GoodTimes - Music from the 60s to the 80s Queen (Vorschau)

Tony Sheridan • Kevin Ayers • Stephen Stills • Justin Hayward • Eric Burdon • Cactus • Albert Hammond 

D: € 6,50 • Schweiz CHF 12,00 • A • L • NL • I • B: € 7,00 • Nr. 2/2013 • April/Mai • www.goodtimes-magazin.de 

EXTRAS 

+++EXTRAS+++ 

Amiga + Sun Records + Gimmicks 

Mord & Totschlag + Die Aussteiger 

Jimi Hendrix 

Billy Cox & Eddie Kramer: 

Auf zu neuen Ufern 

Troggs 

Reg Presley: 

Der ewige Trogg 

Manfreds 

Zwei Sänger – 

viele Erinnerungen 

Kreis 

Vom Disco-Sound zur 

Wagner-Schwere 

Willie Nelson 

Kraftwerk • Chuck Leavell • Mott The Hoople • Lynsey De Paul • Snakecharmer • Chi Coltrane • Dave Edmunds

INHALT 

Ausgabe 123 · April/Mai 2013 

10 Queen 

Royale Prozession 

14 We Will Rock You 

Musical in Essen im neuen Gewand 

16 Hits dank Gimmicks? 

Werbegeschenke der Plattenindustrie 

20 Willie Nelson 

Outlaw unter Denkmalschutz 

24 Kreis 

Arnold Fritzsch: Vom Disco-Sound zur Wagner-Schwere 

26 Amiga 

Auferstanden aus Ruinen – nach der Wende ausverkauft 

29 Albert Hammond 

Alter Mann mit dem Enthusiasmus eines Jünglings 

68 Cactus 

Comeback der Rampensäue 

69 Petula Clark 

Bald erstmals live in Deutschland? 

70 Manfreds 

Zwei Sänger – viele Erinnerungen 

71 Eric Burdon 

Erinnerung an Bo 

72 Tony Sheridan 

Nachruf 

76 Reg Presley 

Der ewige Trogg 

77 Sun Records 

Another Kind Of Country Music ... The Sun Country Box 

78 Kevin Ayers 

Der Dandy des Pop ist tot 

79 Lynsey de Paul 

Große Künstlerin mit Bühnenangst 

81 Chuck Leavell 

Verneigung mit Keith 

82 Billy Boy Arnold 

Bluesporträt No. 39 

83 Dave Edmunds 

Neue Songs, aber nie mehr live? 

84 Kraftwerk 

Karl Bartos: Feedback aus der Vergangenheit 

86 Live 

Jeff Wayne's War Of The Worlds – Rock Meets Classic 

87 Stephen Stills 

50 Jahre in einer Box 

88 Jimi Hendrix 

Billy Cox und Eddie Kramer erinnern sich an die Zeit des Umbruchs 

90 Green On Red 

Helden der Eighties ... und mehr 

92 Die Aussteiger 

Von Lewis Collins bis Screaming Lord Sutch 

95 GoodTimes-Newcomer 

Allen Stone – Andreas Kümmert – Gary Clark Jr. 

96 Justin Hayward 

Auch Kitsch ist Kunst 

97 Emmylou Harris & Rodney Crowell 

Lebenslange Freundschaft 

98 Morde & Mörder in der Musikszene 

Spiel mir das Lied vom Tod 

101 Dave Kelly 

Blues mit Kids und Kumpels 

102 Snakecharmer 

Melodie, AOR plus Blues-Rock 

102 Verden Allen 

Das Kapitel Mott The Hoople ist vorbei 

103 Krokus 

Volles Rohr! 

104 Es war einmal ... 

Ein Blick zurück auf Denkwürdiges 

109 Chi Coltrane 

Kreuzverhör 

110 Skip Bifferty 

Band-Archiv 

112 Roogalator/Danny Adler 

Spurensuche 

114 ... zuguterletzt 

Richard Thompson – Paul Raymond Project – Devon Allman 

Queen, S. 10 

Manfreds, S. 70 

Willie Nelson, S. 20 

RUBRIKEN 

4 Aktuell – Neues aus der Szene 

30 CD/Vinyl-Vorstellungen 

61 DVD/Blu-ray-Vorstellungen 

63 Buch-Vorstellungen 

64 GoodTimes-Shop 

66 Kleinanzeigen 

Editorial 

Reg Presley, S. 76 

Kreis, S. 24 

Jimi Hendrix, S. 88 

67 Abo-Bestellschein 

80 Kolumne: Christian Simon 

106 Konzertkalender 

110 History 

113 Leserbriefe 

114 Impressum 

Kaum wurden die anstehenden Deutschland-Shows von Eric 

Clapton angekündigt, waren sie auch schon im Handumdrehen 

ausverkauft. Der Name des Altmeisters steht dabei stellvertretend 

für ein nicht ganz neues Phänomen: Tickets für die ganz Großen 

des Musikgeschäfts sind heißbegehrt, egal wie teuer sie auch sein 

mögen. Dem steht ein anderes Phänomen gegenüber, das Musikern 

wie Veranstaltern zu schaffen macht: Namen der Mittelklasse 

ziehen nicht mehr wie gewohnt, selbst etablierte Acts wie 

Status Quo, bei denen man weiß, dass man live Gegenwert fürs 

Geld bekommt, garantieren nicht mehr für ausverkaufte Hallen. 

Und Gruppen oder Interpreten ein, zwei Etagen darunter tun sich schwer, überhaupt Gigs an 

Land ziehen zu können – oder müssen auf Abendkasse spielen. 

Deutsche Blues-Rocker tun sich schwer, weil das deutsche Publikum offenbar lieber zu (oft 

gehypten) vergleichbaren Akteuren aus dem UK oder den USA gehen. Und dass Konzertausrichter 

es angesichts sinkender Zuschauerzahlen zunehmend scheuen, ins finanzielle Risiko 

zu gehen, ist nachvollziehbar. 

Ein Problem ist, dass der Publikumsgeschmack inzwischen absolut unkalkulierbar ist. Große 

Veranstaltungen, die einst Kassenschlager waren – wie Jeff Waynes „War Of The Worlds" 

oder „Rock Meets Classic" mit klangvollen Namen –, ziehen plötzlich nicht mehr so, obwohl 

sie den Besuchern neben Stars auch einen für Rockkonzerte nicht unbedingt üblichen Komfort 

in großen Hallen bieten. Doch genau dieser Punkt hat offenbar bei vielen Akteuren, die 

in Clubs auftreten, eine wachsende Bedeutung: Die Musikliebhaber werden wie ihre Favoriten 

immer älter. Anderthalb Stunden Stehen ist nicht mehr jedermanns Sache, ebenso die 

immer noch von vielen Rockern übertriebene Lautstärke. Erschwerend kommen die teilweise 

doch deutlich gestiegenen Eintrittspreise hinzu. 

Da ist es fast schade, dass es im Musikpublikum – anders als im Fußball – keine Fanzusammenschlüsse 

gibt, die mit den Veranstaltern erörtern könnten, woran es im aktuellen Konzertgeschehen 

(neben oft schlechter Werbung) krankt. Vielleicht haben Sie, liebe Leserinnen 

und Leser, Hinweise und Tipps, was verbessert werden könnte. Und gehen Sie weiter eifrig in 

Konzerte – Sie tun damit sich selbst, den Künstlern, die davon leben, aber auch GoodTimes 

als Informationsträger Gutes ... 

Fabian Leibfried 

-Herausgeber/Chefredakteurkult! 

ab 19.4. 

No.8 erhältlich! 

GoodTimes 2/2013 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 3

Aktuell News Aktuell 

Ten Years After treten im ersten Halbjahr 

konzerttechnisch ein wenig kürzer, 

„weil wir in den letzten Jahren zu viel in 

Europa präsent waren", sagte Drummer Ric 

Lee GoodTimes. „Eine Ausnahme ist unser 

Auftritt bei den Rother Bluestagen, zu dem 

wir extra einfliegen." Allerdings wird es laut 

Lee „Ende 2013, spätestens Anfang nächsten 

Jahres ein neues Album geben, das wir 

live auch mit frischen Songs einspielen, weil 

es im Studio nicht so recht hinhaut"+++ 

Das Hannoveraner Label SPV setzt seine 

Vinyloffensive fort: Die neue Staffel mit 

„schwarzem Gold" aus den 80er Jahren 

umfasst GO FOR YOUR LIFE von Mountain 

(1985), IN THE CITY OF ANGELS von Sänger 

Jon Anderson (Ex-Yes; 1988), Johnny 

Winters RAISIN' CAIN (1980), Quiet Riots 

selbst betiteltes Opus aus dem Jahr 1988 

sowie THUNDER STEEL der Schwermetaller 

Riot (1988, Do-LP)+++ 

Eine Werkschau mit zwei CDs und einer 

DVD („Rockpalast") planen der englische 

Singer/Songwriter Julian Dawson und 

sein deutsches Label Blue Rose für das 

kommende Frühjahr. Den Schwerpunkt 

sollen dabei vor allem Veröffentlichungen 

des fließend deutsch sprechenden einstigen 

WDR-Moderators Dawson (Plainsong) 

von seinen Alben der 80er und 90er 

Jahre bilden. Zuletzt hatte der 58-Jährige 

sein einjähriges Solo-Sabbatical beendet 

und war bereits wieder solo live auf deutschen 

Bühnen zu erleben+++ 

Alt-Folkie Gordon Giltrap (g, voc) hat sich 

mit Jungrocker Oliver Wakeman (keys; 

Yes, Strawbs) zusammengetan, um ein ambitioniertes 

Projekt zu realisieren: Eine eigenwillige 

Mischung aus Folk und Prog-Rock ist 

auf dem Doppelalbum RAVENS AND LULLA- 

BIES zu hören, das am 22. März erscheint. 

Neben neuen Studio-Aufnahmen des Duos 

sind auf einer Bonus-CD Aufnahmen von 

seiner 2012er UK-Tour zu hören+++ 

Für den 26. April ist die Veröffentlichung 

des neuen und dann 19. Studioprodukts 

von Deep Purple festgesetzt. Es wird 

den Titel NOW WHAT?! tragen. Außerdem 

wurden erste Konzertdaten von Ian 

Gillan, Roger Glover, Ian Paice, Steve 

Morse und Don Airey für Deutschland im 

Sommer angekündigt+++ 

STATE ist das neue Studiowerk des experimentierfreudigen 

Rock-Altmeisters Todd 

Rundgren betitelt, das ab 5. April in den 

Plattenläden (und Download-Shops) stehen 

wird. Es ist das 24. Solo-Album des einstigen 

Nazz- und Utopia-Masterminds, das 

auch die New York Dolls, Patti Smith, Meat 

Loaf, XTC oder Hall & Oates produzierte+++ 

WROTE A SONG FOR EVERYONE heißt das 

neue Album von John Fogerty, das ab 

dem 24. Mai erhältlich sein wird. Der einstige 

CCR-Frontmann hat dafür zwei neue 

Kompositionen eingespielt und ansonsten 

Klassiker aus den Zeiten mit Creedence 

Clearwater Revival, aber auch seines Soloschaffens 

mit namhaften Gästen frisch 

aufgenommen. Die Foo Fighters sind mit 

dabei, Bob Seger, Allen Toussaint, die 

Country-Stars Keith Urban, Brad Paisley 

und Alan Jackson, Tom Morello (Rage 

Against The Machine), Kid Rock, My Morning 

Jacket, Miranda Lambert, Dawes und 

die Zac Brown Band. „Musik gemeinsam 

mit anderen zusammen zu machen, bereitet 

viel mehr Spaß, als allein vor sich hinzududeln", 

sagte Fogerty bei einer Vorab- 

Listening-Party in Los Angeles+++ 

Iggy Pop & The Stooges haben den 

Nachfolger für ihr Album THE WEIRDNESS 

von 2007 fertiggestellt. Die beiden überlebenden 

Gründungsmitglieder Iggy Pop 

(voc) und Scott Asheton (dr) waren gemeinsam 

mit James Williamson (g) und Mike 

Watt (b) im Studio, um READY TO DIE einzuspielen. 

Als Veröffentlichungsdatum ist 

Ende April angekündigt+++ 

Rock + Pop 

Memorabilia 

Wall Of Fame • P.O. Box 1950 • 48580 Gronau 

Tel.: 0171/7412584 • eMail: info@wall-of-fame.de 

Internet: www.wall-of-fame.de 

Goldene Schallplatten, Signaturen etc. von Abba 

bis Zappa. Das weltweit größte Angebot an Raritä ten 

aus dem Bereich Rock+Pop Memorabilia. 

Anfragen bitte telefonisch. 

Zwei Woodstock-Veteranen sind die Headliner 

der 22. Rother Bluestage (11. bis 

21. April): Johnny Winter und Ten Years 

After spielen in der Kreisstadt vor den Toren 

Nürnbergs auf. Bei der Vorstellung des 

Programms kündigte Ferdl Eichner, der den 

traditionellen „Bluesbrunch" gemeinsam 

mit Partner John Kirkbride musikalisch 

umrahmen wird, an, er werde bei der Gelegenheit 

seine Harp im Kopfstand spielen. 

Deutsche Akteure wie der „Isar-Indianer" 

Willy Michl (im Doppelkonzert mit seinem 

„echten" US-Indianerpendant Neal Black), 

Errorhead oder Jessy Martens dabei, dazu 

kommen internationale Gäste wie die Vargas 

Blues Band, Giles Robson, Ryan McGarvey, 

Morblues, der Österreicher Willi Resetarits 

(früher als Ostbahn-Kurti unterwegs), 

The Brew UK oder Chicago-Veteran Boo 

Boo Davis. Das genau Programm ist unter 

www.bluestage.de zu finden+++ 

Völlig neue musikalische Wege geht seit geraumer 

Zeit US-Rockveteran Bobby Whitlock. 

Der Keyboarder, der am 18.3. seinen 

65. feierte und seine Karriere einst als Mitglied 

der Hausband bei Stax Records startete 

und mit Eric Clapton bei Derek & The 

Dominos ("Layla") dabei war, veröffentlicht 

inzwischen gemeinsam mit seiner Lebensgefährtin 

Coco Carmel Meditations- und 

New-Age-Alben über die gemeinsame Homepage 

www.bobbywhitlockandcococarmel.com+++ 

THE DIVING BOARD wird das neue Album 

von Elton John heißen, das bereits Ende 

2012 auf den Markt hätte kommen sollen, 

nun aber erst im September erhältlich sein 

wird. Produziert hat kein Geringerer als T 

Bone Burnett, der bereits THE UNION, die 

Zusammenarbeit des englischen Sängers/ 

Pianisten mit Leon Russell 2010, betreut 

hatte. Das Resultat soll laut Ohrenzeugen 

„Elton Johns beste Arbeit seit vielen Jahren" 

sein. Die Texte der 13 neuen Lieder 

kamen wieder aus Bernie Taupins Feder+++ 

In einer australischen TV-Show hat Aerosmith-Sänger 

Steven Tyler Gerüchte korrigiert, 

er habe insgesamt etwa 20 Millionen 

Dollar für Drogen verjubelt. Realistischer 

seien sechs Millionen, die er in den vergangenen 

Jahrzehnten dafür ausgegeben 

habe+++ 

Seite 4 ■ GoodTimes 2/2013 ■ Music from the 60s to the 80s

News 

An den Sendestart der Musikshow Formel 

Eins" 

" 

vor 30 Jahren 

erinnert ein 

Veröffentlichungspaket 

mit einer 

3-DVD-Box 

und vier Doppel-CDs, 

allesamt 

mit dem 

Titel FORMEL 

EINS. Laut 

Ankündigung 

wird damit ein „wahrer 

Lichtblick in der 

damals noch relativ 

tristen Fernsehwelt" 

für die musikbegeisterten 

Teenager jener 

Jahre zelebriert, der 

im dritten Programm 

des WDR startete. Die 

Dreiviertelstunde Programm 

bot Stars und 

Videoclips kompakt – 

in der Sendung wurde 

im Januar 1984 beispielsweise 

Michael 

Jacksons "Thriller"- 

Video in voller Länge 

von 14 Minuten 

gezeigt. Peter Illman, 

Ingolf Lück, Stefanie 

Tücking und Kai Bökking 

moderierten die 

Sendung im Laufe der 

Jahre und nutzten sie 

als Sprungbrett für ihre eigenen Karrieren. 

Eine ausführliche Story zum Thema „Formel 

Eins" wird auch im GoodTimes-Schwestermagazin 

kult! Nr. 8 erscheinen+++ 

„The Doors Unhinged – Jim Morrison's Legacy 

Goes On Trial” heißt das Buch, das 

Doors-Drummer John Densmore geschrieben 

hat und im April erscheinen soll. Densmore, 

der seit 2002 mit seinen Ex-Kollegen 

Robbie Krieger und Ray Manzarek heillos 

zerstritten ist und ihnen 2005 gerichtlich 

die Verwendung des Namens Doors Of The 

21st Century untersagte, kündigte an, er 

wolle die alten Streitigkeiten mit dem Duo 

aus der Welt schaffen, wenn er seine Lesereise 

nach der Buchveröffentlichung abgeschlossen 

hat+++ 

Nur wenige Tage, nachdem sich der 100. 

tibetische Mönch aus Protest gegen die 

chinesische Herrschaft in seiner Heimat 

selbst verbrannt hatte, ging am 21. Februar 

in der New Yorker Carnegie Hall ein „Tibet 

Benefit Concert" über die Bühne. Headliner 

waren Patti Smith und Jim James (My 

Morning Jacket)+++ 

Die Songwriters Hall Of Fame hat 

ihre Neuzugänge des Jahres 2013 bekannt 

gegeben. Am 13. Juni werden in 

New York mit einer feierlichen Zeremonie 

aufgenommen: Tony Hatch ("Downtown”), 

Steven Tyler & Joe Perry von 

Aerosmith, das eins tige Eagles-Mitglied 

J.D. Souther, Mick Jones & Lou Gramm 

(Foreigner) und Holly Knight ("Love Is A 

Battlefield”)+++ 

Aktuell 

Parallel zur Veröffentlichung des Albums 

THE WORLD IS YOURS seiner aktuellen 

Hauptband Union hat Thunder-Gitarrist 

Luke Morley seine Soloscheibe EL GRIN- 

GO RETRO von 2001 wiederveröffentlicht. 

Sie enthält eine komplette Bonus-CD mit 

unveröffentlichten Livemitschnitten und 

Demos+++ 

Aufnahmen von 1987 bis 2012 aus Lörrach, 

der Balver Höhle und vom Finkenbach Festival 

sowie das komplette letzte Konzert 

mit Peter Panka im Dezember 2006 sind 

auf der Doppel-DVD PHOENIX von Peter 

Panka's Jane nachzuerleben+++ 

Heutzutage noch stilistisch Neues und 

für die Ohren Überraschendes zu kreieren, 

ist schwierig und gelingt eher selten. Die 

Hamburger Band Brixtonboogie um 

Mastermind Krisz Kreuzer (voc, Harp) und 

Gitarrist Micky Wolf hatte dies mit ihrem 

Album URBAN BLUES geschafft: Sie vereinte 

Blues mit HipHop, Electronica, Soul und 

Rock. Jetzt steht der Nachfolger CROSSING 

BORDERS ins Haus, der ab dem 26.4. aufhorchen 

lassen dürfte+++ 

Bobby Womack hat bekanntgegeben, 

dass er an einem Frühstadium der Alzheimer-Erkrankung 

leidet. „Im Augenblick 

geht es mir nicht schlecht, aber es wird 

schlimmer werden", sagte der 68-Jährige 

der BBC. Er habe bereits viele eigene Texte 

vergessen, und auf der Bühne komme es 

schon mal vor, dass ihm die Namen seiner 

Musiker nicht einfielen+++ 

Der frühere Dr.-Feelgood-Gitarrist Wilko 

Johnson hat seine Farewell-Tour mit vier 

Gigs im UK für März angekündigt und zugleich 

seine Diagnose mit Bauchspeicheldrüsenkrebs 

bekanntgegeben, der in den 

meisten Fällen tödlich endet. Der 65-jährige 

Johnson will sich keiner Chemotherapie 

unterziehen, sondern so lange wie möglich 

arbeiten+++ 

Timothy B. Schmit, Bassist der Eagles, 

hat mitgeteilt, er erhole sich bestens von 

einem operativen Eingriff gegen eine 

Krebserkrankung im Nacken und am Kehlkopf. 

„Ich habe ein Problem erkannt und 

habe mich darum gekümmert", erklärte 

der 65-Jährige lakonisch auf seiner Homepage+++ 

Trevor Bolder, Bassist von Uriah Heep, 

hat sich Anfang Januar ebenfalls einem 

operativen Eingriff unterzogen – nicht 

wegen eines Herzinfarkts, wie es gerüchteweise 

geheißen hatte, sondern wegen einer 

Krebserkrankung. Er befinde sich auf dem 

Wege der Genesung, ließ Bolder verlauten 

und verriet dabei gleich auch, dass es in 

diesem Jahr zu einer Reunion der Spiders 

From Mars kommen könnte. Während seiner 

Rekonvaleszenz hilft JJ Jowitt (IQ, Arena) 

bei Uriah Heep am Bass aus+++ 

Es geht nicht nur um das Aufspüren von 

Raritäten, wenn die Mega Record & 

CD Fair am 13. und 14. April in Utrecht 

ihre Pforten öffnet. Neben diversen Live- 

Performances ist auch eine Ausstellung mit 

Postern von David Bowie zu besichtigen. 

RMN 

DAS INTERNETRADIO MIT MUSIK DER 60er, 70er UND 80er JAHRE. 

EINE KOOPERATION VON RMNRADIO UND GOODTIMES. 

RADIO rund 

um die Uhr 

Der Empfang funktioniert problemlos. 

Erforderlich ist lediglich ein 

Internetanschluss. 

Nähere Infos hierzu unter: 

www.rmngoodtimes.de 

Wir lieben Oldies 


Aktuell News Aktuell 

Zudem wird an den belgischen Chansonnier 

und Gelegenheitsschauspieler Jacques Brel 

erinnert: Der Regisseur René Seghers signiert 

sein Buch „Jacques Brel – The Definite 

Biography" und stellt rare Poster und unbekanntes 

Material über den Poeten vor+++ 

Ein rares Foto von Blueslegende Robert 

Johnson (1911–1938) ist nach eingehender, 

fünfjähriger forensischer Prüfung 

für echt erklärt worden. Bislang hatten 

nur zwei Bilder des Musikers vom Mississippi 

existiert, den Eric Clapton für den 

„wichtigs ten Bluesmusiker, der je gelebt 

hat", hält. Das Foto war vor acht Jahren im 

Internet aufgetaucht+++ 

Die ältere Pop- und Rock-Generation unter 

den Preisträgern bei der 55. Verleihung der 

Grammy Awards waren Paul McCartney 

(„Best Traditional Pop Vocal Album”), die 

Beach Boys („Best Historical Album”), Dr. 

John („Best Blues Album”), Janis Ian („Best 

Spoken Word Album” für ihre Autobiografie), 

der jüngst verstorbene Ravi Shankar 

(„Best World Music Album”), Jimmy Cliff 

(„Best Reggae Album”) und Billy Vera (für 

die Liner-Notes einer Ray-Charles-Compilation”)+++ 

„The Commitments" taucht mehrfach in 

den GoodTimes-Top-Five der besten Musikfilme 

in dieser Ausgabe auf (siehe Seite 

31). Eine wichtige Rolle in dem irisch-britischen 

Movie (Regie: Alan Parker) spielte 

1991 Andrew Strong, der seither als Sänger 

Karriere gemacht hat. Jetzt blickt er per CD 

zurück: THE COMMITMENTS YEARS AND 

BEYOND ist sein neuer Konzertmitschnitt 

vom Juli 2012 betitelt+++ 

Über das neue Album von Barclay James 

Harvest, das im Frühjahr erscheinen soll, 

wird Bandleader John Lees in der nächsten 

GoodTimes-Ausgabe Genaueres erzählen. 

Parallel ist Lees mit seiner BJH-Version ab 

11. April in Deutschland auf Tour und gibt 

neun Konzerte. Ende März gibt es zudem 

eine remasterte „Expanded Edition" von 

GLASNOST, dem Mitschnitt des BJH-Auftritts 

1987 in (Ost-)Berlin. Dokumentiert 

ist das komplette Konzert in der damaligen 

Songfolge+++ 

In Friedland bei Göttingen lädt das erste 

und einzige deutsche „Marshall Amp 

Museum" Musikfans ein, sich an einzigartigen 

Vintage-Verstärkern des berühmten 

Unternehmens zu delektieren. „Es erwarten 

euch Röhrenamps aus den letzten fünf 

Jahrzehnten – aber eben nicht in der Vitrine, 

sondern als Full Stack oder Half Stack. 

Die – nach Absprache – auch bereit sind, zu 

zeigen, was sie können", heißt es auf der 

Homepage www.marshall-forever.de – verbunden 

mit dem Hinweis, dass Jimi Hendrix 

einst Verstärker von Marshall spielte+++ 

Krautrock goes Internet: Das in Berlin 

ansässige Musik-Label play loud! hat damit 

begonnen, unter dem Titel „(Live) Music 

Series" Konzertmitschnitte von Krautrockbands 

als Videostreams zu veröffentlichen. 

Den Anfang machen die Berliner Neo- 

Krautrocker Camera, die bei einem Auftritt 

zusammen mit dem Ex-Kraftwerk/Neu!- 

Musiker Michael Rother und dem Cluster/ 

Harmonia-Keyboarder Dieter Moebius auf 

der Bühne des Berliner HBC gefilmt wurden. 

Gigs von Damo Suzuki (Can) und 

Faust sollen folgen. Für die Filme zeichnet 

Regisseur Dietmar Post verantwortlich, 

der für seine Monks-Dokumentation „The 

Transatlantic Feedback" den Grimme-Preis 

erhielt. Infos unter www.playloud.org/archiveandstore/en/+++ 

Neue Veröffentlichungen über seinen 

Labelpartner Frontiers hat Jeff Lynne, 

einst Anführer des Electric Light Orchestra, 

angekündigt. Das 2001er ELO-Album 

ZOOM (mit Gastspielen von George Harrison 

und Ringo Starr, sowie Lynnes Solodebüt 

ARMCHAIR THEATRE (ebenfalls 

mit Harrison) von 1990 und die DVD 

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA LIVE, mitgeschnitten 

zu Beginn der „Zoom Tour" 

in Los Angeles, werden im April neu aufgelegt. 

Alle Tonträger sind mit Bonus- 

Tracks angereichert+++ 

© Pressefoto 

3x DVD-Box, Formel Eins 

Die momentan schwer angesagte Teenie- 

Popband One Direction hat eine Cover- 

Version von Blondies "One Way Or Another” 

als Benefizsingle zum „Red Nose Day” 

veröffentlicht. Der Erlös kommt der britischen 

Charity-Organisation Comic Relief 

zugute+++ 

Heftige Proteste hat der Deutschlandfunk 

mit seiner Entscheidung hervorge- 

Verlosung 

GoodTimes verlost unter allen Teilnehmern! 

Einsendeschluss ist 

der 16.05.2013! 

Set besteht aus: 

T-Shirt+CD+ 

Autogramm+Plakat 

3x 2 Karten Bon Jovi, Stuttgart 

1x Blind-Guardian-Set 

10x CD Petula Clark 

rufen, die seit 1969 bestehende Sendung 

„MemoryHits” abzuschaffen. „Am 31. März 

2013 laufen ab 4.05 Uhr Doppelfolgen der 

Original MemoryHits Show'. Danach wirft 

' 

der Deutschlandfunk die Sendung aus dem 

Programm. Der DLF hat es nicht mehr nötig 

und kann auf uns treue Hörer und Gebührenzahler 

verzichten. Die älteste, die beste 

und wirklich einzigartige, echte' Oldiesendung 

im deutschen Rundfunk wird für 

' 

noch mehr Gequatsche im Radio geopfert", 

klagten Anhänger der traditionsreichen 

Sendung auf der Website www.memoryhitsfanclub.de+++ 

In der Reihe SONGS FROM THE ROAD von 

Ruf Records kommt in diesen Tagen auch 

ein CD+DVD-Paket der Blues'n'Boogie- 

Veteranen Savoy Brown in den Handel. 

Derzeit arbeitet Bandleader Kim Simmonds 

aber auch schon am nächsten Vorhaben 

unter dem Veteranennamen: Das folgende 

Album wird der Gitarrist/Sänger in Triobesetzung 

aufnehmen+++ 

Auf die Loreley und nach Inzell im Chiemgau 

lockt am 1. und 2. Juni das HiRock 

Festival 2013 mit einem traumhaften 

Open-Air-Progamm: Whitesnake, Journey, 

Toto, Rick Springfield, Europe, Survivor 

und die Black Star Riders (= die umbenannten 

Thin Lizzy) lassen im Wechsel den 80er- 

Jahre-Rock fröhliche Urständ feiern+++ 

Die Gerüchteküche brodelt wieder zum 

Thema Led Zeppelin. Im australischen 

Fernsehen hatte Sänger Robert Plant gesagt, 

er habe „2014 nichts zu tun". Er wisse nicht, 

was Plant damit habe sagen wollen, postete 

Drummer Jason Bonham. Plant hatte auch 

erklärt, er warte auf ein Signal seiner Kolle- 

3x T-Shirt, Größe M 

Die Gewinner werden schriftlich benachrichtigt. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42/37660-188 · email: goodtimes@nikma.de 


News 

Aktuell 

News 

gen Jimmy Page und John Paul Jones hinsichtlich 

einer Reunion. Doch beide würden 

nur schweigen, ließ Plant seinem Frust freien 

Lauf. Page ließ sich davon nicht weiter 

beeindrucken, schweigt weiter zum Thema 

neue Aktivitäten. Er verriet nur, dass er damit 

beschäftigt sei, Bonus-Material für jedes 

Led-Zep-Album zusammenzustellen – die 

sollen offenbar erneut wiederveröffentlicht 

werden. Ob Page und Jones mehr rauslassen 

werden, wenn sie am 21. März in Berlin den 

Echo (= deutscher Grammy) für ihr Lebenswerk 

entgegennehmen?+++ 

Während Robert Plant vorerst ein wenig 

chillt, hat sein Kumpel/Gitarrist Buddy 

Miller verraten, dass ein Solo-Album des 

Sängers mit durchweg neuen Songs so 

gut wie fertig ist. „Es fehlen noch ein paar 

Backgroundgesänge, und Robert wird wohl 

noch ein paar Kleinigkeiten neu machen, 

aber ansonsten ist alles im Kasten – jetzt 

liegt es an ihm, wann was daraus wird. Er 

ist Robert Plant und kann tun und lassen, 

was er will", so Miller+++ 

Beachtliche Erfolge haben die deutschen 

Vertreter bei der 29. International Blues 

Challenge (IBC) in Memphis gefeiert: In 

der Kategorie Band-Contest belegten 

Michael van Merwyk & Bluesoul 

(Rheda-Wiedenbrück) sensationell Platz 

2! Damit sind sie der erste europäische 

Act, der diesen Erfolg in der 29-jährigen 

IBC-Geschichte schaffte. In der Kategorie 

Solo/Duo schafften es Altmeister Abi 

Wallenstein & Martin Röttger immerhin 

bis ins Halbfinale. Nach Memphis 

hatten es van Merwyk als Gewinner der 

German Blues Challenge 2011 und Wallenstein 

& Röttger bei den German Blues 

Awards 2012 geschafft. Beim internationalen 

Finale starteten 80 Solo/Duo-Acts 

und 124 Bands aus 16 Ländern+++ 

Auf eigene Faust auf dem Online-Weg hat 

Blues-Altmeister John Mayall die CD-Serie 

HISTORIC LIVE SHOWS VOLUMES 1, 2 

& 3 auf den Weg gebracht. Die Konzertmitschnitte 

enthalten Aufnahmen Mayalls und 

diverser Inkarnationen seiner Band von den 

70er bis 90er Jahren – „handverlesen von 

John Mayall persönlich", heißt es auf seiner 

Homepage. Infos unter www.johnmayall. 

com/merch.html+++ 

Statt bei den Brit Awards sein Gesicht in alle 

möglichen Kameras zu recken, zog es Rolling 

Stone Ronnie Wood am 20. Februar 

vor, einen Überraschungsgig in einer Lehranstalt 

im nordenglischen Northampton zu 

spielen. Geschlagene drei Stunden spielte er 

in der Malcolm Arnold Academy Songs auf 

seiner Akustikgitarre und beantwortete Fragen 

der wissbegierigen Studenten+++ 

Die 70er-Jahre-Disco-Ikonen KC & The 

Sunshine Band feiern 2013 ihr 40-jähriges 

Bestehen mit einer ausgedehnten 

Welttour. Bandgründer Harry Wayne Casey 

versprach dazu auch neue Musik: „Ich 

stecke mitten in der Arbeit an einem neuen 

Album, das aus einer Doppel-CD bestehen 

wird: Eine Hälfte bilden Klassiker der 60er 

Jahre, die andere Hälfte klingt zeitgenössischer 

– beides ist aber unverkennbar KC & 

The Sunshine Band", sagte Casey. Die Zeit 

bis zur Veröffentlichung im Sommer soll 

die neue Single "I Can't Get You Out Of My 

Mind" demnächst überbrücken+++ 

In einem Interview mit Fox News hat Stevie 

Nicks erklärt, es hänge maßgeblich von der 

Reaktion des Publikums auf die drei neuen 

Songs ab, die die Band bei der anstehenden 

Fleetwood Mac-Tour spielen werde, 

ob es noch einmal ein neues Studio-Album 

von den Veteranen geben wird. „Wenn die 

Leute positiv darauf reagieren, werden wir 

mehr machen", versprach die FM-Frontfrau+++ 

Der Frust bei Alice Cooper sitzt tief: 

Die für Ende Oktober geplante fünftägige 

„Ship Of Fear Cruise” von Miami zu den 

Bahamas musste bereits im Februar frühzeitig 

abgeblasen werden. Grund waren die 

kümmerlichen Ticketverkaufszahlen, die die 

Organisatoren als „mangelnde Konsumentennachfrage" 

bezeichneten+++ 

Vorab war DELTA MACHINE, das neue 

Album von Depeche Mode, nicht zu 

hören, auch nicht zu Reviewzwecken. 

Das 13. Studiowerk der Synthie-Popband 

kommt am 22. März heraus und wird in 

der nächsten Ausgabe besprochen. Neben 

der Normalversion mit 13 Songs gibt es 

eine Deluxe Edition mit vier zusätzlichen 

Stücken auf einer Bonus-CD und einem 

28-seitigen Hardcover-Buch mit Fotos ihres 

langjährigen künstlerischen Partners Anton 

Corbijn+++ 

Einen Parforceritt zu zweit unter dem 

Motto „Mike Oldfield's Tubular Bells For 

Two" bieten die beiden Australier Daniel 

Holdsworth und Aidan Roberts. Die Multi-Instrumentalisten 

haben das Meisterwerk, 

das heuer sein 40-Jähriges feiert, so 

arrangiert, dass sie es in voller Länge live 

bieten können. Mit ihrem „Kraftakt akrobatischer 

Musikalität" geben sie ab dem 

6. Mai elf Konzerte in Deutschland. Ihre 

Landsleute The Australian Pink Floyd 

Show sind bereits ab 12. April hier zu 

Lande unter dem Motto „Eclipsed By The 

Moon" unterwegs+++ 

Insgesamt drei Shows spielen die US-Intelligenz-Rocker 

Queensryche im April 

in Deutschland, um ihren neuen Sänger 

und Geoff-Tate-Nachfolger Todd LaTorre 

live vorzustellen. Auf dem Spielplan stehen 

Duisburg (20.), Ludwigsburg (21.) und 

München (24.)+++ 

Die US-Post hat angekündigt, dass eine der 

drei anstehenden Würdigungen von „Musik-Ikonen" 

auf neuen Briefmarken Johnny 

Cash gewidmet sein wird. Wer die beiden 

anderen Geehrten sein werden, wurde 

ebenso wenig mitgeteilt wie der Zeitpunkt 

des Erscheinens der Postwertzeichen+++ 

Oldie-Gipfeltreffen der Originale im 

Schwabenländle: Suzi Quatro, die Hollies, 

The Sweet, dazu die Disco-Könige 

Boney M. und US-Schmachtsouler 

George Mc- 

Crae geben 

sich am 4. Mai 

ein Stelldichein 

im Sindelfinger 

Glas palast. Unter 

dem Motto 

„Top Of The 

Pops" reichen 

sich die einstigen 

Chart- 

Stürmer, die 

alle immer gut in Form sind, im Rahmen 

eines stilistisch wahrlich bunten Reigens 

das Mikro in die Hand. Moderieren wird 

der den GoodTimes-Lesern bestens bekannte 

Christian Simon+++ 

Tina Turner hat neben ihrer US-Staatsbürgerschaft 

jetzt auch einen Schweizer Pass. 

Die Sängerin lebt seit fast 20 Jahren mit ihrem 

deutschen Lebensgefährten in Zürich. 

„Ich fühle mich hier zu Hause und könnte 

mir keinen schöneren Ort zum Leben vorstellen", 

kommentierte Turner die „offizielle 

Aufnahme" in ihrer Wahlheimat+++ 

MADE IN JAPAN wird die 2-CD/DVD umfassende 

Deluxe Edition der nächsten 

Whitesnake-Veröffentlichung heißen. 

Dabei handelt es sich um den Mitschnitt 

eines Konzerts am 15. Oktober 2011 beim 

Loud Park Festival während der „Forevermore 

World Tour". Erhältlich sein soll das 

auch als Blu-ray und Einzel-DVD verfügbare 

Teil Ende April. Außerdem kündigte 

Bandleader David Coverdale an, dass wenig 

später eine zweite Liveveröffentlichung folgen 

soll: „Die wird MADE IN BRITAIN heißen, 

es handelt sich um eine Doppel-CD, 

die im Juli kommt und ebenfalls 2011 im 

UK dokumentiert wurde”+++ 

Sein 14. Solo-Album hat der frühere Killing-Floor-Gitarrist 

Mick Clarke Mitte 

März am Start. Er hat alle Instrumente für 

RAMDANGO selbst eingespielt+++ 

Der renommierte Internet-Radiosender 

Planet Rock hat seine Hörer befragt, 

und die haben darüber abgestimmt, wer 

denn die einflussreichste Rockband aller 

Zeiten sei. Das Ergebnis überrascht wenig: 

Gesiegt haben (natürlich) Led Zeppelin. 

Ebenfalls auf das Podest geschafft haben 

es Queen (2.) und Black Sabbath (3.). Auf 

den weiteren-Top-Ten-Plätzen rangieren in 

dieser Reihenfolge Pink Floyd, Deep Purple, 

Jimi Hendrix, die Rolling Stones, The Who, 

AC/DC und David Bowie+++ 


Verstorben 

Sammy Johns (*7.2.1946) gelang 1975 

mit "Chevy Van” ein US-#5-Hit, nachdem 

er seine Karriere 1962 mit The Devilles gestartet 

hatte. Schrieb später für Kollegen 

wie Waylon Jennings, Conway Twitty und 

Fu Manchu, bekämpfte seine Dämonen 

Alkohol und Drogen bis zum 4.1., als er 

in einem Krankenhaus in North Carolina 

verstarb. 

Lou Wilson (alias Sweet Lou) gelangte 

mit den Afro-Funkern Mandrill in den 70er 

Jahren zu Soul-Erfolgsehren. Der Sänger 

trommelte auch und spielte Trompete und 

Flügelhorn und arbeitete mit Mandrill an 

einem neuen Album, als ihn am 7.1. ein 

Herzstillstand 71-jährig das Leben kostete. 

Kent Abbott (*1981) spielte Gitarre in 

den kanadischen Punk- und Rockbands 

Grade, Somehow Hollow und 45 Goodbye. 

Verließ den Planeten am 7.1. 

Liz Lands (*1939) nahm für Motown auf 

und war 1964 gemeinsam mit den Temptations 

auf ”Midnight Johnny” zu hören. 

Verschwand Mitte der 60er Jahre von der 

Bildfläche, arbeitete später mit Hamilton 

Bohannon, versuchte in den ausklingenden 

90ern ein Comeback. Starb am 7.1. 

Sam Pace (*22.9.1944) gehörte als Sänger 

ab den 60er Jahren der R&B-Truppe 

The Esquires ("Get On Up”, 1967 #3) an 

und trat bis 2007 mit ihr auf. Starb am 7.1. 

Tandyn Almer (*30.7.1942) schrieb neben 

seinen eigenen Musikeraktivitäten 

Songs für Kollegen (für The Association 

"Along Comes Mary", mit Brian Wilson 

"Sail On Sailor" für die Beach Boys). Erlag 

am 8.1. einem Herzleiden. 

Werner Krabbe (*20.2.1944), Berliner 

Semi-Rocklegende, galt als exquisiter R&B- 

Henning Tögel (*14.12.1954) war Gründer 

und Leiter der Konzertagentur Moderne 

Welt, mit der er Tourneen von Joan 

Baez, Emmylou 

Harris, Crosby, 

Stills & Nash, Paul 

Anka, Kris Kristofferson 

und vielen 

anderen Größen 

in Deutschland 

ausrichtete. Er 

starb am 9.1. 

Trevor Gordon (*5.5.1948) war als Sänger 

und Gitarrist bei The Blue Sect aktiv, 

aus denen das Duo The Marbles hervorging, 

das aus Gordon und seinem Cousin 

Graham Bonnett bestand und den Hit 

"Only One Woman" landete. Arbeitete mit 

den Bee Gees, ging am 10.1. für immer. 

Claude Nobs (*4.2.1936) wurde von Deep 

Purple in "Smoke On The Water” als „Funky 

Claude" verewigt – eine Verbeugung vor 

dem Gründer und langjährigen Leiter des 

legendären Montreux Jazz Festivals. Nobs 

war vor Ort, als 1971 während des Konzerts 

von Frank Zappa im Montreux Casino Feuer 

ausbrach. Er erlag am 10.1. den Folgen 

eines Sturzes beim Skifahren. 

George Gruntz (*24.6.1932) war ein gefragter 

Keyboarder, der mit Jazzgrößen wie 

Don Cherry, Chet Baker, Art Farmer, Charlie 

Mariano, Wolfgang Dauner arbeitete, seine 

eigene Bigband leitete, mehrere Bühnenwerke 

und Oratorien komponierte und als 

künstlerischer Leiter des JazzFest Berlin 

amtierte. Der Schweizer starb am 10.1. 

Bryan Gregory (*20.2.1951), Gitarrist der 

einflussreichen Psychobilly-Undergroundband 

The Cramps, spielte nach seinem Ausstieg 

bei The Beast, zog später nach Florida 

und betrieb einen Buchladen, ehe er in Los 

Angeles mit The Dials und Shiver wieder 

musikalisch aktiv wurde. Multiples Organversagen 

stand am 10.1. in seinem Totenschein. 

John Wilkinson (*1945) gehörte als 

Rhythmusgitarrist der TCB Band an, die Elvis 

Presley begleitete, später auch dem Kingston 

Trio und den The New Christy Minstrels. 

Nach einem bereits 1989 erlittenen Schlaganfall 

endete seine Karriere jetzt am 11.1. 

Jimmy O'Neill (*8.1.1940) moderierte 

zwischen 1964 und 1966 mit „Shindig” eine 

der ersten amerikanischen TV-Musikshows 

mit Gästen wie Leon Russell, Jerry Lee Lewis, 

Sam Cooke, Chuck Berry, Tina Turner, 

den Everly Brothers, Beatles, Beach Boys, 

Yardbirds, Rolling Stones oder Donovan. 

War Besitzer des Clubs Pandora's Box am 

Sunset Strip in Hollywood, starb am 11.1. 

Precious Bryant (*4.1.1942, geborene 

Bussey) sang und spielte Gitarre bei den 

Bussey Sisters; die charismatische Blueserin 

war dann solo unterwegs, veröffentlichte 

aber erst 2002 ihr erstes Album FOOL ME 

GOOD. Diabetes-bedingtes Herzversagen 

kostete sie am 12.1. das Leben. 

Jiri Popper (*22.5.1930) stammte aus 

Prag, arbeitete als Sänger und moderierte in 

den 60er Jahren allmonatlich im DDR-Radio 

„Ein Koffer voll Musik". Verabschiedete sich 

am 13.1. für immer. 

Morten Molster (*31.3.1962), der Gitarrist 

der ab 1977 aktiven norwegischen Band The 

September When überlebte am 14.1. einen 

Herzstillstand nicht. 

Nic Potter (*18.10.1951) war als Bassist, 

Songschmied und Maler aktiv, unter anderem 

bei The Misunderstood und Van der 

Graaf Generator, spielte mit Jeff Beck, Cuck 

Berry, Rare Bird und Peter Hammill, ehe er 

seine Gerätschaften am 17.1. für immer aus 

der Hand legte. 

Steve Knight (*12.5.1935) griff für Mountain 

auch beim Woodstock Festival in die 

Keyboardtasten, verlegte sich ab 1972 auf 

Jazz und gehörte 2000 bis 2007 dem Stadtrat 

von Woodstock an. Ging am 19.1. für 

immer. 

Gregory Carroll (*19.12.1929) sang in 

Doo-Wop-Gruppen wie The Four Buddies, 

The Orioles, war Co-Autor und Produzent 

von Doris Troys 1963er Hit "Just One Look”, 

den auch Linda Ronstadt und Anne Murray 

aufnahmen. Ein Aneurysma kostete ihn am 

25.1. das Leben. 

Shouter, sang bei den Beat- und Rockbands 

The Hound Dogs und The Boots, stand 

2010 mit den Berlin Beat Allstars auf der 

Bühne, erlag am 25.1. einem Herzinfarkt. 

Leroy " 

Sugarfoot" Bonner (*14.3.1943) 

gehörte als singender Funkgitarrist den 

Ohio Players an ("Skin Tight", "Funky 

Worm", " Love Rollercoaster"), mit denen er 

bis zu seinem Tod am 26.1. unterwegs war. 

Bobby Sharp (*24.11.1924) hatte Musik 

studiert und wurde berühmt als Autor 

von "Unchain My Heart" (Ray Charles, Joe 

Cocker), dessen Urheberrechte er für 50 

Dollar verkaufte, um damit Drogen zu erwerben. 

Schrieb für Sarah Vaughan, Sammy 

Davis Jr., beriet später Drogenabhängige in 

einem Gesundheitszentrum, starb am 29.1. 

Patty Andrews (*16.2.1918) war die 

jüngste der legendären Andrew Sisters, die 

sich mit dem Tod 

von LaVerne Andrews 

1967 auflösten 

(Maxine 

starb 1995). Patty 

Andrews sang für 

Bing Crosby und 

Glenn Miller, verstummte 

am 30.1. 

für immer. 

Cecil Womack (*25.9.1947) sang, spielte 

Gitarre und Piano, gehörte The Valentinos 

an, war mit Mary Wells verheiratet, dann 

mit Sam Cookes Tochter Linda, mit der 

er das Duo Womack & Womack gründete 

(Hit:"Teardrops"). Lebte seit den 90er Jahren 

in Nigeria, wo er am 1.2. starb. 

Darlene McCrea sang ab 1954 bei The 

Cookies und dann ab 1958 bei Ray Charles' 

The Raelettes. Veröffentlichte auch solo, 

erlag 83-jährig am 4.2. einem Krebsleiden. 

Donald Byrd (*9.12.1932) blies seine 

Trompete für The Blackbyrds und diverse 

eigene Bands, arbeitete mit fast allen Jazzgrößen 

und verstummte am 4.2. für immer. 

Alva " 

Reggie" Lewis griff Ende der Sixties 

für The Hippy Boys in die Gitarrensaiten, 

später auch für Lee Scratch Perry & The 

Upsetters, Max Romeo, Bob Marley und Pat 

Kelly – wurde bis zum 4.2. nur 63. 

Rick Huxley (*5.8.1940) wurde als Bassist 

der Dave Clarke Five berühmt und in die 

Rock'n'Roll Hall Of Fame aufgenommen, 

war auch mit den Riverside Blues Boys und 

The Spon Valley Stompers aktiv, verabschiedete 

sich am 11.2. ins Jenseits. 

Mark Kamins (*13.4.1955) produzierte 

Madonnas erste Single "Everybody", betreute 

im Studio auch David Byrne, Ofra Haza, 

UB40, Sinead O'Connor und die Beastie 

Boys – seine Produzentenmission endete 

am 14.2. 

George " 

Shadow" Morton (*3.9.1940) 

war Mitglied der Marquees, schrieb "Remember 

(Walking In The Sand)” und "Leader 

Of The Pack” für die Shangri-Las, arbeitete 

im Studio mit Janis Ian, Vanilla Fudge, 

Iron Butterfly, Jimi Hendrix, The Who und 

Mott The Hoople. Krebs kostete ihn am 

14.2. das Leben. 

Stanley Knight (*12.2.1949) spielte Gitarre 

bei Black Oak Arkansas, starb am 17.2. 

Mindy McCready (*20.11.1975) ließ ihre 

Country-Songs nur bis zum 17.2. ertönen, 

als sie sich in ihrem Heim in Heber Springs, 

Arkansas, selbst erschoss. 

Damon Harris (*17.7.1950), der Vokalist 

mit der samtseidenen Stimme, stieß 

1971 zu den 

Temptations 

(bis 1975) 

und ersetzte 

Eddie Kendricks. 

Er war 

später mit 

Impact und 

The Young Temps aktiv, dazu im Duo mit 

dem Ex-Kollegen Richard Street, ehe er am 

18.2. den Kampf gegen den Prostatakrebs 

verlor. 

Magic Slim (*7.8.1937 als Morris Holt) 

kam 1955 nach Chicago, nahm 1965 erstmals 

auf ("Scufflin'"); der singende Gitarrist 

gründete 1970 seine Band Teardrops, 

gewann mehrfach den W.C. Handy Award 

und veröffentlichte 2012 sein letztes Album 

BAD BOY. Starb nach Herzproblemen 

am 21.2. in einem Krankenhaus in Philadelphia. 

Cleotha Staples war als ältestes Kind 

von Roebuck „Pops" Staples 1948 Gründungsmitglied 

der bis 1994 aktiven R&B/ 

Gospelgruppe The Staple Singers, die auch 

als „Gottes größte Hitmacher" galten, 

zahlreiche Erfolge sangen und 1999 in 

die Rock'n'Roll Hall Of Fame aufgenommen 

wurden. Litt an Alzheimer und starb 

78-jährig am 21.2. 

Diane Lampert (*25.9.1924) profilierte 

sich in den 50er und 60er Jahren als 

Songwriterin und Texterin, bei der sich 

Brenda Lee, Tommy Sands, Steve Lawrence, 

Red Foley, The Lettermen und die 

Beatles ["Nothin' Shakin' (But The Leaves 

On The Trees)" wurde erst 1994 veröffentlicht] 

bedienten. Herzversagen beendete 

am 22.2. ihr Erdendasein. 

Virgil Johnson (*29.12.1935) war Leadsänger 

der Velvets, denen Roy Orbison einen 

Plattenvertrag bei Monument Records 

verschaffte und Songs auf die Stimmbänder 

schrieb. Johnson arbeitete später als 

Lehrer, verstarb am 24.2. 

" 

Dangerous" Dan Toler (*1948) saß zuletzt 

krankheitsbedingt im Rollstuhl, hatte 

davor für Dickey Betts & Great Southern, 

die Allman Brothers und eigene Aktivitäten 

in die Gitarrensaiten gegriffen. Wurde am 

25.2. von allen Leiden erlöst. 

Richard Street (*5.10.1942) ersetzte 

1971 Paul Williams bei den Temptations, 

denen er bis 1993 angehörte. War danach 

solo und im Duo mit Damon Harris aktiv. 

Er war dabei, ein Buch über seine Zeit 

bei den Temptations zu schreiben, als ihn 

eine Lungenembolie am 27.2. dahinraffte. 


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Foto: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 

Vor 40 Jahren: das 

-Debüt 

Royale Prozession 

Zeit lässt sich nicht allein in Zahlen messen. In den zurückliegenden 

vier Jahrzehnten ist viel geschehen. Über Queen sind tausende Artikel 

geschrieben worden, sind Platten erschienen, Filme wurden gedreht, 

Tourneen führten die Band um die ganze Welt – und jeder der vier Musiker gewährte 

von Zeit zu Zeit einen mehr oder weniger großen Einblick in sein Leben. 

Wenn man heute versucht, sich daran zu erinnern, was wirklich geschah, als das 

Album QUEEN herauskam, die ersten Songs des britischen 

Quartetts im Radio zu hören waren, kommen viele der hoch. Jedoch sind Erinnerungen trügerisch. Es 

Billiegt 

nun mal dieser Ereignispuffer von 40 Jahren 

dazwischen. Und der macht aus dem Film im Kopf 

einen kaum zu entwirrenden Mix aus Erlebtem, 

Wünschen und Suggestionen. 

Eines ist jedenfalls nicht zu verklären: QUEEN 

schlug nicht etwa ein wie die sprichwörtliche 

Bombe. Um das Album wahrzunehmen, musste der 

Rockfan schon sehr aufmerksam sein. Denn auch 

wenn für das Jahr 1973 heute nur noch eine Handvoll 

Gruppen steht, war der Musikmarkt damals schon schwemmt von Pop- und Rockinterpreten, die allwöchentlich um die besten 

über- 

Platzierungen in den Charts konkurrierten. Und selbst wenn die Hitparaden von 

einst noch voll waren mit zum Teil qualitativ Hochwertigem, ließen sich damals 

schon doch außerhalb der Ranglisten die interessantesten Bands entdecken. 

Bei Queen reagierten anfangs ausschließlich Heavy-Rockanhänger. Und unter 

denen waren es garantiert nicht die Mitläufer, die irgendwann in der Schule 

angeberisch deklarierten, sie seien Queen-Fans. Freddie Mercury, Brian May, Roger 

Taylor und John Deacon machten Musik für Egozentriker. Mädchen fanden 

gar keinen Zugang zu dem ruppigen Zeug mit diesen Arrangements, die schon 

auf QUEEN etwas von einer höfischen Prozession hatten. "Keep Yourself Alive" 

– Debütsingle und Albumopener – gab zwar noch vor, eine Haudrauf-Nummer 

zu sein, enthielt aber im letzten Drittel mit Drumsolo und Vokalparts für Taylor 

und May bereits zwei Brüche. Die 45er startete als klassischer Rohrkrepierer. 

Lediglich Radio Luxemburg erbarmte sich und spielte sie. Erst als die BBC-TV- 

Sendung „The Old Grey Whistle Test" die Nummer anonym zu einem einstigen 

Roosevelt-Wahlkampf-Filmchen ablaufen ließ, kamen erste Räder ins Rollen. 

Vor allem nahm die Musikpresse Notiz von der Single: Positive Rezensionen 

hielten sich mit Verrissen die Waage. 

Die B-Seite "Son And Daughter", ein bleischwerer, an Black Sabbath 

orientierter Heavy-Metalsong und später in der zweiten LP-Hälfte 

einsortiert, hatte kaum das Zeug, die Journaille zu beeindrucken. Erst in 

der 

Rückschau wird deutlich, dass Queen mit der pumpenden Gitarrenwalze 

breitbeinig das selbst gewählte Snob-Image durchkreuzten. 

Oder "Doing Alright": Beginnend als Piano-unterlegte Ballade, stolpert der Song 

über eine angejazzte Bridge, in der Mercury Sopranhöhen ins Visier nimmt, in 

einen Gitarrenorkan. Mit dem Wissen um spätere Großtaten der Band dürfte 

dieses fast ein wenig unbeholfen zusammengezimmerte Stück als einer der frühen 

"Bohemian Rhapsody"-Testläufe erscheinen. 

"Great King Rat" will zwischen straightem Geholze und epischer Klangwucht 

pendeln, wird aber durch die in so gut wie allen Belangen eingeschränkte Produktion 

gebremst. Nicht nur dieser Song des LP-Debüts hätte später einmal 

Seite 10 

■ GoodTimes 2/2013 ■ Music from the 60s to the 80s

eine Wiederverwertung ertung unter den 

Verhältnissen eines es großen Budgets 

verdient gehabt. "My Fairy 

King" sowieso. Queens Flirt mit 

opernhaften Dramen tritt auf 

dem Erstling in diesem Song am 

deutlichsten zutage – inklusive 

der „singenden" n" Red Special 

Brain Mays und eines Freddie 

Mercury, der seine Stimmbänder 

derart strapaziert, dass zumindest 

Weingläser zu zerspringen 

drohen. 

" Liar" – Eröffnung der B-Seite 

– bringt in seiner kompromisslos 

gegen gängige Rockklischees 

gebürsteten Art den 

extrovertierten Queen-Stil der 

Frühzeit am besten rüber. Später 

wurde häufig darüber diskutiert, 

ob dieser brettharte, mit zahlreichen 

Brüchen versehene Song 

als erste Single-Auskopplung die 

bessere Wahl gewesen wäre. Dass 

diese Debatten unnütz waren, 

belegt allerdings die Tatsache, dass eine klanglich aufpolierte Version der Nummer 

im Februar 1974 als 7-Inch-Vinyl in den USA ebenso scheiterte wie zuvor 

"Keep Yourself Alive" in Großbritannien. 

Hätte "The Nights Come Down" nicht dieses hektische Intro und Outro – 

es wäre lediglich eine etwas zu lässig heruntergespielte Halbballade, die am 

Ende nur aufgenommen wurde, um den Boden für den Speed-Kracher "Modern 

Times Rock’n’Roll" zu bereiten. Der rast dann auch durch zwei atemberaubende 

Minuten und präsentiert die an Rod Stewart erinnernde Stimme Roger 

Taylors erstmals über die gesamte – wenn auch kurze – Zeit eines Songs. 

Und schließlich "Jesus". So hingebungsvoll wandte sich Freddie Mercury der 

christlichen Religion später nur noch ganz selten zu. Sein Verhältnis zum Christentum 

war das eines zweifelnden Abkömmlings, der vertrauen will, der widersprüchlichen 

Wirklichkeit aber nicht zu entrinnen vermag. Das Stück hat etwas 

von einem Kirchenchoral, der am Ende eilig von ein paar Heavy-Metal-Kids zum 

Rock-Statement umgezimmert wird. 

"Seven Seas Of Rhye" bleibt am LP-Schluss nur ein instrumentales Fragment. 

Ein wenig beängstigend erschien 

dieser klangliche Nachhall spätestens 

in dem Moment, als der 

mit Lyrics versehene Song am 23. 

Februar 1974 in der englischen 

Hitparade die Top 10 knackte. 

Was dem Quartett damals 

mächtig im Magen lag, ist 

heute eine charmante Fußnote, 

die QUEEN unter den Fans einen 

wohlwollenden Sonderstatus 

garantiert: der Sound. Hier ein 

bisschen Hall, da ein paar Stereospielereien 

– und das war's. Ansonsten 

ist vor allem Brian Mays 

Gitarrenklang hörbar in ein Korsett 

gezwängt. Und dort, wo in den 

hochmütigen Momenten orchestrale 

Übermacht den jeweiligen 

Song in Sphären der Erhabenheit 

gehoben hätte, blieben Queen ungewollt bodenständig. Derart auf die Möglichkeiten 

einer vierköpfigen Rockband reduziert, klang das Quartett nie wieder. 

Während die Songs der LP zum Teil bis zu drei Jahre Zeit gehabt hatten, im 

Proberaum und auf kleinen Clubbühnen zu reifen, war die Scheibe selbst über 

Nacht entstanden: Ihr Label Trident überließ der Band nämlich immer dann das 

hauseigene Studio, wenn gerade niemand dort aufnahm. Also enterten die vier 

eigenwilligen Typen die noch nach Schweiß, Qualm, Bier und Ausdünstungen 

stinkenden Produktionsräume nachts oder an den Wochenenden. Vor allem 

Foto: © Universal 

Mercury fühlte sich ob dieser Situation 

ziemlich angepisst, verwandelte seinen 

Unmut jedoch in pure Energie und lieferte 

begnadete Gesangsleistungen ab. 

Es macht Spaß, auf QUEEN die vor 

allem durch Arbeit gekennzeichnete 

Studio-Atmosphäre zu erlauschen. 

Manchmal meint man, hinter der Glaswand 

im Aufnahmeraum zu sitzen und 

die Band bei ihrem konzentrierten Zusammenspiel 

zu beobachten. Die Gruppe 

kam danach nie wieder in die Situation, 

lediglich damit abgespeist zu werden, was jene, die bereits aufgegessen hatten, 

am Tellerrand übrigließen. Bereits mit dem Album QUEEN II, am 8. März 1974 

veröffentlicht, marschierte der Vierer schnurstracks ins erste Glied. 

An Daten orientierte Bandbiografien 

gibt es reichlich. 

Auch die Alben erfuhren unzählige 

Betrachtungen und erhielten 

erst 2011, im 40. Jahr des Bestehens 

der Band, umfassende Würdigungen 

(GoodTimes 3/2011). 

Dass Queen aber nicht nur musikalisch 

außergewöhnlich und 

kommerziell eminent erfolgreich 

waren, sondern zu den bizarrsten 

Musikergemeinschaften der 

gesamten Rockgeschichte gehören, 

bleibt häufig auf der Strecke. 

Während andere Giganten den 

Ruhm vor allem fast ausschließlich 

mit sexuellen Eskapaden und Drogenexzessen 

auslebten, ist das Anekdotenbuch 

von Freddie, Brian, 

John und Roger voll mit Hintersinnigem. 

Wer den Eindruck gewinnt, dass Queen nichts dem Zufall überließen, 

liegt definitiv nicht falsch. 

Kein Wunder. Bei den vier neuen Stars am Rock’n’Roll-Firmament handelte es 

sich 1973 um angehende oder ausgebildete Akademiker. Brian May saß über 

seiner Doktorarbeit in Astrophysik, Roger Taylor hatte nach einem Abstecher 

ins Medizinfach Biologie studiert, Freddie Mercury hatte längst sein Diplom in 

Grafik, Kunst und Design in der Tasche, und John Deacon strebte nach einem 

Uni-Abschluss in Elektronik und Physik. Das war damals eine ungewöhnliche 



Konstellation. Heavy- und Hard Rocker entstammten dann doch eher dem Arbeitermilieu, 

weshalb sich intellektuell wähnende Musikjournalisten der Stilrichtung 

wenig Inhalt zugestanden und ihr schnell der Ruf stumpfsinniger Aggressivität 

anhaftete. 

Durch die Brille eines Spätgeborenen betrachtet, könnte die Bedeutung verwundern, 

die damals den unterschiedlichen Bildungsschichten beigemessen 

wurde. Allerdings handelte es sich bei Unis in den 60er und 70er Jahren 

tatsächlich noch um die berühmten Eliteschmieden. Wer studierte, war überdurchschnittlich 

begabt und gebildet. Hochschulen und Universitäten waren die 

Böden, auf denen Kreativität, Freigeist und Rebellion gediehen. Und heute? 

Nicht umsonst gibt es den Begriff Studenten-Rock, der sinnfreien Singer/Songwriter-Einheitsbrei 

beschreibt. 

Queen hatten ein Konzept. Nicht sofort, was ihre Happenings mit in Schokosoße 

getauchtes Popcorn bei frühen Konzerten belegen. Es ist jedoch 

kein Zufall, dass das royale Queen-Emblem noch vor der ersten LP entstand. 

Obwohl die Verantwortlichen bei Trident zweifelnd die Köpfe wiegten, schuf 

sich die Band ein aristokratisches Image, das zu keiner der gerade grassierenden 

Wellen zu passen schien. Wozu auch? Queen hatten nie vor, Erwartungshaltungen 

zu bedienen. Sie verwoben Progressive Rock mit Glam, brachten Heavy 

Metal mit Oper zusammen. Das war bescheuert. Zumindest sahen das die 

Kritiker so, die besonders in Queens Heimatland mit der Band eigentlich nie 

warm wurden. Und so hatten diese „arroganten Typen" von Anfang an Hürden 

zu nehmen, Mauern zu brechen, was sie zu allem Ärger ihrer Gegner affektiert 

stolzierend taten. 

Das Spiel mit dem Königlichen hatte besonders für Mercury zwei Seiten. 

Zum einen schuf sich die Band einen Sonderstatus, der sie aus der Masse 

der Mitbewerber nicht nur heraushob, sondern geradezu isolierte. Niemand 

war wie Queen. Und Queen wollten auch nirgends dazugehören. Zum anderen 

transportierte das Image im England der Früh-70er, als noch keine Lady Di die 

Royals zu profanen Nachbarn herabgewürdigt hatte, die pure Provokation. Als 

die Popularität der Band zunahm, forderten konservative, königstreue Kreise in 

Petitionen gar, die Band möge sich umbenennen. Wenig erfolgreich, wie man 

weiß. Vielmehr sorgte der Gegenwind für nur noch mehr Lust anzuecken. So 

sollen Queen zum Beispiel in einer ihrer ersten Anzeigen als Autogrammadresse 

die Anschrift des Buckingham Palace veröffentlicht haben. Ob die echte Queen 

sich danach vor Post nicht mehr retten konnte, ist das Geheimnis der Royals 

geblieben. 


Beinahe noch besser als Werbung funktionierte die Auszeichnung der Band 

mit einer silbernen Scheibe für QUEEN II. In der deutschen „Bravo" war 

dazu im Oktober 1974 zu lesen: „Die vier Boys der Gruppe bekamen ihre Edelmetallscheiben 

im Londoner Café Royale überreicht – aus den Händen von 

Queen Elisabeth: allerdings nicht von der echten Königin, sondern von deren 

Doppelgängerin, einer Hausfrau namens Jeanette Charles aus Birmingham. 

Trotzdem – die verblüfften Gäste staunten anfangs nicht schlecht über den 

,hohen Besuch'." 

Live erlebte die Band in diesen Jahren des mühseligen Aufstiegs wahre Odysseen. 

Ihr erster Australienabstecher im Januar 1974 blieb als Desaster in Erinnerung. 

Sie waren bei einem Festival als Headliner gebucht worden und hatten somit auf 

einen Schlag sämtliche einheimischen Bands und Crewmitglieder gegen sich. In 

einer Atmosphäre wutschnaubender Abneigung fuhren die Bandmitglieder auch 

noch einzeln in großen weißen Limousinen vor, was das Fass überlaufen ließ 

und den für die Moderation zuständigen DJ dazu veranlasste, dem bereits gegen 

die Band in Stimmung gebrachten Publikum Queen als 

„aufgeblasene Wichser" anzukündigen. 

Heiß her ging es wenig später auch an der Universität 

Sterling (Schottland), als die Fans selbst nach der 

vierten Zugabe nicht akzeptieren wollten, dass die Band 

das Konzert beendete, und völlig ausrasteten. Es kam 

zu brutalen Schlägereien, in deren Folge zwei Gäste der 

Show niedergestochen wurden. 

Während die verhinderten Rockstars in den Redaktionen 

der englischen Musikmagazine von jeher mit 

nationalen Bands recht rüde umgingen, wurden Queen 

sogar zum erklärten Kritiker-Hassobjekt. Wenn sich mal 

wieder ein Musikjournalist mit einer bissigen Schmähtirade 

ins Gerede bringen wollte, stürzte er sich auf die 

so schwer zu fassenden „Königinnen". Eine scheinbar 

sachliche Analyse des „leblosen Sounds" war da dann 

meist das kleinere Übel. Spott war an der Tagesordnung, 

der sich oft in Regionen bewegte, in denen versucht 

wurde, die Band der Lächerlichkeit preiszugeben. 

Selbstverständlich ging das nicht spurlos an den Musikern 

vorbei. Und natürlich war es der sensible Mercury, 

der besonders unter den öffentlichen Beleidigungen litt. 

Queens Antwort auf die Anfeindungen war ein Rückzug. 

Das Quartett gab kaum Interviews, ließ Journalisten an 

der Entwicklung der Band nur als Zaungäste teilhaben. 

Dieser Selbstschutz hatte zur Folge, dass die schreibende 

Zunft Freddie & Co. der Arroganz bezichtigte, was die schrillen Figuren schließlich 

für die Fans noch interessanter machte. Das Verhältnis zur britischen Presse 

erholte sich nie mehr. Spätestens seit "Bohemian Rhapsody" (1975) interessierte 

Queen dies aber nicht mehr. 

Seite 12 


Bis heute wird über Inhalt und Hintergrund dieser Jahrhundert-Single gerätselt. 

Den Text erklärte Mercury eigentlich nie. Und auch die Frage, ob 

es sich bei der musikalischen Umsetzung um einen frühen Crossover-Versuch 

oder doch eher um eine Opern-Parodie handelte, blieb lange Gegenstand von 

Spekulationen. Roger Taylor und Brian May sind in den zurückliegenden 20 

Jahren seit Mercurys Tod immer wieder bemüht gewesen, offen jene Fragen 

zu beantworten, die vorher zum Erhalt des Mythos Queen beredtes Schweigen 

ernteten. Allerdings ist ein zwei Jahrzehnte lang betoniertes Monument nicht 

mit ein paar wortreichen Interviews aufzuweichen. 

Es ist kurios, dass die Kohle erst richtig zu fließen begann, 

als "Bohemian Rhapsody" in die Charts kam und das 

mittlerweile vierte Album erschien, A NIGHT AT THE OPE- 

RA (1975). Ursache für die bis dahin leeren Kassen waren 

Knebelverträge mit Trident, aus denen sich die Band 

rauskaufen musste. Und während die anderen Gruppenmitglieder 

tatsächlich recht vernünftige Sachen mit den 

plötzlichen Riesensummen anstellten, flippte Mercury erst 

mal aus. Das „Freizeit Magazin" schrieb dazu 1978: „… 

kaufte sich Freddie lieber gleich eine neunsitzige Limousine 

mit Chauffeur … Mercury: ,Ich habe so viel sinnloses 

Zeug gekauft und hinterher weggeworfen, dass ich mich 

manchmal dabei über mich selbst gewundert habe.'" 

Wenn auch keiner der vier Musiker irgendetwas mit Drogen 

am Hut hatte und selbst Alkohol nie zu einem ernsthaften 

Problem wurde, gestalteten sich die unvermeidlichen 

After-Show-Partys äußerst exzessiv. Brian May beschrieb das mal als eine Art 

Ventil, das es ermöglichte, überschüssiges Adrenalin aus dem zuvor bestrittenen 

Auftritt abzubauen. Aus seinem Mund klingt das fast wie ein ironischer Scherz, 

wirkte der Gitarrist doch live eher zurückhaltend. Bei einem Angus Young 

(AC/DC) hätte man sofort gewusst, was er meinte – aber Brian May? Und doch – 

bei aller Konzentration aufs Spiel der nicht gerade unkomplizierten Songstrukturen 

explodierte der Klampfer allabendlich, was durchaus an seine Substanz 

ging. Vermutlich reagierte sein Körper auch wegen der Dauerbelastung 1974 

mit zwei schweren Infektionen. Erst entzündete sich sein Arm, beim zweiten 

Mal wurde May von einer Gelbsucht ausgehebelt, die sich nicht nur über Monate 

hinzog, sondern ihn zeitweise an die Schwelle des Todes brachte. Es war 

aber ausgerechnet diese erzwungene Auszeit, die dem Gitarristen in Momenten 

der Ruhe und Genesung die Möglichkeit gab, neue Songs zu schreiben. 

Bei Queen drehte sich alles um das Prinzip „schneller, höher, weiter". So 

strebten sie auch live nach immer wieder neuen Großtaten, die der Welt 

Foto: © Universal 

GoodTimes 2/2013 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 13 

den Atem rauben sollten. Bühnen-Extravaganz bei den Klamotten und der 

Lichtshow, Nebelschwaden, Bomben und Firlefanz, der in beachtlichen Größenordnungen 

als Unterhaltungseffekt im Publikum landete (massenhaft von 

Dornen befreite Rosen zum Beispiel) – und Zuschauerrekorde. So knackten sie 

am 18. September 1974 mit einem Gratis-Konzert im Londoner Hyde Park die 

150.000er-Grenze. Da ohne Ticketverkäufe keine genauen Zahlen vorlagen, bewegten 

sich einige Schätzungen sogar bei rund 200.000 Menschen. Mehr ging 

nicht. Queen waren dort angekommen, wo Mercury vom ersten Moment an 

hin wollte. Nichts hatte er dem Zufall überlassen. Er war einer jener Musiker, 

die zwar leidenschaftlich ans Werk gingen, Gefühlsregungen aber grundsätzlich 

noch einmal akribisch analysierten. Das galt fürs Image genauso wie für die Musik. 

Wer in "Bohemian Rhapsody" einen aus dem Bauch gespielten Rock’n’Roller 

sieht, ist definitiv besoffen. Selbst so simple Sachen wie "Crazy Little Thing Called 

Love" (THE GAME, 1980) oder "We Will Rock You" (NEWS OF THE WORLD, 

1977) waren exzellent durchdacht und im Studio zigmal diskutiert worden. Der 

Blues-Rocker "Sleeping On The Sidewalk" (NEWS OF THE WORLD), der in einem 

Take aufgenommen wurde, weil die Bandmaschine mitlief, blieb die Ausnahme. 

Mit der Popularität ging die Jagd der Journalisten nach immer neuen Informationen 

über die einzelnen Bandmitglieder einher. John Deacon eignete 

sich in seiner introvertierten Art nur schlecht für reißerische Geschichten. An 

Brian May hatte man sich schnell abgearbeitet, weil bei ihm außer dem Thema 

Musik nicht viel zu holen war. Anders Mercury und Taylor. Letzterer war ein 

Hansdampf in allen Gassen. Die Frauen liebten ihn – und er liebte die Frauen. 

Und Autos: "I’m In Love With My Car" vom Album A NIGHT AT THE OPERA war 

ernstgemeint. Sportwagen, Luxusschlitten, Spezialausführungen – alles probierte 

er aus. Bis er 1980 bei einem Unfall in Deutschland in seinem Auto fast 

verbrannt wäre. In letzter Sekunde hatte er sich aus dem Wrack befreien können, 

bevor es in die Luft ging. 

Mercury war tatsächlich jene Diva, für die ihn alle hielten. Normal lief sein Leben 

eigentlich nur, wenn er schlief. Und hätte er die Journaille auch nur einen halben 

Meter näher an sich herangelassen, wären bereits in den ersten Jahren des Erfolgs 

über seine Eskapaden die Boulevard-Gazetten voll gewesen. So blieb es viele Jahre 

jedoch in erster Linie bei Spekulationen und Halbwahrheiten. Für den charismatischen 

Sänger nur weitere Gründe, sich medial äußerst rar zu machen. 

Freddie Mercury war durch und durch ein Künstler. Alles an ihm, jede 

Handlung hatte etwas mit Kreativität zu tun. Platz für anderes gab 

es nicht. So hielt der Frontmann zum Beispiel überhaupt nichts von 

Benefiz- oder sozialem Engagement, was seinen Bandkollegen 

ganz offensichtlich entgegenkam. Aber auch Queen spendeten: 

zum Beispiel den Reinerlös ihres Konzerts von 7. 

Juni 1977 im Earl’s Court an den Fonds zum 25. Thronjubiläum 

von Königin Elisabeth. Wie wenig das Quartett 

von politischen Statements hielt, belegt die anfängliche 

Weigerung der Band, 1985 am „Live Aid"-Spektakel teilzunehmen. 

Bob Geldof gestand später in Interviews, dass 

er Mercury nur über seine Eitelkeit zu einem Auftritt bei 

dem Festival habe überreden können: Ohne ihn ginge es 

nicht, die ganze Welt schaue zu und so weiter. Manch 

selbst ernannter Weltretter schluckte, als die Gruppe die 

Bühne betrat. Hatte Mercury mit seinen Kollegen nicht erst 

ein knappes Jahr zuvor den Kulturboykott der Vereinten 

Nationen gebrochen und im südafrikanischen Las Vegas, 

Sun City, Konzerte gegeben? Queen hatten! „Wir haben durchaus über den 

moralischen Aspekt nachgedacht, uns aber am Ende entschlossen, es zu tun", 

sagte Brian May seinerzeit dem „Guardian". „Wir sind keine politische Band, 

und deshalb spielen wir für jeden, der zu uns kommt und zuhört." Und John 

Deacon meinte: „Wir haben Freude daran, zu neuen Orten zu gehen. Wir haben 

Amerika und Europa so viele Male bereist, dass es Zeit war, mal irgendwo anders 

hinzugehen ... Ich weiß, dass es deshalb ein wenig Aufregung gegeben hat, aber 

offensichtlich sind wir da unten sehr populär ... Und grundsätzlich wollen wir 

spielen, wo auch immer Anhänger uns sehen wollen." Die Entrüstung kannte 

keine Grenzen. Diese Haltung passte ja so gut zu der „unerträglichen Arroganz" 

(„Guardian") der Gruppe. 

Dieselbe Zeitung fragte im Mai 2008, wie May und Taylor den Nerv haben 

konnten, an einem Festival im Hyde Park zum 90. Geburtstag Nelson Mandelas 

teilnehmen zu wollen. „Kalkül" und „kaltschnäuzig" hieß es da. May und Taylor 

beantworten solche Attacken mit einem Schulterzucken. Nur, dass es im Vergleich 

zu damals weitaus freundlicher ausfällt. 

Jens-Uwe Berndt

Musical in Essen 

im neuen Gewand 

Gemessen an ihrem Hang zum Gigantismus und zur Perfektion war 

es in der Epoche der Musicals nur eine Frage der Zeit, bis auch 

Queen eine Show für die Theater anbieten würden. Und bei allem 

Wohlwollen: Der enorme Erfolg der Produktion „We Will Rock 

You“ schien anfangs keineswegs selbstverständlich. Mittlerweile 

haben seit der Uraufführung 2002 rund 14 Millionen Menschen 

das Spektakel gesehen, sechs Millionen allein im Dominion Theater 

im Londoner West End, zwei Millionen Zuschauer machten die 

Show von 2004 bis 2008 in Köln zum bisher erfolgreichsten Musical 

in Nordrhein-Westfalen. In Essen geht es ab April weiter. 

Wie Queen-Gitarrist Brian May versichert, 

erwartet das Publikum nicht etwa nur 

eine identische Aufführung an einem 

anderen Standort. „Wir sind überglücklich, dass wir 

,We Will Rock You' in dieser aktuellsten und technisch 

neuesten Überarbeitung erstmals für Deutschland 

in Essen präsentieren können", sagt May. „Wir 

sind sehr stolz auf diese deutsche Produktion. Sie 

ist mit keiner anderen weltweit zu vergleichen. Das 

Ensemble und die Band haben ihren ganz eigenen 

Stil. Aber was am allerwichtigsten ist: Die Show ist 

live, sie ist gefährlich, und mehr als alles andere: 

Sie rockt!" 

Vom 11. April bis 30. Juni wollen im Essener Colloseum 

Theater jeden Abend 76 Ensemble- und 

Crewmitglieder für die perfekte Illusion einer totalitären 

Science-Fiction-Welt sorgen, in der eine 

kleine Gruppe ausgeflippter Rebellen die Rockmusik 

dem Bann einer diktatorischen Herrscher-Kaste entreißen 

will. Das klingt bedeutungsschwanger und ist 

von der Story des Konzeptwerks KILROY WAS HERE 

der Gruppe Styx (1983) gar nicht so weit entfernt. 

Dort war es einst ein gewisser Robert Orin Charles 

Kilroy, der als eingekerkerter Rock’n’Roll-Star die 

verbotene Rockmusik wieder ins Bewusstsein der 

Menschen zurückbringen wollte. 

Die Handlung bei „We Will Rock You" ist opulenter. 

Nicht nur der Kampf zwischen Gut und Böse – verkörpert 

durch die Rockfans auf der einen und die 

Herrscherin Killer Queen (Brigitte Oelke) auf der anderen 

Seite – machen die Handlung aus. Dazu gibt 

es eine facettenreiche Love-Story mit Galileo (Christopher 

Brose) und Scaramouche (Jeannine Michele 

Wacker). Selbst Nebenfiguren wie Bap (Léon van 

Leeuwenberg), Brit (Markus Neugebauer) und Dieter 

(Martin Werth) sind mit Liebe zum Detail ausgearbeitet 

und treiben die Geschichte unentwegt 

vorwärts. 

Ein wesentliches Element des Musicals ist der Humor. 

Vor allem witzige Bezüge zum Queen-Schaffen und 

Anspielungen auf die aktuelle Rock- und Popszene 

sorgen für Lacher. Und es ist den 

Machern der deutschen Version von 

„We Will Rock You" hervorragend gelungen, die den 

Fluss unterstützenden Wortspiele, die sich aus englischsprachigen 

Songs ergeben, mit nicht weniger 

heiteren Bezügen zu deutschen Liedern zu ersetzen. 

Der Queen-Fan kommt schon aus musikalischer 

Sicht voll auf seine Kosten. Neben einer gigantischen 

Version von "Bohemian Rhapsody", des 

visuell traumhaft umgesetzten "Radio Ga Ga" und 

dem machtvollen "Killer Queen" kommen Titel wie 

"Headlong", "These Are The Days Of Our Lives" und 

"Tie Your Mother Down" zur Aufführung. 

Jens-Uwe Berndt 

Foto: © Hardy Müller 

Foto: © Nilz Böhme 

Foto: © Nilz Böhme 

Seite 14 


Steven Wilson 

The Raven That Refused 

To Sing (And Other Stories) 

Das neue Album des Grammy nominierten Songschreibers, 

Produzenten und Porcupine Tree Gründungsmitglieds. 

Engineered von Alan Parsons. 

 

 

ECLIPSED – ALBUM DES MONATS 

ROCK HARD 9/10 (Michael Rensen): 

“Ein heißer Anwärter auf den Titel „Platte des Jahres“! 

VISIONS (Dennis Plauk): 

“Steven Wilson ist das größte Prog-Genie seiner Zeit.” 

Jezt Erhältlich 

www.kscopemusic.com/stevenwilson 

www.stevenwilsonhq.com 

Amplifier 

Echo Street 

 

 

Erhältlich ab 15. März 

www.kscopemusic.com/amplifier 

ON TOUR 

20/4 OSNABRUCK - Kleine Freiheit 

21/4 HAMBURG - Knust 

22/4 DRESDEN - Beatpol 

24/4 MUNICH - Hansa 39 

25/4 WURZBURG - Cairo 

26/4 ERFURT - HSD Gewerkschaftshaus 

27/4 COLOGNE -Luxor 

28/4 SAARBRUCKEN - Garage 

29/4 WEINHEIM - Cafe Central 

30/4 KARLSRUHE - Substage 

ON TOUR 

10/3 KÖLN, Live Music Hall 

14/3 HAMBURG, CCH Saal 2 

21/3 BERLIN, Hasenheide, Huxley’s 

22/3 ESSEN, Altendorfer Straße, Colosseum 

23/3 FRANKFURT, Neu-Isenburg, Hugenottenhalle 

25/3 STUTTGART, Siemensstraße, Theaterhaus 

26/3 MÜNCHEN, Theresienhöhe, Alte Kongresshalle 

Henry Fool 

Men Singing 

Das neue Album des Projektes mit Mitgliedern 

 

Erhältlich ab 15. März 

www.kscopemusic.com/henryfool 

The Pineapple Thief 

Build a World 

Die neue EP von TPT, mit drei brandneuen 

Studio Tracks 

ON TOUR 

12/3 KARLSRUHE, Jubez 

15/3 OBERHAUSEN, Drucklufthaus 

 

www.kscopemusic.com/thepineapplethief

Werbegeschenke der Plattenindustrie 

Hits dank Gimmicks? 

Eric-Clapton 

Weltatlas, Dire-Straits- 

Tageskalender, Talk-Talk-Büro- 

Utensilien, Babyface-Kühlbox oder 

Zeig mir Wohnung und Kleiderschrank, 

dann errate ich deinen men scheuten früher weder Kosten noch Mü- 

Snap-Ente und putzt sich die Zähne mit 

Beruf!" Bei professionellen hen, um Handels- und Medienpartner auf ihre der Pop-A-Tac-Bürste. In der Küche 

„ 

Musikverkäufern aus Handel Produkte aufmerksam zu machen. Gimmicks hei- 

wird zum Tears-For-Fears-Messer rs-Messer 

tanzende Kunstblume von Poco: Plattenfir- 

flott aus dem Bett, trifft im Bad auf die 

und Medien führt diese Behauptung, auch 

ohne vorherige Kenntnis ihrer Tätigkeit, 

meist auf einen Blick zu einer Trefferquote 

von 100 Prozent. Wieso? Ist der Gegenüber 

nicht bereits selbst eine wandelnde 

Litfaßsäule für die Pop/Rockindustrie, dann 

lebt er inmitten einer Promotionartikelwelt, 

stapeln sich in seinem 

Kleiderschrank T- und 

ßen jene Werbegeschenke; sie sollen dafür sorgen, 

dass Tonträger durch besondere Originalität oder 

spektakuläre Aufmachung aus der Konkurrenzmasse 

heraus stechen und bei Entscheidern und/oder Meinungsmachern 

Interesse auf sich ziehen. Thomas Hammerl 

öffnet seinen in vielen Jahren musikjournalistischer 

Arbeit zusammengetragenen reichhaltigen Fundus 

an Gimmicks und begehrten raren Promotionexemplaren. 

"Tears Roll Down" gegriffen, der 

Kaffee aus der INXS-Tasse trunken, dazu gibt's entweder 

Schokolade aus der Living In 

A Box oder Monster-Twins- 

Kekse – an einem mit einer 

bunten Simple-Minds-Decke 

und dem Kinderspielzeug zur 

ge- 

Sweat-Shirts 

mit Coverabbildungen 

Und er recherchierte auch bei den Annie-Lennox-Single "Litt- 

oder Logos von Stars und Sternchen 

jeglicher Couleur. Die Hemden tragen 

mehr oder 

weniger dezent platzierte 

Namenszüge oder plakative Aufnäher/ 

Firmen, um Sinn und Zweck solcher Präsente 

zu klären. Ein Insiderbericht aus einer 

Zeit, als es noch die deutsche Mark 

gab und der Tonträgerindustrie 

le Bird" geschmückten Tisch. 

Beim Anziehen im branchentypischen 

Look immer wieder mal 

die breiten Hubert-von-Goisern-Hosenträger osenträger berück- 

Drucke der Künstler und können – wie etwa 

im Fall von Erasure – schon mal von einem 

exklusiven Londoner Designer entworfen sein. Auf 

gut ging. 

sichtigen und die rosafarbene Thele 

Specials-Krawatte: Das zeigt den Plattenpromotern, 

dass der Träger zu ihrer Ware steht 

einer 

Boxershorts-Rückseite ist in knalligem Pink „Ramones – 

Brain Drain" zu lesen, der Bademantel weist unübersehbar 

auf die aktuellen Alben von Billy Squier oder Peter Wolf hin. 

und sie brav bewirbt. Von Kopf (mit „Schulz"-Schirmmütze 

oder Izzy-Stradlin-Stirnband) bis Fuß (in Mike-Oldfield-- 

Sportschuhen) ganz auf Produktwerbung eingestellt, geht 

es im Jogginganzug mit der Aufschrift „John Parr – Running 

Wo immer ein Mensch ist, der etwas mit dem The Endless Mile" und umgehängter The-Fixx-WALKABOUT-T- 

Music-Biz zu tun hat – die Gimmicks in seinem 

Stoppuhr sowie geräumiger Eddie-Grant-Tasche zum Frühsport. 

Umfeld sind unübersehbar. Findige, kreative, 

in Konkurrenz zueinander stehende Marketing- und 

Produktmanager sorgen dafür, dass mit ihren Zusatzprodukten 

jeder Lebensbereich der einflussreichen 

Die Schweißbänder dafür warfen Frankie Goes To Hollywood 

und den Frisbee THE RUNNER – Richard T. Bear ins 

Rennen. Erfrischende Getränke liegen in der Kühlbox mit dem 

aufgeklebten Babyface-Gesicht. 

Kandidaten infiltriert wird – am besten 24 Stunden 

G täglich, sieben Tage die Woche. So kommt die Zielper- 

enug? Noch lange nicht! Im Büro steht dann der Richard- 

son 

morgens dank des Boy-Meets-Girl-Hahnenwecker Marx-Taschenrechner „Rush Street" ebenso griffbereit wie eine 


gelbe Kajagoogoo- 

Schere WHITE 

FEATHERS, 

Annette Humpes 

Textmarker 

(in 

Lippenstiftform) 

ICH KÜSSE 

IHREN MANN, der 

stabile CELEBRITY 

SKIN-Notizblock 

in Silbermetallic von der 

Courtney-Love-Band 

Hole 

und die Talk- 

Talk-Pinienholzbox 

LAUGHING STOCK samt Lineal, Büroklammern, Reißnägeln, Radiergummi, mi, 

Stiften, CD sowie dem Cover als Druck und Aufkleber. Derart bestens ausgeen 

rüstet, können etwaige Termine im 

ledergebundenen 

Dire-Straits-Tageskalender notiert 

werden. Vor dem 

Abflug zum nächsten Interview, der durch ei- 

nen Blick auf ZZ Tops RE- 

CYCLER-Wandkalender ge- 

klärt wird, lohnt die genaue 

Ortsbestimmung im Eric- 

Clapton-Weltatlas 

JOURNEYMAN. 

Der Anhänger von Texas ist 

bereits am transparenten 

Michael-Jackson-Aktenkoffer 

befestigt, der 

Mini-Ventilator STURM 

von Kalkowski ebenfalls 

eingepackt. Nicht zu vergessen: der handliche, lederne Kreditkartenordner HELL 

TO PAY der Jeff Healey Band. Aber erst noch kurz den Timer im PC checken, 

dessen Maus auf einem Genesis-Pad liegt. Über dem Monitor balanciert auf 

einem quer durch den Raum gespannten Seil ein klei- 

ner Einradkünstler (anlässlich Supertramps FAMOUS 

LAST WORDS), während auf dem Balkon die Sonnenblumensamen 

aus Maggie Reillys 

dunkelblau-dekorativer, mit Mes- 

singsonne verzierter MIDNIGHT 

SUN-Schachtel etliche Blüten 

hervorgebracht haben. Ebenfalls 

ein Hingucker ist der 

nummerierte 

Kunstdruck 

des Covers von Chris Reas 

GOD'S GREAT BANANA SKIN (Limited Edition: 

500 Stück). Kurz ein Blick auf die UKW-Wanduhr 

ALLES KLAR geworfen: Passt, bald ist Abreisezeit! 

Zurück vom Promiplausch bleibt nicht viel Zeit, 

selbst zu kochen. Darum gibt es zum Abendessen n 

das Fertiggericht „Jambalaya Seasoning And Popcorn orn Rice", 

eine Empfehlung der Neville Brothers mit ihrem Album. Wem es angesichts des 

geschilderten Präsente-Showdowns inzwischen schwindlig ist, erinnert sich am 

besten des „Survival Sets" zum Film „Roadhouse", das neben gerösteten Nüssen, 

einem Schnapsglas s und „ernüchternden Tipps" 

auch Alka Seltzer enthält. Da betritt bereits die 

Freundin die Wohnung jenes – von der trie als meinungsbildender Multiplikator ge- 

Indusschätzten 

und deshalb hofierten – Journalisten 

die 

Wohnung. 

Zeit, das „Do Not 

Disturb – I’m Save 

Tonight"-Schild 

von 

Eagle-Eye 

Cherry draußen an 

die 

Wohnungstür 

zu hängen – für 

den Fall, dass ein 

Kurier plötzlich weitere 

Promo-Exemplare 

anliefert 

... Nachdem mit dem Elton-John-&-Cliff-Richard-hard- 

Feuerzeug in Mikrofonform die Midnight-Oil-Öllampe 

angezündet und die per Knopfdruck Feuer gebende Dio- 

Handgranate nicht zu offensichtlich postiert wurde, empfiehlt 

es sich, für alle Fälle das Kondom parat zu haben, 

das einem Tonträger der Anti-Nowhere League beilag … 

All diese Werbegeschenke, von den Plattenfirmen an 

ihre Partner im Fach(tonträger)- 

handel und bei den Medien 

frei Haus geliefert, sind also 

„Gimmicks". Der Begriff stammt t 

aus dem anglo-amerikanischen 

Sprachraum, ist ab 1926 schriftlich 

belegt und bedeutet soviel 

wie Dingsda, Knüller oder Sensationswerbung. 

„Gimmicks sollen 

einen Erinnerungswert und 

ein gewisses Wohl- 

wollen 

dem 

Pro- 

dukt gegenüber bezwecken", 

erklärt Jürgen Kramar. So hat das seit November 

2003 im Unruhestand befindliche A&R-Urgestein (u.a. Ex- 

International Consultant Universal, Vice President A&R In- 

ternational Koch Records, Manager A&R 

International Intercord) etwa für 

den von ihm betreuten Musiker, 

Songwriter und Produzenten 

Babyface eine der 

aufwändigsten Aktionen 

der damaligen 

Intercord in Stuttgart 

durchgeführt. Weil, 

laut Anschreiben, 

„das Babyface-Album 

TENDER LOVE 

einfach zu heiß ist, 

um es auf anderem 

Wege zu verschicken", wurde die CD 1100 ausgesuchten Händlern, Großeinkäufern 

sowie Medienleuten in Deutschland, Österreich und der Schweiz in 

einer großen, weißen Kühlbox zugestellt. „Die Gesamtkosten betrugen rund 

50.000 Mark", offenbart Kramar, „bescherten uns zwar verstärkte 

Promotion 

und guten Willen, brach- 

ten aber nicht das, war 

wir uns davon 

erhofften. 

Trotz bester 

Kritiken 

hat 

sich TEN- 

DER LOVE 

nicht sonderlich 

gut 

verkauft 

und schaffte 

auch keine 

Hitparadenplatzierung." 


Single-Hit nach Gimmick-Versand 

Mehr Erfolg dagegen war Mike Weller, Ex-Vice President 

Germany-Switzerland-Austria & Central Europe bei Sony 

Music Publishing, früher dort A&R Manager sowie schendurch Marketing Director Warner Music, während 

seiner CBS-Zeit beschert. 30.000 Mark wendete er aus sei- 

nem Budget dafür auf, je ein Fernglas plus CD von Vision 

Fields an 400 potenzielle Interessenten im Handel und dbei 

den Medien abzugeben. Die Folge: Mit ihrer dritten Single 

"Sad Song" gelang der Band ihr erster Chart-Eintritt ritt 

zwi- 

bis dahin. „Inwieweit das auf den Gimmick zurückzu-uführen 

ist", rätselte Weller, „weiß ich allerdings nicht. 

Gimmicks, die etwas 

auslösen, sind wirklich 

selten. Auch wenn sie den einen n oder anderen 

Kontext zu dem Tonträger herzustellen versu- 

chen, sagen sie ja nichts über die Musik selbst 

aus, sondern sollen nur das Produkt aus der end- 

losen Flut an Veröffentlichungen herausheben." 

Musikempfindliche Blu- 

me zur Poco-LP 

Für diese Signalwirkung lassen 

sich die Verantwortlichen viel 

einfallen. Eine besondere Krea- 

tivzelle waren der Marketingdi- 

rektor und spätere Geschäftsfüh- 

rer Eckhart Gundel sowie Werbeleiter 

Jürgen Schwitzkowski während ih- 

rer Zeit bei der BMG Ariola in 

Hamburg. Sie erfanden die 

auf Impulse reagierende, e, 

tanzende Plastikblume für Eurythmics 

sowie Poco, den krähenden Boy-Meets- 

Girl-Wecker, das ROCK OF LIFE-Radio 

(Rick Springfield) in Form des legendären 

Shure-Mikrofons sowie die Latin-Quarter-Uhr mit der pyramisierten Scheibe, 

die im 60-Sekunden-Takt den Albumtitel MODERN TIMES anzeigt. Ebenfalls er- 

wähnenswert: der Bonfire-Hot-Pot, auf dem das Bandlogo nur dann auftaucht, 

wenn heiße Flüssigkeit in die Tasse gefüllt wird. 

In der Regel werden Gimmickideen bei den 

Firmen entweder vom Product Manager oder 

den A(rtist) & R(epertoire)-Verantwortlichen 

in Zusammenarbeit mit der Marketingabteilung 

entworfen; manchmal sogar in 

Abstimmung mit dem Künstler und dessen 

Managements. 

„Bei Werbebudgets von 20.000 bis 150.000 

Mark pro Künstler und 

Produkt muss sich der 

Verantwortliche rtliche gut 

überlegen, wie er 

das Geld 

einsetzen 

will, 

gibt es 

doch mit 

TV-Spots, 

Zeitschrif- 

tenwerbung, 

Plakatierung und 

Gimmicks viele Möglichkeiten", en", 

berichtete Monika Bendig als Product Managerin 

International während ihrer Chrysalis-Zeit. Für internationale 

Acts hat die deutsche Firma bei Neuveröffentlichungen 

oft nur in Teilbereichen selbst 

aktiv zu werden. „Vielfach wurden uns von den ausländischen 

Vertragspartnern die Gimmicks gleich mit dem Dekorationsmaterial 

angeboten", bestätigte (der inzwischen verstorbene) Gerd Ludwigs als Marketing- 

und A&R-Leiter national sowie international der BMG Ariola München. 

„Umsonst bekam man aber in solchen Fällen auch nichts", betonte sein Kollege 

Jürgen Kramar von der Intercord. 

LP in Stahl geschraubt 

Gimmicks müssen nicht immer kostspielig 

sein. „Es kann", argumentierte Weller, „ge- 

nauso 

gut eine besondere Art der Verpa- 

ckung 

sein." Damit wird ein Gimmickaspekt 

angeschnitten – jener der bei Sammlern und 

Fans begehrten, oftmals streng limitierten 

(im Handel nicht erhältlichen) Promoversionen 

(siehe Kasten). Ein Beispiel: Die 

Heavy-Metal-Band Karo ließ ihre zweite e 

LP 

HEAVY BIRTHDAY zwischen zwei 

Stahlplatten einschrauben. Weller wiederum 

sorgte dafür, dass die Johnny- 

Logan-Single "All I Ever Wanted" als 

3-Inch-CD 

in einer 7-Inch-CD-Verpackung ver- 

schickt wurde. In Sachen der erwähnten 

Vision Fields hat er ebenfalls eine größere 

Aussendung vorgenommen. Dabei han- 

delte es sich um einen Stapel Briefum- 

schläge plus Grußpostkarten. Wird die 

Karte aufgeklappt, ist zwar kein Interpretenname 

zu lesen, dafür aber 

das Singlemotiv "Missing You" 

ersichtlich. „Ob der Gag ankommt", 

rätselte Mike Weller, 

„weiß ich jedoch nicht. Damals 

bei 

den Midnight-Oil-Lampen 

haben sich unsere Promotionleu- 

te kaputtgelacht, doch die Händler 

und Journalisten waren davon 

begeistert." 

Gimmick als Hemmschuh 

Gimmicks können allerdings auch nach hinten 

losgehen und das genaue Gegenteil von der 

beabsichtigten Reaktion bewirken. „Da war 

das Feuerzeug, das nicht funktionierte", nierte", 

erinnert sich Weller, „oder der Füllfederhalter, 

von dem sich die aufgedruckte Gravur 

löste." Ähnliche Negativerfahrungen n hatte 

auch Gerd Ludwigs beizusteuern. „Ich bekam 

einmal unseren Windschutzscheiben-cheibenparavent 

retour, den wir für Eros Ramazzottis 

MUSICA E herausgebracht hatten. ten. 

Eine erboste Journalistin schrieb 

mir dazu einen Brief, dass wir mit 

der Riesenverpackung und dem 

Karton 

des 

Gimmicks nicht 

auch noch das Müllproblem unterstützen 

müssten. Diese 

Reaktion hat mir sehr imponiert." 

Die Effektivität von Gimmicks, darin sind sich 

alle Gesprächspartner einig, ist nicht messbar. 

„Was das bringt", weiß 

Weller, „ist genauso 

wenig nachvollziehbar 

wie 

die Wirkung 

von 

Anzeigen." 

Jede Firma 

fährt bei 

Gimmicks 

darum 

ihre eigene e 

Strategie. e. 

Während das Gros der Gimmicks parallel zur 

Veröffentlichung eines Produktes bemustert 

wurde, ging beispielsweise Chrysalis genau den 

konträren Weg. „Wir machten Gimmicks nicht 

im Vorfeld, sondern zu jenem Zeitpunkt, als bereits Stück- 


zahlen verkauft wurden und die reelle Chance 

bestand, dass die Platte in die Charts geht", berichtete 

Monika Bendig. „Wir wollten mit unseren 

Gimmicks vor allem die Tipper im Handel, die jene 

für die Charts damals maßgeblichen Verkaufslisten 

ausfüllten, an unser Produkt erinnern." 

Einen ganz anderen Effekt sollten indes die von 

Monika Bendig eingangs erwähnten Ramones- 

Boxershorts erzielen: „Mit ihnen haben wir uns bei 

500 Leuten im Vertrieb und Verkauf sowie bei 100 

Medienpartnern dafür bedankt, dass sie sich für 

unser Produkt stark gemacht haben." 

An der Grenze zur Bestechung 

Gimmicks, bei den Adressaten meist hochwillkom- 

men, sind jedoch nicht unumstritten. „Das Ganze ist in gewisser 

Weise eine etwas 

gefährliche Angelegenheit", 

meinte 

Jürgen 

Kramar, 

„da 

Gimmicks 

auch als Bestechung 

aufgefasst 

werden können." 

Dieser 

Feststellung 

widersprach 

Gerd Ludwigs entschieden. 

„Da ist 

der Grenzbereich 

schon sehr knapp 

bemessen, 

denn 

dann müsste jede 

Postwurfsendung 

mit einem Pröbchen gleichfalls Bestechung sein. Solange ich 

aber niemandem eine echt goldene Uhr schenke, brauche ich auch kein 

schlechtes Gewissen zu haben." 

Unstrittig ist allerdings die Beobachtung, dass die Gimmickempfän- 

ger aufgrund der konstanten Geschenkeflut und eines meist hohen 

Qualitätsstandards zunehmend verwöhnt waren. Frische T-Shirts, am 

liebsten gleich im Wochenturnus, wurden von zahlreichen Kollegen in 

Presse, Funk und Fernsehen bereits als selbstverständlich angesehen. 

Manchmal spekulierten die Medienmacher bereits bei Albumankün- 

digungen, was ihnen im Zuge der Veröffentlichung ins Haus stehen 

könnte. 

Auf ein 

Wunder warteten sie aber alle bei der Queen-Platte MIRAC- 

LE (1998) – trotz des für Gimmickkassierer perfekt passenden 

Single-Hits "I Want It All" – vergebens. Nicht erfüllt hat sich 

auch der 

Traum von 

der eigenen 

Insel anläss- 

lich Jethro Tulls 

ROCK 

ISLAND 

oder 

einem 

Kleinwagen als 

Gimmick der 

Cars. Bei dem 

deutschen Industrial-Klassiker "Haus der 

Lüge" dagegen war wohl jeder froh, nicht Eigentümer 

einer Immobilie geworden zu sein. 

Die Macher dieser Scheibe haben schließlich 

einen zu programmatischen Bandnamen: 

Einstürzende Neubauten! 

Thomas Hammerl 

Promo-Exemplare 

= Sammlerstücke 

Ein Randbereich der Gimmicks sind sogenannte Promos. 

Dabei handelt es sich um spezielle, limitierte, bisweilen 

sogar nummerierte Ausgaben eines Tonträgers. Die Besonderheit 

kann in der Art der Präsentation/Verpackung 

liegen, in beigepackten Fotos/Texten, besonders opulenter 

Ausstattung oder indem der Vorabversion z.B. eine Interview-CD 

oder etwas anderes, mit der normalen Variante 

nicht Erhältliches beiliegt. Nachfolgend ein Dutzend 

exklusiver Exemplare: 

• Die Veröffentlichung des Apple-Label-Kataloges wurde 

mit einem Papp-Apfel angekündigt, dessen drei Scheiben 

gegenein ander verschiebbar sind und der auf einer Seite einen 

Apple-Künstler-Sampler als 4-Songs-EP enthält. 

• Die großformatige Iron-Maiden-Box BEST OF THE BEAST (inklusive 

Pop-Up-Figuren beim Aufklappen!) hat eine CD (plus 

dickes Booklet), Interview-CD und Video im Schuber. 

• Tina Turner’s FOREIGN AFFAIR wurde verpackt in einen mehrseitigen 

Reisepass im DIN-A5-Format. 

• Die Deep-Purple-CD THE BATTLE RAGES ON gab es als Limited 

Edition (500 Stück) in einer massiven Naturholzbox. Aufgeklappt 

ruhen dort auf Samt das Album und eine Deep-Purple- 

Gürtelschnalle. 

• ACHTUNG BABY von U2 wurde von einer Box im Langspielplattenformat 

flankiert, die Anton Corbijns " 

Photo Collection" aus 

seinen Aufnahmesessions zu dieser CD beinhaltet. Das Album 

liegt dieser Special Edition aber nicht bei! 

• Auf ELVIS – THE COMPLETE 50’s MASTERS wurde Appetit gemacht 

mit einem Folder: vier Fotos, eine Compilation-CD, ein 

hochformatiges, seitenstarkes Booklet sowie die relevanten 

Albumcover als Briefmarken. 

• Bruce Springsteen präsentiert LUCKY TOWN und HUMAN 

TOUCH in einer mit Samt ausgeschlagenen, auf 1500 Stück limitierten 

Ausgabe, deren edles, geschliffenes Holzkistchen mit 

goldenem Verschluss versehen ist. 

• Mark Knopflers GOLDEN HEART kam schlicht-schick in einer 

Pappschachtel mit Prägedruck. Darin: edles Booklet, Album, 

Diskette, Dias, Schwarzweiß-Foto. 

• KRYPTOS von Andreas Vollenweider traf samt Video in einem 

mit Vorhängeschloss gesicherten, 15 Zentimeter hohen Wellpappe-Zylinder 

ein. Auf 1000 Exemplare limitierte Edition. 

• Phil Collins stellte BUT SERIOUSLY in einem DIN-A4-Folder 

samt Schwarzweiß-Foto, vier Mini-Discs (inklusive Interview) 

und Booklet vor. 

• Panteras HOSTILE MIXES-CD wurde in einer größeren Blechdose 

zugeschickt, deren Inhalt sich erst durch den Einsatz 

eines Dosenöffners offenbarte: Album, Single, gedruckte Biografie, 

Mini-Boxhandschuh-Anhänger. 

• Gigantisch, wie aufwändig und opulent ausgestattet die EAV 

ihre CD HIMBEERLAND nahebringen durfte: Eine rosa Megabox 

umfasst neben der CD eine kleine Discokugel, Madonna-Kerze, 

eine kleine Flasche Tequila, 4711 in Miniatur sowie einen nostalgischen 

Spielzeugvogel aus Blech. 

Fotos: © Fabian Schreyer 


Zum 80. Geburtstag (*30. April 1933) 

Willie Nelson 

Willie Nelson hat alle Moden der 

amerikanischen Musikszene 

überdauert. Jetzt wird die 

lebende Legende 80 

Jahre alt. 

Outlaw unter Denkmalschutz 

Seit einem Jahr hat Austin, die Hauptstadt 

von Texas, eine Attraktion mehr. Am 20. 

April enthüllte der Bürgermeister eine Willie- 

Nelson-Statue. Damit erfuhr der texanische Musiker 

eine Würdigung, die Louis Armstrong, Elvis Presley, 

Buddy Holly und Bob Wills in den USA erst nach 

dem Tod zuteil wurde. Im Leben des „Red Headed 

Stranger", das vor Widersprüchen nur so strotzt, ist 

das eine weitere unerwartete Facette. Willie Hugh 

Nelson, der am 30. April 1933 im winzigen Kaff Abbott 

120 Meilen nördlich von Austin als Sohn einer 

Indianerin und eines Arbeiters geboren wurde, hat in 

seiner Laufbahn nie den normalen Weg beschritten. 

Das verdeutlicht schon die Schwierigkeit, ihn 

musikalisch einzuordnen: In Deutschland gilt er als 

Countrymusiker, so wird er zum Beispiel in Kreuzworträtseln 

als „US-Country-Ikone" mit sechs Buchstaben 

gesucht. Die Amerikaner, die ihre Musiker weniger in 

Schubladen stecken, sehen in ihm eher einen Grenzen 

überschreitenden Künstler – auch wenn die Bezeichnung 

„Outlaw", die sie ihm anheften, nur eines 

der üblichen Klischees der Musikindustrie ist. Die 

Zeitschrift „The New Yorker" definiert dagegen sein 

Image als „St. Willie", ein „Versöhner von Rednecks 

und Hippies", dessen Musik immer komplizierter und 

urbaner geworden ist. Eine unglaubliche Entwicklung, 

die vor 70 Jahren mit dem ersten Auftritt des 

gerade mal Zehnjährigen in einer Polka-Band begann. 

Der Junge vom Land, der oft Baumwolle pflückte, 

statt zur Schule zu gehen, hat es so weit gebracht, 

dass er mit Recht singen konnte: ”I’m Sitting 

On Top Of The World." Als Jimmy Carter Präsident 

war, lud er den Sänger ins Weiße Haus ein, der es 

sich prompt nicht nehmen ließ, aufs Dach des Gebäudes 

zu klettern und dort einen Joint zu rauchen. 

Im Spannungsfeld zwischen Arbeiterherkunft und 

Weltruhm fühlt Nelson sich seit Jahren wohl. Sein 

Biograf Joe Nick Patoski bescheinigt dem Golfspieler 

denn auch ein „Luxus-Leben mit White-Trash- 

Manieren". Der große Erneuerer der Nashville-Szene 

hat sich nie wirklich von seinen Wurzeln distanziert. 

Geprägt hat ihn die Jugend auf dem Land, im Haus 

der Großeltern, bei denen er aufwuchs, weil die Mutter 

sich schon bald abgesetzt hatte. Sie schenkten 

ihm die erste Gitarre, 

bei ihnen hörte 

er im Radio die 

Musik, die er verinnerlichte. 

Natürlich 

Bob Wills, Ernest 

Tubb, Gene Autry, 

die 

Western-Stars 

seiner Jugend, aber 

auch Frank Sinatra, 

an dessen Gesangsstil 

er sich orientierte. t Musikern, mit denen er in der 

Anfangszeit auftrat, hielt er auch später die Treue: 

Paul Buskirk, der ihn mit Django Reinhardt vertraut 

machte und ihm die ersten Kompositionen für 150 

Dollar abkaufte; 

Johnny Bush, mit 

dessen ”Whiskey 

River" er jedes 

Konzert beginnt 

und den er 2000 

wieder ins Studio 

holte; seine ältere 

Schwester Bobby, 

die ihn schon immer 

auf dem Klavier 

begleitet; Paul English, der seit ewigen Zeiten 

sein Drummer ist. English, ein Ex-Häftling und -Zuhälter, 

trug bei Gigs immer eine Waffe bei sich, um 

seinen Bandleader in brenzligen Situationen zu beschützen. 

Ihm widmete Nelson den Song ”Me And 

Paul", in dem er die Härten des Tourneelebens beschreibt. 

Wochenlang im Bus unterwegs zu sein mit 

seiner „Family", wie er die Mitmusiker nennt, das 

steht als Leitmotiv über seinem Leben, das er in ”On 

The Road Again" besingt. 

Der Songschreiber 

Schon früh sah sich der kleine Willie als Texter und 

Komponist. Mit zwölf stellte er sein erstes Liederbuch 

zusammen, auf dessen Titelseite er notierte: „Songs by 

Willie Nelson, Waco, Texas". Bei einer Begegnung mit 

Mae Boren Axten, die für Elvis ”Heartbreak Hotel" geschrieben 

hatte, spielte er ihr sein Stück ”Family Bible" 

vor. Sie empfahl ihm, nach Nashville zu gehen. Bevor 

er dort nach einer längeren Odyssee als DJ, Bibel- und 

Staubsaugervertreter ankam, hatte er bereits ”Crazy", 

”Night Life", ”Funny How Time Slips Away", ”The 

Party’s Over" und ”I Gotta Get Drunk" komponiert. Sie 

gehören heute zum Kanon, der ihn weltberühmt gemacht 

hat. Seine eigenen Versionen der Stücke für verschiedene 

Plattenfirmen brachten damals keine Resonanz; 

und so galt er in Nashville als Songschreiber, der 

in Tootsie’s Orchid Lounge mit Kollegen wie Roger Miller, 

Harlan Howard und Hank Cochran rumhing. Ernstgenommen 

wurde er dort erst, als Faron Young sein 

”Hello Walls" zum Hit machte und Patsy Cline und Roy 

Orbison mit ”Crazy" sowie ”Pretty Paper" punkteten. Da 

konnte er mit seiner jungen Familie aus dem Trailerpark 

auf eine Farm außerhalb von Nashville ziehen. 

P lattenstar 

Nelson war 1961 noch kein Glück mit seinen Aufnahmen 

vergönnt. So verdingte er sich als Bassist bei 


Ray Price. Nach einem Vertrag mit dem kalifornischen 

Label Liberty und dem Achtungserfolg ”Touch Me", 

darauf einer Stippvisite bei Monument Records, landete 

er 1964 bei RCA und Chet Atkins. Der gab sich 

alle erdenkliche Mühe, Willie Nelson in die Charts 

zu lancieren, aber der Nashville Sound und der Texaner 

ließen sich nicht auf einen Nenner bringen. 

Wie Waylon Jennings aus Lubbock, Texas, fühlte 

sich auch Nelson von Chet Atkins falsch produziert. 

Der wiederum hielt nichts von Willies Gitarrenspiel, 

und in Nashville 

zweifelte man ohnehin 

an, dass er 

überhaupt 

singen 

könne. Typischerweise 

war der Covertext 

einer seiner 

RCA-Platten überschrieben 

”What’s 

a Willie Nelson?" 

– sinngemäß: Was 

soll man von Willie Nelson halten? Gipfel der Zumutungen: 

Für die Hamburger Teldec musste er auf 

Deutsch einen ”Whisky Walzer" singen. Das Cover 

zeigt ihn mit spießigem Haarschnitt, Schlips und Anzugjacke, 

so wie auf einigen seiner RCA-LP-Hüllen. 

Ein Album allerdings konnte er selbst gestalten: den 

Livemitschnitt eines Auftritts 1966 auf heimischem 

Terrain in Fort Worth. In Texas soll er dafür ein paar 

Käufer gefunden haben. 

Nashville und Nelson, das passte einfach nicht 

zusammen. In der Country-Metropole erzählt man 

sich, dass er sich nachts betrunken auf den Broadway 

gelegt g habe, um sich überfahren zu lassen – aber 

in dem Kaff kam 

zu später Stunde 

kein Auto mehr 

vorbei ... Als seine 

Farm außerhalb der 

Stadt, auf der er 

so etwas wie eine 

Kommune etabliert 

hatte, 1970 abbrannte, 

brach er 

seine Zelte ab und 

kehrte zurück nach Texas. 1971 

sei sein schlimmstes 

Jahr gewesen, erzählte er später. Ein Zwischenspiel 

bei Atlantic Records, wo Jerry Wexler mit ihm eine 

Country-Abteilung eröffnen wollte, ermöglichte 

zwar das hervorragende Konzeptalbum PHASES AND 

STAGES, aber mit enttäuschender Reaktion. Erst als 

er sich 1975 von allen Zwängen befreite und bei Columbia 

(CBS) sein 

noch kompromissloseres 

Konzeptalbum 

RED HEA- 

DED STRANGER 

ablieferte, kam 

der Durchbruch. 

Nash villes CBS- 

Chef Billy Sherrill, 

der die LP als „ein 

Stück Scheiße" bezeichnet 

hatte, wurde ganz still, als die ausgeklinkte 

kt 

Single ”Blue Eyes Crying In The Rain" auf Platz 1 

landete. Ironie der Geschichte: Das Lied stammte 

von 1945, geschrieben von Fred Rose, dem Produzenten 

von Hank Williams und Säulenheiligen der 

Countryszene. 

Live-Willie 

Nach seiner Rückkehr hatte Nelson damit begonnen, 

zum 4. Juli, dem 

amerikanischen 

Unabhängigkeitstag, 

mit anderen 

Musikern Picknick- 

Festivals in Texas 

zu veranstalten. 

Dort zog er ein 

Publikum an, das 

zwischen Woodstock 

und Grand 

Ole Opry angesiedelt 

war. Mit der 

Zeit schlossen sich 

ihm immer mehr 

namhafte Künstler 

an – von Leon Russell 

bis Kris Kristofferson, 

von Merle 

Haggard bis Waylon 

Jennings. Der 

hatte sich – anders 

Erstmalig auf 3 DVDs 

Der umfassende Formel Eins Rückblick 

Über 7 Stunden Spielzeit 

Jede Menge Bonusmaterial 

Die Formel Eins-Doppel-CDs: 

Foto: © Helmut Ölschlegel, 2010

als Nelson – nicht von RCA losgesagt, sondern Chet 

Atkins größte Freiheiten abgetrotzt. Nachdem Nelson 

die Charts anführte, besann man sich in Nashville auf 

seine RCA-Aufnahmen und packte ihn mit Waylon 

Jennings auf eine 

LP, die man reißerisch 

WANTED! 

THE OUTLAWS 

nannte. Das blieb 

an ihm und an allen, 

die mit ihm 

assoziiert wurden, 

von Tompall Glaser 

bis zu David 

Allan Coe, haften. 

Bei den Konzerten wurde der Eindruck des Rebellentums 

durch das Zusammenspiel von ungekämmten 

Musikern auf der Bühne und wildem Volk im Publikum 

nur noch unterstützt. Johnny Cash beschrieb 

das authentisch in seinem Song ”A Backstage Pass 

To A Willie Nelson Show". Nelson, der sich seit den 

60er Jahren unermüdlich durch die Clubs zwischen 

Oklahoma und Texas gespielt hatte, eroberte sich live 

immer mehr Freiheiten. Nachdem er zunächst eine 

elektrische Fender Jazzmaster und dann eine Reihe 

von akustischen Gibson-Gitarren ausprobiert hatte, 

entschied er sich für eine Martin-Konzertgitarre, in 

die er von einem Baldwin-Modell den Tonabnehmer 

zur elektrischen Verstärkung einbauen ließ. Mit diesem 

Instrument entwickelte er seinen eklektischen, 

an Django Reinhardt orientierten 

Stil, immer mehr in Richtung Jazz 

gehend. Die Gitarre, die er nach 

dem Pferd seines Filmhelden Roy 

Rogers „Trigger" nannte, zählt 

heute neben B.B. Kings „Lucille" zu 

den bekanntesten der Musikwelt. 

Mit einem über die Jahre immer 

größeren Loch im Klangkörper und 

dem abgegriffenen Holz ähnelt sie 

dem verwitterten Äußeren ihres 

Besitzers. Er hat nicht das blendende d Aussehen von 

Filmstars, keinen Bodybuilding-Körper, ist nicht der 

„amerikanische Held" mit strahlendem Lächeln. Er 

gibt sich auch gar nicht erst die Mühe, das Image 

eines Rock’n’Roll-Stars abbilden zu wollen. 

Willies Wel truhm 

Heute bemühen sich die größten Stars um Auftritte 

mit Willie. Die fruchtbarste Zusammenarbeit gelang 

ihm mit Waylon Jennings, ihre Platten und Duette 

sind Legende. Was Gesangsduos angeht, ist Willie 

Nelson ohnehin Weltmeister: Ray Charles, B.B. 

King, Merle Haggard, Emmylou Harris, George Jones, 

Norah Jones, Frank Sinatra, Neil Young – das Spektrum 

seiner Partner 

ist enorm. Er hat 

Platten mit Johnny 

Cash, Kris Kristofferson 

und Waylon 

Jennings als 

The Highwaymen 

aufgenommen. In 

seine Pedernales 

Studio lud er Roger 

Miller, Faron 

Young, Ray Price, Webb Pierce und Hank Snow ein. 

Sogar mit Wynton Marsalis veröffentlichte er eine 

Platte. Er hat mit dem Produzenten Booker T. Jones 

auf STARDUST Standards des American Songbooks 

runderneuert. Don Was brachte mit ihm das Reggae- 


Album COUNTRYMAN heraus, Daniel Lanois polierte 

mit ihm auf TEATRO seine Klassiker für das neue 

Jahrhundert auf. Der Frank- 

Sinatra- und Dean-Martin- 

Produzent Jimmy Bowen 

untermalte ihn mit sinfonischer 

Begleitung. In manchen 

Jahren 

erschienen bis 

zu drei Nelson- 

Alben. 

Rund 

150 LPs tragen 

seinen Namen. 

Auch wenn ihm seine Plattenfirma freie 

Hand ließ, ihm sogar ein eigenes Label 

einrichtete, war er mit dieser Art von 

„Über-Darstellung" nicht gut beraten. 

Die FAZ brachte es auf den Punkt: 

„Willie Nelson braucht Geld und macht zwei Platten 

auf einmal." Der Hintergrund war dramatisch: 

Bis 1991 hatte er 

16,7 Millionen Dollar 

Steuerschulden 

angehäuft. Jetzt 

traf es ihn erneut 

heftig, seine Habe 

wurde versteigert. 

Zur finanziellen Misere 

kam der Schicksalsschlag, 

dass sein 

Sohn sich das Leben 

nahm. 

Willie Nelsons s 

Privatleben steht t 

mittlerweile ebenso 

im Fokus der Medien 

wie seine Musik. 

Das Klatschmagazin 

„People" hatte te 

ihn ebenso auf dem 

Titel wie „Life". Dort wurde er mit Frau und Kindern 

abgebildet. Diese Ehe ist Vergangenheit wie zwei 

weitere und eine vielbeachtete Affäre mit Steven 

Spielbergs Ex-Ehefrau Amy Irving, einer Schauspielerin, 

die er bei den Dreharbeiten zu „Honeysuckle 

Rose" kennen gelernt hatte. Als Schauspieler ist der 

schmächtige Nelson so wenig talentiert wie Bob Dylan. 

Bis auf „Der elektrische Reiter", zu dem auch er 

die Filmmusik lieferte, 

hatte er eine unglückliche 

Hand bei 

der Auswahl der 

Stoffe. Immerhin 

kam er aufs Cover 

des „Rolling 

Stone" und von 

„Vanity Fair". An 

Lobpreisungen in 

höchsten Tönen 

fehlt es nicht: Bester Songwriter der Music 

Row seit Hank Williams, schrieb der „Rolling 

Stone". Sein ”Night Life" wurde von 70 Interpreten 

aufgenommen und über 30 Millionen Mal verkauft 

und er selbst mit Grammys überhäuft. Heute hat er 

Weltruhm erreicht. So wird beachtet, wenn er sich 

politisch engagiert wie für „Farm Aid", aber auch, 

wenn er wegen Marihuana-Besitzes vor Gericht 

steht. Das kümmert den Antihelden nicht wirklich. 

Nach übermäßigem Whiskeykonsum und 

allen möglichen chemischen h Drogen ist er beim 

Joint geblieben. Zur Einweihung seines Denkmals in 

Austin stand er da mit „Trigger" in der Hand, sein 

rotes Haar zu Zöpfen geflochten, einer Indianersquaw 

ähnlicher als einem Weltstar, und sang: „Rollt 

mich zusammen und raucht mich, wenn ich mal abtrete!" 

Rüdiger Bloemeke 


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THEATER 

E S S E N

Arnold Fritzsch (Kreis) 

Vom 

Disco-Sound 

Wagner- 

zur 

Schwere 

Von Jens-Uwe Berndt 

Es war die Schönheit des Klangs, die Arnold Fritzsch zur Orchestermusik 

führte. „In den 90ern habe ich das Interesse an Popmusik mehr und mehr 

verloren", versucht er, seine Entwicklung zu erklären. „Damals wurden Attitüden 

immer wichtiger, die Musik spielte eine Nebenrolle. Das war nichts mehr 

für mich." In der Freizeit genoss er die großen 

Klassiker: Mozart, Tschaikowski, Wagner. Die Festspiele 

in Bayreuth wurden fester Bestandteil seines 

Terminkalenders. Hinzu kam ein Schlüsselerlebnis 

bei einem Konzert seines Idols Paul McCartney. 

„Bei der Zugabe spielte er 'Helter Skelter' von den 

Beatles", erinnert sich Arnold Fritzsch. „Das war 

zu viel für mich. Da bin ich noch vor Ende des 

Auftritts nach Hause gegangen." Es war aber nicht 

etwa das Lied, das er nicht mochte, denn die Fab 

Four sind dem Ost-Berliner heilig. „Ich habe den 

Lärm nicht mehr ertragen", sagt er. Der Soundbrei 

habe ihn gequält. „Ein philharmonisches Orchester 

klingt einfach nur schön, jedes einzelne Instrument 

ist zu hören, nichts muss verstärkt werden." 

Mit der vor 40 Jahren gegründeten Gruppe Kreis war 

er in den 70ern der größte Popstar der DDR. Heute 

hält er es mit wagnerscher Dramatik. Arnold Fritzsch ist 

ein musikalisches Phänomen. Sein bisher ambitioniertestes 

Werk, das Oratorium „Hadubrant", erlebte Anfang März 

dieses Jahres seine Uraufführung in Berlin. Er machte sich 

als Filmkomponist ebenso einen Namen wie als Erfinder leicht 

verdaulicher Schlagermelodien. Und die populäre Unterhaltungsmusik 

in den 80er Jahren in Ostdeutschland wäre ohne ihn faktisch 

undenkbar. 

Ein Trumpf von Kreis: 

hübsche junge Menschen in stilvollen Klamotten 

Seite 24 ■ GoodTimes 2/2013 ■ Music from the 60s to the 80s 

Und vom Genuss zur schöpferischen Kreativität 

ist es bei Arnold Fritzsch seit jeher nur 

ein relativ kleiner Schritt. Als er 2010 „Planet der 

Drachen" komponiert hatte, ein „Weltraumabenteuer 

für Orchester und Erzähler", spürte er, dass 

er in der Lage sein könnte, den Menschen Musik 

zu hinterlassen, die die Zeit überdauert. Und so 

entstand „Hadubrant". Fritzsch sieht das Projekt 

von Carl Orffs „Carmina Burana" ebenso beeinflusst 

wie vom „neu erwachten Selbstbewusstsein 

der Deutschen". Die Geschichte des Vaters, 

der seine Familie verlässt, um in den Krieg zu 

ziehen, und nach vielen Jahren bei seiner Rückkehr 

einem Heer gegenübersteht, das sein Sohn anführt, transportiert für Fritzsch 

aber nicht nur Historie. „Die Familiengeschichte, die sich dahinter verbirgt, ist 

brandaktuell", sagt er. „Viele Väter gehen weg von ihren Kindern und kommen 

erst später zurück. Auch ich habe meinen Sohn verlassen, als er vier war." Dass 

„Hadubrant" in Althochdeutsch vorgetragen wird, 

stellt für den Komponisten keine Barriere für das 

Verständnis dar. „Dass man den Text nicht immer 

nachvollziehen kann, ist völlig in Ordnung", meint 

der 61-Jährige. „Eigentlich ist das Problem der 

deutschen Popmusik ja gerade, dass man jedes 

gesungene Wort versteht. Das ist gar nicht nötig, 

wenn das Lied gut genug ist." Nicht umsonst sei 

die englischsprachige Musik weltweit so populär 

– 

obwohl die Texte von den meisten Hörern nicht 

verstanden werden. 

Arnold Fritzsch ist zufrieden mit sich. „Ich fühle 

mich derzeit so wohl wie nie zuvor in meinem 

Leben", sagt er mit Euphorie in der Stimme. „Das 

ist schon merkwürdig. Denn zur Zeit meiner größten 

Popularität hatte ich fast nur Depressionen." 

Gemeint sind die Jahre mit der Gruppe Kreis, die 

die ostdeutsche Rock- und Popszene für einige 

Jahre gehörig durcheinanderwirbelte. „Die Bands 

in der DDR klangen zu Beginn der 70er alle ziemlich 

ähnlich", erzählt Fritzsch. „Electra, Lift, Stern- 

Combo Meißen und wie sie alle hießen – das fand 

ich alles doof. Ich wollte Musik, die tanzbar ist, in 

die Beine geht." Und so wurde 1975 ausgerechnet 

die B-Seite der ersten Single, "Doch ich wollt' es 

wissen", zu einem Überhit. Der Song erlangte eine 

derart große Popularität, dass er ein Jahr später 

bei Decca in der Bundesrepublik in zwei verschie-

denen Versionen ebenfalls als 45er erschien. „Wir waren von Knall auf Fall ganz 

oben", beschreibt der Komponist des Liedes die Situation von damals. „Überall 

wurde man erkannt, die Mädchen standen auf einen – 

plötzlich der populärste junge Mann des Landes zu sein, 

hat mich völlig entwurzelt." Von Anfang an habe er sich 

unter Druck gesetzt, sei er immer bemüht gewesen, den 

Erfolg zu wiederholen, was mit der schlicht KREIS betitelten 

Debüt-LP 1976 auch gelungen zu sein schien. 

250.000 Stück gingen davon über die Ladentheken. Die 

jungen Leute im Osten hatten ganz offensichtlich genug 

von den inhaltsschwangeren Progressiv-Ergüssen 

der im Rundfunk hoch- und runtergespielten DDR-Rock-Vertreter. Kreis servierten 

pure Disco-Musik, und das auf international allerhöchstem Niveau. Hier war eine 

DDR-Band am Start, bei der die Tanzflächen der Diskotheken voll blieben, wenn 

ihre Songs gespielt wurden. Ob "Wirst du da sein", "Ich will dich", "Philly’s Dance" 

oder "Und wir gingen auf uns zu" – Arnold Fritzsch schrieb Songs im Philly Sound, 

als hätte er nie etwas anderes getan. „Dabei hatte ich Trompete studiert und sogar 

Free Jazz gemacht", erzählt er. 

„Spätestens als ich gesehen habe, 

wie viel Scharlatanerie da eigentlich 

bei ist, habe ich mich ohne 

Wenn und Aber zum Pop bekannt." 

Das fiel ihm leichter, als es klingt, 

war Fritzsch doch ein fanatischer 

Beatles-Fan. „Sie waren der Anfang 

und das Ende", sagt er konsequent. 

„Ich habe die Musik immer 

aus dem Blickwinkel eines Beatles- 

Anhängers betrachtet." Weshalb 

Fritzsch auch grundsätzlich großen 

Wert auf das Erscheinungsbild seiner 

Band legte. Ihm ist klar, dass 

das moderne Styling, die aufeinander 

abgestimmten Klamotten einen 

nicht unwesentlichen Einfluss auf 

die Beliebtheit unter der Jugend 

gehabt haben dürften. Und Eva 

natürlich: „Ich wollte immer ein 

Mädchen in der Band haben. Das 

war es ja, was ich zum Beispiel an 

Abba oder Fleetwood Mac so gut 

Eva Fritzsch 

fand. Sie war ein süßes Mädchen, das kam 

gut an." Dass Eva und Arnold verheiratet 

waren, tat der Begeisterung der Fans zwar 

keinen Abbruch, im Ausland wurden beide 

allerdings als Geschwister verkauft. „Man 

wollte dort die Sehnsüchte der Teenager 

befriedigen", erinnert sich Fritzsch. „Als 

Geschwister waren wir ja immerhin noch 

zu haben." 

Die Kulturverantwortlichen in der DDR machten sich wegen Kreis weniger Gedanken. 

Im Gegenteil. Für sie war die Band trotz – oder gerade wegen – ihres 

Erfolgs schon nach der ersten LP ein Auslaufmodell. „Die Medien hatten einen 

regelrechten Hass auf uns", sagt der einstige Kreis- 

Frontmann. „Marianne Oppel vom Jugendradio DT 64 

erzählte mir mal, dass in ihrer Sendung bei jedem Kreis- 

Titel ein negativer Kommentar hinzugefügt wurde. Und 

René Büttner von Amiga raunte mir auf einer damaligen 

Party zu: ,Die DDR braucht die Gruppe Kreis nicht.'" 

Da war die zweite LP der Band, ALLE MANN AN DECK 

(1978), bereits erschienen. Disco-Sound stand noch im 

Vordergrund, die Gruppe gab sich streckenweise aber 

bereits rockiger. Fritzsch: „Die Platte war lange nicht mehr so erfolgreich wie ihr 

Vorgänger. 85.000 Stück wurden verkauft. Sie zeigt eine Band auf der Suche nach 

ihrer Richtung." Diese Suche hatte den Sänger und Komponisten sehr stark seinen 

Beatles nahegebracht. "Rock’n’Roll Madonna" erinnert im Titel nicht zufällig an 

"Lady Madonna", "Alle Mann an Deck" wurde zum "Yellow Submarine" von Kreis 

und war bezeichnenderweise auch von Schlagzeuger Uwe Perschke eingesungen 

worden. "Ich war der 5. Beatle" muss nicht kommentiert werden, und "Sie ist 

immer noch allein" erzählte die Geschichte von "She Loves You". Der Song ist der 

genialste im Schaffen der Gruppe, ein Lied für die Ewigkeit. „Das sehe ich auch 

so", sagt Fritzsch. „Diese Melodie und dieser Groove, der schon etwas von Rammstein 

hatte – das war etwas ganz Besonderes." 

Konzerte gab es weiter reichlich. Vor allem die Auslandstourneen wurden mehr. 

In der CSSR und in Bulgarien war es für Kreis schon nichts Außergewöhnliches 

mehr, vor mehreren tausend Fans pro Konzert zu spielen. In Kuba waren es manchmal 

bis zu 7000. An Plattenproduktionen war aber nicht 

mehr zu denken. Amiga hatte die Türen verschlossen. 

Da kam ein Angebot des tschechoslowakischen Labels 

Supraphon gerade recht. „Wir waren dort sehr populär", 

erinnert sich der Sänger. „Also lag es nahe, eine LP 

zu machen. Und sie sollte auf Englisch sein. Das hatte 

ich mir schon immer gewünscht." Einziges Manko: Der 

Gruppe wurden sowohl ein Fremdkomponist als auch 

-texter zur Seite gestellt. „Ich habe zu der LP ein gespaltenes 

Verhältnis. Sie ist nicht ganz meins. Es war aber ein Erlebnis, in einem Studio 

zu arbeiten, das vollkommen mit 

Westtechnik ausgerüstet war. Der 

Klang der Scheibe ist daher auch 

sehr gut." Die erneut wieder selbst 

betitelte LP lief im südlichen Nachbarland 

der DDR bestens, zu Hause 

bekamen die Fans nicht einmal mit, 

dass sie veröffentlicht worden war. 

Ebenso die Westplatte KREIS 

von 1980. Das bei Rocktopus 

herausgebrachte Teil wurde wieder 

ausschließlich von Fritzsch-Kompositionen 

beherrscht. „Wir mussten 

zu anderen Labels ausweichen, 

denn Amiga wollte mit uns partout 

keine Platten mehr machen", bedauert 

der Bandchef die damalige 

Situation. „Allerdings ist die LP 

– übrigens mit einer völlig neuen 

Mannschaft eingespielt – sehr 

unentschlossen." Es sei zu spüren 

gewesen, dass es für Kreis keine 

Zukunft mehr gab. Wenngleich mit 

"Nenn mich einfach Robinson" und "Auf Engel schießt man nicht" gerade zwei 

potenzielle Hits auf Single erschienen waren. 1982 löste Arnold Fritzsch seine 

Band auf. Damit einher ging die Trennung von Eva. „Heute weiß ich, dass ich nie 

wieder mit meiner Ehefrau auf die Bühne gehen würde", sagt der Musiker bestimmt. 

„Beruf und Ehe sollten immer zwei Paar Schuhe sein. Anders funktioniert 

das nicht." 

Der notenverliebte Fritzsch entwickelte sich in den 80ern zum Hitlieferanten 

Nummer eins. Dort, wo DDR-Künstler die aktuellsten Poptrends bedienten 

oder gar Neues vorwegnahmen, hatte der Ausnahmekünstler seine Finger mit im 

Spiel. Er schrieb für Olaf Berger, Wolfgang Lippert, Arnulf Wenning und vor allem 

für Ines Paulke, die mit Hilfe von Fritzsch-Kompositionen zum weiblichen Top- 

Star der End-80er wurde. Nicht zu vergessen das Pop-Projekt, das auf zwei LPs 

(1987 und 1990) mit High Energie, HipHop und Elektro Pop durchstartete. Der 

Komponist selbst fiel wie eigentlich alle Ost-Stars nach der Wende in ein Loch. 

„Ich wurde mit 39 Jahren all meiner Netzwerke beraubt", erklärt er. „Und die 

sind für einen Künstler das Wichtigste." Das Solo-Album ICH WILL DICH LIEBEN 

(1992) floppte. „Wenn du Geld verdienen willst, musst du Filmmusiken schreiben. 

Und so konzentrierte ich mich fortan auf dieses Gebiet." Das hatte er auch in den 

80ern schon erfolgreich beackert. Seine Melodien für „Jockei Monika" (1981) und 

„Polizeiruf 110" (ab 1984) waren und sind begehrt. Bis 2008 war er an unzähligen 

TV-Produktionen beteiligt. 

Dass Arnold Fritzsch jetzt bei orchestralen Werken gelandet ist, deckt sich übrigens 

einmal mehr mit der Entwicklung seines Vorbilds Paul McCartney. Der 

lieferte mit zunehmendem Alter ja ebenfalls Sinfonisches ab. Abgeschaut hat er 

sich von dem berühmten Briten allerdings nichts: „Dass ich jetzt so etwas mache 

wie das Oratorium, liegt nicht daran, dass ich es so machen wollte wie McCartney. 

Ich bin bei der orchestralen Musik angekommen, weil ich so bin, weil es mich 

dorthin getrieben hat." 


Von Bernd Matheja 

Potsdam-Babelsberg, Tuchmacherstr. 45: Hier stand die Fertigungsstätte e 

n 

des VEB Deutsche Schallplatten – bis 1945 genutzt von Tempo Schallplatten 

Auferstanden aus Ruinen – 

nach der Wende ausverkauft 

Vor 60 

Jahren wurde die Ost-Berliner 

Lied der Zeit Schallplatten GmbH von der 

DDR verstaatlicht. Eines der Labels, Amiga, das 

ist noch heute – vor allem für einige BRDler – eine 

relativ Unbekannte. Wie auf fast jeder anderen Marke 

gab es hier Unsägliches, aber auch etliche Veröffentlichungen, 

hinter denen Sammler her sind. Ein Info- 

Querschnitt (Schwerpunkt: Rock/Pop) durch die 

Historie einer Monopolfirma. 

AMI 

AM 

· 

AMIGA A 

DIE ANFÄNGE 

· AMIGA AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA 

· AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA · AMIGA 

AMIGA 

Alles kaputt. Kaum noch etwas ging für die deutsche Schallplattenfertigung 

nach Ende des Zweiten Weltkriegs: Fast alle Fabriken und Gerätschaften 

zerbombt, Vertriebswege gesprengt, Personal unter der Erde. Der Sänger 

und Schauspieler Ernst Busch (1900–1980) – in Spanien 1937/38 gegen die 

Faschisten aktiv – erhielt am 12.8.1946 in Berlin von den sowjetischen Besatzern 

eine Lizenz zur Plattenherstellung. Er startete am 3.2.1947 die Lied 

der Zeit Schallplatten GmbH (Unter den Linden 52) inklusive Musikverlag 

(Linienstr. 139–140); Busch fiel später bei den Machthabern als nicht regimekonform 

in Ungnade, u.a. wegen seiner Vorliebe für Ami-Jazz und weil er 

Buntmetall geklaut haben soll ... Am 1.4.1953 wurde seine Gesellschaft verstaatlicht 

und in VEB Lied der Zeit (Taubenstr. 4–6) umbenannt. Der volkseigene 

Betrieb hieß ab 18.3.1955 VEB Deutsche Schallplatten Berlin, er unterstand 

dem Ministerium für Kultur. 

Zum neuen DDR-Monopolunternehmen für Vinyl- und MC-Produktionen, ab 

1960 mit Sitz am Ost-Berliner Reichstagufer 4–5, gehörten bis zum Ende 

GA 

· A 


des Staates 1990 sechs Labels: Eterna (u.a. Klassik, Oper & Co.), Schola (Schulunterricht), 

Nova (neue sinfonische Musik), Litera (Sprechaufnahmen), Aurora 

(Busch-Platten, ab 1978) und Amiga (spanisch „Freundin"), u.a. für zeitgenössische 

Tanz- und Unterhaltungsmusik, Pop, Rock, Jazz und Blues. Gepresst wurde 

in der Tuchmacherstraße 45 in Potsdam-Babelsberg (bis 1938: Nowawes). 

Man übernahm die – im Krieg nahezu verschont gebliebenen – Räumlichkeiten 

und Fertigungswerkzeuge des seit 1937/38 produzierenden Presswerks der ehemaligen 

Tempo Schallplatten GmbH Otto Stahmann (die ihre Produktion nach 

Großhesselohe bei München verlagerte). 1962 wurde es technisch aufgepeppt, 

um – nach Singles und EPs – auch LPs in die Läden bringen zu können; die 

waren bis dahin aus den Maschinen der Prager Supraphon gekommen. Musik- 

Cassetten liefen in Berlin-Johannisthal vom Band. 

AMIGA 

Im VEB-Label-Verbund erwies sich die Amiga-Marke schnell als die thematisch 

und – mit 50 Prozent des Umsatzes – auch als wirtschaftlich interessanteste, 

obwohl ihr Veröffentlichungsanteil hausintern lediglich 26 Prozent betrug. 

Hauptsächlich Musik von Unterhaltungsorchestern, anfangs auch Operetten 

und bald darauf Schlager, 

landeten auf die- 

sem Etikett. Dabei lag 

der Interpretenschwerpunkt 

lange 

bei Künstlern 

aus der DDR und 

aus sozialistischen 

Bruderländern, um 

Kaufinteressenten vor 

dem Klassenfeind abzu- 

Label ab 1947 Label ab 1963

schirmen (was das Gegenteil 

bewirkte). Mit 

dem Aufmarsch von 

Rock'n'Roll 

und 

Beat rückten auch 

in der DDR immer 

öfter staatlich geprüfte 

Bands in den 

Fokus: Neben beliebtbiederen 

Solisten wie 

Label ab 1967 Label ab 1981/82 

u.a. Fred Frohberg, Bärbel 

Wachholz und Helga Brauer standen jetzt auch die 

Theo Schumann Combo, Rote Gitarren, die Sputniks 

und Butlers auf den Veröffentlichungslisten – und 

sei es auch „nur" auf Singles, Kopplungen und 

den beiden sehr gefragten BIG BEAT-LP-Samplern 

von 1965. Um die jugendliche Kundschaft 

nicht gänzlich zu vergrätzen, entschieden sich 

die Verantwortlichen dann für einen Schritt, der 

das Amiga-Programm schon bald nachhaltig prägen 

sollte: Sie griffen ins Repertoire der Kapitalisten-ten- 

n der 

Label ab 1984 

Konzerne, obwohl zu entrichtende Lizenzgebühren 

Ebbe in der Staatskasse nicht eben zuträglich waren. 

LIZENZÜBERNAHMEN 

Zwei nominelle Kracher blieben in den Sechzigern zwar allein auf weiter LP- 

Flur, doch ein Anfang war gemacht: Nach Singles 

von 1963/64 mit Polydor-Material aus der Hamburg- 

Zeit erschien bereits im April 1965 THE BEATLES (8 

50 040), eine Kopplung mit frühen Songs wie u.a. 

"She Loves You", "A Hard Day's Night" und "Please, 

Mr. Postman". Zwei Jahre später folgte der Mix BOB 

DYLAN (8 45 040): Für diese LP-Mega-Rarität in 

spe werden heute etwa 500 bis 1000 Euro gezahlt. 

Zwischen renommierten Jazzern wie Duke Ellington, 

Django Reinhardt, Nat „King" Cole, Count Basie, 

Dave Brubeck und anderen standen jedoch nur 

die Fab Four und Dylan für den neuen musikalischen 

Trend. Und selbst sie wurden fix abgewürgt: Nach 

nur zwei LPs zog der Staatsratsvorsitzende, Moskau- 

Marionette und Betonkopf Walter Ulbricht, zunächst 

den Stecker, um den Nachwuchs vor weiterem West- 

Unheil zu bewahren: Erst neun bzw. zwölf Jahre danach 

gab es neue Produkte der Stars aus England 

und den USA. 

Schon um 1963 waren von der DDR pro lizenziertem West-Tonträger zehn 

Prozent (und mehr) vom Ost-Verkaufspreis jedes einzelnen Exemplars an die 

BRD-Firmen abzuführen. Beim festgesetzten Verkaufspreis von 16,10 Ost-Mark 

und einer Beispielauflage von lediglich 10.000 Stück betrug dies bei nur einer 

einzigen Langspielplatte bereits 16.100 Mark. Auch so wird die Knappheit verfügbarer 

Alben erklärlich. Und das Abspielen von Westmusik in der DDR wurde 

ebenfalls nicht nur limitiert, „um Erscheinungen der Dekadenz und des Verfalls 

zu bekämpfen", sondern auch, um „unangemessene Devisenverpflichtungen zu 

verhindern": Bereits Ende der Fünfziger musste die DDR-Urheberrechtsgesellschaft 

Awa (Anstalt zur Wahrung der Aufführungsrechte auf dem Gebiet der 

Musik) nach damaligen Ostangaben rund 2,5 Millionen Westmark pro Jahr ins 

nicht-sozialistische Ausland überweisen – trotz einer staatlich verfügten „Programmgestaltung 

bei Unterhaltungs- und Tanzmusik" (2.1.1958), kurz als 

„60/40-Regelung" bezeichnet: Danach durften Radiosendungen und Künstlerrepertoires 

nur noch 40 Prozent Musikstücke enthalten, für die Tantiemen an den 

Klassenfeind zu entrichten waren. 

Trotz Lizenz-Veröffentlichungen (jeweils abzusegnen vom Komitee für Unterhaltungskunst, 

unterstellt dem DDR-Ministerrat) von z.B. Niemen und SBB 

aus Polen und der ungarischen Omega nahm der 

Druck auf dem Kessel in den Siebzigern zu. Neue 

Schlagerstars (wie Frank Schöbel, Chris Doerk, Dagmar 

Frederic, Hauff & Henkler) rückten zwar innerstaatlich 

nach, rockten aber in den Amiga-eigenen 

Aufnahmestudios u.a. in Ostberlin, Leipzig und 

Dresden zwangsläufig weniger vehement. Auch illustre 

Auslandsgäste wie Gilbert Becaud, Edith Piaf, 

Rita Pavone, Mireille Mathieu und Yves Montand 

bedienten eine andere Kundschaft. Neben handfesteren 

Inlandsband-Kreationen z.B. von der Klaus 

Renft Combo, den Puhdys, Kreis, Lift, Wir, Engerling, 

City und Karat konnten international gefragte 

Namen nicht länger außen vor gelassen werden. Zu 

den wichtigsten West-Jugendverderbern auf dem 

staatseigenen Amiga-Label gehören JIMI HENDRIX 

(8 55 378; 1974), ABBA (8 55 465; 1975), SANTA- 

NA (8 55 519; 1977) und auch DEEP PURPLE (8 55 

562; 1977). Dabei waren 1:1-LP-Originalübernahmen aus Kostengründen unmöglich, 

der Trend zur Compilation blieb erhalten; folglich lauteten Bandname 

und Albumtitel fast immer gleich. Ideologisch willkommener Nebeneffekt 

der meist weltweit exklusiven Zusammenstellungen: Auf diese Weise konnten 

die Politkontrolleure textlich unliebsame Songs vorab eliminieren. 

Auch Longplayer u.a. von den Rubettes, von Elton John, Cat Stevens, Smokie, 

den Bee Gees, Chicago, Simon & Garfunkel, Cliff Richard, Stevie Wonder 

und Fleetwood Mac standen am Ende des Jahrzehnts im Angebot – und die 

Fans in langen Schlangen vor den Verkaufsstellen mit so verlockenden Namen 

wie Takt und Ton, Melodie und Musik für Dich, wenn neue Ware in nur kleiner 

Auflage eingetroffen war. Für nahezu alle Amiga-LPs – rund 40 pro Jahr mit 

einem halben Dutzend Neuerscheinungen – waren über die Jahre unverändert 

(und subventioniert) 16 DDR-Mark zu berappen, 

plus zehn Pfennig „Abgabe für das sozialistische 

Kulturleben". Verfügbare Gesamtkataloge waren 

spärlich gesät, zeitnahe Reklame entfiel, Mundzu-Mund-Propaganda 

genügte. 

In den Achtzigern war der Trend nicht mehr zu 

stoppen. Das Land rutschte ohnehin immer tiefer 

in die roten Zahlen, da machten abzudrückende e 

Lizenzen den Kohl auch nicht mehr fett. Von Uriah 

Heep, Queen und Procol Harum über The Who, Ge- 


nesis, die Kinks bis zu CCR, Cream, Eric Clapton und T.Rex reichten die Amiga- 

Veröffentlichungen der Klassenfeinde zwischen 1980 und 1989. 

SAMMLER- & FAN-INTERESSE 

Die ganz große Rundum-Nachfrage für Amiga-LPs (Eigen- und Lizenzprodukte) 

blieb nach der Wende aus bzw. hat sich erheblich abgekühlt; der 

Markt wurde – auch mit Restposten und aus Lagerbeständen – regelrecht überschwemmt. 

Weite Teile der Repertoire-Palette werden inzwischen in Plattenläden 

und bei Internetauktionen für Niedrigpreise verscherbelt. Dennoch sind etliche 

Veröffentlichungen gefragt: g frühe Raritäten (Dylan, Beatles, s.o.) sowieso, 

aber auch andere. 

So versuchen 

Reihensammler, 

ihre 

Kollektionen 

mit 

AMIGA- 

EXPRESS (ab 

1963), HAL- 

LO (ab 1972), 

BOX 

(ab 

1973) und 

KLEEBLATT (1979–1990) 1990) zu vervollständigen; auch die QUARTETT-EPs 

(rund 230 verschiedene von 1980 bis 1990, mit vielen UK/US-Stars wie Status 

Quo, Elton John/John Lennon, Little Steven u.a.) haben Fans. 

Hier und bei vielen Alben aus dem Bereich Rock/Pop wecken die DDRexklusiven 

Songzusammenstellungen das Interesse. Zweiter „Bringer" 

für Amiga-Fans: die Covergestaltung, die es bei vielen Ausgaben weltweit 

nur auf diesem Label gab. Die Hüllen, meist (hoch-)glanzlose Stumpf-Pappe, 

zeigten ungewohnte Fotos, andere bestanden – Kosten sparend – lediglich 

aus biederen Schriftmotiven. Gefertigt wurde ausschließlich im thüringischen 

Gotha (Florschützstraße) beim VEB Gotha-Druck, seit 1971 zum VEB Ernst 

Thälmann in Saalfeld gehörig. Umschlag und auch Labels mussten (Stichwort: 

Planwirtschaft) jeweils schon mehrere Monate im Voraus hergestellt werden, 

obwohl oft noch gar keine exakte Auflagenhöhe fixiert war. Folge: entweder 

Überbestände oder Unterdeckung und entsprechende Probleme, wenn eine 

dem- 

Veröffentlichung anstand (oder sie 

womöglich ausblieb, weil es Ärger 

um Lizenzerteilungen gab). 

Zu den echten Amiga-Rock/ 

Pop-Perlen gehören die 

teilweise extrem seltenen 

und heute sehr teuren unverkäuflichen 

Musterplatten, 

die als gestempelte e 

Weißmuster (früheste Variante) 

oder bereits mit Farb etikett ett 

klammheimlich aus dem Presswerk 

in Babelsberg entfleuchten. 

Wenige landeten bei den SPUs s(„Schall- 

ABGESANG 

plattenunterhalter" = 1973 per 

Gesetzblatt festgezurrte DDR-Bezeichnung 

für staatlich geprüfte 

[!] DiscJockeys), andere Exemplare 

gingen an Werksmitarbeiter. Noch 

gesuchter sind Muster für LPs, 

die als Devisenbringer lediglich 

in den Intershops gegen hartes 

Nicht-DDR-Geld verkauft wurden. 

Für diese Alben lieferten lizenzgebende 

West-Plattenfirmen sehr 

häufig die Cover, das Vinyl kam 

stets aus Potsdam-Babelsberg. 

Der Ausverkauf der DDR bedeutete auch das Ende für Amiga und die zuletzt 

noch in Deutsche Schallplatten Berlin GmbH umbenannte Dachfir- 

ma. Knapp unter 100 Millionen Platten und MCs waren zwischen 1955 und 

1989 im Land gefer- 

tigt worden. Das 

Archiv 

zählt 

etwa 2200 

LPs (rund 

700 aus 

dem 

Be- 

r e i c h 

R o c k / 

Pop) und 

ca. 5000 

Singles mit 

einem 

Gesamtvolumen 

von 

30.000000 Songs. Bestseller: WEIHNACHTEN 

N IN FAMILIE (LP, 1985; Frank Schöbel 

& Aurora Lacasa; 1,4 Mio.), ROCK'N'ROLL MUSIC (LP, 1977; Puhdys; 1,1 

Mio.) und DER BLAUE PLANET (LP, 1982; Karat; 950.000). CD-Ausgaben 

gab es davon damals nicht, in der DDR wurden aus Kostengründen keine 

Compact Discs hergestellt; Exemplare, die in den Achtzigern noch ins Land 

kamen, hatte – wie bis 1962 die LPs – die tschechische Supraphon p gefertigt. 

Michael und Birgit Rauhut haben 

den Amiga-Rock/Pop-Ausstoß 1999 als 

575-Seiten-Buch bei Schwarzkopf & 

Schwarzkopf veröffentlicht; es ist seit 

ewigen Zeiten vergriffen, wurde leider er 

nie neu aufgelegt. 

Die Deutsche Schallplatten Berlin 

GmbH funktionierte nicht. Anfang 

1993 wurde das Eterna-Label an edel 

(Hamburg) verkauft. Nach angemeldeter 

Insolvenz wanderten im Herbst 1993 

die Marken Amiga und Litera zur ehemaligen 

BMG Ariola München GmbH, 

die längst in Sony Music Entertainment 

Inc. aufgegangen ist. Der Amiga- 

Backkatalog wird damit dort verwaltet, 

wo einst alles begann – in Berlin. 


Albert Hammond 

Von Philipp Roser 

Alter Mann mit dem 

Enthusiasmus eines Jünglings 

Der gebürtige Londoner Albert Hammond wuchs in Gibraltar auf, begann seine Karriere 

als Profimusiker in Spanien, ehe er mit 18 ins UK zurückkehrte und als Songwriter 

Fuß fasste. "Little Arrows" in der Version von Leapy Lee war sein erster Welthit, dem 

bis heute zahllose weitere folgten – für die Hollies, Julio Iglesias, Starship und zuletzt 

Duffy. Mit "I'm A Train", "It Never Rains In Southern California" oder "The Free 

Electric Band" gelangen Hammond in den 70er Jahren eigene Erfolge. Nachdem er jahrzehntelang 

nicht live zu erleben war, kommt der 68-Jährige mit seinem neuen Album 

LEGEND II im April/Mai auf Deutschland-Tour. 

Wann warst du hier zuletzt auf Tour, Albert? 

Oh, das muss schon ewig lange her sein – es ist meine erste richtige Tour seit 1973 

oder 1974, glaube ich. Ich habe 2011 wieder angefangen, live zu spielen. 

Was war der Auslöser, wieder auf die Bühne zu gehen? 

Ich hatte damals aufgehört zu touren, als mein Sohn Albert jr. zur Welt kam. Ich 

war für meine beiden älteren Töchter ein schlechter Vater gewesen, weil ich dauernd 

unterwegs war. Ich beschloss, nicht zu touren und nicht mehr aufzunehmen. 

Ich produzierte nur noch andere Künstler, darunter so großartige Leuten wie Neil 

Diamond, Diana Ross, Whitney Houston, Willie Nelson, Johnny Cash oder Roy 

Orbison. Eines Tages sah ich Albert jr. mit seiner Band The Strokes auf der Bühne 

und dachte mir: Sohn, das habe ich für dich aufgegeben, und jetzt stehst du da 

oben! Ich beschloss, eine neue Platte mit meinen eigenen Songs zu machen und 

die dann auch live zu präsentieren. Ich komme zwar als alter Mann zurück, aber 

mit all dem Enthusiasmus eines jungen Burschen! 

Auch nach der Veröffentlichung von LEGEND dürfte es schwierig gewesen sein, die Songs für 

die neue CD auszuwählen? 

Ja, es ist immer schwer, weil man viele weglassen muss. Aber ich denke, mit diesen 

beiden LEGEND-Scheiben ist es genug. Ich werde weiter aufnehmen, weil es mir 

so viel Spaß macht. Dann aber neue Songs! 

Beschäftigt man sich mit deinen Songs, fällt auf, dass du zwar die typischen Themen rund um 

die Liebe dabei hast, aber auch oft politische Themen aufgreifst ... 

Aber natürlich! Auf REVOLUTION OF THE HEART hatte ich den Song "Not In 

My Name”, in dem ich in Richtung der Regierungen sage: Wenn ihr schon andere 

Länder bombardiert, dann bitte nicht in meinem Namen! Das Schöne am 

Songwriter-Dasein ist doch die Freiheit, sagen und singen zu können, was ich will! 

Schließlich leben wir – hoffentlich – in einer freien Gesellschaft. 

THE STUDIO ALBUMS 

1972-1979 

EAGLES // DESPERADO // ON THE BORDER // 

ONE OF THESE NIGHTS // HOTEL CALIFORNIA // 

THE LONG RUN 

Ab Ende März im Handel 

FAREWELL I TOUR – 

LIVE FROM MELBOURNE 

DAS LEGENDÄRE EAGLES-KONZERT 

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ALBEN 

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! REVIEWS 

HIGHLIGHTS 

CD 

In seiner britischen Heimat genießt Paul 

Roland, Singer/Songwriter, Autor von 

Sachbüchern (Musik, Esoterik, Lebenshilfe), 

Journalist und Forscher in Sachen 

paranormaler Erscheinungen, geradezu 

Kultstatus, auf dem europäischen Festland 

hat er ebenfalls eine zwar nicht riesige, aber 

umso loyalere Hardcore-Anhängerschar. 

So konnte er es sich leisten, neben der regulären 

Veröffentlichung seines neuen Albums 

BATES MOTEL für seinen Fanclub 

(ja, den gibt’s) eine strikt 

limitierte (100 Exemplare), 

modifizierte Auflage herauszubringen, 

deren Wert er mit 

vier Bonus-Tracks steigerte. 

Die erschöpft sich zwar in 

Varianten von Albumtiteln, 

doch genau das ist das Futter, 

nach dem hartgesottene 

Sammler gieren. 

1979 veröffentlichte Roland 

(mit John Williams) 

als Weird Strings seine erste 

Single “Oscar Automobile” im Eigenver- 

lag (100 Exemplare) – wie er seine Werke 

in der Folge öfter unter Pseudonymen herausbrachte: 

Unter Midnights Rags und 

Beau Brummel sind frühe Werke bis 1982 

zu finden. Über zwei Dutzend LPs und CDs 

brachte Roland seither unters Volk, und das, 

obwohl er 1997 seine Musikerlaufbahn für 

gut sechs Jahre unterbrach: Mehrere Labels, 

mit denen er zusammenarbeitete, meldeten 

Konkurs an, außerdem habe er (*6.9.1959 

in Kent) sich zu alt für einen Indie-Musiker 

gefühlt und wollte seine Söhne aufwachsen 

sehen, wie er später verriet. Viele seiner 

(Mini-)Alben aus der Vinylzeit sind in den 

letzten Jahren auf dem deutschen Label Syborg 

Music remastert, 

mit reichlich Bonus- 

Tracks, einigen stark 

überarbeiteten 

Songs 

(komplette Tonspuren 

hinzugefügt oder weggelassen), 

teilweise 

auch als 2-Vinyl-auf- 

1-CD 

wiederveröffentlicht 

worden und 

weiterhin 

erhältlich. 

Von einigen Scheiben 

gibt es zudem leicht 

differierende Versionen, die exklusiv über 

seinen Fanclub oder nur in anderen Ländern 

erhältlich waren. Eine seriöse Zählung 

seiner „richtigen” Alben ist deshalb nicht 

möglich, eine einigermaßen vollständige 


PAUL ROLAND 

BATES MOTEL 

Sammlung mit sowohl originalen als auch 

alternativen und/oder neuen Versionen umfasst 

jedoch mehr als 25 CDs. 

Meistens macht Roland eher Gothic Folk 

und/oder Folk-Rock, zwischendurch überrascht 

er aber immer wieder mit 

weitgehend rockigen Alben. 

BATES MOTEL gehört zu Letzteren. 

Songs wie “Kali”, “Wailing 

Well” und “Cain” kommen 

dem Stil seiner „anderen” Seite 

allerdings nahe. „Bates Motel” 

war der Originaltitel des Hitchcock-Klassikers 

„Psycho” – Assoziationen 

in Richtung “Hotel 

California”, speziell zur Textzeile 

„You can check-out any time you like, but 

you can never leave”, bezeichnete Roland 

selbst als durchaus zulässig. 

Ausgangsbasis für das Album war eine geplante 

Zusammenarbeit mit Velvet Underground: 

Als der Musikjournalist Roland 1985 

bei einem Interview mit der Kulttruppe diesbezüglich 

anfragte, signalisierten Maureen 

„Moe” Tucker, Nico und Sterling Morrison 

Interesse. Die Planungen liefen an, Roland 

nahm erste Backingtracks auf, doch dann gab 

es technische Probleme (die Bandmaschinen 

waren nicht kompatibel und schließlich ver- 

hinderten der Tod von Nico (1988) und Morrison 

(1995) eine Realisierung, wie Roland 

in den Liner-Notes schreibt. Doch nun stieg 

er in sein Archiv, holte die Entwürfe aus der 

Schublade, dazu Songs, die er seinerzeit für 

eine geplante Re union 

von John’s Children 

geschrieben hatte. 

Diese Vorlagen überarbeitete 

er und nahm 

sie auf, gemeinsam mit 

Sonny Midnight (g), 

Tony Jacks (org), Sohn 

Joshua Roland (b) und 

James Count (dr). 

Absolut hörenswert 

nicht nur für Fans des 53-Jährigen. Liebhaber 

der knackigeren Gangart kommen 

bei “I Was A Teenage Zombie”, “How I 

Escaped From Devil’s Island” und “Tortured 

By The Daughter Of Fu Manchu” 

(das erstaunliche Übereinstimmungen mit 

Iggy Pops “Real Wild Child” aufweist/ 

dieses zitiert) auf ihre Kos ten. Textinhalte, 

starke Melodien und seine Stimme machen 

auch diese Songs wieder zu typischen Roland-Nummern. 

(Sireena/Broken Silence, 2013, 

12/46:20) pro 

lik b ih f F d 

DVD 

GRATEFUL DEAD 

THE GRATEFUL DEAD 

MOVIE 

BOX 

FAMILY 

ONCE UPON THE 

TIME 

„There’s nothing like a Grateful Dead 

concert”, lautet ein bekannter Spruch unter 

Deadheads, der treuen Fangefolgschaft 

der kalifornischen Band. Doch was genau 

machte ein Konzert der Westcoast-Legende, 

vor allem in den 60ern und 70ern, so 

unvergleichbar? Und: Ließ sich diese Magie 

auch auf Zelluloid bannen? 

Im Oktober 1974 standen Grateful 

Dead in ihrer Heimatstadt 

San Francisco fünf Nächte lang 

auf der Bühne des Winterland 

Ballrooms. Die Konzerte wurden 

akustisch und optisch aufwändig 

mitgeschnitten – für 

das Live-Doppelalbum STEAL 

YOUR FACE und den unter 

der Regie von Leon Gast 

(„When We Were Kings”) und 

Dead-Gitarrist/Sänger Jerry Garcia a 

entstandenen Film „The Grateful 

Dead Movie”. Der schon in der Kinofassung 

über zwei Stunden lange 

Streifen wurde freilich zu sehr viel 

mehr als einem Film, der nur das 

Geschehen auf der Bühne zeigte. 

Selten hat es wohl einen Konzertmitschnitt 

gegeben, der so stark das 

Publikum miteinbezieht. Die Dead ließen 

intensiv vor, hinter und abseits der Bühne 

filmen. Es sind jede Menge enthusiastische 

Gesichter zu sehen, viele Tanzende, 

es gibt Szenen und Interviews mit Fans 

auf der Straße oder am Eingang, man sieht 

Hippies zusammen beim Meditieren oder 

Kiffen. Als Intro gibt es einen ausreichend 

langen, im wahrsten Sinne abgefahrenen, 

psychedelischen Animationsfilm, der in 

einer ästhetischen Mischung aus „Yellow 

Submarine” und „Herr Rossi” typische 

Elemente aus dem Grateful-Dead-Kosmos 

aufgreift, darunter das Uncle-Sam-Skelett 

und die AMERICAN BEAU- 

TY-Rose. 

Gleichwohl steht die Livemusik 

stark im Vordergrund: In 

allerbester Spiellaune präsentieren 

Garcia & Co. Songs wie 

“One More Saturday Night”, 

“Sugar Magnolia”, “Playing 

In The Band”, “Stella Blue”, 

“Casey Jones” und “Morning 

Dew”. Dazwischen gibt es 

Interviews mit Mitgliedern 

der Band und der 

Roadcrew. Digital remastert 

erscheint der Film 

nun erstmals auf deutscher 

(untertitelter) DVD und 

Blu-ray samt einer Zusatzscheibe, 

die randvoll steckt 

mit Bonus-Material, darun- 

ter mehr als 95 Minuten an 

bisher unveröffentlichten Konzertausschnitten 

sowie mehrerer Making-Of- und 

Hintergrund-Dokumentationen. Weitere 

Features: einblendbare Songtexte, Multikamera, 

Fotogalerie. 

(Ascot Elite, 1977/2013, 

2 DVDs, 132 + 175 Min.) frs 

1968 nannte der britische Radio-DJ John Peel 

Family „the best band in the world at the moment”. 

Fünf Jahre lang, bis 1973, sollte dieser 

Moment andauern, und wer ihn miterlebt hat, 

der wird ihn nie vergessen. Und auch der Rest 

darf sich nun freuen, denn statt einer kümmerlichen 

2-CD-Retrospektive geht es für die 

Aufarbeitung der Family- 

Geschichte mit ONCE 

UPON THE TIME in die 

Vollen: Strikt auf 2000 

Exemplare ist die dicke, 

LP-große Box in 

schlichtem Schwarz 

limitiert – höchst 

offiziell dokumentiert 

durch Roger 

Chapmans Originalunterschrift 

auf 

jedem Zertifikat! Alle acht Originalalben, 

vom 1968er MUSIC IN A DOLL’S HOUSE 

bis zu IT’S ONLY A MOVIE aus dem Jahr 

1973, finden sich darin als hochwertig gestaltete 

Mini-LP-Replicas. Wo es möglich war 

– bei sechs von acht CDs –, wurde für das 

Remastering auf die Originalbänder zurückgegriffen, 

was den Klang zwar lange noch 

nicht High-End-tauglich macht, ihn aber im 

Vergleich zu den lieblos überspielten, bisher 

erhältlichen CDs um Welten verbessert. Über 

diese acht CDs, sozusagen über den Kern 

dieser Box, erübrigt sich jegliche Diskussion. 

Die Musik dieser Alben ist so, sorry, „outstandig”, 

so überragend im wahrsten Sinne des 

Wortes, dass man sich bis heutzutage schwer 

tut, die Musik Familys in Worte zu fassen. Die 

britische Wikipedia-Ausgabe versucht es mit: 

„Ihr Stil wurde als progressiver Rock charakterisiert, 

obwohl ihr Sound oft andere Genres 

erforschte und sich dabei bei Stilen wie Folk, 

Psychdelic, Acid, Jazz und Rock’n’Roll bedient” 

– ja, das kann man so stehenlassen. Natürlich 

gehört zu so einer 

Box 

auch jede Menge 

verzierendes Beiwerk: 

Neben zwei CDs mit bis- 

her 

unveröffentlichten 

Raritäten – alternativen 

Versionen, instrumentalen 

Backing-Tracks, Studiogesprächen 

und Jamsessions 

– gibt es drei 

weitere Single-Replica-CDs 

mit jeweils 

zwei Songs sowie den 2003 veröffentlichten 

Livemitschnitt eines 1971er Konzertes in der 

Besetzung Roger Chapman (voc), Charlie 

Whitney (g), Poli Palmer (keys), John Wetton 

(b, voc) und Rob Townsend (dr). Daneben gibt 

es noch eine „Sounds”-Sonderausgabe voller 

Original-Family-Berichte aus den 70er Jahren 

sowie ein 72-seitiges, englischsprachiges 

Hardcoverbuch, das mit ausführlicher Bandgeschichte, 

Discographie (inkl. zahlreicher 

ausländischer Single-Cover-Abbildungen) 

und einer Unmenge rarer Fotos der musikalischen 

Klasse dieser Box keinen Millimeter 

nachsteht. Auch auf die Gefahr hin sich zu 

wiederholen: überragend! 

(Chappo Music/Snapper, 2013, 14 CDs) us 


TOP 5 – Musikfilme 

1. Walk The Line 

2. High Fidelity 

3. School Of Rock 

4. Tommy 

5. Ray 

Fabian Leibfried 

1. Still Crazy 

2. Rock’n’Roll High School 

3. Detroit Rock City 

4. Die Buddy Holly Story 

5. Spinal Tap 

Jens-Uwe Berndt 

1. The Blues Brothers 

2. The Girl Can’t Help It 

3. Jailhouse Rock 

4. Crazy Heart 

5. I Walk The Line 

Rüdiger Bloemeke 

1. Quadrophenia 

2. The Wanderers 

3. The Harder They Come 



Lothar Brandt 

1. Control 

2. Tommy 

3. Big Time 

4. The Great Rock’n’Roll Swindle 

5. 200 Motels 

Michael Fuchs-Gamböck 

1. A Hard Day’s Night 


3. Ray 

4. Help 

5. One Plus One 

Hans-Jürgen Günther 

1. Fantasia 

2. Jesus Christ Superstar 

3. Wayne’s World 


5. Across The Universe 

Ralf Günther 

1. Once 

2. Mitten ins Herz – ein Song für Dich 

3. Help 


5. Rocky Horror Picture Show 

Helmut Ölschlegel 

1. American Graffi ti 



4. The Wanderers 

5. Nashville 

Martin Reichold 


2. Tommy 

3. Spinal Tap 

4. Rocky Horror Picture Show 


Philipp Roser 


2. Ray 

3. Fleisch ist mein Gemüse 

4. Nashville 

5. The Commitments 

Oliver Schuh 

1. Yellow Submarine 

2. I’m Not There 

3. O Brother Where Art Thou? 

4. Control 

5. Spinal Tap 

Frank Schuster 

1. O Brother Where Art Thou? 

2. Bound For Glory 

3. American Graffi ti 

4. Saturday Night Fever 

5. Dead Man 

Ulrich Schwartz 

1. The Trip 

2. Almost Famous 



5. Velvet Goldmine 

Alan Tepper 

Mitarbeiter 


2. Control 


4. The Doors 

5. Ray 

Christian Hentschel 



3. Music & Lyrics 


5. Jailhouse Rock 

Tino Krauter 


2. Help! 

3. My Dinner With Jimi – The Turtles Story 

4. Here We Go Round The Mulberry Bush 

5. Nowhere Boy 

Uli Twelker 

1. Spinal Tap 

2. 200 Motels 

3. Roadie 

4. A Hard Days Night 


Thomas Wachter 

1. The Wall 

2. Heavy Metal 

3. The Doors 

4. Help! 


Frank Küster 

Micky 

Moody 

(Snakecharmer) 

1. Fantasia 

2. A Hard Days Night 

3. American Graffiti 

4. The Last Waltz 

5. Paris Texas 

GoodTimes 2/2013 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 31 

© Pressefoto

CD 

REVIEWS 

RASCAL FLATTS 

CHANGED 

In zwölf Jahren Bandgeschichte haben es 

Rascal Flatts zu amerikanischen Superstars 

geschafft. Über 20 Millionen verkaufte Alben, 

die fast ausnahmslos an die Spitze der 

Country-Charts kamen, sowie zahlreiche 

Auszeichnungen – darunter sechs Jahre in 

Folge den CMA Award „Vocal Group Of 

The Year” – sprechen für sich. Da sich ein 

Großteil der amerikanischen Countrymusik 

für europäische Ohren viel eher nach Pop 

anhört, dürfte die Zielgruppe dieser Band 

dann auch weniger bei Fans von Willie 

Nelson, Dolly Parton oder Alison Krauss 

liegen. Anders gesagt: Wer auf Country- 

Popstars wie Keith Urban, Toby Keith oder 

die Dixie Chicks steht, der macht mit der 

neuen CD von Rascal Flatts nichts falsch. 

Mit einer Mischung aus berührenden Balladen, 

Roots-rockigen Midtemposongs und 

fetzigen Vocalharmonien liefert das Trio 

auf CHANGED genau den Sound, mit dem 

sie in ihrer Heimat seit Jahren zu den Topacts 

gehören. 

(Universal, 2013, 15/58:32) 

tk 

KONSTANTIN WECKER 

WUT UND ZÄRTLICHKEIT – LIVE 

Mit seinem aktuellen 

Liveprogramm zeigt 

Konstantin 

Wecker 

genau die Fähigkeiten, 

wegen derer 

sein Publikum ihm 

seit Jahren treu zur 

Seite Sit steht; WUT UND ZÄRTLICHKEIT 

heißt sein letztes, im Herbst 2011 veröffentlichtes 

Studio-Album, und zwischen 

diesen beiden emotionalen Polen pendelt er 

auch auf der Bühne. Zeigt er sich bei Liedern 

wie “Absurdistan”, “Sage Nein!” oder 

“Empört euch” als brodelnder, wütender 

Vulkan, beweist mit “Schwanengesang”, 

“Ich liebe dich” oder “Bleib nicht liegen” 

seine einzigartige Fähigkeit, innige Gefühle 

zärtlich und voller authentischer Liebe auszudrücken. 

Er zitiert Brecht, Kästner und 

Rilke, verzichtet auch nicht auf spöttische 

Untertöne, verschmitzte Alltagsschilderungen 

und ironische Zwischenspiele – hervorragend 

begleitet von einer klasse Band, 

in der neben seinem langjährigen Bühnenpartner 

Jo Barnickel auch bekannte Namen 

wie Schlagzeuger Tim Neuhaus oder Pedalsteel-Virtuose 

Nils Tuxen zu finden sind. 

(Sturm & Klang/Alive, 2013, 14/44:57, 

13/65:15) us 

STEPHANIE NEIGEL 

INTRODUCING STEPHANIE 

NEIGEL 

Natürlich fragt man sich, wo diese stilistische 

Weite herkommt, mit der diese 

junge Sängerin ihr Debüt ausgestattet hat. 

Doch wenn man weiß, dass sie ihrer Familie 

schon als 14-Jährige erste, selbst 

komponierte Lieder am Piano vorspielte, 

dass sie in Mannheim und Weimar Jazzgesang 

studiert hat, sie ihr Handwerk bei 

renommierten Kollegen wie Jeff Cascaro, 

Ann Malcolm oder Michael Schiefel verfeinerte, 

sie aktuell Mitglied des A-Capella-Quartetts 

Les Brünettes und des Duos 

Neigelböh len ist, dann sieht man INTRO- 

DUCING STEPHANIE NEIGEL natürlich 

aus einem ganz anderen Blickwinkel. Mit 

einer jazzigen Begleitband im Rücken hat 

sie ihre Musik abwechslungsreich und einfühlsam 

arrangiert, zeigt von kraftvollen, 

rockigen Stücken über jazzigen Pop bis zu 

Ausflügen in Richtung Country und Folk 

eine breite Palette ihres Könnens. 

(BHM/Zyx, 2013, 11/43:21) 

tk 

MARIANNE FAITHFULL 

BROKEN ENGLISH (DELUXE) 

Mit BROKEN ENG- 

LISH erlebte Marianne 

Faithfull 1979 

nach schwerer Drogensucht 

ihr Comeback. 

Im Vergleich 

zu ihrer Karriere als 

Pop-Sternchen (“As Tears Go By”) und 

Stones-Muse in den Sixties bot das Album, 

das vor allem auf dem europäischen Festland 

Erfolge feierte (F #3, D #4, UK #57), 

ziemlich starken Tobak. Faithfulls Stimme 

war vom Drogenkonsum gebrochen, klang 

kaputt, viele Songs behandelten kontroverse 

Themen wie Terrorismus (“Broken English”), 

Katholizismus (“Guilt”) oder sexuellen 

Missbrauch (“Why’d Ya Do It”). Statt 

von Country und Folk, wie auf den Vorgängerwerken, 

waren die Songs nun von New 

Wave, Punk und Disco inspiriert. Bis heute 

gilt das Album, das die erfolgreiche Single 

“The Ballad Of Lucy Jordan” abwarf, als 

Faithfulls Meisterwerk. Nun erscheint es in 

einer 2-CD-Deluxe-Ausgabe. Neben dem 

Originalalbum in einem klanglich guten 

neuen Remaster beinhaltet sie unterschiedliche 

Versionen von “Broken English”, 

einen 12”-Remix von “Why’d Ya Do It” 

und als besondere Beigabe ihre 1982 für 

das Island-Records-Jubiläum eingespielte 

Interpretation des Stones-Klassikers “Sister 

Morphine”, dessen Co-Autorin sie ist. Höhepunkt 

sind allerdings die Originalsessions 

der acht Albumsongs, die bislang in den 

Island-Archiven vergraben waren. Produzent 

Mark Miller Mundy und Keyboarder 

Steve Winwood hatten diese nachträglich 

in den Londoner Matrix-Studios mit allerlei 

Synthesizer-Effekten aufgepeppt. Die ursprüngliche 

Abmischung, die Faithfull bis 

heute bevorzugt, ist um einiges rockiger, 

gitarrenlastiger und bandorientierter. Vor 

allem das rotzige “Why’d Ya Do It”, das 

wegen sexuell anzüglicher Textpassagen in 

einigen Ländern aus dem Radio verbannt 

war, entfaltet so seine volle Wucht. Als weiteres 

Sahnestück gibt es den zwölfminütigen 

Kurzfilm „Broken English” des Avantgarde- 

Regisseurs Derek Jarman („Caravaggio”). 

In Punk-Ästhetik, mit wackligen, überblendeten, 

collagierten Bildern, die u.a. einen 

Hexensabbat, Sex, Einsamkeit, Gewalt und 

Krieg zeigen, sind die Clips von “Witches’ 

Song”, “The Ballad Of Lucy Jordan” und 

“Broken English” zu sehen. 

(Island/Universal, 1979/2013, 

8/37:47, 13/64:55) frs 

VARIOUS ARTISTS 

PICCADILLY SUNSHINE – PART 

ELEVEN – BRITISH POP PSYCH 

AND OTHER FLAVOURS 

1966–1970 

Völlig ungebrochen ist der Eifer, mit dem 

Britanniens Spürhunde immer wieder aufs 

Neue die Vinyl-Meere früherer Tage nach 

längst vergessenen obskuren Aufnahmen 

durchpflügen, um dem Sammlervolk Trüffel 

& Perlen zu offerieren, die es eigentlich nie 

vermisst hat – weil man nur vermissen kann, 

was man „irgendwie schon kennt”, bislang 

aber nicht im Regal hat. Die CDs der PICA- 

DILLY SUNSHINE-Reihe sind von daher 

stets wahre Wundertüten. Auch diesmal sind 

nur wenige bekannte Namen unter den Interpreten: 

Terry Reid & Peter Jay’s Jaywalkers 

sind mit dem gemeinsamen Singletrack 

“This Time” vertreten, und auch Vanity 

Fare (“Betty Carter”), The Koobas (“Gypsy 

Fred”) sowie Unit Four Plus Two (“I Was 

Only Playing Games”) servieren rare Singles. 

Qualitativ mindestens genauso gut sind 

auch die Tracks der Unbekannten David 

Cumming (“The Parrots Of Simple Street”), 

Scott Harris (“Barry Johnson’s Sad Eyes 

Inn”), The Gibsons (“Lazy Summer Day”) 

oder The Hammers (“Little Butterfly”). Einen 

Sonderpreis gewinnen The Keepers mit 

ihrer ausgeklinkten Version von Paul Ankas 

Hit “Lonely Boy”. Unterm Strich ist dies erneut 

eine Freude machende Kollektion von 

schönen Flower-Power-Klängen, bittersüßem 

Folk-Pop und Baroque-Beat, die man 

gern in einem Zug durchhört, während man 

im Top-Booklet nach Fakten und Hintergründen 

stöbert. 

(Particles/Soulfood, 20/49:46) hjg 

BILLY BRAGG 

TOOTH & NAIL 

In modernen Zeiten, 

in denen Politik 

mehr und mehr an 

Unterhaltungswert 

gewinnt und diejenigen 

Menschen in die 

Parlamente gewählt 

werden, die Entertainer-Qualitäten t statt 

Kompetenz besitzen, mutet eine Singer/ 

Songwriter-Ikone wie Billy Bragg, mit all 

ihren Überzeugungen, mit all ihrem Engagement, 

wie ein Relikt aus einer längst 

vergangenen (vergessenen?) Ära an. Denn 

der Brite, der vor drei Dekaden mit seinen 

radikal linken Überzeugungen in Songform 

an die Öffentlichkeit trat, hat sich weder 

musikalisch noch inhaltlich je verändert: 

Blues, Folk und auch mal Pop paaren sich 

mit scharfen Analysen einer emotional 

immer kälter werdenden Welt in sozialer 

Schieflage. An dieser Herangehensweise 

hat sich auch auf TOOTH & NAIL nichts 

geändert, selbst wenn verstärkt Country- 

Elemente zu hören sind, schließlich wurde 

das Werk unter den Fittichen von Songwriter-Mythos 

Joe Henry aufgenommen. Am 

konsequenten politischen Anspruch ändert 

die Musik freilich nichts. 

(Cooking Vinyl/Indigo, 2013, 

12/42:14) mfg 

KARL BARTOS 

OFF THE RECORD 

Kraftwerk treten mittlerweile lieber im Museum 

auf, seit 2003 gibt es kein neues Studio-Album. 

Fans der Elektro-Pioniere können 

sich jedoch freuen: Karl Bartos, der dem 

Quartett von 1975 bis 1990 angehörte, legt 

nun ein Album voll liegengebliebener Ideen 

aus dieser Zeit vor. OFF THE RECORD ist 

jedoch mehr als die übliche Sammlung unveröffentlichten 

Materials (siehe Interview 

in dieser GT-Ausgabe). Nur minimal basieren 

die Stücke auf Originalbändern aus den 

Pop 

70ern bis frühen 90ern. Zum Großteil hat 

Bartos die alten Skizzen neu eingespielt, sie 

dabei zu Songs gerundet und einer dezenten 

Klangmodernisierung unterzogen. Schon 

mit dem Opener, dem wuchtigen “Atomium”, 

ist Bartos ein absolutes Meisterstück 

gelungen. Das Stück zeigt in seiner zwischen 

Industriewummern und Kristallsounds oszillierenden 

Collage, was Elektromusik alles 

sein kann: Popsong, Experiment, Tanznummer. 

Dagegen sind “Nachtfahrt” und “Without 

A Trace Of Emotion” einschmeichelnde 

Syntie-Pop-Balladen, auf die OMD neidisch 

sein könnten. “Musica Ex Machina” und 

“Vox Humana” indes sind irrlichternde Experimente. 

Ohne Übertreibung: das wohl 

beste „Kraftwerk-Album” seit COMPU- 

TERWELT! 

(Bureau B/Indigo, 2013, 12/39:49) frs 


DEUTSCHE ELEKTRONISCHE 

MUSIK 2 

Die Briten sind 

krautrockbegeistert. 

Bands wie Neu! und 

Cluster genießen in 

good old England 

(übrigens auch in Japan) 

Kultstatus. Das 

Londoner Label Lbl Soul lJazz 

Records legt nun 

Teil zwei seiner Reihe DEUTSCHE ELEK- 

TRONISCHE MUSIK vor, und wieder 

haben die Compiler eine Reihe von Nuggets 

aus den Jahren 1971 bis 1983 ausgegraben, 

die zeigen, wie innovativ deutsche 

Musik in dieser Zeit war. Neben bekannteren 

Vertretern wie Can (“Halleluwah”), 

Amon Düül II (“A Morning Excuse”) und 

Faust (“Krautrock”) gibt es jede Menge 

an Wiederentdeckungen zu machen. Die 

Anthologie konzentriert sich auf die eher 

experimentelle und elektronische Seite, abgesehen 

von einigen wenigen Free-Folkern 

wie Bröselmaschine und Gila. Mit dabei: 

Achim Reichels A.R. & Machines, Popol 

Vuh, Agitation Free, You, Neu!, Electric 

Sandwich und Niagara (mit Udo Lindenberg 

an den Drums), aber auch nahezu in 

Vergessenheit geratene Interpreten wie 

Wolfgang Riechmann, Sergius Golowin 

und Rolf Trostel. Abgerundet wird die hervorragende 

Doppel-CD von einem buchdicken 

Booklet mit vielen raren Fotos und 

informativen Begleittexten aus der Feder 

von David Stubbs (Autor von „Krautrock – 

Cosmic Rock And Its Legacy”). 

(Soul Jazz/Indigo, 2013, 15/75:35, 

12/75:27) frs 

AARDVARKS 

SINKER, LINE AND HOOK: 

THE ANTHOLOGY 1987–1999 

Wie ihre später wesentlich erfolgreicheren 

Kollegen von Kula Shaker ließen sich diese 

vier jungen Musiker aus West-London Mitte 

der 80er von guter alter Musik aus den 

Sixties inspirieren: Mod, Garagen-Rock 

und Psychedelia, das war der Sound, mit 

dem die Aardvarks 1995 ihr erstes (und einziges) 

Album namens BARGAIN bestückten. 

Somit ist das Wort „Anthology” im 

Titel SINKER, LINE AND HOOK: THE 

ANTHOLOGY 1987–1999 natürlich pure 

Übertreibung – auch wenn es zu den zwölf 

BARGAIN-Titeln noch 13 weitere Songs 

zu hören gibt. Sei es wie es will, diese Mu- 


CD 

REVIEWS 

sik ist richtig gut, das zusätzliche Material 

rekrutiert sich aus Single-A- und 

B-Seiten, EP-Stücken und Aufnahmen, 

mit denen sie auf unterschiedlichen 

Compilations vertreten waren. 

Mit dabei auch Paul Wellers “In The 

Crowd”, 1997 für einen The-Jam-Tribute-Sampler 

eingespielt. 

(Cherry Red/Rough Trade, 

2013, 25/79:52) us 

BAZILIAN & WESTER 

WHAT SHALL BECOME OF 

THE BABY? 

Mit Eric Bazilian 

und Mats 

Wester 

treffen 

hier zwei Musiker 

aufeinander, 

die bei ihren 

Bands – den 

Hooters bzw. Nordmann – eine tragende 

Rolle einnehmen. Die Musik 

von WHAT SHALL BECOME OF 

THE BABY? ist ein echtes Gemeinschaftsprodukt, 

alle Titel haben sie 

gemeinsam geschrieben und bis auf die 

Drums und das Akkordeon (von Hooters-Kollege 

Rob Hyman) auch alles 

selbst eingespielt und gesungen. Trotzdem 

lässt sich so etwas wie eine Aufgabenteilung 

erahnen, klingen viele der 

Songs doch auffällig nach dem hymnischen 

Folk-Rock der Hooters. Dafür 

sorgt Mats Westers Nyckelharpa, ein 

skandinavisches Saitenins trument, für 

die musikalischen Farbtupfer. Gerade 

dieses Aufeinandertreffen zweier so 

unterschiedlicher Stile, die Kombination 

aus traditionellen, schwedischen 

Klängen mit modernem, amerikanisch 

geprägtem Rockinstrumentarium ist 

alles andere als musikalische Einheitsware, 

sorgt für ein ganz besonderes 

(Folk-Rock-)Album. 

(Membran/Sony Music, 2013, 

12/48:13) tk 

DANDYLION 

IMAGES UNDER CON S- 

TRUCTION – SELECTIONS 

Die Norwegerin Marianne Sveen 

vom Erfolgsquartett Katzenjammer 

geht als Solistin einen recht ungewöhnlichen 

Karriereweg: Sie nennt 

sich, unter Einbau eines kreativen 

Schreibfehlers, Dandylion – Pusteblume 

auf englisch –, weil ihre Musik 

Wandlungen unterzogen ist, die 

an den Wandel der Namens-Pflanze 

vom kräftig-fröhlichen Sonnenschein-Gelb 

zur traurig-weißhaarigen 

Erscheinung erinnern. Das hat seit 

Ende 2011 zur EP-Trilogie IMAGES 

UNDER CONSTRUCTION geführt, 

deren Teile sehr unterschiedlich klingen. 

Während der erste Teil hauptsächlich 

auf Sveens beschädigtem 

Wohnzimmerklavier – mal episch 

und gespenstisch, mal leichtfüßig 

– basiert, wurde der zweite Teil mit 

komplettem Schlagzeug, Bläsern und 

ihrer diesmal dreckig-rauen Stimme 

eingespielt; er tönt eher Richtung 

Heavy, Funk und Soul und auf nicht 

religiöse Art gospeliger als der Vorgänger. 

Teil drei hingegen ist elektronisch 

und experimenteller gehalten, 

allerdings mit starkem Hang zu 

attraktiven Melodien, die zwischen 

Indie-Feeling und Radiotauglichkeit 

angesiedelt sind. Es gibt partiell Parallelen 

zu Patti Smith, Martha Davis 

(The Motels) und der kanadischen 

Gruppe Martha & The Muffins sowie 

einigen aktuellen Sängerinnen wie 

Kate Nash. Insgesamt ist Dandylions 

Musik noch nicht voll ausgereift, 

aber es wimmelt nur so vor guten 

Ideen. 

(Propeller/Soulfood, 2013, 

11/37:22) hjg 

HAINDLING 

IRGENDWIE UND SOWIESO 

– ZOUNDS BEST 

Es ist nun auch 

schon 30 Jahre 

her, dass Hans- 

Jürgen Buchner 

die erste LP 

seiner 

Band 

Haindling veröffentlichte, 

welche auch prompt den 

Deutschen Schallplattenpreis verliehen 

bekam. Mit einer Mischung aus bayerischer 

Volksmusik und Pop, gemischt 

mit einer Prise Jazz, gewürzt mit exotischen 

Instrumenten aus aller Welt, 

betrat Buchner Neuland, welche auch 

als „Neue Volksmusik” tituliert wurde, 

wobei er selbst schlicht von „Weltmusik” 

sprach. Auf dieser randvollen CD 

präsentiert das Stuttgarter Edellabel 

eine kurzweilige Zusammenstellung 

mit 24 (!) Songs aus über 20 Jahren 

– leider blieben die ersten Jahre ausgespart, 

was an rechtlichen Problemen 

liegen dürfte –, die einen gelungenen 

Einstieg in den einmaligen Musikkosmos 

von Haindling ermöglichen. Wie 

immer mit einer informativen Biografie 

versehen und mit sehr gutem Klang 

brillierend, bietet Zounds den erwarteten 

Mehrwert. Ein Heidenspaß für 

Hörer mit offenen Ohren! 

(Zounds, 2013, 24/76:42) rg 

JOSH RITTER 

THE BEAST IN ITS TRACKS 

Wie verarbeitet ein Songwriter am 

besten sein Liebesleid? Ganz einfach: 

Er schreibt neue Lieder! Nachdem 

Josh Ritters Ehe nach nur 18 Monaten 

zu Bruch ging, überwand er seinen 

Schmerz, indem er neue Songs komponierte. 

Im Vergleich zum Vorgänger 

SO RUNS THE WORLD AWAY, Ritters 

bislang bestverkauftem Album, 

das ihn aus dem Stadium eines Geheimtipps 

herauskatapultierte, fällt 

die neue Scheibe THE BEAST IN ITS 

TRACKS viel ruhiger, reduzierter 

und persönlicher aus. Viele Stücke 

begleitet der in seiner Zunft, etwa von 

Joan Baez, sehr geschätzte Singer/ 

Songwriter (siehe Good Times-Tipp 

5/2010) fast nur mit seiner Akustikgitarre; 

seine Stimme steht stark 

im Vordergrund. Liebhaber großer 

amerikanischer Songwriter-Kunst à 

la Springsteen, Dylan und Billy Joel 

werden ihre Freude haben. 

(Yep Roc/Cargo, 2013, 13/43:34) frs 

Pop 

THE OSMONDS 

CAN’T GET THERE 

WITHOUT YOU 

Hier zu Lande 

waren The Osmonds 

in den 

70er Jahren angesagt 

(“Crazy 

Horses”), 

in 

ihrer 

US-Heimat 

und dim UK sind die Mitglieder 

des Familienclans heute noch große 

Nummern. Ohne Donny, der meist 

mit Schwester Marie aktiv ist, nahmen 

Merrill, Jay und Jimmy Osmond 

2012 erstmals seit 1984 ein Album 

mit neuen Songs auf – Autorennamen 

wie Gerry Beckley (Americas “I Need 

You”) oder Michael Bolton (“Take 

Me Home”) deuten die Richtung an: 

Es ist Erwachsenen-Pop, gelegentlich 

mit rockigen Anflügen – typisch 

amerikanisch (und perfekt) inszeniert. 

Die Herren können noch harmonisch 

singen, ebenso die Gäste Marie und 

Jimmys Tochter Sophia. Sie haben 

ihr Händchen für gefühlige Melodien 

bewahrt – nicht alles ist gelungen, 

aber insgesamt recht ordentlich und 

keineswegs nur als Fahrstuhl- und Supermarktberieselung 

tauglich. 

(Absolute/Soulfood, 2012, 

10/34:11) pro 

JOHN GRANT 

PALE GREEN GHOSTS 

Im Interview in dieser Ausgabe beschwert 

sich Ex-Kraftwerker Karl 

Bartos darüber, dass die heute engen 

Genregrenzen verlangten, dass ein 

Technokünstler nur Techno und ein 

Songwriter nur Songwriter-Musik 

macht. Vielleicht sollte er sich mal 

PALE GREEN GHOSTS von John 

Grant anhören! Der frühere Sänger 

der Indie-Band The Czars, sonst eher 

für Rock und Folk bekannt, lebt auf 

seinem neuen Album auch seine ganz 

private Liebe für elektronische Musik 

aus. Für den ungewöhnlichen Mix aus 

Song und Sound sprangen dem aktuell 

in Island lebenden US-Amerikaner 

u.a. die Combo Hercules And Love 

Affair und als Backgroundsängerin 

Sinéad O’Connor zur Seite, die auf ihrem 

jüngsten Album Grants Komposition 

“Queen Of Denmark” coverte. 

Bereits in dem wuchtigen Titeltrack 

und Opener – der schon jetzt zu den 

besten Songs des Jahres gezählt werden 

kann – geht diese Gratwanderung 

meisterhaft auf: Über pumpenden 

Elektro-Patterns und orchestralen 

Breitwandflächen singt Grant mit seiner 

sonoren Stimme unter die Haut 

gehende Melodien. 

(Bella Union/Universal, 2013, 

11/60:44) frs 

FRANCOISE HARDY 

FRANCOISE HARDY 

1962 verzauberte Francoise Hardy die 

Musikwelt mit einem Debütalbum, 

dessen entrückter, melancholischer 

Dream-Pop bis heute unerreicht ist. Alleine 

die Single “Tous Les Garcons Et 

Les Filles (All The Boys And Girls)” 


CD 

REVIEWS 

verkaufte sich in Europa über zwei Millionen 

Mal. Keine schlechte Leistung, besonders 

wenn man bedenkt, dass die damals 18-Jährige 

fast alle Lieder von FRANCOISE HAR- 

DY selbst geschrieben hatte. Ihr gehauchter 

Gesang und ihr zerbrechliches Äußeres ließen 

ihre Musik zu kleinen Fluchten aus der 

Alltagswelt werden – herrliche Chansons, 

angetrieben durch dezente Bossa-Nova- 

Rhythmen, getragen von luftig jazzigen Arrangements. 

Neben den zwölf Originaltiteln 

enthält diese Wiederveröffentlichung noch 

zehn dieser Stücke in italienischer Sprache, 

die Francoise Hardy 1962 unter der Regie 

von Produzent und Bandleader Ezio Leoni 

eingesungen hat. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1962, 

22/52:47) us 

LLOYD COLE & HANS- 

JOACHIM ROEDELIUS 

SELECTED STUDIES VOL. 1 

„Studien”, also Entwürfe 

oder unfertige 

Kompositionen, 

das 

trifft es recht gut. Was 

der britische Singer/ 

Songwriter 

Lloyd 

Cole, bekannt geworden 

in den 80ern mit den Commotions, und 

Hans-Joachim Roedelius, Spiritus Rector 

deutscher elektronischer Musik, bei ihrer 

überraschenden Kollaboration erarbeitet haben, 

erinnert an eine Mischung aus Minimal- 

Trance-Musik und Ambient entspannter, aber 

keineswegs kitschiger Art. Der Hörer wird 

kaum Songstrukturen erkennen, wer an Coles 

sonstiges Werk denkt, dürfte überrascht sein, 

dass auf Gitarre und Gesang verzichtet wurde. 

Die Wenigsten wissen, dass Cole schon 

2001 einmal sein übliches Genre verlassen 

und mit PLASTIC WOOD ein Elektronikalbum 

herausgebracht hatte, das offenbar von 

Roedelius’ Cluster-Album SOWIESO beeinflusst 

war. Letzterer wiederum war von der 

Hommage äußerst angetan, und daraus entstanden 

rund zehn Jahre später die nun veröffentlichten 

ersten SELECTED STUDIES, 

deren Schönheit nach und nach in das musikalische 

Bewusstsein des Zuhörers mäandert. 

(Bureau B/Indigo 2013, 10/49:17) an 

JEFF YOUNG 

MORE SONG THAN DANCE 

Neben seinem Job als ständiges Mitglied der 

Band von Jackson Browne findet Keyboarder 

Jeff Young immer wieder Zeit, um mit Kollegen 

wie Bruce Springsteen, Tracy Chapman, 

Sting, Bonnie Raitt oder Steely Dan ins Studio 

oder auf die Bühne zu gehen. Daneben nimmt 

sich der gefühlvolle Musiker aber auch Zeit, 

selbst Songs zu schreiben, die er dann unter 

eigenem Namen veröffentlicht; das soeben 

erschienene MORE SONG THAN DANCE 

ist bereits sein fünftes Solo-Album. Bei den 

Lyrics erhielt er prominenten Beistand von 

Michael O’Keefe, Maggie Ryder sowie von 

Procol-Harum-Texter Keith Reid. Und bei 

der Umsetzung seiner unprätentiösen, dafür 

aber umso tiefer gehenden Lieder konnte sich 

Jeff Young auf die Unterstützung zahlreicher 

Kollegen aus der Studioszene Kaliforniens 

verlassen, darunter Vonda Shepard (voc), 

Jon Herington (g), Tim Lefebvre (b), Jimmy 

Powers (harp) und Bill Churchville (trumpet, 

trombone). 

(M2 Music/H’Art, 2013, 8/36:53) tk 


94 BAKER STREET REVISITED 

– POPTASTIC SOUNDS FROM 

THE APPLE ERA 1967–68 

Vor gut zehn Jahren erschien die erste Ausgabe 

dieser Rückschau auf die Zeit, als die Beatles 

mit ihrem Apple-Label zahlreichen jungen 

Bands die Chance zu eigenen Plattenaufnahmen 

gaben. Volume 5, mit dem Untertitel 

POPTASTIC SOUNDS FROM THE APPLE 

ERA 1967–68, geht zurück bis zu den Anfängen 

des Labels, konzentriert sich auf Songwriter, 

die ihre Popsongs in der Zeit zwischen 

Juni 1967 und Juni 1968 aufnahmen. George 

Alexander, Buddy Britten oder Timon hießen 

diese Herren, Coconut Mushroom, Joker oder 

Perishers die Bands. Mit 19 (von 26) bisher 

unveröffentlichten Aufnahmen ist es Apple- 

Spezialist Stefan Granados gelungen, diese 

Zusammenstellung zu einer höchst interessanten 

Fundgrube (nicht nur) für Sixties-Pop- 

Fans zu machen, besonders seine ausführlichen 

(englischen) Booklet-Texte regen dazu 

an, sich tiefer und tiefer in diese faszinierende 

Musikwelt vorzuarbeiten. 


22/61:42) us 

SILLY 

KOPF AN KOPF 

Im März 2010 begann 

für Silly in der Besetzung 

Anna Loos 

(voc), Ritchie Barton 

(p, keys), Uwe Hassbecker 

(g) und Jäcki 

Reznicek (b) mit AL- 

LES ROT eine neue Zeitrechnung, so dass 

sie das Ende März erscheinende KOPF AN 

KOPF nun folgerichtig als ihr „zweites” Album 

bezeichnen. Es ist noch ein Stück persönlicher 

geworden als sein Vorgänger, vor 

allem da Anna Loos einen mutigen Schritt 

gewagt und den Großteil der Texte selbst verfasst 

hat. Bei vier Songs war Werner Karma 

für die Worte zuständig, der Kreis schließt 

sich mit dem Lied “Blinder Passagier”, dessen 

Zeilen noch aus der Feder von Tamara 

Danz stammen – Sängerin der „ersten” 

Silly. Auch musikalisch bleibt die Berliner 

Band ihrem bewährten Stil treu, eingängigen 

Ohrwurm-Melodien, passend eingebettet im 

Wechselspiel zwischen ruhigen Strophen und 

Power-Refrains. Keine Frage, KOPF AN 

KOPF ist ein mehr als würdiger Nachfolger 

für ihr 2010er Erfolgsalbum ALLES ROT. 

(Island/Universal, 2013, 15/60:15) tk 

JOOLS HOLLAND 

THE GOLDEN AGE OF SONG 

Zum 20. Geburtstag seiner TV-Musikshow 

(Later With Jools Holland) hat Gastgeber und 

Bandleader Jools Holland mit THE GOL- 

DEN AGE OF SONG ein ganz besonderes 

Album zusammengestellt: 17 Songklassiker 

aus der langen Jazz-, Soul- und Popgeschichte, 

neu eingespielt mit zahlreichen aktuellen 

Stars. So liefert Paul Weller eine swingende 

Version des Filmklassikers “September In 

The Rain” ab, Joss Stone interpretiert ein 

umwerfendes “Bei mir bist du schön”, Simply-Red-Frontmann 

Mick Hucknall croont 

den Duke-Ellington-Klassiker “I Got It Bad 

(And That Ain’t Good)”, der neue Stern am 

Pophimmel, Rumer, stellt sich mit dem 40er- 

Jahre-Song “Ac-Cen-Tchu-Ate The Positive” 

in eine Reihe mit Bing Crosby und Artie 

Shaw. Neben neuen Aufnahmen gibt es auch 

einige Titel aus Hollands jährlichen Neujahrsshows 

„The Hootenanny” zu hören, wie 

“Don’t Go To Strangers”, das spektakuläre 

Duett von Amy Winehouse und Paul Weller 

aus dem Jahr 2006. 

(Rhino/Warner, 2013, 17/58:45) us 

MAX MEETS LENNY 

EUROPEAN GIRL 

Ja ja, das Leben. Manchmal schreibt es die 

schönsten Geschichten. Zum Beispiel die von 

diesen beiden Musikern, die sich 2009 per 

Zufall auf dem Parkplatz vor einem Mannheimer 

Musikgeschäft über den Weg laufen. 

Die sich auf Anhieb sympathisch sind und 

fortan gemeinsam als Akustikduo mit dem 

Namen Max Meets Lenny Musik machen. 

Zunächst probieren sie ihre Lieder auf kleinen 

Bühnen aus, 2010 dann ein erstes Album bei 

einem Independent-Label. Jetzt, für EURO- 

PEAN GIRL, haben Sänger Max Mury und 

Gitarrist Ulf Lenske ihre Band um Bass und 

Schlagzeug erweitert. Geblieben ist also die 

markante, weiche Gesangsstimme, immer 

noch begeistert die überaus virtuose Gitarrenarbeit 

– und dennoch klingen die Songs im 

Bandverbund erwachsener, reifer, voller, sind 

Max Meets Lenny mit diesem Album zu einer 

„richtigen” Popband geworden. Gratulation! 

(7us Music/New Music Distribution, 

2013, 13/54:25) tk 

TALK TALK 

NATURAL HISTORY 1982–1988 

+ NATURAL ORDER 1982–1991 

Nach der Wiederveröffentlichung der ersten 

vier Alben im letzten Jahr bringt Talk- 

Talk-Frontmann Mark Hollis nun das 1990 

erschienene Best-Of-Album NATURAL 

HISTORY wieder heraus. Die Auswahl der 

vermutlich zwölf bekanntesten, weil erfolgreichsten 

Songs ergibt einen schönen Querschnitt 

der Wandlung der britischen Band 

vom Synthie-Pop hin zu impressionistischer 

Avantgarde der Spätphase. Den Kauf rechtfertigt 

vor allem die beigefügte DVD mit den 

dazugehörigen, zum Teil schrulligen Videos 

fast aller Singles, von denen die meisten den 

mit „Formel 1” groß gewordenen deutschen 

Hörern unbekannt sein dürften. Doch damit 

nicht genug, hat sich Hollis in einer weiteren 

Neuveröffentlichung namens NATURAL 

ORDER B-Seiten wie “John Cope” und “For 

What It’s Worth”, frühen Pop-Perlen wie 

“Have You Heard The News” und “Renee”, 

vor allem aber ungemein stimmungsvollen 

Songs der Spätphase wie “Eden”, “After The 

Flood” und “Taphead” angenommen. Diese 

wurden einem Remastering unterzogen oder 

liegen als alternative Version vor. Die Zusammenstellung 

verdeutlicht eindrucksvoll, 

welch Desiderat durch den Bandsplit 1992 

entstanden ist. Fraglich bleibt nur, warum in 

Zeiten ansprechend aufbereiteter Mehrfach- 

CD-Boxen die beiden Neuerscheinungen 

nicht als edles Gesamtpaket veröffentlicht 

wurden. 

(EMI, 1990, 12/60:07, 12/49:00, 

2013, 10/57:07) an 

Pop 

THE DARK FLOWERS 

RADIOLAND 

Der kreative Kopf hinter diesen „dunklen 

Blumen” ist mit Paul Statham kein Unbekannter. 

Als Komponist und Produzent war 

er für zahlreiche Künstler von Dido über 

Peter Murphy bis zu Simple-Minds-Frontmann 

Jim Kerr tätig. Einen Großteil dieser 

Musiker hat er jetzt auch für RADIO LAND 

ins Aufnahmestudio eingeladen, neben 

Kerr und Murphy auch noch Dot Allison 

(Massive Attack, Death In Vegas), Shelly 

Poole, Helicopter Girl, Catherine AD und 

Kate Havnevik. Und wer Paul Stathams 

Kompositionsstil kennt, der weiß, dass 

dieser Bandname auch musikalisches Programm 

ist, dass es hier zurückgeht in die 

80er Jahre, als man so etwas Dark Wave 

nannte. Der alten Gefahr, hier schnell eintönig 

zu klingen, entgehen die Dark Flowers 

geschickt: Wechselnder Leadgesang und 

unterschiedliche Arrangements – von gehauchter 

Akustikballade bis zu tiefschwarzem 

Electro-Gothic – sorgen für genügend 

Abwechlsung. 

(Lojinx/Alive, 2013, 12/46:47) us 

OCEAN COLOUR SCENE 

PAINTING 

Auch wenn die Veteranen 

des Brit-Pop 

– immerhin 22 Jahre 

nach der Veröffentlichung 

ihrer Kult- 

Single “Sway” – zwischenzeitlich 

etwas 

an Sh Schwung verloren haben, beeindrucken 

sie immer noch mit ihrem unverwüstlichen 

Glauben an die Qualitäten dieses Musikstiles. 

So schielen Ocean Colour Scene auch 

auf ihrem aktuellen Album unverhohlen in 

Richtung Sixties, zurück in die Zeit, als es in 

ihrer britischen Heimat kein Vorbeikommen 

an Bands wie The Who oder Small Faces 

gab. Dabei ist PAINTING aber alles andere 

als rückwärtsgerichtet, vielmehr zeigt es 

wieder einmal, wie sich (vor allem in Großbritannien) 

Musik aus den 60er Jahren in der 

aktuellen Musikszene wiederfindet, wie sich 

Songwriter wie Simon Fowler und Steve 

Cradock noch heute davon inspirieren lassen, 

wie wenig sich in dieser langen Zeit die ursprüngliche 

Seele dieser Musik verändert hat. 

(Cooking Vinyl/Indigo, 2013, 14/38:22) tk 

MAREN KROYMANN 

IN MY SIXTIES 

Die bekannte deutsche Schauspielerin Maren 

Kroymann (unter anderem „Tatort”, „Klimawechsel”) 

hat ein Faible für die Musik der 

Fifties und Sixties und setzt ihre Vorlieben 

mit einer kompetenten Band um, die noch 

swingen kann und sich einen organischen 

Sound auf die Fahnen geschrieben hat. Mit 

dem hochmelodischen “I Only Want To Be 

With You” beginnt eine spannende Reise, 

die mit der Bacharach-Komposition “I Just 

Don’t Know What To Do With Myself” und 

mit einer groovigen Version von “The Boy 

From New York City” ihren ersten Höhepunkt 

erreicht. Eine hervorragende Fassung 

von “The Sun Ain’t Gonna Shine Anymore”, 

die Kroymanns Mut belohnt, sich so einen 

schwierigen Song vorzunehmen, begeistert, 

wohingegen “It’s All Over Now” leider etwas 

kraftlos klingt. Aber ein Ausfall unter 

den 16 Tracks (und nicht wie auf der Cover- 


CD 

REVIEWS 

rückseite angegeben 13 Nummern) ist 

nun wirklich zu verkraften. Unerwartet 

gut, da die sympathische Dame auch 

noch klasse singt! 

(Tonträger/edel, 2013, 16/48:15) at 

RON SEXSMITH 

FOREVER ENDEAVOUR 

Wie macht man 

es sich mit einer 

Flasche 

Wein 

an dem Platz, 

an dem man am 

liebsten einsam 

ist, am besten 

gemütlich? Wie fühlt es sich an, mit 

seiner Liebsten im Arm in der Morgensonne 

aufzuwachen? Das sind nur zwei 

der vielen kleinen Themen, die Ron 

Sexsmith auf seinem großen Album 

FOREVER ENDEAVOUR besingt. 

Nach dem eher schwachen Vorgänger 

LONG PLAYER LATE BLOOMER 

(2011) legt der 49-jährige kanadische 

Sänger/Songschreiber damit endlich 

wieder ein Meisterwerk vor, das unter 

Beweis stellt, warum Kollegen wie Paul 

McCartney, Elvis Costello und Steve 

Earle seine Arbeit schätzen. Die Lieder 

stecken voller Leichtigkeit und Melodienreichtum. 

Den allzu Mainstream-poppigen 

Sound von LATE BLOOMER 

hat er zugunsten eines mehr unpluggedfolkigen 

abgelegt: Jeden Song begleitet 

Sexsmith mit der Akustikklampfe, die 

Arrangements sind feinveredelt von 

Streich- und Blasinstrumenten. Kammermusik-Folk-Pop 

für Hör-Gourmets! 

(Cooking Vinyl/Indigo, 2013, 

14/42:07) frs 


REASON TO BELIEVE – 

THE SONGS OF 

TIM HARDIN 

Der 1980 infolge jahrelangen Drogenmissbrauchs 

im Alter von 39 Jahren 

verstorbene Tim Hardin gehört zu den 

zu Lebzeiten weitgehend erfolglosen 

Songschreibern, deren Lieder von Beginn 

an bis in die Gegenwart immer 

wieder gern gecovert wurden. Schlichte, 

aber nahegehende Kompositionen 

wie “Black Sheep Boy”, “How Can 

We Hang On To A Dream?” und “If I 

Were A Carpenter” ließen genügend 

Raum für andere Interpretationen, etwa 

von Scott Walker, The Nice und Bobby 

Darin. Die Liste ließe sich noch lange 

weiterführen und wird jetzt auf REA- 

SON TO BELIEVE um 13 neue Cover- 

Versionen erweitert, deren bekanntester 

Interpret Mark Lanegan, ehemalige 

Reibeisenstimme der Screaming Trees, 

sein dürfte. Neun der Neuinterpretationen 

haben ihren Ursprung in den 

ersten beiden Tim-Hardin-Alben, die 

restlichen vier beziehen sich auf Hardins 

weitgehend unbekanntes, aber 

keineswegs schlechtes Folge-Œuv re. 

Die Künstler erweisen Hardin ihre stilsichere 

Referenz, und es ist – den Herausgebern 

der Zusammenstellung folgend 

– zu hoffen, dass möglichst viele 

Tim Hardin (wieder-)entdecken. 

(Full Time Hobby/Rough Trade, 

2013, 13/45:27) an 

HEINO 

MIT FREUNDLICHEN 

GRÜSSEN 

Wer austeilt, muss auch einstecken 

können. Diese Weisheit ist alt. Und zu 

Zeiten, als Volksmusik-Barde Heino 

noch ein junger Mann war, Bestandteil 

eines Ehrenkodex’. Heute fangen die 

„Rebellen” mal eben gleich zu plärren 

an, wenn ihnen ein über 70-Jähriger im 

Vorbeigehen mal auf die blauen Converse 

Chucks tritt. Heinos Cover-Album 

MIT FREUNDLICHEN GRÜS- 

SEN ist nicht nur deshalb eine Wucht, 

weil er schmerzlich zutage förderte, 

dass die „wilden Buben” – speziell die 

Ärzte und Oomph! – zwar über alles 

und jeden lästern, tief in ihren Herzen 

aber Luschen sind – und zu zetern anfangen, 

wenn sich jemand an ihrem 

„künstlerisch wertvollen” Liedgut 

vergreift. Auch die Tatsache, dass die 

„Rocker” lediglich mit viel Strom und 

digitaler Studiotechnik getunte Schlager 

hervorbringen, ist eine erfrischende 

Erkenntnis. Heinos Versionen von Hits 

der Genannten sowie von Rammstein, 

Nena, Westernhagen, Keimzeit, Clueso, 

Absolute Beginner, Sportfreunde Stiller, 

Peter Fox, Fantastischen Vier und Stefan 

Remmler sind eine runde Sache. Mit 

satten Bläsersätzen angereichert, grooven 

die Stücke. Und die Texte werden 

wie bei “Junge” gar vom Kopf auf die 

Füße gestellt. Und was macht Heino bei 

all dem Heckmeck? Er lächelt entspannt 

und singt seine Lieder. 

(Starwatch/Sony Music, 2013, 

12/44:13) jub 

HANS EDLER 

SONGS FROM THE SIXTIES 

So, 

wie 

Bert 

Kaempfert 

der König 

der 

Easy- 

Listening- 

Jazzmusik 

ist, gebührt Hans Edler dieser Titel im 

Bereich Easy-Listening-Rock’n’Roll. 

Der schwe di sche Gitarrist begann 

seine musikalische Karriere in den 

60ern, als er in unterschiedlichen lokalen 

Bands Musik im Stile der Ventures 

oder der Shadows spielte. In den 70ern 

gehörte er in Schweden zu den Pionieren 

der elektronischen Musik, konzentrierte 

sich aber Ende dieses Jahrzehnts 

auf das Covern von Hitparadensongs. 

Daneben war er auch als Komponist 

für sich und andere tätig, seine im 

Rahmen einer Ricky-Nelson-Tour 

entstandene Single “Black Fender” 

war so populär, dass sie in Schweden 

sogar bis auf Platz 1 der Charts kam. 

Auf vier CDs hat er sich nun, teilweise 

live, teilweise im Studio, der Musik der 

60er Jahre verschrieben. Und ähnlich 

wie Kaempfert gelingt es Edler, seinen 

SONGS FROM THE SIXTIES einen 

durchgängigen, ganz eigenen, Gitarren-dominierten 

Sound zu verpassen, 

der nur noch wenig mit dem Original 

zu tun hat, ganz egal ob die Vorlage 

“Apache”, “Only Sixteen”, “Save The 

Last Dance For Me”, “Runaway”, 

Pop 

“Please, Please Me”, “Hello Mary 

Lou” oder “If I Had A Hammer” heißt. 

(7us/New Music Distribution, 2013, 

16/41:54, 16/41:50, 16/42:49, 

16/43:25) us 

CHRISTOPHER CROSS 

A NIGHT IN PARIS 

Lange 

Jahre 

hatte sich Christopher 

Cross 

rar 

gemacht, 

spielte, 

wenn 

überhaupt, 

in 

kleinen 

Clubs 

jazzige Akustiksets. t Kein Wunder, entwickelte 

sich seine letztjährige Europa-Tournee 

zur umjubelten Rückkehr. 

Mit Andy Suzuki (sax, keys), Chazz 

Frichtel (b, voc), Kiki Ebsen (keys, 

voc), Richie Gajate Garcia (perc) und 

Dave Beyer (dr) begleitete ihn eine 

illustre Band, deren Mitglieder auch 

ihre individuellen Stärken im rund 

90-minütigen Programm nach und 

nach zur Schau stellen durften. Gleich 

von Beginn an gelang es Christopher 

Cross, eine wunderschön relaxte Stimmung 

in das nicht minder schöne Pariser 

Theatre Le Trianon zu zaubern, die 

im Laufe des Abends der Nährboden 

für so herrliche Songs wie “Ride Like 

The Wind”, “Sailing” oder “Arthur’s 

Theme” war. Unbekannter, aber nicht 

weniger hochklassig: neue Titel wie 

“Leave It To Me” und “November”. 

Oft ja nur eine Dreingabe, hier aber 

weitaus mehr ist die beiliegende DVD 

des Konzertes, die die einmalige Stimmung 

dieses Abends in weichen Farben 

und herrlich entspannten Klängen 

ins heimische Wohnzimmer transportiert. 

(Ear Music/edel, 2013, 2 CDs, 

DVD 97 Min.) 

tk 

DIDO 

GIRL WHO GOT AWAY 

Nach fünf Jahren erscheint Dido, das 

„Mädchen, das davonkam” (GIRL 

WHO GOT AWAY), wieder auf der 

Bildfläche, im Gepäck ein Album, 

bei dem sie hörbar auf Nummer Sicher 

geht. Namhafte Produzenten 

sorgen dafür, dass sich unterschiedliche 

Sounds abwechseln, ein breites 

Publikum angesprochen wird, und mit 

Kendrick Lamar hat sie für “Love To 

Blame” den aktuellen Senkrechtstarter 

der amerikanischen Rap-Szene als Duettpartner 

ins Studio geholt. Natürlich 

fällt es Produzenten wie ihrem Bruder 

Rollo Armstrong (der gleich seine 

Faithless-Partnerin Sister Bliss mitgebracht 

hat), Trip-Hop-Mastermind 

Greg Kurstin, Rick Nowels (Lana Del 

Rey, Lykke Li) oder Altmeister Brian 

Eno nicht schwer, Didos wunderschöne, 

glasklare Stimme mit flirrenden 

oder sanft vor sich hinpluckernden 

Elektrobeats zu unterlegen. Oft reichen 

schon die ersten Takte eines Songs aus, 

um sich sofort wieder an “White Flag” 

zu erinnern, mit dem sie vor zehn Jahren, 

im Oktober 2003, an der Spitze der 

deutschen Single-Charts stand. 

(Sony Music, 2013, 11/42:59) tk 


kult! 

kult!-Nr. 8 

erscheint am 

19.4.2013 

Alle Hefte zu bestellen 

im Shop Seite 65 

oder unter: 

www.goodtimes-magazin.de 

CD 

REVIEWS 

JACK SAVORETTI 

BEFORE THE STORM 

Aktuell zusammen auf Tour mit dem Singer/Songwriter-Senkrechtstarter 

Jake Bugg 

ist dieser junge britische Künstler. Dabei ist 

die komplett selbst geschriebene Musik, die 

Jack Savoretti auf BEFORE THE STORM 

präsentiert, sogar noch ein gutes Stück vielschichtiger 

als die seines Kollegen. Produziert 

von Martin Terefe (James Morrison, 

Leonard Cohen, a-ha), lässt er in einer breiten 

Palette an Stilen sein Talent aufblitzen. Er 

klingt mal wie ein verträumter Liedermacher 

aus dem New Yorker Greenwich-Village der 

60er Jahre, mal wie eine junge Ausgabe des 

hawaiianischen Meisters des Gute-Laune- 

Surf-Pop, Jack Johnson, hat hymnische 

(Brit-Pop-)Refrains genauso im Angebot 

wie jazzig verspielten Lounge-Pop, kann 

es ebenso kernig, wie er seine Lieder voller 

Gefühl vortragen kann. Jack Savoretti, ein 

Name, den man sich merken sollte. 

(Fullfill Records/Alive, 2013, 13/45:37) tk 

THE PARTRIDGE 

FAMILY 

SOUND MAGAZINE / SHOPPING 

BAG + THE PARTRIDGE 

FAMILY NOTEBOOK / 

CROSSWORD PUZZLE 

Nach der Europa-Premiere der ersten beiden 

Partridge-Family-LPs gibt es nun auch die 

nächsten vier Alben der singenden US-Familie 

auf zwei CDs. SOUND MAGAZINE und 

SHOPPING BAG erschienen 1972, Hauptsänger 

waren natürlich wieder Teenie-Star 

David Cassidy sowie die Musical erprobte 

Shirley Jones, zum Studiopersonal gehörte 

mit Hal Blaine (dr), Larry Knechtel (keys), 

Max Bennett (b) und Louis Shelton (g) eine 

exzellente Riege an Musikern, sonst in den 

Diensten von Ella Fitzgerald, der Monkees, 

Glen Campbell, Simon & Garfunkel oder 

Elvis Presley. Mit fast gleicher Besetzung 

wurden im Jahr darauf weitere zwei Alben 

voller opulent arrangiertem, typisch amerikanischem 

70er-Jahre-Pop eingespielt, THE 

PARTRIDGE FAMILY NOTEBOOK sowie 

CROSSWORD PUZZLE. Auch beim Songwriting 

wurden hier keine halben Sachen 

gemacht, so gut wie alle Titel stammen von 

renommierten Songwriter-Teams, von Wes 

Farrell/Danny Janssen/Bobby Hart über Tony 

Romeo/Ken Jacobson bis zu Barry Mann/Phil 

Spector/Cynthia Weil. 


22/66:29, 1973, 22/64:10) tk 

JUSTIN HAYWARD 

SPIRITS OF THE WESTERN SKY 

Mit Kompositionen wie “Nights In White 

Satin”, “Tuesday Afternoon”, “Your Wildest 

Dreams” oder auch “I Know You’re Out There 

Somewhere” gehört der Moody-Blues-Gitarrist 

und -Sänger Justin Hayward zu den erfolgreichsten 

Songwritern der Rock- und Popgeschichte. 

Über 15 Jahre ist es her, dass er sein 

letztes Solo-Album veröffentlicht hat, so dass 

sich nun für SPIRITS OF THE WESTERN 

SKY wieder genug neues Material angesammelt 

hatte. Natürlich bleibt er sich über weite 

Strecken des Albums treu, liefert die von ihm 

bekannte Mischung aus melodischen, gefühlvollen 

Songs in feinsinnigen, ausgefeilten Poparrangements. 

Bei drei Songs, den Countryund 

Bluegrass-beeinflussten Stücken “What 

Your Resist Persists”, “Broken Dream” und 

“It’s Cold Outside Your Heart”, wendet er sich 

auch neuen Ausdrucksweisen zu. 

(Eagle/edel, 2013, 15/68:19) 

tk 

EVERLY BROTHERS 

ROCK + THE BALLADS OF 


Pop 

Kategorien und kommerziellen Zwängen 

anzurichten. Und trotz zahlreicher Helfer an 

so unterschiedlichen Instrumenten wie Harmonium, 

Lapsteel, Kornett, Flöte, Laptop 

oder Cello klingen ihre Lieder nie überladen, 

steht neben allem schmückenden Beiwerk 

der Kern des Songs im Mittelpunkt. Auch 

die Wurzeln dieser Lieder sind schnell ausgemacht, 

reichen von perlendem Sixties-Beat 

über jazzig verspielte Chansons und sanftem 

Folk bis zu himmelhoch aufgetürmten Pop- 

Harmonien – immer umspielt von einer Prise 

mystischer Unnahbarkeit. Also ganz wie eine 

Outer-Space-Version von Belle & Sebastian, 

unterstützt von einer jungen Kate Bush ... 

(Make My Day Records/Alive, 

2013, 10/37:56) us 

EDWYN COLLINS 

UNDERSTATED 

Die Everly Brothers waren immer beides: 

Schmusesänger und Rock’n’Roller. Einem 

ruhigen “All I Have To Do Is Dream” (1958, 

US #1) gingen Uptempo-Hits wie “Bye Bye 

Love” (1957, US #2) und “Wake Up Little 

Susie” (1957, US #1) voraus. Gleichwohl 

blieben die Brüder Don und Phil im kollektiven 

Gedächtnis eher mit ihren zärtlichen 

Close-Harmony-Balladen haften, die starken 

Einfluss auch auf die Beatles, Simon & Garfunkel 

und a-ha ausübten. Von ihrer rockigen 

Seite kann man sich nun anhand der Anthologie 

THE EVERLY BROTHERS ROCK 

überzeugen. In gewohnt guter Bear-Family- 

Qualität (hervorragender Klang, informatives 

Booklet) versammelt sie neben “Bye Bye 

Love” und “Wake Up Little Susie” 28 weitere 

Nun ist er aber wirklich 

zurück! Als Edwyn 

Collins 2010 

mit LOSING SLEEP 

sein Comeback feierte, 

war man in erster 

Linie froh, dass 

es dem Mann gelungen war, sich nach 

zwei Schlaganfällen wieder aufzurappeln. 

Ein gutes Album zwar, aber man merkte 

ihm doch stark an, dass der Sänger/Songschreiber, 

der in den 80ern mit der schottischen 

Band Orange Juice Erfolge feierte, 

noch etwas geschwächt war. Doch nun, 

zwei Jahre später, ist der 53-Jährige mit 

seinem achten Solo-Album UNDERSTA- 

TED wahrhaft zur Bestform aufgelaufen. 

Songs aus den Jahren 1957–62, darunter das Mitmusiker wie Sex-Pistols-Drummer 

knallige “Bird Dog” (1958, US #3) und die 

ambitionierte Bing-Crosby-Adaption “Temptation” 

(1961). In ihrer Studioband spielten gestandene 

Rockabillys wie Chet Atkins (g) und 

Floyd Cramer (p). Auch Covers von R&R- 

Kollegen sind zu hören, etwa Little Richards 

“Lucille” und Gene Vincents “Be-Bop-A- 

Lula”. Diese, viel zu zahm, bleiben allerdings 

hinter den wilden Originalen zurück. Um kein 

falsches Bild der Everlys zu erhalten, bringt 

Bear Family zeitgleich THE BALLADS OF 

THE EVERLY BROTHERS auf den Markt, 

Paul Cook haben ihm geholfen, sein wohl 

bestes Werk seit GORGEOUS GEORGE 

(1994) und der Erfolgssingle “A Girl 

Like You” (UK #4, D #3) zu produzieren. 

Mit “Carry On, Carry On” und “Too Bad 

(That’s Sad)” gibt es zwei schöne, wunderbar 

leichtfüßige Blue-Eyed-Soulnummern, 

das beklemmende “Baby Jean” glänzt mit 

flirrenden Voodoo-Sounds, und mit den 

autobiografischen Songs “31 Years” und 

“Down The Line” hat Collins zwei seiner 

bislang schönsten Balladen geschrieben. 

die mit 30 Songs ebenfalls auf die goldenen 

Jahre der Everlys von 1957 bis ‘62 fokussiert 

– allerdings auf deren ruhige Seite. Neben “All 

I Have To Do Is Dream” beinhaltet sie weitere 

herzerweichende Popnummern wie “Love 

(AED/Rough Trade, 2013, 11/41:16) 

1. FUTUROLOGISCHER 

CONGRESS 

PATCHWORK 

frs 

Hurts” und “Crying In The Rain” (später von 

Nazareth und a-ha gecovert). Der Harmonygesang 

der Brüder sorgt heute noch, nach über 50 

Jahren, für Gänsehaut. Beide CDs verhalten 

sich wie Yin und Yang zueinander und sollten 

am besten im Doppelpack erworben werden! 

(Bear Family, 2013, 30/65:22 + 

Experimentellen elektronischen Pop pflegte 

der 1981 gegründete, zeitweise 13-köpfige 1. 

Futurologische Congress, bei dem zeitweise 

auch FM Einheit (Einstürzende Neubauten) 

und Hansi Behrendt (Ideal) mitmischten. Dabei 

profitierten die Berliner von der grassierenden 

Neuen Deutschen Welle, es gab Vergleiche 

30/72:54) frs 

mit Spliff oder gar den Talking Heads. 

Ab und zu integrierte die Combo um Sänger 

MONKEY CUP DRESS 

MONKEY CUP DRESS 

U.W.A. Heyder auch Funk und Soul, es 

groovte bei aller Synthetik durchaus. Die nun 

Der betörende Kammerpop dieser beiden 

jungen Damen braucht keine große Bühne 

um seine Schönheit zu entfalten, ganz in der 

langen Poptradition ihrer skandinavischen 

Heimat lebt diese Musik vom Kontrast zwischen 

kühler Schönheit und warmer Intimität. 

Mit Monkey Cup Dress leben Line Felding 

(Mitglied der dänischen Folk-Rockband 

Cody) und Sidse Holte (begleitet sonst den 

Sänger Danjal von den Färöer Inseln) ihren 

erstmals vorliegenden, bislang nur als Download 

erhältlichen Aufnahmen (CD-Untertitel: 

„Studio-Tracks ’83 –’86”) waren als drittes 

Album gedacht, über dem sich die Gruppe 

zerstritt. Als Bonus gibt es zu den ansonsten 

deutsch gesungenen und besprochenen Titeln 

drei englischsprachige Tracks. Abwechslungsreich, 

eigenwillig, gewöhnungsbedürftig, 

nicht jedermanns Geschmack. 


Traum aus, Musik frei von Konventionen, 14/53:21) pro

CD 

REVIEWS 

PRETTY MAIDS 

MOTHERLAND 

Irgendwie waren die Dänen schon in den 

80ern ziemlich geil. Das Melodic-Metal- 

Überangebot aus den Staaten gestattete den 

Pretty Maids aber nur die berühmten fünf 

Minuten des Erfolgs. Beirren ließen sich 

die Musiker um die Gründungsmitglieder 

Ronnie Atkins (voc) und Ken Hammer (g) 

aber nie. So haben wir das Glück, auch anno 

2013 mit einem neuen Pretty-Maids-Album 

bedacht zu werden. Und MOTHERLAND 

ist wie viele Male zuvor eine CD, die randvoll 

ist mit eingängigen Melodic-Bangern, 

denen man schon nach dem ersten Durchlauf 

seine gesamte Sympathie gewährt. Die 

Scheibe hat nicht den Hauch von Schwäche 

und legt somit die Latte für in diesem 

Jahr garantiert noch folgende Veröffentlichungen 

aus dem Melodic-Metal-Sektor 

verdammt hoch. 

(Frontiers/Soulfood, 2013, 13/52:06) jub 

WHEELER BROTHERS 

PORTRAITS 

Relativ neu auf der 

Roots-Rock-Landkarte 

sind die Wheeler 

Brothers. Zumindest 

dann, wenn man 

nicht aus Austin, 

Texas, stammt, denn 

dort gehörten die drei Wheeler-Brüder 

Nolan, Tyler und Patrick mit ihren zwei 

Freunden Danny Matthews und A.J. Molyneaux 

zu den Abräumern des letztjährigen 

SXSW-Festivals, als sie gleich in fünf 

Kategorien mit einem Austin Music Award 

ausgezeichnet wurden. Musikalisch kann 

man das Quintett im derzeit so beliebten 

Grenzgebiet zwischen Indie-Rock und 

Americana einordnen, rockiger als die 

Avett Brothers, geradliniger als My Morning 

Jacket, vielschichtiger und bunter als 

The Low Anthem. Denn was letztendlich 

zählt – neben allem schmückenden Beiwerk 

aus Banjo, Cello, Glockenspiel oder 

Akkordeon – sind die Songs, und die sind 

den Wheeler Brothers wirklich hervorragend 

gelungen. 

(Blue Rose/Soulfood, 2013, 13/53:06) us 

ALEXANDER’S TIMELESS 

BLOOZBAND 

FOR SALE 

Prima Idee, diesen Semi-Klassiker endlich 

erneut auf CD vorzulegen. Alexander’s 

Timeless Bloozband aus San Diego, Kalifornien, 

konnte 1968 unter Führung von 

Charles Lamont (veröffentlichte 1969 sein 

Solo-Album A LEGEND IN HIS OWN 

MIND), Carl Lockhart und Larry Marks 

nach dem selbst betitelten Debüt 1967 mit 

FOR SALE kurzzeitig Ruhm ernten mit 

psychedelischem Blues – und mit einem 

in Kennerkreisen legendären Super-Cover, 

das eine „wonderful sad eyed lady” zeigt. 

Der Blues der Gruppe pendelt zwischen gehoben 

kraftvoll (“Love So Strong”, “Tight 

Rope Walker”) und bläser-swingend (“Horn 

Song”). Gehörige Jazzanteile steigern sich 

mitunter bis zum Free Jazz (“Life”), die 

Gitarre erinnert häufig an Mike Bloomfield, 

und der Gesang reicht von normal-garagenrockig 

bis wölfisch (“Help Me”). In jedem 

Falle klang man unangepasst, widerborstig 

und generell wunderbar schräg. Und die 

Verwendung der Begriffe „timeless” und 

„blooz” ist wohlüberlegt: Der Blues wird 

zum „Blooz” verfremdet, und zeitlos ist 

die in keine bequeme Schublade passende 

Kombination von Garagen-Rock und Jazz 

auf jeden Fall. Die stilistisch superambitionierte 

Gruppe, die man am besten wohl 

als undergroundige Ausgabe der Ides Of 

March bezeichnen könnte, hatte innerhalb 

ihrer Nische über Jahrzehnte hinweg bis 

heute kaum echte Konkurrenz. Auch das 

macht sie zu einem kleinen Juwel! 

(Kismet/Soulfood, 1968/2013, 

11/34:30) hjg 

GREAT WHITE 

30 YEARS – LIVE FROM THE 

SUNSET STRIP 

Es ist die alte Streitfrage, 

wie „echt” 

eine Band noch ist, 

wenn eine ihrer tragenden 

Stützen nicht 

mehr dabei ist. Bei 

Great White, die ihr 

30-jähriges Bestehen am 22.3.2012 im 

Key Club in Los Angeles feierten, gilt dies 

für Sänger Jack Russell. Der Konzertmitschnitt 

präsentiert erstmals seinen vielseitigen 

Nachfolger Terry Ilous live auf CD, 

und wie schon auf der 2012er Studioplatte 

ELATION kann der frühere XYZ-Frontmann 

durchaus überzeugen. Ansonsten 

gibt’s Great White, wie man sie kennt und 

schätzt: mit straightem Hard Rock, der melodisch 

wie zwischendurch auch bluesverwurzelt 

daherkommt. Erstaunlich ist schon, 

dass kein ELATION-Song dabei ist – aber 

immerhin unterscheidet sich das Set von 

den zahlreichen bisherigen Livescheiben. 

Ordentlich gemacht, aber dennoch bleiben 

irgendwie zwiespältige Gefühle ... 

(Frontiers/Soulfood, 2013, :11/73:41) pro 

JOHNNY MARR 

THE MESSENGER 

Als Gitarrist von The Smiths stand Johnny 

Marr stets im Schatten von Sänger Morrissey. 

Gleichwohl war er für den Bandsound 

und das Songwriting ungemein wichtig. 

Nach dem Combo-Split 1987 war er aufgrund 

seiner Gitarrenkünste ein gefragter 

Gastmusiker für so unterschiedliche Gruppen 

wie die Pretenders, The The, Pet Shop 

Boys oder Modest Mouse. 2003 veröffentlichte 

er unter dem Namen Johnny Marr 

& The Healers sein erstes Solo-Album 

BOOMSLANG. Nun, zehn Jahre später, 

legt er den grandiosen Nachfolger THE 

MESSENGER vor – ein feinziselierter 

Ohrenschmaus für alle Fans von gitarrenorientiertem 

Indie-Rock und Brit-Pop. Das 

Songwriting und die Saitenarbeit bei Songs 

wie dem patchworkartigen Titelstück, dem 

flockigen “European Me”, dem düsteren 

“Say Demesne” oder den vorwärtstreibenden 

“The Right Thing Right” und “Generate! 

Generate!” sind famos. Man fühlt 

sich an die besten Zeiten von The Jam, 

Oasis – und freilich den Smiths – erinnert. 

(Warner, 2013, 12/48:24) 

frs 

Rock 

DAVID COURTNEY 

MIDSUMMER MADNESS / 

SHOOTING STAR 

Courtney war 1973 in allen Rock-Gazetten, 

als er mit Leo Sayer das komplette Solodebüt 

des Who-Sängers Roger Daltrey verfasste 

– eine Megastimme, kombiniert mit 

bestem Songwriter-Talent. Die Einfälle für 

Courtneys zweites Solo-Album von 1975, 

MIDSUMMER MADNESS, klangen kaum 

weniger ideenreich, ausgeführt von Argents 

Jim Rodford (b) und Bob Henrit (dr), dem 

späteren Kinks-Rhythmusteam, dazu jenem 

Phil Kenzie, der das Sax auf Al Stewarts 

“Year Of The Cat” spielte. An großartigen 

Einspielungen des Argent-Gitarristen John 

Verity lag es nicht, dass das Album in den 

Archiven verschwand. War es Courtneys 

mangelndes Zutrauen an seine Stimme? Sie 

ist angenehm, jedoch nicht unverwechselbar. 

SHOOTING STAR entstand 1980 in 

L.A. und erschien nur in kleiner Auflage, 

nachdem Beach Boy Mike Love am liebsten 

sämtliche Songs seinen Strandjungs 

einverleibt hätte. Hier glänzt neben Courtneys 

Stimme & Keyboards Sessiondrummer 

Rick Schlosser (Manhattan Transfer, 

Art Garfunkel): melodischer Pop-Rock mit 

Charakter, dessen Anteil in der Punk/New- 

Wave-Ära kleiner wurde, der aber eine 

(Wieder-)Entdeckung lohnt. 

(Agel Air/Fenn, 1975/1980, 18/78:20) utw 

SPOCK’S BEARD 

BRIEF NOCTURNES AND 

DREAMLESS SLEEP 

Seit dem letzten Studio-Album 

X (2010) 

hat sich einiges getan, 

da Sänger/Drummer 

Nick D’Virgilio 

durch Tourdrummer 

Jimmy Keegan und 

Enchant-Sänger Ted Leonard ersetzt werden 

musste. Gelang Spock’s Beard auf 

X die nahezu perfekte Synthese aus dem 

Prog-Sound der Neal-Morse-Phase und den 

hardrockigeren New-Art-Einflüssen der 

Folgewerke, kann die aktuelle Scheibe dieses 

hohe Niveau nicht halten. Die Band musiziert 

natürlich virtuos, die durchaus gelungene 

CD hat viele gute Parts, doch kann 

der Vorgänger nicht erreicht werden. Neal 

Morse ist bei zwei Stücken kompositorisch 

beteiligt, was sich durchaus bemerkbar 

macht. So folgt mit “Afterthoughts” eine 

Fortsetzung des “Thoughts”-Zyklus – natürlich 

mit herrlichem a-capella-Chor. Für 

Freunde anspruchsvoller Rockmusik ist 

Spock’s Beard wie immer ein Tipp! 

(InsideOut/EMI, 2013, 7/56:02) rg 

DEVON ALLMAN 

TURQUOISE 

Als essenzielles Mitglied der Royal Southern 

Brotherhood hat Devon Allman, Sohn 

des Allman-Urvaters Gregg, schon deutlich 

gemacht, welche Vorteile es hat, mit dem 

Musik-Gen auf die Welt gekommen zu sein. 

Der knietief im Southern Rock verankerte 

Junior singt einfach souverän und spielt dazu 

eine kraftvolle Gitarre ohne Fehl und Tadel. 

Zudem hat er für sein erstes Solo-Album 

TURQUOISE, teilweise in Co-Produktion 

mit James Zito und Tyler Strokes, ein Bündel 

Songs geschrieben, die dem jahrzehntelangen 

Niveau der Allman-Familie voll 

und ganz entsprechen. Bei der Realisierung 

verließ er sich auf die Brotherhood-Kollegen 

Myles Weeks (b) und Yonrico Scott (dr) – und 

war nicht verlassen. Das Kerntrio weiß sehr 

genau, wo der Hammer hängt. Für Spezial- 


CD 

REVIEWS 

aufgaben standen einige Koryphäen bereit, 

so der Southern-Halbgott Luther Dickinson 

oder die Sängerin Samantha Fish, mit deren 

Duettkraft Devon Allman “Stop Draggin’ 

My Heart Around”, aus Tom Pettys Feder 

und die einzige Cover-Version hier, zu einem 

Höhepunkt macht. Weitere sind der Eröffner 

“When I Left Home”, “Time Machine” 

und das ruhige “Yadira’s Lullaby”, ehe das 

rundum schöne Album mit dem gleichfalls 

trefflichen “Turn Off The World” endet. Allman 

bezeichnet seine Musik als „dusty road 

driving music” und auch als „tropical getaway 

music”. Derlei Definitionen lassen viel 

Spielraum für differenzierte Weiterentwicklungen. 

Von Devon Allman wird man noch 

oft Gutes zu hören bekommen ... 

(Ruf/inakustik, 2013, 11/41:56) hjg 

VIBRAVOID 

DELIRIO DEI SENSI + 

THE POLITICS OF ECSTASY 

Keine Ki Frage, von welcher Band Vibravoid 

id 

am stärksten beeinflusst wurden: Pink Floyd, 

und zwar die frühe Formation mit Syd Barrett, 

standen Pate für den psychedelischen 

Rock, dessen Fahne die Düsseldorfer Band 

nun schon seit über zehn Jahren in den Wind 

hält. Ihr neuestes Werk hat sie an zwei freien 

Tagen ihrer Italien-Tour aufgenommen, 

so dass nun der Titel DELIRIO DEI SENSI 

(Delirium der Sinne) in Italienisch auf dem 

Cover prangt. Neben eigenen Stücken haben 

sie auch Vorlagen von Serge Gainsbourg 

(“Poupée De Cire”), Aphrodite’s Child (“Magic 

Mirror”) oder der australischen Underground-Helden 

Tyrnaround (“Colour Your 

Mind”) im Programm. Wem der Acid-Rock 

des neuen Albums nicht genügt, dem sei die 

remasterte (und um eine zweite CD ergänzte) 

Wiederveröffentlichung ihres 2008er Albums 

THE POLITICS OF ECSTASY empfohlen. 

In schöner Aufmachung und exzellentem 

Vintage-Sound zeigt die Band eindrucksvoll, 

dass man auch heute noch mit den psychedelischen 

Sounds der Sixties begeistern kann. 

(Stoned Karma Records/Cargo, 2013, 

11/59:58, 2008, 12/56:51, 10/73:56) us 

YOUR ARMY 

IGNITE 

Schnörkellosen Rock, ohne Firlefanz und 

mit klassischer R’n’R-Besetzung (Gesang, 

Gitarre, Bass, Schlagzeug) vielleicht kann 

man es auch Neo-Punk nennen – bieten die 

aus Brighton kommenden Engländer von 

Your Army. Aber den machen sie exzellent, 

mit dem Ausdruck jugendlicher Energie und 

unbändiger Spielfreude. Mitreißend schreit 

sich Sängerin Lucy Caffrey die Wut aus dem 

Bauch, dass auch der Hörer nicht zur Ruhe 

kommt. Lediglich die Ballade “Chase The 

World” setzt einen zurückhaltenden Schlusspunkt. 

Ansonsten rockt und knallt und fetzt 

es, dass es eine wahre Freude ist. Erinnerungen 

an US-Gitarrenbands wie The Romantics, 

The Shirts und The Knack kommen 

auf. Obwohl Your Army bereits seit 2009 

aktiv sind, ist IGNITE ihr Debütalbum. 

(Intono/Rough Trade, 2013, 12/39:50) p 

HELIX 

BEST OF 1983–2012 

Seit 1974 hat die kanadische Band Helix 

ihren Hard Rock immer wieder geschickt 

dem jeweiligen Zeitgeist angepasst. Was 

ihr ein dauerhaftes Bestehen mit genügend 

Arbeit bescherte, andererseits – wie 

viele Personalwechsel – nicht dazu beitrug, 

dass sich die Combo dauerhaft in der Topliga 

des melodischen Heavy Rock festsetzen 

konnte. Mit der Hymne “Wild In The 

Streets” sowie “Rock You” und “Heavy 

Metal Love” gelangen ihr in den 80er Jahren 

respektable Hits. Zwischen Rock-Pop 

(“Gimme, Gimme Good Lovin’”, “Danger 

Zone”) und Schmuseballaden (“Deep Cuts 

The Knife”), treibenden Stadionrockern 

und Bon-Jovi-eskem (“Good To The Last 

Drop”) variierten Helix ihren eingängigen 

Sound – nachzuhören auf der treffsicher 

kompilierten BEST OF. Als Bonus gibt’s 

die 2012er Weihnachtsnummer “All I Want 

For Christmas”. 

(PHD/Soulfood, 2012, 21/77:33) pro 

STEVEN WILSON 

THE RAVEN THAT REFUSED TO 

SING (AND OTHER STORIES) 

Das 

Remastering 

epochaler Klassiker 

von King Crimson 

oder ELP durch den 

Porcupine-Tree-Chef 

hat Spuren auf seinem 

dritten Solowerk 

hinterlassen. Die sechs Songs zwischen 

fünf und zwölf Minuten überzeugen 

durch abwechslungsreiches Songwriting. 

Klassische Prog-Sounds gepaart mit Jazzund 

Metaleinflüssen – das Nebeneinander 

von zarten Elegien und bombastischen 

Soundwänden erinnert immer wieder an 

King Crimson – ergeben ein faszinierendes 

Album. Theo Travis streut jazzige Saxofon- 

und Flötensoli ein, Mike Minnemann 

sorgt für druckvolles und raffiniertes Drumming, 

mit Guthrie Govan, Adam Holzman 

und Nick Beggs sind weitere Virtuosen am 

Start, die Technik und Gefühl verbinden 

können. Die diesmal gewählte Reduzierung 

auf eine CD hat gutgetan, damit liefert 

Wilson schon jetzt eines der Prog-Meisterwerke 

des Jahres ab! 

(Ksope/edel, 2013, 6/54:43) 

rg 

PANCAKE 

NO ILLUSIONS 

Pancake aus dem Schwabenländle existierten 

zwischen 1974–1981, die Formation war 

eine Randerscheinung des Symphonic-Progressive-Rock. 

Das Quintett veröffentlichte 

drei Studio-Alben, diese wurden in chronologischer 

Reihenfolge im Laufe der letzten 

Jahre vom Deutschrock-Expertenlabel Garden 

Of Delights in akzeptabler Klangqualität 

auf CD veröffentlicht. Den Abschluss bildet 

das 1979 erschienene NO ILLUSIONS. 

Pancake waren von pausenlosen Umbesetzungen 

geplagt. Und während man sich 

bei den ersten zwei Scheiben stark an ELP 

oder Eloy erinnert fühlt, weisen die härteren 

Klänge auf NO ILLUSIONS in Richtung 

Karthago und vor allem Octopus. Das liegt 

daran, dass bei jener Produktion das erste 

und einzige Mal mit Biggi Zmierczak eine 

Frau anstatt eines Mannes das Mikro in der 

Hand hielt. Ihr Näseln nervt auf Dauer, doch 

die Classic Rock-Melodien entwickeln ihren 

Reiz. Nur die Bonus-Tracks – rares Studiound 

Livematerial – hätten keiner Wiederbelebung 

bedurft. 

(Garden Of Delights, 1979/2012, 

12/61:53) mfg 

THE CHOCOLATE 

WATCHBAND 

REVOLUTIONS REINVENTED 

Die 

Chocolate 

Watchband aus San 

José, Kalifornien, gehörte 

in den Sixties 

zum Kern der westküstlichen 

Psyche- 

delic-Acid-Garagen- 

Punk-Rockszene k und erlangte durch ihre 

drei Topalben NO WAY OUT, THE INNER 

MYSTIQUE und ONE STEP BEYOND 

rasch einen legendären Status, der sie auf 

den NUGGETS-Sampler brachte und dafür 

sorgte, dass ihre Platten seither immer wieder 

neu aufgelegt wurden. Und das völlig 

zu Recht. Denn Dave Aguilar (voc), Dave 

„Sean” Tolby (g), Mark Loomis (voc, g), 

Bill Flores (b) und Gary Andrijasevich (dr) 

schufen mit ihrer Mixtur aus rabaukigem 

britischem Rhythm & Blues à la Stones, 

Kinks, Pretty Things und Yardbirds sowie 

kalifornischem Straßen-Feeling und ungebremster 

Experimentierlust einen wundervoll 

irren Sound, der zum Aufregendsten 

der damaligen Zeit gehörte. Ohne ihre besten 

Songs, wie “Let’s Talk About Girls”, 

“Don’t Need Your Loving”, “Misty Lane”, 

“I Ain’t No Miracle Worker” sowie gehaltvolle 

Cover-Versionen (Bob Dylans “It’s 

All Over Now, Baby Blue”, Ray Davies’ 

“I’m Not Like Everybody Else”) wäre der 

Rock um einiges ärmer. Trotzdem warf 

auch die Watchband 1970 das Handtuch 

und erlebte die schon erwähnte zähe Legendenbildung 

gewissermaßen im Ruhestand. 

Die dann Mitte der 90er Jahre aufflammende 

Reunion-Diskussion mündete ab 1999 

in neue Konzertaktivitäten, und das Album 

GET AWAY, dem 2001 AT THE LOVE- 

IN-LIVE folgte. Und nun liegt das extrem 

willkommene „endgültige” Comebackalbum 

REVOLUTIONS REINVENTED 

vor, eingespielt von Aguilar, Flores und 

Andrijasevich sowie den neuen Musikern 

Alby Cozzetti (g) und Tim Abbott (Multi- 

Instrumentalist und zugleich Produzent). 

Es enthält eine feine Auswahl der alten 

Heldentaten in druck- und eindrucksvollen 

Versionen. Natürlich offenbart ein direkter 

Vergleich, dass sich die Studio-Sound- 

Möglichkeiten etwas in Richtung Feinschliff 

verändert haben und die Protagonisten 

älter und reifer geworden sind. Aber 

an ihrer Garagen-rockigen Spannkraft bestehen 

auch 2012 null Zweifel. Pflichtkauf 

für alle Watchband-Fans! 

(Twenty Stone Blatt/Rough Trade, 

2012 13/44:39) hjg 

DELTA SPIRIT 

DELTA SPIRIT 

Aus dem sonnigen Kalifornien kommen 

diese fünf jungen Musiker, die zwischenzeitlich 

ihre Heimat in Brooklyn, New 

York, gefunden haben. Und passend dazu 

haben sie auch ihre Musik geändert, starteten 

ihre Karriere mit sumpfigem Americana-Folk 

und sind jetzt, mit ihrem dritten 

Rock 

Album, bei vielschichtigem und abwechslungsreichem 

Rock’n’Roll gelandet. Doch 

keine Angst, wem Delta Spirit bisher gefielen, 

der wird auch auf DELTA SPIRIT 

genügend altbekannte Zutaten vorfinden. 

Dass die Voodoo-Trommeln jetzt in der 

Hinterhofgarage erklingen, dass der neue 

Gitarrist Will McLaren den Sound um ein 

breites Spektrum an rockigen Klängen erweitert, 

dass es Sänger Matthew Vasquez 

gelingt, den Songs ein raues Livefeeling zu 

verpassen: Das alles trägt zu einem starken 

Gesamteindruck bei. Und wer sich innerhalb 

so kurzer Zeit so nachhaltig verändert, 

für den ist die Reise mit diesem Album sicher 

noch längst nicht beendet. Mal sehen, 

wo sie hinführt ... 

(Rounder/Universal, 2013, 11/43:19) us 

MOLLY HATCHET 

PAYING TRIBUTE 

Neuauflage 

des 

Albums von 2008, 

das Molly Hatchet 

in bester Spiellaune 

und (fast immer) 

souveräner 

Beherrschung der 

ausgesuchten Vorlagen präsentiert. Das erfreulich 

weit gespannte Spektrum reicht von 

Songs der seelenverwandten Bands ZZ Top 

(“Sharp Dressed Man”), Thin Lizzy (“The 

Boys Are Back In Town”) und Mountain 

(“Mississippi Queen”) über blues-rockende 

Institutionen wie die Allman Brothers 

(“Dreams I’ll Never See”, “Melissa”) und 

George Thorogood (“Bad To The Bone”) bis 

hin zu den unvermeidbaren Rolling Stones. 

“Tumbling Dice” bieten Molly Hatchet als 

Kraftpaket an, wie zu erwarten war. Ihre Version 

von “Wild Horses” ist allerdings etwas 

zu wenig wild geraten. Weichere Töne kommen 

durch die Eagles-Klassiker “Desperado” 

und “Tequila Sunrise” ins Spiel. Abgerundet 

wird die Sammlung durch drei Livetracks aus 

dem bekannten Hatchet-Repertoire. “Whiskey 

Man”, “Beatin’ The Odds” und “Flirtin’ 

With Desaster” bringen keine neuen Erkenntnisse, 

stören aber auch nicht. 

(Collectors Dream/Soulfood, 

2008/2013, 13/57:41) hjg 

VDELLI 

NEVER GOING BACK 

Wer jahrelang und regelmäßig auf Konzertbühnen 

steht und seine Klasse vor 

Publikum beweisen muss, merkt ziemlich 

schnell, worauf es bei guter Rockmusik 

ankommt. Vdelli aus dem australischen 

Perth sind das beste Beispiel hierfür. Seit 

über zehn Jahren sind sie unterwegs, gehören 

mit über 150 Konzerten pro Jahr und 

20 Tourneen in Europa zweifellos zu den 

fleißigsten Livebands. Auch 2013 besuchen 

sie wieder über 30 Städte in Deutschland, 

Österreich und der Schweiz, im Gepäck 

haben sie mit NEVER GOING BACK ein 

nagelneues Album. Eingerahmt von zwei 

Akustiknummern geht es dabei ohne langes 

Vorgeplänkel ziemlich schnell zur Sache. 

Rau, dreckig und voller Energie treiben sie 

ihren bluesigen Rock nach vorne, wird Sänger 

Michael Vdelli von seinen beiden Mitstreitern 

Leigh Miller (b) und Ric Whittle 

(dr) zu Höchstleistungen angetrieben. Auch 

in der Wahl des Produzenten haben sie alles 

richtig gemacht, Kim Goodlet (The Dark- 


CD 

REVIEWS 

ness, Coldplay, Arctic Monkeys) sorgt für 

brachialen Klang, der aber dennoch genügend 

Raum für die eine oder andere Feinheit 

lässt. 

(Jazzhaus Records/inakustik, 

2013, 12/40:30) tk 


MIXED UP MINDS – OBSCURE 

ROCK AND POP FROM THE 

BRITISH ISLES 1968–1974 

PART FIVE 

Obskurität ist keine 

Eigenschaft, die bevorzugt 

den Erzeugnissen 

finanzschwach 

rumkrebsender kleiner 

Indie-Labels 

anhaftet. Von Obskurität 

sind idmindestens genauso oft Acts 

bedroht, die zwar bei großen Labels unter 

Vertrag stehen, aber (nur) Singles veröffentlichen 

dürfen, um die sich dann die mit ihren 

Stars überlastete Firma nicht auch noch 

kümmern kann ... Und so finden sich auf 

der neuen Folge der MIXED UP MINDS- 

Serie fast nur Interpreten der Majors Polydor, 

Pye, EMI, Decca oder Philips. Mit 

frühen – oder einzigen – Werken, deren 

Rettung vor dem totalen Vergessen mehr 

als gerechtfertigt ist! Man begegnet dem 

Flower-Power-Troubadour Mike Wallace 

und seiner Erkenntnis „... the best high is a 

natural high ...”, seinem überaus talentierten 

Kollegen Cliff Augnier (“Good Good”), der 

Gruppe The Seychelles, die Brians Pooles 

Begleiter nach seinem Ausstieg bei den 

Tremeloes waren (“I Will Be There”) und 

dem späteren Satiriker und Drehbuchautor 

Jonathan Coudrille mit seiner Band Bundle 

(“Progressive Underground [Anyway]”). 

Ferner dabei: der Thin-Lizzy-Produzent 

Nick Tauber mit Ragamuffin (“Fresh As A 

Dairy”), Songwriter Richard Kerr, der Hits 

für Barry Manilow komponierte, mit Firefly 

(“Younger Days”) und die Gruppe Richmond 

(“Candy Dora”), deren Steve Hall mit 

Starry Eyes And Laughing eine bescheidene 

Karriere machte. Sie alle versuchten sich an 

Pop, Beat und Rock diverser Spielarten, 

mit und ohne Psychedelia-Touch. Geboten 

werden mehr als bloße Talentproben, vieles 

kann mit den damaligen Charts-Bewohnern 

durchaus mithalten. 

(Particle/Soulfood, 20/60:49) hjg 

ROCKHOUSE HAMBURG 

DREAMCATCHER 

Ein knackiges, brillant aufgenommenes 

Hard-Rock-Mini-Album in bester Hard- 

Rock-Tradition: glasklar die Drumsounds 

von Claus Graf „Bubi” Reinhold, warme 

Gitarrentöne, die beißen, stammen von 

„Chucker” Rene Chambalu, sein Solo 

auf “Stranger” ist waffenscheinpflichtig. 

Die leicht angeraute Stimme von Andreas 

Kokott kommt besonders gut auf dem 

Midtempo-Slowburner “Dreamcatcher” 

zur Geltung, in den Höhen erinnert „Pille” 

angenehm an Heeps David Byron, und 

alle können sich auf die ausgeschlafenen 

Läufe von Jörn „Langer” Rohde verlassen. 

“Broken Mind” zitiert gekonnt das Riff von 

“Strange Kind Of Woman”, baut aber auf 

eigene Melodielinien – die Lyrics zu allen 

Cambalu/Kokott-Kompositionen lieferte 

kein Geringerer als Pete “White Room” 

Brown. Übrigens: Mit der Hochspannungsversion 

von “Day Tripper” könnten die vier 

Hartgesottenen glatt den Star-Club wiedereröffnen. 

„Support your local garage band 

Vol. 3”, heißt es auf dem Cover – man sollte 

die ersten beiden Folgen gleich mit auschecken. 

(MGA Music/www.rockhouse-hamburg.de, 

2012, 7/ 24:58) utw 

THE FLYING BURRITO 

BROTHERS 

DEVILS IN DISGUISE – 1971 

LIVE BROADCAST 

Die 

Burritos 

spielten 

dieses 

Radiokonzert album 

am 22.7.1971 in der 

Besetzung 

Chris 

Hillman, 

Bernie 

Leadon, Al Perkins, 

Michael Clarke und Rick Roberts ein, 

auch bekannt als vermutlich zweitbeste 

Burritos-Truppe aller Zeiten. Die Richtung 

war freilich auch ohne die Gründungsmusiker 

Gram Parsons und Sneaky Pete 

Kleinow unzweifelhaft: satter, saftiger 

Country-Rock der Spitzenklasse, der sich 

auf großes instrumentales Können zwischen 

rasanter Bluegrass-Twang-Hitze, 

butterweichen Steelguitar-Klagen, präzise 

kolorierenden Gitarren, robuster, aber 

nicht polternder Rhythmusarbeit, markanten 

Leadgesang und herrlichste Harmoniestimmen 

stützt. Vor allem aber sind 

unschlagbare Ohrwurmsongs die Basis, 

hier angeboten als Mix aus Liedern der 

ersten Burritos-Alben und Tracks, die erst 

später auf (Live-)Platten gebannt wurden 

bzw. bislang unveröffentlicht waren. 

Zur ersten Kategorie zählen Klassiker 

wie “Christine’s Tune” “White Line Fever”, 

“Tried So Hard” oder “My Uncle”, 

zur zweiten Songs wie “Six Days On The 

Road”, “Hundred Years From Home”, 

“Shenandoah Valley Breakdown”, “Steel 

Guitar Rag” und “Wake Up Little Suzie”. 

Insgesamt eine schön und abwechslungsreich 

kompilierte Sammlung, deren Klangqualität 

– im Gegensatz zur musikalischen 

Güte – nicht berauschend, aber auch nicht 

abtörnend ist. Für echte Burritos-Fans ist 

das Album ein Muss. 

(Smokin’ Records/Import, 

2012, 18/61:13) hjg 

JULIAN COPE 

SAINT JULIAN 

(2 CD EXPANDED EDITION) 

Nach der Auflösung von Teardrop Explodes 

1983 zog sich deren Frontmann Julian Cope 

in die West Midlands zurück. Die beiden 

ersten Solo-Alben WORLD SHUT YOUR 

MOUTH und FRIED erschienen 1984 erfolglos 

bei Mercury Records. So war das 

auf Island Records erschienene und jetzt 

wiederveröffentlichte Drittwerk SAINT JU- 

LIAN fast schon so etwas wie Copes letzte 

Chance, und der Plan ging auf: Flankiert von 

den eingängigen Singles “World Shut Your 

Mouth” und “Trampolene” schrammte das 

Album nur knapp an den Top 10 der britischen 

LP-Charts vorbei, obgleich die Rezeptur 

gar nicht so sehr eine andere gewesen 

war als bei den ersten beiden Platten. 80er- 

Indie-Pop im Stil von U2 und Simple Minds 

traf auf psychedelische Elemente der 60er 

Rock 

Jahre. Das famose Schlusslied “A Crack 

In The Clouds” darf gar als zeitgemäße 

Antwort auf The Whos “Love Reign O’er 

Me” gelten. Die nun beigepackte zweite CD 

besteht aus B-Seiten, Maxi-Versionen und 

Live-Aufnahmen, die zur Zeit von SAINT 

JULIAN eingespielt und veröffentlicht wurden, 

darunter Cover-Versionen von Pere 

Ubus “Non Alignment Pact” und 13th Floor 

Elevators’ “I’ve Got Levitation”, die 1997 

allesamt schon mal auf der Compilation 

THE FOLLOWERS OF SAINT JULIAN 

erschienen sind, damals allerdings mit mehr 

Hintergrundinformationen. 

(Island Records/Universal 1997, 

10/42:10, 14/59:51) an 

BLACKMAIL 

II 

Es gibt Bands, die 

lassen einfach nicht 

locker. Nach dem 

Abgang von Sänger 

Aydo Abay durfte 

man 2008 skeptisch 

sein, ob Blackmail 

auch mit einer anderen Stimme funktionieren 

würden. Doch mit dem Power-Album 

ANIMA NOW! verflüchtigten sich 2011 

schnell alle Zweifel, der neue Sänger Mathias 

Reetz führte sich erstklassig ein. Mit II 

erscheint nun also das zweite Werk in neuer 

Besetzung, für das sich die Band um Gitarrist 

Kurt Ebelhäuser ungewohnt viel Zeit im Studio 

gelassen hat. In drei über das Jahr verteilten 

Sessions wurde gemeinsam an den Songs 

gearbeitet, geschliffen und gebastelt – eine 

Vorgehensweise, die den Blackmail-Sound 

noch vielschichtiger, noch abwechslungsreicher 

werden ließ. Und trotz aller Reminiszenzen 

an 70er-Jahre-Psychedelic-Rock, 

trotz gurgelnder Hammond und beatlesesken 

Melodien – Lockerlassen gibt’s hier nicht, 

am Ende sind es die gewohnt brachialen Gitarrengewitter, 

mit denen dieses Album (wieder 

einmal) begeistert. 

(Unter Schafen/Alive, 2013, 10/37:54) us 

THE PLEA 

THE DREAMERS STADIUM 

Ihre Träume von einer Karriere als Rockstars 

entwickelten die vier Musiker von 

The Plea im irischen Ballyliffin – und die 

beiden Masterminds Denny Doherty (voc, 

g, p) und sein Bruder Dermot (g) müssen in 

ihrer Jugend viel Simple Minds und U2 gehört 

haben. Denn auf ihrem Debütalbum – 

eine vor Jahren in den USA eingespielte CD 

blieb unveröffentlicht – erinnern sie doch 

enorm an diese beiden Vorbilder. Melodienverliebt, 

hymnisch, kraftvoll, mit Breitwandsound 

kommen The Plea daher, nicken 

zwischendurch auch mal in Richtung Oasis. 

Das alles gewürzt mit einer Prise Indie-Attitüde 

– fertig ist ein durchaus ansprechender 

Erstling, bei dem Nummern wie “Oh Ah 

Yay” oder “Staggers Anthem” zum Mitsingen 

einladen. Ein guter Anfang ist gemacht, 

jetzt muss der flotte Vierer nur noch die eigene 

Note stärker herausarbeiten. 

(Planet Function/Alive, 2013, 

11/54:02) pro 

STICK MEN 

DEEP 

Stick Men, der Name dieses musikalischen 

Nebenprojektes, bezieht sich auf ein ziem- 


REVIEWS 

CD 

REVIEWS 

Rock 

lich unkonventionelles Musikinstrument. 

Sowohl Gitarrist Markus Reuter als auch 

Bassist Tony Levin sind bekennende Fans 

des Chapman Sticks, grob gesagt einer 

Verbindung aus Gitarre und Bass. Wie gut 

die beiden dieses Instrument beherrschen, 

zeigen sie in den neun größtenteils instrumentalen 

Songs, die sie zusammen mit 

Schlagzeuger Pat Mastelotto geschrieben 

und im Laufe des letzten Jahres in mehreren 

Sessions eingespielt haben. Natürlich 

erinnern diese über weite Strecken 

an King Crimson, Levin und Mastoletto 

bilden seit 1993 die Rhythmusfraktion 

dieser legendären Band, Gitarrist Markus 

Reuter ist ein Meisterschüler aus Robert 

Fripps Gitarrenschule. Der ungewöhnliche 

Klang seiner selbst entwickelten acht- und 

zehn-saitigen Gitarren sowie eine Vielzahl 

an elektronischen Loops, Samples und 

Sound effekten ergänzen diesen außergewöhnlichen 

Prog-Rock. 

(Unsung/Galileo, 2013, 9/54:17) us 

ROBIN TROWER 

ROOTS AND BRANCHES 

Der 67-Jährige englische 

Gitarrist wurde 

bekannt durch sein 

Mitwirken bei Procol 

Harum, wo er den 

elegischen 

Klassik- 

Sound durch sägende 

Blues-Rockriffs belebte, bt bevor er 1973 seine 

erste Solo-LP veröffentlichte. Bis Anfang 

der 80er Jahre war er sehr erfolgreich, 

danach musste er kleinere Brötchen backen, 

veröffentlichte aber immer wieder Platten, 

u.a. mit Jack Bruce. Auf seiner neuen CD 

präsentiert Trower Klassiker wie “Hound 

Dog”, “The Thrill Is Gone”, “Born Under A 

Bad Sign” oder “I Believe To My Soul” in 

einem gepflegten blues-rockigen Gewand, 

schön unterlegt mit Hammondsounds – leider 

nutzt er deren Solomöglichkeiten nicht. 

Trowers gefühlvolles Gitarrenspiel steht im 

Mittelpunkt und ist über jeden Zweifel erhaben. 

Statt auf seine limitierte Stimme zu 

vertrauen, hätte er aber besser wie früher 

auf profunde Sänger gesetzt. Eine solide 

Old-School-Blues-Rockscheibe mit zwei 

Harmonika-Gastauftritten von Paul Jones. 

(Manhaton/Soulfood, 2013, 

11/53:35) rg 

MARC HOCKLEY 

BUILT-IN STORIES 

Zarte Pianotupfer scheinen eine Ballade 

anzukündigen, aber nein: Sofort geht es 

in einen amtlichen Groove für das Chartschmeichelnde 

“Everybody Knows” 

samt hart rockendem Mittelteil. Nicht die 

Dave- Clark-Single, sondern ein starkes 

Eigenwerk des jungen West-Londoners, 

der neben seinen Tourneen als Robbie- 

Double „Robbing Williams” bereits 2003 

das Solo-Album OVER TIME vorlegte. 

“Sinking Feeling” benutzt ein beatleskes 

¾-Taktmus ter und erinnert angenehm an 

frühe Squeeze. “If This Ain’t Love” lohnt 

schon wegen der Sucht bildenden Bassline, 

auf der Hockley sein Liebeslamento 

ausbreiten kann. Über die Rhythmussektion 

nähert man sich auch “Films Of 

Yesterday”: Ein entspannt gefegtes Jazzbesen-Pattern 

legt die Basis für schöne 

Gitarren, klare Klaviereinwürfe und lässt 

Hockley und seine Chordamen Kerry Barnard 

und Dorie Jackson auf das Innigste 

interagieren. Weiterer Anspieltipp eines 

Albums ohne Schwächen: “Universal” ist 

nicht der Small-Faces-Song, lebt von großem 

Gitarren-in-der-Arena-Intro à la “All 

Or Nothing”, der originelle Refrain mit 

“Whole Lotta Love”-Zitat entwickelt sich 

grandios. 

(March Productions/www.marchockley.co.uk, 

2013, 10/ 39:49) utw 

DEEP PURPLE + STATUS 

QUO + JETHRO TULL + 

THE WHO + THE SHADOWS 

LIVE IN CONCERT AT THE 

2006 MONTREUX FESTIVAL + 

PICTURES + NOTHING IS EASY 

+ LIVE AT THE ISLE OF WIGHT 

FESTIVAL 1970 + THE FINAL 

TOUR 

„Sound Vision” 

heißt der Untertitel 

dieser Serie, für die 

berühmte Konzertmitschnitte 

verschiedener 

Bands – jeweils 

als CD/DVD-Digipak – zusammengefasst 

wurden. Zum 40. Geburtstag 

des Montreux Jazz Festivals kehrten Deep 

Purple 2006 an den Genfer See zurück, 

dorthin, wo sie im Oktober 1969 mit MA- 

CHINE HEAD eines der legendären Alben 

der Rockgeschichte aufgenommen hatten. 

Neben Songs aus ihrem damals aktuellen 

Album RAPTURE OF THE DEEP hatten 

sie ein erstklassiges Best-Of-Programm im 

Gepäck, von “Strange Kind Of Woman” 

über “Highway Star” bis zu “Smoke On The 

Water”. Mit “Hush”, “Too Much Fun” und 

“Black Night” enthält die DVD drei Titel 

mehr als die CD. Für PICTURES von Status 

Quo wurden Aufnahmen aus dem Jahr 

2009 verwendet, als die britische Band mit 

einem ausführlichen Streifzug durch ihre 

lange Karriere in Montreux zu Gast war, 

auch hier liefert die DVD einige Titel mehr 

als die CD. Weit zurück in die Vergangenheit, 

zum legendären Isle Of Wight Festival, 

geht es dann mit The Who und Jethro Tull. 

Beide Bands traten dort am 30. August 1970 

auf, das Konzert der Herren Daltrey, Moon, 

Entwistle und Townshend gibt es in voller 

Länge auf zwei CDs bzw. einer DVD, vom 

Auftritt von Ian Anderson, Martin Barre, 

Clive Bunker, Glenn Cornick und John Evan 

bietet die DVD neben dem Konzert noch 

zusätzliches (Doku-)Material. Aus dem Jahr 

2004, als Hank Marvin, Bruce Welch und 

Brian Bennett ihre Koffer noch einmal für 

THE FINAL TOUR packten, stammen die 

Aufnahmen der Shadows. Auf zwei CDs 

bzw. einer DVD wird ein tolles Instrumental-Programm 

mit über 40 Songs präsentiert, 

mit unglaublichen 21 (UK-)Top-20-Hits, darunter 

fünf Nummer-1-Hits! 

(Eagle/edel, 2013) 

tk 

BOURBON BOYS 

SHOTGUNS, TRUCKS & CATTLE 

In Rock und Pop hat 

man alles schon mal 

gehört, gibt es nichts 

Neues mehr zu erfinden 

– außer die Art 

und Weise, wie man 

Elemente 

diverser 

Genres frisch vermengt. Nichts anderes tun 

die Bourbon Boys aus dem schwedischen 

Nest Haparanda. Das eigentlich vom Industrial 

Metal herkommende Quartett hat sich 

dabei uramerikanische Musik vorgenommen 

und Bestandteile aus dem (Southern) 

Rock, Country, Rockabilly, Boogie und 

Roadhouse-Blues erdig und richtig dreckig 

zusammengebaut. Da werden Freude 

und Energie spürbar, die die Musiker im 

Studio verspürten. Genau das Richtige für 

ausgelassene Rockpartys, bei denen auch 

der eine oder andere Whiskey fließt – und 

das Erstaunliche: Es handelt sich durchweg 

um inspirierte Eigenbauten der Schweden, 

und es hat sich dabei nicht ein Durchhänger 

eingeschlichen. Zugreifen! 

(Despotz/Cargo, 2013, 13/43:04) pro 

MODDI 

SET THE HOUSE ON FIRE 

Zwei Jahre nach seinem Debüt FLORIO- 

GRAPHY legt der Norweger Pal Moddi 

Knutsen das berühmt-schwierige zweite Album 

vor. Es ist, mit einem Wort gesagt: gelungen. 

Erneut bietet Moddi, der angeblich 

„nie vorhatte, eine zweite Platte zu machen”, 

was er außergewöhnlich gut kann: die Installation 

einer magischen, fast hypnotischen 

Stimmung zwischen dahin, gewisperten 

Impressionen, federleicht schwebenden Melodien 

und relativ wenigen druckvolleren 

Sequenzen, die aber noch immer meilenweit 

vom normalen Softrock entfernt sind 

(“Let The Spider Run Alive”, “The Architect”). 

Die skandinavische Einsamkeit, die 

zum Grübeln einlädt, findet sich hier ebenso 

wieder wie eine rundum wohlige Kaminfeuerstimmung 

– korrekt für ein Winteralbum. 

Den ersten Song der neuen Kollektion komponierte 

Moddi nach eigener Aussage im 

Keller seines Studentenwohnheims in einer 

Dusche aus Zement „mit einem galaktischen 

Sound” (auch mal was Schönes). Das passt 

so richtig zum gepflegten Image eines hypersensiblen 

„Kienstlers”, der sich seines Status’ 

als unaufgeregter Geschichtenerzähler voll 

bewusst ist. Und der hier nach eigener Einschätzung 

ein Album vorlegt, auf dem es „vor 

allem darum geht, den Mut zu haben, neue 

Wege zu finden”. Bei der Realisierung halfen 

Moddi neben seiner uneitel und präzise 

aufspielenden Band auch die Gastvokalisten 

Kari Kamrud von der Band Farao (“Run To 

The Water”) und Einar Stray (“Silhouette”). 

(Propeller/Soulfood, 2013, 11/49:06) hjg 

SNAKECHARMER 

SNAKECHARMER 

Nein, da sind nicht – wie so oft – irgendwelche 

Veteranen zusammengekommen, 

um mit Hilfe der klangvoller Namen früherer 

Bands (Whitesnake, Snafu, Ozzy 

Osbourne, Heartland, Thunder, Wishbone 

Ash, Black Sabbath) auf die Schnelle ein 

paar Euro mitzunehmen. Micky Moody 

(g), Neil Murray (b), Laurie Wisefield (g), 

Adam Wakeman (keys) und Chris Ousey 

(voc) haben gemeinsam ein knappes Dutzend 

überzeugender Songs verfasst und 

aufgenommen, bei denen ihre Vergangenheit 

zwar hörbar wird, die aber frisch und 

eigenständig klingen. Es ist ein begeisternder 

Mix aus Blues- und Melodic Rock/ 

AOR, der wirklich entsprechend dem Titel 

des Openers “A Little Rock’n’Roll” auf 

höchst vergnügliche und unterhaltsame 

Weise serviert. Für Fans von Bad Company, 

Foreigner und der frühen Whitesnake 

ein absolutes Muss! 

(Frontiers/Soulfood, 2013, 11/55:56) pro 

THE FLAMING LIPS 

THE TERROR 

Als Radiohead mit 

“Red Sector A” den 

elektronischen Weg 

einschlugen, war das 

für viele ihrer Hörer 

nur schwer nachvollziehbar, 

für die Band 

jd jedoch ein schlüssiger, weil bis heute konsequenter 

Schritt. Wie müssen sich da Fans 

der Flaming Lips fühlen, die über die knapp 

30 Jahre ihres Schaffens noch viel konsequentere 

Brüche in ihrem Werk aufweisen? 

Das neue Album THE TERROR ist keine 

Fortsetzung der letzten Aufnahmen, die sich 

aufgrund ihrer kompromisslosen Hinführung 

zu Space- und Progressive-Rock auch 

schon gewaltig von der erfolgreichsten, 

weil Mainstream-Phase von 1999 bis 2002 

zuvor unterschieden. Auf dem mittlerweile 

13. Album treffen kathedrale Kopfstimmen 

auf rumpelndes Led-Zeppelin-Schlagzeug, 

psychedelische Gitarrenschleifen auf 

Drum-Computer, programmierten Bass 

und repetitiv-depressive Keyboardklänge. 

Das ist beim ersten Hören verstörend, für 

manchen sicherlich tatsächlich Terror. Spätestens 

mit dem vierten Lied, dem 13 Minuten 

langen “You Lust”, war der Rezensent 

dann jedoch gefangen vom hoffnungslos 

depressiven Soundteppich, seitdem läuft 

THE TERROR in der Psychoschleife. 

(Bella Union/Cooperative Music, 

2013, 9/55:01) an 

TOKYO BLADE 

THE FIRST CUT’S THE 

DEEPEST 

Das englische Heavy-Metal-Quintett, 

welches der NWOBHM zugeordnet wurde, 

fand 1980 zuerst unter dem Namen Killer 

zusammen, nannte sich 1982/83 dann 

in Genghis Khan um, bevor man 1983 den 

finalen Bandnamen fand, unter dem 1984 

das erste vollwertige Album veröffentlicht 

wurde. Bis Ende der 80er erschienen regelmäßig 

Aufnahmen, auch wenn sich das 

Personalkarussell ständig drehte. Danach 

wurden die Veröffentlichungen selten, einzige 

Original-Bandkonstante blieb Gitarrist 

Andy Boulton. Diese Anthology bringt 

nun 34 Songs aus den Jahren 1982–1995 

zu Gehör. Die Songs gehen meist schnell 

ins Ohr, auch wenn den Kompositionen 

eine einzigartige Komponente fehlt, was 

wohl auch dazu führte, dass die Band niemals 

unter den Top-Bands dieses Genres 


CD 

REVIEWS 

weilte. Für Heavy-Fans ist die Gruppe 

aber durchaus eine Entdeckung 

wert, das lesenwerte Booklet erzählt 

humorvoll von der wechselvollen 

Bandgeschichte. 


18/77:59, 16/68:14) rg 

THE GLASS FAMILY 

ELECTRIC BAND 

Einziges 

Album 

(1968) des 

leider nur kurzlebigen 

kalifornischen 

Trios 

Glass Family, 

bestehend aus 

Ralph RlhParrett tt( (voc, g), David Capilouto 

(b, keys) und Garry Green (dr, 

perc). Die Gruppe verfügte in Parrett 

auch über einen überdurchschnittlichen 

Komponisten, der es verstand, 

sowohl hübsche Balladen als 

auch leicht trippige Pop-Rocksongs 

zu schreiben. Einige Lieder gerieten 

dabei etwas zu zaghaft, aber “Sometimes 

You Wander”, “The Means”, 

“Passage # 17” und “Guess I’ll Let 

You Go” sind melodische Volltreffer, 

wurden mit nicht zu übertrieben 

psychedelischen Verzierungen arrangiert 

und genügend Druck eingespielt. 

Deutlich Acid-geladener 

fiel “I Want To See My Baby” aus, 

der beste Track hier. Hingegen 

bleibt das ambitionierte Instrumental 

“Agorn (Elements Of Complex 

Variables)” etwas ziellos – und mit 

“Born In The U.S.A.” nahmen Glass 

Family schon 1969 einen Songtitel 

von Boss Springsteen vorweg. Das 

Album wurde vom damals schwer 

angesagten Richard Podolor (u.a. 

Three Dog Night) umsichtig produziert 

und jetzt um drei Bonus-Tracks 

aufgestockt. Sehr manierliches 

Sammlerstück. 

(Kismet/Soulfood, 1968, 

15/44:12) hjg 

MIKA VANDBORG 

WALL OF BOOKS 

Der dänische Gitarrist, unter anderem 

mit der Band The Gnags unterwegs, 

hat mit WALL OF BOOKS sein drittes 

Solowerk vorgelegt, das von seinem 

singend warmen Gitarrenton, 

Vandborgs sofort einprägsamem Falsettgesang 

und ansprechenden Songeinfällen 

lebt: Gleich das Titelstück 

verbreitet mit Christer Jansson (dr), 

Peter Kjøbsted (b) und Mikkel Damgaard 

(Hammond) eine träumerisch 

intensive Stimmung. Es geht nahtlos 

in das ebenfalls Midtempo-gehaltene 

“Twelve Keys Of Reprise” über. Bei 

“Ocean Boulevard” hatte sich Vandborg 

vorgenommen, die entspannte 

Stimmung des gleichnamigen, von 

ihm geliebten Eric-Clapton-Albums 

einzufangen. Dies gelingt in Klang 

und Instrumentierung hervorragend, 

der Gospel-Soul ist aber 100 Prozent 

Vandborg. Der Ohrwurm “Doing 

Fine” wird unterlegt vom lockeren 

Wyman-Watts-Stones-Funk à la 

“Miss You”. “Forever And A Day” 

lebt von Morten Lambertsens Streicherarrangement, 

und in fünf Songs 

fügen sich Posaune, Sax und Flügelhorn 

ins Bild, ohne dass die Hauptrolle 

von Vandborgs Gitarre geschmälert 

wird, mit der er im sensiblen “Blues 

For BVS” sein Meisterstück liefert. 

(Gateway Music/Import, 2013, 

9/50:26) utw 

WIDOWMAKER 

WIDOWMAKER 

Was sollte ein 

Rock-Riese wie 

Spooky Tooths 

Luther Grosvenor 

(hier wie 

bei Mott The 

Hoople 

Ariel 

Bender genannt) mit Popkönig Steve 

Ellis von Love Affair anfangen? Es 

war keine Oberklasse garantiert, die 

wurde jedoch abgeliefert. Ellis hatte in 

seiner gleichnamigen Band mit Zoot 

Money Format bewiesen. Begleitet 

von Bob Daisley (Chicken Shack, 

Mungo Jerry), Lindisfarne-Drummer 

Paul Nicholls und Hawkwind-Gitarrist 

Huw Lloyd-Langton, kam heraus: 

Männer mit Charisma liefern Songs 

mit Charakter. Ex-Small-Faces-Agent 

Don Arden hatte seine beste Stimme 

seit Marriott, aber sein Jet Records 

konnte nicht liefern: Daisleys “Such 

A Shame” hätte bei besseren Verkaufszahlen 

ein unvergessliches Riff 

um die Welt geschickt, Balladen wie 

“Pin A Rose On Me” oder “Leave The 

Kids Alone” schrien nach Airplay – es 

gibt keinen Song auf dem Album, der 

nicht rampentauglich ist, von geraden 

Rock’n’Rollern wie “On The Road” 

und “When I Met You” zu Midtempo- 

Krachern, besonders “Shine A Light 

On Me” aus dem Spooky-Tooth- 

Repertoire. Drei Bonus-Livetitel beweisen: 

Diese kurzlebige Combo war 

noch lange nicht am Ende. 

(Angel Air/Fenn, 1976, 13/53:57) utw 

L.A. GUNS 

L.A. GUNS + COCKED & 

LOADED 

Ehe Axl Rose und Izzy Stradlin Guns 

‘N Roses starteten, hatten sie mit dem 

Gitarristen Tracii Guns zusammengespielt, 

der seine eigene Combo L.A. 

Guns 1988 mit dem selbst betitelten 

Debüt an den Start brachte. Unüberhörbar 

vom britischen Glam-Rock 

beeinflusst, vermengten sie Hard und 

Sleaze-Rock zu einer gehörgängigen 

Mischung. Von Sänger Phil Lewis’ 

früherer Band Girl coverten sie “Hollywood 

Teaze”. Dazu entwickelten 

sich “Electric Gypsy” und “Sex Action” 

zu gefragten Nummern – das 

Album schaffte in den USA Gold. Zu 

Unrecht wurden sie der Hairspray- 

Fraktion zugerechnet, dabei hatten 

ihre riff- und melodieschwangeren 

Nummern Substanz und Druck. Ähnliches 

galt für den Nachfolger CO- 

CKED & LOADED, auf dem Ted 

Nugent und Rick Nielsen & Robin 

Zander (Cheap Trick) mitmischten. 

Das UK-Label Rock Candy serviert 

Rock 

nun beide Alben mit neuem Booklet 

und per 24-Bit-Audio-Remastering 

klanglich aufgebessert und übertrifft 

damit die Mausoleum-Reissues von 

2005 klar. COCKED ... enthält mit 

“I Wanna Be Your Man” (nicht der 

Beatles/Stones-Song!) einen Bonus- 

Track. 

(Rock Candy/Soulfood, 1988 + 1989, 

11/37:08 + 14/54:56) pro 

IAN McNABB 

HEAD LIKE A ROCK 

In den 80ern 

wurde 

Ian 

McNabb 

als 

Frontmann 

von The Icicle 

Works bekannt, 

seit 

den frühen 90ern ist der britische 

Sänger und Gitarrist als Solokünstler 

unterwegs. Eines seiner besten 

Werke war und ist immer noch das 

1994 veröffentlichte HEAD LIKE 

A ROCK. Der Legende nach wollte 

Labelboss Andrew Lauder McNabb 

dazu überreden, dieses Album in 

Amerika aufzunehmen. Aus Spaß 

– und im Wissen, dass dies eigentlich 

nicht machbar wäre – verlangte 

McNabb Neil Youngs Backingband 

Crazy Horse als Studio crew, dann 

würde er gehen. Einige Telefonate 

später fand sich McNabb tatsächlich 

in einem Studio in Los Angeles 

wieder – zusammen mit Schlagzeuger 

Ralph Molina und Bassist Billy 

Talbot! Keine Überraschung, dass 

die vier dort gemeinsam entstandenen 

Stücke zu den Highlights von 

HEAD LIKE A ROCK gehören, wobei 

man auch den Rest der Songs, 

entstanden unter Mithilfe von 

Cracks wie Greg Leisz, Zak Starkey 

und Jah Wobble, nicht unterschätzen 

darf. Die komplette zweite CD 

ist den Bonus-Tracks vorbehalten, 

hauptsächlich bestückt mit den Single-B-Seiten. 


10/66:54, 9/38:45) us 


DOWN UNDER NUGGETS – 

ORIGINAL AUSTRALIAN 

ARTYFACTS 1965–1967 

Wo NUGGETS draufsteht, sind auch 

Nuggets drin. Und da in den Midsixties 

auch in Australien reichlich Garagen 

standen, die enthusiastischem 

Jungvolk als Proberäume für die 

große Rockkarriere offenstanden, 

schwappte die primär in den USA 

geborene Idee des – oft, aber nicht 

immer – psychedelisierten Garagenrock 

auch auf den fünften Kontinent 

über und sorgte für eine Fülle explosiver 

Klänge auf hohem Qualitätsniveau. 

Der vorliegende Sampler 

vereint die ruppigen, walzenden, von 

dreckigen Stimmen, schneidigen Gitarren 

und heulenden Keyboards dominierten 

frühen Taten von etlichen 

Bands, die alsbald auch international 

– zumindest zeitweilig – durchstarten 

oder erhöhte Aufmerksamkeit 


CD 

REVIEWS 

auf sich ziehen konnten: die Bee Gees, 

The Easybeats, The Master’s Apprentices, 

The Missing Links, The In-Sect und Steve 

And The Board sind zu nennen. Aber 

ihnen standen weit unbekanntere, obskure 

Acts wie The Elois, The Moods, The Cherokees 

oder Phil Jones & The Unknown 

Blues mit herrlichen „Eintagsfliegen” 

nicht nach. Auffällig ist dabei, dass die 

Aussies zwar den gleichen Sound idealen 

nacheiferten, aber weder britische noch 

amerikanische Hitsongs coverten, sondern 

sich mit eigenen Ideen versorgten. 

Hier sind nur Originale zu hören, was den 

Sammlerwert natürlich klar erhöht. Detailauskünfte 

über die Down-Under-Helden 

finden sich im vorbildlich gestalteten 

20-seitigen Booklet. 

(Festival/Import 2012, 29/77:41) hjg 

DAVID BOWIE 

THE NEXT DAY 

Als David Bowies 

Plattenlabel am 8. 

Januar das erste Album 

des britischen 

Musikers seit zehn 

Jahren ankündigte, 

war das Medienecho 

groß wie schon lange nicht mehr bei einer 

Erscheinung des einstigen Chamäleons 

intelligenter Pop-Rockmusik. Im 

Gegensatz zu früher blieb der Meister 

allerdings ruhig und ließ als geschickten 

Schachzug Mitstreiter von THE NEXT 

DAY wie Produzent Tony Visconti und 

Gitarrist Earl Slick häppchenweise Neues 

zum Album ankündigen, was den Hype in 

den Medien noch geschürt haben dürfte. 

Mit Erscheinen des Albums Anfang März 

wird deutlich, dass der Hype gerechtfertigt 

ist. Nach durchschnittlichen Werken 

wie HOURS, HEATHEN und REALITY 

legt Bowie nun nach langer Zeit wieder 

ein durchweg hörbares Album vor. 

Der eine oder andere Song hat sogar das 

Hit-Potenzial vergangener Tage, wie an 

der Vorab-Single-Auskopplung “Where 

Are We Now” festzustellen war, die an 

Bowies Berliner Zeit in den 70er Jahren 

erinnert. Viele dürften außerdem begrüßen, 

dass der frühere Superstar sich von 

den elektronischen Experimenten verabschiedet 

hat. Klassisches Songwriting 

steht wieder im Vordergrund, opulent 

produziert mit mehrstimmigen Gesängen, 

Bowie-typischen Bläsersätzen, griffigen 

Gitarrenriffs und lange vermissten Melodiebögen. 

Ein überraschendes Comeback! 

(Columbia/Sony Music, 

2013, 14/53:09) an 

MATTHEW E. WHITE 

BIG INNER 

Wie schön, dass es Domino Records gibt, 

die “Fight The Big Bull”-Mastermind 

Matthew E. White die Gelegenheit geben, 

mit Hilfe von Bläsern, Streichern 

und Chor musikalisch tief in den Vintage- 

Sound der frühen 70er Jahre zu tauchen 

und eine höchs tens an Spiritualized erinnernde 

Mischung aus Country, Funk, 

Soul und vor allem Gospel einzuspielen. 

Das erinnert zuweilen auch an Sly & The 

Family Stone, Al Green, Curtis Mayfield 

und Dr. John. Die mit wohlig-warmer 

Stimme vorgetragenen Songs ziehen den 

Hörer zunehmend mehr in den Bann, bis 

er Teil des Chors im letzten, knapp zehn 

Minuten langen Gospel “Brazos” wird und 

die missionarischen Zeilen „Jesus Christ, 

He’s Our Lord, Jesus Christ, He Is Your 

Friend” mitschmettert. Eines der besten 

Alben des frühen neuen Jahres. 

(Domino Records 2013, 7/41:03) an 

FRANK MARINO & 

MAHOGANY RUSH 

REAL LIVE! + FULL CIRCLE 

In Kanada ein gefeierter Gitarrenheld, konnte 

Marino diesen Status anderswo nur bedingt 

einnehmen. Wie sein großes Vorbild 

Jimi Hendrix versucht Marino, in seinem 

Gitarrenstil Einflüsse aus Rock, Funk, Blues 

und Rock zu fusionieren, liebt dabei psychedelische 

Sounds und in Konzerten lange 

Improvisationen. So nähern sich Songs wie 

“Poppy” auf der nach längerer Spielpause 

im Jahr 2001 mitgeschnittenen, nun wiederveröffentlichten 

Live-Doppel-CD REAL 

LIVE!, inklusive vieler Songzitate (u.a. 

Doors, Allman Brothers, Cream, Zombies, 

Hendrix) auch mal der Halbenstundegrenze. 

Für den Gitarristen mit der rauchigen 

Kehle spricht, dass er die Zuhörer auch über 

diesen Zeitraum fesseln kann. Dass seine 

wahre Leidenschaft dem Live-Auftritt gehört, 

merkt man auch dem Reissue seiner 

ursprünglich 1986 erschienenen Studio-LP 

FULL CIRC LE an. Damals hatte er seinen 

kreativen Höhepunkt bereits überschritten 

und näherte sich zu stark dem Mainstream 

an. Durch die Hinzufügung eines Keyboarders 

wurden seine Songs mit 80er-Jahre- 

Synthie-Sounds unterlegt, was sie beliebig 

machte. Daher ist es symptomatisch, dass 

der interessanteste Titel der seinerzeit nicht 

veröffentlichte Bonus-Track “You Got Me 

Runnin’” ist, der durch angejazztes Spiel 

aufhorchen lässt. Studio-Highlights wie 

STRANGE UNIVERSE harren leider wegen 

der komplizierten Rechtslage noch einer 

adäquaten Wiederveröffentlichung. 

(MiG/Intergroove, 2001, 11/77:58, 

21/77:58, + 1986, 10/52:46) rg 

VERDEN ALLEN’S SOFT 

GROUND 

LOVE YOU & LEAVE YOU 

Bei ALL THE YOUNG DUDES war er 

noch dabei, konnte Mott The Hooples Aufstieg 

noch gerade mitnehmen – aber was 

macht man, wenn man seine Songs nicht 

mehr unterbringen kann? Not a lot. Musiker, 

denen sich der Hammondprofi anschloss, 

gingen zu den Pretenders. Was zählt: Allen 

war beim großen Mott-Klassentreffen im 

Hammersmith dabei, und seine heutige Band 

Soft Ground hat der 68-Jährige im Griff. 

Relevante Register der alten Schweine-Orgel 

werden gezogen, die Balance zwischen 

Prog-Herrlichkeit und lebendigem Hard 

Rock bleibt erhalten, man langweilt sich bei 

keinem Song. Einzig bei “Find Yourself” 

singt der Bandleader etwas angestrengt beim 

Überbringen der Identitäts-Message, ansonsten 

hat er Spaß. Mit “Wine Ridden Talks” 

und “Son Of The Wise Ones” gelingen Nummern, 

die auf ein frühes Mott-Album gepasst 

hätten. Fein realisiert ist auch eine gewisse 

Spooky-Tooth-Schwere im Titelstück “Soft 

Ground”. Jamie Thyer versucht, den Chef 

nie auszustechen, setzt jedoch scharfe Akzente 

– Rob Hankins (b) und Matt Blakout 

(dr) sind bestens eingeloggt. 

(Angel Air/Fenn, 2013, 13/56:13) utw 

KROKUS 

DIRTY DYNAMITE 

Natürlich ist nicht zu überhören, dass seit 

über 40 Jahren AC/DC mit ihrem Riff- 

Rock wichtigste Inspirationsquelle für die 

Schweizer Veteranencombo Krokus sind. 

Aber sie deswegen als Aussie-Klone abzutun, 

griffe zu kurz. Denn DIRTY DYNA- 

MITE ist eines der stärksten, kraftvollsten 

Alben der Alpenrocker seit langem, und die 

stilistische Palette reicht über den AC/DC- 

Tellerrand hinaus: “Go Baby Go” ist eine 

Verbeugung vor Chuck Berry und Status 

Quo, der Beatles-Vorlage “Help” haben sie 

eine wahrhaft eigene Handschrift verpasst, 

der “Rattlesnake Rumble” würde auch gut 

ins ZZ-Top-Set passen, während “Hardrocking 

Man” Southern-Flair versprüht. Krokus 

stehen mehr denn je für knackigen Hard 

Rock mit hohem Spaßfaktor – der Opener 

“Hallelujah Rock’n’Roll” bringt es simpel 

wie zutreffend auf den Punkt! 

(Sony Music, 2013, 12/45:00) pro 

FLEETWOOD MAC 

RUMOURS 

Was soll 

man über 

RUMOURS 

R viel 

erzählen? Über 40 

Millionen verkaufte 

Einheiten 

weltweit, 

in 

den 

USA #1, 

in 

Deutsch- 

land #6. Zahlreiche 

Single-Auskopplungen 

charteten: 

“Go Your Own Way” (US #10, D 

#11), “Dreams” (US #1, D #33), “Don’t 

Stop” (US #3, D #41), “You Make Lovin’ 

Fun” (US #9). In vielen Songs arbeitete die 

Band ihre reichlich knisternden internen 

Beziehungsprobleme musikalisch sehr eingängig 

auf, die von Stevie Nicks, Christine 

McVie, Lindsey Buckingham, John McVie 

und Mick Fleetwood in verschiedenen Konstellationen 

verfasst worden waren. 2004 war 

das Jahrhundertwerk schon einmal mit 18 

Bonus-Tracks neu aufgelegt worden, jetzt 

gibt es zum 35-jährigen Veröffentlichungsjubiläum 

eine noch mal hörbar remasterte 

Neufassung als 3-CD-Box. Ergänzend zum 

damaligen Reissue gibt es einen Livemitschnitt 

der „Rumours Tour” von 1977 mit 

zwölf unveröffentlichten Songs, die die Bühnenqualitäten 

der Band demonstrieren. Der 

dritte Silberling bietet weitere Outtakes und 

Demos, die 2004 nicht dabei waren. Dazu 

erzählen die Beteiligten in den Liner-Notes 

von den Aufnahmen. Den immer noch fast 

unwiderstehlichen Rock-Pop gibt es neben 

der Expanded-Version auch noch als Deluxe 

Edition mit einer weiteren CD plus DVD und 

Vinyl. Wie brachte es die BBC so treffend auf 

den Punkt? „RUMOURS will never die!” 

(Rhino/Warner, 1977, 3 CDs) pro 

Rock 

CRIME & THE CITY 

SOLUTIONS 

AMERICAN TWILIGHT 

Die Band um Simon Bonney, der auch den 

frühen Nick Cave beeinflusst hatte, war so 

etwas wie eine Supergruppe der Londoner 

und später Berliner Independent-Szene der 

80er Jahre. Bonney gruppierte Musiker von 

Birthday Party, Einstürzenden Neubauten, 

DAF und Die Haut um sich, und einer ihrer 

Höhepunkte war der Auftritt in Wim 

Wenders’ Film „Der Himmel über Berlin”. 

1992 war Schluss, nach zwei erfolglosen 

Solo-Alben verschwand Bonney für rund 20 

Jahre von der Bildfläche, um dann plötzlich 

mit Alexander Hacke (Neubauten), David 

Eugene Edwards (16 Horsepower, Woven 

Hand), Jim White (Dirty Three) und anderen 

alte und neue Verbündete um sich zu scharen, 

die auf AMERICAN TWILIGHT dort 

weitermachen, wo Crime & The City Solution 

zwei Dekaden zuvor aufgehört hatten. 

Das war eindrucksvoll im Oktober 2012 im 

Berliner C-Club zu bestaunen. Ihre Stärken 

spielt die achtköpfige Gruppe in den langen, 

getragenen Stücken wie “The Colonel 

(Doesn’t Call Anymore)” oder “Domina” 

aus, wo Bonney durch die Abwechslung von 

laut und leise Raum bekommt, seine Texte 

im pathetischen Stile des späten Jim Morrison 

zu rezitieren. Es ist zu wünschen, dass es 

nicht wieder zu einer so langen Sendepause 

kommt. Eine Europatour ist für Frühling/ 

Frühsommer angekündigt. 

(Mute/Goodtogo, 2013, 8/41:07) an 

SAXON 

SACRIFICE 

SACRIFICE ist das 

20. Studio-Album der 

einstigen Co-Anführer 

der New Wave Of 

British Heavy Metal, 

und es ist schon erstaunlich, 

dass Sänger 

Biff Byford und seinen Mitstreitern immer 

noch Songs einfallen, die sich neu anhören 

und dabei zugleich die Stärken der Band bewahren: 

griffige, melodische wie kraftvolle 

Gitarrenriffs und -läufe, die von Hintergrundkeyboards 

allenfalls dezent angereichert 

und der Rhythmusabteilung befeuert werden. 

“Stand Up And Fight” fasst das Album 

stellvertretend zusammen – es geht durchaus 

brachial zur Sache, die Band hat aber auch 

durchaus Gespür für Zwischentöne und ruhigere 

Momente. Und die fünf Songs der 

Bonus-CD, darunter “Crusader” orchestriert 

und “Requiem”, “Frozen Rainbow” und “Forever 

Free” in Akustikversionen, demonstrieren 

die breite Palette, die Saxon im 37. Jahr 

der Bandgeschichte drauf haben. 

(UDR/EMI, 10/39:30, 5/22:50) pro 

CHRIS DARROW 

ARTIST PROOF 

Als Gründungsmitglied der US-Psycho- 

Country-Rockband Kaleidoscope gehört der 

Saitenfuchs und ordentliche Sänger Chris 

Darrow zum erweiterten Kreis (semi-)legendärer 

Musiker mit wenig Kassenresonanz, 

die aber von Kollegen regelmäßig hoch bewertet 

werden. Gemessen am Kaleidoscope- 

Ruhm und seinen folgenden großen Taten 

bei der Nitty Gritty Dirt Band ist Darrows 

Solokarriere leider unspektakulär verlaufen, 

kommerziell mehr oder weniger versandet. 


CD 

REVIEWS 

Das ändert nichts an der musikalischen 

Klasse seines 1978er Albums AR- 

TIST PROOF. Das edle Werk bietet 

eine Kollektion properer Songs aus 

eigener Werkstatt, die eine perfekte 

Synthese aus Nashvilles Country- 

Errungenschaften und westküstlicher 

Pop-Leichtfüßigkeit eingehen. Die 

Grundstimmung ist smooth & mellow, 

betont entspannt, aber nie einschläfernd. 

Belanglosigkeiten finden sich 

hier nicht. Vor allem Freunde komplexer 

Saitenarbeit kommen voll auf ihre 

Kosten, denn Darrow spielt akustische 

und elektrische Gitarre, Mandoline, 

Fiddle, Dobro und Steelguitar gleichermaßen 

gut und steuert zudem Marimba-, 

Kalimba- und Triangel-Töne bei. 

Als beste Begleitmusiker empfehlen 

sich Ed Black (g), Loren Newkirk 

(keys), Arnie Moore (b) und Mickey 

McGee (dr) sowie einige punktuelle 

Helfer und Background-Vokalisten. 

Beste Songs: “Lovers Sleep Abed Tonight”, 

“Cocaine Lil” und “Alligator 

Man”. Fünf Bonus-Tracks. 

(Drag City/Rough Trade, 2012, 

17/46:28) hjg 

BLIND GUARDIAN 

A TRAVELER’S GUIDE TO 

SPACE AND TIME 

Himmlisch! Diese 15-CD-Box dürfte 

für den Heavy-Metal-Anhänger im Allgemeinen 

und den Blind-Guardian-Fan 

im Speziellen wie ein in Erfüllung gegangener 

Traum erscheinen. Zum ersten 

Mal gibt es das Gesamtschaffen der 

deutschen Bombast-Metaller nicht nur 

auf einen Schlag, sondern in einer überarbeiteten 

Klangversion. Zwar achteten 

Blind Guardian seit jeher akribisch auf 

einen perfekten Sound, allerdings sind 

die meisten Alben der Krefelder derart 

orchestral angelegt, dass sie vermutlich 

auch ein drittes oder viertes Mal 

im Bearbeitungslabor Raum für Veränderungen 

bieten würden. Und die 

noch etwas blauäugig eingehobelten 

Speed-Metal-Scheiben BATTALIONS 

OF FEAR (1988) und FOLLOW THE 

BLIND (1989) konnten eine Klangverbesserung 

sowieso gebrauchen. 

Blind Guardian, deren Schaffen stark 

von Queen beeinflusst wurde, kreirten 

über die Jahre Klangwelten, die sich 

vom Rest der deutschen Metalszene 

deutlich unterscheiden. Songs des 

Quartetts haben nur selten das typische 

Strophe-Refrain-Muster. Meist legen 

die Musiker derart viel Kreativität in 

ein Stück, wie es Genrekollegen für ein 

ganzes Album für ausreichend halten. 

Das ufert manchmal aus, führt zu überbordenden 

Mini-Sinfonien, denen man 

nur schwer folgen kann (NIGHTFALL 

IN MIDDLE-EARTH, 1998). Und in 

einer Anwandlung von übersteigertem 

Selbstbewusstsein nannten Blind Guardian 

ihre Veröffentlichung von 2002 

gar A NIGHT AT THE OPERA, genau 

wie das 75er Erfolgsalbum von Queen. 

Sänger Hansi Kürsch sagte jüngst in 

einem Interview, dass die Arbeit an der 

Box dazu geführt habe, dass sich die 

Band wieder stärker mit ihren geradlinigen 

Wurzeln auseinandergesetzt habe 

und dort viel Inspiration entdeckte. 

Die CDs der Box enthalten zahlreiche 

Bonus-Tracks, Silberling Nummer 15 

ist gar eine reine Sammlung seltenen 

und unveröffentlichten Materials. Mit 

einem nummerierten Kunstdruck, 

einem Begleitheft und einem gravierten 

Gitarrenplektrum wartet die Schachtel 

mit ein paar netten Zugaben auf. 

(EMI, 2013, 15 CDs) 

jub 

THE KYTEMAN 

ORCHESTRA 

THE KYTEMAN 

ORCHESTRA 

Ist das Neo- 

Klassik? Avantgarde? 

Dafür ist 

es viel zu einladend, 

was der 

holländische 

Komponist, 

Flügelhornist lh und Keyboarder Colin 

Benders mit seinem vielköpfigen Ensemble 

hier bietet. Wie eine monumentale 

Filmmusik treiben Orchester 

und Vokalisten seine Kompositionen 

durch opulente Bläser-, dezente Perkussions-Landschaften, 

Streicher- 

Breitseiten, Godley & Creme-hafte 

Rockopernangriffe, alles 1:1 genießbar. 

Hier wurde nicht der Fehler vieler 

Multitrack-Aufnahmen gemacht, 

zahlreiche Overdubs zu setzen, um 

eine Komposition interessanter zu 

gestalten. Doch gibt es auch keinen 

Leerlauf – Melodien fließen organisch. 

Anforderungen an die stilistische 

Offenheit des Hörers steigern 

sich allmählich. Eine Art sinfonischen 

Jazz-Rap stellt etwa “Truth Or Dare” 

dar, bei dem ein Streichquintett zu 

Niels Broos’ Rhodes E-Piano passt; 

der Walzertrip “The Mushroom 

Cloud” klingt wie orchestrierte Crash 

Test Dummies. Ein üppiger Stil- und 

Soundrausch. 

(Kytopia/Rough Trade, 2013, 

13/61:53) utw 

DAVE EDMUNDS 

SUBTLE AS A FLYING 

MALLET 

Subtil wie ein Holzhammer? Es war 

wohl seine Selbstironie, die Dave Edmunds 

1975 bei der Wahl des Titels 

für seine zweite Solo-LP inspirierte. 

Denn es war keineswegs rustikal, wie 

er sich Vorlagen der Everly Brothers 

(“When I Will Loved”), Chuck 

Berrys (“Let It Rock”, “No Money 

Down”), Klassiker wie “Da Doo Ron 

Ron”, “Shot Of Rhythm And Blues”, 

Kreationen von Ray Charles, Phil 

Spector, Nick Lowe oder Leiber/Stoller 

vornahm und mit viel Liebe zum 

Rock 

Detail neu interpretierte und zu Edmunds-Nummern 

umfunktionierte. 

Dabei saß er in den Sätteln Pop, R&B 

oder Country gleichermaßen sicher. 

Anders als die 2006er Neuauflage 

(zwei Zusatznummern) ist diese Wiederveröffentlichung 

(neben starkem 

Booklet) mit acht Bonus-Tracks 

angereichert. Die meisten stammen 

vom „Stardust”-Soundtrack, dazu 

gibt es zwei Single-B-Seiten. 


20/60:36) pro 

FREE FALL 

POWER & VOLUME 

Keine 

Frage, 

dieses 

Album 

stellt sein Licht 

nicht unter den 

Scheffel, schon 

im Titel PO- 

WER & VO- 

LUME werden die Dinge beim Namen 

genannt, um die es dieser Band 

aus Schweden geht. Mit roher Kraft 

powern Free Fall ihre Songs nach 

vorne, lassen keine Verschnaufpause 

zu, und je lauter man sich das Ganze 

zu Gemüte führt, umso besser klingt 

dieser herrliche Retro-Hard-Rock. 

Gitarrist Mattias Bärjed war zuvor 

bei The Soundtrack Of Our Lives für 

die Riff-Gewitter zuständig, Ludwig 

Dahlberg saß bei The International 

Noise Conspiracy hinter der Schießbude, 

Sänger Kim Fransson scheint 

in direkter Linie sowohl von Bon 

Scott als auch von Motörheads Lemmy 

abzustammen, komplettiert wird 

das Quartett von Bassist Jan Martens. 

Unter dem Strich ein Album, das man 

nicht sofort ins Herz schließt, das 

man sich – nicht zuletzt wegen des 

vermeintlich dünnen Sounds – erst 

warm hören muss. Doch je weiter 

man die Regler nach rechts dreht, desto 

besser wird es! 

(Nuclear Blast/Warner, 2013, 

10/45:58) tk 


NUGGETS – ANTIPODEAN 

INTERPOLATIONS OF THE 

FIRST PSYCHEDELIC ERA 

Ein Jubiläum ist dazu da, gefeiert 

zu werden – 40 Jahre NUGGETS! 

Der renommierte Journalist David 

Fricke („Rolling Stone”) und Lenny 

Kaye, „Mr. Nuggets” persönlich, 

steuerten die Liner-Notes zur vorliegenden 

Sammlung besonderer 

Art bei. Präsentiert werden 18 junge 

australische Psycho-Rockbands, die 

das Original-Doppelalbum in leicht 

abgespeckter Songreihenfolge 

nachspielen und so den damaligen 

Bewusstseinserweiterungs-Sound 

beschwören, ohne in die Imitationsfalle 

zu tappen. Kein Act unternimmt 

den – sinnlosen – Versuch, 

stur genauso zu klingen wie die 

Pioniere. Dem uneingeschränkten 

Vergnügen, den reanimierten NUG- 

GETS-Trip erneut zu erleben, tut 

das keinen Abbruch. Natürlich können 

nicht alle Youngster die gleiche 

Ab sofort im Fachhandel, 

bei jpc.de oder amazon.de 

Deluxe Edition INAK 2013 DLCD 

CD INAK 9119 CD 

Jeff Healey 

As The Years Go Passing By 

Live in Germany 1989 - 1995 - 2000 

Bisher unveröffentlichte Aufnahmen 

3 Konzerte auf 3 CDs 

DELUXE EDITION*: 3 Konzerte auf 3 CDs + 2 DVDs 

*Inklusive Booklet mit ausführlichen 

Hintergrundinformationen und seltenem Bildmaterial. 

www.jeff-healey-live.com 

www.facebook/in-akustik.de 

www.in-akustik.de 

musik@in-akustik.de 


CD 

REVIEWS 

revolutionäre Magie entfalten wie damals 

die Electric Prunes, 13th Floor Elevators, 

Leaves, Standells oder Chocolate Watchband. 

Aber die größten der hier aufspielenden 

Talente, wie Velociraptor, The 

Laurels, Pond, Davey Lane, Baptism Of 

Uzi oder The Murlocs haben durchaus 

präzise Vorstellungen, wie die Psycho- 

Glocken in den sprichwörtlichen Garagen 

heute zu läuten haben. Und auch die übrigen 

Bands machen sich keiner Schandtaten 

schuldig, gehen mit pfiffigen – und 

manchmal verblüffenden – Einfällen ihren 

eigenen Weg. Sehr zur Nachahmung 

empfohlen! 

(Rhino/Import, 2012, 18/60:35) hjg 

VELVET UNDERGROUND 

SQUEEZE 

Die frühen Seventies 

waren personell 

keine gute Zeit für 

Velvet Underground. 

Nach und nach verabschiedeten 

sich 

Sterling 

Morrison, 

Lou Reed und Maureen Tucker von ihrer 

Band und überließen dem Multi-Instrumentalisten 

Doug Yule, der schon Mitte 1968 

für John Cale gekommen war, das Feld. 

Yule heuerte seinen Bruder Billy (dr), Walter 

Powers (b) und Willie „Loco” Alexander 

(g) an, alles durchaus fähige Musiker, 

die mit Können und Engagement zu Werke 

gingen. Im Vergleich mit den „Bananen- 

Velvets” waren die „Yule-Velvets” freilich 

eine Gruppe von Schafen im Wolfspelz. 

Auch sorgte der neue Chef – aus naheliegenden 

karrieretechnischen Gründen – dafür, 

dass der Name Velvet Underground 

weiter Bestand hatte, obwohl es musikalisch 

doch eher in Richtung Harmlosigkeit 

ging, was dieses in England unter Mithilfe 

von Deep-Purples Schlagzeuger Ian Paice 

eingespielte Album bestens dokumentiert. 

SQUEEZE enthält elf von Doug Yule komponierte 

Songs, die sich widerstandslos unter 

dem Begriff „freundlicher Pop-Rock” 

einsortieren lassen. Einige, wie “Dopey 

Joe”, “She’ll Make You Cry”, “Friends” 

und “Send No Letter”, sind sogar richtig 

gut, die übrigen zumindest passabel. Wäre 

die Scheibe unter anderem Gruppennamen 

oder als Yule-Solo-Album veröffentlicht 

worden, ginge der Daumen zweifellos 

nach oben. Man kann SQUEEZE reuelos 

hören, man darf die Scheibe nur nicht mit 

Lou Reeds Meisterwerken vergleichen, das 

wäre einfach unfair. 

(Kismet/Soulfood, 1973/2012, 

11/33:51) hjg 

BUCKCHERRY 

CONFESSIONS 

Mit dem Thema Todsünden und den eigenen 

Problemen in der Jugend befassen 

sich die kalifornischen Power-Rocker 

Buckcherry auf ihrem siebten Album seit 

der Gründung durch Sänger Josh Todd und 

Gitarrist Keith Nelson. Man kann es als 

Orientierungslosigkeit oder Interesse an 

musikalischer Vielfalt deuten, wie sich die 

Band bemüht, Stadion-Rock, Grunge- und 

Punkandeutungen und sogar AOR unter 

einen Hut zu bringen. Was ihr meist mehr, 

gelegentlich weniger (Schmalz!) gelingt, 

insgesamt beschert CONFESSIONS nach 

den letzten beiden schwachen Alben eine 

wahrnehmungswürdige Rückkehr auf die 

vorderen Mittelfeldplätze in der internationalen 

Hard-Rockarena. Und das sowohl 

mit einigen fetten Partyhymnen wie auch 

ein paar nachdenklicheren Nummern, 

selbst wenn Balladen nicht unbedingt eine 

Stärke von Buckcherry sind. 

(Eleven Seven Music/EMI, 2013, 

13/48:12) pro 

LOU REED + YES + R.E.M. 

+ 10,000 MANIACS + 

SUGAR RAY + RATT + 

BLACK OAK ARKANSAS 

ORIGINAL ALBUM SERIES 

Das Konzept der 

ORIGINAL ALBUM 

SERIES ist bekannt, 

die Künstler und Alben 

wechseln sich 

ab. Jeweils fünf Originalalben 

– einzeln 

verpackt wie eine verkleinerte LP – werden 

in einem Pappschuber zusammengefasst, 

Booklets oder zusätzliche Liner-Notes 

Fehlanzeige, dafür stimmt das Preis/Leistungs-Verhältnis. 

Die ORIGINAL ALBUM 

SERIES von Lou Reed beginnt 1989 mit 

dem überragenden NEW YORK, führt 

über die starken SONGS FOR DRELLA 

(die Hommage an Andy Warhol, entstanden 

zusammen mit John Cale) und MAGIC 

AND LOSS bis zu den eher verzichtbaren 

SET THE TWILIGHT REELING (1996) 

und ECSTASY (2000). Die (Album-)Reise 

durch einen Karriere-Abschnitt von Yes 

beginnt 1977 mit GOING FOR THE ONE, 

geht über TORMATO (1978), DRAMA 

(1980) und 90125 (1983) bis zu BIG GE- 

NERATOR ins Jahr 1987. Zahlreiche Besetzungswechsel 

prägten diese Zeit, dementsprechend 

wechselvoll – je nachdem, ob 

man mehr dem Pop oder progressiver Rockmusik 

zugewandt ist – dann auch die musikalische 

Qualität. Wenig zu diskutieren gibt 

es in dieser Hinsicht bei R.E.M., hier wurden 

die letzten fünf Studio-Alben zusammengefasst, 

bis auf ACCELERATE (2008, 

#2) toppten UP (1998), REVEAL (2001), 

AROUND THE SUN (2004) und COL- 

LAPSE INTO NOW (2011) die deutschen 

Charts. Auch die Auswahl der fünf Alben 

der amerikanischen Indie-Folk-Rockband 

10.000 Maniacs mit ihrer charismatischen 

Sängerin Natalie Merchant ist über jede Kritik 

erhaben. Von THE WISHING CHAIR 

(1985) geht es in direkter Abfolge bis zu 

MTV UNPLUGGED (1993), deckt damit 

den erfolgreichsten Abschnitt der Karriere 

der 10,000 Maniacs ab. Ebenso verhält es 

sich bei den US-College-Rockern von Sugar 

Ray und den Glam-Heavy-Metalboys 

von Ratt, deren erste fünf – und damit auch 

ihre besten – Alben jetzt jeweils gemeinsam 

zu haben sind. Auf das 1968er Debüt hat 

man bei der ORIGINAL ALBUM SERIES 

der Southern Rocker Black Oak Arkansas 

verzichtet, es beginnt also mit der selbst 

betitelten LP aus dem Jahr 1971, führt über 

die beiden ein Jahr später veröffentlichten 

KEEP THE FAITH und IF AN ANGEL ... 

bis zu HIGH ON THE HOG (1973) und 

STREET PARTY (1974). Besonders der 

letztgenannte Fünferpack könnte zur interessanten 

Neu- oder Wiederentdeckung 

für so manchen Musikfreund werden, der 

Gitarren-dominierte Rock dieser vielköpfigen 

Band aus Arkansas mit der kratzigen 

Stimme von Jim „Dandy” Mangrum ist bis 

heute sträflich unterbewertet. 

(Rhino/Warner, 2013, 7x5 CDs) us 

FABIAN HARLOFF 

NU ABER! 

Man kennt den 

43-jährigen 

Hamburger 

als „Tatort”-, 

„Stubbe”- und „Rosa 

Roth”-Schauspieler, 

„TKKG”-Stimme 

und „Bob den Baumeister”. 

it ”Sät Spätestens t seit seiner Mitwirkung 

im Musical „Buddy” (1998–2001) ist klar, 

dass er auch als versierter Rocker mit Stimme, 

Gitarre und Bass sticht. Beweis: sein 

Album NU ABER! Singles nahm er schon 

zehn Jahre vor „Buddy” auf. “Liebeslieder” 

verbindet Dutzende Romantiktitel von 

“Marmor Stein” zu “Major Tom” zu neuem 

Text. Dass ihm eigene Lovesongs gelingen, 

beweist Harloff mit “Halbes Herz” oder 

“Ich fang Dich auf”. “Was wäre wenn” und 

“Meine Welt” leben von knackiger Gitarrenarbeit 

Milan Polaks. Im Studio standen 

dem einfallsreichen Alltags texter außerdem 

Pascal und Julien Kravetz sowie Geoff 

Peacey zur Verfügung. “Aso TV” rechnet 

mit heutigem Primitiv-Fernsehen ab, ist 

aber bei gutem Riff textlich zu plakativ. 

Amüsant jedoch die selbstironische Botschaft 

„Wenn ich ein Mädchen wär, würd’ 

ich mich in mich verlieben.” 

(Hypertension/Soulfood, 2013, 

13/44:53) utw 

KONTIKI SUITE 

ON SUNSET LAKE 

„Lob der Provinz”: Ein solches Prädikat 

gilt oft Musikern aus Regionen fernab von 

L.A., Berlin oder Greater London. Kontiki 

Suite kommen vom Lake District; dass 

sie sich hörbar den Sixties zwischen Byrds 

und Buffalo Springfield widmen, macht 

umso neugieriger. Der Fokus liegt auf den 

singenden Gitarristen-Brüdern Jonny und 

Ben Singh – wobei es Produzent Jonny ist, 

der den Kontikis mit Lapsteel-Guitar das 

bestechende Klangmerkmal verschafft, 

während Benjamin die meisten Songs 

schreibt. “Down By The Lake” hat mit 

ansteckender Fröhlichkeit Radio-Potenzial. 

“See You In The Morning (Elwood’s 

Theme)” ist nicht einem Blues Brother, 

sondern Jonny Singhs Junior gewidmet. 

Der Song lebt von organischen Rhythmuswechseln 

und “Itchycoo-Park”-haftem 

Phrasing. Überhaupt macht die Band gern 

in Sixties-Manier vom Mellotron Gebrauch, 

Cello und Violine kommen ebenfalls 

zum Einsatz. Immer wieder glänzen 

die High Harmonies, Refrains feinster 

Qualität, deren Eingängigkeit über die 

Single “Magic Carpet Ride” (warum ein 

Titelklau, wenn nicht gecovert wird?) bis 

zum Finale “The Painter” gehalten wird. 

(Size Records/Import, 2012, 13/49:32) utw 

CHRIS STAMEY 

LOVESICK BLUES 

Auf das Comeback der dB’s folgt ein neues 

Solo-Album des Kreativlings Chris Stamey, 

sein erstes seit immerhin acht Jahren. 

LOVESICK BLUES weist ihn als einen 

Rock 

King des edlen Pop-Rock aus, dessen Kompositionen 

inzwischen die Zeitlos-Marke 

erreicht haben. Das Album startet mit zwei 

hübschen Aufwärmern, dann folgt die volle 

Ladung Pop-Rock mit Top-Songs wie “Astronomy”, 

“Anyway” und dem Titeltrack. 

Doch damit nicht genug: “I Wrote This 

Song For You” und “Wintertime” warten 

mit einem klug erhöhten Folkanteil auf; bei 

“The Room Above The Bookstore” und “If 

Memory Serves” schleichen sich Barockund 

Beatles-Einflüsse ein, und “Occasional 

Shivers” ist eine behutsame Ballade ohne 

jeden Schnickschnack. Der Klasse der 

Songs entspricht glücklicherweise auch ihre 

Realisierung. Stamey singt entspannt und 

spannend zugleich, eingebettet in die von 

den stilsicheren Begleitmusikern Jeff Crawford, 

Mitch Easter, Tony Stiglitz und Logan 

Matheny besorgten Wohlklänge aus Saitenund 

Keyboardtönen, Bass und Schlagzeug 

sowie Streichern, Bläsern und Chören, in 

denen sich auch Prominente wie Michael 

Stipe und Caitlin Cary tummeln. Auch dank 

großartig erdachter Arrangements, die den 

Liedern genug Luft zum Atmen lassen, ist 

LOVESICK BLUES ein Meisterwerk des 

Jahrgangs 2013. 

(Yep Roc/Cargo 2013, 11/49:27) hjg 

BARCLAY JAMES 

HARVEST 

EYES OF THE UNIVERSE + 

TURN OF THE TIDE 

Diese zwei hochwertig gestalteten Wiederveröffentlichungen 

zeigen die britische Band 

Barclay James Harvest auf dem Weg vom 

gemäßigten Prog-Rock zu hymnischem Pop. 

1979 erschien EYES OF THE UNIVERSE, 

das erste Album, nachdem Keyboarder Wolly 

Wolstenholme die Band verlassen hatte. 

Ohne ihn verzichteten John Lees, Mel 

Pritchard und Les Holroyd auf ausufernde 

Instrumentalpassagen, konzentrierten sich 

dafür auf kompaktes, Radio-taugliches Material, 

bestes Beispiel hierfür ist die in ganz 

Europa erfolgreiche Single “Love On The 

Line”. Diesen Trend setzte TURN OF THE 

TIDE dann 1981 fort, auch hier waren es 

Songs wie das hymnische “Life Is For Living”, 

die den „neuen” Sound von Barclay 

James Harvest prägten. Als Bonus-Tracks 

gibt es zwei bzw. vier Singleversionen; neu 

gestaltete Booklets mit Texten, Bandstory, 

Bildern und Produktionsinfos sind vorbildlich, 

lassen in dieser Hinsicht keine Wünsche 

offen. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1979, 12/57:29, 

1981, 12/56:20) us 

THE SHEEPDOGS 

THE SHEEPDOGS 

Wie Pilze schießen diese Bands seit einiger 

Zeit aus dem nordamerikanischen 

Boden, angeführt von den Fleet Foxes über 

die Alabama Shakes bis zu den Sheepdogs 

aus Kanada. Mit drei Junos (= kanadischer 

Grammy) für „Group Of The Year”, „Single 

Of The Year” und „Rock Album Of 

The Year” wurden sie dort zu einer der 


CD 

REVIEWS 

erfolgreichsten Bands des letzten Jahres, 

kein Wunder, dass sie es jetzt mit THE 

SHEEPDOGS auch international wissen 

wollen. Black-Keys-Drummer Patrick Carney 

packte als Produzent viel von der rohen 

Energie, die ihn bekanntermaßen mit seiner 

eigenen Musik auszeichnet, in den urwüchsigen 

Sound dieses jungen Quartetts. Angeführt 

von Frontmann und Songwriter Ewan 

Currie, atmet seine Musik den Geist der frühen 

70er Jahre, verbindet klassischen Rock 

mit Soul, Blues und einer Prise kanadischer 

Hemdsärmeligkeit. Klingt also wie eine 

runderneuerte Ausgabe jener kanadischamerikanischen 

Band, die vor ungefähr 45 

Jahren als Begleit-„Band” eines gewissen 

Bob Dylan für Aufsehen sorgte ... 

(Atlantic/Warner, 2013, 14/14:12) tk 

RORY STORM AND THE 

HURRICANES 

LIVE AT THE JIVE HIVE MARCH 

1960 

Hat es einen Sinn, 53 

Jahre nach ihrer Entstehung 

Liveklängen 

einer Beatband 

zuzuhören? Sicher 

nicht in jedem Falle, 

in diesem aber 

schon. Zwei Gründe sprechen nachhaltig 

dafür: Erstens gibt es kaum Studio- 

Tondokumente der Gruppe; im Original 

heute unbeschaffbare Singles und einige 

rare Sampler-Beiträge sind alles. Zweitens 

waren die Hurricanes um den durchaus 

charismatischen Sänger Rory Storm 

(*7.1.1938) und die Zupfer Johnny Guitar 

(John Byrne, Rhythmusgitarre) und 

Ty Brian (Charles O’Brien, Leadgitarre) 

eine verdammt gute Band, die im heimatlichen 

Liverpool zu den Lokalmatadoren 

gehörte und auch in Hamburg reüssieren 

konnte. Sie spielten ein stilistisch breites 

Spektrum an guten Cover-Versionen von 

“What’d I Say” (Ray Charles) über “Since 

You Broke My Heart” (Everly Brothers) 

bis “Honey Don’t” (Carl Perkins) und 

“Somethin’ Else” (Eddie Cochran). Doch 

der internationale Durchbruch gelang ihnen 

nicht. Endgültig vorbei war es mit den 

Ruhmesaussichten für Rory Storm, als im 

August 1962 die Hurricanes ihren Schlagzeuger 

an die Beatles verloren. Sein Name: 

Ringo Starr ... Der glücklose Rory Storm 

starb am 27. September 1972, vermutlich 

an einer Tablettenüberdosis. Zuvor brach 

schon 1967 Ty Brian während eines Konzerts 

zusammen und starb kurz darauf, nur 

26 Jahre alt. Der nun vorliegende Livemitschnitt 

kommt klanglich über akzeptable 

Bootlegqualität nicht hinaus, ist aber ein 

schönes, lebhaftes Beat-Dokument und 

deshalb Sammlern zu empfehlen. 

(Rockstar Records/Rough Trade, 

2012, 21/58;50) hjg 


FOUR FLAT TIRES ON A MUDDY 

ROAD + PRIDE OF THE SOUTH 

Zwei neue Tribute-Alben aus der Bluesecke 

widmen sich zwei Bands, deren tiefe Spuren 

aus der Rockszene schon lange nicht 

mehr wegzudenken sind. FOUR FLAT TI- 

RES ON A MUDDY ROAD ist der „Little 

‘ol Band from Texas”, ZZ Top, gewidmet. 

Walter Trout (“Gimme All Your Lovin’”), 

Rock 

Molly Hatchet (“Sharp Dressed Man”), 

Black Oak Arkansas (“La Grange”) oder 

Mick Moody & Lea Hart (“Tush”) reichern 

den staubtrockenen Wüsten-Rock von Billy 

Gibbons & Co. mit reichlich Blues- und 

Slidegefühl an. PRIDE OF THE SOUTH 

liefert, keine Frage bei diesem Titel, die 

Songs von Lynyrd Skynyrd. Hier stellen 

die Outlaws (“Sweet Home Alabama”), 

Canned Heat (“That Smell”), Great White 

(“Saturday Night Special”) oder Molly Hatchet 

zusammen mit Charlie Daniels (“Free 

Bird”) ihre Cover-Versionen vor, ebenso 

wie frühere (Ed King, Artimus Pyle) und 

aktuelle Mitglieder (Rickey Medlocke) von 

Lynyrd Skynyrd der Southern-Rockband 

die Ehre erweisen. Natürlich dürfen hier 

keine musikalischen Neuinterpretationen 

erwartet werden, hier steht – deutlich hörbar 

– der Spaß im Vordergrund! 

(Rokarola Records/H’Art, 2013, 16/59:35 

+ 13/64:24) tk 

JOHNNY THUNDERS & 

THE HEARTBREAKERS 

L.A.M.F. 

Vor 35 Jahren notierte 

der englische 

Musik journalist Kris 

Needs im führenden 

Punk/New-Wave- 

Magazin 

„Zigzag”: 

„I used to think, The 

New York Dolls were the greatest rock 

band ever ... until The Heartbreakers came 

along ...” So absolut haben die Kauflustigen 

das damals nicht gesehen, aber hohe 

Aufmerksamkeit konnte die Gruppe der 

ehemaligen Dolls Johnny Thunders (g, 

voc) und Jerry Nolan (dr) durchaus einheimsen. 

Zusammen mit Walter Lure (g, 

voc) und Billy Rath (b) machten Johnny 

& Jerry eine in Richtung Punk weiterentwickelte 

Dolls-Musik ohne Bi-Sex-Image. 

Angesagt war pur-harter Rock mit ganz 

fantastischem Schlagzeug, dichten, orkanartigen 

Gitarren und schön verdrecktem 

Gesang. Sehr laut gehört, bläst das Album 

einem heute noch die Gehörgänge weg. 

Der Sound passte haargenau zum Zeitgeist 

der Endsiebziger-Jahre und bot bei aller 

Konzentration auf Härtegrade melodisch 

durchweg starke Songs und eine Fülle von 

sorgfältigen Details. Die Heartbreakers 

spielten keine komplizierte Musik, aber 

eine sehr differenzierte, was sie eindeutig 

zur Top-Band machte. Das galt auch 

textlich. Songs wie “Born To Loose”, “It’s 

Not Enough”, “Pirate Love” und vor allem 

“Chinese Rocks” warten gewiss nicht mit 

Kindergarten-Lyrik oder Herz-Schmerz- 

Gesäusel auf, dafür aber mit bitterbösen, 

wutentbrannten, manchmal todessehnsüchtigen 

Botschaften – natürlich eine 

Folge des Naschens an mörderischen Substanzen; 

nicht umsonst gehörten Thunders 

und seine Kumpels zu New Yorks prominentesten 

Junkies. Leider blieb L.A.M.F. 

(New Yorker Straßen-Slang für „Like a 

mother fucker”) das einzige Album der 

Heartbreakers. Im Laufe der Zeit ist der 

Rang des Werkes stetig gestiegen; längst 

hat es Kultstatus erlangt. Der wird durch 

die vorliegende 4-CD-Box bestätigt und 

gesteigert. CD 1 enthält die LOST ‘77 

Mixes, bestehend aus den zwölf Songs des 

Originalalbums plus zwei Bonus-Tracks. 

Hans Edler 

 

 

 

 

Songs from 

Auf 4 CDs! 

 


CD 

REVIEWS 

CD 2 bringt das Album in der klanglich 

(nicht gerade himmelstürmend) verbesserten 

Version von 1984, die nötig wurde, 

weil niemand mit dem Urmix der 77er-LP 

zufrieden war. CD 3 enthält DEMO SES- 

SIONS, teilweise noch mit Richard Hell, 

dem Bassisten der Band-Gründertage. Auf 

CD 4 ist eine Kollektion von ALTERNA- 

TIVE MIXES versammelt. Für Fans alles 

höchst hörenswerter Stoff! Fürs Lesen 

liegt ein 44-seitiges Booklet bei. 

(Jungle Rec./Rough Trade, 2012, 

12/33:48, 14/40:01, 13/40:25, 

21/62:19) hjg 

PAUL RAYMOND PROJECT 

TERMS & CONDITIONS APPLY 

Im 

Rampenlicht 

steht Paul Raymond 

als 

Gitarrist/Keyboarder 

von UFO, 

doch seit über 20 

Jahren ist er daneben, 

von der Öffentlichkeit 

it weitgehend unbemerkt, solo aktiv. 

TERMS & CONDITIONS APPLY ist sein 

sechstes Album und bietet unprätentiösen, 

handgemachten Classic Rock. Der Opener 

“Born & Raised On Rock’n’Roll” 

sagt alles und gibt die Richtung vor. Die 

Powerballade “We Will Be Strong” rundet 

den Spannungsbogen ab, der durch die 

Cream-mäßig angelegte Cover-Version 

von “If You Gotta Make A Fool Of Somebody” 

(James Ray, Freddie & The Dreamers) 

sowie die Übernahme des Motown- 

Klassikers “Reach Out (I’ll Be There)” 

gelungene Überraschungen bereithält. Und 

dann wären da auch noch die Gastspiele 

von Michael Schenker und Reuben Archer 

(Stampede). Braucht eigentlich niemand, 

und trotzdem kann man die Scheibe nur 

empfehlen. 


14/57/14) pro 

YELLOW SUNSHINE 

EXPLOSION 

YELLOW SUNSHINE 

EXPLOSION 

Neo-Psychedelic setzte die 1981 in Dortmund 

gegründete Combo Yellow Sunshine 

Explosion dem damals im Ruhrpott schwer 

angesagten Metal als Kontrastprogramm 

gegenüber. 1987 veröffentlichten Bert 

Schlexer (voc, b), Paul Hardley Langley 

(harp, fl, perc), Thomas Hopf (dr, tablas) 

und Georg Schulte (g) ihr einziges, selbst 

betiteltes Album, das damals wohl am 

ehesten bekiffte Späthippies angesprochen 

haben dürfte. Anleihen bei den frühen Pink 

Floyd (“Ballad Of Dan”), häufige indische 

Stimmungen, wie sie Gast Gerd Neumann 

per Sitar “Take It Acid Is” verlieh, Sixties- 

Beat inspirationen, all das floss damals ein 

und klang in den späten 80er Jahren (und 

auch heute) irgendwie fremd, um nicht zu 

sagen deplatziert. Auch wenn die LP jetzt 

erstmals auf CD erhältlich ist, dürfte der 

Liebhaberkreis beschränkt bleiben. 


10/44:55) pro 

THE GODS 

GENESIS + TO SAMUEL A SON 

Viele Personalwechsel prägten das Schaffen 

von The Gods zwischen 1965 bis 

1969: Mick Taylor, Greg Lake, Paul Newton, 

Cliff Bennett, Brian Glascock, Alan 

Shacklock mischten zeitweise mit. Es war 

allerdings die Hammondorgel Ken Hensleys, 

die das Debüt GENESIS 1968 dominant 

prägte, das dieser mit seinem späteren 

Uriah-Heep-Kollegen Lee Kerslake (dr), 

John Glascock (b, voc; Jethro Tull) und 

Joe Konas (g, voc) einspielte. Hensley/ 

Konas lieferten die meisten der schwer 

psychedelischen, andeutungsweise Progrockigen 

Nummern, die zudem reichlich 

damals gängige Pop-Elemente aufwiesen. 

GENESIS gibt es nun sowohl im originalen 

Stereo- wie im Monomix sowie mit 

vier Songs der beiden damaligen Columbia-Singles, 

darunter die Beatles-Cover- 

Version “Hey Bulldog” als Bonus-Tracks 

(wie schon beim Repertoire-Reissue). Und 

der Sound wurde nun hörbar nachgebessert! 

TO SAMUEL A SON erschien ein 

Jahr später posthum, schloss nahtlos an, 

fiel aber leichtgewichtiger und dennoch 

abwechslungsreicher aus (zwei Bonus- 

Tracks). 

(Esoteric/Rough Trade, 1968 + 1969, 

14/48:44, 10/37:12 + 16/51:09) pro 

LITTLE DEVILS 

DIAMONDS & POISON 

Blues-Rock auf frischen 

Pfaden – mit 

der 

Leadsängerin 

und Flötistin Yoka 

(The Dutch Diva) 

und der singenden 

Saxofonistin 

Vivienne 

Soan sind mal glasklare, mal flehende 

oder kreischende Stimmen an Bord der 

jungen britischen Band, die sich entschieden 

hat, im Booklet keinerlei Angaben 

zu Song-Autorenschaft, Aufnahme-Ort 

(Deptford), Besetzung und Gastmusikern 

zu machen – die Flächen unter den anonymen 

Fotos bleiben schwarz. Die Musik 

jedoch: 1A. Alle Facetten ihres Genres 

werden ausgelotet – neben Boogie-Rhythmen 

(“Same Old Brand New Good News 

Blues ... Again”) und knackigen Bläsersätzen 

zeigt “21st Century Blues” beherzte 

Gitarrenarbeit. “Black Diamond” beleuchtet 

zu dunklen Sounds, wie der Großvater 

des Little-Devils-Bassisten Graeme Wheatley 

ein Bergwerksunglück in County Durham 

überlebte – perfekt für eine Blues- 

Vertonung. “Orphans In The Storm” als 

Late-Night-12-Bar-Blues wird Zweifler 

überzeugen. 

(LittleDevilMusic, 2012, 11/49:17) utw 

JIMI HENDRIX 

PEOPLE, HELL AND ANGELS 

In Internet-Foren wird bereits lebhaft debattiert, 

welche Aufnahmen auf dem neuen 

Hendrix-Album PEOPLE, HELL AND 

ANGELS tatsächlich bislang unveröffentlicht 

waren. Die Plattenfirma behauptet: 

alle zwölf. Doch Titel wie “Hear My Train 

A Comin’”, “Izabella”, “Crash Landing” 

oder “Bleeding Heart” kommen einem, 

zumindest dem Namen nach, sehr vertraut 

vor. Wie auch immer: PEOPLE, HELL 

AND ANGELS ist eine großartige, vor 

allem auch klanglich überzeugende Zusammenstellung 

(Produzent: der für Meilensteine 

wie ELECTRIC LADYLAND 

zuständige Eddie Kramer). Die Songs sind 

allesamt in Hendrix’ letzter Lebensphase 

entstanden, als er die Experience bereits 

aufgelöst hatte und mit seinen neuen Formationen, 

dem Trio Band Of Gypsys und 

dem Sextett Gypsy Sun & Rainbows, neue 

Wege bestritt. Mit den beiden schwarzen 

Musikern Billy Cox (b) und Buddy Miles 

(dr) bzw. mit Larry Lee an der Rhythmusgitarre 

und zwei Perkussionisten im Rücken 

präsentierte sich Hendrix ungleich 

funkiger, souliger, ja mitunter jazzig. Zu 

den Höhepunkten gehören eine druckvolle, 

elektrifizierte Version des Blues “Hear My 

Train A Comin’”, die Soul-Kollaboration 

“Let Me Love You” mit dem Sänger/ 

Saxofonisten Lonnie Youngblood sowie 

das durch Woodstock bekannt gewordene 

“Iza bella”, bei dem man in der nun bestens 

abgemischten Studiofassung auch Lees 

differenziertes Begleitspiel hören kann. 

(Legacy/Sony Music, 2013, 12/52:50) frs 

VAN HALEN 

THE STUDIO ALBUMS 

1978–1984 

Mit sechs LPs, veröffentlicht 

zwischen 

1978 und 1984, gelangten 

Van Halen 

zu Weltruhm. Wa- 

rum, das zeigt die 

nun 

veröffentlichte 

Sammelbox THE STUDIO ALBUMS 

1978–1984, in der man diese sechs CDs als 

Mini-LP-Replicas zusammengefasst hat. 

Als Ende der 70er Punk-Rock und erste 

New-Wave-Bands die Musikfans mit neuen 

Klängen versorgten, gab keiner mehr einen 

Pfifferling auf den guten alten Heavy Metal. 

Doch als die Brüder Eddie (g) und Alex 

(dr) Van Halen dann 1978 zusammen mit 

Michael Anthony (b) und David Lee Roth 

(voc) ihr Debüt VAN HALEN vorlegten, 

kam alles ganz anders. Irre Gitarrenläufe 

(“Runnin’ With The Devil”), kompromissloser 

Blues-Rock (“Ain’t Talkin’ Bout 

Love”), das größenwahnsinnige Cover einer 

Kinks-Nummer (“You Really Got Me”) 

– dieses Album war so aus der Zeit, dass 

es bis heute unsterblich ist. Klar ritten sie 

diese (Erfolgs-)Welle auch auf dem Nachfolger 

VAN HALEN II, beste Party-Mucke, 

die trotz Vollgas auch immer Platz für ein 

ironisches Augenzwinkern lässt. Auf dieses 

verzichteten sie beim 1980er WOMAN 

AND CHILDREN FIRST, einen Tick härter 

und ernster gingen sie dabei zur Sache, das 

ein Jahr später veröffentlichte FAIR WAR- 

NING ging diesen Weg konsequent weiter. 

“Where Have All The Good Times Gone”, 

fragten sie dann frei nach Ray Davies zu 

Beginn von DIVER DOWN, ließen neben 

eigenen Stücken, bei denen Sänger Roth 

zu früher Macho-Form auflief, ihre Klasse 

auch bei Songs wie Roy Orbisons “Pretty 

Woman” oder dem Motown-Klassiker 

“Dancing In The Streets” aufblitzen. Den 

(vorläufigen) Schwanengesang – David Lee 

Roth verließ kurz darauf wegen seiner Solokarriere 

Van Halen – lieferte dann das Album 

1984, das einerseits mit seinem grandiosen 

Hit “Jump” endgültig den Sprung zum 

großen Publikum schaffte, andererseits aber 

mit Stücken wie “Panama” und “Hot For 

Teacher” immer noch den kompromisslosen 

Heavy-Metal-Geist des Debüts in sich trug. 

(Rhino/Warner, 2013, 6 CDs) tk 

Rock 

JACCO GARDNER 

CABINET OF CURIOSITIES 

Reinkarnation – es gibt sie doch. Die Kampagne 

„Ist Jacco Gardner Syd Barrett?” 

startet genau hier. Wäre der “See Emily 

Play”-Floyd-Frontmann bei Verstand und 

länger im Studio und am Leben geblieben. 

Er hätte sich angehört wie dieser niederländische 

24-jährige Multi-Instrumentalist aus 

Zwaag, der momentan die Amerikaner auf 

Tournee gewinnt. Gardner setzt auf Mellotron, 

Harpsichord und Querflöte, als schrieb 

man das Jahr 1967, spielte im Studio auch 

noch alle Gitarren und den Bass ein. Am 

Schlagzeug fühlt sich Jos van Tol ein – live 

helfen ihm außerdem Keez Groenteman 

(g) und Jasper Verhulst (b). Mal verträumt 

wie in “The One Eyed King”, dann mit 

entschiedener Rhythmusbasis wie in “Puppets 

Dangling”, scheinen die Melodien 

nur so aus Gardner herauszufließen – alles 

kurzweilig ohne jede Zap-Gefahr gehalten. 

Sollte jemand den Small-Faces-Studio-Einflüsterer 

Billy Nicholls hier hören, ein größeres 

Kompliment könnte es kaum geben. 

Die konsequenteste Psychedelicplatte seit 

ODESSEY & ORAC LE von den Zombies. 

(Trouble In Mind/Cargo, 

2013, 12/41:40) utw 

DIVING FOR SUNKEN 

TREASURE 

MOTHERFUCKER JAZZ BAR 

Hat da jemand Santiano 

meets Motörhead 

gerufen? Ina 

Müllers Shantychor 

auf Acid mit Chris 

Isaak? Tatsache ist: 

Die Berliner mit 

dem langen Namen setzen Twang-Gitarren 

neben das Punkbrett, zerren an den gutturalen 

Regionen ihrer Stimmbänder und 

schaffen es, ihren Melodienreichtum mit 

völliger Ausgelassenheit zu kombinieren. 

“Revolver” ist nah am Punk, wonach stetiges 

Brett dem Hörer viel abverlangt; man 

hätte sich öfter eine luftige Verschnaufpause 

wie das folkige “Stormy Sea” mit seiner 

Fiddle- und Banjoherrlichkeit gewünscht. 

Songnamen wie “City Of Orgies” und 

“Self-Made Rocket” machen neugierig, 

betonen das Outlaw-Image der Band. 

“Albatross” ist nicht der Fleetwood-Mac- 

Klassiker – Titelklau greift immer weiter 

um sich –, sondern ein schöner Opener im 

Rumba-Rhythmus. Dynamik und Energie- 

Level sind bei “Around The Bend” perfekt 

getroffen, der Harmoniegesang eine reizvolle 

Variable. 

(Rookie Records/Cargo, 2013, 

14/41:27) utw 

JIMMY BARNES 

JIMMY BARNES 

In seiner Heimat Australien veröffentlichte 

Cold-Chisel-Sänger Jimmy Barnes 

1985 sein zweites Solo-Album FOR THE 

WORKING CLASS MAN, das fünf neue 

Tracks sowie sieben remixte Stücke seines 

1984er Debüts BODYSWERVE enthielt. 

In Europa und den USA firmierte es unter 

JIMMY BARNES. Die neuen Songs hatte 

der Shouter in Los Angeles aufgenommen 

(Produzent: Jonathan Cain) – hörbar für 

den US-Markt, einige Nummern wären 

mit einer anderen Stimme auch als Jour- 


CD REVIEWS Rock 

ney durchgegangen (“American Heartbeat”), 

auch wenn sie keineswegs zu 

glatt poliert gerieten. Am stärksten wirkt 

Barnes’ Reibeisenröhre bei Abgehstücken 

(“Paradise”, “Boys Cry Out”) oder dem 

Schleicher “Promise You’ll Call”, das 

auch gut zu Barnes’ Sandpapierschmirgel-Kollegen 

Dan McCafferty und Nazareth 

gepasst hätte. Erfreuliche Neuauflage, 

ohne Bonus-Material. 


11/41:14) pro 

GIRLSCHOOL 

THE SINGLES + THE BRONZE 

YEARS 

Das All-Girl-Quartett AllGilQ ttt 

Girlschool l war in 

den 80er Jahren das weibliche Aushängeschild 

des britischen Hard Rock und 

Metal, nicht nur, weil Motörhead die Ladies 

auch mit gemeinsamen Aktivitäten 

förderten. Kim McAuliffe (g, voc), Kelly 

Johnson (g, voc), Enid Williams (b, voc) 

und Denise Dufort (dr) spielten Kickass- 

Rock’n’Roll, sprich kraftvolle, eingängige 

Powernummern, die einem heute allerdings 

vielfach milde vorkommen. Für ihre 

Singles coverten sie gerne und durchaus 

gelungen (T. Rex, Gary Glitter, ZZ Top, 

Adrian Gurvitz, Motörhead). Nachzuhören 

auf der unverändert neu aufgelegten 

Kollektion THE SINGLES, die die Veröffentlichung 

der 4-CD-Box THE BRONZE 

YEARS begleitet. Die wiederum umfasst 

die Alben DEMOLITION (1980, UK #28), 

HIT AND RUN (1981, #5), SCREAMING 

BLUE MURDER (1982, #27) und PLAY 

DIRTY (1983, #66, produziert von Slades 

Noddy Holder & Jim Lea). Das Debüt war 

noch spürbar vom Punk beeinflusst, tönte 

rau und sandpapiermäßig. HIT AND RUN 

hingegen war ein wenig mehr poliert, die 

Songs gingen aber gut ins Ohr. SCRE- 

AMING ... kam deutlich härter daher, 

sprang einen geradezu an, während bei 

sich PLAY DIRTY leichtes Schielen auf 

den amerikanischen Markt samt Anleihen 

von dort einschlich. Insgesamt eine gelungene 

Werkschau, die an die stärkste Phase 

der Band erinnert. Die Mädels widerlegten 

männliche Vorbehalte, indem sie richtig 

abrock(t)en. 

(Cherry Red/Rough Trade, 2007 + 2013, 

18/57:42, 19/66:43 + 11/37:42, 16/50:47, 

1/34:01, 15/54:11) pro 

BERNIE MARSDEN 

AND ABOUT TIME TOO + LOOK 

AT ME NOW 

Nach seiner Aktivität bei Paice Ashton 

Lord (1976 –1978) stieg Ex-UFO-Gitarrist 

und (Gelegenheits-)Sänger Bernie 

Marsden bei Whitesnake ein, zu deren 

Sound und Songwriting er maßgeblich 

beitrug. Parallel veröffentlichte er 1979 

zunächst in Japan sein Solodebüt AND 

ABOUT TIME TOO, das er mit Hilfe 

von Jon Lord, Jack Bruce, Cozy Powell, 

Neil Murray, Simon Phillips, Ian Paice 

und Don Airey aufgenommen hatte. Sehr 

amerikanisch klangen die Songs, eher 

nach Toto oder auch Doobie Brothers, 

die drei Instrumentals demonstrierten 

sein gefühlvoll-melodisches, stellenweise 

auch jazz-rockiges Gitarrenspiel. 

Letztlich war es aber nur ein mittelmäßiges 

Album, auch wenn Marsden ordentliches 

Sangestalent an den Tag legte. 

LOOK AT ME NOW (mit Lord, Murray, 

Paice, Powell, Phillips sowie Doreen 

& Irene Chanter) zwei Jahre später fiel 

deutlich erdiger aus, klang nicht so poliert. 

Die Songs als solche waren einen 

Hauch schwächer, sprechen aber durch 

die Umsetzung mehr an. Insgesamt ein 

ordentliches Hard-Rockalbum, das wie 

auch AND ABOUT ... bei dieser Neuauflage 

mit einem Bonus-Track sowie einem 

neuen Marsden-Interview im Booklet bestückt 

ist. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1979 + 1981, 

10/41:51 + 10/40:41) pro 

MARCOS VALLE 

MARCOS VALLE + GARRA + 

VENTO SUL + PREVISAO DO 

TEMPO 

Wie ein südamerikanischer i Bossa-Nova- 

Star sah Marcos Valle Anfang der 70er 

Jahre definitiv nicht aus, eher schon wie 

ein kalifornischer Surfer oder ein Tennisspieler 

aus Schweden. Und wer sein 

englischsprachiges Album SAMBA ‘68 

kennt, darf getrost alles vergessen, was 

er darauf gehört hat. Denn jetzt gibt es 

mit vier Wiederveröffentlichungen den 

„wahren” Marcos Valle zu entdecken, 

wie er in einem Zeitraum von nur drei 

Jahren so ziemlich alles zusammenfasste, 

was brasilianische Musik in dieser 

Zeit zu bieten hatte. MARCOS VALLE 

(10/35:26) erschien 1970 und zeigt ihn 

stark inspiriert von amerikanischen Soulgrößen 

wie Stevie Wonder und Marvin 

Gaye, als Studioband hört man die legendäre 

brasilianische Rockgruppe Som 

Imaginário. Ein Jahr später erschien mit 

GARRA (11/33:26) ein Album, das mit 

seiner Melange aus amerikanischer Black 

Music, psychedelischen Pop-Grooves 

und sonnigen Latin-Rhythmen bis heute 

einzigartig ist. VENTO SUL (12/34:56) 

erschien 1972, ergänzte den Sound um 

lässiges Beach-Feeling, ganz im Kontrast 

zu den ernsten Texten, in denen Marcos 

Bruder Paulo Sergio sich kritisch mit der 

brasilianischen Diktatur auseinandersetzte 

– mehr dazu in den Liner-Notes. 

1973 kam dann mit PREVISAO DO 

TEMPO (12/36:56), und vorangetrieben 

durch die Backingband Azimuth (später 

erfolgreich als Azymuth), noch eine jazzige 

Note dazu, so dass dieses Album die 

breiteste Palette an Stilen liefert: Bossa 

Nova, Psychedelic, Fusion und verspielter 

Pop – magische Musik mit einer 

Faszination, der man sich, hat man sich 

einmal warmgehört, kaum mehr entziehen 

kann. Erwähnens- und lobenswert 

auch die wunderschöne Gestaltung dieser 

Digipaks, der herrlich warme Klang sowie 

die mit Infos (Song-by-song-notes, 

alle Texte inkl. englischer Übersetzung, 

ausführliche Produktionsdetails) prall gefüllten 

Booklets. 

(Fire In The Attic/Cargo, 1970–1973, 

4 CDs) us 

NICK CAVE & THE BAD 

SEEDS 

PUSH THE SKY AWAY 

Nick Cave hat nach 

mehreren 

Filmmusiken 

und einem 

Album mit dem 

Seitenprojekt Grinderman 

wieder seine 

The Bad Seeds zusammengerauft, 

um nach fünf Jahren Pause 

mit PUSH THE SKY AWAY ein neues 

Studiowerk einzuspielen. Die Pause hat 

sich gelohnt, denn Cave und seine Mitstreiter 

legen nach drei eher durchschnittlichen 

Alben die hohe Qualität früherer 

Tage vor. Das liegt aller Wahrscheinlichkeit 

an Warren Ellis, der endlich die Position 

einnimmt, die früher Blixa Bargeld 

und Mick Harvey innehatten. Die nahezu 

durchweg ruhigen Songs sind von den 

Arrangements des australischen Multi- 

Instrumentalisten geprägt. Gitarren spielen 

nur mehr eine untergeordnete, zumeist 

perkussive Rolle, im Vordergrund stehen 

Geige, Klavier, Fender Rhodes und natürlich 

Caves Stimme – alles schön gediegen 

und angenehm antiquiert. Caves schon 

immer gute Texte bekommen dadurch den 

angemessenen Raum, den sie seit THE 

BOATMAN’S Call von 1997 nicht mehr 

hatten. Zu hören ist das vor allem bei “We 

Know Who U R”, “Jubilee Stree” und 

“Higgs Boson Blues”. 

(Bad Seed Ltd/Rough Trade, 

2013, 9/42:40) an 

GREG LAKE 

SONGS OF A LIFETIME 

Zu einem akustischen Spaziergang durch 

seine eigene Vergangenheit lädt Greg 

Lake mit seiner neuen CD ein. Und diese 

Historie ist bewegt, schließlich mischte 

der singende Bassist/Gitarrist nicht nur 

bei Emerson, Lake & Palmer mit, sondern 

auch bei King Crimson (und diversen 

weiteren Acts). Deren größte Erfolge 

spielte Lake 2012 bei seiner „Songs Of 

A Lifetime”-Tour und erzählte launig 

die Geschichte hinter den Stücken. Dazu 

berichtet er über für ihn wichtige Begegnungen 

mit seinen Vorbildern Elvis Presley 

und den Beatles – er war mit Ringo 

Starr’s All Starrs unterwegs – und spielt 

ihre Songs (“Heartbreak Hotel”, “You’ve 

Got To Hide Your Love Away”, dazu Curtis 

Mayfields “People Get Ready”). Der 

Altmeister beschert vergnügliche wie 

lehrreiche Unterhaltung in intimer Atmosphäre 

– Chapeau, Herr Lake! 

(Esoteric/Rough Trade, 2013, 

20/74:44) pro 


LP 

REVIEWS 

OTIS RUSH 

RIGHT PLACE, WRONG TIME 

Den Titel der LP 

nahmen 1971 nur die 

depperten Manager 

von Capitol ernst, 

denn sie ließen dieses 

Juwel fünf Jahre 

unveröffentlicht. 

Heute hört sich ih dieser bläserverstärkte, 

knackige Blues zeitlos gut an, sicher eines 

der Top-Alben des Genres. Otis Rush singt 

beseelt und spielt eine (be-)stechend klare 

Gitarre zu unverfälschten Zwölftaktern, 

mal langsam wiegend, mal rasant rollend. 

Und selbst wo er die reine Lehre wie im 

schönen Tony-Joe-White-Cover “Rainy 

Night In Georgia” variiert, bleibt er absolut 

authentisch. Kevin Gray remasterte die 

erstaunlich klaren und dynamischen Aufnahmen 

aus Wally Helder’s Studio in San 

Francisco mit einem guten Händchen für 

Transparenz ab, nur ab und an verzischeln 

die S-Laute etwas. Aber das ist angesichts 

der Klassequalität der Scheibe völlig belanglos. 

(Pure Pleasure/Speakers Corner, 

1971, 10 Tracks) lbr 

GENE CLARK 

NO OTHER 

Kaum einer zweifelt 

noch an der herausragenden 

Rolle, die 

Gründungsmitglied 

Gene Clark bei den 

Byrds spielte. Bis zu 

seinem Ausstieg 1966 

prägte ät der Sänger, Gitarrist und Songschreiber 

maßgeblich die Band. Nach verschiedenen 

Projekten (Dillard And Clark), Solo- 

Alben und dem kurzfristigen Wiedereinstieg 

bei den Byrds 1973 veröffentlichte er 1974 

sein definitives Meisterwerk. NO OTHER 

mag von diversen illegalen Substanzen unterwandert 

sein, doch der faszinierende Mix 

aus Country, Rock, Westcoast, Folk und 

Psychedelic funkelt noch heute wie ein perfekt 

geschliffenes Juwel. Produzent Thomas 

Jefferson Kaye stellte dem tragischen Genie 

und späteren Drogentoten (1944 –1991) eine 

formidab le Band zur Seite (unter anderem 

Gitarrist Danny Kortchmar und Drummer 

Russ Kunkel), von der leider nirgends bei 

diesem Reissue zu lesen ist. Bis auf den zeittypisch 

leicht abgesofteten Drumsound tönt 

das 180-Gramm-Vinyl zeitlos gut, verzichtet 

aber auf die sieben Bonus-Tracks der 2003er 

CD-Ausgabe. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1974, 8 Tracks) lbr 

CHI COLTRANE 

CHI COLTRANE 

Chi Coltrane (nicht 

verwandt mit John 

Coltrane) 

zählte 

zu den großen 

Hoffungen der aufstrebenden 

Singer/ 

Songwriter-Gilde im 

Rockkontext, t denn sie konnte nicht nur 

hervorragend singen, sondern auch Klavier 

spielen und arrangieren – und klasse 

Stücke schreiben. Hier zu Lande begeisterte 

sie durch ihren Auftritt im „Musikladen”, 

bei dem sie das Rock-orientierte “I 

Will Not Dance” aufführte (auch auf dem 

Album) und mit ihrer voluminösen Stimme 

glänzte. Neben den eher offensiven 

Songs wie dem Riesenhit “Thunder And 

Lightning” drückt sie sich auch durch beschauliche 

Stimmungen aus, wie bei der 

Ballade “You Were My Friend” und dem 

introspektiven “Turn Me Around”, einer 

Nummer, bei der sie sich gesanglich deutlich 

introspektiver gibt. Eine lohnenswerte 

Entdeckung. 

(Speakers Corner/Lotus Records, 1972, 

11 Tracks) at 

SADE 

DIAMOND LIFE 

Okay, das Cover 

glänzt etwas mehr 

als das des Originals. 

Doch sonst ist 

bei diesem Reissue 

von Music On Vinyl 

leider ein wenig 

der Lack ab. Der raffiniert gepflegte Mix 

aus Soft-Jazz, Latenight-Pop und Soul, 

mit dem die damals wohl schönste Sängerin 

des Universums die Welt verzauberte, 

war seinerzeit auch klangtechnisch eine 

Sensation. Die auch enger als die Epic- 

Scheibe gepresste Wiederveröffentlichung 

schlägt sich auf die Schattenseite des Remasterings: 

eingeebnete Dynamik und 

gezähmter Höhenkick, der beispielsweise 

den fast scharfen Orgeleinwürfen bei dem 

grandiosen Cover “Why Can’t We Live 

Together” merklich die Spitze nimmt. Erstaunlicherweise 

tönt auch die Version von 

Audio Fidelity ähnlich abgesoftet, so dass 

man in diesem Fall besser beim originalen 

Vinyl bleibt. Merke: Analog rund heißt 

nicht immer schlapp. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1984, 

9 Tracks) lbr 

EMERSON, LAKE & 

PALMER 

TARKUS 

Den Backkatalog von 

ELP hat MOV bereits 

recycelt – jetzt 

nochmals das zweite 

Opus? Ja – und mit 

einem 

prächtigen 

Goodie: „The Alternate 

Tarkus”, also der 2012er (Re-)Mix von 

Steven Wilson. Der leitet nicht nur die Prog- 

Rocker Porcupine Tree, sondern hat mit Remixen 

und Remastern von King Crimson 

oder Jethro Tull schon viel Lorbeer auch 

unter Alt-Art-Rockern gesammelt. Denn er 

vermag, ohne den Ursprungscharakter zu 

verhunzen, einfach mehr Klarheit und Offenheit 

in den bombastischen Sound der Altvorderen 

zu mischen. Als weitere Dreingabe 

gibt es hier noch einen einen alternativen 

Take von “Mass” aus der siebenteiligen, die 

Seite 1 komplett füllenden Suite “Tarkus”. 

Den erhabensten Sound des „Originals” 

transportiert noch immer die 200-Gramm- 

Pressung von MFSL, doch auch die 180er 

MOV mit ihren differenzierten Höhen hat 

ihre Meriten. Die Musik definierte damals 

neu, was im Rock alles möglich war: komplexe 

Rhythmen und Takte, auch ungerade 

und mehrfach wechselnd innerhalb 

eines Stücks, fauchendes Georgel auf der 

Hammond-B3, viele Synthesizerspuren 

zu gewaltigen Soundungeheuern getürmt, 

aber auch purer Rock’n’Roll und magische 

Hymnen. Toll war’s – und ist’s noch immer. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1971 /2012, 

2 LPs, 7/ 8 Tracks) lbr 

EARTH AND FIRE 

EARTH AND FIRE 

Noch so eine wunderschöne 

Wiederveröffentlichung 

aus 

der Serie „Dutch Vinyl 

Masters”, zumal 

das Polydor-Original 

und erst recht die 

UK-Ausgabe (mit Roger-Dean-Cover) 

kaum mehr zu greifen sind. Music On Vinyl 

entschied sich für die kontinentale Version 

mit dem wundervollen Klappcover im 

Streichholzheftchen-Design, so dass man 

dankbar die bei MOV übliche Zellofan- 

Schutzhülle nach dem Hören wieder überstreift. 

Wobei das rote Vinyl sicher öfter 

rotiert bei proggig angehauchten Rockfans 

mit einem Faible für starke Frauenstimmen. 

Sängern Jerney Kaagman prägte mit ihrer 

zwischen Grace Slick und Sonya Kristina 

liegenden Powerstimme dieses Debüt, das 

noch meilenweit vom späteren Seicht-Pop 

der Holländer entfernt war. In dem kompakten 

Rock des Albums sorgen Flötentöne 

und Avantgarde-Anklänge (“What’s Your 

Name”) für Abwechslung. 


IRON BUTTERFLY 

HEAVY 

Schon früh gab es 

das Debüt der „Eisernen 

Schmetterlinge”, 

aufgenommen 

Ende 1967 und 

Anfang 1968 veröffentlicht, 

als Billigpressung. 

Im Schatten des überlangen 

Megahits “In-A-Gadda-Da-Vida” hatte es 

HEAVY schwer, obgleich die Kalifornier, 

wenn auch nur unter ferner (Höchstplatzierung 

78), damit immerhin fast ein Jahr 

in den US-Charts, liefen. Die wuchtige Orgel 

sowie der nölend-beseelte Gesang von 

Doug Ingle oder die Fuzz-Gitarrentöne gab 

es schließlich schon hier zu hören. Zeitgemäß 

machten sich auch psychedelische 

Sounds und ab und an sogar Klavierklänge 

breit – doch ein Hammer wie der Song vom 

Lebensgarten hing hier nirgends. MOV 

hat die Stereoversion der einzigen Scheibe 

mit der Urbesetzung wie gewohnt ordentlich 

auf 180 Gramm Vinyl gepresst – von 

Ramsch keine Spur. 


10 Tracks) lbr 

CUBY (AND THE) + 

BLIZZARDS 

LIVE 

Live-Alben 

waren 

im 

Rockbusiness 

anno 1968 weit weniger 

üblich und 

gut als dann in den 

seligen 70ern. In 

deutlich mehr als 

weniger guter Stereo-Bootlegqualität ließ 

die holländische Elektro-Bluestruppe von 

Sänger Harry „Cuby” Muskee die Scheibe 

„recorded in Concert at the Rheinhalle 

Vinyl 

Dusseldorf” veröffentlichen. Die Jungs mit 

dem sehr guten Gitarristen Eelco Gelling 

und dem erstaunlich präsenten Pianisten 

Herman Brood (später ein Drogenwrack 

mit Wild Romance) rissen vier Standards 

und zwei eigene Nummern runter: rau, 

ungehobelt, spontan. Nicht schlecht, aber 

bestimmt nicht besser als die vielen Bluesbands 

aus dem UK, denen Liner-Notes- 

Autor Alexis Korner gleichfalls Beistand 

leistete. Dennoch ein schönes Reissue aus 

der verdienten Reihe „Dutch Vinyl Masters”, 

die gute 180-Gramm-Pressung auf 

rotem Vinyl verpackt im originalgetreuen 

Klappcover. 


IT’S A BEAUTIFUL DAY 

IT’S A BEAUTIFUL DAY 

Gibt es eine Platte, 

die den „Summer Of 

Love” so ausstrahlt 

wie das Debüt von 

It’s A Beautiful 

Day aus San Francisco? 

Na ja, man 

könnte noch IN SEARCH OF THE LOST 

CHORD von den Moody Blues nennen, 

aber für die amerikanischen Hippies stand 

dieses Album an erster Stelle! Besonders 

die kreative Spannung von Linda La- 

Flamme und David LaFlamme, der mit 

seiner Violine die Zuhörer verzauberte, 

trug maßgeblich zum Gelingen bei, da 

die beiden sich im Stil der Jefferson Airplane 

gesanglich auch noch ergänzten. 

Das wunderschön melancholische “White 

Bird”, ein atmosphärisches “A Hot Summer 

Day” und das orientalisch anmutende 

“Bombay Calling” (das sicherlich Deep 

Purples “Child In Time” inspirierte) vermitteln 

Sanftheit und das Gefühl unendlicher 

Möglichkeiten. Wenn man sich in 

diesem Monat nur ein Album leisten kann, 

dann muss es dieses sein! 

(Speakers Corner/Lotus Records, 1968, 

7 Tracks) at 

NINA HAGEN BAND 

UNBEHAGEN 

Natürlich hätte der 

Sammler gerne das 

„Rothaar”-Cover statt 

des 

langweiligeren 

„typo”-Covers gesehen, 

doch sonst gibt 

es an diesem Reissue 

auf – immerhin – rotem Vinyl nichts auszusetzen. 

Schon heillos zerstritten spielten Nina 

und die späteren Spliff-Mucker ihre Parts für 

das zweite und letzte gemeinsame Album getrennt 

ein. Entgegen Frau Hagens depperten 

Beschuldigungen, die Band „hätte sie in den 

Hintergrund gemischt”, klingt das trotzdem 

wie aus einem Guss. Und Nina dreht mächtig 

auf. Sie trällert, gurrt, krächzt, zerrt, jodelt, 

rrrollt, bellt und knurrt, dass der überdrehte 

Vokalstil heute sogar leichtes UNBEHAGEN 

verursachen kann. Damals Ende der 70er 

freilich eine Sensation, genau wie die unverblümten 

Texte, die Lyrics gibt’s zum Nachlesen 

auf einem Beiblatt. Musikalisch passiert 

in dem coolen Mix aus Reggae, New Wave 

und Klabauterschlager (tolle Liveversion von 

“Wenn ich ein Junge wär”) so einiges, auf 

Seite 2 geht mächtig der Punk ab. 



LP 

REVIEWS 

GILLAN 

GLORY ROAD 

Manchmal trügt die 

Erinnerung: Wesentlich 

dumpfer, doofer 

und dürftiger hatte der 

Rezensent das 1980er 

Opus des stilprägenden 

Deep-Purple- 

Sängers in Erinnerung. Beim Wiederhören 

der Scheibe (ohne die seinerzeitige Zugabe 

“For Gillan Fans Only”) fallen die knackig 

abgehenden Eröffnungsstücke jeder Seite so 

positiv auf wie der abwechslungsreiche Hard 

Rock mit Blueseinlagen. Gitarrist Bernie 

Tormé fehlt zwar die melodische Raffinesse 

eines Ritchie Blackmore, aber das Manko 

teilt er mit den meisten Hard-Rock-Gitarristen. 

Produzent John McCoy griff in die damals 

übliche Sound-Trickkiste und nahm so 

Gillans Organ ein wenig ihres einzigartigen 

Charakters. Das vom 2007er CD-Reissue 

stammende Remaster mit seiner leicht übertriebenen 

Zweikilohertz-Betonung trägt das 

Ihre zum etwas aggressiven Klang bei. 


MISSUS BEASTLY 

SWF-SESSION 1974 

Missus Beastly aus 

Herford bei Bielefeld 

verschlissen 

Musiker für viele 

schöne 

Tabellen: 

Bei dieser Ausgabe 

war nur noch Originaldrummer 

Lutz Oldemeier von der 

1968er Urbesetzung dabei: Paul Vincent 

spielte bereits bei Hallelujah Babe, danach 

bei Lindenberg. Im Fahrwasser von 

Jazz-Rockgrößen wie If oder Soft Machine 

prägen vor allem die beiden Bläser 

die ausgefeilten Stücke und das Soundbild: 

Friedemann Josch (Ex-Unterrock) 

an der Querflöte und dem Sopransaxofon 

sowie Jürgen Benz am Alt-Sax, der ebenfalls 

Flöte spielt. Sie werden aber immer 

wieder – Beispiel “Talle” – von Embryo- 

Pianist Dieter Miekautsch abgelöst, welcher 

die meisten der durchweg instrumentalen 

Kompositionen zur Radiosession 

beiträgt. Oldemeier beweist mit Norbert 

Dömling am Bass (der hin und wieder zur 

Gitarre wechselt), wie entscheidend und 

spannend es für den Zuhörer sein kann, 

wenn die Rhythmusleute wirklich konzentriert 

aufeinander hören. Auch als CD 

erhältlich. 

(Malesch Records/Long Hair Music, 

1974/2012, 11 Tracks) utw 

MOUNTAIN 

NANTUCKET SLEIGHRIDE 

Unter den zahllosen 

Blues/Hard-Rockbands 

der späten 

60er/frühen 

70er 

ragen Mountain nur 

bedingt heraus. Zwar 

hatte das Quartett 

mit Gitarrist i t und Shouter Leslie West einen 

gewichtigen Frontmann, doch die zeitresistenten 

Übersongs, die Kompositionen 

für die Ewigkeit, fehlten den Jungs. Auch 

ihr zweiter, von der Waljagd inspirierter 

Longplayer, hat einige Längen. Trotzdem 

heißt man dieses Reissue herzlichst will- 

kommen, denn Music On Vinyl stattete 

es mit dem originalen Klappcover, mit 

einem 16-seitigen Beiheft und zwei zeitgenössischen 

(und etwas unscharf reproduzierten) 

Schwarzweiß-Bandfotos aus. 

Die Produktion von Band-Bassist Felix 

Pappalardi und Bud Prager kommt recht 

druckvoll aus der neuen Rille. 


9 Tracks) lbr 

SETH LAKEMAN 

TALES FROM THE BARREL 

HOUSE + LIVE WITH THE BBC 

CONCERT ORCHESTRA 

Seth Sth Lakeman Lk gehört ebenso wie Kate 

Rusby, Kris Drever oder Karine Polwart 

zu jener jungen Garde britischer Folkmusiker, 

die in den letzten paar Jahren mit 

neuen, selbst verfassten Liedern und einer 

erfrischenden Herangehensweise alte Traditionen 

zu neuen Höhenflügen führten. 

Bestes Beispiel hierfür ist das im Frühjahr 

2012 veröffentlichte TALES FROM 

THE BARREL HOUSE, das seine Klasse 

als hochwertige 180g-Vinyl Version auch 

klanglich ausspielen kann. Parallel dazu 

gibt es eine auf 500 Exemplare limitierte 

10”-LP mit dem Titel LIVE WITH THE 

BBC CONCERT ORCHESTRA. Darauf 

sind fünf Lakeman-Songs zu hören, wie 

er sie im März letzten Jahres zusammen 

mit dem BBC Concert Orchestra live in 

Plymouth aufgeführt hat. Dieser klassische 

Background verleiht den Stücken 

noch einen Tick mehr Feierlichkeit, zeigt 

eindrucksvoll, dass diese Musik nicht nur 

mit Gitarre, Fiddle und Banjo funktioniert, 

sondern ihre Reize auch mit einem kompletten 

Orchester im Rücken ausspielen 

kann. 

(Honour Oak Records/Rough Trade, 

2012 + 2013, 10 Tracks + 5 Tracks) us 

GEORGE BENSON 

BEYOND THE BLUE HORIZON 

George 

Benson, 

der, wie auch viele 

andere, sein Oktav- 

Gitarrenspiel 

der 

Inspiration 

durch 

Wes Montgomery zu 

verdanken hat, hatte 

Ende der Sechziger/Anfang hi der Siebziger 

seine kreativste Phase, was nicht zuletzt 

dem Produzenten Creed Taylor geschuldet 

ist. Alben wie SHAPE OF THINGS 

TO COME, WHITE RABBIT und dieser 

Longplayer manifestierten seinen Ruf lange 

vor dem kommerziellen Durchbruch. 

Rasanter Jazz-Rock, bei dem sich Benson 

einen Wettstreit mit dem Hammond- 

Organisten liefert (“So What”), lyrischer 

Jazz mit hauchzarten Gitarrenlinien (“The 

Gentle Rain”) oder “Somewhere In The 

East”, ein experimenteller Song mit einem 

leichten Ethno-Touch, stehen für einen 

Musiker, der mit ganzem Herzen spielt 

und sich noch nicht den Marktgesetzen 

unterworfen hat. Das Album erscheint 

in einem Klappcover und – wie bei allen 

Platten von Speakers Corner üblich – als 

180g-Pressung. 

(Speakers Corner//Lotus Records, 

1971, 5 Tracks) at 

THE LOVIN’ SPOONFUL 

THE BEST OF 

Unter gefühlt Hunderten 

von Samplern 

und Compilations 

der New 

Yorker 

Sixties- 

Helden ist dies der 

schönste und beste. 

So kurz, so gut. Es ist Music On Vinyl 

hoch anzurechnen, dass sie das originale 

Klappcover und vor allem die beigelegten 

vier schönen Farbfotos der Bandmitglieder 

(The Beatles grüßen vom WHITE 

ALBUM) so gut es ging reproduziert haben. 

Die Lovin’ Spoonful waren definitiv 

eine Single-Band, deren “Summer In The 

City” noch immer zum Soundtrack jeder 

heißen Jahreszeit zählt. Zwischen Jug, 

Country, Blues und Rock’n’Roll ließen 

die Jungs um John Benson Sebastian ihren 

Pop während der wenigen Erfolgsjahre 

1965–1968 leuchten. Nach dem Ausstieg 

von Sebastian kam nix Großes mehr. 

Was bleibt, sind coole Songs – und dieser 

starke Sampler. 



DEAN ALLEN FOYD 

ROAD TO ATLAS 

Das ist schon sehr 

retro! Nicht nur dass 

das junge schwedische 

Quartett 

Dean Allen Foyd 

schwer nach Sixties 

klingt, es veröffentlicht 

sein neues (Mini-)Album ROAD 

TO ATLAS auch ausschließlich auf Vinyl. 

Das sollte Fans von Psychedelia, 

Westcoast- und Blues-Rock jedoch nicht 

weiter stören. Da hört man die Hammond 

orgeln, Gitarren durch Fuzz- und 

Wah-Wah-Geräte gejagt und Ping-Pong- 

Stereo-Effekte von links nach rechts bzw. 

rechts nach links wandern, dass es eine 

wahre Freude ist. Mit ihren Soundanklängen 

an Pink Floyd, Jimi Hendrix und Jefferson 

Airplane wirken Dean Allen Foyd 

wie aus der Zeit gefallen. Und gerade das 

macht sie, Retromania hin oder her, in 

diesem Fall so sympathisch. 

(Crusher/Soulfood, 2013, 5/22:40) frs 

Vinyl 

SANTANA 

ABRAXAS 

Von Santanas zweitem 

und wohl auf 

ewig bestem Album 

gibt es so viele Ausgaben 

auf Vinyl und 

CD wie Sand an 

den 

kalifornischen 

Pazifikstränden. Über den fantastischen 

Musikmix von Salsa, Rock, Pop, Jazz 

und Blues muss man keine Worte mehr 

verlieren – die Scheibe mit dem wunderschönen 

Klarwein-Gemälde auf dem 

Cover gehört zum Weltkulturerbe. Die 

Messlatten bezüglich Sound legten bislang 

die teure MFSL-Verison sowie das 

1998er Remaster von Vic Anesini. Dieses 

sehr schön ausgestattene Reissue – 

Hochglanz-Klappcover, mit dem schönen 

großen (etwas griseligen) Bandfoto als 

Poster – lässt zwar viele Nachpressungen 

hinter sich, wirkt aber mit angeschärften 

S-Lauten oder zischeligeren Becken etwas 

aggressiver als die MFSL-Fassung. Die 

Remaster-CD liegt gleichauf, verliert in 

optischer Hinsicht aber natürlich klar. 


THE WHO 

WHO’S NEXT 

Nicht schlecht für 

eine Abraumhalde: 

Aus den Resten 

des gescheiterten 

„Lifehouse”-Projekt 

hauten Pete Townshend 

und seine Who 

mal so eben eines der besten Alben einer 

der besten Bands aller Zeiten raus. Gerade 

ließ Universal die Vinylbox mit allen 

Who-Studio-Alben auf Basis der Jon- 

Astley-Remaster raus – und auch sonst 

herrscht an schwarzen und silbernen Versionen 

des fünften Who-Werks kein Mangel. 

MOV stickert zwar mit „exclusively 

remastered 180 gram audiophile vinyl 

pressing”, doch über den Remaster-Mind 

schweigen sich die Reissue-Spezialisten 

aus. Obwohl es aufgeräumter und auch 

definierter als auf deutschen 70er-Jahre- 

Pressungen tönt. Was soll’s. Spätestens 

wenn Sänger Roger Daltrey seinen legendären 

Urschrei nach dem Synthie- 

Mittelteil von „Won’t Get Fooled Again” 

rauslässt, ist alles egal. Hier hängt der 

Hammer. 

(Music On Vinyl/Cargo; 1971, 

9 Tracks) lbr 

GEMMA RAY 

DOWN BABY DOWN 

Gemma Rays Vorliebe 

für Soundtracks 

ist ihrer bisherigen 

Arbeit deutlich anzuhören. 

Aus den 

Songs der vorangegangen 

vier Alben 

klingen mal düstere Spaghetti-Western- 

Töne à la Ennio Morricone, mal zittrige 

„Pulp Fiction”-Surfgitarren. Auf ihrem 

Album IT’S A SHAME ABOUT GEMMA 

RAY coverte sie die von Krzysztof Komeda 

komponierte Titelmelodie des Polanski- 

Thrillers „Rosemary’s Baby”. Auf ihrem 

neuen, fünften Album lebt die gebürtige 

Britin mit Wahlheimat Berlin nun ihre 

Vorliebe für Film-Scores vollends aus. 

DOWN BABY DOWN, das nur als Vinyl 

(mit beiliegender CD) erscheint, klingt wie 

die Tonspur zu einem noch nicht gedrehten 

Film. Die zehn kurzen Instrumental-Nummern 

– Ray spielt hauptsächlich Gitarre, 

ihre Stimme setzt sie nur spärlich ein – 

sind atmosphärisch dichte, zwischen Kammer-Jazz 

und Gothic-Folk changierende, 

suggestive Tongemälde, angereichert mit 

vielerlei Klangfarben (Glockenspiel, Melodica, 

Dulcimer, Theremin etc.), die beim 

Hören innere Bilder geradezu heraufbeschwören. 

Film ab! 

(Bronze Rat/Soulfood, 2013, 10/27:27) frs 


LP 

REVIEWS 

NECRONOMICON 

HAIFISCHE 

Nicht zu verwechseln 

mit der (später entstandenen) 

Metal-Thrash- 

Formation gleichen 

Namens ist diese deutsche 

Krautrockband. 

1972 veröffentlichten 

Necronomicon (der ungewöhnliche Name 

ist dem Titel eines fiktiven Buches mit Horror- 

und Science-Fiction-Geschichten von 

H.P. Lovecraft entliehen) ihre erste LP mit 

dem Titel TIPS ZUM SELBSTMORD, heute 

ebenso wie die 1990er 4-fach-LP VIER KA- 

PITEL gesuchtes Sammlerstück. 2010 fand 

die Band sich wieder zusammen, beschloss 

einige Songs, die sie bereits 1974 komponiert 

hatten, aufzuarbeiten und in einem 

professionellen Studio aufzunehmen. Das 

Ergebnis heißt HAIFISCHE und liegt jetzt 

als wunderschön gestaltete, aufklappbare LP 

vor, die CD gibt’s gratis dazu. Dabei punktet 

diese Veröffentlichung aber nicht nur mit 

toller Optik und fettem Klang, sondern auch 

mit klasse Prog-Rock mit deutschen Texten – 

wer zu Krautrock-Hochzeiten auf Bands wie 

Anyone’s Daughter, Novalis oder Hoelderlin 

stand, wird hier bestens bedient. 

(www.necronomicon-1972.de, 2012, 

4 Tracks) us 

SILBERBART 

4 TIMES SOUND RAZING 

Hajo Teschner, heute 

67, Herausgeber der 

Gitarrenschule Fridolin 

und Ex-Gitarrist 

der Hamburger Beatband 

The Tonics, sah 

seine Mitstreiter zu 

James Last und Lucifer’s Friend wechseln. 

Lieber leitete er 1969–1971 dieses 

progressive Powertrio, das ein Phonogram- 

Waschzettel passend beschreibt: „7/8 und 

9/8 Takte sind bei uns nichts Ungewöhnliches. 

Allerdings müssen wir manchmal 

zählen wie die Teufel.” Dazu, so Teschner 

heute, „... ich an der Gitarre und mit 

ziemlich grausligem Gesang gesegnet”. 

Eine ehrliche Skizzierung, welche diese 

einzige LP aber nicht weniger spannend 

macht. Statt weiterhin Zeppelin und Grand 

Funk zu covern, bastelte die Band in ihrer 

Kneipe in Dangast am Jadebusen lieber an 

recht vertrackten Zappa-esken Langwerken 

– holte alles heraus, was Gitarre, Bass und 

Schlagzeug an harmonischen sowie dissonanten 

Variationsmöglichkeiten zu bieten 

haben: Versierter Trommler war der spätere 

Trio-Takthalter Peter Behrens. Erscheint 

auch als CD. 


1971/2012, 4 Tracks) utw 

BILLY JOEL 

STREETLIFE SERENADE 

Lange wurde das 

dritte Studio-Album 

von Billy Joel 

schwächer bewertet 

und verkauft als der 

Vorgänger PIANO 

MAN. Doch im 

Nachhinein ist auch STREETLIFE SERE- 

NADE eine grandiose Schöpfung. Mit dem 

dynamischen Titelsong, dem bärenstarken 

Vinyl 

Insturmental “Root Beer Rag” oder dem 

rasant-resignierenden “The Entertainer” 

sorgte der klavierspielende Singer/Songwriter 

für Klasse-Material, und auch der 

Rest ist kein Füller, sondern birgt manche 

unbekannte Perle wie die Ballade “The 

Great Suburbian Showdown”. Das MOV- 

Reissue (leider ohne Textblatt) geht klanglich 

wohl auf das exzellente Hochbit-Remaster 

von Ted Jensen anno 1999 zurück, 

dank kurzer Spielzeit (knapp 38 Minuten) 

und Verlagerung in die Außenrillen kommt 

reichlich Dynamik ohne jede Schärfe rüber. 



DULL KNIFE 

ELECTRIC INDIAN 

Das Philips-Label hatte 

etwa durch die Klassik- 

Jazz-Rocker Ekseption 

satte Verkäufe: Da 

konnte man sich experimentellere, 

vertracktere 

Rockmusik wie die von 

Dull Knife mal leisten. Benannt nach dem 

Häuptling der nördlichen Cheyenne und mit 

brutalem Stumpfmesser-Einstich-Cover verziert, 

treiben Komponist/Keyboarder/Sänger 

Gottfried Janko und Bassist Martin Hesse 

– beide später zu Jane wechselnd – ihre 

Mitstreiter durch präzise durcharrangierte 

Midtempo-Stücke, bei denen nur Jankos 

öfter verzerrter Gesang stört. Allerdings 

versöhnt seine stets angenehme Hammondund 

Piano-Arbeit. Unterstützt werden Janko 

und Hesse durch Gitarrist Christian Holik 

und Schlagzeuger Klaus Zaake. Bei dieser 

Instrumentierung blieben Anklänge an Deep 

Purple und Cactus natürlich nicht aus, die 

Band Jane wiederum hat sich an Versatzstücken 

von Dull Knife gerne bedient. Ein 

reizvolles Mosaikstück des frühen deutschen 

Hard Rock. 


1971/2013, 8 Tracks.) utw 

RONETTES 

PRESENTING THE FABULOUS 

RONETTES FEATURING 

VERONICA 

Es gibt nur wenige 

Bands, die mit nur 

einer einzigen je 

veröffentlichten LP 

so bekannt wurden 

wie die Ronettes 

– umso wichtiger, 

diese schwarze Scheibe im heimischen 

Plattenschrank zu haben! Die ideale Möglichkeit 

hierzu bietet die jetzt erschienene 

Wiederveröffentlichung dieses Albums, im 

wunderschönen Original-Artwork und in bestechendem 

180g-Vinylklang. Neben Arrangeur 

Jack Nitzsche war Phil Spector hier die 

Hauptfigur, bewies seine genialen Fähigkeiten 

nicht nur als Produzent, sondern auch als 

Songautor. Zusammen mit Barry Man, Cynthia 

Weil, Vini Poncia oder Ellie Greenwich 

schrieb er Veronica (aka Ronnie Bennett), 

Estelle Bennett und Nedra Talley soulige 

Popnummern wie “Be My Baby”, “Chapel 

Of Love”, “Walking In The Rain”, “Baby I 

Love You” und “(The Best Part Of) Breakin’ 

Up” auf den Leib. Himmlisch! 


12 Tracks) us 

CD 

REVIEWS 


STUDIO ONE IRONSIDES 

In den 60er und 70er Jahren beherrschte die 

Plattenfirma Studio One dermaßen den jamaikanischen 

Markt, dass sich Labelchef 

Coxsone Dodd, um die Radio- und Club-DJs 

nicht zu langweilen, neue Markennamen 

einfallen ließ. In die Mitte der Scheiben ließ 

er fortan Labels mit fantasievollen Bezeichnungen 

wie Bongo Man oder Ironside pappen. 

Ob für Letztere die gleichnamige US- 

TV-Serie (dt.: „Der Chef”) Pate stand oder 

irgendein Wortspiel, ist heute nicht mehr 

ganz klar. Klar ist jedoch, dass der Katalog 

der in Kingstons Studio Nummer eins produzierten 

Reggae-, Ska- und Rocksteady- 

Aufnahmen schier unerschöpflich ist. Das 

Londoner Label Soul Jazz Records bringt 

mit STUDIO ONE IRONSIDES die gefühlte 

20. Anthologie heraus. Darauf sind bekanntere 

Reggae-Künstler wie Freddie McGregor 

(“Come Now Sister”) oder Marcia Griffiths 

(“Mark My Word”) zu hören, aber auch erneut 

viele Entdeckungen zu machen: Ob die 

Skatalites-Nachfolgeband The Soul Brothers 

mit “Soho” eine treibende Instrumental- 

Hommage an den Londoner Stadtteil hinlegt 

oder die obskure Vokalgruppe The Stingers 

mit “Rasta Don’t Stop No One” ein entspanntes 

Stück Love, Peace & Unity predigt. 

(Soul Jazz/Indigo, 2013,18/58:48) frs 

BOZ SCAGGS 

MEMPHIS 

Ende der 60er war 

Boz Scaggs Gitarrist 

der Steve Miller 

Band, seit Anfang der 

70er konnte er zahlreiche 

Solo-Alben in 

den Charts platzieren, 

am erfolgreichsten fl iht immer noch das fünffach 

Platin-ausgezeichnete SILK DEGREES (US 

#2) aus dem Jahr 1976. Mit MEMPHIS veröffentlicht 

er nun das erste neue Material seit 

zehn Jahren. Eingerahmt von zwei selbst verfassten 

Liedern hat er sich starke Songs anderer 

für seine relaxten Interpretationen ausgesucht, 

beginnend mit Al Greens “So Good 

To Be Here” über “Mixed Up, Shook Up 

Girl” von Willy DeVille und “Rainy Night In 

Georgia” von Tony Joe White geht es bis zu 

Jimmy Reeds “You Got Me Cryin’”. Klasse 

auch das Traditional “Corinna, Corinna”, und 

mit “Cadillac Walk” erweist er dem ewig unterbewerteten 

Moon Martin die Ehre. Klasse 

Qualitätsware eines Mannes, der schon so 

lange im Geschäft ist, dass er genau weiß, 

wie man solch hochwertige Vorlagen präsentieren 

muss. 

(Membran/Sony Music, 2013, 12/47:59) us 

OTIS TAYLOR 

MY WORLD IS GONE 

Wie gewohnt zeigt sich Otis Taylors „Trance-Blues” 

auch auf seinem neuen Album 

äußerst vielschichtig. Neben Jazz, Soul 

und Americana geht es auf MY WORLD 

IS GONE oft in Richtung Folk, reichen für 

viele der Songs sparsame Arrangements 

aus Gitarre, Banjo, Fiddle und Drums aus. 

Grund hierfür dürfte die Mitwirkung von 

Mato Nanji (Indigenous) sein, dessen indianische 

Abstammung die gesamte Richtung 

des Albums inspiriert und der mit Gesang, 

elektrischer und akustischer Gitarre 

auch musikalisch Einfluss nimmt. Neben 

diesen Ausflügen in die Geschichte Amerikas 

singt Taylor aber auch über seine 

gewohnten Themen, “Huckleberry Blues” 

handelt von einer Stalkerin in der Nachbarschaft, 

auf was man bereit ist zu verzichten, 

wenn man liebt, wird in “The Wind 

Comes In” erzählt. Höchst interessant auch 

das Thema von “Girl Friend’s House”, bei 

dem hier nicht verraten wird, wie es weitergeht, 

als ein Mann seine Frau mit ihrer 

Freundin im Ehebett überrascht ... 

(Telarc/inakustik, 2013, 13/60:44) tk 

JAMES HUNTER SIX 

MINUTE BY MINUTE 

Bestens 

vorbereitet 

ist dieses Album, 

mit dem James Hunter 

nach fünf Jahren 

Pause wieder im 

Rampenlicht 

auftaucht. 

Klasse Songs 

hat die britische Soul-Bluesröhre – dessen 

Stimme immer noch wie ein Mittelding aus 

Jackie Wilson und Sam Cooke klingt – für 

MINUTE BY MINUTE geschrieben, und 

für die Aufnahmen zeigte sich mit Gabriel 

Roth ein Produzent verantwortlich, der 

nicht nur Gründer des Daptone Labels ist, 

sondern auch für den herrlichen, Grammyausgezeichneten 

Vintage-Sound von Amy 

Winehouses BACK TO BLACK sorgte. 

Dabei glänzen die neuen Stücke auf ganz 

unterschiedliche Weise, mal geht es wie 

beim Opener “Chicken Switch” in Richtung 

Funk, mal lassen die James Hunter Six 

“One Way Love” wie einen alten Motown- 

Hit klingen, mal wird “The Gypsy” als 

shuffliger Blues angerichtet, nicht zu vergessen 

guter alter Soul wie das emotionale 

“Heartbreaks”. 

(Concord/Universal, 2013, 12/39:22) tk 

BART WALKER 

WAITING ON DAYLIGHT 

Zweites Album eines außergewöhnlich talentierten 

Blues-Rockers aus Nashville, der das 

kleine Kunststück fertigbringt, ziemlich exakt 

innerhalb eines Dreiecks zu spielen, das von 

ZZ Top, den Allman Brothers und Stevie Ray 

Vaughan begrenzt wird. Bart Walker hat (mit 

Hilfe einiger Co-Autoren) ein Bündel satt 

rockender Southern-Bluessongs komponiert, 

von denen “Black Clouds” mit seinem brummig 

wühlenden Bass, die Ballade “Walking 

On Daylight” und das enorm flüssig dahinperlende 

“Gotta Be You” die besten Tracks sind. 

Sehr geglückt, weil extraflott trabend, kommt 

auch J.B. Huttos “Hipshake It” daher, und 

eine feine Cover-Version des Allmans-Klassikers 

“Whippin’ Post” schließt das kurzweilige 

Album würdig ab. Eingespielt wurde es vom 

versierten Nashville-Rhythmusgespann Dave 

Smith (b) und Steve Potts (dr) sowie bei einigen 

Titeln Rick Steff (keys). Bart Walker 

hatte als souveräner Saitengreifer den idealen 

Rahmen für etliche Gitarrensoli gehobener 

Klasse und erweist sich zudem als weit mehr 

als nur solider Sänger. Hier reift im Eiltempo 

ein Könner heran, von dem noch viel zu hören 

sein wird! Walkers Blues muss offensichtlich 

auch den erfahrenen Produzenten Jim Gaines 

so stark beeindruckt haben, dass er jegliche 

Routine beiseite ließ und einen engagierten 

Job mit viel Gefühl für delikaten Klangfeinschliff 

verrichtete. 

(Ruf/inakustik, 2013, 11/47:24) hjg 


CD 

Blues – R&B – Soul – Funk – Reggae 

BEN SIDRAN 

DON’T CRY FOR NO 

HIPSTER 

Mehr als drei Jahre lang hat man nichts 

mehr von Ben Sidran gehört. Letztes 

Lebenszeichen war sein furioses Bob- 

Dylan-Cover-Album DYLAN DIFFE- 

RENT. Nun veröffentlicht das 69-jährige 

Multitalent (Sänger, Keyboarder, 

Buchautor u.a.), das der Anfangsformation 

der Steve Miller Band angehörte 

und stets gefragter Sessionmusiker war 

(Rolling Stones, Eric Clapton, Peter 

Frampton etc.), mit DON’T CRY FOR 

NO HIPSTER sein 37. Solo-Album. 

Und darauf lebt Sidran seine Liebe zur 

schwarzen Musik (Jazz, Soul, Funk) 

voll und ganz aus. Über coole Akkorde 

und groovige Rhythmen, begleitet von 

einer punktgenau spielenden Band, 

legt er seine smoothen Sprechgesänge. 

Man fühlt sich an die Soultalks eines 

André Williams, an den frühen Tom 

Waits oder auch an Jack Kerouacs Spoken-Word-Jazz-Performances 

erinnert. 

Cool, groovig, hip! 

(Bonsai/Harmonia Mundi, 2013, 

14/54:25) frs 

FABIAN ANDERHUB 

MAKE THE CHANGE 

Stetig 

bergauf 

ging es für diesen 

Schweizer 

Musiker 

im 

Laufe der letzten 

drei Jahre. 

Im 

Sommer 

gewann Fabian Fbi Anderhub Ad die Swiss 

Blues Challenge, was ihn jetzt dazu berechtigt, 

sein Heimatland sowohl bei der 

International als auch bei der European 

Blues Challenge zu vertreten, jetzt zeigt 

er seinen musikalischen Konkurrenten 

mit MAKE THE CHANGE schon mal, 

warum sie sich für beide Wettbewerbe 

warm anziehen sollten: Jung, frisch 

und unverbraucht rockt er los, hat den 

Blues- und Funkanteil signifikant nach 

unten gefahren. Dafür hat er Country 

(u.a. mit Banjo und Fiddle), eine Akustikballade 

sowie eine gehörige Portion 

Southern Rock mit im Gepäck. Ebenso 

abwechslungsreich agiert Anderhub 

bei der Song auswahl, neben eigenen 

Stücken hat er sich mit zwei Titeln bei 

den kanadischen Country-Rockern von 

Doc Walker bedient, macht aus Adam 

Gregorys Folk-Rocksong “Twister Girl” 

bluesigen Hard Rock, beendet das Album 

mit einer klasse Version von Freddie 

Kings Blues-Rockklassiker aus dem 

Jahr 1971, “Palace Of The King”. Stark! 

(Big Lake/Rough Trade, 2013, 

10/35:11) tk 

NINA SIMONE 

TO BE FREE: THE NINA 

SIMONE STORY 

2008 erschien diese Retrospektive 

schon einmal als Hochformat-Box, nun 

findet man die vier Silberscheiben (drei 

CDs, eine DVD) in einem mehrfach 

aufklappbaren Digipak. An der Einschätzung 

dieser Veröffentlichung hat 

sich seither nichts geändert, immer noch 

ist TO BE FREE: THE NINA SIMONE 

STORY einer der besten Rückblicke 

auf Nina Simones musikalisches Werk. 

Chronologisch geht es dabei durch die 

Jahre, beginnend mit “Mood Indigo” 

aus dem Jahr 1957 bis zu “A Single Woman”, 

1993 in Los Angeles aufgenommen. 

Neben den Studiotracks sind es 

immer wieder die Live-Aufnahmen, bei 

denen sie ihr unglaubliches Talent und 

ihre geniale Fähigkeit, sich Songs aus 

allen Bereichen zu eigen zu machen, beweisen 

konnte. Auch das Booklet wurde 

(bis auf das halb so große Format) ohne 

Änderungen aus der ursprünglichen 

Box übernommen, etwas kleiner erhält 

man nun ausführliche (englische) Infos 

zu jedem Song, herrliche Fotos und Produktionsangaben. 

(RCA/Sony Music, 2008, 20/77:54, 

17/79:02, 14/77:41, DVD 23 Min.) us 

ROBBEN FORD 

BRINGING IT BACK HOME 

Kaum 

einer 

der 

Großen 

der Jazz- und 

Bluesszene 

spielt seine Gitarre 

so virtuos 

und 

zugleich 

geschmackvoll wie Robben Ford. Mit 

BRINGING IT BACK HOME, seinem 

neunten Solowerk, wollte der 61-Jährige 

nach eigenem Bekunden seinen 

frühen Vorbildern Tribut zollen. Also 

hat er Songs aus den 60ern Jahren (Allen 

Toussaint, Charlie Patton, Big Joe Williams, 

Bob Dylan) neu interpretiert und

GoodTimes - Music from the 60s to the 80s Queen (Vorschau)

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