße“), das Bild zu verkleinern 

und zu schärfen, bevor Sie es auf Ihre Website 

hochladen.

JETZT IM HANDEL 

Bei allen guten 

Zeitschriftenhändlern 

Magazin 

DER KOMPLETTE LEITFADEN ZUM TRAUMKÖRPER 

12-WOCHEN 

PLAN 

n MUSKELAUFBAU 

n FETTVERBRENNUNG 

n SIX-PACK 

SIXPACK UND FETTABBAU 

Was ist ein Sixpack? 

A 

Anatomisch gesehen handelt es sich 

bei dem Sixpack um den Rectus 

Abdominus, ein gepaarter Muskel, der 

senkrecht auf jeder Seite des vorderen 

Bauches verläuft. In der Mitte wird er durch 

ein Bindegewebeband geteilt, das Linea 

Alba oder auch weiße Linie genannt wird. 

Es ist diese Linie und diejenigen, die 

waagerecht über diese Muskelgruppe 

verlaufen, die die ausgeprägten Teile eines 

Sixpacks erzeugen. 

Was bewirkt dieser 

Muskel? 

Es ist ein wichtiger Haltungsmuskel, 

der für das Vorwärtsbeugen der 

Wirbelsäule verantwortlich ist. Er 

unterstützt außerdem die Atmung, 

stabilisiert den Oberkörper während der 

Übungen und schützt die inneren Organe 

vor Aufpra l. 

A 

Warum kann ich 

meinen nicht sehen? 

Jeder hat ein Sixpack, aber die 

meisten Menschen können ihren aus 

einem ganz einfachen Grund nicht sehen: 

A 

136 12-Wochen-Plan 

Er versteckt sich unter einer Schicht Fett. 

Männer haben die Veranlagung, Fett um 

den Magen herum zu speichern, während 

Frauen ihr Fett eher auf den Hüften und am 

Po einlagern. Wenn du überschüssiges 

Körperfett besitzt, führt das dazu, dass 

deine Bauchmuskeln nicht vo lständig zu 

sehen sind. 

Wie kann man am besten 

Bauchfett verlieren? 

A 

Jahrelang haben Menschen 

fälschlicherweise angenommen, 

dass viel Cardio-Training in der 

Fettverbrennungszone die einzige 

Methode ist, Körperfett loszuwerden (siehe 

Kasten unten). In der Tat ist aber die beste 

Methode, effektiv überschüssiges Fett zu 

verbrennen, eine Kombination aus 

Gewichtstraining und hoch intensivem 

Cardio-Training wie zum Beispiel Sprints. 

Bei dieser Herangehensweise wird deine 

Herzfrequenz und dein Stoffwechsel 

erhöht (der Umsatz mit dem dein Körper 

Kalorien verbrennt), sodass dein Körper die 

körpereigenen Fettspeicher als Treibstoff 

verwenden muss. Außerdem so ltest du 

dich vorwiegend eiweißhaltig ernähren 

und deine Zufuhr an Kohlehydraten 

einschränken, denn diese geben deinem 

Körper Energie, die nicht nur daran hindert, 

Fett zu verbrennen, sondern sogar die 

Fettspeicher erhöht, wenn du diese Energie 

nicht komplett verbrauchst. 

Welche Übungen sind 

besonders effektiv für den 

Aufbau von knallharten 

Bauchmuskeln? 

A 

Schwere zusammengesetzte Hebe- 

Übungen, wie Kniebeugen, 

Kreuzheben und Überkopfpressen 

trainieren die gesamte Bauchregion 

wesentlich stärker als Sit-ups oder 

Bauchpressen. Das liegt daran, weil die 

Sixpack-Muskeln dafür verantwortlich sind, 

den Rumpf zu stabilisieren. Daher müssen 

sie hart arbeiten, um den Oberkörper beim 

Heben schwerer Gewichte in einer stabilen, 

sicheren Position zu halten. Jedoch so lten 

Übungen, die direkt die Bauchmuskeln 

ansprechen auch in jedem 

Trainingsprogramm enthalten sein, um die 

Muskeln so stark wie möglich zu trainieren 

und ein maximales Wachstum zu fördern. 

Welche Übungen sind am 

besten geeignet, um die 

Bauchmuskeln direkt zu 

trainieren? 

A 

DIESE METHODE 

WURDE MIT ERFOLG GETESTET! 

SIXPACK WISSENSCHAFT 

Du schaffst es trotz zahlloser Bauchpressen nicht, deinen Bauch zu formen? Das liegt 

wahrscheinlich daran, dass du die falsche Übung machen. Hier ist alles, was du wissen 

musst, um einen perfekten Waschbrettbauch zu erhalten. 

DER MYTHOS DER FETTVERBRENNUNGSZONE 

Wenn lange, langsame, stationäre 

Cardio-Übungen die beste Methode 

zur Fettverbrennung wären, würde 

jeder, der den London Marathon 

läuft, die Ziellinie mit stahlharten 

Bauchmuskeln überqueren. Auch 

wenn bei dieser Art von Training 

natürlich Kalorien verbrannt 

werden, führt es tatsächlich nicht 

zu einem optimalen Fettverlust. 

Das liegt daran, dass zu viele 

stationäre Übungen in der Tat den 

Spiegel des Muskel aufbauenden, 

Fett verbrennenden Testosterons 

und Wachstumshormons senken, 

während sie gleichzeitig den Spiegel 

des Stresshormons Cortisol erhöhen. 

Ein hoher Cortisolspiegel regt 

den Körper an, Energie als Bauchfett 

einzulagern und Muskeln für 

Energie aufzubrechen. Also halte 

deine Cardio-Einheiten kurz und 

intensiv und du wirst schneller zum 

Waschbrettbauch kommen. 

Brust und Arme 

Nicht Sit-ups, auch wenn es eine weit 

verbreitete Ansicht ist, dass sie es 

sind. Sie ermöglichen es, dass die 

Hüftbeugemuskeln und nicht die 

Bauchmuskeln die Übung dominieren, 

deswegen wirst du niemals einen 

Waschbrettbauch damit erreichen, ganz 

egal wie viele Stunden sie damit zubringen. 

Liegestützen dagegen sind hervorragend 

geeignet, um Kraft in den tief liegenden 

Stabilitäts-Muskeln der Rumpfmuskulatur 

aufzubauen. Bauchpressen mit Gewichten 

sprechen die oberen Bauchmuskeln an und 

Knie- und Beinhebungen die unteren 

Bauchmuskeln, während ein Ausro len mit 

Langhanteln a les trainiert. A l diese 

ÜBUNG SÄTZE WH RHYTHMUS PAUSE 

SATZ 1 

Übungen werden auf den folgenden Seiten 

detai liert beschrieben. 

Was ist effektiver bei 

Bauchübungen: Sätze 

mit wenigen oder vielen 

Wiederholungen? 

A 

Jede Muskelgruppe besteht 

hauptsächlich entweder aus schne l 

oder aus langsam reißenden Muskelfasern. 

Bauchmuskeln reißen meist schne l, was 

bedeutet, dass sie üblicherweise besser bei 

Übungen mit hohen Gewichten und 

wenigen Wiederholungen reagieren. 

Trotzdem so ltest du eine Kombination aus 

Bauchübungen mit wenigen und vielen 

Wiederholungen machen, um die 

Muskelfasern so viel wie möglich zu 

strapazieren und bessere Resultate zu 

erreichen. 

Ist es auch wichtig, die 

Muskeln im unteren Rücken 

zu trainieren? 

A 

Deine unteren Rückenmuskeln sind 

ein wichtiger Teil Ihrer 

Rumpfmuskulatur, der oft übersehen wird. 

Sie spielen eine große Ro le bei der 

Stabilisierung des Rumpfes und 

unterstützen den Kraftausgleich zwischen 

Ober- und Unterkörper. 

Wenn du nicht die gleiche Menge 

an Trainingszeit deinem unteren 

Rücken widmest wie du es für Ihre 

Bauchmuskeln machst, führt das zu einer 

unausgeglichenen Rumpfmuskulatur, die 

im besten Fa l dazu führt, dass sich deine 

Bauchmuskeln nicht zum vo len Potenzial 

entwickeln. Schlimmstenfa ls kann es auch 

zu Verletzungen führen. In diesem Workout 

sind viele Übungen für den unteren 

Rücken enthalten. Deswegen bietet es 

auch eine große Menge an direktem 

Bauchmuskeltraining, damit dein Traum 

vom kna lharten Waschbrettbauch bald zur 

Realität wird. 

ANATOMIE DER BAUCHMUSKELN 

Deine Bauchmuskeln verfügen über 

drei Hauptfunktionen – oder vier, 

wenn du dazu zählst, dass dein Körper 

ohne Oberteil besser aussieht. Sie 

stabilisieren deinen Körper, halten 

deinen Rumpf stabil, wenn externe 

Kräfte auf ihn einwirken. Sie sind 

verantwortlich für Vorwärtsbeuge- 

und Drehbewegungen und sie regeln 

die seitliche Beugung und die 

Rückenstreckung. Dies sind die vier 

Hauptmuskeln in der Gruppe: 

1 

Transversus 

abdominis 

Dieser tief liegende Muskel läuft 

über deinen Rumpf von der einen 

zur anderen Seite, hält deine 

Rippen an Ort und Stelle und 

stabilisiert Ihren Beckenbereich. 

2 

Innere seitliche 

Bauchmuskulatur 

Deine innere, seitliche 

Bauchmuskulatur befindet sich 

über dem Transversus Abdominis. 

Sie verläuft von der Hüfte nach 

oben und ermöglicht es, sich zu 

beugen und zur Seite zu drehen. 

3 Äußere seitliche 

Bauchmuskulatur 

Die äußere seitliche 

Bauchmuskulatur liegt 

über der inneren seitlichen 

Bauchmuskulatur und verläuft 

in entgegengesetzter Richtung. 

Sie sorgen neben anderen 

ebenfalls dafür, den Oberkörper 

zu beugen und zu drehen. 

4 Rectus 

abdominis 

2 

Diese Muskelbahn ist in Segmente 

eingeteilt. Wenn sie entwickelt ist, 

erhalten Sie dadurch das klassische 

Aussehen eines Sixpacks. 

Guillotine-Presse 

FÜR DIE FOLGENDEN 

WORKOUTS 9 

2 

1 

10 11 12 13 14 15 16 17 

4 

3 

MIKRO 

ZYKLUS 

2 

1 Schrägbankdrücken mit Kurzhanteln 3 12* 4010 90 Sek. 

SATZ 2 

2 Guillotine-Presse 3 10* 4010 90 Sek. 

SATZ 3 

3a Negativbankdrücken+ 3 12 3010 60 Sek. 

3b Preacher-Curl mit EZ-Stange 3 12 4010 60 Sek. 

SATZ 4 

Wenn dein Fitnesscenter 

über Ketten verfügt, 

bring diese an den Enden 

der Langhantel an, um 

deine Muskeln noch 

stärker zu trainieren. 

Der letzte Satz ist ein 

Drop-Set. Mach die 

Wiederholungen, reduziere 

dann das Gewicht um 15 

Prozent und führ die 

Übungen erneut aus. 

Wiederhole den ganzen 

Prozess erneut und mach 

anschließend eine Pause. 

c Leg dich auf die Bank und halte 

dabei die Füße direkt unter den 

Knien auf dem Boden. 

c Dein Kopf, dein oberer Rücken 

und deine Gesäßmuskeln 

sollten flach auf der Bank 

aufliegen. 

c Halt die Stange im Obergriff mit 

den Händen schulterbreit 

auseinander. 

c Senke die Stange langsam zum 

Nacken hin ab. Die Ellbogen 

drehen sich dabei zu 90 Grad 

nach außen, bis die Stange sie 

fast berührt. 

Schräger Hammer-Curl 3 10 4b Negativ-Trizepsdrücken mit EZ-Stange 3 12 3010 45 Sek. 

3110 45 Sek. 

SATZ 5 

Trizepsdrücken am Kabel 2 30** 5b Bizeps-Curl am Kabel mit engem Griff 2 24** 2010 0 Sek. 

2010 0 Sek. 

1 

Schrägbankdrücken mit Kurzhanteln 

Jeder Satz ist ein Drop-Set in 

drei Teilen. Mach zunächst 

ein Drittel der 

Wiederholungen, reduziere 

anschließend das Gewicht 

um 15 Prozent für das 

nächste Drittel und 

schließlich noch einmal um 

15 Prozent für das letzte 

Drittel. 

c Leg dich auf eine auf 45 Grad 

eingestellte Schrägbank 

und halte in jeder Hand auf 

Schulterhöhe eine Kurzhantel. 

Negativbankdrücken 

a b 

c Press die Füße fest auf den Boden 

und drücke die Stange kräftig 

zurück in die Ausgangsposition. 

TRAININGSTIPP 

c Konzentriere dich so stark wie 

möglich auf das Dehnen und 

Zusammendrücken der 

Brustmuskeln (während du 

das Gewicht absenken und 

hebst). 

3a 3b Preacher-Curl mit EZ-Stange 

c Halte die Füße flach auf 

dem Boden und den Rücken 

gegen die Bank gedrückt. 

c Drücke das Gewicht direkt 

über den Kopf, aber drück die 

Ellbogen oben nicht durch. 

c Senke das Gewicht langsam 

Erstellt durch Nick Mitchell 

54 12-Wochen-Plan 

a b 

wieder zur Brust ab. Die Ellbogen 

zeigen dabei zur Seite. 

Deutschland: 

EUR 9,99 

Österreich: 

EUR 11,- 

Schweiz: 

CHF 15,- 

TRAININGSTIPP 

c Wenn du Schulterprobleme 

habst, dreh deine Handflächen 

so, dass sie aufeinander zu 

zeigen und drehe die Ellbogen 

im unteren Teil der Bewegung 

nach innen. 

c Leg dich auf eine Negativbank und 

halte dabei die Füße direkt unter den 

Knien auf dem Boden. 

c Dein Kopf, dein oberer Rücken und 

deine Gesäßmuskeln sollten flach auf 

der Bank aufliegen. 

c Halte die Stange im Obergriff mit den 

Händen schulterbreit auseinander. 

a b a b 

c Senke die Stange langsam ab. Die 

Ellbogen drehen sich dabei zu 90 

Grad nach außen, bis die Stange fast 

die Mitte deiner Brust berührt. 

c Presse die Füße fest auf den Boden 

und drück die Stange kräftig zurück in 

die Ausgangsposition. 

c Setze dich auf eine Preacher- 

Bank und halte eine EZ- 

Stange im Untergriff. 

c Halt die Ellbogen auf der Bank 

und curle die Stange nach 

oben in Richtung deines 

Kinns. 

Ausgangsposition zurück. 

c Vermeide es, vor- und 

zurückzuschaukeln, um 

Schwung zu holen, denn das 

nimmt den Druck vom Bizeps 

weg. 

c Senke die Stange langsam zur 

mensfitness.de 55 

1 12 week body transformation 

WOCHE 1 

Gewicht 72,3 kg 

Körperfettanteil 

16.5% 

WOCHE 4 


Körperfettanteil 

10.6% 

WOCHE 8 


Körperfettanteil 8.4% 

WOCHE 12 


Körperfettanteil 5.5% 

www.mensfitness.de/apps 

www.facebook.com/mensfitnessmagazin


Landschaftsprojekte 93 

LANDSCHAFTS- 

PROJEKTE 

ERWEITERN 

SIE IHRE 

FÄHIGKEITEN... 

UND LERNEN SIE NEUE 

FOTO-TECHNIKEN 

KENNEN!

Panorama aus 

Einzelbildern 

Eine einfache aber effektive Technik das 

Gesichtsfeld Ihrer Fotos zu erweitern 

Lee Frost: Die Theorie ist einfach: Sie schießen 

eine Reihe sich an den Rändern überlappender 

Bilder und fügen Sie mit dem Computer aneinander. 

Früher hätte man dazu eine spezielle Software 

braucht, heute bekommen Sie mit Photoshop und auch mit 

Elements großartige Ergebnisse. Leider hat die Sache mit den 

aneinanderzufügenden Bildern so ihre Tücken. Sie brauchen ein 

Stativ, doch wenn Sie eine weit entfernte Landschaft 

aufnehmen, muss es kein spezielles Panoramastativ sein. 

Schalten Sie die Kamera auf Zeitautomatik und finden Sie eine 

Belichtung, die für die gesamte Szene geeignet ist. Dann 

schalten Sie die Kamera in den manuellen Modus und stellen die 

gefundenen Werte ein. Dadurch stellen Sie sicher, dass sich die 

Belichtung der einzelnen Aufnahmen nicht unterscheidet. Wenn 

Sie mit dem Schwenk wieder am Ausgangspunkt angekommen 

sind, müssen die einzelnen Aufnahmen in Photoshop mit der 

Photomerge-Funktion verbunden werden. Das Ganze ist ein 

ziemlich intuitiver Prozess, an dessen Ende ein Bild steht, das 

Sie mit den normalen Bearbeitungswerkzeugen von Photoshop 

weiter nachbearbeiten können. 

Setup Montieren Sie ihre Kamera im 

1Hochformat auf ein Stativ und richten Sie sie 

genau horizontal aus, damit Sie beim Schwenken in 

derselben Ebene bleibt. Machen Sie ein paar 

Schwenks zur Übung, und legen Sie dabei fest, wo 

ihr Panorama beginnen und enden soll. 

Manueller Modus Machen Sie ein 

2Test-Foto von einem durchschnittlichen Teil der 

Szene - nicht vom dunkelsten, aber auch nicht vom 

hellsten Teil. Überprüfen Sie das Bild und dessen 

Histogramm und wenn alles gut aussieht, stellen Sie 

die gefundenen Belichtungswerte im manuellen 

Modus an der Kamera ein. Das sorgt dafür dass, jede 

Einzelaufnahme des Panoramas dieselbe Belichtung 

erhält. 

Den Startpunkt festlegen 

3Schwenken Sie die Kamera ganz 

zur linken Kante des Blickfeldes, dass 

sie einfangen wollen und machen Sie ein 

Foto ihrer linken Hand, wobei die Finger 

nach rechts ausgestreckt sind. Das dient 

Ihrer Orientierung, wo die Sequenz 

beginnt, damit Sie später nicht 

durcheinander kommen. 

4 Einzelaufnahmen 

Machen Sie die erste Aufnahme 

der Sequenz, schwenken Sie die 

Kamera leicht nach rechts und machen 

Sie die zweite Aufnahme. Wiederholen 

Sie das, bis Sie das andere Ende der 

Szene erreicht haben, wobei Sie darauf 

achten sollten, dass die Bildausschnitte 

sich um 30–40 % überlappen, um 

später das Zusammenfügen zu 

erleichtern. 

5 Schlussaufnahme 

Machen Sie eine Aufnahme ihrer 

rechten Hand, wobei die Finger nach 

links weisen, um das Ende der Sequenz 

zu markieren. Nachdem Sie die Dateien 

auf Ihren Computer kopiert haben, 

wissen Sie, dass die Fotos zwischen den 

beiden Aufnahmen ihrer Hände zu der 

gewünschten Panoramasequenz 

gehören. 

Stapelverarbeitung Falls 

6Sie im Raw-Format fotografiert 

haben, führen Sie mit den 

entsprechenden Bilddateien eine 

Stapelverarbeitung durch, damit alle 

Bilder dieselben Anpassungen und 

Korrekturen erhalten. Andernfalls wird 

es später sichtbare Inkonsistenzen 

geben. Kopieren Sie die bearbeiteten 

Einzelbilder in einen eigenen Ordner.


Photomerge Öffnen Sie Photoshop und gehen 

7Sie auf „Datei> Automatisieren> Photomerge“. 

Wählen Sie den gewünschten Layoutstil. Versuchen Sie 

ruhig auch Zylindrisch und Perspektivisch. Klicken Sie 

auf die Schaltfläche „Durchsuchen“. 

Zuschneiden Nachdem das Panorama 

9erzeugt wurde, müssen Sie es möglicherweise an 

den Kanten zuschneiden. Nun braucht es nur noch 

wenige Anpassungen, und ihr Panoramafoto ist fertig. 

Letzte Anpassungen Nachdem Sie 

10gespeichert und alle Ebenen 

zusammengeführt haben („Ebene> Auf 

Hintergrundebene reduzieren“), nehmen Sie die letzten 

generellen Anpassungen vor, bis Ihnen der 

Gesamteindruck des Bildes gefällt. Entfernen Sie ggf. 

störende Elemente mit dem Kopierstempelwerkzeug. 


Das Ergebnis ist ein eindrucksvolles Panorama, 

bestehend aus acht Einzelbildern, die in Photoshop 

zusammengefügt wurden. Die 280 MB große 

Photoshop-Datei mit 16 Bit Farbtiefe ist ohne 

Interpolation für Ausdrucke bis zur Länge von 90 cm 

und 300 dpi Auflösung geeignet. 

Dateien zusammenführen Klicken Sie 

8auf den Ordner, der die zusammenzuführenden 

Bilder enthält, und sie erscheinen im Photomerge- 

Dialogfeld. Klicken Sie auf OK und warten Sie, bis der 

Vorgang abgeschlossen ist. Das kann ein paar Minuten 

dauern. 

Panorama-Software 

Zur Produktion von Panoramen gibt es mehrere 

Programme für PC und Mac -- hier stellen wir Ihnen die 

bekanntesten vor. 

Adobe Photoshop 

Falls Sie mit Photoshop, Elements oder Lightroom 

arbeiten, fügen Sie die Einzelbilder ihres Panoramas 

mit der Photomerge-Funktion zusammen, wie hier 

beschrieben. Es funktioniert schnell und einfach. Vor der 

Version CS3 hatte die Funktion ihre Schwächen, doch 

bei allen späteren Versionen bleiben keine Wünsche 

offen. Die Software steht für PC und Mac zur Verfügung. 

Kosten: ist in Photoshop und Lightroom enthalte 

www.adobe.com/de/ 

PTGui 

(Panoramic Tools Graphical User Interface) 

Auch dieses Programm gibt es für Mac und PC, 

doch es beherrscht wesentlich mehr Optionen als 

Photomerge. Damit können Sie unter anderem mehrere 

Ebenen von Bildern zusammenführen, zylindrische 

Schwenks von 360° durchführen, ebenso 360°×180° 

sphärische Schwenks, HDR-Schwenks sowie 

Gigapixel-Schwenks mit hunderten von Ausgangsfotos. 

Die neueste Version bietet die Funktion „Am Raster 

fangen“, die es wesentlich erleichtert, mehrere Ebenen 

zusammenzuführen; zusätzlich können Sie den 

Prozess manuell steuern und die Überlagerung präzise 

anpassen. Das Programm ist zu empfehlen, wenn Sie 

diese Arbeitstechnik des Öfteren benutzen. 

Kosten: 79 Euro für PTGui, 149 Euro für PTGui Pro 

www.ptgui.com 

PanaVue Image Assembler 

Ähnlich wie PTGui bietet auch dieses Programm 

automatisches und manuelles Zusammenführen, es 

korrigiert Objektivverzerrungen und falsche Ausrichtung, 

kann mit mehreren Bildebenen umgehen und Formate 

von bis zu 1m x 1 m verarbeiten. Der Zuschnitt kann 

automatisch erfolgen und es können sogar aus der Hand 

geschossenen Sequenzen zusammengefügt werden. 

Auch vertikale Schwenks sind kein Problem. Leider 

ist es nur für den PC verfügbar. Es gibt eine kostenfreie 

Testversion zum Download. 

Kosten: 64 Euro für die Standard Version; 129 für die 

Pro Edition. 

www.panavue.com 

Panoweaver 8 

Eine gute Wahl, falls Sie zylindrische oder sphärische 

Schwenks produzieren wollen, die später mit HTML 

5, Flash VR, QTVR und ähnlichen Plattformen weiter 

verarbeitet werden sollen. Mit dem Programm können 

Sie beispielsweise mehrere horizontale Bildreihen 

zusammenfügen und auch Bilder, die mit Fisheye- 

Objektiven an einer Vollformatkamera für sphärische 

Schwenks aufgenommen wurden, sind kein Hindernis. 

Ebenso ist die Erzeugung von HDR-Schwenks kein 

Problem, wenn Sie Probleme mit Belichtung und 

Kontrast beseitigen müssen. Das Programm gibt es für 

PC und Mac. 

Kosten: $99.99 Standard Edition. 

www.easypano.com/de/ 

Arcsoft Panorama Maker 6 

Diese Software ist relativ preiswert und einfach zu 

benutzen. Sie bietet fünf unterschiedliche Verfahren, 

um Einzelbilder zusammenzuführen: Auto, 360°, 

Horizontal, Kachel und Vertikal – Sie wählen einfach die 

Methode aus und anschließend die zu verwendenden 

Fotos. Sie können Panoramen aus Einzelbildern und aus 

Videos erzeugen, sogar 360° Virtual-Reality-Filme sowie 

3D-Panoramen produzieren. All das können Sie in eine 

Reihe unterschiedlicher Formate exportieren, wobei 

Farbbalance, Belichtung und Beleuchtung dynamisch 

angepasst werden können. Das Programm gibt es nur 

für den PC. 

Kosten: 79.99 Euro 

www.arcsoft.com

96 Landschaftsprojekte 

Sommerlandschaft 

Eine Wiese mit Wildblumen ruft geradezu nach ihrer Kamera – hier erfahren 

Sie, wie Sie sie so fotografieren, dass sie sich von ihrer schönsten Seite zeigt. 

Helen Dixon: Mohnblumen sind für mich die Vorboten des Sommers. Leider war der Frühling in diesem 

Jahr von wochenlangem Regen und starker Bewölkung begleitet, deswegen konnte ich nichts tun als auf 

einen klaren Tag zu hoffen. Als dieser Tag endlich kam, wollte ich mit der Kamera so viel wie möglich 

erreichen. Dass der Sommer wieder vorbei ist, bevor er richtig begonnen hat, ist in unseren Breiten leider 

keine Seltenheit. 

Mohnfelder sind nicht mehr häufig zu finden, da Bauern Pestizide spritzen, außer im biologischen Anbau. 

Trotzdem ist kaum vorhersehbar, wo Mohnblumen auftauchen. Sie wachsen oft zusammen mit anderen 

Wildblumen und blühen von Mitte Mai den ganzen Sommer hindurch, manchmal sogar noch im Oktober. 

Ich war bereits vorher in der Gegend gewesen und wusste, dass die Sonne zu dieser Jahreszeit über dem 

Meer untergeht. Ich plante den Fototag so, dass er bei den Felsen an der Küste zu Ende ging. Falls Sie ein 

Mohnfeld fotografieren wollen, nachdem es geregnet hat, warten Sie noch etwas ab; der Regen 

beschädigt die zarten Blüten, und die Pflanzen brauchen Zeit zur Erholung. Ein halber Tag reicht 

normalerweise aus, damit neue Blüten sprießen können. Ich machte mich am späten Vormittag auf, weil 

ich wusste, dass das Feld, das ich besuchen würde, im Gegenlicht der Abendsonne besser aussieht als 

bei Sonnenaufgang. 

Kameraeinstellungen und Aufnahmetechnik An Tagen, an denen der Himmel viel heller 

ist als der Erdboden, müssen Sie einen Grauverlaufsfilter benutzen, um den Helligkeitsunterschied 

anzugleichen. Machen Sie eine Punktmessung für den Himmel, eine für den Vordergrund und notieren Sie 

die Differenz zwischen beiden Werten. Nun stellen Sie im manuellen Modus der Kamera eine mittlere 

Blende ein, um ausreichende Schärfentiefe für Ihre Szene zu erhalten – für mch hat Blende f/13 immer gut 

funktioniert. Nun stellen Sie die Verschlusszeit ein, die Sie zuvor durch die Belichtungsmessung des 

Vordergrunds ermittelt haben, und montieren anschließend den Verlaufsfilter am Objektiv. Ich benutze 

üblicherweise harte Verlaufsfilter der Stärken 0,3 (1 Blendenstufe), 0,75 (2.5 Blendenstufen) und 0,9 

(drei Blendenstufen). 

Stellen Sie auf einen Punkt scharf, der ungefähr auf dem Ende des ersten Drittels des Weges in die Szene 

liegt und benutzen Sie LiveView und Schärfentiefen-Vorschau, um die Schärfe zu prüfen. 

10:00 bis 13:00 Uhr – Ich ging am Feld 

entlang, um festzustellen, wo die Mohnblumen 

am dichtesten stehen. Suchen Sie nach 

Kamerastandpunkten, die für Nachmittagslicht 

geeignet sind. Wenn Sie Glück mit dem Wetter 

haben, können Sie den ganzen Tag 

fotografieren. Beziehen Sie Wolkenformationen 

mit ein, denn Sonnenlicht durch Wolken ist 

besonders gleichmäßig, vermeiden Sie aber die 

Mittagszeit bzw. senkrechten Sonnenstand. 

Tagsüber ist es nicht immer nötig, einen 

Grauverlaufsfilter zu benutzen, erst wenn die 

Sonne den Zenit überschritten hat und Sie die 

Belichtung verlängern müssen. Manchmal 

reicht bereits der 0,3ND Verlaufsfilter, um eine 

Szene auszubalancieren und die Details des 

Himmel zu verstärken. 

Für diese Aufnahmen habe ich allerdings einen 

Polfilter benutzt, um die Farben zu sättigen, den 

Himmel zu intensivieren und Reflexionen auf 

den Blüten zu vermeiden. Der Polfilter erfordert 

eine Verlängerung der Belichtung um zwei 

Blendenstufen. 

Warten Sie, bis sich eine Wolke vor die Sonne 

schiebt – dadurch werden mehr Details der 

Blüten sichtbar! 


Mit Polfilter


Etwa eine Stunde vor Sonnenuntergang ging ich 

zu den Klippen und baute meine Ausrüstung auf. 

Diesmal ließ ich den Polfilter weg und benutze 

statt des 0,75ND einen 0,9ND Verlaufsfilter, um 

den Vordergrund drei Blendenstufen heller zu 

machen, mehr Details zu erhalten und 

ausbrennende Spitzlichter zu vermeiden. 

14:00 bis 17:00 Uhr – Am Nachmittag war 

die Sonne über mich hinweg gezogen und schien 

seitlich ins Objektiv. Ich verlagerte also meinen 

Standpunkt ans Ende des Mohnfeldes, um die 

Sonne wieder im Rücken zu haben. Da sich 

Wolken gebildet hatten, war das Licht nicht mehr 

so harsch wie am Mittag. Ich benutze einen 

0,75ND Verlaufsfilter, zusätzlich zum Polfilter, und 

verlängere die Belichtung, um Himmel und 

Vordergrund auszubalancieren. Außerdem 

benutzte ich einen Fernauslöser, um meine 

Aufnahmen nicht zu verwackeln. Es wäre schön 

gewesen, einen Baum als Fixpunkt in der Szene zu 

haben, um dem Motiv Tiefe zu geben; doch an 

meinem neuen Standpunkt musste ich ohne 

auskommen. Stattdessen ging ich näher an die 

Mohnblumen heran, damit der Vordergrund 

stärker betont wird und eine einfachere 

Bildkomposition entsteht. 

Später am Nachmittag gelangen noch einige 

Nahaufnahmen, da das Licht und die Schatten 

weicher wurden. 

Anstelle eines Makroobjektivs lässt sich auch ein 

Teleobjektiv verwenden, um die Perspektive zu 

komprimieren und mit weit geöffneter Blende 

einzelne Blumen zu isolieren. 

Ohne Verlaufsfilter 

Mit 0,75ND Verlaufsfilter

98 Landschaftsprojekte Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Lavendel 

Einige Erfahrungen und Tipps zu Lavendel-Landschaften, damit Sie diese intensiv 

duftenden Sommerpflanzen perfekt ins Bild setzen... 

Helen Dixon: Es gibt eine ganze 

Reihe von Lavendelpflanzungen bei 

uns: ein Hauch von Provence 

praktisch vor der Haustür. In voller 

Blüte stehen sie zwischen Mitte Juni und Ende 

August. 

Ein Besuch kurz vor der Ernte bietet die Chance 

auf fantastische Bilder der lila blühenden 

Pflanzen, die in regelmäßigen Reihen 

angeordnet sind, wodurch sehr schöne 

Führungslinien für ein Foto gebildet werden. 

Diese Aufnahmen stammen von einer 

Lavendel-Farm – mit etwas Internet-Recherche 

finden Sie auch Gärtnereien, die Lavendel 

aufziehen. Wilder Lavendel ist sehr selten und 

wächst bestimmt nicht in regelmäßigen 

Reihen, doch er hat den Vorteil, dass Sie ihn zu 

jeder Tageszeit fotografieren können, während 

Sie bei der Gärtnerei an deren Öffnungszeiten 

gebunden sind. Die Erntezeit hängt stark von 

der Art des Sommers ab, deswegen sollten Sie, 

wenn Sie einen Betrieb ins Auge gefasst haben, 

sicherstellen, dass nicht gerade drei Tage vor 

ihrem geplanten Besuch die jährliche Ernte 

erfolgt ist. Dass Sie auf einem Betriebsgelände 

eine Fotogenehmigung brauchen, versteht sich 

von selbst. 

Es gibt eine Reihe von Aufnahmetechniken, die 

Sie beim Lavendel probieren können – sie 

reichen vom Einbeziehen der vorhandenen 

Führungslinien über das selektive Scharfstellen 

bis zum Einsatz von Filtern, mit denen Sie 

unterschiedliche Effekte erzeugen können. Es 

lohnt sich auf jeden Fall, verschiedene 

Objektive mitzunehmen. Das Wichtigste ist ein 

Weitwinkel Zoom mit 10-20mm Brennweite, 

falls sie einen APS-C Sensor in der Kamera 

haben, 17–35mm Brennweite beim 

Vollformat. Packen Sie außerdem ein 

70–300mm Telezoom ein, um Perspektiven zu 

komprimieren, sowie ein Makroobjektiv für 

extreme Nahaufnahmen. 

Für Aufnahmen von Lavendel in Landschaften 

müssen Sie die jeweiligen Lichtverhältnisse in 

Betracht ziehen. Auch hier ist die beste 

Tageszeit die goldene Stunde bei Sonnenaufoder 

Sonnenuntergang. Im Sommer ist diese 

Zeit abends etwas länger als morgens. 

Falls Sie wegen der Betriebsöffnungszeiten nur 

bei Tag vor Ort sein können, vermeiden Sie die 

Zeit zwischen 11:00 Uhr vormittags und 

15:00 Uhr nachmittags. Warten Sie ggf. auf 

leichte Bewölkung, da Streulicht die Farben 

des Lavendels verstärken kann. Hartes 

Sonnenlicht bleicht die Farben und lässt die 

Bilder blass und flach wirken. 

Nehmen Sie auf jeden Fall einen Polfilter mit, 

um dem Farbeindruck der Blüten auf die 

Sprünge zu helfen. Und nun viel Spaß... 

Nahaufnahmen Benutzen Sie eine weit offene 

Blende von etwa f/2.8 bis f/4 und stellen Sie mit 

Einzelpunkt-Autofokus auf einen ausgewählten 

Bereich scharf, wobei der Rest der umgebenden 

Pflanzen nicht im Schärfebereich liegen sollte. Am 

besten funktioniert das bei Windstille, weil sonst 

jede Bewegung mit aufgenommen wird. Falls Sie 

ein Makroobjektiv verwenden, können Sie 

gegebenenfalls einen Reflektor benutzen, doch 

blenden Sie in diesem Fall ab, um die Schärfentiefe 

zu erhöhen. Bei diesem Bild benutzte ich ein Canon 

EF 100mm f/2.8 Makroobjektiv, wobei die Kamera 

auf 1/125 Sekunde bei Blende f/4.5 und ISO 100 

eingestellt war. 

Mit Grauverlaufsfilter 

Ohne Grauverlaufsfilter 

Filter Ein Polfilter verstärkt die Farben und unterdrückt Reflexionen und 

Blendungen. In diesem Fall war er nicht notwendig wegen der Schatten, die von den 

Wolken erzeugt wurden. Ich habe hier einen Grauverlaufsfilter benutzt, weil der 

Himmel heller war als der Vordergrund. Sie brauchen einen umso stärkeren Filter, je 

mehr Schatten sich in der Szene befindet. Ich benutzte einen 0,9 ND und einen 0,75 

ND Verlaufsfilter, um die Details am Himmel zu erhalten, wobei die Verschlusszeit 0,5 

Sekunden bei Blende f/13 und ISO 100 betrug. 

Bildkomposition Lavendel wird in Reihen gepflanzt, wodurch hervorragende 

Führungslinien entstehen, die Sie unbedingt in ihr Bild einbeziehen sollten. Stellen Sie 

das Stativ von Zeit zu Zeit auf eine andere Höhe ein, um unterschiedliche Blickwinkel 

zu bekommen. Experimentieren Sie mit einer Vielzahl von Bildkompositionen – selbst 

das Porträt-Format ist mitunter angebracht, genauso wie ein sehr niedriger 

Kamerastandpunkt oder eine Verschiebung des Fluchtpunktes, denn nicht immer ist 

ein zentraler Fluchtpunkt der beste. Je mehr Sie ausprobieren, umso größer ist die 

Chance auf ein wirklich außergewöhnliches Foto.


Wenn Sie einen Baum finden, kann er als 

Fixpunkt und durch zusätzliche Farben Ihr 

Motiv attraktiver machen. 

Für einen möglichst tiefen Schärfebereich 

fokussieren Sie auf einen Punkt am Ende 

des ersten Drittels der Szene und nutzen 

eine kleine Blende wie f/13 oder f/16.


Glockenblumen 

Planen Sie ein bis zwei freie Tage ein und begeben Sie sich in einen Glockenblumenwald, um eine 

von mehreren kreativen Techniken auszuprobieren und atemberaubende Bilder zu machen. 

GROSSBRITANNIEN IST DER BESTE ORT DER 

WELT, um Glockenblumen zu fotografieren – 

Schätzungen zufolge befindet sich hier circa 

70 % der gesamten Population. Wo immer man 

in Großbritannien lebt, man ist nirgends weit von 

einem Glockenblumenwald entfernt. Sie blühen 

von Mitte April bis Ende Mai, doch Ihre 

Hauptblütezeit kann von Jahr zu Jahr leicht 

abweichen. Anfang Mai sind sie normalerweise 

am fotogensten, doch ein früher Besuch lohnt 

sich, um zu sehen, in welchem Stadium sie sich 

gerade befinden – so können Sie Ihren Besuch 

richtig abstimmen und verpassen es nicht, wenn 

die Pflanzen ihren Höhepunkt erleben. 

Wetter und zeitliche Abstimmung sind 

Schlüsselfaktoren. Um ehrlich zu sein, gibt es für 

die Fotografie von Glockenblumen kein 

schlechtes Wetter, doch ein heller, bewölkter Tag 

eignet sich am besten. Die Kontraste sind 

schwach und erleichtern eine korrekte 

Belichtung. Die Beschaffenheit des Lichts ist 

weich und gedämpft und die Farben der 

Waldblumen und des frischen grünen Laubwerks 

sind von Natur aus gesättigter. Der frühe Morgen 

und der späte Abend können ein magisches Licht 

für die Fotografie des Waldlandes schaffen. Das 

Licht ist wärmer und die langen Schatten 

erzeugen in Ihren Aufnahmen zusätzliche Tiefe. 

Wenn die Sonne hell ist und hoch oben am 

Himmel steht, dann kann der sonnengesprenkelte 

Waldboden sehr ansprechend für die Augen sein, 

doch kann das Kontrastniveau die Fähigkeiten 

der dynamischen Reichweite Ihres Sensors 

übersteigen. Es kann sich als schwierig, wenn 

nicht gar unmöglich erweisen, bei so viel Kontrast 

zu einer guten Belichtung zu gelangen – daher ist 

es oftmals besser, in der Mittagssonne 

aufzunehmen. Auch der Besuch an einem 

ruhigen Tag ist eine gute Idee, da sich die 

Glockenblumen während der Belichtung somit 

nicht bewegen. 

Wenn man in einen Wald mit großen Schwaden 

voller Glockenblumen geht, kann es sich als 

schwierig erweisen, „die Aufnahme“ zu 

identifizieren, da die Auswahl an Kompositionen 

quasi unendlich groß ist. Ein kreatives Auge ist 

für großartige Aufnahmen unerlässlich. Halten 

Sie die Komposition einfach. Vermeiden Sie 

Durcheinander, wie beispielsweise ablenkende 

heruntergefallene Zweige, und halten Sie 

Ausschau nach interessanten Details des Waldes, 

die Sie als Charakteristikum verwenden können 

– ein moosbedeckter Baumstumpf, oder große 

Farnbüsche zum Beispiel. Enge Pfädchen, die 

sich auf ihrem Weg in die Ferne schlängeln, 

eignen sich hervorragend dazu, das Auge des 

Betrachters in die Aufnahme zu ziehen. 

Die Wahl des Objektivs ist entscheidend, nehmen 

Sie daher eine Auswahl an verschiedenen 

Fokallängen mit. Weitwinkel-Objektive sind ideal, 

um weite Blumenteppiche festzuhalten, doch 

oftmals eignet sich ein mittleres Tele-Objektiv im 

Bereich von 50–100 Millimetern für Blumen 

besser. Ein kurzes Tele-Objektiv verkürzt die 

Perspektive und erzeugt den Eindruck, dass die 

Blumenteppiche noch dichter sind, als es 

eigentlich der Fall ist. Diese Art von Fokallänge 

hilft Ihnen auch, wenn Sie eine besonders 

fotogene Baumgruppe oder einen einzelnen 

Baumstamm hervorheben möchten. Ein 

Makro-Objektiv, oder das lange Ende eines 

Telezooms ist hingegen ideal, um einzelne 

Blumen zu isolieren. 

In bedecktem Licht ist es relativ einfach, zur 

richtigen Belichtung zu gelangen. Das 

Mehrzonenmesssystem Ihrer Kamera sollte daher 

nicht vor größeren Problemen stehen. Am Licht 

eines frühen Morgens oder späten Abends erweist 

es sich häufig als leichter, in die Richtung des 

Lichts aufzunehmen, so dass es attraktiv durch 

das Laubwerk „blutet“. Wenn man jedoch auf 

diese Art und Weise ins Licht fotografiert, kann 

das Messsystem getäuscht werden und die 

Resultate sind unterbelichtet. Werfen Sie ein 

Weitere Waldblumen 

Buschwindröschen: Eine 

weit verbreitete und regional übliche 

mehrjährige Waldblume, die häufig in 

großen Gruppen wächst. Ihre weißen 

Blüten sind wunderschön zart. Am 

besten fotografiert man sie einzeln 

in Nahaufnahmen oder mit einem 

Weitwinkel-Objektiv im Kontext ihrer 

natürlichen Umgebung. 

Bärlauch: Er wächst oft in 

direkter Nachbarschaft zu den 

Glockenblumen, riecht stark nach 

Knoblauch und kann auf feuchtem 

Waldboden in großen Mengen 

wachsen. Von hinten angeleuchtet oder 

in rahmenfüllenden Nahaufnahmen 

macht er sich am besten. Verwenden 

Sie einen Polarisator, um die Farbe der 

Blätter zu sättigen. 

Ruprechtskraut: 

Üblicherweise weit verbreitet tauchen 

seine fotogenen rosa Blüten ab April 

auf. Mit einem Makro-Objektiv oder 

einem Nahaufnahmefilter können 

Sie seine zarte Schönheit bestens 

enthüllen. Ein kleiner silberner/ weißer 

Reflektor spiegelt das natürliche Licht 

und schwächt harte Schatten. 

Auge auf das Histogramm und wenden Sie wenn 

nötig eine Belichtungskorrektur an. Die 

Verschlusszeiten sind im Schatten des Waldes oft 

lange, was stark für ein Stativ spricht. Bei 

ausladenden Weitwinkelbildern aus dem Inneren 

des Waldes sollte man sich für eine kleine Blende 

wie f/13 entscheiden. So erhält man eine hohe 

Tiefenschärfe, die von vorne bis hinten alles in 

den Fokus rückt. Eine flache Tiefenschärfe eignet 

sich für mancherlei Aufnahmen allerdings besser. 

Bei einer einzelnen, isolierten Pflanze 

beispielsweise, oder einem attraktiven Farnkraut 

sollte man sich für eine große Blende wie f/4 oder 

f/5.6 entscheiden, um die Blumen im 

Hintergrund als ansprechenden blauen Schleier 

darzustellen, der sich außerhalb des Fokus 

befindet. 

Schritt für Schritt zur Magie von 

Glockenblumen 

Glockenblumen sind zweifelsohne wunderschön, doch das 

bedeutet nicht, dass sie einfach zu fotografieren sind. Und 

da es sich um ein so populäres Fotomotiv handelt, ist es 

sogar noch schwieriger, originell und kreativ zu sein. Ross 

Hoddinott versorgt uns mit Inspiration, indem er den 

örtlichen Wald besucht, um eine Reihe von 

Glockenblumenbildern aufzunehmen. Sein Expertenrat wird 

Ihnen helfen zu wissen, wonach Sie suchen, welche 

Techniken Sie ausprobieren können und was Sie bei 

Aufnahmen von Glockenblumen vermeiden sollten. 

f/4 

f/22 

VERMEIDEN SIE DURCHEINANDER UND 

1 ABLENKUNG: Als ich dieses Bild machte, wurde ich 

von der Vitalität und den Farben der Glockenblumen 

verführt und übersah die heruntergefallenen Zweige und 

das Durcheinander auf dem Waldboden. Halten Sie die 

Komposition sauber und einfach. 

HALTEN SIE AUSSCHAU NACH 

2 KOMPOSITIONSHILFEN, einem kurvigen Pfad oder 

einem moosbedecktem Baumstumpf beispielsweise, die für 

starke Einführungslinien sorgen. Sie geben Ihren Bildern ein 

Gefühl von Dreidimensionalität, ohne das ihnen womöglich 

die Tiefe und die interessanten Details fehlen. 

EXPERIMENTIEREN SIE MIT DER 

3 TIEFENSCHÄRFE: Ein flacher Fokus kann bei der 

Fotografie von Waldobjekten gut funktionieren. 

Wählen Sie eine große Blende, um anstatt von 

Hintergrunddetails nur Ihren Fokuspunkt 

hervorzuheben.



Fotografen-Kodex 

Umweltschutz ist oberstes Prinzip! Bleiben Sie auf 

den Pfaden, zertrampeln oder pflücken Sie keine 

Pflanzen, um zu einer besseren Bildkomposition zu 

gelangen. Fotografen haben bereits einen schlechten 

Ruf für ihre Gleichgültigkeit gegenüber Wildblumen 

– bitte gehen Sie mit gutem Beispiel voran! 

Standardaufnahme 

Standardaufnahme 


Mit Bewegung Mit Zoomexplosion Mit Polfilter 

SEIEN SIE KREATIV: Stellen Sie eine Verschlusszeit 

4 von einer Sekunde ein und bewegen Sie die 

Kamera während der Belichtung nach oben und nach 

unten, um die Bäume künstlerisch weichzuzeichnen. Es 

ist eine Technik aufs Geratewohl und mag einige 

Versuche in Anspruch nehmen, um zu einem gefälligen 

Ergebnis zu gelangen. 

PROBIEREN SIE ES MAL MIT EINER 

5 ZOOMEXPLOSION: Hierbei handelt es sich um eine 

weitere einfache, kreative Technik. Komponieren Sie 

Ihre Aufnahme entweder mit Hilfe des kurzen oder des 

langen Endes des Zooms. Während der Belichtung 

drehen Sie dann den Zoom sanft zum anderen Ende der 

Objektivreichweite. 

VERWENDEN SIE EINEN POLFILTER: Dadurch 

6 werden grelles Licht und Reflexlicht von Blumen 

und Laub reduziert. Der Filters stellt die natürliche 

Farbsättigung wieder her und verleiht den Waldbildern 

zusätzliche Wirkung. Denken Sie daran, dass der 

Polarisator Ihre Verschlusszeit verlängert.

102 Landschaftsprojekte 

Bäume kreativ verwischen 

Der geschickte Einsatz langer Verschlusszeiten kann einem Foto den 

Eindruck von Bewegung vermitteln und Natur- und Landschaftsbilder zum 

Leben erwecken. 

Helen Dixon: Ein Element der Bewegung in Ihren Landschaftsaufnahmen kann einer 

Szene Energie und Leben verleihen. Landschaftsfotografen verwenden des Öfteren 

Langzeitbelichtungen, um sich bewegendes Wasser zu verwischen. Es gibt keinen Grund, 

warum diese Aufnahmetechnik nicht auch bei Gras, Bäumen, Pflanzenbewuchs und 

Blumen angewendet werden könnte. Achten Sie bei der Bildkomposition darauf, dass mindestens 

ein statisches Objekt nicht von der herrschenden Brise erfasst wird. So entsteht ein Spannungsfeld 

zwischen Ruhe und Bewegung in Ihrem Bild. Es bewirkt außerdem die klare Unterscheidung 

zwischen einer Aufnahme, in der die sichtbare Bewegung gewollt ist und einer verwackelten 

Aufnahme. Bäume sind ideal, denn der wind bewegt zwar Blätter, Zweige und Äste, doch der dicke 

Stamm bleibt unbewegt. 

Das Sie mit einer Langzeitbelichtung arbeiten werden, ist es am besten, wenn der Himmel bedeckt 

ist. Grelles Sonnenlicht erzeugt zu einem starken Kontrast zwischen den im Sonnenlicht und den im 

Schatten befindlichen Bereichen. Der bedeckte Himmel sorgt demgegenüber für eine gleichmäßige 

Ausleuchtung Ihrer Szene. Sie brauchen eine Brise, die Bewegung in den Bäumen erzeugt, doch zu 

starker Wind ist unerwünscht, denn der könnte die Kamera durchschütteln, selbst auf einem Stativ. 

Apropos: Natürlich ist ein Stativ unerlässlich für diese Art der Fotografie, aus der Hand würden Sie 

unweigerlich verwackeln. Wählen Sie eine Komposition, in der das Licht möglichst diffus in der 

Szene verteilt ist, denn jede zu helle Stelle würde zu Spitzlichtern im Foto führen. Ich habe diese 

Baumreihe gewählt, weil sie ein gleichmäßiges Laubdach aufweist, um Spitzlichter zu vermeiden, 

und die dicken Stämme sorgen für sehr schöne Führungslinien im Bild, wobei die Äste oben im Bild 

einen passenden Rahmen des Motivs abgeben. 

Setup und 

Kameraeinstellungen 

Damit ich eine lange 

Verschlusszeit verwenden 

konnte, ohne überzubelichten, 

stellte ich die ISO- 

Empfindlichkeit auf 100 und 

eine Blende von f/13 ein, damit 

von vorn bis hinten alles scharf 

abgebildet werden würde. Ein 

Polfilter sorgte dafür, dass 

Blendungen durch das Blattwerk 

vermieden wurden. Außerdem 

hatte das den Vorteil, die 

Belichtung noch um zwei Stufen 

verlängern zu können. Es reichte 

jedoch immer noch nicht aus, 

wirklich wahrnehmbare 

Bewegung abzubilden. Ein 0,9 

ND Graufilter verlängerte noch 

einmal die Verschlusszeit, die 

nötig war, um die Bewegung der 

Äste und des Grases abzubilden, 

doch erst Abblenden auf f/16 

brachte die Verschlusszeit so weit 

herunter, dass ich zufrieden war. 

Vermeidbare Fehler 

Bildkomposition Falls das Licht mit 

variierenden Intensitäten einfällt, kann es schwer 

werden, eine gleichmäßige Belichtung der gesamten 

Szene zu erreichen. In diesem Bild ist das Licht 

außerhalb des Laubdaches zu hell und wirkt 

ablenkend.

Fertiges Bild 

Eine perfekte Mischung aus 

Bewegung des Laubdachs und scharf 

abgebildeten Baumstämmen machen 

diese Aufnahme zu einem 

künstlerischen Bild. 

Zu viel Gras Die Baumstämme sollten die 

interessanten Führungslinien des Bildes sein, doch 

hier sind sie zu nah am Rand des Bildrahmens und 

fungieren deshalb nicht als Führungslinie. 

Spitzlichter Trotz des dichten Laubdachs sorgt 

die durch die Wolken brechende Sonne dafür, dass die 

nicht im Schatten liegenden Areale am Boden total 

überbelichtet werden. Nur wenige Minuten später 

hatte sich die Wolkendecke wieder geschlossen, und 

ich konnte weiter fotografieren. 

Nicht genug Wind Die Belichtung ist 

gleichmäßig und die Bewegung des Laubdachs ist 

schön eingefangen, doch es sind noch zu viele 

unbewegte Äste sichtbar. Eine kleinere Blende und 

eine noch längere Verschlusszeit sind nötig, um mehr 

Bewegung ins Bild zu bringen.


Nehmen Sie eine neblige Morgenszene auf 

Frühmorgendlicher Nebel bietet wundervolle Gelegenheiten für magische, ätherische Szenen ... 

FRÜHNEBEL ist ein besonders typisches 

Phänomen des Frühlings. Nebel kann 

magisch wirken, wenn er Täler füllt und 

atmosphärisch über Feldern liegt. 

Da er Farben und Kontraste reduziert, 

vereinfacht Nebel die Struktur von Objekten, 

betont aber stattdessen ihre Formen. Es gibt 

unterschiedliche Arten von Dunst und Nebel; 

der fotogenste ist jedoch der Strahlungsnebel, 

der während klarer und ruhiger Nächte 

entsteht, wenn der Boden wegen der 

Strahlung und der Frische an Hitze verliert. Er 

kühlt die umgebende, gesättigte Luft ab, bis 

die Feuchtigkeit kondensiert. Dies beschränkt 

sich meist auf niedrige Bodenlagen und formt 

eine dünne weiße Schicht am Grund von 

Tälern. 

Wer den regionalen Wettervorhersagen folgt, 

sollte auf klaren Himmel und kühle, windstille 

Nächte warten: perfekte Bedingungen für 

Frühnebel. Auch was die Sicht betrifft, sollte 

man die Wettervorhersagen beachten. Wird 

die Sicht laut Vorhersage durchschnittlich 

oder schlechter, dann besteht eine gute 

Chance, am nächsten Morgen von Nebel 

begrüßt zu werden. Stellen Sie also Ihren 

Wecker früh und planen Sie genug Zeit ein, 

um vor Sonnenaufgang Ihre gewünschte 

Position einzunehmen, sodass Sie alles 

aufbauen und sich auf den besten Zeitpunkt 

vorbereiten können. Wer mit dem Auto 

unterwegs ist, sollte auch bedenken, dass er 

aufgrund des Nebels ggf. langsamer fahren 

muss. 

Ein hoher Blickwinkel – die Spitze eines 

Hügels oder der höchste Punkt eines Tals – ist 

oft die beste Wahl, um sich über den Nebel 

erheben und atmosphärische Aufnahmen 

machen zu können. Häufig werden Objekte 

bei nebligem Wetter auf einfache Silhouetten 

reduziert. Suchen Sie nach starken, plakativen 

Objekten, die Sie in der Landschaft 

fotografieren können – eine Kirchturmspitze, 

eine Burgruine, Bäume oder Grenzsteine. 

Längere Fokallängen passen am besten zu 

nebligen Bedingungen, weil sie die 

Perspektive verkürzen und dem Fotografen 

erlauben, interessante Details zu isolieren. 

Das Licht ist stark gestreut und diffuser im 

Nebel, was dem mystischen Effekt zugute 

kommt. Die dramatischste Wirkung entsteht 

oftmals, wenn man in Richtung des Lichts 

aufnimmt. Ein mittleres Teleobjektiv mit ca. 

100 Millimetern sollte ideal sein. Nebel neigt 

dazu, genau wie Schnee, das Messsystem der 

Kamera zu täuschen. Das liegt daran, dass 

Messsysteme darauf ausgelegt sind bzw. 

Objekte erwarten, deren Farben in den 

Mitteltönen liegen (18 % Grau). Objekte, die 

deutlich heller oder dunkler als die Mitteltöne 

sind, beispielsweise eine neblige Landschaft, 

können daher falsch belichtet werden. Gerade 

das TTL-Messsystem neigt dazu, Nebel 

unterzubelichten, sodass er zu dunkel wird. 

Bevor Sie bei Nebel auslösen, prüfen Sie das 

Histogramm auf dem Kameradisplay. Wenn 

der Graph eher auf der linken Seite liegt, ist 

dies ein Zeichen für Unterbelichtung. Wenden 

Sie eine positive (+) Belichtungskorrektur an, 

um das Bild aufzuhellen, und machen Sie 

noch eine Aufnahme. Verwenden Sie wieder 

das Histogramm als Richtlinie. Nachdem Sie 

sich frühmorgens aus dem Bett gequält 

haben, um Frühnebel zu fotografieren, sollten 

Sie das Bildpotenzial kleinerer, weniger 

offensichtlicher Objekte nicht übersehen – 

zum Beispiel taubedeckte Spinnennetze, die 

in der Morgensonne glitzern. 

Ich hörte täglich den regionalen Wetterbericht, 

1 bis eine klare, ruhige Nacht vorhergesagt wurde. 

Die Sichtweite war über Nacht gefallen, also war ich 

optimistisch, dass es am nächsten Morgen neblig 

würde. Ich bereitete meine Kameraausrüstung vor 

und stellte den Wecker auf kurz vor Sonnenaufgang. 

Es ist ziemlich sicher, dass die Landschaft in 

2 morgendlichen Nebel gehüllt ist. Ich fuhr zu 

einem hohen Aussichtspunkt, der mir einen guten 

Blick über die neblige Landschaft bot und baute 

meine Ausrüstung auf. Ein Tele-Objektiv ist eine gute 

Wahl für Nebelaufnahmen, weil es die Perspektive 

staucht und die Wirkung des Nebels übertreibt. 

3 

Nebel vereinfacht den Look von Landschaften 

und gibt ihnen einen „Schicht-“Effekt. Ich 

komponiere meine Aufnahme und löse den 

Verschluss aus, doch das Ergebnis ist zu dunkel. Ein 

Blick auf das Histogramm sagt mir, dass sich die 

Belichtung nach links verlagert hat, und bestätigt 

mir die Unterbelichtung. 

Die Helligkeit des Nebels kann das Messsystem der 

4 Kamera täuschen, weil es von einer Szene ausgeht, 

deren Farben in den Mitteltönen liegt. Ich korrigiere die 

Belichtung mit Hilfe der Belichtungskorrektur um eine 

Stufe nach oben (+), um die Belichtungszeit zu 

verlängern. Das Resultat ist weitaus besser, doch der 

Szene mangelt es an einem Fokuspunkt. 

Ich suche die Landschaft nach einem interessanten 

5 Schlüsseldetail ab, der meiner Aufnahme ein Ziel 

gibt und bemerke einen Kirchturm, der durch die 

Nebeldecke stößt. Ich komponiere die Szene erneut, 

machen den Kirchturm zu meinem Hauptfokuspunkt 

und versuche es mit einer vertikalen Komposition. Das 

Ergebnis ist ein tolles Bild im Frühlingsnebel.

Hüten Sie sich vor Kondenswasser 

Kleine Wassertröpfchen in der Luft können auf Ihren 

Objektiven und Filtern kondensieren. Halten Sie Nässe 

von optischen Geräten fern und wischen Sie sie 

vorsichtshalber mit einem sauberen Mikrofasertuch 

trocken. 


Ich probierte mehrere Kompositionen aus, 

aber diese ist mein Favorit. Ich nahm sie mit 

einer kurzen Tele-Einstellung auf, und es 

gelang ein atmosphärisches 

Landschaftsbild.

106 Landschaftsprojekte Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Spiegelnde Meerwassertümpel 

Mark Bauer sucht bei Ebbe an einer Felsküste nach zurückgebliebenen 

Tümpeln und zeigt, wie man ihre Spiegelungen fotografiert. 


Mark Bauer: Reflexionen sind 

dankbare Objekte in der 

Landschaftsfotografie. Die Symmetrie 

einer perfekten Spiegelung in einem 

ruhigen See hat etwas Einzigartiges, doch eine 

solche Reflexion kann auch ein Stilmittel bei 

kleinen Teichen, in Tümpeln und sogar Pfützen 

sein. 

Reflexionen im Wasser bieten sich am Meer nicht 

immer als Hauptmotiv an, doch die bei Ebbe 

zurückbleibenden Felsentümpel eignen sich gut als 

Vordergrund für größere Szenen, die mit Weitwinkel 

geschossen werden. Sie sorgen für mehr Tiefe 

sowie Helligkeit und Farbe im Bild, um dunkle 

Vordergründe auszugleichen. Bei Niedrigwasser 

sind solche Tümpel an jeder Felsenküste zu finden. 

Sie sollte allerdings auch fotogen sein: Ist sie zu 

klein, macht sie wenig Eindruck, ist sie zu flach und 

der Untergrund hell, sind die Reflexionen zu 

schwach. Der ideale Zeitpunkt für einen mit diesem 

Motiv ist bei Beginn des ablaufenden Wassers, so 

dass Sie verfolgen können, wie sich die 

Wasserpfützen in den Felsen bilden und wenn die 

Felsen noch nicht getrocknet sind sondern im Licht 

glänzen. Außerdem ist diese Vorgehensweise viel 

einfacher, als wenn Sie unter dem Zeitdruck der 

hereinkommenden Flut arbeiten müssten, wobei 

eine geeignete Pfütze nach der anderen vollläuft, 

bis der Fels wieder verschwunden ist. 

Auch das Wetter ist von Bedeutung. Es muss ruhig 

genug sein, dass das Wasser sich nicht kräuselt und 

die Reflexion verdirbt und es müssen Farben oder 

Wolken am Himmel zu sehen sein, denn sonst ist 

die Spiegelung völlig uninteressant, es sei denn Sie 

haben das Glück, einen Leuchtturm als Spiegelung 

im Wasser zu haben. 

Was die Aufnahmetechnik angeht, sind präzises 

Scharfstellen und Schärfentiefe entscheidend, denn 

das Motiv wirkt am besten, wenn sowohl der 

unmittelbare Vordergrund als auch die Reflexion 

gestochen scharf sind. Das ist nicht ganz so 

einfach, wie es scheint, denn die Schärfeebene der 

Spiegelung ist viel weiter entfernt als das 

reflektierende Medium. Im Übrigen müssen Sie 

auch gegebenenfalls Filter richtig einsetzen, um für 

eine Gesamtbalance des Lichts zu sorgen und die 

Reflexion hervorzuheben. 

Ausrüstung 

Ein Ultraweitwinkel-Zoom sorgt 

dafür, dass Sie nah genug herankommen und 

den Vordergrund mit dem Objekt ihrer Wahl 

ausfüllen können. 

Ein Stativ, das einen niedrigen 

Kamerastandpunkt erlaubt, denn der wird den 

Himmel in der Spiegelung besser zeigen und 

für ausgeglichene Proportionen sorgen. 

Ein Polfilter, um die Spiegelung zu 

verstärken. Entgegen landläufiger Meinung 

unterdrücken Polfilter nicht nur Reflexionen 

sondern auch Blendungen, die wiederum 

Reflexionen verstärken können. Sie müssen 

die richtige Polarisation präzise einstellen, 

indem Sie durch den Sucher blicken und den 

Polfilter sehr langsam drehen. Beenden Sie 

die Drehung, wenn Sie den Effekt sehen, den 

Sie wünschen. 

Grauverlaufsfilter helfen, den 

Kontrast der Szene auszubalancieren. 

Übertreiben Sie das aber nicht, denn in der 

Realität sind Reflexionen dunkler als der 

Himmel, und das Bild würde unnatürlich 

aussehen, wenn es umgekehrt wäre. 

Graufilter. Wenn das Wasser sich nur 

sehr wenig kräuselt, können Sie mit einem 

Graufilter die Belichtungszeit verlängern, 

wodurch das Spiegelbild etwas unscharf und 

dadurch weicher abgebildet wird. 

Belichtung und Schärfe 

Reflektierende Oberflächen sind von Natur aus 

hell; das kann den 

Belichtungsmesser 

Ihrer Kamera zur 

Unterbelichtung 

verleiten. Fügen 

Sie +0,5 bis +1 

Blendenstufen 

Korrektur hinzu 

und prüfen Sie die 

Belichtung auf dem 

Histogramm. 

Beim Scharfstellen ist zu beachten, dass 

Wasseroberfläche und Spiegelung verschiedene 

Schärfeebenen haben. Daher verbietet 

sich der Autofokus, denn er könnte auf die 

Wasseroberfläche scharfstellen, sodass die 

Spiegelung unscharf wird. 

Um sicher zu sein, dass die Szene durchgehend 

scharf ist, stellen Sie die Schärfe manuell ein, 

auf einen Punkt am Ende des ersten Drittels der 

Szene. Benutzen Sie eine kleine Blende von etwa 

f/16. 


Ein niedriger Kamerastandpunkt füllt das 

Bildfeld mit dem Meerwassertümpel, in dem 

sich der Himmel spiegelt. Bei diesem Motiv 

ist das Querformat dem Hochformat 

vorzuziehen. 

Früh anfangen Ich komme im Morgengrauen 

1an und suche nach einem passenden, attraktiven 

Vordergrund. Dieser hier gefällt mir, doch die Pfütze 

darin ist zu klein und zu flach, um den Himmel gut zu 

reflektieren. 

Anderer Kamerastandpunkt Hier sieht 

2es etwas besser aus, aber ohne Filter sind die 

Spitzlichter am Himmel ausgebrannt und die Schatten 

des Vordergrunds beginnen schwarz zu werden. 

Grauverlaufsfilter Ein Grauverlaufsfilter sorgt 

3dafür, dass die Details am Himmel erhalten bleiben. 

Lichtstrahlen beginnen, durch die Wolken zu fallen, 

wodurch die Szene dramatischer wird. Die Spiegelung 

kann aber noch verbessert werden.




Für ein perfektes Foto müssen alle 

Komponenten zusammenwirken. 

Polfilter Im nächsten Schritt schraube ich 

4einen Polfilter aufs Objektiv. Doch wie hier zu 

sehen, ist er falsch eingestellt, was die Reflexion 

unterdrückt, statt sie zu verstärken. 

Feineinstellung Eine halbe Drehung des 

5Polfilters sorgt dafür, dass die Spiegelung sehr 

schön hervortritt. Das Bild kann weiter verbessert 

werden, indem das Wasser in mittlerer Entfernung 

weicher gezeichnet wird. 

Graufilter Ein zusätzlicher Graufilter erlaubt 

6mir, die Verschlusszeit auf 10 Sekunden zu 

verlängern, um die Oberflächen von Meer und Tümpel 

weicher und tiefer wirken zu lassen.


Meeresbrandung 

Mark Bauer erklärt, mit welcher Aufnahmetechnik die Bewegung von Gischt 

an Meeresküsten besten eingefangen wird. 

Mark Bauer: Es wird oft diskutiert, 

wie Meereswellen zu fotografieren sind. 

Lange Belichtungszeiten erzeugen ein 

nebelhaftes Aussehen, das von vielen 

Fotografen bevorzugt wird. Doch das ist nicht 

jedermanns Geschmack, weil es nicht authentisch 

ist. Wenn wir Wellen beobachten, die an den 

Strand rollen, sehen wir die gesamte Bewegung 

– nicht einen in der Zeit stehen gebliebene 

Moment oder Gischt, die an den Felsen aufspritzt. 

Eine Methode, mit der man dem Wellenphänomen 

so nah kommen könnte, wie die Realität, ist, 

anstelle einer DSLR eine Videokamera zu 

benutzen. Doch mit richtig bemessenen 

Verschlusszeiten können Sie auch mit der DSLR 

natürlich aussehende Meereswellen aufnehmen. 

Der Trick besteht darin, genau das richtige Maß an 

Bewegung einzufangen. Ist der Verschluss zu 

lange offen, ist die Bewegung zu stark verzerrt, ist 

er nicht lange genug offen, erscheint die Welle zu 

statisch. Sie müssen einen Mittelweg finden, bei 

dem eine nebelhafte Verschwommenheit 

erkennbar ist, die Wellen aber noch ihre Form 

behalten. 

Dafür gibt es kein einfaches Rezept. Die beste 

Verschlusszeit hängt ab von Größe und Tempo der 

Wellen, davon, wie sie auf den Strand fallen und 

nicht zuletzt auch vom persönlichen Geschmack 

des Fotografen. Experimentieren ist hier der 

Schlüssel zum gewünschten Bild – Sie müssen 

jede Menge Aufnahmen schießen und viel Zeit 

damit verbringen, sich den Kameramonitor 

anzuschauen und zu versuchen, die richtigen 

Feineinstellungen vorzunehmen. 

Verschlusszeiten steuern 

Für Meeresgischt gibt es keine Ideale Verschlusszeit; 

sie hängt von den aktuellen Bedingungen ab. 

Verschlusszeiten zwischen 1/4 Sekunde und einigen 

Sekunden führen meistens zum gewünschten 

Ergebnis; doch leider ist es nicht damit getan, die 

Kamera auf Blendenautomatik zu schalten und die 

Verschlusszeit einzustellen. Auch die Blende muss 

genau stimmen, damit angemessene Schärfentiefe 

und Belichtung erreicht werden. 

Für Landschaftsfotos liegt der richtige Blendenwert 

normalerweise zwischen f/8 und f/22. Es gibt aber 

noch andere Wege, um die Verschlusszeit zu steuern: 

Wer nicht auf andere Lichtverhältnisse warten 

will, kann die ISO-Empfindlichkeit seiner Kamera 

erhöhen. Das verstärkt zwar das Bildrauschen, 

doch bis ISO 800 können Sie durchaus gehen. 

Wenn Sie eine Profi-DSLR benutzen, die ein wirklich 

gutes Rauschverhalten hat, kann dieser Wert auch 

überschritten werden. 

Für Verschlusszeiten von mehr als 30 Sekunden 

müssen Sie die Kamera in den B-Modus schalten 

und die Verschlusszeit manuell steuern. Das führt 

jedoch oft zu überbelichteten Fotos, deswegen ist ein 

Graufilter oft die bessere Lösung, denn er reduziert 

die Lichtmenge, die auf den Sensor fällt. Graufilter 

gibt es in unterschiedlichen Stärken, üblicherweise 

mit einer, zwei und drei Blendenstufen. Sie können 

mehrere davon kombinieren, sogar zusammen 

mit einem Polfilter, falls Sie einmal extrem lange 

Verschlusszeiten erzeugen möchten 

1 

Standpunkt Ich mache die Bildkomposition so, 

dass die Wellen auf die Felsen im Vordergrund 

auflaufen und überprüfe anschließend die Belichtung für 

den Himmel als auch für den Vordergrund separat mit 

dem Messsystem meiner Kamera. 

Verlaufsfilter Da der Himmel wesentlich heller 

2ist als der Vordergrund, montiere ich einen 

dreistufigen, weichen Grauverlaufsfilter vor das Objektiv, 

um den Kontrast auszubalancieren. Der weiche Verlauf 

des Filters sorgt dafür dass die Übergangszone nicht allzu 

offensichtlich ist. 

Testfoto Mit Blendenautomatik und einer 1/100 

3Sekunde mache ich meinen ersten Versuch, doch 

die Bewegung wird eingefroren. Bei langen Wellen mag 

dies dramatisch aussehen, doch bei den kleinen 

Wellenlängen hier verdirbt es die Aufnahme. 

Graufilter Um die Belichtung zu verlängern, 

4warte ich, bis die Lichtverhältnisse sich 

verschlechtern und ersetze den dreistufigen 

Grauverlaufsfilter durch einen vierstufigen, wodurch sich 

eine Belichtungszeit von 10 Sekunden bei Blende f/22 

ergibt. 

Noch immer nichts… Immer noch ist die 

5Belichtungszeit nicht lang genug, um den 

gewünschten nebelhaften Effekt auf dem Wasser zu 

erzeugen und an Dramatik in der Szene ist auch noch 

nichts zu erkennen. 

Belichtung verkürzen… Aufblenden auf f/11 und Austausch des 

6vierstufigen Graufilters gegen einen Zweistufigen verkürzt die Belichtungszeit auf 0,3 

Sekunden. Das Ergebnis sieht fast gut genug aus, doch die Welle ist ein bisschen zu stark 

eingefroren. 

…und wieder verlängern Ein weiterer Versuch bei noch ein wenig schlechter 

7 gewordenen Lichtverhältnissen, und ich habe die Aufnahme, die ich wollte, im 

Kasten – mit 0,6 Sekunden Verschlusszeit. Nun ist genug Bewegung im Bild vorhanden, 

um etwas Spannung zu suggerieren doch die Wellen behalten dabei ihre Form.


Aufblenden auf f/11 ermöglicht eine Verschlusszeit von 

einer halben Sekunde, bei guter Tiefenschärfe. Nun 

wirkt das Bild dramatisch und die Wasserbewegung 

realistisch genug, ohne zu viel Dunst zu erzeugen. 

Besonders gut gefällt mir, wie die Gischt an den 

mittleren Felsen aufsteigt.


Bewegungen des Wassers verschwimmen lassen 

Ross Hoddinott demonstriert, wie man bewegtes Wasser zu geheimnisvollen 

Nebelschwaden verschwimmen lässt. 

Ross Hoddinott: Verschwommene 

Wasserbilder – ich selbst mag sie, manch 

anderer nicht. Damit fließendes Wasser 

milchig wird, ist die richtige Belichtung 

entscheidend; nur etwas zu schnell und das Wasser 

sieht schmutzig aus. Als Faustregel gilt eine 

Verschlusszeit von etwa 1 Sekunde oder länger. 

Dadurch sollte ein attraktives Verschwimmen des 

Wassers erreicht werden. Mit längeren 

Belichtungszeiten können Sie jedenfalls nichts falsch 

machen. 

Um die längste zum verfügbaren Licht passende 

Verschlusszeit zu erzwingen, stellen Sie den kleinsten 

ISO-Wert und die kleinste Blende ein, also f/22 oder 

f/32. Bei schwachem Licht ist eine Langzeitbelichtung 

relativ einfach, da die Belichtungszeit ohnehin sehr lang 

wird. Ist das Licht gut, dann ist es schwieriger, eine 

Verschlusszeit zu finden, die für den gewünschten 

Effekt lang genug ist, ohne das Bild überzubelichten. 

Die Lösung für dieses Problem bieten Graufilter: 

Je stärker die Dichte des Graufilters, desto mehr Licht 

absorbiert er; je länger die Belichtungszeit, desto 

verschwommener wird das Wasser gezeichnet. 

Ausrüstung 

Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten, die 

Bewegungen im Wasser verschwimmen 

lassen, setzen unbedingt ein stabiles Stativ 

voraus; andernfalls werden ihre Bilder 

verwackeln. 

Für extreme Effekte kann der „Big Stopper“ von Lee 

Filters mit seinen zehn Blendenstufen eine 

Verschlusszeit von mehreren Minuten bewirken – was 

allerdings den B-Modus der 

Kamera und einen 

Setup 

Fernauslöser erfordert. 

Diese Aufnahmetechnik 

bringt Fotos hervor, von 

denen niemals zwei gleich 

aussehen, jedes ist 

einzigartig. Nehmen Sie 

daher gleich eine ganze 

Sequenz auf und suchen Sie 

später am Computer das 

beste Bild aus. 

Bildkomposition Es ist Abend, und die Flut 

1hat ihren Höchststand erreicht. Um das Wasser in 

dem Moment verschwimmen zu lassen in dem es über 

die Felsen und den Kiesstrand schwappt, mache ich 

meine Bildkomposition sorgfältig, selbstverständlich 

mit Stativ, damit nichts verwackelt. Mit der Kamera auf 

Programmautomatik geschaltet, ergibt sich eine 

Verschlusszeit von 1/80 Sekunde bei Blende f/8 – bei 

weitem nicht lang genug für den gewünschten Effekt. 

Betriebsart Um das bewegte Wasser unscharf 

2verschwimmen zu lassen, wählen Sie entweder 

die Blendenautomatik und die längste mögliche 

Verschlusszeit, die der Kamera zur Verfügung steht, 

oder die Zeitautomatik in Verbindung mit der kleinsten 

Blende. Beide Verfahren führen bei den gegebenen 

Lichtverhältnissen zur längstmöglichen Belichtung. 

Selbstverständlich haben Sie zuvor auch die kleinste 

ISO-Empfindlichkeit eingestellt. Das ist bei den meisten 

Kameras ISO 100. 

Belichtung Nachdem ich ISO 100 und die 

3Zeitautomatik eingestellt habe, stelle ich die 

kleinste Blende von f/22 ein und warte auf eine Welle, 

die über die Felsen im Vordergrund spülen soll. Die 

erreichte Belichtungszeit von 1/8 Sekunde bei Blende 

f/22 ist zwar schon erheblich länger, doch das Wasser 

wird immer noch nicht milchig abgebildet. Also 

verwende ich einen Polfilter, um die Verschlusszeit 

weiter zu verlängern 

Polfilter Der Polfilter hat einen Filterfaktor von 

4zwei Blendenstufen und kann deshalb als 

improvisierter Graufilter benutzt werden – das Mittel der 

Wahl, wenn Sie keinen Graufilter haben. Außerdem 

unterdrückt der Polfilter Reflexionen und Blendungen, in 

diesem Fall an den Felsen. Das Ergebnis ist zwar besser, 

aber auch die nunmehr erreichte Verschlusszeit von 1/2 

Sekunde bei Blende f/22 ist immer noch nicht lang 

genug für die Intensität des Effekts, die mir vorschwebt. 

Graufilter Ich muss noch einen „echten“, 

5dreistufigen Graufilter hinzufügen, lasse jedoch 

auch den Polfilter auf dem Objektiv. Das 

Belichtungsmess-System der Kamera berücksichtigt 

den weiteren Filter automatisch, doch der Sucher ist 

nun so dunkel, dass ich froh bin, die Bildkomposition 

und die Schärfeeinstellung schon gemacht zu haben, 

bevor ich den Graufilter montierte.



Dank des „echten“ Graufilters und der schlechter 

werdenden Lichtverhältnisse beträgt die 

Verschlusszeit nun 6 Sekunden bei Blende f/22. 

Wieder warte ich auf eine passende Welle und 

drücke den Auslöser, während das Meer die Felsen 

im Vordergrund umspült. Ich benutze einen 

Fernauslöser, um die Schärfe zu maximieren.


Sonnenuntergang am Meer 

Es gibt kein schöneres Naturschauspiel als die Farbenpracht eines leicht bewölkten Himmels, der von einer im Meer 

untergehenden Sonne angestrahlt wird 

Ross Hoddinott: Kaum jemand kann 

dem Motiv eines spektakulären 

Sonnenuntergangs widerstehen, jedenfalls kein 

Fotograf. Bei Sonnenuntergang werden selbst 

banale Szenerien zu etwas Besonderem, dank der 

außergewöhnlichen Farben des Abendhimmels. 

Noch beeindruckender ist dieses Schauspiel direkt an der 

Küste. Das Meer reflektiert das Licht und die Wärme des 

Himmels, und die Wellen geben dem Motiv Bewegung, 

was insbesondere Weitwinkelaufnahmen attraktiv macht. 

Ein Sonnenuntergang am Meer ist ein populäres 

Postkartenmotiv; trotzdem ist es nicht so einfach, dieses 

Naturschauspiel wirklich gut einzufangen. Die meisten 

Sonnenuntergänge sind nämlich eher enttäuschend, 

manche sind kaum wahrnehmbar. Aus fotografischer 

Sicht sind die perfekten Bedingungen: nicht zu viele und 

nicht zu wenige Wolken, gerade genug, um Licht und 

Wärme der Sonne zu reflektieren, doch nicht so Viele, 

dass Sie die Sonne verdecken könnten. Das größte 

Problem besteht darin, dass wirklich spektakuläre 

Sonnenuntergänge fast unmöglich vorherzusagen sind. 

Großartige Farben können zwar kurz auftauchen, aber sie 

können genauso schnell wieder verschwinden. In der 

Praxis gibt es nur eine Möglichkeit, das Motiv einzufangen: 

Fahren Sie bei jeder sich bietenden Gelegenheit an die 

Küste – früher oder später wird Ihre Hartnäckigkeit mit 

einem atemberaubenden Schauspiel belohnt. 

Gute Planung erhöht Ihre Chancen. Sie sollten die Position 

der Sonne an Ihrem Standpunkt vorher kennen, was im 

Internet einfach in Erfahrung zu bringen ist. „The 

Photographer’s Ephemeris“ (www.photoephemeris.com) 

ist wohl das meistgenutzte Programm für diesen Zweck, 

und sogar kostenlos. Eine weitere nützliche App heißt 

„Sun Scout“ – sie halten einfach Ihr Smartphone gegen 

den Himmel, und es zeigt Ihnen die Bahn der Sonne an. 

Der Winter ist nicht die schlechteste Jahreszeit, um einen 

Sonnenuntergang zu fotografieren. Er passiert am frühen 

Abend, was Ihnen zugutekommt, wenn Sie eine lange 

Rückfahrt vor sich haben. 

Wenn Sie einen potentiellen Kamerastandort zum ersten 

Mal besuchen, seien Sie wenigstens zwei Stunden vorher 

dort, um sich mit den Gegebenheiten vertraut zu machen 

und passende Bildkompositionen zu finden. Suchen Sie 

nach Aussichtspunkten, wo sie nicht nur in Richtung des 

Sonnenuntergangs fotografieren können, sondern bei 

denen auch ein interessanter Vordergrund vorhanden ist 

– etwa eine felsige Küste, eine Buhne oder ein auf Reede 

liegendes Schiff. Lassen Sie auch die Gezeiten nicht außer 

Acht, denn Ebbe und Flut bestimmen an vielen Orten 

Ihren Kamerastandpunkt. 

Hausaufgaben Bringen Sie die Zeiten von 

1Ebbe und Flut in Erfahrung – http://www.amwasser. 

de/gezeitenkalender.html – und- stellen Sie die Position 

der Sonne an dem von Ihnen anvisierten Ort fest – www. 

photoephemeris.com. Seien Sie wenigstens eine Stunde 

vor Sonnenuntergang an Ort und Stelle und finden Sie 

die besten Aussichtspunkte. Wenn Sie ein Smartphone 

haben, empfehle ich Ihnen die „Sun Scout“ App. Sie 

zeigt Ihnen präzise, wo genau die Sonne im Meer 

versinken wird - bei Capri wird es in den seltensten 

Fällen sein - so dass Sie Ihren besten eigenen 

Standpunkt genau bestimmen können. 

Erkundung des Geländes Halten Sie 

2Ausschau nach einem guten 

Kamerastandpunkt, von dem Sie gegen die 

untergehende Sonne fotografieren können. 

Normalerweise ist die Intensität des Sonnenlichts zu 

stark, um bereits in der Frühphase eines 

Sonnenuntergangs zu fotografieren. 

Sie müssen Geduld haben; wenn Sie zu früh 

beginnen, sind Ihre Fotos voller Streulicht, und der 

Himmel wird hoffnungslos überbelichtet. 

Verlaufsfilter Selbst bei niedrigem 

3Sonnenstand und bereits verminderter 

Lichtintensität ist der Himmel erheblich heller als der 

Vordergrund. Ihre Kamera wird daher entweder den 

Himmel richtig messen, was zu einem 

unterbelichteten Vordergrund führt oder Sie misst den 

Vordergrund korrekt, was zu einem überbelichteten 

Himmel führt. Wenn Sie das nicht später mit 

Photoshop ausgleichen wollen, besteht die einzige 

Lösung des Problems im Einsatz eines 

Grauverlaufsfilters. Ein Wert von zwei oder drei 

Blendenstufen reicht aus. 

Was die Ausrüstung betrifft, ist ein Stativ unerlässlich, 

denn Sie werden bei schlechten Lichtverhältnissen 

arbeiten. Der Kontrastunterschied zwischen hellem 

Himmel und Vordergrund übersteigt den Dynamikbereich 

Ihrer Kamera, deswegen ist ein Graufilter erforderlich. Bei 

besonders schönen Farbenspielen werden Sie viel Himmel 

im Bild haben wollen. Ein Objektiv mit kurzer Brennweite 

im Bereich von 17-35 mm ist daher eine gute Wahl. 

Ansonsten ist die Zeitautomatik für solche Szenen am 

besten geeignet, weil sie Ihnen die volle Kontrolle über die 

Schärfentiefe überlässt. Eine Blende zwischen von f/11 

und f/16 liefert gute Schärfe vom Vordergrund bis zum 

Horizont. Vorausgesetzt, Sie benutzen ein Stativ, stellen 

Sie die ISO-Empfindlichkeit auf den niedrigsten Wert, den 

Ihre Kamera zulässt. Damit sorgen Sie für optimale 

Bildqualität und Farbreproduktion. 

Auch warme Kleidung gehört dazu, denn um diese 

Jahreszeit kann es an Europas Küsten bitter kalt sein. 

Gummistiefel sind kein eleganteres Schuhwerk, ersparen 

Ihnen aber möglicherweise eine Erkältung und halten ihre 

Füße selbst im Watt trocken. Auch eine Taschenlampe ist 

von Nutzen, denn wenn Sie noch das Nachglühen des 

Sonnenuntergangs fotografieren, müssen Sie im Dunkeln 

den Rückweg zum Auto finden. 

Ausrichten In diesem Beispiel benutzte ich 

4einen dreistufigen Aufsteck-Verlaufsfilter mit 

hartem Verlauf. Der harte Verlauf eignet sich gut für 

Aufnahmen an der See, weil der Horizont durch die 

Kimm genau abgegrenzt ist. Der Übergangsbereich 

des Verlaufsfilters muss so präzise wie möglich auf 

den Horizont gelegt werden. 

Weißabgleich Denken Sie auch bei 

5diesem Motiv daran, wie nützlich der 

Weißabgleich sein kann. Obwohl der automatische 

Weißabgleich normalerweise gut funktioniert, kann 

es in diesem Fall ein besseres Ergebnis bringen, 

wenn Sie den Weißabgleich auf „Bewölkt“ 

einstellen. Das ergibt ein wärmeres Bild und kommt 

den natürlichen Farben des Sonnenuntergangs 

zugute. 

Falls Sie ohnehin im Raw-Format fotografieren, 

können Sie diesen Schritt vernachlässigen und den 

Weißabgleich später in Photoshop vornehmen.


Packen Sie nicht zu früh ein; die besten Farben 

erscheinen oft im letzten Moment. Wenn die Sonne 

bereits verschwunden ist, bilden sich wunderschöne 

Schattierungen von Rot, Orange und Violett – es 

wäre doch schade, diesen grandiosen Schlussakt 

des Schauspiels zu verpassen. 

Ist das Stativ erst eingepackt, können Sie nicht mehr 

improvisieren, denn der Moment ist von kurzer 

Dauer und das Licht zu schwach.


Eine Szene als Silhouette 

Durch das Unterbelichten von Bildelementen können Sie 

in Landschaftsbildern mehr Wirkung erzeugen 

Ross Hoddinott: Als Fotografen streben wir nach der 

„perfekten“ Belichtung – doch gibt es sie in der Praxis überhaupt? 

Die Belichtung kann zu kreativen oder künstlerischen Zwecken 

manipuliert werden – eine „technisch korrekte“ Belichtung wird 

nicht immer für das visuell gefälligste Resultat sorgen. Nehmen Sie zum 

Beispiel Silhouetten. Sie sind eines meiner Lieblingsobjekte, doch aus 

technischer Sicht ist die Silhouette auf einem Foto das Ergebnis falscher 

Belichtung, weil das Objekt sehr stark unterbelichtet wird. Es besteht jedoch 

kein Zweifel daran, dass die Silhouette als Blickfang dient und deren Abbildung 

bewusst herbeigeführt wurde. 

Die Silhouette umreißt Objekte nur als schwarze Konturen, ohne farbliche oder 

plastische Details. Diese extremste Form der Hintergrundbeleuchtung kann in 

Kombination mit einer passenden Szene sehr eindrucksvoll wirken. Plakative, 

leicht zu identifizierende Objekte wie Gebäude und Bäume funktionieren als 

Silhouetten in der Landschaft am besten – vor allem im Kontrast zu einem 

dramatischen Himmel. Idealerweise nimmt man sie am frühen Morgen oder 

am späten Abend auf, wenn die Sonne am Himmel eine niedrige Position 

einnimmt. Wenn man gegen das Licht fotografiert, werden zwischen der 

Kamera und der Lichtquelle befindliche Objekte als Silhouetten 

wiedergegeben. Deswegen sind sie so einfach zu produzieren, man benötigt 

dafür keinerlei zusätzliche Ausrüstung. Es gibt jedoch Funktionen an Ihrer 

Kamera, die Ihnen helfen, die Wirkung des großartigen Effekts noch zu 

verbessern. 

Ausrüstung 

Messtechnik: Das Mehrfeld- 

Belichtungsmesssystem Ihrer Kamera 

ist so ausgelegt, dass es die Farben 

von Objekten als mittlere Farbtöne 

wiedergibt, was der sichtbaren Realität 

weitgehend entspricht. Während 

es sich in den meisten Situationen 

als sehr genau erweist, kommt es 

zu Problemen, wenn man Objekte 

fotografiert, deren Farbton deutlich 

heller oder deutlich dunkler als mittlere 

Farbtöne sind. Silhouetten gehören 

zu den Objekten, die das Messsystem 

einer Kamera täuschen. Sie versucht 

unsere Silhouette in einem mittleren 

Farbton wiederzugeben und für mehr 

Belichtung zu sorgen als nötig. Das 

führt zu überbelichtetem Himmel und 

ungewollten Details. 

Glücklicherweise kann die korrekte 

Belichtung für Silhouetten einfach 

durch Umschalten von der 

Mehrfeldbelichtungsmessung zur 

Punktmessung erreicht werden. Das 

Punktmessverfahren berechnet die 

Gesamtbelichtung einer Szene aus 

den Daten eines zentralen Kreises 

im Sucherbild der Kamera, der etwa 

3 % des gesamten Bildausschnitts 

ausmacht. Richten Sie also den Kreis 

auf eine helle Stelle im Sucherbild 

und drücken Sie den Auslöser 

halb durch, um eine Messung zu 

bekommen. Danach drücken Sie die 

automatische Belichtungsspeicherung 

AEL („Auto-Exposure Lock“), um die 

Messwerte zu speichern. Nun machen 

Sie Ihre Bildkomposition und lösen 

den Verschluss aus. Das Ergebnis 

sollte eine perfekte, tintenschwarze 

Silhouette sein. 

Falls noch ungewünschte Details 

erkennbar sind, nehmen Sie etwas 

negative Belichtungskorrektur vor, um 

die Belichtung weiter zu reduzieren. 

Plakative Objekte funktionieren bei Aufnahmen von Silhouetten am 

1besten in Verbindung mit sauberen, einfachen Kompositionen. Diese kleine 

Kirche, die auf einem Hügel thront, stellte sich als ideales Objekt heraus. Ich 

entscheide mich für einen tiefen Kamerastandpunkt, der mir erlaubt, das Gebäude 

stark gegen den Himmel zu kontrastieren. Ich positioniere mich so, dass ich in 

Richtung der untergehenden Sonne aufnehme. 

Histogramm 

Wenn Sie Silhouetten aufnehmen, 

erwarten Sie, dass die entsprechenden 

Histogramme eher zur linken Seite des 

Graphen tendieren. Während man 

normalerweise versucht, einen hohen 

Prozentsatz der Pixel auf der linken 

Seite zu vermeiden, spiegelt der Graph 

bei solchen Aufnahmen die Natur 

dieser Aufnahmetechnik wider. 

Ich verwende das lange Ende eines 70-300 Millimeter-Telezooms und gehe 

2nah an die Kirche heran. Da Kameras nicht erraten können, welche Wirkung der 

Fotograf erzielen will, kann es sein, dass das Mehrfeldmess-System nicht die besten 

Ergebnisse liefert. Das schlägt sich in diesem Bild durch ungewollte Details der Kirche 

und im Vordergrund nieder. Die Belichtung von einer halben Sekunde mit Blende f/11 

ist zu lang und als Resultat erhalte ich einen „verwaschenen“ Himmel. 

Wenn Sie Silhouetten aufnehmen, dann werden Sie gewöhnlich eine 

3korrekte Messung für den Himmel durchführen wollen. Indem Sie die Messung 

auf einem hellen Bereich des Himmels basieren lassen, stellen Sie sicher, dass er 

richtig belichtet wird, während alles andere unterbelichtet – also als Silhouette 

dargestellt wird. Am besten funktioniert dies mit Hilfe der Punktmessung in 

Kombination mit der automatischen Belichtungsspeicherung (AEL).




Zufrieden mit meiner Bildkomposition, wollte 

ich noch einen zehnstufigen Graufilter 

ausprobieren; dieser verlängerte die 

Verschlusszeit auf 30 Sekunden. 

Während der Belichtung wurde die Bewegung 

der Wolken als künstlerischer Pinselstrich 

aufgenommen. Als die Sonne endlich unterging, 

erstrahlte der Himmel und gab diesem letzten 

Silhouettenbild die richtige Stimmung. 

Richten Sie den Messkreis des Kamerasuchers auf eine helle Stelle am 

4Himmel und drücken Sie den Auslöser halb durch. Bei mir liegen die erhaltenen 

Werte bei 1/30 Sekunde und Blende f/11. Speichern Sie Ihre Werte mit der 

automatischen Belichtungsspeicherung (AEL). Ich platziere meine Kamera aufs Stativ 

und mache mit meinen neuen Einstellungen ein weiteres Bild, das als schöne 

Silhouette herauskommt. 

5 

Während die Belichtung für die Aufnahme einer Silhouette korrekt ist, 

könnte die Komposition noch ein paar Schliffe vertragen. Anstatt den Rahmen 

mit der Kirche auszufüllen, entscheide ich mich für eine kürzere Brennweite, die es 

mir erlaubt, mehr vom Himmel und den interessanten Wolken aufzunehmen. Das 

Ergebnis ist ein ausgeglicheneres Bild, das die Kirche im Kontext ihrer Umgebung 

zeigt.

116 Besondere Landschaftsfotos 


Leuchtspuren von Sternen 

In abgelegenen Regionen kann man den klaren Nachthimmel 

ausnutzen, um tolle Sternenfotos aufzunehmen. 

Abstand von Städten 

Zuerst muss man weg von der Stadt und ihren 

Lichtern. Der Lichtschein am Himmel über 

dicht besiedelten Gebieten – auch 

Lichtverschmutzung genannt – ist in klaren 

Nächten weithin sichtbar. Obwohl das 

Phänomen vom menschlichen Auge kaum 

wahrgenommen wird, kommt es bei 

Langzeitbelichtungen zum Vorschein. 

STERNENSPUREN können Landschaftsaufnahmen eine zauberhafte 

Stimmung verleihen. Das dabei von der Kamera aufgezeichnete Bild 

ist so für das menschliche Auge nicht sichtbar - eine tolle Gelegenheit 

für Fotografen, die im Winter tagsüber keine Zeit haben. Machen Sie 

interessante Landschaftsbilder stattdessen einfach nachts! 

Das Geheimnis für erfolgreiche Sternenspuren liegt bei Digitalaufnahmen in der richtigen Belichtung. 

Fototipp 

Manfrotto 

055 Pro B Stativ 

Bei einer langen Belichtung 

bleibt der Verschluss offen. 

Am besten wird zum 

Auslösen eine 

Fernbedienung eingesetzt. 

Sie hilft dabei, die 

Verwacklung der Kamera 

zu vermeiden. 

Ein standfestes Stativ 

ist ebenfalls wichtig. 

Mit Hilfe eines 

Weitwinkelobjektivs 

bekommt man einen 

möglichst großen Bereich 

des Himmels in den 

Bildausschnitt. Sonst 

braucht man für 

Aufnahmen von 

Sternenspuren keine 

besondere Ausrüstung. 

Man sollte aber genügend 

warme Kleider dabei haben. Auch 

wenn man sich daran gewohnt ist, bei 

kaltem Wetter draußen zu sein, wird es 

einem bei Temperaturen unter null 

nach einer halben Stunde 

Herumstehen schnell ziemlich kalt und 

ein paar extra Schichten sind dann sehr 

willkommen. 

1 

DER AUFNAHMEORT 

Manchmal ist es besser, den 

Aufnahmeort tagsüber zu fi nden und 

später wiederzukommen. Die Mittagszeit 

bietet sich für die Suche nach guten 

Standorten an. Mit der Sonne im Süden 

zeigen die Schatten nach Norden, wo 

nachts der Polarstern steht. Ein 

Standortbesuch vor der Aufnahme hilft 

bei der Bildkomposition; zudem sollte 

sich man sich versichern, dass man 

genügend weit von Lichtverschmutzung 

entfernt ist. 

KAMERAEINSTELLUNG: Eine gute Wahl sind 

2 Nächte mit Halbmond. Die Kamera muss auf 

ein Stativ montiert werden. Wenn es zu dunkel ist 

und man im Sucher nichts erkennen kann, können 

Probeaufnahmen mit einer hohen 

ISO-Empfindlichkeit und einer großen Blende 

eingesetzt werden, um die Bildkomposition Schritt 

für Schritt anzupassen. Der Autofokus funktioniert 

bei sehr schwachem Licht nicht, man muss daher 

manuell scharf stellen. Dies kann man entweder mit 

Hilfe der Distanzskala oder mit einer Lichtquelle 

Fackel als Fokuspunkt. 

BELICHTUNGSMESSUNG: Vor der endgültigen 

3Aufnahme sollte man das Motiv anhand von 

Probeaufnahmen mit hoher ISO-Empfindlichkeit und 

großer Blende ausloten. 

Ich wählte ISO 1600 und f/4, den Kameramodus 

„manuell“ und eine Belichtungszeit von 20 Sekunden. 

Dann eine Probeaufnahme und das Resultat auf dem 

Histogramm prüfen. Die Belichtungszeit mit Hilfe von 

Probeaufnahmen solange anpassen, bis das 

Histogramm das gewünschte Bild liefert. 

Nach meiner Erfahrung ist eine Unterbelichtung von 

einer Lichtwertstufe optimal.




Ich gab dem Bild mithilfe von 

Gradationskurven mehr Kontrast 

und passte den Farbabgleich an, 

um die Farbtöne kühler zu 

machen. Außerdem verwendete 

ich die Photoshop-Funktion 

„Unscharf maskieren“. 

DIE EINSTELLUNG FÜR DAS ENDGÜLTIGE BILD: Sobald man mit der 

4Belichtung zufrieden ist, kann man die Kamera auf den Modus 

„Langzeitbelichtung“ schalten, ISO 100 und eine große Blende wählen – Ich benutze 

meist f/5.6. Die Belichtungszeit von Schritt drei einsetzten, um die Belichtungszeit der 

endgültigen Aufnahme zu berechnen. Wird die Belichtungszeit verlängert, müssen 

ISO-Wert und Blende angepasst werden. Benötigte man in Schritt drei eine 

Belichtungszeit von 30 Sekunden, bedeutet das: 30 Sekunden x 2 (für den 

Blendenwechsel von f/4 auf f/16) x 16 (für die Reduktion der ISO-Empfindlichkeit von 

1600 auf 100). Das Ergebnis ist eine Belichtungszeit von 16 Minuten. 

DIE AUFNAHME: Alle Lichter ausschalten, auf die Uhr schauen und den 

5Verschluss mit der Fernbedienung öffnen. Nun muss man 16 Minuten Geduld 

haben. Das beste ist, heißen Kaffee und Kuchen dabeizuhaben und die Nacht zu 

genießen. Falls man während der Aufnahme Licht braucht, um die Zeit abzulesen, 

sollte man vorsichtig sein, dass der Vordergrund dabei nicht beleuchtet wird, sonst 

sieht man das auf dem endgültigen Bild. Man kann diese Technik (Lichtmalerei) 

natürlich auch bewusst einsetzen, aber das ist ein anderes Thema.

118 Besondere Landschaftsfotos 

Landschaft im Mondlicht 

In hellem Mondlicht erhalten Landschaftsbilder eine ganz besondere Stimmung. IWir 

zeigen Ihnen, wie Sie Mondlicht gezielt einsetzen. 

DASS DIE SONNE untergegangen ist, heißt nicht, dass 

Sie keine schönen Landschaften mehr fotografieren 

können! Fotografieren bei Mondschein ist tatsächlich 

einfacher als Aufnahmen bei Dämmerung, denn 

Mondlicht ist weniger wechselhaft. 

Landschaftsaufnahmen bei Mondlicht unterscheiden 

sich nicht allzu sehr von solchen bei Tag, sind jedoch 

einfacher als bei Sonnenuntergang, weil das 

Mondlicht wesentlich stärker ist als das letzte 

Tageslicht. Trotzdem müssen Sie natürlich genauso 

auf den Winkel und die Position des Mondes achten, 

wie Sie dies bei der Sonne tun würden. Ein Mond, der 

hoch am Himmel steht, wirft starke Schatten, ein 

niedrig stehender Mond schafft lange Schatten und ein 

weicheres Licht. 

Das optimale Licht für Landschaftsaufnahmen hat 

man, wenn der Mond kurz nach Sonnenuntergang zu 

steigen beginnt. Die Belichtung ist die größte 

Herausforderung der Fotografie bei Mondlicht, denn es 

ist tausendmal schwächer als Sonnenlicht. Eine 

weitere Komplikation entsteht, weil der Mond sich so 

schnell bewegt, dass Belichtungszeiten von mehr als 

ein paar Minuten ihn als Streifen am Himmel 

aufzeichnen würden. Eine Lösung ist, den Mond 

einfach nicht mit ins Bild zu nehmen, sondern nur die 

von ihm beleuchtete Landschaft. Aufnahmen, die 

ausschließlich vom aufgehenden Vollmond mit 

weichen Schatten beleuchtet werden, können eine 

gespenstische Wirkung schaffen. 

Wenn Sie hingegen zu lange belichten, wirkt das Licht 

flach. Wenn Sie den Mond lieber mit ins Bild nehmen 

möchten, aber die benötigte Belichtungszeit zu lang 

ist, wählen Sie die korrekte Belichtungszeit für den 

Vordergrund, gefolgt von einer kürzeren Belichtung für 

den Himmel, und verbinden Sie die beiden Fotos 

später miteinander. 

Die Länge jeder Belichtung hängt von der Intensität 

des Mondlichts ab: Ein Vollmond in einer klaren Nacht 

ist toll, um eine Landschaft auszuleuchten, wenn Sie 

ausgeprägte Tiefenschärfe wünschen. Wenn der Mond 

nicht so stark scheint oder weniger markant ist, 

müssen Sie bei der Tiefenschärfe evtl. Kompromisse 

machen, indem Sie eine große Blende verwenden und 

die Belichtungszeit reduzieren. Denken Sie daran: 

Wenn Sie eine große Blende verwenden, müssen Sie 

sehr sorgfältig fokussieren! Die besten Momente zum 

Fotografieren sind Vollmondnächte, oder die Nächte 

davor und danach, wenn der Mond seiner volle Größe 

erreicht und langsam wieder abnimmt. Beachten Sie 

außerdem, dass Wolken bei Nacht die Belichtungszeit 

ebenso beeinflussen wie bei Tag! 

Für zusätzlich interessante visuelle Details können Sie 

versuchen, ein Bild mit einem Fluss, einem See oder 

Meer im Vordergrund aufzunehmen. Auf diese Weise 

können Sie Lichtstrahlen einfangen, die sich auf der 

Oberfläche spiegeln. Sie werden feststellen, dass das 

reflektierte Licht die Szene zusätzlich aufhellt. Sie 

können auch ausprobieren, mit Blitz zu arbeiten oder 

eine Taschenlampe zu verwenden, um den 

Vordergrund mit Licht „anzumalen“. 

Wenn Sie Ihre Kamera einstellen, sollten Sie die 

gleiche Technik verwenden, die wir bereits in diesem 

Leitfaden beschrieben haben: Verwenden Sie den 

Bulb-Modus oder den manuellen Modus, berechnen 

Sie die Belichtung, fokussieren Sie möglichst manuell 

und starten Sie die Aufnahme mit einem Fernauslöser. 

Für die Berechnung einer Belichtung bei Mondlicht ist 

die Multizonenmessung geeignet. Beachten Sie auch 

die bereits vorgestellte Technik: Machen Sie eine 

Probeaufnahme mit Zeitautomatik und 

Blendenvorwahl bei maximaler ISO-Einstellung und 

größter Blende. Nun haben Sie einen Ausgangspunkt 

für die Verschlusszeit! Berücksichtigen Sie den 

Schwarzschildeffekt, wenn Sie die Belichtungszeit für 

eine geeignete Blende und niedrigen ISO-Wert 

berechnen. Alternativ können Sie auch auf 

Punktmessung umschalten und vom hellsten Punkt in 

der Szene aus messen. Fügen Sie in dem Fall zwei 

Stufen Mehrbelichtung hinzu, weil das Messsystem 

sonst Ihre Höhen in mittlere Tonwerte ändert. 

Wenn Sie erst einmal Sternenspuren und 

Landschaften im Mondschein gemeistert haben, 

können Sie diese Verfahren auch auf Morgenröte oder 

Meteoritenschauer anwenden. Sie können natürlich 

auch in Ausrüstung investieren, die für die 

Weltraumfotografie benötigt wird. 

RECHTS: MONDLICHT: Die Blendenstufe und der 

ISO-Wert mussten für jedes Einzelbild in dieser 

Szene neu eingestellt werden, um die Verschlusszeit 

in einem Bereich zwischen 15 und 30 Sekunden zu 

halten und die Bewegung des Mondes so 

einzufrieren. 

UNTEN: Dieses Foto beinhaltet eine Aufnahme mit 

vier Minuten Belichtungszeit für den Vordergrund 

und eine mit 30 Sekunden Belichtungszeit für den 

Himmel. 

JOHN PATRICK 

Der Schwarzschildeffekt 

Bei der Low-Light-Fotografie ist immer 

die Wechselbeziehung zwischen 

Verschlusszeit und Blende zu bedenken, 

um die erforderliche Belichtungszeit zu 

errechnen. Das erfordert etwas 

Kopfarbeit; es gibt jedoch Apps für Ihr 

Smartphone, welche die entsprechende 

Belichtungszeit für Sie berechnen. 

Grundsätzlich gilt: Jedes Abblenden um 

eine Stufe verdoppelt die Verschlusszeit. 

Wenn Sie also von Blende f/4 zu f/5.6 

wechseln, muss eine Verschlusszeit von 

2 Sekunden auf 4 Sekunden verlängert 

werden. 

Der Schwarzschildeffekt, wenn die 

Kamera die Belichtung aufgrund 

schlechter Lichtverhältnisse nicht 

korrekt messen kann, tritt in der 

Digitalfotografie seltener auf als in der 

Analogfotografie. Trotzdem kann es 

vorkommen, dass Sie die Belichtungszeit 

eine weitere Stufe verkängern müssen, 

um Unterbelichtung zu vermeiden.

GARY McPARLAND 

So fotografieren Sie den Mond 

Für diejenigen, die nicht über die notwendige 

Ausrüstung verfügen, um die Milchstraße in 

den Tiefen des Weltalls zu fotografieren, 

kommt der Mond der Mystik des Weltalls am 

nächsten. 

Um ihn zu fotografieren, benötigen Sie keine 

spezielle Ausrüstung, sondern nur, was Sie 

für Nachtaufnahmen normalerweise 

verwenden würden. Ein ordentliches 

Teleobjektiv ist allerdings von Vorteil – sofern 

die Brennweite mindestens 300 mm beträgt. 

Wenn Sie kein passendes Objektiv besitzen, 

könnten Sie einen Telekonverter anschaffen, 

um die Reichweite eines Objektivs zu 

vergrößern. Beachten Sie, dass der 

Crop-Faktor einer Kamera mit APS-C Sensor 

1,5 x beträgt, sodass die Brennweite eines 

200 mm-Objektivs sich auf 300 mm 

verlängert. 

Die Helligkeit des Mondes wird leicht 

unterschätzt, sodass es recht schwierig sein 

kann, die Belichtung richtig einzustellen. 

Viele Versuche beim Fotografieren des 

Mondes enden mit einem überbelichteten 

Kreis dort, wo eigentlich der Mond erscheinen 

sollte. Sie können dies vermeiden, indem Sie 

zunächst in einer wolkenlosen Nacht einen 

Standort ohne Umgebungslicht, Autoverkehr 

oder Straßenlaternen suchen. Es erfordert 

einige Versuche, bis die Belichtung perfekt 

eingestellt ist, denn sie hängt stets von der 

Umgebung ab. 

Als Ausgangsbasis stellen Sie Ihre Kamera 

auf manuellen Modus mit einer 

Belichtungszeit von 1/250 Sekunde bei 

Blende f/8 ein (ISO 100). Nehmen Sie um 

diese Einstellung herum einige 

Belichtungsreihen auf (im Abstand von 

jeweils einer Stufe), die Sie sie auf dem 

LCD-Display kontrollieren. Wir empfehlen 

Ihnen, nicht die Blende, sondern die 

Belichtungszeit zu ändern. 

Je nach Phase und Helligkeit des Mondes, 

Ihrem Standort und den 

Witterungsverhältnissen kann es sein, dass 

Sie die Belichtungszeit verlängern oder 

verkürzen müssen, um genügend 

Tonwertdetails auf der Mondoberfläche 

einzufangen. Positionieren Sie Ihren 

Fokuspunkt oberhalb des Mondes, arretieren 

Sie ihn mithilfe des Autofokus und schalten 

Sie dann auf manuellen Fokus, damit die 

Kamera nicht weiter sucht. 

Verwenden Sie einen Fernauslöser, oder den 

Selbstauslöser der Kamera, um das Risiko von 

Verwacklungsunschärfen zu reduzieren. 

Wahrscheinlich müssen Sie das Bild noch in 

Photoshop freistellen und die Tonalität ein 

wenig nachbearbeiten. Führen Sie eine 

Tonwertkorrektur durch, um mehr Details auf 

der Mondoberfläche herauszuarbeiten. 

LEE FROST

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Photoshop-Technik 121 

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122 Photoshop-Technik 

Original 

Bildkontraste verstärken – 

mithilfe von Korrekturebenen 

Sehen Ihre Bilder mit stärkerem Kontrast besser aus? Finden Sie es heraus, 

ganz einfach mithilfe von Korrekturebenen und Füllmethoden... 

Jordan Butters: Dunst und Nebel 

geben Bildern eine wundervolle 

Atmosphäre. Kaum etwas lässt die 

Stimmung eines kühlen Herbst- oder 

Wintermorgens so gut nachempfinden, wie die 

frühe Morgensonne, die einen kalten Dunstschleier 

durchdringt. 

Leider fehlt Landschaften im Nebel oft einiger 

Kontrast, aus offensichtlichen Gründen. 

Durch Hinzufügen einer Korrekturebene und ein 

wenig Experimentieren mit Füllmethoden können 

Sie aber auch diesen Motiven ausreichend 

Kontraste verschaffen – wenngleich nicht sofort bei 

der Aufnahme, sondern anschließend mit 

Photoshop Elements. Die im Folgenden 

beschriebenen Schritte funktionieren aber auch in 

Photoshop. 

Verlustfrei arbeiten 

Korrekturebenen 

Normalerweise sollten Sie ein Originalbild 

duplizieren, bevor Sie mit der Arbeit daran 

beginnen, für den Fall dass Ihnen dabei ein 

Fehler unterläuft. Doch der große Vorteil von 

Korrekturebenen besteht darin, dass man 

mit ihnen verlustfrei arbeiten kann. Das 

bedeutet: keine von Ihnen durchgeführte 

Änderung beeinträchtigt das Ausgangsbild. 

Außerdem können die Parameter und die 

Werte einer Korrekturebene während des 

gesamten Bearbeitungsprozesses jederzeit in 

der Korrekturpalette erneut angepasst werden. 

Wenn Sie sich einmal vollständig verfahren 

haben sollten, löschen Sie die betreffende 

Korrekturebene einfach und fahren wieder von 

vorne an. 

Korrekturebene hinzufügen Die 

1Ebenen- und Korrekturpalette müssen sichtbar 

sein, gehen Sie also als erstes auf das Fenster-Menü 

und stellen sicher, dass die Kästchen für 

Korrekturen und Ebenen aktiviert sind. 

Anschließend klicken Sie auf die Korrekturebene- 

Schaltfläche unten in der Ebenenpalette, und 

wählen im aufklappenden Dropdown-Menü 

„Ebenen“ aus. 

Die Auto-Funktion Probieren Sie in der 

2Korrekturpalette als erstes die Auto-Schaltfläche, 

um das Programm entscheiden zu lassen, welche 

Korrekturen an Ihrem Bild vorgenommen werden 

sollen. Bei manchen Bildern funktioniert das sehr gut, 

bei anderen nicht. Das Auto-Ebenen-Werkzeug nimmt 

Korrekturen an den einzelnen Farbkanälen Rot, Grün 

und Blau vor. Sie werden also jetzt wahrscheinlich einen 

Farbstich an Ihrem Bild bemerken. 

Farbkorrekturen Um diesen Farbstich zu 

3korrigieren, muss die Tonwertkorrekturebene in der 

Ebenenpalette ausgewählt sein. Mit Hilfe des 

Füllmethoden-Menüs oben in der Werkzeugleiste 

ändern Sie die Füllmethode der Ebene in „Luminanz“. 

Dadurch wird der Farbstich des Bildes wieder entfernt 

weil die Korrekturebene nur noch den Kontrast des 

Bildes darunter betrifft, nicht mehr dessen Farben.


Die Steigerung des Kontrasts hat 

den Dunst weitgehend beseitigt 

und die Farbsättigung erhöht. 

Manuelle Korrekturen Falls Sie mit dem 

4Effekt der Auto-Tonwertkorrektur nicht zufrieden 

sind, löschen Sie die Korrekturebene, indem Sie in der 

Ebenenpalette darauf klicken und sie auf das Symbol 

„Ebene löschen“ ziehen. Das stellt den Originalzustand 

des Bildes wieder her. Fügen Sie eine neue 

Korrekturebene hinzu und wählen Sie „Tonwerte“ aus. 

Manuell eingestellte Ebenen Dieses Mal 

5jedoch benutzen Sie nicht die Auto-Korrektur, 

sondern Sie klicken und ziehen die Schwarz- Grau- und 

Weißpunkt-Regler in der Korrekturpalette, mit denen 

Sie nun den Kontrast Ihres Bildes einstellen. Seien Sie 

aber vorsichtig, wie weit Sie den Schwarzpunkt und den 

Weißpunkt verlegen, damit Sie keine Tiefen und 

Spitzlichter abschneiden, wodurch sie Detail verlieren 

würden. Der Grau-Regler für die mittleren Töne ist 

weniger kritisch. 

Experimente mit Füllmethoden 

6Zurück in der Ebenenpalette experimentieren Sie 

nun mit unterschiedlichen Füllmethoden, um den Effekt 

abzuwandeln. „Überlagern“, „Weiches Licht“ und 

„Hartes Licht“ sorgen hier für subtile Änderungen. Sie 

können auch den Deckkraft-Regler oben in der 

Ebenenpalette benutzen, um den Effekt 

abzuschwächen, oder Sie klicken wieder in die 

Korrektur-Palette, wo Sie die Parameter erneut 

anpassen können.

124 Photoshop-Technik Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Die Farben steuern 

Niemand möchte stumpfe, verwaschene Bilder – doch übersättigte Farben 

sind ebenso unerwünscht. Hier erfahren Sie, wie die Farben eines Bildes 

richtig gesteuert werden. 

Original 

Der Unterschied 

Luminanz und Sättigung 

Es herrscht mitunter Verwirrung über die 

genauen Funktionen von Luminanzregler und 

Sättigungsregler in Adobe Camera Raw. 

Auf den ersten Blick scheint es so, als bewirken 

beide Regler dasselbe. Der Unterschied besteht 

jedoch darin, dass der Luminanzregler keine 

Farben betrifft, die bereits hinreichend gesättigt 

sind. In den meisten Fällen liegt der Nutzen 

darin, allgemeine Korrekturen vorzunehmen, 

ohne die bereits hell leuchtenden Farben zu 

übersättigen. 

Darüber hinaus beeinflusst der Luminanzregler 

auch keine Farbtöne, die der menschlichen 

Hautfarbe ähneln. Mann kann ihn 

deshalb nutzen, um die Farbsättigung bei 

Porträtaufnahmen zu erhöhen, ohne die Haut 

der Porträtierten durch orangefarbene Tönung zu 

verfälschen. 

Beachten Sie unten den Vergleich zwischen den 

Auswirkungen des Luminanzreglers und des 

Sättigungsreglers an einem Foto; beide Regler 

wurden jeweils auf den Wert +75 eingestellt. 

Luminanz +75 Sättigung +75 

Jordan Butters: Der Herbst ist 

wegen seiner Farbenpracht eine 

schöne Jahreszeit: Tiefblauer Himmel, 

leuchtendes Rot, intensiv grünes Gras 

und goldenes Orange. Wenn wir Bilder mit 

solchen Farben fotografieren, sollten die Farben 

genauso aussehen wie in der Realität. Falls dies 

nicht der Fall ist, liegt das nicht immer am 

Fotografen, denn auch moderne Digitalkameras 

kommen in ihrer Leistungsfähigkeit bei weitem 

nicht an die des menschlichen Auges heran. 

Doch es gibt Mittel und Wege, dafür zu sorgen, 

dass die Kamera die aufgenommenen Farben 

gut repräsentiert. Dazu gehören beispielsweise 

der richtige Weißabgleich und möglichst auch 

optimale Lichtverhältnisse. 

Meistens wollen wir die maximal mögliche 

Detailtreue unserer Bilder, weswegen wir immer 

etwas nach rechts belichten sollten, wenn wir 

im Raw-Format fotografieren – was nichts 

anderes als eine leichte Überbelichtung der 

Fotos bedeutet, aber nicht soweit, das die 

Spitzlichter abgeschnitten würden. Indem wir so 

belichten, opfern wir ein gewisses Maß an 

Farbsättigung. Je heller die Originalfarben 

gewesen sind, umso mehr wirkt das Bild 

gebleicht. Dem kann abgeholfen werden mit 

Adobe Camera Raw, dem Raw-Konverter, der 

zusammen mit Photoshop ausgeliefert wird. Er 

stellt eine Reihe von Steuerungsmöglichkeiten 

zur Verfügung, mit denen Sie die Farben sowohl 

in ihrer Gesamtheit als auch einzeln anpassen 

können. 

Oberflächlich betrachtet haben manche dieser 

Einstellungsmöglichkeiten wie die Luminanz 

und die Farbsättigung ähnliche Effekte, doch es 

gibt grundsätzliche Unterschiede. Finden Sie 

also heraus, was die einzelnen Regler tun – mit 

dem folgenden Tutorial. 

Bild öffnen Dieses Bild wurde nach rechts 

1belichtet, ohne dass dabei Detail in den 

Spitzlichtern verloren gegangen wäre, doch die Farben 

sind ausgewaschen. Öffnen Sie die Raw-Datei in ACR 

und nehmen Sie zunächst eventuell notwendige 

Änderungen an Belichtung und Kontrast vor, da diese 

Parameter die Farben des Bildes beeinflussen. 

Luminanz selektiv absenken Wählen 

2Sie den HSL/Graustufen-Reiter und anschließend 

dessen Luminanz-Reiter, um die Helligkeit der einzelnen 

Farbkanäle anpassen zu können. Reduzieren Sie 

Luminanz des Blaukanals, um den Himmel 

abzudunkeln. Achten Sie dabei auf die Bildvorschau, 

um die Änderungen zu bewerten. 

Umgebende Kanäle anpassen Sehr oft 

3werden Sie feststellen, dass Sie mehr als einen 

Kanal nachregeln müssen, damit die vorgenommenen 

Änderungen natürlich wirken. Durch kleine Änderungen 

der Nachbarkanäle wird auch in diesem Beispiel auch 

der Farbübergang zwischen Himmel und Wolken 

verbessert.




Die leuchtenden, beeindruckenden 

Farben der realen Szene wurden 

wiederhergestellt und erzeugen ein 

äußerst attraktives Bild. 

manuell angeben Die 

4Sättigungsregler steuern die Intensität jeder Farbe. 

Klicken Sie auf den Reiter „Sättigung“ und arbeiten Sie 

mit dem Grün-Regler. Nehmen Sie die Änderungen 

schrittweise vor, denn eine Farbübersättigung kann 

noch schlechter aussehen als eine Untersättigung. 

Umgebende Kanäle anpassen Wie 

5zuvor müssen Sie gegebenenfalls auch die 

Nachbarkanäle leicht nachregeln. In diesem Fall sah 

das grüne Gras natürlicher aus, nachdem die Sättigung 

des gelben Kanals etwas erhöht wurde. 

Farbton korrigieren Um die Farbe eines 

6Bereichs zu ändern – wie die orangegetönten Berge 

– wählen Sie den Farbtonregler. Nun bewegen Sie den 

Orange-Regler, bis Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind. 

Speziell bei dieser Farbe sind nur geringe Änderungen 

notwendig. Achten Sie einfach darauf, dass die Farben 

natürlich wirken.


Leben ins Bild bringen 

Der HDR-Effekt kann auch ohne Raw-Dateien und Belichtungsreihen erreicht 

werden. Das Photoshop-Modul „Schatten und Spitzlichter“ ist die Lösung! 

Original 

ALLE FOTOGRAFEN HABEN schon Aufnahmen gemacht, die das 

Motiv nicht so wiedergeben, wie sie es sich vorgestellt haben. Der 

Himmel ist nicht stimmungsvoll genug, der Boden zu dunkel, oder 

es fehlt an Kontrasten und Belichtung! 

Mit der Funktion „Schatten und Spitzlichter“ können solche Bilder 

in der Nachbearbeitung korrigiert werden. Dieses raffinierte Modul 

ist ein fantastisches Werkzeug, das von Benutzern oft übersehen 

wird, seit HDR-Software wie Photomatix sowie Photoshop- 

Aktionen von Drittunternehmen angeboten werden. 

Zusammengefasst erlaubt diese Anwendung, durch Anpassen von 

Spitzlichtern und Schatten die Details über- oder unterbelichteter 

Bereiche zurückzuholen. Mit dem Mitteltonkontrast-Regler kann 

der gesamte Farbtonbereich verbessert werden. 

Es ist wirklich ganz einfach, die Schlüssel zum Erfolg sind 

Fingerspitzengefühl und sorgfältiges Arbeiten; denn wie jede 

Änderung der Farbtonbereiche (einschließlich HDR) können zu 

starke Spitzlichter und Schatten fotografische Monster erzeugen. 

Die Kontrollregler für „Schatten und Spitzlichter“ mögen anfangs 

etwas verwirren, doch mit zunehmender Erfahrung und 

Verständnis der Effekte ist die regelmäßige Anwendung ein 

Kinderspiel. 

Hotkeys 

Alt zurücksetzen 

Bei der Nachbearbeitung mit 

Schatten und Spitzlichtern die 

Alt-Taste drücken: 

Dadurch wird die Abbrechen-Taste 

zur Reset-Taste und der Filter auf die 

Standardeinstellung zurückgesetzt. 

Um zwischen dem verwischten und 

dem originalen Bild umzuschalten, 

kann die Vorschau deaktiviert 

werden. 

1DAS ORIGINAL DUPLIZIEREN: Das 

ausgewählte Bild ist ein wenig leblos, hat aber 

potenzielle Textur im Himmel und Detail im 

Vordergrund, die durch den Einsatz von „Schatten 

und Spitzlichter“ hervorgebracht werden können. Die 

Originalebene duplizieren: „Ebene > Ebene 

duplizieren“ und der neuen Ebene einen Namen 

geben. 

SCHATTEN UND SPITZLICHTER: Auf der 

2 duplizierten Ebene auf „Bild>Einstellungen> 

Schatten und Spitzlichter“ gehen. Da das Bild ein 

wenig fl ach wirkt, sollte man sich auf den Kontrast 

von Schatten und Mitteltönen konzentrieren und den 

Spitzlichtbereich nur leicht anpassen. An diesem 

Punkt sollte auch der Vordergrund schärfer gestellt 

werden. 

ANGEPASSTE EBENE DUPLIZIEREN: Die 

3 bearbeitete Ebene duplizieren: „Ebene > Ebene 

duplizieren“. Eine Ebenenmaske auf „Ebene > 

Ebenenmaske > Alle einblenden“ wählen oder durch 

Klick auf Ebenenmaske hinzufügen am unteren Rand 

der Ebenen-Palette hinzufügen. Die neue 

Ebenenmaske dient ausschließlich dazu, den 

ausgewählten Himmelsbereich zu bearbeiten. 

4VERLAUF HINZUFÜGEN: Auf das 

Ebenenmasken-Symbol klicken und das 

Verlaufs-Werkzeug wählen, Die Vordergrund- und 

Hintergrundfarben sollten dabei auf schwarz und weiß 

eingestellt werden. Um eine gerade Linie zu 

gewährleisten, die Shift-Taste gedrückt halten, nahe 

dem Horizont auf das Bild klicken, diesen nach oben 

ziehen und im oberen Bildteil ablegen. Dadurch wird 

der Verlauf auf der Maske sichtbar. 

EINEN STÜRMISCHEN HIMMEL 

5 SCHAFFEN: Mit der Maske am richtigen Ort 

wird nur der Himmelsbereich bearbeitet. „Schatten 

und Spitzlichter“, wie in Schritt drei beschrieben, 

öffnen. Diesmal sollen aber vor allem Spitzlichter und 

der Kontrast der Mitteltöne bearbeitet werden, um 

möglichst viel Detail im Himmel zurückzugewinnen. 

Der Kontrast kann mit Hilfe des Werkzeugs 

„schwarze Klammer“ verstärkt werden. 

DIE FARBSÄTTIGUNG REDUZIEREN: Im 

6 letzten Schritt kann etwas Farbe entfernt werden, 

um die stürmische Stimmung zu verstärken. Die 

oberste Ebene bleibt aktiviert: „Ebene > Neue 

Einstellungsebene > Farbton/Farbsättigung“ wählen, 

mit dem Schieberegler die Sättigung auf ca. 20 % 

reduzieren und auf OK klicken. Um alle Ebenen zu 

erhalten, das Bild als Photoshop-Datei (PSD) 

speichern.



Ein Sturm kommt auf 

Erst flach, dann fantastisch: 

Mithilfe der Funktion „Schatten und 

Spitzlichter“ wurden viele Details 

hervorgeholt, die im JPEG-Originalbild 

nicht zur Geltung kamen.


Hinter der Maske 

Die Kombination von Korrekturebenen und Ebenenmasken eröffnet eine Welt von 

Möglichkeiten, in der Sie Ihre Fotos selektiv anpassen und perfektionieren können. 

Original 

Jordan Butters: Ohne Zweifel 

besteht eine der mächtigsten 

Funktionen von Adobe Photoshop 

darin, Bilder durch Benutzen von 

Korrekturebenen und Ebenenmasken 

verlustfrei bearbeiten zu können. 

Korrekturebenen bieten eine ganze Reihe von 

Effekten und Anpassungen, jede von ihnen mit 

einstellbaren Parametern. Außerdem können 

diese entweder auf das gesamte Bild, auf eine 

einzige Ebene beschränkt oder selektiv in 

Kombination mit einer Ebenenmaske 

angewendet werden. 

Ebenenmasken maskieren – wie der Name 

schon sagt – die Ebene, auf die sie angewendet 

werden. Sie können damit ausgewählte 

Bildteile bearbeiten, schrittweise einen nach 

dem anderen. 

Wenn Sie bereits mit Photoshop gearbeitet 

haben, aber noch nicht in die Welt der 

Ebenenmasken und Korrekturebenen 

eingetaucht sind, verpassen Sie zahllose 

Möglichkeiten zur Verbesserung Ihrer Bilder. 

Höchste Zeit, die volle Leistungsfähigkeit von 

Photoshop kennen zu lernen! 

Alternative Methode 

Ebenenmasken 

Ebenenmasken können ebenso auf Bildebenen 

angewandt werden wie auf Korrekturebenen. 

Bei Bildern mit zwei oder mehr Ebenen 

wählen Sie die zu bearbeitende Ebene aus 

und machen einen Haken bei „Vektormaske 

hinzufügen“in der Ebenenpalette. Mit dem 

Pinselwerkzeug maskieren Sie anschließend 

das Bild; Weiß zeigt die Ebene an, Schwarz 

maskiert sie. 

Tipp 

Um Änderungen nur auf einzelne Ebenen 

anzuwenden, statt auf das gesamte Bild, klicken 

Sie in der Korrekturpalette auf die Schaltfläche „Auf 

Ebene beschränken“. 

Ebenenpalette anzeigen Nachdem Sie ihr 

1Bild in Photoshop geladen haben, stellen Sie sicher, 

dass die Ebenenpalette sichtbar ist, indem Sie auf 

„Fenster > Ebenen“ klicken. In der Ebenenpalette ist 

zunächst nur eine Hintergrundebene sichtbar. 

Duplizieren Sie diese Ebene, indem Sie auf „Ebene > 

Ebene duplizieren“ klicken (Cmd+J für Mac, Strg+J für 

PC). 

Maske hinzufügen Ich möchte die warmen 

2Töne am Himmel behalten, jedoch dem 

Vordergrund einen neutralen Ton hinzufügen. Dazu 

drücken Sie die Q-Taste, die den Maskenmodus 

einschaltet und wählen das Pinselwerkzeug mit 

angemessener Breite und Spitze. Bearbeiten Sie den 

Bereich, der von allen Änderungen ausgenommen 

bleiben soll. Falls Ihnen ein Fehler unterläuft, korrigieren 

Sie ihn mithilfe der X-Taste. 

Korrekturen hinzufügen Nachdem der 

3Bereich maskiert ist, drücken Sie die Q-Taste 

erneut, um die Maske in eine Auswahl umzuwandeln. 

In der Ebenenpalette klicken Sie auf die 

Korrekturebene-Schaltfläche und wählen „Fotofilter“ 

aus dem sich öffnenden Dropdown-Menü. In der 

Korrekturpalette wählen Sie einen der drei 

voreingestellten Filter zum Abkühlen und justieren mit 

dem Dichteregler die Stärke des Effekts. 

Weitere Korrektur Um die Details des 

4Vordergrunds sichtbar zu machen, klicken Sie 

erneut auf die Korrekturebene-Schaltfläche, doch dieses 

Mal wählen Sie „Tonwertkorrektur“ aus. Arbeiten Sie 

mit den Reglern in der Korrekturpalette, bis Sie mit dem 

Effekt zufrieden sind. Diese Änderungen werden im 

nächsten Schritt lediglich auf den Vordergrund 

angewendet, der Himmel braucht Sie also jetzt noch 

nicht zu kümmern. 

Verlaufsmaske anwenden Klicken und 

5halten Sie die Maus auf das Farbeimer-Werkzeug, 

wählen das Verlaufswerkzeug aus und drücken die 

D-Taste, um die Farbpalette zurückzusetzen. 

Überprüfen Sie im Menü oben, dass der Modus auf 

„Normal“ gesetzt ist. Klicken und ziehen Sie mit der 

Maus auf Ihrem Bild in die Richtung vom Vordergrund 

zum Hintergrund, um die Maske anzuwenden. Je länger 

sie ziehen, umso weicher wird der Verlauf. 

Maske anpassen Es macht gar nichts, wenn 

6Sie den Verlauf nicht schon beim ersten Mal richtig 

hinbekommen, Sie können so oft klicken und ziehen, 

wie Sie müssen, um den passenden Verlauf zu 

erzeugen. In meinem Bild kreuzt der Verlauf den letzten 

hölzernen Pfosten, und das sieht unnatürlich aus. Ich 

wählte das Pinselwerkzeug und bearbeitete den Pfosten 

mit „Weiß“ als Vordergrundfarbe. 

Falls etwas schiefgeht, drücken Sie die X-Taste, um den 

Fehler zu korrigieren.


Durch selektives Anpassen des 

Vordergrunds erhielt dieses Bild noch 

mehr sichtbare Details und somit eine 

bessere Gesamtwirkung.


Mit Photoshop Morgennebel in Ihre Bilder zaubern 

Das Verlaufswerkzeug ist ideal für Landschaftsbilder mit unheimlicher 

Winterstimmung. Mit ein paar kleinen Tricks hat man die Technik bald im Griff. 

Original 

ADAM BURTON 

NEBEL IST EINES jener flüchtigen Elemente, die nur selten dann 

auftreten, wenn der Fotograf sie braucht. Nebel kann die Stimmung 

einer Landschaft vollständig verwandeln. 

Die folgende Photoshop-Anleitung ist kein Ersatz für echte 

Nebel-Aufnahmen. Sie kann aber eingesetzt werden, um bestehende 

Bilder zu verbessern. Außerdem kann sie Fotografen davon befreien, 

an kalten Wintermorgen früh aufzustehen, um natürlichen Nebel zu 

finden. Tiefe Täler, sanfte Hügel oder gefrorene Felder sind schöne 

Motive für neblige Landschaftsbilder. 

Bevor man das Verlaufswerkzeug einsetzt, empfehlen sich einige 

Probebilder, um zu sehen, wie sich der Nebel in verschiedenen 

Aufnahmesituationen verhält. Je weiter der Nebel von der Kamera 

entfernt ist, umso schwerer wirkt er im Bild. Diese Anleitung umfasst 

drei Teile: Nebel im Hintergrund, Nebel im Zentrum und Nebel im 

Vordergrund. Dazu werden verschiedene Intensitäten von Nebel 

genutzt. 

Hotkeys 

Vordergrund- und 

Hintergrundfarbe 

einstellen 

Bei der Verwendung von 

Ebenenmasken mit dem 

Verlaufswerkzeug kann die 

X-Taste benutzt werden, um 

zwischen Vorder- und 

Hintergrundfarben 

(die standardmäßig auf 

„Schwarz-Weiß“ eingestellt 

sind) umzuschalten. 

VERLAUF UMSETZEN: „Ebene > Neue Ebene“. 

1 Um eine neue Ebene über der Originalebene zu 

erstellen, das Verlaufs-Werkzeug wählen und 

sicherstellen, dass es auf der Optionsleiste auf linear 

eingestellt ist. Die Vordergrundfarbe ist weiß, der 

Hintergrund schwarz. Klicken und halten, dann den 

Verlauf aus dem oberen Teil des Bildes nach unten 

ziehen, knapp unter den Horizont, um eine neblige 

Hintergrundebene zu erstellen. 

DEN BAUM HERVORHOLEN: Der Nebel sollte 

2 den Baum nicht verdecken. Um den Nebel vor 

dem Baum zu entfernen, durch Klick auf das 

eingekreiste Symbol auf der Ebenenpalette eine 

Ebenenmaske hinzufügen. Dann das Pinsel-Werkzeug 

mit geeigneter Pinselgröße wählen, auf Schwarz 

einstellen und den Nebel über dem Baum vorsichtig 

entfernen. Falls die Wirkung zu stark ist, kann der Pinsel 

auf Weiß umgestellt werden. Beim erneuten Übermalen 

der bearbeiteten Bereiche werden Details wieder 

sichtbar. 

NEBEL IM ZENTRUM DES BILDES: Um Nebel 

3 im Zentrum des Bildes hinzuzufügen, eine neue 

Ebene über „Ebene > Neue Ebene“ erstellen. Mit dem 

Verlaufswerkzeug und gleichen Einstellungen wie zuvor 

eine Linie von oben nach unten ziehen und umsetzen, 

um über dem Ausschnitt für gleichmäßigen Verlauf zu 

sorgen. Die Deckkraft auf der Ebenenpalette durch 

Reduktion der Verlaufsintensität auf 50 % (eingekreist) 

senken. 

NEBEL IM VORDERGRUND: Um einen 

4 unheimlichen Vordergrund-Nebel ins Bild zu 

bringen, eine neue Ebene schaffen („Ebene > Neue 

Ebene“), dann „Filter > Renderfilter > Wolken“ wählen 

und die Ebene mit dem Wolken-Textureffekt füllen. 

„Bild > Anpassen > Tonwertkorrektur“ wählen und mit 

den Schiebereglern Schwarz und Weiß den Kontrast 

erhöhen. Zum Schluss zum Bildschirmmodus 

wechseln, um die Ebenen zu verschmelzen. 

DIE PERSPEKTIVE ANPASSEN: Um dem Bild 

5 zusätzliche Perspektive zu geben, „Bearbeiten > 

Frei transformieren > Skalieren“ wählen und die 

Registerkarte von der Mitte oben nach unten ziehen. 

Vor der Anwendung den Übergang zur Perspektive 

ändern. Eine der beiden Registerkarten unten in den 

Ecken nach außen ziehen, bis die gewünschte Wirkung 

eintritt. Eventuell muss man den Bildausschnitt 

vergrößern, um die Registerkarten weiter nach außen zu 

bewegen (siehe Beispiel). 

FARBE UND KONTRAST OPTIMIEREN: Das 

6 Symbol am unteren Rand der Ebenen-Palette 

(eingekreist) wählen und zwei Einstellungsebenen 

hinzufügen. Zuerst eine Einstellungsebene für Farbton/ 

Sättigung erstellen und den Schieberegler benutzen, um 

die Farben leicht zu entsättigen. Dann eine 

Einstellungsebene Helligkeit/Kontrast erstellen, um 

Kontraste hinreichend zu verstärken und den Eindruck 

von diffus nebligem Licht zu erzielen.



Eine Chance für 

Nebelfotos! 

In ein paar einfachen Schritten 

kann man Landschaftsbildern 

etwas Nebel einhauchen.



Farbverlaufsfilter 

Steuern Sie die Farbverläufe in Photoshop, indem Sie einen Farbverlaufsfilter 

erzeugen, z. B. um langweiligen Himmel stimmungsvoll einzufärben. 

Jordan Butters: Eigentlich sollten 

Landschaftsfotografen immer ein ganzes 

Sortiment von Verlaufsfiltern dabei haben, 

um in jeder möglichen Situation den Effekt 

erzeugen zu können, der am besten passt. 

Die Realität sieht zwar anders aus, doch zum Glück 

gibt es eine Reihe von Photoshop-Effekten, welche 

die Funktionen verschiedenster Fotofilter simulieren. 

Farbverläufe eignen sich sehr gut, um existierende 

Farben am Himmel zu betonen oder um Charakter 

und Stimmung eines Bildes vollständig zu verändern. 

Beispielsweise lässt sich eine andere Tageszeit 

simulieren als die, zu der das Bild wirklich 

aufgenommen wurde. 

Original 

Verlauf hinzufügen Bevor Sie beginnen, 

1drücken Sie die Taste D auf Ihrer Tastatur, um die 

Farbpalette auf ihre Standardwerte zurückzusetzen. 

Klicken Sie danach auf „Ebene > Neue Füllebene > 

Verlauf“ und OK. 

Verlauf anpassen Setzen Sie in dem 

2Dialogfeld ein Häkchen in das Kontrollfeld Umkehren 

und klicken Sie auf OK. In der Ebenenpalette ändern Sie 

die Füllmethode der Verlaufsebene auf Multiplizieren. 

Verlaufseditor öffnen Doppelklicken Sie auf 

3das Miniaturbild in der Ebenenpalette, um erneut 

das Verlaufsfilter-Menu zu öffnen. Dann klicken Sie auf die 

Miniatur um die Verlaufseditor-Palette zu öffnen. 

Farbe ändern Klicken Sie in die untere linke 

4Ecke des Verlaufs. Dann klicken Sie auf die 

Farb-Miniatur um das Farbauswahl-Fenster zu öffnen. 

Wählen Sie eine Farbe – ich habe Pink genommen, um 

Dämmerung zu simulieren. Klicken Sie auf OK. 

Deckkraft ändern Die beiden Farbstufen über 

5der Verlaufsskala steuern die Deckkraft des Verlaufs. 

Bringen Sie die Weiß-Verlaufsstufe in die obere rechte 

Ecke, um Tiefe und Stärke des Verlaufs anzupassen. 

Klicken Sie auf OK. 

Fotofilter hinzufügen Fügen Sie nun eine 

6weitere Korrekturebene hinzu und wählen Sie Foto 

Filter. Wählen Sie einen der wärmeren Filter und klicken 

Sie auf OK – das verleiht dem gesamten Bild einen 

wärmeren Ton, der zu den Farben der Dämmerung passt. 

Experimentieren Sie mit 

unterschiedlichen Filtern 

Sie könnten zum Beispiel versuchen, Ihrem Bild 

mehr als einen Farbfilter hinzuzufügen. Dazu 

Duplizieren Sie die Verlaufsebene, indem Sie sie 

in der Ebenenpalette auswählen. Anschließend 

gehen Sie auf „Ebene > Ebene duplizieren“ und 

ändern die Verlaufsfarbe, wie in den Schritten 

3 bis 5 beschrieben. Bringen Sie die Verläufe in 

verschiedenen Winkeln an, um unterschiedliche 

Effekte zu bekommen. Dazu benutzen Sie die 

Winkeldrehscheibe im Verlaufsflächenmenu.




Filter zu Hause vergessen? Keine Sorge: 

Mit Photoshop-Filtern können Sie 

trotzdem einen schönen 

Sonnenuntergang kreieren. 

Mehrere Filter 

Filter für wärmeren Farbton 

Filter für kälteren Farbton 

Grünfilter


Schwarzweißfotos kolorieren 

Hier erfahren Sie, wie dunkle und helle Bildpartien eingefärbt werden 

Caroline Wilkinson: Es gibt eine 

Vielzahl an Möglichkeiten der 

Bearbeitung eines Schwarzweißfotos. 

Eine traditionelle Technik ist die 

zweifache Farbtönung. Leider wird sie oft 

erschreckend schlecht umgesetzt. Die Bilder sehen 

dann aus, als seien sie in ein violettes oder 

magentarotes Bad getaucht oder mit falschem 

Weißabgleich aufgenommen worden. 

Dabei kann schon eine kaum erkennbare Änderung 

der Farbtemperatur von Lichtern und Tiefen dem 

Bild einen wärmeren oder kühleren Farbton geben. 

Man kann dabei jedoch nicht vorsichtig genug sein: 

die Einfärbung soll die Wirkung des Bildes auf den 

Betrachter verbessern, nicht das Bild erschlagen. 

Im Folgenden werden wir eine zweifarbige Tönung 

an einem Schwarzweißbild vornehmen. Zu diesem 

Zweck müssen helle und dunkle Bildbereiche 

separat eingefärbt werden. Das Problem dabei 

besteht darin, dass Licht und Schatten ganz 

unterschiedlich behandelt werden müssen, damit 

deren optischer Gegensatz nicht etwa verloren geht 

sondern subtil herausgearbeitet wird. Das heißt, 

wir müssen Farben finden, die gut zueinander 

passen. Komplementärfarben auszusuchen, ist 

deshalb eine gute Idee. Hat man zwei zum Bild 

passende Farbtöne gefunden, geht es ans 

Experimentieren. 

Original 

Bekannte Fehler 

Die Versuchung ist groß, es sich einfach zu 

machen und das Bild einfach mittels einer 

Farbton/Sättigung-Einstellungsebene zu färben, 

oder ganz einfach Farbe aufzutragen. Dass das 

keine gute Idee war, werden Sie merken, wenn 

alle Details des Bildes verloren gegangen sind 

und es nur noch geringe Abstufungen im Farbton 

gibt. Die besten Ergebnisse erhalten Sie, wenn 

Sie eine nicht zu kräftige Farbe wählen, welche 

die Szene nicht dominant überlagert. 

Alternative Verfahren 

In Schwarzweiß umwandeln Fügen Sie 

1eine Schwarzweiß-Korrekturebene hinzu – „Ebene 

> Neue Korrekturebene > Schwarzweiß“ – und 

justieren Sie die Farbregler, bis Sie die 

Kontrasteinstellung finden, die am besten zu Ihrem Bild 

passt. Sie können auch eine der Voreinstellungen 

wählen, um Effekte mit einem Klick zu erzeugen. Ich 

habe mich für einen kontrastreichen Rot-Filter 

entschieden. 

Farbe auftragen Erzeugen Sie eine Farbton/ 

2Sättigung-Einstellungsebene, indem Sie auf das 

Symbol „Neue Füll- oder Einstellungsebene hinzufügen“ 

am unteren Ende der Ebenen-Palette klicken. Bei 

geöffnetem Einstellungsmenü setzen Sie das Häkchen 

bei „Einfärben“ und ziehen den Sättigung-Regler, um 

die Tönung für die dunklen Bildbereiche auszuwählen. 

Dabei können Sie die Auswirkungen auf die übrigen 

Bildanteile ignorieren. 

Farbbalance-Einstellungsebene 

Auch wenn die Ergebnisse vielleicht nicht 

ganz so gut sind, ist die Farbbalance- 

Einstellungsebene ein sehr schnelles Verfahren, 

den Effekt der doppelten Einfärbung auf ein 

Schwarzweißbild anzuwenden. Sie können die 

Farbtönung durch die Einstellungen für Tiefen, 

mittlere Farbtöne und Lichter in einem Schritt 

steuern. 

Tiefen einfärben Ändern Sie in der 

3Ebenen-Palette den Füllmodus in der Ebene 

„Farbton/Sättigung“ auf „Farbe“. Wählen Sie dann 

„Ebene > Ebenenstil > Fülloptionen“, halten Sie die 

Alt-Taste gedrückt und klicken Sie auf das weiße 

Dreieck, das sich daraufhin in zwei Hälften teilt. 

Verschieben Sie diese, bis Sie die richtige Balance 

zwischen dem Ausschließen der Lichter von der Tönung 

und einem sanften Farbübergang gefunden haben. Hier 

waren die besten Positionen bei etwa 100 und 200. 

Lichter einfärben Wiederholen Sie Schritt 

4drei, aber konzentrieren Sie sich nun auf die 

Tiefen. Fügen Sie eine Einstellungsebene für Farbton/ 

Sättigung hinzu und ändern Sie den Füllmodus auf 

„Farbe“, klicken Sie auf „Einfärben“ und stellen Sie den 

Regler für den Farbton ein, um die Lichter einzufärben 

- ignorieren Sie dabei die Tiefen. Gehen Sie zu 

„Fülloptionen“ und teilen Sie die schwarzen 

Schieberegler, um die Tönung der Tiefen zu entfernen. 

Gute Positionen lagen hier bei etwa 80 und 155. 

Den Kontrast optimieren Einer der Gründe, 

5mit Einstellungsebenen zu arbeiten ist der, dass Sie 

zu vorherigen Einstellungen zurückkehren und diese 

erneut ändern können. Der Kontrast Ihres in 

Schwarzweiß umwandelten Bildes hat einen großen 

Einfluss auf die Duoton-Behandlung. Klicken Sie also 

doppelt auf die Schwarzweiß-Einstellungsebene, um 

die Schieberegler neu einzustellen und zu sehen, ob Sie 

die Ergebnisse noch verbessern können.


Ein Farbverlauf in den Lichtern 

und Tiefen macht aus diesem 

Schwarzweißfoto ein „cooles“ 

Farbbild.


Langweilige Himmel mit 

Photoshop ersetzen 

Mithilfe dieser einfachen Technik können Landschaftsfotos deutlich 

verbessert werden. Uninteressante Himmel werden stimmungsvoll und 

dramatisch. 

DAS LAUNISCHE WETTER Nordeuropas ist 

unberechenbar. Selten kommen bei einer 

Landschaftsaufnahme alle gewünschten 

Faktoren zusammen. Man kann wunderschöne 

Orte finden, die Kamera aufs Stativ montieren 

und den Auslöser drücken – einen schönen 

Himmel aufs Bild zu zaubern ist schon etwas 

schwieriger. 

Doch es ist nichts verloren; denn in wenigen 

einfachen Schritten kann der Himmel in der 

Nachbearbeitung ersetzt und die triste 

Landschaft dramatischer werden. Man muss 

natürlich zuerst einen Ersatzhimmel finden, 

der zum Bild passt. Für solche Gelegenheiten 

lohnt es sich, auf dem Computer eine kleine 

Sammlung von Himmelsaufnahmen 

anzulegen. Dazu sollten verschiedene Himmel 

zu verschiedenen Tageszeiten und mit 

verschiedenen Wolkenformationen 

aufgenommen werden. Die Ersetzung ist 

einfacher, wenn der Ersatzhimmel die gleiche 

Tageszeit mit ähnlichen Farben zeigt. Wer eine 

große Auswahl von Himmelsbildern hat, kann 

verschiedene Lösungen auszuprobieren, um 

den passenden Ersatzhimmel zu finden. 

ISTOCK PHOTO 

DEN HIMMEL AUSWÄHLEN: Das Bild öffnen, 

1 das Schnellauswahl-Werkzeug wählen und den 

Himmel bemalen. Enthält das Bild Objekte am 

Horizont (wie bei diesem Beispiel), müssen diese 

vergrößert und die Breite des Pinsels in der 

Optionsleiste angepasst werden. Wenn man den 

Pinseleffekt rückgängig machen will, die Alt-Taste 

drücken und den betreffenden Bereich löschen. 

Sobald man mit dem Resultat zufrieden ist, „Auswahl 

> umkehren“ wählen. 

DEN GEWÄHLTEN BEREICH VERFEINERN: 

2 „Auswahl > Kantenkorrektur“ wählen und das 

Optionsfenster öffnen. Auf Standard klicken: der 

Himmel wird weiß. Mit dem Schieberegler „Verkleinern 

/ Erweitern“ die Auswahl anpassen, bis die Linien mit 

dem Horizont übereinstimmen. Die Vorschau kann 

mithilfe der Optionen am unteren Rand geändert 

werden. Anschließend erneut „Auswahl > umkehren“ 

wählen und die Rücktaste drücken, um den Himmel 

zu entfernen. 

DEN NEUEN HIMMEL EINFÜGEN: Das Bild 

3 des Ersatzhimmels in einem neuen Fenster 

öffnen und mit dem Auswahlrechteck-Werkzeug nur 

den Himmel auswählen. Den ausgewählten 

Bildbereich kopieren („Bearbeiten > Kopieren“) und 

das Himmelsbild schließen, ohne die Änderungen zu 

speichern. Nun den Himmel im Originalbild 

einfügen („Bearbeiten > Einfügen“). 

Wahrscheinlich passt der neue Himmel nicht auf 

Anhieb, aber nur Geduld! 

4 

DIE PROPORTIONEN ANPASSEN: „Bearbeiten 

> Transformieren > Skalieren“ wählen, und die 

Umschalttaste gedrückt halten. Die Ecken des 

Himmelsbildes nach außen ziehen, um die Breite der 

Landschaft anzupassen. Sobald der gewünschte Effekt 

erreicht wird, auf das Häkchen am oberen Rand 

klicken oder Enter drücken. Den Himmel mithilfe des 

Verschieben-Werkzeugs nach oben ziehen, sodass er 

den weißen Bildbereich vollständig abdeckt. 

Mögliche Überschneidungen am Horizont sind jetzt 

noch kein Problem. 

EINEN VERLAUF ERSTELLEN: Die 

5 Schaltfl äche „Vektormaske hinzufügen“ auf 

der Ebenenpalette wählen. Das Verlaufswerkzeug 

und Schwarzweiß-Verlauf wählen. Auf das Bild 

klicken und eine Linie von knapp unter dem 

Horizont bis zum oberen Bildrand ziehen, dann 

loslassen. Dieser Teil besteht vor allem aus 

Versuch und Irrtum, bis die gewünschte Wirkung 

eintritt.

Neue Horizonte 

Xxxxxx 00 

Der Himmel wird zum Horizont hin heller – 

dies sollte beim Einsatz des Verlaufs nicht 

vergessen werden! Ist der Verlauf zu schwach 

oder zu stark, verliert die Wirkung an 

Realitätskraft. 


Der neue Himmel 

schafft mehr Dramatik. 

ISTOCK PHOTO 

DEN HORIZONT BEARBEITEN: Ein Teil des 

6 neuen Himmels überschneidet die Landschaft. 

Dies kann mit dem Pinsel-Werkzeug, einer niedrigen 

Deckkraft von 25 Prozent und einer Härte von 25 

Prozent korrigiert werden. Die Einstellungen findet 

man in der Optionsleiste. Schwarz als 

Vordergrundfarbe wählen und mit dem Pinsel die 

gewünschten Bereiche des Horizonts vom 

überlappenden Himmel reinigen. Wenn man die 

Wirkung rückgängig machen will, wählt man Weiß als 

Vordergrundfarbe und malt mit dem Pinsel wieder 

über den entsprechenden Bildbereich. 

DEN KONTRAST ANPASSEN: Auf der 

7 Ebenenpalette auf „Neue Einstellungsebene“ 

klicken und im Menü „Tonwertkorrektur“ auswählen. 

Durch Klicken auf den unteren Rand der 

Werkzeugpalette kann sichergestellt werden, dass 

die Einstellungsebene mit der unteren Ebene 

verschmolzen wird. Dann den Kontrast des Himmels 

mit dem Rest des Bildes durch den Mittelton- 

Schieberegler anpassen. Ist das erledigt, dann „Datei 

> Speichern unter“! 

Tipp für schnelleres Arbeiten 

Schnellauswahl 

Das Schnellauswahl- 

Werkzeug kam mit 

Photoshop 6 bzw. Elements 

6 und wurde in alle neueren 

Versionen aufgenommen. 

Kontrastunterschiede 

werden erkannt und die zu 

bearbeitenden Bildbereiche 

ausgewählt – ideal, um 

Himmel und Horizont zu 

trennen. 

Vorsicht bei wolken- oder 

nebelverhangenem 

Horizont, wenn Himmel und 

Horizont nicht präzise zu 

trennen sind!


Verwischen Sie die vier Jahreszeiten – unser Saison-Special 

Mit dieser einfachen und beeindruckenden Technik verleihen Sie saisonalen Landschaftsbilder kreative Bewegungsunschärfen 

JEDE JAHRESZEIT bietet neue Gelegenheiten für eindrucksvolle Fotos von 

farbenfrohen Landschaften. Rubinroter Mohn, sonnengetränkter Raps, 

orange verbrannte Blätter oder Winterszenen in Schwarzweiß – die 

Möglichkeiten sind endlos. Ungeachtet der verschiedene Wege zur 

Aufnahme dieser klassischen Szenen, wollen wir eine Technik 

ausprobieren, die saisonalen Ansichten einen künstlerisch frischen 

Anstrich verpasst. Wenn Sie unsere Rubrik über Landschaftsprojekte 

gelesen haben, sind Sie einer Technik begegnet, bei der man die Kamera 

an der Küste über den Horizont schwenkt, um Farbstreifen zu erzeugen. 

Ganz ähnlich funktioniert diese Technik, nur dass die Streifen vertikal 

verlaufen und mit Photoshop erzeugt werden. 

Mit der Kamera kann man Ähnliches erreichen, wenn man sie auf einem 

Stativ mit Dreiwege-Schwenkkopf in einer flüssigen Bewegung auf und ab 

schwenkt. Allerdings wird dabei das gesamte Bild unscharf, während wir 

es hier nur zur Hälfte weichzeichnen wollen. Außerdem – Puristen werden 

fluchen – ist der Effekt so viel einfacher zu kontrollieren, und die Ergebnisse 

mit dem Bewegungsunschärfefilter von Photoshop sind viel besser! 

Nach etwas Herumprobieren war klar, dass wir für unser saisonales 

Pentaptychon (= Serie von fünf Bildern) Aufnahmen benötigten, die 

sowohl am oberen wie unteren Rand interessante Details aufwiesen. Sonst 

konnte man nicht unterschieden, was fokussiert und was unscharf war. Wir 

sahen, dass Wälder oder Landschaften am besten geeignet waren, in 

denen Bäume die komplette Höhe des Bildes füllen. Also durchstöberten 

wir unsere Festplatten nach passenden Bildern von Frühling, Sommer, 

Herbst und Winter. 

ERSTELLEN SIE EINE DOPPELTE EBENE: Öffnen Sie das erste Bild und 

1 verdoppeln Sie das Bild durch Klicken auf die Hintergrundebene in der 

Ebenenpalette und auf „Ebene > Ebene duplizieren“, oder durch Ziehen auf Neue 

Ebene erstellen am unteren Ende der Ebenenpalette. Von nun an arbeiten Sie nur 

noch mit dieser duplizierten Ebene und lassen das Originalbild unberührt. 

WENDEN SIE DIE BEWEGUNGSUNSCHÄRFE AN: Klicken Sie auf „Filter > 

2 Bewegungsunschärfe“, um die Dialogbox des Filters zu öffnen. Da Sie die 

Unschärfe vertikal anwenden wollen, stellen Sie den Winkel auf 90 Grad ein, indem 

Sie den Betrag entweder entweder eintippen oder den Winkelsucher bewegen. Sie 

werden feststellen, dass sich die Richtung der Unschärfe in der Vorschau ändert, 

wenn Sie auf den Winkelsucher klicken und ihn ziehen. 

Too much 

Better 

RUFEN SIE EINE EBENENMASKE AUF: Um eine Ebenenmaske zu dem 

4 unscharfen Bild hinzuzufügen, klicken Sie auf Ebenenmaske am unteren Ende 

der Ebenenpalette. Ein weißer Kasten erscheint neben Ihrem Bild in der 

Ebenenpalette. Nun wählen Sie das Verlaufswerkzeug aus der Werkzeugleiste oder 

drücken die G-Taste. 

ERHÖHEN SIE DIE DECKKRAFT: Stellen Sie den Distanzschieber ein, um die Kraft 

3 des Unschärfeeffekts zu erhöhen. Der untere Bildrand sollte sehr unscharf werden, 

aber nicht so sehr, dass Objekte nicht mehr zu erkennen sind. Dies wird sich von Bild zu 

Bild ändern (wir nahmen 409 Pixel). Wenn Sie zufrieden sind, klicken Sie auf OK. 

MASKIEREN SIE DIE UNSCHÄRFE: Mit dem Verlaufswerkzeug und 

5 ausgewählter Ebenenmaske (ist sie aktiv, erscheinen schwarze Linien in den 

Ecken) klicken Sie oben auf das Bild und ziehen den Cursor nach unten bis zu dem 

Punkt, wo die Unschärfe beginnen soll.




Drucken Sie das Bild aus und 

rahmen Sie es ein. Für einen 

etwas anderen Look können 

Sie auch Leinwand- oder 

Acryldruck ausprobieren... 

WIEDERHOLEN SIE DIESEN SCHRITT: Was Sie getan haben ist, einen Verlauf in 

6 Ihrer Ebenenmaske zu erzeugen, der es der Unschärfe erlaubt, stufenweise in 

Ihrem Bild zum Vorschein zu kommen. Sie können die Abstufung ändern, indem Sie 

Schritt 5 wiederholen. Sie werden feststellen, dass das Bild besser aussieht, wenn 

die Unschärfe am unteren Rand stärker ist als am oberen. 

7 

WENDEN SIE DIE TECHNIK AUF ALLE JAHRESZEITEN AN: Wiederholen Sie die 

Schritte 1 – 6 mit den anderen drei Bildern Ihrer Wahl. Wir haben uns für eine 

bunte Waldszene im Herbst entschieden, im Sommer für helles Sonnenlicht, das 

durch die Baumkronen fällt, und im Winter für das Bild eines verschneiten Waldes in 

Schwarz und Weiß.


So erzeugen Sie einen 10-Stufeneffekt 

Neutraldichtefilter sind großartig – sie erfordern jedoch Geduld, um gute 

Ergebnisse zu erzielen. Hier eine schnelle Technik für alle, die denselben Effekt 

wollen, aber zur realen Anwendung keine Zeit haben. 

WER NOCH NIE die Gelegenheit hatte, ihn zu benutzen, dem sei gesagt: 

Der zehnstufige ND-Filter ist einmalig! Indem er die Belichtungszeit einer 

Kamera deutlich verlängert, erlaubt dieser Filter Bewegungen 

festzuhalten, um Wolken als Streifen oder Wasser als feiner Nebel 

aufgenommen wird. 

Er erfordert jedoch etwas Geschicklichkeit und Geduld, um zu guten 

Ergebnissen zu gelangen. So beeindruckend die Technik ist, so oft ist ihr 

Erfolg auch vom Aufnahmeort abhängig. Und wenn Ihre 

Belichtungszeiten häufig eine Stunde übersteigen, erfordert sie extreme 

Hingabe und Zeit – zwei Dinge, die unsere hektischen Zeitpläne nicht 

immer hergeben. 

Es gibt jedoch eine Abkürzung: Das Resultat ist in Bezug auf seine 

Wirkung sehr ähnlich und wird mit den Unschärfefiltern von Photoshop 

erzeugt. Obwohl diese Technik nichts für Puristen ist, besteht sie den 

Vergleich mit den richtigen Bildern auf überzeugende Weise. 

Experimentieren Sie mit beliebigen Bildern – üblicherweise sorgen 

Küstenszenen für die dramatischsten Ergebnisse. Wenn Sie sich weiter 

inspirieren lassen und wissen möchten, welche Motive am besten 

funktionieren, lohnt sich ein Blick auf das aktuelle Bewegungsstudien- 

Projekt von Lee Frost, das er mit einem zehnstufigen ND-Filter realisiert 

hat (www.leefrost.co.uk). 

Wie benutzt man... 

Ebenenmasken 

Eine Ebenenmaske erlaubt es 

Ihnen, Details der Ebene, auf die 

Sie die Maske anwenden, zu 

verstecken und dadurch das Bild 

darunter zu enthüllen, ohne die 

Ebene zu löschen. Wenn die 

Ebenenmaske ausgewählt ist, 

fügen Sie einfach die Farbe 

Schwarz zur Maske hinzu, um 

die Bilddetails zu verstecken, 

und ändern dann die Farbe auf 

Weiß, um die Details 

wiederherzustellen. 

Drücken Sie die X-Taste, um 

schnell zwischen den Ebenen 

hin und her zu wechseln. 

Original 

ERSTELLEN SIE DOPPELTE EBENEN: Zuerst 

1 erstellen Sie eine duplizierte Ebene des 

Hintergrundbildes, indem Sie auf Ebene duplizieren 

gehen und die Ebene entsprechend benennen – hier 

„Wasserunschärfe“. Als nächstes klicken Sie auf 

Ebenenmaske am unteren Ende der Ebenenpalette, 

um eine Ebenenmaske hinzuzufügen. Wiederholen 

Sie diesen Schritt, um eine zusätzliche duplizierte 

Ebene zu erzeugen – diese nannten wir 

„Himmelsunschärfe“. 

WENDEN SIE DEN RADIALEN 

2 WEICHZEICHNER AN: Stellen Sie sicher, dass 

auf der Himmelsebene die Miniaturansicht 

ausgewählt (eingekreist) ist und wählen Sie dann 

„Filter > Weichzeichnen > Radialer Weichzeichner“. 

Im Dialogfenster stellen Sie die Methode auf Zoom 

und die Qualität auf Sehr gut. Als nächstes geben Sie 

einen hohen Betrag ein – nicht unter 50 – und legen 

den Mittelpunkt in den Bildbereich, in dem sich 

ungefähr der Horizont befi ndet. Dann klicken Sie auf 

Ok. 

KASCHIEREN SIE DIE UNSCHÄRFE IM 

3 VORDERGRUND: Der radiale Weichzeichner 

sollte sich nur auf den Himmelsabschnitt dieser 

Ebene auswirken. Klicken Sie also auf die Vorschau 

der Ebenenmaske in der Ebenenpalette (eingekreist) 

und malen Sie mit einem großen, weichen Pinsel 

schwarz über den Vordergrundbereich, um die 

Unschärfe an Stellen zu kaschieren, an denen Sie 

sie noch nicht wollen. Wechseln Sie zu einem 

kleineren Pinsel, wenn Sie in Horizontnähe arbeiten. 

ZEICHNEN SIE DAS WASSER WEICH: Gehen 

4 Sie über zur Wasserebene, indem Sie sie 

anklicken. Fügen Sie einen radialen Weichzeichner 

hinzu, dessen Einstellungen denen aus dem 

vorangegangenen Schritt entsprechen, ändern Sie 

jedoch den Betrag um die Hälfte auf 35, um die 

Refl exion der Wolken realistischer wirken zu lassen. 

Dann wählen Sie „Filter > Weichzeichnen > 

Gaußscher Weichzeichner“ und stellen den Betrag auf 

nicht mehr als 15 Pixel. So erhält das Wasser einen 

nebligen Glanz, ähnlich wie auf Bildern mit langer 

Belichtungszeit. 

ENTHÜLLEN SIE DEN STEG: Verwenden Sie 

5 die Ebenenmaske, um statische Bereiche, in 

diesem Fall den Anlegesteg zu enthüllen. Klicken Sie 

auf die Ebenenmaske (eingekreist), wählen Sie das 

Polygon-Lasso und wenden Sie es auf den Rand des 

statischen Bereichs an. Sobald Sie fertig sind, 

wählen Sie „Auswahl verändern > Weiche 

Auswahlkante“ und stellen 1 Pixel ein, um harte 

Kanten in der Auswahl zu vermeiden. Dann nehmen 

Sie den schwarzen Pinsel und übermalen die 

Auswahl. 

KONVERTIEREN SIE DAS BILD IN 

6 SCHWARZWEISS: Um das Bild zu konvertieren, 

wählen Sie „Bild > Einstellungen > Schwarz & Weiß“ 

und klicken OK, um die Standardeinstellung zu 

benutzen. Damit die Konvertierung von Farbe zu 

Schwarzweiß das Bild nicht zu fl ach macht, gehen Sie 

auf „Bild > Einstellungen > Tonwertkorrektur“, um 

den Kontrast zu erhöhen. Verwenden Sie die 

Schwarzpunkt- und Weißpunktschieber (eingekreist), 

um alle schwarzen und weißen Bereiche 

aufzubessern. Passen Sie aber auf, keine Details zu 

zerstören.



Poesie in Bewegung! 

In wenigen einfachen Schritten 

verleihen Sie Ihren Landschaftsfotos 

diesen wunderbaren 

Atmosphäre-Effekt.

142 Ausrüstung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

AUSRÜSTUNG FÜR LANDSCHAFTSFOTOGRAFEN 

Landschaftsfotografen sind eine Spezies, die für ein paar großartige Bilder allen 

Widrigkeiten der Elemente trotzt. Mit unserer Anleitung können Sie prüfen, ob Sie alles 

Wichtige eingepackt haben, bevor Sie losziehen. 

LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE IST EINFACH – stimmt das? Sie müssen sich nur die Kamera über 

die Schultern werfen, aufs Land fahren, und schon springen Ihnen die großartigen Aufnahmen vor die 

Linse. Wenn es nur so einfach wäre! In Wahrheit geht es darum, so früh wie möglich aufzubrechen, um 

das erste Tageslicht zu erwischen, und spät aufzuhören, um den Sonnenuntergang aufnehmen zu 

können. Hinzu kommt, dass das ganze regelmäßig von schlechtem Wetter gestört wird und man lange 

Strecken mit viel Gepäck auf sich nehmen muss, im ständigen Wissen, dass es alles umsonst sein 

könnte, wenn das Wetter nicht mitspielt. 

Abgesehen von diesen Rückschlägen, sind Landschaften immer noch eines der populärsten Objekte der 

Fotografie, schlicht und einfach deswegen, weil Sie nur Wimpernschläge von der besten Aufnahme Ihres 

Lebens entfernt sind, wenn die Dinge nach Plan verlaufen. Dafür benötigt man jedoch auch die richtige 

Ausrüstung – und wir haben ausgezeichnete Vorschläge für Sie, ob Sie nun Einsteiger, fortgeschrittener 

Enthusiast, auf dem Weg zum Profi, oder gar schon einer sind. 

Engagierter Amateur – S. 142 Halbprofi – S. 144 

Beim Packen nicht vergessen: 

Wasserdichte 

Abdeckung: Schützt Ihre 

Ausrüstung, wenn Sie in einen 

plötzlichen Regenschauer 

geraten. Sie sind nicht teuer und 

in den meisten Campingläden 

erhältlich. 

Mini-Bodenplane: Ein 

Polyethylen-Quadrat oder eine 

Mülltüte. So bleiben Ihre Knie 

und Ihre Tasche trocken, wenn 

Sie sie auf feuchtem Untergrund 

platzieren. 

Mikrofasertücher: 

Packen Sie mehrere Tücher ein, 

um Objektive und Filter sauber zu 

halten. Stecken Sie sie in 

Plastiktüten, um sie von Schmutz 

fernzuhalten, der feinste 

Oberflächen zerkratzen könnte. 

Karten und Kompass: 

Praktische Werkzeuge, um Ihren 

Aufnahmeort zu bestimmen, und 

festzustellen, wo die Sonnen 

auf- beziehungsweise untergeht. 

Sind auch als Apps für Ihr 

Smartphone erhältlich. 

Wasserwaage: Trägt dazu 

bei, die Kamera auszurichten, 

wenn Sie auf ein Stativ montiert 

ist. So erhalten Sie keinen 

Schiefen Horizont in Ihren 

Aufnahmen. Einige Kameras 

verfügen über eine elektronische Wasserwaage. 

Snacks & Getränke: 

Packen Sie Energiesnacks 

(Energieriegel, Erdnüsse und 

Schokolade sind ideal) und 

Getränke ein, damit Sie fit 

bleiben. Verschmutzen Sie 

jedoch bitte nicht die Natur! 

Staubpinsel: Verwenden 

Sie ihn, um Staub vom Sensor zu 

entfernen, wenn nötig. Visible 

Dust, Giottos und GreenClean 

sind Spezialisten mit einer Reihe 

von Produkten. 

Insektenspray: Sie 

gehen zwischen Mai und 

September an einen Binnensee? 

Nehmen Sie ein Spray mit, um 

Mücken fernzuhalten. 

Insektenspray finden Sie in fast 

allen Apotheken. 

Kameragurte: 

Verwenden Sie Neoprengurte für 

mehr Komfort. Unsere Lieblinge 

kommen von Op/Tech, doch es 

gibt eine Menge Anbieter, die 

Ihnen die Wahl der Farbe und des 

Stils überlassen. 

Kontakte 

Arctic Butterfly 

www.visibledust.com 

B+W 

www.daymen.de 

Canon 

www.canon.de 

Cokin 

www.intro2020.com 

Depssi 

www.bluepondimages.com 

Gitzo 

www.gitzo.de 

Giottos 

www.daymen.de 

Green Clean 

www.flaghead.co.uk 

Hama 

www.hama.de 

Hahnel 

www.hahnel.ie 

Hitech 

www.formatt.co.uk 

Hoodman 

www.newprouk.co.uk 

Jessops 

www.jessops.com 

Lowepro 

www.daymen.de 

Lee Filters 

www.leefilters.com 

Manfrotto 

www.manfrotto.de 

Nikon 

www.nikon.de 

Op/Tech 

www.newprouk.co.uk 

Paramo 

www.paramo.co.uk 

Really Right Stuff 

www.reallyrightstuff.com 

Sprayway 

www.sprayway.com 

Sigma 

www.sigma-foto.de 

Slik 


Sony 

www.sony.de 

Tamrac 


Tamron 


ThinkTank 

www.snapperstuff.com 

Velbon 

www.intro2020.com


Ausrüstung 143 

1) Einsteiger in die Landschaftsfotografie 

Sehen Sie sich als zukünftigen Profi? Sie fühlen wahrscheinlich eine allgemeine Sympathie für die 

Landschaftsfotografie, haben aber bisher nur Schnappschüsse bei Spaziergängen oder anderen 

Gelegenheiten gemacht. Nachdem Sie die Fotografie als Hobby entdeckt haben, ist es Zeit, etwas zu 

investieren. Hier eine kurze Zusammenfassung, was Sie dafür brauchen... 

FILTERSYSTEM 

In Sachen Wert ist das P System von 

Cokin das beste weit und breit. Die Filter 

sind 84 Millimeter breit, die Fassung ist 

als groß genug, um einer Vignettierung 

durch 14 Millimeter-Objektive auf 

Digitalkameras mit APS-C-Sensoren 

(20–24 Millimeter-Objektive auf 

Vollformatkameras) vorzubeugen, und es 

sind Adapterringe für Objektive mit 

Gewinden von bis zu 82 Millimetern 

erhältlich. Die Fassung kostet circa 6 

Euro, die Adapterringe circa 14 Euro das 

Stück. Welche Marke Sie auch kaufen, 

investieren Sie auf jeden Fall in einen 

Zirkularpolarisator und einen Satz 

ND-Filter. Der P164 Zirkularpolarisator 

von Cokin kostet circa 111 Euro, ND-Filter 

liegen bei circa 27 Euro das Stück. 

EINSTEIGERNIVEAU 

DIGITALE 

SPIEGELREFLEXKAMERA MIT 

APS-C-SENSOR 

Es gibt keine schlechten digitalen 

Spiegelreflexkameras oder Systemkameras 

– auch das billigste Modell verfügt noch über 

eine fantastische Bildqualität -, machen Sie sich 

daher keine Sorgen, wenn Ihr Budget nicht für 

ein Profimodell ausreicht, weil Sie wirklich 

keines brauchen. Was Sie hingegen brauchen, 

ist eine leichte digitale Spiegelreflexkamera, die 

Sie den ganzen Tag mit sich herumtragen 

können, ohne dass Sie sie bemerken, die schnell 

und einfach zu benutzen ist, und die 

Eigenschaften besitzt, Ihnen nach und nach 

mehr Kontrolle zu überlassen, wenn Ihr Wissen 

und Ihre Erfahrung erst einmal gestiegen sind. 

Modelle, die einen Blick lohnen, sind die 14,2 

Megapixel D3100 von Nikon für circa 520 Euro 

und die Canon EOS 1100D für circa 495 Euro. 

SUPERZOOM 

Die Brennweite eines mittleren 

Weitwinkel-Objektivs und eines 

Tele-Objektivs decken all Ihre Bedürfnisse 

in Bezug auf die Landschaftsfotografie ab. 

Und wenn Sie sich das Leben erleichtern 

wollen und Ihre Ausrüstung eher kompakt 

sein soll, dann sind Sie mit einem 18–200 

Millimeter- oder einem 18–250 

Millimeter-Zoom (äquivalent zum 

28–300/375 Millimeter-Zoom einer 

Vollformatkamera) bestens bedient. 

Nikon und Canon bieten tolle Zooms an; 

trotzdem sollte man auch Produkte 

unabhängiger Hersteller vergleichen, z. B. 

das 18–200 Millimeter-f/3.5-6.3 DC OS 

von Sigma für circa 250 Euro, oder das 

18–200 Millimeter-f/3.5-6.3 XR Di II von 

Tamron. 

RUCKSACK 

Sie werden mit relativ wenig Equipment 

arbeiten, es gibt also keinen Grund für 

einen gigantischen Rucksack. 

Eine „Zoomster“-Tasche für Kamera und 

Objektive, z. B. der Photo Digital Holster 

20 von Think Tank für circa 53 Euro, und 

eine Gürteltasche für die Accessoires 

können vollauf genügen. 

Ein Rucksack wie der Fastpack 350 von 

Lowepro für 62 Euro ist ideal, weil er Ihre 

gesamte Ausrüstung fasst, dazu bietet er 

Stauraum für Snacks oder Kleinteile, eine 

Laptoptasche für Karten sowie 

Seiten-Netztaschen für Flaschen und 

Dosen. 

SPEICHERKARTEN 

Auch an einem guten Tag werden Wie den 

Auslöser sehr oft betätigen müssen, um 

eine Karte mit 4 Gigabyte zu füllen. So eine 

in der Kamera zu haben, sollte also mehr 

als ausreichen – es lohnt sich trotzdem, 

eine Ersatzkarte mit 4 Gigabyte dabei zu 

haben, nur für den Fall, dass Sie sich nicht 

mehr bremsen können. 

FERNAUSLÖSER 

Wenn Ihre Kamera auf ein Stativ montiert ist, 

dann können Verwacklung zustande kommen, 

wenn Sie mit dem Finger den Auslöser betätigen. 

Mit einem Fernauslöser, den Sie in eine der 

Buchsen an der Seite Ihrer Kamera stecken, 

können Sie dies umgehen. Ein Basismodell von 

Hama oder Hähnel ist hier die beste Wahl. Der 

Fernauslöser von Hähnel für circa 20 Euro eignet 

sich hervorragend als erster Fernauslöser. 

OUTDOOR-BEKLEIDUNG 

Wenn Sie vorhaben, den ganzen Tag draußen 

zu verbringen, dann ziehen Sie sich 

entsprechend an. Das Explore Tee für circa 30 

Euro von Sprayway ist als unterste Schicht 

einwandfrei, während das Challenger für circa 

85 Euro von Paramo ein zweiseitiges 

Leichtgewicht ist und exzellenten Schutz vor 

Wind und Regen bietet. 

STATIV 

Manche sind nicht begeistert davon, ein Stativ 

tragen zu müssen, doch glauben Sie uns: Es ist 

die Mühe wert, vor allem wenn Sie bei 

schwachen Lichtverhältnissen in der 

Morgen- oder Abenddämmerung arbeiten. Es 

ist besser, Sie nutzen ein Stativ und stellen 

einen geringen ISO-Wert ein als aus der Hand 

mit hohen ISO-Werten aufzunehmen. 

Halten Sie Ausschau nach einem leichten 

Modell, z. B. dem Pro 400DX von Slik für circa 

111 Euro, oder dem MajorCarbonFibre-Stativ 

von Jessops für circa 105 Euro.

144 Ausrüstung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

2) Der fortgeschrittene Enthusiast 

Sie fotografieren ernsthaft seit zwei bis drei Jahren, haben in 

dieser Zeit einiges Wissen und Erfahrung gesammelt und 

erzielen richtig gute Bilder. Ihre Familie und Freunde fragen Sie 

nach Ausdrucken von Ihren Fotos als Wandschmuck. 

Dann ist der Zeitpunkt gekommen, Ihre Ausrüstung für die 

Landschaftsfotografie zu erweitern. Folgende Accessoires 

sollten Sie in Betracht beziehen... 

FERNAUSLÖSER 

Ein vernünftiger Fernauslöser ist ein Muss. Sie könnten sich mit 

einem Schnurauslöser wie dem Fernauslöser 280 von Hähnel 

zufrieden geben, den wir auf der vorherigen Seite vorgestellt haben. 

Doch interessieren Sie sich vielleicht auch für einen schnurlosen 

Fernauslöser wie den Combi TF von Hähnel für circa 62 Euro. Außer 

einem viersekündigen Timer, bietet er auch die Möglichkeit, Ihr 

Studioblitzsystem damit auszulösen, was ihn zu einer besseren Wahl 

macht, falls Sie auch Porträts aufnehmen. 

NEUTRALDICHTEFILTER 

Wenn Sie Landschaften fotografieren, ist der Himmel fast immer 

heller, als die Landschaft. Wenn Sie für die Landschaft belichten, 

ist der Himmel daher viel zu hell und sieht schrecklich aus. Der 

schnellste und einfachste Weg, um dies zu vermeiden, ist einen 

ND-Filter an Ihrem Objektiv zu befestigen. Ein 0,6 ND-Filter 

(zweistufig) ist für den allgemeinen Gebrauch ausreichend, 

während sich ein 0,9 ND-Filter (dreistufig) in der Morgen- und in 

der Abenddämmerung besser eignet. Der Z-Pro ND-Filter von 

Cokin kostet circa 75 Euro pro Stück, während die Hitech 

ND-Filter bei circa 43 Euro pro 100 Millimeter-Filter liegen. 

FILTERSYSTEM 

Obwohl Sie auch mit der P System-Fassung von Cokin davon 

kommen, die sich für Objektive von bis zu 14 Millimetern eignet, ist 

der Umstand, dass Sie sich einen Weitwinkel-Zoom gekauft haben, 

wahrscheinlich Grund genug, um über ein größeres 100 

Millimeter-System nachzudenken. Die Produkte von Lee Filters 

werden wohl außerhalb des Budgets liegen, doch das Z-Pro System 

von Cokin, oder das 100 Millimeter-System von Hitech sind 

erschwinglicher. Die Fassungen liegen bei circa 62 Euro pro Stück 

und die Adapterringe kosten weniger als 25 Euro pro Stück. 

STATIV UND STATIVKOPF 

Ernsthafte Landschaftsfotografie geht mit dem ständigen 

Gebrauch eines Stativs einher, leisten Sie sich daher ein gut 

gebautes, stabiles Modell, das lange hält, jedoch nicht so groß 

und schwer ist, dass das Tragen zur lästigen Pflicht wird. Das 

190CXPRO3 aus Karbonfaser für circa 320 Euro von Manfrotto 

ist ein würdiger Anwärter, genauso wie das MTL8350B von 

Giottos für circa 235 Euro. Wenn Sie knapp bei Kasse sind, ist das 

190XB von Manfrotto für circa 136 Euro ein guter Kauf. Koppeln 

Sie diese mit einem 460MG Stativkopf für circa 93 Euro von 

Manfrotto, oder dem MH1302-652 Kugelkopf für circa 75 Euro 

von Giottos. 

RUCKSACK 

Es lohnt sich, in einen vernünftigen Rucksack zu investieren, der 

Ihre gesamte Ausrüstung fasst, einen anständigen Grad an 

Wettertauglichkeit bietet, und sich bequem tragen lässt, wenn Sie 

lang Strecken über rauen Untergrund zurücklegen. Der Vertex 

100AW von Lowepro für circa 150 Euro ist ein guter Kauf, 

genauso wie der Expedition 7x von Tamrac für circa 200 Euro und 

der Pro Runner 450AW von Lowepro für circa 167 Euro.



DIGITALE SPIEGELREFLEXKAMERA 

MIT APS-C-SENSOR: OBERES 

PREISSEGMENT 

Sie wollen das beste, was Sie sich an Kameras im 

APS-C-Format leisten können, so dass Sie Bilder in 

Topqualität erzeugen und die Dateien auf 30 x 40 

Zentimeter oder größer drucken können, ohne dass Sie sich 

darum sorgen müssen, ob sie unscharf oder körnig 

aussehen. Wenn Sie schon eine Canon benutzen, dann 

werden Sie nichts besseres als die 18 Megapixel EOS 7D für 

circa 1360 Euro finden, während es bei Nikon schon die 

D300s für circa 1360 Euro, oder die D7000 für 1180 Euro 

sein muss. Wenn Sie von vorne anfangen wollen, sollten Sie 

auch die 16,2 Megapixel Alpha A65 von Sony für circa 990 

Euro in Erwägung ziehen. 

STANDARDZOOM 

Wenn Sie bis dato den Zoom benutzt haben, der zu Ihrer 

Ausrüstung gehörte, dann ist es jetzt an der Zeit, auf einen 

Standardzoom von besser Qualität aufzurüsten. Fokallängen 

von ungefähr 16 Millimetern sind für den allgemeinen 

Gebrauch ideal, weil Sie breit genug sind, um dramatische 

Kompositionen zu schaffen. Bei circa 35 Millimetern 

bekommen Sie einen Blickwinkel und eine Perspektive, die 

denen des menschlichen Auges ähnlich sind, während Sie 

sich mit 50 Millimetern und mehr auf das Territorium der 

kurzen Tele-Objektive wagen. Das 15-85 

Millimeter-f/3.5-5.6 IS USM von Canon für circa 743 Euro, 

das AF-S 16-85 Millimeter-f/3.5-5.6 G ED VR von Nikkor für 

circa 557 Euro, das 17-70 Millimeter-f/2.8-4 DC Macro OS 

HSM von Sigma für circa 433 Euro, und das 17-50 

Millimeter-f/2.8 XR Di II VC von Tamron sind allesamt einen 

Blick wert. 

DISPLAYSCHUTZ 

Wenn Sie wollen, dass das Display Ihrer Kamera seiner 

Aufgabe gerecht wird, müssen Sie es pflegen. Kaufen Sie 

daher einen Displayschutz und passen Sie ihn an. Die 

vielfältigen Plastikaufsätze, die für manche Kameras 

erhältlich sind, gehen in Ordnung, gehören aber eher zu den 

dickeren Aufsätzen und tendieren nach einer gewissen Zeit 

zu einem „gefrorenen“ Look. Die selbstklebenden Aufsätze 

für circa 7 Euro von Hama und Jessops sind einer bessere 

Wahl und außerdem günstiger. 

SCHUTZKLEIDUNG 

Komfort und Schutz sind ein Muss, wenn es Ihre Arbeit 

erfordert, dass Sie sich bei jedem Wetter draußen aufhalten, 

und Landschaften fotografieren – wenn Sie nass werden und 

Ihnen kalt ist, werden Sie nicht Ihre beste Leistung abrufen 

und darunter leidet Ihre Arbeit. Glücklicherweise ist die 

technische Outdoor-Kleidung heutzutage besser denn je, es 

gibt also keine Entschuldigung dafür, sich überführen zu 

lassen. Zusätzlich zudem diversen Schichten, um die Hitze 

auszutricksen und sich warm zu halten, und einer Mütze, um 

den Wärmeverlust durch Ihren Kopf zu stoppen, wird Sie eine 

wasserdichte äußere Schicht vor Wind, als auch vor Regen 

schützen. Egal ob Sie ein Einsteiger sind, ein Enthusiast, oder 

ein ernstzunehmender Landschaftsfotograf, das Bedürfnis, 

sich warm und trocken zu halten, ist da gleiche. Paramo, 

Berghaus, The North Face, Mountain Equipment und 

Mountain Hardwear sind Marken, die unter anderen einen 

Blick wert sind. 

Das Velez Adventure Smock verfügt über eine große 

Kängurutasche, in die eine Karte oder Filter passen. Es 

handelt sich um ein kurzes, bequemes Oberteil, das 

außerdem leicht ist und warm hält. Wie bei anderen 

wasserdichten Produkten von Paramo, pumpt das Velez 

Adventure den Schweiß ab, so dass Ihnen nicht kalt wird, 

wenn Sie anhalten, weil sich keinerlei kühlende Flüssigkeit auf 

Ihrer Haut befindet. Eine Jeans ist ideal für den täglichen 

Gebrauch, für einen Tag im Freien jedoch keine optimale 

Wahl, da sie nicht wetterfest ist, und klamm und schwer wird, 

sollten Sie in einen Schauer geraten. In diesem Fall sind Sie 

mit Regenhosen besser dran. Sie sind bequem, 

strapazierfähig und vor allem wasserdicht. Hier sehen Sie die 

Havanna von Sprayway für circa 50 Euro, eine gute Option für 

den kleinen Geldbeutel. 

In der Tasche... 

1) ULTRAWEITWINKEL-ZOOM 

Auch wenn Sie dazu neigen, noch immer zuerst nach Ihrem 

Standardzoom zu greifen, lohnt es sich, Ihrer Ausrüstung ein 

Ultraweitwinkel-Zoom hinzuzufügen, sodass Sie mit 

dramatischen Kompositionen experimentieren, Linien und 

interessante Details im Vordergrund ausnutzen und Bilder 

mit mehr Tiefe und Größenverhältnissen erzielen können. 

Wahrscheinlich wird es zu Ihrem „Standard“-Objektiv, wenn 

Sie erst die Vorteile entdeckt haben. Kaufen Sie ein gutes 

Produkt; das 10–20 Millimeter-f/3.5 EX DC HSM von Sigma 

für circa 620 Euro ist eine der besten Optionen. Auch das 

EF-S 10–22 Millimeter-f/3.5-4.5 USM von Canon für circa 

805 Euro und das DX 10–24 Millimeter-f/3.5-4.5 G AF-S 

von Nikkor für circa 817 Euro sind sehr gut. 

2) TELEZOOM 

Ein Telezoom werden Sie nicht so oft benutzen, doch ein 

Kauf lohnt sich für Effekte wie gestauchte Perspektive 

(großartig bei nebligem Wetter), die reduzierte 

Schärfentiefe, und erlaubt Ihnen außerdem, den Rahmen 

mit Details der Landschaft zu füllen. Ein 70–200 

Millimeter-Zoom wird in Verbindung mit APS-C-Sensoren 

effektiv zu einem 105–300 Millimeter-Zoom, während ein 

70–300 Millimeter-Zoom zu einem 105–450 Millimeter- 

Zoom wird, was absolut ausreicht. Das 70–300 

Millimeter-f/4-5-6 DG OS von Sigma für circa 370 Euro, 

das 70–300 Millimeter-f/4-5.6 DI LD Macro von Tamron 

für circa 210 Euro, das AF-S 70–300 Millimeter-f/4.5-5.6 

VR von Nikkor für circa 557 Euro, und das 70–200 

Millimeter-f/4 L USM von Canon für circa 620 Euro sind 

allesamt eine gute Wahl. 

3) SPEICHERKARTEN 

Obwohl die meisten Aufnahmen nur einen Tag dauern, 

werden Sie auch weiter weg gehen und Wochenenden an 

einem Aufnahmeort verbringen – und eine zusätzliche 

Speicherkarte brauchen. Wenn Sie vier gute Tage haben, 

könnten Sie ohne weiteres 20–30 Gigabyte an Raw-Dateien 

aufnehmen, besorgen Sie sich also mindestens fünf 

Speicherkarten mit 4 Gigabyte. 

4) LUPE 

Bilder auf dem Vorschaudisplay der Digitalkamera zu 

überprüfen, kann sich bei hellem Licht als schwierig erweisen. 

Und auch wenn Sie auf Ihre Jacke oder Ihre Hände 

zurückgreifen können, um die Kamera abzuschirmen, ist die 

beste Lösung eine Lupe für circa 100 Euro von Hoodman. Sie 

gibt immer ein helles, verzerrungsfreies 1:1-Bild wieder. 

5) DEPSSI-KARTE 

Sie kostet nur circa 4 Euro, doch dieses praktische 

Accessoire hilft Ihnen, das ganze Jahr über den Ort von 

Sonnenauf- und Sonnenuntergang festzustellen – drehen Sie 

die Karte einfach nur nach Norden und lesen Sie die Anzeige 

ab. Drehen Sie die Karte und Sie haben eine Tabelle für 

hyperfokale Entfernungen, die Ihnen sagt, wie Sie 

fokussieren müssen, um Ihre Schärfentiefe zu maximieren. 

6) ND-FILTER 

Nutzen Sie ND-Filter, um Ihre Belichtung zu verlängern, 

wenn Sie fließendes Wasser fotografieren und diesen 

wunderbaren Unschärfeeffekt aufnehmen wollen. Die Pro-Z 

ND-Filter von Cokin werden Sie um circa 42 Euro pro Stück 

ärmer machen, wobei der ND4 und der ND8 am nützlichsten 

sein werden. Die ND-Filter von Hitech liegen bei circa 30 

Euro. 

7) POLFILTER 

Ein Polfilter wird blauen Himmel verstärken, grelles Licht 

reduzieren, so dass die Farben gesättigter wirken, Nebel 

durchschneiden und Reflexionen eliminieren. Der Z-Pro 

Polfilter von Cokin für circa 279 Euro ist ideal in Verbindung 

mit dem Z-Pro Filtersystem, während Polfilter von Hitech bei 

circa 160 Euro liegen. Wenn Sie sich keinen aufsteckbaren 

Polfilter leisten wollen, sollten Sie einen aufschraubbaren 

Zirkularpolfilter in Betracht ziehen. Hoya bietet 

beispielsweise einen ausgezeichnete Reihe von Polfiltern an, 

die Preise variieren je nach Größe, doch mit Ausgaben von 

circa 80 Euro für einen 72 Millimeter- oder einen 77 

Millimeter-Polfilter sollten Sie rechnen. 

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146 Ausrüstung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

3) Der Semiprofi 

Mit Landschaftsfotografie den Lebensunterhalt zu bestreiten, 

ist schwierig. Manche schaffen es dennoch, indem Sie 

diversifizieren: Archivbilder aufnehmen, Drucke verkaufen, 

Karten und Kalender selbst verlegen, Bücher und 

Zeitschriftenartikel schreiben oder Workshops leiten. 

Halbprofis kombinieren profitable Fotografie mit anderen 

Wegen des Gelderwerbs. 

Wenn Sie zu dieser Kategorie gehören wollen, brauchen Sie 

eine Ausrüstung, die regelmäßigen Einsatz unter allen 

Bedingungen aushält: Eine Investition in Ihre Zukunft. 

GLASPOLFILTER 

Wenn Sie in eine Ausrüstung von Lee Filters investiert haben, dann werden Sie sie 

womöglich mit einem Polfilter von höchster Qualität ergänzen wollen. Der 105 

Millimeter-Zirkularpolfilter von Lee Filters für circa 272 Euro wird durch einen 

optionalen 105 Millimeter-Adapterring für circa 40 Euro auf dem 

Lee-Filterfassung befestigt. Dieser Polfilter verfügt allerdings über ein sehr tiefes 

Gewinde, wenn Sie also Ultraweitwinkel-Zooms oder -Objektive verwenden, dann 

sollten Sie schmalere Polfilter in Betracht ziehen, beispielsweise den Kasemann für 

circa 285 Euro von Heliopan. 

ULTRAWEITWINKEL-ZOOM 

Für die Landschaftsfotografie mit digitalen Vollformatkameras sind Fokallängen von 

16–35 Millimeter erhältlich. Ein Ultraweitwinkel-Zoom könnte daher zu Ihrem 

Standardobjektiv werden, kaufen Sie also möglichst das beste. Bei Canon sind das 

16–35 Millimeter-f/2.8 L Mk II USM für circa 1.437 Euro und das 17–40 

Millimeter-f/4 L USM für circa 780 Euro erhältlich. Letzteres bietet sehr hohe 

Bildqualität und kostet nur die Hälfte; seine langsamere Maximalblende sollte für 

Landschaftsaufnahmen genügen. Bei Nikon genießt das AF-S 14–24 

Millimeter-f/2.8 G ED für circa 1.635 Euro einen guten Ruf. Praktischer ist jedoch 

das AF-S 17–35 Millimeter-f/2.8 D ED-IF für circa 1.858 Euro; das AF-S 16–35 

Millimeter-f/4 G ED-VR bietet als erstes Ultraweitwinkel-Zoom sogar 

Vibrationsreduktion! 

FILTERSYSTEM 

Es gibt nur einen Hersteller für Filtersysteme, die von Landschaftsfotografen 

benutzt werden: Lee Filters. Konkurrenzlos in punkto Vielseitigkeit, Qualität und 

für ein langes Leben gebaut. So ist auch der Preis; die Basisfassung kostet circa 68 

Euro, die Adapterringe circa 23–68 Euro. Wichtiger ist jedoch, dass die 100 

Millimeter-Weitwinkel-Fassung als Set geliefert wird und mit einem oder bis zu drei 

Filtern zusammengesetzt werden kann, um es in Verbindung mit 

Weitwinkel-Objektiven zu benutzen. Füllen Sie zwei Steckplätze, und Sie erhalten 

ein vignettierungsfreies Bild mit Fokallängen von bis zu 16 Millimetern auf einer 

Vollformatkamera. Für Benutzer des 14–24 Millimeter-Zooms von Nikkor und 

anderer Ultraweitwinkel-Zooms, die ein hervorstehendes Vorderelement besitzen, 

wird das System SW150 empfohlen. 

STATIVKOPF 

Die Beine eines Stativs sind nur so gut wie der Kopf, den Sie ihnen verpassen, 

geben Sie also nicht Ihr gesamtes Budget für schicke Stelzen aus. Der 410 Junior 

Head für circa 198 Euro von Manfrotto ist ein guter, solider Kopf – gut gebaut und 

ideal sowohl für Einzelaufnahmen, als auch für Sequenzen zusammengefügte 

Panoramas. Wenn Sie Kugelköpfe bevorzugen, so verwenden Profis meist 

Produkte von Arca Swiss und Really Right Stuff. 

STATIV 

Ein solides, stabiles Stativ, das Ihre schwere Vollformat/Zoom-Kombination auch bei starkem 

Wind ruhig hält ist unerlässlich. Mittlerweile stellen Karbonfasern den Standard und Gitzo 

ist unter Profis der populärste Hersteller. Werfen Sie einen Blick auf das GT2541 für circa 

669 Euro. Sollten Ihnen die Drehbeinverschlüsse von Gitzo nicht gefallen, versuchen Sie es 

mit dem 055CXPRO4 von Manfrotto für circa 372 Euro, und wenn Ihr Budget begrenzt ist, 

dann ist das klassische 055XPROB aus einer Metalllegierung von Manfrotto für circa 186 

Euro nicht zu schlagen – schwerer als Karbonfasern, doch zäh wie alte Schuhe. Auch das 

MTL8361B von Giottos für circa 310 Euro ist eine hervorragende Wahl.



DIGITALE VOLLFORMATKAMERA 

In vordigitaler Zeit waren Mittel- und Großformatkameras unter 

Profis die Waffen der Wahl, mittlerweile jedoch kann die 

Mittelformatqualität mit digitalen Vollformatkameras erreicht 

werden, die somit zum Standard geworden sind. Lässt man die 

Bildqualität außer Acht, so verfügen digitale Vollformatkameras der 

oberen Preisklasse auch über eine ausgezeichnete Bauweise und 

sind sogar allwetterfest, so dass Sie dem täglichen Gebrauch unter 

extremen äußeren Bedingungen standhalten, ohne auch nur mit der 

Wimper zu zucken. Regen, Schnee, Wind, Sand, Vulkanasche – was 

immer Sie wollen. Die beiden Spielmacher sind die die Canon 

EOS-1Dx für circa 6.566 Euro und die Nikon D3x für circa 6.293 

Euro. Doch auch die Canon EOS 5D Mk II für circa 2.106 Euro, die 

Nikon D700 für circa 2.230 Euro und die Sony Alpha 900 für circa 

2.478 Euro verfügen über eine exzellente Bildqualität, allerdings 

nicht über die gleiche Bauweise und die Wetterbeständigkeit. 

DISPLAYSCHUTZ AUS GLAS 

Das Display Ihrer Digitalkamera wird einiges aushalten 

müssen, schützen Sie es daher mit dem Aegis Pro 

Displayschutz aus Glas für circa 31 Euro von Giottos. Sie 

werden nicht einmal merken, dass da ein Displayschutz ist 

und können ihn so oft säubern, wie Sie möchten, wohl 

wissend, dass das echte Display darunter wie neu aussieht. 

FERNAUSLÖSER 

Auch wenn Sie mit einem Basisfernauslöser davon kommen, 

wenn Sie Profi sind, werden Sie sich womöglich etwas 

schickeres zulegen möchten. Etwas wie den TC-80N3 für 

circa 161 Euro von Canon, oder den MC-36 für ebenfalls 

circa 161 Euro von Nikon. Beide können für lange 

Belichtungen vorprogrammiert werden – was beim Gebrauch 

von zehnstufigen ND-Filtern sehr praktisch ist, genauso wenn 

Sie Bildersequenzen mit voreingestellten Intervallen 

aufnehmen, was bei der Fotografie von Sternschnuppen sehr 

nützlich sein kann. Eine günstigere Variante ist das sehr 

flexible Giga T Pro II für circa 87 Euro von Hähnel. 

ULTIMATIVE OUTDOOR-KLEIDUNG 

Es lohnt sich, in hochwertige, wasserfeste Kleidung zu 

investieren, wenn Sie regelmäßig Outdoor-Aufnahmen 

machen wollen. Hier sehen Sie die Halcon-Jacke von 

Paramo für circa 372 Euro, die über neun Taschen, inklusive 

einer großen verfügt, die zumindest die meisten 

Filtersysteme (auch die von Lee Filters) fasst, und außerdem 

viel Platz für Batterien, Speicherkarten und anderes Zubehör 

bietet. Des weiteren sehen Sie die Cascada-Hose, ebenfalls 

von Paramo, für circa 142 Euro, die einen Allwetterschutz 

bietet, über exzellente Komfort verfügt, und mittlerweile ein 

absoluter Bestseller ist. Darüberhinaus können Sie die 

Körperhitze speichern, indem Sie eine Wollmütze von 

Patagonia oder Berghaus tragen. 

VERNÜNFTIGES SCHUHWERK 

Wenn Sie stundenlang auf den Beinen sind und regelmäßig 

kilometerweit über rauen Untergrund laufen – was zur 

täglichen Arbeit eines Profilandschaftsfotografen gehört 

– dann brauchen Sie ein vernünftiges Paar Schuhe, das 

komfortabel und warm ist, und darüberhinaus auch noch 

Schutz bietet. Werfen Sie einen Blick auf die Schuhe von The 

North Face, Asolo, Meindl, Berghaus und Salomon. Wenn 

Sie auf morastigem Terrain, in der Nähe von Gewässern oder 

an Stränden aufnehmen, lohnt sich eher ein gutes Paar 

Gummistiefel, das Ihre Füße knochentrocken hält. Aigle und 

La Chameau sind Hersteller mir einem guten Ruf. 

RUCKSACK 

Investieren Sie in einen Rucksack, der groß genug ist, um Ihre 

komplette Kameraausrüstung, genauso wie Karten, Essen, 

Wasser, Ersatzkleidung zu fassen, und außerdem 

wasserabweisend ist. Lowepro ist unter Landschaftsprofis der 

Hersteller der Wahl, und der Pro Runner 450AW für circa 180 

Euro muss als bester Rucksack bezeichnet werden. Wie ein 

traditioneller Rucksack gestylt, verfügt er über eine Menge 

Details, inklusive Seitentaschen aus Meshmaterial, großer 

Vordertasche, rundum gepolstertem Innenleben, Laptopabteil 

und Speicherkartentaschen an der Innenseite seines Deckels. 

In der Tasche... 

1) SCHNELLER 

STANDARDZOOM: 

Ein Zoom von mittlerer Weite bis Tele ist ein 

wesentlicher Teil der Ausrüstung eines 

Landschaftsprofis. Halten Sie Ausschau nach 

einem Zoom mit schneller maximaler Blende 

von f/2.8, so dass Sie ein helles Sucherbild 

erhalten. Das Canon EF 24–70 

Millimeter-f/2.8 L USM für circa 1.239 Euro 

und das Nikkor AF-S 24–70 Millimeter-f/2.8 

G ED für circa 1.486 Euro machen die 

Vorherrschaft unter sich aus. Ziehen Sie 

jedoch auch das 17–70 Millimeter-f/2.8 DC 

OS von Sigma für circa 433 Euro und das 

17–50 Millimeter-f/2.8 VC Di II von Tamron 

für circa 427 Euro in Betracht. 

2) TELEZOOM 

Obwohl es wahrscheinlich das Objektiv ist, 

welches Sie am seltensten benutzen, so lohnt 

es sich trotzdem, einen Telezoom zu besitzen, 

um Perspektiven zu stauchen und Details in 

einer Szene aufzunehmen. Wenn Sie ein 

Canon-Benutzer sind, können Sie eine Menge 

Gewicht, Masse und Geld sparen, wenn Sie 

sich für das 70–200 Millimeter-f/4 IS USM 

für circa 1.177 Euro, anstatt der f/2.8-Version 

für circa 2.354 Euro entscheiden – für 

Landschaften brauchen Sie die schnellere 

Blende nicht. Bei Nikon sollten Sie sich mit 

dem AF-S 70–200 Millimeter-f/2.8 ED VR II 

für circa 2.044 Euro auseinandersetzen. 

Doch auch das 70–200 Millimeter-f/2.8 EX 

DG OS HSM von Sigma für circa 1.239 Euro 

ist sehr zu empfehlen. 

3) VOLLFORMAT- 

ERSATZGEHÄUSE: 

Wenn es Ihr Budget erlaubt, lohnt sich ein 

zweites Gehäuse – für den Fall, dass Ihre 

Hauptkamera nicht richtig funktioniert oder 

vor Ort kaputt geht. Es muss kein Topmodell 

sein, so wie Ihr Hauptkameragehäuse – wenn 

Sie normalerweise eine Canon EOS-1Dx Mk II 

benutzen, kaufen Sie sich zum Beispiel eine 

EOS 5D Mk II als Ersatzkamera, oder eine 

Nikon D700 für circa 2.230 Euro als Ersatz 

für Ihre D3x. 

4) SPEICHERKARTEN: 

Die Aufenthalte können sich über Wochen 

und sogar noch länger ausdehnen. Wenn das 

Wetter mitspielt und Sie den ganzen Tag von 

morgens bis abends aufnehmen, werden Sie 

schon bald anfangen, Ihre Speicherkarten zu 

füllen. Die vollen Karten auf den Laptop zu 

laden, ist eine tägliche Routine, doch wenn 

Sie es vorziehen, die Karten nicht zu 

formatieren, bevor Sie nicht zuhause sind, 

dann nehmen Sie mindestens 50 Gigabyte an 

Speicherplatz mit, also sechs oder sieben 

Karten mit einem Speicherplatz von 8 

Gigabyte. 

5) ZEHNSTUFIGE ND-FILTER: 

Kein Profi würde ohne ihn auskommen. Der 

Big Stopper für circa 161 Euro von Lee oder 

der aufschraubbare 3,0 ND-Filter von B+W 

sind eine gute Wahl. Die Preise variieren je 

nach Filtergröße: 52 Millimeter-Filter kosten 

circa 50 Euro, 77 Millimeter-Filter liegen bei 

circa 160 Euro. 

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6) ND-FILTER: 

Die nützlichsten Filter für die 

Landschaftsfotografie sind 

Neutraldichtefilter (ND-Filter), weil sie Ihnen 

erlauben, mit Ihrer Kamera gut belichtete 

Landschaften und gut belichtete Himmel in 

einer Aufnahme zu kombinieren. Investieren 

Sie in einen ND-Filter-Set für circa 248 Euro 

von Lee Filters, das 0,3, 0,6, und 0,9 

ND-Filter beinhaltet, und nehmen Sie eher 

harte, als weiche Filter, da sie weitaus 

effektiver und einfacher zu benutzen sind. 

EIN STÜCK KARTON: 

Ein 25 x 20 cm großes Stück Karton ist 

nützlich, wenn Sie bei starkem Sonnenlicht 

aufnehmen und das vordere Ende des 

Objektivs abdecken müssen, um Reflexlicht 

zu vermeiden. Eine Objektivkappe wäre 

ebenfalls geeignet, doch wenn Sie eine 

Filterfassung verwenden, dann wird die 

mitgelieferte Kappe höchstwahrscheinlich 

nicht passen! 

7) AUSRÜSTUNG FÜR DIE 

REINIGUNG DES SENSORS: 

Sie werden sie womöglich nicht in Ihrem 

Rucksack transportieren wollen, legen Sie 

sich die Ausrüstung jedoch wenigstens ins 

Auto. Es lohnt sich, im Fall des Falles 

Zugang zu einem anständigen Sensorreiniger 

wie dem 788 Brite-Sensorpinsel von Arctic 

Butterfly für circa 93 Euro zu haben. 

8) APPLE IPHONE 4 ODER 4S 

Unbezahlbar, um in Kontakt zu bleiben und 

anständige Fotos mit seiner Fünf 

Megapixel-Kamera zu machen, ist das 

iPhone 4 auch ein Kraftpaket an 

Technologie. Wenn Sie zum Beispiel 

Referenzbilder mit der Kamera aufnehmen, 

können Sie den Ort in Google Maps genau 

bestimmen, indem Sie auf die Places-Option 

der Filmrolle tippen. Das GPS des iPhones 

lässt Sie genau wissen, wo Sie Ihre 

Landschaftaufnahmen gemacht haben, so 

dass Sie den Weg zurück zum selben Ort 

finden können – oder die Information an 

andere weitergeben. Sie können auch die 

App Photographer‘s Ephemeris (http:// 

photoephemeris.com) herunterladen, die 

Ihnen erlaubt, überall in der Welt Zeit und 

Ort von Sonnenauf- und Sonnenuntergang 

festzustellen. 

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148 Zubehör Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Die Auswahl des 

Weitwinkel-Objektivs 

Wenn Ihre Kamera mit einem Standardzoom geliefert wurde, z. B. 18–55 

Millimeter, dann haben Sie bereits ein Objektiv, das gute weitwinklige Bilder 

aufnehmen kann. Allerdings sind die Einsatzmöglichkeiten dieses Objektivs 

beschränkt, denn sein Blickfeld ist zu klein für große Landschaftsaufnahmen. 

Dieses Objektiv ist eine gute Wahl für den Anfang, aber Sie sollten bei nächster 

Gelegenheit über ein besseres nachdenken. Es gibt zwei Möglichkeiten: 

Festbrennweite oder Zoom. Wenn Sie möglichst scharfe Ergebnisse möchten, 

brauchen Sie das beste Objektiv. Ein 15 mm-Objektiv ist hervorragend, wenn Ihre 

Kamera einen APS-C-Sensor hat. Ein 20 mm- oder 24 mm-Objektiv eignet sich, 

wenn Sie ein Vollformat-Modell verwenden. Obwohl markierte Linsen die ultimative 

optische Leistung bieten, sind sie sehr teuer und die Auswahlmöglichkeiten eher 

gering. 

Wenn Ihre Kamera den kleineren APS-C-Sensor verwendet, empfehlen 

wie Ihnen sehr, dass Sie die Finger von Festbrennweiten lassen und sich 

stattdessen für ein ultraweitwinkliges Zoom entscheiden. Damit haben Sie mehr 

Auswahlmöglichkeiten. Ein solches Zoom ist relativ erschwinglich und liefert 

eine exzellente Qualität. Durch Fortschritte der optischen Technologie wurde die 

Entwicklung hochwertiger ultraweiter Zooms in den späten 1990ern und das 

Erscheinen der digitalen Spiegelrefl exkameras zunehmend populär. Das überrascht 

nicht, da die Auswahl, die sie abdecken, eine unglaubliche Einsatzfl exibilität 

in so einem kleinen und kostengünstigen Objektiv anbietet. Tatsächlich ist das 

ultraweitwinklige Zoom wohl eines der besten Objektive, die Sie kaufen können. 

Von der Vielzahl von Brennweiten auf dem Markt sind 11 bis 22 Millimeter für 

Kameras mit APS-C-Sensor am besten geeignet. Faktisch decken die Zooms 

alle ähnliche Einsatzgebiete ab, trotzdem sollte man ein oder zwei Ausnahmen 

erwähnen. Das 10–17 mm Fisheye von Pentax bietet einen 180-Grad- 

Bildwinkel, so dass das Fisheye und das ultraweite Zoom zusammentreffen. 

Bermerkenswerterweise kann anders als die meisten ultraweiten Zooms das 

12–24 mm von Sigma mit Vollformat- und APS-C-Kameras verwendet werden. 

Bei Benutzern von Film- und Vollformat-Kameras sind 16–35 mm-Objektive sehr 

beliebt, während beim Gebrauch mit APS-C-Senor die effektive Brennweite auf 

24–53 mm begrenzt ist (26–56 mm bei Canon). 

Also, welche weitwinklige Linse sollten Sie kaufen? Es besteht kaum Zweifel, dass 

Zooms einen perfekten Gegenwert für das Geld bieten, und Sie haben die „Qual der 

Wahl“, da es keine schlechten Modelle in dieser Kategorie gibt. Hier empfehlen wir 

unsere Lieblingszooms, die allesamt großartiger Ergebnisse liefern. Wir haben unser 

Angebot auf drei Modelle mit Festbrennweiten begrenzt. Sie bieten die ultimative 

Qualität, während Zooms fl exibler sind. 

Weitwinkel- 

Anatomie 

1) BLENDE Ultraweitwinkel werden 

geliefert mit einer bestimmten Blende, 

um Vignettierung und Lichtreflexe 

zu vermeiden. 

2) GROSSES, KONKAVES 

FRONTELEMENT Das 

Frontelement hat normalerweise 

eine markante Wölbung, die Staub 

und Kratzern ausgesetzt ist. 

Achten Sie darauf, diesen Bereich 

sauber zu halten. 

3) MANUELLER 

SCHARFSTELLRING Sie müssen 

diesen Ring nur selten benutzen, da 

Weitwinkelobjektive einen exzellenten 

Autofocus haben. 

4) ZOOM-RING Die meisten sind breit 

mit einer geriffelten Oberfläche, so 

dass er sehr griffig und in der 

Handhabung leicht ist. 

5) FOKUS-ABSTAND Bei vielen 

Linsen ist die Fokus-Abstandsanzeige 

auf dem Gehäuse markiert, während 

einige Modelle der gehobenen 

Preisklasse ein Fokus-Abstandsfenster 

haben. 

6) TIEFENSCHÄRFE-ANZEIGE 

Diese Anzeige ermöglicht es Ihnen die 

Tiefenschärfe je nach Blendenöffnung 

abzuschätzen 

7) INTERNES 

FOKUSSIERUNGSSYSTEM Wenn 

Sie Filter verwenden möchten, bieten 

Objektive mit einem internen 

Fokussierungssystem den Vorteil, dass 

das Objektiv bei der Fokussierung 

vorne nicht rotiert. So müssen Sie sie 

nicht ständig verstellen. 

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DIGITAL-ONLY- LINSEN 

Wenn Sie eine Linse wählen, 

überprüfen Sie , ob sie sich 

für den Gebrauch mit Film/ 

Full-Frame und Digital 

SLR-Kameras eignet oder nur 

für DSLR-Kameras. Die für 

Film und Digitalkameras 

produzierten sind gewöhnlich 

teurer; die Linsen, die 

exklusiv hergestellt sind für 

DSLR-Kameras, sind optisch 

optimiert für Digitalkameras. 

Daher, wenn Sie eine 

DSLR-Kamera mit einem 

schmaleren APS-C Sensor 

verwenden und nicht planen, 

eine Full-Frame 

DSLR-Kamera zu kaufen, 

können wir Ihnen die 

Digital-Only Linsen 

empfehlen. 

Sigma 20 mm f/1.8 EX 

DG 

LINSENAUFBAU: 13 Elemente in 11 

Gruppen 

BLENDENBEREICH: F/1.8 BIS F/22 

FILTERDURCHMESSER: 82 mm 

ABMESSUNGEN: 88,6 X 89,5 mm 

GEWICHT: 520 g 

PASSEND FÜR: CANON, NIKON, 

PENTAX, SIGMA UND SONY 

WEBSEITE: www.sigma-foto.de 

Dieses erschwingliche 

Weitwinkel-Objektiv mit 

Festbrennweite von Sigma besticht 

durch seine schnelle Blende und 

asphärischen Linsen im vorderen 

Bereich. Es besitzt mehrere 

Linsengruppen, um die Schärfe zu 

verbessern und Verzerrungen zu 

minimieren. „Rear-Focus-System” 

bedeutet, das vordere Element bleibt 

während der Fokussierung statisch. 

Eine exzellente Wahl, wenn Sie 

Festbrennweiten bevorzugen. 

Canon 24 mm f/1.4 L II USM 

LINSENAUFBAU: 13 Elemente in 

10 Gruppen 

BLENDENBEREICH: f/1.4 bis f/22 


ABMESSUNGEN: 93,5 x 86,9 mm 


PASSEND FÜR: nur Canon 

WEBSEITE: www.canon.de 

Diese neue Ergänzung zu der 

Canon-Bandbreite wurde für den 

professionellen Gebrauch hergestellt. 

Es bietet eine extrem schnelle 

Blende. Die optische Qualität ist sehr 

gut, dank der asphärischen und UD 

Glas-Elemente, die dafür sorgen, 

dass die Bildschärfe sehr hoch ist. 

Eine Traumlinse für diejenigen, die 

sich den hohen Preis leisten können. 

Fest- oder Zoom-Objektive? 

Es ist eine uralte Frage: Warum sollte man ein 

Festbrennweiten-Objektiv kaufen, wenn ein Zoom 

so viel mehr Einsatzflexibilität bietet? Hier erfahren 

Sie den Grund. 

FESTE WEITWINKEL-OBJEKTIVE 

✓ Einfacheres optisches Design steht in der Regel für 

schärfere Ergebnisse mit besserem Kontrast. 

✓ Eine schnelle maximale Blendenöffnung 

ermöglicht hellere Sucher und bessere 

Restlichtressourcen. 

✓ Sie sind schmaler und kompakter als ein Zoom. 

✓ Die meisten haben ein kleineres Filtergewinde. 

✖ Sie sind begrenzt auf eine Brennweite 

✖ Sie sind relativ teuer 

WEITWINKEL-ZOOM-OBJEKTIVE 

✔ Sie decken einige Brennweiten ab, bieten also 

mehr Einsatzflexibilität. 

✔ Sie bieten eine weitaus bessere Abdeckung am 

unteren Ende der Brennweite als eine Festbrennweite. 

✔ Die meisten Zooms sind optisch exzellent. 

✔ Viel Flexibilität zu einem guten Preis. 

✖ Sind nicht so scharf wie eine Festbrennweite, 

besonders zu den Rändern und Rahmenecken hin. 

✖ Sie leiden unter mehr Abbildverzerrung. 

✖ Die maximale Blendenöffnung ist nicht so schnell 

wie die der Festbrennweite. 

✖ Die meisten haben größere Durchmesser, daher 

sind Schraubfilter teurer .


Zubehör 149 

Nikon AF-S DX 12–24 mm f/4 

ED-IF 

LINSENAUFBAU: 

11 Elemente in 7 Gruppen 

BLENDENBEREICH: f/4 bis f/22 


ABMESSUNGEN: 82,5 x 90 mm 


PASSEND FÜR: nur Nikon 

WEBSEITE: www.nikon.de 

Dieses exzellente Zoom für Kameras 

mit APS-C-Sensor ist kompakt, was 

die maximale Blendenöffnung von 

f/4 angeht. Er ist zum Teil aus 

Kunststoff hergestellt, erscheint aber 

trotzdem von guter Qualität zu sein 

Der Zoom-Ring ist breit und der 

Fokus-Ring ist angemessen. Beide 

bieten einen geschmeidigen Ablauf. 

Das Gehäuse bietet eine interne 

Fokussierung. Die Bildqualität ist 

sehr hoch und liefert sehr scharfe 

Ergebnisse. Farbabweichungen und 

Lichtreflexe sind fast nicht 

festzustellen, doch es gibt eine 

geringe Verzerrung. 

Sigma 10–20 mm f/4-5.6 EX DC HSM 

LINSENAUFBAU: 




FORMATE: 83,5 x 81 mm 


AUSRÜSTUNGEN: Canon, Nikon, 

Pentax, Sigma und Sony 

WEBSEITE: 

www.SIGMA-foto.de 

Dieser ultraweite Zoom ist dank 

seines kompakten Designs und der 

scharfen Optik ein wahrer Favorit bei 

Landschaftsliebhabern. Wie alle 

Sigma EX-Linsen sind sie sehr schön 

zusammengesetzt und machen einen 

guten Eindruck. Das Gehäuse stellt 

einen weiten Zoom und einen 

manuellen Fokus-Ring zur Schau. 

Beide haben einen problemlosen, 

positiven Lauf. Optisch liefert es 

durchgehend eine hohe Schärfe und 

nur leichte Anzeichen von 

Abbildverzerrung oder 

Farbabweichung. 

Canon EF 17–40 mm f/4L USM 

LINSENAUFBAU: 


BLENDENBEREICH: f/4 bis f/22 




PASSEND FÜR: nur Canon 

WEBSEITE: www.canon.de 

Die Objektive der Canon L-Serien 

bieten eine höhere Performance als 

andere. Dieses Zoom mit seiner 

konstanten minimalen 

f/4-Blendenöffnung ist eine der 

populärsten Optiken von Canon und 

passt für alle EOS-Modelle. Es ist 

größer als die meisten, aber robust 

gebaut mit großartiger Bedienbarkeit 

und schnellem Autofokus. Die Optik 

ist exzellent, obwohl Details am Rand 

mit den Vollformat-Sensoren ein 

bisschen weich werden. Es ist ein 

perfektes Objektiv, obgleich das EF-S 

10-22 mm wahrscheinlich eine 

bessere Wahl für Benutzer von 

APS-C-Sensor ist. 

Sigma 12–24 mm f/4.5-5.6 EX DG 

HSM 

LINSENAUFBAU: 


BLENDENBEREICH: f/4.5 bis 5.6 bis 

f/22 

FILTERDURCHMESSER: Rear Gelatin 

ABMESSUNGEN: 87 x 102,5 mm 


PASSEND FÜR: Canon, Nikon, 

Pentax, Sigma und Sony 

WEBSEITE: 

www.sigma-foto.de 

Besonders beeindruckend an Sigmas 

12-24 mm-Zoom, ist, dass es für die 

Verwendung mit Vollformat- und 

APS-C-Sensoren haben geeignet ist. 

Dieser Zoom ist größer und weiter als 

der Durchschnitt, aber sehr gut 

gemacht mit einem weichen Zoom und 

Fokussierungsbewegungen. Das 

Gehäuse zeichnet sich durch ein 

Fokus-Fenster mit einer hyperfokalen 

Skala und einer eingebauten 

Sonnenblende als Schutz vor 

Lichtreflexen aus. Die optische Qualität 

ist hoch mit einer guten Schärfe und 

niedriger Abbildverzerrung. 

Nikon AF 20 mm f/2.8D 

LINSENAUFBAU: 



FILTER THREAD: 62 mm 

ABMESSUNGEN: 69 x 42.5 mm 


PASSEND FÜR: nur Nikon 

WEBSEITE: www.nikon.de 

Diese klassische Festbrennweite ist 

eine großartige Wahl für Nikon 

Benutzer. Während die maximale 

Blendeneinstellung nicht so schnell 

ist wie vergleichsweise die von 

Sigma oder Canon, ist der Vorteil 

einer f/2.8 Linse, dass sie Linsen 

erlaubt, die kompakter und 

leichtgewichtiger sind. Beim 

Fotografieren von Landschaften 

werden Sie sowieso kleinere 

Blendenöffnungen verwenden. So 

ist es kein großes Problem, und Sie 

werden entdecken, dass das, was 

die Optik dieser Nikon-Linsen 

produziert, Bilder mit guten 

Kontrasten und exzellenter Schärfe 

sind. 

Tamron 10–24 mm f/3.5-4.5 

Di II LD 

LINSENAUFBAU: 


BLENDENEINSTELLUNG: f/3.5-4.5 

bis f/22 




PASSEND FÜR: Canon, Nikon, 

Pentax und Sony 

Tamrons 11-18 mm-Zoom war über 

Jahre hinweg eine beliebte Wahl, aber 

das dieses Modell mit einem extrem 

großen Brennweitenbereich bietet 

noch mehr Einsatzmöglichkeiten für 

Weitwinkel-Fans. Dieses Zoom ist eine 

kompakte und leichtgewichtige Option 

mit guter Bedienbarkeit und einem 

internen Fokus-System, welches 

Filter-Benutzern gefallen wird. Die 

optische Qualität ist sehr gut, dank der 

Einbeziehung von asphärischen und 

LD (Low Dispersion)-Elementen und 

verbesserter Multi-Beschichtung.

150 Ausrüstung: Techniken mit dem Weitwinkel-Objektiv Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Arbeiten mit 

Weitwinkel- 

Objektiven 

Mit Weitwinkel-Objektiven aufzunehmen 

bedeutet mehr Details und Wirkung in Ihren 

Bildern. Warum, lesen Sie hier... 

WEITWINKEL-OBJEKTIVE sind die Lieblingsobjektive einer breiten 

Mehrheit aller Landschaftsfotografen, und zwar aus gutem Grund: 

Mit diesen Objektiven können Sie das Maximum einer Szene im 

Bild erfassen, wenn eine Szene viele interessante Details enthält. 

Für die Landschaftsfotografie ist das ein großer Vorteil, weil 

man sowohl interessante Details im Vordergrund als auch die 

Einzelheiten der Hintergrundszenerie aufnehmen kann, die einem 

Bild Tiefe verleiht. Indem man ein interessantes Objekt in den 

Vordergrund rückt, erhöht man die Aufmerksamkeit des Betrachters 

für die Szene. 

Weitwinkel-Zooms können süchtig machen, sodass man bei jeder 

Gelegenheit automatisch die weiteste Einstellungen verwendet. 

Das kann allerdings zu Problemen führen, denn manche Objektive 

haben so weite Bildwinkel, dass z. B. Teile der Ausrüstung ins 

Bildfeld ragen (Objektive, Filter und Fassung), oder eine sog. 

Vignettierung verursachen. Ein weiteres Problem beim Gebrauch 

von Weitwinkel-Objektiven ist die tonnenförmige Verzeichnung, die 

krumme Horizonte und schiefe Gebäude erzeugt. All das kann aber 

vermieden werden, wenn man sich übt, sein Weitwinkel-Objektiv 

entsprechend dem Motiv richtig einzustellen: Für einen geraden 

Horizont, etwa eine Meereslandschaft, sollte man eine Fokallänge 

wählen, die einige Millimeter unterhalb der weitesten Einstellungen 

liegt, um die Erscheinung eines krummen Horizonts zu vermeiden. 

Berglandschaften, die meist einen unebenen Horizont aufweisen, 

kann man ohne Probleme mit der weitesten Einstellungen 

fotografieren. 

Außer den Fokallängen, sollte man auch Höhe und Winkel der 

Kamera im Auge behalten, wenn man sie auf ein Stativ montiert. 

Bäume neigen sich, wenn sie aus einem tiefen Winkel komponiert 

wurden, versuchen Sie daher, die Kamera auf Kopfhöhe einzustellen 

und Sie werden einen großen Unterschied feststellen. Die Vorteile 

eines Weitwinkel-Objektivs machen diese wenigen heiklen Punkte 

allerdings mehr als wett. Die Wirkung auf Ihre Fotos ist erstaunlich, 

und es ist keine Überraschung, dass die meisten professionellen 

Landschaftsfotografen nicht ohne sein können. 

Querformat 

Vignettierung 

Tiefer Blickwinkel 

OBEN: WÄHLEN SIE EIN FORMAT 

Mein erstes Bild machte ich im Querformat, das 

Landschaftsfotografen als natürliche 

Orientierung dient. Hochformat kann mit 

Weitwinkel-Objektiven jedoch genauso gut 

wirken. Es gibt einem mehr Raum für 

interessante Vordergrunddetails, während sich 

immer noch ein gutes Stück des Himmels im 

Bild befindet. 

GANZ LINKS: GEHEN SIE NICHT ZU WEIT 

Das weitest Ende des Zooms zu benutzen, kann 

bedeuten, dass Ihre Bilder unter tonnenförmiger 

Verzeichnung und Vignettierung leiden. 

Tonnenförmige Verzeichnung heißt, dass sich die 

Enden des Horizonts nach unten neigen. Wenn 

jedoch dunkle Bereiche in den Ecken Ihres 

Rahmens auftreten, dann leiden Ihre Bilder unter 

Vignettierung. Je weiter Ihre Fokallänge ist, desto 

größer ist die Chance, dass die Kamera Teile 

Ihrer Ausrüstung mit aufnimmt (zum Beispiel 

Filterfassungen). Vermeiden Sie beide Probleme, 

indem Sie Ihr Weitwinkel-Objektiv nicht auf die 

weiteste Fokallänge einstellen. 

LINKS: GEHEN SIE TIEFER 

Ein tieferer Blickwinkel erhöht die Wirkung des 

Objekts im Vordergrund dramatisch und schafft 

eine dynamischere Komposition. Der Betrachter 

kann seine Aufmerksamkeit nun auf das 

Felsenbecken richten, von wo der Blick weiter in 

Richtung des entfernten Schlosses wandert.

Maximieren Sie die Schärfe 

Um sicher zu gehen, dass die ganze Szene 

scharf ist, nutzen Sie die Zeitautomatik mit 

kleiner Blende – zum Beispiel f/16 – und 

fokussieren auf ein Drittel der Gesamtdistanz. 

Montieren Sie Ihre Kamera für mehr Stabilität 

auf ein Stativ. 

Fertiges Bild 

Weitwinkel-Landschaften sind am 

effektivsten, wenn der Vordergrund ein 

markantes Detail enthält, das den 

Betrachter in die Szene lockt. 

Scheuen Sie sich nicht vor 

Kompositionen mit dominantem 

Vordergrund!

152 Ausrüstung: Telezooms 

Telezooms 

ES BESTEHT KEIN ZWEIFEL, dass Weitwinkelobjektive mit Festbrennweite 

oder Zoom auf der Wunschliste des Landschaftsfotografen ganz oben 

stehen – das muss aber nicht heißen, dass in der Tasche nicht noch Platz 

für einen Telezoom bleibt! 

Während Sie vorwiegend mit Weitwinkel arbeiten werden, 

gibt es Momente, wo sich ein Telezoom als nützlich 

erweist; nämlich wenn Sie einen bestimmten Bereich 

isolieren oder einen Schichteffekt mit gestauchter 

Perspektive erzeugen wollen (s. unten). 

Telezooms sind in großer Auswahl erhältlich. Wenn 

Sie eine Digitalkamera mit APS-C-Sensor besitzen, 

raten wir zu Brennweiten von 55–200 oder 

70–300 Millimeter für Vollformatkameras. 

Das 55–200 Millimeter-f/4–5.6 Di II von Tamron 

bietet ein hervorragendes Preis-Leistungsverhältnis, 

ebenso das 70–300 Millimeter-f/4–5.6 DG-Zoom 

von Sigma. Beide werden Ihnen ausgezeichnete 

Dienste leisten, auch wenn Sie beim Durchstreifen 

der Landschaft die Wege der Tierwelt kreuzen. 

Gestauchte 

Perspektiven 

Fotografen reden vom Stauchen der Perspektive, wenn 

Sie ein Teleobjektiv verwenden – doch was bedeutet 

das eigentlich? 

Aus technischer Sicht stauchen Teleobjektive nicht die Perspektive; praktisch ist 

nur die „gefühlte Perspektive“ einer Szene mit Teleobjektiv anders als mit einem 

Weitwinkel. Weitwinkel-Objektive öffnen die Perspektive und erzeugen Tiefe, weil 

Objekte in nächster Nähe groß erscheinen; entfernte Objekte dagegen wirken klein 

und verdeutlichen so die Entfernung. Hinzu kommt, dass Weitwinkel-Objektive starke 

Diagonalen erzeugen, die das Raumgefühl verstärken. 

Teleobjektive lassen entfernte Objekte größer erscheinen, stauchen also offenbar die 

Ebenen eines Bildes und reduzieren die Entfernung. Gerade Linien werden nicht 

zu Diagonalen gedehnt, sodass kein Raumgefühl sondern Zweidimensionalität 

entsteht – im Vergleich zu Weitwinkel-Fotos also eine mehr statische Bildwirkung. 

Und natürlich gilt: Je länger das Objektiv, desto stärker der Effekt. 

Welche Bilder profitieren von diesem Staucheffekt längerer Brennweiten? Der 

statische Charakter von Telebildern passt zu ruhigen Szenen; hügelige Landschaften 

sind ideal, vor allem wenn mehrere Ebenen visuell zusammengezogen werden 

können, sodass es aussieht, als wären Schichten übereinander gelegt worden. 

Das Gefühl der Ruhe kann durch frühmorgendlichen Nebel nochmal verstärkt 

werden, wenn sich die Gipfel der Hügel über ein Meer aus Nebel erheben. Noch 

dramatischere Bilder können mit den richtigen Lichtverhältnissen erzeugt werden – 

halten Sie Ausschau nach Licht- und Schattenbändern, die sich abwechseln und für 

eine „Schichtung des Lichts“ sorgen. Auch städtische Landschaften funktionieren gut, 

weil man die Stauchung nutzen kann, um Elemente nebeneinander zu stellen, oder 

eine überfüllte Umgebung zu suggerieren. 

28mm 

50mm 

75mm

Alles nur Illusion! 

Dass Teleobjektive die Perspektive 

stauchen, ist lediglich eine optische 

Täuschung! 

Vergrößern Sie mal eine Weitwinkel- 

Aufnahme: Sie werden sehen, die Wirkung 

ist fast identisch. 

28–35mm 

Die offensichtliche Distanz 

zwischen Vordergrund und 

Schloss erzeugt ein Gefühl von 

Tiefe. Dazu passen auch die 

Hügel und das Dorf, das sich in 

der Ferne erstreckt. 

60–85mm 

Selbst bei mittleren 

Tele-Einstellungen scheint die 

Perspektive viel flacher zu sein 

– das Schloss scheint die 

entfernten Hügel und das Dorf 

zu überragen. 

105–200mm 

Wenn man die Brennweite 

erhöht, erscheint die 

Perspektive flacher – das 

Schloss und die Hügel sehen 

aus, als befänden sie sich auf 

gleicher Ebene. 

120mm 

200mm

154 Fotoausrüstung: Filter Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografie 

Landschaftsfilter: Filtersysteme und Filtertypen 

Für lange Zeit waren Filter die einfachste und billigste Methode, um Aufnahmen zu verbessern oder zu verändern. Auch 

im digitalen Zeitalter gehören Filter zur Fotoausrüstung fast aller Landschaftsfotografen. Hier werden die wichtigsten 

Filtertypen und -systeme erklärt. 

Drei Filtertypen sind empfehlenswert: 

Verlaufs-, Pol- und Graufilter. Wir stellen 

auch die bekanntesten Filter-Hersteller 

vor. 

Heutzutage mit Photoshop ist der 

Filtereinsatz bei Amateurfotografen ein 

umstrittenes Thema. Wenn man seine 

Bilder möglichst schon bei der 

Aufnahme manipulieren möchte, 

bleiben Filter in der 

Landschaftsfotografie unverzichtbar. Es 

gibt Filter, die der Aufnahme einen 

Farbstich geben, andere sind farbneutral 

und erlauben dem Fotografen helle und 

dunkle Bildbereiche eines Motivs 

auszugleichen oder aus einer breiteren 

Auswahl an Blenden und 

Verschlusszeiten zu wählen. In der 

Fotografie gibt es viele verschiedene 

Einsatzgebiete für Filter. Doch welche 

Filtersysteme und -typen sollten in der 

Landschaftsfotografie eingesetzt 

werden? 

Folgende zwei Haupt-Filtertypen gibt 

es: Schraubfilter werden auf dem 

Schraubgewinde vor dem Objektivtubus 

befestigt. Steckfilter werden in eine 

Halterung gesteckt, die mit 

Adapterringen vor dem Objektivtubus 

befestigt ist. 

Beide Filtertypen haben Vor- und 

Nachteile, die vor dem Kauf 

berücksichtigt werden sollten. Für die 

meisten Fotografen ist eine Kombination 

beider Filtertypen die beste Lösung. 

Schraubfilter 

Schraubfilter können schnell und einfach 

auf dem Objektiv befestigt und entfernt 

werden. Sie werden aus Glas hergestellt, 

bieten daher hohe optische Qualität und 

verkratzen nicht leicht. Schraubfilter gibt 

es in vielen Größen: 52 bis 77 Millimeter 

sind die gebräuchlichsten. Wer viele 

Objektive mit verschieden großen 

Schraubgewinden einsetzt, braucht für 

jedes Objektiv andere Filter. Um Geld zu 

sparen, kann man sich Anpassungsringe 

kaufen (s. unten). 

Ein weiterer Nachteil von Schraubfiltern ist, dass Verlaufsfilter für sie 

ungeeignet sind; Verlaufsfilter sind aber für die Landschaftsfotografie 

besonders wichtig. Wer mehr als einen Schraubfilter verwenden will, 

muss vor allem bei Weitwinkelobjektiven aufpassen, dass keine 

Linsenvignettierung entsteht (dunkle Bildränder). Ein weiterer Nachteil 

ist, dass diese Filter manchmal klemmen und nur mit einer Filterklemme 

entfernt werden können. 

Tipp: Anpassungsringe 

Anstatt die gleichen Filter in verschiedenen 

Größen zu kaufen, erwirbt man nur größten Filter 

und kann diese mit Hilfe eines Anpassungsringes 

auch auf kleineren Objektiven verwenden. 

Arbeitet man zum Beispiel mit einem 

72-Millimeter-Filter und kauft einen 72-bis-67- 

Millimeter-Ring, wird der Filter an den Ring 

geschraubt und dieser kann einfach auf die 

Halterung auf dem Objektiv gesteckt werden. 

Anpassungsringe von kleineren Filtern für größere 

Objektive sind nicht zu empfehlen, da diese 

Vignettierung hervorrufen können. 

Steckfilter 

Filter dieses Systems können auf 

Objektiven verschiedener Größe 

eingesetzt werden. Der Filter wird in 

eine Halterung geschoben, die mittels 

eines Anpassungsrings vor dem Objektiv 

befestigt wird. Anstelle von kostspieligen 

Schraubfiltern verschiedener Größen, 

muss man hier nur noch in günstigere 

Anpassungsringe investieren. Das 

macht die Investition zwar nicht 

niedriger, doch wenn man oft das 

Objektiv wechselt, lohnt sich dieses 

Filtersystem. Man findet eine breite Auswahl von Filtern im Angebot, 

vor allem Verlaufsfilter, die unter Landschaftsfotografen besonders 

beliebt sind. Im Gegensatz zu Schraubfiltern werden Steckfilter aus 

besonderem optischen Kunstharz hergestellt. Das Material ist 

unglaublich hart und leichter als Glas. Es ist allerdings anfälliger für 

Kratzer. Steckfilter bieten eine außerordentlich gute optische Qualität, 

liegen dabei aber etwas hinter Schraubfiltern aus Glas zurück. Die beste 

Filterqualität bieten Profi-Marken wie Lee Filters, die nur das beste 

Material verwenden. 

Tipp: Verschiedene 

Filtergrößen 

Die meisten Hersteller haben Steckfilter für 

verschiedene Kameras in verschiedenen 

Größen im Angebot. Die Standardgröße ist 

67 Millimeter. Für ein Weitwinkelobjektiv 

werden 85 bis 100 Millimeter-Filter 

empfohlen. Da es sich um Standardgrößen 

handelt, sind Filter und Halterungen von 

verschiedenen Marken miteinander 

kompatibel.


Fotoausrüstung: Filter 155 

Die beliebtesten Filtertypen unserer Redaktion 

Es gibt hunderte von verschiedenen Filtertypen im Angebot. Auf der kurzen Liste (unten) sind die 

beliebtesten und effizientesten Filter aufgeführt. 

Der Einsatz von Steckfiltern 

1 

2 


3 



Skylight-/UV-/ 

Schutzfilter 

Diese drei Filter sind im 

Wesentlichen transparente 

Glasfilter, die den vorderen Teil 

des Objektivs vor Staub, Kratzern 

und Verunreinigung schützen. 

UV-Filter filtern zusätzlich Dunst 

aus der Aufnahme. Es wird empfohlen, vor allen 

Objektiven einen solchen Filter zu benutzen. 

Nahfilter 

An hellen Tagen, wenn die Sonne 

hoch im Zenit steht und dann nicht 

gerade schmeichelhaft ist für die 

Landschaftsfotografie, nehmen die 

meisten Fotografen Nahaufnahmen 

von Details auf. Nahfilter sind 

hilfreich, wenn man kein Makroobjektiv besitzt 

und kleine Objekte mit einem hohen 

Vergrößerungsfaktor aufnehmen will. 

Ohne Verlaufsfilter 

0.9-Verlaufsfilter 

Verlaufsfilter 

Verlaufsfilter sind auf der einen Seite transparent auf 

der anderen dunkel. Sie werden bei hellem Himmel 

und dunklem Vordergrund eingesetzt. Man findet sie 

in verschiedenen Farben. Es wird aber empfohlen, 

als erstes den Grau-Verlaufsfilter zu erwerben. Die 

stufenweise Wirkung des Grau-Verlaufsfilters hat 

keinen Einfluss auf den Farbabgleich am Himmel 

und erlaubt die Aufnahme von Motivdetail. Es gibt 

Verlaufsfilter mit unterschiedlicher Lichtdichte. Für 

Einsteiger ist der 0.6-Verlaufsfilter die beste Wahl. 

Man findet Verlaufsfilter mit einem sanften und mit 

einem abrupteren Verlauf. Für Einsteiger wird ein 

Verlaufsfilter mit einem sanften Übergang 

empfohlen. 

Polfilter 

Wenn man regelmäßig im Freien 

fotografiert, sollte man sich einen 

Polfilter zulegen. Er sättigt die 

Farben, insbesondere blaue Himmel. 

Außerdem reduziert er Blend- und 

Reflexlichter auf glänzenden 

Oberflächen wie Laub und Wasser. 

Der Effekt eines Polfilters kann nicht 

wirkungsvoll im Photoshop 

nachgemacht werden, darum gehen die meisten 

Landschaftsfotografen nie ohne einen Polfilter aus 

dem Haus. Bei modernen Digitalkameras werden 

runde Polfilter eingesetzt. Lineare Polfilter können 

hier zu Problemen bei der Belichtungsmessung 

führen. Polfilter haben einen Filterfaktor vier und 

reduzieren die Belichtung um zwei Lichtwertstufen. 

Man muss also vorsichtig sein, dass die Aufnahme 

nicht verwackelt wird. Polfilter gehören zu den 

teuersten Fotofiltern. Sind sind ihren Preis aber wert. 

Graufilter 

Graufilter sind 

zwar nicht die 

wichtigsten Filter, 

sind aber sehr 

nützlich. Die 

graue Farbe des 

Filters hat keinen 

Einfluss auf den 

Farbabgleich des 

Bildes, sondern 

reduziert die 

Lichtmenge, die 

durch das 

Objektiv dringt. 

Sie werden vor 

allem bei hellem 

Sonnenlicht mit einer großen Blende eingesetzt, 

um den Tiefenschärfebereich zu minimieren. 

Man kann sie auch mit einer langen 

Verschlusszeit verwenden, um Bewegungen auf 

dem Bild zu betonen.. 

Filterfaktoren bei Graufiltern: 

Auf dieser Tabelle sieht man die Beziehung 

zwischen Belichtungszeiten und Filterfaktoren. 

Die Lichtreduktion wird in Lichtwertstufen 

angegeben. 

Lichtdichte Filterfaktor Lichtverlust 

0.3 2x 1 

0.6 4x 2 

0.9 8x 3 

1.2 16x 4 

1) Den passenden Anpassungsring ans 

Objektiv schrauben. 

2) Die Halterung am Ring befestigen. 

3) Den Filter in die Halterung schieben. 

Graufilter 

Ohne Filter 

ROSS HODDINOTT

156 Fotoausrüstung: Filter 

Filtermarke: 

Es gibt so viele Filter-Hersteller auf dem Markt, dass das Angebot etwas 

verwirren kann. In diesen Preisvergleich wurden nur geprüfte und getestete 

Filtermarken aufgenommen, deren erstklassige Qualität garantiert wird. 

B+W 

www.daymen.de 

DIESER RENOMMIERTE deutsche Hersteller 

ist bekannt für seine hochwertigen 

Schraubfilter. Sowohl das erstklassige 

optische Glas, als auch der metallische 

Filterring sind von der besten Qualität. B+W 

ist eine sehr beliebte Marke mit einem großen 

Qualitätsvorsprung, die Filter kosten aber das 

Doppelte wie bei anderen Herstellern. Wenn 

man einen ultimativen Qualitäts- 

Einschraubfilter braucht, ist B+W die beste 

Wahl, sonst können auch Hoya-Filter warm 

empfohlen werden. Eines der besten 

Angebote von Hoya ist der zehnstufige 

Graufilter. Er ist besonders beliebt für lange 

Belichtungszeiten während dem Tag. 

Hoya 

www.intro2020.co.uk 

HOYA PRODUZIERT um die 60 Prozent des 

weltweit verkauften optischen Glases. 

Dieser Hersteller bietet ein außerordentlich 

gutes Preis-Leistungsverhältnis. Hoya hat 

das größte Filterangebot aller Einschraub- 

Filtersystemen mit fast allen Filtern, die man 

sich vorstellen kann. Bei den beliebtesten 

Filtertypen wie Pol- und UV-Filtern bietet 

Hoya verschiedene Modelle für Einsteiger 

und Profifotografen. Hoya-Filter bieten 

Spitzentechnologie. Die HD-Serie wurde 

zum Beispiel aus gehärtetem Glas und 

verschiedenen Belagsschichten zur 

Kontrastverstärkung und um Blendlichter zu 

reduzieren, hergestellt. Die Pro 1 Digital 

Serie wurde speziell für den Einsatz auf 

digitalen Kameras entwickelt. Die 

umfängliche Super HMC Serie deckt die 

meisten Filtertypen ab und bietet 

unglaubliche Qualität für einen guten Preis. 

Es lohnt sich, den Filter-Prospekt von Hoya 

herunterzuladen, um einen Eindruck des 

Gesamtangebotes zu bekommen. 

Cokin 

www.intro2020.co.uk 

FÜR VIELE FOTOGRAFEN war Cokin über 

Jahrzehnte der erste und einzige Hersteller 

von hochwertigen, erschwinglichen 

Steckfiltern. Das ist keine Überraschung, 

hat Cokin doch als erstes Unternehmen 

kreative Farbfilter für Amateurfotografen auf 

den Markt gebracht und den Foto-Markt 

seither entsprechend beeinflusst. Cokin hat 

vier Filtergrößen im Angebot: 67 Millimeter 

(J-Serie), 84 Millimeter (P-Serie), 100 

Millimeter (Z-Pro) und 130 Millimeter 

(X-Pro). Die A-Serie wurde eher für 

Kompaktkameras und Camcorder 

entwickelt. Die P-Serie ist die beste Option 

für Einsteiger. Beim Einsatz eines 

Weitwinkelobjektivs mit einer Brennweite 

über 28 Millimeter, sollte die Z-Pro-Serie in 

Erwägung gezogen werden. Die X-Pro-Serie 

ist an Mittelformat-Fotografen gerichtet. 

Alle Serien bieten unterschiedliche 

Optionen. Die P-Serie besitzt alles, was 

eine digitale Spiegelreflexkamera jemals 

einsetzen kann. Es stehen über 140 Filter, 

inklusive Polfilter und verschiedene 

Verlaufsfilter zur Auswahl. Es gibt 

Filterringe für Filtergewinde bis zu 82 mm. 

Auf der P-Halterung können gleichzeitig bis 

zu drei verschiedene Filter befestigt 

werden. Die Z-Pro Serie ist die beste Wahl 

für Landschaftsaufnahmen, insbesondere 

mit Weitwinkelzoomobjektiven. 

Anpassungsringe gibt es hier von 49 bis 96 

Millimeter und die quadratischen Filter 

messen 100 Millimeter. Eine Ausnahme 

sind die Verlaufsfilter mit einer Größe von 

100 x 150 Millimeter. 

Alle Filter werden aus CR39 Kunstharz 

hergestellt und bieten hochwertige 

Resultate. Die Preise sind wegen dem 

großen Umsatz des Unternehmens 

erschwinglich. Der Grau-Verlaufsfilter-Kit 

kostet ca. 62 Euro und besteht aus einem 

Cokin P Filterhalter, und folgenden 

Verlaufsfiltern: P121L ND2 Light Grad, 

P121M ND4 Grad und P121S ND8 Soft 

Grad. Der runde P164 Polfilter kostet um 

die 75 Euro. In der Z- Pro Serie kostet der 

Z164-Filter bereits etwa 279 Euro. 

Preis Anpassungsringe: A-Serie: ca. 8 Euro; 

P-Serie: ca. 14 Euro X-Pro: ca. 62 Euro und 

Z-Pro: ca. 27 Euro. 


Jessops 

www.jessops.com 

DAS ANGEBOT an Schraubfiltern dieses 

Herstellers ist mit 21 Schutz- und 

Polfiltermodellen relativ klein. Die günstigen 

Preise sind ein guter Grund, warum diese 

Marke Einsteigern empfohlen wird. 

Skylight- oder UV-Filter sind bereits ab 25 

Euro erhältlich. Auch bei der Qualität muss 

man sich bei dieser Marke keine Sorgen 

machen. Die meisten Filter sind ab Lager 

erhältlich und werden auch direkt verschickt. 

Lee Filters 

www.leefilters.com 

LEE FILTERS ist die ultimative Wahl für 

anspruchsvolle Fotografen. Profifotografen 

lieben diese Marke. Deren Produkte haben 

eine ultimative optische Qualität. 

Dementsprechend sind auch die Preise 

ziemlich hoch. Das brillante 

100-Millimeter-System ist das 

Kernprodukt des Erfolgs dieser Marke. Es 

besitzt einen hochwertigen Filterhalter, der 

benutzerdefiniert geliefert wird und auf 

dem man verschiedene Filtern gleichzeitig 

befestigen kann. Die Filter selbst sind von 

einer hervorragenden Qualität. Sie werden 

aus verschiedenen Materialien wie Glas, 

Kunstharz und Polyester hergestellt. Es 

sind verschiedene Kits erhältlich. 

Besonders empfehlenswert für Einsteiger 

ist das Digital Starter Kit für ca. 248 Euro. 

Es besteht aus einer zusammensetzbaren 

Halterung, einem harten 0.6-ProGlas 

Grau-Verlaufsfilter, einem 0.6-Graufilter, 

einem Reinigungstuch und einer eigenen 

Tasche. Es gibt auch das Starter Kit für ca. 

186 Euro. Dieses Kit besteht aus einer 

zusammensetzbaren Filterhalterung, 

einem 0.6-Graufilter, dem Coral 3 

Verlaufsfilter, einem Reinigungstuch und 

eigener Tasche. Der zehnstufige „Big 

Stopper“ Graufilter (ca. 161 Euro) ist der 

beste auf dem Markt. Anpassungsringe 

von 49 Millimeter bis 77 Millimeter kosten 

ca. 24 Euro, 82- und 86-Millimeterringe 

kosten ca. 51 Euro und 93-, 95- und 

105-Millimeterringe etwa 68 Euro. Die 

Filterhalterung (des Basis-Kits) kostet ca. 

68 Euro. Für Berufsfotografen, die vom 

Fotografiegeschäft leben möchten, sind 

das die passenden Filter für teure 

erstklassige Profiobjektive.


Fotoausrüstung: Filter 157 

Filter helfen 

Der Filtereffekt darf nicht 

unterschätzt werden. Vor 

allem bei Landschaftsbildern 

kann das Resultat der 

Aufnahmen durch den 

Filtereinsatz erheblich 

verbessert werden. 


Formatt (Hitech) 

www.formatt.co.uk 

FORMATT PRODUZIERT eine Auswahl von 

Filtern für Standfotografen und 

Filmkameras. Seine Hitech Filter wurden 

speziell für digitale Spiegelreflexkameras 

entwickelt. Sie werden in Großbritannien 

aus optischem Kunstharz hergestellt und 

bieten extrem hohe Produktionsstandards 

und eine hervorragende optische Qualität. 

Die 67-, 85- und 100-Millimeter 

Filtersysteme sind kompatibel mit 

Steckfiltersystemen anderer Hersteller. 

Formatt bietet eine umfangreiche Auswahl 

an Verlaufsfiltern. Außer hart- und 

weichrändrigen Grau-Verlaufsfiltern (von 0,3 

bis 1,2) hat dieser Hersteller eine 

Riesenauswahl an Farbverlaufsfiltern. „Der 

Blender“ hat einen Verlaufseffekt über den 

gesamten Filter. Hitech ist nicht so bekannt 

wie Cokin und daher auch nicht überall 

erhältlich. Die Marke ist aber trotzdem eine 

gute Alternative. Ein Graufilter Kit mit 0.3-, 

0.6-, und 0.9-Grau-Verlaufsfiltern kostet ca. 

56 Euro für 85 Millimeter, ca. 124 Euro für 

100 Millimeter und ca. 161 Euro für 100 x 

150 Millimeter. Der runde Polfilter kostet ca. 

165 Euro für 85 Millimeter und ca. 173 

Euro für 100 Millimeter. Eine 

Plastikhalterung kostet weniger als 10 Euro 

und ein Anpassungsring aus Plastik (49 bis 

77 Millimeter) rund sechs Euro. 

Kood 

www.kood-international.com 

KOOD HAT MIT aus Japan importierten 

Schraubfiltern und in Großbritannien 

hergestellten Steckfiltern eine eigene 

Auswahl an Filtern. Die Auswahl der 

Schraubfilter ist nicht sehr groß. Man 

findet aber Pol-, Schutz- und 

Vergrößerungsfilter. Außerdem bietet 

Kood auch Filter für Spezialeffekte wie 

Strahlenkranz- und Farbkorrekturfilter. 

Kood hat auch ein gute Auswahl an 

Anpassungsringen. Kood hat vier Größen 

von Steckfiltern im Angebot: 67, 84, 100 

und 130 Millimeter. Das bedeutet, dass 

die Kood-Filter mit allen wichtigen 

Steckfiltermarken kompatibel sind. Die 

Filter werden aus optischem CR39- 

Kunstharz hergestellt und bieten gute 

Qualität zu einem erschwinglichen Preis. 

Koodprodukte sind nicht bei allen großen 

Vertreibern erhältlich. Am besten besucht 

man die Webseite des Herstellers, um 

sich über dessen Angebote zu 

informieren. Runde Polfilter und 

Grau-Verlaufsfilter in den Größen von 84 

bis 130 Millimeter kosten zwischen 30 

und 43 Euro. Man kann sie direkt beim 

Hersteller bestellen oder findet sie im 

Handel. 

Unbekanntere Marken 

Auf Internet findet man auch Filter von weniger 

bekannten Herstellern wie Helios. Die meisten 

dieser Filter werden allerdings in China hergestellt 

und haben keine offiziellen Importeure in Europa. 

Daher ist die Qualitätsgarantie gering. Man sollte 

daher besser einen Filter eines bekannten Herstellers 

kaufen. 

Tiffen 

www.tiffen.com 

TIFFEN IST EINE amerikanische Marke, 

die schon seit Jahrzehnten wegen ihrer 

besonderen Beliebtheit in der 

Filmindustrie bekannt ist. Deren breite 

Auswahl an Schraubfiltern ist 

vergleichbar mit jener Hoyas. Die 

Auswahl umfasst alle wichtigen 

Filtertypen wie Schutz-, Pol- und 

Graufilter. Tiffen bietet auch zahlreiche 

Filter für Spezialeffekte, insbesondere 

viele Streufilter wie „Weichzeichner“, 

„Nebel“ und „Dunst“. Diese Filter werden 

aber nur in besonderen 

Aufnahmesituationen eingesetzt. Obwohl 

die Auswahl relativ klein ist, haben 

Tiffen-Produkte eine gute Qualität und 

zehn Jahre Garantie. Die Preise sind 

ebenfalls kompetitiv. Tiffen ist daher eine 

gute Alternative zu Marken wie Hoya. In 

lokalen Fotogeschäften kann die 

Bestellung der Produkte aber etwas 

länger dauern.

158 Fotoausrüstung: Stative 

Die Auswahl des 

Stativs 

Gehen Sie möglichst niemals ohne... 

EIN STATIV gilt als wesentlicher Teil der Fotoausrüstung. Durch 

den Stativeinsatz kann man eine kleine Blende einsetzen, um den 

Schärfentiefebereich zu maximieren. Zusammen mit einem niedrigen ISO- 

Wert führt dies zu längeren Verschlusszeiten. Manchmal funktioniert das 

auch bei Aufnahmen aus der Hand. Mit dem Stativ geht man aber sicher, 

dass das Bild nicht verwackelt wird. Das Stativ erlaubt eine sorgfältigere 

Feineinstellung des Bildausschnitts. Auch die Bildkomposition kann davon 

profi tieren. Es ist ein breites Angebot von Stativen im Handel, daher fällt 

die Entscheidung für das geeignete Stativ manchmal ein wenig schwer. 

Der wichtigste Punkt bei der Wahl eines guten Stativs ist dessen Stabilität. 

Oft sind günstige Modelle zwar überzeugend im Preis, bieten aber nicht 

genügend Stabilität. Man sollte also nach einem Stativ Ausschau halten, 

das die Kamera beim Auslösen schwingungsfrei hält. Der zweitwichtigste 

Faktor ist das Gewicht des Stativs. Das Gewicht kommt vor allem dann 

zur Geltung, wenn man die Ausrüstung über längere Strecken mit sich 

herumträgt. Die meisten Stative sind aus Aluminium und sind leicht 

und stabil. Trotzdem wiegt ein gutes Aluminiumstativ mindestens zwei 

Kilo. Modelle aus Carbonfaser sind ebenso stabil und um vieles leichter. 

Deren Preis steigt aber um einiges in die Höhe. Die hier vorgestellten 

Stative erhielten in der Auswertung des Magazins Digitale Fotografi e am 

meisten Punkte. Damit alle Interessierten ein geeignetes Stativ fi nden, 

wurden Beispiele aus verschiedenen Preisklassen aufgeführt. Man darf 

dabei nicht vergessen, dass bei den teureren Modellen das Stativ und der 

Stativkopf getrennt verkauft werden. 

Stativelemente 

1) STATIVKOPF: Es sind verschiedene 

Typen von Stativköpfen, wie Kugelköpfe, 

Dreiwegneiger und Panoramaköpfe im 

Handel. Manche Stativköpfe können 

ausgetauscht werden. Alle hier 

vorgestellten Stative wurden mit 

Kugelköpfen und Dreiwegneigern 

geprüft. Beim Kauf eines Stativs sollte 

die Kamera vorher auf dem Stativ 

befestigt und ausprobiert werden. Der 

Stativkopf darf beim Auslösen nicht 

mitschwingen. 

2) EINE SCHNELLWECHSELPLATTE 

erlaubt das schnelle Befestigen und 

Abnehmen der Kamera vom Stativ. Alle 

Stative in diesem Produktvergleich sind 

mit einer Schnellwechselplatte 

ausgerüstet. 

3) VERSCHLÜSSE: Die meisten Stative 

verfügen über Klemmverschlüsse, die 

einfach sind und sicher funktionieren. 

4) BEIN-EINHEITEN: Stative mit 

maximal drei Einheiten sind am 

stabilsten. Je mehr Einheiten, desto 

instabiler das Stativ. 

5) WASSERWAAGE: Wasserwagen, 

Libellen genannt, sind nützlich bei der 

Platzierung des Horizontes bei 

Landschaftsfotografien. Bei vielen 

Stativen wird die Wasserwaage bereits 

mitgeliefert, bei anderen kann sie am 

Stativkopf befestigt werden. 

6) HAKEN: Manche Stative besitzen 

einen Haken unter der Mittelsäule zum 

Aufhängen der Foto-Tasche. Dadurch 

gibt das Gewicht der Fotoausrüstung im 

Rucksack dem Stativ an windigen Tagen 

zusätzliche Stabilität. 

7) STATIVFÜSSE mit Edelstahldornen 

geben dem Stativ einen guten Halt im 

Freien. Bei Aufnahmen im Innern kann 

aber damit ohne Stativschuh der 

Fußboden zerkratzt werden. Gummifüße 

haben sowohl drinnen als auch draußen 

einen guten Halt und sind daher für den 

allgemeinen Stativeinsatz die beste 

Wahl. 

1 

2 

5 

3 6 

7 

4 

Austauschbare Stativköpfe 

Die meisten hochwertigen Stative werden ohne 

Stativkopf geliefert. Dadurch kann man als Benutzer 

beide Elemente getrennt wählen und nach den 

eigenen Bedürfnissen zusammenstellen. In 

folgendem Abschnitt werden die beiden üblichsten 

Stativköpfe vorgestellt. 

Kugelkopf: Hier gibt es sowohl ganz einfache 

Modelle mit einer einzigen Dreh-Bewegung als 

auch komplexe Einheiten mit Panoramaspeicher, 

Feineinstellung und hydraulischen Kugelsystemen. 

Sie sind normalerweise stabiler und können 

schneller eingestellt werden als Neigeköpfe. Sie 

können ebenfalls frei in alle Richtungen bewegt 

werden. Das Wegrutschen ist damit ein Problem der 

Vergangenheit. 

Dreiwegneiger: Dies sind variable 

Neige- und Schwenkköpfe. Sie sind besonders 

präzise in der Makrofotografie, können aber überall 

erfolgreich eingesetzt werden. Die Gradeinteilung 

zeigt den Aufnahmewinkel an. Das ist hilfreich 

für Panoramaaufnahmen. Es gibt aber auch 

spezielle Panoramaköpfe für diesen Zweck. 

Fluidköpfe erlauben eine gleichmäßige, kontrollierte 

Schwenkbewegung. 


Kugelkopf 

Giottos MTL9351B + MH5011 

LÄNGE (GESCHLOSSEN): 64cm 

ANZAHL BEIN-EINHEITEN: 3 

HÖHE (AUFGESTELLT): 159cm 

MODELL STATIVKOPF: Dreiwegneiger 

GEWICHT: 2,1kg 

Giotto-Stative haben solide Aluminium-Beine und sind 

mit einem Hartschaum-Dämmstoff verkleidet, um die 

Hände an kalten Tagen vor der Kälte zu schützen. Die 

Muttern und Verschlüsse sind eine Kombination aus 

Kunststoff und Druckguss-Aluminium und sind etwa so 

stabil, wie man es in dieser Preiskategorie erwarten 

kann. Der Dreiwegneiger kann präzise kontrolliert 

werden. Er besitzt neben der Wasserwaage an den 

Beinen drei weitere Libellen. Es gibt hier also keine 

Ausrede für schräge Horizonte! Dreiwegneiger haben 

eine drehbare Mittelsäule, die blockiert, entfernt und 

waagrecht angebracht werden kann. Für 

Makroaufnahmen und Kopierarbeiten kann sie auch 

umgekehrt werden. Das Stativ ist sehr stabil für seine 

Preisklasse. Es wird mit einem Werkzeug-Kit geliefert, 

um es nach den eigenen Bedürfnissen einzustellen. 

Unter der Mittelsäule befi ndet sich ein versteckter 

Haken für die Fototasche. Beim Test mit der 

Probekamera (eine Nikon D80) zeigte das 

MTL9351B-Stativ keinerlei Probleme. Es bietet die 

passende Lösung für den Amateur-Landschaftsfotografen 

und seine Ausrüstung. 

Giottos Vitruvian VGR8255 Kit 

LÄNGE (GESCHLOSSEN): 40cm 

HÖHE (AUFGESTELLT): 136cm 

ANZAHL BEIN-EINHEITEN: 5 

HÖCHSTLAST: 4kg 

GEWICHT: 1.28kg 

Dieses Modell besitzt ein Umkehrtechnologie-Design. Die 

Beine des Vitruvian werden 180 Grad umgeklappt und 

umgeben dann die Mittelsäule. Ihre Länge wird dadurch auf 

40 cm reduziert. Werden die Beine geöffnet 

(Schulterverschlüsse sind mit zwei Schwenkeinstellungen 

ausgerüstet), erreicht das Stativ eine eindrückliche Höhe von 

1,36 Zentimetern (1,57 mit ausgefahrener Mittelsäule). 

Dieses federleichte und stabile Stativ wird aus sechsschichtiger 

Carbonfaser hergestellt. Das Hauptgestell wurde durch eine 

Aluminiumlegierung verstärkt. Am Haken der Mittelsäule kann 

die Fototasche befestigt werden. Die Drehverschlüsse können 

schnell und einfach geöffnet werden. Die Mittelsäule kann 

entfernt werden, um es in ein Einbein-Stativ zu verwandeln. 

Der mitgelieferte MH5310-630 Kugelkopf garantiert eine 

reibungslose Bewegungen und besitzt eine Rutschsicherung, 

Wasserwaagen und eine Schnellwechselplatte mit 

Sicherheitssperre. Mit einer Höchstlast von vier Kilogramm 

passt dieses Stativ für fast alle Kameras. Eine 

Aluminium-Version (VGR 9255) hat fast die selben 

Eigenschaften, wiegt 1,5 kg und kostet um die 224 Euro. 

Stative mit drei Bein-Einheiten 

125 Euro 

260 Euro


Fotoausrüstung: Stative 159 

Giottos MT8246B + MH1302-652 

LÄNGE (GESCHLOSSEN): 51 cm 

HÖHE (AUFGESTELLT): 148 cm 

ANZAHL BEINE: 4 

BELASTBARKEIT: 3 kg 

GEWICHT: 1,38 kg 

Dieses Stativ ist außergewöhnlich leicht, vor allem wenn man 

dessen Größe in Betracht zieht. Trotzdem ist es sehr stabil. Der 

einzige Nachteil für hohe Ansprüche ist dessen Höchstlast. Die 

mit Gummi verkleideten Drehverschlüsse sind sicher und 

einfach zu benutzen. Die Stativfüße aus Hartschaumstoff haben 

einen guten Halt im kalten Wasser. Der Einschlagwinkel hat drei 

mögliche Positionen, damit die Beine nicht abrutschen. Das ist 

vor allem beim Einsatz von teurer Fotoausrüstung wesentlich. 

Die Mittelsäule kann für Nah- und Makroaufnahmen 

umgekehrt werden. Außerdem besitzt das Stativ einen Haken, 

um die Fototasche zu befestigen. Der Kugelkopf kann 

ebenfalls sicher und einfach gehandhabt werden und erlaubt 

fast alle Kamerapositionen. Die verstellbare Rutschsicherung 

erlaubt dem Benutzer eine gute Kontrolle. Sie kann schnell und 

einfach an die Bedürfnisse des Fotografen angepasst werden. 

Die drei Wasserwaagen helfen dabei waag- und senkrechte 

Linien perfekt anzupassen. Ein großartiges Allround-Stativ für 

alle Aufnahmetechniken. 

Manfrotto 190CXPRO3 + 494 RC2 






Dieses Manfrotto-Stativ ist außergewöhnlich leicht. Das 

schlanke Design sieht fantastisch aus. Trotz der dünnen 

Beine bot es beim Testeinsatz eine gute Stabilität für die 

Kamera. Die Drehverschlüsse sind sehr effektiv und einfach 

zu bedienen. Die Mittelsäule kann erhöht und in eine 

waagrechte Position gebracht werden, ohne sie von den 

Beinen entfernen zu müssen. Dadurch ist dieses 

benutzerfreundliche Stativ perfekt für Aufnahmen nahe am 

Boden. Die Multiposition-Verschlüsse werden durch einen 

versenkbaren Knopf bewegt. Das ist ein schnelleres und 

einfacheres Verfahren wie die Klammerverschlüsse. Der 

Kugelkopf bewegt sich reibungslos und kann einfach 

kontrolliert werden. Das ist ideal für Schnellaufnahmen. Der 

Stativkopf ist allerdings nicht so genau wie andere in diesem 

Produktvergleich. Das Stativ ist mit einer Wasserwaage 

ausgerüstet, damit die Kamera gerade steht. Die Mittelsäule 

besitzt einen Haken, um dem Stativ an windigen Tagen 

durch den Einsatz der Kameratasche einen besseren Halt zu 

geben. 

260 Euro 

300 Euro 

Manfrotto 190XPROB + 460 MG 






Das Aluminium-Stativ von Manfrotto ist eines der Leichtesten 

dieser Preisklasse. Die Beine sind sehr stabil und geben der 

Kamera in jeder Position einen guten Halt. Die sicheren 

Klappverschlüsse können einfach geöffnet und geschlossen 

werden. Die Sicherheit der Stativbeine wird durch die 

Multi-Positionsverschlüsse garantiert. Wahrscheinlich die 

interessanteste Eigenschaft der Stativbeine besteht darin, 

das die Mittelsäule für Makroaufnahmen in eine senkrechte 

Position gebracht werden kann, ohne von den Beinen 

entfernt werden zu müssen. Durch diese Eigenschaft wird 

der Aufnahmeprozess einfacher und schneller. Der 

Stativkopf ist sehr vielseitig. Man kann ihn einfach in fast 

jede Richtung drehen, neigen und schwenken. Die 

fehlenden Schwenkgriffe können hier zwar bemängelt 

werden, der vielseitige Einsatz des Stativkkopfs macht dies 

aber wieder gut. Man findet je eine Wasserwaage auf dem 

Stativkopf und der Stativanschlussplatte. Die Foto-Tasche 

kann an einem Haken an den Beinen befestigt werden. 

Velbon Sherpa 435 mit Kopf PHD-41Q 






In der unteren Preiskategorie finden wir diese 

Stativkombination von Velbon. Die schwarzen 

Aluminium-Beine des Stativs haben drei Einheiten und 

werden mit einem einfachen Klammerverschluss reguliert. 

Die Mittelsäule kann für Aufnahmen aus tiefen 

Aufnahmewinkeln angepasst und umgedreht werden. Für 

ein Einsteigermodell ist der PDH-41Q-Stativkopf 

ausreichend gut. Dieses Stativ ist größer und stabiler als 

alle anderen in dieser Preiskategorie. Es hält eine 

Höchstlast von 3 kg aus. Durch die Einfachheit des 

Stativkopfs gewöhnt man sich schnell an dessen 

Einsatz. Mit Hilfe von zwei gepolsterten Griffen kann 

die Kamerabewegung kontrolliert werden. Beim 

Schließen des Stativs passen diese Griffe ineinander 

und brauchen dadurch möglichst wenig Platz. Eine effizient 

designte Schnellwechselplatte wird mitgeliefert. Dadurch ist 

dieses Stativ eine perfekte Gelegenheit für Einsteiger und 

fortgeschrittene Einsteiger, die ihre Aufnahmeoptionen 

erweitern und die Bildqualität ihrer Aufnahmen verbessern 

wollen. 

180 Euro 

100 Euro 

Manfrotto 055XPROB + 324RC2 

Slik Pro 700DX mit Kopf 700DX pan & tilt 




BELASTBARKEIT: 6,8 kg 


Dies ist das größte Stativ dieser Kategorie. Es macht einen 

sehr stabilen und widerstandsfähigen Eindruck. Das Design 

ist einfach, aber überzeugend. Obwohl es relativ schwer ist, 

kann es gut herumgetragen werden. Die Verschlüsse sind 

effizient und sicher. Die umkehrbare Mittelsäule erlaubt 

dem Benutzer Aufnahmen nahe am Boden und 

Makroaufnahmen. Die beste und stabilste Stativposition für 

Nahaufnahmen ist jene, bei der die Beine weit geöffnet 

sind. Die Kamera bleibt aber in allen drei möglichen 

Beinpositionen schwingungsfrei. Der Dreiwegneiger hat 

eine reibungslose Neigbewegung und erlaubt eine große 

Auswahl an Kamerapositionen. Mit Hilfe der runden 

Schnellauslöseplatte kann die Kamera schnell auf dem 

Stativ befestigt und wieder entfernt werden. Es gibt zwei 

Wasserwaagen, um senkrechte und waagrechte Linien auf 

dem Bild gerade zu halten. Obwohl das Stativ keinen Haken 

für die Fototasche besitzt, ist es so stabil, dass man den 

kaum vermissen wird. 

LÄNGE (GESCHLOSSEN): 65,5 cm 

HÖHE (AUFGESTELLT): 178,5 cm 



GEWICHT: 3.15 kg 

Die Produktionsstandards dieses Druckguss-Aluminium- 

Stativs sind hervorragend. Es ist sehr stabil und gibt dem 

Fotografen eine große Sicherheit. Beim Modell 055XPROB 

kann die Mittelsäule wie beim 190XPROB, ohne entfernt zu 

werden, in die senkrechte Position gebracht werden. 

Außerdem ist es mit einem Haken für die Fotoausrüstung 

und schaumstoffbeschichteten Beinhaltern ausgerüstet, um 

die Hände vor der Kälte zu schützen. Jedes Bein hat vier 

Positionen. Dadurch ist das Stativ vielseitig und sicher. Das 

Griffkopf hat vielleicht eine etwas ungewohnte Form, kann 

aber unglaublich schnell durch einfache Bewegungen in 

die richtige Position gebracht werden. Da hier keine 

Verschlüsse angezogen werden müssen, kann Zeit 

gespart und das Verrutschen des Stativkopfs beim 

Anziehen der Verschlüsse vermieden werden. Der Stativkopf 

besitzt eine eigene Wasserwaage, um sicherzugehen, dass 

die Kamera gerade steht. Dieses Stativ ist besonders nützlich 

beim Einsatz der vielseitigen Mittelsäule und bei 

Makroaufnahmen. 

260 Euro 

120 Euro

160 Outdoor-Ausrüstung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Taschen und Rucksäcke 

Tipps zum Transport Ihrer Ausrüstung. 

DIE MEISTEN LANDSCHAFTSFOTOGRAFEN tragen ihre Ausrüstung im 

Rucksack, da sie das Gewicht auf Schultern und Rücken verteilen. Im kleineren 

Daypack wird die Fotoausrüstung im unteren, das leichtere Zubehör im oberen 

Teil verstaut. Foto-Rucksäcke sind größer und bieten Platz für umfänglichere 

Fotokits. Bei der Auswahl eines Rucksacks sollte man Folgendes beachten: 

Bequemlichkeit: Je mehr Ausrüstungsgegenstände man mit sich 

herumträgt, desto wichtiger sind bequeme Schulterriemen. Je breiter und besser 

gepolstert die Schulterriemen, desto bequemer. Hüftgurte helfen dabei, den 

Lendenbereich zu entlasten und den Rücken gerade zu halten. Ein weiterer 

wichtiger Teil eines effizienten Rucksacks ist das Gestell. Ein stabiles Gestell sieht 

vielleicht zuerst etwas unbequem aus. Bei längeren Wanderungen ist der Rücken 

aber dankbar dafür. 

Volumen: Die Größe des Rucksacks hängt natürlich von der Ausrüstung ab, 

die eingesetzt werden soll. Die Unterteilung der meisten Fotorucksäcke kann 

vielseitig angepasst werden. 

Richtig einstellen: Die Einstellung der Riemen, Gurte, Reißverschlüsse 

und der Schutz vor Regen bestimmen wie gut und wie lange die Fotoausrüstung 

auf Reisen geschützt wird. 

Unterschiedliche Foto-Rucksäcke (siehe Fenster unten): 

Manche Fotografen wollen einfach viel Platz, andere haben besondere 

Bedürfnisse an den Fotorucksack. Die meisten Rucksäcke haben kleinere 

Vordertaschen, um Speicherkarten und Akkus zu verstauen. 

Ausrüstung 

Richtiges Tragen 

Wenn Sie eine schwere Ausrüstung tragen, ist es wichtig, dass Rucksack oder 

Fototasche richtig „sitzen“, sonst bekommen Sie Rücken- und Haltungsprobleme. 

Bei einem Rucksack müssen beide Rückengurte fest angezogen werden, damit sich 

das Gewicht in der Mitte befindet. 

Die Brust- und Hüftgurte eines Rucksacks dienen dazu, das Gewicht 

gleichmäßig zu verteilen, statt nur die Schultern zu belasten. Schultergurte von 

Umhängetaschen sollten auf der gegenüberliegenden Schulter getragen werden, 

damit das Gewicht besser verteilt wird und der Schultergurt nicht abrutscht. Die 

Tasche so auch sicherer vor Diebstahl. 

Fototasche 

Rucksack 

Ausstattung 

1) Schultergurte: 

Ein bequemer Rucksack sollte 

verstellbare, gut gepolsterte und breite 

Schultergurte besitzen, um die Schultern 

während langer Wanderungen zu 

entlasten. Lendengurte sind ebenfalls 

wesentlich. 

2) Rückenpolster: 

Manche Rücksäcke haben Rückenpolster. 

Diese entlasten den Rücken und helfen 

dabei, das Gewicht der Fotoausrüstung 

besser zu verteilen. 

3) Kapazität: 

Stellen Sie vor dem Kauf fest, ob der ins 

Auge gefasste Rucksack genügend Platz 

für Ihre Fotoausrüstung bietet. Wenn der 

Rucksack allerdings zu viel freien Platz 

hat, wird das Gewicht ungleichmäßig 

verteilt. Das kann sowohl die Lebensdauer 

des Rucksacks als auch die Körperhaltung 

negativ beeinflussen. Alle Taschen und 

Rucksäcke in diesem Produktvergleich 

sind mit verstellbaren Fächern 

ausgestattet und lassen sich daher an 

jeden Platzbedarf anpassen. 

4) Regenschutz: 

Die meisten Rucksäcke sind wetterfest. 

Manche sind wasserundurchlässig, 

andere haben einen Regenschutz, der bei 

Bedarf aus einem versteckten Fach unter 

dem Rucksack hervorgeholt werden kann. 

5) Laptop-Fach: 

Das Fach für den Laptop kann 

verschiedene Größen haben. Man sollte 

sich also versichern, dass der eigene 

Laptop genügend Platz hat, um bequem 

verstaut zu werden. Auch hier ist die 

Polsterung wichtig. 

6) Weiteres Zubehör: 

Es gibt Rucksackmodelle, an denen 

man zusätzliche Taschen und Stative 

befestigen kann. Oft sind diese 

Erweiterungsmöglichkeiten aber auf 

Systeme derselben Marke beschränkt. 

7) Reißverschlüsse: 

Wenn man oft bei schlechtem 

Wetter draußen oder in der Nähe von 

Gewässern unterwegs ist, müssen die 

Reißverschlüsse einwandfrei schließen. 

Tierfotografen sollten einen Rucksack mit 

möglichst leisen Verschlüssen benutzen, 

um ihre “Models” nicht zu erschrecken. 

6 

1 

4 

7 

3 

5 

2 

Lowepro CompuDay Photo 250 

Abmessungen: 40x32x18 cm 

Gewicht: 0,9 kg 

Garantie: lebenslang 

Website: www.lowepro.com 

Diese Laptoptasche bietet viel Raum für die 

unentbehrlichen Kleinigkeiten des Alltags, 

außerdem eine gepolsterte Seitentasche, groß 

genug für eine DSLR mit Standard Zoom Objektiv. 

Das große Hauptfach ist jedoch besser geeignet, 

um eine Thermoskanne und ein paar belegte 

Brötchen aufzunehmen als irgendetwas, das 

man mit Fotografie in Verbindung bringen würde. 

Es gibt keine Unterteilungen, doch es ist Platz 

genug für ein weiteres Objektiv oder ein Blitzgerät, 

falls diese zum Schutz in einem weichen Beutel 

verpackt sind. Der obere Reißverschluss ist 

durch eine breite Lasche vor Regen geschützt. 

Das Konzept ist durchaus geeignet für Leute, die 

neben den Utensilien, die Sie für Ihre Büroarbeit 

brauchen, Ihre Kamera ständig dabei haben 

wollen. Dafür sorgen Dokumentenfächer und eine 

separate Innentasche für das Laptop Netzteil und 

diverse Kabel. Das Gurtzeug besteht lediglich aus 

Schulterriemen doch die Form der Tasche lädt dazu 

ein Sie über einer Schulter zu tragen wodurch der 

Zugriff auf die Kamera erleichtert wird. 

Tamrac Evolution 6 




Website: www.intro2020.co.uk 

Dies ist eine Tasche aus der Evolution Serie von 

Tamrac, zu der noch zwei größere Modelle gehören. 

Die Tasche kann als Rucksack getragen werden, 

aber genauso bequem in der rechten oder linken 

Hand. Das Hauptfach für die Kamera ist von drei 

Seiten zugänglich, nämlich von rechts und links 

und von der Vorderseite. Der Zugriff kann daher 

sehr schnell erfolgen. Schulter- und Hüftgurte 

verschwinden einfach hinter der Rückenpolsterung, 

wenn die Tasche an der Hand getragen wird. Platz 

gibt es genug für eine DSLR und ein mittelgroßes 

Zoomobjektiv, außerdem weiteren Stauraum für 

vielleicht noch zwei Objektive und ein Blitzgerät. 

Die Utensilien sind von vorne und von der 

Rückseite zu erreichen. Das oberste Abteil bietet 

noch mehr Stauraum, es ist groß genug für ein 

70-200 mm Zoomobjektiv. Die Tasche ist gut 

gepolstert doch jeder Gegenstand im oberen Abteil 

sollte zum Schutz noch separat verpackt sein. 

60 EURO 

85 EURO


Outdoor-Ausrüstung 161 

Vanguard UP-Rise 45 

Vanguard Heralder 33 



Garantie: lebenslang mit Einschränkungen 

Website: www.vanguardworld.co.uk 

Die Bezeichnung „UP-Rise“ bezieht sich auf das 

Erweiterungssystem von Vanguard, das darin 

besteht einfach durch Öffnen eines Reißverschlusses 

extra Platz zu schaffen; doch in der Praxis war hier wohl 

eher der Wunsch Vater des Gedanken. Nicht etwa, das 

es der Tasche an Platz fehlt oder an Ausstattung. Das 

Hauptfach ist groß genug für eine DSLR mit bis zu 

200 mm Zoomobjektiv, 2-3 weiteren Objektiven 

und das Blitzgerät. An die Kamera kommt man 

durch eine seitliche Öffnung schnell heran, wobei 

die weniger oft benutzten Ausrüstungsgegenstände 

allerdings erst nach aufgezogenem Reißverschluss 

zugänglich sind. Das gepolsterte obere Abteil ist 

sehr geräumig, dessen unterer Teil kann gelöst 

werden und bildet dann eine große Reisetasche. Die 

Konstruktion ist durchdacht, was sich unter anderem 

an dem durch zwei Schnell-Reißverschlüsse, einem 

Velcro-Verschluss und einem Clip gesicherten 

Kameraabteil zeigt. Außerdem verfügt die Tasche 

über zwei Tragegriffe, die zusammen gefasst werden, 

einen Regenschutz und einen Einschub für das 

Stativ, der mit verstellbaren Gurten gesichert ist. 




Website: www.vanguardworld.co.uk 

Diese Vanguard-Tasche ist definitiv ihr Geld wert. 

Sie verfügt über mehr Detailapplikationen als 

hier aufgezählt werden können. Es ist eine große 

Tasche mit all den Ausstattungsmerkmalen, die 

man erwarten darf und etlichen durchdachten 

Extras. Der obere Reißverschluss beispielsweise 

gestattet den direkten Zugriff auf die Kamera, 

deren gepolstertes Abteil abgenommen werden 

kann, so dass eine normale Reisetasche zur 

Verfügung steht. Auch die gepolsterte 

Laptop-Tasche ist herausnehmbar. An 

der Vorderseite sind Befestigungslaschen 

für ein Stativ vorhanden, während von der 

Rückseite her einen Regenschutz über das 

Ganze gezogen werden kann. Die Tasche wird 

mit Schulterriemen geliefert, es ist jedoch ein 

optionales Schultergurtzeug erhältlich, mit 

dessen Hilfe die Tasche auf dem Rücken getragen 

werden kann 

100 EURO 

120 EURO 

Lowepro Flipside 400 AW 

Lowepro Pro Runner 450 AW 





Dieser Rucksack ist ein Vertrauen erweckendes 

Gepäckstück, ausgelegt für jede Menge 

Kameraausrüstung, die komfortabel und 

sicher transportiert werden kann. Die gesamte 

Rückseite lässt sich durch einen umlaufenden 

Reißverschluss öffnen und zum Vorschein kommt 

ein Stauraum, groß genug für mindestens zwei 

Kameras und vier oder fünf Objektive praktisch 

beliebiger Länge, außerdem finden Blitzgerät und 

kleineres Zubehör ebenso Platz. Wenn Sie diesen 

Rucksack tragen, haben Sie keinen Zugriff auf das 

Hauptabteil aber auch sonst niemand kann sich 

hinter ihnen an ihrer Ausrüstung bedienen. Neben 

den beiden üblichen Schultergurten gibt es einen 

Brustgurt und einen breiten, dick gepolsterten 

Hüftgurt. Lowepro behauptet zwar man könne den 

Rucksack vor die Brust drehen und so an seine 

Kamera herankommen, aber das scheint nicht 

sehr realistisch zu sein, schon gar nicht,wenn er 

mit schwerer Ausrüstung voll gepackt ist. Das 

Frontabteil ist flach und dünn gepolstert aber tief 

und Genug für kleine persönliche Gegenstände und 

ein iPad, nicht aber für einen Laptop. 

Abmessungen: 34x29x50,5 cm 




Der Pro Runner 450 AW nimmt ebenfalls sehr viel 

an Ausrüstung auf, es gibt genug Platz für zwei 

große DSLRs mit montiertem Zoom außerdem 

für mehrere weitere Objektive Blitzgeräte einen 

dritten Kamera-Body und einen 17-Zoll Laptop. 

Die Schultergurte sind dick gepolstert, verstellbar 

und der Hüftgurt und der Tragegriff sind definitiv 

willkommen, wenn man all das Gewicht bewegen 

will. Die Kompressionsgurte reduzieren die Größe 

des 450 AW zum einfacheren Transport. Es gibt 

einen wasserdichten Regenschutz, außerdem 

sind außen mehrere Schlaufen angebracht, 

an denen ein Stativ befestigt werden kann. 

Die Fronttasche nimmt ein paar persönliche 

Kleinigkeiten auf, drei weitere Innentaschen 

sind mit Klarsichtfolie versehen, damit man 

Filter etc. schon von außen identifizieren kann; 

außerdem sind da noch zwei Minitaschen, die 

Speicherkarten aufnehmen. 

110 EURO 

125 EURO 

Tamrac Adventure 9 

Tamrac Ultra Pro 13 

Abmessungen: 28x33x51cm 




Die Tamrac Adventure-Serie umfasst vier 

Rucksäcke, und auch dies ist der kleinste davon. 

Bei ihm stehen eindeutig Mobilität und geringes 

Gewicht im Vordergrund. Das Hauptabteil im 

Muschel-Design wird per Reißverschluss geöffnet 

und gibt einen bescheidenen Stauraum frei, gerade 

groß genug für eine kleinere DSLR mit Kit-Zoom 

und vielleicht noch ein extra Objektiv oder das 

Blitzgerät, mehr aber nicht. Das obere Fach hat 

noch einmal etwa dieselbe Größe und ist damit 

genug für ein 70-200 mm Zoom plus ein anderes 

Objektiv oder ein Blitzgerät. Die Außenseiten 

dieses Faches haben jedoch keine Polsterung. Die 

Fronttasche nimmt ein Telefon auf, Getränkedosen 

können in den Seitentaschen verstaut werden. Die 

Schultergurte bieten guten Komfort und auch der 

Hüftgurt lässt nichts zu wünschen übrig. 

Abmessungen: 46x31x31cm 




Diese Tamrac Fototasche bietet einen 

hervorragenden Gegenwert für ihr Geld. Anstatt 

einer separaten Laptop Tasche bringt Sie einen 

großen Einschub für den Laptop an der Vorderseite 

mit, außerdem zwei gute ZipDrop Fronttaschen 

und zwei mehr davon unter dem Deckel, 

alle ausgestattet mit dem durchsichtigen 

Gewebe dass deren Inhalt sichtbar macht. 

Stellt man die Tasche ab, hat man einfachen 

Zugriff auf den gesamten Inhalt. Das Standard 

Layout sieht zwei Profi-DSLR Kameras 

mit Objektiven, doch die Unterteilungen 

können beliebig verändert werden. Das 

Oberteil ist durch einen Reißverschluss, vier 

Clips und Velcro-Verschlüsse gesichert, in 

der Mitte befindet sich ein großer Handgriff. 

Die Regenhülle befindet sich seitlich in einer 

zusätzlichen Tasche. Tamracs Gurtzubehör-System 

ähnelt dem von Lowepros SlipLock und Think Tank 

Skins und ist vielseitig erweiterbar. 

120 EURO 

125 EURO

162 Die perfekte Belichtung 


ADAM BURTON 

Machen Sie eine Belichtungsreihe! 

Ob Sie eine Graukarte verwenden oder nicht: 

Bei schwierigen Lichtverhältnissen sollten Sie 

immer eine Belichtungsreihe von +1 bis -1 

aufnehmen, mithilfe der Belichtungskorrekturoder 

AEB-Funktion Ihrer Kamera. 

So verwenden Sie Ihre Belichtungsmess- und WB-Karten 

Perfekt ausgemessen! 

Szenen mit strahlendem Himmel 

können Belichtungsfehler verursachen. 

Benutzen Sie eine Graukarte, um Fehler 

möglichst auszuschließen. 

Die 18-Prozent-Graukarte hilft Ihnen, auch bei schwierigen Lichtverhältnissen für die perfekte Belichtung zu sorgen. Beide Referenzkarten können auch 

für den benutzerdefinierten Weißabgleich verwendet werden; mit welcher Karte Sie den Weißabgleich vornehmen müssen, hängt von Ihrer Kamera ab. 

DIGITALE SPIEGELREFLEXKAMERAS nutzen komplexe Belichtungssysteme, 

die auf der Annahme beruhen, dass der Durchschnitt einer zu messenenden 

Szene ein mittlerer Farbton ist – genauer gesagt: 18-prozentiges Grau. In dem 

Fall ergibt der Durchschnitt aller dunklen, hellen und mittleren Farbtöne ein 

Grau von 18 Prozent; dies ist die Grundlage aller Messmuster. 

Obwohl sie für die Mehrzahl aller Fotoshootings Gültigkeit hat, kann es doch 

falsche Belichtungen geben, wenn eine Szene oder Objekt deutlich hellere oder 

dunklere Farbtöne als 18 Prozent Grau aufweist. So können zum Beispiel sehr 

dunkle Bereiche das Messsystem irritieren und zur Überbelichtung führen. 

Sehr helle Objekte wie Schneelandschaften können zur Unterbelichtung führen 

und dunkler erscheinen, weil der Belichtungsmesser sie als mittlere Farbtöne 

interpretiert. 

Da eine Kamera immer versucht, ein Bild „grau“ darzustellen, ist es Ihre 

Aufgabe, dies auszugleichen, um die Farbtöne möglichst natürlich zu erhalten. 

Dies können Sie erreichen, indem Sie eine der Kamerafunktionen nutzen, 

welche die Belichtung aufheben, zum Beispiel die Belichtungskorrektur oder 

die AE-Feststelltaste, oder indem Sie einen Bereich der Szene ausmessen, der 

einen mittleren Farbton aufweist. Und hier kommt Ihre Graukarte ins Spiel. 

Die Benutzung ist ganz einfach, wie unsere Schritt-für-Schritt-Anleitung unten 

zeigt. Das Wichtigste, woran Sie denken müssen, ist, dass Sie Ihre Karte in 

ähnlichem Licht platzieren müssen, wie es auch Ihre Fotoszene aufweist. 

Wenn Ihre Szene in Sonnenlicht getaucht ist, platzieren Sie die Karte also 

nicht im Schatten. Außerdem müssen Sie sicherstellen, dass die Karte den 

Messbereich ausfüllt. 

Obwohl Sie jede Messmethode verwenden können, empfehlen wir die Punktoder 

Selektivmessung, weil die Karte hier nicht den gesamten Messbereich 

ausfüllen muss. Sie können entweder mit der AE-Lock-Funktion die Belichtung 

fi xieren, oder sich die Blende und Verschlusszeit merken und dann auf 

manuellen Modus umschalten und die Werte einstellen – diese Methode ist 

jedoch nicht für Tage mit schwankender Beleuchtung geeignet. 

Die Karte weist AF-Referenzlinien auf, die dem Autofokus Ihrer Kamera 

beim Fokussieren helfen; für die korrekte Belichtung ist dies nicht unbedingt 

erforderlich. Ebenso wie die weiße Karte, kann auch die Graukarte für 

benutzerdefi nierten Weißabgleich genutzt werden. 

DER ERSTE SCHRITT Legen Sie Ihre Graukarte so auf 

1 den Boden, dass sie sich in einem Winkel zu Ihnen befindet 

und stellen Sie sicher, dass die Lichtbedingungen dort, wo sie 

liegt, genauso sind, wie in dem Hauptteil der Szene, die Sie 

fotografieren wollen. 

MESSEN SIE DIE BELICHTUNG Stellen Sie 

2 sicher, dass der gesamte Messbereich von der 

Graukarte ausgefüllt wird (in diesem Fall verwenden wir 

die Multizonenmessung) und fixieren die Belichtung mit 

der AE-Lock-Taste. 

BILDAUFBAU UND AUSLÖSUNG Wenn Sie die 

3 Belichtung fixiert haben, können Sie sich um die 

Bildkomposition kümmern und anschließend Ihre Fotos 

schießen. Wenn Sie sie danach auf Ihrem LCD-Display 

kontrollieren, sollte die Belichtung perfekt sein.

GRAUKARTE 


WEISSABGLEICHKARTE 

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